El grafitero que, a mediados de los noventa, firmó muchas paredes de Santander con el seudónimo Okuda, tiene una conexión, desde esta semana, que parecía improbable. Okuda tiene ahora un vínculo con Joaquín Cortiguera, un célebre ginecólogo que fue el artífice, en el siglo XIX, del único palacete de estilo 'neomudéjar' que hay en Santander: el palacio de Cortiguera.

La Cadena SER desveló la negociación que el hoy artista internacional de 'street art' Óscar 'Okuda' San Miguel (Santander, 1980) mantiene con el Ministerio del Interior para convertir en un centro de arte urbano el interior del edificio. Un inmueble de azulejo, ladrillo y arcos de herradura, que lleva 30 años entre la indolencia y el abandono institucional, en el centro de la capital cántabra.

El palacio está protegido dentro del Plan General de Ordenación Urbana (PGOU) de Santander, pero no forma parte de ningún inventario de patrimonio civil. Es hoy propiedad del Ministerio del Interior, pero hasta llegar a la negociación con el colorista Okuda ha experimentado muchas negociaciones infructuosas con el Ayuntamiento de Santander, un concurso de ideas para ser rehabilitado, y fallidos intentos de subasta pública.

En origen, el palacete fue un encargo del ginecólogo santanderino Joaquín Cortiguera y Fernández-Pelilla, casado con Magdalena Pujol Ruiz. El médico hizo un encargo singular en 1888: pidió al laureado arquitecto Atilano Rodríguez que construyese un palacio inspirado en la arquitectura de los mudéjares -musulmanes que vivieron entre los cristianos previo pago de tributo y dejaron un gran legado artístico-. Un año después, en 1889, Cortigera inauguró el palacete, que convirtió en su residencia y en clínica ginecológica, con una fachada repleta de elementos nada habituales en construcciones del norte de España.

Frente al estilo regionalista de otros palacetes en Santander, el llamado Palacio Cortiguera tenía un aspecto diferencial, aunque curiosamente la definición 'mudéjar' se asentó en el mismo siglo XIX. “Fue un capricho del propietario, eligió el estilo 'neoárabe' por gusto personal”, explica el experto en arquitectura Aurelio González de Riancho, miembro de Grupo Alceda, que trabaja en la protección del patrimonio cultural cántabro y que describe las particularidades del edificio a elDiario.es.

El estilo 'neomudéjar' solo tiene reflejo en Cantabria en el complejo residencial de Solvay, en Barreda, y en menor medida, en la plaza de toros de Santander, explica otra fuente experta en arte: “En el segundo tercio del siglo XIX y principios del XX, hay una atracción por estilos considerados exóticos” por parte de cierta alta burguesía que quiso dar una impronta mudéjar a la construcción civil.

Joaquín Cortiguera y Magdalena Pujol, propietarios del palacio, fallecieron sin descendencia. Después, el inmueble ubicado en una céntrica y frondosa finca en cuesta en la calle López-Dóriga, pasó a acoger la Cámara de Propiedad Urbana, hasta 1993. Desde entonces, el palacete Cortiguera entró en desuso y en lenta decadencia hasta hoy. Y es que si la negociación resulta fructífera, aunque no han trascendido más datos, podría generar un centro de arte urbano auspiciado por Okuda, un artista que empezó en el grafiti y cuya obra se encuentra en numerosas fachadas de edificios de Cantabria y del mundo.

El valor patrimonial del palacio reside fundamentalmente en su exterior, en sus ventanas y arcos. Por eso, los expertos consultados defienden la posibilidad de que Okuda pase a crear un centro de arte urbano dentro del palacete abandonado. “Me parece bien que Okuda adquiera el palacio para que sea rehabilitado, porque al no ser parte del inventario de patrimonio civil, la iniciativa privada permitiría protegerlo”, defiende González de Riancho.

El universo comercial de la marca Okuda

El centro de arte del Palacio Cortiguera estaría influido por el universo de Okuda, un artista cuyo estilo se fundamenta en el graffiti y el arte urbano, “pero está profundamente vinculado” al movimiento Low Brow, “un estilo de arte underground que surgió en California entre finales de los años 70 y los 80, vinculado al surf”. Así lo explica el artista y comisario de arte Jesús Álberto Pérez Castaños: “Esta corriente tiene una fuerte influencia de la estética del cómic, caracterizada por el uso de la línea clara, elementos que han marcado la trayectoria y la identidad visual de la obra de Okuda hasta la actualidad”, explica.

Pérez Castaños (Santander, 1950), más conocido como JAPC, ha hecho escuela en Cantabria con su impronta también colorista y conoce el trabajo de Okuda desde sus orígenes grafiteros. Recuerda bien cuando fue a conocer a un grafitero que pintaba “o escribía” a mediados de los noventa en Canfrisa, un viejo matadero hoy derribado, con sus amigos. En 2009, el comisario de arte organizó una exposición titulada 'Jóvenes cachorros' en una nave del Puerto de Santander, dedicada a pintores menores de 30 años: “Fue significativa porque representó la primera vez que expuso obra enmarcada”.

En el catálogo de aquella primera vez que Okuda expuso obra enmarcada, citó entre sus referentes a Banksy, dijo que lo más importante era tener estilo propio, y también dijo: “Por parte de las instituciones de mi ciudad, nunca he notado apoyo”.

Desde entonces, Okuda ha evolucionado hasta celebrar ahora 30 años en el mundo del arte y tener un gran espacio cultural en Madrid llamado Factory of Dreams y además pinta fachadas, palacios, iglesias, tazas, bolígrafos o coches, con un equipo de profesionales.

Tiene una colorista y reconocible marca cuya esencia está en el proyecto para el interior del Palacio Cortiguera, que muchos grafiteros puros y otros tantos expertos en arte contemporaneo rechazan y que JAPC defiende: “Okuda ha pasado a tener un modelo empresarial y comercial, pero sin perder el trato humano y la inocencia. Es un artista total con rentabilidad, pero no pinta por hacer negocio”.

Y JAPC advierte mirando muy atrás sobre el futurible arrendatario del palacio 'neomudéjar': “Okuda está en un entramado comercial que no es ajeno al pasado: Rembrandt y Rubens tenían estudio y vendían obra; hoy se propicia la comercialización del producto y él tiene una repercusión económica muy grande, pero detrás sigue existiendo ese niño que pintaba muy bien en la calle”.

Durante décadas, la identidad de Banksy ha sido uno de los mayores enigmas del arte global. Una investigación reciente de la agencia Reuters sostiene que el artista sería Robin Gunningham, un británico de Bristol. Conclusión a la que se ha llegado tras un año de análisis de documentos, testimonios y movimientos del artista.

Lejos de ser una simple revelación, el informe consolida una sospecha que llevaba años circulando en el mundo del arte. La investigación cruzó datos durante dos décadas, incluyendo un arresto en Nueva York en el año 2000 y vínculos con su entorno personal, concluyendo que la identificación es “más allá de toda duda razonable”.

El anonimato como parte de la obra

Pero el verdadero impacto de esta revelación va más allá del nombre. Durante años, el anonimato ha sido parte esencial del lenguaje artístico de Banksy. Tal y como recoge la propia investigación, ocultar su identidad no solo le permitió evitar problemas legales (el grafiti sigue siendo ilegal en muchos contextos), sino que se convirtió en un elemento central de su “marca” y su mensaje.

Este vínculo entre anonimato y creación ha sido incluso objeto de estudio científico. En 2016, investigadores de la Queen Mary University of London aplicaron técnicas de perfilado geográfico (usadas en criminología) para analizar la localización de sus obras. El estudio encontró una fuerte correlación entre los lugares donde aparecían los grafitis y direcciones asociadas a Gunningham, reforzando la hipótesis sobre su identidad.

El trabajo, publicado en el Journal of Spatial Science, utilizó modelos matemáticos para identificar “puntos de anclaje” del artista, mostrando cómo el patrón de sus intervenciones no era aleatorio, sino coherente con una base geográfica concreta.

Más allá del caso concreto, este tipo de investigaciones reflejan una tensión creciente entre arte y ciencia en la era de los datos. Lo que antes pertenecía al terreno del mito ahora puede ser analizado mediante algoritmos, estadística y patrones espaciales, reduciendo el margen del misterio.

Sin embargo, muchos expertos y artistas consideran que desvelar la identidad puede alterar la percepción de la obra. El anonimato permite que el público se centre en el mensaje (a menudo político y provocador) sin condicionantes biográficos, eliminando prejuicios ligados al origen, género o estatus del autor.

El propio fenómeno Banksy demuestra hasta qué punto el misterio puede amplificar el valor artístico y económico. Sus obras han alcanzado cifras millonarias y su impacto cultural trasciende el arte urbano. Pero parte de ese poder reside precisamente en la figura invisible que las crea.

En una cultura dominada por la autoexposición constante, donde la identidad se convierte en marca personal, el anonimato funciona casi como un gesto contracultural. No es una ausencia, sino una elección consciente que redefine la relación entre creador, obra y público.

Quizá por eso, aunque el nombre de Banksy pueda estar cada vez más claro, su verdadero valor sigue residiendo en lo que no se ve. Porque en el arte, a veces, el misterio no es un complemento: es el mensaje.

Carlota Juncosa (Barcelona, 1984) no es una autora que se caracterice por tomar el camino fácil. Fanzinera, licenciada en Filosofía y profesora de diseño, en su primera obra larga se embarcó en un libro atípico, Carmen de Mairena. Una biografía (Blackie Books, 2017). En él narraba su encuentro con Carmen de Mairena y su entorno, sin filtros y sin condescendencia con el personaje. Con un estilo inmediato, alejado de lo académico, y un trazo sintético con el que comunica de forma directa, Juncosa llamó la atención de un mercado que ya entonces estaba empezando a acostumbrarse demasiado a ciertas fórmulas más cómodas.

Nueve años después, Carlota Juncosa ha vuelto a publicar un cómic (en 2024 publicó el ensayo El motor creativo en la editorial Temas de Hoy). Como en aquella primera obra, vuelve a ponerse a sí misma en el centro. Porque Malas ideas (Reservoir Books) puede considerarse una obra documental sobre la escena del grafiti en Barcelona a principios de los 2000, pero es también un ejercicio de autobiografía: el reencuentro emocional de la dibujante con su adolescencia, a través de varias entrevistas con grafiteros de su época que, en muchos casos, son sus antiguas amistades, que la conocieron como Lua.

Tal y como cuenta Juncosa en conversación con este medio, no ha sido fácil. “Ha sido un proceso largo, nueve años en total, ya que empecé con las entrevistas después de publicar Carmen de Mairena. Llegué a tener material para trescientas páginas, pero el libro ha acabado teniendo unas 180; tuve que quitar muchas cosas. Algunas las sacaré pronto en un fanzine para desquitarme”, revela la autora.

Pese a todo, Carlota Juncosa califica el proceso como “divertido”, y gracias al libro ha podido reevaluar una etapa de su vida de la que se había desconectado. Cuando comenzó con las entrevistas, ya no tenía contacto con esa escena: “Me había desvinculado completamente. Fue como invocar a fantasmas. Es como cuando ves a una expareja de hace millones de años” explica entre risas. Así, más allá de unas primeras páginas en las que Juncosa evoca las inseguridades y los descubrimientos propios de la primera adolescencia desfilan en sucesivos capítulos viejas amistades: Isis, quien fue su mejor amiga, Vodoo, Slim o El Burto. Gracias a ellos Juncosa explica las claves de diferentes modalidades: pintar metros, street art, tags (la firma de cada escritor). Pero hay un matiz: “Lo que más me sorprendió fue cómo cada uno de ellos se había especializado en una práctica muy concreta, según su carácter, aunque en los primeros años todos hacíamos un poco de todo”, explica la autora.

En Malas ideas, además, Juncosa expone algunas experiencias desagradables, incluso traumáticas, que tienen mucho que ver con su decisión de realizar la obra. “No supe por qué empecé este libro hasta que lo terminé”, confiesa la dibujante. “Creo que empecé las entrevistas para saber por qué ellos hacían grafitis, pero también para encontrarme a mí. De hecho, la escritura se demoró porque tuve que procesar cosas a nivel emocional que había dado por zanjadas, pero que si no incluía, y esto también supuso un dilema, no habría encontrado el sentido del libro para mí”, dice.

El machismo está muy presente en esas experiencias, aunque Juncosa matiza que no había más en la escena grafitera que en el conjunto de la sociedad. “Hoy hay más presencia femenina, porque hay gente que se ha educado con unos valores distintos”, afirma. Pero entonces, en los primeros 2000, “había cosas que eran peyorativas. Si eras una chica y ponías demasiado rosa o pintabas las letras con formas más redondeadas, estaba mal visto, pero no se decía directamente, se decía a las espaldas [risas]”.

En ocasiones, las mujeres eran señaladas por empezar a pintar porque su novio lo hacía, o perdían su red cuando cortaban con una pareja en cuyo grupo pintaban, tal y como explica la autora. “El machismo deriva en ciertos abusos, que tienen unas implicaciones psicológicas fuertes. Y lo que pasa emocionalmente se transmite a nivel artístico. Así que claro que yo necesitaba hacer ciertas cosas y ser temeraria. No estaba muy zen en ese momento, y tenía mis razones”, dice.

¿Vandalismo o arte?

Para buena parte de la sociedad, el grafiti no es más que una forma de vandalismo. “A veces el grafiti es destructivo, es feo y molesta —afirma—. Pero no todos los dibujos son bonitos o tienen que gustar a todo el mundo. Hay algo que dice Santiago Figueroa, que tiene un doctorado sobre grafitis, algo así como que decir que todos los grafitis no son válidos es lo mismo que decir que toda la pintura barroca no lo es. Hay que entender que hay una escala de calidad dentro de eso”.

En sus orígenes, el grafiti fue combatido por las autoridades, a pesar de que cuando empezó a actuar el pionero del medio, el estadounidense Taki 183, “la prensa lo ensalzó como algo curioso”, señala Juncosa. “Pero enseguida el papel de los periodistas cambió, con el objetivo de controlar la narrativa. Por eso es importante poder explicar las cosas desde otro lugar, para tener una visión que nos saque del discurso único, limitado e interesado”.

La autora relaciona la persecución del grafiti con la necesidad de control: “En la época de la Guerra Fría, cuando los grafiteros empezaron a pintar metros, lo primero que hicieron fue reprimirlos con agresividad. Pero también hubo un intento, que acabó rápido, de crear una división de la policía especializada en grafiteros, que negociaban con ellos y se ganaron su respeto”, señala. Incluso pueden encontrarse ejemplos de integración del grafiti con aceptación social, como el caso de Panamá que relata Juncosa: “Estados Unidos cedió unos autobuses, que fueron pintados por artistas del grafiti. A la gente le encantó y se convirtieron en algo emblemático, hasta el punto de que cuando los retiraron se pidió que no los destruyeran y los reconvirtieron en bares”.

En su época, nos cuenta, las cosas no eran tan complicadas como hoy, con las calles llenas de cámaras. “Había restricciones, porque era la época del eslogan ‘Barcelona, ponte guapa’, y se perseguía mucho pintar las fachadas. Pero no recuerdo que fuera especialmente difícil. Sabías los muros que había, dónde podías pintar”, explica. Y existía incluso un espacio emblemático, el muro del MACBA: “Todo el mundo lo conocía, venía gente de todas partes… Era muy divertido”, recuerda. Pese a ello, el libro muestra los choques con la policía y el trato denigrante que muchos grafiteros sufrían en sus manos. “Te dabas cuenta de que podían ser todo lo abusadores que quisieran, y eso era brutal”, explica la autora, quien llegó a entrevistarse con varios policías para un capítulo que finalmente no está en el libro. “Me decían que ellos solo querían un trabajo seguro, y que cuando hacían esas cosas se ponían ‘las gafas de madera’. Es decir, que miraban para otro lado. Fue muy revelador”, desarrolla Juncosa.

Los años del Fotolog e IRC

Para la dibujante, una de las cosas más importantes de la cultura del grafiti es cómo pone en cuestión una serie de valores que damos por sentados. “Cuando algo se sale de la norma y ataca los espacios públicos es donde tenemos el problema —señala—. Pero hay que pararse a pensar para darse cuenta de qué es legítimo hacer y qué no en un espacio público”. Tal y como afirma, eso no deja de ser un constructo, una ficción: “La sociedad nos vende la promesa de que vivimos en un espacio seguro donde todo funciona. Pero eso no es así: cada grafiti que ocupa un espacio donde no debería estar es un recordatorio de que no hay seguridad ni control”.

Así, se criminaliza el grafiti para evitar hablar de otras cosas, “como la falta de derechos, o las cuestiones raciales, que en Estados Unidos ni siquiera hoy se han resuelto”. Para Juncosa, hay algo rompedor en estas prácticas. “En una época en la que estamos bastante encorsetados, el grafiti es un reducto de la espontaneidad. Y eso es una necesidad humana”, afirma.

“El grafiti vivió una transformación con los smartphones y las redes sociales”, explica la autora cuando se le pregunta por la escena de hoy. “En aquella época, cuando hacíamos un grafiti lo subíamos al Fotolog, y nos comunicábamos por IRC. Ahora se entra en la lógica de las redes, estás mucho más conectado”, afirma Juncosa, que añade: “Internet ha generado una internacionalización de las prácticas”. También ha puesto mucha información a disposición de los jóvenes. “Ahora puedes encontrar como hacer las cosas para dummies, y hay más material, rotuladores más grandes… Pero no veo mi época con nostalgia, para nada. Cada momento es distinto”, afirma. “Yo ahora debo de estar superdesfasada con lo que se está haciendo —confiesa—. Pero hay algo, ese espíritu de querer hacértelo tú, que creo que se mantiene. Darte un lugar. Eso es imperecedero y está en cualquier momento de la historia. Cómo se expresa y qué contingencias atraviesa es lo que cambia”.

Reglas a los chavales

Determinado arte urbano parece haber sufrido un proceso de legitimización, que ha llevado a Banksy a los museos o que hace que muchos ayuntamientos paguen a artistas por decorar fachadas. Juncosa opina que “hay que pensar por qué uno se integra en lo oficial desde el grafiti, qué papel cumple”. Y advierte: “El grafiti, cuando tira al street art, puede acabar teniendo relación con la gentrificación, como sucedió en Berlín, que era una ciudad muy barata que apostó por el arte urbano y las casas okupas y hoy es carísima”.

Sin embargo, Juncosa no es partidaria de idealizar a la vieja guardia o marcarle el camino a la gente joven. “Hay grafiteros que se quejan de los chavales, de que lo tienen más fácil, pero es absurdo. El grafiti en sí mismo consiste en que no hay reglas, ¿por qué le impones unas reglas a los chavales?”, se pregunta.

Cuando se le pregunta a Juncosa qué es lo más importante que le ha aportado su experiencia en los grafitis, se toma unos instantes en silencio para contestar. “El grafiti me ha permitido desterrar la ficción de identificarme con algo que es estático. Las tradiciones nos aportan seguridad, y nuestro cerebro necesita eso”, reflexiona. La autora cree que la popularidad de determinadas creencias no es casual. “Estamos en un momento de auge de la astrología, por ejemplo, que indica que algo nos está faltando, algo que antes nos aportaban las religiones. Y el grafiti tiene un poco de eso: es una comunidad, como lo es una religión, hay unas normas, una rutina… Yo buscaba todo eso en el grafiti, pero con el tiempo me di cuenta de que no es así. Ese es el aprendizaje que me llevo: estoy bien dentro de la inestabilidad”, concluye.

Un grafitero sionista ha viajado recientemente a Barcelona para tapar murales contra el genocidio de Palestina, entre ellos uno del conocido muralista catalán Roc BlackBlock. El autor de las pintadas, el israelí Dudi Shoval, difundió en las redes sociales su acción en el barrio de El Clot, que consistió en eliminar una obra crítica con Benjamin Netanyahu, para luego dibujar al primer ministro de Israel con una corona y el mensaje de “Viva Israel”. 

El mural original, realizado por Roc BlackBlock a principios de junio, mostraba el rostro de Netanyahu manchado de sangre y con la palabra “criminal” escrita en la frente. Shoval, el grafitero sionista, pintó encima lo que el propio BlackBlock define a elDiario.es como “una versión sionista del mural”: el retrato del primer ministro con una corona monárquica acompañado del lema “Viva Israel”.

Durante la acción de Shoval, llevada a cabo el pasado mes de diciembre, los vecinos le empezaron a gritar y a reclamar que se marchara del barrio, según ha explicado BlackBlock a elDiario.es. Minutos después de que terminara de pintar el muro, otras personas lo cubrieron el nuevo con mensajes como “asesino” o “genocida”. Pero día siguiente, el artista israelí volvió al mismo lugar y realizó otro dibujo, esta vez con un candelabro judío, que también fue tapado por vecinos del barrio pocas horas después.

“La respuesta en contra de la pintada fue algo transversal, no fue solo cosa de activistas”, ha defendido este lunes BlackBlock. “Se marchó de Barcelona sabiendo que, aunque se gasten recursos intentando blanquear crímenes sionistas, no nos los tragaremos ni son bienvenidos”, escribió el artista catalán en una publicación en Instagram este domingo.

Días después de cubrir en dos ocasiones el mural de El Clot, Shoval también intervino otra obra del artista Juan Kantor en la que aparecía una joven palestina. Por ello, BlackBlock asegura que el episodio “va más allá de una pelea entre grafiteros”.

El muralista sionista permaneció en Barcelona apenas tres días y, según explicó él mismo en sus redes sociales, viajó a la capital catalana con el objetivo de cubrir esos grafitis. “Vinimos a Barcelona para luchar cara a cara contra la maldad. Por eso nos dirigimos a los barrios donde hay más musulmanes y odio”, explica en un vídeo publicado en Instagram tras realizar las pintadas.

Después de que su retrato fuera cubierto por los vecinos con consignas como “Palestina libre”, Shoval calificó lo sucedido de “grave” en sus redes sociales. “Quizás, y con la ayuda de Dios, esto haga que las comunidades judías en el extranjero dejen de vivir con miedo”, añadió en el texto de la publicación, donde además denunció haber sido agredido por algunos de ellos junto a sus acompañantes.

BlackBlock repintó su mural entre enero y febrero, aunque no lo hizo público hasta esta semana. La obra permanece intacta desde entonces, al igual que había ocurrido durante meses antes de la intervención del grafitero israelí. “Hace años que existe un gran respeto entre los distintos grafiteros. El dibujo se había mantenido intacto hasta que vino él”, explica el muralista catalán. “Es por ello, que respondemos en los muros de nuestros barrios y también en las redes sociales”, ha añadido en su publicación de Instagram.

Hubo un tiempo en que el grafiti se asociaba al margen, al trazo rápido y clandestino. Hoy, sin embargo, España se ha convertido en uno de los grandes escaparates del arte urbano contemporáneo en Europa. Lo dice la calle, pero también lo confirman los datos: la plataforma Street Art Cities, referencia internacional para medir el pulso del muralismo global, situó 15 obras españolas entre las 50 mejores del mundo en 2025.

No es casualidad. Aquí se cruzan varias cosas a la vez: tradición pictórica, apuesta institucional en algunos territorios, festivales bien pensados y artistas capaces de ir del hiperrealismo más técnico a la fantasía simbólica sin despeinarse. El resultado es un mapa que va de grandes áreas metropolitanas a pequeños municipios rurales, todos convertidos —por unos metros cuadrados de pared— en galerías a cielo abierto.

Estos son cinco de los murales que mejor explican por qué España juega ya en esta liga.

Moratalaz (Madrid) – Leyvel

En un colegio público de Moratalaz, la artista Leyvel firmó uno de los proyectos más ambiciosos del año. Un tríptico de gran formato creado para Muraltalaz 2025 que combina pintura tradicional y realidad aumentada, permitiendo que las criaturas del mural cobren vida al escanear un código QR.

No es solo un alarde técnico. El felino protagonista, inspirado en la naturaleza y en la simbología de los alebrijes, funciona como metáfora del deseo, la perseverancia y la imaginación. Un mural que no se limita a decorar un muro: lo convierte en experiencia.

Fuenlabrada (Madrid) – Murfin

El Museo de Arte Urbano de Fuenlabrada lleva años construyendo uno de los relatos más sólidos del muralismo europeo. Allí, Murfin ganó el premio al mejor mural en octubre de 2025 con Niños perdidos 1, una obra donde la infancia aparece como territorio vulnerable pero también poderoso.

La niña protagonista, protegida por un cocodrilo de juguete que parece saltar del muro, dialoga con balcones y plazas cercanas. Fantasía, dolor y color conviven sin subrayados, marcando el inicio de una serie dedicada a la infancia como espacio simbólico. El MAUF suma ya más de 40 murales y se ha convertido en un referente real, no en un decorado.

Moratalla (Murcia) – Diego As

El gallego Diego As, que ya fue número uno mundial en 2021 con su Julio César en Lugo, vuelve a colarse entre lo mejor del año con un mural en Moratalla.

La obra es una explosión cromática inspirada en las Jornadas del Tambor y el Bombo, una tradición local donde el color, el ritmo y la identidad se funden. Ventanas, lluvia y seis días de imprevistos no frenaron un mural que parece vibrar por sí mismo. Aquí el grafiti no ilustra una fiesta: la traduce en lenguaje visual.

Plasencia (Cáceres) – JM Brea

Entre la catedral Nueva y la Vieja de Plasencia, Jesús Mateos Brea redefinió lo que entendemos por mural. Ganador al mejor mural del mundo en febrero de 2025, su obra no se pintó directamente sobre la pared, sino que se construyó como un gran puzle de madera, ensamblado a más de 25 metros de altura.

La reinterpretación de El Descendimiento de Caravaggio convierte un espacio urbano olvidado en foco de atención. Aquí importa tanto lo que se ve como dónde se ve. El grafiti, entendido como intervención crítica del espacio, alcanza una dimensión casi arquitectónica.

Linares (Jaén) – Cosa.V

En Linares, el artista Fran Castro, conocido como Cosa.V, firmó La Diosa del Olivo para el Festival 23700. Una figura monumental, de estética barroca y mirada serena, inspirada en una fotografía de su pareja.

El mural conecta el realismo técnico con la simbología ancestral del olivo como eje cultural andaluz. No es una imagen decorativa: es un retrato de territorio. Forma parte de un conjunto de más de 50 murales que han transformado una ciudad minera en museo al aire libre.

En los últimos años han proliferado protestas de carácter medioambiental que materializan el descontento por la emergencia climática a través de ataques a piezas de arte. En medio del debate sobre la legitimidad de estas protestas y la sacralización de las obras, el colectivo Capitalism se propone llevar la discusión un paso más allá con una propuesta audaz. Así, se preguntan si esas representaciones vandalizadas no son también arte.

Lo hacen a través de la exposición Artivism, un proyecto artístico que transforma protestas icónicas en museos en piezas únicas de coleccionista que se expondrán en la galería de arte Corner Gallery & Studio, en el distrito de Carabanchel (Madrid), hasta el viernes 19. Las ocho obras, que podrán ser adquiridas una a una en una substa online este jueves a las 19.00, recrean ataques sufridos por activistas e incluyen el arma (sopa de tomate, pintura, bolígrafo permanente...) con el que las piezas fueron vandalizadas en diferentes pinacotecas europeas.

Entre las obras se encuentra La Gioconda con las salpicaduras de sopa después del ataque que sufrió el lienzo en 2005 cuando dos mujeres vandalizaron la obra de Leonardo Da Vinci en nombre de la alimentación sostenible; el cuadro de Monet intervenido con puré de patatas en el Museo Barberini (Berlín, Alemania) para exigir medidas contra la crisis climática en 2022; petróleo sobre un cuadro de Klimt para denunciar la inacción contra el cambio climático o la sopa de tomate vertida sobre el cuadro Los girasoles de Van Gogh en la National Gallery de Londres para llamar la atención sobre el calentamiento global.

La iniciativa parte de la premisa de que arte y protesta son formas de expresión humana y propone las manifestaciones contra el objeto artístico como una nueva expresión artística. Las obras a la venta de la colección Artivism se pueden ver en su página web, donde el jueves tendrá lugar la puja virtual. El portal incluye detalles de la agresión artística, la técnica para elaborar los cuadros o los productos que fueron utilizados para vandalizarlos. La técnica es óleo sobre lienzo, los cuadros respetan el tamaño de las piezas originales y están intervenidos con los materiales originales usados en la agresión. Tres de las piezas se pueden visitar en Corner Gallery & Studio.

Artivism es el quinto proyecto de Capitalism, colectivo con base en Madrid que irrumpe en en la escena artística para agitar el sistema convirtiendo las paradojas de la sociedad moderna en productos y servicios. Capitalism se estrenó el pasado mes de diciembre con The Uncomfortable, una mesa de 34 patas diseñada para democratizar la incomodidad de las cenas navideñas. En junio estrenó Tag Tee, una camiseta blanca diseñada con un bolsillo transparente a la altura del pecho para insertar etiquetas a discreción que ironizaba sobre la exclusividad, lo preestablecido y la construcción identitaria en torno a las marcas.

El Festival Asalto celebra sus 20 años con una programación que activará diferentes espacios urbanos hasta el 21 de septiembre. En esta edición, Asalto intervendrá en diferentes espacios del entorno del parque Pignatelli y hará un guiño a ubicaciones emblemáticas de ediciones anteriores. Así, aumentará el legado artístico que este evento internacional ha creado desde su origen.

A las intervenciones artísticas se suman las actividades, talleres o visitas guiadas abiertas a toda la ciudadanía. Este año, además, se amplía el programa con propuestas para público especializado y con espacios en los que diferentes generaciones de artistas y dinamizadores culturales relacionados con el arte público van a dar una dimensión más amplia a Asalto.

Esta mañana se ha presentado toda esta programación con la participación de las consejeras de Cultura y Servicios Sociales del Ayuntamiento de Zaragoza, Sara Fernández y Marian Orós y el coordinador del Festival Asalto, Alfredo Martínez.

Alfredo Martínez ha recordado que la cultura comunitaria y arte urbano son los elementos centrales de Asalto. “Desde su origen, Asalto ha entendido el espacio público como un lugar de encuentro, aprendizaje y cuidado colectivo. La 20ª edición refuerza ese enfoque con procesos y obras creadas con y para la comunidad”, ha declarado.

El legado artístico de Asalto

La vigésima edición de Asalto se ha presentado delante del mural que el artista Lonac está pintando en la calle Eduardo Sanz Hernaz. A este se suman otros 9 artistas: Raquel Coba, quien intervendrá en las escaleras de la calle Monasterio de Rueda y Remi Tournier, que lo hará un muro de la calle Castelar que ya albergó un gran mural, con la pintura ya desaparecida.

De la misma forma, Alegría del Prado intervendrá en el llamado “solar del conejo”, uno de los iconos ciudadanos que ha dejado el Festival. Los artistas Octavi Serra y Addam Yekutieli-Know Hope intervendrán en diferentes ubicaciones del parque Pignatelli y las calles de la ciudad.

En los procesos artísticos y comunitarios participarán Pep Walls, con un proceso artístico en la calle Arcadas en colaboración con el Albergue Municipal y los vecinos del barrio de la Magdalena; Inés Marco instalará en el parque Pignatelli las obras que se han desarrollado en las últimas semanas con los participantes en el Consejo de Infancia y Adolescencia y Centros de Tiempo Libre; Lara Seixo Rodrigues y el proyecto LATA 65 se llevará a cabo con las personas mayores usuarias del CCM Laín Entralgo y Casa de Amparo y el proyecto Andar de Nones y sus usuarios quienes, con el diseñador Gejo Boce, intervendrán en el kiosco del parque Pignatelli.

Programación de Asalto abierta a la ciudadanía

Entre los días 19 y 21 de septiembre concentran la mayor parte de la programación abierta a la ciudadanía. El Festival nos propone una decena de talleres –upcycling, cartelería, fotograbado, móviles de cromatografía, mural participativo, retrato simbólico, o ilustración– con los artistas Vera Galindo Noemi Calvo, Asis Percales, Fábrica de Texturas, Lalá y Cristina Healy.

Estos talleres forman parte del Asalto Fair, que se celebrará en el parque Pignatelli y el espacio de los antiguos depósitos. Además de la feria en la que participarán más de 20 creadores, se han programado encuentros con artistas –Lara Seixo, Alegría del Prado y Raquel Coba, Daniel Muñoz y Escif–, una Subasta Suicida y la muestra 'El canal que transformó la ciudad', con obras de Maiky Maik, Murfin, Ira Torres, Valentina Vacó, Daniel Vera y Diego Vicente.

Dentro del programa NEXXO se proyectarán dos documentales: Know Hope (2025), de Omer Shamir (jueves,18 de septiembre a 20.00 h) y Juste Ici et Pas Ailleurs, Una historia del festival Bien Urbain de MZM Projects (viernes, 19 de septiembre a las 19:00 horas).

NEXXO es un espacio de encuentros para el público especializado que tendrá lugar a partir del día 13 de septiembre y propone una programación que, a lo largo de seis bloques temáticos, hablará del papel del arte en el espacio público y su capacidad para transformar territorios, activar memorias y generar comunidad.

El Festival Asalto 2025 está organizado por Asalto y el Ayuntamiento de Zaragoza con el apoyo institucional de Acción Cultural Española (AC/E), el Ministerio de Cultura y el Gobierno de Aragón. Además, cuenta con el patrocinio de Embou, Ambar, Maquinza, Montana Colors, y Tranvía de Zaragoza y con los medios Radio 3, Aragón Radio y Aragón Televisión como colaboradores.

Dos décadas de arte urbano y cultura comunitaria

El Festival Internacional de Arte Urbano Asalto nació hace veinte años con la intención de sacar el arte a la calle y demostrar que en el ámbito urbano hay un gran espacio para la creación artística. En este recorrido ha dejado más de 250 obras por toda la ciudad, pero no sólo eso.

La implicación vecinal y de las entidades ciudadanas ha hecho crecer a este Festival consciente de la capacidad del arte y las actividades creativas para el desarrollo de los vínculos entre las personas que viven en los barrios.

Estas son algunas de las cifras que representan los veinte años de Asalto: 277

Intervenciones murales, 141 intervenciones efímeras, 99 talleres, 10 barrios, 6 ediciones de Asalto Fair, 86 entidades sociales implicadas y 55.000 asistentes al Espacio Asalto y las visitas guiadas.

Una nueva obra del artista callejero Banksy había aparecido en la pared de los Tribunales Reales de Justicia de Londres, pero el equipo de seguridad del Tribunal no ha tardado en cubrirla, según ha informado el periódico británico The Guardian. La pintada mostraba a un juez atacando a un manifestante con un mazo, en una aparente referencia al arresto de casi mil manifestantes por el genocidio en Gaza y la prohibición de la organización Palestine Action (Acción Palestina).

Aunque Banksy no ha hecho referencia explícita a una causa en particular, su obra se produce dos días después de que casi 900 personas hayan sido arrestadas en una protesta en Londres contra la prohibición de Palestine Action (Acción Palestina), un grupo de protesta declarado como organización terrorista por el gobierno británico de Keir Starmer. Recientemente, el aclamado guionista Paul Laverty también fue detenido por llevar una camiseta que hacía referencia a dicha organización.

La pintada fue rápidamente cubierta por grandes láminas de plástico y dos barreras metálicas, bajo la custodia de dos agentes de seguridad. El lugar que eligió Banksy está en calle Carey, detrás de los patios reales, pero la obra ha provocado que se llenase de gente que tomaba fotografías del trozo de pared ahora oculto. El artista callejero ha compartido en Instagram una imagen de la pintada, titulándola “Tribunales Reales de Justicia, Londres”.

Los grafitis de Banksy, un artista cuya identidad no se conoce pero que se ha vuelto famoso internacionalmente, suelen ser críticos con las políticas gubernamentales, la guerra y también el capitalismo. Por ejemplo, el verano pasado inició en Londres una campaña de temática animal compuesta por nueve obras, concluyéndola con la pintada que mostraba a un gorila que aparecía levantando una persiana en la entrada del Zoológico de Londres.

Cada vez hay menos gente que vive de manera habitual en los pueblos y las callejuelas que antes estaban llenas de vida adolecen. Se han vuelto “invisibles” mientras los pocos que quedan se lamentan del escaso relevo generacional. San Pedro Bercianos, en una comarca de León que se conoce como El Páramo, no es una excepción, y a pesar de sus riquezas naturales, tiene entre sus habitantes habituales a pocos jóvenes.

Por esta razón, un grupo de habitantes de la localidad, con el apoyo de instituciones como la junta vecinal del pueblo y otras asociaciones, han decidido luchar contra la “invisibilidad” haciendo un llamamiento a los artistas locales y no locales. Quieren que vayan y utilicen sus espacios públicos para exponer, pintar o modelar sus obras.

Estrategia: alargar la estancia de los visitantes en el pueblo

Todo está milimétricamente estudiado: el proyecto, que nació en 2023 con el nombre de festival de arte SUCO, llega este año a su tercera edición. Se celebrará del 12 al 14 de septiembre, para intentar alargar un poco más la estancia veraniega de los visitantes y conseguir que inviertan en el comercio local y la restauración.

Atraen a los artistas proporcionándoles alojamiento, desplazamiento, dietas y los materiales. El objetivo es que participen con total libertad y aporten su granito de arena en cualquier ámbito artístico en el que se sientan cómodos y, como dice el folleto informativo, hacer del pueblo “un lugar único, lleno de arte, psicodelia y creatividad, una galería abierta para todo el mundo, un museo vivo, un espacio de creación libre, un lugar de promoción y expresión para todo artista que quiera colaborar”.

¿Murales? San Pedro Bercianos proporciona sus paredes. ¿Esculturas? Cualquier rincón es bueno para exhibirlas. ¿Instalaciones? ¿Performances? ¿Contenido audiovisual? Este pueblo leonés quiere ser el lienzo, el banco de pruebas que permita a esos creadores desarrollar sus capacidades y, de paso, hacerse visible. Quiere ser el hogar de los artistas por unos días. Porque después, todo eso queda y llama la atención de quién lo visita. Quizás los medios y el boca oreja obren el milagro.

Este año se han habilitado distintos espacios, ya preparados para albergar las intervenciones artísticas: la parada del bus, la Casa de las Bombas de Agua, la zona de gimnasio en la calle, diversos muros, las papeleras, los bancos, una rampa, la plaza del Agua, la plaza del Fin de la Cuesta, la calle de los sauces llorones, el jardín del depósito de agua, y puertas y fachadas de las viviendas y locales de diferentes vecinos.

El festival se bautizó como SUCO porque esta palabra es una expresión local que significa surco. La intención es eso: dejar una marca, una señal en el terreno, un recuerdo artístico que ensalce la cultura tradicional y contemporánea del Páramo leonés.

Insólita imagen la que se vivió en la estación del Metro de Madrid en Sainz de Baranda el pasado 10 de junio. Dos viajeros echaron a otros tantos grafiteros que trataron de dejar pintadas sobre un tren de la red. Los dos individuos, que acabaron huyendo ante la mirada impasible de trabajadores de seguridad del suburbano, detuvieron el recorrido del transporte a primera hora de la mañana (a eso de las 7.50) y trataron de dejar sus pintadas, algo que no sentó demasiado bien a varios pasajeros en plena hora punto.

Los grafiteros pararon el tren de la línea 6 mediante la conocida como técnica del “palancazo”, al tirar del freno de emergencia. Las tensas imágenes, recogidas en Instagram por la cuenta filofascista @psicotico_manifa, recogen los momentos posteriores: dos hombres bajan a la vía y ahí se enfrentan a los grafiteros.

Estos muestran una actitud chulesca, aunque uno llega a tropezarse y ambos salen corriendo después de encararse con los pasajeros, uno de los cuales llega a dispararles con un spray (no para grafitis, sino de pimienta). Antes de terminar por huir, uno de los grafiteros llega a lanzar al otro viajero un bote de pintura, sin que parezca que se produzcan daños mayores.

En el vídeo se observa cómo, en el andén opuesto, uno de los empleados de seguridad de Metro mira lo que pasa sin intervenir. Según recoge El País, en el otro pasillo se encontraba una segunda trabajadora. Tampoco intercede en la acción, aunque sí lanza una frase a distancia: “Iros ya, venga”, espeta a los grafiteros.

Los comentarios al clip en Instagram muestran una gran indignación ante este tipo de conductas: “Y así cada día para ir a trabajar, cuando no es una cosa, es otra… es insoportable”, lamenta un usuario. “El de seguridad; Llamen a seguridad”, bromea por su parte otra respuesta. Aunque hay quien da cierto apoyo a los grafiteros: “Mejor pintar que robar y apuñalar creo”, opina una persona.

También cuenta El País que la actuación de estos dos sujetos enmarscarados comenzó horas antes ese 10 de junio. De acuerdo a lo que narra una portavoz de la Jefatura Superior de Policía, la escena arrancó a las 6.25, momento en el que “dos individuos se encuentran haciendo gratifis en la parada de metro de Sainz de Baranda”. En ese momento no detuvieron el tren, sino que aprovecharon el instante de apertura y cierre de las puertas para la entrada y salida de viajeros.

Un hombre que esperaba en el andén los vio y les recriminó su actitud. Los implicados huyeron al último vagón, donde llevaron a cabo por primera vez esa mañana el “palancazao” y aprovecharon la confusión para escapar. A la llegada de agentes de la Policía Nacional ya no se encontraban en el lugar. De momento no hay ninguna investigación policial en marcha, ya que nadie ha presentado una denuncia por estos hechos cargados de tensión.

“Tengo la Alhambra enfrente y solo te miro a ti”. Es una de las frases que pueden encontrarse pintadas en muros de Granada, entre adoquines centenarios y callejones empinados del Albaicín o el Realejo. También, y de forma involuntaria, es una frase que resume el sentir de la población granadina. De la que está a favor y de la que está en contra de estos versos, poemas, dibujos y frases que empiezan a poblar casi cualquier rincón del centro histórico. Empieza a haber tantas que, entre el arte callejero y el vandalismo, la ciudad viaja hacia una realidad en la que la persecución o la permisividad con estas representaciones no acaba de tejer un consenso.

Estas frases, que cada vez más personas van buscando por los rincones para fotografiarlas o subirlas a sus redes sociales, suelen ser anónimas y de personas de a pie, pero a menudo van firmadas con una cuenta de Instagram. No son proclamas políticas ni insultos y tampoco nombres propios como los que proliferaban en los pupitres de los institutos. Son versos. Y cada vez son más. Si se habla con los curiosos que se acercan a ellas, en todos se aprecia una mezcla entre el interés por la bohemia y el entendimiento a quienes no creen que estas pintadas sean ni arte ni ejemplo de lo que debe ser la ciudad.

“Hay un espacio para el arte y un espacio para no permitir que se ensucie la ciudad”, sentencia Juan Ramón Ferreira, concejal de Cultura del Ayuntamiento de Granada. “No se puede permitir que la ciudad esté absolutamente manchada con cada uno y su opinión de lo que está haciendo allí. Ni el arco de las Pesas, ni la Alhambra, ni una fachada de un vecino anónimo puede estar al albur de la inspiración de nadie”. Sin embargo, tal es el auge de las pintadas en Granada que incluso la policía está detectando a grafiteros internacionales que han viajado a la ciudad para dejar su impronta en la Alhambra, un espacio protegido y por lo tanto prohibido, pero que tampoco escapa.

Desde el Consistorio insisten en que no hay debate posible: se limpia, se persigue, se sanciona, aunque desde la oposición creen que se está haciendo poco. Las cámaras de videovigilancia se extienden por las farolas del centro y los barrios históricos, en paralelo al auge de estas pintadas, que algunos catalogan como expresión poética y otros como acto de vandalismo.

Granada, que es una ciudad a la que el arte y la poesía casi le rinden tributo, cuenta con tantos cantantes y creadores famosos, que algunas de sus frases se encuentran en paredes que antes solo estaban encaladas. Versos de Dellafuente o La Plazuela, del mismísimo Lorca o de los baezanos Supersubmarina configuran parte del espacio urbano de barrios como el Albaicín, el Realejo o el centro histórico. “Es un problema y además esta es una ciudad invadida por una moda que no está en todas partes. Hay ciudades en las que esto se borra inmediatamente. Aquí parece que se celebra”, apunta Ferreira, que no contempla zonas habilitadas para este tipo de expresión: “Hasta que no se corrija este exceso absoluto, no hay alternativa que no sea limpiar”.

Dos visiones contrapuestas

Sin embargo, para muchos vecinos, artistas y turistas, el debate es menos tajante. “La mayoría de estos mensajes no son poéticos, son banalidades”, cree el poeta Álvaro Salvador. “Una pared encalada y el silencio valen más que esas frases vacías. No confundamos efusión sentimental con poesía”. Aun así, matiza: si no dañan el patrimonio ni se pintan sobre bienes protegidos, “cualquier manifestación artística me parece bien”.

Juan Pinilla, cantaor y escritor, aporta una visión distinta: “Granada es una de las ciudades con más poetas y artistas por metro cuadrado. Que la juventud se esté acercando a la poesía de forma espontánea me parece espectacular”. Recuerda una pintada en el Carmen de los Mártires: “Te imaginé aquí contigo y te prometí todos los pájaros posibles. Es preciosa. Tiene todo el sentido que en una ciudad tan literaria como esta surja algo así”. Pero también marca límites: “No toleraría que nadie pintara el arco de las Pesas. Ni Basquiat”.

La mayoría coinciden en distinguir entre vandalismo y arte porque si estas pintadas se realizan en lugares prohibidos, como el Albaicín, que tiene decenas de bienes de interés cultural, deben ser perseguidas. Ángel Bañuelo, portavoz de la Asociación Andalucía por la UNESCO lo tiene claro: “El Albaicín está protegido íntegramente. No se puede pintar nada. Ni frases, ni poemas, ni dibujos. Nada. No es cuestión de si es bonito o no. Es que es ilegal”.

Pese a que hay voces que recuerdan que el turismo también se está viendo atraído por esta nueva variante artística, Bañuelo no compra el discurso. Para el portavoz de la asociación que vela por el patrimonio cultural de la UNESCO ese discurso puede llevarse al absurdo incluso: “Si aceptamos que el arte urbano puede estar en cualquier sitio, ¿por qué no envolver la Alhambra en papel de aluminio? Sería arte también, ¿no?”.

Pero no todos lo ven así. Precisamente el grafitero Badi resume el espíritu de muchas de estas pintadas: “Detrás de cada acto, ya sea escritura, pintada, taqueo, firma o poesía, hay una persona diferente y una motivación diferente. La calle siempre fue el primer periódico libre del pueblo”. Para él, estos mensajes son señales de una “sociedad viva” que se expresa desde hace años en los muros.

El turismo, de fondo

Desde colectivos vecinales como Albayzín Habitable, que es uno de los barrios más afectados por estas pintadas, alertan de que se está romantizando una moda con efectos muy concretos sobre el patrimonio. “No hay que mezclar pintadas con arte urbano. Lo de escribir que 'Pepe ha estado aquí' o frases con bolígrafo en una tapia centenaria no tiene ningún valor cognitivo ni artístico”.

Eso sí, diferencian entre tipos de grafitis: “Los murales en fachadas medianeras, por encargo o consensuados con los vecinos, son otra cosa”. Y avisan de que este fenómeno no se puede desvincular de los flujos turísticos: “Es como lo de los candados en los puentes, o los selfies. El ego de algunos no les permite pasar desapercibidos. Y mientras tanto, los barrios patrimoniales son los que pagan el precio”.

También critican el exceso de vigilancia: “La respuesta no puede ser poner una cámara en cada esquina. La vigilancia masiva también tiene efectos perversos. Habría que apostar más por la sensibilización y el respeto al patrimonio”. Algunas voces incluso plantean soluciones creativas: “Poner grandes lonas en sitios estratégicos y hacer campañas: si quieres expresarte, hazlo en una libreta, cantando o en la lona. Pero no sobre los muros de Granada, que ya hablan por sí mismos”.

El debate, en el fondo, no es nuevo. Pero en Granada se cuela por rincones especialmente sensibles, donde la historia, la literatura, el turismo y el arte se rozan en cada piedra. Quizá por eso cuesta tanto trazar una línea clara entre lo que debe borrarse y lo que podría formar parte del paisaje. En una ciudad donde incluso el silencio puede ser poético, cualquier palabra pintada se convierte en una declaración de intenciones.

Este lunes, el Ayuntamiento de Madrid quiso mostrar a los medios de comunicación cómo funcionaba su programa de prestación ambiental sustitutoria, la herramienta que ha ideado para que los grafiteros conmuten sus penas económicas por pintar sin permiso las paredes de la ciudad. El perdón a la sanción económica llega después de que los multados limpien con rodillos las firmas de otros grafiteros en las calles de Madrid.

El acto, convocado en una plaza junto a Cuatro Caminos y en el que participó el delegado de Medio Ambiente, Borja Carabante, fue poco usual porque estaban presentes seis de los grafiteros sancionados, que acabaron siendo protagonistas de un acto de escarnio público por sus actos. Tapados con gorro y mascarilla para no ser reconocidos, algunos respondían a las preguntas de los medios de comunicación y explicaban que preferían esta prestación de 60 horas de trabajos a tener que abonar los 3.000 euros que le había impuesto el Ayuntamiento.

La posibilidad de conmutar penas por limpieza existía desde los tiempos de Manuela Carmena como alcaldesa, pero no se les obligaba a los grafiteros a tapar pintadas de otros, algo que en el mundo de las firmas ilegales está mal visto. Hasta el año pasado se dedicaban a barrer o limpiar parques, trabajos que podían ser igual de costosos o más que el de pasar el rodillo, pero que no conllevaba un dilema moral para los que pintan sin permiso de noche.

Los cambios fueron anunciados por el propio delegado el pasado mes de diciembre, pero este lunes decidió mostrar en directo cómo se aplicaban, ante algunas miradas de desaprobación. “Es del siglo pasado”, aseguraba una vecina este lunes en declaraciones a El País, al enterarse del acto municipal.

El trabajo se extendió después de que se fueran los medios de comunicación, pero horas después la pintada a la que apuntaron todas las cámaras reaparecía en la pared, tal y como pudo comprobar Somos Tetuán en la mañana de este martes.

Varias zonas donde se había aplicado pintura gris parecían haber sido frotadas para eliminar esa última capa, dejando al descubierto en grafiti anterior. Algo que también había sucedido en otras partes de este muro. Ningún testigo pudo confirmar a este periódico qué era lo que había pasado después del acto municipal para que volvieran a aparecer los grafitis.

Lo que sí que sucedió es que el trabajo se quedó a medio hacer, porque la pared que se repintó de gris, situada en la plaza de Juan Muñoz Martín, quedó con bastantes pintadas visibles después del acto ante los medios. Fuentes del área de Medio Ambiente explican que limpiadores se retiraron por la fuerte tormenta que afectó a la capital al mediodía.

Según datos facilitados por el Ayuntamiento de Madrid, hasta la semana pasada había puesto a limpiar pintadas a 33 personas, que fueron sancionadas con un total de 64.100 euros. Tres de cada cuatro eran jóvenes o menores de edad, casi todos españoles y residentes en la capital. Todos ellos cubrieron una superficie de 2.625 m2 de grafitis mientras eran acompañados de un tutor-educador y el consistorio asegura que la mayoría de participantes quedó satisfecho con la posibilidad de conmutar la pena por la limpieza.

El alcalde de Madrid, José Luis Martínez-Almeida, ha asegurado este martes después de la publicación de esta información que los equipos municipales seguirán limpiando las pintadas de las paredes: “Por mucho que insistan, no nos vamos a rendir”, ha dicho en referencia a la reaparición de la firma.

Dicho y hecho, a lo largo de este martes las personas que están prestando el servicio ambiental sustitutorio aplicaron una nueva capa de pintura para cubrir los grafitis que faltaban y desde el área de Medio Ambiente aseguran a este periódico que el muro quedó totalmente gris.

Tras hacer los primeros trazos, la policía pilló a Pedro. Estaba haciendo un grafiti en mitad de la calle y, como era de esperar, le pidieron la documentación. Él les advirtió de que no era ningún vándalo y les recomendó volver al mismo lugar tres horas después. Cuando los agentes se presentaron de nuevo y vieron su obra terminada, le dieron la razón. Este es el relato de Tasiz, un escritor de grafiti mallorquín que, tras aquel suceso a mediados de los noventa, consiguió que se legalizasen los mismos muros donde la policía le sorprendió. Con aquel grafiti, Pedro estaba presentándose a sí mismo como artista, pero también a toda una cultura que en la actualidad celebra más de cuatro décadas de historia.

En un país de muros pintados, vinilos, bailes breakdance y música rap, llegaron a Mallorca los primeros grafitis. Fueron pintados a mediados de los ochenta por Poxi, un writer –escritor de grafiti– que dejó una huella imborrable para toda una generación. Muchos de ellos crecieron viendo películas americanas como Beat Street, The Warriors o Style Wars. Estos filmes, que reflejaban la floreciente cultura Hip-Hop en los Estados Unidos, fueron encarnados en la isla por este artista pionero que, tras aparecer en una revista local en 1988, pronto se convirtió, junto con Omar, en un icono para quienes se iniciaban en el arte callejero.

Desde Classics Palma, una plataforma de contenidos en redes sociales sobre la historia del grafiti, cuentan que Poxi era un artista avanzado a su tiempo conocido, como el “hombre Hip-Hop” del barrio de Son Dameto, cuna del grafiti mallorquín. Allí comenzó a plasmar letras de colores en los muros de la ciudad, ante el desconcierto de una población todavía ajena a aquella realidad. “Nada más ver aquella portada con la foto de Poxi, fuimos corriendo a ver sus grafitis en unas casetas de electricidad abandonadas. En aquel momento, sin teléfonos móviles y mucho menos Internet, íbamos siempre al lugar para ver las pintadas”, recuerda Lokomas, uno de los escritores de grafiti de primera generación.

“Poco tiempo después vivimos una explosión brutal del movimiento en un concurso de grafiti en la discoteca BCM, donde conocimos a gente de otros barrios de las afueras. De hecho, un amigo nuestro que bailaba breakdance ganó el concurso”, añade el escritor, que lleva toda una vida dedicada al grafiti y a la cultura Hip-Hop. Tras más de 23 años trabajando en la tienda Línea 6, punto de encuentro para muchos artistas, y cerrar tras a la pandemia, decidió abrir un nuevo local por su cuenta, Outline grafiti Mallorca, desde donde atiende a elDiario.es.

A finales de los ochenta aparecieron nuevas firmas como Triqui, Mr. Beat, Cane, Alolo, Nase, Caín, Bosso o JWA, quien organizó las primeras jams de Hip-Hop. “Gracias a mis tíos, que eran discjockeys, empecé a escuchar música negra y acabé montando la primera fiesta de rap en 1989 con dos discos, una mezcladora y algunos cassetes”, recuerda el promotor musical. 

“Quería hacer una fiesta tal y como las hacían los americanos y conseguí que me prestasen un local llamado Oh Palma, en el barrio de Gomila. Mi única premisa era no ganar dinero, sólo quería que me dejaran el local porque, en aquella época, los raperos estaban muy mal vistos y yo quería dar la cara por todos”, continúa JWA. Este promotor fue un pionero en la organización de eventos de rap, como el primer concierto de La Puta Opp sobre un escenario.

Gracias a mis tíos, que eran discjockeys, empecé a escuchar música negra y acabé montando la primera fiesta de rap en 1989 con dos discos, una mezcladora y algunos cassetes

JWA — Promotor musical

A inicios de los años noventa llegó una oleada de nuevos escritores. Según Classics Palma, “surgieron muchos nombres como Obas, Eric, Bazo, Manu, Hezo, Gori, Hock, Scawt, Vore, Jar, Idron y Zoes, entre muchas otras firmas que marcaron una época increíble”. Durante aquellas tardes de pintura y música se formaban diferentes grupos, comúnmente llamados crews, espacios de amistad en los barrios de la periferia en torno a esta cultura representada por la unión de cuatro elementos ineludibles para quienes quisieran participar de ella: el rap, el grafiti, el breakdance y los dj’s. El boom del grafiti llenó las calles de pompas –pintadas con letras redondas y sencillas–, firmas y colores que no dejaban a nadie indiferente, creando, además, diversas publicaciones en formatos fanzine que servían como vehículo de comunicación de la cultura recién llegada a la isla.

Las primeras crews en formarse en Mallorca fueron Unit Posse, Palma Conexión, Todos Contra Ti y La Puta Opp, que además se convirtió en una reconocida banda de rap por publicar Vacaciones en el mar, el primer álbum de rap a nivel estatal. Más adelante llegaron nuevas bandas de escritores de grafiti y raperos de los barrios de El Vivero, el Rafal o Es Molinar, como Vivero Hills 666, Dispersos, Vigila Tu Pared, Zona Prohibida, Triple 6, El Círculo Kruel o Destroy King Town. El grafiti ya estaba plenamente asentado en la sociedad. Fue una época marcada por una alta efervescencia creativa donde los jóvenes de los barrios desfavorecidos comenzaban a organizarse para construir un nuevo estilo de vida.

Grafiti, deseo y trascendencia humana 

La autora de L’art urbà a Mallorca, Neus Aguiló, explica que los inicios de la escritura en las paredes pueden remontarse mucho tiempo atrás, incluso siglos. En su libro, cuenta que los comienzos del grafiti podrían, de alguna manera, datarse a partir de las inscripciones en las cuevas de Altamera o en Pompeya. “Esta ciudad romana estuvo sepultada durante unos 1.500 años y, cuando se descubrió, se encontraron muchas pintadas de todo tipo, de publicidad electoral, de avisos entre vecinos, de transacciones de esclavos y de cuestiones personales relacionadas con el duelo, por ejemplo, cuando alguien moría”, expresa la escritora a elDiario.es. 

Según la autora, en la isla de Mallorca pueden encontrarse casos semejantes en las inscripciones que se encuentran en las paredes del histórico Castillo de Bellver, construido a principios del siglo XIV, con mensajes escritos durante la guerra de sucesión española y más tarde por prisioneros republicanos en la guerra civil española. “Fue una prisión del bando nacional donde acabaron muchos presos que quisieron dejar constancia de su paso con sus nombres y fechas de reclusión”, matiza Aguiló, recordando que también hay ejemplos similares en el convento de San Francisco o en la Catedral de Palma.

Tras una exhaustiva investigación, la escritora y filóloga conecta estas inscripciones antiguas con el grafiti y el arte urbano actual, como si se tratase de un deseo de trascendencia inseparable del ser humano. “La esencia es la misma, tenemos la necesidad de dejar huellas allí por donde pasamos. Obviamente, las pintadas de hoy se han vuelto verdaderas obras de arte, pero han existido desde que el ser humano supo escribir”, concluye.

Con el paso de los años, este deseo ha pasado por muchas fases y formas distintas. Desde la inscripción para el recuerdo, pasando por la pintada política o de protesta hasta el grafiti, que se establece en las sociedades contemporáneas como una cultura al margen de la norma. “Aunque se haya diluido mucho con el tiempo y ahora el grafiti sea una rama más de la creación artística, desde su nacimiento en Estados Unidos fue siempre un grito de rebelión frente a la situación sociopolítica”, expresa Main, del colectivo Dispersos, actualmente retirada del grafiti.

En este sentido, muchos escritores destacan que el movimiento Hip-Hop siempre ha estado lleno de “mensajes de jóvenes de familias obreras en una posición de protesta en contra de las injusticias y problemas sociales”, defiende Fran S.C, artista urbano desde hace más de 30 años. “Tener tu nombre por toda la ciudad era y es un acto de rebelión, una muestra de talento y actitud, una manera de decir estoy aquí y no puedes pararme, no puedes controlar esto”, añade. 

La cultura que unió a los barrios 

La idea de trascender y expresarse por parte de quienes pertenecían a la cultura del Hip Hop llevó a organizar grandes eventos en Mallorca como festivales de rap y shows de grafiti que daban a conocer a escritores locales, nacionales e internacionales. Uno de los organizadores de estos encuentros fue el escritor Tasiz, quien en 2001 puso en marcha Calvià Hip Hop, una jam que tuvo dos ediciones donde se encontraron escritores de grafiti, raperos, skaters y demás afines a la cultura urbana. 

“Todo empezó cuando la alcaldesa del municipio de Calvià, Margarita Nájera, leyó una carta que le escribí pidiéndole que legalizasen algunas paredes para que pudiésemos pintar. Entonces me citó con un grupo de dinamizadores y conseguimos la única legalización de paredes por decreto en toda Baleares y fue en 1999”, recuerda el escritor, que también fue locutor de radio en el municipio y redactor de Hip Hop Nation, la primera revista española dedicada a la cultura urbana y al grafiti. 

La alcaldesa de Calvià, Margarita Nájera, leyó una carta que le escribí pidiéndole que legalizasen algunas paredes para que pudiésemos pintar. Entonces me citó con un grupo de dinamizadores y conseguimos la única legalización de paredes por decreto en toda Baleares y fue en 1999

Tasiz — Escritor

“Le vendí a los políticos la idea de que la lucha contra el grafiti era una lucha perdida, porque la gente salía de noche con sprays a pintar, y así surgió Calvià Hip Hop. Inspirado por un evento similar en el Poble Espanyol de Barcelona en 1994 donde había estado, quise trasladarlo a la isla y así lo hicimos, trayendo a grandes músicos como SFDK o Falsa Alarma hasta que el Partido Popular entró en el Ayuntamiento y se acabó”, concluye. 

Además de este histórico festival, Tasiz, a quien le gustaba juntar a la gente, organizó diversas jornadas de pinturas murales uniendo a grupos de diferentes barrios. “Después de los pioneros, empezaron a llegar escritores menos vandálicos, que dibujaban muy bien, y decidí unirlos para hacer un mural que se llamó Fantasía' y en el que participaron hasta catorce personas”, explica el escritor, que incluso llevó unos andamios de la empresa de electricidad de su padre para “tener suficiente infrasestructura debido a la altura de los muros”.

Entre el arte y el vandalismo

A lo largo de su existencia, este arte callejero ha sido censurado por una sociedad que lo considera vandalismo ya que, en muchos de los casos, se realiza de manera ilegal y muchos grafitis pueden encontrarse en espacios donde se ha pintado sin permiso. Esta cuestión genera un amplio debate entre los escritores, que va desde la defensa misma de la ilegalidad como una condición esencial de su práctica, tal y como apuntan desde Classics Palma, hasta quienes reclaman espacios legales para poder manifestar su expresión artística en libertad. 

“Para mí no es vandalismo, una pintada sobre una superficie supone algo mínimo, no es como romper un cristal, agredir a alguien o robar. Creo que se le da más importancia de la que merece. Hay conductas individuales que generan un impacto brutal sobre el medio ambiente y no se consideran vandalismo, la gente debería mirarse el ombligo antes de criticar”, explica Fran S.C.

En cualquier caso, todas las personas entrevistadas aseguran que “un grafiti nunca puede ser cualquier cosa pintada sobre una pared”. Tal y como expresa Hermano L, pese a que “pueda haber descontrolados”, por lo general “un grafitero hecho y derecho tiene criterio y nunca pintará sobre una muralla del siglo XVI, ya que es una persona que tiene conocimientos sobre arte”. En este sentido, algunos escritores como Tasiz apuntan que “nunca ha sido el objetivo el bombardeo” –una práctica que consiste en pintar firmas y grafitis rápidos de manera ilegal por las ciudades–. “Incluso cuando se pintaba en la Línea 6 del metro de Nueva York, que es de donde viene el grafiti vandálico, la gente quería pintar bien y hacer cosas chulas. Pintadas y grafiti no son lo mismo y no pueden ir en el mismo saco”, concluye.

En esa búsqueda de la legalidad, el escritor Lokomas explica que en una ocasión, junto a Gori, Nase y Obas, solicitaron un permiso a la dirección del colegio IES Josep Sureda i Blanes para poder pintar en sus paredes. “El año pasado quisimos montar un festival en la calle del instituto, pero no conseguimos dar con nadie del Ayuntamiento de Palma que nos pudiese ayudar”, lamenta el escritor. “Desde luego, en Palma no están por la labor de contribuir, a diferencia del municipio de Inca, donde sí estamos en conversaciones a través de diferentes proyectos”, añade.

Un grafitero hecho y derecho tiene criterio y nunca pintará sobre una muralla del siglo XVI, ya que es una persona que tiene conocimientos sobre arte

Hermano L

Hacer la cruz al grafiti: la “guerra” contra los escritores

Lokomas destaca que el Ayuntamiento de la ciudad “acaba de borrar una pieza mítica” que se hizo en conmemoración de los 23 años de Línea 6. “No lo entiendo, no es normal que pinten de gris una pared rodeada de solares”, lamenta el escritor, que anuncia que actualmente se está viviendo una “guerra” contra el grafiti por parte de las instituciones. “Consiguieron hacer algo que no se había hecho en ningún país del mundo, que fue pasar de tapar las pintadas a hacer cruces en forma de equis sobre ellas dejando las paredes mucho peor”, critica.

Esta idea de la “guerra” institucional contra el arte callejero es también compartida por Neus Aguiló, quien considera que “especialmente en Palma se ha emprendido un ataque bastante intenso contra el grafiti, que siempre ha tenido más mala prensa que el street art”, explica la escritora a elDiario.es. Por su parte, Fran S.C. recuerda un momento “muy peculiar”, cuando el Ayuntamiento “cedió una pared del centro cercana al paseo marítimos dando unos sprays de pésima calidad y borrando todo aquello pocos meses después”. “El grafiti no va a desaparecer de las ciudades y creo que gente cualificada deberia tomar las riendas para ceder espacios y poder llegar a acuerdos con los escritores de cada ciudad”, concluye.

En su libro, Neus Aguiló se acerca a reconocidos artistas del street art, la versión legal y profesionalizada del grafiti, como Joan Aguiló, Soma, Carolina Adán Caro, Fátima de Juan o Grip Face. La autora explica que se trata de artistas que trabajan principalmente a través de encargos privados e institucionales, abarcando un “público cada vez más amplio” y que “va más allá de la subcultura del grafiti, más ligada a lo efímero y a lo ilegal”.

Esta nueva situación del grafiti legal y remunerado, al que han pasado a formar parte muchos escritores de grafiti, pero también nuevas generaciones de artistas alejados del Hip-Hop, genera debates para el futuro de esta cultura. Tal y como apunta Hermano L, “ahora hay quienes se adaptan y lo intentan profesionalizar, pero la verdad es que da un poco de rabia por toda la gente que ha pasado por arrestos y multas por dedicarse a pintar”. Como siempre, el futuro es incierto. Lo que está claro es que, con mucha probabilidad, el ser humano no deje de desear trascender más allá de su tiempo.

Una mujer de ojos enormes y mirada penetrante vigila a los paseantes en Carabanchel. El Palacio de Vistalegre, un espacio multiusos y de espectáculos en el barrio del mismo nombre, amanece estos días cubierto en su fachada sur por un nuevo mural de grandes dimensiones.

Es el artista Sfhir, conocido muralista, quien lleva la batuta de esta pintura que ahora cubre parte del exterior del edificio, la que da a la calle Matilde Hernández. La zona norte colinda con Utebo, y aunque una vuelta completa al Palacio de Vistalegre puede durar unos minutos, no son pocos los viandantes que este martes por la mañana hacían parada y contemplaban el mural en ciernes.

El rostro de una mujer joven de pelo y labios rojos, que parece girarse a mirar fijamente hacia sus observadores, adorna la parte izquierda de la entrada, precedida por una larga escalinata. Al otro lado continúan dibujándose una mano y otras partes del conjunto, una ambiciosa obra de varios metros de longitud.

Hace poco más de una semana se inauguraba en el mismo distrito otro mural gigante que, en este caso, representaba una de las páginas del famoso 13, Rue del Percebe, con icónicas viñetas imaginadas por Francisco Ibáñez.

Esta nueva iniciativa se mantiene en la línea emprendida desde la Junta Municipal del Distrito, que trata de encumbrar el nombre de Carabanchel como un barrio de artistas gracias a su presencia cada vez mayor en la zona.

Daños en el transporte público de Madrid por valor de hasta 300.000 euros y 11 detenidos en consecuencia. La Policía Nacional ha desarticulado a un grupo de grafiteros al que seguían la pista desde hace siete meses, y que operaba deteniendo convoyes con la palanca de emergencia en pleno servicio o accediendo ilegalmente por grupos a las instalaciones donde se estacionan los trenes fuera del horario de servicio. Era en esos momentos cuandi llevaban a cabo las pintadas y después huían de la escena.

A todos los arrestados se les imputan los delitos de daños, desórdenes públicos, allanamiento de domicilio jurídico y grupo organizado. Las investigaciones se iniciaron en julio del año 2024 a raíz de numerosas denuncias interpuestas por la operadora de transporte público.

El modus operandi era el siguiente: primero los autores accedían al transporte como usuarios del servicio y, en plena circulación, accionaban el freno de emergencia para ejecutar de forma apresurada la pintada al detenerse el vehículo. Esta técnica conocida como “palancazo” puede traer múltiples consecuencias, tales como un perjuicio económico para la empresa propietaria de los trenes, el peligro para la integridad física de los pasajeros, la generación de alarma social y la paralización del servicio de transporte.

Los agentes consiguieron identificar a varios jóvenes a quienes se les atribuía la autoría de estos grafitis. Desarrollaban esta labor con una “gran profesionalidad”, según explica la Policía en un comunicado, pues empleaban medios y herramientas como radiales portátiles o llaves maestras para perpetrar los delitos.

A finales del pasado mes se estableció un dispositivo que ha derivado en la detención de 11 hombres. Ahora han pasado a disposición judicial como presuntos responsables de varios delitos graves.

La Cidade da Cultura acogió este miércoles una conferencia de Darryl A. McCray, conocido internacionalmente como Cornbread y considerado el primer grafitero contemporáneo del mundo, uno de los “pioneros” de este movimiento artístico. El writer -así prefiere que lo llamen en vez de grafitero-, de 72 años y procedente de Filadelfia, rehúsa utilizar la palabra “vandalismo” para referirse al grafiti y pone el foco en su vertiente artística. “El grafiti tiene un arte que en algunos casos no se puede leer. No quiero llamarlo vandalismo solo porque algunos lo hagan. Todo es arte”, afirma en declaraciones a Europa Press.

Dentro de la conmemoración del 60 aniversario del nacimiento del graffiti moderno en la Cidade da Cultura de Santiago de Compostela, el artista compartió su historia acompañado por Seor, autora del primer grafiti gallego pintado en Pontevedra en 1984.

Minutos antes, Cornbread atendió a Europa Press y rememoró sus inicios, terapéuticos y sin afán artístico, en el mundo del grafiti. Darryl McCray adoptó su apodo en la adolescencia, en referencia al pan de maíz que le hacía su abuela cuando él se encontraba en un centro de menores, en 1965.

En aquel lugar escribió su nombre por todas partes: en la cafetería, en la sala de visitas, en el gimnasio y hasta en la iglesia. Desde el centro, recuerda, le dieron un ultimátum: o limpiaba las pintadas o le castigarían, pero no cedió. “No podían controlarme. Cuando me dejaron salir, seguí pintando una y otra vez. Y me enviaron al psiquiatra, que quería saber por qué estaba haciendo eso. Dije: ”Voy a incendiar el mundo (...). Todavía no has visto nada, cuando salga de aquí, leerás mi nombre“, relata.

Reconoce que en aquel momento la reputación era muy importante para sobrevivir en un lugar dominado por las pandillas -a las que ayudaba escribiendo cartas a sus novias-. Esas 'firmas' le granjeaban el respeto que necesitaba.

McCray regresó a casa en 1967 pero no abandonó las firmas, que empezó a dejar en las rutas de autobús. “Hice que Filadelfia leyera sobre mí. Escribí mi nombre todos los días, en todas partes. Mi madre murió, mis abuelos murieron, y esa fue mi terapia. Escribí cornbread en todas partes”. Aunque sin saberlo, su nombre marcó el inicio del tagging, taqueo en español, y del grafiti moderno en 1965, un fenómeno que se expandió de Filadelfia a Nueva York y de ahí a Europa y al resto del mundo.

Con todo, entiende que en un primer momento se considerase vandalismo, aunque incide en la vertiente artística actual. “En algunos casos el grafiti tiene un arte que no se puede leer. No quiero llamarlo vandalismo solo por ciertos tipos que lo hacen. Todo es arte”, ha aseverado.

La prueba de su componente artístico, ha continuado, es que se encuentre este miércoles en Santiago y que continúe viajando por América y Europa para dar conferencias sobre esta técnica. La diferencia, ha señalado, es que “ahora se ha mejorado mucho porque se ha convertido en arte mainstream lo que antes era underground”.

Cornbread bromea sobre las miles de veces que ha podido estampar su firma en muy diversos lugares, algunos tan únicos como el avión del grupo estadounidense Jackson Five, momento que recuerda con cariño.

“Georgie Woods, un DJ de radio, anunció que los Jackson Five vendrían a hacer un espectáculo en Filadelfia y que si querías autógrafos podías ir al aeropuerto internacional de Filadelfia (...). Fui allí y llegó el avión y todos se pusieron como locos gritando. Cuando Michael Tito, Marlo, Jackie y Jermaine bajaron las escaleras, fue un caos total. Ahí fue cuando subí las escaleras y escribí mi nombre en el avión. Pensé en escribir mi nombre en varios aviones, pero sé que si solo escribiera en el avión de Michael Jackson o en el de los Jackson Five, eso valdría la pena”, cuenta.

Además de usar caligrafía “muy característica” al dejar su nombre escrito en las calles, también fue uno de los primeros en incorporar elementos que luego se harían populares entre los artistas del grafiti, como las coronas y los elefantes, que muestran Banksy y Basquiat, por ejemplo.

Más allá de su aportación, Cornbread celebra la evolución del mundo del grafiti. “Ha crecido a pasos agigantados. Es un movimiento internacional. Gente de todo el planeta Tierra se involucra en el grafiti”, concluye.

En el cruce de la calle Cava Alta con Toledo, en el distrito de La Latina, luce desde el miércoles un graffiti restaurado atribuido a Muelle, un conocido artista en tiempos de La Movida Madrileña. Su verdadero nombre es Juan Carlos Argüello, y el de este edificio sería el tercer vestigio del autor conocido en la capital. Lo curioso es que fue hallado bajo capas de pintura en el muro de un edificio en obras que, en un primer momento, iba a derribarse. Llevaba décadas ahí, pero estuvo a punto de desaparecer.

La aprobación de los vecinos que habitan el inmueble tras la insistente denuncia de un concejal socialista en el Ayuntamiento de Madrid, Antonio Giraldo, lograron llamar la atención del Gobierno regional. Y, finalmente, pudieron salvarlo. El consejero de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, Mariano de Paco, publicaba recientemente en sus redes una imagen junto al resultado final, que rescata una pequeña parte del muro original para exponer el graffiti sobre el fondo rojo y renovado del nuevo edificio.

De esta manera, ahora forma un triángulo junto a las otras dos obras que aún se conservan de este pionero del arte callejero. Las otras también han sido protegidas, una en la calle Montera y la otra, en la cárcel de Yeserías. El responsable del área competente, De Paco, ha reafirmado que estos elementos de la cultura urbana serán blindados como Bienes de Interés Cultural (BIC).

Estas declaraciones hacen referencia a una promesa de la presidenta Isabel Díaz Ayuso que también incluía el Patrimonio Inmaterial del Siglo de Oro o la Edad de Plata en la región. Por el momento no se han anunciado fechas concretas. Más allá de los vestigios que están expuestos al público, otras obras de Muelle aún se guardan en la capital, solo que permanecen en manos privadas. Quienes quieran apreciarlas en plena calle deberán ir a uno de estos tres puntos, después de sumarse esta última obra en Cava Alta.

Muelle (1965-1995), comenzó a pintar en el barrio de Campamento (Latina), donde nació y se crió. Su firma, caracterizada por una flecha, se expandió rápidamente por las calles de Madrid en los años 80, influenciada por el arte urbano neoyorquino. Este estilo se convirtió en una forma de expresión alternativa y disruptiva frente al arte convencional que predominaba en la época.

Un tribunal de Madrid ha decidido absolver a un grafitero que había sido condenado a entrar en prisión por vandalizar un tren con una pintada de 18 metros cuadrados en la localidad de Alcalá de Henares. Los jueces anulan una sentencia de dos años y un día de prisión, además de la obligación de pagar a Renfe los 3.476,33 euros que costó reparar el vagón, porque la Policía se limitó a identificar su firma, que ya conocían de otras veces, en vez de buscar pruebas que le ubicaran en el andén en el momento de la pintada. Solo eso, dice la Audiencia Provincial, no es bastante para condenar al grafitero.

El hombre ahora absuelto, según la sentencia que ha podido examinar elDiario.es, se sentó en el banquillo después de que la Policía le acusara como responsable directo de un grafiti que abarcaba buena parte de un tren de cercanías en la localidad madrileña de Alcalá de Henares. Una pintada de 18 metros cuadrados. Se desconoce si las cámaras habían captado al acusado pintando el vagón, pero los agentes le señalaron sin género de dudas en el juzgado: era su firma, el mismo tag que exhibía en las redes sociales.

Eso fue suficiente para que una magistrada le impusiera una condena de dos años y un día de cárcel por un delito de “daños en bienes destinados a uso público”, además de la obligación de indemnizar a Renfe. Una condena agravada por la existencia de antecedentes penales computables: un juzgado de Paterna ya le había impuesto, un año antes, otra condena de 16 meses de prisión por un delito de daños, sentencia que no fue ejecutada.

La Audiencia Provincial de Madrid ha examinado el caso y ha concluido que el acusado fue condenado sin pruebas suficientes, rechazando entre otros argumentos su alegación no probada de que en ese momento estaba interno en la cárcel barcelonesa de Brians. Los jueces reconocen que sí existe “prueba indiciaria” contra él, como que la Policía identificara que la firma que apareció en el tren era la que él usaba habitualmente, pero eso no es suficiente para imponerle una condena que implique su entrada obligatoria en prisión.

Los agentes de Policía, a lo largo del juicio, explicaron que el acusado ya había sido detenido varias veces “portando botes de spray” y que la firma de un grafitero “implica publicidad para su autor, mayor si se realiza en un vagón de tren, por su movilidad”. Señalaron que comprobaron “en las redes sociales” que esa era su firma pero, reprocha ahora el tribunal, “no se identifica la red social y tampoco se aportan a las actuaciones ninguna imagen de las citadas redes en las que se observe al recurrente con la firma que se le atribuye”.

Los jueces reconocen que la firma de un grafitero suele usarse de forma personal. “En ese mundo del grafiti sus autores firman sus trabajos y ninguno de ellos usa el tag del resto”, concede la Audiencia de Madrid. Pero no hay pruebas que le ubiquen ese día cerca del tren vandalizado en Alcalá de Henares y además es “irrelevante” que hubiera sido detenido más veces con botes, “lo cual no es delictivo”. “Este órgano de apelación alberga dudas sobre la autoría de los grafitis”, dicen para anular esa condena de dos años y un día de prisión.

Los policías que comparecieron en el juicio, explica la Audiencia de Madrid, “no acreditan que el recurrente estuviera en el lugar de los hechos el día y hora señalado realizando un grafiti, que se identifica solamente por su firma, extremo negado por el acusado”. La condena original, ahora completamente anulada, incluía pagar a Renfe lo que costó limpiar la pintada y sustituir la entrada en prisión por su expulsión del país al ser un ciudadano bielorruso en situación irregular.

Los tribunales españoles han establecido en los últimos años que, en caso de existir pruebas suficientes, un grafitero puede enfrentarse a una condena de prisión, especialmente si el objeto de sus pintadas ha sido algún tipo de patrimonio artístico. Hace tres años el Tribunal Supremo estableció en este tipo de casos los jueces podían condenar por un delito contra el patrimonio histórico-artístico. Los jueces analizaron el caso de un hombre que en 2017 fue cazado tras hacer varias pintadas en una escultura de Eduardo Chillida en la Plaza del Rey de Madrid y decidieron imponerle cinco meses de presidio además de la obligación de indemnizar al Ayuntamiento de la capital con los más de 1.300 euros que costó su reparación.

El consistorio madrileño, tal y como explicó Somos Madrid, aprobó a finales del año pasado un endurecimiento del protocolo de prestación ambiental sustitutoria de las sanciones en materia de limpieza de los espacios públicos y gestión de residuos para que los autores de estas pintadas no puedan sustituir las multas por una prestación en beneficio de la comunidad a no ser que accedan a eliminar ellos el grafiti.

En el último año, según datos del Ayuntamiento, se han levantado 264 expedientes y 384 denuncias, hay 42 investigados y casi 700 identificados, se han desplegado 200 vigilancias y se han remitido 117 atestados a juzgados de instrucción y otros nueve a la Fiscalía de Medio Ambiente por delitos de daños a edificios protegidos o de interés cultural. 

El Gobierno de José Luis Martínez-Almeida sigue intensificando su persecución contra los grafitis no autorizados en Madrid. El Ayuntamiento ha aprobado la modificación del protocolo de prestación ambiental sustitutoria de las sanciones en materia de limpieza de los espacios públicos y gestión de residuos. En la práctica, el cambio supone que quienes cometan una infracción por pintadas en el espacio público y quieran conmutar la multa económica ya no pueden hacerlo por una prestación en beneficio de la comunidad, salvo que dicha actuación consista específicamente en la eliminación del grafiti por el que fueron sancionados.

La iniciativa, que ya ha sido aprobada en Junta de Gobierno, parte del área de Urbanismo, Medio Ambiente y Movilidad. El concejal delegado del ramo, Borja Carabante, considera que la medida permitirá “reducir estos comportamientos incívicos”.

La modificación coincide con la publicación de los datos sobre las sanciones y actuaciones ejecutadas desde la Sección de Protección del Patrimonio Urbano, creada a finales de 2023 y con 39 agentes municipales dedicada a ella. En total, se han levantado 264 expedientes y 384 denuncias, hay 42 investigados y casi 700 identificados, se han desplegado 200 vigilancias y se han remitido 117 atestados a juzgados de instrucción y otros nueve a la Fiscalía de Medio Ambiente por delitos de daños a edificios protegidos o de interés cultural. El Ejecutivo municipal cree que estos resultados son “muy positivos”.

En 2023, a través del Servicio Público de Limpieza Urgente (Selur), se limpiaron 722.534 metros cuadrados en 73.005 servicios. El Ayuntamiento considera estas cifras especialmente altas, ya que fue el primer año en el que las patrullas de limpieza estuvieron plenamente operativas y completaron mucho del trabajo atrasado que, aseguran, impulsó la creación de estos equipos. Respecto a 2024, hasta el mes de septiembre incluido, se han prestado 42.259 servicios y limpiado 379.432 metros cuadrados.

El Gobierno del Principado ha puesto en marcha este jueves una nueva campaña de concienciación social dirigida a sensibilizar y prevenir el acoso escolar. La iniciativa se desarrollará hasta el 20 de diciembre en medios de comunicación digitales, emisoras de radio y redes sociales. Los materiales están elaborados en castellano, asturiano y eonaviego.

La campaña #stopbullying recurre en esta ocasión a la cultura urbana hip hop con un cartel, a semejanza de un grafiti, con el lema “Tú puedes ser el cambio, tú tienes la voz”.

Figura, además, el teléfono gratuito del ministerio de atención permanente (900018018) y el correo electrónico del Servicio de Inspección Educativa de la Consejería de Educación (sie-acosoescolar@asturias.org) para denunciar de forma anónima cualquier caso.

Como material novedoso, incluye un rap en el que se advierte de la importancia de que nadie se mantenga impasible ante posibles situaciones de acoso escolar. El objetivo es poder llegar a las personas más jóvenes utilizando un género musical y un lenguaje con el que estén familiarizadas.

Esta nueva campaña se suma a otras medidas impulsadas por la Consejería de Educación, como las tres actualizaciones del protocolo de actuación para incluir el ciberacoso, las conductas que atenten contra la orientación e identidad sexual o para atender las sugerencias de las direcciones de los centros educativos.

La consejería ultima también la contratación de un programa informático específico orientado a la prevención del acoso, que se pondrá a disposición de todos los centros de enseñanza públicos y concertados y que abarcará todas las etapas educativas. Esta medida tiene un presupuesto de 160.000 euros.

Asturias, pionera en la figura del coordinador

Asimismo, la consejería prepara una aplicación propia para que las direcciones de los centros puedan notificar las incidencias relacionadas con el acoso escolar.

Otras actuaciones han sido la subvención nominativa al Colegio de Psicología para habilitar un teléfono directo de intervención en situaciones de crisis e impartir charlas formativas a profesorado y familias. Desde junio hasta ahora, han participado casi 3.300 personas. Esa ayuda tendrá continuidad en 2025.

Asturias fue pionera en la implantación de la figura del coordinador de bienestar y protección en los centros en el curso escolar 2021-2022. Desde entonces, esta figura ha duplicado la carga con dos horas.