El Gobierno de Castilla-La Mancha ha dado a conocer las personas, entidades y proyectos que recibirán las Medallas al Mérito Cultural de la región, unos galardones que reconocen trayectorias y aportaciones destacadas en ámbitos como la música, la literatura, el cine, las artes escénicas, la conservación del patrimonio, la investigación y la inclusión cultural.

Así lo ha anunciado la consejera Portavoz del Ejecutivo autonómico, Esther Padilla, quien ha informado de que la ceremonia de entrega se celebrará el próximo martes, 27 de octubre, a las 18.00 horas, en el Teatro Palenque de Talavera de la Reina.

Padilla ha destacado la diversidad de los perfiles reconocidos en esta edición, que incluyen desde jóvenes artistas que comienzan a abrirse camino hasta profesionales y colectivos que llevan décadas dedicados a transmitir conocimientos, conservar la memoria colectiva y despertar vocaciones culturales.

La Mención Especial de esta edición recae en Teresa Ases y Carlos Iglesias, de 'Somos Vértice', en Albacete, por su labor para acercar la creación contemporánea a los municipios y abrir espacios de participación al talento joven. Entre sus iniciativas, destaca 'Alumbra', que combina arte, educación y territorio para favorecer el encuentro entre creadores y ciudadanía, especialmente en el medio rural.

Por otro lado, la Medalla a la Cultura Joven reconoce a Clara Serrano Esteban, de Cuenca, una artista de 26 años que desarrolla su trayectoria en cuatro disciplinas: interpretación, piano, composición y canto. Entre sus trabajos figura su participación en montajes como Constelaciones, dirigido por Sergio Peris-Mencheta, que la sitúan entre las jóvenes promesas de las artes escénicas.

En la categoría de Rehabilitación y Difusión del Patrimonio Material, el Ejecutivo autonómico ha distinguido las pinturas murales de la iglesia de Nuestra Señora de la Asunción de Cardenete (Cuenca), un conjunto artístico que forma parte de la identidad y la historia del municipio.

Padilla ha explicado que la celebración de los 250 años de su creación ha permitido reunir de nuevo a los vecinos alrededor de distintas actividades culturales, especialmente relacionadas con la música y la historia, y poner de relieve el vínculo entre el patrimonio y la vida de los pueblos.

La Medalla al Mérito Cultural en Conservación y Difusión del Patrimonio Inmaterial corresponde al Grupo Folclórico La Abuela Santa Ana, de Albacete, integrado por 50 personas que, desde 1987, trabajan en la recuperación y transmisión de bailes, canciones e indumentarias tradicionales. La consejera ha resaltado el valor de este trabajo para que las manifestaciones culturales heredadas de generaciones anteriores sigan encontrando personas dispuestas a aprenderlas y compartirlas.

Por su parte, la Medalla al Mérito Cultural en Investigación del Patrimonio Cultural distingue al Instituto de Estudios Albacetenses 'Don Juan Manuel', por casi medio siglo de dedicación al estudio y la difusión del patrimonio de la provincia.

La portavoz ha puesto en valor la importancia de esta labor investigadora, que contribuye a ampliar el conocimiento sobre la historia y a conservar la memoria de quienes precedieron a las generaciones actuales.

Del arte urbano a la creación digital

La Medalla al Mérito Cultural en Artes Plásticas recae en Daniel Ferrer y Beatriz Clemente, impulsores de 'Take Art Way' y 'Torrijos Más Allá de la Pared', en Torrijos (Toledo). A través de estos proyectos, ambos creadores han trasladado el arte a las fachadas y espacios públicos del municipio, convirtiendo sus calles en una galería al aire libre y acercando la creación artística a los vecinos en su vida cotidiana.

En la categoría de Arte Digital, el reconocimiento es para Kike Aspano, de Toledo, cuya vocación artística nació en el laboratorio fotográfico de su padre. Su formación en Arquitectura y Urbanismo ha dado lugar a una obra en la que combina la precisión de las formas con una mirada sensible sobre las personas y los espacios que habitan.

El teatro, la danza o el cine, también reconocidos

En las Artes Escénicas, el Gobierno regional ha reconocido dos iniciativas que contribuyen, desde ámbitos diferentes, a la difusión del teatro y la formación artística. La primera es la Muestra Nacional de Teatro Espiga de Oro, de Azuqueca de Henares (Guadalajara), que lleva más de cuatro décadas acercando producciones teatrales de toda España a su público. Durante este tiempo, la muestra se ha consolidado como una cita cultural compartida por distintas generaciones de espectadores y ha contribuido a despertar nuevas vocaciones.

La segunda distinción corresponde a la Escuela de Baile Adae Alma, de Talavera de la Reina (Toledo), fundada por Lucía Quintas en 2014. Su actividad combina la formación en danza con la producción de musicales y espectáculos propios, y ofrece al alumnado un espacio para desarrollar sus capacidades artísticas y adquirir confianza sobre el escenario.

Por su parte, la Medalla al Mérito Cultural en Cine distingue a Hugo de la Riva, de Alcázar de San Juan (Ciudad Real), director, guionista y productor que descubrió desde niño su vocación por contar historias a través de las imágenes. Su trayectoria profesional se desarrolla entre el cine y la publicidad, dos ámbitos en los que ha explorado diferentes posibilidades narrativas del lenguaje audiovisual.

La música, la literatura y el fomento de la lectura

La Medalla al Mérito Cultural en Música reconoce a la Joven Orquesta de Cuenca, una formación creada en 1991 por cuyos atriles han pasado distintas generaciones de intérpretes. Además de su labor formativa, la orquesta ha llevado su talento a escenarios de España y Europa y ha participado en iniciativas singulares, como una colaboración con Alejandro Sanz durante la pandemia.

En la categoría de Creación Literaria y Edición, el galardonado es Antonio Rubio, natural de El Puente del Arzobispo (Toledo), maestro y poeta que ha dedicado cuatro décadas a acercar la literatura a la infancia. Acaba de ser reconocido con el Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil 2026.

La Medalla al Mérito Cultural en Fomento de la Lectura distingue a los clubes de lectura de la Biblioteca Pública de Guadalajara, pioneros en promover la lectura como una experiencia compartida.

En la categoría de Cómic y Artes Gráficas, la medalla recae en Irene Márquez, de Valdepeñas (Ciudad Real), creadora reconocida por su humor negro, su irreverencia y su mirada crítica sobre la realidad. Colaboradora de la revista El Jueves, fue distinguida con el Premio El Ojo Crítico en 2025 y con el Premio Nacional del Cómic en 2026.

El mecenazgo en el ámbito cultural

La Medalla al Mérito Cultural en Mecenazgo y Promoción de la Cultura reconoce a Chemo Liconsa, laboratorio farmacéutico de Guadalajara perteneciente al grupo Insud Pharma, por su colaboración en el desarrollo de iniciativas culturales en la provincia.

Por otro lado, la Medalla al Mérito Cultural en Proyectos Culturales Inclusivos (Derechos Culturales) distingue a la Escuela de Atención Educativa Hospitalaria y Domiciliaria de Guadalajara y a su revista digital La Pecera.

Finalmente, la Medalla al Mérito Cultural en Cultura y Memoria reconoce a título póstumo al pintor y grabador José García Ortega, natural de Arroba de los Montes (Ciudad Real), cuya trayectoria artística estuvo marcada por su experiencia en prisión y en el exilio.

Impulsor de Estampa Popular, desarrolló una obra comprometida con la libertad y la denuncia de las injusticias sociales, que constituye un testimonio artístico de los conflictos y las luchas de su tiempo.

El Ayuntamiento de Logroño, en el marco de la celebración de 2026 como Año Rafael Azcona, ha presentado este viernes el acto institucional central con el que pretende rendir homenaje al universal guionista. El evento, que llevará por título ‘Bailando con Azcona’ es un repaso a su trayectoria a través de las bandas sonoras de algunas de sus películas más recordadas.

Así lo ha anunciado el alcalde de la ciudad, Conrado Escobar, acompañado por la concejal de Cultura, Rosa Fernández, y el director de la Banda Municipal de Música de Logroño, José Ángel Cabezón, desde el Teatro Bretón de los Herreros. Este espacio municipal será el escenario en el que tendrá lugar el espectáculo el próximo jueves 29 de octubre a las 20:00 horas.

Conrado Escobar, ha remarcado “el cariño y el mimo con el que se está trabajando en este acto, ya que supone rendir tributo a uno de los guionistas más universales de nuestro cine, pero también a un vecino de Logroño apreciado por todos, que llevó por bandera su origen en muchos de los trabajos que impulsó durante su trayectoria”.

“No es la última de las iniciativas que vamos a poner en marcha con motivo de esta efeméride, pero sí que es una muy especial, porque volver a escuchar la banda sonora de algunas de las películas de Azcona nos va a transportar hasta esos años y nos va a permitir rescatar algunas de las sensaciones que tuvimos cuando las vimos por primera vez”, ha destacado.

En opinión del alcalde de Logroño, “es un reconocimiento institucional por parte del Ayuntamiento de Logroño, pero desde el primer momento lo hemos entendido como un reconocimiento popular, del conjunto de la ciudad, que honra a uno de sus vecinos más universales”. 

Así será el acto de homenaje

El espectáculo contará con la participación de la Banda Municipal de Música de Logroño, bajo la batuta de su director José Ángel Cabezón, así como del violinista murciano Antonio García Egea y de la cantaora María Toledo. Interpretarán algunas de las composiciones más recordadas de autores como Alejandro Amenábar, Augusto Algueró, Manuel Asins Arbó o el maestro Tudela, todos ellos responsables de las bandas sonoras que acompañaron el cine de Azcona a lo largo de su trayectoria.

Asimismo, el evento contará con la participación de la Casa de la Danza y la Agrupación de tango El Firulete para ofrecer, a lo largo de la sesión, actuaciones de baile de twist, tango o fox-trot.  La propuesta musical recorrerá algunas de las películas más conocidas escritas por Azcona, como ‘El verdugo’, ‘Belle Epoque’, ‘¡Ay, Carmela!’ o ‘La lengua de las mariposas’, con arreglos y dirección musical de César Guerrero, ganador del Grammy 2003 por ‘La historia del soldado’.

Sorteo de 200 entradas

Con el objetivo de abrir el acto al conjunto de la ciudadanía, el Ayuntamiento va a poner en marcha un proceso participativo a través del cual sortear 200 invitaciones dobles (400 invitaciones en total) para asistir al evento.

Para participar en el proceso las personas interesadas podrán recoger en el Servicio 010 del propio Ayuntamiento unos formularios que deberán cumplimentar e introducir en una urna. También existe la posibilidad de tomar parte en el sorteo remitiendo un correo electrónico a 010@logrono.es indicando en él nombre, apellidos, DNI, teléfono y mail de la persona participante.

Se sortearán 200 invitaciones dobles y cada ciudadano solo podrá depositar un único boletín de participación.

El plazo para entregar las papeletas o remitir el correo electrónico se inicia el lunes, 19 de octubre, y finaliza el viernes 23.

El sorteo será público y se realizará el día 26 de octubre a las 12,00 horas en el salón de usos múltiples del Ayuntamiento de Logroño, siempre y cuando el número de solicitudes sea mayor que el número de invitaciones a entregar. Los ganadores se publicarán en la página web del consistorio.

Los ganadores podrán recoger las invitaciones, en el punto de información del Ayuntamiento de Logroño (010) los días 27, 28 y 29 de octubre. El horario del Servicio 010 es de lunes a viernes de 9:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 19:00 horas.

El cortometraje Hachazo, codirigido por el cineasta alcantareño Pablo Magro y Sebastián Reyes Morales, sumará una nueva parada internacional tras ser seleccionado para competir en el Trikala International Comedy Film Festival (TICFF), que celebrará su primera edición en la ciudad griega de Trikala entre el 16 y el 25 de octubre.

La elección supone un nuevo reconocimiento para esta producción extremeña, que continúa ampliando su recorrido fuera de España después de cosechar premios en festivales de India y Rusia. En concreto, la película obtuvo el galardón al Mejor Debut en el Tamizhagam Film Festival, celebrado en India, y el premio al Mejor Cortometraje Detectivesco en el festival Gold of Kotlovka, en Rusia.

Natural de Alcántara, Pablo Magro consolida así la proyección internacional de su primer trabajo cinematográfico, una comedia negra que ha conseguido abrirse paso en distintos certámenes del circuito independiente.

El festival griego nace con el objetivo de reivindicar la comedia en todas sus vertientes, desde la sátira hasta la animación. Además de las proyecciones a concurso, el programa incluirá talleres, clases magistrales y encuentros profesionales destinados a fomentar el intercambio entre cineastas emergentes, creadores consolidados y público.

Dos detectives y una desaparición

Hachazo adopta la fórmula del falso documental para contar una historia tan absurda como intrigante. La trama sigue a dos detectives encargados de investigar la misteriosa desaparición de un novio durante su despedida de soltero, una premisa que sirve de punto de partida para una sucesión de situaciones disparatadas en las que se mezclan el misterio y el humor negro.

La obra nació durante el Máster de Cinematografía y Artes Visuales de School Training, en Málaga, y está codirigida por Pablo Magro y Sebastián Reyes Morales. La distribución corre a cargo de la firma malagueña Dreamview Distribution.

El cortometraje también puede verse de forma gratuita en HorrorHound TV, plataforma estadounidense especializada en cine de terror y producciones independientes.

Un proyecto surgido durante su etapa de formación

Pablo Magro, natural de Alcántara, desarrolló Hachazo como su primer cortometraje tras completar su formación en producción audiovisual y ampliar sus estudios cinematográficos en Málaga.

Junto a él figura como codirector Sebastián Reyes Morales, nacido en Caracas, quien orientó su trayectoria profesional hacia el ámbito audiovisual tras una formación inicial vinculada a la informática. Especializado posteriormente en guion y dirección cinematográfica en School Training, ha participado en proyectos como La Reconquista, Camelia Carmín y La Herradura, además de intervenir como extra en la serie La chica de nieve.

La presencia de Hachazo en el certamen de Trikala amplía el alcance internacional del proyecto y abre una nueva ventana de difusión para el trabajo de sus dos directores. Tras los reconocimientos obtenidos en India y Rusia, la comedia negra continuará ahora su recorrido europeo con una nueva oportunidad para conquistar al público y al jurado griegos.

Ahora que los Javis y su película La bola negra se han situado en la carrera hacia los Óscar, es un buen momento para recordar cuál fue la primera película que trajo la dorada estatuilla de Hollywood a España. Y que, de paso, convirtió Gijón en un plató cinematográfico que todavía hoy se puede recorrer. La ciudad asturiana, sede de un importante festival de cine, fue escenario del rodaje de Volver a empezar, el drama nostálgico con el que, efectivamente, José Luis Garci consiguió, en 1983, el primer Oscar para el cine español.

Volver a empezar relata la historia de un famoso escritor que regresa a su ciudad natal, que es precisamente Gijón. Y es a través de este personaje que recorremos diferentes lugares emblemáticos de la ciudad, desde el puerto viejo, el Club de Regatas, el muro de San Lorenzo o el teatro Jovellanos.

Una ciudad protagonista

En la película de Garci, Antonio Ferrandis da vida a Antonio Albajara, un profesor de Literatura en Berkeley que decide regresar a Gijón tras recibir el Premio Nobel de Literatura y repasar los recuerdos de una ciudad que dejó atrás muchos años antes. Un argumento que le sirvió a Garci para hablar, aunque fuese entre líneas, de aquellos que tuvieron que huir durante el franquismo y pudieron por fin regresar con la Democracia.

En la película, Antonio se reencuentra con Elena (Encarna Paso), su amor de juventud, y junto a ella recorre varios lugares de la ciudad. Su deambular por la ciudad convierte Gijón en protagonista y la película funciona también como un pequeño reportaje turístico, ya que nos muestra lugares emblemáticos como el Teatro de Jovellanos, el Club Astur de Regatas o los viejos cines Robledo. Antonio y Elena incluso asisten a un partido del Real Sporting de Gijón en el estadio de El Molinón.

Entre los lugares que más aparecen destaca, sin duda, la Playa de San Lorenzo y su muro, el paseo marítimo. Asimismo, en la película, Antonio se hospeda en el Hotel Asturias, que todavía existe hoy en día y donde puede verse una placa que recuerda que allí se rodaron escenas de la película ganadora del Oscar.

Más allá de Gijón

El reencuentro de Antonio con Elena les lleva más allá de Gijón, a recorrer algunos lugares cercanos que no pueden faltar en ninguna ruta turística por Asturias. Así, en la película aparecen imágenes de postal del ojo de Deva, donde nace el río Peñafrancia, y también aparecen varios enclaves de la costa asturiana como Cudillero, Cangas de Onís, Muros de Nalón y el Cabo Peñas, así como del Santuario de Covadonga.

La proyección internacional obtenida por esta película gracias a los Oscar sirvió, pues, para dar a conocer al mundo unas localizaciones poco habituales en la gran pantalla. Asimismo, abrió el camino para otros cineastas españoles que triunfaron en Hollywood, como Fernando Trueba o Pedro Almodóvar. Quién sabe si La bola negra ampliará también esta lista.

“No estoy seguro de caerles muy bien a Amazon o Netflix, pero yo he disfrutado mucho trabajando con ellos”. Lo dice Nicolas Winding Refn (Copenhague, 1970), que se ha pasado una década entera sin estrenar película desde que The Neon Demon llegara a cines en 2016. No significa que haya estado desocupado, claro, pues al margen de su colaboración con Hideo Kojima en los videojuegos de Death Stranding —donde interpreta a un personaje por captura de movimiento—, ha estrenado hasta dos miniseries en streaming: Demasiado viejo para morir joven (2019) en Amazon y Cowboy de Copenhague (2023) en Netflix. Miniseries donde su peculiar estilo no se diluyó en absoluto.

Teniendo en cuenta que este estilo apela a un ritmo lento y una militante abstracción narrativa, no parece algo adecuado para el consumo en streaming. Y, como él mismo ironiza, es probable que las plataformas que se dejaron millones de dólares en estos proyectos no quedaran muy contentas con el resultado. Pero la cuestión es que esta fase ha terminado y Winding Refn (al que gusta de estilizarlo todo, incluido su nombre para firmar simplemente como “NWR”) ha decidido volver al largometraje con Su propio infierno. Un film que, a la vez que fue destrozado por la crítica en el Festival de Cannes, dio pie al momento más emotivo de la última edición.

Sucedió cuando reveló que hace tres años sufrió una grave afección cardíaca y estuvo muerto durante 20 minutos. La experiencia fue forzosamente reveladora para él, trascendental, y le condujo a Su propio infierno con un deseo consolidado de dejarse llevar por sus intuiciones y más silvestres pálpitos. Así que Su propio infierno es efectivamente impenetrable, con un argumento que —aunando ambientación futurista, venganzas a puñetazo limpio, asesinos en serie, cuentos infantiles, devaneos sáficos e hijas con síndrome de Casandra— tampoco tiene mucho sentido despiezar.

Baste aclarar que el magnético rostro de Sophie Thatcher es una brújula perfecta —“Sophie llegó bastante tarde a las audiciones, pero simplemente supe que era ella”, revela Winding Refn sobre la actriz que muchos descubrimos en La acompañante el año pasado—, y que su director no disimula en ningún momento, durante su conversación con elDiario.es, que ha hecho la película exclusivamente para su disfrute personal. Que ese disfrute pueda ser contagioso o no, es cosa nuestra.

Diez años después de The Neon Demon, vuelve con otro thriller sobre un grupo de jóvenes actrices y modelos acechadas por la violencia. ¿Es Su propio infierno una secuela espiritual?

Nunca he pretendido entender lo que hago, quiero trabajar desde el instinto. Siempre digo que no soy político, no tengo ninguna agenda. Para mí Su propio infierno es una especie de caleidoscopio de todo lo que hay en mi cerebro...

La película hace una cita directa a Hans Christian Andersen y La pequeña cerillera, pero diría que los cuentos de hadas siempre han estado presentes de alguna forma en su obra.

Bueno, Hans Christian Andersen era danés, como yo. Siempre digo que si Hans Christian Andersen siguiera vivo sería yo. Él no habría escrito El patito feo, él habría escrito Drive. Él no habría escrito El soldadito de plomo, habría escrito Valhalla Rising. Y La sirenita habría sido The Neon Demon. Compartimos una gran conexión y siempre he amado los cuentos de hadas porque me encanta la fantasía y las interpretaciones que permite. Los cuentos siempre transmiten un sentimiento, una emoción, y esto conduce a una interpretación. Puedes leer el mismo cuento diez años después y tener una reacción distinta porque eres diez años mayor. 

Lo mejor de los cuentos de hadas es que a primera vista parecen superficiales y en realidad no lo son, porque todo gira en torno a la interpretación del texto y la iconografía. Empecé haciendo películas sobre la realidad y luego decidí que no me interesaba, que prefería la irrealidad. Es decir, la fantasía. La fantasía que son los cuentos de hadas. 

Nunca he pretendido entender lo que hago, quiero trabajar desde el instinto. Siempre digo que no soy político, no tengo ninguna agenda

Nicolas Winding Refn — Cineasta

Su propio infierno es un film de ciencia ficción ambientado en Tokio, lo que hace pensar en su colaboración con el desarrollador de videojuegos japonés Hideo Kojima y en su participación por motion capture en Death Stranding. ¿Le interesa el lenguaje de los videojuegos?

Yo quise ambientar la película en Tokio porque en un momento dado básicamente quería mudarme ahí. Pero me di cuenta de que esa Tokio solo existía en mi cabeza, así que volvimos a Copenhague y lo rodamos todo en estudio. Construí mi propia Tokio. 

Por otra parte, Hideo es brillante en todo lo que hace, alguien que me inspira, pero no soy un gamer en sentido estricto. Juego al Donkey Kong y poco más. Pero me interesan las posibilidades creativas de los videojuegos. Los videojuegos funcionan de forma muy distinta al cine y eso es fascinante.

El vestuario y el color es central en la película, que en un momento dado se convierte en una película de terror al estilo del giallo italiano de los años 60 y 70.

Evidentemente, me gusta todo lo italiano. Adoro la libertad y el surrealismo que cultivaban este tipo de películas, porque ahí no importaba tanto la construcción de la historia como… la objetificación de los objetos. Es decir, la fetichización de los elementos. Algo muy inspirador porque ante todo soy una persona muy fetichista. Es una parte básica de mi creatividad.  

La chaqueta de Charles Melton nos recuerda a la de Ryan Gosling con el escorpión en Drive…

El vestuario es central en mi cine porque es lo que permite que un actor se transforme en su personaje. En gran parte es cómo se identifica con él y es por eso el vestuario es tan esencial como sería el maquillaje, quizá más. Es el proceso de transformación. Si piensas en el teatro, donde solo hay un escenario falso, el vestuario y el maquillaje son los elementos fundamentales para que la ilusión pueda ser posible y siempre me ha importado mucho eso. Por eso, encuentro tan interesante la iconografía de los cuentos de hadas, supongo. 

Es interesante también la presencia de Pino Donaggio componiendo la banda sonora porque justo él trabajó en su día con Dario Argento, icono del giallo.

Bueno, Su propio infierno no deja de ser una ópera. Y en la ópera, la música lo es todo. Todo se reduce a la música. Así que diría que la música de Pino es la sangre de Su propio infierno. Es su música la que ata todos los elementos que he ido montando como una casa de muñecas. Y la película no funcionaría sin ella. Es el elemento principal.

Su propio infierno es tan pronto un thriller como una película de acción donde también hay huellas de David Lynch y la space opera tipo Barbarella. ¿Cómo has equilibrado tantas inspiraciones?

Siempre me han encantado las películas de acción. Es un género como bíblico. Luchar contra, o con, el demonio. Siempre he adorado las películas de kung-fu porque hay algo muy visceral en ellas… pero todas estas no son tanto inspiraciones como cosas que me gustan. Para mí Su propio infierno ha sido como ir a un restaurante y pensar ‘me gusta todo, así que comeré todo lo que haya en el menú’.

Tendría que haber una resolución de la ONU sobre cómo debe funcionar la IA en sociedad y cómo podemos beneficiarnos de ella. Pero no es lo mismo el marco de la sociedad que el de la creatividad

Nicolas Winding Refn — Cineasta

Por último, pensé en Blade Runner y en la inteligencia artificial. Y en que desarrolló junto a Kojima un anuncio de Prada generado por IA. ¿Cómo se posiciona frente a esta tecnología?

La inteligencia artificial, como es lógico, suscita todo tipo de opiniones. Pero también es muy complicado reducirlo todo a blanco o negro. Como tecnología, la IA amplía nuestras opciones. Nos ayuda mucho en ciertos aspectos y también beneficia a la sociedad humana. A la vez es increíblemente peligrosa y, en mi opinión, debería estar regulada. Tendría que haber una resolución de la ONU sobre cómo debe funcionar la IA en sociedad y cómo tenemos que beneficiarnos de ella. Aunque no es lo mismo hablar de la IA en el marco de la sociedad que en el de la creatividad.

¿Entonces la usaría en alguna película futura? ¿Le interesa?

Desde luego es una herramienta que ofrece oportunidades. Ahora bien, supone un cambio radical… como quizá lo fue internet. Así que altera nuestro sistema y tiene unas consecuencias enormes que debemos aceptar. Aunque quizá eso siga siendo algo social, en cuanto a cómo va a sobrevivir la gente si la IA se queda con su trabajo. Veamos… desde luego todo el mundo está usando IA en el entretenimiento, le guste o no. Ya lo están haciendo, se está infiltrando en todo. En mi opinión, y es solo mi opinión, la IA ofrece oportunidades creativas interesantes, pero no creo que sea buena para ciertas cosas. En un sentido creativo, para mí es solo un bolígrafo. 

Quizá, cuando se hagan esas películas IA de las que se habla tanto, con actores generados por IA, simplemente sean muy malas y a nadie le importe. Creo que los humanos tienden a sentir conexión con otros humanos. Aunque, por otro lado, la animación siempre ha triunfado y es una ilusión falsa. ¿Cuál es la diferencia entre la IA y la animación? Pues es un debate complicado donde no podemos limitarnos a decir sí o no. Hay que analizarlo caso por caso. Si tienes 14 años, estás en el instituto y quieres crear cosas, y dispones de algo como la IA… ¿Por qué no aprovecharlo?

En 2022, Carlota Pereda se llevó el Méliès de Oro en el Festival de Cine Fantástico de Sitges con Cerdita, su debut en el largometraje. La película, que había nacido de su cortometraje homónimo, ganador del Goya en 2019, se estrenó en Sundance y logró seis nominaciones a los Goya, entre ellas la suya a mejor dirección novel, y de Laura Galán, que se acabó llevando el premio a mejor actriz revelación.

Cuatro años después, la directora ha vuelto al festival exactamente como se merecía, para inaugurarlo. De hecho, es la primera directora española que abre la programación de Sitges, y solo la cuarta mujer en hacerlo en las 59 ediciones de la muestra. Su película se titula Found Alive, su salto al cine en inglés, rodada en EEUU y protagonizada por Chloë Grace Moretz (Kick-Ass, Déjame entrar, Carrie), bien respaldada por otros intérpretes como Rupert Friend, Scott Haze o Dana Millican. 

En la cinta, que seguro que acelerará el ritmo cardiaco de muchos espectadores, Moretz es Reeve LeClaire, una joven que sigue marcada por el secuestro de cinco años que sufrió en su adolescencia y que, cuando su psiquiatra le pide que ayude a otra víctima recién rescatada, se ve atrapada en un juego peligroso que le hace revivir su pesadilla. Algo que, paradójicamente, acaba teniendo efectos sanadores. La historia se trata de una adaptación de la novela The Edge of Normal, de Carla Norton, inédita en castellano. Pereda, que ya presentó en Sitges Cerdita y La ermita, compite también con Found Alive por el premio a mejor película en la sección oficial.

Horas antes del estreno, la directora confesaba que estaba viviendo el hecho de inaugurar el festival entre el agradecimiento y los nervios. “Sitges siempre ha sido muy importante en mi vida, sobre todo porque ya desde Cerdita me acogieron muy bien”, explica. Abrir el festival es, para ella, un honor. Especialmente que la organización considere que su película y ella “forman parte de su historia”. La presión, en todo caso, viene por otro lado: “Me gustaría que el público acoja y celebre la peli, porque al fin y al cabo las películas las hacemos para ellos. Pero ya está hecha, y no hay nada más que yo pueda hacer”.

Pereda confiesa que no conocía la novela de Carla Norton cuando le llegó el guion, una adaptación realizada por Lori Evans Taylor, que también fue guionista de Destino final: Lazos de sangre. “Pero enseguida me di cuenta de que era un texto muy inteligente y, sobre todo, permitía contar con un personaje único”, recuerda. Lo que aportó ella fue la forma: quería un thriller psicológico pero íntimo. 

Cita El silencio de los corderos como una de sus películas favoritas, pero con una salvedad: “En ella, el protagonista sigue siendo Hannibal Lecter, aunque salga apenas diez segundos. De Found Alive me gustaba que eso no iba a suceder, que podríamos hacer una película que funcionara bien como thriller pero sin dejar de ser íntima y respetando el arco del personaje principal”. Entre sus referencias del género menciona también Prisoners y, “un poco, Tenemos que hablar de Kevin, pero pasado por algo más visceral”, que tiene más que ver con su “sensibilidad”.

Ante la pregunta de si es una película sobre el trauma, matiza. “El trauma está, por supuesto, pero la historia va más de cómo las víctimas no son solo víctimas, no se definen solo por eso”, responde. “Es cierto que a Reeve le ha sucedido algo que hubiera podido determinar su vida, pero no la define del todo. Es mucho más que eso”. Found Alive es además, en su opinión, una película sobre “el poder de la empatía y de la experiencia humana”.

Para mí la policía es la representación del poder que mira hacia el otro lado. Y no hay más que ver los casos que suceden en la realidad, sobre todo en EEUU

Carlota Pereds — Cineasta

También es una historia de mujeres, y eso fue una decisión totalmente consciente. Ya estaba en la novela, dice, pero lo reforzó: “Para mí siempre ha sido una historia de mujeres”. Y en el universo del film, la policía, mayoritariamente masculina, no sale bien parada. “Es como la vida misma, ¿no?”, replica Pereda entre risas. “Para mí la policía es la representación del poder que mira hacia el otro lado. Y no hay más que ver los casos que suceden en la realidad, sobre todo en EEUU: muchas veces las instituciones no hacen mucho para resolverlos”, zanja. 

En relación con la verosimilitud del caso que vemos en pantalla, al espectador español quizá le sorprenda que este tipo de secuestros parezcan ser tan comunes en el país gobernado por Trump. Durante la preproducción, además de entrevistar a víctimas para documentarse, la directora empezó a leer la revista People y a ver cómo los casos de este tipo se acumulaban. “Cada día venían en prensa seis o siete”, cuenta. Y menciona uno reciente y especialmente aterrador: la liberación de 163 mujeres que tenían secuestradas cuatro hombres en Florida. “Son historias muy comunes. A mí también me sorprendió que lo fueran tanto. Quizá me daba más cuenta por estar trabajando en la película, pero mi algoritmo solo me mostraba casos de secuestros que pasaban en EEUU cada dos por tres”, señala.

Rodar por primera vez al otro lado del atlántico y con reparto internacional fue, resume, “muy intenso y complicado”, pero también lo volvería a repetir. “Allí todos respetan mucho lo que ellos llaman ‘tu visión’. Nadie estaba ahí por dinero, estaban por el proyecto, estaban por mí, a full, hacen lo que sea por ti, por la película y por su personaje”, destaca. 

Solo tiene elogios para Chloë Grace Moretz y Rupert Friend, los dos intérpretes principales: “Ha sido muy satisfactorio trabajar con ellos y con el resto del reparto. Es una película complicada, con secuencias complejas, pero ha sido una sensación como para repetir. Desde luego volvería a trabajar con Chloë y con todos los demás”.

La complejidad de esas secuencias obligó a medir cada plano. Pereda trabaja siempre con Rita Noriega, su directora de fotografía desde el corto Cerdita, y ambas tenían claro que “la mirada siempre importa”. Por eso intentaron contarlo “desde el punto de vista de las víctimas” y con el mayor respeto posible. “Todos los planos están muy pensados. No hemos dejado nada al azar”. En el rodaje hubo coordinadores de intimidad y una psicóloga, “para asegurarnos de que no solo lo que mostrábamos, sino también cómo lo hacíamos, era respetuoso y sensible”. Un ejemplo: “Nunca se muestra violencia hacia las chicas en cámara”.

Sobre lo que viene, Pereda no tiene un plan cerrado. Está en proceso de financiación de “un proyecto muy interesante”, y de cara al futuro prefiere “seguir eligiendo los proyectos y dejarme llevar por cada uno de ellos. Lo prefiero a hacer una planificación de carrera concreta”. “Si es en EEUU, pues en EEUU, y si es aquí, pues aquí”, continúa. Mientras tanto, piensa disfrutar del estreno y del festival. “Sitges es el lugar más importante del mundo si haces cine de género”, sentencia. “Para mí se siente como casa. Es el lugar donde siempre he sido feliz”.

La ciudad de Madrid “preciosa y elegante” que ha venido a rodar Woody Allen (son sus palabras), ¿dónde está? Probablemente, esa ciudad ideal solo exista en las películas.

Si Madrid es preciosa, lo es debajo de las múltiples capas que conforman el cómo está o el cómo la hacen estar: está fea, está sucia, está hedionda, está intransitable, está desordenada y está malcriada.

¿Elegante? Ni de lejos. Madrid es chabacana, vulgar, cateta, chusca, hortera, chunga y paleta. Me permito decir esto porque he nacido en Madrid y llevo más de 51 años pateando aceras, plazas, líneas de metro, portales y azoteas. Haciendo en ellas, escribiendo sobre ellas. Desde el cariño lo digo. (Y nos encanta tal como es, por eso nos quedamos).

Romance, intriga e infidelidad en los madriles

Woody Allen, que ha venido a rodar a nuestra entrañable ciudad su película número 51, una comedia con romance, intriga e infidelidad, se ha encontrado con que la preciosa y elegante (no) Puerta del Sol, esa sartén del kilómetro cero donde uno solo se quiere detener en ella para aliviar el sofoco, estaba un poquito ocupada esta semana, impidiendo la posibilidad de un rodaje que no fuera para mostrar la verdadera ciudad tal y como es: encendida, exasperada, aguerrida, combativa, valiente, brava, indómita y salvaje.

No sabemos si el alcalde Almeida tiene pensado poner unas señales a partir del lunes en la Puerta del Sol que digan: “Prohibido acampar por rodaje del 5 al 11 de octubre, llamamos grúa”. Pero si rodar en Sol fuera el plan, el director de Annie Hall ya se puede ir buscando otra localización preciosa y elegante para su película madrileña.

Mas todas estas son cosas que al cineasta —que planea rodar en Aranjuez y no se sabe dónde más— no le interesan. Él se define como “persona no política” y dice que su interés son las “relaciones humanas” y su especialidad, lo “existencial” o “romántico”. Extrañamente, después de decir esto en la rueda de prensa que realizó junto a Almeida y Ayuso este jueves, acometió un alegato antifascista.

“Me parece terrible y el mundo está en una frase crítica ahora mismo. Siempre estoy rotundamente en contra del fascismo, ya sea en el Gobierno, en el teatro, en la censura... Me preocupa mucho y estoy en contra”, dijo, delante de Ayuso y Almeida.

Entonces, ¿en qué quedamos, Woody?

Madrid como 'product placement'

En realidad, ya sabemos en qué quedamos: en intentar no molestar a quien pone el dinero. No es verdad que Woody Allen sea un cineasta no político. Allen ha criticado estructuras como la familia, la religión, la intelectualidad y el poder. No lo ha hecho con la crudeza y la potencia del cine militante, ni tampoco lo ha hecho con obviedades, pero ya todos sabemos que cualquier visión del mundo es política por naturaleza, y qué es una película sino la elección de un punto de vista.

Y una parte del dinero, en este caso, proviene de las dos administraciones locales cuyos máximos representantes se hicieron la foto con el cineasta (y le regalaron una guitarra flamenca del luthier Manuel Rodríguez, una amplificada —sin caja— de unos 1.400 euros, curiosa elección). El Ayuntamiento de Madrid y la Comunidad han invertido en conjunto tres millones de euros, la mitad cada uno, que salen de sus presupuestos de promoción turística. ¿Por qué, qué es si no la cultura para estas administraciones más que una vía para atraer más turistas?

Madrid será un product placement en el cine de Woody Allen, como uno de esos botellines de cerveza que el actor agarra providencialmente por la parte donde no hay etiqueta. De hecho, sin ningún rubor, Almeida dijo en la presentación que la película, aún sin título, será “para Madrid un antes y un después desde el punto de vista de la imagen y de marca”. Madrid marca, Madrid escaparate, Madrid oportunidad única.

Madrid, con su feísmo y su malismo, con sus cubos de basura desbordados, sus edificios como hornos y sus acacias derrumbadas por el calor o la lluvia, con sus esculturas sin criterio (Plensa, Botero, El Legionario, el caballo flotante de la plaza del Carmen, el Goya enano, las meninas de colorines), ese Madrid está más guapo que nunca gracias a la Acampada Maricarmen en la Puerta del Sol. Hay una belleza en las tiendas de campaña, los carteles cartoneros y los plásticos como toldos que no hacen a la ciudad preciosa y elegante, pero si hermosa y verdadera. ¿Quién va a rodar la película sobre ese Madrid?

La sátira cinematográfica suele lidiar con dos pecados y hoy resulta especialmente fácil estudiarlos gracias a la afluencia que viene teniendo este subgénero en los últimos años. Desde que Bong Joon-ho ganara el Oscar con Parásitos (2019) han surgido a lo largo del mundo sofisticados ejercicios discursivos —pues tal es la columna vertebral de la sátira, la narración totalmente domesticada en pos de un ideario compacto—, tan capaces de conectar con la crítica como de que el gran público, de vez en cuando, también se sienta movido a opinar. Y entonces la conversación se decante por uno de estos dos pecados, condenando cualquier sátira a ser (felizmente) discutible.

El primer pecado es la equidistancia. Puestos a aplanar la ficción para emitir un mensaje —y que este mensaje parezca desafiante y resabiado, porque quien hace sátira es ante todo gente muy lista—, nada mejor que atizarle a varios bandos por igual, aceptando el peligro de que todo se reduzca a un cinismo medular (y, por tanto, decantando la balanza finalmente hacia el eje conservador). Pasó con Eddington o El triángulo de la tristeza. El segundo pecado es el que nos lleva a Digger. Es el de la obviedad. El que nos obligó, en las Navidades de 2021, a criticar la machacona seguridad en sí misma que exhibía No mires arriba de Adam McKay. Esa alerta subrayadísima de la letal combinación de estupidez humana y cambio climático, tachada de “obvia” o “ideológica” porque todos sabemos lo que hay, no necesitamos que nadie nos lo repita. 

Lo sabemos, y no lo necesitamos, pero un lustro después la urgencia climática permanece imparable. Y siguen llegando las sátiras obvias, sátiras como Digger. Los esperpénticos tráilers han mostrado a Tom Cruise caracterizado como un magnate del petróleo anciano —si bien irónicamente cercano a la verdadera edad de la estrella, 64 añitos—, haciendo frente junto a élites políticas y económicas estadounidenses a una catástrofe medioambiental de la que es responsable. Digger Rockwell y sus contertulios son personajes muy caricaturizados, al estilo ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú. Solo que en 2026, bueno, tampoco se diferencian mucho de la clase política realmente existente.

Así que la suspicacia se mantiene. Lo grotesco del planteamiento de Digger, lo obvio, remite a cierta amarga frase de No Other Land, el documental dedicado al apartheid de Cisjordania acometido por el Estado de Israel. “La gente ve algo, se conmueve, ¿y luego qué?”, se preguntaba uno de los directores. Podría adaptarse esta pregunta a la cuestión de la sátira. “La gente ve algo, se ríe, se siente muy inteligente, ¿y luego qué?”. Y pasa lo mismo, que la respuesta es difusa (¿un Oscar a Mejor documental, quizá?). Esa respuesta es justo la que preocupa a Alejandro González Iñárritu.

Tom Cruise y los peligros del cine de autor

Digger no solucionará los problemas del mundo. Es decir, a poco que se vieran los tráilers —no se puede insistir lo suficiente en lo insoportables que son—, nadie en su sano juicio habría alumbrado esta esperanza, pero la cuestión es que no lo va a hacer en la misma medida que no lo hizo, el año pasado, Una batalla tras otra de Paul Thomas Anderson. Como Digger, fue la apuesta otoñal de Warner Bros. para el Oscar saltándose festivales europeos y, como Digger, parodiaba a la cúpula filofascista que hoy gobierna EEUU. Hubo quien se quejó de que ninguno de los acólitos de Trump, o del ICE, podrían sentirse molestos por esta réplica propia de dibujos animados.

Es lo que suele pasar. De forma análoga a cómo en nuestro país Torrente se burla de la ultraderecha con la complicidad de la ultraderecha, las cosas en EEUU alcanzan un punto en que el circo de Digger parece superfluo, incluso funcional al poder. Aunque podemos valorar el ingenio de Iñárritu fichando a un Cruise recién liberado de la saga Misión imposible y con inquietudes por volver al cine de autor —inquietudes que el inminente descalabro de Digger evaporará rápidamente, por eso ya se ha anunciado que a continuación hará una secuela de Días de trueno—, presto a jugar con su imagen mediática. Volviendo (no nos alejamos de PTA) al Frank que abanderaba la prehistoria del movimiento incel en Magnolia. Digger, en efecto, es una caricatura del hombre heterosexual.

Un reflejo deforme de Ethan Hunt y el propio Cruise, que en esta película coge pie a partir de un grueso destilado de la petromasculinidad. Este concepto lo teorizó Cara Daggett allá por 2018 y apunta a la afinidad del varón por los combustibles fósiles para preservar una imagen de poder hegemónico. Que puede concretarse en coches muy rápidos o, caso de Digger, en la obsesión fálica por perforar la tierra y extraer petróleo. Es en lo que se ha especializado el protagonista del filme, lo que justifica su arrogancia y negligencia, y no se trata de un retrato especialmente original. Todos los millonarios de hoy día, sin importar el gremio, tienen algo de Digger Rockwell.

Podemos reconocer asimismo la única brizna de humanidad que matiza al personaje de Cruise: el absurdo empeño en mantener con vida a su gata Maggie, animal esquelético y agonizante al que los primeros minutos de Digger prestan una agotadora atención. ¿No es algo parecido a la obsesión que Javier Milei tiene por su perro muerto, Conan? Porque todo en la película funciona así. Todo es obvio y zafio, encadenando hipotéticos chistes a un ritmo atroz que convierten la primera media hora de Digger en una experiencia de delirante incomodidad, intensificando el desagrado hasta que algo sucede e Iñárritu enseña sus verdaderas cartas. Parece que… ¿esa era la idea?

No conviene detallar en qué consiste el giro —es una pena que la película vaya a ser tal fracaso porque la campaña promocional de Warner ha sido modélica—, aunque sí podemos dejar caer que Digger, finalmente, se parece más a trabajos previos de Iñárritu estilo Birdman o Bardo que a una sátira de Kubrick sobre la Guerra Fría. Lo que busca el director, con una gran audacia posibilitada por su condición de infiltrado mexicano en Hollywood —la locura de Digger solo se le podría haber ocurrido a un forastero—, es aferrarse a la estridente distancia que estas imágenes han conjurado frente a la audiencia, y pasar a cuestionar los mecanismos del tipo de ficción que creíamos estar presenciando. El resultado, por otra parte, tampoco mejora excesivamente desde entonces.

El corazón de la sátira

¿Cómo podría hacerlo? La propuesta de Iñárritu pasa primero por entregarnos la plasmación más estereotipada de un tipo de cine que debe considerar políticamente inútil —donde no solo irrita Cruise con largos discursos que parecen parodiar las escenas susceptibles de dar Oscars, sino también un John Goodman pasadísimo como presidente estadounidense—, para de forma progresiva cuestionar sus lógicas internas. Desvelando las imposturas y facilidades que tantos cineastas antes que él emplearon a lo grande. Como Iñárritu (pese a estos desvíos discursivos) comparte megalomanía con muchos de ellos, Digger sigue siendo irregular y excesiva de principio a fin, con un desarrollo narrativo de lo más caprichoso y un desnortado planteamiento escénico.

Igualmente, si se ponen en primer plano las intenciones y las estrategias que las envuelven, cuesta mucho no hallar en Digger una película valiosa, quizá bastante más que las propuestas de los Anderson, los Östlund y los McKay de turno. Porque Iñárritu, ahí donde lo vemos y sin mayor interés por adscribirse a sucesos de actualidad, se está proyectando con todo este distanciamiento kamikaze al proyecto marxista que inaugurara Bertolt Brecht hace un siglo, según el temor que le inspiraban las recompensas afectivas de la representación teatral. Brecht temía que los poderes consustanciales a la ficción —la inmersión, la empatía, la relajación, la diversión— disolvieran una vocación política que a su juicio debía guiar la lucha de clases e iluminar la emancipación humana. 

Cambiando la obra dramática por la sátira nos hemos topado sistemáticamente con equivalencias, pruebas de que los temores de Brecht estaban plenamente fundados y de que el público era en efecto susceptible de ser despolitizado a través de la ficción. En este trasvase drama-sátira la empatía daría paso a la admiración estética por los trajes de los personajes de Succession y la diversión se transformaría en un sentimiento de superioridad ante espantajos monolíticos como Digger. Todo de cara a un conformismo final, el conformismo de los finales felices y las conclusiones categóricas.

Puesto que Digger se niega a todo esto, la propuesta es rigurosamente anticlimática, radicalmente antisatisfactoria. Iñárritu, con una actitud francamente admirable, se resigna a través de las sobreactuaciones y la música atronadora a no dejar contento a nadie, a expulsar a la gente, a negarles las cómodas catarsis de la ficción e incluso a reflexionar verbalmente sobre ello —la duda de si Digger se merece ser caricaturizado hasta este punto llega a formularse explícitamente— mientras afronta con resignación el precio de ponerse brechtiano con un medio (el cine y, aún peor, el cine de Hollywood que abandera su actor protagonista) que no podría ser menos afín al mismo.

El precio es, volvemos a ello, el fracaso. La incomprensión, la irritación. El aburrimiento, del que a medida que encadena vueltas de tuerca no llega a librarse Digger (incluso si decidimos reírle las gracias). Todo vale en pos de la gran conclusión a la que ha llegado Iñárritu tras unos cuantos años donde las crisis mundiales han compartido espacio con más sátiras que nunca. La conclusión es que, sean cuales sean sus pecados específicos, la sátira siempre va a ser un consuelo. Y con consuelo no vamos a ningún lado. No estamos yendo a ningún lado. 

Tres millones de euros. Esa es la cantidad que han comprometido el Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid para que Woody Allen ruede su próxima película en la capital: un millón y medio cada administración. Supone una parte considerable del presupuesto de la producción, que según Deadline ronda en torno a los 12 millones de euros, y se trata de una apuesta con la que el cineasta pretende mostrar una ciudad que describe como “preciosa y elegante”. Así lo ha explicado Allen este jueves en una presentación en la que lo han acompañado Ayuso y Almeida: “Estoy sobrecogido, si vienes de Nueva York a las ciudades europeas te das cuenta de que son muy bonitas y exóticas”.

Sin embargo, el cineasta ha evitado pronunciarse sobre la acampada actual en la Puerta del Sol, uno de los lugares más característicos de Madrid que es probable que quiera que aparezca en el filme. “Preguntas a la persona equivocada. Nunca he sido un cineasta político y no tengo la sabiduría que se requiere en asuntos sociales o políticos”, ha declarado el cineasta. “Siempre me he dedicado a las relaciones entre las personas, temas más existenciales, más románticos, y cuando me preguntan por temas sociales o políticos solo conozco lo que leo en los periódicos”, reconoce el director, que agrega que no tiene “información más profunda sobre la verdad de lo que sucede”.

“No soy la persona adecuada para preguntar este tipo de cosas, no puedo arrojar luz sobre esto. No creo que se me de muy bien, mi trabajo siempre ha sido no político. Si tenéis preguntas sobre relaciones humanas, puedo tratar de contestarlas, pero sobre otras cosas no tengo la sabiduría que se requiere”, ha insistido Woody Allen, que no ha querido tomar postura en torno al derecho a tener una vivienda. “Vivo en una casa en Nueva York, pero no sé nada de vivienda. De verdad, no soy la persona adecuada para contestar. Salvo que haya algún problema del que no sea consciente, uno vive en una casa, tiene a su familia y así sucede la vida”, ha afirmado el director.

Aun así, el cineasta sí ha apostado por posiconarse con respecto al auge de los partidos simpatizantes del fascismo en Europa, pues no ha dudado en declarar que “siempre” le ha preocupado “cualquier tipo de auge del fascismo”. “Me parece terrible y el mundo está en una frase crítica ahora mismo. Siempre estoy rotundamente en contra del fascismo, ya sea del Gobierno, en el teatro, en la censura... Me preocupa mucho y estoy en contra”, ha insistido el neoyorquino.

Isabel Díaz Ayuso ha celebrado el hecho de que el cineasta vaya a estar un tiempo en la ciudad. “Somos la región capital de España, una región que ama el arte, la música y la vida. Nos hace mucha ilusión que quien ha transportado la magia de las calles de Nueva York haga lo propio ahora con esta ciudad”, ha subrayado la presidenta. “Somos una región que tiene muchas inquietudes culturales, que nos gusta vivir en comunidad, en equilibrio, y muchos aquí admiramos Estados Unidos y su arte. Gracias a esta nueva película vamos a poder disfrutar de la belleza de estas calles y de este municipio, donde están las fresas más ricas del mundo”, ha destacado.

Almeida, por su parte, ha comentado que la película “posicionará a esta ciudad aún más en el ámbito global como una de las ciudades en las que uno tiene que pensar y que de verdad merecen la pena: ”No podemos decir que Nueva York sea la ciudad de Madrid, pero sí podemos decirle [a Woody Allen] que en ninguna ciudad se va a sentir tan en casa. Se le va a recibir como un madrileño más, va a sentir que está realmente en casa y va a darse cuenta de lo que mejor hacemos los madrileños: abrazar a todos los que vienen de fuera“. Asimismo, ha alegado que ”es una oportunidad única en un ámbito cinematográfico“.

“Las ventajas que va a tener Allen es que va a tener el mejor escenario: una ciudad como esta, que está viviendo su mejor momento”, ha afirmado el alcalde de Madrid. “Gracias al genio de Woody, tantos y tantos espectadores van a disfrutar de una ciudad como la de Madrid. Gracias a Woody por confiar en la ciudad de Madrid, le puedo garantizar que no le vamos a defraudar. Esta película va a ser para Madrid un antes y un después desde el punto de vista de la imagen y de marca, de una ciudad que en estos momentos es una de las grandes ciudades del mundo”, ha añadido Almeida.

Madrid financia gran parte de la película

Los tres millones de euros que Madrid destina a la cinta son una cifra relevante dentro de la política ordinaria de apoyo al cine de la Comunidad, pues esa es también la cifra que ha destinado a toda la convocatoria general para la producción de largometrajes, siendo la ayuda máxima para una película de ficción de 250.000 euros. El proyecto de Allen se ha articulado, en cambio, como un patrocinio desde las áreas de Turismo de ambas administraciones y ligado a la promoción de Madrid.

El dinero llega después de que la productora planteara un problema de financiación: según cuenta Miguel Morales en la presentación, máximo responsable de Wanda Visión —productora y distribuidora que ya había distribuido en España la anterior película de Allen, Golpe de suerte, y que ahora participa en la producción de su nuevo filme junto a la compañía del propio director, Gravier Productions—, el equipo de Allen quería rodar en Madrid, pero la producción partía con desventaja respecto a otras comunidades con mayores incentivos fiscales, como Canarias, Navarra o el País Vasco. Las dos administraciones madrileñas se ofrecieron entonces a aportar la diferencia que, según el productor, hacía falta para poder sacar adelante el rodaje en la capital.

El rodaje comenzará el 5 de octubre y se desarrollará íntegramente en la Comunidad, con Madrid como principal localización y Aranjuez también dentro de las localizaciones previstas. La película todavía no tiene título definitivo, aunque el contrato de patrocinio establece que deberá incluir la palabra “Madrid”. La apuesta tanto de la Comunidad como del Ayuntamiento pasa por el impacto económico y la proyección internacional que puede proporcionar una película de Allen. El Ayuntamiento calcula unos 1.200 empleos directos y 2.300 indirectos y defiende que el rodaje permitirá asociar el nombre de Madrid a una producción con distribución internacional.

Otra película rodada en Europa

La llegada de Allen a Madrid se produce, además, en un momento particular de su carrera, pues el director ha rodado buena parte de sus últimas películas en Europa al haber tenido más dificultades para encontrar financiación en EEUU. Se trata de una situación que Variety vincula, entre otros factores, con la polémica alrededor de las acusaciones de abuso sexual de Dylan Farrow y con las consecuencias que tuvo para Allen la reaparición del caso durante el movimiento #MeToo. El director, sin embargo, ha dado otra explicación, sosteniendo que conseguir financiación siempre ha sido complicado y que no quiere que los inversores intervengan en decisiones creativas como el argumento o el reparto.

Dylan Farrow acusó a Allen en 1992 de haber abusado sexualmente de ella cuando tenía siete años. Allen siempre ha negado la acusación. La investigación realizada entonces por especialistas de Yale-New Haven concluyó que no había habido abuso y no hubo procesamiento penal; el fiscal de Connecticut Frank Maco declaró posteriormente que consideraba que existía causa probable, pero decidió no presentar cargos para evitar a la menor el trauma de un juicio. El caso nunca terminó en una condena penal contra Allen y las acusaciones han seguido formando parte del debate público alrededor del director.

Esta no es la primera vez que Allen graba en el país con condiciones similares. En 2008 rodó Vicky Cristina Barcelona con apoyo económico del Ayuntamiento de Barcelona y la Generalitat, que aportaron conjuntamente 1,5 millones de euros. En esta ocasión, la productora sostiene que Madrid era la ciudad que quería el director y que el respaldo económico de las administraciones permitió cubrir la diferencia de financiación frente a otras localizaciones españolas.

El reparto protagonista de la nueva película de Woody Allen sobre Madrid está encabezado por Alexi Wasser, Jemima Kirke, Marton Csokas, Jakob Oftebro y el actor español Peter Vives. Miguel Morales, productor de Wanda Visión, apunta que esta cinta es una gran noticia. “Esta maravillosa aventura empezó hace tres años en el Festival de Venecia. Allí, mi hermano y socio José María le comentó a Woody que nos encantaría producir su próxima película. Unos meses después, en Berlín, su equipo nos dijo que tenía un guion”, ha explicado Morales. “Desde Wanda estamos muy contentos de haber hecho posible uno de nuestros sueños”, ha contado.

Además, Woody Allen ha afirmado que la película será una comedia con romance, intriga e infidelidades. “Tiene todos los ingredientes que me gustan y que hacen una buena historia. Ahora viene la parte dura, la de montar la película. Tiene que estar a la altura de mis expectativas, no significa que llegaré pero haré todo lo que esté en mi mano”, ha asegurado. “Cuando era más joven, era mucho más convencional. A medida que me he hecho mayor, cada vez soy más vago y mis tomas son cada vez más largas. Los actores lo agradecen porque no tienen que repetir una y otra vez sus escenas”, ha explicado el director, añadiendo que se ha convertido en su “estilo cinematográfico”.

Asimismo, y aunque en el pasado ya ha habido rumores sobre la posibilidad de que Allen se retire como cineasta, este ha alegado que todavía habrá que esperar. “Sí que dije que me iba a retirar y quiero hacerlo, es agotador hacer películas, es un trabajo muy duro y difícil. El cine ya se ha pasado a televisión, antes hacías una película e iba al cine y duraba allí meses, ahora pasan muy rápido a la televisión y no vuelves a oír hablar de ella. No estoy tan entusiasmado, pero la idea de esta historia y de Madrid no podía rechazarla”, ha declarado, subrayando que la idea de la película era “demasiado emocionante como para no llevarla a cabo”.

El Ayuntamiento de Llanes ha decretado dos días de luto oficial en el concejo por la muerte del escritor, guionista y director de cine asturiano Gonzalo Suárez, que falleció ayer a los 92 años, en Madrid.

El cineasta era Hijo Adoptivo de Llanes y, aunque su residencia habitual estaba fijada en Madrid, era frecuente verle pasar largas temporadas en la casa familiar que tenía desde hace muchísimos años en el pueblo de Lledías de este municipio de la zona oriental asturiana, donde escribió muchos de los guiones de sus películas.

Precisamente en su casa de Lledías se encontraba el 29 de julio, el mismo día en que la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España hizo público que le iba a conceder el Goya de Honor, premio que recibió en la gala celebrada este año.

“Llanes fue su casa”

Gonzalo Suárez siempre estuvo muy vinculado a Llanes y hoy sus vecinos y vecinas lloran su pérdida. El PSOE llanisco emitió un comunicado donde muestra este afecto mutuo y rinde un homenaje a su Hijo Adoptivo.

“Hay lugares que aparecen en las películas. Y hay lugares que terminan formando parte de la mirada de quien las hace. Llanes fue, para Gonzalo Suárez, mucho más que un escenario. Durante décadas, fue su casa y uno de sus territorios íntimos. Aquí encontró paisajes, personajes y una luz que acabarían entrando en su cine”, explica.

Despedida “con afecto y gratitud”

Desde 'Parranda' hasta 'Epílogo', pasando por 'Remando al viento', 'El Portero', o 'Mi nombre es sombra' fue dejando una parte de su imaginario en playas, pueblos y caminos de Llanes. Quizá por eso su relación con el concejo no pueda explicarse únicamente a través del cine. Hay algo más profundo: una forma diferente de mirar.

“Desde el PSOE de Llanes queremos despedir a Gonzalo Suárez con afecto y con gratitud. Por sus películas. Por su literatura. Por su imaginación. Y, también, por haber hecho que nuestro paisaje fuese visto con otros ojos. Hasta siempre, Gonzalo. Llanes seguirá siendo, también, un poco de ese cine que tú supiste ver…”, asegura el comunicado.

El mundo del cine

La capilla ardiente con los restos mortales del cineasta asturiana se ha instalado en el tanatorio de San Isidro, en Madrid, y hasta ahí han acudido familiares, amigos y distintas personalidades del mundo del cine, como Fernando Trueba, Enrique Cerezo o Charo López.

Era un maravilloso director. Me sacó de donde yo estaba. Es uno de los mejores directores de este país. Tengo el corazón roto, no puedo hablar

Charo López — Actriz

La actriz Charo López, que trabajó con el director en otras producciones como 'La regenta' o 'Parranda', ha hablado de Suárez como “un maravilloso director” con el que empezó su carrera como actriz con 'Ditirambo' (1969), una confianza que ella ha valorado con cariño.

“Me sacó de donde yo estaba. Es uno de los mejores directores de este país. Tengo el corazón roto, no puedo hablar”, ha concluido emocionada.

El empresario y productor de cine Enrique Cerezo ha subrayado la relación que tuvo con Gonzalo Suárez, “un gran amigo y director” con el que ha mantenido “muchas relaciones en los últimos años” y cuya pérdida supone “una pena muy grande”. “Se le va a echar en falta”, ha añadido.

Gonzalo Suárez merece que el país le reconozca como uno de los grandes de nuestra cultura. Definió una manera revolucionaria de entender el cine en nuestro país con una mirada única

Ernest Urtasun — Ministro de Cultura

Urtasun: “Era extremadamente vital”

El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, también ha acudido al tanatorio para despedir al escritor y director asturiano, al que espera poder hacer pronto un homenaje: “Veremos la manera de hacerle un gran homenaje, porque Gonzalo Suárez merece que el país le reconozca como uno de los grandes de nuestra cultura”.

Urtasun ha hablado del “honor” que fue para él poder acompañar al director asturiano cuando recogió el Goya de honor en la pasada edición de estos galardones en Barcelona y lo ha recordado como una persona “extremadamente vital” que tuvo planes de trabajo hasta el último día.

“Creo que definió una manera revolucionaria de entender el cine en nuestro país con una mirada única”, ha afirmado el ministro.

Trueba: “Era un genio”

El director de cine Fernando Trueba se ha despedido del que ha sido “un gran amigo” y al que siempre va a considerar “un genio”, ha afirmado.

Por su parte, el presidente de la Academia de Cine, Fernando Méndez-Leite, ha valorado la carrera del cineasta ovetense como “fundamental en la cultura española del siglo XX”, con una serie de películas “muy radicales y rompedoras”, con un lado personal “muy gracioso e ingenioso” y con “una vitalidad extraordinaria”.

El tanatorio

A la capilla ardiente también han acudido otras personalidades del mundo del cine como la actriz Aitana Sánchez-Gijón, que protagonizó obras de Gonzalo Suárez como 'Oviedo Express' (2007) y participó en 'Remando al viento' (1988), con la que el cineasta ganó el Goya a mejor dirección.

El periodista Santiago Segurola, la concejala de Cultura del Ayuntamiento de Madrid, Marta Rovira, y el Padre Ángel también fueron hasta el tanatorio para despedir al director de cine asturiano.

La bola negra sigue arrasando en España: la película ha conseguido el mejor martes de la historia en taquilla para un filme español, según ha confirmado Rentrak Spain. La cinta se ha visto beneficiada por el “martes sénior”, que permite a las personas de 65 años o más ir al cine por solo 2 euros un día a la semana, y ha concentrado a más de dos tercios de la afluencia de espectadores, sumando así más de un millón de euros. Se estima que la recaudación haya superado los 6,6 millones de euros, según afirma el analista cinematográfico Pau Brunet, y se espera que este miércoles alcance más de un millón de espectadores.

La película está gozando de un éxito descomunal desde su estreno en el país el pasado viernes. De hecho, se ha convertido en el segundo mejor estreno español de los últimos diez años en su primer fin de semana en salas. La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi rozó los 4,7 millones de euros de recaudación, quedándose por detrás únicamente de Torrente, presidente. Al ceñirnos a los datos de 2026, teniendo en cuenta no solamente los títulos de cine patrio, se trata del cuarto mejor estreno del año, superando a otro de los grandes fenómenos, La Odisea de Christopher Nolan, que se quedó en 4,47 millones de euros.

Con su estreno, La bola negra ha eclipsado la llegada a las salas de otros títulos internacionales como Vengadores: Endgame y En el corazón de la bestia, con Brad Pitt. También ha recaudado más dinero que otros largometrajes como Resident Evil y Coyote VS. Acme, que continúan llevando al público al cine tras varias semanas en cartelera. Solo Torrente, presidente sigue en el podio del mejor estreno español del año, mejorando los datos de Aída y Vuelta y Tadeo Jones y la lámpara maravillosa. El filme de animación dirigido por Enrique Gato salvó de la mano de El ser querido el verano del cine patrio. 

El filme es uno de los títulos favoritos para la próxima temporada de premios tras su victoria a la mejor dirección en el Festival de Cannes y se ha convertido en la apuesta de Netflix para los Oscar. Ha gozado de una enorme acogida por parte de la crítica y, desde entonces, la plataforma de streaming ha preparado una gran campaña. Tanto es así que tendrá el periodo de tiempo más largo en la cartelera de EEUU antes de su estreno en Netflix. Asimismo, su canción La nieve, compuesta por Guitarricadelafuente y Raül Refree, ha sido presentada para luchar por la estatuilla. La película narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia; y una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca.

El Festival de Cine Comprometido de Guadalajara (FESCIGU) reunirá en su 24ª edición 103 trabajos de cortometraje y cine social, distribuidos en 13 secciones. Las propuestas están dirigidas a públicos muy diferentes y una programación en la que conviven las secciones competitivas con otros espacios que utilizan el audiovisual para abordar diferentes cuestiones sociales.

Junto a la programación abierta al público, Infancine y Juvencine volverán a acercar el cortometraje a los centros educativos mediante sesiones concertadas, mientras que PequeCine ofrece una programación infantil abierta al público para disfrutar del festival en familia.

La programación incluye también Dopamina en Vena, dedicada al tema central de esta edición y estructurada en cuatro bloques, además del resto de secciones que conforman la programación del FESCIGU 2026.

Un festival que se construye cada año

La presentación ha tenido lugar esta mañana en la cafetería del Espacio Joven Europeo en Azuqueca de Henares.

Luis Moreno, director de FESCIGU ha explicado que, tras varias semanas dando a conocer los contenidos de esta edición, ha preferido centrar su intervención en hacer balance de los 24 años de trayectoria del FESCIGU. Entre los principales logros del festival ha destacado su condición de preseleccionador de los Premios Goya desde 2015, haber acercado el cine a más de 100.000 estudiantes y haber programado durante estos años más de 2.000 cortometrajes procedentes de 42 países.

El director del FESCIGU ha recordado también la capacidad del festival para superar momentos especialmente difíciles, desde la pandemia hasta lo que ha calificado como un “exilio cultural” de Guadalajara, que obligó al certamen a trasladarse a Azuqueca de Henares. Moreno ha destacado además la producción de documentales propios y el papel que el FESCIGU ha desempeñado en los primeros pasos de numerosos cineastas que actualmente desarrollan sus carreras dentro de la industria audiovisual.

Moreno ha reivindicado especialmente que, a pesar de los cambios y dificultades atravesados durante estos 24 años, el FESCIGU ha conseguido mantener su independencia y su vocación social y reivindicativa, sin dejarse llevar “ni por presiones, ni por modas, ni por censura”.

El director ha agradecido el respaldo de las instituciones y del patrocinador oficial, recordando que su apoyo va mucho más allá de la aportación económica y se traduce en oportunidades para los cineastas y en la posibilidad de que el público acceda a un cine que difícilmente encuentra espacio en las salas comerciales. Al mismo tiempo, ha advertido de que haber llegado hasta aquí no garantiza la continuidad del festival, que cada año debe reinventarse, adaptarse a la realidad y superar nuevos obstáculos.

Finalmente, Moreno ha recordado que toda la programación se diseña pensando en el público, combinando calidad cinematográfica con obras capaces de provocar reflexión y, en ocasiones, resultar incómodas. “Cuando se abre la sala y entra el público, el festival deja de pertenecer a la organización y pasa a ser una herramienta para que el público disfrute y reflexione”, ha concluido

Las adicciones, mucho más allá de las sustancias

La codirectora del FESCIGU, Montse de la Cal, ha centrado su intervención en las nuevas formas de adicción y ha presentado los documentales propios ‘Yo controlo’ y ‘En modo scroll’, realizados con 44 escolares y estudiantes de Azuqueca. La codirectora ha destacado el interés de escuchar directamente a niños y adolescentes reflexionar sobre su relación con las pantallas, los videojuegos, la alimentación o la necesidad de aprobación, una mirada que se completa con la entrevista al psiquiatra Javier Quintero.

Esta temática tiene su principal reflejo cinematográfico en Dopamina en Vena, una sección distribuida en cuatro bloques que reúne cortometrajes que se aproximan desde diferentes perspectivas a las adicciones y a sus consecuencias personales y sociales.

El respaldo de las tres administraciones

El alcalde de Azuqueca de Henares, Miguel Óscar Aparicio, ha destacado que, tras tres ediciones en Azuqueca, el FESCIGU se ha integrado plenamente en la vida cultural del municipio y es ya una cita demandada por sus vecinos. El alcalde reafirmó la apuesta de Azuqueca por una cultura plural y aseguró que el festival seguirá encontrando en la ciudad un espacio en el que sentirse acogido.

Por su parte, el presidente de la Diputación de Guadalajara, José Luis Vega, ha defendido la cultura como una inversión y no como un gasto, especialmente por su capacidad para transmitir valores a los más jóvenes. El presidente de la Diputación ha reafirmado además el compromiso de la institución con el FESCIGU y con la extensión de la cultura a todos los municipios de la provincia, independientemente de su tamaño.

La delegada de la Junta de Castilla-La Mancha en Guadalajara, Rosa María García, ha puesto en valor que el FESCIGU aborde las adicciones escuchando directamente a los jóvenes, en lugar de limitarse a hablar sobre ellos. La delegada destacó la capacidad del cine para provocar preguntas y reflexión y defendió el festival como un espacio en el que confluyen cultura, educación, prevención y políticas sociales.

Desde el ámbito empresarial, Carlos Romero Camacho, director global de Personas y Asuntos Corporativos de Insudpharma, patrocinador oficial del FESCIGU, ha reiterado el respaldo de la compañía al festival y ha destacado la colaboración público-privada que ha permitido a Insudpharma acompañar al FESCIGU durante más de una década y valoró especialmente su evolución y el esfuerzo por mejorar cada edición. El representante del patrocinador oficial subrayó también la acogida que el festival ha encontrado en Azuqueca y su creciente integración en la ciudad.

Toda la programación, horarios, cortometrajes participantes y actividades paralelas pueden consultarse en la web oficial del festival.

El Festival Internacional de Cine Social de Castilla-La Mancha (Feciso) llevará a Toledo más de una treintena de películas y cortometrajes durante los diez días de programación que desarrollará en la ciudad del 2 al 11 de octubre.

En esta XXIII edición, el festival propone distintas miradas sobre realidades sociales actuales y llevará su programación a varios espacios de la ciudad, entre ellos la Sala Thalía, el Círculo de Arte, el Museo Sefardí y el Teatro de Rojas, según han informado los organizadores.

“El cine social no tiene una única forma de contar la realidad. Cada película se acerca a un problema, una experiencia o una comunidad desde su propia mirada, y ahí está precisamente una de sus mayores riquezas. En Feciso queremos que esas miradas lleguen al público y animar a los espectadores a acercarse a películas que quizá no elegirían de entrada, pero que pueden sorprenderles, emocionarles y abrirles una conversación sobre realidades que forman parte de nuestro entorno y de nuestro mundo. Les invitamos a descubrirlas en las salas”, ha señalado Tito Cañada, director del Festival durante la presentación en el Círculo del Arte de Toledo que ha tenido lugar este martes.

La programación comenzará el 2 de octubre en la Sala Thalía con Mariposas negras, de David Baute, a la que seguirán Mi hermano Alí, de Paula Palacios, y El sendero azul, de Gabriel Mascaro. Los tres largometrajes llegan a Feciso respaldados por reconocimientos obtenidos en premios y festivales como los Goya, los Premios Forqué, los Premios Platino, los Premios Gaudí, el Festival de Berlín o Sitges.

Los cortometrajes seleccionados se proyectarán los días 5 y 7 de octubre, a las 19.00 horas, en el Círculo de Arte, con entrada libre. Dafne y Pol (Sergio Checa), Gitano (Cristian Serrano), El regalo (Lara Izaguirre) y Ultramarino (Silvina Guglielmotti y M. Zubeldía) serán algunos de los trabajos que podrán disfrutar los espectadores. El 6 de octubre, el mismo espacio acogerá la sesión de documentales, con títulos como El congelador (Raúl de la Fuente y Amaia Ramírez), Children of Rohingya (Pablo Aira) y La montaña tóxica (Luis M. Ariza).

Entre las propuestas especiales de esta edición destaca 'Palestina Animada', un programa formado por nueve cortometrajes de animación que reúne obras vinculadas a Gaza, Palestina y Ramallah. La sesión, con entrada libre, tendrá lugar el 8 de octubre, a las 19.00 horas, en el Círculo de Arte.

Por otro lado, esta edición incorporará una jornada dedicada al Pueblo Gitano, que combinará la proyección de El regalo de Lara Izaguirre y el debate 'De la sombra a la pantalla: el relato propio del Pueblo Gitano'. Esta propuesta se celebrará el 9 de octubre, a partir de las 12.00 horas, en el Museo Sefardí, con la participación de miembros del colectivo gitano y del sector cinematográfico.

Cine mudo

En esta XXIII edición de Feciso tampoco faltará la ya tradicional sesión de cine mudo con música en directo, que tendrá lugar el 10 de octubre, a las 19.00 horas, en el Círculo de Arte. Este año, la protagonista será la película Sherlock Holmes Junior, de Buster Keaton, que estará acompañada por una banda sonora creada e interpretada en directo por el grupo Punsebalukenzo.

La programación de Toledo concluirá el domingo 11 de octubre con la Gala de Entrega de Premios de Feciso, que se celebrará a las 19.00 horas en el Teatro de Rojas, con entrada libre hasta completar aforo. Durante el acto se dará a conocer el palmarés de la XXIII edición, así como los premios especiales de Feciso.

Tras su paso por Toledo, Feciso continuará su recorrido por Castilla-La Mancha. Los días 23 y 24 de octubre estará en Rielves y posteriormente continuará en Torrijos, Cuenca y Yepes.

El festival cuenta con el respaldo del Ayuntamiento y la Diputación de Toledo, la Consejería de Cultura, Educación y Patrimonio Histórico y la Consejería de Bienestar Social de Castilla-La Mancha, la Comisión Europea (a través de su Oficina de Representación en España), la Fundación La Caixa, EGEDA, Plena Inclusión Castilla-La Mancha, Fundación Impulsa, Biblioteca Solidaria, Círculo de Arte y los ayuntamientos de Olías del Rey, Rielves, Torrijos y Yepes.

El escritor, guionista y director de cine español Gonzalo Suárez ha fallecido este martes en su domicilio de Madrid a los 92 años, según ha informado la Academia de Cine. Por su película Remando al viento recibió el Goya a la Mejor dirección y la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián.

Suárez (Oviedo, 1934), que también fue actor y periodista deportivo –firmaba sus crónicas bajo el seudónimo de Martín Girard–, recibió durante su carrera otros galardones como el Premio Nacional de Cinematografía, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y el Premio Luis Buñuel. En la última edición de los galardones más importantes del cine español, celebrada el pasado 28 de febrero en Barcelona, recibió el Goya de Honor en homenaje a toda su trayectoria.

En su intervención durante la ceremonia, Suárez realizó un alegato en favor del cine que, en cierta manera, según explicó, le remitía al “primer bisonte que nuestros ancestros pintaron en las cavernas”. “Estoy absolutamente orgulloso de comprobar que el cine ha sobrevivido a las redes y a las cavernas. Pero me veo obligado a reconocer que en este momento el bisonte soy yo”, añadió.

Drama, humor y libertad creativa

El cineasta es propietario de una filmografía marcada por la mezcla de géneros, de drama y humor, y la búsqueda constante de la libertad creativa. En la trayectoria de este precursor de la denominada Escuela de Barcelona, que estudió Filosofía y Letras y fue ojeador de futbolistas a las órdenes de Helenio Herrera, cuenta con el cortometraje Alas de tiniebla y el mediometraje El sueño de Malinche, como los últimos trabajos profesionales realizados.

A sus órdenes también figuran las producciones Aoom, Reina zanahoria, Don Juan en los infiernos, El portero y la conocida serie de televisión Los pazos de Ulloa, entre otras. Remando al Viento fue su título más célebre, protagonizado por Hugh Grant, Lizzy McInnerny y Valentine Pelka en 1988.

El largometraje arrancaba con dos poetas ingleses, Mary Shelley y Lord Byron, que se veían obligados a huir de Inglaterra. Durante el viaje, Mary recuerda cómo conoció en casa de su padre adoptivo al joven y apasionado poeta Shelley, cómo lo amó y cómo se fugó con él. También evoca una cita con Byron en Suiza, pero sobre todo rememora una noche de noviembre de 1816 durante la cual, mientras sus amigos contaban historias de terror, ella daba a luz al legendario monstruo de Frankenstein.

En su trayectoria destacan otros títulos como Ditirambo, El extraño caso del doctor Fausto, La Regenta, Morbo, Parranda, la mítica Epílogo –Premio de la Juventud del Festival de Cannes–, La reina anónima, El detective y la muerte, Mi nombre es sombra y Oviedo Express.

A lo largo de su carrera, Suárez dirigió a actores como Charo López, Francisco Rabal, José Sacristán, Fernando Rey, Fernando Fernán-Gómez, Carmen Maura, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Abril, Marisa Paredes, Maribel Verdú, Javier Bardem, Carmelo Gómez, Ana Belén, José Luis Gómez, Carmen Sevilla, María de Medeiros, Héctor Alterio y Donald Pleasence.

Al cineasta le debemos los guiones de películas como Fata Morgana (1965) de Vicente Aranda y La colmena 1980 de Mario Camus. También escribió junto a Sam Peckinpah Operación Doble Dos en 1975, basada en la novela homónima del propio Suárez, pero que no llegó a rodarse. Fue prolífico de la palabra con libros como El caso de las cabezas cortadas (2025), El cementerio azul (2022), La suela de mis zapatos (2006), Ciudadano Sade (1999) y El asesino triste (1994).

Aficionado al boxeo, Suárez fue igualmente nombrado Caballero de las Artes y las Letras de Francia y de la Orden de Alfonso X el Sabio –la primera vez que se otorgaba esta condecoración a un director de cine–.

Los directores de Naza, Yuval Abraham y Rachel Szor, han decidido que la película sea accesible en internet de forma gratuita para todo el mundo y la ofrecerán a los cines de Israel sin coste ninguno. Así lo ha anunciado Abraham a través de redes sociales, que afirma que han llegado a este acuerdo con The Guardian, quien produce la cinta, “debido al interés y la importancia pública” del filme, con el objetivo de que “cualquier persona pueda ver los testimonios de los soldados”. Esto sucederá en noviembre, aun sin fecha acordada. “Mientras tanto, nos hemos dirigido a los cines de Israel y les hemos ofrecido la película sin coste, con la esperanza de que se proyecte en el país”, ha subrayado.

“Su proyección será una decisión valiente frente a una gran violencia dirigida a ocultarla. Sé que hay una enorme demanda por ver la película y espero que de esta manera todos pronto puedan verla: ya sea en los cines o en internet en unas pocas semanas”, ha alegado el director. “Muchas cosas incorrectas se han dicho sobre nosotros y sobre la película durante la semana pasada. La película se basa en una investigación periodística exhaustiva de tres años y los detalles en ella están verificados y cruzados. Hablará por sí misma y la verdad acabará saliendo a la luz”, ha añadido. Recientemente, activistas de ultraderecha protestaron frente a la casa de los padres de Rachel Szor.

Naza se basa en testimonios anónimos de 24 soldados y miembros de los servicios de inteligencia israelíes y aborda las operaciones militares en Gaza y el uso de sistemas tecnológicos para seleccionar objetivos. La película se estrenará en España el 9 de octubre, tras haber recibido el Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia. Ahora se está proyectando en el Festival de San Sebastián. “Hicimos la película para generar un debate público sobre las acciones del gobierno en Gaza, la muerte de más de 73.000 personas, la mayoría civiles, la normalización de una guerra de exterminio. 24 soldados dieron un paso y hablaron frente a una cámara sobre lo que toda una sociedad no quiere hablar”, ha apuntado Abraham.

El periodismo no es traición. La crítica no es traición. Es un deber de todo ciudadano cuyo gobierno comete crímenes saberlo y de todo soldado que fue testigo de ellos contarlo

Yuval Abraham — Cineasta

“Reconocer las atrocidades en Gaza no reduce ni un instante el baño de sangre criminal del 7 de octubre, del que Hamás es responsable, sobre el que hablan los soldados en la película, y que no tiene ninguna justificación. Al contrario. Después de todo, ignorar lo que está ocurriendo en Gaza es uno de los factores que allanaron el camino para ese terrible sábado. Y esa ignorancia continúa”, ha declarado el director en su última publicación en X. “El periodismo no es traición. La crítica no es traición. Es un deber de todo ciudadano cuyo gobierno comete crímenes saberlo y de todo soldado que fue testigo de ellos contarlo”, ha agregado.

Yuval Abraham ha reconocido que “hay miles de soldados así circulando por aquí, que verán la película y reconocerán lo que se describe en ella de manera personal: el asesinato de personas desarmadas que cruzan una línea imaginaria, las autorizaciones NZA por cientos, los ataques sistemáticos a casas de familias, la quema y la destrucción física de Gaza, asesinatos y disparos a personas hambrientas en centros de distribución de alimentos y otros crímenes sin justificación”. “Aunque dé miedo, es vuestro deber encontrar la manera de testificar sobre lo que visteis. Os dirán que es mejor ocultar la verdad por el bien de la propaganda en el extranjero, pero eso son tonterías. Allí ya lo saben todo”, ha afirmado.

“Los crímenes no se explican, se detienen. Ocultar la verdad envenena ante todo a nuestra sociedad y, sobre todo, permite que el daño a las personas en Gaza continúe”, ha destacado el cineasta, quien asegura que lleva tres años escribiendo en hebreo sobre la política de fuego del ejército en Gaza en Shicha Mekomit. “Las investigaciones fueron ignoradas en Israel. Ahora, por primera vez, algo se resquebraja en la pantalla de la ignorancia, y eso es algo positivo. Es algo saludable. Sí, viene con un alto precio personal. Ha sido una semana dura. Pero en ella también hay mucho apoyo y mucha generosidad. De lo que estoy seguro: las amenazas no ayudarán. No nos disuaden. Raquel y yo regresaremos al país y seguiremos luchando por el futuro de este lugar junto con muchos compañeros”, ha concluido.

A Jesse Eisenberg interpretar a Mark Zuckerberg en La red social le cambió la vida. Hasta entonces era solo el típico secundario tímido y torpe, que casi pide permiso para hablar. Tras clavar su composición del magnate de Facebook a las órdenes de David Fincher no solo le cayó una nominación al Oscar, sino que Hollywood vio que había mucho más. De aquello han pasado más de 15 años, y Jesse Eisenberg ha demostrado de sobra que como actor es mucho más que aquel papel, pero lo que más ha sorprendido en estos años es que también había un excelente guionista y director.

Lo demostró en A Real Pain, por la que logró una nominación al Oscar al Mejor guion original y que le dio a Kieran Culkin un Oscar al Mejor actor de reparto. Lo confirma en The Debut, su graduación como cineasta. Una especie de Cisne negro ambientado en el teatro amateur donde una ama de casa —una Julianne Moore que ganará el Oscar con casi toda seguridad— obtiene un papel en un musical a las órdenes de un director de escena —siempre brillante Paul Giamatti— que consigue sacar la verdad en ella. Quizás demasiada, porque la actriz novata se va convirtiendo en una de método que buscará que todo sea puro, verdad. Eisenberg se ríe con gracia de los actores intensos, pero también escribe (canciones incluidas) un homenaje al teatro musical como lugar donde los descastados encuentran su sitio. 

A pesar de que no ha querido estar en la secuela del filme que se estrenará en octubre y donde Jeremy Strong recogerá su testigo, Eisenberg tiene claro que hacer de Mark Zuckerberg le cambió la vida. Y lo hizo para bien. “Para mí fue lo mejor del mundo, antes de esa película solo conseguía papeles de chicos tímidos, dulces, de virgen inocente. Y después de ese papel empecé a interpretar a villanos, a magos arrogantes; de pronto me ofrecieron todos esos otros papeles y fue algo fantástico. Me liberó de esa imagen tan dulce, virginal y típica de las comedias románticas. Tengo amigos que han estado en comedias de televisión durante diez años y cuando entras en la casa de la gente durante diez años es más difícil romper con esa imagen. En mi caso fue solo una película y fue genial. Y ahora están haciendo otra sin mí, así que resulta aún más liberador”, explicó.

Fue el de Mark Zuckerberg, además, el papel con el que estuvo más cerca de sentirse como su protagonista, Julianne Moore, esa actriz poseída por su personaje. “En La red social desarrollé insomnio. Me pasaba la noche en vela porque mi personaje era obsesivo. Y yo mismo empecé a obsesionarme y me quedaba despierto toda la noche, con la mente revolucionada. Hacíamos que vinieran médicos al set para darme pastillas para dormir. Les pasa a muchos actores. De alguna manera te conviertes en el sentimiento, en el espíritu de la película y te lo tomas demasiado en serio y cometes el error de pensar que eso hará que actúes mejor. Y no creo que sea así. Creo que simplemente te deja agotado”, opina.

Para él, The Debut habla “del nacimiento de una artista”. “Ella empieza siendo muy tímida y luego se convierte en una actriz bastante buena. Pero después se vuelve loca porque se toma a sí misma demasiado en serio. Cree que lo único importante en el mundo es interpretar correctamente a su personaje. Aunque eso signifique irse de casa, intentar cambiar la obra y faltar al respeto a sus compañeros de reparto. Así que... sí, es un poco una sátira sobre cómo los actores pueden tomarse su trabajo tan en serio que terminan arruinando la obra”, concede.

Todos los buenos actores practican alguna versión del método. Pero he visto actores que llevan esto demasiado lejos y exigen que todos los demás se sumen a su proceso. Y eso me parece egocéntrico

Jesse Eisenberg — Actor y cineasta

Con esto no quiere cargarse eso tan citado que llaman el método, aunque a aquellos que el método les posee no les ve con tan buenos ojos: “Creo que todos los buenos actores practican alguna versión del método. Pero he visto actores que llevan esto demasiado lejos y exigen que todos los demás se sumen a su proceso. Y eso me parece egocéntrico. Se pasan de la raya”.

Hay algo que une su anterior película, A Real Pain, con The Debut, y es que ambas exploran la identidad. Una identidad que en The Debut ayuda a conformarse en el teatro, irónicamente donde siempre se está actuando. El tema de la identidad confiesa que le apasiona porque su padre es profesor de psicología social y un experto en Erving Goffman “que habló sobre la presentación de la propia imagen en la vida cotidiana”. A eso hay que sumar que su madre trabajaba como “payaso en fiestas de cumpleaños”. “Mi vida acabó siendo una especie de... bueno, una combinación exacta de los intereses de ambos: reflexionar sobre la psicología de las personas en entornos sociales, pero también considerar el aspecto lúdico y disparatado de la interpretación. En cierto modo, esta película es como una obra conjunta de mis padres. Una producción de mis padres”, contesta con ironía.

En un momento de su película, el director de escena que interpreta Paul Giamatti reconoce que su sueño era ser actor, pero que al no conseguirlo acabó como director. El caso de Eisenberg es diferente, porque ha podido elegir dónde quiere estar, aunque sí que afirma que cree que “todos los que trabajan en una película desean en secreto poder interpretar las escenas; aunque odien estar delante del público”. “Hay algo realmente emocionante y especial en ser el centro de atención, que es lo que dice el personaje de Jerry. Y sí, tuve esa sensación mientras hacía esta película. Trabajaba con mis dos actores favoritos, Julianne Moore y Paul Giamatti, y sin embargo, yo estaba allí sentado, observando con los auriculares puestos en una sala oscura, pensando: ‘Dios, ojalá estuviera haciendo esa escena yo’. No porque fuera a hacerlo mejor, sino simplemente porque parecía mucho más divertido que estar sentado a oscuras con los auriculares puestos”, asevera.

Tras su paso por Telluride, y ahora por San Sebastián, la crítica ya habla del filme como uno de los que tienen mimbres de premios, especialmente sus dos protagonistas. Eisenberg acepta las críticas, especialmente a sus actores, con gusto, porque sabe que “hay grandes interpretaciones en películas que pasan desapercibidas”. “Los adoro, son mis actores favoritos. Llevan siéndolo veinte años, desde que era joven y empecé a entender de actuación. Para mí son los mejores. Me alegra mucho que se les reconozca, porque creo que hacen las cosas bien. No son vanidosos ni están obsesionados con su propia fama. Son simplemente los mejores. Son actores neoyorquinos humildes y magníficos. Así que estoy muy feliz”, zanja.

Ver una película es una experiencia que no solo está ligada al entretenimiento. Sus imágenes, sus mensajes, la historia que transmite puede acompañarnos durante muchos años de nuestra vida. De igual forma, también puede hacerlo la música. Bandas sonoras como la de Gladiator, Titanic o La vida es bella son profundamente reconocibles con tan solo escuchar unas notas.

En Talavera de la Reina (Toledo), el oriundo Gon Ramos ha sido el encargado de dirigir la película Indómito: The Dragonfly, un film con tintes ochenteros al más puro estilo de las películas de artes marciales de finales del siglo XX. Protagonizada y producida por el actor y especialista Eduardo Lureña, ha sido grabada íntegramente en la Ciudad de la Cerámica.

Hoy hablamos con Borja Murel, ingeniero de sonido a caballo entre Madrid y Talavera, que ha sido el encargado de componer la banda sonora de esta película. Murel lleva bastantes años dedicado al mundo del sonido, tanto como músico e igualmente productor musical, aunque ahora se ha centrado principalmente en el mundo cinematográfico. “Hago un poco de todo, desde el sonido en directo, la postproducción, meter efectos, pero también compongo la partitura, orquestación o la banda sonora de las películas”, explica.

Su participación en Indómito no es mera casualidad. Nos cuenta que trabajó “con Gon hace quince años en un cortometraje que se llamaba Camino a casa con el que ganamos el premio a la mejor banda sonora en el Festival de Cine de Castilla-La Mancha en 2012 y teníamos muy buena amistad. Me dijo que iba a dirigir una película con Eduardo Lureña y que quería que hiciese el sonido de la película. La verdad que me gustó mucho el proyecto y dije que sí”, explica Murel. Conforme iban trabajando en la grabación de las secuencias, le propuso a Lureña una idea que él tenía para la música del film y le pidieron grabar la banda sonora: “Le gustaron los temas y propuestas que le hice, así que ha sido todo un poco casualidad”.

Borja nos confiesa que a lo largo de su vida ha consumido “mucho cine ochentero, las películas de Rocky o de artes marciales, por lo que conozco el sonido de esas películas, las canciones...”, por lo que le fue sencillo adaptarse a crear la banda sonora que requería Indómito. Asegura que “cuando estaba viendo el rodaje ya me iba imaginando cosas que podían pegar. Luego me pasaron el montaje y yo normalmente veo la película y voy tocando el piano, dándole vueltas y viendo qué partes del film pueden tener canciones, si serán más rock u orquestadas... depende del momento”.

Uno de los primeros temas de la película que ha visto la luz en 'Forever indomite' compuesto por Jeanne Koffi, Borja Murel y Eduardo Lurueña, cuya voz principal es la de Koffi. “Es una canción de superación, que significa que al final tienes que luchar contra las adversidades, lo cual es el tema de la propia peli. Que aunque todo se ponga difícil tienes que sacar fuerzas de flaqueza y seguir adelante. Yo creo que es una canción muy positiva y tiene ese espíritu que falta ahora en la música que suena en la radio”, apunta Murel.

Esta es su segunda vez trabajando con Jeanne Koffi después de conocerse en Togo (África) mientras rodaban una película. “Me encanta como canta, es una artista muy versátil, con voz lírica dulce, pero también con garra rockera”, señala. Nos cuenta que este fue el primer tema que grabaron y que cuando Eduardo Lureña lo escuchó le pidió a ambos que grabasen “al menos dos temas rock más. Los iremos haciendo públicos antes del estreno de la película, pero la idea es ir lanzado progresivamente un par de temas más y luego el disco completo”.

La unión del talento talaverano

Indómito es una película grabada íntegramente en la localidad toledana de Talavera de la Reina y que impulsa el talento local. Murel la define como “entretenida”, pero que también cuenta “con momentos profundos y de reflexión. Tiene un punto desenfadado que te desconecta de lo cotidiano, pero con conversaciones que te tocan la fibra”.

El film narra la historia de Alex Vega, un soldado de élite que tras pasar varios años en prisión recupera la libertad. Su objetivo es recuperar el tiempo perdido con su hija, pero esta es secuestrada por una red criminal. Para conseguir reencontrarse con ella, el protagonista deberá participar en un torneo clandestino de artes marciales y ganar.

Además del propio protagonista, Eduardo Lurueña, varios de los actores y actrices que aparecen en la película también son locales. “Me hace mucha ilusión porque en Talavera hay muchísimos artistas y gente muy válida en todos los ámbitos, con una gran creatividad. Hay que potenciar ese talento y no se tienen que quedar ahí, sino que hay que llevarlo fuera y promocionar el arte y la ciudad”, resalta Murel, que añade que “Talavera está un poco dejada de lado desde hace muchos años y hay que levanta la ciudad y moverla, sacarle todo el potencial”.

Sobre el cine actual, tanto a nivel nacional como regional, Borja Murel señala que “siempre se ven las mismas caras, lo lógico sería potenciar a los artistas nuevos”. No obstante, 'Indómito' cuenta con un reparto destacado formado por Eduardo Lurueña, Trini Escudero, Noa Rollón, Carlos Herranz, José Luis Bersieres, Gabriel Dan. Acerca de Lurueña, Murel destaca que “es una persona muy espiritual, con un potencial como artista muy grande y creo que es un diamante en bruto”.

La película Indómito no cuenta aún con fecha de estreno, pero se plantea que pueda ser a principios de 2027.

Guiarse por las sensaciones para componer

Entre sus principales influencias el compositor cita a John Barry, Ryuichi Sakamoto, John Williams o Hans Zimmer. A la hora de componer música para cine, Murel destaca que “no hay una fórmula concreta”, sino que él intenta introducir a través de la música lo que le pide la imagen: “Tú vas viendo el vídeo y a lo mejor te pide unos violines, una melodía determinada o unos instrumentos. Me gusta ponerme en la piel del oyente y qué es lo que querría escuchar en ese momento”.

Igualmente, también crea música propia y para otros artistas a través de su sello discográfico, Murel Records que detalla que “está en expansión”. “Igual que en el cine, me dejo guiar por las sensaciones del cuerpo, si funciona mejor un estribillo antes o después, una guitarra... cambia en base al proyecto”, explica.

Además, Borja también se desempeña como guionista. Nos cuenta que en la actualidad el director Antonio Cuadri está grabando en México la película del libreto que terminó de escribir en 2025. “Podremos verla próximamente, seguro”, concluye.

Decenas de activistas de extrema derecha se han concentrado el miércoles por la noche frente a la vivienda de los padres de Rachel Szor, una de las directoras del documental israelí Naza, en la localidad de Savyon, en el centro de Israel. La protesta se produjo en plena escalada de las críticas y amenazas contra Szor y su compañero de dirección, Yuval Abraham, tras la presentación del filme en el Festival de Venecia, que revela con todo detalle los sistemas ocultos tras la matanza calculada y masiva de civiles palestinos en Gaza por parte de Israel.

Uno de los manifestantes acusó a los cineastas de haber cometido “un acto de traición desde dentro” y afirmó que la sociedad israelí debería “denunciarlos”, según ha informado el medio Walla. El mismo participante añadió que “se avergonzarán de caminar por la calle”, en referencia a Szor y Abraham. La movilización estuvo protagonizada, entre otros, por el activista de extrema derecha Mordechai David. N12 ha informado de que en grupos de WhatsApp de los organizadores se difundieron fotografías de los dos cineastas bajo el lema “traidores buscados” y que durante la protesta se mostraron carteles con el mensaje “denunciemos a los traidores de entre nosotros”.

La concentración ha tenido lugar mientras aumenta la presión política sobre Naza. Benjamin Netanyahu ha prometido que impulsará una ley para permitir la retirada de la ciudadanía a quienes difamen a soldados del ejército israelí. También planteó endurecer las indemnizaciones en las demandas por difamación.

Naza, dirigida por Yuval Abraham y Rachel Szor, se basa en testimonios anónimos de 24 soldados y miembros de los servicios de inteligencia israelíes y aborda las operaciones militares en Gaza y el uso de sistemas tecnológicos para seleccionar objetivos. La película recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia. El documental ha sido incluido en la programación del Festival de San Sebastián y se proyectará en la sección Perlak entre el 23 y el 26 de septiembre.

Patricio Guzman, maestro del cine documental y uno de los directores que mejor y más profundamente retrataron Chile, ha muerto este martes a los 85 años en París, según confirmaron a la agencia EFE fuentes de CinemaChile. La Universidad de Chile ha lamentado el fallecimiento del director de cine, que en 2023 recibió el Premio Nacional de Artes de la Representación y Audiovisuales del país americano, y que, ha dicho en un comunicado, “será recordado como uno de los cineastas más destacados de la historia de Chile”.

Aunque tras un par de cortos Guzmán debutó en la dirección en 1972 con el documental El primer año, fue gracias a su enorme, por tamaño y ambición, La batalla de Chile, cuando el cineasta se puso en el foco del cine mundial. Un trabajo que se estrenaría en forma de trilogía y que rodó en 1973 y en el que retrató los acontecimientos que llevaron de la victoria de Allende al golpe de Estado de Pinochet.

El propio director fue detenido durante quince días en el Estadio Nacional de Chile, y necesitó la ayuda de un tío para poder mantener a salvo la copia de su obra maestra, que quedaría como testimonio del golpe de estado de Pinochet contra Allende y de los prolegómenos sociales y políticos. Tras ser liberado, recurrió a su amigo, el cineasta Chris Marker (autor de La Jetée o Sans Soleil entre sus obras maestras). El propio Marker le había facilitado los rollos de película para rodar su documental. Ambos buscaron la forma de montar el filme, que llegó desde el Instituto Cubano de Cinematografía (ICAIC). Fue allí donde durante años Guzmán trabajó para dar la forma final a La batalla de Chile.

En un giro irónico del destino, en el mismo estadio donde él estuvo apresado fue donde se votó la Asamblea Constituyente que culminó con la victoria de Boric y que retrataría en la que fue su última película, Mi país imaginario, que estrenaría en 2022 Con motivo del estreno de aquel filme, Guzmán habló con elDiario.es sobre su esperanza por el cambio en su país. Una revolución que nunca pensó que viviría. “Pensábamos que la dictadura de Pinochet iba a durar mucho más aún. Digamos que el territorio chileno sigue siendo un campo de batalla entre derecha e izquierda que ha durado eternamente, por ahora”, decía entonces.

Tras su exilio, Patricio Guzmán siguió trabajando en el documental, y nunca apartó la mirada de su país, Chile, ni de América Latina en obras como En nombre de dios, La cruz del sur o Pueblo en vilo. La Memoria Histórica volvió a centrar sus películas en títulos como La memoria obstinada (1997), donde abordó la amnesia política de su país, o El caso Pinochet (2001), sobre el juicio contra el exdictador en Londres.

Su trabajo magistral en el documental le han hecho merecedor de los premios más prestigiosos de todo el mundo, como el Oso de Plata de la Berlinale en 2015 por El botón de nácar, el Premio Goya a la mejor película iberoamericana por Mi país imaginario en 2022 y el Ojo de Oro del Festival de Cannes que reconoce al mejor documental de la edición por La cordillera de los sueños en 2019.

Patricio Guzmán captaba con su cámara la realidad de una forma en donde lo poético y lo político se daban de la mano. Sus películas analizaban la Memoria Histórica, pero daban pistas para poder adivinar por donde podía ir el futuro. Tras el estreno de Mi país imaginario, el propio Guzmán se mostraba pesimista. En su filme mostraba a muchos jóvenes que decían que no tenían ideología, algo que él calificó como “peligro latente de esta revuelta”.

Para él, el cine documental tenía una característica que lo hacía fundamental y es que siempre hablaba “de la memoria”. Lo definía como una “especie de caja de resonancia del pasado más reciente para proyectarlo hacia el futuro”. Sus películas nos ofrecían la imagen del pasado para que entendiéramos el presente.

“Nos coloca frente a nuestros problemas grandes que tenemos como país, como personas, como grupo. El documental es una opinión muy personal de cada uno de nosotros y queda guardado para siempre en la memoria chilena. La gente se olvida de las películas de ficción, pero los documentales quedan ahí, machacando siempre”, opinaba Guzmán.

A hacer cine aprendió, o se curtió, en la Escuela Oficial de Cinematografía de Madrid, en los años 60 y durante el franquismo. Allí conoció e hizo un grupo de amistad con cineastas españoles como Manuel Gutiérrez Aragón o Cecilia Bartolomé. Bartolomé, de hecho apareció en su mediometraje que sirvió como práctica de la escuela El paraíso ortopédico. Su hermano, José Juan Bartolomé, trabajaría posteriormente de ayudante de dirección en el rodaje de La batalla de Chile, y juntos rodarían su equivalente en la España que enterraba a Franco y daba la bienvenida a la Transición en Después de... obra fundamental del cine español que, proablemente no existiría sin el trabajo previo de Patricio Guzmán.

El ministro israelí de Cultura, Miki Zohar, dijo este domingo que trabajará para intentará revocar la nacionalidad a los directores del documental 'Naza', que recibió ayer el Premio Especial del Jurado del Festival de Venecia por mostrar la supuesta estrategia de Israel para destruir la Franja de Gaza.

“Como ministro de Cultura, actuaré de inmediato para revocar la ciudadanía israelí de estos creadores viles por traición al país”, dijo Zohar en un mensaje en X sobre los realizadores del filme, Yuval Abraham y Rachel Szor.

Zohar acusó a los cineastas de tener un “ardiente odio autodestructivo” y de estar “dispuestos a dañar a su patria para recibir aplausos de los antisemitas del mundo”, lo que, según él, “constituye una traición al país”.

Por su parte, el ministro de Seguridad Nacional, el ultraderechista Itamar Ben Gvir, dijo también en X que Abraham y Szor “son una vergüenza y una deshonra para todo el pueblo de Israel”.

“Desaparezcan. Estoy seguro de que sus amigos, nuestros enemigos de Hamás en Gaza, los recibirán con los brazos abiertos”, les dijo Ben Gvir a los cineastas

La cinta, de 80 minutos, pone sobre la mesa la supuesta estrategia que hay detrás de la matanza masiva y calculada de civiles palestinos en Gaza por parte de Israel.

Su estreno en Venecia, el jueves, recibió un aplauso apabullante por parte del público.

Abraham y Szor formaron parte del equipo de la oscarizada 'No Other Land' (2024). Su nuevo proyecto entró con aplausos en la carrera por el León de Oro después de que el certamen lo aceptara 'in extremis' una semana antes de su inicio.

El 'Naza' del título es el término con el que los mandos y los servicios de inteligencia israelíes denominan a las 'víctimas colaterales' de los bombardeos que han arrasado Gaza tras los ataques del 7 de octubre de 2023 contra Israel cometidos por Hamás y otros grupos islamistas palestinos, en los que murieron 1.200 personas y otras 250 fueron secuestradas y llevadas a la franja.

La cifra de víctimas en dicho enclave se eleva a su vez a más de 73.000, según las autoridades locales, controladas por Hamás.

El Ejército israelí (FDI) contradijo el viernes al documental, al asegurar en un comunicado que sus decisiones para bombardear Gaza siempre las toma personal humano y no la inteligencia artificial (IA), como detalla el filme a partir de testimonios de oficiales de inteligencia y soldados de Israel.