La imagen de George Orwell tomando el café que nunca pudo beber en Huesca ha desaparecido. En la madrugada del pasado jueves, desconocidos arrancaron y sustrajeron el bajorrelieve de bronce instalado desde mayo de 2024 en el parque Miguel Servet, una obra convertida en uno de los símbolos culturales de la capital altoaragonesa y levantada gracias a una campaña de micromecenazgo impulsada por el Colectivo Ciudadano de Huesca junto con la Orwell Society. La Policía Nacional investiga ya los hechos mientras el Ayuntamiento ha presentado una denuncia.

Para quienes promovieron el proyecto, sin embargo, la pérdida trasciende el mero valor económico. “Es un acto vandálico, pero no es una vandalización. Es robar una escultura en bronce que representa a un personaje histórico de la literatura universal del siglo XX como fue George Orwell”, afirma Víctor Pardo, historiador y miembro del Colectivo Ciudadano de Huesca. “Es robar a la ciudadanía de Huesca una obra artística y patrimonial que se entregó al Ayuntamiento. Un acto absolutamente deleznable y condenable”, añade.

La obra, realizada por el escultor oscense Javier Sauras, evocaba la célebre promesa escrita por Orwell en Homenaje a Cataluña: “Si alguna vez vuelvo a España, prometo firmemente tomarme un café en Huesca”. Nunca pudo cumplirla, y el monumento pretendía hacerlo de manera simbólica casi nueve décadas después. Inaugurada el 19 de mayo de 2024 en presencia de Richard Blair, hijo del escritor, y de representantes de la Orwell Society, la pieza fue financiada gracias a la aportación de más de 500 mecenas antes de ser donada al Ayuntamiento como patrimonio municipal.

Pardo no cree que detrás del robo exista una motivación ideológica. “Si tuviera carácter político no se hubieran tomado tantas molestias para llevarse la imagen. La podrían haber destrozado allí mismo o haber hecho una pintada y además lo habrían reivindicado”, argumenta. Su hipótesis apunta a un motivo mucho más prosaico: “Prefiero pensar que no es esa la razón. Yo creo que se han llevado esa figura para venderla en una chatarrería. Es un bronce, tiene un valor material”. Incluso descarta que pudiera tratarse de un robo por encargo para algún coleccionista.

El historiador recuerda que solo la escultura y el trabajo artístico de Javier Sauras rondan los 15.000 euros, una cifra a la que habría que añadir el pedestal y el resto de actuaciones necesarias para levantar el monumento. Pero insiste en que el perjuicio es mucho mayor que el económico porque la pieza era el resultado de un proyecto ciudadano que movilizó durante meses a decenas de personas y contó con la implicación directa de la Orwell Society. A los pies del monumento permanece enterrada una cápsula del tiempo con documentos del proyecto, periódicos, monedas españolas y británicas y otros objetos destinados a conservar la memoria de aquella iniciativa colectiva.

Buena parte de las críticas de Pardo se dirigen también a la respuesta institucional. Según explica, “el Ayuntamiento debería haber sido más sensible con este robo. Tendría que haberse puesto en contacto con el hijo de George Orwell, con el colectivo ciudadano y con Javier Sauras. Con ninguno de los tres ha tomado contacto”, lamenta. También reclama explicaciones públicas. “Que denuncie no le exime en absoluto de la responsabilidad que tiene ante la ciudadanía para explicar qué ha ocurrido con un patrimonio que tiene la obligación de proteger y cuidar”, reivindica.

Pardo asegura no recordar un precedente similar en Huesca. “Que yo sepa, nunca se ha robado una obra de arte de patrimonio público”, afirma. La posibilidad de reconstruir el monumento dependerá ahora de que la fundición conserve los moldes originales, una cuestión que todavía está por confirmar. Mientras tanto, la Orwell Society ya ha mostrado su disposición a colaborar si finalmente fuera necesario reproducir la escultura. “La sociedad Orwell está disgustadísima”, resume el historiador, que pide esperar al resultado de la investigación policial antes de adoptar una decisión definitiva.

Más de un año después de su inauguración, el espacio que recordaba el vínculo entre George Orwell y Huesca ha quedado vacío. La desaparición de la escultura no solo supone la pérdida de una obra artística, sino también de un símbolo construido desde la sociedad civil para reivindicar la memoria del escritor británico y los valores de libertad, pensamiento crítico y compromiso democrático que marcaron su paso por el frente de Aragón durante la Guerra Civil.

Una losa redondeada obligó a interrumpir la excavación de un barracón romano y, al darle la vuelta, dejó al descubierto un rostro tallado que llevaba más de 1.600 años oculto bajo el suelo de Vindolanda, uno de los fuertes más famosos que custodiaban el muro de Adriano. El relieve, hallado el 16 de junio de 2026, representa a un Genius, el espíritu protector que los romanos relacionaban con la seguridad de una casa o de un lugar, además de con su prosperidad.

Los atributos identifican al Genius como protector del lugar

Andrew Birley, director de las excavaciones de Vindolanda, encontró la pieza mientras trabajaba en un edificio militar del siglo IV y reconoció que no esperaba hallar una figura así. El arqueólogo explicó que “tuve la suerte de trabajar muchos años en el yacimiento y realizar hallazgos maravillosos, pero no estaba preparado para encontrar aquello al otro lado de la piedra”.

La escultura está hecha en arenisca, mide 44 centímetros de alto, 23 de ancho y ocho de grosor, y conserva con claridad los atributos que permiten identificar a la figura. El Genius sujeta una cornucopia asociada con la abundancia, mientras lleva en la otra mano una pátera, el plato poco profundo que se empleaba durante las ofrendas rituales. Los arqueólogos creen que la pieza formó parte de un santuario familiar antes de reutilizarse como material constructivo en una fase posterior.

Tras fotografiar el relieve, Birley consultó a Lindsay Allason-Jones, Fraser Hunter y Alex Rome-Griffin, especialistas que coincidieron en la identificación pocas horas después. El director recordó que su primera reacción fue preguntarse a qué figura estaba mirando y añadió que “la respuesta unánime llegó en cuestión de horas y confirmó que habíamos encontrado un relieve desconocido de un Genius, el espíritu protector de un lugar”. Esa valoración permitió situar la talla dentro de las prácticas religiosas de la Britania romana.

Los relieves conservados resultan mucho menos frecuentes que las inscripciones

Aunque las inscripciones dedicadas a estos espíritus aparecen con frecuencia en distintos puntos de la antigua provincia, los relieves de piedra conservados resultan mucho menos habituales. La pieza ofrece por ello una ocasión poco frecuente para estudiar la iconografía de un Genius dentro de un contexto arqueológico bien documentado, bajo el suelo de un barracón levantado durante el siglo IV. Su estado de conservación también facilita el análisis de la talla y de su posible función anterior.

Los especialistas consideran que el relieve pudo tallarse en la propia Vindolanda, aunque también contemplan su procedencia de un taller regional vinculado con tradiciones escultóricas cercanas, como las del fuerte romano de Lanchester, en el condado de Durham.

La ausencia de una inscripción obliga a basar la atribución en los objetos que porta la figura y en su postura, elementos asociados con estos protectores dentro del culto romano.

El hallazgo enlaza además con una historia de excavaciones que comenzó en la década de 1930, cuando Eric Birley, profesor y abuelo de Andrew, impulsó los primeros trabajos en Vindolanda. Robin Birley, padre del actual director, amplió después el conocimiento del enclave durante décadas de investigación, y Andrew terminó por recuperar una de las esculturas religiosas mejor conservadas aparecidas allí en los últimos años. Birley resumió aquella impresión al afirmar que “parecía como si la propia Vindolanda se hubiera dirigido al equipo para decir en voz baja que aprobaba su trabajo”.

El fuerte continúa ampliando el conocimiento sobre la frontera romana

Vindolanda se encuentra al sur del muro de Adriano, en Northumberland, y estuvo ocupada desde finales del siglo I hasta comienzos del V. Sus campañas han sacado a la luz las tablillas de escritura de Vindolanda y numerosos objetos cotidianos, entre ellos calzado de cuero, tejidos y piezas de madera, que han ampliado el conocimiento sobre la vida en la frontera septentrional del Imperio romano. La Vindolanda Trust dirige cada año las excavaciones, donde arqueólogos profesionales trabajan junto a cientos de voluntarios llegados de distintos países.

Mientras avanza su conservación y su estudio, la talla permanece fuera de la exposición pública hasta que pueda instalarse en el museo del propio yacimiento. Su futura presentación permitirá contemplar una figura que pasó de un posible santuario familiar a servir como piedra bajo un edificio militar, donde quedó protegida durante más de dieciséis siglos antes de volver a salir a la luz.

La estatua de un caballo coronaba hace 70 años una de los construcciones con un significado más infame en Madrid: el Arco de Moncloa, que la dictadura franquista bautizó como Arco de la Victoria. Una exposición actualmente visitable en el complejo El Águila recuerda el momento de su colocación, allá por 1956. Este miércoles, una imagen similar se ha repetido en la capital.

Esta vez no hay ningún régimen totalitario de por medio y la instalación no ha sido tan aparatosa, pero la escultura de un caballo vuelve a generar contestación social y habla del sino de los tiempos. Se trata de El rumor de la discordia, obra de seis metros de altura con un llamativo caballo de bronce que parece flotar en el aire. La obra corona ahora la plaza del Carmen, junto a Gran Vía. Es una iniciativa del hotel de lujo Thompson, cuya empresa propietaria diseñó la reforma de la plaza pese al carácter público del entorno.

Obra del mexicano Gonzalo Lebrija, llega como una cesión temporal por un mínimo de 15 años, en un ejemplo de la “apuesta por la colaboración público-privada” que defiende el Gobierno de José Luis Martínez-Almeida. Así lo describía la concejala delegada de Cultura, Marta Rivera de la Cruz, en un artículo sobre la pieza publicado en El País hace un año.

El reportaje adelantaba más datos sobre la figura que ya pueden contemplar los viandantes en el centro de Madrid: el pedestal de hormigón (todavía no instalado) tiene 4,4 metros de alto, mientras que las medidas del caballo son de 1,90 por 2,50 metros.

“Los caballos en el arte siempre han tenido connotaciones políticas y sociales que tienen que ver con triunfos bélicos, pero este no conmemora una victoria. Actualmente, el mundo no está pasando un momento que permita conmemorar, sino que, al revés, entramos en una etapa de reflexión y cuestionamiento”, exponía Lebrija en El País para alejarse edificaciones como la de Moncloa.

La controversia en la plaza del Carmen es anterior a esta animalada artística. Hace cuatro años, el área de Movilidad aceptó como “donación” el proyecto de reforma del aparcamiento de plaza del Carmen que había redactado el propio hotel de lujo que ahora dona la escultura. Lo hizo incluyendo varias ventajas sobre el espacio público para este negocio privado, entre ellas la de incluir un acceso directo desde el parking al propio garaje del hotel Thompson, de cinco estrellas. Además, colocaba la entrada y salida del parking lo más lejos posible de su edificio, al otro extremo.

Desde Cibeles no concretaron el importe de lo que se había ahorrado con la donación del proyecto, pero sí detallaron en los pliegos de la construcción que horadar el túnel adicional (situado en la planta -1 y con cinco metros de anchura) añadiría 136.000 euros al coste final de la obra. Cuando Somos Madrid adelantó esta noticia, en el año 2022, los propietarios del hotel (la familia Díaz Estrada) prefirieron no hacer declaraciones. Tres años después, sin embargo, el CEO de Exacorp One sí que habló para el artículo de El País sobre la polémica en la plaza.

Una reforma rodeada de controversias y maniobras

“Buscábamos que con esto ganáramos todos: el hotel y los turistas, por supuesto, pero también los vecinos. No todo el mundo consiguió todo lo que quería, incluyendo al hotel, que por supuesto no es el dueño de la plaza. Pero creemos que el resultado es bueno para todos”, defendió, después de asegurar que trabajó el proyecto con la Asociación de Amigos de la Plaza del Carmen.

Esta asociación, sin embargo, está formada por miembros de la propia Exarcorp One, como consta en el registro municipal al que accedió este periódico. El propio Alonso Díaz Etienne aparece como vicepresidente de la entidad y se reunió en su nombre con el Ayuntamiento en octubre de 2019, encuentro presidido por el delegado de Movilidad Borja Carabante en el que también estuvo Carlos Llansó y Graciela Roselló, arquitectos ambos empleados por Exarcorp One y que figuran asimismo como miembros de esta “asociación de amigos”.

Respecto a las ventajas privadas que se derivaron de la adjudicación del proyecto sobre el espacio público, el túnel subterráneo citado no es la única para el hotel en el diseño del proyecto: la escultura de Gonzalo Lebrija se colocará sobre una rotonda innecesaria y que se incluyó para asegurar el acceso en coche hasta la puerta del hotel a todos sus clientes. Y también se ha dejado un espacio libre de parterres y árboles junto al alojamiento de cinco estrellas, donde ahora este negocio despliega una gran terraza.

La familia Díaz Estrada construyó el hotel Thompson uniendo varios inmuebles de la calle Montera, entre los que se encontraba el que alojó los cines Acteón, cerrados por sorpresa en el año 2017 para iniciar la operación que levantó finalmente una instalación con 173 habitaciones en pleno centro de Madrid. El proyecto del edificio fue tramitado durante la alcaldía de Manuela Carmena y el de la plaza del Carmen con Almeida ya como regidor.

Además de las talas o la distribución del espacio público, se le unieron las criticas al precio de los abonos para residentes en el aparcamiento. Hacerse con una plaza mensual cuesta como mínimo 160 euros al mes, si se elige la reserva por cinco años, después de que el equipo de Almeida escogiera la oferta más cara para los vecinos de entre todas las presentadas al concurso. Por comparar, el parking municipal de la cercana plaza Luna, cuesta 70 euros al mes para residentes con el mismo régimen de concesión. El de la plaza de las Cortes apenas un euro. En Thompson, por contran, pensarán que si ladran ellos cabalgan.

El Museo de Arqueología de Álava, que desde este viernes expone a su entrada una cabeza de Baco que se encontró en el yacimiento arqueológico de Arkaia en 1976, ha cerrado una odisea. Cincuenta años después de su descubrimiento, habiendo estado durante más de cuatro décadas en manos del ex alto cargo del PNV Jon Buesa sin que se tuviese constancia de ello y luego cuatro años más precintado a la espera de resoluciones judiciales, ahora ya lo pueden apreciar todos los que se acerquen a la sala sita en la calle de la Cuchillería de Vitoria. La exposición, titulada 'La odisea de Baco', se podrá visitar hasta el 30 de septiembre.

La pieza, de pequeñas dimensiones y protegida tras un cristal, se ha rodeado de una serie de paneles explicativos que recogen desde apuntes técnicos hasta nociones sobre legislación. Se apunta que, pese a no tener los atributos del dios Baco —nombre con el que los romanos conocían al que para los griegos se presentaba como Dioniso, deidad de la fertilidad y el vino—, se sabe que lo representa a él por una línea de investigación que se conoce como 'crítica de copias' y que indaga en qué motivos mantenían las copias que se iban tallando. En este caso, son dos los que delatan la atribución de la cabeza: “algunos rasgos iconográficos del rostro (cabello y barba), que son muy similares a los del modelo original griego del siglo V a. C.” y el hecho de que “este tipo de pequeñas esculturas” se fabricasen “en randes cantidades”.

De Arkaia a las manos de Buesa

El yacimiento arqueológico ubicado en la actual Arkaia, uno de los concejos que integran el municipio de Vitoria, se excavó por primera vez en 1976 y desde entonces no ha dejado de brindar sorpresas en forma de restos romanos y prerromanos. Si en un primer momento aparecieron el yacimiento y también las termas mejor conservadas de la zona, unas obras de 2015 propiciaron unas excavaciones que hicieron reflotar también construcciones de los siglos I y II, decoraciones hechas a base de mármol y restos caristios de los siglos I y II antes de Cristo.

Una de esas sorpresas fue el busto del dios Baco. El Museo de Arqueología de Álava expuso a este Baco durante muchos años, aunque con una copia tallada en yeso, que se decidió retirar en el año 2009 en una reorganización de la colección. Pero el original no aparecía.

En 2022, el periódico 'El Correo' reveló que el busto original habría estado durante décadas en manos de Jon Buesa Blanco, exportavoz del PNV en las Juntas Generales de Álava, el Parlamento foral de la provincia. Hermano del dirigente socialista asesinado por ETA Fernando Buesa, ha sido un conocido empresario en Vitoria dedicado a la ingeniería civil. Durante años, ha tenido un despacho en la calle de Manuel Iradier, donde llegaron a estar domiciliadas tres empresas. En el sumario del 'caso De Miguel', el mayor de corrupción en Álava, se descubrió que el parque tecnológico de Miñano había simulado un concurso en el que competían entre sí las tres y tras el cual, lógicamente, una de ellas se llevó la adjudicación. Una de esas tres firmas era de su socio Sergio Fernández Oleaga y se llamaba Stoa. Es una de los sociedades clave de la trama, ya que se demostró que Fernández Oleaga abonaba comisiones para recibir contratos.

¿Cómo fue el Baco a parar a sus manos? Se la habría entregado en mano el operario que la distinguió entre los demás restos aflorados en Arkaia en 1976. Por entonces, Buesa fungía como ingeniero de obras públicas de la Diputación de Álava. En una nota de prensa difundida este viernes con motivo de la presentación de la exposición, la Diputación se reafirma en esa idea: “un trabajador localizó el fragmento escultórico y lo entregó al ingeniero responsable. Desde entonces, la pieza nunca llegó a depositarse en manos públicas”. En un primer momento, preguntado por 'El Correo', Buesa se escudó en que la suya era “una réplica idéntica”, como la de yeso que se exponía en el museo, y no la original.

A raíz de estas informaciones de 2022, la Diputación de Álava expresó en un primer momento un 'no' a tomar cartas en el asunto. Poco después, sin embargo, el propio diputado general, Ramiro González (del PNV), salió a defender que el busto debía ser una pieza “pública” que estuviese “en manos de la Diputación”. “Es deplorable cualquier apropiación de un bien patrimonio de todos los alaveses”, se quejó entonces, para prometer, a renglón seguido, que la Diputación haría “todo” lo que estuviese en su mano y “dentro de la ley” para recuperarla. Por aquel entonces también, la Plataforma Estatal de Profesionales de la Arqueología habló de patrimonio “robado y perdido” y llegó a interpelar al entonces ministro de Cultura y Deportes, el socialista Miquel Iceta. “No sabemos muy bien cómo esta pieza terminó en manos privadas, y en la actualidad las administraciones se desentienden del caso y no investigan el paradero de esta pieza que resulta importante por su escasez en tierras vascas”, aseveró la plataforma.

La Diputación, según ha recordado esta semana, interpuso una denuncia ante la Ertzaintza en 2022. En 2024 la pieza ya estaba en dependencias del Museo de Arqueología de Álava, a la espera de una resolución judicial. Ha sido en 2026 cuando el juzgado ha autorizado a la Diputación a desprecintar la pieza. Antes de exponerla, el Servicio de Restauración ha acometido una intervención. En los paneles que la acompañan en el museo se detalla, paso a paso, el proceso que se ha seguido: primera observación con lupa binocular, toma de datos básicos, fotografías de alta calidad, macrofotografías de los detalles, toma de micromuestras para analizar qué materiales se han añadido al original, pruebas de solubilidad y retirada del recubrimiento de cera y arcilla.

En febrero de 2024, el artista plástico malagueño Juan Manuel Reyes se llevó un palo tremendo. Cada mañana, cuando se levantaba, veía cómo unos operarios trasteaban la escultura ubicada en mitad de la rotonda que divisa desde su casa de Mijas. Primero le dieron una buena mano de pintura, y después le colocaron unos vinilos adhesivos. Decían darle lustre pero él sentía que le estaban cambiando la esencia. Aquella escultura la creó él y le puso nombre como a una hija, La Veleta, y le dolía en el alma que aquellos hombres la toquetearan.

Al principio lo dejó estar, pero las pegatinas que simulaban unos antiguos relojes de cuerda eran demasiado. Llamó al Ayuntamiento, pidió explicaciones y, como no le hacían caso, registró un escrito pidiendo la retirada los adhesivos. Insistió, y también consiguió que devolvieran la obra a su color original.

Pero no se quedó ahí. Buscó asesoramiento de VEGAP, una entidad que ayuda a gestionar los derechos de autor de artistas plásticos, y se convenció de que debía hacer algo más. “Sentía que me habían puesto un pie en el pecho. No podía mirar a otro lado”, comenta. Así que puso una demanda en la que explicaba que se había vulnerado su derecho de propiedad intelectual sobre la obra, en sus narices y dándole publicidad, y que eso le había producido un daño moral que debía compensarse.

Hace unos días, la titular del juzgado 3 de lo Mercantil de Málaga le dio la razón. El Ayuntamiento de Mijas (95.104 habitantes) vulneró sus derechos, le produjo un daño moral y deberá indemnizarle con 25.000 euros. El equipo de gobierno que conforman PP, Vox y Por mi Pueblo no ha recurrido la sentencia. Tampoco ha contestado a las preguntas de este medio.

Una metáfora de la construcción del pensamiento

La Veleta es una estructura vertical de ocho metros de altura conformada por media docena de cuerpos geométricos (prismas y cilindros) uno encima de otro, y otro cuerpo irregular exterior. Se ubica en la rotonda de la Avenida El Limonar de la Cala de Mijas, junto al colegio de Infantil y Primaria El Chaparral.

Fue costeada por empresarios locales e inaugurada el 15 de octubre de 2011, y cuenta el autor que el hecho de tener que poner de acuerdo a mucha gente ya le supuso ciertas limitaciones creativas y económicas. Pero eso no la hacía menos propia: “Te puede gustar más o menos, pero siempre intenté que tuviera dignidad”.

La Veleta se describe como una metáfora sobre la construcción del pensamiento en un vídeo de hace 15 años, donde se muestra el proceso creativo, el montaje, el traslado y su inauguración con la comunidad educativa. Allí ya se observa el modelo en miniatura con los mismos colores que luego el artista le dio.

Hasta febrero de 2024 nadie la había tocado, pero el tiempo hace estragos. Así que poco después de llegar al poder mediante una moción de censura, el nuevo equipo de gobierno pensó que había llegado la hora de lustrarla con una capa de pintura, y envió a unos operarios. De paso, le cambiaron los colores a cinco de las siete piezas. Después, quisieron ponerle pegatinas serigrafiadas.

Demasiado para Reyes, que se enteró de que mancillaban su escultura porque vive enfrente. No podía evitar ver cada mañana cómo le habían cambiado a su creación. El hecho de que estuviese en una rotonda parecía conferir a la pieza las mismas cualidades materiales y jurídicas que una farola. Un daño moral reiterado y añadido a la repercusión mediática del caso y al sentimiento de que el Ayuntamiento ignoraba sus derechos como autor.

La sentencia: “Los colores eran esenciales”

Además de pedir que pararan y repusieran la obra a su estado original, Reyes llevó a juicio al Consistorio, pidiendo que se reconociera que él era el autor, que se habían vulnerado sus derechos morales reconocidos en la Ley de Propiedad Intelectual, que cesara el atropello y nunca se volviera a cometer, y que le abonaran una indemnización.

El Ayuntamiento, que nunca negó la autoría, se negó a pagar, razonando que había repuesto la escultura en cuanto el autor se lo pidió, y que solo quería restaurarla del deterioro. Además, alegó que en el poco tiempo en que la obra lució alterada no pudo producirse un daño moral al autor.

La jueza ha dado la razón a Reyes: “pese a las dificultades” para acreditarlo, dice la sentencia, hay un daño moral en la alteración sin permiso de una obra sujeta a la propiedad intelectual. “Resulta evidente que los colores que se habían utilizado por su autor eran esenciales en la constitución de la escultura”, resalta.

El daño se agravó por el hecho de que la obra esté en una zona de tránsito de vehículos “a la vista de multitud de personas” que cada día dan la vuelta a la rotonda. La cercanía de su vivienda permite suponer que el autor observó cada día cómo iban cambiándola, con el consiguiente daño “interno y personal” acrecentado por la repercusión mediática.

La jueza reconoce que no es fácil valorar económicamente el daño, pero aquí el Consistorio se lo puso fácil. Frente a la reclamación del autor el Ayuntamiento guardó silencio. Negó el daño, pero no presentó una estimación para el caso de que la jueza sí lo apreciase, como ocurrió. Así que la cuantía ha sido la reclamada: 25.000 euros más intereses. Además, el Ayuntamiento deberá difundir la sentencia en un periódico nacional y en otro regional elegidos por el autor.

Una obra de arte no es un coche

La sentencia entronca con otros casos mediáticos como la condena en 2009 al Ayuntamiento de Bilbao a inedmnizar al arquitecto Santiago Calatrava por añadir una pasarela al puente Zubi Zuri para conectarlo con un complejo comercial.

“Creo que hay un desconocimiento en algunos ayuntamientos”, comenta Roberto Calles, abogado de Herrero & Asociados, la agencia que ha representado a Reyes: “Creen que al haber comprado una obra de arte son dueños en todos los sentidos, y no le dan un trato distinto al que le dan a un coche, que puedes hacer lo que quieras con él. Si compras una escultura o un edificio singular, tienen unos derechos de autor que van más allá”.

El Ayuntamiento recibió sus primeras quejas como una pataleta de un artista soberbio, y no como la reclamación de un derecho. “Ése es el problema: cómo lo ven ellos”, comenta el artista, de 50 años. Tras una etapa en Barcelona, ha vuelto a su tierra y el panorama que ha encontrado es desolador: “La Cultura en la Costa del Sol está en manos de políticos que desconocen sus funciones. Esa responsabilidad le cae al último concejal: ineptos y personas sin capacidad, personas que se manejan con prepotencia”. Nadie del Ayuntamiento le ha pedido disculpas.

Vestidito con el uniforme blanco de Capitán General de la Armada, símbolo del blanqueamiento de la dictadura franquista a lo largo de estas casi cinco décadas de democracia y de la retórica que el régimen utilizó para presentarlo como timonel de España. Así aparece el dictador en la nueva e hiperrealista instalación Always Franco, de Eugenio Merino, casi idéntica a la presentada en 2012 en la feria ARCO, donde el militar aparecía en el interior de una nevera que simulaba ser de una marca de refrescos. En aquel momento, su creación le granjeó una denuncia por parte de la Fundación Nacional Francisco Franco (FNFF), a la cual ganó en los tribunales.

Un año después de celebrarse los 50 años de la muerte del dictador y el mismo año en que se conmemoran los 90 años del inicio de la Guerra Civil, Merino explica que esta obra habla de la persistencia del franquismo en la cultura y la política españolas. “Desde que presenté la pieza original, la extrema derecha solo ha crecido. La situación ha empeorado mucho. Y no solo en España. La ultraderecha coge fuerza a nivel internacional”, comenta.

La instalación, que se podrá ver en la galería ADN a partir del 13 de junio, pone sobre la mesa cómo los neofascismos en España han transformado el franquismo en una historia “basada en el negacionismo de lo que fueron las consecuencias de la dictadura”, completa el artista plástico. Además, el viernes 26 de junio Merino participará en el festival de elDiario.es FIC junto a Darío Adanti en el espectáculo Chistes contra Franco, un acto de memoria disidente.

Merino aporta un nuevo giro a la obra con su subtítulo: ‘Spanish Brand’, una traducción literal de Marca España. “La Marca España surgió apenas unos meses después de presentar la obra en 2012 para blanquear el presente político de España en aquel momento”, sostiene. Se refiere al caso Gürtel, trama de corrupción en la que se han visto implicados numerosos mandos del PP, y la inhabilitación del juez Baltasar Garzón, “quien comenzó el proceso de justicia y reparación a las víctimas del franquismo en España”, recuerda el mismo Merino.

Capitán del barco que era España

A diferencia del Always Franco de ARCO, en esta ocasión el dictador aparece con el uniforme blanco impoluto de Capitán General de la Armada. “Es un juego visual. Transformamos la imagen más militar de Franco en una visión más blanqueada, que es en lo que incide la pieza”, comenta.

Presentarlo de esta forma también aporta la posibilidad de trazar una metáfora ligada a la retórica del régimen, que siempre se valía del lenguaje náutico para su propaganda. “Era una manera de dirigir el pensamiento de la sociedad y de legitimar su figura como director y capitán del barco llamado España”, añade Merino en declaraciones a elDiario.es.

Si en 2012 su Always Franco sulfuró a la FNFF hasta tal punto de que llevaron la obra a los tribunales, el artista admite casi década y media después que no teme una posible denuncia por parte de esta organización en vías de extinción por la Ley de Memoria Democrática. “Yo no solo gané aquel juicio, sino la libertad de utilizar esa figura tal y como ya se había usado”, rememora. Y agrega: “Me parece sorprendente que haya que defender la libertad de expresar el rechazo a la dictadura y la figura del dictador”.

Merino señala que, en la actualidad, quizá serían otras asociaciones las que intentaran castigarle por su creatividad, y menciona a los ultraconservadores de Hazte Oír y Abogados Cristianos. “Ellos también forman parte del resurgimiento de la extrema derecha en el siglo XXI. Son la base que permite que la extrema derecha opere de una forma mucho más sólida que en 2012”, apunta.

Hacia la cultura del consumo

La cabeza hiperrealista de Franco se modeló en un primer momento un año antes de ser expuesta la obra al completo en ARCO. De ahí, Merino ha ido sacando diversos moldes a lo largo de estos años, como el utilizado en julio de 2025 en el festival Ex Abrupto de Molà (Barcelona), donde se jugó un partido de fútbol con la cabeza como pelota cerca de una antigua línea de trincheras republicanas de la Guerra Civil. Las manos también provienen de un molde de manos reales. El material utilizado es silicona de platino, a la que se le añade pelo humano. Una sastra se encarga de realizar todos los elementos militares, como el uniforme y la gorra.

La nevera es de producción industrial y una empresa de rotulación se encarga de colocar los vinilos que reproducen los colores y las formas de la conocida marca de refrescos. Con ello, el artista añade un nuevo nivel de significación a la obra.

“Con ese vinilo nos acercamos a la cultura del consumo, cuando durante la dictadura se introdujo esa ‘American way of life’ dentro de una España completamente precaria. De ahí viene este modelo de turismo y consumo que todavía hoy mantenemos”, desarrolla el creador, quien retoma la idea de la Marca España. Tal y como abunda, “cuando Rajoy inventa este lema, lo hace en referencia al Spain is different de Fraga en los años 60, lo que no deja de ser un nuevo blanqueamiento de la dictadura durante la democracia”.

Franco como mercancía

Halim Badawi, investigador, crítico y comisario de arte, ha participado en el proyecto que ahora recupera Merino. Según ha escrito este experto colombiano, en Always Franco se “desplaza el cadáver político del dictador desde el mausoleo monumental hacia la lógica de la mercancía, revelando cómo las figuras autoritarias no siempre desaparecen con su muerte biológica”.

El régimen confirió a su tumba y mausoleo unos aires de grandeza que casi tardaron medio siglo en desaparecer, al menos en parte. El valle de Cuelgamuros luce ahora sin su cuerpo bajo la gran cruz, guía del nacionalcatolicismo imperante durante el régimen. En la instalación de Merino, el cuerpo de Franco sigue expuesto “bajo el brillo industrial de la refrigeración comercial de Coca-Cola, una marca trasnacional asociada con la expansión simbólica del capitalismo global y con su capacidad para infiltrar los imaginarios cotidianos más íntimos”, según Badawi.

El franquismo aparece así “como un horizonte de sentido que continúa infiltrándose en los imaginarios, las arquitecturas, las nostalgias familiares, ciertas formas de autoridad o en los silencios institucionales de la democracia española”, tal y como valora el crítico de arte. El mismo Badawi finaliza: “Franco deja de pertenecer exclusivamente al campo de la historia para ingresar en el flujo de las mercancías, las marcas, el entretenimiento y la banalización propia de una sociedad de redes sociales, clickbait, conspiraciones y contenidos basura”.

Memes a favor del odio

La catedrática de Historia y fundadora de la Cátedra de Memoria Histórica Siglo XX de la Universidad Complutense de Madrid Matilde Eiroa San Francisco ha reflexionado sobre la instalación que presenta Merino. Esta experta defiende que Franco se convirtió en un producto viral en 2019 cuando se produjo su exhumación, coyuntura en que los memes y el humor adquirieron gran protagonismo.

La también integrante del Patronato del Centro Documental de la Memoria Histórica opina que, “en la actualidad, la presencia de las figuras de Franco y Hitler como ”ídolos“ en las redes sociales está relacionada con la propagación del discurso del odio y la desinformación promovida desde la extrema derecha”. Según ha escrito en un texto realizado por la presentación de Always Franco, esta presencia de los dictadores en las redes se utiliza “para la difusión de ideas neofascistas y la captación de jóvenes”.

‘Primada’ ya ha abierto sus puertas para mostrar “el alma” de la Catedral de Toledo. Con motivo del VIII centenario del templo, esta ambiciosa exposición propone un recorrido inédito por ocho siglos de historia, arte y espiritualidad a través de 330 obras que convierten a la propia catedral en el gran hilo conductor de la muestra. Pinturas, esculturas, manuscritos, relicarios, ornamentos litúrgicos y piezas restauradas para la ocasión componen un relato que busca explicar no solo la evolución artística del templo, sino también su dimensión simbólica y religiosa.

Hay una familia en Llinars del Vallès (Barcelona) que, cuando mira a la Sagrada Familia, puede reconocer la huella de su estirpe. Son los Barbany, un linaje de picapedreros que llevan más de 130 años dedicados al oficio y que, durante cuatro generaciones, han suministrado su artesanía al templo de Gaudí.

Todo empezó a finales del siglo XIX con Joan, el primer Barbany que se dedicaría a la piedra. Se formó en Marsella y, una vez de vuelta a Catalunya, en seguida se hizo un nombre. A pesar de ser nuevo en el oficio, hay iconos de Barcelona que llevan la marca de su cincel. Aunque él no esculpió para la basílica, sí suministró material de su cantera durante los primeros años de su construcción.

Las primeras piezas talladas íntegramente para la Sagrada Familia en este taller familiar datan de los años 90 del siglo pasado, de la mano de los hijos de Joan: Peret y Pitu. Desde entonces, se han elaborado, entre otros centenares de piezas, las columnas de los portales de la Glòria y de la Pasión, las esculturas de los cuatro Evangelistas, la recién instalada cruz de Jesús (que ha convertido a la Sagrada Familia en el templo más alto del mundo) o las célebres escaleras de caracol del interior.

Hoy, quien está al cargo de la empresa es Jordi, el nieto del fundador, y quien ya está preparando el relevo para que su hijo, Arnau, se quede al frente de Granits Barbany. Con él, de 32 años, se ha alcanzado la cuarta generación de canteros de esta familia. “Si estoy aquí es porque mi bisabuelo, mi abuelo, mi tío abuelo y mi padre estuvieron antes. Pero también es porque me gusta el trabajo”, dice el joven.

Reconoce que es un oficio duro, cansado y “sucio”, pero que vale la pena: “Cuando ves una escultura tuya colocada en la Sagrada Familia, satisface un montón”, cuenta. Para él, que su familia sea parte del templo, es motivo de orgullo. “Es continuar el legado de mucha gente. Y estamos aquí para acabarlo”, cuenta Arnau.

Él y su padre serán los últimos Barbany que trabajarán para el templo de Gaudí, que tiene previsto acabar definitivamente sus obras en la próxima década. El fin de la construcción da un poco de vértigo a esta familia de artesanos, que no niega que la basílica es un gran cliente para este negocio en que la artesanía resiste como puede ante las grandes empresas.

Pero su fama les precede y se pueden anotar el tanto de diversas esculturas y monumentos de Barcelona y Catalunya. Suelen trabajar con artistas como Jaume Plensa y han decorado lugares tan emblemáticos como el Passeig de Gràcia. También trabajan para particulares que quieren “caprichos” en sus casas, cuenta Arnau, que presume de una escultura que hicieron de un Mandalorian a tamaño real, con un Baby Yoda en brazos.

Del cincel a los robots

A pesar de que trabajan con grandes moles de piedra que, cuando llegan al taller son poco más que una gran roca sin forma para un ojo profano, los Barbany pueden convertirlos tanto en finas esculturas llenas de detalles como en piezas robustas y esenciales para la estructura. “La Sagrada Familia es el mayor puzle del mundo”, cuenta Jordi, señalando lo que será la peana de una columna.

La pieza está siendo perfilada por Canut, uno de los robots antropomórficos de seis ejes que se encargan de tallar la roca. Se trata del segundo paso del proceso: primero se hacen diversos cortes rectos para acercarse lo más posible a la forma final. Luego, estas máquinas se dedican a pulir detalles, a dar formas curvas y a generar relieves.

“Antes, era un trabajo que mi padre y mi abuelo hacían a mano. Al tener máquinas que hacen esta tarea más rudimentaria, nos podemos dedicar al diseño, a la escultura y a las obras de arte”, explica Jordi. Las máquinas han alcanzado un nivel de precisión altísimo en los últimos años y, mediante diversas técnicas de erosión, consiguen adelantar mucho el trabajo más pesado. Pero los Barbany son artesanos y saben perfectamente que la mano y la sensibilidad humana no se pueden substituir.

Una vez Canut acaba con una pieza, llega el turno de los artistas y escultores. Ellos son los que realmente dan vida a la piedra. Ahora, en el taller trabajan dos mujeres que están ultimando los últimos detalles de sendas piezas que se colocarán próximamente. Son Teresa y Mercè Riba, dos escultoras que, a pesar de que comparten apellido no son familia; solo comparten el hecho de formar parte de los miles de manos que han esculpido para el templo.

Mercè es la autora de una estatua de Sant Josep Oriol, una figura que se caracterizó por su voto de pobreza y por ayudar a los más desfavorecidos. Por eso, el santo aparece flaco, con ropajes raídos y ofreciendo un trozo de pan y un botijo con agua. Esos detalles son cosecha de la artista, que reconoce que ha tenido mucha libertad para crear.

“Gaudí dejó muy pocas indicaciones, pero yo sabía que era un gran amante de la naturaleza y un gran conocedor de la historia de la religión, así que quise hacerlo todo muy bien”, cuenta Mercè, que se puso en contacto con la diócesis para consultar si las ropas, los rasgos y la pose del santo eran correctas. “Es muy importante jugar con las metáforas”, sostiene. Por eso, ha colocado un pájaro en su hombro. Pero no es un ave cualquiera; es un Oriol [Oropéndola, en castellano]. “Es un juego de palabras que no entenderá todo el mundo. Pero a quien lo haga, le saldrá una sonrisa”, dice.

Ella ha tallado a mano la textura de las ropas y ha acabado de perfilar los rasgos con diversas herramientas. Igual que hace Teresa con los cuatro ángeles que le han sido encargados y que forman parte de la asunción de la Virgen. Como su compañera, tenía pocas indicaciones: sólo que los ángeles no tenían que tener alas y que sus bustos debían fundirse con la estructura de la capilla.

“Al principio no sabes cómo hacerlo, pero la piedra te habla. Es un diálogo constante y te dice qué necesita”, dice Teresa, que acaricia el rostro y el cuerpo de sus ángeles a medida que va trabajando. Sus manos, casi más que sus ojos, son las que le dicen si va por buen camino.

En un mundo donde la automatización está cada vez más al día, ellas trabajan de pie, bajo el sol y llenándose de polvo. “No se puede hacer de otra manera; el arte es esto”, dicen. Ambas empezaron este proceso en 2023, cuando se presentaron a un concurso para esculpir sendas imágenes. Ahora, tres años después, están ultimando sus obras.

“Ha sido un gran honor. Trabajar para la Sagrada Familia es algo muy grande, pero he intentado no pensar en la magnitud del encargo, porque si no, algo tan importante se te puede comer”, confiesa Teresa. Para Mercè también es un orgullo poner parte de su tiempo y su arte en la basílica. Sobre todo porque un bisabuelo suyo, también artista, ya esculpió una escultura para el templo. “Es continuar un legado iniciado por artistas catalanes de hace años, es formar parte de la historia y, además, seguir una estela familiar”, dice, orgullosa.

‘Primada’ ya ha abierto sus puertas para mostrar “el alma” de la Catedral de Toledo. Con motivo del VIII centenario del templo, esta ambiciosa exposición propone un recorrido inédito por ocho siglos de historia, arte y espiritualidad a través de 330 obras que convierten a la propia catedral en el gran hilo conductor de la muestra. Pinturas, esculturas, manuscritos, relicarios, ornamentos litúrgicos y piezas restauradas para la ocasión componen un relato que busca explicar no solo la evolución artística del templo, sino también su dimensión simbólica y religiosa.

“Pueden conocer muy bien la catedral y su alma en este recorrido por sus 800 años de historia”, resume el deán, Juan Pedro Sánchez Gamero, cuando habla de una muestra que reúne obras de artistas españoles como Velázquez, El Greco, Zurbarán o Juan de Borgoña, junto a nombres internacionales como Giovanni Bellini, Gherardo Starnina o Mario Nuzzi.

La mayoría de las piezas mostradas son propiedad de la propia catedral de Toledo, pero más de una treintena de prestadores han cedido alguna obra a ‘Primada’, entre los que destacan museos internacionales como el de los Uffizi (Florencia) y de Salzburgo (Austria), varios ayuntamientos, archivos históricos, bibliotecas e instituciones religiosas.

Aproximadamente la mitad de las piezas nunca habían formado parte de ninguna exposición pública.

Un recorrido por los 800 años de historia

La exposición es tan ambiciosa que han sido necesarios dos comisarios para llevarla a cabo porque “era imposible que un único comisario tuviese conocimiento para diseñar un recorrido con una profundidad museológica idónea” para recorrer los 800 años de historia del templo, afirma Javier Martínez de Aguirre, catedrático de Universidad del Departamento de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid.

Él es el responsable de 'Primada I', la primera parte de esta exposición, centrada en el periodo comprendido desde la colocación de la primera piedra del templo -en 1226- hasta el fallecimiento del cardenal Cisneros -1517-. Abarca, por tanto, el periodo medieval de la catedral, y en esta parte se muestra un ajuar litúrgico muy variado, así como vestiduras, manuscritos y relicarios. En total, 180 piezas conforman este primer espacio, entre las que se encuentra la Custodia de Enrique de Arfe, símbolo de la festividad religiosa por excelencia en Toledo, el Corpus Christi, que se celebrará en unos días, el próximo 4 de junio.

La segunda parte, comisariada por Benito Navarrete Prieto, catedrático de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, abarca la Edad Moderna hasta el 1798, año del que data el cuadro que cierra la exposición: El prendimiento de Cristo, de Francisco de Goya.

Es en esta parte donde se encuentra el que para Navarrete es el rincón “más relevante” de la exposición: una esquina donde confluyen una escultura de El Greco y sendos cuadros de Velázquez y Zurbarán. En 'Primada II' también se exponen numerosos relicarios, fruto del empeño del Arzobispado de la época de convertir al templo toledano en “el relicario más importante de la cristiandad”.

Más de 100 obras restauradas

Uno de los aspectos más importantes en esta exposición es el programa de restauración de obras que ha llevado aparejado. Muchas de las piezas estaban almacenadas desde hacía tiempo en los archivos de la catedral de Toledo, por lo que ha sido necesario la intervención de una quincena de restauradores profesionales para que recuperen el vigor más de cien piezas.

En este apartado se puede resaltar la intervención sobre casi medio centenar de relicarios, la recuperación de las diez tablas integrantes del retablo mayor de la primitiva catedral, los 19 óleos sobre cobre del Camarín de la Virgen del Sagrario, los cuadros de la capilla y antecapilla de la Virgen del Sagrario o los únicos restos escultóricos medievales que se conservan del exterior de la antigua catedral. También destaca el dibujo que Narciso Tomé elaboró para preparar su ‘Transparente’, uno de los elementos más espectaculares del templo toledano.

La propia catedral también es protagonista de esta muestra y no solo su continente. La exposición utiliza en buena medida algunos espacios a los que habitualmente no se accede, como el claustro alto, desde donde el visitante tendrá una vista inédita del jardín y la torre. Los más de 2.000 metros cuadrados de espacio empleado recorren las capillas de la Reina y de San Blas, la escalera “de Tenorio” y buena parte del trascoro, entre otros lugares.

La visita, además, es compatible con la visita turística habitual de la catedral. La exposición 'Primada. VIII Centenario Catedral de Toledo', organizada por la Fundación Impulsa Castilla-La Mancha y el Cabildo de la catedral, estará abierta desde el 25 de mayo hasta el 14 de octubre a un precio de 12 euros.

Un busto romano en buen estado de conservación y que podría representar a la diosa Venus se ha hallado en la ciudad de Alicante durante las excavaciones que se están realizando debido a las obras de regeneración de la playa de la Almadraba, según ha informado en un comunicado el Ayuntamiento alicantino.

“Se trata de un hallazgo cultural e histórico de valor incalculable”, aseguró Nayma Beldjilali, concejala de cultura, que además añade que se podría hablar de “uno de los más importantes hallazgos en toda la historia en Alicante y provincia de una escultura romana”.

Este busto de la época alta romana, de gran calidad técnica, estaría datado entre los siglos I y II d.C, que según los especialistas sería de las más relevantes encontradas en el entorno de la antigua ‘Lucentum’ y que podría formar parte en un futuro de la colección del Museo de la Ciudad de Alicante (MUSA), en el castillo de Santa Bárbara.

La pieza tiene unas medidas de 22,22 centímetros de alto y 19,78 de ancho, y encaja como lo que podría ser una cabeza de una escultura como las que solían decorar las casas patricias romanas. En este sentido cabe mencionar que la zona era conocida por la existencia de una villa romana vinculada a la ciudad de Lucentum, que con este último hallazgo confirmaría su nivel económico elevado.

Las pistas que lleva a pensar que se trata de una Venus

Ese busto romano de gran calidad artística y óptimo estado de conservación, que podría representar a la diosa Venus según los técnicos municipales. “Presenta un peinado de influencia helenística, con el cabello ondulado recogido hacia atrás con raya en medio siguiendo el modelo idealizado de representaciones de divinidades como la Afrodita griega o la Venus romana”, afirma el jefe de Patrimonio Integral del Ayuntamiento, José Manuel Pérez Burgos.

Sin embargo, como apunta el catedrático de Historia Antigua de la Universidad de Alicante al diario local Información, cabe todavía estudiar dos cuestiones esenciales como el contexto exacto y el material de la escultura, que en caso de ser de mármol que no procede de la zona tendría un valor todavía mayor.

Zona de riqueza arqueológica y origen de la ciudad de Alicante

La zona donde se ha hallado, en el yacimiento de la Almadraba, se sitúa cerca del Tossal de Manises, donde aparece el corazón de la antigua Alicante, que fue Lucentum, una ciudad de gran importancia debido a su posición estratégica en la costa mediterránea y que había sido previamente un antiguo poblado íbero.

Esta zona vivió su máximo esplendor durante el mandato del emperador Augusto, siendo cuando adquirió el título de municipio romano y cuando se construyeron edificios importantes como el foro, termas públicas, templos y el sistema de alcantarillado. En este contexto, la diosa Venus, como su equivalente griega Afrodita, era considerada en el Imperio la madre del pueblo romano y al representar el amor, la belleza y la fertilidad.

El Centro Botín inaugura este sábado, 23 de mayo, la exposición 'Marisol: Cuando todo está por comenzar', la primera retrospectiva dedicada a los dibujos de la artista venezolana que podrá verse hasta el 25 de octubre en Santander.

La muestra incluye más de 120 obras dibujadas desde 1949 hasta el final de su vida, junto a esculturas, grabados, fotografías, películas -algunas de Andy Warhol, con quien mantuvo una estrecha amistad- y material de archivo que permiten rastrear sus inquietudes, reflexiones sociales y ficciones imaginativas.

La directora ejecutiva del Centro Botín, Fátima Sánchez, la directora de exposiciones y de la colección del Centro, Bárbara Rodríguez y la comisaria de la exposición, Laura Vallés, han destacado la figura de Marisol en el ámbito artístico donde ocupa una posición “fundamental” en la historia del arte y la han definido como una artista “icónica” y “profundamente original”.

Según han explicado, la exposición está organizada en tres etapas en las que la creadora realizó viajes que marcaron su vida por el contexto social, político y artístico. Además, muestra otros acontecimientos personales, como la pérdida temprana de su madre o la enfermedad del Alzhéimer, que tuvieron influencia en su trabajo.

De este modo, primero, hace un recorrido por la llegada de la fama tras su primera muestra individual, momento en que viaja a Europa donde, principalmente, se instala en Roma. Entonces, su galerista, Leo Castelli, le escribió: “¿Cómo te puedes marchar cuando todo está por comenzar?”, frase que evoca el título de la exposición.

Después, Marisol se marcha al sudeste asiático cuando estalla la guerra de Vietman. En esta etapa, su presencia irrumpe en la escena artística en un momento de máxima visibilidad. A partir de aquí, el color de sus obras se vuelve más intenso y aumenta los contrastes, coincidiendo con las trasformaciones sociales y políticas --las protestas contra la guerra, los movimientos por los derechos civiles y los debates feministas--.

Finalmente, su última etapa está marcada por el Alzhéimer que padeció y que alteró su relación entre voluntad y recuerdo, mientras el dibujo permanece.

Además de los dibujos, en la muestra del Centro Botín destacan varias esculturas como la pieza realizada en bronce 'Mi mamá y yo' (1968); 'Indian' (1969) que incorpora su propio rostro en una imagen asociada a la iconografía comercial del llamado 'Cigar store Indian' como crítica a los estereotipos; o 'Woman with Child and Two Lambs' (1995), que realizó tras su visita a la Expo de Sevilla de 1992.

La artista

Marisol Escobar (París, 1930-Nueva York, 2016) fue una figura central en la escena neoyorquina de los años 60. Sus esculturas -figuras de madera a tamaño natural, retratos de personajes públicos y escenas familiares y sociales- la situaron en el centro de una cultura visual que empezaba a pensar el arte en relación con los medios, la política y la vida cotidiana.

Nacida en una familia venezolana y formada entre Caracas, Los Ángeles y Nueva York, su trabajo estuvo atravesado desde el principio por el desplazamiento entre lenguas, contextos e identidades.

La artista alcanzó una temprana visibilidad y su trabajo fue publicado en medios como Life, Glamour y The New York Times, así como estuvo presente en citas internacionales como la Bienal de Venecia en 1968. Aunque la escultura fue el medio que la dio reconocimiento internacional, la práctica que le acompañó toda su vida fue el dibujo.

Hasta seis instituciones de la ciudad de Toledo se han unido en un proyecto coral para “celebrar y reivindicar” el Día Internacional de los Museos que se conmemora este lunes.

Se trata de la exposición temporal virtual titulada 'Palabras antiguas, diálogos presentes. Del Toledo medieval a hoy', un proyecto coral realizado conjuntamente por los museos Sefardí, del Greco y de Santa Cruz, así como la Escuela de Traductores, la Fundación de Cultura Islámica (a través de la Casa del Temple) y el Archivo Histórico de la Nobleza, que propone un recorrido a través de una selección de piezas de estas instituciones.

La muestra expone piezas como la lápida bilingüe de Micael Semeno, las inscripciones de edificios como la sinagoga del Tránsito, Taller del Moro o la Casa del Temple, un cipo funerario de la iglesia de San Román, el patio del Museo del Greco o algunos documentos del Archivo Histórico de la Nobleza. Los espacios físicos disponen de unos códigos QR que llevan a la web en la que el visitante podrá encontrar toda la información e interpretación de estos escritos.

Esta muestra “organiza los contextos de la ciudad de Toledo en una sola exposición”, explica Carmen Álvarez, directora del Museo Sefardí de Toledo. “El visitante virtual y físico va a poder acudir a estos espacios mencionados y llevarse un nuevo mensaje, una nueva lectura artística de los edificios de la ciudad de Toledo, un nuevo relato de la interculturalidad y de los contextos de diversidad que tiene la ciudad”.

Así, cada una de las sedes de los museos participantes alberga dos piezas que están relacionadas con la interculturalidad y la diversidad cultural y lingüística “que existía en el Toledo medieval”, explica Sergio Isabel Ludeña, coordinador científico de la Fundación de Cultura Islámica.

“Uno de los objetivos principales de la exposición es hablar de que Toledo es una ciudad llena de escritos, y que esos escritos están en diferentes lenguas y en diferentes tipos de sistemas de escritura. Están en hebreo, están en árabe, están en latín y están en castellano, y conviven en los diferentes edificios o se combinan en edificios de las tres religiones”, añade Sergio Isabel.

El mito del mundo medieval que habla de separación entre cristianos, musulmanes y judíos no era tal, sino que eran personas que vivían en la misma ciudad, que coexistían y que dialogaban

Sergio Ludeña — Coordinador científico de la Fundación Cultura Islámica

Por eso, desecha “el mito” del mundo medieval que habla de “separación” entre cristianos, musulmanes y judíos: “No era tal, sino que eran personas que vivían en la misma ciudad, que coexistían y que dialogaban”.

La exposición estará abierta hasta el día 30 de junio, tanto con las piezas señalizadas en los espacios de las instituciones como en el espacio habilitado para la exposición en la web.

Además, la muestra lleva aparejada una programación de conferencias y visitas por los espacios donde se encuentran las piezas que será anunciada próximamente. Dará comienzo el próximo jueves 21 de mayo con la conferencia La iglesia de San Román de Toledo: identidad y síntesis cultural en la Edad Media, que impartirán Ignacio Sánchez (Escuela de Traductores de Toledo, UCLM) y Sergio Isabel Ludeña (coordinador científico de la FUNCI) a las 19:00 h en el Museo de los Concilios y la Cultura Visigoda (iglesia de San Román). Gratuita y de acceso libre hasta completar aforo.

'Adam', una escultura para reflexionar sobre la identidad judía

La presentación de la exposición 'Palabras antiguas, diálogos presentes. Del Toledo medieval a hoy' ha coincidido con la inauguración de la escultura 'Adam' de la artista Martina Lasry, que ya luce desde este lunes en el Museo Sefardí de Toledo. Esta donación se une a las otras dos esculturas de la artista nacida en Tánger en 1951 que ya se exponían en el patio del museo.

Se trata de 'Adam' como ser “bisexual” que “luego fue dividido en dos partes con el propósito de crear la entidad masculina y la entidad femenina”, en palabras de su autora, que ha trasladado la idea de que “el ser humano no puede ser ni uno ni finito y necesita un diálogo para ser completo”. “Adam, la tierra, es un único ser y las dos partes no pueden vivir la una sin la otra, ya que de ello depende su supervivencia y su existencia”.

Esta obra invita a reflexionar sobre los orígenes y la identidad en la tradición judía, a la vez que consolida el vínculo de la institución con los artistas contemporáneos. La escultura, una pieza en bronce realizada en 1995, representa la unión entre lo masculino y lo femenino en el mundo sefardí.

Tratar de reflejar en una pintura la esencia y lo real de un paisaje como la meseta castellana es un trabajo arduo. Ya lo decía el poeta Antonio Machado, cuando hablaba de Castilla y escribía: “El Duero cruza el corazón de roble / de Iberia y de Castilla. / ¡Oh, tierra triste y noble, / la de los altos llanos y yermos y roquedas, / de campos sin arados, regatos, ni arboledas; / decrépitas ciudades, caminos sin mesones / y atónitos palurdos sin danzas ni canciones / que aún van, abandonando el mortecino hogar, / como tus largos ríos, Castilla, hacia la mar!”.

Alicia Urda, de 72 años, es pintora, ceramista y lleva toda su vida dedicada al arte. Hasta el 12 de junio expone 'Soledades de la Naturaleza. Tierras de Castilla', una exhibición de pinturas y esculturas, que se podrá visitar en el Centro Cultural San Clemente de Toledo y que al igual que hizo Machado, pretende reflejar su particular visión de la tierra castellana. Se inaugura este viernes 15 de mayo, a las 19 horas.

Una trayectoria ligada al arte: pintura, cerámica y restauración

Alicia Urda estudió en la escuela de arte de La Casa de los Picos, realizando la especialidad de cerámica artística y mural. “También estudiaba Historia del Arte en la universidad, pero finalmente lo dejé. Después trabajé durante cinco años con profesores tan reconocidos como Lorenzo Tardón, Carlos Muñoz de Pablos o Peralta, que es uno de los más importantes que había en España a nivel de marionetas”.

Por otro lado, también realizó pintura de figura humana al desnudo en el Círculo de Bellas Artes y trabajó durante su veintena en excavaciones arqueológicas. Señala que lo recuerda como una experiencia “muy bonita, porque comparte mucho con la gente”, aunque destaca que aprendió mucho: “Sobre arqueología, sobre especialidades como los textiles, el hierro, la cerámica, la pintura o la madera. También sobre la conservación preventiva”. Estas técnicas también le sirvieron para construir su identidad artística propia.

Más tarde cambió de tercio dentro del mundo del arte, dedicándose a la restauración de piezas con varios siglos de antigüedad, donde recuerda dos con especial cariño: “De la que más satisfecha me encuentro es de un baldaquino del siglo XVIII, aunque de pequeño tamaño. Lo tenían en un almacén y estaba muy deteriorado. La cúpula se había hundido, las maderas se habían perdido... la restauración tampoco puede ser mimética, solo cuando tienes datos suficientes. Pero también unos textiles del siglo XVII, que estaba muy acartonada y se tenía que hidratar, pero era una joyita. Estaba bordado a mano con seda. Son de las cosas que estoy más satisfecha”, explica.

Además, reivindica que al oficio del restaurador “no se le da la importancia que se merece, no solo porque lleva muchísimo tiempo, sino muchísimo estudio. No es coger una cosa y decir la voy a apañar y ya está. Hay que saber quién lo creó, cuándo se hizo, qué material empleó. Es muy importante, porque es mantenerlo en vida, porque si no se restaurasen esas cosas ya no existirían”.

Un estilo de pintura “realista y renacentista”

Alicia Urda asegura que su obra personal tiene mucho que ver con la restauración y tiene tintes renacentistas: “Lo que más me gusta captar en los paisajes cuando pinto son los tonos, los tonos del campo. Lo pongo lo más nítido que se puede, ya sea un tono de verano, otoño o primavera. Luego hago un dibujo minucioso, en el caso de los árboles de la exposición que presento ahora. Tras el dibujo lo paso a papel cebolla, lo miro al revés para que tenga un equilibrio, y luego lo paso al lienzo en el que está el paisaje. Es importante crear una unión y un conjunto entre ambos”, explica.

Nos cuenta que a la hora de pintar lo que más intuye es “la separación en los paisajes, la lejanía, cuando la tierra se une con el cielo. Me gusta que desaparezca el color y las formas, que veamos la materia que se ha perdido, pero que en el fondo también es hermoso”.

A través de su exposición, busca que el espectador “vea lo que tenemos, lo que podemos perder, porque todo tiene vida aunque sea inerte. No podemos dejar lo que nos está dando la vida, que es la naturaleza. El propio campo, el paisaje, aunque estés deprimido, vas allí, respiras, ves los diferentes colores y te hace sentir feliz”.

La artista segoviana se muestra tajante, señalando que “Castilla es soledad. Es un territorio grandísimo, que no está muy ocupado y tampoco muy conservado. Ya lo vimos el año pasado con los incendios, que ocurren por la mala conservación. Y no podemos echar las culpas a los gobiernos, ni de un lado ni de otro, somos todos. Hay gente que es pirómana, que tira las colillas sin apagar, que deja basura... todos estamos implicados”.

A pesar de este hecho, recalca que Castilla posee “sitios recónditos y maravillosos, con historia. Puedes irte por las riberas del río Duero o del Tajo y es una maravilla para disfrutar de la naturaleza.

Alicia Urda también define su estilo como realista: “Trabajo la mancha, es muy detectable en los paisajes. Son manchas con formas más reales. Cuando pinto tengo que hacer una línea perfecta, que se vea lo real dentro del conjunto”, explica, aunque también señala que para una exposición compuso pinturas hiperrealistas: “Uno de los cuadros se llamaba 'Consecuencia', que representa una bombilla. Me llevó un año entero pintarlo, tiene una medida de tres metros. Para poder pintarlo rompí varias bombillas hasta que elegí una concreta por la forma en cómo moría”.

'Soledades de la Naturaleza. Tierras de Castilla' tiene como eje vertebrador dos poemas de reconocidos escritores: “Primero, A un olmo seco, de Antonio Machado y luego Castilla, de Miguel de Unamuno. Yo creo que si leen esas poesías van a saber captar la esencia de la exposición”.

La obra por encima del artista y el arte en redes sociales

Aunque sus representaciones tratan temas “más serios”, ella se define como una persona muy alegre: “Es un poco la dualidad del artista, que muchas veces es distinto de su obra”. Alicia Urda ha participado en pocas exposiciones porque no se considera “una persona dada a hacerlas, me altera mucho estar en el foco”.

Por otro lado, tampoco tiene perfiles en redes sociales, ya que considera que en la actualidad “todo gira en torno a internet [y a la exposición pública], existe mucha falsedad, mucha mentira y mucho postureo. Lo que estamos creando es una sociedad que no es real y a mí me gusta la realidad”, expone.

Aunque reconoce que en el arte, las redes sociales contribuyen a una mayor exposición de cara a los artistas, este carácter irreal “impide que la gente sea natural. Si tiene ganas de llorar o de gritar o de reírse que lo hagan, pero no por postureo. Parece que la mentira se ha convertido en algo normal y eso es algo que crea una cultura para las nuevas generaciones que vienen que no es bueno para ellas”.

Desde hace algunos años también se dedica a la enseñanza, tanto en la pintura como en cerámica. Asegura que siempre ha tenido mucha suerte con los alumnos. “La convivencia ha sido muy agradable, tanto en adultos como en peques. Me encanta ver cómo se desarrollan y sobre todo los peques cuando hacen cosas nuevas, te anima mucho. También con personas con discapacidad, para ellos aunque les cueste un poquito siempre es una diversión. La verdad que me han aportado más ellos a mí que yo a ellos”.

La inauguración de la escultura 'Adam' de Martina Lasry en el Museo Sefardí, un mural participativo de grandes dimensiones en el Museo del Greco de la ilustradora Alicia Warhola o una jornada de puertas abiertas en el Archivo Histórico de la Nobleza son algunas de las actividades que la ciudad de Toledo acogerán en estos enclaves con motivo del 'Día de los Museos'.

El delegado del Gobierno de España en Castilla-La Mancha, José Pablo Sabrido, junto a los representantes de los espacios museísticos, ha presentado esta iniciativas de carácter estatal con motivo de esta efeméride, que se conmemora el 18 de mayo, y que este año cuenta con el lema 'Museos, uniendo un mundo dividido'.

La directora del Museo Sefardí, Carmen Álvarez Nogales, ha explicado que el próximo lunes 18 de mayo se presentará la escultura 'Adam', de Marina Lasry, una miembro importante de la Comunidad Judía de Madrid, autora de todas las esculturas que el Museo Sefardí expone en su patio.

Por su parte, la directora del Museo del Greco, Carolina Tobella, ha indicado que la ilustración de grandes dimensiones realizada por la ilustradora Alicia Warhola se va a poder ver el lunes 18 de mayo, mostrando “el viaje que realizó el Greco desde Creta hasta Toledo” en una unión de “las dos Europas, oriental y occidental”.

En esta ilustración se podrán ver “todas las obras más importantes que están repartidas por todo el mundo, para ver hasta dónde ha llegado el pintor” y además, los visitantes podrán plasmar en él “de dónde vienen” para trasladar esa idea de unión que fraguan los museos, ha afirmado la directora del Museo del Greco.

Asimismo, el jefe de Difusión del Archivo Histórico de la Nobleza, Alejandro Sierra, ha explicado que el domingo 16 de mayo se celebrará una jornada de puertas abiertas mediante dos pases, a las 20.00 y a las 22.00 horas. En estas jornadas se mostrará el patio del Hospital Tavera, también la sala de investigadores y quizá “los depósitos donde se custodia la documentación histórica y en la que se hará una muestra de algunos de los documentos más importantes del Archivo”. La visita correrá a cargo de un técnico del archivo pero además va a ser amenizada por actores que harán que la visita conjugue la didáctica con la teatralización.

El director del Museo del Ejército, el general de brigada Francisco Germán Martínez, ha señalado que el espacio que dirige se centrará en la exposición temporal 'España en los Estados Unidos. La contribución de los españoles y su Ejército al surgimiento de una nación'. También, el sábado 23 el Museo del Ejército albergará otros actos, como el relevo de la guardia y un arriado de bandera, “más enfocado al Día de las Fuerzas Armadas”.

Asimismo, tal y como ha explicado la directora del Museo Sefardí, se va presentar un “recorrido virtual por el patrimonio de Toledo” denominado 'Palabras Antiguas, Diálogos Presentes, de Toledo medieval hasta hoy', y será un viaje por el patrimonio de los museos, que podría estar listo en este mes de mayo, para “intentar” que se pueda ver por el público “en cada uno de los espacios” en la semana con motivo del Día de los Museos.

También el Gobierno de Castilla-La Mancha celebrará el próximo 18 de mayo el Día Internacional de los Museos bajo el lema, con una programación compuesta por 60 actividades repartidas por las cinco provincias.

Lo ha avanzado la viceconsejera de Cultura y Deportes, Carmen Teresa Olmedo, quien ha señalado que las propuestas, organizadas por los museos dependientes de la Junta, se desarrollan entre los días 9 y 29 de mayo y convertirán a estos espacios culturales en “puntos de encuentro, reflexión y participación ciudadana”.

Actividades el museos de titularidad autonómica

La programación incluye exposiciones temporales, visitas guiadas y teatralizadas, talleres, conferencias, conciertos, recitales, actividades didácticas, espectáculos, presentaciones de libros e itinerarios expositivos vinculados a temáticas como la arqueología, la memoria histórica, la fotografía, la cerámica, la paleontología, la música, la astronomía, la literatura o el patrimonio medieval. Todo ello desde una perspectiva educativa y participativa que busca acercar la cultura a públicos de todas las edades.

En la provincia de Albacete, el Museo de Albacete acogerá actividades como el recital ‘Piezas comentadas’, la inauguración de la exposición ‘Historia de una amistad’ y el recorrido musical por sus salas de arqueología y bellas artes. Además, la Colección Museográfica de la Infancia Juan Peralta ofrecerá visitas familiares y teatralizadas centradas en la historia educativa y social del siglo XX.

En Ciudad Real, el Museo de Ciudad Real-Convento de La Merced desarrollará talleres de caligrafía, visitas sobre el legado romano, espectáculos de magia y distintas exposiciones vinculadas a la fotografía histórica, las bellas artes y la arqueología. También se celebrarán visitas temáticas sobre piezas arqueológicas llegadas de lugares remotos y representaciones teatrales dirigidas al público escolar.

La programación de Cuenca combinará arqueología, música y divulgación científica. El Museo de Cuenca organizará conferencias sobre arte rupestre y antigüedad tardía, conciertos y visitas guiadas a su colección permanente. Por su parte, el Museo de las Ciencias de Castilla-La Mancha celebrará actividades centradas en la observación de eclipses y astronomía, mientras que el Museo Paleontológico de Castilla-La Mancha desarrollará propuestas didácticas dirigidas al público infantil.

En Guadalajara, el Museo de Guadalajara concentrará una intensa programación con visitas guiadas a la exposición ‘Las civilizaciones del bronce en el suroeste de China’, conferencias históricas y numismáticas, talleres de escritura, conciertos y presentaciones de libros. Entre las actividades más destacadas figura la presentación de las monedas de la antigua Ceca de Guadalajara y un concierto de música sefardita en el Patio de los Leones.

Por último, la provincia de Toledo será la que reúna el mayor número de actividades. El Museo Ruiz de Luna desarrollará talleres de cerámica y creatividad, además de inaugurar la exposición De Évora a Ébora. Un viaje cerámico. En la capital regional, el Museo de Santa Cruz, el Museo de los Concilios y el Taller del Moro organizarán exposiciones, visitas teatralizadas, conciertos, itinerarios patrimoniales y aperturas extraordinarias con motivo de la Noche de los Museos. Destacan especialmente la exposición Los mapas y la primera vuelta al mundo y el itinerario expositivo Palabras pasadas, diálogos presentes.

Todas las actividades y dossier pueden consultarse en este enlace.

El Palacete del Embarcadero acoge desde este viernes, 8 de mayo, y hasta el 5 de julio, la exposición 'Wetlands' de Paula Santomé, que explora el lenguaje simbólico como una forma de dar sentido al mundo, entendiendo la mitología como algo vivo que conecta experiencia, memoria y conocimiento colectivo.

La muestra es resultado del trabajo que la artista presentó el año pasado en el stand de la galería sevillana Espacio Derivado de la feria Artesantander, con el que logró el II Premio Exposición 'Puerto de Santander'.

Desde la figura de la diosa primigenia, pasando por la antigua Grecia y llegando al presente a través del cosplay, plantea el mito como una herramienta para pensar y a la vez formula la pregunta de qué historias se están creando hoy y quién decide cómo se cuentan.

Este enfoque se materializa en las piezas que conforman la exposición, entre las que se incluyen una serie de repujados de aluminio realizados a mano y esculturas en aluminio fundido mediante la técnica de la cera perdida.

La exposición, organizada por la APS con la colaboración de Artesantander, podrá visitarse en el Palacete del Embarcadero de martes a sábado de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00 horas, y los domingos de 11.00 a 14.00 horas, con entrada gratuita.

Paula Santomé

Paula Santomé (Vigo, 1994) vive y trabaja en Basilea, Suiza. Es graduada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo (2018) y completó su máster en Bellas Artes en el Institute of Art, Gender, Nature, HGK FHNW, Basilea (2022), para lo cual obtuvo una beca de la Fundación María José Jove. La artita ha sido galardonada con una beca de producción Pro Helvetia (2025) y es ganadora del II Premio Exposición Puerto Santander (2025). De igual modo, fue finalista del Kiefer Hablitzel Göhner Kunstpreis, Suiza (2023) y ganó el primer premio de arte contemporáneo del Instituto Dental Campos, España (2018).

Su obra forma parte de colecciones privadas y públicas, como Baloise Art Collection, Suiza; Sammlung Kunstkredit Baselland, Suiza; Colección de Arte Fundación María José Jove, España; Kunstkredit Basel-Stadt, Suiza; Colección de Arte de la Diputación Provincial de A Coruña, España.

Enclave Pronillo, la sede de la Fundación Santander Creativa (FSC), acogerá la presentación del libro 'Los bajorrelieves de Jesús Otero en el Palacio de Justicia de Santander' este jueves, 7 de mayo, a las 19.00 horas.

Para acercar la figura de Otero y explorar los 18 bajorrelieves que, desde 1960, lucen en los laterales de las puertas de acceso al Palacio de Justicia en la calle Alta, los autores del libro ofrecerán una conferencia y proyectarán imágenes de cada una de estas creaciones.

La publicación de Javier Gómez-Acebo y Jesús Ortiz aborda “una de las obras más importantes de uno de los grandes escultores cántabros del siglo XX”, ha argumentado la FSC en una nota de prensa.

La actividad es “una oportunidad para acercarse a la obra de uno de los creadores esenciales de nuestro patrimonio cultural y comprender cómo sus relieves transforman la piedra en pensamiento y emoción”, ha afirmado Gómez-Acebo, abogado, escritor e integrante de la asociación cultural Grupo Alceda.

En el encuentro, abierto a todos los públicos, se mostrará con todo detalle y se explicará el significado de cada relieve, tal y como han realizado en el libro. “Desde la inauguración del Palacio de Justicia, nadie ha podido verlos tan de cerca”, ha asegurado.

Veinte años antes había salido de la cárcel tras sobrevivir a dos condenas de muerte por su defensa de la II República. Nació (1908) y vivió casi toda su vida en Santillana del Mar, su pueblo natal, estudió un tiempo en Madrid y pasó cuatro años en distintas cárceles franquistas hasta que finalmente fue indultado.

Este volumen “rescata de la oscuridad” e intenta explicar las referencias míticas o literarias de los bajorrelieves e identificar a los amigos del escultor que le sirvieron como modelos.

En el prólogo del libro, el profesor y escritor Luis Alberto Salcines destaca la importancia que Otero concedía a los bocetos y cómo escribía ideas sobre ellos que le surgían en el proceso creativo: técnicas, pensamientos o frases que sintetizaban la intención de aquello que quería expresar.

Una mujer ha estado a punto de causar importantes daños en la Fuente de Neptuno de Florencia, también conocida como Il Biancone. La joven, de 28 años, intentaba tocar las partes íntimas de esta emblemática figura, como parte de un reto de su despedida de soltera, aunque fue localizada y retirada rápidamente por las fuerzas de seguridad. 

La policía pilló a esta turista trepando por encima de la barandilla y del borde de la pila. Una vez superada esa primera barrera, para evitar caer al agua que la separaba de Neptuno, se agarró de las patas de uno de los caballos que hay a los pies de la escultura. 

Los agentes, que se encontraban cerca, intervinieron de inmediato, la sacaron de la fuente y procedieron a identificarla. La mujer ha sido denunciada ante la justicia por vandalismo contra un monumento artístico-arquitectónico y ahora está a la espera de que las autoridades judiciales emitan un fallo definitivo, según detalla el Ayuntamiento de Florencia en un comunicado. 

La joven no midió las consecuencias de su incursión, que formaba parte de un desafío de su despedida de soltera. La inspección reveló daños pequeños pero significativos tanto en los cascos de los caballos que montó como en un friso al que se había agarrado para no resbalar.

“Su comportamiento causó daños menores pero significativos a la fuente de la Piazza Signoria”, lamentan desde el consistorio italiano. Tras la evaluación de los profesionales, se estima que los daños que sufrió la emblemática fuente ascienden a cinco mil euros. 

Retos peligrosos y daños en el patrimonio 

No es la primera vez que atentan contra Il Biancone de la Piazza della Signoria de Florencia. En 2005, se instalaron cámaras de videovigilancia, después de que un joven traspasara la reja y rompiera una de las manos de la escultura. Otro turista alemán también causó daños en 2023, al intentar escalar el monumento para hacerse un selfie. 

La Fuente de Neptuno forma parte de la icónica Piazza della Signoria, considerada como el corazón político e histórico de la ciudad italiana, que cuenta además con numerosas esculturas renacentistas. A este emplazamiento, se le conoce como un museo al aire libre, del que disfrutan vecinos y visitantes. 

En concreto, esta escultura se encuentra frente a la esquina del Palazzo Vecchio. La escultura es obra de Bartolomeo Ammannati y de algunos de sus aprendices. Fue un encargo por la celebración del matrimonio entre Francisco I de Médici y la archiduquesa Juana de Austria, celebrado en 1565.

En la sala 047 del Museo del Prado de Madrid se encuentra una destacada escultura, que tiene orígenes que se remontan al primer emperador del Imperio romano, Augusto, que la encargó después de salvar su vida. Una obra que llegó a estar en el Capitolio de Roma, una copia de alta calidad que pasó por algunas de las figuras más influyentes del siglo XVII en Europa y que acabó en manos de la Corona española durante el reinado de Felipe V.

Es la escultura de Júpiter Tonante, de mármol blanco, que forma parte del Taller Romano del museo del Prado. Originalmente, la figura alzaba el brazo izquierdo para asir un alto cetro, mientras en la derecha empuñaba un rayo, según se cree, un atributo que no se conserva en la actualidad.

Según informa el propio museo en su página web, los atributos de que se trate de una figura de un dios desnudo cubierto tan solo con un manto encima del hombro izquierdo hacen que se trate de Júpiter o Neptuno, aunque el hecho de “la caballera no tan revuelta y la barba bien cuidada” lo identifican como el primero.

“En esta escultura confluyen varios modelos del arte griego, inspirándose probablemente en una famosa estatua de culto de origen romano, que fue reproducida en numerosas ocasiones en época romana, y en la que predominan los rasgos propios del pleno clasicismo”, apuntan desde el museo.

El origen de la escultura de Júpiter Tonante

Esta escultura que observamos en el Museo del Prado procede de la estatua de culto del templo de ‘Iupiter Tonans’, que se situaba en el Capitolio de Roma y que estaba dedicado por Octavio Augusto el 1 de septiembre del 22 a.C como agradecimiento a salvar su vida durante la campaña de Cantabria.

Y es que al que fue el primer emperador romano le pasó un rayo a poca distancia de donde dormía, cayendo sobre un esclavo que iba delante con una antorcha en la mano, pero salvando a Augusto, que lo encontró como una señal “milagrosa”. Sin embargo, el templo y la estatua original se quemaron en el 80 d.C y se reconstruyeron por parte de Domiciano. De esta época se trata la estatua que se puede visitar en Madrid, que se considera se reconstruyó entre el 85 y 100 d.C.

Cómo llegó esta escultura romana a España

Esta copia romana de la escultura fue pasando por diferentes manos a lo largo de su historia. Una de las primeras fue la de la reina Cristina de Suecia, que la incluyó en su colección en Roma hasta 1689, para luego pasar a ser propiedad del cardenal Decio Azzolino y de Pompeo Azzolino, hasta que pasó de 1692 a 1713 a ser de Livio Odescalchi, duque de Bracciano.

De aquí, en el siglo XVIII, la escultura de Júpiter Tonante entró dentro de la Colección Real española durante el reinado de Felipe V, para estar expuesta en el Palacio de La Granja de San Ildefonso y luego llegar al Palacio Real, ya reestructurado tras el incendio del Alcázar. Finalmente acabaría en la sala mencionada del Museo del Prado, donde se puede visitar actualmente.

Alicante ha construido buena parte de su identidad urbana en torno al mar. Su evolución histórica, marcada por la actividad portuaria y comercial, ha dado lugar a una ciudad que mira al Mediterráneo como eje principal de su desarrollo. Ese vínculo se percibe en su trazado, en la disposición de sus espacios públicos y en la forma en la que la vida cotidiana se organiza en torno al litoral.

Con el paso del tiempo, Alicante ha ido adaptando su frente marítimo a nuevas funciones. Zonas que en otros momentos tuvieron un uso defensivo o logístico se han transformado en espacios abiertos al tránsito y al ocio. Este proceso ha permitido integrar el puerto en la dinámica urbana y ha favorecido la creación de paseos que conectan distintos puntos del centro con la costa.

En ese contexto, la Explanada de España se ha consolidado como uno de los enclaves más reconocibles de la ciudad. Su ubicación, junto al puerto y en continuidad con el centro histórico, la sitúa como un punto de paso habitual y como un lugar de referencia tanto para residentes como para visitantes.

Un paseo urbano sobre seis millones de piezas de mármol

El trazado de la Explanada de España ocupa el espacio donde antiguamente se situaba el dique que protegía la ciudad. Esa infraestructura, vinculada en origen a la defensa marítima, fue perdiendo su función con el tiempo y acabó transformándose en un paseo peatonal. La configuración actual responde a una intervención realizada a mediados del siglo XX, cuando se definió el diseño que hoy identifica a este espacio.

Uno de sus elementos más característicos es el pavimento. Está formado por cerca de 6,6 millones de teselas de mármol en tres colores —rojo, negro y blanco— dispuestas para crear un dibujo continuo de líneas onduladas. Este patrón recorre toda la superficie y genera un efecto visual que recuerda al movimiento del mar. El resultado es un mosaico que se ha convertido en una de las imágenes más asociadas a Alicante.

El paseo discurre en paralelo al puerto a lo largo de varios cientos de metros y está flanqueado por filas de palmeras. Este arbolado define el espacio y proporciona sombra, lo que favorece su uso durante gran parte del año. La Explanada funciona así como un eje peatonal que conecta distintas zonas del centro urbano y que facilita el tránsito entre el área portuaria y el resto de la ciudad.

A lo largo del recorrido se desarrollan actividades comerciales y culturales. Es habitual la presencia de puestos de artesanía y pequeños vendedores, así como de músicos y artistas callejeros. Este uso compartido convierte el paseo en un punto de encuentro en el que conviven residentes y visitantes, generando un flujo constante de personas.

Uno de los elementos destacados del paseo es el auditorio al aire libre conocido como La Concha. Este espacio acoge conciertos y otros actos culturales a lo largo del año, lo que refuerza el papel de la Explanada como escenario de actividades públicas. La programación de eventos contribuye a mantener la actividad en la zona más allá del uso cotidiano como vía peatonal.

El entorno de la Explanada también reúne varios elementos del patrimonio urbano de Alicante. En uno de sus extremos, en dirección a la plaza Puerta del Mar, se encuentra la Casa Carbonell. Este edificio residencial, construido en la década de 1920 y diseñado por el arquitecto Juan Vidal Ramos, destaca por su estilo y por las cúpulas que forman parte del perfil urbano de la ciudad. Su presencia refuerza la conexión entre el paseo y el desarrollo arquitectónico del centro.

A lo largo del recorrido se pueden encontrar además distintas esculturas. Entre ellas figura una dedicada al pintor alicantino Emilio Varela, así como un conjunto escultórico vinculado a la Casa de Francia que representa la acogida de la ciudad a quienes llegan a ella. Estos elementos aportan una dimensión cultural al paseo y contribuyen a su carácter como espacio público.

Con el paso del tiempo, la Explanada de España se ha consolidado como uno de los símbolos más reconocibles de Alicante. Su imagen, asociada al mosaico de teselas y a la alineación de palmeras, se ha difundido como una de las referencias visuales de la ciudad. Este reconocimiento ha contribuido a su presencia en recorridos turísticos y a su consideración como un punto de visita habitual.

El mantenimiento del pavimento y del conjunto del paseo es una de las tareas necesarias para su conservación. La exposición al tránsito constante y a las condiciones ambientales obliga a realizar intervenciones periódicas sobre las teselas de mármol para preservar su estado. Estas actuaciones forman parte de la gestión del espacio como uno de los principales ejes urbanos.

Más allá de su valor como infraestructura, la Explanada funciona como un espacio que concentra parte de la vida cotidiana de Alicante. En sus metros de recorrido se combinan historia, actividad cultural y uso ciudadano. Esa mezcla explica su papel dentro de la ciudad y su continuidad como uno de los lugares más transitados del litoral urbano.

En el interior de la provincia de Sevilla, el municipio de Osuna reúne varios enclaves que permiten seguir su evolución histórica más allá del núcleo urbano. Entre ellos destaca un espacio vinculado durante siglos a la extracción de piedra, hoy reconvertido en un lugar visitable. Este tipo de enclaves, ligados a actividades tradicionales, forman parte de la oferta cultural de muchos territorios que han apostado por recuperar antiguos usos industriales.

Uno de los casos más representativos es el Coto de las Canteras, un recinto cuyo nombre procede directamente de su función original como zona de obtención de material para la construcción. Su origen se sitúa hace más de 2.500 años, con actividad documentada desde la época íbera, cuando ya se utilizaba este sustrato rocoso para levantar edificaciones relevantes. A lo largo del tiempo, distintas culturas continuaron trabajando la piedra, lo que dejó una huella visible en el paisaje.

El paso de los siglos ha configurado un entorno marcado por grandes cavidades y superficies talladas. Estas formas, resultado de la extracción continuada, han dado lugar a un conjunto que se conoce como “la Petra de Andalucía”, en alusión a los relieves esculpidos en la roca. La denominación hace referencia a la apariencia del lugar, caracterizado por volúmenes excavados y elementos integrados en la propia piedra.

Historia y evolución del Coto de las Canteras

El Coto de las Canteras se sitúa en un promontorio que ya fue utilizado como fuente de materiales en épocas anteriores a la romanización. Desde entonces, la cantera ha desempeñado un papel clave en el desarrollo de la antigua Urso, antecedente de la actual Osuna. De este enclave salieron bloques empleados en la construcción de murallas, calzadas y otros elementos urbanos, lo que explica su relevancia dentro del territorio.

Con la llegada de los romanos, la extracción de piedra se mantuvo y continuó en etapas posteriores, incluidas las fases andalusíes. La actividad alcanzó un nuevo impulso en el siglo XVI, cuando el IV conde de Ureña promovió un importante desarrollo constructivo en la localidad. Este proceso incrementó la demanda de material, lo que llevó a intensificar el trabajo en la cantera. La explotación se prolongó hasta la década de 1960, momento en el que dejó de utilizarse con fines productivos.

Durante años, el enclave quedó sin uso, hasta que a comienzos del siglo XXI se puso en marcha un proyecto de recuperación. La intervención permitió acondicionar el espacio para su apertura al público, respetando las formas generadas por la actividad extractiva. Este proceso dio lugar a una nueva etapa en la que el Coto pasó de ser un lugar abandonado a convertirse en un recinto destinado a la cultura y el turismo. Uno de los elementos más reconocibles del espacio es la presencia de relieves y esculturas talladas directamente sobre la roca. Estas piezas, integradas en los muros de la cantera, forman un conjunto que combina formas naturales y trabajo artístico.

El recinto alberga también un auditorio natural cubierto, generado a partir de la propia excavación. Este espacio se utiliza para la celebración de eventos culturales y está considerado el de mayor tamaño en España dentro de su tipología. La disposición de la roca y las dimensiones de la cavidad condicionan tanto la distribución del público como las condiciones acústicas. Además de la cantera en sí, el espacio incluye zonas ajardinadas que superan los 4.000 metros cuadrados, con presencia de especies autóctonas.

El patrimonio histórico de Osuna construido con piedra de la cantera

La importancia del Coto de las Canteras se entiende mejor al relacionarlo con el conjunto patrimonial de Osuna. Buena parte de los edificios más destacados de la localidad se levantaron con piedra procedente de este enclave, lo que establece una conexión directa entre la cantera y el paisaje urbano.

Uno de los ejemplos más visibles es la Colegiata, un conjunto religioso de estilo renacentista construido entre los siglos XVI y XVIII. Su edificación fue impulsada por el IV conde de Ureña en el lugar donde se situaba una antigua fortificación. En su interior destacan espacios como el Patio del Santo Sepulcro, de estilo plateresco, y el Panteón Ducal. Este edificio fue declarado Monumento Nacional en 1935. Otro punto de interés es la antigua Universidad de Osuna, un edificio del siglo XVI con planta rectangular y un amplio patio central. Este espacio refleja el papel que desempeñó la institución en su época y forma parte del conjunto histórico del municipio.

El reconocimiento de Osuna como Conjunto Histórico-Artístico en 1967 pone en valor la conservación de su patrimonio. Esta catalogación incluye tanto edificios concretos como el trazado urbano, en el que se pueden identificar distintas etapas históricas. La presencia de construcciones realizadas con piedra del Coto refuerza la relación entre el enclave extractivo y el desarrollo de la localidad.

El conjunto formado por la cantera y el núcleo urbano muestra cómo un recurso natural ha influido en la configuración de un territorio durante siglos. La piedra extraída de este enclave no solo permitió levantar edificios, sino que también forma parte de la identidad de Osuna. Aunque algunos aspectos concretos, como el número total de esculturas o el detalle de todas las fases de explotación, no se especifican con precisión, el papel del Coto dentro del municipio se mantiene como uno de los elementos clave para comprender su historia.