‘Primada’ ya ha abierto sus puertas para mostrar “el alma” de la Catedral de Toledo. Con motivo del VIII centenario del templo, esta ambiciosa exposición propone un recorrido inédito por ocho siglos de historia, arte y espiritualidad a través de 330 obras que convierten a la propia catedral en el gran hilo conductor de la muestra. Pinturas, esculturas, manuscritos, relicarios, ornamentos litúrgicos y piezas restauradas para la ocasión componen un relato que busca explicar no solo la evolución artística del templo, sino también su dimensión simbólica y religiosa.

Hay una familia en Llinars del Vallès (Barcelona) que, cuando mira a la Sagrada Familia, puede reconocer la huella de su estirpe. Son los Barbany, un linaje de picapedreros que llevan más de 130 años dedicados al oficio y que, durante cuatro generaciones, han suministrado su artesanía al templo de Gaudí.

Todo empezó a finales del siglo XIX con Joan, el primer Barbany que se dedicaría a la piedra. Se formó en Marsella y, una vez de vuelta a Catalunya, en seguida se hizo un nombre. A pesar de ser nuevo en el oficio, hay iconos de Barcelona que llevan la marca de su cincel. Aunque él no esculpió para la basílica, sí suministró material de su cantera durante los primeros años de su construcción.

Las primeras piezas talladas íntegramente para la Sagrada Familia en este taller familiar datan de los años 90 del siglo pasado, de la mano de los hijos de Joan: Peret y Pitu. Desde entonces, se han elaborado, entre otros centenares de piezas, las columnas de los portales de la Glòria y de la Pasión, las esculturas de los cuatro Evangelistas, la recién instalada cruz de Jesús (que ha convertido a la Sagrada Familia en el templo más alto del mundo) o las célebres escaleras de caracol del interior.

Hoy, quien está al cargo de la empresa es Jordi, el nieto del fundador, y quien ya está preparando el relevo para que su hijo, Arnau, se quede al frente de Granits Barbany. Con él, de 32 años, se ha alcanzado la cuarta generación de canteros de esta familia. “Si estoy aquí es porque mi bisabuelo, mi abuelo, mi tío abuelo y mi padre estuvieron antes. Pero también es porque me gusta el trabajo”, dice el joven.

Reconoce que es un oficio duro, cansado y “sucio”, pero que vale la pena: “Cuando ves una escultura tuya colocada en la Sagrada Familia, satisface un montón”, cuenta. Para él, que su familia sea parte del templo, es motivo de orgullo. “Es continuar el legado de mucha gente. Y estamos aquí para acabarlo”, cuenta Arnau.

Él y su padre serán los últimos Barbany que trabajarán para el templo de Gaudí, que tiene previsto acabar definitivamente sus obras en la próxima década. El fin de la construcción da un poco de vértigo a esta familia de artesanos, que no niega que la basílica es un gran cliente para este negocio en que la artesanía resiste como puede ante las grandes empresas.

Pero su fama les precede y se pueden anotar el tanto de diversas esculturas y monumentos de Barcelona y Catalunya. Suelen trabajar con artistas como Jaume Plensa y han decorado lugares tan emblemáticos como el Passeig de Gràcia. También trabajan para particulares que quieren “caprichos” en sus casas, cuenta Arnau, que presume de una escultura que hicieron de un Mandalorian a tamaño real, con un Baby Yoda en brazos.

Del cincel a los robots

A pesar de que trabajan con grandes moles de piedra que, cuando llegan al taller son poco más que una gran roca sin forma para un ojo profano, los Barbany pueden convertirlos tanto en finas esculturas llenas de detalles como en piezas robustas y esenciales para la estructura. “La Sagrada Familia es el mayor puzle del mundo”, cuenta Jordi, señalando lo que será la peana de una columna.

La pieza está siendo perfilada por Canut, uno de los robots antropomórficos de seis ejes que se encargan de tallar la roca. Se trata del segundo paso del proceso: primero se hacen diversos cortes rectos para acercarse lo más posible a la forma final. Luego, estas máquinas se dedican a pulir detalles, a dar formas curvas y a generar relieves.

“Antes, era un trabajo que mi padre y mi abuelo hacían a mano. Al tener máquinas que hacen esta tarea más rudimentaria, nos podemos dedicar al diseño, a la escultura y a las obras de arte”, explica Jordi. Las máquinas han alcanzado un nivel de precisión altísimo en los últimos años y, mediante diversas técnicas de erosión, consiguen adelantar mucho el trabajo más pesado. Pero los Barbany son artesanos y saben perfectamente que la mano y la sensibilidad humana no se pueden substituir.

Una vez Canut acaba con una pieza, llega el turno de los artistas y escultores. Ellos son los que realmente dan vida a la piedra. Ahora, en el taller trabajan dos mujeres que están ultimando los últimos detalles de sendas piezas que se colocarán próximamente. Son Teresa y Mercè Riba, dos escultoras que, a pesar de que comparten apellido no son familia; solo comparten el hecho de formar parte de los miles de manos que han esculpido para el templo.

Mercè es la autora de una estatua de Sant Josep Oriol, una figura que se caracterizó por su voto de pobreza y por ayudar a los más desfavorecidos. Por eso, el santo aparece flaco, con ropajes raídos y ofreciendo un trozo de pan y un botijo con agua. Esos detalles son cosecha de la artista, que reconoce que ha tenido mucha libertad para crear.

“Gaudí dejó muy pocas indicaciones, pero yo sabía que era un gran amante de la naturaleza y un gran conocedor de la historia de la religión, así que quise hacerlo todo muy bien”, cuenta Mercè, que se puso en contacto con la diócesis para consultar si las ropas, los rasgos y la pose del santo eran correctas. “Es muy importante jugar con las metáforas”, sostiene. Por eso, ha colocado un pájaro en su hombro. Pero no es un ave cualquiera; es un Oriol [Oropéndola, en castellano]. “Es un juego de palabras que no entenderá todo el mundo. Pero a quien lo haga, le saldrá una sonrisa”, dice.

Ella ha tallado a mano la textura de las ropas y ha acabado de perfilar los rasgos con diversas herramientas. Igual que hace Teresa con los cuatro ángeles que le han sido encargados y que forman parte de la asunción de la Virgen. Como su compañera, tenía pocas indicaciones: sólo que los ángeles no tenían que tener alas y que sus bustos debían fundirse con la estructura de la capilla.

“Al principio no sabes cómo hacerlo, pero la piedra te habla. Es un diálogo constante y te dice qué necesita”, dice Teresa, que acaricia el rostro y el cuerpo de sus ángeles a medida que va trabajando. Sus manos, casi más que sus ojos, son las que le dicen si va por buen camino.

En un mundo donde la automatización está cada vez más al día, ellas trabajan de pie, bajo el sol y llenándose de polvo. “No se puede hacer de otra manera; el arte es esto”, dicen. Ambas empezaron este proceso en 2023, cuando se presentaron a un concurso para esculpir sendas imágenes. Ahora, tres años después, están ultimando sus obras.

“Ha sido un gran honor. Trabajar para la Sagrada Familia es algo muy grande, pero he intentado no pensar en la magnitud del encargo, porque si no, algo tan importante se te puede comer”, confiesa Teresa. Para Mercè también es un orgullo poner parte de su tiempo y su arte en la basílica. Sobre todo porque un bisabuelo suyo, también artista, ya esculpió una escultura para el templo. “Es continuar un legado iniciado por artistas catalanes de hace años, es formar parte de la historia y, además, seguir una estela familiar”, dice, orgullosa.

‘Primada’ ya ha abierto sus puertas para mostrar “el alma” de la Catedral de Toledo. Con motivo del VIII centenario del templo, esta ambiciosa exposición propone un recorrido inédito por ocho siglos de historia, arte y espiritualidad a través de 330 obras que convierten a la propia catedral en el gran hilo conductor de la muestra. Pinturas, esculturas, manuscritos, relicarios, ornamentos litúrgicos y piezas restauradas para la ocasión componen un relato que busca explicar no solo la evolución artística del templo, sino también su dimensión simbólica y religiosa.

“Pueden conocer muy bien la catedral y su alma en este recorrido por sus 800 años de historia”, resume el deán, Juan Pedro Sánchez Gamero, cuando habla de una muestra que reúne obras de artistas españoles como Velázquez, El Greco, Zurbarán o Juan de Borgoña, junto a nombres internacionales como Giovanni Bellini, Gherardo Starnina o Mario Nuzzi.

La mayoría de las piezas mostradas son propiedad de la propia catedral de Toledo, pero más de una treintena de prestadores han cedido alguna obra a ‘Primada’, entre los que destacan museos internacionales como el de los Uffizi (Florencia) y de Salzburgo (Austria), varios ayuntamientos, archivos históricos, bibliotecas e instituciones religiosas.

Aproximadamente la mitad de las piezas nunca habían formado parte de ninguna exposición pública.

Un recorrido por los 800 años de historia

La exposición es tan ambiciosa que han sido necesarios dos comisarios para llevarla a cabo porque “era imposible que un único comisario tuviese conocimiento para diseñar un recorrido con una profundidad museológica idónea” para recorrer los 800 años de historia del templo, afirma Javier Martínez de Aguirre, catedrático de Universidad del Departamento de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid.

Él es el responsable de 'Primada I', la primera parte de esta exposición, centrada en el periodo comprendido desde la colocación de la primera piedra del templo -en 1226- hasta el fallecimiento del cardenal Cisneros -1517-. Abarca, por tanto, el periodo medieval de la catedral, y en esta parte se muestra un ajuar litúrgico muy variado, así como vestiduras, manuscritos y relicarios. En total, 180 piezas conforman este primer espacio, entre las que se encuentra la Custodia de Enrique de Arfe, símbolo de la festividad religiosa por excelencia en Toledo, el Corpus Christi, que se celebrará en unos días, el próximo 4 de junio.

La segunda parte, comisariada por Benito Navarrete Prieto, catedrático de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, abarca la Edad Moderna hasta el 1798, año del que data el cuadro que cierra la exposición: El prendimiento de Cristo, de Francisco de Goya.

Es en esta parte donde se encuentra el que para Navarrete es el rincón “más relevante” de la exposición: una esquina donde confluyen una escultura de El Greco y sendos cuadros de Velázquez y Zurbarán. En 'Primada II' también se exponen numerosos relicarios, fruto del empeño del Arzobispado de la época de convertir al templo toledano en “el relicario más importante de la cristiandad”.

Más de 100 obras restauradas

Uno de los aspectos más importantes en esta exposición es el programa de restauración de obras que ha llevado aparejado. Muchas de las piezas estaban almacenadas desde hacía tiempo en los archivos de la catedral de Toledo, por lo que ha sido necesario la intervención de una quincena de restauradores profesionales para que recuperen el vigor más de cien piezas.

En este apartado se puede resaltar la intervención sobre casi medio centenar de relicarios, la recuperación de las diez tablas integrantes del retablo mayor de la primitiva catedral, los 19 óleos sobre cobre del Camarín de la Virgen del Sagrario, los cuadros de la capilla y antecapilla de la Virgen del Sagrario o los únicos restos escultóricos medievales que se conservan del exterior de la antigua catedral. También destaca el dibujo que Narciso Tomé elaboró para preparar su ‘Transparente’, uno de los elementos más espectaculares del templo toledano.

La propia catedral también es protagonista de esta muestra y no solo su continente. La exposición utiliza en buena medida algunos espacios a los que habitualmente no se accede, como el claustro alto, desde donde el visitante tendrá una vista inédita del jardín y la torre. Los más de 2.000 metros cuadrados de espacio empleado recorren las capillas de la Reina y de San Blas, la escalera “de Tenorio” y buena parte del trascoro, entre otros lugares.

La visita, además, es compatible con la visita turística habitual de la catedral. La exposición 'Primada. VIII Centenario Catedral de Toledo', organizada por la Fundación Impulsa Castilla-La Mancha y el Cabildo de la catedral, estará abierta desde el 25 de mayo hasta el 14 de octubre a un precio de 12 euros.

Un busto romano en buen estado de conservación y que podría representar a la diosa Venus se ha hallado en la ciudad de Alicante durante las excavaciones que se están realizando debido a las obras de regeneración de la playa de la Almadraba, según ha informado en un comunicado el Ayuntamiento alicantino.

“Se trata de un hallazgo cultural e histórico de valor incalculable”, aseguró Nayma Beldjilali, concejala de cultura, que además añade que se podría hablar de “uno de los más importantes hallazgos en toda la historia en Alicante y provincia de una escultura romana”.

Este busto de la época alta romana, de gran calidad técnica, estaría datado entre los siglos I y II d.C, que según los especialistas sería de las más relevantes encontradas en el entorno de la antigua ‘Lucentum’ y que podría formar parte en un futuro de la colección del Museo de la Ciudad de Alicante (MUSA), en el castillo de Santa Bárbara.

La pieza tiene unas medidas de 22,22 centímetros de alto y 19,78 de ancho, y encaja como lo que podría ser una cabeza de una escultura como las que solían decorar las casas patricias romanas. En este sentido cabe mencionar que la zona era conocida por la existencia de una villa romana vinculada a la ciudad de Lucentum, que con este último hallazgo confirmaría su nivel económico elevado.

Las pistas que lleva a pensar que se trata de una Venus

Ese busto romano de gran calidad artística y óptimo estado de conservación, que podría representar a la diosa Venus según los técnicos municipales. “Presenta un peinado de influencia helenística, con el cabello ondulado recogido hacia atrás con raya en medio siguiendo el modelo idealizado de representaciones de divinidades como la Afrodita griega o la Venus romana”, afirma el jefe de Patrimonio Integral del Ayuntamiento, José Manuel Pérez Burgos.

Sin embargo, como apunta el catedrático de Historia Antigua de la Universidad de Alicante al diario local Información, cabe todavía estudiar dos cuestiones esenciales como el contexto exacto y el material de la escultura, que en caso de ser de mármol que no procede de la zona tendría un valor todavía mayor.

Zona de riqueza arqueológica y origen de la ciudad de Alicante

La zona donde se ha hallado, en el yacimiento de la Almadraba, se sitúa cerca del Tossal de Manises, donde aparece el corazón de la antigua Alicante, que fue Lucentum, una ciudad de gran importancia debido a su posición estratégica en la costa mediterránea y que había sido previamente un antiguo poblado íbero.

Esta zona vivió su máximo esplendor durante el mandato del emperador Augusto, siendo cuando adquirió el título de municipio romano y cuando se construyeron edificios importantes como el foro, termas públicas, templos y el sistema de alcantarillado. En este contexto, la diosa Venus, como su equivalente griega Afrodita, era considerada en el Imperio la madre del pueblo romano y al representar el amor, la belleza y la fertilidad.

El Centro Botín inaugura este sábado, 23 de mayo, la exposición 'Marisol: Cuando todo está por comenzar', la primera retrospectiva dedicada a los dibujos de la artista venezolana que podrá verse hasta el 25 de octubre en Santander.

La muestra incluye más de 120 obras dibujadas desde 1949 hasta el final de su vida, junto a esculturas, grabados, fotografías, películas -algunas de Andy Warhol, con quien mantuvo una estrecha amistad- y material de archivo que permiten rastrear sus inquietudes, reflexiones sociales y ficciones imaginativas.

La directora ejecutiva del Centro Botín, Fátima Sánchez, la directora de exposiciones y de la colección del Centro, Bárbara Rodríguez y la comisaria de la exposición, Laura Vallés, han destacado la figura de Marisol en el ámbito artístico donde ocupa una posición “fundamental” en la historia del arte y la han definido como una artista “icónica” y “profundamente original”.

Según han explicado, la exposición está organizada en tres etapas en las que la creadora realizó viajes que marcaron su vida por el contexto social, político y artístico. Además, muestra otros acontecimientos personales, como la pérdida temprana de su madre o la enfermedad del Alzhéimer, que tuvieron influencia en su trabajo.

De este modo, primero, hace un recorrido por la llegada de la fama tras su primera muestra individual, momento en que viaja a Europa donde, principalmente, se instala en Roma. Entonces, su galerista, Leo Castelli, le escribió: “¿Cómo te puedes marchar cuando todo está por comenzar?”, frase que evoca el título de la exposición.

Después, Marisol se marcha al sudeste asiático cuando estalla la guerra de Vietman. En esta etapa, su presencia irrumpe en la escena artística en un momento de máxima visibilidad. A partir de aquí, el color de sus obras se vuelve más intenso y aumenta los contrastes, coincidiendo con las trasformaciones sociales y políticas --las protestas contra la guerra, los movimientos por los derechos civiles y los debates feministas--.

Finalmente, su última etapa está marcada por el Alzhéimer que padeció y que alteró su relación entre voluntad y recuerdo, mientras el dibujo permanece.

Además de los dibujos, en la muestra del Centro Botín destacan varias esculturas como la pieza realizada en bronce 'Mi mamá y yo' (1968); 'Indian' (1969) que incorpora su propio rostro en una imagen asociada a la iconografía comercial del llamado 'Cigar store Indian' como crítica a los estereotipos; o 'Woman with Child and Two Lambs' (1995), que realizó tras su visita a la Expo de Sevilla de 1992.

La artista

Marisol Escobar (París, 1930-Nueva York, 2016) fue una figura central en la escena neoyorquina de los años 60. Sus esculturas -figuras de madera a tamaño natural, retratos de personajes públicos y escenas familiares y sociales- la situaron en el centro de una cultura visual que empezaba a pensar el arte en relación con los medios, la política y la vida cotidiana.

Nacida en una familia venezolana y formada entre Caracas, Los Ángeles y Nueva York, su trabajo estuvo atravesado desde el principio por el desplazamiento entre lenguas, contextos e identidades.

La artista alcanzó una temprana visibilidad y su trabajo fue publicado en medios como Life, Glamour y The New York Times, así como estuvo presente en citas internacionales como la Bienal de Venecia en 1968. Aunque la escultura fue el medio que la dio reconocimiento internacional, la práctica que le acompañó toda su vida fue el dibujo.

Hasta seis instituciones de la ciudad de Toledo se han unido en un proyecto coral para “celebrar y reivindicar” el Día Internacional de los Museos que se conmemora este lunes.

Se trata de la exposición temporal virtual titulada 'Palabras antiguas, diálogos presentes. Del Toledo medieval a hoy', un proyecto coral realizado conjuntamente por los museos Sefardí, del Greco y de Santa Cruz, así como la Escuela de Traductores, la Fundación de Cultura Islámica (a través de la Casa del Temple) y el Archivo Histórico de la Nobleza, que propone un recorrido a través de una selección de piezas de estas instituciones.

La muestra expone piezas como la lápida bilingüe de Micael Semeno, las inscripciones de edificios como la sinagoga del Tránsito, Taller del Moro o la Casa del Temple, un cipo funerario de la iglesia de San Román, el patio del Museo del Greco o algunos documentos del Archivo Histórico de la Nobleza. Los espacios físicos disponen de unos códigos QR que llevan a la web en la que el visitante podrá encontrar toda la información e interpretación de estos escritos.

Esta muestra “organiza los contextos de la ciudad de Toledo en una sola exposición”, explica Carmen Álvarez, directora del Museo Sefardí de Toledo. “El visitante virtual y físico va a poder acudir a estos espacios mencionados y llevarse un nuevo mensaje, una nueva lectura artística de los edificios de la ciudad de Toledo, un nuevo relato de la interculturalidad y de los contextos de diversidad que tiene la ciudad”.

Así, cada una de las sedes de los museos participantes alberga dos piezas que están relacionadas con la interculturalidad y la diversidad cultural y lingüística “que existía en el Toledo medieval”, explica Sergio Isabel Ludeña, coordinador científico de la Fundación de Cultura Islámica.

“Uno de los objetivos principales de la exposición es hablar de que Toledo es una ciudad llena de escritos, y que esos escritos están en diferentes lenguas y en diferentes tipos de sistemas de escritura. Están en hebreo, están en árabe, están en latín y están en castellano, y conviven en los diferentes edificios o se combinan en edificios de las tres religiones”, añade Sergio Isabel.

El mito del mundo medieval que habla de separación entre cristianos, musulmanes y judíos no era tal, sino que eran personas que vivían en la misma ciudad, que coexistían y que dialogaban

Sergio Ludeña — Coordinador científico de la Fundación Cultura Islámica

Por eso, desecha “el mito” del mundo medieval que habla de “separación” entre cristianos, musulmanes y judíos: “No era tal, sino que eran personas que vivían en la misma ciudad, que coexistían y que dialogaban”.

La exposición estará abierta hasta el día 30 de junio, tanto con las piezas señalizadas en los espacios de las instituciones como en el espacio habilitado para la exposición en la web.

Además, la muestra lleva aparejada una programación de conferencias y visitas por los espacios donde se encuentran las piezas que será anunciada próximamente. Dará comienzo el próximo jueves 21 de mayo con la conferencia La iglesia de San Román de Toledo: identidad y síntesis cultural en la Edad Media, que impartirán Ignacio Sánchez (Escuela de Traductores de Toledo, UCLM) y Sergio Isabel Ludeña (coordinador científico de la FUNCI) a las 19:00 h en el Museo de los Concilios y la Cultura Visigoda (iglesia de San Román). Gratuita y de acceso libre hasta completar aforo.

'Adam', una escultura para reflexionar sobre la identidad judía

La presentación de la exposición 'Palabras antiguas, diálogos presentes. Del Toledo medieval a hoy' ha coincidido con la inauguración de la escultura 'Adam' de la artista Martina Lasry, que ya luce desde este lunes en el Museo Sefardí de Toledo. Esta donación se une a las otras dos esculturas de la artista nacida en Tánger en 1951 que ya se exponían en el patio del museo.

Se trata de 'Adam' como ser “bisexual” que “luego fue dividido en dos partes con el propósito de crear la entidad masculina y la entidad femenina”, en palabras de su autora, que ha trasladado la idea de que “el ser humano no puede ser ni uno ni finito y necesita un diálogo para ser completo”. “Adam, la tierra, es un único ser y las dos partes no pueden vivir la una sin la otra, ya que de ello depende su supervivencia y su existencia”.

Esta obra invita a reflexionar sobre los orígenes y la identidad en la tradición judía, a la vez que consolida el vínculo de la institución con los artistas contemporáneos. La escultura, una pieza en bronce realizada en 1995, representa la unión entre lo masculino y lo femenino en el mundo sefardí.

Tratar de reflejar en una pintura la esencia y lo real de un paisaje como la meseta castellana es un trabajo arduo. Ya lo decía el poeta Antonio Machado, cuando hablaba de Castilla y escribía: “El Duero cruza el corazón de roble / de Iberia y de Castilla. / ¡Oh, tierra triste y noble, / la de los altos llanos y yermos y roquedas, / de campos sin arados, regatos, ni arboledas; / decrépitas ciudades, caminos sin mesones / y atónitos palurdos sin danzas ni canciones / que aún van, abandonando el mortecino hogar, / como tus largos ríos, Castilla, hacia la mar!”.

Alicia Urda, de 72 años, es pintora, ceramista y lleva toda su vida dedicada al arte. Hasta el 12 de junio expone 'Soledades de la Naturaleza. Tierras de Castilla', una exhibición de pinturas y esculturas, que se podrá visitar en el Centro Cultural San Clemente de Toledo y que al igual que hizo Machado, pretende reflejar su particular visión de la tierra castellana. Se inaugura este viernes 15 de mayo, a las 19 horas.

Una trayectoria ligada al arte: pintura, cerámica y restauración

Alicia Urda estudió en la escuela de arte de La Casa de los Picos, realizando la especialidad de cerámica artística y mural. “También estudiaba Historia del Arte en la universidad, pero finalmente lo dejé. Después trabajé durante cinco años con profesores tan reconocidos como Lorenzo Tardón, Carlos Muñoz de Pablos o Peralta, que es uno de los más importantes que había en España a nivel de marionetas”.

Por otro lado, también realizó pintura de figura humana al desnudo en el Círculo de Bellas Artes y trabajó durante su veintena en excavaciones arqueológicas. Señala que lo recuerda como una experiencia “muy bonita, porque comparte mucho con la gente”, aunque destaca que aprendió mucho: “Sobre arqueología, sobre especialidades como los textiles, el hierro, la cerámica, la pintura o la madera. También sobre la conservación preventiva”. Estas técnicas también le sirvieron para construir su identidad artística propia.

Más tarde cambió de tercio dentro del mundo del arte, dedicándose a la restauración de piezas con varios siglos de antigüedad, donde recuerda dos con especial cariño: “De la que más satisfecha me encuentro es de un baldaquino del siglo XVIII, aunque de pequeño tamaño. Lo tenían en un almacén y estaba muy deteriorado. La cúpula se había hundido, las maderas se habían perdido... la restauración tampoco puede ser mimética, solo cuando tienes datos suficientes. Pero también unos textiles del siglo XVII, que estaba muy acartonada y se tenía que hidratar, pero era una joyita. Estaba bordado a mano con seda. Son de las cosas que estoy más satisfecha”, explica.

Además, reivindica que al oficio del restaurador “no se le da la importancia que se merece, no solo porque lleva muchísimo tiempo, sino muchísimo estudio. No es coger una cosa y decir la voy a apañar y ya está. Hay que saber quién lo creó, cuándo se hizo, qué material empleó. Es muy importante, porque es mantenerlo en vida, porque si no se restaurasen esas cosas ya no existirían”.

Un estilo de pintura “realista y renacentista”

Alicia Urda asegura que su obra personal tiene mucho que ver con la restauración y tiene tintes renacentistas: “Lo que más me gusta captar en los paisajes cuando pinto son los tonos, los tonos del campo. Lo pongo lo más nítido que se puede, ya sea un tono de verano, otoño o primavera. Luego hago un dibujo minucioso, en el caso de los árboles de la exposición que presento ahora. Tras el dibujo lo paso a papel cebolla, lo miro al revés para que tenga un equilibrio, y luego lo paso al lienzo en el que está el paisaje. Es importante crear una unión y un conjunto entre ambos”, explica.

Nos cuenta que a la hora de pintar lo que más intuye es “la separación en los paisajes, la lejanía, cuando la tierra se une con el cielo. Me gusta que desaparezca el color y las formas, que veamos la materia que se ha perdido, pero que en el fondo también es hermoso”.

A través de su exposición, busca que el espectador “vea lo que tenemos, lo que podemos perder, porque todo tiene vida aunque sea inerte. No podemos dejar lo que nos está dando la vida, que es la naturaleza. El propio campo, el paisaje, aunque estés deprimido, vas allí, respiras, ves los diferentes colores y te hace sentir feliz”.

La artista segoviana se muestra tajante, señalando que “Castilla es soledad. Es un territorio grandísimo, que no está muy ocupado y tampoco muy conservado. Ya lo vimos el año pasado con los incendios, que ocurren por la mala conservación. Y no podemos echar las culpas a los gobiernos, ni de un lado ni de otro, somos todos. Hay gente que es pirómana, que tira las colillas sin apagar, que deja basura... todos estamos implicados”.

A pesar de este hecho, recalca que Castilla posee “sitios recónditos y maravillosos, con historia. Puedes irte por las riberas del río Duero o del Tajo y es una maravilla para disfrutar de la naturaleza.

Alicia Urda también define su estilo como realista: “Trabajo la mancha, es muy detectable en los paisajes. Son manchas con formas más reales. Cuando pinto tengo que hacer una línea perfecta, que se vea lo real dentro del conjunto”, explica, aunque también señala que para una exposición compuso pinturas hiperrealistas: “Uno de los cuadros se llamaba 'Consecuencia', que representa una bombilla. Me llevó un año entero pintarlo, tiene una medida de tres metros. Para poder pintarlo rompí varias bombillas hasta que elegí una concreta por la forma en cómo moría”.

'Soledades de la Naturaleza. Tierras de Castilla' tiene como eje vertebrador dos poemas de reconocidos escritores: “Primero, A un olmo seco, de Antonio Machado y luego Castilla, de Miguel de Unamuno. Yo creo que si leen esas poesías van a saber captar la esencia de la exposición”.

La obra por encima del artista y el arte en redes sociales

Aunque sus representaciones tratan temas “más serios”, ella se define como una persona muy alegre: “Es un poco la dualidad del artista, que muchas veces es distinto de su obra”. Alicia Urda ha participado en pocas exposiciones porque no se considera “una persona dada a hacerlas, me altera mucho estar en el foco”.

Por otro lado, tampoco tiene perfiles en redes sociales, ya que considera que en la actualidad “todo gira en torno a internet [y a la exposición pública], existe mucha falsedad, mucha mentira y mucho postureo. Lo que estamos creando es una sociedad que no es real y a mí me gusta la realidad”, expone.

Aunque reconoce que en el arte, las redes sociales contribuyen a una mayor exposición de cara a los artistas, este carácter irreal “impide que la gente sea natural. Si tiene ganas de llorar o de gritar o de reírse que lo hagan, pero no por postureo. Parece que la mentira se ha convertido en algo normal y eso es algo que crea una cultura para las nuevas generaciones que vienen que no es bueno para ellas”.

Desde hace algunos años también se dedica a la enseñanza, tanto en la pintura como en cerámica. Asegura que siempre ha tenido mucha suerte con los alumnos. “La convivencia ha sido muy agradable, tanto en adultos como en peques. Me encanta ver cómo se desarrollan y sobre todo los peques cuando hacen cosas nuevas, te anima mucho. También con personas con discapacidad, para ellos aunque les cueste un poquito siempre es una diversión. La verdad que me han aportado más ellos a mí que yo a ellos”.

La inauguración de la escultura 'Adam' de Martina Lasry en el Museo Sefardí, un mural participativo de grandes dimensiones en el Museo del Greco de la ilustradora Alicia Warhola o una jornada de puertas abiertas en el Archivo Histórico de la Nobleza son algunas de las actividades que la ciudad de Toledo acogerán en estos enclaves con motivo del 'Día de los Museos'.

El delegado del Gobierno de España en Castilla-La Mancha, José Pablo Sabrido, junto a los representantes de los espacios museísticos, ha presentado esta iniciativas de carácter estatal con motivo de esta efeméride, que se conmemora el 18 de mayo, y que este año cuenta con el lema 'Museos, uniendo un mundo dividido'.

La directora del Museo Sefardí, Carmen Álvarez Nogales, ha explicado que el próximo lunes 18 de mayo se presentará la escultura 'Adam', de Marina Lasry, una miembro importante de la Comunidad Judía de Madrid, autora de todas las esculturas que el Museo Sefardí expone en su patio.

Por su parte, la directora del Museo del Greco, Carolina Tobella, ha indicado que la ilustración de grandes dimensiones realizada por la ilustradora Alicia Warhola se va a poder ver el lunes 18 de mayo, mostrando “el viaje que realizó el Greco desde Creta hasta Toledo” en una unión de “las dos Europas, oriental y occidental”.

En esta ilustración se podrán ver “todas las obras más importantes que están repartidas por todo el mundo, para ver hasta dónde ha llegado el pintor” y además, los visitantes podrán plasmar en él “de dónde vienen” para trasladar esa idea de unión que fraguan los museos, ha afirmado la directora del Museo del Greco.

Asimismo, el jefe de Difusión del Archivo Histórico de la Nobleza, Alejandro Sierra, ha explicado que el domingo 16 de mayo se celebrará una jornada de puertas abiertas mediante dos pases, a las 20.00 y a las 22.00 horas. En estas jornadas se mostrará el patio del Hospital Tavera, también la sala de investigadores y quizá “los depósitos donde se custodia la documentación histórica y en la que se hará una muestra de algunos de los documentos más importantes del Archivo”. La visita correrá a cargo de un técnico del archivo pero además va a ser amenizada por actores que harán que la visita conjugue la didáctica con la teatralización.

El director del Museo del Ejército, el general de brigada Francisco Germán Martínez, ha señalado que el espacio que dirige se centrará en la exposición temporal 'España en los Estados Unidos. La contribución de los españoles y su Ejército al surgimiento de una nación'. También, el sábado 23 el Museo del Ejército albergará otros actos, como el relevo de la guardia y un arriado de bandera, “más enfocado al Día de las Fuerzas Armadas”.

Asimismo, tal y como ha explicado la directora del Museo Sefardí, se va presentar un “recorrido virtual por el patrimonio de Toledo” denominado 'Palabras Antiguas, Diálogos Presentes, de Toledo medieval hasta hoy', y será un viaje por el patrimonio de los museos, que podría estar listo en este mes de mayo, para “intentar” que se pueda ver por el público “en cada uno de los espacios” en la semana con motivo del Día de los Museos.

También el Gobierno de Castilla-La Mancha celebrará el próximo 18 de mayo el Día Internacional de los Museos bajo el lema, con una programación compuesta por 60 actividades repartidas por las cinco provincias.

Lo ha avanzado la viceconsejera de Cultura y Deportes, Carmen Teresa Olmedo, quien ha señalado que las propuestas, organizadas por los museos dependientes de la Junta, se desarrollan entre los días 9 y 29 de mayo y convertirán a estos espacios culturales en “puntos de encuentro, reflexión y participación ciudadana”.

Actividades el museos de titularidad autonómica

La programación incluye exposiciones temporales, visitas guiadas y teatralizadas, talleres, conferencias, conciertos, recitales, actividades didácticas, espectáculos, presentaciones de libros e itinerarios expositivos vinculados a temáticas como la arqueología, la memoria histórica, la fotografía, la cerámica, la paleontología, la música, la astronomía, la literatura o el patrimonio medieval. Todo ello desde una perspectiva educativa y participativa que busca acercar la cultura a públicos de todas las edades.

En la provincia de Albacete, el Museo de Albacete acogerá actividades como el recital ‘Piezas comentadas’, la inauguración de la exposición ‘Historia de una amistad’ y el recorrido musical por sus salas de arqueología y bellas artes. Además, la Colección Museográfica de la Infancia Juan Peralta ofrecerá visitas familiares y teatralizadas centradas en la historia educativa y social del siglo XX.

En Ciudad Real, el Museo de Ciudad Real-Convento de La Merced desarrollará talleres de caligrafía, visitas sobre el legado romano, espectáculos de magia y distintas exposiciones vinculadas a la fotografía histórica, las bellas artes y la arqueología. También se celebrarán visitas temáticas sobre piezas arqueológicas llegadas de lugares remotos y representaciones teatrales dirigidas al público escolar.

La programación de Cuenca combinará arqueología, música y divulgación científica. El Museo de Cuenca organizará conferencias sobre arte rupestre y antigüedad tardía, conciertos y visitas guiadas a su colección permanente. Por su parte, el Museo de las Ciencias de Castilla-La Mancha celebrará actividades centradas en la observación de eclipses y astronomía, mientras que el Museo Paleontológico de Castilla-La Mancha desarrollará propuestas didácticas dirigidas al público infantil.

En Guadalajara, el Museo de Guadalajara concentrará una intensa programación con visitas guiadas a la exposición ‘Las civilizaciones del bronce en el suroeste de China’, conferencias históricas y numismáticas, talleres de escritura, conciertos y presentaciones de libros. Entre las actividades más destacadas figura la presentación de las monedas de la antigua Ceca de Guadalajara y un concierto de música sefardita en el Patio de los Leones.

Por último, la provincia de Toledo será la que reúna el mayor número de actividades. El Museo Ruiz de Luna desarrollará talleres de cerámica y creatividad, además de inaugurar la exposición De Évora a Ébora. Un viaje cerámico. En la capital regional, el Museo de Santa Cruz, el Museo de los Concilios y el Taller del Moro organizarán exposiciones, visitas teatralizadas, conciertos, itinerarios patrimoniales y aperturas extraordinarias con motivo de la Noche de los Museos. Destacan especialmente la exposición Los mapas y la primera vuelta al mundo y el itinerario expositivo Palabras pasadas, diálogos presentes.

Todas las actividades y dossier pueden consultarse en este enlace.

El Palacete del Embarcadero acoge desde este viernes, 8 de mayo, y hasta el 5 de julio, la exposición 'Wetlands' de Paula Santomé, que explora el lenguaje simbólico como una forma de dar sentido al mundo, entendiendo la mitología como algo vivo que conecta experiencia, memoria y conocimiento colectivo.

La muestra es resultado del trabajo que la artista presentó el año pasado en el stand de la galería sevillana Espacio Derivado de la feria Artesantander, con el que logró el II Premio Exposición 'Puerto de Santander'.

Desde la figura de la diosa primigenia, pasando por la antigua Grecia y llegando al presente a través del cosplay, plantea el mito como una herramienta para pensar y a la vez formula la pregunta de qué historias se están creando hoy y quién decide cómo se cuentan.

Este enfoque se materializa en las piezas que conforman la exposición, entre las que se incluyen una serie de repujados de aluminio realizados a mano y esculturas en aluminio fundido mediante la técnica de la cera perdida.

La exposición, organizada por la APS con la colaboración de Artesantander, podrá visitarse en el Palacete del Embarcadero de martes a sábado de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00 horas, y los domingos de 11.00 a 14.00 horas, con entrada gratuita.

Paula Santomé

Paula Santomé (Vigo, 1994) vive y trabaja en Basilea, Suiza. Es graduada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo (2018) y completó su máster en Bellas Artes en el Institute of Art, Gender, Nature, HGK FHNW, Basilea (2022), para lo cual obtuvo una beca de la Fundación María José Jove. La artita ha sido galardonada con una beca de producción Pro Helvetia (2025) y es ganadora del II Premio Exposición Puerto Santander (2025). De igual modo, fue finalista del Kiefer Hablitzel Göhner Kunstpreis, Suiza (2023) y ganó el primer premio de arte contemporáneo del Instituto Dental Campos, España (2018).

Su obra forma parte de colecciones privadas y públicas, como Baloise Art Collection, Suiza; Sammlung Kunstkredit Baselland, Suiza; Colección de Arte Fundación María José Jove, España; Kunstkredit Basel-Stadt, Suiza; Colección de Arte de la Diputación Provincial de A Coruña, España.

Enclave Pronillo, la sede de la Fundación Santander Creativa (FSC), acogerá la presentación del libro 'Los bajorrelieves de Jesús Otero en el Palacio de Justicia de Santander' este jueves, 7 de mayo, a las 19.00 horas.

Para acercar la figura de Otero y explorar los 18 bajorrelieves que, desde 1960, lucen en los laterales de las puertas de acceso al Palacio de Justicia en la calle Alta, los autores del libro ofrecerán una conferencia y proyectarán imágenes de cada una de estas creaciones.

La publicación de Javier Gómez-Acebo y Jesús Ortiz aborda “una de las obras más importantes de uno de los grandes escultores cántabros del siglo XX”, ha argumentado la FSC en una nota de prensa.

La actividad es “una oportunidad para acercarse a la obra de uno de los creadores esenciales de nuestro patrimonio cultural y comprender cómo sus relieves transforman la piedra en pensamiento y emoción”, ha afirmado Gómez-Acebo, abogado, escritor e integrante de la asociación cultural Grupo Alceda.

En el encuentro, abierto a todos los públicos, se mostrará con todo detalle y se explicará el significado de cada relieve, tal y como han realizado en el libro. “Desde la inauguración del Palacio de Justicia, nadie ha podido verlos tan de cerca”, ha asegurado.

Veinte años antes había salido de la cárcel tras sobrevivir a dos condenas de muerte por su defensa de la II República. Nació (1908) y vivió casi toda su vida en Santillana del Mar, su pueblo natal, estudió un tiempo en Madrid y pasó cuatro años en distintas cárceles franquistas hasta que finalmente fue indultado.

Este volumen “rescata de la oscuridad” e intenta explicar las referencias míticas o literarias de los bajorrelieves e identificar a los amigos del escultor que le sirvieron como modelos.

En el prólogo del libro, el profesor y escritor Luis Alberto Salcines destaca la importancia que Otero concedía a los bocetos y cómo escribía ideas sobre ellos que le surgían en el proceso creativo: técnicas, pensamientos o frases que sintetizaban la intención de aquello que quería expresar.

Una mujer ha estado a punto de causar importantes daños en la Fuente de Neptuno de Florencia, también conocida como Il Biancone. La joven, de 28 años, intentaba tocar las partes íntimas de esta emblemática figura, como parte de un reto de su despedida de soltera, aunque fue localizada y retirada rápidamente por las fuerzas de seguridad. 

La policía pilló a esta turista trepando por encima de la barandilla y del borde de la pila. Una vez superada esa primera barrera, para evitar caer al agua que la separaba de Neptuno, se agarró de las patas de uno de los caballos que hay a los pies de la escultura. 

Los agentes, que se encontraban cerca, intervinieron de inmediato, la sacaron de la fuente y procedieron a identificarla. La mujer ha sido denunciada ante la justicia por vandalismo contra un monumento artístico-arquitectónico y ahora está a la espera de que las autoridades judiciales emitan un fallo definitivo, según detalla el Ayuntamiento de Florencia en un comunicado. 

La joven no midió las consecuencias de su incursión, que formaba parte de un desafío de su despedida de soltera. La inspección reveló daños pequeños pero significativos tanto en los cascos de los caballos que montó como en un friso al que se había agarrado para no resbalar.

“Su comportamiento causó daños menores pero significativos a la fuente de la Piazza Signoria”, lamentan desde el consistorio italiano. Tras la evaluación de los profesionales, se estima que los daños que sufrió la emblemática fuente ascienden a cinco mil euros. 

Retos peligrosos y daños en el patrimonio 

No es la primera vez que atentan contra Il Biancone de la Piazza della Signoria de Florencia. En 2005, se instalaron cámaras de videovigilancia, después de que un joven traspasara la reja y rompiera una de las manos de la escultura. Otro turista alemán también causó daños en 2023, al intentar escalar el monumento para hacerse un selfie. 

La Fuente de Neptuno forma parte de la icónica Piazza della Signoria, considerada como el corazón político e histórico de la ciudad italiana, que cuenta además con numerosas esculturas renacentistas. A este emplazamiento, se le conoce como un museo al aire libre, del que disfrutan vecinos y visitantes. 

En concreto, esta escultura se encuentra frente a la esquina del Palazzo Vecchio. La escultura es obra de Bartolomeo Ammannati y de algunos de sus aprendices. Fue un encargo por la celebración del matrimonio entre Francisco I de Médici y la archiduquesa Juana de Austria, celebrado en 1565.

En la sala 047 del Museo del Prado de Madrid se encuentra una destacada escultura, que tiene orígenes que se remontan al primer emperador del Imperio romano, Augusto, que la encargó después de salvar su vida. Una obra que llegó a estar en el Capitolio de Roma, una copia de alta calidad que pasó por algunas de las figuras más influyentes del siglo XVII en Europa y que acabó en manos de la Corona española durante el reinado de Felipe V.

Es la escultura de Júpiter Tonante, de mármol blanco, que forma parte del Taller Romano del museo del Prado. Originalmente, la figura alzaba el brazo izquierdo para asir un alto cetro, mientras en la derecha empuñaba un rayo, según se cree, un atributo que no se conserva en la actualidad.

Según informa el propio museo en su página web, los atributos de que se trate de una figura de un dios desnudo cubierto tan solo con un manto encima del hombro izquierdo hacen que se trate de Júpiter o Neptuno, aunque el hecho de “la caballera no tan revuelta y la barba bien cuidada” lo identifican como el primero.

“En esta escultura confluyen varios modelos del arte griego, inspirándose probablemente en una famosa estatua de culto de origen romano, que fue reproducida en numerosas ocasiones en época romana, y en la que predominan los rasgos propios del pleno clasicismo”, apuntan desde el museo.

El origen de la escultura de Júpiter Tonante

Esta escultura que observamos en el Museo del Prado procede de la estatua de culto del templo de ‘Iupiter Tonans’, que se situaba en el Capitolio de Roma y que estaba dedicado por Octavio Augusto el 1 de septiembre del 22 a.C como agradecimiento a salvar su vida durante la campaña de Cantabria.

Y es que al que fue el primer emperador romano le pasó un rayo a poca distancia de donde dormía, cayendo sobre un esclavo que iba delante con una antorcha en la mano, pero salvando a Augusto, que lo encontró como una señal “milagrosa”. Sin embargo, el templo y la estatua original se quemaron en el 80 d.C y se reconstruyeron por parte de Domiciano. De esta época se trata la estatua que se puede visitar en Madrid, que se considera se reconstruyó entre el 85 y 100 d.C.

Cómo llegó esta escultura romana a España

Esta copia romana de la escultura fue pasando por diferentes manos a lo largo de su historia. Una de las primeras fue la de la reina Cristina de Suecia, que la incluyó en su colección en Roma hasta 1689, para luego pasar a ser propiedad del cardenal Decio Azzolino y de Pompeo Azzolino, hasta que pasó de 1692 a 1713 a ser de Livio Odescalchi, duque de Bracciano.

De aquí, en el siglo XVIII, la escultura de Júpiter Tonante entró dentro de la Colección Real española durante el reinado de Felipe V, para estar expuesta en el Palacio de La Granja de San Ildefonso y luego llegar al Palacio Real, ya reestructurado tras el incendio del Alcázar. Finalmente acabaría en la sala mencionada del Museo del Prado, donde se puede visitar actualmente.

Alicante ha construido buena parte de su identidad urbana en torno al mar. Su evolución histórica, marcada por la actividad portuaria y comercial, ha dado lugar a una ciudad que mira al Mediterráneo como eje principal de su desarrollo. Ese vínculo se percibe en su trazado, en la disposición de sus espacios públicos y en la forma en la que la vida cotidiana se organiza en torno al litoral.

Con el paso del tiempo, Alicante ha ido adaptando su frente marítimo a nuevas funciones. Zonas que en otros momentos tuvieron un uso defensivo o logístico se han transformado en espacios abiertos al tránsito y al ocio. Este proceso ha permitido integrar el puerto en la dinámica urbana y ha favorecido la creación de paseos que conectan distintos puntos del centro con la costa.

En ese contexto, la Explanada de España se ha consolidado como uno de los enclaves más reconocibles de la ciudad. Su ubicación, junto al puerto y en continuidad con el centro histórico, la sitúa como un punto de paso habitual y como un lugar de referencia tanto para residentes como para visitantes.

Un paseo urbano sobre seis millones de piezas de mármol

El trazado de la Explanada de España ocupa el espacio donde antiguamente se situaba el dique que protegía la ciudad. Esa infraestructura, vinculada en origen a la defensa marítima, fue perdiendo su función con el tiempo y acabó transformándose en un paseo peatonal. La configuración actual responde a una intervención realizada a mediados del siglo XX, cuando se definió el diseño que hoy identifica a este espacio.

Uno de sus elementos más característicos es el pavimento. Está formado por cerca de 6,6 millones de teselas de mármol en tres colores —rojo, negro y blanco— dispuestas para crear un dibujo continuo de líneas onduladas. Este patrón recorre toda la superficie y genera un efecto visual que recuerda al movimiento del mar. El resultado es un mosaico que se ha convertido en una de las imágenes más asociadas a Alicante.

El paseo discurre en paralelo al puerto a lo largo de varios cientos de metros y está flanqueado por filas de palmeras. Este arbolado define el espacio y proporciona sombra, lo que favorece su uso durante gran parte del año. La Explanada funciona así como un eje peatonal que conecta distintas zonas del centro urbano y que facilita el tránsito entre el área portuaria y el resto de la ciudad.

A lo largo del recorrido se desarrollan actividades comerciales y culturales. Es habitual la presencia de puestos de artesanía y pequeños vendedores, así como de músicos y artistas callejeros. Este uso compartido convierte el paseo en un punto de encuentro en el que conviven residentes y visitantes, generando un flujo constante de personas.

Uno de los elementos destacados del paseo es el auditorio al aire libre conocido como La Concha. Este espacio acoge conciertos y otros actos culturales a lo largo del año, lo que refuerza el papel de la Explanada como escenario de actividades públicas. La programación de eventos contribuye a mantener la actividad en la zona más allá del uso cotidiano como vía peatonal.

El entorno de la Explanada también reúne varios elementos del patrimonio urbano de Alicante. En uno de sus extremos, en dirección a la plaza Puerta del Mar, se encuentra la Casa Carbonell. Este edificio residencial, construido en la década de 1920 y diseñado por el arquitecto Juan Vidal Ramos, destaca por su estilo y por las cúpulas que forman parte del perfil urbano de la ciudad. Su presencia refuerza la conexión entre el paseo y el desarrollo arquitectónico del centro.

A lo largo del recorrido se pueden encontrar además distintas esculturas. Entre ellas figura una dedicada al pintor alicantino Emilio Varela, así como un conjunto escultórico vinculado a la Casa de Francia que representa la acogida de la ciudad a quienes llegan a ella. Estos elementos aportan una dimensión cultural al paseo y contribuyen a su carácter como espacio público.

Con el paso del tiempo, la Explanada de España se ha consolidado como uno de los símbolos más reconocibles de Alicante. Su imagen, asociada al mosaico de teselas y a la alineación de palmeras, se ha difundido como una de las referencias visuales de la ciudad. Este reconocimiento ha contribuido a su presencia en recorridos turísticos y a su consideración como un punto de visita habitual.

El mantenimiento del pavimento y del conjunto del paseo es una de las tareas necesarias para su conservación. La exposición al tránsito constante y a las condiciones ambientales obliga a realizar intervenciones periódicas sobre las teselas de mármol para preservar su estado. Estas actuaciones forman parte de la gestión del espacio como uno de los principales ejes urbanos.

Más allá de su valor como infraestructura, la Explanada funciona como un espacio que concentra parte de la vida cotidiana de Alicante. En sus metros de recorrido se combinan historia, actividad cultural y uso ciudadano. Esa mezcla explica su papel dentro de la ciudad y su continuidad como uno de los lugares más transitados del litoral urbano.

En el interior de la provincia de Sevilla, el municipio de Osuna reúne varios enclaves que permiten seguir su evolución histórica más allá del núcleo urbano. Entre ellos destaca un espacio vinculado durante siglos a la extracción de piedra, hoy reconvertido en un lugar visitable. Este tipo de enclaves, ligados a actividades tradicionales, forman parte de la oferta cultural de muchos territorios que han apostado por recuperar antiguos usos industriales.

Uno de los casos más representativos es el Coto de las Canteras, un recinto cuyo nombre procede directamente de su función original como zona de obtención de material para la construcción. Su origen se sitúa hace más de 2.500 años, con actividad documentada desde la época íbera, cuando ya se utilizaba este sustrato rocoso para levantar edificaciones relevantes. A lo largo del tiempo, distintas culturas continuaron trabajando la piedra, lo que dejó una huella visible en el paisaje.

El paso de los siglos ha configurado un entorno marcado por grandes cavidades y superficies talladas. Estas formas, resultado de la extracción continuada, han dado lugar a un conjunto que se conoce como “la Petra de Andalucía”, en alusión a los relieves esculpidos en la roca. La denominación hace referencia a la apariencia del lugar, caracterizado por volúmenes excavados y elementos integrados en la propia piedra.

Historia y evolución del Coto de las Canteras

El Coto de las Canteras se sitúa en un promontorio que ya fue utilizado como fuente de materiales en épocas anteriores a la romanización. Desde entonces, la cantera ha desempeñado un papel clave en el desarrollo de la antigua Urso, antecedente de la actual Osuna. De este enclave salieron bloques empleados en la construcción de murallas, calzadas y otros elementos urbanos, lo que explica su relevancia dentro del territorio.

Con la llegada de los romanos, la extracción de piedra se mantuvo y continuó en etapas posteriores, incluidas las fases andalusíes. La actividad alcanzó un nuevo impulso en el siglo XVI, cuando el IV conde de Ureña promovió un importante desarrollo constructivo en la localidad. Este proceso incrementó la demanda de material, lo que llevó a intensificar el trabajo en la cantera. La explotación se prolongó hasta la década de 1960, momento en el que dejó de utilizarse con fines productivos.

Durante años, el enclave quedó sin uso, hasta que a comienzos del siglo XXI se puso en marcha un proyecto de recuperación. La intervención permitió acondicionar el espacio para su apertura al público, respetando las formas generadas por la actividad extractiva. Este proceso dio lugar a una nueva etapa en la que el Coto pasó de ser un lugar abandonado a convertirse en un recinto destinado a la cultura y el turismo. Uno de los elementos más reconocibles del espacio es la presencia de relieves y esculturas talladas directamente sobre la roca. Estas piezas, integradas en los muros de la cantera, forman un conjunto que combina formas naturales y trabajo artístico.

El recinto alberga también un auditorio natural cubierto, generado a partir de la propia excavación. Este espacio se utiliza para la celebración de eventos culturales y está considerado el de mayor tamaño en España dentro de su tipología. La disposición de la roca y las dimensiones de la cavidad condicionan tanto la distribución del público como las condiciones acústicas. Además de la cantera en sí, el espacio incluye zonas ajardinadas que superan los 4.000 metros cuadrados, con presencia de especies autóctonas.

El patrimonio histórico de Osuna construido con piedra de la cantera

La importancia del Coto de las Canteras se entiende mejor al relacionarlo con el conjunto patrimonial de Osuna. Buena parte de los edificios más destacados de la localidad se levantaron con piedra procedente de este enclave, lo que establece una conexión directa entre la cantera y el paisaje urbano.

Uno de los ejemplos más visibles es la Colegiata, un conjunto religioso de estilo renacentista construido entre los siglos XVI y XVIII. Su edificación fue impulsada por el IV conde de Ureña en el lugar donde se situaba una antigua fortificación. En su interior destacan espacios como el Patio del Santo Sepulcro, de estilo plateresco, y el Panteón Ducal. Este edificio fue declarado Monumento Nacional en 1935. Otro punto de interés es la antigua Universidad de Osuna, un edificio del siglo XVI con planta rectangular y un amplio patio central. Este espacio refleja el papel que desempeñó la institución en su época y forma parte del conjunto histórico del municipio.

El reconocimiento de Osuna como Conjunto Histórico-Artístico en 1967 pone en valor la conservación de su patrimonio. Esta catalogación incluye tanto edificios concretos como el trazado urbano, en el que se pueden identificar distintas etapas históricas. La presencia de construcciones realizadas con piedra del Coto refuerza la relación entre el enclave extractivo y el desarrollo de la localidad.

El conjunto formado por la cantera y el núcleo urbano muestra cómo un recurso natural ha influido en la configuración de un territorio durante siglos. La piedra extraída de este enclave no solo permitió levantar edificios, sino que también forma parte de la identidad de Osuna. Aunque algunos aspectos concretos, como el número total de esculturas o el detalle de todas las fases de explotación, no se especifican con precisión, el papel del Coto dentro del municipio se mantiene como uno de los elementos clave para comprender su historia.

La escultura colosal de Fernando VII que se conserva semioculta desde hace justo un siglo junto a la Torre de Don Fadrique en Sevilla ha sufrido escarnios de toda índole a lo largo de su historia, el último a manos de la naturaleza, cuando la última dana que ha azotado Sevilla derribó un árbol que cayó sobre ella, cortándole la cabeza.

De algo más de dos metros de altura —llegó a medir seis metros sobre pedestal— y de dos toneladas de puro bronce, la escultura presidió lugares públicos de Barcelona, París y Sevilla desde que en 1831 la modelara Pierre Joseph Chardigni por encargo del Conde de España y capitán general de Barcelona, Roger Bernard Charles de Espagne, absolutista que combatió al francés, o sea a sus compatriotas, en la Guerra de la Independencia.

También es la única estatua neoclásica de Sevilla y una de las pocas que se conservan en España, según ha dicho a EFE la historiadora del Arte Teresa Lafita, autora, entre otros, del estudio Fuentes y Monumentos Públicos de Sevilla (ABC de Sevilla, 1998), quien alaba el valor artístico de la pieza y rechaza que se la califique de “escultura maldita”:

“El término 'maldita' es demasiado fuerte; puede que el personaje histórico que representa fuese maldito y algo de eso haya quedado en su figura en bronce, pero se trata de una pieza única, de un gran valor artístico, al margen de cualquier otra consideración y del propio devenir histórico”.

Una estatua arrinconada

Fue Teresa Lafita, durante una investigación de 13 años de duración, quien en 1998 halló en París, en el Archivo de Escultura del Siglo XIX del Museo del Louvre, el documento que acreditaba la autoría de Chardigni, que hasta ese momento se había olvidado por completo.

La escultura desde 1926 permanece sobre el suelo, al aire libre, situada en un recoveco de los jardines medievales de la Torre de Don Fadrique, en un espacio integrado en el actual centro cultural del Convento de Santa Clara de Sevilla, en un sitio que contradice el espíritu con el que fue concebida, arrinconada en un lugar por completo descontextualizado, tanto que Lafita considera que es allí, donde lleva justo cien años, donde debe permanecer.

El Convento de Santa Clara fue el originario Museo Arqueológico de Sevilla a finales del XIX y por eso terminó acogiendo la escultura, pero el lugar que ocupa es un rincón casi secreto de los jardines que aunque, habitualmente están abiertos al público, ahora permanecen cerrados por las obras de restauración del convento.

La ajetreada historia de la escultura acredita la opinión de la investigadora: en 1926 el Arzobispado de Sevilla se la vendió al Ayuntamiento, como parte del mobiliario que quedó en el Palacio de San Telmo —actual sede la Presidencia de la Junta de Andalucía—, una vez que los herederos de los Montpensier donaron este palacio a la Iglesia, que lo reconvirtió en seminario.

La escultura errante

En 1893, María Luisa Fernanda de Borbón ya había donado el parque que lleva su nombre a la ciudad de Sevilla, su palacio de San Telmo al Arzobispado, y antes, en 1868, cuando estalló “La Gloriosa”, la cambió del lugar que ocupaba en sus jardines y la llevó a una glorieta en la que se veía menos para librarla de las iras revolucionarias.

Pero si la escultura data de 1831, su peregrinaje comenzó en 1835, cuando 'La Bullanga', revuelta popular contra el absolutismo, la derribó del pedestal que ocupaba en Barcelona.

En 1840, la viuda de Fernando VII, María Cristina de Borbón-Dos Sicilias, la acarreó en su exilio en Francia, y en 1861 Napoleón III compró su palacio y consideró oportuno regalarle la escultura a la hija de la reina regente, María Luisa, quien decidió llevársela a Sevilla y ponerla en los jardines de su palacio.

En alguno de los disturbios revolucionarios, la estatua fue derribada y arrastrada, por lo que le faltan varias piezas, como las dos manos, que decenios más tarde un famoso orfebre sevillano compró en El Jueves, mercadillo de antiguallas que se celebra en Sevilla ese día de la semana.

Jorge de Oteiza, Eduardo Chillida, Néstor Basterretxea o Agustín Ibarrola son los nombres que seguramente vienen a la cabeza al hablar de la escultura vasca. Sin embargo, hay muchos otros que a pesar de no estar en el imaginario colectivo, llevan décadas creando arte a través de la escultura, como Esther Ferrer, Ana Laura Alaéz, Cristina Iglesias, Anabel Barberena, Virginia Bosh o Elena Solatxi. Estas tres últimas, junto a casi una veintena de artistas se han unido en la muestra colectiva 'Escultoras AQUÍ AHORA' de la Asociación E3 Euskal Emakume Eskultoreak Elkartea, con el objetivo de “visibilizar el trabajo de las creadoras en un entorno históricamente masculinizado y proponer una lectura crítica del arte actual como espacio de resistencia y reflexión”.

Desde la Asociación E3 hacen suyas las palabras de la antropóloga Lourdes Méndez en su libro 'Antropología del campo artístico. Del arte primitivo al contemporáneo' para explicar por qué -también- en la escultura la mujer ha quedado en un segundo plano. “Para comprender por qué las artistas y otros sujetos históricos colectivos han sido (y son) minorizados en el campo artístico, hay que analizar cómo intervienen en él las ideologías sexuales, de clase y raciales dominantes. Las minorizadas, y los minorizados, son aquellos colectivos cuyos miembros son definidos como diferentes, como particulares frente a los miembros del grupo dominante que, ellos, encarnan la norma. Se trate de mujeres, de negros, de orientales, de lesbianas, de homosexuales, de obreros y obreras, de indios de las Primeras Naciones o de aborígenes australianos, esa definición limita sus posibilidades para desarrollar nuevas formas de conciencia, nuevas estrategias y prácticas tanto en el arte como en otros ámbitos de actividad. Y también actúa cuando dichos sujetos pretenden obtener reconocimiento artístico”, detallan.

“Como el campo artístico es uno de los más mistificados, suelen olvidarse dos hechos empíricamente verificables. El de que las artes son jerárquicas y funcionan mediante la autoridad de ciertos predecesores que dan la regla, mientras que los imitadores siguen simplemente esa autoridad, y el de que las diversas sociedades siguen confiando el rol de dar la regla al sexo masculino en todas las actividades. Ambos hechos permitieron que destacados historiadores del arte como Gombrich elaborara síntesis del arte que abarcara desde la Prehistoria hasta mediados del siglo XX sin mencionar a ninguna artista, minorizando el papel creador que desempeñaron en los movimientos artísticos más innovadores del siglo pasado”, recogen.

De esta manera, las mujeres que se dedican a la escultura dentro y fuera de las fronteras de Euskadi han visto sus carreras relegadas a las de sus compañeros varones. Esto ha hecho que se unan y desde el año 2022 trabajen juntas dentro de la Asociación E3. “Desde que sintiéramos la necesidad de juntarnos las escultoras vascas allá por el año 2022 para dar visibilidad a nuestro trabajo y para compartir y enriquecernos mutuamente, hemos desarrollado varios proyectos que van más allá de lo puramente expositivo y acercan el arte a la sociedad mediante actividades, visitas guiadas y proyectos de escultura comunitaria para posterior exposición en museos”, reconocen.

La última de las exposiciones, con motivo del 8M, Día Internacional de la Mujer, es la muestra colectiva 'Escultoras AQUÍ AHORA' que se encuentra disponible en la Sala de Exposiciones de las Juntas Generales de Bizkaia, en Bilbao. En ella, un total de 19 artistas vascas tanto de una larga trayectoria como pertenecientes a las nuevas generaciones de escultoras mostrarán sus obras. Se trata de Eider Baile Zabala, Anabel Barberena, Maite Barrainkua Buruaga, Susan Bart, Virginia Bosch, Bárbara Camhi Jacard, Maite Canto Equisoain, Amaia Conde Chiralt, Helena Elbusto, Idoia Elosegi, Idoia Grijalbo, María José Lacadena, Amparo Lozano Sancha, Arantza Munita Irisarri, Olatz Pereda Bados, Nery Adriana Pradenas, Amaia Sáenz de Magarola Herrero, Elena Scaratti y Elena Solatxi. Sus obras abordan temáticas como la identidad de género, la ecología, la memoria material y el vínculo imprescindible con el feminismo para comprender el mundo contemporáneo.

“Esta exposición evidencia la presencia sólida y activa de numerosas escultoras que hoy están construyendo un arte vasco contemporáneo de gran calidad, todavía insuficientemente visible en el imaginario colectivo. Es importante situar definitivamente estas prácticas en el lugar que les corresponde dentro del panorama artístico. Se trata de un proyecto expositivo y divulgativo que reúne a escultoras ”de larga trayectoria y obra consolidada“, defiende Amaia Conde Chiralt, presidenta de E3 Euskal Emakume Eskultoreak.

La exposición realiza un viaje por las obras de las 19 artistas, seleccionando cuidadosamente los trabajos de cada una de ellas. Eider Baile Zabala (Donostia 1990), artista multidisciplinar centrada en la ilustración, la pintura y especialmente, en la cerámica, mediante una estética de la ternura y el cuidado, aborda temas duros o socialmente complejos, articulando modelado manual y acabados delicados. Anabel Barberena (Pamplona, 1967), es una escultora y artista, con raíces en la cerámica y una práctica que integra de manera creciente la madera. En el caso de Maite Barrainkua Buruaga (Atxondo,1983), trabaja principalmente con porcelana, para hablar de lo frágil, lo resistente, lo que permanece y lo que se borra. Pero además, emplea técnicas como la colada, la retroiluminación o la impresión 3D de matrices a partir de fotografías antiguas, radiografías u otros documentos de archivo. En su obra, la diapositiva se ha convertido en un objeto central; no solo como formato visual, sino como símbolo de archivo y de memoria. Temas como la genealogía, la ausencia o la memoria propia de las mujeres recorren sus proyectos, desde piezas únicas hasta instalaciones como 'China Girls', 'Ahaztuak', 'Mujer desconocida' o 'Huellas genealógicas'. En ellas, busca una tensión en estado de duda permanente entre lo que se guarda y lo que se desecha.

Por su parte, Idoia Elosegi (Tolosa, 1968) aborda desde la escultura cuestiones como la violencia de género. Desde hace años centra su trabajo en torno al cuerpo y, específicamente, a la experiencia de las mujeres, abordando la violencia de género y la libertad de expresión desde una perspectiva crítica. Para ello ha llegado a utilizar materiales como hierro combinado con papel o látex, pero en la actualidad se concentra en el alambre entrelazado, con el que construye volúmenes permeables que exploran el vacío, la piel y el gesto. Las piezas se articulan como mallas tensas donde la forma emerge del trenzado paciente, subrayando la ambigüedad entre fragilidad y fuerza.

Por último, otra de las artistas cuya obra transita por problemáticas de la sociedad es la chilena afincada en Navarra Nery Adriana Pradenas (Santiago de Chile, 1978), cuya obra aborda tabúes y zonas incómodas de la experiencia: muerte, sexo, vejez, soledad o aquello “que no debe nombrarse”, para cuestionar las creencias que sostienen una falsa normalidad. Trabaja con técnicas y materiales diversos, priorizando soportes reciclados por su carga simbólica y su cercanía a lo cotidiano y propone piezas que invitan a mirar de frente lo que solemos ocultar.

“Las artistas de Asociación E3 Euskal Emakume Eskultoreak Elkartea a través de sus diferentes narrativas y temáticas utilizan la crítica y la reflexión como herramientas imprescindibles para comprender este complejo mundo en el que nos ha tocado vivir y utilizar el arte como un medio de conocimiento con el vínculo imprescindible del feminismo. Afrontan también los retos que ya acechan en el uso de la Inteligencia artificial (IA) y lo abordan desde la perspectiva de la oportunidad, como herramienta válida y no como sustituto en el proceso escultórico para generar ideas, prototipos, bocetos, siendo siempre imprescindible la sensibilidad, la intención, el objetivo y la importancia de la autoría como base fundamental de los códigos de las buenas prácticas y de la ética”, reconocen desde la asociación, quienes insisten en que las artistas tienen mucho que aportar: “Imaginarios y discursos renovados, nuevas formas y narrativas que redefinan la historia del arte como creadoras, pensadoras y protagonistas”, concluyen.

La exposición contará con visitas guiadas, (dos visitas abiertas a la ciudadanía y otras tres a colectivos como estudiantes de Bachillerato artístico, Lantegi Batuak y asociación de mujeres gitanas AMUGE); y, por otro, conferencias (en la sala anexa), que aspiran a generar diálogo, abrir preguntas y a empoderar a las mujeres escultoras desde la creación compartida. Las visitas guiadas abiertas al público serán el próximo viernes, 6 de marzo las 17:00 horas en euskera y el próximo martes, 10 de marzo a las 18.00 horas en castellano. Las inscripciones estarán disponibles a través de la web del Museo Encartaciones.

Las conferencias tendrán lugar durante los tres últimos viernes de marzo. El 13 de marzo, a las 18.00 horas será el turno de María José Aranzasti, comisaria e historiadora de arte; el 20 de marzo se llevará a cabo una mesa redonda de escultoras vascas con Dora Salazar, Elena Mendizabal y Mabi Revuelta; y, por último, el 27 de marzo la atropóloga feminista del arte Lourdes Méndez protagonizará un coloquio-debate.

'Piedra de Rayo' dedica su nuevo número al compromiso vital y artístico de Dalmati- Narvaiza. La revista presenta este lunes el nuevo número en el Centro Fundación Caja Rioja Gran Vía (Gran Vía 2, Logroño), a las 19,30 horas. Un monográfico dedicado a homenajear a esta pareja de artistas nacidos en Chile pero de espíritu y corazón riojanos.

La publicación desvela la faceta menos conocida de su prolífica obra y muy vinculada a la memoria histórica y la presentación correrá a cargo del historiador Carlos Muntión, el periodista José María Lander, la fotógrafa Clara Larrea y el profesor de diseño José M.ª Lema.

Los contenidos de la revista arrancan con un extenso reportaje biográfico, fruto de la última entrevista que concedió a un periodista Alejandro Narvaiza pocos meses antes de su fallecimiento en noviembre de 2024. El texto plasma el recorrido de dos vidas paralelas afines que se juntaron para no separarse jamás. Esta doble semblanza se hila a través de numerosas fotografías de esculturas, cuadros y bocetos que se guardan en el estudio-taller donde trabajaron tío y sobrino durante varias décadas en el centro de Logroño. Es la primera vez que algunas de ellas se contemplan fuera de este espacio de trabajo.

La segunda parte es un trabajo de investigación histórica que permite explicar cómo la obra de estos artistas, fuertemente impregnadas de compromiso social, no puede entenderse sin conocer la terrible experiencia vital de Dalmati encarcelado en el año 1936 en la Prisión Provincial y su posterior exilio en Chile. Como primicia, la revista saca a la luz el papel fundamental que, en aquel contexto histórico, jugaron dos oscuros personajes, Enrique Paúl y Almarza, escritor que le acompañó en sus primeros pasos de su carrera profesional, y el jesuita Enrique Ascunce que libró a Dalmati de acabar en una fosa común.

Con la publicación de esta revista, 'Piedra de Rayo' alcanza ya el número 57. Lleva andado un largo camino de 26 años divulgando la historia, la etnografía y la antropología de La Rioja y enriqueciendo la cultura riojana con novedosas aportaciones. A pesar del paso del tiempo, este proyecto editorial mantiene su idiosincrasia original: sigue siendo una iniciativa a contracorriente, con una idea combativa de entender la cultura.

El Puerto de Málaga ha paralizado la colocación de las polémicas esculturas de bronce de Venus y Neptuno en su zona noble, la que da acceso al recinto. La decisión la ha comunicado Carlos Rubio durante el Consejo de Administración de este jueves. El proyecto ha generado controversia en la ciudad por la conveniencia de la ubicación (junto al Centro Histórico, Bien de Interés Cultural), la opacidad con la que se tramitó (sin control municipal, sin debate en el Consejo y sin conocimiento ciudadano) y las propias cualidades estáticas de las obras, calificadas por la Academia de Bellas Artes de San Telmo como “grandilocuentes” y “propias del Universo Marvel”.

La Autoridad Portuaria, que tenía previsto inaugurarlas a finales de febrero, hace ahora un alto para debatir un asunto en un consejo monográfico que aún no tiene fecha, según ha confirmado una portavoz oficial del Puerto. En la reunión del Consejo de hoy estaba prevista una simple dación de cuentas verbal, sin posibilidad de debate ni voto. Allí Rubio ha defendido que el proyecto está bien tramitado, “tanto desde el punto de vista jurídico como administrativo”, pero ha reconocido que la controversia de las últimas semanas aconseja un debate y que los consejeros puedan votar.

La decisión llega después de que Con Málaga (IU + Podemos) haya interpuesto una denuncia ante el Ayuntamiento, la Delegación de Cultura de la Junta de Andalucía y Puertos del Estado. El grupo municipal de izquierdas cree que podría haberse cedido el dominio público portuario de forma irregular, eludiendo el régimen legal de concesiones. Apunta a una desviación de poder, a la posible vulneración de la Ley de Patrimonio Histórico y recuerda que la instalación de las esculturas en una zona tan preferente ni siquiera cuenta con una licencia urbanística municipal.

Además, el vocal de UGT en el Consejo de Administración ha pedido un informe jurídico Puertos del Estado.

Este medio desveló ayer que el Puerto aportó datos erróneos del peso de las figuras a los técnicos que evaluaron si las columnas aguantarían: en lugar de seis toneladas, los ingenieros elaboraron su informe contando con que pesaban 2,5, menos de la mitad. Incluso con ese peso incorrecto determinaron que no era viable, pero esa información errónea pudo tener efectos graves sobre la seguridad de la instalación y de los propios viandantes.

Según UGT, el Presidente ha explicado este jueves a los consejeros que los datos facilitados a CEMOSA eran “los disponibles en aquel momento”. Sin embargo, meses antes Cadena Ser ya había anunciado el proyecto con el peso de seis toneladas y los primeros borradores del contrato de cesión con fecha 2024 sí contienen el peso correcto.

Una tramitación casi desconocida

De la idea de colocar a la entrada del Puerto cuatro imponentes esculturas (Venus con un sol -5 metros de altura y 1,9 toneladas-; Neptuno con red de pesca -7,5 metros y 2,25 toneladas; y dos leones, de 1,85 metros y 750 kilos cada uno-), concebida en 2021 por el artista ceutí Ginés Serrán, apenas se supo nada hasta que los operarios comenzaron a instalar dos inmensos pedestales, a comienzos de 2026. La Academia de Bellas Artes de San Telmo dio entonces la voz de alarma, y calificó con duras palabras la idea de Serrán, lo que encendió la llama de un debate estético: de un lado, el escultor a un lado apuntando a las atalayas culturales de los académicos; de otro, estos cuestionando el supuesto bagaje de Serrán.

La cuestión va más allá, y afecta al ámbito de decisiones de evidente impacto material y simbólico, poniendo en cuestión quién y cómo decide sobre el espacio público. Fue el Presidente del Puerto, Carlos Rubio, quien recibió la idea de Pagán en 2021 de una manera casual.

La idea fue tomando forma durante varios años, pero Rubio no la llevó al Consejo hasta julio de 2025, donde se aprobó sin debate la fórmula jurídica (comodato), sin aclarar la ubicación y sin avisar que se habían modificado documentos entregados con anterioridad. Tampoco se informó del contrato de obras para construcción de basamentos de hormigón armado, cimentación profunda y anclajes estructurales de las cuatro estatuas, por importe de 69.801,45 euros.

La supuesta limitación temporal (pasando de los 25 años de ocupación de suelo público a seis meses) no calmó a los críticos, que no se fían de que esas imponentes estructuras se vayan a desmontar luego, por motivos operativos y también jurídicos. Además, en las últimas semanas se han conocido más detalles que cuestionan el proceso.

“No es un escaparate personal”

UGT, que ha sido muy crítica con el proyecto porque “nunca se debatió ni se votó de forma clara”, había solicitado reiteradamente que el tema se incluyera en el orden del día con debate y votación, pero el Presidente lo había rechazado hasta hoy. Según el sindicato, Rubio ha rectificado y ha anunciado hoy que no se instalaran las estatuas “hasta que el Consejo no adopte la decisión”. 

UGT ha celebrado la paralización como una primera victoria, un “cambio de rumbo necesario”, porque de una dación de cuentas se pasa a un consejo monográfico cuando estén disponibles los informes jurídicos de Puertos del Estado, que deberán valorar la fórmula (concesión mediante concurso o no), el tipo de contrato (por ahora, un comodato), la duración, la pertinencia de colocar ahí las estatuas o la necesidad de que el Ayuntamiento conceda licencia o no, entre otras cuestiones.

En una nota de prensa, el sindicato pide que el Pleno monográfico incluya una votación sobre el proyecto, previa remisión de toda la documentación a los consejeros con antelación suficiente. “El Puerto de Málaga es una infraestructura estratégica. En pleno centro de la ciudad. No es un escaparate personal para estatuas recicladas”, concluye esa nota.

La escultura de Óscar Cenzano de la Plaza de la Constitución de Calahorra, titulada Liberpaz realizada entre 1982 y 1983, ha sido retirada para la ejecución de las obras de reurbanización. Sin embargo, la obra de arte ha sufrido daños en las manos por las vibraciones de la maquinaria y ha pasado la noche tirada entre los escombros “arrancada a cuajo de su pedestal, con las manos de la escultura desaparecidas y el torso tirado en el suelo”, según ha denunciado el PSOE.

En concreto, el partido de la oposición ha criticado la situación con una foto de la situación de la escultura y ha señalado que “refleja por sí sola a la perfección el interés de este ayuntamiento, por el patrimonio cultural y natural de la ciudad”. Han tachado esta actuación de “abandono y falta de interés” y han exigido a la alcaldesa que se retira de forma inmediata la escultura del lugar de las obras y se traslade de forma urgente al taller de restauración.

Desde el Ayuntamiento de Calahorra han respondido que la escultura ya se ha trasladado a un “local seguro” . En un comunicado, han lamentado los daños ocasionados a la escultura de Óscar Cenzano y subrayan que “en todo momento se ha actuado conforme a la planificación prevista en la reurbanización de la plaza de la Constitución”.

Desde el Ayuntamiento, han confirmado la rotura de las manos por las “vibraciones provocadas por la maquinaria utilizada para levantar el pavimento de la plaza” y han explicado que tras detectarse el daño se informó al autor para que valorara la intervención más adecuada. Entre las posibles soluciones analizadas por los técnicos municipales, el escultor y representantes de la empresa adjudicataria de las obras, Excavaciones Fermín Osés, se contemplaron la reproducción de las manos mediante tecnología 3D, su posterior reintegración a la pieza y el pintado integral de la escultura con el fin de homogeneizar el acabado y disimular la reparación.

Prefiero su retirada a que esté mal representada

Óscar Cenzano — Escultor y autor de 'Liberpaz'

No obstante, el artista riojano ha manifestado que no realizaría ninguna de las propuestas porque ha asegurado no parecerle “estéticas ni artísticas”. Y ha añadido: “Sentiría mucho que la escultura se perdiera, pues es mi primer trabajo expuesto en un espacio público, pero prefiero su retirada a que esté mal representada”.

Durante las labores de desmontaje de ‘Liberpaz’ ha sido necesario romper la peana de hormigón sobre la que se asentaba la obra para proceder a su retirada y custodia, mientras continúan los trabajos de reurbanización, circunstancia que ha ocasionado un nuevo desperfecto. Asimismo, el consitorio ha informado de que la semana que viene hay convocada una nueva reunión con el escultor Óscar Cenzano para valorar el estado de ‘Liberpaz’ y su futuro.

El presidente del Puerto de Málaga, Carlos Rubio, llevó al Consejo de Administración del pasado mes de abril la propuesta para colocar cuatro esculturas de varias toneladas de peso sobre las columnas a la entrada del recinto portuario a pesar de que ya contaba con un estudio de capacidad que desaconsejaba su instalación, atendiendo al riesgo de que la estructura no soportase las figuras. Rubio no informó a los consejeros de la existencia del informe, pero el vocal de UGT (que desconocía el informe) preguntó si se había valorado bien el riesgo de colapso, y el Presidente retiró sobre la marcha ese punto del orden del día sin explicar por qué. Ahora señala que “era necesario incluir una documentación administrativa complementaria”.

La propuesta se aprobó tres meses después: está previsto que el conjunto escultórico “Las columnas del mar”, de Ginés Serrán, quede instalado sobre nuevos pedestales (no sobre las columnas) en las próximas semanas. El asunto volverá al Consejo este próximo jueves, pero no como punto del orden del día, sino como dación de cuentas del avance de las obras y de la fecha probable de inauguración de las cuatro esculturas de bronce: un Neptuno con una red de pesca (2,5 toneladas de peso y 7,5 metros de altura); una Venus con un sol (1,9 toneladas y 5 metros) y dos leones (750 kilogramos cada una y 2,5 metros).

Los documentos a los que ha tenido acceso este periódico acreditan que el proyecto siguió una tramitación singular en la que se obviaron datos relevantes que podían comprometer la seguridad del conjunto.

Un proyecto “no viable” por razones de seguridad

El origen de esta idea está en 2021. El artista ya explicó a elDiario.es que se le ocurrió colocar allí sus obras cuando vio las columnas vacías, mientras esperaba una reunión con Rubio. Este le compró la idea, sin informar a nadie, y él fue trabajando. En enero de 2024 apareció la primera referencia, en Málaga Hoy: “Ginés Serrán ofrece al puerto el mayor grupo escultórico en bronce de España”. En ese artículo se cuenta que medirán unos 21 metros, incluyendo la altura de las columnas. Al día siguiente (31 de enero de 2024), Cadena Ser anunció el estreno para ese verano de 2024, cuantificando por primera vez el peso del conjunto: seis toneladas.

Simultáneamente, la Autoridad Portuaria había encargado un “estudio de capacidad” de las cuatro columnas sin coronar para determinar si podrían soportar el peso. Sin embargo, el “peticionario” (la Autoridad Portuaria) entregó a la empresa de ingeniería (Cemosa) datos de un peso muy inferior: 750 kilos cada una de los dioses romanos y 500 cada uno de los leones, incluyendo todas ellas su base. En total, 2,5 toneladas. El peso real total de las figuras era más del doble, según los anuncios en la prensa de entonces, los borradores de contrato que ya se manejaban y la certificación reciente del propio artista: 5,9 toneladas (2,25 + 1,9 + 0,75 + 0,75), a las que habría que añadir el peso de los pedestales. Esta disparidad entre los datos de los que partió el estudio y la realidad convertía el informe en papel mojado, con implicaciones para la seguridad.

La Autoridad Portuaria asegura que el peso rebajado (2,5 toneladas) parte de unos “datos estimativos” aportados por el artista en abril de 2024, cuando Venus y Neptuno estaban aún en fase de ejecución. Sin embargo, tres meses antes la Cadena Ser ya había revelado de que el peso rondaría las seis toneladas, tras hablar con el propio artista.

Pese a realizarse con datos que rebajaban el peso real, el informe (de 21 de noviembre de 2024) tampoco dio el visto bueno. Su conclusión es que los pilares de hormigón armado de las estructuras soportaban “en condiciones de seguridad adecuadas” la colocación de pedestales y estatuas en su coronación, pero que tenían un recrecido de 35 centímetros “no apto” para soportar la carga que habría que demoler para completar la operación.

El 7 de abril de 2025 el mismo estudio emitió una adenda para completar el análisis. Y ahí la conclusión ya fue tajante: no se pueden colocar las estatuas ni retirando el recrecido. “No es viable el apoyo de las estatuas sobre el zócalo superior de coronación de las columnas al no presentar las losas de éste capacidad resistente adecuada”.

Pese a ello, el asunto se incluyó en el orden del día para el 30 de abril y el Puerto remitió a los consejeros documentación que indicaba que las estatuas se colocarían “en cada una de las cuatro columnas situadas a la entrada del Puerto de Málaga o en otro lugar (…) de común acuerdo”. El punto del orden del día fue retirado sin más explicación ya comenzada la reunión del Consejo, después de que Justiniano Sen, vocal de UGT, preguntara por la estabilidad de las columnas. Según dice ahora la Autoridad Portuaria, había que aportar documentación extra.

Tres meses después, en julio, se aprueba al fin la cesión de las obras en comodato al Puerto sin aclarar que las estatuas se colocarán, finalmente, en unos nuevos pedestales y no en las columnas.

El estudio encargado para conocer si las columnas soportarían las estatuas, y al que el Puerto aportó datos erróneos, costó 10.660 euros.

Unas obras polémicas y una tramitación opaca

El proyecto ha levantado una intensa polémica en la ciudad. El escultor no se lo explica, cree que todo es por envidia, e insiste en que es gratis. Aunque planteó su idea a Rubio en 2021, pocos se habían enterado hasta que se vislumbraron los grandes pedestales hace un mes. La Academia de Bellas Artes de San Telmo alertó contra unas figuras de un “pseudo-neoclasicismo pretencioso y grandilocuente”, “más propias del Universo Marvel”, en un espacio preeminente de la ciudad que linda con el Centro Histórico (declarado Bien de Interés Cultural -BIC-).

La obra de Serrán causa escepticismo en algunos círculos culturales de la ciudad. Serrán dice trabajar las esculturas de bronce más grandes del mundo y tiene ideas ambiciosas, como el proyecto Ginés Serrán-Pagán Art Museum en Toyama (Japón), cuya realización este medio no ha podido constatar. Su gran obra es El Emperador, un conjunto de siete esculturas neoclásicas sobre un arco de 20 metros de altura situado a la entrada de Arcovia City, un desarrollo metropolitano de Manila, la capital filipina.

El debate en Málaga no es sólo (ni principalmente) estético, sino de gobernanza y modelo de ciudad. La aprobación de una actuación de gran impacto paisajístico y simbólico se ha tramitado al margen del Ayuntamiento, porque se trata de suelo portuario. Sin embargo, la noria sí requirió licencia municipal, precisamente por situarse en el entorno inmediato al ámbito delimitado BIC. Tampoco ha sido transparente la tramitación en el Puerto. Rubio insiste en que se aprobó por unanimidad, pero varios miembros del Consejo de Administración no asistieron aquel día (la abogada del Estado, la delegada de la Junta de Andalucía) o se ausentaron (el subdelegado del Gobierno).

En aquella reunión tampoco hubo información oral ni debate alguno de la actuación, ni se aclaró de la ubicación final de las obras. Sí se aportó una opinión del asesor jurídico del Puerto para justificar que, para no pagar impuestos, se optase por el comodato en lugar de la donación, que había recomendado Puertos del Estado.

Desde abril de 2025 a julio el contrato de comodato se modificó en al menos dos puntos, sin que se advirtiera a los consejeros. El primero, el comodante, que pasó de ser una fundación de Ginés Serrán en el primer borrador al propio artista, en el contrato definitivo. El segundo, en quién se haría cargo de las obras para colocar las estatuas: acabó siendo el Puerto, que convocó un concurso y adjudicó la instalación por algo más de 69.000 euros.

Sumados a los 10.000 del informe, la colocación del conjunto Las Columnas del Mar ha costado al menos 80.000 euros de dinero público. La supuesta intención del Puerto, consensuada con el Ayuntamiento, es colocarlas a la entrada durante seis meses y luego trasladarlas a un “lugar más idóneo”, pero el artista ya ha declarado que en ese tiempo el público podrá juzgarlas, dejando abierta la puerta a su continuidad. Hay dudas de que, una vez allí, el Puerto pueda unilateralmente retirarlas a otro lugar sin que medien razones técnicas, de seguridad o de operativa portuaria.