Uno de los grandes rostros de la pequeña y gran pantalla española está cerca de tener un homenaje póstumo en Madrid. El concejal presidente de Fuencarral-El Pardo, José Antonio Martínez Páramo, ha avanzado la proposición que lleva al próximo pleno del distrito para que el centro municipal de mayores de Mirasierra pase a denominarse Gemma Cuervo.

La moción, adelantada por Europa Press, llegará al pleno distrital de este miércoles 8 de abril, después de que la actriz falleciera en Madrid el pasado 14 de marzo a los 91 años. La intérprete, madre de Cayetana, Fernando y Natalia Guillén Cuervo, nació en Barcelona en 1934 y dejó a sus espaldas una extensa carrera en teatro, cine y televisión. Su vida y su carrera estuvieron siempre ligadas a la capital, sobre todo desde la década de los sesenta.

Su personaje más recordado es la inolvidable Vicenta de Aquí no hay quien viva, la exitosa comedia que seguía a los vecinos de Desengaño, 21 (una vía real en el centro de la ciudad). Su último papel teatral fue en La Celestina, en 2011. En total apareció en más de un centenar de obras de teatro, una treintena de series de televisión y más de 60 películas. En estas últimas encarnó también grandes roles, como el que dejó en la obra maestra de Fernando Fernán Gómez El mundo sigue (1965).

Ubicado en el número 59 de la calle de Marbella, el centro de mayores de Mirasierra fue inaugurado el 31 de enero de 2025, después de una inversión de 6,5 millones por parte del área de Obras del Ayuntamiento. A ella se sumaron otros 360.000 de la Junta del distrito de Fuencarral-El Pardo. Se trata de la primera instalación de estas características en un barrio con casi 37.000 habitantes.

El equipo de José Luis Martínez-Almeida emprende así este reconocimiento a la figura de Cuevo con gran celeridad. Una rapidez mayor a la de casos previos como el de la también actriz Marisa Paredes, muy significada en la lucha contra el Consistorio a tenor de las talas en la plaza de Santa Ana (junto a la cual nació). De hecho, aunque el Ejecutivo de Almeida ha otorgado algunos homenajes a Paredes, el Partido Popular y Vox tumbaron en Cibeles la propuesta de Más Madrid para dar su nombre a un centro cultural del distrito Centro.

Lisa Kudrow es un rostro querido por millones de personas debido a su papel de Phoebe Buffay en la icónica serie ‘Friends’, lo que la ha hecho mundialmente conocida por diferentes generaciones. Recientemente se hizo viral por las reflexiones que hizo respecto a su carrera en Hollywood, en la que también admitió que hubo errores.

En el Club Random Podcast, conducido por Bill Maher, la actriz de ‘Friends’ relató la que considera su peor audición y el error más torpe que cometió cuando comenzaba en el mundo de la interpretación, los que ve como dos momentos que influyeron en su carrera profesional.

Los dos momentos más humillantes en la carrera de Lisa Kudrow

Así, Lisa Kudrow contó los dos momentos que para ella resultaron más determinantes a nivel negativo en su trayectoria, aunque también le valieron para su desarrollo. Uno de ellos fue el de la que considera su audición más incómoda, que tuvo lugar cuando postuló al elenco de la serie ‘The Larry Sanders Show’.

En el mencionado podcast, la actriz de Friends contó cómo le ofrecieron una prueba para interpretar el personaje que finalmente interpretaría Janeane Garofalo: “Me emocioné mucho cuando Gary Shandling, creador de la serie, me propuso leer juntos la escena, y yo solo atiné a decir: ‘Ah, ok. No lo leo sola, perfecto.’”

Después de esto, Kudrow contó como el ambiente resultó desconcertante y no logró generar complicidad, algo de lo que salió convencida: “Recuerdo a Gary asomándose por la puerta, con cara de susto, solo para decir: ‘Llamaremos. En serio, llamaremos.’ En ese momento entendí que de verdad no había logrado conectar”, confesó.

A la actriz de ‘Friends’ le impactó también el error que cometió cuando comenzaba en Hollywood, al emitir un juicio que no tocaba sobre un guion sin saber que estaba escrito por los que tenía delante de ella. “Cuando empecé, no sabía que los productores también eran los guionistas, así que en una lectura de guion dije ‘¿Quién escribió esto?’, sin considerar que quienes me escuchaban eran justamente los autores”, contó entre risas en el podcast.

Lisa Kudrow enfatizo que esto suele suceder “cuando eres joven y no entiendes los roles en la industria”, pero que su error la llevó a asumir la dificultad de identificar responsabilidades en una producción y la necesidad de tiempo para saber quién verdaderamente toma las decisiones en una sala. “A veces siento que puedes casi arruinar tu futuro por una frase fuera de lugar”, concluyó.

No le importa que la recuerden por Phoebe

Recientemente, la actriz también se hico viral debido a que en una entrevista en la CBS admitió no tener ningún problema en que la recuerden por el personaje de Phoebe Buffay en ‘Friends’, porque nunca sintió la necesidad de distanciarse de la serie.

“Friends me lo dio todo”, admitía. “Si todo lo que conoces de mí es eso, está bien”, a la vez que también reconoció estar sorprendida por como la serie conecta con nuevas generaciones, pero que entiende que puede funcionar como “una especie de refugio, una conexión emocional que ayuda a combatir la soledad”.

Malena Alterio y Carmen Ruiz protagonizan la versión española de La vida extraordinaria, de Mariano Tenconi. Una obra que aborda la vida de dos amigas en un teatro de gran carga literaria y actoral. A pesar de la entrega de las dos actrices, que en ciertos momentos brillan y se lucen, de un buen texto y de una cuidada producción, la obra no llega a explotar. Esta vez, el ida y vuelta entre el teatro argentino y español, tan transitado y exitoso en otras ocasiones, no se dio. 

Mariano Tenconi maravilló a propios y extraños hace dos años con Cautiva. Una pieza bien “localista”, pero que volaba alto con dos grandes actrices porteñas, Lorena Vega y Laura Paredes. Un trabajo que instaba a seguir conociendo el teatro de Tenconi. La vida extraordinaria era la oportunidad perfecta. Se estrenó primero en Avilés, y ahora ha llegado los Teatros del Canal de Madrid. Se trata de la versión española de un trabajo anterior a Cautiva que, si bien se estrenó hace 8 años, hoy sigue en cartel en Buenos Aires. El montaje argentino supuso uno de los éxitos más sonoros del teatro porteño de los últimos tiempos.

La obra cuenta la vida de dos amigas, desde su infancia hasta su muerte. Tenconi crea un universo propio para Aurora Alonso (Malena Alterio) y Blanca Sancho (Carmen Ruiz). Literalmente. La obra comienza con la creación del mundo y acaba con la destrucción de La Tierra. Entre medias, veremos cómo estas dos mujeres crecen, descubren y desean por primera vez, ven morir a sus seres queridos, engañan y son engañadas, fracasan y se levantan. Es decir, viven. 

La vida extraordinaria está dividida en dos partes y un epílogo. La primera parte es la infancia y la juventud, el descubrimiento del deseo y de la muerte. La segunda es la llegada de la madurez, la rutina, el fracaso y el desengaño. Sus vidas podrían ser las nuestras, donde todo es común, pero a la vez asombroso: el primer orgasmo, el primer hijo, la muerte de un padre… Un periplo para el que Tenconi despliega un amplio juego de géneros literarios y teatrales. Desde el melodrama hasta el folletín. Desde el género epistolar al modo de Manuel Puig a la poesía que unas veces suena a Borges y otras a Copi, como en el delirante poema en que Blanca se introduce el mundo por la vagina. 

Tenconi consigue establecer un diálogo entre ficción y realidad bien atrayente, una reflexión profunda de que la vida es también cómo nos la contamos, de que relato y realidad van siempre de la mano, que son indivisibles. El público empatiza con esas dos mujeres, con esas dos vidas tan reconocibles, tan normales como extraordinarias. Todo está contado con sensibilidad, con humor, siempre con amor hacia esos dos personajes zarandeados que aunque la vida las aleje no dejan de apoyarse la una en la otra. 

Para el viaje propuesto ambas actrices deben desplegar una infinidad de registros. Pasan del humor de vodevil al drama sentido, de la palabra poética al diálogo trepidante, de lo narrativo a la farsa. Alterio y Ruiz se entregan y en ciertos momentos brillan, como en el diario íntimo de Aurora donde Alterio consigue coronar un in crescendo monumental nada fácil actoralmente. Pero en otros momentos el asunto no funciona y se vislumbra una distancia entre lo propuesto y lo que pasa en escena. 

Y es que en ocasiones, cuando se traen creaciones del otro lado del Atlántico, por el camino se van perdiendo flecos que vacían en exceso. El problema no radica en la adaptación que se ha hecho para España. Los dos personajes ya no viven en el fin del mundo, una de las últimas poblaciones al sur de Argentina, Ushuaia. Buenos Aires es sustituida por Madrid. Los nombres de las protagonistas pasan de remitir a dos de los personajes fundacionales de la literatura argentina (Fierro y Cruz de Martín Fierro), a los del Quijote de Cervantes (Sancho y Alonso). Pero esas traslaciones dan igual. Es más, ni suman ni restan. Son otros fardos los que se pierden por el camino. 

La operación para trasladar la obra ha sido realizada por una histórica de ese transitar entre Argentina y España, Ana Jelín de Producciones Teatrales Contemporáneas. Veterana y responsable de otras idas y venidas como las de Claudio Tolcachir y Daniel Veronese. La producción está cuidada: dos buenas actrices, la musicalización con Jorge Naveros al piano y Diana Valencia al violín, y la voz de Alicia Borrachero que en off nos cuenta el origen del mundo (en la versión argentina era Cecilia Roth). 

Pero el tropiezo del proyecto está en las cualidades de la interpretación. Argentina y España a nivel interpretativo no están tan alejadas como hace 20 años. La influencia de Argentina en la actuación española gracias a figuras como Daulte, Veronese, Tolcachir, Messiez u Orazi, ha sido extensa y profunda. Pero sigue habiendo distancias que no se pueden transitar tan fácil y menos en este proyecto que Tenconi escribió ya pensando en dos grandes actrices de allá: Valeria Lois y Lorena Vega. 

Tenconi reunió en 2018 para esta obra a dos de las grandes actrices de su generación, dos actrices que si ahora son bien conocidas y queridas por el público, comenzaron juntas creando una compañía independiente del off bonaerense, Grupo Sanguíneo. Ese volver a estar juntas en un escenario estaba lleno de significados. Era ya en sí una fiesta y una reivindicación: la capacidad de juego, el saber estar y no estar en el personaje al mismo tiempo… Verlas actuar era estar viendo buena parte de la historia de la actuación del teatro argentino de los últimos lustros. 

No se trata de que allá sean mejores que acá ni viceversa, sino de modos disímiles de hacer y entender. En la actuación, la transmisión entre actores a lo largo de los lustros es un río subterráneo que va construyendo la escena. Y en este proyecto esto era fundamental. Eso en la versión española se pierde y en ocasiones vemos a dos actrices que no llegan a lo que la escritura dramática está proponiendo. 

El problema es la demasiado usual concepción del teatro a través de las figuras del Director y el Autor. Una concepción muy siglo XX y que en este caso lastra. No es la primera vez que esto ocurre. En España a lo largo de los años se han dado estrenos de compañías argentinas que han percutido muy fuerte en nuestra realidad escénica. Los ejemplos son muy numerosos: La escala humana de Tantanian, Daulte y Spregelburd en el 2001, La muerte de Margarite Duras con Pavlovsky dirigido por Veronese en 2002, Un hombre que se ahoga o Espía a una mujer que se mata del propio Veronese en 2007, La omisión de la familia Coleman de Tolcachir, o las pocas veces que hemos podido ver el gran teatro de Ricardo Bartís…

Todos ellos estrenos que pudieron venir a España con su elenco original. Muchos se acuerdan, por ejemplo, del estreno de Veronese de Mujeres soñaron caballos en España, pero ¿quién se recuerda la versión española que se montó en el Centro Dramático Nacional de la misma obra? Y eso que contaba con Ginés García Millán y Blanca Portillo. 

Estas operaciones a veces consiguen tomar suelo, como la versión española que se hizo de Emilia, de Claudio Tolcachir en la que estaba la propia Alterio. Pero, lamentablemente, intentar “remontar” con nuevos elencos un teatro muy anclado en la investigación actoral y que conlleva procesos de investigación largos es una operación que a veces está condenada a acabar en sucedáneo. Y en La vida extraordinaria, a pesar de sus virtudes, esa distancia es demasiado patente. 

Hace 45 años era la canción más famosa y la que sonaba sin parar. En 1981 se publicó “Bette Davis Eyes” y permaneció un total de nueve semanas en el número 1 de la lista Billboard, siendo una de las más vendidas de ese año y también de la década, llevándose además dos premios Grammy a Canción del Año y Grabación del Año.

La canción se hizo famosa como single de Kim Carnes, de su álbum “Mistaken Identity”, que también fue número uno y vendió más de ocho millones de copias. El tema estaría así hasta 20 semanas en el top 40, conociendo un éxito que se le resistió en sus comienzos y que tendría el beneplácito de la leyenda de Hollywood que la protagoniza.

En 1981 fue cuando se hizo famosa, pero el tema tenía casi diez años ya, pues había sido compuesta en 1974 y grabada por primera vez en 1975, por la propia compositora Jackie DeShannon, dentro de su disco ‘New Arrangement’. Pero esta apareció cuando Kim Carnes buscaba nuevo material, llevada por otra de sus compositoras, Donna Weiss, y aunque no le gustó en un comienzo, uno de los miembros de su banda la arregló y dándole un toque más contemporáneo funcionó. “En cuanto se le ocurrió eso, todo encajó a la perfección”, aseguraba la artista, que venía de tener experiencia en Hollywood.

La versión que superó a la original

Si bien Kim Carnes la hizo famosa, la canción fue escrita a mediados de 1970 por Jackie DeShannon y Donna Weiss, basado en una mujer intrigante y coqueta a la que se compara con Bette Davis. Jackie se habría inspirado a escribir “Bette Davis Eyes” cuando vio la película “La extraña pasajera” (Now Voyager) de 1942.

Protagonizada por Bette Davis y considerada una de sus mejores interpretaciones, hay una escena que cautivó a DeShannon para escribir el famoso tema. Se trata concretamente de cuando el personaje del actor Paul Henreid se desvive por encenderle un cigarrillo a la actriz al estar prendado de ella.

Contó con la bendición de Bette Davis

Mencionar a una leyenda de Hollywood y alcanzar el éxito en su segunda versión fue ya un paso adelante para la canción, pero si encima contó con la aceptación de la protagonista todavía es mayor el logro. Ella la descubrió a través de sus nietos, pues no consumía ni radio ni MTV, y escribió una carta a las compositoras agradeciendo que esto la hiciera “parte de los tiempos modernos”.

Un hecho que no solo fue contado por DeShannon y Weiss, sino que se relata y confirma también en la I'd Love to Kiss You…Conversations with Bette Davis, biografia de la actriz escrita por Whitney Stine.

Pocos años después, ocho en concreto, moría Bette Davis a los 81 años en 1989. Su última aparición pública fue un mes antes en el Festival de Cine de San Sebastián, donde recibió el prestigioso Premio Donostia, y ya se pudo apreciar su deterioro físico, aunque sin perder ápice de su carisma.

Davis fue una de las actrices más destacadas del Hollywood clásico, siendo un referente en la interpretación y que llegó a trabajar en más de cien películas. En su haber tiene dos premios Óscars, donde fue nominada cinco ediciones consecutivas, de 1938 a 1942. Entre sus títulos destacados figuran “Jezebel”, “Eva al Desnudo” (All About Eve) o “¿Qué fue de Baby Jane?”.

La película 'Este cuerpo mío', codirigida y coprotagonizada por Afioco Gnecco y Carolina Yuste, abrirá la undécima edición del Festival de Cine LGTBI del Centro Niemeyer de Avilés que se celebrará entre los días 9 y 19 de abril. La conocida como Villa del Adelantado tendrá la primicia de su estreno en Asturias, tras su presentación en festivales como Seminci el año pasado, y en este primer trimestre del año 2026 en el Festival de Málaga y el D'A Film Festival de Barcelona.

A lo largo de once días se exhibirán más de una veintena de títulos nacionales e internacionales. Un certamen que permite ver con otra mirada la diversidad. Es la peculiaridad que caracteriza a este festival que va creciendo, año tras año, y donde además de disfrutar del entretenimiento de la película se invita a reflexionar sobre la temática que plantea.

La programación cinematográfica se complementará con otras actividades entre las que destacan mesas redondas, espectáculos musicales y una exposición.

'Este cuerpo mío'

El festival arrancará el próximo 9 de abril con la película 'Este cuerpo mío' (2025) que además formará parte de la sección competitiva. El film se proyectará a las ocho de la tarde, en la Sala Cine Fran Gayo del Centro Niemeyer y contará con la presencia de Afioco Gnecco, codirector del documental.

La actriz Carolina Yuste documenta el proceso de transición de su amigo Afioco Gnecco con absoluta honestidad, sin eludir las contradicciones que atraviesan este camino. La amistad se entrelaza así con una reflexión sobre la identidad y el género en una película inquisitiva y a la vez profundamente cercana, que encuentra también espacio para el humor, según la información adelantada por el Centro Niemeyer a elDiario.es Asturias.

La programación cinematográfica se estructurará en torno a las secciones competitivas de largometrajes 'Panorama' y cortometrajes 'Miradas', con una selección de obras recientes que abordan distintas experiencias, problemáticas y formas de deseo desde miradas contemporáneas y comprometidas con la diversidad.

La imagen del festival

La ilustradora y diseñadora Lorena Poncela es la autora de la imagen de la XI edición del Festival de Cine LGTBI del Centro Niemeyer.

Lorena Poncela (Instagram: @loponcela) estudió Diseño en la Escuela de Arte de Oviedo y es licenciada en Ciencias del Mar por la Universidad de Cádiz. Actualmente trabaja como ilustradora y diseñadora gráfica en Villaviciosa, donde desarrolla también su proyecto personal de ilustración 'Mucho Escayo Studio'. En 2023 recibió el Premio Extraordinario de Enseñanzas Artísticas Profesionales del Principado de Asturias.

El diálogo entre el Niemeyer y el cine

Con esta ilustración, la artista ha querido establecer un diálogo entre la arquitectura del complejo cultural de Avilés y los orígenes del cine: la silueta de la torre se transforma en un zoótropo, uno de los primeros dispositivos de animación, símbolo de movimiento y transformación.

En su interior aparecen escenas cotidianas protagonizadas por personajes, imaginando el festival como un espacio luminoso y dinámico donde cine y diversidad conviven como parte de una misma celebración cultural.

Los comisarios

El comisariado de programación de esta edición corre a cargo de Alaitz Arenzana Letamendi y Pau G. Guillén, directora y coordinador de programación del Festival Zinegoak, respectivamente.

El programa de actividades complementarias ha sido comisariado por Manu Badás, artista, investigador y gestor cultural.

Alaitz Arenzana Letamendi

Es gestora cultural, programadora y artista audiovisual. Es directora de Zinegoak, Festival Internacional de Cine y Artes Escénicas LGTBIQ+ de Bilbao y miembro del comité de selección de ZINEBI, Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao.

Licenciada en Comunicación Audiovisual, ha desarrollado su trayectoria entre el cine, el arte contemporáneo y la programación cultural. Es cofundadora del colectivo artístico 'Sra. Polaroiska', con el que ha presentado proyectos en centros de arte y festivales internacionales.

Pau G. Guillén

Es programador y gestor cultural especializado en festivales de cine. Licenciado en Imagen y Sonido y máster en Gestión Cultural y Escritura de Guion, ha desarrollado gran parte de su trayectoria en la programación y organización de muestras cinematográficas.

Entre 2011 y 2021 fue director del Festival Internacional de Cine y Artes Escénicas LGTBI de Bilbao, Zinegoak, con el que continúa vinculado como coordinador de programación. Actualmente dirige Quartmetratges y Espigol Fest y forma parte del equipo de programación de La Mostra de València – Cinema del Mediterrani.

Manu Badás

Nació en Gijón/Xixón, en 1985. Artista, investigador y gestor cultural. Es editor y fundador de Disbauxa Editorial, se formó en danza en Francia y ha desarrollado una trayectoria internacional como bailarín y creador. Sus obras han recibido reconocimientos como el Premio Oh! al Mejor Espectáculo por 'Folías', el 'Premi del Públic del Territori en Dansa' en Barcelona por 'Muchos Cisnes' y el 'Oxygen for the Future Award' por 'Botánicas Bastardas'.

En el ámbito de la gestión cultural cofundó en 2016 el colectivo 'Meriendas Cuer' junto a Jara Cosculluela, dedicado a la programación artística desde perspectivas feministas y queer. Ha sido también director artístico del 'Muyeres Fest' durante tres años y ha impulsado las primeras jornadas de programación artística en torno al Orgullo LGTBIQ+ del Ayuntamiento de Oviedo.

Este domingo se ha celebrado en Los Ángeles la gala de los Oscar 2026, en la que la española Sirat de Oliver Laxe optaba a dos galardones pero no ha logrado hacerse con ninguno. El gran triunfador de la noche ha sido Paul Thomas Anderson, que ha visto cómo su película Una batalla tras otra se hacía con seis galardones, incluyendo la estatuilla a la mejor película.

Ganadores de los Oscars 2026:

Mejor película

Mejor actor protagonista

Mejor actriz protagonista

Mejor dirección

Mejor actor secundario

Mejor actriz secundaria

Mejor película internacional

Mejor película de animación

Mejor película documental

Mejor montaje

Mejor dirección de fotografía

Mejor guion adaptado

Mejor guion

Mejor maquillaje y peluquería

Mejor canción original

Mejor banda sonora

Mejor diseño de vestuario

Mejor sonido

Mejor diseño de producción

Mejores efectos visuales

Mejor corto de animación

Mejor corto de ficción

Mejor corto documental

Mejor Fotografía

Mejor casting

Cuando la carrera para los Oscar parecía sentenciada, con Paul Thomas Anderson y Una batalla tras otra arrasando en todos y cada uno de los premios, el Sindicato de Actores —el gremio más numeroso de académicos de Hollywood— dio un golpe en la mesa al entregar sus galardones. El premio al Mejor reparto fue para Los pecadores, y el de Mejor actor para Michael B. Jordan para el filme de Ryan Coogler.

Ponía en el foco algo que se venía rumiando desde que el filme sobre vampiros y racismo en la ley seca reventó el récord de nominaciones de los Oscar con 16 (superando a filmes como La La Land o Titanic): quizás la gran favorita para la crítica, la libérrima adaptación de PTA de la novela de Thomas Pynchon, tenía una rival con el que pocos contaban.

El gurú de los Oscar de Variety, Clayton Davis, lleva defendiendo desde entonces la teoría de que Los pecadores vencerá, y en sus apuestas finales la coloca por encima de Una batalla tras otra tanto en película, como en dirección. Esto, unido a unos premios de reparto absolutamente divididos e imprevisibles y el desinfle de Chalamet como actor protagonista hacen que la gala de los Oscar se presente emocionante y con todo por descubrir. Una pena que entre esas sorpresas no parezca encontrarse la de Sirat, que tiene poco que hacer en película internacional, pero que intentará dar la campanada en sonido. Esto es lo que creemos que va a pasar y lo que debería pasar.

Mejor película

Quién ganará y quién debería ganar: Una batalla tras otra

La película de Paul Thomas Anderson es la película del año. Un filme que muestra todo lo que Hollywood es capaz de hacer cuando se le da a un realizador como él los medios para construir una película arriesgada, libre, impredecible y muy divertida. Una batalla tras otra es frenética, destruye los géneros y, encima, habla del momento actual de forma contundente (todo lo contrario a su director, alérgico a discursos políticos). Un filme sobre las revoluciones por venir y el legado que debería ser el elegido por la Academia. Su arrase en todos los premios previos la hace la gran favorita, pero ya hemos visto otras ediciones donde la gran favorita acababa derrotada en el último minuto, ¿se acuerdan de La La Land?

Mejor dirección

Quién ganará y quién debería ganar: Paul Thomas Anderson, por Una batalla tras otra

Incluso aunque Una batalla tras otra no ganara el premio a la Mejor película cuesta ver que PTA no se lleve el de mejor director. Es el momento para que la Academia reconozca el excelente trabajo de uno de los mejores directores de las últimas tres décadas y uno de los cineastas que sigue apostando por historias originales y por un Hollywood que no sucumba a las franquicias.

Mejor actor

Quién ganará: Michael B. Jordan, por Los pecadores

Categoría donde todo puede pasar y donde hace unos meses parecía imposible que perdiera Timothee Chalamet, por Marty Supreme. Sin embargo, la actitud del actor en las entrevistas de prensa, excesivamente altiva y su juventud —todo el mundo da por hecho que ganará el Oscar más pronto que tarde— pueden jugar en su contra y premiar a Michael B. Jordan, el actor negro más popular del momento, y corazón de la película de Ryan Coogler.

Quién debería ganar: Timothee Chalamet, por Marty Supreme.

Es la mejor interpretación de las cinco nominadas, un trabajo descomunal de un actor destinado, si no se pierde, a hacer grandes cosas. Su Marty aparece en casi todos los planos del filme y tiene que encontrar la mezcla exacta de carisma y patetismo para que entiendas que todos caigan rendidos a él sin empatizar del todo ante semejante capullo. 

Mejor actriz

Quién ganará: Jessie Buckley, por Hamnet

El premio más cantado de la noche. Nadie duda que Buckley, una de las mejores actrices del momento, se llevará el premio por su Agnes, madre que sufre el duelo ante la pérdida de uno de sus hijos en la adaptación del libro de Maggie O’Farrell que ha dirigido Chloe Zhao. Es uno de esos papeles hechos para ganar premios, y Buckley lo borda. 

Quién debería ganar: Rose Byrne, por Si pudiera te daría una patada

Aunque la película se pasa de vueltas, el trabajo de Byrne es uno de esos que podrían haber acabado en suicidio y que ella lleva a otro lugar. Hace la película mucho mejor de lo que es, y se entrega al 100% a un papel desagradable y complejísimo. Sería un reconocimiento hermoso para una actriz muy infravalorada que ha sido capaz de levantar comedias con su presencia y que, hasta ahora, parecía que se le había resistido la nominación al Oscar.

Mejor actor de reparto

Quién ganará: Stellan Skarsgaard, por Valor sentimental

Una de esas categorías donde todo está abierto. Skarsgaard ganó el Globo de Oro, pero Sean Penn se llevó el premio del sindicato de actores y el BAFTA. Parecen los dos grandes favoritos, pero el de Skarsgaard es el papel de más peso de todos los nominados y en un trabajo altamente empático y con momentos dramáticos muy potentes. Es el típico papel bombón para los Oscar.

Quién debería ganar: Benicio del Toro, por Una batalla tras otra

El verdadero roba escenas de la película. Cada vez que Benicio del Toro aparece el espectador solo puede fijarse en él. Deja de importarle DiCaprio porque quiere saber más y escuchar a ese sensei latino que ayuda a su comunidad. Un personaje dulce, de esos que parecen sencillos, pero que están llenos de detalles que lo engrandecen. La conjunción perfecta entre un personaje bien escrito y un actor que lo eleva. 

Mejor actriz de reparto

Quién ganará: Teyana Taylor, por Una batalla tras otra

La otra categoría lotería de la noche. Wunmi Mosaku dio la sorpresa en los BAFTA por Los pecadores, Amy Madigan se hizo con el del sindicato de actores por Weapons, y Teyana Taylor logró el Globo de Oro. El poder de un personaje tan carismático e icónico como su Perfidia Beverly Hills (su imagen disparando embarazada es mítica) pueden decantar la balanza por ella.

Quién debería ganar: Inga Ibsdotter Lilleaas, por Valor Sentimental

Ojalá la actriz noruega dé la sorpresa. Sería un premio maravilloso para la gran sorpresa de Valor Sentimental y para la mejor interpretación de su elenco, a la que menos se le ven las costuras y las poses de actor y actriz importante. Lo que logra Trier con ella en su película es increíble. Desde que aparece por primera vez uno desea que no se vaya de la pantalla, y eso teniendo al lado a dos monstruos como Renate Reinsve y Stellan Skarsgaard es muy complicado. 

La porra de Oliver Laxe

La actriz, directora y cantante Barbra Streisand recibirá una Palma de Oro honorífica en la próxima edición del Festival de Cannes, que se celebrará en mayo desde el día 12 hasta el día 23. La artista ganadora del Oscar se une así a otros homenajeados como Agnès Varda, Marco Bellocchio, Jodie Foster, Meryl Streep, Robert De Niro y Tom Cruise.

Streisand recibirá el galardón durante la ceremonia de entrega de premios que tendrá lugar el 23 de mayo. Al igual que ella, también hará lo propio Peter Jackson, aunque él recibirá el reconocimiento en la noche inaugural del festival. “Con orgullo y profunda humildad, me siento honrada de unirme a quienes han recibido la Palma de Oro honorífica, cuyo trabajo me ha inspirado durante mucho tiempo”, ha declarado Barbra Streisand.

“En estos tiempos difíciles, el cine tiene la capacidad de abrirnos el corazón y la mente a historias que reflejan nuestra humanidad compartida y a perspectivas que nos recuerdan tanto nuestra fragilidad como nuestra resiliencia. El cine trasciende fronteras y políticas, y afirma el poder de la imaginación para forjar un mundo más compasivo”, ha señalado la actriz.

Por su parte, Iris Knobloch, presidenta del Festival de Cannes, ha afirmado que este año querían “rendir homenaje a una artista que dejó huella gracias a la fuerza de su arte y su inquebrantable búsqueda de la libertad”. “Como mujer, me complace poder expresar nuestra admiración por esta consumada creadora y valiente ciudadana, cuyo ejemplo perdura a través del tiempo y sigue inspirando”, ha agregado.

El director del festival, Thierry Frémaux, ha añadido que “Barbra Streisand, estrella mundial, es ante todo una artista que impulsa proyectos que reflejan quién es, que le son propios y que comparte con el mundo entero. Es la legendaria síntesis entre Broadway y Hollywood, entre el teatro de variedades y la gran pantalla. Escucharla cantar y verla actuar forma parte de nuestros mejores años”.

Barbra ha destacado a lo largo de su trayectoria por musicales como ¡Hello, Dolly! (1969) y A star is born (1976). También ha participado enc omedias clásicas como y comedias clásicas como The Owl and the Pussycat (1970) o Meet the Fockers (2003) y ha hecho dramas como Nuts o el reconocido The Way We Were.

Este 15 de marzo es la gala de los Premios Oscar 2026 y si hay un galardón que tiene una clara favorita es el de mejor actriz protagonista, que apunta a Jessie Buckley por su papel de Agnes en “Hamnet” de Chloe Zhao, al haberse llevado anteriormente el Globo de Oro, el Critics Choice Award, el BAFTA y el SAG Award.

Mientras el de mejor actor se le podría escapar a Timothee Chalamet, en el caso de actuación femenina, la actriz irlandesa parte como gran favorita, y lo que pocos saben es que su carrera comenzó en un concurso de televisión de la cadena BBC en el que quedó segunda. Este fue el inicio de una trayectoria poco usual en Hollywood y que podría escribir un capítulo más de su historia.

De rechazar el camino fácil para llegar al Oscar

Jessie Buckley nació en Killarney, Irlanda, el 28 de diciembre de 1989, y desde muy temprano comenzó en la actuación, durante el colegio y el instituto, donde interpretó también papeles masculinos para obras como ‘West Side Story’. Es por eso que muy temprano tuvo claro su objetivo, aunque fue rechazada por dos escuelas de teatro antes de que se decantara por audicionar para un nuevo concurso televisivo en la BBC.

Buckley fue seleccionada para participar en el reality show “I’d Do Anything”, un concurso en el que se buscaba la protagonista desconocida para el musical Oliver!, que se representaría en el West End de Londres, en 2008. No fue la ganadora, quedó en segunda posición, lo que le hizo ganarse ser la suplente de la obra, pero la actriz rechazó este premio porque tenía otros proyectos en mente como eran estudiar música en la Real Acdemia de Música de Irlanda e interpretación en la Real Academia de Arte Dramático de Londres.

La actriz irlandesa demostró que lo suyo era lo de trabajar en silencio, en la sombra, optando por el camino más difícil tras su participación en televisión, a la que no volvería hasta ocho años después para la serie ‘Guerra y Paz’ de 2016, a lo que se unió formar parte de otras series como ‘Taboo’ o ‘La mujer de blanco’.

El camino 'silencioso' a Hollywood

Su debut en el cine llegaría un año después de su regreso a televisión, en 2017 con ‘Beast’, un thriller psicológico en el que daba vida a un personaje incómodo y oscuro, en el que ya se podía atisbar su talento para papeles de alta intensidad emocional como el que le ha dado el reconocimiento en ‘Hamnet’.

Fue este un punto de inflexión, pues fue cuando la industria del cine puso su atención en Jessie Buckley para interpretar personajes secundarios cargados de peso y emoción como sucedió en ‘Estoy pensando en dejarlo’ y ‘La hija oscura’, de Maggie Gyllenhall, con la que ha vuelto a colaborar en “La novia”, un remake de “La novia de Frankenstein” que protagoniza con Christian Bale y que está siendo un sonado fracaso comercial y de crítica.

Pero Buckley ha demostrado que su camino no es el habitual, y tras su buen hacer en el cine, decidió volver al teatro musical y protagonizó junto a Eddie Redmayne la obra ‘Cabaret’ en el West End de Londres, en el papel de Sally Bowles que interpretó en la gran pantalla Liza Minelli, precisamente que le valió el Oscar a Mejor actriz en 1973.

En 1972, tres años antes de la muerte de Franco y con el país todavía sacudiéndose las sombras de la dictadura, Jaime de Armiñán revolucionaba el cine español con Mi querida señorita, un guion escrito junto a José Luis Borau que presentaba a José Luis López Vázquez, la estrella del momento, interpretando a Adela, una ‘solterona’ que en un momento dado descubría, cuando iba al médico, que era un hombre aunque había sido criado como mujer por sus padres. El filme fue un éxito de taquilla, estuvo nominado al Oscar a la Mejor película y se convirtió en un título de culto por su riesgo y modernidad al plantear situaciones que, en aquellos momentos, estaban debajo de la alfombra. 

Sin embargo, si uno sale a la calle y pregunta a aquellos que vieron el filme original qué le pasaba al personaje de Adela, pocos mencionaría la palabra ‘intersexualidad’. Ese fue uno de los motivos por los que Javier Calvo y Javier Ambrossi decidieron producir una revisión de Mi querida señorita con Fernando González Molina en la dirección y la escritora Alana S. Portero como guionista. El propio González Molina reconoce desde el Festival de Málaga, donde se ha presentado la película, que ese fue uno de los motivos para hacerla.

“Queríamos poner luz sobre el elemento intersexual de la historia, que en la primera película estaba velado o incluso escondido, y nos parecía que aquí había que colocarlo en el centro del relato. Y entonces, como complemento a ese centro del relato en el que la narración hablaba de intersexualidad, el personaje no podía hacerlo un actor con peluca, sino que tenía que ser una actriz intersexual”, explica el cineasta, que incluye un par de homenajes a la cinta original en su nueva versión.

Por ello comenzó un casting para encontrar a esa Adela del siglo XXI. Esa Adela que pudiera contar con su cuerpo y su voz lo que significa realmente la intersexualidad. La elegida fue Elisabeth Martínez, miembro de la Asociación de personas Intersex. Fue allí donde le dijeron que un equipo de una película buscaba gente para hacer entrevistas y conocer sus historias para que el guion fuera realista y honesto. También, si alguna persona quería podía presentarse al casting. Elisabeth recuerda que ella no podía porque tenía un viaje, pero una amiga le convenció para que fuera. “A día de hoy todavía nadie me lo ha confirmado, pero parece que me cogieron a mí”, dice riendo en una de sus primeras entrevistas.

Tuvieron una asesora, Mayra Gómez, que les ayudó. Elisabeth y Mayra dieron su opinión y propusieron cambios. “Peleamos unas cuantas cosas hasta el día del rodaje. Algunas escenas yo le decía a Fer que por mi experiencia la gente no reaccionaba así… cosas que desde su perspectiva podían ser diferentes”, dice la actriz. González Molina cree que ese diálogo fue “muy interesante”, y le ayudó “a acabar de pulir e intentar ser lo más fiel posible a la realidad intersex”, pero dejando el “hueco suficiente para entender que no dejaba de ser una ficción”. Se dio cuenta de que, “por mucho que tú creas que sabes sobre algo, en realidad eres un profundo ignorante porque es inabarcable, y este es un tema complejo del que se sabe muy poco”. 

Lo que te dicen en el médico es ‘tú no te preocupes, tómate estas pastillas, esto no se lo dices a nadie y no se va a enterar nadie'. Y la mayoría de la gente intersex sigue así toda su vida

Elisabeth Martínez — Actriz

Elisabeth Martínez confirma que la intersexualidad “no está explorada en el cine”. “En estos cinco últimos años he visto como de repente hemos aparecido. La diferencia que tenemos con mucha parte del colectivo es que tienes la opción de que nadie se entere. Y de hecho a ti lo que te dicen en el médico es 'tú no te preocupes, tómate estas pastillas, esto no se lo dices a nadie y no se va a enterar nadie. Nadie en toda tu vida'. Y la mayoría de la gente intersex sigue así. Pero hay más gente intersex, ¿dónde están?”, añade.

Para ella hay dos partes de esa luz que aporta esta versión de Mi querida señorita —que llegará a salas de cine el 17 de abril y a Netflix el 1 de mayo—, una es la que hace referencia “a la familia elegida”. “Esta película cuenta que no te vale con tener la idea del amor romántico y tener una pareja, sino que para encontrarte a ti misma y para tener una red de apoyo necesitas a la comunidad, particularmente a esa familia encontrada que te entiende y te apoya”, subraya. 

La otra es que su personaje tiene “el poder de decisión”. “La primera vez que vi la película original de Armiñán, me hablaba más de una persona que su principal cuestión es una cuestión de género, a pesar de que tenga la escena del médico que lo convierte un poco en esa narrativa intersex. Pero la historia en general me hablaba más de un hombre que está viviendo su vida como mujer y por fin se libera y vive como hombre. Esta película cuenta el entramado y el peso, debido a nuestra cultura, que tiene el cuerpo. Y claro, por culpa de esa unión que tenemos de expresión de género e identidad de género te han impedido encontrarte a ti misma y llegar a conclusiones bastante diferentes”, critica. Su director añade que la película “explora el derecho a no ser ni una cosa ni otra, sino ser lo que te dé la gana y huir de lo binario”. “Creo que esa es la gran novedad de la película que de alguna manera conecta con la sensibilidad intersex actual. Y es lo que me han enseñado las personas intersexuales que las que hemos hablado y que yo desconocía por completo”, apunta González Molina.

Para Elisabeth Martínez, Mi querida señorita es el comienzo de algo nuevo que espera que continúe. “Me encantaría pensar que es un comienzo. Me encanta actuar. Me parece muy divertido. Es como el máximo sueño que teníamos de pequeñas, cuando jugamos a pretender, y ahora me pagan por ello. No me lo creo”, acierta a decir.

De alguna forma, el guion se ha rellenado con las experiencias personales de él, como hombre gay, de Alana S. Portero como mujer trans y de Elisabeth Martínez como persona intersex. Y eso se nota en el cuidado y el cariño hacia sus personajes. Y en la importancia de “contar historias felices y de esperanza para el colectivo”. Quizás por ello acaban con la manifestación del orgullo del año 2000, la primera que fue multitudinaria. No solo como un acto de celebración, sino como una declaración de intenciones para decir que “seguimos en la calle y quizás tengamos que salir a la calle mucho más de lo que creemos tal y como está el mundo”.

En 2022, Jennette McCurdy sorprendió a todos, especialmente a aquellos niños y jóvenes que crecieron viéndola como protagonista de iCarly, la popular serie de Nickelodeon que estuvo en emisión entre 2007 y 2012. La actriz, que encarnó al personaje de Sam Puckett, publicó entonces su novela autobiográfica cuyo título ya era una declaración de intenciones.

Me alegro de que mi madre haya muerto es el nombre del debut editorial de McCurdy, en el que la actriz contó sin ningún tipo de filtro cómo fue su infancia, su carrera como actriz infantil y la relación problemática que entabló con su madre, incluyendo experiencias en primera persona de control emocional, abusos físicos, trastornos alimentarios severos y alcohol.

El libro, en el que McCurdy optó por utilizar el humor negro y sarcástico para relatar el infierno que vivió en su casa y como estrella infantil de Nickelodeon, se volvió rápidamente viral en redes sociales al momento y llegó a encabezar durante varias semanas el ranking de los más vendidos de no ficción en The New York Times. 

Su madre, Debra, la educó en casa junto a sus tres hermanos mayores y proyectó en ella sus aspiraciones frustradas de convertirse en actriz. Con solo 6 años, Jennette ya estaba frente a una cámara. Se duchó con ella hasta que cumplió 16 años, le afeitaba las piernas y le practicaba exámenes vaginales y mamarios con frecuencia. 

“Quería algo que fuera audaz y también algo que se sintiera sincero. Nunca usaría un título llamativo si no fuera auténtico”, aseguró a la prensa durante la promoción del libro. 

La historia de McCurdy volverá a televisión

Pero el relato de McCurdy no va a quedarse en las páginas de un libro. El verano pasado, Apple Tv+ confirmó que adaptará a televisión la novela autobiográfica de la actriz con una serie de diez episodios. Ya sabemos también que Jennifer Aniston será la actriz encargada de ponerse en la piel de Debra, la madre controladora y manipuladora. 

La adaptación televisiva mostrará “la relación codependiente entre una actriz de 18 años en un exitoso programa infantil y su madre narcisista que se deleita con su identidad de ser la madre de una estrella”, según compartió la cadena de streaming en el comunicado en el que dio a conocer la noticia. 

Además de protagonista, Aniston también ejercerá como productora ejecutiva a través de su compañía Echo Films, marcando una nueva colaboración con Apple tras protagonizar y producir la serie The Morning Show. Por su parte, Jennette estará directamente involucrada como guionista, showrunner y productora ejecutiva junto a Ari Katcher. 

Un hombre entra en un restaurante. Se sienta. Espera nervioso a que entre su acompañante. El hombre tiene el rostro de Javier Bardem. La joven que entra es Victoria Luengo. Ambos dan vida a un padre y a una hija que hace 13 años que no se ven. Él es director de cine. Ella, una actriz que sobrevive trabajando en un bar esperando una oportunidad para demostrar su talento. Él ha vuelto de Nueva York para rodar una película sobre el Sáhara en los años 30 y quiere que ella interprete el papel principal.

Pero hace mucho tiempo que no se ven. Y hay muchas cosas que no se han dicho. Esa comida, ese exacto momento en el que se encuentran, es la primera vez que ambos vuelven a verse. Hay reproches. Rencor. También esperanza. No se miran a los ojos, se esquivan. Hay incomodidad hasta para decidir lo que piden en el restaurante donde él quiere unas verdinas que no están en la carta. 

Son 18 minutos de conversación. Tensa. Con un ritmo que podría ser de thriller. La cámara se centra en sus dos rostros. El de un Bardem que promete estar más desnudo que de costumbre, y el de una Victoria Luengo que no se achanta ante el talento del que tiene al lado. Esa es la escena con la que comienza El ser querido, la nueva película de Rodrigo Sorogoyen, que ya tiene listo su montaje y de la que ha enseñado su comienzo a un grupo reducido de periodistas. Sorogoyen, que tras la proyección dio algunas claves sobre la película que las apuestas y quinielas dicen que se verá en Cannes. 

A Sorogoyen le “gustaba mucho la idea de empezar con estas dos bestias de la interpretación”. “Es una película en la que son los dos protagonistas absolutos, y me gustaba que hubiera algo muy opresivo y, sobre todo, que los escorzos de ambos taparan a la otra persona, que no se dejasen ver, que la presencia de uno estuviera muy presente en la vida del otro”, dice de su puesta en escena de un filme que, como Sirat o Los domingos, recientes ganadoras del Goya, es un original de Movistar Plus+ y que, además, cuenta en su reparto con Raúl Prieto, Raúl Arévalo, Melina Matthews y Marina Foïs.

Una comida real para 18 minutos

Sorogoyen explicó cómo se rodó la escena y, al escucharle, uno entiende el resultado y que haya empezado con semejante terremoto interpretativo. Lo primero que decidió es que “Victoria Luengo y Javier Bardem no se vieran antes de rodar esta escena, con todos los riesgos que eso entrañaba”. Sus personajes hace años que no se ven, y quiso intentar emular esa separación “de la manera más realista posible”.

Ellos se habían conocido en una ocasión antes de este proyecto y, una vez confirmaron su participación, se reunieron con Sorogoyen y su coguionista, Isabel Peña, en un par de ocasiones, pero entre seis y ocho meses antes de rodar esa escena. “Durante esos meses les prohibimos verse. Y yo lo que hice fue ensayar con cada uno por su lado y crear una biografía, todo eso que no está en el guion, todos sus recuerdos”, cuenta. Ahí entran varios de los temas que cree que vertebran El ser querido: “El relato y la memoria”. Crearon recuerdos de los mismos acontecimientos, pero diferentes para cada uno de ellos, porque el recuerdo de cada personaje de esa misma situación es completamente distinto.

Una apuesta “bastante radical” para un primer día de rodaje, que se complicaba con la forma que decidió para rodarla. Lo que el espectador va a ver, esos 18 minutos, son parte de una toma de una hora y media que se rodó sin cortes. El encuentro entre ambos personajes en esa comida es literal, y fue una comida en un restaurante en el que escondieron las cinco cámaras que usaron para que no supieran nunca qué se estaba rodando. 

“Lo que hicimos fue rodar una hora y media, desde que Javier entra y luego ella, toda esa conversación, hasta que se van. No había nadie del equipo en el restaurante, estaban microfonados desde antes”, dice Sorogoyen con una sonrisa pícara. Bardem entró a ese lugar y no vio ni una cámara, ni un técnico. Nada. Se enfrentó a su escena a pelo. Sin artificios. Igual que Victoria Luengo. De esa hora y media había cosas pactadas. “Sí que había diez páginas de guion que tenían que decir, que evidentemente es lo más importante, lo más fundamental de la escena. Pero todo lo que no son esas diez páginas, es todo improvisado. Yo con Vicky pacté unas cosas y con Bardem otras”, explica.

De ahí que los nervios de ese reencuentro sean tan reales, y que Sorogoyen lo califique como “oro”. Todo lo demás, desde qué piden de la carta, cómo reaccionan a lo que comen o beben, es todo su creación in situ. El resultado fue tan potente que, aunque en el guion había tres escenas anteriores, se quitaron para comenzar la película de una forma “contundente”.

La sombra de 'Valor sentimental'

El ser querido es, al final, una historia del intento de reconciliación entre un padre director de cine y una hija actriz, y solo en esa sinopsis ya hay un recuerdo de una película demasiado reciente, Valor sentimental, cuya trama se parece mucho. Sorogoyen aclara que son “dos películas completamente diferentes”, pero con su honestidad habitual ha contado cómo les “afectó muchísimo” cuando se enteraron de que Joachim Trier estaba rodando una película con una sinopsis parecida.

“Todo fue un drama, sobre todo para Isabel y para mí. Pero te estoy hablando de hace dos años. Nos ha dado tiempo a aceptarlo. Yo ahora lo veo como algo muy divertido, lo veo como algo muy natural y que ha pasado en la historia del cine tantas veces que te estalla la cabeza”, analiza. Una vez vista la de Trier, asegura que son distintas y cree que incluso va a ser divertido para el espectador ver esas diferencias.

La principal ya la avanza él: “Nuestra película es el rodaje; la de ellos acaba con el rodaje. Es la principal diferencia en cuanto a trama. Pero, además, el espíritu y el tono son totalmente distintos. Ahora mismo no estamos afectados. Pero no te voy a negar que sí, que fue un shock”. De momento, puede que ambas comiencen su carrera en el mismo sitio, el festival de Cannes. Ojalá el viaje de El ser querido sea igual de exitoso que el de la película de Trier, que ha terminado optando a nueve premios Oscar.

Hacía diez años desde que Ana Belén no aparecía en una película. Más de 20 desde que no le daban un papel protagonista. No se puede decir que haya estado desaparecida, al revés. La actriz y cantante no ha parado de hacer teatro, de dar conciertos y hasta de reírse de sí misma con ese Agapimú que versionó junto a Ojete Calor para salvarnos de la tristeza en los primeros compases de la pandemia. Sin embargo, faltaba ese regreso que la llevara al medio en el que comenzó, el cine.

Porque fue ahí, en 1966, con apenas 15 años, donde comenzó en Zampo y yo, ahora un título recordado por todos, quizás porque era la primera vez que veíamos a esa adolescente que luego se convertiría en un icono de la Transición y la democracia. Ana Belén se ríe y dice que de aquel fracaso nació su carrera, y que ahora tiene ganas de volver a coger carrerilla en el cine tras protagonizar Islas —ya en salas de cine—, un drama dirigido por Marina Seresesky donde su personaje, Amparo, parece un espejo de la propia actriz: una niña prodigio que ahora intenta sobrevivir en una profesión muy dura, sobre todo con las actrices a partir de una edad.

No aparecía en una película desde La reina de España, y no protagonizaba una desde hace mucho tiempo… 

Desde Cosas que hacen que la vida valga la pena, en 2004.

La pregunta es obvia, ¿por qué tanto tiempo?

Pues no sé, lo que ha pasado es que Marina Seresesky, que es la directora y guionista, primero me sorprendió. Dije: “Uy, pues alguien se acuerda de que yo hago cine también”. Y luego me mandó este guion que me pareció desde el primer momento muy muy interesante. Me conmovió, me emocionó mucho y dije, pues venga, vamos adelante con ello.

¿Le dio miedo el regreso al cine o es como andar en bicicleta?

Nunca se olvida. Sobre todo porque yo he seguido haciendo teatro, que es lo mismo. Se trata de interpretar un personaje, meterte en la piel de un personaje. El medio es diferente y todo lo que tú quieras, pero la esencia del trabajo es el mismo. Y yo he hecho en estos años muchísimo teatro, afortunadamente, y eso me ha hecho estar engrasada. Pero, a ver, un poquito de temblor ante el precipicio cuando iba a empezar el rodaje sí tenía. Lo que ocurre es que también habíamos ensayado con Marina previamente, porque al tener un rodaje muy apretado, de días, no podíamos llegar al rodaje sin saber. Entonces, durante un mes previo estuvimos por las tardes haciendo lecturas y eso nos ayudó mucho y además te quita también miedos.

¿Había algo en ese guion que le tocaba en lo personal? Ese momento cuando Amparo pone las fotos en la cama, que son sus fotos, es muy emocionante.

Me tocaba, pero yo lo veía de una manera muy distante, porque es verdad que aunque el personaje de la película es una actriz que ha sido niña prodigio, que luego ha sido actriz juvenil, que luego ha sido una actriz de los años 70 y ha venido a menos, y a menos, yo he conocido a algunas actrices con esa trayectoria y desde luego, el mundo de las niñas prodigio lo he conocido de primera mano.

¿Cómo se sobrevive a ser niña prodigio? 

Es difícil. 

He leído en una entrevista en un reportaje que Miguel Narros fue también muy importante.

Hombre, claro, porque fue la persona que me quitó tonterías, porque cuando eres niña prodigio todo gira alrededor tuyo, todos vienen y te dicen: “Ay, qué mona y qué guapa. Ponte esto, que la pongan esto, que le quiten, que la maquillen. Ahora que baile ahora, que cante”. Y entonces, Miguel lo que hizo cuando acabó la película es preguntarme, “¿Tú quieres dedicarte a esto?, porque esto se estudia”. Yo dije, “¿cómo que se estudia?”. Yo pensé que esto era una ciencia divina que venía aquí un pájaro e iluminaba. Y ya con esto tirabas palante. Entonces me dijo, esto se estudia, hay escuelas de teatro y yo dirijo una y tú si quieres puedes venir de oyente. Y efectivamente, fui de oyente y ya no me fui de ahí, me quedé ya para siempre y empecé a trabajar en el teatro. Entonces mi suerte fue esa, que vino Narros a rescatarme y sobre todo, que aquella película fue un fracaso. Yo soy hija de ese fracaso.

Su personaje, Amparo, tiene miedo a que se olviden de ella, ¿es ese uno de los principales miedos de una actriz?

Supongo que sí, claro. Yo en mi caso no lo he sentido, porque aunque he pasado muchos años sin hacer cine, he seguido haciendo teatro, he estado cantando, he hecho alguna serie… en fin, siempre he tenido trabajo. Pero claro, un actor, una actriz que solo hace cine y que a lo mejor llega a una determinada edad, se hace mayor, y en esto siempre digo que es mucho más complicado para una actriz que para un actor, pues claro que hay miedos. Evidentemente, en una profesión tan insegura, donde los que trabajamos somos una excepción.

Un 8% creo que es la cifra.

Parece increíble cuando esto lo verbalizas y se lo dices a la gente, que la gran mayoría están en el paro.

Bueno, es que la gente sigue pensando que todos son unos subvencionados.

Eso ya es tan antiguo que…

Cuidado que vuelve.

Todo vuelve. Lo peor vuelve siempre.

Es muy bonita la relación que se establece entre su personaje y el de Manu Vega. Se salvan el uno al otro. Es un mensaje muy bonito en un momento como el actual…

¿Lo dices por el edadismo?

Y por la crispación.

Bueno, es que ahora pretenden que haya una lucha generacional que yo no la entiendo. No hay tal lucha. Lo de la edad es una abstracción. Ves gente joven que es tan mayor que dices… ay, qué viejo, por Dios. Y luego ves gente muy mayor que son como niños y siguen jugando y les encanta rodearse de gente joven. Lo de la edad es muy relativo. Yo he estado toda mi vida rodeada de gente mayor. Cuando empecé en el cine todos eran mayores. Luego empecé a trabajar en el teatro y yo era la niña, la más jovencita y a mí me encantaba. Me enseñaron tanto, Aprendí tanto. Y al mismo tiempo hay gente joven que yo ahora les leo, les escucho, veo sus trabajos y digo, ¡qué maravilla!, ¡cuánto saben!, ¡que qué guapos son! Entonces da mucha alegría.

Ese encuentro, ese mensaje empático, es importante ahora mismo, en este momento en el que vivimos.

Hombre, es que qué haríamos sin la empatía. En esta profesión, esto a lo que nos dedicamos, si no hay empatía, ya me contarás. Si continuamente nos estamos poniendo en el lugar del otro para entenderle, para comprender. Quizá no compartas, quizá no estés de acuerdo, pero hay algo que esta profesión tiene que es intrínseco, y es el entender al otro. Y esa es la base ser empáticos, que es algo que fuera de la profesión también debería ser.

La película también introduce capas sociales como la migración o la homofobia. 

Esta película tiene capas, como la cebolla, que le vas quitando las pieles. Y eso está ahí en nuestra sociedad. Entonces Marina pone pequeñas pinceladas con la inmigración. Eso no estaba en un primer guion y cuando ya la película se iba a rodar me dijo que había habido algunos cambios y que había introducido esa problemática de la gente que llega en pateras y cayucos y que qué vida se les está ofreciendo. Marina toca todo eso. Me parece que no es baladí que se toque.

Y de una forma muy inteligente y en un momento importante, porque es verdad que los migrantes están muy señalados y vuelve a haber más delitos de odio también contra la comunidad LGTB. Usted nunca ha tenido miedo a hablar de esos temas ni a posicionarte.

Que no se tenga miedo a tocar problemas que existen, eso es estupendo. Hay que tocarlos, hay que hablarlos, hay que enseñarlos, hay que discutirlos, claro que sí. Sin tirarse piedras, sin matarse a garrotazos. Y claro, todo eso, todo eso es enriquecedor. Todo eso enriquece cualquier propuesta que hagas, desde cualquier lugar.

Venimos de una Berlinale donde se ha vuelto a debatir si el cine es político, si hay que hablar…

Por favor. Sobre todo con respecto a esto de la Berlinale, que me ha sorprendido tanto de Wim Wenders, hay cosas que no son ni discutibles, son lo que son. Genocidio. Es que no hay otra palabra. Cuando es un genocidio no hay que ponerle otra palabra, cuando tú te estás posicionando además con respecto a otras guerras. Con respecto a lo que está ocurriendo en Gaza, porque no es que ya haya pasado. Firmaron un acuerdo de paz, pero ¿qué paz si siguen matando gente? Sí, sabemos el porqué, cuál fue la raíz, los asesinatos de Hamás, pero todo lo que ha pasado después… A mí es que cuando dicen que no hay que meterse en política, ¿qué no es política? Esto es política. Todo. Tú y yo aquí lo es también. Desde que nos levantamos. 

¿Le ha dado miedo alguna vez que la encasillen como actriz politizada?

No, y eso que fíjate, yo empecé a trabajar con la dictadura. Vi morir al dictador. Llegó la transición y la democracia. Incluso en vida del dictador, donde realmente era muy complicado, ahí estuve militando en el Partido Comunista porque sentí que era lo que yo tenía que hacer y que debía hacer. Y claro que había miedo, muchísimo miedo. Y eso sí que era un miedo importante. Yo entiendo el miedo, y además me parece que es algo que cada uno debe lidiar como puede. Pero bueno, si todos intentáramos cada vez tener un poquito menos de miedo… pero es difícil en esta época, es complicado.

Se nota que el miedo ha vuelto, son momentos muy virulentos.

Sí, porque hay algo que no controlas, que son las redes sociales. Entonces las redes sociales donde tú estás a expensas de un anónimo, que no sabes quién es, no tiene nombre y que te machaca. Hay que tener mucha fuerza para no leer nada de lo que se pone en las redes. Como no lo leo me llamarán de todo, como me lo han llamado hace muchos años. No de todo, pero bueno.

¿Nubla el éxito a los actores?

A ver, cuando eres muy jovencito tienes mucho poder. Has tenido un éxito a lo mejor increíble con una película, con una serie y tienes a todo el mundo a tu alrededor ofreciéndote de todo, desde ropa estupenda hasta un viaje. Entonces es difícil cargar con eso y no volverte loco. Por eso es muy importante quien está a tu lado. Puede ser tu familia. Yo he tenido una familia siempre estupenda y unos padres que me hacían tocar tierra. Si me iba me tiraban un lazo. O también unos buenos amigos que te hagan sentir que con ellos realmente estás en la vida, en la realidad, porque todo lo otro no es real. Porque en la siguiente película lo mismo ya no tienes éxito y no tienes a tanta gente alrededor. Cuidado. Y he dicho jóvenes, pero he visto a muchos mayores que de repente han tenido un éxito cuando hasta entonces habían sido actores de reparto y se han vuelto tontos también. La tontería es transversal.

¿Ve su futuro en el escenario?

Es que no me interesa el futuro. Te lo digo sinceramente. Me importa esto. Aquí. Hoy. El futuro... Pues yo qué sé. Igual en un momento determinado me canso y digo “Bye bye. Hasta aquí hemos llegado”. No lo sé. Hombre, un escenario, siempre y cuando estés bien, fíjate en Lola Herrera o Sacristán, haciendo giras y de todo. Madre mía, ¡qué vitalidad, qué energía! Entonces, si tienes energía, tienes vitalidad y la cabeza sobre todo está bien y puedes, afortunadamente, seguir trabajando... Yo creo que esa es la suerte que tenemos la gente que hacemos teatro, que siempre hay más posibilidades que en el cine. Pero igual esto me lo como dentro de dos días.

Y con Islas, ¿no le ha picado un poco la cosa de hacer más cine?

Pues sí, claro. De hecho, hay dos proyectos para hacer cine, así que a ver si salen...

Si salen aquí la espero.

Aquí me verás.

Entrevista completa

Si el termómetro de unos premios fuera lo que se habla de las películas, estaba claro que los Goya iban a ser cosa de dos. Los domingos y Sirat han monopolizado las conversaciones cinéfilas todo el año. La película de Oliver Laxe desde que dejó noqueados a todos los espectadores en Cannes, y desde que muchos conocieran la personalidad especial y espiritual de un director sin miedo a mostrarse tal y cómo es. La de Alauda Ruiz de Azúa desde que en San Sebastián provocó los debates más encendidos. Su apuesta austera, de escuchar sin juzgar, e mostrar todos los puntos de vista, demostró que el espectador está dispuesto a que le traten con inteligencia. La Academia de Cine confirmó con sus galardones que esto ha sido cosa de dos. Y quizás cosa de una, porque el arrase de Los domingos en todas las categorías de peso ha sido incontestable.

La historia de una niña de 17 años que provoca un terremoto en su familia con su anuncio de que quiere ser monja ha consagrado a su directora, Alauda Ruiz de Azúa, gracias a los cinco Premios Goya logrados, entre ellos los más importantes: Mejor película, dirección, guion original, actriz protagonista (Patricia López Arnaiz) y actriz de reparto para Nagore Aramburu. Alauda Ruiz de Azúa reivindicó en el escenario no tener miedo, y no tener miedo tampoco a “condenar la barbarie”. “No olvidemos Gaza”, dijo una de las varias ocasiones en las que subió al escenario como la gran triunfadora de la noche. También recordó, ahora que se cuestionan las cuotas en las ayudas al cine, que en 40 años de Goyas, ella es solo la cuarta mujer en ganar este galardón tras Pilar Miró, Isabel Coixet e Icíar Bollaín.

Ante semejante arrase, la rave política y sensorial de Oliver Laxe en Sirat se ha tenido que conformar con los premios técnicos. Eso sí, se llevó seis y acabó como la más galadronada de la noche. Era de esperar de un filme que ha logrado la nominación al Oscar a la Mejor película internacional, pero también la de Mejor sonido y pasar el corte de la Academia de Hollywood con otras cuatro categorías técnicas. El filme acumuló los reconocimientos de Mejor sonido, montaje, banda sonora, dirección de producción, Fotografía y dirección de arte.

Se vuelve a confirmar lo que suele ocurrir con masas de votantes tan amplias, como pasó también con los Feroz este año, y es que el voto por arrastre acaba dejando sensaciones injustas. ¿No hubiera sido más bonito repartir este año?, ¿se podría haber reconocido a Laxe como Mejor director y a Los domingos como Mejor película? O yendo todavía más lejos, que una película como Romería, que compitió por la Palma de Oro en Cannes, se vaya de vacío da que pensar. Pero está claro que el año era de Alauda Ruiz de Azúa, y ante unos galardones tan claros poco hay que rechistar.

La otra gran ganadora de la noche también estaba bastante evidente. Sorda enamoró desde su pase hace más de un año en Berlín, y pocos dudaban ya entonces que sería el debut del año y el más que seguro Goya a la Mejor dirección novel. Eva Libertad hizo buenas las apuestas y se llevó ese Goya, pero al final sumó tres, el de Actor de reparto para Álvaro Cervantes y el de Actriz revelación para Miriam Garlo, hermana de la directora, y que se convierte en nuestra Marlee Matlin, nuestra primera actriz sorda en ganar el premio de la Academia. 

Garlo quiso compartir su premio “con todas las personas con discapacidad, especialmente para la comunidad sorda”. Denunció, como en la película, la violencia obstétrica, y también la “violencia de la no comunicación”. “Sin comunicación somos muebles, un fracaso como sociedad, aprendamos lengua de signos si podemos, y si no, usemos nuestros cuerpos para comunicarnos sin fronteras, sin miedos, sin vergüenzas, porque ningún ser humano es invisible, y ninguna persona sorda es muda. Tenemos identidad propia, y voz propia”, subrayó en uno de los momentos más emocionantes de la noche.

Muchos pensaban que Sorda también se llevaría el de Guion adaptado, pero en una de las pocas sorpresas de la noche el galardón fue para La cena, que adapta la obra de José Luis Alonso de Santos y que hizo que tres veteranos, Manuel Gómez Pereira, Joaquín Oristrell y Yolanda García Serrano, lograran el cabezón. Oristrell habló en nombre de los tres y defendió el poder de la comedia, en esta ocasión para “recordar que Franco fue un dictador y que los dictadores someten a los pueblos a sus caprichos, ya sea una cena, prohibir un idioma, negar la violencia de género o el cambio climático, deportar inmigrantes o montar un resort en Gaza”.

De la sorpresa a uno de los más cantados, el de Mejor actor protagonista para José Ramón Soroiz, que agradeció en euskera y dio gracias por lo feliz que le ha hecho este premio y le dedicó esa felicidad a los “Vicentes del mundo”, en una alusión a su personaje en Maspalomas, un anciano que al volver a la residencia, vuelve al armario de la homofobia y el miedo.

El cine, y los Goya, son políticos

Una gala que estuvo atravesada por el clima político que marcaba la actualidad política. Si en las últimas semanas la derecha mediática, y figuras como Wim Wenders desde la Berlinale planteaban de nuevo el debate sobre si el cine debe ser político y los artistas usar su micrófono para hablar, el cine español dio un paso adelante y volvió a dejar claro que sí. Fue el tema de la alfombra roja, pero es que las referencias estuvieron desde el primer minuto.

Luis Tosar se acordaba que “esta industria siempre ha condenado la violencia, ya sea en Irak, en Ucrania o el Genocidio en Gaza”. Hasta el presidente de la Academia, Fernando Méndez-Leite, que afronta su última gala antes de las próximas elecciones de la institución, se pronunció, algo que normalmente no había hecho: habló del ICE, de Irán, de Gaza… “Ya sé que nosotros no vamos a arreglar esto, pero las noticias no invitan a mirar hacia otro lado”, apuntó con tino.

Por supuesto habló, alto y claro, Susan Sarandon, que un día después de su rueda de prensa donde se emocionó hasta las lágrimas, volvió a alabar a Pedro Sánchez: “Estos días en los que el mundo está tan dominado por la violencia, por la crueldad, miro a mi alrededor y veo a vuestro presidente y a muchos artistas de este país que hablan con tanta lucidez moral. Eso me ayuda, desd donde yo estoy, en medio del caos y de la represión, a sentirme menos sola y a sentir que formo parte de una comunidad mayor”, dijo de nuevo conmovida. 

Y lo hizo el Goya de Honor. Un premio impepinable para un cineasta mayúsculo, Gonzalo Suárez, que hizo un discurso sobresaliente en el que tras acordarse de “ese personaje que juega al golf con nuestro mundo impunemente para meterlo en un agujero”, contó un cuento y ensalzó el poder del cine para contar historias y para contarnos. “Hemos sobrevivido a las cuevas”, dijo y acabó con un irónico: “El bisonte soy yo”. Conciso, bonito y político.

Hasta Albert Serra se contagió del asunto y al recoger su premio al Mejor Documental por Tardes de soledad dijo que en este momento, “en el que lo político choca con la intimidad” él ha hecho una película para “ver cómo se vive desde esa intimidad un tema que no a todo el mundo le gusta”. “Esa es una posición extremadamente peligrosa. Nos dieron un acceso al que ningún político accedería, y en este cruce entre política y verdadera intimidad, asumiendo el riesgo de mostrarla, esta película tiene un poco de verdad”, zanjó al recoger el que es su primer premio de la Academia de Cine.

La victoria de Serra en documental no dejó sin galardón a la otra favorita en esa categoría, Flores para Antonio, que se llevó el de Mejor canción original para Alba Flores y Silvia Pérez Cruz. Flores se acordó, cómo no, de su padre, pero también de su abuelo El Pescaílla, su abuela que le cantaba nanas, y pidió, que en este momento, hiciéramos lo que cantaba su padre, y consiguió que todos entonaran esos versos tan repetidos: “Prometo ver la alegría y escarmentar de la experiencia pero nunca, nunca más usar la violencia”, dijo y terminó con un grito de “¡Viva Palestina Libre!”.

Y como avanzaba a elDiario.es desde la alfombra roja, la actriz y directora argentina Dolores Fonzi tenía un “discurso incendiario” si ganaba el premio a la Mejor película iberoamericana con Belén, filme argentino sobre el aborto. No fue tan incendiario, pero dijo las cosas muy claras hablando “desde el futuro”. “Ustedes tienen tiempo todavía, no caigan en la trampa. La ultraderecha vino a destruirlo todo. Vengo del futuro, de un país que incluso puso en venta el agua. No solo defendemos el cine, defendemos el agua”, agregó. 

Apenas hubo sorpresas en cuanto a los premios, quizás el de Actor revelación, que pocos esperaban que fuera para Antonio ‘Toni’ Fernández Gabarre por dar vida a ese niño de la Cañada Real en Ciudad sin sueño. “¡Qué vivan los Fernandez!”, acertó a decir en un momento tan tierno como sencillo.

Nostalgia y discursos breves

Todo en una gala que se la jugó a una única baza: la nostalgia con motivo del 40 aniversario de los Goya. Y les salió bien. Al gran material documental que se usó con buen gusto (aunque repetido demasiadas veces), se unió la petición de la Academia de abreviar los discursos. Funcionó. No es que fuera una gala corta, pero se rebajó casi media hora respecto a las tres horas y media del año pasado y nunca dio una sensación de estancamiento.

Luis Tosar y Rigoberta Bandina no tuvieron mucha tarea, pero demostraron oficio en lo que les tocó. Hubo destellos de buen gusto, como el Tú mirá con Ángeles Toledano, un coro de niños, y orquesta de cuerda. Un guiño a una de las grandes olvidadas de la ceremonia, Romería, de Carla Simón, que como ocurrió con Alcarrás, se fue de vacío. También fue elegante e inteligente hacer sonar en el In memoriam una versión del Si te vas de Extremoduro, que sirvió como homenaje a otro de los artistas que nos ha dejado este año, Robe Iniesta. A pesar de todo, las actuaciones musicales siguen siendo demasiadas, y la gala hubiera ganado en ritmo con unas cuantas menos. 

Aun así, una gala que cumple, y que sirve como recordatorio de la calidad del cine español de estos 40 años de Goyas y que sirven para mirar al futuro en un año que promete ser, de nuevo, de éxito internacional de nuestras películas. 

“Sin comunicación somos muebles, sin comunicación no hay respeto, sin comunicación somos un fracaso cultural como sociedad”, ha expresado de forma contundente Miriam Garlo en los Goya, donde ha recogido el galardón a la Mejor actriz revelación por su película Sorda. Garlo ha aprovechado para reivindicar la lengua de signos y compartir el premio “con todas las personas con discapacidad, especialmente con la comunidad sorda”.

“Para todas las mujeres sordas, las que han sido madres y las que no, porque a la violencia obstétrica hay que añadirle la violencia de la no comunicación o la violencia de la invisibilidad”, ha declarado la actriz sobre el escenario. “Aprendamos lenguaje de signos si podemos y, si no podemos, usemos nuestros cuerpos. Nuestra inteligencia y nuestro arte para comunicarnos, sin límites, sin fronteras, sin miedo y sin vergüenza”, ha agregado.

Asimismo, Miriam Garlo ha señalado que “ningún ser humano es invisible y ninguna persona sorda es muda”: “Somos personas sordas, tenemos identidas propia y tenemos una voz propia, pero no siempre es oral. No al genocidio, no al feminicidio y sí al arte, a la conexión, a la ternura y a la empatía. Viva la lengua de signos y viva el cine accesible”.

Su discurso no ha sido el único reivindicativo de la noche. Dolores Fonzi ha recogido el Goya a la Mejor Película Iberoamericana y ha alertado de los tiempos en los que vivimos. “No caigan en la trampa, la ultraderecha vino a destruirlo todo”, expresó la cineasta. “Somos las películas que hacemos y en este momento el mundo se convirtió en una película de terror”, sentenció la directora y actriz argentina.

Sirat, de Oliver Laxe, y Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, partían como las películas favoritas de la noche. Mientras que Los domingos dejó alguna categoría técnica libre y acabó sumando 13 nominaciones, Sirat le siguía en la cuenta con 11. La cinta de Ruiz de Azúa fue la gran victoriosa de los premios Feroz, pero Sirat llegaba a la gala tras haber triunfado en Cannes y haber logrado llevar a España a los Oscar. Completando el quinteto de nominados se encuentraba la revelación del curso pasado, Sorda, de Eva Libertad —que logró siete nominaciones—; Maspalomas, de Josemari Goenaga y Aitor Arregi —que amasó nueve— y La cena, de Manuel Gómez Pereira, que terminó con ocho.

La actriz Susan Sarandon ha vuelto a condenar la violencia en su discurso al recoger el Goya Internacional. Después de haber protestado contra la represión que sufren los cineastas por pronunciarse acerca de temas como el genocidio en Gaza, la actriz ha vuelto a hacer hincapié en la necesidad de ser reivindicativo y hablar acerca de lo que sucede a nuestro alrededor, alabando a Pedro Sánchez y a todos aquellos que alzan la voz. “Estos días en los que el mundo está tan dominado por la violencia, por la crueldad, miro a mi alrededor y veo a vuestro presidente y a muchos artistas de este país que hablan con tanta lucidez moral”, ha expresado Sarandon.

“Tanta lucidez moral me ayuda, donde yo estoy, en medio del caos y de la represión, a sentirme menos sola y a sentir que formo parte de una comunidad mayor”, ha señalado la actriz. Asimismo, ha referenciado al historiador y filósofo estadounidense Howard Zinn: “Tener esperanza en tiempos difíciles no es solo una actitud romántica ni ingenua, sostiene una verdad esencial. La historia de la humanidad no es solo de crueldad, sino de valentía, compasión y bondad. Si elegimos centrarnos solamente en lo peor, paralizamos nuestra capacidad de actuar. Pero si recordamos los momentos en los que alguien obró con grandeza, da energía para actuar y cambiar el mundo, que gira como una peonza”.

“El futuro es una sucesión infinita de presentes y vivir hoy en este presente es una maravillosa victoria”, ha concluido Susan Sarandon. La actriz no es solo una leyenda del cine reciente, ganadora del Oscar por Pena de muerte, sino también una de las voces más comprometidas y políticas del Hollywood actual. 24 horas antes de recoger su galardón, y desde el Museu de Historia de Barcelona, en el Born, la actriz atendió ayer a la prensa, que abarrotaba la sala para escuchar y preguntar a una de esas intérpretes que siempre hablan claro. 

“Cuando vienes de un sitio donde hay represión y censura, ver a España, al presidente, lo que dice y el apoyo que brinda a Gaza, y ver a actores como Javier Bardem alzar la voz con tanta fuerza, es fundamental para nosotros. En EEUU nos sentimos menos solos, sentimos que hay esperanza gracias a todos ustedes, algo que no se escucha en la televisión allí. Cuando alguien se alza con tanta fuerza, cuando una nación se alza, como también lo ha hecho Irlanda, es indescriptible lo importante que es para quienes lo estamos intentando en un ambiente muy difícil. Ver esa fuerza y claridad moral significa mucho para nosotros”, dijo levantando la ovación de la prensa.

Sirat, de Oliver Laxe, y Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, partían como las películas favoritas de la noche. Mientras que Los domingos dejó alguna categoría técnica libre y acabó sumando 13 nominaciones, Sirat le siguía en la cuenta con 11. La cinta de Ruiz de Azúa fue la gran victoriosa de los premios Feroz, pero Sirat llegaba a la gala tras haber triunfado en Cannes y haber logrado llevar a España a los Oscar. Completando el quinteto de nominados se encuentraba la revelación del curso pasado, Sorda, de Eva Libertad —que logró siete nominaciones—; Maspalomas, de Josemari Goenaga y Aitor Arregi —que amasó nueve— y La cena, de Manuel Gómez Pereira, que terminó con ocho.

“El mundo es muy convulso y hay algunos que se dedican todavía a convulsionarlo más”. Así de contundente se ha mostrado Luis Tosar en la alfombra roja de los Goya. El presentador de la ceremonia junto a Rigoberta Bandini solo ha sido uno de los muchos actores que han aprovechado su altavoz para lanzar un mensaje social. Como ha manifestado el director Hernán Zin, es importante reivindicar “desde la verdad”, y el cine español ha vuelto a utilizar su plataforma para poner el foco en el genocidio en Gaza, zanjar el debate en torno a las subvenciones y apelar contra un machismo que todavía no ha sido erradicado.

En palabras de Dolores Fonzi, nominada a Mejor película iberoamericana por Belén, “hay que hablar de la realidad”: “Sí, es una fiesta del cine, pero hay que aprovechar la oportunidad para relacionar el cine con lo que está pasando”. La también actriz ha declarado que “es un momento de responsabilidad donde un artista con visibilidad debería aprovecharlo para expresar lo que realmente pasa y no decir cualquier cosa”.

Asimismo, el actor Carlos Cuevas ha señalado que “no hay que dejar de hablar de Palestina” y que “la cultura no debe ser neutral”: “No pido que todo el mundo tenga la misma opinión que yo, pero sí que creo que es importante que todo el mundo exprese su opinión”.

En la misma línea se ha mostrado Carla Simón, nominada por su película Romería, expresando que “el cine es político” y que “estos espacios son una oportunidad para decir en voz alta ciertas cosas que a veces son incómodas”. Por otro lado, Irene Escolar se ha pronunciado sobre la polémica de las subvenciones, coincidiendo justo unos días después de las mentiras contadas por Juanma Bajo Ulloa a Iker Jiménez con respecto al cine español. “Financiar una película es algo complejísimo. Reducirlo simplemente a las subvenciones es un discurso que se queda anticuado. Hay que pasar página y valorar mucho todo el talento que hay en este país”, ha explicado en la alfombra roja.

El director Hernán Zin ha vuelto a pronunciarse sobre Gaza: “Primero es Gaza, pero después podemos ser todos nosotros porque hemos creado un mundo en el que el capital vale más que las personas. Es un mundo que con la IA, con los fondos de inversión que compran todos los pisos, con toda la corrupción que hay, tenemos que pensar que no solo son los de Gaza, también somos nosotros. Por eso todos somos Gaza”. De hecho, Zin ha confesado ser “pesimista con el mundo que viene”. “Israel, que quiere ser el poder hegemónico de la región, no hace más que matar niños. Lo hizo en 2006, cuando llegó por primera vez, lo hizo en 2008, 2014... Es un infanticidio”, ha protestado.

“Esta gente no tiene moral. Y tiene poder financiero a nivel de capital, de medios de comunicación que nos restriegan un genocidio en la cara durante dos años. Y no podemos hacer nada aunque salgamos a las calles, aunque protestemos”, ha continuado diciendo en la alfombra roja. “Son los dueños de los bancos. Los fondos de inversión de las grandes inmobiliarias se están quedando con el mundo. ¿Cuándo vamos a reaccionar?”, ha agregado, enfatizando que “ojalá este tipo de películas sirvan para que la gente despierte, se manifieste y rompa cosas si quiere”. “Yo los aliento a quemar cosas si tienen ganas”, ha concluido.

En alusión a las declaraciones de Susan Sarandon, que atendió a la prensa en la jornada previa a recoger el Goya Internacional, Dolores Fonzi ha expresado que el “único camino” es exponerse a represalias y ha prometido un “discurso incendiario” en caso de recoger el galardón. Por su parte, Belén Funes se ha pronunciado acerca del verdadero poder de los cineastas: “Nosotros podemos levantar la voz, ponernos un pin, dejar de comprar determinadas marcas, pero en el fondo no puede caer sobre nuestros hombros. La responsabilidad de acabar con este genocidio, con esta violencia, es una cuestión política también”.

Vídeos: Adrián Torrano, Álex Corral

Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, se ha impuesto como la gran ganadora de la noche de los Goya 2026. Mientras que Los domingos dejó alguna categoría técnica libre y acabó sumando 13 nominaciones, Sirat le siguió en la cuenta con 11. Ahora, la película sobre una niña que quiere ser monja se ha alzado con cinco premios, entre ellos los más importantes: película, dirección, guion original y actriz. El filme de Laxe se lleva seis.

Ganadores de los Goya 2026:

Mejor película

Mejor dirección

Mejor actriz protagonista

Mejor actor protagonista

Mejor actriz de reparto

Mejor actor de reparto

Mejor actriz revelación

Mejor actor revelación

Mejor dirección novel

Mejor guion original

Mejor guion adaptado

Mejor música original

Mejor canción original

Mejor dirección de producción

Mejor dirección de fotografía

Mejor montaje

Mejor dirección de arte

Mejor maquillaje y peluquería

Mejor diseño de vestuario

Mejor sonido

Mejores efectos especiales

Mejor película de animación

Mejor película documental

Mejor película iberoamericana

Mejor película europea

Mejor cortometraje de ficción

Mejor cortometraje documental

Mejor cortometraje de animación

“No hace falta que os explique los motivos para haberla elegido para el Goya internacional”, dijo Fernando Méndez Leite, presidente de la Academia de Cine, como resumen de una decisión que se antoja obvia y justa, la de darle a Susan Sarandon el premio que reconoce una carrera de una actriz no española. 

Susan Sarandon no es solo una leyenda del cine reciente, ganadora del Oscar por Pena de muerte, sino también una de las voces más comprometidas y políticas del Hollywood actual. 24 horas antes de recoger su galardón, y desde el Museu de Historia de Barcelona, en el Born, la actriz atendía a la prensa, que abarrotaba la sala para escuchar y preguntar a una de esas intérpretes que siempre hablan claro. 

Sarandon nunca ha tenido miedo. Siempre ha sido una de las voces más duras contra Donald Trump, ha denunciado el Genocidio en Gaza y se ha manifestado cuando tocaba. Por eso, había ganas de ver lo que contaba en la previa de una ceremonia como la de los Goya, habitualmente cargada de discursos políticos y reivindicativos. De hecho, su rueda de prensa ha sido tan coherente como se esperaba.

De hecho, se emocionó al ser preguntada por lo que significa ser reconocida en España porque, precisamente, se siente orgullosa por el posicionamiento político del país respecto al genocidio en Gaza. “Cuando vienes de un sitio donde hay represión y censura, ver a España, al presidente, lo que dice y el apoyo que brinda a Gaza, y ver a actores como Javier Bardem alzar la voz con tanta fuerza, es fundamental para nosotros. En EEUU nos sentimos menos solos, sentimos que hay esperanza gracias a todos ustedes, algo que no se escucha en la televisión allí. Cuando alguien se alza con tanta fuerza, cuando una nación se alza, como también lo ha hecho Irlanda, es indescriptible lo importante que es para quienes lo estamos intentando en un ambiente muy difícil. Ver esa fuerza y claridad moral significa mucho para nosotros”, dijo levantando la ovación de la prensa. Poco después definió a Pedro Sánchez como “alto, guapo y en el lado correcto de la historia”.

Reconoció que ha sido vetada en su país. “El 1 de noviembre del año pasado mi agente me despidió por hablar e ir a una manifestación por Gaza. Se me ha impedido incluso salir en televisión. No pude hacer ninguna película, nada relacionado con Hollywood. Encontré agentes en Inglaterra e Italia, y acabo de rodar una película en Italia y una obra de teatro en el Old Vic durante varios meses. Pero sé que a este director italiano que me acababa de contratar le dijeron que no lo hiciera. Esa es la razón principal por la que no he trabajado tanto. Sí”, dijo con contundencia.

La misma contundencia con la que censuró las políticas recientes de Donald Trump, especialmente las migratorias. Consideró “peligroso el silencio” que hay en EEUU, y dejó claro que deberían poder decir lo que piensan “sin que nos amenacen con no volver a trabajar”. “Creo que toda nación tiene derecho a la autodeterminación. Soy propalestina. Soy una artista por la paz y la justicia. Estoy en contra de matar niños en todas partes. El ICE es inconstitucional y comete todo tipo de actos ilegales. Principalmente contra la gente negra. Lo que están haciendo es ilegal. Estoy muy orgullosa de las comunidades que han logrado encontrar la manera de luchar contra el ICE. Y creo que eso es lo que se necesita, porque nadie en la cima nos salvará de nada de esto.. Pero, personalmente, creo firmemente que la aniquilación del pueblo palestino es un crimen horrible. Y me avergüenza mucho pagar por ello”, añadió.

El ICE es inconstitucional y comete todo tipo de actos ilegales. Principalmente contra la gente negra. Lo que están haciendo es ilegal

Susan Sarandon — Actriz y Goya Internacional 2026

Sobre su activismo lo tiene claro: no hay otra opción. “Es simplemente necesario. Y cuando la gente no tiene voz, siento que es mi responsabilidad dársela, ayudarla a tenerla. Hay muchas consecuencias negativas por ser franco”, opinó y derribó un cliché sobre Hollywood. Para Sarandon “Hollywood nunca ha sido político. A Hollywood le importa si envejeces. Le importa si engordas. Pero si tu película gana dinero, no les importa. Creo que es un mito que Hollywood sea de izquierdas. No creo que sea cierto. Creo que se hacen películas pequeñas y grandes. Pero... Hollywood no tiene una historia de serlo. Cuando los tiempos se ponen difíciles, no son de izquierdas ni progresistas. Hablan por quien sea”, criticó.

Por eso aseguró que discrepa con el argumento de Wim Wenders y la Berlinale, porque “todas las películas son políticas, solo que algunas refuerzan el statu quo y otras lo desafían, pero solo las llamamos políticas cuando lo desafían”. “Mira, hay una película llamada El Profesor Chiflado, que no sé si conoces, con Eddie Murphy. Y en esa película, te hacen animar a la chica para que esté con el tipo gordo. Y te pone en perspectiva lo que significa estar fuera. Y es una película muy política, pero es una comedia. Pena de muerte dijeron que era política porque, obviamente trata sobre un tema, pero creo que todas son políticas. Y es por eso que, como actor, escritor y director, tienes que tener mucho cuidado con lo que estás mostrando al mundo”, zanjó antes de pedir a Almodóvar que le escriba cualquier papel, aunque sea de “tonta”.

El pasado 20 de febrero llegó a los cines españoles El agente secreto, la que viene siendo la película favorita al Premio Oscar a mejor largometraje en habla no inglesa, por delante de la española Sirat, después de haberse hecho con el Globo de Oro o el de los Critics Choice Awards.

En ella, más allá de su actor protagonista, Wagner Moura, quien viene acumulando también premios por su interpretación, hay un personaje al que solo le han bastado minutos para ganarse a las redes sociales y convertirse en toda una estrella en Brasil y de forma internacional.

Quién es Tânia Maria: estrella del cine brasileño a los 79 años

Ella es Tânia Maria, de 79 años, que se convirtió en actriz por casualidad, cuando acudió a un casting para ser extra en una película, y que, con un vestido de flores, un cigarro en la boca y gafas de sol es toda una sensación, seguramente el personaje más icónico de El agente secreto.

El fenómeno es tal que la propia Tânia Maria cuenta en The New York Times: “Donde sea que vaya, la gente me reconoce. Es maravilloso. Pero no se me ha subido a la cabeza”, asegura la costurera brasileña que ha conseguido una fama inesperada a los 79 años.

Sebastiana Maria de Medeiros Filha, a la que se conoce como Tânia Maria como nombre artístico, nació en 1947 en la ciudad de Santo Antônio da Cobra, al norte de Brasil y durante casi toda su vida trabajó como costurera de alfombras, siendo ajena al mundo de las películas y del cine.

No fue hasta los 72 años cuando descubrió que en su ciudad buscaban extras y acudió al casting. Así fue como conoció a Kleber Mendonça Filho, director de El agente secreto, que pronto le procuró más líneas y no fue una extra más en la película Bacurau.

Mientras escribía El agente secreto, Mendonça Filho se acordó de Tânia Maria y le ofreció el papel de Doña Sebastiana, porque sabía que sería perfecta para interpretar a este personaje, que es clave a pesar de su corta aparición al ser quién ofrece refugio al personaje de Wagner Moura y le ayuda a mantenerse a salvo de sus perseguidores en medio de la dictadura. “Es alguien muy carismática. Directa, dura y, al mismo tiempo, de buen humor. Me recuerda a todas las señoras mayores que he conocido”, reconoce el director.

De qué va ‘El agente secreto’, la favorita al Oscar a mejor película de habla no inglesa

El agente secreto es un thriller político ambientado en la dictadura militar que tuvo lugar en Brasil entre 1967 y 1985. Se sitúa en 1977, cuando un disidente político perseguido llamado Marcelo, a quien interpreta Wagner Moura, regresa a Recife para reencontrarse con su hijo y se ve obligado entonces a trabajar como espía para sobrevivir. Actualmente acumula cuatro nominaciones a los Premios Oscar, entre ellos el de mejor película internacional y mejor actor principal.