Más de tres décadas después de su formación, los Backstreet Boys siguen llenando estadios y pabellones, con una exitosa residencia en Las Vegas, a las que se ha unido una de 12 conciertos en Düsseldorf (Alemania) recientemente y una en Canadá el próximo invierno, demostrando que siguen estando vigentes a nivel musical. 

Aunque la que es considerada la boyband más exitosa de todos los tiempos no habría logrado todo esto si no fuera por una canción que les abrió definitivamente la puerta de su país, Estados Unidos, que se les había resistido en un primer momento y por el que tuvieron que probar suerte en Europa.   

Del lanzamiento de ese sencillo, ‘Quit playing games with my heart’, se cumplen 30 años este octubre, justo cuando Nick Carter, Brian Littrell, AJ McLean, Howie Dorough y Kevin Richardson lograron finalmente el éxito en EE.UU que luego propiciaría que se convirtieran en uno de los grupos de chicos más importantes y una de las figuras más relevantes de la música de finales de los 90 y principios de los 2000. 

'Quit playing games with my heart' y el inicio del fenómeno Backstreet Boys 

Los Backstreet Boys se habían formado en 1993 en Orlando, Florida, pero no sería hasta dos años después cuando grababan su primer disco en Estocolmo junto a Denniz Pop y un entonces desconocido Max Martin. Este trabajo, bautizado luego por el grupo como ‘álbum rojo’, se lanzó en 1996, pero no encontró éxito en USA. Es por eso por lo que, debido a que sí que tuvo buena acogida en Europa, los chicos comenzaron allí a actuar, aunque no se rindieron hacia su país de origen. Así fue como Jive Records les volvió a dar una segunda oportunidad. 

Esta vino con ‘Quit Playing games with my heart’ publicada el 14 de octubre de 1996, escrita por Max Martin y Herbie Crichlow y que fue número uno en varios países europeos, dos en Reino Unido y en abril de 1997, alcanzaría también la segunda posición en la lista Billboard Hot 100 con lo que derribaron el obstáculo americano con el que se habían topado la primera vez, vendiendo además más de dos millones de copias. 

Y es que el primer intento había llegado con su primer single, ‘We’ve Got it Goin’ On’ que no llegó a tener éxito en Estados Unidos, pero que habían grabado en diciembre de 1994 junto a ‘Quit Playing Games with my heart’, en una misma sesión de grabación, en tan solo dos días. En ese momento, sin embargo, no estaba Nick Carter, que, con 14 años, no pudo cantar porque estaba en pleno cambio de voz en la pubertad. 

Es por lo que cuando se decidió que sería el relanzamiento del grupo en Estados Unidos, se optó por una regrabación con Nick Carter que tuvo lugar en el verano de 1996. Aunque antes de esto, Backstreet Boys tuvieorn que pelear con su discográfica para que la canción fuera la escogida, pues desde Jive Records tenían planificado que fuera con ‘If You Want it to Be Good Girl (Get Yourself a Bad Boy)’, saliéndose finalmente el grupo con la suya y que el tiempo daría la razón. 

Gracias al éxito en listas de esta canción, llegó ‘Backstreet Boys’ en agosto de 1997, el primer disco del grupo en USA, en el que se recopilaron canciones del debut en Europa y algunos inéditos, como fue ‘Everybody’, uno de sus primeros himnos a nivel global. Después de todo esto, el resto es historia. 

Backstreet Boys se convirtió en todo un fenómeno de masas que escapó a la escena musical, especialmente con la publicación del disco ‘Millenium’ en el que llegó su gran himno, ‘I Want it That Way’. Sin embargo, a pesar de haber vendido más de 150 millones de discos a nivel mundial y ser uno de los grupos más exitosos de la historia de la música, nunca llegaron a tener un número 1 en la lista Billboard, precisamente siendo ‘Quit playing games with my heart’ siendo su punto más alto, y que acaba de llegar a las tres décadas. 

Mucho antes de que las películas de superhéroes se convirtieran en todo un fenómeno que arrasó Hollywood y que definieran parte de la industria del cine, llegó a la televisión un proyecto diferente que se basaba en el origen de uno de los principales personajes de cómics y de los más icónicos de la cultura popular. 

Hablamos de ‘Smallville’, la serie que se estrenó un 16 de octubre de 2001 en Estados Unidos, hace 25 años, y en la que el centro de la trama era el origen de Superman, como un adolescente que vive en Kansas. Creada por Alfred Gough y Miles Millar, logró enriquecer la mitología del icónico personaje. 

Con motivo del 25 aniversario del estreno, su reparto principal se ha unido en diferentes ocasiones, especialmente Tom Welling y Michael Rosenbaum, que interpretaban a Clark Kent y Lex Luthor de adolescentes, y que además de tener una buena química fuera de la pantalla, comparten actualmente un podcast llamado ‘TalkVille’ en el que hablan sobre la serie. 

Tom Welling recibió consejo del propio Christopher Reeve 

En ‘Smallville’, Tom Welling y Michael Rosenbaum interpretaron a dos amigos que se convertían en enemigos conforme pasaba la serie. En la ficticia ciudad, en Kansas, Clark Kent busca ser normal, mientras Lex Luthor vive bajo el yugo de un padre controlador y multimillonario, siendo la contraposición de ambos uno de los principales motores de la ficción. 

Sobre interpretar a Lex Luthor, Rosenbaum ha hablado durante una entrevista en Variety, haciendo hincapié en la relación con Clark Kent: “Sentí que tenía la libertad de hacer lo que quisiera, de ser auténtica y con los pies en la tierra. Es decir, ver a Lex y Clark como amigos... y obviamente sabemos lo que pasa con su relación, pero me pareció realmente fascinante. Nunca se había hecho antes”, declaró. 

Aunque lo más interesante fue lo que contó en la misma publicación Tom Welling, que reveló como fue su trabajo junto al mítico Christopher Reeve, quien interpretó a Superman en las películas de finales de la década de los 70 y principios de los 80, siendo la cara más famosa del superhéroe de DC Comics: “Hablamos mucho sobre lo que significaba interpretar al personaje. Me comentó que estaba muy contento de que me hubieran elegido para el papel, lo cual me pareció genial”, aseguró. 

Reeve no solo ayudó a Welling, sino que también tuvo un pequeño homenaje en la serie con un cameo como el multimillonario científico Dr. Virgil Swann, mentor de Clark. “Pero quería quedarse para mi toma, donde me filmaban hablando; quiero decir, no tenía ninguna necesidad de hacerlo. Nos reímos mucho; era muy gracioso, y llegó un punto en que le decían que se fuera. ¡Y no se iba! Su enfermera le decía: 'Si no te vas, voy a llamar a la policía y te voy a sacar de aquí'. Y él se giró hacia mí y me dijo: 'Siempre me están diciendo lo que tengo que hacer', lo cual es muy gracioso, considerando toda la situación”, comentó como anécdota el protagonista. 

La serie Smallville batió récords de audiencia con hasta 8,4 millones de espectadores, que la mantuvieron durante diez años en antena, acabando en mayo de 2011. Aupó en popularidad a sus actores principales, siendo, por ejemplo, Tom Welling o Kristin Kreuk rostros conocidos de la televisión y el cine desde entonces. 

En el principio del milenio, la mezcla de estilos dentro del rock distaba mucho de lo que es actualmente, y si hoy en día el rock alternativo y la mezcla del jazz o el rap en este género está asentado es en parte por un grupo y una canción que supusieron todo un punto de inflexión en este sentido. 

Hablamos de Linkin Park, una banda que fue pionera en democratizar el rock alternativo, y que se hizo famosa al fusionar rock, hip-hop, música electrónica en géneros como el nu metal, y que en parte se demuestra en su tema más popular y alabado, “In the End”, que a su vez escondía la triste historia de su fallecido vocalista Chester Bennington, que, sin embargo, no estuvo muy de acuerdo en publicarla. 

El origen de la canción que acercó el rock alternativo a las masas 

“Al tocar ”In the End“ en directo, al llegar al puente, siempre hay tanto ruido que no se nos escucha. Naturalmente, en algunos momentos hemos dejado de tocar. Chester y Mike sostenían los micrófonos y encendían las luces”, declaraba Brad Delson, guitarrista de Linkin Park en una entrevista en 2020 sobre la experiencia de tocar la canción más popular de la banda y todo un himno generacional. 

“In the End” fue publicada en septiembre de 2001 en radios y en octubre de 2001 como CD comercial, hace 25 años, como tercer single (cuarto en Europa) del disco ‘Hybrid Theory’ de Linkin Park, banda originaria de California con más de tres décadas de historia actualmente. 

La canción surgió nueve meses después de la publicación del disco, y aunque ya era un éxito con sus singles anteriores, pero que llegó a un nivel superior con este tema, que cambió la percepción del rock alternativo para el público general y cambió la jerarquía de sonidos, en palabras de Mike Shinoda, uno de los fundadores y líderes del grupo: “Fue parte de la evolución hacia la ruptura de las barreras entre los estilos musicales”, aseguró en una entrevista. 

Shinoda contaría más tarde que ‘In the End’ surgió en un local de ensayo en West Hollywood, un barrio en el que por entonces “había prostitutas y traficantes de drogas”, y donde en una habitación sin ventanas se encerró para componer en tan solo un día la canción, que, al mostrarla a sus compañeros, fue ya un éxito: “Desde que llegó esa maqueta, todos supimos que era especial”, comentó. 

Chester Bennington y la triste historia que esconde ‘In the End’ 

Pero ‘In the End’ no solo esconde su humilde origen, sino también la triste historia del vocalista Chester Bennington, quien falleció en 2017 a los 41 años tras quitarse la vida, tan solo unos pocos meses después de la muerte de uno de sus mejores amigos, Chris Cornell, a quien le dedicó una carta diciéndole que no se imaginaba un mundo sin él.  

Bennington, quien se unió al grupo en 1999, aportó una dura vivencia de abuso y adicciones a la canción, plasmando todas sus emociones con una voz capaz de sonar angelical a gutural. Sin embargo, a pesar de la popularidad que tuvo el tema y lo que supuso para la banda, al cantante no le convenció y llegó a comentar: “Nunca me gustó y ni siquiera quería que estuviera en el disco”. 

A pesar de ello, desde su lanzamiento como sencillo en el otoño de 2001, la canción llegó al número 2 de Billboard Hot 100, el punto más alto en la lista para Linkin Park, así como ser top 10 en varios países alrededor del mundo. Aunque el éxito no fue inmediato, sino que surgió por sorpresa tras un lento inicio, lo que se conoce en música como ‘sleeper hit’. Desde entonces, la banda la toca en sus conciertos, ahora con la voz de la nueva vocalista Emily Armstrong. 

El oso que ama la miel más que nada y que vive en el Bosque de los Cien Acres con sus amigos. Ese es Winnie the Pooh, un personaje que ha protagonizado la infancia de varias generaciones y que Disney se encargó de hacer mundialmente famoso, y que este 2026 cumple 100 años desde que tuviera su primera publicación oficial.  

Pero su historia comenzó mucho antes, con un origen en una osa real del Zoológico de Londres que fue la más famosa, y con un homenaje del autor a la infancia de su hijo, dando vida a sus peluches través de la literatura. 

El origen de Winnie the Pooh 

Oficialmente, Winnie the Pooh como personaje literario nació en 1926, cuando se publicó un libro del mismo nombre escrito por el autor británico A.A Milne, con ilustraciones de E.H Shepard. Sin embargo, el oso ya había aparecido en el Evening News de Londres en 1925 como parte de una historia infantil. 

Milne tomó directamente como inspiración la colección de peluches de su hijo, con los nombres reales que estos habían tomado: Pooh, Piglet, Igor, Buho, Conejo, Cangu y Rito, todos ellos acompañados por Christopher Robin, el nombre verdadero del hijo del escritor.  

Winnie the Pooh tenía, además, una inspiración real, la de la osa Winnie, que fue uno de los animales más famosos del Zoológico de Londres durante la primera mitad del siglo XX. Había llegado al lugar desde Canadá como donación del Cuerpo de Veterinaria del Ejército Canadiense durante la Primera Guerra Mundial.  

Dos años después de la publicación del primer libro, se incluyó al personaje de Tigger, uno de los que acabó siendo uno de los más populares, exactamente en el segundo libro que se tradujo como ‘El osito Winnie y la casita de Igore’. El éxito hizo que llegaran a ser protagonistas de una serie de seis libros y todos ellos con ilustraciones de E.H Shepard. 

Mundialmente famoso con Disney y reinterpretación tras libre de derechos 

Winnie the Pooh y sus amigos llegaron a ser todavía más populares cuando Disney adquirió los derechos en 1960. El oso debutaría en 1966 con un corto que sería el punto de partida para una serie de películas, y con su ‘live action’ propio, “Christopher Robin”, protagonizada por Ewan McGregor. 

Disney sería el que haría famoso a Pooh como ha transcendido en la cultura popular, solo vestido con una camiseta roja. En 2023, cuando su imagen dejó de estar sujeta por derechos de autor, el personaje vivió una serie de reinterpretaciones, algunas de lo más peculiares, como el que se usara en un panfleto en Texas para educar a los estudiantes en qué hacer en caso de tiroteo. 

De hecho, también tuvo hasta una película de terror de bajo presupuesto llamada ‘Winnie the Pooh: miel y sangre’, donde fue un villano armado con un cuchillo que aterroriza a todos, y que resultó ser todo un éxito de taquilla que revolucionó a la industria. 

Han pasado más de seis décadas desde su fallecimiento, pero Marilyn Monroe sigue siendo uno de los rostros más populares y reconocibles del mundo del cine, trascendiendo a icono de la cultura popular, que celebra este 2026 el centenario de su nacimiento, que se produjo el 1 de junio de 1926 en Los Ángeles. 

En el certificado, Norma Jean Mortenson aparecía como hija de Gladys Pearl Baker y de su marido, Martin Edward Mortensen, pero esa no era la realidad cuya madre contaba, pues era fruto de una relación extramatrimonial que había tenido con un compañero de trabajo. 

La joven Norma Jean solo tenía una fotografía enmarcada del hombre que se suponía era su padre, que su madre había conocido mientras trabajó en una empresa de revelado y montaje de películas en Hollywood, pero el vínculo sentimental terminó antes de que la futura estrella del cine viniera al mundo y su padre biológico nunca se hizo cargo de ella ni estableció relación alguna. 

Todo ello a pesar de que Charles Stanley Gifford, que es como se llamaba el padre biológico de Marilyn Monroe, llegara a vivir durante un tiempo en el mismo edificio que su madre y ella, pero no asumió ningún vínculo familiar con la futura actriz, que más tarde, ya adulta, intentaría localizarlo y que la reconociera, sin éxito. En parte, Monroe lo hizo por buscar respuestas de su parte, teniendo en cuenta que pasó gran parte de su infancia entre familias de acogida y un orfanato por los problemas de salud mental que experimentó su madre. 

Charles Stanley Gifford nació en Newport, en Rhode Island en 1898, pero pasó gran parte de su vida en California debido a que desarrolló gran parte de su carrera profesional en la industria cinematográfica de Hollywood, siendo uno de sus principales cargos el de supervisor en los estudios RKO. En 1919 se había casado y tenía dos hijos, aunque el matrimonio terminó años después. Con el paso del tiempo, dejó el trabajo en el cine y se dedicó a la actividad lechera. Moriría en 1965, tres años después que la hija a la que nunca reconoció. 

Los intentos fallidos de Marilyn Monroe de reconocimiento 

Marilyn Monroe intentó desde joven tener contacto con su padre y encontrar respuestas. Ya siendo famosa continuó con su búsqueda, de hecho, su primer marido, James Dougherty reconoció en un documental que ella lo llamó y se identificó y que Gifford se limitó a responder que no la conocía y que hablara con su abogado. 

A pesar de la negativa que encontraba, la actriz no cesó y en la década de 1950 volvió a buscarlo, encontrándose la misma situación, que estaba casado, que tenía hijos y que no quería más problemas, un hecho que le afectaría profundamente a la estrella del cine, según varios testimonios de amigos. 

El único pequeño contacto que estableció Charles Stanley Gifford fue una tarjeta de pronta recuperación que envió a Marilyn Monroe, sin fecha y con el nombre de la actriz escrito a mano y equivocado, al poner “Marylyn”, y donde firmó con la dirección de la granja donde vivía en Hemet, lo que demostró que sabía cómo localizarla, pero no la reconoció nunca públicamente ni tuvieron nunca reconocimiento. 

Los dos fallecieron en la década de los 60 sin que nada cambiara, pero en 2022, un documental francés ‘Marilyn, su último secreto’ difundió que Gifford fue efectivamente el padre biológico de la actriz después de que se obtuviera una prueba de ADN positiva a través de un mechón de pelo de ella y material genético de una descendiente de él. 

El 22 de septiembre de 1991, la voz de José Celestino Casal Álvarez se apagó para siempre a los 41 años. Más conocido por su nombre artístico, Tino Casal, fue la única víctima mortal de un accidente de tráfico tras haber salido con un grupo de amigos a cenar y a tomar unas copas en una noche otoñal y lluviosa.  

“Sabía que no iba a llegar a viejo”, llegó a declarar su amigo Julián Ruiz. El hecho es que 35 años después de su fallecimiento, el cantante sigue manteniendo relevancia en un pop español en el que aportó un estilo propio, tanto de música como de moda. Definimos su carrera musical en cuatro canciones. 

‘Champú de huevo’ 

Esta canción supuso el primer gran éxito de Tino Casal. Publicada en el álbum ‘Neocasal’ en 1981, representa uno de sus cortes más irreverentes y recordados, convirtiéndose en una parte fundamental de su estética glam, todo ello en su disco debut. Este single guardaba además un mensaje oculto. Frases como “Me cambias por un Frankenstein” hacen pensar que el tema se lo dedica a alguien, y una de las principales teorías apunta a que algunas de esas líneas van dirigidas al director de cine Pedro Almodóvar tras una serie de encontronazos. Sin embargo, quienes más le conocieron afirman que la canción estaba dedicada en realidad a su amigo Fabio McNamara. 

‘Embrujada’ 

Su mayor éxito comercial y un auténtico himno del pop electrónico español de los años 80. Se incluyó en Etiqueta negra (1983), el segundo álbum de Tino Casal y que supuso su consolidación, y sobre cuyo título el cantante declaró que “cierto halo negro en torno a mí, no sé por qué”.  

El sencillo alcanzó el número uno el 9 de abril de 1983 en los 40 principales y tal fue su repercusión que los ejecutivos de EMI creyeron que podría arrasar a nivel mundial, por eso grabó una versión en inglés, ‘Bewitched’, pero que no transcendió porque el cantante “nunca tuvo buen inglés”. 

De ‘Embrujada’ hay que hacer una mención especial a su videoclip, una pieza que fue pionera e innovadora en su día y que fue una especie de cortometraje en formato de tráiler, dirigido por el ya desaparecido José Luis Lozano en lo que supuso el debut, quien posteriormente también se encargaría de los clips de otras canciones destacadas de los 80 como ‘Lobo Hombre en París’ de La Unión. En una especie de carrera de imágenes aparecen fragmentos de películas como ‘La bella durmiente’ de Disney, o ‘Scanners’ de David Cronenberg, y fue protagonizado por Paola Dominguín, hermana de Miguel Bosé, y donde Tino Casal solo aparece en la escena final. 

‘Eloise’ 

Para su disco ‘Lágrimas de Cocodrilo’ de 1987, Tino Casal hizo una célebre y teatral versión en español del clásico original del mismo nombre de 1968 de Paul Ryan, adaptada a su estilo tecno-pop y glam, y que destaca por su inconfundible potencia vocal y dramatismo. Esta canción supuso, además, un renacimiento después de una complicada etapa en la que tuvo que superar problemas de salud graves, como fue una necrosis derivada de un esguince mal curado en 1985).  

‘Tal como soy’ 

Antes de fallecer, Tino Casal publicó ‘Histeria’ en 1990, que fue un disco con un éxito discreto, menor del esperado. En él, se adelantó a los Fugees más de dos décadas haciendo su propia versión de ‘Killing Me Softly’ de Roberta Flack. Tras este trabajo dejó la música temporalmente y se dedicó a la pintura, aunque tenía varios proyectos musicales en mente, como el grabar un disco en Japón, una nueva versión de ‘Embrujada’ o grabar el musical de ‘El fantasma de la ópera’ con Miguel Ríos involucrado. 

Es una de las canciones más conocidas de Adele, además de ser una de las más conmovedoras y tristes del siglo XXI, siendo un himno generacional y uno de sus temas más personales, inspirándose directamente en una complicada ruptura que supuso luego que su expareja rehiciera su vida.

Hablamos de “Someone Like You”, que cumple 15 años desde que se diera a conocer para ser una de las canciones favoritas de Adele y de las baladas tristes en general, que citada por el mismo The Wall Street Journal, genera “reacciones intensas” por la combinación de melodía, letra y voz de la cantante británica, confirmando que este género libera dopamina, generando placer en su escucha.

La historia de “Someone Like You” y su inspiración real

“Someone Like You” no es solo la canción más reproducida y famosa de Adele, sino que es también su tema más personal, con inspiración directa de la que fue su ruptura más significativa, de una relación que duró entre 2008 y 2009, aunque nunca reveló el protagonista real detrás.

La cantante británica, tras este duro momento de su vida personal, necesitaba expresar sus sentimientos en una canción para poder pasar página y centrarse en sí misma más allá de esa decepción sentimental. Así fue como trasladó toda su emoción en un pequeño estudio de Hollywood, donde trabajó junto al compositor Dan Wilson para hacer realidad lo que fue uno de sus grandes éxitos.

Solo acompañados los dos por un piano, lograron construir un ambiente íntimo que llevó a que de ahí naciera una de las baladas más destacadas del siglo XXI, siendo también propicio para la creatividad. De hecho, durante el segundo día de grabación, Adele estaba resfriada y lejos de parar, aprovecharon el matiz áspero en su voz para generar un detalle desolador y captar ese estado emocional, en concreto en el último estribillo.

Una vez tuvieron lista “Someone Like You”, la cantante tuvo la idea de compartir la maqueta con su representante y con su madre, y esta última acabó en lágrimas casi de forma instantánea, lo que hizo prever el impacto emocional que iba a generar este tema en el público en general, y lo cierto es que fue en ese camino, porque, además sigue siendo una de sus canciones más populares.

Su canción más reproducida

Lo que sucedió cuando se publicó “Someone Like You”, entonces, no pilló por sorpresa a la cantante, aunque toda expectativa fue superada por elogio de la crítica y por entrar de lleno dentro del imaginario de la cultura pop, especialmente en momentos de tristeza, rupturas o superación personal.

Uno de los momentos más destacados fue su interpretación en directo en los premios Brit Awards 2011, que todavía acentuó más el impacto que tuvo la canción, que de esta forma dio el salto definitivo a nivel internacional, cuando los críticos se pusieron de acuerdo en enfatizar la madurez vocal y honestidad de una cantante que entonces tenía solo 22 años cuando la grabó.

El resultado fue que “Someone Like You” se convirtió en el primer sencillo de la década de los 2010 en ser certificado seis veces Platino tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, donde tuvo su momento álgido entre finales de verano y principios de otoño de 2011, hace justo 15 años. Actualmente, con más de 2.500 millones de reproducciones en plataformas como Spotify hace que sea la canción más reproducida de Adele, a pesar de que luego grabó otros éxitos.

Frente a 30.000 personas en La Defense de París, el sábado 12 de septiembre, Celine Dion puso fin a seis años alejada de los escenarios con el primero de sus conciertos que ofrecerá en una residencia en la capital francesa que tendrá una primera tanda este otoño 2026 y una segunda en la primavera de 2027.

Con ‘On Ne Change Pas’, la canción que abrió el concierto, la emoción ya estaba a flor de piel, y la cantante apenas pudo terminar los primeros versos de una actuación en la que solo estaba acompañada por un piano. “Prometí volver a los escenarios y aquí estoy” dijo la intérprete.

Una vuelta que ya se gestó en París

La ciudad de París está teniendo un significado especial en esta etapa de Celine Dion, siendo donde ha regresado después de una pausa de seis años debido a una enfermedad rara que le impedía cantar y actuar con normalidad, pero también fue el primer lugar donde se dio el primer paso para una vuelta que se ha confirmado este septiembre.

Fue en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de París 2024 donde la artista canadiense volvió a brillar interpretando una versión del ‘Hymne a l’amour’ en plena Torre Eiffel. Ya en ese momento afirmó que su intención era volver: “Estoy lista para hacerlo”.

Y es que eran ya varios años los que llevaba lejos de los escenarios, primero debido a la pandemia de Covid-19 y luego por el diagnóstico de una enfermedad crónica y neurológica llamada ‘síndrome de la persona rígida’, que definitivamente la llevó a cancelar su gira mundial ‘Courage World Tour’.

Esta enfermedad rara afecta especialmente al control muscular, lo que lleva a sufrir crisis físicas severas, y que en el caso de Celine Dion, no permite poder cantar con normalidad al no tener el control de las cuerdas vocales. Sin embargo, años de duro entrenamiento y tratamiento le han hecho poder cumplir su promesa de regresar, y el público ha respondido con gran efusividad, con varios conciertos con entradas agotadas.

La locura de la vuelta de Celine Dion

La respuesta del público al regreso de Celine Dion ha sido importante, y esto se ha dejado también ver en las calles. De hecho, antes del primer concierto se instaló un karaoke gigante en la plaza de la Batalla de Stalingrado, en el distrito 19 de la capital francesa, con sesiones de DJs que acompañan el evento que está poniendo la banda sonora a la ciudad.

Pero hasta incluso los medios de transporte están afectados por este evento musical, pues, por ejemplo, un estudio del portal Trainline recogido por Los 40 principales, aseguraba que la conexión aérea y ferroviaria entre España y Francia había crecido un 200% durante las fechas de la residencia de la cantante.

Lista de canciones de los conciertos de Celine Dion en París

BIS

En 2001, Mariah Carey era una de las voces más influyentes del pop contemporáneo, con hasta 14 números uno en el Billboard Hot 100 solo en la década de los 90, definidos por su voz, sus famosos melismas, su autonomía autoral en comparación con otras divas como Celine Dion o Whitney Houston. Vivía entonces un momento de inflexión, con un reciente contrato firmado con Virgin Records tras dejar Sony, y fue cuando llegó ‘Glitter’.

Actualmente, ‘Glitter’ es uno de esos discos que se han revalorizado con el paso de los años, encontrando una nueva audiencia y siendo uno de los más apreciados por sus fans, pero hace 25 años fue uno de los fracasos más sonados, justo con un estreno que coincidió con el atentado del 11 de septiembre en Nueva York.

La terrible coincidencia de ‘Glitter’ con el 11S

Mariah Carey abría nueva etapa con la discográfica Virgin Records con ‘Glitter’, un proyecto que incluía un disco y una película, ambos relacionados. En el filme, interpretaba a la cantante ficticia Billie Frank y como la joven artista intenta abrirse camino en la industria musical al mismo tiempo que se enfrenta a relaciones complejas y los desafíos de la fama.

La mala fortuna, sin embargo, quiso que su estreno coincidiera con los atentados del 11S al estrenarse justamente el 11 de septiembre de 2001, un momento complicado para la industria del entretenimiento y el público, al afectar al estado de ánimo global.

Esto afectó claramente a nivel comercial, con una recaudación de poco más de cinco millones de dólares para la película, que había costado 22 millones aproximadamente, lo que fue visto como un claro fracaso, y que afectó a su carrera, provocándole un colapso público por agotamiento y la rescisión de su contrato con la discográfica, lo que se vio en su día como el fin de su trayectoria.

De hecho, Carey tardaría unos años en recuperarse hasta ‘The Emancipation of Mimi’ en 2005, especialmente por lo cruel del trato de los medios de comunicación, por lo que ella misma afirmó su negatividad hacia él: “Solía odiarlo. Pensaba: ¿por qué hice esto?”, confesó a la vez que confirmó que llegó en un momento difícil a nivel personal y profesional.

De fracaso comercial a álbum pop de culto

El fracaso de ‘Glitter’ dolió también por el hecho de que Mariah Carey había trabajado de forma personal y cercana, como ella misma ha reconocido con el paso de los años: “Hice este álbum con muchísimo cariño; fue devastador cómo se convirtió en una broma”, afirmó justo con el lanzamiento de un vinilo especial por el 25 aniversario.

Un hecho que ha vuelto a poner en valor este trabajo en la carrera de la cantante estadounidense, que ha visto la diferencia que ha recobrado con el tiempo: “Si alguien me hubiera dicho en 2001 que algún día estaría celebrando el 25 aniversario de ‘Glitter’ sin ninguna reserva de ironía, nunca lo habría creído”, explicó en el comunicado del relanzamiento.

Algo que ha podido suceder por el empuje de los fans y por ser un disco pop considerado de culto, tanto que llegó a tener su propia campaña en redes sociales bajo el hashtag #JusticeforGlitter, que en 2018 logró que se colocara en lo más alto de las listas de iTunes.

Más estrellas, más espacio y propósito de enmienda. A falta de apenas 20 días para que miles de fans traspasen su icónico portal, la San Diego Comic Con ha presentado en Málaga la segunda de las tres ediciones (al menos) que la ciudad acogerá de la gran convención de la cultura popular y el entretenimiento. La cita es del 1 al 4 de octubre.

Donde en 2025 triunfó Terminator, este año se espera a Frodo y Sam; si el año pasado una estrella de Sensación de Vivir, aquella mítica serie de la factoría Aaron Spelling, se paseó entre fans por la capital de la Costa del Sol, este año le toca a la tripulación al completo de la Rodger Young de Starship Troopers, la película de culto de Paul Verhoeven; y donde hace doce meses alrededor de 100.000 fans llenaron hasta rebosar el Palacio de Congresos de Málaga, este año se esperan cifras similares, pero para un espacio mayor, mejor definido y con mejores recorridos.

El reto es multiplicar las caras conocidas que dan valor a este evento (algo conseguido, según sus responsables) y, sobre todo, garantizar que para para todos los asistentes sea una experiencia satisfactoria más allá de la emoción de ver a sus ídolos. “Llevamos meses pensando en los espacios, los flujos y contenidos”, ha admitido Fernando Piquer, nuevo responsable de la cita, que ofrecerá 300 horas de contenido en los 60.000 metros cuadrados del Palacio de Congresos y las zonas exteriores habilitadas.

La masificación y los errores organizativos enturbiaron el disfrute el año del debut. Hubo fans que se pasaron horas en colas, que se alargaban por kilómetros hasta cruzarse unas con otras, y quienes se volvieron de vacío tras invertir cientos de euros. Las organizaciones de consumidores registraron cientos de quejas, los fans volcaron su frustración en redes y el clamor fue tal que el propio presidente de la Junta de Andalucía, Juanma Moreno, y el alcalde Francisco de la Torre dieron un tirón de orejas público a los organizadores. Tanto la Junta de Andalucía (a través de Turismo Andaluz y de la Agencia Digital Andaluza) como el Ayuntamiento de Málaga patrocinan el evento con tres millones de euros y 980.000 euros por edición, respectivamente.

Dentsu, que tiene la licencia para el evento en Europa, fue poniendo a la venta sucesivas remesas de entradas al ver que las que salían volaban. Tras marcarse un objetivo inicial de 45.000, llegaron a admitir que habían rebasado el aforo previsto para el recinto (120.000 asistentes en cuatro días, dijo su director), antes de corregirse y rebajar la cifra a 100.000.

“Queremos una Comic Con preparada para el fan”

La dirección del evento, con nuevos responsables al frente, sabe que aquella imagen lastró el éxito de la primera edición y dice que no volverá a ocurrir: habrá más espacio, al añadirse 50.000 metros cuadrados cubiertos en el exterior del Palacio de Congresos con 90 stands para firmas de artistas, expositores, los funkos o exposiciones de arte, y un nuevo estudio para encuentros más cercanos con las estrellas; se dinamizarán los flujos para evitar los cruces de cola que colapsaron el recinto el año pasado; y se pondrá a disposición de los fans una agenda virtual para ayudarles a organizarse y reservar los eventos a partir del 25 de septiembre, previa activación del “perfil del fan”.

“Queríamos escuchar, trabajar con humildad, construir una Comic Con preparada de verdad para el fan”, ha explicado Fernando Piquer, admitiendo implícitamente que eso no sucedió el año pasado. Piquer, quien ha sustituido a Javier Barbera como director ejecutivo de la cita, sí aporta una sólida experiencia en el entretenimiento, los videojuegos y los e-sports. “La experiencia del año pasado ayuda a saber cómo organizar las cosas para que todo el mundo pueda estar a gusto”, ha advertido este miércoles el alcalde De la Torre. El objetivo, insisten ahora, es que todo el mundo salga contento. “El aforo es 90.000, pero si vemos que hay que restar lo haremos. No buscamos el sold out. Si sucede, estupendo, pero lo que buscamos es la calidad”, resumen.

Las entradas, que en la primera edición costaban 50 euros, ahora cuestan 84,80 € para adultos y 37,10 € para menores de hasta 12 años, con los gastos de gestión ya incluidos.

John Romita Jr., Starship Troopers y Los Serrano

En cuanto al cartel, la presentación en Málaga apenas ha añadido novedades a lo que ya se sabía desde que sus grandes estrellas se desvelaron en Madrid a principios de julio. El evento sigue los pasos del original en San Diego: estrellas televisivas, del mundo del cómic y de todo aquello que pueda tener alguna relación con la cultura pop (los videojuegos, las miniaturas, el cosplay), capaces de atraer al fandom de cada uno de esos mundos. Figuras por las que esos fans se desplazarían desde cualquier otra parte de España e incluso de Europa. El objetivo (cumplido, según Piquer) era multiplicar por cuatro el número de estrellas la primera edición.

En ese espacio hay también concesiones a lo mainstream si cabe sostener la vinculación con el universo propio de la San Diego Comic Con. Arnold Schwarzenegger, invitado de honor de la primera edición, es una figura universal, una estrella super gigante en términos astronómicos. No hay otra comparable en esta edición, pero sí muchas más estrellas: Elijah Wood y Sean Austin (Frodo y Sam en El Señor de los Anillos); Jason Lee y Kevin Smith (Mallrats); Christopher Lambert (Los Inmortales); Mira Sorvino (Poderosa Afrodita); el elenco casi al completo de Starship Troopers (Casper Van Dien, Denise Richards, Michael Ironside, Dina Meyer y Jake Busey); o Karl Urban (The Boys). Además, la concesión patria al reparto de Los Serrano, con Antonio Resines al frente.

Eso, en cuanto al cine y a la televisión. En el cómic, la segunda gran pata de la SDCC, destaca el panel de ilustradores de Spider-Man, con con John Romita Jr, Pepe Larraz, Rick Leonardi y Giuseppe Camuncoli; Carmen Carnero (Capitana Marvel, Miles Morales) o Juanjo Guarnido (Blacksad), entre muchos otros.

Pero el objetivo declarado de los organizadores es que cada disciplina tenga sus estrellas. Desde las de nicho, como la pintura de miniaturas, con Ángel Giráldez, o el doblaje, con un elenco de lo mejor en España, a las mayoritarias, como los videojuegos (Dave Jones, creador de Lemmings o Grand Theft Auto, John Romero, de Doom, o Akira Yamaora, compositor de la banda sonora de Silent Hill) o el anime, donde este año destaca la presencia de Shin'ichirō Watanabe, el creador de la histórica Cowboy Bebop.

“Pero no queremos que sea solo una suma de nombres colocados en un programa, sino cuatro días que quieras recordar”, ha matizado Piquer. La idea es que el fan acabe sintiendo que forma parte del evento. “Que comiencen su viaje como héroes solitarios pero tras su paso se marchen formando parte de algo mucho más grande, un equipo”.  

Shakira regresa a España con una residencia de conciertos en Madrid, del 18 de septiembre al 11 de octubre, un evento musical que contará con un lugar en el recinto de conciertos adaptado exclusivamente para la fecha. Y en el escenario, una de las posibles canciones del repertorio de la artista colombiana puede ser precisamente una de las que cambió su carrera hace 25 años.

Y es que si Shakira es actualmente la artista latina femenina con mayores ventas de la historia según Forbes y ha vendido un total de 80 millones de discos es en gran parte por “Whenever, Wherever”, la que es considerada la canción que cambió su carrera definitivamente al marcar su entrada al éxito dentro del mercado anglosajón, y que le ha acarreado una trayectoria con tres premios Grammy, doce premios Grammy Latinos, cuatro premios MTV Video Music Awards, siete premios Billboard Music Awards, treinta y nueve premios Billboard Latin Music Awards y hasta seis récords Guinness.

“Whenever, Wherever”: la canción que cambió la carrera de Shakira

Lanzada a finales de agosto, como el primer sencillo de ‘Laundry Service’, el disco de su debut de forma oficial en el mercado anglosajón, “Whenever, Wherever” marcó un antes y un después en la artista colombiana, que ya estaba asentada en el mercado hispano desde los años 90 tras comenzar su trayectoria a los 13 años.

25 años han pasado de la publicación de una de las canciones más importantes de la carrera de Shakira, la primera en inglés. A esta situación llegó desde principios de 2000, cuando tras lanzar el álbum ‘MTV Unplugged’ aseguró que su próximo reto era grabar en inglés todo un disco entero: “Antes de asumir este gran desafío de escribir por primera vez en inglés, grabar mi primer álbum en este idioma y presentarlo al mundo… por supuesto que me sentía preparada, un poco asustada… en realidad, bastante asustada. Pero sabía que podía hacerlo y mi instinto siempre me decía que me lanzara sin pensarlo dos veces”, declaró entonces al medio PopEntertainment.com.

“Whenever, Wherever”, además, como suele ser habitual, fue escrita por la propia Shakira, con la ayuda de Tim Mitchell y otra de las figuras más relevantes del mercado latino como es Gloria Estefan. Una conexión latina que se nota también en la elección de ritmos como son el worldbeat o la música andina, lo que traslada directamente a Sudámerica. Un tema que habla del amor, devoción y adoración y que tuvo también su traducción al español.

Un éxito de varias generaciones

La canción superó todas las expectativas y se situó en el puesto 6 de Billboard Hot 100, con lo que en ese momento fue su posición más alta, hasta que en 2006 llegaría ‘Hips Don’t Lie’ y con la que logró por primera vez el ansiado primer puesto de la clasificación. Llegó a estar en lo más alto de la lista latina de Billboard, y estuvo en la lista de canciones más vendidas de 2002 con más de 8,5 millones de copias.

El tema ha demostrado conseguir superar con éxito varias generaciones, y una de las pruebas es que tras la actuación en la Superbowl junto a Jennifer López vivió un resurgimiento con miles de escuchas en plataformas y en compras digitales. Su videoclip también es de los más recordados de Shakira, en el que aparece rodeada de maravillas naturales y en el que ya demostró sus habilidades con la danza del vientre, que también desarrollaría en ‘Hips Don’t Lie’.

Britney Spears, como princesa del pop, ha dejado varios momentos icónicos a lo largo de su carrera musical, y en parte por sus actuaciones, que regalaban una performance que iba más allá de las propias canciones. Uno de los más recordados por el impacto que generó cumple 25 años y en ella la cantante tuvo como compañera una serpiente.

Hablamos de la icónica actuación de Britney Spears en los Video Music Awards de 2001, tan solo cinco días antes de que sucediera el ataque a las torres gemelas en Nueva York, y que para la cantante tuvo momentos muy complicados.

Britney Spears recuerda una de sus “actuaciones favoritas”

En septiembre de 2001, Britney Spears dejó con la boca abierta a compañeros de la industria, espectadores y fans al salir al escenario de los VMA para interpretar su sencillo ‘I’m Slave 4 U’ con una serpiente pitón albina, una imagen que con el tiempo ha quedado como una de las más icónicas del pop de principios de los 2000.

A pesar de que la artista aseguró que es una de sus actuaciones preferidas, también llegó a recordar en su biografía ‘The Woman in Me’ en 2023 que tiene sentimientos encontrados por el peligro que supuso: “Una de mis actuaciones favoritas fue con una pitón albina... Todavía recuerdo lo asustada que me sentí cuando me entregaron esta serpiente y subí al escenario”, escribió.

Al mismo tiempo, en sus redes sociales también recordó este hecho, y la cantante se preguntó por el destino de la serpiente, a la que el público pronto llamó Banana porque ese se creía su nombre real: - “¿Por qué lo hice? Es tan tonto. A veces me pregunto lo que habrá sido de la serpiente. ¿Alguien sabe dónde está?”, aseguró Britney.

“Yo sostuve una serpiente en los VMAs una vez, pero decidí seguir adelante 20 años más tarde y convertirme en la puta serpiente yo misma. Y como los TRUCOS SON PARA LOS NIÑOS, mierdecillas tramposas... quién sabe de qué color seré la serpiente mañana. CUÍDENSE AMIGOS, y cuidado con las serpientes”, declaró en su perfil en Instagram hace un par de años.

La suerte que corrió la serpiente

De la serpiente pitón blanca que portó Britney Spears, se sabe que en 2016, hace diez años, seguía viva, como confirmó su entrenador, Mike Hano a Variety, aunque ahí fue donde desmontó lo de Banana. Esta pesaba entre 9 y 12 kilos cuando la cogió la cantante, pero al poco tiempo llegó a los 45 kilos y longitud de 4 metros.

El caso es que el peligro que temía Spears resultó estar fundamentado, pero al mismo tiempo, el poder terminar todo bien. “Después de un par de pequeños pasos en falso porque estas personas en la televisión ... a veces simplemente no quieren escuchar, entonces se dan cuenta de que es mejor escuchar al tipo con la serpiente. Al final conseguí quedarme a solas con ella unos minutos para que lo entendiera. En un momento dado, me dijo: ‘No me va a morder, ¿verdad? Y mi respuesta es siempre, y mi agente me odia por esto, ‘Probablemente no’”.

En la saga ‘Jurassic Park’ se difundió la idea de que la resina era un conservante ideal para el material genético, un hecho que ha llegado a asentarse en la cultura popular, y que ahora desmiente un estudio internacional en el que ha participado el Instituto Botánico de Barcelona junto al Instituto de Biología Evolutiva y el Instituto Geológico y Minero de España.

En el estudio presentado, en el que se ha probado lo que pasaría si un insecto quedase atrapado en resina se ha demostrado que el material genético incluso se degrada más rápido en este medio que si está fuera de él.

Un dato que se ha demostrado erróneo

Lo que genera la ficción, la ciencia se encarga de desmontarlo en algunas ocasiones, y eso es lo que ha sucedido en este momento, con el estudio que ha sido publicado en Scientific Reports y que se ha llevado a cabo por varios institutos científicos españoles, donde han llegado a la conclusión de que los insectos que se conservan en resina no presentan mejor preservación del ADN que los mantenidos fuera de esta.

Así lo expresaba el líder del estudio, David Peris, investigador Ramón y Cajal del Instituto Botánico de Barcelona: “De hecho, en algunas de las muestras analizadas se observó una degradación más rápida del material genético en los ejemplares conservados en resina que en los que permanecieron fuera de ella”.

De esta forma, se ha llegado a la conclusión de que el ADN no es protegido de la degradación durante miles o millones de años al quedar atrapado en resina, algo que desmonta lo que se muestra en ‘Parque Jurásico, donde la premisa científica central es la clonación de dinosaurios a partir de ADN extraído de mosquitos atrapados en ámbar, quedando, así como un mito cinematográfico.

El estudio se realizó con moscas de trufa y escarabajo de harina

Para la metodología del estudio, compararon durante un mes el estado de preservación del ADN y tejidos, además de órganos internos de dos especies en concreto de insectos: la mosca de la trufa y el escarabajo de la harina. Los investigadores analizaron lo que sucedía a ejemplares atrapados en resina fresca de pino al mismo tiempo que lo hacía también con ejemplares conservados fuera y secados al aire.

Una vez se realizaron los análisis moleculares, se mostró que el ADN se degradaba también rápidamente en resina, así como fuera de ella, en un estudio de los tejidos internos que se hizo mediante tomografía con luz de sincrotrón que consiste en una técnica de imagen de alta resolución, que mostró que la resina sí puede favorecer la conservación de determinados tejidos y órganos internos, aunque este efecto no es igual en todos los organismos y depende de las características anatómicas de cada especie.

En este sentido se refirió Jesús Gómez-Zurita, investigador científico en el IBB: “Tras 30 días, tanto las moscas como los escarabajos conservados fuera de la resina presentaban tejidos claramente desecados. En cambio, las moscas atrapadas en resina mantenían estructuras internas, como los músculos, en gran medida intactas”.

Enrique Iglesias es uno de los cantantes españoles más exitosos de la historia, con más de 180 millones de copias vendidas entre álbumes de estudio y sencillos, además de que ostenta el récord mundial de 27 singles que han llegado al puesto número uno en la lista latina de Billboard.

Uno de ellos y la que es una de sus canciones más reconocidas es ‘Héroe’, que se lanzó tanto en español como en inglés (‘Hero’), y que cumple 25 años desde que se publicara y quedara como uno de los principales temas del artista, pero también de ese mismo año y la década.

Fue usada por la radio en el 11S

‘Héroe’ es una de las canciones más populares de Enrique Iglesias y una de sus baladas más reconocidas, siendo cantada, por ejemplo, por la artista Dua Lipa en su pasada gira ‘Radical Optimism Tour’ en su paso por Madrid.

Publicada el 3 de septiembre de 2001, como parte de su álbum de estudio y el segundo en inglés ‘Escape’, que a día de hoy es su disco más vendido con más de 10 millones de copias en todo el mundo, además de uno de los más reconocibles.

Apenas una semana después de su lanzamiento se produjo el atentado del 11S en el World Trade Center, y la canción fue una de las pocas que sonaron ese día en Radio DJs Nueva York durante la distinta información que se daba durante ese trágico acontecimiento.

Las lágrimas de Enrique Iglesias fueron reales

Pero no es la única ‘tragedia’ que tiene vinculada esta canción, pues el videoclip tiene su propia intrahistoria. En ella se puede ver como el propio Enrique Iglesias sale con lágrimas en su rostro, y que fueron reales, como confirmó la actriz Jennifer Love Hewitt, que fue la co-protagonista de la historia que se contaba.

Y es que como declaró más tarde la actriz durante una entrevista en Entertainment Tonight, esas lágrimas de Iglesias se debían a la tristeza que sentía al haber conocido recientemente el cantante el fallecimiento de su amiga, la también artista Aaliyah: “El detalle más loco de ese rodaje, que creo que la gente no sabe, es que Enrique y Aaliyah eran amigos muy cercanos, y la noche en que filmamos ese video, fue la noche en que ella falleció”, explicó.

Love Hewitt también desveló detalles de cómo afectó esto al rodaje: “Enrique tuvo que filmar todas esas escenas de llanto, y realmente estaba llorando porque ella había muerto. Sólo recuerdo que fue una noche realmente intensa”, añadió Hewitt al mencionado medio, quien describió que ese día el ambiente en el set era solemne y respetuoso.

Aaliya Dana Haughton, solo conocida como Aaliyah a nivel artístico, falleció el 25 de agosto de 2001 a los 22 años en un accidente de avión en las Bahamas, de donde volvía tras haber rodado el videoclip para su canción ‘Rock the Boat’. En este trágico suceso murieron ocho personas más y se produjo al poco de despegar.

Hay canciones del verano que sobreviven más allá de este período del año y una de ellas es ‘La bicicleta’ de Carlos Vives y Shakira, que cumple diez años desde que se convirtiera en uno de los grandes éxitos de 2016 y alcanzara el número 1 en más de 20 países, entre ellos España.

Un hecho que logró, además, en tiempo récord, no siendo el único hito, pues además ganó dos Grammy Latino como Canción y Grabación del año, además de que consiguió estar 20 semanas consecutivas en el primer puesto de ventas en Colombia, país originario de ambos artistas.

El homenaje a Colombia de Carlos Vives y Shakira

Lanzada a finales de mayo de 2016, ‘La bicicleta’ fue una canción colaboración entre Carlos Vives y Shakira, que fue incluida en el álbum ‘Vives’ del artista colombiano, y en la que ambos dieron homenaje a su Colombia natal, uniendo además el sonido de dos de sus artistas más globales y el folclore.

Este tema, que fue una de las revoluciones de ese año a nivel musical, recorre lugares icónicos de Colombia a través de su letra, aunque en especial de Santa Marta y Barranquilla, las ciudades natales de los dos cantantes.

Las dos localidades colombianas no solo son protagonistas de la letra, sino también en el videoclip, que llegó al billón de visitas, y en los que ambos se muestran recorriendo las dos ciudades mientras van en bicicleta y saluda a distintos vecinos, al mismo tiempo que bailaban y disfrutaban de sus paisajes.

Shakira fue la que puso título a la canción

Uno de los hechos más curiosos de ‘La bicicleta’ es que Carlos Vives llegó a ser nombrado Embajador de Buena Voluntad de la ONU por el Medio Ambiente debido al mensaje ecológico de la canción, que invita a moverse con este medio de transporte.

Aunque la gran curiosidad de este tema es como se llegó a poner este título, porque no fue el primero que tuvo, un hecho que desveló el propio artista y cuyo crédito se lleva la cantante colombiana: “Cuando entregué este álbum al presidente de Sony le mandó esa canción que no se llamaba ‘La Bicicleta’, se llamaba ‘Vallenato Desesperado’. Shaki tenía un tiempo sin grabar y le mandó esa conexión y Shaki empezó a comunicarse conmigo directamente y me decía, voy a hacerle unos arreglos a ‘La Bicicleta’, ahí te mando ‘La Bicicleta’. Y ya me le cambió el nombre a la canción. ‘La Bicicleta’ terminó llamándose por ella”, declaró el artista en una entrevista.

De hecho, si bien Vives ya había compuesto y dedicado varias canciones a una bicicleta, debido a su fuerte vínculo con este deporte y medio de transporte, nunca había formado parte de un título: “No es mi primera canción que hablo de una bicicleta, siempre en mis canciones hablo de la bicicleta porque estuve en los primeros ciclos de motocross de mi país”, desvelaba.

La colaboración, además, se gestó de una manera peculiar. Y es que, si bien los dos son de los cantantes más globales de Colombia, sus estilos diferentes parecían no casar, uno más abrazando el folclore y la otra más enfocada al pop anglosajón. Pero, sin embargo, decidieron tener una buena amistad desde que coincidieran en la televisión en Bogotá:

“No pensaba mucho en si iba a grabar con una diva porque lo de uno estaba en un segmento que el camino que tomé estaba en otra cosa. No pensé que pudiera acercarme a una artista que ya estaba como en lo anglo, en otra cosa”, aseguraba en una entrevista.

“Hay días buenos y días malos, pero todos ellos son dignos de recordar”. Con esta frase empieza la empresa Hobonichi su guía sobre cómo elegir y usar sus agendas, un producto que han causado furor en todo el mundo.

Las Hobonichi Techo son una colección de agendas niponas que cada 1 de setiembre se ponen en preventa online y, también anualmente, se agotan el mismo día de su salida. En Barcelona sólo hay una tienda en las que se pueden encontrar y tal es la fascinación por ellas que el establecimiento ha decidido organizar un evento para que los fans de este producto puedan ver la nueva colección.

En los encuentros, que han tenido lugar del 25 al 31 de agosto, se han podido ver los productos en persona, aunque no comprarlos ni tampoco reservarlos. La tienda, Entropía, ha acogido un flujo constante de clientas que querían tocar, ojear y elegir los productos que más les gustaban para luego poder “luchar” por ellos en la preventa.

“Creo que comprarlas va a ser un poco los juegos del hambre”, confiesa Andrea, de 34 años. Esta clienta, que trabaja en el sector editorial, asegura que son un producto por el que vale la pena todo este trámite. “Estuve comparando muchísimas agendas y planificadores y acabé comprando Hobonichi no solo por la apariencia externa, sino por el diseño del día a día”.

Jingjing, dueña de la papelería Entropía, asegura que ha notado el frenesí entre los asistentes al evento. “Todo el mundo viene con un poco de estrés”. Según confiesa, es posible que algunos modelos se agoten totalmente tanto en España como en Japón y no se puedan reponer, pero la mayoría de productos sí volverán a estar al alcance de las fans de estas agendas; aunque tendrán que esperar a octubre o noviembre.

La dueña de la papelería asegura que la Hobonichi Techo es un producto estrella. En su tienda, unos de los dos únicos puntos oficiales de venta física de estas agendas en España (la otra está en Madrid), sus ventas se multiplican exponencialmente cada año, llegando incluso a triplicarse.

Más que una agenda, un “modo de vida”

La fiebre por estas agendas niponas se explica, en parte, por su nombre. El término viene a significar algo como “libro de vida” y la empresa ha diseñado toda una campaña de marketing para comercializarlas, de la mano de una filosofía que pretende “dar rienda suelta a la creatividad” y promete ayudar a una mejor “organización y disciplina”.

Ayako Koizumi, la presidenta y directora de operaciones de Hobonichi, estuvo detrás del diseño del producto estrella de la compañía. Confiesa que la hizo pensando en lo que ella necesitaba y ha creado un producto pensado para recordar “la historia de cada uno”. Por eso, dice, “es tan importante el papel y el método de encuadernado”, apunta en declaraciones a elDiario.es.

Cuando el producto se creó en 2001, Koizumi no pensaba en vender fuera del mercado japonés, pero ahora más de la mitad de las compras son internacionales. “Yo solamente pensaba en cuál era el mejor método para recodar mi historia, mis pensamientos, y al final resultó ser algo común para todo el mundo”, explica.

La empresa ha hecho colaboraciones con artistas célebres como Eiichiro Oda, autor del manga One Piece, uno de los más famosos de todo el mundo; o la finlandesa Tove Jansson, creadora de los Moomin, unos pequeños troles escandinavos blancos y redondos que recuerdan a un hipopótamo. Esta colección, que se lanzó el 2026, fue limitada para Japón por problemas con las licencias, pero fue tan popular que en 2027 estará disponible en todo el mundo en una versión mejorada.

Pero más allá de colaboraciones y diseños externos, las Hobonichi tienen cualidades que las hacen destacar hasta en sus versiones más simples. La primera, un encuadernado que permite abrirlas completamente y hace que queden planas encima de la mesa sin necesidad de doblarlas o empujarlas. También destaca su papel, llamado Tomoe River. Son hojas finas, pero diseñadas para que sean durables y que la tinta no traspase.

Y, como ya es común en muchas agendas, tiene una cita diaria para inspirar a los lectores. “Se usa mucho como una agenda para recordar, para trabajar la parte emocional y artística, porque la calidad del papel permite trabajar con más medios como rotulador o acuarelas”, explica Jingjing.

Y, para acabar de hacer las delicias de las fans -la mayoría de sus compradoras son mujeres-, las Hobonichi también cuentan con accesorios. Desde pegatinas, washitapes (cintas de papel) y bolígrafos, hasta fundas para las libretas.

El retorno de lo analógico y el auge de lo asiático

“Abrimos en 2016. Los primeros tres años fueron bastante difíciles hasta encontrar nuestro nicho”, explica Jingjing, propietaria de la papelería Entropía. La tienda, que tiene más de 50.000 seguidores en Instagram, fue ganando prestigio a medida que pasaban los años.

“Creo que, cada vez más, la gente da valor a lo analógico”, explica la dueña, que defiende que el aumento en ventas de los últimos diez años se debe a este éxodo digital. La deriva se confirma con hashtags que se han hecho tendencia -en redes sociales, eso sí- como journaling (escritura de diario) o scrapbook (libro de recortes donde cada página es un collage). También destaca el retorno de hobbies manuales como la costura o el ganchillo.

Este gusto por lo manual, sumado a la creciente popularidad de todo lo que provenga del mundo asiático, explica el éxito de las Hobonichi, así como de tiendas como Entropía. Gran parte de sus productos de papelería provienen de Japón, Corea del Sur o China. De estos tres países salieron también productos de cultura pop de gran éxito entre la juventud como el anime y el manga, el K-pop o los libros Danmei (literatura china con personajes homosexuales).

Aunque Jingjing defiende que el éxito de la tienda no está estrictamente vinculado con esta popularidad de la cultura asiática, sí que reconoce que ha ayudado. “Influye sobre todo que cada vez haya más confianza en los productos asiáticos y se cree una relación positiva, un voto extra de confianza”, explica.

Hace solo menos de un año, Taylor Swift lanzaba su décimo segundo álbum de estudio, ‘The Life of a Showgirl’, con el que alcanzaba nuevos éxitos y volvía al sonido más pop y comercial después de su gira récord ‘The Eras Tour’ que tuvo un gran impacto a nivel cultural y socioeconómico.

Pero, aunque no hace ni un año de su último trabajo, los fans de Taylor Swift ya se encuentran creando teorías sobre cuál será el próximo proyecto de la cantante, que este 2026 ha contraído matrimonio con Travis Kelce y que el pasado junio lanzó “I Knew It, I Knew You” dentro de la Banda Sonora de la película ‘Toy Story 5’.

Así, la revista Rolling Stone ha recopilado las que están siendo las teorías más compartidas por el ‘fandom’ de Taylor Swift, que ya rumorea un posible relanzamiento de su disco debut por su 20 aniversario, un triple disco con varias versiones o incluso una regrabación de ‘Reputation’.

¿El 13º álbum de Taylor Swift tendrá 3 versiones?

Desde que el portal Page Six informara que Taylor Swift se encuentra ahora mismo “escribiendo música nueva”, según una fuente de la que no se ha revelado el nombre, los fans de la cantante han dado rienda suelta a teorías sobre el nuevo trabajo de la artista, además de que esta fue vista en Londres el mes pasado lanzando un nuevo corte de pelo, lo que históricamente ha sido para el ‘fandom’ el inicio de una nueva era.

Así, por diferentes razones, los fans ven actualmente distintas teorías relacionadas con una paleta de colores específica que habría compartido la cantante, específicamente los colores morado, verde y rojo, que habrían generado especulaciones en las redes sociales. Y es que estos fueron vistos como cambiaron durante la versión estándar del último lanzamiento, el single “I Knew It, I Knew You” a verde y morado, mientras la versión de “Blank Space” de 2014 lo hizo a rojo.

Esto se vio como los lienzos de un lanzamiento especial de lo que será el TS13, el nombre que ya recibe el décimo tercer álbum de estudio de Taylor Swift. La teoría que desarrollan los fans es que como el número es el favorito de la cantante, este disco será más grande y saldría en tres partes: una versión country, una versión para piano y una versión pop.

El 20º aniversario de su disco debut o regrabación de ‘Reputation’

La paleta de colores mencionada también ha derivado en otras teorías, según lo recopilado por Rolling Stone. Una de ellas es que publicará la versión regrabada de su álbum debut, que cumple 20 años este 2026, y que sería lanzado el 23 de octubre, un espacio en blanco entre otros lanzamientos, si se tiene en cuenta que otros discos se lanzaron en ese mismo mes.

La cantante ya se refirió a este hecho en su día y solo dejó claro que saldría “cuando sea el momento adecuado”, a la vez que “será una celebración”, con lo que las teorías han comenzado a crecer.

Pero para otros, los tres colores significan tres lanzamientos diferentes, y uno de ellos para muchos es la regrabación de ‘Reputation’, que, si bien era visto con el color negro, ha derivado en rojo desde luciera un body negro y rojo durante la presentación de este estudio.

La aparición de un nuevo mensaje de Harrison Ford sobre Indiana Jones, uno de sus personajes más icónicos, hizo que muchos pensaran que el actor iba a enfundarse de nuevo en el papel del arqueólogo a sus 84 años, pero lejos de eso, fue otra noticia la que se encargó de anunciar en la convención bianual de D23 en la que Disney presentó sus nuevos proyectos.

En ella, Disney y Harrison Ford anunciaron que Indiana Jones tendrá una nueva aventura, pero esta no será en cines, sino en el parque de atracciones de DisneyWorld de Orlando, en Florida, Estados Unidos.

La nueva aventura de Indiana Jones en DisneyWorld

Indiana Jones regresa tres años después de la última película ‘Indiana Jones y el dial del destino’, pero no en un nuevo largometraje, sino en un parque de atracciones como una de las próximas grandes atracciones que se van a estrenar en el parque DisneyWorld de Orlando, Florida.

Y en esta ocasión, Harrison Ford también volverá a dar vida a Indiana Jones, pues se encargará de prestar su imagen y voz, tal y como el mismo anunció este fin de semana en la convención bianual de Disney D23, con un mensaje grabado emitido entonces.

Así, Ford será el modelo para la creación del animatrónico del célebre personaje para ‘Indiana Jones y el mito de la serpiente de Jade’, el título que llevará la atracción que tendrá por primera vez al actor como la imagen oficial en un parque temático Disney.

El veterano contó que el miedo característico del arqueólogo a las serpientes será uno de los elementos principales de la historia, a la vez que añadió que le “entusiasma que vean su próxima aventura épica” y que tiene previsto visitarla.

La nueva atracción de Indiana Jones junto a una de ‘Encanto’

Esta atracción que trae la nueva aventura de Indiana Jones se situará en Animal Kingdom, que es uno de los cuatro grandes parques dentro de Walt Disney World, donde ya se sitúa ‘Avatar Flight of Passage’ que es un simulador de vuelo 3D basado en el mundo de Pandora de la saga de James Cameron.

Dentro de Animal Kingdom, ‘Indiana Jones and the Myth of the Jade Serpent’ estará en el área ‘Tropical Americas’, que es una nueva zona que sustituirá a DinoLand USA, y donde se ubicará también una nueva atracción que se inspirará en la película ‘Encanto. La fecha de inauguración prevista es durante el año 2027.

En la atracción de Indiana Jones, los visitantes acompañarán al icónico arqueólogo hasta el interior de un templo maya situado junto a un cenote, y pronto se verán arrastrados hacia un portal que les lleva al inframundo, lleno de murciélagos, escorpiones gigantes, fuego y también serpientes, las grandes protagonistas.

La amenaza dentro de la atracción es Tsukán, una criatura mitológica con rasgos de serpiente y de caballo que es guardiana de cenotes, grutas y ríos, inspirado en el folclore mexicano. Se espera que para su creación los animadores de Disney creen un espectáculo animatrónico que rivalice con el mismísimo Indiana Jones.

En un momento en el que los biopics musicales están a la orden del día, con el estreno de ‘Michael’ como una de las películas del año, llega una nueva propuesta basada en una banda real, aunque no es un proyecto al uso como narrativa biográfica.

Este es ‘Nimrods’, una película que es la incursión de la banda Green Day en el cine, y que, aunque se basa en los primeros años del grupo, que llegó a ser fenómeno mundial del punk rock, la trama no es exactamente solo la historia de ellos.

La primera incursión de Green Day en el cine

Producida por Live Nation Studios, la película ‘Nimrods’ es el último proyecto musical en el cine, que llega a las salas de cine de Estados Unidos este 14 de agosto, y que en España se exhibe ya desde el pasado lunes.

Este largometraje, que se basa en los primeros años de Green Day, sigue a tres adolescentes que van en busca de su sueño de triunfar en la música, lo que reflejaría de forma directa como se produjo el ascenso en la vida real de la banda estadounidense de punk rock que alcanzó el éxito masivo con su disco ‘Dookie’ de 1994, en el que sonaron canciones míticas como “Basket Case”, “American Idiot” o “Good Riddance” y que los llevaría a una trayectoria de cuatro premios Grammy.

La película está escrita y dirigida por Lee Kirk y sigue a Tommy, que es interpretado por el actor Mason Thames, que busca ser telonero de Green Day después de haberles entregado una maqueta durante un encuentro de la banda con fans. Después de que los inviten a formar parte del concierto de Nochevieja, Tommy y sus compañeros se embarcan en un viaje por Estados Unidos que irá desde Kansas a Los Ángeles.

Basado en los propios comienzos de la banda

Esta historia de los inicios de un grupo de música como telonero y viajando por todo el país se basa directamente en lo que fue el comienzo de Green Day. “Nuestro primer sueño fue dar un concierto y finalmente tuvimos la oportunidad de hacerlo”, repasó el vocalista Billie Joe Armstrong ante el diario The Independent.

“Nunca sabes, cuando estás viviendo esos momentos de tu vida y estás haciendo cosas geniales, que en ese momento no te das cuenta de que eso se convertirá algún día en una escena memorable de una película”, dijo el baterista Tre Cool en la misma entrevista.

Green Day aseguró que a través de esta película su objetivo es capturar la mentalidad juvenil y la actitud rockera del grupo, a la vez que se inspiraron en películas como ‘Rushmore’ para crear el proyecto. A pesar de que gran parte de la trama gira también sobre la banda real, el grupo no aparece en pantalla y tendrá más protagonismo como mención y también en la banda sonora.

Una retransmisión en directo a través de TikTok se convirtió la noche del martes en un escenario inesperado de horror. Durante más de media hora, Mario Armando Lavandeira Jr., mundialmente conocido como el bloguero Perez Hilton, se mostró en streaming desorientado, errático y totalmente cubierto de lo que parecía sangre, sin control ni censura por parte de la plataforma china, más restrictiva en términos de lenguaje.

Fueron los propios seguidores de Perez Hilton quienes, temiendo por su salud, alertaron a la policía y los servicios de emergencias, que se presentaron en su casa de Miami mientras el directo todavía no había sido cortado. Actualmente, permanece hospitalizado en un centro médico donde profesionales de la salud mental evalúan su estado, del que únicamente ha trascendido a través de su equipo que “puede comunicarse”.

Aunque sigue contando con una gran comunidad, Perez Hilton ya no es el hombre que una vez ostentó el poder de encumbrar o destruir carreras en Hollywood desde su blog, y en su crisis actual hay una lectura de cómo ha sido la evolución de internet. También es necesario retroceder a los años 2000 y a cómo era internet entonces para entender lo que representaba este icono del corazón.

“Es casi el primer bloguero de gossip de la historia de internet, pero tenía una manera de hacer las cosas muy negativa. Era bastante maligno y tóxico, hacía comentarios superdespectivos”, lo define sin dudar Estela Cebrián, podcaster de Las Amigas Estupendas junto a Virginia de la Cruz y redactora de la revista Lecturas. A principios de siglo y con apenas 25 años revolucionó el mundo del corazón, recién nacido el formato blog, con perezhilton.com, que tomaba el nombre de forma satírica de la famosa heredera Paris Hilton, y llegó a ser considerado como la biblia de los cotilleos. “Era prácticamente como el Gossip Girl real de internet”, compara en referencia a la serie adolescente la analista de cultura de internet Janira Planes, quien por su edad no llegó a vivir el fenómeno en toda su intensidad.

Cebrián recuerda que el bloguero fue uno de los principales responsables del acoso mediático que sufrió Britney Spears durante su colapso en 2007: “Él era uno de los que más la azuzaban porque su manera de comunicar era muy despectiva y se burlaba mucho. Se reía de los cuerpos, del físico, no había límites”.

“Todo el mundo iba a Perez Hilton para ver lo que había pasado la noche anterior. Yo me acuerdo de despertarme los domingos e ir al blog a ver qué había pasado esa semana con las celebrities”, recuerda Lucía García-Cabrera, de 36 años, consumidora habitual de cultura pop y, durante esos años, del contenido de Hilton. “Tenía una opinión mucho más fuerte que el resto de páginas o incluso que las revistas sensacionalistas tipo The Sun, su contenido era eso llevado a lo más loco. La manera en la que hablaba de las celebrities era completamente demencial”, valora en referencia a la total deshumanización.

Cuando Britney Spears sufrió un colpaso en 2007, 'él era uno de los que más la azuzaban porque su manera de comunicar era muy despectiva y se burlaba mucho. Se reía de los cuerpos, del físico, no había límites'

Estela Cebrián — periodista en Lecturas y podcaster en 'Las Amigas Estupendas'

Un ejemplo de la influencia de Hilton, cuyo blog llegó a registrar casi 250 millones de páginas vistas en un solo mes en 2009, es que incluso la academia ha estudiado su impacto. La socióloga Rebecca Tiger analizó su caso en la publicación Perez Hilton y el cuerpo de las celebrities(2013), en la que habla de cómo el blog y su audiencia construían la imagen pública de los famosos, convirtiendo la apariencia física en objeto de escrutinio, especialmente en el caso de las mujeres. Otro trabajo titulado ¿Cómo lo hace Perez?: Evaluando la transparencia y la credibilidad en la blogosfera, de Melissa Voynich, examinaba la credibilidad en 2008 que los usuarios atribuían a Hilton. La relevancia del bloguero no residía únicamente en sus cifras de lectores, sino en su capacidad para transformar la relación entre personajes famosos, medios y público en una era todavía sin redes sociales.

Con el nacimiento de Twitter en 2006, su popularización masiva hacia 2009, y el estreno de Instagram en 2010, el reinado de Perez Hilton empezó a tambalearse. “Con Instagram y Twitter la gente empezó a seguir directamente a las celebridades y ellas mismas compartían imágenes, ya no era necesario recurrir a las fotos de Getty Images de la noche anterior”, explica Lucía García-Cabrera. Así, la decadencia de Perez Hilton fue en parte consecuencia de un cambio tecnológico que permitía por primera vez al público consumir la vida de sus ídolos sin intermediarios.

Pero a esa evolución de internet también se sumó un giro cultural natural: la toma de conciencia y rechazo hacia el acoso despiadado que exhibía Perez Hilton. “Cuando empecé a ver las cosas que publicaba de Britney Spears fue cuando ya dejé de seguirlo, fue un punto y final ver cómo se aprovechaba de la fama de una persona que lo estaba pasando realmente mal, aunque también hubo muchos conflictos con Lady Gaga, con Lindsay Lohan, con Nicole Richie cuando empezó a perder mucho peso y él la llamaba cadáver... además era especialmente crítico con las mujeres”, comenta García-Cabrera. También sacó de manera forzosa del armario a actores que no habían hablado públicamente de su orientación sexual.

“Por suerte hemos avanzado bastante y se están dejando atrás este tipo de maneras de comunicar. En los 90 y 2000 estaba bien visto reírse de los famosos, pero ahora la sociedad ya no acepta comentarios despectivos”, reflexiona Estela Cebrián. “Hilton es una figura que siempre estará ligada a una época bastante oscura de internet y del periodismo en realidad”, sentencia.

Tenía una opinión mucho más fuerte que el resto de páginas o incluso que las revistas sensacionalistas tipo The Sun, su contenido era eso llevado a lo más loco. La manera en la que hablaba de las celebrities era completamente demencial

Lucía García-Cabrera — consumidora habitual de cultura pop

“La forma de generar contenido no es que haya cambiado especialmente, ha cambiado el medio en el que se comunica: antes era la fiebre de los blogs y ahora es TikTok”, considera por su parte Janira Planes, para quien el bloguero supuso un punto de inflexión a la hora de profesionalizar el cotilleo digital de manera personal. “Perez Hilton fue quien marcó un antes y un después en internet para hacerlo de manera masiva; ya no solo en foros, sino en un canal propio”, defiende. Para la analista, el ecosistema actual de creadores de contenido de “salseo”, entre los que encontramos a Javi Hoyos o Nuria Marín, “salvando mucho las distancias, bebe de este formato de exponerse a ese momento de atención, de generar expectativas”.

Consciente de su pérdida de relevancia, el bloguero trató de llevar a cabo una redención pública y en 2020 publicó TMI: My Life in Scandal, unas memorias en las que entonaba el mea culpa. “Al final me percaté de que las cosas que escribía de verdad le hacían daño a la gente, y mucho”, escribió un Perez Hilton que se disculpaba especialmente por haber sido cruel con los hijos de los famosos y por su trato a estrellas como Ariana Grande.

“La gente no lo percibió como algo honesto, sino más bien un intento de hacer todo lo posible para volver a captar la atención cuando ya no se le hacía tanto caso”, opina García-Cabrera, que tiempo atrás había sido asidua a su contenido. Él mismo ha reconocido en numerosas ocasiones haber sido plenamente consciente del daño causado sobre otras personas al no respetar ningún tipo de ética periodística.

En el internet actual el nuevo rey es el algoritmo, un sistema de visibilización de contenido personalizado que cambia de funcionamiento en cuanto los influencers creen que pueden descifrarlo. En este contexto, que paradójicamente puede ser igual de alienante, la fama de Perez Hilton se quedó atrapada en el tiempo. El hecho de haber forjado una identidad centrada en la necesidad constante de generar contenido no supone para Planes, nativa digital, “nada extraordinario”, aunque le reconoce como un posible pionero. “Siento que estamos mucho en la era del periodismo en primera persona, donde el propio ‘periodista’, aunque ninguno de ellos se quiere llamar periodista, acaba siendo el centro de la noticia”, reflexiona sobre esta ruptura de la regla clásica del periodismo de que el informador no debe ser protagonista. Cebrián, por su parte, apunta que aunque Hilton intentó adaptarse a las nuevas plataformas, la relevancia de su personaje se vio superada.

La relevancia del bloguero no residía únicamente en sus cifras de lectores, sino en su capacidad para transformar la relación entre personajes famosos, medios y público en una era todavía sin redes sociales

La hospitalización de Perez Hilton tras su crisis retransmitida en directo cierra un círculo trágico en la cultura de internet. Un hombre que llegó a facturar hasta 45.000 dólares semanales por su paquete publicitario más grande en su mejor momento de popularidad, gracias a la difamación y exposición de crisis ajenas, y terminó retransmitiendo su propia debacle en TikTok.

La web Celebrity Net Worth, que estimaba recientemente su patrimonio en 20 millones de dólares, hoy calcula que no supera los 3 millones. Él mismo había mencionado encontrarse bajo mucha presión debido a una reciente mudanza de Las Vegas a Miami por motivos familiares y se cree que una hospitalización previa de 21 días hace meses debido a una sepsis pudo haberle supuesto problemas económicos adicionales debido al sistema sanitario estadounidense, predominantemente privado. Perez Hilton también es padre soltero de tres hijos por vientre de alquiler, una práctica de adopción ilegal en España. En los últimos meses, además, aseguraba que había encontrado a Dios y que este le había salvado, apunta Lucía García-Cabrera, que observa con tristeza la deriva del personaje.

Perez Hilton, uno de los hombres más poderosos de internet antes de que existieran los influencers, es hoy prácticamente un desconocido para la generación Z. Su historia, la de un atention monster o persona que necesita atención constante, recuerda que el precio a pagar por la economía de la exposición en internet es, en muchos casos, la propia estabilidad. Mientras se recupera en Miami, todavía con pronóstico reservado, internet sigue girando.