Si usted es una de esas personas que cada vez que rompe el azúcar tostado de una crema catalana, se acuerda de cierta chica que vivía en Montmartre, es posible que le interese este artículo. 

Para aquellos que no estén tan familiarizados con Amélie, la película de 2001 dirigida por Jean-Pierre Jeunet y protagonizada por Audrey Tautou y Mathieu Kassovitz, en el párrafo anterior hacía referencia a uno de los momentos más recordados del filme; cuando el narrador nos revela que una de las cosas que más disfruta en la vida la protagonista, aparte de meter la mano en los sacos de legumbres, es romper el azúcar endurecido de, en su caso, la crème brûlée. 

Sin duda alguna, Amélie marcó a toda una generación, en especial mujeres, que vieron en el personaje una forma distinta de habitar el mundo, más mágica, más imaginativa y aparentemente al margen de las reglas que dictaban cómo debía ser una chica. Un modelo que legitimaba la sensibilidad, la rareza y cierto repliegue hacia lo propio como un espacio desde el que construir la identidad, el deseo y el relato personal.

Pero no solo les pasó a las chicas. Gerard, de 35 años, resume así el impacto que tuvo Amélie en su vida: “Me ha influido un montón, porque hizo que París y Montmartre se convirtieran en mi lugar favorito”, confiesa. “He ido cuatro veces y siempre intento hacer el recorrido de los sitios icónicos de la peli. Pero quizá en lo que más me ha influenciado ha sido en mi amor por el arte y en concreto por el arte impresionista francés. Hoy en día, soy maestro de arte en una escuela de primaria y creo que, en parte, las propuestas que hago a mi alumnado están bañadas por la influencia de la película”.

Amélie marcó a toda una generación, en especial mujeres, que vieron en el personaje una forma distinta de habitar el mundo (...) Un modelo que legitimaba la sensibilidad, la rareza y cierto repliegue hacia lo propio

La educación sentimental de los 2000

Como vemos en este ejemplo, y en otros que aparecerán a continuación, para muchas personas que crecieron a principios de los años 2000, Amélie fue mucho más que una película, casi una educación sentimental.

Elo, de 43 años, también la recuerda con pasión: “Yo la vi en octubre de 2001, que fue cuando se estrenó. Y ese año fue para mí superimportante porque cumplí 18 años y empecé la universidad… Fue la primera vez que lloré después de una película, porque me sentí muy, muy identificada”, recuerda. 

“Luego vino ya pues lo de cortarte el pelo como ella, vestir como ella, tener el póster en la habitación. Eso sí, en japonés. No sé, fue un auténtico shock encontrar a un personaje que sentía tan parecido a mí”, añade. Durante un tiempo abundaron las Amélies. 

Victoria, de 21 años, cree que, “para las niñas que hemos crecido más hacia dentro que hacia fuera, Amélie constituyó un icono en el que reconocernos y sentir que esa soledad medio soñadora y medio evitativa del mundo real, era posible en el cine”. 

El peso del tiempo

Con el paso del tiempo, esa identificación se ha ido mezclando con una nostalgia más compleja. Virginia lo formula de manera bastante melancólica: “La verdad es que Amélie me genera mucha nostalgia y algo de pena”, confiesa. “El mundo en el que transcurre la película, ya no existe. Leí una vez que hoy esa historia duraría cinco minutos: Amélie encontraría un álbum, lo publicaría en redes sociales, encontraría a Nino y fin de la historia”.

Las cabinas telefónicas, los fotomatones, incluso el tiempo para perderse por las calles, para bajar a la tienda de abajo, para aburrirse, para espiar a los vecinos e imaginar planes locos, han desaparecido casi completamente. “Son tiempos difíciles para los soñadores”, sentencia Virginia.

Pero si esa nostalgia podría haber jugado a favor de la película, el paso del tiempo y, sobre todo, la magnitud de su éxito terminaron operando en su contra. La sobreexposición convirtió a Amélie en un cliché reconocible al instante, reducido a una estética y a una actitud fácilmente caricaturizables. 

La sobreexposición convirtió a Amélie en un cliché reconocible al instante, reducido a una estética y a una actitud fácilmente caricaturizables

En ese proceso de simplificación, y quizá también de olvido de la propia película, el personaje quedó atrapado en una imagen de dulzura e ingenuidad que, leída desde los códigos actuales, empezó a generar rechazo. En plena expansión de los discursos feministas más críticos con ciertos arquetipos, muchas espectadoras comenzaron a cuestionar esa feminidad aparentemente frágil, silenciosa y volcada en los demás. 

Charas Vega, creadora de contenido y que escribe sobre cine en su cuenta @charcastrolofilm, lo plantea con claridad: “Desde la perspectiva feminista y generacional, Amélie ha sobrevivido un poco regular ya que se la ha asimilado a términos como pick me girl o manic pixie dream girl o a una construcción atravesada por la mirada masculina”.

Lo que en su momento funcionaba como refugio o identificación pasó a interpretarse, para algunas personas, como un modelo limitado o incluso problemático, dejando a Amélie más como un estereotipo superado que como icono generacional.

Volver a verla, volver a pensarla

Tengo que decir que, en mi caso, volver a ver Amélie después de tantos años me produjo un efecto inesperado. La recordaba más ingenua, más encapsulada en una estética de postal. Sin embargo, la sensación fue otra. La película resulta hoy mucho más moderna de lo que yo recordaba, más compleja en su construcción de personajes y menos complaciente de lo que el recuerdo colectivo sugiere.

Desde la perspectiva feminista y generacional, 'Amélie' ha sobrevivido un poco regular ya que se la ha asimilado a términos como 'pick me girl' o 'manic pixie dream girl' o a una construcción atravesada por la mirada masculina

Charas Vega — creadora de contenido sobre cine

El visionado me hizo pensar que quizá hemos simplificado demasiado a Amélie con el tiempo. Quizá la hemos reducido a una estética, a un peinado, a una serie de imágenes, y en ese proceso hemos dejado fuera otras capas más ricas que estaban ahí desde el primer momento.

Mi lectura coincide en lo básico con la opinión de María Castejón, profesora, especialista en representaciones de género en el audiovisual y en historia de mujeres y autora de Rebeldes y peligrosas de cine (Lengua de trapo, 2021). “Creo que lo más importante de Amélie es el propio protagonismo de ella. Su personaje es el que maneja toda la película”, explica. “Quizá chirría un poco el tema del amor romántico. Pero a la vez es una mujer súper, superindependiente. En ningún momento es una Bridget Jones que cree que si no está con un hombre su vida es un fracaso”.

“Es una mujer muy poderosa, una mujer muy libre y ese tipo de personajes nos gustan desde el feminismo”, añade. “Y además que no está todo el rato empoderándose, algo que también resulta bastante cansino”.

Un imaginario que resiste

Resulta interesante cómo el personaje sigue generando debate hoy en día. Para algunas personas, representa una feminidad que ya no encaja. Para otras, sigue siendo reconocible y válida.

María Castejón insiste en esa complejidad: “Es una persona muy sensible, muy soñadora, muy empática. Muy de ayudar a todo el mundo, muy tímida, pero a la vez una mujer muy fuerte. Entonces creo que ese tipo de feminidad está muy presente también en la actualidad, no ha caducado absolutamente nada. Ni el de ella ni el de todas las mujeres que tiene alrededor, que también son muy interesantes, como la dueña del bar, la vecina, la del estanco… En definitiva, creo que es un personaje muy actual”. 

Quizá chirría un poco el tema del amor romántico. Pero a la vez es una mujer súper, superindependiente. En ningún momento es una Bridget Jones que cree que si no está con un hombre su vida es un fracaso

María Castejón — profesora, especialista en género y audiovisual

Vista hoy en día, hay algo en Amélie que sigue funcionando. Aunque puede que no sea exactamente lo mismo que en 2001. En opinión de Elo la película sigue siendo “deliciosa, perfecta”. Y señala algo clave: “Creo que reflejó muy bien el sentir de 2001. Fue un año muy complicado. La estrenaron como un mes después de las Torres Gemelas”. 

Quizá el mensaje final de este artículo debería ser: vuelvan a ver Amélie. Cosa que no es sencilla, por cierto, porque aunque parezca sorprendente, hoy en día no está disponible en la suscripción de ninguna de las plataformas de streaming que operan en nuestro país. 

Es posible que, con motivo de sus 25 años, vuelva a las pantallas, quizá incluso al cine. Aprovechen, vuélvanla a ver y saquen sus propias conclusiones, porque quizá en los últimos años la hemos mirado con demasiada condescendencia. 

El 23 de abril de 1996, hace 30 años, se publicaba la que es considerada uno de los mayores éxitos del hip hop, pero que es versión de un tema que está incluido entre las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la lista que elaboró la revista Rolling Stone en 2021.

Hablamos de 'Killing Me Softly With His Song’ del grupo estadounidense de hip-hop Fugees, que grabó el tema para su segundo álbum con la voz de Lauryn Hill, que daba así una nueva vida a una canción que ya conoció el éxito con Roberta Flack y que han versionado artistas de géneros tan dispares como Alicia Keys, Tino Casal o Pitingo.

El renacimiento de una canción dos décadas después

La versión de Fugees y Lauryn Hill de 'Killing Me Softly With His Song’ se convirtió en todo un éxito mundial, devolviendo así al tema a lo más alto de las listas dos décadas después de su primer estrellato. En Estados Unidos, sin embargo, no apareció en la lista Billboard Hot 100 al no ser lanzado como un sencillo comercial, lo que era norma en aquel momento para poder ser incluido.

A pesar de todo ello, la canción fue todo un éxito tanto en EE.UU como fuera, siendo todo un fenómeno en Reino Unido, donde rompió el récord de mayor cantidad de reproducciones en radio en una semana y fue el segundo sencillo más vendido de todo 1996, algo similar a lo que pasaría en Alemania, Francia o Canadá.

La versión, además, logró también la aceptación de la crítica, destacando “su respeto por la original”, y reconocimientos como el Grammy a la Mejor interpretación de R&B por un dúo o grupo y su video, el MTV Video Music Award en categoría R&B, un videoclip en el que la propia Roberta Flack hacía un cameo.

De Roberta Flack a su controvertido origen

Si bien muchos saben que el 'Killing Me Softly With His Song’ de Fugees es una versión, no todos conocen que la de Roberta Flack también lo es, pues fue grabada primero por Lori Lieberman, quien asegura ser la verdadera artífice de la canción en 1971. La cantautora aseguró que se le ocurrieron gran parte de los versos tras asistir a un concierto de Don McLean en Los Ángeles, y que estos fueron escritos en una servilleta.

Esto que ella había escrito llegó a Norman Gimbel y Charles Fox, que, viendo el potencial, optaron por adaptar la letra y componer la melodía, y en 1972, tan solo un año después, Lieberman grabó la canción para su álbum debut, que, sin embargo, no tuvo éxito y pasó desapercibida.

Pero entonces la casualidad quiso que Roberta Flack la escuchara durante un vuelo de Los Ángeles a Nueva York y quedara impactada, primero por su título, y luego por su letra y melodía, que plasmó en una libreta antes de aterrizar. Ella llevaría su anotación a Quincy Jones, que la pondría en contacto con Charles Fox, y de aquí surgió su versión, modificada con detalles vocales.

Primero la presentó en un concierto en 1973 y la buena acogida la llevaría a grabarla oficialmente. Así fue como sería uno de los grandes éxitos del momento, número uno en la lista Billboard durante cinco semanas y ganaría el premio Grammy a Grabación del Año y Mejor Interpretación Femenina Pop en 1974.

A pesar de todo esto, la historia de 'Killing Me Softly With His Song’ no es perfecta y tiene una gran controversia en sus orígenes. Lori Lieberman siempre sostuvo que el núcleo de la letra fue su propia experiencia y surgieron de ella misma, siendo las aportaciones de Gimbel y Fox mínimas. De hecho, también se asegura que estos dos últimos se opusieron a un cambio de letra para la versión de Fugees, que quería lanzar con su grabación un mensaje antidroga y contra la pobreza.

Este miércoles llega a los cines españoles y de todo el mundo el biopic de Michael Jackson, “Michael”, que se basa en su vida, sobre todo en su trayectoria musical y que cuenta con su sobrino Jaafar Jackson como protagonista interpretando al rey del pop.

Antes de que se contara la carrera de Michael Jackson en el cine, el propio cantante tuvo pequeñas apariciones en películas y cortos, más allá de los documentales de sus conciertos, giras o videoclips. Es que incluso se podría contar el video de “Thriller”, que con una duración aproximada de 14 minutos y su historia de zombis como si de una peli de terror se tratase.

“El mago” (1978)

El primer trabajo del considerado rey del pop fue un remake de “El mago de Oz” con la mayoría de su reparto afroamericano. Dirigida por Sidney Lumet, coincidió con Diana Ross y con Quincy Jones, una persona que sería clave en su comienzo, pues con él produjo su disco ‘Of the Wall’ en el que se dieron sus primeros éxitos como solista, pero también sus míticos ‘Thriller’ y ‘Bad’. En esta película, Michael interpreta al espantapájaros, que fue su primer papel en el cine. El largometraje, sin embargo, no tuvo mucho éxito en taquilla.

“Capitán EO” (1986)

Pocos saben que Michael Jackson participó en un proyecto Disney, y ese fue un cortometraje en el que estuvo bajo las órdenes de Francis Ford Coppola en 1986, y que supuso la base para crear la atracción del parque temático Disney World en Florida, en el centro EPCOT. Además, tuvo también guion de George Lucas, que contó con Anjelica Huston en el papel de villana.

“Moonwalker” (1988)

Una película que se podría ligar perfectamente con su biopic “Michael” es “Moonwalker”, un proyecto experimental en el cine que mezclaba videos musicales, actuaciones en vivo, junto a una narrativa fantástica, que llegó, además, en el momento más estelar de su carrera, por lo que sí que tuvo buena acogida en la taquilla.

El propio Michael Jackson se dedicó a escribirla y producirla, siendo uno de sus puntos fuertes la lucha contra las drogas y el abuso de menores por parte de los traficantes, que esto funciona de forma perfecta como una previa a los videos de las canciones del mítico disco ‘Bad’.

“Men in Black II” (2002)

Se dice que Michael Jackson fue tan fan de la primera película de “Men in Black” que cuando se preparaba la segunda pidió tener un papel e incluso ser parte de la organización como uno de los de MIB y tener la letra código “M”.

Aunque esto finalmente no fue así, al cantante le dieron un cameo en la segunda peli, interpretándose a sí mismo como parte de otro mundo y un alienígena que quiere ser parte del grupo, tomando así motivación en lo que pasó en la vida real.

“Miss Ida y el fantasma” (2004)

Su siguiente y última aparición en el cine fue también un cameo, en este caso en la comedia ‘Miss Cast Away’ en la que participó por ser amigo del director, como favor personal. En él interpreta al agente “M.J” que es asignado por el Papa para lograr que las concursantes de un concurso de belleza que se quedaron en una isla desierta trabajen de forma encubierta para el Vaticano.

En abril de 2001 era una de las canciones del momento en el pop latino. En Estados Unidos, México o Italia fue uno de los sencillos más exitosos de ese año, y también en España, donde consolidaría a su cantante como una de las máximas exponentes del pop internacional en español.

Hablamos de “Y yo sigo aquí” de Paulina Rubio, que era número uno en los 40 principales hace 25 años en España, y fue el primer sencillo que la artista colocaba entre los éxitos de nuestro país, lo que fue uno de los hechos que haría que su disco, “Paulina”, vendiera más de 50.000 copias, con disco de oro incluido, y fuera uno de los más vendidos de ese 2001.

Consolidó el éxito internacional de Paulina Rubio

Paulina Rubio era a principios de los 2000 uno de los rostros más conocidos de la televisión en México, aunque también de la música, por haber sido parte del grupo musical Timbiriche, ser hija de la actriz Susana Dosamantes y por haber triunfado con su álbum debut como solista con canciones como “Mío”.

Sin embargo, la llamada “Chica Dorada” se había centrado más en su carrera como actriz y volvió con fuerza en la música con el disco “Paulina”, del que “Lo haré por ti” fue el primer single. Fue el tercer sencillo, “Y yo sigo aquí”, el que triunfaría a nivel internacional y convertiría a la cantante mexicana en también una estrella más allá de su país natal.

La mezcla de la canción del pop latino con la música electrónica, que se potenció con el ‘autotune’ junto a una estética visual que triunfaba entonces a principios de los 2000, combinando la electrónica con elementos futuristas, llevó a que el tema se convirtiera en un éxito global, incluso en países que no hablan español como Italia, donde fue 14 en las listas de sencillos.

Al igual pasó en Estados Unidos, donde llegó a ser número 3 en ‘Hot Latin Songs’ en Billboard, solo por detrás de Ricky Martín y Juan Gabriel. Esto permitió que el álbum “Paulina” vendiera más de 480.000 copias en el país y hasta 2,5 millones de copias a nivel mundial.

Pasó a ser llamada como “la Princesa del Pop Latino”

El éxito de “Y yo sigo aquí”, canción escrita por Estefano y Marcello Azevedo, supuso un impacto clave en la carrera de Paulina Rubio, cambiando su imagen y que fuera apodada por la prensa como “Princesa del Pop Latino” debido a su estética dorada y capacidad de adaptación a distintos géneros. De ahí, esto hizo que la cantante publicara su primer disco en inglés, “Border Girl” en 2002.

En España, desde el éxito de la canción, Paulina Rubio sería una habitual de las radios y los sonidos pop, con otros sencillos muy populares como “Lo haré por ti”, “Yo no soy esa mujer”, “Baila Casanova”, “Si tú te vas”, “Todo Mi amor” o “Ni una sola palabra”, que en 2006 fue uno de los temas que más sonaron.

La cantante Katy Perry es noticia recientemente por su asistencia al Festival de Coachella junto a su actual pareja, el ex primer ministro canadiense Justin Trudeau, a pesar de que ella nunca ha sido cabeza de cartel ni ha actuado en él, pero sí que asistió a conciertos como los de Justin Bieber, que levantó controversia en redes sociales por lo inusual que tuvo su regreso a los escenarios tras cuatro años.

Hace casi diez años, sin embargo, Katy Perry estaba de actualidad por otro hecho, y es por el lanzamiento de una canción que cambiaba por completo la imagen que tenía hasta entonces, y además guardaba un supuesto enfrentamiento con otra cantante pop.

Hablamos de “Swish Swish”, una canción que cantó con Nicki Minaj, y que incluso se llegó a decir que había eliminado después de los apoyos de esta a Trump, algo que no fue así. Pero su historia no ha estado exenta de polémica y controversia.

“Swish Swish”, la canción de la que Katy Perry se arrepiente

Lanzada como tercer sencillo de su quinto álbum, ‘Witness’, del que también forman parte canciones como “Chained to the Rhythm” y “Bon Appétit”, “Swish Swish” fue publicada el 19 de mayo de 2017, y desde el principio destacó por ser un cambio del estilo que hasta entonces llevaba la cantante, que había sido una de las máximas exponentes del llamado “pop chicle”. Así pasó más a un sonido ‘kitsch’ y con cierto mix con música electrónica.

Últimamente la canción ha sido noticia por la cancelación a Nicki Minaj debido a su apoyo a las políticas de Trump, que llevó incluso a especular de la desaparición de este tema de las plataformas musicales, pero también porque Katy Perry ha asegurado arrepentirse de haberla escrito, aunque a su vez afirma que solo ha sido “un capítulo más” en su carrera.

En su día, sin embargo, la cantante explicó en su momento que el tema pretendía ser “un gran himno para que la gente lo use cuando alguien intenta oprimirte o intimidarte”, pero con el paso del tiempo ha pasado al olvido y no ha quedado como una de las más reconocidas de la artista. En ella, durante el videoclip y los propios efectos de la música, hace referencia al baloncesto, también con versos como “tu juego está cansado, deberías retirarte”.

Nacida de un supuesto enfrentamiento con Taylor Swift

Pero si por algo dio que hablar la canción “Swish Swish” es porque en su día se comentó que había nacido como respuesta de Katy Perry a “Bad Blood” de Taylor Swift, en la que la artista indirectamente hablaba de ella. Y es que fue en 2013 cuando las dos supuestamente se enfrentaron por una disputa por sus bailarines, cuando tres de los que formaban parte del grupo de Swift se fueron en mitad de su gira ‘Red World Tour’ para trabajar con Perry en el ‘Prismatic World Tour’.

De hecho, en una entrevista con la revista Rolling Stone, Taylor Swift llegó a hablar sobre el tema sin mencionar a la californiana, al asegurar que una antigua amiga “hizo algo horrible para intentar sabotear toda una gira por estadios”. En el mencionado single, Perry hacía alusión con frases como “eres una payasa, yo soy una reina asesina en la cancha”.

Luego, sin embargo, se arreglarían sus diferencias, y fue cuando la cantante se vio obligada a cambiar frases como “no vengas a por mí” por “Dios te bendiga en tu camino, oh nena” al interpretarla en directo, y de aquí vendría su poco interés y su cierto arrepentimiento de haberla escrito. La reconciliación entre las dos estrellas se evidenció en público cuando Katy Perry apareció en el videoclip “You Need to Calm Down” de Taylor Swift, la primera como hamburguesa y la segunda como patatas fritas.

En 2001, hace 25 años, llegaba a la industria musical el primer álbum en directo de la banda M-Clan. Sin enchufe se convirtió en todo un éxito, sobre todo por una de sus canciones, “Carolina”, que fue número uno en la lista de sencillos, y que consolidaría a la banda dentro del rock español.

El grupo venía de su primer éxito, Usar y tirar, que en el 2000 vendió más de 100.000 copias vendidas en el mercado, y se animó a ofrecer su primer trabajo musical acústico, que se produjo de la mano de Alejo Stivel, ex cantante de Tequila, y grabado en Madrid, en los estudios El Álamo. En este disco, en Sin enchufe, M-Clan repasaba su trayectoria, pero también miraba hacia adelante, con ocho canciones nuevas, seis propias y dos versiones, pero también ofrecía temas con arreglos diferentes.

Así, el grupo rock versionó “Maggie May” de Rod Stewart, adaptándola al español como “Maggie despierta”, que también llegó al número uno de sencillos en España, y también “Paint it black” de The Rolling Stones, que tradujeron al castellano como “Todo Negro”, que a su vez hacía referencia a una adaptación anterior de Los Salvajes en los 60.

El disco acabaría siendo todo un éxito, convirtiendo a la banda en una de las principales del rock español a principios de los 2000, alcanzando a superar las 150.000 copias, con la trascendencia de que se trataba además de un álbum en acústico y directo.

25 años de “Carolina”, el himno de M-Clan

Actualmente, M-Clan no se entiende sin “Carolina”, su canción insignia y todo un himno de la banda rock. El estribillo “Carolina, trátame bien. No te rías de mí, no me arranques la piel. Carolina, trátame bien o al final te tendré que comer” es uno de los más conocidos de la música española a principios de los 2000.

La canción fue el primer sencillo del disco y desde entonces se convirtió en una de las más reconocibles del grupo, que llegó también al número uno de las listas de éxito a finales de marzo y abril, hace 25 años, siendo uno de los temas más destacados de la música en español en estos momentos.

A pesar de su éxito, la letra de la canción no estuvo exenta de polémica, por hacer referencia a la relación con una menor, o incluso se llegó a especular que hablaba de la cocaína, algo que desde el grupo se desmintió.

Sobre el hecho de la relación con una menor, algo que se deja entrever en versos como “La dulce niña Carolina, no tiene edad para hacer el amor. Su madre la estará buscando, eso es lo que pienso yo…”, es una de las polémicas que ha acompañado a este tema durante su historia y sobre lo que desde el grupo argumentan que es ficción.

“Al fin y al cabo es una ficción, como tantas y tantas que hay en la música y en el arte. Es una canción blanca, que refleja un poco, entre comillas, ese símbolo de Lolita, que tantas veces se ha utilizado. Es una canción de tres minutos, no es ninguna declaración de principios. Es una canción más y ya está”, defendía Ricardo Ruiperez en una entrevista en el diario Atlántico.

Sobre lo mismo habló el vocalista y líder Carlos Tarque en Vox Populi: “Cuando tuve el aluvión de críticas por Carolina me pareció alucinante la cantidad de veces que tuve que explicar que era una ficción, una historia con personajes. Lo que cuento es que ella presiona al rockero para tener sexo. No podemos convertir el arte en un espacio aséptico”.

Es una de las películas más esperadas de 2026 y verá la luz este 24 de abril en España y en gran parte de las salas mundiales. “Michael”, el biopic sobre Michael Jackson en el que su sobrino Jaafar Jackson se transforma en el rey del pop, y que ha sufrido diferentes retrasos en su fecha de estreno, de lo que se han sabido más detalles gracias al portal Variety.

Y es que, según la web, en el biopic no se hablará de la denuncia por abuso infantil que recibió el cantante en 1993 mientras se encontraba de tour por Asia y que supuso un punto de inflexión en su carrera, pues afectaría a su imagen pública. Esto obligo a rehacer toda la parte final, y de ahí el retraso de 2025 a 2026 como fecha de estreno.

¿Qué le pasó a Michael Jackson en 1993?

En enero de 1993, Michael Jackson era el rey del pop sin duda alguna y estaba en un punto álgido de su carrera. Ofreció uno de los shows del ‘halftime’ de la SuperBowl más recordados y míticos del espectáculo deportivo, ante lo que fueron más de 100 millones de espectadores en Estados Unidos. En ella cantó un repertorio que incluyó Jam, Billie Jean, Black or White, We Are the World y Heal the World, y que redefiniría lo que sería esta actuación más adelante en la cultura pop.

El año continuó a lo grande, recibiendo el Grammy Legend Award por su trayectoria y que se le otorgó de la mano de su hermana Janet Jackson, un hecho que llegó tras los tres ‘American Music Awards’ a Mejor Álbum Pop/Rock por Dangerous, Mejor Single Soul/R&B por Remember The Time, y el Premio al Mejor Artista y Humanitario Internacional.

Sin embargo, todo cambiaría en otoño de 1993, cuando Michael Jackson fue denunciado por abuso infantil a Jordan Chandler, un niño de 13 años, lo que llevó a que se abriera una investigación y se realizaran registros en su rancho de Neverland y otras propiedades.

Si bien el cantante negó todas las acusaciones, esto afectó a su imagen pública, que no volvería a tener la misma estima, además de que entonces admitió públicamente su dependencia a analgésicos y se sometió a tratamiento de rehabilitación. En enero de 1994, se llegó a un acuerdo extrajudicial en el que firmaron un acuerdo económico por una suma estimada de 23 millones de dólares, sin admitir culpabilidad, aunque esto no estuvo exento de controversia.

Omitir 1993 cambió el biopic de “Michael” y sumó presupuesto

Así, todo esto contado no formará parte del biopic de “Michael” debido a que todo un tercer acto que relataba todo esto fue omitido. Esto se debe, según Variety, al hecho de que descubrieron una demanda original que prohibía que el denunciante fuera representado en una película, algo que pasó cuando la película ya estaba completamente rodada.

Esto supuso 22 días más de rodaje, y obligar a cambiar todo el final, lo que sumó 15 millones de dólares al coste, que fue asumido por la propiedad de Jackson, porque fueron ellos mismos los que impulsaron la revisión. Así, esto retrasó el estreno del 18 de abril de 2025 inicial al 3 de octubre del mismo año para luego llegar finalmente este abril de 2026.

La película cambió así por completo, siendo una historia de su ascenso en la música y de trayectoria de sus éxitos, y ofreciendo solo la complicada relación con su padre como exploración de su vida personal, que iba a ocupar en el tercer acto mayoritariamente el impacto de las acusaciones de abuso infantil. De esta forma, se considera que el final actual se cerrará en la preparación de su icónica gira ‘Bad’ de 1987.

El hecho controversial por el que sí que pasará el biopic son las graves quemaduras que sufrió en su cuero cabelludo cuando grababa una publicidad con Pepsi en 1984, lo que le llevó a ser dependiente de analgésicos, y que derivaría finalmente en su fallecimiento en 2009.

Hace 40 años, la canción “Si tú eres mi hombre y yo tu mujer” de Jennifer Rush ocupaba lo más alto de la lista de sencillos en España, en la que se mantendría durante semanas, obteniendo un gran éxito con otra versión de las varias que ya había tenido y las que tendría, llegándose a afirmar como “la canción de amor de la década”, como reza el propio sitio web de la cantante estadounidense.

Y es que esa era la versión en español de “The Power of Love”, que había sido adaptada por Luis Gómez-Escolar, y que fue el enésimo número uno para la canción de amor que sería una de las baladas románticas más significativas de la década e interpretadas por artistas femeninas.

La historia camaleónica de “The Power of Love” de Jennifer Rush

Casi dos años antes del éxito de su versión español, en 1984, fue cuando se había publicado por primera vez la canción, grabada en Frankfurt, en Alemania, donde residía la cantante, que trabajaba entonces para el ejército de Múnich, y que había probado varias veces suerte en la música, hasta encontrar el tema que le abriría la fama.

Y es que, en 1979, antes de mudarse a Alemania, Jennifer Rush, que en realidad se llamaba Heidi Stern, había publicado su álbum debut en Estados Unidos bajo su nombre real, pero este pasó desapercibido. Con su verdadero nombre había también publicado sus primeros temas en Alemania en 1982. Como Jennifer Rush fue cuando encontró sus primeros éxitos, cuando entre febrero y marzo de 1984 realizó una gira con la Filarmónica de Berlín interpretando temas de la banda sonora de James Bond, asombrando al público con su voz.

Así, finalmente en diciembre de 1984 fue cuando “The Power of Love” vio por primera vez la luz, aunque solo llegó al número 16 en Alemania. Este éxito discreto cambiaría cuando un promotor de CBS en Londres escuchó cantarla en una convención discográfica en Hawai y en octubre de 1985, la canción tuvo una nueva vida lanzándose en el Reino Unido. Una decisión que cambiaría la carrera de Jennifer Rush, que vería como el tema que había escrito junto a sus productores la haría famosa.

De hecho, su número uno en el Reino Unido que duró cinco semanas y que permaneció 16 en total en la lista, supusieron que entrara en el Libro Guinness de los Récords como el sencillo más vendido en el país en 1985 con más de un millón de copias, tan solo en un par de meses antes de finalizar el año. Así, fue el sencillo más vendido por una artista solista femenina en la historia de la música británica, un récord que ostentó hasta 1992 cuando Whitney Houston se hizo con él con otra famosa balada romántica, “I Will Always Love You”.

Desde aquí, la década de los 80 fue de gran éxito para Jennifer Rush, que luego también tendría buenos números con canciones como “Ring Of Ice” o su dúo con Elton John, “Flames Of Paradise”, que se unieron a sus colaboraciones con otras personalidades de la música entonces como Richie Sambora de Bon Jovi, Desmond Child o Michael Bolton.

La segunda vida que le dio Céline Dion: el éxito en EE. UU

A pesar de ser el país natal de la cantante, el éxito en Estados Unidos se resistió, pues la canción solo llegó a alcanzar el puesto 57 de Billboard. No sería hasta 1993 cuando “The Power of Love” se convertiría un himno romántico también en USA, con la versión de Céline Dion, que le dio una destacada fama comercial, también en Canadá o Australia, además de reentrar en otros territorios europeos.

La versión de Céline Dion se convirtió en el sencillo más vendido por una artista femenina en 1994 en los Estados Unidos y el octavo más vendido en general, con 900.000 copias vendidas, y fue el primer número uno para la cantante canadiense, abriendo una trayectoria brillante y longeva. Tanto es así que la propia Billboard la reconoció dentro de su lista de “Mejor Canción de Amor de Todos los Tiempos”. Y es que ha quedado como una de las baladas románticas más traducidas, versionadas y todo un clásico del pop.

El regreso de Justin Bieber a los escenarios en el Festival de Coachella 2026 tras más de cuatro años después de su última gira ‘Justice World Tour’, que tuvo lugar en 2022, generó fuerte expectación, pero tampoco estuvo exento de polémica y controversia, iniciándose un fuerte debate en redes sociales.

El espectáculo de Bieber giró en torno a su música más actual, pero tampoco escapó de la nostalgia, repasando también los títulos que le hicieron famoso, dando lugar a una actuación que se movió con fuertes contrastes, entre momentos de intensidad y tranquilidad, moviéndose también en aspectos extraños que resonaron entre los asistentes, pero también los que lo siguieron por redes.

Este concierto no será la única ocasión que el cantante participe en el Festival de Coachella, que tiene lugar entre el 10 y 19 de abril en la localidad de Indio, California, pues el artista realizará una nueva actuación el próximo sábado 18 de abril.

Un espectáculo “perezoso”: las redes sentencian a Bieber en su regreso

La vuelta de Justin Bieber a los escenarios generó fuerte expectación después de cuatro años sin actuar, pero el espectáculo que llevó a cabo pareció no estar a la altura para los miles de usuarios que en redes sociales criticaron su actuación por ser “perezosa” y “carente de esfuerzo”, con calificativos que llegaron a asegurar que fue “uno de los peores shows en la historia del festival”.

Uno de los hechos más criticados fue la falta de directo del cantante, ya que muchos de los asistentes se quejaron porque usó voz pregrabada durante todas las canciones de su repertorio, pero esto no se quedó ahí, porque algunos llegaron a darse cuenta de que esta base parecía solaparse con los videoclips, dando la sensación de que lo que pasaba en el escenario quedaba en segundo plano.

Estas críticas fueron a más cuando la canción que Justin Bieber interpretaba fue su mítica canción “Baby”, de la que próximamente se cumplirán 16 años desde su lanzamiento. Era un momento muy esperado por los asistentes al concierto y muchos se quedaron decepcionados por el desempeño del artista.

“Le pagaron 10 millones de dólares para cantar karaoke”

Por si fuera poco, una de las más fuertes críticas, sobre todo a los que estaban en el festival de Coachella, fue que Justin Bieber apenas interactuó con el público, derrochando una actitud poco interesada en el ‘show’, que se acrecentó al proyectar varios contenidos desde un ordenador, donde simulaba que le pedían canciones para interpretar.

Tras todo, esto las redes sociales estallaron con comentarios como “le pagaron 10 millones de dólares para cantar karaoke de sus propias canciones en YouTube” o lo de “cantar a medias sobre tu video musical, que en realidad está más alto que tus voces, no es interpretar”. Esto hace referencia al hecho de que según reveló la revista Rolling Stone, el artista se embolsará esa cantidad por los dos conciertos en el festival.

El concierto de Justin Bieber fue de un comienzo con una primera parte protagonizada por canciones de sus álbumes 'SWAG' y 'SWAG II', para pasar luego al momento ‘nostalgia’ con temas como “Baby” o “Favorite Girl”, que marcaron sus inicios, e incluso el video de la cover de “With You” de Chris Brown que subió a YouTube y le hizo famoso. Además de actuaciones, Bieber también contó con invitados especiales de la talla de Tems, Dijon, Wizkid y Mk.gee.

Su estilo melancólico y elegante, poco estridente, inundó las radios de todo el mundo a principios de los 2000. La voz de la cantante británica sonaba mundialmente con canciones como “Thank You”, “White Flag”, “Life for Rent” o “Here With Me”, la canción que fue uno de sus mayores éxitos y que era número uno en España hace 25 años.

Tuvo una segunda oportunidad para el éxito

Pocas canciones pueden decir que han tenido una segunda oportunidad para alcanzar el éxito, con la misma artista y sin cambiar nada, sin una diferente versión. El 1 de febrero del 2001 volvía a publicarse “Here With Me”, en esta ocasión en el Reino Unido, después de haber sido lanzada por primera vez en 1999 en Estados Unidos.

El álbum del que formaba parte, “No Angel”, vivió una segunda vida exitosa y fue entonces cuando se decidió que uno de sus singles también merecía esa nueva oportunidad. Con su relanzamiento en 2001 se convirtió en uno de los éxitos del año, llegando al número cuatro en el Reino Unido, su país natal, donde alcanzaba el top 5 por segunda vez de forma consecutiva tras haberlo hecho con “Stan”, la colaboración con Eminem en la que incorporó en sample el primer verso de “Thank You”.

De hecho, no se equivocaron, fue así, en parte también porque formó parte del tema principal de la serie ‘Roswell’, que estuvo en antena entre 1999 y 2002. Alcanzó todavía más fama después de aparecer en una escena relevante de la película ‘Love Actually’, estrenada en 2003, y que se ha convertido en uno de los clásicos del cine navideño.  Así, “Here With Me” se hizo famosa en todo el mundo, no solo en Reino Unido y Estados Unidos, siendo también top 5 en países como Francia, Nueva Zelanda y llegando al número uno en Australia.

Con dos lanzamientos, en 1999 y 2001, la canción de Dido tiene también dos videoclips. El primero fue rodado en tonos sepias y mostraba a la cantante caminando por diferentes lugares, pero no acabó de convencer a la artista, que, aunque con bajo presupuesto, esperaba más creatividad para el lanzamiento del sencillo. Es por esto por lo que para su publicación internacional se grabó un segundo video en el que ella aparecía cantando sobre una cama en una habitación, que se combinó con escenas en las que caminaba por las calles de Ontario, Canadá.

Una canción que dedicó a su novio de entonces

Dido, que nació como Florian Cloud de Bounevialle O’Malley Armstrong en Londres en 1971 el día de Navidad, escribió “Here With Me” hablando sobre su relación con su novio de entonces, Bob Page, con quien se llegaría a comprometer, pero que rompería tras siete años juntos. En 2013, cuando le preguntaron sobre el tema, Dido recordó lo que significó en su carrera: “Fue la primera canción que escribí que fue buena. Es una canción de amor simple, escrita en un tiempo bastante oscuro”, admitía.

Y es que la canción fue la que marcó sus comienzos, pues la tocó por primera vez para su hermano y ella quería en un principio que encontrara un artista para que la interpretara, pero sería él quien le convencería para que ella misma la cantase. Ese mismo día firmó con la discográfica y fue como arrancó su trayectoria profesional.

Dido nunca desapareció y siguió haciendo música

Si bien Dido no volvió a tener un fuerte protagonismo en la música pop desde su estrellato a principios de los 2000, la cantante británica no dejó de lanzar discos, solo priorizó su vida personal, bajando el ritmo de lo que venía haciendo.

Un momento clave fue 2006, cuando lanzó su disco más personal y oscuro, “Safe Trip Home”. Lo grabó tras el fallecimiento de su padre y en uno de los momentos más difíciles de su vida, dicho por ella misma: “Me encanta el tercer álbum. Tiene la mayoría de mis canciones favoritas. Pero no podía cantarlas en vivo. Era tan crudo en ese momento. Mi padre acababa de morir. Muchas de ellas trataban de eso. Era como, ‘Oh Dios, no puedo hablar de esto’. No lo pensé” declaró al respecto. Por eso decidió no promocionarlo al mismo ritmo y no realizó una gira después.

Si bien publicaría más trabajos como “Girl Who Got Away”, Dido lo haría a un ritmo más pausado y no sería hasta el lanzamiento de su disco “Still on My Mind” en 2019 cuando volvió a ofrecer conciertos, 15 años después. Todo ello queriendo disfrutar de la música, pero sin la ambición de obtener un hit viral.

El 9 de abril la canción ‘Born this Way’de Lady Gaga alcanzaba al número 1 en la lista de singles en España, donde se mantuvo durante dos semanas, aunque su legado llegaba a más, siendo top 5 el álbum en España, y conectando el tema con generación de jóvenes, especialmente ‘queer’ que encontraron un reconocimiento común y que se pudo apreciar en redes sociales.

La canción ‘Born this Way’ fue más allá, abrió una nueva época para la cantante, y llevó a que le disco debutará como número 1 en hasta 28 países, vendiendo un total de 1,9 millones en su primera semana y un total de 8,2 millones de copias en total, siendo el más vendido del año 2011, justo hace 15 años.

Precisamente una década y media después la canción mantiene su legado como un himno del orgullo LGTBI moderno, de hecho, en 2021 la ciudad de West Hollywood declaró el 23 de mayo el Día de Born This Way, y la frase se convirtió en parte de identidad. Tanto que artistas como Troye Sivan, Sam Smith o Chappell Roan se abrieron camino con ella, afirmado por ellos mismos, y que anticipó la oleada de pop ideológico que vino después.

Lady Gaga respondió en el momento de su mayor expectación

Nos situamos en 2011. Lady Gaga llega como una de las artistas del momento tras los éxitos arrolladores con canciones como “Just Dance”, “Poker Face” y “Bad Romance”, por lo que la expectación era máxima para conocer su nueva música.

La cantante no defraudó. El 11 de febrero de 2011, dos días antes de lo previsto lanzó “Born this Way”, que tuvo su primera gran interpretación en los premios Grammy ese mismo año y que fue la primera canción en vender más de un millón de copias en iTunes, algo que hizo en tan solo cinco días.

El legado y significado de “Born this Way” de Lady Gaga

Lady Gaga era número uno en España hace 15 años con “Born this Way” en un contexto en el que lanzaba un mensaje con significado político. En 2011, por ejemplo, el matrimonio igualitario era ilegal en gran parte de Estados Unidos y las identidades trans no tenían apenas representación mediática, con lo que el tema llegó cuando se necesitaba.

Y es que la canción se convirtió en un himno sin metáforas, hablando en sentido claro, de hecho, fue la primera que incluyó como tal la palabra ‘transgender’. Aunque esto también le valió a que fuera censurada en radios de algunos países como Malasia, donde llegaron a justificarse en que “no se debe publicitar un estilo de vida que no corresponde con los valores del país”.

En el significado de la canción se encuentran varias capas, en el nivel más literal, el mensaje es simple, pero poderoso: no hay nada roto en ti. Lo dice con la mecánica más eficaz del pop: repetición, afirmaciones directas y una segunda persona que suena a abrazo colectivo, con frases como “Don't be a drag, just be a queen”. En “Born this Way”, Lady Gaga también apela a la ética comunitaria llamando a cuidar el entorno afectivo con versos como “give yourself prudence and love your friends”, y también a la religión que ha sido fuente de culpa para muchas personas del colectivo al decir “God makes no mistakes”.

La canción no escapó de la polémica

Además del éxito, “Born this Way” también tuvo parte de polémica. La más conocida fue el parecido con el tema de Madonna “Express Yourself”, algo que generó controversia y que alimentó la propia reina del pop al hacer un ‘mashup’ de ambas en su gira MDNA Tour en 2012. Lady Gaga reaccionó al asegurar que se había inspirado en ella y en Carl Bean, que había grabado un tema del mismo nombre en 1977. Pero esto no fue lo único, pues la canción también tuvo fuertes críticas por usar términos como ‘chola’ u ‘oriental’ para referirse a las comunidades latina y asiática, lo que generó controversia por ser ofensivos y estereotipados, a lo que no respondió la cantante de forma pública.

La semana pasada se estrenó el capítulo final de la serie ‘Love Story’, que cuenta la historia de amor y tragedia de John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette y que se ha convertido en uno de los fenómenos televisivos del comienzo del año, sobre todo en redes sociales, siendo habitual ver imágenes en Tiktok sobre la pareja o escenas destacadas.

El éxito de la serie ha traído una revalorización de la figura de JFK Jr y de Carolyn Bessette, pero también la inesperada segunda vida de popularidad de ‘George’, la revista que fundó y dirigió el hijo del que fuera presidente de los Estados Unidos, que ha visto como la demanda de sus números antiguos ha ido subiendo hasta alcanzar precios inimaginables hace semanas.

Desde la emisión de la serie ‘Love Story’, los números antiguos de la revista de JFK Jr han llegado en plataformas de ventas de segunda mano como Ebay a precios inimaginables hace apenas unos meses o años, pasando de 20 o 30 dólares a 300 o incluso 500 dolares, sobre todo el primer número.

Ya en su día, la muerte inesperada de su fundador provocó un aumento de las ventas e ingresos publicitarios, que parece que se repite al revivir sus últimos años en la serie de Ryan Murphy. ‘George’ fue una revista mensual que nació no solo por John F. Kennedy Jr, sino por también su socio comercial, Michael Berman, siendo ambos los que lanzaron este proyecto en 1995 con la editorial Hachette Filipacchi Media.

La primera portada: Cindy Crawford como George Washington

JFK Jr y Berman se conocieron en los años 80 y quisieron fundar la revista con la intención de hacer una política más accesible y entretenida, al combinar la cultura pop con ella y también con temas de actualidad, que fue un adelanto de lo que sería con el paso de las décadas. Y esto se haría realidad bajo el lema “no es la política de siempre”, y es que Kennedy creía que si los políticos eran vistos como seres humanos lograría que se involucrasen más en la vida cívica, sin mirar tanto los partidos.

En su primer número consiguieron llamar la atención y que se hablara de ella, al mostrar a Cindy Crawford vestida como George Washington, en septiembre de 1995. En ella se solía innovar en portadas con personajes de Hollywood y cultura popular, unido a entrevistas de alto perfil y de contenido político.

La revista ‘George’ continuó con este estilo y tuvo versiones llamativas como Barbra Streisand como Betsy Ross, Drew Barrymore como Marilyn Monroe y Harrison Ford como Abraham Lincoln. Pero en ninguna portada apareció JFK Jr aunque muchos lo demandaban, aunque como editor escribía su pensamiento de forma indirecta, para lo que recurría a menudo a historiadores como Steve Gillon, profesor en Oxford, a quien Kennedy contrató para que le ayudara a contextualizar sus ideas históricamente.

La revista ‘George’ tuvo un gran comienzo al atraer gran interés, pero fue durante un breve período, aunque fue la mayor circulación de cualquier revista política de Estados Unidos, en parte por la fama de JFK Jr en ese momento, aunque pronto comenzaría a perder dinero. Las discusiones entre los dos fundadores fueron a más e incluso llegó a la violencia, lo que hizo que en 1997 Berman dejara el proyecto.

La revista llegó a sobrevivir a JFK Jr, pero con el paso del tiempo perdió parte de sus características, siendo cada vez más política y seria, y cerraría en enero de 2001. La marca siguió existiendo y fue adquirida en 2022 por Gene Ho, un antiguo fotógrafo de campaña de Donald Trump, con lo que relanzó la revista con mucha diferencia a lo que fue, al presentar al actual presidente con toque de celebridad, pero el legado se reutiliza con una diferencia importante de ideología.

El anime se encuentra en un gran momento. Si bien son las series las que gozan de mayor popularidad, hay películas que también triunfan entre los aficionados a este género. Este hecho lo ha confirmado el reestreno en cines de ‘Your Name’ por su décimo aniversario, que ha sido una de las películas más vistas del fin de semana, en cuarto lugar, con casi 400.000 euros recaudados.

‘Your Name’ sigue a dos chicos cuyas vidas se entrelazan cuando una mañana ambos se despiertan en el cuerpo del otro, a pesar de que su situación es muy diferente, pues mientras Taki es un chico de la capital, Tokio, y Mitsuha, vive en un entorno rural, en un pueblo. Todo ello debido a una tragedia sucedida, que se irá desvelando más adelante en la película.

El origen de la película ‘Your Name’

Dirigida por Makoto Shinkai, fue desarrollada a partir de varias ideas, basándose en la propia historia de Japón, pero también en un relato del Período Heian y que es un origen poco conocido de la película que se ha convertido en poco tiempo, diez años, en un clásico del cine anime.

Exactamente, Shinkai se basó en una de las historias que recoge el libro 'Torikaebaya Monogatari' del Período Heian, que va del 794 al 1185 respectivamente, de autor desconocido. En ella, se habla del intercambio de cuerpos y en su día causó rechazo porque lo consideraron algo desconcertante, pero ha ido influyendo obras posteriores, también siendo uno de los principales orígenes también de ‘Tenkousei’, un largometraje de 1982 en clave comedia en el que dos adolescentes intercambian sus cuerpos al caer por las escaleras.

Pero esta no fue la única influencia que usó Shinkai, que también se basó en la tragedia del terremoto de 2011, de 9 en la escala de Richter y que dejaría un total de 18.000 fallecidos al provocar también un tsunami posterior. El director puntualizó que le influyó también el hecho de que se dieran anteriores tragedias en el país, mencionadas desde textos antiguos.

Los protagonistas hacen un cameo en otra película

El final abierto y ligeramente feliz que deja ‘Your Name’ hizo pensar que se podría dar una continuación, y aunque no hay una secuela como tal, sí que tenemos otra película en la que aparecen los dos protagonistas. Se trata de otra del mismo director, ‘El tiempo contigo’, que se estrenó en 2019 y que también protagonizan dos jóvenes, Hodaka y Hina.

En ‘El tiempo contigo’, Mitsuha aparece como una dependienta, con aspecto similar a su versión adulta en el final de ‘Your Name’, y se confirma que es ella al mostrar su apellido en una tarjeta. Taki tiene un cameo mucho más complicado de detectar, pues aparece junto a su abuela, que es uno de los primeros clientes en la casa de los Tachibana.  

El 25 de marzo de 2006, la voz de una de las cantantes españolas más internacionales se apagaba. Rocío Dúrcal, nacida como María de los Ángeles de las Heras Ortiz, fue una de las artistas españolas más completas y queridas de la historia, ganándose el título de "la española más mexicana" debido a su gran éxito en el país norteamericano y una de las voces más destacadas del género de la ranchera.

La cantante inició su carrera en los años 60 como niña prodigio del cine musical y protagonizó pronto películas icónicas de la década que la catapultaron a la fama. Sin embargo, su verdadera transformación artística ocurrió cuando decidió explorar el mundo de la música, demostrando una versatilidad vocal capaz de dominar desde el pop hasta la balada romántica.

De hecho, Dúrcal tiene el hecho de tener un Grammy Latino a la Excelencia Musical, también ha sido considerada una de las 200 mejores cantantes de la historia según la revista Rolling Stone y una de las 50 mejores del pop latino según Billboard, por una carrera que alcanzó gran dimensión sobre todo por sus colaboraciones con el artista Juan Gabriel. Ambos revolucionaron el género de la ranchera, lo que convirtió a la madrileña en ‘mexicana de adopción’.

“Me gustas mucho” (1977)

Esa colaboración histórica con Juan Gabriel tuvo en esta canción uno de sus puntos de partida y que comenzó también el amor musical entre Rocío Dúrcal y México, que duró durante toda su vida. Esta ranchera alegre vendió más de dos millones de copias durante sus primeros años y llegó a ser el single de uno de los discos más premiados de la década de los 70 en Latinoamérica y España, además de que le valió a la artista ser coronada la “española más mexicana”.

“La gata bajo la lluvia” (1981)

Seguramente hablamos de una de las baladas más icónicas y famosas de Rocío Dúrcal. Compuesta por Rafael Pérez Botija, tiene un estilo más melancólico y sofisticado que las rancheras que la hicieron popular, y ha sido uno de los himnos del desamor más destacados del siglo XX. La canción demostró la versatilidad de la artista, que además ofrece un dominio técnico vocal en el tema.

“Amor Eterno” (1984)

Otra de las canciones exitosas que surgió del combo formado por Dúrcal y Juan Gabriel, que supone para muchos una de las más bellas y tristes, lo que ha hecho que sea utilizada como homenaje a seres queridos y perdidos, por ello también en los que recuerdan a su interprete. Fue compuesta, de hecho, cuando falleció la madre del compositor mexicano mientras él estaba en Acapulco, lo que aparece mencionado en la letra.

“Como tu mujer” (1988)

Esta canción marcó un cambio de rumbo en la carrera de la cantante. Tras años de éxito con Juan Gabriel, trabajó con otro grande de la composición como fue Marco Antonio Solís “El Buki”, quien escribió y produjo este tema, que fue un éxito rotundo, siendo número uno en listas de Billboard durante semanas, y que demostró que también podía triunfar junto a otros autores.

“Como han pasado los años” (1993)

Es otra de las joyas en el repertorio de Rocío Dúrcal, compuesta por Roberto Livi y Rafael Ferro y que habla sobre el amor maduro y como sobrevive con el paso del tiempo. Si otros de sus temas tienen un marcado tinte de melancolía o despecho, esta es más romántica y ha sido usado en aniversarios de matrimonio o pareja.

Si hablamos de himnos que dejó Queen para la historia de la música, los primeros temas que nos vienen a la cabeza son ‘Bohemian Rapsody’, ‘We Will Rock You’, ‘I want to Break Free’ e incluso ‘The Show Must Go On’, pero dentro de ese mismo álbum del que formó parte está última, hay un tema que fue un gran éxito, pero hoy podría entrar dentro del apelativo “joya escondida” del grupo británico.

Esta es ‘Innuendo’, la primera canción del disco del mismo nombre que fue la despedida de Freddie Mercury al morir tan solo diez meses después de su lanzamiento debido a complicaciones por el SIDA. De hecho, su contexto, su situación forman parte de la propia letra que él mismo compuso junto a Roger Taylor, aunque toda la banda aparece acreditada.

Así, podemos leer un comienzo que en el que da pie a entender lo que pasaba en la vida de Mercury: “Mientras el sol brilla en el cielo y el desierto tiene arena, Mientras las olas rompen en el mar y llegan a la tierra, Mientras hay viento, estrellas y el arcoíris, Hasta que las montañas se desmoronan en la llanura” (While the sun hangs in the sky and the desert has sand, While the waves crash in the sea and meet the land, While there's a wind and the stars and the rainbow, Till the mountains crumble into the plain).

Y con un final que evidencia también que hace referencia indirecta a la delicada salud del cantante: “Y lo que tenga que ser, será. Seguiremos intentándolo. Seguiremos intentándolo. Hasta el fin de los tiempos. Hasta el fin de los tiempos. Hasta el fin de los tiempos” (And whatever will be will be, We'll keep on trying, We'll just keep on trying, Till the end of time, Till the end of time, Till the end of time.)

‘Innuendo’ fue lanzada en enero de 1991 como primer sencillo del disco homónimo, aunque en España sería número uno en marzo de ese mismo año, hace 35 años. En Reino Unido debutó directamente en lo más alto y fue el primer tema en hacerlo desde ‘Under Pressure’, la colaboración junto a David Bowie, casi una década antes.

Una canción ‘Bohemian Rapsody’ vol. II

Desde su lanzamiento, ‘Innuendo’ se convirtió para muchos en una especie de secuela que bebía directamente de una de las grandes canciones del grupo, ‘Bohemian Rapsody’. Esto se debe al hecho de que comparten una estructura de una especie de rompecabezas en la que conviven diferentes géneros, y que en este caso también tenía hasta su solo de guitarra flamenca, que ejecutó Steve Howe, amigo de Mercury, y que fue el único que grabó en estudio con Queen sin formar parte de la banda.

Los críticos aseguraban que rememoraba “sus raíces de rock progresivo”, los comienzos de Queen al tocar también ‘hard rock’ y con su interludio operístico. “Todo es completamente exagerado, absolutamente brillante, incluso si está más que ligeramente influenciado por 'Bohemian Rhapsody'”, aseguró Caroline Sullivan en su crítica en Smash Hits. Y todo se coronó con un videoclip en el que se representó de forma animada a la banda en una inquietante animación stop-motion que se conoce como uno de los vídeos más oscuros y emotivos de la banda.

¿De dónde viene lo de ‘Innuendo’?

La canción y nombre del disco, Innuendo’, guarda también una curiosa anécdota. Y es que esta palabra era una de las mejores armas de Freddy Mercury en uno de sus juegos de mesa favorito, el Scrabble. La usaba siempre como una manera de sorprender a sus rivales, de lo que se sentía verdaderamente orgulloso, pues reconocía tener una gran habilidad en el juego.

‘Innuendo’ es una palabra con origen en el latín que significa una especie de presagio, un eufemismo para nombrar algo malo que pudiera ocurrir, y que casaba con el contexto que vivía entonces el propio cantante y el grupo, conscientes del posible final que estaba por llegar.

Es una de las melodías más reconocibles del pop de los 2000 en España y uno de los temas más reconocibles de la discografía de El canto del loco, y era número uno en las listas de éxitos hace 20 años exactamente. Sucedieron a ‘Rutinas’ de Chenoa el 11 de marzo y no abandonaron lo más alto hasta abril, cuando Madonna llegó con su mítico ‘Sorry’.

Hablamos de ‘Volverá’, segundo sencillo de ‘Zapatillas’, el disco más exitoso del grupo que dejó algunas de las canciones más conocidas del pop de los 2000. De hecho, es la canción que tiene récord de permanencia con cinco semanas no consecutivas en el número uno de los 40 principales y hasta 21 semanas en total entre la lista de singles.

'Zapatillas' es el disco de El canto del Loco más vendido

Es principios de 2006 y el grupo integrado por Dani Martín como vocalista, David Otero como guitarrista, Chema Ruíz como bajista y Jandro Velázquez como batería, lanza su segundo sencillo de ‘Zapatillas’. Un canto a la nostalgia, al anhelo de ese amor perdido, de una persona especial que vuelve a menudo al pensamiento, que se convirtió en uno de los grandes éxitos de la banda.

Envuelta dentro de disco en el que se basaron en historias de hechos reales, experiencias personales o no, como bien comentó el propio Dani Martín tras el lanzamiento de la canción: “Lo más importante de todo es que las canciones sean buenas. Con cada una todo el mundo se va a sentir identificado... son muy de que te levantas a las 8 de la mañana hasta que te acuestas a las 10 de la noche. Son cosas que nos pasan a todos... y cuando digo a todos digo a mi abuela, a mi padre, a mi prima pequeña y a mi hermana mayor”.

‘Zapatillas’ surgió de la convivencia entre giras: “Ha sido lo que nos ha salido. Enchufa el ampli, cógete un cuaderno y vamos a empezar a tocar. Así se ha compuesto y así se ha plasmado en el CD”, y de ahí su enfoque en el directo, y el resultado fue una gira de más de 800.000 asistentes a los cientos de conciertos que se ofrecieron, con hasta tres llenos en Las Ventas en julio de 2006 de forma consecutiva. El disco fue todo un éxito, el mayor de El canto del Loco, con más de 420.000 copias vendidas, el segundo álbum con más ventas ese año tan solo por detrás de ‘Pájaros en la cabeza’ de Amaral.

Una canción que plagió una banda nazi

Además de todo el éxito, ‘Volverá’ tiene un curioso hecho relacionado. Y es que una banda de ideología nazi llamada Hauptkampflinie plagió la canción con la misma música, aunque le varió la letra a su antojo y haciendo referencia al mensaje que querían dar.

La titularon ‘Vorwärts über Leichen’ (‘Adelante sobre cadáveres') y la colgaron en redes sociales, pero no contaban con permiso por parte de ‘El canto del Loco’ y es por ello por lo que a través de sus managers emprendieron acciones legales al utilizarla “sin ningún tipo de permiso”.

En marzo de 1986, el grupo Olé, Olé pasaba por uno de sus momentos más trascendentales. Tras la salida de Vicky Larraz para comenzar una carrera en solitario, llegaba la publicación del disco Bailando sin salir de casa, que sería el primero con su nueva vocalista, que pasaría entonces de ser una desconocida de 19 años a uno de los rostros más reconocibles del pop español.

Hablamos de Marta Sánchez, que se presentó en la escena musical con el tercer disco de Olé, Olé, que cumple 40 años. La cantante transformó la identidad del grupo hacia una estética más sofisticada, elegante y teatral, así como provocadora.

De una canción de guerra a la carta de presentación de Marta Sánchez

El primer éxito de Olé, Olé con Marta Sánchez fue la canción ‘Lili Marlén’, sencillo del mencionado disco que tan solo un día después de su salida se convirtió en número 1 de la lista de los 40 principales y todo un éxito inmediato. Un tema, sin embargo, que guarda una curiosa historia detrás, al ser una versión moderna de un himno alemán de la Segunda Guerra Mundial.

Y es que el tema ‘Lili Marleen’ había sido uno de los que había mantenido con motivación a los soldados alemanes en plena Segunda Guerra Mundial, que a su vez era una adaptación de un poema que se había escrito hace dos décadas, durante la Primera Guerra Mundial, en 1915.

Fue concretamente una noche de abril de 1915 cuando el entonces soldado Hans Leip escribió ‘Lili Marleen’ en un bloc de notas con tan solo 21 años y frente al cuartel de Kesselstrasse de Berlín, donde estaba de guardia un día antes de ser enviado al frente. En el poema, que completaría más adelante, no se dirigía a una chica, sino a dos, Lili y Marleen, de las que le dolía separarse.

No se publicaría hasta 1937 en la colección ‘Die Hafenorgel’ (El órgano del puerto) y en ese momento pasó completamente desapercibida. Fue dos años después, en 1939, cuando el compositor Norbert Schultze musicalizó la canción junto a la cantante Lale Andersen, y se convirtió en todo un éxito.

A pesar de que a Goebbels se dice que no le gustó y que la encontró “insuficientemente heroica”, de 1941 a 1945 no dejó de sonar en la radio militar Belgrado y se convirtió en uno de los temas populares a ambos lados del frente de la Segunda Guerra Mundial, pues en 1942 comenzaron a aparecer versiones en inglés.

Aunque fue la versión de Schultze la que hizo conocida a ‘Lili Marleen’, fue su compositor original, Hans Leip quien se llevó el reconocimiento, y a quien escribió el propio general estadounidense Dwight D. Eisenhower dándole las gracias de ser “el único alemán que había traído alegría al mundo entero durante la guerra”. Para él, sin embargo, sus versos fueron solo “una sencilla canción de amor sobre la triste despedida de un soldado en el frente”.

La canción, así, siguió generando versiones hasta llegar a la del grupo español Olé, Olé y que encontró en ella el inicio de una exitosa etapa junto a Marta Sánchez hasta principios de los 90, cuando la cantante se separó para iniciar una carrera en solitario que todavía perdura y que ha celebrado con su reciente álbum “40 años: 1985-2025”, junto a sus comienzos con el grupo, donde está precisamente ‘Lili Marlén’.

En marzo de 1996, de hace tres décadas, Céline Dion estaba en un gran momento profesional, con su disco ‘Falling into You’ siendo todo un éxito de ventas, pero también con una de sus canciones nominada al premio Oscar, “Because you Loved Me”, compuesto por Diane Warren, eterna pretendiente al galardón de mejor canción original.

Ese mismo año, Céline Dion, sin embargo, alcanzaría uno de sus grandes éxitos con la balada "It's All Coming Back to Me Now", que se mantuvo en el puesto número 2 de la lista Billboard durante cinco semanas. Durante sus más de siete minutos de duración es otro ejemplo de cómo la literatura universal ha influenciado himnos de la música pop porque está inspirada en Cumbres Borrascosas.

Así lo confirmó su compositor, Jim Steinman, artífice también de éxitos como “Total eclipse of the Heart” de Bonnie Tyler, a la que se le habría ofrecido anteriormente esta canción, que finalmente grabó el grupo femenino Pandora’s Box en 1989. De esta partió la de Céline Dion, que es una versión, con algunos tramos musicales aprovechados de la original.

Cumbres Borrascosas y la canción “más apasionada y romántica”

El compositor Jim Steinman, quien estuvo detrás de muchos de los temas del cantante Meat Loaf, compuso “It's All Coming Back to Me Now” en su “intento de escribir la canción más apasionada y romántica que jamás podría escribir, bajo la influencia de Cumbres Borrascosas”, que aseguró ser su novela favorita.

Fue precisamente una escena de la novela la que quiso captar, con ciertas libertades respecto a la historia original: “Esta canción es extrema, es una motocicleta erótica. Es como si Heathcliff desenterrara el cadáver de Cathy y bailara con él bajo la fría luz de la luna. No hay nada más extremo, operístico o apasionado que eso”, reconoció en una entrevista.

“It's All Coming Back to Me Now” y el lado tóxico del amor

Jim Steinman quiso plasmar uno de los principales temas que toca Cumbres Borrascosas como es el amor tóxico y lo que conlleva la intensa pasión oscura: “Trata sobre la obsesión, y eso puede ser aterrador porque pierdes el control y no sabes dónde va a parar. Dice que, en cualquier momento de la vida de alguien, cuando ha amado a alguien con suficiente intensidad y esa persona regresa, cierta caricia, cierto gesto físico puede convertirlo de ser desafiante y sentir asco con esa persona a ser de nuevo servil. Y no es solo una sensación placentera la que regresa, es el terror absoluto y la pérdida de control. Y creo que, en última instancia, eso es una gran arma”.

En “It's All Coming Back to Me Now”, que Céline Dion llevó al gran éxito convirtiéndose en uno de los clásicos de su longeva carrera musical, el compositor también tuvo influencia de Richard Wagner, del que también se confirmó admirador. En críticas como las de Sunday Times pueden ver atisbos de la ópera de Tristán e Isolda del alemán, con esa “pasión extrema y amor obsesivo”.

No ha estado paseándose por alfombras rojas, publicando fotos en Instagram o regalando colaboraciones mientras se tomaba un descanso desde su última gira: Harry Styles ha estado corriendo maratones. El artista, que alcanzó la gloria en 2023 adjudicándose el Grammy a Álbum del Año por Harry's House, bajó definitivamente la persiana a la industria musical y la dejó así durante casi tres años. Unos años que ha aprovechado para olvidarse de su estatus de estrella y jugar a ser un poquito más humano. Styles hizo en 3 horas y 24 minutos el Maratón de Tokio en marzo de 2025 y, seis meses más tarde, el Maratón de Berlín en 2 horas y 59 minutos bajo el nombre de Sted Sarandos.

Después de haberse hecho con el galardón más codiciado para cualquier persona que se dedique a esta disciplina, nadie podía esperar que Harry Styles probara suerte en el mundo del atletismo. Sin embargo, los artistas que más nos llaman la atención son aquellos que hacen lo que no esperamos que hagan. Beyoncé, Lana Del Rey, Taylor Swift, Lady Gaga... su permanencia en el foco público permanece porque nadie es capaz de predecir su siguiente paso. Y Harry Styles, que parece haber tomado nota de las mejores, se ha aplicado el cuento también a su regreso con Kiss All The Time. Disco, Occasionally. El artista ha subido la persiana dispuesto a ser el anfitrión de su propia fiesta y que te pases o no por ella no es algo que le importe demasiado.

Los primeros acordes de la nueva era del intérprete de As It Was son lo opuesto a la fórmula para labrarse un hit. Precisamente por ello, la inicial Aperture ha pasado sin pena ni gloria por las listas de éxitos. El tema, de más de cinco minutos y cuya producción se embarca en el pop electrónico y el house minimalista, es un enorme bandazo con respecto al soft-rock de su anterior trabajo. El estribillo es pegadizo, sí, pero no hay forma de que un tema así tenga cabida en las radios a pesar de que fuera su elección como primer sencillo. Y ahí radica su magia. Quizá por sus ritmos hipnóticos, quizá por la sorpresa de quien la canta, la canción actúa como una droga que da la bienvenida a la discoteca del cantante.

La música que envuelve el cuarto álbum de estudio de Harry Styles no es para todo el mundo, pero el artista elige el riesgo para ofrecer un viaje atractivo que confirma su triunfo. Una decisión mucho menos aburrida que la tomada por Bruno Mars hace tan solo una semana, quien fue a lo seguro para dar a sus fans un disco que carece de giros y que busca contentar a la mayor parte de sus oyentes. “Las bebidas van directas a mis rodillas”, reconoce en el tema de apertura el que fuera integrante de One Direction antes de que el grupo se separara. Sin embargo, y aunque suene paradójico, las adicciones están presentes en todo el proyecto. Solo hay que cerrar los ojos y dejarse llevar por unas melodías que en ocasiones arrasan con las propias letras.

Esta revolución sonora toca las estrellas en la sobresaliente Ready, Steady, Go!, en la que el ritmo muestra su garra al combinar una guitarra española con la batería. Es uno de los momentos excepcionales del disco, alzando el instrumental y dejando que se apodere de la atmósfera. Lo mismo ocurre en la sofisticada The Waiting Game, en la que vuelven a aparecer las cuerdas para dejar en un segundo plano la reflexión del autor. Esto, que puede resultar interesante, no se ejecuta con tanto éxito en Are You Listening Yet?, donde el peso que se otorga a la producción no consigue ser lo suficientemente memorable para que perdure en la memoria. Pese a que Styles se pregunta si puedes oír la voz que está dentro de tu cabeza, lo cierto es que en esta canción es más sencillo que escuchar la suya.

No obstante, la fiesta de Harry Styles no solo está aupada por la electrónica. El artista británico se deja arropar por una orquesta y un piano en la delicada Coming Up Roses, canción que nació como un villancico y que acabó evolucionando hasta convertirse en la balada del álbum. Poco queda ahora de la Navidad que inspiró al artista más allá del primer verso: “Cuéntame tus miedos / He retrocedido el reloj, es esa época del año”. El cantante fantasea con “perseguir la resaca” en una metáfora de alcanzar el placer temporal más allá de las consecuencias posteriores, uno de los pensamientos que más destacan en Kiss All The Time. Disco, Occasionally, donde se debate sobre si el impulso debe ser una prioridad.

No tan emocionante como evocadora de sus anteriores trabajos es Taste Back, un tema con el obvio sello del intérprete que aun así mantiene la agradable cohesión musical de la obra. Este es uno de los tres títulos con coros de Ellie Rowsell de Wolf Alice y explora el volver a abrirse al amor después de haber tenido una experiencia no muy enriquecedora. El sonido más pop del álbum, que no por ello más cautivador, se lo adjudica —no podía ser de otra manera— la canción Pop, en la que enigmáticamente canta que “es bueno probar dos sabores” bajo una energía juguetona.

Bastante más predecible es American Girls, cuyo estribillo parece sacado de su debut homónimo publicado en 2017. Es la menos experimental y a canción lo lleva a moverse entre ritmos house tranquilos. “Mis amigos están enamorados de las chicas americanas”, canta una y otra vez a lo largo de sus tres minutos de duración hasta que finalmente suena convincente. Este no es un disco para bailar, sino para esos momentos de la fiesta en los que lo único que queda es sentarse en el sillón mientras te atrapan las luces de colores intermitentes. Y, justo por eso, la agitada Dance No More se siente como un soplo de aire fresco ya al final del álbum, con un puente que sí invita a ponerse de pie.

Aun así, poco tiempo dura el éxtasis, pues Paint By Numbers, la pista siguiente, devuelve las melodías lentas de Kiss All The Time. Disco, Occasionally, que nunca terminan de molestar al conseguir dominar el ambiente. “Eres el más afortunado, oh, la ironía”, bromea Harry Styles. “Soportando el peso de los niños estadounidenses cuyos corazones rompes”, añade en la segunda estrofa. Es un tema suave que encauza de maravilla la canción de cierre, Carla’s Song, inspirada mucho en los sonidos de los 80, reuniendo todas las capas instrumentales que se han mostrado a lo largo del trabajo y provocando una perfecta explosión de sintetizadores.

Es probable que Harry Styles no hubiera optado por un trabajo como este si su principal objetivo fuera el de arrasar en ventas, como hará de todas formas. Eso no significa que su cuarto álbum lo haya alejado del mainstream —sería una locura pensar que las masas no pueden disfrutar de esta propuesta—, pero no por ello su movimiento es menos arriesgado. “¿Me quieres ahora?”, inquiere el cantante en la solvente Season 2 Weight Loss. “Quiéreme ahora”, le pide al oyente. Sin embargo, más allá de la pregunta, el artista jamás se había mostrado más desinteresado ante la respuesta del público. Ya sea por los elementos disuasorios de una fiesta o por la resaca que se avecina al apagar las luces, Harry Styles parece estar corriendo un maratón diferente.

Hay muchas personas que seguro tienen una serie en mente que les transporta a las mañanas de verano, en las que las cadenas de televisión centraban su atención en los más pequeños y jóvenes de las casas, y para la generación que creció a principios de los 2000, “H20” es una de esas ficciones con las que desayunaban o pasaban las horas de después del desayuno.

Y es que “H20”, una serie que seguía la vida de tres jóvenes que por una casualidad se convierten en sirenas cuando tocan el agua, traspasó fronteras con su éxito de su Australia natal a ser un fenómeno global de más 250 millones de espectadores, y siendo doblada en 120 idiomas.

España fue uno de esos países donde la serie alcanzó el éxito, con espectadores que seguían los pasos de Emma, Rikki y Cleo, interpretadas por las actrices Carina Heine, Claire Holt y Phoebe Tonkin. Debutó en la cadena Network Ten de Australia en 2006, de cuyo estreno se cumplen 20 años, y fue creada por Jonathan M. Shiff.

La isla de Mako es ficticia

La historia principal de “H20”, que en su versión original portaba el subtítulo de “Just add water” (solo añade agua), se desarrolla en parte en la isla de Mako, un lugar ficticio que se inspira en otras de la Costa Dorada de Australia, donde fue rodada la serie, siendo el Sea World de Queensland otra de sus localizaciones.

En la isla de Mako, un lugar mágico, es donde las jóvenes, movidas por la curiosidad de un antiguo volcán activo, caen de forma accidental en una cueva que guarda un estanque oculto, del que al bañarse en luna llena toman los poderes de convertirse en sirenas al tocar el agua. Solo bastan diez segundos para que se transformen, lo que hace que deban pasar por situaciones rocambolescas para no ser descubiertas, ya que solo confían su secreto a su amigo Lewis.

El éxito alargó la serie y se crearon dos spin-off

En un principio, los creadores de “H20” preveían solo dos temporadas de 52 episodios, pero debido a todo el fenómeno que se generó, se llevó a cabo una tercera que se estrenó con dos y tres años de diferencia respecto a las anteriores. Todo ello a pesar de que una de sus protagonistas, Claire Holt, que interpretaba a Emma, dejó la serie.

Aunque fue una producción australiana, la televisión pública alemana ZDF estaba detrás como coproductora y facilitó su distribución a nivel mundial. Tan solo un año y medio después del final, se anunció un spin-off que se llamó “Las sirenas de Mako” con tres protagonistas diferentes, y que llegó a tener 26 capítulos. Existe también una adaptación en dibujos animados llevada a cabo por la plataforma Netflix, que se tituló “H20: Mermaid Adventures”.

La canción de inicio cambió de cantante tres veces

Otra de las curiosidades de “H20” es sobre su canción de intro, compuesta para la serie de sirenas y que se llamó “No Ordinary Girl”. El tema fue interpretado por hasta tres artistas, una por temporada, comenzando con Ellie Henderson, seguida de Kate Alexa en la segunda e Indiana Evans en la tercera. La que se distribuyó en un CD fue la interpretada en la temporada 2, por Kate Alexa.