Ni “Devuélveme a mi chica” ni “Venezia” ni siquiera “Voy a pasármelo bien”, la canción más vendida del grupo Hombres G es “Marta tiene un marcapasos”, que es también uno de sus temas más famosos y el que tiene una de las letras más extrañas y curiosas a la vez.

Es uno de los temas icónicos del pop rock español de la década de 1980, a la vez que una de las más divertidas y surrealistas. Su historia real y el origen de cómo David Summers la compuso es también una extraña mezcla que dio el resultado que todos conocemos y que hace 40 años era número uno en la lista de la radio de los 40 principales.

La canción que nació de la unión de ‘La pasionaria’ y ‘Alien’

“Marta tiene un marcapasos” fue publicada como sencillo del segundo disco de Hombres G, también con un llamativo título: ‘La Cagaste Burt Lancaster’, de 1986. Escrita por el vocalista del grupo madrileño, David Summers, tiene un curioso origen que ya fue extraño y dio vida a una criatura surrealista. De alguna manera se puede decir que es una especie de canción de ‘dark romance’, en la que una chica tiene un marcapasos que incluso cobra vida en algunos momentos y que también tiene sus tintes románticos.

La historia de cómo surgió la contó el propio Summers durante una entrevista en 2021 en el programa ‘El Hormiguero’ en televisión: “En aquella época mi padre hacía chistes sobre La Pasionaria y ella tenía un marcapasos. Por aquellas fechas también se estrenó Alien. Hice una mezcla rara y salió la canción más surrealista que he hecho en mi vida y la tengo que cantar todos los días por cojones”, aseguró con toque de humor incluido, algo de lo que se bebe también en el famoso tema.

Y es que, efectivamente, “Alien, el octavo pasajero” se estrenó en 1979 y por aquel momento fue cuando el vocalista de Hombres G compuso una canción que acabaría formando parte de la historia de la trayectoria del grupo y de la historia del pop español. De ella bebió de ideas, y de Dolores Ibarruri, apodada ‘La pasionaria’, presidente del Partido Comunista de España, se apropió de su marcapasos.

El single más vendido de Hombres G

La historia de “Marta tiene un marcapasos” arrancó mucho antes de 1986, cuando se publicó como sencillo de ‘La Cagaste Burt Lancaster’. Y es que esta canción ya había aparecido como single de la banda en 1983 en Discos Lollipop, pero entonces pasó desapercibida.

Tres años después, en el momento de fama de la banda, le dieron una segunda oportunidad y se convirtió en su canción más vendida, por delante de otros icónicos temas. Ha quedado en la historia de la banda y dio título al musical que se estrenó basado en las canciones del grupo.

Todo ello a pesar de que fue acusada de plagio de la canción de Simon and Garfukel, “At the Zoo”, publicada en 1968, por la parte del estribillo, con la que coincidiría en su ritmo.

Norma Jeane Mortenson nació el 1 de junio de 1926, hace 100 años, pero el mundo la conocería como Marilyn Monroe, un mito que Hollywood creó y moldeó mucho más tarde, pero que quedaría como uno de los símbolos sexuales más populares de los años 50 y una de las actrices más cotizadas durante esa década.

De hecho, sus películas habían recaudado más de 200 millones de dólares a su temprana muerte en agosto de 1962 a los 36 años tras una sobredosis de barbitúricos. Su trayectoria cinematográfica le llevó a completar un total de 29 películas en 14 años, pero algunas de ellas son indispensables en su carrera y para conocer a la actriz más allá del mito. Todos estos filmes se encuentran disponibles actualmente en plataformas.

“Con faldas y a lo loco” (1959)

Es considerada para la crítica cinematográfica la mejor comedia de la historia. Obra de Billy Wilder, en ella Marilyn Monroe compartió protagonismo con Jack Lemmon y Tony Curtis, en una película que sigue a dos músicos que son testigos de un asesinato y al ser perseguidos por la mafia, se visten de mujeres para integrarse en un grupo de música femenino, y todo esto dará lugar a una serie de inequívocos que finalmente cerrará con uno de los finales más icónicos del cine.

A pesar de todo esto, en el contexto de la actriz, fue un rodaje muy duro porque estaba embarazada, aunque más tarde sufriría un aborto, además de que llegaba tarde y se bloqueaba en frases sencillas porque se encontraba adicta a los barbitúricos y perseguida por sus inseguridades. Sin embargo, consiguió conseguir que el personaje Sugar Kane fuera adorable y a la vez no ridícula, y en parte porque tomó a Curtis y Lemmon como “dos amigas de verdad” tras seguir el consejo de su mentor de actuación, Lee Strasberg. En ella interpreta el famoso número musical de “I Wanna Be Loved by You”.

“Los caballeros las prefieren rubias” (1953)

Pero si hay una película que consolidó el mito de Marilyn Monroe fue “Los caballeros las prefieren rubias”, que protagonizó junto a Jane Russell y dirigida por Howard Hawks. En ella aparece el destacado número musical con “Diamonds Are a Girl’s Best Friend” e interpreta a Lorelei Lee, el arquetipo de una ‘rubia ingenua’, pero también astuta, un toque que le proporcionó la actriz y que llevó a que fuera una mujer que controlaba la escena. Lo más curioso de este largometraje es que a pesar de ser uno de sus mejores trabajos, se le pagó un salario estándar aun sabiendo que era un imán para la taquilla, mientras su compañera recibió diez veces más porque venía de otro estudio.

“Vidas rebeldes” (1961)

Lamentablemente este título ostenta el hecho de ser la última película que completó la actriz antes de su muerte, un año más tarde, además de ser uno de sus mejores papeles dramáticos. Dirigida por John Huston y escrita por su entonces marido Arthur Miller, esto supuso que fuera uno de sus rodajes más complicados, porque ella consideraba que él usaba los traumas y problemas del matrimonio para el guion y los diálogos de su personaje. A todo esto, fue también la última cinta de Clark Gable, que murió en 1960, antes de que se estrenara, por un infarto. Montgomery Clift fue también compañero de reparto y fallecería apenas cinco años después.

“La tentación vive arriba” (1955)

Si hablamos del mito de Marilyn Monroe no podemos pasar por alto la que es seguramente su escena más famosa y una de las más conocidas de la historia del cine, la de la actriz sobre la rejilla del metro de Nueva York con su vestido blanco. Un momento de la película que tiene su propia leyenda, pues se rodó en la madrugada de la ciudad, rodeada de fans y fotógrafos, un hecho que se dice molestó a su entonces marido Joe DiMaggio, que provocaría una discusión violenta en el hotel más tarde y se asegura que esto marcaría el fin de su matrimonio.

En la película, dirigida por Billy Wilder, Monroe le da una voz al personaje que interpreta, que ni tenía nombre y que era una fantasía puramente sexual en la obra de Broadway, pero ella le pudo dar un toque de espontaneidad y mayor personalidad.

“Niágara” (1953)

Seguramente este sea uno de los títulos más desconocidos de Marilyn Monroe, además de mostrar uno de sus personajes más oscuros, evidenciando la versatilidad de la interprete, brillando en el cine negro y que le dio la confirmación a su estudio, la 20th Century Fox, de que podía tener más que personajes secundarios. En “Niágara”, la actriz da vida a Rose Loomi, una mujer fría y criminal que utiliza su atractivo como un arma narrativa. Una de sus curiosidades es que tiene la caminata más larga grabada de la historia del cine, con ella en un plano de espaldas durante varios metros.

Bonus: “Eva al Desnudo” (1950)

Si bien en esta película dio vida a un personaje secundario, supuso el primer trampolín hacia la fama, todo ello a pesar de ser solo unos minutos en pantalla, pero su impacto fue tal que marcaría su futura carrera como protagonista. De hecho, estaba despedida del estudio, pero finalmente el director Joseph L. Mankiewicz le dio una oportunidad por la insistencia del agente de la actriz Johnny Hyde, y finalmente quedaría fascinado por lo magnética que resultaba.

George Michael falleció a los 53 años un día de Navidad de 2016, pero dejó un legado de una larga trayectoria musical que comenzó con Wham! y que llevaría hacía una etapa más madura y creativa como solista, dejando éxitos como con el que lideraba las listas hace 30 años.

Con ‘Fastlove’, el cantante británico era número uno en la lista española de sencillos, durante varias semanas, como sucedió también en Reino Unido, y volvía así de forma triunfal tras un parón debido a sus problemas con Sony.

Uno de los mejores ‘grooves’ de todos los tiempos

La canción “Fastlove” fue publicada el 18 de abril de 1996, como primer sencillo del álbum ‘Older’, con el que George Michael volvía tras un descanso que se tomó en su carrera debido a disputas con su discográfica y un periodo de controversia. Pero el público confió en él de nuevo y lo devolvió a lo más alto, con un tema que entraría entre uno de sus grandes éxitos.

“Fastlove” se convirtió en número uno en España en 1996, pero también el séptimo número 1 que conseguía en su Reino Unido natal, manteniéndose allí durante tres semanas. Con este tema, el cantante también marcaba el inicio de una etapa más profunda y madura en su música, con letras en las que quedaba reflejado su crecimiento personal.

Por la crítica musical fue calificada como “uno de los mejores ‘grooves’ de todos los tiempos, haciendo referencia a una cualidad rítmica que te da la sensación de querer mover tu cuerpo de forma casi involuntaria, con una complicidad extrema entre la batería y el bajo. Este término nació en la era del jazz y ha sido una de las características de géneros como el funk, el soul, el R&B o la música disco, influencias que se pueden encontrar en este tema.

Y es que la canción tiene muchos giros, con un bajo que destaca en su interpretación, todo ello con una voz de George Michael en la que predomina el soul, con marcada elegancia. Con este sencillo, el cantante se distanció del pop y abarcó más R&B. En la letra abordó el hecho de la búsqueda del amor fugaz, a la vez que el desencanto amoroso, con mayor honestidad y sinceridad, que conectó con el público. En el videoclip de “Fastlove” hubo también un guiño a su periodo complicado con Sony, al aparecer unos audífonos con el logo de la marca, pero transformado en ‘Fony’, que significa ‘falso’ en inglés.

“La joya de la corona de un artista brillante”

Los que trabajaron en el proceso de grabación de la canción hablan de ella de forma especial, en la que pudieron presenciar también lo estricto que era George Michael, que quería llevar todo a la perfección y por eso dedicaba largas jornadas hasta tenerla lista. “Fue el único artista con el que trabajamos que se negó rotundamente a que le corrigieran el tono de voz”, aseguró el productor Johnny Douglas para el medio ‘Music Radar’.

Precisamente Douglas fue quien confirmó que uno de los tramos más conocidos del ‘single’ es la sección inspirada en “Forget Me Nots” de Patrice Rushen, que fue añadido posteriormente cuando casi se dio por terminada su grabación. “El resultado de esta atención obsesiva al detalle es la increíble obra que nos deja. ‘Fastlove’ es, para mío, la joya de la corona de un artista brillante”, afirmó el productor.

Esta canción fue significativa en la vida que vivía George Michael, que todavía mantenía su homosexualidad en secreto, y dos años más tarde sería detenido en Los Ángeles, lo que supuso que el punto de inflexión para revelar su identidad sexual, de detalles que ya dejó de forma sutil en “Fastlove”.

Aspiraba a ser uno de los títulos del año en cines y ha conseguido serlo. Después de haber triunfado con su estreno a principios de abril en gran parte de los cines mundiales, como Estados Unidos, este 29 de mayo ‘The Drama’, con Zendaya y Robert Pattinson, llegaba a la gran pantalla en España, donde ha sido la tercera opción escogida en el fin de semana, solo por detrás de ‘The Mandalorian and Grogu’ y ‘Michael’.

Dirigida por el noruego Kristoffer Borgli, que en su corta trayectoria no ha pasado desapercibido, ha superado una recaudación superior a los 125 millones de dólares, un éxito para un presupuesto de tan solo 28 millones, con una pareja protagonista estrella y con una premisa y tono que ha parecido enganchar entre el público. La mezcla de comedia negra, sátira social y tensión incomoda que propone la conecta con otros títulos que puedes ver antes o después.

‘Sick of Myself’ (2022)

El cine de Kristoffer Borgli no deja indiferente y ‘The Drama’ ha sido el último ejemplo de ello. Muchos lo conocieron con ‘Sick of Myself’, una película en la que ya se puede ver el gusto del noruego por desarrollar historias de parejas tóxicas, con ese tono de comedia negra. En ella, Signe y Thomas tienen una relación complicada y competitiva que cambia después de que uno de ellos se convierte en un artista de renombre, como respuesta, su pareja busca llamar la atención de forma desesperada.

‘Materialistas’ (2025)

Si en ‘The Drama’ se nos muestra la cara más oscura y retorcida de las parejas, la productora A24 presentó en el verano de 2025 la visión capitalista, más elegante, pero también satírica, dirigida por Celine Song. Hablamos de ‘Materialistas’, que, si bien no tuvo tan buena acogida por la crítica, coincide en que nos hace reflexionar sobre el amor en nuestra sociedad actual y el mito de la pareja ‘ideal’, además de contar ambas con Zoe Winters en su elenco y contar con unos protagonistas estrellas que buscan atraer a la audiencia, en este caso con Dakota Johnson, Chris Evans y Pedro Pascal.

‘Rivales’ (Challengers) (2024)

Si rescatamos una película de la filmografía de Zendaya que nos conecte con ‘The Drama’ esa podría ser ‘Rivales’, que también contó con un reparto que atrajo al público que se completó con Josh O’Connor y Mike Faist. En ella, aunque en el ámbito deportivo, se encuentran algunas similitudes como la reflexión sobre el “matrimonio perfecto”, las apariencias y lo complicado que puede ser borrar el pasado. Todo ello bajo la dirección estelar de Luca Guadagnino, que aporta elegancia, dinamismo y con un sonido y música que fue de lo mejor de su año.

‘Die My Love’ (2025)

De Zendaya a Robert Pattinson. Hay una clara recomendación si nos fijamos en su filmografía reciente como es ‘Die My Love’, estrenada el pasado otoño y en la que en esta ocasión compartió pantalla con Jennifer Lawrence. En ella, también se trata el colapso mental de una pareja, aunque en esta ocasión el conflicto no estalla antes de la boda, sino después de tener a su primer hijo. Ambas abordan el amor desde una perspectiva asfixiante, visceral y cargada de delirio, aunque esta desde un punto de vista más dramático.

‘Perdida’ (Gone Girl) (2014)

Si nos adentramos en el thriller psicológico puro en el que se nos muestra a una pareja aparentemente perfecta que se desmorona por esconder secretos y por dinámicas tóxicas, un clásico reciente es ‘Perdida’, protagonizada por Ben Affleck y Rosamund Pike, y dirigida por David Fincher. En ella, el matrimonio es también una zona de guerra, aunque también explora tintes más dramáticos.

Bonus track: ‘La proposición’ (2009)

Un punto interesante para un visionado relacionado con ‘The Drama’ puede ser ‘La proposición’, que ofrece un punto de vista totalmente distinto a la previa de una boda que nos conecta más con el tono que ofrecían las comedias románticas de los años 2000, más alegres y superficiales. Si pesa el drama de una, la otra nos llena de risas, en la que también los protagonistas se desvelan secretos antes de casarse, aunque en este caso es obligado debido a que van a realizar un matrimonio de conveniencia. De esta forma, tenemos un contraste interesante de cómo ha envejecido el género, con otra pareja estrella de su momento como Sandra Bullock y Ryan Reynolds.

Actualmente el hip-hop es uno de los géneros más escuchados de la música en todo el mundo, pero su estatus estaba lejos de pensar que podría llegar a esto en sus comienzos en el barrio del Bronx de Nueva York, cuando era casi invisible para la industria musical. Sin embargo, todo empezaría a cambiar en 1981, pero lo más curioso es que no se debió exactamente a una canción del género, sino que vino del pop y ‘new wave’.

Y es que hace 45 años que la primera canción con rap en llegar al número uno de Billboard Hot 100 en Estados Unidos alcanzaba también lo más alto en las listas españolas, justo en el momento cumbre de la Movida Madrileña. Hablamos de “Rapture” de Blondie, un tema clave para el luego desarrollo del hip-hop en la cultura popular.

El rap llega al número uno en Billboard y suena en MTV

Son una de las bandas que forman parte del Salón de la Fama del Rock and Roll, desde hace 20 años, pero más allá de eso han sido un grupo que ha tocado muchos géneros y ha sabido reinventarse en diferentes épocas. La historia de Blondie es la de un grupo que nació dentro del ‘new wave’ neoyorquino en 1974, en el mítico local de CBGB, donde se fraguaron también los Ramones.

En 1981, su contexto era la de un grupo que estaba en la cima de su carrera, con tres sencillos que ya habían alcanzado el número uno de Billboard, aunque comenzaban también sus problemas internos. Entonces estaba formada por Debbie Harry (voz), Chris Stein (guitarra), Clem Burke (batería), Jimmy Destri (teclados), Nigel Harrison (bajo) y Frank Infante (guitarra) y publicaba su quinto álbum de estudio bajo el nombre de ‘Autoamerican’, del que salió también el single “The Tide is High”.

En este sentido, “Rapture” fue el segundo sencillo de este disco y que supuso su cuarto número uno, pero no otro más, sino que con él hicieron historia al ser el primero en lo más alto en incluir rap. Un hecho paradójico si tenemos en cuenta que Blondie era una banda muy conocida en la escena punk y ‘new wave’, pero que decidió en este álbum experimentar con otros géneros, entre ellos también el jazz o el funk.

Ese rap de “Rapture” nació cuando Chris Stein y Debbie Harry acudieron a un club en el Bronx, un hecho que relató la propia protagonista en una entrevista con The Guardian en 2014: “Mi mayor revelación llegó cuando Chris y yo fuimos a un evento en el sur del Bronx, donde había DJs haciendo scratching y gente rapeando en directo. Era algo muy local, de barrio, y simplemente fantástico”, aseguró entonces.

Allí habían sido llevados por Fred Brathwaite, uno de los pioneros del hip-hop, también llamado Fab 5 Freddy, a quién Stein había conocido a través del programa ‘TV Party’, emitido en Nueva York entre 1978 y 1982, en el que el integrante de Blondie fue copresentador. A partir de este momento, tanto Stein como Harry comenzaron a moverse por el ambiente de los grupos de hip-hop en Brooklyn y el Bronx.

El videoclip de “Rapture” también marcó un hito a nivel musical para el hip-hop, siendo el primero en incluir este género en MTV, un hecho que todavía tardaría tres años en repetirse. En él aparecían varios iconos de lo que era el rap entonces, fundiendo esta cultura con la del arte y los clubs nocturnos neoyorquinos.

“Esa fue la primera canción de rap que escucharon”

Esta canción de Blondie supuso que el género del hip-hop captara por primera vez la atención del público general, aunque el grupo estuviera lejos de ser una banda de rap. De hecho, sobre este hito habló también Debbie Harry para Entertainment Weekly: “Fue un homenaje a la forma y a la idea que representa. Pero muchos raperos me han dicho a lo largo de los años que esa fue la primera canción de rap que escucharon, porque al principio el rap no sonaba en la radio. La industria no lo veía con buenos ojos. Que ”Rapture“ llegara al número uno, de alguna manera, lo legitimó. Los chicos del hip-hop y los del punk siempre se sintieron conectados, porque todos estábamos deconstruyendo la cultura de alguna forma”, declaró.

El hip-hop fue a más, con una época dorada a mediados de los 80 y principios de los 90, que luego acabaría con su conquista mundial con artistas como Jay-Z, Eminem o Kanye West, para luego ser incluso el más escuchado del planeta en la década de los 2010, y con una omnipresencia evidente en plataformas a día de hoy. Para Blondie, sin embargo, “Rapture” fue casi el principio del fin, pues comenzaron a romperse internamente y con el fracaso de su álbum ‘The Hunter’ marcó la disolución junto a la enfermedad de Chris Stein. Sin embargo, ante todo pronóstico, regresaron a finales de la década de los 90 con éxitos como “Maria” en 1999 y que se mantienen todavía activos con Debbie Harry, Chris Stein, Leigh Foxx, Tommy Kesler y Matt Katz-Bohen como formación, sacando nueva música y giras.

La saga ‘Star Wars’ ha regresado a las salas de cine después de cinco años con ‘The Mandalorian and Grogu’, película que ha debutado en España en el número uno en su primer fin de semana y se coloca por delante de otros estrenos de la temporada con gran éxito como han sido ‘Michael’ y ‘El diablo viste de Prada 2’.

La cinta ya ha superado los 145 millones de dólares en todo el mundo, con muy buena recepción del público y crítica, y que además no hace necesario haber visto la serie previamente, como ya han asegurado Jon Favreau y Dave Filoni, detrás del proyecto. Sin embargo, para hacer más completa la experiencia y entender o recordar guiños y referencias, se pueden ver antes o después algunas de las anteriores películas de la franquicia de Lucasfilm.

‘Star Wars: El imperio contraataca’ (1980)

Si tuviéramos que tomar la película de la franquicia de ‘Star Wars’ más similar sería el Episodio V, ‘El imperio contraataca’, en la que aparece reflejado el espíritu de la relación entre maestro y aprendiz que es uno de los temas principales de la saga ‘The Mandalorian’. No es extraño encontrar paralelismos entre Yoda y Luke con Din Djarin y Grogu, además de que es en esta cinta donde se encuentra con mayor profundidad la mitología jedi.

‘Star Wars: El retorno del Jedi’ (1983)

De aquí pasamos al ‘Episodio VI’. En ‘The Mandalorian’ son constantes las referencias a Jabba el Hutt y su mundo criminal, un hecho que se comprende mucho más en esta película, en la que se entiende el universo del cazarrecompensas y señores del crimen que rodea a Din Djarin.

‘Star Wars: El despertar de la fuerza’ (2015)

Seguramente sin lo que supuso reactivar la franquicia con esta película no tendríamos a ‘The Mandalorian and Grogu’. En su momento, el largo paréntesis que tuvo la saga y el comenzar una trilogía supuso una presión que finalmente se superó. Pero, además de todo esto, esta entrega también ayuda a entender el estado de la galaxia en la era de la Nueva República que sirve de telón de fondo.

‘Rogue One: Una historia de Star Wars’ (2016)

En cuanto al tono, es la más similar. Comparten ese estilo más oscuro, adulto y con personajes que se alejan moralmente del arquetipo de ‘héroe clásico’, siendo más complejos. Además, ambas son también un relato con el que se aspira emocionar al espectador y que conecte con lo que ve en pantalla.

‘Star Wars: Una nueva esperanza’ (1977)

Pero al final, si toca completar la historia de ‘The Mandalorian and Grogu’ lo mejor es comenzar por el principio y para ello tenemos que ir hasta el ‘episodio IV’, película en la que se presentan a los mandalorianos como parte del imaginario de la saga y estableció el universo en el que se mueve la figura de Din Djarin.

Extra: serie ‘The Mandalorian’

No es obligatorio su visionado, pero la película ‘The Mandalorian and Grogu’ se comprende mucho más si se ven al menos las temporadas 1 y 2 de la serie ‘The Mandalorian’, con la que se completa el contexto que presenta la historia en cines. Si bien tiene también una tercera, son las dos primeras las más imprescindibles.

La adaptación cinematográfica de ‘El Señor de los Anillos’, una serie de fantasía que ha vendido más de 100 millones de copias en todo el mundo desde que fuera escrita por J.R.R Tolkien, cumple 25 años de su estreno y esto no solo ha hecho que hayan vuelto en algunas salas de cine, sino que también haya ciertos homenajes y conmemoraciones.

Como la de la Casa de la Moneda Real del Reino Unido, the Royal Mint, que ha anunciado la conmemoración del 25 aniversario de la primera película de ‘El Señor de los Anillos’ de Peter Jackson con la emisión de una moneda especial, según ha informado la propia organización en un comunicado.

La moneda, de 50 peniques, que se ha bautizado como ‘la moneda del Anillo Único’ porque es este el gran protagonista, aportando además algunas características ‘preciosas’ como el propio anillo dorado, escritura élfica y el Ojo de Suaron que todo lo ve que emerge de su centro.

La recreación de estos elementos se considera “una primicia en la numismática británica”, pues cuando la luz incide sobre su superficie se revela “una imagen oculta: el ojo que todo lo ve de Sauron, que emerge del espacio negativo en el centro del Anillo”, aseguran desde el comunicado.

Esta función ha sido diseñada para “enfocar la luz de una forma precisa y deliberada, lo que lleva a proyectar la imagen del ojo de Sauron sobre una superficie objetivo”, en una moneda en este caso que en la cara muestra el retrato oficial del rey Carlos III.

“Forjada no en los fuegos del Monte del Destino, sino en Gales”, declaró Rhondda Cynon Taf, de the Royal Mint, en referencia a su homenaje a la película ganadora del Premio Oscar, ‘El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo’, estrenada en diciembre de 2001. En ella, al igual que en las novelas, el llamado ‘Anillo Único’ es un símbolo de poder y motor de la saga de Tolkien.

La moneda ha sido diseñada por Thomas T. Docherty, que incluyó también una inscripción en letras élficas y lengua negra que se traduciría como “un Anillo para gobernarlos a todos, un Anillo para encontrarlos, un Anillo para atraerlos a todos y atarlos en la oscuridad”. “Es el tipo de artesanía que incluso los elfos de Rivendel admirarían”, añadió la Real Casa de la Moneda al respecto.

Para crear esta moneda conmemorativa se ha usado tecnología cáustica, es decir, que usa de forma industrial o química la sosa caústica para alterar, purificar o procesar materiales, siendo la primera vez que se utiliza para una moneda británica, lo que en palabras de la organización aseguran que “la convierte en una pieza de colección verdaderamente única”.

La primera de una serie de siete monedas

La ‘moneda del Anillo Único’ es la primera de las siete monedas conmemorativas que se van a lanzar desde la Real Casa de la Moneda británica en los próximos tres años con motivo del 25 aniversario de la trilogía cinematográfica. Esta primera moneda sale a la venta el miércoles 27 de mayo a las 9 horas del Reino Unido, a las 10 de la mañana en España peninsular.

Escuchaba la música de Bad Bunny a escondidas de sus padres. Lo hacía cada mañana, al salir de casa, a través de los auriculares con los que ponía rumbo a uno de los colegios católicos más prestigiosos de Puerto Rico. Lian Molina tenía tan solo 13 años en aquel entonces. “Eran canciones que hablaban de sexo, de alcohol, de cosas sobre las que nadie quiere que escuche su hijo”, rememora la joven, que no supo de la existencia del artista hasta que no entró en ese centro y habló con sus compañeros. “Que llegara nueva y conociera todo esto en un sitio bastante conservador, donde no debían gustar mucho las letras de Bad Bunny, no me lo hubiese esperado nunca”, confiesa.

El punto de inflexión tuvo lugar en la fiesta de fin de curso. “Los papás no querían que pusiéramos esa música, y me acuerdo de que al final de la fiesta, uno de los nenes la apagó, sacó el celular y puso esas canciones, que coreamos a todo volumen”, explica Molina. Aquello sucedió, además, con los padres delante. Fue un acto de rebelión que hoy se torna una metáfora de la trascendencia global que Bad Bunny ha alcanzado en todo el planeta. Tanta, que Lian Molina tiene ahora 23 años y es su padre quien le pone esas canciones: “Es fanático. Me ha pasado que me monto en el carro, son las siete de la mañana y él ya está poniendo a Bad Bunny. ¡No quiero escuchar a Bad Bunny a esa hora!”.

El cantante puertorriqueño también era el secreto de Carlos D. Matos, de 22 años. “No me atrevía a decirles a mis papás que a mí me gustaba”, afirma a elDiario.es. “A pesar de que lo escuchaba, no lo decía. En Puerto Rico somos una sociedad reservada y ellos veían que él se exponía mucho”, explica. Pero con el lanzamiento de Debí tirar más fotos (2025) y su residencia de conciertos en Puerto Rico algo cambió: “Se emocionaron, se adentraron en su carrera y les llamó la atención”. Tal fue la efervescencia, que sus padres acabaron yendo con él a uno de sus espectáculos. Una efervescencia que llega este viernes a España, con la primera de las doce citas que el rapero tiene programadas en el país.

Bad Bunny actuará dos veces en el Palau Sant Jordi de Barcelona y hará lo propio hasta en diez ocasiones en el estadio Metropolitano de Madrid. En total, más de 600.000 entradas vendidas. Sin embargo, los puertorriqueños han sido los primeros en poder disfrutar de este evento, ya que Bad Bunny dio hasta 31 conciertos en la isla el año pasado. Matos celebra la “oportunidad de compartir el aspecto musical de nuestras vidas con la familia”: “Nos unió a mis padres y a mí. Debí tirar más fotos habla mucho de nuestra cultura, permite dialogar sobre cómo era Puerto Rico en los tiempos de mis padres, cómo es ahora... Bad Bunny nos brinda ese espacio”.

Dicho espacio ha logrado reforzar el sentimiento de pertenencia puertorriqueño. Karely E. Santiago, de 28 años, también pudo asistir a la residencia del intérprete y siente que “trasciende la música”. “Desde muchas décadas atrás han intentado borrar nuestra identidad. La gente no se da cuenta de que los que nos han colonizado nos han hecho más mal que bien, pero esta carta de amor que hizo Bad Bunny para Puerto Rico nos hace darnos cuenta que hay que estar orgullosos de ser quienes somos y de lo que hacemos”, cuenta sobre el último álbum del artista, que entrelaza la nostalgia por los seres queridos con la defensa de la identidad boricua, abordando temáticas como la gentrificación y el miedo al desplazamiento.

“He pecado creyendo de pequeña que la gente de EEUU era mejor que nosotros, pero Bad Bunny ha abierto la puerta a conversaciones como esta”, agrega Santiago, “y verlo en la Super Bowl, especialmente en esa última parte donde reúne todos los países de América, te enseña que nosotros somos una potencia brutal, que no lo es solamente EEUU”. Es una sensación muy similar a la que ha experimentado Adriana Rivera, de 22 años, que considera que “la relación de Puerto Rico con EEUU es de aspiración”: “El país ha tratado de asimilar lo más posible a EEUU y eso influye mucho cuando uno se está criando. No quieres decir que eres puertorriqueño, quieres decir que eres estadounidense”.

Un ejercicio de memoria histórica

Homenajeando las raíces puertorriqueñas, Bad Bunny ha servido como nexo de unión entre diferentes generaciones. Un ejemplo de ello es la casa que utiliza en sus conciertos, de los años 60 y 70 en Puerto Rico, que representa el cambio del mundo más rural al más urbano en el país. El historiador Rafael L. Cabrera, de la Universidad de Puerto Rico, explica a este periódico que Bad Bunny “mueve estos símbolos nostálgicos hacia el presente y juega con ellos”. “La gente lo achaca a que está revisando la historia del país, pero él realmente no está haciendo nada de historia. Lo que está haciendo es memoria histórica”, apunta.

Cabrera destaca que el cantante “ha despertado la sensibilidad y la curiosidad por la cultura puertorriqueña en muchos jóvenes”, algo especialmente importante en un contexto en el que, como país, reclaman haber sido “vapuleados por la retórica de EEUU”. “La pregunta que surge muchas veces es: '¿Por qué esto se ha invisibilizado?'”, reflexiona el historiador, que ahora utiliza en sus clases elementos que Bad Bunny incorpora en sus canciones para enseñar sobre el pasado. Entre quienes lo han notado, Lian Molina: “En todas mis clases de este semestre mis profesores buscaron una manera de integrarlo. Ahí es donde ves que no es un cantante más, que es una revolución en la universidad”.

El artista conecta esencialmente con los jóvenes, una generación que ha crecido en una burbuja de crisis. “Desde el siglo XXI estamos tolerando y resistiendo un tipo de recesión económica, por lo que ellos se preguntan cuál es su futuro en esta situación, cómo hemos llegado a esto”, comenta Cabrera, señalando que “ellos son las consecuencias” y que Bad Bunny les ha impulsado a abordar estos problemas “con otras generaciones”. De hecho, Bad Bunny tituló su residencia No me quiero ir de aquí, una referencia a quienes se ven obligados a abandonar Puerto Rico en búsqueda de nuevas oportunidades. Para Karely E. Santiago, estos gestos importan: “Son pequeñas cosas que nos dan vida para seguir luchando”.

La joven indica que “convivir en Puerto Rico es un acto de resistencia, ya que a veces muchas personas se van con dolor en el alma por otros trabajos donde les pagan mejor o por otra calidad de vida, pero siempre con el orgullo de ser puertorriqueños”. “Ahora mismo nuestro sistema público de la universidad también está en juego y siento que estos son recordatorios de seguir resistiendo”, añade. Aun así, la economista Indira Luciano, de la Universidad de Puerto Rico, enfatiza que es importante que los jóvenes miren desde el contexto actual cómo se puede mejorar el país, pero sin romantizar lo anterior. “Antes, la situación no era la mejor posible en aspectos políticos y económicos, así que no se trata de volver atrás”, detalla.

Unidos por el español

Asimismo, Bad Bunny ha demostrado que se puede alcanzar el éxito internacional desde una expresión lingüística natural. Maia Sherwood, directora del Tesoro Lexicográfico del Español de Puerto Rico y autora de un diccionario de Debí tirar más fotos, declara a este periódico que escucharlo hablar en español ante medios anglosajones “se ha sentido como una gran validación para los puertorriqueños, pero también para todos los hispanohablantes que han pensado en alguna ocasión que 'no hablan bien'”, transmitiendo un “sentido de dignidad y poder propio a los puertorriqueños y todos los otros pueblos americanos y caribeños”.

Sherwood resalta que “Bad Bunny es un ejemplo de alguien que se ha asumido tal cual es y que, desde ahí, ha manifestado una creatividad espectacular, junto con otras acciones que también son buenos modelos: el establecimiento de puentes intergeneracionales, la colaboración y el apoyo a grupos que solo necesitan un empujoncito para descollar, el poner a Puerto Rico primero”. El reguetonero ha acuñado palabras y frases que resuenan con la experiencia de muchos jóvenes puertorriqueños, como 'P fucking R' y 'Puerto Rico está cabrón', que la lexicógrafa describe como “emociones intensas que van desde el amor profundo por el país hasta la frustración desesperada con la administración de los gobiernos, local y federal”.

“Los jóvenes reclaman honestidad y aceptación de las cosas tal cual son. Esa mirada sin juicio a nuestra experiencia particular, con sus contradicciones, puesto que muchas cosas que los extranjeros no entienden son absolutamente naturales para nosotros, es el punto de partida para plantearnos quiénes queremos ser”, reclama Sherwood. Y el artista, como concluye Indira Luciano, invita a ello sin aludir únicamente a los jóvenes: “Bad Bunny no era alguien a quien pudieran escuchar las abuelitas y los abuelitos, pero unió generaciones a través de su figura, de su álbum y de sus canciones. Hasta los mayores están mirándolo porque lo que canta hace a todos sentirse identificados”.

Es una de las melodías más reconocibles de Rihanna y una de sus diez canciones más exitosas, sobre todo después de su remix y colaboración con Britney Spears. Pero, a su vez, es también una de sus mayores polémicas, con un video que fue censurado en 11 países y restringido en YouTube. De hecho, hasta las radios pidieron en su día una versión para hacerla sonar durante el horario diurno. Hablamos de “S&M” y que se colocó un 21 de mayo de hace 15 años, en 2011, número uno en la lista de los 40 principales en España.

La polémica y censura a Rihanna por “S&M”

“S&M” fue el cuarto sencillo del disco ‘Loud’ de 2010, lanzada el 23 de enero de 2011, escrita por Ester Dean junto a Stargate y Sandy Vee en la producción. Si bien la letra ya era sugerente, aunque no era explícita con versos como “sticks and stones may break my bones, but chains and whips excite me” que hace referencia al sadomasoquismo formulada de forma indirecta jugando con el refrán infantil inglés, fue el videoclip lo que generó fuerte polémica.

Este video fue dirigido por Melina Matsoukas, con quien Rihanna ya había trabajado en otros temas, con un concepto que giraba en torno a los medios de comunicación y la presión que ella sufría como estrella de la música, con un cameo del bloguero Perez Hilton paseado con una correa por la cantante. En ella, quiso responder a sus críticos en tono de comedia con parodio de actos y fetiches sadomasoquistas.

Esto dio lugar a que fuera censurado en 11 países, entre ellos India, Malasia, Vietnam, Indonesia o Singapur, y restringido en YouTube, debido a su contenido sexualmente sugerente, pero en Europa también llegó a tener problemas, como cuando el Consejo Superior Audiovisual francés, tras recibir varias quejas de espectadores, prohibió el videoclip el 2 de mayo de 2011 para su emisión durante el día.

De hecho, también en las radios “S&M” tuvo censura, como que en algunas pasaron a titularla como “Come On” para esquivar la polémica de entonces. Tanto es así que algunas como BBC Radio 1 la emitieron más allá de las siete de la tarde, y fue la que pidió que dieran una versión para poderla poner durante las mañanas y tardes.

Acusación de plagio y la respuesta de Rihanna

Todo esto sorprendió a Rihanna, que declaró en la revista Spin que ella no hablaba directamente de lo que todos pensaron: “No pienso en esto de una manera sexual, estoy pensando metafóricamente. Se trata más de que la gente puede hablar. La gente va a hablar de ti, no puedes evitar eso. Sólo tienes que ser esa persona fuerte y saber quién eres para que las cosas sólo reboten. Y pensé que era una súper mala”.

La cantante también tuvo que pasar por una denuncia de plagio por parte del fotógrafo David LaChapelle, de Vogue Italia, que aseguró que el video usó las imágenes que había usado para su sesión de fotos para la revista, en concreto, que incorporaba ocho ideas. Un hecho que se resolvió llegando a un acuerdo de pago por una cantidad no revelada.

A pesar de todo esto, “S&M” fue un éxito comercial importante para Rihanna, llegando al número 2 en Billboard Hot 100 en su primera versión y al número 1 tras el remix con Britney Spears, siendo así el décimo para la cantante, quinto para la que fue llamada “princesa del pop”.

Una colaboración que había nacido de una forma peculiar, después de que Rihanna preguntara en Twitter posibles colaboraciones y siendo Spears la más votada por sus seguidores. Luego ellas intercambiaron varios tuits que dieron finalmente con el acuerdo para el remix final.

La Oreja de Van Gogh comenzó este mes de mayo con el arranque de la gira ‘Tantas cosas que contar’ que ha supuesto la vuelta de Amaia Montero al grupo después de casi veinte años de su marcha, y que ha venido tras un período de polémica con el adiós a Leire Martínez, y en la que no está uno de sus integrantes fundadores, el guitarrista Pablo Benegas.

En esta gira de regreso de Amaia Montero con La Oreja de Van Gogh forma parte del repertorio ‘Muñeca de Trapo’, una canción que estaba en lo más alto de la lista de éxitos de la radio los 40 principales hace 20 años y que fue el primer adelanto del set list en el tour de 2026. ¿Cuál es la historia de esta canción y qué supuso para la banda donostiarra?

La confirmación del éxito comercial en el pop español

“Muñeca de trapo” fue el primer sencillo del último disco de La Oreja de Van Gogh con Amaia Montero, ‘Guapa’, lanzado en abril de 2006 y que supuso uno de los mayores picos comerciales de la banda, ya como un fenómeno masivo de pop español, pero en que también comenzaban a aparecer las primeras grietas internas.

El disco debutó directamente en el número uno de las listas de ventas y fue uno de los más vendidos de 2006, acumulando ya en su primera semana más de 200.000 copias. De hecho, más tarde se lanzaría una edición especial, ‘Más Guapa’, que incluiría ‘En mi lado del sofá’, el último sencillo con Amaia Montero antes de su vuelta, y algunas rarezas y versiones no grabadas durante su trayectoria.

Nueva etapa creativa de madurez artística

La canción “Muñeca de Trapo” supuso el comienzo de una nueva etapa creativa, como se podía apreciar en su estilo, pero también en el mismo videoclip, que mostraba una imagen más madura del grupo, más oscura y en la que se mantenía una cierta ‘tristeza luminosa’ y de ‘dramatismo sentimental’, dos aspectos que caracterizaron a la banda durante gran parte de su trayectoria.

Su grabación tuvo lugar en Abbey Road en diciembre de 2025, y la canción explora la “frustración de no poder expresar sentimientos, la timidez en el amor y la sensación de impotencia” en palabras de la banda sobre su primer sencillo en 2006. Todo ello se juntó con un pegadizo estribillo, que ya entró de lleno en la historia del pop español.

En esta etapa ‘más oscura’, el grupo hacía referencia a la imagen de una ‘muñeca de trapo’ como un “símbolo de fragilidad y bloqueo emocional” que acabaría siendo uno de los himnos de La Oreja de Van Gogh, también durante su etapa con Leire Martínez como vocalista, pues no desapareció del setlist de los conciertos durante sus dos décadas de existencia.

En la tercera semana de mayo de 1986, hace cuatro décadas, en las listas españolas de canciones, los Rolling Stones estaban en lo más alto con uno de esos temas que en su día tuvieron éxito, pero que con el amplio repertorio de la banda británica ha ido quedando relegada a un segundo (o tercer) plano.

Hablamos de ‘Harlem Shuffle’, una versión del grupo de rock que “costó cinco años y dos tomas grabarlo” y que nació de una obsesión personal de Keith Richards, que no paró hasta que consiguió que Mick Jagger aceptara cantarla.

La versión del primer éxito de Barry White

‘Harlem Shuffle’ fue una canción que originalmente fue escrita y grabada por el dúo musical de R&B Bob & Earl a principios de la década de 1960, cuando ya cosechó éxito, aunque no llegó a lo más alto de las islas. Sin embargo, fue el primer triunfo de un joven Barry White, que arregló el tema junto a Gene Page.

Se basó en los llamados ‘bailes en línea’ que se originaron en los salones durante el Renacimiento de Harlem en los años 20 y 30. Y aunque podemos pensar que sus primeros pasos fueron en la ciudad de Nueva York, nacieron en Los Ángeles.

Una obsesión personal de Keith Richards

La idea de versionar esta canción surgió a finales de la década de los 70 y principios de los 80 en la mente de Keith Richards, que tenía una especie de ‘obsesión secreta’ por ella. Pero le costó convencer a Mick Jagger, que pasaba de las señales que le enviaba su compañero de banda, que colocaba el tema original en cada cinta de demos que le entregaba.

De hecho, él mismo lo reconoció en su día: “Llevo cinco o seis años intentando colar 'Harlem Shuffle' en un álbum sin decírselo a Mick. Le he estado dando casetes con la canción metida en medio, pero nunca tuve respuesta real”. Hasta que ese día finalmente llegó.

Fue finalmente en 1985 cuando los Rolling Stones grabaron la versión de ‘Harlem Shuffle’. Jagger entró al estudio directamente al micrófono e interrumpió una jam que estaban realizando el propio Richards con Ronnie Wood, y dos tomas después, ya tenían la toma lista. Keith Richards resumió la anécdota en “costó cinco años y dos tomas grabarlo”. En la grabación contaron con unos invitados de lujo como fueron Chuck Leavell e Ivan Neville, con coros que fueron obra de Bobby Womack, Don Covay, Tom Waits y Patti Scialfa, que años después se casaría con el cantante Bruce Springsteen.

Un videoclip pionero y otro éxito más de Rolling Stones

El videoclip de ‘Harlem Shuffle’ fue pionero, al ser el de los primeros que combinó acción real con animación, y en el que contaron con la colaboración de Ralph Bakshi y John Kricfalusi. Se abría con una secuencia de dibujos animados protagonizados por unos gatos que iban a un club donde tocaban con la banda.

Así, la cover de los Rolling Stones se lanzó como primer sencillo del disco ‘Dirty Work’ de 1986, y llegó a alcanzar el puesto número 5 en la lista Billboard Hot 100 y el 13 en el Reino Unido, en España fue número uno desde el 17 de mayo de 1986 en los 40 principales. Se convirtió en una versión más dentro de todas las que realizó la banda, que precisamente nació como grupo de covers de blues y rhythm & blues, así que fue una conexión con sus orígenes.

Fue una canción más en su amplio repertorio, que, si bien fue tocado en directo durante las giras de 1989 y 1990, luego se dejó de hacerlo y no fue hasta 30 años después, en el MetLife Stadium de Nueva Jersey en 2019, donde Jagger bromeó con el público: “¿Alguien de Queens? ¿De Staten Island? ¿De Harlem?”.

Madonna, Shakira y BTS serán los protagonistas del espectáculo que la FIFA ha preparado para el descanso de la final del Mundial de fútbol. Se trata de un evento que tendrá lugar el próximo 19 de julio en el MetLife Stadium de Nueva Jersey y que, en colaboración con Global Citizen, tendrá fines benéficos. La actuación ha sido comisariada por Chris Martin, el vocalista de Coldplay, y será la primera del Mundial, que busca imitar así a la Super Bowl y su show del medio tiempo.

“Durante todo el torneo, se donará 1 dólar de cada entrada vendida para los partidos”, ha declarado la FIFA, que también señala que este es “el escenario más grande del mundo” y que hay “un propósito aún mayor”. Por ello, una parte de los ingresos de este espectáculo irá destinada al Fondo de Educación Global Citizen de la FIFA, una iniciativa que describe como “emblemática” y que busca recaudar 100 millones de dólares para ampliar el acceso a la eduación y al fútbol para niños de todo el mundo.

Madonna, quien se subirá al escenario de esta cita, regresará con música nueva este verano. La leyenda del pop, que llevaba siete años sin publicar material inédito, volverá a la industria con uno de los proyectos que más tiempo llevan esperando sus fans: la segunda parte del aclamado y exitoso disco Confessions on a Dance Floor (2005). Su lanzamiento está programado para el próximo 3 de julio y en este vuelve a trabajar en la producción con el DJ Stuart Price, quien ya estuvo presente en el décimo álbum de estudio de la cantante con hits como Hung Up, Sorry o Jump.

Asimismo, Shakira, que está recorriendo el mundo con su gira Las Mujeres Ya No Lloran World Tour, ultima una residencia europea de conciertos con Madrid como sede, ofreciendo hasta 12 conciertos en la capital. Por su parte, BTS, tras cuatro años en los que los miembros se retiraron para hacer el servicio militar obligatorio de Corea del Sur, regresarán con una gira mundial de más de 70 conciertos que los llevará a visitar España. Su parada en nuestro país ofrecerá dos shows los días 26 y 27 de junio de este 2026 en el estadio Riyadh Air Metropolitano de Madrid. El Mundial se celebra a partir del 11 de junio en México, EEUU y Canadá.

En los años 80, el rock and roll convivía con lo romántico, con la balada, generando potentes ‘power ballads’ que se han instalado en la cultura pop y en la historia de la música, y entre ellas una de las más reconocibles es “Broken Wings” de Mr. Mister, que hace 40 años estaba en lo más alto de las listas de radio españolas.

Entre otoño de 1985 y la primera mitad del 1986, “Broken Wings” fue una de las canciones de rock más escuchadas a nivel mundial. Un tema que, por su melodía, por ser una balada, se ha considerado que es romántico, que habla del amor, de una pareja en crisis, pero su origen y su significado van mucho más allá de eso.

El significado de “Broken Wings” de Mr. Mister

La canción “Broken Wings” de Mr. Mister forma parte de ese grupo de temas que consideramos románticos por su melodía, por su ritmo, pero que poco tienen que ver con ello, aunque en algunas ocasiones hasta la letra nos lleva a pensar que se refieren al amor. Y en este caso sabemos que la canción de la banda de rock no habla de amor porque lo ha desmentido el cantante Richard Page en una entrevista con motivo del 40 aniversario de uno de los mayores éxitos que tuvo con el grupo, que precisamente reflexionaba sobre la complicada situación que atravesaron por culpa de las drogas.

“Nos metimos en lo que todo el mundo hacía en aquel momento, que era consumir muchísimas drogas, irnos de fiesta en el estudio. Quiero decir, entrabas a una sesión y los chicos tenían esos frascos de tres gramos de cocaína sobre su sintetizador y la gente la estaba troceando. Era como si Freud la hubiera usado, no es adictiva y es cosa de gente creativa”, reflexionó al respecto el vocalista.

Un hecho que cambió con el paso del tiempo, y que llevó a que escribieran “Broken Wings”: “Vimos el daño que causó. Y la verdad es que me desestabilizó bastante durante unos años. Salir de esa situación y decidir que ya no iba a formar parte de nuestras vidas fue de lo que trató la canción”, explicó. La banda se separó en 1990 y solo se han reunido en una ocasión, en 2023 precisamente para interpretar “Broken Wings” en un vídeo de YouTube con motivo del 70 cumpleaños de Richard Page, su primera actuación conjunta desde 1989.

No se basaron en una canción de los Beatles

En su día, más allá de que era un tema romántico, había otra mentira relacionada con el éxito de Mr. Mister y era que se basó en “Blackbird” de los Beatles, por aquello de “toma estas alas rotas y aprende a volar de nuevo”, pero ya Page también se ha ocupado de desmentirlo, aunque esto fue en 2010 para el medio Smashing Interviews:

“Para ser sincero, John [Lang] lo sacó del libro de Khalil Gibran titulado El ala rota. De hecho, fue a los herederos del escritor a los que pidió permiso para usarlo, lo que me hizo preguntarme si Paul McCartney también lo sacó de ahí, pero ¿quién sabe?”, reflexionó al respecto.

A su vez, el que fuera integrante de Mr. Mister admite que hay parecido entre ambas canciones por su letra: “Aunque parezca mentira, ni siquiera me había dado cuenta hasta que se convirtió en un éxito. Alguien me lo hizo notar y me llevé un buen susto. Pensé: 'Vaya, no deberíamos haber hecho eso'. Pero no fue para tanto, porque legalmente no es una infracción de derechos de autor, así que todo bien”, sobre todo porque el cantante ha tenido relación con los dos integrantes vivos, Paul McCartney y Ringo Starr.

Verano de 1884. Un tirante. Solo un tirante cayendo del hombro de una mujer. Eso fue suficiente para que París entrara en pánico y estallara la polémica, al conmocionar a espectadores y generando todo tipo de críticas, por un hombre que se dejaba ver demasiado para ese tiempo, el de Belle Époque. Un cuadro representando a una mujer con espalda erguida, en vestido negro ceñido y con piel blanca, tan pálida que brilla, un rostro que irradia seguridad. ¿Quién era ella? ¿Y por qué aquello era tan insoportable para los que lo admiraron en primera persona?

Ella fue Madame X: la mujer detrás del cuadro

La mujer que pasó a la historia del arte como Madame X fue Virginie Amélie Avegno Gautreau, nacida en Luisiana, Estados Unidos, en 1859, como hija de padres criollos blancos, un hecho que marcaría su infancia en el sur del país. Su padre falleció en la Batalla de Shiloh en 1862, en la Guerra de Secesión, y poco tiempo después lo haría su hermano de fiebre. Esto hizo que su madre, obligada a pedir préstamos para la plantación familiar, emigrara a París junto a su hija en 1867.

Allí en París la joven intentó ascender socialmente y se casó con el banquero Pierre Gautreau, mayor que ella. Debido a su belleza poco convencional para la época, por su palidez, sus labios finos, pero también el hecho de provenir de criollos le hizo destacar en la sociedad parisina en la que a su vez era excluida por su origen.

En aquel momento son muchos los que querían inmortalizarla en forma de pintura o escultura, por su belleza magnética, y aquí fue cuando entró en escena John Singer Sargent. El pintor y la joven compartían varios detalles como el que los dos eran estadounidenses y querían destacar en una sociedad que todavía no les abría la puerta del todo, siendo él un retratista sin un trabajo que impactara.

Así se fraguó lo que fue una colaboración, no un encargo, que tuvo sus primeros bocetos en 1883 cuando ella posó en diferentes ángulos y ocasiones para el pintor. Hasta entonces no se había mostrado el atractivo sexual ligado a una personalidad de la alta sociedad, una mujer casada, sino que todo eran alegorías a figuras mitológicas o históricas, pero los dos buscaban un momento sensacional y lo lograron en el Salón de París en 1884.

París 1884: cuando el retrato se convierte en polémica

En el verano de 1884 fue cuando el retrato de Virginie Gautreau apareció en la sociedad parisina, en la exposición de arte más importante de la época. Pero la reacción del público y los críticos no fue lo que los protagonistas esperaron, llevando a generar una fuerte polémica, por la pose de la joven, por su maquillaje intenso, pero sobre todo por el tirante.

Aquello desafiaba la decencia de una época, y el escándalo de lo que fue el cuadro provocó un cambio en la vida de ambos, aunque no como esperaban. El pintor se vio obligado a repintar el tirante y no lo vendería hasta tres décadas después, aunque asegurando que “era lo mejor que he hecho”.

Para Sargent supuso su mudanza a Londres, donde mantuvo su reputación y su nombre sobrevivió al escándalo que se había formado en París, para ella, sin embargo, fue el principio del fin a intentar escalar en la sociedad. Acabaría separada de su marido años después, retirándose poco a poco de la vida social y terminaría sus días recluida en su casa, según la escritora Deborah Davis en su biografía Strapless: John Singer Sargent and the Fall of Madame X (2004), que añade que además hizo retirar todos los espejos de su casa. Falleció en 1915 a los 56 años y con una vida marcada siempre por aquel cuadro.

El origen del retrato de Madame X y su vida actual en el MET

En 1916, un año después de que la protagonista muriera, John Singer Sargent vendió el cuadro al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, con la condición de que la mujer pasara a ser “Madame X”. En la carta escrita a uno de los conservadores del museo se puede leer: “Preferiría, debido a la pelea que tuve con la dama hace años, que el cuadro no llevara su nombre”.

Así es como Virginie Amélie Avegno Gautreau ha estado detrás de Madame X, una figura actualmente referenciada en la cultura popular, dando nombre a un álbum de Madonna y siendo una de las más referenciadas en la pasada gala MET, por Lauren Sánchez, esposa de Jeff Bezos, o por la actriz Claire Foy.

¿Y si los caramelos se pudieran comer con tenedor? Algo parecido a esto debió pensar el empresario Enric Bernat después de ver cómo los niños andaban siempre con las manos pegajosas de comer chucherías. Lo del tenedor no tenía mucho futuro, pero entonces pensó en el palo. Añadir un pequeño palo de plástico al caramelo para hacerlo más higiénico y fácil de comer sería la gran idea de su vida.

Así nació Chups, el primer nombre que recibió la mítica marca española. Esta cambió de título después de una cuña publicitaria, en la que la canción “Chupa un caramelo, chupa…Chupa Chups” acabó calando entre los consumidores. “Todo el mundo la cantaba, a todos gustaba, y Bernat decidió escuchar a su público y rebautizar a su caramelo con palo”, recuerda la página web de la compañía.

Era 1969, la empresa llevaba diez años en funcionamiento, pero querían dar el gran salto. Querían hacerse internacionales y crecer en otros países, para lo que necesitaban no solo un buen producto, sino también un buen eslogan. Así que el jefe de la marca decidió viajar hasta Cadaqués para encontrarse con Salvador Dalí y pedirle que rediseñara el logo de la marca. 

De aquel encuentro han trascendido dos cosas. Por un lado, que el artista, uno de los máximos representantes del surrealismo, tardó menos de una hora en presentarle un diseño completo a Bernat. Y, por otro, que el trabajo lo entregó en una servilleta de papel. “En un plis plas, creó uno de los logos más emblemáticos de todos los tiempos”, destaca la marca.

Las novedades que propuso Dalí

No sabemos lo que cobró, pero desde luego su trabajo trascendió: el logo que Dalí pensó para Chupa Chups es el mismo que sigue utilizando la marca casi 60 años después. El pintor catalán introdujo tres novedades que marcaron el desarrollo del caramelo. En primer lugar, utilizó solo el color rojo sobre fondo amarillo. Hasta ese momento, la compañía también utilizaba el negro, que pasó entonces a un segundo plano.

En segundo lugar, y quizá lo más emblemático de aquel rediseño, fue la margarita amarilla. La flor que envuelve al logotipo es una de las señas de identidad más claras de Chupa Chups, y esta fue una idea original del autor de La persistencia de la memoria. Pero Dalí no se quedó en el diseño “plano” que podría aparecer en carteles y anuncios.

Así, su última gran aportación fue una recomendación que le hizo a Bernat. Este diseño podía incorporarse a la parte superior del envoltorio de los caramelos para favorecer la visibilidad en las tiendas y dotarlo de una personalidad única. La empresa incorporó la idea y consiguió llegar a lugares como Japón en 1977, Estados Unidos en 1980, o China en 1994. En la actualidad, Chupa Chups está presente en 108 países del mundo.

Con el biopic ‘Michael’ arrasando en las salas de cine en España y todo el mundo, la figura de Michael Jackson ha vuelto a estar de actualidad, no solo por sus éxitos y hazañas musicales, sino también por aspectos relacionados con su vida personal, la relación con su familia y los problemas de salud que enfrentó a lo largo de su vida, así como las controversias de las acusaciones de abusos.

Uno de los temas que ha salido a colación es también el rancho Neverland, la famosa mansión de Michael Jackson que incluía un parque de atracciones, un zoo, una sala de cine e incluso una estación de tren en su interior. Tras cinco años en venta, se vendió en 2020 y esta es su historia y su situación actual.

La historia del rancho Neverland de Michael Jackson

En 1988, Michael Jackson estaba en el momento álgido de su carrera y de su popularidad, siendo la estrella del pop más famosa. Fue entonces cuando compró una propiedad en Los Olivos, California, por 17 millones de dólares y la transformaría en su refugio personal.

El cantante había conocido el lugar gracias al ex Beatle, Paul McCartney, quien se lo presentó porque era donde se hospedaba en California en los 80. Sycamore Valley Ranch, que es como se llamaba entonces, pasaría a ser Neverland después de la inversión de 35 millones de dólares que hizo el rey del pop. La propiedad fue como un sitio de entretenimiento, nombrado por la isla de Peter Pan, en español llamada ‘el País de Nunca Jamás’, un lugar donde no dejar de ser niño, que abarcaba 2.700 acres (unas 1092 hectáreas). Allí, el centro era una casa de campo de estilo francés de 13.000 pies cuadrados (1.207 metros cuadrados aproximadamente).

En el rancho Neverland, sin embargo, uno de los detalles más espectaculares era que abarcaba un parque de atracciones con una noria que costó más de 200.000 euros y un zoológico interactivo con 50 especies diferentes como llamas o chimpancés, así como una sala de cine que tenía capacidad para más de 50 personas. Se dice que había también un tren a tamaño real que recorría todo el lugar, que estaba directamente inspirado en Disneyland.

“En el mundo real, jamás habría podido disfrutar de una visita al cine o al zoológico. Así que creó todas las fuentes de entretenimiento que pudo desear dentro de su propio mundo privado, escribió en su libro biográfico ‘Starting Over’ su hermana LaToya Jackson.

A este lugar, Michael Jackson invitaba a niños a jugar en la propiedad y sentía que “finalmente podía tener una infancia y vida normales”, en palabras de su hermana. Un lugar en el que también crio a sus hijos, y que solo les dejaba usar el parque de atracciones cuando tenían un buen comportamiento, según reveló Paris Jackson en una entrevista con la revista The Rolling Stone.

El declive, la venta y su estado actual

En 2003, la policía allanó su casa como parte de la investigación de abuso sexual por parte del cantante al niño Gavin Arvizo, enfermo de cáncer y de 13 años en ese momento, un hecho del que sería absuelto de los cargos en un juicio en 2005. Eso le llevó a abandonar la propiedad, porque como relata su hermana, él llegó a odiar el lugar. “No lo soporto, No quiero volver a verlo nunca más. Jamás. Nunca regresaré aquí”, dejó por escrito LaToya Jackson.

Y así fue. Falleció el 25 de junio de 2009 a los 50 años sin haber puesto un pie de nuevo en Neverland. El lugar seguía siendo parcialmente suyo por estar gestionado a través de una empresa de gestión, pero se puso a la venta en 2015 por 100 millones de dólares. Finalmente sería comprado en 2020 por 22 millones y por el asesor financiero de la estrella del pop, Ron Burkle.

En el rancho, que ha vuelto a su nombre original de Sycamore Valley Ranch, ya no hay rastro del parque de atracciones o el zoológico, eliminados por Colony Capital, la gestora entonces, a la muerte del cantante.

A finales de abril en España era número uno en las listas de éxitos y sencillos una canción que todavía sigue momentos de viralidad en redes sociales y que suena en las radios. Hablamos de “Ont he Floor”, de Jennifer López, que reactivó su carrera en una colaboración con el rapero de ascendencia cubana Pitbull.

La canción fue publicada como sencillo del séptimo disco de estudio de Jennifer López, “Love?” el 8 de febrero de 2011, surgiendo como una pista de pop que mezcla elementos de diferentes géneros como el techno, dance, house o musica latina, llegando al ritmo constante de 130 pulsaciones por minuto. Surgió junto a una versión en español llamada “Ven a Bailar”.

En Estados Unidos fue el primer sencillo de Jennifer López en cuatro años en recibir gran difusión en radios, lo que fue gran parte de la razón de su éxito, llegando a vender 3,8 millones de copias y tener una certificación de triple latino. Esto también hizo que fuera una de las canciones más exitosas en el 2011 en el país, pero que también lo fue a nivel internacional.

Así es como llegó al número uno en más de 37 países, siendo en 25 en países de Europa, liderando en lo más alto en Austria, Alemania, Finlandia o Suiza, en España llegando a ser también certificado de triple Platino por vender más de 120.000 ventas.

Jennifer López se sintió “emocionalmente conectada” con la canción

Sobre “On the Floor”, la cantante aseguró que supuso “una de las mayores alegrías que he tenido en mi vida”, sobre todo porque referenciaba el que hablara de bailar y que fue un tema de éxito en las discotecas en una entrevista en MTV.

La artista, que revivió un gran éxito con este tema, confirmó que se inspiró en sus raíces latinas y en sus inicios como bailarina, por eso usó fragmentos de la canción “Llorando se fue”, de 1982, que tuvo gran popularidad en 1989 como la “Lambada”. Para producirlo trabajó con el productor de Lady Gaga, RedOne, y que afirmó que supo que tenía “algo mágico entre manos” cuando se la presentaron.

“En cuanto RedOne me la puso, le pedí que la pusiera como 20 veces seguidas y me quedé sentada frente a la mesa de mezclas escuchándola una y otra vez”, contó en MTV antes del rodaje del videoclip, a lo añadió: “Porque realmente siento que, emocionalmente, conecté con ella, pero también por lo mucho que me gusta bailar y lo importante que siempre ha sido eso para mí desde que empecé. Desde pequeña, siempre me sentí identificada con la idea de salir a la pista”.

En 1987, Michael Jackson tenía la difícil misión de mantener el estatus que había conseguido con ‘Thriller’, que se había convertido en el disco más vendido de la historia de la música. En este contexto llegó ‘Bad’, un álbum que si bien no superó a su predecesor, un hecho complicado, dejó hasta cinco canciones número uno.

Con 45 millones de copias vendidas, 11 discos de platino en Estados Unidos y 14 en Reino Unido, la primera de ellas fue “I Just Can’t Stop Loving You”, le siguieron "Bad", "The Way You Make Me Feel", "Man in the Mirror", siendo la última de ellas “Dirty Diana”, una canción controvertida y que dio que hablar desde su título.

Diana Ross y las especulaciones detrás del número uno de Michael Jackson

En “Dirty Diana”, Michael Jackson se acercó al hard rock tras “Beat It” y tuvo la colaboración de Steve Stevens, guitarrista de Billy Idol, pero lo que más llamó la atención fue que desde el primer momento se especuló sobre la identidad detrás de esa ‘Diana’ de la que hablaba la canción.

La primera opción que se barajó es que el tema hablaba de Diana Ross, madrina artística del cantante, con la que llegó incluso a vivir por mandato de la discográfica Motown, que fue clave para el soul y R&B, donde ambos comenzaron su carrera. Sin embargo, la teoría no se sostiene porque la relación entre ellos fue siempre muy cercana, le inculcó la ética del trabajo e incluso en su testamento la nombró como persona que tuviera la custodia de sus hijos si su madre faltaba.

Además, “Dirty Diana” incluso la cantante la ha usado como apertura de sus conciertos. Michael Jackson la alabó durante su autobiografía Moonwalk como la persona que le descubrió el mundo del arte: “Esta fue una etapa muy importante en mi vida porque a Diana le gustaba mucho el arte y me apoyó para que aprendiese a apreciarlo también. Se tomó la molestia de educarme al respecto, gracias a ella conocí la obra de grandes artistas como Miguel Ángel y Degas, lo que supuso el comienzo de mi interés por el arte”.

A ella la describió como “madre, mi amante y mi hermana, todo ello junto en una persona increíble” debido a todo ello. La canción que sí que conectó a ambos fue “Muscles”, que en 1982 él la escribió y produjo para ella.

La anécdota con Lady Di debido a “Dirty Diana”

Otra de las teorías que se llegaron a publicar en su día es que “Dirty Diana” estaba dedicada a la princesa de Gales, a la que admiraba e incluso afirmaron que fue su idea el que ella apareciera en el videoclip. No se sustenta tampoco las afirmaciones que se hicieron, pero esta canción sí que vinculó al ‘rey del Pop’ con Lady Di.

Sucedió durante la gira ‘Bad’, en 1988, cuando Michael Jackson iba a actuar en Wembley con la presencia de los príncipes de Gales, Carlos y Diana. Estos lo saludaron antes de ofrecer el concierto, y fue cuando ella le preguntó si iba a cantar la canción. Él le dijo que la había retirado por respeto, pero ella afirmó que era una pena porque era una de sus canciones favoritas.

Una canción dedicada a las ‘groupies’

Debido a toda la controversia, Michael Jackson y Quincy Jones, productor, se pronunciaron finalmente al respecto y aseguraron que la canción hablaba de “un cierto tipo de chicas que suelen estar en conciertos o clubes a las que llaman ‘groupies’”. Sobre el hecho de haber establecido un nombre concreto, se especuló que se debió a que el ‘rey del pop’ lo hizo siendo consciente de que iba a despertar controversia y se hablaría de ella.

La próxima residencia de Shakira en Madrid, con más de 10 conciertos anunciados en el Estadio Shakira, recinto que se construirá exclusivamente para ello, entre los meses de septiembre y octubre aspira a ser uno de los eventos principales de la música en España, con fechas que van desde el 18 de septiembre al 11 de octubre de 2026.

Esto supone el regreso de Shakira a España ocho años después de que pasara con el ‘El Dorado World Tour’, que fue considerada la gira latina más exitosa de la historia con una recaudación de 436 millones de dólares y 126 espectáculos. En esta ocasión lo hará con ‘Las Mujeres Ya No Lloran World Tour’, que comenzó en febrero de 2025 y pocos meses después celebró los 20 años de uno de sus mayores éxitos, ‘Hips Don’t Lie’ reuniéndose con Wyclef Jean en el ‘The Tonight Show’ de Jimmy Fallon.

La icónica canción, que fue una de las que incluyó su famoso movimiento de caderas, fue un tema que llegó al número uno de la lista de los 40 principales el 22 de abril de 2006, hace 20 años, para quedarse un total de 9 semanas en la lista, siendo entonces la que tuvo el mayor récord de permanencia.

Fue lanzada como sencillo de reedición del álbum Oral Fixation Vol.2, que acabó en lo más alto en más de 50 países, entre ellos Estados Unidos, siendo el primer número 1 del Billboard Hot 100 de Shakira. ‘Hips Don’t Lie’ alcanzó uno de sus puntos álgidos al ser interpretada por Shakira y Wyclef Jean en la ceremonia de clausura del Mundial de fútbol 2006 de Alemania.

Con más de 16 millones de copias fue uno de los sencillos más vendidos de 2006 y todos los tiempos, y eso se puede comprobar con los casi 1.800 millones de visualizaciones del videoclip en YouTube. Un vídeo que fue rodado en Los Ángeles, pero con el que rindió homenaje a su Barranquilla natal, en especial al Carnaval, con coloridos trajes y coreografías, máscaras y disfraces que representan a los seres mitológicos, y con la famosa línea “En Barranquilla se baila así”. No fue la única referencia, pues con “Baila en la calle de noche, baila en la calle de día” también apuntaba a la canción que es el tema oficial del carnaval dominicano, pero con uso frecuente en Colombia.

El éxito de Shakira que casi no llega a cantar con su peculiar origen

‘Hips Don’t Lie’ es una de las canciones más icónicas de Shakira, pero estuvo a punto de no formar parte de su discografía, porque el tema tiene una historia de lo más curiosa. Su origen se remonta a la Banda Sonora de la película ‘Dirty Dancing: Havana Nights’, una especie de secuela del film de los 80 en el que llegó a participar Patrick Swayze y que protagonizó el actor Diego Luna. Y es que partió de la canción ‘Dance Like This’, escrita por Wyclef Jean con Claudette Ortiz y que se usó de base para lo que sería el éxito de la colombiana.

En un principio, el tema iba a formar parte de la vuelta del grupo The Fugees, del que fue miembro Wyclef Jean, pero diferencias internas con la discográfica hicieron que la canción fuera para Shakira en la canción, y que el rapero colaborara con ella, y la adaptara para ajustarlo a su estilo. Un hecho que la colombiana describió como “un feliz accidente” porque se fraguó al haber coincidido ambos en vacaciones.

La canción tuvo su controversia porque usó un sample del intro de inicio de ‘Amores como el nuestro’ de Jerry Rivera, de 1992. El cantante de salsa llegó a acusarla de plagio, pero no presentó finalmente cargos porque sí que se habían obtenido los derechos de Copyright necesarios.

Si usted es una de esas personas que cada vez que rompen el azúcar tostado de una crema catalana, se acuerda de cierta chica que vivía en Montmartre, es posible que le interese este artículo. 

Para aquellos que no estén tan familiarizados con Amélie, la película de 2001 dirigida por Jean-Pierre Jeunet y protagonizada por Audrey Tautou y Mathieu Kassovitz, en el párrafo anterior hacía referencia a uno de los momentos más recordados del filme; cuando el narrador nos revela que una de las cosas que más disfruta en la vida la protagonista, aparte de meter la mano en los sacos de legumbres, es romper el azúcar endurecido de, en su caso, la crème brûlée. 

Sin duda alguna, Amélie marcó a toda una generación, en especial mujeres, que vieron en el personaje una forma distinta de habitar el mundo, más mágica, más imaginativa y aparentemente al margen de las reglas que dictaban cómo debía ser una chica. Un modelo que legitimaba la sensibilidad, la rareza y cierto repliegue hacia lo propio como un espacio desde el que construir la identidad, el deseo y el relato personal.

Pero no solo les pasó a las chicas. Gerard, de 35 años, resume así el impacto que tuvo Amélie en su vida: “Me ha influido un montón, porque hizo que París y Montmartre se convirtieran en mi lugar favorito”, confiesa. “He ido cuatro veces y siempre intento hacer el recorrido de los sitios icónicos de la peli. Pero quizá en lo que más me ha influenciado ha sido en mi amor por el arte y en concreto por el arte impresionista francés. Hoy en día, soy maestro de arte en una escuela de primaria y creo que, en parte, las propuestas que hago a mi alumnado están bañadas por la influencia de la película”.

Amélie marcó a toda una generación, en especial mujeres, que vieron en el personaje una forma distinta de habitar el mundo (...) Un modelo que legitimaba la sensibilidad, la rareza y cierto repliegue hacia lo propio

La educación sentimental de los 2000

Como vemos en este ejemplo, y en otros que aparecerán a continuación, para muchas personas que crecieron a principios de los años 2000, Amélie fue mucho más que una película, casi una educación sentimental.

Elo, de 43 años, también la recuerda con pasión: “Yo la vi en octubre de 2001, que fue cuando se estrenó. Y ese año fue para mí superimportante porque cumplí 18 años y empecé la universidad… Fue la primera vez que lloré después de una película, porque me sentí muy, muy identificada”, recuerda. 

“Luego vino ya pues lo de cortarte el pelo como ella, vestir como ella, tener el póster en la habitación. Eso sí, en japonés. No sé, fue un auténtico shock encontrar a un personaje que sentía tan parecido a mí”, añade. Durante un tiempo abundaron las Amélies. 

Victoria, de 21 años, cree que, “para las niñas que hemos crecido más hacia dentro que hacia fuera, Amélie constituyó un icono en el que reconocernos y sentir que esa soledad medio soñadora y medio evitativa del mundo real, era posible en el cine”. 

El peso del tiempo

Con el paso del tiempo, esa identificación se ha ido mezclando con una nostalgia más compleja. Virginia lo formula de manera bastante melancólica: “La verdad es que Amélie me genera mucha nostalgia y algo de pena”, confiesa. “El mundo en el que transcurre la película ya no existe. Leí una vez que hoy esa historia duraría cinco minutos: Amélie encontraría un álbum, lo publicaría en redes sociales, encontraría a Nino y fin de la historia”.

Las cabinas telefónicas, los fotomatones, incluso el tiempo para perderse por las calles, para bajar a la tienda de abajo, para aburrirse, para espiar a los vecinos e imaginar planes locos, han desaparecido casi completamente. “Son tiempos difíciles para los soñadores”, sentencia Virginia.

Pero si esa nostalgia podría haber jugado a favor de la película, el paso del tiempo y, sobre todo, la magnitud de su éxito terminaron operando en su contra. La sobreexposición convirtió a Amélie en un cliché reconocible al instante, reducido a una estética y a una actitud fácilmente caricaturizables. 

La sobreexposición convirtió a Amélie en un cliché reconocible al instante, reducido a una estética y a una actitud fácilmente caricaturizables

En ese proceso de simplificación, y quizá también de olvido de la propia película, el personaje quedó atrapado en una imagen de dulzura e ingenuidad que, leída desde los códigos actuales, empezó a generar rechazo. En plena expansión de los discursos feministas más críticos con ciertos arquetipos, muchas espectadoras comenzaron a cuestionar esa feminidad aparentemente frágil, silenciosa y volcada en los demás. 

Charas Vega, creadora de contenido y que escribe sobre cine en su cuenta @charcastrolofilm, lo plantea con claridad: “Desde la perspectiva feminista y generacional, Amélie ha sobrevivido un poco regular ya que se la ha asimilado a términos como pick me girl o manic pixie dream girl o a una construcción atravesada por la mirada masculina”.

Lo que en su momento funcionaba como refugio o identificación pasó a interpretarse, para algunas personas, como un modelo limitado o incluso problemático, dejando a Amélie más como un estereotipo superado que como icono generacional.

Volver a verla, volver a pensarla

Tengo que decir que, en mi caso, volver a ver Amélie después de tantos años me produjo un efecto inesperado. La recordaba más ingenua, más encapsulada en una estética de postal. Sin embargo, la sensación fue otra. La película resulta hoy mucho más moderna de lo que yo recordaba, más compleja en su construcción de personajes y menos complaciente de lo que el recuerdo colectivo sugiere.

Desde la perspectiva feminista y generacional, 'Amélie' ha sobrevivido un poco regular ya que se la ha asimilado a términos como 'pick me girl' o 'manic pixie dream girl' o a una construcción atravesada por la mirada masculina

Charas Vega — creadora de contenido sobre cine

El visionado me hizo pensar que quizá hemos simplificado demasiado a Amélie con el tiempo. Quizá la hemos reducido a una estética, a un peinado, a una serie de imágenes, y en ese proceso hemos dejado fuera otras capas más ricas que estaban ahí desde el primer momento.

Mi lectura coincide en lo básico con la opinión de María Castejón, profesora, especialista en representaciones de género en el audiovisual y en historia de mujeres y autora de Rebeldes y peligrosas de cine (Lengua de trapo, 2021). “Creo que lo más importante de Amélie es el propio protagonismo de ella. Su personaje es el que maneja toda la película”, explica. “Quizá chirría un poco el tema del amor romántico. Pero a la vez es una mujer súper, superindependiente. En ningún momento es una Bridget Jones que cree que si no está con un hombre su vida es un fracaso”.

“Es una mujer muy poderosa, una mujer muy libre y ese tipo de personajes nos gustan desde el feminismo”, añade. “Y además que no está todo el rato empoderándose, algo que también resulta bastante cansino”.

Un imaginario que resiste

Resulta interesante cómo el personaje sigue generando debate hoy en día. Para algunas personas, representa una feminidad que ya no encaja. Para otras, sigue siendo reconocible y válida.

María Castejón insiste en esa complejidad: “Es una persona muy sensible, muy soñadora, muy empática. Muy de ayudar a todo el mundo, muy tímida, pero a la vez una mujer muy fuerte. Entonces creo que ese tipo de feminidad está muy presente también en la actualidad, no ha caducado absolutamente nada. Ni el de ella ni el de todas las mujeres que tiene alrededor, que también son muy interesantes, como la dueña del bar, la vecina, la del estanco… En definitiva, creo que es un personaje muy actual”. 

Quizá chirría un poco el tema del amor romántico. Pero a la vez es una mujer súper, superindependiente. En ningún momento es una Bridget Jones que cree que si no está con un hombre su vida es un fracaso

María Castejón — profesora, especialista en género y audiovisual

Vista hoy en día, hay algo en Amélie que sigue funcionando. Aunque puede que no sea exactamente lo mismo que en 2001. En opinión de Elo la película sigue siendo “deliciosa, perfecta”. Y señala algo clave: “Creo que reflejó muy bien el sentir de 2001. Fue un año muy complicado. La estrenaron como un mes después de las Torres Gemelas”. 

Quizá el mensaje final de este artículo debería ser: vuelvan a ver Amélie. Cosa que no es sencilla, por cierto, porque aunque parezca sorprendente, hoy en día no está disponible en la suscripción de ninguna de las plataformas de streaming que operan en nuestro país. 

Es posible que, con motivo de sus 25 años, vuelva a las pantallas, quizá incluso al cine. Aprovechen, vuélvanla a ver y saquen sus propias conclusiones, porque quizá en los últimos años la hemos mirado con demasiada condescendencia.