En la saga ‘Jurassic Park’ se difundió la idea de que la resina era un conservante ideal para el material genético, un hecho que ha llegado a asentarse en la cultura popular, y que ahora desmiente un estudio internacional en el que ha participado el Instituto Botánico de Barcelona junto al Instituto de Biología Evolutiva y el Instituto Geológico y Minero de España.

En el estudio presentado, en el que se ha probado lo que pasaría si un insecto quedase atrapado en resina se ha demostrado que el material genético incluso se degrada más rápido en este medio que si está fuera de él.

Un dato que se ha demostrado erróneo

Lo que genera la ficción, la ciencia se encarga de desmontarlo en algunas ocasiones, y eso es lo que ha sucedido en este momento, con el estudio que ha sido publicado en Scientific Reports y que se ha llevado a cabo por varios institutos científicos españoles, donde han llegado a la conclusión de que los insectos que se conservan en resina no presentan mejor preservación del ADN que los mantenidos fuera de este.

Así lo expresaba el líder del estudio, David Peris, investigador Ramón y Cajal del Instituto Botánico de Barcelona: “De hecho, en algunas de las muestras analizadas se observó una degradación más rápida del material genético en los ejemplares conservados en resina que en los que permanecieron fuera de ella”.

De esta forma, se ha llegado a la conclusión de que el ADN no es protegido de la degradación durante miles o millones de años al quedar atrapado en resina, algo que desmonta lo que se muestra en ‘Parque Jurásico, donde la premisa científica central es la clonación de dinosaurios a partir de ADN extraído de mosquitos atrapados en ámbar, quedando, así como un mito cinematográfico.

El estudio se realizó con moscas de trufa y escarabajo de harina

Para la metodología del estudio, compararon durante un mes el estado de preservación del ADN y tejidos, además de órganos internos de dos especies en concreto de insectos: la mosca de la trufa y el escarabajo de la harina. Los investigadores analizaron lo que sucedía a ejemplares atrapados en resina fresca de pino al mismo tiempo que lo hacía también con ejemplares conservados fuera y secados al aire.

Una vez se realizaron los análisis moleculares, se mostró que el ADN se degradaba también rápidamente en resina, así como fuera de ella, en un estudio de los tejidos internos que se hizo mediante tomografía con luz de sincrotrón que consiste en una técnica de imagen de alta resolución, que mostró que la resina sí puede favorecer la conservación de determinados tejidos y órganos internos, aunque este efecto no es igual en todos los organismos y depende de las características anatómicas de cada especie.

En este sentido se refirió Jesús Gómez-Zurita, investigador científico en el IBB: “Tras 30 días, tanto las moscas como los escarabajos conservados fuera de la resina presentaban tejidos claramente desecados. En cambio, las moscas atrapadas en resina mantenían estructuras internas, como los músculos, en gran medida intactas”.

Enrique Iglesias es uno de los cantantes españoles más exitosos de la historia, con más de 180 millones de copias vendidas entre álbumes de estudio y sencillos, además de que ostenta el récord mundial de 27 singles que han llegado al puesto número uno en la lista latina de Billboard.

Uno de ellos y la que es una de sus canciones más reconocidas es ‘Héroe’, que se lanzó tanto en español como en inglés (‘Hero’), y que cumple 25 años desde que se publicara y quedara como uno de los principales temas del artista, pero también de ese mismo año y la década.

Fue usada por la radio en el 11S

‘Héroe’ es una de las canciones más populares de Enrique Iglesias y una de sus baladas más reconocidas, siendo cantada, por ejemplo, por la artista Dua Lipa en su pasada gira ‘Radical Optimism Tour’ en su paso por Madrid.

Publicada el 3 de septiembre de 2001, como parte de su álbum de estudio y el segundo en inglés ‘Escape’, que a día de hoy es su disco más vendido con más de 10 millones de copias en todo el mundo, además de uno de los más reconocibles.

Apenas una semana después de su lanzamiento se produjo el atentado del 11S en el World Trade Center, y la canción fue una de las pocas que sonaron ese día en Radio DJs Nueva York durante la distinta información que se daba durante ese trágico acontecimiento.

Las lágrimas de Enrique Iglesias fueron reales

Pero no es la única ‘tragedia’ que tiene vinculada esta canción, pues el videoclip tiene su propia intrahistoria. En ella se puede ver como el propio Enrique Iglesias sale con lágrimas en su rostro, y que fueron reales, como confirmó la actriz Jennifer Love Hewitt, que fue la co-protagonista de la historia que se contaba.

Y es que como declaró más tarde la actriz durante una entrevista en Entertainment Tonight, esas lágrimas de Iglesias se debían a la tristeza que sentía al haber conocido recientemente el cantante el fallecimiento de su amiga, la también artista Aaliyah: “El detalle más loco de ese rodaje, que creo que la gente no sabe, es que Enrique y Aaliyah eran amigos muy cercanos, y la noche en que filmamos ese video, fue la noche en que ella falleció”, explicó.

Love Hewitt también desveló detalles de cómo afectó esto al rodaje: “Enrique tuvo que filmar todas esas escenas de llanto, y realmente estaba llorando porque ella había muerto. Sólo recuerdo que fue una noche realmente intensa”, añadió Hewitt al mencionado medio, quien describió que ese día el ambiente en el set era solemne y respetuoso.

Aaliya Dana Haughton, solo conocida como Aaliyah a nivel artístico, falleció el 25 de agosto de 2001 a los 22 años en un accidente de avión en las Bahamas, de donde volvía tras haber rodado el videoclip para su canción ‘Rock the Boat’. En este trágico suceso murieron ocho personas más y se produjo al poco de despegar.

Hay canciones del verano que sobreviven más allá de este período del año y una de ellas es ‘La bicicleta’ de Carlos Vives y Shakira, que cumple diez años desde que se convirtiera en uno de los grandes éxitos de 2016 y alcanzara el número 1 en más de 20 países, entre ellos España.

Un hecho que logró, además, en tiempo récord, no siendo el único hito, pues además ganó dos Grammy Latino como Canción y Grabación del año, además de que consiguió estar 20 semanas consecutivas en el primer puesto de ventas en Colombia, país originario de ambos artistas.

El homenaje a Colombia de Carlos Vives y Shakira

Lanzada a finales de mayo de 2016, ‘La bicicleta’ fue una canción colaboración entre Carlos Vives y Shakira, que fue incluida en el álbum ‘Vives’ del artista colombiano, y en la que ambos dieron homenaje a su Colombia natal, uniendo además el sonido de dos de sus artistas más globales y el folclore.

Este tema, que fue una de las revoluciones de ese año a nivel musical, recorre lugares icónicos de Colombia a través de su letra, aunque en especial de Santa Marta y Barranquilla, las ciudades natales de los dos cantantes.

Las dos localidades colombianas no solo son protagonistas de la letra, sino también en el videoclip, que llegó al billón de visitas, y en los que ambos se muestran recorriendo las dos ciudades mientras van en bicicleta y saluda a distintos vecinos, al mismo tiempo que bailaban y disfrutaban de sus paisajes.

Shakira fue la que puso título a la canción

Uno de los hechos más curiosos de ‘La bicicleta’ es que Carlos Vives llegó a ser nombrado Embajador de Buena Voluntad de la ONU por el Medio Ambiente debido al mensaje ecológico de la canción, que invita a moverse con este medio de transporte.

Aunque la gran curiosidad de este tema es como se llegó a poner este título, porque no fue el primero que tuvo, un hecho que desveló el propio artista y cuyo crédito se lleva la cantante colombiana: “Cuando entregué este álbum al presidente de Sony le mandó esa canción que no se llamaba ‘La Bicicleta’, se llamaba ‘Vallenato Desesperado’. Shaki tenía un tiempo sin grabar y le mandó esa conexión y Shaki empezó a comunicarse conmigo directamente y me decía, voy a hacerle unos arreglos a ‘La Bicicleta’, ahí te mando ‘La Bicicleta’. Y ya me le cambió el nombre a la canción. ‘La Bicicleta’ terminó llamándose por ella”, declaró el artista en una entrevista.

De hecho, si bien Vives ya había compuesto y dedicado varias canciones a una bicicleta, debido a su fuerte vínculo con este deporte y medio de transporte, nunca había formado parte de un título: “No es mi primera canción que hablo de una bicicleta, siempre en mis canciones hablo de la bicicleta porque estuve en los primeros ciclos de motocross de mi país”, desvelaba.

La colaboración, además, se gestó de una manera peculiar. Y es que, si bien los dos son de los cantantes más globales de Colombia, sus estilos diferentes parecían no casar, uno más abrazando el folclore y la otra más enfocada al pop anglosajón. Pero, sin embargo, decidieron tener una buena amistad desde que coincidieran en la televisión en Bogotá:

“No pensaba mucho en si iba a grabar con una diva porque lo de uno estaba en un segmento que el camino que tomé estaba en otra cosa. No pensé que pudiera acercarme a una artista que ya estaba como en lo anglo, en otra cosa”, aseguraba en una entrevista.

“Hay días buenos y días malos, pero todos ellos son dignos de recordar”. Con esta frase empieza la empresa Hobonichi su guía sobre cómo elegir y usar sus agendas, un producto que han causado furor en todo el mundo.

Las Hobonichi Techo son una colección de agendas niponas que cada 1 de setiembre se ponen en preventa online y, también anualmente, se agotan el mismo día de su salida. En Barcelona sólo hay una tienda en las que se pueden encontrar y tal es la fascinación por ellas que el establecimiento ha decidido organizar un evento para que los fans de este producto puedan ver la nueva colección.

En los encuentros, que han tenido lugar del 25 al 31 de agosto, se han podido ver los productos en persona, aunque no comprarlos ni tampoco reservarlos. La tienda, Entropía, ha acogido un flujo constante de clientas que querían tocar, ojear y elegir los productos que más les gustaban para luego poder “luchar” por ellos en la preventa.

“Creo que comprarlas va a ser un poco los juegos del hambre”, confiesa Andrea, de 34 años. Esta clienta, que trabaja en el sector editorial, asegura que son un producto por el que vale la pena todo este trámite. “Estuve comparando muchísimas agendas y planificadores y acabé comprando Hobonichi no solo por la apariencia externa, sino por el diseño del día a día”.

Jingjing, dueña de la papelería Entropía, asegura que ha notado el frenesí entre los asistentes al evento. “Todo el mundo viene con un poco de estrés”. Según confiesa, es posible que algunos modelos se agoten totalmente tanto en España como en Japón y no se puedan reponer, pero la mayoría de productos sí volverán a estar al alcance de las fans de estas agendas; aunque tendrán que esperar a octubre o noviembre.

La dueña de la papelería asegura que la Hobonichi Techo es un producto estrella. En su tienda, unos de los dos únicos puntos oficiales de venta física de estas agendas en España (la otra está en Madrid), sus ventas se multiplican exponencialmente cada año, llegando incluso a triplicarse.

Más que una agenda, un “modo de vida”

La fiebre por estas agendas niponas se explica, en parte, por su nombre. El término viene a significar algo como “libro de vida” y la empresa ha diseñado toda una campaña de marketing para comercializarlas, de la mano de una filosofía que pretende “dar rienda suelta a la creatividad” y promete ayudar a una mejor “organización y disciplina”.

Ayako Koizumi, la presidenta y directora de operaciones de Hobonichi, estuvo detrás del diseño del producto estrella de la compañía. Confiesa que la hizo pensando en lo que ella necesitaba y ha creado un producto pensado para recordar “la historia de cada uno”. Por eso, dice, “es tan importante el papel y el método de encuadernado”, apunta en declaraciones a elDiario.es.

Cuando el producto se creó en 2001, Koizumi no pensaba en vender fuera del mercado japonés, pero ahora más de la mitad de las compras son internacionales. “Yo solamente pensaba en cuál era el mejor método para recodar mi historia, mis pensamientos, y al final resultó ser algo común para todo el mundo”, explica.

La empresa ha hecho colaboraciones con artistas célebres como Eiichiro Oda, autor del manga One Piece, uno de los más famosos de todo el mundo; o la finlandesa Tove Jansson, creadora de los Moomin, unos pequeños troles escandinavos blancos y redondos que recuerdan a un hipopótamo. Esta colección, que se lanzó el 2026, fue limitada para Japón por problemas con las licencias, pero fue tan popular que en 2027 estará disponible en todo el mundo en una versión mejorada.

Pero más allá de colaboraciones y diseños externos, las Hobonichi tienen cualidades que las hacen destacar hasta en sus versiones más simples. La primera, un encuadernado que permite abrirlas completamente y hace que queden planas encima de la mesa sin necesidad de doblarlas o empujarlas. También destaca su papel, llamado Tomoe River. Son hojas finas, pero diseñadas para que sean durables y que la tinta no traspase.

Y, como ya es común en muchas agendas, tiene una cita diaria para inspirar a los lectores. “Se usa mucho como una agenda para recordar, para trabajar la parte emocional y artística, porque la calidad del papel permite trabajar con más medios como rotulador o acuarelas”, explica Jingjing.

Y, para acabar de hacer las delicias de las fans -la mayoría de sus compradoras son mujeres-, las Hobonichi también cuentan con accesorios. Desde pegatinas, washitapes (cintas de papel) y bolígrafos, hasta fundas para las libretas.

El retorno de lo analógico y el auge de lo asiático

“Abrimos en 2016. Los primeros tres años fueron bastante difíciles hasta encontrar nuestro nicho”, explica Jingjing, propietaria de la papelería Entropía. La tienda, que tiene más de 50.000 seguidores en Instagram, fue ganando prestigio a medida que pasaban los años.

“Creo que, cada vez más, la gente da valor a lo analógico”, explica la dueña, que defiende que el aumento en ventas de los últimos diez años se debe a este éxodo digital. La deriva se confirma con hashtags que se han hecho tendencia -en redes sociales, eso sí- como journaling (escritura de diario) o scrapbook (libro de recortes donde cada página es un collage). También destaca el retorno de hobbies manuales como la costura o el ganchillo.

Este gusto por lo manual, sumado a la creciente popularidad de todo lo que provenga del mundo asiático, explica el éxito de las Hobonichi, así como de tiendas como Entropía. Gran parte de sus productos de papelería provienen de Japón, Corea del Sur o China. De estos tres países salieron también productos de cultura pop de gran éxito entre la juventud como el anime y el manga, el K-pop o los libros Danmei (literatura china con personajes homosexuales).

Aunque Jingjing defiende que el éxito de la tienda no está estrictamente vinculado con esta popularidad de la cultura asiática, sí que reconoce que ha ayudado. “Influye sobre todo que cada vez haya más confianza en los productos asiáticos y se cree una relación positiva, un voto extra de confianza”, explica.

Hace solo menos de un año, Taylor Swift lanzaba su décimo segundo álbum de estudio, ‘The Life of a Showgirl’, con el que alcanzaba nuevos éxitos y volvía al sonido más pop y comercial después de su gira récord ‘The Eras Tour’ que tuvo un gran impacto a nivel cultural y socioeconómico.

Pero, aunque no hace ni un año de su último trabajo, los fans de Taylor Swift ya se encuentran creando teorías sobre cuál será el próximo proyecto de la cantante, que este 2026 ha contraído matrimonio con Travis Kelce y que el pasado junio lanzó “I Knew It, I Knew You” dentro de la Banda Sonora de la película ‘Toy Story 5’.

Así, la revista Rolling Stone ha recopilado las que están siendo las teorías más compartidas por el ‘fandom’ de Taylor Swift, que ya rumorea un posible relanzamiento de su disco debut por su 20 aniversario, un triple disco con varias versiones o incluso una regrabación de ‘Reputation’.

¿El 13º álbum de Taylor Swift tendrá 3 versiones?

Desde que el portal Page Six informara que Taylor Swift se encuentra ahora mismo “escribiendo música nueva”, según una fuente de la que no se ha revelado el nombre, los fans de la cantante han dado rienda suelta a teorías sobre el nuevo trabajo de la artista, además de que esta fue vista en Londres el mes pasado lanzando un nuevo corte de pelo, lo que históricamente ha sido para el ‘fandom’ el inicio de una nueva era.

Así, por diferentes razones, los fans ven actualmente distintas teorías relacionadas con una paleta de colores específica que habría compartido la cantante, específicamente los colores morado, verde y rojo, que habrían generado especulaciones en las redes sociales. Y es que estos fueron vistos como cambiaron durante la versión estándar del último lanzamiento, el single “I Knew It, I Knew You” a verde y morado, mientras la versión de “Blank Space” de 2014 lo hizo a rojo.

Esto se vio como los lienzos de un lanzamiento especial de lo que será el TS13, el nombre que ya recibe el décimo tercer álbum de estudio de Taylor Swift. La teoría que desarrollan los fans es que como el número es el favorito de la cantante, este disco será más grande y saldría en tres partes: una versión country, una versión para piano y una versión pop.

El 20º aniversario de su disco debut o regrabación de ‘Reputation’

La paleta de colores mencionada también ha derivado en otras teorías, según lo recopilado por Rolling Stone. Una de ellas es que publicará la versión regrabada de su álbum debut, que cumple 20 años este 2026, y que sería lanzado el 23 de octubre, un espacio en blanco entre otros lanzamientos, si se tiene en cuenta que otros discos se lanzaron en ese mismo mes.

La cantante ya se refirió a este hecho en su día y solo dejó claro que saldría “cuando sea el momento adecuado”, a la vez que “será una celebración”, con lo que las teorías han comenzado a crecer.

Pero para otros, los tres colores significan tres lanzamientos diferentes, y uno de ellos para muchos es la regrabación de ‘Reputation’, que, si bien era visto con el color negro, ha derivado en rojo desde luciera un body negro y rojo durante la presentación de este estudio.

La aparición de un nuevo mensaje de Harrison Ford sobre Indiana Jones, uno de sus personajes más icónicos, hizo que muchos pensaran que el actor iba a enfundarse de nuevo en el papel del arqueólogo a sus 84 años, pero lejos de eso, fue otra noticia la que se encargó de anunciar en la convención bianual de D23 en la que Disney presentó sus nuevos proyectos.

En ella, Disney y Harrison Ford anunciaron que Indiana Jones tendrá una nueva aventura, pero esta no será en cines, sino en el parque de atracciones de DisneyWorld de Orlando, en Florida, Estados Unidos.

La nueva aventura de Indiana Jones en DisneyWorld

Indiana Jones regresa tres años después de la última película ‘Indiana Jones y el dial del destino’, pero no en un nuevo largometraje, sino en un parque de atracciones como una de las próximas grandes atracciones que se van a estrenar en el parque DisneyWorld de Orlando, Florida.

Y en esta ocasión, Harrison Ford también volverá a dar vida a Indiana Jones, pues se encargará de prestar su imagen y voz, tal y como el mismo anunció este fin de semana en la convención bianual de Disney D23, con un mensaje grabado emitido entonces.

Así, Ford será el modelo para la creación del animatrónico del célebre personaje para ‘Indiana Jones y el mito de la serpiente de Jade’, el título que llevará la atracción que tendrá por primera vez al actor como la imagen oficial en un parque temático Disney.

El veterano contó que el miedo característico del arqueólogo a las serpientes será uno de los elementos principales de la historia, a la vez que añadió que le “entusiasma que vean su próxima aventura épica” y que tiene previsto visitarla.

La nueva atracción de Indiana Jones junto a una de ‘Encanto’

Esta atracción que trae la nueva aventura de Indiana Jones se situará en Animal Kingdom, que es uno de los cuatro grandes parques dentro de Walt Disney World, donde ya se sitúa ‘Avatar Flight of Passage’ que es un simulador de vuelo 3D basado en el mundo de Pandora de la saga de James Cameron.

Dentro de Animal Kingdom, ‘Indiana Jones and the Myth of the Jade Serpent’ estará en el área ‘Tropical Americas’, que es una nueva zona que sustituirá a DinoLand USA, y donde se ubicará también una nueva atracción que se inspirará en la película ‘Encanto. La fecha de inauguración prevista es durante el año 2027.

En la atracción de Indiana Jones, los visitantes acompañarán al icónico arqueólogo hasta el interior de un templo maya situado junto a un cenote, y pronto se verán arrastrados hacia un portal que les lleva al inframundo, lleno de murciélagos, escorpiones gigantes, fuego y también serpientes, las grandes protagonistas.

La amenaza dentro de la atracción es Tsukán, una criatura mitológica con rasgos de serpiente y de caballo que es guardiana de cenotes, grutas y ríos, inspirado en el folclore mexicano. Se espera que para su creación los animadores de Disney creen un espectáculo animatrónico que rivalice con el mismísimo Indiana Jones.

En un momento en el que los biopics musicales están a la orden del día, con el estreno de ‘Michael’ como una de las películas del año, llega una nueva propuesta basada en una banda real, aunque no es un proyecto al uso como narrativa biográfica.

Este es ‘Nimrods’, una película que es la incursión de la banda Green Day en el cine, y que, aunque se basa en los primeros años del grupo, que llegó a ser fenómeno mundial del punk rock, la trama no es exactamente solo la historia de ellos.

La primera incursión de Green Day en el cine

Producida por Live Nation Studios, la película ‘Nimrods’ es el último proyecto musical en el cine, que llega a las salas de cine de Estados Unidos este 14 de agosto, y que en España se exhibe ya desde el pasado lunes.

Este largometraje, que se basa en los primeros años de Green Day, sigue a tres adolescentes que van en busca de su sueño de triunfar en la música, lo que reflejaría de forma directa como se produjo el ascenso en la vida real de la banda estadounidense de punk rock que alcanzó el éxito masivo con su disco ‘Dookie’ de 1994, en el que sonaron canciones míticas como “Basket Case”, “American Idiot” o “Good Riddance” y que los llevaría a una trayectoria de cuatro premios Grammy.

La película está escrita y dirigida por Lee Kirk y sigue a Tommy, que es interpretado por el actor Mason Thames, que busca ser telonero de Green Day después de haberles entregado una maqueta durante un encuentro de la banda con fans. Después de que los inviten a formar parte del concierto de Nochevieja, Tommy y sus compañeros se embarcan en un viaje por Estados Unidos que irá desde Kansas a Los Ángeles.

Basado en los propios comienzos de la banda

Esta historia de los inicios de un grupo de música como telonero y viajando por todo el país se basa directamente en lo que fue el comienzo de Green Day. “Nuestro primer sueño fue dar un concierto y finalmente tuvimos la oportunidad de hacerlo”, repasó el vocalista Billie Joe Armstrong ante el diario The Independent.

“Nunca sabes, cuando estás viviendo esos momentos de tu vida y estás haciendo cosas geniales, que en ese momento no te das cuenta de que eso se convertirá algún día en una escena memorable de una película”, dijo el baterista Tre Cool en la misma entrevista.

Green Day aseguró que a través de esta película su objetivo es capturar la mentalidad juvenil y la actitud rockera del grupo, a la vez que se inspiraron en películas como ‘Rushmore’ para crear el proyecto. A pesar de que gran parte de la trama gira también sobre la banda real, el grupo no aparece en pantalla y tendrá más protagonismo como mención y también en la banda sonora.

Una retransmisión en directo a través de TikTok se convirtió la noche del martes en un escenario inesperado de horror. Durante más de media hora, Mario Armando Lavandeira Jr., mundialmente conocido como el bloguero Perez Hilton, se mostró en streaming desorientado, errático y totalmente cubierto de lo que parecía sangre, sin control ni censura por parte de la plataforma china, más restrictiva en términos de lenguaje.

Fueron los propios seguidores de Perez Hilton quienes, temiendo por su salud, alertaron a la policía y los servicios de emergencias, que se presentaron en su casa de Miami mientras el directo todavía no había sido cortado. Actualmente, permanece hospitalizado en un centro médico donde profesionales de la salud mental evalúan su estado, del que únicamente ha trascendido a través de su equipo que “puede comunicarse”.

Aunque sigue contando con una gran comunidad, Perez Hilton ya no es el hombre que una vez ostentó el poder de encumbrar o destruir carreras en Hollywood desde su blog, y en su crisis actual hay una lectura de cómo ha sido la evolución de internet. También es necesario retroceder a los años 2000 y a cómo era internet entonces para entender lo que representaba este icono del corazón.

“Es casi el primer bloguero de gossip de la historia de internet, pero tenía una manera de hacer las cosas muy negativa. Era bastante maligno y tóxico, hacía comentarios superdespectivos”, lo define sin dudar Estela Cebrián, podcaster de Las Amigas Estupendas junto a Virginia de la Cruz y redactora de la revista Lecturas. A principios de siglo y con apenas 25 años revolucionó el mundo del corazón, recién nacido el formato blog, con perezhilton.com, que tomaba el nombre de forma satírica de la famosa heredera Paris Hilton, y llegó a ser considerado como la biblia de los cotilleos. “Era prácticamente como el Gossip Girl real de internet”, compara en referencia a la serie adolescente la analista de cultura de internet Janira Planes, quien por su edad no llegó a vivir el fenómeno en toda su intensidad.

Cebrián recuerda que el bloguero fue uno de los principales responsables del acoso mediático que sufrió Britney Spears durante su colapso en 2007: “Él era uno de los que más la azuzaban porque su manera de comunicar era muy despectiva y se burlaba mucho. Se reía de los cuerpos, del físico, no había límites”.

“Todo el mundo iba a Perez Hilton para ver lo que había pasado la noche anterior. Yo me acuerdo de despertarme los domingos e ir al blog a ver qué había pasado esa semana con las celebrities”, recuerda Lucía García-Cabrera, de 36 años, consumidora habitual de cultura pop y, durante esos años, del contenido de Hilton. “Tenía una opinión mucho más fuerte que el resto de páginas o incluso que las revistas sensacionalistas tipo The Sun, su contenido era eso llevado a lo más loco. La manera en la que hablaba de las celebrities era completamente demencial”, valora en referencia a la total deshumanización.

Cuando Britney Spears sufrió un colpaso en 2007, 'él era uno de los que más la azuzaban porque su manera de comunicar era muy despectiva y se burlaba mucho. Se reía de los cuerpos, del físico, no había límites'

Estela Cebrián — periodista en Lecturas y podcaster en 'Las Amigas Estupendas'

Un ejemplo de la influencia de Hilton, cuyo blog llegó a registrar casi 250 millones de páginas vistas en un solo mes en 2009, es que incluso la academia ha estudiado su impacto. La socióloga Rebecca Tiger analizó su caso en la publicación Perez Hilton y el cuerpo de las celebrities(2013), en la que habla de cómo el blog y su audiencia construían la imagen pública de los famosos, convirtiendo la apariencia física en objeto de escrutinio, especialmente en el caso de las mujeres. Otro trabajo titulado ¿Cómo lo hace Perez?: Evaluando la transparencia y la credibilidad en la blogosfera, de Melissa Voynich, examinaba la credibilidad en 2008 que los usuarios atribuían a Hilton. La relevancia del bloguero no residía únicamente en sus cifras de lectores, sino en su capacidad para transformar la relación entre personajes famosos, medios y público en una era todavía sin redes sociales.

Con el nacimiento de Twitter en 2006, su popularización masiva hacia 2009, y el estreno de Instagram en 2010, el reinado de Perez Hilton empezó a tambalearse. “Con Instagram y Twitter la gente empezó a seguir directamente a las celebridades y ellas mismas compartían imágenes, ya no era necesario recurrir a las fotos de Getty Images de la noche anterior”, explica Lucía García-Cabrera. Así, la decadencia de Perez Hilton fue en parte consecuencia de un cambio tecnológico que permitía por primera vez al público consumir la vida de sus ídolos sin intermediarios.

Pero a esa evolución de internet también se sumó un giro cultural natural: la toma de conciencia y rechazo hacia el acoso despiadado que exhibía Perez Hilton. “Cuando empecé a ver las cosas que publicaba de Britney Spears fue cuando ya dejé de seguirlo, fue un punto y final ver cómo se aprovechaba de la fama de una persona que lo estaba pasando realmente mal, aunque también hubo muchos conflictos con Lady Gaga, con Lindsay Lohan, con Nicole Richie cuando empezó a perder mucho peso y él la llamaba cadáver... además era especialmente crítico con las mujeres”, comenta García-Cabrera. También sacó de manera forzosa del armario a actores que no habían hablado públicamente de su orientación sexual.

“Por suerte hemos avanzado bastante y se están dejando atrás este tipo de maneras de comunicar. En los 90 y 2000 estaba bien visto reírse de los famosos, pero ahora la sociedad ya no acepta comentarios despectivos”, reflexiona Estela Cebrián. “Hilton es una figura que siempre estará ligada a una época bastante oscura de internet y del periodismo en realidad”, sentencia.

Tenía una opinión mucho más fuerte que el resto de páginas o incluso que las revistas sensacionalistas tipo The Sun, su contenido era eso llevado a lo más loco. La manera en la que hablaba de las celebrities era completamente demencial

Lucía García-Cabrera — consumidora habitual de cultura pop

“La forma de generar contenido no es que haya cambiado especialmente, ha cambiado el medio en el que se comunica: antes era la fiebre de los blogs y ahora es TikTok”, considera por su parte Janira Planes, para quien el bloguero supuso un punto de inflexión a la hora de profesionalizar el cotilleo digital de manera personal. “Perez Hilton fue quien marcó un antes y un después en internet para hacerlo de manera masiva; ya no solo en foros, sino en un canal propio”, defiende. Para la analista, el ecosistema actual de creadores de contenido de “salseo”, entre los que encontramos a Javi Hoyos o Nuria Marín, “salvando mucho las distancias, bebe de este formato de exponerse a ese momento de atención, de generar expectativas”.

Consciente de su pérdida de relevancia, el bloguero trató de llevar a cabo una redención pública y en 2020 publicó TMI: My Life in Scandal, unas memorias en las que entonaba el mea culpa. “Al final me percaté de que las cosas que escribía de verdad le hacían daño a la gente, y mucho”, escribió un Perez Hilton que se disculpaba especialmente por haber sido cruel con los hijos de los famosos y por su trato a estrellas como Ariana Grande.

“La gente no lo percibió como algo honesto, sino más bien un intento de hacer todo lo posible para volver a captar la atención cuando ya no se le hacía tanto caso”, opina García-Cabrera, que tiempo atrás había sido asidua a su contenido. Él mismo ha reconocido en numerosas ocasiones haber sido plenamente consciente del daño causado sobre otras personas al no respetar ningún tipo de ética periodística.

En el internet actual el nuevo rey es el algoritmo, un sistema de visibilización de contenido personalizado que cambia de funcionamiento en cuanto los influencers creen que pueden descifrarlo. En este contexto, que paradójicamente puede ser igual de alienante, la fama de Perez Hilton se quedó atrapada en el tiempo. El hecho de haber forjado una identidad centrada en la necesidad constante de generar contenido no supone para Planes, nativa digital, “nada extraordinario”, aunque le reconoce como un posible pionero. “Siento que estamos mucho en la era del periodismo en primera persona, donde el propio ‘periodista’, aunque ninguno de ellos se quiere llamar periodista, acaba siendo el centro de la noticia”, reflexiona sobre esta ruptura de la regla clásica del periodismo de que el informador no debe ser protagonista. Cebrián, por su parte, apunta que aunque Hilton intentó adaptarse a las nuevas plataformas, la relevancia de su personaje se vio superada.

La relevancia del bloguero no residía únicamente en sus cifras de lectores, sino en su capacidad para transformar la relación entre personajes famosos, medios y público en una era todavía sin redes sociales

La hospitalización de Perez Hilton tras su crisis retransmitida en directo cierra un círculo trágico en la cultura de internet. Un hombre que llegó a facturar hasta 45.000 dólares semanales por su paquete publicitario más grande en su mejor momento de popularidad, gracias a la difamación y exposición de crisis ajenas, y terminó retransmitiendo su propia debacle en TikTok.

La web Celebrity Net Worth, que estimaba recientemente su patrimonio en 20 millones de dólares, hoy calcula que no supera los 3 millones. Él mismo había mencionado encontrarse bajo mucha presión debido a una reciente mudanza de Las Vegas a Miami por motivos familiares y se cree que una hospitalización previa de 21 días hace meses debido a una sepsis pudo haberle supuesto problemas económicos adicionales debido al sistema sanitario estadounidense, predominantemente privado. Perez Hilton también es padre soltero de tres hijos por vientre de alquiler, una práctica de adopción ilegal en España. En los últimos meses, además, aseguraba que había encontrado a Dios y que este le había salvado, apunta Lucía García-Cabrera, que observa con tristeza la deriva del personaje.

Perez Hilton, uno de los hombres más poderosos de internet antes de que existieran los influencers, es hoy prácticamente un desconocido para la generación Z. Su historia, la de un atention monster o persona que necesita atención constante, recuerda que el precio a pagar por la economía de la exposición en internet es, en muchos casos, la propia estabilidad. Mientras se recupera en Miami, todavía con pronóstico reservado, internet sigue girando.

Si pensamos en el fenómeno fan y sus orígenes, nos viene a la mente la década de los 50 y 60 del siglo XX con ‘The Beatles’ y Elvis Presley como protagonistas, pero ellos no fueron las primeras superestrellas de la historia de la música, sino que fue un pianista del siglo XIX por el que había un furor tan grande que se compraban mechones de pelo y las personas se desmayaban al verlo.

Esta ‘superestrella’ fue Franz Liszt, que desde las salas de conciertos de música clásica de la Europa del siglo XIX desató un fenómeno fan que sería el germen de lo que surgiría ya en el siglo XX con la música pop. Además, con una historia de niño prodigio en clase humilde a ser todo un personaje célebre del sector musical.

La primera celebridad de la historia

Tal y como recoge la BBC, Franz Liszt fue la primera celebridad de la historia, de hecho, el Diccionario Oxford de la Lengua Inglesa usó esta palabra por primera vez precisamente en la década de 1830 en el contexto en el que el pianista alcanzó su fama.

De hecho, al igual que con artistas como los Beatles, el efecto que causaba el pianista también recibió un nombre concreto, el de ‘Lisztomanía’, que fue acuñado por el poeta alemán Heinrich Heine, que fue contemporáneo del músico de origen húngaro y nacido en un pequeño pueblo del imperio austríaco en 1811.

Franz Liszt llegó a la fama tras un camino de niño prodigio, que fue educado por su propio padre al descubrir el talento de su hijo en la música, y actuando desde muy pequeño se ganaría al público de Viena, París o Londres por su técnica prodigiosa y especialmente su imaginación, pero también por su apariencia, pues cuando tocaba el piano, con una larga melena que balanceaba en ese momento.

El pianista cambió las reacciones que eran habituales del público en la música clásica, que se caracterizaba por su decoro, y así había casos de gente que incluso cogió un cigarro de la boca del músico y lo fumó, o mujeres baronesas o condesas que se peleaban por conseguir objetos como un vaso o un pañuelo. Nada extraño para los que hemos crecido en el siglo XX y XXI.

Los orígenes humildes de Franz Liszt

Franz Liszt desarrolló su talento y capacidad motivado por su familia, que le comenzaron a dar clases de piano desde los siete años, y compondría desde los ocho, con las improvisaciones ya en su marca. Con tan solo nueve años ya daba conciertos en Sopron o Brastislava, y más tarde fue presentado ante la corte de la Casa de Esterhazy como niño prodigio.

Así fue como consiguió fondos para que el pequeño estudiara en Viena con Karl Czerny, discípulo de Beethoven, y donde llegaría también a estudiar composición con Antonio Salieri, conocido por su “rivalidad” con Mozart. Es así cuando se daría su debut en la capital austríaca en diciembre de 1822 que ya fue todo un éxito, reuniéndose más tarde con Schubert y con Beethoven.

De aquí se desataría la Lisztomanía, un fervor masivo entonces sin precedentes en Europa, hasta que en 1848 dejó las giras y se embarcó en ser compositor y director de la orquesta en Weimar, donde inventaría el poema sinfónico y apoyó la carrera de compositores emergentes como Richard Wagner. Su vida personal y varias tragedias le llevaría a vivir una etapa religiosa en Roma, hasta que pasaría sus últimos años entre la capital italiana, Weimar y Budapest, enseñando de forma gratuita a cientos de jóvenes pianistas de todo el mundo, mientras escribía obras oscuras y experimentales que anticiparon estilos como el impresionismo o el atonalismo. Fallecería a los 74 años en Bayreuth, región de Baviera, en Alemania debido a una neumonía.

El éxito de la película ‘Barbie’, así como de otros proyectos cinematográficos basados en las piezas Lego o la saga de Pixar ‘Toy Story’ que incluye juguetes que existen en la vida real, ha hecho que la idea de crear historias basadas en muñecos sea una de las líneas que Hollywood quiere explotar y es por eso por lo que se han hablado ya de varias opciones en este sentido.

En este sentido, el próximo juguete en tener película propia será ‘Action Man’, con Hasbro preparando ya el proyecto en el que van a participar guionistas y productores que han trabajado en Marvel, lo que hace una idea de la posible identidad del proyecto, del que ha informado The Hollywood Reporter.

Guionistas y productores de ‘Guardianes de la Galaxia’ o ‘Los Vengadores’

La película de ‘Action Man’, que de momento está en sus primeros pasos, según la información del mencionado medio, la prepara Hasbro junto a Working Title, y donde se ha quedado claro el marcado acento británico del proyecto, con el que se mantiene así la identidad de la marca y el juguete, con más seis décadas de historia.

Según The Hollywood Reporter, la película de ‘Action Man’ cuenta detrás ya con Simon Hatt y Anthony Sellitti como guionistas. El primero trabajó durante más de diez años en Marvel y participó como productor ejecutivo en ‘Guardianes de la Galaxia Vol.3’, mientras el segundo formó parte de la serie animada ‘X-Men’97’.

Ambos son británicos y crecieron con figuras de ‘Action Man’, con lo que habría determinado su implicación en el proyecto, siendo clave, por ejemplo, Hatt, quien logró convencer a Hasbro y Working Title a través de crear una previsualización de una pelea formada por un equipo de especialistas en acrobacias y con una identidad que combinará acción y comedia.

En esta película de ‘Action Man’ también participará Jeremy Latcham, quien fue productor ejecutivo de las primeras entregas de ‘Los Vengadores’ de Marvel, y que también participó en la producción de ‘Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves’.

La historia de ‘Action Man’: de la versión europea de GI Joe a “imitar” a James Bond

Los muñecos de ‘Action Man’ comenzaron su historia en 1966, cuando fueron lanzados por la empresa Palitoy, que seguía la estela del éxito de GI Joe, que nacía dos años antes en Estados Unidos. Ambos juguetes, sin embargo, se fueron diferenciando con el paso del tiempo, especialmente por el contexto.

Y es que a diferencia de GI Joe, ‘Action Man’ partía de un contexto británico en el que la violencia tenía una visión que marcaba el reciente trauma de las dos Guerras Mundiales, lo que hizo que se hiciera más especialista en desafíos de deportes extremos o el ser agente secreto, al estilo James Bond.

De esta forma, se adaptó al mercado europeo y se reinventó en varias ocasiones tras altibajos. En la década de 1990 vivió una segunda juventud, y se relanzó en 2010. Durante su historia llegó a convivir y coexistir con GI Joe en ‘crossovers’ y ser los dos partes del mismo conglomerado de Hasbro. La película no será su primer proyecto en la pantalla, ya que tuvo antes tres series televisivas: ‘Action Man’ (1995), ‘Action Man CG’ (2000), y ‘Action Man A.T.O.M’ (2005).

El desarrollo y posterior promoción de Mother Mary ha venido marcado por un dato llamativo: la susodicha Mother Mary, la cantante pop que interpreta Anne Hathaway, está basada en Taylor Swift. Y la barroca puesta en escena de sus conciertos está inspirada a su vez en la gira de Reputation de 2018. No obstante David Lowery (Milwaukee, 1980) ha sido algo más específico en una conversación con varios medios. “En realidad quise que Mother Mary fuera como yo, si yo fuera una estrella de pop ahora mismo”. El director de la película se declara “un gran fan” de la cantante, “pero más viejo”. Más bien, Taylor Swift podría ser Mother Mary en un futuro próximo.

Un futuro donde se preguntara en qué punto de su vida está como artista, que es parte de lo que cuenta Mother Mary. “Cuando empecé a escribir esta película tenía casi 40 años y hoy tengo 45. Quise reflexionar sobre mi proceso creativo, y desplacé todos esos mecanismos a una estrella del pop. Imaginé a una estrella pop en mi mismo punto vital. Quizá no profesional porque yo nunca tendré la carrera de Taylor Swift o de los grandes cineastas, pero igualmente hay un punto en la vida de todos que se ven las cosas de forma diferente. Te acercas a la mediana edad y el mundo cambia”.

Lowery se vio en la necesidad de hacer Mother Mary mientras estaba en Irlanda rodando su película anterior, El caballero verde. En 2021 tuvo grandes críticas, pero Lowery lo había pasado realmente mal durante el rodaje. “Entonces me encontraba agotado como artista. Cuando Mother Mary entra en el taller de Sam Anselm (la diseñadora que interpreta Michaela Coel) es un reflejo de cuando estaba en Irlanda rodando El caballero verde. Al pedirle un nuevo vestido Mother Mary pide ayuda, y es justo lo que yo necesitaba entonces. Escribir la película me dio una forma de respirar y procesar mis sentimientos”, recuerda. “Aunque tampoco es algo exclusivo de El caballero verde”.

El director estadounidense, propulsado al culto cinéfilo desde que hace poco más de diez años dirigiera A Ghost Story, confiesa: “[Con cada película] hay un momento en que he fallado, que no puedo ir más allá y necesito parar o voy a morir”. Siempre necesita algún medio de aliviarlo, y en el caso de la difícil experiencia de El caballero verde fue ponerse a continuación con Mother Mary, amparándose en su creencia del poder terapéutico del arte. “Quizá suene ingenuo, pero creo que el arte puede sanar y aliviar”. Algo que, desde luego, le gustaría creer al desdichado personaje de Hathaway, definiendo la película con sus dudas y avances emocionales.

En la trastienda del pop masivo

Lowery insiste mucho en que, de cara a Mother Mary, la música pop es menos importante para él que el hecho de indagar en un proceso creativo extrapolable a cualquier arte. No obstante hay un interés evidente por acercarse a estas figuras tan enigmáticas, traducido en la generosidad con la que lanza títulos que podrían haberle influido para hacer la película. “Me gusta mucho Aline, aquel falso biopic de Céline Dion. Y aún recuerdo cuando vi Vox Lux en el Festival de Toronto”.

El cineasta se refiere al segundo largometraje de Brady Corbet (The Brutalist), que en 2018 dividió a la crítica con su excesiva inmersión en los macroconciertos de pop de la mano de una estrella ficticia llamada Celeste, interpretada por Natalie Portman. “Vox Lux es muy distinta a Mother Mary porque hablaba del pop a un nivel cultural, desde la complejidad con la que está inserto en nuestra vida moderna. Yo hablo del pop más como una experiencia personal, en torno a cómo puede afectar al individuo creador. En este sentido me encanta por ejemplo Cásate conmigo, que protagonizaron Jennifer Lopez y Owen Wilson. Una comedia romántica a la vieja usanza, sobre una estrella pop”.

Smile 2 resulta ser, por último, el filme por el que Lowery siente más cariño. El director aprecia mucho el giro de esta secuela dirigida por Parker Finn, que reubicaba la maldición de las sonrisas suicidas en el tormento psicológico de otra cantante, Naomi Scott. “Cuando hice Mother Mary aún no había visto Smile 2, y si hubiera tenido más tiempo para pensarla quizá habría deducido que tenía que irme al terror”, revela Lowery entre risas. “El terror es la mejor forma de acercarse a la música pop. Y Smile 2 es fantástica, me encantaría programarla en sesión doble con Mother Mary”.

En opinión de Lowery, hay algo aterrador en ser una estrella pop y en la cultura de la fama que le rodea. “Me fascina cómo esta cultura obliga a las personas a tener dobles vidas. No quería que la película hablara concretamente de eso, no es una tesis ni nada parecido, pero desde luego me interesa. Yo fracasaría como famoso, sería un desastre. Así que ver a la gente que sabe cómo hacerlo me parece algo alienígena. Por eso Smile 2 es una película de terror tan estupenda”, insiste, “porque juega con los aspectos más extraños de la fama”. “Y Mother Mary también se pregunta cómo un artista puede ser un individuo y, a la vez, una manifestación de su propio arte. Es algo tortuoso”.

Lowery se resiste a meter todo esto en el saco de los “genios torturados”, aunque solo en parte. “Obviamente el arte es difícil, y cuando alguien se expone puede ser doloroso. Está revelando sus vulnerabilidades y hay algo incómodo que puede ser una tortura, por qué no. Cuando yo miro a las popstars… hacer películas es difícil, pero ser una estrella del pop debe serlo aún más”. Al director sí le despiertan más suspicacias lo de “genio”. “Ese término es desagradable porque cuando un artista hace algo, a menudo no sabe lo que está haciendo. Se deja llevar por sus instintos, sin intelectualizar nada. Y el término ‘genio’ es intelectual, implica que alguien sabe siempre lo que hace”.

“Es tu rechazo a acomodarte lo que hace tu trabajo genial, antes que cualquier idea preconcebida. Lo de ‘genio torturado’ es un arma de doble filo y hay algo de verdad en ella, pero también es peligroso asumir que el arte tiene que hacerse así”. Mother Mary, finalmente y dentro de su exploración del proceso artístico, plantea algo valioso: la creatividad como algo compartido, algo que surge entre varias personas. Una idea en la que la película está imbuida de cabo a rabo.

El arte como diálogo

Para empezar, por cómo ha sido el proceso compositivo de la música de Mother Mary. Las canciones que suenan llevan la firma de Jack Antonoff, FKA twigs (que se reserva un pequeño papel en el filme) y Charli XCX en otro de sus coqueteos con el cine tras la banda sonora de Cumbres borrascosas o aquel filme meta que protagonizó sobre el fenómeno Brat, The Moment. “Fue un proceso en constante evolución”, recuerda Lowery. “Yo solo sabía que necesitaba buenos compositores para crear al personaje de Mother Mary, y así empecé a trabajar con Charli XCX y Jack Antonoff. FKA twigs se apuntó más tarde, cuando ya la habíamos fichado como actriz”.

“Pero la artista más importante fue Anne Hathaway”, apunta el director. “Necesitábamos que se involucrara musicalmente, no solo porque iba a cantar sino porque necesitábamos que las canciones se sintieran parte de su personaje. Y, por tanto, fueron personales para ella en alguna medida”. Recordemos que Hathaway, hoy en una fase muy prolífica de su carrera como muestra su presencia en La Odisea o la próxima El final de Oak Street, ganó el Oscar por una interpretación eminentemente musical, en Los miserables. “Ella está acreditada en todos los temas porque los hizo suyos. Si no hubiera sido un proceso tan largo trabajando con todos los artistas, en tándem, la música no habría funcionado. Hubieran sido buenas canciones, pero no canciones de Mother Mary”.

La importancia de la comunicación es fácilmente extrapolable a lo que cuenta Mother Mary. Que no deja de ser una relación amistosa y profesional, buscando ansiosamente la reconciliación, en lo que constituiría un filme mucho más minimalista e íntimo de lo que parece. Muy parecido, acaso, a uno de los primeros trabajos de Lowery, un corto llamado Pioneer. “Pioneer sigue siendo mi obra favorita de todo lo que hecho. Es muy especial para mí, y solo dura 15 minutos y se reduce a dos personas hablando en una habitación. Mother Mary, con todo lo loca y maximalista que es, en realidad se reduce a dos personas teniendo una experiencia catártica en una habitación”.

“Luego sí, añadí fantasmas, conciertos, quise explorar esa granja donde se reúnen las protagonistas. Pero si no hubiera tenido los medios para grabar conciertos, si no hubiera dispuesto de efectos visuales para los fantasmas… creo que Mother Mary aún podría funcionar, pues solo son dos personajes hablando a corazón abierto. Pioneer funcionó porque contaba algo verdadero y significativo. Y quise que Mother Mary, en su corazón, funcionara exactamente de la misma forma”.

En este sentido, quizá lo más potente de Mother Mary es que incide en lo relevante que es el vestuario dentro de los imaginarios pop, en cuanto a expresión artística y cultural de primer orden alejada de las frivolidades del mercado. Atribuyendo la creación de Mother Mary tanto al personaje de Hathaway como a la diseñadora que encarna Coel. “El vestuario es esencial en todas las facetas de la vida, no solo en la música”, asegura Lowery. “Porque cuando consigues una iconicidad inseparable de alguien, cuando alguien logra tener un aspecto que le representa a él y solo a él, todo contribuye a que se eleve. Los artistas más icónicos saben ser representaciones puras de su arte”.

“Son representaciones de su arte, pero también son ellos. Cuando ves a Lady Gaga ves a la persona y la artista fundida en una imagen. A Beyoncé le pasa lo mismo, y a Taylor Swift por supuesto”, prosigue. “Por eso es tan fascinante la relación de la estrella con el diseñador o el director creativo, con todas las personas involucradas… porque también están creando. Mira a Sam. Es una artista increíble por sí misma, pero su arte se está volcando en algo separado de ella. Está haciendo ropa que es arte pero es otra persona quien la viste y gracias a ello puede ser icónica. Y es una dinámica fascinante porque suceden muchísimas cosas”, concluye Lowery. “Todo pasa bajo la superficie”.

Es uno de los éxitos no animados más rentables y consolidados de Disney y prepara su regreso con una tercera película casi dos décadas después. ‘Princesa por sorpresa’, como se conoció en España ‘The Princess Diaries’, cumple 25 años desde su estreno en el verano de 2001, aunque en las salas españolas no llegó hasta finales de ese mismo año.

Con un presupuesto de 26 millones de dólares, la película fue todo un éxito masivo porque logró multiplicar en más de seis veces su inversión inicial al recaudar un total de 165,3 millones de dólares a nivel mundial. Pero fue también el debut de Anne Hathaway y el regreso a la gran pantalla de Julie Andrews y uno de los mayores éxitos pop de Disney.

La película que convirtió a Anne Hathaway en estrella de Hollywood

Estrenada el 3 de agosto de 2001 en los cines de Estados Unidos y el 14 de diciembre de ese mismo año en España, ‘Princesa por sorpresa’ se convirtió en uno de los mayores éxitos de la cultura pop adolescente. Lo que pocos conocen es que la historia no es original, sino que está basada en la novela del mismo nombre escrita por Meg Cabot en el 2000, y que se convirtió en una saga de un total de 10 libros, lo que supone que hay material para rato porque solo dos han sido adaptados al cine.

En la primera película conocemos a Mia Thermopolis, una adolescente que vive en San Francisco y que descubre de forma sorprendente que es la heredera del trono de Genovia, un país pequeño en Europa entre Francia y España, y que se considera está inspirado en Mónaco. Un papel que interpretó Anne Hathaway, que no solo vivió su primer gran éxito comercial, sino también su debut en la gran pantalla con solo 18 años, lo que también la convirtió en un icono de la cultura pop juvenil de los 2000.

Después de ‘Princesa por sorpresa’, Hathaway fue escalando en su trayectoria con proyectos como ‘Ella Enchanted’ en 2004, ‘Brokeback Mountain’ en 2005 o ‘El diablo viste de Prada’ en 2006, que fue su definitivo estrellato y a cuya saga ha vuelto de forma reciente. Ella, sin embargo, no había sido la primera opción, pues para el papel protagonista también se plantearon nombres como Sarah Michelle Gellar, Rose McGowan, Alyssa Milano, Kirsten Dunst, Kate Hudson, Jessica Biel, Cameron Diaz, Alicia Silverstone, Reese Witherspoon o Amanda Bynes. Fueron las nietas del director Gary Marshall las que al ver a la actriz la vieron como perfecta para el papel por tener un “pelo de princesa” y esto supuso que tuvieran un guiño, apareciendo en el filme como las niñas que le piden un autógrafo a Mia.

Además de Hathaway, Julie Andrews tuvo el otro papel protagonista, lo que supuso el fin de su semirretiro de la actuación y volviendo a Disney desde que protagonizara ‘Mary Poppins’ en 1964. De hecho, esta película se rodó en el mismo estudio, el Stage 2, que se rebautizó como ‘Julie Andrews Stage 2’ en su honor.

La veterana actriz supuso ser una mentora para la joven Anne Hathaway, entonces de 18 años, que no tenía previa experiencia en el cine y que de esta forma pudo tener una especie de clase magistral intensiva, además de que actuara como figura protectora, y como maestra de disciplina, uso de voz y manejo de la fama. Esto hizo que la química entre ambas fuera el corazón del filme, y en cierta forma la interprete tomó ejemplo de la versatilidad de Andrews, llegando a ganar un Óscar por ‘Los Miserables’ por una interpretación donde cantó, actuó y se adaptó a distintos géneros.

Disney cambió la historia original y Whitney Houston fue productora

Basada en los libros anteriormente mencionados, la película, sin embargo, cambió ciertos aspectos relevantes. El primero de ellos es que el padre de Mia, Philippe Renaldi, está vivo y no fallecido como en el filme, siendo otro punto el que la historia se desarrolla en Nueva York y no en San Francisco.

Aunque uno de los detalles más diferentes es que Clarisse Renaldi, la abuela de Mia no es el personaje amable y cercano que vemos en la película con Julie Andrews, sino que aparece como una mujer fría que no trata tan bien a su nieta.

A pesar de todo esto, una de las grandes curiosidades de ‘Princesa por sorpresa’ es que tuvo a la cantante Whitney Houston como productora, también en su secuela, y también hizo lo propio en otro éxito Disney entre el público adolescente ‘Chicas Guepardo: Todo por un sueño’.

Junto a Bruce Springsteen en su último concierto en el escenario del Madison Square Garden, donde han realizado una residencia que ha sido el regreso de Bon Jovi, después de que Jon Bon Jovi sufriera problemas vocales, que le llevaron a pasar por el quirófano en 2022.

La banda estará de gira y pasará por Europa en ciudades como Dublín o Londres, la oportunidad perfecta para celebrar el 40 aniversario de su primer éxito, que fue escrito en un “desván en el lugar más tóxico del planeta”, usó un ‘sample’ de un tema de Bonnie Tyler y la letra iba dedicada a una famosa actriz. Hablamos de ‘You Give Love a Bad Name’.

La historia detrás del primer gran éxito de Bon Jovi

Hace cuatro décadas cuando la banda Bon Jovi alcanzaba el éxito a finales de 1986 con una canción que se había publicado el 23 de julio como single del álbum ‘Slippery When Wet’, del que salió también uno de sus temas más famosos, ‘Livin’ on a Prayer’.

Así fue como ‘You Give Love a Bad Name’ llegó al gran público, pero la historia de como se escribió y vio la luz es de lo más interesante y nos lleva hasta los orígenes de la banda. La canción fue compuesta por Jon Bon Jovi y Richie Sambora junto a Desmond Child, en el sótano de la casa de los padres de Sambora. Un lugar que, descrito por el propio Child en una entrevista con la Asociación Internacional de Compositores de Nashville, estaba junto a un “pantano marrón de aspecto mortal. Parecía la Ciudad Esmeralda, como el lugar más tóxico del planeta”, como sacado de ‘El silencio de los Corderos’.

Pero allí fue donde el compositor Desmond Child se reunió con ellos ya con el propósito de escribir un éxito, y la química fue tan instantánea que el proceso fue rápido y en poco tiempo la tenían. Según el escritor, él ya llevaba un título en mente: ‘Le das mala fama al amor’ que se unió a lo que tenía Jon Bon Jovi que era ‘Disparo al corazón y tú tienes la culpa.

“Una de las cosas maravillosas que pueden pasar es entrar en una habitación y conectar al instante con gente que no conoces. Es algo instantáneo. Con Jon Bon Jovi, Richie Sambora y yo, la conexión fue instantánea”, recordaba Child en la mencionada entrevista. Tan buena fue la sintonía que de esa reunión salió otro de los grandes temas de la banda como es ‘Livin’ on a Prayer’, que les llevó varios días de composición.

Con música de Bonnie Tyler y dedicada a Diane Lane

‘You Give Love a Bad Name’ fue lanzada en julio de 1986 fue el 29 de noviembre de 1986 cuando alcanzó el número 1 de la lista Billboard Hot 100 en Estados Unidos, siendo así el primer número uno de la banda, que también logró llegar a la cima en otros países. En 2007, más de veinte años después, volvería a entrar, en el número 29 después de que fuera interpretada en American Idol por Blake Lewis.

Una de las grandes curiosidades de la canción ‘You Give Love a Bad Name’ es que tomó un ‘sample’ de un sencillo de Bonnie Tyler, que la grabó con ‘If You Were a Woman (And I Was a Man)’ con una letra diferente y con Jim Steinman como productor. Pero insatisfechos con el movimiento que se le dio al tema por parte de la discográfica hizo que Desmond Child la reescribiera con otra historia junto a Jon Bon Jovi y Richie Sambora. No fue la única ocasión, pues en 2020 se volvió a usar el ‘sample’ por parte de Ava Max en su ‘Kings & Queens’, por ello Desmond Child aparece como acreditado.

La canción en la versión de Bon Jovi habla de una mujer que ha abandonado a su amante con frases tan dramáticas como “Me has herido profundamente, y tú tienes la culpa, cariño, le das mala fama al amor” o “Me vendes la sonrisa de un ángel, me prometes el cielo, me haces pasar un infierno”, y parece que tenían un nombre al que se dirigían: la actriz Diane Lane.

La historia circuló con rumores durante varios años después de que en el libro del exmánager de giras Rich Bozzett ‘Sex, Drugs and Bon Jovi’ escribiera que la actriz y Jon Bon Jovi salieron durante unos meses en 1985 y lo dejaron cuando la vio de fiesta con Richie Sambora, el guitarrista y compañero de banda. La propia Lane confirmó que salieron cinco meses cuando ella tenía 20 años. El compositor Desmond Child aseguró que ‘You Give Love a Bad Name’ no sería solo para Diane Lane, sino que fue “una amalgama de diferentes personas”.

Actualmente, si hablamos de sagas exitosas y longevas dentro de la industria de los videojuegos, la franquicia Pokemón es una de ellas, capaces, además de generar todo un conjunto de productos derivados, tanto de merchandising como de una propia serie de televisión, que no hizo más que aumentar su fama.

Sin embargo, lo que pocos conocen es que, en 1999, pocos años después de su lanzamiento en Japón, la saga afrontaba un posible final después de un inicio discreto en el mercado, pero lo que se planeó como los últimos videojuegos de Pokemón acabarían siendo su mayor éxito y marcarían a toda una generación.

De final a principio de un éxito generacional: Pokemón Oro y Plata

Los que fueron niños a finales de los 90 y principios de los 2000 son conscientes de lo que significó la salida de los videojuegos Pokemón Oro y Plata, que superaron todas las expectativas y serían el inicio de toda una serie de videojuegos de fama, especialmente en las consolas Nintendo portátiles, primero con Game Boy y luego con sus sucesoras. Estos dos videojuegos, sin embargo, fueron planteados como el final de la saga por parte de sus creadores, Game Freak, después de que sus antecesores tuvieran “una recepción tan discreta y normalita que era imposible imaginarse la enorme fama que llegaría a cobrar la serie”.

Y es que los primeros videojuegos de Pokemón, Pokémon Rojo y Verde en Japón, estaban previstos para ser lanzados en octubre de 1995 para aprovechar la temporada de Navidad, pero no pudieron llegar a tiempo en su desarrollo y no se pudieron poner a la venta hasta febrero de 1996, que según sus creadores es “el peor momento del año para llegar a las tiendas”. A pesar de que su recepción fue discreta, gracias al boca a boca fue ganando en ventas y colocarse en el top 10, tanto que fue cuando se planteó la serie de televisión protagonizada por Ash y Pikachu.

Esta supondría un problema más adelante porque su éxito también implicó que los planes de sus creadores sufrieran cambios. Y es que Tsunekazu Ishihara, presidente de The Pokémon Company, y Shingeki Morimoto, de Game Freak, revelaron en su día en una entrevista que plantearon poner fin a los videojuegos de Pokemón antes de llegar al siglo XXI con lo que sería los juegos Oro y plata, para “dedicarse a algo diferente.

Fue entonces cuando el ‘boom’ de ventas de esta serie de videojuegos en noviembre de 1999 en Japón los pilló por sorpresa, un hecho que además coincidió con el aterrizaje en Occidente con “Pokémon: Azul”, “Pokémon: Rojo” y “Pokémon: Amarillo”. Los nuevos se vendían más rápido ya en sus primeras semanas, y viendo todo lo generado, se descartó que fuera el final de la saga en cuanto a videojuegos. Tras ello, la serie de televisión siguió adelante, se estrenaron películas y se fueron generando nuevos videojuegos para consolas, pero también llegaría la locura con ‘Pokemón Go’ en smartphones hace diez años, en 2016.

El curioso origen de la franquicia Pokemón

La idea de Pokemón nació en 1989 como idea de Satoshi Tajiri, aunque no se comenzaría a desarrollar hasta 1990 y tardaría seis años, porque Game Freak, la empresa del anteriormente mencionado solo disponía entonces de cuatro programadores y tenía problemas para conseguir su lanzamiento, hasta que pudo llegar a un acuerdo con Nintendo.

Tajiri tomó la idea de Pokemón de la que fue su mayor pasión de pequeño, la de recorrer bosques en su ciudad natal Machida, en Tokio, y coleccionar insectos. Después de fundar junto al ilustrador Ken Sujimori la empresa Game Freak, que primero fue una revista, luego desarrollarían videojuegos y fue así como le llevó a crear una serie basada en su pasatiempo de niño. Los primeros bocetos tuvieron el título de ‘Capsule Monsters’ debido a la dinámica de atraparlos en una cápsula, la ‘pokebola’.

En julio, pero de 1996 hace 30 años, un grupo de cinco chicas británicas se presentaba al mundo con la canción “Wannabe” y un videoclip que se convertiría no solo en su carta de presentación, demostrando su empoderamiento y su lado ‘gamberro’, sino también sería todo un icono de la cultura pop de finales de los 90.

Un videoclip que, sin embargo, tres décadas después forma parte de la historia de la música y que, además, tiene una historia de lo más curiosa que tenía como primera opción la ciudad de Barcelona, pero que no recibió los permisos.

De Barcelona al castillo de Edimburgo: los comienzos del videoclip de “Wannabe”

Las Spice Girls se presentaron con su primer single, “Wannabe”, que se convirtió en un gran éxito y la canción más emblemática de su carrera, y antes de que todo esto sucediera, el grupo preparaba el videoclip de este sencillo, que sería clave para la imagen que querían proyectar en la industria musical. El vídeo fue el primero a nivel musical que rodaba el sueco Johan Camitz, que fue una directa recomendación del manager del grupo, Simon Fuller, que lo había visto en comerciales rodados para marcas como Volkswagen, Diesel o Nike, pero que sería su debut con artistas.

Camitz tuvo como primera idea que se rodara en un edificio ‘exótico’ de Barcelona, que se diera en una toma única, y que una vez tomaran este lugar, ellas se dedicaran a hacer disturbios, demostrando su lado rebelde. Sin embargo, tan solo unos días antes de que comenzara el rodaje, en abril de 1996, recibieron la denegación del permiso por parte del Ayuntamiento de Barcelona.

Así fue cuando el director del videoclip se vio obligado a buscar una nueva localización, que encontraría en un edificio histórico de Londres. A pesar de ello, para la primera versión promocional de lo que sería el lanzamiento del ‘single’ se optó por otro lugar de la historia del Reino Unido: el castillo de Edimburgo, aunque el resultado no fue tan satisfactorio.

Sí que lo fue el video final, que no pudo ser rodado en tan solo una toma, sino que se cortó en dos, y debido a que el grupo tuvo que ensayar varias veces durante la noche lo que iban a hacer durante el vídeo. Se convirtió en todo un éxito e icono, ganando el premio al Mejor Vídeo Dance en los MTV Video Music Awards de 1997, así como fue el Mejor Vídeo en los Comet Media Awards. No pudo ganar su nominación en los BRIT Awards, pero sí se colocó entre los mejores vídeos de pop de todos los tiempos según la lista de Channel 4.

El hotel donde se rodó finalmente “Wannabe”

El edificio histórico que se escogió para rodar finalmente el videoclip de “Wannabe” fue el antiguo Midland Grand Hotel de Londres, el actual St Pancras. Este fue diseñado por Sir George Gilbert Scott en 1876 y reabrió en 2011 después de una importante renovación, aunque los trabajos de estuco, vidrieras y escaleras de mármol siguen siendo elementos originales.

Estas escaleras, uno de lo que es más reconocible en el vídeo de las Spice Girls, se pueden visitar y tomar fotos desde lejos, pero solo los huéspedes del hotel las pueden usar. El ornamentado ha aparecido también en películas como ‘Harry Potter y la cámara secreta’.

Melody es hasta la fecha la última representante de España en el Festival de la Canción de Eurovisión, después de que RTVE rechazara participar en la pasada edición de 2026. La cantante representó con “Esa Diva” tras ganar la cuarta edición del Benidorm Fest, y en esa misma canción repasaba parte de su carrera profesional.

Con la letra “Desde que era bien pequeña, antes de saber andar, fui del mundo la rumbera, para mí era tan normal…”, Melody parece recordar el momento en el que saltó a la fama con tan solo 10 años y pasó de la noche a la mañana a embarcarse en giras internacionales, así como estar en lo más alto de la lista de ventas en varios países, incluso ser nominada a un Grammy Latino. Todo ello, además, siendo una de las canciones del verano hace 25 años.

Apadrinada por ‘El Fary’

Melodía Ruiz Gutiérrez, a la que se le conoce más como ‘Melody’, nació en Dos Hermanas (Sevilla) un 12 de octubre de 1990. Desde bien pequeña sintió interés por la música, especialmente teniendo en cuenta que procedía de una familia de artistas, que le inculcaron el amor por el arte, de hecho, su padre formaba parte de un grupo y con tan solo seis años, la pequeña hizo sus ‘pinitos’ en el escenario.

Eso la motivó a crear una maqueta desde muy pequeña, que llegaría hasta ‘El Fary’, quien decidiría apadrinarla y ayudarla en su camino hacia el estrellato. Así fue como con tan solo diez años publicó su primer disco, ‘De Pata Negra’, del que fue el primer single “El baile del gorila”, que no tenía un gran secreto, pero llegó a lo más alto de las listas en España.

“El baile del gorila” conquistó la escena musical con una temática sencilla, un estribillo pegajoso y con coreografía incluida, todo ello con una niña de 10 años con gran desparpajo y carisma, que la convertiría en una combinación perfecta para que fuera canción del verano en 2001, a pesar de haber salido a finales de abril.

Doble disco de platino y nominada al Grammy Latino

El éxito de “El baile del gorila” de Melody superó todas las expectativas, llegando a conseguir doble disco de platino en España y uno en América, un hecho del que fue la primera artista española en conseguirlo. Por si fuera poco, el disco fue nominado al Grammy Latino en 2002 en la categoría de mejor álbum infantil, compitiendo con cantantes de la talla de Xuxa o Miliki.

También fue finalista en los Premios Billboard de la Música Latina de 2003, donde fue nominado a mejor álbum de pop latino junto a artistas como Las Kétchup o Sin Bandera. En 2011, a 20 años de su publicación, Melody realizó una nueva versión de la canción sin animales.

Pocas canciones han conectado con el espíritu de su tiempo y lo han llevado más allá, tanto que han quedado asociada a su narrativa. Uno de esos casos es “Space Oddity”, el primer éxito de David Bowie, una de las canciones más singulares y conmovedoras de finales de la década de los 60, y que ha seguido influyendo en la música, versionada en varias ocasiones, una de ellas incluso desde el espacio.

Y es que pocas canciones pueden decir que han contado con una ‘cover’ hecha desde la mismísima Estacion Espacial Internacional, siendo así el primer videoclip rodado en el espacio. Un hecho que cerró un círculo teniendo en cuenta que el tema había captado el espíritu de la llegada a la luna de ese mismo 1969.

Inspirada en ‘2001: Una odisea del espacio’ de Kubrick

La década de los 60 tuvo varios elementos que la caracterizaron, y uno de ellos fue el de los viajes al espacio, con el hito de la llegada del hombre a la Luna como uno de los acontecimientos principales que hubo para la posteridad. “Space Oddity” fue la canción que mejor capturó este aspecto, aunque la inspiración la tomó de la ficción.

Y es que el que fue el primer gran éxito de David Bowie nació en la cabeza del artista británico después de haber visto “2001: Una odisea del espacio” en los cines, aunque no la escribiría hasta seis meses después de haber visto la película de Stanley Kubrick. Directamente, el personaje del tema fue basado en el Dr. David Bowman, al que dio vida Keir Dullea. Una vez la compuso, el entonces representante de Bowie, contó que la primera vez que la escuchó supo que “había creado algo especial”: “Que se trataba de una canción inusualmente ingeniosa quedó claro desde la primera escucha”, aseguró en su libro Bowie: The Pitt Report.

El tema iba a formar parte en un principio de un cortometraje, pero al cancelarse, Bowie grabó varias versiones demo de la canción para intentar lograr un contrato discográfico, algo que logró y que llevó a grabar la última versión, que fue su primer gran éxito, con Gus Dudgeon, que era entonces productor de Elton John.

La banda sonora de la llegada a la Luna

El sencillo se grabó el 20 de junio de 1969, pero no se publicaría hasta el 11 de julio de ese mismo año, justo cinco días antes del inicio de la misión lunar del Apolo 11, nueve días antes de que se produjera la llegada a la luna. Esto, sin embargo, hizo que las emisoras de radio no quisieran reproducirla hasta que la tripulación, con Neil Armstrong y Buzz Aldrin en cabeza, volviera sana y salva a la Tierra.

Pero la BBC, en su emisión de la cobertura de la llegada del hombre a la Luna sí que usó “Space Oddity”, lo que hizo que se creara una conexión directa entre el acontecimiento y la canción. “Estoy seguro de que no estaban prestando atención a la letra. Por supuesto, me alegró muchísimo que sí lo hicieran”, aseguró Bowie más tarde sobre este hecho.

Más allá del éxito, David Bowie volvió a revivir al personaje de Mayor Tom en trabajos posteriores, como en “Ashes to Ashes”, que fue publicada más de diez años después, en 1980, y que se vio como una secuela, en la que vuelve a contactar con la Tierra. La influencia del tema le ha llevado a ser una de las 500 canciones que dieron forma al rock and roll en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

Tuvo una cover desde la estación espacial

En el 44 aniversario de su lanzamiento, recibió un bonito homenaje desde la propia Estación Espacial Internacional, por parte del astronauta canadiense Chris Hadfield, lo que la convirtió en el primer videoclip filmado en el espacio. Sin embargo, el video tuvo problemas debido a los derechos de la canción.

El propio David Bowie la vio como “la versión más acertada y mejor creada jamás”, y logró ayudar a Hadfield para que el video de “Space Oddity” desde el espacio no fuera retirado de la web.

El estudio Pixar ha regalado a lo largo de su trayectoria con historias que han quedado en la memoria de varias generaciones, que han crecido con sus películas, desde que en 1995 debutaran con ‘Toy Story’ y cambiaran la forma de hacer animación, tanto que han influenciado a Disney, su actual propietaria, desde dentro.

Una de esas historias que ha perdurado en el imaginario colectivo es ‘Cars’, que cumple 20 años desde que se estrenara la primera de sus películas y se arrancara así con una de las sagas más exitosas, no solo por sus más de 462 millones de dólares, sino porque es una de las que más ha conseguido vender en merchandising, generando una facturación de más de 10.000 millones de dólares.

Un homenaje e inspiración de la Ruta 66

‘Cars’ llegaba a los cines españoles un 7 de julio de 2006 para ser uno de los mejores estrenos del verano de hace dos décadas, y abrir la franquicia ambientada en el ficticio pueblo de Radiador Springs, que, si bien no existe del todo en la vida real, tiene una clara inspiración que sí que es realidad. Y es que la película se planteó como un homenaje e inspiración en la Ruta 66, que precisamente, fue la primera idea de título, pero el hecho de que ya existiera una serie de televisión con el mismo nombre hizo que se cambiara y llegara a conocerse con el de ‘Cars’. El objetivo del equipo de Pixar fue reflejar la realidad de los pueblos fantasmas que surgieron en Estados Unidos cuando se construyó la autopista interestatal y que dejó de lado a la mítica ruta.

Debido a la importancia de la zona, diseñadores, animadores y productores estuvieron viajando durante nueve días por la Ruta 66 con el objetivo de documentar imágenes que luego iban a usar para crear lo que serían los escenarios de la película animada. Así, se pueden ver claras referencias reales como Cadillac Ranch, una instalación de arte al aire libre que se ubica en Amarillo, Texas, o el pequeño pueblo de Galena, en Kansas, donde se pueden ver ya figuras de personajes de la saga.

La película animada que respira NASCAR y Fórmula 1

Siendo un largometraje protagonizado por coches, el automovilismo tiene un papel relevante y son muchos los guiños que aparecen a dos de las principales competiciones deportivas como son la NASCAR y la Fórmula 1. Además, los propios personajes están inspirados en modelos reales de coches, como el BMW E9 Coupé, Chevrolet Camaro, Porsche 911, Hudson Hornet o un Fiat 500, algunos de ellos modelos de coleccionista.

Así, además de leyendas del cine como Paul Newman, que dio voz a Doc Hudson en la primera entrega, participaron también grandes nombres del automovilismo como Richard Petty, apoyado ‘el rey’ de la NASCAR y en el que está basado el personaje del mismo nombre y al que dio voz. Otra figura fue el tres veces campeón de la competición, Darrel Walltrip, que se interpreta así mismo con un Chevrolet Monte Carlo de 1977. Pero la NASCAR está también detrás de la inspiración de Mate, el ‘torpe’ compañero de Rayo McQueen, que se basa en un fan de la competición llamado Douglas Mater Keever y al que conoció el director John Lasseter en un viaje mientras investigaba para el filme, de hecho, hace incluso un cameo como voz de una caravana.

Además de la NASCAR, la Fórmula 1 tuvo su papel también dentro de ‘Cars’, siendo uno de los guiños más destacados el que la matrícula de Luigi es 4458, que son a la vez las coordenadas de la fábrica de Ferrari en Maranello, Italia. Así, varios pilotos y expilotos dieron voz a personajes como Nikki Lauda, Michael Schumacher y Sebastian Vettel participaron en la versión alemana, así como Lewis Hamilton en la original. En España coincidió con el momento de mayor popularidad de este deporte, con Fernando Alonso como bicampeón, y que puso voz a Mario Andretti, además de que el locutor Antonio Laboto hizo también de narrador en la cinta, pero participaron también Nani Roma, Marc Gené, Pedro de la Rosa, Emilio de Villota, Dani Sordo o Antonio Albacete, entre otros grandes nombres.

Guiños a Toy Story

No solo dentro de ‘Cars’ encontramos referencias a la Ruta 66 y al automovilismo, sino también al universo Pixar, con guiños como suele ser habitual en las películas tanto de Disney como de la factoría, y es que cabe recordar que detrás de las primeras entregas de la saga esta John Lasseter, que dirigió también las primeras de Toy Story, y es por eso por lo que esta franquicia es la que más guiños esconde.

Podemos ver, por ejemplo, como el número 95 de Rayo McQueen hace referencia directa al año de estreno de ‘Toy Story’, primera película de Pixar, así como la marca de neumáticos es ‘Lightyear’ como el apellido del famoso astronauta juguete Buzz, o también podemos ver la camioneta de Pizza Planet en varias ocasiones.

El 28 de junio de 1996 es el inicio de un fenómeno que se conoció como la ‘Spicemanía’, cuando el grupo femenino de pop Spice Girls conquistó el éxito a nivel mundial gracias al primer sencillo de su álbum debut ‘Spice’, que vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo y que se convirtió así en el single más vendido en la historia por parte de una ‘girlband’.

Hablamos de “Wannabe”, una canción que ha traspasado generaciones y que cumple tres décadas de historia desde que fuera número uno en 37 países, y que no solo lanzó al estrellato al grupo británico de cinco chicas, sino que también consolidó el movimiento ‘girl power’ que redefiniría los últimos años del pop de la década de los 90.

¿Habrá reunión de las Spice Girls por el 30 aniversario? Mel C y Emma responden

Las Spice Girls celebran los 30 años de su primer éxito e himno, “Wannabe”, y en un contexto en el que el efecto nostalgia domina parte de la escena musical son continuos los rumores de un posible reencuentro entre Geri Halliwell, Victoria Beckham, Mel B, Emma Bunton y Mel C, sobre todo con las diferentes reuniones que han protagonizado en los últimos años debido a celebraciones de cumpleaños o aniversarios.

La buena sintonía y relación que han demostrado entre las cinco en los últimos años ha reavivado las reuniones de una gira de reencuentro, sobre todo teniendo en cuenta que la última vez que actuaron todas juntas se dio en los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Y en este sentido, una entrevista conjunta de dos de ellas, Emma y Mel C, no ha hecho más que añadir optimismo sobre que esto vuelva a suceder. “No puedo pensar ahora mismo nada mejor en el mundo que el que haya una reunión de las Spice Girls”, aseguró la primera de ellas en una entrevista de radio, en iHeart, en Reino Unido, junto a su compañera, que contestó en la misma sintonía: “Sería tan bonito, manifestémoslo, digámoslo en alto”.

Mel C, una de las integrantes de las Spice Girls que más activa está en el mundo de la música y que ha mantenido una carrera más longeva, ha sido una de las que más ha manifestado en público su deseo de reunirse con sus compañeras en el grupo: “Es solo encontrar el buen momento, y nosotras sentimos que ahora es el momento perfecto, tenemos también que contar con las demás, pero hemos pasado por mucho como grupo de personas que somos, y ha habido altibajos, pero pienso que ahora que somos más mayores, y que celebramos los 30 años de nuestro primer éxito, creo que nos tenemos mucho amor y respeto entre nosotras”, afirmó.

Emma Bunton compartió el positivismo y las ganas de hacer realidad el deseo de un reencuentro de Spice Girls en la entrevista de radio, aunque matizó que no solo depende de ellas: “Como dices, es encontrar el momento perfecto, y es algo que siempre se nos pregunta, pero creo que como hemos hecho en otras ocasiones, es algo que cuando las estrellas se alineen se crea la magia y sucede”.

El fenómeno Spice Girls: menos de un lustro, pero marcó a una generación

La historia de las Spice Girls trasciende más allá de lo que fueron como grupo a nivel musical. Y es que desde que lanzó su primer sencillo y obtuvieron gran éxito hasta que se separaron y dejaron de hacer nueva música junta pasaron menos de cinco años, pero que fueron tan intensos que generaron un fenómeno irrepetible y marcarían a toda una generación, tanto que han conseguido trascender a las nuevas, que nunca las han visto juntas en directo.

El grupo se formó en 1994 a través de un casting, un método habitual visto también en ‘boybands’ de gran éxito como sus compatriotas Take That o Backstreet Boys, con los que coincidieron en momento de explosión. Geri Halliwell, Victoria Adams, Melanie Brown, Emma Bunton y Melanie Chisholm se unieron y cada una de ellas recibió una etiqueta por la que se les perfiló una personalidad: Ginger Spice, Posh Spice, Scary Spice, Baby Spice y Sporty Spice.

El éxito de “Wannabe” les pilló por sorpresa, porque ellas solo querían pasarlo bien, así lo aseguró Geri Halliwell en su autobiografía If Only en 1999: “Empezamos simplemente jugando con acordes y raps. Desde ese momento, creo que todos nos dimos cuenta de que esto era algo especial. Surgió de forma tan natural que la canción parecía simbolizar lo que éramos”, compartió.

Spice Girls junto al compositor Richard ‘Biff’ Stannard dieron forma a una canción con un claro mensaje, el de empoderamiento femenino: “Lo único que teníamos planeado con era representarlos como banda y capturar la esencia de lo que eran: esa esencia intrépida, obstinada y fantásticamente intimidante”, declaró el autor a The Telegraph, a la vez que enfatizó que ellas fueron directas sobre esto desde el inicio. En 1998, la salida de Geri Halliwell golpeó de incertidumbre el futuro de la banda, que seguiría como cuarteto hasta 2000 con ‘Goodbye’ y se disolverían. La gran mayoría continuaron en la música, incluso Victoria Beckham, aunque esta se haría finalmente un nombre en la industria de la moda. La última reunión tuvo lugar en 2019, sin la propia Victoria.

Son como la luna y el sol y, sin embargo, ambas podrían convivir perfectamente en el mismo firmamento. Tanto, que parece que las dos controlan sus respectivos astros cada vez que sostienen el micrófono. La primera de ellas, Lorde, jamás había actuado en Madrid hasta este preciso día. No es casualidad, por ende, que el sol se resistiese a abandonar el cielo mientras la artista permaneciera sobre el escenario del Mad Cool, como si el único motivo de su existencia se justificase con iluminarla durante este concierto. Florence and the Machine, en cambio, ya conocía de sobra la luna de la ciudad, por lo que el escondite del satélite no hacía más que añadir misterio a la noche.

Aun así, también había planetas pululando por la segunda jornada del festival: Jennie, esta vez sin sus compañeras de Blackpink girando a su alrededor, llegaba dispuesta a poner el broche k-pop ante su enorme séquito de fans; Teddy Swims, por su lado, buscaba demostrar que el soul que triunfa en TikTok también puede hacerlo en directo; Charlie Puth, por su parte, que “debería ser un artista más grande”, y Zara Larsson, por la suya, que no hay fiesta si no hay pop chicle de por medio. Y cada uno de ellos ha intentado acometer su propósito a su manera —algunos con más fortuna que otros—, pero la sombra de un eclipse se ha cernido sobre ellos en el que ha sido el Mad Cool de Lorde y Florence Welch.

Antes siquiera de que los primeros indicios del atardecer se empezaran a percibir en el distrito de Villaverde, los acordes de Liability ya habían sonado bien alto en el festival. “Van a verme desaparecer en el sol / Todos me van a ver desaparecer en el sol”, ha cantado Lorde en un clásico que alude a una sensación de unidad con el universo. No es ninguna sorpresa: la artista ha dedicado mucho tiempo a comunicarse con la estrella madre. Lo ha hecho a través de cartas y, por supuesto, música. Una música que se adueña de cualquier espacio cuando el mito, esa cantante que evita las redes y escribe a sus fans por correo electrónico según el calendario natural, es quien sale a defenderla.

El concierto de la artista se llenó de magia desde el momento en el que la neozelandesa abandonó a Ella Marija Lani Yelich-O'Connor, la persona detrás de la icono, y se transformó en la guía de las miles de personas que la vitoreaban a escasos metros. Es algo que Lorde hace sin pretenderlo, puesto que siempre se ha esforzado por no ser ese tipo de referente, evitando los focos y el ruido mediático, y optando por vivir lejos de las alfombras rojas de Hollywood tras descubrir lo que conlleva la fama. En el escenario, no obstante, es capaz de cambiar todas las facetas de sí misma. Es lo que hace que uno no pueda cambiar la dirección de la mirada. Todas las pupilas le pertenecen.

“He sido el hielo, he sido la llama / He sido el premio, la bola, la cadena / He sido el dado, la bola mágica”, ha declarado Lorde en la interpretación de su exquisita Shapeshifter, perteneciente a su último disco, Virgin (2025). La canción es uno de sus himnos más recientes, una realidad que se nota cuando la gente recibe el final como la máxima de las confesiones de su ídolo: “No, no me afecta / Pero esta noche solo quiero caer”. Pero la fiesta no podía terminar sin las extraordinarias Supercut o Ribs, esta última interpretada mientras era arropada por la audiencia y daba la mano a los fans de las primeras filas.

El espectáculo de la artista ha estado marcado por las altas temperaturas, pero la religión que ha creado Lorde en torno a su trabajo ha sido suficiente para que cualquier gota de sudor mereciera la pena. “Hace mucho calor”, ha dicho Lorde en un perfecto español. Más adelante, la compositora ha aprovechado para criticar las gafas Ray-Ban Meta, patrocinadoras del festival, que sirven para capturar fotos y vídeos en primera persona, escuchar música y realizar llamadas sin usar las manos. “Cada vez es más difícil saber si algo es real. Ya no sabes si alguien lleva gafas de sol o si lleva esas jodidas gafas de mierda...”, ha alegado. Lorde, la diosa que de adolescente le añadió una 'e' al término masculino Lord para coronarse a su manera, invitó a sus seguidores a rezar... y claro que sus seguidores rezaron.

Sin embargo, si la religión permaneció en el recinto del Mad Cool es porque hubo más de una predicadora. La noche tiene ese sabor al misticismo de la iglesia, ese olor a lo sagrado de los libros. Y la noche tuvo como dueña a Florence and the Machine. La banda, capitaneada por la ya legendaria Florence Welch, ha estado hasta cuatro veces en Madrid, la última siendo en 2022 en el propio Mad Cool. No es de extrañar que apenas necesitaran de las estrellas, ocultas bajo las nubes durante gran parte de su actuación, ya que no hubo instante durante el concierto del grupo que la audiencia no estuviera sumida en una profunda hipnosis.

La sola presencia de Florence Welch sobre las tablas lograba cortar la respiración. Descalza y girando sobre sí misma como si fuese su último día sobre los escenarios, la británica destiló presencia en un espectáculo que calificarlo como tal se queda hasta corto. Lo de la artista es un homenaje a la música en todas sus formas. La inicial Everybody Scream ya era toda una declaración de intenciones: o gritas o gritas. Y no únicamente eso: “Todos a bailar / Todos a cantar / Todos a moverse”. Supuso un espléndido inicio antes de continuarlo con el himno Shake It Out, que todavía en 2026 sigue invocando las lágrimas de quien lo escucha. Así es el torbellino de emociones de la banda.

La cantante brilló con su tema Spectrum, aupada por una preciosa melodía de violín y piano que encendió los ánimos antes de provocar una pura catarsis colectiva durante Hunger, donde miles de personas respondieron al unísono con palmadas. No obstante, la misa de Florence and the Machine no podía acabar sin su respectiva comunión: Welch, dejándose caer de rodillas, se cargó de dramatismo en King para reclamar su trono. “No soy una madre, no soy una novia, soy un rey”, ha asegurado al alcanzar el estribillo de la canción. La devoción llegó a su punto de no retorno en What Kind of Man, un tema que explotó de forma salvaje tras la primera estrofa con un simple rasgueo del batería.

El ritual de la banda se consumó durante la puesta en escena de Rabbit Heart, cuando Welch invitó a los fans a subirse a los hombros de otros, llenando el horizonte de muchas cabezas sobre otras. No importaba que la persona de delante tapase durante varios minutos a la de atrás o que quienes se sostenían no se conocieran de nada, las canciones tienen estas cosas y su sacerdotisa sabía prender la mella de la magia como ninguna otra. Este es el refugio de la música contra la tormenta, y que haya quien lo saque a relucir con tanta proeza la misma jornada en la que ocurre el fallecimiento de la mítica Bonnie Tyler lo hace aún más valioso.

Un artista más grande

Canta Taylor Swift en The Tortured Poets Department (2024) que “Charlie Puth debería ser un artista más grande”. Como si quisiera demostrarlo, el cantante salió tras el teclado dispuesto a jugar con él como si se tratara de una mesa de mezclas. Es poco común ver a grandes estrellas cantar con las gafas de vista, pero el estadounidense parecía no querer perderse ni un solo detalle de lo que ocurría en el foso. Tras apenas un tema, se puso una gorra para afrontar el calor y recordó que, en efecto, había “pasado mucho tiempo” desde su última visita a la capital. En concreto, una década. Pese a ello, el público coreó de memoria su memorable We Don't Talk Anymore y respondió complacido a su show.

Menos gracia tuvo el espectáculo de Jennie, aunque no precisamente por su enorme producción. La integrante de Blackpink, uno de los reclamos más fuertes de la jornada, otorgó un concierto que quedará pronto en el olvido fuera de su base de fans. Apenas se la escuchó, con los coros sonando a todo volumen, y a sus bailes les faltó autenticidad. Era difícil creer lo que veías y no por admiración, sino por la pretenciosidad que derrochaba. Los fans, eso sí, hacían que el plato fuera más digerible gracias a su increíble pasión. La mayoría acudió con un martillo de corazón y estrellas, un tipo de barra de luz que se ha convertido en un accesorio fundamental para los seguidores de la banda, que utilizaron para iluminar el recinto.

El día también acogió el soul contemporáneo de Teddy Swims, soberbio en directo al desnudar su voz en la balada Some Things I’ll Never Know, y la purpurina de Zara Larsson. Esta última, ya considerada una diva del pop, se subió a un coche rosa sobre el escenario, se hizo un selfie con la multitud a sus espaldas y se escudó en sus coreografías para divertir a la audiencia. Aunque su fenómeno solo ha explotado en España con una o dos canciones, casi todo el público —y no había precisamente pocas personas— tarareó todos los temas, incluso los que no lucían interesados en su espectáculo —un ejemplo de la gran cantidad de asistentes extranjeros, que se encamina a alcanzar el 40%—. Ambos también dejaron huella como constelaciones del Mad Cool, que no han tenido mejor guía que la luz del sol y la luna de Lorde y Florence and the Machine.