En julio, pero de 1996 hace 30 años, un grupo de cinco chicas británicas se presentaba al mundo con la canción “Wannabe” y un videoclip que se convertiría no solo en su carta de presentación, demostrando su empoderamiento y su lado ‘gamberro’, sino también sería todo un icono de la cultura pop de finales de los 90.

Un videoclip que, sin embargo, tres décadas después forma parte de la historia de la música y que, además, tiene una historia de lo más curiosa que tenía como primera opción la ciudad de Barcelona, pero que no recibió los permisos.

De Barcelona al castillo de Edimburgo: los comienzos del videoclip de “Wannabe”

Las Spice Girls se presentaron con su primer single, “Wannabe”, que se convirtió en un gran éxito y la canción más emblemática de su carrera, y antes de que todo esto sucediera, el grupo preparaba el videoclip de este sencillo, que sería clave para la imagen que querían proyectar en la industria musical. El vídeo fue el primero a nivel musical que rodaba el sueco Johan Camitz, que fue una directa recomendación del manager del grupo, Simon Fuller, que lo había visto en comerciales rodados para marcas como Volkswagen, Diesel o Nike, pero que sería su debut con artistas.

Camitz tuvo como primera idea que se rodara en un edificio ‘exótico’ de Barcelona, que se diera en una toma única, y que una vez tomaran este lugar, ellas se dedicaran a hacer disturbios, demostrando su lado rebelde. Sin embargo, tan solo unos días antes de que comenzara el rodaje, en abril de 1996, recibieron la denegación del permiso por parte del Ayuntamiento de Barcelona.

Así fue cuando el director del videoclip se vio obligado a buscar una nueva localización, que encontraría en un edificio histórico de Londres. A pesar de ello, para la primera versión promocional de lo que sería el lanzamiento del ‘single’ se optó por otro lugar de la historia del Reino Unido: el castillo de Edimburgo, aunque el resultado no fue tan satisfactorio.

Sí que lo fue el video final, que no pudo ser rodado en tan solo una toma, sino que se cortó en dos, y debido a que el grupo tuvo que ensayar varias veces durante la noche lo que iban a hacer durante el vídeo. Se convirtió en todo un éxito e icono, ganando el premio al Mejor Vídeo Dance en los MTV Video Music Awards de 1997, así como fue el Mejor Vídeo en los Comet Media Awards. No pudo ganar su nominación en los BRIT Awards, pero sí se colocó entre los mejores vídeos de pop de todos los tiempos según la lista de Channel 4.

El hotel donde se rodó finalmente “Wannabe”

El edificio histórico que se escogió para rodar finalmente el videoclip de “Wannabe” fue el antiguo Midland Grand Hotel de Londres, el actual St Pancras. Este fue diseñado por Sir George Gilbert Scott en 1876 y reabrió en 2011 después de una importante renovación, aunque los trabajos de estuco, vidrieras y escaleras de mármol siguen siendo elementos originales.

Estas escaleras, uno de lo que es más reconocible en el vídeo de las Spice Girls, se pueden visitar y tomar fotos desde lejos, pero solo los huéspedes del hotel las pueden usar. El ornamentado ha aparecido también en películas como ‘Harry Potter y la cámara secreta’.

Melody es hasta la fecha la última representante de España en el Festival de la Canción de Eurovisión, después de que RTVE rechazara participar en la pasada edición de 2026. La cantante representó con “Esa Diva” tras ganar la cuarta edición del Benidorm Fest, y en esa misma canción repasaba parte de su carrera profesional.

Con la letra “Desde que era bien pequeña, antes de saber andar, fui del mundo la rumbera, para mí era tan normal…”, Melody parece recordar el momento en el que saltó a la fama con tan solo 10 años y pasó de la noche a la mañana a embarcarse en giras internacionales, así como estar en lo más alto de la lista de ventas en varios países, incluso ser nominada a un Grammy Latino. Todo ello, además, siendo una de las canciones del verano hace 25 años.

Apadrinada por ‘El Fary’

Melodía Ruiz Gutiérrez, a la que se le conoce más como ‘Melody’, nació en Dos Hermanas (Sevilla) un 12 de octubre de 1990. Desde bien pequeña sintió interés por la música, especialmente teniendo en cuenta que procedía de una familia de artistas, que le inculcaron el amor por el arte, de hecho, su padre formaba parte de un grupo y con tan solo seis años, la pequeña hizo sus ‘pinitos’ en el escenario.

Eso la motivó a crear una maqueta desde muy pequeña, que llegaría hasta ‘El Fary’, quien decidiría apadrinarla y ayudarla en su camino hacia el estrellato. Así fue como con tan solo diez años publicó su primer disco, ‘De Pata Negra’, del que fue el primer single “El baile del gorila”, que no tenía un gran secreto, pero llegó a lo más alto de las listas en España.

“El baile del gorila” conquistó la escena musical con una temática sencilla, un estribillo pegajoso y con coreografía incluida, todo ello con una niña de 10 años con gran desparpajo y carisma, que la convertiría en una combinación perfecta para que fuera canción del verano en 2001, a pesar de haber salido a finales de abril.

Doble disco de platino y nominada al Grammy Latino

El éxito de “El baile del gorila” de Melody superó todas las expectativas, llegando a conseguir doble disco de platino en España y uno en América, un hecho del que fue la primera artista española en conseguirlo. Por si fuera poco, el disco fue nominado al Grammy Latino en 2002 en la categoría de mejor álbum infantil, compitiendo con cantantes de la talla de Xuxa o Miliki.

También fue finalista en los Premios Billboard de la Música Latina de 2003, donde fue nominado a mejor álbum de pop latino junto a artistas como Las Kétchup o Sin Bandera. En 2011, a 20 años de su publicación, Melody realizó una nueva versión de la canción sin animales.

Pocas canciones han conectado con el espíritu de su tiempo y lo han llevado más allá, tanto que han quedado asociada a su narrativa. Uno de esos casos es “Space Oddity”, el primer éxito de David Bowie, una de las canciones más singulares y conmovedoras de finales de la década de los 60, y que ha seguido influyendo en la música, versionada en varias ocasiones, una de ellas incluso desde el espacio.

Y es que pocas canciones pueden decir que han contado con una ‘cover’ hecha desde la mismísima Estacion Espacial Internacional, siendo así el primer videoclip rodado en el espacio. Un hecho que cerró un círculo teniendo en cuenta que el tema había captado el espíritu de la llegada a la luna de ese mismo 1969.

Inspirada en ‘2001: Una odisea del espacio’ de Kubrick

La década de los 60 tuvo varios elementos que la caracterizaron, y uno de ellos fue el de los viajes al espacio, con el hito de la llegada del hombre a la Luna como uno de los acontecimientos principales que hubo para la posteridad. “Space Oddity” fue la canción que mejor capturó este aspecto, aunque la inspiración la tomó de la ficción.

Y es que el que fue el primer gran éxito de David Bowie nació en la cabeza del artista británico después de haber visto “2001: Una odisea del espacio” en los cines, aunque no la escribiría hasta seis meses después de haber visto la película de Stanley Kubrick. Directamente, el personaje del tema fue basado en el Dr. David Bowman, al que dio vida Keir Dullea. Una vez la compuso, el entonces representante de Bowie, contó que la primera vez que la escuchó supo que “había creado algo especial”: “Que se trataba de una canción inusualmente ingeniosa quedó claro desde la primera escucha”, aseguró en su libro Bowie: The Pitt Report.

El tema iba a formar parte en un principio de un cortometraje, pero al cancelarse, Bowie grabó varias versiones demo de la canción para intentar lograr un contrato discográfico, algo que logró y que llevó a grabar la última versión, que fue su primer gran éxito, con Gus Dudgeon, que era entonces productor de Elton John.

La banda sonora de la llegada a la Luna

El sencillo se grabó el 20 de junio de 1969, pero no se publicaría hasta el 11 de julio de ese mismo año, justo cinco días antes del inicio de la misión lunar del Apolo 11, nueve días antes de que se produjera la llegada a la luna. Esto, sin embargo, hizo que las emisoras de radio no quisieran reproducirla hasta que la tripulación, con Neil Armstrong y Buzz Aldrin en cabeza, volviera sana y salva a la Tierra.

Pero la BBC, en su emisión de la cobertura de la llegada del hombre a la Luna sí que usó “Space Oddity”, lo que hizo que se creara una conexión directa entre el acontecimiento y la canción. “Estoy seguro de que no estaban prestando atención a la letra. Por supuesto, me alegró muchísimo que sí lo hicieran”, aseguró Bowie más tarde sobre este hecho.

Más allá del éxito, David Bowie volvió a revivir al personaje de Mayor Tom en trabajos posteriores, como en “Ashes to Ashes”, que fue publicada más de diez años después, en 1980, y que se vio como una secuela, en la que vuelve a contactar con la Tierra. La influencia del tema le ha llevado a ser una de las 500 canciones que dieron forma al rock and roll en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

Tuvo una cover desde la estación espacial

En el 44 aniversario de su lanzamiento, recibió un bonito homenaje desde la propia Estación Espacial Internacional, por parte del astronauta canadiense Chris Hadfield, lo que la convirtió en el primer videoclip filmado en el espacio. Sin embargo, el video tuvo problemas debido a los derechos de la canción.

El propio David Bowie la vio como “la versión más acertada y mejor creada jamás”, y logró ayudar a Hadfield para que el video de “Space Oddity” desde el espacio no fuera retirado de la web.

El estudio Pixar ha regalado a lo largo de su trayectoria con historias que han quedado en la memoria de varias generaciones, que han crecido con sus películas, desde que en 1995 debutaran con ‘Toy Story’ y cambiaran la forma de hacer animación, tanto que han influenciado a Disney, su actual propietaria, desde dentro.

Una de esas historias que ha perdurado en el imaginario colectivo es ‘Cars’, que cumple 20 años desde que se estrenara la primera de sus películas y se arrancara así con una de las sagas más exitosas, no solo por sus más de 462 millones de dólares, sino porque es una de las que más ha conseguido vender en merchandising, generando una facturación de más de 10.000 millones de dólares.

Un homenaje e inspiración de la Ruta 66

‘Cars’ llegaba a los cines españoles un 7 de julio de 2006 para ser uno de los mejores estrenos del verano de hace dos décadas, y abrir la franquicia ambientada en el ficticio pueblo de Radiador Springs, que, si bien no existe del todo en la vida real, tiene una clara inspiración que sí que es realidad. Y es que la película se planteó como un homenaje e inspiración en la Ruta 66, que precisamente, fue la primera idea de título, pero el hecho de que ya existiera una serie de televisión con el mismo nombre hizo que se cambiara y llegara a conocerse con el de ‘Cars’. El objetivo del equipo de Pixar fue reflejar la realidad de los pueblos fantasmas que surgieron en Estados Unidos cuando se construyó la autopista interestatal y que dejó de lado a la mítica ruta.

Debido a la importancia de la zona, diseñadores, animadores y productores estuvieron viajando durante nueve días por la Ruta 66 con el objetivo de documentar imágenes que luego iban a usar para crear lo que serían los escenarios de la película animada. Así, se pueden ver claras referencias reales como Cadillac Ranch, una instalación de arte al aire libre que se ubica en Amarillo, Texas, o el pequeño pueblo de Galena, en Kansas, donde se pueden ver ya figuras de personajes de la saga.

La película animada que respira NASCAR y Fórmula 1

Siendo un largometraje protagonizado por coches, el automovilismo tiene un papel relevante y son muchos los guiños que aparecen a dos de las principales competiciones deportivas como son la NASCAR y la Fórmula 1. Además, los propios personajes están inspirados en modelos reales de coches, como el BMW E9 Coupé, Chevrolet Camaro, Porsche 911, Hudson Hornet o un Fiat 500, algunos de ellos modelos de coleccionista.

Así, además de leyendas del cine como Paul Newman, que dio voz a Doc Hudson en la primera entrega, participaron también grandes nombres del automovilismo como Richard Petty, apoyado ‘el rey’ de la NASCAR y en el que está basado el personaje del mismo nombre y al que dio voz. Otra figura fue el tres veces campeón de la competición, Darrel Walltrip, que se interpreta así mismo con un Chevrolet Monte Carlo de 1977. Pero la NASCAR está también detrás de la inspiración de Mate, el ‘torpe’ compañero de Rayo McQueen, que se basa en un fan de la competición llamado Douglas Mater Keever y al que conoció el director John Lasseter en un viaje mientras investigaba para el filme, de hecho, hace incluso un cameo como voz de una caravana.

Además de la NASCAR, la Fórmula 1 tuvo su papel también dentro de ‘Cars’, siendo uno de los guiños más destacados el que la matrícula de Luigi es 4458, que son a la vez las coordenadas de la fábrica de Ferrari en Maranello, Italia. Así, varios pilotos y expilotos dieron voz a personajes como Nikki Lauda, Michael Schumacher y Sebastian Vettel participaron en la versión alemana, así como Lewis Hamilton en la original. En España coincidió con el momento de mayor popularidad de este deporte, con Fernando Alonso como bicampeón, y que puso voz a Mario Andretti, además de que el locutor Antonio Laboto hizo también de narrador en la cinta, pero participaron también Nani Roma, Marc Gené, Pedro de la Rosa, Emilio de Villota, Dani Sordo o Antonio Albacete, entre otros grandes nombres.

Guiños a Toy Story

No solo dentro de ‘Cars’ encontramos referencias a la Ruta 66 y al automovilismo, sino también al universo Pixar, con guiños como suele ser habitual en las películas tanto de Disney como de la factoría, y es que cabe recordar que detrás de las primeras entregas de la saga esta John Lasseter, que dirigió también las primeras de Toy Story, y es por eso por lo que esta franquicia es la que más guiños esconde.

Podemos ver, por ejemplo, como el número 95 de Rayo McQueen hace referencia directa al año de estreno de ‘Toy Story’, primera película de Pixar, así como la marca de neumáticos es ‘Lightyear’ como el apellido del famoso astronauta juguete Buzz, o también podemos ver la camioneta de Pizza Planet en varias ocasiones.

El 28 de junio de 1996 es el inicio de un fenómeno que se conoció como la ‘Spicemanía’, cuando el grupo femenino de pop Spice Girls conquistó el éxito a nivel mundial gracias al primer sencillo de su álbum debut ‘Spice’, que vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo y que se convirtió así en el single más vendido en la historia por parte de una ‘girlband’.

Hablamos de “Wannabe”, una canción que ha traspasado generaciones y que cumple tres décadas de historia desde que fuera número uno en 37 países, y que no solo lanzó al estrellato al grupo británico de cinco chicas, sino que también consolidó el movimiento ‘girl power’ que redefiniría los últimos años del pop de la década de los 90.

¿Habrá reunión de las Spice Girls por el 30 aniversario? Mel C y Emma responden

Las Spice Girls celebran los 30 años de su primer éxito e himno, “Wannabe”, y en un contexto en el que el efecto nostalgia domina parte de la escena musical son continuos los rumores de un posible reencuentro entre Geri Halliwell, Victoria Beckham, Mel B, Emma Bunton y Mel C, sobre todo con las diferentes reuniones que han protagonizado en los últimos años debido a celebraciones de cumpleaños o aniversarios.

La buena sintonía y relación que han demostrado entre las cinco en los últimos años ha reavivado las reuniones de una gira de reencuentro, sobre todo teniendo en cuenta que la última vez que actuaron todas juntas se dio en los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Y en este sentido, una entrevista conjunta de dos de ellas, Emma y Mel C, no ha hecho más que añadir optimismo sobre que esto vuelva a suceder. “No puedo pensar ahora mismo nada mejor en el mundo que el que haya una reunión de las Spice Girls”, aseguró la primera de ellas en una entrevista de radio, en iHeart, en Reino Unido, junto a su compañera, que contestó en la misma sintonía: “Sería tan bonito, manifestémoslo, digámoslo en alto”.

Mel C, una de las integrantes de las Spice Girls que más activa está en el mundo de la música y que ha mantenido una carrera más longeva, ha sido una de las que más ha manifestado en público su deseo de reunirse con sus compañeras en el grupo: “Es solo encontrar el buen momento, y nosotras sentimos que ahora es el momento perfecto, tenemos también que contar con las demás, pero hemos pasado por mucho como grupo de personas que somos, y ha habido altibajos, pero pienso que ahora que somos más mayores, y que celebramos los 30 años de nuestro primer éxito, creo que nos tenemos mucho amor y respeto entre nosotras”, afirmó.

Emma Bunton compartió el positivismo y las ganas de hacer realidad el deseo de un reencuentro de Spice Girls en la entrevista de radio, aunque matizó que no solo depende de ellas: “Como dices, es encontrar el momento perfecto, y es algo que siempre se nos pregunta, pero creo que como hemos hecho en otras ocasiones, es algo que cuando las estrellas se alineen se crea la magia y sucede”.

El fenómeno Spice Girls: menos de un lustro, pero marcó a una generación

La historia de las Spice Girls trasciende más allá de lo que fueron como grupo a nivel musical. Y es que desde que lanzó su primer sencillo y obtuvieron gran éxito hasta que se separaron y dejaron de hacer nueva música junta pasaron menos de cinco años, pero que fueron tan intensos que generaron un fenómeno irrepetible y marcarían a toda una generación, tanto que han conseguido trascender a las nuevas, que nunca las han visto juntas en directo.

El grupo se formó en 1994 a través de un casting, un método habitual visto también en ‘boybands’ de gran éxito como sus compatriotas Take That o Backstreet Boys, con los que coincidieron en momento de explosión. Geri Halliwell, Victoria Adams, Melanie Brown, Emma Bunton y Melanie Chisholm se unieron y cada una de ellas recibió una etiqueta por la que se les perfiló una personalidad: Ginger Spice, Posh Spice, Scary Spice, Baby Spice y Sporty Spice.

El éxito de “Wannabe” les pilló por sorpresa, porque ellas solo querían pasarlo bien, así lo aseguró Geri Halliwell en su autobiografía If Only en 1999: “Empezamos simplemente jugando con acordes y raps. Desde ese momento, creo que todos nos dimos cuenta de que esto era algo especial. Surgió de forma tan natural que la canción parecía simbolizar lo que éramos”, compartió.

Spice Girls junto al compositor Richard ‘Biff’ Stannard dieron forma a una canción con un claro mensaje, el de empoderamiento femenino: “Lo único que teníamos planeado con era representarlos como banda y capturar la esencia de lo que eran: esa esencia intrépida, obstinada y fantásticamente intimidante”, declaró el autor a The Telegraph, a la vez que enfatizó que ellas fueron directas sobre esto desde el inicio. En 1998, la salida de Geri Halliwell golpeó de incertidumbre el futuro de la banda, que seguiría como cuarteto hasta 2000 con ‘Goodbye’ y se disolverían. La gran mayoría continuaron en la música, incluso Victoria Beckham, aunque esta se haría finalmente un nombre en la industria de la moda. La última reunión tuvo lugar en 2019, sin la propia Victoria.

Son como la luna y el sol y, sin embargo, ambas podrían convivir perfectamente en el mismo firmamento. Tanto, que parece que las dos controlan sus respectivos astros cada vez que sostienen el micrófono. La primera de ellas, Lorde, jamás había actuado en Madrid hasta este preciso día. No es casualidad, por ende, que el sol se resistiese a abandonar el cielo mientras la artista permaneciera sobre el escenario del Mad Cool, como si el único motivo de su existencia se justificase con iluminarla durante este concierto. Florence and the Machine, en cambio, ya conocía de sobra la luna de la ciudad, por lo que el escondite del satélite no hacía más que añadir misterio a la noche.

Aun así, también había planetas pululando por la segunda jornada del festival: Jennie, esta vez sin sus compañeras de Blackpink girando a su alrededor, llegaba dispuesta a poner el broche k-pop ante su enorme séquito de fans; Teddy Swims, por su lado, buscaba demostrar que el soul que triunfa en TikTok también puede hacerlo en directo; Charlie Puth, por su parte, que “debería ser un artista más grande”, y Zara Larsson, por la suya, que no hay fiesta si no hay pop chicle de por medio. Y cada uno de ellos ha intentado acometer su propósito a su manera —algunos con más fortuna que otros—, pero la sombra de un eclipse se ha cernido sobre ellos en el que ha sido el Mad Cool de Lorde y Florence Welch.

Antes siquiera de que los primeros indicios del atardecer se empezaran a percibir en el distrito de Villaverde, los acordes de Liability ya habían sonado bien alto en el festival. “Van a verme desaparecer en el sol / Todos me van a ver desaparecer en el sol”, ha cantado Lorde en un clásico que alude a una sensación de unidad con el universo. No es ninguna sorpresa: la artista ha dedicado mucho tiempo a comunicarse con la estrella madre. Lo ha hecho a través de cartas y, por supuesto, música. Una música que se adueña de cualquier espacio cuando el mito, esa cantante que evita las redes y escribe a sus fans por correo electrónico según el calendario natural, es quien sale a defenderla.

El concierto de la artista se llenó de magia desde el momento en el que la neozelandesa abandonó a Ella Marija Lani Yelich-O'Connor, la persona detrás de la icono, y se transformó en la guía de las miles de personas que la vitoreaban a escasos metros. Es algo que Lorde hace sin pretenderlo, puesto que siempre se ha esforzado por no ser ese tipo de referente, evitando los focos y el ruido mediático, y optando por vivir lejos de las alfombras rojas de Hollywood tras descubrir lo que conlleva la fama. En el escenario, no obstante, es capaz de cambiar todas las facetas de sí misma. Es lo que hace que uno no pueda cambiar la dirección de la mirada. Todas las pupilas le pertenecen.

“He sido el hielo, he sido la llama / He sido el premio, la bola, la cadena / He sido el dado, la bola mágica”, ha declarado Lorde en la interpretación de su exquisita Shapeshifter, perteneciente a su último disco, Virgin (2025). La canción es uno de sus himnos más recientes, una realidad que se nota cuando la gente recibe el final como la máxima de las confesiones de su ídolo: “No, no me afecta / Pero esta noche solo quiero caer”. Pero la fiesta no podía terminar sin las extraordinarias Supercut o Ribs, esta última interpretada mientras era arropada por la audiencia y daba la mano a los fans de las primeras filas.

El espectáculo de la artista ha estado marcado por las altas temperaturas, pero la religión que ha creado Lorde en torno a su trabajo ha sido suficiente para que cualquier gota de sudor mereciera la pena. “Hace mucho calor”, ha dicho Lorde en un perfecto español. Más adelante, la compositora ha aprovechado para criticar las gafas Ray-Ban Meta, patrocinadoras del festival, que sirven para capturar fotos y vídeos en primera persona, escuchar música y realizar llamadas sin usar las manos. “Cada vez es más difícil saber si algo es real. Ya no sabes si alguien lleva gafas de sol o si lleva esas jodidas gafas de mierda...”, ha alegado. Lorde, la diosa que de adolescente le añadió una 'e' al término masculino Lord para coronarse a su manera, invitó a sus seguidores a rezar... y claro que sus seguidores rezaron.

Sin embargo, si la religión permaneció en el recinto del Mad Cool es porque hubo más de una predicadora. La noche tiene ese sabor al misticismo de la iglesia, ese olor a lo sagrado de los libros. Y la noche tuvo como dueña a Florence and the Machine. La banda, capitaneada por la ya legendaria Florence Welch, ha estado hasta cuatro veces en Madrid, la última siendo en 2022 en el propio Mad Cool. No es de extrañar que apenas necesitaran de las estrellas, ocultas bajo las nubes durante gran parte de su actuación, ya que no hubo instante durante el concierto del grupo que la audiencia no estuviera sumida en una profunda hipnosis.

La sola presencia de Florence Welch sobre las tablas lograba cortar la respiración. Descalza y girando sobre sí misma como si fuese su último día sobre los escenarios, la británica destiló presencia en un espectáculo que calificarlo como tal se queda hasta corto. Lo de la artista es un homenaje a la música en todas sus formas. La inicial Everybody Scream ya era toda una declaración de intenciones: o gritas o gritas. Y no únicamente eso: “Todos a bailar / Todos a cantar / Todos a moverse”. Supuso un espléndido inicio antes de continuarlo con el himno Shake It Out, que todavía en 2026 sigue invocando las lágrimas de quien lo escucha. Así es el torbellino de emociones de la banda.

La cantante brilló con su tema Spectrum, aupada por una preciosa melodía de violín y piano que encendió los ánimos antes de provocar una pura catarsis colectiva durante Hunger, donde miles de personas respondieron al unísono con palmadas. No obstante, la misa de Florence and the Machine no podía acabar sin su respectiva comunión: Welch, dejándose caer de rodillas, se cargó de dramatismo en King para reclamar su trono. “No soy una madre, no soy una novia, soy un rey”, ha asegurado al alcanzar el estribillo de la canción. La devoción llegó a su punto de no retorno en What Kind of Man, un tema que explotó de forma salvaje tras la primera estrofa con un simple rasgueo del batería.

El ritual de la banda se consumó durante la puesta en escena de Rabbit Heart, cuando Welch invitó a los fans a subirse a los hombros de otros, llenando el horizonte de muchas cabezas sobre otras. No importaba que la persona de delante tapase durante varios minutos a la de atrás o que quienes se sostenían no se conocieran de nada, las canciones tienen estas cosas y su sacerdotisa sabía prender la mella de la magia como ninguna otra. Este es el refugio de la música contra la tormenta, y que haya quien lo saque a relucir con tanta proeza la misma jornada en la que ocurre el fallecimiento de la mítica Bonnie Tyler lo hace aún más valioso.

Un artista más grande

Canta Taylor Swift en The Tortured Poets Department (2024) que “Charlie Puth debería ser un artista más grande”. Como si quisiera demostrarlo, el cantante salió tras el teclado dispuesto a jugar con él como si se tratara de una mesa de mezclas. Es poco común ver a grandes estrellas cantar con las gafas de vista, pero el estadounidense parecía no querer perderse ni un solo detalle de lo que ocurría en el foso. Tras apenas un tema, se puso una gorra para afrontar el calor y recordó que, en efecto, había “pasado mucho tiempo” desde su última visita a la capital. En concreto, una década. Pese a ello, el público coreó de memoria su memorable We Don't Talk Anymore y respondió complacido a su show.

Menos gracia tuvo el espectáculo de Jennie, aunque no precisamente por su enorme producción. La integrante de Blackpink, uno de los reclamos más fuertes de la jornada, otorgó un concierto que quedará pronto en el olvido fuera de su base de fans. Apenas se la escuchó, con los coros sonando a todo volumen, y a sus bailes les faltó autenticidad. Era difícil creer lo que veías y no por admiración, sino por la pretenciosidad que derrochaba. Los fans, eso sí, hacían que el plato fuera más digerible gracias a su increíble pasión. La mayoría acudió con un martillo de corazón y estrellas, un tipo de barra de luz que se ha convertido en un accesorio fundamental para los seguidores de la banda, que utilizaron para iluminar el recinto.

El día también acogió el soul contemporáneo de Teddy Swims, soberbio en directo al desnudar su voz en la balada Some Things I’ll Never Know, y la purpurina de Zara Larsson. Esta última, ya considerada una diva del pop, se subió a un coche rosa sobre el escenario, se hizo un selfie con la multitud a sus espaldas y se escudó en sus coreografías para divertir a la audiencia. Aunque su fenómeno solo ha explotado en España con una o dos canciones, casi todo el público —y no había precisamente pocas personas— tarareó todos los temas, incluso los que no lucían interesados en su espectáculo —un ejemplo de la gran cantidad de asistentes extranjeros, que se encamina a alcanzar el 40%—. Ambos también dejaron huella como constelaciones del Mad Cool, que no han tenido mejor guía que la luz del sol y la luna de Lorde y Florence and the Machine.

En ‘Toy Story 5’, la saga de los juguetes más famosos del cine aborda el cambio de entretenimiento de los niños de las actuales generaciones, donde las pantallas se colocan en un primer plano, pero lejos de ser un argumento de película, esto es algo que se evidencia en la vida real y que afecta ya a marcas tan icónicas y famosas como Playmobil.

Y es que dos años después del cierre de su fábrica en España, la marca ha anunciado el fin de la última que quedaba en Alemania, su país de origen, debido a los altos costes, con lo que se evidencia la crisis de una marca con más de cinco décadas de historia.

El fin de la producción Playmobil en Alemania

Este julio se da el cierre de la última fábrica de Playmobil en Alemania, situada en el sur, en Dietenhofen, con un hecho que se veía implementado desde febrero, con una producción que trasladará a otros países europeos, algo que denuncian los empleados, que aseguran que la gestión se podría haber hecho de otra manera para evitar este desenlace.

“En Dietenhofen ya no queda ningún empleado. Sólo estoy yo aquí. Me niego a abandonar la empresa”, declaró a Associated Press el trabajador Michael Ulbrich, que estaba empleado dentro del área de imprenta, producción y novedades de la famosa empresa de juguetes, que a su vez explica también que dentro de la fábrica ya solo quedan empresas de limpieza y desmontaje.

El fin de la última fábrica de Playmobil en Alemania es una crónica de una muerte anunciada, pues el año pasado ya se redujo de manera drástica la plantilla, que pasó de 1.500 a 364 trabajadores, y que ha llegado hasta el paro de la producción.

El grupo propietario de la marca, Horst Brandstätter, explicó a través de un portavoz que el cierre de la fábrica se debe a los “elevados costes de la energía y los salarios, así como la excesiva burocracia que existe” en Alemania, que hacen que no sea “viable mantener la producción en la planta”. De esta forma, en el país de origen de los ‘clicks’ solo queda la sede central de Europa, sus oficinas en Zirndorf, cerca de Nuremberg, pasando la producción alemana a República Checa y Malta.

Auge y crisis de Playmobil: una historia de cinco décadas

El cierre de su última fábrica en Alemania llega dos años después de que se pusiera fin a la que había en España, concretamente en el municipio alicantino de Onil tras 48 años de existencia y haber llegado a ser una de las principales delegaciones al aglutinar hasta el 15 % de la producción mundial de estos famosos juguetes. Esto se debió a una fuerte caída de ventas a nivel global que llevó a empujar a despedir a más de 700 personas en 2023, un año antes de cumplir 50 años de la marca, lo que llega en una industria del juguete que es una de las que no remontan a las cifras anteriores del Covid y que evidencian los cambios en el entretenimiento de los niños.

Cinco décadas de historia que comenzaron en 1974 cuando la empresa Brandstätter, fundada en el siglo XIX y dedicada a la producción de productos metálicos como cofres o cerraduras, crea los primeros Playmobil en plena crisis del petróleo debido a su bajo coste de producción. La idea había nacido de Hans Beck, carpintero que era el jefe de desarrollo de la compañía, que había recibido el encargo de fabricar pequeños vehículos de plástico que fueran acompañados de pequeñas figuras.

De aquí, Beck ganó interés en esas pequeñas figuras y luego de ellas generar accesorios, pero este primer prototipo de Playmobil no tuvo seguimiento porque no llegó a cuajar dentro de la compañía. No será hasta cuando la empresa se ve al borde de la quiebra en la crisis del petróleo en 1973 cuando le piden que retome su idea, siendo él reconocido de forma oficial como el padre de estos juguetes que en tan solo un año generaron unas ventas de tres millones de marcos, lo que sería un millón y medio de euros. A España llegarían a través de la empresa Famosa, que los renombraría como ‘Famobil’ y que llamaría a las figuras como ‘clicks’, siendo retomada su producción directamente por Playmobil en el país en 1983 desde Onil (Alicante) hasta 2024.

En estos 25 años que dura ya el revival de los 80 se ha dado a reivindicar casi todo lo que hizo algo de ruido en la época. El dominio cultural de Estados Unidos provoca que no hayamos visto reflejadas muchas de las realidades de la chavalada europea. Sin ir más lejos, en los 80 de cualquier adolescente hispano, la música de Europe ocupó un espacio difícil de ignorar.

Su himno The Final Countdown cumple estos días 40 años, convertido en un clásico de esos que llega a empalagar, con más de 400.000 discos vendidos en nuestro país, pósteres en miles de habitaciones y un dominio abrumador de las ondas hertzianas que quizá no veamos en Stranger Things, pero que vivieron millones de chavales.

Operación 'titotirooo'

Liderados por el cantante y compositor Joey Tempest (nacido Joakin Magnus en 1963), la muy joven banda sueca ganó en 1983 un concurso nacional de rock de gran repercusión. Encontraron apoyo en Japón, ficharon por Epic para su segundo disco y se convirtieron en los líderes de la escena heavy local, hasta el punto de encabezar el proyecto Swedish Metal Aid, un We are the world sueco y desfasadísimo que se ha convertido en un pequeño meme rockero.

En 1985, y con su posición asentada en los mercados nórdicos, entraron a grabar su tercer disco en Suiza. Tempest preparó un tema ideal para abrir tanto disco como sus próximos conciertos, comandado por un pegadizo riff de teclados (titotirooo). Algunos de sus miembros mostraron su recelo, pero la gente de marketing de Epic vieron un pelotazo potencial. Dispuestos a abrir mercado en el resto del mundo, centraron la promoción en el atractivo del frontman y lo infeccioso de ese primer corte.

El que se convertiría en el arreglo de teclado más famoso de la historia apareció en la cabeza del cantante unos seis años antes… y ahí se quedó, hasta que John Leven, el bajista, le animó a armar un tema en torno a él, cosa que, una vez manos a la obra, tampoco costó demasiado trabajo a Tempest. La grandilocuente melodía encajó con una letra cósmica, inspirada en la del Space Oddity de Bowie, sobre una misión tripulada a Venus y más allá. El productor estadounidense Kevin Elson, reputado por su trabajo con Journey, se encargó de hacerla sonar, creando además un “radio mix” con aún más teclado, para desesperación del guitarrista John Norum.

Su lanzamiento en mayo de 1986 dio la razón al equipo de Epic: el single con The Final Countdown llegó a número uno en Suecia y Finlandia y top cuatro en Noruega. Tras una gira nórdica, Epic pone toda la maquinaria a funcionar. El asalto internacional comenzó en septiembre, armados con un efectivo videoclip, pasta para untar radiofórmulas y una gira promocional que les llevó por todo el continente.

Entre septiembre y noviembre consiguen llegar al número uno de las listas de poco a poco. Primero, Alemania, Bélgica y Suiza; después, Irlanda, Inglaterra y Francia. Italia se rinde en diciembre… y España, siempre diferente, seguía erre que erre comprando masivamente discos de Modern Talking.

¿Has oído la canción esa de “estofado con salsa”?

La cosa iba a cambiar. Su promo tour recaló en Madrid a finales de octubre e incluyó algunas actuaciones de televisión. Su debut en el programa Entre amigos ha sido motivo de orgullo para José Luis Moreno, que alguna vez ha presumido de “descubridor” del fenómeno. Allí, Joey y los suyos interpretaron 'el Countdown' y la empalagosa balada Carrie tras los divertidos chistes del muñeco Macario y la siempre adrenalínica aparición de Sergio y Estíbaliz.

Coincidiendo con la visita, se contrató la necesaria promoción en Los 40 Principales, que programó la canción durante apenas una semana, algo habitual en lanzamientos a los que se veía poco potencial.

Los playbacks aparecieron en TVE a mediados de noviembre y diciembre y, ahora sí, la canción comenzó a pegar y álbum y single entraron en los tops de ventas. 1987 trae, por fin, el número uno del single en AFYVE (la asociación previa a Promusicae, que elabora las listas de lo más vendido), que conservan ocho semanas consecutivas, colocando también el elepé en la cima. Los 40 claudican y vuelven a incluirla en su lista: ¿cómo no iba a programar el tema más popular entre la juventud europea? Finalmente, a principios de febrero vuelve a programarse en alta rotación, llegando a dominarla el 28 del mismo mes.

Póster gigante de Joey en el interior

Los suecos arrancaron 1987 convertidos en unos ídolos absolutos en el continente, con un público mayoritariamente femenino y/o adolescente, que le granjeó la antipatía de buena parte del sector rockero. Dice la leyenda que en su día podías mover el dial de la radio y escuchar el himno al mismo tiempo en varias emisoras. Sus caras adornaban las páginas de la revista Heavy Rock, también la de la Vale o, claro está, la Súper pop.

Esa revista adolescente se encargó de tener bien surtidas a sus fans, eligiendo a Tempest y el bajista John Leven como rompecorazones oficiales y regalando carpetas, pegatinas y cassettes. El cantante llegó a tener una sección fija, donde entrevistaba a otros artistas (como Vicky Larraz) o daba consejos amorosos. Huelga decir que el vocalista no tenía nada que ver y las preguntas eran respondidas por las redactoras de la publicación.

Esta popularidad juvenil tiene su precio, comenzando por el abandono de John Norum. El guitarrista se marchó a finales de 1986, harto del enfoque teen de la promo y de tanto tecladito. Imaginamos que ver a Tempest en la portada de la revista oficial de Barbie no le hizo mucha gracia. Su sustituto, Kee Marcello, agradece aún hoy el abandono de su antecesor.

Como pasa siempre, otras discográficas buscaron explotar el filón rápidamente. Surgen ejemplos de europexploitation a lo largo de todo el continente: Sharks en Italia, Zinatra en Holanda, Bonfire en Alemania… En España se llevarían la palma Jupiter, impulsados por el locutor Mariano García que buscaba a unos Europe hispanos. La pinta kinki de varios de los chavales se enfrentaba con la estética glam que trataron de imponerles. No convencieron al gran público, a pesar (o debido a) la evidente inspiración de temas como Pagarás mi amor.

Hay que reconocer que ellos tampoco pusieron de su parte: ¡en ocasiones, llegaban a abrir y cerrar el concierto con la misma canción! Tampoco debió de jugar a su favor el plagio de su melodía que se escuchaba en el himno '80s de Alianza Popular (precedente del PP actual). Tras otros dos discos y algún otro éxito de menor alcance, sobrevino la llegada del grunge, su separación y, con el nuevo milenio, la nostalgia ochentera y la consabida reunión.

La cuenta atrás que nunca termina

El tema, tan popular que se llegaba a citar simplemente como “el tiroriro”, consiguió perdurar en el tiempo. Su uso y abuso en cortinillas, spots, bandas sonoras y eventos deportivos la ha mantenido siempre en la memoria. Ha vuelto a las listas internacionales en varias ocasiones y se ha interpretado varias veces en Operación Triunfo. Es un clásico de los partidos de baloncesto de todo el mundo, ha inspirado varios vídeos virales desternillantes (“¡Cuenta regresiva del grupo Europa!”), fue parodiada con acierto por Gigatron, reivindicada por Yurena e incluso interpretada por ellos mismos en la boda entre Pilar Rubio y Sergio Ramos, entre otros hitos.

Tras su comeback en 2004, Europe se ha convertido en un grupo de hard rock clásico que ha dejado lejos el sonido que les hizo famosos. Editan discos y giran con frecuencia. De hecho, acaban de grabar un videoclip del tema The Cult Of Ignorance, donde aparecen un buen montón de celebridades suecas, entre ellas, la actriz Malin Akerman o Howlin Pelle, cantante de The Hives.

En otoño, Europe volverá en una gira conmemorando, precisamente, el 40 aniversario del disco e interpretándolo en su integridad (el 8 de octubre en Barcelona, el 9 en Bilbao y el 10 en Leganés). Muchos buscarán reencontrarse con algo que cambió sus vidas; para otros quizá será solo un divertido concierto nostálgico. Todos cantarán una vez más, a grito pelado “el tiroriro”.

Madonna sigue incombustible a sus 67 años. Hace apenas unas semanas presentaba su próximo disco con un videoclip en modo cortometraje, un álbum que saldrá a la venta el 3 de julio y que lleva de título ‘Confessions II’, una especie de secuela de su famoso trabajo ‘Confessions on a Dance Floor’, del que se cumplen 20 años desde su publicación.

En pleno periodo de promoción de su próximo trabajo, la reina del pop ha sorprendido a sus fans con una confesión al desvelar en una entrevista que sufre una grave y crónica lesión en la rodilla, fruto de malos hábitos de entrenamiento y que le impiden hacer uno de sus movimientos más icónicos.

 Madonna confiesa que no tiene cartílago en su rodilla

Durante sus más de cuatro décadas de trayectoria, han sido muchas las veces que una especie de profunda sentadilla se convirtió uno de los movimientos más icónicos y habituales de Madonna. Sin embargo, parece que el tiempo de verlo ha pasado, porque referente a él, la cantante ha desvelado que sufre una dolorosa y grave lesión.

El uso de tacones altos para entrenar y moverse, junto a ejercicios de alto impacto e intensidad han acabado por dejarla sin cartílago en la rodilla, como recoge ‘The New York Times’ en declaraciones realizadas por la propia cantante.

Esta lesión, crónica, ha hecho que haya tenido que modificar su rutina de entrenamiento, así como ha buscado nuevas formas de seguir con su actividad en los escenarios y deporte, y también como mantener su salud. Madonna ha hecho hincapié en que esto se debe a una combinación de baile con el calzado inadecuado, carreras en superficies duras y una disciplina física intensa y duradera, como el yoga ashtanga.

“No tengo cartílago en ella, gracias a bailar durante tanto tiempo con tacones altos, correr sobre pavimento y hacer yoga ashtanga”, confesaba la cantante, que ha contado como ahora ya no realiza ejercicios de alto impacto, ni tampoco rutinas como saltos en trampolín o baile con cardio. En su lugar, ha optado por bajo impacto y fortalecimiento controlado, además de bicicleta estática, baile o bici al aire libre, como ha declarado en la revista Rolling Stone.

Debido a sus dolencias en la rodilla, Madonna tuvo que aplazar varios conciertos en 2019 durante su gira ‘Madame X’, siendo esto todo un desafío para la artista: “Es muy difícil para mí detenerme, pero es necesario”, explicó ante sus seguidores en Rolling Stone. Un hecho especialmente relevante si se tiene en cuenta que Madonna podría llevar a cabo una gran gira de conciertos después de ‘Confessions II’ aunque ahí ya no estará uno de sus movimientos insignia.

Vender 1.500 copias de un libro nunca estuvo al alcance de cualquiera. Venderlas de un fanzine, aún menos. Lograrlo desde la autogestión más absoluta (redactando, maquetando, imprimiendo, vendiendo por correo y llevándolo a las librerías que los solicitasen) es una auténtica proeza. Pero este ha sido el recorrido de La música más rara del mundo, voluminoso fanzine de 124 páginas con las grapas siempre a punto de estallar que publicó en 2009 el divulgador cultural madrileño Óscar Alarcia.

La música más rara del mundo era una microenciclopedia atiborrada de datos sobre “los renglones torcidos de la música”. Artistas chiflados, experimentadores atroces, grupos cuyos integrantes sufrían algún tipo de discapacidad, grabaciones de animales, de ruidos, de silencio… En su obsesión por abarcar todo lo que queda fuera de los márgenes, Alarcia documentó a Rocky Erickson y Jesulín de Ubrique, a Daniel Johnston y Tiny Tim, a Los Beatles de Cádiz y a mariachis yugoslavos. Puesto a explorar el más allá de la música, también habló de la sonocitología, el estudio de los sonidos que producen las células del cuerpo humano. Era, por decirlo suavemente, un compendio de todo lo que jamás pincharía una radiofórmula.

Alarcia confiesa que escribió aquel librito desde la pasión por lo raro, pero también desde el odio: “Para cagarme en la industria musical”, concreta. “Los 40 Principales tenía un anuncio de televisión que decía: ‘Sería tristísimo vivir sin la música’ o algo así. Y yo pensaba: ¿sin qué música? La que vendéis vosotros son solo cuarenta canciones al mes. La música son miles de millones de cosas más”, estalla hoy. “La música mainstream siempre me interesó menos. La cultura es tan inabarcable que siempre me ha interesado más conocer lo que no se conoce. Y a la hora de divulgar, también me ha interesado más divulgar lo menos conocido”, concluye.

Alarcia había sido un ávido lector de prensa musical: Ruta 66, Popular 1, Mondo Sonoro, Tentaciones… Y de fanzines: Mondo Brutto, 2.000 Maníacos… Su gran referente fue el periodista y analista cultural Jordi Costa, y su libro Mondo bulldog, la puerta de entrada a la cultura marginal. “Allí oí hablar por primera vez de la música outsider”, recuerda. “Dedicaba capítulos a The Shaggs, a Tiny Tim… Años después supe que se había limitado a traducir el libro de Irwin Chusid Songs in the key of Z, aunque Costa añadió a artistas españoles como Cañita Brava o La Rata de Antequera”, matiza. Años después, Alarcia intentaría sin éxito publicar en España la obra de Chusid, que él califica como “la biblia de la música outsider”.

“Empecé a hacer fanzines porque en los años 90 salir por los bares de Malasaña a escuchar música y comprar fanzines era algo muy habitual”, rememora Alarcia. “Me hacía gracia vender mis propios fanzines y como tenía facilidad para escribir porque ya publicaba en blogs, probé”. Su intención era venderlos en los bares de Malasaña donde trabajaba de camarero. Y, contra todo pronóstico, empezó a despacharlos como churros. Libritos Jenkins nació en 2009 con Hipnotismo pop y La música más rara del mundo, pero pronto la microeditorial amplió sus miras hacia el cine y el cómic. Hoy en su catálogo coexisten libritos sobre lucha libre mexicana, el cómic inglés de ciencia ficción, la historia del videoclip o Los Simpsons y monográficos de músicos como Tiny Tim, Butthole Surfers y Southern Culture On The Skids; los dos últimos los firman otros aliados de Alarcia.

La rareza debe ser auténtica

Desde aquel 2009, el animalario de artistas inclasificables y músicas raras no ha dejado de crecer hasta obligar a replantearse qué es lo raro y qué no lo es. Alarcia se aferra a la teoría del maestro Chusid, según la cual debe existir cierta autenticidad en la música outsider o rara. “Leticia Sabater no sería outsider porque hace conscientemente el payaso. Y lo digo con todo respeto porque no tengo nada en contra de ella”, aclara. Artistas outsiders serían, precisa, aquellos que no denotan “un deseo de hacerse famosos o ganar dinero, sino de compartir algo está dentro de ellos y necesitan sacar”.

"Artistas 'outsiders' serían aquellos que no denotan un deseo de hacerse famosos o ganar dinero, sino de compartir algo está dentro de ellos y necesitan sacar

Óscar Alarcia — Ensayista y editor

Por eso mismo, Alarcia siente más simpatía por las desastrosas The Shags que por los reverenciados Pixies. “Me gusta el indie de los 90, pero todos esos grupos intentan sonar desafinados, distorsionar y crear un personaje que pasa de todo. Y luego oyes grupos como The Shags, tres niñas a las que su padre ponía a tocar, y suenan exactamente así”, compara. Algo parecido opina sobre Reynols, grupo de rock psicodélico argentino cuyo líder padece síndrome de Down. “Le dejan hacen las portadas, las entrevistas, todo. Y su sonido tiene la peculiaridad de estar impulsado por un músico no profesional que no entiende nada de la industria, que no entiende el mundo. Si van de gira por Estados Unidos, él no va porque dice que ese país no existe. Él tiene esa pureza que los Pixies intentan generar”, teoriza.

A Alarcia le interesa “cualquier disco de sonidos extraños: de comedia, de spoken word, de ruidos, de silencio... Si estás analizando la música en los márgenes, ejemplos así son muy valiosos como objetos”, argumenta. Sin embargo, divulgar músicas retorcidas no exige, en su opinión, escribir de forma retorcida. “A principios de los 2000, parecía que había una competición en la prensa musical por ver quién escribía más complicado, usando etiquetas, subgéneros… Comprabas una revista y casi no entendías lo que decían”, lamenta. “Al aparecer los blogs, la crítica musical se convirtió en algo más democrático y yo tenía la obsesión de ser muy didáctico, de no escribir solo para listillos y frikis, sino para que disfrutase de músicas complicadas todo tipo de personas”. La culminación de aquel desafío sería Universo Zorn, 564 páginas sobre el indómito compositor y saxofonista estadounidense planteadas así: “Un libro sobre John Zorn que pudiera leer mi abuela”. En tres meses vendió 500 copias. Hoy ya son mil.

Fan de Marcial Lafuente Estefanía

Libritos Jenkins nació con el eslogan “Fanzines que parecen libritos” y poco después cambió a “Libritos que parecen fanzines”. En cualquier caso, “libritos suena más modesto que libros”, subraya Alarcia. Y libritos, libros de bolsillo, eran las novelas de vaqueros del prolífico Marcial Lafuente Estefanía. “Siempre me fascinó esta gente capaz de escribir un libro al mes y hacerlo interesante. Marcial Lafuente Estefanía y este tipo de autores escribían cuatro o cinco al mes. Son mis máximos ídolos”, confiesa.

En 2020, con la llegada de la pandemia, Alarcia se centró en la editorial y llegó a vivir durante tres años de lo que escribía, publicaba y vendía. “Luego me salió un contrato de 40 horas y eso me aportaba cierta tranquilidad. Pero entonces empecé a sentirme mal: me faltaba tiempo para escribir”, descubrió. Aun así, intenta publicar un libro cada dos o tres meses. “En tres semanas puedo escribir uno”, afirma. Los breviarios, cabe aclarar, son recopilaciones de artículos publicados en su día en distintos blogs. “He decidido borrar todo lo que escribí en blogs. Ya nadie lee blogs”, zanja.

He decidido borrar todo lo que escribí en blogs. Ya nadie lee blogs

Óscar Alarcia — Ensayista y editor

Libritos Jenkins supera ya el centenar de referencias. Cuatro de ellas han vendido más de mil copias, aunque lo normal es despachar entre 200 y 500 por título. Si alguno está punto de agotarse, imprime más. “Encontré una imprenta de barrio que hace libros al detalle. Si le pido diez, me los hace”. Así evita llenar la casa de libros. “Vivo en un cuarto piso sin ascensor”, razona. Alarcia ha afianzado un modesto negocio al margen del mundo editorial. “Si puedes vender libros de segunda mano por Wallapop, ¿cómo no voy a poder vender los míos? Como actividad económica, mi editorial está un poco en el limbo, pero me siento cómodo en el underground”.

En junio Libritos Jenkins cerrará un círculo iniciado en 2009 con la reedición más completa de su best seller. La música más rara del mundo abandona por fin el formato de fanzine prieto de datos y renace como libro de más de 300 páginas. “A la gente que ya tenga el fanzine, le recomiendo que no lo compre salvo que quiera tenerlo, porque será básicamente igual”, advierte. Esta nueva versión, corregida y levemente aumentada, incorpora historias como la de Pertti Kurikan Nimipäivät, el grupo finlandés de punk que en 2015 participó en Eurovisión. “Sus músicos se conocieron en un taller para gente con síndrome de Down. Les da igual la pose, lo que piensen de ellos, las pintas que lleven… No hay nada más punk que eso”, intuye.

¿Una canción hecha con IA es rara?

En el universo infinito de las músicas raras empieza a colarse, como en todas partes, la inteligencia artificial. Los Mocos Verdes, un proyecto de surf instrumental, puede generar mediante IA una canción al día. “Los he pinchado un par de veces en mis sesiones y nadie se dio cuenta”, resalta Alarcia. “Como espectador me llaman la atención, aunque no le doy el mismo valor que a los Monkees. ¡Admiro mucho a los músicos!”, insiste, “pero a nivel conceptual pienso: ¿tiene que importarme tanto quién ha hecho una canción o hay que darle más valor a la música en sí y a lo que transmite?”.

“Sé que ahora está la cosa muy convulsa, pero hasta la música hecha con IA me interesa un poco. No me interesa hacerla ni me interesa que se consuma, pero para mí todo lo que se pueda grabar es música. No veo sentido a cerrarme en banda ante la IA porque va a destruir el mundo”, resume, aunque a él le llame mucho más la atención “un músico indigente que toca en la calle”. En cualquier caso, nadie debería temer que los próximos Libritos Jenkins estén hechos con IA. Más que nada, porque eso impediría a Alarcia disfrutar de lo que más desea: escribir. “Sentarme delante del ordenador y ponerme a escribir es como entrar en una máquina del tiempo”.

Corría el año 2001 y el verano esperaba a la vuelta de la esquina. Una canción se colocaba entonces, a primeros de junio, en lo más alto de la lista de los 40 principales, pero llegaría a ser uno de los grandes éxitos de la temporada estival y generaría incluso un fenómeno con su número de baile, que a día de hoy queda todavía en la memoria de muchos.

Esa canción del verano hace 25 años fue “No rompas mi corazón” de Coyote Dax, un cantante mexicano que vendería más de medio millón de copias y que hizo que gran parte de España se pusiera botas vaqueras en plena calor para bailar su famoso baile con toque country y latino.

El tema ‘country’ que fue canción del verano hace 25 años

En el verano de hace 25 años, no había verbena o fiesta de pueblo en la que no se bailará el “No rompas mi corazón”, con un pegadizo estribillo y baile que dieron toque ‘country’ a las jornadas de calor y música en España ese 2001.

En ese momento fue todo un fenómeno el programa ‘Gran Hermano’, que debutó ese mismo 2001 y se convirtió en el padre de los ‘reality show’, y en él no paró de sonar esta canción, que gracias al concurso se convirtió en todo un himno en radios, orquestas y cualquier festividad donde se pusiera música.

Vendió más de medio millón de copias bajo el seudónimo de Coyote Dax, pero pocos conocían o conocen su nombre real, Dax Alejandro La Rosa, originario de Venezuela aunque con residencia en México. Su carrera musical ha estado marcada por el ‘country’ y la estética vaquera, un hecho que ya se pudo ver en grupos como ‘Teen Rock’ o ‘Los fantasmas del Caribe’ de los que formó parte.

Una versión de la versión de Billy Ray Cyrus

Por redundante que parezca, “No rompas mi corazón” se sabe que es una versión en español de “Achy Breaky Heart” de Billy Ray Cyrus, cantante ‘country’ y padre de la artista Miley Cyrus. Sin embargo. La primera adaptación al castellano la realizó Eduardo Gameros, de ‘El caballo Dorado’ en 1994, y, de hecho, llegaron a realizar un dueto con el propio Cyrus para celebrar el 25 aniversario de la canción en 2017.

A estas dos versiones en español cabe sumar que el propio sencillo lanzado por Billy Ray Cyrus en 1992, tampoco es original. Fue escrita en 1990 por Don Von Tress y fue publicada por primera vez en 1991 por ‘The Marcy Brothers’ con otro título, el de “Don’t Tell My Heart”. Para Cyrus, sin embargo, fue su canción debut y su canción insignia, habiendo sido todo un éxito en las listas de Estados Unidos, Australia y Reino Unido.  A pesar de ello, de ella se han hecho también multitud de parodias, y aparece en algunas listas de críticos como uno de los peores éxitos musicales, o también incluso como “una de las mejores peores canciones”.

Para Coyote Dax, sin embargo, su versión fue un antes y un después: “Me siento sumamente orgulloso, alegre y feliz de haber tenido este tema. Soy quien soy ahora y sigo siendo parte de la historia musical gracias al ‘No rompas mi corazón’. Es la canción más emblemática, la que me ha hecho más feliz”. “, admitió en una entrevista en Europa FM. Tras lanzar cuatro discos, abandonó la música por motivos personales y regresó a México. Volvió en 2020 con una versión de su tema y ha seguido desde entonces grabando temas.

Ni “Devuélveme a mi chica” ni “Venezia” ni siquiera “Voy a pasármelo bien”, la canción más vendida del grupo Hombres G es “Marta tiene un marcapasos”, que es también uno de sus temas más famosos y el que tiene una de las letras más extrañas y curiosas a la vez.

Es uno de los temas icónicos del pop rock español de la década de 1980, a la vez que una de las más divertidas y surrealistas. Su historia real y el origen de cómo David Summers la compuso es también una extraña mezcla que dio el resultado que todos conocemos y que hace 40 años era número uno en la lista de la radio de los 40 principales.

La canción que nació de la unión de ‘La pasionaria’ y ‘Alien’

“Marta tiene un marcapasos” fue publicada como sencillo del segundo disco de Hombres G, también con un llamativo título: ‘La Cagaste Burt Lancaster’, de 1986. Escrita por el vocalista del grupo madrileño, David Summers, tiene un curioso origen que ya fue extraño y dio vida a una criatura surrealista. De alguna manera se puede decir que es una especie de canción de ‘dark romance’, en la que una chica tiene un marcapasos que incluso cobra vida en algunos momentos y que también tiene sus tintes románticos.

La historia de cómo surgió la contó el propio Summers durante una entrevista en 2021 en el programa ‘El Hormiguero’ en televisión: “En aquella época mi padre hacía chistes sobre La Pasionaria y ella tenía un marcapasos. Por aquellas fechas también se estrenó Alien. Hice una mezcla rara y salió la canción más surrealista que he hecho en mi vida y la tengo que cantar todos los días por cojones”, aseguró con toque de humor incluido, algo de lo que se bebe también en el famoso tema.

Y es que, efectivamente, “Alien, el octavo pasajero” se estrenó en 1979 y por aquel momento fue cuando el vocalista de Hombres G compuso una canción que acabaría formando parte de la historia de la trayectoria del grupo y de la historia del pop español. De ella bebió de ideas, y de Dolores Ibarruri, apodada ‘La pasionaria’, presidente del Partido Comunista de España, se apropió de su marcapasos.

El single más vendido de Hombres G

La historia de “Marta tiene un marcapasos” arrancó mucho antes de 1986, cuando se publicó como sencillo de ‘La Cagaste Burt Lancaster’. Y es que esta canción ya había aparecido como single de la banda en 1983 en Discos Lollipop, pero entonces pasó desapercibida.

Tres años después, en el momento de fama de la banda, le dieron una segunda oportunidad y se convirtió en su canción más vendida, por delante de otros icónicos temas. Ha quedado en la historia de la banda y dio título al musical que se estrenó basado en las canciones del grupo.

Todo ello a pesar de que fue acusada de plagio de la canción de Simon and Garfukel, “At the Zoo”, publicada en 1968, por la parte del estribillo, con la que coincidiría en su ritmo.

Norma Jeane Mortenson nació el 1 de junio de 1926, hace 100 años, pero el mundo la conocería como Marilyn Monroe, un mito que Hollywood creó y moldeó mucho más tarde, pero que quedaría como uno de los símbolos sexuales más populares de los años 50 y una de las actrices más cotizadas durante esa década.

De hecho, sus películas habían recaudado más de 200 millones de dólares a su temprana muerte en agosto de 1962 a los 36 años tras una sobredosis de barbitúricos. Su trayectoria cinematográfica le llevó a completar un total de 29 películas en 14 años, pero algunas de ellas son indispensables en su carrera y para conocer a la actriz más allá del mito. Todos estos filmes se encuentran disponibles actualmente en plataformas.

“Con faldas y a lo loco” (1959)

Es considerada para la crítica cinematográfica la mejor comedia de la historia. Obra de Billy Wilder, en ella Marilyn Monroe compartió protagonismo con Jack Lemmon y Tony Curtis, en una película que sigue a dos músicos que son testigos de un asesinato y al ser perseguidos por la mafia, se visten de mujeres para integrarse en un grupo de música femenino, y todo esto dará lugar a una serie de inequívocos que finalmente cerrará con uno de los finales más icónicos del cine.

A pesar de todo esto, en el contexto de la actriz, fue un rodaje muy duro porque estaba embarazada, aunque más tarde sufriría un aborto, además de que llegaba tarde y se bloqueaba en frases sencillas porque se encontraba adicta a los barbitúricos y perseguida por sus inseguridades. Sin embargo, consiguió conseguir que el personaje Sugar Kane fuera adorable y a la vez no ridícula, y en parte porque tomó a Curtis y Lemmon como “dos amigas de verdad” tras seguir el consejo de su mentor de actuación, Lee Strasberg. En ella interpreta el famoso número musical de “I Wanna Be Loved by You”.

“Los caballeros las prefieren rubias” (1953)

Pero si hay una película que consolidó el mito de Marilyn Monroe fue “Los caballeros las prefieren rubias”, que protagonizó junto a Jane Russell y dirigida por Howard Hawks. En ella aparece el destacado número musical con “Diamonds Are a Girl’s Best Friend” e interpreta a Lorelei Lee, el arquetipo de una ‘rubia ingenua’, pero también astuta, un toque que le proporcionó la actriz y que llevó a que fuera una mujer que controlaba la escena. Lo más curioso de este largometraje es que a pesar de ser uno de sus mejores trabajos, se le pagó un salario estándar aun sabiendo que era un imán para la taquilla, mientras su compañera recibió diez veces más porque venía de otro estudio.

“Vidas rebeldes” (1961)

Lamentablemente este título ostenta el hecho de ser la última película que completó la actriz antes de su muerte, un año más tarde, además de ser uno de sus mejores papeles dramáticos. Dirigida por John Huston y escrita por su entonces marido Arthur Miller, esto supuso que fuera uno de sus rodajes más complicados, porque ella consideraba que él usaba los traumas y problemas del matrimonio para el guion y los diálogos de su personaje. A todo esto, fue también la última cinta de Clark Gable, que murió en 1960, antes de que se estrenara, por un infarto. Montgomery Clift fue también compañero de reparto y fallecería apenas cinco años después.

“La tentación vive arriba” (1955)

Si hablamos del mito de Marilyn Monroe no podemos pasar por alto la que es seguramente su escena más famosa y una de las más conocidas de la historia del cine, la de la actriz sobre la rejilla del metro de Nueva York con su vestido blanco. Un momento de la película que tiene su propia leyenda, pues se rodó en la madrugada de la ciudad, rodeada de fans y fotógrafos, un hecho que se dice molestó a su entonces marido Joe DiMaggio, que provocaría una discusión violenta en el hotel más tarde y se asegura que esto marcaría el fin de su matrimonio.

En la película, dirigida por Billy Wilder, Monroe le da una voz al personaje que interpreta, que ni tenía nombre y que era una fantasía puramente sexual en la obra de Broadway, pero ella le pudo dar un toque de espontaneidad y mayor personalidad.

“Niágara” (1953)

Seguramente este sea uno de los títulos más desconocidos de Marilyn Monroe, además de mostrar uno de sus personajes más oscuros, evidenciando la versatilidad de la interprete, brillando en el cine negro y que le dio la confirmación a su estudio, la 20th Century Fox, de que podía tener más que personajes secundarios. En “Niágara”, la actriz da vida a Rose Loomi, una mujer fría y criminal que utiliza su atractivo como un arma narrativa. Una de sus curiosidades es que tiene la caminata más larga grabada de la historia del cine, con ella en un plano de espaldas durante varios metros.

Bonus: “Eva al Desnudo” (1950)

Si bien en esta película dio vida a un personaje secundario, supuso el primer trampolín hacia la fama, todo ello a pesar de ser solo unos minutos en pantalla, pero su impacto fue tal que marcaría su futura carrera como protagonista. De hecho, estaba despedida del estudio, pero finalmente el director Joseph L. Mankiewicz le dio una oportunidad por la insistencia del agente de la actriz Johnny Hyde, y finalmente quedaría fascinado por lo magnética que resultaba.

George Michael falleció a los 53 años un día de Navidad de 2016, pero dejó un legado de una larga trayectoria musical que comenzó con Wham! y que llevaría hacía una etapa más madura y creativa como solista, dejando éxitos como con el que lideraba las listas hace 30 años.

Con ‘Fastlove’, el cantante británico era número uno en la lista española de sencillos, durante varias semanas, como sucedió también en Reino Unido, y volvía así de forma triunfal tras un parón debido a sus problemas con Sony.

Uno de los mejores ‘grooves’ de todos los tiempos

La canción “Fastlove” fue publicada el 18 de abril de 1996, como primer sencillo del álbum ‘Older’, con el que George Michael volvía tras un descanso que se tomó en su carrera debido a disputas con su discográfica y un periodo de controversia. Pero el público confió en él de nuevo y lo devolvió a lo más alto, con un tema que entraría entre uno de sus grandes éxitos.

“Fastlove” se convirtió en número uno en España en 1996, pero también el séptimo número 1 que conseguía en su Reino Unido natal, manteniéndose allí durante tres semanas. Con este tema, el cantante también marcaba el inicio de una etapa más profunda y madura en su música, con letras en las que quedaba reflejado su crecimiento personal.

Por la crítica musical fue calificada como “uno de los mejores ‘grooves’ de todos los tiempos, haciendo referencia a una cualidad rítmica que te da la sensación de querer mover tu cuerpo de forma casi involuntaria, con una complicidad extrema entre la batería y el bajo. Este término nació en la era del jazz y ha sido una de las características de géneros como el funk, el soul, el R&B o la música disco, influencias que se pueden encontrar en este tema.

Y es que la canción tiene muchos giros, con un bajo que destaca en su interpretación, todo ello con una voz de George Michael en la que predomina el soul, con marcada elegancia. Con este sencillo, el cantante se distanció del pop y abarcó más R&B. En la letra abordó el hecho de la búsqueda del amor fugaz, a la vez que el desencanto amoroso, con mayor honestidad y sinceridad, que conectó con el público. En el videoclip de “Fastlove” hubo también un guiño a su periodo complicado con Sony, al aparecer unos audífonos con el logo de la marca, pero transformado en ‘Fony’, que significa ‘falso’ en inglés.

“La joya de la corona de un artista brillante”

Los que trabajaron en el proceso de grabación de la canción hablan de ella de forma especial, en la que pudieron presenciar también lo estricto que era George Michael, que quería llevar todo a la perfección y por eso dedicaba largas jornadas hasta tenerla lista. “Fue el único artista con el que trabajamos que se negó rotundamente a que le corrigieran el tono de voz”, aseguró el productor Johnny Douglas para el medio ‘Music Radar’.

Precisamente Douglas fue quien confirmó que uno de los tramos más conocidos del ‘single’ es la sección inspirada en “Forget Me Nots” de Patrice Rushen, que fue añadido posteriormente cuando casi se dio por terminada su grabación. “El resultado de esta atención obsesiva al detalle es la increíble obra que nos deja. ‘Fastlove’ es, para mío, la joya de la corona de un artista brillante”, afirmó el productor.

Esta canción fue significativa en la vida que vivía George Michael, que todavía mantenía su homosexualidad en secreto, y dos años más tarde sería detenido en Los Ángeles, lo que supuso que el punto de inflexión para revelar su identidad sexual, de detalles que ya dejó de forma sutil en “Fastlove”.

Aspiraba a ser uno de los títulos del año en cines y ha conseguido serlo. Después de haber triunfado con su estreno a principios de abril en gran parte de los cines mundiales, como Estados Unidos, este 29 de mayo ‘The Drama’, con Zendaya y Robert Pattinson, llegaba a la gran pantalla en España, donde ha sido la tercera opción escogida en el fin de semana, solo por detrás de ‘The Mandalorian and Grogu’ y ‘Michael’.

Dirigida por el noruego Kristoffer Borgli, que en su corta trayectoria no ha pasado desapercibido, ha superado una recaudación superior a los 125 millones de dólares, un éxito para un presupuesto de tan solo 28 millones, con una pareja protagonista estrella y con una premisa y tono que ha parecido enganchar entre el público. La mezcla de comedia negra, sátira social y tensión incomoda que propone la conecta con otros títulos que puedes ver antes o después.

‘Sick of Myself’ (2022)

El cine de Kristoffer Borgli no deja indiferente y ‘The Drama’ ha sido el último ejemplo de ello. Muchos lo conocieron con ‘Sick of Myself’, una película en la que ya se puede ver el gusto del noruego por desarrollar historias de parejas tóxicas, con ese tono de comedia negra. En ella, Signe y Thomas tienen una relación complicada y competitiva que cambia después de que uno de ellos se convierte en un artista de renombre, como respuesta, su pareja busca llamar la atención de forma desesperada.

‘Materialistas’ (2025)

Si en ‘The Drama’ se nos muestra la cara más oscura y retorcida de las parejas, la productora A24 presentó en el verano de 2025 la visión capitalista, más elegante, pero también satírica, dirigida por Celine Song. Hablamos de ‘Materialistas’, que, si bien no tuvo tan buena acogida por la crítica, coincide en que nos hace reflexionar sobre el amor en nuestra sociedad actual y el mito de la pareja ‘ideal’, además de contar ambas con Zoe Winters en su elenco y contar con unos protagonistas estrellas que buscan atraer a la audiencia, en este caso con Dakota Johnson, Chris Evans y Pedro Pascal.

‘Rivales’ (Challengers) (2024)

Si rescatamos una película de la filmografía de Zendaya que nos conecte con ‘The Drama’ esa podría ser ‘Rivales’, que también contó con un reparto que atrajo al público que se completó con Josh O’Connor y Mike Faist. En ella, aunque en el ámbito deportivo, se encuentran algunas similitudes como la reflexión sobre el “matrimonio perfecto”, las apariencias y lo complicado que puede ser borrar el pasado. Todo ello bajo la dirección estelar de Luca Guadagnino, que aporta elegancia, dinamismo y con un sonido y música que fue de lo mejor de su año.

‘Die My Love’ (2025)

De Zendaya a Robert Pattinson. Hay una clara recomendación si nos fijamos en su filmografía reciente como es ‘Die My Love’, estrenada el pasado otoño y en la que en esta ocasión compartió pantalla con Jennifer Lawrence. En ella, también se trata el colapso mental de una pareja, aunque en esta ocasión el conflicto no estalla antes de la boda, sino después de tener a su primer hijo. Ambas abordan el amor desde una perspectiva asfixiante, visceral y cargada de delirio, aunque esta desde un punto de vista más dramático.

‘Perdida’ (Gone Girl) (2014)

Si nos adentramos en el thriller psicológico puro en el que se nos muestra a una pareja aparentemente perfecta que se desmorona por esconder secretos y por dinámicas tóxicas, un clásico reciente es ‘Perdida’, protagonizada por Ben Affleck y Rosamund Pike, y dirigida por David Fincher. En ella, el matrimonio es también una zona de guerra, aunque también explora tintes más dramáticos.

Bonus track: ‘La proposición’ (2009)

Un punto interesante para un visionado relacionado con ‘The Drama’ puede ser ‘La proposición’, que ofrece un punto de vista totalmente distinto a la previa de una boda que nos conecta más con el tono que ofrecían las comedias románticas de los años 2000, más alegres y superficiales. Si pesa el drama de una, la otra nos llena de risas, en la que también los protagonistas se desvelan secretos antes de casarse, aunque en este caso es obligado debido a que van a realizar un matrimonio de conveniencia. De esta forma, tenemos un contraste interesante de cómo ha envejecido el género, con otra pareja estrella de su momento como Sandra Bullock y Ryan Reynolds.

Actualmente el hip-hop es uno de los géneros más escuchados de la música en todo el mundo, pero su estatus estaba lejos de pensar que podría llegar a esto en sus comienzos en el barrio del Bronx de Nueva York, cuando era casi invisible para la industria musical. Sin embargo, todo empezaría a cambiar en 1981, pero lo más curioso es que no se debió exactamente a una canción del género, sino que vino del pop y ‘new wave’.

Y es que hace 45 años que la primera canción con rap en llegar al número uno de Billboard Hot 100 en Estados Unidos alcanzaba también lo más alto en las listas españolas, justo en el momento cumbre de la Movida Madrileña. Hablamos de “Rapture” de Blondie, un tema clave para el luego desarrollo del hip-hop en la cultura popular.

El rap llega al número uno en Billboard y suena en MTV

Son una de las bandas que forman parte del Salón de la Fama del Rock and Roll, desde hace 20 años, pero más allá de eso han sido un grupo que ha tocado muchos géneros y ha sabido reinventarse en diferentes épocas. La historia de Blondie es la de un grupo que nació dentro del ‘new wave’ neoyorquino en 1974, en el mítico local de CBGB, donde se fraguaron también los Ramones.

En 1981, su contexto era la de un grupo que estaba en la cima de su carrera, con tres sencillos que ya habían alcanzado el número uno de Billboard, aunque comenzaban también sus problemas internos. Entonces estaba formada por Debbie Harry (voz), Chris Stein (guitarra), Clem Burke (batería), Jimmy Destri (teclados), Nigel Harrison (bajo) y Frank Infante (guitarra) y publicaba su quinto álbum de estudio bajo el nombre de ‘Autoamerican’, del que salió también el single “The Tide is High”.

En este sentido, “Rapture” fue el segundo sencillo de este disco y que supuso su cuarto número uno, pero no otro más, sino que con él hicieron historia al ser el primero en lo más alto en incluir rap. Un hecho paradójico si tenemos en cuenta que Blondie era una banda muy conocida en la escena punk y ‘new wave’, pero que decidió en este álbum experimentar con otros géneros, entre ellos también el jazz o el funk.

Ese rap de “Rapture” nació cuando Chris Stein y Debbie Harry acudieron a un club en el Bronx, un hecho que relató la propia protagonista en una entrevista con The Guardian en 2014: “Mi mayor revelación llegó cuando Chris y yo fuimos a un evento en el sur del Bronx, donde había DJs haciendo scratching y gente rapeando en directo. Era algo muy local, de barrio, y simplemente fantástico”, aseguró entonces.

Allí habían sido llevados por Fred Brathwaite, uno de los pioneros del hip-hop, también llamado Fab 5 Freddy, a quién Stein había conocido a través del programa ‘TV Party’, emitido en Nueva York entre 1978 y 1982, en el que el integrante de Blondie fue copresentador. A partir de este momento, tanto Stein como Harry comenzaron a moverse por el ambiente de los grupos de hip-hop en Brooklyn y el Bronx.

El videoclip de “Rapture” también marcó un hito a nivel musical para el hip-hop, siendo el primero en incluir este género en MTV, un hecho que todavía tardaría tres años en repetirse. En él aparecían varios iconos de lo que era el rap entonces, fundiendo esta cultura con la del arte y los clubs nocturnos neoyorquinos.

“Esa fue la primera canción de rap que escucharon”

Esta canción de Blondie supuso que el género del hip-hop captara por primera vez la atención del público general, aunque el grupo estuviera lejos de ser una banda de rap. De hecho, sobre este hito habló también Debbie Harry para Entertainment Weekly: “Fue un homenaje a la forma y a la idea que representa. Pero muchos raperos me han dicho a lo largo de los años que esa fue la primera canción de rap que escucharon, porque al principio el rap no sonaba en la radio. La industria no lo veía con buenos ojos. Que ”Rapture“ llegara al número uno, de alguna manera, lo legitimó. Los chicos del hip-hop y los del punk siempre se sintieron conectados, porque todos estábamos deconstruyendo la cultura de alguna forma”, declaró.

El hip-hop fue a más, con una época dorada a mediados de los 80 y principios de los 90, que luego acabaría con su conquista mundial con artistas como Jay-Z, Eminem o Kanye West, para luego ser incluso el más escuchado del planeta en la década de los 2010, y con una omnipresencia evidente en plataformas a día de hoy. Para Blondie, sin embargo, “Rapture” fue casi el principio del fin, pues comenzaron a romperse internamente y con el fracaso de su álbum ‘The Hunter’ marcó la disolución junto a la enfermedad de Chris Stein. Sin embargo, ante todo pronóstico, regresaron a finales de la década de los 90 con éxitos como “Maria” en 1999 y que se mantienen todavía activos con Debbie Harry, Chris Stein, Leigh Foxx, Tommy Kesler y Matt Katz-Bohen como formación, sacando nueva música y giras.

La saga ‘Star Wars’ ha regresado a las salas de cine después de cinco años con ‘The Mandalorian and Grogu’, película que ha debutado en España en el número uno en su primer fin de semana y se coloca por delante de otros estrenos de la temporada con gran éxito como han sido ‘Michael’ y ‘El diablo viste de Prada 2’.

La cinta ya ha superado los 145 millones de dólares en todo el mundo, con muy buena recepción del público y crítica, y que además no hace necesario haber visto la serie previamente, como ya han asegurado Jon Favreau y Dave Filoni, detrás del proyecto. Sin embargo, para hacer más completa la experiencia y entender o recordar guiños y referencias, se pueden ver antes o después algunas de las anteriores películas de la franquicia de Lucasfilm.

‘Star Wars: El imperio contraataca’ (1980)

Si tuviéramos que tomar la película de la franquicia de ‘Star Wars’ más similar sería el Episodio V, ‘El imperio contraataca’, en la que aparece reflejado el espíritu de la relación entre maestro y aprendiz que es uno de los temas principales de la saga ‘The Mandalorian’. No es extraño encontrar paralelismos entre Yoda y Luke con Din Djarin y Grogu, además de que es en esta cinta donde se encuentra con mayor profundidad la mitología jedi.

‘Star Wars: El retorno del Jedi’ (1983)

De aquí pasamos al ‘Episodio VI’. En ‘The Mandalorian’ son constantes las referencias a Jabba el Hutt y su mundo criminal, un hecho que se comprende mucho más en esta película, en la que se entiende el universo del cazarrecompensas y señores del crimen que rodea a Din Djarin.

‘Star Wars: El despertar de la fuerza’ (2015)

Seguramente sin lo que supuso reactivar la franquicia con esta película no tendríamos a ‘The Mandalorian and Grogu’. En su momento, el largo paréntesis que tuvo la saga y el comenzar una trilogía supuso una presión que finalmente se superó. Pero, además de todo esto, esta entrega también ayuda a entender el estado de la galaxia en la era de la Nueva República que sirve de telón de fondo.

‘Rogue One: Una historia de Star Wars’ (2016)

En cuanto al tono, es la más similar. Comparten ese estilo más oscuro, adulto y con personajes que se alejan moralmente del arquetipo de ‘héroe clásico’, siendo más complejos. Además, ambas son también un relato con el que se aspira emocionar al espectador y que conecte con lo que ve en pantalla.

‘Star Wars: Una nueva esperanza’ (1977)

Pero al final, si toca completar la historia de ‘The Mandalorian and Grogu’ lo mejor es comenzar por el principio y para ello tenemos que ir hasta el ‘episodio IV’, película en la que se presentan a los mandalorianos como parte del imaginario de la saga y estableció el universo en el que se mueve la figura de Din Djarin.

Extra: serie ‘The Mandalorian’

No es obligatorio su visionado, pero la película ‘The Mandalorian and Grogu’ se comprende mucho más si se ven al menos las temporadas 1 y 2 de la serie ‘The Mandalorian’, con la que se completa el contexto que presenta la historia en cines. Si bien tiene también una tercera, son las dos primeras las más imprescindibles.

La adaptación cinematográfica de ‘El Señor de los Anillos’, una serie de fantasía que ha vendido más de 100 millones de copias en todo el mundo desde que fuera escrita por J.R.R Tolkien, cumple 25 años de su estreno y esto no solo ha hecho que hayan vuelto en algunas salas de cine, sino que también haya ciertos homenajes y conmemoraciones.

Como la de la Casa de la Moneda Real del Reino Unido, the Royal Mint, que ha anunciado la conmemoración del 25 aniversario de la primera película de ‘El Señor de los Anillos’ de Peter Jackson con la emisión de una moneda especial, según ha informado la propia organización en un comunicado.

La moneda, de 50 peniques, que se ha bautizado como ‘la moneda del Anillo Único’ porque es este el gran protagonista, aportando además algunas características ‘preciosas’ como el propio anillo dorado, escritura élfica y el Ojo de Suaron que todo lo ve que emerge de su centro.

La recreación de estos elementos se considera “una primicia en la numismática británica”, pues cuando la luz incide sobre su superficie se revela “una imagen oculta: el ojo que todo lo ve de Sauron, que emerge del espacio negativo en el centro del Anillo”, aseguran desde el comunicado.

Esta función ha sido diseñada para “enfocar la luz de una forma precisa y deliberada, lo que lleva a proyectar la imagen del ojo de Sauron sobre una superficie objetivo”, en una moneda en este caso que en la cara muestra el retrato oficial del rey Carlos III.

“Forjada no en los fuegos del Monte del Destino, sino en Gales”, declaró Rhondda Cynon Taf, de the Royal Mint, en referencia a su homenaje a la película ganadora del Premio Oscar, ‘El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo’, estrenada en diciembre de 2001. En ella, al igual que en las novelas, el llamado ‘Anillo Único’ es un símbolo de poder y motor de la saga de Tolkien.

La moneda ha sido diseñada por Thomas T. Docherty, que incluyó también una inscripción en letras élficas y lengua negra que se traduciría como “un Anillo para gobernarlos a todos, un Anillo para encontrarlos, un Anillo para atraerlos a todos y atarlos en la oscuridad”. “Es el tipo de artesanía que incluso los elfos de Rivendel admirarían”, añadió la Real Casa de la Moneda al respecto.

Para crear esta moneda conmemorativa se ha usado tecnología cáustica, es decir, que usa de forma industrial o química la sosa caústica para alterar, purificar o procesar materiales, siendo la primera vez que se utiliza para una moneda británica, lo que en palabras de la organización aseguran que “la convierte en una pieza de colección verdaderamente única”.

La primera de una serie de siete monedas

La ‘moneda del Anillo Único’ es la primera de las siete monedas conmemorativas que se van a lanzar desde la Real Casa de la Moneda británica en los próximos tres años con motivo del 25 aniversario de la trilogía cinematográfica. Esta primera moneda sale a la venta el miércoles 27 de mayo a las 9 horas del Reino Unido, a las 10 de la mañana en España peninsular.

Escuchaba la música de Bad Bunny a escondidas de sus padres. Lo hacía cada mañana, al salir de casa, a través de los auriculares con los que ponía rumbo a uno de los colegios católicos más prestigiosos de Puerto Rico. Lian Molina tenía tan solo 13 años en aquel entonces. “Eran canciones que hablaban de sexo, de alcohol, de cosas sobre las que nadie quiere que escuche su hijo”, rememora la joven, que no supo de la existencia del artista hasta que no entró en ese centro y habló con sus compañeros. “Que llegara nueva y conociera todo esto en un sitio bastante conservador, donde no debían gustar mucho las letras de Bad Bunny, no me lo hubiese esperado nunca”, confiesa.

El punto de inflexión tuvo lugar en la fiesta de fin de curso. “Los papás no querían que pusiéramos esa música, y me acuerdo de que al final de la fiesta, uno de los nenes la apagó, sacó el celular y puso esas canciones, que coreamos a todo volumen”, explica Molina. Aquello sucedió, además, con los padres delante. Fue un acto de rebelión que hoy se torna una metáfora de la trascendencia global que Bad Bunny ha alcanzado en todo el planeta. Tanta, que Lian Molina tiene ahora 23 años y es su padre quien le pone esas canciones: “Es fanático. Me ha pasado que me monto en el carro, son las siete de la mañana y él ya está poniendo a Bad Bunny. ¡No quiero escuchar a Bad Bunny a esa hora!”.

El cantante puertorriqueño también era el secreto de Carlos D. Matos, de 22 años. “No me atrevía a decirles a mis papás que a mí me gustaba”, afirma a elDiario.es. “A pesar de que lo escuchaba, no lo decía. En Puerto Rico somos una sociedad reservada y ellos veían que él se exponía mucho”, explica. Pero con el lanzamiento de Debí tirar más fotos (2025) y su residencia de conciertos en Puerto Rico algo cambió: “Se emocionaron, se adentraron en su carrera y les llamó la atención”. Tal fue la efervescencia, que sus padres acabaron yendo con él a uno de sus espectáculos. Una efervescencia que llega este viernes a España, con la primera de las doce citas que el rapero tiene programadas en el país.

Bad Bunny actuará dos veces en el Palau Sant Jordi de Barcelona y hará lo propio hasta en diez ocasiones en el estadio Metropolitano de Madrid. En total, más de 600.000 entradas vendidas. Sin embargo, los puertorriqueños han sido los primeros en poder disfrutar de este evento, ya que Bad Bunny dio hasta 31 conciertos en la isla el año pasado. Matos celebra la “oportunidad de compartir el aspecto musical de nuestras vidas con la familia”: “Nos unió a mis padres y a mí. Debí tirar más fotos habla mucho de nuestra cultura, permite dialogar sobre cómo era Puerto Rico en los tiempos de mis padres, cómo es ahora... Bad Bunny nos brinda ese espacio”.

Dicho espacio ha logrado reforzar el sentimiento de pertenencia puertorriqueño. Karely E. Santiago, de 28 años, también pudo asistir a la residencia del intérprete y siente que “trasciende la música”. “Desde muchas décadas atrás han intentado borrar nuestra identidad. La gente no se da cuenta de que los que nos han colonizado nos han hecho más mal que bien, pero esta carta de amor que hizo Bad Bunny para Puerto Rico nos hace darnos cuenta que hay que estar orgullosos de ser quienes somos y de lo que hacemos”, cuenta sobre el último álbum del artista, que entrelaza la nostalgia por los seres queridos con la defensa de la identidad boricua, abordando temáticas como la gentrificación y el miedo al desplazamiento.

“He pecado creyendo de pequeña que la gente de EEUU era mejor que nosotros, pero Bad Bunny ha abierto la puerta a conversaciones como esta”, agrega Santiago, “y verlo en la Super Bowl, especialmente en esa última parte donde reúne todos los países de América, te enseña que nosotros somos una potencia brutal, que no lo es solamente EEUU”. Es una sensación muy similar a la que ha experimentado Adriana Rivera, de 22 años, que considera que “la relación de Puerto Rico con EEUU es de aspiración”: “El país ha tratado de asimilar lo más posible a EEUU y eso influye mucho cuando uno se está criando. No quieres decir que eres puertorriqueño, quieres decir que eres estadounidense”.

Un ejercicio de memoria histórica

Homenajeando las raíces puertorriqueñas, Bad Bunny ha servido como nexo de unión entre diferentes generaciones. Un ejemplo de ello es la casa que utiliza en sus conciertos, de los años 60 y 70 en Puerto Rico, que representa el cambio del mundo más rural al más urbano en el país. El historiador Rafael L. Cabrera, de la Universidad de Puerto Rico, explica a este periódico que Bad Bunny “mueve estos símbolos nostálgicos hacia el presente y juega con ellos”. “La gente lo achaca a que está revisando la historia del país, pero él realmente no está haciendo nada de historia. Lo que está haciendo es memoria histórica”, apunta.

Cabrera destaca que el cantante “ha despertado la sensibilidad y la curiosidad por la cultura puertorriqueña en muchos jóvenes”, algo especialmente importante en un contexto en el que, como país, reclaman haber sido “vapuleados por la retórica de EEUU”. “La pregunta que surge muchas veces es: '¿Por qué esto se ha invisibilizado?'”, reflexiona el historiador, que ahora utiliza en sus clases elementos que Bad Bunny incorpora en sus canciones para enseñar sobre el pasado. Entre quienes lo han notado, Lian Molina: “En todas mis clases de este semestre mis profesores buscaron una manera de integrarlo. Ahí es donde ves que no es un cantante más, que es una revolución en la universidad”.

El artista conecta esencialmente con los jóvenes, una generación que ha crecido en una burbuja de crisis. “Desde el siglo XXI estamos tolerando y resistiendo un tipo de recesión económica, por lo que ellos se preguntan cuál es su futuro en esta situación, cómo hemos llegado a esto”, comenta Cabrera, señalando que “ellos son las consecuencias” y que Bad Bunny les ha impulsado a abordar estos problemas “con otras generaciones”. De hecho, Bad Bunny tituló su residencia No me quiero ir de aquí, una referencia a quienes se ven obligados a abandonar Puerto Rico en búsqueda de nuevas oportunidades. Para Karely E. Santiago, estos gestos importan: “Son pequeñas cosas que nos dan vida para seguir luchando”.

La joven indica que “convivir en Puerto Rico es un acto de resistencia, ya que a veces muchas personas se van con dolor en el alma por otros trabajos donde les pagan mejor o por otra calidad de vida, pero siempre con el orgullo de ser puertorriqueños”. “Ahora mismo nuestro sistema público de la universidad también está en juego y siento que estos son recordatorios de seguir resistiendo”, añade. Aun así, la economista Indira Luciano, de la Universidad de Puerto Rico, enfatiza que es importante que los jóvenes miren desde el contexto actual cómo se puede mejorar el país, pero sin romantizar lo anterior. “Antes, la situación no era la mejor posible en aspectos políticos y económicos, así que no se trata de volver atrás”, detalla.

Unidos por el español

Asimismo, Bad Bunny ha demostrado que se puede alcanzar el éxito internacional desde una expresión lingüística natural. Maia Sherwood, directora del Tesoro Lexicográfico del Español de Puerto Rico y autora de un diccionario de Debí tirar más fotos, declara a este periódico que escucharlo hablar en español ante medios anglosajones “se ha sentido como una gran validación para los puertorriqueños, pero también para todos los hispanohablantes que han pensado en alguna ocasión que 'no hablan bien'”, transmitiendo un “sentido de dignidad y poder propio a los puertorriqueños y todos los otros pueblos americanos y caribeños”.

Sherwood resalta que “Bad Bunny es un ejemplo de alguien que se ha asumido tal cual es y que, desde ahí, ha manifestado una creatividad espectacular, junto con otras acciones que también son buenos modelos: el establecimiento de puentes intergeneracionales, la colaboración y el apoyo a grupos que solo necesitan un empujoncito para descollar, el poner a Puerto Rico primero”. El reguetonero ha acuñado palabras y frases que resuenan con la experiencia de muchos jóvenes puertorriqueños, como 'P fucking R' y 'Puerto Rico está cabrón', que la lexicógrafa describe como “emociones intensas que van desde el amor profundo por el país hasta la frustración desesperada con la administración de los gobiernos, local y federal”.

“Los jóvenes reclaman honestidad y aceptación de las cosas tal cual son. Esa mirada sin juicio a nuestra experiencia particular, con sus contradicciones, puesto que muchas cosas que los extranjeros no entienden son absolutamente naturales para nosotros, es el punto de partida para plantearnos quiénes queremos ser”, reclama Sherwood. Y el artista, como concluye Indira Luciano, invita a ello sin aludir únicamente a los jóvenes: “Bad Bunny no era alguien a quien pudieran escuchar las abuelitas y los abuelitos, pero unió generaciones a través de su figura, de su álbum y de sus canciones. Hasta los mayores están mirándolo porque lo que canta hace a todos sentirse identificados”.

Es una de las melodías más reconocibles de Rihanna y una de sus diez canciones más exitosas, sobre todo después de su remix y colaboración con Britney Spears. Pero, a su vez, es también una de sus mayores polémicas, con un video que fue censurado en 11 países y restringido en YouTube. De hecho, hasta las radios pidieron en su día una versión para hacerla sonar durante el horario diurno. Hablamos de “S&M” y que se colocó un 21 de mayo de hace 15 años, en 2011, número uno en la lista de los 40 principales en España.

La polémica y censura a Rihanna por “S&M”

“S&M” fue el cuarto sencillo del disco ‘Loud’ de 2010, lanzada el 23 de enero de 2011, escrita por Ester Dean junto a Stargate y Sandy Vee en la producción. Si bien la letra ya era sugerente, aunque no era explícita con versos como “sticks and stones may break my bones, but chains and whips excite me” que hace referencia al sadomasoquismo formulada de forma indirecta jugando con el refrán infantil inglés, fue el videoclip lo que generó fuerte polémica.

Este video fue dirigido por Melina Matsoukas, con quien Rihanna ya había trabajado en otros temas, con un concepto que giraba en torno a los medios de comunicación y la presión que ella sufría como estrella de la música, con un cameo del bloguero Perez Hilton paseado con una correa por la cantante. En ella, quiso responder a sus críticos en tono de comedia con parodio de actos y fetiches sadomasoquistas.

Esto dio lugar a que fuera censurado en 11 países, entre ellos India, Malasia, Vietnam, Indonesia o Singapur, y restringido en YouTube, debido a su contenido sexualmente sugerente, pero en Europa también llegó a tener problemas, como cuando el Consejo Superior Audiovisual francés, tras recibir varias quejas de espectadores, prohibió el videoclip el 2 de mayo de 2011 para su emisión durante el día.

De hecho, también en las radios “S&M” tuvo censura, como que en algunas pasaron a titularla como “Come On” para esquivar la polémica de entonces. Tanto es así que algunas como BBC Radio 1 la emitieron más allá de las siete de la tarde, y fue la que pidió que dieran una versión para poderla poner durante las mañanas y tardes.

Acusación de plagio y la respuesta de Rihanna

Todo esto sorprendió a Rihanna, que declaró en la revista Spin que ella no hablaba directamente de lo que todos pensaron: “No pienso en esto de una manera sexual, estoy pensando metafóricamente. Se trata más de que la gente puede hablar. La gente va a hablar de ti, no puedes evitar eso. Sólo tienes que ser esa persona fuerte y saber quién eres para que las cosas sólo reboten. Y pensé que era una súper mala”.

La cantante también tuvo que pasar por una denuncia de plagio por parte del fotógrafo David LaChapelle, de Vogue Italia, que aseguró que el video usó las imágenes que había usado para su sesión de fotos para la revista, en concreto, que incorporaba ocho ideas. Un hecho que se resolvió llegando a un acuerdo de pago por una cantidad no revelada.

A pesar de todo esto, “S&M” fue un éxito comercial importante para Rihanna, llegando al número 2 en Billboard Hot 100 en su primera versión y al número 1 tras el remix con Britney Spears, siendo así el décimo para la cantante, quinto para la que fue llamada “princesa del pop”.

Una colaboración que había nacido de una forma peculiar, después de que Rihanna preguntara en Twitter posibles colaboraciones y siendo Spears la más votada por sus seguidores. Luego ellas intercambiaron varios tuits que dieron finalmente con el acuerdo para el remix final.