El reguero de imágenes que producimos en nuestras vidas actuales nos lleva a dejar todo tipo de rastro digital, también de nuestras relaciones. Si no eres una persona públicamente conocida y usas redes sociales lo normal es que tus cuentas (de TikTok, Instagram o Facebook) terminen albergando más de una pista sobre las personas con las que compartes tu vida, especialmente si se trata de tu pareja. Cuando además eres una persona pública, hay dos momentos especialmente sensibles: anunciar el inicio de una relación y el final de la misma. 

Jaime Altozano es músico, compositor y productor musical. Conocido por sus vídeos en YouTube donde explica teoría musical, analiza bandas sonoras y comenta noticias musicales. TER, por su parte, es arquitecta y especialista en cultura pop y diseño. En su perfil de Instagram se define como “hija de Internet”. Hace ahora cinco años ambos anunciaban en un vídeo que estaban juntos.

“Llevamos un año juntos ya. Hay mucha gente que lo ha adivinado”, decía TER. “Habéis visto que algunos de los libros de las estanterías coinciden”, comentaba Jaime Altozano. Ya se conocían de redes. Tal y como explica el propio Altozano en el vídeo, él le compró un poemario autoeditado y ella le escribió, quedaron y comenzó la historia de amor. 

[Sálvame alert] Es posible que en este punto del texto te preguntes cuál es la relevancia de hablar de la vida privada de dos personajes públicos [fin de la Sálvame alert]. Justo ese es el tema que merece ser analizado en el caso de dos creadores de contenido que no son precisamente candidatos a salir en la prensa rosa pero que sí han cultivado sus respectivos fandoms (comunidades de fans) y cuya relación ha generado conversación antes, durante y después de la misma. 

Las relaciones sentimentales en tiempos de redes sociales son un tema complicado. Por un lado, tenemos un nuevo rango de posibilidades donde las generaciones más jóvenes están creciendo en un contexto de identidades diversas y no binarias. También se ha ampliado el abanico de vínculos y cada vez hay más formas de nombrar lo que no necesariamente es noviazgo o amistad. 

Sin embargo, el mainstream es el mainstream y “tener pareja” sigue siendo la opción mayoritaria (según el CIS, un 75,3% de la población adulta en España afirma tenerla). Por eso resulta complejo afrontar el momento de la ruptura, tal y como recogía en este artículo Juanjo Villalba hace poco. Especialmente en el momento de anunciarlo, porque suele ser percibido como un momento muy binario: o estás o no estás. Juntos o separados. Matrimonio o divorcio. El pasado 9 de mayo, TER y Jaime Altozano anunciaban en otro vídeo el fin de la relación de pareja.

“Lo hemos dejado ya hace bastante tiempo, pero no lo habíamos dicho en redes. Pues igual que cuando empezamos a salir tardamos bastante en decirlo”, dice Altozano. “Llevamos muchísimo tiempo con elucubraciones en redes”, comentaba TER. “Hasta TikTok ha puesto un autorresultado de búsqueda que es ter y jaime terminaron”, apostillaba Altozano. 

El vídeo ha sido subido a una cuenta que se llama Jaime Altozano 2, que no tiene ni avatar. Con lo cual se intuye que ambos quieren dar el tema por zanjado. Resulta curioso ver la tristeza irónica y cómo esta se despliega en los comentarios: “Sufrí menos cuando mis padres se divorciaron”, “mi día no podía ser peor”, “me siento como si estuviera viendo el final de La La Land”, “iba a decir que ya no creo en el amor, pero ha sido extremadamente esperanzador y positivo”. 

En este comentario es donde está la clave de lo que podemos aprender de esta ruptura de dos personas conocidas y queridas en Internet y que, sin embargo, probablemente nunca llegarán a estar en las portadas de la prensa del corazón convencional. Entre risas y con mucho cariño, Altozano decía: “Lo hemos dejado porque tenemos caminos vitales muy diferentes, objetivos de vida diferentes y no somos compatibles en esa dimensión. En otras muchas hemos sido muy compatibles” y TER completaba: “Fue una ruptura muy amistosa, no fue antagónica”.

El vídeo explica lo que muchas parejas afortunadamente han vivido: la ruptura de la relación de pareja seguida de un vínculo amistoso en el que se mira a dicho periodo de la vida con cariño y admiración por la otra persona. La divergencia de caminos como algo normal y natural. Hasta aquí, no parece haber nada novedoso: lo realmente llamativo es elegir decirlo públicamente, con espontaneidad, teniendo entre ambos más de cinco millones de seguidores en YouTube.

En un contexto donde hay un repliegue reaccionario con chicos jóvenes dejándose seducir por el relato de los cryptobros que venden fórmulas de éxito financiero y ofrecen rancias y caducas estrategias de seducción heteronormativas o en un mundo donde la toxicidad en redes es motivo de conversación y estudio -véase este publicado en la revista Nature-, resulta esperanzador afrontar la ruptura de la pareja sentimental con naturalidad, cariño y sensatez. 

El mundo es un lugar complejo. Como contaba en este otro artículo Marta Sader, aunque “los millennials y la generación zeta practican sin complejos la poligamia, han acuñado el término situationship (que denomina una relación íntima temporal, sin promesas ni obligaciones), se mantienen alerta ante los rasgos más tóxicos del amor romántico descritos en los libros de Eva Illouz y los cómics de Liv Stromquist, y son muy conscientes de que el amor tiene fecha de caducidad (...) Luego caen (una vez más), en el cuento de hadas protagonizado por Rosalía y Rauw Alejandro”. Porque no se cambia de la noche a la mañana los modelos de relación social y cómo negociarlos en espacios comunitarios. 

“Nosotros somos personas muy privadas. Pero en la naturaleza youtuber está el compartir un poco tu vida con tu audiencia, porque yo no voy a un plató a grabar, estoy en casa grabando (...) Las relaciones pueden acabar bien, mal o regular. Y esta ha acabado bien”, decía Altozano en el vídeo. 

El estudio de la revista Nature mencionado anteriormente apunta hacia el hecho de que la toxicidad es inherente al ser humano y no algo que venga dado por la tecnología. Sin embargo, el sesgo en el diseño de los algoritmos y cómo estos podrían llevar fomentando la polarización e hipertrofiar nuestras emociones nos deben hacer celebrar que dos personajes públicos de la esfera digital decidan poner fin a su relación de forma amistosa y saludable. Especialmente en un momento donde resulta tan complicado lidiar entre qué es íntimo y qué es compartible. 

Internet siempre ha sido un lugar maravilloso para aprender nuevos oficios. Da igual si quieres plantar hierbabuena ecológica en tu terraza o iniciarte con el ukelele, los tutoriales no escasean. Pero la cosa ha trascendido a materias más complejas: en tiempos de criptomonedas y blockchain, la economía y las finanzas son un filón de contenido para ganar seguidores y 'me gusta', con YouTube y TikTok como plataformas predilectas para su difusión.

Según datos de una encuesta de Forbes Advisor, el 79% de los estadounidenses de las generaciones zeta y millennial han recibido consejo financiero a través de redes sociales. Una práctica que, como señalan fuentes del mismo estudio, encuentra entre sus peligros potenciales lo genérico y superficiales de esos consejos, y la falta de formación específica en materia de quienes los dan.

Para crear estos contenidos y articular sus discursos en busca de la notoriedad, estos supuestos expertos financieros que se promocionan en redes –en su mayoría hombres blancos cisheterosexuales– se basan en una serie de tácticas y códigos comunicativos comunes que desgranamos a continuación:

1. No hay contexto, solo una promesa rápida de éxito

Aunque TikTok está preocupado intentando promocionar los contenidos más largos, lo cierto es que la red lleva tiempo liderando los contenidos audiovisuales cortos. Así, es muy común cruzarse con algún vídeo que en aproximadamente un minuto te da un consejo supuestamente definitivo para mejorar tu salud financiera. Un primer motivo para la sospecha siempre debería ser el contexto de quien nos habla, porque los matices suelen brillar por su ausencia. Este vídeo, por ejemplo, es de una cuenta que se llama @shorty_795 y no podemos saber quién nos está dando este consejo ni qué historia o fundamentación hay detrás del mismo.

Quien habla es Raúl Castañeda, dueño de PREICO Jurídicos, una empresa que combate la usura de las entidades financieras. El fragmento pertenece a una entrevista más larga publicada en Tengo un Plan, un podcast dirigido por Sergio Beguería y Juan Domínguez. Y no es casual que nos crucemos con un fragmento: los promotores del podcast premian al vídeo corto publicado en Youtube Shorts que tenga más visitas con 300€. De esa forma obligan a cientos de seguidores a trabajar gratis con la aspiración de conseguir 300€ y a la vez alimentan los algoritmos de distintas plataformas con fragmentos cortos que potencialmente podrían viralizarse.

2. Destacar la opulencia, ignorar lo estructural

En Tengo un plan no vas a encontrar contenidos titulados: “Cómo enfrentarte a la precariedad laboral cuando el paro juvenil ronda el 30% en tu país” o “¿Qué hago si me ofrecen unas condiciones laborales penosas que no son acordes a mi formación?”. Por el contrario, el canal de YouTube es una oda al 'éxito empresarial' con muchas historias de hombres hechos a sí mismos que empezaron con nada y ahora son ricos. “Cómo gestionar 27 empleados con 21 años”, “De familia humilde a +2.000 empleados en 6 años”, “Pregunté a un Millonario el Método para ganar 1.000.000€”, “Cómo ganar +10.000€ al mes con 17 años” sí son títulos reales de sus contenidos y la lista de similares es interminable.

La cuenta @youtubermillonario –que paradójicamente solo parecer estar disponible en TikTok y no en YouTube– la lleva Derek Chamizo. Tiene 19 años, vive en Barcelona y se dedica profesionalmente a la “automatización de YouTube”. Ha concedido ya numerosas entrevistas en la plataforma de vídeo y en diferentes cuentas que hablan de emprendimiento, éxito, dinero, etc. En su cuenta de TikTok hay un amplio muestrario de contenidos donde destacar la opulencia e ignorar los problemas estructurales de la sociedad son la norma. Y además se abre paso a otra de las tácticas habituales de estos contenidos: el rechazo a la formación.

3. Despreciar los estudios universitarios si quieres emprender

“Si quieres ser rico no puedes ir a la Universidad. Estás estudiando una materia de economía o de administración de empresas y te lo está contando alguien que no ha montado una empresa en su vida. Ahí te das cuenta del mundo en el que vivimos que no tiene sentido el sistema educativo”. Esto mismo dice Derek Chamizo. Pero no es el único, el rastro de contenidos antiuniversitarios es bastante extenso y en casi todos los casos el mensaje es el mismo: ir a la universidad es una pérdida de tiempo si quieres hacerte rico.

En casi todos los casos el mensaje es el mismo: ir a la universidad es una pérdida de tiempo si quieres hacerte rico

“Actualmente tengo 17 años, acabo de terminar bachillerato, gano decenas de miles de euros y no voy a ir a la universidad. Sinceramente, en mi situación, es una pérdida de tiempo”, dice Toni, el responsable de la cuenta de YouTube Dollar Dorado (555 mil suscriptores). “Entré en la UOC, hice el primer año, hice el segundo… hasta que me di cuenta de que todo lo que estaba aprendiendo en la universidad no me estaba sirviendo en mi día a día”, lo declara Adrián Lucena en el canal de Dimitris Business (1.700 suscriptores) en un vídeo titulado “Dejó los estudios y ahora es millonario”. “Si estudias una carrera de negocios, te están estafando. Mira si no los coches de tus profesores. Son del 2004”, dice Dan Fuentes (297 mil suscriptores), un youtuber especializado en “negocios, inversiones, criptomonedas y crecimiento”.

No son de extrañar esta fascinación y este discurso cuando algunos de sus ídolos globales ya han declarado alguna vez cosas parecidas: Elon Musk llegó a decir “No necesitas ir a la universidad para aprender cosas”. Paradójicamente, Musk tiene títulos universitarios en física y economía.

4. Hablar frente a un micro y espectacularizar tu discurso 

El fenómeno de los podcasts falsos para ganar credibilidad, que en España han analizado los periodistas Analía Plaza y Jordi Pérez Colomé, está en auge. Se trata de vídeos de gente que simulan estar en un podcast y se dotan de legitimidad simplemente por la imagen que proyecta tener un micro delante y mirar hacia otro lado como si hubiera un interlocutor. 

Este fue el caso de Javier San Pedro, que en sus redes sociales se presenta como experto en marketing y director de De San Pedro Media, que se grabó diciendo una barbaridad machista para demostrar que la viralidad se puede conseguir pero que puede tener consecuencias negativas. San Pedro dirige un podcast real pero reconoce que esta fórmula es mejor: “Para que un contenido corto funcione bien tiene que ser muy concreto y tener estructura. Y eso es difícil de sacar de un contenido extenso, pero fácil si lo creas específicamente”.

Comparten el discurso antiformación de ídolos como Elon Musk, aunque paradójicamente este tiene títulos universitarios en física y economía

Formalmente hablando hay más técnicas además de dotarse de autoridad por hablar frente a un micro y en la mayoría de canales de YouTube o cuentas de TikTok encontramos patrones similares: la imagen en miniatura muestra la cara de la persona que realiza las declaraciones y generalmente un texto sobreimpreso en un diseño que destaca parte de lo que se dice.

Suele haber otros elementos gráficos que dramatizan aún más el mensaje. El vídeo también sigue una serie de patrones: casi todos usan unos pseudosubtítulos a los que, en muchas ocasiones, se les añaden emojis. Suelen usar canciones que están de moda que inciden en una lectura emocional del mensaje. Y, por último, el título siempre es puro clickbait: una promesa constante de acceder a un conocimiento valioso y transformador. 

5. Da consejos sobre 'cómo ser un hombre exitoso'

Este es Bruno Sanders, responsable de un canal sobre “emprendimiento online” que en este vídeo reconoce que “el 90% de sus seguidores son hombres”. Más tarde reconoce haber tenido como cliente a Álvaro Reyes, el conocido “gurú de la seducción” que varias organizaciones contra la violencia de género han denunciado públicamente por su machismo. Sanders también habla mostrando neutralidad sobre Andrew Tate, un influencer misógino que fue arrestado en Rumania y que se enfrenta a cargos por violación y tráfico de personas. Y en otros vídeos su discurso sobre las relaciones y las mujeres se alinea con las proclamas también misóginas de los incels (los autodenominados célibes involuntarios).

Otros de los contenidos que tiene Sanders en su canal son: “La dura realidad de ser hombre en 2023” o “¿Te conviene tener pareja siendo emprendedor?”. Y no es el único. Volviendo al podcast Tengo un plan, algunos son los contenidos que asocian éxito empresarial a otras habilidades al machoman 2.0: “¿Por qué no te atreves a hablar con mujeres?”, “¿Cómo superar una ruptura de amor y ser tu mejor versión?”. También se preocupan de hablar del éxito. En Dollar Dorado hay contenidos tales como “Cómo cumplir tus sueños en 3 pasos” o “El estilo de vida millonario que quieres tener”.

Convertirse en millonario es una aspiración legítima. ¿Quién no quiere dejar de preocuparse por pagar las facturas, la inflación y dedicarse a beber mojitos en un Lamborghini en Dubai? El problema es cuánto de real hay en la mayoría de estos contenidos. Muchos parecen alzarse sobre una promesa de éxito que con mucha probabilidad nunca llegue. Y no es la primera vez que la policía termina desarticulando estafas piramidales que prometían libertad financiera a los adolescentes, a quienes se dirigen estos contenidos principalmente. Porque algunos de estos canales ofrecen sus conocimientos con cursos de pago. Y es ahí donde el olor a Brummel 2.0 da paso al pantano del hedor eterno donde lo que parece haber es una especulación inmoral y mucho marketing vacío.  

En 2022, la aplicación BeReal despegó con fuerza. En datos recogidos por Think Impact hasta el mes de octubre, 53 millones de usuarios la descargaron en todo el mundo y este éxito se materializó con el premio a la app del año en los AppStore Awards de Apple. El tuit que lo anunciaba reconocía y reafirmaba su propia estrategia: “por hacer más fácil que compartamos nuestro auténtico yo”. 

“Sé real”, la traducción literal del nombre bajo el que se comercializa, propone una máxima que parece sencilla pero que esconde muchas preguntas. ¿Necesitamos una aplicación que nos ayude a “ser reales'” porque en las otras no lo somos? ¿Qué ha pasado en esas otras redes para que de repente triunfe una cuyo punto de partida es “alejarse de lo falso”? ¿Cuál de los Spiderman es el verdadero?

Lo cierto es que hay elementos que han ido transformando el uso que podíamos hacer años atrás de redes como Twitter o Instagram.

Hoy buena parte de la población está en redes sociales —un 59,4% a nivel global, según el informe Digital 2023 de We Are Social y Meltwater—. Pareciera casi un mandato identitario de varias generaciones. Pero no siempre fue así. Las primeras personas que poblaban Internet hacían un uso del mismo mucho más intuitivo y espontáneo. Hoy hay muchas empresas y personas creando contenidos guionizados. Esa profesionalización generalizada ha cambiado la forma de hablar y de escuchar en redes.

La profesionalización a la hora de hacer contenidos en Internet ha cambiado la forma de hablar y escuchar en redes

Y la tecnología también se ha transformado: se han ido dando más pasos hacia el vídeo. Al margen de YouTube, los vídeos cortos fueron imponiéndose para narrar nuestro día a día. Primero Vine con su formato cuadrado, luego Snapchat con sus vídeos verticales, más tarde Instagram cuando incorporó las Stories y finalmente TikTok, donde el usuario directamente somete sus vídeos a un proceso de edición. Los filtros y efectos también han ido mutando hasta la última generación, donde hay algunos propios de TikTok —con Bold Glamour como máximo exponente— que realmente hacen indistinguible saber si se trata de algo simulado o real por lo bien hechos que están.

“Este nuevo filtro de TikTok es perfecto. Antes, cuando hacía esto con la mano usando los filtros antiguos, se veían las pestañas sobreimpresas en la mano, se notaba el error digital, pero mirad ahora… No llevo nada de maquillaje, es todo filtro. Y da miedo”, decía en un vídeo probando Bold Glamour la periodista deportiva e influencer Zoe George. Y añadía en el texto: “Filtros como este crean estándares poco realista de belleza para los jóvenes”.

En España tenemos una término que resume bien la esencia de esa actuación artificiosa en redes sociales: postureo. Y esta se usa cargada de intención: señala, no precisamente como algo positivo, esta forma de actuar. Parece así que BeReal llegó en el momento justo para marcar distancia con la muy elaborada curación de contenidos y la pretensión aspiracional que ha caracterizado la primera etapa de Instagram. Además, BeReal se ha intentado diferenciar del resto de redes sociales con un juego: no puedes publicar cuando quieras. O esa era su intención en principio.

Hasta hace bien poco, BeReal daba a sus usuarios dos minutos para postear. Ahora, si publicas a tiempo te da derecho a hacer dos publicaciones más. Si no, puedes hacerlo en otro momento, pero solo entonces tendrás derecho a ver el contenido de tus contactos. Otra de sus características es que publica simultáneamente dos imágenes en una, usando la cámara frontal y la trasera del móvil. De forma que se publica 'lo que estás viendo' y un selfie, y ambas se borran pasadas 24 horas.

Es la anti-app. De hecho, sus datos de uso son curiosos. Según un estudio de Sortlist, la mayoría de usuarios no pasan más de cinco a diez minutos al día en la app. ¿Detox digital? Así como otras compiten por atrapar nuestra atención y retenernos el máximo tiempo posible, BeReal cuenta en su estrategia con esta fórmula. Sin embargo, hay otros datos que llaman la atención.

Más de la mitad de los usuarios entrevistados aseguraron “esperar a estar haciendo algo interesante para publicar”. Y el 86% reconocieron que les gustaría poder “editar las fotos antes de ser publicadas”. O lo que es lo mismo: igual que los supermercados se pueblan de etiquetas “bio” y “eco” para aliviar conciencias, ahora mismo está de moda posicionarse como alguien auténtico, espontáneo o “real” en redes, y los creadores de BeReal supieron ver el nicho. 

Instagram acaba de comenzar a promover las 'Historias espontáneas' en una clara estrategia para copiar la narrativa de BeReal (como ya hicieran cuando importaron las Stories, que inicialmente eran como Snapchat). TikTok lanzó hace unos meses TikTok Now, una app en paralelo para competir también con BeReal. Y llegó incluso a sustituir el botón de 'Amigos' por el de 'TikTok Now', aunque ahora lo han retirado y parece tener menos visibilidad. Y la propia BeReal está recorriendo el camino a la inversa, ampliando su concepto inicial de uso entre personas conocidas y acercándose a las otras apps: han implementado 'RealPeople', un timeline de gente famosa que usa la app. 

Quizás haya que preguntarse por su uso más allá del marketing y de las batallitas entre aplicaciones por ganar cuotas de mercado. El mundo es ya un interfaz, como reflexiona Ingrid Guardiola en su ensayo El ojo y la navaja. Todo dispositivo móvil con cámara nos invita a la teatralización de nuestra vida. Casi nadie se escapa ya de ser objeto de la cuenta Influencers in the wild, que retrata el 'tras las cámaras' de las publicaciones más artificiosas de un modo que resulta inevitablemente cómico. Es fácil identificarse porque casi todos hemos querido capturar un momento especial de nuestra cotidianeidad y compartirlo, mostrando nuestra mejor cara, con nuestros amigos o con el mundo.

Más de la mitad de los usuarios de BeReal aseguran 'esperar a estar haciendo algo interesante para publicar' en la aplicación

Aunque los filtros ahora nos escandalicen, ¿qué son si no el maquillaje o la ropa? ¿Hay una forma de estar en el mundo que no implique una mínima performance? ¿Acaso escapa 'lo feo' o lo pretendidamente auténtico de esa guionización diaria a la que nos empujan las redes? “Todo aquel que piense que está solo y que está mal tiene que saber que no es así. Que en la vida no hay nadie solo, siempre hay alguien. Ay, no hay que llorar, no hay que llorar. Que la vida es un carnaval”, cantaba Celia Cruz.

El hecho de que una tecnología pueda “resucitar” a un artista fallecido suele ser motivo para que muchos medios vayan corriendo a cubrir la noticia con tono celebratorio. Todo lo que parezca que puede acercarnos más al sueño húmedo de un guionista de película de ciencia ficción convierte al periodista en un zombie que sigue la melodía de flauta y termina en un titular del tipo: “La IA crea canciones de Amy Winehouse, Nirvana o Jimmy Hendrix”. Y la verdad es que en algunos casos es complicado no caer en la fascinación.

“Esto es jodidamente espeluznante pero increíble al mismo tiempo”, dice uno de los comentarios en YouTube. Este tema forma parte del proyecto Lost Tapes of the 27 Club, un álbum creado usando inteligencia artificial por parte de la oenegé canadiense Over the Bridge, que se dedica a asistir a músicos que tienen problemas de salud mental. El objetivo del álbum era concienciar sobre la muerte de músicos jóvenes que tuvieron problemas al no saber lidiar emocional o psicológicamente con sus carreras. 

Más allá de esta loable iniciativa que captó en 2021 la atención de muchos medios, precisamente por las posibilidades que parecía destacar la tecnología de la inteligencia artificial, muchas personas en el mundo de la investigación académica observan con calma y herramientas analíticas estos fenómenos y nos ayudan a relativizarlos.

“Quizá puedes recrear la voz de un artista que ya no existe. Pero también la podrías imitar sin la inteligencia artificial”, comenta Frederic Font, coordinador de Freesound e investigador en tecnología y música de la Universidad Pompeu Fabra que presenta esta semana la mesa sobre música e IA que ha programado el festival Sónar en Barcelona. De hecho, en Lost Tapes of the 27 Club la parte llevada a cabo con tecnología son los instrumentos y melodías. La voz pertenece a cantantes especializados en imitar a los músicos fallecidos y el proceso de trabajo está lleno de intervenciones humanas. ¿Por qué nos obsesiona tanto este tema ahora?

“Existe una burbuja. Nos guiamos mucho por titulares o historias que parecen que explican cosas que potencialmente podrían cambiar el mundo. No sé si es porque vivimos en una época de crisis existencial. Y aunque estamos en un momento donde están pasando muchas cosas, tampoco ha habido tantos cambios realmente y al final el impacto real en la sociedad y en los músicos realmente tampoco lo terminamos de saber porque a casi nadie le interesa”, comenta Font. 

Cuando Font profundiza sobre la idea de que no hay tantos cambios para músicos, lo compara con el surgimiento del sampleo: “Esto ya sucedió en el pasado. La introducción de samplers permitía utilizar otra música ya hecha y añadir otras cosas encima. Yo creo que estamos en un proceso parecido y lo que parece impactante es que lo haga una máquina”. De hecho llevamos ya 40 años conviviendo con la idea de 'sampleo' en la música y ni siquiera parece haber caducado la idea que compartía el DJ y productor musical Mark Ronson cuando decía: “Artistas como Beastie Boys o De la Soul crearon álbumes usando décadas de músicas ya grabadas para crear obras maestras sónicas y no sampleaban porque fueran demasiado vagos para escribir su propia música, no lo hacían tampoco para cobrar a partir de la familiaridad de lo conocido. Sampleaban esos discos porque había algo en ellos que les hablaba y querían insertarse en la narrativa de esa música. Y lo pudieron hacer porque tuvieron acceso a la tecnología que lo hacía posible”. 

Font es crítico con la terminología y parte del entusiasmo generado: “Yo creo que lo que llamamos inteligencia artificial, las técnicas que utilizamos hoy en día no son para nada inteligentes. ¿O sea, el nombre está mal, ya empezamos por ahí, no? Lo que hacen es aprender probabilidades”. De hecho, al igual que el cuarto de baño cuya luz está automatizada y es 'inteligente' se apaga si dejas de moverte porque no concibe que no puedas hacer tus necesidades en una postura inerte, lo que llamamos 'inteligencia artificial' en música puede estar sujeto a cambios culturales que rompan la lógica de la máquina. Poniendo como ejemplo freesound.org, proyecto que conoce bien y que es un archivo sonoro: “El hecho de que en tu base de datos el sonido de lluvia está asociado a la tristeza demuestra que no hay ningún razonamiento inteligente ahí. Ahora por ejemplo que llevábamos muchos meses de sequía, ha llovido un poco en los últimos días y realmente la lluvia ha sido algo muy feliz. Podemos ampliar la capacidad de los algoritmos, pero no pueden razonar”.

Otro de los aspectos interesantes es la reacción de la industria. En los últimos tiempos, Spotify parece moverse en varias direcciones que podrían parecer contradictorias, pero quizás no lo sean. Por un lado, anunciaba que habían borrado miles de canciones que habían sido generadas con Inteligencia Artificial en un claro gesto para proteger a los artistas reales. A la vez, el año pasado adquiría Sonantic, una startup londinense cuya tecnología permite simular voz humana a partir de texto de forma muy realista. Para Font, Spotify solo quiere mantener su posición de poder en el mercado y sus datos de uso arrojan una idea bastante gráfica sobre lo que está sucediendo con la mayoría de artistas: “En plataformas como Spotify hay muchísimo contenido y si tú miras la distribución de los que se reproducen más y los que se reproducen menos, verás que hay un porcentaje pequeñísimo del contenido que se reproduce mucho y todo el resto que no se reproduce casi nunca. Al final es como la distribución de la riqueza”. 

De hecho, para Font es claro que las empresas no esconden sus intereses y en eso la tecnología y los debates sobre la inteligencia artificial quizás generan un ruido que no permite centrar la discusión en esa desigualdad que señala Font: “El consumo concreto está muy guiado por las listas de reproducción que generan las propias empresas. A veces con algoritmos automáticos, a veces no. Hay ahí un interés comercial y muchos factores más allá de la tecnología en sí”. Si un artista consagrado y privilegiado como Snoop Dogg se queja de las plataformas de streaming, ¿qué no tendrían que decir los millones de artistas pequeños e independientes para quienes es tan complicado ganar visibilidad, generar remuneración en el sistema actual?

Font piensa que las grandes plataformas no están interesadas en ciertos usos posibles y que generarían un reparto mayor de visibilidad o remuneración: “Lo que sí que debería permitir la tecnología es que tú puedas buscar en esa parte del catálogo que de otra forma nunca llegarías. Hay una serie de posibilidades que se podrían explorar pero que al final no sé cómo de interesantes son para estas plataformas porque tienen tantos usuarios y tienen que mantener una estructura tan grande, que tan solo pueden optimizar para los usuarios estándar y no pueden desarrollar cosas para que quizá tendrían poco uso  porque no es rentable para ellas”. 

¿Cabe entonces algún tipo de optimismo con estas tecnologías? Font enumera varias cosas que le parecen interesantes, desde “la descripción automática de contenidos”, también “que el usuario pueda profundizar mucho más sobre un artista y conocer detalles que ahora permanecen casi escondidos”, la democratización en el acceso a la música “estas herramientas van a permitir que crear música sea fácil y muy divertido realmente, más allá del sector profesional creo que van a ofrecer espacios de entretenimiento”, en educación “porque tú puedes tocar algo y una aplicación te dice si lo has hecho bien o mal, o te puede incluso indicar dónde te has equivocado. Estas herramientas van a mejorar mucho con la  inteligencia artificial”. Font termina con un mensaje humanista: “En educación no creo que ninguna tecnología genere un cambio de paradigma total, haga desaparecer al profesorado y sustituya la interacción humana”. Y piensa lo mismo de la industria musical: “Creo que tenemos que relativizar lo que está pasando, ponerlo en contexto de una evolución tecnológica”. Porque para Font, no hay tecnología que pueda sustituir la parte humana: “Al final yo creo que toda la personalidad del artista, la conexión con el público, el vínculo con la comunidad, el discurso….todo este tipo de cosas siguen siendo necesarias y no van a ser reemplazadas por ese tipo de herramientas”.

Internet Archive, la gran biblioteca digital gratuita y sin ánimo de lucro, ha sido condenada en primera instancia por la justicia estadounidense, tras recibir una demanda de las cuatro grandes editoriales por infracción de derechos de autor en 127 obras subidas a la plataforma durante tres meses de 2020.

Cuando se desató la pandemia de COVID-19, muchas instituciones culturales se vieron obligadas a cerrar sus puertas al público para prevenir la propagación del virus. Para evitar detener del todo sus actividades, algunas de ellas se adaptaron a la situación y comenzaron a ofrecer contenidos en sus webs o redes sociales. Por ejemplo, el Museo del Prado de Madrid lanzó una iniciativa llamada El Prado en casa, que permitía a los visitantes explorar virtualmente las galerías y colecciones del museo. La Royal Opera House de Londres comenzó a transmitir sus producciones en línea, mientras que el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) ofreció visitas virtuales a través de su sitio web.

Otras instituciones culturales sin sede física siguieron el mismo patrón. La idea de compartir cultura online se convirtió en sentido común. La veterana biblioteca digital Internet Archive, gestionada por una asociación sin ánimo de lucro del mismo nombre, abrió la National Emergency Library o Biblioteca Nacional de Emergencia (NEL), una colección temporal de libros para incentivar la educación a distancia, las actividades vinculadas a la investigación académica y, en general, para facilitar el acceso a la cultura durante el periodo de cuarentena que se vivió en muchos países. Permaneció activa entre el 24 de marzo y el 16 de junio de 2020.

Periodo excepción de préstamos ilimitados

NEL cambió la forma en que Internet Archive realizaba sus préstamos de libros. El sistema habitual funcionaba de la misma manera que el físico: ceder una única copia a un único usuario, por orden de solicitud y por un tiempo limitado. Con la situación que presentaba la pandemia, Internet Archive decidió facilitar copias digitales ilimitadas y sin lista de espera de los 1,4 millones de libros de su biblioteca. Dichas copias se hicieron, en muchos casos, a partir de escaneados de los libros originales. Esta decisión no gusto a los grandes grupos editoriales. 

El 1 junio de 2020, las editoriales Harper Collins, Penguin Random House, Hachette Book Group y John Wiley & Sons interpusieron una demanda en la Corte Federal de Nueva York, lo que motivó que Internet Archive concluyera este servicio dos semanas antes de lo que esperaban. Las editoriales argumentaron que se habían infringido los derechos de autor de 127 obras. Internet Archive, por su parte, contestó que su medida se enmarcaba dentro de una excepción legislativa que contemplan las leyes de propiedad intelectual conocido como fair use (uso justo). 

Esta excepción es la que, durante años, han enarbolado creadores de contenido y agentes culturales que usaban licencias alternativas al copyright o que promovían legitimar cualquier uso de material ajeno sin permiso de los autores originales que se diera bajo ciertas circunstancias, especialmente si no hay ánimo de lucro en dicho uso o si hay un interés informativo o académico. De dicho uso han nacido creaciones como la serie documental Everything is a remix (Todo es una remezcla) de Kirby Ferguson, donde precisamente se explica cómo el conocimiento y las creaciones culturales son unas mezclas o copias de otras, y por qué unas obras siempre derivan de otras. Por ello se cuestiona la noción de 'originalidad' y se apunta a que son los intereses comerciales de la industria lo que la sustentan, y no tanto el cómo funciona el conocimiento compartido y los procesos creativos.

El juez John G. Koeltl ha dado la razón a las editoriales en una sentencia del pasado 24 de marzo. Internet Archive ha declarado que “la lucha continúa” y que recurrirá la sentencia. Para su fundador, Brewster Kahle, este fallo ha sido “un golpe para las bibliotecas, los lectores y los autores”. “Para que la democracia prospere a escala mundial, las bibliotecas deben poder mantener su papel histórico en la sociedad: poseer, conservar y prestar libros. Las bibliotecas son más que departamentos de servicio al cliente para productos de bases de datos corporativas”, ha dicho.

El caso ha generado adhesiones a ambos lados de la disputa. La Asociación de Editores de América argumenta que el proyecto viola los derechos de autor al permitir que los usuarios presten y accedan a libros electrónicos sin restricciones. A favor de Internet Archive se ha expresado Lawrence Lessig, especialista en propiedad intelectual e impulsor de las licencias Creative Commons que modulan de manera menos restrictiva los derechos de autor: “La demanda que enfrenta Internet Archive determinará si el modelo de la cultura es solo el comercial o si seguirá habiendo un lugar para las bibliotecas”. Fight for the Future, otra conocida organización sin ánimo de lucro que defiende la idea de que los derechos digitales son derechos humanos, ha impulsado la campaña Battleforlibraries (La batalla de las bibliotecas). 

En España, el colectivo Xnet, con una larga trayectoría de defensa de los derechos digitales, ha declarado públicamente que “a pesar de la sentencia, Internet Archive, la gran biblioteca de Internet, podría seguir conservando libros de forma limitada. Lo que no podrá es seguir abierta haciendo frente a los costes económicos de la guerra judicial que le han declarado los monopolios editoriales”. Internet Archive es también miembro fundador del International Internet Preservation Consortium (IIPC). Dicha institución, fundada en 2003 por 11 bibliotecas nacionales e Internet Archive, tiene como misión adquirir, preservar y hacer accesible la información en Internet para el futuro. La Biblioteca Nacional de España forma parte de este consorcio desde 2009.

Internet Archive no aloja exclusivamente libros. En su catálogo hay, además, otros formatos multimedia de millones de creadores que han decidido cederlos y albergarlos en su espacio digital. En un contexto en el que cada vez más contenido es alojado en servidores de las empresas propietarias de las redes sociales y se va reduciendo el espacio donde se alojan conocimientos y cultura bajo criterios no mediados por el lucro, parece evidente que el devenir de este caso puede marcar la pauta sobre cómo se comparte la cultura en Internet. 

Twitch es la plataforma de Amazon para la emisión de vídeo en directo que más se ha popularizado en los últimos años. Algunos de los creadores de contenidos más conocidos tienen acuerdos con la plataforma y la usan, dejando a YouTube u otras redes sociales como repositorios donde subir clips de vídeos más cortos que capturen los momentos más destacados de lo que sucede durante una emisión que puede durar varias horas. Justo uno de esos clips se distribuyó mucho esta semana. Joaquín Domínguez, más conocido como 'El Xokas', daba su opinión sobre algunas personas que quieren bajar de peso. Tan solo unos días antes, la madre de Yeremi Vargas, el niño desaparecido en Gran Canaria en 2017, señaló que tuiteros y streamers le habían hecho sentirse acosada en 2013: “No era humor negro”, ha dicho.

El Xokas calificaba de “vagos”, acompañando el término con un insulto, al “90%” de las personas obesas, incidiendo con tono vehemente en que no se trata de “ninguna enfermedad”. Este fragmento fue altamente difundido en redes.

El contexto del comentario refiere a una persona que critica en Twitter a otro creador de contenidos, Alexelcapo, que había subido dos fotos a sus stories donde ironizaba, tras haber perdido peso de forma ostensible, sobre su cuerpo del pasado. La crítica del tuit decía: “Has perdido kilos pero has ganado en gordofobia”. De hecho, en la misma emisión que el anterior exabrupto, Xokas contaba que él mismo ha estado “gordo” y que “es algo que genera complejo” para más tarde añadir que “puedes quererte a ti mismo estando gordo”. Evidentemente hay un sesgo en el clip de vídeo que se ha distribuido y hay más contexto que matiza dicho contenido. Sin embargo hay personas a las que no llegará el contexto completo y que se quedarán con la síntesis del vídeo corto que se ha distribuido. Y ese resumen es: 'Si quieres, puedes'. 

Hay otras personas que se han escandalizado por declaraciones. “Este es Xokas llamando 'vagos' a los gordos. El señor que por no bajar la basura la congelaba”, comentaba una persona en Twitter a raíz de su vídeo y recordando el momento en el que el creador reconoció que congelaba su basura para tener que bajarla solo una vez a la semana. ¿Sabía El Xokas que esta práctica podría generarle una intoxicación alimentaria debido a la denominada “contaminación cruzada”? Probablemente no. De ahí que exista preocupación sobre su impacto. Y es que a El Xokas lo ve mucha gente. El creador gallego acumula 3,2 millones de suscriptores en Twitch, 1,7 millones en YouTube, 2,9 millones en TikTok, 1,1 millones en Twitter y 1 millón en Instagram. Es decir: lo sigue mucha gente y mucha de esa gente es joven, ya que más del 67% de la audiencia mundial de Twitch tiene menos de 34 años; siendo más de un 35% la franja de edad entre 13 y 24 años. 

'La televisión' para los hombres jóvenes

Twitch, fundada en 2011 y adquirida por Amazon en 2014 por 970 millones de dólares, ha experimentado un crecimiento exponencial en los últimos siete años, quintuplicando su valor. En 2020, la plataforma generó ingresos por valor de 219,27 millones de dólares, y durante la pandemia su crecimiento se disparó. Aunque ahora dicho crecimiento se ha reducido y en 2022 sus ingresos rondaron los 180 millones de dólares, hay dos datos que llaman la atención sobre la plataforma. El primero es el porcentaje de creadores de contenido activos con un acuerdo de colaboración con la plataforma: tan solo un 0,42%. El segundo dato llamativo: el 78% de los usuarios son hombres. 

Twitch fomenta la competición salvaje. Tal y como apuntaba el realizador audiovisual Albert Lloreta, la lucha por la relevancia es feroz, especialmente teniendo en cuenta que el porcentaje de los que pueden vivir de ello es tan bajo: “Incentiva que estén el máximo de horas posible en directo, haciendo lo que parece que puede generar más atención en cada momento”. Esto a su vez se transforma en algo donde el 'nuevo mundo' choca con 'el viejo': “Ha derivado una cultura de trabajo sin condiciones laborales, en la que ir de vacaciones puede provocar perder el tren de la atención fluctuante de los usuarios, con grandes dosis de ansiedad, aislamiento e incluso casos de suicidio”.

No es la primera vez que el modelo de Twitch genera una discusión pública sobre sus condiciones laborales. A partir de una entrevista de Ibai Llanos en 2020, uno de los streamers españoles más populares y conocidos, en la que reconocía que no había tenido ni un solo día de vacaciones en seis años, la escritora y periodista Layla Martínez comentaba en Twitter: “Esta entrevista es estremecedora a nivel de explotación laboral. Seis años sin un solo día, ni uno solo, de vacaciones”. A renglón seguido, Martínez proponía sindicarse: “Si estáis en situaciones parecidas, porfa, contactad con un sindicato”. Llanos contestó con tono airado dejando claro que lo hace porque quiere y que nadie lo obliga. 

En algunos casos este modelo de emisión se lleva al extremo y es prácticamente una especie de Gran Hermano. En 2021, el creador español Elm Cherto conocido como 'ElmiilloR', emitió durante casi 274 horas seguidas. En ese tiempo consiguió 9.530 suscripciones. Esta práctica se ha vuelto común y está emparentada con lo que se conoce como subathons o directos extensibles. En ellos se añade tiempo al streaming por cada nuevo suscriptor de pago que se obtenga durante el directo. Esta táctica incentiva a los seguidores a suscribirse para mantener el directo en vivo, y por cada suscriptor, el streamer y Twitch se reparten cinco dólares al mes. Otro streamer, ludwig, permaneció en directo durante 31 días seguidos y consiguió 282.000 suscriptores de pago. 

La sobreexposición deja además al descubierto no solo lo que dicen durante estos extensos directos sino también cualquier cosa que dijeran en el pasado. Estas semanas, los también populares creadores de contenido Auronplay y Biyin han tenido que dar explicaciones en varias ocasiones por comentarios desafortunados que hicieron hace años en Twitter. Más allá de los comentarios en sí o de la semejanza con otros incidentes que sufrieron personas que no estaban asociadas a la creación de contenido en internet —como pudo ser el caso de Vigalondo y su despido de El País—, resulta interesante ver cómo se ven obligados a detener su flujo habitual de contenido, asociado al entretenimiento, para tener que hacer vídeos que se asemejen a una rueda de prensa en la que dar explicaciones. 

En el mismo directo en el que hizo las polémicas declaraciones, El Xokas también opinó sobre el impacto en la economía pesquera que tuvo la marea negra del Prestige, sobre los globos aparecidos en EEUU (haciéndose eco de una teoría de la conspiración según la cual los ovnis son una cortina de humo para tapar el accidente del tren que iba cargado de químicos en Ohio) y consideró “patético” que decenas de jóvenes mujeres chinas decidieran emitir en directo desde un barrio rico para así intentar obtener mejores donaciones. También jugó a varios videojuegos e incluso comió en directo. 

La emisión de El Xokas duró un total de ocho horas y media. Si pensamos en términos de televisión convencional o incluso de radio, una emisión de tantas horas sin intervenciones externas ni descansos es una barbaridad. Es más de una jornada laboral. Es muy complicado que cualquier persona, dirigiéndose a una audiencia generalista con la que encima puede interactuar porque recibe mensajes por escrito a medida que va hablando, no desemboque en algún exabrupto o malentendido. Lo que ocurre es que ese es el modelo que está triunfando en Twitch.

Una tendencia en el que los creadores de contenido más populares se ven forzados, o incluso en ocasiones, se sienten con el derecho a opinar con autoridad sobre cualquier cosa. Algo que en otros medios no tan aparentemente innovadores se conoce como tertuliano. Lo que Carlos Taibo definió en Contra los tertulianos como todólogos. 

La mayoría de visitas virtuales en las webs de los principales espacios culturales tienen un planteamiento similar. Accedemos a su espacio con imágenes amplias grabadas con cámaras que captan imágenes en 360º y que nos permiten emular el movimiento que haríamos en persona. Podemos mirar arriba y abajo. A un lado y al otro. Viajamos de una sala a otra y vemos exposiciones a la vez que contemplamos la arquitectura de interiores de la institución. Sin embargo, hay algo en estos paseos digitales que los hace generalmente poco memorables: no hay personas. 

Este punto ciego en la narrativa de las visitas virtuales sumado a su obstinado deseo de cuestionar las normas del teatro hegemónico son las principales raíces de la última obra del creador escénico Alex Peña. El teatro era un no-lugar se estrenó exclusivamente online el pasado 21 de noviembre en la web del Teatro Calderón de Valladolid y es una pieza que, usando la misma tecnología que las visitas virtuales, plantea un drama navegable e interactivo que se pregunta: “¿Es, acaso, el teatro un no-lugar como lo es un aeropuerto por el que pasas para coger un vuelo? ¿Es un teatro un espacio deshabitado cuando no hay representación?”, dice en la web de la obra. 

La pieza cuenta con el morbo de poder ver a José María Viteri, director del teatro, tirarse del paraíso y caer en el patio de butacas. Sin embargo, la mayoría del nutrido elenco de personas que participan en la obra son actores y actrices no profesionales: “La responsable de marketing y comunicación me decía que se sentía insegura actuando. Y yo le decía que era precisamente su relación con lo escénico lo que me interesaba. Tengo interés en que participen quienes habitan el teatro”, comenta Peña. La obra también incorpora a personas que participan en los proyectos escénicos comunitarios del Calderón: La Nave y La Nave Sénior. 

Uno de los momentos técnicos y narrativos más álgidos de la pieza se desarrolla en el patio de butacas. En formato videojuego, el usuario se enfrenta a varias personas sentadas de forma dispersa en los asientos que se van levantando una a una y recitan fragmentos de El público, de Federico García Lorca. Para poder avanzar en la historia, el público debe ejercer su poder de interacción haciendo clic en cada una de las personas que se levantan a recitar su texto. Una vez lo hace, un corazón amarillo que sobrevuela sobre ellas y ellos se rompe, se sientan y se callan. 

“Es un juego un poco violento en el que tienes el poder de acallar al público”, explica Peña sobre el videojuego. Y añade: “Dentro de los teatros el pueblo no suele tener opinión. La tienen los programadores y los responsables políticos. Por eso he rescatado la obra de El público, de Lorca. Porque en ella se defiende el teatro que está bajo la arena, el teatro que vuelve al barro para salir con algo de veracidad. Por eso creo que el teatro tiene que volver al barro”. Preguntado por si en los espacios digitales hay ese 'barro' de cultura popular al que se refiere, Peña asevera: “En internet hay mucho barro, claro. Si podemos emocionarnos con un mensaje de WhatsApp o en una videollamada, ¿por qué no vamos a poder incorporarlo a un proceso de creación escénica?”. 

La trayectoria de Peña se ha alejado a menudo de las convenciones teatrales para poner en el centro la experimentación investigadora, la transgresión cómica o el juego serio. Reconoce incluso que ya en la propia carrera de arte dramático sentía que algunos de estos caminos no eran ofrecidos: “Las artes escénicas se enfocan sobre todo a la interpretación. Y la interpretación lleva un componente de ego tan grande que no creo que sea un vehículo para un desarrollo personal creativo. Y encima en la Escuela de Arte Dramático te sueltan en una cuesta abajo donde casi siempre eres intérprete de las ideas de los demás. Yo he aprendido mucho de otros lenguajes que no eran escénicos y que son clave en los proyectos que he hecho”. 

Peña formó parte durante años del grupo de payasos Teatro Deluxe, donde junto a Fran Torres y Serafín Zapico exploraban el lenguaje payaso y sus conexiones con el humor o el surrealismo. Más tarde, como creador individual ha desarrollado performances como Quejíos para telefonillo, donde realizaba un paseo con público que asistía a miniconciertos flamencos escuchados a través del telefonillo del portero de las casas de los cantaores; instalaciones como Dispensadores de cultura colaborativa, donde produjo templetes cerámicos decorados al estilo tradicional andaluz que servían como punto de recogida (por cable o código QR) de archivos audiovisuales sobre algunos proyectos artísticos de la ciudad de Sevilla; por último, en Recreativos Federico, un total de siete máquina recreativas y de consumo basadas en la obra de Federico García Lorca. Una instalación que se acerca a Lorca por un camino poco transitado.  

Peña también ha hecho incursiones en espacios educativos. LENTO. Laboratorio de experimentación escénica transmedia es un taller diseñado con Benito Jiménez y especialmente hecho para creadores escénicos interesados en explorar herramientas y tecnologías con las que contar historias en entornos digitales. Una de las enseñanzas estrella es el OBS, la popular tecnología que usan la mayoría de creadores de contenidos profesionales que llevan a cabo emisiones en directo. OBS es muy popular y a la vez cuenta con muchas posibilidades narrativas inexploradas, ya que el estándar de emisión tiene un planteamiento narrativo bastante convencional y muy cercano al formato televisivo. 

En PLANEA, una red de arte y escuela financiada que se despliega por colegios e institutos públicos de Andalucía, Madrid, Comunidad Valenciana y La Rioja, Peña ha desarrollado un proyecto en el IES Cartima titulado Invisibility Vending Machine: una máquina expendedora que estuvo expuesta en el pueblo de Cartama, dentro de la cual se alojaban objetos artísticos y piezas sonoras que el alumnado de 4º de ESO del IES Cartima diseñó y produjo en colaboración con Peña para honrar la memoria del colectivo de mujeres artistas de la generación del 27, las conocidas como Las Sin Sombrero. Martina Andrade, una de las estudiantes que participaron en el proyecto, decía en un vídeo explicativo del proyecto: “Yo creo que estos objetos son arte. Y estos objetos somos nosotros”.

La inmersión completa en lo digital de Peña no se produjo hasta el inicio del confinamiento, cuando se interesó más específicamente por las posibilidades escénicas de los entornos exclusivamente digitales. En Estación Espacial, promovido por La Abadía de Madrid en su ciclo de Teatro Confinado y cocreado con Alberto Cortés y Rosa Romero, planteaban una obra que transcurría a través de Zoom y que usaba herramientas para SpiedLife, Google Earth o Skyline a través de las que reflexionar sobre cuestiones profundas como las nociones de hogar o intimidad o cuestiones mundanas tales como “tanto en el cielo más alto (la Estación Espacial Internacional) como en el más bajo (los techos de nuestras casas), comparten la misma bayeta de microfibra azul de Mercadona”, tal y como describe la sinopsis de la obra. 

Para Peña no es fácil transitar estos caminos más alejados de la ruta principal del teatro: “Las artes escénicas para mí son ante todo un 90% de sufrimiento y un 10% de satisfacción”, dice de forma tragicómica. “Yo tengo una lucha con las instituciones, con algunos compañeros de oficio y a veces incluso con espectadores. ¿Por qué el teatro tiene que ser solo la representación carnal sobre un escenario? ¿Por qué tiene menos valor si se hace en una videollamada? O incluso más allá: la representación puede ser un acto al que despojamos de lo irrepetible. Y la representación se puede hacer sin intérpretes, donde el contexto importe más que la propia representación”. 

Gran parte de los trabajos de Peña tienen un fuerte componente de investigación. Y esto supone también un motivo de reclamación para el creador: “El final de un trabajo escénico casi siempre es una representación. Así que todo lo que sean investigaciones que no terminan con un final representador o los experimentos que te introducen en lenguajes inexplorados son bastante denostados por parte de las artes escénicas normativas. Y se sufre bastante, porque para mí producir investigación también es producir”, matiza Peña con resignación y firmeza. 

Alex Peña es un creador que transita entre disciplinas y cuya experimentación parece esencial para explorar 'el más allá' desde el que parte. El prejuicio que se le otorga a la lengua ajena es a menudo el que se aplica a Peña cuando viaja por los mercadillos digitales o analógicos y trae cacharros con los que jugar y contar historias de maneras distintas a las que ocupan los púlpitos habituales. A pesar del sufrimiento, Peña es consciente de que se enfrenta a problemas estructurales y tiene claro su viaje: “El sistema capitalista no está preparado para absorber todas las vocaciones. Y por eso se abandonan. Yo, que no soy capaz de abandonarla, sufro por ello. Y a la vez disfruto, claro”.

“Si me llegan a decir hace 10 o 15 años que hoy en día habría una inteligencia artificial que podría replicar una obra de arte tal y como las que hacía Van Gogh, no me lo habría creído”, comentaba el pasado 15 de junio el científico e investigador Ricard Solé, en una ponencia en Barcelona durante el Simposio de Arte Electrónico ISEA 2022, en la que reflexionaba sobre ciencia, arte y evolución e invitaba a la audiencia a pensar sobre “los juegos de lo posible”. Solé hacía en su ponencia un paralelismo constante entre el funcionamiento real del cerebro y las formas en que se tratan de diseñar los algoritmos actuales y los sistemas de Inteligencia Artificial, siempre intentando emular al primero. 

Lo que pasa con la Inteligencia Artificial es parecido al famoso meme “Cuando lo pides en Aliexpress vs Cuando te llega a casa”. Entre el diseño original y los inescrutables caminos de los usuarios que popularizan las herramientas siempre hay un mundo. Y estos días vemos como lo que probablemente naciera como un experimento para intentar probar los mecanismos con el objetivo de generar imágenes artificialmente con fines académicos o investigadores, ha terminado por ser el nuevo juguete digital de moda que ha servido para poblar las redes sociales de memes e imágenes surrealistas. 

Un Pikachu que parece un carlino o Darth Vader tomando el té con Pingu. Estas imágenes han sido creada artificialmente usando DALL-E Mini: una inteligencia artificial capaz de generar imágenes a partir de lo que escribimos en ella y usando como base de datos millones de imágenes que ya hay publicadas en internet. Esto ya plantea ciertos debates de partida: ¿cómo se podría reconocer e incluso remunerar las imágenes que usan aplicaciones como esta como base para generar sus creaciones? ¿Cuáles son los límites en términos de propiedad intelectual de este tipo de imágenes? ¿Cómo reclamarle derechos de autor a una máquina? De momento surgen muchas preguntas. 

El algoritmo original fue escrito por el programador Boris Dayma, quien desarrolló una aplicación como parte de una competición organizada por Google en julio de 2021. El lenguaje de dicha aplicación está disponible en GitHub (un repositorio de software libre) y Google ha generado su propia versión. DALLE-2 en la que está experimentando con un grupo cerrado de usuarios la generación de imágenes de alta calidad. DALL-E Mini es algo así como la versión low cost de DALLE-2.

Josh Nicholas, el periodista especializado en datos de The Guardian, explicaba hace unos días el funcionamiento del algoritmo: “Lo que estamos viendo son redes neuronales (algoritmos que supuestamente imitan cómo las neuronas se envían señales unas a otras) entrenadas para generar imágenes a partir de un texto. Básicamente implica un montón de matemáticas”. Matemáticas que devienen en arte. De hecho, Nicholas iba más allá y decía: “La razón por la que estamos oyendo mucho hablar sobre AI Art (arte basado en Inteligencia Artificial) es por la habilidad de crear imágenes a partir de ideas que nadie ha expresado antes”. Y es por eso que este 'juguete' resulta tremendamente sugerente para las mentes creativas. 

La “Jungla de Cristal como película de Semana Santa”, “coches de choque en Tiananmén” o “la película Crash de David Cronenberg representada en bicicletas” son algunas de las búsquedas que ha probado y compartido el cineasta Nacho Vigalondo estos días en Twitter. A cada búsqueda que le proponemos, DALL-E Mini devuelve secuencias de nueve imágenes con evidentes dosis de imperfección. Sin embargo, las redes parecen haber obviado dicha imperfección para abrazar y celebrar las locas asociaciones que proponen los usuarios. De hecho, detrás de dicha imperfección hay dos corrientes estéticas que parecen haber confluido y que no son recientes en internet: las cursed images y el shitposting. 

“Imágenes malditas” podría ser la traducción de este tipo de imágenes. Esta cuenta de Twitter, por ejemplo, estuvo activa durante solo seis meses, pero consiguió más de 150.000 seguidores. Provenía, a su vezç, de una cuenta de Tumblr que se dedicaba a publicar “imágenes o fotografías que pueden ser inquietantes para el espectador, por la mala calidad de las mismas o por su naturaleza anormal e ilógica” (tal y como define Know your meme, la enciclopedia de la cultura memética). Y, desde luego, la imagen de “un televisor incrustado en una vaca con la cara de Sadam Husein” bien podría ser una sugerencia creativa para DALL-E hoy. 

Un usuario comentaba hace unos días: “DALL-E es la epítome del shitpost y lo amo”. El shitposting (que podría ser traducido como 'publicación de mierda') podría ser otra fuente estética de la que parece beber el tipo de imágenes que generan estas inteligencias artificiales. Se entiende el shitposting como una forma de referirse a un contenido que se publica de forma intencional sin cuidar en exceso los filtros editoriales. Es una tendencia muy vinculada a la ironía, al sarcasmo e incluso a la cultura trol, que busca generar humor a partir de contenidos donde el aspecto visual es pretendidamente cutre. Abundan en este tipo de contenidos diseños gráficos que se alejan del canon de belleza y que juegan con esa imperfección como parte de su estilo. 

DALL-E se suma a una tendencia en la que cada vez surgen más proyectos de algoritmos o programas que incorporan sistemas de inteligencia artificial para refinar la generación de imágenes. Es el caso de Midjourney. Una herramienta a la que de momeneto solamente se puede acceder por invitación pero que tiene un funcionamiento muy parecido a DALL-E solo que ofrece resultados aparentemente algo más elaborados. El proceso de creación de imágenes es muy parecido: escribir un texto y esperar a que el bot nos devuelva la imagen. A partir de ahí, las imágenes creadas pueden ser modificadas por otros usuarios en lo que son consideradas variaciones. Algunos de los resultados son tan sugerentes que han llevado a algunas personas a plantearse el futuro de la creación artística. 

“Tengo una sensación inquietante sobre todo el arte generado por Inteligencia Artificial porque creo que devorará la sostenibilidad económica de los ilustradores. No porque el arte sea reemplazado por la IA en su totalidad, sino porque será mucho más barato y lo suficientemente bueno como para la mayoría de personas y empresas. Parece como si los artistas digitales se fueran a desvanecer lentamente en la oscuridad, limitados a proyectos independientes y artísticos”, comentaba la ilustradora Freya Holmér en Twitter. Sin embargo, por cada tecnología que surge y parece amenazar los usos y costumbres de una determinada profesión o disciplina creativa, surgen nuevas y creativas maneras de usarla. 

“Decenas de mujeres madrileñas posan con sus cápsulas de café usadas antes de su reciclaje”, “gemelos empatan a piedra papel o tijera eternamente”, “foto policial de la abuela que se te cuela en cualquier cola imaginable”, “pareja comprobando la cuenta en la Tagliatella” o “fotos de 1980 de una moda masculina que nunca existió” son algunos de los textos que acompañan la cuenta AItraditionsofspain (Tradiciones de Inteligencia Artificial de España), un experimento artístico de Christian Flores que utiliza la inteligencia artificial para juguetear con un costumbrismo made in Spain de ciencia ficción hiperrealista.

La cuenta desvela algo que está presente en las búsquedas de Vigalondo: los algoritmos van avanzando rápidamente y mostrando imágenes que incluso hacen dudar a los científicos y a las personas que se dedican profesionalmente a un sector creativo. Pero lo realmente fascinante no está exclusivamente en la capacidad de la máquina para emular el arte humano, sino en la creatividad de quien es capaz de poner dicha tecnología al servicio de ideas desconocidas e inexploradas. 

Al igual que el Photoshop no acabó con el pintor, es muy probable que la IA no acabe con los artistas digitales. Pero sí los desplaza hacia otros lugares y nos ofrece un paisaje digital cada vez más complejo. Divertido. Y adictivo, tal y como decía Félix Guattari sobre los mecanismos de producción de subjetividad maquínica “todo lo que contribuye a proporcionar el sentimiento de pertenecer a algo, de estar en alguna parte; y también al sentimiento de olvidarse”. 

En 2014 la organización Save The Children lanzaba una campaña en forma de vídeo donde en 90 segundos podíamos ver cómo cambiaba la vida de una niña cualquiera al iniciarse un conflicto bélico y verse obligada a convertirse en refugiada. La niña que protagonizaba la campaña era blanca y británica. El vídeo narraba una serie de sucesos, siempre con su cara en primer plano, que iban desde la confortable cotidianidad de celebrar un cumpleaños viviendo en paz hasta la terrible cotidianidad de tener que huir de las bombas y disparos. El objetivo de la campaña era concienciar a la población occidental de lo que estaba sucediendo en Siria y de lo que implica para una niña convertirse en refugiada y se cierra con un mensaje que dice: “Solo porque no esté pasando aquí, no significa que no esté pasando”. Hoy no hace falta que una productora guionice, realice y edite un vídeo para denunciarlo. Está sucediendo en TikTok. 

Esta es Valeria Shashenok, una joven fotógrafa que además produce vídeos en TikTok. En este vídeo cumplía 20 años y lo celebraba con sus amigas en Chernígov, una ciudad al norte de Ucrania, a 2 horas en coche de Kiev. Era el 20 de Julio del año pasado. Durante este medio año, se pueden ver rastros en su cuenta de viajes a Ámsterdam, Paris y Roma. Y siguiendo la analogía del vídeo de Save the Children, de repente todos sus vídeos fancys cambiaron hace un mes. Desde entonces está narrando los efectos de la guerra. Solo que en vez de hacerlo desde un tono dramático, está haciendo uso del humor. En una suerte de documental tragicómico. 

“Se expresan puntos de vista extremos, que van desde distópicos hasta utópicos, no solo con respecto a la juventud, sino también con respecto a cualquier fenómeno mediático que sea significativo y nuevo. Ya en la preocupación de Sócrates de que la palabra escrita erradicaría la sabiduría, se creía que cada nueva tecnología sería nuestro salvación (¡Internet unirá a personas de todo el mundo en una comunidad global!) o nuestra perdición (¡los robots nos dejarán a todos desempleados! Para mí, esta continuidad es bastante tranquilizadora, porque nos muestra que nuestros temores y esperanzas no se relacionan tanto con las características de la nueva tecnología específica, sino que son temores y esperanzas generales de la sociedad que se proyectan en cualquier tecnología que sea nueva e incomprendida de momento. Para la mayoría de sus comentaristas adultos, TikTok es un gran desconocido”, declaraba Kligler-Vilenchik en una entrevista en el New York Times, doctora en periodismo y comunicación por la Universidad de California y autora del libro By any media necessary: the new youth activism. Lo cierto es que el miedo a que TikTok o cualquier tecnología emergente pueda empobrecer y banalizar el debate democrático es constante. Y es que todo conflicto bélico tiene un componente mediático que suele complejizar dichos debates. 

Algunos medios se han apuntado a la moda de llamar a la invasión rusa de Ucrania la “Guerra de TikTok”. The Guardian, CNN,  o The New Yorker lo han hecho. No es la primera vez que algo así sucede. La invasión estadounidense de IRAQ en 2006 fue denominada por The Time como “La primera guerra de Youtube”. Más allá de la necesidad de generar titulares espectaculares y atrayentes, lo cierto es que TikTok ya ha sido utilizada por jóvenes a favor de las causas de Palestina o de Siria (por poner dos ejemplos) para narrar sus vivencias y para hacer activismo en entornos digitales. 

Lo que sí es evidente que ha ido en aumento es el número de narraciones audiovisuales breves que se expanden en redes y generan relatos no oficiales sobre lo que está pasando. Forma parte de la audiovisualización de la vida. Y si las redes sociales marcan muchas veces la agenda mediática, los contenidos audiovisuales suelen ser los que más se viralizan. Sucedió con el soldado ruso que se rindió y del que se distribuyó masivamente un vídeo en vertical en el que se le podía ver comiendo y bebiendo mientras una mujer sostenía un teléfono móvil para que hablara con su madre, a la vez que sus captores le decían a ésta que estaba bien y que no le pasaría nada. Y está pasando con muchos vídeos publicados originalmente en TikTok.

TikTok sigue siendo una de las apps más populares entre las generaciones más jóvenes, con más de un 60% de usuarios por debajo de los 30 años. Ya es la tercera red social más usada del mundo con más de 1.000 millones de usuarios en todo el mundo y mantiene la tasa de crecimiento más alta, de un 59,8% en 2020 y un 40,8% en 2021. Y su popularización así como las herramientas, códigos y lenguajes que propone, está suponiendo un cambio con respecto a la narrativa aplicable a casi cualquier evento político y social. Es algo que por ejemplo ya pudo verse durante las protestas de Black Lives Matter tras el asesinato de George Floyd: la app se convirtió en un espacio para narrar lo que estaba sucediendo en las calles. Y está sucediendo ahora.

Durante los días previos al inicio del conflicto, TikTok se llenó de vídeos como este. Este fue documentado por Maria02903 a 10 kilómetros de la frontera con Ucrania. Esos días muchos fueron los vídeos casuales documentando los movimientos de las tropas rusas por parte de usuarios anónimos. De hecho, tal y como informaba Politico, activistas, ONGs y periodistas están comenzando a analizar los vídeos de TikTok y otros contenidos digitales en busca de evidencias que permitan denunciar los crímenes a posteriori.

Después de la invasión, hubo manifestaciones en distintas ciudades fuera de Ucrania, algunas de ellas rusas. Muchas de ellas fueron cubiertas en TikTok con una de las herramientas de las que la plataforma dispone: las emisiones en directo. En paralelo, las formas de protesta se iban diversificando y comenzaron a producirse contenidos que no solo documentaban en vivo y en directo el conflicto sino que lo comentaban desde perspectivas más analíticas. 

Xenasolo es una historiadora especializada en Japón que vive en Ucrania y desde que ha empezado el conflicto ha abandonado los vídeos sobre Naruto para compartir reflexiones sobre lo que está pasando y haciendo directos diarios a las 9 de la noche hora de Kiev cada día. Tiene actualmente más de 600 mil seguidores y en algunos de ellos como en este, hace uso del humor.

En esta escena, típica del lenguaje de TikTok en el que una misma persona interpreta dos personajes, ironiza sobre un oficial de guerra ruso hablando con Pluter (un alter ego de Putin), al que se puede ver abrazado a una conocida marca de refrescos mientras escucha como el oficial le dice: “¿Recuerda su objetivo de volver a convertirnos en la gran Unión Soviética? Pues estamos a punto de conseguirlo: ya estamos prácticamente aislados del resto del mundo”. Y a continuación la botella de refresco desaparece. El humor es uno de los códigos que más sorprenden con respecto a cómo se gestan los relatos que se comparten en TikTok pero evidentemente no es el único. También hay relatos que usan la narrativa de TikTok para compartir en primera persona cómo el conflicto les está afectando. 

En este vídeo, Diana_totok narra en 43 segundos lo que ha supuesto para ella convertirse en refugiada. Usando como banda sonora la canción Where is the love? de Lauren Amour (que a su vez ha sido utilizada recurrentemente en otros vídeos de la plataforma o en YouTube para narrar lo que está sucediendo en Ucrania). Su vídeo muestra la llegada de un misil, el desconcierto y el miedo, la huída y finalmente, la despedida en la frontera con Rumanía con su padre. El vídeo era del 28 de febrero. El 3 de marzo publicaba otro vídeo contando que su padre está bien y que está usando su coche para ayudar a escapar a Polonia a otros refugiados y donde pide fondos para poder ayudarlo dado que su vehículo es muy antiguo. 

La periodista australiana Matilda Boseley, que trabaja para The Guardian, compartía en un hilo de Twitter el vídeo de Diana_totok además de otros parecidos y comentaba: “Este vídeo no es divertido pero ha sido visto 15 millones de veces en TikTok. Encuentro interesante qué gran parte de la historia que recordaremos está siendo contada por jóvenes mujeres en TikTok”. Lo cual se explica porque los hombres ucranianos entre 18 y 60 años están obligados permanecer en el país y ayudar como puedan. Otra de esas mujeres que está narrando lo sucedido en Ucrania es Nataly Tereshchenko. 

Guía turística profesional de Chernobyl, con una cuenta con más de 2 millones de seguidores en TikTok, compartía este vídeo el 3 de marzo donde reflexionaba: “Es doloroso darse cuenta de que soy una guía turística profesional que solía contarle a la gente el horror de 1986, acerca de cómo la gente debía ser evacuada de sus casas porque había un enemigo invisible que era la radiación. Y ahora, puedo sentir ese miedo. En 2022 la gente huye de un enemigo visible: Rusia”. 

Las tiktokers ucranianas no son las únicas que han reaccionado. También ha habido tiktokers desde Rusia que se han pronunciado sobre el conflicto. Alex Medvev ha optado por una opción menos problemática y está usando su cuenta, con casi 2 millones de seguidores, para intentar pacificar la situación. Se situó a la entrada de una zona comercial en Moscú con un cartón que tenía las banderas de Rusia y Ucrania y en el que podía leerse “Si estás en contra de la guerra, abrazame”. Varias personas pasaron de largo pero otras decidieron pararse y darle un abrazo. 

Niki Proshin, otro joven creador de contenidos con una cuenta en TikTok que tiene 750.000 seguidores, comenzó a publicar sobre la invasión de Ucrania tan pronto como las tropas rusas cruzaron la frontera. Publicó un solo video en TikTok abordando las muchas preguntas que recibió de sus seguidores para conocer su opinión sobre Ucrania. Habló sobre la guerra y sobre su enfado con Vladimir Putin por lanzar el ataque de noche. “Mostrar mi opinión públicamente ayuda a los extranjeros a comprender mejor a los rusos y ayuda a mantener el puente entre la gente normal fuera de Rusia y la gente normal en Rusia”, dijo Proshin. Lo siguió con otro vídeo, tomado en vivo en las protestas callejeras en su ciudad natal de San Petersburgo. Se ha visto obligado a borrar ambos contenidos y no ha vuelto a publicar nada. En su biografía de TikTok reza: “No puedo hacer directos ni publicar contenidos en TikTok porque estoy en Rusia”.

A las 12:05 de la mañana del pasado domingo, un sistema de inteligencia artificial usado por una de las cadenas que retransmitía el partido, daba a Daniil Medvedev (número 2 del circuito mundial de tenis masculino) un 96% de probabilidades de ganar frente a un exiguo 4% que se le otorgaba a Rafael Nadal. Justo en ese instante, el marcador se encontraba 2 sets a 0 para el ruso y 1 juego a 0 en el tercer set. Minutos después, Medvedev disponía de tres bolas de break para ponerse con 4 a 2 en el que sería el set definitivo del partido si lo ganaba. 

Tres horas y diez minutos después de ese momento y tras un total de 5 horas y media de batalla tenística, Rafael Nadal lograba darle la vuelta al partido en una de las remontadas más épicas que se recuerdan en una final de Grand Slam, venciendo a un jugador 10 años más joven que él, contra todo pronóstico y emocionando a millones de aficionados del deporte, incluso a los más experimentados comentaristas. 

Su victoria en el Open de Australia, además de borrar el rastro de toda la polémica relacionada con la ausencia de Djokovic, desempata la situación entre los jugadores que componen el denominado Big 3 en categoría masculina, situando al español con 21 Grand Slams, por delante de los 20 de Roger Federer y Novak Djokovic. Desde el periodismo deportivo suele decirse al respecto de Rafael Nadal que se agotan las palabras para describir lo que ha conseguido. Pero ayer las portadas de numerosos medios nacionales e internacionales trataban de hacer justicia a lo conseguido por el deportista español.

“El más grande”, “Cuando te digan que algo es imposible, piensa en Rafa”, “El mejor de la historia” rezaban las portadas españolas. “El marciano”, titulaba L'Equipe, “Nadal hace historia con una remontada para la eternidad”, titulaba The Times en portada. “Nadal es inmortal”, titulaba La Gazzetta dello Sport. La imagen de Nadal celebrando la victoria también fue portada en el Wall Street Journal o The Guardian. Compañeros de profesión como el propio Roger Federer,  figuras del deporte, de la política o del mundo de la cultura han ensalzado su victoria y lo que significa. 

Nadal declaró durante el torneo que una lesión que lo ha tenido apartado de los terrenos de juego durante 7 meses es incurable. Tiene el escafoides del pie izquierdo roto, provocado por el estrés mecánico al que es sometido el hueso que permite que nos desplacemos en carrera. Además y como fue sabido, en Diciembre el balear pasó el COVID “con unos síntomas muy duros”, lo que dificultó aún más su preparación para este torneo. De parecer estar descartado para la alta competición a convertirse en el tenista con más títulos de Grand Slam de la historia. 

Sin dejar de emocionarse por un momento y durante la rueda de prensa posterior al partido, Nadal respondía a la pregunta, ¿Es usted el mejor de la historia? “Sé lo que significa lograr 21 Slams. Hoy ha sido un día increíble. Pero no puedo olvidar todo lo que he luchado en los últimos seis meses para volver. Ha sido muy duro. He tenido conversaciones con mi equipo donde les decía que no sabía si iba a poder jugar de nuevo. Para mí, me siento afortunado de poder estar aquí ahora”. No es la primera vez que da la sensación de que Nadal ha llegado a su límite. 

Hace ahora más de 13 años y después de haber perdido por primera vez en sus participaciones en Roland Garros, Nadal tenía serios problemas con una tendinitis en una de sus rodillas. Tras haberse perdido la Copa de Maestros a finales de 2008 y de jugar más de 100 partidos en ese año, Nadal se bajaba de Wimbledon y anunciaba su lesión. Aunque volvería a competir ese año, no volvió a ganar ningún título individual.

En ese momento y no sin razón, muchos de los análisis compartían un mismo mantra: la carrera de Nadal no iba a ser longeva. Su forma de jugar tratando de llegar a bolas en posiciones forzadas parecía condenar a sus articulaciones a un envejecimiento acelerado. Un entrenador de la Premier League llegó a decir “Nadal tiene 23 años, pero sus rodillas son las de un hombre de 33 años”. Hoy celebra su 21 Grand Slam, habiendo silenciado las voces de incontables expertos que anunciaban su retirada o simplemente la lenta desaparición de sus gestas deportivas. 

La última ocasión en la que Medvedev y Nadal se enfrentaron en un Grand Slam fue durante la final del US Open de 2019. Aquel partido, también largo y disputado, terminó con una victoria agónica del manacorí. Nada más terminar un encuentro, Nadal confesaba: “En el quinto y con 5–2, además de muerto, estaba muy nervioso”. Efectivamente, con todos sus fans sufriendo y en un partido que parecía volver a ponerse de cara, él reconocía que estaba al límite. 

Y en la rueda de prensa fue más allá. Reconoció que tenía miedo: “Por supuesto que tenía miedo. Cuando tienes un punto de break al comienzo del quinto set y vienes de perder los dos últimos, significa que estás en problemas. Realmente, traté de evitar ese pensamiento, siempre confío en que seguiré teniendo oportunidades, esa es la forma en la que afronto esos momentos”. El propio Toni Nadal, su tío y entrenador durante años, definió en una ocasión la filosofía de su sobrino: “Rafael es una persona que se da muchas oportunidades a sí mismo”.

En tenis la fe no es una estampita que colocas en un altar y sobre la que te pones a rezar. La fe de creer que puedes ganar un punto, un juego, un set y en última instancia, un partido, se forja en cada golpe. La confianza en uno mismo durante un partido es algo que puede quebrarse en cualquier momento. Nadal, que con los años ha ido siendo cada vez más consciente de sus virtudes y defectos, siempre ha dicho que una de las claves como jugador en su caso es que ni se alegra demasiado cuando las cosas van bien ni se viene abajo de golpe cuando las cosas van mal. “Hay que aceptar con la misma tranquilidad los momentos buenos y malos”. 

Nadal ha llegado a declarar que no hace entrenamiento mental: “Trato de enfocarme en el esfuerzo diario. Forzándome a mí mismo a hacer las cosas bien, especialmente los días en los que no me sale. Siempre lo he hecho así, desde que era pequeño. Esa auto-obligación de intentar ser mejor”. A pesar de que Internet está plagado de referencias de dudoso origen científico usando sus palabras o sus gestas deportivas para vender una forma de hacer negocios, su forma de encarar ciertas situaciones sí tiene una explicación psicológica. 

Jose María Buceta, psicólogo deportivo, declaraba hace unos años sobre el manacorí: “Lo que mejor caracteriza a Nadal es el concepto de dureza mental desarrollado en los años setenta y posteriores por los investigadores Kobasa, Maddi y su equipo en la Universidad de Chicago. Es un patrón de personalidad que caracteriza a muchas personas que rinden a alto nivel en situaciones de estrés. Tiene tres componentes: compromiso (el que la persona asume para involucrarse al máximo en lo que tiene que hacer, sin evitarlo o limitarse simplemente a cumplir), reto (asume la situación estresante como un reto que le proporciona oportunidades, en lugar de una amenaza) y control (percibe que controla la situación al centrarse en lo que depende de ella, en las fortalezas que tiene para rendir, en sus experiencias pasadas de éxito)”. Detrás de la épica, hay una ética de trabajo. 

El tenista mallorquín declaró en una ocasión algo que sorprendería a muchos con respecto a la imagen que proyecta: “No soy una persona segura de sí misma en ninguna cosa de la vida. No soy una persona decidida en casi nada. Nunca he presumido de eso. Me cuesta mucho tomar decisiones…”. Sin embargo, dentro de la pista transforma esa personalidad para tomar decisiones cuando corresponde dentro de la pista: “...pero cuando juego, en los momentos importantes, tengo la determinación de hacer algo”. Y ese algo puede ser erróneo. O insuficiente. En la final del domingo, se da la paradoja de que Medvedev hizo más puntos que su rival y aún así perdió. 

Desde que comenzó su carrera pudo contar con recursos a su disposición de los que muchos otros deportistas emergentes no han podido tener. Sin embargo, hay un último elemento que explica parte del éxito de Nadal y que se relaciona con su forma de encarar mentalmente la vida de la alta competición. Un elemento que ni siquiera formar parte de una clase privilegiada lo garantiza. Es lo que el doctor Eduardo Anitua (que ha tratado al tenista en varias ocasiones) define como “su resguardo emocional y afectivo”. Su entorno. Su familia y amigos. En un contexto en el que muchos habrían zozobrado de éxito, Rafael Nadal sigue siendo hijo, sobrino y amigo de muchas de las personas que lo acompañan y que ejercerán su labor con la misma tenacidad que él. “Es un entorno familiar muy, muy sólido, en el que Rafa se siente protegido y apoyado tanto en los buenos como en los malos momentos”, precisaba Anitua. Convirtiendo lo que todos conocemos como un deporte individual, en un trabajo de equipo. 

Rafael Nadal pasará a la historia como uno de los mejores tenistas de todos los tiempos. Un deportista extraordinario con una carrera repleta de éxitos en situaciones inverosímiles y memorables. Y sobre todo, un espejo en el que millones de personas se miran para encarar su día a día, tratando de imitar algunos de los valores que representa y que se alejan de la simple épica: compromiso, autocontrol, determinación. Y también de lo que a priori parece más complicado y que sin embargo no lo es: seguir concediéndose oportunidades, incluso cuando todo parece indicar lo contrario.  

Star Wars es una gran generadora de analogías sociales, metáforas políticas o reinterpretaciones que juguetean con lo propuesto por su universo de ficción para explicar lo que somos como sociedad. Desde las lecturas budistas o taoístas de Yoda al advertir a Anakin Skywalker sobre el Lado Oscuro (“El miedo lleva a la ira, la ira lleva al odio, el odio lleva al sufrimiento”, previamente dicho y con palabras parecidas a Luke en su entrenamiento en Dagobah) hasta la senadora Padmé Amidala asistiendo en un pleno de la República a cómo el canciller Palpatine imponía un Imperio por razones de seguridad, mientras ella declaraba resignada desde su escaño: “Así es como muere la libertad, con un estruendoso aplauso”, pudiendo leerse una referencia a líderes autoritarios que accedieron al poder por la vía democrática. 

Edward Snowden ironizaba en Twitter hace unos días sobre la censura de la película El Club de la Lucha en China, compartiendo una versión del final del episodio IV de Star Wars donde, justo después de que Luke Skywalker atinara con el disparo de su Ala-X en el punto débil de la Estrella de la Muerte y esta explotara, de repente y a diferencia de la cinta original, salían los títulos de crédito con la canción de la marcha imperial anunciando: “La policía rápidamente se dio cuenta de todo el plan y arrestó a los criminales. Los rebeldes fueron capturados y enviados a tratamiento psicológico. Por favor, ponga su alarma para levantarse a trabajar mañana temprano”.

Lo interesante de los universos de ficción, especialmente los contemporáneos, es que su complejidad reside en que no solamente son generadores de analogías o metáforas que son usadas en contextos totalmente ajenos a la ficción. También la propia realidad y las diferentes pugnas culturales que suceden en otros contextos terminan por permear en sus historias.

Así, el considerado como “la peor película de Star Wars de todos los tiempos” por los fans más acérrimos (Los últimos jedi, el episodio VII, dirigido por Rian Johnson), incorporaba en la historia elementos que complejizaban la narrativa de la saga original. Por poner un ejemplo, mostrando que en la vasta galaxia representada en la saga hay clases sociales y que los ricos son los máximos beneficiados por la guerra. Anulando así la simple rivalidad entre el lado oscuro y malvado (representado por Darth Vader, el Emperador y el resto de imperialistas) o el lado luminoso y bondadoso, representado por unos monjes saltarines y castos con poderes (los Jedi), además de los defensores de los sistemas democráticos.

A pesar de su habitual tacticismo informativo, Disney ha dado pistas de que espera estrenar este año numerosas series y películas. Con El Libro de Boba Fett en emisión, estos son los temas sociales, políticos o culturales que pueden emerger a través de algunos de los próximos estrenos de la franquicia.

La masculinidad en disputa del Mandaloriano

Grogu es el personaje mundialmente conocido como Baby Yoda y cuyo impacto reciente en la saga y fuera de ella es innegable al haberse convertido en un icono de la cultura popular. Fuera un acto premeditado o no, la franquicia se encontró con un personaje que genera ventas y acapara la atención incluso al margen de la propia historia narrada en The Mandalorian. Baby Yoda tiene fans que ni siquiera lo son de Star Wars.

Sin embargo, más allá de la simpatía hacia el bebé verde de orejas alargadas y puntiagudas, The Mandalorian estrena este año su tercera temporada con la siguiente gran incógnita: la dos primeras temporadas podrían leerse como la dura historia de un hombre, que es un superviviente y que ha terminado por ganarse la vida como asesino y cazarrecompensas profesional pero una de sus misiones lo convierte en padre adoptivo. El personaje interpretado por Pedro Pascal se ve obligado a aprender a cuidar de un ser vulnerable y termina queriéndolo. Termina amando y mostrando el conflicto de un personaje que quizás desea abandonar la guerra para dedicarse a cuidar ¿Cómo representarán esa disputa de la masculinidad del mandaloriano si el personaje de Baby Yoda no forma parte central de la historia?

La violencia de las mujeres vista a través de Ashoka Tano

Star Wars introdujo un personaje femenino que formaba parte de las escenas de acción en su trilogía original. Las imágenes de Leia en los primeros minutos del metraje del Episodio IV (Una nueva esperanza, estrenada en 1977) blandiendo un arma antes de ser capturada por Darth Vader y posteriormente, y durante esa misma película, tomando el arma de Luke para liderar la escapada de la Estrella de la Muerte, muestran a una mujer que no solo interviene diplomáticamente, sino a través de “negociaciones agresivas”.

Sin embargo, en las dos trilogías de final del siglo XX (los episodios comprendidos del I al VI) la mayor parte del protagonismo de de las escenas de acción (salvo alguna excepción como Padmé escapando de la ejecución en el planeta Geonosis) es masculino. Además, hay mayoría abrumadora de hombres o criaturas masculinas que son quienes hieren o son heridos y se baten en duelo con otros personajes. La forma de paliar esto por parte de Disney (y previamente por parte de LucasFilm) y al margen de la siempre prolífica escena de ficciones no oficiales producidas por fans, han sido las expansiones del universo de ficción a través de cómics, videojuegos o series de animación que han permitido introducir a otros personajes. Uno de esos personajes es Ashoka Tano.

Tano representa a una jedi alienígena y mujer que tiene un papel protagónico en la línea temporal de las Clone Wars (la serie de animación estrenada en 2008 y que concluyó en 2020) como la pupila del futuro Darth Vader, antes de que este abrazara el Lado Oscuro. El personaje aparece interpretado por Rosario Dawson en The Mandalorian. Es la pujanza social y política por personajes femeninos fuertes lo que probablemente ha llevado a Disney a darle su propia serie. 

Nunca se podrá saber qué habría sido de la ficción contemporánea sin movimientos como el #MeToo o la cuarta ola del feminismo. Lo que sí está claro es que en los últimos años los personajes femeninos ya no solamente son rebeldes, autónomas o independientes, sino que además pueden ser implacables, despiadadas y violentas. Ya que esto no parece que vaya a seguir siendo un atributo exclusivamente masculino, incluso para quienes protagonizan al bien en las historias. 

La rebelión dentro de la rebelión: 'Star Wars Andor'

Rogue One fue una película estrenada en 2016 que cuenta la historia de cómo un grupo de rebeldes decide embarcarse en una misión peligrosa: robar los planos del arma más poderosa que está siendo creada por el Imperio: la Estrella de la Muerte. La historia está ambientada entre los episodios III y IV de Star Wars y estuvo protagonizada por Felicity Jones (que dio vida a Jyn Erso) y por Diego Luna (el mexicano que encarna a Cassian Andor).

Star Wars: Andor será una serie que contará lo sucedido en la línea temporal anterior a los eventos narrados en Rogue One. Por tanto, tendrá que lidiar con dos de las ideas que son representadas en la película. Por un lado, la idea de que, en ocasiones, incluso los movimientos desobedientes necesitan desobediencia en su interior. Y por otro lado, la propuesta de que una rebelión dentro de la rebelión puede provocar cambios significativos y despertar esperanza en quienes no creen que sea posible llevar a cabo un cambio.

Las metáforas marítimas siempre han formado parte de la manera en que nos expresamos con respecto a internet. Apenas se usan ya, pero verbos como “navegar” o “surfear” se utilizaron durante mucho tiempo para explicar el uso que hacíamos de la red. A pesar de este desuso, es justo mantener la idea de que internet es como un océano: no es infinito pero como si lo fuera, está lleno de todo tipo de criaturas y en él conviven binomios como luz y oscuridad, superficie y profundidad, ternura y violencia. 

Precisamente por esto, cualquier intento de hacer un listado de “los memes que explican el año 2021” sería tan torpe como querer clasificar el mar en una lectura de siete minutos. Y al mismo tiempo, la única forma de que alguien proponga un camino alternativo es mostrar uno de los posibles. Así que tras este aviso a navegantes, allá vamos. Algunos de los memes e incidentes virales que explican qué ha sucedido en 2021:

El mes de enero estuvo plagado de incidentes meméticos. El primero de ellos fue el asalto al Capitolio de los Estados Unidos promovido por partidarios de Trump que no aceptaban la derrota electoral de este. Dolors Boatella, una de las mejores cronistas digitales de nuestra época, decidió hacer este crossover mezclando otro incidente de insurrección antidemocrática: nuestro Tejero del 81 ataviado con un gorro de piel y la bandera de España pintada en la cara. Un guiño gráfico a uno de los protagonistas del asalto al Capitolio: Jake Angeli, un joven actor de ultraderecha que entró vestido como un guerrero sioux. 

Hay ocasiones en las que parece que “si nieva en Madrid, nieva en España”. La concentración de medios en la capital produce este fenómeno de centralismo mediático. Con Filomena no fue una exageración. Mucha gente lo pasó mal y hubo momentos de pánico al no estar la ciudad preparada para tal cantidad de frío, nieve y hielo. Por suerte, la solidaridad de la ciudadanía plantó cara a las adversidades. Y las redes sirvieron de bálsamo de humor, produciendo miles de memes, documentando cómo los españoles se enfrentan a los rusos generando situaciones inverosímiles rodeados de frío, o fotomontajes en los que parecía que el ayuntamiento había otorgado un contrato a una empresa especializada en retirar nieve conocida como Vader e Hijos…

¿Cómo se verán los memes desde el futuro? Pensarlos desde el pasado ya resulta inverosímil. Si pudiéramos coger una máquina del tiempo, viajar a 1994 y contarle a alguien que acabara de ver en el cine Mentiras arriesgadas que 27 años más tarde, Arnold Schwarzenegger iba a publicar un mensaje diciendo: “This wins Internet” en el que republica otro en el que la coprotagonista de la película, Jamie Lee Curtis, baila semidesnuda para Bernie Sanders, que va vestido con un austero pero eficiente abrigo, llevando mascarilla y portando unos guantes la mar de monos. What?

Los memes son dispositivos comunicativos complejos y analizarlos de forma aislada es complicado. A finales de enero y durante buena parte de febrero, el senador demócrata se convirtió en protagonista de una ola de memes producida por la forma en que iba vestido y su actitud durante el acto de investidura como presidente de quien le ganó meses atrás las primarias del partido demócrata, Joe Biden. La austeridad de su atuendo fue explicada por BuzzFeed News, que informó de que Sanders recibió los guantes de Jen Ellis, una profesora de secundaria de Vermont, la ciudad natal del senador. Ella comentó que se los envió después de que Sanders perdiera las presidenciales demócratas en 2016. Ellis precisó en Twitter que los guantes estaban hechos de lana reutilizada y forrados con felpa. 

Curiosamente, la mayoría de los memes ensalzan la actitud de Sanders, no lo contrario. En el artículo Bernie Sanders, Internet te ama del New York Times hay una selección de memes, pero hay millones. Y si te cansas, date un salto por los memes nacidos a partir de la profesora de aerobic que grabó sin querer el golpe de Estado en Birmania o por el meme del “Parlamento de Andorra”, otros de los hits del invierno. 

2021 fue el año de la vacunación. Al menos para los países pudientes. En diciembre de 2020 Araceli fue la protagonista de miles de memes para celebrar la primera mujer vacunada en España. A lo largo de 2021 lo memético fue la repetición de imágenes en las que las personas que se vacunaban lo celebran compartiendo en redes el momento. Uno de los más icónicos fue sin duda el de Dolly Parton, la cantante estadounidense de 75 años fue vacunada con una primera dosis de Moderna, que ella ayudó a financiar con una donación de un millón de dólares. Parton se vacunó en la Universidad de Vanderbilt en Nashville, Tennessee, donde se investigó la vacuna. En el vídeo se puede escuchar cómo versiona su famoso tema Jolene y lo adapta para cantarle a la vacuna: “Vacuna, vacuna, vacuna, vacuna, te lo ruego, por favor, no lo dudes”. 

La subida del precio de la luz no ha parado de dar disgustos a la ciudadanía. Y a la par que los disgustos, se han hecho bromas de todo tipo, muchas de ellas en forma de meme. Además de Carol Anne en Poltergeist viéndose obligada a pagar un pastizal por correr hacia la luz, también pudimos ver a Gandalf cambiando su horario de llegada a la revolución para combatir a Compañía Eléctrica Sauron, o la icónica escena en el mar de Jack y Rose en Titanic reescrita en clave de “son las 3 de la mañana y voy a planchar, ¿me dejas la tabla?”.  Tampoco conviene saltar al hiperespacio si no es de madrugada. En fin, España es un país con muchos defectos, pero hacer terapia colectiva a través del humor no es uno de ellos. Más bien lo contrario. Y si no, no hay más que recordar cómo uno de los incidentes más terribles de nuestra historia reciente, el ataque terrorista de Barcelona, se tradujo en un reguero de memes tras las amenazas del Estado Islámico a través de un vídeo protagonizado por un yidahista conocido como “El cordobés”. 

A veces lo que se viraliza es la rabia. Ese fue el caso de las manifestaciones a raíz del asesinato homófobo de Samuel Luiz. Más de un centenar de concentraciones en España y decenas en otros países, además de #JusticiaparaSamuel y #XustizaparaSamuel, dos hashtags que sirvieron de hilo conductor de la convocatoria en Twitter.

Desgraciadamente, la LGTBfobia sigue haciendo daño a quienes viven bajo identidades no normativas. Un estudio de UGT Guadalajara mostraba que “el 57,8% de personas LGTBI han sufrido comentarios despectivos o insultos en su entorno laboral”. Al mismo tiempo, las comunidades LGTBI son cada vez más amplias en redes, generan espacios de apoyo mutuo o incluso narrativas que subvierten el odio que es vertido hacia ellas. Como sucedió con Gaysper, el meme nacido cute-activista a partir de un meme fallido de Vox. 

El volcán de Cumbre Vieja en la Isla de la Palma ha capturado gran parte de la atención mediática después del verano en nuestro país. Como toda marejada mediática, los contenidos se multiplican y de nuevo, a pesar del miedo, emerge el humor. Así, @SuperFalete condensaba en un meme protagonizado por varios dinosaurios a punto de extinguirse por el impacto de un meteorito, dos de los grandes momentos sucedidos en los primeros días: el señor al que se oía decir en un vídeo doméstico justo cuando el volcán comenzaba a erupcionar a unos pocos kilómetros: “Hay tiempo de comer sin problema”. La otra expresión era tomada prestada de Fátima Plata, una periodista canaria que tras más de cuatro horas cubriendo la posible erupción le comentó a un compañero suyo que se iba al baño… sin saber que tenía el micrófono abierto y aún estaba emitiendo. Lo que la erupción del volcán ha dejado claro es que España es país de humoristas y de opinólogos. Tal y como sugiere un meme que usaba al mítico Harold para decir: “Ya me cansé de ser experto en Afganistán, ahora soy vulcanólogo”.  

Efectivamente, todo proceso electoral es un reguero de memes. La victoria de Gabriel Boric, el joven político chileno de 35 años, cambia el devenir de un país y hace que la opción política conservadora, representada por José Antonio Kast, tenga que retroceder lentamente y ocupar un espacio menos visible en la política. La victoria de Boric viene precedida de muchos eventos en cadena que prueban que el funcionamiento de la política contemporánea es memética: las estudiantes que se colaron en el metro e iniciaron unas protestas que terminaron siendo masivas, Un violador en tu camino del Colectivo LasTesis, una canción que se viralizó por todo el mundo, una surrealista ranchera bailada por varios animales en apoyo a la candidatura de Boric o un meme-camiseta protagonizado por Pedro Pascal (protagonista de la serie The Mandalorian) son algunos de los contenidos mediáticos que han aupado al nuevo presidente chileno. 

Y ha habido muchos más. Los provocados por el hombre que supuestamente estuvo en coma durante 35 años (al final no), los memes del “Evil be like”, los de memes del lado triste y el lado alegre del autobús, los memes del guiño de Agatha Harkness de Bruja Escarlata y Visión, la Rana Pepe convertida en meme de ultraderecha, un meme de un perro convertido en criptomoneda, un antiguo meme convertido en alcalde corrupto, un festival de memes (el Memefest), muchos memes y virales en TikTok (una forma de iniciarse es adentrarse en esta vasta categoría es a través de la cuidadosa selección que hace periódicamente Estela Ortiz en sus destacados de Instagram), una huelga de memes contra Ayuso y... gatos.

En internet siempre ha habido y habrá gatos. Memes y gatos son casi sinónimos. De hecho, el año empezó con un abogado que no era capaz de quitarse el filtro de gato en una videollamada mientras aclaraba “No soy un gato” y terminó con una chica que supuestamente amamantaba a un gato de ojos muy raros en un avión. En este caso, una de las dos historias es fabricada. Pero ambas fueron meméticas. Como volverá a ocurrir en 2022, donde veremos cuáles son los incidentes que marcan nuestra vida y qué cosecha de memes se generan a su alrededor y qué dicen estos sobre nuestra sociedad... O lo que es lo mismo, ¡la antropología del futuro lo tiene crudo!

Pedro Pascal, el actor que interpreta al protagonista de Mandalorian, se enfunda una camiseta donde aparece una imagen del recién elegido presidente de Chile, que a su vez lleva una camiseta donde el actor tiene otra camiseta donde lleva escrito su apellido, Boric. Este meme-bucle en forma de camiseta es una pequeñísima muestra de lo complejo que puede llegar a ser entender el presente y, en especial, la relación entre arte, política e internet.

Las personas que se embarcan en el viaje de hacer arte comprometido políticamente o de hacer activismo tratando de no traicionar los códigos propios de la experimentación artística, tienen que ser plurales, diversas y complejas. O si no, ¿cómo se explica que alguien combine referencias tales como el sociólogo Du Bois, la cantante Holly Herndon, el artista visual Felipe Rivas y el comisario, también chileno, Francisco Godoy o la rapera Tierra Whack… junto a otras como “el pelo partido a la mitad de Leonardo DiCaprio en Romeo y Julieta”? Esa persona es Chenta Tsai, conocido como Putochinomaricón, un artista con un imaginario desbordante que va a publicar su nuevo álbum JÁJÁ ÉQÚÍSDÉ (DISTOPÍA ABURRIDA) y que acaba de presentar dos singles del mismo: Chique de Internet y DM.

En la web de Elefant Records, la discográfica que amadrina al artista, se define el disco como un lugar ficticio proyectado como resultado del fracaso de buscar un lugar de pertenencia. De hecho, Tsai reconoce haberse sentido en ese no-lugar que bien conocen quienes han vivido en más de un país y que este disco, que define como “ruidista”, nace tras experimentar una vez más ese desplazamiento. Durante la pandemia regresó a China con su familia y fue agridulce: “Volver a Taiwán fue bonito y a la vez triste. Porque al final descubres que has estado toda tu vida buscando un lugar de pertenencia y al final siento que no pertenezco ni a un lado ni al otro”. 

Tsai transmite determinación en sus convicciones. Tenacidad política. Usa sin vacilar el género neutro todo el tiempo. Pero también honestidad, ternura y sentido del humor. Así explica de hecho la trastienda de DM: “Me hacía mucha gracia que no haya muchas canciones que hablen sobre el amor en la red, aparte de Navegando en la red de Trébol o Atrapados en la red de Tam Tam Go”. A pesar de que algunos ven ironía en la letra, Tsai explica que la letra honra los vínculos que se tejen en internet: “Cuando escribí esa canción quería rendirle homenaje a todas aquellas relaciones afectivas y sexo-afectivas que hemos tejido en las redes a lo largo de nuestras vidas”. A lo que añade: “Al ser migrante, la tecnología siempre ha estado muy presente a la hora de tejer relaciones”. 

Putochinomaricón se inserta en el contexto de una cultura que escapa al marco tradicional, pero que es tremendamente contemporánea. Se nota que Tsai vive en internet y no lo usa simplemente como un decorado. Dice no ser optimista porque “es difícil encontrar un lugar de pertenencia donde te sientas cien por cien segure en internet” y también tiene muchas dudas sobre algunas de las ideologías que hay detrás de ciertas cancelaciones porque “se asemeja mucho al sistema penitenciario como hegemónico normativo”. Pero luego le sale el lado reflexivo: “Sinceramente, aunque lo hayamos querido hacer en algún momento, nunca se ha cancelado a nadie hegemónico”. 

Tsai es una fuente de experiencias y su producción artística se inserta dentro de una cultura de internet que va mucho más allá de los nombres de las plataformas comerciales que cualquiera podría pensar: “Durante la pandemia organizábamos fiestas online. Escribíamos y producíamos música juntes. Yo participaba en Subculture Party y también en Club Quarantine. Realmente no era solo una fiesta, era un espacio creativo e inspirador construido entre todes”.

Tsai no se conforma simplemente con citar espacios de cocreación online. También fundamenta teóricamente su relación con internet: “Siempre he utilizado las redes como si fueran un dispositivo contratecnológico, como lo llaman Felipe Rivas y Francisco Godoy”. Y es consciente a la vez de que no puede haber subversión sin paradoja: “Por defecto, todes nos movemos constantemente en la contradicción. Y de alguna forma u otra, creo que hace falta abrazarla también. Porque estamos construyendo estos espacios contratecnológicos, sí, pero estamos trabajando en base a una plataforma como Instagram”. 

La asociación de Putochinomaricón con cuestiones relacionadas con la identidad es fácil de hacer. Superficialmente, un proyecto artístico que usa como nombre un doble insulto ya deja pistas sobre el posicionamiento del mismo. Sin embargo, ¿qué hay más allá de lo evidente? El punto de partida en Tsai es una cuestión casi ontológica: “Como plantea E. Jane, no deberíamos tener que preguntarnos si pertenecemos a esta habitación. La pregunta no gira en torno a eso porque ya estamos en la habitación. Ahora lo que tenemos que cuestionar es justamente las futuridades y crear más allá de lo que desde la mirada hegemónica se considera a un artista disidente sexual, racializade, de género, etc. en la que constantemente te ves en la obligación de teorizar y justificar tus experiencias vitales para que sean legítimas”.

Tsai es consciente de que cuestionar la norma ocupando espacios normativos implica curvas en el camino: “La representación es un arma de doble filo. Opera la doble conciencia de la que habla Du Bois y las personas no hegemónicas nos vemos desde dos lugares, en primer lugar desde dentro y luego desde fuera, desde esa mirada hegemónica. Y al final esa mirada permea en nuestra propia percepción de nosotres mismes”. Y de esa ambivalencia emerge una humildad muy propia de su forma de ser: “A la hora de forjar y construir mi carrera todavía me pasa que a veces no sé distinguir si es el síndrome del impostor o es simplemente la falta de representación”. Lo que es seguro es que habitar una subjetividad no normativa es un campo de batalla para muchas personas: “Paré de escribir justo por eso, porque sentía que ya no quería hablar solamente desde mi identidad, sino también desde otros lugares”. 

La propia biografía de Tsai es un ejemplo de diálogo crítico con los espacios hegemónicos y con las tecnologías o herramientas creativas. Ya en el instituto le gustaba jugar a subvertir el devenir de las cosas: “Hubo un momento, cuando estaba estudiando arte en el instituto, que estaba obsesionado con la impresora. La impresora como creadora propia. Y el diálogo entre la impresora y yo. Me cargaba la que teníamos en casa porque lo que hacía es que cuando estaba imprimiendo empezaba a tirar y me gustaba mucho esa textura que generaba la impresión forzada o interrumpida”. Más tarde, esa relación de hackeo de la norma se trasladaría al violín. Tsai estudió en un conservatorio durante 15 años, comprendiendo así el funcionamiento del instrumento y de la música más canónica. Pero al igual que en otras partes de su vida, eligió disidencia.

“El violín tiene sus límites. Las obras en las que se exige un violinista, en su mayoría, son normativas. Pero se pueden hacer muchas otras también. Como coger el arco de manera invertida, tocar con la parte de la madera, no tocar en la parte de arriba del puente, sino de la parte de abajo y que chirríe. O no sé, no afinarlo a 440 o 442 y decidir tocar el violín desafinado”. Tsai muestra un deseo irrefrenable por la experimentación. Pero no sin objetivo, sino cuestionando las reglas de juego: “A mí me interesa mucho utilizar las herramientas como no se deberían utilizar. De repente utilizar una batería como un sinte o utilizar un sinte como una percusión”. Y desde ese cuestionamiento saltamos de nuevo hacia el huracán del canon y el uso de las herramientas que giran alrededor del ojo de dicho huracán. ¿Cómo termina una persona que iba para erudita del violín jugando con los errores sonoros que genera un ordenador para hacer música y componer un álbum que considera como “ruidista”?

“Yo creo que tenemos que estar constantemente experimentando también con las sonoridades y con los instrumentos y la técnica o la estructura más que con el contenido. Me sorprende todavía que sigamos buscando en el ordenador sonidos reales, tratando de que un plugin de un ordenador suene como un violín real”, reflexiona Tsai. Y añade que, evidentemente, el canon en el arte se relaciona directamente con la noción de lo bello: “Hay más sistemas de afinación en otros países y en otras culturas, más allá de la afinación hegemónica. ¿Por qué buscar siempre sonidos canónicos y bellos? Justamente cuestionar lo bello es cuestionar lo hegemónico. Por eso me interesa trabajar con el glitch, con los sonidos del ordenador. Por ejemplo, la práctica que lleva a cabo Holly Herndon de grabar videollamadas y luego mezclarlo con su software”.

Lo que ocurre es que ninguna herramienta está diseñada en condiciones de absoluta neutralidad. Y Tsai nos advierte: “Un ordenador tiene limitaciones con respecto a qué puede cuestionar. No olvidemos que tanto los ordenadores como los algoritmos han sido construidos por personas hegemónicas”. E incluso va más allá con respecto a su posición antirracista: “A la hora de hablar sobre la descolonización de la música y tal y como leía hace poco en Pitchfork, tenemos que empezar por descolonizar nuestros softwares. En [el programa de creación musical] Ableton Live por ejemplo, nada más entrar el archivo es un 4x4 y la afinación es de temperamento igual. Con esto por defecto, partes de un lugar colonizado”. 

Para Tsai, la colonización está presente en todas partes. Por supuesto, también en la industria y lo que se pide de antemano a los artistas musicales: “Hay tantas nuevas narrativas que han surgido también a raíz del postinternet, etc. que son mucho más interesantes, mucho más cuestionadoras y mucho más actuales que hacer una canción de tres minutos. Me sigue pareciendo bastante torpe”.

De hecho, precisa que en las plataformas de streaming existen fronteras claras: “En Spotify, por ejemplo, no consideran un stream al menos que hayan pasado 30 segundos de la canción. ¿Y por qué no escribimos canciones de 30 segundos? Como una sátira pero también como una forma de responder a la precariedad que provocan las plataformas de streaming. Esto ya se cuestiona en TikTok o de forma voluntaria lo hacen artistas como Tierra Whack con su tema Whack World, Alien Tango con su Blink Pop o Christian Flores”.

El nuevo álbum de Putochinomaricón promete adentrarse en los errores del sistema y dialogar con la máquina. Tsai lo comenta abiertamente: “Este álbum utiliza muchísima inteligencia artificial, sobre todo para texturas del diseño sonoro. Pero no me he atrevido todavía a utilizarlo a nivel melódico, porque ahora mismo, pues la verdad, creo que la tecnología no es lo suficientemente poderosa para construir algo que a mí me convenza”. Y añade: “El ordenador es potentísimo. Y los algoritmos o el big data. Pero aun así, a pesar de todo, necesitamos ayuda. O sea, necesitamos a alguien que lo medie”. 

Y eso es precisamente lo que hace Chenta Tsai: mediar entre arte y política, entre lo tecnológico y lo humano, entre las opresiones que ha sufrido a lo largo de su vida y los espacios liberadores a los que va accediendo. Putochinomaricón es un activista melódico, un artista total que investiga los códigos de distintas disciplinas con sentido del humor, humildad y rigor, traduciendo todo ese magma en música. Música que hará ruido, como el que hacen las placas tectónicas sociales cuando se remueven.

La cultura de Internet se empeña en ilustrar a diario el famoso efecto mariposa, generando historias que viajan entre las redes y la calle, conectando entre sí sucesos nacidos para no tener nada que ver entre sí. Solo así se explica que un incidente automovilístico sucedido en Huelva en julio de 2020 diera lugar a una cuenta humorística en Twitter e Instagram que un año más tarde ha terminado inspirando una exposición con motivo del 25N, Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra las Mujeres, en un Instituto de Cabezón de la Sal, en Cantabria. 

Laura, que prefiere mantener una posición discreta y no dar demasiados datos sobre su identidad, vivió una situación desagradable el año pasado. Se disponía a montarse en su coche, aparcado en la calle, cuando se encontró con algo inesperado. “Estaba cabreada porque me habían dado un golpe en el coche y no habían dejado ninguna nota”, comentaba en una entrevista. Con la comprensible frustración, se fue a casa y, para tratar de desahogarse, se puso a divagar en internet. Y ahí se le ocurrió crear una cuenta en Twitter. Así nacía Modelos con ciática.

Lo petó automáticamente. Casi 20.000 seguidores en una semana. Laura publicaba cuatro o cinco contenidos diarios. El aleteo de la mariposa ya había comenzado. La viralidad generó atención mediática y aclaraba en casi todas las entrevistas los principios fundamentales de su experimento: que ella no se dedica profesionalmente ni a la moda ni al marketing digital y que su intención era hacer humor blanco. “Intento que sea humor fino y que no ofenda a nadie, ni a la modelo ni al fotógrafo”, dijo. 

Laura ha seguido alimentando su criatura digital en Twitter (con casi 70.000 seguidores) e Instagram (con casi 30.000) durante todo este año. Confiesa para elDiario.es que sigue pubicando debido a la comunidad que se ha generado alrededor del proyecto: “Sigo por la gente. Han hecho grande la cuenta. Le mantienen un respeto bestial. Cuidan muchísimo todos los mensajes, sobre todo los privados que me mandan. Raro es el día que no tengo 10 o 20 mensajes en Twitter y algunos más por Instagram. Siempre intento contestar a todos”. Y de repente un día, tras aquel aleteo inicial y el vuelo posterior, la tormenta perfecta da pie a lo que ella considera algo extraordinario que vuelve a dejar en evidencia las tesis que se empeñan en separar lo analógico de lo digital. 

“Para mí ha sido tremendo”, reconoce Laura. Se había ido a comer con unas amigas cuando de repente chequeó la bandeja de entrada de su email y se encontró con el mensaje de otra Laura, que es como también se llama la profesora que le escribió: “Cuando vi el correo de Laura, dije ‘Jolín, qué guay, qué bien ha entendido la cuenta’. Y qué bien que se utilice para eso. Porque es cierto que aunque la cuenta es de humor, tras ella hay un trasfondo que es intentar criticar un poco la hipersexualización de la mujer en el mundo de la moda”. 

Laura Álvaro es la profesora que escribió el email. Cuenta a elDiario.es que ha sido una combinación de inspiraciones. “La cuenta de Modelos con ciática la conozco desde hace tiempo. La idea de usarla surge a través de una compañera profesora que me comentó que ella iba a hacer un proyecto parecido pero con cultura clásica. Sus alumnas, que justo además son todo chicas y de 2º de bachillerato, iban a usar desnudos femeninos de distintas épocas de la historia del arte para luego imprimirlas y vestirlas con camisetas reivindicativas al estilo de Yolanda Domínguez. Entonces me comentó que si a mí en Plástica se me ocurría hacer algo un poco paralelo para hacer una exposición conjunta. Y justo por Yolanda Domínguez, se me vino a la cabeza un vídeo que tiene sobre los niños y la moda”, comenta explicando el origen.

De hecho, existen muchas similitudes entre el vídeo de Domínguez y la cuenta de Modelos con ciática. Laura Álvaro simplemente unió los puntos: “Se me ocurrió a hacer algo para el 25N sobre cómo a veces la mujer se ve distorsionada en las imágenes de moda, sobre todo hipersexualizadas o ridiculizadas. Y como queríamos hacer cosas que se pudiesen exponer, la idea era ponerles este vídeo y luego pedirles que utilizasen el humor, como en Modelos con ciática, con plantillas en distintos escenarios en los que pudiesen proponer una explicación razonable a la postura que tenía cada una de las modelos”.

Álvaro cuenta que ha habido reacciones de todo tipo: “Mis alumnos tienen 15 y 16 años. Muchos reaccionaron diciendo que es un poco violento el hecho de utilizar el cuerpo de la mujer así, pero otros decían que quizá eso no era violencia como tal. Lo hemos usado para dedicarnos a debatir qué es realmente la violencia contra una mujer, contra la imagen de su cuerpo y tratando de discernir hasta qué punto se puede denunciar este tipo de publicidad con que utiliza a la mujer de una manera un poco degradante”. 

Feminismo en las aulas

También reconoce que en los últimos tiempos el debate sobre el feminismo se ha complicado en las aulas: “Esta está muy polarizado. Se ha utilizado mucho. Unos lo interpretan de una manera, otros lo llevan a otros extremos más radicales. Es muy complejo”. Pero ella tiene claro su posicionamiento y cómo introducirlo en el aula: “En mi caso yo soy bastante feminista y a la vez trato de empatizar con visiones de todo tipo. El feminismo es algo que se trabaja desde todas las asignaturas, desde la tutoría, en primaria, en secundaria... Y para mí es importante tratarlo e incluso entrando en debates encarnizados con los alumnos. Aún así, merece la pena, porque estoy segura de que muchos alumnos llegan a casa y al menos le han dado una vuelta al tema”.

Y justo ahí es donde entra en juego el humor. Como herramienta para tratar temas complejos pero también como forma de fomentar el espíritu crítico y la voz propia del estudiantado. “El humor para la asignatura de Plástica es aún más útil como herramienta de expresión, ya no solo para que ellos reciban mensajes a través del humor sino también para que los generen. Y esto en Plástica es lo que hacemos día a día, tratar de que creen un lenguaje propio, que sean capaces de expresar lo que piensan u opinan. Al final es una herramienta muy útil que no se usa siempre”, precisa la profesora.

Laura, la autora de la cuenta Modelos con ciática, está encantada de este uso: “Yo me considero feminista, creo que todo el mundo tendría que serlo, pero también soy consciente de que en esta sociedad nos toca seguir compartiendo vida con gente que no entiende el feminismo o que no lo comparte. No está en la palma de mi mano cambiar el mundo, pero sí, por lo menos, intentar moverlo un poquito. Y es lo que pretendo con la cuenta, moverlo desde el humor. Me encanta que esto se utilice para eso, para, para enseñar y para, para hacernos un poquito mejor”.

Así es como un golpe en un coche terminó generando una exposición en un instituto con motivo del 25N. O cómo dos mujeres que hace un año no se conocían de nada han terminado colaborando, desdibujando las fronteras entre lo digital y lo analógico y poniendo en el centro lo que consideran importante: criticar la imagen de la mujer que se genera desde el mundo de la moda.

En no pocas ocasiones nos aferramos a ciertos estereotipos a la hora de tener conversaciones cotidianas. Acudimos a ellos para pulsar el botón de next en charlas aparentemente inocentes, sin darnos cuenta de que añadimos sedimentos plagados de prejuicios que alimentan ideas falsas sobre la realidad. Así, “los jóvenes ya no leen como antes”, o “los adolescentes escriben fatal” son frases que se deslizan con bastante facilidad entre adultos. 

El mundo es un lugar complejo porque esos mismos adultos que criticamos a quienes pronto nos sucederán en el liderazgo del sentido común, somos los mismos que en ocasiones demostramos en WhatsApp una terrible falta de comprensión lectora, no entendemos el significado de un meme o nos indignamos con un Tiktok que nos parece absurdo. Nadie niega que haya muchos retos que abordar en nuestra educación y que tampoco hay que romantizar a nuestra ciudadanía más joven. Pero hay ocasiones donde hay hechos que demuestran que debemos revisar dichos estereotipos.

Wattpad es una red social que demuestra que hay jóvenes y adolescentes que sí leen y escriben. Lo que pasa es que los adultos no lo sabíamos o no estamos mirando donde hay que mirar.

Wattpad anuncia en su web con orgullo que cuentan con un total de 94 millones de usuarios mensuales, que la media de tiempo que permanecen en la plataforma es de una hora y que el 90% de dicha comunidad pertenecen a la generación Z. También declaran “La inclusividad no solo es una palabra de moda. El 48% del equipo directivo está formado por personas racializadas y hay un 50% de mujeres contratadas. La diversidad de gente crea diversidad de historias”. 

Además, después de varias rondas de inversión, la empresa que ostenta la red social ha creado su propia editorial para publicar libros nacidos en la plataforma o un acuerdo de fusión con Webtoon, otra conocida plataforma dedicada al desarrollo de historias gráficas popular entre la gente más joven. BTS, el conocido grupo de K-Pop acaba de anunciar un acuerdo con la plataforma en la que narrarán historias exclusivas. Y existen también varios precedentes de historias nacidas en Wattpad que terminaron convirtiéndose en una serie de Netflix. Después de The Kissing Booth y After, esta semana Netflix españa anunciaba la adaptación de “A través de mi ventana”, novela escrita por la escritora Ariana Godoy, que consiguió 177 millones de lecturas en la plataforma. 

Lo cierto es que este nivel de infiltración no se consigue de la noche a la mañana. Wattpad no es precisamente nueva como plataforma. Nació en 2006 y a lo largo de todos sus años ha recibido la atención de personas consolidadas de la Literatura. De hecho, en en 2012 la escritora de ciencia ficción Margaret Atwood firmaba una columna de opinión en The Guardian titulada “Por qué Wattpad funciona” y donde declaraba:

“Me metí en problemas hace un tiempo por decir que pensaba que Internet conducía a una mayor alfabetización (la gente me regañaba por la gramática impactante que se puede encontrar online), pero estaba hablando de los fundamentos: simplemente, no puedes usar la red a menos que puedas leer. La lectura y la escritura, como todo lo demás, mejoran con la práctica. Y, por supuesto, si no hay lectores y escritores jóvenes, en breve no habrá lectores mayores. La alfabetización estará muerta y la democracia, que muchos creen que va de la mano con ella, también estará muerta”. 

Cristián Olivé, profesor de Lengua y Literatura, autor de “Una educación rebelde” y divulgador de contenidos y estrategias vinculadas a la innovación educativa, compartía en un hilo en el que muchos adultos descubren lo que hace tiempo que muchos adolescentes y jóvenes ya saben: que hay una red social donde leen y escriben historias que les apasionan. En muchos casos se trata de fan-fics (ficciones escritas a partir de los universos narrativos más conocidos como Harry Potter o Crepúsculo, por ejemplo). 

Olivé comienza por desmontar la tesis del estereotipo que da pie a esta crónica: “Según los estudios los adolescentes leen más que los adultos (...) El hábito lector está mucho más asentado de lo que nos pensamos en los adolescentes. Y por tanto ese prejuicio es muy habitual porque como adultos tendemos a despreciar o minimizar lo que realizan los jóvenes”. 

Olivé cree que este prejuicio va más allá de la lecto-escritura: “Con el argot juvenil, con las palabras que utilizan los jóvenes, sucede lo mismo. Tenemos la tendencia de juzgarlas de forma negativa, olvidándonos de que nosotros cuando éramos jóvenes también utilizábamos un lenguaje propio que nos identificaba y nos recordaba que pertenecíamos a un grupo (...) y las redes sociales han derribado las fronteras geográficas. Y un adolescente de Barcelona puede estar usando una expresión muy típica de Puerto Rico, porque la persona que ve en Twitch o en Youtube es de allí (...) Que la lengua evolucione me parece un buen síntoma”, comenta Olivé. 

“Yo desde mi perspectiva de profesor lo tengo en cuenta para demostrarles que el aprendizaje de mi asignatura de Lengua y Literatura también está presente en las redes sociales que consumen. Para elaborar un vídeo de Youtube también hacen falta unas estrategias lingüísticas (...) O analizar cómo escribimos en WhatsApp para ver qué imagen proyectamos también es importante para que entiendan que lo que aprendemos en el aula tiene una aplicación en la realidad”, concluye Olivé, dejando claro la importancia que para él tiene conectar el aula con lo que sucede fuera de ella. 

Eso mismo es lo que hay en Wattpad. Un espacio plagado de historias de todo tipo que combaten el estereotipo de que adolescentes y jóvenes no leen ni escriben. ¿Cómo serán las historias que capturarán nuestra atención en los próximos años? Quizás ya estén publicadas en un rincón escondido de Internet.

A cualquier persona a la que le guste el deporte pero no se haya podido dedicar profesionalmente a ello fantasea en ocasiones con grandes victorias en los mejores estadios mientras lanza una bola de papel a la papelera de su oficina. Algunos incluso proyectan sus ansias de juego en las más infantiles contiendas, llegando a convertir “jugar a las películas” en una especie de “pressing catch intelectual” donde creyeran ser grabados en cámara super lenta mientras adivinan 'Nanuk el esquimal' y lo celebran como si hubieran metido un triple en la final de la NBA. 

Seguramente muchas personas de ese tipo se encontraban frente a las pantallas de sus dispositivos móviles o sus ordenadores mientras se celebraba el primer Mundial de Globos (Ballon World Cup), emitido en Twitch, liderado por Ibai Llanos y Gerard Piqué y con todo el aparataje escénico y mediático de una competición a medio camino entre el espectáculo televisivo tipo humor amarillo y una práctica deportiva recién nacida. Y todo empezó por un vídeo de un juego doméstico que se hizo viral.

Antonio (21), Diego (18) e Isabel (15) son tres hermanos de la familia Arredondo que durante el confinamiento en abril de 2020 en su casa de Oregón (EEUU) comenzaron a subir vídeos a la cuenta de uno de ellos donde mostraban un juego al que todos hemos jugado alguna vez: un globo que no puede caer el suelo y dos personas que se van turnando, dándole golpecitos en paralelo o hacia arriba. Los vídeos que subieron durante semanas sucedían en el salón de su casa. Poco a poco fueron ganando seguidores en Tiktok. Entonces decidieron bautizarlo como 'Keep-up Balloon League' (La Liga de Mantener Arriba el Globo). 

Los tres hermanos siguieron subiendo los vídeos regularmente a su cuenta de Tiktok. Las visitas y los followers aumentaban poco a poco. Los vídeos comenzaban a incluir las mejores jugadas, algunas de ellas a cámara lenta. Y de repente, el 19 de agosto de este año: la viralización (actualmente cuenta con 12 millones de visualizaciones). 

Menos de 24 horas más tarde, el vídeo llegó hasta Ibai Llanos a partir de un tuit que rezaba en tono de humor: “Juegos Olímpicos 2024”. A lo que el streamer añadía: “Quiero comprar los derechos de esto y montar un mundial”. Poco después y según reconocieron durante la emisión de ayer, durante un almuerzo con el futbolista y empresario Gerard Piqué, ambos pensaron en la posibilidad de transformar la broma en un evento real. Algo más de un mes más tarde, el 27 de septiembre, Piqué e Ibai anunciaban en un directo de Twitch el nacimiento del Mundial de Globos. 

Curiosamente el evento congrega dos de las prácticas recientes de Ibai Llanos y Gerard Piqué. El primero ha retransmitido (en diferido y como ejercicio de estilo/entretenimiento para su comunidad) competiciones de pilla-pilla, de petanca y de otro tipo de juegos que, sin llegar a ser deportes consolidados, sí implican una experiencia lúdica, una competición y una serie de reglas a seguir. Por otra parte, Piqué lleva ya varias incursiones como empresario vinculadas a innovar en el deporte. Kosmos, su empresa, organiza la ATP Cup de tenis. Hace poco comenzó a apoyar un club de E-Sports (también con Ibai Llanos). 

El Mundial de Globos anunció que tendría 24 participantes. Finalmente fueron 32. El proceso de selección de los mismos se ha parecido más a un concurso televisivo que a un deporte serio. Los candidatos enviaban sus vídeos y la organización seleccionaba a los representantes con un criterio que no ha sido desvelado. Los hermanos Arredondo (solo los chicos) fueron invitados. La dinámica era muy simple: partidos de dos minutos donde los competidores tienen que evitar que el globo toque el suelo mientras se van encontrando obstáculos en una pista cuadrada de 64 metros cuadrados. 

Evidentemente, en un contexto en el que priman la broma y el show, esto podría ser irrelevante. ¿A quién debería importarle cómo se gesta la representación en una competición que claramente ha nacido como una broma que se ha llevado más allá? Sin embargo, esta ha sido uno de las críticas que ha recibido el evento.

Varias feministas con notoriedad pública se quejaban en Twitter de la falta de mujeres en el evento. Tanto en la competición (una entre treinta y dos) como en la mesa de comentaristas (cero entre cinco) o en el equipo arbitral (cero entre cuatro). La desproporción era evidente. 

A estas críticas habituales, los fans suelen argumentar que una mujer es la jefa del equipo de Ibai (@JustEffe en Twitter), como si eso resolviera el problema planteado. Pero quienes proponen el debate lo hacen desde la cuestión de la representación y de la desproporción en espacios mediáticos que hay en los deportes femeninos. Eso y bromas como “al andorrano, me la agarras con la mano” quizás puedan ser revisadas también. 

El evento contó con el apoyo de numerosas marcas comerciales y los datos de audiencia son bastante llamativos: la emisión de Twitch asciende en estos momentos a más de 8,5 millones de visualizaciones y casi 500.000 espectadores de media durante todo el streaming. El peruano Francesco de la Cruz se impuso en la final al alemán Jan Spiess. El presidente de Perú felicitó por Twitter al ganador. La cuenta de los JJOO en español también se hizo eco. Y hasta la BBC ha publicado un artículo sobre el tema. Un éxito. 

Más allá del olfato comercial de Piqué o de la intuición de Ibai Llanos para conectar con los deseos lúdicos de una audiencia ávida de nuevas experiencias, lo cierto es que este experimento nos deja unas cuantas reflexiones que transitan a medio camino entre lo tecnológico, lo mediático, lo cultural y lo social. 

Lo primero es que los streamers no solo promueven la vida online. El Mundial de Globos representa en ese sentido el ejemplo de que lo offline y lo online se retroalimentan. Lo segundo es que en un contexto mediático cada vez más saturado sigue habiendo espacio para la inventiva y la imaginación. Esto no es simplemente “Twitch” o “algo de los streamers”. Hablamos de un juego muy antiguo... que se ha hecho viral en 2021. En tercer y último lugar: hay ganas de pasarlo bien. La pandemia, las restricciones y el sufrimiento generalizado nos han dejado un panorama en el que no habría que desmerecer ninguna actividad que implique pasar un buen rato. Eso es en esencia el Mundial de Globos. Esperemos que a la próxima las mujeres también sean invitadas a la fiesta.

La corrección lingüística y los entornos digitales suelen tener una relación complicada. La herencia de las contracciones provenientes del lenguaje SMS y la informalidad o las expresiones coloquiales que impera en muchos de estos espacios (desde Twitter hasta Whatsapp) hacen complicado mantener las normas a raya. Lo que es menos usual es que una palabra inventada en redes sociales involucre a un caso de presunta corrupción en Colombia y a la RAE. 

En muchas ocasiones se sigue haciendo una distinción entre lo que sucede en entornos digitales frente a lo que sucede en los presenciales. Como ya hemos visto con los memes que terminan siendo pancartas en manifestaciones, la realidad es más terca y las relaciones entre ambas esferas son mucho más complejas. ¿Cómo termina un representante político usando en el Plenario de la Cámara de Representantes la expresión “no me abudinee la palabra”? ¿Qué significa abudinear y cómo surge?“. El origen está en el apellido de la, hasta hace poco, ministra de Tecnologías de la Información y las Comunicaciones, Karen Abudinen.

La política colombiana perteneciente al partido liberal Cambio Radical, que forma alianza con el partido conservador Centro Democratico del actual presidente Iván Duque (envuelto a su vez en otra polémica en la Feria del libro de Madrid), llevaba meses envuelta en una polémica y antes de su reciente dimisión iba a afrontar una moción de censura en el Congreso. El origen de la polémica es que su ministerio adjudicó a la empresa Unión Temporal Centros Poblados un contrato de 1,07 billones de pesos (260 millones de dólares) para conectar a Internet a 7.000 colegios de zonas rurales y ésta presentó garantías bancarias falsas. Además de estas irregularidades denunciadas por varios periodistas, la empresa recibió un pago por adelantado de 70.000 millones de pesos (unos 19 millones de dólares) que siguen sin aparecer.

Las redes sociales comenzaron a usar las palabras “abudinear” y “abudinar” a finales de Agosto. “El crecimiento del uso del término parece orgánico. Ha habido unas voces que dijeron que fue coordinado. Desde nuestra organización encontramos que la primera mención que hay y parece un bot, por lo que existe la teoría de que hubo un inicio articulado. Pero lo que no se puede negar es que luego se desarrolló de forma orgánica”, comenta Carolina Botero, directora de la Fundación Karisma, dedicada a la promoción y defensa de los derechos humanos en Internet. La producción de contenidos fue imparable durante los días siguientes, llegando a generar todo tipo de memes. O la conjugación completa del supuesto verbo.

Como suele ser habitual en estos casos, las redes sociales  continuaban la fiesta-protesta con alegría y profusión, como cada vez que se unen crítica y humor. El hype eclosionó cuando un usuario decidió hacer una consulta a la RAE acerca de los verbos ABUDINAR o ABUDINEAR. Y la institución contestó: “Documentamos las formas «abudinar» y «abudinear» en textos de redes sociales como verbos de reciente creación, usados en el habla popular de Colombia con el sentido de ‘robar, estafar’”.

“Estaba claro que era una parodia que se usaba como forma de protesta ante la insistencia del gobierno en apoyar a la ministra frente a las críticas. Pero cuando la RAE contestó...fue como gasolina sobre fuego. Se volvió viral y encima ella se ofendió, lo cual generó un efecto Streisand”, comenta Botero. Karen Abudinen no solo se ofendió, sino que en medio de esta convulsión digital y política, tomó una decisión arriesgada: se dirigió en Twitter a la RAE a través de un hilo en el que se quejaba la institución había sido usada “por las jaurías digitales para incubar la falsa creencia de que mi apellido fue adoptado por ellos como verbo que significa ”robar o estafar“ en Colombia”.

La RAE ya había precisado previamente en su cuenta de Twitter en respuesta a otro usuario que que documentar “en absoluto implica su reconocimiento oficial ni mucho menos su inclusión en el diccionario académico”. Lo que ocurre es que algunos medios asimilaron “documentar” como “aceptar” y eso generó mucho más ruido: “La RAE es neutra para el género...pero aquí no se dieron cuenta de que se estaban metiendo en una disputa política”, comenta sorprendida Botero. De hecho, resulta llamativa la diferencia entre la generosidad con la que la RAE se ha pronunciado para reconocer que esto estaba sucediendo frente a la firmeza con la que suele intervenir cuando se trata de su postura con respecto al masculino genérico y al uso de la letra “e” como marcador de género inclusivo. 

Muchas palabras terminan por ser aceptadas en el diccionar a raíz de su popularización. No es algo nuevo. En algunos casos sucede con apellidos que terminan siendo adjetivos (dantesco) o sustantivos (sadismo). Lo que es un poco menos habitual es que un apellido termine por conformar un verbo. Por ejemplo, tanto “linchar” como “guillotinar” comparten una historia similar a la de “abudinear/abudinar” con respecto a su origen. Charles Lynch fue un terrateniente y revolucionario estadounidense que encabezó un tribunal irregular en Virginia para castigar a los pro-británicos durante la Guerra de Independencia de los Estados Unidos. Su nombre dio origen al término “linchamiento” y al verbo “linchar”. El cirujano francés Joseph Ignace Guillotin, diputado en la Asamblea Nacional recomendó el uso de una máquina decapitadora durante la Revolución Francesa. De ahí los términos “guillotina” y “guillotinar”.

El jueves por la mañana Karen Abudinen dimitía asegurando en un vídeo mientras leía un comunicado que había actuado con honradez y transparencia. “Desde luego no puede decirse que las redes sociales fueron quienes tumbaron a la ministra. Porque hubo investigaciones periodísticas y presiones políticas. Pero sí ha contribuido de forma significativa”, zanjaba Carolina Botero. O como dijo un ciudadano colombiano en Twitter: “Tristán Tzara el maestro DADA soñaba con que algún día el lenguaje tuviera el poder de un puñetazo, unos siglos después la conjugación de un verbo (Abudinear) tumba una Ministra corrupta, al fin las palabras son las cosas”. 

Hay ganas de vacaciones. A pesar del aumento exponencial de los casos entre la población más joven, el año y medio de pandemia con todas las restricciones de movilidad que ha implicado así como el proceso de vacunación, generan un run-run constante con respecto al primer periodo estival donde podemos llegar a vivir situaciones parecidas a las de la ‘vieja normalidad’. 

Ya en 2017 España era un país donde el uso de redes sociales aumentaba en vacaciones. Según datos de Adglow, el 21% de los españoles utilizaban más las redes sociales durante este período, aumentando esta cifra hasta el 30% en el caso de los jóvenes. Según este mismo estudio se publican el doble de fotografías frente al invierno. Las más utilizadas durante el verano eran Facebook, Instagram y Twitter. Según el estudio de ASUS “Tecnología y verano” en España “un 18% de los españoles afirma que lo primero que mete en su equipaje es el teléfono móvil”. 

Luego vendría la pandemia y el verano pasado, aunque hubo algunas excepciones, la movilidad se redujo bastante y fueron unas primeras vacaciones atípicas. Aún así, el largo confinamiento y el aumento del teletrabajo trajeron consigo nuevos hábitos. La pandemia disparó el uso de redes sociales,  27% más entre enero de 2020 y enero de 2021 de  incremento en el uso de Internet y redes sociales. Y ahora por fin, de nuevo unas vacaciones. Nos lanzamos a las carreteras, aeropuertos y a las redes.

En 1973 los artistas Richard Serra y Carlota Fay Schoolman hicieron un vídeo ensayo sobre la televisión donde se incluían las frases: “Es el consumidor el que es consumido. Tú eres producto de la televisión. Tú eres entregado al anunciante que es el cliente. Él te consume a ti. Tú eres el producto”. Con el paso de las décadas estas frases han sufrido distintas mutaciones y se ha popularizado (actualizadas a nuestro tiempo) como: “Si no estás pagando por el producto, entonces tú eres el producto”. Una sentencia que bien puede aplicarse a nuestra relación con las redes sociales.

La investigadora y periodista Marta Peirano reflexionaba a colación de su último libro hace un par de años sobre los intereses de las grandes plataformas tecnológicas: “No creo que Facebook, Google o Amazon se vayan a convertir en los ‘imperios’. Sí pienso que son herramientas perfectas para la construcción de esos imperios, y creo que esos imperios se están desarrollando con esa herramienta de extracción de datos que permite tener ese poder de predicción y manipulación que no conocíamos hasta ahora”, declaraba. Todo lo que hacemos en redes es el sueño húmedo de cualquier publicista: pueden saber qué buscamos, qué nos gusta, qué no, en qué invertimos más o menos tiempo. Lo que ocurre es que los mecanismos que estas plataformas desarrollan para que permanezcamos atentas a ellas no son inocuos. 

Este vídeo producido por la ONG “Ditch the Label” especializada en salud mental en jóvenes y redes sociales entre otros temas, muestra una visión crítica sobre el uso de redes. Puede ser útil superficialmente pero también es cierto que el debate “las redes sociales son malas” vs “las redes sociales son buenas” es una trampa. En los últimos años hemos podido ver cómo éstas son usadas de forma imaginativa por parte de comunidades que buscan defender los derechos sociales, como el humor antirracista a través de Tiktok, por poner un ejemplo. Lo que sí hay es una tendencia creciente que empieza a ser estudiada por parte de la academia que se podría resumir en: ¿genera ansiedad el uso de redes sociales?

En un estudio, realizado en 2017 por la Royal Society of Public Health y la Universidad de Cambridge para analizar el posible impacto en la juventud británica, los especialistas estudiaron las actitudes hacia estas redes en 1.500 británicos de entre 14 y 24 años con la siguiente conclusión: “Los jóvenes que pasan más de dos horas al día en redes sociales como Facebook, Twitter o Instagram son más propensos a sufrir problemas de salud mental, sobre todo angustia y síntomas de ansiedad y depresión”.

Any Orben, investigadora del Emmanuel College and Visiting en la Unidad de Ciencias del Cerebro y la Cognición de la Universidad Cambridge ha investigado los efectos de las tecnologías digitales en la salud mental de adolescentes. “Las redes sociales nos dan una perspectiva diferente de cómo encajamos en el mundo. Y creo que incrementa la presión sobre la gente joven: no solo se comparan con sus iguales del colegio o de su entorno, sino con el resto del mundo”, añade. 

Las redes sociales nos ofrecen un carrusel infinito de imágenes. Una actualización que nunca se acaba, como apuntaba Ivan Pintor Iranzo en su ensayo sobre TikTok en CCCB Lab hace unos días. En ese carrusel, a menudo moldeado por las personas a las que seguimos o las que los algoritmos entienden que queremos seguir, se suele construir una imagen del mundo. El efecto recompensa que ofrecen los likes es muy tentador como para no publicar una foto desde esa calita inencontrable hasta la que hemos llegado y desde la que observamos la puesta de sol. Y es que de las redes sociales no parece haber vacaciones porque las usamos todo el rato. 

“Hay una lógica binaria detrás de las redes sociales. Pero no todo es claramente sí o no, claramente me gusta o no me gusta, lo comparto o no lo comparto. Estamos perdiendo convivir con la ambigüedad”, dice Tyler Shores, investigador en temas de bienestar digital“ de la Universidad de Cambridge. Por su parte, Orben apunta hacia otra reflexión: ”Si realmente queremos entender los efectos de las redes sociales en nuestras vidas, necesitamos dejar de pensar en el tiempo que las usamos y pasar a pensar en cómo ese tiempo es usado“. 

Si no vamos a desconectar de las redes, esa podría ser una tarea para estas vacaciones. 

En “Ahora mismo vuelvo”, el primer episodio de la segunda temporada de 'Black Mirror', Martha y Ash son una pareja joven que se muda a una casa de campo en medio de la nada. El día después de mudarse, Ash viaja de vuelta solo para devolver la camioneta que han usado para la mudanza y Martha se queda en casa desempaquetado y trabajando. Pero Ash tiene un accidente y fallece. 

Martha descubre que está embarazada y para hacer frente al terrible dolor de haber perdido al padre de su futura hija, se le ofrece seguir en contacto con este a través de un software que es capaz de generar nuevas conversaciones, basadas en los registros que dicha persona compartió a través de las redes sociales. Al usar todo el contenido que ha generado digitalmente la persona, se puede crear a “un nuevo Ash”, pero de carácter virtual. Martha accede para intentar convivir con el dolor que le ha provocado la pérdida.

Los álbumes de foto no son nuevos y evidentemente las formas de recordar a nuestros seres queridos ya fallecidos no son exactamente nuevas: en los años 80 y 90 ya se popularizan las cámaras de vídeo caseras. Luego vendrían los teléfonos móviles y la era que bien conocemos: la fotografía o el vídeo han inundado de forma masiva y constante nuestra cotidianeidad, multiplicando exponencialmente el número de imágenes que existen de nosotros y que documentan nuestros recuerdos. A veces incluso sin que nosotros mismos seamos conscientes de ello.

La BBC se hacía eco de este hilo de Twitter donde una persona compartía: “Voy a Google Maps para ver imágenes que fueron tomadas antes de que mi padre muriese y así puedo pasear un poco por el mundo en el que él aún estaba conmigo”. Este otro usuario le contestaba: “Yo puedo regresar a 2009 y ver a mis padres caminando calle abajo con las manos cogidas. Los perdí a ambos hace 8 y 6 años”. 

Y evidentemente hay más: “Mi amado padre, que murió en 2013, aún en Google Maps”, decía una usuaria llamada Dawn. “Justo acabo de ver a mi madre en su jardín, su lugar favorito en el que estar”, decía Sandra Parkin. El periodista de la BBC Neil Henderson también intervino en el hilo para compartir una imagen, también en Google Street View, y una reflexión: “Lo extraño es que obviamente tengo cientos de imágenes de mi padre, pero lo de Google Street View me conmociona porque parece como si siguiera por aquí”. 

Dejando de lado el impacto que haya podido generar el duelo y la imposibilidad de estar cerca de los seres queridos que han fallecido durante la Pandemia, lo cierto es que este tema ha generado el interés de la academia en los últimos años. Elisabeth Beaunoyer, investigadora de la Universidad de Laval (Quebec, Canadá) publicaba hace un poco una investigación sobre lo que denomina: “Cyber-tanatología: muerte y más allá en la era digital”.

En la investigación se deja claro que las costumbres sobre el duelo están cambiando: “Las tecnologías digitales están remodelando la forma en que se negocian las interacciones entre los vivos y los muertos. De hecho, las tecnologías emergentes no solo están integradas en las experiencias del final de la vida, la muerte y el duelo, sino que también están cambiando el contexto global en el que tienen lugar estos fenómenos. Aunque las interacciones entre los fenómenos relacionados con la muerte y las tecnologías no son nuevas, la presencia ubicua de espacios digitalizados aumentó drásticamente la prominencia y la magnitud de estas interacciones”.

“Hace dos años mi padre murió de cáncer con 52 años y hoy encontré estas fotos, entre ellas una foto tipo carnet suya, así que decidí probar el filtro de Tiktok”, comentaba Carla Otero, una usuaria de Tiktok de 21 años. Y luego añadía: “Aunque pueda parecer una chorrada, volver a ver con cierta vida a una persona que hoy no está y echas de menos, emociona muchísimo”. Los comentarios del vídeo se convierten de repente en un espacio de apoyo mutuo improvisado entre personas que han pasado por situaciones similares.  Y se agradece: estamos acostumbrados a quejarnos, con razón, de historias de odio y polarización en redes, pero también hay espacio para los cuidados y la empatía.

Legalmente y desde 2017 en España existe la Ley de voluntades digitales. Fundamentalmente, se introduce la figura de la sucesora digital: una persona que se hará cargo de ese rastro digital en términos de privacidad, honor, etc. También existen, evidentemente, muchas empresas que han empezado a ofrecer servicios asociados al legado digital una vez que morimos: desde las que buscan preservar nuestras imágenes digitales por un módico precio al mes hasta las que hacen negocio borrando información y con el derecho al olvido. La planificación del rastro digital es a veces incluso objeto de proyectos artísticos.

El artista y DJ Ómar Álvarez falleció en marzo de este año. Antes y tras haber comunicado previamente que su cáncer de colón era ya incurable, preparó varios proyectos. El podcast “Omar se muere”, donde ironizaba en clave de humor sobre la enfermedad y otras muchas cuestiones con el humorista Antonio Castelo. Otro, una sesión que concibió y grabó como una “carta de amor a la cultura tecno” y que fue publicada el pasado 8 de Mayo: “The Last Rave”. 

Obviamente, esto resulta para determinadas personas. Sucede igual que cuando los seres queridos mantienen una cuenta activa en Twitter o la programan para que republiquen contenidos antiguos. Resulta escalofriante leer respuestas de personas que piensan que éstas siguen vivas y al menos en nuestro contexto sociocultural la aprensión es uno de los sentimientos más comunes a este tipo de situaciones. ¿Quizás porque vivimos en una cultura tanatofóbica? ¿La muerte es un tabú?

Es lo que afirma Montserrat Lacalle, profesora colaboradora de los Estudios de Psicología y Ciencias de la Educación de la Universitat Oberta de Catalunya (UOC): “Vivimos de espaldas a la muerte y a todo lo que la rodea. No sabemos qué transmitir a los niños, los tanatorios quedan fuera de la ciudad, continuamos viviendo como si fuéramos inmortales… Sin embargo, cada vez hay más personas que hablan públicamente de sus sentimientos por la pérdida de un ser querido en plataformas como las redes sociales, mostrando abiertamente cómo se sienten”. Y evidentemente, no todas las culturas viven la muerte y el duelo de la misma manera. 

Hace unos días la investigadora feminista Laura Gaelx compartía en en Twitter un funeral muy distinto a los que estamos acostumbrados a vivir por aquí: “Tenemos mucho que aprender de la cultura protestante sobre la muerte. Me ha contado una amiga el alucinante funeral *por streaming* holandés y laico al que asistió la semana pasada (...) El padre de su amigo (llamémosle Hans) estaba mayor y llevaba dos años enfermo, así que le dio tiempo a organizarlo todo él mismo. Para empezar, dejó el listado de personas convocadas a su funeral. Allí solo puedes ir si te invitan. Además de presencial, el funeral se retransmitía por streaming (con invitación). Pero todo currado, con varias cámaras, realización y sonido integrado. La maestra de ceremonias se dirigía también a la gente que lo seguía por ahí, durante la ceremonia y también durante el ágape. Entre acto y acto, sonaba la música que Hans había seleccionado: Bon Jovi. Y se pinchó un vídeo, todo producido, con una entrevista a Hans en la que repasaba los momentos más importantes de su vida y enviaba mensajes y comentarios para las personas que le iban a sobrevivir. Pero lo que más me sorprendió es que resulta que en la sala había peques (6-8 años). Que, en un momento dado y por indicación de la maestra de ceremonias, ¡pusieron pegatinas de colorinchis en el ataúd!”.

Las culturas son espacios de negociación donde confluyen tensiones políticas, tendencias sociales y avances tecnológicos. Podríamos considerar que una señal de cambio en nuestra relación con la muerte y las redes sociales es que durante la época más dura que nos ha tocado vivir en nuestras vidas, el meme que se pusiera de moda era uno que ironizaba con humor con respecto a la muerte.

Lo que ocurre es que eso sería injusto con la historia y con un abordaje basado en el humor. Hace más de 100 años, Ramón Gómez de la Serna escribía en el “Prólogo a la obra de Silverio Lanza: ”Otra manía de Silverio Lanza era la de morir, la de matarse en todas las novelas. Se vio morir muchas veces. Se asistió a sí mismo en la muerte, tranquilo e irónico. Se mata cuantas veces lo necesita y vuelve a resucitar en la obra futura“.

Sea como fuere, en los próximos años no sólo asistiremos al mayor porcentaje de la historia de personas mayores con tatuajes en el cuerpo. También asistiremos a nuestras formas de duelo que convivirán con herramientas cada vez más cambiantes y sofisticadas. Y quién sabe si pronto incluso el capítulo de 'Black Mirror' dejará de ser ciencia ficción para dar paso a un mundo donde el vínculo entre muertos y vivos, reescrito gracias a la tecnología y a nuevos rituales que aún están por descubrir. 

Esta semana y durante la Comisión de Seguridad Nacional en el Congreso de los Diputados se invitó a uno de los responsables de Facebook para hablar sobre desinformación. En un momento dado, Manuel Mariscal, diputado de Vox por Toledo, se dirigía al representante de la plataforma para reprocharle su supuesta censura. 

Mientras sostiene su teléfono móvil y muestra la imagen de la rana antropomórfica en la parte trasera de su carcasa, el diputado ultraderechista declaraba: “¿Usted sabe que es esto? Esto es la rana Pepe. Es un símbolo de miles de jóvenes de esta generación que no van a permitir que la izquierda les imponga cómo pensar y qué decir. Y he de decir que ustedes, los responsables de Facebook, eliminan diariamente a muchos jóvenes de su plataforma por defender ideas conservadoras, por defender con orgullo los símbolos nacionales de su país, le digo que ustedes podrán matar digitalmente a la rana Pepe, pero no podrán acabar con las ideas de millones de jóvenes conservadores”. 

No consta que el grupo parlamentario de Vox haya registrado formalmente la inclusión de la Rana Pepe como símbolo nacional ni tampoco se ha demostrado hasta el momento que Facebook lleve a cabo la censura selectiva de contenidos emitidos por jóvenes conservadores. Sí consta en cambio que Anti-Defamation League (una de las principales organizaciones estadounidenses de anti-difamación) llamara la atención sobre la deriva supremacista de algunos de los memes que usaban la rana Pepe en 2016, llegando a considerarlo como símbolo de odio. También consta, como señala el cómico y activista Facu Díaz, la estrategia constante de victimización que usa Vox como herramienta mediática. 

Como parte de esa estrategia está la de mostrarse como agraviados frente a determinados poderes fácticos y defender el uso de un discurso supuestamente silenciado. A pesar de la cuestionable innovación que supone hacer uso de un meme cuyo auge fueron las elecciones presidenciales de EEUU que dieron el poder a Trump y su posterior legislatura. La historia de la Rana Pepe dista de ser homogénea. Como ocurre con la mayoría de memes, es larga, compleja y merece ser analizada para entender cómo hemos llegado hasta aquí.

La famosa rana humanoide nace en 2005 de la mano de Matt Furie, el creador de la tira cómica “Boy’s Club”, junto con otros tres personajes: Brett, Andy and Landwol. La historia narra las peripecias de un grupo de compañeros de piso y pretende honrar el lacónico hedonismo de una generación que usaba compulsivamente Tumblr y a la que le gustaba el ingenio verbal y la psicodelia visual.

Seguramente un análisis profundo  del contexto cultural del momento arrojaría una serie de connotaciones políticas que podrían explicar el vínculo entre origen y deriva del personaje, pero lo cierto es que el punto de partida es el de un personaje que no es usado específicamente por ningún espectro ideológico en concreto. El documental estrenado en 2020, “Feels Good Man” trataba de explicar el origen bondadoso del personaje.

Según documenta la biblia del meme, Know your Meme,  en 2008 se populariza una imagen donde Pepe se baja los pantalones hasta las rodillas para hacer pis en 4chan junto a la frase “Feels good man”. A partir de ahí, comienza una carrera meteórica que en los siguientes seis años lo convierte en uno de los memes más prolíficos y complejos de la historia de Internet. Katy Perry, en 2014, lo usa para ilustrar el jet-lag de un viaje a Australia. Nicki Minaj lo usó para bromear sobre cómo recuperar followers. Ya era popular. Ya era mainstream. Y seguía sin tener connotaciones políticas específicas. 

En esta pieza de The Insider producida en 2019 se explica que “la rana Pepe se convirtió en un meme versátil. Aparecía contento, triste, presumido o enfadado. Representaba un amplio rango de emociones identificables por los usuarios de Internet. Y esta capacidad de identificación lo hizo viral en muchas otras redes sociales. En 2015, Tumblr declaró que la Rana Pepe era el meme más reblogueado del año”. Como suele suceder con los memes que se viralizan, no solo viajaba lejos de su creador original sino que comenzaba a adquirir todo tipo de nuevos significados. Incluso se llegó a hacer uno donde se mezclaban las identidades de Donald Trump y la rana Pepe. 

Desde la cuenta ahora suspendida por Twitter, el entonces candidato a la presidencia de los Estados Unidos, Donald Trump, publicaba un tuit en el que usaba la ilustración que fundía su imagen con la de la Rana Pepe y enlazaba a un vídeo titulado “You can’t Stump the Trump” (No puedes acallar a Trump) donde se defendía su figura política. Es a partir de este momento en el que todo tipo de grupos vinculados al supremacismo blanco de carácter racista y machista, comienzan a generar imágenes de la rana Pepe para defender su ideología. 

En Mayo de 2016 y a varios meses de las elecciones, The Daily Beast publicaba un artículo titulado: “Cómo la Rana PePe se convirtió en un fan nazi de Trump y un símbolo de la Alt-Right”. En el artículo se entrevistaba a un usuario de Twitter anónimo (cuya cuenta está suspendida ahora) que declaraba: “hay una campaña para recuperar Pepe para los normies”. Este término se asociaba al ascenso de la denominada “alt-right” (derecha alternativa).

“La alt-right nos pilló a muchos por sorpresa. Estábamos acostumbrados a un discurso de la derecha muy diferente: rígido, anquilosado, defensor del orden y de las convenciones. Pero, casi de repente, la extrema derecha estadounidense empezó a comunicarse con memes y a burlarse de sus adversarios, a quienes identificaba con la norma establecida a subvertir”, explicaba en 2018 Jaime Rubio en una pieza en la que desglosaba el libro “Muerte a los Normies” de Angela Nagle, donde analiza cómo “la derecha pasó a usar el arma principal de la contracultura de los 60, la transgresión, aprovechando los medios del siglo XXI”. 

La ultraderecha ha usado los memes como estrategia para desmontar lo que consideraba superioridad moral de la izquierda: ¿quién podría enfadarse por unos memes con una inocente rana verde? El problema es que detrás de esa aparente inocencia lo que se esconde es la glorificación de ideologías supremacistas muy peligrosas. Cuando esto les es señalado, responden tirando de manual: es solo un meme, lo que buscáis es silenciarnos. 

Richard Spencer, un reconocido neonazi estadounidense y una de las figuras públicas vinculadas a la alt-right, recibió un puñetazo públicamente mientras hacía declaraciones a la ABC y justo cuando le preguntaba: “¿Qué es ese símbolo que llevas ahí?”. Era un pin de la rana Pepe en su solapa. También fue usado por Front Nationale en 2019 en Francia tal y como apuntaba en su momento Proyecto Una en Twitter. 

Lo que ocurre es que el meme nunca ha dejado de estar sujeto a tiras y aflojas. Matt Furie llegó incluso a “matar” al personaje en el universo de ficción y renegar de su vinculación con la ultraderecha.  La Anti-Defamation League organizó junto con Furie una campaña para salvar a Pepe. En Hong Kong se usó durante las protestas de 2019 por parte de los manifestantes, en este caso no vinculado a ideologías supremacistas. En algunos casos la controversia ha llegado incluso a los tribunales. Infowars tuvo que pagar 15.000 dólares a Furie por crear merchandising del meme sin permiso del autor. 

La complejidad de la guerra cultural nunca ha abandonado al meme y está por ver qué efectos tiene la desacompasada estrategia de Vox al querer vincularlo a la cultura joven en el contexto español.