Ambient oscuro, dub experimental, folclore del Cuarto Mundo, gqom, drone psicodélico, techno antipop. Siempre dentro del territorio de la electrónica de vanguardia, el pluralismo estilístico del WOS Festival, en Santiago de Compostela, resulta notable. La edición que se celebra entre el 11 y el 13 de septiembre en nueve escenarios repartidos por la capital gallega lo vuelve a demostrar con propuestas palestinas, ugandesas, kenianas o alemanas en un encuentro que sus promotores denominan “de creación contemporánea” y cuya repercusión ha transcendido fronteras y alcanzado las páginas de la prensa musical internacional más exigente. Esta es una breve selección de los artistas convocados este fin de semana.

La palestina Israa Shalaby, integrante de The Hallways -que se definen como “música drone árabe y experimental”-, usa voz, sintetizadores, percusión e instrumentos tradicionales para articular, asegura la organización, un lugar entre las músicas árabes, el ambient y la experimentación psicodélica. Su última grabación se encuentra en el disco colectivo Letters to the sun, editado por el sello jordano Dreaming Live. Su actuación será el día 12, al igual que la de uno de los platos fuertes del WOS, HHV & The Kampala Unit.

Este proyecto, cuyos discos publica el fundamental sello ugandés Nyege Nyege Tapes, haca colisionar electrónica orientada al baile con ritmos folk del sur del continente africano y la “trompeta feroz” de Florence Lugemwa. Las ideas afrofuturistas alimentan un trabajo que, hasta ahora, ha aparecido en dos magníficos elepés: Lithium Blast (2020) y Turbo Meltdown (2025). También de África -Nairobi, capital de Kenia- llega Frederick M Njau, Slikback, que improvisa sobre su álbum Attrition (2025) y funde, señalan desde el WOS, gqom -un ritmo electrónico originario de Sudáfrica-, dubstep y hardcore techno. Actuará el día 11.

Space Afrika, un dúo con base en Berlín y Manchester, exploran las diferentes tonalidades del ambient, con no pocos ecos trip hop. “Hecho de hormigón, luces de socio y voces superpuestas”, dice la organización. Ellos definen su inminente nuevo disco, Quiet Storm, como “un desafío” a sus “nociones de identidad, clase y diáspora e como las representan los distintos géneros musicales”. “Es música desde el corazón, que posee una particular crudeza, pero que articulamos en una estructura clásico moderna”, añaden. Su concierto será el día 12.

También desde Gran Bretaña produce su música otro dúo, Demdike Stare, activos desde 2009 y en las vertientes más rugosas de la escena: noise, dub tenebroso, ambient oscuro, concomitancias industriales. “Inmersión total, sonido que te rodea”, advierte el WOS de cara a su actuación del día 12. En esa misma jornada, Shackleton mostrará su deconstrucción del dubstep a base de “percusión ritual y atmósferas que bebe de tradiciones árabes, africanas e indias”. Sus discos aparecen con frecuencia entre los más destacado de la electrónica avanzada. El último, de este año, se llama Euphoria Bound.

Cine: el underground neoyorquino y la danza butoh

Además de la música, habrá cine. La sala Numax acogerá la proyección de Nova 78 (Rodrigo Areais), un filme que documenta la Nova Convention, un encuentro en Nueva York de homenaje al mítico escritor William S. Borroughs, vinculado a los Beat, y en el que aparecen Patti Smith, Allen Ginsberg, Laurie Anderson o Frank Zappa. Será el sábado 12 y acompañará el pase el propio director de la película. Al día siguiente, Invisible People (Alisa Berger) trata sobre la danza japonesa butoh, ideada hacia 1950 por Kazuo Ono y Tatsumi Hijikata como reflexión artística sobre un país devastado por las bombas atómicas.

Más allá de Numax, el Teatro Principal, la sede de Afundación, el CGAC, la Igrexa da Universidade, la Fundación Granell, la Sala Capitol, el parque de Bonaval y la Fundación Laboral da Construcción serán los otros escenarios del WOS Festival de Santiago de Compostela.

La bola negra de los Javis, El ser querido de Rodrigo Sorogoyen o Los domingos de Alauda Ruiz de Azúa. Entre estas tres películas estará la que representará a España en los Premios Oscar 2027 en la categoría de mejor película internacional, según anunció la Academia de Cine hace unos días.

Será el 16 de septiembre cuando finalmente conozcamos a la elegida, la cual tomará el relevo a Sirat de Oliver Laxe, la cinta por la que apostó la Academia el año pasado. Esta luchará por conquistar a Hollywood y hacerse con este prestigioso galardón que en 2026 se llevó la producción noruega Valor sentimental, dirigida por Joachim Trier.

En la historia de estos premios, tan solo cuatro películas con sello español han conseguido alzarse con la estatuilla dorada. La última vez fue con Mar adentro (2004) de Alejandro Amenábar; antes pasó con Todo sobre mi madre (1999) de Pedro Almodóvar y con Belle Époque (1993) de Fernando Trueba.

Pero para conocer al primer largometraje que conquistó a la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas estadounidense debemos remontarnos a abril de 1983, cuando un largometraje del cineasta José Luis Garci hizo historia. Fue entonces cuando Volver a empezar (1982) se convirtió en la primera española en ganar el Oscar.

Volver a casa tras el exilio

En Volver a empezar conocemos al entrañable personaje de Antonio Albajara, interpretado por Antonio Ferrandis, un escritor español que vive en Estados Unidos y que acaba de recibir el Premio Nobel de Literatura. Después de muchos años fuera de España, regresa a Gijón, su ciudad natal, donde se reencuentra con Elena, el gran amor de su juventud, interpretada por Encarna Paso.

Garci, que ya había dirigido cintas con una fuerte carga política como Asignatura pendiente (1977), planteó esta película como un homenaje a toda una generación que perdió su juventud por culpa de la Guerra Civil y el exilio. La idea gustó en Hollywood, algo que quedó más que patente en los Oscar del año 83, pero en España no todo fue tan bonito.

El país, que vivía los últimos momentos de la Transición, no había recibido con tanto entusiasmo el trabajo de José Luis. Para algunos, su tono nostálgico y sentimental resultaba excesivo. Un crítico de El País llegó a calificar la película de “morosa y hueca”, cuyos personajes “no aportan una mayor clarificación”. Sin embargo, su elección como representante española para el Oscar y la posterior victoria en la ceremonia terminaron de convencer al público. Hoy, Volver a empezar es una película clave dentro de la historia de nuestro cine.

Cuando hablamos de Meg Ryan, muchos la relacionan como una de las principales protagonistas de la comedia romántica de los 80 y 90, con títulos destacados del género como es el caso de las míticas ‘Cuando Harry encontró a Sally’, ‘Tienes un e-mail’ o ‘Sintonía de amor’, aunque el camino pudo ser diferente para la actriz, que rechazó un papel que, sin embargo, haría que Julia Roberts se convirtiera en la mejor pagada de Hollywood.

‘Magnolias de acero’ o como Meg Ryan dio inicio a la carrera de Julia Roberts

Estamos en los últimos años de la década de 1980 y dos comedias románticas están gestándose casi al mismo tiempo, lo que pocos saben es que esto dará lugar a dos brillantes carreras en el género y en Hollywood en general. En concreto fue una decisión que sería, sin saberlo, definitiva para dos grandes trayectorias.

Y es que antes de ser Sally Albright de ‘Cuando Harry encontró a Sally’, Meg Ryan tuvo la oportunidad de ser una de las protagonistas de la recordada película ‘Magnolias de acero’, en concreto se le ofreció el papel de Shelby, la joven enferma que conmovía la trama del filme dirigido por Herbert Ross.

Ryan, sin embargo, no se veía en este papel, y por eso lo rechazó, a pesar de que el proyecto tenía argumentos para convencer a cualquiera, en especial por su reparto de lujo, encabezado por Sally Field, Shirley MacLaine o incluso la recién fallecida Dolly Parton, en uno de sus papeles más recordados en el cine.

Su rechazo acabó finalmente en el hecho de que fue a parar a Julia Roberts, que todavía era un nombre desconocido en Hollywood entonces, pero que gracias a su papel de Shelby en ‘Magnolias de acero’ logró no solo la fama, sino también la que fue su primera nominación al Premio Oscar. De hecho, de ella partieron luego otros títulos míticos de su trayectoria como ‘La boda de mi mejor amigo’ o ‘Pretty Woman’.

A pesar de que su participación en la película le llevaría a un camino que le haría ser la actriz mejor pagada de Hollywood, el rodaje con Herbert Ross no fue el más agradable, de hecho, ella misma afirmó que sufrió trato abusivo por su parte, aunque no fue la única, sí que fue sometida a constantes humillaciones, un hecho que compartieron también el resto del elenco.

Este hecho se hizo conocido por la industria del cine y la propia Meg Ryan, quien había rechazado formar parte de la película, se refirió a ello en una entrevista en su momento: “No sé si es de buen gusto hablar de esto, pero estoy feliz de que las cosas hayan salido como salieron”, apuntó.

El tiempo le dio la razón y llegó Sally

Meg Ryan rechazó ser parte del reparto de ‘Magnolias de acero’, pero finalmente el tiempo le dio la razón al llegarle el papel de Sally en la comedia romántica ‘Cuando Harry encontró a Sally’, que se estrenaría apenas unos meses antes, en julio de 1989, mientras la otra lo hizo en noviembre de ese mismo año.

En la comedia romántica escrita por Nora Ephron y dirigida por Rob Reiner, la actriz brilló, especialmente por su química con Billy Crystal. La relación de ‘enemies to lovers’, además de un guion inteligente y ritmo de los diálogos redefinió este género y a día de hoy sigue siendo uno de los títulos más destacados de este.

Durante años ha circulado el rumor de que el comediante y actor canadiense Nathan Fielder (Nathan for You, The Rehearsal) había estado entrevistando a la fundadora de Theranos, Elizabeth Holmes, incluso visitándola en prisión, para un documental ultrasecreto. Ese documental ultrasecreto existe, se titula You Can See Everything, pertenece a la productora A24 y este domingo se ha proyectado por sorpresa en el Festival de Cine de Telluride antes de un estreno internacional este mismo otoño.

Theranos fue una empresa estadounidense de tecnología sanitaria que prometía revolucionar los análisis de sangre con una sola gota, pero que colapsó tras revelarse que su tecnología era un fraude masivo. Como consecuencia, Elizabeth Holmes ingresó en prisión, pues había engañado a los inversores de la empresa, utilizando en secreto aparatos de laboratorio tradicionales para hacer la mayoría de las pruebas de los pacientes.

Ahora, bajo la dirección de Fielder y también de Lance Oppenheim, quien es conocido por Una clase de cielo (2020) y que acaba de pasar por el Festival de Venecia con su filme Primetime, los espectadores tendrán la oportunidad de sumergirse dentro de la protagonista de este caso. “34 días antes de ser enviada a prisión, la infame fundadora de Silicon Valley, Elizabeth Holmes, invita a un escéptico equipo de filmación a documentar cada uno de sus movimientos”, reza la sinopsis de la película.

“Lo que comienza como un retrato íntimo de una enigmática delincuente se convierte en un viaje alucinante de tres años hacia el abismo”, anticipa la productora A24, que ya ha aprovechado para lanzar el primer tráiler. Holmes dice lo siguiente en este avance: “No soy esa persona. Se lo puedo prometer. No tengo nada sobre lo que engañarles, por supuesto que no les engaño. Me relaciono con ustedes como un ser humano. ¿Por qué les engañaría? No tengo ninguna razón para hacerlo. Siempre soy sincera”.

Esta no es la primera vez que Hollywood intenta recrear la historia de Elizabeth Holmes. En un momento dado, Jennifer Lawrence iba a interpretarla en una película dirigida por Adam McKay, pero ese proyecto se canceló cuando se estrenó la miniserie de Hulu de Liz Meriwether, The Dropout (2022), protagonizada por Amanda Seyfried. Asimismo, Alex Gibney realizó en 2019 el documental The Inventor: Out for Blood in Silicon Valley, donde sigue la increíble capacidad para el engaño de Holmes.

Holmes ingresó en prisión en mayo de 2023 y cumple una condena de más de 11 años. Aunque fue absuelta del cargo de estafar a pacientes, fue declarada culpable de estafar a inversores en su juicio federal junto con el exdirector de operaciones de Theranos y exnovio de Holmes, Ramesh “Sunny” Balwani. A inicios de año se reveló que la empresaria había pedido una liberación anticipada de la cárcel, según una solicitud presentada en 2025 ante el Departamento de Justicia.

Para los niños que nacieron a finales de los 90, hay algunas películas que, sin duda, marcaron su infancia. Harry Potter (2001), Spy Kids (2001), o Charlie y la fábrica de chocolate (2005) podrían ser algunas de ellas, aunque hoy nos centramos en la trilogía de películas que adaptó las novelas del escritor británico C. S. Lewis. Hablamos de Las crónicas de Narnia, cuyo primer largometraje llegó a cines hace ya más de dos décadas.

El león, la bruja y el armario se estrenó a finales de 2005 y contaba la historia de cuatro hermanos que, durante la Segunda Guerra Mundial, descubrían un mundo mágico al atravesar las puertas de un armario. Allí se encontraban con Narnia, una tierra de fantasía que vivía en un invierno eterno por culpa de la Bruja Blanca.

La película, protagonizada por William Moseley, Anna Popplewell, Skandar Keynes y Georgie Henley, se convirtió en uno de los grandes éxitos cinematográficos de ese año. El filme consiguió recaudar 745 millones de dólares a nivel mundial, lo que animó a Disney, quien se había encargado de llevar la historia de Lewis a la gran pantalla, a continuar con la saga.

Así, llegaron a cines Las crónicas de Narnia: El príncipe Caspian (2008) y Las crónicas de Narnia: La travesía del Viajero del Alba (2010), las cuales siguieron desarrollando el universo fantástico creado en los años 50, pero los resultados en este caso no fueron tan buenos, y ambas películas apenas recaudaron 419,7 y 415,7 millones de dólares, respectivamente. El fenómeno parecía haberse desinflado, algo que no le ocurrió a las películas sobre el mago que ideó J.K. Rowling, y entonces llegó el anuncio. Aunque Lewis escribió hasta siete libros vinculados a este universo entre 1950 y 1956, la adaptación cinematográfica había llegado a su fin. Narnia terminó siendo una trilogía.

Las razones tras la cancelación

Después de La travesía del Viajero del Alba, sí que hubo planes para hacer una cuarta película basada en la novela de La silla de plata (1953), pero el proyecto nunca llegó a materializarse. Lo lógico es pensar que la baja recaudación que consiguió el segundo largometraje en comparación con el primer estreno pudo influir en la decisión de no continuar con la saga, pero la cuestión iba un poco más allá.

El problema había empezado a hacerse evidente tiempo atrás, cuando Disney y Walden Media comenzaron a preparar la tercera película. Disney quería reducir el presupuesto, mientras que Walden Media defendía la necesidad de hacer una producción más cara, unas diferencias económicas que terminaron provocando que Disney abandonara la coproducción en diciembre de 2008.

La película siguió adelante con 20th Century Fox como distribuidora y Walden Media como productora, pero entonces llegó el problema de los derechos cinematográficos. El acuerdo de Walden Media con la compañía que gestionaba los derechos de las obras de C. S. Lewis terminó expirando en 2011, lo que dejó en suspenso cualquier posible continuación de la saga.

Años después, el proyecto volvió a ponerse en marcha. En 2016, Sony Pictures anunció oficialmente que La silla de plata estaba en desarrollo, incluso se anunció a Joe Johnston como director, pero el proyecto volvió a quedar en pausa. Finalmente, en 2018, Netflix adquirió los derechos para desarrollar nuevas películas y series de Narnia.

Después de varios intentos fallidos de recuperar la franquicia, el universo mágico regresará finalmente al cine de la mano de Greta Gerwig, que comenzará adaptando El sobrino del mago, un relato que narra el origen de Narnia. La película llegará a los cines en febrero de 2027, antes de estrenarse en la plataforma de streaming en abril.

Desde hace años, Venecia ha sacado pecho de ser el lugar donde daba comienzo la carrera por el Oscar. El certamen había logrado, con el apoyo de los estudios de Hollywood y Netflix —cuyos filmes no pueden competir en Cannes al no asegurar el estreno en salas de cine—, ser el escaparate para que los gurús de la temporada de premios calibraran las opciones de los filmes más esperados. De aquí salieron escopetadas hacia los galardones títulos como Roma, Pobres criaturas o, el año pasado, Frankenstein.

Sin embargo, esa política de flashes y glamour (normalmente esos filmes vienen acompañados de estrellas en su reparto que dan relumbrón a la alfombra roja) se ha demostrado, en varias ocasiones, inestable. La anterior vez fue en la post pandemia, cuando Hollywood no abrió el grifo lo más mínimo para permitir que sus películas vinieran (solo Nomadland, que terminó ganado el León de Oro y después el Oscar).

Pero en estos años todo ha cambiado mucho, y ahora una mala crítica en tiempos de redes sociales puede hundir un filme. O eso creen allí. Tras la debacle de Joker 2, vapuleada en Venecia, miden mucho más lo que presentan en Venecia. Este año, la gran parte de filmes que se espera que estén en los Oscar o no han llegado a tiempo o se han saltado Venecia en beneficio de citas más amables como Telluride o Toronto.

Por eso había mucho interés en ver qué ocurría con una de las pocas propuestas llegadas de un estudio de Hollywood y con una estrella como protagonista absoluto. Primetime venía con A24 como productor y Robert Pattinson dando vida a Chris Hansen, el periodista que saltó a la fama por To catch a predator, un formato en donde con cámara oculta exponía, delante de millones de telespectadores, a pederastas a los que hacían creer que acudían a ver a menores. Allí, en la casa donde les citaban, aparecía Hansen, por encima de la ley, como juez absoluto sin juicio mediante. Sacando, a cara descubierta, a los depredadores sexuales en horario de máxima audiencia.

El formato fue un éxito de espectadores, y también provocó una polémica constante debido a cómo desdibujaba cualquier límite moral. ¿Hasta qué punto un programa tiene la potestad de descubrir a esa gente?, ¿no debería ser la justicia quién lo hiciera? Para contar la historia del programa y de Hansen —y en la resaca de un documental que en España se puede ver en Prime Video sobre el mismo tema y que ha dado a conocer el show en todo el mundo— se ha colocado Lance Oppenheim, bregado en los documentales y que aquí debuta en el largo de ficción con un filme que desaprovecha todo su potencial y que, lo peor de todo, lo trata con una banalidad impropia del asunto.

A Oppenheim y al guion de Ajon Singh solo parece interesarles la historia de Hansen como crítica a los deseos de fama absoluta. Un cuento moral con el clásico 'cuidado con lo que deseas' como moraleja. No les importa en exceso, o al menos deciden no desarrollarlo, el tema que abordaba su programa. No mete los dedos en los límites morales del periodismo, en los peligros de tomarse la justicia por la mano y en cómo eso entronca con un contexto muy concreto, el post 11S donde un país decidió hacerlo.

A cambio prefiere jugar al humor negro en su retrato ácido de la ambición desmedida. Y eso queda claro cuando no solo el personaje de Hansen se obsesiona con ella, sino también los otros dos que le acompañan, su productora (Merrit Weaver) y el actor que ansía por encima de todo su carnet del sindicato de actores de Hollywood y que interpreta al señuelo como falso menor, un sorprendente Skiler Gisondo que es, de lejos, lo mejor de la función. Mejor incluso que un Robert Pattinson que demuestra que es inteligente alejándose de cualquier etiqueta que pueda caer sobre él como actor, y que está espléndido como Hansen. Pero ni su carisma ni su composición pueden salvar una película que se cree mucho más compleja de lo que es, y mucho más profunda que lo que su acercamiento realmente desvela.

Primetime reviste su banalidad con una puesta en escena resultona de estética dosmilera, llena de neones y planos retorcidos para acrecentar esa sensación de incomodidad. Hay ideas y coqueteos con el género para trasladar ese estado mental del protagonista, pero son un envoltorio para un filme que, además, tendrá que enfrentarse con la amenaza del Chris Hansen real, que ha dicho que ha comprado anuncios para proyectar antes de los pases de Primetime.

Según The Hollywood Reporter, Hansen afirma en dicho anuncio: “Ahora hay más plataformas que nunca donde se comete este perturbador delito. Únanse a nuestras investigaciones encubiertas todos los días en mi plataforma de streaming, TruBlu”. En Venecia no se vio ninguno.

Un Moretti tierno, pero menor

La otra gran apuesta vino de la mano de uno de los mejores cineastas italianos de las últimas décadas, Nanni Moretti. El autor de obras maestras como Caro diario o La habitación del hijo no pisaba Venecia desde 1989, cuando presentó Vaselina roja. Desde entonces, todos sus trabajos habían pasado por Cannes. Los tiempos de producción hicieron que su nuevo filme, Sucederá esta noche (que es una coproducción con España de la mano de BTeam e Irusoin y se rodó parte en San Sebastián), no llegara al certamen francés, por lo que el hijo pródigo ha regresado a casa.

Lo ha hecho con un filme menor dentro de una carrera apabullante, pero que contiene varias de sus señas de identidad, el humor, esa ligereza que esconde reflexiones sobre la vida y sus intrincaciones con la política (aunque aquí mucho menos presente) y los números musicales que invaden la trama para convertir todo en un estado casi mental más que en un retrato realista.

Sucederá esta noche es una adaptación de relatos de Eshkol Nevo, como ya hiciera en Tres pisos, y curiosamente ambas se colocan en eso que se podría llamar ‘obras menores’ de su filmografía. Quizás aquí se nota más porque viene de una película tan hermosa, luminosa, brillante y original como El sol del futuro. A pesar de ello Sucederá esta noche hace sonreír y calienta al espectador con su mirada a las relaciones amorosas, por las que apuesta sin fisuras en tiempos de relaciones líquidas y cinismo.

Gracias al magnetismo de Louise Garrell y Jasmine Trinca (que regresa al cine de Moretti tras La habitación del hijo) uno ve con gusto una trama sobre una pareja a la que el destino parece que quiere juntar a pesar de todo. A veces ciertas decisiones narrativas son un poco de señor de otra época —ese personaje del padre ligón—, pero también hay algo melancólico que responde al propio estado vital de Moretti, que tras sufrir un infarto en 2025 parece que acepta un estado crepuscular en su vida que se traslada a sus fotogramas.

Empieza con la pérdida paulatina de abdominales y continúa por el repentino interés por el fútbol, el pésimo gusto para vestir y las ganas irrefrenables de emparejarse para tener hijos. Son los síntomas de la heterosis, una extraña enfermedad que convierte a los hombres gays en heterosexuales... y que forma la premisa de Jim Queen, una película de animación para adultos que se proyectó en el Festival de Cannes fuera de concurso y que llega ahora a los cines de España. La cinta narra la historia de Jim Parfait, un musculoso influencer gay que, tras contagiarse y perder su popularidad, se alía con Lucien, un chico tímido que no se atreve a salir del armario, para buscar una cura.

El filme propone una sátira que se ríe de los clichés internos del colectivo y denuncia la homofobia que todavía pervive en la sociedad. Lo hace recurriendo a parodias de canciones de Disney en cuartos repletos de dildos y arneses, gags sobre la obsesión con los orgasmos prostáticos, la temida gaystapo, el postureo de gimnasio y los eternos debates entre activos y pasivos. Sin embargo, abordar una epidemia en tono de comedia dentro de la comunidad LGBT conllevaba el riesgo de rozar la frivolidad, sobre todo por la consideración que merece la memoria histórica de crisis tan dolorosas como la del VIH.

Los guionistas pasaron meses calibrando cada broma para asegurarse de que la película fuera respetuosa sin perder frescura. “Es muy difícil”, admite Simon Balteaux a elDiario.es sobre el proceso de escritura. “Hemos dedicado mucho tiempo a probar los chistes porque la idea principal era que no queríamos ser crueles, queríamos ser considerados y divertidos a la vez. De quien primero me burlé fue de mí mismo, así que intentamos buscar ese tipo de humor que compartes con tus amigos íntimos en una cena. Queríamos pasarlo bien juntos y bromear todos a la vez, sin herir a nadie”, subraya el creador, enfatizando que por ello trataron de tener “mucho cuidado”.

No obstante, la película apunta directamente a la hipocresía política y el avance de los discursos reaccionarios. Aunque el proyecto nació hace ocho años como una comedia desenfadada en un clima de optimismo social, la realidad terminó contagiando el tono de la historia. “Cuando empezamos a escribir estábamos viviendo una época dorada en Francia y parecía que las cosas avanzaban con el matrimonio igualitario”, cuenta Balteaux. “Ahora notamos que el viento está cambiando y que estamos retrocediendo. Vemos leyes terribles en países como Senegal, donde meten a los gays en la cárcel, o cómo se mueven las cosas en Hungría, Rusia o Estados Unidos. La película se volvió política porque el mundo real está cambiando y da miedo”, comenta.

Balteaux denuncia, además, cómo ciertos gobernantes utilizan a las minorías como chivo expiatorio para desviar la atención de sus propias deficiencias de gestión. “No tengo ni idea de por qué este discurso de odio sigue teniendo eco, pero creo que es una técnica política”, critica el guionista frente al avance de la polarización, agregando que “a veces resulta más fácil luchar por normas absurdas, como debatir sobre no compartir el mismo baño, en lugar de centrarse en la economía o en los problemas reales de la gente”. “Se financia algo absurdo para no tener que trabajar en los proyectos verdaderamente importantes; sigo sin entender por qué la sexualidad, el género y los cuerpos tienen que seguir siendo un problema para tantos políticos”, resalta.

La búsqueda de una catarsis colectiva a través de la risa hunde sus raíces en la juventud de los propios cineastas. Balteaux y el director Marco Nguyen concibieron la idea a partir de sus vivencias compartidas durante la infancia. “La pregunta principal era: ¿qué pasaría si ya no pudiéramos ser gays?”, explica el guionista. “Marco y yo nacimos en los 80 y quedamos completamente traumatizados por dos cosas. La primera fue, por supuesto, la pandemia del VIH. Y la segunda es que nacimos y crecimos en pequeños pueblos, por lo que, durante toda nuestra vida, nos han hecho sentir como si fuéramos una especie de monstruos por ser gays”, relata.

Ese sentimiento de aislamiento queda plasmado en el personaje de Lucien, quien todavía no es capaz de contar a nadie su orientación sexual. Aunque las leyes hayan avanzado en Europa a lo largo de las últimas décadas, Balteaux tiene claro que salir del armario continúa tratándose de un proceso lleno de barreras emocionales para muchas personas. “Sigue siendo difícil hoy en día, por desgracia”, lamenta. “Me llevó unos 20 años aceptar cómo era y tuve que mudarme a París para lograrlo. Durante la crisis de la COVID-19 me fui a vivir a un pueblecito durante un tiempo y me di cuenta de que, si no vives en una gran ciudad, sigue siendo igual de difícil”, detalla a este periódico.

En el extremo contrario se encuentra Jim, quien en el largometraje tiene una fijación con levantar pesas, lucir bíceps y mantener una imagen impecable frente al espejo. Balteaux vuelca en el personaje sus propias contradicciones cotidianas en torno al culto al físico. “La crítica que puedo hacerme a mí mismo es que estoy completamente obsesionado con mi cuerpo; voy al gimnasio todos los días y sé que no es saludable”, confiesa. “Hoy en día, especialmente en la cultura gay, existe una obsesión por la perfección, los músculos y el masculinismo. Esta película era una forma de decirle a la comunidad: 'Vale, ¿podemos relajarnos un poco, ser más amables y dejar de ser tan duros con nosotros mismos y con los demás?'”, reflexiona.

“Nos hemos convertido en un producto”, apunta Simon Balteaux cuando piensa en cómo plataformas como Instagram condicionan la autoestima. En la película, en cuanto Jim pierde sus abdominales a causa de la heterosis, sus seguidores se esfuman. No obstante, el guionista destaca que la tiranía de la imagen en internet no se diferencia mucho de las dinámicas que se sufren a diario en las aplicaciones de citas. “Ya no estoy en Grindr porque es demasiado duro; tengo la sensación de ser un yogur y de tener que darme consejos y decir: 'Vale, soy supersaludable, de sabor a fresa y lleno de proteínas”, dice. “Es un gran problema porque, en el fondo, te estás vendiendo a ti mismo como una mercancía”, añade.

Al contraer la heterosis, Jim comienza a interesarse de forma compulsiva por el fútbol y adopta los modales más toscos de la masculinidad tradicional, un recurso que el filme aprovecha para ridiculizar los estereotipos y las presiones por encajar en un molde viril. “Fue muy interesante reírse de ello porque a mí mismo me costó mucho construir mi masculinidad”, indica el guionista. Este reconoce que hace un par de años estaba obsesionado con parecer masculino: “Esta película me ayudó mucho a que por fin me diera igual todo: a veces puedo ser muy masculino y otras veces descarado y eso está bien. Hay muchos tipos diferentes de masculinidad y todos molan, solo sé tú mismo”.

Esa necesidad de catalogar a las personas también se traslada a las discotecas del filme, donde desfilan desde bears —hombres corpuletos con abundante vello corporal y facial— y twinks —hombres delgados con aspecto juvenil y sin demasiado vello corporal— hasta devotos del cuero. Aunque las etiquetas han servido tradicionalmente para crear espacios seguros, los creadores señalan las barreras que a veces provocan. “Hay una escena de fiesta donde aparece una drag queen para recordar con ironía: 'No, no, aunque esto es la comunidad LGBT, aquí solo importa la G de gays'”, explica Balteaux, que argumenta que uno de los objetivos de Jim Queen era inquirir “si podíamos ser un poco más comprensivos los unos con los otros”.

Ante el actual clima de regresión, Simon Balteaux advierte de que ninguna conquista social está garantizada y reivindica la urgencia de arropar a las identidades menos visibles del colectivo queer. “Todavía tenemos que tener mucho cuidado con el hecho de mantener nuestros derechos y la libertad de ser quienes somos”, subraya el guionista. “El mercado y el cine han convertido a los hombres gays en un producto más visible, pero mi idea es usar ese foco para dar luz a las otras letras. En Jim Queen nos centramos en un grupo específico por razones de presupuesto, pero me encantaría hacer una segunda parte o una serie para hablar más de las mujeres lesbianas y de las personas trans”, concluye.

Durante el pasado agosto han coincidido en Navarra la grabación de al menos cuatro producciones audiovisuales de forma simultánea: Odio al Verano 2, Narcopiso, Enredados (Disney) e Iruña 1997. Los vecinos del Casco Viejo de Pamplona pudieron disfrutar durante unos días de finales de agosto de un viaje en el tiempo por la grabación de este último proyecto, aunque también expresan quejas por los gritos de los figurantes de madrugada en la zona de la Casa Consistorial. Entre junio y septiembre de este año “14 producciones han elegido localizaciones de Navarra para sus proyectos”, según trasladan desde NICDO (Navarra Impulsa Cultura, Deporte y Ocio). Sin embargo, hay opiniones dentro de la industria que lo consideran un “overbooking” que deriva en la explotación de espacios habitados. Según una trabajadora navarra del sector audiovisual, “se está forzando la máquina”. “Llegan, arrasan con todo y les da igual”, declara.

En 2024 el Gobierno de Navarra se propuso “una estrategia para apoyar e impulsar la industria audiovisual”, afirman desde el mismo Gabinete Cultura, Deporte y Turismo, que, junto con el Departamento de Economía y Hacienda, aprobaron “un incentivo” para poder ser “más competitivos con respecto a otras comunidades”. “Queremos promover y consolidar a la región como un territorio de referencia y polo de atracción para la industria cinematográfica y audiovisual, tanto a nivel nacional como internacional”, trasladan desde el departamento dirigido por Rebeca Esnaola.

Los planes que impulsaron desde el Ejecutivo foral se amplían más allá de “atraer rodajes”, pretendiendo poner el foco a medio plazo en poder “lograr un tejido en el sector audiovisual que complete toda la cadena de valor de la industria audiovisual, desde la educativa hasta la profesional”, explican desde Cultura. Esta actividad se prevé que genere “empleo y beneficios para la economía”, además de exportar la “Marca Navarra” al mostrar en “la gran pantalla” los “paisajes y patrimonio” de la Comunidad Foral.

Las ayudas fiscales aprobadas en enero de 2025 al sector audiovisual, con mejoras del incentivo fiscal de hasta un 50% (llegando al 85% en determinados proyectos) y que afectaron con carácter retroactivo a los proyectos que se desarrollaron desde el 1 de enero de 2024, ha generado un boom de rodajes en Navarra. Según los datos de Navarra Film Industry en 2024 y 2025 en la comunidad foral se filmaron 374 proyectos.

“Lo que hacen las productoras, muchas veces de fuera de Navarra y que [en general casi] siempre son deficitarias, es venir aquí, rodar, hacer una AIE (una agrupación de interés económico) con inversores o con productoras de Navarra, y con eso generan las deducciones que se las venden a inversores con una rentabilidad del 20%”, cuenta Ana, nombre ficticio (pues prefiere mantener el anonimato), que forma parte de uno de los proyectos que se ha estado llevando a cabo en Pamplona a finales de agosto. Este margen del 20% está expresamente contemplado en la normativa navarra que regula el incentivo.

De esta forma, las ayudas fiscales se materializan de una forma muy sencilla. La productora recibe financiación de una empresa o inversor y, a cambio, este puede beneficiarse de la deducción fiscal generada por la película. Por ejemplo, si aporta 416.000 € y obtiene una deducción de 500.000 €, logra un ahorro fiscal de 84.000 €. De este modo, la productora consigue financiación que no tiene que devolver como un préstamo y el inversor obtiene un beneficio fiscal, incentivando que las empresas destinen recursos a financiar la industria audiovisual. Porque en la práctica en vez de pagar 500.000 en impuestos, paga 416.000 a una productora, ahorrándose la diferencia.

Puesto que la ayuda fiscal en Navarra parte del 45% y puede llegar al 85% (dependiendo en el tipo de obra y determinados requisitos), Ana afirma que “al final las productoras se cocinan mucho el incentivo”, creándose lagunas e ingenierías fiscales que no se controlan en un sector en que cada proyecto tiene un coste medio, solo de producción, de alrededor de 3,1 millones de euros, según el Instituto de Gestión Cultural y Artística en España. En sus palabras, ocurre con los empleados, que figura su actividad como realizada en Navarra, “pero luego se hace fuera” y otros aspectos. “Hay proveedores que te facturan cosas [como si fueran de origen navarro] que luego son de fuera, así muchas otras”. “Nadie te hace una auditoria”, expresa. Aunque en la normativa se plasma un procedimiento bastante exhaustivo de prevalidación, postvalidación e informe de memoria a cargo, según indican desde Cultura, de “una unidad específica en la Dirección de Cultura que se dedica a ello junto con Hacienda”.

Todos estos movimientos se enmarcan en los propios requisitos económico-territoriales establecidos por el Gobierno de Navarra. Para calcular la deducción sobre toda la inversión, al menos el 40% del gasto debe realizarse en Navarra, tal y como se establece en la Guía de Incentivo de 2026 publicada por Gobierno navarro. Si no se alcanza ese porcentaje, la base de deducción se reduce proporcionalmente. Por ejemplo, en una producción de 1 millón de euros, gastar 400.000 € en Navarra permite calcular la deducción sobre el millón completo; si solo se gastan 200.000 €, la base baja a 500.000 € y la deducción general del 45 % sería de 225.000 €.

De esta forma, las productoras y sus inversoras intentan aprovechar los incentivos fiscales al máximo, incluso de otras comunidades (como País Vasco y Canarias, que también gozan de ayudas fiscales a la industria audiovisual). “Hay una serie que se ha estado grabando esta semana” ambientada en Pamplona, pero “han grabado solo los exteriores y ahora se van a Bilbao” porque la deducción fiscal “es todavía más grande”, afirma Ana, que dice saberlo por una amiga que trabaja en esa producción. En Vizcaya, si se cumplen ciertas condiciones, la deducción llega al 70%. Según dice, esa misma empresa se ha traído el servicio de catering de Madrid, por lo que en la ciudad dejan “poco en comida”, a pesar de que dentro de considerado “gasto en territorio navarro” entra el consumo en “hostelería y restauración en establecimientos navarros”.

La entrada de grandes inversiones, según Ana, hace que las productoras locales también tengan dificultades para desarrollarse. “No todos tienen el dinero de Netflix, HBO o Amazon Prime. Hay producciones mucho más pequeñas y artesanales para las que es muy difícil conseguir igualar los sueldos que pagan las grandes plataformas” causados por el aumento de la demanda, explica. “Hay técnicos que llevan trabajando seis meses, seis meses de experiencia laboral, y te dicen: 'Yo por menos de 300 euros al día no me levanto de la cama'”, afirma a partir de su experiencia.

Aparte de la burbuja que se ha creado, que considera que en algún momento “explotará”, también señala la laxitud con la que se trata a las productoras. “No es normal que se den permisos de rodaje nocturnos en la plaza del Ayuntamiento con cientos de figurantes gritando, no se ha respetado el descanso de los vecinos”, cuenta conocedora de la actividad nocturna de los enclaves del Casco Antiguo de la capital navarra. “Los cortes de peatones intermitentes tienen un permiso máximo de tres minutos habitualmente y hacían cortes de 20 minutos, que no podías acceder porque estaba balizando porque estaban tirando piedras. Han usado salas municipales que, en principio, solo son para asociaciones y, aunque han pagado bastante viruta, han entrado para producir. Se les deja todo”, añade.

“Para el cine es bueno, pero no estable”, considera la trabajadora sobre el asentamiento de las productoras en Navarra. “Ahora hay cuatro o cinco producciones a la vez y luego puede no haber trabajo. La industria del cine es inestable de por sí. Tú puedes currar de repente tres meses y levantarte 3.000 euros al mes y luego no hacer nada cinco meses”, por lo que la creación de industria no es del todo real.

Tampoco considera que se haga un fomento real de la comunidad foral a pesar de que también sea obligatorio la aparición de Navarra en los créditos, puesto que en los espacios que se graba “muchas veces falsean con que es otro sitio”. “Así que ya ves”, concluye tras un soplido.

Ridley Scott habría quedado insatisfecho con el trabajo de Paul Mescal en Gladiator 2 y habría considerado que el actor no era “lo bastante masculino” para el papel, según fuentes cercanas a La constelación del perro citadas por Matt Belloni, periodista de Puck. Esas mismas informaciones relacionan la experiencia del director con Mescal durante la secuela con su posterior salida de la nueva película de Scott, aunque no está confirmado que el cineasta utilizara literalmente esas palabras ni que ese fuera el único motivo del relevo.

El entorno de Scott ha rechazado esa explicación. En declaraciones recogidas por MeriStation y atribuidas al representante del director, este asegura que Scott disfrutó de su colaboración con Mescal en Gladiator II y quería volver a trabajar con él en La constelación del perro. Según esta versión, fueron los problemas de calendario los que impidieron la participación del actor, a causa de las cuatro películas sobre The Beatles que prepara Sam Mendes, y el cineasta quedó decepcionado por perderlo. Jacob Elordi terminó ocupando el papel antes de que comenzara el rodaje.

Una secuela que no cumplió las expectativas

El actor irlandés interpretó en Gladiator 2 a Lucio Vero, en una historia situada varios años después de la muerte de Máximo Décimo Meridio, el personaje encarnado por Russell Crowe en la película original. Lucio se convertía en gladiador y también en la voz de una revolución contra el poder de los emperadores Caracalla y Geta, interpretados por Fred Hechinger y Joseph Quinn. El reparto incluía además a Denzel Washington como Macrino y a Pedro Pascal como el general romano Justo Acacio.

La película recaudó 462 millones de dólares en la taquilla mundial, pero su rendimiento quedó por debajo de lo esperado teniendo en cuenta que partía de un presupuesto inicial de entre 250 y 300 millones. La secuela también recibió numerosas críticas por sus licencias históricas, entre ellas las escenas de un Coliseo inundado con tiburones o los enfrentamientos de gladiadores con monos y otras criaturas. Scott defendió en más de una ocasión algunas de esas decisiones, pero no cuestionó públicamente la interpretación de Mescal.

Jacob Elordi ocupó el lugar de Mescal

Mescal estaba previsto inicialmente como protagonista de La constelación del perro, adaptación del best seller de Peter Heller, pero Elordi acabó ocupando su lugar. La película presenta un mundo distópico después de que una catástrofe haya diezmado a la población y sigue a un piloto que intenta sobrevivir acompañado de su perro y de otros supervivientes mientras huye de los carroñeros que pretenden controlar lo que queda del mundo.

El cambio de protagonista tampoco ha venido acompañado de un gran éxito comercial para la nueva película de Scott. Según la información recogida por IGN, La constelación del perro recaudó 19 millones de dólares en todo el mundo durante su estreno frente a un presupuesto de 89 millones, unos resultados que el medio sitúa entre los mayores tropiezos de taquilla de la carrera del director.

Mescal, mientras tanto, tiene por delante otro proyecto de gran envergadura. El actor interpretará a Paul McCartney en las cuatro películas sobre The Beatles dirigidas por Sam Mendes, precisamente el trabajo al que se atribuyeron sus problemas de agenda con La constelación del perro. Esa fue la explicación difundida cuando se conoció su salida de la película de Scott y es también la versión que ahora mantiene el entorno del cineasta frente a las informaciones publicadas por Belloni.

Las dos versiones dejan, por tanto, explicaciones opuestas sobre el relevo. Las fuentes citadas por Belloni sostienen que Scott no quedó satisfecho con Mescal tras Gladiator II, mientras que el representante del director lo niega y asegura que ambos mantuvieron una buena colaboración y que Scott quería volver a contar con el actor. Ni el propio cineasta ni Mescal han confirmado públicamente que existiera un conflicto entre ellos o que la supuesta falta de masculinidad del intérprete motivara su sustitución por Elordi.

La película animada de 2018, Spider-Man: Into the Spider-Verse, demostró que las cosas podían ser diferentes para este histórico superhéroe del universo Marvel y nos presentó al primer Spider-Man negro y la primera Spider-Woman. ¿Por qué entonces no puede haber un hombre araña que forme parte del colectivo LGTBI? Es la pregunta que Andrew Garfield lanzó al aire hace más de una década.

Fue en una entrevista, durante el año 2013, cuando el actor que también dio vida a este icónico personaje en la gran pantalla planteó la posibilidad de un Spider-Man homosexual. “¿Por qué no podemos descubrir que Peter está explorando su sexualidad? ¡No es nada del otro mundo! ¿Por qué no puede ser gay? ¿Por qué no puede sentirse atraído por los chicos?”, sugirió en una entrevista para Entertainment Weekly.

Garfield incluso propuso que Michael J. Bordan se uniera a su franquicia como una versión masculina del personaje de MJ. “He estado obsesionado con él desde The Wire. Es tan carismático y talentoso. ¡Sería aún mejor: tendríamos bisexualidad interracial!”, añadió el protagonista de The Amazing Spider-Man.

La verdad tras la máscara

Han pasado trece años desde aquello, pero la estrella de Hollywood no ha olvidado lo que ocurrió. Tampoco le hubiera sido fácil, teniendo en cuenta que aquella intervención se viralizó rápidamente. Ahora, en una entrevista con el mismo medio con el que protagonizó la recordada escena, han vuelto a preguntarle sobre el tema, y Garfield lo tiene claro.

“Fue un acto de rebeldía que me apasionó, pero sigo creyendo que cualquiera puede ponerse ese traje”, compartió recientemente. “Esa es la razón por la que es un personaje tan universalmente querido, uno de los personajes más queridos en la historia de la ficción. Porque no se ve el color de la piel, no se ve el género, no se ve la sexualidad. Cualquiera puede proyectarse en ese traje”.

El actor, que está en medio de la promoción de The Uprising, la próxima película dramática producida, escrita y dirigida por Paul Greengrass, no se baja del carro. “Me gusta la idea de un lugar donde todo el mundo sea reconocido y donde todos estén incluidos. Fue, en cierto modo, una forma de decir: ‘Bueno, ¿por qué no?’. Y si tienes una opinión muy firme en un sentido u otro, estarás dejando en evidencia tus propias inclinaciones”, añadió.

Actualmente, Tom Holland es la persona encargada de poner el cuerpo al servicio de este personaje en la gran pantalla, y su última película, Spider-Man: Brand New Day, batió récords de taquilla este verano, convirtiéndose en una de las más taquilleras de toda la historia del cine. Hasta ahora, ha recaudado 2.334 millones de dólares en todo el mundo.

Stephen Kalyn, uno de los rostros que ha ganado popularidad con la adaptación televisiva de Off Campus, se incorpora al reparto de El secreto de la asistenta, la secuela protagonizada por Sydney Sweeney. El actor canadiense, que interpreta a Dean Di Laurentis en la serie de Prime Video, dará vida en la película a Brock, un abogado adinerado que mantiene una relación sentimental con Millie Calloway, el personaje de Sweeney. El propio intérprete confirmó su fichaje después de que Deadline adelantara la noticia, apareciendo en un vídeo con la novela de Freida McFadden que servirá de base para esta segunda entrega. La película tiene fijado su estreno para el 17 de diciembre de 2027.

El nuevo proyecto llega en pleno ascenso de Kalyn gracias a Off Campus, basada en las novelas románticas de Elle Kennedy. En la primera temporada, su personaje tuvo un papel secundario, pero en la segunda, actualmente en proceso de rodaje y prevista para 2027, Dean pasará a ocupar el centro de la historia junto a Allie, interpretada por Mika Abdalla. Antes de este salto de protagonismo, Kalyn había participado también en series como Gen V, Cruel Intentions y Motorheads.

Un nuevo personaje en la vida de Millie

Brock entrará en escena mientras Millie trata de reconstruir su vida después de los acontecimientos de la primera película. Las informaciones publicadas hasta ahora lo presentan como un abogado que inicia una relación con ella sin conocer su pasado criminal, aunque no se han avanzado más detalles sobre el recorrido que tendrá el personaje en la adaptación. Su incorporación amplía un reparto en el que Sweeney volverá a encabezar la historia y que contará también con Kirsten Dunst, Brittany Snow y Paul Anthony Kelly, además del regreso de Michele Morrone como Enzo.

La secuela trasladará al cine la segunda novela de la trilogía original de McFadden y situará a Millie ante otro trabajo doméstico aparentemente convencional que pronto empieza a despertar sus sospechas. Tras su experiencia con los Winchester, la protagonista acepta un empleo en la casa de otro matrimonio adinerado, interpretado por Dunst y Kelly, pero existe una circunstancia que convierte desde el principio el nuevo hogar en un lugar inquietante: Millie no puede ver a la mujer para la que trabaja. Sus sospechas aumentan mientras intenta averiguar qué se esconde tras una puerta cerrada, un descubrimiento que amenaza con sacar a la luz secretos todavía más oscuros que los vinculados al problemático pasado de la protagonista.

La continuación de un éxito de taquilla

Lionsgate vuelve a confiar el proyecto a Paul Feig, responsable de la primera entrega, mientras Rebecca Sonnenshine retomará el trabajo de adaptación después de haber escrito el guion de la película original. Está previsto que el rodaje comience a finales de 2026 con vistas a cumplir la fecha de estreno de diciembre del año siguiente. Sweeney no se limitará a repetir como protagonista: también participa en la producción a través de su compañía Honey Trap, junto a Todd Lieberman, de Hidden Pictures, y Laura Fischer y Paul Feig, de Pretty Dangerous Pictures. Carly Elter y Alex Young figuran como productores ejecutivos y Kaylee McGregor como coproductora.

La rapidez con la que la segunda película se ha puesto en marcha se explica por el rendimiento comercial de La asistenta. Estrenada durante las fiestas navideñas de 2025, la adaptación del primer libro de McFadden rondó los 400 millones de dólares de recaudación mundial, según las cifras recogidas por los distintos medios, y se convirtió en la película más taquillera de la carrera de Feig. La primera entrega reunió a Sweeney con Amanda Seyfried, Brandon Sklenar y Michele Morrone y presentaba a Millie como una joven con un pasado problemático que conseguía trabajo en casa del acomodado matrimonio formado por Nina y Andrew Winchester, donde terminaba atrapada en una peligrosa red de secretos.

Dos fenómenos editoriales adaptados a la pantalla

El fichaje de Kalyn conecta ahora dos universos nacidos de fenómenos literarios recientes. Off Campus adapta la serie de novelas de Elle Kennedy ambientadas alrededor de jugadores universitarios de hockey y sus relaciones sentimentales, mientras que El secreto de la asistenta procede de la saga de suspense doméstico de Freida McFadden. En ambos casos, el actor ocupará un papel mucho más visible en 2027: como Dean en la segunda temporada de la serie de Prime Video y como Brock en la secuela cinematográfica encabezada por Sweeney.

El secreto de la asistenta continuará así la expansión cinematográfica de una saga que comenzó en las librerías en 2022. La trilogía principal de Freida McFadden está formada por La asistenta, El secreto de la asistenta y La asistenta te vigila, a las que se suma el relato La boda de la asistenta. Por ahora, sin embargo, no existe confirmación de una tercera película, de modo que el recorrido cinematográfico más allá de esta segunda entrega sigue abierto.

Han pasado algo más de nueve años desde los atentados de Barcelona y Cambrils, el ataque yihadista más terrible que ha sufrido Catalunya. Las heridas colectivas dejadas por la masacre de aquel 17 de agosto de 2017 siguen sin cerrarse del todo, pero, con la distancia que dan los años, el cine aborda por primera vez aquellos acontecimientos. Cronos, un ambicioso e intenso largometraje dirigido por Fernando González Molina y escrito por Alberto Marini, llega a las salas.

El film cuenta con un reparto amplísimo, con más de 50 personajes entre los que destacan Enric Auquer, jefe de los Mossos encargado de la respuesta rápida; Diana Gómez, que interpreta a la responsable de comunicación de la policíacatalana, Patrícia Plaja; y Mónica López, en el papel de una sargento de los Mossos de Ripoll (Girona), el pueblo de los jóvenes yihadistas.

La cinta reconstruye minuto a minuto el despliegue policial y humano realizado durante las 124 horas posteriores al atropello masivo en La Rambla y presta especial atención al trabajo y al impacto emocional de los profesionales que tuvieron que estar en primera línea de los hechos.

El proceso de documentación para levantar una obra de esta magnitud exigió un riguroso trabajo de inmersión en los hechos. La arquitectura del relato se basa en las investigaciones previas que habían realizado los periodistas Nacho Carretero y Arturo Lezcano para el documental 800 metros (2022), que también trataba sobre los atentados.

Según el guionista, Alberto Marini (El 47, Mientras duermes), la premisa del proyecto fue mantener una fidelidad absoluta a los hechos y el máximo respeto hacia las víctimas. Para ello, el equipo se entrevistó con los protagonistas para repasar de primera mano los datos objetivos del operativo y, posteriormente, el impacto emocional que tuvo en cada uno de ellos.

“Encontramos a gente con muchas ganas de contar cómo lo habían vivido y cómo les había afectado”, explica Marini. “Una frase que se repetía mucho era: 'Para vosotros han pasado nueve años, pero para mí fue ayer'. Era evidente que había algo sanador en contar su experiencia”.

Para el director, Fernando González Molina (Palmeras en la nieve, Tres metros sobre el cielo), la implicación personal con los entrevistados fue indispensable a la hora de trasladar esa carga emocional al trabajo con los actores. “Necesitaba entender minuciosamente el proceso emocional que vivieron porque me sentía muy responsable al llevarlo a la pantalla. Los personajes de Enric Auquer o Diana Gómez, y muchos otros, son casi trasuntos directos de las personas reales”, indica el cineasta.

Distancia moral y ausencia de peajes

La amplia colaboración de los cuerpos de seguridad en la ambientación y reconstrucción técnica del operativo planteó desde el inicio el reto de no terminar elaborando un relato institucional demasiado complaciente. Los creadores aseguran que establecieron una distancia de seguridad narrativa clara para preservar la independencia del texto final.

“No hemos tenido ningún tipo de ‘censura’ a lo largo del proceso. Sí que nos han indicado, por ejemplo, cómo se realizan determinados procedimientos legales o policiales, pero eso le ha dado más realismo al relato”, aclara Marini.

González Molina destaca que el relato sí que sigue al pie de la letra lo que los agentes les contaron sobre sus sentimientos. “Intentamos ser fieles a cómo lo vivieron”, explica. “Por eso la película huye bastante del arquetipo de policía controlador y frío. Abraza la sensación que nos transmitían al hablar con ellos, y muestra cómo se vieron superados por unas circunstancias extremas para las que no estaban preparados por mucho que fuesen profesionales”.

La colaboración con los Mossos dota a Cronos de una impecable textura de veracidad y de un ritmo hiperrealista en la reconstrucción del operativo, pero ese foco en el despliegue policial acaba por escorar el punto de vista de la película, que se centra en el papel del cuerpo autonómico en detrimento de otras aristas del conflicto.

El reto logístico de filmar en el corazón de Barcelona

Otro elemento que refuerza el realismo de la película es que está rodada en su mayor parte en los escenarios reales donde sucedieron los hechos. Especialmente en La Rambla y en la plaza Catalunya de Barcelona.

Transformar el emblemático paseo barcelonés en un plató de rodaje durante 16 días supuso una de las apuestas de producción más complejas del cine español reciente. “Una de las primeras decisiones de la peli fue que rodaríamos en los lugares reales”, recuerda el director. “Aunque esto supuso un esfuerzo enorme por parte del equipo y requirió de una colaboración total de las autoridades”.

Para colmo, La Rambla estaba en obras. “Teníamos un set de más de 100 metros en una de las calles más transitadas del mundo, con 300 figurantes y 15 vehículos, en medio de hordas de turistas”, explica. “Paradójicamente, el cierre de uno de los carriles por las obras nos permitió acotar el set de forma más sencilla. Colocábamos un control de producción y mientras la gente pasaba, por un lado, nosotros rodábamos en el otro”, añade el realizador.

El director se muestra orgulloso de algunas de las secuencias que consiguieron registrar. Destaca un plano secuencia de varios minutos de duración en el que la cámara acompaña al personaje de Enric Auquer desde el interior de un vehículo hasta su llegada a la plaza Catalunya tras el atentado. “Mi máxima era poner la forma al servicio del relato para que el espectador se enterara de las cosas al mismo tiempo que los personajes”, apunta González Molina.

Realismo coral

Cronos es una película decididamente coral que buscaba hacer justicia a la cantidad de colectivos que intervinieron en las jornadas posteriores al ataque. Al amplio elenco hay que sumar los más de 300 figurantes entre los que se encontraban 184 profesionales reales entre policías, servicios sanitarios, periodistas, etc.

Para González Molina, la credibilidad de la propuesta dependía de la veracidad de los papeles con menor presencia en pantalla. “Lo que estropea una película es que la segunda o la tercera línea de actores no funcione, que no te creas a los policías, a los chavales árabes o a sus familias”, comenta. “El hecho de contar con Mossos reales haciendo de Mossos le aporta un colchón de verdad al conjunto”.

Esta voluntad de verosimilitud afectó también a los personajes, que evitan las convenciones. “Durante la redacción del guion debatimos a veces si agrupar acciones en menos personajes, pero la realidad no funciona así”, recuerda el director. “Un policía de Barcelona no podía ser el mismo que aparecía en Cambrils o Ripoll”, añade el cineasta.

La mirada política y la respuesta de las víctimas

Cronos no obvia el contexto social de agosto de 2017, marcado por las tensiones políticas entre la Generalitat y el Gobierno central previas al referéndum del 1 de octubre. Las fricciones durante la gestión de la crisis entre cuerpos policiales autonómicos y estatales y entre los Mossos y el Govern aparecen sin restar protagonismo al relato humano de los protagonistas.

“Intentamos ser fieles a la realidad y no posicionarnos, no por cobardía, sino por respeto”, manifiesta Marini. “Sé que puede molestar a determinado sector de la población que se muestre que la Policía Nacional se tuvo que poner bajo el mando de los Mossos, pero es lo que ocurrió legalmente porque el juez dictaminó que eso fuera así”.

“Quizá al no ser catalán me he sentido más libre para contar la historia tal y como estaba escrita”, afirma el director. Tras un pase privado organizado para miembros de las asociaciones de víctimas, las valoraciones han destacado el rigor del retrato humano. “Había dos objetivos prioritarios: el respeto a la verdad y el respeto a las víctimas. Lograr esa reacción ha sido un gran alivio”, concluye Marini.

Un relato universal sin recetas morales

Cronos aspira a funcionar en dos niveles diferenciados: el de un thriller dramático internacional comprensible para cualquier espectador y el de un retrato minucioso repleto de matices para el público local. Además, los debates contemporáneos sobre la gestión de fronteras o la integración social otorgan al largometraje una resonancia de plena actualidad.

Lejos de ofrecer conclusiones cerradas sobre los dilemas que plantea la trama, director y guionista han optado por dejar que las preguntas queden abiertas para la reflexión del público. “La única cosa que sí quise colocar en el final de la peli es un relato de esperanza”, confiesa el director. “Creo que a pesar de que sucedan cosas como estas que fracturan y que generan heridas enormes, hay personas, como la asistente social de Ripoll que sale en la película, que es una persona real, que siguen trabajando en la integración de las personas migrantes”.

John Malkovich es uno de esos actores a los que su rostro, alejado del canon de belleza hollywoodiense, siempre ha colocado en papeles de ‘raro’. Hacía tiempo que le tocaba ese personaje que le volviera a colocar en el centro. Uno que despertara a la gente del letargo y viera que es algo más que un intérprete condenado a secundarios excesivos y excéntricos. La varita mágica la tenía Martin McDonagh, experto en coger a actores como Malkovich y darles el personaje que se merecen.

El director de Tres anuncios en las afueras (que valió el Oscar a Frances McDormand y Sam Rockwell) y Almas en pena de Inisherin (que granjeó sendas nominaciones para Colin Farrell y Brendan Gleeson) es de esos cineastas que escriben caramelos a los actores. A Malkovich le ha dado uno de los mejores personajes de su carrera, el de Wild Horse Nine. Malkovich borda ese agente de la CIA destinado en Chile para preparar el golpe de Estado contra Salvador Allende y que pierde la memoria mientras decide escribir, valga la redundancia, sus memorias contando todas las barbaridades cometidas sirviendo a su país, y ahí entra desde el magnicidio a varios golpes de Estado en países como Guatemala o el Congo.

Tras el pase de prensa en el Festival de Venecia la crítica lo tuvo claro, a John Malkovich le van a llover los premios por el filme, y ya en la rueda de prensa se le preguntó por ello. “Tengo una carrera muy larga y tengo películas espectaculares con directores, guionistas y actores increíbles. Nunca siento que compita con nadie, porque amo lo que hacen, para mí es algo muy bonito que digan esas cosas, pero lo más bonito es que haya atención sobre esta película que tiene varias interpretaciones increíbles y está genial escrita y dirigida. Eso es lo más importante”, dijo.

McDonagh llevaba varios proyectos intentando trabajar con él, pero por culpa de compromisos con otras películas no habían podido hasta ahora, y la elección fue “muy fácil”. “Era un guion hermoso y esta vez no había nada que lo impidiera. Me gusta que los dos protagonistas son dos idiotas que son tan ignorantes que dicen en alto que son de la CIA y van a desestabilizar la democracia de Chile y mandar al país al garete. Aunque, a veces, leyendo la historia, parece que algo así está cerca de lo que ocurrió en realidad”, dijo de su elección del papel.

Poco antes, Malkovich, junto a su compañero de reparto, Sam Rockwell, atendía a elDiario.es en un hotel junto a la Plaza de San Marcos de Venecia. Rockwell contó lo más importante y por lo que repiten todos con Martin McDonagh: “Es un guionista realmente bueno, pero no es un cretino, lo cual ayuda. Es un hombre empático, amable, tiene modales y habilidades sociales, lo cual a veces, sorprendentemente, puede ser raro”.

Para tener una memoria social, una memoria nacional, hay que tener un cierto grado de aprendizaje, haber absorbido algo, y eso no veo que pase a menudo. No importa de donde vengas, hay mucho olvido

John Malkovich — Actor

En Wild Horse Nine se tiende el hilo para que el espectador una que lo ocurrido en aquellas décadas, desde el asesinato de Kennedy en 1963 a los diferentes golpes de estado contra gobiernos latinoamericanos de izquierdas, tiene sus consecuencias en la actualidad. Algo que dejó claro Martin McDonagh en la rueda de prensa, y que hace pensar a Malkovich si lo que tenemos ahora es, realmente, eso que llamamos democracia.

“No estoy del todo convencido de que vivamos en una democracia, pero si es así… buena suerte con ello porque, ¿qué es una democracia?, ¿de quién es?, ¿cómo se decide? Hoy me he preguntado varias veces, ¿en qué país los ciudadanos creen lo que dice su Gobierno? No estoy seguro. Esto se ha repetido una y otra vez en el tiempo, lo que pasó en noviembre de 1963, en Chile del 73… está sucediendo todo el tiempo”, asegura.

McDonagh establece una metáfora entre la memoria que pierde su protagonista y la memoria perdida de forma colectiva que hace que olvidemos sucesos como el golpe de Estado de Chile y nos condene a repetir los mismos errores. Para Malkovich esa idea es “la esencia de la película” y recuerda que el otro día vio en televisión a jóvenes universitarios que, ya no es que supieran lo que ocurrió en Chile en 1973, es que no sabían “lo que pasó en Nueva York el 11 de septiembre de 2001”. “No sabían nada, ni quién lo hizo, ni cómo se respondió… para tener una memoria social, una memoria nacional, hay que tener un cierto grado de aprendizaje, haber absorbido algo, y eso no veo que pase a menudo. No importa de donde vengas, hay mucho olvido”, dice con cierto pesimismo.

Para el actor de Las amistades peligrosas es importante que películas como Wild Horse Nine vengan a festivales internacionales. Lo dice en un año en donde Hollywood ha frenado su presencia en Cannes o Venecia. Para el actor, “el cine es algo mundial, y hay un público en todas partes que quiere ver algo interesante, algo que los conmueva, los divierta, los emocione”, y pone un ejemplo: “Si alguien ve El agente secreto fuera de Brasil, puede que no les guste, y lo entiendo, pero la película les está diciendo algo, y antes había muchas películas estadounidenses, en los 70, que hacían eso, y cada vez hay menos cine estadounidense que lo haga y eso es desgarrador, pero también es un error increíble. Venir a un lugar como Venecia o San Sebastián o El Cairo o Cannes o donde sea te conecta con un público de todo el mundo. Y es un mundo muy grande”.

Llega el primer fin de semana de septiembre y te dejamos una selección de planes para que se te haga más amena la vuelta a la rutina, desde libros y canciones hasta conciertos, exposiciones o películas de estreno.

'Brett' en Madrid. Es difícil que exista un fotógrafo que haya tomado más fotos del cantante de Suede, Brett Anderson, en España que el fotógrafo Óscar L. Tejeda, especializado en fotografía de conciertos y que le ha disparado desde 1997 hasta hoy. Para celebrar este idilio, Tejeda ha inaugurado una exposición en las paredes del bar madrileño Fotomatón, inaugurada ayer 3 de septiembre y que podrá visitarse durante unas cuantas semanas. Brett de rodillas, Brett abrazado por el público, Brett entre sombras, Brett espasmódico, Brett So Young, Brett Lazy, Brett absolutamente entregado. ¿Cuál es tu Brett favorito?

Cómic en Pamplona. Ana Miralles (con la exposición de originales Eva/Ava) y Paco Alcázar son dos de los invitados al Salón del Cómic de Navarra, del 4 al 27 de septiembre.

CometCon en Gijón. Evento de ocio joven y alternativo que reúne a algunos creadores de contenido como El Quinto Emperador (principal creador de contenido de One Piece de habla hispana), el actor de doblaje Jon Samaniego (Monkey D. Luffy en el live action de One Piece, Ekko en Arcane, Colin Bridgerton en Los Bridgerton, Aerion Targaryen en El Caballero de los Siete Reinos, o Coriolanus Snow en Los Juegos del Hambre), y locutor desde hace 15 años.

Extreme Barcelona. Del 4 al 6 de septiembre, el Parc del Fòrum reunirá a destacados nombres de la escena internacional de atletas de BMX como Kenneth Tencio, Arseny Lubishkin, Jude Jones, Gustavo Batista, Kieran Reilly y Natalya Diehm, además del rider de Streetboard Sergi Nicolás.

Humor en Luco de Jiloca (Teruel). Enluquecidos es un festival de llenará de risas la localidad turolense del 4 al 6 de septiembre. Entre los invitados, los actores de doblaje de Los Simpson, Rafa Maza y Clara Ingold.

Cultura japonesa en Reus. Hikari, la feria de cultura japonesa se celebra el sábado 5 de septiembre. Hay demostración de shodō, baile inaugural Bon Odori, taller participativo de Bon Odori y taller de caligrafía sobre farolillo tradicional.

Tenerife Phe Festival. Fat Dog, Getdown Services, VVV [Trippin’ You], Phil Hartnoll (Orbital) o Alexis Taylor (Hot Chip) forman el cartel de este festival de música electrónica que se celebra en Puerto de la Cruz el 4 y el 5 de septiembre.

Homenaje al Lyceum Club Femenino en Soria. Gracias al Instituto de la Mujer, llega a Soria esta exposición titulada Ellas nos hicieron modernas, dedicada a la institución del Lyceum Club, asociación de intelectuales españolas fundada por María de Maeztu en Madrid en 1926. La muestra reconoce, con 24 paneles, la memoria democrática e histórica haciendo genealogía feminista de la generación del 26. La exposición de se complementa con este pódcast de 10 episodios. Después, la muestra seguirá itinerando por España.

Teatro en Madrid. El invencible verano de Liliana es un monólogo basado en el libro de Cristina Rivera Garza que narra la historia de la hermana de la autora, asesinada en 1990 a manos de su expareja, quien a día de hoy no ha sido atrapado. La prestigiosa actriz mexicana Cecilia Suárez lo interpreta, bajo la dirección de Juan Carlos Fisher (Prima facie) se ha estrenado el 3 y aguantará hasta al 13 de septiembre en el Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque.

Ciencia ciudadana en Sierra Nevada. La Universidad de Granada organiza del 4 al 6 de septiembre las Jornadas Lagunas de Sierra Nevada, que reunirán a investigadores, voluntarios y Agentes de Medio Ambiente para estudiar más de 40 lagunas glaciares. La programación incorpora dos propuestas artísticas: la presentación del nuevo libro de fotografía de Andrés Ureña, Sierra Nevada. Ecos del paisaje, y la Acción Sonora de Ilaria Degradi, Music for Territories–Paisajes sonoros y música electrónica experimental (el 5 de septiembre a las 22h en Hoya de la Mora, entrada gratuita).

Tres libros, por Laura G. Higueras

'La noche en el corazón', de Nathacha Appanah (trad. Elia Maqueda, AdN). Inspirada por el feminicidio de Chahinez Daoud, a la que su marido quemó viva en la calle después de que ella le hubiera denunciado varias veces por múltiples episodios de violencia de género; la obra lleva a la autora a explorar su propio pasado (una prima que fue asesinada en circunstancias similares) y la violencia que ella misma sufrió. Finalista del premio Goncourt, rescata del silencio a las mujeres que la violencia quiso borrar.

'Los años secos', de Raquel Zas (Temas de hoy). Vamos con una novela debut que explora el duelo tras una ruptura, la autoestima y las exigencias que pesan sobre las mujeres que sienten que tienen esa presión por “tenerlo todo”. Lo hace a través de la historia de Clara, una joven que regresa al pueblo de sus padres dejando atrás la vida que había construido con su expareja. Entre trabajos provisionales, rutinas familiares y amistades que sobreviven al paso del tiempo, empezará a revisar su relación con el deseo, desde los primeros contactos al miedo a ser tocada.

'Mi vida en la carretera', de Gloria Steinem (trad. Regina López Muñoz, Alpha Decay). Este jueves recibíamos la triste noticia de la muerte de Gloria Steinem. Qué mejor manera de rendirle homenaje que precisamente leyéndola (o regalándole alguno de sus libros a quien conozcas que aún no lo haya hecho). Mi vida en la carretera es una apuesta segurísima. En ella relata cómo fueron creciendo tanto ella misma como el movimiento revolucionario por la igualdad, desde su primera experiencia de activismo en India a su trabajo como periodista en los sesenta, del torbellino de las campañas electorales a la fundación de la revista Ms.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Este viernes se publica The Fatal Flaw, el nuevo disco de la promesa británica Paris Paloma. Y ojo, porque una de las canciones que te recomiendo, y que ya está en nuestra playlist, es necesario acompañarla de otros de sus temas. Good Girl y Good Boy son dos caras de la misma moneda, poniendo el foco en los hombres que pisotean a las mujeres para alcanzar sus objetivos y que, por lo tanto, perpetúan sistemas que a la larga acaban perjudicándoles también a ellos. Ambas canciones juegan con la idea de los modelos a seguir y las expectativas de ser quien se espera que seamos.

'Good Girl' de Paris Paloma. La cantautora da un golpe sobre la mesa con este alegato feminista contra la tiranía estética impuesta a los cuerpos femeninos. “Y puedes gritarme todo lo que quieras que el mayor romance es conmigo misma”, afirma la artista a lo largo del tema, desafiando las exigencias de sumisión y control sobre el físico que la sociedad patriarcal dicta a las mujeres. Lo hace entre guitarras acústicas de corte folk que van sumando intensidad percusiva y dramática a la canción.

'I Can't Wait' de Phoebe Bridgers. Durante mis vacaciones, Phoebe Bridgers ha publicado uno de los mejores álbumes del año, Lost Weekend. La compositora californiana presenta un proyecto completísimo, con letras finísimas y producciones espléndidas, muy a lo Sufjan Stevens. Hasta más de diez ingenieros de sonido participan en cada una de las canciones. Entre las más potentes, este tema en el que comparte armonías vocales con Cameron Winter. “Cariño, si me dejas, ¿puedes llevarme contigo?”, suplica la artista al inicio de una pista que explora el anhelo obsesivo y la dificultad de sobrellevar vínculos rotos.

'Hipster Runoff' de Lex Walton. “Wall Street fue ocupada, a Kony le hicieron lo de 2012 / ¿Qué hemos conseguido con todo esto? / La policía está matando a madres en sus coches”. Así de tajante se muestra Walton en esta pieza de rock producida por Dan Boeckner. “Te desprecio a ti y a todo lo que representas”, clama con rabia el artista a lo largo del tema, cargando contra la apatía generacional, el activismo de fachada y el conformismo político. La canción toma el nombre del icónico blog de la era indie para enfrentarse al cinismo actual.

Tres películas, por Javier Zurro

'Jim Queen'. Cine de animación para adultos y divertidísimo. Solo la idea de esta película es hilarante, un virus que vuelve heteros a los gays... una excusa para hacer una comedia que cuestiona los clichés del colectivo LGTB, pero sobre todo la homofobia que todavía hay en la sociedad. La muestra de que los dibujos no son para niños, sino para cualquier historia que quiera explorar sus posibilidades expresivas.

'El olor a leche quemada'. Hay una nueva generación de directoras alemanas que está ofreciendo una mirada diferente al cine que, habitualmente llega de allí. El año pasado fue Masha Shilinski con El sonido de la caída. Pero ojito con Justine Bauer, que tiene solo 36 años y ha dirigido esta película tan especial que se aleja de los clichés del coming of age y las películas rurales.

'Cronos'. La apuesta taquillera de la semana llega de la mano del cine español. Fernando González Molina dirige este thriller sobre la investigación policial para detener a los terroristas tras el atentado de las Ramblas en Barcelona. Cine adulto, de buena factura, con un reparto brillante (Enric Auquer está en un momento dulce) y hecho con inteligencia para demostrar el gran momento de la industria.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Más de 80 festivales cancelados. Este es el balance, al menos hasta ahora, de encuentros musicales de todo tamaño y género que se habían anunciado pero no se han celebrado: por causas económicas o ambientales.

Zurro en Venecia. Ha comenzado el gran festival italiano y no te pierdas la extensa cobertura desde allí: empezamos con George Clooney, seguimos con Danny Boyle y con Martin McDonagh. Síguelo aquí.

Nerea. Te damos dos cosas, lo difícil es elegir qué va primero: una maravillosa entrevista con vídeo (y texto) con Nerea Pérez de las Heras o un capítulo entero de su nuevo libro Fantasma, sobre la pérdida de su pierna.

Polifemo, las sirenas, los lestrigones, el Hades, el vórtice de Caribdis, el monstruo marino de Escila o la poderosa hechicera Circe. Esos son algunos de los mitos, personajes, episodios y monstruos escogidos por el director Christopher Nolan para su adaptación cinematográfica de La Odisea, el famosísimo poema griego donde Homero narra el viaje de regreso de Odiseo a Ítaca tras la guerra de Troya.

Una cuidada selección entre 12.000 versos y más de 7.000 palabras que rescata algunos de los episodios que tuvo que afrontar el afamado guerrero antes de volver a casa. La elección no ha estado exenta de polémica, porque el director estadounidense deja en el tintero a muchos dioses, omite al desdichado Elpénor y excluye la ejecución de las esclavas que han sido desleales.

En cambio, para la adaptación cinematográfica de La Odiosa, Nolan no se olvida del mito de Circe, seguramente una de las escenas más impactantes de las que puede disfrutar el espectador durante las 2 horas y 52 minutos que dura la película. La duración del filme tampoco ha pasado inadvertida para muchos.

El mito de Circe

Circe se lleva buena parte del protagonismo en La Odisea. Hablamos de una hechicera y diosa de la mitología griega, hija del dios sol Helios y de la oceánide Perseis, con talento excepcional para preparar pociones mágicas, como queda bien claro en la película.

Según recoge Homero en su poema, donde se la cita como una “diosa de hermosos cabellos”, el hogar de esta mujer estaba en la isla de Eea. Su guarida, una especie de mansión de piedra donde se resguarda en soledad, está mejor custodiada de lo que parece a simple vista.

Ella misma ha transformado a los hombres que han llegado en lobos y leones que custodian su hogar, como entretenimiento o venganza. Este fue el caso de los hombres de Odiseo, que, en la adaptación de Nolan, irrumpen en la isla amenazándola con cuchillo en mano y en búsqueda desesperada de comida después de días sin probar bocado. La hechicera no se la niega, pero sus pretensiones son otras.

Circe sienta en la mesa al grupo de hombres encargados de explorar la isla de Eea y les sirve un preparado que devoran en unos minutos. Los hombres comen alegremente, sin saber que ha vertido una de sus pociones. El mito cuenta que Circe los golpeó con su vara y los convirtió en cerdos, arrinconados en pocilgas. En la película de Nolan, la imagen es otra: la mujer dando forma con sus propias manos a las caras de los visitantes, deformando sus rostros hasta convertirlos en cerdos.

La tardanza de los hombres inquieta a Odiseo, que decide ir en su búsqueda. No los encuentra y, a su llegada, solo ve los restos de los cuencos de comida y a un nutrido grupo de cerdos que ocupa las pocilgas. El guerrero desconfía y no cae en la trampa. En la adaptación de Nolan, la escapada se resuelve con una negociación, en la Circe da su brazo a torcer y restaura a todos los hombres. Abandonan la isla definitivamente, pero el sufrimiento y el tortuoso viaje están lejos de terminar.

“No tiene nada convincente que decir (...). Carece de profundidad psicológica, emocional, política y ética (...). Ninguno de los personajes tiene una motivación convincente para sus acciones o palabras (...). Me avergonzaría haber escrito cualquier parte de este guion”. Son algunas de las palabras que Emily Wilson dedicó a la adaptación cinematográfica que Christopher Nolan hizo de La Odisea una vez pudo ver la película.

La traductora nacida en Oxford (Inglaterra) tenía cierta autoridad para hablar teniendo en cuenta que, en 2017, su interpretación del antiguo poema griego se convirtió en la primera traducción importante al inglés publicada por una mujer. El cineasta incluso tomó el primer verso de aquella traducción para abrir su largometraje (“Háblame de un hombre complejo”), pero ni siquiera eso convenció a Wilson.

La devastadora crítica hacia el trabajo del director de Tenet (2020) se viralizó en redes sociales, consiguiendo que personas que no sabían quién era Wilson conocieran por primera vez su trabajo adaptando el texto de Homero. Hoy sabemos que a esa traducción que ha dado tanto que hablar le queda poco tiempo. Wilson ha confirmado que lleva un tiempo trabajando de nuevo en el poema.

Corregir matices de la primera versión

La noticia la confirmó la propia traductora a través de una entrevista para la agencia Associated Press (AP). “Es una retraducción completa. No es una revisión de la versión anterior. Voy por la mitad”, declaró la profesora de estudios clásicos en la Universidad de Pensilvania. ¿El objetivo? Corregir algunas cuestiones de aquella primera versión que vio la luz en 2017.

Según recoge AP, Wilson compartió que sus métodos de traducción se han perfeccionado y que ha transcurrido el tiempo suficiente para detectar algunos fallos en ese primer trabajo. Por ejemplo, a la hora de conformar el texto traducido abusó del término “esclavo”, cuando el griego antiguo tenía diferentes términos para las distintas categorías de personas esclavizadas.

El anuncio ha sorprendido especialmente al gremio de traductores, quienes suelen trabajar sobre sus trabajos anteriores corrigiéndolos o perfeccionándolos con la idea de reeditar la obra, pero rara vez se ponen frente a la tarea de traducir el mismo texto desde el principio. En su nueva traducción, Wilson se permite utilizar más versos, palabras más largas y la repetición de frases, el mismo enfoque que utilizó en la traducción que hizo de La Ilíada, la cual se publicó en 2023.

“Estoy orgullosa de mi traducción de La Odisea. Creo que hay muchas cosas buenas en las formas de resumir y en las decisiones que me vi obligada a tomar”, compartió en un podcast hace solo unas semanas. En la nueva interpretación, la experta se propone que los lectores puedan disfrutar todavía más del texto que fue escrito hace más de 2.000 años. “Voy a cuadruplicar el número de notas al final del libro”.

Su regulación ya estaba presente entre las reclamaciones de intérpretes y guionistas durante la huelga de 2023, y un par de años después la Academia decidió pasar a exigir que se informara de su utilización a la hora de seleccionar las películas oscarizables. Aun así, es fácil proponer que no ha sido hasta este año, 2026, que la Inteligencia Artificial generativa ha empezado a estar a la orden del día en Hollywood. Coincidiendo con lo que ya hay quien declara el pinchazo de la burbuja, e invadiendo la actualidad mediática a base de grandes anuncios y breves controversias.

Así que, al margen de cierta patente que un tipo tan emprendedor como Ben Affleck ha logrado endilgarle a Netflix —en paralelo a que la plataforma admita haber usado esta tecnología con profusión durante los últimos meses—, y pasando por encima de la decepción que Scorsese ha hecho cundir entre la cinefilia por su empeño en agilizar los storyboards, nos topamos con que la incorporación de la IA al tejido industrial se traduce en dos tipos de actitud. Por un lado, la arrogante o mesiánica, la que se empeña en vendernos su carácter revolucionario. Es la de Darren Aronofsky con cierta miniserie espantosa centrada en la independencia de EEUU, o Doug Liman con una película titulada Bitcoin (¡) que asegura haberse ahorrado millones en localizaciones.

Ambas han hecho un uso prominente de la tecnología y deben presumir de ello, pues en ello les va el dinero y la inversión. Es la actitud contraria a la que nos interesa ahora: la del disimulo. La que se ajusta al meme aquel de “profe no lo hicimos” y que en cuanto es descubierta se granjea críticas en redes tan hostiles como mordaces y despectivas. Porque cómo vamos a respetar que tanto Supergirl como Spider-Man: Brand New Day, con tal cantidad de material gráfico a sus espaldas, recurran a la IA para sus diseños. Cómo nos va a respetar nadie, deben ser conscientes algunos de estos espabilados cineastas, si la gente llega a descubrir lo cutres que somos.

Es un poco más grave cuando hablamos de blockbusters con tantos recursos como dispone el cine superheroico, pero el sentimiento de vergüenza es equivalente y es el que mueve a los realizadores a fingir hasta el final. Hasta que alguien les acorrala, y el director Adam Shankman confiesa que hubo un poco de IA en los efectos visuales de Stop! That! Train! (comedia de acción encabezada por RuPaul aún inédita en España) días antes de que Eli Roth haga lo propio con Dulce sabor a muerte.

El caso de Dulce sabor a muerte, que ha llegado finalmente a nuestro país tras su estreno estadounidense a principios de agosto, resulta sugerente en especial. Porque su argumento permite proclamar risueñamente que a Roth “le han pillado con el carrito del helado”, y sobre todo porque el perfil de este director, la forma en que ha empleado la dichosa tecnología para este film, ilustra a la perfección cuál es la ideología, así como secreta, que encubre tanta fruición por la IA.

El verdadero cerebro de la Inteligencia Artificial

Clement Tyler Obropta, vía Film Inquiry, se ha mostrado duro contra Dulce sabor a muerte al punto de llamar al boicot. “No paguéis por películas o series que usen IA generativa. No las critiquéis. Y, si sois editores, no solicitéis ni publiquéis críticas de estos proyectos”. Es un llamamiento plenamente legítimo y merecedor de nuestro apoyo, pero por ahora, en lo relativo a Dulce sabor a muerte, sería una pena privarse de analizar sus particularidades. Porque el director Eli Roth dijo inicialmente que no habían usado IA en absoluto. Incluso presumió de haber dibujado y animado él mismo la pieza en blanco y negro que enloquece a los críos de la película.

Dulce sabor a muerte cuenta básicamente cómo un siniestro heladero (Ari Millen, visto en Orphan Black) llega a un pueblo de lo más tranquilo donde, una vez los niños comen los productos que trae este visitante, se desata la masacre. Los niños se vuelven contra los adultos para asesinarlos a lo bestia, estilo Chicho Ibáñez Serrador, luego de que la citada pieza de dibujos animados (inspirados en los años 20, entre Disney y Fleischer Studios) termine de activar en sus cabezas la sed de sangre. Roth aseguró, entonces, que él se había encargado de la animación y de buena parte de los diseños, que en el film aparecen tanto en movimiento como adornando el carrito de los helados del villano.

Lo que pasó después es que la gente empezó a ver la película, se fijó en la presencia en los créditos de una conocida empresa de IA (DarkHalf) y la máscara cayó. Roth tuvo que confesar que sí, que habían recurrido a ella —“Me expresé mal. Tuve la oportunidad de unir tecnología y creatividad para llevar a cabo mi visión de la película”, dijo textualmente—, sin dar más detalles. Aunque no es que sea necesario. Los rastros de la IA generativa y sus inercias son bien visibles en Dulce sabor a muerte, en materia de duplicado automático de elementos y un movimiento robótico que nada tiene que ver con el modelo rubber hose (“manguera de goma”, como se la conocía por los brazos bamboleantes de los personajes) que tanto se estilaba en la animación primitiva estadounidense.

También se percibe en los diseños como tal, genéricos por fuerza y apegados rutinariamente a esta escuela. Es la iconografía que acompaña al heladero y Roth podría justificarlo si se le hubiera ocurrido: ¿no encaja esta estética moribunda con un psicópata así, no podría ser esta reinterpretación de motivos adorables algo remitente a los animatrónics de Five Nights at Freddy’s? Pues podría ser, claro. Podría tratarse de un uso intencionado, estilo lo que un director tan intelectual como Radu Jude hizo para reírse de la tecnología (sin demasiada gracia, todo hay que decirlo) en su reciente versión de Drácula. Pero hablamos de Roth. Además de una película baratísima, auspiciada por un sello que él mismo montó el año pasado (The Horror Section) y, por tanto, beneficiada de una opacidad en su desarrollo muy útil para no llamar la atención antes de tiempo.

Unir esta coyuntura al clima general que la IA ha implantado en Hollywood —llamando la atención de cualquier ignorante avaricioso o cuñado prototípico con algo de poder—, bastaría para aclarar el enclave de Dulce sabor a muerte. Y, sin embargo, merece la pena ahondar un poco más en su director. ¿Quién es Eli Roth? Antes de nada, es un sionista entusiasta que desde los atentados del 7 de octubre ha defendido cada decisión del Estado de Israel y deseado que Greta Thunberg sea “devorada por caníbales”. También es uno de los máximos promotores del torture porn en EEUU, ese terror fundamentado en el gore y el sadismo que representaría Hostel en su máximo esplendor.

Roth se hizo un nombre durante el estallido de este movimiento a poca distancia del Nuevo Extremismo Francés, a mediados de los 2000. Ha pasado su tiempo desde entonces y se nota en el escasísimo impacto con el que Dulce sabor a muerte encadena atrocidades y mutilaciones de los niños contra sus padres. El tono, desde luego, apunta a una comedia negra que elude una auténtica empatía, y no obstante también desde este ángulo todo parece trasnochado: por comparar con un fenómeno similar las películas de Terrifier son mucho más ingeniosas y, sobre todo y en lo que sería la clave, traslucen una dignidad artesanal que en Dulce sabor a muerte ni está ni se la espera. Una falta de talento que, por otra parte, es extrapolable a la totalidad de la filmografía de Roth.

Por decirlo sin tapujos, Roth siempre ha sido un realizador de lo más incompetente. En el sentido más riguroso de la expresión, el que impele a una puesta en escena con unas mínimas nociones formales. Lo sufríamos cuando debutaba con Cabin Fever en 2002 y podíamos achacarlo a la inexperiencia o el bajo presupuesto, pero una vez se suceden los años y las películas espantosas… ha de tratarse de una militante ineptitud. Que también estaba cuando la explosión del torture porn, solo que aquí más que la negligencia a la hora de narrar en imágenes molestaba la mezquindad.

Una película sin mensaje

La cinta muestra la capacidad de despojar al gore de todo lo que pueda tener de gracioso, en función a un alarde de misantropía y gruesas notas reaccionarias —sobre todo entre Hostel y Green Inferno, miserable crítica a la supuesta doble moral de los discursos ecologistas sazonada con un rampante racismo—, que con el tiempo se han ido moderando para constituir simplemente entretenimientos pobres e inofensivos. Caso de Black Friday, con su facilona crítica al consumismo, o del que puede ser uno de los peores blockbusters de los últimos años, Borderlands.

Tal es el individuo que firma Dulce sabor a muerte. Tal es su falta de talento, que va desde una chocante incapacidad a la hora de describir el espacio de acción —la lamentable secuencia inicial—, hasta una planificación pesadillesca de los diálogos a costa de una falta de ritmo y escritura que agrava las carencias descritas. Si bien cabe celebrar de Dulce sabor a muerte que por una vez no pretenda subrayar ningún mensaje —decantándose por un desenlace sombrío que podría haber encajado mejor si no culminara semejante chapuza—, volvemos a lidiar con una ortopédica banalidad donde da igual que se quiera jugar malévolamente con los imaginarios infantiles: la ejecución es tan penosa que no hay forma de que el juego prospere. La complicidad tiende a cero.

Y finalmente, una vez nos recuperamos y apartamos los restos de carroña de nuestros ojos, se abre paso una idea feliz. Esta apunta a que, si quienes sacan más provecho de la IA —quienes más necesitan recurrir a esta tecnología contaminante diseñada para estimular la pereza y amodorrar la creatividad— son tipos tan mediocres como Eli Roth, la dignidad y el orgullo siguen de nuestro lado. Lo único que merece este percal es todo nuestro desprecio.

El productor, director y cofundador de Morena Films Álvaro Longoria participará el 10 de septiembre en una nueva sesión del ciclo 'Así se hace' en el Centro Botín, donde abordará que “detrás de cada película hay un proceso de creación lleno de decisiones, referencias, cambios y aprendizajes que pocas veces conoce el espectador”.

Longoria, quien cuenta con más de dos décadas dedicado al mundo audiovisual, compartirá su experiencia en proyectos muy diversos, desde películas como 'Campeones' (2018), 'Che, el argentino' (2008) o 'Habitación en Roma' (2010), de las que fue productor, hasta documentales como 'Hijos de las nubes, la última colonia', que dirigió y que obtuvo el Premio Goya a la Mejor Película Documental en 2013.

El cineasta santanderino ha explicado que a partir de esa experiencia, compartirá su manera de entender el séptimo arte y lo aprendido durante estos años de trabajo.

El público también tendrá la oportunidad de participar en la conversación y plantear sus preguntas, convirtiendo el encuentro en una ocasión para descubrir los entresijos de la creación audiovisual.

La sesión de Longoria precede al inicio de la X edición del Festival de Cine de Santander, que comenzará el 11 de septiembre y tendrá al Centro Botín como coorganizador junto a Morena Films y sede principal hasta el día 17.

Por otra parte, este viernes 4, a las 19.00 horas, será la última oportunidad para descubrir 'Yuko Mohri: Entrelazamientos' a través del movimiento. El bailarín cántabro de origen guineano Juan Manuel Rondo Epitie, conocido como Ronin, regresará al Centro Botín con 'Energía en movimiento', una visita experiencia que propone recorrer las instalaciones de la artista japonesa alejándose de la contemplación habitual para experimentar físicamente algunas de las conexiones y fenómenos que atraviesan su obra.

La Academia de Cine ha anunciado las tres cintas finalistas que lucharán por representar a España en los Premios Oscar 2027 en la categoría que honra a la mejor película internacional. La bola negra de los Javis, El ser querido de Rodrigo Sorogoyen y Los domingos de Alauda Ruiz de Azúa son los tres títulos seleccionados por la institución. Ahora, serán sus miembros quienes decidan la película que finalmente competirá por la nominación a la estatuilla. La elección final será anunciada el 16 de septiembre.

El largometraje resultante tomará el relevo a Sirat de Oliver Laxe, la cinta por la que apostó la Academia de Cine para representar a España en los Oscar de 2026, que, al contrario que la anterior Segundo premio de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, sí logró hacerse con la nominación. Laxe incluso optó a dos galardones: mejor película internacional y mejor sonido. En esta ocasión, España llega de hacer un buen papel en el Festival de Cannes, donde tanto La bola negra como El ser querido compitieron en la Sección Oficial, siendo la primera galardonada con el premio a la mejor dirección.

La bola negra, el filme de Javier Calvo y Javier Ambrossi, es una de las grandes apuestas de Netflix para los próximos Oscar. En Cannes tuvo una buenísima acogida por parte de la crítica y, desde entonces, la plataforma de streaming ha preparado una gran campaña para la cinta en la temporada de premios. Tanto es así que tendrá el periodo de tiempo más largo en la cartelera de Estados Unidos antes de su estreno en Netflix. Asimismo, su canción La nieve, compuesta por Guitarricadelafuente y Raül Refree, ha sido presentada para recibir una nominación.

La bola negra narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia; y una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca. Ha sido escrita por los Javis junto con Alberto Conejero, y está protagonizada por Guitarricadelafuente, en su debut como actor, así como por Penélope Cruz, Glenn Close, Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas y Julio Torres. Se estrenará en cines en España el próximo 25 de septiembre.

Javier Ambrossi ha agradecido por la preselección de La bola negra y ha afirmado que se “dejarían la piel” por representar al país en los Oscar. “Más allá de lo que pase, que sería precioso, hay planes de que la película llegue a la mayor cantidad de gente posible”, ha comentado. Asimismo, también se ha acordado de Amarga Navidad, el que era otro de los títulos favoritos: “Quiero felicitar a Almodóvar porque, aunque no está entre las tres pelis, ha hecho un peliculón y se va a quedar con nosotros muchísimo tiempo”.

Por su parte, Javier Calvo ha apuntado que la cinta está trascendiendo fronteras. “Algo que creíamos que era muy español, muy de nuestra cultura, aquí en Estados Unidos emociona de una manera que me sorprende. Les interesa nuestra historia, les interesa Federico, y salen muy tocados de los visionados. Gente a la que admiramos muchísimo se nos está acercando, así que es un momento increíble”, ha destacado. Además, ha confesado que “el premio a mejores directores en Cannes fueron unas palabras de aliento”: “Fue una voz que nos dijo que éramos unos grandes directores. Hemos aprendido haciendo, rodando, y La bola negra ha sido el rodaje más intenso que hemos vivido todos los que hemos participado en él”.

Un “momento muy bonito” para los cineastas

Rodrigo Sorogoyen presenta en El ser querido un reencuentro, mostrando a un director de cine que quiere redimir sus pecados reencontrándose con la hija a la que abandonó. Se trata de un filme sobre la culpa, pero sobre todo sobre cómo se construye la memoria y el relato. Los recuerdos de ese padre, cuyo papel defiende Javier Bardem, y su hija, a la que interpreta Victoria Luengo, son radicalmente diferentes y ninguno pretende dar su brazo a torcer. El largometraje ha tenido un excelente éxito en taquilla, superando el debut de As bestas y salvando el verano de la taquilla española.

Sorogoyen ha reaccionado a la noticia afirmando que está en un “momento muy bonito”: “En el equipo comentamos mucho que está yendo todo muy bien. Las taquillas y las críticas van muy bien. Al público le está llegando mucho la película y sonreímos como tontos”. El cineasta ha declarado que el hecho de que El ser querido sea una de las tres películas que puede representar a España en los Oscar “es la guinda, una alegría más”. “Estamos muy contentos, sobre todo por la taquilla, que está siendo sorpresiva. Normalmente siempre pienso que no vamos a hacer taquilla, así que estoy contento de haberme equivocado”, ha añadido.

En cuanto a enfrentarse a Los domingos y La bola negra, Isabel Peña, guionista de la película, ha comentado que lo encara “con muchísimo orgullo de pertenecer a esta generación de cineastas”. “Estamos en un momento buenísimo y somos gente que, aunque se nos puede considerar jóvenes, todas las personas de todos estos equipos llevamos muchísimo tiempo currando y nos lo hemos ganado. Quiero felicitar también a los Javis y al equipo de Los domingos”, ha alegado.

Asimismo, Alauda Ruiz de Azúa se hizo con una de las películas más aclamadas del año pasado con Los domingos. Arrasando tanto en los Feroz como en los Goya, la película gira en torno a un difícil dilema: ¿qué harías si tu hija se metiera a monja? La decisión de una joven menor, que debería elegir carrera para ir a la universidad y elige un convento de clausura, enfrenta las posiciones de su padre, que deja que haga lo que quiera, y la de su tía, interpretada por Patricia López Arnaiz, que se da contra la pared constantemente en su intento de convencerles de que esa decisión no es libre, sino un proceso de gota china hecho durante años en un colegio religioso.

La directora ha indicado que Los domingos ha sido una película “muy especial”. “Lo hemos vivido con mucha emoción y estamos muy agradecidos a todos los compañeros de la Academia que nos han arropado y abrazado”, ha agregado Ruiz de Azúa. En cuanto a la segunda vida internacional que pueda tener la cinta, se muestra optimista: “Todavía no se ha estrenado en Estados Unidos, pero recuerdo que en el Festival de San Sebastián, donde ganamos la Concha de Oro, hubo mucha gente de todo el mundo e intuimos que atravesaba a la gente de distintas maneras. A veces, lo que hay dentro es mucho más profundo y sigue generando conversación entre personas de muchas culturas distintas”. “El dilema sobre lo religioso y la tolerancia está presente internacionalmente”, ha sentenciado.

Naomi Watts vuelve a ser noticia después de conocer que recibirá un Premio Donostia en el Festival de Cine de San Sebastián, cuya edición se celebrará del 18 al 26 de septiembre. Un reconocimiento que España brindará a esta actriz, cuyo salto a la fama llegó con la Mulholland Drive (2001) de David Lynch, pero que aquí será para siempre recordada por el papel que hizo en una de las películas más aclamadas del director J.A. Bayona.

Hablamos, como no podía ser de otra forma, de Lo imposible, el largometraje sobre el tsunami de 2004 que causó la muerte de unas 200.000 personas. La interpretación que Watts hizo de María Bennett, personaje inspirado directamente en la médica española María Belón cuya familia sobrevivió a aquel desastre, le valió una nominación al Oscar, aunque finalmente no ganó.

Lo que muchos no saben es que la actriz de Hollywood no tuvo claro desde el principio que quisiera ponerse al frente de este personaje. Fue ella misma quien reveló hace unos años a través de una entrevista para el medio Times Colonist que, en un primer momento, dudó en si aceptar o no la oferta de trabajo.

Una decisión clave

“Fue una tragedia, causó tanto dolor a tanta gente y se cobró tantas vidas que hacer una película que pudiera terminar siendo otra película de desastres... Hacer que pareciera espectacular de cualquier forma sería un gran error”, confesó Watts. A esta reflexión se sumaba otro problema: su gran miedo al agua. Cuando tenía 14 años, Naomi fue arrastrada por la marea junto a su hermano y su madre, una experiencia que la marcó profundamente.

Sin embargo, todo cambió cuando supo que quien estaba al frente del proyecto era Bayona. El último proyecto cinematográfico del director español había sido El orfanato, la película protagonizada por Belén Rueda que llegó tan lejos que incluso Watts admiraba. “Pensé: Bueno, es un cineasta de verdad. Él sabe de drama. Suena interesante”.

La idea de aceptar el papel terminó de formularse cuando leyó las primeras páginas de la historia que adaptaría a la gran pantalla la tragedia que se vivió en Tailandia en 2004. “Leí el guion y, desde las primeras cinco páginas, supe que lo iba a hacer”, compartió la actriz en aquella entrevista.

Su decisión dio sus frutos, pues Watts consiguió reconocimientos de toda la industria por la interpretación que hizo de María. Una mujer con la que, de hecho, coincidió en varias ocasiones durante la preparación del papel. “Cuando me senté a hablar con María por primera vez, simplemente no sabía qué decir. Me pareció extraño, en cierto modo, hacerle una sola pregunta. Yo solo soy una actriz, y ella se enfrentaba a la muerte y a la posibilidad de perder a toda su familia”, reveló tiempo después.