Favignana está presidida por una elevación que permite reconocer su perfil desde distintos puntos del territorio. En la cima del monte Santa Caterina permanecen los restos de una construcción defensiva relacionada con varias etapas de la historia de la isla. Su ubicación, desde la que se controla visualmente el litoral y buena parte de la superficie insular, explica que este lugar fuera utilizado durante siglos para vigilar las rutas marítimas próximas a Sicilia.

El castillo de Santa Caterina no surgió como un único edificio levantado en un momento concreto. Su configuración es el resultado de sucesivas intervenciones sobre una antigua atalaya sarracena, posteriormente transformada por los normandos y reconstruida en diferentes ocasiones durante la Edad Moderna. A lo largo de ese proceso, el enclave pasó de formar parte de una red de observación costera a funcionar como fortificación y lugar de reclusión.

La trayectoria del recinto ha vuelto a cobrar actualidad después de servir como escenario de 'La Odisea', la película de Christopher Nolan. La historia sigue el regreso de Odiseo a Ítaca tras la guerra de Troya, donde lo esperan Penélope y Telémaco mientras varios pretendientes amenazan con ocupar el trono. Durante el viaje, el protagonista debe superar la intervención de los dioses y el encuentro con diferentes criaturas mitológicas.

De una atalaya sarracena al dominio normando

Los antecedentes del conjunto se sitúan a comienzos del siglo IX. En el año 810 ya existía en lo alto del monte una torre sarracena destinada a detectar posibles amenazas procedentes del mar. No era un puesto aislado, sino una pieza de un sistema compuesto por tres enclaves de vigilancia repartidos por Favignana. La altura elegida permitía advertir la aproximación de embarcaciones y transmitir la alerta hacia otros sectores de la isla.

Una segunda atalaya se encontraba en la zona donde posteriormente se levantó el palacio Florio. La tercera, conocida como la Torretta o pequeña torre, ocupaba una posición relacionada con el castillo de San Leonardo. La distribución de estos puntos ofrecía cobertura sobre diferentes áreas del territorio y reforzaba el control de los accesos marítimos, una cuestión esencial para una isla situada en las rutas de la parte occidental de Sicilia.

La llegada de los normandos durante el siglo XI abrió una nueva etapa. En el contexto de la conquista de Sicilia y del sur de la península itálica, Roger I de Altavilla impulsó la construcción de Santa Caterina sobre el emplazamiento de la torre anterior. A la misma iniciativa se atribuye el castillo de San Leonardo, transformado con el tiempo hasta dar paso al actual palacio Florio. El antiguo puesto de observación quedó así integrado en una estructura militar de mayores dimensiones.

Las obras normandas no cerraron la evolución del inmueble. Durante la Edad Moderna se acometieron varias reconstrucciones que modificaron su organización y adaptaron sus dependencias a nuevas necesidades. La sucesión de actuaciones explica que los restos actuales no respondan exclusivamente a una única fase histórica. El escudo municipal de Favignana, en el que aparece un ave rapaz apoyada sobre tres torres, conserva además una referencia gráfica a este tipo de arquitectura defensiva.

Una construcción de tres niveles utilizada como prisión

Para levantar la fortificación se empleó calcarenita extraída en la propia isla, un material presente también en otros edificios y en las canteras de Favignana. La planta tenía forma rectangular y presentaba salientes asimétricos en sus cuatro ángulos. Esta disposición reforzaba determinados puntos del perímetro y se ajustaba a las funciones militares de un recinto situado en una posición expuesta, por encima del núcleo habitado y frente al mar.

El interior estaba distribuido en tres plantas. La más baja quedaba por debajo del nivel exterior y había sido excavada directamente en la roca del monte. Desde el siglo XVII, este espacio subterráneo se utilizó para mantener encerrados a prisioneros. Las otras alturas albergaban las estancias necesarias para el funcionamiento del puesto, aunque las transformaciones acumuladas y el deterioro posterior dificultan reconocer hoy la distribución completa que tuvo en cada periodo.

La entrada de luz se resolvía mediante ventanas ojivales, troneras y rendijas abiertas en los muros. Estas aberturas cumplían una doble finalidad: iluminaban las dependencias y permitían observar el exterior manteniendo la protección de quienes ocupaban el edificio. Los elementos conservados ayudan a entender cómo se combinaban la vigilancia, la defensa y la vida cotidiana dentro de una construcción levantada para resistir y controlar el entorno.

Tras perder sus funciones, Santa Caterina quedó convertida en una de las principales ruinas históricas de Favignana y en un punto panorámico sobre la isla. El mismo emplazamiento que primero permitió detectar incursiones conserva ahora los restos de las reformas efectuadas durante distintas épocas. Su estructura y su posición en lo alto del monte muestran cómo las necesidades defensivas condicionaron durante siglos la ocupación de este sector del archipiélago de las Égadas.

Sierra Sonora ya tiene horarios para su programación del verano. El festival celebrará su 25ª edición del 5 al 9 de agosto en Viniegra de Abajo y afronta el último tramo de venta de entradas con el 90% del aforo ya vendido, según ha informado la organización.

Durante cinco jornadas, la localidad riojana volverá a convertirse en un escenario cultural en el que convivirán música, arte, cine, gastronomía y artes escénicas. Las actividades se repartirán por distintos espacios del municipio, entre ellos jardines, plazas, patios, la iglesia y el entorno natural junto al río.

El cartel musical de esta edición reúne a artistas y bandas como Iseo & Dodosound, Rufus T. Firefly, Repion, Las Migas, Tu Otra Bonita, Ana Lua Caiano, El Nido, Olatz Salvador, De Fem, Honahlei, ezezez, Casapalma y Paco Pecado. A ellos se sumarán las sesiones de Van Bylen, Bárbara Gartland y Kurlzzz DJs.

La programación arrancará el miércoles 5 de agosto con “Vientos de otros valles” y una nueva edición de “Una sierra de cine”. El programa se completará con propuesta para todos los públicos, como talleres de creación, showcooking, actividades relacionadas con el bienestar y la salud mental, un freetour y una visita guiada a la exposición “Volver”.

El apartado escénico tendrá también su espacio con la representación de “A las mujeres de mi familia”, de Esther Sanz, que pondrá el broche a la programación.

Sierra Sonora nació en 2020 con el objetivo de acercar propuestas culturales de calidad al medio rural y, desde entonces, ha consolidado su apuesta por convertir Viniegra de Abajo en un punto de encuentro entre cultura, paisaje y comunidad.

El festival se presenta así como un proyecto colectivo en el que participan vecinos y vecinas, negocios locales, voluntariado, colaboradores, patrocinadores y el propio equipo de organización. Una implicación que permite que la localidad vuelva a acoger, un año más, una programación cultural que busca ir más allá de la música y dinamizar el entorno cultural.

En el debate de la Ley del Cine, la esperada reforma de una norma que necesita actualizarse y que todavía no ha podido aprobar el gobierno de coalición en todos los años que llevan en el poder, se escucharon cosas muy preocupantes. Vinieron, cómo no, de Vox. El partido de extrema derecha ya había insultado al cine español y sus representantes en muchísimas ocasiones, eso ya no sorprende. Subvencionados es lo mínimo que sale de su boca para referirse a casi todos los representantes del sector.

Pero lo que levantó todas las alarmas fue cómo, de forma abierta, ya dijeron que pretendían quitar “administración y aquellos servicios que no sean esenciales”. Cuando les preguntaron si se referían a hacer lo mismo que ha hecho Milei con Argentina y su instituto del cine, el diputado de Vox en vez de achantarse se envalentonó y dijo que cerrarían el Ministerio de Cultura.

Hemos hablado con periodistas y directores argentinos y da mucha pena, pero sobre todo mucho miedo, ver lo que ha hecho la extrema derecha con el sector del cine. La motosierra ha podado toda una industria que ha dado películas increíbles en las últimas décadas. No se está produciendo cine, sus directores o trabajan con plataformas o directamente no lo hacen. Milei ha cumplido su amenaza de forma impune.

Me sorprende que las palabras del diputado de Vox no hayan tenido casi eco. ¿Nos da igual que se diga abiertamente que esto es lo que se pretende hacer con nuestro cine?, ¿qué tiene que decir el PP ante esta amenaza? Sería el momento de establecer claramente unas líneas rojas sobre las cosas que son intocables. La cultura es una de las primeras que sufre los ataques de la extrema derecha cuando estos tocan el poder. Lo hemos visto en cada ayuntamiento y cada comunidad donde el PP les ha metido en sus gobiernos.

El sector cultural es rico, aporta dinero y valores intangibles que no se pueden medir, pero sobre todo es un sector frágil, al que unas cuantas embestidas y una motosierra bien afilada puede dejar temblando. Duele ver que no hay una posición contundente y clara para defenderlo como sí ha pasado en el pasado en otros países.

Nos da igual el gran momento que vive el cine español, su proyección internacional y la imagen de marca que da de nuestro país. Porque no va de eso, va de vengarse y de acabar contra quien no piensa como ellos. Por eso es importante que se aprueben leyes para protegerlos. Es importante el paso adelante que ha dado el estatuto del artista, y es importante que antes de que acabe la legislatura se apruebe, de una vez, una ley del cine que debe cercar lo logrado estos años antes de que desaparezca.

Tres películas

'El mensaje'. El argentino Iván Fund ganó el Premio del Jurado en el pasado Festival de Berlín con esta delicada y sutil mirada a la crisis económica en Argentina a través de una niña con un don para hablar con los animales muertos. Una road movie sobre la incomunicación y las heridas de la crisis rodada en un precioso blanco y negro.

'Nicky, la aprendiz de bruja'. La resaca de La Odisea todavía se nota, y es que hay pocos estrenos esta semana. Entre lo más interesante está la reposición de la versión restaurada en 4K de una de las primeras obras maestras del estudio Ghibli. Una oportunidad única para verla y emocionarse en pantalla grande con las aventuras de esta pequeña aprendiz de bruja.

'No soy yo'. Menuda maravilla este cortometraje donde el cineasta Leos Carax, responsable de una de las carreras más personales e inclasificables del cine de las últimas décadas, revisa su propia filmografía en un ensayo fílmico hermoso, político y lleno de su personalidad arrolladora. Lo puedes ver en Filmin.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

¿No te pasa que hay discos que no se pueden disfrutar del todo en días calurosos de verano? Es lo que me ha ocurrido a mí con el tercer álbum de Gracie Abrams, Daughter from Hell. La artista, fiel a su intimismo lírico y su minimalista producción, ha firmado un proyecto que grita melancolía y otoño. Compuesto por 16 temas y de casi una hora de duración, Abrams no abandona el estilo relajado que la llevó a la fama y que tan bien le queda en su voz, aunque no todas las canciones se digieren igual de bien. Una que sí destaca sobre el resto es Good Reason, que ya está en nuestra playlist de recomendaciones, donde puedes encontrar también las de semanas anteriores.

'Good Reason' de Gracie Abrams. La joven cantautora estadounidense, que el año pasado visitó España en el Mad Cool y hará lo propio el año que viene en Barcelona, nos abre el corazón en este tema folk-pop. Producida por Aaron Dessner, la canción aborda el dilema de tener que dejar una relación perfecta simplemente porque ya no funciona, deseando tener una excusa real o que la otra persona la trate mal para no sentirse culpable. Es uno de los mejores títulos de su nuevo disco.

'Light The Way' de Leon Bridges. Con trompetas que invitan a salir a bailar, el rey del soul moderno regala el perfecto himno veraniego como adelanto de su próximo álbum, Happiness Anytime. Producido por miembros de la banda británica Jungle, el tema presenta un ritmo optimista que fusiona funk, R&B y sutiles destellos de música africana. A diferencia del proyecto de Gracie Abrams, esta pista sí es perfecta para escuchar bajo el sol en estos días de julio.

'Esquinitas' de Maria Arnal. La artista catalana regresa con una joya sonora que nos reconcilia con el mundo y nos invita a buscar la luz en los días más difíciles. En este nuevo single, Arnal fusiona electrónica con folk experimental para cantar a la esperanza de tiempos mejores. “No hay mal que por bien no venga”, dice la cantante recurriendo a uno de los dichos populares. Maria Arnal visitó a inicios del año pasado la redacción de elDiario.es, donde ya adelantó que estaba trabajando en su primer disco en solitario, AMA, publicado este año. Escúchala.

Tres libros, por Andrea Benavent

'La tarde de un domingo' de Gabriel Lavao Calafell (Talón de Aquiles). En este poemario, Gabriel Lavao Calafell explora la nostalgia, el amor, el paso del tiempo y la intimidad de los momentos cotidianos. El libro supone la carta de presentación de una de las voces emergentes de la poesía y una invitación a descubrir a un nuevo y joven autor. Una lectura para las tardes calurosas, que ojalá fueran infinitas, de vacaciones. Ya puedes encontrarlo en las librerías.

'Cerillas Garibaldi' de Julià Guillamon (Galaxia Gutemberg). Con humor y una buena dosis de ironía, Julià Guillamon reúne una colección de relatos breves que encuentran en el absurdo el mejor detonante para la risa y la reflexión. La IA, los videojuegos, el arte o los asuntos domésticos protagonizan estas historias que, como las cerillas que dan título al libro, saltan al rozar la realidad. Para carcajadas en la playa. Ya disponible en librerías.

'Inventario de lo que queda cuando el bosque arde' de Michele Ruol (Siruela). El autor Michele Ruol propone un retrato del duelo a través de los objetos que permanecen en una casa tras una tragedia. Pasando por cada habitación, el autor recompone la historia de una familia marcada por la pérdida y, con una escritura delicada, toca temas como la culpa, el perdón y la memoria. Puedes hacerte con la obra en las librerías.

Cinco planes para el finde, por Laura G. Higueras

'Música en cada rincón' (Cantabria y Huelva). Esta intervención artística corre a cargo de Suakai, un colectivo que reúne a creadores que comparten una misma manera de sentir y respetar la música: honrando su pasado, mirando al futuro y poniéndola siempre en el centro. Para ello organizan esta iniciativa que recorre la España despoblada en la que 'instalan' la Plaza Suakai, un espacio abierto donde vecinos, visitantes, artesanos y creadores conviven antes del concierto con el que culminan sus jornadas.

Hay actividades como concursos de fotografía y vídeo y 'Voces del territorio', donde se escuchan las historias de quienes habitan en cada lugar. Arrancan el sábado en Pesaguero (Cantabria), el martes 28 estarán en Sanlúcar de Guadiana (Huelva) y más adelante estarán en Patones (Madrid), Castell de Mur (Lleida), Enciso (La Rioja) y Usún (Navarra).

Festival de Teatro de Olite (Navarra). Este festival alcanza este fin de semana su ecuador con teatro, circo y creación comunitaria. Entre las producciones que podréis ver están 'Leonora' en La Cava el viernes, un montaje que propone un acercamiento libre al universo de la artista Leonora Carrington; y 'No mires', también en La Cava, el sábado, un thriller escénico que aborda cuestiones como la culpa, el silencio, el compromiso político y la memoria familiar.

'Enclave de agua' (Soria). Este festival gratuito celebra su 19ª edición uniendo ritmos de blues, soul, funk, rock y afrobeat con la naturaleza y el río Duero. En el cartel de los artistas que podréis disfrutar durante el finde están Tom McGuire & The Brassholes, Judith Hill, London Afrobeat Collective, Shirley avis & The Silverbacks, Juan Zelada, Daniel Nel-Lo y Lion Family Band. Cuenta con actividades paralelas como un mercado de artesanía, talleres y jam sessions.

'Agua' (Avilés). El Centro Niemeyer acoge esta exposición del fotógrafo canadiense Edward Burtynsky, que reúne una selección de impactantes imágenes que exploran la compleja relación entre el ser humano y uno de los recursos más esenciales del planeta, el agua. El artista ha atravesado los cinco continentes para documentar paisajes y escenarios donde el agua es protagonista de historias de transformación, tensión y fragilidad. Desde vastas estructuras hidráulicas hasta explotaciones industriales, pasando por deltas, glaciares y zonas afectadas por la sequía, Burtynsky sitúa al público frente a realidades al límite, revestidas de un poderoso encanto visual.

'Un tema Al Día, ¡en el teatro!' (Madrid). Ojito con este planazo para el que por desgracia todavía quedan unos meses, pero apuntaros ya el próximo 3 de octubre en vuestros calendarios. Y no solo porque sea mi cumpleaños (que evidentemente es un evento importantísimo ;), sino porque los compañeros de nuestro maravilloso podcast diario (que si no escucháis cada mañana, deberíais empezar a hacerlo también ya) van a hacer un episodio especial, en directo, en el Teatro Lope de Vega (sí, el mismo que donde representan El Rey León, nivelazo). Podéis conseguir las entradas en este enlace, ¡aprovechad que todavía quedan!

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Lo que Nolan no muestra. Todo el mundo habla de La Odisea. Nosotros también. En este artículo de The Guardian analizan todo lo que la película ha cambiado, omitido, o inventado respecto a la obra original.

Un festival modélico, al límite. No conocía el Dansàneu, uno de esos pocos festivales que no apuestan solo por el dinero, sino por aportar algo a la localidad que lo acoge y a la industria cultural. Puede que sea su último año.

Lo que realmente da miedo. La literatura siempre está atenta a lo que nos asusta. Desde siempre, pero ahora más, el miedo a no tener un techo es uno de nuestros grandes temores. Mucho más que cualquier espíritu.

Anne Hathaway ha ofrecido la actualización más esperanzadora hasta la fecha sobre Princesa por sorpresa 3. Durante una entrevista concedida a la emisora SiriusXM, en plena gira promocional de La Odisea, la actriz explicó que la tercera entrega de la popular saga de Disney ha dado un giro decisivo después de que el equipo creativo optara por abandonar el guion en el que trabajaba y empezar de nuevo. Pese a reconocer que el proceso ha sido largo, aseguró que ahora el proyecto avanza “en la dirección correcta”.

La intérprete, que volverá a dar vida a Mia Thermopolis, explicó además que ahora mismo está centrada en su tercer embarazo, una circunstancia que hace que todavía no sepa cuándo podrá comenzar el rodaje. Aun así, dejó claro que el desarrollo de la película continúa y transmitió un mensaje de optimismo sobre su evolución. “Creo que hemos dado un gran paso adelante. Creo que estamos avanzando en la dirección correcta”, afirmó antes de explicar que el libreto anterior fue descartado por completo.

“El guion en el que estábamos trabajando... Bueno, tuvimos que empezar de cero en una nueva dirección, lo cual no es precisamente la noticia que nadie querría recibir, pero todos tenemos la sensación de que esta va a ser la definitiva”, añadió Hathaway al explicar el cambio de rumbo que ha experimentado el proyecto durante su desarrollo.

Una década de desarrollo para encontrar el camino

El desarrollo de Princesa por sorpresa 3 se ha prolongado durante cerca de una década. La producción quedó paralizada en 2016 tras la muerte de Garry Marshall, director de las dos primeras películas. Disney recuperó el proyecto en 2022 y, dos años después, confirmó oficialmente el regreso de Hathaway al papel protagonista y el fichaje de Adele Lim, conocida por escribir Crazy Rich Asians y dirigir Locas en apuros, como responsable de la nueva entrega.

Precisamente Lim ya había avanzado cuál será el enfoque de esta continuación. En declaraciones a E! News explicó que tanto ella como Hathaway, al igual que buena parte del público que creció con la saga, son ahora madres y consideran que la evolución natural del personaje pasa por explorar una etapa distinta. “Hay muchísimas películas de deseos cumplidos para princesas. No hay películas de deseos cumplidos para reinas y eso es lo que queremos ver”, resumió la cineasta.

La propia Hathaway también había reconocido anteriormente a Entertainment Weekly que el equipo trabaja con cautela para no precipitar una secuela que no esté a la altura. La actriz explicó que su experiencia participando en El diablo viste de Prada 2 le recordó el nivel de exigencia que acompaña a este tipo de regresos y defendió que solo merece la pena sacar adelante la película si consigue responder a esas expectativas.

El éxito de la saga coincide con el fenómeno de La Odisea

El interés que sigue despertando el regreso de Mia Thermopolis también se explica por el recorrido comercial de la franquicia. Princesa por sorpresa, estrenada en 2001, recaudó alrededor de 165 millones de dólares en todo el mundo, mientras que la segunda entrega, estrenada en 2004, sumó cerca de 134 millones de dólares en la taquilla internacional, consolidando la saga como uno de los grandes éxitos familiares de Disney de comienzos de siglo.

Las declaraciones de Hathaway llegan, además, en un momento de máxima exposición para la actriz gracias al estreno de La Odisea, la nueva película de Christopher Nolan, en la que interpreta a Penélope y Matt Damon se convierte en Odiseo. El filme lideró la taquilla española durante el fin de semana del 17 al 19 de julio, según datos del mismo Ministerio de Cultura, con una recaudación de 4,48 millones de euros y más de 526.000 espectadores, situándose con claridad como el estreno más visto del país.

La vuelta de La La Land a los cines por su décimo aniversario está generando conversación, y no únicamente por su reestreno. Después de haber asegurado durante años que el póster de la película lo atormentaba, los deseos de Ryan Gosling se han cumplido y la productora ha realizado un “pequeño ajuste” en la imagen promocional. Ese detalle reside en la mano del actor, cuya dirección ha cambiado en un cambio que habrán notado los fans más acérrimos del filme.

El póster original de la película estrenada en 2016 muestra a Emma Stone y Gosling bailando con el horizonte de Los Ángeles de fondo, un fotograma de una de las partes más importantes de la historia. En la imagen, ambos actores tienen un brazo levantado, pero mientras que la mano de Stone está extendida hacia arriba, la de Gosling está plana, una decisión de la que se ha pasado mucho tiempo confesando que se arrepentía. Afortunadamente, en el nuevo póster, su mano también está extendida hacia arriba.

En 2024, Gosling le contó a la revista The Wall Street Journal sobre ese “momento” que seguía persiguiéndolo casi una década después: “Estábamos bailando, Emma y yo, y no sabía que eso se convertiría en el póster de la película. Se suponía que debíamos tener las manos en alto, y pensé que sería genial poner la mía [más plana], aunque todos me decían que no molaba. Yo estaba seguro de que era mejor así”. “Ahora que lo veo, y tengo que verlo todo el tiempo, ¿sabes qué habría sido lo mejor que eso? Esto”, añadió Gosling al imitar una mano recta, alegando que de la forma en que lo hizo “le quitaba toda la magia”.

El intérprete se ha referido a esa secuencia desde entonces como “La La Mano”, haciendo un juego de palabras con land, la última palabra del título de la cinta, y el término hand, que en inglés significa mano. Sin embargo, aunque él ahora esté más feliz con el resultado del nuevo póster, hay fans que siguen prefiriendo el original. Un usuario de X ha mostrado su descontento justificando que “las manos estando en posturas diferentes era una metáfora de su relación”, mientras que otro ha comentado que era “un feliz accidente que funcionó para la historia”.

Para celebrar su décimo aniversario, La La Land regresará a la cartelera de los cines estadounidenses a partir del domingo 16 de agosto. Se trata de un movimiento limitado hasta ahora a este país, por lo que todavía se desconoce si la cinta se proyectará también en España. Tras su estreno en 2016, la película acabó recaudando 447 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 30 millones. El filme no llegaría a España hasta enero de 2017, cuando se convirtió en un éxito con un debut cercano a los 2 millones de euros.

Gosling ganó un Globo de Oro por su papel de Seb, un aspirante a pianista que se enamora de Mia (Stone), una actriz que no logra triunfar. Stone, por su parte, ganó el premio a la mejor actriz en los Oscar. En total, la cinta dirigida por Damien Chazelle cosechó seis estatuillas de la Academia de Hollywood. Antes obtuvo 14 nominaciones, igualando un récord histórico que rompió Los pecadores en la última edición con 16 candidaturas. Actualmente se está preparando un musical para Broadway.

No lleva ni una semana en cartelera, pero La Odisea de Christopher Nolan ya apunta a convertirse en una de las películas más importantes del año. Lo avalan los datos de la taquilla, donde el filme logró un debut a nivel global de 264,1 millones de dólares, el mayor de la carrera del cineasta, superando a El caballero oscuro: La leyenda renace (2012) y Oppenheimer (2024).

Al enorme presupuesto de la película (250 millones) se sumaron otros ingredientes que han generado una enorme expectación alrededor del largometraje, como el reparto, que incluye caras tan conocidas como la de Matt Damon (Odiseo), Anne Hathaway (Penélope) o Tom Holland (Telémaco), los lugares en los que este se ha rodado o los efectos utilizados por Nolan para dar vida a algunas de las criaturas mitológicas protagonistas.

No son pocos los monstruos que acompañan a Odiseo a lo largo de su viaje de regreso a Ítaca y que el director de Interstellar ha decidido llevar a la gran pantalla. Hablamos de sirenas, cíclopes y otras criaturas que se alimentan de humanos y que ponen en peligro al personaje interpretado por Damon y sus hombres en distintos momentos de esta historia épica.

Qué criaturas aparecen en la película

Uno de los primeros monstruos a los que se enfrenta Odiseo en la película es Polifemo, un cíclope de un solo ojo, hijo de Poseidón, dios del mar. Tras desembarcar en su isla, Odiseo y varios de sus hombres quedan atrapados en la cueva del gigante, que bloquea la salida con una enorme roca y comienza a devorar a algunos de los marineros. Aunque algunos consiguen salir con vida, Poseidón maldice su viaje de regreso a casa.

Tras escapar de Polifemo, Odiseo y su tripulación llegan a la tierra de los lestrigones, una raza de gigantes caníbales que protagonizan una de las escenas más intensas de la película. Estos gigantes atacan sin piedad a los hombres del rey de Ítaca, que solo trataban de encontrar provisiones en la isla y que finalmente tienen que salir corriendo. Los lestrigones incluso llegan a destruir uno de los barcos del ejército itacense, poniendo el jaque la travesía.

En la Odisea de Homero, las sirenas son criaturas monstruosas con cuerpo de ave y rostro de mujer que atraen a los marineros hacia la muerte a través de su canto. En la película, estas adoptan una forma humana más convencional y apenas aparecen en pantalla, reforzando el misterio sobre el poder que tiene su canto, pero también protagonizan una escena clave de la historia.

En alta mar, Odiseo y sus hombres también tienen que enfrentarse a Escila, un monstruo de varias cabezas que acecha desde una gruta en un estrecho y que se encuentra justo enfrente de Caribdis, un gigantesco remolino en mitad del océano capaz de engullir barcos enteros. Escila es el último monstruo mitológico que aparece físicamente en la adaptación cinematográfica de Nolan.

La música de La Odisea ha despertado tanta curiosidad como la propia adaptación cinematográfica de Christopher Nolan. El motivo no está solo en que el director haya vuelto a confiar en Ludwig Göransson, su colaborador en Tenet y Oppenheimer, sino en la decisión creativa que ambos han tomado para la nueva película: prescindir de la orquesta sinfónica tradicional. En su lugar, el compositor sueco ha construido la banda sonora a partir de instrumentos inspirados en la Antigua Grecia, como liras, aulos o una colección de 35 gongs de bronce, combinados con sintetizadores para crear un lenguaje sonoro propio. La elección no responde únicamente a una cuestión estética, sino también histórica. “La orquesta no existía entonces”, explicó el propio Göransson en declaraciones para Time, al justificar un enfoque que busca alejarse de los códigos musicales que tradicionalmente han acompañado al cine ambientado en la Antigüedad.

La decisión resume el momento que atraviesa el compositor sueco. Con solo 41 años, Göransson ya ha ganado tres premios Oscar a la mejor banda sonora por Black Panther, Oppenheimer y Sinners, además de varios premios Grammy, Globos de Oro y Emmy. Aunque todavía se encuentra lejos de la trayectoria de John Williams, el compositor vivo con más nominaciones a los Oscar (54) y ganador de cinco estatuillas, o de Hans Zimmer, ganador de dos premios de la Academia y autor durante más de cuatro décadas de algunas de las bandas sonoras más influyentes del cine contemporáneo, el ritmo con el que ha acumulado reconocimientos y su condición de colaborador habitual de cineastas como Christopher Nolan y Ryan Coogler explican por qué hoy comparte la primera línea de la música para el cine con nombres como John Williams y Hans Zimmer.

Del blues sueco a Hollywood

Nacido en 1984 en la ciudad sueca de Linköping, Göransson creció en una familia donde la música formaba parte de la vida cotidiana. Su padre era guitarrista de blues y profesor, mientras que su madre tocaba el piano. Aquella combinación de influencias despertó muy pronto su interés por la música y le permitió crecer escuchando estilos muy diferentes. Tras estudiar en el Real Conservatorio de Estocolmo, obtuvo una beca para especializarse en composición para cine en la Universidad del Sur de California, una decisión que marcaría definitivamente su carrera profesional.

Fue precisamente en Los Ángeles donde conoció al entonces joven director Ryan Coogler. Ambos comenzaron colaborando en el cortometraje Locks después de coincidir gracias a un amigo común y descubrir que compartían una forma muy parecida de entender el cine y la música. Aquella primera colaboración terminó convirtiéndose en una de las asociaciones creativas más estables de Hollywood. Desde entonces, Göransson ha compuesto todas las películas dirigidas por Coogler: Fruitvale Station, Creed, Black Panther y, más recientemente, Sinners. Para esta última, el compositor dedicó meses a investigar la historia del blues y sus conexiones con otros estilos musicales, un trabajo previo que terminó impregnando toda la identidad sonora de la película.

A esa trayectoria junto a Coogler se suman colaboraciones con algunos de los nombres más influyentes de la industria. Christopher Nolan recurrió a él para sustituir a Hans Zimmer en Tenet, una colaboración que continuó con Oppenheimer y ahora con La Odisea. En paralelo, Göransson ha firmado las bandas sonoras de producciones como The Mandalorian, Venom, Turning Red o Black Panther: Wakanda Forever, ampliando un currículo que combina cine, televisión y grandes franquicias. Fuera de la pantalla también ha desarrollado una sólida carrera como productor musical junto a Donald Glover, conocido artísticamente como Childish Gambino, con quien produjo, entre otros trabajos, el éxito This Is America, galardonado con el Grammy a la Grabación del Año y a la Canción del Año.

El compositor que convierte cada proyecto en una investigación

Si algo distingue a Göransson de buena parte de sus contemporáneos es el tiempo que dedica a documentarse antes de empezar a escribir música. El propio compositor ha explicado en varias ocasiones que intenta salir de su zona de confort en cada proyecto y buscar sonidos que no haya utilizado anteriormente. Esa filosofía vuelve a estar presente en La Odisea. Ante la petición de Christopher Nolan de no utilizar una orquesta convencional, Göransson emprendió una investigación sobre los instrumentos que pudieron escucharse en la antigua Grecia y trabajó junto a musicólogos e intérpretes especializados para aproximarse a ellos con el mayor rigor posible.

El resultado incorpora liras interpretadas siguiendo criterios históricos, aulos reconstruidos a partir de fuentes arqueológicas y una colección de 35 gongs de bronce de distintos tamaños adquiridos expresamente para la película. A ese conjunto añadió sintetizadores, un recurso deliberadamente anacrónico que amplía la textura sonora sin renunciar a la inspiración histórica. “Sabía que, para crear un mundo completamente original, tenía que salir también de mi zona de confort y encontrar sonidos con los que nunca hubiera trabajado”, explicó el compositor sobre el proceso creativo de la película en declaraciones para el medio anteriormente citado.

Tres Oscar antes de los 42 años

La banda sonora de La Odisea representa un nuevo desafío dentro de esa trayectoria. En lugar de recurrir a la gran orquesta que durante décadas ha definido el sonido del cine épico, Göransson ha optado por investigar cómo pudo sonar realmente el mundo de Homero y construir desde ahí un lenguaje musical propio mediante instrumentos inspirados en la Antigua Grecia y recursos electrónicos. Esa capacidad para replantear cada proyecto desde cero, unida al reconocimiento acumulado en muy pocos años, explica por qué el compositor sueco ya comparte la primera línea de la música para el cine con figuras como John Williams y Hans Zimmer.

El Ayuntamiento de Telde, en Gran Canaria, aprobará este jueves la concesión de la licencia de obra mayor para acondicionar una nave industrial del polígono de El Goro como plató de cine y oficinas de producción audiovisual, con una inversión privada de más de un millón de euros.

El proyecto, según el Consistorio, transformará un inmueble situado en la calle Josefina Mayor en unas modernas instalaciones destinadas a albergar producciones cinematográficas y audiovisuales, incorporando un gran espacio de rodaje junto a las dependencias técnicas y administrativas de la empresa promotora.

La actuación ha obtenido informe técnico y jurídico favorable al cumplir con el planeamiento urbanístico vigente y con la normativa de aplicación, por lo que la licencia podrá ser concedida por la Junta de Gobierno Local una vez culminada la tramitación administrativa, añade el Ayuntamiento.

Además de la adecuación interior de la nave, el proyecto prevé la adaptación completa del edificio para su nuevo uso, manteniendo los parámetros urbanísticos establecidos para la zona industrial y comercial de El Goro.

El inmueble cuenta con dos plantas y todos los servicios urbanísticos necesarios, como el abastecimiento de agua, saneamiento, suministro eléctrico, alumbrado público, acceso rodado y aceras, lo que facilita la implantación inmediata de la actividad.

Los trabajos dispondrán de un plazo máximo de dos años para iniciar las obras y cuatro años para su finalización, conforme a la legislación urbanística de Canarias.

El Ayuntamiento teldense considera que la creación de este nuevo espacio audiovisual supone un “importante paso” para la diversificación económica del municipio y “refuerza el papel de Telde dentro del creciente sector cinematográfico de Canarias”, uno de los territorios europeos con mayor volumen de rodajes gracias a sus incentivos fiscales, la calidad de sus infraestructuras y sus excepcionales condiciones climáticas.

La ubicación elegida, en el polígono industrial de El Goro, contribuye a reforzar el “papel estratégico” de esta zona empresarial como uno de los “principales motores económicos” del municipio, favoreciendo la llegada de nuevas inversiones privadas y la consolidación de actividades de alto valor añadido, ha señalado el alcalde de Telde, Juan Antonio Peña.

La actriz estadounidense Kaylee Hottle, conocida por su participación en las películas Godzilla vs. Kong (2021) y Godzilla x Kong: The New Empire (2024), ha muerto este martes a los 18 años en un accidente de tráfico en Frederick, Maryland. Su padre, Joshua Hottle, ha confirmado la noticia en un video publicado en redes sociales en lenguaje de signos, en el que explica que se enteró de que Kaylee había sufrido un grave accidente de coche y que había fallecido camino al hospital, según TMZ.

Hottle también destacó en declaraciones a medios locales el compromiso de su hija con la comunidad sorda y su humildad pese al éxito que alcanzó en su carrera cinematográfica. La escuela especializada en personas con sordera, donde la actriz cursaba su último año, lamentó la muerte de Hottle en un mensaje publicado en redes sociales.

“Con profunda tristeza compartimos la noticia del fallecimiento de Kaylee Hottle en un accidente de tráfico en Frederick, Maryland”, señaló la institución, que pidió a la comunidad mantener a sus seres queridos en sus pensamientos. Hottle, que era sorda al igual que varios miembros de su familia por parte paterna, debutó en el cine interpretando a una niña sorda que se comunicaba mediante lenguaje de signos con King Kong.

Su personaje retomó protagonismo en la secuela de 2024 y la actriz también apareció en un episodio de la serie Magnum, P.I., además de convertirse en una figura de representación para la comunidad sorda en Hollywood. La actriz viajaba como pasajera en un vehículo implicado en un accidente de un solo automóvil, en el que el conductor, también adolescente, resultó herido. La oficina del sheriff del condado de Frederick indicó al canal WBAL-TV de Baltimore que el exceso de velocidad podría haber sido un factor en el siniestro.

“No es una historia, es la historia”, compartió Christopher Nolan en la CinemaCon a principios de este año. El director hablaba de La Odisea, el poema épico que tiene unos 3.000 años de antigüedad y cuya adaptación cinematográfica llegó al cine el pasado 16 de julio. Lo hizo por todo lo alto, como la primera película de la historia en ser rodada íntegramente en formato IMAX, y desde entonces no ha dejado de dar que hablar.

Más allá de las técnicas utilizadas por el cineasta durante el rodaje, una de las cuestiones que más se está comentando tiene que ver con las localizaciones elegidas por Nolan para poner en pie la historia sobre el viaje de Odiseo (Matt Damon) de vuelta al reino de Ítaca. La película se rodó casi íntegramente en locaciones reales, viajando desde Marruecos a Italia, pasando por Islandia y Grecia, entre otros países.

En este último, el rodaje tuvo lugar entre marzo y abril de 2025. El equipo de Nolan se trasladó concretamente a la región del Peloponeso para rodar las secuencias protagonizadas por el cíclope Polifemo y su encuentro con Odiseo y sus hombres. En la película, esta parte de la historia se desarrolla en una cueva, una formación geológica que en realidad se llama Cueva de Néstor.

Donde Hermes escondió el ganado

La cueva de Néstor es una caverna que se encuentra en la roca donde se construyó el antiguo castillo de Navarino, concretamente sobre la playa de Voidokilia, cerca de Pilos (Mesenia). La cavidad, que tiene una profundidad de unos 50 metros y una altura de unos 20, no puede visitarse porque tiene restos neolíticos, pero Nolan consiguió los permisos para convertirla en set de rodaje.

La cueva está relacionada con dos mitos. Se dice que esta perteneció a Néstor, hijo de Neleo y rey de Pilos, quien aparece en la otra gran obra de Homero, La Ilíada. Pero también existe otra historia, que dice que esta cavidad es donde supuestamente Hermes escondió 50 bueyes robados a su hermano Apolo. Para no ser descubierto, hizo caminar al ganado hacia atrás, confundiendo las huellas del suelo.

En la película, la cueva se convierte en el hogar del cíclope Polifemo, un monstruo creado mediante un gigantesco títere animatrónico e interpretado físicamente por Bill Irwin. Para diseñar su aspecto, Christopher Nolan se inspiró, entre otras referencias, en Saturno devorando a su hijo, de Francisco de Goya.

El rodaje en el interior de la cueva tampoco fue especialmente agradable. En varias entrevistas, Damon recordó que el equipo tuvo que atravesar una auténtica “cortina de abejas” para acceder a la cavidad. A ello se sumó el intenso olor de las ovejas que los acompañaron durante el rodaje de esta secuencia. Esa sensación de incomodidad y encierro terminó trasladándose a la pantalla y dio lugar a una de las escenas más inquietantes de toda La Odisea.

Las Palmas de Gran Canaria vuelve a traer esta semana la propuesta cinematográfica 'Vamos de cine' con títulos icónicos, proyecciones familiares y películas musicales. La pantalla gigante al aire libre se encenderá el jueves 23 en el parque Europa de Jinámar, el viernes 24 en la plaza de Canarias y el sábado 25 en el parque del Estadio Insular.

El barrio de Jinámar se estrena este jueves en la programación veraniega de esta iniciativa municipal de acercar a todos los distritos el cine al aire libre. Diferentes proyecciones, largos y cortos, que llegan con roscas gratuitas para los asistentes. A las 21:00 horas, el parque Europa acogerá el visionado de Regreso al Futuro, una de las películas más emblemáticas del cine de aventuras y ciencia ficción. Dirigida por Robert Zemeckis y estrenada en 1985, esta inolvidable historia sigue las peripecias de Marty McFly, un adolescente que viaja accidentalmente al pasado a bordo de un revolucionario automóvil convertido en máquina del tiempo. Se trata de un clásico indiscutible del cine que, más de cuatro décadas después de su estreno, continúa siendo un referente para espectadores de todas las edades.

Proyecciones para el viernes 24 y sábado 25 de julio

El viernes 24, la pantalla se instalará en la plaza de Canarias para proyectar Rondallas. A las 21:00 horas, la trasera del parque Santa Catalina celebrará el 75 aniversario de la Casa de Galicia con este largometraje en homenaje a la contribución de la comunidad gallega a la vida social de la capital grancanaria. Con un destacado reparto encabezado por Javier Gutiérrez, María Vázquez y Tamar Novas, Rondallas combina emoción, humor y sensibilidad en una historia que pone en valor la importancia de la cultura popular y los vínculos que unen a las personas.

La programación continuará el sábado día 25 con sesión doble en el parque del Estadio Insular. A las 19:00 horas, ocupará la pantalla Mi vecino Totoro, una de las obras más emblemáticas del cine de animación japonés. Dirigida por Hayao Miyazaki y producida por Studio Ghibli, esta entrañable película, considerada un clásico del cine familiar, invita al público a adentrarse en un universo donde la naturaleza, la imaginación y la infancia se entrelazan con delicadeza y sensibilidad.

Cerrará la cartelera de la semana, a las 21:00 horas, Moulin Rouge!, el aclamado musical que revolucionó el género con su deslumbrante puesta en escena y su innovadora banda sonora. Dirigida por Baz Luhrmann, la película, de cuyo estreno se cumplen veinticinco años, ganó dos premios Oscar.

La Escuela Superior de Formación Audiovisual, Animación 3D y Nuevas Tecnologías (CEV) va a realizar su tercer ERE en cuatro años, despidiendo a todos sus trabajadores, 48 entre equipo docente y no docente, dejando el futuro del centro en el aire. Los afectados dan por hecho que el objetivo es el “cierre definitivo” de la sede de la institución ubicada en Madrid –la de Barcelona seguirá abierta–, dejando a empleados y alumnos “con el culo al aire”. “Fue poner las notas y recibir un mail diciéndonos adiós”, comparte con elDiario.es una de las profesoras afectadas, que prefiere mantener su anonimato.

CEV es un centro de educación privado que abrió sus puertas en 1975, y que abarca ciclos de Grado Medio y Superior en áreas creativas y tecnológicas. En sus más de cincuenta años de experiencia, ha formado a más de 25.000 profesionales.

Los siete empleados consultados por este periódico coinciden en que el CEV, que cuenta con una trayectoria de más de cincuenta años, sufrió un gran cambio, a peor, desde que en 2019 fue adquirido por el grupo francés –controlado por el fondo de inversión chino Cathay Capital– AD Education. Una red de más de 37 escuelas presente en diez países de Europa, especializada en diseño, videojuegos, comunicación, sonido, el sector audiovisual y la música. Una de ellas es la Escuela Superior de Imagen, Sonido y Tecnología CES, localizada igualmente en Madrid, e históricamente principal competidora de CEV confirman a elDiario.es

Desde su adquisición, además de un cambio en la directiva, la escuela ha sufrido tres eres. El primero de ellos en 2022, el segundo en 2025 y ahora va a producirse el tercero. Los trabajadores están todavía en periodo de negociación con la empresa, teniendo como principal objetivo que no se produzca su clausura, pero reconocen a este medio que no son nada optimistas: “Estamos seguros de que va a haber un cierre”.

Fuentes cercanas a la dirección del CEV confirman a elDiario.es la existencia de este ERE, aunque avanzan que la “posibilidad de cierre” depende de la negociación en curso: “Definitivo no es”. Achacan la “necesidad” de haberlo presentado a los trabajadores a “la bajada de las matrículas en los últimos dos, tres ejercicios”.

Para la plantilla, y así lo afirman en un comunicado al que ha tenido acceso este medio, la gestión de AD Education forma parte de “una lógica empresarial que prioriza la rentabilidad por encima de la calidad educativa y que aspira a concentrar la oferta formativa y eliminar la competencia”. En su texto señalan igualmente como “imprescindible” la intervención de la Conserjería de Educación de la Comunidad de Madrid: “No puede permanecer ajena al cierre de un centro de referencia y a las consecuencias que este provoca en cientos de estudiantes y trabajadores”.

También afirman que no les ha “sorprendido” lo sucedido. Desde la entrada de AD Education, aseguran que estaban “muy descontentos” con la “dejadez”, entre otros aspectos, en la labor de marketing para reclutar a nuevos alumnos. O en la adquisición y actualización del material técnico necesario, que “se ha ido quedando obsoleto porque no se invertía lo suficiente”. “Consideramos que no se han hecho los esfuerzos necesarios o no han estado bien dirigidos”, critican ante este periódico.

Informe del ERE una semana después del 'Open Day'

La actividad de los perfiles oficiales del CEV en redes sociales desconciertan, ya que la última publicación en X (antes Twitter) es de mayo de 2025. Sin embargo, en Instagram la percepción de que la actividad del centro seguirá con total normalidad.

Su último post hasta la fecha es de hace apenas tres semanas, con un resumen en vídeo de lo que dio de sí la jornada de puertas abiertas, su 'Open Day', celebrado el pasado 12 de junio, y en el que participaron varios profesores. Una iniciativa que contrasta con el mensaje que recibieron una semana después (19 de junio) los alumnos que ya estaban matriculados para el próximo curso (en el caso de los que estuvieran a mitad de su formación en los diferentes grados medios y superiores que ofrecían) o que tenían pendiente la recogida de sus títulos. Los trabajadores también fueron informados sobra su despido colectivo el 19 de junio, por mail.

Una de las estudiantes afectadas, que prefiere no revelar su identidad, explica a elDiario.es que “a algunos compañeros les llegó un correo a su dirección personal, no la proporcionada por la escuela, informando de que se iba a hacer un despido colectivo”. Al ocurrir días después del día de puertas abiertas, “a todo el mundo le pilló desprevenido”, comenta sobre cómo lo vivieron los estudiantes. En gran parte porque no se les ha dado “ningún tipo de alternativa”: “Ha sido caótico, podrían haber reservado plazas en otras escuelas. Hay quienes han conseguido entrar en algún otro sitio, pero la realidad es que nos han dejado con el culo aire”.

En su caso, tuvo “suerte” porque todavía no había pagado la matrícula de segundo de la titulación que estaba cursando, y no ha tenido que gestionar la devolución del dinero. “Estábamos descontentos por algunas cosas, desastres con algunas gestiones. Teníamos quejas pero ni de lejos podíamos pensar que esto iba a pasar”, lamenta. Otro compañero que quiere preservar su anonimato sí que había concluido su grado cuando se le informó del despido colectivo. A él solo le faltaba recoger su título.

Al preguntar a la escuela en un correo electrónico que ha podido consultar elDiario.es, desde el CEV le indicaron que para recogerlo “lamentablemente” no tendría que ponerse en contacto con ellos, ya que “la escuela no continuará el próximo año”. “La documentación la remitirán a algún centro público y probablemente os avisarán desde la Conserjería de Educación”, añadía el mensaje.

“Ver el fin duele”

Los profesores expresan frustración y pena por lo sucedido. “Lo que está pasando es triste porque estamos hablando de una escuela que cumplía cincuenta años, es de las más veteranas y ha formado a una cantidad de profesionales del audiovisual impresionante. Ver el fin duele”, comenta uno de ellos. “He perdido la ilusión de pertenecer a una empresa que no aprecia a sus trabajadores”, reconoce, al igual que una de las cosas que más le han “preocupado” es qué va a ocurrir con sus alumnos.

Una de sus compañeras coincide en que “todo es muy desalentador” porque están “luchando porque siga la escuela”, pero a su vez, “¿con qué alumnos? Si es que ya está todo el pescado vendido”. Tampoco es fácil la situación para ellos, ya que deben de enfrentarse al mercado laboral para suplir lo que ganaban en el CEV. “Yo por suerte tengo otro trabajo, que no me va a sacar de pobre, pero me ayudará un poco”, indica uno de ellos sobre un contexto que no es igual para todos los afectados. Por el momento queda esperar a que concluya el periodo de negociaciones para saber cuáles serán las condiciones finales del ERE y a que desde el CEV den una respuesta clara sobre qué va a pasar con el futuro de la escuela.

Mientras el cine de animación se encaminaba hacia una era digital y de modelado en 3D a principios de los 2000, el Studio Ghibili se mantuvo fiel a la animación tradicional, con el dibujo a mano de fotograma a fotograma, con sus reconocibles fondos a acuarela, su paleta de colores vivos y la fluidez de movimiento de la naturaleza, el viento y el agua. De entre las más ricas a nivel visual y creativo, además de ser una de las más populares, encontramos ‘El viaje de Chihiro’, que cumple 25 años este 2026 y que supuso ese golpe sobre la mesa de apostar por la animación tradicional cuando triunfaban largometrajes como ‘Shrek’ o ‘Monstruos S.A’ de Pixar.

Y les salió bien, recaudó aproximadamente 396 millones de dólares a nivel mundial, siendo la más taquillera de la historia entonces en Japón, además de que fue la primera de anime y de habla no inglesa en ganar el Premio Óscar a Mejor Película de Animación en 2003, y también el Oso de Oro en el Festival de Berlín.

El curioso origen de ‘El viaje de Chihiro’

Después del éxito con ‘La princesa Mononoke’, Hayao Miyazaki pensó en retirarse del cine y así lo había declarado de forma pública, pero todo cambió cuando pasó unas vacaciones con unos amigos y con la hija de estos de 10 años. El comportamiento apático de la niña en el refugio vacacional de montaña le inspiró para crear el personaje de Chihiro y le llevó a tener la idea de querer hacer una película con una protagonista en la que ella se pudiera reconocer.

Para crear ‘El viaje de Chihiro’ se inspiró en el cuento infantil ‘The Wonderful Land Beyondt the Fog’ de Kashiwaba Sachiko, y para crear las estrechas calles de la ciudad de los fantasmas tomó como referencia los callejones de las afueras de Juifen, en Taiwán. Además, una de sus grandes curiosidades es que no tiene guion, es que fue desarrollando la historia a medida que dibujaba los guiones gráficos, todo ello que no se nota con sus personajes bien construidos y una historia muy rica.

El simbolismo y trama de ‘El viaje de Chihiro’

La que es la octava película de Hayao Miyazaki, es su primer trabajo remasterizado y distribuido de forma digital, tiene el hecho de ser una de las más creativas del maestro de la animación, es por ello por lo que está cargada de simbolismos en una trama que se centra en las aventuras de Chihiro, una niña de diez años, al acabar en una ciudad encantada habitada por espíritus tradicionales japoneses, que coincide cuando va de camino al que será su nuevo hogar, al mudarse con sus padres.

Conociendo su argumento, la historia recorre el crecimiento y madurez de Chihiro, en un entorno visual onírico que nos recuerda a un realismo mágico mezclado con cotidianidad. De la protagonista lo que más destaca es su amabilidad, que muestra constantemente y que lo podemos observar en que no tiene prejuicios sobre ninguno de los personajes que se encuentra a lo largo del camino. El espíritu sin cara, uno de los más icónicos que aparecen, demuestra con su evolución la incomprensión de estos gestos que la niña realiza. Este viaje de madurez se ve también en Bo, el personaje niño que Yuyaba cuida de forma obsesiva y que representa la inmadurez de la que Chihiro se quiere liberar.

Por su parte, otro de los temas principales en el cine de Miyazaki es la identidad y las tradiciones japonesas, que en esta película se reflejan en que si se olvida de su nombre real, no podrá abandonar el mundo espiritual, con lo que debe mantenerse fiel a sí misma a pesar de todo, pero también en que los más pequeños deben conocer la riqueza de las tradiciones, informarles para que no pierdan sus raíces al estar rodeados de tecnología, por lo que ‘El viaje de Chihiro’ está llena de referencias a leyendas japonesas.

Otro de los temas relevantes es la crítica al capitalismo, que se observa en los padres de Chihiro, cuando se convierten en cerdos después de comer la comida de la ciudad encantada, una transformación que hace referencia directa a la ‘codicia’ que arrastró a Japón en la recesión de la década de 1980.

Alauda Ruiz de Azúa recibirá el Faro de Honor Carlos Saura en la décima edición del Festival de Cine de Santander, que se celebrará entre el 11 y el 17 de septiembre.

La organización ha recordado en un comunicado que su última película, 'Los domingos', obtuvo la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián, así como cinco premios Goya, entre ellos, a mejor película, mejor dirección y mejor guion original.

Ruiz de Azúa participará además el sábado, 12 de septiembre, en una sesión de los 'Diálogos entre cineastas' en el Centro Botín, donde conversará con la productora cántabra Marisa Fernández Armenteros.

Se trata de una actividad paralela al festival que se puso en marcha en la edición pasada con la intención de acercar al público el trabajo de los cineastas y permitir que se conozca de primera mano los detalles sobre el proceso creativo y el trabajo de sus protagonistas.

La directora del festival, Júlia Olmo, ha destacado que la cineasta es “una de las voces más relevantes y personales del cine español contemporáneo”, y que después del éxito obtenido con 'Cinco lobitos' y con la buena acogida, tanto de crítica como de público, que ha tenido 'Los domingos', estrenada en 2025, “ha demostrado una extraordinaria capacidad para abordar conflictos íntimos y universales con una mirada honesta, sensible y profundamente cinematográfica.

El Faro de Honor Carlos Saura del Festival de Cine de Santander es un galardón que reconoce tanto la trayectoria cinematográfica consolidada como la influencia sobre las nuevas generaciones de creadores.

“En un certamen como el nuestro, que apuesta por apoyar a los nuevos talentos, este Faro de Honor viene a tender puentes entre el cine emergente y las grandes figuras del panorama cinematográfico”, afirma Júlia Olmo.

En las últimas ediciones, el Festival de Cine de Santander ha reconocido con este galardón la carrera de cineastas como Icíar Bollaín, Isaki Lacuesta o Isa Campo.

Tras casi siete décadas siendo un cine y teatro de referencia y haber pasado más de cuarenta años sin uso, el Palacio de Bellas Artes de Donostia, de gran valor arquitectónico y patrimonial y considerado como primer cinematógrafo fijo de España, ha iniciado ya su nueva vida como hotel de lujo. Es parte de la Curio Collection de la cadena internacional Hilton y cuenta con 81 cámaras, que intentan preservar la historia del edificio. La propuesta gastronómica corre a cargo del chef local Andoni Aduriz.

elDiario.es/Euskadi ha visitado el reformado espacio. La historia de este nuevo hotel no es como la de otros alojamientos para turistas que florecen en la capital con la vivienda más cara. La reforma llega tras un intenso conflicto suscitado en torno a la conservación del legado cultural de la edificación. Y no es un debate único en Donostia, ya que se ha sucedido con la estación del ferrocarril, con varias villas o recientemente el caso del edificio Pakea.

La propiedad define su nuevo proyecto como un alojamiento “lifestyle”, enfocado en contar la historia del palacio al huésped. Esteban Basterretxea, director de Sade, insiste en que el proyecto busca mantener la vocación original del edificio, bajo la premisa de que el Bellas Artes “nunca dejó de proyectar, solo cambió de pantalla”. Han creado una escena, conjunto a sus interioristas Isabel López Vilalta y Silvia Cabestany, con la intención de llevar a cualquier visitante del hotel a un cine de los años sesenta, indican.

La relevancia histórica del inmueble, construido en 1914 por Ramón Cortázar, reside en su diseño como “Palacio del Cine”, una tipología monumental de la era silente inspirada en el Palacio Gaumont de París; construido en 1900 y demolido en 1972. Según le cuenta a este periódico Basterretxea, el cierre del cine del Bellas Artes en 1982 se debió exclusivamente a un “tema de demanda y oferta”, ya que cada vez más en la ciudad existían más butacas que espectadores.

La transformación del Bellas Artes se inserta en un contexto en Donostia en el que varias salas históricas, como el Astoria –también de Sade–, el Miramar o el Novedades, han sido reconvertidas en hoteles o sucursales bancarias. El viejo casino Kursaal también tuvo una vida anterior, aunque en su formulación moderna también tiene programación cultural.

El proceso de transformación del Bellas Artes comenzó en 2013, cuando la propiedad planteó convertir el palacio en un complejo residencial u hotelero para garantizar su rentabilidad. Ante tal anuncio, nació la asociación Áncora, defensora del patrimonio donostiarra, y fue capaz de recolectar más de 10.000 en contra de su transformación hotelera.

Las críticas de Áncora se basan en presuntas vulneraciones de la normativa en el patrimonio cultural. Durante estos últimos 13 años, ha estado denunciando las anomalías que veía, empezando con la reconstrucción de la emblemática cúpula. Esta fue derribada en 2015 por pretendidas razones de seguridad. La forma en la que estaba construida generó numerosas filtraciones de agua, deteriorando gravemente la pieza, arguye Ignacio Quemada, el arquitecto de la renovación del nuevo hotel. Tanto Basterretxea como Quemada defienden que su restitución fue necesaria: “Lo podías deshacer con las manos”. El Ayuntamiento permitió la operación. Para Áncora, en cambio, la réplica es como un “pastiche” o decorado en falso.

Mientras se tomaban decisiones sobre la cúpula, coincidía con el hecho de que el Gobierno vasco le otorgó la máxima protección como Bien de Interés Cultural (BIC) al palacio. Según Eneko Oronoz, portavoz de Áncora, la asociación estaba contenta porque eso suponía mayor blindaje para la edificación. Sin embargo, dos años más tarde, la Administración le retiró la protección tras una resolución judicial que favorecía a la empresa tras la interposición de un recurso. La decisión fue criticada por Áncora señalando que el plan se diseñó para flexibilizar la protección y ceder ante los intereses comerciales de la propiedad.

El conflicto trascendió las fronteras locales. El Consejo Internacional de Monumentos y Sitios (Icomos), de la Unesco, emitió una alerta internacional en 2019. Se trató de la primera vez que se envió una a España, advirtiendo que la operación en el Bellas Artes ponía en riesgo la autenticidad de uno de los escasos cines monumentales anteriores a la Primera Guerra Mundial. En el centro de esta alarma se encontraba la intención de intervenir en las fachadas externas de conservación obligatorio, según el instrumento urbanístico conocido como PEPPUC.

Ante las dudas sobre la fidelidad de la obra ahora presentada, el arquitecto Quemada explica que la apertura de nuevos vanos en la fachada no fue una invención, sino un retorno a los dibujos originales de Ramón Cortázar. Según Quemada, los planos de 1914 proyectaban más ventanas de las que finalmente se construyeron, por lo que han utilizado “el lenguaje del propio Cortázar” para integrar las necesidades de luz del hotel.

Sin embargo, para Áncora, este proceso ha sido en realidad una “demolición encubierta” bajo la apariencia de una rehabilitación. En octubre de 2024, la asociación denunció ante la Ertzaintza que tramos de la envolvente protegida estaban siendo destruidos “a martillazos”, contraviniendo una licencia que, según su versión, solo permitía agrandar huecos existentes pero descartaba el derribo de muros. Oronoz sostiene que apenas subsiste un 20% del edificio histórico, un dato que el arquitecto Quemada desmiente y asegura que es mayor.

Más allá de las perspectivas contrapuestas de la asociación y de la empresa, está el papel del Ayuntamiento. Áncora indica que la Ertzaintza le ha confirmado una pobre colaboración por parte del Gobierno local para avanzar con la investigación. Asimismo, señalan que un informe del arquitecto municipal corroboró que se habían eliminado tramos enteros de fachada que no se ajustaban a la norma del plan de protección. La asociación lamenta la poca voluntad política que ha habido y sigue a la espera de que se haga justicia por el presunto delito.

La cadena, entretanto, rechaza el término “hotel de lujo” e insiste en definirlo como alojamiento “lifestyle”. Recalcan su idea-fuerza de que el Bellas Artes nunca dejó de proyectar, que solamente es un “cambio de pantalla”. Y confían en que los donostiarras reconozcan el pasado del inmueble al visitarlo. ¿Cuánto cuesta la habitación? Dormir allí en julio y agosto puede suponer entre 300 y 700 euros.

Este 17 de julio ha llegado a las salas de cine de España y de gran parte del mundo la que podría ser una de las películas del año, la adaptación de ‘La Odisea’ de Christopher Nolan, que llega después de una larga expectación desde que hace más de un año aparecieran las primeras imágenes y tráiler.

Con Matt Damon en el papel de Odiseo y un reparto de lujo que incluye nombres como Zendaya, Robert Pattinson, Anne Hathaway o Tom Holland, aspira a ser un largometraje que no pasará desapercibido, para lo bueno o para lo malo, y que en cierta manera conecta con otras películas del director británico o de la historia del cine.

‘Interestellar’ (2014)

Podemos decir que la historia de ‘La Odisea’ no es la primera vez que aparece en la filmografía de Christopher Nolan, sino que hizo su propia “odisea espacial” en la que es considerada una de sus obras maestras. Cooper, al igual que Odiseo, se ve atrapado en un mundo y su única misión es cumplir la promesa de regresar a casa con su hija, como el personaje de Homero con Telémaco. Así, el revisitarla puede llevarnos a conectar con la historia, con los paralelismos de ambas películas en el argumento y en la carrera del director.

‘Dunkerque’ (2017)

El primer momento en el que Christopher Nolan conectó con el cine histórico y bélico como tal, de adaptar hechos reales y convertirlos en una gran película. En ambas películas se trata el lado humano de la guerra, de sus consecuencias, como la supervivencia, el caos que conlleva la retirada o el trauma psicológico de los que solo buscan volver a casa.

‘El truco final’ (2006)

Si bien ‘La Odisea’ podría entrar dentro de la categoría de cine histórico, no deja de ser una película que toma el poema épico de Homero, que toma personajes que existieron en la realidad para convertirlo en una gran epopeya de ficción. Esto también es un hecho que ha pasado anteriormente en la filmografía de Christopher Nolan, en concreto en ‘El truco final’.

En ella, se cuenta una historia ambientada en Londres a finales del siglo XIX centrada en dos ilusionistas, Robert Angier y Alfred Borden. Pero lo que resulta interesante es la aparición de un personaje real, Nikola Tesla, interpretado por David Bowie, y que aparece como el que construye la máquina de teletransportación de los dos magos.

'El hombre del norte' (2022)

‘La Odisea’ forma parte de un contexto de reinvención del cine épico y mitológico en el formato IMAX, una escala grande de rodaje. En este sentido, una película relacionada puede ser ‘El hombre del Norte’ (The Northman) de Robert Eggers, que también usa este gran formato y la mitología, en este caso nórdica, como base. Si bien tiene un contexto más bruto, sucio y oscuro, es una epopeya de venganza en la que aparece también el folclore y el misticismo de los dioses y sus profecías.

'Troya' (2004)

En esta pequeña selección de películas que se pueden ver antes o después de ‘La Odisea’ no podía faltar la que es otra conocida adaptación de Homero, en este caso de la ‘Ilíada’. Para recordar de donde viene Odiseo, de combatir en la guerra de Troya, es una película que aborda los hechos sucedidos anteriormente, desde que Helena de Esparta se marcha con Paris a la ciudad y esto desencadena toda una batalla. Así, este filme con Brad Pitt, Diane Kruger, Eric Bana y Orlando Bloom, aunque no escapó de las críticas por sus errores, aporta el contexto histórico y mitológico antes del viaje de Odiseo.

La Residencia de Cine de Extremadura abre la convocatoria de su cuarta edición, reafirmándose como una iniciativa clave para el desarrollo de proyectos cinematográficos y el impulso del talento emergente en el ámbito audiovisual. La inscripción estará disponible del 1 de julio al 1 de septiembre de 2026, dirigida a proyectos de largometraje en fase de desarrollo —de ficción, documental o animación— procedentes de Extremadura, España e Iberoamérica.

Del total de propuestas recibidas, más de un centenar en la edición anterior, se seleccionarán 15 proyectos: cinco de Extremadura, cinco del resto de España y cinco de Iberoamérica, incluyendo Portugal. Las inscripciones se realizarán a través de la web oficial: www.residenciacineextremadura.com.

La Residencia está dirigida por el cineasta Juan Antonio Moreno Amador, ganador de dos premios Goya, y por la asesora de guion Yolanda Barrasa, referente en el acompañamiento de proyectos cinematográficos. Ambos destacan la importancia de esta edición, marcada por la incorporación de nuevos socios nacionales e iberoamericanos y por el compromiso de la industria con el Extremadura Film Market, así como el apoyo de los municipios de Guadalupe y Talavera la Real.

La cuarta edición mantendrá su formato híbrido, combinando encuentros presenciales y asesorías virtuales para ofrecer un acompañamiento integral a directores, guionistas y productores. Las actividades se desarrollarán en las sedes de Guadalupe (Cáceres) y Talavera la Real (Badajoz).

Guadalupe y Talavera la Real

El primer encuentro presencial tendrá lugar en noviembre en Guadalupe, donde los cineastas trabajarán con profesionales de reconocido prestigio. El segundo encuentro se celebrará en primavera de 2027 en Talavera la Real, reforzando la vinculación de la Residencia con el territorio extremeño.

Los proyectos seleccionados participarán en el Extremadura Film Market, un espacio profesional que impulsa la financiación, producción y coproducción de nuevas obras. Además, esta edición incorpora la participación en el área de industria MAFIZ del Festival de Málaga 2027, donde los equipos podrán presentar sus trabajos ante productores, distribuidores y plataformas.

La programación se completa con la Semana de Cine Extremeño e Iberoamericano en Guadalupe, que reunirá al público con las películas y sus creadoras y creadores, fortaleciendo los lazos culturales entre ambos territorios.

La Residencia de Cine de Extremadura está organizada por la Asociación Residencia de Cine de Extremadura y la productora Making DOC & FILM, con el apoyo de instituciones regionales, nacionales e iberoamericanas, entre ellas la Junta de Extremadura, EGEDA, IBERMEDIA, las diputaciones de Cáceres y Badajoz, y los ayuntamientos de Guadalupe y Talavera la Real.

Después de varios años sin una sala de cine en el centro, Logroño vuelve a proyectar películas en el corazón de la ciudad. Los nuevos Cines Embajadores han abierto este viernes sus puertas en la calle Belchite, convirtiéndose en los únicos cines ubicados en el centro de la capital riojana desde el cierre de los históricos Cines Moderno durante la pandemia. El nuevo espacio cuenta con cuatro salas y 265 butacas, con una programación que combinará grandes estrenos, cine independiente y sesiones en versión original.

Antes de la apertura al público, el presidente del Gobierno de La Rioja, Gonzalo Capellán, el alcalde de Logroño, Conrado Escobar, y otros representantes institucionales han recorrido las instalaciones junto al promotor del proyecto, Félix Abel de la Cruz.

Durante la visita, Capellán ha destacado la importancia de recuperar un espacio cultural de estas características en el centro de la ciudad. “Una iniciativa que permite que algo tan importante para el ocio de muchas personas, para la cultura visual y para la cultura cinematográfica pueda tener unas nuevas salas. Los Cines Embajadores son fruto de una iniciativa que regala esta posibilidad a todos los logroñeses, riojanos y a quienes visitan la ciudad de disfrutar del cine”, ha afirmado.

“Hemos visto más de cien locales”

El impulsor del proyecto, Félix Abel de la Cruz, ha explicado que recuperar el cine para el centro de Logroño era una idea que perseguía desde hacía años. “Hemos visto más de cien locales en Logroño hasta encontrar este. Queríamos estar en el centro y cuando vimos este edificio supimos que era el lugar”.

Su principal deseo es que el proyecto encuentre respuesta positiva entre el público. “Simplemente, espero que todos los ciudadanos de Logroño y de La Rioja quieran venir al cine, porque sin ellos este proyecto no tiene ningún sentido. Esto es para los logroñeses y los riojanos”.

Un cine de proximidad

Con una inversión cercana a los 800.000 euros, el proyecto impulsado por FC35 y el grupo Embajadores nace con un modelo de cine de proximidad. Sus cuatro salas suman 265 localidades y ofrecerán una programación que combinará grandes producciones comerciales, cine de autor y proyecciones en versión original subtitulada.

“Queríamos unos cines racionales, con salas adaptadas a su capacidad y una programación muy cuidada. Habrá desde grandes estrenos hasta cine independiente, además de ofertas y actividades para todos los públicos”, ha explicado Abel de la Cruz.

El objetivo es alcanzar entre 110.000 y 120.000 espectadores anuales mediante una oferta que incluirá sesiones matinales, programación para jóvenes y propuestas dirigidas al público sénior.

Por su parte, Capellán ha destacado que las nuevas instalaciones cuentan con “la última tecnología de sonorización, exhibición y proyección”, además de incorporar “las mejores butacas de cine del mundo, fabricadas en Ezcaray”, lo que permitirá ofrecer “una experiencia inolvidable” a los espectadores.

El 17 de julio llega a los cines La Odisea, la nueva película de Christopher Nolan, y con ella una pregunta que rara vez se formula cuando se habla del formato IMAX: ¿cómo actúas delante de una cámara que ocupa el espacio donde debería estar la cara de tu compañero de escena? Matt Damon, que interpreta a Odiseo en el que es el primer largometraje de ficción rodado íntegramente en IMAX de la historia, ha explicado en una entrevista reciente el ingenioso sistema que Nolan desarrolló para resolver ese problema sin sacrificar ni la intimidad ni la naturalidad de los actores.

El reto es técnico pero tiene consecuencias directas sobre la interpretación. En una escena rodada con una cámara convencional, el compañero de reparto puede colocarse justo al lado de la lente, lo suficientemente cerca como para que los ojos del actor que actúa miren hacia la cámara de forma natural mientras conectan emocionalmente con la otra persona. Con las cámaras IMAX de 70mm, eso no es posible: el Blimp, el armazón de fibra de carbono multicapa diseñado para insonorizar el equipo y poder grabar diálogos con sonido directo, ocupa demasiado espacio y aleja físicamente la lente de donde debería estar la cara del otro actor.

El sistema de espejos de Nolan

La solución que describe Damon es tan sencilla en su concepto como eficaz en la práctica. “Normalmente, si se usa el Blimp, por lo general es un momento íntimo, así que usamos un sistema de espejos para acercar la línea de visión a la cámara y así puedes mirar directamente a la caja porque estás viendo a tu compañero de escena”, explicó el actor. “Y si es una escena más grande, la caja desaparece y suele manejar la cámara Hoyte van Hoytema (director de fotografía). Y así tienes la misma libertad que con una cámara normal.”

Cuando el entrevistador, el español Albert Laro, le preguntó por cómo funcionaba exactamente el sistema, Damon lo describió de manera sencilla: “Imagina que si te filmara un primer plano normal, la lente está aquí delante; como compañero de escena pongo mi cara aquí al lado de la cámara para que tus ojos estén mirando cerca. Ahora imagina que la lente está aquí y que esta gran caja ocupa más espacio y no puedo estar cerca de la lente. Como no sería una buena línea de visión, Nolan ponía un espejo, junto a la gran caja, que refleja lo del lado. Entonces ves mi cara, me sientes y me ves, pero mirando al espejo.”

Lo más revelador de la explicación de Damon no es el mecanismo en sí, sino lo que describe de su experiencia como actor dentro de él. “Es un truco increíble porque funciona. Recuerdo las escenas con Anne Hathaway porque en mi memoria no estaba mirando a un espejo; miraba directamente a Anne, la sentía”. Es muy significativo y habla bien de el sistema que un actor con décadas de carrera no distinga en su memoria el recuerdo de una conversación real con el de una conversación a través de un espejo.

Una película diseñada para pantallas concretas

La Odisea es también la primera producción de ficción en la que Cristopher Nolan y su equipo desarrollaron cámaras de nueva generación capaces de grabar diálogos con sonido sincronizado en formato nativo, algo impensable hace unos años. El resultado, 640 kilómetros de rollo de película utilizados durante los meses de rodaje en Marruecos, Grecia, Italia, Escocia e Islandia.

El problema para el espectador español es que la película fue concebida para un tipo de sala que prácticamente no existe en este país. El formato IMAX 70mm nativo, con su relación de aspecto de 1.43:1 y una nitidez equivalente a 18K, solo puede proyectarse en 41 salas de todo el mundo, ninguna de ellas en España. La alternativa más cercana está en Montpellier, Francia. En territorio español, las opciones que más se acercan a la intención original son las salas con IMAX láser (Cines Palafox en Zaragoza, Kinépolis Valencia en Paterna, Kinépolis Ciudad de la Imagen en Madrid y Cinesa Diagonal Mar en Barcelona) y las salas con proyección en 70mm fotoquímico (Cine Paz en Madrid, Phenomena Experience en Barcelona, Cines Aragonia en Zaragoza, Cines Palafox en Zaragoza y Cines ABC Park en Valencia).

Me parece increíble la que se ha formado porque Christopher Nolan ha decidido darle el personaje de Helena de Troya a una actriz negra en su adaptación de La Odisea. Una Lupita Nyong’o que, además, está increíble en su papel. Bueno, habría que decir mejor ‘la que han formado’, porque el ruido viene de un sitio muy concreto, una derecha principalmente constituida por hombres blancos que sacan a pasear su racismo cada vez que tienen la oportunidad.

Con Elon Musk a la cabeza, la caterva de haters han inundado con su violencia digital y verbal las redes sociales. Primero fueron a por el tráiler de YouTube, intentando crear la sensación de que no había interés por la película, y luego a por cada crítico que ha alabado el filme de Nolan. Pasen por las redes sociales de elDiario.es para ver los insultos que nos dedican (especialmente al que esto escribe) por decir que es una excelente película y que respeta la narrativa de la obra original.

Todo por una actriz negra. Porque por mucho que lo quieran vestir con el término ‘fidelidad histórica’, lo que realmente muestran es un racismo terrorífico. Es inexplicable que en 2026 haya gente que no soporte que en una adaptación de una novela se haga lo que uno quiera. Los propios traductores e historiadores de La Odisea ya han dicho que eso de la fidelidad en una obra que no es histórica, sino pura ficción, es una tontería. Helena de Troya nace, según el mito, de un huevo que salió cuando Zeus se convirtió en cisne para engañar a Leda. Busquen la fidelidad histórica.

Esa fidelidad no les ha importado a la hora de que la película sea en inglés y con actores ingleses y de orígenes que no tienen nada que ver con Homero. Pero misteriosamente sí les ha molestado con Helena de Troya. Qué curioso. Tan curioso como que esto sea lo mismo que ocurrió previamente con la versión de acción real de La sirenita, donde el sector conservador hirvió porque contrataron una actriz negra. Según ellos, imagino que esperaban que hubieran contratado a una mujer con cola de pez en vez de piernas para ser lo más fieles al relato original.

Los mismos que no quieren una Helena de Troya negra son los mismos que no disfrutan con Lamine Yamal en la selección española o los que creen que en la selección francesa no hay realmente franceses porque muchos de los jugadores son negros. El racismo es racismo, lo disfracen como lo disfracen. Así que gracias a Nolan y su Odisea, y gracias a Lamine Yamal, porque se han convertido en detectores automáticos de racistas. El resto seguiremos disfrutando de ellos.

Tres películas

Ciclo de Maurice Pialat. El año pasado tuvimos la suerte de que la distribuidora Atalante nos descubriera a un cineasta descomunal llamado Maurice Pialat. Ahora es Filmin quien incluye en su catálogo la obra del director francés, y lo hace —de la mano de Atalante— con un regalo increíble, su serie inédita La casa del bosque que es una delicia. No os perdáis toda su filmografía.

'La Odisea'. La hemos dedicado ya una crítica muy positiva y hemos hablado de ella en la introducción de este boletín, pero es que la adaptación del clásico de Homero que ha hecho Christopher Nolan merece mucho la pena y va a dar mucho que hablar. Una maravilla que respeta las aventuras del relato clásico y las dota del estilo Nolaniano y una reflexión sobre nuestro presente.

'Omaha'. Y terminamos con una joyita indie que ha dirigido Cole Webley y que va a hacer llorar a todo el que la vea. Una mirada íntima a la crisis y sus consecuencias en forma de road movie. Dura y conmovedora, y con un John Magaro que demuestra otra vez que es un actor estupendo que merece muchas más oportunidades.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

A inicios de año, cuando recopilamos en elDiario.es la música más esperada de este 2026, cuatro nombres copaban todas las expectativas: BTS, Olivia Rodrigo, Harry Styles y Beyoncé. Hoy, cuando alcanzamos la mitad del año, podemos decir que todos han cumplido publicando discos o canciones. Solo faltaba Beyoncé, pero la artista ha frenado su sequía con un tema que ya puedes escuchar en nuestra playlist, donde están también las recomendaciones de las semanas anteriores.

'Morning Dew (Donk)' de Beyoncé. La primera canción de la artista desde su aclamado Cowboy Carter, que ganó el Grammy a Álbum del Año, es un sensual tema de R&B que celebrará los veinte años de su mítico disco B'Day. La pista formará parte de una reedición conmemorativa del álbum y recupera el sonido de esta etapa de la cantante, por lo que hay mucha, mucha nostalgia. Aun así, todavía habrá que esperar para su ansiado proyecto “Act III”.

'Tragedia' de Marta Sango. En el panorama español, la artista andaluza prepara el lanzamiento de su álbum debut con este segundo adelanto. Arropándose en sintetizadores y guitarras, el tema envuelve la frustración y la decepción de una relación llena de promesas sin cumplir y excusas bajo una melodía principalmente electrónica.

'In The Stars' de The Rolling Stones. La legendaria banda está de vuelta con un temazo de pop-rock que nos lleva al sonido clásico del grupo a principios de los 80. Menos de tres años después de que los Rolling Stones publicaran Hackney Diamonds, Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood se han vuelto a reunir con el productor Andrew Watt para hacer 14 nuevas canciones que componen Foreign Tongues, su nuevo álbum. Esta canción es la carta de presentación y lo mejor es su adictivo estribillo.

Tres libros, por Francisco Gámiz

'Huellas en los fiordos (Hildur 1)' de Satu Rämö (Salamandra Black). Esta novela se une al fenómeno del nordic blue, una variante del thriller nórdico mucho más atmosférica y humana. Ambientada en Islandia, la historia sigue a la inspectora Hildur Rúnarsdóttir, quien debe resolver una serie de crímenes mientras lidia con un doloroso trauma familiar que combate surfeando en aguas gélidas. Ya disponible en librerías.

'Inducción por shock' de Chuck Palahniuk (Random House). El autor de El club de la lucha regresa con una sátira distópica que pone el foco en el elitismo y la mercantilización del talento joven. En un reputado instituto, las mentes más brillantes desaparecen una tras otra en extraños suicidios que ocultan algo mucho peor: la subasta de sus vidas al mejor postor corporativo. Con su habitual humor negro, Palahniuk hace una crítica al privilegio. El libro ya está en las librerías.

'Odisea' de Milo Manara (Lumen). Esta semana hemos podido conocer las impresiones de mi compañero Javier Zurro sobre La Odisea, la adaptación de Christopher Nolan sobre este célebre clásico. Si queremos ir calentando motores antes de su estreno, Manara publica esta novela gráfica sobre la mítica epopeya de Ulises que, en lugar de relatarla desde la perspectiva del propio héroe, la relata a través de la mirada expectante de su hijo Telémaco. Ya en librerías.

Cuatro planes para el finde, por Laura G. Higueras

Festival de Teatro Clásico de Peñíscola (Castellón). Esta semana podéis disfrutar todavía de este festival, en el que se representarán La trova de Buena Saña, Doña Rosita la soltera, La dama boba y Don Juan en los infiernos. El Patio de Armas y los Jardines del Castillo acogerán los espectáculos que recorren el legado de Lope de Vega, Federico García Lorca y Molière, además de reivindicar la tradición del teatro popular. El evento incluye también un Taller de Periodismo Cultural impartido por Pepe Monleón.

Tüpitanga Fest (Deleitosa, Cáceres). ¡Ojo a este festival gratuito! Música, tradición, cultura y risas se unen este finde en este evento que incluirá bailes populares, tapeo, productos artesanos durante el día; y bien de rock, punk, versiones, bandas tributos, grupos emergentes extremeños y nuevos talentos por en cuanto empieza a bajar el sol. Tienen hasta un concurso de bandas. Kamikazes, Periferia, Kalerizo, Deklibe, Awakate, Divina Papaya y Pedrá son algunas de los protagonistas de su cartel.

Torrezno Music Festival (Ágreda, Soria). Vamos con otro festival, también muy metido dentro de la naturaleza, en el que el alimento para recargar energías y bailar hasta el amanecer no es otro que el auténtico torrezno soriano. Su cartel propone desde rock a electrónica, con nombres como Guaraná, Lorca, DJ Mech-On, Linaje y tributos a Héroes del Silencio (Héroes, el culto) y Extremoduro (AMA).

Juana Cima. Una mirada disidente (Vitoria). El Artium Museoa, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, acoge hasta finales de agosto esta exposición que recorre la obra de esta artista cubana. Una intersección entre su memoria del Caribe, su formación en el contexto vasco y su espiritualidad exploratoria que, desde finales de los años setenta, anticipa debates sobre identidad, ecología y género.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

ERE en Ubisoft. 51 personas han sido despedidas de la sede de Barcelona de una de las empresas de videojuegos más importantes del mundo. Sus trabajadores han iniciado una huelga para protestar.

'Te hice dios'. Apuntad el nombre de este libro y el de su autor, Marcos Augusto, porque va a ser uno de los que van a dar mucho que hablar con esta provocadora novela sobre sida, relaciones y los límites de la pasión.

Campamentos musicales. Los catálogos de los artistas dan mucho dinero, y todo el mundo quiere firmar canciones. La última moda es realizar campamentos para encontrar grandes éxitos.