Un barco pesquero navega solitario hacia el Gran Sol. Lo hace por un océano Atlántico no demasiado encrespado que despliega toda su fuerza visual, dispara reflejos, satura colores. El cineasta los manipula hasta disolverlos. La secuencia, musicalmente aderezada por una suerte de jazz ambient, se extiende durante casi diez minutos. “Fomos ficando sós / o Mar o barco e máis nós”, arranca el poema del vanguardista Manuel Antonio que presta el título al primer largometraje de Adrián Canoura (Burela, A Mariña, 1991). Esas imágenes por momentos oníricas dan paso a bordo: el Raúl Primeiro, un buque con base en el puerto de Burela cuyo patrón es el padre del director. Fomos ficando sós, estrenada en el festival Punto de Vista de Nafarroa, es la película con la que Canoura reflexiona sobre las relaciones paterno filiales, el estancamiento emocional y el paso del tiempo.

El filme comienza en el desván de los Canoura, en Burela, hace unos diez años. Allí encontró Adrián las cintas de vídeo que su progenitor, Raúl, había ido registrando durante años de travesías por los mares del norte a la busca de la merluza do pincho. “Él siempre decía que grababa para enseñar después a la familia, pero yo no recuerdo que nos pusiera nunca esas películas”, explica el hijo en conversación con elDiario.es al día siguiente de la primera proyección pública de Fomos ficando nós. Ese material, que abarca tres décadas de trabajo en el Raúl Primeiro, conforma uno de los tres núcleos visuales de la obra. Los otros dos son el recopilado por el propio Canoura en dos mareas -campañas de pesca- acompañando a su padre y una instalación que recrea algo así como un camarote y el puente de mando.

“Las cintas tienen una fuerza increíble. También plástica, con todo ese grano del VHS que casaba con lo que yo hacía”, relata. El cine de Canoura suele experimentar con las texturas y los colores, buscar los extremos menos transitados de la imagen. También ha incursionado en el videoarte -con el que acompaña la propuesta musical de Baiuca, electrónica folk- y colaborado en directo con Oliver Laxe. Pero los vídeos de su padre en el Raúl Primeiro escondían además un retrato casi antropológico del trabajo en el mar. Como de otra manera Vikingland (2011, Xurxo Chirro), que montó el diario filmado de un marino mercante gallego entre alemania y Dinamarca. Hombres -solo hombres, una profesión masculinizada al extremo- que pasan semanas en un reducido espacio físico, rodeados de la inmensidad del océano, y sin los medios de comunicación de la actualidad.

Fomos ficando sós no trata solo sobre eso. “Yo no quería hacer un retrato documental de cómo se pesca. Ya existen otras películas y seguramente realizadas mejor de lo que yo podría hacer”, aduce Canoura, “si en la mía hay un hilo es esa grieta, ese hueco que, a nivel íntimo, se abría entre mi padre y nosotros, su familia. Como antes se había abierto entre él y su padre, mi abuelo, también marinero”. El Raúl Primeiro solía navegar hasta Escocia y su tripulación -sobre 15 personas-, pasar más de un mes fuera de casa. Ahora se queda al sur de Irlanda o cerca de la costa francesa, y las mareas duran entre 20 y 30 jornadas. “Nunca lo expresamos abiertamente, pero nuestra comunicación siempre fue difícil, había ese estancamiento emocional de la gente del mar. El tópico habla de gente ruda”, dice.

Distancia emocional

Canoura recuerda la falta de comunicación, cierta “distancia emocional” respecto de su progenitor. Fomos ficando sós es, también, una tentativa de comprender qué sucedía y por qué sucedía. Además de los VHS, el cineasta y su cámara se embarcaron en dos travesías y las filmaron. La primera en 2019, a la brava, sin saber muy bien a qué se iba a enfrentar. “Fue casi una grabación pirata”, recuerda, “medio escondido, con un aparato pequeño. Tampoco quería incomodar al resto de los marineros”. La segunda hace dos años, ya con la productora Zeitung respaldando el proyecto y un boceto de guión en la cabeza. Las imágenes recogen los trabajos y los días de un barco en alta mar, aunque el protagonista indiscutible es el patrón, Raúl Canoura. Y esa cierta sensación de marasmo y soledad que enlaza con la poesía de Manuel Antonio, tan querida del cineasta y que también sucede en un buque, un pailebote.

“Hay mucha distancia entre el pailebote de Manuel Antonio y el Raúl Primeiro, pero también similitudes”, asegura. Su padre y la tripulación andan sobre todo a la pesca de la merluza do pincho, que se captura con anzuelo, una por una, “la técnica más artesanal dentro de la pesca industrial”. “Es un método repetitivo, con un punto aburrido”, se extiende, “la gente en Burela me decía, 'pero qué vas a grabar si es todo el día lo mismo”. Ese cierto estatismo provoca reflexión existencial. “No cuadrante estantío das estrelas / ficou parada está hora: / O cadáver do Mar / fixo do barco un cadaleito [en el cuadrante estancado de las estrellas / quedó parada esta hora: / El cadáver del Mar / hizo del barco un ataúd]”, dice el poema que da título a la película. La performance que funciona como tercer elemento de la narración dialoga con esos versos.

“Me interesaba añadir un ejercicio de juego, llevar el filme a una poética más plástica, no solo documental”, apunta, “a la frontera entre lo plástico y lo etnográfico”. Canoura reconstruyó un camarote y un puente de mando, y estableció un paralelismo entre el patrón de barco y el cineasta: “Compartimos aparatos, pantallas, botones. Y hay elementos en común entre dirigir un barco y dirigir una película. Al fin y al cabo, en los dos casos das órdenes a una tripulación”, señala. Al mismo tiempo, la instalación buscaba representar ese umbral entre el sueño y la vigilia en el que, explica, a menudo vivía su padre embarcado. Si Fomos ficando sós es un documental, lo es utilizando varios lenguajes, no todos habituales en el género.

Tras su estreno en Punto de Vista, la película estará en el Play-Doc de Tui (en la frontera gallega con Portugal) el 1 de mayo. En invierno se estrenará en salas comerciales.

En la 74.ª edición del Festival de San Sebastián que se celebrará del 18 al 26 de septiembre, además de los estrenos de las películas y proyectos cinematográficos, se presentará de forma oficial Zinemaren Akademia, una nueva institución formada por 150 profesionales del mundo del cine de Euskadi, Navarra e Iparralde. Se trata de la primera academia del cine creada en Euskadi y, como sus creadores han manifestado a través de su primer comunicado, busca ser “un espacio inclusivo, plural y representativo, al servicio de las y los profesionales del cine y del audiovisual”. “La primera semilla de un proyecto colectivo que aspira a representar, fortalecer y visibilizar el sector audiovisual del territorio”, han asegurado.

El proyecto ha surgido tras varias reuniones, la última de ellas en Bilbao, en la que se ha puesto la guinda a Zinemaren Akademia. Se ha tratado de “un encuentro cerrado y exclusivamente profesional”, en el que han pedido a los medios de comunicación que respeten el proceso, puesto que quieren evitar que “dinámicas externas” condicionen el desarrollo de la iniciativa. Para ello, han participado representantes de otras academias cinematográficas autonómicas, como Laia Aubia (Catalunya), Miguel Mariño (Galicia) e Irene Belert (Comunitat Valenciana), quienes han compartido sus experiencias y han servido de guía para lo que se quiere desarrollar en Euskadi.

Tras las intervenciones se ha celebrado un espacio de debate abierto en el que los asistentes han podido compartir sus “reflexiones e inquietudes en torno a los pilares que definirán la futura academia: su identidad, su modelo de participación, sus funciones y su forma de organización”, han adelantado.

Con esta última reunión se llevará a cabo la formalización legal de la entidad. “Asimismo, se ha establecido que la junta fundacional tendrá carácter transitorio hasta la celebración de las primeras elecciones de la futura junta de gobierno, momento en el que se definirá de manera democrática su estructura definitiva”, han reconocido desde la nueva organización.

Por el momento todo está en el aire, aunque existe una “voluntad compartida” de que el proyecto tenga éxito. De hecho, Zinemaren Akademia, podría tratarse incluso de un nombre provisional, y queda por determinar qué requisitos serán necesarios para formar parte, su ámbito geográfico, su sede, sus fuentes de financiación o el nombre de los 'Goya' vascos, que sí que buscan crear una vez la nueva institución de sus primeros pasos en el mundo del cine.

Es difícil entender cómo está la cosa en esto de la industria del libro: no acaba de estar claro si superbien o supermal, depende de a quién preguntes. O lo que es peor: depende de cómo se interpreten las estadísticas.

Hace unas semanas comenzó a circular un dato de CEGAL (la asociación que reúne a 1.100 librerías españolas), que se reveló en una presentación de su anual Congreso de Librerías. El dato ponía los pelos de punta: la mitad de los libros que tienen las librerías en sus estantes venden cero unidades. ¡Horror! ¿Todos esos libros que no compra nadie, cuáles son? ¿Cómo se recuperan los autores de la depresión que supone vender nada?

Escuché a un librero intentar imponer calma: no se preocupen, si un libro no se vende en la librería, no quiere decir que no haya vendido algún ejemplar a la familia, en el bar de su pueblo. Francisco Gámiz, redactor de Cultura de la sección (el que os selecciona canciones más abajo) se arremangó para intentar entender bien de dónde salían esas cuentas, y se encontró con que la propia CEGAL le explicaba que el porcentaje estaba malinterpretado.

Yo, que soy bastante lerda en el aspecto matemático de la vida, necesité que me lo explicara dos veces para pillarlo. No fue hasta que me dijo que se trataba de un porcentaje “ciego” que entendí la naturaleza de ese dato. CEGAL había tomado el porcentaje de libros que no se venden en cada una de sus 1.100 librerías y, después, había hecho la media.

Dos conclusiones. Primera: probablemente no hay libros de los que se vendan cero ejemplares, porque quizá una autora de Huelva vende cero en A Coruña, pero en su ciudad natal vende 300. Segunda: no tenemos ni idea de cómo son los libros que venden poco; ¿son de fondo de catálogo?, ¿son novedades?, ¿son traducciones?, ¿son libros técnicos?

Y luego está todo ese mercado oscuro del que sabemos poco o nada: ¿cuántos y cuáles libros se compran y venden en Wallapop?, ¿y en las librerías de segunda mano?, ¿y en la papelería-librería de tu pueblo, que tienen muy buen gusto y siempre les compras a ellos las novedades? Y, por último, la pregunta del millón: en España se compran muchos libros, pero ¿se leen?

Tres libros

Varios de Virginia Woolf. La autora de Orlando está siempre en las librerías (y en nuestros corazones). En enero apareció Viajes por Italia, Grecia y Turquía (Itineraria), escrito durante sus recorridos por el sur de Europa entre 1904 y 1935. En él reflexiona sobre el paisaje y el paso del tiempo. En marzo, Nórdica publicó La marca en la pared, que reúne parte de su narrativa breve, desde sus primeros escritos hasta aquellos que darían lugar a su célebre novela La señora Dalloway. Y apúntate esta: el 7 de mayo llegará a las librerías La vida de Violet, la primera obra de ficción de la autora británica que consta de tres historias que nunca se habían editado de esta manera. Se trata de un obra de humor y fantasía, un anticuento de hadas.

'Lengua madre' de Laura Spinney (trad. Yolanda Fontal, Crítica). ¿Qué sabemos del indoeuropeo, la protolengua que da vida a la mayoría de las lenguas que hablamos en Europa y Asia, como el castellano? ¿Cómo se expandió por el continente? ¿En qué vehículos? Durante mucho tiempo fue un misterio pero en las últimas décadas, gracias a la genética, la lingüística y la arqueología se ha podido reconstruir su historia.

'Principio, medio, fin' de Valeria Luiselli (Feltrinelli). La editorial italiana, que se hizo hace unos años con Anagrama, comienza a publicar en España con su propio sello (combinando novedades y clásicos, como El doctor Zhivago de Borís Pasternak). Este novela de la autora mexicana (Los ingrávidos, La historia de mis dientes, Desierto sonoro) habla de la conexión abuela, madre e hija a través del viaje (a Sicilia) y la memoria, con una estructura fragmentada, emocional, innovadora. El libro se publica el 6 de mayo y, a partir de ese día, Luiselli visita España. El jueves 7 de mayo abrirá el festival En otras palabras en CaixaForum Barcelona, en conversación con Enrique Vila-Matas (padrino de blurp, junto a Samanta Schweblin). El miércoles 13 de mayo participará en el ciclo En pausa: diálogos para pensar el presente en CaixaForum Madrid. El sábado 9 de mayo, visitará la estupenda librería Cálamo de Zaragoza, en un vermut literario con Ana Segura. 

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Qué necesario es que se utilice la música como un arma reivindicativa. La semana pasada lo hicieron Massive Attack y Tom Waits para criticar la “política neofascista” de Trump. Los artistas publicaron su colaboración Boots On The Ground, cuyo videoclip aprovecha para denunciar las “redadas del ICE” y el “autoritarismo” de EEUU en un momento de “emergencia”. Pero esta no es la única canción que deberías disfrutar este fin de semana, y en nuestra playlist tienes todas nuestras recomendaciones.

'Dansos' de Céline Dion. La delicadeza de la música en francés se refleja en la nueva canción de Dion, en la que vuelve a cantar en su idioma natal después de 10 años. La artista presenta un tema escrito en el confinamiento de 2020 sobre la necesidad de superar las adversidades, y lo interpretará sobre los escenarios durante los próximos meses con una residencia en París. Esta supone su vuelta a los conciertos desde que anunciara en 2022 que padece el síndrome de la persona rígida, una enfermedad neurológica que afectó su capacidad para cantar y moverse con normalidad. Escúchala.

'Somewhere Good' de Tara Clerkin Trio. Mezclando el jazz-folk con un rock psicodélico que parece casi casero, el single principal de este grupo de Reino Unido invita a perderse en su melodía durante sus casi seis minutos de duración. “Estás saltando campos, yo soy hojas que caen / Estás en calles bulliciosas, yo soy pies que se mueven”, canta la banda en una preciosísima y elegante canción que combina clarinetes con sintetizadores. Cerrar los ojos y sumergirse en ella es ya una victoria. Escúchala.

'En lo total' de Lori Meyers. Tras publicar su disco Espacios Infinitos en 2021, la banda granadina publicará este 2026 su octavo álbum de estudio. Este trabajo ha llevado al grupo a juguetear con el funk, cuyo primer single aborda una ruptura amorosa. “Siempre es difícil elegir una primera canción, porque tiene que abrir una puerta, marcar un tono y al mismo tiempo dejar espacio para todo lo que viene después”, ha confesado la banda en una nota de prensa sobre la carta de presentación del disco. Escúchala.

Tres películas, por Javier Zurro

'El sonido de la caída'. Una de las películas de las que más se habló el pasado Festival de Cannes. La segunda película de Mascha Schilinski es una complejísima y ambiciosa mirada a las mujeres de varias generaciones en Alemania con la que repasa cómo el trauma personal e histórico se transmite de unas a otras. Una obra exigente que nos presenta a una cineasta a la que hay que estar muy pendiente. 

'Sidosa'. Jordi Évole se une a Eduardo Casanova para que este último cuente su proceso de aceptación y normalización de que tiene VIH, algo que casi nadie conocía hasta hace poco. Un trabajo donde se junta la personalidad de ambos y donde el documental más tradicional se mezcla con el universo de Casanova, que ya mostró en filmes como La piedad o Pieles. Un documental que se reapropia del insulto como forma de activismo.

'La risa y la navaja'. La semana va de pelis exigentes y largas. Pedro Pinho sorprendió a todos en la sección Una cierta mirada de Cannes con esta propuesta de más de tres horas. Un filme personal y único donde aborda temas como el colonialismo desde una óptica diferente. 

Cuatro planes para el finde, por Laura G. Higueras

'La historia no se repite, pero rima. Dumile Feni: Guernica africano' (Madrid). ¿Qué tal escuchar dialogar a nuestro Guernica con otros Guernicas? El Museo Reina Sofía yuxtapone la obra de Picasso con el conocido como Guernica africano de Dumile Feni, (Worcester, Sudáfrica, 1942 – Nueva York, 1991), uno de los artistas clave de la modernidad africana. La exposición, comisariada por Tamar Garb, y que se inscribe en una serie de confrontaciones que propone el museo, estará abierta hasta el 22 de septiembre de 2026.

Festival de Cine y Derechos Humanos de Donostia. La historia de Palestina, las migraciones y la situación de las personas refugiadas en distintas partes del mundo, la salud infantil, el papel de las mujeres en las religiones, las niñas y niños soldado en África, la fuerza de las movilizaciones sociales y la precarización en la industria textil serán algunas de las temáticas que protagonicen las películas y coloquios de este festival que se celebrará hasta el próximo 30 de abril. Los eventos tendrán lugar en distintos puntos de la ciudad que incluyen sesiones matinales para los coles. 

Wonderland (A Coruña). Tienes hasta el próximo 1 de mayo para visitar en el espacio de la Fundación MOP esta exposición de la fotógrafa de moda Annie Leibovitz. Incluye una instalación inmersiva de su trabajo con los Rolling Stones, junto a 100 retratos de artistas como Penélope Cruz, Gloria Steinem, Bruce Springsteen, Patti Smith, Anna Wintour, Angelina Jolie, Tom Ford y Sarah Burton.

Little Grande Festival (Las Matas, Madrid). Durante dos fines de semana vais a poder disfrutar de este festival que combina la música clásica con el pop, el folk, el flamenco, el ambient y la electrónica. Se celebra en la Escuela Musikum, donde van a tocar artistas como Laura Katzte, Rapsodia, Trío Rodin, 413x y Ecos del Pueblo. Apuestan por el formato pequeño (solo venden 30 entradas por concierto) teniendo como prioridad que la calidad sea muy grande.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Cristianos contra satánicos. Un grupo de 20 personas rezando el rosario consiguió que se cancelara una fiesta en una sala de conciertos, que se había presentado como “misa negra” y en la que tocaba la banda Deaf Devils.

'Mi querida señorita'. El debut de la autora de La mala costumbre en el guion cinematográfico es una nueva versión del clásico de Jaime de Armiñán. Hablamos con ella sobre cómo actualizar la historia.

“Señal de carne”. El músico Miguel Poveda encontró, en el reverso de una hoja manuscrita por Lorca, unos versos inéditos. “Federico sigue vivo”, nos cuenta Poveda sobre el hallazgo.

Una habitación señorial llena de cuadros de personajes nobles, una cama con una marquesa moribunda, dos de sus hijos, cada uno a un lado de la cama, y una sirvienta. Además, un cura que pronuncia la extremaunción. Fuera se escucha el cantar de los buitres. Esta es la imagen inicial de Est Deus in Nobis (2026), un corto satírico sobre la codicia de las clases nobles y su hipocresía. La cinta se divide en dos partes claras. La primera refleja los últimos minutos de la marquesa marcados por los llantos y las buenas palabras de quienes le acompañan. La segunda muestra el verdadero rostro de los personajes una vez fallece la protagonista, cuando salen a la luz las viejas rencillas entre hermanos y su pugna por quedarse con la herencia de la muerta.

“Menos mal que me voy antes de que se disuelva España, que los socialistas quieren vender como Judas por unas cuantas monedas. Si no son ellos, serán los moros, que llevan siglos queriendo vengarse y descuartizar la grandísima obra que hizo Isabel la Católica echándolos a todos, moros y judíos. Prometedme que vais a estar siempre unidos y os vais a querer tanto como el señor os quiere”, afirma moribunda en sus últimas palabras con vida.

La escena es desternillante y el tono del cortometraje es de comedia. Pero el trabajo adquiere una especial relevancia porque la autora y directora es Oliva Ramírez de Haro, que proviene de una de las familias nobles más conocidas de Madrid. Su padre es Íñigo Ramírez de Haro, exdiplomático, dramaturgo y escritor enfrentado con su propio hermano, el conde de Bornos, Fernando Ramírez de Haro y Valdés, que es además marido de la expresidenta de la Comunidad de Madrid Esperanza Aguirre.

Todos conocen las miserias de la aristocracia, hasta el punto de que Íñigo llevó a su hermano Fernando ante los tribunales porque el esposo de Aguirre vendió en 2012 un cuadro familiar de Goya por más de cinco millones de euros, pero no repartió el dinero con sus hermanos. En noviembre, un juez condenó al conde de Bornos a pagar a su hermano Íñigo 853.732,83 euros. “La Justicia funciona, pero tengo miedo de la mano larga de Esperanza Aguirre”, confesaba este último en una entrevista con elDiario.es poco antes de que quedase visto para sentencia.

Inspirada en hechos reales

“Es una sátira inspirada en hechos reales. Me he inspirado en mi familia, en la historia que pasó y el dolor tan fuerte que sufrimos cuando se murió mi abuela”, explica Oliva Ramírez de Haro en conversación telefónica con elDiario.es. “Todo parecía idílico, a su manera, de una familia muy cercana que se decía lo mucho que se quería y cuando mi abuela murió tuve la sensación de un completo rechazo a los vínculos familiares y promesas irrompibles. Y de ahí llegaron los buitres”, añade. Las aves carroñeras son todo un símbolo del cortometraje. Nada más comenzar la grabación se escucha a los cuervos y, en un momento, la sirvienta afirma en alto: “La señora marquesa ha criado cuervos”.

La directora no cree que esa durísima pugna entre hermanos por el legado de sus padres se circunscriba únicamente a la aristocracia. “El corto es tan fuerte porque es una historia universal, que pasa en todos los países y en todas las clases sociales”, señala Ramírez de Haro. Ella reconoce que el cortometraje lo ha hecho “para sacar el dolor” que mantenía tras el fallecimiento de su abuela y el agrio enfrentamiento entre su padre y su tío. “Da miedo contarlo y muchas veces en las familias existe la ley de no hablar las cosas. Pero cuando no se hablan las cosas es cuando el rencor se queda dentro y hace que los odios se instalen”, remacha.

Las alusiones explícitas a miembros de su familia son constantes. En un momento dado, el hijo mayor le quita unos pendientes a su madre ante el asombro y el enfado de su hermana: “Son para Esperanza. Lleva esperando desde nuestra boda”. Que se utilice el nombre de Esperanza “no es casualidad”, según destaca Oliva Ramírez de Haro. “Casualidad no hay nunca, ya he dicho que está inspirado en mi familia”, apunta sin tapujos. La directora no teme represalias ni por parte de Aguirre ni por la de otros familiares: “La familia ya está perdida para siempre, desde mucho antes de hacer el corto”.

Antonio de la Torre, Cecilia Freire y Antonio Dechent

En su estreno como directora –lleva años en el mundo del cine trabajando en distintos proyectos como ayudante de dirección–, Ramírez de Haro ha contado con un elenco de lujo. El personaje que interpreta al hermano mayor lo representa Antonio de la Torre y en el papel de su hermana está Cecilia Freire. El cura está interpretado por Antonio Dechent, María Miguel hace de sirvienta y María José Alfonso, de la abuela que fallece. “Por casualidad di con Antonio de la Torre, se lo ofrecí y me dijo que iba a leer el guion y que si estaba bien lo haría. Creo que le pareció un buen reto”, explica la directora.

El cortometraje se presentó en el último festival de Málaga y, tal y como explica Ramírez de Haro, la idea es que “ahora empiece su vida” en el resto de festivales tanto a nivel estatal como internacional este año y el próximo. Después confía en poder poner el trabajo a disposición del resto del público “a través de alguna plataforma”. Oliva se licenció en Literatura Inglesa en la Universidad de Manchester y posteriormente completó un programa de dirección cinematográfica en la École Supérieure de Réalisation Audiovisuelle (ESRA) de París, antes de cursar un máster en Cine Documental en la Universidad de Tel Aviv. 

Ignasi Camós, director del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA), ha muerto a los 56 años, tal y como ha informado el Ministerio de Cultura. El máximo responsable del área de cine dentro del Ministerio llevaba meses de baja en su puesto por un cáncer. El Ministerio de Cultura ha agradecido en un comunicado “la gran labor y el compromiso de Ignasi Camós al frente del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales que, junto a su vocación de servicio público, dejarán una gran huella en las personas e instituciones con las que trabajó”.

Camós entró en el ICAA en junio de 2023 para sustituir a Beatriz Navas, anterior responsable. No fue una tarea fácil, Navas se había convertido en una figura muy respetada dentro del sector del cine, especialmente por los productores y cineastas independientes, a quienes había defendido en las diferentes negociaciones.

A pesar de ello, Ignasi Camós se ganó el cariño y la confianza del mundo del cine por su actitud conciliadora. De él destacaban que siempre escuchaba y atendía el teléfono para oír las preocupaciones del sector que tenía que defender. Camós se enfrentó en estos tres años con una complicada tarea, una Ley del Cine que el sector pedía a gritos y que todavía no ha podido ser aprobada a pesar de haberse presentado en dos ocasiones ante el Consejo de Ministros. Ese era su principal objetivo y para ello trabajó con la intención de poder desencallar la negociación con el resto de partidos que llevara a su aprobación. 

Camós ha sido testigo, además, de la materialización de las políticas públicas llevadas a cabo desde hace años y que continuaron bajo su dirección. Unas políticas que han provocado que el cine español goce de un momento único que se ha refrendado con tres películas en la Sección Oficial de Cannes. Siempre defendía las ayudas como parte fundamental de la marca España que el cine español representaba fuera.

Antes de llegar al ICAA, desde 2021 y hasta 2023, fue asesor parlamentario en el Gabinete del ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, desde donde coordinó los grupos de trabajo para el desarrollo del Estatuto del Artista. Antes, aunque titulado en derecho, ocupó diferentes puestos de responsabilidad en la Generalitat de Cataluña y fue consejero de Empleo y de Seguridad Social en la Representación Permanente ante la Unión Europea en Bruselas (enero 2011- junio 2012). También trabajó como asesor del área parlamentaria en el gabinete de la ministra de Trabajo, Seguridad Social e Inmigración, Magdalena Valerio, y en el gabinete de la vicepresidenta tercera y ministra para la Transición Ecológica y el Reto Demográfico, Teresa Ribera.

Un hombre de confianza del PSOE que encontró en el ICAA un lugar donde desarrollar su don de gentes y de conciliación en unos años donde, además, la presencia de los fondos europeos hicieron que la partida para el Instituto del Cine y las ayudas fueran especialmente generosas. 

La Junta de Gobierno del Ayuntamiento de Madrid ha aprobado definitivamente este jueves un proyecto de urbanización en el entorno de la Plaza Mayor de Villaverde. El casco histórico del distrito incorporará una nueva zona verde en unos trabajos ejecutados por la empresa privada Fun Business SL con una inversión de 650.000 euros, con una duración aproximada de cuatro meses. Todo ello con la supervisión del área de Obras y Equipamientos, según ha informado en rueda de prensa la vicealcaldesa y portavoz municipal, Inmaculada Sanz.

El proyecto pretende recuperar y ordenar el entorno de la Plaza Mayor de Villaverde, “poniendo en valor su patrimonio histórico y mejorando un área ahora deteriorada”, según explica el Ejecutivo liderado por José Luis Martínez-Almeida. En este sentido, se incorporará una zona verde pública que ampliará dicha plaza, remodelada recientemente, y conectará con la plazoleta existente en la intersección de las calles Albino Hernández Lázaro, La Plata y Covachuelas.

La actuación prevé la creación de una plaza pública ajardinada que conecte y potencie los espacios libres, generando “un nuevo pulmón verde” rodeado de dos edificios residenciales de 30 viviendas con dos locales comerciales y plazas de garaje. Además, contará con una parcela dotacional de uso municipal y mantendrá el histórico inmueble que fue el cine Magerit de Villaverde, convirtiéndolo en un espacio terciario.

El objetivo, según Sanz, es “dar continuidad a la regeneración de la plaza”, echando mano para ello de una nueva iniciativa privada. En total, la obra actuará en una superficie de 2.974 metros cuadrados, de los que 927 corresponderán a las zonas verdes.

El proyecto “respetará las características arquitectónicas tradicionales, incorporando mejoras de habitabilidad y criterios de sostenibilidad como cubiertas verdes, drenajes sostenibles, vegetación autóctona y zonas de sombra”. Todo ello, con la intención de “promover espacios de encuentro entre los vecinos y revitalizar el comercio de la zona”.

Las formas que adopta un villano a lo largo de una historia suelen cambiar con el tiempo, pero pocas figuras mantienen una identidad tan marcada como Lord Voldemort dentro del universo de Harry Potter. El que nunca debe ser nombrado fue un mago oscuro con una obsesión clara por el poder absoluto y por evitar la muerte a cualquier precio, lo que le llevó a romper su propia alma en varios fragmentos para sobrevivir.

Ese proceso, conocido dentro de la historia como la creación de horrocruxes que guardan partes de su esencia, explica por qué su presencia sigue activa incluso cuando su cuerpo desaparece. A partir de ahí, sus acciones marcaron cada etapa del conflicto principal, ya que organizó un grupo de seguidores fieles y extendió el miedo en todo el mundo mágico.

También persiguió a Harry Potter desde que este era un niño, lo que convirtió su enfrentamiento en el eje de la saga. Su importancia nace de ese papel constante como enemigo que obliga a reaccionar a todos los demás personajes, y de una historia personal que explica cómo alguien con talento terminó tomando ese camino. Esta trayectoria deja a las claras que no todos los actores pueden interpretarlo.

El propio Fiennes propone a Tilda Swinton como opción

Ralph Fiennes ha dado por cerrada su etapa en ese papel tras haberlo interpretado en cinco de las ocho películas, según explicó durante su paso por The Claudia Winkleman Show, recogido por The Hollywood Reporter. El actor británico reconoció que en el pasado estaba dispuesto a volver, pero ahora cree que esa posibilidad ya no está sobre la mesa.

Esa decisión deja libre uno de los papeles más exigentes de la nueva adaptación televisiva que prepara HBO, que necesita encontrar a alguien capaz de mantener el nivel que dejó en pantalla. De hecho, es uno de los personajes importantes que todavía no tiene a nadie asignado para interpretarlo en esta nueva versión.

El propio Fiennes no se limitó a apartarse del personaje, ya que también señaló a una posible sustituta. Durante esa misma intervención mencionó a Tilda Swinton como una candidata que le parece adecuada y afirmó que “sería increíble” en el papel. La propuesta tiene un matiz llamativo, ya que se trataría de una versión femenina del villano, algo que encajaría con la intención que se ha comentado en torno a la serie de explorar cambios importantes en los personajes respecto a las películas.

La actriz cuenta con una trayectoria amplia, incluido un Oscar y un BAFTA, y ya ha interpretado a figuras con rasgos similares en otras producciones, lo que abre la puerta a una reinterpretación del personaje en esta etapa. Ese tipo de decisiones, sin embargo, no llega en un contexto tranquilo, porque el nuevo reparto ya ha generado debate.

La elección de Paapa Essiedu como Severus Snape ha provocado críticas y ataques racistas, además de amenazas de muerte contra el actor británico-ghanés, con parte del público reclamando una apariencia más cercana a la descrita en los libros. Ese precedente muestra que cualquier cambio relevante en personajes tan conocidos puede desatar reacciones intensas antes incluso del estreno.

Cillian Murphy rechaza el papel y corta rumores

Las dudas sobre quién asumirá ese rol se mantienen en parte porque Cillian Murphy, uno de los nombres que más se han repetido, ha rechazado esa opción de forma clara. En un reportaje publicado en The Times fue tajante al afirmar que “categóricamente no voy a ser Voldemort”, y pidió que esa frase quedara reflejada en el texto para cortar cualquier especulación por parte de los fans. Esa respuesta deja fuera a uno de los candidatos más mencionados en los últimos meses.

Antes de esa negativa, el nombre del actor irlandés había ganado fuerza por su trayectoria reciente y por el perfil que encaja con el personaje. El propio Murphy, en el pódcast Happy Sad Confused, ya había dejado claro que asumir ese papel implicaría compararse con el trabajo previo de Fiennes, algo que considera difícil. Por lo tanto, el interés del público es mucho mayor que el del propio actor.

El proyecto de HBO ha optado por un reparto casi completamente nuevo, con una única excepción confirmada hasta ahora. Warwick Davis volverá como el profesor Filius Flitwick después de haber participado en las películas originales, aunque no está claro si también retomará otros personajes que interpretó en el pasado. La serie encara así una reconstrucción completa de figuras muy reconocidas.

La saga ya contó con varios actores en distintas etapas

La historia del propio Voldemort en pantalla ha pasado por varias manos antes de consolidarse con Fiennes. Richard Bremmer dio vida a una versión inicial del personaje, mientras que Christian Coulson, Hero Fiennes-Tiffin, Frank Dillane o Ian Hart interpretaron distintas etapas de su vida. Esa variedad de actores refleja cómo el personaje ha evolucionado en función del momento de la historia.

La nueva serie tiene previsto su estreno en Navidad de 2026 con una primera temporada basada en Harry Potter y la piedra filosofal. Aunque el personaje no aparece de forma completa hasta etapas más avanzadas de la historia, la elección del actor que lo interprete sigue siendo una de las decisiones más observadas del proyecto, ya que de ella depende buena parte de la tensión que define toda la saga.

En Hollywood, las despedidas rara vez son definitivas. El último ejemplo lo protagoniza Cameron Diaz, que tras más de una década alejada del cine regresó el año pasado a la gran pantalla con la película De vuelta a la acción (2025) y ahora está rodando su nueva comedia romántica en Nueva York. Con más proyectos en camino, su vuelta no ha sido algo puntual, sino que confirma una segunda etapa en la industria y reaviva una idea que Hollywood conoce bien: retirarse no siempre significa desaparecer definitivamente, sino, en muchos casos, tomarse una pausa antes de volver.

Diaz fue una de las actrices más populares de finales de los noventa y principios de los 2000, con una carrera repleta de éxitos comerciales. Sin embargo, tras varios años en primera línea, decidió apartarse en 2014 alegando motivos personales, ya que quería alejarse del foco mediático y priorizar su vida fuera de la industria.

El regreso como segunda oportunidad

El caso de Cameron Diaz no es único. A lo largo de los años, muchos actores y actrices han decidido retirarse, ya sea por cansancio, falta de proyectos o motivos personales. Sin embargo, Hollywood es una industria que siempre deja la puerta entreabierta. La nostalgia del público, junto con el valor comercial de un regreso, convierte estas vueltas en auténticos acontecimientos.

Uno de los ejemplos más recientes es Brendan Fraser. Tras años alejado del foco, marcados por problemas personales y de salud que le apartaron de los grandes proyectos, regresó con fuerza gracias a La ballena (2022), una interpretación que le valió el Oscar y supuso una reivindicación total de su carrera. Su vuelta no fue solo profesional, sino también emocional: el reconocimiento de la industria y el apoyo del público convirtieron su historia en uno de los regresos más celebrados de los últimos años. Fraser pasó de ser una estrella olvidada a protagonizar uno de los relatos de redención más potentes de Hollywood, encarnando perfectamente esa idea de segundas oportunidades que tanto atrae al público.

Algo similar ocurrió con Ke Huy Quan, quien pasó de ser una estrella infantil a desaparecer prácticamente de la industria. Tras alcanzar la fama en los años 80 con títulos muy populares, su carrera se frenó por la falta de oportunidades para actores asiáticos en Hollywood, lo que le llevó a trabajar durante años detrás de las cámaras como coordinador de especialistas y asistente de dirección. Décadas después, su regreso con Todo a la vez en todas partes (2022) también le valió el Oscar.

En el caso de Renée Zellweger, la retirada fue voluntaria. La actriz decidió tomarse un descanso tras años de éxito, pero regresó con Judy (2019), donde interpretó a Judy Garland y consiguió también el Oscar a la mejor actriz. Su vuelta reforzó la idea de que el tiempo lejos de la pantalla puede fortalecer una carrera en lugar de debilitarla.

Otros casos responden a decisiones más personales. Rick Moranis se retiró tras su éxito en películas como Cariño, he encogido a los niños (1989) o Los Picapiedra (1994), decidió alejarse de Hollywood tras el fallecimiento de su esposa para dedicarse a tiempo completo a la crianza de sus dos hijos como padre soltero, alejándose durante décadas del cine. Su regreso, previsto para el año que viene con la película Spaceballs 2, ha sido recibido con entusiasmo por el público que creció con sus películas.

También destaca el 'resurgir' de Winona Ryder, cuya carrera sufrió un parón tras diversos problemas mediáticos. Su papel en Stranger Things la devolvió al primer plano de la industria y además la ayudó a conectó con nuevas generaciones de espectadores.

Como estos ejemplos hay muchos más en la industria de Hollywood que demuestran que volver no significa repetir el pasado, sino reinterpretarlo. Muchos de estos actores y actrices regresan con proyectos más personales o con personajes que les permiten explorar nuevas facetas, alejándose de los roles que marcaron su etapa anterior, y además con una gran cuota de éxito. Y es que en Hollywood, decir adiós nunca es del todo definitivo: a veces, es solo el comienzo de una nueva etapa.

Este miércoles llega a los cines españoles y de todo el mundo el biopic de Michael Jackson, “Michael”, que se basa en su vida, sobre todo en su trayectoria musical y que cuenta con su sobrino Jaafar Jackson como protagonista interpretando al rey del pop.

Antes de que se contara la carrera de Michael Jackson en el cine, el propio cantante tuvo pequeñas apariciones en películas y cortos, más allá de los documentales de sus conciertos, giras o videoclips. Es que incluso se podría contar el video de “Thriller”, que con una duración aproximada de 14 minutos y su historia de zombis como si de una peli de terror se tratase.

“El mago” (1978)

El primer trabajo del considerado rey del pop fue un remake de “El mago de Oz” con la mayoría de su reparto afroamericano. Dirigida por Sidney Lumet, coincidió con Diana Ross y con Quincy Jones, una persona que sería clave en su comienzo, pues con él produjo su disco ‘Of the Wall’ en el que se dieron sus primeros éxitos como solista, pero también sus míticos ‘Thriller’ y ‘Bad’. En esta película, Michael interpreta al espantapájaros, que fue su primer papel en el cine. El largometraje, sin embargo, no tuvo mucho éxito en taquilla.

“Capitán EO” (1986)

Pocos saben que Michael Jackson participó en un proyecto Disney, y ese fue un cortometraje en el que estuvo bajo las órdenes de Francis Ford Coppola en 1986, y que supuso la base para crear la atracción del parque temático Disney World en Florida, en el centro EPCOT. Además, tuvo también guion de George Lucas, que contó con Anjelica Huston en el papel de villana.

“Moonwalker” (1988)

Una película que se podría ligar perfectamente con su biopic “Michael” es “Moonwalker”, un proyecto experimental en el cine que mezclaba videos musicales, actuaciones en vivo, junto a una narrativa fantástica, que llegó, además, en el momento más estelar de su carrera, por lo que sí que tuvo buena acogida en la taquilla.

El propio Michael Jackson se dedicó a escribirla y producirla, siendo uno de sus puntos fuertes la lucha contra las drogas y el abuso de menores por parte de los traficantes, que esto funciona de forma perfecta como una previa a los videos de las canciones del mítico disco ‘Bad’.

“Men in Black II” (2002)

Se dice que Michael Jackson fue tan fan de la primera película de “Men in Black” que cuando se preparaba la segunda pidió tener un papel e incluso ser parte de la organización como uno de los de MIB y tener la letra código “M”.

Aunque esto finalmente no fue así, al cantante le dieron un cameo en la segunda peli, interpretándose a sí mismo como parte de otro mundo y un alienígena que quiere ser parte del grupo, tomando así motivación en lo que pasó en la vida real.

“Miss Ida y el fantasma” (2004)

Su siguiente y última aparición en el cine fue también un cameo, en este caso en la comedia ‘Miss Cast Away’ en la que participó por ser amigo del director, como favor personal. En él interpreta al agente “M.J” que es asignado por el Papa para lograr que las concursantes de un concurso de belleza que se quedaron en una isla desierta trabajen de forma encubierta para el Vaticano.

El cuerpo pequeño de Yoda engaña al principio dentro de Star Wars, porque no adelanta la autoridad que llega a tener ni la fuerza con la que interviene cuando la situación se vuelve extrema. El maestro Yoda ocupa un lugar altísimo en la saga por una razón clara, ya que maneja la Fuerza con un dominio que casi nadie alcanza y actúa como referencia para los Jedi que vienen detrás.

Esa posición se entiende mejor cuando entra en combate, porque puede mover grandes pesos y derrotar a rivales más jóvenes con una rapidez que rompe la imagen tranquila que da al verlo por primera vez. También detecta antes que otros el peligro y entiende hasta dónde puede llegar cada decisión, de modo que su papel sale del consejo y de la enseñanza y pasa también por momentos en los que altera el rumbo de la historia.

Por eso Yoda importa tanto dentro de Star Wars, ya que reúne poder y autoridad dentro de una saga donde no abundan los personajes capaces de influir de ese modo durante tanto tiempo. A esa fuerza se suma otro rasgo que lo vuelve inconfundible, porque habla con un orden extraño y hace que cada frase pida atención antes de quedar del todo clara.

George Lucas diseñó un habla extraña para captar atención

George Lucas explicó en el TCM Classic Film Festival de 2024, recogido por Variety, que diseñó esa forma de hablar para que el público escuchara con más atención. El director señaló que “si hablara de forma normal, la gente no prestaría mucha atención”, y añadió que cuando el discurso resulta más difícil de entender, el oyente se concentra más en cada palabra.

Lucas insistió en que ese recurso tenía una función concreta dentro de la historia y que no era una elección arbitraria. También explicó que Yoda ocupa el papel de pensador dentro de la saga, por lo que necesitaba una forma de garantizar que sus intervenciones no pasaran desapercibidas.

El universo de Star Wars se construyó con una red de detalles que obliga a mantener coherencia en cada elemento, y ese nivel de exigencia explica por qué incluso un rasgo como la forma de hablar de un personaje responde a una decisión concreta.

La saga se apoya en un conjunto de historias, reglas y relaciones que el público conoce y vigila, lo que obliga a cuidar cada detalle para evitar contradicciones. Dentro de ese sistema, Yoda se sitúa como una figura que no solo participa en la acción, sino que define la manera en que se entiende el funcionamiento de la Fuerza.

El personaje apareció en 1980 y se volvió imprescindible

El desarrollo de la franquicia no fue sencillo en sus inicios, ya que los estudios mostraron dudas sobre el proyecto. George Lucas propuso encargarse de escribir, dirigir y producir las películas por el salario mínimo permitido, con la condición de quedarse con los derechos de posibles secuelas.

El director explicó que aceptó esas condiciones porque tenía claro que seguiría adelante con la historia independientemente del resultado inicial. También pidió conservar los derechos de explotación comercial, una decisión que terminó siendo determinante en el crecimiento de la saga.

La trayectoria del personaje dentro de las películas refuerza su posición. Yoda apareció por primera vez en 1980 en El Imperio contraataca y desde entonces se ha convertido en una figura imprescindible en distintas entregas y producciones relacionadas.

Sus frases han quedado asociadas a su forma de pensar, como “Hazlo o no lo hagas, pero no lo intentes” o “El mayor maestro, el fracaso es”, que mantienen la estructura alterada de su lenguaje y obligan a detenerse en su interpretación. Esa repetición en distintos contextos consolidó su presencia dentro del conjunto de la saga.

Frank Oz llevó más lejos el estilo al dar vida al sabio

Frank Oz, actor y titiritero que dio voz al personaje, explicó en una entrevista con The Guardian que el estilo de habla surgió durante el proceso de trabajo con el guion. Oz señaló que ya existían indicios de esa sintaxis en el texto original, pero que decidió llevarla más lejos tras consultarlo con Lucas.

El actor recordó que preguntó si podía mantener ese patrón en todo el personaje y que recibió una respuesta afirmativa. También añadió que cualquier persona puede imitar la voz, pero que el resultado depende de algo más que el sonido, ya que “no es la voz, es el alma”.

La construcción del personaje unió forma de hablar y mensaje

La explicación de Lucas sobre el lenguaje de Yoda se apoya en una observación sencilla sobre el comportamiento del público. El director indicó que cuando el discurso se presenta con una estructura habitual, la atención disminuye, mientras que un patrón extraño obliga a seguir cada palabra con más cuidado.

En ese sentido, el habla invertida actúa como un mecanismo que dirige la atención hacia el contenido del mensaje, porque no son frases normales. Ese pequeño esfuerzo cambia la forma en que se reciben sus palabras y hace que el mensaje pese más.

Esa decisión encaja con el papel del personaje dentro de la historia. Yoda no aparece para lanzar frases rápidas, sino para detener la acción y explicar ideas que requieren tiempo. Sus escenas suelen ser largas y están llenas de reflexiones sobre la Fuerza, el aprendizaje o el fracaso.

Lucas explicó que buscaba justo eso, que el público, sobre todo el más joven, no desconectara en esos momentos en los que Yoda habla durante un buen rato. Necesitaba una forma de mantener la atención sin recurrir a la acción, y el lenguaje fue la herramienta que eligió.

Al final, lo que dice Yoda y la forma en que lo dice van de la mano. Esa relación termina definiendo al personaje y explica por qué su manera de hablar, igual que los sables láser, sigue siendo uno de los rasgos más reconocibles de Star Wars.

Hoy cumple 60 años el actor Jeffrey Dean Morgan, que puede presumir de haber construido una carrera sólida en Hollywood… aunque no siguiera el camino habitual. Su historia no es la de una estrella precoz, sino la de alguien que ha alcanzado el reconocimiento del público cuando muchos actores ya han consolidado su lugar en la industria.

Su caso es curioso porque antes de convertirse en uno de los rostros más reconocibles de la televisión, Morgan tenía otro objetivo. Su juventud estuvo unida primero al fútbol americano y luego al baloncesto, deporte en el que aspiraba a desarrollar una carrera profesional. Sin embargo, una lesión de rodilla acabó con esa posibilidad y le obligó a replantearse su vida, abriendo la puerta al mundo de la interpretación.

De actor secundario a cara reconocible

Su entrada en Hollywood fue discreta. Empezó al acompañar a un amigo suyo que se mudó a Los Ángeles y ya se quedó. Durante años fue encadenando pequeños papeles en cine y televisión sin excesivo éxito. El reconocimiento empezó a llegar ya superados los 40 años, cuando comenzó a aparecer en series de gran audiencia como Anatomía de Grey o Supernatural. Estos papeles le dieron visibilidad y le permitieron demostrar su capacidad para aportarle emocionalidad a sus personajes secundarios.

En paralelo, su presencia en el cine también comenzó a crecer. En Posdata: Te quiero (2007) mostró una faceta más romántica, alejada de los papeles duros que más tarde le harían famoso. Poco después, participó en Watchmen (2009), donde interpretó a El Comediante, un personaje complejo y poco moral que anticipaba el papel que marcaría su carrera.

Negan, el papel que lo cambió todo

El gran cambio en su vida llegó con su incorporación a The Walking Dead, donde dio vida a Negan. Su aparición en la serie supuso uno de los momentos más impactantes de la televisión reciente, con una entrada que marcó un punto de inflexión en la trama de la longeva serie. Negan no era un villano convencional como los que se habían visto, era peor. Jeffrey Dean Morgan construyó un antagonista carismático, brutal despiadado y, al mismo tiempo, impredecible. Armado con su icónico bate “Lucille”, el personaje se convirtió en uno de los más icónicos de la serie, capaz de ser odiado y querido a partes iguales.

La interpretación de Morgan aportó una dimensión especial al personaje. Su forma de combinar violencia, humor y presencia escénica convirtió a Negan en mucho más que un simple enemigo. Ese papel no solo le dio fama global, sino que redefinió su carrera. De actor de reparto pasó a ser una figura central en una de las producciones más populares de la televisión, consolidando su estilo y su imagen arrolladora.

Hoy, a sus 60 años, Jeffrey Dean Morgan representa una historia poco común en la industria del entretenimiento. La de alguien que supo reinventarse tras un contratiempo y que encontró el reconocimiento del gran público cuando menos se esperaba. Porque, en su caso, el éxito no llegó pronto, pero sí que llegó a tiempo para dejar huella.

A finales de 2026 llegará a los cines una nueva adaptación de Las crónicas de Narnia, y lo hará bajo la dirección de Greta Gerwig. El estreno no solo despierta expectación por el regreso de una de las sagas más populares del cine fantástico, sino también por el nombre que hay detrás del proyecto. Gerwig se ha consolidado en pocos años como una de las cineastas más influyentes de Hollywood, capaz de moverse con soltura entre el cine de autor y las grandes producciones de la industria.

Su trayectoria no empezó en el terreno de las superproducciones. Su gran punto de inflexión llegó con Lady Bird (2017), una película íntima que exploraba la adolescencia y las relaciones familiares con una mirada muy personal. El filme fue aclamado por la crítica y marcó el inicio de una carrera como directora con identidad propia.

Dos años más tarde, Gerwig dio un paso más con Mujercitas (2019), una adaptación de la clásica novela que confirmó su capacidad para reinterpretar historias conocidas desde una perspectiva contemporánea. Con esta obra, no solo consolidó su estilo narrativo, sino que también demostró que podía conectar con un público amplio sin renunciar a su toque personal.

El fenómeno Barbie y el salto definitivo

No obstante, el verdadero salto a la primera línea de la industria de Hollywood llegó con Barbie (2023). Lo que en un principio parecía un proyecto puramente comercial se convirtió en un fenómeno cultural global. La película no solo arrasó en taquilla, recaudando un total de 1.446 millones de dólares y siendo la más vista del año, sino que también generó debate y análisis en torno a sus temas, desde la identidad hasta el papel de la mujer en la sociedad.

El éxito de Barbie supuso un cambio considerable en la carrera de Gerwig. A partir de ese momento, su nombre pasó a asociarse no solo con el cine independiente de calidad, sino también con grandes producciones capaces de atraer a audiencias masivas. Y en este equilibrio entre cine de autor y superproducción está una de las claves de su éxito.

El encargo de dirigir Las crónicas de Narnia confirma esta tendencia. No se trata solo de una nueva película, sino de una franquicia de gran presupuesto y alcance internacional que ya obtuvo grandes resultados en el pasado. Que una directora con un perfil como Gerwig asuma este reto deja claro un cambio en la industria, cada vez más abierta a voces diferentes en proyectos de gran escala.

Una nueva etapa para las mujeres en Hollywood

El ascenso de Greta Gerwig también debe entenderse en el contexto de una industria históricamente dominada por hombres. Durante décadas, las grandes producciones estuvieron reservadas a directores masculinos, mientras que las mujeres apenas tenían posibilidades de dirigir proyectos de gran presupuesto.

En los últimos años, esta tendencia ha comenzado a cambiar, aunque de forma gradual. Directoras como Chloé Zhao, Kathryn Bigelow o Patty Jenkins han abierto camino, pero casos como el de Gerwig destacan por su capacidad para combinar éxito comercial y reconocimiento crítico. Su presencia al frente de proyectos como Barbie o Narnia no solo tiene un valor cinematográfico, sino también simbólico, representa la posibilidad de que mujeres puedan aportar su punto de vista y experiencia en la manera en que se cuentan las historias.

Greta Gerwig se ha convertido en una de las figuras más relevantes del cine contemporáneo y su evolución, desde relatos personales hasta grandes franquicias, refleja no solo su talento, sino también un cambio de paradigma en Hollywood. Con Las crónicas de Narnia en el horizonte, su trayectoria apunta a seguir abriendo camino para las mujeres en la industria, en los próximos años.

En desarrollo desde 2019, la película biográfica de Michael Jackson, titulada Michael, llegará finalmente a los cines de España el 24 de abril de este año. El largometraje estará protagonizado por Jaafar Jackson, hijo de Jermaine Jackson (hermano de Michael), quien hará su debut en pantalla con este papel después de años preparándose para al Rey del Pop. 

Sobre la preparación que tuvo que hacer para ponerse en la piel de su tío, el joven de 29 años ha ido hablando en las últimas entrevistas que ha dado con motivo del lanzamiento del filme de Universal Pictures dirigido por Antoine Fuqua y escrito por John Logan. Una de las últimas la ha hecho con Rolling Stone India, donde compartió la importancia de ver el contenido audiovisual en el que aparecía el artista para intentar emularlo.

“Michael siempre observaba a los artistas que lo inspiraban, analizaba su trabajo para comprender qué los hacía grandes e incorporaba esas cualidades al suyo. Utilicé el mismo proceso con él. Además de todo el entrenamiento, vi muchísimas entrevistas y vídeos caseros, capturando los matices, los gestos y, sobre todo, la humanidad”, explicó el joven actor.

Años de preparación para moverse y hablar como Michael

Pero ser capaz de emular los gestos, la forma de hablar y los pasos de baile que caracterizaron al compositor de Thriller no ha sido precisamente una tarea fácil. “Empecé a estudiarlo a diario y a practicar frente al espejo durante horas y horas todos los días. Tardé un par de años en sentirme seguro con los pasos de baile”, confesó Jaafar en una charla con Vogue. 

El sobrino se tomó el trabajo muy en serio, y creó lo que él mismo denominó como una especie de “sala de investigación” sobre Michael. Cada pared de esta habitación la llenó con letras de sus canciones, escritos personales del artista, datos sobre algunos de los logros más importantes de su carrera, así como una cronología con los acontecimientos musicales y personales que marcaron su vida. 

Pero para profundizar en el conocimiento sobre su tío, el joven decidió recurrir a lo que los unía directamente: la casa familiar de los Jackson ubicada en Encino, California. La propiedad fue comprada por Joe Jackson en 1971, cuando Michael tenía unos 13 años, y hoy sigue perteneciendo a la familia. 

“Dormí en muchas habitaciones diferentes de la casa solo para sentir la energía. Alojarme allí me permitió sentirla de forma natural, sin forzarla. Tuve la gran suerte de tener ese espacio como mi campo de experimentación. (...). Había una sala de baile donde Michael solía entrenar. Yo también empecé a entrenar allí”, compartió en una entrevista para la revista Interview. 

“Proyecto Salvación” (Project Hail Mary) se ha convertido en uno de los mejores estrenos de cine en lo que llevamos de año, acumulando ya más de 850.000 espectadores en España desde su estreno a finales de marzo, y con más de 500 millones de dólares recaudados a nivel mundial, lo que la convierte en un éxito en todo el mundo.

La película, protagonizada por Ryan Gosling, ha sido también el regreso de Phil Lord y Christopher Miller como directores tras más de una década, por lo que después del éxito que ha superado expectativas, son muchas las miradas para saber los próximos proyectos en los que podrían trabajar la dupla creativa.

Y en este sentido, tanto Lord y Miller ofrecieron una idea en una entrevista en The Hollywood Report, donde hablaron de “una lista de espera de siete u ocho proyectos” que quieren hacer y entre ellos podría estar un proyecto que dejaron atrás y que fue anunciado hace casi diez años, aunque admiten que “sigue en marcha” en el mismo medio.

Este sería la adaptación de otra obra del mismo autor que de “Proyecto Salvación” y “Marte”, sus anteriores éxitos de ciencia ficción, “Artemis”, novela también de Andy Weir, aunque con matices diferentes a sus precedentes. “Tenemos un guion para 'Artemis', y es delicioso”, aseguraba Lord para The Hollywood Report.

Se podría retomar el proyecto de “Artemis”

La novela de Andy Weir es la mejor posicionada para ser el próximo proyecto de Phil Lord y Christopher Miller como directores tras el éxito de “Proyecto Salvación”, sobre todo teniendo en cuenta que su adaptación incluso se anunció antes, en 2017, después de la buena acogida que tuvo “Marte”, película protagonizada por Matt Damon.

A diferencia de las anteriores adaptaciones al cine de Weir, en “Artemis” la trama sucede completamente en la Luna, y era un proyecto que estaba siendo desarrollado por Fox, en un contexto previo a su adquisición por parte de Disney, algo que pasaría dos años después de su primer anuncio.

En 2018, tan solo un año después de confirmarse que se estaba trabajando en su adaptación, se publicó que Geneva Robertson-Dworet sería la encargada de realizar el guion, y desde entonces no se supo nada, hasta la actualidad, cuando tras el éxito de “Proyecto Salvación” ha crecido el interés por saber qué es lo que sucedió con esta película.

La trama y los retos que supone adaptar “Artemis”

En “Artemis” la trama sigue a Jazz, una chica que vive en Artemis, la primera ciudad fundada en la Luna, a finales de la década de 2080. Ella es una joven que todavía está aprendiendo a desenvolverse en la vida adulta, y cuando la conocemos es una contrabandista de poco nivel que está en conflicto con todas las personas de su alrededor, un hecho que se plantea cuando un empresario la recluta para sabotear un negocio de su rival.

El entorno lunar juega un papel fundamental en la historia, y es por ello por lo que esto suponía un reto para su adaptación, pues se debía encontrar una manera de implementar la baja gravedad del satélite de la Tierra, un detalle técnico que ya habría sido resuelto según las últimas noticias de sus directores. E incluso en una reciente entrevista el autor Andy Weir apuntó a Jenna Ortega como su actriz deseada para dar vida a la protagonista Jasmine ‘Jazz’ Bashara, aunque esto es un detalle que nada tiene que ver con el proyecto cinematográfico que se podría estar planteando, siendo solo la opinión del escritor de la novela original.

El Festival de Cine LGTBI del Centro Niemeyer que se ha desarrollado en Avilés desde el 9 de abril hasta ayer, domingo, ha cerrado su undécima edición con el reconocimiento a las películas y cortometrajes que han destacado por su calidad artística, su capacidad de emocionar y su compromiso con las narrativas contemporáneas LGTBIQ+.

Uno de los momentos más emocionantes en la clausura de un festival es conocer el nombre de las obras que resultan premiadas. Y en este capítulo los protagonistas indiscutibles han sido Ian de la Rosa, con su película 'Iván & Hadoum', y Simone Sojo con su cortometraje 'Las Pardas'.

El mejor largometraje

Los miembros del jurado de la sección oficial de largometrajes 'Panorama', Enrique Meléndez Galán, Marta Azparren y Mapi Gracia Galán, han otorgado el premio al mejor largometraje a 'Iván & Hadoum'.

En esta película han reconocido “la solidez de una propuesta que articula con coherencia múltiples capas narrativas y emocionales, así como la sensibilidad con la que aborda las intersecciones entre identidad, migración y clase”.

El relato

La película se estrenará en España el 19 de junio y viene precedida de muy buenas críticas. No en vano, ya ha sido galardonada con anterioridad en el Festival de Málaga y el Teddy Award en la Berlinale 2026 considerado el premio de mayor prestigio del cine LGTBI.

Ambientada en los invernaderos de Almería, la película construye un relato profundamente humano marcado por la precariedad y las tensiones sociales, apoyado en unas interpretaciones de gran intensidad —especialmente las de Silver Chicón y Herminia Loh— y una puesta en escena sobria que sitúa el foco en los cuerpos y sus vínculos.

El jurado ha concedido además una Mención Especial a 'Lesbian Space Princess', de Leela Varghese y Emma Hough Hobbs, por la originalidad de su propuesta que, desde la animación, combina humor, sátira e imaginación para abordar cuestiones como el amor propio o las estructuras heteronormativas desde un enfoque lúdico y crítico, contribuyendo a la creación de nuevos imaginarios queer y lésbicos.

Premio al mejor cortometraje

Por su parte, el jurado de la sección oficial de cortometrajes 'Miradas', integrado por Sara González Armada, Miguel Lafuente y Maribel Povedano, ha otorgado el Premio al Mejor Cortometraje a 'Las Pardas', de Simone Sojo.

En su caso, se ha valorado la solidez y coherencia de su propuesta estética y narrativa, así como su libertad formal y su marcado lirismo.

El jurado ha destacado especialmente la fuerza colectiva de sus protagonistas y la construcción de un espacio de autorrepresentación que dota al relato de “autenticidad, cercanía y una notable capacidad de empatía”, según ha resaltado en su fallo.

Mención Especial a 'Aquí donde soy'

Asimismo, se ha concedido una Mención Especial a 'Aquí donde soy', del asturiano Daniel Braga Alonso, por su capacidad para articular un discurso comprometido desde lo local, abordando las experiencias LGTBIQ+ en Asturias “desde una mirada honesta, sensible y experimental”.

El cortometraje ha sido valorado por su dimensión testimonial y su capacidad para conectar lo personal con lo colectivo, generando un espacio de memoria, comunidad y reflexión.

El jurado ha subrayado “la honestidad y cercanía de un dispositivo formal que, desde la sencillez, construye un retrato complejo y necesario de las experiencias LGTBIQ+ en el territorio asturiano”, ha señalado.

Premio del Público: 'Between Goodbyes'

Si los premios concedidos por los jurados profesionales son gratificantes, el que otorga el público tiene un plus más. En este caso, los espectadores han otorgado su confianza y su aplauso, a través de su voto, a 'Between Goodbyes', de Jota Mun, una obra que ha sabido conectar con la audiencia a través de un relato íntimo y a la vez universal sobre identidad queer, adopción transnacional y pertenencia.

La organización del Festival de Cine LGTBI del Centro Niemeyer ha destacado que esta edición que se clausuró ayer se caracterizó por la diversidad y calidad de las propuestas en concurso, consolidándose como un espacio de referencia internacional para el cine y la cultura LGTBIQ+ contemporánea.

A lo largo de su programación, el festival ha combinado largometrajes, cortometrajes, artes escénicas y otras actividades paralelas, como la exposición del artista David Trullo, reforzando su papel como plataforma de exhibición, pensamiento y encuentro en torno a las experiencias y narrativas queer en Asturias.

Tras cuatro años como presidente, Fernando Méndez-Leite se presenta de nuevo a las elecciones a la presidencia de la Academia de Cine. Se trata de una nueva candidatura en la que le acompañan el productor Félix Tusell Sánchez como vicepresidente primero y la actriz Ángela Cervantes como vicepresidenta segunda.

En la anterior etapa, Méndez-Leite contó con el productor Rafa Portela y la actriz Susi Sánchez como vicepresidentes. Las elecciones para la próxima candidatura se celebrarán el 20 de junio. Tal y como ha detallado la institución, el 20 de mayo, un mes antes, se cerrará el plazo para presentar candidaturas.

Las votaciones presenciales se celebrarán en la sede de la Academia en el transcurso de una Asamblea General que se llevará a cabo el 20 de junio, a partir de las 9:30 horas. Los académicos y académicas podrán optar por ejercer su voto previamente de forma online hasta el 18 de junio.

Presidente de la Academia desde 2022, Fernando Méndez-Leite (Madrid, 1944), reconocido a lo largo de su trayectoria como director de cine y televisión, también ha sido Director General del ICAA (1986-1988), director de la ECAM (1994-2011) y programador del Festival de Málaga desde su fundación, entre otros muchos trabajos.

Por su parte, Félix Tusell Sánchez (Madrid, 1990) es director de la productora Estela Films, la más antigua en activo de España. Ademas de gestionar el catálogo de la productora, es productor de títulos recientes como Los del túnel (2015, Pepón Montero) o Tiempo después (2017, José Luis Cuerda). Ganó el Premio Goya al Mejor cortometraje de ficción con Tótem loba (2020, Verónica Echegui).

Asimismo, Ángela Cervantes (Barcelona, 1993) es una de las actrices más relevantes del panorama nacional actual. Ha sido nominada tres veces al Premio Goya, revelación por Chavalas (2021, Carol Rodríguez), de reparto por La maternal (2022, Pilar Palomero) y protagonista por La furia (2026, Gemma Blasco).

¿Cuáles son las mejores películas que se han hecho desde el 1 de enero del año 2000 hasta ahora? Es la pregunta a la que el diario The New York Times quería encontrar una respuesta y, para ello, consultó a 500 personas influyentes de Hollywood, incluyendo a directores, actores y otros profesionales de la industria cinematográfica y ámbitos relacionados.

Entre los participantes había cineastas galardonados con el Oscar como Sofia Coppola o Guillermo del Toro, pero también actores aclamados como Chiwetel Ejiofor, Julianne Moore o Pamela Anderson. Todos ellos tuvieron que votar sus diez largometrajes favoritos con una única regla: estos tenían que haberse estrenado en Estados Unidos a partir del 1 de enero de 2000.

“Después de emitir su voto, los votantes podían elegir cuál de dos películas seleccionadas al azar era mejor en una serie de contiendas. Combinamos los datos de estas preguntas con el recuento de votos para crear la lista de las 100 mejores películas”, explicó el diario estadounidense sobre el proceso. El resultado se puede consultar en su página web e incluye una sorpresa para los espectadores españoles.

La única española es de Almodóvar

Del centenar de largometrajes seleccionados por los profesionales, solo uno con sello español consiguió pasar el corte. La seleccionada fue Volver (2006), de Pedro Almodóvar, una de las grandes obras cinematográficas del cineasta junto a Todo sobre mi madre (1999) o Hable con ella (2002), en la que el director volvió a poner La Mancha y las dinámicas familiares femeninas en el centro.

La película sigue la historia de Raimunda (Penélope Cruz), una mujer de clase trabajadora que arrastra una vida marcada por la precariedad y un trauma familiar. Su vida y la de su hermana Sole (Lola Dueñas) dan un giro cuando el fantasma de su madre fallecida Irene (Carmen Maura) las visita por sorpresa. Penélope Cruz obtuvo su primera nominación al Oscar como Mejor Actriz por esta interpretación.

En las palabras que The New York Times le dedicó al filme en su lista, describió Volver como “una obra de empoderamiento, rebosante de belleza y pasión, y salpicada de una pizca de realismo mágico que abre su narrativa a nuevos ámbitos”. El diario también destacó la trama que Almodóvar construyó entonces, resaltando cómo “varias generaciones de mujeres muestran determinación mientras sortean obstáculo tras obstáculo”.

Las que encabezan el ránking

El primer puesto de la lista se lo llevó Parásitos (2019), la espectacular obra de Bong Joon Ho que hizo historia en los Oscar como la primera producción de habla no inglesa en llevarse la estatuilla a Mejor película. Las siguientes en el ránking fueron Mulholland Drive (David Lynch, 2001), Pozos de ambición (Paul Thomas Anderson, 2007), Deseando amar (Wong Kar-Wai, 2001) y Moonlight (Barry Jenkins, 2016). 

El actor y político argentino Luis Brandoni ha muerto a los 86 años. El intérprete, que sufrió una caída doméstica el pasado 11 de abril, según afirma el periódico La Nación, no ha podido recuperarse de un hematoma cerebral tras varios días de asistencia médica. La noticia de su fallecimiento la ha confirmado Multiteatro en redes sociales, empresa argentina dedicada a la gestión de salas teatrales.

“Con Beto se va el último primer actor de una generación inolvidable”, ha señalado Multiteatro en su comunicado. “Impulsor del teatro nacional, desde esta Casa Teatral seguiremos aplaudiendo su compromiso permanente, que excedió el ámbito del escenario”, ha agregado, sosteniendo que “hoy es un día muy triste para nuestra cultura”.

Luis Brandoni ha estado toda su vida sobre el escenario. Tanto es así que hace tan solo unas semanas estaba protagonizando la obra teatral ¿Quién es quién?, una comedia de Héctor Díaz protagonizada por Soledad Silveyra y el propio Brandoni que se estrenó en enero de 2025 y que tuvo que ser paralizada por motivos médicos. Asimismo, el actor tenía un hueco en su agenda para la grabación de la segunda temporada de Nada, la serie de Disney+ en la que compartió escenas con Robert De Niro y que, dirigida nuevamente por Mariano Cohn y Gastón Duprat, iba a volver a reunir a De Niro con Brandoni.

La trayectoria de Brandoni se consolidó a mediados de los 70, debido a su papel en películas como La Patagonia rebelde, La tregua, Gente en Buenos Aires o Juan que reía. En aquel momento, el contexto y las presiones políticas obligaron al actor a exiliarse a México, lo que inevitablemente paralizó su carrera durante un tiempo.

Al finalizar el gobierno militar, Brandoni volvió a Argentina y retomó su actividad interpretativa actuando en cintas como Darse cuenta (1984), Esperando la carroza (1985) y Cien veces no debo (1990). En las siguientes décadas, el actor combinaría su trabajo con la política, pues estuvo muy ligado a la Unión Cívica Radical (UCR). Entre 1997 y 2001 ocupó un asiento en la Cámara de Diputados del Congreso representando a ese partido político.

Entre quienes han expresado sus condolencias se encuentra la Asociación Argentina de Actores. “Ante el fallecimiento del actor y exdirigente sindical, Luis Brandoni, acompañamos con respeto a sus familiares y seres queridos en este momento de dolor. Su sólida labor interpretativa en cine, teatro y televisión lo consolidó como una reconocida figura de la escena nacional”, ha declarado en un comunicado.

Bill McFarland estaba revisando un baúl lleno de rollos de películas antiguas que habían pertenecido a su bisabuelo, un hombre que por el día era agricultor y maestro en una escuela de Pensilvania pero que, por la noche, salía a recorrer pueblos con un proyector para enseñar algunas de las primeras películas de la historia. El otoño pasado, McFarland llevó aquella colección al Centro Nacional de Conservación Audiovisual de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. 

“Era simplemente un baúl lleno de películas que parecían demasiado buenas para tirarlas, pero no tenía ni idea de qué eran ni cómo proyectarlas”, declaró entonces McFarland a la AFP. Lo que no podía imaginar es que entre todos esos rollos viejos y deteriorados se encontraba una auténtica joya de la historia del cine: una copia de Gugusse y el autómata, película muda del cineasta francés George Méliès que llevaba años desaparecida.

“El cortometraje de 45 segundos, realizado alrededor de 1897, fue la primera aparición en película de lo que podría llamarse un robot, lo que lo convirtió en un objeto de culto para generaciones de aficionados a la ciencia ficción, aunque solo lo conocieran de oídas. Nadie lo había visto en probablemente más de un siglo”, explica la Biblioteca del Congreso en un comunicado. 

La pequeña historia de un mago y un autómata

Gugusse y el autómata es un cortometraje de una sola toma y un solo rollo filmado que comienza frente a lo que parece ser un taller donde se fabrican autómatas. En escena vemos a un mago (el propio Méliès) dando cuerda a un autómata vestido como el famoso payaso Pierrot. El payaso comienza a golpear al mago con su bastón, el cual responde con otro golpe al “robot”. Con cada golpe, este se encoge por la mitad, hasta convertirlo en un pequeño muñeco.

El rollo de película que McFarland donó a la biblioteca es una copia con al menos tres desviaciones respecto al material original. Los técnicos dedicaron más de una semana a escanearla y estabilizarla en formato digital, de modo que ahora cualquiera puede volver a ver una de las primeras creaciones cinematográficas de la historia. 

El hallazgo, realizado el pasado mes de septiembre, se ha anunciado ahora públicamente. “Es una pequeña pero importante aportación al legado del cine mundial y de uno de sus fundadores”, apunta la biblioteca, haciendo referencia a Méliès, ilusionista y cineasta francés que cambió para siempre este arte y que dejó a su paso obras tan emblemáticas como Viaje a la Luna (1902).

McFarland no solo encontró las películas de su bisabuelo, sino también sus diarios, donde reflejó sus años como artista ambulante. “Habla de salas llenas, de locales alborotados, de espectáculos cancelados, y llegó hasta la frontera entre Pensilvania y Maryland. Llegaba a ganar hasta 20 dólares por noche, según veo en sus registros, aunque a veces ganaba 1,35 dólares por noche”, compartió.

La cineasta asturiana Cristina Rodríguez Paz (Oviedo, 1975) siente una atracción especial por el mar y su recorrido vital por conocer de cerca las historias de las mujeres fareras que han dedicado su vida profesional a este sector tradicionalmente masculinizado ha quedado plasmada en una película, una exposición y se completará con un libro.

En el mundo audiovisual ha volcado su otra pasión/vocación y con su primer largometraje, 'Aunque seamos islas' (2025), realiza otro viaje por España para mostrar al público el valor de estas mujeres que rompieron techos de cristal.

El próximo 28 de abril Cristina Rodríguez Paz presentará su ópera prima en los cines Girona, en Barcelona, en un único pase, donde podría estar acompañada de una de sus protagonistas: Elvira Pujol.

La farera de Girona

Elvira ha sido la única mujer farera que ha trabajado para el Puerto de Barcelona, desempeñando su labor en faros de Girona. Más de un año y medio de rodaje han servido para ir construyendo el material de la película: entrevistas, escenas de observación y la propia presencia de la farera.

El Puerto de Barcelona ha sido clave en la financiación del proyecto y se ha convertido en uno de los principales impulsores mediante la adquisición de vídeos de dron de todos sus faros.

La financiación

“La implicación no solo ha sido económica, sino también un respaldo institucional significativo que podría contribuir a potenciar la difusión del proyecto y también impulsó la exposicion sobre las fareras que se realizó en el Maritimo de Barcelona”, explica a elDiario.es Asturias la cineasta ovetense agradecida a su contribución.

Las seis protagonistas

Mar Vidal, María González, Elvira Pujol, Elena Aramendia, Mercedes Aranceta y Margarita Peralta son las seis protagonistas. A la fuerza de sus testimonios acompaña la voz de la directora. A través de material de archivo, conversaciones y entrevistas, se traza un recorrido que va del recuerdo al presente de los faros.

La película cuenta a los espectadores las vivencias de una foquista en crisis profesional que emprende un viaje hasta las últimas fareras y lo que comienza como una búsqueda externa desemboca en un relato interior donde el proceso de hacer cine se entrelaza con las historias.

Tomar la vida como un viaje

Las fareras le mostrarán otro modo de estar en el mundo. Esta película es una carta para su sobrino, la persona que más la acompañó emocionalmente en su decisión de dejar un trabajo estable para rodar su primera película, así como para todas aquellas personas que se preguntan por qué contar historias invisibles.

“Es una oda al documental, a sus luces y sombras, a su poder de capturar lo que está a punto de desaparecer, así como de iluminar el propio camino. Tomar la vida como un viaje supondrá un renacer profesional y personal”, es una forma de describir en pocas palabras su contenido.

Una travesía profesional y personal

Esta búsqueda no es solo profesional: es también íntima, personal. A través del proceso, la directora reconstruye su propio lugar en el mundo y desea, en última instancia, dejar un testimonio para su joven sobrino. 

La idea surgió a raíz de una conversación que la directora ovetense mantuvo en una noche de verano con el farero Jaime Arenas y se dio cuenta de que el papel de la mujer en el faro estaba muy poco retratado, tanto en la literatura como en el cine

El viaje de Cristina Rodríguez Paz ha sido una travesía que se ha prolongado durante cinco años. La decisión de embarcarse en esta película nació de un deseo de cambio en su vida. El proyecto surgió tras conocer al farero Jaime Arenas.

Una conversación guio el camino

La idea surgió de una conversación en una noche de verano, según ha relatado la propia directora, cuando se dio cuenta de que el papel de la mujer en el faro estaba muy poco retratado, tanto en la literatura como en el cine. Esta percepción la impulsó a centrarse en una labor femenina que, según describe, “ha sido muy poco observada y remarcada”.

A lo largo de los años de rodaje, Cristina Rodríguez Paz descubrió que “había muchos elementos comunes entre las fareras y su profesión”.

Para ella, “la soledad conecta con todo”. Durante las noches de observación, de conversación y de recopilación de imágenes, aprendió a mirar esa soledad de otra forma.

Solo tres fareras en activo

La película busca recuperar la historia de las 26 fareras que han trabajado en España, una cifra que responde además a la falta de posibilidades que se ofrecía a la mujer para acceder a esta actividad laboral, ya que lo tenían vedado y solo pudieron opositar a partir de 1969.

Actualmente, de los 187 faros que funcionan en España, solo en tres trabajan mujeres. Cuando la cineasta comenzó el proyecto, había cinco en activo. “Durante la producción se jubilaron dos”, ratifica la directora.

'Aunque seamos islas' se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón (FICX) y esta semana se ha proyectado en la Biblioteca Pública de Oviedo/Uviéu donde a la exhibición siguió un coloquio.

El legado

La película no solo retrata a estas pioneras, sino que también explora el papel fundamental y no reconocido de muchas otras mujeres en los faros.

Con este primer largometraje, la cineasta asturiana muestra a través de su mirada y la de sus protagonistas otra manera de acercarse a esos tres mundos que fusiona en su película 'Aunque seamos islas' y que se convertirán en su mejor legado para generaciones futuras.