El estreno de ‘The Mandalorian and Grogu’ ha tenido una acogida más tibia de lo esperado, con una recaudación que, si bien se acerca a los 300 millones de dólares que costó. Las críticas han sido mixtas, elogiando la banda sonora o la actuación de Pedro Pascal, mientras la trama o la acción ha sido lo que peor crítica ha recibido.

Esto, sin embargo, no hace que la franquicia ‘Star Wars’ decaiga y se mantienen los planes de estrenos, tanto en cine y televisión, con nuevas estrellas que se incorporan al universo como es el caso de Ryan Gosling o series de todo tipo para Disney plus.

‘Star Wars Visions – El noveno Jedi’

No habrá que esperar mucho para el próximo estreno, pues llegará en algún momento de 2026, con la serie anime de ‘Star Wars visions’ que está basada en el aclamado cortometraje. En él, se sitúa la acción después de ‘El ascenso de Skywalker’, mostrando a la Orden Jedi prácticamente desaparecida y es entonces cuando aparece un herrero llamado Lah Zhima, que construye seis sables para restaurarla, pero será capturado por los Sith. Entonces su hija, Kara, decidirá completar la misión de su padre emprendiendo un peligroso viaje.

‘Star Wars: Starfighter’

Pero es, sin duda, esta nueva película original la que despierta mayor interés. Ryan Gosling y Amy Adams debutan en el universo ‘Star Wars’ con una historia desarrollada con guion de Jonathan Tropper, que se ambientará cinco años después de ‘El ascenso de Skywalker’ y en la que Gosling es un piloto que tiene que proteger a un joven frente a peligrosos enemigos. Estará dirigida por Shawn Levy y se estrenará en mayo de 2027.

Segunda temporada de ‘Ahsoka’ y ‘Star Wars: Maul – Señor de las Sombras’

La segunda temporada de la serie llegará a Disney + a principios de 2027. En ella, Rosario Dawson se pondrá en la piel de la rebelde y experimentada Jedi junto a su aprendiz, Sabine Wren, que siguen atrapadas tras la reaparición del villano Gran Almirante Thrawn, y cuya historia quedó pendiente de continuar.

Otra serie que espera su estreno de nueva temporada en plataforma es ‘Star Wars: Maul – Señor de las Sombras’, en la que se podría profundizar en las acciones de Maul antes de su enfrentamiento final en Star Wars Rebels y expandir la historia insinuada en ‘Solo’.

Los proyectos de ‘Star Wars’ que vienen

Además de todo esto, a la franquicia de ‘Star Wars’ hay que sumar cuatro películas anunciadas con directores de renombre que desarrollarían historias dentro de este universo, uno de ellos un largometraje por parte de Dave Filoni, máximo mandatario en Lucasfilm, que se espera gire en torno a la Nueva República y que culminará las historias interconectadas de las distintas series.

Pero además de esta también hay una anunciada que será dirigida por James Mangold, que indagará en el pasado remoto de los Jedi y el origen de la fuerza, así como la de Sharmeen Obaid-Chinoy, que dirigirá una historia escrita por Steven Knight y que retomaría donde se quedó el Episodio IX, siendo así el primer largometraje después de la última trilogía. Además de todas estas, Taika Waititi también será director de un próximo estreno de ‘Star Wars’, además de guionista junto a Krysty Wilson-Cairns. Estas cuatro películas sin fecha de estreno prevista.

A principios de los años 90, era el actor mejor pagado del mundo y en parte esto fue así porque cuando nadie confiaba en una película, él invirtió en ella y se acabó convirtiendo en el western más taquillero de la historia durante varias décadas. Hablamos de Kevin Costner, que más de 40 años después, vuelve a estar en una situación similar.

Si bien el resultado no tiene por qué ser el mismo, lo cierto es que nadie quiere estrenar su última película, con la que completaría una saga que arrancó en 2024, motivado por el éxito de la serie ‘Yellowstone’ con la que resurgió con fuerza en Hollywood. Sin embargo, dejarla parece haberle costado caro.

La película ‘maldita’ de Kevin Costner: un ambicioso western que nadie quiere estrenar

En el verano de 2024, Kevin Costner estrenaba la ambiciosa saga western ‘Horizon’ con el subtítulo ‘An American Saga – Capítulo 1’, con lo que ya avisaba quería continuar, en principio, con hasta tres películas más, un hecho que, sin embargo, parece a estas alturas complicado de conseguir.

Y es que la tibia acogida tanto de la crítica como del público de la primera entrega de ‘Horizon’ ha hecho que la segunda entrega esté ahora mismo sin distribución en cines y con un estreno que cada vez que pasa parece más complicado. 'Horizon: An American Saga - Capítulo 1' recaudó solo 38 millones de dólares en su paso por cines, justo la misma cifra que costeó el actor desde su bolsillo para dos entregas.

De la segunda entrega de ‘Horizon’ que Kevin Costner está intentando sacar adelante sabemos poco, solo que podría contar con un reparto similar al de la primera, en la que participaron interpretes como el propio Costner junto a Sienna Miller, Ella Hunt, Jamie Campbell Bower y Sam Worthington. Dos años después no hay nuevas noticias y solo se sabe que pasó por el Festival de Venecia 2024 y el de Santa Bárbara en 2025, pero desde entonces se le ha perdido el rastro.

Pasó por algo similar hace 35 años: el caso ‘Bailando con lobos’

Cualquiera en la situación de Kevin Costner se daría por vencido, pero en el caso del veterano actor no es así porque él mismo saboreó las mieles de lo que es que nadie quiera estrenar una película, luchar por ella y que luego sea todo un éxito. Eso pasó hace 35 años con ‘Bailando con lobos’, uno de los westerns más taquilleros de la historia del cine.

Nos situamos a finales de los años 80, y el actor se encontraba rodando ‘Bailando con lobos’, una película que llevó a la bancarrota a United Artists y que parecía maldita, tanto que se le apodó ‘Kevin’s Gate’ en referencia a ‘La puerta del cielo’. Sin embargo, Costner creyó en ella y puso tres millones de dólares de su bolsillo para acabarla y ponerse tras las cámaras, en lo que supuso su primera incursión en la dirección.

Así llegamos a noviembre de 1990, cuando ‘Bailando con lobos’ se estrenó de forma limitada en Estados Unidos, pero debido a que fue un éxito instantáneo pronto aumentó el número de salas y estrenos, llegando a acumular más de 400 millones de dólares de recaudación y siendo durante 22 años la película del oeste más taquillera. No se quedó ahí la cosa, gracias a su acuerdo, el actor se hizo con parte de las ganancias y logró Oscar a Mejor película y mejor director junto a cinco estatuillas más.

El estreno de la adaptación cinematográfica de La Odisea bajo la dirección de Christopher Nolan ha generado una intensa expectación. Además de la espectacular producción, todas las miradas están puestas en el reparto. En la película, que llegará a cines este verano, veremos a Matt Damon en el papel de Odiseo, a Anne Hathaway como Penélope, su esposa, y a Tom Holland como su hijo, Telémaco.

A estos se suman otros compañeros de la talla de Robert Pattinson, Lupita Nyong'o, Charlize Theron, Zendaya, John Leguizamo y Elliot Page, a quien también podremos ver en la gran pantalla en unas pocas semanas. ¿Cómo llegaron estas estrellas de Hollywood al largometraje del cineasta detrás de Interstellar (2014) y Oppenheimer (2023)? Lo cierto es que sin muchas preguntas.

Así lo reveló Pattinson en una entrevista reciente para GQ, en la que el actor de Londres compartió que fue el único miembro del reparto que pidió a Nolan leer el guion de la película antes de confirmar su participación. “Yo le dije: ‘Sí, tengo muchas ganas de leerlo’. Y él me respondió: ‘¿Quieres leerlo? Todos los demás acaban de decir que sí’”, explicó el actor que dio vida a Edward Cullen en Crepúsculo. 

De vampiro a Antínoo

En la adaptación épica de la antigua epopeya griega de Homero a la pantalla, Pattinson se pone en la piel de Antínoo, uno de los dos principales pretendientes de Penélope durante la ausencia de su marido, Odiseo, tras partir este a la Guerra de Troya. Antínoo intenta agresivamente usurpar el trono de Odiseo, llegando incluso planear el asesinato del joven Telémaco. 

De este, sabemos que ocupa un lugar secundario en la película. “Mi personaje se parece un poco a James Woods en Casino. Esa fue mi inspiración”, compartió el actor con la revista anteriormente mencionada. “Pensé que sería genial verlo en Ítaca. Y es un poco turbio. En la prueba de vestuario, no paraba de decir: Quiero llevar calzoncillos de leopardo. Quiero que sobresalgan de mi falda, un poco de pelo brillante”. 

Durante la entrevista, Pattinson también detalló lo agotador que fue el rodaje del filme. El primer día que llegó a Favignana, uno de los lugares donde llevó a cabo la grabación, notó cómo los miembros del equipo estaban visualmente exhaustos. “Nunca había visto a nadie tan agotado, y esto era solo un tercio del rodaje. Empecé cuando ya llevaba un tercio de la película, y para entonces ya habían estado en dos países. Al final de cada día estaban destrozados”. 

El año de Pattinson

2026 está siendo un buen año para Pattinson. Hace unos días se estrenó en España The Drama, una comedia romántica que el actor protagonizó junto a Zendaya. Ella participa también en las próximas dos producciones que veremos en cines del actor británico: La Odisea de Christopher Nolan, y Dune: parte 3 de Denis Villeneuve, cuya fecha prevista de estreno es el 18 de diciembre de 2026 .

“¡Hasta el infinito y más allá!” dice con frecuencia el personaje de Buzz Lightyear en las películas de Toy Story. Este astronauta es junto al vaquero Woody una de las grandes creaciones de los largometrajes de Disney-Pixar que, el próximo viernes 19 de junio, darán la bienvenida a una nueva entrega. Toy Story 5 llegará a cines cargada de sorpresas y novedades siete años después de la cuarta película. 

Lo que muchos no saben es que detrás de este muñeco de acción que llega a la vida de Andy en la primera película hay una persona real. Un astronauta de carne y hueso que hace ya casi 60 años viajó hasta la Luna en uno de los viajes espaciales más memorables de todos los tiempos y sin el que el personaje de Lightyear probablemente no existiría tal y como lo conocemos. 

De Aldrin a Lightyear

Toy Story 1 aterrizó en las salas de cine en 1995 como el primer largometraje totalmente animado por ordenador, un trabajo que había necesitado de años de preparación. La creación del personaje de Lightyear, como el resto del reparto, también llevó su tiempo, llegando a barajarse incluso otros nombres para él, como Tempus of Morph y Lunar Larry.

Sin embargo, Jeffrey Katzenberg, quien en aquella época trabajaba para Disney aunque más tarde fue reconocido por fundar DreamWorks, propuso utilizar a este muñeco para rendir un homenaje al astronauta Buzz Aldrin, integrante de la misión Apolo 11. Hablamos de la misión de la NASA que llevó a cabo el primer aterrizaje lunar tripulado de la historia en el año 1969. 

Aldrin fue el segundo hombre que caminó sobre la Luna, después de que lo hiciera su compañero y comandante de la misión Neil Armstrong. El módulo lunar, conocido como Eagle, descendió en el Mar de la Tranquilidad para que ambos astronautas pudieran bajar y caminar por nuestro satélite.

Durante el tiempo que estuvieron dando vueltas por ahí, dejaron algunos objetos simbólicos como una placa firmada por el presidente Richard Nixon, una bandera estadounidense, varias medallas en honor a astronautas fallecidos y un disco con mensajes de líderes mundiales. También se tomaron algunas de las fotografías y grabaciones en vídeo más icónicas de la historia de la exploración espacial.

El homenaje a Buzz Aldrin no se limitó solo al nombre del personaje de la película de Disney-Pixar. A lo largo de los años y durante la promoción de la saga, el propio Aldrin ha participado en distintos eventos y campañas relacionadas con este astronauta de juguete que marcó la infancia de millones de niños y niñas alrededor de todo el mundo. 

En pleno momento del ‘efecto nostalgia’ y del fenómeno ‘Backrooms’ que evidencia el buen momento que vive el terror en el cine, regresa una de las sagas más icónicas de este género, “Scary Movie”, cuya clave de su éxito fue mezclarlo con la comedia y que vuelve trece años después de su última película con una sexta entrega que aspira a batir récords tras su primer fin de semana en las salas.

Y es que ‘Scary Movie 6’ va camino de ser el mejor estreno de toda la franquicia, con una recaudación que superaría los 56 millones de dólares en su primer fin de semana en Estados Unidos, según datos de Deadline. Un regreso que hace contando con su reparto original, encabezado por la actriz Anna Faris en su papel principal, más de 25 años de su debut en la saga.

La actriz se convirtió gracias a su aparición en “Scary Movie” en una de las reinas de la llamada ‘comedia gamberra’, y le abrió carrera cuando menos lo esperó: “Nunca me sentí lo suficientemente atractiva para triunfar. Sabía que el rechazo sería parte del camino. La clave era ser valiente”, confesó en el podcast ‘Happy Sad Confused’, donde también admitió que volver fue como ponerse “un viejo par de pantalones vaqueros”.

Unos comienzos que no fueron nada sencillos para Faris, que no acababa de verse mentalmente preparada y sin creerse que fuera la seleccionada por los hermanos Wayans para la película: “Estaba en el avión camino de mi primer rodaje en Hollywood, pensando: No estoy preparada para esto, me van a despedir. Se han equivocado. No tenía representante. Era una desconocida en un lugar desconocido. Y de repente leo el guion y me quedo atónita: ¿de verdad tengo que quedarme pegada al techo por el semen de mi novio? ¿Me salen murciélagos de la entrepierna? No puedo hacer esto”, declaró para la revista Fotogramas.

Le cerró puertas y la encasilló: “Fue duro que me vieran fuera de la comedia”

Si bien la saga “Scary Movie” le dio fama, al mismo tiempo también hizo que se le encasillara dentro de la comedia: “Fue algo que definió mi carrera, porque yo nunca había hecho comedia. Cuando terminamos el rodaje, incluso antes de que se estrenara la película, alquilé un pequeño apartamento en Los Ángeles, cogí mi viejo Honda y empecé a hacer audiciones. Pero la gente en Hollywood tiene una imaginación muy limitada, y todos pensaban que yo solo servía para hacer comedia, así que no conseguía oportunidades en papeles dramáticos”, añadió en Fotogramas.

Todo ello a pesar de que Faris se veía mucho más cómoda en papeles dramáticos: “El drama era lo único con lo que me sentía cómoda. No entendía la comedia. Pero bueno, aquí estoy, aunque creo que todavía no la entiendo del todo. Siento que acabé convirtiéndome por accidente en una actriz de comedia física”, contó en la mencionada revista.

Anna Faris también lamentó en el podcast ‘Happy Sad Confused’ que no la vieran fuera de comedia y relató un ejemplo de ello cuando audicionó para la serie “Six Feet Under”: “Interpreté a una joven bajo los efectos del crack que recibe la noticia de la muerte de su padre. Alan empezó a reír en mitad de mi interpretación. Cuando terminé, solo me dijo: ‘Eres muy divertida’. Ahí comprendí lo difícil que era que me vieran fuera de la comedia”.

De hecho, la actriz también recuerda como esto le afectó en su paso por la película de “Lost in Translation”: “No sabía cómo modular mi personaje, estaba acostumbrada a un volumen alto y pensaba que estaba arruinando la escena. Al final aprendí a confiar en la esencia, aunque pareciera que no encajaba”, contó en el podcast.

Todo esto, sumado a su experiencia a lo largo de su trayectoria le ha llevado a reflexionar sobre la industria cinematográfica y el impacto en la autoestima de los intérpretes: “La industria es muy volátil y siempre me sentí un poco fuera de lugar. Conocí colegas que daban por hecho que el éxito estaba asegurado solo por el ambiente donde crecieron. Yo nunca tuve esa confianza innata”, reflexionó.

Cada película de Christopher Nolan se ha convertido en los últimos años en toda una experiencia, acompañada de gran expectación, con proyectos de gran envergadura, y algunos de ellos con dificultad añadida en cuanto a su sinopsis, con películas como ‘Tenet’ que todavía son incomprendidas por muchos espectadores, e incluso por parte de sus actores principales como es el caso de Robert Pattinson.

Pattinson es también uno de los protagonistas del próximo estreno del cineasta, ‘La Odisea’, una adaptación de la obra clásica de Homero que aspira a no dejar indiferente a nadie como han demostrado sus primeras imágenes y el tráiler, y que es uno de los estrenos más esperados de este verano, que se prevé el próximo 17 de julio.

Los detalles que se van conociendo de ‘La Odisea’ de Christopher Nolan dejan ver un proyecto que puede ser la película más ambiciosa y extrema de su trayectoria, además con una cifra de presupuesto que supera los 250 millones de dólares. Los últimos ‘flecos’ los hemos conocido a través de su reparto, con un reciente reportaje de tres de sus protagonistas, Matt Damon, Tom Holland y Robert Pattinson en la revista GQ.

En la entrevista, Matt Damon ha compartido las dificultades que ha vivido en el rodaje de la película, en la que interpreta a Odiseo, y que ha llevado más de tres meses para completarla, con un viaje por seis países diferentes y para el que se han usado más de 600.000 metros de IMAX. Todo una ‘odisea’ para el reparto, como han asegurado los actores.

“Cuando llegaba a todos esos lugares, pensaba: ‘¿A quién coño se le ha ocurrido que aquí se podía rodar una película?'. Cada vez que íbamos a un sitio, decíamos: ‘Bueno, en Islandia será más fácil’. Y luego llovía a cántaros y hacía un frío de cojones. Islandia fue como: ‘¿Fácil? Sujétame el cubata. Y, efectivamente, llegamos [a Los Ángeles] y Chris [Nolan] tenía dos motores a reacción echándonos agua a mares. Así que fue un final bastante apropiado. Incluso el entorno controlado era frío, húmedo y bastante incómodo”, aseguró el actor protagonista.

A su vez, sin embargo, para Matt Damon todo este esfuerzo ha merecido la pena y ha compensado: “Fue una experiencia en la que simplemente estaba inmerso cada día, y me encantaba. Y ocurrió lo más curioso: todas esas cosas que podrían haberme resultado difíciles en una etapa anterior de mi vida ya no lo eran. Lo disfruté mucho. Por ejemplo, no me importaba lo de estar empapado y pasar frío. De hecho, me sentía afortunado de poder experimentarlo. Me parecía algo finito, como un regalo. Así que fue muy extraño. Nunca he experimentado algo así. Por eso sueno un poco como un cristiano renacido. Es un sentimiento que anhelaba y que por fin he vivido”, concluyó.

Tom Holland: “Se parece más a una recreación histórica”

Las declaraciones de Matt Damon en GQ fueron completadas por las de sus compañeros de reparto, con un Tom Holland al que lo que más le asombró fue el set del rodaje de la película en Marruecos: “Recuerdo que caminé por esa playa durante media hora y solo veía soldado griego, soldado griego, barco griego, soldado griego, la guerra de Troya, barco griego, soldado griego. No sé si estoy exagerando, pero me parecieron kilómetros. Y le digo al asistente de producción: ‘¿Dónde está el equipo? No he visto ni rastro de un plató de rodaje. Esto se parece más a una recreación histórica que a un plató de cine”, compartió el actor.

La Fiesta del Cine celebra su primera edición de este año. Desde este lunes 8 al jueves 11 de junio incluido, más de 330 cines de toda España pondrán sus entradas a 3,50 euros. Cuatro días para recuperar a un precio inusual éxitos que se habían quedado en el tintero o disfrutar de los nuevos estrenos. Una medida que se celebra desde hace años, con el objetivo de revitalizar la taquilla en unas fechas donde la llegada del calor suele afectar a la asistencia a las salas.

En esta ocasión, la Fiesta del cine llega en un buen momento, ya que en los primeros cinco meses del año se está viviendo el mejor comienzo desde 2019, con un incremento en la asistencia de más del 36% entre enero y mayo comparado con el año anterior. Los meses de enero, febrero, marzo y abril han registrado el mejor dato de asistencia de los últimos seis años. El mes de mayo que acaba de finalizar ha registrado el segundo mejor dato de asistencia para un mes de mayo de los últimos seis años, solo por detrás del mismo mes de 2023.

Por eso, esta fiesta del cine puede ser una buena oportunidad para seguir consolidando unas cifras prometedoras de asistencia a los cines este 2026. Para no perderse en el mar de estrenos y películas, aquí unas recomendaciones: 

'Backrooms'

Es la película de la que todo el mundo habla. La película de terror de A24 ha sido un fenómeno en todo el mundo. En EEUU estrenó con más de 80 millones de dólares, y en España acaba de colocarse en el número uno de la taquilla con 1,65 millones de euros, un éxito que se refrendará en estos días de Fiesta del Cine. Backrooms es el debut en la dirección de Kane Parsons, que con solo 20 años ha trasladado su fenómeno de YouTube sobre espacios liminales a la gran pantalla y se ha convertido en el chico de moda en Hollywood, que ya le ha fichado para producir sus siguientes obras.

'La luz'

Fernando Franco es uno de los directores españoles más sólidos. Lo ha demostrado desde su debut, La herida, pasando por grandes películas como La consagración de la primavera. Ahora se mete en el fango para abordar desde su estilo adulto y austero un tema tan espinoso como los abusos a menores en la Iglesia católica. Lo hace desde un punto de vista inusual, el de un cura abusador que decide contar la verdad. Consigue retratar el silencio y la impunidad de la Iglesia y cuenta con una interpretación excelente de Alberto San Juan, rodeado de un reparto de secundarios de lujo como María Galiana, Nacho Sánchez o Miguel Rellán. 

'El drama'

Otro éxito de A24, que se ha convertido en el estudio de moda indie en EEUU y está viviendo un 2026 de triunfos en la taquilla. Lo hace con esta comedia incómoda y muy negra que tiene a dos de las mayores estrellas jóvenes al frente de su reparto: Zendaya y Robert Pattinson. Kristoffer Borgli se ha convertido en otro de esos cineastas afincados en EEUU que han logrado trasladar su particular estilo a Hollywood. La historia de una pareja enamoradísima que se enfrenta a una crisis cuando ambos desvelan sus secretos inconfesables consigue, además, levantar una discusión al salir del cine.

'Yo no moriré de amor'

La Fiesta del Cine es el momento perfecto para recuperar una de las mejores películas españolas que se han estrenado este año. El debut de Marta Matute en la dirección ganó la Biznaga de Oro en el pasado Festival de Málaga y todo hace prever que será uno de los títulos reconocidos en la próxima temporada de premios. Una película que cuenta el alzhéimer sin regocijarse en la tristeza y sin miserabilismos y que cuenta con un reparto en estado de gracia donde destaca su joven protagonista, Júlia Mascort y Sonia Almacha. 

'Un poeta'

Todavía se puede ver en unas pocas salas en toda España, y merece la pena recuperar una de las mejores películas que se ha estrenado este 2026. El filme de Simón Mesa Soto es una comedia triste sobre un parado, alcohólico, que en un momento dado fue una joven promesa de la poesía y vive creyendo que podrá triunfar con su arte en una Colombia donde no hay cabida para él. Su encuentro con una niña con talento para escribir le hará recuperar la ilusión. O algo parecido. Divertida, melancólica, hermosa y triste. 

La Fiesta del Cine regresa a Madrid con entradas a bajo coste para premiar a los más cinéfilos. Desde el lunes 8 y hasta el jueves 11 de junio, el público podrá acudir a su sala de cine favorita y disfrutar de una película a un precio reducido de 3,50 euros por entrada. 

A diferencia de ediciones anteriores, no es necesario solicitar la acreditación en la web para participar en la Fiesta del Cine. Solo será necesario sacar las entradas en taquilla o de forma online como de costumbre.

En la edición de junio de la Fiesta del Cine podrán verse algunos de los estrenos más esperados de la temporada, entre ellos He-Man y los Masters del Universo, que recupera al príncipe Adam en su regreso a Eternia para enfrentarse a Skeletor. También destacan la nueva entrega de Scary Movie, el drama romántico Todo lo que nunca fuimos, la propuesta de terror Backrooms y Cada día nace un listo, dirigida por Arantxa Echevarría y protagonizada por un amplio reparto encabezado por Hugo Silva.

La programación se completa con títulos que ya se encuentran en cartelera, como Torrente Presidente, El diablo viste de Prada 2, Michael o Mortal Kombat II, además de otros estrenos recientes como The Mandalorian and Grogu y diversas producciones nacionales e internacionales. A ello se suma el reestreno de Shrek 25 Aniversario, que permitirá volver a disfrutar en la gran pantalla de uno de los clásicos más populares de la animación.

Este es el listado completo de salas participantes en la iniciativa en Madrid capital:

Y en el resto de la región:

Los aniversarios ilustran todo aquello que ha cambiado, pero también lo que se repite y rima por tiempo que pase. Este 2026 se cumplen diez años del estreno de Que Dios nos perdone, una efeméride rodeada de otras. La película retrata el Madrid del verano de 2011, en el que las acampadas del 15M en la Puerta del Sol y otros puntos de la ciudad convivieron con el desarrollo de la Jornada Mundial de la Juventud. Un evento que congregó a más de dos millones de personas, cantidad que el Ayuntamiento de Madrid creía que se podría superar con la llegada del papa León XIV, aunque se quedó en millón y medio durante la misa de Cibeles de este domingo. El menos popular Benedicto XVI visitó una ciudad todavía golpeada por la crisis económica, convulsa y de contrastes, justo los que retrataba Rodrigo Sorogoyen.

Quince años después del evento y diez desde el largometraje que lo retrató, la capital se prepara para el advenimiento de otro Santo Padre, que la recorrerá desde este sábado 6 hasta el martes 9 de junio en una urbe que por lo demás ha experimentado una imparable transformación. Tanto como la trayectoria del propio Sorogoyen, que el pasado 16 de mayo presentaba su último largometraje, El ser querido, en la sección oficial del Festival de Cannes. Lo hizo, paradójicamente, solo un día después de que el 15M cumpliera 15 años.

La movilización asociada a este movimiento en Madrid fue desvaneciéndose con el tiempo y la incorporación (y agotamiento) de algunos cuadros a la política activa, aunque dio lugar a asambleas vecinales y plataformas por la defensa de derechos sociales o en materia de vivienda que en muchos casos siguen activas. En lo netamente institucional, el ciclo del cambio derivó en la investidura de Manuela Carmena como alcaldesa, pero el Partido Popular recuperó el poder en solo cuatro años y desde entonces solo lo ha incrementado (mientras la derecha ensancha sus resultados electorales en pleno auge de Vox).

Lo que se mantiene es el clima de tensión e inestabilidad social certeramente reconstruido por Sorogoyen. El director de Stockholm (2013) genera una atmósfera asfixiante en una historia que combina thriller policiaco con una cuidada reconstrucción de un caluroso verano madrileño (aunque no tanto como los que han venido después). Durante dos horas y cinco minutos seguimos a los inspectores de policía Alfaro (Roberto Álamo) y Velarde (Antonio de la Torre), que deben encontrar al que parece ser un asesino en serie cuanto antes y sin hacer ruido. La visita de Benedicto implica que la ciudad y el país deban transmitir una imagen de pulcritud, una obsesión para las altas esferas y algo que no casa ni con los crímenes ni con algunas actitudes de los dos agentes. Una caza contrarreloj que les hará darse cuenta de que, quizá, ninguno de ellos es tan distinto del asesino.

Persecuciones adrenalínicas, asesinatos atroces y muchos careos donde la violencia podría estallar en cualquier momento marcan el desarrollo de la película. Los escenarios discurren por exteriores (y algún interior como el Metro) muy característicos de la capital, sobre todo del centro. La Puerta del Sol, la Plaza Mayor, Gran Vía, la Ópera de Madrid en la plaza de Isabel II o Malasaña (en concreto las calles del Maestro Guerrero, San Bernardino y Desengaño) son alguno de los puntos por los que avanza la cámara de Sorogoyen, que saca todo el partido a estos lugares a la vez que se acerca a los personajes para exprimir la tensión en cada pasaje.

Una muestra de ese cine cocainómano por lo frenético del montaje, tanto a nivel interno de cada escena como entre secuencias. Lo que no quita que Sorogoyen sea consciente de que el silencio es también clave para generar expectativa en el espectador. De hecho, la solemnidad eclesiástica acaba teniendo un inesperado y primordial papel a la hora de atrapar al asesino en serie. Tampoco faltan unas dosis de costumbrismo que aportan verosimilutud (que no realismo, etiqueta que tampoco acaba de cuadrar con los intereses o la mirada del director) y hasta toques de humor.

Que Dios nos perdone contó con un reparto lleno de talento que integraron, además de los citados Álamo y de la Torre, intérpretes como Luis Zahera (en el inicio de unas colaboraciones con el cineasta que con El reino y As bestas se han insertado en la cultura popular), Mónica López, Raúl Prieto, Javier Pereira o José Luis García Pérez (una de las voces más carismáticas del cine español)

Estaba escrita a cuatro manos entre Sorogoyen y su habitual colaboradora, Isabel Peña. Precisamente el guion fue el aspecto que le valió un premio en la competición del Festival de San Sebastián 2016. Unos meses después, la película optó a seis Goyas y Roberto Álamo se hizo con el cabezón a la mejor interpretación masculina protagonista. En aquella edición, marcada por la fortaleza del thriller patrio, triunfó Tarde para la ira de Raúl Arévalo y también fue reconocida El hombre de las mil caras de Alberto Rodríguez.

Sorogoyen, un cine de tensiones en evolución

La carrera de Sorogoyen, como Madrid, también se ha reconfigurado en estos años. Llegó a optar al Oscar por el cortometraje de ficción Madre (2017), que dos años después dio pie a un largo homónimo. Logró su primer Goya a la mejor dirección con El reino (2018), acercamiento a la corrupción política tan potente como equidistante (el personaje que interpreta Ana Wagner con marcado acento andaluz parece introducido únicamente para que el espectador piense en el PSOE de dicha región y que el resto del universo retratado no remita exclusivamente al Partido Popular). Un reconocimiento que repitió con As bestas (2022), triunfadora además en la categoría de mejor película y todo un éxito comercial.

Ese drama le abrió además las puertas del Festival de Cannes, aunque no logró competir por la Palma de Oro. Sí lo hizo este año con El ser querido, cuyo elenco lideran Javier Bardem y Victoria Luengo. Le acompañaron en la sección oficial Pedro Almodóvar y Los Javis (finalmente recompensados con el premio a la Mejor Dirección), todo un récord de películas españolas en la pugna por el galardón más importante del circuito de festivales desde su creación en 1955. El ser querido ya se ha estrenado en salas francesas, pero no llegará a las pantallas españolas hasta el próximo 26 de agosto, así que de momento su última obra que el público ha podido ver es la serie de Movistar+ Los años nuevos (2024).

Con dicha plataforma, en la que también lanzó Antidisturbios (2020), vivió una de sus grandes frustraciones artísticas: una serie de seis episodios sobre la Guerra Civil que nunca salió adelante, aunque estaba escrita “al 80%”. “Fue un mazazo enorme”, admitió en una entrevista para Time Out donde definió el proyecto como “el más importante” de su vida.

“He trabajado muy a gusto con los responsables de ficción de Movistar+, pero tienen unos jefes que toman decisiones. Más allá de que decidan invertir su dinero en unos u otros proyectos, y eso debo respetarlo, lo que me parece grave y lamentable es que esta gente sienta presiones externas, de grupos económicos y políticos, pero también de la propia sociedad. Hay una parte importante que siente incomodidad cuando se tocan según qué temas, pero hablar de la Guerra Civil y de nuestra historia debería ser obligatorio, es necesario e incluso fascinante”, expuso.

“Hablar de nuestra historia”, y retratarla, es dejar una impronta a la que volver para compararnos, apreciar los cambios, hallar las constantes y aprender de los errores. Un proceso que no pudo culminar, de momento, con la Guerra Civil. Pero que sí consiguió al esbozar un episodio contemporáneo como el de ese Madrid de 2011. En Que Dios nos perdone, Sorogoyen mostró que la evolución de los países y las ciudades se define a base de los contrastes, las semejanzas y ese elemento que vertebra su cine: las tensiones.

El 27 de març de 2026, el president de la Generalitat, Juanfran Pérez Llorca, va anunciar que Disney gravaria als estudis de la Ciutat de la Llum, a Alacant, la superproducció cinematogràfica Enredados, la versió de carn i ossos del gran èxit d'animació amb què la multinacional de l'entreteniment va ingressar més de 650 milions d'euros el 2010.

Tanmateix, 23 dies abans de l'anunci del cap del Consell, el 4 de març, Sol Films 2026 SLU —filial d'Anima Stilking Films SL i productora encarregada del film— ja havia traslladat la seua seu social de Màlaga a Alacant. Setmanes abans d'aquest moviment administratiu clau, desenes de treballadors de la companyia ja operaven a les instal·lacions de la Generalitat preparant decorats a l'espera de l'arribada dels actors.

L'anunci de Pérez Llorca a penes havia despertat expectació en el sector audiovisual i va arribar quan la productora ja portava prop d'un mes i mig treballant a la Ciutat de la Llum. No va ser fins a la presentació dels pressupostos de 2026, divendres passat, 29 de maig, quan es va fer públic el cost que suposarà per a les arques públiques la pel·lícula dirigida per Michael Gracey: cinc milions d'euros consignats en la secció de Despeses Diverses i articulats com a Projecte Estratègic de la Vicepresidència Segona i Conselleria de Presidència de la Generalitat Valenciana.

“És una ajuda com les que es donen a Ford, PowerCo (Volkswagen) o Stadler”, expliquen fonts de la Conselleria d'Economia. Aquestes tres multinacionals reben ajudes públiques de la Generalitat per a les respectives factories d'automòbils, bateries i trens.

L'anunci d'aquesta injecció de cinc milions d'euros a la productora malaguenya —ara amb seu a Alacant— ha generat malestar en el sector audiovisual valencià, que no se sent ni involucrat ni beneficiari del projecte. A més, l'escassa informació disponible fins ara sobre l'arribada de la producció de Disney a la Ciutat de la Llum ha alimentat alguns rumors que des de la Generalitat han tractat de desmentir, entre aquests, que la pel·lícula només es rodaria durant cinc dies a Alacant.

La realitat és que els rodatges van començar a l'abril i que ja hi ha centenars de persones treballant a la Ciutat de la Llum, segons expliquen des de la Conselleria d'Economia i treballadors consultats per elDiario.es. El rodatge es prolongarà entre huit i deu mesos, segons la versió oferida per Pérez Llorca i altres fonts coneixedores de la producció.

Encara que el gruix de les gravacions es realitzarà als estudis de cinema de la Generalitat, també està previst rodar escenes en diferents punts de la Comunitat Valenciana, així com a Burgos, Girona, Tarragona i Àlaba. Entre els noms previstos figuren la parella protagonista formada per Teagan Croft (Titanes) i Milo Manheim (Zombies), a més d'intèrprets coneguts com Kathryn Hahn (The Studio) i Diego Luna (Y tu mamá también).

El debat sobre els cinc milions

La controvèrsia sobre l'ajuda pública se centra en com s'articularà i sota quin concepte s'abonarà. “L'ajuda a Disney com a projecte estratègic s'està tramitant com absolutament tots els projectes estratègics de la Comunitat Valenciana. Es publicarà en el Diari Oficial de la Generalitat Valenciana un decret amb tots els informes preceptius que justifiquen la subvenció nominativa”, argumenten des de la Conselleria d'Economia a preguntes d'elDiario.es.

Les mateixes fonts afegeixen: “Les dades d'impacte es publicaran juntament amb el decret. Com ocorre amb tots els projectes estratègics, l'entitat beneficiària haurà d'acreditar mitjançant factures abonades l'impacte econòmic per a poder rebre la subvenció”.

Segons la Conselleria, el pressupost de la Generalitat, en tindre rang de llei, obliga el Consell al seu compliment i tant la seua elaboració com la seua aprovació han sigut “totalment respectuoses amb les normes de transparència i publicitat”.

“Una vegada aprovat el pressupost, el procediment de concessió de l'ajuda, mitjançant decret del Consell, se sotmés a un rigorós procés administratiu que garanteix, a més de la transparència, tots els informes jurídics i econòmics favorables, tant de l'Advocacia com de Pressupostos i Intervenció. Les xifres d'impacte també seran públiques en el moment de l'aprovació del decret”, apunten.

Per a rebre els diners, l'empresa haurà d'acreditar l'impacte econòmic promés a la Comunitat Valenciana mitjançant “una auditoria específica en la qual haurà d'aportar tota la documentació, incloses les factures abonades”. Segons les mateixes fonts, aquest impacte “està garantit tant en ocupació com en proveïdors” i quedarà “absolutament fiscalitzat”.

Preocupació per un possible conflicte amb les normes europees de competència

En el sector audiovisual ha emergit una preocupació de fons: que algun competidor denuncie aquestes ajudes davant les autoritats europees de competència, com va ocórrer el 2010 amb una denúncia impulsada per un estudi britànic i que va acabar anys després amb el tancament de la Ciutat de la Llum.

La justícia europea va obligar la Generalitat a retornar 265 milions d'euros en ajudes públiques i no va ser fins al 2022 quan es va alçar la sanció, després de les negociacions impulsades per l'expresident Ximo Puig i el Govern d'Espanya.

En un comunicat conjunt, les associacions de productores audiovisuals de la Comunitat Valenciana van recordar que aquella sanció de la UE per ajudes d'Estat il·legals “va provocar un enorme perjudici per a tota la indústria audiovisual espanyola i valenciana, truncant el desenvolupament d'una infraestructura cridada a convertir-se en un dels grans motors audiovisuals d'Europa”.

“Per això, resulta inevitable preguntar-se qui garanteix hui que determinades decisions no tornen a posar en risc el futur de la Ciutat de la Llum i de tot l'ecosistema audiovisual construït al seu voltant”, van denunciar.

Davant aquestes sospites, fonts de la Conselleria d'Economia sostenen que no preveuen un escenari similar al que va motivar el tancament dels estudis. “No té res a veure”, asseguren. Segons les mateixes fonts, “l'ajuda com a projecte estratègic compta amb tots els informes favorables”.

En el sector, tanmateix, persisteixen els dubtes. “Donen l'ajuda perquè treballen a la Ciutat de la Llum i el problema és que l'activitat en aquests estudis és molt baixa i els números no ixen. Injectar diners perquè passen de roig a negre ens situa una altra vegada en l'escenari del 2012. I això fa por. Ningú vol que tanquen la Ciutat de la Llum”, argumenta un conegut productor valencià.

Només 6,7 milions per a tot el sector audiovisual valencià

El sector audiovisual valencià també ha criticat l'elevat import destinat a la superproducció de Disney. “Resulta significatiu destinar una inversió directa de cinc milions d'euros a una empresa recentment traslladada a Alacant per a un únic rodatge quan a penes es consignen 6,7 milions per a tota la producció audiovisual valenciana”, van denunciar les associacions en un comunicat.

“Són 6,7 milions d'euros que impliquen desenes d'empreses valencianes i que obliguen a reinvertir un mínim del 150 % d'aquests diners en companyies i personal valencià. Parlem de produccions que es perllonguen durant tres anys i que han aconseguit èxits tant en festivals com la Berlinale, Canes o Sant Sebastià com pel que fa al nombre d'espectadors arreu del món. Una repercussió i una projecció reals de la imatge de la Comunitat Valenciana d'un valor incalculable”, van reivindicar.

La productora de Disney, que no ha respost a les telefonades ni a les preguntes enviades per correu electrònic dimarts passat per elDiario.es, ja està treballant als platons d'Alacant des de fa quatre mesos. Mentrestant, el procés administratiu per a injectar l'ajuda de cinc milions segueix el seu curs, encara que no hi haurà diners disponibles fins que s'aproven els pressupostos, que ja tenen el sí del PP i Vox.

El 27 de marzo de 2026, el presidente de la Generalitat, Juanfran Pérez Llorca, anunció que Disney grabaría en los estudios de la Ciudad de la Luz, en Alicante, la superproducción cinematográfica Enredados, la versión de carne y hueso del gran éxito de animación con el que la multinacional del entretenimiento ingresó más de 650 millones de euros en 2010.

Sin embargo, 23 días antes del anuncio del jefe del Consell, el 4 de marzo, Sol Films 2026 SLU —filial de Anima Stilking Films SL y productora encargada del filme— ya había trasladado su sede social de Málaga a Alicante. Semanas antes de ese movimiento administrativo clave, decenas de trabajadores de la compañía ya operaban en las instalaciones de la Generalitat preparando decorados a la espera de la llegada de los actores.

El anuncio de Pérez Llorca apenas había despertado expectación en el sector audiovisual y llegó cuando la productora ya llevaba cerca de un mes y medio trabajando en la Ciudad de la Luz. No fue hasta la presentación de los presupuestos de 2026, el pasado viernes 29 de mayo, cuando se hizo público el coste que supondrá para las arcas públicas la película dirigida por Michael Gracey: cinco millones de euros consignados en la sección de Gastos Diversos y articulados como Proyecto Estratégico de la Vicepresidencia Segunda y Conselleria de Presidencia de la Generalitat Valenciana.

“Es una ayuda como las que se da a Ford, PowerCo (Volkswagen) o Stadler”, explican fuentes de la Conselleria de Economía. Estas tres multinacionales reciben ayudas públicas de la Generalitat para sus respectivas factorías de automóviles, baterías y trenes.

El anuncio de esta inyección de cinco millones de euros a la productora malagueña —ahora con sede en Alicante— ha generado malestar en el sector audiovisual valenciano, que no se siente ni involucrado ni beneficiario del proyecto. Además, la escasa información disponible hasta ahora sobre la llegada de la producción de Disney a la Ciudad de la Luz ha alimentado algunos bulos que desde la Generalitat han tratado de desmentir, entre ellos, que la película solo iba a rodarse durante cinco días en Alicante.

La realidad es que los rodajes comenzaron en abril y que ya hay cientos de personas trabajando en la Ciudad de la Luz, según explican desde la Conselleria de Economía y trabajadores consultados por elDiario.es. El rodaje se prolongará entre ocho y diez meses, según la versión ofrecida por Pérez Llorca y otras fuentes conocedoras de la producción.

Aunque el grueso de las grabaciones se realizará en los estudios de cine de la Generalitat, también está previsto rodar escenas en distintos puntos de la Comunitat Valenciana, así como en Burgos, Girona, Tarragona y Álava. Entre los nombres previstos figuran la pareja protagonista formada por Teagan Croft (Titanes) y Milo Manheim (Zombies), además de intérpretes conocidos como Kathryn Hahn (The Studio) y Diego Luna (Y tu mamá también).

El debate sobre los cinco millones

La controversia sobre la ayuda pública radica en cómo se articulará y bajo qué concepto se abonará.

“La ayuda a Disney como proyecto estratégico se está tramitando como absolutamente todos los proyectos estratégicos de la Comunitat Valenciana. Se publicará en el Diario Oficial de la Generalitat Valenciana un decreto con todos los informes preceptivos que justifican la subvención nominativa”, argumentan desde la Conselleria de Economía a preguntas de elDiario.es.

Las mismas fuentes añaden: “Los datos de impacto se publicarán junto con el decreto. Como ocurre con todos los proyectos estratégicos, la entidad beneficiaria tendrá que acreditar mediante facturas pagadas el impacto económico para poder recibir la subvención”.

Según la Conselleria, el presupuesto de la Generalitat, al tener rango de ley, obliga al Consell a su cumplimiento y tanto su elaboración como su aprobación han sido “totalmente respetuosas con las normas de transparencia y publicidad”.

“Una vez aprobado el presupuesto, el procedimiento de concesión de la ayuda, mediante decreto del Consell, sigue un riguroso proceso administrativo que garantiza, además de la transparencia, todos los informes jurídicos y económicos favorables, tanto de la Abogacía como de Presupuestos e Intervención. Las cifras de impacto también serán públicas en el momento de aprobación del decreto”, apuntan.

Para recibir el dinero, la empresa tendrá que acreditar el impacto económico prometido en la Comunitat Valenciana mediante “una auditoría específica en la que deberá aportar toda la documentación, incluidas las facturas abonadas”. Según las mismas fuentes, ese impacto “está garantizado tanto en empleo como en proveedores” y quedará “absolutamente fiscalizado”.

Preocupación por un posible conflicto con las normas europeas de competencia

En el sector audiovisual ha emergido una preocupación de fondo: que algún competidor denuncie estas ayudas ante las autoridades de competencia europeas, como ocurrió en 2010 con una denuncia impulsada por un estudio británico y que acabó años después con el cierre de la Ciudad de la Luz.

La justicia europea obligó a la Generalitat a devolver 265 millones de euros en ayudas públicas y no fue hasta 2022 cuando se levantó el castigo, tras las negociaciones impulsadas por el expresidente Ximo Puig y el Gobierno de España.

En un comunicado conjunto, las asociaciones de productoras audiovisuales de la Comunitat Valenciana recordaron que aquella sanción de la UE por ayudas de Estado ilegales “provocó un enorme perjuicio para toda la industria audiovisual española y valenciana, truncando el desarrollo de una infraestructura llamada a convertirse en uno de los grandes motores audiovisuales de Europa”.

“Por ello, resulta inevitable preguntarse quién garantiza hoy que determinadas decisiones no vuelvan a poner en riesgo el futuro de Ciudad de la Luz y de todo el ecosistema audiovisual construido a su alrededor”, denunciaron.

Ante estas sospechas, fuentes de la Conselleria de Economía sostienen que no contemplan un escenario similar al que motivó el cierre de los estudios. “No tiene nada que ver”, aseguran. Según las mismas fuentes, “la ayuda como proyecto estratégico cuenta con todos los informes favorables”.

En el sector, sin embargo, persisten las dudas. “Dan la ayuda para que trabajen en la Ciudad de la Luz y el problema es que la actividad en esos estudios es muy baja y los números no salen. Inyectar dinero para que pasen de rojo a negro nos sitúa otra vez en el escenario de 2012. Y eso da miedo. Nadie quiere que cierren la Ciudad de la Luz”, argumenta un conocido productor valenciano.

Solo 6,7 millones para todo el sector audiovisual valenciano

El sector audiovisual valenciano también ha criticado el elevado importe destinado a la superproducción de Disney.

“Resulta significativo destinar una inversión directa de cinco millones de euros a una empresa recién trasladada a Alicante para un único rodaje cuando apenas se consignan 6,7 millones para toda la producción audiovisual valenciana”, denunciaron las asociaciones en un comunicado.

“Son 6,7 millones de euros que implican a decenas de empresas valencianas y que obligan a reinvertir un mínimo del 150% de ese dinero en compañías y personal valenciano. Hablamos de producciones que se prolongan durante tres años y que han logrado éxitos tanto en festivales como la Berlinale, Cannes o San Sebastián como en número de espectadores en todo el mundo. Una repercusión y una proyección real de la imagen de la Comunitat Valenciana de un valor incalculable”, reivindicaron.

La productora de Disney, que no ha respondido a las llamadas y las preguntas por correo electrónico enviadas el pasado martes por elDiario.es, ya está trabajando en los platós de Alicante desde hace cuatro meses. Mientras tanto, el proceso administrativo para inyectar la ayuda de cinco millones sigue su curso, aunque no habrá dinero disponible hasta que se aprueben los presupuestos, que ya tienen el sí de PP y Vox.

Pocas cosas resultan tan codiciadas en Hollywood como entrar en una saga capaz de recaudar cientos o miles de millones de dólares. Ese tipo de franquicias ofrecen visibilidad mundial, estabilidad profesional y una oportunidad única para que un actor llegue a públicos de todos los continentes.

La dimensión económica de estos universos convierte cada papel en una posición muy disputada. Incluso los personajes secundarios pueden alcanzar una notoriedad difícil de conseguir en producciones aisladas. Por esa razón, formar parte de una franquicia de éxito se ha convertido en una aspiración habitual dentro de la industria.

Éomer abrió la puerta a una etapa decisiva

Karl Urban ha pasado buena parte de su carrera entrando precisamente en ese tipo de producciones. El actor neozelandés aparece vinculado a algunas de las sagas más rentables del cine moderno, una circunstancia poco frecuente incluso entre intérpretes con trayectorias muy extensas. Con el paso de los años se ha convertido en un rostro habitual del cine fantástico, la ciencia ficción y la acción gracias a su presencia en franquicias de enorme alcance internacional.

La puerta de entrada a ese nivel llegó con El Señor de los Anillos. Urban interpretó a Éomer en Las dos torres y El retorno del Rey, dos películas dirigidas por Peter Jackson que marcaron una época dentro del cine fantástico. En una entrevista concedida a Variety, el actor recordó que obtuvo el papel después de que Jackson viera material de una producción anterior en Nueva Zelanda.

Urban explicó que aquella experiencia sigue teniendo un lugar privilegiado en su memoria profesional y recordó que “todo el mundo estaba tan implicado desde cada departamento” para conseguir un resultado que la historia ha acabado avalando. Su participación coincidió además con una de las etapas más exitosas de la trilogía, cuya recaudación acumulada supera actualmente los 2.073 millones de dólares en las dos entregas en las que apareció tras los distintos reestrenos.

Star Trek y Marvel ampliaron su presencia mundial

Después llegaron otras franquicias gigantes. Una de las más destacadas fue Star Trek, donde interpretó al doctor Leonard McCoy en la línea temporal Kelvin iniciada en 2009. Las tres películas de esa etapa sumaron alrededor de 1.247 millones de dólares en la taquilla mundial.

Urban también formó parte del Universo Cinematográfico de Marvel gracias a su papel de Skurge en Thor: Ragnarok. Aunque su personaje tuvo una presencia limitada dentro del conjunto de la saga, la película se convirtió en otro gran éxito comercial al superar los 854 millones de dólares en todo el mundo, aunque lejos de otras producciones de la misma franquicia como Endgame o No Way Home.

Un stormtrooper le permitió cumplir una vieja ilusión

La lista todavía incorporó una parada más con Star Wars. Digital Spy recogió las declaraciones del actor sobre su aparición en El ascenso de Skywalker. Urban explicó que interpretó a uno de los stormtroopers presentes en la nave de Kylo Ren y que incluso pronunció una breve frase: “Caballeros Ren”.

El papel fue anecdótico, ni siquiera se sabía que era él, pero le permitió cumplir una aspiración personal relacionada con la saga galáctica. La película terminó alcanzando una recaudación mundial de 1.077 millones de dólares.

Johnny Cage prolongó una imagen forjada durante décadas

Su recorrido por grandes propiedades audiovisuales continuó recientemente con Mortal Kombat II, donde asumió el papel de Johnny Cage. El personaje encaja perfectamente con el tipo de figuras que han acompañado al actor durante años: hombres duros, carismáticos y acostumbrados a desenvolverse en entornos fantásticos o violentos. También participó en The Bluff como el pirata Capitán Connor, otra muestra de su afinidad con el cine de aventuras y acción.

Ese perfil comenzó a construirse mucho antes de alcanzar fama internacional. Urban apareció en Xena: la princesa guerrera interpretando varios personajes y más adelante trabajó en producciones como Doom, Pathfinder, Priest, Red o Las crónicas de Riddick. Algunas obtuvieron mejores resultados que otras, pero todas ayudaron a consolidar una imagen muy reconocible.

The Boys impulsó el papel más celebrado

La televisión ha terminando ampliando todavía más su popularidad gracias a The Boys. En la serie de Amazon Prime Video interpreta a Carcinero, líder del grupo que combate a los superhéroes corruptos de ese universo liderados por el Patriota. El personaje terminó convirtiéndose en el papel más celebrado de su carrera reciente.

La producción, ya finalizada con un último capítulo que no gustó a todos los fans, se prolongó durante cinco temporadas, recibió excelentes valoraciones y acumuló 12 nominaciones a los premios Emmy. Buena parte del público identifica hoy a Urban con Carnicero, una figura impulsada por la pérdida y la obsesión por la venganza con unas líneas morales muy difusas.

Cuatro sagas sitúan a Urban entre casos excepcionales

La carrera del actor presenta una circunstancia difícil de igualar. Urban ha participado en El Señor de los Anillos, Star Trek, Marvel y Star Wars, cuatro nombres que figuran entre las franquicias más reconocibles y rentables de la cultura popular contemporánea con más de 5.000 millones entre todas ellas.

En algunos casos tuvo papeles más relevantes y en otros apareció durante pocos segundos, pero su presencia quedó registrada en universos que movilizaron miles de millones de dólares y generaciones enteras de seguidores. Esa sucesión de sagas ultrataquilleras ayuda a explicar por qué Karl Urban se ha convertido uno de los rostros más habituales cuando Hollywood necesita intérpretes capaces de encajar en grandes mundos de ficción.

Hemos pasado a hablar de nuestras casas (de las que no tenemos, de las que no podemos pagar, de las que nos echan) a hablar de la casita de Bad Bunny, que es un decorado y un símbolo en mutación. Todo tiene sentido conceptual en la instalación de una típica casita puertorriqueña en mitad del estadio en el que tenga lugar el concierto: Benito invita a la fiesta familiar que se abre a esa familia ampliada que son los amigos, los vecinos y los que se cuelan pero ya los quieres, los balcones están ahí para eso. El cantante se traslada del escenario principal a la casita a la vez que el show transita hacia las canciones más sexuales y personales.

Decimos que tener vivienda es un privilegio, y entrar en la casita también lo es. Caben unas 30 personas dentro y es el lugar más codiciado para los asistentes. Bad Bunny invita a celebridades y algunas personas que entran en la categoría de, digamos, normales. La fiesta se desparrama.

Todo tiene tanto sentido conceptual que a la casita le salen grietas simbólicas. Ponte en el lugar de quien ha pagado 150 euros y la casita le tapa la visión del escenario, pero puede pasarse la noche viendo a personas bellas e inalcanzable bailando a sus anchas, bebiendo en la barra que se ha instalado dentro o sentadas en el sofacito.

O en el lugar de Ramón Carrasco Delgado, de 84 años, propietario de la casita a la que copia esta, diseñada por la directora de arte Mayna Magruder Ortiz (quien por cierto tiene prohibidas las entrevistas) y a cuya casita real no para de acudir gente a tirarse fotos allí. Carrasco firmó un contrato para el uso de su casa en el documental con el que Bad Bunny acompañó la salida del disco, pero afirma que no se le explicó las verdaderas dimensiones del proyecto, por lo que demanda al cantante por enriquecimiento injusto.

No sabemos los costes de la gira Debí tirar más fotos, pero tienen que ser elevados. Lo que sí podemos es hacer una cuenta de la vieja de lo que más o menos ingresa por venta de entradas a su paso por España: 600.000 entradas vendidas de 12 conciertos, a una media de 150 euros, ponte que alcance los cien millones de euros, eso sin contar el merchandising. Ramón Carrasco Delgado le pide a Bad Bunny cinco millones de euros por menoscabo de sus intereses económicos y un millón más por la mala vida que le están dando las personas que pasan a husmear a ver si les dan por la mañana café o por la tarde ron, a ver si hay fiesta en la casita.

Madrid es un lugar difícil estos días: la visita del Papa ha cortado arterias principales, los hoteles rebosan, hace calor y hay colas hasta para entrar a La Placita. Con este follón, la Feria del Libro, que suele ser el foco cultural los primeros días de junio en la capital, pasa desapercibida. En el medio del caos, dos chavales que no han cumplido los 20 años y sin entrada para ver a Bad Bunny, se inventan un negocio para sacarse unas pelas en este inicio del verano: el guardacolas.

Tres libros

'Infiltrados en Amazon y Starbucks. Cómo montar un sindicato con todo en contra' de Jaime Caro Morente (Lengua de Trapo y Círculo de Bellas Artes)'. Este investigador granadino, experto en la historia del socialismo estadounidense, los discursos de la extrema derecha y el trumpismo, ha escrito un breve ensayo clave para adentrarnos en el sindicalismo USA, casa de grandes corporaciones internacionales de explotación laboral como las que aparecen en el título del libro y que, por tanto, nos afectan en el mundo entero. (Si tienes la sensación de que hay un Starbucks en cada esquina, te gustará saber que la cifra concreta es de 15.000 establecimientos en 50 países, y 210.000 trabajadores solo en EEUU).

Caro nos lleva al momento en el que un grupo de baristas en 2021 funda el primer sindicato en la historia de Starbucks en Estados Unidos. O cómo dos jóvenes comienzan a tejer una red de confianza y solidaridad con los trabajadores de Amazon en Staten Island.

'La puntada subversiva. El bordado y la creación de lo femenino' de Rozsika Parker (trad. Ana Useros Martín y Jesús Espino Nuño, Akal). Es la primera vez que se publica en castellano este revelador ensayo escrito en 1984 capaz de reenfocar la historia del arte con mirada feminista. El hilo y la aguja, dos herramientas unidas siempre a la mujer, tanto en el ámbito familiar como en el profesional, son un símbolo patriarcal pero también pueden serlo de resistencia. Esta de Parker es una de las investigaciones más rigurosas sobre la historia social del bordado y su relación con las mujeres. Si estás en Madrid, te recomiendo una cosa bonita para el 14 de junio en la Feria del Libro: un taller-presentación en el que además de hablar del libro, se bordará.

'La chica de nadie (Nobody's Girl)' de Virginia Roberts Giuffre (Planeta). Una de las víctimas del pederasta Jeffrey Epstein trabajó junto a la periodista de investigación Amy Wallace durante varios años para dar forma a estas memorias. Virginia Roberts fue una de las mujeres que más se expuso para enfrentarse contra el poder de Epstein y su cómplice Ghislaine Maxwell. Además de testificar contra ellos, demandó al príncipe Andrés de Inglaterra. Pero sintió que la Justicia la traicionaba cuando en 2008 esta llegó a un acuerdo de no enjuiciamiento con Epstein (que se ahorcó en su celda en 2019), a espaldas de las víctimas, lo cual le hizo salir a la luz, dar la cara. Este es su legado póstumo, ya que Virginia Roberts se quitó la vida en 2025.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Aunque no seas futbolero, a veces es imposible separar este deporte de la música. Que se lo digan a Madonna, Shakira y BTS, que actuarán en el descanso de la final del Mundial. Sin embargo, hay himnos más discretos que también reúnen la magia que rodea a esta competición. El grupo escocés Belle and Sebastian regresa con una propuesta que no se puede separar demasiado de un balón, y que ya forma parte de nuestra playlist de recomendaciones, donde están también las de semanas anteriores.

'It Only Takes One Lion' de Belle and Sebastian. Concebido como el himno oficial de Escocia para el Mundial de 2026, este temazo de indie disco sigue el viaje de la selección nacional de Escocia durante los últimos 50 años. En la portada aparece un jovencísimo Stuart Murdoch vestido de futbolista. La banda pasará por España en julio con conciertos en el Bilbao BBK Live y las Noches del Botánico de Madrid. 

'Down South' de Paul McCartney. El legendario músico demuestra que sigue siendo importante recordar el pasado. En esta canción de su nuevo disco The Boys of Dungeon Lane, McCartney regala una pieza acústica preciosa que habla con cariño de su amistad adolescente con George Harrison. Con una guitarra acústica muy sencilla, repasa cómo se conocieron en el autobús escolar y cómo hacían autostop de jóvenes, mucho antes de que todo el planeta se pusiera a bailar con Twist and Shout.

'Caravaggio' de Dellafuente. El artista granadino regresa con un adelanto de su próximo disco, Brigado, que se publicará este 19 de junio. Esta canción de flamenco experimental, que homenajea al famoso pintor italiano, la ha acompañado de un videoclip que emula un videojuego interactivo para simular el robo de un museo. El cantante ha sido la sorpresa del cartel del Weekend Beach Festival, que se celebrará el próximo julio. 

Tres películas, por Javier Zurro

'La luz'. Fernando Franco es uno de nuestros cineastas más interesantes y menos obvios, y por eso su acercamiento a los abusos en la Iglesia adopta un punto de vista tan poco obvio como interesante, el de un cura abusador que, en un momento dado, parece arrepentirse de sus actos. Un filme adulto, complejo, lleno de aristas y con una interpretación excelente de Alberto San Juan.

'Los ilusos 13+13'. En 2013 Jonás Trueba estrenó Los ilusos, la película que terminó poniendo nombre a su productora y a una forma de hacer cine que va a la contra del modelo industrial español. Trece años después, el director la reestrena con escenas en el color original en vez de en blanco y negro para establecer un diálogo entre aquel filme y el momento actual. Una oportunidad genial para recuperarla en salas de cine.

'Este cuerpo mío'. Carolina Yuste ya no es solo una actriz estupenda, sino una directora prometedora que vuelve a mostrar su personalidad arrolladora en este documental en el que acompaña a su amigo Rafael en sus primeros años de transición de género. Un testimonio íntimo, hermoso, político y tremendamente actual.

Cinco planes para el finde, por Laura G. Higueras

FIRE! (Barcelona). Bajo el lema Mil y una historias queer, este festival pondrá este año el foco en las miradas del cine árabe y persa, reuniendo historias, creadores y voces que atraviesan fronteras, cuestionan imaginarios y abren nuevas conversaciones. Se celebrará hasta el próximo domingo 14 de junio en el Instituto Francés. Entre las películas que van a proyectarse están ¿Dónde estás? de María Moreno Novoa, ¿Quién mató a la cucaracha? de Juan Escribano Tamayo y 3670 de Park Joon-ho.

Misterio, ingravidez y dos mundos (Sagunto, Valencia). Este viernes se inaugura esta exposición en la Casa Capellà Pallarés, sobre la obra de la artista valenciana Lorena García Mateu. Su proyecto pictórico invita al público a adentrarse en un universo simbólico donde lo natural y lo cósmico dialogan en equilibrio. La muestra reúne una serie de obras en gran formato realizadas en óleo sobre lino, en las que ha plasmado escenarios pictóricos que sugieren la existencia de múltiples planos de realidad.

Los mismos lugares (Madrid). El Museo ICO alberga esta exposición que forma parte de PhotoEspaña, sobre la obra de Jorge Yeregui. La exhibición se articula en torno a cuatro cuerpos de trabajo que, mediante fotografía, vídeo, instalación y otros formatos, proponen una reflexión sobre el impacto de las industrias extractivas en el territorio, los efectos de la crisis del mercado inmobiliario, las distintas formas de crecimiento urbano y los modelos de relación entre el ser humano y la naturaleza.

¿No hay nada como el hogar? (León). El MUSAC propone esta muestra que analiza el concepto de hogar como algo inestable y polifacético, moldeado por las condiciones sociales, las expectativas culturales, las experiencias emocionales y las realidades vitales. Lo hace combinando obras sobre diferentes soportes, instalaciones y material audiovisual, que exploran este tema desde diversos ángulos: el hogar añorado o inalcanzable, el idealizado, el físico y el mental, el frágil, el peligroso o el inestable. Esta constelación de miradas incluye la de quienes carecen de hogar, a quienes lo han dejado atrás y a quienes lo buscan o lo reinventan.

K-Power (Valladolid). El centro comercial Vallsur será la sede este fin de semana del fenómeno K-Pop, con una programación gratuita que combinará música, maquillaje temático y espectáculos en directo, como K-Power, el musical K-Pop. También habrá una clase de coreografía para aprender los pasos más característicos de este estilo, y un espacio inspirado en los artistas del género donde los visitantes podrán experimentar con diferentes looks y maquillajes.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Shego. La banda de punk-pop formada en 2021 utiliza sus letras para poner de manifiesto la incomodidad, llenando sus canciones de desahogo, rabia contenida e incluso violencia. Si no la conoces, te la presentamos.

Teo Lucadamo. El joven rapero denuncia el genocidio en Gaza o retrata el infierno disfrazado de paraíso que supone Silicon Valley en las canciones de un disco que reivindica la importancia de ser político.

Candela Peña. Tercer nombre propio de la semana con una tercera pedazo de entrevista también en nuestra redacción, que además la vas a gozar si la ves en vídeo: “No me apetece estar eternamente buena”.

Norma Jeane Mortenson nació el 1 de junio de 1926, hace 100 años, pero el mundo la conocería como Marilyn Monroe, un mito que Hollywood creó y moldeó mucho más tarde, pero que quedaría como uno de los símbolos sexuales más populares de los años 50 y una de las actrices más cotizadas durante esa década.

De hecho, sus películas habían recaudado más de 200 millones de dólares a su temprana muerte en agosto de 1962 a los 36 años tras una sobredosis de barbitúricos. Su trayectoria cinematográfica le llevó a completar un total de 29 películas en 14 años, pero algunas de ellas son indispensables en su carrera y para conocer a la actriz más allá del mito. Todos estos filmes se encuentran disponibles actualmente en plataformas.

“Con faldas y a lo loco” (1959)

Es considerada para la crítica cinematográfica la mejor comedia de la historia. Obra de Billy Wilder, en ella Marilyn Monroe compartió protagonismo con Jack Lemmon y Tony Curtis, en una película que sigue a dos músicos que son testigos de un asesinato y al ser perseguidos por la mafia, se visten de mujeres para integrarse en un grupo de música femenino, y todo esto dará lugar a una serie de inequívocos que finalmente cerrará con uno de los finales más icónicos del cine.

A pesar de todo esto, en el contexto de la actriz, fue un rodaje muy duro porque estaba embarazada, aunque más tarde sufriría un aborto, además de que llegaba tarde y se bloqueaba en frases sencillas porque se encontraba adicta a los barbitúricos y perseguida por sus inseguridades. Sin embargo, consiguió conseguir que el personaje Sugar Kane fuera adorable y a la vez no ridícula, y en parte porque tomó a Curtis y Lemmon como “dos amigas de verdad” tras seguir el consejo de su mentor de actuación, Lee Strasberg. En ella interpreta el famoso número musical de “I Wanna Be Loved by You”.

“Los caballeros las prefieren rubias” (1953)

Pero si hay una película que consolidó el mito de Marilyn Monroe fue “Los caballeros las prefieren rubias”, que protagonizó junto a Jane Russell y dirigida por Howard Hawks. En ella aparece el destacado número musical con “Diamonds Are a Girl’s Best Friend” e interpreta a Lorelei Lee, el arquetipo de una ‘rubia ingenua’, pero también astuta, un toque que le proporcionó la actriz y que llevó a que fuera una mujer que controlaba la escena. Lo más curioso de este largometraje es que a pesar de ser uno de sus mejores trabajos, se le pagó un salario estándar aun sabiendo que era un imán para la taquilla, mientras su compañera recibió diez veces más porque venía de otro estudio.

“Vidas rebeldes” (1961)

Lamentablemente este título ostenta el hecho de ser la última película que completó la actriz antes de su muerte, un año más tarde, además de ser uno de sus mejores papeles dramáticos. Dirigida por John Huston y escrita por su entonces marido Arthur Miller, esto supuso que fuera uno de sus rodajes más complicados, porque ella consideraba que él usaba los traumas y problemas del matrimonio para el guion y los diálogos de su personaje. A todo esto, fue también la última cinta de Clark Gable, que murió en 1960, antes de que se estrenara, por un infarto. Montgomery Clift fue también compañero de reparto y fallecería apenas cinco años después.

“La tentación vive arriba” (1955)

Si hablamos del mito de Marilyn Monroe no podemos pasar por alto la que es seguramente su escena más famosa y una de las más conocidas de la historia del cine, la de la actriz sobre la rejilla del metro de Nueva York con su vestido blanco. Un momento de la película que tiene su propia leyenda, pues se rodó en la madrugada de la ciudad, rodeada de fans y fotógrafos, un hecho que se dice molestó a su entonces marido Joe DiMaggio, que provocaría una discusión violenta en el hotel más tarde y se asegura que esto marcaría el fin de su matrimonio.

En la película, dirigida por Billy Wilder, Monroe le da una voz al personaje que interpreta, que ni tenía nombre y que era una fantasía puramente sexual en la obra de Broadway, pero ella le pudo dar un toque de espontaneidad y mayor personalidad.

“Niágara” (1953)

Seguramente este sea uno de los títulos más desconocidos de Marilyn Monroe, además de mostrar uno de sus personajes más oscuros, evidenciando la versatilidad de la interprete, brillando en el cine negro y que le dio la confirmación a su estudio, la 20th Century Fox, de que podía tener más que personajes secundarios. En “Niágara”, la actriz da vida a Rose Loomi, una mujer fría y criminal que utiliza su atractivo como un arma narrativa. Una de sus curiosidades es que tiene la caminata más larga grabada de la historia del cine, con ella en un plano de espaldas durante varios metros.

Bonus: “Eva al Desnudo” (1950)

Si bien en esta película dio vida a un personaje secundario, supuso el primer trampolín hacia la fama, todo ello a pesar de ser solo unos minutos en pantalla, pero su impacto fue tal que marcaría su futura carrera como protagonista. De hecho, estaba despedida del estudio, pero finalmente el director Joseph L. Mankiewicz le dio una oportunidad por la insistencia del agente de la actriz Johnny Hyde, y finalmente quedaría fascinado por lo magnética que resultaba.

Después de unos pocos años en la industria de Hollywood, Jennifer Lawrence ganó el Oscar a Mejor Actriz en 2013 por su papel en la película El lado bueno de las cosas, la comedia romántica que protagonizó junto a Bradley Cooper. En cierta manera, fue el momento en el que la actriz consiguió dejar a un lado la etiqueta de “ídolo adolescente” que había alcanzado tras el fenómeno de Los juegos del hambre.

Fueron las películas basadas en la novela homónima de Suzanne Collins, cuya primera entrega se estrenó un año antes de recibir ese premio de la Academia, las que colocaron a Lawrence en el imaginario popular, especialmente el adolescente. Los cuatro largometrajes, que mezclaban acción, romance y distopía, fueron su primer proyecto cinematográfico a gran escala.

Pero la carrera de la mujer que dio vida a Katniss Everdeen en la gran pantalla podría haber sido muy diferente. Lo reveló ella misma hace unos años durante una conversación en el podcast de The Rewatchables, cuando contó que, apenas un año antes de aceptar este papel para Los juegos del hambre, hizo una prueba para otra película, que también se convirtió en un fenómeno juvenil. 

Su prueba para hacer de vampiro

“Hice una audición para Crepúsculo. Me rechazaron de inmediato. Ni siquiera me volvieron a llamar. Pero mi vida habría sido completamente diferente”, compartió en 2023 la intérprete. Más tarde, reveló que el éxito que tuvo la saga de vampiros protagonizada finalmente por Kristen Stewart y Robert Pattinson le hizo replantearse seriamente su futuro profesional. 

“Casi no participé en Los juegos del hambre porque Crepúsculo ya se había estrenado y se había formado todo un fandom. Cuando intentaba hablar con la gente sobre mi decisión después de que me ofrecieran el papel, me costaba explicarles este nivel de fama. Pensaba que sería como la fama de Crepúsculo, y eso nunca fue algo que tuviera en mente. Nunca quise ser la persona más famosa del planeta. Es una vida muy distinta a la que imaginaba para mí”, explicó la actriz. 

Lawrence no pudo escapar de esa fama, y las películas que protagonizó junto a Josh Hutcherson y Liam Hemsworth y que se estrenaron entre 2012 y 2015 sin duda la convirtieron en una de las estrellas más aclamadas de Hollywood. Después de aquello llegaron otras grandes producciones para ella, como ¡Madre! (2017), junto a Javier Bardem, o No mires arriba (2021), junto a Leonardo DiCaprio, por nombrar algunas.

La volveremos a ver como Katniss

Amanecer en la cosecha, la nueva película de la saga de Los juegos del hambre se estrenará el próximo 20 de noviembre de 2026 y contará la historia del personaje de Haymitch Abernathy, el mentor que Katniss y Peeta tuvieron durante su primera participación en los Juegos organizados por el Capitolio. Como confirmó la propia Lawrence en una entrevista hace poco, la actriz ha vuelto a ponerse en la piel de su icónico personaje para este largometraje, aunque lo más probable es que no aparezca más que en un pequeño cameo.

El papa León XIV visitará España del 6 al 12 de junio. Un viaje que tendrá paradas en Madrid, Barcelona, Gran Canaria y Tenerife y que paralizará las ciudades debido al operativo de seguridad desplegado en las ciudades y los opulentos eventos organizados para agasajar la llegada de Francis Prevost, nombre anterior a su llegada al poder eclesiástico como sustituto del papa Francisco. Un acontecimiento que, por si fuera poco, se junta en Madrid con otros eventos como la Feria del Libro y el concierto de Bad Bunny.

La llegada del Papa ha concentrado la atención mediática, y es que la figura del líder de la Iglesia siempre ha levantado bastante fascinación. También en el cine, donde los pontífices han sido protagonistas o secundarios de varias historias. Los directores han indagado en sus relaciones con el poder… e incluso la mafia. Francis Ford Coppola lo hizo en la tercera parte de El padrino (1990), donde crea un Juan Pablo I ficticio que, sin embargo, tiene mucho que ver con las teorías de la conspiración en torno a un papa real. 

El Cardenal Lamberto de El padrino III es un trasunto del Cardenal Luciani. Ambos comparten no solo el nombre como papa, sino una muerte prematura tras poco más de 30 días en el poder. Mientras que en la realidad eso provocó multitud de teorías de la conspiración sobre un posible asesinato, Coppola directamente cuenta que el papa fue envenenado por los banqueros que veían en él una amenaza a sus corruptelas.

La presencia del papa en el cine se podría dividir entre aquellos absolutamente ficticios, y aquellas películas que han abordado la figura real de alguno de los pontífices. En el primer grupo destacan, como es lógico, los cineastas italianos. Es difícil abordar la vida social y política del país sin que entre la religión católica de una forma u otra. Dos de los cineastas recientes que han abordado directamente esta figura son Paolo Sorrentino y Nanni Moretti.

El primero le dedicó una serie que planteaba un papa atípico. Joven (menos de 50), el primer americano en llegar al trono papal (algo que ahora ha logrado León XIV) y muy conservador. Sorrentino provocó con su habitual estilo visual y eligió a Jude Law para interpretar a Lenny Belardo, que elige el nombre de Pío XIII como pontífice en The Young Pope (2016) y su secuela, The New Pope (2020). Una serie que mostraba a un papa cachas y sensual al que el cineasta incluso mostraba desnudo. De hecho, la segunda temporada se promocionó con un tráiler que volvió a conmocionar a los más conservadores: Jude Law con un minibañador blanco andando por la playa mientras todo el mundo se giraba para observar su cuerpo.

Lo de intentar provocar a los más puritanos con el papa lo ha vuelto a hacer Sorrentino en su último filme La Grazia (2026), donde el presidente de la República al que da vida Toni Servillo se reúne con el pontífice para pedirle consejo. Un papa negro, con rastas, pendiente y de corte progresista que sirve como contrapunto del que había retratado en su serie.

Moretti convirtió al papa en su protagonista en Habemus Papam (2011), la mítica frase que un cardenal grita al mundo desde el balcón de San Pedro para confirmar que el cónclave ha concluido con éxito y antes de presentar quién ha sido el elegido. En la fantasía de Moretti, el nuevo Papa —con los rasgos de Michel Piccoli— tiene una crisis de ansiedad que le impide salir al balcón. La ley del Vaticano dice que hasta que no lo haga no concluye la elección y que, por tanto, nadie puede abandonar el lugar.

Los cardenales llaman a un psicólogo para abordar la crisis y lograr que el papa acepte un cargo que no quiere, pero este terminará huyendo y paseando por Roma intentando dilucidar qué hacer mientras los cardenales hacen creer al mundo que el papa sigue en su habitación y ellos se dedican al ocio y a actividades míticas del cine de Moretti como el voleibol. 

También es ficticio otro clásico del cine religioso, Las sandalias del pescador (1968), dirigida por Michael Anderson, basada en la novela de Morris West y con Anthony Quinn como el cardenal Kiril Lakota, un preso político soviético liberado que es nombrado papa por sorpresa y que mediará para solucionar un conflicto geopolítico.

Un cónclave con giro final

Uno de los fenómenos cinematográficos de finales de 2024 y comienzos del año siguiente fue Cónclave. La adaptación de la novela de Robert Harris dirigida por el alemán Edward Berger fue un éxito que se alargó durante meses y que incluso coincidió en salas con la muerte del papa Francisco en abril de 2025. El cónclave para elegir el nuevo pontífice hizo que la gente acudiera a ver este thriller cuya trama se desarrolla durante la elección del nuevo papa, lo que sirve para establecer un tira y afloja de poder en donde las dos facciones de la Iglesia (la más progresista y la más conservadora), que se enfrentan por el puesto más deseado.

La película comienza con el papa muerto y cuenta la organización del cónclave que da título al filme, pero concluye con un giro final que desvela la identidad real del nuevo elegido y que podría desafiar las normas anquilosadas de toda la Iglesia católica. La muerte de un papa y el posterior cónclave también centraban Ángeles y demonios (2009), la adaptación de la novela de Dan Brown y secuela de El código da Vinci con Tom Hanks como protagonista. 

El duelo ideológico entre la parte conservadora de la Iglesia y la que busca renovarla es también el centro de Los dos papas (2019), la película de Fernando Meirelles que fantasea con el encuentro entre dos pontífices reales, Benedicto XVI (con los rasgos de Anthony Hopkins) y el que fuera su sucesor, el papa Francisco, al que interpreta Jonathan Pryce. Ambos fueron nominados al Oscar por este filme de Netflix. 

El carisma del papa Francisco ha hecho que, a pesar de haber sido pontífice hasta hace poco, sea uno de los más retratados por la ficción. Junto a Juan Pablo II es otro de los pocos que tiene un biopic sobre su vida. El cineasta nacido en España, pero criado en Argentina, Beda Docampo Feijóo fue el encargado de contar su vida, para lo que tuvo la ayuda de otro argentino ilustre, Darío Grandinetti, que se puso el hábito para ponerse en la piel de Jorge Bergoglio en Francisco. El padre Jorge (2015).

El cine se ha fijado hasta en papas del siglo XVI, como Julio II. Su encuentro con el artista Miguel Ángel (aquí con la cara de Charlton Heston) y el encargo para pintar la Capilla Sixtina —con sus consecuentes roces y enfrentamientos— es el centro de otro clásico papal, El tormento y el éxtasis (1965), dos palabras que podrían describir a la perfección lo que les espera tanto los ciudadanos ateos como a los católicos en estos días de calor y visita papal.

El director alemán Wim Wenders ha decidido retirar de momento de circulación su película Falsche Bewegung (Falso movimiento, 1975) tras un debate sobre una escena en la que aparece semidesnuda la actriz Nastassja Kinski cuando era adolescente.

“Como único superviviente de quienes entonces fueron responsables de Falso Movimiento veo que en su momento Nastassja Kinski debió ser mejor protegida. Por eso te pido perdón sin reservas, Nastassja”, dijo Wender en un comunicado difundido por la fundación que lleva su nombre.

En el mismo comunicado Wenders explica las reacciones y las conversaciones de los últimos días han contribuido a que él vea ahora con claridad lo que ocurrió entonces.

“Estoy agradecido por ello. Solo un intercambio abierto y respetuoso puede llevar a revisar posiciones”, aseguró.

El director dice que es necesario que la sociedad encuentre una manera adecuada de relacionarse con películas controvertidas del siglo XX y que desde la fundación buscará un debate al respecto con diversas instituciones.

“Sólo después, y aunque tarde mucho, y cuando hayamos encontrado una solución, también en consenso con Nastassja Kinski, podremos volver a permitir que la película circule”, afirmó.

Kinski explicó que llevaba años pidiendo a Wenders que recortara la escena, de dos minutos de duración, que la muestra con el torso desnudo.

“Aunque a los 13 años no podía juzgarlo, pronto me di cuenta de que algo no estaba en orden”, le dijo recientemente la actriz al diario “Süddeutsche Zeitung”.

Wenders, por su parte, durante la ceremonia de entrega de los Premios del Cine Alemán, dijo que actualmente no volvería a rodar una escena semejante, pero que no podía hacerle un reproche a su yo de entonces, que había hecho una película de su tiempo.

La situación, según Wenders en ese discurso, implicaba abrir una discusión sobre la manera de relacionarse con la herencia fílmica: “¿Es legítimo cortar una escena que lesiona a una actriz que he admirado y admiro? ¿Se puede recortar una película a posteriori?”.

El abogado de Kinski, Christian Schertz, había calificado el discurso de Wenders como un intento por eludir su responsabilidad individual y aseguró que el director se había negado durante años a hablar con la actriz sobre la escena, por lo que llegó a plantearse, antes de la declaración de este miércoles, acudir a los tribunales.

Wenders, que recibió este año el Premio de Honor de la Academia del Cine Alemán, tiene una serie de películas que se han hecho icónicas como El cielo sobre Berlín, Alicia en las ciudades o Buena Vista Social Club.

Con una Kinski ya adulta en un papel protagónico realizó también la “road movie” Paris Texas.

Los fans del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) están contando el tiempo hasta el que será uno de sus grandes estrenos, con una nueva entrega de la saga de ‘Los Vengadores’, ‘Avengers: Doomsday’ que llegará en diciembre de 2026.

Sin embargo, antes de todo ello, de conocer a ‘Los Vengadores’ y otras sagas y franquicias relacionadas, hubo un tiempo en el que Marvel no tenía clara la forma en la que quería que sus personajes aparecieran en el cine y eso dio vida a unos extraños proyectos, entre ellos la que es la bizarra primera película de un superhéroe en el cine: 'Howard, un nuevo héroe' ('Howard the duck'), estrenada hace 40 años.

El fracaso con el que Marvel debutó en los cines

Dos décadas antes aproximadamente antes de que arrancara el UCM tal y como lo conocemos actualmente, Marvel vivía un momento diferente en sus adaptaciones al cine. Si bien ya se habían realizado algunas películas para televisión o series durante los anteriores años, como la serie ‘Capitán América’, en los cines todavía no se habían visto largometrajes que adaptaran personajes de los famosos cómics.

Sin embargo, son pocos los que se acuerdan o quieren hacerlo de una película que fue la que abrió la veda, pero que también es una de las más incómodas y extrañas de las que adaptaron personajes de Marvel. Hablamos de ‘Howard, un nuevo héroe’ (‘Howard the duck’ en original), que se estrenó en 1986 y que este año cumple 40 años.

Esta se trató del primer largometraje en imagen real para cines, con un enfoque alejado de lo que fueron los cómics de este personaje y cuyo resultado fue una extraña mezcla de géneros que la ha acabado haciendo una película de culto, que actualmente no se puede ver en plataformas, solo disponible en alquiler, compra y formato físico.

De hecho, ‘Howard the duck’ no conto ni con el beneplácito de la crítica especializada ni con el del público, recaudando una cifra similar a lo que costó, aproximadamente 37 millones de dólares, al que cabe sumar también lo que costó su promoción. Es por ello que se paró una secuela que ya estaba planeada. Las malas críticas le valieron hasta siete nominaciones a los Razzie, haciéndose finalmente con cuatro de ellos, entre los que estaba el de Peor Película.

George Lucas fue productor de la película

A pesar de todo ello, ‘Howard, un nuevo héroe’ tiene en su haber ser la primera película de un superhéroe de Marvel en llegar a los cines, y tuvo un elenco de primera con la popular actriz Lea Thompson, Tim Robbins o Jeffrey Jones, además de que entre sus productores estaba George Lucas.

Estuvo dirigida, sin embargo, por Williard Huyck, que también participó en el guion junto a Gloria Katz. Ambos habían formado una dupla creativa en ‘Indiana Jones y el templo maldito’ o ‘American Graffiti’, en esta última también con George Lucas.

La película adaptaba el personaje que había sido creado por Steve Gerber y Val Mayerik en 1973, en la que Howard es un pato que proviene de un lejano planeta y que llega a la Tierra debido a un error en un laboratorio espacial, siendo acogido por Beberly, una joven que toca en un grupo de rock. El problema ocurre cuando el doctor Jenin intenta devolverle a su planeta y acaba convirtiéndole en el ‘Señor de las Tinieblas’ debido al haber sido atrapado por la energía diabólica del experimento de origen, por lo que Howard tendrá que pararlo por la amenaza que supone.

Estela Rasal (Barcelona, 1975) dirige desde hace cuatro años el Festival Internacional de Cine de Huesca, aunque hace quince pertenece al equipo de producción. El cine le ha formado como persona mientras veía películas clásicas en blanco y negro y ahora ella forma parte de la escena cinematográfica oscense. 

Bette Davis, Katharine Hepburn, los Hermanos Marx o Louis de Funès. Gracias a ese ambiente con el que se crio, actualmente Rasal toca muchas ramas del árbol que erige la cultura: dirige su propia productora, ha realizado trabajos de regiduría, actriz, producción, así como de coproducción en diferentes proyectos cinematográficos.

El cortometraje le cautivó desde hace mucho tiempo por su “libertad creativa”, su singularidad y porque “es una forma diferente de narrar”. “Es un lenguaje distinto y es más accesible. Aun así, los hay de mucho presupuesto y directores consagrados han vuelto al corto, porque hay historias que requieren más de un corto que de un largometraje”, asegura la directora y justifica que en este tipo de producciones “hay cosas muy vivas” por el rápido desarrollo de personajes en poco tiempo.

Los cortometrajes son la razón de ser del Festival de Cine de Huesca, el tercero más antiguo del mundo dedicada en exclusiva a este tipo de producciones, que este año se celebrará del 5 al 13 de junio y alcanzará su quincuagésimo cuarta edición. Esta cita es una de las seis de España avaladas por la Academia de Hollywood como preselección para los Premios Oscar.

El Teatro Olimpia de Huesca volverá a ser el foco de atención de todo el mundo donde podrán verse las 77 obras seleccionadas, 38 de ellas óperas primas y 37 dirigidas por mujeres procedentes de 26 países, de entre 2.342 enviadas para participar en el concurso en sus tres secciones: internacional, iberoamericano y documental.

Uno de los proyectos más ambiciosos del certamen es su área de industria, donde el festival “va evolucionando hacia lugares más actuales” para su consolidación como mercado de referencia. “Hay que dotar de un contexto a los cortometrajistas y cineastas para que pueda haber un intercambio real y surjan así más proyectos. El festival debe ser una lanzadera de talentos. No nos podemos quedar solo con exhibir los trabajos y dar premios”, explica la directora.

Para Rasal, uno de los momentos más emotivos del certamen es la primera sesión de cortometrajes. “Es el motivo del Festival Internacional de Cine de Huesca”, señala la directora, y recuerda que una de las cosas que hacen especial al evento es el lugar donde se organiza. “Huesca es una ciudad muy acogedora. Todos los invitados que vienen se van enamorados del festival y de la ciudad. Somos unos embajadores maravillosos de nuestra tierra. Huesca se conoce en todo Latinoamérica por el festival de cine”, explica.

Considera Rasal que es esencial “sembrar esa semilla” en nuevos espectadores para que vuelvan a consumir cortometrajes. “Es importante que se vea cine, donde sea. Nos ayuda a tener una mente más crítica y a construir un mundo mejor entre todos”, sostiene la directora.

Ese germen brotó en la directora del festival desde bien pequeña. “ET fue la primera película que me fascinó”, recuerda mientras cuenta una anécdota en el Teatro Olimpia de Huesca, cuando fue con su madre para ver Miguel Strogoff. “Resulta que eran tres carretes en lugar de dos, Y el proyeccionista se equivocó y puso el último en el lugar del segundo. Veíamos a Miguel Strogoff hecho polvo y no entendíamos nada. Me acordaré toda la vida porque fue mi gracioso”, recuerda.

Desde esa doble mirada de espectadora y gestora cultural, Rasal sigue impactándose con películas que le remueven por dentro. Por un lado, sigue disfrutando de lo que pueden hacer sentir películas como Sirat. “Me encantó, pero no sé si podré volver a verla. Está muy bien escrita, muy bien dirigida. La historia es muy fuerte, empaticé mucho con los personajes”, explica.

Y, por otro lado, Rasal observa la realidad de las salas de la ciudad de Huesca donde el Teatro Olimpia es el centro neurálgico. Gracias al impulso del festival la sala tiene un DCP (Digital Cinema Package) “para ver cine en las mejores condiciones posibles”. “En Huesca podemos ver cine de mucha calidad. Se organizan ciclos como Oscacine, el cinefórum o colaboraciones con la Cruz Blanca o la AECC”, añade y apela a la tradición cinéfila de la ciudad, promovida en parte por el festival, y unos espectadores acostumbrados al formato del cortometraje.

La conocimos en la serie ‘Juego de Tronos’ por dar vida a uno de los personajes más icónicos de la ficción de HBO, Daenerys Targaryen, pero Emilia Clarke no tuvo la misma suerte con su participación en otras franquicias de éxito como Marvel, Star Wars o Terminator, algo que ha reconocido la propia actriz en una reciente entrevista.

La interprete británica, actualmente promocionando la película independiente ‘Next Life’, ha repasado con sinceridad su trayectoria profesional, no solo los fracasos que tuvo en grandes sagas, sino también los problemas que atravesó en ‘Juego de Tronos’ y cómo esto le cambió la vida.

 ‘Taquillazos’ y fracasos su paso por Marvel o Star Wars

El participar en franquicias de éxito en el cine no siempre ha significado un paso hacia adelante en la carrera de algunos intérpretes, y en eso Emilia Clarke es un ejemplo. Después de que ‘Juego de Tronos’ la lanzara al estrellato, la actriz británica no tuvo un camino de rosas, y sobre ello reflexionó en una entrevista reciente con Variety.

En ella, la intérprete confirmó lo que piensa sobre su participación en el Universo Marvel: “No creo que a nadie le gustara Invasión Secreta, chicos. ¡Lo siento!”, aseguró sobre su papel en la serie sobre Nick Furia en la que interpretaba a G'iah, hija de Talos, que lucha contra los alienígenas que quieren conquistar la Tierra, y que no tuvo buena acogida a pesar de su elenco formado también por Samuel L. Jackson, Ben Mendelsohn, Olivia Colman y Kingsley Ben-Adir.

Una experiencia similar fue lo que tuvo en su incursión en las franquicias de cine como ‘Star Wars’ o ‘Terminator’, que no acabaron siendo dos proyectos que calaran dentro de las sagas reconocidas y que tuvieran buenas críticas, todo ello, aunque siguen siendo los dos mayores éxitos de taquilla de la actriz británica, con 275 millones y 440 millones de dólares recaudados respectivamente. “¿Star Wars? No les gustó. ¿Terminator? Eso nunca debería haber pasado”, señaló al respecto.

Sin embargo, Emilia Clarke fue más allá y fue sincera al expresar su opinión y papel en proyectos complejos cuando tienen tantas expectativas e historia detrás: “Entré en franquicias ya existentes, así que cuando no funcionan, no es personal. Mi conexión con un proyecto termina cuando dicen 'fin de rodaje' porque no me corresponde decidir qué pensará la gente de él”, explicó a Variety.

Dos hemorragias cerebrales cambiaron su criterio

La actriz que dio vida a Daenerys, también conocida por su participación en las comedias románticas ‘Antes de ti’ (Me Before You) y ‘Last Christmas’, aseguró en la misma entrevista que su criterio ha cambiado con el paso del tiempo y eso se debe a que prioriza otros proyectos que le aportan más satisfacción personal y mejor impacto positivo en la recuperación de sus lesiones cerebrales.

Y es que Emilia Clarke sufrió dos hemorragias cerebrales durante el rodaje de ‘Juego de Tronos’ y esto la marcó. De hecho, fundó la organización ‘SameYou’ junto a su madre en 2019 en la que ayuda a las recuperaciones de personas afectadas por daños cerebrales, a las que se acompaña en el proceso, además de colaborar con médicos y académicos para desarrollar nuevas terapias.

Lo que le sucedió le hizo también reflexionar sobre el valor de la fama, de lo verdaderamente relevante para el éxito profesional: “Me daba vergüenza admitir que no ganar un Emmy fue algo realmente importante. Ahora me siento muy afortunada de poder ser una productora real y de intervenir en conversaciones importantes”, concluyó anunciando un nuevo camino que podría explorar en su trayectoria.