Elena se declara “superfan” de Rosalía. A pesar de vivir en Madrid, no consiguió entradas para los conciertos del Lux Tour en la capital y en Barcelona, y no le quedó más remedio que comprar tickets para el espectáculo que la estrella catalana ofrecerá en Amberes el 27 de abril. Durante este tiempo, ha intentado abstraerse de todo lo que tiene que ver con Rosalía para tratar de no llevarse ningún spoiler. “Cuando empezó la gira, me empezaron a salir vídeos en Instagram, pero no he querido ver nada”, asegura. “Obligaba a mis padres a que cambiaran de canal si salía algo en las noticias. He llegado incluso a hablarle a mi móvil diciéndole ‘Boicot Rosalía’, a ver si funcionaba…”. Spoiler: no funcionó (del todo).

“He conseguido no enterarme de mucho, pero es que ya hasta el tracklist está publicado en todos lados. Si ya voy sabiendo las canciones que va a cantar… menudo aburrimiento”, se queja esta jiennense de 25 años. Pero hay un momento que no ha logrado evitar: “Sé que hay un confesionario y que en uno de los conciertos salió Aitana”. Se refiere al momento que precede a La perla: un segmento fijo en el Lux Tour en el que Rosalía juega con la iconografía religiosa y, según la ciudad, conversa con invitadas sobre “perlas” sentimentales —ex narcisistas o decepciones amorosas— como si se tratase del rito católico de la confesión. En Madrid, las invitadas fueron Esty Quesada, Metrika, Shannis y, efectivamente, Aitana. El fragmento ha ido circulando por TikTok e Instagram hasta el punto de que evitarlo, como intenta Elena, se convierte casi en una misión imposible.

De hecho, a partir de esos vídeos es posible reconstruir gran parte del espectáculo: no solo el confesionario, sino también algunos de sus momentos más reconocibles —el botafumeiro gigante o el ballet—, están por todos lados en las redes sociales. Esa paradoja —querer llegar “virgen” al concierto en una época en la que todo se comparte— define una nueva forma de vivir la música en directo.

“Lo que antes terminaba al encenderse las luces ahora sigue viviendo en clips, stories, memética, titulares, debates y trozos descontextualizados que circulan durante días y pueden llegar a convertir un evento en algo monocultural”, explica Frankie Pizá, fundador de FRANKA y crítico cultural, quien identifica una ruptura con la temporalidad clásica del concierto.

Para él, lo que hace unos años era cobertura posterior ahora es, en muchos casos, circulación prevista de antemano. “Parte del concierto ya se piensa en función de cómo se verá fragmentado, quién lo compartirá, qué planos resistirán mejor en el timeline y qué momentos podrán sintetizar el relato entero en pocos segundos”, argumenta Pizá. El concierto, en definitiva, se ha convertido en material para crear una cadena de contenidos.

Tocar ya no es suficiente

Ese cambio no se limita a cómo se consumen los conciertos, sino que empieza mucho antes: en el momento en que se diseñan. En un contexto de crecimiento sin precedentes —en 2025 el sector de la música en directo superó por primera vez los 800 millones de euros de facturación— y saturación de grandes eventos, diferenciarse ya no depende solo de la música, sino de lo que la acompañe en el escenario. Raúl de Lara, productor de directos que ha trabajado en casi 70 giras nacionales a través de su empresa Live Branding!, lo tiene claro: “Subir, tocar y listo, sin tener en cuenta lo que ofrecer al público, ya no es suficiente. Un directo tiene que ser una experiencia”.

En ese proceso, aunque no lo es todo, reconoce que la lógica de las redes ya forma parte del lenguaje de producción: “Hoy un concierto también se diseña pensando en cómo va a vivir en redes”, reconoce. No solo importa lo que ocurre en el recinto, sino qué partes del espectáculo podrán circular después.

De Lara, que ha trabajado con bandas de la talla de Arde Bogotá, Ginebras o Alcalá Norte, apunta, no obstante, a una particularidad del mercado español: “En España todavía existe la idea de que producir un directo resta autenticidad, cuando, en realidad, es todo lo contrario”. La figura del productor de directos —el encargado de diseñar, junto a la banda, el tracklist, las fases del concierto o el rol de cada miembro de la banda, entre otros aspectos— está consolidada en otros mercados, pero aquí sigue siendo, en muchos casos, una labor poco visible. Hay grupos que se resisten a recurrir a estos servicios y otros que, aun haciéndolo, prefieren no explicitarlo. 

Subir, tocar y listo, sin tener en cuenta lo que ofrecer al público, ya no es suficiente. Un directo tiene que ser una experiencia

Raúl de Lara — Productor de directos

Algo similar ocurre con quienes diseñan las puestas en escena: el secretismo es la norma. El mejor ejemplo: Terrivle Studio y Studio Dennis Vanderbroeck, responsables del Lux Tour de Rosalía, declinaron participar en este reportaje para “preservar la confidencialidad de los contratos”.

Lidia Gámez, CEO de Maas, el sello propiedad de Dellafuente, sí ha accedido a hablar abiertamente de este proceso. Maas fue también la empresa responsable de producir los dos conciertos que el granadino ofreció en el Estadio Metropolitano de Madrid en junio de 2025, ante más de 117.600 espectadores en total, lo que lo convirtió en el artista independiente español con mayor aforo en un concierto. El espectáculo giraba en torno a una escenografía formada por una gran estrella nazarí de ocho puntas —símbolo identitario del proyecto— con más de cuatro alturas, rodeada de 13 piscinas, 50 fuentes programables y un géiser central que alcanzaba los 50 metros. Gámez describe el proceso creativo como una partitura de emociones superpuesta al setlist: “Cada canción está contando algo y utilizamos los elementos que tenemos a nuestro alcance para transmitir lo que queremos contar y para generar unas sensaciones u otras”.

Sin embargo, Gámez no concuerda con De Lara: “Nosotros no vamos buscando que se grabe y se viralice, porque nuestro foco es que el público lo disfrute. No pensamos más allá”, asegura. Lo que ocurre fuera del estadio, dice, es “un efecto colateral”. 

El espectador como agencia de comunicación

El resultado es un público que ya no solo consume el espectáculo, sino que también lo reproduce y distribuye. Alba Lafarga, gestora cultural y videoensayista en YouTube, lo describe con el concepto de prosumer: “Ya hace tiempo que se habla del público como productor y consumidor al mismo tiempo” Frankie Pizá va por la misma línea: “Los años en los que los fandoms se limitaban a ser los testigos se acabaron”, argumenta. “El público ahora es un departamento de comunicación no remunerado que irá ganando cada vez más poder porque la industria musical lo busca así: la relación fan-artista es ahora mismo la gallina de los huevos de oro.”

Ese público ha sido, además, el motor involuntario del cambio en la manera de hacer un directo: “El hecho de que el público grabara y compartiera las imágenes del concierto fue lo que llevó a los artistas a repensar cómo introducir la cámara dentro de los conciertos”, señala Lafarga. “Antes no había tantos primeros planos al artista, porque los macroconciertos no eran tan habituales y porque la cámara se sentía como un artificio entre el artista y el público, pero ahora parece imprescindible poder ver una ampliación de lo que ocurre en el escenario”, destaca.

El público ahora es un departamento de comunicación no remunerado que irá ganando cada vez más poder. La relación fan-artista es ahora mismo la gallina de los huevos de oro.

Alba Lafarga — Gestora cultural

Para que un artista llegue a esa conclusión necesariamente debe existir un público dispuesto a grabar el espectáculo. “Aunque como público sabemos que hay miles de personas grabando y que ese momento circulará por TikTok durante un tiempo, tenemos apego a guardar nuestra experiencia desde nuestro punto de vista”, explica Lafarga. 

La pensadora barcelonesa también identifica un mecanismo concreto que alimenta la circulación: los artistas han aprendido a introducir variaciones en cada ciudad para prolongar la vida mediática del espectáculo. “Si al final cada performance es igual, solo vas a tener un impacto entre gente que no sea de tu fandom durante las primeras semanas”. El confesionario de Rosalía es el mejor ejemplo: un formato fijo con un invitado diferente en cada concierto hace que cambie el contenido, lo que garantiza que cada noche genere su propio ciclo de circulación. Otros casos serían el baile de Apple en los conciertos de Charli XCX, con invitadas distintas en cada ciudad, o la llamada JUNO pose del tour de Sabrina Carpenter.

Todo esto está provocando que la propia percepción de los contenidos culturales esté mutando. Para explicarlo, Alba Lafarga recurre a la escritora Ofèlia Carbonell y su hipótesis de que vivimos bajo una “tiranía del Reel” en la que todo contenido largo se concibe pensando en los fragmentos que se podrán extraer. “El problema viene cuando el todo queda supeditado a la posibilidad de generar esos momentos”, apunta Lafarga, “porque seguramente termines creando una pieza fragmentada, ya lista para recortar y compartir, y ahí se pierde la creatividad, la espontaneidad y la posibilidad de que ocurra algo imprevisto”.

El precio a pagar: dónde queda la prensa musical

Esa lógica de circulación tiene, sin embargo, otra cara menos celebratoria. En los conciertos del Lux Tour de Rosalía en Madrid, los fotoperiodistas acreditados recibieron la negativa de acceso pocas horas antes del espectáculo, aduciendo “particularidades técnicas y de producción del evento”. En su lugar, la organización ofreció un enlace con material gráfico propio. Una práctica que, según advierte la Asociación de Periodistas Musicales (PAM) en un comunicado, contribuye a sustituir un relato plural e independiente por otro más homogéneo y controlado.

Pizá advierte de que no se trata de una decisión puntual: “Lleva pasando años, sobre todo en grandes giras de grandes iconos, y sobre todo gestionadas por Live Nation. Quieren tener el máximo control sobre la imagen y narrativa que circula.” El crítico apunta, no obstante, a la paradoja que se crea: si el objetivo realmente fuera ese, tampoco se permitiría que el público grabara y publicara libremente. Lo que se pierde cuando desaparece la mirada independiente de la prensa es, según el crítico, “fricción, contexto y autonomía narrativa. La imagen periodística tiene la capacidad notarial de registrar el acontecimiento sin obedecer del todo al artista ni a la pura PR”, argumenta. Y augura un futuro no muy halagüeño para el periodismo musical: “Hay un desgaste con la prensa, con lo que representa, porque, a ojos de la promotora, ya prácticamente no aporta nada al funcionamiento y circulación de su producto”.

A pesar de haberse comido algún que otro confesionario, botafumeiro o tracklist filtrado en Instagram, Elena irá con la misma ilusión al concierto de Amberes del día 27. “Las entradas no son baratas… Por eso valoro tanto también la experiencia”, reconoce. Y asegura sin miramientos: “no soy mucho de grabar, pero seguro que alguna foto o vídeo subiré a Instagram”. Cuando se le cuestiona el porqué, responde: “Por enseñar que he ido al concierto. Presión social, supongo”.

El veto que Rosalía impone a los fotógrafos de los medios de comunicación en sus conciertos ha desatado las críticas unánimes de las organizaciones periodísticas de Catalunya. A su paso por Barcelona esta semana con el Lux Tour, el Col·legi de Periodistes de Catalunya, el Sindicat de Periodistes de Catalunya y el Sindicat de la Imatge (UPIFC) han expresado su rechazo y, además, han enviado un requerimiento al Ayuntamiento de la capital catalana, puesto que el Palau Sant Jordi, el recinto donde se celebran los cuatro shows, es municipal.

El comunicado señala a la cantante y a la promotora Live Nation por una práctica, la de impedir el trabajo de los fotoperiodistas, que no es exclusiva de Barcelona. Ya en conciertos como el de Madrid o el de Lisboa hubo quejas a una organización que solo apuesta por distribuir sus propias imágenes del evento, algo que es cada vez más habitual en estos grandes espectáculos, según denuncian las organizaciones de periodistas y fotógrafos. La prohibición afecta también a profesionales de los medios de comunicación audiovisuales. 

“Lejos de ser puntual, está práctica se reproduce con una frecuencia creciente en eventos culturales de gran formato”, señalan el Col·legi de Periodistes, el Sindicat de Periodistes y el Sindicat de la Imatge. “La limitación o exclusión de profesionales del fotoperiodismo y de la información audiovisual en favor de contenidos generados o controlados por las promotoras altera las condiciones de ejercicio de la profesión y condiciona el derecho de la ciudadanía a recibir una información plural e independiente”, afirman los colectivos periodísticos. 

Periodistas y fotógrafos catalanes defienden su cobertura como “parte esencial” del derecho a la información, que queda menoscabado si las únicas imágenes que la ciudadanía puede ver tras el espectáculo son las de carácter promocional. En este sentido, rechazan que existan argumentos de seguridad para impedir su trabajo, puesto que no se han justificado, y piden a los medios de comunicación que se nieguen a usar las fotos y vídeos que difunde la promotora como señal de protesta.  

En el caso barcelonés, la denuncia ha llegado también a los despachos del Ayuntamiento de Barcelona, ya que es el titular del recinto donde se celebran los cuatro conciertos: el Palau Sant Jordi. Los fotógrafos han enviado un requerimiento al consistorio para que actúen en su favor y pida garantizar su acceso. Alegan que les ampara el derecho a la información, y el “derecho fundamental al trabajo”.

Consultado por elDiario.es, el Ayuntamiento no ha valorado la reclamación de los fotógrafos. Tampoco Barcelona Serveis Municipals (B:SM), la empresa pública que gestiona este y otros equipamientos, se ha pronunciado al respecto.

La primera vez le dijo que no y, acto seguido, le tuvo una hora al teléfono. ¿Por qué quiere hablar conmigo si me ha dicho que no?, es la pregunta que se hizo Gonzalo Hergueta (Madrid, 1989), director del documental The Designer is Dead, un filme que repasa la trayectoria laboral y vital del diseñador Miguel Adrover. La vida del hombre que dijo que no muchas veces antes de decir, por fin, que sí. Que le podía visitar. Que haría la película, pero a su manera. Que solo podrían filmarlo en sus horas de trabajo y que estas horas de trabajo comenzaban a partir de las tres de la tarde. Un reto para quien busca luz natural para grabar. Hergueta, claro, aceptó las condiciones. 

“Han sido casi cuatro años de curro”, confiesa el director en conversación con elDiario.es. Cuatro años en los que él (afincado desde hace 15 años en Nueva York) y su equipo han buceado en los rincones de la vida de un hombre que, salido de un pueblo mallorquín y sin un duro en el bolsillo, llegó a convertirse en la estrella más fulgurante de las pasarelas neoyorquinas muy rápido a fines de los noventa. Tan rápido como, después, se dice que cayó (tras presentar la colección multicultural Utopía en vísperas del 11S). Un hombre que lo conquistó todo, que le dijo que no a Anna Wintour cuando nadie lo hacía y que desapareció, aparentemente sin dejar rastro, después de que lo hicieran las dos torres. El mismo que hace unos meses saltó a las noticias de los periódicos al hacer público que le había dicho que no a Rosalía cuando la cantante le pidió vestirla para su gira. El motivo: que ella no había condenado el genocidio en Gaza.

Hergueta, que también viene del mundo de la moda, se encontró con la figura de Adrover cuando trabaja haciéndole el diseño gráfico a un montón de marcas de moda: “Era el momento en el que estaba estallando el ‘streetwear’, eso de llevar las calles a las pasarelas. Algo que ya había pasado antes, sí, pero no como entonces”, recuerda para sonreír al decir que él creía que estaba innovando, que estaban siendo muy vanguardistas.

“Yo pensaba ‘va, no estamos haciendo lo típico de la moda, esto es algo totalmente diferente’”, continúa para añadir que le flipaba estar buscando minorías para los castings de Adidas. Que eso era algo diferente, rompedor. “Y entonces me encontré con el trabajo de Miguel”, ríe. Él había hecho todo lo que ellos estaban intentando hacer ahora. Y lo había hecho de verdad. “No como nosotros, que era un montaje, una fotografía falsa. Él había cogido a gente de la calle y de su entorno y les había puesto a desfilar en las pasarelas de moda más importantes del mundo”, explica.

“Él no estaba intentando adaptar la pasarela a la calle (como sí estábamos haciendo nosotros), él metió la calle en la pasarela”, insiste Hergueta quien, desde su descubrimiento, quedó fascinado por la figura del diseñador mallorquín y quiso saber más. Saberlo todo. ¿Quién era Miguel Adrover? Por qué una persona que había tenido una carrera “tan brutal” había hecho un parón de repente y decidido desaparecer. Ahí, cuenta Hergueta, había una historia. Y quería ser él quien la contase. 

El precio del éxito

El documental, que se alimenta de materiales de archivo inéditos, testimonios clave e imágenes de varios de sus icónicos desfiles (como el momento en el que desjarretó una gabardina de Burberry y la cosió junto al colchón usado de un amigo poeta recién muerto para hacer un vestido y que le valió la denuncia de la marca) es un retrato íntimo del artista que desafío las reglas del sistema de la moda. Pero no cuenta del todo qué le pasó, cómo casi se precipitó al vacío al asomarse a los lugares que se suelen asombrar quienes tienen éxito en las esferas culturales: la droga y el desenfreno.

Esa decisión de no contarlo es una elipsis que, Hergueta, hace a propósito. “Me gusta contraponer los dos mundos. El del artista que fue y del que se escribían crónicas en los periódicos yanquis más importantes de la época y el del hombre que sigue siendo artista, pero ahora desde la soledad de una casa pequeña en un pueblo en la que monta escenas, hace fotografías en la que él es su propio modelo y las sube a sus perfiles de redes”, explica el director quien opina que las fotografías de Adrover —quien muestra un increíble control de las poses y de su enorme cuerpo— merecen más estar expuestas en un museo que en un muro de Instagram. “Pero eso es, supongo, porque yo tengo una mentalidad más viejuna”, bromea.

Miguel Adrover es una persona muy política. Toda su moda y todo su arte están atravesados por su cosmovisión

Gonzalo Hergueta — Cineasta

“Miguel era un tío que, frente al ‘heroin chic’ de los noventa y todo ese machismo que destilaba el mundo de la alta costura, te plantaba a desfilar a una tía con un AK-47 y, además, esa tía era negra”, continúa Hergueta, señalando la importancia de los pioneros. “Ahora, en los últimos años, el nombre de Adrover ha vuelto a la conversación pública, pero esto es algo muy reciente” continúa el director quien declara que, para él, conseguir entrevistar y grabar al genio ha sido como “encontrarse con un Pokemon Legendario”.

Las mujeres que lo acompañaron

Adrover casi no habla en toda la cinta, sobre todo al principio. Después ya sí. Según avanza el metraje deja que el espectador se asome —apenas un poco— a sus ideas y reflexiones. Pero su historia no la cuenta él. La cuentan ellas, las mujeres que lo rodearon. Jennifer Hoffman, quien fuera su mano derecha y gran amiga durante muchos años y Robin Givhan, escritora crítica de moda y periodista estadounidense a quien Adrover admiraba.

“Quería hablar de las mujeres que le rodearon, que le ordenaron. Y Hoffman fue quizá la persona más importante en la carrera del diseñador. Ella le ayudó muchísimo, probablemente no habría llegado a donde llegó sin su ayuda”, explica Hergueta, que desea reivindicar a las mujeres en el mundo de la moda. 

“Estaba buscando perfiles fiables que lo hubieran conocido y que fueran fiables porque, claro, cuando la cosa acabó, acabo muy mal. Drogas, deudas por todas partes, ya sabes”, comenta para señalar que todo el mundo, dentro del mundillo, le instaba a que hablara con figuras como Almodóvar o Rossy de Palma. “Almodóvar puede vender mucho nuestra película, sí, pero entonces ya no sería la historia que queríamos contar. Nosotros no queríamos un reclamo, queríamos hablar con aquellos que habían estado allí, que lo habían vivido todo desde dentro. Codo con codo con Miguel”, explica.

Fue entonces cuando, tras mucho buscar dio con una figura que lo sabía todo, que lo había vivido todo, que salía en cada foto, pero cuyo nombre le había costado localizar. Y Jennifer Hoffman tenía ganas de hablar. “Llevo esperando muchos años a que llegue un mensaje como el tuyo”, le dijo a Hergueta.

Y es su voz, a ratos emocionada y con los ojos al borde de la lágrima, quien cuenta buena parte de esta historia. Aunque ya no se hablen entre ellos, aunque sus vidas hace tiempo que tomaran caminos opuestos. “Se quieren, o se quisieron, y se nota muchísimo”, cuenta el director quien considera que tuvo mucha suerte al encontrarse con un testimonio como el de ella.

Posicionado políticamente 

“Adrover es una persona muy política, toda su moda, todo su arte está atravesado por su cosmovisión”, explica Hergueta para desvelar que, hará un año, le pidieron que cerrara un importante desfile y él accedió con una sola condición: poder llevar consigo una kufiya, el pañuelo palestino. Nunca contestaron a su mensaje.

Adrover tiene las cosas claras y lo ha demostrado en esa y en más ocasiones, como cuando se negó a vestir a Rosalía porque esta no había condenado el genocidio en Gaza. “Es un artista total”, aseguró Hergueta para añadir que, en ocasiones, “se ha dicho de él que volvió al Underground, que no triunfó del todo como sí lo hizo Alexander McQueen, pero el precio que este pagó fue mucho más alto: se quitó la vida”.

El tema de qué es el éxito y lo que puede significar es uno de los que han atravesado las largas conversaciones que el diseñador tuvo con Hergueta durante el rodaje del documental. Aquello de si merece la pena darlo todo, tenerlo todo un rato, para dejarse la vida en el camino. Cuenta Hergueta que ambos hablaban mucho sobre la vida de Mcqueen, quien sí se mantuvo entre la alta sociedad: “Me decía: ‘Oye, sí, yo estoy aquí haciendo mis cosas en casa, no sigo en Nueva York, pero mi amigo murió, ¿sabes?, ese el mayor precio que uno puede pagar, su propia vida’. Es una pena que de ese asunto nunca quisiera hablar en cámara”, zanja.

Del The Eras Tour de Taylor Swift se pueden decir muchas cosas, pero hay una que marcó especialmente a los fans de la compositora de All Too Well: la estrategia de las canciones sorpresas. En los 149 conciertos que se celebraron entre marzo de 2023 y diciembre de 2024 como parte de esta gira, la artista sorprendió cada noche a sus seguidores durante el conocido como “set acústico”, momento en el que cantaba dos temas (uno a piano y otro a guitarra) que no pertenecían al setlist y que cambiaban en cada show. 

Esta estrategia cambió por completo la manera de entender los conciertos de Swift. Las canciones sorpresas consiguieron que cada uno de sus conciertos fuera en cierta manera único, una especie de “experiencia coleccionable”. Cada evento era exclusivo, no se podía replicar, lo que irremediablemente incentivó a los fans a asistir a varias fechas con el objetivo de llevarse experiencias diferentes. 

Para los oyentes más comprometidos, no era lo mismo disfrutar en directo de Our Song (canción sorpresa que interpretó durante su paso por Madrid) que de You're on Your Own, Kid (que le tocó a los que la vieron en Lisboa) o de Getaway Car (que cantó en Edimburgo). Esta estrategia de “concierto único” que Taylor había puesto en tendencia no tardó en ser adoptada por otros artistas.

Una de ellas fue Sabrina Carpenter, que decidió aplicarla a su manera en su Short n' Sweet Tour. Durante la interpretación de Juno, una de las canciones más populares del álbum, la artista hacía lo que se conoció entonces como “juno position”, una especie de postura sexual que la artista adoptaba después de cantar “have you ever tried this one?” [¿has probado esta alguna vez?] y que cambiaba en cada show.

La última que parece que se ha sumado a esta idea ha sido Rosalía. En una época en la que los conciertos se comparten casi en su totalidad en redes sociales, eliminando el efecto sorpresa para quienes aún no han asistido, la artista catalana ha demostrado que todavía es posible sorprender al público en cada show. Y en esto tiene mucho que ver el confesionario improvisado que monta en el escenario cada noche.

Una persona diferente se confiesa cada noche

Ahí está principalmente la sorpresa. Desde el primer concierto del LUX Tour en Lyon (Francia), una persona diferente se ha subido al escenario para “confesarse” a la cantante justo antes de que esta interprete La Perla. En el primer show, fue una persona anónima la que protagonizó el momento pero, desde entonces, todos los que han pasado por el confesionario han sido celebridades de distintos sectores. 

En Madrid, las cuatro protagonistas fueron la creadora de contenido Soy una pringada, la rapera Metrika, la cantante Aitana y la influencer Shannis. Con esto, Rosalía ha conseguido darle a cada show un toque de exclusividad, generando una nueva pregunta entre sus fans cada vez que se acerca un nuevo concierto: “¿A quién subirá al confesionario en el próximo show?” La respuesta solo se puede descubrir en directo, como ocurría con las canciones sorpresa de Swift y las “juno position” de Carpenter.

Mido 1,57, así que he asumido, no sin frustración, que mi visión en conciertos u otro tipo de eventos multitudinarios, ya no será la del artista en el escenario o lo que sea que esté pasando en ese lugar. Lo único que veré ante mis ojos serán pantallas, cientos de pantallas de teléfonos móviles alzadas sobre las cabezas de sus dueños, grabándolo todo.

A veces me pregunto a dónde irán todos esos vídeos iguales, si a una especie de limbo digital en el que se amontonan como viejos espectros que deambulan sin rumbo una vez cumplida su función de acumular unos cuantos likes.

Desearía que al menos, aquellos que han decidido dejar de vivir la vida para grabarla, lo hicieran a la altura de sus rostros. Pero más allá de la falta de consideración hacia los demás, hay algo que me aterra todavía más, y es que ese gesto se ha convertido en una forma de estar en el mundo.

Las experiencias se han sustituido por la performance de las mismas. El sentido ha dejado de ser emocionarse, bailar, divertirse o sentir para transformarse en una necesidad de producir contenido listo para ser consumido y validado por los demás. ¿Para qué pasártelo bien cuando puedes ficcionarlo para tus espectadores?

Esta semana se ha hecho viral un vídeo de varias influencers en el concierto de Rosalía. Todas apuntan la cámara de su teléfono hacia sí mismas mientras corean la letra de La Perla frente a la pantalla. Rosalía queda fuera de plano y entonces me doy cuenta de que aún podía ser peor. La evolución de esa necesidad de registrarlo todo ha desplazado el foco de lo que ocurre fuera hacia uno mismo. El yo ocupa todo el encuadre y entonces todo se me hace mucho más inquietante.

¿Estamos dejando de ser personas para convertirnos en productos de consumo? ¿Nos estamos convirtiendo en un anuncio de nosotros mismos? ¿Necesitamos serlo para que las marcas, las empresas o quien sea que maneja el capital invierta en nosotros?

Observo a niños pequeños que reproducen gestos y frases de TikTok o que conocen perfectamente el mejor ángulo en el que colocarse para la cámara, a gente que elige sus destinos de vacaciones en función de lo bien que quedará ese escenario en las fotos y vídeos que después subirán a redes

Esto, que hace unos años parecía posible solo en películas de ciencia ficción, es ya una realidad para miles de personas que han hecho de su yo digital en las redes su modo de vida, su lugar de trabajo, su modo de relacionarse y hasta en su propia identidad. Y lo que realmente me perturba no son los “infuencers profesionales”, sino la aspiración de tantas personas a serlo. El cómo los códigos de este tipo de conducta están penetrando en nuestra vida cotidiana y comportamiento.

Observo a niños pequeños que reproducen gestos y frases de TikTok o que conocen perfectamente el mejor ángulo en el que colocarse para la cámara, a gente que elige sus destinos de vacaciones en función de lo bien que quedará ese escenario en las fotos y vídeos que después subirán a redes, chicas jóvenes que se someten a procedimientos estéticos para que su cara se parezca más a la del filtro de Instagram, percibo cada día esa necesidad de convertir cualquier cosa, hasta la más íntima, en contenido. Somos los protagonistas de El Show de Truman por voluntad propia.

Me pregunto qué tipo de memoria estamos construyendo con esta simulación de la vida hacia fuera. Las experiencias generan recuerdos, y los recuerdos identidad, anclaje, vínculos, emoción. Si estamos tan ocupados por registrar, editar y simular los momentos mientras estos pasan de largo ante nuestras narices ¿con qué nutriremos nuestras vidas?

Nuestros ojos pegados a las pantallas están atrofiando la capacidad del cuerpo para registrar emociones. Y entonces, ¿qué nos quedará?

En el imaginario católico, Jesús resucitó tres días después de ser crucificado. En el imaginario de los fans de Rosalía, que ha abrazado con descaro y algo de morro los símbolos religiosos en Lux, se podrá decir que la artista resucitó en Madrid cinco días después de que cayera en Milán. La cantante cancelaba la semana pasada a mitad de concierto en la ciudad italiana por una intoxicación alimentaria —ya ha anunciado que a pesar de que cantara 50 minutos devolverá el dinero a los asistentes— y hacía saltar todas las alarmas por si estaría en condiciones de abrir su Lux Tour en España, donde la esperaban cuatro fechas en Madrid y otras tantas en Barcelona.

La respuesta es que claro que pudo, lo hizo en un concierto espectacular, de una belleza plástica apabullante —concebido junto a su hermana Pilar Vila, con la dirección escénica del barcelonés Ferran Echegaray y del belga Dennis Vanderbroeck—, un homenaje al teatro, a la ópera y la música clásica donde despliega su talento torrencial. Una voz que no falló en los momentos más importantes y una entrega que dejó en éxtasis a todos. “Yo venía a cantar a Casa Patas y sentí ahí el duende como en ningún otro lugar”, dijo en su primera intervención al público subrayando las vueltas que ha dado su vida. 

Rosalía volvió a abrazar el imaginario religioso y resucitó delante de las más de 17.000 personas que abarrotaron el Movistar Arena y que levitaron con fuerza en el primero de sus conciertos en su país. Un concierto que, casualmente y como si fuera el último detalle de su campaña de promoción, ha llegado en plena Semana Santa. 

Una de las señas de identidad de su disco ha sido, sin duda, las constantes referencias a la espiritualidad, las santas y dios. Los aledaños del recinto estaban llenos de jóvenes que han adoptado el pañuelo/velo monjil que viste en la carátula del disco o que portaban coronas o cruces (que no les dejaron meter por seguridad). Porque, Rosalía, y eso quedaba claro nada más entrar en el Movistar Arena, es una máquina promocional y de hacer dinero como dejaban claro las constantes publicidades de los productores de los que es imagen que había en cada acceso al recinto.

Una vez dentro, flamenco, música clásica y religiosa (sonó un Gloria in excelsis deo) amenizaban a los fans. Ni rastro de la setlist chusquera llena de éxitos de las últimas décadas que suele amenizar las esperas. Toda una declaración de intenciones que, unida a ese elemento religioso, han quedado como semillas simbólicas de esta nueva etapa. Elementos que, además, están presentes en esta gira desde la propia puesta en escena, donde la clásica pasarela por la que caminan todos los cantantes aquí desaparece. En su lugar, dos pasillos a ras de suelo y cerca del público se cruzan formando una cruz religiosa. En su centro, 22 músicos en el foso que se convierten en una de las señas de identidad de esta gira.

Sin embargo, ese elemento religioso siempre presente, y siempre marcando el momento actual de la cantante, va acogiendo diferentes partes de un concierto potente, donde Rosalía se marca un despliegue vocal y físico apoteósico y donde más que a la música religiosa se acerca a la ópera, con una estructura compuesta por cuatro movimientos y un intermedio, y un escenario que remite, directamente, a un teatro clásico y que muestra, como fondo, el anverso de un cuadro. Una tela en blanco con la firma de Rosalía. Todo, además, con el gran acierto de su Lux Tour, la presencia de esa orquesta en directo que contrastan con la gira de Motomami, donde no hubo ninguna y toda la música se lanzaba pregrabada. 

Son dos discos que, si bien no están en las antípodas, parten de un concepto difícil de unir, y Rosalía lo logra echándole morro. Aunque sea Lux el disco que sobresale en su setlist, es Motomami el otro al que hace un guiño, como si quisiera contar una evolución clara. Eso hace que, por desgracia, se olvide de todo lo anterior. No hay ni una canción en su concierto de El mal querer. No encaja de ninguna forma éxitos fundacionales en su carrera internacional como Malamente o Pienso en tu mirá. Una pena. Tampoco parece que exista en esta ópera actual Los Ángeles, su íntimo debut que podría haber casado de forma perfecta en esta apuesta con músicos en directo, pero solo aparece con El redentor.

Eso sí, en el escenario se pueden suceder la apabullante Berghain, reconvertida como avanzó en los premios Brit en versión tecno con ese final que remite directamente al club que da título al que fue su primer single, y Saoko o La combi Versace con De madrugá; o más adelante, La rumba del perdón con CUUUUuuuuuute, al que le metió sampleos del mítico Sweet dreams (are made of this) de Eurythmics. No sería la única canción que entrara en forma de cameo dentro de su repertorio, que también abrió sus puertas al Thank you de Dido, canción generacional que introduce en Divinize y que aunque en los primeros compases chirría en su versión acaba haciendo suya. 

Una artista de porcelana

Pero el grueso del concierto pertenece a su nuevo momento, a ese Lux donde lo religioso, lo místico y lo espiritual se mezclan con tropos habituales de su música. Su concierto empezó más de 20 minutos de retraso y ante la impaciencia de un público que ya comenzaba a pitar. Un par de minutos antes que ella entraron los músicos, y se llevaron una ovación apoteósica. No es baladí el gesto de darles ese sitio preferencial cuando una de las principales críticas a su anterior gira fue, precisamente, su ausencia.

Comenzó con Rosalía en una caja de transporte de obras de arte, un objeto frágil que salía como una muñeca de una cajita de música con su tutú en una posición desde la que acometió las primeras canciones, Sexo, violencia y llantas, y Reliquia, tras la que fue desplazada cual muñeca de porcelana al borde de ese teatro construido en el Movistar Arena donde recibió la primera ovación de la noche entre lágrimas. 

Porcelana sería la siguiente canción en donde Rosalía se atrevía, además, a cantarla con movimientos de ballet y bajo unos letreros que mostraban las letras de sus canciones, algo hasta necesario en un disco en donde los idiomas se mezclan sin cesar. Dos pantallas laterales mostraban las actuaciones con una realización elegante centrada en el rostro de la cantante y en hermosos planos cenitales que resaltaban el diseño artístico del escenario. Un primer acto que terminó teniendo que hacer una parada para emocionarse antes de cantar en italiano el Mio Cristo piange diamanti. “¿Tengo el pelo bien puesto? Pues ya está”, lanzó al público antes de clavar una de las canciones vocalmente más complejas del disco y que cantó envuelta en una tela blanca como si fuera una túnica de virgen, algo subrayado por los primeros planos de su cara que recordaban, con los ojos vidriosos, al de María Falconetti en la inolvidable Juana de Arco de Dreyer.

De la iglesia al after

El segundo acto llegó como un terremoto con ese Berghain Goyesco que volvió a mostrar todas las virtudes de un show cuidado hasta el detalle y que abre la parte más electrónica y dance, con ese final ravero que puso a saltar a todo el Movistar Arena, y que encadenó con un Saoko donde el vestuario Goyesco se convirtió en fiesta de carnavales. Fuck el estilo, que diría ella misma. Segunda ovación cerrada de la noche antes de continuar un acto donde dio algo descanso a la orquesta, a la que también se les vio disfrutar del acto más puramente bailable donde encadenó también La fama, La Combi Versace (adaptada para la ocasión) y cerró con De madrugá. 

El tercero comenzó con una marcha que parecía sacada de una procesión y que anticipó El redentor, la única canción de Los Ángeles y su precioso cover de Can't Take My Eyes Off You enmarcada como si fuera una obra de arte y delante de los fans elegidos para subir al escenario convertido en sala de museo.

Pero sobre todo guardaba otro de los momentos más esperados, la actuación de La perla, que desde su estreno en Lyon se ha hecho viral con sus referencias a La venus de Milo y su hermosa coreografía de Dimitris Papaioannou que remite al teatro de sombras y magia. Sin duda, una de las canciones más queridas por los fans a pesar de ser una de las más sencillotas de todo el disco, pero sus compases que mezclan el vals y la música mexicana, además del morbo de estar dedicada a uno de sus ex, la han hecho uno de los himnos ineludibles de Lux. Si a eso le sumamos que la canción comienza en un confesionario al que subió a confesar, en un momento delirante, a Esty Quesada (Soy una pringada) contando una relación tóxica, el momento viral estaba garantizado. 

El humor llegó también con la Art Cam que a modo de la Kiss Cam que jugó una mala pasada en el concierto de Coldplay aquí pedía a los espectadores que imitaran cuadros de la historia del arte que aparecían en pantalla. Fue el preámbulo de la primera vez que bajó Rosalía al público, para cantar Dios es un stalker desde los pasillos a ras del suelo y hasta llegar a su orquesta donde se rindió a La rumba del perdón y les presentó. Un foso que se descubrió como una cruz cuando se iluminó desde arriba y donde convirtió el estadio en su iglesia, con un botafumeiro que se penduleaba echando humo y luces estroboscópicas en ese medley de CUUUUuuuuuute y Sweet dreams, que se convirtió en el momento que define a la perfección su apuesta musical y visual.

Comenzaba así el subidón final. El último redoble de la misa de Rosalía que encadenó Bizcochito y Despechá hasta culminar con Magnolias en forma de bis. Rosalía ha creado su propia religión, una donde no hay normas, donde todo vale. Donde el arte más elevado se mezcla con lo popular —el museo que acogió la primera parte acabara destruido y por el suelo—, con el barrio y con el perreo; y donde lo religioso se convierte en lo más terrenal. Un concierto apoteósico que la confirma como la estrella más importante que la música española ha visto en muchos años.

La cultura pop está repleta de polémicas que fortalecen y destruyen el imperio de los artistas. Esta semana le ha tocado a Chappell Roan, cuyo equipo de seguridad ha sido acusado por el futbolista Jorginho de hacer llorar a su hijastra, pues supuestamente estaban alojados en el mismo hotel y le pidió que no molestara a la cantante. Tras las críticas, la artista ha optado por explicarse a través de varios vídeos publicados en Instagram, afirmando desde la cama que no era su guardaespaldas y que no siente “odio” por los niños. Se trata de otra controversia que constata que la autenticidad, además de poder ensalzar a las estrellas, es aquello que las sostiene en el pop contemporáneo.

Las redes sociales empujan a los artistas a mostrarse cercanos y espontáneos, evidenciando a través de stories que son mucho más que meros intérpretes de los hits del momento. Sin embargo, esa misma visibilidad alimenta el escrutinio público, por lo que, mientras que la exposición les permite conectar mejor con sus fans y humanizar su imagen, al mismo tiempo genera una contradicción: cuanto más enseñan de sí mismos, más difícil les resulta delimitar su vida privada, volviéndose en su contra cuando intentan reclamar intimidad. Consiste en todo un espectáculo que continúa fuera del escenario y que el músico y sociólogo Hans Laguna recorre en el ensayo Yo siendo yo (Anagrama, 2026).

Analizando cómo la identidad se define y se explota en una industria que exige la reinvención constante, sobre todo a las mujeres, y aportando las claves respecto a por qué se ha convertido en uno de los activos más valiosos para cualquier cantante, Hans Laguna cuenta los secretos detrás de la imagen que proyectan las estrellas del pop. Unos secretos de los que “somos víctimas y cómplices”, puesto que las estrellas y quienes las seguimos formamos parte del mismo juego. “Lo que hacen estas figuras lo hacemos nosotros a pequeña escala. Todos estamos metidos en las redes sociales y todos, de alguna forma, construimos un personaje para el consumo público”, señala el autor a elDiario.es.

Como ocurre con los cantantes que utilizan aplicaciones como TikTok o Instagram para proyectar una imagen determinada a su comunidad de fans, también nosotros nos vemos cada vez más atravesados por esos mismos problemas identitarios: hasta qué punto somos fieles a nosotros mismos en nuestra vida diaria y social, y hasta qué punto el personaje que construimos en redes nos representa realmente. “Las estrellas del pop llevan estas inquietudes a la arena pública de una forma muy evidente, pero lo interesante es que no es algo ajeno a los demás”, apunta Hans Laguna, que agrega que “el sistema nos lleva a construir una marca personal que rentabilizamos a nivel laboral”.

Es por ello que, para alcanzar una mayor empatía y fidelidad por parte de sus seguidores, los artistas moldean una personalidad de atributos entre los cuales destaca la autenticidad. Uno de los casos a los que alude el autor es el de Rosalía, quien ha logrado una gran relevancia cultural y social más allá del panorama musical porque ha conseguido mostrar una “imagen de mujer autónoma e independiente que hace lo que le da la gana”. “Eso le permite colaborar con un montón de marcas y capitalizarlo. Es el ejemplo de que construir una imagen de persona auténtica hoy en día es un negocio”, detalla.

Rosalía no es la única que lo hace, teniendo en cuenta que incluso se ve con buenos ojos. “Antes, hacer publicidad era un anatema, pero ahora la Generación Z lo acepta porque están demostrando su triunfo social y celebran que lo estén petando”, indica Hans Laguna. La anomalía en este aspecto la presenta Taylor Swift, la figura que lo inspiró a escribir Yo siendo yo tras ver el documental Miss Americana (Netflix, 2020). Según Forbes, la creadora de The Life of a Showgirl tiene un patrimonio neto de 2 mil millones de dólares, convirtiéndola en la artista más rica del mundo y la primera en alcanzar dicho estatus gracias únicamente a sus giras y su catálogo, sin necesidad de patrocinios o asociaciones.

Aunque no es negativo que la mayoría de artistas se vinculen con otras empresas, Hans Laguna subraya que si sobrepasan ciertos límites puede ser peligroso. “Debe haber una coherencia entre la marca con la que se asocian y su marca personal”, argumenta. Si no, corren el riesgo de que sus movimientos sean tildados de hipócritas, como le sucedió a Aitana al asegurar que ni ella misma podría comerse el menú que sacó con McDonald's porque es celíaca. La intérprete, además, alegó el verano pasado que no ganaba dinero con sus conciertos en estadios, algo que responde a la paradoja de que, en tanto que las estrellas del pop son más capitalistas que nunca, proyectan el discurso de que son auténticas y no hacen las cosas por beneficiarse económicamente.

“Es un malabarismo al que estamos acostumbrándonos, pero es una anomalía histórica que debería llamarnos la atención”, comenta Hans Laguna, que asevera que es una situación que está cada vez más normalizada. “Están jugando a eso y cada vez es más obvio que son máquinas de hacer dinero y de colaborar con marcas. Quizás precisamente por ello necesitan al mismo tiempo construir una imagen que se mantenga al margen de esto y convencernos de que en realidad tienen una necesidad expresiva”, reflexiona.

El posicionamiento político

Otra de las consecuencias de la exposición de los artistas es el reclamo por parte de sus seguidores de pronunciarse sobre los problemas políticos y sociales. Rosalía se vio obligada a apoyar públicamente a Palestina después de la polémica desatada en redes sociales que señalaba a la cantante por no haberse manifestado al respecto. “El hecho de no haber usado mi plataforma de forma alineada con el estilo o expectativas ajenas no significa en absoluto que no condene lo que está pasando en Palestina”, indicaba la catalana. Hans Laguna afirma que “las estrellas son más conscientes de que no tienen un cheque en blanco, sino que saben que los fans pueden reaccionar”.

El autor critica que estos artistas, que “viven del engagement que han generado con sus públicos, con su audiencia en redes, provocando relaciones parasociales”, se molesten “cuando el público les exige determinadas actitudes o les afea ciertas conductas”: “Es como que solo lo quieren para lo bueno y no para lo malo. Parece que tienen nostalgia de unos tiempos en los que podían hacer cualquier cosa sin tener que rendir cuentas”.

En EEUU, no obstante, sí es más normal que los cantantes tomen partido. Elton John y Katy Perry, por ejemplo, hicieron campaña para Hillary Clinton en 2016, mientras que Taylor Swift y Beyoncé han hecho lo propio en 2024 apoyando a Kamala Harris frente a Donald Trump. “¿Cómo puedo subirme al escenario y decir '¡Feliz mes del Orgullo a todos!' y no hacer nada mientras la gente, literalmente, va a por el cuello [de la comunidad LGBT]?'”, advertía Swift en su documental. “Es interesante que las estrellas perciban que tienen que ir con más cuidado, puesto que ahora los fans ejercen poder de influencia sobre ellos”, apunta Hans Laguna.

Aun así, el escritor advierte que “hay una base de fans muy fieles que les van a defender hagan lo que hagan”. Se ve constantemente con las polémicas a las que se enfrentan en internet, e incluso con informaciones tan delicadas como la denuncia de dos extrabajadoras de Julio Iglesias acusando al cantante de agresiones sexuales. “El caso de Julio Iglesias es muy particular porque es una estrella de la vieja escuela y, justo al final de su vida, ha surgido un escándalo bastante desagradable del que fue una locura la repercusión”, dice Hans Laguna, conocido también por su obra sobre el intérprete Hey! Julio Iglesias y la conquista de América (Contra, 2022).

“Cuando alguien es muy fan, psicológicamente intenta encajar la nueva información en sus creencias previas. El fenómeno fan es muy diverso: hay muy fieles, otros más escépticos, algunos críticos y otros menos. Cuando hablamos de la audiencia, hablamos de una masa muy heterogénea. Las estrellas tienen que ir navegando esa diversidad”, argumenta el autor, que hace alusión a que hay personas que olvidan rápidamente. A través de Instagram, el futbolista Jorginho le recriminó a Chappell Roan el trato a su fandom: “Sin tus fans no serías nada”. Sin embargo, más allá de que los seguidores recuerden o no esta polémica en unos meses, el juego de las estrellas ya no solo depende de lo que hagan con su micrófono encima del escenario, sino su capacidad para gestionar las expectativas de un público cada vez más activo y dividido.

Rosalía tuvo anoche que cancelar su concierto en Milán debido a una intoxicación alimentaria. La artista catalana, que ya ha comenzado la gira de su álbum Lux, se subió al escenario del Assago Forum ante más de 15.000 personas. Sin embargo, tras aproximadamente 50 minutos de haber empezado el espectáculo, comunicó a los asistentes que no podía seguir adelante con el show.

“Intenté hacer este espectáculo desde el principio a pesar de estar enferma. Tuve una intoxicación alimentaria muy grave e intenté aguantar hasta el final, pero me siento fatal”, expresó la cantante. “Puedo intentarlo, pero en algún momento tendré que parar. Estoy muy enferma y de verdad lo estoy intentando, voy a darlo todo, pero tendremos que parar si físicamente no puedo continuar”, agregó.

Rosalía, que intentó seguir adelante con el concierto unos minutos más, se vio obligada a cancelarlo tras interpretar De Madrugá, la undécima canción del setlist. “He intentado por todos los medios seguir con el show hasta el final, pero estoy realmente mal y no puedo hacerlo”, declaró la artista.

“Lo siento mucho, les quiero mucho. Espero volver en mejores condiciones”, concluyó Rosalía, que no se ha pronunciado al respecto en sus canales oficiales. Este era el quinto concierto de una gira que dio el pistoletazo de salida el pasado 16 de marzo en Lyon, que continuó con una doble actuación en París y otra en Zúrich. El regreso de la artista al escenario está programado para el 30 de marzo en el Movistar Arena de Madrid.

Lux Tour está dando mucho que hablar. Rosalía inauguró su nueva era musical con un concierto de presentación en Lyon, donde presentó por primera vez las canciones de su disco más celestial hasta la fecha. Los vídeos con las interpretaciones en directo de la catalana se han viralizado en redes sociales, donde los fans han tenido tiempo de comentar con todo lujo de detalle las actuaciones. 

Y, entre todos los comentarios, muchos de ellos se han centrado en una actuación en concreto. Hablamos de La Perla, una de las canciones más populares del álbum y de las pocas que Rosalía había presentado en directo antes de la gira. Lo hizo, por ejemplo, en el late show de la televisión estadounidense The Tonight Show Starring Jimmy Fallon.

Como con el resto de canciones, los seguidores tenían muchas dudas sobre cómo sería la puesta en escena del tema. En Lyon, el secreto se desveló por fin. La performance comienza en un confesionario en el que la artista habla con un fan, siguiendo la estética religiosa que rodea todo el álbum, para luego dar paso al ya considerado por muchos el himno del despecho.

Durante la actuación, los bailarines que acompañan a Rosalía aparecen vestidos de negro y, gracias al juego de luces del show, desaparecen para dar todo el protagonismo a un elemento clave: sus manos con guantes blancos. Los bailarines van moviéndose alrededor de la cantante, generando diferentes imágenes a su paso. 

Las cuatro referencias de ‘La Perla’

Estas escenas cargadas de simbolismo están llenas de guiños a iconos artísticos y religiosos. Así lo ha confirmado el artista Dimitris Papaioannou a través de sus redes sociales. El coreógrafo de la actuación de La Perla en la nueva gira de Rosalía ha compartido un vídeo con las referencias que utilizó para la puesta en escena del tema.

En total, Papaioannou compartió en su perfil de Instagram cuatro referencias para crear la peculiar coreografía basada en el movimiento de manos de los bailarines y el contraste entre el blanco y el negro. En primer lugar, está La Venus de Milo, famosa escultura griega que representa a Afrodita, diosa del amor, tallada en mármol blanco. En segundo lugar, tenemos a la actriz Rita Hayworth en su interpretación en la película Gilda (1946).

Además, teniendo en cuenta que Lux es un disco con grandes referencias a lo religioso, no podían faltar iconos de este tipo. Papaioannou utilizó referencias a dos figuras en concreto: la Virgen de Lourdes (una de las advocaciones de la Virgen María más conocidas) y la Virgen de Guadalupe (aparición mariana de la Iglesia católica de origen mexicano). 

Lux no ha dejado indiferente a nadie. La portada fue lo primero que sorprendió, con una imagen en la que se veía a Rosalía vestida de blanco, con una camiseta ajustada que emula una camisa de fuerza y un velo, los labios pintados de dorado, un cielo azul. Una composición que evoca a una divinidad. A lo celestial. Un aviso a navegantes de lo que estaba por venir. 

Después, se publicaron (y se filtraron) las canciones de su cuarto disco: muchas colaboraciones, temas inspirados en santas de todo el mundo, una decena de idiomas y muchos estilos fusionados, porque mezcla ópera, electrónica y flamenco, entre otros. 

Y la última sorpresa ha llegado con la puesta en escena escogida por Rosalía para el Lux Tour. En su primer concierto en Lyon, la artista catalana cambió de registro en varias ocasiones: salió vestida de bailarina clásica, se puso una especie de capa blanca para interpretar Mio Cristo Piange Diamanti, cantó desde dentro de un cuadro como si fuera una obra de arte y hasta recuperó el espíritu de El Aquelarre de Goya.

Imaginario de Goya

Rosalía sorprendió con la puesta en escena de Berghain, su primer single y el tema escogido para su actuación en los Premios Brit, los galardones que otorga anualmente la Industria Fonográfica Británica. Para la canción, la artista catalana cambió el color blanco de la mayoría de sus atuendos por el negro. Mismo tono que lucieron sus bailarines. 

Todos ellos rodeaban de cerca a la cantante española, que sobresalía en la escena, y no solo por su interpretación musical. Rosalía portaba una especie de cuernos con plumaje en su cabeza, en una estampa que a muchos les ha transportado a El aquelarre, el icónico cuadro pintado por Francisco de Goya. 

Goya retrató en esta pequeña pintura un ritual de brujería. En el centro, muestra al diablo en forma de macho cabrío y tocado con unas hojas de vid que aluden a la iconografía de Baco. Le rodean un grupo de brujas. En uno de sus lados, una mujer le ofrece a un recién nacido al tiempo que una anciana tiende en sus brazos a un niño esquelético. 

Desde la Fundación Goya, señalan que el punto de partida para este cuadro de Goya seguramente fuese la lectura del texto con anotaciones humorísticas que Leandro Fernández de Moratín hizo en 1812 sobre el Auto de Fe de Logroño (1610), donde se narra cómo dos mujeres envenenaron a sus hijos para satisfacer la petición del demonio. 

El parecido de ambas escenas no ha pasado desapercibido para los seguidores de Rosalía, que asistieron a un concierto donde no faltaron las canciones de Lux, los éxitos de Motomami y una puesta en escena cargada de referencias artísticas. Y aún quedan más de cuarenta espectáculos por delante. 

En Lyon, ante 15.000 personas y con una orquesta situada en el corazón del pabellón LDLC Arena. Así ha arrancado el Lux Tour de Rosalía, una gira con la que recorrerá más de una docena de países y en la que tiene previstos 42 conciertos. Quizás sea el viaje más esperado por sus seguidores, porque presenta un disco rompedor, donde explora temas de la mística femenina, la transformación y la espiritualidad. 

La expectación era máxima por conocer la puesta en escena de la artista catalana, teniendo en cuenta que, en su cuarto disco de estudio, hay momentos operísticos como los que se escuchan en Berghain. Tampoco pasó inadvertida la promoción que hizo del disco: siempre de blanco o de negro, con cruces de colgante y una imagen para la portada donde se le ve vestida con un hábito. 

El interés estaba en la puesta escena, sabiendo que en Lux participan muchos artistas, pero también en la setlist que Rosalía escogería para sus conciertos. Y con el concierto de Lyon se han despejado algunas dudas: muchas del disco actual, algunas de Motomami y sorpresas de colaboraciones anteriores. 

Setlist de Rosalía en el Lux Tour 

Rosalía abrió su concierto en Lyon convertida en una frágil muñeca bailarina, con tutú y zapatillas de ballet incluidos, cantando dos temas de su último trabajo: Sexo, violencia y llantas y Reliquia. Tampoco faltaron Porcelana o Divinize, una canción en la que combina castellano, catalán e inglés. 

La artista catalana tampoco renunció al tema Mio Cristo Piange Diamanti, la canción en la que más tiempo empleó y un tema nació tras su investigación sobre la amistad entre Santa Clara de Asís y San Francisco de Asís, ambos pertenecientes a la orden franciscana. 

Frente a ese inicio más delicado, el shock llegó con la wagneriana Berghain, el primer single de Lux y el mismo tema que escogió para su comentada actuación en los premios de la industria musical británica. Ahí cambió su atuendo blanco por uno negro con unos cuernos demoníacos y plumas negras. 

Rosalía también rescató para su primer concierto éxitos como Motomami, Saoko, La fama, La Combi Versace o CUUUUuuuuuute. Y sorprendió con temas como Can't take my eyes off you, Bizcochito, Despechá o La noche de anoche, aunque este último sin Bad Banny. 

La artista catalana no se dejó ninguna canción de Lux en el tintero: De madrugá, La perla, Sauvignon Blanc, La Yugular, Dios es un Stalker, Memória, Rumba del Perdón, Novia robot, Fou 'ranni y Magnolias para cerrar el espectáculo con el que recorrerá medio mundo. 

Todo empezó en una terraza a la sombra de la Torre Agbar a principios de 2017. Ella pidió un café con leche y él, un agua con gas. Ella estaba a punto de lanzar su disco debut, ‘Los Ángeles’, y él colaboraba en una revista musical. Casi 10 años después de esa primera entrevista con Rosalía antes de Rosalía, llega un libro persiguiendo a la rutilante estrella pop.

“Pocas veces tienes la posibilidad de conocer a una artista que después se hace tan grande, y el título nos gustaba porque tiene ese punto de que en algún momento ha sido terrenal, tangible para nosotros. El tema del libro es la búsqueda de esa persona, poder volver a encontrarla”, explica a elDiario.es el periodista y profesor de secundaria Yeray S. Iborra, coautor de ’Buscando a Rosalía’ (Libros del Kultrum). “La promesa, la empoderada, la motomami, la santa… Al final es una búsqueda de todas las Rosalías existentes artística y personalmente, desde sus inicios hasta ahora”, añade la otra mitad del proyecto, Oriol Rodríguez, también periodista con una amplia trayectoria en decenas de cabeceras.

‘Buscando a Rosalía’ recopila y ordena muchísima información sobre la vida y obra de la artista catalana más universal de nuestro siglo, pero va más allá al ofrecer un divertido y, por momentos trepidante, relato; el de estos dos colegas que escriben a cuatro manos y se expresan con una sola voz omnisciente durante todo el libro. Este narrador único, subrayan, les servía “para fusionar las experiencias mutuas”.

Todo lo que se explica en el libro es real, si bien se toman ciertas licencias en el relato, el del periodista que intenta volver a conectar con la ya inalcanzable artista global. Puro periodismo narrativo para todos los públicos, no solo para la hinchada. “Queríamos que fuera una mezcla de información, análisis y relato”, subraya Iborra sobre una obra de lectura ágil. “Creemos que puede interesar a mucha gente. Porque puedo hablar de ella tanto con otro crítico musical —interviene Rodríguez— como con los padres y madres de mis hijas en la escuela. Todo el mundo tiene una opinión sobre ella porque todo el mundo la conoce”.

Cimientos sólidos

Nacida en Sant Esteve Sesrovires el 25 de septiembre de 1992, en plena resaca olímpica, Rosalía Vila Tobella recibió clases de baile y jazz en la escuela SeS Dansa desde bien pequeñita. Y cuando cumplió 10, sus padres la apuntaron a clases de guitarra en la Entitat Cultural Flamenca de Sant Esteve. En 2009, siendo todavía menor de edad, se fue a la gran ciudad para estudiar en el Taller de Músics de Barcelona, donde encontró su verdadero amor: el flamenco. Cinco años después, consiguió la única plaza disponible para estudiar 'cante' flamenco en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC).

En este sentido, detrás del éxito de la artista con varios millones de reproducciones en las plataformas de ‘streaming’, subrayan los autores, hay mucho trabajo y unos cimientos muy sólidos. “Los periodistas muchas veces nos preguntamos en estos casos”, explica Rodríguez, “si la carrera tira más hacia el producto de laboratorio o hacia el genio que arrastra peña. Rosalía está, evidentemente, en el segundo grupo”.

“Ultra inteligente”

La cantante y compositora catalana más internacional ha recibido incontables premios y nominaciones, entre ellos dos premios Grammy y once Grammy Latinos. El único artista español con más reconocimientos por la prestigiosa Academia de la Grabación es Alejandro Sanz, con 24 trofeos del gramófono dorado. “Rosalía está ahora a la altura de Beyoncé, Dua Lipa y Taylor Swift; cada una en sus parcelas, pero juegan en la misma liga”, sostiene Iborra. Para Rodríguez, salvando las distancias, Rosalía se podría comparar con la icónica Madonna porque “siempre está medio paso por delante, adelantándose a su tiempo”.

Los autores consideran que la también empresaria e icono de moda es “ultra inteligente” porque “sabe jugar muy bien sus cartas, tiene claro cómo quiere comunicarse y la imagen que quiere dar”. Siempre se ha rodeado, subraya Rodríguez, de las personas adecuadas para seguir evolucionando: “Se junta con Refree y hacen un discazo como ‘Los Ángeles’, encuentra a El Guincho y decide que será la persona que le ayudará a trascender el flamenco y adentrarse en la electrónica y la música urbana en sus dos siguientes discos [‘El mal querer’ y ‘Motomami’]”.

Su relación artística con C Tangana coincide con uno de los (muchos) picos creativos de la carrera de la catalana. Se encontraron en el espacio y el tiempo con proyectos artísticos todavía embrionarios y la influencia fue mutua. “¿Qué fue primero, la música o el amor”, se preguntan los periodistas en el libro. Sea como sea, juntos crearon el sencillo ‘Antes de morirme’ (2016) y el madrileño acabó participando en 8 de las 11 piezas de ‘El mal Querer’ (2018), el segundo trabajo de estudio de la catalana. “Los dos eran estrellas emergentes que se parecían mucho, con ganas de conquistar el mundo con su música, y nos encantan estas historias; pero este solo fue un punto de inflexión más”, puntualiza Iborra, también autor del ensayo ‘Fenómeno Taylor Swift’, publicado en 2024.

Contradicciones y redención

En su viaje, acompañados por personas que conocen bien a la última diva catalana como el periodista musical Luis Troquel (“figura indispensable en la aparición y crecimiento artístico y personal de Rosalía”) y el mencionado músico y productor Raül Fernández ‘Refree’, los dos autores del libro han encontrado un personaje en constante crecimiento, con muchas capas de complejidad y no exento de contradicciones.

“Todos tenemos el derecho a repensarnos, a ser muchas Rosalías a lo largo de tu vida”, explican los autores del libro, cuyas páginas recogen la participación por sorpresa de la catalana en un acto solidario a favor de Palestina en el Palau Sant Jordi, el pasado 29 de enero. ¿Fue esa su redención después de ser criticada por no condenar abiertamente el genocidio en Gaza? “Ha decidido relegar sus inquietudes a su círculo más íntimo, y cuando ha habido una polémica tampoco es muy amiga de los comunicados. Debe ser muy difícil, pero este es el juego del sistema. Ella sabe que pertenece a un circuito, con una serie de normas, y ha decidido no traspasarlas la mayoría de las veces”, asegura Iborra. “Me parece muy interesante esa idea de ‘bueno, me enfrentaré al debate cuando tenga las herramientas o sienta que estoy preparada’. No podemos forzar a que nuestros ídolos sean ídolos en todas las áreas”, añade. Para los autores del libro, la catalana “ha hecho muchísimo por el flamenco y el feminismo”, en referencia a otras polémicas amplificadas por las redes sociales.

La espiritualidad de la artista ha estado en boca de todos tras la publicación de su último trabajo, ‘Lux’ (2025), pero la lectura del libro recuerda que su fe inunda su trabajo desde el primer día. Como explica Iborra, “cuando presentó ‘El Mal Querer’ ya hablaba abiertamente sobre su fe y entonces todavía era más extraño y espectacular, porque era mucho más joven que ahora”. ¿Entonces? “Supongo que entonces el ambiente no estaba tan crispado, quiero decir que los populismos no estaban tan a la orden del día… Le he dado unas cuantas vueltas al tema y, al final, esto es lo que le pedimos a los artistas. Ya que ellos tienen mucho más tiempo que los mortales, que piensen y nos propongan cosas que nos hagan emocionar, movernos, cambiar… Y creo que ella lo hace”.

Los autores destacan en los primeros capítulos el hermetismo de su núcleo más cercano, un auténtico búnker. Así, todo lo que se cuenta sobre la vida estrictamente familiar de la artista en estas 192 páginas está basado en entrevistas y reportajes ya publicados. Resultó imposible, cuentan, concertar una entrevista con la cantante o con su madre y su hermana, los dos ‘Pilares’ de la estrella (Pilar Tobella, al frente de Motomami SL, y Pili Vila, estilista y mano derecha). “Nos consta que Rosalía ha sabido de nuestro libro, pero seguramente ya ni se acuerda porque debe recibir muchas propuestas cada año. Tenerlas en el libro habría sido genial para contrastar mucha información. Habría salido un libro muy diferente. ‘Encontrando a Rosalía’ se titularía”, bromean.

En un ensayo publicado por la editorial Anagrama en 2022, los filósofos Natalia Carrillo y Pau Luque resumían así el concepto de “hipocondría moral”: “la idea según la cual si nos sentimos culpables por los males y las enfermedades del mundo social y político es porque son en efecto culpa nuestra, a pesar de que muchas veces esté lejos de ser claro qué significa tal cosa. La hipocondría moral es, en pocas palabras, creer que sentir culpa nos convierte en culpables. Esta forma de falsa conciencia revela un desconcertante narcisismo patológico que mezcla una desmesurada presencia del yo y una brújula moral bien imantada”.

No deja de asombrarme un fenómeno curioso y recurrente: los referentes culturales conservadores pueden permitirse decir lo que quieran, soltar una barrabasada, incluso ganar puntos o nuevos seguidores haciéndose los cancelados o haciendo el burro. Mientras tanto, la izquierda trata a quien identifica como un referente cultural –progresista–, más veces que no, con suspicacia y sospecha, esperando un error o desliz para saltar a una yugular metafórica. Se da, con frecuencia, por polémicas artificiales o en las que quienes se implican tampoco tienen nada que ganar, ni que perder, ni que contribuir. Creo que lo ejemplifican algunas de las polémicas de los últimos meses en torno a declaraciones de Rosalía.

Hace unos meses, en una entrevista para Radio 3, Rosalía, preguntada sobre si era feminista, afirmó que se rodeaba de ideas feministas, pero no se consideraba moralmente lo suficientemente perfecta como para considerarse dentro de un 'ismo'. La reacción y el reproche fueron prácticamente inmediatos, incluida la crítica según la cual lo que subyacía a las palabras de la cantante era pura tendencia reaccionaria. Creo, en realidad, que tampoco decía nada ni muy descabellado ni especialmente grave. Lo relevante ahí es cómo entendemos el feminismo: como práctica, como identidad o como virtud.

En la década pasada, más o menos coincidiendo con el primer mandato de Trump, surgieron las críticas a una actitud pretendidamente progresista: en el inglés original, ‘virtue signalling’; en su adaptación al castellano, 'postureo ético'. Consistiría en entender la adscripción a causas morales o políticas como algo que sólo necesita una enunciación, o sea, decirlo, decir una cosa determinada, y a través de ese decirlo permite ganar puntos en un campo social donde imperan unos valores determinados. Cuando algunos críticos atacan lo 'woke', término un poco más batiburrillo, tienden a criticar en muchas ocasiones ese postureo ético, la reducción de la acción política o ética a un tuit, o un post en Instagram, o el botón de compartir de un artículo.

La otra cara de ese postureo ético implicaría que, como al enunciar esa postura se gana algo, de pronto, y al mismo tiempo también se reivindica la pertenencia a una comunidad concreta, se unen los conceptos de virtud e identidad. Como si una identidad fuera en sí misma virtuosa.

Yo soy feminista, desde luego, pero me parece más sincero lo que dijo en aquella entrevista Rosalía –su discurso sobre la imperfección– que el ejemplo de otras tantas personas que, a la par que se reivindican como feministas, se comportan con crueldad, malicia o violencia. Ser feminista no debería ser sólo creer en ciertas cosas, sino también llevarlas a la práctica; he visto a personas que no dudarían en decir que son 'muy feministas y mucho feministas' ejercer bastante violencia que de feminista no tenía nada o usar el feminismo como escudo instrumental para protegerse ante cualquier acusación.

La polémica se ha vuelto a repetir estos días en relación a otras palabras de Rosalía sobre diferenciar al artista de la obra en relación con Picasso. No puedo evitar pensar que vivimos en una exhibición pública de presuntas virtudes cuyas consecuencias más bien son, en muchas ocasiones, generar artistas o personajes públicos más cobardes, porque no posicionarse en absoluto, en nada, penaliza menos que posicionarse y equivocarse o no transmitir una formulación correcta.

Como en relación con la política institucional y sus referentes tenemos el ánimo alicaído, buscamos y pedimos de los referentes culturales una identificación que en otro tiempo tendríamos con agentes políticos, como nos pasa cuando vemos en Bad Bunny a un revolucionario.

Lo que no podemos hacer es convertir la discusión política y social en una conversación sobre lo buenos que somos, cada uno, o lo bueno que es un tercero, o lo malo que es comparado con nosotros: la medición de las virtudes de cada cual y el castigo o penitencia al error, a la manera cristiana, por mi culpa, por mi culpa, por mi gran culpa. Es una forma de articular el debate público extraordinariamente antipática; en un momento en el cual a la izquierda no le conviene nada hacer más estrecho y pequeño su círculo, menos le convendría aún a las coordenadas del progresismo parecerse a los confesores de nuevas iglesias virtuales.

Rosalía se ha colado en la fiesta de la música británica y no solo por la interpretación en directo de Berghain, una canción que terminó de forma inesperada, convirtiendo el escenario del Co-Op Live de Manchester en una gran rave. La catalana se hizo con el premio a mejor Artista Internacional del Año en los BRIT Awards, un reconocimiento que ningún artista español había conseguido hasta la fecha. 

La cantante de Sant Esteve Sesrovires, de 33 años, se alzó con la estatuilla ámbar y se impuso así a otras estrellas internacionales de la talla de Taylor Swift, Lady Gaga, Sabrina Carpenter, Chappell Roan, CMAT, Doechii, Sombr, The Creator o el puertorriqueño Bad Bunny, protagonista de uno de los espectáculos de la Super Bowl más comentados de los últimos años, con una actuación donde reivindicó el “orgullo de ser latino”. 

El discurso de Rosalía fue en una línea parecida. La artista catalana agradeció al resto de compañeros de la industria “que hacen música en español”. Y aprovechó el reconocimiento otorgado por la Industria Fonográfica Británica (BPI, en inglés) para hacer otro alegato: “Sigamos celebrando la música diferente, las culturas diferentes, los idiomas diferentes”. 

Rosalía abre camino

Los BRIT Awards sucumbieron ante Lux, el rompedor álbum de la catalana, un trabajo que le ha valido esta nominación y la estatuilla ámbar como mejor Artista Internacional del Año, un hito para nuestro país, porque nadie había conseguido este reconocimiento hasta ahora.

No es la primera vez que Reino Unido reconoce el trabajo de Rosalía. Los críticos musicales de The Guardian eligieron recientemente a Berghain como la canción más destacada de 2025, pese a que el tema se lanzó en octubre, a pocas semanas de cerrar el año. Este grupo la definió como una “maravilla”, “imponente y gótica”, capaz de “absorber” al oyente.

Hasta la aparición de Rosalía, solo un artista español había conseguido una nominación para los premios más importantes de la industria musical británica. Fue Julio Iglesias en 1983, cuando estuvo nominado y a punto de lograr una estatuilla ámbar, aunque el premio fue finalmente para el grupo estadounidense Kid Creole and the Coconuts. 

Premio, ‘Berghain’ y rave

Rosalía se marchó del Co-Op Live de Manchester con un premio y con una actuación inédita. La artista catalana interpretó precisamente Berghain, la primera vez que cantaba el tema en directo y para ello contó con una orquesta, bailarines y con la aparición estelar de la islandesa Björk, que también colabora en el tema. No fue la única sorpresa y cambió el final para convertir el escenario en una enorme y espectacular rave. 

“Mi luz la prenderé con el Rolls-Royce que quemaré. Sé que mi paz yo me ganaré cuando no quede na', nada que perder”, entona Rosalía tumbada sobre la arena de un desierto en el inicio del videoclip de Sauvignon Blanc, una de las canciones más tiernas y melancólicas de su último disco, Lux. “Ya no quiero perlas ni caviar, tu amor será mi capital. Y qué más da si te tengo a ti no necesito nada más”, continúa entonando.

La artista parece evocar recuerdos en la parte de atrás de un coche, luciendo un collar de perlas, donde también bebe de una copa de vino blanco, el Sauvignon Blanc que da título al tema. En el asiento se intuye que hay un hombre que la acaricia. De vuelta al desierto, aparece en escena un Rolls-Royce que se acerca a ella y, pese a que en un primer momento parece que va a atropellarla, Rosalía acaba ascendiendo en una especie de levitación hasta ponerse de pie.

Ante ella se termina cayendo la noche, aunque su cara permanece iluminada con la llamarada del Rolls-Royce que termina prendiendo fuego, mientras continúa la letra: “Sauvignon Blanc, a tu lado mi futuro será dorado. Ya no tengo miedo del pasado, en el fondo se hundió n mi Sauvignon Blanc”.

Dirigido por Noah Dillon, autor de la fotografía de la portada del álbum Lux, el vídeo muestra a la cantante catalana evocando una historia de amor con una pareja invisible. Rosalía explora la idea de renunciar a las cosas materiales en favor de una conexión más profunda y significativa, en la que la intimidad emocional y espiritual se convierte en la verdadera moneda de cambio.

La plataforma Nofumadores.org ha denunciado a Rosalía y a Esty Quesada, conocida como 'Soy una pringada', por fumar durante la grabación del podcast que tiene la youtuber, al considerar que han infringido la normativa vigente. En un comunicado, la asociación informa de que la denuncia formal ya ha sido registrada ante las autoridades competentes tanto por la conducta individual como por la responsabilidad del medio que emite y difunde el contenido.

Durante la entrevista para el podcast Special People Club, Rosalía interrumpe la conversación para fumar un cigarrillo en un espacio interior cerrado e invita a la presentadora a compartirlo. Aunque Quesada afirma no ser fumadora, acepta el cigarro y asegura que le gusta “hablar a caladas”, mientras ambas aparecen fumando ante las cámaras, explica la entidad.

Para Nofumadores.org, los hechos constituyen una doble vulneración de la ley antitabaco: por un lado por fumar en un espacio interior cerrado, que entraría en la categoría de centro de trabajo; y por otro, por incumplir la prohibición expresa de que en los medios de comunicación y servicios de la sociedad de la información los presentadores, colaboradores o invitados aparezcan fumando o muestren directa o indirectamente marcas de productos del tabaco.

A ello se suma una tercera infracción de la Ley General de Comunicación Audiovisual, que prohíbe de forma clara toda comunicación comercial, promoción o exhibición de productos de tabaco en contenidos audiovisuales y en redes sociales, incluidos aquellos difundidos a través de plataformas digitales y servicios bajo demanda.

En la primera versión de la entrevista colgada en la plataforma, se muestra de forma reconocible la marca del producto, precisa la asociación, que subraya que tras la difusión inicial del vídeo y la reacción generada en redes sociales, el contenido fue retirado temporalmente y vuelto a publicar con el cigarrillo pixelado.

“La pixelación del cigarrillo no neutraliza el mensaje ni el acto de fumar. El consumo sigue siendo reconocible, se normaliza y se legitima. El efecto final es el mismo: una promoción implícita del tabaco en un formato dirigido a audiencias jóvenes, protagonizado por una figura con millones de seguidores en todo el mundo”, subraya la presidenta de la plataforma, Raquel Fernández Megina.

Responsabilidad social de los referentes culturales

Más allá de las infracciones legales, la plataforma advierte del grave impacto que este tipo de conductas tiene en menores y jóvenes y lamenta el grave problema ético que supone banalizar el consumo de tabaco “como un gesto estético o admirativo” en formatos de gran alcance entre población joven.

“Rosalía es una figura pública con enorme capacidad de influencia entre adolescentes y jóvenes, un colectivo especialmente vulnerable a los procesos de renormalización del tabaco y la nicotina”, alerta la plataforma, que recuerda que no se trata de un episodio aislado, ya que en diciembre de 2024 denunciaron a la cantante por la aparición de cigarrillos de una conocida marca de tabaco en sus redes sociales.

“Los derechos a la creación y a la expresión no pueden estar por encima del derecho a la salud, especialmente cuando hablamos de menores”, concluye Fernández Megina.

Bad Bunny, Lady Gaga, Justin Bieber, Billie Eilish, Bruno Mars o Sabrina Carpenter fueron algunas de las estrellas que se dieron cita en la 68ª edición de los Premios Grammy, en una gala marcada por las protestas por la política migratoria del presidente estadounidense Donald Trump. Las críticas tuvieron un destinatario claro: el controvertido Servicio de Inmigración y Control de Aduanas (ICE) que está atemorizando a la población.

La lista de grandes estrellas musicales era larga y pocos faltaron al evento musical más importante del año. Sin embargo, algunos usuarios echaron de menos a la cantante española Rosalía, que acaba de publicar Lux, un disco alabado por la crítica y con el que ha pulverizado varios récords en las últimas semanas. 

La artista catalana no estaba nominada a los Premios Grammy 2026 y eso explica por qué no tenía ninguna opción de subir al escenario para recoger una estatuilla por su último trabajo, un álbum rompedor compuesto por 15 temas en digital y en el que colaboran artistas como Carminho, Björk, Silvia Pérez Cruz o Yves Tumor.

Fuera de plazo 

Rosalía no podía estar nominada a los Premios Grammy 2026 porque las reglas de la organización así lo determinaban, ya que el plazo para tener en cuenta artistas, canciones, álbumes y otros trabajos destacados terminaba el 30 de agosto de 2025. Y Lux llegó en noviembre. 

“El periodo de elegibilidad para la 68ª edición de los Premios GRAMMY es del 31 de agosto de 2024 al 30 de agosto de 2025. Los Premios Grammy están abiertos a nuevas grabaciones lanzadas durante el periodo de elegibilidad”, detalla la Recording Academy en sus normas, publicadas en su página web oficial.

Y añade: “Estas grabaciones deben haber sido lanzadas comercialmente, distribuidas a nivel nacional y estar disponibles desde cualquier fecha dentro del periodo de elegibilidad hasta, al menos, la fecha límite de votación de la Ronda Final del año en curso”. Así, con estas bases, el nuevo disco de la artista catalana no ha podido siquiera optar a la nominación. 

Los Grammy encumbran a Bad Bunny

El rapero californiano Kendrick Lamar lideró este domingo la edición 68° de los Grammy con cinco premios, pero todo el protagonismo se lo llevó el puertorriqueño Bad Bunny, que hizo historia al convertirse en el primer artista en ganar el premio a mejor álbum del año con un disco íntegramente en español. El aclamado DeBÍ TiRAR MáS FOToS, donde hace una homenaje a su tierra. 

Además, Benito Antonio Martínez Ocasio se convirtió en el segundo artista latino entre los ganadores de la categoría, una hazaña que solo había logrado hasta ahora Carlos Santana.

Calor máximo ayer noche dentro del palau Sant Jordi de Barcelona, en la húmeda colina de Montjuic, y frío invernal en el exterior, de camino al recinto desde la plaza de España, un trayecto de unos diez minutos que debe realizarse forzosamente a pie. En la subida al palau, numerosas familias y grupos de amigas y amigos de distintas generaciones que se dirigían a presenciar el llamado Concert-manifest X Palestina, un evento en el que estaban programados numerosos e importantes artistas, además de figuras como el actor Eduard Fernández o el entrenador de fútbol Pep Guardiola. Durante el mismo, los manifiestos y lecturas de poemas se dieron el relevo con las diversas actuaciones musicales.

Aurora, Carmen, Montse y Anna son cuatro amigas de mediana edad abrigadas con anoraks y con una kufiya (pañuelo palestino) alrededor del cuello. Explican que fundaron, junto a otra gente de su pueblo, la plataforma Sant Andreu de la Barca per Gaza. Han acudido al concierto motivadas más por la vertiente política que por la musical. Aseguran que del elenco los que más les llegan por edad son Lluis Llach y Fermín Muguruza.

Distinto es el caso de Jordi y Anna, que vienen de Lleida junto a Janna y Roc, sus hijos de 13 y 10 años. Anna explica que el concierto “es un regalo de reyes para los niños”, pero matiza que no se trata solo de ir a escuchar música. “Esta noche conocerán otras realidades, se harán preguntas, se darán cuenta que la vida no siempre es un camino de rosas”, dice. Por su parte, Janna asegura que musicalmente le interesa Amaia, y a Roc en cambio le apetece ver a Oques Grasses, la banda que en su despedida ha vendido 250.000 entradas para sus cuatro conciertos en el Estadio Olímpic.

Otra familia que acude al concierto-manifiesto es la que forman Núria y Ferran junto a su hijo Otto. “Nos enteramos del concierto por Jordi Basté [en referencia al presentador de El mon a Rac1, programa líder de las mañanas radiofónicas en Catalunya] y pensamos que sería una buena forma de que Otto acudiera a su primer concierto”, explica Núria. Tanto para Ferran como para ella es muy importante que Otto entienda el significado del evento al que está a punto de acudir.

Pero también hay numerosos grupos de jóvenes que van entrando poco a poco en el palau Sant Jordi, que si bien al principio mostraba una entrada tibia, tras las primeras actuaciones alcanzó el lleno total. Pol, Ariadna e Iván tienen entre 18 y 21 años y aseguran que acuden tanto por el compromiso con la causa palestina como por la variada e intergeneracional oferta musical, de la que destacan Morad, Mushka y sobre todo Bad Gyal. Lo que nadie conocía en el momento de acceder al recinto es que la gran sorpresa iba a ser la presencia de Rosalía, que cantaría La perla ante el delirio de los 20.000 asistentes al concierto.

Eduard Fernández y Pep Guardiola

Mientras los asistentes buscaban sus asientos, el acto comenzó con la banda Sol Band,  formada en 2012 por un grupo de jóvenes amantes de la música folk de Gaza. Tocaron dos piezas en árabe y seguidamente entraron en escena el actor Eduard Fernández, Premio Nacional de Cine 2025, y el traductor gazatí Kayed Hammad, que gracias a la ayuda de los periodistas españoles en la zona, en especial de Mikel Ayestarán, consiguió refugiarse con su familia en España. Hammad ha relatado a los asistentes el infierno de vida que ha tenido que soportar en Gaza desde mucho antes de octubre de 2023.

“Hay familias que han sido borradas del registro civil por la vía de las bombas, yo mismo he perdido un hijo”, ha desvelado el intérprete, que seguidamente ha explicado que “hemos tenido que comer pienso de animales para sobrevivir, y por eso muchos animales han muerto, porque les hemos quitado la comida”. El relevo al sobrecogedor testimonio de Hammad lo ha tomado el entrenador del club de fútbol Manchester City, Pep Guardiola.

El catalán, una figura de relevancia internacional, ha animado a todo el mundo a implicarse en la denuncia del genocidio palestino más allá de la opinión que se tenga del conflicto. “Cuando hay un naufragio en el Mediterráneo, Open Arms no pide permiso ni reflexiona sobre las causas, sino que va donde se ha producido y rescata a las personas sin más, y eso es lo que tenemos que hacer respecto a Palestina, actuar sin pedir permiso”, ha sentenciado Guardiola. “Pienso que los hemos dejado solos, abandonados, en manos de los poderosos que envían soldados a matar gente inocente, porque eso es lo que hacen los cobardes”, ha cerrado su intervención.

Seguidamente ha llegado la actuación de la palestino-israelí Lina Makoul, que ha declarado que “la cultura, el arte y la creatividad son el único modo en que los palestinos podemos ser libres”, por lo que ha pedido implicación en la recuperación de los centros culturales, actualmente arrasados. Makoul ha invitado a la franco-chilena Ana Tijoux al escenario y juntas han interpretado el tema Somos sur a la par que la temperatura en el palau iba subiendo.

De Fermín Muguruza a Amaia

La siguiente actuación ha sido la de Fermín Muguruza. Con camiseta de la selección de fútbol palestina y bufanda independentista catalana, el ex Kortatu y Negu Gorriak ha cantado su tema Yalah Yalah Ramallah. Para terminar ya clamado contra la complicidad y ha pedido el boicot a Israel. Tras Muguruza ha llegado un momento de frustración cuando en las pantallas del escenario han aparecido vídeos de los miembros del grupo de rock Osprey V, para los cuales la embajada española no ha activado a tiempo los visados de entrada.

Los siguientes en tocar han sido Tinariwen, una banda legendaria, padres del llamado “rock tuareg” y que fue fundada en Tamanrasset, en el desierto argelino, en 1979, y que han desgranado dos sudorosos temas, a caballo entre el blues de Ali Farka Touré y los acordes de la Bamako Rail Band. A Tinariwen le ha sucedido una performance de La Fura dels Baus en la que uno de sus actores, metido en una bolsa de plástico, recitaba el monólogo central de la obra Hamlet de Shakespeare.

Sobre las 21:15 ha aparecido en el escenario Amaia sentada al piano para interpretar, acompañado por las luces de miles de móviles Nadie podría hacerlo. La navarra ha proseguido con Tengo un pensamiento, coreada por el público a viva voz. Tras la lectura de un texto poético, le ha tocado el turno a la cantante palestina Salma Alhakim, que junto con Xavi Sarrià (alma de la desaparecida banda valenciana Obrint pas) ha cantado Amunt Yalah Palestina.

Tras distintas lecturas, le ha llegado el turno a Guillem Gisbert (ex Manel), que ha cantado junto con Mushka su colaboración 1 cumbia amb el Guillem. Al terminar, Muska ha gritado “¡Puta Israel!”. Les ha seguido la palestino jordana Zeyne, con su potente mezcla de folk electrónico r'n'b y coreografías dignas del K-pop. Zeyne ha dado pasó a la francesa Zaho de Sagazan y tras ella ha cantado la noruega Aurora.

El 'boom' de Rosalía

Cuando parecía que el concierto se encaminaba hacia un plácido último tramo, ha estallado la bomba. En las pantallas ha aparecido el nombre de la próxima artista: Rosalía. Conmoción general y un entusiasmo sin límites cuando la de Sant Esteve Sesrovires ha aparecido en el escenario para interpretar La perla, que ha sido ampliamente coreada. “Hoy, especialmente, es un honor estar en este escenario”, ha asegurado en catalán la artista durante su actuación, haciendo así un guiño a su compromiso con la causa palestina, que en alguna ocasión ha sido discutido.

Tras Rosalía, ha comenzado la parte más generacional de la noche, con La Zowi, que ha cantado Primark, Bad Gyal, que ha rendido tanto o más que Rosalía a los asistentes con su Fiebre, para luego aliarse con Morad y cantar juntos No han cambiado ante el delirio de los más jóvenes. Con la temperatura del palau altísima, Morad se ha envuelto en una bandera palestina.

Pero lejos de enfriarse, el concierto ha escalado unos grados más cuando Clara Peya ha conseguido las mejores notas de su piano para dar dramatismo a la lectura de las actrices Elisabeth Casanovas y Laia Manzanares, que han desglosado una lista de empresas colaboradoras con el ejército genocida israelí. Tras ellos ha llegado el discurso de uno de los organizadores, el periodista y exdiputado de la CUP David Fernández, que ha presentado a Aarab Bargouthi, hijo del activista Marwan Bargouthi, preso desde hace más de 20 años en las cárceles israelíes. Aarab Bargouthi ha desgranado un emotivo discurso de firmeza y esperanza.

El cierre del concierto, tras casi cuatro horas de música y emociones, ha corrido a cargo de Lluis Llach quien junto al ex cantante de la banda Txarango Alguer Miquel y la cantautora Gemma hHumet, ha interpretado el legendario Abril 74 que cerraba su disco Viatje a Itaca. Tras ellos, la apoteosis final ha llegado con la banda Oques Grasses, que ha interpretado La gent que estimo. Sin duda el mejor cierre a una noche de emotividad y compromiso que deja a Barcelona en el mejor lugar, como cita final de una campaña que se ha venido desarrollando a nivel internacional durante 2025.

Sí, nosotros también estamos en bucle con LUX. Cuando Rosalía dice algo, no da puntada sin hilo. Así lo ha demostrado a lo largo de su carrera musical y con este nuevo álbum no podía ser de otro modo. En su segunda canción del primer movimiento -Reliquia-, ella nos canta como una santa, que deja relicarios por todo el mundo. Nos cuenta qué ha ido perdiendo a lo largo de su vida, de qué se ha ido deshaciendo, como se ha ido deconstruyendo con el paso de los años.

Yo que perdí mis manos en Jerez y mis ojos en Roma

Crecí y el descaro lo aprendí por ahí por Barcelona

Perdí mi lengua en París, mi tiempo en LA

Los heels en Milán, la sonrisa en UK...

En esta canción -a pesar de que hasta el Mov. II no se explique qué fue lo que le hizo necesitar encontrar a Dios y alejarse del mundo- ya da pinceladas del dolor que ha sufrido. Pide salir de la tierra por un instante, solo un momento, siguiendo la temática y deseo de la canción anterior. Pero lo que nos trae a este artículo es algo mucho más tangible. ¿A qué se refiere Rosi cuando canta en Reliquia “En Japón lloré y mis pestañas deshilé

Y en la ciudad de Cristal fue que me trasquilé

Pero el pelo vuelve a crecer, la pureza también

La pureza está en mí y está en Marrakech

No, no, no soy una santa, pero estoy blessed“?

Sí, como todo su álbum el verso suena abierto, casi abstracto. Podría parecer una imagen poética sin anclaje real, pero no lo es del todo. Esa ciudad existe, está en España y tiene nombre propio: A Coruña. Y no es una interpretación forzada ni un guiño casual, sino una referencia que conecta música, historia y paisaje urbano. El apodo no es nuevo ni literario en origen. Forma parte de la identidad de la ciudad desde hace más de doscientos años y tiene una explicación arquitectónica muy concreta, visible a simple vista para cualquiera que se acerque a su puerto.

Por qué A Coruña es conocida como la ciudad de cristal

El sobrenombre de ciudad de cristal no tiene que ver con fábricas, metáforas modernas ni con la fragilidad urbana. Nace de algo mucho más tangible: las galerías de La Marina, uno de los conjuntos acristalados más grandes y singulares de Europa.

Estas galerías se extienden a lo largo del frente portuario y están formadas por fachadas completamente acristaladas que reflejan la luz atlántica. Desde el mar, la imagen es inconfundible. Desde tierra, también. Ese “muro” de cristal convirtió a A Coruña en una ciudad reconocible y distinta ya a principios del siglo XIX.

La solución arquitectónica tenía un objetivo práctico: proteger las viviendas de la lluvia y el viento, aprovechar al máximo la luz solar y mantener una temperatura más estable en el interior. Función y estética fueron de la mano, mucho antes de que se hablara de eficiencia energética.

Las galerías de La Marina, origen de un apodo

Las galerías de La Marina no nacieron como un capricho burgués. En sus orígenes, muchos de esos edificios estaban habitados por pescadores, que incluso podían amarrar sus embarcaciones cerca de los soportales. Con el tiempo, esa arquitectura se convirtió en seña de identidad urbana.

Hoy siguen siendo una de las imágenes más icónicas de la ciudad, junto a la Torre de Hércules, el faro romano en funcionamiento más antiguo del mundo. No es casual que ambos elementos convivan en el imaginario colectivo: piedra y cristal, historia y luz, permanencia y reflejo.

Por eso, cuando se habla de ciudad de cristal, en Galicia y fuera de ella, el nombre de A Coruña aparece de forma casi automática.

Rosalía y la ciudad de cristal: una referencia abierta, pero no inocente

El verso de Rosalía no menciona explícitamente la ciudad, pero tampoco lo necesita. Todos sabemos que durante el tour MOTOMAMI, donde Rosalía performatizaba cómo cortaba su cabello -una extensión ficticia-, ¡se cortó el suyo real! Fue en A Coruña, por supuesto. Su música juega a menudo con imágenes reconocibles que funcionan en varios niveles: emocional, simbólico y geográfico. En este caso, la ciudad de cristal no es solo un lugar físico, sino también un espacio de exposición, vulnerabilidad y aprendizaje.

Que ese espacio remita a A Coruña no resulta extraño. La ciudad ha sido históricamente punto de partida y llegada, puerto, frontera y escaparate. Un lugar donde todo está a la vista, donde el cristal deja ver, pero también refleja.

La ambigüedad del verso permite múltiples lecturas, pero el referente existe y está bien documentado. Y eso añade una capa más de sentido a la letra.

La música tiene el poder de interpelarnos a cada uno de nosotros y recordarnos dónde estábamos en un momento determinado. Es por ello que, cada vez que pasa cierto tiempo, es un acto necesario mirar atrás y descubrirnos a través del arte. Lo hemos hecho recientemente con este 2025 que ya termina, repasando algunas de las obras clave que definirán esta época cuando nos acerquemos a ella desde el futuro, pero ahora retrocedemos todavía más y viajamos por los 25 discos imprescindibles del primer cuarto del siglo XXI. Entre sus autores, artistas que siguen revolucionando el ámbito nacional e internacional.

Pese a que el nuevo siglo empezó en el 2001, para esta clasificación se ha optado por incluir también el año 2000, puesto que no hacerlo desvirtuaría lo que la gente entiende por décadas. Es por ello que el disco Kid A de Radiohead se considera una obra de los 2000, mientras que otro como Folklore de Taylor Swift se considera uno de los primeros grandes lanzamientos de la década del 2020. Para la selección de los mejores discos del siglo se ha contado, además, con la participación de 91 expertos del panorama musical nacional, incluyendo desde redactores de medios especializados hasta locutores de cadenas de radio.

Cada uno de los participantes ha seleccionado diez álbumes sin clasificarlos entre sí. El sistema de votación se ha basado principalmente en el consenso, premiando así a los discos que han logrado poner de acuerdo a un mayor número de críticos. En caso de empate de votos, se ha tenido en cuenta el peso global del artista y la suma total de menciones de toda su discografía. No obstante, para favorecer la diversidad, si dos discos han tenido el mismo número de votos, pero uno de los dos artistas ya había aparecido antes en la lista, se ha puesto por encima el disco del otro artista.

25. Sufjan Stevens: ‘Illinois’ (2005)

Illinois es una de las joyas del pop indie. Supuestamente la segunda entrega de un proyecto para hacer un disco sobre cada uno de los 50 estados de Estados Unidos (que nunca acabó dándose), Illinois es uno de los grandes discos del siglo: utiliza coros, orquestas, banjos y electrónica para narrar historias que mezclan hechos históricos reales y figuras locales (como el asesino John Wayne Gacy o el poeta Carl Sandburg). Tras el lanzamiento de Greetings from Michigan (2003), Stevens explora la fe, la identidad nacional y el dolor a través de un álbum de temática geográfica.

24. PJ Harvey: ‘Stories from the City, Stories from the Sea’ (2000)

Si los discos anteriores de PJ Harvey pueden considerarse oscuros y rurales, Stories from the City, Stories from the Sea es brillante y urbano. Inspirado por una estancia de seis meses en Nueva York, la artista captura la energía de la gran ciudad, el amor y el deseo con un sonido de rock directo y pulido. Se trata de su obra más accesible y melódica, destacando el dúo con Thom Yorke en This Mess We're In. Fue el álbum que consolidó a Harvey como una figura imprescindible del rock británico.

23. Adele: ‘21’ (2011)

El disco de ruptura por excelencia de este siglo. Adele logró unir a amantes de diversos géneros como el pop o el soul en un trabajo que cuenta con toques country. Aun así, el verdadero motor de 21, así como la clave del éxito de Adele, reside en su impresionante interpretación vocal. Rolling in the Deep y Someone Like You volvieron a otorgar relevancia a las baladas, afianzándolas como unas de las más importantes de los últimos tiempos.

22. Green Day: ‘American Idiot’ (2004)

Rescatando su carrera del estancamiento, Green Day apostó todo a una ópera punk conceptual inspirada en Jesus Christ Superstar y The Wall. El álbum canalizó la frustración y el miedo de la sociedad estadounidense bajo la administración de Bush y la guerra de Irak. A través del personaje de 'Jesus of Suburbia', Billie Joe Armstrong narra una historia de alienación juvenil, drogas y desilusión política. Musicalmente ambicioso, incluye temas de hasta 9 minutos y baladas acústicas, demostrando que el punk podía evolucionar hacia estructuras más complejas o incluso teatrales sin perder su fuerza reivindicativa y característica.

21. Madonna: ‘Confessions on a Dance Floor’ (2005)

Tras el fracaso crítico del político American Life (2003), Madonna decidió volver a lo que mejor sabía hacer: hacernos bailar. Producido por Stuart Price, Confessions on a Dance Floor está mezclado como una sesión continua de DJ, diseñado para mantener la energía en la pista de principio a fin. Es un tributo elegante a la música disco de los 70 y al electropop de los 80, sostenido, sobre todo, por el masivo éxito de Hung Up, en el que samplea a ABBA. Madonna demostró con su noveno disco que la música de baile también podía ser sofisticada y adulta.

20. Wilco: ‘Yankee Hotel Foxtrot’ (2002)

La discográfica de Wilco rechazó Yankee Hotel Foxtrot por considerarlo no comercial, lo que motivó a la banda a publicarlo de forma gratuita en su web. Tal fue el éxito que consiguió el álbum que obligó a otra discográfica a comprarlo. El disco encapsula una transformación del country-rock. Las letras, escritas antes del 11S, resultaron proféticas (“Los edificios altos tiemblan. Se escapan voces cantando tristes, tristes canciones”), haciendo que el álbum se convirtiera en la banda sonora involuntaria de unos Estados Unidos traumatizados y confundidos.

19. La Oreja de Van Gogh: ‘Lo que te conté mientras te hacías la dormida’ (2003)

Lo que te conté mientras te hacías la dormida representa la cumbre comercial del pop español de principios de milenio. Es la obra definitiva de la etapa de La Oreja de Van Gogh con Amaia Montero, donde la banda donostiarra refuerza sus sonidos de pop-rock para triunfar con canciones como Rosas o Puedes contar conmigo, que trascendieron el estatus de hit y con el paso del tiempo han demostrado su atemporalidad tanto en el país como en Latinoamérica.

18. Taylor Swift: ‘Folklore’ (2020)

Publicado por sorpresa durante el confinamiento por COVID-19, folklore marcó un giro de 180 grados en la carrera de Taylor Swift. Alejada de los estadios y de la purpurina de su anterior trabajo, Lover (2019), la artista colaboró con Aaron Dessner de The National para crear un disco melancólico de indie-folk. Por primera vez, Swift dejó de lado la autobiografía que había caracterizado sus anteriores álbumes para escribir desde la perspectiva de personajes ficticios, creando un triángulo amoroso adolescente a través de las brillantes canciones Cardigan, August y Betty. Fue el disco que le otorgó credibilidad ante la crítica alternativa y demostró su versatilidad como compositora más allá del pop de radio y el country.

17. Lana Del Rey: ‘Norman Fucking Rockwell!’ (2019)

Después de nunca haber sido tomada demasiado en serio por la crítica, Lana Del Rey se ganó el perdón de la crítica con Norman Fucking Rockwell!. El disco, que relata la decadencia americana y pone el foco en el romance, es uno de los mejores trabajos de quien es considerada una de las artistas que más ha inspirado el pop de la última década. Producido principalmente por Jack Antonoff, el álbum se centra en pianos y guitarras suaves para dar lugar a una atmósfera acústica. Sus letras abordan la masculinidad tóxica y la pérdida de la inocencia, ambientando la obra en una California que arde tanto literal como metafóricamente.

16. Frank Ocean: ‘Blonde’ (2016)

El segundo álbum de estudio de Frank Ocean, Blonde, en ejercicio de vanguardia minimalista que redefinió el R&B. Publicado de forma independiente un día después de su álbum visual Endless (para liberarse de su contrato discográfico), se trata de un disco que utiliza guitarras procesadas y teclados ambientales para hablar sobre la dualidad, la memoria, la bisexualidad y la nostalgia de la juventud. Es un álbum que exige paciencia, lleno de cambios de estructura y colaboraciones sutiles como la de Beyoncé, Jonny Greenwood o André 3000.

15. Arcade Fire: ‘Funeral’ (2004)

El debut de Arcade Fire estuvo marcado por la tragedia. Durante la grabación de Funeral, varios miembros de la banda perdieron a familiares cercanos, lo que impregnó el disco de una temática sobre la muerte, el duelo y la necesidad de vínculos emocionales con otras personas. La banda rechazó el cinismo del indie de la época para abrazar instrumentos poco convencionales como acordeones, violines y zanfonas. Entre sus temas destaca Wake Up, que dio inicio al indie más exitoso de los 2000.

14. Rosalía: ‘Lux’ (2025)

Rosalía ha logrado con Lux en el panorama nacional algo que solo Taylor Swift consigue con todos sus discos en el ámbito internacional: convertir el lanzamiento de su nuevo álbum en todo un evento. Desde que presentara su último proyecto en Callao de Madrid hasta que salió al mercado en su totalidad dos semanas después, Rosalía acaparó todas las conversaciones con un trabajo que recorre la mística femenina y la espiritualidad. Distanciándose por completo del instrumental de Motomami (2022), y optando en ocasiones por rememorar El Mal Querer (2018), la intérprete catalana apuesta por un sonido orquestal que, con tan solo varios meses desde su lanzamiento, es considerado de lo mejor del siglo.

13. Kendrick Lamar: ‘To Pimp a Butterfly’ (2015)

To Pimp a Butterfly es una enciclopedia sónica de la música negra americana. Kendrick Lamar se alejó del sonido comercial para rendir homenaje al jazz, el funk o el soul, colaborando con músicos como Thundercat y Kamasi Washington. El álbum supone una reflexión profunda sobre la responsabilidad de la fama, la depresión y el racismo institucional en Estados Unidos. El viaje del artista a Sudáfrica inspiró gran parte de la temática, conectando la lucha afroamericana con sus raíces. El tema Alright se convirtió en una de las canciones de las protestas contra la brutalidad policial, otorgando al disco una relevancia social durante el movimiento Black Lives Matter.

12. Björk: ‘Vespertine’ (2001)

Tras la grandilocuencia de Homogenic (1997), Björk se replegó hacia el interior del hogar para crear una obra maestra de la intimidad. Vespertine es un disco invernal y frágil, construido a base de micro-beats creados con sonidos domésticos (barajas de cartas, pisadas en la nieve) gracias a la colaboración con el dúo Matmos. A esto se suman arreglos de arpa, cajas de música y coros angelicales. Temáticamente, el álbum narra el florecimiento de un nuevo amor y el despertar sexual y espiritual, logrando transmitir una sensación física de calidez y refugio. Es la cumbre de la electrónica emocional.

11. Arctic Monkeys: ‘AM’ (2013)

Con AM, los de Sheffield lograron lo que pocas bandas británicas consiguen: conquistar América sin renunciar a su identidad. Alex Turner combinó los riffs pesados del rock desértico, una influencia directa de su amistad con Josh Homme de Queens of the Stone Age, con la rítmica y el groove del hip-hop y el R&B contemporáneo. El resultado fue un sonido nocturno, sexy y engominado, perfecto para la radio pero con credibilidad dentro de la escena rock. Canciones como Do I Wanna Know? o la adaptación del poema I Wanna Be Yours de John Cooper Clarke mostraron a un Turner en la cima de su capacidad lírica e incluso performática.

10. Taylor Swift: ‘1989’ (2014)

Este clásico encapsula el momento exacto en el que Taylor Swift abandona sus raíces country para reclamar el trono del pop mundial. Titulado con su año de nacimiento, 1989 se inspira en el synth-pop de finales de los 80, buscando una sonoridad brillante, pulida y sintética. De la mano de los productores Max Martin y Shellback, y con las primeras andaduras de Jack Antonoff en la producción, Swift construyó una fortaleza de estribillos matemáticamente perfectos. El álbum destaca también por su inteligencia lírica: en temas como Blank Space, Swift satiriza la imagen misógina de “devoradora de hombres” que la prensa había construido sobre ella, tomando el control de su propia narrativa.

9. The Strokes: ‘Is This It’ (2001)

Publicado poco antes del 11S, lo que obligó a retirar el tema New York City Cops de la edición americana, este disco supuso un reinicio para el rock. En una época dominada por el metal agresivo y el pop, The Strokes ofreció media hora de elegancia, guitarras entrelazadas y voces filtradas que evocaban a The Velvet Underground. La producción de Gordon Raphael capturó la esencia de una banda tocando en un sótano sucio pero vistiendo ropa cara. Is This It no solo salvó el rock de guitarras, sino que definió la estética hipster de la década y abrió la puerta a cientos de bandas posteriores como Arctic Monkeys, The Killers o Franz Ferdinand.

8. Kanye West: ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy’ (2010)

Encerrado en Hawái, Kanye West organizó un campamento de rap con los mejores productores y artistas del mundo para crear una obra maximalista y barroca sobre los excesos de la fama, el ego y el sueño americano. La producción de My Beautiful Dark Twisted Fantasy es lujosa y está cargada de capas orquestales, coros y samples progresivos. En la lista de canciones figuran títulos como Runaway, que muestran a un artista diseccionando sus propios defectos con una ambición sónica que ha sido difícil volver a ver en el género.

7. David Bowie: ‘Blackstar’ (2016)

Grabado en secreto mientras Bowie luchaba contra un cáncer terminal que ocultó al público, Blackstar es un disco denso, enigmático y conmovedor que aborda la mortalidad y la espiritualidad. Bowie reclutó al cuarteto de jazz vanguardista de Donny McCaslin para crear una atmósfera opresiva y experimental que lo alejara más del rock. El artista falleció apenas dos días después del lanzamiento, lo que muchos hicieron ver el disco como un regalo de despedida. Lazarus, una de las canciones de este trabajo, hicieron de la escucha del disco una experiencia casi religiosa sobre cómo afrontar el final de la vida a través del arte.

6. Beyoncé: ‘Lemonade’ (2016)

Más allá de la música, Lemonade es una obra cultural y política. Beyoncé utilizó la infidelidad de su marido Jay-Z como hilo conductor para explorar el trauma generacional, la resiliencia y la complejidad de la mujer negra en Estados Unidos. El disco recorre las etapas del duelo, desde la intuición, la negación, la ira y la apatía hasta el vacío la esperanza y redención. Además, salta sin complejos entre géneros, apostando por el rock en Don't Hurt Yourself, por el country en Daddy Lessons, o por el R&B y el gospel. El disco captura el momento en el que Beyoncé se centró en la creación de una obra compleja, culminando con Formation un himno sobre la identidad racial y el orgullo sureño.

5. C. Tangana: ‘El Madrileño’ (2021)

Antón Álvarez, la persona que aguarda bajo el nombre artístico C. Tangana, redefinió la identidad del pop español moderno al mirar hacia el pasado y hacia Latinoamérica. El Madrileño es un proyecto que tiende puentes entre la tradición (copla, pasodoble, rumba) y la modernidad urbana. La lista de colaboradores va desde Toquinho, Eliades Ochoa, José Feliciano o Andrés Calamaro hasta figuras actuales como Omar Apollo. El disco huye del trap que hizo famoso a C. Tangana para buscar un sonido más atemporal, logrando que canciones como Tú me dejaste de querer se convirtieran instantáneamente en himnos intergeneracionales que suenan tanto en discotecas como en verbenas de pueblo.

4. Rosalía: ‘Motomami’ (2022)

Si El Mal Querer (2018) se basó en la estructura y la contención, Motomami representó el caos y la libertad absoluta. Rosalía rompió con las expectativas de quienes esperaban que continuara con el sonido flamenco para entregar un trabajo musicalmente agresivo y también minimalista. El disco oscila entre el reguetón experimental, el jazz, la balada al piano y la electrónica industrial. Las letras, por su parte, abordan la fama, el aislamiento (fue grabado en parte durante la pandemia en Estados Unidos) y la transformación personal. Aunque temas como Saoko o Hentai generaron polarización inicial, acabaron consolidando a Rosalía como una artista capaz de reformular cualquier género.

3. Radiohead: ‘Kid A’ (2000)

El mayor suicidio comercial de Radiohead se ha acabado convirtiendo en una de las obras musicales más importantes de la historia reciente. Abandonando el rock alternativo que tanto éxito le había dado y dando un cambio radical hacia los sonidos electrónicos, el grupo liderado por Thom Yorke huyó de estribillos convencionales en Kid A para capturar la ansiedad ante la llegada del nuevo milenio y la tendencia tecnológica cada vez más fuerte. Ninguna canción se envió a la radio, por lo que Radiohead rompió las normas de la industria al centrarse en la promoción en internet, pero temas como Everything in Its Right Place o How to Disappear Completely han llegado a ser clásicos en su discografía.

2. Amy Winehouse: ‘Back to Black’ (2006)

El segundo y último álbum de estudio de Amy Winehouse fue la obra maestra que definió el sonido retro-soul del siglo XXI. La artista británica se alejó del jazz de su debut, Frank (2003), para abrazar el sonido de los grupos femeninos de los años 60 como The Shangri-Las. El álbum destaca por su crudeza autobiográfica: la cantante narra una tormentosa relación y su descenso a los infiernos del alcohol y la depresión. Su legado abrió la puerta a artistas como Adele o Lana Del Rey, y canciones como Rehab se han convertido en himnos que inspiraron a las futuras generaciones.

1. Rosalía: ‘El Mal Querer’ (2018)

Por muchos discos que publique Rosalía, El Mal Querer siempre será el álbum al que regresemos para contar cómo esta artista catalana consiguió alzarse como una de las figuras clave de la música de este siglo. Su segundo trabajo discográfico no solo cambió las reglas del juego en la industria nacional, sino que la hizo reconocida en todo el mundo. El disco es una obra conceptual basada en la novela del siglo XIII Flamenca y, capítulo por capítulo, disecciona una relación tóxica, desde el enamoramiento (Malamente - Augurio) hasta la liberación (A ningún hombre - Poder). Musicalmente, junto al productor El Guincho, la intérprete mezcló la raíz flamenca y la vanguardia electrónica urbana para crear un nuevo lenguaje sonoro sin apenas instrumentos melódicos tradicionales.

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