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Los jamaicanos que peleaban por la propiedad del reguetón pierden la batalla legal contra Bad Bunny o Karol G

elDiarioes Cultura — Wed, 02 Sep 2026 10:22:02 +0000

Pese a que el dúo de productores Steely & Clevie reclamaba poseer los derechos de autor del característico ritmo del género, un juez ha desestimado una demanda que afectaba a más de 150 artistas

Del riesgo económico a las lluvias torrenciales o las olas de calor: más de 80 festivales de música cancelados este año

La industria del reguetón ha vencido: después de que el dúo de productores jamaicanos Steely & Clevie demandara a más de 150 artistas del género alegando que poseía los derechos del famoso ritmo dembow (la base del reguetón), un juez ha desestimado la demanda para dar la razón a artistas entre los que se incluyen Bad Bunny, Karol G, Pitbull, Drake, Daddy Yankee y Luis Fonsi, según se ha hecho eco Billboard. El juez apunta que el supuesto ritmo patentado de Steely & Clevie no aparece en su totalidad en ninguna de las tres canciones de su propiedad.

Pese a que Steely & Clevie reclamaba al principio que el característico compás que suena de fondo en los temas latinos había sido robado de una sola canción de 1989, Fish Market, el juez ha declarado que el reciente argumento de los abogados de Bad Bunny lo había llevado a reconsiderar su fallo. El puertorriqueño señalaba que los demandantes habían armado un monopolio temporal juntando elementos de esa canción con otras dos: Dem Bow y Pounder.

Estas tres canciones son importantes porque, a medida que avanzaba el caso legal, los abogados de Steely & Clevie ampliaron su reclamo de derechos de autor e incluyeron los temas Dem Bow y Pounder. Argumentaban que, como estas dos canciones derivaban originalmente de su canción Fish Market, cualquier artista de reguetón que haya copiado o sampleado fragmentos de cualquiera de esos tres temas en realidad estaba infringiendo la propiedad intelectual de Steely & Clevie.

No obstante, el juez ha escrito que, “tras un examen más detenido del expediente, el tribunal concluye que los demandantes no han identificado claramente qué obra protegida por derechos de autor contiene la selección y disposición supuestamente protegibles que pretenden hacer valer”. Asimismo, ha agregado que la ley de derechos de autor de Estados Unidos no otorga protección a una “amalgama abstracta de elementos extraídos de múltiples obras existentes de forma independiente”.

El juez ha explicado que los elementos deben existir en una sola canción y no pueden ser simplemente una “colección de similitudes reunidas con fines litigiosos”. “Dado que los demandantes no han identificado una sola obra protegida por derechos de autor que contenga la supuesta selección y disposición protegibles, no pueden, legalmente, proceder con la teoría actualmente alegada”, ha afirmado el juez, que en julio pretendía que el caso se solucionara por parte de un jurado, lo que lo habría alargado.

En declaraciones a Billboard, el abogado de Bad Bunny, Kenneth D. Freundlich, ha elogiado al juez por emitir un fallo que “vio este caso tal y como era”: “No se pueden registrar los derechos de autor de un ritmo mediante ingeniería inversa a partir de tres canciones diferentes una vez que el litigio está en los tribunales. Los derechos de autor protegen la creación original del artista, no un montaje elaborado durante el proceso judicial. Eso es lo que el tribunal rechazó hoy”.

La resolución del juez es un gran triunfo para Bad Bunny y el resto de los cantantes acusados, ya que cierra la mayor parte del caso. Aunque todavía hay demandas pendientes por canciones que presuntamente usaron fragmentos directos de las grabaciones de Steely & Clevie, estos reclamos son mínimos en comparación con el conflicto sobre la autoría de la composición musical que fue archivado este martes.

Del riesgo económico a las lluvias torrenciales o las olas de calor: más de 80 festivales de música cancelados este año

Nando Cruz — Tue, 01 Sep 2026 19:22:52 +0000

Al menos una treintena de eventos no se han realizado porque la venta de entradas no despegaba

Diecisiete años de luto es suficiente: los amigos convencen a Poison Ivy de dar a los Cramps el lugar que merecen

La temporada festivalera de 2026 pasará a la historia como una de las más inquietantes. Tras varias décadas de bonanza y crecimiento, incluso después de la pandemia, este año se han cancelado más de ochenta festivales de todos los tamaños, a lo largo y ancho de la geografía y estilos muy diversos, según los datos recogidos por elDiario.es a partir de los comunicados publicados por los promotores.

Al menos una treintena se han rendido porque abrir puertas suponía asumir un alto riesgo económico; principalmente, porque la venta de entradas no despegaba. Otros tantos aducen falta de apoyo institucional e incluso tensiones con los ayuntamientos. Y más de una decena se han suspendido parcial o totalmente debido a lluvias torrenciales, violentas rachas de viento, riesgo de incendios u olas de calor.

La cancelación más sonada de 2026 ha sido la que implicó las siete ediciones del Reggaeton Beach Festival. La comunidad autónoma más destacada por el número de cancelaciones es Galicia, con una decena: a The Wild Fest, Arbo Rock, Surfing the Lérez, L’Arena Experience, Hercules Brass, el Diversxs vinculado al Día del Orgullo, la Xornada Cultural Mar de Galicia, el RBF de Nigrán y O Gozo Fest, que canceló parte de la programación debido a una tormenta, cabe añadir Surfing The Lérez y Son Da Industria, que ya han anunciado que no se celebrarán en 2027. El primero resalta que no se retira por falta de apoyo de su público, sino porque el sector es cada vez más competitivo y eso obliga a asumir una dinámica de crecimiento infinito con la que no comulgan. El segundo, porque no recibió el permiso del Ayuntamiento hasta un día antes.

El aumento de los costes de producción y, sobre todo, el de los cachés de los artistas determinan el presupuesto de los festivales. El primero depende de la coyuntura económica, pero el segundo lo marcan las agencias a partir de la demanda que prevén. Algunos analistas señalan que esa inflación de cachés, especialmente acentuada tras la pandemia, es una de las claves que está tensando el sector. La incertidumbre que supone no saber hasta última hora si recibirás la autorización es otro problema muy arraigado en el circuito español. La Asociación de Promotores Musicales (APM) ha denunciado en más de una ocasión esa casuística administrativa como una pesadilla para el gremio festivalero estatal.

Una debacle muy repartida

La cascada de suspensiones anunciada en junio ha seguido durante julio y agosto: Cala Pop, Monasterio Festival, Eztanda, Jordi’s Fest, Oshun Festival, Pura EsHencia, Raíces Sonoras, Puntal Sound, Santuario Fest, Time Warp Madrid, Vital Fest… Y, como suele decirse respecto al Gordo de Navidad, la lotería de cancelaciones ha quedado bastante repartida. Ocho en la Comunidad de Madrid y Andalucía, siete en Castilla y León, cinco en Castilla La Mancha, Aragón y Canarias, cuatro en Euskadi y Baleares, tres en La Rioja y Asturias, dos en la Comunidad de Murcia, Cantabria y Extremadura… Han caído festivales en Cervera de Pisuerga y Almadrones, en Villamediana de Iregua y Páramo de Sil, en Santa Úrsula y Santa Cruz de Zarza. De heavy metal y reggae, de breakbeats y brass bands, de punk-rock y power pop, de chirigotas y electrolatino, de surf y psytrance, de reggaeton y folk, de electrónica oscura y pop radioformulable.

Catalunya y la Comunitat Valenciana, dos de las zonas más surtidas de festivales, suman diez y nueve cancelaciones. En Barcelona, un festival de salsa que iba a celebrar su primera edición en el Parc del Fórum, el Salsón, murió antes de nacer al no encontrar cabeza de cartel. El Ombra barcelonés canceló la edición de diciembre, pero asegura que volverá en 2027. El White Summer de la Costa Brava se tomó una pausa estratégica en 2025, pero en 2026 no ha dado señales de vida. En la Comunitat Valenciana, la caída del Festival de les Arts, el Big Sound Festival de Torrevieja, el Blackworks Open Air, el Electrolatino Benidorm, el Reggaeton Beach Festival de Alicante y el Surf O Rama ha hecho saltar varias alarmas. Pareciera que la tierra de festivales ya no es tan fértil.

El ranking de eufemismos más usados para cancelar festivales lo lidera “motivos totalmente ajenos a nuestra voluntad”, seguido de cerca por “incidencias de última hora” y “causas externas”. En algunos momentos del verano ha parecido que los festivales se copiaban los comunicados entre sí, pues ha sido fácil detectar en varios de ellos la siguiente filigrana literaria: “No queremos celebrar una edición que no cumpla los estándares de calidad que os merecéis”.

El premio a la transparencia es para el Kalikenyo Rock de Juneda, no solo reconoció cancelar por escasa venta de entradas, sino que concretó la cifra: 241. Y el premio a la deportividad, para el Cala Pop de Fuengirola. En diciembre advirtieron no saber “si los vientos soplarán o no a favor de una nueva edición” y pusieron a la venta un lote de abanicos. El viento no sopló a favor y finalmente cancelaron. Varias caídas de eventos musicales se concentran en Vigo, donde la comunidad cultural está en pie de guerra contra el consistorio. Entre los motivos de cancelación más inusuales, el primer día del Tenerife Music Festival, debido a la visita del Papa, y los dos últimos del Barullo Fest (Logroño), porque murió un exalcalde.

Tormentas, incendios, olas de calor… y el eclipse

La crisis climática también empieza a afectar el calendario festivalero español. En junio hubo que suspender uno en una sala de conciertos de Bilbao por la ola de calor. Lo insólito, más allá de la combinación de estas tres variables (Bilbao, junio y calor) es que aquella matinal rockera se llamaba Here Comes The Sun Fest. El riesgo de incendio ha forzado a suspender jornadas o festivales enteros en Lleida, Ávila y Cáceres; alguno se reprogramó. Rachas de 80 y hasta 120 kilómetros hora se llevaron por delante ediciones en Jaén, Menorca, Lanzarote y Zaragoza. En el ciclo Puente Sonoro de la capital aragonesa, una integrante del dúo Lady Banana sufrió un accidente en la prueba de sonido a causa del viento.

Lo que antaño eran casos muy excepcionales hoy ya son situaciones que hay que prever. En los Conciertos de Viveros de Valencia este verano han sufrido de todo: reventones térmicos, olas de calor... y escasa venta de entradas. También en Europa ha habido más situaciones de emergencia climática de lo habitual. En Italia, las rachas de viento derribaron el escenario del festival Alien Sound. El festival húngaro de música electrónica Ozora se canceló tras la muerte de dos personas. Una de ellas sufrió un infarto, posiblemente debido a las altas temperaturas, en unos días en que el país sufría una severa ola de calor. Y en Inglaterra, el festival de música cristiana Big Church Fest se canceló tras la caída de una estructura que hirió a siete espectadores, uno de los cuales falleció.

Por si fuera poco con el millar de festivales que se celebran anualmente en España, en 2026 ha habido una hornada adicional de eventos vinculados al eclipse de sol del 12 de agosto. Algunos empezaron a planearse años atrás sabiendo que España era el único país europeo donde el eclipse sería total. Y, entre estos, varios eran de psytrance, un subgénero de la música electrónica especialmente popular entre el público israelí. La presencia de discjockeys y asistentes de Israel, algunos de los cuales son soldados, puso en alerta a colectivos de defensa de la población palestina. El festival Sigizia iba a celebrarse en La Sotonera (Huesca), el Astral Plane estaba programado en La Pinilla (Segovia) y el Iberia Eclipse ubicó en Vinuesa (Soria). Uno tras otro, los tres acabaron cancelándose.

Pinchazo o reajuste en el sector

Todavía faltan cuatro meses para que acabe el año, de modo que la lista de festivales cancelados podría rozar el centenar. La pregunta vuelve a estar sobre la mesa: ¿está pinchando la burbuja festivalera? Todo indica que el sector se está reajustando. La entrada de fondos inversores ha fortalecido a unos y debilitado a otros. Los festivales con una identidad consolidada no tienen problemas para llenar sus aforos, pero los que dependen de un cabeza de cartel vendedor deben arriesgar cada año más dinero sin saber si lo recuperarán. (Algunos aficionados al género aseguran que el verdugo del Reggaeton Beach Festival fue Bad Bunny y sus doce conciertos en España). Pero incluso en un contexto económico convulso hay quien se lanza a organizar festivales como si esto fuera coser, cantar y facturar. Entre los más de ochenta festivales cancelados en 2026, tres naufragaron en la primera edición. Quizá no sabían donde se metían.

Es pronto para asegurar que esta tendencia vaya a seguir llevándose festivales por delante en años venideros, pero Mobo Fest (Mallorca), Boombastic (Asturias), Sun And Thunder (Málaga) y Son Da Industria (Vigo) ya han anunciado que no se celebrarán en 2027. Otros, como Dansàneu (Lleida), están en la cuerda floja. Saber si la gente se está cansando de ir a festivales es imposible, a menos que se contabilice la asistencia a absolutamente todos y se analice si baja el total de público o si solo se redistribuye. Pero las cifras de asistencia que aportan los festivales no están auditadas, por lo que es difícil de calcular.

Por otro lado, afirmar que en 2026 se habrán cancelado en España un 10% de los festivales que se celebran al año (cien de mil) implicaría asumir que todos los que se han suspendido esta temporada aparecían en ese listado. Y como ese censo, sistematizado y actualizado, no existe, no se puede arrojar un balance tan preciso. Como mucho, se puede constatar que el desmedido crecimiento del número los festivales de música en España ya no es tal crecimiento porque se ha frenado, pero que sigue desmedido porque nadie lo está midiendo.

Diecisiete años de luto es suficiente: los amigos convencen a Poison Ivy de dar a los Cramps el lugar que merecen

Rafa Cervera — Fri, 28 Aug 2026 19:45:20 +0000

Tras la muerte de Lux Interior en 2009, su pareja sentimental y musical, la guitarrista del grupo alejada de los focos que le devolvió la suciedad al rock'n'roll, ha accedido al fin a publicar su inédito primer disco y a reeditar el material de la banda

Los amigos de Richard Lloyd, guitarrista de Television, lanzan un crowdfunding para pagar su tratamiento contra el cáncer

Un grave problema cardíaco acabó en 2009 con la vida de Lux Interior. 35 años antes, junto a Poison Ivy, había fundado The Cramps, la banda que en pleno apogeo del punk recuperó el rockabilly para transformarlo y pervertirlo más aún de lo que ya lo estaba desde su nacimiento.

The Cramps fueron una gloriosa irregularidad. Reivindicaron las raíces del rock a través de sus clásicos, untándolos bien con influencias como la serie B fantástica, las bandas de garage, el cine de terror y nombres como New York Dolls, T-Rex y, por supuesto, The Stooges. Fueron toda una provocación. Le devolvieron al rock su carácter lascivo, aquel que le imprimieron Elvis y Little Richard, pero también un escuadrón de ilustres olvidados (Charlie Feathers, Kip Taylor...) cuyos nombres reivindicaron a placer a lo largo de su trayectoria.

Cuando la muerte sorprendió a Lux Interior en 2009, el grupo ya se había erigido en una banda mil veces imitada pero irrepetible a base de predicar esas canciones que, como proclamaba el título de su primer e histórico álbum (Songs The Lord Taught Us, 1980), el Señor les enseñó. Un oscuro evangelio cuyo valor aumenta a medida que pasa el tiempo.

Ivy e Interior eran una pareja muy unida, tanto en lo personal como en lo artístico. Sin Lux a su lado, para ella nada relacionado con los Cramps tenía sentido. Se retiró de la vida pública y de la música. Ese es el motivo por el cual, en una época en la que el pasado del pop es constantemente reciclado, reenvasado y puesto de nuevo a la venta, no han aparecido reediciones de los discos del grupo. Problemas contractuales y malas decisiones profesionales persiguieron a la banda prácticamente desde sus inicios.

Hasta la fecha, solamente su primer álbum fue reeditado para su lanzamiento en cedé (en 1990), incluyendo algunas rarezas como temas extra. Paralelamente a eso, el mercado se ha visto invadido por discos con directos y colecciones de maquetas o temas perdidos, publicados sin pasar por los controles de calidad de sus verdaderos responsables. Desde hace unos meses, la situación ha cambiado.

Larry Hardy, director del sello independiente In The Red (cuyo catálogo está repleto de bandas herederas de los Cramps) convenció a Ivy para crear una empresa a través de la cual gestionar el catálogo, la mercancía y los derechos musicales de la banda. The Cramps Inc cuenta también con la participación del cineasta Jimmy Maslon (director de dos videoclips del grupo y de un documental sobre Hershell Gordon Lewis, artífice del gore). A partir de ahora, la música de Cramps, tanto la publicada como la inédita, tendrá la presencia y el respeto que merece.

Gravest Gravy de The Cramps

Gravest Gravy es la primera entrega de este programa de lanzamientos que fans y aficionados en general han aplaudido desde que se anunció hace un par de meses. Publicado por Vengeance el pasado 21 de agosto, la marca que el grupo creó en 1977 para sacarse sus primeros sencillos (y agotadas ya las ediciones en vinilo), rescata las sesiones que registraron en octubre de 1977 en los estudios Ardent de Memphis, Tennessee, de la mano de Alex Chilton. De aquellas sesiones ya se conocían las canciones Surfin’ Bird, The Way I Walk, Human Fly, Domino y Lonesome Town que acabaron dando forma al mini álbum Gravest Hits (1978) y que recopilaba los dos primeros singles de la banda y un tema que no figuraba en ellos.

En 1989, Lux e Ivy mezclaron varios de los temas de Ardent que habían quedado sin estrenar para publicarlos en un álbum. Luego surgieron otras prioridades y el proyecto fue archivado. En 2008 decidieron retomarlo, pero la muerte de Interior impidió nuevamente que viera la luz. Gravest Gravy era un disco ya hecho, con los temas, la portada y el título decididos. Durante una visita a casa de Ivy, Hardy vio una caja con las cintas y preguntó qué era aquello. Así empezó todo. Dos fans devotos, Henry Rollins e Ian McKaye (Fugazi), han supervisado la edición del álbum con doce temas donde el embrión del sonido de The Cramps ya está más que formado.

Cuando se grabaron estas canciones, los Cramps ya empezaban a estar hartos de cómo se les trataba en Nueva York. La escena underground de la ciudad siempre tuvo a gala ser muy diversa, pero por lo visto, esa diversidad tenía unos límites. La crítica local se tomó su estilo como un chiste revivalista y muchos compañeros de escena los miraron por encima del hombro, a pesar de que algunos, como ocurrió con Ramones, les copiaron ideas.

Ivy y Lux habían llegado allí a finales de 1975, atraídos por el aura de una de sus formaciones favoritas, los New York Dolls. Estos acababan de separarse cuando llegaron allí, pero la ciudad les pareció perfecta para desarrollar el grupo que la pareja tenía en la mente. Su planteamiento era hacer música que devolviera el rock & roll a sus raíces más salvajes. Para ganarse la vida y poder poner en marcha la banda, Lux empezó a trabajar en una tienda de discos, mientras que Ivy se ganaba el sueldo como dominatriz.

En la tienda, Lux conoció a un comercial, admirador de Brian Jones, elemento perfecto para acabar de consolidar el grupo. A ambos les unía la pasión por los Stooges y a Ivy le llamó la atención que ella y Gregory cumpliesen años el mismo día. A él, una pitonisa le había dicho que en uno de sus cumpleaños conocería a alguien que le cambiaría la vida.

Lux era el vocalista, Ivy la guitarrista, pero Gregory se negó a tocar el bajo, instrumento fundamental en el rockabilly. Se empecinó en tocar la guitarra y su estilo marcó el sonido primigenio de los Cramps. El sonido de ella era más respetuoso con el del rock & roll clásico, inspirándose en gente como Link Wray, pero también en instrumentistas como The Duchess (alias de Norma Jean Wofford), Peggy Jones, Gloria Jolivet, Cornelia 'Cookie' Redmond o Debbie Hastings. “No sé por qué tocar la guitarra se considera un arte masculino —declaró—, salvo porque los hombres se han apropiado de ello. No requiere una fuerza especial ni un patrón cerebral masculino. De hecho, es algo muy femenino”.

Por su parte, Gregory se inclinaba más por el ruido y la distorsión y eso le dio un toque más contemporáneo a las grabaciones en las que participó. Le gustaba Elvis, pero también modernos como Gang Of Four y PiL. Esto derivaría en una serie de diferencias creativas que culminaron con su abrupta salida del grupo en 1980. Antes de eso, el caos y la violencia de su guitarra colaboraron a que Songs The Lord Taught Us se convirtiera en la obra maestra que es.

Los Cramps que se fueron a Ardent estrenaban nuevo batería. Tras haber probado suerte durante sus primeros dos años con Pam Balam primero y con Miriam Linna después, Nick Knox se había hecho con el puesto. A pesar de que tuvo que aprenderse el repertorio en unos días, su aportación sonora ya es notoria en Gravest Gravy. Su manera de golpear la batería, básica y rudimentaria, abre TV Set, una de las canciones emblemáticas de la formación en la que Interior ejerce como solamente él sabe hacerlo de Elvis poseído por Satanás mientras Gregory cortocircuita la canción con uno de sus característicos solos.

En el blog de Bandcamp, Henry Rollins destacaba que uno de los méritos de este disco es que incluye versiones que formaban parte de los primeros directos y que fueron desapareciendo a medida que iban saliendo las canciones originales. Entre dichas joyas ajenas está Hungry, de Paul Revere & The Raiders, y Problem Child, de Sam Phillips, fundador de Sun Records, cuna discográfica de Elvis, Carl Perkins y otros pioneros del rock & roll.

Los Cramps tuvieron ocasión de conocerlo durante aquella primera estancia en Ardent. “Le contamos que teníamos todos los singles de Sun, y él nos dijo: ”Bueno, ¿sabéis una cosa? Tenéis suerte“. Llevaba unas de esas enormes gafas que le agrandaban los ojos; parecía un monstruo del espacio exterior”. Así relataba Lux aquel encuentro a Dick Porter en el libro Viaje al centro de los Cramps (cuya edición en castellano en Liburuak ya lleva tres ediciones, la última de ellas con traducción revisada).

La idea era grabar solamente los temas necesarios para los singles que querían sacar, pero Chilton, otro personaje musical al margen de modas y fiel a sus gustos, los animó a que registraran todo lo que tenían. Por lo tanto, Gravest Gravy no es una colección de maquetas sino un disco que pudo haber sido el primero de la banda. Contiene versiones más salvajes de I Can’t Find My Mind y The Natives Are Restless, que volverían a hacer en su segundo álbum, Psychedelic Jungle (1981) con Kid Congo Power sustituyendo a Gregory. También están Twist & Shout y Weekend On Mars, ambas firmadas por Interior/Ivy, que nunca aparecieron en sus discos de estudio. En su crítica para Record Collector, Johnnie Johnstone, hablando de su versión de Hungry, dice algo que sirve para definir la esencia de los Cramps: “Es una brillante muestra de su genialidad para degradarlo todo hasta extinguir cualquier atisbo de decencia”.

James Ford, el productor de Depeche Mode y Gorillaz, habla sobre su leucemia: "Pensé: si muero, tuve una buena vida"

Nosheen Iqbal — Tue, 18 Aug 2026 20:03:43 +0000

Estaba en la cima de su carrera cuando el colaborador británico más solicitado de su generación —de Pet Shop Boys a Geese, de Arctic Monkeys a Fontaines DC— recibió el diagnóstico en 2025: "Me di cuenta de que la vida es excepcionalmente frágil". Desde la cama, compuso 'Lost in Another World'

En la rave del eclipse con Björk en Islandia: las nubes se comen el cielo, pero no la música

Hubo un momento a la puerta de un estudio de grabación en la Francia rural, mientras contemplaba una manzana a medio comer que creía que poseía propiedades psicodélicas, en el que James Ford supo que la situación se había descontrolado por completo. Estaba con Klaxons; todos los miembros de la banda estaban hipnotizados por aquella fruta podrida que palpitaba en el suelo con una intensidad caleidoscópica. Estaban convencidos de que su moho floreciente era, de hecho, su gurú espiritual.

La banda venía de disfrutar del éxito de su enorme álbum debut, Myths of the Near Future (2007), que marcó un hito en la escena musical y fue producido por Ford. Ahora intentaban grabar el interminablemente difícil siguiente disco, con la ayuda de dosis diarias de un brebaje que llamaban “el general de cinco estrellas”.

“Era una bolsa enorme, con cinco drogas mezcladas, probablemente ketamina y anfetaminas; no sé qué más, pero era un polvo bastante psicodélico y lo consumían todas las mañanas y durante todo el día”, cuenta Ford. Se dio cuenta de que no podía volver a poner orden. “Y después de dos semanas y media… la cosa se puso jodidamente rara”.

Tan rara, de hecho, que el director de la discográfica británica llegó en el Eurostar con una campana de cristal a petición de la banda, solo para descubrir que era para cubrir una manzana que un perro había mordisqueado y escupido, y que ahora llamaban “Señor Tabernáculo”. Se podría decir que los Klaxons se habían vuelto un poco locos. El álbum fue cancelado.

“Pensábamos que estábamos haciendo The Dark Side of the Moon”, dice Ford entre risas, sentado ahora en el estudio de su casa en el este de Londres. En cambio, ese “desafortunado segundo disco” se convirtió en el único proyecto que Ford nunca terminó en una carrera que lo ha consolidado como el arma mágica de la industria musical.

Vaya trayectoria. Ford pasó de arrasar en las pistas de baile de los 2000 como la mitad, junto a Jas Shaw, de Simian Mobile Disco —músicos y DJs que impulsaron la era electro-rave de la década— a convertirse en la oreja más requerida del mundo de la música. En la última década, con poca publicidad, se ha consolidado discretamente como el productor más destacado de su generación.

Ford es a quien llamas cuando intentas crear un álbum que defina tu carrera (Arctic Monkeys, Florence + the Machine, Jessie Ware, Fontaines DC), en quien confías para lograr un regreso triunfal (Pulp, Blur, Gorillaz, Depeche Mode) y a quien necesitas para convertir el éxito de crítica en éxito comercial (Geese, The Last Dinner Party, Black Country, New Road).

Creo que intentar imprimir tu sonido a todo el mundo es una actitud egocéntrica, como intentar ser un Phil Spector en el disco de cada artista

“Es un término muy amplio, 'productor'”, dice, intentando explicar su papel. “En realidad no describe lo que hago; intento comprender la visión de otra persona y plasmarla en el escenario”. Ya sean Pet Shop Boys o Jessie Ware, los artistas coinciden en que Ford no produce de forma convencional. “Creo que intentar imprimir tu sonido a todo el mundo es una actitud egocéntrica, como intentar ser un Phil Spector en el disco de cada artista”. Por eso, no impone un sonido o una atmósfera, sino que media, guiando a los artistas dentro y fuera de su proceso creativo.

En casa, rodeado de sintetizadores, guitarras y todo tipo de equipos de grabación, Ford se muestra relajado y habla en voz baja, con un ligero acento de Staffordshire con el que creció. Puede que su época de hedonismo haya quedado atrás, pero es evidente que sigue amando lo que hace. Es esta cualidad, junto con una naturalidad que transmite, lo que le ha granjeado la confianza de artistas en sus momentos más vulnerables. Un tipo amable y simpático en una industria que suele carecer de decencia, es fácil entender por qué los artistas más importantes del mundo se mueren por trabajar con él.

Aun así, es casi un milagro que estemos conociéndolos hoy. En la Nochebuena de 2024, Ford estaba con su esposa y su hijo pequeño en casa de sus suegros en Folkestone cuando sufrió un golpe fulminante. Estaba postrado en el sofá, incapaz de levantarse, con una fiebre que no bajaba y una gripe persistente. Había trabajado sin descanso todo el año y, en las semanas previas a diciembre, se había sentido inusualmente fatigado. Se preguntaba si estaría al borde del agotamiento, pero esto era algo completamente nuevo.

Ingresó en urgencias; sus análisis de sangre arrojaron resultados muy dispares. Tras haber viajado a la India con Damon Albarn unas semanas antes, los médicos sospecharon inicialmente que había contraído una enfermedad tropical. “Había muchas pistas falsas”, comenta. “Tardaron muchísimo en darme un diagnóstico porque mis análisis de sangre tenían que enviarse a Londres, así que pasé semanas en ese estado horrible, con la sensación de que me iba a morir. Fue terrible”.

Las enfermeras se acostumbraron a administrar la atención médica diaria mientras Ford experimentaba con ritmos de batería y cantaba, inmerso en su estado de flujo creativo. En dos semanas, Ford escribió y grabó su nuevo álbum, 'Lost in Another World', que ya sería notable por sí solo, de no ser porque también es impresionante

Semanas después, un viernes por la noche, “alguien entró sin ceremonias y dijo: ‘Hemos detectado leucemia. Tiene que ir a la planta de oncología’”. Y eso fue todo. Si su vida hubiera pasado ante sus ojos, Ford, que acababa de cumplir 46 años, podía admitir que había sido una buena vida. Una vida estupenda, incluso. “Tengo una familia maravillosa con mi esposa y mi hijo pequeño, tengo una gran relación con mis padres, una buena carrera, he viajado mucho, he hecho muchas cosas con mucha gente con la que soñaba trabajar”, dice. Y ha salido de fiesta a lo grande, bromeo, después de haber presenciado varias sesiones y fiestas posteriores de Simian Mobile Disco. “He salido de fiesta a lo grande”, dice. “He vivido momentos maravillosos, tengo muchos buenos recuerdos y he creado cosas de las que me siento muy orgulloso. Creo que, en general, he sido una buena persona. Así que casi llegué al punto de pensar: si muero, habré tenido una buena vida. No me daría tanto miedo”.

Finalmente, Ford fue trasladado al hospital St. Barts de Londres, donde recibió una intensa terapia farmacológica. Pasó las primeras semanas de 2025 devastado por la enfermedad. Luego llegó la segunda ronda de quimioterapia, y se produjo un avance importante. Le pidió a su esposa Sereen, a quien conoció cuando estudiaba en la Universidad de Manchester, que le llevara su portátil, una mesa plegable de Ikea, algunos sintetizadores, un micrófono y una guitarra a su habitación del hospital. Con el apoyo del personal del hospital, que notó que le animaba y le ayudaba a levantarse de la cama, Ford empezó a componer música. Las enfermeras se acostumbraron a administrar la atención médica diaria mientras Ford experimentaba con ritmos de batería y cantaba, inmerso en su estado de flujo creativo. En dos semanas, Ford escribió y grabó su nuevo álbum, Lost in Another World, que ya sería notable por sí solo, de no ser porque también es impresionante.

A pesar de haber sido cantado y grabado por Ford en un arrebato creativo mientras reflexionaba sobre la vida y la muerte, el disco tiene su sello personal: melódico, electrónico, art-pop. Es alegre donde uno esperaría que fuera sombrío. En el transcurso de nueve meses, Ford se sometió a dos ciclos más de quimioterapia, un trasplante de células madre, sepsis (tres veces) y una estancia en cuidados intensivos. Decir que ha sido un año traumático sin tregua se queda corto, pero él —y el álbum— lo llevan con naturalidad.

Tomás Marco, compositor: "La IA afectará mucho a la música de consumo comercial, pero todavía no puede ser Mozart"

Olga Agüero — Sat, 15 Aug 2026 19:00:12 +0000

El músico y ensayista subraya que los artistas españoles forman parte de la élite europea, pese a la falta de una educación musical general "que no consiste en ponernos a tocar la flauta"

Entrevista - Èric Sadin, filósofo: “Vamos a ver dos tipos de humanos: los nuevos esclavos y las personas que no se quieren someter a la automatización de la IA”

Tomás Marco (Madrid, 1942) suele poner en sus clases la famosa escena de la ducha de Psicosis en silencio. Sin la música de Bernard Hermman cambia por completo. Esta semana ha hecho el experimento en el curso que dirige en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo.

Compositor, escritor y crítico musical de reputada trayectoria profesional, estudió derecho, violín y composición. Además de ensayista, ha sido profesor del Conservatorio Superior de Música de Madrid y de la Universidad Nacional de Educación a Distancia y es autor de siete óperas, un ballet, diez sinfonías, música coral, y música de cámara y para teatro, entre otras aportaciones.

Marco -que ha dirigido la Orquesta y Coro Nacionales de España y el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM)- considera que la Inteligencia Artificial todavía no es tan lista como para poder suplantar a Mozart.

Director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde hace seis años, aspira a una buena educación musical en las escuelas. “Como te informan de quien era Velázquez, que te informen de quién era Beethoven”, reclama. No obstante, la generación de la flauta -sin cultura musical- ha logrado algo épico: que los músicos españoles sean la élite de Europa: “en este momento somos los mejores”, subraya el compositor.

Le gustaba tanto la música que llegó a un pacto con su padre para poder dedicarse a ello, ¿de dónde viene ese encantamiento? ¿Qué escuchaba de niño?

Era una época en la que se decía que eso de estudiar música no tenía salidas. En mi casa no es que fueran antimusicales ni mucho menos. Mi abuelo tocaba el piano, mi padre también tocaba un poco, pero era familia de juristas y lo ha sido siempre. Me dijeron que si quería ser músico les parecía muy bien pero que hiciera una carrera. No hubo ningún conflicto, hice Derecho como mi padre, me licencié y después me dediqué profesionalmente a la música.

¿Qué tiene la música y la figura de Gustav Mahler para que le haya suscitado tanto interés?

El caso de Mahler me intereso mucho en un momento en el que no se tocaba en España. Me pareció interesante porque era el nexo entre el siglo XIX y la modernidad. Después se añaden una serie de circunstancias, en el año 1971 la Orquesta Nacional decide hacer por primera vez en España todas las sinfonías de Mahler en una temporada. Me encargaron una obra para empezar, que fue la primera que hice. A partir de ahí he hecho más cosas sobre él porque se ha dado la circunstancia. En un caso más cercano me pidieron que si podía hacer una reducción para 16 instrumentos de aquella versión antigua, que era algo muy difícil, pero cada vez que me plantean un reto diferente, pico. He hecho también otra en torno a la cuarta de Mahler, porque había una versión que querían tocar y la última cosa que he hecho fue para el Festival de Granada donde se tocaba la séptima sinfonía que tiene dos músicas nocturnas y me pidieron una para empezar el concierto. Que tenga varias obras sobre Mahler ha sido circunstancial, pero evidentemente me gusta mucho.

Hay que reivindicar esa generación musical del 27

Entre los grandes compositores españoles tenemos como referencia más popular el nombre de Falla, ¿hay alguna generación de músicos en España que haya influido de forma intensa?

La generación posterior a Falla era precisamente la generación del 27 musical. Ocurre que esa generación se exilia prácticamente en su totalidad. Nosotros no hemos recibido las lecciones directas de ellos, aunque yo he conocido a alguno de ellos después como Rodolfo Halffter. Creo que hay que reivindicar esa generación musical del 27. Pero luego hay una serie de músicos en la historia de España que merece la pena resucitarlos. Los sinfonistas del XIX, que no les conoce nadie, o José Luis Temes que ha hecho todas las sinfonías de [Miguel] Marqués en discos. Hay un momento en que la historia de la música se apaga, que solo existe la zarzuela -que está muy bien- y luego ya viene la generación de Falla y Granados. A partir de ahí, la generación del 27 y músicos posteriores, incluido [Joaquín] Rodrigo, o la gente de la generación del 51 con la vanguardia, Cristobal Halffter y Luis de Pablo.

Si tuviese que elegir un momento de la historia de la música, ¿con qué autor o con qué pieza se quedaría? ¿Qué le deleita escuchar?

Depende de cada momento y de cada circunstancia. A lo largo de la historia hay muchos compositores que me interesan mucho, pero según el momento pueden interesar más unos u otros. Hay compositores que a mi me parecen indiscutibles como Monteverdi, Mozart, Haydn -que casi me gusta más que Mozart-, Beethoven, Mahler, Debussy y Stravinsky. Pero hay momentos en los que me apetece leerme una fuga de Bach para pasármelo bien con ella, y otros en los que me atrae otra cosa.

La música clásica ha tenido un auge a partir de la etapa democrática

Ha compuesto ópera y zarzuela, que se consideraba un género muy apegado a la tradición española y que ensamblaba muy bien con el contexto social y político, ¿qué momento atraviesa la lírica? ¿Se le presta suficiente atención en las programaciones?

Evidentemente, hay que tener en cuenta que la música clásica ha tenido un auge a partir de la etapa democrática. Antes había poquísimas orquestas, prácticamente no había teatros de ópera y en este momento hay auditorios por todas partes, orquestas buenas provinciales y en Madrid tres o cuatro de primera categoría. Los músicos españoles forman parte de la élite europea. Hace cincuenta años, si se convocaban las oposiciones de la Orquesta Joven Europea si entraba un español era algo excepcional, y en estos momentos la mitad de la Orquesta Joven Europea es española. Somos los mejores en este momento. ¿Qué esto puede cambiar? Sí, es cierto, porque depende de la política y de muchas cosas. Pero este momento es un buen momento y en el aspecto compositivo hay muy buenos compositores, quizá no demasiado difundidos.

Hace unos días, en esta misma Universidad internacional Menéndez Pelayo, el filósofo francés Èric Sadin reflexionaba acerca de la “catástrofe” de la IA capaz de crear. ¿Cómo amenaza al mundo de la composición el hecho que ahora que es capaz de crear canciones, música?

La inteligencia artificial existe y todo lo que existe se utiliza, se ponga como se ponga la gente. No puedes prohibir la bomba atómica si has descubierto que el átomo se fisiona, pues tampoco puedes prohibir las burradas de la IA. Creo que la inteligencia artificial va a afectar mucho -ya lo está haciendo- a la música de consumo comercial, al hacer una prospección de qué es lo que tiene éxito y por qué y hacer algo de ese estilo. Eso ya se está notando, incluso en la Sociedad General de Autores, que muchas cosas que entran no están hechas por autores, sino por la IA. Pero en la música más creativa lo veo más difícil. No sé a dónde vamos a llegar con este problema, pero en este momento se da uno cuenta enseguida cuando intenta hacer un Mozart falso, se nota que es un Mozart falso. La IA afecta mucho a la música de consumo comercial, pero todavía no puede ser Mozart.

Se ha mitificado la música de cine hasta el punto de hacer conciertos de bandas sonoras, que no tiene ningún sentido

La banda sonora de una película es una narrativa propia absolutamente necesaria para generar y transmitir emociones, ¿se sigue apostando por ello en la industria del cine? ¿Es un campo fundamental para los músicos y compositores?

Por supuesto. El cine sigue siendo muy interesante para la música. El problema del cine en estos momentos es que se ha mitificado la música de cine hasta el punto de hacer conciertos de bandas sonoras, que no tiene ningún sentido. La música de cine tiene su sentido en el cine. Hay secuencias cinematográficas que no entenderían sin la música. Algunas veces en mis clases he probado a poner la famosa escena de la ducha de Psicosis como es con música y sin música. Cambia todo absolutamente. Bernard Hermman había entendido qué había que hacer ahí y Hitchcock también.

La música amansa a las fieras, ¿qué debería sonar en el mundo a todo volumen para templar los ánimos y sofocar los tambores de guerra?

La música amansa a las fieras. Pero lo que pasa en el mundo es que hay fieras que son sordas. Así que la respuesta es que no fueran tan sordos como son muchos.

La música clásica contra el reggaeton, ¿qué tiene ese ritmo para que enganche tanto a las nuevas generaciones?

Es una cosa fácil que estimula físicamente. Ha ocurrido siempre. El vals en Viena ahora nos puede parecer una antigualla pero en la época era lo mismo. O las canciones patrióticas de la revolución francesa.

¿Cómo se llevan las nuevas generaciones con la música clásica? ¿Percibe interés en los conservatorios? ¿Se estudia adecuadamente música durante la etapa escolar?

El problema no está en los conservatorios. La educación musical en España es desastrosa, pero no en los conservatorios donde se enseña bastante bien. Pero lo que sí falta es una educación musical general, mínima en la educación básica que no consiste en ponernos a tocar la flauta como antiguamente, que era horrible. Consiste, a lo mejor, en cantar en coro, y cosas así, y sobre todo informar. Como te informan de quien era Velázquez, que te informen de quién era Beethoven. Ayer en el aula acabo de poner un ejemplo musical de una obra bastante compleja para coro cantada por el coro de la Universidad de Texas. Pero no es un coro de la facultad de música, es un coro que está formado por universitarios que vienen de medicina, de otras carreras, y que es capaz de formarse así. Eso en la universidad española es imposible porque no hay una formación mínima musical.

Quiero preguntarle también por el fenómeno Rosalía, quizá la apuesta más original en el panorama de la música mediáticamente hablando. ¿Cómo valora lo que hace?

Rosalía me parece un espectáculo muy bien estudiado, muy bien montado, que eso no solo depende de Rosalía, lo que hay ahí es una fábrica como la de Michael Jackson o la de Madonna, o Shakira. Son un pretexto que están ahí para una maquinaria enorme.

Eurovisión generalmente no aporta nada musicalmente

Lo mismo que en las fiestas hay conciertos de artistas actuales, ¿echa en falta que se potencie más desde las instituciones públicas conciertos y espectáculos de música clásica y recitales?

Creo que sí. Debería haber más y también más interés por la música más actual de ese tipo. El problema está en que esto depende de los políticos y los políticos actúan en función de la educación musical que han recibido de la cual me estoy quejando. Es una pescadilla que se muerde la cola, no habrá manera nunca de salvar eso.

Las referencias de eventos musicales a gran escala son Eurovisión, ¿se hacen buenas canciones en un escaparate tan potente como ese certamen?

Eurovisión generalmente no aporta nada musicalmente.

Clara Peya: “Estoy sacrificando mi carrera por quitar mi música de Spotify”

Francisco Gámiz — Sat, 08 Aug 2026 20:22:44 +0000

La pianista catalana reflexiona sobre las consecuencias de los discursos de odio y la importancia de la música como altavoz político con ‘Nuca’, un disco que no está disponible en el gigante del 'streaming'

Pedro Pastor cancela su gira por EEUU: “No me han censurado, pero han puesto trabas para tener la visa a tiempo”

Es un movimiento simple, casi rutinario: girar la cabeza, mover el cuello y mirar a la persona que tienes justo al lado. Sin embargo, en una sociedad acostumbrada a vivir aislada y pegada a las pantallas, un gesto así se torna todavía más relevante. Para la pianista Clara Peya (Palafrugell, 1986), una de las artistas más inconformistas de nuestra música, la nuca es el “músculo de la empatía”. Se trata de una zona del cuerpo que nos obliga a dejar de mirarnos a nosotros mismos para fijarnos en quien tenemos alrededor, vertebrando también el concepto de su último disco.

La forma que tiene Clara Peya de entender la vida no se queda en su discurso, sino que define la manera en que crea y se relaciona con el arte. Es lo que lleva a la compositora a apostar por el trabajo colectivo, cediendo en esta ocasión sus canciones a dieciséis voces diferentes que dan vida al álbum Nuca, como las de Niño de Elche, Rita Payés, Judit Neddermann, Sharim Aresté, Mar Pujol, Juan Quintero o Anna Andreu. Acompañada por un piano de pared interpretado con sordina, su propuesta deja atrás la rabia en la búsqueda de un espacio de refugio y sanación.

De hecho, su necesidad de coherencia la lleva a posicionarse siempre por aquello en lo que cree. La artista se embarcó en la flotilla de Gaza para denunciar el bloqueo humanitario y participa activamente en iniciativas solidarias como las de Comando Señoras para apoyar al pueblo palestino. Sobre el escenario, Peya prioriza el mensaje por encima de cualquier pirotecnia o decorado. Tanto es así que su reciente trabajo la lleva a reflexionar sobre la importancia de frenar el ritmo, el peligro de los algoritmos, las consecuencias de los discursos de odio o la falta de más música como altavoz político.

¿Por qué la nuca es tan importante?

La nuca es un lugar de fortaleza y de sensibilidad a la vez. Nuca es ver al otro, reunirse con el otro, hacerlo desde el genuino deseo de cambio y no desde el miedo, mirar a la otredad desde el 'sí' en vez de desde el 'no'. Es algo que nos cuesta mucho hacer: han entrado 40.000 personas por Ceuta y los discursos que escucho tienen muy poco que ver con la empatía. El contexto sociopolítico es tan histriónico que elegimos por protección no conmovernos por nada. He estado unos años sintiéndome muy sola y lo que he entendido es que intentar no sentirnos solas es muy complicado, pero sentirnos acompañadas en nuestra soledad es muy posible.

¿Es compatible sentirse solo con tener odio hacia el otro?

Lo es porque vivimos en la cultura del miedo y los discursos son absolutamente separatistas. En Barcelona, hay bancos separados en vez de juntos para que la gente se reúna. Toda la arquitectura urbanística está hecha para que la gente que no tiene casa no pueda dormir bien en la calle, todo está hecho para que sigamos preservando lo nuestro sin perder nuestros privilegios. Mirar al otro nos obliga a compartirnos y a ser generosos, y eso está muy poco entrenado actualmente. La generosidad pasa por compartir lo que tienes, pero también pasa por compartir quién eres, por dejarte conocer y por querer conocer a quien tienes delante.

El álbum reivindica la calma. ¿Se puede sentir calma y estar enfadada a la vez con lo que pasa en el mundo?

No, pero lo más político que podemos hacer ahora es reivindicar la presencia, la lentitud, la profundidad y la celebración. Son cuatro cosas que ahora mismo son muy necesarias porque van en contra de todo lo que nos pide este sistema, de toda la inercia mundial, que es abrumadora. Vivimos en una era digital en la que compartes memes de gatitos, recetas de pastel de zanahoria o la muerte [de niños] en una escuela porque han puesto una bomba. La capacidad de poner cada cosa en su lugar se pierde, así que es momento de dar espacio a las cosas.

¿Está más calmada o más enfadada?

Estoy enfadadísima, pero he aprendido a gestionarlo de otra manera. Me duele el mundo una barbaridad, aunque actualmente estoy casi más triste que enfadada. El enfado me genera mucha barrera, pero es muy necesario. Me destroza ver cómo está el mundo y me enfada, pero por el hecho de ser blanca, europea, por estar donde estoy y de la forma en la que estoy, intento hacer la música de una manera que pueda llegar. Digo música, pero en realidad hablo de política porque no lo separo. Son lo mismo y me permiten llegar a las personas que me escuchan.

Pero ha retirado su música de Spotify.

Lo he hecho por la estructura fascista de la plataforma. Tiene el monopolio del streaming [*], pero es que ha colaborado con el ministerio de Trump [**], ha invertido 600 millones de euros en desarrollo de tecnología militar [***], es decir, en matar gente en Palestina [****], también en anuncios y canciones de inteligencia artificial, que ponen en todas las listas y son beneficios para la plataforma. Pagan muy mal a los músicos, la calidad sonora es horrible, los músicos pequeños no cobran nada y lo que generan se va para músicos grandes... Es todo lo que yo no quiero, así que por eso no quiero estar ahí.

[*] Según los datos de la firma independiente MIDiA Research proporcionados por Spotify, la compañía no está en una situación de monopolio sino que representa aproximadamente el 30% de los suscriptores globales de streaming musical.

[**] Spotify puntualiza que no ha realizado campañas ni iniciativas para apoyar a la Administración Trump. Admite que ha alojado una campaña publicitaria del Gobierno estadounidense, difundida también en otras grandes plataformas digitales. Respecto a la toma de posesión de Trump, Spotify lleva años organizando encuentros en Washington D.C. y otras capitales con representantes políticos, medios y actores de la industria de diferentes sensibilidades. En este caso, Spotify organizó un encuentro con podcasters políticos y realizó una contribución al comité inaugural, no a la campaña presidencial de Donald Trump. Las contribuciones corporativas a comités inaugurales son además una práctica habitual y no equivalen a un respaldo político.

[***] Spotify no realizó esa inversión sino Prima Materia, la compañía de inversión fundada por Daniel Ek, cofundador y Executive Chairman de Spotify, la que participó y lideró una ronda de financiación de la empresa alemana de defensa Helsing.

[****] Spotify indica que, según fuentes independientes, no existe una conexión acreditada entre la tecnología de Helsing y la guerra en Gaza. La tecnología desarrollada por la compañía en la que invirtió Daniel Ek no se utiliza en Gaza y está desplegada únicamente en países europeos.

Si su estructura es fascista según usted, ¿quien se queda contribuye al fascismo?

Yo no solo pido a la gente que retire su música, pido a los usuarios que cancelen sus suscripciones. Es evidente que si eres una persona que depende de Spotify para sobrevivir es muy diferente que si eres una estrella internacional. Yo sí que pensaba que habría una horda de músicos sacando el catálogo y no ha ocurrido, pero tarde o temprano esta plataforma caerá. No sé si porque nacerán plataformas mucho peores o porque habrá más conciencia, pero esto no va a existir toda la vida. La manera de escuchar música se ha ido transformando siempre. Yo ya tomé la decisión y no quiero estar en guerra con compañeras que han decidido mantener la música allí porque me quedaría sola.

¿Se arrepiente al ver que no la han seguido?

Si pienso en el ego, sí: pienso que soy tonta porque no lo ha hecho nadie y yo estoy sacrificando mi carrera. Pero [la decisión] es un pensamiento coherente y para mí tiene sentido haber quitado mi música de Spotify. Es una lucha que puedo hacer y es la lucha que me toca por ser músico, así que estoy tranquila.

¿Su decisión la ha hecho perder mucho dinero?

Aún no te lo puedo decir del todo, lo que te aseguro es que mi disco no se lo ha escuchado ni una décima parte de la gente que lo hubiera escuchado si estuviera en Spotify. Aun así, sigo teniendo conciertos y vamos a ver qué va pasando. Es verdad que en los conciertos la gente no se sabe las canciones como antes y ahí lo noto mucho. Antes las cantaban y ahora no pueden porque no se las saben, pero de momento creo que puedo seguir viviendo de la música, que es algo que no se me hubiera ocurrido nunca.

¿Ha perdido la fe en la industria musical?

Nunca confié mucho en la industria musical, nunca fue un lugar de confianza para mí. La industria musical es un desastre, pero como cualquier industria. Es que el mundo es un desastre, así que la música se consume como se consume el mundo, como se consumen las personas, como se consume todo.

¿No es triste hablar de música y consumo a la vez?

Pues mucho, la verdad, pero ya hace años que la palabra 'consumo' se añadió en el vocabulario de las entrevistas. Puedes acceder a toda la música del mundo cuando quieras, por lo que no le das oportunidad a nada. Escuchas diez segundos como mucho de una canción y, si no te gusta, la pasas. Tengo por política, cuando me pongo un disco, escuchar mínimo cuatro temas. Si al cuarto no me gusta, vale, ya no le doy más oportunidades, pero entendiendo que es el trabajo de alguien y que hay que mirarlo con amor, darle tiempo y espacio, darle generosidad.

Decidió ir a la flotilla en Gaza.

Nunca pensé que lo haría, pero al final lo hice y me pasó factura porque soy un ser que no está preparada para estas cosas. Fue un shock muy fuerte, físico y emocional. Una experiencia así te cambia la vida para siempre, es una experiencia que aún no he podido ni ordenar ni narrar porque ocurren muchas cosas. No estás por lo importante, estás por lo urgente. El 31 de agosto hará un año desde que fui y pronto podré mirarlo con más perspectiva.

¿Sintió miedo?

Estuvo la idea, pero no lo sentí realmente. Ni cuando estaban los drones. Allí nos disociamos. Cada barco era diferente, a mí me tocó un barco con unas condiciones muy malas. Éramos 19 en un barco de diez. Dormíamos por turnos en el suelo y no teníamos lavabo, así que nuestras necesidades las hacíamos en un cubo y las tirábamos al mar. Era un barco que no estaba preparado para cruzar el Mediterráneo, así que se movía muchísimo, había muchísimos vómitos y no se podía cocinar. Era una situación bastante insalubre.

Al volver de la flotilla de Gaza no entendía que la gente siguiera haciendo vida con normalidad

Clara Peya — Pianista

¿Cómo fue regresar?

Estar en la flotilla es duro, pero es mucho más duro volver. Vuelves y no entiendes nada. Es imposible volver a tu vida porque nada de lo que haces tiene sentido. No podía entender cómo la gente iba al gimnasio con normalidad. Ya he vuelto a mis rutinas, ahora voy al gimnasio, pero al principio era rarísimo. La flotilla ha cambiado muchas cosas, pero el mundo sigue siendo el que es.

¿Qué responsabilidad tienen los músicos a la hora de dar voz a causas políticas?

Toda. Somos un altavoz, la gente nos escucha. Yo soy una artista mediana, pero los artistas grandes no están dispuestos a perder nada. También es de suma responsabilidad saber a quién consumimos y a quién seguimos. Yo he decidido no seguir a gente tibia, así que no escucho ni su música ni sus espectáculos. No me interesa, solo me interesa la gente que se compromete no solo con su arte, sino con entender que necesitamos que el mundo sea un lugar más amable.

¿Le da miedo el futuro?

Mucho, lo que pasa es que me polarizo: o soy muy negativa o soy muy positiva. Me cuesta el camino del medio, que es lo que tengo que trabajar. Hay veces que pienso que todo es un desastre y hay días que pienso que podremos arreglarlo, pero el camino del medio es el más real. Es que estamos en un momento muy difícil, hay gente que dice que ya lo importante es organizarse para ver cómo quieres que te pille el fin del mundo. Pues quiero que el fin del mundo me pille siendo coherente con la gente a la que amo, bailando, celebrando, creyendo que las cosas pueden ser distintas. No creo en la gente, pero sí creo en las personas.

Live Nation fulmina cuatro medios musicales y sus lectores piden venganza

Elena Cabrera — Fri, 07 Aug 2026 13:06:04 +0000

Veeps, la empresa de los hermanos de Good Charlotte propiedad del gigante de la música en vivo, anuncia despidos masivos en el querido BrooklynVegan y otras tres revistas más

Este artículo forma parte del Boletín de Cultura, que puedes recibir los viernes en tu buzón si te suscribes gratuitamente

Los mejores planes para el fin de semana: fiestas, conciertos, libros y canciones

Mala semana para el periodismo musical, o para la música en general. Cuatro medios (BrooklynVegan, Alternative Press, Revolver y Goldmine) han sido desmantelados con un drástico recorte de personal, que lo más probable es que conlleve su desaparición.

BrooklynVegan, fundado en 2004, se había convertido en un referente para el rock más interesante, poniendo especial atención en la escena neoyorquina. Revolver es una revista dedicada al hard rock y el metal creada en el año 2000. Goldmine es una revista en papel dedicada a los coleccionistas. Alternative Press es la más decana de los cuatro, fundada en Cleveland en 1985, y ha estado dedicado al rock alternativo.

Lo que tienen en común es que fueron compradas por Veeps, la empresa de los hermanos Benji y Joel Madden (miembros del grupo Good Charlotte), creada en 2017 como plataforma para retransmitir conciertos en streaming bajo pago. Y Veeps, oh sorpresa, fue comprada por Live Nation en 2021.

Estos días se publicó un mensaje privado de Joel Madden que aseguraba a una persona que quería escribir en BrooklynVegan que la web estaba “activa y en funcionamiento” y que podía escribir a su fundador, Dave Levine, para colaborar. Pitchfork comprobó que todos los correos de los trabajadores del medio venían de vuelta, salvo los dirigidos a Levine. Pero es ridículo pensar que una sola persona puede hacer una web como BrooklynVegan.

“Las fusiones arruinan la cultura”, ha dicho UMAW, el sindicato de músicos de EEUU. La cantante Hayley Williams ha mostrado su decepción con gracia: “Cada día perdemos recetas a manos de idiotas que simplemente no saben cocinar. Ansiosa por la inevitable venganza del underground”. Una revista clásica, Rock Sound, ha mostrado su apoyo revelando que cuando estuvieron a punto de cerrar, por un cambio de manos de su propiedad, los responsables de Alt Press y de Revolver ofrecieron trabajo a sus freelances para que no se quedaran en la calle. Y el bueno de Elijah Wood ha puesto el emoji de la mano en la cara al conocer la noticia. En general, la gente está bastante enfadada.

Con la fusión entre Live Nation y Ticketmaster se creó una gran compañía, Live Nation Entertainment, dotada de una voracidad sin límites que no ha hecho más que crecer y crecer. Live Nation lleva vendidos 143 millones de tickets en lo que llevamos de año en todo el mundo. Ha ganado en este medio año 6.600 millones de euros, lo que supone un 9% más de los beneficios que generó el año pasado en el mismo periodo. Crecer y crecer.

Al respecto de esta gran megacompañía, que según la justicia de EEUU opera en condiciones de monopolio, la familia del fallecido cantante de Extremoduro, Robe Iniesta, ha dicho esta semana que “la pesadilla va encaminada a llegar pronto a su final”. Han dicho en el comunicado que “se cumplirá lo que Robe más necesitaba y deseaba, poner fin por completo a su relación con Live Nation e Iñaki Antón (Uoho)”.

Antes de morir, el músico se enfrentó contra el gigante, que le reclamaba 4,2 millones de euros (1,3 de una fianza que había cobrado Iniesta por la frustrada gira de despedida de Extremoduro en 2021) y 2,9 millones por supuestos daños y perjuicios. Robe ganó en primera instancia en un juzgado de Pamplona, pero Live Nation recurrió. La Audiencia Provincial de Navarra confirmó en marzo la sentencia a favor del músico. Desconocemos si Live Nation recurrió esta sentencia también ante el Tribunal Supremo, pero según el comunicado de la familia, pronto tendremos más noticias.

Pedro Pastor cancela su gira por EEUU: “No me han censurado, pero han puesto trabas para tener la visa a tiempo”

Francisco Gámiz — Tue, 04 Aug 2026 13:04:33 +0000

El artista se ha visto obligado a suspender una programación de conciertos que empezaba este mismo jueves en la ciudad de Port Angeles, en Washington

Muere John Douglas, cantante de la banda escocesa Trashcan Sinatras, a los 63 años

El cantautor Pedro Pastor ha suspendido la gira de conciertos que tenía programada por Estados Unidos al no recibir a tiempo su visado de trabajo por un requerimiento extraordinario de las autoridades consulares. El artista ha informado de esta cancelación a sus seguidores a través de un vídeo publicado en Instagram apenas tres días antes de tomar el vuelo que tenía reservado hacia Seattle, donde iba a comenzar junto a su equipo el recorrido programado. El inicio de sus actuaciones estaba previsto para este mismo jueves en un teatro de la ciudad de Port Angeles, en Washington.

Tras el anuncio, numerosos fans del artista han atribuido las dificultades consulares a su perfil abiertamente de izquierdas y su discurso crítico. Sin embargo, el músico declina verlo bajo ese prisma al no disponer de una notificación oficial que lo confirme. “No me han censurado la gira, han utilizado trabas administrativas, legales y jurídicas para que yo no pueda tener mi visa a tiempo”, explica el artista a elDiario.es, añadiendo que jamás le han comunicado que la decisión responda a su “discurso propalestino” o a su postura ideológica. A pesar de ello, sostiene que no es normal el problema con el trámite a última hora: “Hay una falta de interés en que vayamos”.

La mera idea de actuar en el país norteamericano ya suponía un dilema moral para el propio cantante, quien afirma que hasta ahora nunca le había interesado viajar allí por su “condición humanista, antiimperialista”. Pedro Pastor asume las dudas que le surgieron antes de aceptar hacer este tour: “Por supuesto que genera contradicciones ir a cantar a Estados Unidos hoy en día, que es el país que desestabiliza la paz mundial”. No obstante, decidió hacer la gira porque cree que no se puede juzgar a toda la gente del país por las decisiones de sus políticos.

Pastor defiende la importancia de llevar su música a los ciudadanos y, en especial, a la población migrante que reside en Norteamérica. “Es absurdo pensar que Estados Unidos es Donald Trump. La mayoría de personas que han ido a ejercer su derecho al voto han votado por él, como pasa en otros tantos países en los que gobierna la extrema derecha, pero es absurdo extrapolar eso a toda una población”, razona el músico. Por ello, reivindica la labor social de sus conciertos: “Hay muchísima comunidad latina que ahora más que nunca necesita escuchar canciones que le den un poquito de aliento, esperanza, de apapacho, de contención”.

Trabas administrativas y fondos públicos

El artista cuenta a este periódico que el proceso administrativo para lograr los permisos de trabajo comenzó en el mes de febrero, contando con los servicios de un equipo de abogados estadounidenses contratado por el equipo. Tras cumplimentar toda la información requerida, acudieron al consulado con la documentación. Fue entonces cuando, a una semana del vuelo previsto, recibieron un correo postal con un requerimiento extraordinario que ponía en duda gran parte de lo que habían presentado, exigiendo una respuesta legal que iba a tener que alargarse irremediablemente durante unas semanas.

El proyecto contaba con el respaldo de Mid Atlantic Arts, una organización estadounidense sin ánimo de lucro que funciona como socio creativo y financiero para apoyar la programación artística en varios estados norteamericanos. Esta entidad fomenta las giras de espectáculos, el intercambio cultural internacional y la concesión de subsidios para artistas de diferentes disciplinas. En este caso concreto, la gira de Pedro Pastor contaba con una ayuda económica de 26.000 dólares. Estos fondos no se entregan directamente al artista, sino que se destinan a los productores y programadores locales para cubrir hasta la mitad del caché del grupo musical en salas y festivales de zonas culturalmente menos transitadas.

El proceso para conseguir esta importante ayuda no fue fácil. Tras el éxito de un concierto acústico que Pastor ofreció el año pasado en la Universidad de Memphis, su equipo decidió presentarse a este programa y competir con otras propuestas culturales, lograron quedar como finalistas. En octubre se anunció que habían sido uno de los cinco únicos proyectos seleccionados de toda España y Portugal. Por este motivo, el cantante señala la “absurdez” y la “paradoja tan grande” de que las autoridades consulares bloqueen un proyecto que está cofinanciado, precisamente, con dinero público de Estados Unidos.

Un duro golpe para un proyecto independiente

La cancelación supone un perjuicio económico directo para un proyecto musical que lleva 15 años autogestionándose. Han perdido el dinero invertido en los billetes de avión, no recuperarán el coste de los primeros alojamientos y devolverán el dinero de las entradas a sus seguidores. Además, el grupo asumirá parte del sueldo de los músicos y técnicos implicados, sufriendo también la pérdida de ingresos por haber rechazado otros conciertos en España este mes. “Hay pérdidas económicas reales que para un proyecto como el nuestro son grandes, y además se le suma que agosto es un mes muy fuerte de trabajo en España y habíamos dicho que no a muchísimas propuestas”, cuenta Pastor.

Además, este contratiempo llega en su momento de mayor éxito comercial, con más entradas vendidas que nunca en su trayectoria. “Nos ha pillado en nuestro mejor año desde que llevamos dedicándonos a esto, que es toda la vida, y eso es lo que más nos ha dolido”, confiesa el cantautor. “Un varapalo así te corta un poco el vuelo que tienes”, destaca el artista. “Ha habido un choque emocional muy fuerte con el resto del equipo, es una gestión mucho más profunda de lo que parece”, señala Pastor, agregando que “hay unos laberintos internos que son los de una familia, que es una banda que gira y que de repente ve cómo los planes que están hechos desde el año pasado se desestabilizan fuertemente y además sin margen de maniobra”

Vamos a Argentina a cantar aunque no estemos para nada alineados con su presidente, igual que vamos a cantar en España el año que viene si gobierna la ultraderecha

Pedro Pastor — Cantautor

Hasta su viaje a Memphis, el artista madrileño solo había estado en Estados Unidos en una vez. Ocurrió cuando tenía 20 años y viajó acompañando a Emilio Silva para cantar en una ceremonia de premios otorgados por la Brigada Lincoln a la Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica. En esta nueva ocasión, la gira prometía llevarle a visitar la ciudad de Portland, una actuación en el San José Summerfest de California, el Centro Cultural de Las Vegas y conciertos gratuitos de verano al aire libre en Providence.

Pese a la cancelación de la primera parte de la gira estadounidense, la banda mantiene intacto el resto de su calendario laboral para este año. En septiembre emprenderán una gira por ocho países de Latinoamérica, mientras que desde octubre hasta finales de diciembre recorrerán diversas provincias de España, poniendo el broche final a la gira el 30 de diciembre en la sala But de Madrid. En estos directos seguirán tocando su disco aniversario 10 Locos Años Descalzos, que recoge versiones de sus temas clásicos con artistas como Silvio Rodríguez y Rozalén.

En cuanto a los conciertos norteamericanos cancelados, el equipo legal del cantante responderá al requerimiento consular con calma para intentar salvar el proyecto a largo plazo. De hecho, la banda ya tiene la otra mitad de la gira estadounidense cerrada y garantizada con diez fechas para el mes de junio del año 2027. Pastor mantiene su firme intención de actuar allí por respeto a su público y lo compara con otros de sus compromisos internacionales: “Vamos a Argentina a cantar aunque no estemos para nada alineados con su presidente, igual que vamos a cantar en España el año que viene si gobierna la ultraderecha”.

Consumo sanciona al Reggaeton Beach Festival con 320.000 euros por prácticas abusivas

elDiarioes Cultura — Tue, 04 Aug 2026 06:01:27 +0000

El ministerio multa al festival por impedir la entrada de comida y bebida del exterior, cobrar un suplemento para salir y volver al entrar al recinto, por cómo se realizó la devolución del saldo de las pulseras 'cashless'

Consumo abre expediente sancionador contra una gran promotora de festivales alegando prácticas abusivas

El Ministerio de Derechos Sociales, Consumo y Agenda 2030 ha anunciado la sanción de 320.000 euros a una promotora de eventos por incurrir en prácticas abusivas contra los clientes. Facua-Consumidores en Acción ha confirmado que se trata del Reggaeton Beach Festival. La entidad de consumidores había denunciado en su momento a la empresa organizadora de este evento por prohibir la entrada a los recintos con comida y bebida del exterior, entre otras quejas de los consumidores.

Con esta resolución, se pone fin al expediente abierto en octubre de 2025 tras las denuncias del colectivo de consumidores, y la promotora queda obligada a rectificar de manera inmediata y a eliminar todas las cláusulas ilícitas de sus contratos después de haber admitido su responsabilidad. Entre las conductas irregulares sancionadas por el departamento que dirige Pablo Bustinduy se encuentra también el límite a la movilidad de las personas, cobrando un importe económico adicional sobre el precio de la entrada a aquellos asistentes que deseaban salir y volver a entrar libremente al recinto a lo largo del espectáculo.

El expediente sancionador tramitado por Consumo también revela los abusos cometidos a través de los sistemas de pago propios de los festivales, habitualmente gestionados mediante pulseras electrónicas, conocidas como cashless. La empresa impuso plazos de tiempo muy reducidos para solicitar la devolución del dinero sobrante, aplicó un recargo adicional por hacer dicho reembolso en concepto de gastos de gestión e impidió el retorno de aquellos saldos sobrantes inferiores a dos euros. Asimismo, se ha constatado el cobro indebido de comisiones por gestión en la venta de los pases, encareciendo su precio final sin prestar ningún servicio real al comprador.

Facua-Consumidores en Acción ha informado en un comunicado esta mañana que “viene denunciando cada año a los organizadores del Reggaeton Beach Festival ante distintas administraciones de ámbito autonómico y local”, de las cuales señalan que “han mostrado una lamentable pasividad, al igual que ante las denuncias por irregularidades similares en otros festivales y conciertos”. “Algunas de las administraciones que decidieron no actuar ante las denuncias firmaban acuerdos de colaboración con los organizadores del festival mientras se desentendían de requerirles que cumplieran la legislación de defensa de los consumidores”, ha declarado la organización.

El Reggaeton Beach Festival, que se había consolidado como uno de los eventos de música urbana más multitudinarios del país, anunció el pasado 18 de junio que cancelaba todos sus conciertos programados para este verano. El festival tenía citas en Tenerife, Barcelona, Alicante, Santander, Mallorca, Madrid y Nigrán (Pontevedra), pero las suspendió “tras analizar la situación global del proyecto y constatar que la estructura operativa y financiera de la compañía ya no permite afrontar con las garantías necesarias la organización y desarrollo de una gira de estas dimensiones”. Entre los artistas que habían sido confirmados para los conciertos de este año estaban Anuel AA, Mike Towers, Omar Courtz o Clarent.

“Durante los últimos años, Reggaeton Beach Festival experimentó un crecimiento extraordinario que lo convirtió en una de las principales plataformas de música urbana y entretenimiento de Europa, reuniendo a cientos de miles de asistentes y acogiendo a algunos de los artistas más destacados de la escena internacional. Tras revisar la situación actual de la sociedad gestora, la nueva administración ha constatado la existencia de circunstancias económicas, financieras y operativas que afectan de forma significativa a la viabilidad del proyecto”, agregó entonces la organización, alegando que, “como consecuencia de esta situación, la sociedad no se encuentra en disposición de mantener la actividad operativa”.

Facua-Consumidores en Acción ya denunció en 2023 a los promotores del Reggaeton Beach Festival por imponer las cláusulas que Consumo ahora ha considerado abusivas. Posteriormente, el año pasado, Facua volvió a denunciar al festival por dar solo 15 días para pedir el reembolso de las entradas de Marbella y Castellón, eventos cancelados. “La organizadora vulnera la normativa vigente al establecer un plazo excesivamente corto para que los afectados puedan recuperar el dinero de los eventos suspendidos”, alegó Facua en un comunicado.

Los conciertos de este año no han sido los únicos eventos cancelados del festival. El 22 y 23 de julio de 2023, el Reggaeton Beach Festival tuvo que ser cancelado después de que el Ayuntamiento decidiera negarle la licencia para celebrarlo en el recinto Iberdrola Music localizado en Villaverde. La organización admitió su cancelación en Madrid después de haber afirmado que se llevaría a cabo pese a la negativa del Ayuntamiento. El festival atribuiría esta cancelación a una “disputa política en plenas elecciones”.

Además, recientemente ha habido un cambio en la directiva del Reggaeton Beach Festival. Como resalta Facua en su comunicado, la web del festival indica que su titular es Cyclop2014 SL, el socio único de todas las SL desde su constitución. El administrador único con el que la empresa se constituyó en 2014 es Rubén Moreno Abanades. En 2019, el cargó pasó a ocuparlo, Iván Sanahuja Fuentes, que también es el administrador único del resto de sociedades.

Cambios obligatorios y consejos prácticos para el público

Aprovechando la resolución de este caso, el departamento que dirige Bustinduy ha querido recordar al público cuáles son sus derechos básicos a la hora de acudir a un espectáculo de este tipo. Entre ellas, que la ley exige que el precio mostrado desde el inicio de la compra sea completo y definitivo, y que las comisiones por gestión solo puedan cobrarse si corresponden a un servicio real prestado al comprador.

Del mismo modo, el Ministerio de Consumo subraya que los organizadores tienen la obligación de garantizar el acceso gratuito a agua del grifo dentro del recinto. Respecto a la comida y bebida, recuerda que vetar productos del exterior resulta abusivo cuando dentro del evento sí se permite consumir comprando en los puestos de la propia organización.

En lo relativo a las entradas, se aclara que la reventa no es ilegal por definición, pero conviene verificar que el promotor la autorice y usar canales oficiales. Si se recurre a vías alternativas, se debe comprobar que los pases no sean nominativos, que garanticen la entrada y que no formen parte de eventos inventados por plataformas no autorizadas.

Los festivales de música siguen dando el cante: muchos hombres, pocas mujeres

Francisco Gámiz, Ainhoa Díez, David Velasco — Tue, 28 Jul 2026 19:41:33 +0000

Una radiografía a los carteles de los festivales más importantes del país confirma que la paridad todavía está muy lejos de ser una realidad en los grandes eventos musicales

Buscador - ¿Cómo sería el cartel de tu festival favorito si no tocaran hombres?

Carteles de festivales por género

Haz scroll para leer el contenido

🎤 Este es el cartel de Bilbao BBK Live 2026, uno de los grandes festivales del país. Sus cabezas de cartel son Robbie Williams, Calvin Harris, Dellafuente, Idles, David Byrne, Lily Allen y FKA Twigs: de los siete nombres principales, cinco son hombres o grupos masculinos 👨‍🎤

¿Cuántas mujeres 👩🏽‍🎤 ves en el resto del cartel?

Vamos a ponértelo más fácil. Las artistas que ves destacadas son las mujeres.

Vamos a verlo más claro 👇

Así quedaría el cartel si dejáramos únicamente a las artistas y bandas de mujeres. El BBK es de los más equilibrados —29 solistas femeninas—, pero solo hay dos grupos formados por mujeres en todo el cartel.

Pero, ¿qué ocurre si nos quedamos solamente con los artistas o bandas de hombres? Ellos ocupan buena parte de las posiciones destacadas todas las jornadas, desde las primeras a las últimas filas del line up.

¿Crees que se diferencia mucho del original? Vamos a verlo 👇

¿Ves alguna diferencia con el cartel completo? Gran parte de la superficie sigue cubierta por grupos y solistas masculinos.

Te lo ponemos más claro. Destacados, los artistas y grupos formados por un solo hombre o por grupos con mayoría de hombres 👨🏻‍🎤.

Ahora bien, ¿es el caso del BBK una excepción o la norma? ¿Qué nota crees que sacarían en paridad los festivales más importantes del país? Hemos analizado el cartel de los grandes eventos con más asistentes para comprobarlo:

Persisten las malas noticias: la igualdad entre hombres y mujeres sigue sin cumplirse en los festivales de música en España. Si el año pasado la presencia de mujeres ya era baja, los números demuestran que el problema continúa, pues dos de cada tres artistas que suben a los escenarios continúan siendo hombres. Para esta radiografía hemos vuelto a revisar los diez eventos analizados en 2025, elegidos por ser los que aglutinaron el mayor número de asistentes según la Asociación de Promotores Musicales (APM), pero teniendo en cuenta sus carteles de 2026. Aunque la presencia de mujeres aumenta ligeramente en casi todos ellos, ni siquiera representan un 30%.

Para categorizar las bandas, las integradas mayoritariamente por hombres o mujeres han sido incluidas en la categoría del género del mayor número de miembros del grupo. Por eso, bandas como Kaiser Chiefs o Kings of Leon se cuentan como masculinas, mientras que HotWax, The Warning o Marlena se cuentan como femeninas. Sin embargo, en el caso de los grupos cuyo vocalista pertenece al género con menos integrantes, han sido clasificados como mixtos para reconocer el mayor peso que aportan los líderes de las bandas.

Con esta regla, las bandas formadas por músicos hombres en los que canta una mujer, como Wolf Alice, entran dentro de la categoría de bandas mixtas. Los dúos formados por un hombre y una mujer también se cuentan como mixtos, sin importar quién cante más. Además, en la suma final de los carteles de 2026 hemos tenido en cuenta a todos los artistas anunciados oficialmente por la organización de cada festival, sin quitar los cambios o las cancelaciones de última hora que hayan pasado después por motivos ajenos a los propios festivales.

Los festivales con más presencia de mujeres en 2026 son el Primavera Sound de Barcelona y el Sónar, ambos con un 41% de artistas femeninas (sumando solistas y grupos). En el Primavera Sound, la cifra se reparte entre un 35% de cantantes solistas y un 6% de grupos de mujeres, mientras que el Sónar llega a su 41% gracias a un 39% de solistas. Les siguen el Bilbao BBK Live con un 38% de presencia femenina (36% de solistas), el Granca Live Fest con un 31% y O Son Do Camiño con un 30% (en estos dos últimos, todas ellas son solistas). El Mad Cool se queda en un 28%, seguido del FIB con un 20% y el Arenal Sound con un 19%.

En los últimos puestos están el Low Festival, que cae hasta el 13% (8% solistas y 5% grupos), y el Viña Rock, con un muy bajo 9% de solistas femeninas y ningún grupo de mujeres. Los hombres, por ende, vuelven a ser una mayoría muy clara en los festivales más grandes de España. De los 760 artistas y grupos analizados en los carteles de 2026, un 64% pertenece a ellos. Es especialmente baja la falta de grupos formados solo por mujeres, que bajan hasta un escaso 2,8% del total. Festivales como el Arenal Sound, el Granca Live Fest, O Son Do Camiño y el Viña Rock directamente no tienen ningún grupo de mujeres en sus carteles de este año.

Algo mejor les va a las cantantes solistas, que representan el 25,7%, con nombres conocidos como Doja Cat, FKA Twigs o Lorde. Aun así, los solistas ocupan el 33,6% de los escenarios, con artistas como Robbie Williams, Calvin Harris o Guitarricadelafuente. Por su parte, las bandas mixtas representan un pequeño 7% del total de los carteles de 2026, con ejemplos como Alabama Shakes. En cambio, los grupos de hombres se quedan con el 30,4% del espacio con bandas como Foo Fighters, The Cure o The Prodigy. Mientras tanto, los artistas no binarios siguen teniendo una presencia casi invisible en los grandes eventos, reduciéndose a un mínimo 0,7% del total.

Al mirar la igualdad en los festivales, no solo importa contar el número de mujeres que actúan, sino también en qué lugar del cartel las ponen y qué relevancia les dan en los conciertos. El resultado vuelve a ser muy malo en este punto: ningún grupo de mujeres figura como cabeza de cartel en 2026 y solo una de cada cinco plazas principales (un 20,5%, es decir, 17 solistas) es para cantantes mujeres, de un total de 83 cabezas de cartel analizados. Hay que recordar que en esta cuenta no entran el Sónar ni el Viña Rock, porque ninguno de los dos marca en sus anuncios quiénes son los cabezas de cartel principales.

En este aspecto, el que tiene peores resultados es el FIB, con hasta 9 cabezas de cartel formados solo por grupos de hombres, sin poner a ninguna mujer arriba. El Low Festival tampoco tiene a ninguna cantante o grupo de mujeres al frente de sus 11 puestos principales (7 grupos de hombres, 3 solistas hombres y 1 banda mixta). En el Arenal Sound, las mujeres solistas solo ocupan 2 de los 11 puestos importantes, frente a 8 solistas hombres y 1 grupo de hombres.

O Son Do Camiño y el BBK Live ponen a 2 solistas mujeres entre sus nombres principales (de un total de 6 y 7 puestos). En el lado contrario, los festivales que ponen a más mujeres arriba son el Granca Live Fest, con 5 solistas mujeres de 14 cabezas de cartel; el Mad Cool, con 3 solistas mujeres y 2 bandas mixtas de 16; y el Primavera Sound, con 3 solistas mujeres (como Doja Cat o Addison Rae) y 1 banda mixta entre sus 9 nombres principales.

Aunque el porcentaje total de mujeres en los grandes festivales ha subido un poco, pasando del 26% en 2025 al 28% en 2026, la situación se vuelve más complicada si miramos cada festival por separado. El caso más claro de bajada lo tiene el Low Festival, que pierde 11 puntos al pasar del 25% al 14% en solo un año (sumando un 8% de solistas y un 5% de grupos femeninos). En otros eventos la situación se ha quedado totalmente parada, sin ningún avance: el Mad Cool repite exactamente su 28% del último año, el FIB se queda atascado de nuevo en el 20% y O Son Do Camiño frena su subida repitiendo el 30% que ya tuvo el año pasado.

No obstante, algunos festivales sí mejoran sus números en 2026, aunque vienen de cifras tan bajas que no se puede hablar de un cambio real. El Primavera Sound es el que más sube al pasar del 31% al 41% de mujeres (+10 puntos), seguido por el Granca Live Fest, que sube del 21% al 31% (+10 puntos). El Bilbao BBK Live sube del 32% al 38% (+6 puntos) y el Sónar pasa del 37% al 41% (+4 puntos). En otros, las subidas casi ni se notan: el Arenal Sound sube ligeramente del 16% al 19% y el Viña Rock pasa de un 8% a un 9%, un aumento de un solo punto que no cambia su enorme mayoría de hombres. Por tanto, la pequeña subida general de dos puntos se debe al esfuerzo de festivales concretos como el Primavera Sound o el BBK Live Fest, y no a una mejora en todo el sector.

De esta manera, la tendencia más clara en los carteles de 2026 es que los hombres siguen dominando los festivales de música. Los solistas ganan espacio y llegan al 33,6% de los carteles este año, lo que supone una subida de 1,5 puntos respecto a 2025. Por otro lado, los grupos de hombres siguen siendo una parte muy importante con un 30,4% del total, aunque bajan 2,9 puntos. En total, la suma de cantantes y grupos masculinos alcanza un abrumador 64% de todos los artistas analizados.

Las cifras siguen mostrando una diferencia muy grande con respecto a las mujeres. Aunque las cantantes solistas suben un poco y llegan al 25,7% de los carteles en 2026 (con un aumento de 2,9 puntos), esta pequeña mejora se pierde por la continua bajada de los grupos de mujeres. Las bandas femeninas caen 0,4 puntos más y se quedan en un escasísimo 2,8% del total. Por su parte, las bandas mixtas bajan 0,8 puntos y representan el 7% en los macroeventos, mientras que los artistas no binarios descienden 0,4 puntos y se quedan en un 0,7%.

Mientras los cantantes ganan fuerza y las mujeres solistas intentan conseguir algo más de sitio, los grupos femeninos y las bandas mixtas pierden todavía más presencia. Aun con la bajada de grupos de hombres, los artistas masculinos son la gran mayoría en los escenarios con más público, y deja claro que la falta de paridad sigue siendo un problema serio en los festivales más importantes de nuestro país. A continuación puedes comprobar cómo serían sus carteles según los solistas o bandas masculinas, solistas o bandas femeninas, o bandas mixtas que figuran en ellos.

Carteles de festivales por género

Quién toca en los grandes festivales de 2026

Cada bloque es un artista o banda del cartel, coloreado según su género. El tamaño indica la posición en el cartel.

Fuente: elaboración propia a partir de los carteles publicados por cada festival.

¿Debería España cancelar el concierto de Kanye West como han hecho otros países?

Francisco Gámiz — Sat, 25 Jul 2026 20:46:58 +0000

Pese a que Reino Unido, Francia o Polonia hayan suspendido el evento por los comentarios antisemitas del rapero en el pasado, el artista sí podrá subirse al escenario en Madrid, avivando el debate sobre los límites de la libertad de expresión y la cultura de la cancelación

El festival Wireless cancela su edición después de que Reino Unido prohíba a Kanye West la entrada en el país

“Soy un nazi, me encanta Hitler”, reza uno de los mensajes que Kanye West publicó en redes sociales a inicios del año pasado. No fue el único que escribió: “Algunos de mis mejores amigos son judíos y no confío en ninguno de ellos”. Son declaraciones que colman la carrera llena de altercados del rapero, cuya reputación se ha ido desmoronando en las últimas décadas por sus comentarios y acciones. Desde cuestionar los motivos de la muerte de George Floyd hasta enorgullecerse de su antisemitismo, la mochila del artista está cargada de controversias. Unas polémicas que, si bien han motivado a algunos países a cancelar sus conciertos, no le impedirán subirse al escenario en Madrid el próximo jueves.

Este iba a ser uno de los años más importantes de la trayectoria de Kanye West, con una vuelta al ruedo que lo iba a llevar a visitar las principales ciudades de Europa. No obstante, la gira ha atravesado conflictos desde su anuncio. Reino Unido, Francia, Italia, Suiza, Polonia... son países en los que iba a actuar Ye, como se hace llamar ahora el cantante, pero donde no podrá hacerlo por sus comentarios de odio ensalzando el nazismo. Su disculpa llegó en enero, cuando compró una página en el The Wall Street Journal para pedir perdón a la comunidad judía y a sus seguidores, atribuyendo su mal comportamiento a un trastorno bipolar derivado de una lesión cerebral no diagnosticada.

Aun así, las cancelaciones fueron sucediéndose en los siguientes meses. Reino Unido, de hecho, le prohibió directamente la entrada tras la indignación pública y las peticiones para anular su show. Un portavoz del Ministerio del Interior, el departamento del gobierno británico que se ocupa de las cuestiones migratorias, explicó que habían denegado la solicitud de West para viajar porque “su presencia en Reino Unido no favorecería el bien público”. Esto desencadenó la suspensión del festival Wireless, donde el rapero era cabeza de cartel, y del que marcas como Pepsi y PayPal habían retirado su patrocinio debido a las conductas antisemitas del autor de My Beautiful Dark Twisted Fantasy.

A pesar de que muchos países han cerrado las puertas al músico, España ha decidido mantener la celebración del concierto, que tendrá lugar en el estadio Metropolitano este 30 de julio. Ernest Urtasun, ministro de Cultura, sostuvo en mayo que le “repugnan” las manifestaciones vertidas en el pasado por el rapero: “No me gustan nada y me parecen fuera de lugar”. Sin embargo, alegó que “no le corresponde al Ministerio promover la cancelación de ningún concierto por las opiniones que haya tomado cualquier artista” y que la decisión debe tomarla el promotor del evento. “Más allá del rechazo que me producen sus declaraciones, no me corresponde a mí”, insistió Urtasun. Desde la promotora, de momento, no van a hacer declaraciones.

¿Sería posible cancelar el concierto?

Pese a que el ministro de Cultura haya asegurado que no incumbe a España la suspensión de dicho concierto, lo cierto es que el país sí tendría la posibilidad de cancelarlo si observa peligros en torno al mismo. Jorge Correcher, especialista en Derecho Penal, apunta a elDiario.es que hay artículos en el Código Penal que persiguen los discursos de odio y que, aunque no se han aplicado tanto en casos de industria musical, ya que eso se ha reservado mucho más para el enaltecimiento del terrorismo, sí se han aplicado en casos de manifestaciones que pudieran tener un contenido antisemita, racista, de antigitanismo o incluso de aporofobia.

No obstante, y aunque estos discursos aislados pueden generar ese tipo de reacción por parte del ordenamiento jurídico, Correcher pone también el foco en la adecuación de esa respuesta, puesto que, cuando lo que está en juego es la libertad de expresión, el experto medita que “resulta bastante complicado decidir dónde poner el freno”, agregando que “el Código Penal, al menos, limita ese freno a aquellos casos en los que puedan producirse actos de violencia, odio o discriminación”. Sin embargo, en un ámbito ya no jurídico, el especialista afirma que “este tipo de actos son difícilmente cancelables ahora mismo, sobre todo cuando tenemos un presidente de los EEUU que hace lo que hace”.

Ningún tipo de discurso de odio ni ninguna persona con mensajes tan violentos como los de Kanye West deberían tener cabida en ningún espacio cultural

Nerea Luján — Escritora

Correcher añade que esta situación “se replica en muchos ámbitos del mundo” y que “la ventana de Overton está tan abierta que entra cualquier cosa”, por lo que “es bastante difícil saber poner el límite en estos casos”, avivando el debate sobre cuándo se alcanza la censura. “¿Por qué le vas a decir a esta persona que no puede hacer proclamas supremacistas, cuando el presidente de EEUU tiene grupos que lo apoyan que impregnan eso?”, inquiere. Más tajante al respecto es Nerea Luján, escritora de la obra Creadoras y Combativas, donde ha analizado el arte urbano desde una mirada femenina: “Ningún tipo de discurso de odio ni ninguna persona con mensajes tan violentos como los de Kanye West deberían tener cabida en ningún espacio cultural”.

El discurso antisemita

Los comentarios antisemitas del cantante son el desencadenante de que se haya suspendido su concierto en varias ciudades. Alejandro Baer, sociólogo y especialista en memoria, violencia y estudios judíos contemporáneos, considera que “no es sorprendente que varios países europeos hayan optado por cancelar sus conciertos al considerar que sus manifestaciones públicas sobre los judíos o la banalización del nazismo trascienden el ámbito de la libertad artística porque contribuyen a legitimar discursos de odio”. El experto indica que “aquí volvemos a ser la excepción y tiene que ver con nuestra historia”.

“En gran parte de Europa occidental, la experiencia de la Segunda Guerra Mundial y, sobre todo, del Holocausto se convirtió en un elemento central de la cultura política después de 1945. Impuso un ejercicio de reflexión y responsabilidad que, aunque incompleto, contribuyó a modelar las instituciones, la educación y el discurso público. En España, este proceso nunca llegó a producirse y por eso no existen estas barreras de contención hacia el antisemitismo, ni siquiera con respecto a sus formas más explícitas”, valora Baer a elDiario.es.

La ministra polaca de Cultura, Marta Cienkowska, afirmó durante una rueda de prensa que una nación marcada por la terrible historia de los campos de concentración nazis no podía dejar cantar en Polonia a alguien que apoya a Hitler. La presión del gobierno obligó a los dueños del Estadio de Silesia, donde iba a actuar el artista el 19 de junio, a romper el contrato con la empresa organizadora, Projekt Hałas. En el pasado, Kanye West llegó a vender camisetas con esvásticas y publicó la canción Heil Hitler, donde hace apología del dictador. El tema fue retirado momentos después por plataformas como Spotify, YouTube o SoundCloud. “Literalmente dejan a los negros abajo”, protestó el rapero en X.

Más allá de ello, Baer resalta que “es un problema que una figura tan popular contribuya a normalizar mensajes antisemitas entre públicos amplios, especialmente jóvenes”. Es algo en lo que coincide con Tania María García Arévalo, experta en estudios hebreos y arameos, quien alerta de que, mientras que en el siglo XVII y XVIII solo una parte concreta de la población tenía acceso a los discursos de odio, en la actualidad “este tipo de declaraciones se expanden como la pólvora y ganan muchísima más aceptación, calando en la sociedad más joven”. Además, existe un desconocimiento evidente: “Los alumnos llegan de cero en cuanto antisemitismo, solo reconocen el Holocausto”.

El uso de las redes sociales ha sido fundamental para Kanye West. Incluso Elon Musk canceló la cuenta del rapero en 2022 cuando publicó una imagen de una esvástica fusionada con una estrella de David. “Lo hice lo mejor que pude. A pesar de eso, volvió a violar nuestra regla contra la incitación a la violencia”, dijo el empresario. García Arévalo destaca que “el antisemitismo ha tenido una expansión brutal en los últimos años debido a las redes y el anonimato que generan, donde cualquiera puede decir cualquier cosa” sin que nadie lo contraste. Carmen Domingo, periodista y autora de Cancelado, obra en la que repasa la cultura de la cancelación, advierte que “estamos generando una sociedad de titulares, donde a veces el titular es el que te condiciona el retuiteo sin leer el artículo”.

Las palabras de West no solo han provocado que varios países le den la espalda, también lo han hecho las marcas. Adidas puso fin a su cooperación con él y Foot Locker anunció la retirada de las zapatillas del cantante. Aun así, Domingo sostiene que “las marcas se mueven por economía”: “No tiene nada que ver con la ideología, tiene que ver con el mercado”. Lo ejemplifica con la polémica de El Xokas por sus comentarios sobre Ester Expósito, que hizo que Burger King cancelara su colaboración con el creador de contenido. “Le puso [el menú especial] y se lo quitó por los mismos motivos: se lo puso porque daba dinero y se lo quitó porque ahora ya no lo da”, relata.

Cuando Kanye West se suba al escenario el próximo jueves, habrán pasado más de cuatro meses desde que iniciara la venta de entradas. En aquel entonces, numerosos fans mostraron su descontento cuando, tras la preventa, varias localidades rebajaron su precio hasta en más de 100 euros durante la venta general. Muchos compradores denunciaron haber pagado de más, a lo que las promotoras respondieron justificando el cambio por ajustes en la configuración del recinto y ofreciendo la posibilidad de cambiar las entradas. Pese a ello, desde la organización del evento aseguran que ha habido una “alta demanda” y que el concierto, además de haber movilizado a alrededor de 3.000 profesionales, “proyectará la imagen de Madrid en todo el mundo”.

Pipiolas, en la redacción de elDiario.es: “Las cuotas femeninas en los festivales se usan como un blanqueamiento”

Francisco Gámiz — Thu, 16 Jul 2026 19:29:16 +0000

El dúo compuesto por Paula Reyes y Adriana Ubani ha abordado la situación de la mujer en la industria musical y las polémicas declaraciones de El Xokas sobre Ester Expósito en un evento donde ha interpretado varios temas de su nuevo disco

La música que todo el mundo escucha y baila en TikTok se llama ‘budots’ y reivindica a la clase obrera

En un mundo que exige socialmente mostrarse inquebrantable, a veces la verdadera fortaleza reside en poder reclamar el derecho a estar rota, furiosa o confusa. Es un tipo de mentalidad que está siempre merodeando por la música de Pipiolas, una banda que prefiere sacudirse las expectativas ajenas y que canta sin pedir disculpas. Así lo han compartido Paula Reyes y Adriana Ubani este jueves en un encuentro con socias y socios en la redacción de elDiario.es, donde han reivindicado las canciones como un arte que invita a la liberación y que no siempre debe ser un refugio complaciente para quien las escucha.

“Rechazo mucho la poesía relamida porque al final la veo mucho más vacía, lo poético está en la verdad”, ha declarado Reyes. Una verdad por la que Pipiolas ha apostado durante la conversación que ha mantenido con Laura García Higueras, redactora de Cultura. Y, puesto que el dúo no tiene miedo a señalar aquello a lo que se le sigue sin prestar la atención suficiente, ha abordado directamente la dificultad que continúa conllevando ser mujer en el mundo de la música. “Por mucho que se quiera ver que no es así, las mujeres tenemos un techo de cristal en la industria”, ha apuntado la artista.

Con respecto a la cuota que se exige en algunos festivales para asegurar un número determinado de mujeres en el festival, Paula Reyes ha alegado que esta “discriminación positiva” es “lo que hay que hacer”, pero ha optado por poner el foco en el problema sistemática que existe en torno a ello. “Los parámetros que hay hoy en día son estructuras patriarcales educacionales totalmente. No es una cosa de meritocracia”, ha indicado la cantante. “Los gustos son aprendidos y adquiridos. Esto es lo complicado de hacer entender, y la manera de obligar a que encontremos nuestro hueco a partir de cuotas”, ha agregado.

Sin embargo, Adriana Ubani ha puesto el foco en el “arma de doble filo” que suponen las cuotas cuando dejas de ser novedad en la industria como mujer. “Cuando dejas de ser cuota, hay seguramente otra persona a la que pueden utilizar como cuota porque es novedad. Esa discriminación positiva todavía está en que solamente es una cuota y no hay un ejercicio ni una estructura de permanecer en ese espacio que te ha dado la cuota”, ha argumentado la artista. Para ella, esto no soluciona nada de forma permanente: “En muchos espacios te programan por esas razones y, después, si te he visto no me acuerdo. Parece que crean un espacio para gente nueva, pero no hay una estructura que sostenga a las que estuvieron”.

Esta es, además, una conversación que ellas mismas mantienen con otros cantantes del sector. “A nivel interno lo hacemos siempre cuando hablamos con compañeros. No todo se puede reducir a una cuestión de programar a grupos que te gusten y que todos acaben siendo hombres. Hay que pararse a reflexionar de dónde viene esto. Estamos a favor de las cuotas, pero se están empezando a utilizar como un blanqueamiento”, ha reflexionado Paula Reyes. De hecho, no solo es que las mujeres sigan sin haber logrado equidad en los carteles de los festivales, sino que ahora hay una tendencia por parte de grupos masculinos de ponerse nombres femeninos que copan estos carteles.

“No programamos a mujeres, pero un grupo de hombres decide que es lícito ponerse un nombre femenino”, comenta Ubani. “Es como: 'No sé muy bien por dónde va esa narrativa. ¿Es que eres más moderno así? ¿Es que cuela ponerte de cabeza de cartel y que piensen que eres una mujer?'”, ha inquirido la componente de Pipiolas. Reyes, por su lado, ha dicho que les “explota más la cabeza” con las bandas recientes. “Claro que hay grupos que podemos salvar porque cuando se crearon no había esta conciencia, pero ahora, con todo lo que se dice y se señala, no nos entra en la cabeza que haya hombres que decidan coger esos nombres. Esto va en detrimento de ayudar”, ha declarado.

Asimismo, tampoco han podido evitar hacer alusión a las excusas que escuchan por parte de los jefes de festivales. “Te dicen que programan por los números y por lo que vende, pero al grupo de siete tíos que tiene un nombre femenino con 300 oyentes mensuales dudo mucho que lo hayas metido en el cartel por las razones que me estás intentando vender... para no programarnos a muchas mujeres en la industria”, ha contado Adriana Ubani. El dúo, que debutó en 2023 con No hay un Dios, ha publicado este 2026 su disco Pipiolas. Tres años han pasado entre un trabajo y otro, una “factura” que, según alertan, han “tenido que pagar” por haber dejado de ser nuevas en la industria.

“Eres más fácil de olvidar cuando sirves para rellenar un cupo y ya no eres la novedad”, ha apuntado Paula Reyes. “La música necesita pausa y reposar. Fue arriesgado porque éramos nuevas y normalmente se recomienda aprovechar la inercia de un buen comienzo, como fue el nuestro, pero es que no resonaba eso con nosotras. Se han pagado facturas, pero, a partir de ahí, que fuera lo que fuese siempre acorde con nuestra identidad y las decisiones que queríamos tomar”, ha añadido. Ubani ha detallado que “esta generación es la de la inmediatez y estamos acostumbrados a que tres años nos parezcan mucho, pero para la composición de un disco no es tanto”.

En su disco, con temas como No tocar, que han interpretado en la redacción del periódico con unos socios metidísimos de lleno en el concierto, Pipiolas invita a reflexionar sobre la impunidad que existe en los hombres para mirar o incluso tocar a las mujeres ya sea en persona o hasta desde la distancia con mensajes. Hace unos días, el creador de contenido El Xokas acaparó titulares por sus polémicas declaraciones acerca de Ester Expósito en una transmisión en directo en Twitch, afirmando que “no vale la pena” salir con ella “por su pensamiento político”. “Es mejor estar con un 6, te lo aseguro”, expresaba El Xokas, por lo que la canción ha servido para abordar este asunto.

Vivimos en una sociedad en la que las redes sociales tienen tanto valor que cualquier cosa tiene muchísima repercusión

Adriana Ubani — Cantante de Pipiolas

“Qué ganas de que saquen un menú con Ester Expósito”, ha bromeado Adriana Ubani en relación a la colaboración que tenía el creador de contenido con Burger King, que la empresa ha cancelado esta misma tarde por sus declaraciones. “Qué ganas de McDonald's”, ha rematado Reyes. Por su lado, Ubani ha explicado que “vivimos en una sociedad en la que las redes sociales tienen tanto valor y peso que cualquier cosa vuela y tiene muchísima repercusión”. “Al Xokas no lo justifico, es fuerte, pero todo tiene una repercusión que no se puede controlar y que no es la que pretendes que tenga”, ha aludido.

“No considero que sea complicado decir en alto las cosas que decimos porque considero que no decimos las cosas que dice El Xokas”, ha incidido la artista. “Ya me gustaría a mí que dijera algo El Xokas sobre nosotras para devolvérsela”, ha dicho entre risas Paula Reyes. “Pero la mitad de la argumentación que le daríamos no la entendería”, ha sentenciado su compañera. Frente a este tipo de polémicas y las dificultades que hay en la industria musical, la sororidad sigue siendo una de las mejores armas. “Está muy metido en la cabeza esto de que las mujeres nos pisamos”, ha denunciado Ubani para desmentirlo. “Motiva ver a otras mujeres, que se esté empezando a hacer espacio, ha añadido Reyes.

No es fácil ver actuar a Pipiolas. Desde el lanzamiento de su segundo proyecto, muy pocos son los conciertos que han ofrecido. “No nos está disgustando el proceso, pero no solo queremos girar el disco en festivales. Es algo que va a acabar explotando de alguna forma, así que estamos selectivas”, ha reconocido Reyes sobre el auge de estos macroeventos. Por eso, su propuesta en la redacción de elDiario.es, donde también han tocado NaNaNa y Soy una estrella!!!, ha sido única y ha contagiado a los socios. Han sido, como ellas reclaman, escuchadas en vez de consumidas: “La palabra 'consumir' va a favor de reducir lo que se hace a una cosa propiamente de consumo. Al final, no dejamos de ser productos, buscas ser consumido, pero preferimos decir que queremos ser escuchadas”.

Vídeo del encuentro

Podcast del encuentro

Puedes escuchar este encuento en formato podcast, suscribiéndote de forma gratuita en tu plataforma de audio favorita:

El fracaso de Malinche, el musical de Nacho Cano que patrocinó Ayuso: debacle de espectadores y 6,2 millones en deudas

Diego Casado — Tue, 14 Jul 2026 20:01:54 +0000

El concurso de acreedores de su empresa promotora en Madrid revela que el espectáculo no generó ningún año de beneficios y deja una larga lista de afectados por su agujero económico, entre los que se encuentra Ifema, la Seguridad Social, una hija de Amancio Ortega o el empresario David Hatchwell

El musical judicial de Malinche: de la detención de Nacho Cano al archivo de la causa de sus becarios

El proyecto musical que Nacho Cano impulsó en Madrid con el apoyo de las instituciones públicas, Malinche, ha acabado en un rotundo fracaso económico, precedido de un importante descenso de espectadores. Así lo acreditan las cifras publicadas sobre el reciente concurso de acreedores de su empresa promotora y la evolución de la asistencia a sus espectáculos, a la que ha tenido acceso este periódico.

La obra se despidió en marzo de 2025 después de casi tres años en Ifema, la entidad público-privada que acogió el espectáculo desde el año 2022. Su despedida fue una sorpresa porque llegaba después de que sus responsables calificaran de “éxito arrollador” sus dos primeras temporadas, pero las cifras desveladas por El Confidencial hace unos días reflejaban una realidad económica bien distinta: tres años consecutivos de pérdidas y una deuda que se elevaba a los 6,2 millones de euros.

Dos organismos con participación pública han resultado afectados por esta quiebra: Ifema, que acogía las funciones y que tuvo que asumir los costes de desmontaje del musical ante el caso omiso que hizo a sus requerimientos la compañía de Nacho Cano. Solo esta partida supuso 249.260 euros, lo que unido a diferentes impagos por la cesión del espacio y otros conceptos eleva la deuda de la promotora de Malinche hasta casi el millón de euros con la institución ferial, participada en un 62% por Comunidad y Ayuntamiento de Madrid. Además, los números publicados indican que la compañía adeuda 238.000 euros a la Tesorería General de la Seguridad Social.

El resto de principales acreedores son las empresas que otorgaron préstamos a Nacho Cano para el montaje, o compañías con las que tenía acuerdos comerciales, con la sociedad Ferrado QT LLD a la cabeza, propiedad de Sandra Ortega, hija de Amancio Ortega. Tampoco ha recuperado su préstamo efectuado mediante Llapan SL el empresario peruano Carlos Añaños. En cuanto a los acuerdos incumplidos, afectan a Hijos de Rivera (cervezas Estrella Galicia) por la gestión de la barra o Prosegur por la vigilancia.

Todos los ejercicios de Malinche acabaron en pérdidas: en 2023 sumó casi dos millones en negativo, en 2024 se quedó en 1,45 millones y en 2025 el resultado fue de 3,9 millones, siempre según los datos publicados por El Confidencial. Las cifras del último ejercicio conllevan mayor lastre porque se cruzó por medio otro proyecto de Ifema: el trazado del circuito de la Fórmula 1 pasaba por la carpa de Malinche y el inicio de sus obras obligaba al desmontaje. “¡Arrollados por la F1!” escribieron los responsables del espectáculo en redes sociales, al anunciar su marcha, que tuvo lugar a principios de marzo de 2025.

El musical de Nacho Cano ya estaba en ese momento de capa caída en cuanto a su número de espectadores. Después de un arranque prometedor y un buen año 2023, el 2024 sufrió una auténtica debacle respecto a sus cifras iniciales, alcanzando menos de la mitad de público que su mejor año de asistencia. Las oficiales de Ifema, a las que ha tenido acceso Somos Madrid, arrojan 70.855 espectadores durante sus primeros tres meses y medio después del estreno (unos 20.000 al mes), otros 261.488 espectadores en el año 2023 (subió la media a 25.000 cada mes, exceptuando la pausa del verano) y el citado bajón de 114.561 en el 2024 (casi 11.000 en los meses de apertura). No se han publicado datos aún de los dos meses de 2025.

Del apoyo de Almeida al patrocinio de Ayuso

Otro de los aspectos que ha revelado el concurso de acreedores es la lista de personas y entidades que entraron como productoras de Malinche, un musical que la presidenta regional, Isabel Díaz Ayuso, había apoyado explícitamente en su concepción. Entre los nombres que aportaron su capital para sacar adelante el montaje está David Hatchwell, empresario cercano a la líder del PP madrileño, también presidente de la Fundación Hispanojudía. Es citado en el informe de la administración concursal publicado por El Confidencial, a través de dos sociedades: Órdenes&Hatchwell (con 54.000 euros de inversión) y Hatchwell Inversiones Musicales SL (55.700 euros). Ángel Más, presidente de la asociación Acción y Comunicación sobre Oriente Medio (ACOM), relacionada también con Hatchwell, figura como productor con 54.000 euros. Nacho Cano puso otros 52.000 euros en este apartado. La lista se completa con los empresarios Gonzalo Armenteros, fundador de los hoteles Soho Boutique (puso 56.000 euros), Alejandro Baigorri Moreno-Luque (55.800 euros) y el peruano Carlos David Añaños (220.000 euros).

Todos estos nombres apoyaron un proyecto -ahora quebrado- que contó primero con el apoyo explícito del Ayuntamiento de Madrid y luego recibió el respaldo de la Comunidad. El Gobierno de Almeida le ofreció primero a Nacho Cano una parcela municipal en Hortaleza donde el ex de Mecano quería levantar una pirámide azteca de 29 metros de altura y un recinto en el que cupieran 13.000 espectadores. Pese a que el acuerdo con el Ayuntamiento estaba cerrado, el ex de Mecano se echó atrás cuando la negociación saltó a los medios, aunque oficialmente lo hizo por los elevados costes de construcción de la infraestructura. Fue entonces cuando miró hacia Ifema.

El recinto ferial controlado por Ayuntamiento y Comunidad de Madrid ofreció al productor más de 4.000 m2 para acoger el espectáculo, en la línea de otros shows que ya alojaba, y el estreno se planteó para el año 2022. A él acudió Díaz Ayuso, amiga íntima del cantante -ha pasado vacaciones en su lujosa mansión de Ibiza- y que le había obsequiado en 2021 con la gran cruz del 2 de Mayo, una de las mayores distinciones de la Comunidad de Madrid. Entre los favores políticos que recibió Malinche también estuvo la cesión de las instalaciones de Metro de Madrid para su promoción gratuita, en el año 2023.

En paralelo a estos favores, Malinche recibía algunos reveses reflejados en el informe concursal, que habla de un “boicot mediático y político con impacto reputacional, cobertura mediática negativa y pena de telediario”. Se refiere sobre todo al caso de los becarios que acudieron a bailar al musical desde México y los diez meses que pasaron desde la detención de Nacho Cano en el año 2024 hasta el archivo del caso con la exoneración de todas las acusaciones. El administrador también cita el cese del patrocinio de Renfe como otro de los problemas registrados por la empresa, que se produjo después de unas polémicas declaraciones del productor.

La situación del espectáculo en España, quebrado y con un patrimonio de 2,5 millones de euros incapaz de asumir los 6,2 millones de deuda generados, contrasta con la de la misma producción en México, estrenada hace más de un año por el propio Nacho Cano y que acaba de confirmar su segunda temporada después de una primera exitosa en el teatro del Frontón de México DF, con 428 funciones y 235.000 espectadores, según cifras ofrecidas por sus promotores. Sus cantantes arroparon a la propia Isabel Díaz Ayuso durante su último viaje a México, en un acto titulado Celebración por la Evangelización y el Mestizaje en México: Malinche y Cortés, con el que la presidenta de la Comunidad de Madrid quiso mostrar de nuevo su apoyo al musical y este se lo agradeció publicando su imagen en redes sociales y hablando de las “grandes figuras” que acudieron al acto.

El Gobierno de Ayuso desea más espectadores y el PSOE pide explicaciones

Preguntado por las últimas informaciones publicadas sobre el musical, el Gobierno regional ha asegurado que Malinche “no tiene ningún tipo de subvención de la Comunidad de Madrid”. El portavoz Miguel Ángel García, en rueda de prensa este miércoles, ha deseado que espera que este espectáculo “lo puedan ver cuantas más personas mejor”, y ha considerado que “su promotor y productor ha demostrado durante muchos años lo mucho y bueno que ha hecho por la cultura en español”.

Por su parte y ante las nuevas cifras sobre el musical, el PSOE de Madrid ha pedido explicaciones a la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, sobre el “sobrecoste que ha supuesto a Ifema”, Para su portavoz en la Asamblea, Mar Espinar, el espectáculo “ha resultado ser una ruina económica”.

En las mismas declaraciones reclama saber “cuánto dinero ha costado a los madrileños” este espectáculo, además de conocer cuánto costó el viaje a México que “también se utilizó para patrocinar este desastre económico”. “La señora Ayuso tiene que dar explicaciones porque los colegas que tiene son un pozo sin fondo para el erario público”, ha añadido después de comunicar que registraban en la Asamblea de Madrid varias preguntas dirigidas al Gobierno regional para que Ayuso valore el “sobrecoste que ha supuesto a Ifema el musical 'Malinche'” o la inversión pública para su desarrollo.

El sol de Lorde y la luna de Florence guían las constelaciones del Mad Cool

Francisco Gámiz — Fri, 10 Jul 2026 01:55:38 +0000

La segunda jornada del festival de música, protagonizada también por Jennie, Teddy Swims, Charlie Puth y Zara Larsson, ha estado marcada por el pop en todas sus formas

El rock de Foo Fighters ruge en la primera jornada de un Mad Cool que comienza contra Trump y con troleo de Arde Bogotá

Son como la luna y el sol y, sin embargo, ambas podrían convivir perfectamente en el mismo firmamento. Tanto, que parece que las dos controlan sus respectivos astros cada vez que sostienen el micrófono. La primera de ellas, Lorde, jamás había actuado en Madrid hasta este preciso día. No es casualidad, por ende, que el sol se resistiese a abandonar el cielo mientras la artista permaneciera sobre el escenario del Mad Cool, como si el único motivo de su existencia se justificase con iluminarla durante este concierto. Florence and the Machine, en cambio, ya conocía de sobra la luna de la ciudad, por lo que el escondite del satélite no hacía más que añadir misterio a la noche.

Aun así, también había planetas pululando por la segunda jornada del festival: Jennie, esta vez sin sus compañeras de Blackpink girando a su alrededor, llegaba dispuesta a poner el broche k-pop ante su enorme séquito de fans; Teddy Swims, por su lado, buscaba demostrar que el soul que triunfa en TikTok también puede hacerlo en directo; Charlie Puth, por su parte, que “debería ser un artista más grande”, y Zara Larsson, por la suya, que no hay fiesta si no hay pop chicle de por medio. Y cada uno de ellos ha intentado acometer su propósito a su manera —algunos con más fortuna que otros—, pero la sombra de un eclipse se ha cernido sobre ellos en el que ha sido el Mad Cool de Lorde y Florence Welch.

Antes siquiera de que los primeros indicios del atardecer se empezaran a percibir en el distrito de Villaverde, los acordes de Liability ya habían sonado bien alto en el festival. “Van a verme desaparecer en el sol / Todos me van a ver desaparecer en el sol”, ha cantado Lorde en un clásico que alude a una sensación de unidad con el universo. No es ninguna sorpresa: la artista ha dedicado mucho tiempo a comunicarse con la estrella madre. Lo ha hecho a través de cartas y, por supuesto, música. Una música que se adueña de cualquier espacio cuando el mito, esa cantante que evita las redes y escribe a sus fans por correo electrónico según el calendario natural, es quien sale a defenderla.

El concierto de la artista se llenó de magia desde el momento en el que la neozelandesa abandonó a Ella Marija Lani Yelich-O'Connor, la persona detrás de la icono, y se transformó en la guía de las miles de personas que la vitoreaban a escasos metros. Es algo que Lorde hace sin pretenderlo, puesto que siempre se ha esforzado por no ser ese tipo de referente, evitando los focos y el ruido mediático, y optando por vivir lejos de las alfombras rojas de Hollywood tras descubrir lo que conlleva la fama. En el escenario, no obstante, es capaz de cambiar todas las facetas de sí misma. Es lo que hace que uno no pueda cambiar la dirección de la mirada. Todas las pupilas le pertenecen.

“He sido el hielo, he sido la llama / He sido el premio, la bola, la cadena / He sido el dado, la bola mágica”, ha declarado Lorde en la interpretación de su exquisita Shapeshifter, perteneciente a su último disco, Virgin (2025). La canción es uno de sus himnos más recientes, una realidad que se nota cuando la gente recibe el final como la máxima de las confesiones de su ídolo: “No, no me afecta / Pero esta noche solo quiero caer”. Pero la fiesta no podía terminar sin las extraordinarias Supercut o Ribs, esta última interpretada mientras era arropada por la audiencia y daba la mano a los fans de las primeras filas.

El espectáculo de la artista ha estado marcado por las altas temperaturas, pero la religión que ha creado Lorde en torno a su trabajo ha sido suficiente para que cualquier gota de sudor mereciera la pena. “Hace mucho calor”, ha dicho Lorde en un perfecto español. Más adelante, la compositora ha aprovechado para criticar las gafas Ray-Ban Meta, patrocinadoras del festival, que sirven para capturar fotos y vídeos en primera persona, escuchar música y realizar llamadas sin usar las manos. “Cada vez es más difícil saber si algo es real. Ya no sabes si alguien lleva gafas de sol o si lleva esas jodidas gafas de mierda...”, ha alegado. Lorde, la diosa que de adolescente le añadió una 'e' al término masculino Lord para coronarse a su manera, invitó a sus seguidores a rezar... y claro que sus seguidores rezaron.

Sin embargo, si la religión permaneció en el recinto del Mad Cool es porque hubo más de una predicadora. La noche tiene ese sabor al misticismo de la iglesia, ese olor a lo sagrado de los libros. Y la noche tuvo como dueña a Florence and the Machine. La banda, capitaneada por la ya legendaria Florence Welch, ha estado hasta cuatro veces en Madrid, la última siendo en 2022 en el propio Mad Cool. No es de extrañar que apenas necesitaran de las estrellas, ocultas bajo las nubes durante gran parte de su actuación, ya que no hubo instante durante el concierto del grupo que la audiencia no estuviera sumida en una profunda hipnosis.

La sola presencia de Florence Welch sobre las tablas lograba cortar la respiración. Descalza y girando sobre sí misma como si fuese su último día sobre los escenarios, la británica destiló presencia en un espectáculo que calificarlo como tal se queda hasta corto. Lo de la artista es un homenaje a la música en todas sus formas. La inicial Everybody Scream ya era toda una declaración de intenciones: o gritas o gritas. Y no únicamente eso: “Todos a bailar / Todos a cantar / Todos a moverse”. Supuso un espléndido inicio antes de continuarlo con el himno Shake It Out, que todavía en 2026 sigue invocando las lágrimas de quien lo escucha. Así es el torbellino de emociones de la banda.

La cantante brilló con su tema Spectrum, aupada por una preciosa melodía de violín y piano que encendió los ánimos antes de provocar una pura catarsis colectiva durante Hunger, donde miles de personas respondieron al unísono con palmadas. No obstante, la misa de Florence and the Machine no podía acabar sin su respectiva comunión: Welch, dejándose caer de rodillas, se cargó de dramatismo en King para reclamar su trono. “No soy una madre, no soy una novia, soy un rey”, ha asegurado al alcanzar el estribillo de la canción. La devoción llegó a su punto de no retorno en What Kind of Man, un tema que explotó de forma salvaje tras la primera estrofa con un simple rasgueo del batería.

El ritual de la banda se consumó durante la puesta en escena de Rabbit Heart, cuando Welch invitó a los fans a subirse a los hombros de otros, llenando el horizonte de muchas cabezas sobre otras. No importaba que la persona de delante tapase durante varios minutos a la de atrás o que quienes se sostenían no se conocieran de nada, las canciones tienen estas cosas y su sacerdotisa sabía prender la mella de la magia como ninguna otra. Este es el refugio de la música contra la tormenta, y que haya quien lo saque a relucir con tanta proeza la misma jornada en la que ocurre el fallecimiento de la mítica Bonnie Tyler lo hace aún más valioso.

Un artista más grande

Canta Taylor Swift en The Tortured Poets Department (2024) que “Charlie Puth debería ser un artista más grande”. Como si quisiera demostrarlo, el cantante salió tras el teclado dispuesto a jugar con él como si se tratara de una mesa de mezclas. Es poco común ver a grandes estrellas cantar con las gafas de vista, pero el estadounidense parecía no querer perderse ni un solo detalle de lo que ocurría en el foso. Tras apenas un tema, se puso una gorra para afrontar el calor y recordó que, en efecto, había “pasado mucho tiempo” desde su última visita a la capital. En concreto, una década. Pese a ello, el público coreó de memoria su memorable We Don't Talk Anymore y respondió complacido a su show.

Menos gracia tuvo el espectáculo de Jennie, aunque no precisamente por su enorme producción. La integrante de Blackpink, uno de los reclamos más fuertes de la jornada, otorgó un concierto que quedará pronto en el olvido fuera de su base de fans. Apenas se la escuchó, con los coros sonando a todo volumen, y a sus bailes les faltó autenticidad. Era difícil creer lo que veías y no por admiración, sino por la pretenciosidad que derrochaba. Los fans, eso sí, hacían que el plato fuera más digerible gracias a su increíble pasión. La mayoría acudió con un martillo de corazón y estrellas, un tipo de barra de luz que se ha convertido en un accesorio fundamental para los seguidores de la banda, que utilizaron para iluminar el recinto.

El día también acogió el soul contemporáneo de Teddy Swims, soberbio en directo al desnudar su voz en la balada Some Things I’ll Never Know, y la purpurina de Zara Larsson. Esta última, ya considerada una diva del pop, se subió a un coche rosa sobre el escenario, se hizo un selfie con la multitud a sus espaldas y se escudó en sus coreografías para divertir a la audiencia. Aunque su fenómeno solo ha explotado en España con una o dos canciones, casi todo el público —y no había precisamente pocas personas— tarareó todos los temas, incluso los que no lucían interesados en su espectáculo —un ejemplo de la gran cantidad de asistentes extranjeros, que se encamina a alcanzar el 40%—. Ambos también dejaron huella como constelaciones del Mad Cool, que no han tenido mejor guía que la luz del sol y la luna de Lorde y Florence and the Machine.

Pablo Und Destruktion: “Hay identidad en la casita de Bad Bunny, pero ninguna conciencia de clase”

Francisco Gámiz — Sun, 05 Jul 2026 19:42:05 +0000

El músico y psicólogo social desentraña cómo la industria del pop de masas utiliza las canciones para jugar con nuestras emociones, destacando su importancia en la política y el relevo que ha intentado coger a la religión

Entrevista - Pepe Viyuela: “Las redes sociales ahora son tabernas infames donde lo mínimo que encuentras es un navajazo”

Antes, los pueblos antiguos subían a altares de piedra para arrancar corazones a sus enemigos y así ganarse el favor de sus dioses. Ahora, regalamos “corazoncitos” virtuales en la pantalla de nuestro móvil con la esperanza de que Internet nos devuelva un poco de cariño y nos cure la soledad. La reflexión la hace Pablo García (Gijón, 1984), musicalmente conocido como Pablo Und Destruktion, que lleva más de veinte años recorriendo carreteras con su guitarra a cuestas como trovador, pero a la vez es psicólogo social y ha estado dos décadas estudiando cómo funciona nuestra imaginación. Un análisis que le ha hecho darse cuenta de que, por mucho avance tecnológico que haya, los humanos seguimos respondiendo a los mismos rituales y miedos de siempre.

El también escritor ha plasmado todas estas reflexiones en Música de carne: Pop, seducción y sacrificio, una obra que invita a mirar la música de una forma totalmente distinta. No como un simple entretenimiento para bailar, sino como la herramienta de control mental más antigua que existe. Pablo Und Destruktion indaga en cómo la industria del pop de masas utiliza las canciones para jugar con nuestras emociones, engancharnos a través del cerebro y exprimir nuestro tiempo. Pero no solo eso: también la relevancia de la cultura en la política, el relevo que ha intentado coger a la religión y la cada vez mayor falta de conciencia de clase entre los artistas.

¿Cómo la tecnología ha ocupado el lugar que antes tenía, por ejemplo, la religión?

La canción esotérica trata de conmoverte por medio de la apertura de tu corazón, por el sentimiento. Cuando te conmueve, produce esa apertura. Pero una nana ya no está para dormir a un niño por medio de entrar en él y conseguir ese truco de magia. Ahora, una nana está para tener muchas reproducciones y mucha repercusión. La lógica cambia progresivamente hasta acabar siendo la de la tecnología, que tiene sus propios planes, como estamos viendo ahora con el desarrollo de las inteligencias artificiales. Es como construir una segunda naturaleza. Sin entrar en un juicio moral de si es bueno, malo o regular, nos permite estar hablando de estas cosas y volver a replantearnos qué conexión sutil y natural existe que nos conecta a todos sin falta de Internet.

¿Las nanas solo sirven ahora para hacer dinero?

Bueno, es que la música popular hasta hace muy poco sí era popular, realmente venía de abajo y, en todo caso, podía llegar hasta arriba cuando algún gran artista recopilaba canciones populares y hacía un disco como Johnny Cash, que de repente se internacionaliza y se vende por todo el mundo. Ahora, en cambio, se propone como música popular aquella que viene de arriba y va hacia abajo. La cuestión es visibilizar el poder que tiene la canción para con uno mismo y para con su entorno, sin necesidad de enmarcarla en un contexto ni político, ni mercantil, ni social. Se trata de ver cómo la canción transforma en ti y en tu entorno la percepción de la realidad.

La izquierda ha tenido más presente la importancia del control cultural que la derecha, que ha dejado ese poder cultural a la religión

Pablo Und Destruktion — Músico y escritor

La música es poderosa en la política.

Los políticos se pegan por controlar la cultura, como vimos hace unos días con Pedro Sánchez corriendo para ir al Primavera Sound. Y es importante porque genera amores y, por lo tanto, amos. Y tanto unos como otros, de un lado o de otro del espectro político, forman parte de un proceso que es mucho más orgánico. La izquierda sí ha tenido muchísimo más presente la importancia del control cultural que la derecha, que ha estado más torpe porque ha dejado ese poder cultural a la religión. Lo hemos visto estas semanas de Papa en Madrid y Primavera Sound.

Hay como cierta convergencia entre determinados postulados de la izquierda cultural y de la religión católica. Ahora parece que convergen porque tanto unos como otros quieren utilizar la idea del bien para gobernar y, de esta manera, decidir quiénes son los malos para poder así pastorear. A mí me parece interesante la cultura independiente, la cultura popular, lo contracultural, aquello que trata de salir de estas tendencias tan moralistas en el uso de la cultura. Normalmente, siempre que te dicen “esto es lo bueno”, es la antesala de que te digan “esto es lo malo, atácalo”. Si no quieres vivir en esas guerrillas, está bien utilizar todas las posibilidades que te da la música como canalización de tu propia ira, para luego poder relajarte como algo meditativo, como creación de lazos con personas con las que realmente quieres tenerlos.

Si la derecha ha tendido más a la religión, ¿cómo se explica el auge de la religión en la cultura?

En el acercamiento a lo religioso, como siempre, hay una parte sincera y otra que es de ampliación del campo de batalla mercantil y de meterse en parcelas en las que no se había atrevido a meter. Primero hubo un revival mágico, todo este rollo witch presente en Lady Gaga, Marina Abramović y tantísimos artistas de las últimas décadas. Pero, cuando eso ya empieza a estar agotado, te metes en el catolicismo para utilizarlo y transformarlo. También el catolicismo tiene esa capacidad: acogió a los dioses paganos y los integró dentro de su seno. Y ahora lo hace también con esto, por eso es una institución que sobrevive durante tantos siglos. Lo ideal de este revival mercadotécnico de lo religioso, más allá de los intereses mercantiles, es que traiga de vuelta lo verdaderamente artístico.

¿Falta más conciencia de clase en las canciones?

La conciencia de clase no es identidad de clase. Hay mucha identidad de clase, pero falta conciencia. Por ejemplo, Bad Bunny y la casita. Hay identidad de clase, pero, ¿qué conciencia de clase hay? Ninguna. Todo lo contrario, y ese es el problema de las identidades. Las identidades sirven para hacer exactamente lo contrario de lo que dicen. Si no hubiera sido por esta trampa de lo identitario, sería imposible algo como lo de la casita de Bad Bunny. La conciencia no es identidad, sino darte cuenta de que formas parte de un engranaje productivo en el que, organizándote colectivamente, puedes intervenir en él.

Una canción con conciencia de clase es una canción que llame a la huelga, por ejemplo, y que haga que esa huelga se realice para lograr una intervención directa en el sistema productivo. Y eso sí que falta. Más allá de la canción con conciencia de clase, un acercamiento artístico con conciencia de clase es el que hace que los sellos independientes sean verdaderamente independientes. Ahora casi nada lo es realmente porque llegas a distribuidores que no son independientes y no te queda otra que obedecer a fuerzas imperiales. TikTok, Instagram y Spotify lo son. ¿Uno puede mejorar las condiciones de la clase trabajadora de su comunidad si su comunidad es sierva a nivel internacional?

El hackeo del poder político está en salir de las lógicas que vienen dadas por otros y que nos dicen quién es el malo y a quién tenemos que atacar

Pablo Und Destruktion — Músico y escritor

¿Hasta qué punto Silicon Valley controla lo que escuchamos?

De una forma evidente, por eso vemos cómo todas las ideologías han cambiado desde que la tecnocracia ha entrado a jugar. La forma de salir de la polarización es entender que esa polarización no es más que el código binario de ceros y unos. Se ha utilizado la hipersensibilización de un espectro de la sociedad para que la izquierda abandone luchas obreras concretas, cohesión comunitaria basada en el trabajo y en el vecindario real, e ir así metiendo luchas identitarias para luego dárselas a la ultraderecha. Es lo que está haciendo ahora que en Francia uno de los mayores grupos de ultraderecha se llame Generación Identitaria.

La lucha por las identidades siempre es una lucha que va a favorecer a la derecha nacional, a la derecha étnica, que es al fin y al cabo la que están apoyando los tecnócratas. Tanto aquellos de Meta, que tienen una orientación más sionista, como Elon Musk y compañía, que tienen una orientación más propia del apartheid sudafricano, el supremacismo blanco y el imperialismo angloamericano. En el fondo son dos caras de la misma moneda. La cuestión es que tienen un monopolio tan grande que ya es imposible no llegar hasta el final del relato que nos han planteado. El hackeo de ese poder político está precisamente en salir de las lógicas que vienen dadas por otros y que siempre nos van a decir quién es el malo, a quién tenemos que atacar y de quién tenemos que tener miedo.

¿El devenir de la cultura siempre va a estar condicionado por lo que ellos decidan?

Siempre van a ir apareciendo personas que son conscientes de esos procesos y que luego son martirizadas y sacrificadas, como ha pasado a lo largo de la historia con múltiples figuras. La de Cristo es bastante evidente, pero con muchos revolucionarios ha ocurrido lo mismo cuando han sido capaces de generar el no imperio. El imperio es la voluntad de poder, de economía y la sed de sangre, mientras que el no imperio es lo que trata de resistir a esa deriva que trasciende lo ideológico, lo religioso y los siglos.

Ahora lo tenemos delante de los morros y lo estamos viendo, puesto que la corrupción política trasciende la ideología y la sed de sangre trasciende los imperios. Es una fase muy apocalíptica en la que estamos viendo el horror del poder político en todo su esplendor. Nunca se va a ganar, porque si se gana, entonces eres imperio. Entras dentro de la lógica imperial, como ha ocurrido mil veces. Entonces te corrompes y acabas montando la marimorena.

¿El silencio puede ayudarnos entre tanto ruido?

A mí me gustaría, y lo digo para pedírmelo a mí mismo para Reyes Magos. En el silencio habita un tipo de conocimiento que no está en otro lado, que no está ni los libros ni en los reels ni en los pódcasts ni en los gimnasios. Está única y exclusivamente en el silencio, y para tener ese silencio necesitamos tener la voluntad de no atender al resto de reclamos. Ese es el verdadero empoderamiento: que por mucho que te llamen, que por mucho que te chantajeen los medios de comunicación para que ames u odies a tal, seas capaz de conquistar ese centro de gravedad permanente. Es un silencio de ser consciente de ese centro y mantenerlo independientemente de los bombardeos ajenos que tengamos.

Luego, por supuesto, tratar de ir creando espacios seguros más allá de lo eclesiástico para que pueda haber ese tipo de escucha. Los pequeños conciertos, el underground y la música independiente es eso. No necesito gente, no necesito la gran fiesta. Puedo ir a ver un concierto para 15 personas, estar tranquilo y salir renovado y conmovido. La obra de arte puro todavía tiene la capacidad de llevarte a un lugar mental o espiritual en el que hay ese silencio, esa parada.

Vuelve Nosoträsh, uno de los emblemas del Xixón Sound, para tocar en la fiesta de 30 años de Contempopránea

elDiarioes Cultura — Fri, 03 Jul 2026 11:38:51 +0000

El grupo participará en un evento de aniversario del festival que se celebrará los próximos 21 y 22 de agosto en Alburquerque, junto con Meteosat y La Habitación Roja

Madonna, la 'reina del pop' que lanza disco siete años después: “Ella augura el futuro y el público obedece”

Contempopránea regresa a sus orígenes para celebrar sus 30 años con una fiesta pequeña en Alburquerque (Badajoz), justo donde empezó todo, y lo hace con la vuelta de Nosoträsh a los escenarios. El que es uno de los festivales de música independiente y pop más veteranos de España organizará un evento llamado CPOP los próximos 21 y 22 de agosto para celebrar su aniversario, que no ha querido perderse una de las bandas que lideró en la escena indie en los años 90 y que fue pionera del Xixón Sound.

El evento, fuera del marco de la edición del festival de este año, tendrá lugar en el Paseo de las Laderas, que se prepara para acoger un pequeño concierto único y exclusivo de la banda. Es el lugar donde el grupo actuó por última vez en el festival en su edición de 2015, e interpretará entre cuatro y cinco canciones, pero no será un regreso al uso o el inicio de una gira. La organización ha destacado que “es una reunión puntual para celebrar los 30 años de un festival con el que siempre han compartido una historia y una forma de entender la música”.

Fundado en Gijón en 1993, Nosoträsh irrumpió con fuerza en la escena nacional tras ganar en 1995 el prestigioso concurso de maquetas de la revista Rockdelux, donde ya aparecía uno de sus primeros himnos, Voy a aterrizar. Su debut discográfico, Nadie hablará de... Nosoträsh (1998), fue reconocido como uno de los discos más importantes del pop independiente español y consolidó al grupo como uno de los nombres de referencia de su generación.

Su regreso a los escenarios supone la guinda del pastel para una fiesta que pretende mirar la música más allá del mainstream. Agustín Fuentes, director de Contempopránea, explica a elDiario.es que el propósito de la fiesta es “recuperar la esencia del festival”: “Vamos a volver a los orígenes y a celebrarlo de manera muy alternativa. Lo típico hubiese sido llevar a las bandas que están en todos los festivales, pero me apetecía más buscar el lado más esencial del indie de la actualidad, con pinceladas de bandas que ya no están y que significaron mucho para el festival”.

Asimismo, destaca que “CPOP 30 no es un festival más de los más de 1.200 festivales que existen en España”, puesto que “será una celebración íntima, con aforo reducido y un cartel acorde al espacio y a la población que lo acoge”. “Volvemos al formato que definió la identidad de Contempopránea en 1996. Una apuesta por la escala humana, por la cercanía y por un encuentro donde el patrimonio histórico y la música dialogan sin interferencias”, señala la organización.

Un festival que siempre buscó ser la alternativa

A la fiesta también se sumará Meteosat, una banda fundamental en la música española a finales de los años 90 porque impulsó la popularización del indie pop. El grupo rompió con la hegemonía de las bandas que cantaban en inglés y creó un estilo desenfadado que fusionaba el tecno-pop, la electrónica y el pop-punk. Pero el aniversario cuenta con más invitados, como Miguel Rivera (Maga), Julien Elsie, Apartamentos Acapulco y La Habitación Roja.

“Otra vez, 30 años después, tenemos que volver a hacer la alternativa, porque hace 30 años, cuando nosotros irrumpimos en la escena musical con ese tipo de bandas que no tenían visibilidad, ayudamos a darles exposición en un momento en el que ya existía el mainstream”, señala Agustín Fuentes a este periódico. Para la fiesta habrá camping y zona de autocaravanas gratis junto a la piscina del pueblo, y las entradas ya están a la venta.

Además, habrá descuento para quienes también vayan a la presente edición de Contempopránea Don Benito, puesto que esta fiesta no es la edición que el festival tiene preparada para este año. El festival como tal se celebrará los días 16 y 17 de octubre con artistas como La M.O.D.A., Nena Daconte, Carlos Ares, Sexy Zebras, Veintiuno, Barry B, Depedro, Elyella o Ultraligera, entre otros.

Madonna, la 'reina del pop' que lanza disco siete años después: "Ella augura el futuro y el público obedece"

Laura García Higueras — Thu, 02 Jul 2026 20:02:34 +0000

La cantante lanza su 15º álbum de estudio, 'Confessions II'. "Siempre mostró su deseo como herramienta de poder y de liberación; y a ella misma como mujer ambiciosa dentro de la industria. Eso ha roto muchísimos esquemas", valoran dos expertos

RTVE ficha a Dani Martínez, que sale de Mediaset para presentar el nuevo concurso musical 'Hitster'

Madonna tenía 24 años cuando lanzó su primera canción en solitario, Everybody. Era 6 de octubre de 1982, fecha que cambiaría para siempre la historia de la música. Nacía la que terminaría convirtiéndose en la 'reina del pop'. Soberanía que su majestad mantiene más de cuatro décadas después en las que, con ahora quince álbumes de estudio a sus espaldas, ha compuesto himnos como Like a Prayer, Like a Virgin, Vogue, Hung Up y La Isla Bonita.

Pero su legado no se ha limitado únicamente a su talento como artista. Madonna rompió los moldes del mainstream, transgredió a nivel sexual, tomó las riendas de toda su corporalidad y look, y dio visibilidad al sida cuando era un tabú envuelto en estigmas, ha desafiado al Vaticano y ha subido la bandera palestina al escenario de Eurovisión en Israel.

“Siempre ha abierto camino”, afirma Eduardo Viñuela, Doctor en Musicología y autor de la biografía Bitch She's Madonna (Dos Bigotes). Un camino que sigue ampliando con el lanzamiento de su nuevo disco, Confessions II, este viernes, siete años después del anterior, a punto de cumplir 68.

“Está haciendo algo que no ha hecho nadie, que es envejecer siendo mujer en un género musical como el pop. No estamos hablando de una artista de country, ni de blues, ni de jazz, sino del pop, que siempre se asoció a la juventud”, valora el experto, que incide en que la cantante ha sido y es diana de edadismo: “Se le ha criticado mucho, cuestionando que por qué no se retira; que además tiene un componente de género, porque desde luego no es algo que le digan a Bruce Springsteen”.

Leyre Marinas, publicista y Doctora en Periodismo, analizó en Fucked Feminist Fans. Los orígenes del #MeToo desde la cultura pop musical (Dos Bigotes) las conexiones que han existido en los últimos treinta años entre la música, los movimientos feministas y el sexismo divulgado por los medios de comunicación, en las que Madonna cuenta con su propio apartado.

Para la investigadora, la artista “ha sufrido y sufre todas las normas de vigilancia y control sobre absolutamente todo lo que pueda atravesar a cualquier mujer. Ya sea por edadismo, su sexualidad, su talento, sus creaciones, su poder dentro de la industria musical y su influencia. Las críticas siempre han sido sexistas. No encontrarás a ningún hombre del pop, rock o cualquier otro género al que le digan 'deja de ocupar este espacio'”.

La doctora en periodismo incide en que desde el inicio de su carrera, la artista “obligó a que la sociedad se hiciera preguntas muy incómodas dentro del papel de las mujeres en la industria musical y los videoclips. Mostró su sexualidad sin estar subordinada a la mirada masculina. Siempre enseñó su deseo como herramienta de poder y de liberación; y a ella misma como mujer ambiciosa dentro de la industria. Eso rompía muchísimos esquemas”. “Su gran aportación fue demostrar que las mujeres podían llegar al poder y al éxito”, suma.

El intocable trono de la 'reina del pop'

Desde que Madonna fuera apodada como la 'reina del pop', la industria musical ha contado con un radar particular sobre quién sería su digna sucesora, creando una necesidad de relevo, realmente inexistente, fruto de la competitividad entre las mujeres impuesta por patriarcado y capitalismo. Sin embargo, ella ha ido a la contra, poniendo el foco en generar precisamente lo contrario.

“Desde los ochenta le ha perseguido ese buscar a la siguiente reina para cuando hiciera falta el relevo generacional. Mientras tanto, ella ha reivindicado la unión y validación a las figuras del pop de cada momento”, apunta Eduardo Viñuela, haciendo referencia a su apoyo a Christina Aguilera, Britney Spears, Nicki Minaj, Sabrina Carpenter –con quien tiene una colaboración en su último disco–, Arca y Charli XCX.

“En vez de rivalidad, está creando sororidad”, añade el experto, que aplaude que a su vez ponga en valor a figuras del pasado, como Tamara de Lempicka y Liza Minnelli.

Leyre Marinas comparte su valoración, aplaudiendo que en ese 'ir por delante', Madonna ha sabido incluso “sacarle partido al jugo que podía haber en esa construcción cultural de la competitividad entre mujeres, de 'peleas de gatas'”, y cita como el gran epítome el icónico beso que se dio con Britney Spears en la gala de los MTV Awards celebrada en 2003.

“Fue un diálogo generacional. Una actuación plagada de safismo. No solo fue una provocación mediática, sino una transmisión simbólica de la reina del pop a su heredera. Ahora estamos más acostumbrados a ver colaboraciones y halagos entre artistas, pero en su momento rompió con ello bastantes esquemas”, reivindica.

El poder político de Madonna

Más allá del éxito de su música, Madonna siempre ha llevado el significarse políticamente por bandera, que en numerosas ocasiones ha derivado en polémicas. Uno de sus grandes hitos fue dar visibilidad a la lucha contra el sida en los ochenta, rompiendo por completo con el tabú que suponía en ese momento. “Fue un gran altavoz de este problema en un momento en el que estaba muy escondido”, recuerda y menciona otros hitos controvertidos como sus enfrentamientos con el Vaticano. “Al mercado no le interesa mucho cuando alguien mete mucho el dedo en la llaga, pero le ha dado igual”, explica.

El videoclip de Like a Prayer, que culminaba con la cantante bailando rodeada de cruces en llamas fue dio mucho que hablar en 1989, al que siguió que, un año después, Madonna llegara a ser amenazada por la Policía. Varios agentes le advirtieron de que si volvía a simular una masturbación durante su interpretación de la misma canción en un concierto en Canadá, sería arrestada por escándalo público. Por supuesto su reacción fue hacerlo aún con más empeño que sus actuaciones previas.

En su 'idilio' con la Iglesia faltaría sumarle el lanzamiento de la canción Papa Don't Preach en 1986, en el que hablaba sobre una adolescente que decidía seguir adelante con su embarazo, y que durante su tour internacional en 1987, dedicó al papa Juan Pablo II, que la institución entendió como una provocación directa, ofensiva e irrespetuosa.

En 2019 protagonizó otro momento histórico, esta vez sobre el escenario de Eurovisión. Con Israel como sede del concurso, la cantante incluyó en su puesta en escena a dos bailarines subiendo una escalinata cogidos de la mano, con la bandera de Palestina e Israel cosidas en la espalda. “La música hace que la gente esté unida”, había dicho la artista durante la gala. El gesto no gustó en el país anfitrión, cuya ministra de Cultura calificó de “error inapropiado”.

Madonna volvió a significarse sobre el genocidio en Gaza. De hecho, incluyó un alegato en su gira mundial de 2023. “Podemos unirnos de una forma oscura y malvada, o podemos unirnos para crear un espacio de luz y amor. Y si todos tenemos esta conciencia colectiva, podremos cambiar el mundo y traer paz no solo a Oriente Medio, sino a todo el mundo”, expuso durante sus shows.

“No se ha valorado nada político de lo que ha hecho”, critica Leyre Marinas, mencionando el citado beso con Britney Spears, pero también en su reivindicación de la sexualidad femenina, el feminismo en sí, la visibilidad sobre el colectivo LGTBIQ+ y rechazo al racismo. La Doctora en Periodismo considera que muchas veces la sensación de 'polémica' haya “eclipsado a veces el contexto sociocultural y político en el que han ido sucediendo”, empezando por el marco que acompañó el lanzamiento de cada uno de sus discos, que provocaron que discos como Erotica (1992) fuera todo un escándalo.

Leyre Marinas critica que hasta hay quien ha leído sus polémicas como “incluso individualistas, o meras provocaciones de una artista que se ha subido a un escenario con un talento y éxito mundial, y que, sin embargo, no se le ha tomado en serio”. La investigadora apunta que “ocurre siempre como reacción a cualquier acción de mujeres o colectivos discriminados, que parece que pasan sin pena ni gloria, pero han funcionado igualmente como intervención cultural, de representación y visibilidad”. “Esto también ayuda mucho a entender por qué Madonna sigue siendo una figura imprescindible dentro de la historia del pop y de la industria del entretenimiento en general”, concluye.

La capacidad de “augurar” el futuro

La cantante publica este viernes Confessions II y hay una sensación generalizada de que el final de su carrera quede aún muy lejos, también para ambos expertos. “Madonna augura el futuro y el público obedece. Da igual hablar de la industria musical, la estética o el apoyo público a comunidades discriminadas; ella siempre ha ido un paso por delante de las mortales y es la que guía”, alaba Leyre Marinas.

Eduardo Viñuela destaca que en su nuevo trabajo podría haber optado por acercarse a “la línea de lo que se escucha, quizás algo más de reguetón, pero lo que está haciendo es reivindicar la música disco”. Madonna sorprendió a sus fans con un concierto sorpresa en Times Square presentando su disco a principios de junio, del que también adelantó un cortometraje de trece minutos, Confessions II - The Film, disponible en YouTube.

“En un momento en el que todo es muy fugaz y líquido, en el que todo son eras que pasan muy rápidamente, solo hay que ver cómo Taylor Swift o Rosalía cambian cada dos años de concepto; ella se mantiene en una línea que ha estado muy presente en su carrera”, considera, “todavía le quedan muchas cosas por decir, y eso que ya todo lo que lleva haciendo muchos años está por encima de lo que se podría esperar de un artista”.

El drama del solapamiento de conciertos en los festivales: pagar por grupos que no podrás ver

Francisco Gámiz — Sun, 28 Jun 2026 20:09:56 +0000

La incorporación de numerosos escenarios en los macroeventos musicales provoca que el público no pueda disfrutar de todo el cartel por el que compró su abono: “Es como si te vendiesen una entrada para un partido de fútbol en el que solo puedes ver una portería”

Festivales a los que no les salen las cuentas: una veintena han sido cancelados este año por problemas de viabilidad

Llevas meses ahorrando, pagas los más de 150 euros que cuesta el abono de ese festival de verano al que tantas ganas tenías de ir y por fin sostienes la entrada en tu mano. El cartel promete a varios de tus artistas preferidos en un solo fin de semana y todo parece idílico. Sin embargo, unas semanas después, llega el jarrón de agua fría: la organización publica los horarios y las dos bandas por las que decidiste gastar el dinero tocan exactamente a la misma hora en dos escenarios situados en puntas opuestas del recinto. Se trata del temido solapamiento de conciertos, un drama frecuente en eventos de gran envergadura.

La música en directo ha pasado a encontrar su principal plataforma en los macrofestivales. Los más importantes de nuestro país llegan a incluir a más de 100 cantantes en su cartel, una cifra astronómica para únicamente tres o cuatro días de actuaciones que solo se logra llevar a cabo con la incorporación de varios escenarios, donde los intérpretes actúan a la vez. No obstante, hay quien lo considera incluso una “publicidad engañosa”. Entre ellos, Fran Checa, investigador de la Universidad de Almería, quien ha investigado el fenómeno de los festivales como reflejo de los nuevos paradigmas de ocio: “Te hacen la promesa de que podrás ver a tus 20 artistas favoritos y luego es imposible materializarla”.

“Es como si te vendiesen una entrada para un partido de fútbol en el que solo puedes ver una portería”, alega el experto a elDiario.es, declarando que un cartel de nombres infinitos supone que no exista la “posibilidad real” de que puedas disfrutar de todos ellos. Aun así, el comprador solo tendría derecho a reclamar la devolución del dinero en el caso de que el festival no hubiese informado de que ofrece shows simultáneos. Rubén Sánchez, secretario general y portavoz de Facua-Consumidores en Acción, advierte que “lo que ocurre es que, muy habitualmente, no te aclaran desde el principio quién va a actuar un día o quién va a actuar el siguiente”, siendo esta la clave del descontento.

De hecho, muchos festivales utilizan la táctica de poner a la venta las entradas sin anunciar a todos los artistas, empleando la supuesta baza de que quedan nombres fuertes por anunciar. “Crean hype y provocan que la gente compre con la expectativa de que puede que venga gente muy potente, pero igual no la acaba habiendo y se han gastado una pasta en una entrada”, dice Sánchez. “No han sido objeto de ningún fraude porque no les han dicho quiénes iban a ser los artistas, por lo que no están incumpliendo ninguna promesa, pero el consumidor tiene que poner pie en pared y frenar tomaduras de pelo de este tipo”, añade el principal responsable de Facua a este periódico.

El solapamiento en los conciertos se ha normalizado tanto que ha pasado a ser “parte de la experiencia”, como indica David Saavedra, periodista musical y escritor del libro Festivales de España (2022). Y no es reciente: ya en 1998, recuerda que le coincidieron la banda James y Sinead O'Connor en el Guinness Fleadh, que fue un importante festival de música irlandesa. “Ves el cartel con un mogollón de letras y te vuelves loco asimilando todo lo que hay. Es evidente que sabes que no lo vas a poder ver todo”, comenta. “Cuando iba al Primavera Sound, parte de la experiencia previa sucedía cuando se publicaban los horarios y alguien hacía un excel en el que se veía quién coincidía con quién”, afirma, reconociendo que ver los solapamientos que iba a haber ese año era casi como algo consustancial al festival.

Sin embargo, detalla que ese ritual era algo propio de los “frikis de la música”, que han pasado a ser una minoría en estos eventos. Ahora, los macrofestivales también triunfan por la experiencia que venden y no solo por los cantantes que componen su programación. No todo el público decide estar atento a los conciertos, ya que hay gente que se monta en las atracciones, se toma algún cóctel en las numerosas casetas del recinto u opta por disfrutar del ambiente. “Ha cambiado la mentalidad del público en ese sentido”, apunta Saavedra, pues hay quien “ya no se deprime tanto por el hecho de que coincidan dos de sus artistas favoritos”.

Un festival sin solapamientos

El problema se agrava porque la oferta de grandes artistas nacionales e internacionales se ha concentrado en estos eventos, por lo que los fans se ven obligados a asistir a los festivales para verlos y a compartir espacio con personas que no están realmente interesadas en muchas de las actuaciones, algo que antaño era lo fundamental de la cita. David Saavedra apunta que, en la actualidad, “a la mayoría de los grupos importantes solo los puedes ver en un festival”: “No vienen a España a tocar en salas o pabellones porque, desde hace muchos años, los festivales los contratan en exclusiva y la única opción es verlos allí”.

Aunque los solapamientos se han convertido en la base de los grandes festivales, lo cierto es que sí podría ser posible un evento de esta índole sin que haya diversas actuaciones a la vez. El quid del asunto reside en que no siempre existe interés comercial en llevarlo a cabo, ya que la burbuja de eventos obliga a las promotoras a competir mediante la acumulación masiva de artistas. En las dos primeras ediciones del Festival Internacional de Benicàssim (FIB), por ejemplo, no hubo coincidencias porque solo se montó un escenario. Por su parte, el Visor Fest, un festival de música de los años 80 y 90, está diseñado para quienes desean disfrutar sin solapamientos y sin correr de un escenario a otro.

Asimismo, hay otros modelos que demuestran que es perfectamente viable programar sin coincidencias con dos escenarios. Así lo ha hecho el Vodafone Paredes de Coura, en Portugal, desde su edición de 2024. El festival ha alternado el escenario principal y el secundario de manera que, cuando un concierto termina, el del otro escenario empieza de inmediato. Esto no solo permite al espectador ver todo el cartel sin perderse nada, sino que da a los técnicos el tiempo necesario para montar y probar los instrumentos de la siguiente banda mientras la otra está tocando.

En el caso de que sí se quieran utilizar más de dos escenarios, lo ideal sería que el festival mostrase la programación en el momento en que los abonos se ponen a la venta. Pese a que a nivel de producción sea difícil saber los nombres y fechas completas demasiado tiempo antes, David Saavedra valora que, “por contrato, es factible que se pueda saber con muchos meses de antelación la hora en la que va a tocar cada grupo”. No obstante, el experto alega que “probablemente se guarde el secreto para que no haya quejas y la gente no quiera devolver las entradas”.

Los nuevos “consumidores de bufé”

La masificación de los festivales ha transformado radicalmente el consumo cultural, haciendo que se asemeje al estilo de un bufé: estás 15 minutos en un concierto y corres al siguiente para no perderte nada. “Tener más posibilidades de elección genera la paradoja del consumidor de no saber si has elegido la mejor o la peor opción, ocasionando más estrés y ansiedad y quedando siempre insatisfecho”, cuenta Checa, que sostiene que esto se debe a la “factorización de la cultura”. “Habla muy mal de los tiempos en los que vivimos y de cómo consumimos cultura de forma voraz. Es como pasar de un reel a otro y otro. He visto a gente ir a un festival, grabar un vídeo e irse”, dice.

El público que huye de la masificación puede buscar refugio en el circuito de las salas de conciertos, que son las que realmente han sostenido a los artistas locales, pero estos recintos viven una situación de extrema debilidad económica. Saavedra explica que “las salas están en una situación de tal precariedad que no pueden competir con los festivales”, en tanto que “los costes de una gira de este tipo son tan grandes que van a salir perdiendo porque no dan los números”. Esto desencadena que los promotores tampoco se atrevan a llevar a sus cantantes de gira por salas, apostando en su lugar por los macrofestivales.

La verdadera salida, según comenta Fran Checa, está en la resistencia del público exigiendo “espacios más amables”. “La solución es intentar ser lo más sostenible posible y generar espacios verdaderamente respetuosos para todos: para los trabajadores, para los artistas y para nosotros como público”, afirma el experto, que recalca que se debe seguir apostando por “espacios en los que no prime la lógica capitalista y mercantilista”. Para él, “la esperanza es generar iniciativas interesantes que, aparte de cuidar el medio ambiente, cuiden también los espacios comunitarios y tengan transparencia económica”.

Hidrogenesse felicita el 87 cumpleaños a Álvaro Pombo con su nueva canción ‘Yo dije la verdad’

Francisco Gámiz — Tue, 23 Jun 2026 10:08:25 +0000

El icónico dúo, que ya celebró el año pasado la efeméride del escritor cantando una de sus poesías, publica el tercer avance de un disco que homenajea su literatura

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Álvaro Pombo cumple hoy 87 años y el icónico dúo de pop electrónico Hidrogenesse ha puesto la guinda del pastel a la celebración. Lo ha hecho con el lanzamiento de Yo dije la verdad, una canción en la que homenajea al célebre escritor y académico de la RAE que fue galardonado con el Premio Cervantes en 2024. El tema forma parte del próximo proyecto de Genís Segarra y Carlos Ballesteros, en el que viajan a través de poemas del autor para darles vida musicalmente.

“Es raro que la gente lea poesía porque tiene el bloqueo de que es alta cultura”, explica Genís a elDiario.es. “Mucha gente dice que no sabe leerla o que solo les gusta una cita concreta. Pero la poesía nació siendo una expresión oral y tiene algo intrínseco que, si lo devuelves a la oralidad, hace que sea más fácil de comprender porque la estás escuchando”, alega el artista. Este cuenta que la poesía de Álvaro Pombo es “muy declamativa”: “Parece hecha para que Pombo la declame, exagerando todos los giros y cambiando el tono cada tres versos”.

De hecho, eso es lo que Hidrogenesse trata de lograr con este homenaje al escritor. “La manera de acercar la poesía de Álvaro Pombo a la gente es declamarla. Está hecha para eso: no es una poesía muy hermética o cerrada, está muy viva, es muy exagerada y muy echada pa'lante”, declara Genís Segarra. Esta canción, aupada por flautas, violines y tambores, utiliza como texto un fragmento del poema Variación 15ª de su libro Variaciones (1977), que consiguió el Premio El Bardo de poesía ese año.

Aunque el poema no tenga una métrica muy musical al estilo del Romancero, sí que el dúo considera que tanto el texto como la estructura era muy “cancionable”. “Este en particular tiene una estructura que repite siempre lo mismo, pero ampliando el sentido y haciéndolo más profundo hasta decirte la verdad”, señala Genís. “Una verdad que es que uno no existe, que uno no es el centro del universo”, agrega el músico. El tema se asemeja a su canción Disfraz de Tigre, que recurre a una estructura parecida.

El proyecto, cuya publicación puede esperarse para este año, utiliza poemas que han sido elegidos cada uno por un motivo distintos. Algunos han sido seleccionados por lo bien que suenan en voz alta, mientras que otros por el significado de la letra. Esto les ha dado “libertad” para componer un disco en el que no solo tuvieran que decantarse por un poema, pues de esta forma han podido decantarse por varios del escritor. “Es mucho mejor porque te da más libertad para crear y para imaginar música diferente para versos diferentes”, indica.

Hidrogenesse ha bromeado en Instagram con la manera en que los oyentes pueden compartir Yo dije la verdad en redes sociales, proponiendo una posible descripción: “Está muy bien. Nadie hace música así”. El dúo, además, presentará el álbum con dos conciertos que ya tiene programados: el primero de ellos será el 30 de octubre en la sala Cat de Gràcia de Barcelona y el segundo tendrá lugar el 14 de noviembre en la sala Villanos de Madrid. Entre las canciones que podrán escucharse, los adelantos ya publicados Imaginado es todo y A la muerte.

Yurdana Burgoa (Last Tour): "El BBK Live no es un macrofestival porque cuidamos muchísimo la experiencia"

Maialen Ferreira — Sun, 21 Jun 2026 19:46:07 +0000

"Si un proveedor falla, no vamos a volver a trabajar con él. A la gente hay que pagarle por el trabajo que desarrolla y la gente tiene que trabajar unas horas al día", señala la nueva directora general de Last Tour

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El mes que viene se cumplirán 20 años desde aquel julio de 2006 en el que se estrenó Bilbao Live -el patrocinio de BBK reflejado en el nombre del evento no llegaría hasta un año después- con Ben Harper, Guns N’Roses y Placebo como cabezas de cartel. Dos décadas después, la nueva directora general de Last Tour, promotora que organiza este y otros festivales como el recién finalizado Azkena Rock, Yurdana Burgoa, valora que en la actualidad los festivales viven un buen momento. Eso sí, prefiere alejar el prefijo “macro” a la hora de definir el BBK Live. “Yo no definiría el BBK Live como macrofestival porque cuidamos muchísimo la experiencia. Tenemos una afluencia de 100.000 personas en los tres días, pero el festival tiene un horario muy amplio. La gente sube y baja de Kobetamendi y va disfruntado de la experiencia. No es un macrofestival en el que estamos todos apiñados”, reconoce.

Burgoa, además de su trabajo en Last Tour, cuenta con amplia experiencia en gestión de instituciones públicas y privadas, y durante ocho años y medio fue jefa de gabinete y coordinación del Departamento de Economía y Hacienda, en el Gobierno vasco. También ha sido consejera de la Agencia Vasca de Internacionalización Basque Trade&Investment, en la Asamblea General del Basque Research and Technology Alliance y miembro del Consejo Asesor de Colectividades Vascas en el exterior. Puede que por ello, su modelo gestión, según asegura, no tolera la precarización laboral y respeta los derechos de los trabajadores. “Yo sé que siempre hay voces y críticas también, como en todas las industrias, que siempre van a decir cosas en contra de Last Tour, pero como directora general puedo dar fe de que las contrataciones que hacemos están absolutamente en norma y en forma y controlando horarios y salarios, y cuidamos mucho que nuestros proveedores también lo hagan. Si un proveedor falla en estas cuestiones no vamos a volver a trabajar con él. A la gente hay que pagarle por el trabajo que desarrolla y la gente tiene que trabajar unas horas al día y si trabajamos más horas, yo incluida, esto se tiene que reconocer. Al final las personas trabajadoras son las que hacen funcionar una empresa y esta es mi forma de gestionar”, sentencia Burgoa en una entrevista en la que valora, entre otras cuestiones, las críticas a las subvenciones directas como la del grupo ETS para sus conciertos en Madrid y Barcelona, la oferta del fondo Kohlberg Kravis Roberts (KKR), gestor de una promotora de viviendas en territorios ocupados en Palestina para adquirir el BBK Live o la decisión de hacer residencias en lugar de giras, de artistas como Bad Bunny o Shakira.

¿Cuál es la clave del éxito para lograr las 20 ediciones del BBK LIVE?

Realmente la clave del éxito para que un evento cultural coja la dimensión que tiene el Bilbao BBK Live es atreverse primero a soñarlo. Hay que saber ver que un producto así va a funcionar en un territorio o en una ciudad, y luego ser muy coherente y muy ambicioso en calidad artística y en el cuidado de la experiencia. Este festival al final es el único festival que se desarrolla en una montaña y eso le da un plus muy importante para la gente que viene porque al final la experiencia no es solo la música, sino vivir la música en el entorno que es Kobetamendi. Entonces diría que la clave, por un lado, tiene la parte curatorial, artística y, por otro lado, trabajar y hacer que la experiencia sea única.

En esos 20 años, al igual que en la mayoría de festivales, la participación de grupos o artistas masculinos que han sido cabezas de cartel ha sido predominante. ¿Es el equilibrio de género un reto para los festivales que organizan?

El equilibrio de género es un reto para la sociedad, porque en esta industria pasa exactamente lo mismo que en todas las industrias y que en todos los sectores económicos. Y eso sí que es un mensaje que para mí es importante. Al final yo soy mujer, soy la directora general de Last Tour y para mí el equilibrio de género es un reto en todos los sectores económicos de esta sociedad. Nosotros este año nos hemos integrado en un programa con Más Músicas, una organización que promueve el talento de las mujeres en la música. Lo que hemos hecho ha sido poner a disposición de esa organización nuestros festivales. Entonces vamos a tener artistas femeninas en festival Pirineos Sur, en Azkena Rock y en el Bilbao BBK Live a través de esa asociación. Nosotros siempre intentamos cuidar el equilibrio de género, pero sí que es verdad, que es difícil en esta industria y en todas.

¿Hay algún artista que les hubiera gustado que fuera al BBK Live y que se haya quedado en el tintero?

Hay varios, pero seguimos intentándolo, así que no te puedo decir quiénes son. Pero eso pasa todos los años. Nosotros el booking, digamos la contratación de artistas la empezamos a trabajar año vista. De hecho ya llevamos trabajando varios meses en la contratación artística del festival del año que viene. Entonces, bueno, siempre tienes los nombres a los que aspiras al principio y luego eso tiene que cuadrar con que esos artistas giren ese año, quieran hacer giras de festivales o prefieran solo realizar conciertos. Tienes un mapa de deseos y luego empiezas a llamar y ese mapa va aterrizando hasta que tienes la foto finish de lo que está disponible y cuadra con el estilo musical de cada festival.

A lo largo de estos años, concretamente en el año 2019 y algunos posteriores, ha habido denuncias sobre la precariedad de los trabajadores del BBK Live. ¿Cómo han solventado esa situación?

Me alegra que me hagas esa pregunta porque cada año cuando se acerca el festival empezamos a ver carteles en contra de Last Tour y no tiendo a entrar en esas cuestiones porque todas las contrataciones que hacemos están hechas bajo el Convenio de Hostelería de Bizkaia, que es el mejor convenio que hay en el Estado. Nosotros no tenemos ninguna incidencia propia y es verdad que en 2019 hubo esa incidencia que nosotros como empresa denunciamos porque lo que ocurrió es que una de las empresas proveedoras infringió derechos laborales. Nosotros somos una empresa certificada B Corp. ¿Eso qué quiere decir? Que el compromiso con los derechos laborales en cuanto a horas, en cuanto a salario, en cuanto a pagar en tiempos y en formas, lo llevamos a rajatabla, no puede ser de otra manera. Entonces sí que me gustaría defender nuestro modelo de contratación. Yo sé que siempre hay voces y críticas también, como en todas las industrias, que siempre van a decir cosas en contra de Last Tour, pero como directora general puedo dar fe de que las contrataciones que hacemos están absolutamente en norma y en forma y controlando horarios y salarios, y cuidamos mucho que nuestros proveedores también lo hagan. Si un proveedor falla en estas cuestiones no vamos a volver a trabajar con él. A la gente hay que pagarle por el trabajo que desarrolla y la gente tiene que trabajar unas horas al día y si trabajamos más horas, yo incluida, esto se tiene que reconocer. Al final las personas trabajadoras son las que hacen funcionar una empresa y esta es mi forma de gestionar.

¿Cómo viven las críticas de parte de la sociedad hacia los macroconciertos y grandes festivales?

Siempre que me hacen esta pregunta digo que para gustos están los colores. Siempre hay críticas contra los macrofestivales, pero también hay gente a la que les encantan. Yo no definiría el BBK Live como macrofestival porque cuidamos muchísimo la experiencia. Tenemos una afluencia de 100.000 personas en los tres días, pero el festival tiene un horario muy amplio. La gente sube y baja de Kobetamendi y va disfrutando de la experiencia, no es un macrofestival en el que estamos todos apiñados. Sí que es verdad que los grandes eventos como el BBK Live tienen que tener cuidado y conciencia con el entorno en el que están trabajando y nosotros en eso ponemos mucho mimo, estamos en contacto con los vecinos, les hacemos aportaciones para sus fiestas patronales y para las fiestas del barrio y les ofrecemos trabajo durante el día del festival. Tratamos en la medida de lo posible que el transporte y la logística hacia el festival funcione bien y no se sientan abrumados por tanta afluencia de gente. El tema medioambiental también lo cuidamos mucho, tratamos que la energía sea renovable, cuidamos el reciclaje y también, en cuanto al ámbito social, tenemos el Espacio Balore en todos nuestros festivales donde puede acudir cualquier persona si ocurre algo o necesita información sobre inclusión, violencia de género, agresiones sexistas o cualquier tipo de agresión. Ahí se activa un protocolo para que esa persona o esas personas sean atendidas.

Si vendes puedes perder la esencia. Nosotros somos la mayor promotora musical independiente del Estado español. Eso quiere decir que las decisiones se toman en casa

El año pasado salió a la luz que el fondo Kohlberg Kravis Roberts (KKR), gestor de una promotora de viviendas en territorios ocupados en Palestina, compró la empresa Superstruct Entertainment, que organiza hasta 80 festivales por medio mundo, muchos de ellos en España (Sónar, FIB, Viña Rock...). El por aquel entonces CEO de Last Tour confesó que hubo ofertas para adquirirla por parte del fondo, pero fueron rechazadas. ¿Qué ocurrió?

BBK Live ha tenido muchas novias. A día de hoy nos siguen tentando fondos alemanes, de Reino Unido y otros países. Simplemente es convicción. Alfonso Santiago, que es el fundador y el presidente de Last Tour, decidió echar raices en Bilbao y él tiene muy claro que esta es su empresa y que va a seguir siendo parte del accionariado. Él es el mayor accionista y luego tiene pequeños accionistas que también son del País Vasco y de España y va a ser así por principios. Si vendes puedes perder la esencia. Nosotros somos la mayor promotora musical independiente del Estado español. Eso quiere decir que las decisiones se toman en casa y eso refleja un poco nuestra forma de entender el mundo y la cultura. Respetando unos principios y una forma de hacer somos capaces de tener la flexibilidad, la agilidad y la libertad de decidir lo que nosotros creemos.

Este domingo ha finalizado el Azkena Rock en Vitoria con 24 ediciones a sus espaldas. ¿Qué valoración realiza?

Es nuestro festival más veterano, yo lo definiría como la celebración del rock que reune a unas 50.000 personas cada año. Tiene una comunidad absolutamente fiel que cada año viene y es un encuentro intergeneracional con un ambiente precioso de gente a la que realmente le apasiona el rock. El año que viene cumplimos 25 años y vamos a hacer una edición que vamos a tratar con extremo mimo, al igual que estamos haciendo con la 20 edición del Bilbao BBK Live este año.

Cuando se anuncia una subvención directa a un hecho, evento o empresa concreta es porque una institución considera que esa actividad es única. Y yo creo que llenar Madrid o Barcelona con un concierto en euskera es algo histórico

Expertos comentan que la década dorada de los festivales fue desde el 2010 hasta el 2019, por el equilibrio perfecto entre grandes nombres internacionales, apoyo al talento local, y precios aún accesibles. ¿Considera que es cierto?

Yo diría que a día de hoy los festivales están funcionando y la música en vivo está funcionando. Nosotros notamos que después de la pandemia la gente tiene la necesidad de disfrutar y de pasarlo bien. La era post pandemia ha marcado mucho en los ratios de consumo de música en vivo y es una industria que está creciendo mucho impulsada también por el consumo musical en redes sociales y plataformas. La música latina, por ejemplo, está siendo un gran detonante de esa afición y de esas ganas de escuchar música, disfrutar de los eventos y pasarlo bien.

Cada vez hay más quejas por parte de artistas locales por la financiación pública de macroconciertos. Decenas de artistas han firmado un manifiesto para exigir mayor transparencia y equidad en el reparto de ayudas públicas, a raíz de la aportación a ETS. ¿Cómo ve esta situación?

No he leído el manifiesto, pero considero que la apuesta de las instituciones vascas y también de las instituciones estatales con el ámbito cultural es fuerte. En Euskadi se está apostando por la cultura porque somos un país que tenemos muchísima tradición cultural y ahí existe esa sensibilidad respecto a la aportación a un grupo concreto, que no es el primer grupo que se apoya ni será el último. Yo creo que entran en juego otras vertientes, como la proyección de nuestra lengua a nivel internacional o a nivel estatal, la puesta en valor de nuestra cultura y de nuestra tradición, de una lengua que está, que es única y que es minoritaria y que creo que nos posiciona también como país. Aparte del ámbito cultural han entrado otras variables que el Gobierno vasco habrá decidido que merece la pena apostar por ellas. Y cuando otros artistas piden transparencia yo creo que esa transparencia en las subvenciones tanto del Departamento de Cultura como en otros departamentos siempre ha estado. Sé cómo funcionan esas subvenciones y cómo se anuncia una subvención directa a un hecho, evento o empresa concreta y eso ocurre cuando una institución considera que esa actividad es única. Yo creo que llenar Madrid o Barcelona con un concierto en euskera es algo histórico.

¿Cómo están viviendo los artistas con los que trabaja Last Tour esa fiebre por el 'sold out'? ¿Hay presión?

Al final para ellos hacer un 'sold out', vender todas las entradas, es un éxito, un reconocimiento a su trabajo y también a nuestro esfuerzo como promotora. Yo soy feliz cada vez que un artista consigue eso porque les ves la cara y ves cómo disfrutan. Hay un trabajo tremendo de preparación para estos shows, muchas preocupaciones, , esfuerzos, trasnoches, incluso llegar a dejar un poco de lado a la familia...Como a cualquier persona trabajadora, cuando le sale algo bien es una enorme satisfacción. Para los artistas ocurre lo mismo.

Antes hablaba de la música latina, a raíz de Bad Bunny, Shakira y otros artistas, se está priorizando cada vez más la 'residencia' en lugar de las giras. ¿Los artistas de Last Tour se lo están planteando? ¿La razón de hacerlo es que es más económico para el artista?

En Last Tour no tenemos artistas de ese nivel ni que estén planteándose hacer residencias, pero quienes lo están haciendo lo hacen porque evidentemente es más cómodo para el artista estar varios días en una ciudad y en un único recinto haciendo sus shows. También es más económico porque hacer un único montaje es más barato que hacer cinco en diferentes ciudades. Ellos valoran además que el espectáculo que pueden dar puede ser de más calidad y puedes tener una mayor capacidad de inversión en los shows y en los espectáculos. Ya es cuestión del artista y de si prefiere hacer giras por distintas ciudades y acercarse a la gente o no. Todo hay que respetarlo.