El 23 de abril de 1996, hace 30 años, se publicaba la que es considerada uno de los mayores éxitos del hip hop, pero que es versión de un tema que está incluido entre las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la lista que elaboró la revista Rolling Stone en 2021.

Hablamos de 'Killing Me Softly With His Song’ del grupo estadounidense de hip-hop Fugees, que grabó el tema para su segundo álbum con la voz de Lauryn Hill, que daba así una nueva vida a una canción que ya conoció el éxito con Roberta Flack y que han versionado artistas de géneros tan dispares como Alicia Keys, Tino Casal o Pitingo.

El renacimiento de una canción dos décadas después

La versión de Fugees y Lauryn Hill de 'Killing Me Softly With His Song’ se convirtió en todo un éxito mundial, devolviendo así al tema a lo más alto de las listas dos décadas después de su primer estrellato. En Estados Unidos, sin embargo, no apareció en la lista Billboard Hot 100 al no ser lanzado como un sencillo comercial, lo que era norma en aquel momento para poder ser incluido.

A pesar de todo ello, la canción fue todo un éxito tanto en EE.UU como fuera, siendo todo un fenómeno en Reino Unido, donde rompió el récord de mayor cantidad de reproducciones en radio en una semana y fue el segundo sencillo más vendido de todo 1996, algo similar a lo que pasaría en Alemania, Francia o Canadá.

La versión, además, logró también la aceptación de la crítica, destacando “su respeto por la original”, y reconocimientos como el Grammy a la Mejor interpretación de R&B por un dúo o grupo y su video, el MTV Video Music Award en categoría R&B, un videoclip en el que la propia Roberta Flack hacía un cameo.

De Roberta Flack a su controvertido origen

Si bien muchos saben que el 'Killing Me Softly With His Song’ de Fugees es una versión, no todos conocen que la de Roberta Flack también lo es, pues fue grabada primero por Lori Lieberman, quien asegura ser la verdadera artífice de la canción en 1971. La cantautora aseguró que se le ocurrieron gran parte de los versos tras asistir a un concierto de Don McLean en Los Ángeles, y que estos fueron escritos en una servilleta.

Esto que ella había escrito llegó a Norman Gimbel y Charles Fox, que, viendo el potencial, optaron por adaptar la letra y componer la melodía, y en 1972, tan solo un año después, Lieberman grabó la canción para su álbum debut, que, sin embargo, no tuvo éxito y pasó desapercibida.

Pero entonces la casualidad quiso que Roberta Flack la escuchara durante un vuelo de Los Ángeles a Nueva York y quedara impactada, primero por su título, y luego por su letra y melodía, que plasmó en una libreta antes de aterrizar. Ella llevaría su anotación a Quincy Jones, que la pondría en contacto con Charles Fox, y de aquí surgió su versión, modificada con detalles vocales.

Primero la presentó en un concierto en 1973 y la buena acogida la llevaría a grabarla oficialmente. Así fue como sería uno de los grandes éxitos del momento, número uno en la lista Billboard durante cinco semanas y ganaría el premio Grammy a Grabación del Año y Mejor Interpretación Femenina Pop en 1974.

A pesar de todo esto, la historia de 'Killing Me Softly With His Song’ no es perfecta y tiene una gran controversia en sus orígenes. Lori Lieberman siempre sostuvo que el núcleo de la letra fue su propia experiencia y surgieron de ella misma, siendo las aportaciones de Gimbel y Fox mínimas. De hecho, también se asegura que estos dos últimos se opusieron a un cambio de letra para la versión de Fugees, que quería lanzar con su grabación un mensaje antidroga y contra la pobreza.

Un 21 de abril, pero de hace diez años, en 2016, fallecía el cantante Prince después de una sobredosis accidental de fentanilo en su casa de Minnesota. El artista moría a los 57 años, pero dejó un legado a través de su música en casi cuatro décadas de actividad, y que sigue activo debido a sus fans y canciones, que se han convertido en la mejor manera de recordarlo.

“Little Red Corvette” (1982)

La primera canción con la que llegó al número uno de Billboard y que fue su primer éxito masivo. Fue el segundo sencillo del disco ‘1999’, publicado en octubre de 1982, con el que alcanzó por primera vez el top 10 de Billboard 2000, y al que los críticos han llamado su primera “gran obra maestra”. En este sentido, la revista Rolling Stone llamó a este disco como el “álbum más influyente” del cantante, el primero en el que se escuchó el estilo Minneapolis que tanto le caracterizó. Cabe mencionar que el videoclip de “Little Red Corvette” fue con el que entró en el MTV y le llevó al mainstream.

“When Doves Cry” (1984)

Tras la buena acogida de ‘1999’, el éxito de Prince fue imparable y en el disco ‘Purple Rain’ le auparía a lo más alto. A pesar de que su mítico tema daría nombre al álbum, el primer sencillo fue “When Doves Cry”, publicada el 16 de mayo de 1984. Predijo el gran triunfo del disco, con un número uno de cinco semanas para esta canción, que fue top 10 también en muchos países europeos como Reino Unido, Irlanda, Países Bajos o Bélgica. Fue una de las que volvió a entrar en la lista Billboard tras el fallecimiento del artista en 2016, en el puesto octavo. Una de sus grandes curiosidades es que en ella no suena ningún bajo. Prince prescindió del instrumento musical deliberadamente, lo que dio lugar a un sonido único que encajó perfectamente en el llamado sonido de Minneapolis.

“Purple Rain” (1984)

No sería hasta septiembre de 1984 cuando la mítica “Purple Rain” se lanzó como tercer sencillo del disco homónimo, y que sería uno de los himnos que siguió al cantante estadounidense durante toda su carrera. Declarada una de las grandes baladas del rock por la crítica musical, tiene uno de los solos de guitarra más memorables de la historia de la música.  

Formó parte de la banda sonora de la película del mismo nombre, y ha tenido varias vidas, siendo el último renacimiento al aparecer en la serie ‘Stranger Things’, en su última temporada. Está situada en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos por la revista Rolling Stone.

“Sign ‘O’ the Times” (1987)

En 1987, Prince publicó el que es el primer álbum en solitario tras la ruptura con su banda ‘The Revolution’, y recibió el nombre de ‘Sign “O” the Times’, el mismo título que tuvo el primer sencillo. Este tema había sido pensado para aparecer en los planes anteriores que tuvo y que quedaron archivados como fueron ‘Dream Factory’ y ‘Crystall Ball’. Es una de las canciones más comprometidas socialmente, en las que se retrató los Estados Unidos de la década de los 80, con temas como el ‘crack’, el SIDA, las bandas o los tornados.

“Guitar” (2007)

De su última etapa, este tema demostró que el cantante seguía siendo todo un virtuoso con la guitarra. Se publicó en 2007, un año en el que realizó su recordada actuación en el intermedio de la Super Bowl en 2007, la que es considerada como una de las mejores, además de que reivindicó su vigencia todavía en el siglo XXI.

“Nothing Compares 2 U” (1984)

Aunque la canción se hizo conocida en gran parte por la versión de 1990 de Sinéad O’Connor, es un tema compuesto por Prince, exactamente para el disco de ‘The Family’ de 1984, una banda en la que reclutó a integrantes de anteriores formaciones y que integró dentro de su sello discográfico, en el que tenía planeado dar salida a sus composiciones. El sonido es muy diferente al de la cantante irlandesa, y los medios publicaron que el cantante no estaba contento con que el tema alcanzara éxito con ella, por lo que en 1993 la grabó en directo con Rosie Gaines, aunque sería la de O’Connor la que quedaría en la historia de la música.

“Sometimes It Snows in April” (1986)

La mejor manera de acabar con una selección de temas para recordar a Prince en el décimo aniversario de su fallecimiento es con un tema que grabó un 21 de abril, pero de 1985, 31 años antes de que en esa misma fecha muriera, como una extraña premonición. Esta balada es una de sus composiciones más emotivas y en la que vuelve a demostrar su amplia gama de géneros. En ella habla de Christopher Tracy, el personaje que interpretó en “Under the Cherry Moon”, y cuyo fallecimiento le afectó. Después de morir un 21 de abril, ha tomado un significado diferente, y que él mismo utilizaba normalmente como final de sus conciertos.

Queda menos de un mes para el comienzo de la esperada gira de La Oreja de Van Gogh, ‘Tantas cosas que contar’ en el Bizkaia Arena de Barakaldo el próximo 9 de mayo. Esta supone el regreso de Amaia Montero como vocalista del grupo, aunque sin uno de sus componentes originales como es Pablo Benegas.

Seguro que en el repertorio de la gira estará uno de sus himnos, “La Playa”, que hace 25 años llegó al número de la lista de sencillos en la radio Los 40 principales, donde se quedó en lo más alto durante dos semanas consecutivas, lo que asentó todavía más el gran éxito que fue su segundo disco de estudio, ‘El viaje de Copperpot’.

El contexto que llevó a “La canción más bonita del mundo”

La Oreja de Van Gogh llegaba a septiembre de 2000, cuando se publicó ‘El viaje de Copperpot’, como un momento decisivo en su trayectoria tras el éxito inesperado de su álbum debut, ‘Dile al sol’ en 1998, y que los convirtió en una de las bandas más prometedoras del pop español.

El segundo disco superó expectativas y vendieron más de 2 millones de copias, siendo uno de los discos más destacados del 2000 y 2001 en la música española. El grupo, sin embargo, a pesar de la mayor presión y atención, la banda aseguró que llegaron a grabarlo ya “sin miedo”, ese que había protagonizado la sesión de grabación de su primer álbum.

La grabación tuvo lugar en el sur de Francia, con Nigel Walker como productor, en el estudio Du Manoir. Se habían reunido con él previamente en su San Sebastián natal, en una pizzería, y enfatizaron que querían ser ellos los que querían tocar, porque en el anterior el productor prefirió a otros.

Allí, en el sur de Francia, nacieron gran parte de los temas que formarían parte de ‘El viaje de Copperpot’, entre ellos “La Playa”, en la que volvieron a referenciar y homenajear a su localidad natal, San Sebastián, que será un tema recurrente en su discografía, también con otros temas como “20 de enero”, que formaría parte de su próximo trabajo.

El significado detrás de “La Playa” de La Oreja de Van Gogh

Si bien su título oficial es “La Playa”, muchos la conocen como “la canción más bonita del mundo” por su conocido estribillo: “Te voy a escribir la canción más bonita del mundo, voy a capturar nuestra historia en tan solo un segundo…” y llegó como el tercer single tras otros himnos como “Cuídate” y “París”.

En esta canción, La Oreja de Van Gogh quería componer “un canto a la añoranza y a la nostalgia” que evidenciaban con una balada y un tema de medio tiempo, en la que la gran inspiración fue la Playa de la Concha de San Sebastián, uno de los lugares más emblemáticos y protagonistas de la vida en la ciudad.

Un tema dedicado al primer amor o al primer beso, en uno de los lugares en los que los integrantes del grupo pasaron sus mayores momentos durante su tiempo libre, verano o infancia. Este mismo significado se evidencia en el videoclip, en el que los momentos de la vida de una pareja se ven a través de una pecera, detrás de la que aparecen los miembros de La Oreja de Van Gogh.

Después de ella llegaron otros sencillos como “Pop”, “Soledad” o “Mariposa”, que completaron los seis que tuvo el disco. “La Playa” se convirtió en una de las canciones más emblemáticas de la banda, 25 años después es una fija en sus conciertos, y tuvo una nueva versión en el disco de Grandes éxitos, 'Nuestra casa a la izquierda del tiempo', en 2009, con la Orquesta de Bratislava y cantada por Leire Martínez, entonces vocalista del grupo.

Massive Attack y Tom Waits han publicado una sorprendente colaboración tras más de una década sin publicar nuevo disco. Se trata de Boots On The Ground, tema en el que aprovechan para lanzar un importante mensaje reivindicativo y cuyo videoclip muestra las consecuencias de las históricas protestas en EEUU contra “las redadas del ICE, la militarización de las fuerzas de seguridad nacionales y el autoritarismo estatal”. Tanto es así que la canción empieza con la respiración agitada de alguien que está siendo asaltado.

“Desde el asesinato de George Floyd en Minneapolis el 5 de mayo de 2020, hasta las recientes redadas del ICE en comunidades migrantes y el asesinato de civiles que las protegen”, comienza el texto introductorio del vídeo. “Desde la brutal represión estatal de las protestas públicas hasta la realidad de las personas sin hogar en EEUU, entre las que se incluyen casi 33.000 veteranos militares”, continúa, detallando a continuación quiénes han perdido la vida a manos del ICE y el impacto de las represalias opresivas contra las protestas.

El final del vídeo denuncia el número de personas que han sufrido las consecuencias de la brutalidad policial, haciendo hincapié en los estudiantes que han sido arrestados por policías o incluso a las visas revocadas de muchos estudiantes por haber sido acusados de “actividad propalestina”.

Una respuesta a la situación política actual

Massive Attack ha calificado esta colaboración como un hito artístico en una nota de prensa, así como una respuesta a la situación política actual. “Es un honor profesional colaborar con un artista de la talla, la originalidad y la integridad de Tom, pero este tema llega en un clima de caos”, afirma la banda. “En todo el hemisferio occidental, el autoritarismo estatal y la militarización de las fuerzas policiales se están fusionando de nuevo con la política neofascista”, ha añadido.

“Esto es una puta guerra de ametralladoras / Con las botas en el terreno, las botas en el terreno / Nosotros os podamos los setos, luchamos vuestras guerras / Esperamos en las trincheras y estamos jodidos hasta que nos duele todo”, cantan en el estribillo de esta canción, que ya está disponible para comprar en vinilo. La otra cara del vinilo incluye un tema hablado de Waits, titulado The Fly, que ha sido descrito como una pieza ingeniosa y sarcástica.

El grupo Massive Attack ha señalado que, “en el contexto de emergencia estadounidense, tanto a nivel nacional como internacional, este tema refleja impulsos insensibles y una mentalidad desquiciada”. Boots On The Ground también supone la primera grabación nueva de Tom Waits desde su álbum de 2011, Bad As Me, y cuenta con la participación vocal adicional de su hijo Casey Waits. Por su parte, Massive Attack publicará más material nuevo a lo largo de 2026 y continuará con su gira de conciertos programada para los próximos meses.

Madonna regresa con nueva música este verano. La leyenda del pop, que llevaba siete años sin publicar material inédito, vuelve a la industria con uno de los proyectos que más tiempo llevan esperando sus fans: la segunda parte del aclamado y exitoso disco Confessions on a Dance Floor (2005). Su lanzamiento está programado para el próximo 3 de julio y en este vuelve a trabajar en la producción con el DJ Stuart Price, quien ya estuvo presente en el décimo álbum de estudio de la cantante con hits como Hung Up, Sorry o Jump.

“Debemos bailar, celebrar y orar con nuestros cuerpos. Son prácticas que hemos llevado a cabo durante miles de años; son, en realidad, prácticas espirituales. Al fin y al cabo, la pista de baile es un espacio ritualístico”, ha declarado Madonna en un comunicado de prensa que recoge el “manifiesto” que ella y Price escribieron durante la creación del disco. “Es un lugar donde conectas con tus heridas, con tu fragilidad. Ir de fiesta es un arte. Se trata de superar tus límites y conectar con una comunidad de personas afines”, ha agregado.

La artista hace alusión al “sonido”, la “luz” y la “vibración”: “Remodelan nuestras percepciones, nos sumergen en un estado de trance. La repetición del bajo no solo la oímos, sino que la sentimos. Altera nuestra conciencia y disuelve el ego y el tiempo”. El anuncio se produce después de que Madonna insinuara que un nuevo álbum de música dance saldría en 2026 tras su regreso al sello discográfico Warner Records casi dos décadas después de haberlo abandonado.

Madonna también ha aprovechado para revelar la portada de este proyecto, en la que aparece sentada sobre unos altavoces morados y con la cara cubierta por un velo rosa. Asimismo, la intérprete ha publicado un adelanto musical de hasta un minuto de duración del primer single, que se titulará I Feel So Free. El disco pretende seguir la misma estética que Confessions on a Dance Floor y promete grandes melodías y ritmos que inviten al oyente a bailar. Todavía falta por conocer, no obstante, cuántas canciones lo compondrán y el título de las mismas.

En 2001, hace 25 años, llegaba a la industria musical el primer álbum en directo de la banda M-Clan. Sin enchufe se convirtió en todo un éxito, sobre todo por una de sus canciones, “Carolina”, que fue número uno en la lista de sencillos, y que consolidaría a la banda dentro del rock español.

El grupo venía de su primer éxito, Usar y tirar, que en el 2000 vendió más de 100.000 copias vendidas en el mercado, y se animó a ofrecer su primer trabajo musical acústico, que se produjo de la mano de Alejo Stivel, ex cantante de Tequila, y grabado en Madrid, en los estudios El Álamo. En este disco, en Sin enchufe, M-Clan repasaba su trayectoria, pero también miraba hacia adelante, con ocho canciones nuevas, seis propias y dos versiones, pero también ofrecía temas con arreglos diferentes.

Así, el grupo rock versionó “Maggie May” de Rod Stewart, adaptándola al español como “Maggie despierta”, que también llegó al número uno de sencillos en España, y también “Paint it black” de The Rolling Stones, que tradujeron al castellano como “Todo Negro”, que a su vez hacía referencia a una adaptación anterior de Los Salvajes en los 60.

El disco acabaría siendo todo un éxito, convirtiendo a la banda en una de las principales del rock español a principios de los 2000, alcanzando a superar las 150.000 copias, con la trascendencia de que se trataba además de un álbum en acústico y directo.

25 años de “Carolina”, el himno de M-Clan

Actualmente, M-Clan no se entiende sin “Carolina”, su canción insignia y todo un himno de la banda rock. El estribillo “Carolina, trátame bien. No te rías de mí, no me arranques la piel. Carolina, trátame bien o al final te tendré que comer” es uno de los más conocidos de la música española a principios de los 2000.

La canción fue el primer sencillo del disco y desde entonces se convirtió en una de las más reconocibles del grupo, que llegó también al número uno de las listas de éxito a finales de marzo y abril, hace 25 años, siendo uno de los temas más destacados de la música en español en estos momentos.

A pesar de su éxito, la letra de la canción no estuvo exenta de polémica, por hacer referencia a la relación con una menor, o incluso se llegó a especular que hablaba de la cocaína, algo que desde el grupo se desmintió.

Sobre el hecho de la relación con una menor, algo que se deja entrever en versos como “La dulce niña Carolina, no tiene edad para hacer el amor. Su madre la estará buscando, eso es lo que pienso yo…”, es una de las polémicas que ha acompañado a este tema durante su historia y sobre lo que desde el grupo argumentan que es ficción.

“Al fin y al cabo es una ficción, como tantas y tantas que hay en la música y en el arte. Es una canción blanca, que refleja un poco, entre comillas, ese símbolo de Lolita, que tantas veces se ha utilizado. Es una canción de tres minutos, no es ninguna declaración de principios. Es una canción más y ya está”, defendía Ricardo Ruiperez en una entrevista en el diario Atlántico.

Sobre lo mismo habló el vocalista y líder Carlos Tarque en Vox Populi: “Cuando tuve el aluvión de críticas por Carolina me pareció alucinante la cantidad de veces que tuve que explicar que era una ficción, una historia con personajes. Lo que cuento es que ella presiona al rockero para tener sexo. No podemos convertir el arte en un espacio aséptico”.

Robert Del Naja, líder de la banda británica Massive Attack, ha sido arrestado en el centro de Londres bajo sospecha de mostrar su apoyo a una organización prohibida, justo tras asistir el sábado a una protesta masiva contra la prohibición de Palestine Action. Conocido artísticamente como “3D”, Del Naja ha sido un firme crítico de la política exterior británica, oponiéndose activamente a la invasión de Irak en 2003 y utilizando su plataforma para denunciar la situación en Palestina.

El vocalista del grupo británico se encuentra entre las 500 personas que han sido detenidas, y ha afirmado que quería asistir a la protesta a pesar de las consecuencias que puede llegar a tener para su carrera musical. Unas consecuencias que cada vez preocupan menos al artista cuando está sucediendo un genocidio al otro lado del planeta, como tampoco le importaron las consecuencias de su posicionamiento contra Spotify por la inversión en armas de su propietario, Daniel Ek, por lo que amenazó con retirar su música.

“Me opongo al genocidio, apoyo a Palestine Action”. Así de contundente era el cartel que mostraba Robert del Naja en la manifestación contra la prohibición de Palestine Action. Según cuenta The Independent, una mujer le grita “¡Eres increíble!” y otra “¡Te queremos!” mientras Del Naja se tumba boca arriba antes de que tres agentes lo levanten por las piernas y las axilas. Cuando se lo llevan detenido, se oye a un hombre preguntarle a Del Naja: “¿Puede decirnos por qué lo arrestan hoy?”. Una pregunta a la que el músico responde lo siguiente: “Me arrestan ilegalmente”.

La importancia de posicionarse contra las injusticias

Del Naja ha conversado con la agencia de noticias Press Association sobre cómo puede repercutir esto en su trayectoria, algo que no le preocupa demasiado si eso significa poder contribuir a posicionarse contra las injusticias. “Como músico, obviamente, existe mucha inquietud sobre la posibilidad de no poder viajar y obtener visas”, ha comentado el vocalista. “Pero pensé: ‘Esto es ridículo’, y luego, que la policía diera la vuelta para volver a arrestar a la gente, pensé que era aún más ridículo”, ha agregado.

“Si me arrestan, tengo mucha confianza en que si me presento ante el tribunal y digo: 'Este fue un arresto ilegal y, por lo tanto, no lo acepto', podré defenderme”, ha señalado el artista, indicando que cree que “las acciones de Palestine Action fueron sumamente patrióticas porque, en gran medida, protegían al país de verse involucrado en crímenes de guerra graves y de violar el derecho internacional”. “¿Qué más patriotismo se puede pedir?”, ha concluido.

Hasta el momento, más de 2.200 personas han sido arrestadas por supuestamente expresar su apoyo a Palestine Action. La organización Defend Our Juries, que organizó la manifestación del sábado, ha declarado que “la Policía Metropolitana está optando por realizar detenciones a pesar de que el Tribunal Superior declaró ilegal la prohibición del gobierno sobre el grupo, y de que destacados abogados advirtieron que cualquier detención sería ilegal”.

Massive Attack comenzará una gira este verano por Europa del 26 de mayo al 8 de junio, dando el primer paso en Helsinki, Finlandia, para a continuación actuar en Rättvik, Suecia; Copenhague, Dinamarca; Berlín, Alemania; y Bruselas, Bélgica. La banda británica de trip-hop se formó en Bristol en 1988 y, desde entonces, el grupo ha ido alterando hasta estar compuesto en 2025 únicamente por el propio Del Naja y Grant “Daddy G” Marshall.

Se refugia en la literatura de la posguerra, está cansado de las redes sociales y nutre sus canciones de referencias a la naturaleza. Martin Urrutia (Getxo, 2005) tiene tan solo 21 años y se ha convertido en una de las figuras más interesantes del panorama musical actual. Tras acabar su paso por Operación Triunfo 2023 como finalista, y pese a ser consciente de los prejuicios que conlleva la etiqueta de triunfito, el artista ha optado por esperar tres años para publicar La Insolación, su álbum debut.

Martin Urrutia viaja a través de los recuerdos en un disco que se aleja de sonidos comerciales. Lo hace, además, acompañado de Hidrogenesse, un grupo que es toda una eminencia dentro del pop electrónico y que ha estado a cargo de la producción. Esta banda no ha sido su único referente, pues el artista se ha inspirado en la novela homónima de Carmen Laforet publicada en 1963, en la que el protagonista, Martín Soto, atraviesa un proceso de maduración durante tres veranos en una España marcada por la represión, el hambre y la búsqueda de identidad.

Después de haber trabajado con Javier Ambrossi y Javier Calvo en la serie musical Mariliendre, Urrutia se ha detenido en el que supone su primer gran proyecto como cantante. El resultado son diez canciones que retratan a un joven en el inicio de su carrera, atravesado por contradicciones entre la nostalgia y el anhelo, en tanto que reflexiona sobre la necesidad de posicionarse políticamente y la importancia de permitirse parar en un mundo cada vez más digitalizado.

El título de La Insolación remite a la novela de Carmen Laforet. ¿Por qué esa novela?

La leí con 18 años y me identifiqué mucho con la historia del prota, que además se llama Martín. Leí el libro en un momento muy concreto y siempre ha estado ahí como inspiración, en el fondo de la cabeza a la hora de hacer el disco, componer y pensar en ideas. Me venía mucho esa historia y me resonaba con el tema veraniego, así que hice un poco de fusión de mi vida y de lo que me transmitió la novela.

En la novela, la insolación no es solo física, también mental. ¿Cómo ha sido salir de Operación Triunfo y curarse de la insolación mediática?

Aceptando lo que te da un programa como Operación Triunfo, que es esa exposición tan grande, y también aprendiendo a gestionarla con el ritmo de los años. Han pasado casi tres años y es verdad que todo se asienta un poco. Ese impulso que te da y esa emoción del principio de estar en todas partes luego baja. Lo llevo bastante bien. A la hora de hacer el disco, he podido estar centrado en el presente sin dejarme llevar por las expectativas o el ruido.

Supongo que ha aprendido mucho de Hidrogenesse, quien está a cargo de la producción.

Muchísimo, es lo que más me ha gustado de esta experiencia. Lo que más me llevo es poder haber hecho este disco con ellos de esta manera tan especial, haber aprendido de ellos como artistas, como productores, como creadores. Tienen un nombre superimportante y en el mundo alternativo son una superreferencia. Trabajar y hacer un disco con ellos ha sido un sueño. La propuesta vino desde el sello, desde Universal, y yo lo vi clarísimo. Todo esto vino después de haber trabajado con ellos para El Destello, que es otra canción mía que tengo con Juanjo Bona. Yo también les tenía ubicados, me pareció guay y empezamos a hacerlo realidad. A ellos también les gustó la idea.

La canción Otro Verano narra varios veranos que pasan sucesivamente. ¿Ha sido duro hacerse adulto?

No ha sido duro, ha sido inesperado. Acabo de hacer 21 y es verdad que los 20 me vinieron y fue como “ostras, 20 ya”. Los cogí con muchas ganas. Los 21 me han pillado desprevenido, pero nunca los cojo con miedo o con angustia de crecer. Sí que pienso cada vez más en el paso del tiempo, pero creo que es normal, cuando creces, darte cuenta de que la vida pasa un poco rápido, pero con ilusión, siempre con ilusión. Intento tener ilusión por vivir cada día. Y Otro Verano está muy directamente relacionada con La Insolación, con la novela, porque el personaje vive verano tras verano en su pueblo.

El tema Piscina Vacía recuerda al artículo de Juanjo Villalba sobre cómo ya no vivimos la vida con nuestros amigos, sino que nos la resumimos.

La canción habla de mi grupo de amigas y de las amistades que parecen una unión eterna física y, con los años, cada uno está estudiando en una ciudad. Es bonito porque cada uno hace su camino, pero a la vez está la sensación de, “¿dónde estamos?”. Mi grupo es el del instituto, nos veíamos todos los días en clase. Era un encuentro obligatorio que te hace estar en conexión constante. Cuando se acaba eso tienes que quedar, y cuando a eso le sumas que cada uno tiene sus estudios y su crecimiento personal, es aún más difícil. Por eso luego es más especial cuando quedas y vuelves a hacer el lazo. Es como, “esto sigue”, y es de lo que habla también la canción, de que siento que es un lazo muy fuerte y que, a pesar de la distancia, siempre va a estar esa energía que nos une.

¿Le frustra que sea difícil sacar tiempo para esto?

Le doy la misma importancia que al trabajo. Es verdad que, cuando tenga temporadas de más curro, estaré más enfocado en eso. Pero en cuanto encuentro un hueco para volver a casa, no dudo nada en cogerme un avión, un autobús o lo que sea y compaginarlo. Hay mucha sensación de producción constante, de hacer, hacer y hacer. Quien quiere algo se lo tiene que currar, pero es importante poder hacer la dualidad de parar. ¿Qué es lo que me hace tener buena energía para luego gastarla en trabajar? Pues ver a mi familia y estar con esa gente con la que veo que todo está bien. Por eso, cuando vuelves a la gente que importa en realidad, que es tu abuela de 90 años, y te dice que le gusta esta canción, ya no quiero más. Con eso soy feliz.

En Me Han Dado Un Bolígrafo reflexiona sobre la responsabilidad de tener una voz. ¿Le pesa mucho esa responsabilidad?

A ratos. Ahora menos, pero el año pasado, por ejemplo, sí que sentí mucho ese peso de tener como una meta o un proyecto. Empezar un proyecto es muy difícil. Me costó mucho empezar el disco y pensar hacia dónde podía ir, estaba todo el rato yéndome al resultado final y al final me di cuenta de que el proceso y el día a día desde el inicio hasta el final es lo que luego te va a hacer tener esa sensación de lo que ha sido crearlo. Entonces sí que hay esa responsabilidad de que ya soy una persona pública que crea, que la gente lo espera, y de hacerlo bien y fiel a mí.

Como artista, ¿cree que debe sacar esa antorcha que menciona en la canción y posicionarse en temas políticos?

Sí, esto lo tengo bastante claro. Siempre que uno pueda posicionarse debe hacerlo. Es verdad que el tema de la antorcha va más por una cosa simbólica que pensamos Hidrogenesse y yo, que simboliza al final de la canción el camino iluminado, lo que vendrá después de la insolación. Artísticamente estaba pensada que fuera la última canción del disco para que dejara ese final abierto un poco metafórico, pero quedó la cuarta. Pero, volviendo a lo que dices, sí que hay que posicionarse.

Y cuando mira a su alrededor, a su generación, ¿le preocupa lo que ve o es optimista?

Me preocupa un poco ahora mismo. El momento, el panorama... sí que me dan angustia algunas cosas. También sé que hay mucha gente dispuesta a luchar y tampoco creo que haya que olvidarse de esta gente, porque al final los que nos movemos, los que nos pronunciamos... los que tenemos un papel también estamos haciendo por que esto no colapse. Siempre hay que seguir. Esa es la conclusión final, que nunca hay que parar y que nunca hay que relajarse, porque siempre hay otro extremo que hace lo contrario y lucha por vencer.

¿Cómo ha llevado el convertirse en un referente para el colectivo LGTB?

Es un gusto. Estoy muy contento y orgulloso de ser un referente y que haya llegado a tanta gente simplemente sintiendo, siendo quien soy y pronunciándome siempre que haga falta.

¿Cómo ha equilibrado que la gente se sintiera identificada con su relación con la invasión de la privacidad?

Es una mezcla de sensaciones, porque es muy bonito ver hasta dónde llega un vínculo supernatural y que Operación Triunfo de repente te exponga tanto, que llegue a las casas y que sea un avance en el sentido de que un niño de seis años pueda ver a dos chicos juntos. Eso es precioso, pero tanto Juanjo [Bona] como yo somos muy de nuestro círculo, de nuestra gente y de valorar nuestro entorno familiar, de dar mucha privacidad a nuestra vida y de vivirla a gusto y sin la tensión de ser públicos. Hay que gestionarlo como uno puede, pero estamos contentos.

Ha participado en la serie Mariliendre. ¿Qué tal la experiencia y trabajar con Javier Calvo y Javier Ambrossi?

Estoy muy orgulloso de ese proyecto. Fue una experiencia muy intensa que siempre va a estar ahí, es una serie muy especial. Me dio vértigo por verme por primera vez en el papel de un personaje bastante principal en un proyecto en el que están los Javis involucrados. Fue un retazo de decir “ostras, qué presión de hacerlo bien”. Entra esa conciencia de que la gente me ha visto actuar y cantar y pueden confiar para que yo lo haga, pero cuando sales [de OT] estás todavía en tu mente de niño de “quiero ir a mi casa”. Pero me hacía mucha ilusión poder desenvolverme como actor en mi primer proyecto.

¿Es difícil desconectar siendo artista y teniendo que estar atento a las redes sociales?

Sí, estoy bastante harto de las redes sociales. Lo hablaba con mi hermana hace poco. Si no existieran ahora mismo ni TikTok ni Instagram, habría un cambio en la sociedad, habría la sensación de vivir un avance de algún tipo. Pero bueno, también disfruto mucho de estar tumbado y ponerme a ver Instagram y TikTok.

De hecho, ha habido debate sobre si los menores deben tener acceso a las redes.

No lo creo, la verdad. Eso también recae en la familia y en la educación, en cuándo decides darle a tu hijo un móvil. Yo, por ejemplo, lo tuve a los 13, pero porque todos tus amigos empiezan a tener móvil y, si eres el único que no puede comunicarse y tal para salir, te quedas un poco out. Pero todo lo que puedas estar viviendo sin móvil es que luego lo notas tanto... Cuando tienes móvil dejas de hacer cosas que cuando eres niño sí haces.

¿Qué supone formar parte de la industria musical, que es algo con lo que soñaba?

Es una gestión diaria de sentir dónde estoy colocado, de dónde vengo, hacia dónde voy, a qué puedo aspirar, qué es lo que quiero... Después de Operación Triunfo, pegas un salto muy directo y yo tampoco tenía claro que quería ser cantante solista y hacer mis discos. Estaba estudiando interpretación y sabía que quería hacer algo corporal y de voz, obviamente para vivir de ello. Además, sales de Operación Triunfo con la etiqueta de OT, que eso a veces se toma bien y otras mal. Es como otra movida salir de Operación Triunfo y tener tu hueco. Hay que tener referentes y seguir cada uno el camino a su manera, tener la intuición bien alerta y escucharla.

Vídeo de la entrevista completa

'Toledo en Concierto 2026' traerá a la capital castellanomanchega a artistas como Viva Suecia, Rosario Flores, Álex Ubago, Ana Torroja o El Arrebato durante el verano.

Este ciclo de conciertos comenzará el próximo 13 de junio con una fiesta de presentación junto a La Rock A, según ha indicado el director general de SYS Producciones, Marco Givica, y cuyo principal escenario será la Plaza de Toros.

El 20 de junio se producirá el concierto de Viva Suecia, seguido el 26 de junio de la mano de Rosario Flores. El 27 de junio tendrá lugar el festival de música La Sagra Suena, con las actuaciones de Ginebras, La Casa Azul, La Paloma, Les Castizos y Bita. Las entradas de este festival ya están a la venta y pueden adquirirse a través de esta web.

En el mes de julio la programación incluirá nombres como Álex Ubago (3 de julio), Ana Torroja (4 de julio), Lia Kali (10 de julio), El Arrebato (11 de julio) o Delaossa (17 de julio), además de D. Valentino y MVRK (18 de julio) y de una nueva edición de ‘Oro Viejo by DJ Nano’ (25 de julio), que celebra su quinto aniversario en Toledo.

En septiembre, el cartel se completará con artistas como Sergio Dalma(4 de septiembre), Vanesa Martín (5 de septiembre), Fernando Costa (11 de septiembre) o JC Reyes (26 de septiembre), junto a propuestas como el 41 aniversario de Luismi Family (12 de septiembre), el espectáculo de Aguilera y Meni (18 de septiembre) o el concierto de Celtas Cortos (26 de septiembre).

Givica ha destacado también el trabajo conjunto con el Ayuntamiento y los vecinos para mejorar la organización del evento y evitar molestias, “este año se realizará un único montaje en junio y un desmontaje al finalizar septiembre, reduciendo molestias. Además, se han establecido horarios sin música y las pruebas de sonido se realizarán únicamente por la mañana”.

Conciertos y espectáculos para todos los públicos

El concejal de Juventud y Festejos del Ayuntamiento de Toledo, José Vicente García-Toledano ha subrayado ue se trata de una programación “ambiciosa”, con la presencia de artistas “de primer nivel”. Igualmente, ha explicado la “consolidación” de la Plaza de Toros como “enclave cultural” para este tipo de conciertos: “Se va a volver a mejorar la Plaza de Toros, que ya el año pasado ofreció unas condiciones excelentes, con un césped que permitió disfrutar mucho de cada concierto y de cada evento”, ha señalado.

El edil ha destacado asimismo el carácter inclusivo de la programación, diseñada para todos los públicos: “Se ha trabajado en una propuesta pensada tanto para jóvenes como para mayores, incorporando además actividades vinculadas a la Semana de la Juventud, como los conciertos de JC Reyes, los monólogos de Aguilera y Meni o el espectáculo de techno flamenco, que está tan en auge actualmente”.

El concejal también ha avanzado nuevas medidas organizativas para mejorar la experiencia del público y la convivencia vecinal. Así, el Ayuntamiento difundirá infografías informativas sobre aparcamientos y accesos a través de sus canales oficiales, con el objetivo de evitar colapsos y facilitar la movilidad. “Hemos mantenido reuniones para garantizar una mejor convivencia con los residentes de la zona y asegurar que estos eventos puedan mantenerse durante mucho tiempo. Sin duda, será un año inolvidable”, ha afirmado García-Toledano.

En un momento marcado por la polarización, la capacidad de un artista para mantenerse fiel a un discurso reivindicativo es un acto de resistencia. Y lo es porque, en la actualidad, reivindicar no solo consiste en gritar contra la injusticia, sino también en obligar al oyente a detenerse y reflexionar en medio de los bulos y del ruido que inundan las redes sociales. Domingo Antonio Edjang Moreno, conocido como El Chojin, lleva 25 años haciendo de la palabra la fortaleza de su música.

Convertido hoy en un referente tras un cuarto de siglo triunfando en la escena de rap, el cantante ha construido su legado basándose en la importancia del mensaje por encima del propio sonido. Desde sus orígenes en un Torrejón de Ardoz profundamente influenciado por la cultura urbana que entraba a través de la base aérea estadounidense, ha llevado a cabo una amplia carrera defendiendo el poder que tiene el rap para abordar temas sociales desde distintas perspectivas y no quedarse con los brazos cruzados.

Su nuevo disco, Balance, está compuesto por 27 temas y reúne a más de 40 artistas de una docena de países diferentes. Desde el peligro del auge de la ultraderecha hasta la disparidad de opiniones y la aceptación de las imperfecciones, El Chojin presenta un proyecto que lo ayuda a hacer balance tanto de su carrera como del mundo que lo rodea.

¿Qué supone conmemorar 25 años de carrera en un disco?

Es motivo para hacer balance, que es como se titula el disco. Darte la vuelta, mirar hacia atrás y ver si todo este tiempo has conseguido conectar con la gente, si has conseguido dejar huella en algún sitio. Por la vorágine en la que estamos metidos, el tiempo no te permite pararte y examinar qué es lo que estás haciendo. Ha sido un ejercicio muy bonito porque me he recordado a mí mismo muchas veces que el éxito no es alcanzar el número que tú tenías en la cabeza, sino continuar ahí y haber dejado cierta huella en la gente.

Que la gente se pregunte cuántas horas pasa mirando la pantalla del teléfono. Invertimos más tiempo en mirar a gente a la que no conocemos, haciendo cosas que realmente no nos interesan, que mirando dentro de nosotros o a nuestro alrededor. ¿Qué puedo hacer para que sea un poquito más feliz la persona que tengo a mi lado? ¿Qué puedo hacer para ser un poquito más feliz? Estamos en esa dinámica, y entiendo que no va a cambiar a mejor, porque los tiempos son así y ya está, pero darle una pensada y una reflexión tampoco viene mal.

¿Suele hacer balance de su vida?

Intento mirar lo menos posible hacia atrás, porque eso me mantiene alejado del foco. El futuro tampoco existe, pero es más interesante y divertido imaginar cómo puede ser algo que recordarlo. Cuando lo estás recordando, al final te lo estás inventando y cambiando cómo fue. No reniego de nada de lo que me ha pasado, pero procuro estar en el presente.

¿Es este disco una aceptación de nuestras imperfecciones?

Sí. Llevo un tiempo trabajando mucho en ese sentido. La única forma de sentirte cómodo contigo mismo es entendiéndote, y para entenderte necesitas ver tanto lo que te gusta ver como lo que no. Muchas veces apartamos lo que no nos gusta y hacemos como que no está ahí, pero siendo así, creo que es muy complicado terminar queriéndote. De modo que la forma que he encontrado de quererme es a través de mis imperfecciones, de estar tranquilo y cómodo con ellas, trabajando para que sean cada vez un poquito más pequeñas, pero no soñando con la posibilidad de no tenerlas.

Ahora eres el tonto por estar en contra de la guerra, mientras que lo inteligente es estar a favor de que se bombardee una escuela

El Chojin — Rapero

Si hace balance de lo que está ocurriendo ahora mismo en el mundo, ¿a qué conclusión llega?

Soy muy poco optimista. Tengo la sensación de que los buenos están perdiendo. Cuando ahora dices que estás en contra de la guerra en Irán, hay quien te tacha de ser demasiado inocente. Eres el tonto por estar en contra de la guerra, mientras que lo adulto, lo inteligente y lo lógico es estar a favor de que se bombardee una escuela y maten a 150 niñas. Se están imponiendo una serie de valores que hablan de la imposición por la fuerza. Y me refiero a los tiros, pero también a los gritos o al hecho de ser un abusón.

La lectura que se está dando ahora es que el abusón lo es porque naturalmente merece más. Si eres frágil, si eres débil, mereces estar abajo, mereces sufrir. Si eres pobre es porque no te lo has currado lo suficiente. También se está instaurando de forma errónea la idea de la meritocracia, que alguien se inventó un día y es el comodín en todas las conversaciones. Me gustaría pensar que podemos retomar un mensaje que gire en torno a la bondad, la bondad, la empatía, a esas cosas que cuando las dices delante de estos hombres tan duros y tan fuertes te tachan de blando y de idealista.

¿Cómo se lucha cuando un discurso de odio cala más en la sociedad que el mensaje de un artista?

Sin resignarme. No se puede soñar con ganar todas las batallas, ni siquiera aquellas en las que estás convencido de que tienes razón, porque la justicia es un concepto estúpido. A nadie le importa la justicia. Aunque tenga razón, eso no quiere decir que cuando combata al que no la tiene vaya a ganar. Por eso acepto que va a haber conversaciones en las que pierda, va a haber bulos que se va a terminar creyendo la gente, va a haber malinterpretaciones. Y perderé, volveré a perder la siguiente, y al final ganaré una. Will Smith dijo una vez: “Yo no soy el mejor, pero si yo me subo a una cinta de andar contigo pueden pasar dos cosas. O que tú te bajes primero, o que yo me muera en la cinta”. Esa es mi actitud.

¿Y cree que la música tiene el poder de hacer algo cuando está ocurriendo un genocidio en Gaza?

Sí, lo tiene y lo hemos intentado. Hicimos un tema para la banda sonora de un corto que estuvo nominado a los Goya, Todos somos Gaza. Tuve la oportunidad de viajar para allá para verlo en primera persona y poder nutrirme de lo que estaba ocurriendo allí. Lo que puedas hacer se puede considerar más o menos importante, pero no hay ningún vaso que se llene si no entra una primera gota. Lo que voy a hacer es, siempre que pueda, aportar lo poco o lo mucho que tenga en las causas en las que yo creo que es justo hacerlo. Que no sea porque yo no me posicioné o no lo intenté.

Estamos ahora en un momento de negación de la existencia del fascismo, que me parece fascinante. “El fascismo nunca existió, eso se lo han inventado los historiadores, ¿eh?”. Todo el mundo es libre para tomar la decisión que considere. La mía es que necesito saber en el futuro que, pase lo que pase, yo estuve en contra del fascismo, y lo voy a trabajar desde la posición que tengo, que es desde la música y desde el escaparate que puedan darme a mí.

¿Cómo le afecta a su sentimiento de pertenencia el auge de la ultraderecha en España?

La diversidad es que exista esta gente. Hay gente que dice que no, pero a mí sí me gustaría que todo el mundo pensara como yo. Estaría mucho más tranquilo. Pero no es así, y con la ultraderecha pasa lo mismo. No me preocupa que exista, lo que me preocupa es que gane el relato. Eso sí me preocupa, pero no quiero que se implante una idea autoritaria en la sociedad en la que vivo. Quiero ser un agente activo, no esperar a que las cosas ocurran. Quiero hacer algo para intentar que no pasen.

Si pasan, si al final terminan votando lo que creo que no se tiene que votar, pues me lo tendré que comer igual que ellos se comen el resultado cuando es al revés, pero no significa que me vaya a quedar con los brazos cruzados. Esta es mi sociedad y, me guste o no, esta gente existe. Lo que toca ahora es intentar que sean lo menos posible a través del convencimiento, no a través de lo que intentan ellos, que es hacerte desaparecer.

¿Pero cree que todas las ideas merecen ser respetadas?

Para nada. Hay muchísimas ideas que no respeto, pero que no las respete no quiere decir que no existan. Hemos de tener la capacidad de entender que una cosa es el mundo tal y como nos gustaría que fuera, y otra cosa es el mundo tal y como es. En un mundo en el que hay gente que dice cosas con las que estoy absolutamente en contra, puedo hacer dos cosas: taparme la cabeza y hacer como que no están ahí, como que no existen, o escuchar qué están diciendo para a partir de ahí saber cómo puedo pelear contra eso. Yo intento ser realista. No respeto tus ideas, pero las combato con argumentos. En función de cómo de grave sea el problema, así tiene que ser también la forma en la que te defiendas.

La culpa de gran parte del auge de la ultraderecha la tienen los dos partidos mayoritarios de España, porque llevaban más de 40 años prometiendo unas cosas que luego no nos estaban dando. Entonces, de repente, hay un montón de gente que cree que son todos lo mismo, que dicen que el PSOE y el PP son la misma mierda y que todos son unos mentirosos. Así es como ha aparecido un señor que dice “Yo tengo la solución, los inmigrantes son el problema”, y la gente responde “Bueno, pues vamos a votar a este señor porque sí, parece que él tiene la solución”.

Nos venden que España está fatal, pero cuando no viajas crees que la normalidad es la que tienes a tu alrededor

El Chojin — Rapero

En el álbum colabora con artistas de Latinoamérica. ¿Tienen algo ellos que no hay en España en cuanto a fuerza reivindicativa?

Totalmente. Estamos en una época en la que nos venden que España está a punto de implosionar, que todo es horrible y está megafatal, y da la sensación de que cuando no viajas, cuando no sales de un sitio, te terminas creyendo que la normalidad es la que tienes a tu alrededor. El mundo ahí fuera es mucho, mucho, mucho peor de lo que lo es aquí. En Latinoamérica en concreto tienen el rap como herramienta de lucha social porque es prácticamente lo que les queda. Sin embargo, aquí somos como más burgueses, somos como niños pijos que se quejan porque papá no les deja coger el coche el fin de semana. Allí se están quejando de cosas realmente importantes y tienen un espíritu más reivindicativo que aplaudo muchísimo. Es parte del motivo por el que quería que hubiera artistas latinoamericanos en mi disco.

¿Le da miedo envejecer en la industria?

Me da mucho miedo envejecer en general. No me gusta hacerme mayor, quedarme fuera del argot de la calle, pero que no me guste tampoco implica nada. La vida es como es, no hay nadie que no envejezca y yo no voy a ser una excepción. Pero si pudiera elegir, si tuviera un superpoder, no sería ni volar ni nada, sino tener todo el rato 21 años. Sigo en contacto con la calle, pero es un contacto muy diferente, porque una cosa es cuando pasas por la calle y hablas con gente que está en la calle, y otra cosa es cuando la calle es tuya, que es lo que pasa cuando estás en los diecipico o veintipico.

Ocurre porque haces que ocurra, porque están tus amigos, tu gente, y es tu ambiente. Lo que nos ocurre a nosotros, a los que hemos tenido mucha calle pero que ya somos más mayores, es que recordamos nuestra calle y creemos que esa es la calle que hay ahora. Pero es diferente porque hay otras personas. Por mucho que la tengamos cerca y que nos la cuenten, ya no estás ahí.

La cultura pop está repleta de polémicas que fortalecen y destruyen el imperio de los artistas. Esta semana le ha tocado a Chappell Roan, cuyo equipo de seguridad ha sido acusado por el futbolista Jorginho de hacer llorar a su hijastra, pues supuestamente estaban alojados en el mismo hotel y le pidió que no molestara a la cantante. Tras las críticas, la artista ha optado por explicarse a través de varios vídeos publicados en Instagram, afirmando desde la cama que no era su guardaespaldas y que no siente “odio” por los niños. Se trata de otra controversia que constata que la autenticidad, además de poder ensalzar a las estrellas, es aquello que las sostiene en el pop contemporáneo.

Las redes sociales empujan a los artistas a mostrarse cercanos y espontáneos, evidenciando a través de stories que son mucho más que meros intérpretes de los hits del momento. Sin embargo, esa misma visibilidad alimenta el escrutinio público, por lo que, mientras que la exposición les permite conectar mejor con sus fans y humanizar su imagen, al mismo tiempo genera una contradicción: cuanto más enseñan de sí mismos, más difícil les resulta delimitar su vida privada, volviéndose en su contra cuando intentan reclamar intimidad. Consiste en todo un espectáculo que continúa fuera del escenario y que el músico y sociólogo Hans Laguna recorre en el ensayo Yo siendo yo (Anagrama, 2026).

Analizando cómo la identidad se define y se explota en una industria que exige la reinvención constante, sobre todo a las mujeres, y aportando las claves respecto a por qué se ha convertido en uno de los activos más valiosos para cualquier cantante, Hans Laguna cuenta los secretos detrás de la imagen que proyectan las estrellas del pop. Unos secretos de los que “somos víctimas y cómplices”, puesto que las estrellas y quienes las seguimos formamos parte del mismo juego. “Lo que hacen estas figuras lo hacemos nosotros a pequeña escala. Todos estamos metidos en las redes sociales y todos, de alguna forma, construimos un personaje para el consumo público”, señala el autor a elDiario.es.

Como ocurre con los cantantes que utilizan aplicaciones como TikTok o Instagram para proyectar una imagen determinada a su comunidad de fans, también nosotros nos vemos cada vez más atravesados por esos mismos problemas identitarios: hasta qué punto somos fieles a nosotros mismos en nuestra vida diaria y social, y hasta qué punto el personaje que construimos en redes nos representa realmente. “Las estrellas del pop llevan estas inquietudes a la arena pública de una forma muy evidente, pero lo interesante es que no es algo ajeno a los demás”, apunta Hans Laguna, que agrega que “el sistema nos lleva a construir una marca personal que rentabilizamos a nivel laboral”.

Es por ello que, para alcanzar una mayor empatía y fidelidad por parte de sus seguidores, los artistas moldean una personalidad de atributos entre los cuales destaca la autenticidad. Uno de los casos a los que alude el autor es el de Rosalía, quien ha logrado una gran relevancia cultural y social más allá del panorama musical porque ha conseguido mostrar una “imagen de mujer autónoma e independiente que hace lo que le da la gana”. “Eso le permite colaborar con un montón de marcas y capitalizarlo. Es el ejemplo de que construir una imagen de persona auténtica hoy en día es un negocio”, detalla.

Rosalía no es la única que lo hace, teniendo en cuenta que incluso se ve con buenos ojos. “Antes, hacer publicidad era un anatema, pero ahora la Generación Z lo acepta porque están demostrando su triunfo social y celebran que lo estén petando”, indica Hans Laguna. La anomalía en este aspecto la presenta Taylor Swift, la figura que lo inspiró a escribir Yo siendo yo tras ver el documental Miss Americana (Netflix, 2020). Según Forbes, la creadora de The Life of a Showgirl tiene un patrimonio neto de 2 mil millones de dólares, convirtiéndola en la artista más rica del mundo y la primera en alcanzar dicho estatus gracias únicamente a sus giras y su catálogo, sin necesidad de patrocinios o asociaciones.

Aunque no es negativo que la mayoría de artistas se vinculen con otras empresas, Hans Laguna subraya que si sobrepasan ciertos límites puede ser peligroso. “Debe haber una coherencia entre la marca con la que se asocian y su marca personal”, argumenta. Si no, corren el riesgo de que sus movimientos sean tildados de hipócritas, como le sucedió a Aitana al asegurar que ni ella misma podría comerse el menú que sacó con McDonald's porque es celíaca. La intérprete, además, alegó el verano pasado que no ganaba dinero con sus conciertos en estadios, algo que responde a la paradoja de que, en tanto que las estrellas del pop son más capitalistas que nunca, proyectan el discurso de que son auténticas y no hacen las cosas por beneficiarse económicamente.

“Es un malabarismo al que estamos acostumbrándonos, pero es una anomalía histórica que debería llamarnos la atención”, comenta Hans Laguna, que asevera que es una situación que está cada vez más normalizada. “Están jugando a eso y cada vez es más obvio que son máquinas de hacer dinero y de colaborar con marcas. Quizás precisamente por ello necesitan al mismo tiempo construir una imagen que se mantenga al margen de esto y convencernos de que en realidad tienen una necesidad expresiva”, reflexiona.

El posicionamiento político

Otra de las consecuencias de la exposición de los artistas es el reclamo por parte de sus seguidores de pronunciarse sobre los problemas políticos y sociales. Rosalía se vio obligada a apoyar públicamente a Palestina después de la polémica desatada en redes sociales que señalaba a la cantante por no haberse manifestado al respecto. “El hecho de no haber usado mi plataforma de forma alineada con el estilo o expectativas ajenas no significa en absoluto que no condene lo que está pasando en Palestina”, indicaba la catalana. Hans Laguna afirma que “las estrellas son más conscientes de que no tienen un cheque en blanco, sino que saben que los fans pueden reaccionar”.

El autor critica que estos artistas, que “viven del engagement que han generado con sus públicos, con su audiencia en redes, provocando relaciones parasociales”, se molesten “cuando el público les exige determinadas actitudes o les afea ciertas conductas”: “Es como que solo lo quieren para lo bueno y no para lo malo. Parece que tienen nostalgia de unos tiempos en los que podían hacer cualquier cosa sin tener que rendir cuentas”.

En EEUU, no obstante, sí es más normal que los cantantes tomen partido. Elton John y Katy Perry, por ejemplo, hicieron campaña para Hillary Clinton en 2016, mientras que Taylor Swift y Beyoncé han hecho lo propio en 2024 apoyando a Kamala Harris frente a Donald Trump. “¿Cómo puedo subirme al escenario y decir '¡Feliz mes del Orgullo a todos!' y no hacer nada mientras la gente, literalmente, va a por el cuello [de la comunidad LGBT]?'”, advertía Swift en su documental. “Es interesante que las estrellas perciban que tienen que ir con más cuidado, puesto que ahora los fans ejercen poder de influencia sobre ellos”, apunta Hans Laguna.

Aun así, el escritor advierte que “hay una base de fans muy fieles que les van a defender hagan lo que hagan”. Se ve constantemente con las polémicas a las que se enfrentan en internet, e incluso con informaciones tan delicadas como la denuncia de dos extrabajadoras de Julio Iglesias acusando al cantante de agresiones sexuales. “El caso de Julio Iglesias es muy particular porque es una estrella de la vieja escuela y, justo al final de su vida, ha surgido un escándalo bastante desagradable del que fue una locura la repercusión”, dice Hans Laguna, conocido también por su obra sobre el intérprete Hey! Julio Iglesias y la conquista de América (Contra, 2022).

“Cuando alguien es muy fan, psicológicamente intenta encajar la nueva información en sus creencias previas. El fenómeno fan es muy diverso: hay muy fieles, otros más escépticos, algunos críticos y otros menos. Cuando hablamos de la audiencia, hablamos de una masa muy heterogénea. Las estrellas tienen que ir navegando esa diversidad”, argumenta el autor, que hace alusión a que hay personas que olvidan rápidamente. A través de Instagram, el futbolista Jorginho le recriminó a Chappell Roan el trato a su fandom: “Sin tus fans no serías nada”. Sin embargo, más allá de que los seguidores recuerden o no esta polémica en unos meses, el juego de las estrellas ya no solo depende de lo que hagan con su micrófono encima del escenario, sino su capacidad para gestionar las expectativas de un público cada vez más activo y dividido.

Quien más y quien menos habrá tenido alguna vez la sensación de que todo lo que escucha suena igual. Es una sensación subjetiva y, a menudo, fruto de una falta de atención. Pero hay algo cierto en ella, porque en las últimas décadas casi todas las canciones que oímos coinciden en algo: su compás binario. Sea de dos por dos, de cuatro por cuatro o de ocho tiempos, el patrón binario es tan hegemónico que aparece en el 95% y hasta en el 100% de las cien canciones más exitosas del momento en decenas de países. Así lo ha comprobado Edi Pou, baterista, compositor y activista musical, y así lo explica en Nou elogis de l’imparell (Nueve elogios del impar, editorial H&O).

Este microensayo, de apenas 120 páginas y con mucho ritmo, revela que se nos está imponiendo la música de compás más simple, aunque el cerebro humano es capaz de disfrutar de opciones más complejas (compases ternarios, de cinco, de siete, amalgamas...) porque esta es la más fácil de vender. También, que en épocas de la historia no tan lejanas y en culturas no europeas, la riqueza rítmica era mucho mayor. Pou, periodista en feliz excedencia y mitad de los dúos Za! y Los Sara Fontan, afirma que esta dieta sonora tan limitada está reduciendo nuestra capacidad de escucha y nos insta a rebelarnos contra la uniformización de la música que oímos.

¿Por qué podría interesarle este ensayo a alguien que jamás ha prestado atención al compás de las canciones que escucha?

Por un lado, porque es interesante reflexionar sobre cómo escuchamos la música y por qué escuchamos lo que escuchamos. Por otro, porque la música es reflejo, síntoma o indicador predictivo de la sociedad. La falta de diversidad que creo que hay actualmente va acompañada de una falta de diversidad de fauna, de formas de comunicarnos, de centros de las ciudades cada vez más iguales... La música es un espejo de muchas otras cosas.

¿Cómo escucha usted la música? Por ejemplo, en un concierto.

Pongo mucha atención. Me cuesta estar hablando con alguien y a la vez escucharla. Pongo todo el cuerpo y a veces soy un poco pesado reaccionando con ‘¡uuuh!’ pensando: al grupo le gustará que haga esto. No soy muy freak de los baterías, pero sí de los ritmos y las armonías. No puedo evitar, mientras disfruto, identificar compases y alucinar con las armonías.

Hay quien piensa que si te concentras mucho dejas de disfrutar la música. Como si disfrutar pasase únicamente por dejarse llevar sin pensar. ¿Nos perdemos algo si no analizamos la música que escuchamos?

Rotundamente, sí. Poner el foco en lo que haces o escuchas te ayuda a disfrutarlo más y a entenderlo mejor. Pero, claro, vivimos en un momento de hiperestimulación y la saturación mental que tenemos hace difícil que podamos concentrarnos en algo. Por eso triunfa la idea de que la música ha de ser un lugar donde olvidarte de ti mismo y desconectar. Esa es una de sus funciones, y me encanta, pero no puede ser la única ni puede dominar todo el panorama. Me pone muy nervioso esa frase que he leído mucho a programadores de festivales y he oído a muchos grupos de ‘esperemos que durante un rato la gente olvide sus problemas y desconecte’. Por un lado, es asumir que la gente tiene unas vidas insatisfactorias. Y, si es así, deberíamos rebelarnos. Por otro, ojalá el discurso fuese al revés: esperamos que durante este rato la gente encuentre aquí la energía para pensar sobre sus vidas y busque soluciones cuando vuelvan a presentarse los problemas.

Estudiando el Top 100 de numerosos países, detecta que en muchos el 99% de las canciones más exitosas son de compás binario. Pero, claro, el mainstream tiende por naturaleza a uniformizarlo todo. ¿También se está reduciendo la música de otros compases fuera del mainstream?

No tengo pruebas empíricas, pero mi impresión es que sí. Hasta en el underground hemos confundido en los últimos veinte años mayoritario con popular y minoritario con elitista. Y, de repente, hacer música que se saliera del mainstream parecía esnob. En el libro intento demostrar que históricamente los ritmos impares han estado mucho más extendidos que ahora.

Las plataformas de streaming nos llevan a un túnel donde las ideas minoritarias son cada vez más minoritarias y las más generalistas devienen más generalistas más rápido. Hay intereses económicos en que sea así.

La tecnología facilita crear música mucho más compleja, pero en muchos estilos los sintetizadores y las cajas de ritmos se han convertido en un camino fácil para perpetuar la hegemonía del cuatro por cuatro.

Hay partes de tecnología que ratifican el statu quo cuatrocuatrista, pero los sintetizadores modulares, por ejemplo, abren todo un mundo de música generativa que puede ser muy sorpresiva. La tecnología más perniciosa para irse cargando la diversidad rítmica es la que difunde la música, más que la que la hace. Las plataformas de streaming nos llevan a un túnel donde las ideas minoritarias son cada vez más minoritarias y las más generalistas devienen más generalistas más rápido. Y eso no pasa porque la tecnología en sí sea malvada, sino porque hay intereses económicos en que sea así.

La inteligencia artificial también tenderá, por definición, a sobrerrepresentar lo más común y a infrarrepresentar lo diferente. ¿Vamos hacia un mundo donde la definición de música será “conjunto de sonidos ordenados en compás binario” y el ritmo impar se habrá extinguido?

Tengo la esperanza de que cuando hacer música ya no tenga valor, porque la podrá crear una máquina, hacer música que salga de lo normal volverá a adquirir valor. Y la humanidad disfrutará de lo que se cree en los márgenes porque la zona intermedia ya no tendrá ningún interés. Tengo la esperanza de que la inteligencia artificial sea el acelerador de un cambio a favor de la diversidad. Quiero ser optimista, aunque hay días en que cuesta serlo.

¿Necesitamos música sencilla y binaria porque vamos estresados todo el día y no tenemos tiempo para escuchar con atención o la simplificación de la música en las últimas décadas hace que ya solo seamos capaces de digerir música sencilla porque nuestro cerebro no da para más?

La falta de costumbre provocará cada vez menos capacidad de escucha. Eso se podría revertir fácilmente con un poco de dedicación diaria, pero la falta de tiempo en nuestro día a día hace difícil revertir esta dinámica porque nos queda muy poco espacio mental. Vamos muy saturados. Llegamos a casa con la cabeza reventada. Y, además, tenemos cierta obsesión por la utilidad de las cosas. Detenerte a escuchar tranquilamente algo nuevo o dedicar tiempo a trabajar la escucha nos parece algo totalmente inútil cuando creo que es de las cosas más útiles que podemos hacer. Vamos entendiendo que debemos cuidar el cuerpo, que debemos cuidar la alimentación y se empieza a ver que debemos cuidar también nuestra mente. E igual que el cuerpo se entrena haciendo ejercicio, la cabeza y el oído se pueden entrenar con la música. Y me gustaría pensar que una escucha más empática puede ayudar a tener una actitud vital más empática en todos los ámbitos.

Tengo la esperanza de que cuando hacer música ya no tenga valor, porque la podrá crear una máquina, hacer música que salga de lo normal volverá a adquirir valor

Suponemos que un compás binario es más fácil al oído y que los ritmos impares son más difíciles. Pero explica que esa facilidad o dificultad de unos u otros es un hecho cultural fruto de la costumbre. ¿Podríamos deducir que la industria musical, fomentando un consumo de músicas cada vez más simples, nos está atrofiando el oído?

Eso sería mucho decir. Pero oír siempre el mismo tipo de música atrofia la capacidad de escucha, sin duda. Si solo escuchas música en la misma escala do re mi fa sol la si cuando oigas música microtonal pensarás que está desafinada. Tu cerebro ha aprendido a clasificar la música de un modo que deduce que eso es incorrecto. Los estudios afirman que tenemos un cerebro superpotente capaz de entender y disfrutar todo tipo de ritmos y armonías, pero la falta de costumbre va reduciendo la posibilidad de disfrutarlas. El placer musical, simplificando mucho, proviene de dos lados: uno es predecir la repetición, lo cual nos genera satisfacción, y otro es la sorpresa de un giro inesperado, que también nos provoca satisfacción. En el libro lanzo la intuición de que está triunfando más la versión conservadora del disfrute: la previsible. Y seguramente es así debido a unos intereses: es más fácil para un empresario venderte una y otra vez lo mismo.

¿A quién interesa que cada vez haya menos diversidad lingüística, de fauna, de vegetación, de alimentos y, también, de ritmos?

A las cuatro personas más ricas del planeta. Que cada vez haya menos diversidad anula todo lo que escapa a su control. Vamos hacia ese mundo de hipermultimillonarios, hacia esa especie de nuevo antiguo régimen donde interesa que todos consumamos lo mismo porque es mucho más fácil fabricar un millón de bollicaos que un millón de productos alimentarios diferentes. Seguramente por ello nunca antes la música ha sido menos diversa.

¿Es casual que todas las marchas militares sean de compás binario?

En absoluto.

No podemos cambiar nuestras vidas de hoy para mañana, pero podemos tomar las riendas de la banda sonora de nuestras vidas. ¿Cómo?

Se me ocurre una respuesta más teórica y otra de gestos concretos. La teórica sería tender a una escucha crítica, pensar por qué escuchas lo que escuchas y cómo te ha llegado; tender también a una escucha curiosa e incluso plantearse escuchar nuestro entorno: la realidad. Cuando fui a Nueva York a tocar con Los Sara Fontan flipé porque todo el mundo iba por la calle conectado a sus AirPods. Esa desconexión con el presente es muy bestia.

Hay gestos concretos que te permiten hackear un poco ese embudo en el que vamos cayendo sin pensar demasiado. No debemos perder la curiosidad ni en la música ni en cualquier otro ámbito porque entonces nos rendimos como humanos

¿Y esos gestos más concretos?

El primero es espiar las playlists que hace la gente en las plataformas. Son una fuente de descubrimiento extraordinaria: las hay de música india de los 70, hip-hop con patrones extraños… El segundo, hablar de música con tus vecinos, con gente de otras generaciones… Y el tercero, escuchar música fuera las plataformas: en vinilo, en conciertos, en emisoras digitales… Todo ello te permite hackear un poco ese embudo en el que vamos cayendo sin pensar demasiado. No debemos perder la curiosidad ni en la música ni en cualquier otro ámbito porque entonces nos rendimos como humanos.

Perder esa curiosidad, perder incluso la capacidad para disfrutar músicas con compases diferentes, ¿a dónde nos aboca como especie?

A ser como los personajes de la película Wall-E: personas que han abandonado su cuerpo, que son incapaces de hacer ejercicio, que viven mirando una pantalla que tienen delante y se mueven a través de una cinta transportadora. Tienen una vida comodísima, tienen comida y se pasan el día tumbados, pero han perdido todo poder de decisión sobre sus vidas. El interés de los cuatro oligarcas es tenernos tumbados ante la pantalla, pero los humanos tenemos un cerebro privilegiado y confío en que sabremos reaccionar.

Cada día, millones de personas pasan horas viendo vídeos cortos en el móvil. Algunos de ellos, comparten una música intensa, pesada, diseñada específicamente para subrayar el momento culminante del vídeo. La mayoría de quienes escuchan esa música no sabría decir cómo se llama ese estilo musical, ni siquiera que pertenezca a un género concreto. Sin embargo, esas mismas piezas se repiten miles de veces al día en vídeos de TikTok, YouTube Shorts o Instagram Reels. Son como las montañas lejanas del paisaje sonoro de internet. Y tiene un nombre. Se llama phonk.

El phonk está hoy en día por todas partes y su uso genera millones de dólares a sus creadores, pero, a diferencia de otros géneros musicales como el reguetón o el k-pop, su auge resulta casi invisible. Se dice que la primera superestrella de la historia de la música fue Franz Liszt. En la década de 1840, el austriaco causaba sensación. Sus fans se contaban por miles y sus apariciones públicas generaban casos de histeria. Este fenómeno se llegó a bautizar en la época como la “Lisztomanía”, ilustre predecesora de la célebre “Beatlemanía”.

Casi se podría decir que, desde entonces, la industria musical ha seguido funcionando de la misma manera, alrededor de grandes superestrellas como Elvis, Sinatra o Michael Jackson, cuyos grandes lanzamientos discográficos, entrevistas en televisión y giras mundiales mastodónticas marcaban la actualidad musical y las modas. Sin embargo, la nueva realidad de internet podría estar empezando a alterar ese sistema. Según datos citados por The New York Times, el artista con mayor audiencia en YouTube durante el pasado mes de enero no fue ni Bad Bunny ni Taylor Swift. Fue Slxughter, un productor de phonk originario de Rusia del que estoy casi seguro de que nunca había escuchado hablar.

Los vídeos en la plataforma de Slxughter, a pesar de tener decenas de millones de reproducciones, no llegan a las cifras de los grandes artistas del mainstream. Pero el secreto está en los vídeos verticales. Kevin Meenan, responsable de tendencias musicales en YouTube, explicó al periódico neoyorkino que la audiencia mensual que ellos miden combina las visualizaciones de la plataforma tradicional con el consumo dentro de shorts, los vídeos cortos similares a los reels o las publicaciones de TikTok que tiene la plataforma. Este detalle altera por completo el mapa de popularidad. Sumando así la difusión a través de shorts, la música de Slxughter fue escuchada en enero por 981 millones de usuarios únicos, más del doble que Taylor Swift y más de seis veces la audiencia de Bad Bunny durante ese mismo mes. 

De los casetes de Memphis al algoritmo

En contra de lo que podría parecer, el phonk no es un fenómeno surgido al calor del algoritmo y la viralidad, sino que tiene raíces profundas en la música negra de hace 40 años. En concreto, en la escena del rap de la ciudad Memphis a finales de los años ochenta y noventa, cuando productores como Tommy Wright III o Three 6 Mafia empezaron a desarrollar un sonido oscuro y minimalista basado en bajos pesados, loops hipnóticos y una estética deliberadamente cruda y siniestra. 

En aquel momento se trataba de una música de alcance casi exclusivamente local. Muchas de esas grabaciones ni siquiera se publicaban, sino que circulaban en cintas de casete entre una comunidad muy reducida de personas. Lo que nadie podía imaginar es que décadas más tarde esos sonidos serían redescubiertos por jóvenes productores que trabajaban desde sus ordenadores a miles de kilómetros de distancia. Aquellas oscuras grabaciones (y otras más populares) de rap de Memphis acabaron cayendo en manos de productores rusos y de Europa del Este que, en la década de 2010, comenzaron a integrarlas y mezclarlas con ritmos más actuales. 

Esto dio lugar a una mutación que resultó a la postre decisiva para el phonk. Conocido como drift phonk (de drift, derrape en inglés), este género comenzó a ser la banda sonora de los vídeos de coches derrapando y haciendo acrobacias (muchos creados en la antigua Unión Soviética) que comenzaron a extenderse por las nacientes redes sociales. Con esa transformación, el género se volvió más rápido, más electrónico y poco a poco fue adoptando una estructura pensada para funcionar dentro de clips muy breves.

La típica pieza de drift phonk comienza con una introducción de unos breves segundos que genera tensión antes de que aparezca un marcado golpe de bajo. Un subidón repentino que es fácil hacer coincidir con el momento culminante del vídeo al que acompaña. Con el tiempo, esa estrecha relación entre vídeo y música, ha producido una simbiosis creativa única en la historia de la música. Y no precisamente para bien.

El algoritmo como brújula creativa

Según le contó a The New York Times Tyler Blatchley, fundador del sello Black 17 Media, que representa a algunos de los artistas más importantes del género, su proceso creativo es sencillo. “Son productores que habitualmente trabajan en su habitación”, explica. “Cada día chequean las redes para ver qué tipo de música está promocionando en algoritmo y ajustan el tipo de música que producen basándose en ello”. Posteriormente suben sus temas a las redes esperando que se viralicen. 

Esa dinámica ha creado una especie de circuito cerrado entre la creación musical y el comportamiento de los usuarios y los algoritmos. Si una determinada estructura de melodía funciona bien en vídeos de diez segundos, más y más productores empezarán a reproducir ese patrón. Las canciones se diseñan pensando en el instante exacto en el que un clip revelará su momento clave. El phonk se ha ido perfeccionando para ser una herramienta perfecta para el vídeo corto, pero también un bodrio en términos creativos.

No obstante, el sistema funciona a las mil maravillas. Según Blatchley, muchos creadores de phonk han ganado más de cinco millones de dólares gracias a los royalties que estas canciones generan en las redes sociales. En los últimos años, su empresa ha pagado más de 140 millones de dólares a sus representados, productores provenientes de países como Rusia, Ucrania o Kazajistán. El efecto llamada de estas ganancias ha hecho también que surjan creadores de phonk por todo el mundo, generando nuevas encarnaciones del género como por ejemplo el Brazilian phonk, que fusiona el drift phonk con el funk carioca.

El género musical omnipresente en internet

El phonk ha logrado expandirse con tanta rapidez porque encaja con muchos tipos de contenido, aunque suele estar más presente en el enfocado hacia lo que habitualmente se conoce como la “machosfera”. Aparece casi siempre en vídeos de coches, pero también en montajes de anime, clips de videojuegos, entrenamientos de gimnasio, recopilaciones deportivas o contenido motivacional. El género, por tanto, no ha necesitado de grandes conciertos ni de presencia en festivales para convertirse en un fenómeno global. Su territorio natural es el flujo constante de vídeos cortos que circulan por internet. Eso hace que su presencia en la cultura haya pasado casi desapercibida hasta ahora. 

Pero las enormes cantidades de dinero que se están moviendo a su alrededor, han hecho levantar las orejas a la industria de la música más clásica. Un ejemplo de ello es el del reconocido músico y productor Diplo, siempre alerta de las nuevas tendencias, que acaba de sacar un disco que define como un homenaje al phonk, titulado de forma bastante clara D00mscrvll (de doomscroll, el acto de mirar compulsivamente las redes sociales que acaba generando ansiedad y pesimismo). El mismo Diplo ha contribuido a llevar el phonk al gran público introduciéndolo en alguno de sus trabajos para músicos mainstream, como ha hecho en la canción Like Jennie de la estrella del k-pop Jennie.

Este espectacular éxito del phonk también ha generado críticas dentro de la propia escena. Algunos productores consideran que la versión actual del género, que gira sobre sí misma basándose en criterios puramente económicos, se ha convertido en una fórmula repetitiva diseñada exclusivamente para acumular reproducciones.

Un análisis publicado por Kieran Press-Reynolds en Pitchfork describe con bastante dureza el momento actual del estilo como “un vertedero globalizado, sin rostro e insustancial”. Es probable, además, que el impacto de la inteligencia artificial empeore todavía más la situación al acelerar la creación de nuevas melodías con solo unos clics de ratón.

Aun así, el género sigue creciendo y expandiéndose. Y también dando algunos nuevos ejemplos dignos de destacar. Pitchfork destaca el tema Ultraphunk de Dashie, que cuenta con millones de reproducciones, y que compara con “la banda sonora de un duelo de gladiadores en el año 2275”. Todavía es pronto para saber si el phonk se acabará convirtiendo en un género más o si su importancia se diluirá, quedando como una anomalía en la historia de la música.

El auge del estilo coincide con un cambio profundo en la forma de consumir música y de ganar dinero con ella. Cada vez más, las canciones, sea cual sea su estilo, se conciben pensando en el ecosistema de los vídeos cortos de internet y no tanto en la construcción de álbumes conceptuales. De cualquier modo, ambas lógicas no son necesariamente incompatibles.

Shakira sigue sumando nuevos conciertos a su residencia en Madrid este 2026. La artista colombiana, que había anunciado tres shows en la capital con su gira Las Mujeres Ya No Lloran World Tour, ha añadido otros tres conciertos para una residencia que se espera que sea de hasta diez fechas diferentes. Los primeros shows anunciados serán el 25, 26 y 27 de septiembre de 2026, mientras que los conciertos recién anunciados están programados para los días 18, 19 y 20 del mismo mes. Todas las entradas saldrán a la venta a la vez este martes.

Los conciertos, al igual que los anunciados la semana pasada, serán en el Estadio Shakira, una infraestructura construida exclusivamente para esta residencia de la cantante en España. Será en el recinto Iberdrola Music, un espacio de más de 185.000 metros cuadrados que está situado en el distrito madrileño de Villaverde. En este lugar se celebran festivales de música como el Mad Cool y el Reggaetón Beach.

Después de que la artista oficializara el paso de su gira por el país, el delegado del Gobierno en Madrid, Francisco Martín, hizo un llamamiento tanto a la promotora, Live Nation, como a la Comunidad y al Ayuntamiento de Madrid para trasladar estos conciertos a otros recintos, pues afirmaba que este espacio “sigue sin tener las condiciones necesarias” para celebrar grandes eventos.

Intentando ser algo más que un concierto, la residencia transformará el recinto en un destino cultural inmersivo: una ciudad paralela dentro de Madrid donde la música, el arte y la comunidad se unirán durante —por ahora— seis noches, a la espera de que se confirme si finalmente serán diez en total, como anunció Almeida. La residencia celebrará las raíces culturales compartidas e intentará destacar a Madrid como un escenario global para voces diversas.

Durante la residencia europea en el Estadio Shakira, la ciudad acogerá una amplia variedad de actividades: conciertos, exposiciones, charlas, talleres, cine, gastronomía, literatura y experiencias culturales compartidas, todas curadas por Shakira bajo el nombre Es Latina. “La Nación Latina no es un territorio geográfico: es una comunidad transnacional unida por el idioma, el ritmo, la creatividad, la resiliencia y la alegría”, señala la promotora Live Nation.

Cómo comprar las entradas para los conciertos y precios

Habrá hasta cuatro oportunidades para conseguir entradas para los conciertos de Shakira. Una de ellas será la Preventa Shakira, que comienza el 24 de marzo a las 10:00 horas, y es exclusiva para aquellos que se hayan registrado en www.shakira.com. Otra opción de obtener tickets para el concierto de la colombiana será a través de la Preventa SMusic, que arranca el 25 de marzo a las 10:00 horas y está destinada a aquellos que sean clientes del Banco Santander. Se podrá acceder a ella a través de la página oficial de SMusic.

Asimismo, habrá una Preventa Live Nation que se inicia el 26 de marzo a las 10:00 horas a través de la web Live Nation. La venta general será el viernes 27 de marzo a las 10:00 horas. Quienes deseen asistir a alguno de los conciertos podrán comprar sus entradas a través de Live Nation, Ticketmaster y El Corte Inglés.

Aunque todavía se desconoce oficialmente cuáles serán los precios de los shows de Shakira en la capital, sí que se sabe cuánto ha costado asistir a otras fechas de la misma gira. Tomando como referencia sus cinco conciertos en el Estadio Nacional Jorge 'El Mágico' González en San Salvador (El Salvador) celebrados durante el mes de febrero de 2026, la entrada más barata cuesta alrededor de 45 dólares con visión limitada. La entrada general cuesta en torno a 70 dólares, mientras que la VIP asciende hasta los 150 y 200 dólares. La entrada más cara cuesta alrededor de 275 dólares.

No es nada nuevo, pero el sector de los macroconciertos nostálgicos ha crecido tanto en los últimos años que ya se ha erigido por derecho propio en una sólida rama del negocio de la música en vivo. A formatos ya conocidos como Love The 90s y Love the Twenties se ha sumado ya la inevitable versión ochentera. Eso es Discoteca de los 80, un macroevento que este fin de semana reunió a 18.000 personas en el Palau Sant Jordi. El reclamo artístico era un cartel de glorias ochenteras como Ryan Paris, C.C. Catch, Samantha Fox y Alphaville, pero la verdadera excusa era sumergirse en cuerpo y alma en una multitudinaria noche de nostalgia premium. Noche ochentera toda la noche entera, que diría Vicco.

El llenazo registrado con semanas de antelación obliga a observar cómo, en las últimas temporadas, no dejan de surgir iniciativas cuyo objetivo es atrapar al público con la excusa de un viaje musical al pasado. Atrapar al público en su pasado, incluso. Además de los Love the 90s y Love the Twenties previstos para esta temporada, el 30 de abril nace otro evento, el Caribe Mix Festival, que anuncia escalas en Barcelona, Mallorca, Cádiz, Santander, Gran Canaria, Tenerife y Madrid con Soraya, King Africa, Raúl, Gusanito y Guaraná, entre otros. “Nostalgia bien curada, energía actual y cero postureo”, anuncia la publicidad de este nuevo formato cuyo lema es “Vuelven los rompecinturas del verano”.

Todo vuelve, sí. Y la ofensiva de la nostalgia ataca por tierra, mar y aire. En octubre zarpará de Barcelona ‘El Barco Ochentero’, un crucero con escalas en Ibiza, Palermo, Roma y Marsella que se presenta como “el mayor festival de pop español en altamar”. Para muchos melómanos, surcar el Mediterráneo con Seguridad Social, Revólver, Los Rebeldes y Danza Invisible sería una condena. Pero alguno se hubiese enrolado gustoso en el Boaty Weekender donde tocaron años atrás Belle & Sebastian, Teenage Fanclub y Yo La Tengo. O en el Rock the Bells que surcará el Caribe mientras rapean Public Enemy, Warren G, T.I. y EPMD. Como todo en la vida, la nostalgia también es una cuestión de gustos.

La del sábado fue la tercera gala Discoteca de los 80 tras las de Madrid y Valencia. El término gala no es gratuito, ya que los artistas interpretan una, dos o a lo sumo tres canciones. La gran mayoría sale a escena con un micrófono y una patrulla de bailarines. El resto, música enlatada sobre la que Lime, Eruption, Silver Pozzoli y otros ‘one hit wonders’ entonan sus respectivos éxitos: Babe, we’re gonna love tonight, One way ticket, Around my dream… Ni más ni menos que como se les disfrutaba en los programas televisivos de los 80 y en algunas galas de Fin de Año. Algunos títulos adquieren una inquietante doble lectura tantos años después. Era el caso del How old are you? (¿Cuántos años tienes?), de Miko Mission, o el Happy children (‘Niños felices’) de P. Lion.

Pero si las galas televisivas de Fin de Año eran interminables y desconcertantes en su voluntad de satisfacer a todo tipo de telespectadores, en Discoteca de los 80 todo está medido al minuto. El escenario circular en el centro de la pista alterna dos o tres actuaciones con una sesión de los discjockeys que amenizan los interludios con baterías de éxitos ochenteros. Los Jumper Brothers, Tonín y Edu, manejan un material tan infalible que el público a menudo vibra más con ellos que con los supuestos protagonistas de la noche. Cruel paradoja, sí, pero así es la música: no importan los cantantes, sino las canciones.

En un mismo bloque Toñín y Edu pueden enlazar hits de Human League y Guns N’Roses, de Bon Jovi y Modern Talking ,de Europe y Kylie Minogue. Nada desentona. Todo encaja en el concepto retrochentero. El Sant Jordi es un parque temático de la nostalgia. Un escape room de estética ochentera con paredes falsas y pasadizos secretos que conectan escenas musicales antaño antagónicas. En lo alto del escenario, una pantalla circular proyecta vídeos recopilatorios de películas y teleseries de los 80. En cuanto hay que dar paso al siguiente bloque de actuaciones, la cabina circular de los discjockeys se eleva como la cesta de un globo y desaparece en cuestión de segundos. Y entonces sube por la pasarela Fernandisco, el locutor de los ochenta por excelencia.

¡La mejor generación de la historia!

A lo largo de seis horas se suceden decenas de proclamas. “¡Volemos juntos a la mejor década de la historia!”. “¡Somos muy jóvenes!”. “¡Que vivan los 80 y que viva la madre que nos parió”. “¡La mejor generación de la historia!”. “¡Que nunca se apague el espíritu de los 80!”. “¡Que levante los brazos quien quiera quedarse en los 80 para siempre!”. Uno ya ni pestañea cuando Fernandisco habla del “cordón umbilical que nos conecta con los 80” y afirma que “la gente de los 80 ha trabajado mucho para sacar a su familia adelante”. Todo vale cuando se trata de convencer a casi 18.000 personas de que no existe ningún motivo para avergonzarse de estar pasándolo tan bien. Por cierto, ¡la de veinteañeros no emancipados que estarán aprovechando para liarla gorda en casa de sus padres!

Además de un viaje al pasado, Discoteca de los 80 es una excusa para reencontrar viejas amistades. Y se nota. En los pasillos exteriores y las zonas de restauración abundan corrillos de personas que buscan un lugar tranquilo, sin música, donde contarse todo lo que no se han podido contar durante meses o años. Hay conversaciones serias y profundas. Y no todo el público presente fue adolescente en los 80. En las gradas hay señoras de más de 70 años; en la pista, varias treintañeras. Además de un chute a tu juventud, el escape room también funciona como viaje a una época no vivida. El ambiente de euforia es mayoritario, pero hay gente para todo. Mientras Bad Boys Blue ocupan el escenario, un hombre en primera fila se ríe con un vídeo que le ha saltado en el móvil: es un gato caza un ratón tirándose un pedo en la puerta de su escondite. A su lado, un tipo con peluca a lo Limahl lo está dando todo. Él y sus amigos vienen de Holanda. Más allá, dos o tres bostezan cuando Den Harrow canta Future brain.

Otra proclama recurrente en la macrogala Discoteca de los 80 hace referencia regresar “al lugar donde somos felices”. Ese es el eslogan acuñado por la promotora Share Music para toda su cartera de macroconciertos: ochenteros, noventeros y dosmileros. No olvidemos que esto es más que un concierto: es un producto. Y que en Share Music no se definen como promotora de conciertos o festivales, sino como “diseñadores de experiencias musicales únicas”. Esto es la macrofestivalización de la nostalgia. O la macrofestivalización del tardeo. Y, en tanto que producto nostálgico, resulta impecable. El montaje visual es deslumbrante (solo objetar las imitaciones de Madonnas y Michaels Jacksons que proyectan en las pantallas para, cabe suponer, no infringir derechos de imagen) y el ritmo apenas flaquea. Se hace largo, pero porque son cinco horas. No hay que tomárselo como un concierto, sino como una noche en la discoteca. A ratos bailas, a ratos te sientas, a ratos sales a fumar, a ratos charlas... y vuelta a la pista.

Más de dos horas después de la primera actuación aparecen en escena unos tipos cargando extraños objetos y utensilios. Esa estructura aparatosa en medio de la cual hay un taburete es ¡una batería! Y lo que se están colgando al hombro esos dos operarios tienen que ser ¡guitarras y bajos! Y ese señor que aguarda su turno en la pasarela es nada menos que F.R. David, autor de Words don’t come easy, superlativo bombazo ochentero que mantiene intacto su enternecedor brillo. Sí, el francés ha decidido actuar en riguroso directo con tres músicos. Todo un riesgo y un honor que solo compartirá con los alemanes Alphaville.

Para mucha gente Discoteca de los 80 es un festival de la falsedad. Casi nada es real. Sin embargo, no hay que olvidar que en 2026 el formato bases pregrabadas y solo voz en directo (con o sin autotune) está a la orden del día en los conciertos de músicas urbanas. Otro asunto es que a Iván (el único español de la gala) se le atragantase su Fotonovela y que Samantha Fox (de las más aplaudidas) tuviese que remontar el desastroso inicio con Nothing’s gonna stop me now. Párrafo aparte merecería CC Catch. Su voz sonó exageradamente fiel a la de entonces. Era normal sospechar, pero cuando cantó un fragmento a capela se desvanecieron las dudas. Firmó la actuación más completa (¡tres canciones!).

Cuando por fin salen Alphaville, pasadas las once de la noche, ha habido numerosas deserciones en la pista. También en el escenario. De la banda original solo queda Marian Gold. El cantante alemán se ha casado cuatro veces y tiene siete hijos; tal vez algunos músicos y coristas sean familiares. Big in Japan suena atropellada, imperfecta, distinta… ¡Como tocada en vivo! Tampoco Gold está en plena forma vocal. No será él sino el público quien realce el estribillo de Forever young. “¿De verdad quieres vivir eternamente?”, preguntaban Alphaville en 1984. ¿Quién hubiese imaginado que aquella canción sobre temer a la muerte en un clima de guerra inminente tendría en 2026 una lectura tan actual?

“¡Ay, la rodilla!”, exclama una pareja entre risas mientras calcula los escalones que debe subir hasta llegar a la calle. Durante seis horas no les ha dolido nada. Discoteca de los 80 ha sido un placebo, un balneario pop, un paraíso de felicidad como han subrayado los rostros sonrientes de las primeras filas que se proyectaban en las pantallas. Asociar años 80 y felicidad supone no pocos roces con la Historia, pero aquí solo se realzan los aspectos agradables. El guion musical también implica una relectura parcial. Los 80 fueron mucho más que pop superficial. Pero esto no es una clase de Historia, sino un espejismo. Nada debe romper el hechizo. Solo el vaso de cerveza a 7’90 euros te hará caer del guindo.

La caja de Pandora de la música nostálgica se abrió hace décadas. Hoy hay réplicas para todos los gustos, formatos y bolsillos: tardeos temáticos, reuniones de bandas a diestro y siniestro, grupos tributo a quien haga falta, festivales con cabezas de cartel próximos a la jubilación… Este macrotardeo ochentero es la sublimación de una tendencia que crecerá hasta el infinito Más aún, cuando el empobrecimiento crónico de la juventud señala a los mayores de 40 como únicos clientes con dinero para gastar. Las tres discotecas ochenteras han recibido 55.000 espectadores. Love the 90s nació en 2017 y desde entonces suma más de 360.000. Pero todo esto es solo la punta del iceberg de una tendencia mucho más estructural. El pasado es un pozo sin fondo. Un filón inagotable.

Faltan pocas horas para que entrevistemos a Oliver Laxe en la previa de los Oscar, donde Sirat llega con dos nominaciones. Poco parece que tiene que hacer en la categoría de Mejor película internacional, donde Valor Sentimental y El agente secreto tienen todo a favor, pero soñamos con que Laia Casanovas, Yasmina Praderas y Amanda Villavieja den la sorpresa en la categoría de Mejor sonido, donde su excelente trabajo puede hacer historia al ser el primer equipo enteramente femenino en lograr la candidatura a los premios de la Academia de Hollywood.

En elDiario.es vamos a cubrir estos Oscar desde Los Ángeles. Estaremos en la sala de prensa del Dolby Theatre, escucharemos a los ganadores cuando acaben de recibir sus premios y os contaremos, hasta que se celebre la gala, todo lo que pase en estas jornadas previas a través de nuestras noticias, pero también nuestras redes sociales, donde habrá vídeos desde LA. 

Es el final de un camino que comenzó hace casi un año, cuando este periódico estrenó el tráiler de la película de Oliver Laxe. Pocos esperaban que Sirat se convirtiera en semejante fenómeno, pero la fuerza del filme del director gallego logró lo impensable, que un filme tan autoral pusiera a todo el mundo a debatir sobre él. Desde entonces hemos seguido su trayecto por casi todo el mundo.

Vivimos su premio del jurado en Cannes, Oliver visitó nuestra redacción y analizó cuatro escenas de Sirat en nuestro formato 'Anatomía de una escena'. Compartió con nosotros las que considera las Mejores películas del siglo XXI, vimos en directo cómo ganaba cinco premios del cine europeo y también cómo Los domingos se llevaba el Goya finalmente. El camino ha sido largo, pero placentero, porque ha sido un camino para dignificar el cine español. Ese que ahora se empeñan en atacar de nuevo desde la derecha, pero que con filmes como Sirat se confirma como diverso, arriesgado e internacional.

La presencia de una película como Sirat en los Oscar es un éxito para Laxe, para el cine español y para todos nosotros. Deberíamos vivir esta ceremonia como una final de un mundial de fútbol, porque esto es marca España. Como decía el director el día de las nominaciones, “ya hemos ganado, bailemos hasta el final”. Eso haremos, bailar la rave de Oliver Laxe hasta el último segundo para cerrar una temporada que ha sido histórica.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Estas son mis recomendaciones para la semana. Puedes escucharlas, junto a las canciones recomendadas las semanas anteriores, en nuestra playlist. Recuerda que comprar los discos de los artistas es otra forma de apoyarlos.

'Alguien a quien esperar' de Mardom. Da la impresión de que el mundo está todo el rato acelerando y cada vez es más típico pensar que no llegamos a tiempo a nada, que no podemos permitirnos un descanso. Pero en un momento en el que somos víctimas de impulsos, ruido y constante velocidad, Mardom celebra los vínculos personales en su nuevo tema. “Cuando siento que me rompo, que a esta vida no le importo, vas y apareces tú”, canta el artista asturiano en este bailable y pegadizo single cercano al funk de grupos como Parcels o Half Alive. Escúchala.

'El hombre planeta' de Alcalá Norte. El grupo madrileño anunció el primer adelanto de su segundo disco en la redacción de elDiario.es, donde conversó con la compañera Laura García Higueras sobre la presión de la fama. “Intento que toda la canción apunte al estribillo y que te llene, que el resto de las estrofas te apunten hacia allí”, avanzó Álvaro Rivas entonces. La canción es otra joya que se une al catálogo todavía pequeño de una banda que cada vez va a más. Escúchala.

'La línea de puntos' de 1111. Sigue creciendo el grupo 1111, formado por Rubén López “ru0001”, Mateo Jiménez “Armas” y José Ros “Fedra”. La primera canción de su segundo disco muestra el cruce entre electrónica, urbano y noise en el que han estado trabajando. El grupo da una lectura madrileña al tipo de sonido en el que se mueven artistas como 2hollis, Bladee, Yung Lean, Charli XCX, Snow Strippers. Escúchala.

Tres libros, por Francisco Gámiz

'La chica más lista que conozco' de Sara Barquinero (Lumen). Acompañando a Alicia durante sus cuatro años de grado en Filosofía, Barquinero firma una novela de aprendizaje que disecciona la transición a la madurez y la verdadera pasión por el conocimiento. La autora zaragozana lo hace para explorar de cerca la ansiedad por encontrar un hueco en el mundo, la precariedad intelectual y la inmensa fuerza de los vínculos de amistad entre mujeres en espacios académicos masculinizados. La obra, que captura la búsqueda de identidad de toda una generación, ya se encuentra a la venta.

'Los incendios' de Marian Peyró (Alianza Editorial). La autora debuta con una novela que nos traslada al ambiente asfixiante de un pueblo abulense a finales de los 80, donde una adolescente llamada Cristina se enamora de un joven que está marcado por la tragedia. Este romance de verano dará lugar a un conflicto inesperado, ya que el chico resulta ser el hijo del gran amor del pasado de su propia madre. Peyró utiliza esta premisa para hablarnos del peso de los secretos familiares, la culpa heredada y la necesidad de romper con aquellos ciclos que se repiten. Ya está en librerías.

'No la dejes sola' de Desirée de Fez (Blackie Books). Imagina que el pánico a estar contigo misma fuera tan insoportable que necesitaras aferrarte a las llamadas de tu madre y tu hermana para poder seguir con tu vida. Ese es el tormento de Alba, una madre cuya aparente normalidad estalla al quedarse atrapada completamente sola en un centro comercial durante la Nochebuena. La autora hibrida el costumbrismo con su gran dominio del terror para destripar la cara más oscura de la maternidad y las relaciones familiares asfixiantes. Ya está disponible en librerías.

Tres películas, por Javier Zurro

'El testamento de Ann Lee'. Qué pena que esta película tan arriesgada no haya llegado a los Oscar, al menos debería haberlo hecho la interpretación salvaje de Amanda Seyfried, que viene de triunfar con La asistenta pero que aquí demuestra que es una pedazo de actriz. Un musical sobre una secta llamada los ‘shakers’ que en el siglo XVIII puso del revés las normas establecidas. Una locura de Mona Fastvold, guionista de The brutalist, que aquí recupera temas de aquel filme en una apuesta todavía más radical.

'Águilas de El Cairo'. Tarik Saleh tiene pillado el punto a sus thrillers políticos en Egipto y aquí le vuelve a salir bien la jugada con este filme que fantasea con un actor metido en una película propagandística que termina siendo un complot para atentar contra el presidente de su país. Una trama que mezcla cine y política de forma divertida, pero planteando asuntos de plena actualidad.

'La hija pequeña'. La actriz Hafsia Herzi adapta con éxito la novela de Fatima Daas que cuenta la experiencia de la escritora, lesbiana y musulmana y los conflictos identitarios que esto representa. Una película fresca, que se aleja del clásico y manido coming of age para hablar de identidad sexual y religiosa y con una interpretación poderosa de Nadia, que ganó el premio a la Mejor actriz en Cannes. Un filme que, además, deja un grito de guerra para enmarcar: “¡1,2,3, Viva las lesbianas!”.

Cuatro planes para el finde, por Laura G. Higueras

Ninot (Valencia). Este fin de semana es la última oportunidad de ver la Exposición del Ninot, que cada año reúne a las figuras escogidas por cada comisión fallera del monumento grande y del infantil con la esperanza de que su ninot sea indultado del fuego. Están ubicadas en el Museo de las Ciencias de la Ciutat de les Arts i les Ciències. Cuenta con más de 700, de entre los cuales los dos más populares, tanto en categoría Infantil como en la Mayor, tendrán el honor de unirse a la prestigiosa colección del Museo Fallero.

Festival Internacional de Luz (Madrid). Arte, tecnología, memoria y paisaje urbano convergen en este festival que este año celebra su tercera edición. A través de distintos lenguajes contemporáneos y utilizando la luz como herramienta de expresión, construye un espacio de diálogo, innovación y pertenencia. Buena parte de la mirada de este año está puesta en Arganzuela, distrito que conserva excelentes ejemplos del pasado industrial de la capital y de su característica arquitectura neomudéjar.

Artur Ui, O ovo da serpe (A Coruña). El Teatro Talía acoge esta obra de teatro de Bertolt Brecht, adaptada por Quico Cadaval y Diego Rey. Una apuesta por contar el momento actual a través de la lente crítica e irónica del teatro épico. Más allá de ser un homenaje a un clásico del siglo XX, esta producción explora con profundidad crítica los mecanismos del poder, la naturaleza del autoritarismo y sus manifestaciones a lo largo de la historia, estableciendo un paralelismo claro con el momento actual en el que el fascismo vuelve a asomar la cabeza fuera del huevo. 

Yoko Ono. Insound and Instructure (León). El MUSAC presenta esta muestra, que recorre la trayectoria de la artista desde los años sesenta a la actualidad. La muestra celebra la relevancia y trascendencia de la obra de esta artista pionera del arte conceptual y participativo, el cine y la performance, música y activista por la paz mundial. El punto de partida de muchas de las piezas de Ono se encuentra en las Instrucciones, obras en formato de texto que invitan al lector a imaginar, experimentar, realizar o completar la pieza.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Un Morrisey a medio gas. Había mucha expectativa por ver lo que había hecho el cantante tras años de ausencia. Para nuestro experto Nando Cruz el resultado se queda a medias. Tiene canciones sublimes y otras que... no.  

Al habla con Leila. Estamos de enhorabuena porque se reeditan dos libros de Leila Guerriero y porque hemos podido hablar con ella de periodismo, literatura y lo que estás pasando en el mundo.

Activismo en los museos. En los últimos años el activismo político y social ha llegado a los museos de todo el mundo. Un ensayo analiza estos sucesos e intenta explicar por qué son importantes y entendibles. 

Aunque el alarmante ambiente internacional haga difícil no dejarse llevar por el derrotismo, aferrarnos a las cosas buenas nos ayuda a mantenernos con vida. Así lo ha celebrado Rufus T. Firefly en su último trabajo, Todas las cosas buenas, y así lo ha celebrado este jueves la prensa especializada (PAM, Periodistas Asociados de Música) al otorgarle el premio Ruido al mejor disco español de 2025. El grupo, originario de Aranjuez y liderado por Víctor Cabezuelo y Julia Martín-Maestro, se ha impuesto así a Rosalía, quien partía como favorita tras la enorme aclamación crítica lograda con su álbum Lux, y ha triunfado en una gala presentada por Alex Gara en la sala Berlanga de Madrid.

La distancia que ha separado a Rufus T. Firefly del segundo artista más votado ha sido solo de tres votos. “Dedico este premio a la gente que hace música y periodismo con el corazón y no con la cartera”, ha declarado Cabezuelo al recibir el galardón de manos del periodista Julio Ruiz. Su victoria supone el reconocimiento de la música independiente, cuyas raíces demuestran estar más que consolidadas. El nacimiento de la banda de rock se remonta a 2006; sin embargo, 20 años después, Rufus T. Firefly sigue sin necesitar sucumbir a las normas del mainstream, siendo un grupo de culto capaz de resistir a la longevidad y de certificar con su octavo álbum de estudio la mejor obra de su discografía hasta la fecha. “Quienes seguís nuestra carrera sabéis que solemos hacer lo que nos da la gana. Si os gusta, pues encantados”, ha afirmado el cantante.

Esta es la cuarta ocasión en la que el grupo ha sido nominado a estos premios. De hecho, Rosalía le arrebató el trofeo en 2017 y 2018 por Los Ángeles y El Mal Querer respectivamente. Ahora, la banda toma el relevo de Alcalá Norte, quien ganó en la pasada edición por su exitoso debut homónimo, para representar a los artistas veteranos que continúan marcando la industria musical. “Es muy inesperado”, ha confesado Cabezuelo junto a su banda y acordándose de Julia Martín-Maestro, que no pudo acudir. Rufus T. Firefly también se encargó de abrir la ceremonia con una preciosa interpretación de Camina a través del fuego, una de las canciones más emotivas de su reciente álbum.

Entre los 12 nominados se encontraban importantes títulos como Spanish Leather de Guitarricadelafuente, Si abro los ojos no es real de Amaia, El cuerpo después de todo de Valeria Castro, Daisy de Rusowsky o La boca del lobo de Carlos Ares. Todos estos discos son la demostración de que la música nacional está atravesando un excelente momento, y a ello ha apelado Sebas E. Alonso, vicepresidente de la PAM y director de Jenesaispop, apuntando que “la cultura española está en su top”. Tanto es así que la prensa ha votado hasta 240 discos. “No somos el premio amigo o el premio enemigo, ni premiamos la independencia ni tenemos ningún acuerdo con marcas o patrocinios raros. Por eso la gala es más austera, pero es muy real y se rige únicamente por criterios periodísticos”, ha señalado.

La gala también ha destacado por una fuerte presencia femenina, capitaneada a la perfección por Alex Gara, quien ha puesto el foco en la desigualdad que sigue habiendo en el sector. “Entre lo de Julio Iglesias y lo de Evan Dando, una ya no sabe muy bien qué pensar. ¿De verdad estamos avanzando en la percepción de las mujeres en el mundo de la música?”, ha cuestionado la presentadora. La lista de nominados de esta edición ha encumbrado propuestas como la de Shego, que optaba al galardón por No lo volveré a hacer, su segundo disco. La banda ha cantado su empoderado tema Backstage con su “pido de rodillas cosas tan básicas” y su recién publicado Amiamiga.

Al igual que Shego, el dúo de hermanas de Repion ha subido al escenario para interpretar su vibrante El sueño dura una semana, perteneciente a su álbum nominado 201. “Nos encanta tocar por cualquier motivo, pero si es por este reconocimiento a nuestras canciones, pues mejor que mejor. Es un honor, hay mucho nivel y ya solo estar aquí nos hace muy felices”, han destacado Marina y Teresa Iñesta. Las actuaciones más emocionantes de la noche, no obstante, fueron las protagonizadas por la fusión de ambas con Rufus T. Firefly. El grupo volvió a cantar junto a Repion su colaboración Viernes y sorprendió con una nueva versión de Canción de paz en la que las voces empastaron de maravilla.

Por su parte, los músicos madrileños de Fuet! aspiraban al premio por su trabajo Make It Happen, donde ensalzan el sonido hardcore punk. “Nada nos sorprende más que estar aquí sentados ahora mismo”, han reconocido. “La verdad es que es un orgullo, sobre todo haciendo lo que hacemos nosotros, que igual es un poco menos rosaliesco”, han enfatizado, recalcando que hay un montón de bandas que les han servido de inspiración como Viva Belgrado. Asimismo, Sebastián Cruz de Frente Abierto, banda nominada por su debut Guerra a todo eso, ha defendido romper las barreras entre géneros: “El flamenco tiene que tener la libertad de poder retroalimentarse de otras músicas como el metal. Tienes que tener las puertas abiertas. Como cantaor flamenco, esa experiencia me ha enriquecido en lo personal”.

Honrando aquello que se nos escapa de las manos con No sueltes lo efímero, Pumuky ha asistido igualmente a los Ruido desde las islas Canarias para celebrar la nominación de un proyecto que el grupo describe como un “pequeño milagro”. “Hicimos el álbum para nosotros porque no teníamos la certeza de que se fuera a publicar. Ha sido para nuestro disfrute, para nuestra curación, porque la música es sanación, terapia, y que hayamos conseguido conectar con la gente ha sido un regalo añadido”, ha comentado la banda. Los premios que otorga la prensa especializada han contribuido un año más a que esa curación se celebre a lo grande. La curación, y también el resto de cosas buenas.

El Departamento de Justicia de EEUU ha llegado a un acuerdo con Live Nation, la empresa dueña del portal de compra de entradas Ticketmaster, tras su denuncia por prácticas monopolísticas que han derivado en la subida de los precios de las entradas para los consumidores. El acuerdo ha sido confirmado a Associated Press News por una persona cercana al asunto, aunque no ha revelado más detalles ni Live Nation o el Departamento de Justicia han respondido a la solicitud de comentarios.

La denuncia se dio a conocer en 2024, cuando el Fiscal General estadounidense, Merrick B. Garland, afirmó en una rueda de prensa que “las tarifas exorbitantes y las fallas tecnológicas” de la compañía “han sido criticadas tanto por fans como por artistas” y además son “anticompetitivas e ilegales”.

“Live Nation ha monopolizado ilegalmente los mercados de la industria de los conciertos en vivo en EEUU durante demasiado tiempo y es hora de romperlo”, declaró entonces Garland, asegurando que la compañía “bloquea la competencia y la venta de entradas mediante el uso de contratos exclusivos” de venta que pueden durar más de una década y con la adquisición de lugares propios.

Además, Garland señaló que Ticketmaster impone una lista “interminable” de tarifas al comprador: de emisión de tickets, tarifas de servicio, tarifas de conveniencia, tarifas Platinum, tarifas maestras de precios por orden, tarifas de gestión y tarifas de procesamiento de pagos, entre otras. Esta situación, añade, deriva en que “los fans pagan más” y “los artistas tienen menos oportunidades de tocar en conciertos”, mientras que “los promotores más pequeños quedan excluidos y los lugares tienen menos opciones reales para los servicios de venta de entradas”.

La demanda fue presentada en Nueva York por el Departamento de Justicia y por 30 Fiscales generales estatales y de distrito, pero este lunes se ha llegado a un acuerdo. Ya la semana pasada, David E. Dahlquist, abogado de la división antimonopolio del Departamento de Justicia, hizo alusión al “abuso de poder de mercado” en el juicio antimonopolio del gobierno en el Tribunal Federal de Distrito de Manhattan. “Obtienen sus ganancias mediante acciones ilegales”, añadió.

No ha estado paseándose por alfombras rojas, publicando fotos en Instagram o regalando colaboraciones mientras se tomaba un descanso desde su última gira: Harry Styles ha estado corriendo maratones. El artista, que alcanzó la gloria en 2023 adjudicándose el Grammy a Álbum del Año por Harry's House, bajó definitivamente la persiana a la industria musical y la dejó así durante casi tres años. Unos años que ha aprovechado para olvidarse de su estatus de estrella y jugar a ser un poquito más humano. Styles hizo en 3 horas y 24 minutos el Maratón de Tokio en marzo de 2025 y, seis meses más tarde, el Maratón de Berlín en 2 horas y 59 minutos bajo el nombre de Sted Sarandos.

Después de haberse hecho con el galardón más codiciado para cualquier persona que se dedique a esta disciplina, nadie podía esperar que Harry Styles probara suerte en el mundo del atletismo. Sin embargo, los artistas que más nos llaman la atención son aquellos que hacen lo que no esperamos que hagan. Beyoncé, Lana Del Rey, Taylor Swift, Lady Gaga... su permanencia en el foco público permanece porque nadie es capaz de predecir su siguiente paso. Y Harry Styles, que parece haber tomado nota de las mejores, se ha aplicado el cuento también a su regreso con Kiss All The Time. Disco, Occasionally. El artista ha subido la persiana dispuesto a ser el anfitrión de su propia fiesta y que te pases o no por ella no es algo que le importe demasiado.

Los primeros acordes de la nueva era del intérprete de As It Was son lo opuesto a la fórmula para labrarse un hit. Precisamente por ello, la inicial Aperture ha pasado sin pena ni gloria por las listas de éxitos. El tema, de más de cinco minutos y cuya producción se embarca en el pop electrónico y el house minimalista, es un enorme bandazo con respecto al soft-rock de su anterior trabajo. El estribillo es pegadizo, sí, pero no hay forma de que un tema así tenga cabida en las radios a pesar de que fuera su elección como primer sencillo. Y ahí radica su magia. Quizá por sus ritmos hipnóticos, quizá por la sorpresa de quien la canta, la canción actúa como una droga que da la bienvenida a la discoteca del cantante.

La música que envuelve el cuarto álbum de estudio de Harry Styles no es para todo el mundo, pero el artista elige el riesgo para ofrecer un viaje atractivo que confirma su triunfo. Una decisión mucho menos aburrida que la tomada por Bruno Mars hace tan solo una semana, quien fue a lo seguro para dar a sus fans un disco que carece de giros y que busca contentar a la mayor parte de sus oyentes. “Las bebidas van directas a mis rodillas”, reconoce en el tema de apertura el que fuera integrante de One Direction antes de que el grupo se separara. Sin embargo, y aunque suene paradójico, las adicciones están presentes en todo el proyecto. Solo hay que cerrar los ojos y dejarse llevar por unas melodías que en ocasiones arrasan con las propias letras.

Esta revolución sonora toca las estrellas en la sobresaliente Ready, Steady, Go!, en la que el ritmo muestra su garra al combinar una guitarra española con la batería. Es uno de los momentos excepcionales del disco, alzando el instrumental y dejando que se apodere de la atmósfera. Lo mismo ocurre en la sofisticada The Waiting Game, en la que vuelven a aparecer las cuerdas para dejar en un segundo plano la reflexión del autor. Esto, que puede resultar interesante, no se ejecuta con tanto éxito en Are You Listening Yet?, donde el peso que se otorga a la producción no consigue ser lo suficientemente memorable para que perdure en la memoria. Pese a que Styles se pregunta si puedes oír la voz que está dentro de tu cabeza, lo cierto es que en esta canción es más sencillo que escuchar la suya.

No obstante, la fiesta de Harry Styles no solo está aupada por la electrónica. El artista británico se deja arropar por una orquesta y un piano en la delicada Coming Up Roses, canción que nació como un villancico y que acabó evolucionando hasta convertirse en la balada del álbum. Poco queda ahora de la Navidad que inspiró al artista más allá del primer verso: “Cuéntame tus miedos / He retrocedido el reloj, es esa época del año”. El cantante fantasea con “perseguir la resaca” en una metáfora de alcanzar el placer temporal más allá de las consecuencias posteriores, uno de los pensamientos que más destacan en Kiss All The Time. Disco, Occasionally, donde se debate sobre si el impulso debe ser una prioridad.

No tan emocionante como evocadora de sus anteriores trabajos es Taste Back, un tema con el obvio sello del intérprete que aun así mantiene la agradable cohesión musical de la obra. Este es uno de los tres títulos con coros de Ellie Rowsell de Wolf Alice y explora el volver a abrirse al amor después de haber tenido una experiencia no muy enriquecedora. El sonido más pop del álbum, que no por ello más cautivador, se lo adjudica —no podía ser de otra manera— la canción Pop, en la que enigmáticamente canta que “es bueno probar dos sabores” bajo una energía juguetona.

Bastante más predecible es American Girls, cuyo estribillo parece sacado de su debut homónimo publicado en 2017. Es la menos experimental y a canción lo lleva a moverse entre ritmos house tranquilos. “Mis amigos están enamorados de las chicas americanas”, canta una y otra vez a lo largo de sus tres minutos de duración hasta que finalmente suena convincente. Este no es un disco para bailar, sino para esos momentos de la fiesta en los que lo único que queda es sentarse en el sillón mientras te atrapan las luces de colores intermitentes. Y, justo por eso, la agitada Dance No More se siente como un soplo de aire fresco ya al final del álbum, con un puente que sí invita a ponerse de pie.

Aun así, poco tiempo dura el éxtasis, pues Paint By Numbers, la pista siguiente, devuelve las melodías lentas de Kiss All The Time. Disco, Occasionally, que nunca terminan de molestar al conseguir dominar el ambiente. “Eres el más afortunado, oh, la ironía”, bromea Harry Styles. “Soportando el peso de los niños estadounidenses cuyos corazones rompes”, añade en la segunda estrofa. Es un tema suave que encauza de maravilla la canción de cierre, Carla’s Song, inspirada mucho en los sonidos de los 80, reuniendo todas las capas instrumentales que se han mostrado a lo largo del trabajo y provocando una perfecta explosión de sintetizadores.

Es probable que Harry Styles no hubiera optado por un trabajo como este si su principal objetivo fuera el de arrasar en ventas, como hará de todas formas. Eso no significa que su cuarto álbum lo haya alejado del mainstream —sería una locura pensar que las masas no pueden disfrutar de esta propuesta—, pero no por ello su movimiento es menos arriesgado. “¿Me quieres ahora?”, inquiere el cantante en la solvente Season 2 Weight Loss. “Quiéreme ahora”, le pide al oyente. Sin embargo, más allá de la pregunta, el artista jamás se había mostrado más desinteresado ante la respuesta del público. Ya sea por los elementos disuasorios de una fiesta o por la resaca que se avecina al apagar las luces, Harry Styles parece estar corriendo un maratón diferente.

Hace más de dos décadas que Kanye West no visita España y jamás lo ha hecho para dar un concierto en Madrid. Pero el polémico rapero estadounidense, que ya actuó en Barcelona en 2006, ha sorprendido con el anuncio de que su gira europea tendrá una parada en el Riyadh Air Metropolitano el jueves 30 de julio de 2026. Será un show único y se espera que interprete algunos de sus temas más sonados, como Power, Runaway u Only One.

Aparte de Madrid, el artista, renombrado recientemente como Ye, también tiene previsto ofrecer conciertos en las ciudades de Reggio Emilia (Italia), Arnhem (Países Bajos) y Marsella (Francia) este verano. Las entradas para su concierto en Madrid saldrán a la venta este martes 10 de marzo a las 10:00 horas, pero se trata de una preventa exclusiva a la que no todo el mundo tendrá acceso.

Para acceder a esta venta privada, los fans de Kanye West tendrán que registrarse a través de la página web yemadrid.com. Los registrados recibirán más información en el correo electrónico que hayan facilitado al rellenar la suscripción. Aunque puede que el rapero ofrezca más conciertos en Madrid dependiendo de la demanda, el show ha sido anunciado como “único”, por lo que no se puede afirmar que vaya a haber más fechas en el Metropolitano.

El concierto de Kanye West será la segunda parada del rapero tras su concierto en la sala Razzmatazz de Barcelona. En aquel entonces, hace ya 20 años, el cantante actuó frente a un total de 2.000 personas. Dos décadas después, Kanye West actuará ante una cifra estimada de 50.000 personas. Los precios, pese a que aún no se conocen, pueden ir desde los 125 euros hasta los 659 euros, cogiendo de referencia lo que costaban las entradas de su concierto en Reggio Emilia (Italia).