“Desde este 24 de diciembre la música de los Beatles se puede escuchar en las plataformas de música a través de internet. Y en las primeras 48 horas de estar disponibles, sus canciones fueron reproducidas unas 50 millones de veces”. Así daba la noticia la BBC sobre la llegada del catálogo de la banda de Liverpool a Spotify, Apple Music y compañía a finales de 2015.

Aquello fue todo un hito. Hasta ese momento, los que querían escuchar canciones como Hey Jude, Come Together, Blackbird, In My Life o Let It Be tenían dos opciones: recurrir al formato físico (discos y vinilos) o adquirir los temas mediante descarga digital en plataformas como iTunes; una opción que en la que los ingleses habían debutado en 2010 tras una larga negociación. 

En 2015, ya había muchos grupos y artistas que habían subido sus canciones a las plataformas que permitían la escucha en tiempo real. En el caso de Spotify, por ejemplo, la aplicación ya contaba con unos 30 millones de temas disponibles (hoy ya va por 100 millones). Sin embargo, todavía había algunos que estaban reticentes a aceptar que el streaming había llegado para quedarse.

Uno de los casos más emblemáticos de aquella época era el de Adele. La cantante británica había lanzado su álbum 25, el cual se convirtió en el disco más vendido de 2015 con 17, 4 millones de unidades. Un logro que consiguió sin necesidad de subir el álbum a ninguna plataforma. 

“Yo no utilizo el streaming. Yo descargo [la música] y compro una copia física. Me parece un poco desechable el streaming. Yo creo que la música debe ser un evento”, le explicó la cantante a la revista Time. En aquella época, compañeros de profesión de Adele como Taylor Swift, Drake, Ed Sheeran o Katy Perry ya estaban (o habían estado) presentes en este tipo de plataformas.

El problema estaba en los beneficios

¿Cómo era posible entonces que una de las bandas más populares de todos los tiempos no tuviera sus canciones en Spotify? La respuesta estaba en el dinero. “Los agentes no querían hacer nada que pusiera en riesgo los potenciales beneficios de esas reventas y compilaciones. Es un catálogo muy lucrativo. Han esperado hasta que el mercado llegara a tener una escala que le permita obtener un acuerdo con mayores beneficios”, explicó Mark Mulligan, de la firma de investigación musical Midia, a la BBC hace diez años. 

La banda consiguió así acercarse a las nuevas generaciones que dejaban atrás los discos para ponerse la música en el móvil y el ordenador. Hoy, el grupo formado por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr tiene más de 34 millones de oyentes mensuales en Spotify, donde canciones como Here Comes The Sun superan los 1,7 mil millones de reproducciones. 

Lo llamaban “the quiet Beatle” (el Beatle callado). George Harrison se ganó el nombre por su perfil bajo y su personalidad, mucho más introspectiva que la que popularizó a sus compañeros John Lennon y Paul McCartney. Estos no solo fueron la cara más visible de la banda, sino también los que más tiempo dedicaron a la composición de los temas.

Se estima que, de todas las canciones que los Beatles lanzaron entre 1962 y 1970, más del 70 % fueron obra conjunta de Lennon y McCartney. Pero Harrison no estuvo para siempre en un segundo plano, y llegado el momento también sacó papel y boli y se puso a componer. 

Durante el tiempo que el grupo estuvo en activo, el guitarrista compuso algunos temas que hoy son grandes éxitos de los de Liverpool. Entre ellos, hoy recordamos Something, que apareció por primera vez en Abbey Road y que Lennon llegó a describir como “la mejor canción del álbum”. Un disco que tenía hits como Here Comes The Sun o Come Together.

No fue el único que alabó la composición. Elton John dijo que era “la mejor canción de amor jamás escrita”, mientras que Frank Sinatra la catalogó como “la mejor canción de amor de los últimos 50 años años”. George Martin, productor de la banda, también elogió a Harrison: “Me di cuenta por primera vez de que realmente tenía un gran talento cuando hicimos Here Comes The Sun, pero cuando trajo Something, fue algo más, fue un trabajo tremendo”.

La historia de ‘Something’

Harrison empezó a escribir la canción durante la grabación del conocido como álbum blanco. “Durante ese disco hubo un período en el que cada uno estaba en un estudio haciendo distintas cosas para tratar de terminarlo, y solía tomarme unos ratos de descanso. Así que fui a un estudio vacío y la escribí”, señaló en el libro The Beatles Anthology.

Sin embargo, la canción quedó en el olvido hasta la grabación de Abbey Road, cuando el grupo decidió que Something debía formar parte de la nueva lista de canciones. La canción de apenas tres minutos se lanzó posteriormente como sencillo de doble cara A junto con Come Together. Esta fue la primera y única canción de Harrison en ser lanzada como cara A durante la carrera de los Beatles. 

Hoy tenemos la oportunidad de casi viajar en el tiempo y ver cómo fue el proceso de composición de la canción gracias al documental Get Back, lanzado en 2021. En un fragmento, podemos ver a Harrison intentando dar con la letra con la que empezará el tema: “Something in the way she moves, attracts me like a…”, empieza diciendo. Hoy todos sabemos cómo acaba esa primera estrofa. 

James Irsay fue un empresario multimillonario estadounidense conocido por ser propietario del equipo Indianapolis Colts de la NFL y por su labor filantrópica, pero su faceta más personal fue la música, de la que da ejemplo su colección de guitarras míticas que salen a subasta.

Fallecido el 21 de mayo de 2025, sus hijos han decidido poner a la venta la colección de guitarras de leyendas de la música de Irsay. Con piezas de George Harrison, Eric Clapton o Kurt Cobain, la llamada The James Irsay Collection serán subastadas por Christie’s en los próximos meses.

Guitarras de Kurt Cobain y Pink Floyd: las piezas millonarias a subasta

De entre todas las piezas que se subastan de la colección personal de James Irsay, hay una que destaca por encima del resto por su participación en la historia de la música: una guitarra Fender Mustang azul que perteneció a Kurt Cobain, y que se valora entre 2,1 y 4,1 millones de euros.

La guitarra tiene un valor millonario que va más allá de la pieza, sino por su historia detrás, y es que es la pieza con la que el líder de Nirvana grabó el videoclip de “Smells Like Teen Spirit” en 1991, todo un himno no solo de la banda, sino de la música de la década de los 90 y en general.

La otra pieza millonaria y de gran valor y atractivo es una guitarra que perteneció a David Gilmour, de Pink Floyd, que se estima entre 1,7 y 3,4 millones de euros. Se trata de una Fender Stratocaster con el apelativo de The Black Strat, que Irsay adquirió en 2019 a través de una subasta benéfica, y Amelia Walker, responsable de colecciones privadas e icónicas en Christie’s, asegura que esta guitarra marcó “auténtico punto de inflexión” en el valor de la colección.

Otras guitarras de valor que pertenecieron a John Lennon y Prince

La colección subastada también incluye una guitarra Rickenbacker 1996 de modelo Rose-Morris que John Lennon utilizó en los conciertos de Navidad de los Beatles en Londres entre diciembre 1964 y enero 1965, que se ha cifrado en un valor entre 675.000 y un millón de euros.

Otra de las piezas destacadas es una guitarra amarilla que Prince usó durante la gira Act II y que formó parte de la improvisación de cierre de gira en Londres el 8 de septiembre de 1993. Se ha valorado entre 85.000 y 120.000 euros, siendo parte de una época en la que se identificó como The Artist Formerly Known as Prince, y en la que presentó su álbum de caras B con clásicos como Peach o la grabación en primera persona de Nothing compares 2 U.

Britney Spears lleva desde finales de 2018 sin actuar, pero su legado musical en la cultura pop es innegable, y es por ello por lo que sorprendió la noticia de que la artista ha vendido todo su catálogo musical a la editorial musical Primary Wave, según han recogido medios como TMZ y Variety.

El acuerdo ha sido calificado como histórico al alcanzar los 200 millones de dólares y se habría firmado el pasado 30 de diciembre. Un hecho que incluye temas icónicos como “Toxic”, “Baby One More Time” o “Oops! I did it again”, y en el que no estarían ni los derechos de nombre ni de imagen de la llamada Princesa del pop.

La venta del catálogo de Britney Spears no es nada nuevo, sino que responde a un hecho que está siendo ya habitual en la industria musical debido a beneficios como el pago de menos impuestos, la estabilidad económica y la idea de lo rentable de su mercado, sobre todo para carreras todavía activas en concierto, según apunta un reportaje de la revista Rolling Stone. Así, la cantante ha seguido la estela de otros artistas, de todos los géneros, que ya no tienen su catálogo en propiedad.

Justin Bieber, Shakira o Bruce Springsteen

Uno de los últimos casos de venta de catálogo lo realizó Justin Bieber, que logró una cifra similar de unos 168 millones de euros, el pasado mayo 2025 debido a posible estrés financiero por la cancelación de su gira. El acuerdo incluyó más de 290 temas publicados antes del 31 de diciembre de 2021.

A comienzos de 2021, Shakira vendió el total de su catálogo completo de 145 canciones a la empresa Hipgnosis, pero por cuya cifra no salió a la luz, aunque Variety aseguró que debería haber sido de cientos de millones de dólares. A esta misma compañía también llegó un acuerdo Neil Young, con más de 1.100 composiciones en 2020, aunque la cifra exacta tampoco se publicó.

Shakira no ha sido la única que ha cerrado un acuerdo millonario con gran parte de su repertorio en español, sino también es el caso de Enrique Iglesias, que fue comprado por Influence Media Partners, y que esta ocasión sí que incluyó los derechos de imagen y de nombre.

Bruce Springsteen, cantante de éxitos como “Born in the USA” y “Hungry Heart”, vendió su catálogo a Sony Music Group a finales de 2021 por una cifra estimada de unos 550 millones de dólares, como recogió en su día The New York Times. Otro de los cantautores estadounidenses más relevantes, Bob Dylan, también es otro de los que ha vendido su repertorio entero a Universal Music Group en 2020, y más tarde a Sony Music en 2022, lo que se cree que superó los 500 millones de dólares. En 2022 también fue el turno de Phil Collins, cuyo catálogo fue comprado por Concord Music Group por 300 millones de dólares. Y esta lista se podría ir ampliando de forma numerosa, con nombres como los de The Beach Boys, The Pretenders, Blondie o Sting.

Los casos póstumos y la singularidad de The Beatles

Pero la venta de catálogos musicales no es solo exclusiva de artistas en activo o vivos, sino también de estrellas fallecidas, como es el caso de Bob Marley en 2018 por 50 millones de dólares a Island Records, el de Whitney Houston en 2022 por parte de Primary Wave o el de David Bowie en 2021 por parte de Warner Music Group.

Caso aparte es del catálogo de The Beatles, que tiene una historia complicada y con varias etapas. En 1969 fue la empresa ATV Music la que adquirió sus derechos, para luego venderlos en 1985 a Michael Jackson, y no sería hasta 2018 cuando volvería a uno de los integrantes de la mítica banda de Liverpool, Paul McCartney.

Enero promete volver a ser un mes movido para Robbie Williams. Si ya lo fue en 2025 con el estreno y la promoción del biopic sobre su vida y su carrera, “Better Man”, este 2026 no se queda atrás con el lanzamiento sorpresa de su decimotercero álbum de estudio, que podría tener un significado especial que le corone como el artista más exitoso de la historia de la música en el Reino Unido.

Y es que con el número 1 de su último disco, el cantante supera uno de los récords que todavía se mantenía vigente para los Beatles, el de mayor número de discos en lo más alto de la lista del Reino Unido, con 15, incluyendo tanto álbumes de estudios y recopilatorios, una cifra que el propio Williams igualó el pasado año por estas fechas cuando la banda sonora de la película “Better Man” lo consiguió.

Este enero se estrenará también el 27 la serie documental que Netflix ha preparado sobre Take That, el grupo con el que Robbie Williams alcanzó la fama y que dejó en 1995 para seguir su propio camino y abrir una carrera exitosa en solitario, aunque volvería en 2010 y 2011 para el disco y gira de “Progress”, y con los que no descarta regresar en algún momento. Y es que en una reciente entrevista en la BBC declaró que está seguro “que volveremos a bailar juntos otra vez”.

El récord que Robbie Williams persigue con “Britpop”

El lanzamiento de “Britpop” este viernes 16 de enero pilló por sorpresa a todos los fans de Robbie Williams, que esperaban al próximo 6 de febrero que se mantenía como fecha oficial de una publicación que ya se preveía vería la luz en otoño del año pasado, pero que fue retrasada con el récord para superar a los Beatles en el punto de mira.

Algo que ha reconocido el propio cantante, que ha admitido que no lanzó su disco “Britpop” debido a la publicación del álbum “The Life of a Showgirl” de Taylor Swift: “Todos fingimos que no se trata de Taylor Swift, pero sí lo es. La verdad es esta: quiero 16 álbumes número uno”, admite queriendo superar a la icónica banda de Liverpool.

De hecho, Robbie Williams era ya el solista con más éxito en la historia de la música en el Reino Unido, pues había superado con números uno a otra figura mítica como Elvis Presley, y con su 13º álbum de estudio ha conseguido alcanzar lo más alto, con un lanzamiento por sorpresa, sin gran competencia directa en el mercado, y con una campaña de marketing que ha incluido algunas proyecciones gigantescas en edificios emblemáticos de Londres.

En la BBC, además de hablar sobre su posible regreso con Take That, también volvió a admitir que lograr el número uno es su gran objetivo actualmente: “Sí, quiero este récord más que cualquier otra cosa en mi carrera ahora mismo. Cuando se habla de un récord así y estoy en medio, saco mi síndrome del impostor y, aunque me dé un poco de vergüenza admitirlo, lo cierto es que lo deseo desesperadamente”.

Homenaje a los 90 de la música británica con colaboraciones de lujo

“Britpop” es un disco homenaje a la década de los 90, un hecho que no solo se aprecia por su portada, donde se rememora la icónica foto del artista en Glastonbury y en la que se le vio con los hermanos Gallagher de Oasis, sino también con el título del álbum y el sonido de las canciones que lo conforman.

Este momento vital en el que Robbie Williams entró dentro de la escena musical encuentra colaboraciones de lujo como Tomy Lommi, guitarrista de Black Sabbath en el tema rockero y que ha sido uno de los primeros singles, “Rocket”. También entran el dúo mexicano Jesse & Joy en la balada electrónica “Human”, con arreglos de Chris Martin de Coldplay, así como su excompañero en Take That Gary Barlow con el que ha escrito “Morrissey” con ritmo que recuerda al synth-pop de los 1980.

Si hay una actuación que los fans de los Beatles recuerdan con especial cariño, ese es su último concierto. John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr tocaron por última vez en directo el 30 de enero de 1969 sobre el tejado de la sede de la que fue su discográfica, Apple Records, ubicada en el número 3 de Saville Row en Londres. El concierto se hizo sin avisar a nadie, sin cobrar entrada y, sobre todo, sin permiso municipal.

Después de 40 minutos tocando, fue Lennon el que se despidió de los que se habían acercado a escuchar. “Thank you on behalf of the group. I hope we’ve passed the audition” (Gracias en nombre del grupo. Espero que hayamos estado a la altura). El concierto marcó a toda una generación y hasta Los Simpson le hicieron su propio homenaje en El cuarteto vocal de Homer, el primer episodio de la quinta temporada.

20 años después, U2 quiso repetir la misma idea, aunque esta vez con mucha más planificación. La banda de rock irlandesa se trasladó al tejado de una licorería en Los Ángeles para grabar el videoclip de Where the Streets Have No Name, el tema que abre su álbum The Joshua Tree. El vídeo, que ganó el Grammy a la Mejor Interpretación de Vídeo Musical en 1989, era una referencia clara a la mítica actuación en directo de los cuatro de Liverpool.

El propio Bono reconoció la copia. “No es la primera vez que les robamos a los Beatles”, confesó el vocalista entonces. Sin embargo, en aquel momento había una diferencia grande entre lo que habían hecho los intérpretes de Yellow Submarine y los integrantes de U2 desde una azotea. Los primeros habían dado un concierto en directo, mientras que los otros simplemente habían grabado un videoclip. Años más tarde, los irlandeses quisieron cambiar eso.

El concierto llegó en 2009

El 27 de febrero de 2009, Bono, The Edge, Larry Mullen Jr. y Adam Clayton subieron al tejado de la Casa de Radiodifusión de la cadena pública BBC para, esta vez sí, dar un concierto al estilo Beatles desde las alturas. La banda actuó durante 20 minutos, en los que tuvo tiempo de interpretar cuatro canciones: dos del álbum que estaban promocionando entonces (Get On Your Boots y Magnificent) y dos de sus clásicos (Beautiful Day y Vertigo).

“Es un gran honor. Es la primera vez que cantamos estas canciones en público. Por tanto, esperamos no fastidiarlas”, comentó entonces el líder del grupo. Mientras tanto, en la calle, la policía londinense se encargaba de desviar el tráfico para intentar controlar a la enorme cantidad que se había reunido para escuchar a U2 en directo. La información sobre la actuación se difundió principalmente a través de los foros de internet de entonces.

Cada vez que un músico se sube a una azotea, siempre se le acaba comparando con los Beatles. Ocurrió en 1994, cuando Oasis grabó el videoclip de Supersonic en lo alto de un almacén en Euston Road, Londres. También en 2011, cuando Red Hot Chili Peppers se subió a la terraza de un edificio en Venice Beach, Los Ángeles, para grabar The adventures of rain dance Maggie.

El exBeatle Paul McCartney ha lanzado una canción 'silenciosa' como parte de un álbum de protesta de la industria musical contra el uso no autorizado de material con derechos de autor por parte de empresas de inteligencia artificial (IA), según informa este lunes el periódico británico The Guardian.

El álbum, titulado “¿Is That What We Want?” (“¿Es esto lo que queremos?”), recopila grabaciones silenciosas de varios artistas para presionar al gobierno del Reino Unido a fin de que impida a las empresas tecnológicas entrenar sus modelos de IA con contenido creativo sin permiso.

En lugar de melodías pegadizas y letras evocadoras, solo se escucha un leve siseo y algún que otro ruido sordo, lo que sugiere que si las empresas de IA explotan injustamente la propiedad intelectual de los músicos para entrenar sus modelos de IA, el ecosistema creativo se verá destruido y la música original silenciada, dice el diario.

La contribución de McCartney, de 83 años y que actualmente está de gira por América del Norte, se produce en un momento en que músicos y artistas intensifican su campaña para persuadir al Gobierno británico para que impida a las empresas tecnológicas entrenar modelos de IA con su obra creativa sin autorización ni pago de derechos de autor.

Ed Newton-Rex, compositor que ha impulsado el álbum de protesta, señaló que le preocupa “enormemente que el gobierno preste más atención a los intereses de las empresas tecnológicas estadounidenses que a los de los creativos británicos”.

Entre otros artistas que ya apoyan la campaña figuran Sam Fender, Kate Bush, Hans Zimmer y Pet Shop Boys.

Según The Guardian, como sus mejores trabajos, la canción de McCartey tiene de algún modo un principio, un desarrollo y un final.

Comienza con unos segundos de siseo de cinta, seguido de otros segundos de un ruido indefinido que podría ser alguien abriendo una puerta y caminando de un lado a otro, antes de pasar a otros segundos de siseo salpicado de susurros y concluir con un fundido lento, según pudo saber el rotativo. Además, sería su primera grabación nueva en cinco años.

McCartney ha sido una de las voces más destacadas de la música británica que ha expresado su preocupación por los planes de las autoridades para forjar un nuevo acuerdo con las empresas de IA, que exigen acceso a enormes volúmenes de información de entrenamiento, incluyendo texto, imágenes y música.

“Tenemos que tener cuidado, porque podría descontrolarse y no queremos que eso ocurra, sobre todo para los jóvenes compositores y escritores, para quienes quizá sea la única forma de labrarse una carrera”, declaró McCartney sobre la IA.

Desde que el pasado abril se anunciara la realización de cuatro películas biográficas como parte de una misma experiencia cinematográfica sobre la historia de los Beatles y también los cuatro actores que darían vida a los de la banda de Liverpool con un reparto de lujo con Harris Dickinson, Paul Mescal, Barry Keoghan y Joseph Quinn.

Las cuatro películas estarán dirigidas por Sam Mendes, director de ‘American Beauty’ o ‘1917’, y en cada una de ellas se contará la historia de uno de los miembros del icónico grupo y que pasará tanto por las dinámicas personales como el ascenso y trayectoria de la banda.

Los protagonistas de las cuatro películas de ‘The Beatles’

Lo primero que se conoció sobre este proyecto de cuatro películas sobre ‘The Beatles’, tras confirmarse los rumores, fueron los actores que interpretarían a los integrantes de la banda de Liverpool con Paul Mescal como Paul McCartney, Harris Dickinson como John Lennon, Joseph Quinn como George Harrison y Barry Keoghan como Ringo Starr.

Unos meses después es cuando se han conocido más detalles al respecto, con el anuncio del elenco femenino protagonista con las actrices Saoirse Ronan como Linda McCartney, Anna Sawai como Yoko Ono, Aimee Lou Wood como Pattie Boyd y Mia McKenna-Bruce como Maureen Starkey.

Del resto del reparto todavía no se conoce nada más al respecto, aunque el nivel de elección de los intérpretes para los personajes más relevantes de las cintas ya ha despertado interés y expectativas sobre un proyecto y una experiencia sin precedentes en el cine.

El estreno de las cuatro películas de ‘The Beatles’

Otro de los detalles que se conocen sobre estas cuatro películas de ‘The Beatles’ es su fecha de estreno oficial, que se anunció al mismo tiempo que se dio la primera publicación al respecto, estando para abril de 2028, sin fecha más concreta, por lo que todavía tocará esperar poco menos de tres años para disfrutar de este proyecto que llega por parte de Sony Pictures, con el rodaje y la producción todavía sin haber comenzado.

Las razones de crear un biopic en 4 películas

Lo que más llamó la atención de ‘The Beatles – A Four-Film Cinematic Event’, como fue descrito en los canales de Sony Pictures en redes sociales, fue el hecho de que fueran cuatro películas, una por integrante de la banda, algo poco habitual en proyectos de biopic en el cine, y que tiene una razón como comentó el propio Sam Mendes.

El director de estas películas de ‘The Beatles’ reveló en CinemaCon que “llevaba años intentando hacer una película, pero al final desistí porque sentía que la historia era demasiado grande para una película”, al mismo tiempo que no le parecía “adecuado” hacer una serie de televisión y quiso contar “esta historia tan épica a la nueva generación” con 4 diferentes largometrajes.

Así, Mendes lo describe como “la primera experiencia de maratón cinematográfico” de este sentido al ser cuatro estrenos que se podrían dar al mismo tiempo, sin saberse en qué orden llegarán y si serán en la misma fecha o de forma consecutiva en el mismo mes.

Este 12 de septiembre llega a los cines españoles uno de los estrenos más esperados, el de la nueva película de Alejandro Amenábar que relata el desconocido cautiverio de un joven Miguel de Cervantes en Argel, y que es el último biopic en pantalla grande tras algunos de este 2025 como el de Bob Dylan o el de Maria Callas.

Antes de que termine el año todavía llegarán algunos de los biopics más esperados, entre los que se encuentra el de Bruce Sprignsteen o el de Mark Kerr, así como hay otros que se darán en los próximos 2026 o 2027 y que confirman que las biografías son una de las fuentes que el cine más está utilizando junto a ‘remakes’ o ‘sagas’.

Miguel de Cervantes en ‘El Cautivo’

Desde ‘Mientras dure la guerra’ de 2019, Alejandro Amenábar no estrenaba un largometraje y es por eso que ‘El Cautivo’ es uno de los estrenos más esperados del cine español, en una película que cuenta la historia de Miguel de Cervantes en Argel, durante su juventud, cuando fue encarcelado en 1575, y que quiere indagar en un aspecto más desconocido de la vida del autor de ‘Don Quijote de la Mancha’.

Bruce Springsteen en ‘Deliver Me From Nowhere’

El próximo 24 de octubre de 2025 llegará a los cines de España el espero biopic de Bruce Springsteen con Jeremy Allen White, conocido por la serie ‘The Bear’, en el papel protagonista, y cuya ‘premiere’ mundial será en el Festival de Nueva York el 27 de septiembre.

El biopic está dirigido por Scott Copper y se centra exclusivamente en un episodio de la vida de ‘The Boss’ cuando tras su mayor éxito comercial se embarcó en el viaje artístico para la creación del disco ‘Nebraska’ y que está basado en el libro del mismo nombre que fue publicado en 2023 y escrito por Warren Zanes.

Mark Kerr en ‘The Smashing Machine’

15 minutos de ovación en el Festival de Venecia pusieron en boca de todos a ‘The Smashing Machine’, la próxima película de Dwayne Johnson y Emily Blunt, dirigida por Benny Safdie, que se llevó el premio a mejor dirección en la ‘Biennale’, y que cuenta la historia de Mark Kerr, luchador de MMA (Artes Marciales Mixtas).

Para el papel de Mark Kerr, Dwayne Johnson ha tenido que pasar por una transformación que en los cines de España se podrá ver el próximo 3 de octubre y que asegura ser uno de los biopics más destacados de la carrera de premios.

Lorenz Hart en ‘Blue Moon’

La nueva película de Richard Linklater, ‘Blue Moon’ es un biopic del compositor Lorenz Hart al que da vida Ethan Hawke, antes del estreno del nuevo musical ‘Oklahoma’ de su examigo Richard Rodgers, al que interpreta Andrew Scott. Tuvo buena acogida en el Festival de Berlín 2025 y en España se estrena en cines el 28 de noviembre.

Michael Jackson

El biopic de Michael Jackson es uno de los más esperados y estaba previsto para 2025, pero Lionsgate la pospuso a 2027 y todavía no queda claro si está tendrá dos partes. Lo que sí se conoce es que es un sobrino del artista, Jaafar Jackson, da vida al llamado rey del pop y que está dirigida por Antoine Fuqua.

Fred Astaire, Los Beatles o Britney Spears

De entre los biopics más esperados y de los que todavía no se conoce mucho, encontramos por ejemplo la película sobre la estrella del cine musical, Fred Astaire, al que dará vida Tom Holland, y que será obra de Sony Pictures, así como las cuatro películas sobre Los Beatles que prepara Sam Mendes, con Paul Mescal, Joseph Quinn, Harris Dickinson y Barry Keoghan como los protagonistas, o la adaptación de la autobiografía de Britney Spears, que llevará el cineasta Jon M. Chu y que todavía no tendría actriz seleccionada a pesar de que suenan nombres como Sabrina Carpenter o Millie Bobby Brown.

Londres es la ciudad que, junto a Liverpool, guarda los recuerdos más importantes de los Beatles. Desde el famoso paso de cebra de Abbey Road hasta el icónico Apple Studio, los fans del grupo pueden recorrer varios lugares llenos de historia. En el Día Mundial de los Beatles, ¿qué mejor manera de celebrarlo que con una visita a estos puntos emblemáticos de la capital británica?

1. Abbey Road: el paso de peatones más famoso del mundo

El paso de peatones de Abbey Road es probablemente el lugar más reconocido para cualquier seguidor de los Beatles. La famosa fotografía que aparece en la portada de su álbum Abbey Road muestra a los miembros del grupo cruzando este paso en fila: primero John Lennon, luego Ringo Starr, Paul McCartney y finalmente George Harrison.

Hoy, miles de turistas imitan esta icónica imagen todos los días, y la zona peatonal se ha convertido en un símbolo del legado de la banda. Además, el estudio de grabación Abbey Road Studios, ubicado justo al lado, es uno de los estudios más emblemáticos en la historia de la música.

2. Montagu Square: el refugio de Ringo Starr

Montagu Square es famoso por ser el lugar donde Ringo Starr vivió en 1960. En el número 34 de esta calle, el baterista de los Beatles alquiló una casa de planta baja que se convirtió en un lugar de encuentro para toda la banda. La casa fue visitada por todos los miembros del grupo, y fue en esta vivienda donde Paul McCartney escribió la letra de Michelle, una de las canciones más emblemáticas del grupo.

Además, en Montagu Square, Lennon y Yoko Ono vivieron juntos durante tres meses, y allí se tomó la famosa foto de ambos desnudos para el álbum Two Virgins. En la fachada de la casa se puede ver una placa azul que conmemora la relación de Ringo con el lugar.

3. The Beatles Story: el museo que cuenta su evolución

Aunque no está en Londres, sino en Liverpool, The Beatles Story es una visita obligada para cualquier fanático del grupo. Este museo es considerado la exposición más grande sobre los Beatles y su historia. Desde sus humildes comienzos en Liverpool hasta su ascenso a la fama mundial, los visitantes pueden explorar la vida de los miembros del grupo y su música.

El museo también incluye narraciones de familiares de los miembros de la banda, proporcionando una perspectiva íntima sobre su evolución. Además, cuenta con audioguías en varios idiomas, incluyendo español, para hacer la experiencia aún más enriquecedora.

4. Apple Studios: el lugar donde los Beatles dieron su último concierto

Si bien el Apple Studio ya no existe, el edificio donde se encontraba sigue siendo un lugar de gran importancia para los fanáticos de los Beatles. En Savile Row, el Apple Studio fue el sitio donde la banda grabó su música y donde realizaron uno de sus conciertos más emblemáticos: el famoso rooftop concert.

En enero de 1969, los Beatles realizaron un concierto improvisado en la azotea del edificio, tocando canciones como Get Back, Don't Let Me Down y I Want You (She's So Heavy). Aunque el estudio ya no existe, en la entrada del edificio se pueden encontrar vitrinas con objetos de la banda, como guitarras y álbumes.

5. The Cavern Club: el lugar donde comenzó todo (en Liverpool)

Aunque no está en Londres, The Cavern Club en Liverpool es un lugar esencial para los fanáticos de los Beatles. Este club fue donde el grupo tocó por primera vez en 1961 y, durante los años siguientes, se presentó allí más de 300 veces.

El club original fue demolido, pero fue reconstruido y hoy sigue siendo un lugar de culto para los seguidores de la banda. En él, se celebran conciertos en vivo todos los días y se pueden ver objetos originales de los Beatles, lo que lo convierte en un destino imperdible para cualquier amante de su música.

Londres y Liverpool están llenos de lugares emblemáticos que cuentan la historia de los Beatles, desde sus primeros pasos en el Abbey Road Studios hasta sus conciertos en la azotea del Apple Studio. Estos puntos de la capital británica, junto con otros en su ciudad natal de Liverpool, forman parte de un recorrido esencial para cualquier fanático del grupo. Y, en el Día Mundial de los Beatles, no hay mejor manera de celebrar su legado que visitando estos lugares llenos de historia, música y magia.

El cofundador y principal compositor de The Beach Boys, Brian Wilson, ha fallecido este 11 de junio de 2025 a los 82 años, debido a una complicación en un trastorno neurocognitivo similar a la demencia que sufría desde hacía más de un año, según anunció la propia familia del artista en redes sociales.

Pero Brian Wilson deja un legado en el rock y en la música gracias a la música que dejó como uno de los miembros fundamentales de los Beach Boys, que formó junto a sus hermanos Dennis y Carl, su primo Mike Love y un compañero de la universidad, Al Jardine. Actualmente son estos dos últimos los que conforma la banda, que sigue activa junto a David Marks y Bruce Johnston.

Wouldn’t It Be Nice (1966)

El legado de Brian Wilson es innegable a la historia de los Beach Boys y hay algunas canciones que destacan sobre otras por su popularidad, su éxito o bien por su importancia en la industria musical o la influencia que supuso para las siguientes generaciones.

Una de las canciones más reconocidas por el público y que se vinculan al grupo es Wouldn’t It Be Nice, que formó parte de uno de los álbumes más exitosos, Pet Sounds, del que fue tema de apertura. Escrito por Brian Wilson junto a Tony Asher y Mike Love, formó parte también del título de la autobiografía del primero, Wouldn't It Be Nice: My Own Story. Tras su estreno en julio de 1966, alcanzó el puesto 8 de la lista Billboard, y es la pieza más reproducida de la banda en Spotify.

I Get Around (1964)

Antes de este, en 1964 llegó I Get Around, que fue el primero de los éxitos en encabezar las listas de Estados Unidos para el grupo, y para muchos marcó el inicio de su rivalidad con los Beatles. Lanzada el 11 de mayo de ese mismo año, del álbum All Summer Long, fue escrita también entre Brian Wilson y Mike Love, que basaron el proprio éxito y comportamiento de ellos mismos y sus inquietudes al respecto para inspirarse.

Good Vibrations (1966)

Es considerada una de las canciones más importantes de la historia de los Beach Boys, gracias a la que fueron considerados como uno de los más innovadores del rock entonces al producir la que se llamó una “obra maestra del rock, el pop y la psicodelia”, que obtuvo un éxito inmediato al ser lanzado en octubre de 1966, encabezando tanto las listas de Estados Unidos y Reino Unido.

Surfin’ U.S.A. (1963)

De uno de sus momentos álgidos al primero, con la que fue la primera entrada al top 10 de la lista de éxitos en Estados Unidos del grupo musical, Surfin’ U.S.A., que se publicó el 4 de marzo de 1963 y que Wilson escribó junto a Mike Love sobre la melodía de Chuck Berry, Sweet Little Sixteen de 1958, lo que le valió una disputa por derechos de autor con el artista.

God Only Knows (1966)

Del exitoso disco Pet Sounds salió otro de los éxitos más recordados de The Beach Boys, God Only Knows, que publicada el 18 de julio de 1966 es considerada la primera canción pop que incluía la palabra ‘Dios’, y contó con texto de Tony Asher y música y producción de Brian Wilson, que reveló en una entrevista en The Guardian que la escribió en tan solo 45 minutos.

“Bruja” y “zorra” han sido dos adjetivos que han acompañado a Yoko Ono a lo largo de su vida. Ella ha sabido reírse de ambos, pero lo cierto es que su vida y su carrera han estado marcadas por el rechazo. Un libro escrito por el periodista David Sheff, el primero que cuenta con la total implicación de la artista, cuenta su historia desde el punto de vista de la protagonista.

Hasta ahora, la versión de Yoko Ono acerca de su propia historia estaba desperdigada en entrevistas. De construir su relato se han encargado distintas firmas, casi siempre uniéndolo al de John Lennon y explotando el sensacionalismo. Hoy en día, Ono sigue siendo vista como la mujer que rompió los Beatles, la arpía que embrujó a Lennon para convertirlo en un pelele, la insufrible que canta vociferando y crea obras de arte que muchos consideran tomaduras de pelo, por no hablar de la codiciosa negocianta que administra el legado artístico de su marido y, por lo tanto, de una parte del de los Beatles.

Como dice la escritora Kate Milet en el libro de David Sheff sobre Ono, “por ser abiertamente feminista, nunca encajó con el estereotipo de esposa asiática sumisa y obediente ni con el de geisha seductora. Yoko se plantaba delante de la gente y berreaba. A la sociedad no le gustaba ver a una japonesa vociferando; o, mejor dicho, a la sociedad no le gustaba ninguna mujer que vociferase. La combinación de ambas, es decir, una mujer japonesa vociferando, les hacía entrar en cólera”.

El gran problema con Yoko Ono es que hay que invertir tanta energía para limpiar la mierda que durante décadas se le ha estado lanzando, que sus méritos artísticos, que no son pocos, acaban siendo una reivindicación secundaria. Hace muchas décadas que su estilo vocal, gutural, visceral, primitivo, está presente en mujeres como Siouxsie, Nina Hagen o Björk. Quizá las que más evidenciaron esa influencia fueron Kate Pierson y Cindy Wilson, vocalistas de B-52's. Cuando en 1980 John Lennon escuchó Rock Lobster durante una estancia en Bahamas con su hijo Sean, se dio cuenta de que su mujer había dejado de ser una incomprendida y la animó a que ambos volvieran al estudio de grabación. Evidentemente, pecó de excesivo optimismo.

A día de hoy, y a pesar de que Kim Gordon, Peaches, Boy George, John Zorn, Anohni o Death Cab For Cutie reivindican su importancia musical, el poder de su obra sigue enterrado por una tonelada de prejuicios. Y, sin embargo, una canción como Why?, grabada en 1970 junto a John Coltrane, adelantó unos cuantos años la propuesta musical de James Chance & The Contortions, por citar un caso evidente. Cabía esperar pues que Yoko. Unas memorias escritas por David Sheff contribuyera a presentar con éxito una historia marcada por el rechazo, el conflicto y el dolor. Que fuese un texto que analizara un canon musical que va más allá de lo meramente experimental, ya que Ono es autora de estupendas canciones en los más diversos registros: el pop en Sisters, O Sisters, la balada en Toyboat, la música de baile con Walking On Thin Ice, o el rock en Woman Power.

Ni todo son alaridos ni los alaridos, a estas alturas de la historia de la cultura pop, deberían ser un problema para respetarla. Lo que sí es un problema es el resultado final que arroja el texto de Sheff. El periodista conoció a Ono en diciembre de 1980, cuando realizó la que sería la última entrevista de Lennon, hecha tan solo unas horas antes de que lo asesinaran. Sheff no oculta que desde entonces ha mantenido una estrecha relación con el sujeto de su relato. Eso le concede una posición privilegiada a la hora de acceder a la información. Pero también es un notable lastre a la hora de explicar quién es ella. Hay sobreabundancia de datos superfluos –la vida cotidiana cuando se recuperaba del asesinato de Lennon– y, a veces, el ansia por certificar que el mundo ya está capacitado para aceptar su valía como artista, le lleva a confeccionar índices de logros, de loas que apenas van más allá.

Sheff intenta ser imparcial pero no puede. Hay tanto que rebatir acerca de ella que parece imposible no terminar arrastrado por esa corriente. Además, no hay que olvidar lo que dice el subtítulo del libro. Esto no es una biografía, son unas memorias escritas por una tercera persona. Así y todo, el libro aporta datos fundamentales para conocer mejor a Yoko Ono. Por ejemplo, las heridas emocionales que arrastra desde la infancia. Sus padres, pertenecientes a una acaudalada familia japonesa, le negaron el afecto. El padre banquero fue un pianista frustrado que también quiso para su hija una vida convencional. Como consecuencia, ella terminaría rompiendo con la música tradicional y abrazando la experimentación.

El pacifismo de Ono proviene del hecho de haber sido testigo de los bombardeos que asolaron Tokio, de escuchar en la radio los espeluznantes mensajes que los pilotos kamikazes dejaba a sus familiares antes del sacrificio. Para guarecerse de la realidad construyó un mundo imaginario donde el cielo es una esperanza y el idealismo una meta. A veces lo expresó creando textos como manuales para realizar actos sencillos, y de ahí surgirían la letra y el concepto de Imagine, cuya autoría también le pertenece a pesar de que inicialmente su nombre no apareciera en los créditos.

El escarnio público la persiguió desde el primer momento, porque con su arte se atrevió a cuestionar lo incuestionable. La Pieza Corte, por ejemplo, escenificada en 1964, en la que ella aparecía en el escenario y dejaba que miembros del público se acercaran con tijeras para ir cortándole la ropa. Su turbulento matrimonio con Tony Cox propiciaría una mala relación con Kyoko, la hija de ambos, aunque en el libro también queda claro que Ono no supo estar cerca de ella en su infancia. Lo peor llega cuando conoce a Lennon y, tres años después, se rompen los Beatles. Comienza una lucha conjunta por ejercer el derecho a ser quienes quieren ser, y no quienes el público quiere que sean. Se convierten en activistas políticos, Yoko imbuye a su marido con ideas feministas –ahí está Woman Is The Nigger Of The World– y lo único que consiguen es animadversión. Hoy es fácil ver que vivían inmersos en una constante tensión social, artística, personal.

A consecuencia de esto, Yoko termina echando a John de casa. Cuando se reconcilian, tienen a Sean y parecen haber encontrado, al fin, la paz. Ella se ocupa de los negocios, él ejerce de padre y de amo de casa. Entonces un demente lo asesina en la puerta de su casa. Yoko Ono no solamente conoce muy bien el dolor, también ha tenido que aprender a mitigarlo en una atmósfera de odio y violencia. Nadie puede aspirar a tener un alma pura después de haber superado tantos traumas. La periodista Betty Rollins, que fue compañera suya en la universidad Sarah Lawrence afirma en el libro que “Yoko también era ambiciosa. No dudaba en pasar por encima de quien consideraba que se anteponía a su visión artística. Si no le interesabas, no existías”.

Yoko es también la amante que, cuando considera que su relación con Sam Havadtoy ha tocado fondo, cambia las cerraduras de su casa aprovechando un viaje de él. Es la que, cuando le preguntan si algún día perdonará al asesino de su marido como hizo el papa Juan Pablo II con aquel que intentó asesinarle, contesta: “Yo no soy el Papa”. Tenemos la costumbre de exigirle a los artistas que sean las personas que nosotros tampoco podemos ser. Les exigimos que ostenten una ética que nosotros, seres anónimos, no siempre alcanzamos. Lo dijo Séneca, la fama es horrible porque depende del juicio de muchos. Entre esa multitud están los que creen que Ono secuestró a uno de los más grandes ídolos mundiales de la historia. Sheff recuerda que en aquella entrevista que le concedió en 1980, Lennon afirmó: “Ella es la maestra, y yo el alumno”. ¿Qué puede haber más subversivo que eso?

Sheff también apunta muy atinadamente cuando se habla del final de los Beatles, y aludiendo a los problemas que ya amenazaban a la unidad del cuarteto: “Quizás en lugar de ser atacada por ser la culpable del final de los Beatles, Yoko debería ser aplaudida con contribuir a mantener los Beatles juntos durante esa última etapa tan fértil”. Y una vez más, se vuelve a intentar probar su inocencia en ese interminable juicio, en detrimento del análisis su obra. Una obra que contribuyó a definir el arte conceptual, que posee mucho más humor del que parece, y que ha dejado un legado musical que debería ser recordado y reivindicado. El libro de Sheff documenta muy bien esa bruma de dolor y violencia que ha marcado a Yoko Ono. Reflejar con mayor profundidad cómo ella ha logrado transformar todo eso en un legado creativo único hubiese dado de sí un libro más interesante.

Sam Mendes, director de películas como American Beauty –por la que ganó tres Oscar, entre ellos a mejor director y mejor película– o 1917, que también le reportó dos estatuillas, acaba de dar más detalles sobre cómo será su monumental biópic sobre los Beatles, la banda de Liverpool que con sus canciones revolucionó la música popular en todo el mundo.

Mendes realizó declaraciones en la feria CinemaCon que se ha celebrado en Las Vegas estos días. En ellas detalló diversos aspectos del proyecto que apunta a ser uno de los más complejos de su carrera. Desveló que bajo el título genérico de The Beatles-A Four-Film Cinematic Event filmará cuatro películas, cada una de ellas centrada en uno de los miembros del legendario grupo. También reveló la fecha de estreno, que será en abril de 2028, sin especificar de todos modos si se estrenarán las cuatro cintas de golpe o se irán estrenando en determinados intervalos de tiempo.

Otro aspecto importante que se anunció en CinemaCon es que por fin, al ser Sony el productor del proyecto y a la vez dueña de parte de los derechos de las canciones de los Beatles –la otra parte pertenece a Paul McCartney–, se podrán interpretar en la cinta numerosos temas de la banda de Liverpool. Así, las cuatro películas dispondrán del catálogo al completo del grupo, pudiendo así abordar obras como Across the Universe, Strawberry Fields, Let It Be, I Am the Walrus, Yellow Submarine.

Desvelado el cuarteto de protagonistas

Pero tal vez la revelación de mayor trascendencia sea la que hace referencia al elenco protagonista de los filmes, con un actor ya designado por cada beatle. Adicionalmente, Sony, que será la productora de The Beatles-A Four-Film Cinematic Event, ha publicado una fotografía de los cuatro actores que encarnarán a Paul, John, George y Ringo.

Se trata de Harris Dickinson será John Lennon, Paul Mescal encarnará a Paul McCartney, Barry Keoghan se convertirá en Ringo Starr y Joseph Quinn dará vida a George Harrison. Todos ellos estuvieron en la presentación de los nuevos detalles del proyecto se subieron al escenario y recitaron parte de la canción Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Paul Mescal se ha hecho popular por su papel en Gladiator II; Dickinson hizo dueto con Nicole Kidman en la cinta Babygirl; Quinn ha participado en la cuarta temporada de la serie Stranger Things) y Keoghan fue uno de los protagonistas de Saltburn.

El de Mendes no es el primer biopic sobre la legendaria banda, pues en 1994 Ian Softley dirigió Backbeat, una cinta en la que relataba los primeros años de los Beatles, cuando eran unos completos desconocidos que se fogueaban en los locales del puerto de Hamburgo a finales de los años 50, e introducía la figura del “quinto beatle”, Stuard Sutcliffe, bajista inicial de la banda que fue sustituido al poco por el joven George Harrison.

El 4 de marzo de 1966 se publicaba una entrevista a John Lennon en el London Evening Standard. Un artículo que formaba parte dentro de una serie llamada “¿Cómo vive un Beatle?” y que tenía como objetivo ver cómo eran en su vida cotidiana cada uno de los miembros de la que era la banda más famosa del momento y sigue siendo una de las más influyentes de la historia de la música.

Lo que parecía una entrevista más, sin embargo, se convirtió en toda una pesadilla para John Lennon en la posterior gira de los Beatles por Estados Unidos cuando unas declaraciones de esa entrevista fueron replicadas por un medio estadounidense y causaron un revuelo que levantó en críticas a la comunidad cristiana ante el grupo de Liverpool. Un momento que para muchos se considera uno de los detonantes del fin de la banda.

“Somos más populares que Jesús”: las declaraciones polémicas de John Lennon

La periodista Maureen Cleave se reunió con cada uno de los Beatles en sus casas mientras estaban en un descanso de una gira mundial. Con John Lennon, con quien le unía una confianza especial que incluso le llevó a que hubiera rumores de algo más que una amistad entre ellos pasaría a la historia por ser la autora de la entrevista que propició una de las declaraciones más famosas y también más conocidas del cantante.

Lennon se encontraba en esos momentos muy reflexivo sobre la religión, y eso se pudo apreciar en la conversación con Cleave, que propició las siguientes declaraciones: “El cristianismo desaparecerá y se reducirá. No necesito discutir eso; tengo razón y se demostrará que tengo razón. Somos más populares que Jesús ahora; no sé qué desaparecerá primero, si el rock 'n' roll o el cristianismo. Jesús estaba bien, pero sus discípulos eran tontos y comunes. Son ellos los que lo tergiversan lo que lo arruina para mí”.

Estas palabras, sin embargo, pasaron desapercibidas en Reino Unido y no trascenderían hasta que las replicó, cinco meses después, la revista Datebook, publicada en Estados Unidos y dirigida al público joven. La noticia tomó las declaraciones de la entrevista original, sin mucho contexto y las palabras, en pleno titular, causaron mucha polémica en la sociedad estadounidense.

La tensa gira posterior por Estados Unidos

Los Beatles se convirtieron en objeto de críticas por grupos cristianos, pero también por diferentes medios del país, lo que llevó a que la banda británica dejara de sonar en radios como un boicot, e incluso se dieron quemas de discos y diferentes objetos del grupo. Con este ambiente, Brian Epstein, entonces manager de la banda, se planteó la cancelación de la gira de conciertos en Estados Unidos y pagar de su propio bolsillo el millón de dólares que se consideraba eran las pérdidas que llevaría ello. Pero al final se optó por seguir adelante y que John Lennon pidiera disculpas públicamente por sus palabras, que él mismo ya las había matizado en una rueda de prensa.

La gira de Estados Unidos de los Beatles fue un momento tenso y complicado para los de Liverpool, que fueron perseguidos por carteles que decían cosas como “Jesús murió por ti, John Lennon” o “John Lennon es Satanás”, así como incluso el Ku Klux Klan declaró que el grupo había tenido un lavado de cerebro por comunistas“.

John Lennon, en una rueda de prensa a la que acudió con mucho nerviosismo, se disculpó por las palabras antes del concierto en Chicago, aunque obligado por las circunstancias. Estas declaraciones no tuvieron el impacto esperado, y la tensión se mantendría, lo que hizo mella en todos los miembros del grupo, que no volverían a actuar en público de la misma manera, pues como reconocieron Paul McCartney o Ringo Starr en entrevistas posteriores llegaron a sentir amenazas a su vida.

Un único acorde ha bastado para desatar la euforia. “Can’t buy me love”, es la primera frase que Paul McCartney ha recitado inmediatamente después, para terminar de confirmarla. El WiZink Center de Madrid se ha rendido este lunes al artista en el primero de los dos conciertos que va a dar en la capital, y que van a suponer el broche de oro a su gira Got Back –el segundo turno será este mismo martes–. El cantante ha elegido un tema de The Beatles para abrir el espectáculo con el que durante dos horas y media ha invocado a la mítica banda, al pop, al rock y, por encima de todo, a la historia de la música. Y de paso, hasta se ha atrevido a chapurrear el castellano. “Hola, España. Buenas noches, Madrid. Estoy muy feliz de estar aquí de nuevo. Oh, yeah”, ha pronunciado antes de cantar Letting Go.

McCartney, que no tocaba en España desde 2016, ha combinado en su setlist temas del grupo que formó junto a John Lennon, George Harrison y Ringo Starr, junto a los que posteriormente han copado su carrera en solitario, generando un equilibrado combo de nostalgia, conmoción y pura energía. El escenario lo han flanqueado dos pantallas verticales que han proyectado imágenes del cantante y de The Beatles desde antes de empezar el show, con los 15.600 fans presentes expectantes, tras las correspondientes horas de cola para poder entrar, además de los quince minutos de retraso del inicio –no se respetó la puntualidad británica–. Durante la espera se han escuchado también algunos de los hits del grupo británico, como Twist and Shout –lástima que no la haya interpretado en directo después–.

Una de las canciones más vitoreadas del primer bloque del concierto ha sido Drive My Car, con la que, si todavía quedaba alguien por ponerse de pie para bailar, ha terminado de convencerle. “Esta noche voy a tratar de hablar un pelín de español”, ha vuelto a insistir. El público ha seguido fielmente sus indicaciones sobre cuándo aplaudir a su ritmo y entonar estribillos como el de Come On To Me. Y es que a sus 82 años, y vestido con un traje de chaqueta –chaleco incluido–, el artista ha demostrado ser, además de una fuente de talento, una fuente de carisma, de la que desborda. A medida que han ido avanzando los temas, el calor ha ido haciendo mella y, tras acabar quitándose la chaqueta para quedarse en mangas de camisa, ha bromeado: “Este es el único cambio de vestuario que vais a ver”. Posteriormente ha homenajeado a Jimi Hendrix con Let Me Roll It, cuyo final une con el riff principal de Foxy lady; antes de regresar al espíritu Beatle con el canto al optimismo –y al amor– Getting Better.

Lo siguiente ha sido descolgarse el bajo para sentarse frente al piano a cantar, junto a sus siete músicos, Let ‘Em In. En el fondo del escenario, la pantalla la han ocupado imágenes de bandas tocando en las calles de diferentes rincones del mundo, con carteles en defensa del respeto, la convivencia y el amor. Al piano ha entonado acto seguido My Valentine. “Escribí esta canción para mi hermosa esposa, Nancy. Ella está aquí con nosotros esta noche”, ha aclarado antes de comenzar. Su melodía y voz han contado con otros dos protagonistas, Natalie Portman y Johnny Depp, que en las pantallas han interpretado parte de la letra en lengua de signos.

Tras Maybe I’m Amazed, McCartney ha abandonado el piano para colgarse la guitarra, española en este caso y ha aprovechado para sumarse con ella al cántico de los fans, a ritmo de “oe, oe, oe, oe” –como si de una final del mundial se tratara– para orquestar el griterío. Todo ello antes de volver a invocar a The Beatles con la más cercana al country I’ve Just Seen a Face.

Cuatro chicos de Liverpool

El show se ha convertido en un pozo de nostalgia para el propio McCartney, que antes de ceder el protagonismo a In Spite Of All the Danger ha explicado que había llegado el momento de “viajar en el tiempo, a un pequeño lugar del norte de Inglaterra, llamado Liverpool”. “Allí había cuatro chicos que querían grabar un disco. Esta es la primera canción que grabamos The Beatles”, ha añadido entre aplausos antes de que los primeros acordes del tema hayan transportado directamente a Madrid a los años sesenta, a los primeros pasos del grupo que acabaría cambiando la historia del rock. “Después de hacer ese álbum, fuimos a Londres, a los estudios de Abbey Road”, ha indicado para presentar Love Me Do. Y, mandolina en mano, ha continuado con Dance Tonight para recordar a sus fans cuál era el propósito de la noche.

La escenografía ha cambiado en el bloque más emotivo del concierto, con McCartney subido encima de una plataforma que se ha elevado unos cuatro metros, proyectando un cielo estrellado tanto a sus pies como a su espalda. Así, solo con su guitarra, ha cantado Blackbird y Here Today, su particular homenaje a su “gran amigo” John Lennon, ‘Juan’, como ha traducido antes de entregarse a la canción.

De nuevo junto al resto de la banda ha dado paso a Now and Then, a la que ha concedido su propio capítulo dentro del recital. El británico ha interpretado este tema publicado a finales de 2023, que partió de una maqueta de John Lennon que Yoko Ono había custodiado durante décadas hasta que la IA que Peter Jackson empleó en el documental The Beatles: Get Back permitió separar sus pistas. Tras limpiar la voz de la demo, McCartney y Ringo Starr grabaron el resto de instrumentos, para completar la composición con ecos a Eleanor Rigby, de esta especial balada aplaudidísima en Madrid. “John, gracias por esta canción”, ha agradecido al acabar.

La amplia lista de instrumentos que McCartney ha tocado durante su show ha incluido un ukelele, pero no uno cualquiera, sino el que le regaló George Harrison, el “hermano” al que ha dedicado Something. El homenaje al fallecido guitarrista ha abierto el camino al bloque más celebrado –y saltado– en la pista del recinto, gracias a Obla Di Obla Da, Band On The Run y Get Back. Eso sí, el plato fuerte estaba por llegar, con el triplete Let It Be, Live and Let Die y Hey Jude. Un colofón al son de The Beatles que ha hecho llorar y bailar a partes majestuosamente iguales. Con la primera, que a estas alturas hace ya muchos años que se erige como una de esas elegidas canciones-himno, ha terminado de hacerse con los corazones de los presentes. La segunda ha contado hasta con fuegos artificiales acompasados con los golpes de batería y, con la tercera, ha terminado de confirmar que si su concierto merece tener algún apellido, sería ‘inolvidable’.

Pero todavía quedaba más. Tras hacer el pertinente saludo con la banda y abandonar el escenario, ha regresado con tres banderas: la de España, la de Reino Unido y la del Orgullo. Su conquista a Madrid, en la primera de sus dos actuaciones, la ha rematado con un último conjunto, liderado por I’ve Got a Feeling. McCartney ha avisado de que se trataba de un tema “muy especial” para él. El motivo: iba a contar con la voz e imagen de John Lennon junto a él a partir de la segunda estrofa. El broche de oro al ejercicio sobresaliente de nostalgia por la formación británica.

SGT Pepper Helter Skelter y Golden Slumbers han cerrado con el rock por bandera y, tras presentar a la que ha definido como “la mejor banda del planeta”, el hit de despedida ha sido The End. Y con él, un adiós –o hasta luego para los afortunados fans que vayan a repetir mañana– a un artista, ya eterno.

Paul McCartney continuará después del verano su gira Got Back y, según ha anunciado el pasado viernes la promotora Live Nation, visitará Madrid, algo que no sucede desde 2016. Será el 9 y el 10 de diciembre en el WiZink Center.

El concierto de hace ocho años tuvo lugar en el desaparecido estado Vicente Calderón. La visita del ex Beatle a Madrid tendrá lugar en el WiZink Center. El Palacio de Deportes ha publicado en redes la misma imagen que Live Nation, un joven McCartney al teléfono, llamando a Madrid. Este anuncio y otro similar también se está exhibiendo desde el mismo viernes en vallas publicitarias en la calle.

El músico ha anunciado nuevas fechas de su gira a partir del 1 de octubre de este año, comenzando por Uruguay y siguiendo por Argentina, Chile y Perú hasta el 27 de octubre. Después salta a Europa para tocar en Francia, España y Reino Unido durante el mes de diciembre.

Las primeras entradas (preventa) se ponen a la venta en Ticketmaster el martes 18 de junio a las 10:00 y hasta el viernes 21 de junio a las 8.00.

El anuncio llega en un año (de nuevo) muy beatlemaniaco, pues en febrero se dio a conocer el proyecto de Sam Mendes de rodar cuatro biopics sobre la banda de Liverpool, una por componente. Además, el otro miembro vivo de los Beatles, Ringo Starr, ha publicado un nuevo disco y está a punto de empezar una gira por Estados Unidos y México.

En 2023 se publicó la canción rescatada del pasado Now and Then y McCartney inauguró una exposición de sus fotografías en la National Portrait Gallery, que ha dado lugar a un libro. Desde 2021 se ha vuelto a vivir un auge de interés por los Beatles gracias a la monumental película documental en tres actos de Peter Jackson, The Beatles: Get Back, con todo lo que no se mostró en la película Let It Be durante la grabación de ese disco y la preparación del famoso concierto en la azotea del edificio de Apple Corps.

“Peace and love (Paz y amor)”, repite insistente Ringo Starr desde el otro lado de la pantalla mientras dibuja dos 'uves' con sus dedos. Para todos, para siempre y desde siempre. El que fuera baterista de The Beatles reitera en defender un mensaje que, alcanzado un 2024 marcado por la masacre en Gaza, considera aún más pertinente “tener presente”. “Ahora más que nunca”, añade. Lo hace en numerosas ocasiones mientras atiende a los medios sentado en su estudio. El 'hogar' de un talento que sigue explotando más de seis décadas después de que entrara en su primera banda, Rory and the Hurricanes, en su Liverpool natal.

Está presentando su nueva gira, con la que a partir del próximo miércoles 22 de mayo va a recorrer Las Vegas, México, Texas y Austin. A finales de abril lanzó su Crooked boy, su último elepé, compuesto por cuatro canciones: la que le da título, February Sky, Adeline y Gonna Need Someone. Y dice que ya tiene preparado el siguiente. Va vestido de negro, lleva un collar del símbolo de la paz, un pendiente y gafas de sol. Detrás de él cuelgan dos guitarras, un teclado y una estrella gigante multicolor.

Sus recién estrenados sencillos destilan buen ánimo, ritmo y energía. “Me da igual si mis canciones hablan de que el mundo se ha vuelto loco o de que la hierba va a dejar de crecer porque, siempre hay una flor en la esquina”, describe sobre el tono que busca en sus temas, “si me escribes una canción, puede haber un momento de bajón, pero tiene que haber subida al final, en el medio o donde sea. No me gusta que se queden en lo bajo”.

Quiere enseñar el resto del espacio, pero la cámara de su ordenador es fija. No importa. Describe las paredes llenas de instrumentos y fotografías, lamentando no poder mostrar la habitación contigua, que acoge “todas las baterías”. Su lugar favorito. En el que más disfruta juntándose con compañeros a grabar y que asegura que tiene “el mejor sonido”. “Si habéis escuchado mis últimos discos habéis podido comprobarlo”, presume.

“Forma parte de mi. Vino en los 60 con los hippies y nosotros nos volvimos y fuimos hippies a nuestra manera”, explica sobre la mecha que prendió su conciencia pacifista, coincidiendo con los inicios de The Beatles. “Fue un gran momento, una gran oportunidad de cambiar el mundo, la gente cambió su actitud y fue genial. Y fue por la paz y el amor”, comenta. Su petición de “paz y amor” lleva también siendo el pilar de sus celebraciones de cumpleaños desde 2008, y volverá a serlo en la siguiente, el próximo 7 de julio en el que cumplirá 84 años.

La idea surgió hace catorce cuando, preguntado por si quería hacer algo especial para sus fans por su fiesta, dijo que lo que quería para ellos era “paz y amor”. Estaba en Chicago y, a mediodía, salió a la calle a mediodía para lanzar ese mensaje ante 100 seguidores. “Ahora creo que son ya 26 los países que replican este momento por el mundo. ¿Cómo es de increíble?”, aplaude, “quizás el próximo año sean más y llegue a cada vez más rincones del planeta. La paz y el amor. Ese es el sueño”.

Su amistad con Paul McCartney

La música estuvo siempre ligada a la vida de Starr, cuya infancia y adolescencia estuvieron marcadas por sus problemas de salud. Con seis años, debido a las complicaciones que le causó una peritonitis, estuvo en coma durante diez semanas. Con 13, un resfriado se convirtió en pleuresía, una inflamación del revestimiento de los pulmones y el tórax, que le obligó a permanecer ingresado en el Myrtle Street Hospital durante dos años. Allí fue donde aprendió a tocar el tambor en las clases de música que se impartían.

Al salir le compraron su primera batería, empezó a tocar en algunos grupos locales y, ya como parte de Rory Storm & The Hurricanes, coincidió con The Beatles en Hamburgo. Tras sustituir en varias ocasiones al que fuera el primer batería del grupo británico; tras su expulsión fue el encargado de sustituirle. “Siempre he pensado que fue increíble que nos juntáramos porque veníamos de escuchar el mismo tipo de música”, ensalza.

A partir de 1962, John Lennon, George Harrison y Paul McCartney –al que mantiene como “gran amigo” y con el que ha vuelto a componer en numerosas ocasiones– coparon su día a día hasta que se separaron en 1970. Fueron siete los años que pasaron desde su Love me do hasta I want you, el último tema que los cuatro grabaron juntos. Desde entonces, Ringo Starr, ha continuado su carrera en solitario, que inauguró con Sentimental Journey ese mismo año; y que continúa hasta hoy, tras acumular discos como Goodnight Vienna (1974), Time Tajes Time (1992), Liverpool 8 (2008) y Change the World (2021).

Feeling the Sunlight (2023) es una de los temas en los que ha vuelto a trabajar con McCarney. Preguntado por cómo fue la experiencia, su primera reacción es responder con ironía diciendo que “muy duro”. Después explica que el proceso fue el habitual, se enviaron los archivos que iban realizando, grabando en su caso la batería y las voces, para poder ir intercambiando valoraciones.

“Paul ha participado en cuatro de los álbumes que he compuesto en este estudio”, explica lamentando que, en el sencillo mencionado, tuvieran que colaborar a distancia. “Siempre que pasa por la ciudad le dijo que se traiga el bajo y nos encerramos a tocar. Es un bajista increíble, un tío increíble y tiene un gran corazón”. De hecho, reconoce que tiene especial cariño al Radio City Music Hall por la sorpresa que le dio cuando cumplió 70 en pleno concierto: “Se subió al escenario a cantarme el cumpleaños feliz. Nadie me había dicho que habían estado enseñando”.

Ringo Starr comparte que hasta “hace poco” desconocía que McCartney tenía una cámara con la que tomó una enorme cantidad de fotos cuando aún eran The Beatles. “Es genial porque yo tengo mi propio álbum de fotos y es como si le hubiéramos dado la vuelta. De la foto que yo le tomé a él para ver la que él tomó de mi, yo a John y él a George, por ejemplo”, comenta. “Fue realmente extraño porque estábamos muy unidos. Si lo piensas, en el 64 la única cosa a la que de verdad pudimos fotografiar fue a nosotros mismos”, recuerda.

“Debemos a la IA poder haber vuelto a escuchar a John”

Disney+ acaba incorporó la semana pasada a su catálogo Let it be, el documental que Michael Lindsay-Hogg estrenado originalmente en 1970 y que ha sido restaurado. Su director introdujo sus cámaras en los Estudios Twickenham, donde John, George, Paul y Ringo pasaban sus últimas horas juntos. “Nunca me entusiasmó demasiado el original, pero este sí porque trata solo de unos chicos en avión, la música y la charla sobre las canciones. Es realmente bueno”, valora. Mejores palabras tiene para The Beatles: Get Back que dirigió Peter Jackson en 2021, sobre la grabación del álbum Let it Be, y que se basó en las 140 horas de material que Lindsay-Hogg había grabado para su película: “Fue increíble”.

La tecnología que usó para ello el artífice de la trilogía de El señor de los anillos permitió que a finales del año pasado pudiera ver la luz Now and Then, la canción hasta entonces inédita de la banda y que pudo ser rescatada con IA. El tema partió de una maqueta de John Lennon que Yoko Ono había custodiado hasta 1994, cuando decidió entregárselo a McCarney, Starr y George Harrison, años antes de que este falleciera en 2001. Poco pudieron hacer con ella entonces, pues no existía una tecnología que permitiera separar las pistas y el piano se escuchaba con muy poca calidad. Algo que, tres décadas después, sí pudo ser posible.

“La IA puede ser muy útil, lo fue cuando hicimos Now and Then. John está ahí gracias a ella. Peter tenía una máquina loca con la que pudo subir el nivel de su voz. Y gracias a ello pudimos escucharle por primera vez, eso hay que agradecérselo”, reflexiona. “Sé que hay mucho miedo a que va a acabar robándonos el alma. Pero yo no le robaré el alma a nadie”, bromea al respecto, restándole importancia al asunto.

Que los Beatles son una especie de galaxia insondable que nunca se acaba de explorar del todo, es algo que conocen bien los seguidores de la banda. Pero hay exploradores más experimentados que otros. Enrique Sánchez, líder del grupo Los Escarabajos -uno de los más conocidos versionadores del cuarteto de Liverpool- lleva años tocando y estudiando a fondo sus canciones y su historia. Prueba de ello es Por un penique de fresas (La semilla del disco que cambió a Los Beatles) (Silex), un libro que recrea la génesis andaluza de uno de los discos más celebrados de todos los tiempos.

La historia de este ensayo comienza en 2016, cuando Sánchez celebraba junto al radiofonista salmantino José Ángel Martín los cincuenta años del planteamiento en Abbey Road de Penny Lane y Strawberry Fields Forever, canciones del tándem Lennon-McCartney cuyo registro trajo consigo el single anticipo de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. “Un vinilo transicional sin precedentes que, gracias a ambos temas directamente vinculados con Liverpool, establecería la escisión entre las consabidas primera y segunda épocas del cuarteto en todos los aspectos de su música e imagen”, explica el autor. “Entonces descubrí que el eslabón perdido se hallaba en Andalucía”.

“El periodista Javier Adolfo Iglesias había escrito en cierto modo la historia aquí de Strawberry Fields Forever en su Juan & John (El profesor y Lennon en Almería para siempre), un libro de 2014 fascinante para mí, pero nadie había profundizado jamás en una vivencia paralela, la de Paul creando Penny Lane casi en inconsciente sincronía con su oponente artístico, a quien quiso sorprender donde rodaba How I Won The War [Cómo gané la guerra]”, explica Sánchez. “Yo, como coleccionista profesional, poseía películas privadas de McCartney obtenidas a través de subastas, en formato 8 mm y mudas, que revelaban un viaje secreto para reunirse con Lennon en nuestro país, aunque se interrumpió en Sevilla, conclusión a la que llegué al escudriñar minuciosamente aquel celuloide. A esta investigación fílmica, reforzada reproduciendo la ruta por carretera junto a José Ángel, le siguió otra macrofílica, o sea, mediante el análisis del matasellos de una postal que Paul McCartney había enviado a Ringo Starr desde Ameyugo, provincia de Burgos”.

Guitarra española

Según afirma el investigador, al baterista le sorprendió tanto la tarjeta que la incluyó en su fotolibro Postcard From The Boys en 2004. La fecha en cuestión era el 11 de noviembre de 1966, Remembrance Day o Día del Recuerdo, vulgarmente llamado Poppy Day o Día de la Amapola. “Y ahí radica la sorpresa que me permitió penetrar en la mente del compositor que estaba insuflando aliento a ”Penny Lane“ rumbo al sur de España, porque escribió entonces un verso muy esclarecedor: ”a pretty nurse is selling poppies from a tray“ [”una linda enfermera vende amapolas en una cesta“].

Convencido así de que el proceso germinal de Penny Lane resultaba inseparable del de Strawberry Fields Forever tanto en el tiempo como el espacio, Sánchez se animó a escribir un libro sobre el la semilla española del disco que cambió a Los Beatles. “Los factores que desencadenaron tal metamorfosis, siempre bajo el prisma del sencillo Strawberry Fields Forever / Penny Lane, tuvieron su origen en España, pero a la postre se perfilaron mejor en Andalucía. Mi humilde contribución a las indagaciones de Javier Adolfo deriva de mi condición de intérprete replicante de los fab four a lo largo de treinta años en un taller de directo como Los Escarabajos y productor artístico de otras bandas. Una visión musicológica de las influencias, los esbozos de sus ideas en evolución tanto melódicas como líricas, la instrumentación empleada, los arreglos, las grabaciones caseras y en el estudio, las mezclas, el lanzamiento fonográfico y la repercusión pública del single”.

Desde este punto de vista, se antojaba fundamental “la obsesión de John Lennon por adquirir una española clásica en plena visita nacional de The Beatles en 1965, construida por el luthier Anselmo Solar y, según su etiqueta, ‘bajo la dirección de Luis Maravilla’, quien tenía una tienda en Madrid. Consumado el hecho, le asaltó el infantil deseo de aprender bulerías de la mano del tocaor Félix de Utrera, sobre la marcha y horas después en el Corral de la Morería en la madrugada del sábado 3 de julio de 1965”.

“En 1966, cuando se desplazó a Almería para intervenir en su película antibélica, pidió expresamente que le trajeran de Inglaterra ese instrumento concreto y no otro, su apreciada guitarra Solar, con la que empezó a dar forma a aquello que se convertiría en Strawberry Fields Forever, canción a la que quería imprimir un aire hispano”, prosigue Sánchez.

Toros de Osborne

En cuanto a Paul McCartney, “la estética taurina y, por extensión, el pasodoble como banda sonora de la Fiesta Nacional, representaban para mí una referencia a considerar, que ya se transparentaba en las filmaciones que hacía con el tomavistas en su escapada con destino andaluz, por capturar algún toro de Osborne desde su Aston Martin o a unos críos jugando a las corridas en Córdoba. Incluso logré identificar a los niños que aparecían en el carrete de la Plaza de la Corredera, dicho sea de pasada, antiguo recinto de espectáculos tauromáquicos. Y terminé demostrando que el creador de Penny Lane conocía España cañí, cuyas notas encauzaron las del solo de trompeta de su composición. Una piccolo, porque le hubiera costado mucho encontrar un clarín utilitario en Londres”.

Todo ello confirmaría a las claras la leyenda según la cual Los Beatles enloquecían con el flamenco. “Brian Epstein intentó inculcarles el gusto por el flamenco o los toros y se trata de una realidad constatable, como puede comprobarse al leer Por un penique de fresas (La semilla del disco que cambió a Los Beatles). Me he esforzado en rehacer la agenda taurina del manager del cuarteto, sus venidas intermitentes a la Feria de Sevilla cada año o, por ejemplo, a la de Jerez de la Frontera cuando quiso apadrinar a un matador. John seguramente ya recibió el impacto inicial cuando se marchó de vacaciones con Brian en 1963 a Torremolinos, donde escribió Bad To Me, que luego adaptó Emi Bonilla como No me dejes en el EP Beatlemania flamenca para Zafiro en 1964, sacado también por Parlophone en Gran Bretaña”.

Allí podrían haber visitado La Bodega Andaluza, tablao pionero. Pero su verdadero interés por nuestro folclore irrumpió en los descansos del rodaje del especial The Music Of Lennon & McCartney de Granada Televisión en 1965, justo cuatro meses después de las actuaciones de The Beatles en las Plazas de Toros de Las Ventas de Madrid y La Monumental de Barcelona. “Me lo desveló el bailaor Antonio Vargas, invitado también a ese programa, quien departió ampliamente con John sobre el asunto y al cual entrevisté varias veces por vía telefónica Matalascañas-Geyland, pues fundó la academia Flamenco Sin Fronteras en dicho barrio de Singapur. Antonio me descubrió el afán de Lennon por saber la procedencia de los gitanos españoles y él le contó que ‘partían de Rayastán, en la India, para llegar a la cuna del arte flamenco en Sevilla, que es Triana’. John se acabó comprando un carromato romaní que instaló en su mansión de Kenwood. Por su lado, Paul se inclinó más por el catálogo de Pascual Marquina, aunque en 1979 vio cómo su Goodnight Tonight con Wings se ganaba el status de Tema Oficial de la Vuelta Ciclista a España en 1979, y de esta manera constó en el archivo audiográfico de RTVE. Acaso influiría el break pseudoflamenco que Denny Laine ejecutó a la española en el videoclip de la canción, con un caracolillo en la frente que evocaba al de la sevillana Estrellita Castro”, agrega Sánchez.

En el libro, el autor cuanta también que “a George Harrison le entusiasmaba el linarense Andrés Segovia como intérprete en Free Your Soul ha contado con la guitarra del maestro cordobés José Antonio Rodríguez en 2022. Son verdades más que tópicos”.

Lucy por bulerías

En todo caso, no quedan dudas de que aquel periplo marcó un antes y un después en la banda pop más grande de todos los tiempos, reflejado en ese “tenue sabor andaluz” del citado vinilo. “Yo me obstiné en certificar que Lennon se había aproximado a la amalgama rítmica de la bulería y le debo la comprobación a Diego Pozo, El Ratón, ex Los Delinqüentes, muy puesto en el maridaje flamenco-rock. Arriesgándome todavía más, argumentaría que quizá ello le impulsó a manejar la alternancia de compases en títulos futuros como Lucy In The Sky With Diamonds, iniciado así mismo en tierra almeriense, Good Mornig Good Mornig o el que probablemente fuese su himno más famoso, All You Need Is Love, por la conexión planetaria de Our World en 1967.

“Todo esto al margen de usar en 1968 el sample de Spanish Guitar del melotrón Mark II para The Continuing Story Of Bungalow Bill en el álbum blanco”, concluye Sánchez. “McCartney no se inspiró en los conciertos brandeburgueses de Johann Sebastian Bach, y me apoyó en esta atrevida aseveración el afamado trompetista pontanense Fran Rivero, sino en el España cañí de Marquina, aunque se fijaría en Bach para elaborar acompañamientos suyos posteriores, como el de Blackbird en relación a la Bourrée en Mi menor, que había suscitado Yesterday cuatro años atrás. Ahora creo que me quedé corto con la tenuidad”.

El centro cultural Doctor Madrazo acoge este jueves, a las 19:30 horas, la proyección de un documental sobre la historia de la canción de The Beatles 'Now and Then' a cargo de la asociación Beatles Soul Club.

El documental, de 23 minutos de duración, contiene los comentarios del productor Giles Martin --hijo de George Martin, mítico productor musical de los Beatles--, así como de Paul, George, Ringo y Sean Lennon.

'Now and Then' fue compuesta por John Lennon a finales de los 70, pero quedó incompleta. La grabación, en cinta magnetofónica, permaneció archivada durante décadas hasta que la tecnología digital consiguió limpiar el sonido lo suficiente como poder ser producida de forma satisfactoria.

Conocida como “la última canción de los Beatles”, 'Now and Then' se publicó en noviembre de 2023 como un sencillo de doble cara, acompañando a su canción debut 'Love Me Do' de 1962.

Junto con el documental se ofrecerá el videoclip oficial de la canción, dirigido por Peter Jackson, emocionante, conmovedor y con sentido del humor. A continuación, habrá un debate sobre lo que opinan los más puristas de la canción y de la tecnología aplicada a la música.

Hace más de cincuenta años, en plena década de los setenta, John Lennon grabó la maqueta de una canción a voz y piano que nunca vio la luz. Su viuda Yoko Ono custodió aquel casete hasta que, en 1994, decidió entregárselo a Paul McCartney, Ringo Star y George Harrison. Poco pudieron hacer con ella, ya que en ese momento no contaban con una tecnología que les permitiera separar las pistas y el instrumento se escuchaba con muy poca calidad. El tema terminó por quedarse en un cajón, hasta que, cerca de treinta años después, la Inteligencia Artificial que Peter Jackson utilizó en el documental The Beatles: Get Back, permitió desempolvarlo.

McCartney entregó la cinta original al cineasta para ver qué podía hacer con ella. El director necesitó poco tiempo para aislar la voz del piano gracias al software con el que había restaurado sonido e imagen de la realización del álbum Let It Be de la banda, y que tuvo como resultado la docuserie que estrenó en 2021.

Una vez limpiada la voz de Lennon de la demo, Paul y Ringo grabaron el resto de instrumentos para completar una nueva composición final. El resultado es Now And Then, la que desde este jueves 2 de noviembre se ha convertido en al última canción de The Beatles.“I know it's true' It's all because of you” [Sé que es verdad, todo es por ti]“, comienza rezando la letra de la conmovedora balada. ”Now and then, I miss you. Now and then, I want you to be there for me [De vez en cuando, te echo de menos. De vez en cuando, quiero que estés ahí para mi]“, clama en su estribillo.

Su lanzamiento llega acompañado de videoclip y un cortometraje documental –disponible en Movistar Plus+– que narra cómo se gestó el rescate de la maqueta gracias en la sede de Capital Records. El primero superpone imágenes de archivo con otras filmadas durante la grabación. La pieza es un ejercicio de nostalgia, algo bizarro, en el que los cuatro integrantes del grupo vuelven a estar juntos.

“Hacer buena música en una banda es una cuestión de química. La manera en la que nuestras cuatro personalidades se combinaron en The Beatles fue muy especial. Cuando perdimos a John... Sabíamos que era el final”, reconoce McCartney en el documental sobre lo que sintieron tras el asesinato de Lennon en 1980.

La película, que cuenta con imágenes de archivo del proceso, muestra a Ringo Star reconociendo al escuchar la primera maqueta: “Esto es lo más cerca que podíamos estar de nuevo con él en el estudio”. De hecho, lo mejor del corto es su montaje, por cómo combina imágenes de los dos integrantes del grupo fallecidos. El trabajo en la sala de edición logra que parezca que los cuatro crearon y armaron juntos el sencillo.

Y es que el tema no solo funciona en parte como homenaje a Lennon. Now And Then incluye una guitarra eléctrica y acústica grabada por Harrison en 1995, además de un solo de guitarra 'slide' que McCartney compuso inspirado en su estilo. Otro detalle que sumaron a la mezcla final fueron los coros de las grabaciones originales de Here, There And Everywhere, Eleanor Rigby y Because, entretejidos en la nueva canción.

En el documental participa también el hijo de Lennon, Sean Ono, que con su voz acompaña vídeos caseros de su padre tocando la guitarra y el piano en casa. Afirma que es consciente de que el artista británico dejó la música para criarle, pero que aquello no impidió que siguiera tocando en el piso en el que vivían. “Mi madre se quedó el puñado de canciones que nunca terminó”, expone sobre el germen de la recién publicada Now and Then.

Harrison lo calificó de “basura”

La IA ha hecho posible que los fans de la banda británica puedan escuchar un tema inédito más de cincuenta años después de que se separaran. Aunque según reveló McCartney el pasado mes de junio, cuando anunció la existencia de la canción, no todos los integrantes del grupo apoyaron la grabación. El músico de 80 años afirmó en una entrevista que Harrison había admitido que era una “basura” y se negó a trabajar en ella

“No tenía un título muy bueno, necesitaba un poco de reelaboración. Pero tenía un verso hermoso y John lo cantaba. A George no le gustó. Siento The Beatles una democracia, no lo hicimos”, agregó sobre la opinión del guitarrista que, teniendo en cuenta las fechas, emitió mucho antes de que gracias a la IA pudieran separar las pistas y trabajar con instrumento y voz por separado la composición.

Mejor paradas salieron en ese momento las otras dos maquetas que albergaba la cinta que Yoko Ono custodió. Free As A Bird y Real Love sí que fueron completadas en el momento y fueron lanzadas como singles en 1995 y 1996, como parte del proyecto The Beatles Antology.