El 27 de març de 2026, el president de la Generalitat, Juanfran Pérez Llorca, va anunciar que Disney gravaria als estudis de la Ciutat de la Llum, a Alacant, la superproducció cinematogràfica Enredados, la versió de carn i ossos del gran èxit d'animació amb què la multinacional de l'entreteniment va ingressar més de 650 milions d'euros el 2010.

Tanmateix, 23 dies abans de l'anunci del cap del Consell, el 4 de març, Sol Films 2026 SLU —filial d'Anima Stilking Films SL i productora encarregada del film— ja havia traslladat la seua seu social de Màlaga a Alacant. Setmanes abans d'aquest moviment administratiu clau, desenes de treballadors de la companyia ja operaven a les instal·lacions de la Generalitat preparant decorats a l'espera de l'arribada dels actors.

L'anunci de Pérez Llorca a penes havia despertat expectació en el sector audiovisual i va arribar quan la productora ja portava prop d'un mes i mig treballant a la Ciutat de la Llum. No va ser fins a la presentació dels pressupostos de 2026, divendres passat, 29 de maig, quan es va fer públic el cost que suposarà per a les arques públiques la pel·lícula dirigida per Michael Gracey: cinc milions d'euros consignats en la secció de Despeses Diverses i articulats com a Projecte Estratègic de la Vicepresidència Segona i Conselleria de Presidència de la Generalitat Valenciana.

“És una ajuda com les que es donen a Ford, PowerCo (Volkswagen) o Stadler”, expliquen fonts de la Conselleria d'Economia. Aquestes tres multinacionals reben ajudes públiques de la Generalitat per a les respectives factories d'automòbils, bateries i trens.

L'anunci d'aquesta injecció de cinc milions d'euros a la productora malaguenya —ara amb seu a Alacant— ha generat malestar en el sector audiovisual valencià, que no se sent ni involucrat ni beneficiari del projecte. A més, l'escassa informació disponible fins ara sobre l'arribada de la producció de Disney a la Ciutat de la Llum ha alimentat alguns rumors que des de la Generalitat han tractat de desmentir, entre aquests, que la pel·lícula només es rodaria durant cinc dies a Alacant.

La realitat és que els rodatges van començar a l'abril i que ja hi ha centenars de persones treballant a la Ciutat de la Llum, segons expliquen des de la Conselleria d'Economia i treballadors consultats per elDiario.es. El rodatge es prolongarà entre huit i deu mesos, segons la versió oferida per Pérez Llorca i altres fonts coneixedores de la producció.

Encara que el gruix de les gravacions es realitzarà als estudis de cinema de la Generalitat, també està previst rodar escenes en diferents punts de la Comunitat Valenciana, així com a Burgos, Girona, Tarragona i Àlaba. Entre els noms previstos figuren la parella protagonista formada per Teagan Croft (Titanes) i Milo Manheim (Zombies), a més d'intèrprets coneguts com Kathryn Hahn (The Studio) i Diego Luna (Y tu mamá también).

El debat sobre els cinc milions

La controvèrsia sobre l'ajuda pública se centra en com s'articularà i sota quin concepte s'abonarà. “L'ajuda a Disney com a projecte estratègic s'està tramitant com absolutament tots els projectes estratègics de la Comunitat Valenciana. Es publicarà en el Diari Oficial de la Generalitat Valenciana un decret amb tots els informes preceptius que justifiquen la subvenció nominativa”, argumenten des de la Conselleria d'Economia a preguntes d'elDiario.es.

Les mateixes fonts afegeixen: “Les dades d'impacte es publicaran juntament amb el decret. Com ocorre amb tots els projectes estratègics, l'entitat beneficiària haurà d'acreditar mitjançant factures abonades l'impacte econòmic per a poder rebre la subvenció”.

Segons la Conselleria, el pressupost de la Generalitat, en tindre rang de llei, obliga el Consell al seu compliment i tant la seua elaboració com la seua aprovació han sigut “totalment respectuoses amb les normes de transparència i publicitat”.

“Una vegada aprovat el pressupost, el procediment de concessió de l'ajuda, mitjançant decret del Consell, se sotmés a un rigorós procés administratiu que garanteix, a més de la transparència, tots els informes jurídics i econòmics favorables, tant de l'Advocacia com de Pressupostos i Intervenció. Les xifres d'impacte també seran públiques en el moment de l'aprovació del decret”, apunten.

Per a rebre els diners, l'empresa haurà d'acreditar l'impacte econòmic promés a la Comunitat Valenciana mitjançant “una auditoria específica en la qual haurà d'aportar tota la documentació, incloses les factures abonades”. Segons les mateixes fonts, aquest impacte “està garantit tant en ocupació com en proveïdors” i quedarà “absolutament fiscalitzat”.

Preocupació per un possible conflicte amb les normes europees de competència

En el sector audiovisual ha emergit una preocupació de fons: que algun competidor denuncie aquestes ajudes davant les autoritats europees de competència, com va ocórrer el 2010 amb una denúncia impulsada per un estudi britànic i que va acabar anys després amb el tancament de la Ciutat de la Llum.

La justícia europea va obligar la Generalitat a retornar 265 milions d'euros en ajudes públiques i no va ser fins al 2022 quan es va alçar la sanció, després de les negociacions impulsades per l'expresident Ximo Puig i el Govern d'Espanya.

En un comunicat conjunt, les associacions de productores audiovisuals de la Comunitat Valenciana van recordar que aquella sanció de la UE per ajudes d'Estat il·legals “va provocar un enorme perjudici per a tota la indústria audiovisual espanyola i valenciana, truncant el desenvolupament d'una infraestructura cridada a convertir-se en un dels grans motors audiovisuals d'Europa”.

“Per això, resulta inevitable preguntar-se qui garanteix hui que determinades decisions no tornen a posar en risc el futur de la Ciutat de la Llum i de tot l'ecosistema audiovisual construït al seu voltant”, van denunciar.

Davant aquestes sospites, fonts de la Conselleria d'Economia sostenen que no preveuen un escenari similar al que va motivar el tancament dels estudis. “No té res a veure”, asseguren. Segons les mateixes fonts, “l'ajuda com a projecte estratègic compta amb tots els informes favorables”.

En el sector, tanmateix, persisteixen els dubtes. “Donen l'ajuda perquè treballen a la Ciutat de la Llum i el problema és que l'activitat en aquests estudis és molt baixa i els números no ixen. Injectar diners perquè passen de roig a negre ens situa una altra vegada en l'escenari del 2012. I això fa por. Ningú vol que tanquen la Ciutat de la Llum”, argumenta un conegut productor valencià.

Només 6,7 milions per a tot el sector audiovisual valencià

El sector audiovisual valencià també ha criticat l'elevat import destinat a la superproducció de Disney. “Resulta significatiu destinar una inversió directa de cinc milions d'euros a una empresa recentment traslladada a Alacant per a un únic rodatge quan a penes es consignen 6,7 milions per a tota la producció audiovisual valenciana”, van denunciar les associacions en un comunicat.

“Són 6,7 milions d'euros que impliquen desenes d'empreses valencianes i que obliguen a reinvertir un mínim del 150 % d'aquests diners en companyies i personal valencià. Parlem de produccions que es perllonguen durant tres anys i que han aconseguit èxits tant en festivals com la Berlinale, Canes o Sant Sebastià com pel que fa al nombre d'espectadors arreu del món. Una repercussió i una projecció reals de la imatge de la Comunitat Valenciana d'un valor incalculable”, van reivindicar.

La productora de Disney, que no ha respost a les telefonades ni a les preguntes enviades per correu electrònic dimarts passat per elDiario.es, ja està treballant als platons d'Alacant des de fa quatre mesos. Mentrestant, el procés administratiu per a injectar l'ajuda de cinc milions segueix el seu curs, encara que no hi haurà diners disponibles fins que s'aproven els pressupostos, que ja tenen el sí del PP i Vox.

El 27 de marzo de 2026, el presidente de la Generalitat, Juanfran Pérez Llorca, anunció que Disney grabaría en los estudios de la Ciudad de la Luz, en Alicante, la superproducción cinematográfica Enredados, la versión de carne y hueso del gran éxito de animación con el que la multinacional del entretenimiento ingresó más de 650 millones de euros en 2010.

Sin embargo, 23 días antes del anuncio del jefe del Consell, el 4 de marzo, Sol Films 2026 SLU —filial de Anima Stilking Films SL y productora encargada del filme— ya había trasladado su sede social de Málaga a Alicante. Semanas antes de ese movimiento administrativo clave, decenas de trabajadores de la compañía ya operaban en las instalaciones de la Generalitat preparando decorados a la espera de la llegada de los actores.

El anuncio de Pérez Llorca apenas había despertado expectación en el sector audiovisual y llegó cuando la productora ya llevaba cerca de un mes y medio trabajando en la Ciudad de la Luz. No fue hasta la presentación de los presupuestos de 2026, el pasado viernes 29 de mayo, cuando se hizo público el coste que supondrá para las arcas públicas la película dirigida por Michael Gracey: cinco millones de euros consignados en la sección de Gastos Diversos y articulados como Proyecto Estratégico de la Vicepresidencia Segunda y Conselleria de Presidencia de la Generalitat Valenciana.

“Es una ayuda como las que se da a Ford, PowerCo (Volkswagen) o Stadler”, explican fuentes de la Conselleria de Economía. Estas tres multinacionales reciben ayudas públicas de la Generalitat para sus respectivas factorías de automóviles, baterías y trenes.

El anuncio de esta inyección de cinco millones de euros a la productora malagueña —ahora con sede en Alicante— ha generado malestar en el sector audiovisual valenciano, que no se siente ni involucrado ni beneficiario del proyecto. Además, la escasa información disponible hasta ahora sobre la llegada de la producción de Disney a la Ciudad de la Luz ha alimentado algunos bulos que desde la Generalitat han tratado de desmentir, entre ellos, que la película solo iba a rodarse durante cinco días en Alicante.

La realidad es que los rodajes comenzaron en abril y que ya hay cientos de personas trabajando en la Ciudad de la Luz, según explican desde la Conselleria de Economía y trabajadores consultados por elDiario.es. El rodaje se prolongará entre ocho y diez meses, según la versión ofrecida por Pérez Llorca y otras fuentes conocedoras de la producción.

Aunque el grueso de las grabaciones se realizará en los estudios de cine de la Generalitat, también está previsto rodar escenas en distintos puntos de la Comunitat Valenciana, así como en Burgos, Girona, Tarragona y Álava. Entre los nombres previstos figuran la pareja protagonista formada por Teagan Croft (Titanes) y Milo Manheim (Zombies), además de intérpretes conocidos como Kathryn Hahn (The Studio) y Diego Luna (Y tu mamá también).

El debate sobre los cinco millones

La controversia sobre la ayuda pública radica en cómo se articulará y bajo qué concepto se abonará.

“La ayuda a Disney como proyecto estratégico se está tramitando como absolutamente todos los proyectos estratégicos de la Comunitat Valenciana. Se publicará en el Diario Oficial de la Generalitat Valenciana un decreto con todos los informes preceptivos que justifican la subvención nominativa”, argumentan desde la Conselleria de Economía a preguntas de elDiario.es.

Las mismas fuentes añaden: “Los datos de impacto se publicarán junto con el decreto. Como ocurre con todos los proyectos estratégicos, la entidad beneficiaria tendrá que acreditar mediante facturas pagadas el impacto económico para poder recibir la subvención”.

Según la Conselleria, el presupuesto de la Generalitat, al tener rango de ley, obliga al Consell a su cumplimiento y tanto su elaboración como su aprobación han sido “totalmente respetuosas con las normas de transparencia y publicidad”.

“Una vez aprobado el presupuesto, el procedimiento de concesión de la ayuda, mediante decreto del Consell, sigue un riguroso proceso administrativo que garantiza, además de la transparencia, todos los informes jurídicos y económicos favorables, tanto de la Abogacía como de Presupuestos e Intervención. Las cifras de impacto también serán públicas en el momento de aprobación del decreto”, apuntan.

Para recibir el dinero, la empresa tendrá que acreditar el impacto económico prometido en la Comunitat Valenciana mediante “una auditoría específica en la que deberá aportar toda la documentación, incluidas las facturas abonadas”. Según las mismas fuentes, ese impacto “está garantizado tanto en empleo como en proveedores” y quedará “absolutamente fiscalizado”.

Preocupación por un posible conflicto con las normas europeas de competencia

En el sector audiovisual ha emergido una preocupación de fondo: que algún competidor denuncie estas ayudas ante las autoridades de competencia europeas, como ocurrió en 2010 con una denuncia impulsada por un estudio británico y que acabó años después con el cierre de la Ciudad de la Luz.

La justicia europea obligó a la Generalitat a devolver 265 millones de euros en ayudas públicas y no fue hasta 2022 cuando se levantó el castigo, tras las negociaciones impulsadas por el expresidente Ximo Puig y el Gobierno de España.

En un comunicado conjunto, las asociaciones de productoras audiovisuales de la Comunitat Valenciana recordaron que aquella sanción de la UE por ayudas de Estado ilegales “provocó un enorme perjuicio para toda la industria audiovisual española y valenciana, truncando el desarrollo de una infraestructura llamada a convertirse en uno de los grandes motores audiovisuales de Europa”.

“Por ello, resulta inevitable preguntarse quién garantiza hoy que determinadas decisiones no vuelvan a poner en riesgo el futuro de Ciudad de la Luz y de todo el ecosistema audiovisual construido a su alrededor”, denunciaron.

Ante estas sospechas, fuentes de la Conselleria de Economía sostienen que no contemplan un escenario similar al que motivó el cierre de los estudios. “No tiene nada que ver”, aseguran. Según las mismas fuentes, “la ayuda como proyecto estratégico cuenta con todos los informes favorables”.

En el sector, sin embargo, persisten las dudas. “Dan la ayuda para que trabajen en la Ciudad de la Luz y el problema es que la actividad en esos estudios es muy baja y los números no salen. Inyectar dinero para que pasen de rojo a negro nos sitúa otra vez en el escenario de 2012. Y eso da miedo. Nadie quiere que cierren la Ciudad de la Luz”, argumenta un conocido productor valenciano.

Solo 6,7 millones para todo el sector audiovisual valenciano

El sector audiovisual valenciano también ha criticado el elevado importe destinado a la superproducción de Disney.

“Resulta significativo destinar una inversión directa de cinco millones de euros a una empresa recién trasladada a Alicante para un único rodaje cuando apenas se consignan 6,7 millones para toda la producción audiovisual valenciana”, denunciaron las asociaciones en un comunicado.

“Son 6,7 millones de euros que implican a decenas de empresas valencianas y que obligan a reinvertir un mínimo del 150% de ese dinero en compañías y personal valenciano. Hablamos de producciones que se prolongan durante tres años y que han logrado éxitos tanto en festivales como la Berlinale, Cannes o San Sebastián como en número de espectadores en todo el mundo. Una repercusión y una proyección real de la imagen de la Comunitat Valenciana de un valor incalculable”, reivindicaron.

La productora de Disney, que no ha respondido a las llamadas y las preguntas por correo electrónico enviadas el pasado martes por elDiario.es, ya está trabajando en los platós de Alicante desde hace cuatro meses. Mientras tanto, el proceso administrativo para inyectar la ayuda de cinco millones sigue su curso, aunque no habrá dinero disponible hasta que se aprueben los presupuestos, que ya tienen el sí de PP y Vox.

La habitual tranquilidad de un martes por la mañana en los pasajes comerciales de Logroño se ha visto interrumpida por un rodaje de cine. Una señora que quería salir de la peluquería del pasaje de la calle Miguel Villanueva ha tenido que esperar a escuchar el “¡Corten!” y otra mujer que iba a comprar esta mañana en la Mercería Ami se ha encontrado que su mercería de confianza era uno de los escenarios de la película 'El futuro testamento', que estos días rueda el riojano Velasco Broca en Logroño, con Ariadna Gil, Mireia Oriol y Alex Brendemühl en el reparto.

Muchos han sido los viandantes que se han sorprendido al ver los camiones de vestuario, focos y cámaras que indicaban que algo pasaba en el centro de Logroño y han querido quedarse para intentar ver un rodaje en primera persona mientras preguntaban si había algún actor famoso en la sesión. Alex Brendemühl, que protagoniza la película interpretando a un cantautor retirado, rodaba este martes las tomas en la mercería, regentada por el personaje de Juani Ruiz, una actriz habitual en las producciones de Los Javis.

La película se ha rodado en otras localizaciones de Logroño, como la torre de La Redonda, también en una cercana bodega en Páganos, en La Rioja Alavesa. Precisamente, una de las productoras de la cinta, Piluca Baquero ha indicado que, además de contar con un director logroñés, “el germen del proyecto se ha gestado en Logroño”. Como ha señalado otro de los productores, Cormac Regan, otras localizaciones de rodaje han sido en Madrid, en 'La fábrica de chapas', “que es una localización clásica de allí”, el Palacio de Comillas, en una forja en Muskiz, el castillo de Butrón o en Italia son otros lugares donde se va a desarrollar el rodaje, que ahora “tras las dos semanas y media iniciales, se reanudará durante cinco semanas en septiembre, octubre y cerramos en enero del año que viene”. Está previsto que la película 'El futuro testamento' se estrene en septiembre de 2027.

La película nace de una ausencia muy concreta. Un estribillo parece algo pequeño, pero puede contener una vida entera

Velasco Broca — Director de 'El futuro testamento'

El actor protagonista, Álex Brendemühl, ha avanzado que “interpreta a un cantautor retirado, compositor, que regresa a la discográfica porque le avisan de que han desaparecido los estribillos de las canciones; y a partir de ahí, empieza toda una búsqueda, una investigación casi policíaca en la que va detrás de ese estribillo y eso le lleva a descubrir mundos sorprendentes”. El intérprete 'Creatura' o la serie 'Reina Roja' ha recordado que habló con Broca “hace más de 15 años” sobre esta película sobre este personaje, pero no sabía si iba a rodarse, “pero ha tardado en hacerse realidad y aquí estamos”.

“Para mí el universo de César Velasco Broca es un cine muy sorprendente, muy divertido, muy creativo, muy inspirador y hacía mucho que me apetecía trabajar con él”, ha añadido. Brendemühl cree que el riojano ha podido ver en él para el protagonista que “tiene algo en la mirada reservada como misterioso, con una cierta confusión, con una cierta curiosidad de como mira el mundo; y creo que me vio en otros proyectos y creyó que era el actor ideal para este personaje”. “Es una película profundamente espiritual, también muy artística, muy libre, con una estética muy sorprendente, que se nutre de otras épocas y que es una película que va a llamar la atención, seguro”, ha definido el actor entre toma y toma.

También el director de la película ha ofrecido declaraciones a la prensa en el rodaje de su primer largometraje después de cortos como 'Nuestra amiga la Luna' o 'Alegrías Riojanas'. “Cada corto que íbamos haciendo se iba extendiendo un poco más; empecé con algo de 7 minutos, después se fue a 12, 15, 24, 28 minutos y parecía como un salto natural, una evolución natural, realizar algún largometraje”, ha explicado. Ha confirmado que esta idea la fraguó hace unos 17 años pero ha tenido que esperar hasta ahora por la financiación.

Velasco Broca ha explicado que la película “nace de una ausencia muy concreta. Un estribillo parece algo pequeño, pero puede contener una vida entera: una época, una identidad, un amor, una forma de ser recordado”. Para el cineasta, “lo fantástico no funciona aquí como adorno, sino como una forma de llegar a zonas emocionales que una narración convencional no alcanzaría del mismo modo”. El director también ha contado que la película esta inspirada en un cantautor valenciano, aunque ha preferido no señalarlo por temas de derechos de autor. Igualmente, ha avanzado que la música será una parte fundamental de la película con “una banda sonora original que serán variaciones de canciones italianas de los años 70”.

Velasco Broca ha estado acompañado en el rodaje en el pasaje junto al Espolón del consejero de Cultura, José Luis Pérez Pastor, quien ha desvelado que la película cuenta con un patrocinio de publicidad por parte de La Rioja 360 de 40.000 euros“. Pérez Pastor ha destacado Logroño como escenario de cine: ”Estamos a una calle escasa de donde se rodó calle Mayor, a unos muy pocos metros de donde se rodó una escena de El Sur, de Víctor Erice, hay unas producciones que vinieron antes y esperemos que vengan más. Pérez Pastor ha dicho estar además “ante una película de un realizador muy singular, que no va a dejar a nadie impávido, que viene avalada por una larga trayectoria de premios y reconocimientos en los mejores festivales del mundo”.

Sinopsis de 'El Futuro Testamento'

Apenas dos semanas después del 23-F, el estribillo de una popular canción desaparece misteriosamente del máster original y de todas las copias vendidas del disco. Al poco tiempo, Joan Baptista Ulled-su compositor e intérprete- recibe una invitación en forma de postal instándole a acudir a un castillo, lejano en el tiempo y en el espacio, para recuperarlo.

Allí se encontrará con Propatus, un nigromante y alquimista del siglo XVIII enredado en asuntos turbios con las altas esferas de la jerarquía infernal. Lo que comienza como la búsqueda de una melodía perdida se transforma en un viaje desesperado a través del espacio-tiempo, de la España de los años 80 a un Marte colonial, pasando por una Italia decimonónica de tintes esotéricos.

La propuesta visual de 'El Futuro Testamento' tendrá un papel central en la identidad de la película: rodada en 35mm, con textura analógica, efectos físicos, diseño conceptual e iconografía gótica y retrofuturista, la película propone una construcción artesanal que busca fabricar un mundo físico, táctil, reconocible y misterioso.

La película es una coproducción internacional encabezada por Lanzadera Films -donde se incluye también a la riojana 'Anafilaxis'- en coproducción con Limbus Filmak, Visualsuspects, Espurna Films y EFD Studios (conformando la parte española) Homeless Bob Production (Estonia) y Hive Division (Italia). Además, cuenta con el apoyo de EITB, La Rioja 360, el Gobierno Vasco, el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), el Estonian Film Institute y Filmin será la encargada de su emisión en España.

Su dimensión internacional atraviesa tanto la producción como el imaginario de la película: un proyecto concebido con vocación de circulación internacional y con un recorrido natural en festivales de cine de autor y fantástico.

'El Futuro Testamento' cuenta con Piluca Baquero como productora ejecutiva y con Cormac Regan, Iban del Campo, Aram Garriga, Sergio Adria, Giacomo Talamini, Katrin Kissa y Georgina Terán como productores. El guion está escrito por Bárbara Mingo, Hugo Castignani y Juanjo Ramírez Mascaró.

El equipo técnico está compuesto por Mart Taniel (November) como director de fotografía. El diseño de producción corre a cargo de Jaime Anduiza (Lo imposible), Estupenda Jones (Upiro) firma el vestuario y los efectos son de Barbatos FX. El sonido directo es de Luca Rullo, y el montaje de María Sangalli. La música original está compuesta por Aránzazu Calleja (Maspalomas, Irati) y el casting corre a cargo de Ana Lambarri.

El 7 de diciembre de 1941, Japón atacó la base naval estadounidense de Pearl Harbor, forzando la entrada de Estados Unidos en el conflicto de la Segunda Guerra Mundial. Casi simultáneamente, las fuerzas japonesas también invadieron y tomaron el control total de los asentamientos internacionales que había en Shanghái.

Este episodio de la historia conmocionó especialmente a J. G. Ballard, que entonces era un niño de once años que vivía con sus padres en Shanghái. Con el tiempo, Ballard se convirtió en un reconocido autor de ciencia ficción y, en 1984, publicó uno de sus libros más conocidos: El imperio del sol. “En su mayor parte, esta novela se funda en acontecimientos que observé durante la ocupación japonesa de Shanghái y en el campo de prisioneros de Lunghua”, explicó el escritor en una nota al principio de la novela. 

El libro, que tenía un tono claramente autobiográfico, pronto llamó la atención de Warner Bros., que adquirió los derechos con la intención de hacer una película. La historia se convirtió en un guion cinematográfico a manos de Tom Stoppard, mientras que la dirección del filme recayó finalmente en Steven Spielberg, fascinado desde pequeño por la II Guerra Mundial y la aviación de la época. 

La película se rodó en los Elstree Studios de Inglaterra y en algunas locaciones de Shanghái, pero lo que muchos no saben es que Spielberg y los suyos también viajaron hasta España, concretamente hasta Trebujena, pueblo de la provincia de Cádiz, para rodar algunas escenas de este largometraje de ciencia ficción.

El rodaje en la localidad gaditana

Se dice que Spielberg buscaba la puesta de sol perfecta que serviría del telón de fondo para uno de los escenarios principales de la historia: el campo de prisioneros japonés al que James Graham, el niño protagonista, es enviado una vez lo separan de sus padres tras la invasión japonesa de Shanghái. Así fue cómo el cineasta llegó hasta Trebujena.

En la primavera de 1987, el equipo de Warner Bros. desembarcó en Cádiz para instalarse en la finca “Alvantus”, en las marismas del Guadalquivir. Allí, Spielberg levantó una estación de tren, un aeropuerto, un estadio olímpico y un campo de concentración japonés con un hospital incluido. Durante seis semanas, Trebujena se llenó de cientos de técnicos de Hollywood. 

Más de 4.000 niños hicieron el casting para protagonizar la película, pero fue el joven Christian Bale quien acabó consiguiendo el puesto. Además, el largometraje contó con la participación de cientos de extras de Trebujena y otras localidades de alrededor, a los que Spielberg quiso recompensar después. El imperio del sol tuvo su preestreno mundial, exclusivo para los extras, en un cine de Jerez.

Durante los meses de julio y agosto de 1966, algunas partes de España se convirtieron en escenario de película. El director italiano Sergio Leone y todo su equipo viajó hasta nuestro país para rodar algunas de las escenas más importantes de El bueno, el feo y el malo (1966), un largometraje que se acabó convirtiendo en unos de los grandes iconos del género del spaghetti western. 

La primera parada fue Andalucía. El Desierto de Tabernas, ubicado en la provincia de Almería, sirvió como telón de fondo para numerosas escenas al aire libre. La película protagonizada por Clint Eastwood estaba ambientada en el Oeste americano, así que este paisaje árido les permitió rodar varias travesías por el desierto durante las primeras semanas del verano.  

El equipo de la película también se trasladó hasta el Cortijo del Fraile en Níjar, en la misma provincia andaluza, que sirvió para rodar los exteriores de la Misión de San Antonio, un convento religioso convertido en hospital militar lleno de heridos y donde el personaje de Tuco (Eli Wallach) lleva a curar las heridas a El Rubio (Eastwood) tras cruzar el desierto.

De Andalucía al interior

Después de su viaje por Andalucía, Leone y los suyos viajaron hasta la provincia de Burgos, donde tuvo lugar la segunda parte del rodaje. 

Por ejemplo, en el Valle de Arlanza, ubicado a casi 4 kilómetros de Hortigüela, se rodó la batalla del puente de Langstone, la más cara y espectacular de la película. Contó con más de 2000 extras, mientras que la mítica escena del puente volando por los aires tuvo que grabarse hasta tres veces.

El mítico cementerio donde tiene lugar el duelo final se rodó en el Valle de Mirandilla, uno de los más impresionantes de la provincia, ubicado entre las localidades de Contreras y Santo Domingo de Silos. El set, para el que se fabricaron unas 6.000 tumbas, se construyó en apenas unos días gracias a la ayuda de cientos de soldados del ejército español.

Las escenas de la Misión de San Antonio, cuyos exteriores se rodaron en la provincia de Almería, también tuvieron sello de Burgos. La escena en la que se ve a los personajes de Wallach y Eastwood en el interior del convento se rodó en las ruinas del histórico Monasterio de San Pedro de Arlanza, en la localidad burgalesa de Hortigüela.

Aunque todos los exteriores y decorados a gran escala se construyeron y filmaron en España, el rodaje de El bueno, el feo y el malo también tuvo su momento en Italia. Casi todas las escenas en las que los personajes aparecían en interior se rodaron en los emblemáticos estudios de cine italianos Cinecittà, ubicados en la ciudad de Roma.

La ciudad de Manresa se ha consolidado como un gran plató de cine, series o publicidad gracias a su impresionante versatilidad para transformarse en cualquier escenario imaginable. Se trata de una localidad que ofrece una riqueza histórica que atrae a las producciones más ambiciosas del panorama audiovisual actual. De hecho, desde el año 2011, la Manresa Film Office trabaja incansablemente para facilitar los rodajes y atraer proyectos que han dejado un impacto económico millonario, para que la capital del Bages luzca sus mejores galas ante las cámaras del mundo. El crecimiento ha sido exponencial, pasando de apenas seis producciones anuales a batir récords constantes de actividad cinematográfica en sus calles.

La autenticidad de sus rincones permite que la ciudad interprete a otras localidades con una facilidad que muy pocos lugares pueden igualar hoy. Así, el patrimonio local se convierte en un activo económico que dinamiza la hostelería, los servicios y el empleo de todos los manresanos. Este viaje por los escenarios de la ciudad nos revela por qué los directores se enamoran de esta joya barcelonesa, un idilio de la ciudad con el cine que comenzó oficialmente en 1961, cuando el genio Luis García Berlanga eligió sus calles para rodar Plácido. Esta obra maestra del cine español, una sátira mordaz sobre la hipocresía social, convirtió a Manresa en una ciudad de provincias de la época. Localizaciones como la plaza de Sant Domènec, la calle del Born y el Casino de Manresa son perfectamente identificables en el metraje. 

El rodaje fue un acontecimiento histórico para los vecinos, quienes participaron masivamente como extras y figurantes cobrando apenas unas pesetas. Incluso la banda municipal tuvo su protagonismo en una producción que acabaría siendo nominada al Oscar de la Academia. El famoso motocarro de la película, símbolo de la España del desarrollismo, recorrió las angostas vías del centro histórico bajo la atenta mirada del director. Berlanga buscaba un realismo que solo esta localidad supo ofrecerle, marcando el inicio de una tradición fílmica que aún perdura. La película no solo triunfó en las salas, sino que dejó una huella imborrable en la memoria colectiva de los ciudadanos. Hoy en día, recorrer estos mismos escenarios permite revivir la grisura y la ironía que el genial director plasmó con su cámara.

Décadas después de Berlanga, el recordado Agustí Villaronga regresó al casco antiguo para dotar de alma a su premiada película Pa negre. La arquitectura tradicional de la plaza Major y el entorno de la calle del Born sirvieron para retratar la dura posguerra catalana. El aire medieval de Manresa es un imán para dramas históricos, como demuestra el uso del Carrer del Balç para ambientar la serie La catedral del mar. Este callejón del siglo XIV funciona como un túnel del tiempo que transporta al espectador directamente a la Barcelona de la Edad Media. Incluso producciones internacionales de la talla de El Perfume: Historia de un asesino aprovecharon la majestuosidad de La Seu para sus interiores góticos. La Basílica de Santa María ofrece una atmósfera de introspección que muy pocos platós construidos pueden replicar. No son solo las piedras, sino la luz y la textura de estos espacios lo que atrae a los directores más detallistas. 

La proyección internacional alcanzó uno de sus puntos álgidos con la llegada de la estrella de Hollywood Liam Neeson para el rodaje de Marlowe. Bajo las órdenes de Neil Jordan, la ciudad se transformó por unos días en los vibrantes Los Ángeles de principios del siglo XX. El mítico restaurante Miami, situado en la calle Jaume I, fue reconvertido en una licorería clásica rodeada de coches de época y figurantes. La presencia de Neeson, interpretando al detective Philip Marlowe, generó una expectación sin precedentes entre los vecinos que colapsaron las zonas aledañas. Este rodaje no solo trajo prestigio, sino que demostró la capacidad logística de la ciudad para albergar grandes producciones de alto presupuesto. Los cortes de tráfico y las modificaciones en el transporte público fueron aceptados con entusiasmo por una ciudadanía orgullosa de su faceta artística. 

No solo de largometrajes vive la ciudad, pues la música también ha encontrado en Manresa un aliado visual inigualable, destacando el fenómeno de Shakira. El videoclip de su tema Monotonía, grabado junto a Ozuna, se ha convertido en la producción de mayor impacto mediático en la historia local. Con más de 352 millones de visualizaciones, las imágenes del rodaje en el centro urbano dieron la vuelta al planeta en apenas unos días. La expectación fue máxima y puso de manifiesto que Manresa es capaz de atraer a las mayores celebridades del pop actual. Pero no es un caso aislado, ya que marcas de lujo han elegido el nuevo Museu del Barroc para sus campañas publicitarias. El sector de la publicidad y los videoclips reporta beneficios constantes y rápidos. 

Espacios como el Parc de l’Agulla también han servido para secuencias juveniles en series como Merlí: Sapere Aude o espots de televisión. Esta diversidad de formatos asegura que la ciudad esté siempre en activo, independientemente de los ciclos de las grandes productoras de cine. Cada rincón, desde un embalse hasta un museo, tiene el potencial de convertirse en el próximo éxito viral de las redes sociales. La consolidación definitiva como plató de referencia llegó de la mano de Netflix y su exitosa serie criminal titulada Hache. Durante dos temporadas, la producción transformó diversos puntos de la ciudad en el barrio chino barcelonés de los turbulentos años sesenta. El carrer de Sobrerroca y el Passeig Pere III fueron testigos de persecuciones e intrigas protagonizadas por Adriana Ugarte y Eduardo Noriega. El retorno económico de esta producción se estimó en más de un millón de euros, revitalizando el sector servicios y la ocupación. 

Patrimonio fabril

Este éxito atrajo a otros proyectos de la plataforma, como El inocente o ¿Quién es Erin Carter?, rodados en zonas contemporáneas. El “efecto Netflix” ha sido el motor que ha disparado las cifras de rodajes, situando a la ciudad en el mapa global. La arquitectura industrial de la ciudad es otro de sus grandes tesoros, con espacios como L’Anònima actuando como centros neurálgicos de producción. Este edificio del siglo XIX no solo sirve como escenario, sino que funciona como campo base para equipos de cientos de personas. Su estética industrial academicista ha sido clave en cintas como Las leyes de la frontera de Daniel Monzón o videoclips de Gossos. Otro ejemplo destacado es la antigua planta de Pirelli, cuyos doce mil metros cuadrados ofrecen posibilidades infinitas para ambientes underground. 

La versatilidad de estos recintos permite recrear desde oficinas portuarias hasta refugios antiaéreos o escenarios post-apocalípticos como en Bird Box Barcelona. Lugares que parecen detenidos en el tiempo cobran vida nueva gracias a la magia del celuloide y el trabajo de los localizadores. El patrimonio fabril de Manresa es un recurso inagotable que dota de una textura única a cada fotograma capturado en su interior. Es esta mezcla de historia y funcionalidad lo que convierte a la ciudad en un destino preferente para los directores de arte.

En total, entre los años 2017 y 2025, los rodajes han dejado en las arcas y negocios de Manresa más de cinco millones de euros. Cerca de 300 producciones han pasado por sus calles, consolidando un modelo de turismo cinematográfico que no para de crecer. Películas como 7 raons per fugir, dirigida por directores locales, incluso han donado sus premios a la ciudad en señal de agradecimiento. La apuesta municipal por habilitar nuevos platós en lugares como el Palau Firal augura un futuro todavía más brillante para el sector. Manresa ya no es solo una ciudad con historia, sino un escenario vivo donde la ficción y la realidad se entrelazan de forma armoniosa.

Somiedo tenía todos los ingredientes para atraer al turismo por sí solo, pero si a sus excelentes condiciones naturales, paisajísticas y patrimoniales se le suma el respaldo de Hollywood ya llega al culmen del estrellato. Y esa ayuda extra le ha llegado a través del sector cinematográfico con 'Amanecer en la cosecha' ('Sunrise on the Reaping'), la nueva película de 'Los juegos del hambre' ('The Hunger Games') cuyo rodaje, el pasado año, ha sido un apoyo fundamental para convertirse en el primer concejo asturiano que se integra en la Red de Pueblos de Película.

La noticia de que se iba a rodar en Asturias fue acogida por los seguidores de la saga de Suzanne Collins con gran expectación y los días de rodaje se llenaron de cinéfilos, lectores y curiosos deseosos de ver a sus protagonistas grabando sobre el terreno.

Una gran expectación

A continuación, reproducimos uno de los numerosos post que anunciaron el inicio del rodaje en las redes sociales, entre otras en X.

Para ver hasta qué punto había un gran interés por conocer los entresijos del rodaje hay que recurrir a los datos de la hemeroteca, que constataba que la trilogía de 'Los Juegos del Hambre' fue un fenómeno editorial que cautivó a millones de adolescentes de todo el mundo en el momento de su llegada a las librerías entre 2008 y 2010, según explicaba Laura Cuesta en elDiario.es en noviembre de 2025.

Más de cien millones de copias

Las novelas de Collins arrasaron en ventas, con más de 100 millones de copias vendidas, y aguantaron casi cinco años consecutivos en la lista de bestsellers de The New York Times. 

La película todavía no se ha estrenado en los cines y ya ha traído un premio para Somiedo al incluirla en esta red que promueve el turismo audiovisual como herramienta de desarrollo local, dinamización territorial y proyección de los municipios vinculados al cine, la televisión y otras producciones audiovisuales.

Los incendios en el suroccidente

El equipo de filmación de la superproducción internacional de 'Los juegos del Hambre' desembarcó el 25 de julio del año pasado en el suroccidente asturiano para la grabación de su última entrega.

Para el rodaje eligieron como localizaciones los parques naturales de Somiedo y Teverga. Más de 450 personas se movilizaron para la realización de este proyecto cinematográfico. Sin embargo, se encontraron con un contratiempo de última hora. La zona se vio afectada por los incendios forestales que ese verano asolaron al suroccidente. No obstante, la grabación se pudo reanudar apenas 24 horas después, una vez controlados.

Un patrimonio de película

La llegada de Somiedo a la Red de Pueblos de Película se enmarca en el convenio de colaboración suscrito por ésta con la Asociación de Alojamientos Rurales de Asturias (ARCA), una entidad clave en la promoción del turismo rural asturiano.

Esta alianza busca ampliar la presencia de la Red en el territorio, sumando a aquellos municipios asturianos que posean un patrimonio fílmico demostrable y quieran apostar por una innovadora estrategia de promoción turística.

Elogios no le faltan: “Enclavado en plena Cordillera Cantábrica, Somiedo reúne unas condiciones naturales, paisajísticas y patrimoniales excepcionales que lo convierten en un territorio con un gran potencial cinematográfico. Su Parque Natural, declarado Reserva de la Biosfera por la UNESCO en el año 2000, destaca por sus valles, lagos, brañas y paisajes de alta montaña, así como por su fuerte identidad rural y medioambiental”, aseguran desde la Red.

Somiedo, en el mapa cinematográfico

En los últimos meses, Somiedo ha reforzado su proyección audiovisual tras acoger parte del rodaje de 'Los Juegos del Hambre: Amanecer en la cosecha' y esta vinculación con un gran producción cinematográfica sitúa al concejo en el mapa de los destinos con capacidad para atraer rodajes y despertar el interés de nuevos visitantes a través de la pantalla.

La adhesión a la Red de Pueblos de Película supone un paso estratégico en la apuesta del municipio por un modelo de turismo vinculado a la cultura, el patrimonio y la industria audiovisual. Esta iniciativa busca diversificar la economía local, generar nuevas oportunidades y reforzar la identidad de los territorios, siempre desde el respeto a su esencia y autenticidad.

Turismo de pantalla

En el caso de Asturias, la colaboración con ARCA permite establecer sinergias a través de las oportunidades que genera el turismo de pantalla en el mundo rural. De este modo, la incorporación de Somiedo abre una nueva vía para conectar producciones, visitantes, municipios y empresas rurales en torno a un modelo turístico sostenible y ligado al territorio.

En este contexto, el potencial del turismo de pantalla como motor de desarrollo queda reflejado en los datos del Observatorio de Turismo de Pantalla, que señala que un 65% de los potenciales turistas españoles ha descubierto algún municipio gracias a una producción audiovisual, y que, de ellos, un 27% lo ha visitado y un 26% planea hacerlo en el futuro.

“Estas cifras evidencian la capacidad del audiovisual para generar notoriedad, atraer visitantes y convertir el interés en impacto real sobre el territorio”, subrayan.

Somiedo representa muy bien el espíritu de esta iniciativa: pueblos con paisajes únicos, historias propias y un enorme potencial para conectar con nuevos públicos a través de la pantalla

Ana Alonso — Presidenta de Red de Pueblos de Película

Identidad natural y cultural

La presidenta de la Red de Pueblos de Película es Ana Alonso. Resalta que la incorporación de Somiedo supone un paso muy importante porque les permite llegar por primera vez a Asturias y suma un territorio con una identidad natural y cultural extraordinaria.

“Somiedo representa muy bien el espíritu de esta iniciativa: pueblos con paisajes únicos, historias propias y un enorme potencial para conectar con nuevos públicos a través de la pantalla”, comenta la presidenta.

El alcalde de Somiedo, Belarmino Fernández Fervienza, resalta también la importancia de la incorporación del concejo a la Red de Pueblos de Película: “Formar parte de la Red nos da alas para impulsar un tipo de turismo diferencial y seguir posicionándonos como una localización privilegiada para acoger todo tipo de rodajes”.

Formar parte de la Red de Pueblos de Película nos da alas para impulsar un tipo de turismo diferencial y seguir posicionándonos como una localización privilegiada para acoger todo tipo de rodajes

Belarmino Fernández Fervienza — Alcalde de Somiedo

Una Red en crecimiento

La Red de Pueblos de Película integra a localidades de diferentes puntos de España comprometidas con la puesta en valor de su patrimonio audiovisual y la atracción de producciones cinematográficas y televisivas.

Somiedo se suma así a destinos como Alfoz de Lloredo, Camaleño y Comillas y Santillana del Mar en Cantabria; Aýna (Albacete), Bielsa (Huesca), Cardona (Barcelona), Covarrubias (Burgos), El Rasillo de Cameros (La Rioja), Guadalix de la Sierra y Torrelaguna, en Madrid; Loarre (Huesca), Malpartida de Cáceres (Cáceres), Monachil (Granada), Pedraza (Segovia), Santo Domingo de Silos (Burgos), Tabernas (Almería) y Tossa de Mar (Girona). Todos ellos conforman un mapa diverso que apuesta por el turismo de pantalla como motor de desarrollo y dinamización territorial.

A finales de los años 60, al director Noel Marshall y a su entonces esposa Tippi Hedren se le ocurrió una idea para una película. Después de un viaje a Mozambique, donde presenciaron cómo una manada de leones invadía una granja debido al aumento de la caza furtiva en la zona, creyeron que hacer un largometraje centrado en el sufrimiento animal triunfaría.

Esa era la base, pero la idea de aquel proyecto fue evolucionando, hasta que el cineasta y la actriz llegaron a la conclusión de que querían contar la historia de una familia que viaja a África para reencontrarse con el padre, un naturalista que vive rodeado de leones, tigres, leopardos y otros grandes felinos en una reserva. La trama, en este caso, era lo de menos. 

El problema estaba en que para desarrollar aquella trama en la gran pantalla, Marshall y Hedren tomaron una decisión un tanto problemática: utilizar animales reales sin adiestrar. Como era de esperar, aquello no salió tan bien como esperaban y el rodaje de El gran rugido (1981) acabó pasando a la historia como uno de los más peligrosos del cine. 

Tigres, leones y decenas de heridos

A principios de los 70, el rancho privado de Marshall en Acton, California, se eligió como localización del rodaje. Allí convivió el cineasta y su familia junto a unos 130 animales, incluyendo leones, tigres, chitas y panteras con los que durmieron, comieron y compartieron espacio.

Como la idea había surgido de un viaje familiar, Marshall consideró que era apropiado que su esposa Hedren, la hija de ella (Melanie Griffith) y sus propios hijos, John y Jerry, fueran los encargados de protagonizar la película. Una idea de la que el director probablemente se arrepintió al poco tiempo de iniciar la grabación. 

Los problemas no tardaron en aparecer. Los felinos convivían con el equipo casi como si fueran animales domésticos, pero estos no estaban entrenados, por lo que seguían teniendo un comportamiento salvaje y bastante impredecible. De los 140 miembros del equipo que trabajó en la película, al menos 70 resultaron heridos después de ser atacados por estos animales.

Algunos de los peor parados fueron Marshal y su familia. El cineasta fue mordido en una mano por un león, y sufrió varias heridas en una pierna y el tórax. Por su parte, Hedren recibió un mordisco en la cabeza y fue arañada en el brazo. Melanie Griffith, que entonces tenía 19 años, estuvo cerca de perder un ojo después de ser atacada por una leona; necesitó cirugía y recibió aproximadamente 50 puntos en la cara.

La película se estrenó 11 años después de que Marshall y Hedren pensaran la idea, pero ni siquiera entonces mereció la pena aquel tortuoso rodaje. Esta fue una auténtica catástrofe en la taquilla, donde apenas recuperó una décima parte de su presupuesto.

El cementerio de Sad Hill representa uno de los hitos más sorprendentes de la historia del cine en España. Aunque muchos asocian el spaghetti western exclusivamente con los desiertos de Almería, este icónico paraje se ubica realmente en la provincia de Burgos. Fue en 1966 cuando el prestigioso director italiano Sergio Leone decidió trasladar su cámara a la comarca de Arlanza. El objetivo principal era rodar la tercera entrega de su famosa Trilogía del Dólar, protagonizada por un joven y carismático Clint Eastwood. Aquel rodaje transformó para siempre el tranquilo paisaje castellano en un rincón salvaje y polvoriento del Lejano Oeste. La película El bueno, el feo y el malo encontró en estas tierras su escenario más espectacular y recordado por la crítica. 

Hoy en día, este lugar se ha consolidado como un punto de peregrinaje ineludible para miles de cinéfilos internacionales. Sad Hill es el testimonio vivo de una época dorada para el cine que sigue resonando con gran fuerza. La escena final de la película, conocida popularmente como el “Triello”, constituye el clímax absoluto de esta producción. En ella, los tres personajes principales se baten en un duelo a tres bandas por un valioso botín oculto. Clint Eastwood, Eli Wallach y Lee Van Cleef se miran fijamente en una tensión que parece volverse eterna. El tesoro de 200.000 dólares se encuentra escondido bajo la tierra en una de las miles de tumbas del lugar. La búsqueda desesperada de los protagonistas se centra en la lápida del misterioso soldado llamado Arch Stanton. 

La inolvidable música de Ennio Morricone acompaña cada gesto, aumentando el ritmo de forma magistral y emocionante. Es un montaje de imágenes precisas que funciona con el ritmo de un videoclip cargado de simbolismo visual. Este enfrentamiento final se ha convertido en una de las secuencias más icónicas del cine. La construcción de este colosal decorado exterior fue una tarea titánica realizada por efectivos del ejército español. Unos 250 soldados trabajaron intensamente durante apenas tres días para levantar la estructura del cementerio circular. El diseño detallado corrió a cargo del escenógrafo Carlo Simi, quien buscaba crear una estructura visualmente monumental. 

De hecho, hay expertos que aseguran que Sergio Leone se inspiró directamente en el Coliseo de Roma para idear esta arena de duelo. El resultado fue un anfiteatro natural impresionante con más de 5.000 tumbas dispuestas en varios círculos concéntricos. La plaza central empedrada cuenta con un diámetro de treinta metros donde ocurre toda la acción dramática principal. Todo el conjunto exterior se extiende por unos 300 metros de diámetro en el valle de Mirandilla. Fue un despliegue técnico sin precedentes que permitió a Leone recrear su particular visión de Nuevo México.

Muchos visitantes se preguntan todavía por qué Leone eligió Burgos para ambientar una historia del Oeste. El responsable de las localizaciones buscaba un entorno natural que recordara fielmente a los paisajes de Arizona. El valle del Arlanza y sus formaciones de piedra caliza ofrecían la estética ruda y salvaje que el director buscaba. Para Leone, este rincón burgalés era el doble perfecto de los parajes lejanos de Santa Fe y el Río Grande. Además del cementerio, se utilizaron otros puntos cercanos como el histórico Monasterio de San Pedro de Arlanza. También se recreó una violenta batalla en un puente sobre el río Arlanza utilizando dinamita real de forma controlada. 

La provincia de Burgos acaparó de esta manera el mayor tiempo de localizaciones de toda la película grabada. Este desvío del desierto permitió una variedad visual única que enriqueció enormemente la cinematografía del filme. Tras el estruendo de los disparos ficticios y el final del rodaje, el silencio volvió a reinar en el valle. El cementerio de Sad Hill no fue recogido por la productora, sino que simplemente fue abandonado a su suerte. Durante casi cincuenta años, la vegetación silvestre y el paso del tiempo borraron casi todas las huellas de Eastwood. Las cruces de madera originales se pudrieron y el empedrado central quedó totalmente oculto bajo capas de tierra. El lugar pasó a ser una leyenda local conocida por muy pocos, una reliquia del cine olvidada por muchos. El paraje se convirtió en un camposanto fantasma donde solo habitaba el recuerdo lejano de una ficción mítica. 

Amor desinteresado

De ahí que nadie imaginase en aquel entonces que aquellas tumbas vacías volverían a ver la luz del sol décadas más tarde. Parecía que la crónica de una muerte anunciada para el decorado se había cumplido de forma definitiva. Sin embargo, en el año 2014, un grupo de entusiastas decidió rescatar este valioso patrimonio cinematográfico nacional. Así nació oficialmente la Asociación Cultural Sad Hill, movida por el amor desinteresado de sus socios al cine. Armados con picos y palas, numerosos voluntarios y vecinos comenzaron la ardua tarea de desenterrar el círculo de piedras. Para poder financiar la restauración completa, lanzaron una ingeniosa campaña de apadrinamiento de tumbas por quince euros. La iniciativa ciudadana fue un éxito absoluto y en 2019 se completaron las cinco mil lápidas simbólicas disponibles. 

Gracias a este esfuerzo colectivo admirable, el cementerio recuperó el aspecto exacto que lucía en el filme original. Personajes famosos y fans anónimos tienen ahora su nombre escrito en este lugar tan especial para la historia. La resurrección de Sad Hill es un ejemplo de cómo la pasión puede salvar la cultura. La gesta de estos voluntarios burgaleses quedó inmortalizada en el premiado documental titulado Desenterrando Sad Hill. Esta obra del director Guillermo de Oliveira narra con detalle el proceso de reconstrucción y su impacto mundial. El documental contó con la participación de figuras de la talla de James Hetfield y el propio Ennio Morricone. Incluso el legendario Clint Eastwood envió un emotivo mensaje de apoyo, reconociendo la importancia de su trabajo altruista. 

La película estuvo nominada a los premios Goya y ganó galardones en festivales de cine como el de Sitges. Este reconocimiento mediático puso a la comarca de Arlanza de nuevo en el mapa del turismo cinematográfico internacional. Actualmente, el sitio recibe cientos de visitas diarias, recuperando su brillo como una verdadera estrella del celuloide. Sad Hill ya no es solo un decorado, sino un símbolo cultural de gran valor patrimonial.

Olivia Rodrigo ha hecho historia. La joven de 23 años se ha convertido en la primera artista de la historia que ha conseguido grabar un videoclip dentro de los aposentos reales del emblemático Palacio de Versalles. Hablamos del vídeo de Drop Dead filmado por Petra Collins, una canción que pertenece al que será su tercer álbum, You seem pretty sad for a girl so in love. 

Según recoge Vittoria Benzine, periodista del medio digital Artnet, el palacio francés dio permiso al equipo de Rodrigo para grabar por el “deseo de inspirar a los jóvenes de todo el mundo a visitar Versalles y considerar el palacio como un lugar de belleza y amor”. A lo largo del videoclip, vemos a Olivia recorriendo distintas habitaciones de la antigua residencia real construida por Luis XIV, conocido como el “Rey Sol”. 

Es algo histórico en la industria musical pero, tal como señala el propio palacio en su página web, más de 200 películas se han rodado aquí desde 1904 hasta la actualidad. Directores como Sofia Coppola o Woody Allen, por ejemplo, tuvieron la oportunidad de utilizar Versalles como escenario, cuyo palacio y parque fueron designados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1979. 

Versalles en el videoclip

A lo largo del videoclip de Rodrigo, vemos algunos lugares emblemáticos del interior del Palacio de Versalles, un sitio que para hacernos una idea tiene más de 67.000 metros cuadrados y está distribuido en más de 700 habitaciones. Por ejemplo, aparece la conocida como Antecámara del Gran Cubierto, una sala donde el rey y la reina comían en público. La reina María Antonieta pidió que se tocara música en cada comida, por lo que allí se instaló una tarima para recibir a los músicos.

La artista también recorre la Galería de las Batallas, una impresionante sala de 120 metros de largo, famosa por sus pinturas centradas en la historia bélica de Francia; así como la Escalera de los Príncipes, cuya decoración data en su mayor parte del siglo XVII y que une la primera planta con la planta del jardín. En un momento del vídeo, también aparece en la Cámara De La Reina, lugar donde la reina dormía, celebraba audiencias privadas y daba a luz. 

La residencia de Luis XIV

Hasta la inauguración oficial del Palacio de Versalles el 6 de mayo de 1682, la corte real cambiaba de ubicación con frecuencia. El rey Luis XIV residía primero en el Palacio del Louvre, luego en las Tullerías, aunque también pasó algunas temporadas en los castillos de Saint-Germain-en-Laye y Vincennes. A partir de 1682, Luis XIV no solo vivió allí, sino que decidió trasladar a la corte entera, convirtiendo Versalles en el centro del gobierno de Francia.

Pero el siglo y medio de esplendor que se vivió en aquel lugar acabó trágicamente con la Revolución Francesa de 1789, cuando Luis XVI y María Antonieta fueron trasladados a París para morir en la guillotina. El Palacio de Versalles se convirtió oficialmente en museo en 1837, cuando el rey Luis Felipe I inauguró el Museo de la Historia de Francia en el ala sur del palacio. Hoy es uno de los lugares más visitados de Francia.

El director de cine estadounidense Woody Allen comenzará a rodar su próxima película, ambientada en Madrid, a inicios de otoño. La fecha elegida será el 5 de octubre, según fuentes oficiales.

El filme será rodado íntegramente en la Comunidad de Madrid y su título incluirá el nombre de la región, según el acuerdo de patrocinio al que llegó el cineasta con los gobiernos de Ayuso y Almeida, por el que accederá a sendas subvenciones de 1,5 millones cada uno. Según cifras facilitadas por fuentes municipales, estas aportaciones servirán para sufragar la cuarta parte del presupuesto de la película, establecido en 12 millones de euros.

El acuerdo municipal, adelantado el pasado diciembre por Somos Madrid, indica que el director neoyorkino rodará su película en la capital de España, salvo algunas escenas que se grabarán en algún otro punto de la región. El metraje deberá contar, además, con un mínimo del 15% de tomas exteriores. La Comunidad de Madrid valoraba a la hora de otorgar su patrocinio que Woody Allen es “uno de los artistas contemporáneos más polifacéticos del panorama cinematográfico, que ha configurado uno de los estilos más originales y valorados”. También indicaban que su largometraje madrileño “reúne excelentes condiciones de impacto y constituye un más que óptimo canal de promoción de la Comunidad de Madrid como destino turístico”.

Al igual que ha sucedido en otros patrocinios compartidos entre Comunidad y Ayuntamiento, es probable que ambas entidades tengan el mismo peso en las apariciones públicas derivadas de la película, por lo que mandatarios municipales podrán aparecer junto a Woody Allen y los protagonistas de la película tanto en la rueda de prensa de inicio del rodaje como durante la grabación y la premiere mundial del filme, que deberá tener lugar “en un festival internacional de reconocido prestigio”.

Film Madrid Region, la Oficina del audiovisual del Gobierno autonómico, ha asegurado que está asesorando a Woody Allen a través de su Film Commission, orientando en localizaciones y facilitando el contacto con los municipios, cuya respuesta “ha sido extraordinaria desde el primer momento”. “La riqueza y diversidad de localizaciones de la región van a quedar claramente reflejadas”, aseguran desde la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte en un comunicado.

En esta comedia contemporánea aparecerán espacios y lugares característicos de la región, buscando “generar nuevos flujos turísticos motivados tanto por la visita a las localizaciones que puedan aparecer en la película, como por contribuir al posicionamiento internacional de Madrid como un destino aspiracional en el momento de inspiración de un viaje”.

El contrato con Comunidad y Ayuntamiento refleja que la película se estrenará en todo el mundo y se presentará en un festival internacional, con tres preestrenos en tres ciudades internacionales.

“La forma en que la hicimos fue muy parecida a la forma en que los estadounidenses estaban en Vietnam”, compartió Francis Ford Coppola tras la proyección de Apocalypse Now en el Festival de Cannes de 1979. “Estábamos en la jungla. Éramos demasiados. Teníamos acceso a demasiado dinero, demasiado equipo y, poco a poco, nos volvimos locos”, añadió después.

El director estadounidense confirmaba lo que la prensa ya había documentado entonces: que el rodaje de aquel largometraje había sido extremadamente caótico y llegado a estar fuera de control en múltiples niveles, como si de un conflicto armado se tratase. Años después, el documental Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse (1991) volvió a poner el tema sobre la mesa. Apocalypse Now se había convertido en una de las producciones más turbulentas de la historia del cine. 

Un rodaje con complicaciones

Basada en la novela corta de 1899 El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad, la película es considerada una de las grandes obras maestras cinematográficas. Sin embargo, estuvo a punto de fracasar en varias etapas de su producción. El rodaje, que se llevó a cabo principalmente en Filipinas, estaba previsto que duraría unos cinco meses, pero este se acabó alargando durante un año.

Entre los motivos, un tifón destruyó parte de los decorados y obligó a detener la grabación todo durante varias semanas. A esto se sumaron las condiciones del país: la lluvia, la humedad, el calor y los mosquitos sorprendieron al equipo. Sin olvidarnos de los problemas técnicos: en Filipinas no existían laboratorios profesionales de revelado, lo que obligó a Coppola a rodar sin ver el material hasta regresar a Estados Unidos.

También hubo problemas personales. El director despidió al protagonista original del filme, Harvey Keitel, a las pocas semanas y lo sustituyó por Martin Sheen, quien finalmente acabó al frente de la película. Este no se libró de contratiempos: sufrió un infarto casi mortal durante el rodaje que el equipo describió en un primer momento como un episodio de “agotamiento por calor”.

En aquellos meses de grabación hubo tiempo para multitud de fiestas, en las que el consumo de drogas y alcohol por parte del elenco y el equipo de la película sigue siendo recordado tanto tiempo después. Pero todo aquel desenfreno no impidió que Apocalypse Now se terminara convirtiendo en un clásico del cine de autor estadounidense. 

El filme ganó 2 estatuillas (Mejor Fotografía y Mejor Sonido) en los Oscar de un total de 8 nominaciones, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, así como tres premios en los Globos de Oro, destacando Mejor Director (Coppola), Mejor Actor de Reparto (Robert Duvall) y Mejor Banda Sonora. En la edición de 1979 del Festival de Cannes, se alzó con el máximo galardón, la Palma de Oro.

Aunque la adaptación con personajes reales de The Legend of Zelda no llegará a cines hasta el 7 de mayo de 2027, empiezan a conocerse algunos datos interesantes de la película inspirada en el popular videojuego. Hace unos meses, les pusimos cara a los que serán sus protagonistas: Benjamin Evan Ainsworth y Bo Bragason darán vida a Link y Zelda en la gran pantalla.

Y en los últimos días, también ha trascendido información sobre el rodaje. Aunque ya sabíamos que el largometraje iba a grabarse en Nueva Zelanda, no se sabía exactamente qué zonas del país se convertirían en el reino de Hyrule en esta ocasión. Hasta ahora. La película de Zelda ha rodado varias escenas en la región de Otago, incluyendo el pueblo de Glenorchy.

A los fans de El Señor de los Anillos es probable que les suene esta zona, pues algunos de los escenarios naturales más importantes de la trilogía dirigida por Peter Jackson se rodaron allí. Otago, situada en la isla sur de Nueva Zelanda, cuenta con una combinación de ríos y terreno montañoso que la hizo ideal para recrear la Tierra Media de J.R.R. Tolkien.

En las películas, esta zona del país sirvió para ambientar el Vado de Bruinen, por donde Arwen transportó a Frodo Bolsón mientras estaba herido, así como Isengard, la fortaleza de Saruman. Por su parte, la Reserva de Poolburn, también en Otago, se utilizó para representar las tierras de Rohan, específicamente las llanuras donde los Rohirrim vivían y donde se filmó el ataque de los orcos a la aldea en la película de Las Dos Torres.

Aquí destaca la naturaleza

A principios de los 2000, Nueva Zelanda se convirtió en la Tierra Media principalmente por una convicción de Peter Jackson, neozelandés de nacimiento. El país ofrecía paisajes naturales espectaculares, con montañas, valles, bosques, ríos, lagos y otros entornos muy poco alterados por el ser humano, lo que le venía de perlas al cineasta, que conocía perfectamente estos paisajes.

Jackson quiso aprovechar este potencial natural para darle autenticidad a la historia, algo que ahora también podría tener en mente Wes Ball, el estadounidense que dirigirá la adaptación de Zelda. La elección de Nueva Zelanda como escenario sugiere que Nintendo está trabajando para ofrecer una gran aventura épica llena de naturaleza que no dependa tanto de los efectos especiales generados por ordenador.

La película más reciente de Ball, El reino del planeta de los simios, recurrió en gran medida a estos efectos para dar vida a sus primates. Algunos creían que The Legend of Zelda seguiría un poco esta dinámica, pero el cineasta lo negó en 2024, al declarar que en este caso quería que la película se sintiera más “real” y “con los pies en la tierra”. De momento, no tenemos ni sinopsis ni tráiler del live-action, así que toca esperar para ver cómo se traduce esto a la pantalla.

Un estudio del Ayuntamiento de Madrid asegura que los rodajes generaron en los cuatro años posteriores a la pandemia hasta 385,5 millones de euros de impacto anual y más de 2.500 empleos anuales. El 64,12% de forma directa, generado por los gastos de las empresas implicadas en la producción (personal, alquileres, equipos, localizaciones). El resto llega por la cadena de suministro a través de las empresas proveedoras que participan de forma secundaria en el proceso. Y 77,6 millones más se deben al gasto posterior en la economía madrileña efectuado por los trabajadores y los proveedores que han obtenido ingresos gracias a la producción de rodajes.

Las cifras salen del estudio Dimensión e impacto de los rodajes de largometrajes y series (aquí, en PDF) elaborado por el organismo municipal Madrid de Madrid Film Office y el Instituto Universitario de Predicción Económica L. R. Klein de la Universidad Autónoma de Madrid,, en el que se han analizado 415 producciones de series y películas en la capital.

En términos de empleo, los rodajes de largometrajes y series estimularon la creación de 10.101 empleos en cuatro años, con unas rentas salariales de 562,6 millones de euros. Esto supone una contratación equivalente a 2.525 empleos cada año, a tiempo completo.

Durante la presentación del estudio, la delegada de Turismo, Almudena Maíllo, ha explicado que el Ayuntamiento de Madrid está intentando “descentralizar” estos rodajes por “las molestias que generan”, como los cortes al tráfico o la desaparición de plazas de aparcamiento durante una o varias jornadas. Vecinos de barrios céntricos como Chamberí, Malasaña o Lavapiés han protestado en numerosas ocasiones por este motivo.

“Hemos realizado una guía de buenas prácticas para las productoras”, ha explicado Maíllo, con la vista puesta es respetar mejor el descanso de los vecinos. También busca “ampliar las zonas de grabación en Madrid, que no todos los rodajes sean en los mismo lugares”, para evitar estas molestias.

En cuanto a la estructura del sector, la industria se ha caracterizado por una elevada atomización empresarial, con predominio de microempresas y pequeñas productoras, y por un fuerte peso del empleo temporal, que ha alcanzado el 92,9% de los puestos generados por los rodajes.

Asimismo, el documento refleja la dimensión económica de la actividad, con una media de 3,6 millones de euros en largometrajes de ficción y de hasta 26,2 millones por temporada en series internacionales.

El crecimiento del sector se ha producido especialmente tras la pandemia, con un aumento sostenido del número de proyectos entre 2021 y 2024 y una mayor presencia de producciones internacionales.

En este escenario, la directora del Instituto L.R. Klein, Milagros Donés, ha destacado que el audiovisual “tiene capacidad de crear empleo y generar actividad económica más allá del propio sector”, con un efecto de arrastre sobre el conjunto de la economía madrileña, explica en declaraciones recogidas por Europa Press.

Por su parte, la delegada de Turismo, Almudena Maíllo, ha subrayado que el impacto del sector “va mucho más allá del propio ecosistema audiovisual”, al extenderse a ámbitos como la restauración, la hostelería o el turismo, además de contribuir a la proyección de la ciudad a nivel internacional.

Este desarrollo ha ido acompañado de un creciente impacto en otros sectores económicos, así como de una mayor proyección internacional de Madrid como escenario audiovisual, impulsada por producciones de éxito rodadas en la ciudad como 'La Casa de Papel', 'Élite' o 'Velvet'.

Estaba dispuesto a hacer una de las películas más impresionantes del momento. Para conseguirlo, dos años antes de comenzar el rodaje, James Cameron realizó hasta 12 inmersiones que le permitieron pasearse por los restos del Titanic, hundido a unos 600 km de la costa de Newfoundland, en Canadá. 

El cineasta investigó a fondo la historia de este barco que acabó en las profundidades del mar tras chocar con un iceberg en 1912, y todo lo que aprendió lo plasmó en un largometraje que llegó a cines en 1997. La superproducción de Cameron consiguió 11 premios Oscar de un total de 14 nominaciones, y convirtió a Leonardo Di Caprio y Kate Winslet en verdaderas estrellas.

Pero para los protagonistas del filme no todo fue alegría y diversión. Los 160 días que duró el rodaje de la película fueron agotadores, con una combinación de exigencias físicas y técnicas para los actores, que tuvieron que pasar largas horas filmando en el agua. El perfeccionismo de Cameron y la logística de filmar un barco a escala real con cientos de extras y efectos hicieron las jornadas realmente demandantes.

La experiencia de Kate Winslet

Winslet fue de las primeras que dejó entrever lo que había supuesto aquel rodaje. “Tiene un carácter insoportable. Tendrían que pagarme un dineral para que volviera a trabajar con Jim”, llegó a decir del director, que entonces se ganó la fama de perfeccionista intransigente. En una entrevista para el diario Los Angeles Times en mayo de 1997, la actriz compartió con detalle cómo fueron aquellos meses de trabajo. 

“El primer día las grabaciones comenzaron a las cinco de la madrugada, y se prolongaron hasta la una. No estaba preparada para algo así. Hubo muchos días así, en que las tomas duraban 20 horas”, apuntó. “Si parezco asustada, helada y agotada en la película durante las escenas de hundimiento es porque realmente estaba asustada, helada y agotada. Después de tres meses, me sentía físicamente hinchada, magullada y sola sin mi familia”.

En 2022, Cameron confirmó en cierta manera las sensaciones que Winslet había compartido en el momento en que la película sobre el hundimiento de este transatlántico llegó a los cines. “Kate salió de Titanic un poco traumatizada por la escala de la producción y por su responsabilidad dentro de ella”, declaró entonces a Radio Times.

Actriz y director estuvieron 25 años sin trabajar juntos, lo que alimentó las teorías sobre la existencia de una mala relación entre ambos. Sin embargo, las dudas se despejaron con Avatar: El Sentido del Agua, película en la que volvieron a colaborar. “Jim está mucho más tranquilo ahora”, compartió Winslet durante la promoción del filme en 2022.

A finales de septiembre de 2023, un vídeo se hizo viral. La selección española de cricket afrontaba un partido del europeo y escuchaba el himno. La imagen presentaba un equipo multicultural, lleno de gente que llevaba años en España, pero que había llegado de lugares como India o Pakistán, donde el cricket había sido parte de su vida. Los comentarios al vídeo y a las noticias que informaban en los periódicos deportivos mostraban el racismo que atraviesa a la sociedad española. Se cuestionaba que fueran españoles por su color de piel. Algo que, si pasa cuando juegan los Williams o Lamine Yamal, estrellas adoradas por millones de personas, imaginen cuando aquellos jugadores de cricket no eran conocidos por nadie.

Cuando el director Marcel Barrena vio aquel vídeo y, sobre todo, los comentarios de la caterva de racistas, tuvo claro que ahí dentro había un filme. Uno de los que le gusta hacer, esos que mezclan lo social con lo popular. La feel good movie con lo político. Un cine que cada vez costaba más ver en España, pero que con el éxito de su anterior filme, El 47, se demostró que los espectadores querían ver. “El cricket es como el estriptis en Full Monty”, cuenta Barrena a pocos minutos de rodar una escena en el Estadi Municipal Alumnes Obrers de Vilanova, donde se prepara para rodar un discurso motivacional del entrenador al equipo de cricket que interpreta Paco León.

Aquella idea que tuvo cuando vio el vídeo se ha convertido en La roja, un filme que recuerda en espíritu y cuando lo cuenta al Buscando a Eric de Ken Loach y a esas comedias sociales que tan bien hacen los británicos. Un filme para analizar qué es lo que realmente nos hace españoles, para radiografiar el racismo de todos, desde los que dejaron aquellos mensajes a los que se consideran tolerantes, y también para descubrir quiénes estaban detrás de esos rostros que lograron la hazaña histórica de una medalla de bronce en aquel Europeo de un deporte que en España nadie conoce. 

Barrena está contento. Ha dormido poco, pero la escena del día anterior, una de las más complicadas de todo el rodaje, ha quedado perfecta. El ambiente entre el equipo respira buen rollo y todos ven el resultado en unos monitores. Paco León, Carolina Yuste y Óscar de la Fuente son los nombres conocidos del reparto, pero las estrellas, los héroes de la película, se llaman Atul Vijayakumar, Kunal Sharma, Bhupinder Singh, Sagar Trivedi y Umair Asif. Ellos son parte de la selección de ficción que ha creado el director y que ha localizado a través de castings en la calle gracias a la labor de Eva Leira y Yolanda Serrano, que convocaron pruebas en asociaciones de comunidades hindús y pakistanís para encontrarles.

El resultado es que han encontrado a su propia ‘roja’. Un equipo de estrellas desconocidas que comparten, en muchos casos, la historia vital de sus personajes. Todos llevan muchos años en España, algunos son de segunda generación y todos trabajan en los sitios donde les hemos permitido entrar: son taxistas, camareros, repartidores… y ahora actores de una película del director de El 47.

Ninguno de ellos se dedicaba profesionalmente al cine, aunque muchos se habían presentado a pequeños papeles que cuadraban con sus orígenes. Umair Asif es taxista, como su personaje. Bhupinder Singh trabaja en la hostelería. Sagar Trivedi tiene una página de Instagram para unir a la comunidad india en España. A través de ella publicó el anuncio de varios de los castings que les unieron a todos en esta película. Lo que demuestra también el casting es nuestro desconocimiento de la cultura india, constituida por múltiples lenguas. Los reducimos a una simple categoría uniforme sin escuchar todo lo que tienen que aportar. 

Cuando tú conoces a esta gente, no puedes ser racista. Es que es imposible. Su cultura es tan vasta, sus idiomas son tan ricos, su integración es tan plena… es que hablan en catalán mejor que yo

Marcel Barrena — Cineasta

Atul Vijayakumar, el protagonista, tiene un título de ingeniería de sistemas y había participado en varias películas en la India, además de varios cortometrajes aquí en España. Además, tiene un título reglado de actor profesional. Como tantos intérpretes, hasta que vio el cartel de aquel casting en Barcelona no había tenido la oportunidad. Dos días antes de comenzar el rodaje trabajaba en un bar del Raval. “El capitán de los pobres”, le dicen sus colegas de equipo en la ficción entre carcajadas y vítores. Un caso parecido es el de Kunal Sharma, que había tirado la toalla para ser actor hasta que Marcel Barrena le ha dado el personaje de Ariyaman, que tiene muchas cosas en común con él, que es de una casta más alta, pero que también ha sufrido en sus carnes los problemas del racismo en España. Por ejemplo, como le ocurre a su personaje, buscando casa. 

“Buscar pisos ya de por sí es difícil, pero cuando escuchan un nombre hindú se vuelve un poquito más complicado”, explica y da las gracias al actor Urko Olazabal, que considera su padrino en la profesión. Por eso confía en que la película vea que para ellos “hacer cosas cotidianas que para otra persona sería normal” a ellos les cuesta un poco más. “Muchas veces tenemos que aparentar más que ser nosotros mismos”, añade. Eso sí, todos jugaban de niños al cricket. “A un típico indio le gustan dos cosas: cricket y Bollywood. Y esa película era un millón de los dos. Era una tarta perfecta para cortar y comerse”, dice Sagar provocando las risas de sus compañeros.

Un ataque a la ignorancia

Aquel vídeo le hizo pensar en lo que representaba esa selección, con ese término tan apropiado por muchos, La roja, y cómo esos patriotas que sienten los colores de su selección, echan espumarajos por la boca porque en el fondo su mirada de su país es racista y sesgada. “Me parecía irónico que unas personas a las que mucha gente de su país no quiere, estuvieran ahí, luchando por llevar a ese país a los JJOO. Era un símbolo de lo que vivimos cada día”, dice Barrena.

La película quiere mostrar que España es multicultural, y que La roja tiene muchos colores, los que pueblan las calles, los que la extrema derecha señala en estos momentos. Por eso el filme mostrará esa diversidad también con su mezcla de lenguas. “Hay catalán, castellano, hindi, Malayalam, que es el idioma más antiguo del mundo, del que no sabemos nada y que hablan 75 millones de personas”, avanza el realizador, que ha contado con un asesor cultural para poder plasmar todo con respeto y fidelidad.

“Hay actores que entre ellos no se entienden porque hablan idiomas totalmente distintos dentro del mismo país. Nosotros solo vemos uniformemente una cultura que es la India. Ellos tienen 23 idiomas oficiales. Imagínate la riqueza que es eso y todo eso lo intentamos llevar a nuestra perspectiva”, avanza y da una pista de cómo se lo llevará a su terreno: “Tenemos un personaje que está basado en una persona real que es un pakistaní que no quiere jugar con la selección española porque es independentista catalán. Estamos intentando estructurar una peli con muchas cositas y ser muy respetuosos con todos, y también conmigo mismo”.

La película se ha rodado en localizaciones reales por donde ellos se mueven, y los actores están dando una lección. “Tienen la mente superabierta. Son supergraciosos, se ríen de todos los estereotipos, se mojan, hablan catalán o castellano. Culturalmente, yo los veo en otra dimensión. Y todas estas cosas las vamos metiendo”, avanza de un filme que tiene también una idea de lo que le gustaría lograr, y es “no dar más altavoces a la ignorancia”. 

“Cuando tú conoces a esta gente, no puedes ser racista. Es que es imposible. Su cultura es tan vasta, sus idiomas son tan ricos, su integración es tan plena… es que hablan en catalán mejor que yo. Hay una cosa muy curiosa que. Es que el racismo es el ABCD de la ignorancia. Entonces, poner eso en una pantalla y empatizar, porque el cine creo que es el número uno de los instrumentos que tenemos de empatizar, yo creo que puede ayudar.”, zanja y pide que, además cambiemos “la mirada tan occidental centrista” del mundo que tenemos para empezar a mirar a los demás. 

Por la pasarela que atraviesa la estación de cercanías de Villalba, Ricardo Gómez pasaba para ir y volver del colegio. La cruzó mientras se hacía mayor delante de millones de espectadores, como protagonista de una de las series más importantes de la televisión española, Cuéntame. Ese crecer delante de nuestros ojos creó la sensación de que Ricardo era, de alguna forma, parte de todos nosotros. Como si nos perteneciera por ser parte de un imaginario colectivo nacional forjado en el prime time de la televisión pública.

Y, sin embargo, de aquel chaval solo vimos su cambio físico evidente, pero poco más. Ricardo Gómez siempre ha mantenido todo lo demás fuera, en un celo sobre su intimidad normal en alguien que sufre desde tan temprano una exposición pública tan explosiva. Su crecimiento como actor ha sido, por eso, tan estimulante, enfocando su carrera tanto al teatro como a papeles donde ha querido mostrar mucho más que lo que todos esperaban de él.

Una carrera que, en un giro precioso del destino, le devuelve a esa pasarela de Villalba, donde ahora rueda una de las escenas fundamentales de Una familia, su debut en la dirección. Una película donde viaja a sus recuerdos de la infancia, en la que se abre en canal, y con la que homenajea a todas esas madres que se enfrentaron a un mundo de hombres. Unas, tragaron lo que no debían. Otras, dijeron 'hasta aquí' y decidieron ser madres sin una figura paterna que las asfixiara. Es un homenaje a muchas mujeres, a muchas madres, pero, sobre todo, a una. La suya.

En esa pasarela se produce un momento que parece un viaje al pasado en tiempo real. Ricardo Gómez, ahora pasados los 30 y en su primer papel de director, da órdenes a un niño de diez años con pinta de travieso y pelo cortado a tazón que recuerda, inevitablemente, al Ricardo Gómez de la memoria colectiva. No es casualidad que en Una familia ese viaje a sus memorias tenga también algo de autoficción. Ha buceado en su propia historia, en la de su madre, ha hablado con los que han estado con él para tratar la historia de tres momentos, el año 92, 95 y 2005. Y la de tres personajes: un niño actor (Víctor Lite), una madre atrapada en una relación tóxica (Claudia Traisac) y un presidiario que tiene un permiso de salida (Patrick Criado). Un día en la vida de cada uno de ellos acaba dando lugar a historias que terminan interconectadas y donde todos esos personajes se verán las caras en una escena que rueda a pocos días del final. 

Un niño y un cruasán

Una de las claves para la película era elegir al niño que daría vida a ese trasunto del propio director. Le eligieron en un casting entre más de 200 niños, y la clave estuvo en un cruasán. Todos los niños fueron entrando uno por uno en la prueba en la que se involucró el propio Ricardo Gómez para encontrar al chaval adecuado. Cuando dijeron el nombre de Víctor Lite, nadie entró en la sala.

Gómez salió y se encontró a Víctor comiéndose un cruasán del desayuno que se ofrecía mientras esperaban. “¿Está bueno, eh?”, le dijo el director. A lo que Lite le respondió que encima era gratis. Cuando acabó su prueba preguntó si podía llevarse otro cruasán. Ese carisma, esa frescura, fueron las claves por las que Ricardo Gómez se decantó por él.

Soy una persona bastante reservada. Si algo tenía que contar de una parte de mi vida que nunca he contado, no sería ni en una entrevista ni a través de una exclusiva, sino a través de una película

Ricardo Gómez — Actor y cineasta

Sabe que cuando estrene esta película la gente verá una faceta suya que hasta ahora había mantenido “en una cajita cerrada porque era lo único que podía preservar”. “La frase que más oigo y que llevo oyendo toda mi vida es ‘te he visto crecer’. Y sí, claro, me has visto crecer físicamente porque mi decisión ha sido continuar en una serie a lo largo de los años, pero lo único que yo podía guardarme para mí mismo era mi privacidad. En un mundo donde todos quieren saberlo todo de todos, yo sentía que, cuanto menos sepas de un actor, más posibilidades tiene de que su trabajo te impacte”.

También había una parte de mantener su privacidad. “Soy una persona bastante reservada y siento que si algo tenía que contar de una parte de mi vida que nunca he contado no sería ni en una entrevista ni a través de una exclusiva, sino a través de una película”, añade. Para ello, lo mejor era rodearse de amigos porque, “en esta industria donde las cosas a veces son muy frías y muy industriales”, quería que este proyecto tuviera “gente a la que también le importase”. No solo en la parte interpretativa, sino también en los apartados técnicos, donde ha ido cogiendo a la gente que se ha ido encontrando en su carrera como actor.

Su escuela de cine no ha sido la ECAM ni la ESCAC, sino todos los platós que ha pisado desde que era un crío. Y eso, lo reconoce, ha sido uno de sus “mayores complejos” en este proyecto. A pocos días de que acabe el rodaje ya no tanto, pero sí que le costó aceptarlo. “Toda mi vida he hecho una cosa para la que no he estudiado, porque empecé a los seis años a hacerla. Pero quieras que no, tengo 32. Llevo 25 años haciendo esto. Entonces hubo un momento en el que creí que lo podía hacer aunque no hubiese ido a la RESAD. Pero claro, ahora estoy volviendo a empezar de cero. Ahora estoy volviendo a tener esos seis años y empezando a hacer una cosa que no es mía. Hubo un momento en el que me acostumbré y dije: ‘Vale, no he estudiado, pero soy actor’. Ahora ha sido como volver a empezar de cero”.

Recuerda que, desde que tenía diez años, cuando decían ‘corten’, él se acercaba a curiosear las cámaras. Miraba y preguntaba cómo se hacían las cosas, pero el bicho de la dirección y la escritura le picó “más a partir de los 15 años”. “Al final, en una serie tan larga como Cuéntame, iban pasando muchos directores, y cada uno tenía una manera de hacer diferente. Eso me pareció muy excitante, pensar: ‘Si cada uno tiene una manera de hacer, puede ser que yo también tenga una’”. Ahí se cayó una ficha que generó un efecto dominó que ha acabado en Una familia.

Su forma de dirigir, y en eso coinciden todos los actores del rodaje, es “meticulosa”. Se fija en cada detalle, pero siempre desde la horizontalidad. Habla, escucha, duda… “Se nota que es actor en el buen sentido”, dice de él Ana Wagener antes de rodar una escena clave. “Sabe cómo acercarse a un actor, sabe qué le tiene que decir a cada uno en qué momento, cómo comunicártelo. Siempre va a lo positivo. Se acerca a ti y al oído te dice cuatro cosas. Se nota que hace lo que le gustaría que hicieran con él y eso es muy, muy de agradecer, la verdad”, cuenta la actriz, que bromea con que en la película hay muchos silencios entre él y su hijo en la ficción (Patrick Criado). Tantos que bromean con que “parece una de Haneke”.

Para Criado, que este viernes ha estrenado Amarga Navidad, no hay duda: “Quiero seguir estando con él en todas sus películas y en todo lo que haga”. Una frase que resume el estado de todo el equipo. “Fíjate que confiaba en él, porque si no, no habría dicho que sí a la película, pero me ha sorprendido con creces. Me ha sorprendido su capacidad para ir al detalle, su exigencia, y también la calma con la que ha estado. Venir al rodaje es venir a un sitio donde estás hermanado con la gente y notas que vamos todos a una. El equipo se emociona con la secuencia que estamos haciendo y eso se agradece”.

Quien le conoce desde hace más tiempo es Claudia Traisac. “Desde que tenía 12 años y tenía el pelo a tazón”, dice, riéndose. Por eso le cuesta hablar de Una familia sin emocionarse, porque para ella es “especial a demasiados niveles”. La actriz leyó las primeras versiones de guion como amiga. Años después, en un momento dado, pensó que ojalá le hiciera una prueba. Se la hizo. Una prueba “muy larga y muy intensa”. Tenían que probar que no solo eran amigos, ni siquiera dos intérpretes que habían coincidido en escena, sino que podían ser director y actriz. También, de alguna forma, todos han creado una familia. No como la del título, que apunta a esa disfuncionalidad de las familias impuestas o sostenidas bajo la obligación, sino una familia creativa que han logrado cumplir el sueño de aquel chaval que corría por la pasarela de la estación de tren de Villalba.

España está de moda en las películas y series internacionales. Ocurrió con Juego de tronos hace años, pero es una tendencia que está más en auge que nunca. Producciones como la reciente tercera temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon o la nueva película de Los Juegos del Hambre, que se estrenará en noviembre de este año, confirman que nuestro país sigue funcionando como escenario de rodaje.  

El último ejemplo lo encontramos en El joven Sherlock, una de las últimas series que ha lanzado Prime Video. La producción dirigida por Guy Ritchie, disponible en la plataforma desde el pasado 4 de marzo, se ambienta en 1871 y sigue a un joven Sherlock Holmes antes de convertirse en el prestigioso detective. 

Ambientada tanto en la Inglaterra victoriana como en el extranjero, la serie muestra las primeras aventuras de este adolescente que se ve arrastrado a una investigación por asesinato que pone en peligro su libertad. Hero Fiennes Tiffin, popular por su papel en la saga de películas After, se encarga de dar vida al joven Holmes. 

Las localizaciones de la serie

Aunque la historia nos traslada a la Inglaterra victoriana, a París en medio de la revolución e incluso a la antigua Constantinopla, una parte de la serie fue grabada en España. Concretamente, en las ciudades andaluzas de Cádiz y Sevilla, tal como se han hecho eco los diarios locales de ambas localidades.

A lo largo de los capítulos, se utilizan distintos escenarios históricos para recrear ambientes de época. Por ejemplo, La Casa de Pilatos de Sevilla aparece cuando los personajes están en Constantinopla. Con su patio principal y su arquitectura mudéjar tan característica, esta se convierte en un mercado en pleno Imperio Otomano.

Durante su estancia en la capital andaluza, también grabaron en el Rectorado de la Universidad, antigua Real Fábrica de Tabacos de la ciudad. Este lugar aparece en el séptimo episodio, cuando los protagonistas están en París, convertido en un hospital parisino de la época. 

El equipo también se desplazó a Cádiz, donde aparecen principalmente la plaza de Argüelles y el barrio de San Carlos para recrear la Comuna de París. En la provincia gaditana, también viajaron a Jerez de la Frontera, donde utilizaron espacios tan emblemáticos como el Alcázar, el Cabildo Viejo, la plaza de la Yerba y la Real Escuela Andaluza del Arte Ecuestre.

La película islandesa 'Remedio Di-vino' ya se puede ver en las plataformas digitales y está siendo un éxito, colocándose en el ránking de las más vistas en Movistar+ o Prime Video. La comedia, además de hacer de vino un protagonista más, fue rodada en La Rioja en mayo de 2023 y se pueden reconocer muchos de los escenarios, desde el aeropueto de Logroño-Agoncillo hasta los calados de Bodegas Lecea, en San Asensio, que aparecen en el trailer.

El argumento se centra en la expedición de cuatro sacerdotes islandeses que viajan a la región con una misión particular: encontrar el mejor vino de misa del mundo. Los clérigos buscan un “remedio” que les ayude a atraer de nuevo a los fieles a sus iglesias en el norte de Europa, recorriendo para ello algunas de las bodegas y templos más emblemáticos del territorio riojano.

La trama utiliza el Aeropuerto de Logroño-Agoncillo como punto de partida y también grabó escenas en el centro histórico de Logroño. Además, el rodaje se extendió por muchas localizaciones riojanas, en Nájera, Arenzana de Abajo o en la ermita de Santa María de los Arcos en Tricio, donde el propio alcalde participó como figurante. También rodaron en Bodegas Muga de Haro y en San Millán de la Cogolla, además de en varios lugares de La Rioja Alavesa.

Actualmente, 'Remedio Di-vino' está triunfando en España, pero en Islandia, donde su título original es Guðaveigar, se convirtió en la producción nacional más taquillera del año 2024, además de seguir atrayendo espectadores en 2025.

Esta semana ha finalizado el rodaje del cortometraje ‘Opresión’, cuya localización principal ha sido en las localidades guadalajareñas de Mandayona y Sigüenza. El proyecto entra así en fase de posproducción hasta su estreno previsto en otoño.

‘Opresión’ narra la historia de una mujer invisible en la sociedad española de 1971, que descubre la verdad oculta en torno al asesinato de su marido, en un formato a caballo entre el thriller psicológico y el terror.

Se trata de una obra de 18 minutos de duración estimada, escrita por Andrea C. Varona, Félix Lara y Roberto B Juristo, dirigida por el propio Roberto B. Juristo, a cargo de la productora Horados, con la vecina de Marchamalo, Marta Ayuso, al frente.

Mandayona y Sigüenza, protagonistas

El corto llevará a la pantalla el antiguo cuartel de la Guardia Civil de la localidad de Mandayona, convertido hoy en un alojamiento rural, y el Parador de Sigüenza, entre otras localizaciones en las que podrá verse a actores y actrices como Irene Guzmán o Nancho Novo.

La consejera de Igualdad, Sara Simón, que ha visitado el set de rodaje en sus últimas jornadas de trabajo, ha destacado “no solo el encrucijada ante la que se encuentra una mujer a principios de los 70, ”que no se conforma con la realidad“, sino también el hecho de que ”tras ‘Opresión’ hay todo un equipo producción en el que son mayoría las mujeres, en posiciones además de liderazgo al frente de la producción“.