Olivia Rodrigo ha hecho historia. La joven de 23 años se ha convertido en la primera artista de la historia que ha conseguido grabar un videoclip dentro de los aposentos reales del emblemático Palacio de Versalles. Hablamos del vídeo de Drop Dead filmado por Petra Collins, una canción que pertenece al que será su tercer álbum, You seem pretty sad for a girl so in love. 

Según recoge Vittoria Benzine, periodista del medio digital Artnet, el palacio francés dio permiso al equipo de Rodrigo para grabar por el “deseo de inspirar a los jóvenes de todo el mundo a visitar Versalles y considerar el palacio como un lugar de belleza y amor”. A lo largo del videoclip, vemos a Olivia recorriendo distintas habitaciones de la antigua residencia real construida por Luis XIV, conocido como el “Rey Sol”. 

Es algo histórico en la industria musical pero, tal como señala el propio palacio en su página web, más de 200 películas se han rodado aquí desde 1904 hasta la actualidad. Directores como Sofia Coppola o Woody Allen, por ejemplo, tuvieron la oportunidad de utilizar Versalles como escenario, cuyo palacio y parque fueron designados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1979. 

Versalles en el videoclip

A lo largo del videoclip de Rodrigo, vemos algunos lugares emblemáticos del interior del Palacio de Versalles, un sitio que para hacernos una idea tiene más de 67.000 metros cuadrados y está distribuido en más de 700 habitaciones. Por ejemplo, aparece la conocida como Antecámara del Gran Cubierto, una sala donde el rey y la reina comían en público. La reina María Antonieta pidió que se tocara música en cada comida, por lo que allí se instaló una tarima para recibir a los músicos.

La artista también recorre la Galería de las Batallas, una impresionante sala de 120 metros de largo, famosa por sus pinturas centradas en la historia bélica de Francia; así como la Escalera de los Príncipes, cuya decoración data en su mayor parte del siglo XVII y que une la primera planta con la planta del jardín. En un momento del vídeo, también aparece en la Cámara De La Reina, lugar donde la reina dormía, celebraba audiencias privadas y daba a luz. 

La residencia de Luis XIV

Hasta la inauguración oficial del Palacio de Versalles el 6 de mayo de 1682, la corte real cambiaba de ubicación con frecuencia. El rey Luis XIV residía primero en el Palacio del Louvre, luego en las Tullerías, aunque también pasó algunas temporadas en los castillos de Saint-Germain-en-Laye y Vincennes. A partir de 1682, Luis XIV no solo vivió allí, sino que decidió trasladar a la corte entera, convirtiendo Versalles en el centro del gobierno de Francia.

Pero el siglo y medio de esplendor que se vivió en aquel lugar acabó trágicamente con la Revolución Francesa de 1789, cuando Luis XVI y María Antonieta fueron trasladados a París para morir en la guillotina. El Palacio de Versalles se convirtió oficialmente en museo en 1837, cuando el rey Luis Felipe I inauguró el Museo de la Historia de Francia en el ala sur del palacio. Hoy es uno de los lugares más visitados de Francia.

El director de cine estadounidense Woody Allen comenzará a rodar su próxima película, ambientada en Madrid, a inicios de otoño. La fecha elegida será el 5 de octubre, según fuentes oficiales.

El filme será rodado íntegramente en la Comunidad de Madrid y su título incluirá el nombre de la región, según el acuerdo de patrocinio al que llegó el cineasta con los gobiernos de Ayuso y Almeida, por el que accederá a sendas subvenciones de 1,5 millones cada uno. Según cifras facilitadas por fuentes municipales, estas aportaciones servirán para sufragar la cuarta parte del presupuesto de la película, establecido en 12 millones de euros.

El acuerdo municipal, adelantado el pasado diciembre por Somos Madrid, indica que el director neoyorkino rodará su película en la capital de España, salvo algunas escenas que se grabarán en algún otro punto de la región. El metraje deberá contar, además, con un mínimo del 15% de tomas exteriores. La Comunidad de Madrid valoraba a la hora de otorgar su patrocinio que Woody Allen es “uno de los artistas contemporáneos más polifacéticos del panorama cinematográfico, que ha configurado uno de los estilos más originales y valorados”. También indicaban que su largometraje madrileño “reúne excelentes condiciones de impacto y constituye un más que óptimo canal de promoción de la Comunidad de Madrid como destino turístico”.

Al igual que ha sucedido en otros patrocinios compartidos entre Comunidad y Ayuntamiento, es probable que ambas entidades tengan el mismo peso en las apariciones públicas derivadas de la película, por lo que mandatarios municipales podrán aparecer junto a Woody Allen y los protagonistas de la película tanto en la rueda de prensa de inicio del rodaje como durante la grabación y la premiere mundial del filme, que deberá tener lugar “en un festival internacional de reconocido prestigio”.

Film Madrid Region, la Oficina del audiovisual del Gobierno autonómico, ha asegurado que está asesorando a Woody Allen a través de su Film Commission, orientando en localizaciones y facilitando el contacto con los municipios, cuya respuesta “ha sido extraordinaria desde el primer momento”. “La riqueza y diversidad de localizaciones de la región van a quedar claramente reflejadas”, aseguran desde la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte en un comunicado.

En esta comedia contemporánea aparecerán espacios y lugares característicos de la región, buscando “generar nuevos flujos turísticos motivados tanto por la visita a las localizaciones que puedan aparecer en la película, como por contribuir al posicionamiento internacional de Madrid como un destino aspiracional en el momento de inspiración de un viaje”.

El contrato con Comunidad y Ayuntamiento refleja que la película se estrenará en todo el mundo y se presentará en un festival internacional, con tres preestrenos en tres ciudades internacionales.

“La forma en que la hicimos fue muy parecida a la forma en que los estadounidenses estaban en Vietnam”, compartió Francis Ford Coppola tras la proyección de Apocalypse Now en el Festival de Cannes de 1979. “Estábamos en la jungla. Éramos demasiados. Teníamos acceso a demasiado dinero, demasiado equipo y, poco a poco, nos volvimos locos”, añadió después.

El director estadounidense confirmaba lo que la prensa ya había documentado entonces: que el rodaje de aquel largometraje había sido extremadamente caótico y llegado a estar fuera de control en múltiples niveles, como si de un conflicto armado se tratase. Años después, el documental Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse (1991) volvió a poner el tema sobre la mesa. Apocalypse Now se había convertido en una de las producciones más turbulentas de la historia del cine. 

Un rodaje con complicaciones

Basada en la novela corta de 1899 El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad, la película es considerada una de las grandes obras maestras cinematográficas. Sin embargo, estuvo a punto de fracasar en varias etapas de su producción. El rodaje, que se llevó a cabo principalmente en Filipinas, estaba previsto que duraría unos cinco meses, pero este se acabó alargando durante un año.

Entre los motivos, un tifón destruyó parte de los decorados y obligó a detener la grabación todo durante varias semanas. A esto se sumaron las condiciones del país: la lluvia, la humedad, el calor y los mosquitos sorprendieron al equipo. Sin olvidarnos de los problemas técnicos: en Filipinas no existían laboratorios profesionales de revelado, lo que obligó a Coppola a rodar sin ver el material hasta regresar a Estados Unidos.

También hubo problemas personales. El director despidió al protagonista original del filme, Harvey Keitel, a las pocas semanas y lo sustituyó por Martin Sheen, quien finalmente acabó al frente de la película. Este no se libró de contratiempos: sufrió un infarto casi mortal durante el rodaje que el equipo describió en un primer momento como un episodio de “agotamiento por calor”.

En aquellos meses de grabación hubo tiempo para multitud de fiestas, en las que el consumo de drogas y alcohol por parte del elenco y el equipo de la película sigue siendo recordado tanto tiempo después. Pero todo aquel desenfreno no impidió que Apocalypse Now se terminara convirtiendo en un clásico del cine de autor estadounidense. 

El filme ganó 2 estatuillas (Mejor Fotografía y Mejor Sonido) en los Oscar de un total de 8 nominaciones, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, así como tres premios en los Globos de Oro, destacando Mejor Director (Coppola), Mejor Actor de Reparto (Robert Duvall) y Mejor Banda Sonora. En la edición de 1979 del Festival de Cannes, se alzó con el máximo galardón, la Palma de Oro.

Aunque la adaptación con personajes reales de The Legend of Zelda no llegará a cines hasta el 7 de mayo de 2027, empiezan a conocerse algunos datos interesantes de la película inspirada en el popular videojuego. Hace unos meses, les pusimos cara a los que serán sus protagonistas: Benjamin Evan Ainsworth y Bo Bragason darán vida a Link y Zelda en la gran pantalla.

Y en los últimos días, también ha trascendido información sobre el rodaje. Aunque ya sabíamos que el largometraje iba a grabarse en Nueva Zelanda, no se sabía exactamente qué zonas del país se convertirían en el reino de Hyrule en esta ocasión. Hasta ahora. La película de Zelda ha rodado varias escenas en la región de Otago, incluyendo el pueblo de Glenorchy.

A los fans de El Señor de los Anillos es probable que les suene esta zona, pues algunos de los escenarios naturales más importantes de la trilogía dirigida por Peter Jackson se rodaron allí. Otago, situada en la isla sur de Nueva Zelanda, cuenta con una combinación de ríos y terreno montañoso que la hizo ideal para recrear la Tierra Media de J.R.R. Tolkien.

En las películas, esta zona del país sirvió para ambientar el Vado de Bruinen, por donde Arwen transportó a Frodo Bolsón mientras estaba herido, así como Isengard, la fortaleza de Saruman. Por su parte, la Reserva de Poolburn, también en Otago, se utilizó para representar las tierras de Rohan, específicamente las llanuras donde los Rohirrim vivían y donde se filmó el ataque de los orcos a la aldea en la película de Las Dos Torres.

Aquí destaca la naturaleza

A principios de los 2000, Nueva Zelanda se convirtió en la Tierra Media principalmente por una convicción de Peter Jackson, neozelandés de nacimiento. El país ofrecía paisajes naturales espectaculares, con montañas, valles, bosques, ríos, lagos y otros entornos muy poco alterados por el ser humano, lo que le venía de perlas al cineasta, que conocía perfectamente estos paisajes.

Jackson quiso aprovechar este potencial natural para darle autenticidad a la historia, algo que ahora también podría tener en mente Wes Ball, el estadounidense que dirigirá la adaptación de Zelda. La elección de Nueva Zelanda como escenario sugiere que Nintendo está trabajando para ofrecer una gran aventura épica llena de naturaleza que no dependa tanto de los efectos especiales generados por ordenador.

La película más reciente de Ball, El reino del planeta de los simios, recurrió en gran medida a estos efectos para dar vida a sus primates. Algunos creían que The Legend of Zelda seguiría un poco esta dinámica, pero el cineasta lo negó en 2024, al declarar que en este caso quería que la película se sintiera más “real” y “con los pies en la tierra”. De momento, no tenemos ni sinopsis ni tráiler del live-action, así que toca esperar para ver cómo se traduce esto a la pantalla.

Un estudio del Ayuntamiento de Madrid asegura que los rodajes generaron en los cuatro años posteriores a la pandemia hasta 385,5 millones de euros de impacto anual y más de 2.500 empleos anuales. El 64,12% de forma directa, generado por los gastos de las empresas implicadas en la producción (personal, alquileres, equipos, localizaciones). El resto llega por la cadena de suministro a través de las empresas proveedoras que participan de forma secundaria en el proceso. Y 77,6 millones más se deben al gasto posterior en la economía madrileña efectuado por los trabajadores y los proveedores que han obtenido ingresos gracias a la producción de rodajes.

Las cifras salen del estudio Dimensión e impacto de los rodajes de largometrajes y series (aquí, en PDF) elaborado por el organismo municipal Madrid de Madrid Film Office y el Instituto Universitario de Predicción Económica L. R. Klein de la Universidad Autónoma de Madrid,, en el que se han analizado 415 producciones de series y películas en la capital.

En términos de empleo, los rodajes de largometrajes y series estimularon la creación de 10.101 empleos en cuatro años, con unas rentas salariales de 562,6 millones de euros. Esto supone una contratación equivalente a 2.525 empleos cada año, a tiempo completo.

Durante la presentación del estudio, la delegada de Turismo, Almudena Maíllo, ha explicado que el Ayuntamiento de Madrid está intentando “descentralizar” estos rodajes por “las molestias que generan”, como los cortes al tráfico o la desaparición de plazas de aparcamiento durante una o varias jornadas. Vecinos de barrios céntricos como Chamberí, Malasaña o Lavapiés han protestado en numerosas ocasiones por este motivo.

“Hemos realizado una guía de buenas prácticas para las productoras”, ha explicado Maíllo, con la vista puesta es respetar mejor el descanso de los vecinos. También busca “ampliar las zonas de grabación en Madrid, que no todos los rodajes sean en los mismo lugares”, para evitar estas molestias.

En cuanto a la estructura del sector, la industria se ha caracterizado por una elevada atomización empresarial, con predominio de microempresas y pequeñas productoras, y por un fuerte peso del empleo temporal, que ha alcanzado el 92,9% de los puestos generados por los rodajes.

Asimismo, el documento refleja la dimensión económica de la actividad, con una media de 3,6 millones de euros en largometrajes de ficción y de hasta 26,2 millones por temporada en series internacionales.

El crecimiento del sector se ha producido especialmente tras la pandemia, con un aumento sostenido del número de proyectos entre 2021 y 2024 y una mayor presencia de producciones internacionales.

En este escenario, la directora del Instituto L.R. Klein, Milagros Donés, ha destacado que el audiovisual “tiene capacidad de crear empleo y generar actividad económica más allá del propio sector”, con un efecto de arrastre sobre el conjunto de la economía madrileña, explica en declaraciones recogidas por Europa Press.

Por su parte, la delegada de Turismo, Almudena Maíllo, ha subrayado que el impacto del sector “va mucho más allá del propio ecosistema audiovisual”, al extenderse a ámbitos como la restauración, la hostelería o el turismo, además de contribuir a la proyección de la ciudad a nivel internacional.

Este desarrollo ha ido acompañado de un creciente impacto en otros sectores económicos, así como de una mayor proyección internacional de Madrid como escenario audiovisual, impulsada por producciones de éxito rodadas en la ciudad como 'La Casa de Papel', 'Élite' o 'Velvet'.

Estaba dispuesto a hacer una de las películas más impresionantes del momento. Para conseguirlo, dos años antes de comenzar el rodaje, James Cameron realizó hasta 12 inmersiones que le permitieron pasearse por los restos del Titanic, hundido a unos 600 km de la costa de Newfoundland, en Canadá. 

El cineasta investigó a fondo la historia de este barco que acabó en las profundidades del mar tras chocar con un iceberg en 1912, y todo lo que aprendió lo plasmó en un largometraje que llegó a cines en 1997. La superproducción de Cameron consiguió 11 premios Oscar de un total de 14 nominaciones, y convirtió a Leonardo Di Caprio y Kate Winslet en verdaderas estrellas.

Pero para los protagonistas del filme no todo fue alegría y diversión. Los 160 días que duró el rodaje de la película fueron agotadores, con una combinación de exigencias físicas y técnicas para los actores, que tuvieron que pasar largas horas filmando en el agua. El perfeccionismo de Cameron y la logística de filmar un barco a escala real con cientos de extras y efectos hicieron las jornadas realmente demandantes.

La experiencia de Kate Winslet

Winslet fue de las primeras que dejó entrever lo que había supuesto aquel rodaje. “Tiene un carácter insoportable. Tendrían que pagarme un dineral para que volviera a trabajar con Jim”, llegó a decir del director, que entonces se ganó la fama de perfeccionista intransigente. En una entrevista para el diario Los Angeles Times en mayo de 1997, la actriz compartió con detalle cómo fueron aquellos meses de trabajo. 

“El primer día las grabaciones comenzaron a las cinco de la madrugada, y se prolongaron hasta la una. No estaba preparada para algo así. Hubo muchos días así, en que las tomas duraban 20 horas”, apuntó. “Si parezco asustada, helada y agotada en la película durante las escenas de hundimiento es porque realmente estaba asustada, helada y agotada. Después de tres meses, me sentía físicamente hinchada, magullada y sola sin mi familia”.

En 2022, Cameron confirmó en cierta manera las sensaciones que Winslet había compartido en el momento en que la película sobre el hundimiento de este transatlántico llegó a los cines. “Kate salió de Titanic un poco traumatizada por la escala de la producción y por su responsabilidad dentro de ella”, declaró entonces a Radio Times.

Actriz y director estuvieron 25 años sin trabajar juntos, lo que alimentó las teorías sobre la existencia de una mala relación entre ambos. Sin embargo, las dudas se despejaron con Avatar: El Sentido del Agua, película en la que volvieron a colaborar. “Jim está mucho más tranquilo ahora”, compartió Winslet durante la promoción del filme en 2022.

A finales de septiembre de 2023, un vídeo se hizo viral. La selección española de cricket afrontaba un partido del europeo y escuchaba el himno. La imagen presentaba un equipo multicultural, lleno de gente que llevaba años en España, pero que había llegado de lugares como India o Pakistán, donde el cricket había sido parte de su vida. Los comentarios al vídeo y a las noticias que informaban en los periódicos deportivos mostraban el racismo que atraviesa a la sociedad española. Se cuestionaba que fueran españoles por su color de piel. Algo que, si pasa cuando juegan los Williams o Lamine Yamal, estrellas adoradas por millones de personas, imaginen cuando aquellos jugadores de cricket no eran conocidos por nadie.

Cuando el director Marcel Barrena vio aquel vídeo y, sobre todo, los comentarios de la caterva de racistas, tuvo claro que ahí dentro había un filme. Uno de los que le gusta hacer, esos que mezclan lo social con lo popular. La feel good movie con lo político. Un cine que cada vez costaba más ver en España, pero que con el éxito de su anterior filme, El 47, se demostró que los espectadores querían ver. “El cricket es como el estriptis en Full Monty”, cuenta Barrena a pocos minutos de rodar una escena en el Estadi Municipal Alumnes Obrers de Vilanova, donde se prepara para rodar un discurso motivacional del entrenador al equipo de cricket que interpreta Paco León.

Aquella idea que tuvo cuando vio el vídeo se ha convertido en La roja, un filme que recuerda en espíritu y cuando lo cuenta al Buscando a Eric de Ken Loach y a esas comedias sociales que tan bien hacen los británicos. Un filme para analizar qué es lo que realmente nos hace españoles, para radiografiar el racismo de todos, desde los que dejaron aquellos mensajes a los que se consideran tolerantes, y también para descubrir quiénes estaban detrás de esos rostros que lograron la hazaña histórica de una medalla de bronce en aquel Europeo de un deporte que en España nadie conoce. 

Barrena está contento. Ha dormido poco, pero la escena del día anterior, una de las más complicadas de todo el rodaje, ha quedado perfecta. El ambiente entre el equipo respira buen rollo y todos ven el resultado en unos monitores. Paco León, Carolina Yuste y Óscar de la Fuente son los nombres conocidos del reparto, pero las estrellas, los héroes de la película, se llaman Atul Vijayakumar, Kunal Sharma, Bhupinder Singh, Sagar Trivedi y Umair Asif. Ellos son parte de la selección de ficción que ha creado el director y que ha localizado a través de castings en la calle gracias a la labor de Eva Leira y Yolanda Serrano, que convocaron pruebas en asociaciones de comunidades hindús y pakistanís para encontrarles.

El resultado es que han encontrado a su propia ‘roja’. Un equipo de estrellas desconocidas que comparten, en muchos casos, la historia vital de sus personajes. Todos llevan muchos años en España, algunos son de segunda generación y todos trabajan en los sitios donde les hemos permitido entrar: son taxistas, camareros, repartidores… y ahora actores de una película del director de El 47.

Ninguno de ellos se dedicaba profesionalmente al cine, aunque muchos se habían presentado a pequeños papeles que cuadraban con sus orígenes. Umair Asif es taxista, como su personaje. Bhupinder Singh trabaja en la hostelería. Sagar Trivedi tiene una página de Instagram para unir a la comunidad india en España. A través de ella publicó el anuncio de varios de los castings que les unieron a todos en esta película. Lo que demuestra también el casting es nuestro desconocimiento de la cultura india, constituida por múltiples lenguas. Los reducimos a una simple categoría uniforme sin escuchar todo lo que tienen que aportar. 

Cuando tú conoces a esta gente, no puedes ser racista. Es que es imposible. Su cultura es tan vasta, sus idiomas son tan ricos, su integración es tan plena… es que hablan en catalán mejor que yo

Marcel Barrena — Cineasta

Atul Vijayakumar, el protagonista, tiene un título de ingeniería de sistemas y había participado en varias películas en la India, además de varios cortometrajes aquí en España. Además, tiene un título reglado de actor profesional. Como tantos intérpretes, hasta que vio el cartel de aquel casting en Barcelona no había tenido la oportunidad. Dos días antes de comenzar el rodaje trabajaba en un bar del Raval. “El capitán de los pobres”, le dicen sus colegas de equipo en la ficción entre carcajadas y vítores. Un caso parecido es el de Kunal Sharma, que había tirado la toalla para ser actor hasta que Marcel Barrena le ha dado el personaje de Ariyaman, que tiene muchas cosas en común con él, que es de una casta más alta, pero que también ha sufrido en sus carnes los problemas del racismo en España. Por ejemplo, como le ocurre a su personaje, buscando casa. 

“Buscar pisos ya de por sí es difícil, pero cuando escuchan un nombre hindú se vuelve un poquito más complicado”, explica y da las gracias al actor Urko Olazabal, que considera su padrino en la profesión. Por eso confía en que la película vea que para ellos “hacer cosas cotidianas que para otra persona sería normal” a ellos les cuesta un poco más. “Muchas veces tenemos que aparentar más que ser nosotros mismos”, añade. Eso sí, todos jugaban de niños al cricket. “A un típico indio le gustan dos cosas: cricket y Bollywood. Y esa película era un millón de los dos. Era una tarta perfecta para cortar y comerse”, dice Sagar provocando las risas de sus compañeros.

Un ataque a la ignorancia

Aquel vídeo le hizo pensar en lo que representaba esa selección, con ese término tan apropiado por muchos, La roja, y cómo esos patriotas que sienten los colores de su selección, echan espumarajos por la boca porque en el fondo su mirada de su país es racista y sesgada. “Me parecía irónico que unas personas a las que mucha gente de su país no quiere, estuvieran ahí, luchando por llevar a ese país a los JJOO. Era un símbolo de lo que vivimos cada día”, dice Barrena.

La película quiere mostrar que España es multicultural, y que La roja tiene muchos colores, los que pueblan las calles, los que la extrema derecha señala en estos momentos. Por eso el filme mostrará esa diversidad también con su mezcla de lenguas. “Hay catalán, castellano, hindi, Malayalam, que es el idioma más antiguo del mundo, del que no sabemos nada y que hablan 75 millones de personas”, avanza el realizador, que ha contado con un asesor cultural para poder plasmar todo con respeto y fidelidad.

“Hay actores que entre ellos no se entienden porque hablan idiomas totalmente distintos dentro del mismo país. Nosotros solo vemos uniformemente una cultura que es la India. Ellos tienen 23 idiomas oficiales. Imagínate la riqueza que es eso y todo eso lo intentamos llevar a nuestra perspectiva”, avanza y da una pista de cómo se lo llevará a su terreno: “Tenemos un personaje que está basado en una persona real que es un pakistaní que no quiere jugar con la selección española porque es independentista catalán. Estamos intentando estructurar una peli con muchas cositas y ser muy respetuosos con todos, y también conmigo mismo”.

La película se ha rodado en localizaciones reales por donde ellos se mueven, y los actores están dando una lección. “Tienen la mente superabierta. Son supergraciosos, se ríen de todos los estereotipos, se mojan, hablan catalán o castellano. Culturalmente, yo los veo en otra dimensión. Y todas estas cosas las vamos metiendo”, avanza de un filme que tiene también una idea de lo que le gustaría lograr, y es “no dar más altavoces a la ignorancia”. 

“Cuando tú conoces a esta gente, no puedes ser racista. Es que es imposible. Su cultura es tan vasta, sus idiomas son tan ricos, su integración es tan plena… es que hablan en catalán mejor que yo. Hay una cosa muy curiosa que. Es que el racismo es el ABCD de la ignorancia. Entonces, poner eso en una pantalla y empatizar, porque el cine creo que es el número uno de los instrumentos que tenemos de empatizar, yo creo que puede ayudar.”, zanja y pide que, además cambiemos “la mirada tan occidental centrista” del mundo que tenemos para empezar a mirar a los demás. 

Por la pasarela que atraviesa la estación de cercanías de Villalba, Ricardo Gómez pasaba para ir y volver del colegio. La cruzó mientras se hacía mayor delante de millones de espectadores, como protagonista de una de las series más importantes de la televisión española, Cuéntame. Ese crecer delante de nuestros ojos creó la sensación de que Ricardo era, de alguna forma, parte de todos nosotros. Como si nos perteneciera por ser parte de un imaginario colectivo nacional forjado en el prime time de la televisión pública.

Y, sin embargo, de aquel chaval solo vimos su cambio físico evidente, pero poco más. Ricardo Gómez siempre ha mantenido todo lo demás fuera, en un celo sobre su intimidad normal en alguien que sufre desde tan temprano una exposición pública tan explosiva. Su crecimiento como actor ha sido, por eso, tan estimulante, enfocando su carrera tanto al teatro como a papeles donde ha querido mostrar mucho más que lo que todos esperaban de él.

Una carrera que, en un giro precioso del destino, le devuelve a esa pasarela de Villalba, donde ahora rueda una de las escenas fundamentales de Una familia, su debut en la dirección. Una película donde viaja a sus recuerdos de la infancia, en la que se abre en canal, y con la que homenajea a todas esas madres que se enfrentaron a un mundo de hombres. Unas, tragaron lo que no debían. Otras, dijeron 'hasta aquí' y decidieron ser madres sin una figura paterna que las asfixiara. Es un homenaje a muchas mujeres, a muchas madres, pero, sobre todo, a una. La suya.

En esa pasarela se produce un momento que parece un viaje al pasado en tiempo real. Ricardo Gómez, ahora pasados los 30 y en su primer papel de director, da órdenes a un niño de diez años con pinta de travieso y pelo cortado a tazón que recuerda, inevitablemente, al Ricardo Gómez de la memoria colectiva. No es casualidad que en Una familia ese viaje a sus memorias tenga también algo de autoficción. Ha buceado en su propia historia, en la de su madre, ha hablado con los que han estado con él para tratar la historia de tres momentos, el año 92, 95 y 2005. Y la de tres personajes: un niño actor (Víctor Lite), una madre atrapada en una relación tóxica (Claudia Traisac) y un presidiario que tiene un permiso de salida (Patrick Criado). Un día en la vida de cada uno de ellos acaba dando lugar a historias que terminan interconectadas y donde todos esos personajes se verán las caras en una escena que rueda a pocos días del final. 

Un niño y un cruasán

Una de las claves para la película era elegir al niño que daría vida a ese trasunto del propio director. Le eligieron en un casting entre más de 200 niños, y la clave estuvo en un cruasán. Todos los niños fueron entrando uno por uno en la prueba en la que se involucró el propio Ricardo Gómez para encontrar al chaval adecuado. Cuando dijeron el nombre de Víctor Lite, nadie entró en la sala.

Gómez salió y se encontró a Víctor comiéndose un cruasán del desayuno que se ofrecía mientras esperaban. “¿Está bueno, eh?”, le dijo el director. A lo que Lite le respondió que encima era gratis. Cuando acabó su prueba preguntó si podía llevarse otro cruasán. Ese carisma, esa frescura, fueron las claves por las que Ricardo Gómez se decantó por él.

Soy una persona bastante reservada. Si algo tenía que contar de una parte de mi vida que nunca he contado, no sería ni en una entrevista ni a través de una exclusiva, sino a través de una película

Ricardo Gómez — Actor y cineasta

Sabe que cuando estrene esta película la gente verá una faceta suya que hasta ahora había mantenido “en una cajita cerrada porque era lo único que podía preservar”. “La frase que más oigo y que llevo oyendo toda mi vida es ‘te he visto crecer’. Y sí, claro, me has visto crecer físicamente porque mi decisión ha sido continuar en una serie a lo largo de los años, pero lo único que yo podía guardarme para mí mismo era mi privacidad. En un mundo donde todos quieren saberlo todo de todos, yo sentía que, cuanto menos sepas de un actor, más posibilidades tiene de que su trabajo te impacte”.

También había una parte de mantener su privacidad. “Soy una persona bastante reservada y siento que si algo tenía que contar de una parte de mi vida que nunca he contado no sería ni en una entrevista ni a través de una exclusiva, sino a través de una película”, añade. Para ello, lo mejor era rodearse de amigos porque, “en esta industria donde las cosas a veces son muy frías y muy industriales”, quería que este proyecto tuviera “gente a la que también le importase”. No solo en la parte interpretativa, sino también en los apartados técnicos, donde ha ido cogiendo a la gente que se ha ido encontrando en su carrera como actor.

Su escuela de cine no ha sido la ECAM ni la ESCAC, sino todos los platós que ha pisado desde que era un crío. Y eso, lo reconoce, ha sido uno de sus “mayores complejos” en este proyecto. A pocos días de que acabe el rodaje ya no tanto, pero sí que le costó aceptarlo. “Toda mi vida he hecho una cosa para la que no he estudiado, porque empecé a los seis años a hacerla. Pero quieras que no, tengo 32. Llevo 25 años haciendo esto. Entonces hubo un momento en el que creí que lo podía hacer aunque no hubiese ido a la RESAD. Pero claro, ahora estoy volviendo a empezar de cero. Ahora estoy volviendo a tener esos seis años y empezando a hacer una cosa que no es mía. Hubo un momento en el que me acostumbré y dije: ‘Vale, no he estudiado, pero soy actor’. Ahora ha sido como volver a empezar de cero”.

Recuerda que, desde que tenía diez años, cuando decían ‘corten’, él se acercaba a curiosear las cámaras. Miraba y preguntaba cómo se hacían las cosas, pero el bicho de la dirección y la escritura le picó “más a partir de los 15 años”. “Al final, en una serie tan larga como Cuéntame, iban pasando muchos directores, y cada uno tenía una manera de hacer diferente. Eso me pareció muy excitante, pensar: ‘Si cada uno tiene una manera de hacer, puede ser que yo también tenga una’”. Ahí se cayó una ficha que generó un efecto dominó que ha acabado en Una familia.

Su forma de dirigir, y en eso coinciden todos los actores del rodaje, es “meticulosa”. Se fija en cada detalle, pero siempre desde la horizontalidad. Habla, escucha, duda… “Se nota que es actor en el buen sentido”, dice de él Ana Wagener antes de rodar una escena clave. “Sabe cómo acercarse a un actor, sabe qué le tiene que decir a cada uno en qué momento, cómo comunicártelo. Siempre va a lo positivo. Se acerca a ti y al oído te dice cuatro cosas. Se nota que hace lo que le gustaría que hicieran con él y eso es muy, muy de agradecer, la verdad”, cuenta la actriz, que bromea con que en la película hay muchos silencios entre él y su hijo en la ficción (Patrick Criado). Tantos que bromean con que “parece una de Haneke”.

Para Criado, que este viernes ha estrenado Amarga Navidad, no hay duda: “Quiero seguir estando con él en todas sus películas y en todo lo que haga”. Una frase que resume el estado de todo el equipo. “Fíjate que confiaba en él, porque si no, no habría dicho que sí a la película, pero me ha sorprendido con creces. Me ha sorprendido su capacidad para ir al detalle, su exigencia, y también la calma con la que ha estado. Venir al rodaje es venir a un sitio donde estás hermanado con la gente y notas que vamos todos a una. El equipo se emociona con la secuencia que estamos haciendo y eso se agradece”.

Quien le conoce desde hace más tiempo es Claudia Traisac. “Desde que tenía 12 años y tenía el pelo a tazón”, dice, riéndose. Por eso le cuesta hablar de Una familia sin emocionarse, porque para ella es “especial a demasiados niveles”. La actriz leyó las primeras versiones de guion como amiga. Años después, en un momento dado, pensó que ojalá le hiciera una prueba. Se la hizo. Una prueba “muy larga y muy intensa”. Tenían que probar que no solo eran amigos, ni siquiera dos intérpretes que habían coincidido en escena, sino que podían ser director y actriz. También, de alguna forma, todos han creado una familia. No como la del título, que apunta a esa disfuncionalidad de las familias impuestas o sostenidas bajo la obligación, sino una familia creativa que han logrado cumplir el sueño de aquel chaval que corría por la pasarela de la estación de tren de Villalba.

España está de moda en las películas y series internacionales. Ocurrió con Juego de tronos hace años, pero es una tendencia que está más en auge que nunca. Producciones como la reciente tercera temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon o la nueva película de Los Juegos del Hambre, que se estrenará en noviembre de este año, confirman que nuestro país sigue funcionando como escenario de rodaje.  

El último ejemplo lo encontramos en El joven Sherlock, una de las últimas series que ha lanzado Prime Video. La producción dirigida por Guy Ritchie, disponible en la plataforma desde el pasado 4 de marzo, se ambienta en 1871 y sigue a un joven Sherlock Holmes antes de convertirse en el prestigioso detective. 

Ambientada tanto en la Inglaterra victoriana como en el extranjero, la serie muestra las primeras aventuras de este adolescente que se ve arrastrado a una investigación por asesinato que pone en peligro su libertad. Hero Fiennes Tiffin, popular por su papel en la saga de películas After, se encarga de dar vida al joven Holmes. 

Las localizaciones de la serie

Aunque la historia nos traslada a la Inglaterra victoriana, a París en medio de la revolución e incluso a la antigua Constantinopla, una parte de la serie fue grabada en España. Concretamente, en las ciudades andaluzas de Cádiz y Sevilla, tal como se han hecho eco los diarios locales de ambas localidades.

A lo largo de los capítulos, se utilizan distintos escenarios históricos para recrear ambientes de época. Por ejemplo, La Casa de Pilatos de Sevilla aparece cuando los personajes están en Constantinopla. Con su patio principal y su arquitectura mudéjar tan característica, esta se convierte en un mercado en pleno Imperio Otomano.

Durante su estancia en la capital andaluza, también grabaron en el Rectorado de la Universidad, antigua Real Fábrica de Tabacos de la ciudad. Este lugar aparece en el séptimo episodio, cuando los protagonistas están en París, convertido en un hospital parisino de la época. 

El equipo también se desplazó a Cádiz, donde aparecen principalmente la plaza de Argüelles y el barrio de San Carlos para recrear la Comuna de París. En la provincia gaditana, también viajaron a Jerez de la Frontera, donde utilizaron espacios tan emblemáticos como el Alcázar, el Cabildo Viejo, la plaza de la Yerba y la Real Escuela Andaluza del Arte Ecuestre.

La película islandesa 'Remedio Di-vino' ya se puede ver en las plataformas digitales y está siendo un éxito, colocándose en el ránking de las más vistas en Movistar+ o Prime Video. La comedia, además de hacer de vino un protagonista más, fue rodada en La Rioja en mayo de 2023 y se pueden reconocer muchos de los escenarios, desde el aeropueto de Logroño-Agoncillo hasta los calados de Bodegas Lecea, en San Asensio, que aparecen en el trailer.

El argumento se centra en la expedición de cuatro sacerdotes islandeses que viajan a la región con una misión particular: encontrar el mejor vino de misa del mundo. Los clérigos buscan un “remedio” que les ayude a atraer de nuevo a los fieles a sus iglesias en el norte de Europa, recorriendo para ello algunas de las bodegas y templos más emblemáticos del territorio riojano.

La trama utiliza el Aeropuerto de Logroño-Agoncillo como punto de partida y también grabó escenas en el centro histórico de Logroño. Además, el rodaje se extendió por muchas localizaciones riojanas, en Nájera, Arenzana de Abajo o en la ermita de Santa María de los Arcos en Tricio, donde el propio alcalde participó como figurante. También rodaron en Bodegas Muga de Haro y en San Millán de la Cogolla, además de en varios lugares de La Rioja Alavesa.

Actualmente, 'Remedio Di-vino' está triunfando en España, pero en Islandia, donde su título original es Guðaveigar, se convirtió en la producción nacional más taquillera del año 2024, además de seguir atrayendo espectadores en 2025.

Esta semana ha finalizado el rodaje del cortometraje ‘Opresión’, cuya localización principal ha sido en las localidades guadalajareñas de Mandayona y Sigüenza. El proyecto entra así en fase de posproducción hasta su estreno previsto en otoño.

‘Opresión’ narra la historia de una mujer invisible en la sociedad española de 1971, que descubre la verdad oculta en torno al asesinato de su marido, en un formato a caballo entre el thriller psicológico y el terror.

Se trata de una obra de 18 minutos de duración estimada, escrita por Andrea C. Varona, Félix Lara y Roberto B Juristo, dirigida por el propio Roberto B. Juristo, a cargo de la productora Horados, con la vecina de Marchamalo, Marta Ayuso, al frente.

Mandayona y Sigüenza, protagonistas

El corto llevará a la pantalla el antiguo cuartel de la Guardia Civil de la localidad de Mandayona, convertido hoy en un alojamiento rural, y el Parador de Sigüenza, entre otras localizaciones en las que podrá verse a actores y actrices como Irene Guzmán o Nancho Novo.

La consejera de Igualdad, Sara Simón, que ha visitado el set de rodaje en sus últimas jornadas de trabajo, ha destacado “no solo el encrucijada ante la que se encuentra una mujer a principios de los 70, ”que no se conforma con la realidad“, sino también el hecho de que ”tras ‘Opresión’ hay todo un equipo producción en el que son mayoría las mujeres, en posiciones además de liderazgo al frente de la producción“.

Un hombre entra en un restaurante. Se sienta. Espera nervioso a que entre su acompañante. El hombre tiene el rostro de Javier Bardem. La joven que entra es Victoria Luengo. Ambos dan vida a un padre y a una hija que hace 13 años que no se ven. Él es director de cine. Ella, una actriz que sobrevive trabajando en un bar esperando una oportunidad para demostrar su talento. Él ha vuelto de Nueva York para rodar una película sobre el Sáhara en los años 30 y quiere que ella interprete el papel principal.

Pero hace mucho tiempo que no se ven. Y hay muchas cosas que no se han dicho. Esa comida, ese exacto momento en el que se encuentran, es la primera vez que ambos vuelven a verse. Hay reproches. Rencor. También esperanza. No se miran a los ojos, se esquivan. Hay incomodidad hasta para decidir lo que piden en el restaurante donde él quiere unas verdinas que no están en la carta. 

Son 18 minutos de conversación. Tensa. Con un ritmo que podría ser de thriller. La cámara se centra en sus dos rostros. El de un Bardem que promete estar más desnudo que de costumbre, y el de una Victoria Luengo que no se achanta ante el talento del que tiene al lado. Esa es la escena con la que comienza El ser querido, la nueva película de Rodrigo Sorogoyen, que ya tiene listo su montaje y de la que ha enseñado su comienzo a un grupo reducido de periodistas. Sorogoyen, que tras la proyección dio algunas claves sobre la película que las apuestas y quinielas dicen que se verá en Cannes. 

A Sorogoyen le “gustaba mucho la idea de empezar con estas dos bestias de la interpretación”. “Es una película en la que son los dos protagonistas absolutos, y me gustaba que hubiera algo muy opresivo y, sobre todo, que los escorzos de ambos taparan a la otra persona, que no se dejasen ver, que la presencia de uno estuviera muy presente en la vida del otro”, dice de su puesta en escena de un filme que, como Sirat o Los domingos, recientes ganadoras del Goya, es un original de Movistar Plus+ y que, además, cuenta en su reparto con Raúl Prieto, Raúl Arévalo, Melina Matthews y Marina Foïs.

Una comida real para 18 minutos

Sorogoyen explicó cómo se rodó la escena y, al escucharle, uno entiende el resultado y que haya empezado con semejante terremoto interpretativo. Lo primero que decidió es que “Victoria Luengo y Javier Bardem no se vieran antes de rodar esta escena, con todos los riesgos que eso entrañaba”. Sus personajes hace años que no se ven, y quiso intentar emular esa separación “de la manera más realista posible”.

Ellos se habían conocido en una ocasión antes de este proyecto y, una vez confirmaron su participación, se reunieron con Sorogoyen y su coguionista, Isabel Peña, en un par de ocasiones, pero entre seis y ocho meses antes de rodar esa escena. “Durante esos meses les prohibimos verse. Y yo lo que hice fue ensayar con cada uno por su lado y crear una biografía, todo eso que no está en el guion, todos sus recuerdos”, cuenta. Ahí entran varios de los temas que cree que vertebran El ser querido: “El relato y la memoria”. Crearon recuerdos de los mismos acontecimientos, pero diferentes para cada uno de ellos, porque el recuerdo de cada personaje de esa misma situación es completamente distinto.

Una apuesta “bastante radical” para un primer día de rodaje, que se complicaba con la forma que decidió para rodarla. Lo que el espectador va a ver, esos 18 minutos, son parte de una toma de una hora y media que se rodó sin cortes. El encuentro entre ambos personajes en esa comida es literal, y fue una comida en un restaurante en el que escondieron las cinco cámaras que usaron para que no supieran nunca qué se estaba rodando. 

“Lo que hicimos fue rodar una hora y media, desde que Javier entra y luego ella, toda esa conversación, hasta que se van. No había nadie del equipo en el restaurante, estaban microfonados desde antes”, dice Sorogoyen con una sonrisa pícara. Bardem entró a ese lugar y no vio ni una cámara, ni un técnico. Nada. Se enfrentó a su escena a pelo. Sin artificios. Igual que Victoria Luengo. De esa hora y media había cosas pactadas. “Sí que había diez páginas de guion que tenían que decir, que evidentemente es lo más importante, lo más fundamental de la escena. Pero todo lo que no son esas diez páginas, es todo improvisado. Yo con Vicky pacté unas cosas y con Bardem otras”, explica.

De ahí que los nervios de ese reencuentro sean tan reales, y que Sorogoyen lo califique como “oro”. Todo lo demás, desde qué piden de la carta, cómo reaccionan a lo que comen o beben, es todo su creación in situ. El resultado fue tan potente que, aunque en el guion había tres escenas anteriores, se quitaron para comenzar la película de una forma “contundente”.

La sombra de 'Valor sentimental'

El ser querido es, al final, una historia del intento de reconciliación entre un padre director de cine y una hija actriz, y solo en esa sinopsis ya hay un recuerdo de una película demasiado reciente, Valor sentimental, cuya trama se parece mucho. Sorogoyen aclara que son “dos películas completamente diferentes”, pero con su honestidad habitual ha contado cómo les “afectó muchísimo” cuando se enteraron de que Joachim Trier estaba rodando una película con una sinopsis parecida.

“Todo fue un drama, sobre todo para Isabel y para mí. Pero te estoy hablando de hace dos años. Nos ha dado tiempo a aceptarlo. Yo ahora lo veo como algo muy divertido, lo veo como algo muy natural y que ha pasado en la historia del cine tantas veces que te estalla la cabeza”, analiza. Una vez vista la de Trier, asegura que son distintas y cree que incluso va a ser divertido para el espectador ver esas diferencias.

La principal ya la avanza él: “Nuestra película es el rodaje; la de ellos acaba con el rodaje. Es la principal diferencia en cuanto a trama. Pero, además, el espíritu y el tono son totalmente distintos. Ahora mismo no estamos afectados. Pero no te voy a negar que sí, que fue un shock”. De momento, puede que ambas comiencen su carrera en el mismo sitio, el festival de Cannes. Ojalá el viaje de El ser querido sea igual de exitoso que el de la película de Trier, que ha terminado optando a nueve premios Oscar.

En vez de los Oscar, tenían los Premios Oswald. Su particular blockbuster, en lugar de la saga Indiana Jones, era la trilogía de El rey Escalopendra. Y quién querría el oropel de Hollywood cuando podían disfrutar de las infinitas posibilidades que ofrecía Rivas-Vaciamadrid. El municipio al este de la capital se convirtió, en la primera década del siglo XXI, en el improvisado set de rodaje donde un grupo de amigos desplegaron una imaginación libre, desprejuiciada y un poco kamikaze. Un movimiento cinematográfico sin mandamientos ni profetas, ya que todos hacían de todo. En el que la falta de pasta se suplía con dosis extra de creatividad y el mejor efecto especial era una nevada repentina. Todo esto y mucho más pasaba en Rivollywood, un pequeño fenómeno que ante el peligro del olvido ahora rescatan sus propios artífices.

El documental Érase una vez en Rivollywood, que podrá verse en los Cines Embajadores de Madrid del 6 al 14 de marzo y en el festival de Cine de Rivas entre el 11 y el 21 de mismo mes, recupera la memoria de una singular escena cultural originada en el municipio ripense a partir del año 2000. Compañeros de un multicines de la localidad se conocieron, se cayeron fenomenal y se percataron de que compartían algo: no solo les encantaban las películas, sino que estaban locos por hacerlas. Como fuese. Comenzaron a rodar dramas, comedias, ciencia ficción, historias de terror y muchas aventuras con más ganas que recursos. El resultado fueron decenas de cortos, mediometrajes y largos en menos de diez años. Una efervescencia que ahora José Luis Rojas, uno de sus principales representantes, desgrana en esta película de no ficción.

Aunque que quizá no es esta la definición más apropiada, pues Érase una vez en Rivollywood alterna las declaraciones de muchos de sus artífices (directores, intérpretes, técnicos, guionistas y, sobre todo, gente que hacía de todo) con el fascinante material que salió de sus cabezas y sus manos. Un viaje a través de los géneros y con un progresivo refinamiento, sin perder nunca el encanto de lo que está hecho sin un duro, con obras indescriptibles. Los títulos probablemente no les sonarán, pero dan una idea del eclecticismo de esta filmografía colectiva: La última sesión, El Sótano de Richard Pickman, El intruso, Sinox o, cómo no, la trilogía de El rey Escalopendra.

José Luis Rojas (Madrid, 1979) atiende a Somos Rivas visiblemente emocionado. Acaba de terminar una proyección en la Academia de Cine a la que han acudido los protagonistas del documental, que son también las amistades de su primera juventud. La conversación empieza resaltando una de las intervenciones más brillantes del documental. La productora y directora Alicia Albares, que acaba de rodar su ópera prima La mala madre, compara el aprendizaje de Rivollywood con el de escuelas de cine privadas: “En ellas prima la competitividad, mientras que en Rivollywood se trabajaba como un equipo, era algo más colectivo”.

Rojas está de acuerdo: “En el cine hay una jerarquía clarísima del director, el guionista, el productor... Nosotros cambiamos eso por el sentimiento de comunidad. Esa idea de que un extra se puede acercar al director y decirle tío, tengo una idea buenísima. ¡Y era buenísima!”. Comenta que, incluso cuando “la cosa se nos fue poco de madre, y creamos nuestros premios o nuestras productoras”, todo seguía discurriendo por una sensación de “juego”. Un afán lúdico, por dar con el penúltimo truco final, que quizá tiene más que ver con la concepción original del cine que la búsqueda del rédito económico o el prestigio dominantes en la industria.

Rodar, aprender y seguir rodando

El cineasta llevaba desde 2015 tratando de levantar este acercamiento a esos años en los que se curtió: “Acababa de hacer una webserie sobre vampiros que no funcionó muy bien y sentía cierta nostalgia por esa época, así que se me ocurrió homenajearla. En 2021 filmé mi primera película, El efecto Darma, y al darme cuenta de que estaba ahí gracias a ellos esa necesidad de agradecerlo fue a más”. Cree que, aunque fue “un movimiento local”, puede apelar a personas con una misma manera de entender el cine, la creatividad y el compañerismo: “Tiene un componente universal. Mi idea es que, si alguien quiere hacer cine y no sabe por dónde empezar, con el documental vea que simplemente cogimos una cámara y rodamos, daban igual los medios que tuviéramos y cómo quedara. Rodábamos, aprendíamos y seguíamos rodando”.

Animar a filmar era precisamente uno de los objetivos del cineasta con este proyecto: “Que si lo ve alguien que quiera hacer cine, pues diga... mira estos, lo que han hecho. Que no nos cortábamos y se puede hacer lo que uno quiera, o casi. Que no te van a juzgar porque lo estás haciendo con los amigos. Que uno me puede ayudar en esto y otro en lo otro. Que luego puedes crear tus propios festivales, porque como no teníamos acceso a festivales en aquella época, nos creamos nuestros galardones. Todo era cine, ver películas, hacer programas... A cualquier hora del día, de la noche y de la madrugada”.

A la mente de Rojas vienen “domingos a las 8.00 de la mañana en las que nos daba por grabar una peli loca de aventuras”. Jornadas imprevisibles que fueron toda una enseñanza: “Aprendí a colocar la cámara, qué funciona en la acción o para dar emoción... Y lo hacía gracias la gente que me acompañaba”. Precisamente en ese momento de la charla se sienta junto a él Diego Cabezuelo, uno de sus actores fetiche. Nada menos que Oregon Jones (había que referenciar al icónico personaje encarnado por Harrison Ford, aunque fuese cambiando el estado), el protagonista de El Rey Escalopendra.

La conversación deriva hacia aspectos técnicos y la austeridad con la que filmaban, sobre todo los primeros años. En un momento en que las opciones tecnológicas y económicas eran especialmente complejas, adoptaron el formato MiniDV, con las limitaciones que implica el vídeo. La llegada de las primeras cámaras digitales facilitó los rodajes (y los montajes), pero nunca dejaron esa parquedad de medios. Mientras, fueron arrastrando a amigos, parejas, familiares y compañeros de trabajo que ensanchaban el universo Rivollywood. El cielo era el límite... al menos, en el primer boceto de las historias.

“Teníamos la filosofía de que la primera escritura del guion teníamos que pensarla como si tuviéramos el mayor presupuesto del mundo, escribir lo que de verdad quieres. Luego ya llegaban los planes B, C... Si al final no pueden venir ni los cuatro colegas con los que contábamos, ya nos buscaríamos la vida. Es ahí cuando te tienes que preguntar cómo rodar lo que pensabas mostrar con otros medios”, explica Rojas. A falta de efectos especiales (la llegada años después del After Effects, con su correspondiente facilidad para simular disparos o explosiones, sería como encontrar agua en el desierto), el reflejo de unos espejos puede servir para hacer pasar a cinco personas por una multitud. “La IA la hubiéramos usado a saco”, admite, aunque dice no ser demasiado fan de muchas de sus implicaciones.

Rivas, plató de cine

Uno de los entrevistados de Érase una vez en Rivollywood es Ricardo Mayoral, concejal de Juventud del Ayuntamiento de Rivas en la época más esplendorosa del fenómeno. La corporación municipal respaldó económica o dotacionalmente al movimiento en determinados momentos, aunque su principal aportación fue dar carta blanca “En un principio hacíamos lo que nos daba la gana. Grabábamos persecuciones en coche a las 3.00 de la madrugada. Hoy en día eso sería impensable, la ciudad está mucho más urbanizada así que tendríamos que irnos más lejos para no molestar a nadie”, recuerda Cabezuelo.

“El engranaje funcionaba muy bien por el sitio donde era. No solo porque es el lugar donde nos juntamos todos los que teníamos una pasión increíble por el cine, sino por sus características. A nuestra disposición había entornos urbanos, zonas más rurales, búnkeres de la Guerra Civil abandonados y un montón de espacio libre”, recalca Rojas. Su actor fetiche apostilla, eso sí, que el rey de los escenarios era “el descampado”.

Aquella nevada citada en el arranque de este texto fue uno de los grandes hitos en el potencial cinematográfico de Rivas. Corría el año 2005 cuando un manto blanco cubrió la localidad. Rojas aprovechó esta anómala circunstancia y en cuanto se levantó de la cama movió cielo y tierra para filmar una secuencia con Cabezuelo. Esas escenas se convirtieron luego en el arranque de El rey Escalopendra 3.

Esta saga acabó por convertirse en la creación más depurada de Revollywood. Su tercera entrega, de hecho, se rodó a lo largo de más de un año: “Hubo cortos que hicimos en dos noches. Pero en El rey Escalopendra 3 la secuencia final, en las vías del tren, se filmó entre un verano y el siguiente. Claro que en esa misma peli hay otras en las que pasaron diez minutos desde que las dibujamos en una servilleta hasta que las habíamos grabado”, rememora el director.

Un tiempo en el que filmar todavía era excepcional

Si la ubicación en la que se forjó Rivollywood contribuyó a la excepcionalidad del fenómeno, también lo hizo el momento temporal. Una etapa en la que tenían acceso a las cámaras, pero en la que filmar aún era algo fascinante, casi inaudito. Diego Cabezuelo cree que la generalización de los dispositivos de grabación a través de los móviles, y la forma en la que se enfoca hoy el audiovisual, complica este tipo de movimientos creativos: “Tienen TikTok, plataformas de streaming y en general una sobreproducción. Todo el rato cuentas con tantas cosas donde elegir que quizá la calidad incluso merma porque lo que importa es producir mucho contenido”.

A comienzos de los 2000, en cambio, la viralidad era que te parara un vecino: “Las cintas de VHS empezaban a repartirse por Rivas y de repente el panadero te decía que te había visto en una peli”. Rojas recuerda que en esa época “te explotaba la cabeza al verte en una pantalla”, algo a lo que ya estamos mucho más acostumbrados. “Eso se ha perdido, igual que parte de la mitomanía del cine o de las salas. Ya tampoco se analiza tanto como se hacen las películas o cómo se ha montado una escena”, añade.

Para Cabezuelo, además, en el cine español falta riesgo: “A lo mejor ahora hay gente que coge y hace un corto más intimista, un poco personal. Se ve algún corto de ciencia ficción, pero por ejemplo es muy raro dar con alguno de aventuras. Parece que da vergüenza hacer cosas entretenidas y da miedo arriesgar. Mucha gente dice que se hacen demasiadas películas de la Guerra Civil. Yo no estoy de acuerdo, pero sí me pregunto por qué tan pocas de ellas son cine bélico. No hay que temer a los géneros”.

De la autogestión a la industria

José Luis Rojas ha vivido en sus propias carnes el paso de una forma de entender el cine completamente libre a otra constreñida por el calendario, el presupuesto o las limitaciones de agentes externos. Lo mismo ha ocurrido con otros directores, productores, directores de fotografía e intérpretes implicados en Rivollywood como Pedro Ruiz, Iker Méndez, David Gutiérrez o Lucía Caraballo.

Nos daba todo igual, mezclábamos los géneros como queríamos y usábamos música de Hans Zimmer o de John Williams mientras mi abuela nos preparaba el vestuario

José Luis Rojas — Director de 'Érase una vez en Rivollywood'

“Teníamos una libertad única”, opina Rojas en retrospectiva. “Un día podías llegar y, si las cosas no salían, volver a casa e intentarlo el siguiente. En la industria no tienes esa opción. Si tienes que rodar 30 planos en una jornada, o lo haces o estás jodido”. Echa en falta ese margen “para ser original y para innovar”, pero también “para reírte con tus amigos”. “Nos daba todo igual, mezclábamos los géneros como queríamos y usábamos música de Hans Zimmer o de John Williams mientras mi abuela nos preparaba el vestuario”. En cambio, cree que el cine elaborado desde la industria “no es divertido de hacer”.

Ambos recuerdan el estreno de El rey Escalopendra 3 en el mismo multisalas de Rivas en el que su corriente cinematográfica comenzó a forjarse. Al respecto, José Luis Rojas cuenta una bonita anécdota: “Por entonces algunos colegas ya tenían hijos. Los peques flipaban, no acababan de entender lo de que sus padres salieran en una película de acción, con tiros, persecuciones y muchos saltos. Todo era más excepcional”. Desde luego esa palabra define a la perfección lo que supuso Rivollywood, antes de que sus integrantes comenzaran a disgregarse alrededor de 2009: un cometa de creatividad que dejó mella en un humilde municipio a las afueras de Madrid.

Nicole Kidman y Ewan McGregor son actualmente dos estrellas consolidadas en el cine y la televisión, con carreras longevas y exitosas en Hollywood. En 2001, ya eran dos caras muy conocidas para la gran pantalla, pero su estrellato todavía fue a más con el estreno de Moulin Rouge, que fue más que un musical, como demuestra su influencia en el cine 25 años después.

La película, dirigida por Baz Luhrmann, fue un éxito en taquilla y se llevó dos premios Oscar a Mejor vestuario y dirección de arte, nominada a un total de once categorías, entre ellas las de mejor película y mejor actriz.

Moulin Rouge terminó de encumbrar a Nicole Kidman como estrella

Y es que, precisamente, protagonizar Moulin Rouge fue para Nicole Kidman un importante espaldarazo en un momento complicado a nivel personal, al confirmarse ese mismo 2001 su divorcio de Tom Cruise. Al mismo tiempo, la actriz también estrenó Los Otros, de Alejandro Amenabar, que rodó al mismo tiempo.

Interpretar a Satine, personaje sobre el que gira el peso y la historia de Moulin Rouge, llevó a Nicole Kidman a ser una estrella confirmada e inauguró una era que le llevaría a ganar el premio Oscar en 2003 por Las horas. Un rodaje que le exigió, al que se entregó y donde enfrentó escenas de baile que ensayó durante semanas. De hecho, en uno de ellos se rompió dos costillas y se lesionó gravemente de la rodilla.

En la película, Nicole Kidman visitó vestuario inspirado en divas de Hollywood como Rita Hayworth o Marilyn Monroe, lo que llevó a ser también un icono elegante de moda, tanto que Karl Lagerfeld la contrató para ser la imagen del icónico perfume Chanel Nº5. Y es que para Moulin Rouge se confeccionaron alrededor de 450 vestidos y trajes, así como un collar valorado en 2,5 millones de dólares que se inspiró en estilo Luis XVI realizado en oro blanco de 18 quilates y más de 1.000 diamantes.

La inspiración para crear la historia de Moulin Rouge

La película Moulin Rouge nos cuenta la historia de Christian, un joven inglés que decide mudarse a París para vivir la revolución bohemia desde dentro en 1899. Allí acaba en el epicentro que forma el club nocturno del mismo nombre que el título del filme, donde tanto ricos como pobres dan rienda suelta a sus pasiones, y ahí conoce a Satine, de la que se enamorará perdidamente.

Baz Luhrmann quiso hacer su propia versión de Moulin Rouge de 1952, de John Ford, con José Ferrer y Zsa Zsa Gabor como protagonistas, y se le ocurrió el proyecto que llevó a cabo en plena India, cuando estaba investigando para Sueño de una noche de verano. Al ir a ver una película de Bollywood al cine acabó en una cinta de más de tres horas que mezclaba comedia, drama, tragedia y música, y pensó en hacerlo, introduciendo además elementos de la ópera.

Así, se basó en la propia historia real del cabaret parisino, retratado por Henri Toulouse-Lautrec y en la historia del pintor, así como incorporó elementos de La dama de las camelias, La Traviata, de la obra de Giacomo Puccini y de Orfeo en los infiernos de Jacques Offenbach.

¿Cómo se graba el videoclip de una canción? Lo más normal es que el artista cante en playback mientras suena el tema, para así poder sincronizar después en edición la imagen con el sonido. Pero ¿y si estamos hablando de una de las artistas más relevantes de la industria musical? ¿Y si el videoclip que se está grabando pertenece a una canción que nadie conoce porque el álbum todavía no se ha publicado?

La respuesta la tiene Taylor Swift y su forma tan peculiar de filmar algunos de sus vídeos musicales. Para evitar que sus canciones se filtren y lleguen a los oídos de todos antes de la fecha oficial de lanzamiento, la intérprete de Blank Space toma serias medidas en el estudio de grabación. Nadie puede escuchar la canción antes de tiempo. Ni siquiera los bailarines, técnicos y equipo de producción que participan en el rodaje.

Así lo confirmó el diario The Sun el verano pasado, cuando contó en exclusiva que la cantante estaba grabando un videoclip secreto en Los Ángeles y compartió la forma en la que este se había rodado. “El vídeo era tan secreto que a los que trabajaban en el set ni siquiera se les permitió escuchar la canción, solo el ritmo”, señaló el medio inglés entonces.

Esto era algo sobre lo que se especulaba desde hacía tiempo. Los rumores surgieron después de que la artista compartiera el detrás de cámaras del videoclip de ME!, canción de su álbum Lover. Las imágenes de aquel rodaje mostraban a la artista y al equipo de bailarines en silencio, utilizando únicamente un metrónomo para poder guiarse en el ritmo real de la canción. 

Es el mecanismo que Swift, que el año pasado lanzó su duodécimo álbum de estudio The Life of a Showgirl, ha encontrado para evitar que cualquier persona que trabaje con ella pueda grabar sus canciones con su teléfono y filtrarlas más tarde tanto a la prensa como a los seguidores de la cantante. 

Su aparición en ‘The Graham Norton Show’

Pero la obsesión de la compositora estadounidense con esto de las filtraciones no solo está patente en los rodajes de sus videoclips, sino también en sus apariciones en programas de televisión. El caso más reciente lo encontramos en The Graham Norton Show, programa que Swift visitó para promocionar The Life of a Showgirl. El problema es que la grabación del show se hizo días antes de que su disco estuviera disponible en plataformas, lo que obligó a los participantes a aparentar que estaban escuchando el nuevo sencillo de Swift cuando realmente lo que había en el plató era silencio.

“Nos dijeron a todos que fingiéramos que lo estábamos escuchando, porque obviamente no podían reproducirlo porque aún no había salido y no querían que se filtrara a ningún lado”, compartió una chica que estuvo como público en su perfil de TikTok.

Cuando Cecil B. DeMille recreó por primera vez la vida de Moisés y la liberación del pueblo hebreo de la esclavitud egipcia, lo hizo para la versión de Los Diez Mandamientos que se estrenó en 1923 y que se rodó en Seal Beach, California. Treinta años después, cuando Paramount Pictures quiso rehacer la epopeya bíblica en Technicolor y VistaVision, el director volvió a ponerse al frente del proyecto. Esta vez, se trasladó a Egipto y la península del Sinaí para el rodaje.

La versión de 1956 se convirtió así en una de las películas más aclamadas no solo de DeMille, sino también de la historia del cine clásico. Fue el largometraje más exitoso del año en que se estrenó y el segundo más taquillero de la década, recaudando aproximadamente 122,7 millones de dólares de entonces. Parte del éxito se lo debemos sin duda a la escena en la que Charlton Heston, quien interpretó a Moisés entonces, extiende su bastón y separa las aguas del Mar Rojo.

Hablamos de unas de las secuencias más complicadas de la historia del cine por lo que supuso su rodaje. Según recoge el Grupo del Museo de Ciencias en su página web, esta se creó mediante una combinación de retroproyección y fotografía óptica. La filmación se llevó a cabo a orillas del Mar Rojo y en los estudios de Paramount, y tardó hasta seis meses en desarrollarse.

Rodaje y premios

“El muro de agua se creó en los estudios de Paramount a escala 1/5 utilizando una rampa inclinada de aproximadamente 9,7 metros de alto y 24 metros de largo. El agua se suministraba desde un tanque elevado a través de 15 válvulas hidráulicas controladas manualmente, lo que permitía que los 1.360.000 litros de agua cayeran en cascada en una fina lámina”, recuerdan.

Para capturar el movimiento del agua, se colocaron diferentes listones de madera a lo largo de la rampa que permitían que el líquido chocara, provocando variaciones en la velocidad que aportaban cierto realismo al efecto. Las tomas que se rodaron entonces se utilizaron después al revés, para dar la impresión de que el agua subía y el mar se abría en dos para dar paso a los personajes.

Todo en aquella película que llegó a cines hace 70 años se hizo a lo grande. Contó con un presupuesto de unos 13 millones de dólares de la época y se calcula que en el rodaje participaron unos 14.000 extras y 15.000 animales, por lo que cada plano requería una coordinación monumental por parte del equipo. 

Además del éxito que consiguió en taquilla, no es de extrañar que Los Diez Mandamientos terminara llevándose el Oscar a Mejores efectos especiales en 1957. Fue el único premio que la película consiguió por parte de la Academia de Cine de Hollywood, pese a estar nominada en otras muchas categorías, incluyendo Mejor película, dirección de fotografía, diseño de vestuario, sonido y edición. 

El pueblo albaceteño de Ayna, en plena garganta del río Mundo, se ha hecho famoso con los años por formar parte de las tres localizaciones, junto con Liétor y Molinicos, en las que José Luis Cuerda rodó en1989 ‘Amanece, que no es poco’, convertida décadas después en una película de culto. Allí se celebra cada año la famosa ‘Quedada Amanecista’, donde los fans del filme se reúnen para recrear escenas y pasárselo en grande.

El impulsor fue el alcalde ayniego, Juan Ángel Martínez, quien curiosamente interpretó en la película al “niño deprimío”. Con este evento consiguió atraer turismo de toda España hacia esta zona, enclavada en la espectacular Sierra del Segura.

Pero ahí no quedó la cosa, el Ayuntamiento de Ayna, localidad conocida como la 'Suiza manchega', comenzó hace dos años a fraguar un nuevo proyecto poniéndose en contacto con profesionales del sector turístico. Así conoció a Ana Alonso, experta en comunicación y entonces directora de Relaciones Institucionales de Escapada Rural.

Comenzaron a tejer un proyecto que hace tan solo dos meses se convirtió en la Red de Pueblos de Película y que ya cuenta con 15 municipios adheridos. El objetivo: que la gente acuda a estos municipios, pero también conozca el resto de su patrimonio más allá de sus localizaciones cinematográficas.

Su puesta de largo se celebró en la pasada edición de la Feria Internacional de Turismo (FITUR), en el estand de TourEspaña, con el apoyo de la Diputación de Albacete. Buscan la adhesión de municipios colaboradores del medio rural que han acogido rodajes de películas y series o que cuenten con eventos audiovisuales que puedan atraer visitantes.

El concepto va más allá del 'turismo de cine' o de que el visitante se limite a visitar una localización famosa por acoger un rodaje y después marcharse. Ana Alonso, actualmente CEO de The Travelling Set y presidenta de la Red, habla de “turismo de pantalla”: el colectivo quiere abarcar a pueblos que han albergado o inspirado también cortometrajes, documentales o videojuegos. Es decir, arrojar luz sobre su “patrimonio audiovisual”.

“Se trata de promover el interés potencial que estos pueblos tienen. Pero no solo porque hayan acogido películas o eventos, sino también porque en ellos se celebran eventos importantes como festivales de cortometrajes que trascienden los límites del municipio y que también pueden servir para que el turismo no se quede solo en eso, sino también para conocer su patrimonio cultural, su paisaje y su gastronomía”, destaca.

Ayna fue el pueblo fundacional, pero entre la quincena de localidades ya adheridas, hay todo un “crisol de atractivos”. Es el caso, por ejemplo, de Covarrubias, en la comarca del Arlanza (Burgos). Es muy conocido por haberse rodado allí ‘El bueno, el feo, el malo’ o ‘El Valle de las Espadas’. Pero a raíz de ello, se va a abrir este año un museo en honor a Carlo Simi, el escenógrafo de las películas de Sergio Leone. Está además muy cerca de Santo Domingo de Silos, también pueblo colaborador y escenario de otras muchas cintas del espagueti western.

Otra localización adherida a la Red es Torrelaguna, en Madrid, que es “ya casi como un plató”. Allí se rodó ‘Todos lo saben’, con Penélope Cruz y Javier Bardem a las órdenes de Asghar Farhadi; y también ‘El viaje a ninguna parte’, de Fernando Fernán Gómez, o la serie ‘Los favoritos de Midas’.

El Alfoz de Lloredo, en la costa occidental de Cantabria, ha inspirado también rodajes de películas como ‘Primos’ y otros televisivos o de cortometrajes y campañas promocionales. En esta región, Camaleño forma también parte de la Red. Allí se rodó, entre otras producciones, ‘Marianela’, adaptación cinematográfica del libro del Benito Pérez Galdós.

Otro ejemplo es Cardona, en la provincia de Barcelona, que acogió parte del mítico rodaje de ‘Campanadas a medianoche’, de Orson Welles; o Loarre, en Huesca, cuyo castillo puede verse en ‘El reino de los cielos’, de Ridley Scott, y sus localizaciones, en ‘Irati'.

A esta lista se suma Malpartida de Cáceres, que mantiene su esencia de pueblo a pesar de recibir cada año a un gran número de turistas que desean conocer su rico patrimonio natural y cultural, pero sobre todo el Monumento Natural de los Barrruecos, paraje que ha albergado el rodaje de la serie ‘Juego de Tronos’.

Tabernas, en Almería, es quizás de los municipios más conocidos adheridos a esta asociación. En su término municipal y sus desiertos se rodaron escenas de ‘Indiana Jones y la última cruzada’, ‘Lawrence de Arabia’, ‘Patton’ o ‘La muerte tenía un precio’, entre otras muchas producciones.

“Para nosotros son pueblos donde el objeto de deseo va más allá de la localización. Queremos poner en valor sus monumentos. La historia cinematográfica, en realidad, es un relato para conocer mejor estos lugares y que la gente acuda, pero hay un patrimonio más allá de estas localizaciones. Nos hemos dado cuenta de que en el mundo rural hay mucha riqueza audiovisual y trabajar en red con pueblos pequeños es muy fácil. Sus ayuntamientos son más flexibles para aceptar iniciativas”, resalta Ana Alonso.  

La Red de Pueblos de Película trabaja a su vez con los datos del Observatorio del Turismo de Pantalla, un proyecto “inédito” en todo el mundo que trabaja con empresas especializadas en “inteligencia turística” como ViventialValue o YouGov. “Hasta ahora, nadie había profundizado en el análisis de un nicho de mercado con tantas posibilidades de desarrollo”.

Estas empresas recaban información mediante encuestas y cuestionarios para conocer el impacto del turismo rural sobre determinados pueblos. Esos datos les sirven para contactar con municipios, que se adhieren a la Red mediante convenios de colaboración. A cambio, reciben una serie de prestaciones como asesoría, el uso de la marca de Pueblos de Película, formación y encuentros presenciales y online.

Según un estudio elaborado por este Observatorio, entre tres y cuatro de cada 10 encuestados de los distintos países analizados estarían dispuestos a pagar más por participar en experiencias vinculadas con la pantalla, ya sea mediante rutas, estancias o actividades tematizadas.

El impacto de un rodaje en un municipio

Esto confirma que el turismo de pantalla posee “un margen de rentabilidad real”, sustentado en “la disposición del visitante a invertir más en propuestas experienciales diferenciadas. En definitiva, el turismo de pantalla no solo actúa como herramienta de promoción territorial, ”sino que incrementa el valor percibido de la experiencia turística“.

El estudio también indica que este tipo de turismo contribuye a la diversificación geográfica, “invitando a descubrir incluso destinos rurales y menos masificados”. En conjunto, se aprecia “como una oportunidad emergente para atraer visitantes internacionales hacia el interior del país, ofreciendo nuevas vías de desarrollo que los pueblos de película deben analizar y preparar”.

Intentamos también implicar al tejido empresarial del municipio o la comarca, para que se sensibilice y podamos ayudarles a crear producto

La experta en comunicación destaca la importancia de conocer el impacto de un rodaje en un municipio. “Así conseguimos saber qué es lo que queda después, entender cómo trabajan los equipos de rodaje, si al final hay decorados efímeros que no tienen por qué destruirse y se les puede dar uso en el pueblo. Intentamos conocer bien qué posibilidades hay y también implicar al tejido empresarial del municipio o la comarca, para que se sensibilice y podamos ayudarles a crear producto”.

La Red de Pueblos de Película ya tiene previsto celebrar su primer encuentro entre mayo y junio, combinando una agenda lúdica y otra más de colaboraciones y reuniones. Con 15 pueblos adheridos en tan solo dos meses, esta asociación no descarta que para entonces pueda haber más de una treintena de pueblos asociados.

Cuentan también con el apoyo del Ministerio para la Transición Ecológica y el Reto Demográfico (MITECO), principalmente porque el proyecto también quiere luchar contra la despoblación rural. “Si este segmento genera interés o hace que pequeños negocios piensen en ello para atraer gente, eso puede contribuir a hacer que un municipio sea más atractivo para vivir. Podemos cambiar ese relato que habla continuamente de zonas deprimidas”, concluye.

La última película rodada en Cádiz que llegó a los cines fue Tierra de nadie. El largometraje dirigido y producido por el barbateño Álvaro Ariza, que hace una radiografía del narcotráfico en la ciudad andaluza, se estrenó a mediados de 2025. En él aparecen varios escenarios emblemáticos de la capital gaditana, como el Puente de la Constitución de 1812, conocido popularmente como “Puente de la Pepa”.

Tierra de nadie se sumó así a la lista de películas emblemáticas rodadas en la Tacita de Plata, como Muere otro día (2002). Esta película de 007 fue la cuarta y última en la que Pierce Brosnan interpretó a James Bond, marcando un punto de inflexión en la saga. Además, el filme contó con una de las escenas más recordadas de toda la saga, la de Halle Berry saliendo del mar, y esta se rodó concretamente en una de las playas más bonitas de la ciudad: la playa de la Caleta.

La película se grabó en varios lugares, incluyendo Londres o Islandia, pero el rodaje no consiguió trasladarse hasta La Habana, como se cuenta en la historia de la película. Al equipo no le quedó más remedio que buscar algún lugar parecido a la capital cubana, y así fue como dieron con Cádiz. La ciudad más antigua de Europa se convirtió entonces en escenario de una superproducción de Hollywood. 

En Muere otro día, el Campo del Sur es el Malecón de la Habana. La playa de la Caleta, el Castillo de Santa Catalina y el mítico Balneario de la Palma dejaron de ser de Cádiz por un día para representar distintos rincones ficticios de la ciudad cubana. Fue allí mismo donde Berry, al salir del agua, rindió homenaje a Ursula Andress en 007 contra el Dr. No, rodada 40 años antes.

El rodaje de Muere otro día tuvo lugar principalmente entre diciembre de 2001 y febrero de 2002, por lo que los actores visitaron Cádiz en pleno invierno. Esto hizo que la escena de la playa fuera especialmente complicada para Berry. “El día del rodaje hizo tanto frío que la pobre lo pasó muy malamente, entre toma y toma hubo que abrigarla con toallas para que no pillara una pulmonía”, recordaron hace poco en el programa La Historia en ruta de la SER. 

La próxima película de James Bond tardará en llegar

Sabemos que Denis Villeneuve dirigirá la próxima película de James Bond, pero no tenemos mucha más información sobre la siguiente entrega de la saga. Tras la marcha de Daniel Craig, Deadline filtró que el nuevo Bond correrá a cargo de un actor desconocido, británico y de alrededor de 30 años, aunque no llegó a dar ningún nombre. Tampoco queda claro si este ya está elegido. 

El cineasta todavía está inmerso en el desarrollo de la tercera película de Dune, por lo que parece que habrá que seguir esperando. El filme más reciente de la saga fue Sin tiempo para morir (2021), que se estrenó hace casi cinco años y simbolizó la despedida de Craig del personaje al que interpretó durante 15 años.

Cleopatra es probablemente una de las películas más conocidas de Elizabeth Taylor. Aunque a lo largo de 70 años participó en 56 películas y 10 filmes para televisión, su papel como la última reina del Antiguo Egipto se convirtió en el más icónico de su carrera. La película fue todo un éxito para la crítica y se convirtió en la más taquillera de 1963 (con 24 millones de dólares). Sin embargo, el rodaje estuvo marcado por numerosos contratiempos.

El rodaje de Cleopatra empezó el 30 de septiembre de 1960 en Londres. Entre otras condiciones, Elizabeth Taylor había establecido en su contrato que no se rodará en Estados Unidos para evitar problemas fiscales. Este requisito de la actriz, que ganó un millón de dólares por el papel, hizo que la producción se trasladara a Inglaterra. Con lo que no contaba el equipo entonces era que el clima londinense afectaría tan negativamente a la salud de Taylor.

La actriz, que ya entonces padecía de dolores de cabeza y espalda, enfermó gravemente tan solo 30 días después de haber empezado la grabación del filme. La salud de Taylor empeoró tanto que el equipo acabó contactando con el médico de la reina Isabel II. Tras varias pruebas, descubrieron que la intérprete tenía meningitis y una inflamación de la capa externa del cerebro. Tuvo que estar un mes ingresada, lo que retrasó el rodaje.

Tras la enfermedad, problemas logísticos y un romance

Los problemas de salud de Elizabeth fueron el principio de una gran crisis. Peter Finch y Stephen Boyd, los actores que habían sido elegidos para interpretar a Julio César y a Marco Antonio, dimitieron. Rouben Mamoulian, quien había sido elegido para dirigir la película, fue entonces despedido. A esto se sumaron problemas con la producción y los decorados. Cleopatra requería escenarios gigantescos y vestuarios elaborados, lo que disparó los costos y obligó a construir sets enormes. 

El presupuesto original se duplicó varias veces, sobre todo después de que el rodaje se trasladara de Londres a los estudios Cinecittá de Roma, donde los escenarios tuvieron que volver a construirse. Joseph L. Mankiewicz acabó dirigiendo la película, pero entonces surgió el famoso romance entre Elizabeth Taylor y Richard Burton, que también marcó el desarrollo de la película.

El actor británico fue contratado para interpretar a Marco Antonio tras la salida de Boyd y, al poco tiempo de conocer a Taylor, empezaron una relación. El escándalo pronto saltó a la prensa: tanto él como la actriz de Hollywood estaban casados en ese momento. La relación fue duramente criticada por la opinión pública y seguida de cerca por los medios. Sin embargo, el equipo 20th Century Fox a cargo de la película pronto entendió que aquello también podía convertirse en una enorme herramienta de promoción.

Las conversaciones sobre el romance llegaron tan lejos que aquellos que consiguieron una entrada para el estreno de Cleopatra pagaron 100 dólares por cada una de ellas, según recoge Forbes. A pesar de su recaudación en taquilla, la película no logró recuperar la inversión inicial: hacerla costó 44 millones de dólares y fue la más cara rodada hasta ese momento.

El amor de Richard Linklater al cine se nota no solo en cada película que hace, sino también cada vez que da una entrevista o una rueda de prensa. Se le acumulan las referencias, las menciones… No solo eso. También tiene su propio cine en Austin (Texas), desde el que programa sus películas favoritas. Seguro que en esa sala ha proyectado infinidad de veces Al final de la escapada, la obra maestra con la que Jean-Luc Godard reventó las normas del cine en 1960. Un cine libre, rompedor y que desafiaba las formas imperialistas. 65 años después, la película de Godard sigue siendo un soplo de aire fresco. Sigue sonando moderna, nueva e indomable.

El director de la trilogía de Antes de… o Boyhood, entre otras, descubrió el filme cuando tenía veintipocos años, en una época en la que se encontraba “pasando de ser un futuro novelista y dramaturgo a cineasta”. “Recuerdo leer libros y entrevistas y sentirme muy interesado. Veía todas las películas en los cines. La razón por la que comencé a estudiar cine fue, simplemente para ver películas. En la primavera del 88 —en 1985 fundó la Austin Film Society— mostré 17 películas de Godard. Perdimos mucho dinero, pero lo hice para mi propia educación. Pensé que tenía algo que aprender. Aunque no puedes imitar a Godard. Probablemente, a nivel psicológico y humano no entiendes realmente las películas de Godard. Están más en tu cerebro, pero encuentro eso fascinante. Es un pensador tan inusual…”, decía el director desde el pasado Festival de Cannes.

Fue en el certamen francés, dónde si no, donde se presentó su carta de amor a la nueva ola francesa. Nouvelle Vague, que llega a los cines este viernes, respira admiración y cariño por aquellos directores que cambiaron todo, especialmente por Godard. Es en el rodaje de Al final de la escapada donde Linklater coloca su cámara para contar las bambalinas de aquella obra maestra y hacer una defensa del cine como arte comunal. Para ello copia sus recursos, como si el filme de Linklater fuera casi el making of del de Godard. Rodada en francés, el filme ha acabado enfrentándose a uno de esos golpes irónicos del destino, ya que en EEUU se verá en Netflix, una plataforma que Godard despreciaría con toda su ira.

No le importa haber caído en la “romantización”, y recuerda que es que aquellos directores, además, eran gente que “se veían geniales”. “No sé si es parte de la mitología, pero pienso en mí dirigiendo y soy un tipo con vaqueros y una camiseta de manga corta, pero pienso en ellos, en Truffaut y digo, 'ahhh eso es ser un director de cine'. Tenían sofisticación, glamour… esas cafeterías llena de humo, los coches…”, subraya.

Para él, “hablar de la nouvelle vague siempre es relevante”. “Siempre digo que Al final de la escapada llega justo en medio de la historia del cine, y es una obra tan novedosa que creo que siempre hay algo nuevo en ella que vale la pena explorar. No se puede imitar. Es un momento histórico fascinante: el nacimiento del cine personal, en el que la tecnología, con las cámaras más ligeras, hace que las películas sean diferentes. Y esa idea sigue siendo bastante radical. Se rebelaban contra la industria francesa de la época. Y simplemente estaban atacando. Siempre hay espacio para lo nuevo, para la revolución. Mi primera película me hizo sentir así. Es importante que el artista se sienta así”, añade.

Un pintor pinta. Un escritor escribe, pero cuando tienes que incluir a otras personas en el proceso artístico, este se vuelve bonito, porque hay tensión y complejidad

Richard Linklater — Cineasta

La película es una mirada “a un equipo”, y eso entronca con una de las constantes de Linklater, que reconoce que está “un poco obsesionado con el arte colectivo”. “Tengo otra película este año, Blue Moon, y trata sobre una colaboración artística. En ese caso son dos personas. Aquí es sobre un equipo, pero el proceso artístico es fascinante. Hablamos del aspecto comunitario y la colaboración. Un pintor pinta. Un escritor escribe, pero cuando tienes que incluir a otras personas en el proceso artístico, este se vuelve bonito, porque hay tensión y complejidad. Así que si iba a hacer una película sobre hacer una película, quería incluir al equipo. Y este es un equipo muy pequeño. No hay técnico de sonido. No hay pértiga. No hay vestuario. No hay localizaciones. Pero sí está lo básico y quería rendir homenaje a todas esas personas”, subraya.

Define su acercamiento como “una película sobre los orígenes”, no sobre los mitos construidos posteriormente. Por ello le pidió a los actores “que se alejaran del icono”. “Eran solo unos jóvenes haciendo una película como si fuera a convertirse en la más influyente. Pero la vibra no era esa, sino una pequeña revolución personal que ocurre cuando una persona está junto a otras personas. Y nunca volvería a suceder de esa manera. Ni siquiera debería haber sucedido entonces. Pero había algo en Jean Seberg, en Belmondo… eran tan únicos. Fue un momento perfecto en el tiempo. Una de esas locas confluencias artísticas de personalidades”, dice de aquella película.

Quizás por ello ha elegido a intérpretes que no son especialmente conocidos. O lo justo, como Zoey Dutsch, que interpreta a Seberg. Sin embargo, son los dos actores franceses, Guillaume Marbeck, como Jean-Luc Godard; y Aubry Dullin, como Jean-Paul Belmondo, quienes consiguen que el espectador se sienta hipnotizado. Linklater logra que parezca que miremos por la cerradura de una puerta para ver aquel rodaje. Niega que tenga un deseo de haber podido vivir aquello, pero sí que concede que debió ser “un gran momento para ser joven”: “No fumo, pero supongo que lo habría hecho. Sí, hubiera fumado mucho. Es fácil idealizar aquel momento, pero me encanta esa época, con todos sus defectos. Se puede mirar atrás históricamente y reconocer que fue un momento artísticamente interesante”.