La ciudad de Logroño acoge durante esta semana el rodaje de “Cisco y Trizas”, un cortometraje escrito y dirigido por Santiago Tabernero que reúne por primera vez en un mismo proyecto cinematográfico a Pepe Viyuela y Patxi Freitez. Dos actores riojanos con una extensa y reconocida trayectoria profesional que, a pesar de compartir sus raíces y décadas de experiencia en la interpretación, nunca habían trabajado juntos.

Cisco y Trizas cuenta la historia de dos amigos inseparables durante la infancia cuyas vidas han tomado caminos muy diferentes. Muchos años después, un encuentro fortuito a las puertas de un restaurante de lujo vuelve a ponerlos frente a frente: Cisco es ahora un empresario acomodado, mientras que Trizas vive en la calle. Lo que comienza como una conversación inesperada se convierte en un viaje a los recuerdos compartidos, donde el humor, la ironía y la emoción se entremezclan para hablar de la amistad, el paso del tiempo, la dignidad y las diferencias sociales.

El rodaje se desarrolla en diferentes enclaves del centro de Logroño, con especial protagonismo de Bodegas Franco-Españolas, que acogerá buena parte de las secuencias de la película. La versatilidad arquitectónica y la singularidad de sus espacios permitirán recrear diferentes ambientes, desde un sofisticado restaurante hasta el improvisado refugio de uno de los protagonistas, convirtiendo a esta emblemática bodega en una localización fundamental para la narración.

La producción aprovechará también otros escenarios reconocibles de la capital riojana, incorporando su paisaje urbano a la identidad visual de la película. Entre ellos, el entorno del Puente de Hierro, uno de los espacios más característicos de Logroño, que tendrá una presencia destacada en algunas de sus secuencias.

Pepe Viyuela y Patxi Freitez cuentan con sólidas carreras profesionales desarrolladas a lo largo de décadas en diferentes disciplinas de la interpretación. A pesar de compartir sus raíces riojanas y una dilatada experiencia en el sector audiovisual y escénico, “Cisco y Trizas” supone su primer trabajo conjunto. Conseguir reunirlos ha sido uno de los principales empeños tanto de la dirección como de la producción del cortometraje, que ha adaptado su calendario para hacer posible este encuentro.

Para Santiago Tabernero, el proyecto plantea también una reflexión sobre los vínculos que sobreviven al paso del tiempo y las circunstancias que terminan separando a las personas. “Me interesaba contar qué sucede cuando dos personas que compartieron todo durante la infancia vuelven a encontrarse después de una vida entera siguiendo caminos opuestos. Hay humor, hay cierta crueldad y también mucha humanidad en ese reencuentro. Y poder contar esta historia con Pepe y Patxi, dos actores extraordinarios que además comparten conmigo sus raíces riojanas, es un auténtico privilegio”.

Junto a ellos, el reparto cuenta también con la participación de la actriz Victoria Santos y de los jóvenes actores Pablo Pérez y Jon Reinares, que darán vida a los protagonistas durante su infancia, en unas secuencias ambientadas en la década de los setenta.

Un equipo profesional para una producción rodada en La Rioja

Escrito y dirigido por Santiago Tabernero, “Cisco y Trizas” cuenta con la producción de Andrea Álvarez y la participación de un equipo de profesionales de diferentes disciplinas audiovisuales.

La dirección de fotografía corre a cargo de Imanol Legross, con Lander Etxedona como gaffer; Borja Echeverría en la ayudantía de dirección; Charly Padilla como responsable de sonido; Lorena Manzanos y Patricia San José en el departamento de arte y vestuario, Alicia Cristóbal en maquillaje y Arrate López en peluquería. Rebeca Ibáñez forma parte del equipo de producción y Ana Belén Fernández se encarga de la fotografía fija. Y Enrique Telefunken ha creado una banda sonora original que enriquece la atmósfera del cortometraje y acompaña con sensibilidad el reencuentro de sus protagonistas. 

El cortometraje cuenta con el apoyo del Gobierno de La Rioja, a través de sus ayudas a la producción artística, y con la colaboración de diferentes entidades y espacios de la ciudad que han facilitado el desarrollo del rodaje. La elección de Logroño como escenario de la película responde tanto a las necesidades narrativas de la historia como al interés de sus responsables por integrar espacios reconocibles de la ciudad en una producción que apuesta por el talento y los recursos audiovisuales de La Rioja.

Con una duración prevista de aproximadamente doce minutos, “Cisco y Trizas” iniciará, una vez concluido el rodaje, su proceso de montaje y posproducción, con el objetivo de comenzar posteriormente su recorrido por festivales y certámenes cinematográficos.

La producción ha previsto destinar un porcentaje significativo del presupuesto a la distribución, con una apuesta decidida por impulsar un recorrido ambicioso del cortometraje en festivales durante 2027. Esta planificación busca dar continuidad al trabajo artístico y técnico del equipo, favorecer su presencia en certámenes de referencia y competir por selecciones y premios que contribuyan a la proyección de la película y de sus profesionales.

La localidad riojana de San Román de Cameros vive este fin de semana una transformación poco habitual. Sus calles, casas y alrededores se han convertido en el escenario del rodaje de 'Las distancias', el nuevo cortometraje escrito y dirigido por Carlos Laín.

Durante las jornadas de este sábado y mañana domingo 18 de octubre, la producción reúne en La Rioja a un reparto de reconocido prestigio para contar una historia íntima sobre la memoria, los vínculos familiares y el cuidado de las personas con Alzheimer de inicio temprano.

'Las distancias' es un drama rural protagonizado por Luisa Gavasa, ganadora de un premio Goya, Ana Turpin, Mariona Terés y Secun de la Rosa. La historia comienza con el regreso de Ana a su pueblo natal después de 30 años de ausencia.

Allí se reencuentra con Teresa, su madre, una mujer marcada por la soledad y el sacrificio, y con Pedro, su hermano, afectado por una enfermedad neurodegenerativa que alterna momentos de lucidez y olvido.

La convivencia obligará a los tres a enfrentarse a las heridas del pasado y a reconstruir unos vínculos familiares desgastados por el tiempo y la distancia.

Luisa Gavasa interpreta a Teresa, mientras que Ana Turpin da vida a Ana y Secun de la Rosa encarna a Pedro. A través de sus personajes, el cortometraje aborda el cansancio, la culpa, la ternura y el amor cotidiano que acompañan a las familias cuidadoras.

Según indica el director, “el proyecto no pretende explicar el Alzheimer desde una perspectiva médica, sino acercarse a quienes conviven con la enfermedad y mostrar su impacto emocional”.

San Román de Cameros tiene un papel central en la narración. El entorno rural no funciona únicamente como paisaje, sino como un espacio ligado a la identidad, la memoria y el sentimiento de pertenencia.

Con este rodaje, la producción busca también poner en valor el patrimonio y la capacidad de los municipios de la sierra riojana para acoger proyectos audiovisuales.

'Las distancias' cuenta con el apoyo del Gobierno de La Rioja -a través de la Consejería de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud-; las empresas Aresol, EMKA, Calzados Pitillos, Grafometal y MASA; y el Festival Octubre Corto.

Estas colaboraciones hacen posible el desarrollo del rodaje en La Rioja y respaldan un proyecto que combina creación cinematográfica, territorio y sensibilización social.

El cortometraje está escrito y dirigido por Carlos Laín, guionista y director natural de Zaragoza y afincado en La Rioja. Su trayectoria está vinculada a proyectos de carácter autoral y sensibilidad social, centrados en la observación de la vida cotidiana y de las relaciones humanas desde una mirada contenida, cercana y respetuosa.

Sus anteriores cortometrajes, 'La maleza' (2022) y 'El ruido' (2023), han sido seleccionados en festivales nacionales e internacionales. Laín es también director creativo de Bloom, productora audiovisual con sede en La Rioja que combina trabajos para empresas e instituciones con la producción de piezas propias y apuesta por relatos humanos arraigados en el territorio y la memoria.

El origen de 'Las distancias' se encuentra en la experiencia personal del director y en su observación cercana de los cuidados dentro del ámbito familiar.

El proyecto supone un paso adelante en su filmografía por su ambición narrativa y artística, así como por su voluntad de situar una historia universal sobre el amor, la memoria y la pérdida en el contexto concreto del Alzheimer de inicio temprano en el medio rural.

La ciudad de Madrid “preciosa y elegante” que ha venido a rodar Woody Allen (son sus palabras), ¿dónde está? Probablemente, esa ciudad ideal solo exista en las películas.

Si Madrid es preciosa, lo es debajo de las múltiples capas que conforman el cómo está o el cómo la hacen estar: está fea, está sucia, está hedionda, está intransitable, está desordenada y está malcriada.

¿Elegante? Ni de lejos. Madrid es chabacana, vulgar, cateta, chusca, hortera, chunga y paleta. Me permito decir esto porque he nacido en Madrid y llevo más de 51 años pateando aceras, plazas, líneas de metro, portales y azoteas. Haciendo en ellas, escribiendo sobre ellas. Desde el cariño lo digo. (Y nos encanta tal como es, por eso nos quedamos).

Romance, intriga e infidelidad en los madriles

Woody Allen, que ha venido a rodar a nuestra entrañable ciudad su película número 51, una comedia con romance, intriga e infidelidad, se ha encontrado con que la preciosa y elegante (no) Puerta del Sol, esa sartén del kilómetro cero donde uno solo se quiere detener en ella para aliviar el sofoco, estaba un poquito ocupada esta semana, impidiendo la posibilidad de un rodaje que no fuera para mostrar la verdadera ciudad tal y como es: encendida, exasperada, aguerrida, combativa, valiente, brava, indómita y salvaje.

No sabemos si el alcalde Almeida tiene pensado poner unas señales a partir del lunes en la Puerta del Sol que digan: “Prohibido acampar por rodaje del 5 al 11 de octubre, llamamos grúa”. Pero si rodar en Sol fuera el plan, el director de Annie Hall ya se puede ir buscando otra localización preciosa y elegante para su película madrileña.

Mas todas estas son cosas que al cineasta —que planea rodar en Aranjuez y no se sabe dónde más— no le interesan. Él se define como “persona no política” y dice que su interés son las “relaciones humanas” y su especialidad, lo “existencial” o “romántico”. Extrañamente, después de decir esto en la rueda de prensa que realizó junto a Almeida y Ayuso este jueves, acometió un alegato antifascista.

“Me parece terrible y el mundo está en una frase crítica ahora mismo. Siempre estoy rotundamente en contra del fascismo, ya sea en el Gobierno, en el teatro, en la censura... Me preocupa mucho y estoy en contra”, dijo, delante de Ayuso y Almeida.

Entonces, ¿en qué quedamos, Woody?

Madrid como 'product placement'

En realidad, ya sabemos en qué quedamos: en intentar no molestar a quien pone el dinero. No es verdad que Woody Allen sea un cineasta no político. Allen ha criticado estructuras como la familia, la religión, la intelectualidad y el poder. No lo ha hecho con la crudeza y la potencia del cine militante, ni tampoco lo ha hecho con obviedades, pero ya todos sabemos que cualquier visión del mundo es política por naturaleza, y qué es una película sino la elección de un punto de vista.

Y una parte del dinero, en este caso, proviene de las dos administraciones locales cuyos máximos representantes se hicieron la foto con el cineasta (y le regalaron una guitarra flamenca del luthier Manuel Rodríguez, una amplificada —sin caja— de unos 1.400 euros, curiosa elección). El Ayuntamiento de Madrid y la Comunidad han invertido en conjunto tres millones de euros, la mitad cada uno, que salen de sus presupuestos de promoción turística. ¿Por qué, qué es si no la cultura para estas administraciones más que una vía para atraer más turistas?

Madrid será un product placement en el cine de Woody Allen, como uno de esos botellines de cerveza que el actor agarra providencialmente por la parte donde no hay etiqueta. De hecho, sin ningún rubor, Almeida dijo en la presentación que la película, aún sin título, será “para Madrid un antes y un después desde el punto de vista de la imagen y de marca”. Madrid marca, Madrid escaparate, Madrid oportunidad única.

Madrid, con su feísmo y su malismo, con sus cubos de basura desbordados, sus edificios como hornos y sus acacias derrumbadas por el calor o la lluvia, con sus esculturas sin criterio (Plensa, Botero, El Legionario, el caballo flotante de la plaza del Carmen, el Goya enano, las meninas de colorines), ese Madrid está más guapo que nunca gracias a la Acampada Maricarmen en la Puerta del Sol. Hay una belleza en las tiendas de campaña, los carteles cartoneros y los plásticos como toldos que no hacen a la ciudad preciosa y elegante, pero si hermosa y verdadera. ¿Quién va a rodar la película sobre ese Madrid?

La productora de Los Javis, Suma Content, se encuentra participando en un proyecto con Atresmedia y la productora Buendía Estudios Canarias para el rodaje de una serie llamada Crimen en España. La grabación ya ha comenzado en Barcelona, pero se trasladará pronto a Canarias, donde ya están buscando figurantes para las escenas.

Según ha informado atresplayer, Crimen en España es una serie original de ficción protagonizada por las actrices Macarena García (La Mesías, Se tiene que morir mucha gente, Casa en llamas, La Llamada) y Belén Barenys (Autodefensa). Ambas interpretan a una periodista y a una joven “acosada por sus propios demonios”. Ambas vivirán desde dentro la relación entre España y la cobertura mediática de la violencia.

La seria tendrá cinco episodios y su rodaje ya se está desarrollando en Barcelona, aunque continuará en Lanzarote. El hilo conductor de la seria conjuga el thriller con el escenario fantástico, el terror psicológico, la metáfora y el ensueño.

Completan el reparto de la serie reconocidos nombres de la ficción nacional como Ana Torrent, Julián Villagrán, Mónica Cruz, Adelfa Calvo, Milo Quifes, Jedet, Daniel Ibáñez e Itsaso Arana, entre otros.

Crimen en España es una producción de Buendía Estudios Canarias con la colaboración de Suma Content (la productora de Javier Ambrossi y Javier Calvo) y la participación de Atresmedia. La serie está dirigida por Claudia Costafreda y creada por María Bastarós.

Cásting para figurantes en Canarias

Las productoras están buscando ya figurantes para el rodaje en Canarias, concretamente, en Lanzarote, donde se grabará la serie los días 7 y 8 de octubre.

En caso de ser elegido, la remuneración oscila entre los 62 y los 72 euros, aunque puede haber figuraciones especiales, con mayor pago.

Los perfiles requeridos son jóvenes de 16 a 23 años para ambientación de un centro de menores, por lo que se busca un perfil “cani” y gente con “perfil de la calle”.

También se buscan chicos y chicas con ancento andaluz,  mayores de 18 años, con estética heavy/metal, preferiblemente pelo largo o media melena y “estilo auténtico”.

No es necesaria experiencia previa. Para inscribirse, la productora ha facilitado un formulario online.

San Román de Cameros acogerá los días 17 y 18 de octubre el rodaje de Las distancias, el nuevo cortometraje escrito y dirigido por Carlos Laín. La producción reunirá en La Rioja a un reparto de reconocido prestigio para contar una historia íntima sobre la memoria, los vínculos familiares y el cuidado de las personas con Alzheimer de inicio temprano.

Las distancias es un drama rural protagonizado por Luisa Gavasa, ganadora de un premio Goya; Ana Turpin; Mariona Terés y Secun de la Rosa. El rodaje se desarrollará en diferentes localizaciones de San Román de Cameros, que se convertirá durante dos jornadas en el escenario principal de esta producción cinematográfica.

La historia comienza con el regreso de Ana a su pueblo natal después de 30 años de ausencia. Allí se reencuentra con Teresa, su madre, una mujer marcada por la soledad y el sacrificio, y con Pedro, su hermano, afectado por una enfermedad neurodegenerativa que alterna momentos de lucidez y olvido. La convivencia obligará a los tres a enfrentarse a las heridas del pasado y a reconstruir unos vínculos familiares desgastados por el tiempo y la distancia.

Luisa Gavasa interpretará a Teresa, mientras que Ana Turpin dará vida a Ana y Secun de la Rosa encarnará a Pedro. A través de sus personajes, el cortometraje abordará el cansancio, la culpa, la ternura y el amor cotidiano que acompañan a las familias cuidadoras. Según indica el director, “el proyecto no pretende explicar el Alzheimer desde una perspectiva médica, sino acercarse a quienes conviven con la enfermedad y mostrar su impacto emocional”.

Un entorno con identidad propia

San Román de Cameros tendrá un papel central en la narración. El entorno rural no funcionará únicamente como paisaje, sino como un espacio ligado a la identidad, la memoria y el sentimiento de pertenencia. La producción busca también poner en valor el patrimonio y la capacidad de los municipios de la sierra riojana para acoger proyectos audiovisuales.

Las distancias cuenta con el apoyo del Gobierno de La Rioja -a través de la Consejería de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud-; las empresas Aresol, EMKA, Calzados Pitillos, Grafometal y MASA; y el Festival Octubre Corto. Estas colaboraciones permitirán desarrollar el rodaje en La Rioja y respaldar un proyecto que combina creación cinematográfica, territorio y sensibilización social.

El cortometraje está escrito y dirigido por Carlos Laín, guionista y director natural de Zaragoza y afincado en La Rioja. Su trayectoria está vinculada a proyectos de carácter autoral y sensibilidad social, centrados en la observación de la vida cotidiana y de las relaciones humanas desde una mirada contenida, cercana y respetuosa. Sus anteriores cortometrajes, La maleza (2022) y El ruido (2023), han sido seleccionados en festivales nacionales e internacionales. Laín es también director creativo de Bloom, productora audiovisual con sede en La Rioja que combina trabajos para empresas e instituciones con la producción de piezas propias y apuesta por relatos humanos arraigados en el territorio y la memoria.

El origen de Las distancias se encuentra en la experiencia personal del director y en su observación cercana de los cuidados dentro del ámbito familiar. El proyecto supone un paso adelante en su filmografía por su ambición narrativa y artística, así como por su voluntad de situar una historia universal sobre el amor, la memoria y la pérdida en el contexto concreto del Alzheimer de inicio temprano en el medio rural.

El director canario JuanMa V. Betancort rueda actualmente en el Puerto de la Cruz y el Valle de La Orotava, en el norte de Tenerife, la película Lennon no estuvo aquí, un largometraje de ficción que toma como punto de partida las vacaciones de Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr en Tenerife en la primavera de 1963. La grabación, que comenzó el pasado 7 de septiembre, articula una comedia musical de tono dramático que conecta la memoria de la isla con las ciudades de Hamburgo y Liverpool.

El argumento central de la película narra el viaje a la isla de Astrid (Isabelle Stoffel) y Lucy (Laura Martí), decididas a encontrar el primer bajo extraviado de Paul McCartney para salvar de la quiebra al museo Beatlemanía de Alemania. En esta carrera pop contra reloj el reparto se completa con intérpretes como Pablo Carbonell, Anabel Alonso, Teddy Bautista, Javier Gurruchaga, Natalia Verbeke, Agustina Palma y Nicolás Scarpino.

Escenarios de rodaje

El equipo de producción dedicará casi cinco de las seis semanas totales de rodaje a trabajar en escenarios naturales del norte de la isla, con especial atención a la ciudad de Puerto de La Cruz. La localidad portuense actuará como un personaje de valor simbólico dentro de la trama visual, ya que aporta recursos estéticos y espacios naturales y urbanos que conserva inalterados desde la visita del grupo británico. Como elemento de valor histórico y patrimonial, la filmación incluye el coche descapotable Austin Healey Sprite rojo original que condujeron Harrison y Starr durante su estancia en Canarias, así como la comunicación epistolar mantenida durante su estancia. 

Además del municipio tinerfeño, la película recreará escenarios interiores vinculados a la historia del grupo, enlazando orgánicamente la geografía del Puerto de la Cruz con las ciudades de Liverpool y Hamburgo, ciudades a los que se trasladará el rodaje en el mes de octubre. 

El filme es una coproducción hispano-argentina con Frame (Argentina) e Insularia Films, en asociación con el Museo Beatles de Liverpool. La cinta cuenta con el apoyo del Gobierno de Canarias, el Cabildo Insular de Tenerife y el Ayuntamiento del Puerto de La Cruz, sumando además la participación de Televisión Canaria y la colaboración del Ayuntamiento del Valle de La Orotava.

Annie Jacobson, una adolescente de 17 años, inesperadamente ha heredado una isla privada en un lago de Canadá de un abuelo al que nunca conoció. La joven se traslada allí para averiguar por qué su familia le ha ocultado durante tantos años la existencia de ese hombre, un viaje donde conocerá a un grupo de jóvenes que cambiará su vida para siempre. 

La premisa parece sencilla, pero los ochos capítulos de Sterling Point han conquistado a la audiencia de Prime Video, convirtiéndose en uno de los grandes estrenos de la plataforma durante este verano. Al igual que ocurrió con El verano en el que me enamoré, la serie se ha transformado en uno de los fenómenos audiovisuales de la temporada, generando una gran conversación en redes sociales.

“¿Dónde se ha grabado la serie creada por Megan Park?” es una de las preguntas que más interés ha generado desde que esta se estrenó en la plataforma de Amazon. Hoy resolvemos la duda y nos trasladamos hasta Muskoka Lakes, el municipio canadiense de Ontario donde se rodó la mayor parte de esta historia.

Los lagos de Muskoka

Muskoka Lakes se ubica aproximadamente a dos horas en coche al norte de Toronto y forma parte de la región de Muskoka, conocida como la “cottage country”, una zona rural donde la gente de la ciudad se escapa de vacaciones y cuyo paisaje está marcado por grandes lagos y bosques de pinos. 

Precisamente ese aspecto de naturaleza prácticamente intacta, combinado con las cabañas junto al agua, ha convertido a Muskoka en un lugar muy utilizado como set de rodaje. Además de Sterling Point, en esta zona de Canadá también se rodaron algunas escenas de Más que rivales (Heated Rivalry), la serie basada en la novela de Rachel Reid.

El caso de Sterling Point es especialmente interesante porque Muskoka no es simplemente un lugar que aparece de fondo, sino que su paisaje forma parte fundamental de la identidad visual de la serie. “Tuvimos la oportunidad de mostrar Muskoka tal como es, y lo que realmente está sucediendo en esa zona”, explicó Megan Park a Condé Nast Traveler.

La elección del lugar fue clave, y su creadora lo tuvo muy claro desde el principio. “Se crea un contraste entre Nueva York, de donde proviene Annie [la protagonista], y este mundo natural salvaje y hermoso; ambos entornos siempre estuvieron concebidos para coexistir en marcado contraste. Megan pasa tiempo allí y también le interesaba explorar la división de clases y el proceso de gentrificación de la región”, compartió la productora ejecutiva Dani Gorin con la revista.

Algunas de las escenas más importantes se rodaron en el lago Muskoka, el puerto deportivo de Mortimer’s Marina, el pueblo de Port Carling y el campamento Sparrow Lake Camp, entre otros, y sirvieron para dar vida al ficticio Sterling Point.

El estreno de ‘Joker’ hace siete años, cambió en cierta manera el papel de las adaptaciones de superhéroes en el cine, presentando una película que se alejaba de lo convencional en este género, siendo un film oscuro y con importante matiz psicológico.

El personaje principal interpretado por Joaquin Phoenix se llevó alabanzas de la crítica y el público y el valió el premio Oscar. Sin embargo, en el rodaje vivió importante tensión con uno de sus compañeros de reparto y gran figura de Hollywood, Robert DeNiro.

Las dos formas distintas de ambos actores de ver la interpretación generaron una fuerte tensión que se mantuvo durante gran parte del rodaje, siendo ya de por sí ‘Joker’ una película complicada.

Un Robert DeNiro que inspiró a Todd Phillips, concretamente en su papel en ‘Taxi Driver’, tomando la referencia de un hombre solitario y maltratado a su vez por la sociedad que parece no merecer el tener voz. No es la única, también bebe de ‘El Rey de la comedia’, también protagonizada por De Niro, con lo que la influencia del actor de Hollywood era alargada para el director. En ‘Joker’ interpretó a un popular presentador de televisión llamado Murray Franklin, en un momento que se presenta fundamental para la caída del protagonista, siendo uno de los motores de la acción.

El ‘rifirrafe’ entre Phoenix y De Niro

‘Joker’ de Todd Phillips significó la primera y única vez que dos actores de la talla de Joaquin Phoenix y Robert De Niro coincidían en pantalla, y siendo dos actores con métodos de trabajo tan distintos los llevó a generar una relación de tensión durante el rodaje.

Mientras De Niro tenía preferencia por lecturas completas de guion y ensayar antes de rodar, Phoenix prefería ser más natural antes de comenzar. Esto generó una situación muy incómoda que desvelaría el director en Vanity Fair: “Bob me llamó y me dijo: Dile que es actor y que tiene que estar ahí, me gusta escuchar la película completa, y vamos a meternos todos en una sala y leerla. Y yo estaba entre la espada y la pared porque Joaquín decía: De ninguna manera voy a hacer una lectura, y Bob decía: Yo hago lecturas antes de rodar, es lo que hacemos”.

Finalmente Phoenix aceptó, aunque resultó ser un momento incómodo al murmurar durante gran parte de la lectura y apartándose para fumar continuamente. Sin embargo, Robert De Niro lo quiso solucionar en privado, aunque tuvo que esperar alto más, hasta que fue convencido por el director. Todo acabó solucionándose, pero ambos tuvieron claro que no fue la mejor experiencia:

“No me gustaba hablar con él en set. El primer día nos saludamos, y después de eso, no creo que volviéramos a hablar mucho”, aseguró Joaquin Phoneix. Por su parte, De Niro consideraba que no necesitaban relacionarse fuera. “Su personaje y el mío no necesitábamos hablar de nada. Simplemente decíamos: Hagan su trabajo. Relaciónense como los personajes. Así es más sencillo, y no hablamos. No hay razón para hacerlo”.

A solo unos días del estreno de La bola negra, la esperadísima película de Javier Calvo y Javier Ambrossi, el interés por la producción original de Movistar Plus+ y Suma Content Films no hace más que crecer. El largometraje, toda una carta de amor a Federico García Lorca, llegará a cines el próximo 25 de septiembre, y tras su paso por salas, solo se podrá ver en la plataforma de Movistar.

La película que se llevó el premio a mejor dirección en el Festival de Cannes narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas y, para darle vida, Los Javis y su equipo viajaron por distintos puntos de España, incluyendo, como no podía ser de otra forma, la ciudad de Granada, donde el poeta nació.

Los cineastas rodaron en varios puntos de la capital, incluyendo la plaza de Santa Ana y el entorno de Plaza Nueva, que se convirtieron en una recreación de la España de los años 30, así como algunas calles del Albaicín y el Carmen de los Mártires. Según recoge la cadena 101tv, Calvo y Ambrossi también visitaron la Huerta de San Vicente, la casa de verano de la familia García Lorca.

Dicen que esta casa de campo, ubicada en el extremo sureste de la ciudad, fue la principal residencia de Federico en Granada. Allí, su familia pasó todos los veranos entre 1926 y 1936, un lugar que también sirvió al escritor para trabajar en algunas de sus obras más importantes, como Yerma, Bodas de sangre o el Romancero gitano.

Un remanso de paz que terminó en tragedia

La propiedad original fue adquirida por Federico García Rodríguez, padre del poeta, en mayo de 1925, en un momento en que la vivienda carecía de agua potable y de luz eléctrica. Tras varias reformas en la casa, la cual tenía dos plantas y casi 187 metros cuadrados, la familia decidió pasar en ella los meses de más calor.

La planta baja estaba formada por un recibidor, una cocina, una sala de estar y una despensa, mientras que en la planta superior se encontraban los dormitorios de la familia. Allí estaba también la habitación de Federico, un espacio sencillo y luminoso desde el que el joven podía contemplar la huerta.

En una carta a Jorge Zalamea, amigo suyo, García Lorca describió las vistas que tenía desde allí: “Granada enfrente de mi balcón, tendida a los lejos con una hermosura jamás igualada”. Ese mismo balcón también fue protagonista de uno de sus versos más populares: “Si muero / dejad el balcón abierto”.

La noche del 9 de agosto de 1936, Lorca abandonó la Huerta de San Vicente y se refugió en la casa de la familia Rosales Camacho, en el centro de Granada. Allí permaneció hasta el 16 de agosto, cuando fue detenido por una cuadrilla y trasladado al Gobierno Civil de Granada. El final de esta historia es por todos conocido.

Hoy en día, esta residencia de verano se ha convertido en una casa-museo que puede visitarse. En ella, el dormitorio de Federico se conserva en su estado y orientación originales.

En 2018, Disney y Lucasfilm se propusieron profundizar en la historia de uno de los personajes más populares de Star Wars, y el resultado fue Han Solo: una historia de Star Wars. En esta película, que se sitúa aproximadamente una década antes de los acontecimientos de Episodio IV - Una nueva esperanza, vimos cómo Han pasó de ser un fugitivo de Corellia a convertirse en el icónico piloto y contrabandista de la galaxia.

En este camino, Han conoce a personajes míticos como Chewbacca, quien termina convirtiéndose en su inseparable copiloto, pero también a Lando Calrissian, propietario del Halcón Milenario. La responsabilidad de ponerse en la piel del joven Solo recayó en Alden Ehrenreich, que encabezó un reparto formado por nombres de alto nivel como Woody Harrelson, Emilia Clarke o Donald Glover.

Pese a las grandes expectativas que había, la película, que llegó a cines en mayo de ese año, terminó recaudando alrededor de 393 millones de dólares en todo el mundo. Con un presupuesto estimado de entre 275 y más de 300 millones de dólares, la recaudación fue insuficiente para convertirla en un éxito cinematográfico.

Lo que muchos no recuerdan de este largometraje de ciencia ficción es que, parte de las escenas que aparecen en él, se rodaron en Europa. El rodaje comenzó en Pinewood Studios, en Inglaterra, y también utilizó localizaciones en las Dolomitas italianas y la antigua central eléctrica de Fawley, en Hampshire. Pero el tour europeo también hizo parada en España, concretamente en las Islas Canarias.

El rodaje en Fuerteventura

En Han Solo: una historia de Star Wars, la isla de Fuerteventura sirvió para crear el paisaje de Savareen, un planeta árido situado en un rincón remoto de la galaxia, lugar al que Han, Chewbacca, Beckett y el resto de la banda llevan el coaxium para intentar procesarlo en una refinería. La elección de la isla tenía todo el sentido del mundo, pues los productores buscaban “un paisaje desértico que llegase hasta el océano”.

“La búsqueda del lugar idóneo fue, como de costumbre, exhaustiva y de alcance global, con una lista reducida de Sudáfrica, Namibia, Marruecos y las Islas Canarias. Fuerteventura cumplía con todos los requisitos y se impuso como el lugar elegido para construir y rodar la destartalada y ruinosa destilería”, explicaron Neil Lamont, diseñador de producción, y Al Bullock, director artístico supervisor.

La producción eligió los paisajes áridos del sur de la isla, principalmente el valle de Pecenescal y el entorno de Cañada de la Barca. El valle, una zona de barrancos y lomas desnudas, es uno de los grandes atractivos de Fuerteventura, y parte de su territorio pertenece al Parque Natural de Jandía, un espacio protegido.

El Gobierno de Castilla-La Mancha destinará un presupuesto de 200.000 euros para ayudar a la producción de largometrajes en la comunidad autónoma.

Según ha apuntado la viceconsejera de Cultura y Deportes, Carmen Teresa Olmedo, el plazo de solicitudes será desde este miércoles, 26 de agosto, y hasta el 8 de septiembre. Los beneficiarios de estas subvenciones podrán ser las personas físicas o jurídicas privadas, titulares de empresas de producción cinematográfica y/o audiovisual, que tengan la condición de independientes.

Carmen Teresa Olmedo ha destacado que desde el año 2021, cuando se pusieron en marcha estas ayudas, se ha destinado más de un millón de euros desde el Gobierno regional para apoyar este tipo de producciones.

La viceconsejera de Cultura y Deportes ha destacado “la apuesta firme del Gobierno de Castilla-La Mancha por el sector cinematográfico, entendido no solo como una manifestación cultural, sino también como una herramienta para impulsar la creación, generar actividad económica y proyectar la imagen de nuestra región”.

“Las políticas de apoyo al audiovisual ocupan un lugar prioritario, acompañando a los profesionales y empresas del sector y favoreciendo que Castilla-La Mancha siga siendo escenario de proyectos y de nuevas oportunidades para nuestros creadores”, ha dicho.

Para finalizar, Carmen Teresa Olmedo ha resaltado que “las ayudas a la producción de largometrajes constituyen una línea fundamental de apoyo a la creación cinematográfica, permitiendo que proyectos de calidad puedan avanzar desde su fase de desarrollo hasta su producción”.

En el interior de Cantabria, a unos 50 kilómetros por carretera de Santander, encontramos una particular aldea de apenas 120 habitantes que ha sido protagonista de una de las películas españolas más importantes de la historia de nuestro cine. Hablamos de Los Otros (2001) y Las Fraguas, una pequeña localidad del municipio de Arenas de Iguña.

El pueblo alcanzó la fama internacional tras el estreno del largometraje de terror de Alejandro Amenábar, un filme que consiguió 8 de los 15 Goya a los que estaba nominada y que terminó de consolidar al cineasta como uno de los grandes del cine español. Con un presupuesto aproximado de 17 millones de dólares, la película recaudó más de 210 millones de dólares en todo el mundo y se ganó el favor de la crítica.

La participación de Nicole Kidman como protagonista de la historia fue uno de los grandes reclamos de la producción, lo que sin duda ayudó a su promoción. Lo que muchos no recuerdan es que la actriz de Hollywood viajó hasta Cantabria para rodar algunas escenas de Los Otros, concretamente las exteriores, que se filmaron en una impresionante mansión de Las Fraguas.

Nos referimos al palacio de los Hornillos, una propiedad privada que fue construida entre 1897 y 1904 por encargo de Mariano Fernández de Henestrosa, duque de Santo Mauro, siguiendo un proyecto del arquitecto británico Ralph Selden Wornum. El palacio, que pertenece al actual duque de San Carlos, llamó muy pronto la atención del equipo de Amenábar.

Además de su fachada de piedra de mampostería, sillería y entrevigado de madera, propios de la arquitectura inglesa, el edificio del siglo XIX destaca por los amplios jardines que lo rodean. Una particular construcción que, con un poco de ambientación, podía convertirse en el escenario perfecto para los exteriores de una película de terror. Porque sí, lo único que vemos en Los Otros son los exteriores del palacio, pues el interior de la casa que aparece en el filme se rodó en otro sitio.

Aunque la mansión no puede verse de cerca porque es una propiedad privada, las vistas desde la carretera permiten ver el palacio desde la distancia.

El “partenón” griego

Además de su escenario de cine, esta localidad cántabra de Las Fraguas esconde otro secreto. Conocido como “Partenón”, nos referimos a la iglesia de San Jorge, un templo católico que destaca por su arquitectura. Aunque uno podría pensar que se levantó en el siglo V a.C., realmente este se construyó en el año 1890 como capilla, también por deseo de los duques de Santo Mauro, sobre las ruinas de una ermita medieval, y se trata de un templo hexástilo períptero de órden corintio.

A principios de 2014, España no alojó una, sino dos superproducciones de Hollywood. El rodaje de Exodus, de Ridley Scott, recorrió algunas zonas de Almería y Fuerteventura, mientras que Brad Bird, director de clásicos de animación como Los increíbles o Ratatouille, aterrizó en la ciudad de Valencia para rodar algunas escenas de una de las grandes apuestas de Walt Disney Studios de entonces.

Hablamos de Tomorrowland: El mundo del mañana, una película de ciencia ficción que llegó a cines un año después y que se acabó convirtiendo en uno de los mayores fracasos financieros del estudio de Mickey Mouse. El largometraje incluía a estrellas de renombre como George Clooney y Hugh Laurie, pero ni siquiera eso fue suficiente para conquistar a la audiencia en la taquilla.

La trama seguía a Casey Newton (Britt Robertson), una joven que un día encuentra misterioso objeto que le permite ver un misterioso lugar llamado Tomorrowland donde hay una sociedad avanzada, con impresionantes robots y edificios futuristas. La joven decide entonces ponerse en contacto con un inventor (George Clooney) para intentar descubrir los secretos de este sitio y salvar a la humanidad de sus peligros.

El rodaje de la película empezó en la ciudad canadiese de Enderby, aunque también se filmó en otras del país como Vancouver y Surrey. Lo que muchos no recuerdan de esta producción de hace más de diez años es que su equipo también hizo parada en España, concretamente en la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia, para rodar algunos momentos.

El rodaje en Valencia

La arquitectura futurista de Santiago Calatrava de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia fue el lugar elegido para recrear parte del universo de la película. El contrato entre Disney y el espacio incluyó el permiso para rodar en el Museo Príncipe Felipe, un lago próximo al Ágora, el paseo que hay entre el Palau de les Arts y el Hemisfèric, y la zona de acceso principal a la ópera.

Bird y los suyos desplazaron desde Hollywood hasta la capital valenciana a un total 145 personas, donde llegaron a rodar con hasta 500 extras entre el 19 y el 26 de enero de 2014. Además, al equipo de Estados Unidos se sumaron más de 140 profesionales españoles, así como varias empresas auxiliares y de catering que dieron apoyo los días que duró el rodaje.

Uno de los acuerdos a los que llegaron ambas partes es que el estreno en España tenía que ser en Valencia y, a ser posible, en un edificio del complejo arquitectónico donde se habían rodado aquellas escenas. Disney cumplió su promesa y, en mayo de 2015, unos días antes de que el filme se lanzara en cines, George Clooney, Brad Bird y Britt Robertson presentaron Tomorrowland en la Ciudad de las Artes y las Ciencias.

España lleva siendo escenario para Hollywood desde hace décadas. Los rodajes de la industria más grande del cine no se han limitado a la península, y en múltiples ocasiones sus largometrajes también han elegido alguna de las islas para desarrollar sus grabaciones. Hoy recordamos el caso de Fast & Furious 6, la sexta película de esta franquicia que eligió Tenerife como lugar de rodaje.

El largometraje protagonizado por Vin Diesel, Paul Walker, Michelle Rodríguez, Dwayne Johnson y Elsa Pataky, que rodó parte de su historia en la isla entre septiembre y octubre de 2012, fue todo un éxito en taquilla. Esta se estrenó un año después y llegó a ser la segunda película con mayor recaudación de la historia de Universal Pictures, solo por detrás de Parque Jurásico.

La trama, que sigue los acontecimientos del anterior filme de la franquicia, comienza cuando el agente Luke Hobbs pide ayuda a Dom Toretto y su equipo para detener a una peligrosa organización de mercenarios liderada por Owen Shaw. El equipo entonces descubre que entre los miembros de esa banda está Letty Ortiz, la antigua pareja de Dom, a quien creían muerta.

Justin Lin, el director, y su equipo recorrieron varias localidades tinerfeñas, entre las que destacaron Guía de Isora, Adeje, Santiago del Teide, San Juan de la Rambla, Garachico, Icod y Buenavista. Pero lo que más ha quedado para el recuerdo de aquel rodaje fueron las persecuciones: la mayoría que aparecen en pantalla se rodaron en carreteras canarias.

Las persecuciones por carretera

Para el rodaje se desplazaron a Tenerife más de 400 personas y un centenar de vehículos, incluidos tres tanques de guerra (uno real y dos réplicas) de varias toneladas de peso. En un tramo de carretera entre los municipios de Adeje y Santiago del Teide se rodó una de las escenas más espectaculares del filme, en la que uno de estos tanques es protagonista después de arrollar a todos los vehículos que se encuentra.

“Aplastamos un montón de coches, como siempre”, compartió Neal H. Moritz, uno de los productores, tras el estreno de la película. “La escena del tanque fue probablemente la mejor en cuanto a coches aplastados. Había un montón de vehículos destrozados en la cuneta, muchos parecían una plancha de metal. (...) No creo que se haya hecho nada parecido antes”.

De aquel filme no solo se benefició Universal, sino también la isla de Canarias. “El rodaje de Fast & Furious 6, que está suponiendo una excelente promoción de la isla y de algunos de sus entornos más bellos, generó para Tenerife unos ingresos de ocho millones de euros en concepto de transporte, alojamiento o manutención”, compartió Turismo de Tenerife entonces.

Solemos considerar Hollywood como la Meca del cine, pero a veces olvidamos que algunas de sus grandes producciones clásicas se rodaron, en realidad, en unos estudios a las afueras de Roma que se han convertido también en un punto de referencia para los cinéfilos. Son los estudios Cinecittà, nacidos en 1937 como parte de un proyecto impulsado por Mussolini para promocionar el cine como herramienta de propaganda.

Sería después de la Segunda Guerra Mundial, a partir de los años 50, cuando estos estudios llamarían la atención de las majors de Hollywood, que desembarcó en Italia para filmar algunas de sus películas más míticas. Y gracias a ello, hoy Cinecittà es uno de los lugares más icónicos de la industria cinematográfica. Aquí se han rodado más de 3000 películas, además de series de televisión, videoclips y anuncios.

Hollywood en Roma

Cinecittà se inauguró el 28 de abril de 1937, como un gran complejo de 73 edificios, 21 de los cuáles eran estudios cinematográficos. Durante la Segunda Guerra Mundial y ante la situación política del país, los estudios fueron trasladados a Venecia y ocupados por los nazis. Al final de la guerra, los americanos que entraron en Italia trajeron a Cinecittà equipos técnicos, cámaras, proyectores, equipo de sonido y películas.

Y así fue como, después de la guerra y especialmente entre los años 50 y 60, el cine americano hizo de Cinecittà un lugar de rodaje de referencia, gracias a los incentivos fiscales y mano de obra cualificada y barata y un buen clima para rodar. Tanto fue así, que Cinecittà llegó a ser conocida como el “Hollywood sobre el Tíber”. En esta época, por poner algunos ejemplos, se rodaron en los estudios romanos grandes clásicos como Quo vadis? de Mervyn Leroy, Ben Hur de William Wyler o Cleopatra de Joseph L. Mankiewicz. Fue precisamente aquí donde Elizabeth Taylor y Richard Burton iniciaron su apasionado y famoso romance.

El cine americano revistió Cinecittà de la misma aureola de glamur del que presumía Hollywood. Pero también los grandes directores del cine italiano pasaron por estos estudios para rodar sus obras. Ettore Scola, Sergio Leone, Luchino Visconti, Anna Magnani, Alberto Sordi, Vittorio De Sica, Sophia Loren, Gina Lollobrigida o Claudia Cardinale son solo algunos nombres que también participaron en películas filmadas en Roma. Y, por supuesto, Federico Fellini, que reconstruyó en el Teatro 5 de Cinecittà la famosa avenida Via Veneto, que en los años 50 y 60 se convirtió en punto de encuentro de las estrellas de cine y los inevitables paparazzi.

Cinecittà en la actualidad

Aunque la época dorada de los estudios parece haber pasado, la realidad demuestra que siguen siendo un lugar de referencia para rodajes de todo tipo de películas y series. Actualmente ocupan una superficie de 400.000 metros cuadrados y cuentan con 19 estudios de filmación, entre los que destaca el mítico Teatro 5 que ahora lleva el nombre de Fellini.

En las últimas décadas se han rodado en Cinecittà películas como El padrino III, de Francis Ford Coppola, El paciente inglés, de Anthony Minghella, Life Aquatic, de Wes Anderson, La pasión de Cristo, de Mel Gibson o Gangs of New York, de Martin Scorsese. También se filmó aquí la aclamada serie de televisión “Roma” (2005-2007).

Una visita a los estudios nos permite ver en directo decorados usados para estas filmaciones. Entre otros, se pueden ver la recreación de templos y edificios del imperio romano, las calles de Nueva York o la fachada de la Basílica de San Pedro que se construyó para la serie “The Young Pope” de Paolo Sorrentino. Además, desde 2019 se ubica en estos estudios el Museo Italiano del Audiovisual y del Cine (MIAC).

La pasada primavera fue noticia la reapertura de la taberna Los Gabrieles, cuya decoración le ha valido el apelativo de “capilla Sixtina del azulejo”. Un movimiento comxxercial que mereció la atención de la prensa por los valores patrimoniales e históricos adheridos a la piel cerámica del local.

Gracias al blog Madrid y el cine sabemos también que en Los Gabrieles se rodaron imágenes en movimiento para películas, anuncios y series, como el Juncal de Paco Rabal. Detrás de este blog, imprescindible para acercarse a los rincones menos transitados de nuestra cinematografía en la ciudad de Madrid, está Marisa Coronado, profesora de español y doctora en lingüística con la que hemos hablado para acercarnos al universo cinematográfico de nuestro paisaje urbano.

Marisa tenía ya un largo recorrido en el mundo de los blogs cuando empezó con Madrid y el cine. También con mirar, parar, enseñar y sacar el jugo a los rincones que se encuentra por la calle. Hace quince años comenzó con Aprende español callejeando por Madrid, con el que ganó la II edición del Concurso de Blogs de Promoción del Español y la Cultura en Español. Grafitis, letreros de tiendas, anuncios colgados en farolas, señalética…todas las palabras que encontramos al paso, lo que ella denomina paisaje lingüístico, son un buen recurso para aprender español.

“Lo comencé sobre todo pensando en estudiantes que volvían a sus países después de un tiempo en Madrid. Era una manera de que pudieran seguir en contacto con la cultura española y la ciudad. Luego, la verdad es que ha terminado leyéndolo muchísima gente que no me conoce de nada. Muchos de los extranjeros que lo siguen me dicen que les encanta tener la sensación de seguir en contacto con Madrid”, explica Marisa.

En febrero de 2022 inauguró con una entrada sobre San Francisco el Grande y un título de los años cincuenta su nueva casa, la página sobre la que hablamos en este artículo. De nuevo, el impulso inicial provino de su actividad docente: “Hace siete u ocho años di un curso sobre cine español para estudiantes extranjeros en la escuela donde trabajaba y ellos empezaron a preguntarme sobre las pelis que veíamos. Al final del curso, organicé un circuito para que vieran localizaciones de películas por Madrid y creo que fue cuando nació la idea, aunque tardé un par de años en empezar con el blog. Fue cuando me jubilé y tuve tiempo para hacerlo”, explica.

Marisa ve con detenimiento las imágenes en su ordenador, las para, analiza, recurre a hemerotecas digitales, exprime la referencias geográficas ocultas en los fotograma, interroga bases de datos, compara imágenes antiguas…Cuenta con la ayuda de otros cinéfilos curiosos para encontrar sus tesoros, a los que luego da forma en el blog. Es la comandante de un equipo de investigadores que se coordina a través de un grupo privado de Facebook.

“Se llama Madrid y el cine, como la página, tiene unas 400 personas, aunque activas serán 40. Hay gente buenísima observando e investigando, hay pocas cosas que ponga y no se solucionen”, explica con cierto orgullo grupal. El cine, explica la autora del blog, tiene dos vertientes, una artística que juega con el espectador, cuyas mentiras –pensadas para llevar la historia a buen término– hay que desentrañar, y el cine como documento histórico.

“Ell cine juega contigo. No lo hace para jugar sino por cuestiones estéticas, pero al final, para mí, se convierte en un juego de descubrir las mentiras de las películas. Por otro lado, está el cine como testimonio histórico. A medida que se acerca a nuestro tiempo, cada vez te puedes fiar menos de ese testimonio histórico. Aunque el cine truca desde prácticamente sus inicios, hasta principios del siglo XXI no lo ha hecho tanto. En el cine actual y en las series de televisión, sin embargo, te encuentras de todo, como la continua mezcla de paisajes”.

Madrid y el cine nos permite acercarnos al barrio de Pozas, que desapareció para que naciera un centro comercial en el centro de Madrid; mantener en la retina el Tetuán más periférico y su arquitectura neomudéjar o del Canal Bajo de Isabel II.

Hace unos meses, explica, descubrieron que en una de las películas de Pitusín –el actor infantil más importante del cine mudo español– aparece el desaparecido cuartel de la Montaña. “No hay muchas imágenes históricas del lugar”, advierte Marisa.

En Madrid y el cine, el lector puede descubrir que su ciudad ha sido muchas veces otros lugares lejanos, que fueron recreados cerca de su casa. Como el cuartel del Conde Duque, que fue Argel en la película bélica y de acción Mando perdido (1966). “A lo mejor la ves y no te das cuenta de que es el cuartel solo con que hayan puesto cuatro palmeras. Descubrirlo es muy fascinante, una de las cosas más divertidas. Madrid ha sido de todo, desde Zamora hasta Irán, yo solo he publicado dos o tres cosas sobre eso, pero tengo de todas partes del mundo. Lo que pasa es que no me da tiempo”, explica la autora.

Nos habla de su modus operandi. Explica que no piensa un tema e indaga sino que las investigaciones van surgiendo de los hallazgos con los que seencuentra en los visionados de las películas.

“Pensar en un lugar o en un tema y buscar películas asociadas es como buscar una aguja en un pajar, porque hablamos de miles de películas. Ahora. que ya llevo unos cinco años, podría hacerlo porque tengo unos archivos muy extensos, pero los dos o tres primeros años no. En una de las últimas entradas he escrito sobre la UVA de Hortaleza. Ahí sí pensé: cómo han empezado las obras y va a desaparecer tal y como era, voy a escribir algo”.

Esta es otra de las características que hace de Madrid y el cine un espacio muy original: no se habla solamente de los espacios más céntricos de la ciudad. En la UVA se rodaron películas como A un dios desconocido (1977), la película El arreglo (1988) o Brujas (1988). Seguramente, ni los vecinos de Hortaleza habían caído en que Eusebio Poncela o Penélope Cruz estuvieron rodando en su barrio.

“No he escrito sobre la Gran Vía o la Plaza de España, está muy trillado, ¿no? Me interesan más los pequeños lugares, los menos conocidos, o menos cinematográficos también. Aunque, bueno, la verdad es que ahora ya sabes que los barrios se han revalorizado mucho. También escribo sobre lugares que conozco, como Tetuán, o el cogollito histórico de Madrid, que me fascina (la Plaza del Cordón, el Paseo del Panecillo…). No es una zona en la que haya vivido, pero desde niña he paseado con mis padres por allí”, rememora.

Cruzamos la pantalla como los personajes de La rosa púrpura de El Cairo, bajamos a tierra y hablamos de las molestias que los rodajes ocasionan a lo vecinos, especialmente ahora que la explosión de las plataformas los ha multiplicado y derramado por toda la ciudad. “Los rodajes molestan muchísimo, sobre todo si los tienes una semana y otra, ¿no? Paralizan toda la calle. El tema de que quiten las plazas de aparcamiento me parece un poco secundario, pero no se puede convertir la ciudad en un plató del que solo saca beneficio el ayuntamiento”.

Hay en el disco duro del ordenador de Marisa una carpeta llamada Madrid desconocido con un buen puñado de fotogramas por localizar. Sus pequeñas obsesiones, su pasión y los futuros regalos para la historia de la cinematografía y la ciudad.

Moisés, el hombre que entre muchas otras cosas separó las aguas del Mar Rojo con un golpe de su bastón, es uno de los personajes bíblicos que más ha interesado a Hollywood a lo largo de los años. Los diez mandamientos (1956), dirigida por Cecil B. DeMille y protagonizada por Charlton Heston, es la versión más famosa de su historia, pero no la única.

Hace una década, Ridley Scott, reconocido por obras como Alien (1979), Blade Runner (1982) o Gladiator (2000), con la que ganó un Oscar a Mejor película, también quiso hacer su propia adaptación de la vida de Moisés. Así nació Exodus: Dioses y Reyes, una película protagonizada por Christian Bale como Moisés y Joel Edgerton como Ramsés que se rodó en algunos lugares de España y que se estrenó en cines en 2014.

De Hollywood a Canarias

Scott decidió trasladarse hasta Canarias, más concretamente hasta la isla de Fuerteventura, donde buena parte de sus paisajes naturales los convirtió en escenario de cine. Uno de los mayores atractivos de la isla fueron sus playas de arena fina, en las que el cineasta decidió rodar varias localizaciones para contar la historia de Moisés.

Entre ellas destacó la playa del Risco del Paso, donde se grabaron escenas tan emblemáticas como la apertura del Mar Rojo, para la que se utilizaron cientos de extras y animales. “Fue algo imponente”, contó Christian Bale durante la promoción de la película. Esta playa ubicada en el sur de Jandía, en el municipio de Pájara, es una zona tradicionalmente ventosa, especialmente durante los meses de verano, por lo que es ideal para practicar deportes acuáticos como windsurf y kitesurf.

Además de esta playa, el cineasta grabó en otros puntos de Fuerteventura como las dunas de Corralejo, las más grandes de todo Canarias y uno de sus paisajes más espectaculares. Esta franja costera de 2,5 por 10,5 kilómetros y situada en el nordeste de la isla se convirtió en el desierto del Sinaí para la película bíblica de Scott.

Algunas escenas del largometraje también se rodaron en otras playa de la isla, como las playas de El Cotillo (uno de sus pueblos pesqueros más populares de Fuerteventura), Pozo Negro (playa virgen de arena negra y callaos), y la Playa de la Barca (arena blanca y dorada que se extiende entre los 100 y los 300 metros desde la orilla), que sirvieron para recrear el Mar Rojo en el largometraje de ficción.

El rodaje también llegó a Almería

Exodus también se rodó en Almería, más concretamente en el desierto de Tabernas, y Christian Bale también dio su particular opinión sobre este lugar durante la promoción. “Rodamos en el sur de España, en Almería, en pleno desierto, un lugar donde se hicieron muchos de los spaguetti western, algo de lo que no tenía ni idea porque pensaba que se habían rodado en Italia. Los podían haber llamado paella western. Lo cierto es que son unos paisajes preciosos”.

Hace ya tres décadas que el cineasta David Trueba decidió dar el gran salto a la dirección cinematográfica con un proyecto titulado La buena vida. Esta película marcó el inicio de una carrera brillante para el menor de una estirpe dedicada por completo al arte de las imágenes. Rodada durante el verano de 1996, el estreno oficial se produjo a finales de dicho año, convirtiéndose rápidamente en un fenómeno cultural notable. La obra fue recibida con entusiasmo por una crítica que supo ver en ella la frescura necesaria para renovar el panorama español. Treinta años después, este debut sigue siendo recordado como uno de los momentos más estimulantes del cine contemporáneo nacional.

El guion, escrito por el propio director, ya mostraba una madurez inusual para un joven que apenas comenzaba su trayectoria profesional. Fue una apuesta arriesgada que mezclaba la melancolía de la pérdida con el despertar vital propio de los quince años. Aquel rodaje veraniego sentó las bases de un estilo personal que Trueba ha ido perfeccionando en sus trabajos posteriores.

La trama presenta a Tristán Romeo, un joven que disfruta de una existencia cómoda hasta que ocurre la tragedia. Un repentino accidente de tráfico acaba con la vida de sus padres, dejando al protagonista en una situación de soledad extrema. A partir de ese fatídico momento, el chico debe aprender a convivir con su abuelo, un hombre que intuye el fin de sus días. En este nuevo escenario vital, Tristán descubre por primera vez el sabor amargo de la tristeza y la necesidad de sobrevivir. La irrupción de su tía Carmen y su sobrina Lucía aporta una nueva dinámica emocional al pequeño universo del adolescente.

Se trata de una historia de iniciación donde el descubrimiento del sexo y la percepción de la muerte caminan de la mano. El joven se enfrenta a decisiones difíciles, como elegir entre la familia o terminar en un hogar de acogida estatal. Cada escena cotidiana se transforma en una experiencia profunda de crecimiento personal para un chico obligado a madurar pronto.

La cosecha de galardones para esta ópera prima comenzó a fraguarse en la 11ª edición de los Premios Goya. El gran triunfador de la noche fue el veterano Luis Cuenca, quien se alzó con el premio al mejor actor de reparto. Su interpretación del abuelo fue calificada por la prensa como una presencia estimable que eclipsaba cada plano de la película. Además de este éxito rotundo, el film obtuvo tres candidaturas adicionales que confirmaron la calidad técnica y artística del proyecto. David Trueba fue nominado en la categoría de dirección novel, un reconocimiento a su visión fresca y cargada de simbolismo. El guion original, también de su autoría, compitió por el busto del pintor, destacando por sus diálogos llenos de amor. La joven Lucía Jiménez completó el cuarteto de nominaciones al optar al premio como mejor actriz revelación por su debut.

El reparto de la cinta supuso el descubrimiento de nuevos talentos que marcarían el futuro de la interpretación en nuestro país. Fernando Ramallo dio vida a Tristán con una templanza que sorprendió a los espectadores por su naturalidad frente a la cámara. Para Lucía Jiménez, este fue su primer trabajo profesional, convirtiéndose pronto en un rostro popular de la pantalla pequeña. El director supo extraer de estos jóvenes una autenticidad que traspasaba el celuloide, retratando con acierto los ritos de la adolescencia. El trío protagonista se completaba con Luis Cuenca, cuya maestría actoral sirvió de guía para los debutantes durante el rodaje.

Trueba volvió a contar con Cuenca para proyectos futuros como Soldados de Salamina, forjando una relación profesional muy fructífera. Actores de la talla de Vicky Peña, Jordi Bosch e Isabel Otero aportaron solidez a los roles secundarios de la trama. El trabajo de casting fue clave para lograr esa sensación de gente viva que el público reconoció con agradecimiento.

Más allá de nuestras fronteras, la película también recorrió festivales internacionales cosechando críticas muy positivas y premios de relevancia. En el Festival de Karlovy Vary de 1997, obtuvo el prestigioso Premio Especial del Jurado. También tuvo presencia en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, uno de los escaparates más importantes del mundo. En Francia, la Bienal de Cine Español de Annecy la coronó como la mejor película de su edición de 1998. Otros certámenes internacionales en ciudades como Bastia, San Juan de Luz o Giffoni también premiaron la calidad de la cinta. En el ámbito nacional, la revista Turia otorgó al film el premio a la mejor ópera prima española del año. Por su parte, los Premios Sant Jordi reconocieron nuevamente la labor de Luis Cuenca como mejor actor español de la temporada.

Una sonrisa entre lágrimas

La crítica ha destacado a menudo la vinculación de esta obra con el espíritu romántico de la Nouvelle Vague francesa. Los colores de la bandera gala en el cartel y los constantes sueños con París refuerzan esta conexión cultural y emocional. El estilo de David Trueba en este debut mezcla de forma armónica la tristeza implacable con momentos luminosos y cargados de alegría. Ángel Fernández Santos describió la película como una obra emocionante donde el talento fluye con la humildad necesaria para brillar. Se trata de una fábula amarga que introduce elementos dulces, provocando una sonrisa entre lágrimas en quien la contempla. La elegancia del director al situar su oficio a la altura del instinto permite abordar muchísimas complejidades vitales.

El proceso de creación técnica contó con la producción de Ana y Cristina Huete, figuras fundamentales en el cine de los Trueba. El rodaje se llevó a cabo durante los meses de julio y agosto en localizaciones que incluyeron diversos puntos de la ciudad de Madrid, así como Ávila y la ciudad de París. En la capital española, se grabaron escenas icónicas en lugares como la Cuesta de Moyano o el distrito del Retiro. La fotografía corrió a cargo de William Lubtchansky, mientras que Antoine Duhamel fue el encargado de componer la partitura musical. Este equipo de profesionales ayudó a construir una atmósfera melancólica y desencantada que encajaba perfectamente con las tribulaciones del protagonista.

Es una de las películas más peculiares de los años 80. Contaba cuatro historias independientes de terror y ciencia ficción, inspiradas en la clásica serie de televisión creada por Rod Serling que llevaba el mismo nombre. Uno de los relatos incluso llegó a estar dirigido por el mismísimo Steven Spielberg.

Sin embargo, fue el primero de ellos el que hizo que En los límites de la realidad (Twilight Zone: The Movie) pasara a la historia como una de las películas más trágicas de Hollywood. Y no por la trama que esta primera parte planteaba, sino por lo que pasó durante el rodaje con tres de sus actores. Para conocer esta historia, debemos remontarnos a la madrugada del 23 de julio de 1982, durante la filmación dirigida por John Landis.

Aquella noche se rodaba una de las escenas más importantes, ambientada en la guerra de Vietnam. Es una de las últimas partes de este episodio, en el que seguimos a un hombre profundamente racista (Vic Morrow) que comienza a viajar inexplicablemente a distintos momentos históricos, donde experimenta en primera persona la persecución. Primero como un judío perseguido por los nazis, luego como un afroamericano acosado por el Ku Klux Klan y finalmente como un vietnamita durante la guerra.

El accidente y sus consecuencias

El 23 de julio, se rodaba el momento en que el protagonista se encuentra con dos niños vietnamitas huérfanos que están siendo atacados por un helicóptero estadounidense y, a modo de redención, decide arriesgar su vida para salvarlos. En la escena, el actor Vic Morrow debía cruzar un río cargando a los dos menores de edad, Myca Dinh Le (7 años) y Renee Shin-Yi Chen (6 años), mientras un helicóptero sobrevolaba la zona a muy baja altura y se producían explosiones, a priori controladas por el equipo del largometraje.

En un momento dado, una explosión alcanzó la aeronave, haciendo que el piloto que la manejaba perdiera el control. El rotor principal se salió del vehículo, y debido a la baja altura, decapitó inmediatamente a Morrow y Le, mientras que Chen murió tras chocar contra el helicóptero.

La noticia conmocionó inmediatamente a Hollywood, y pronto se abrió una investigación que no tardó en revelar varios problemas graves de seguridad. Los dos niños estaban trabajando de madrugada y cerca de pirotecnia y maquinaria pesada, algo prohibido por la legislación laboral infantil de California. Además, estos habían sido contratados de manera irregular y sus padres no tenían ni idea de las condiciones reales del rodaje.

John Landis, el responsable de efectos especiales, el director de producción y el piloto del helicóptero fueron acusados de homicidio involuntario por negligencia pero, tras un largo proceso judicial, todos fueron absueltos en el juicio. Lo que sí provocó fueron cambios importantes en la industria. Durante años, Hollywood evitó la participación de actores en escenas donde había helicópteros. Además, se impulsaron importantes reformas en las normas de seguridad y en la regulación del trabajo infantil en los rodajes.

“No es una historia, es la historia”, compartió Christopher Nolan en la CinemaCon a principios de este año. El director hablaba de La Odisea, el poema épico que tiene unos 3.000 años de antigüedad y cuya adaptación cinematográfica llegó al cine el pasado 16 de julio. Lo hizo por todo lo alto, como la primera película de la historia en ser rodada íntegramente en formato IMAX, y desde entonces no ha dejado de dar que hablar.

Más allá de las técnicas utilizadas por el cineasta durante el rodaje, una de las cuestiones que más se está comentando tiene que ver con las localizaciones elegidas por Nolan para poner en pie la historia sobre el viaje de Odiseo (Matt Damon) de vuelta al reino de Ítaca. La película se rodó casi íntegramente en locaciones reales, viajando desde Marruecos a Italia, pasando por Islandia y Grecia, entre otros países.

En este último, el rodaje tuvo lugar entre marzo y abril de 2025. El equipo de Nolan se trasladó concretamente a la región del Peloponeso para rodar las secuencias protagonizadas por el cíclope Polifemo y su encuentro con Odiseo y sus hombres. En la película, esta parte de la historia se desarrolla en una cueva, una formación geológica que en realidad se llama Cueva de Néstor.

Donde Hermes escondió el ganado

La cueva de Néstor es una caverna que se encuentra en la roca donde se construyó el antiguo castillo de Navarino, concretamente sobre la playa de Voidokilia, cerca de Pilos (Mesenia). La cavidad, que tiene una profundidad de unos 50 metros y una altura de unos 20, no puede visitarse porque tiene restos neolíticos, pero Nolan consiguió los permisos para convertirla en set de rodaje.

La cueva está relacionada con dos mitos. Se dice que esta perteneció a Néstor, hijo de Neleo y rey de Pilos, quien aparece en la otra gran obra de Homero, La Ilíada. Pero también existe otra historia, que dice que esta cavidad es donde supuestamente Hermes escondió 50 bueyes robados a su hermano Apolo. Para no ser descubierto, hizo caminar al ganado hacia atrás, confundiendo las huellas del suelo.

En la película, la cueva se convierte en el hogar del cíclope Polifemo, un monstruo creado mediante un gigantesco títere animatrónico e interpretado físicamente por Bill Irwin. Para diseñar su aspecto, Christopher Nolan se inspiró, entre otras referencias, en Saturno devorando a su hijo, de Francisco de Goya.

El rodaje en el interior de la cueva tampoco fue especialmente agradable. En varias entrevistas, Damon recordó que el equipo tuvo que atravesar una auténtica “cortina de abejas” para acceder a la cavidad. A ello se sumó el intenso olor de las ovejas que los acompañaron durante el rodaje de esta secuencia. Esa sensación de incomodidad y encierro terminó trasladándose a la pantalla y dio lugar a una de las escenas más inquietantes de toda La Odisea.