Mediante un brevísimo comunicado en el blog oficial de PlayStation, Sony anunció en verano que el fin de su acuerdo de licencia con Studio Canal iba a conllevar la eliminación de más de 550 títulos de las bibliotecas digitales de miles de usuarios. En el texto, la compañía deja claro que los compradores “perderán acceso” a películas como El diario de Bridget Jones, Terminator 2 o Abierto hasta el amanecer a pesar de haber pasado por caja. Esto es posible porque, en realidad, aquí nadie ha comprado nada. Es el estándar con las obras de propiedad intelectual. Los usuarios adquieren licencias de uso o acceso, pero nunca tienen una posesión real. Así, cuando la obra es digital, la obligada eliminación de la plataforma en la que se aloja termina por dejarlos sin nada.

En el sector de los videojuegos los debates sobre la propiedad de las obras son una constante desde hace años. En una industria que lo apuesta todo por el digital —es casi imposible comprar juegos en formato físico para PC— se suelen defender los discos como la única manera en la que los jugadores pueden tener derechos sobre su colección. Coloquialmente, se entiende que el formato físico permite comprar la obra “de verdad” mientras que el digital solo permite alquilarla.

Pero como explica Darío López Rincón, jurista especializado en protección de datos, esto no es exactamente así. Tanto en físico como en digital, el usuario adquiere una licencia; la obra nunca es de su propiedad. La diferencia está en que en la mayoría de ocasiones la obra digital se aloja en los servidores de la compañía mientras que la física contiene una copia que se encuentra a salvo en casa.

La normativa nunca pretendió que en distintos formatos los consumidores no tuvieran los mismos derechos, pero lo cierto es que se ha acabado dando la paradoja legal de que en el videojuego digital tengamos menos derechos, como la reventa o la devolución

Darío López Rincón — jurista especializado en protección de datos

“La normativa nunca pretendió que en distintos formatos los consumidores no tuvieran los mismos derechos, pero lo cierto es que se ha acabado dando la paradoja legal de que en el videojuego digital tengamos menos derechos, como la reventa o la devolución”, apunta López Rincón. Ante esta diferencia, la guerra de los formatos se convierte entonces en una lucha de intereses. Un conflicto entre la estrategia económica de todo un sector y los derechos de unos usuarios que, en ocasiones, no tienen siquiera claro qué es lo que tienen que reclamar.

Demandas colectivas

Tan solo dos días después de divulgar el fin del acuerdo con Studio Canal, cuando aún no se había asentado el polvo de la polémica, Sony anunció que a partir de enero del año 2028 va a dejar de lanzar juegos en disco; es decir, que la próxima PlayStation va a ser una consola totalmente digital. Para muchos jugadores, esta es una estrategia difícil de comprender. Dejando de lado las compras in-game y el contenido adicional, los discos siguen siendo el formato favorito de la mayoría de usuarios de PlayStation.

“Creo que el principal motivo del interés en forzar el formato digital es tener el control absoluto del contenido”, explica Juan Ignacio Puig, presentador del canal de actualidad del videojuego Chiclana&Friends. “De esta forma pueden hacer desaparecer las obras para forzarnos a volver a pagarlas en una nueva plataforma, por ejemplo, o pueden modificar la forma de las mismas”. El analista pone un ejemplo del sector musical: “Cada vez es más habitual escuchar un disco en una plataforma digital y notar que, por el motivo que sea, han actualizado la canción que te gustaba y ahora suena una versión con otros arreglos”.

Entre las diferentes formas en las que los jugadores están intentando luchar contra esta decisión se encuentran, al menos en Estados Unidos, las demandas colectivas. El pasado 21 de agosto, Sony se enfrentó a un grupo de jugadores en el Tribunal del Distrito Norte de California. Los demandantes declararon que el actual modelo de venta digital viola las leyes estatales al no usar un lenguaje que deje claro que el jugador no está comprando el juego en ningún caso. Por su parte, la compañía alega que cualquier “consumidor razonable” sabe hoy en día qué es lo que está pagando.

Puig, que diariamente interacciona con una enorme comunidad de jugadores, discrepa: “Creo que la mayoría de la gente no es consciente de eso [...] la mayoría piensa que cuando paga por un contenido digital lo tendrá a su disposición para siempre. Esto pasa por cómo venden el producto. Cuando aparece el botón de compra pone eso ‘compra’, no ‘acceso a la licencia’, por ejemplo. Creo que ahí está uno de los principales problemas; que se haya permitido ese tipo de lenguaje ambiguo que solo tiene el objetivo de hacer creer a los usuarios que realmente compran algo, cuando no es así”.

“El marketing de la industria, que siempre ha hablado de propiedad, unido a los influencers reaccionando a cualquier cosa legal sin conocimiento alguno, ha hecho que la gente no llegue nunca a saber qué es lo que está adquiriendo”, coincide el jurista López Rincón. Sin embargo, también apunta a que “el concepto de compra no debería llevar a equívoco” dado que se lleva usando desde hace décadas para la adquisición de bienes digitales. “Más que publicidad engañosa, podría ser un patrón oscuro o engañoso al que se le pueda buscar las vueltas si intenta alterar el botón, los colores, posición o similares para incentivar que lo pulses o hagas algo”.

Cuando todos entendamos lo que significa realmente pagar por un contenido digital empezará la concienciación

Juan Ignacio Puig — presentador del canal de actualidad del videojuego Chiclana&Friends

“Cuando todos entendamos lo que significa realmente pagar por un contenido digital empezará la concienciación”, señala Puig. Especialmente porque dadas las agresivas estrategias de las compañías de videojuegos para favorecer el digital (desde lanzar tiradas físicas minúsculas hasta diferencias de precio), abrazar el formato tal y como se presenta puede suponer un retroceso. Un futuro en el que los jugadores tienen que aceptar cualquier cosa, sin poder de decisión sobre nada.

Derecho a la copia privada

Entre los jugadores que ven imposible plantarle cara a la industria en la defensa del formato físico ha empezado a calar la idea de que el formato digital libre de DRM (siglas del inglés digital rights management o gestión de derechos digitales) podría ser una solución ante la pérdida de derechos. DRM hace referencia a una serie de tecnologías que, embebidas en las obras digitales, impiden que los compradores puedan copiarlas, prestarlas o reproducirlas de una forma no autorizada por los titulares de los derechos de autor.

Y aunque se han convertido en un estándar en las industrias culturales, aún quedan proyectos que demuestran que el DRM no tiene por qué venir integrado por defecto. En videojuegos, tiendas como itch.io o GOG.com permiten descargar los archivos de instalación de los juegos en cualquier lugar, haciendo posible, como recuerda López Rincón, “el derecho a la copia privada en nuestro poder sin cesión, uso, venta ni nada”.

El jurista, que además de ser aficionado a los videojuegos dirige el podcast Jugando a derecho, centrado en la divulgación legal en relación con el sector, ve en este modelo un camino posible, aunque aún sin definir. Sin embargo, también señala que, en su opinión, el verdadero problema son las cuentas de usuario, el juego en la nube y el always online; la obligación de “identificarse” antes de poder empezar a jugar. “Esa cuenta en la que se atornilla la biblioteca y obliga a iniciar sesión cada vez que se juega, es la que hace que la gente tenga la percepción errónea de que antes los videojuegos sí que eran propiedad”, aclara, “la gran pérdida de derechos y posibilidad de control viene por habernos dejado colar el que cada editora nos meta en su ecosistema cerrado digital con cuenta de usuario, conexión permanente y biblioteca”.

Crear una industria digital en la que los jugadores no pierdan derechos parece algo sencillo pero las principales compañías no están por la labor. En los últimos meses, buena parte de las acciones y movilizaciones por la defensa de los derechos de los jugadores han terminado en fracaso. Sea por desconocimiento de la situación o por la apatía general de los usuarios, lo cierto es que, hasta el momento, las grandes compañías parecen estar ganando.

La campaña promocional de Grand Theft Auto VI (GTA 6) se ha puesto en marcha. Solo un día después de invitar a su sede a varios periodistas de todo el mundo para ver un adelanto de una hora, Rockstar publicaba en Netflix una “mirada extendida” de 25 minutos centrada en la jugabilidad. Pero aquí la campaña promocional no es más que un trámite. GTA 6 no necesita todo esto. Los analistas de la industria del videojuego coinciden en que, el próximo 19 de noviembre, el lanzamiento del título batirá todos los récords.

“GTA 5 hizo 1.000 millones de dólares [862 millones de euros] en tres días y GTA 6, debido a la expansión de la industria y al crecimiento masivo de la serie, superará eso sin lugar a dudas. Será el mayor lanzamiento de entretenimiento de la historia, no solo en el ámbito del videojuego”, dice Forbes, en donde hacen la previsión de ventas más conservadora. En la compañía centrada en el análisis de datos de la industria del videojuego, Newzoo, parten de las cifras de preventa —que ha superado los 180 millones de dólares (155 millones de euros) en los cinco principales mercados de Europa y Estados Unidos — para estimar globalmente entre 3.000 y 5.000 millones de dólares (entre 2.600 y 4.300 millones de euros) en ventas en la primera semana.

No son castillos en el aire ni suposiciones de una industria dada a la grandilocuencia; la expectación es real. El tráiler de presentación del juego, lanzado en diciembre de 2023, acumuló 90 millones de reproducciones en sus primeras 24 horas, convirtiéndose en el vídeo más visto de la historia de los videojuegos. El segundo adelanto, según la propia Rockstar, es “el mayor lanzamiento en vídeo en la historia de internet”. Es evidente que el estreno de GTA 6 va a ser uno de los eventos más importantes del año. La duda viene en qué es lo que vendrá después. Porque este éxito está llamado a transformar la industria. A asentar unas dinámicas que la mayoría de los jugadores rechazan.

Más que un juego, un evento

A la hora de explicar la importancia de GTA 6 más allá de las cifras previstas de venta lo más sencillo es empezar con el enorme reconocimiento que tiene la marca entre el público generalista, que no está acostumbrado a seguir la actualidad del videojuego. El primer título de la franquicia llegó al mercado el 1 de noviembre de 1997 en medio de una enorme polémica. Grand Theft Auto era un juego violento, recomendado para mayores de 18 años, en una industria que se percibía como infantil. En ese momento, el pánico moral alrededor de los videojuegos estaba en su máximo apogeo —especialmente en Estados Unidos— y muchos informativos y periódicos no dudaron en dedicar un espacio a las posibles consecuencias que podía tener en los adolescentes acercarse a un juego en el que se podía “atropellar a peatones y dar palizas a prostitutas”.

Desde entonces, todos los juegos de la franquicia han tenido un espacio en la prensa más alejada de la industria, ya fuera por lo supuestamente escandaloso que era su contenido o, más recientemente, por ser una de las sagas que más dinero hace en un sector que se suele mirar desde el desconocimiento. Sea como sea, el resultado ha sido el mismo: todo el mundo sabe qué es GTA y se entera de cuándo llega un nuevo título al mercado. Si lo más complicado para las industrias culturales es hacer que el público conozca la obra, GTA 6 viene con eso ganado.

Luego están los antecedentes. GTA 5 y Red Dead Redemption 2, los anteriores títulos de Rockstar, están considerados grandes hitos dentro del sector: juegos que no solo vendieron bien y gustaron a su audiencia, sino que también consiguieron un amplio consenso crítico. El estudio, fundado en 1998 y subsidiario de Take-Two Interactive, se ha convertido en el absoluto referente en el campo de las superproducciones del videojuego gracias a su capacidad para combinar la vanguardia y la innovación tecnológica con historias reconocibles y un lenguaje accesible que, en lugar de beber del videojuego, nace del cine.

Aunque no hay confirmación oficial, desde observatorios como el de Newzoo apuntan a que el presupuesto de este GTA 6 podría rondar los 2.000 millones de dólares (1.720 millones de euros), una cifra sin duda escandalosa. Sin embargo, para el público habitual de los juegos de Rockstar puede parecer natural un presupuesto tan abultado, especialmente si atendemos a la atención al detalle que caracteriza los juegos del estudio. Durante la promoción de Red Dead Redemption 2 se hizo viral la anécdota de que los testículos de los caballos que podíamos montar en el juego reaccionaban a los cambios de temperatura en el ambiente, contrayéndose por la noche cuando comenzaba a hacer frío. Lo que en un primer momento se acogió con chascarrillos ha pasado a la historia como el mejor ejemplo de la filosofía de inmersión del estudio: no hay nada demasiado pequeño y todo debe contribuir a que la experiencia sea espectacular.

Pero si la saga GTA logra apelar a un público masivo es porque los juegos tienen algo para todo el mundo. Para el jugador más casual, la franquicia es algo así como una “película jugable”; una historia de gánsteres urbanos (toda la saga GTA supone un repaso a las diferentes etapas del cine de bandas y pandillas callejeras) en la que podemos controlar a los protagonistas y vivir una experiencia aún más inmersiva de la que encontramos en el cine. El crítico de cine Alberto Corona, colaborador habitual en elDiario.es, la define como un “parque temático” en el que podemos vivir tiroteos, persecuciones o traiciones, de la mano de un guion más o menos elaborado.

Para el jugador más experto, sin embargo, la atracción principal se encuentra en las narrativas emergentes. La jugabilidad de la saga GTA se denomina sandbox (caja de arena) porque pone frente a los mandos un mundo abierto que podemos explorar a placer. Así, podemos elegir ir a cortarnos el pelo y comprar un traje antes de una negociación, haciendo de nuestro personaje un matón vanidoso, o escoger solo aquellas misiones secundarias que ayudan a la comunidad, haciendo del protagonista una especie de justiciero. La historia se escribe con el juego, haciendo de cada partida una experiencia única.

Pero no todo es celebración. Después de la fiesta del GTA 6 vendrá la resaca. Y todo apunta a que, a diferencia del juego, esta nueva industria no estará diseñada para acoger a todos los jugadores.

La industria del videojuego ha estado especialmente convulsa desde el fin de la pandemia. Lo que fue, paradójicamente, un momento dorado para los videojuegos —con todo el mundo encerrado en casa se dispararon la venta consolas y títulos— ha dejado una profunda crisis de la cual nadie parece saber cómo recuperarse. El auge de la IA, que ha disparado el precio de los microcomponentes, tampoco ayuda a imaginar un futuro próspero para un sector que depende de la venta de hardware (consolas, ordenadores, móviles...) tanto como de la venta de juegos.

Pero ha sido durante este año cuando los jugadores han podido ver con mayor claridad cómo la industria del videojuego se va a ir haciendo cada vez más excluyente desde el punto de vista económico. Las grandes compañías que dictaminan las tendencias en el mercado ya han dejado claro que los juegos, en especial los más populares, van a subir progresivamente de precio. En general, los títulos de esta generación van a pasar a costar un 28% más que los de la generación anterior. Así, si hace unos años un 'triple A' podía costar entre 50 o 60 euros, ahora el precio habitual es de 80 euros.

La polémica del primer gran juego sin disco

Lo que se compra con ese dinero, además, se está devaluando. El pasado 1 de julio Sony anunció que a partir del 1 de enero del 2028 dejará de vender juegos en formato físico, lo que significa que, a partir de ese momento y a un precio mínimo de 80 euros, no compraremos un disco que nos otorga una copia del juego en propiedad, sino una licencia digital de uso temporal que puede ser revocada en cualquier momento, por ejemplo, si Sony decide cerrar parte de sus servidores.

Aunque GTA 6 llegará al mercado el próximo 19 de noviembre, más de un año antes de la desaparición del formato físico en PlayStation, el título no se venderá en disco a pesar de costar 79,99 euros en su versión Standard y 99,99 euros en su versión Ultimate. Que el juego vaya a convertirse en un éxito sin precedentes va a ser leído por estudios y publishers como la demostración de que los jugadores están dispuestos otra vez a pasar por el aro, haciendo cada vez más difícil que Sony dé marcha atrás en su decisión del pasado julio.

Lo mismo pasa con los sindicatos. En los últimos años, ha crecido el interés de los jugadores por entender la forma en la que se hacen los juegos y por defender los derechos de los trabajadores. Rockstar es una empresa con graves antecedentes de abusos a sus empleados —la anécdota de los testículos de los caballos se suele unir a las terroríficas historias de explotación y horas extra que sufrieron los trabajadores del estudio— y, durante el desarrollo de GTA 6 han sido acusados formalmente de serias prácticas antisindicales. Si durante un tiempo el miedo a la percepción del público hizo que ciertos estudios —como Naughty Dog, responsables de The Last of Us — se posicionaran en contra de la “cultura del crunch (sobretrabajo)”, GTA 6 puede enseñarles que no tienen nada que temer. Que las polémicas pasan, pero el juego se vende igual.

Esta campaña promocional que se ha puesto en marcha hace pocos días ya está generando polémica. Que la “mirada extendida” del juego se haya estrenado en exclusiva en Netflix, poniendo un muro de pago ante algunos de los fans, ha sentado un precedente que, de nuevo, tiende a hacer la industria más cerrada y exclusiva. Es el poder de ser el evento del año. Demasiado grande para fallar. Tan único, tan especial, que puede normalizar hasta las prácticas más polémicas.

Sony dejará de producir videojuegos de PlayStation en formato físico a partir de 2028. Sus famosos discos, que acompañan a la firma desde la PlayStation 1 de 1994, pasarán a mejor vida y con ellos, las cajas que han servido de trofeo para millones de jugadores durante tres décadas. La empresa japonesa asegura que solo sigue “las preferencias de los consumidores y la industria” y, de hecho, podría ser emulada próximamente por la otra gran plataforma, Xbox. No obstante, la decisión pone fin a una era en los videojuegos y ha generado protestas tanto entre jugadores como entre las tiendas que los venden.

“A medida que las preferencias de los consumidores y la industria del entretenimiento en general se alejan cada vez más de los discos físicos en favor de lo digital, la producción de discos físicos para todos los nuevos juegos que se lancen en las consolas PlayStation se interrumpirá a partir de enero de 2028”, ha comunicado Sony. “Después de esta fecha, los nuevos juegos estarán disponibles en PlayStation Store y en tiendas físicas únicamente en formato digital”, añade.

La firma japonesa afirma que la “transición no afecta a los juegos que ya se lanzaron o se lanzarán antes de enero de 2028 en formato físico”, pero sí aparecerá antes de esa fecha en sus principales buques insignias. El esperado GTA VI, que lleva 8 años en desarrollo y cuyo lanzamiento está previsto para el próximo 19 de noviembre, no tendrá una versión física. La caja, que sí se venderá en tiendas, solo incluirá un código de descarga para el formato digital.

“Esta es una evolución natural para Sony Interactive Entertainment, que busca adaptarse a las tendencias de consumo, ya que la preferencia general por los medios digitales supera con creces la de los discos físicos. Esta transición nos permitirá alinearnos mejor con la forma en que la mayoría de nuestra comunidad prefiere acceder a los videojuegos y jugarlos hoy en día”, añade Sony.

Aproximadamente el 85% de las ventas de videojuegos durante el último trimestre de Sony fueron digitales, según las cuentas del ejercicio que finalizó el 31 de marzo. Y si bien la empresa lo enfoca como una decisión meramente comercial, lo cierto es que la medida parece querer aliviar la presión sobre las acciones de la compañía, que habían caído un 20% desde que comenzó 2026.

Problemas en la mayor industria cultural

La industria de los videojuegos se ha convertido en la mayor industria cultural del planeta. Según los datos de la consultora IDC, su facturación se acerca ya a los 175.000 millones de euros al año, más que el cine y la música juntas. Sin embargo, sus dos gigantes, Sony y Xbox, atraviesan problemas económicos.

Sony arrastra el fracaso de la compra del estudio Bungie, autor de sagas como Halo y Destiny, por unos 3.000 millones de euros. Tras una serie de lanzamientos poco exitosos, las últimas cuentas de la compañía japonesa evidenciaron que el estudio le está suponiendo un agujero de pérdidas millonarias, de unos 480 millones de euros solo en el último trimestre. Una crisis similar atraviesa a su competencia Xbox, que esta semana anunció el despido de 3.400 trabajadores. “Nuestro negocio hoy no está sano. Operamos con márgenes entre tres y diez veces inferiores a los de plataformas y empresas similares”, justificó su consejera delegada.

El fin de los formatos físicos en ambas plataformas (diversas filtraciones apuntan a que las próximas vídeoconsolas de las dos marcas no incluirán ninguna versión con lector de discos) supone un alivio de costes. Los juegos digitales eliminan los costes de producción y distribución de discos, así como la necesidad de dejar margen para que los minoristas añadan su comisión.

En el caso de Sony, el anuncio supuso un respiro para sus acciones de casi un 8%, que ayudó a mitigar la caída arrastrada desde enero. Tras esa subida, su consejero delegado vendió la mitad de los títulos de la compañía que poseía, en una operación que le reportó casi 5 millones de dólares.

Los juegos digitales y la cuestión de la propiedad

La decisión de Sony de abandonar el formato físico ha reavivado el debate sobre la propiedad real de los videojuegos digitales. Aunque los usuarios pagan por ellos de igual forma a como lo hacen por los discos físicos, en la práctica lo que se adquiere es una licencia de uso vinculada a una cuenta y sometida a las condiciones de la plataforma. Esto implica que el acceso al juego depende de que el servicio siga operativo y de que el distribuidor mantenga los derechos necesarios para ofrecerlo.

Es precisamente este argumento el que ha expresado la cadena de tiendas Game para criticar la decisión de Sony. “Cada vez que desaparece una edición física, perdemos la libertad de disfrutar de nuestra afición tal y como queremos: la posibilidad de prestar un juego a un amigo, de revenderlo, de coleccionarlo, de conservarlo o, simplemente, de elegir dónde y cómo lo compramos, sin monopolios”, ha manifestado la empresa en un comunicado.

“Para millones de jugadores no es solo una caja en una estantería: son recuerdos, colecciones, ediciones especiales, historia del videojuego y, sobre todo, derechos como consumidores”, continúa Game: “Nos quieren hacer creer que esto es una evolución natural, pero nosotros creemos que el futuro no debería construirse eliminando opciones, sino ampliándolas. Digital y físico pueden convivir; de hecho, llevan años haciéndolo”.

Esta misma reivindicación se lee en foros y redes sociales de todo el mundo, con miles de aficionados llamando incluso al boicot contra Sony.

Protestas y llamamientos al boicot

Las cuentas oficiales en redes sociales de PlayStation quedaron en completo silencio durante varios días después del anuncio del fin de la producción del formato físico. Este martes retomaron las publicaciones, lo que fue aprovechado por decenas de miles de jugadores para expresar su disconformidad con su decisión.

La primera publicación en X del perfil de PlayStation acumula ya 65.000 respuestas con quejas, memes y críticas por el final de los discos, con miles de jugadores compartiendo imágenes que aseguran que “sin discos, no hay compra”.

La animosidad ha continuado en las siguientes publicaciones de la marca, que ha retomado su actividad de redes normal. “Las compras digitales son licencias, no propiedad. Sony puede revocar el acceso. Esto genera preocupaciones sobre la propiedad a largo plazo, la preservación de juegos, la reventa, el préstamo y la dependencia de servidores/tiendas”, reza la nota de la comunidad que los usuarios han incluido en una de las publicaciones, una herramienta de X mediante la cual se puede añadir contexto a un tuit sin el consentimiento de su autor original.

Las quejas han avivado también el debate sobre la preservación de los videojuegos como patrimonio cultural. A diferencia de un libro o una película en formato físico, un videojuego digital puede dejar de ser accesible cuando desaparecen las tiendas en línea, expiran los acuerdos de licencia o los servidores dejan de funcionar. Museos, investigadores y organizaciones dedicadas a conservar la historia del medio llevan años alertando de que buena parte del catálogo de videojuegos corre el riesgo de perderse simplemente porque las plataformas no tienen ningún incentivo económico para mantenerlos.

Es una preocupación que comparte por ejemplo Fran Cifaldi, fundador de Video Game History Foundation y una de las figuras más reconocidas en este ámbito. Tras el anuncio de Sony, el especialista sostuvo que, mientras la industria no ofrezca una vía legal para garantizar la conservación de los juegos, las copias no autorizadas seguirán siendo la única alternativa para preservar parte de ese legado. “Como director de una institución dedicada a la preservación de videojuegos históricos, y habiendo dedicado toda mi vida adulta a esta causa, puedo afirmar que esto es cierto. Hemos intentado colaborar con la organización gremial del sector para encontrar una vía legal, pero se niegan a ofrecer una alternativa viable”, ha afirmado.

Lo normal es que en estos momentos usted se encontrara ahora mismo leyendo la crítica de Torrente Presidente. Es, sin duda, el estreno de la semana, y uno de los más importantes del año del cine español. Y del cine en general. Todo apunta a que el regreso del personaje creado por Santiago Segura reventará de nuevo la taquilla y confirmará el idilio de su director con el público. Sin embargo, la prensa no ha podido ver la película. No ha habido un pase para poder hacer la crítica con anterioridad, ni ha habido las clásicas jornadas de entrevistas con su equipo. Nada.

El argumento que ha dado Santiago Segura es que lo hace por los fans. Que quiere que ellos lleguen vírgenes a las salas. Parece un gesto hacia sus seguidores, pero realmente lo que se esconde es una deriva en donde el periodismo cinematográfico está, cada vez, peor tratado por aquellos que exhiben las películas. Segura dice que si enseña la película a la prensa se destrozarán los cameos y las sorpresas que contienen. ¿Por qué?, ¿acaso las críticas de El sexto sentido destrozaban el giro final de la película?, ¿las de Marvel cuentan las escenas post créditos? En una crítica no se desvelan las sorpresas del filme. No se ha hecho nunca y no se hace. Aquí tampoco debería hacerse. Por si acaso le diera miedo eso podría haber hecho firmar un embargo sobre ciertas partes de la trama para aquellos que la vieran. Tampoco. La decisión es que no la vean.

No es la primera vez. Con la última entrega de Padre no hay más que uno —con la misma distribuidora, Sony— no hubo pase para crítica, solo la vieron aquellos que fueran a entrevistar al equipo del filme. Pero, al menos, se enfrentó a la prensa. Aquí, ni eso. Ni siquiera se ha dado la oportunidad de que los informadores pudieran entrevistarle. Lo hará la semana que viene. Habrá un pase de prensa y varias entrevistas tras el primer fin de semana.

Dice Santiago Segura que no quiere spoilers, ¿cómo va a evitar que aquellos que lo vean esta misma tarde a primera sesión no los pongan en redes sociales? El argumento se tambalea cuando pide algo que es físicamente imposible en el mundo de las redes sociales e Internet. No. Lo que no ha querido es que la película llegue a la sala con críticas negativas ni tener que enfrentarse a preguntas sobre lo que haga o diga su personaje. La cosa es que Torrente llega con una fuerza tan grande que ni todas las críticas negativas de todos los medios de España le harían perder espectadores. Quizás unos pocos, pero nada significativo. Enfrentarse a las entrevistas cuando ya tenga el título de la película española más taquillera en su primer fin de semana será más fácil que hacerlo antes. Los espectadores le van a ratificar en su estrategia.

Cuando lo anunció, muchos tuiteros provocadores, expertos en ir a la contra, dijeron que la crítica se quejaba porque le hacían pagar una entrada. Pocos críticos conocen. El argumento es tan simple, tan facilón… que muchos de ellos se califiquen a sí mismos como periodistas es lo que da más miedo. Porque el problema no es solo que Santiago Segura haya decidido hacer esto. El problema es que esto es una práctica que puede empezar a ser habitual y que, hasta ahora, se había rozado, pero no se había llegado a practicar.

Pocas semanas antes de Torrente, Paramount hacía el pase de prensa de Scream el jueves por la noche, fuera de la jornada laboral e impidiendo que los periódicos escritos llegaran al cierre. Estaban, de alguna forma, impidiendo que se hablara de su filme. Las críticas demostraron que lo que querían era retrasar el tsunami de críticas negativas de la última de la saga. Aun así, ha sido un éxito de taquilla. Cada vez es más habitual. La novia, otra película que la crítica ha masacrado, se proyectó para la prensa en España el día anterior. El trato a la prensa, amparados en los spoilers, es cada vez peor.

A eso sumen que varios de esos pases, como ocurrió en el de Scream VII, son junto a influencers. No pasa nada por compartir una sala con influencers, pero ellos son la otra parte del problema de la prensa cinematográfica. Las exhibidoras y distribuidoras cada vez dan más tiempo de entrevistas y peso a influencers que no son periodistas. Cada vez hay menos hueco para hacer entrevistas. Las internacionales empiezan a ser el vellocino de oro, y cuando uno lo logra puede tener la suerte de tener 7 minutos con un talent.

Ahora ni eso, porque ahora es gente que cobra por su contenido, que no va a hacer ninguna pregunta incómoda, que nunca les va a preguntar por algo que se salga del carril y cuya opinión está absolutamente definida porque ha sido invitada a un viaje o incluso ha sido pagado por poner una publicación en sus redes sociales.

Torrente ha sido la gota que ha colmado un vaso que se ha ido llenando poco a poco sin que nadie se queje ni de un golpe en la mesa, y que ha colocado al periodismo cinematográfico a los pies de los caballos. Ojalá sea Santiago Segura quien, en un efecto Streisand, haya provocado un cambio.

Sam Mendes, director de películas como American Beauty –por la que ganó tres Oscar, entre ellos a mejor director y mejor película– o 1917, que también le reportó dos estatuillas, acaba de dar más detalles sobre cómo será su monumental biópic sobre los Beatles, la banda de Liverpool que con sus canciones revolucionó la música popular en todo el mundo.

Mendes realizó declaraciones en la feria CinemaCon que se ha celebrado en Las Vegas estos días. En ellas detalló diversos aspectos del proyecto que apunta a ser uno de los más complejos de su carrera. Desveló que bajo el título genérico de The Beatles-A Four-Film Cinematic Event filmará cuatro películas, cada una de ellas centrada en uno de los miembros del legendario grupo. También reveló la fecha de estreno, que será en abril de 2028, sin especificar de todos modos si se estrenarán las cuatro cintas de golpe o se irán estrenando en determinados intervalos de tiempo.

Otro aspecto importante que se anunció en CinemaCon es que por fin, al ser Sony el productor del proyecto y a la vez dueña de parte de los derechos de las canciones de los Beatles –la otra parte pertenece a Paul McCartney–, se podrán interpretar en la cinta numerosos temas de la banda de Liverpool. Así, las cuatro películas dispondrán del catálogo al completo del grupo, pudiendo así abordar obras como Across the Universe, Strawberry Fields, Let It Be, I Am the Walrus, Yellow Submarine.

Desvelado el cuarteto de protagonistas

Pero tal vez la revelación de mayor trascendencia sea la que hace referencia al elenco protagonista de los filmes, con un actor ya designado por cada beatle. Adicionalmente, Sony, que será la productora de The Beatles-A Four-Film Cinematic Event, ha publicado una fotografía de los cuatro actores que encarnarán a Paul, John, George y Ringo.

Se trata de Harris Dickinson será John Lennon, Paul Mescal encarnará a Paul McCartney, Barry Keoghan se convertirá en Ringo Starr y Joseph Quinn dará vida a George Harrison. Todos ellos estuvieron en la presentación de los nuevos detalles del proyecto se subieron al escenario y recitaron parte de la canción Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Paul Mescal se ha hecho popular por su papel en Gladiator II; Dickinson hizo dueto con Nicole Kidman en la cinta Babygirl; Quinn ha participado en la cuarta temporada de la serie Stranger Things) y Keoghan fue uno de los protagonistas de Saltburn.

El de Mendes no es el primer biopic sobre la legendaria banda, pues en 1994 Ian Softley dirigió Backbeat, una cinta en la que relataba los primeros años de los Beatles, cuando eran unos completos desconocidos que se fogueaban en los locales del puerto de Hamburgo a finales de los años 50, e introducía la figura del “quinto beatle”, Stuard Sutcliffe, bajista inicial de la banda que fue sustituido al poco por el joven George Harrison.

David Bisbal publicó el 1 de noviembre Todo es posible en Navidad, el primer adelanto de su disco de versiones de villancicos como El Burrito Sabanero, Blanca Navidad y Jingle Bell Rock. Dos semanas después, lanzó el álbum completo, acompañado de una omnipresente campaña de promoción que ha inundado lonas, anuncios y redes sociales; con el objetivo de convertir la llegada de su elepé en la bienvenida a las fiestas, como si de Mariah Carey se tratara. La artista que lleva generando millones de ingresos cada Pascua desde que lanzara el hit All I Want For Christmas Is You en 1994.

Tal ha sido el empeño del almeriense y de su sello, Universal, que la semana pasada actuó ante una abarrotada Puerta del Sol, en la que bailó hasta la presidenta de la Comunidad, Isabel Díaz Ayuso. “¿Cómo están los máquinas?”, gritó la dirigente del PP, micrófono en mano, antes de dar paso al recital, repitiendo la frase del artista almeriense convertida en fenómeno en las redes sociales.

Mariah Carey es el mayor ejemplo del potencial de las señaladas fechas para funcionar como mina de oro para la industria musical. Michael Bublé, Justin Bieber, Taylor Swift, Ariana Grande y Kelly Clarkson son solo algunas de las artistas que cuentan con sus propias adaptaciones de clásicos e intentos de repetir su éxito de nivel internacional, pero también los hay en el panorama nacional.

Uno de los más emblemáticos es Raphael, que tenía previstos dos conciertos en el WiZink de Madrid el pasado fin de semana para celebrar sus 60 años de carrera (incursión de villancicos incluida). Ambas actuaciones fueron canceladas por prescripción médica, tras haber sido ingresado de urgencia mientras grababa un especial –de Navidad– en La Revuelta de David Broncano.

Mikel Erentxun y Niña Pastori han publicado este 2024 sendos discos de la misma temática, e Iván Ferreiro, Cuento de hadas en Madrid, una versión del que explica a este periódico que era su villancico favorito, Fairytale Of New York, de The Pogues. En él ha contado con la colaboración de artistas como Guadi Galego, Pablo López, Leiva, Rozalén, Vega y Santi Balmes. El intérprete de Turnedo explica a elDiario.es que la idea de hacer la canción fue “inesperada”, impulsada por querer “hacer algo diferente”.

“Nunca me había ni me habían propuesto componer ni versionar ningún villancico”, reconoce. Tampoco se declara especialmente fan, salvo de los que provienen de Estados Unidos, “como Frank Sinatra y este tipo de crooners”: “Los típicos que suenan en las comedias románticas en Nueva York, me los como mucho mejor que Los peces en el río”.

“Nunca voy a poder dar un pelotazo como el de Mariah Carey, esto nos dio la excusa para juntarnos un montón de amigos”, comenta sobre lo inalcanzable que ve las cifras manejadas por la soprano.

El poder del 'streaming'

Universal, Warner y Sony son las tres discográficas más importantes de España, y en todas ellas cuentan con una amplia cartera de artistas que han abrazado la Navidad para ampliar sus catálogos. David Bisbal pertenece a Universal, igual que Dolly Parton, que es otro de los grandes nombres de la música en Navidad, materializados en varios álbumes y su propio especial para Netflix. Ella fue una de las invitadas del último concierto con el que Miley Cyrus lleva varios años celebrando la Nochevieja.

En el catálogo de Warner figura Ed Sheeran, que es uno de los cantantes que ha hecho combo música y cine al grabar este 2024 Under The Tree, parte de la banda sonora de la entrañable película de animación Aquella Navidad (disponible en Netflix). Este es otro recurso con el que desde las producciones audiovisuales se nutren del tirón de las fiestas, como así reflejan los discos y listas especiales de ficciones musicales como Glee; o directamente los especiales televisivos como los de RTVE de Nochebuena, que este año liderarán Estopa y Rosario.

Ahora bien, el hit por excelencia, All I Want For Christmas Is You, y otro que no se queda lejos, el Last Christmas de Wham! corresponden a Sony. José María Barbat, director de esta compañía en España, explica a este medio que “la era digital, y de forma específica la pandemia, han empujado muchísimo el consumo en streaming”. Algo que ha afectado directamente a las escuchas de música navideña, y que detectaron por “la buena acogida” que tenían las playlists de este tipo de contenido.

“Antes del mundo digital, los villancicos consumidos en físico eran una cosa un poco casposa, muy tradicional y de nicho. Alguien tenía el típico casete y poco más”, describe sobre un negocio que se concentraba en “compañías independientes que veían pequeños filones”. Sin embargo, para las multinacionales en las que ya había un alto volumen de álbumes en físico, señala que “sacar uno de villancicos era casi un estorbo, dedicarle tiempo y dinero a algo pequeño”.

Una vez identificaron que el streaming estaba sacudiendo el consumo, comenzaron a trazar líneas estratégicas con las que sacarle partido, con un claro objetivo: “Que no solo fuera fruto de unas pocas semanas o dos o tres canciones emblemáticas, sino que pudiéramos ir añadiendo todos los años más temas y artistas tanto de repertorio clásico como inédito”.

De ahí a que comenzaran a grabar sencillos con todo tipo de artistas, desde Abraham Mateo y su Toxic Christmas, la Blanca Navidad de La Oreja de Van Gogh, Navidad contigo de Ana Mena, Jean & Alex; y la versión de Un año más de Mecano interpretada por Chanel. “No escogimos solo a los artistas que pueden parecer más sospechosos de grabarlos, como los relacionados con el sur porque en Andalucía hay una cultura muy fuerte de villancicos populares; sino también figuras mainstream”.

De quién son los derechos de los villancicos

Manuel López, co-CEO del despacho de abogados y compañía centrada en la gestión financiera de negocio musical Sympathy for the Lawyer y la plataforma especializada en la financiación de música en España INCENTIVA Music, comenta que los lanzamientos navideños han sido “una práctica habitual en la industria musical, sobre todo en el mundo anglosajón, donde es una industria en sí misma”. Dentro de este mercado, no es lo mismo sacar un tema inédito que grabar uno ya existente. El letrado explica que, cuando se realizan versiones, “algunas pueden estar ya en dominio público por su antigüedad. Puede haber incluso populares que ni siquiera se sepa quién las escribió”. En estos casos, sus intérpretes no se ven obligados a pagar nada ni pedir autorizaciones.

El abogado recuerda que, por ejemplo en el caso de David Bisbal, si cosecha gran éxito con temas no compuestos por él, “no va a recibir buena parte de sus ingresos”. Una manera de conseguir adquirir más derechos sobre las canciones, y posteriormente aumentar la recaudación es “generar obras derivadas”, una práctica que describe como habitual: “Coges la original y la versionas, metiendo arreglos e incluso incluyendo partes nuevas”. Al llevar este proceso a cabo, sí que los productores y arreglistas reciben dinero por derechos. “Se suele llegar a un acuerdo con el original, se negocia cómo se van a repartir las nuevas versiones, en qué porcentajes”, detalla.

Conquistar el algoritmo

José María Barbat afirma que el repertorio navideño es un pico anual importante tanto para los sellos como para los artistas, en gran parte gracias a su oportunidad de influir en el poderoso y determinante algoritmo. De ahí a que desde Sony comiencen a empujar este contenido en agosto: “Cuanto antes empiece el consumo, más puede que llegue a Navidad”. “Los algoritmos favorecen lo que ya está fuerte de por sí. Si tienes un repertorio que viene de septiembre, octubre y noviembre con una buena tendencia; el algoritmo empezará a recomendar las canciones que estén más bien posicionadas cuando la gente se ponga a buscar repertorio de Navidad”, aclara.

Que Spotify sea la plataforma líder del mercado, provoca que, como comenta José María Barbat desde Sony, diciembre sea un pico económico para las discográficas, por la repercusión del Wrapped y los temas de Navidad. “El resumen anual pone de relieve las canciones que han sido importantes durante el año, empuja a la gente a consumirlas y que tengan un pico. Con lo cual, si te ha ido bien, en diciembre te irá mejor”, argumenta.

El algoritmo favorece lo que ya está fuerte de por sí. Si tienes un repertorio que viene de septiembre, octubre y noviembre con una buena tendencia; empezará a recomendar las canciones que estén más bien posicionadas cuando la gente se ponga a buscar repertorio de Navidad

José María Barbat — Director Sony España

Respecto al contenido navideño, ilustra: “Imagina que el mercado de España son ahora unos 2.000 millones de streams al mes, y que de esos, 500 son solo de canciones de Navidad. Evidentemente aspiras a tener el mayor pedazo posible de la tarta. Si de esos 500 millones, puedes tener el 50% del consumo del repertorio, mejor porque ese dinero será para ti”.

La repercusión de triunfar con un disco o versión de villancicos va más allá de la Navidad. Puede ser una manera de asegurarse una mayor respuesta en el futuro, impulsada por ese buen posicionamiento. “Si consigues reacción con ese repertorio, y después entre enero y marzo sacas una canción o álbum nuevo, al venir de una situación de consumo potente el algoritmo te va a apoyar y favorecer. Si lo haces sin tener novedades en el mercado, te costará más porque hay que reactivarlo”, explica. Y sin necesidad de que los nuevos trabajos discográficos se enmarquen en el mismo género.

El desgaste de los clásicos

Tanto el director de Sony como el abogado inciden en que el mercado anglosajón está marcado en mayor medida por el consumo de música navideña. El actual TOP 50 de Estados Unidos en Spotify, nueve de los diez temas más escuchados son navideños, liderados por Rocking' Around The Chrismas Tree de Brenda Lee, Jingle Bell Rock de Bobby Helms y All I Want For Christmas Is You de Mariah Carey. En Reino Unido, las diez primeras son todas villancicos con Last Christmas a la cabeza. Si nos fijamos en España, hay que llegar hasta el puesto 20 para encontrar al hit de Carey y al 31 para El Burrito Sabanero de David Bisbal.

José María Barbat reconoce que están “notando que, después de cuatro y cinco años, los grandes clásicos empiezan a mostrar un cierto desgaste”. “Por mucho que te guste Mariah Carey, si la primera canción que te sale cada vez que pones una playlist de Navidad es la suya, acabas harto”, valora. Por su parte, confía en que sus sustitutos puedan nacer desde Sony: “Aspiramos a que artistas como Rosalía, Nathy Peluso o C. Tangana vengan un día con una idea de canción de Navidad que sea tan brutal que acabe teniendo más consumo que los villancicos tradicionales y All I Want For Christmas Is You ahora mismo, que son los imbatibles”.

Más allá de que suceda o no en la discográfica que lidera, apunta a que la soprano perderá en algún momento su trono: “Siempre pensamos que hay una canción que va a ser la más escuchada de la historia, y luego acaba siendo otra”.

Sony nunca ha dejado de poseer los derechos de Spider-Man, y queriendo aprovechar este privilegio para combatir la hegemonía del Universo Cinematográfico de Marvel (en manos de Disney) se ha colocado en una ambivalencia muy curiosa. Por un lado, el estudio vigila el uso que Kevin Feige pueda hacer del Peter Parker de Tom Holland —bien amenazando con retirarle de la franquicia tras Lejos de casa, bien aprovechando No Way Home como escaparate de los logros de las sagas que sí espoleó—, al tiempo que construye en torno a este personaje un miniuniverso propio. El encabezado por Venom y, en fin, Morbius.

Este miniuniverso está consagrado a los personajes secundarios de Spider-Man y solo puede crecer a la sombra del Universo de Marvel. Aunque las dos entregas de Venom que se han estrenado hasta ahora hayan triunfado en taquilla y tengan sus defensores, por lo general es una franquicia abocada al hazmerreír. La angustia por explotar una marca se topa de bruces con todo tipo de limitaciones, tomando un rumbo tan ridículo —el plan de que Bad Bunny debute próximamente con un personaje llamado “El Muerto”— como involuntariamente ilustrativo de la congestión que ha terminado atravesando la maquinaria superheroica.

Pero claro. En el marco de Sony, y aprovechando los resquicios de explotación que había dejado Marvel Studios, también nació Spider-Man: Un nuevo universo en 2018. He aquí la ambivalencia. Una de las películas de superhéroes más aclamadas de la historia, de una influencia que sobrepasa el género, y que ahora estrena una secuela capaz de amenazar su excepcionalidad para entregarla a los vicios de la industria. ¿Es lo que ha ocurrido, o Spider-Man: Cruzando el multiverso ha logrado mantenerse a salvo y seguir brillando?

Un nuevo universo (de animación)

Spider-Man: Un nuevo universo fue un milagro, pero podemos identificar las condiciones que lo hicieron posible. Por un lado, una lúcida comprensión de la mítica del personaje se alineó con el talante burlesco de la dupla Phil Lord y Chris Miller, cuyas parodias de la cultura pop siempre enmascaran un intenso cariño. Por otro, Un nuevo universo tomó forma dentro de la inquietud de Sony Animation por dejar atrás proyectos atroces como Emoji: La película, lo que derivó en una mayor apuesta por las inquietudes de los animadores y en el prometedor fichaje del español Alberto Mielgo, cuya visión del medio ha sido tan rompedora.

Mielgo abandonó Un nuevo universo no sin antes entregar unas claves estéticas por las que el filme debía transitar. La idea más celebrada fue entonces la de emular el lenguaje de cómics a través de onomatopeyas y una velocidad de frames menor a la estándar, que recordara al paso de las páginas. De este modo, solo desde la gramática visual, Un nuevo universo rendía homenaje al Spider-Man primigenio de las viñetas, cimentando una cumbre donde el lenguaje cinematográfico y el comiquero dialogaban con una armonía nunca antes vista. Y no obstante, lo que más llegó a trascender fue su contundente uso de la animación NPR.

El llamado “non-photorrealistic rendering” —que, básicamente, consiste en variar el rumbo del progreso de la animación digital para que este deje de buscar el realismo, dando media vuelta para inyectarle volumen al 2D de toda la vida— ya existía antes de Un nuevo universo, utilizado especialmente por varios videojuegos de principios de los 2000. Pero nunca había atesorado un vigor como el de este filme, una expresividad que nos descubría que la animación podía llegar a otros lugares cuando el uso de las tres dimensiones parecía condenado al valle inquietante. Así que, desde Un nuevo universo, las producciones NPR se han multiplicado.

Dentro de la misma Sony Animation, con Los Mitchell contra las máquinas. Pero también por parte de sus competidores. DreamWorks Animation ha estrenado Los tipos malos y El gato con botas: El último deseo, logrando por esta última sus mejores críticas en lustros. En el marco de League of Legends ha nacido una serie impepinable como Arcane, estrenada por Netflix. La misma plataforma que cobijó Entergalactic, un proyecto a mayor gloria del rapero Kid Cudi que hallaba legitimidad gracias a esta factura. Este 2023 Paramount lo intentará a su vez con Ninja Turtles: Caos mutante, y Disney con Wish para celebrar su 100 aniversario.

Incluso Marvel Studios ha probado suerte con la serie antológica ¿Qué pasaría si…? Tal afloración de proyectos hace pensar en Un nuevo universo como una producción al fin y al cabo coyuntural: no más que la chispa necesaria para que la industria descubriera cómo salir del estancamiento de la tradición 3D instaurada por Toy Story a mediados de los 90. Pero eso no le quita su carácter pionero, y por tanto un prestigio que ahora se ve obligada a revalidar con la secuela. Tras desencadenar una tormenta estética de tal calibre, desde Sony Animation son conscientes de las expectativas, de la necesidad de romper con lo que ya fue rompedor.

Es una responsabilidad endiablada, que por suerte Cruzando el multiverso sobrelleva con aplomo. Desde los primeros minutos, cuando la trama salta al universo de Spider Gwen y esta nos cuenta sus problemas mientras toca la batería, cunde la sensación de que Cruzando el multiverso va a ser una explosión sensorial del mismo calibre que la de 2018. El montaje guiado por las baquetas encadena planos a velocidad de vértigo pero a un ritmo muy meditado, practicando algo cercano a la hipnosis desde la saturación de estímulos. El humor de la impronta Lord/Miller fluctúa a una velocidad semejante. Y remata el éxtasis.

La filosofía seguida entonces no es muy distinta de la lógica inflacionista con la que Hollywood lleva décadas produciendo secuelas, concretada en una única palabra: más. Más acción, más universos que transitar, más estilos de animación concatenados, más Spider-gente. Todo exhibido con un rigor formal tan categórico que impele a que destaquen algunos ámbitos más pobres, como el descuidado uso de la profundidad de campo o los escenarios que rodean las facciones primorosamente vivaces de los personajes. Algo que no deja de encajar con la propuesta, por el impresionismo invocado. La obsesión por el impacto inmediato, consciente de que el stendhalazo solo se logra a base de golpes.

Un nuevo universo (de universos)

Asumiendo que Cruzando el multiverso es otro triunfo visual, queda por examinar la otra faceta del fenómeno que instauró Un nuevo universo. Sony Animation también fue pionera a la hora de ubicar el concepto “multiverso” en el mainstream audiovisual. Un concepto tan extendido como para que la última ganadora del Oscar a Mejor película, Todo a la vez en todas partes, se sumerja en él y extraiga de su entramado una preocupación por epatar desde la acumulación fulminante —no solo de imágenes, sino del caudal de referencias aparejado a las mismas— que por supuesto también practicaba Un nuevo universo.

Todo a la vez en todas partes recurría al multiverso, por otra parte, para cuestionar los “mecanismos impuestos” que marcan nuestra vida, relativizándolos según otros múltiples devenires posibles que de pronto nos apelaban y daban mayor agencia a nuestra subjetividad. No era muy distinto, en fin, a lo que pasaba con Miles, aprendiendo que “todos podemos ser Spider-Man” tras divisar la gran cantidad de Spider-Man que hay desperdigados por el cosmos. El multiverso viene a servir pues de terapia de autoayuda, dando calma a la atormentada individualidad contemporánea según la comparación y el aprendizaje.

Así lo ha entendido el superheroico posterior a Un nuevo universo, aprovechándolo además para reforzar surtidos de propiedades intelectuales. Tras Un nuevo universo Sony volvió a aliarse con Marvel Studios y estrenó No Way Home: una suerte de simulacro deshumanizado de lo que había sido la película animada. Desde inquietudes dramáticas similares, el gran atractivo pasaba a ser el reciclaje de iconos en lugar de la animación virtuosa, tan consciente de que el público conectaría con él como para planear hacer lo propio en la película sucesiva de Marvel, Doctor Strange en el multiverso de la locura.

Aquí la dirección de Sam Raimi logró que la pulsión corporativa se viera sepultada por sus propios fetiches, sin que por lo demás afectara a esa narrativa troncal de Marvel sumida en “la Saga del Multiverso”. Fuera de la Casa de las Ideas, en la convulsa DC, también se cocina en estos momentos una réplica, Flash. Quien la ha visto asegura que es tan buena como No Way Home mientras en los tráilers vemos a Michael Keaton volviendo como Batman, a Michael Shannon como Zod, y a varios Ezra Miller como distintas versiones de Flash.

Como tantas variantes de Spider-Man se presenta Cruzando el multiverso. En la secuela ocurre lo inevitable, y es que se ve infectada por este ímpetu de escaparate. Lo que en Un nuevo universo se usaba para el humor absurdo, la creatividad o el reconocimiento a cómics ignotos, en Cruzando el multiverso pasa a ser un catálogo de propiedad que se extiende a otras marcas como Lego y vuelve abiertamente sobre el legado cinematográfico del Spider-Man de Sony, tan vital para No Way Home. Aunque hay buenas noticias a este respecto. El humor absurdo sigue imperando, y también lo hace un pensamiento crítico sobrevolando todo el berenjenal.

Los personajes de Cruzando el multiverso están condicionados por un término clave: el “canon”. Sus vidas se ven orquestadas según un destino prefijado que les hará sufrir al tiempo que, se supone, les encaminará a ser Spider-Man. El canon, por supuesto, es un término extraído de la narrativa transmedia, pero aquí conecta con los mecanismos impuestos de Todo a la vez en todas partes y su desafío adquiere otra resonancia. La de creaciones que se revuelven contra un sistema que las ha absorbido, arrebatado toda magia, para meterlas en paquetes y crossovers diseñados fuera de lo que dispongan los artistas. Un malestar al que Cruzando el multiverso mira de frente y se pregunta —mediante el vértigo de la imagen y la trascendencia de un personaje que es mucho más que Marvel— si un día podrá llegar a superar.

La compra del estudio de videojuegos Activision Blizzard por parte de Microsoft batió todos los récords en enero de 2022. La adquisición, cerrada en 69.000 millones de dólares (unos 65.000 millones de euros), no solo fue la mayor operación del sector de los videojuegos sino una de los mayores desembolsos para adquirir una sola empresa de la historia. Tras casi un año de análisis, las autoridades de competencia de EEUU, la UE y el Reino Unido se mueven para bloquear la compra al entender que daría demasiado poder a Microsoft y a su sistema Xbox tanto en el campo de las videoconsolas como en el de juego en la nube, perjudicando a los consumidores.

El proceso de adquisición ha empezado a correr serio peligro este jueves. La Comisión Federal de Comercio (FTC, en inglés) de Estados Unidos ha anunciado que presentará una demanda para bloquear la compra. “Buscamos impedir que Microsoft logre el control del mayor estudio independiente de juegos y dañe la competencia en varios mercados de videojuegos dinámicos y de rápido crecimiento”, ha explicado en un comunicado Holly Vedova, la directora de la oficina de Competencia del organismo.

La FTC argumenta que Microsoft ha limitado el acceso desde los sistemas de la competencia a los títulos de los 30 estudios de videojuegos que ya posee. Activision Blizzard es la desarrolladora de algunas de las sagas más populares de la historia de los videojuegos, como 'Call of Duty', 'World of Warcraft', 'Diablo' y 'Overwatch', que se ofrecen en distintas plataformas. Si Microsoft se hace con el control del estudio podría hacer que solo estuvieran disponibles para Xbox, advierte el organismo estadounidense.

Con el control de las franquicias más exitosas de Activision, Microsoft tendría tanto los medios como los motivos para perjudicar a la competencia

FTC — Regulador de Competencia de EEUU

“Con el control de las franquicias más exitosas de Activision, Microsoft tendría tanto los medios como los motivos para perjudicar a la competencia manipulando los precios de Activision, degradando la calidad de los juegos de Activision o la experiencia de los jugadores en consolas y servicios rivales, cambiando las condiciones y el calendario de acceso a los contenidos de Activision o reteniendo por completo los contenidos de los competidores, lo que perjudicaría a los consumidores”, afirma la FTC.

La FTC ha sido el primer regulador en mover ficha para paralizar definitivamente la compra, pero Bruselas también la está estudiando en profundidad. A principios de noviembre la Comisión Europea anunció que había detectado los mismos riesgos que ahora señala la FTC y que someterá la operación a un mayor escrutinio y llamará a declarar a varios altos ejecutivos de Microsoft.

“La investigación preliminar de la Comisión muestra que la transacción puede reducir significativamente la competencia en los mercados de distribución de videojuegos para consolas y PC, incluidos los servicios de suscripción multijuego y/o los servicios de streaming de juegos en la nube, y de sistemas operativos para PC”, expresó el Ejecutivo comunitario en un comunicado.

La decisión definitiva de Bruselas llegaría en marzo de 2023. El regulador de competencia británico fue el primero en mover ficha, anunciando una “fase dos” de la investigación sobre la adquisición en septiembre, aunque por el momento no ha denunciado el proceso ante los tribunales.

Compartir el negocio de 'Call of Duty'

En los últimos meses Microsoft ha hecho movimientos para mostrar su buena voluntad a los reguladores. El principal ha sido ofrecer el acceso a los videojuegos de la saga 'Call of Duty' a Sony, de forma que estos serían jugables desde el sistema PlayStation durante al menos 10 años. También ha realizado una oferta similar a Nintendo. 'Call of Duty' es uno de los títulos que más beneficios genera de todo el sector y uno de esos que son capaces de mover la decisión de los consumidores hacia comprarse una videoconsola u otra.

De cerrarse la compra, Microsoft se convertiría en un gigante de la industria, aunque no superaría el volumen de negocio de Sony de inmediato. Tampoco el de la china Tencent, que domina el mercado asiático y tiene a su vez una fuerte presencia a nivel internacional.

Confiamos plenamente en nuestro caso y agradecemos la oportunidad de presentarlo ante los tribunales

Brad Smith — presidente de Microsoft

Brad Smith, el presidente de Microsoft, ha declarado que la multinacional sigue firme en su propósito de hacerse con el estudio de videojuegos. Asegura que Microsoft está “comprometida desde el primer día a abordar los problemas de competencia, incluso ofreciendo a principios de esta semana propuestas de concesiones a la FTC”.

Smith añade que su compañía está convencida de la legalidad de la transacción y no tendrá problemas para defenderla ante los jueces. “Aunque creíamos que había que dar una oportunidad a la paz, confiamos plenamente en nuestro caso y agradecemos la oportunidad de presentarlo ante los tribunales”.

Avalancha de adquisiciones

La compra de Activision Blizzard por parte de Microsoft llegó en medio de unas semanas caracterizadas por una serie de compras milmillonarias por parte de los gigantes del sector. Entre ellas destacó la adquisición de Bungie (desarrolladora de 'Halo' o 'Destiny') por parte de Sony por 3.200 millones de dólares; o los 11.000 millones que pagó Take-Two Interactive (una empresa que ya posee los estudios que desarrollan la saga GTA o NBA 2K) por Zynga (conocida por sus juegos para móviles, como 'Farmville').

“Esta concentración suele ocurrir siempre en todas las industrias, no es exclusiva del videojuego. El sector estaba muy atomizado”, explicó a este medio Curro Rueda, vicepresidente de la Asociación Española de Empresas Productoras y Desarrolladoras de Videojuegos (DEV). El mayor riesgo para la competencia es, en su opinión, que los gigantes de la industria se hiciesen también con el dominio de los motores de software que se usan para crear videojuegos, algo que no ha ocurrido y que sí les daría una posición de dominio absoluto en toda la cadena de valor.

Las empresas japonesas Sony y Nintendo han presentado este martes sus resultados anuales de 2021 y ambas coinciden en un punto: sus cifras de 2022 serán peores por el recrudecimiento de la crisis de los chips.

La empresa de videojuegos Nintendo mantuvo el tipo en su ejercicio fiscal de 2021, cerrado el pasado marzo, en el que registró una ganancia neta de 477.691 millones de yenes (unos 3.470 millones de euros), gracias a la rentabilidad de su consola Switch y sus juegos. La cifra es un 0,6% inferior a la anotada un año antes, cuando la desarrolladora y distribuidora japonesa obtuvo un beneficio récord por el boom de su simulador social “Animal Crossing: New Horizons” en el peor momento de la pandemia y los confinamientos, y que fue un motor de ventas de consolas del que careció en el año siguiente.

En lo que respecta al beneficio operativo de la empresa con sede en Kioto (oeste de Japón), cayó un 7,5 % interanual, hasta 592.760 millones de yenes (4.310 millones de euros), y su facturación disminuyó un 3,6 %, hasta 1,69 billones de yenes (12.320 millones), según su informe financiero publicado este martes.

Sony, por su parte, obtuvo un beneficio neto de 882.000 millones de yenes (6.399 millones de euros) en el ejercicio 2021, una caída interanual del 14% atribuida a las pérdidas de su rama de seguros. Prevé ganar aún menos este 2022 por la carestía de los semiconductores y el incremento de los costes.

La corporación nipona se anotó un beneficio operativo de 1,2 billones de yenes (8.707 millones de euros), lo que representa un 26 % más y una cifra récord, según los resultados anunciados este martes, correspondientes al ejercicio que arrancó en abril de 2021 y concluyó a finales del pasado marzo.

Los resultados de ambas compañías se vieron favorecidos por la fuerte devaluación del yen, sobre todo durante el primer trimestre del año natural (y equivalente al último cuarto del ejercicio fiscal nipón), cuando la divisa nipona aceleró su depreciación frente al dólar y al euro.

En el caso de Sony, esta evolución compensó el efecto negativo de la citada reestructuración de la rama de seguros del gigante nipón, que le costó 16.800 millones de yenes (121 millones de euros), así como el descenso de la demanda de videojuegos en 2021 en comparación con un 2020 marcado por las primeras y más duras fases del confinamiento en muchos países.

Nintendo también sufrió esta caída en las ventas de sus videoconsolas. La compañía vendió 23,06 millones de unidades de Switch, un 20% inferior a las ventas de un año antes, una disminución que Nintendo atribuyó a la falta del filón de Animal Crossing y a la carestía de semiconductores y otros componentes clave en la producción de consolas, también por las interrupciones en las cadenas de suministro, que viene impactando a numerosos fabricantes en todo el mundo.

En cambio, sus ventas de software sí mejoraron en 2021, con un crecimiento del 1,8% hasta un récord de 235,07 millones de copias. La empresa ha comercializado en total 822,18 millones de unidades de juegos.

Ambas compañías afirman que la carestía de semiconductores y otros componentes clave en la producción de consolas, así como las interrupciones en las cadenas de suministro, provocarán una caída de sus beneficios durante el próximo ejercicio. Nintendo prevé un descenso del 5,6% hasta 500.00 millones de yenes (3.630 millones de euros), mientras que Sony pone la cifra en un 6 %, hasta los 830.000 millones de yenes (6.021 millones de euros).

Si realizamos algún tipo de deporte en exteriores hay algo puede llegar a molestarnos mucho: que se nos caiga un auricular. Ya sea por el miedo a perderlo o pisarlo o, simplemente, porque no nos guste la sensación de que no hay ningún tipo de sujeción más allá de nuestras propias orejas.

Pero, ¿qué debemos buscar en un auricular deportivo? En primer lugar, si hacemos ejercicio en casa o en un gimnasio, puede que valgan los que utilicemos habitualmente para el transporte público, por ejemplo. Esto se debe a que, principalmente, no hay tanto peligro si se nos caen o no es tan incómodo ajustarlos un poco.

Por lo tanto, y en segundo lugar, los modelos “deportivos” son especialmente interesantes para aquellas personas que salgan a correr, hacer calistenia en un parque o cualquier deporte en el exterior. Entonces, lo esencial para este tipo de auriculares es que cuenten con ganchos para las orejas o alguna especie de sujeción.

Esto evita que se nos caigan con tanta facilidad y propicia que podamos despreocuparnos para estar concentrados en el ejercicio. Otro punto importante es la resistencia al agua y al polvo que estos tengan, ya que sudaremos mientras los llevemos puestos.

En ConsumoClaro, os recomendamos 5 modelos por menos de 50 euros que tienen una buena relación calidad/precio y son grandes opciones, sobre todo si tan solo buscamos unos auriculares para el deporte.

Philips Audio A1105BK

Los A1105BK de Philips son una muy buena opción para quienes quieren gastarse lo mínimo posible para conseguir unos cascos decentes para salir a correr. El mayor hándicap que presentan es que, como otros de esta lista, tiene cable: de 1,20 metros, algo que puede quedarse corto para ciertas personas.

Como se puede ver en la imagen, estos auriculares de Philips cuenta con un gancho que imita el contorno de la oreja para poder sujetarse bien y evitar caídas. Este modelo, además, dispone de clasificación IPX2, por lo que resisten el sudor sin ningún problema.

Aunque la calidad de sonido no es la mejor, sí es suficiente tanto en la calidad en sí misma como en potencia para acompañar nuestras horas de ejercicio.

Sony MDRAS210B.Ae

Un pequeño salto de calidad, pero que no supone una gran inversión (e incluso en oferta, puede llegar a costar menos que los Philips). Los Sony MDRAS210B.Ae son unos auriculares con un diseño similar al anterior aunque con la pequeña diferencia de que el gancho, en este caso, se cierra por completo.

Esto hace que sea aún más difícil que se caigan de nuestras orejas, por lo que podremos realizar cualquier tipo de deporte (que no sea acuático) con ellos. Según el fabricante, este modelo es “resistente a las salpicaduras” y dispone de un cable de 1,20 metros, por lo que, a pesar de no ser inalámbrico, son ideales para hacer ejercicio.

La calidad de sonido, por su parte, es algo superior a la de Philips, pero sin destacar.

Auriculares de Hanpure en forma de cinta

Para aquellas personas que tengan el pelo largo, una de las molestias más habituales es que este se nos pegue a la cara o nos dificulte la visión. Estos auriculares en forma de cinta de Hanpure pueden ser una solución muy particular, pero no por ello menos útil.

Estos cascos funcionan como antifaz para dormir bien sin pastillas o como cinta deportiva. Al ajustarse a la cabeza, no se caerán por mucho deporte que hagamos, además de que evitamos los posibles dolores derivados de tener un auricular metido en el oído.

El mayor problema que presentan estos auriculares es que, en realidad, son unos altavoces. Por lo tanto, podremos molestar a gente que esté a nuestro alrededor o, en el lado contrario, escuchar poco la música que pongamos o que se cuele mucho ruido externo.

SoundPEATS S5

Pero lo más cómodo, muchas veces, es disponer de unos auriculares true wireless para evitar que el cable se nos enrede o tiremos de él mientras hacemos deporte. Los SoundPEATS S5 son una buena alternativa con gran relación calidad/precio.

En primer lugar, este modelo cuenta con el ya icónico gancho para las orejas, lo que asegura una buena sujeción. En segundo lugar, dispone de calificación IPX7, por lo que aguanta el agua (sudor) y algunas caídas, ideal para hacer deporte.

La batería soporta hasta cinco horas de uso seguido más otras 15 horas que incluye el estuche de carga. Además, este modelo ofrece todas las ventajas que se esperan encontrar en unos auriculares true wireless: Bluetooth 5.0, 12mm y control táctil.

Auriculares deportivos de Rulefiss

Otra alternativa para quienes prefieren auriculares true wireless para hacer deporte sin miedo a que se nos caigan. Este modelo de Rulefiss ofrece, como el resto, un gancho para las orejas que evitan que caídas indeseadas o tambaleos molestos mientras entrenamos.

Estos cascos cuenta con Bluetooth 5.1 y clasificación IPX7, es decir, resistente a algunas caídas y al sudor. Además, es compatible con el asistente virtual Siri, el correspondiente a los dispositivos de Apple.

También cuenta con sonido estéreo HiFi, por lo que hará las delicias de los amantes de los podcast o el contenido en audio.

*El equipo de periodistas y expertos de ConsumoClaro recomiendan de forma rigurosa e independiente productos y servicios para nuestros lectores. Cada vez que compras a través de algunos enlaces añadidos a este texto, eldiario.es recibe una comisión.

Si no te quieres perder ninguno de nuestros artículos, suscríbete a nuestros boletines

Mientras la industria del videojuego busca una nueva edad dorada, Sony y Nintendo sufren por no cumplir con las altas expectativas que el sector tiene para ellas. Las dos japonesas han presentado resultados peores que los de 2020 y están cayendo en bolsa, un 6% en el caso de la primera y un 2,75% la segunda. La crisis de los microchips ha afectado de forma severa a Sony, que no ha sido capaz de hacer llegar sus PlayStation 5 a los consumidores más de dos años después de su lanzamiento, mientras que en el caso de Nintendo su consola Switch sigue siendo la más vendida del mundo, pero no ha sido capaz de igualar los espectaculares resultados de 2020.

La caída bursátil de Sony se ha producido un día después de presentar su informe financiero de abril a diciembre, los primeros nueve meses del año fiscal japonés, en los que vio reducido su beneficio neto un 19,9%, hasta 771.100 millones de yenes (5.962 millones de euros). La causa principal son las pérdidas de su rama financiera, pero también el efecto que la crisis de los microchips ha tenido en su división de videojuegos, que es la que más peso tiene en sus cuentas. Tanto las ventas de consolas como las de videojuegos y periféricos relacionados han caído debido a los problemas de disponibilidad de componentes.

“Los inversores parecen estar preocupados por la falta de suministro de PS5 y la disminución de las ventas de software”, explica el consultor de la industria de los videojuegos Serkan Toto, que cree que una vez se resuelva este problema de abastecimiento, “la demanda se cubrirá”, restando importancia a este contratiempo. “Horizon: Forbidden West y Gran Turismo 7 llegarán este trimestre, mientras que otros superventas están a la vuelta de la esquina, como God of War”, considera Toto, que cree que el mercado ha “sobrerreaccionado”, sin considerar los “planes agresivos” de Sony sobre sus servicios en línea y juegos propios.

El conglomerado prevé que la situación mejore en adelante tanto en esta rama como en la de productos audiovisuales, que se vio muy afectada por la pandemia de covid-19 pero que parece haber encauzado su recuperación con la normalización de la situación y tras el taquillazo de Spider-Man: No Way Home. En este sentido, Sony acaba de hacerse con el estudio Bungie por 3.200 millones de euros, tan solo una semana después de que Microsoft (Xbox) se hiciera con Activision Blizzard por 60.000, el récord absoluto de la industria.

Líder, pero menos

Nintendo por su parte registró un beneficio neto de 367.387 millones de yenes (2.840 millones de euros) entre abril y diciembre, un 2,5% interanual menos, por la desaceleración de las ventas de su consola Switch, pese a que sigue siendo la más vendida del mundo. Su beneficio operativo se redujo un 9,3%, hasta 472.551 millones de yenes (3.650 millones de euros), en los nueve primeros meses del año fiscal japonés.

Su facturación por ventas disminuyó un 9%, hasta 1,32 billones de yenes (10.200 millones de euros), según su informe financiero publicado este jueves. Nintendo destacó el buen arranque de su modelo Switch OLED, lanzado al mercado el pasado octubre, y que ayudó a mantener “el impulso de ventas” de su familia de consolas más reciente, de las que lleva vendidas 18,95 millones de unidades este ejercicio.

La plataforma híbrida ha superado los cien millones de unidades desde su lanzamiento en marzo de 2017, con 103,54 millones, por encima de los 101,63 millones de la consola superventas Wii, a pesar de que sus ventas retrocedieron un 21,4% respecto a los nueve primeros meses del anterior ejercicio. Switch se convierte así en la tercera consola más vendida de la historia de Nintendo tras la familia de portátiles DS (154,02 millones) y la Game Boy (118,69 millones).

En lo que respecta a los juegos, en los nueve meses hasta diciembre, la empresa con sede en Kioto (oeste) comercializó 179,29 millones de copias de títulos para la consola, tanto propios como de terceros, y las ventas acumuladas ascienden a 766,41 millones. Destacó las buenas ventas de Pokémon Diamante Brillante y Pokémon Perla Reluciente, “remakes” lanzados a finales de noviembre, y de los que vendió en poco más de un mes 13,97 millones de copias, en una muestra de la popularidad de la franquicia.

La compañía lanzó a finales de enero el nuevo título Leyendas Pokémon: Arceus y en marzo lanzará Kirby y la tierra olvidada, nueva entrega de otra de sus IP de peso, mientras ultima la salida de “una gran variedad de títulos atractivos de otros editores”, sobre los que no adelantó más detalles.

La industria de los videojuegos genera más dinero que la del cine y la de la música... juntas. Con 180.000 millones de dólares al año, ingresa el doble que la primera y ocho veces más que la segunda, según los datos de la consultora Nexus. Los analistas de Accenture recogen que si se suma “el valor indirecto” que se crea alrededor de los videojuegos, como las compras de móviles y ordenadores específicos para jugar, los periféricos o las comunidades de redes sociales y streamers, la cifra se va por encima de los 300.000 millones.

Ser la gallina de los huevos de oro del entretenimiento valdría para justificar la multiplicación de operaciones milmillonarias en el sector. Si en todo 2021 se hicieron unas 250 compras de estudios de videojuegos por un total de 25.000 millones de euros, solo en enero de 2022 ese número se ha multiplicado por tres. Una vorágine de inversión que incluye el récord absoluto que batió Microsoft (Xbox) al hacerse con Activision Blizzard (desarrolladora de Call of Duty, Candy Crush o Guitar Hero) por 60.000 millones de euros. Como referencia, en el Ibex 35 solo Inditex e Iberdrola tienen una valoración de mercado superior a ese montante.

Una semana antes de que Microsoft reventara la baraja se había anunciado la compra de Zynga (un estudio especializado en juegos para redes sociales, como FarmVille) por parte de Take-Two Interactive (creador de las populares sagas Grand Theft Auto o Borderlands, así como del simulador oficial de la NBA) por 11.100 millones de euros. Esta semana se ha confirmado que Sony no quiere que su plataforma PlayStation se quede atrás y se ha hecho con otro de los desarrolladores independientes más potentes del mercado, Bungie (que tiene en su currículo la creación de la serie Halo o más recientemente, la de Destiny) por 3.200 millones.

Los videojuegos son populares en todos los rincones del mundo, en todas las edades y en todos los grupos demográficos. El tiempo que le dedican los jugadores sigue aumentando, y es una actividad cada vez más social y comunitaria

“Los videojuegos son populares en todos los rincones del mundo, en todas las edades y en todos los grupos demográficos. El tiempo que le dedican los jugadores sigue aumentando, y es una actividad cada vez más social y comunitaria”, explica el informe de Accenture sobre la explosión del sector. Sin embargo, tanto la consultora como las empresas que están haciendo estos desembolsos dan otra pista para justificarlos: “Los límites del crecimiento de los videojuegos siguen siendo desconocidos”.

El potencial de los videojuegos ya no es solo seguir dominando el entretenimiento, sino trascender su entorno e impactar en toda la experiencia digital. Accenture los denomina “la próxima super plataforma”. En la industria se ha popularizado otro término: “Los videojuegos jugarán un papel clave en el desarrollo del metaverso”, dijo Satya Nadella, presidente y director ejecutivo de Microsoft, cuando explicaba por qué su empresa ha pagado lo que ha pagado por Activision Blizzard.

El metaverso (el real)

Desde los años 80 la industria del videojuego ha ido unida a las máquinas. Ya fuera una Nintendo, una recreativa, un PC, una PlayStation o una Xbox, la plataforma física era indispensable y cada una marcaba un tipo de experiencia jugable. Ahora la evolución tecnológica está permitiendo al videojuego liberarse de esa atadura, lo que ha volado por los aires sus antiguos límites. Tanto en su capacidad para llegar a los jugadores como para su evolución como industria.

“La competición ya va más allá de la guerra de las consolas y se centra en proponer nuevos servicios y productos que se asientan sobre el videojuego, pero no se basan en jugar”, explica a este medio Francisco Asensi, asesor del Spain Audiovisual Hub en el Ministerio de Asuntos Económicos y Transformación Digital. “Muchos de estos movimientos tienen que ver con la creación de un almacén de contenidos originales que permitan sujetar al jugador más allá del propio juego, en otro tipo de experiencias, como hace por ejemplo Riot Games creando un universo nuevo alrededor de League of Legends como la serie Arcane. 

Cuando el videojuego habla de “metaverso” no se refiere al mundo virtual que propuso Mark Zuckerberg en la presentación de Meta, sino a explotar esos nuevos espacios transversales. Los ejemplos en los que se fija la industria son Fortnite y Roblox, dos juegos en los que se puede entrar para hacer prácticamente de todo (además de jugar). En el mundo virtual del primero se organizan grandes eventos como conciertos, mientras que en el segundo las fronteras no existen y los jugadores pueden diseñar sus propios mundos a medida.

Una característica principal de Fortnite y Roblox es que se puede acceder desde cualquier dispositivo y no están atados a la consola y el mando. Esto es importante porque el entorno móvil es donde se generan los mayores beneficios de toda la industria, y el motivo por el que los grandes están dispuestos a todo con tal de colocarse ahí. “Las ventajas que Bungie ofrece a Sony están en su capacidad para hacer juegos enormes, multiplataforma y con servicio online, algo de lo que toda nuestra organización está deseando aprender”, ha expuesto el director general de la división de videojuegos de Sony, Jim Ryan, en una entrevista con el medio especializado Games Industry.

Sony, que ha liderado el sector durante varias generaciones de consolas, se ha visto de pronto descabalgada con este cambio de tendencia en la que las máquinas ya no son lo más importante. Microsoft no pudo superarla en la batalla del hardware pero la ha adelantado con Game Pass, un servicio de suscripción mensual a un catálogo de cientos de videojuegos que permite jugar en la nube y en cualquier plataforma, sin instalaciones ni esperas. Game Pass es el centro de la estrategia a futuro de Microsoft y esta semana ha superado los 25 millones de miembros, mientras Sony aún se esfuerza por construir su equivalente.

“El gaming está en el centro del desarrollo del metaverso. Los movimientos de Microsoft y Sony van en línea con la voluntad de hacerse con la propiedad intelectual necesaria para llenar de contenido esa experiencia”, continúa Asensi. “La competencia se parece cada vez más a la que tienen las plataformas de vídeo, que al final en lo que se asientan es en el contenido que son capaces de crear y ofrecer”.

El experto recuerda que esta apuesta están metidas muchas más empresas. Netflix ya tiene disponible un paquete de videojuegos para sus suscriptores y está analizando como aumentar su presencia en ese mercado, mientras que Google intentó meter su propio servicio, llamado Stadia (muy similar al Game Pass de Microsoft) pero no ha logrado consolidarlo. De fondo queda el gigante chino Tencent, dueño de franquicias como League of Legends y líder oficial del sector, aunque aupado en gran medida por el control casi total que tiene sobre el mercado chino.

¿Un nuevo problema de concentración?

Esta cadena de grandes compras y desembolsos por parte de las multinacionales del videojuego ha sido tan sonora que no era difícil que no llamara la atención de las autoridades de competencia. Según ha adelantado Bloomberg, la Comisión Federal de Comercio de EEUU ya ha abierto una investigación antimonopolio ante la compra de Activision por parte de Microsoft.

Tanto la compañía fundada por Bill Gates como Sony se han esforzado en transmitir que estas adquisiciones no supondrán que los títulos que desarrollan los estudios que han comprado pasen a ser exclusivos de sus respectivas plataformas. No obstante, esto podría ser solo una estrategia temporal para evitar posibles vetos por monopolio. “Yo no me lo creo, Microsoft no compra Activision para que sus juegos salgan también en plataformas de Sony”, niega Curro Rueda, vicepresidente de la Asociación Española de Empresas Productoras y Desarrolladoras de Videojuegos (DEV) y CEO de Viva Games.

Esta concentración suele pasar siempre en todas las industrias, no es exclusiva del videojuego. El sector estaba muy atomizado

Curro Rueda — Asociación Española de Productoras y Desarrolladoras de Videojuegos

“Estas plataformas están concentrando poder, ahora mismo hay una guerra fría entre ellas”, continúa Rueda, que también lo asimila a lo que ocurre en la industria del streaming audiovisual con Netflix, HBO, Amazon y Disney. No obstante, asegura que esa concentración no tiene por qué perjudicar al consumidor. “Hay una lucha por la atención del usuario y eso espolea la competencia. Nunca se ha creado tanto y de tanta calidad y es precisamente por eso, por la demanda de contenidos que existe”.

“Esta concentración suele ocurrir siempre en todas las industrias, no es exclusiva del videojuego. El sector estaba muy atomizado”, expone. El verdadero riesgo, en su opinión, es que los gigantes se hiciesen también con los motores de software que se usan para crear videojuegos, algo que no ha ocurrido y que sí les daría una posición de dominio absoluto en toda la cadena de valor.

Esta serie de compras tienen más que ver con la propiedad intelectual, algo que no tiene por qué perjudicar la creatividad de los estudios. “Cuando existen estos generadores de valor tan potentes forman a unos profesionales muy buenos que después pueden crear sus propios estudios, a veces con la ayuda de esas grandes empresas”, detalla Rueda: “Me parecería muy interesante que en España también se dieran esas compras de estudios potentes, para que el ecosistema nacional crezca”.

El conglomerado japonés Sony ha llegado a un acuerdo para comprar la desarrolladora y editora independiente de videojuegos Bungie por 3.600 millones de dólares (3.200 millones de euros), según ha informado este lunes en un comunicado.

Bungie fue propiedad de Microsoft entre 2000 y 2007, siendo la firma creadora y desarrolladora de la saga de videojuegos Halo. Posteriormente, la compañía se escindió de Microsoft para operar de manera independiente, lo que le llevó a firmar un acuerdo con Activision para crear el también popular videojuego 'Destiny'.

Hace dos semanas, Microsoft informó de que había llegado a un acuerdo con Activision Blizzard para comprar la empresa por 68.700 millones de dólares (60.326 millones de euros) en efectivo. Microsoft y Sony compiten en el mercado de las videoconsolas, siendo la primera la dueña de Xbox y la segunda, de PlayStation.

“Vamos a emplear la diversa gama de activos tecnológicos y de entretenimiento de Sony para apoyar la evolución de Bungie y su capacidad de crear mundos icónicos en múltiples plataformas y medios”, ha subrayado el presidente y consejero delegado de la firma japonesa, Kenichiro Yoshida.

Sony no ha especificado si la transacción se llevará a cabo en efectivo o en acciones. No obstante, ha indicado que Bungie seguirá operando de manera independiente y estará dirigida por su propio consejo de administración, al igual que en la actualidad. La firma, radicada en Estados Unidos, cuenta con una plantilla de 900 trabajadores.

El presidente y consejero delegado de Bungie, Pete Parsons, ha subrayado que seguirán desarrollando y editando sus juegos de manera independiente. “Nuestros juegos seguirán estando donde nuestra comunidad esté, en cualquier sitió donde elijan jugar”, ha matizado.

Los altavoces y los auriculares se han convertido en dos de los productos más codiciados entre la mayoría de los usuarios. Ya sea para escuchar música en el transporte público, disfrutar de un podcast mientras cocinamos o, prácticamente, cualquier momento de nuestro día a día. Por eso, el pasado julio, Sony anunció la llegada de un dispositivo dispuesto a aunar ambas funciones: la neckband SRS-NB10.

En ConsumoClaro hemos probado durante más de 14 días este tipo de altavoces y te contamos sus puntos fuertes y débiles. Además, explicamos si te puede resultar útil esta neckband dependiendo del tipo de usuario que seas.

Qué es y diseño de la neckband

Lo primero, y antes de nada, es definir exactamente qué es la SRS-NB10. Una neckband, en este caso, es un altavoz que se coloca sobre nuestros hombros de tal manera que rodea nuestro cuello -a raíz de esto su nombre: neckband-.

Por tanto, trata de situarse como una mezcla de auriculares y altavoces. Por una parte, porque están diseñados para llevarlos encima conectados al móvil a través de Bluetooth; por otra, evita que tengamos unos cascos metidos en el oído, ya que se trata de un altavoz.

En el caso de la SRS-NB10 nos encontramos un diseño muy simple y elegante. Es una banda negra que cuenta con dos altavoces situados debajo de las orejas, seguidos de dos soportes de plástico (duro) que es lo que cae por nuestros hombros. En la zona de atrás, la que se sitúa detrás del cuello, hay una tira de goma dura bastante flexible.

En la zona de abajo podemos encontrar los típicos botones para ajustar el volumen, silenciar el micrófono, apagarlos… que funcionan bien.

Comodidad de uso

Parte de la gracia de este tipo de altavoces es que, para quienes teletrabajan, llevar auriculares todo el día puede ser agotador. Sobre todo porque -según el modelo y la forma de nuestras orejas- es habitual que tras una o dos horas de uso seguido empiece a dolernos o a molestarnos.

La SRS-NB10 trata de paliar este tipo de afecciones del teletrabajo y, la realidad, es que lo consigue. Este dispositivo es ideal para llevar durante la jornada de trabajo desde casa -más tarde entraremos en porque fuera de este ámbito no es recomendable- y evitamos las molestias de los auriculares más pequeños para trasladarlas al cuello.

Aunque son mucho más cómodos que la mayoría de buds y auriculares tipo AirPods, sí notaremos su uso. En el caso de que no tengamos un cuello especialmente delgado, sufriremos roces cuando movamos la cabeza o nos movamos en general. Sí es cierto que al principio no se hace incómodo, pero a medida que pasan las horas es más notable.

No provoca roces por su diseño, pero sí puede molestar a más de una persona.

La “burbuja” de sonido

La primera experiencia con la neckband SRS-NB10 fue algo interesante. Los altavoces están orientados hacia arriba, en dirección a las orejas, por lo que, si es la primera vez que los utilizamos, puede que nos llevemos una sorpresa porque se crea una especie de “burbuja” de sonido que crea una sensación algo extraña.

Al poco tiempo, el oído parece acostumbrarse y entonces nos encontramos una calidad de sonido aceptable. Si bien es cierto que no se escucha mal, por su presupuesto -superior a los 115 euros- esperábamos unos altavoces con mejores graves. Es decir, aunque el sonido no sea malo, no es recomendable utilizarlos para ver contenidos multimedia -películas, videojuegos, etc.- porque perderemos muchos matices.

Ahora bien, está diseñado (el teletrabajo, según la propia Sony) para ser una gran alternativa a los auriculares o altavoces habituales. Si bien no por la calidad en sí misma, sí por lo que aporta a la comodidad.

Otro aspecto negativo de la SRS-NB10 es que, al ser altavoces dirigidos hacia las orejas, no hay ningún tipo de aislamiento acústico. Y por esto, principalmente, fuera del teletrabajo o de nuestra casa es poco aconsejable.

Puede resultar muy útil mientras hacemos tareas de la casa como cocinar, limpiar, ordenar, etc. y mientras teletrabajamos, pero en cuanto salimos de espacios silenciosos, pierden utilidad. No hay ningún tipo de barrera y tampoco tiene un volumen máximo muy alto, así que a poco que haya ruido, puede que nos cueste escuchar los altavoces.

¿Y cómo afecta a las personas de nuestro alrededor? La realidad es que poco. Al no tener mucha potencia y estar dirigidos a las orejas de quien lo porta, es raro que moleste con quienes convivimos. Eso sí, si se encuentra muy cerca de nosotros, obviamente lo escuchará. Provoca que no podamos utilizarlos en espacios de trabajo compartidos (oficina, coworking, etc).

Conclusiones: ¿merecen o no la pena?

La neckband SRS-NB10 es un dispositivo muy interesante y que, a priori, aporta una manera cómoda de teletrabajar. Por ejemplo, para las llamadas telefónicas es ideal, ya que el micrófono dispone de una buena calidad y los altavoces no se cuelan en la llamada. 

También se sitúa como, prácticamente, única alternativa realmente útil para aquellas personas a las que los auriculares les molesten o les resulten incómodos. Ya sean buds que se meten en el oído o de diadema.

Eso sí, se trata de un producto que, desde ConsumoClaro, creemos no resulta práctico para la mayoría de usuarios. En primer lugar, nos encontramos ante un dispositivo caro: su precio habitual ronda los 150 euros. Esto ya es una barrera de entrada importante, sobre todo si tenemos en cuenta la calidad de los altavoces, ya que por menos dinero encontramos alternativas con mejor sonido.

En segundo lugar, porque, si vivimos en una casa donde es habitual que haya ruido, la potencia que aporta la SRS-NB10 puede que no sea suficiente para el día a día.

En definitiva, nos encontramos ante un producto interesante que no hace nada realmente mal: tiene un sonido aceptable, es muy cómodo y evitamos las molestias típicas de los cascos estándar. Lo que más le pesa es su precio.

Por el presupuesto que supone, se encuentran opciones igual de cómodas -como auriculares de diadema ligeros- y con una calidad de sonido mayor a la que nos presenta la SRS-NB10.

*El equipo de periodistas y expertos de ConsumoClaro recomiendan de forma rigurosa e independiente productos y servicios para nuestros lectores. Cada vez que compras a través de algunos enlaces añadidos a este texto, eldiario.es recibe una comisión.

Si no te quieres perder ninguno de nuestros artículos, suscríbete a nuestros boletines

Agosto cada vez está más cerca y muchos ya estamos preparando nuestros viajes para desconectar -si no nos hemos ido ya-. Y, aunque hay pocas cosas que nos gusten más que disfrutar de las vacaciones, a varios también nos encanta sacar nuestro lado más artístico y retratar los paisajes que vemos a través de nuestra cámara.

En ConsumoClaro ya hemos recomendado varias veces cámaras -como estas por menos de 500 euros- e incluso preparamos una guía para elegir tú mismo cámara. Pero, ¿y si lo que nos importa es el tamaño?

Ahora que nos vamos de viaje, puede que lo único que tenemos en cuenta es el tamaño: una cámara intuitiva, sencilla y que quepa en un bolsillo. Es decir, que llevarla encima todo el día sea cómodo y no nos genere ningún problema.

Sony RX100 VI: Pequeña pero matona

Por 899 euros, la Sony RX100 VI es una de las cámaras compactas más potentes del mercado. Se trata de una cámara de 274 gramos que, su lado más largo, es de 10,16 centímetros; es decir, no ocupa casi nada de espacio.

La RX100 VI es un cuerpo con una lente de 24-200mm y f/2.8 que, si bien es pequeña, no sacrifica versatilidad ni calidad frente a otros modelos. Es, prácticamente, la cámara compacta más cercana a una mirrorless.

Al ser de la marca Sony, cuenta con un sistema de autoenfoque al ojo para no equivocarnos a la hora de sacar fotografías o vídeos. Además, posee un visor retráctil y una pantalla abatible y táctil, lo que facilita mucho su uso.

Kodak FZ-53: tamaño e intuición

Por 129 euros (79 en oferta), la cámara Kodak es una de las alternativas baratas para quienes, simplemente, quieren una cámara para utilizar solo de viaje. Es un cuerpo de 104 gramos y 9 centímetros en su lado largo, por lo que cabe en cualquier bolsillo y, pesando la mitad que la anterior, no supone ninguna molestia.

Es una cámara sencilla y muy intuitiva de la que no hay que esperar una grandísima calidad: cuenta con un sensor de 16,5 megapíxeles y una pantalla LCD de 2,7 pulgadas. Su objetivo es de 24-140mm y posee un zoom óptico de 5 aumentos.

Esta cámara no cuenta ni con visor ni con pantalla abatible, pero sí con un sistema sencillo de estabilización. No se trata de un cuerpo puntero ni con más características que las ya mencionadas, pero es ideal para aquellas personas que busquen una alternativa barata y sin pretensiones.

Sony DSC-W830: un paso más allá

Ahora bien, si el anterior modelo se queda muy corto y buscamos algo un poco más potente, la Sony DSC-W830 puede ser una buena opción. Por 141 euros, es una cámara compacta de 120 gramos de 9,31 centímetros en su lado largo.

La DSC-W830 es una cámara compacta con un sensor de 20,1 MP con la tecnología Super HAD, que mejora digitalmente la fotografía que hayamos sacado. El cuerpo, por su parte, cuenta con un objetivo con un zoom óptico de 8 aumentos y, al mismo tiempo, un sistema de estabilización (Optical SteadyShot) que trata de paliar el temblor en estos aumentos.

Además, la DSC-W830 dispone de una suerte de editor para tratar de embellecer los retratos y algunas fotografías nocturnas.

Canon PowerShot SX740: a medio camino 

Por 400 euros, la Canon PowerShot SX740 es una cámara intermedia entre las gamas bajas y las gamas altas, logrando un buen equilibrio entre presupuesto, calidad… y tamaño. Es un cuerpo de 299 gramos y 11 centímetros en el lado largo.

El sensor, un CMOS de 20,3 megapíxeles, la convierte en una muy buena cámara, ya que se trata de la tecnología que durante muchos años Canon ha utilizado en sus réflex. El objetivo tiene una máxima apertura de f/3.3 y tiene un rango de 24-960 mm.

Este objetivo es uno de los más versátiles del mercado, ya que cuenta con un zoom óptico de 40 aumentos y hasta 80 aumentos si contamos el zoom digital; por lo que es realmente buena en viajes o grandes escenas. Además, dispone de un sistema de estabilización de cinco puntos.

Entre el resto de características, destaca que graba vídeos en resoluciones de hasta 4K, cuenta con un modo de cámara súper rápida y dispone de conectividad WiFi y Bluetooth.

Si no te quieres perder ninguno de nuestros artículos, suscríbete a nuestros boletines

Escoger cámara de fotos nueva puede ser una tarea ardua cuando empezamos a buscar una cámara nueva; si no somos apasionados o estamos informados acerca de la industria, puede suponer un gran quebradero de cabeza.

Ante un mercado donde hay varias marcas, distintos presupuestos, características, etc., no hay una respuesta única y general, sino que todo es relativo. Lo primero, como con casi todo, es establecer un presupuesto y una necesidad. Es decir: cuánto dinero queremos gastarnos en la cámara y para qué queremos utilizarla.

Si estamos buscando una cámara para llevar con nosotros cuando viajemos, pero no vamos a darle mucho mayor uso, entonces puede que una compacta de 200 euros sea suficiente. Sin embargo, si queremos empezar a sumergirnos en el mundo de la fotografía amateur, puede que necesitemos invertir más.

En ConsumoClaro, hemos preparado una breve guía explicándote los principales conceptos, en qué debes fijarte y los distintos tipos de cámaras que hay.

Conceptos (muy) básicos para manejarte con el vendedor

Si lo que estamos buscando es una cámara para tener por casa para alguna situación particular o viajes, puede que esta parte sea innecesaria. Pero si queremos entender lo que nos dice el vendedor, en este apartado repasaremos brevemente los principales conceptos o características en los que fijarnos a la hora de escoger cámara. No entraremos en tecnicismos especialmente complejos, como puede ser la reciprocidad, que afectan más a cómo sacar las fotografías. 

1. Apertura de diafragma (f/)

Los objetivos de las cámaras funcionan, prácticamente, de la misma manera que funcionan nuestras pupilas: a mayor luz, se cierran y a menor cantidad, se abren. De esta manera, se permite o limita el paso de la luz según la situación y así evitar que la imagen quede quemada u oscura.

¿Cómo se mide este parámetro? A partir del símbolo “f/X”, seguido de un número. “f/” indica que se trata de la apertura del diafragma, mientras que el número indica la apertura en sí: cuanto menor es el número, más luz permite pasar. 

Por lo tanto, y por ejemplo, una apertura f/1.4 dejará pasar mucha más luz que una apertura de f/5.6. También hay que tener en cuenta que a medida que este valor vaya bajando, el área enfocada será menor.

2. Velocidad de obturación

La velocidad de obturación es el valor que indica cuánto tiempo tarda la cámara en realizar la fotografía. Se mide en segundos y fracciones de segundo (1/X). Cuanto menor sea este último valor, más tiempo estará expuesto el sensor, por lo que entrará más luz y se capturará mayor movimiento.

De esta manera, si la velocidad de obturación es 1/160 (160 fracciones de segundo), entrará menos luz y el movimiento estará más congelado que si utilizamos 1/30.

3. ISO

El ISO es un efecto añadido que nos ayudará a ajustar la exposición de una fotografía, sin necesidad de cambiar drásticamente la apertura del diafragma o la velocidad de obturación. El ISO se indica como “ISO X”, de manera que a mayor número, más ganancia de luz tendrá la fotografía.

Hay que tener cuidado con este recurso, ya que aumentar el ISO supone aumentar el ruido de la imagen, por lo que a veces podremos estropearla.

4. Distancia focal

Relacionada con el zoom, la distancia focal es el campo de visión del objetivo. Es decir, qué está captando la cámara. A medida que nos acercamos con el zoom al objeto a fotografiar, la distancia focal se cierra.

De manera que cuando, por ejemplo, utilizamos un teleobjetivo de 400 mm, tenemos menor campo de visión que utilizando uno de 50 mm, aunque podemos enfocar a mucha mayor longitud. Según este valor, podemos distinguir entre: teleobjetivos (a partir de 135 mm), distancia focal media y gran angular (menos de 35 mm).

5. Modos de la cámara

A pesar de que a todos nos encantaría disparar en el famoso “Modo Manual”, que nos permite cambiar todos los parámetros de uno en uno, es bueno fijarse en qué modos trae la cámara. Los básicos son:

Hay muchos más conceptos y más complejos que los anteriores, pero estos son los básicos en lo que nos deberemos fijar a la hora de comprar una cámara y los más sencillos de ver.

Tipos de cámaras fotográficas

Ahora vamos a hacer un repaso a los principales tipos de cámaras y qué uso se ajusta a cada una.

1. Cámaras compactas

Las cámaras compactas son las clásicas que tenemos guardadas en un cajón y que nuestra madre sacaba antes de salir de viaje. Se trata de un equipo pequeño, muy pequeño, y ligero que tal cual se compra se puede utilizar. Se puede ver como una versión muy mejorada de las cámaras de los móviles. 

No suelen contar con Modo Manual y el objetivo no es intercambiable, pero a cambio son especialmente versátiles y cómodas de llevar. La calidad del objetivo varía según el presupuesto y la marca, ya que hay opciones con objetivos con zoom y fijos.

También hay que tener en cuenta que existen diferentes niveles: compactas de gama baja, de gama media y avanzadas o de gama alta, estas últimas pudiendo superar los 1000 euros.

Para qué es perfecta: Es la cámara ideal para quienes quieren tener una para los viajes y los cumpleaños. Son cámaras que, principalmente, ofrecen un cuerpo pequeño y un presupuesto ajustado. 

Si somos fotógrafos más experimentados, también es una buena opción si estamos interesados en un segundo cuerpo para llevar siempre encima o para fotografía callejera, de hecho los reporteros gráficos siempre suelen llevar una colgando.

Nuestra recomendación: Puede que estés buscando una cámara compacta para no gastar demasiado dinero y, además, tenerla siempre encima. Entonces, una de las mejores alternativas es la Sony DSCWX220B, por 218 euros.

Es un cuerpo especialmente pequeño y ligero (121 gramos) que cabe perfectamente en un bolsillo. Cuenta con un sensor CMOS Exmor R de 18,2 megapíxeles, que procesa las imágenes para mejorar el ruido y el movimiento que estas puedan tener. Respecto al zoom óptico, es de 10x, yendo desde los 25 mm hasta los 250 mm. También dispone de conexión WiFi y NFC, para pasar tanto los vídeos como las fotografías directamente a nuestro móvil.

2. Cámaras bridge

El paso intermedio entre las cámaras compactas y los cuerpos de objetivos intercambiables: las cámaras bridge. Son equipos mucho más grandes que las primeras y con un objetivo mucho más grande (y potente).

Respecto a tamaño, las bridge se parecen más a las réflex que a las compactas, aunque no llegan a tener tanta calidad. El principal aliciente es que cuentan con un objetivo con mucho mayor alcance.

Para qué es perfecta: es un tipo de cámara muy particular para quienes quieran ahorrarse el quebradero de cabeza que supone escoger objetivos para la réflex, pero quieren una mayor calidad que las compactas. O les guste la fotografía de paisaje.

Nuestra recomendación: Si este tipo de cámara te encajan, la mejor bridge para iniciarse en este mundillo es la Canon PowerShot SX430 IS. Se trata de un cuerpo de 245 euros de precio, un presupuesto asequible, muy pequeña (323 gramos) y con un objetivo potente con zoom óptico de 45x.

La PowerShot SX430 IS cuenta con conexión WiFi y NFC para pasar las fotografías directamente a tu móvil, además de contar con la funcionalidad de GPS a través del terminal. De esta manera, es una opción más que interesante para las personas que buscan un cuerpo, sobre todo, para viajes.

3. Cámaras réflex

Las cámaras más populares, seguramente, son cámaras de objetivos intercambiables de gran tamaño, ya que en su interior, además del sensor, hay un espejo que refleja la imagen hasta el sensor.

Esto permite que, a través del visor de la cámara, se vea exactamente a lo que está apuntando. Existen modelos de formato completo, más centrados en uso profesional, y modelos APS–C, que es el recomendado para amateurs.

Para qué es perfecta: las réflex son las cámaras ideales para quienes buscan “profesionalizar” su hobby o quieren una opción mucho más completa que los modelos anteriores. Hay que tener en cuenta que, al ser de objetivos intercambiables, este tipo de cámaras suponen un gasto extra: comprar las lentes.

Nuestra recomendación: Si lo tuyo es son los cuerpos de objetivos intercambiables y tener una réflex te parece la mejor opción, entonces la Canon EOS 2000D puede ser un buen cuerpo de iniciación. Por 449 euros, la EOS 2000D es un cuerpo clásico de Canon que te permitirá aprender sobre el mundillo y a utilizar el Modo Manual.

Con un peso de 1 kilogramo, es una cámara potente que, en el pack inicial, incluye el objetivo estándar de Canon: 18–55 mm f/3.5. Cuenta con un sensor de 24,1 megapíxeles y conexión WiFi y NFC, por lo que no será necesario quitar la SD para pasar las fotografías al ordenador.

4. Cámaras mirrorless

La evolución de las réflex: las mirrorless –también se llaman CSC o EVIL– funcionan exactamente igual, pero eliminan ese espejo reflector. Esto hace que sean cuerpos mucho más pequeños que las cámaras réflex, pero sin renunciar al resto de características.

Como las réflex, el sensor puede ser de formato completo o formatos medios; además de que también se pueden cambiar los objetivos. 

Para qué es perfecta: las mirrorless son las cámaras que, poco a poco, están sustituyendo a las réflex ya que el uso que se les da es el exactamente el mismo: son cámaras preparadas para la fotografía amateur y profesional. Solo que reduciendo, considerablemente, el tamaño del cuerpo. Al igual que las réflex, hay que tener en cuenta que tendremos que comprar el objetivo a parte.

Nuestra recomendación: Los “pesos pesados” de la fotografía. Si estás buscando una cámara pequeña, pero de objetivos intercambiables, la Panasonic Lumix DMC–GX80K es tu mejor opción. Por 699 euros (500 en la mayoría de ocasiones gracias a ofertas), es un cuerpo que dará grandes resultados tanto a quienes están aprendiendo como quien ya tiene cierto recorrido.

De serie trae consigo un objetivo 12–32 mm, perfecto para quienes son apasionados de la fotografía callejera o quieren llevársela de viaje. Aunque no cuenta con un visor óptico, el digital muestra con realismo a lo que se está apuntando, además de que reproduce el color en un rango aproximado del 100%. Respecto a la conectividad, puede pasarse las fotografías a través de WiFi y NFC.

Cuenta con un sistema de estabilización de 5 ejes y graba vídeo en 4K, por lo que también es una gran opción para quienes buscan hacer montajes o grabar ciertos momentos.

Otras cuestiones a tener en cuenta

Después de hacer un repaso a los conceptos más básicos y los tipos de cámaras, es recomendable tener en cuenta:

Presupuesto.

Aunque el uso que le vayamos a dar es la principal clave, también lo es el presupuesto. Mientras que las mirrorless y las réflex pueden encontrarse a partir de los 500 euros; las compactas son mucho más baratas. 

Una cámara cara no asegura buenos resultados.

La cámara no hace al fotógrafo. Si tienes una cámara vieja en casa o estás descontento con la que tienes, dale una segunda oportunidad antes de comprar una nueva. Si crees que la calidad de la imagen no es buena, y se trata de una réflex o mirrorless, prueba a cambiar de objetivo. 

Pero recuerda, siempre, que una cámara cara no hace fotografías buenas, si bien mejora la calidad bruta de la imagen. Hay que ser consciente de cuánto vamos a utilizarla y qué vamos a hacer con ella, además de si estamos dispuestos a aprender para mejorar nuestra fotografía.

Marcas.

Esto es un intangible: hay marcas que nos suenan mejor que otras. Puede que Canon o Nikon nos parezcan mejores que Olympus o Fujifilm, aunque no sea así. 

Siempre hay que tener en cuenta nuestros gustos y con qué marcas hemos trabajado. A veces es mejor “repetir jugada” y comprarnos una cámara de la empresa a la que estamos acostumbrados antes de una completamente nueva.

No obsesionarse con la novedad.

Aunque a veces caigamos en horas y horas de leer y comparar prestaciones técnicas, seguramente sea lo de menos –al menos a nivel amateur o para sacar fotografías esporádicamente–. Lo más importante es el “ojo” y quien dispara, además de la comodidad.

Hay que basar nuestra elección en cómo se ajusta la cámara a nosotros y en los resultados que queremos obtener, no en los detalles técnicos.

Si no te quieres perder ninguno de nuestros artículos, suscríbete a nuestros boletines

Nokia, Sony y Ericsson no participarán de forma presencial el Mobile World Congress de Barcelona previsto para el próximo mes de junio por la pandemia. El grupo finlandés ha argumentado que la decisión tiene como objetivo “preservar la salud de los trabajadores, clientes y socios”. “Dada la naturaleza internacional del evento y un despliegue de las vacunas en sus primeras fases, hemos tomado la meditada decisión de participar únicamente de forma virtual al evento”, ha agregado el grupo.

La multinacional finlandesa, en un comunicado, ha dejado abierta la puerta a participar en actividades virtuales que está “planeando” la entidad organizadora, la patronal GSMA. La firma de telecomunicaciones ha destacado que la salud de sus empleados, clientes y socios es de “máxima importancia” y que, dada la naturaleza internacional del evento y que la vacunación está en sus primeras fases, participará únicamente de forma virtual.

Sony y Nokia se suman así a Ericsson, que anunció este pasado martes su decisión de no participar como consecuencia de la COVID-19 en el Mobile World Congress (MWC) 2021, el congreso internacional de telefonía móvil que reúne a las principales firmas del sector en el mundo. Las cancelaciones se producen dos días después de que la organización desvelara las medidas de seguridad que pondrá en marcha por la pandemia.

La organización explicó que este congreso volvería a finales de junio a Barcelona, tras la cancelación de 2020 por la pandemia, y que esperaba recibir entre 45.000 y 50.000 visitantes, la mitad que en las últimas citas. GSMA expresó el martes su “respeto” a la decisión de Ericsson, consciente de que “no será posible para todo el mundo participar en el MWC Barcelona 2021.

Aproximadamente cada 7 años cambia la manera en la que entendemos los videojuegos. Con cada nueva generación de consolas no solo llegan avances en lo tecnológico, también se abre una nueva la ventana a cómo se crean y consumen estas obras. Por ejemplo, al igual que el Technicolor supuso una revolución en el cine, la era de los 16 bits en los juegos permitió entre otras cosas pasar de 64 a 256 colores en pantalla.

Este jueves llega a Europa la videoconsola PlayStation 5 y, con ella, se puede dar por completada la transición hasta la novena generación de videoconsolas. Al dispositivo de Sony se le une Xbox Series X/S y Switch, que dio el pistoletazo de partida en 2017 a este cambio de ciclo aunque Nintendo, como es habitual, no está alineada ni en tiempos ni en filosofía con lo propuesto por las otras empresas.

Cabe decir que la aparición de nuevas consolas puede llevar a pensar que es necesario cambiar para poder disfrutar de los videojuegos, como cuando nos limitamos a lo que aparece en cartelera o a los estrenos musicales de la semana. Pero no es necesario seguir el ritmo del mercado para disfrutar de la cultura y precisamente es en este instante, el del salto de generación de consolas, cuando muchos aprovechan para hacerse con “viejas” obras más accesibles (y baratas).

Para aquellos que decidan dar el salto, recopilamos qué podemos esperar de cada dispositivo. No nos vamos a detener tanto en detalles técnicos, ya explorados a fondo por páginas especializadas, como en resumir la versión del futuro de los videojuegos que nos propone cada una de las tres consolas. Comencemos.

PlayStation 5

¿Qué ofrece?

Llega en dos versiones: con lector de Blu-ray 4K (499 €) y la versión digital sin unidad óptica (399 €). Ya no es un secreto para nadie que su diseño es bastante peculiar y que, además, es bastante voluminosa. Tanto que será complicado encontrarle un hueco en el salón. Aún así, siempre es preferible esto a que presente problemas de sobrecalentamiento como ya ocurrió con las famosas luces amarillas de PS3. Las primeras unidades de PS5 no han presentado ningún inconveniente más allá de sus dimensiones y eso es una buena señal.

Mención aparte tiene el mando DualSense y una de sus características más alabadas: los gatillos adaptativos situados en su parte trasera. Ahora no son un simple botón, sino que varían su recorrido y presión según lo que estemos haciendo. Por ejemplo, se puede endurecer a medida que tensamos la cuerda de un arco o puede llegar a bloquearse si un arma se ha encasquillado. Esto, junto a la vibración háptica (mucho más inteligente y precisa que la normal), permite trasladar la experiencia desde la pantalla hasta nuestras manos.

¿Qué juegos se esperan?

Sony tiene clara que su principal baza son los exclusivos. Desde que la marca hizo su primera aparición en 1994 ha ofrecido títulos que solo se pueden jugar en esta plataforma, pasando desde el clásico MediEvil hasta el más reciente The Last of Us. Cuentan con estudios propios responsables de sagas que han marcado a varias generaciones, y saben que eso a veces es lo más importante.

PS5 parte con la baza de dos grandes exclusivos: la remasterización de Demon's Souls y Spider-Man: Miles Morales (igualmente disponible para PS4). También está en desarrollo la segunda parte de God of War y Horizon Zero Dawn, aunque también es de esperar que otros estudios dependientes de Sony como Naughty Dog hagan su aparición. El qué será, especialmente tras dejar las sagas de Uncharted y The Last of Us en un punto bastante conclusivo, es toda una incógnita.

Xbox Series X

¿Qué ofrece?

También existen dos modelos: la Xbox Series S (299 €), que a grandes rasgos es la versión “económica” al no tener unidad óptica y estar pensada para juegos a un rendimiento de 1440p a 60 fotogramas por segundo (FPS). Y la Xbox Series X (499 €), que sí cuenta con lector de Blu-ray y mueve títulos a 4K y 60 FPS.

A su favor está un diseño mucho más sobrio y elegante, especialmente la Series S. Esta puede que no sea una mala opción para quienes quieran acercarse a la generación sin hacer un gran desembolso, aunque pensando a largo plazo también puede que se quede desfasada más pronto que su hermana mayor. Se pueden destacar muchas funciones, pero una de las que más ha llamado la atención es la quick resume, que permite tener varios juegos suspendidos (incluso si se apaga el dispositivo) para después iniciarlos rápidamente y sin pantallas de carga de por medio.

¿Qué juegos se esperan?

Si la ventaja de Sony son los exclusivos, la de Xbox es el servicio. Game Pass es lo que podríamos definir como un Netflix de videojuegos que, mediante una suscripción mensual de 9,99 €, nos permite acceder a un amplio catálogo de más de 100 títulos tanto de otros años como recientes lanzamientos.

No es que Microsoft no tenga compañías desarrolladoras, y sirva como ejemplo Obsidian o Ninja Theory, pero habrá que esperar un tiempo hasta que empiecen a dar sus frutos. Quizá el bombazo más inminente pueda llegar de la mano de Bethesda, que fue comprada recientemente 7.500 millones de dólares y es responsable de obras tan marcadas como The Elder Scrolls o Fallout.

Nintendo Switch

¿Qué ofrece?

Como se ha señalado anteriormente, Nintendo maneja sus propios tiempos y juega directamente en otra liga diferente a Sony y Microsoft (que no es mejor ni peor, sino distinta). Poco podemos revelar que no se haya dicho ya de Switch, un híbrido entre portátil y consola de sobremesa al que no le hace falta tener los mejores gráficos ni la tecnología más puntera. Lo que importa es el concepto, y la facilidad para poderla llevar de viaje o a casa de un amigo la convierten en la consola social por excelencia.

Según publicó Bloomberg, se espera que Nintendo actualice su dispositivos en 2021. No hay ninguna confirmación oficial al respecto y los únicos rumores apuntan a que estaría preparada para jugar en resolución 4K, aunque tampoco sería descabellado pensar en otra serie de mejoras a nivel estético como ya ocurrió con Nintendo DS y su revisión posterior, DS Lite.

¿Qué juegos se esperan?

Mario Kart, The Legend of Zelda, Pokémon, Smash Bros… Nintendo es probablemente la compañía con más recorrido y franquicias insignia de las mencionadas, y esa es quizá su principal virtud además de la facilidad que se da para poder encontrar obras independientes más allá de las grandes producciones.

Entre los grandes títulos en desarrollo está la secuela de Breath of the Wild o Metroid Prime 4, aunque tampoco sería extraño que obras como Super Mario Odyssey cuenten con una segunda parte como ya ocurrió con Mario Galaxy en Wii. Tampoco que Game Freak, estudio responsable de Pokémon, empiece a dar pistas de la próxima entrega ahora que han terminado con las expansiones de Espada y Escudo.

2016 es el año de la realidad virtual, y por ello las principales compañías se están preparando para la comercialización de sus productos. La primera ha sido Oculus, que ya ha abierto el plazo de reservas de Oculus Rift, revelando de paso su precio. La semana pasada, HTC anunció la fecha en que empezaría a aceptar pre-reservas de HTC Vive, momento en que desvelaría su precio final.

Ahora, parece que ha salido a la luz el precio de PlayStation VR, el dispositivo de Sony, y decimos “parece” porque podría tratarse de una filtración, y de las gordas. Y es que la página web suiza Microspot ha listado el casco entre sus productos, poniéndole un precio de 498 francos suizos, lo que equivaldría a unos 455 €. Si este precio se confirmara, sería bastante inferior al de Oculus Rift, que rondará los 699 €.

De idéntica forma en que aparece un precio, Microspot también se ha atrevido a poner una fecha de lanzamiento, el 30 de junio de 2016. De ser así, el casco se pondría a la venta poco después del E3 2016. ¿Aprovechará Sony el evento para darle tirón a su dispositivo? ¿Estaremos jugando experiencias de realidad virtual en nuestra PS4 este verano?

Habrá que esperar para saber si se confirma tanto la fecha como el precio mostrados. ¿Tienes ganas de que arranque la era de la realidad virtual?

PlayStation Vita se ha quedado muy atrás en comparación con su “hermana mayor”, la cada vez más exitosa PlayStation 4, y en Sony son conscientes de ello. El ritmo de lanzamientos para la portátil es cada vez inferior, y especialmente en occidente los jugadores tienen cierta sensación de abandono.

Uno de los principales problemas de la consola, según Sony, es que no recibe el apoyo suficiente por parte de los desarrolladores. Aunque ellos preparan títulos para ella constantemente, las third-parties no son muy partidarios de hacer lo mismo, y por eso han decidido pedirles más apoyos para ella. Así lo ha comentado Gio Corsi, director senior de desarrollo third-party.

“Indudablemente, PlayStation Vita tiene sus propios desafíos. Muchas compañías están encantadas de trabajar con ella, claro que sí. Cuando hacemos un proyecto, siempre preguntamos ‘¿Estáis abiertos a hacer una versión para Vita?’ Y muchas veces tenemos una respuesta positiva ” ha explicado en una entrevista.

Por desgracia realizar los ports a la portátil no es tan sencillo, lo que provoca que muchos desarrolladores acaben excluyendo la consola.

Lo que está claro es que los rumores que apuntan a la muerte prematura de PS Vita cada vez suenan más, especialmente en Europa y América. ¿Logrará Sony evitar este desenlace?