Cine con trasfondo social que mezcla el suspense con la comedia negra para denunciar la lacra de la violencia de género. El cortometraje Killjote, con guion y dirección de Ángel Villahermosa (Ciudad Real, 2001) acaba de ganar el premio principal del certamen The Core en el Festival de Málaga, la codiciada Biznaga, donde la crítica y el jurado destacaron, entre otras cosas, la “excelencia técnica”.

Es un reconocimiento que al director castellanomanchego le ha pillado “por sorpresa”, confiesa durante una conversación telefónica, sobre todo “cuando uno trabaja con la precariedad de su propio bolsillo y con gente que lo da todo por amor al arte”.

El corto, que dura 11 minutos, se presentó en el Festival Internacional de Cine de Almagro (Ciudad Real) en agosto de 2025 y desde entonces ha cosechado varios éxitos. “Fue un estreno muy manchego, pero yo iba entonces muy precavido porque es la historia de dos mujeres lesbianas que matan a sus maridos. No sabía cómo iban a recibirlo, pero se rieron mucho”. Hasta con la versión feminista de una de las canciones populares más conocidas, A la Mancha, manchega, un guiño más a su lugar de origen.

La historia arranca con la imagen de varias mujeres sentadas en la calle, de tertulia, a la puerta de casa en una noche de verano. Salir al fresco es una tradición estival en lugares como Bolaños de Calatrava, el pueblo de Ángel Villahermosa.

Espantar el calor, socializar al anochecer e incluso combatir la soledad rural intercambiando chascarrillos y vivencias es una costumbre arraigada en la Mancha, que el joven guionista y director compartía con su abuela Lola y las vecinas cuando era pequeño. “Estaba muy a gusto y creo que tenía que ver con estar en un entorno muy femenino y libre. Entonces yo estaba descubriendo que la masculinidad tradicional no iba conmigo. Ellas me dejaron mi espacio, sin ser conscientes”.

Un mundo femenino que quiere seguir explorando. “Me interesa mucho el personaje de señora, con mayúsculas. Quiero que esté en lo que yo haga, toda la vida. Ya pueden ser hombre, mujer o algo entremedias, pero que sea una auténtica señora”.

Quizá por eso la primera escena del corto la protagonizan ellas. “Son vecinas del pueblo que tienen un grupo de teatro y que charlan sin guion. Nadie podía hacerlo mejor que ellas”, comenta. Una escena que recoge cómo desde la charla y el cotilleo nocturno intrascendente se abre la puerta a la realidad de la violencia de género.

La cinta es una mezcla de comedia y terror que aborda también la temática LGTBI en el medio rural. “Me gusta encontrar el punto en el que el espectador no sabe si reírse o ponerse tenso. Es una ambigüedad que me gusta”.

La casa de la abuela Lola fue el lugar de rodaje para el equipo con Natalia L. Guillén como directora de fotografía en un trabajo que al jugar con la luz también buscó rozar lo esperpéntico. “El reconocimiento técnico tiene que ver con Natalia. Ha hecho magia con los pocos recursos que teníamos”.

Un corto que será película y un nuevo trabajo sobre la guerra civil

Para el que supone su segundo corto Ángel Villahermosa ha contado con dos grandes de la interpretación nacional. “La templanza y el porte de Consuelo Trujillo dio al corto la solemnidad que le faltaba al guion. Y después está la gran compenetración con Luisa Gavasa y su voz”. Ambas trabajaron juntas en La novia –una adaptación de Bodas de Sangre de Lorca– con la que Gavasa se llevó el Goya a la mejor actriz. “Era muy divertido ver cómo interactuaban entre ellas durante el corto”.

¿Por qué abordar este tema? “Es algo que me preguntó la actriz Consuelo Trujillo cuando le propuse el proyecto. No es algo que haya vivido de cerca, pero conozco la violencia y es algo que está en todos mis trabajos”. El joven creador se atreve con temas complejos “sin adoctrinar a nadie”, subraya, pero “lo hago de manera incómoda, casi esperpéntica para que puedan llegar a la gente de otra manera. No busco el discurso más habitual, que es necesario, sino uno distinto a través del humor satírico y lo sutil”.

Lo hará así en su próximo trabajo, un nuevo corto esta vez ambientado en la guerra civil española. Asesinado por el cielo está basado en un poema de Federico García Lorca. Espera iniciar el rodaje el próximo mes de junio con financiación de la Junta de Andalucía y del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), organismo autónomo adscrito al Ministerio de Cultura. El mismo que también ha ayudado a que Killjote se vaya a convertir en película.

“Estamos escribiendo y esperamos que sea pronto una película: una especie de historia de Thelma y Louise por la Ruta del Quijote”. Reconoce que también recuerda a Volver, la película de su admirado paisano Pedro Almodóvar, uno de sus referentes, junto a Alex de la Iglesia o “la forma de retratar la violencia de Tarantino”.

“En Castilla-La Mancha hay ayudas pero son pequeñitas”

A punto de cumplir 25 años, a Ángel Villahermosa el gusanillo del cine le picó “de manera banal”, tras un trabajo de instituto. “Nos pidieron hacer una película y, de repente, la profesora de inglés que yo creía que me odiaba, puso mi peli en clase diciendo que era un ejemplo de cómo hacer las cosas. Los compañeros me paraban por los pasillos… Ahora es algo muy tierno visto desde la distancia del tiempo”.

Aquello que disfrutaba haciendo con sus amigos ha terminado por marcar su trayectoria personal y profesional. “Siempre fui un chaval bastante invisible: el mediano de cuatro hermanos”, comenta. Si mira al futuro a medio y largo plazo confía en poder quedarse “mucho tiempo” en un sector con mucha competencia y poca financiación.

José Luis Cuerda, Pedro Almodóvar, Pedro Solís, Arturo Menor, los hermanos Carlos y Roberto Valle, Julián Lominchar o Alberto Torres, son algunos de los nombres de cine vinculados a Castilla-La Mancha con proyección nacional o internacional. “Dicen que el cine castellanomanchego está de moda y ojalá lo estuviera más, teniendo en cuenta la figura de Almodóvar. Hay que irse a otros sitios para financiar. Aquí hay algunas ayudas pero son muy pequeñitas”.

Castilla-La Mancha ha dado algunos pasos relacionados con la industria cinematográfica más allá de las ayudas, ofreciendo a la comunidad autónoma como plató de rodajes, hay ayudas para que las salas de cine no cierren y varios festivales han logrado colarse como referentes de cara a posicionar propuestas en los Goya, aunque el camino es todavía muy incipiente.

Cuando preguntamos al joven creador sobre proyectos como el de la futura Ciudad del Cine de Toledo, dice desconocer la iniciativa. “Es una buena noticia, tan cerca de Madrid”.

Cualquier noticia sobre el cine español, y especialmente si afecta a cineastas que se mojan en asuntos políticos y sociales (con Pedro Almodóvar a la cabeza), se llena de insultos cada vez que se comparte en redes sociales. Da igual que sea una crítica, una entrevista… siempre ocurre lo mismo. Los adjetivos no son muy variados. Abundan los insultos despectivos y faltones, pero sobre todo se recurre a la palabra favorita de los haters del cine español: subvencionados.

La palabra, usada como insulto, tiene ya tiempo. Fue la derecha española, con el PP a la cabeza como venganza por el posicionamiento del cine español en el 'No a la guerra' del 2003, quien comenzó un acoso y derribo. Colocar al sector como unos jetas mantenidos fue su principal batalla. Lanzaron un mensaje en sus votantes: que el cine español no lo veía nadie, no interesaba a nadie y lo pagábamos todos con nuestros impuestos.

Nunca les dijeron que España ha sido, históricamente, uno de los países que menos dinero público ha dado a su industria del cine; que los rodajes y las películas devuelven con creces en forma de impuestos y contratos lo que reciben del estado, o que hay otros muchos sectores (como el automovilístico) que reciben muchísimo más dinero sin que nadie se lo eche en cara. Por supuesto nunca se les pasó por la cabeza dejar claro que la cultura no debería regirse por un principio de rentabilidad.

Desde hace unos años, y empujados por una extrema derecha que recupera esos viejos mantras, la derecha ha vuelto a retomar la virulencia contra el cine español. Lo ocurrido en los últimos meses lo deja claro: la aparición de Juanma Bajo Ulloa en Horizonte denunciando que el cine español estaba regido por la agenda woke y castigaba a quien saliera de ella; y el estreno de Torrente Presidente han tensado la cuerda. 

Las últimas semanas han sido un hervidero de insultos al cine español y a las subvenciones. Todos y cada uno de los videopodcast de los popes de la derecha cultural mediática han realizado especiales cargando contra el sistema de ayudas. Según ellos el cine español no le importa a nadie y no debería recibir dinero público. Da igual que los argumentos de Bajo Ulloa no fueran ciertos. Incluso les ha dado igual que el propio Santiago Segura haya repetido una y otra vez que está a favor de las ayudas públicas. De hecho, aunque esta entrega de Torrente no la haya recibido, las anteriores sí la tuvieron y casi todas las películas producidas con su empresa la tienen. 

Las noticias que llegaron desde el Festival de Cannes le quitan, de nuevo, la razón a esa derecha reaccionaria. España es, después de Francia y junto a Japón, el país que más películas tiene elegidas en la Sección Oficial del festival más importante del mundo. Cada año se presentan miles de títulos que aspiran a entrar en un selecto club que escoge lo mejor de cada añada. Este 2026, de los 21 elegidos tres son españoles. Un 14,2% han sido producidas aquí…. Y sí, con dinero público. Todas y cada una de ellas tiene dinero de las subvenciones al cine español. Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar obtuvo un millón, la misma cantidad que La Bola Negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi. El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen, 1,2 millones. Por cierto, Amarga Navidad ya ha recaudado en la taquilla española más del doble de lo que recibió.

Es irónico que mientras el resto del mundo se rinde al cine español, en España la mitad del país les ataque por lo que es parte de su éxito. Para que películas como estas existan es necesario que sean apoyadas por el Estado, y también que haya productores y plataformas como Movistar Plus+ que entren en su creación. Para que talentos como los de Sorogoyen y los Javis puedan dar rienda suelta a sus ideas debe haber un Ministerio de Cultura que apueste por el cine que triunfa fuera. 

La elección de Cannes es un apoyo sin fisuras a las políticas públicas españolas y al cine que se está haciendo. Hasta el propio Thierry Fremaux hizo un parón en el anuncio de la Sección oficial de Cannes para hablar del gran momento del cine español. “Hay un movimiento en el cine español. Está encontrando la forma de sacar adelante películas con buenos presupuestos y se está notando”, dijo. Esa forma es con un apoyo claro desde lo público. 

También se acordó de que Carla Simón estrenaba justo esta semana Romería en Francia. Porque ahí está el otro dato que mata el relato de que el cine español no interesa a nadie. No es solo Cannes, un grupo de cinéfilos desde su atalaya, es que el resto del mundo quiere ver cine español. Las películas se venden a todos los países. Unas ventas internacionales que hacen muy rentables a los filmes. Sirat lleva recaudados casi 13 millones de dólares en todo el mundo. Almodóvar, en su carrera, lleva más de 530 millones de dólares recaudados, la más alta para un cineasta que rueda en español, como recordaba hace poco el analista Pau Brunet desde su perfil en X. 

Ayer fue un buen día para el cine español, y uno muy malo para aquellos que llevan meses resucitando con fuerza los mantras del pasado. El cine español, el cine subvencionado, gusta y mucho. Lo de ayer debería hacer que se refuerce el apoyo público a la producción. Porque el cine español es Torrente, pero también es Almodóvar, Carla Simón, los Javis y Sorogoyen. 

Durante muchos años, demasiados, el cine español se acostumbró a que la norma general era no estar en el Festival de Cannes. El certamen más prestigioso del mundo, el que cambia la vida a las películas que están en sus secciones competitivas. Por supuesto estaba Pedro Almodóvar, pero faltaba un cambio generacional que hiciera que nuestras películas llegaran a competir de tú a tú con el resto de cinematografías. Cuando se preguntaba a los expertos, siempre decían que faltaba que el cine de autor tuviera peso y tamaño en España. Que se hiciera un cine con una mirada autoral, pero que tuviera el impulso de un presupuesto importante. 

La unión de las políticas públicas de los últimos años y el empuje de una nueva generación de productores ha logrado que el cambio ocurra. El año pasado se atisbó ese cambio cuando dos filmes españoles (Sirat y Romería) entraron en la sección oficial. Es raro que haya más de un filme del mismo país, y sin embargo este año el cine español se ha superado. Tres películas competirán por la Palma de Oro: Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar; La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi; y El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen. Es la primera vez que ocurre desde que se creó el premio en 1955.

Todos ellos mostraban pocos minutos después del anuncio su alegría. Una alegría que no era solo personal, sino que era colectiva por lo que esto representa para el cine español. Javier Calvo y Javier Ambrossi recibían a la prensa en la sede de su productora, Suma Content, donde vasos de champán dejaban claro que la noticia se había celebrado. Confesaban que hasta el día antes no les confirmaron que estarían, con su segunda película, en la Sección Oficial y que todavía no se lo creen del todo. “Llevo llorando todo el día”, decía Ambrossi.

Para el cineasta lo que ha ocurrido muestra que “algo pasa” con nuestro cine: “Lo bueno del cine de nuestro país es que cada uno venimos de un lugar diferente, que no pasamos por una industria que intenta homogeneizar. No pasamos por estudios que nos pongan cortapisas. Somos una industria libre y salvaje, para bien y para mal, y que tiene esas cosas únicas. El hecho de que pueda aparecer un Sirat, una Carla Simón, una Bola negra, y otro tipo de películas de perfil más pequeño, o más grande y dirigidas por gente de muchísimos backgrounds diferentes es emocionante”.

A su lado Javier Calvo intentaba, sin desvelar mucho de la trama, contar por qué es una película que habla del presente y eso pueda haber conectado con el comité de selección. “Es un tema importante en este momento… Es una película que habla de qué hacemos con nuestra historia. Qué hacemos con lo que hemos conseguido y con lo que se nos puede quitar en cualquier momento. Es un momento importante para hablar de esto”, apuntaba. “Yo creo que estamos bendecidos por Federico García Lorca. Se cumplen 90 años de su asesinato atroz en 2026”, completaba Ambrossi.

Los dos reconocían que se sufre en la espera, sobre todo por las expectativas creadas en el equipo, y que pensaban que aunque la película había gustado, era muy difícil entrar a competición con directores que son “sus padres” cinematográficos por la influencia que han tenido en ellos, y citan a Kore-Eda, Pawlikowski y, por supuesto, “el maestro Pedro Almodóvar”.

Un día de celebración para todos

Precisamente Almodóvar enviaba a la prensa un mensaje desde París, donde el Pompidou le dedica una retrospectiva. Almodóvar dejaba claro que lo que ha pasado esta edición es “absolutamente insólito” y creía que por eso este “es un día de celebración para el cine español”. “Son tres películas muy distintas de tres generaciones de directores: Rodrigo Sorogoyen, Los Javis y yo. Proponemos tres películas muy distintas y yo creo que es un momento de enhorabuena para el cine español, que demuestra también su buen estado”, señalaba.

Lo logran, además, en un “momento en que el cine de autor necesita visibilidad, y Cannes es el gran festival que celebra el cine de autor”. Por ello pedía que nadie se quede fuera de la celebración: “Debemos congratularnos todos de que en mayo estaremos tres películas compitiendo para esa Palma de Oro”.

Sorogoyen coincide en que lo que ha ocurrido con el cine español “es muy bueno” y que todos deberían estar de enhorabuena por este éxito. Es importante porque demuestra una calidad y demuestra un interés de los que tienen que elegir hacia el cine español. El año pasado ya hubo una gran representación que luego además se constató con la Concha de Oro de Alauda. Y esto constata de nuevo que estamos en un momento brutal“, subraya.

Eso sí, en su caso no han sufrido la agonía de saber si eran elegidos en el último minuto, porque a finales de enero ya les habían confirmado que estarían en Cannes. Algo que contrasta con lo que ocurrió con As bestas, que fue seleccionada en Cannes Premiere en el último momento cuando ya pensaban que no iba a pasar. “Pensamos que íbamos a sufrir eso otra vez, porque sufrimos muchísimo y fue una tortura total, pero cuando piensas que va a pasar una cosa, ocurre la contraria”, reconoció Sorogoyen.

El cine español sigue demostrando, año tras año, su gran momento de forma. Si el año pasado fueron dos títulos los que compitieron por la Palma de Oro en Cannes, en esta ocasión serán tres los que luchen por el premio del festival más importante y prestigioso del mundo. A un habitual del certamen como Pedro Almodóvar, que estará con Amarga Navidad, se unen cineastas que nunca habían estado en la Sección Oficial a concurso.

El primero es Rodrigo Sorogoyen, que optará por primera vez al premio por El ser querido, su drama con Javier Bardem y Victoria Luengo. El segundo, o mejor, los segundos, son Javier Calvo y Javier Ambrossi, que se han convertido en una de las sorpresas de la Sección Oficial donde entran con la que es su segunda película, La bola negra.

El ambicioso proyecto de los Javis es una de las presencias más refrescantes de una selección que apuesta por pesos pesados. Su drama en tres tiempos que parte de la obra inacabada de Federico García Lorca es una de las películas españolas más esperadas del año, y su elección en Cannes crea muchas expectativas. Logran entrar entre el selecto club de elegidos habiendo dirigido solo una película antes, pero con el éxito de La mesías a sus espaldas.

La serie fue un fenómeno en Francia, por lo que su nombre no es desconocido para ellos. España es, después de Francia y junto a Japón, el país con más películas en la Sección Oficial a concurso en esta edición. El propio director del festival, Thierry Frémaux dijo que había un movimiento en el cine español para encontrar los presupuestos para crear este tipo de cine y recordó que Romería, de Carla Simón, se estrenaba estos días en Francia y compitió el año pasado en Cannes.

La primera vez compitiendo por la Palma

Es la primera vez en la historia que tres películas españolas compiten por la Palma de Oro. Hasta ahora dos había sido el máximo. Anteriormente, en dos ocasiones hubo cuatro películas en Cannes, pero fue antes de la creación del galardón en 1955, cuando en el certamen se entregaba el Gran Premio y en una industria radicalmente diferente en donde se elegían películas de solo 40 países. Tanto en 1951 como en 1954 hubo cuatro películas españolas en Cannes. Queda por especular con qué hubiera pasado si Albert Serra hubiera llegado a tiempo para presentar este año su esperada Out of this World que podría haber colocado ese contador histórico en cuatro obras.

El cine español muestra además, su poderío gracias a las coproducciones con otros países. En Una cierta mirada se podrán ver dos: la coproducción con Chile, El deshielo, de Manuela Martelli, que cuenta con María Zamora, responsable de las películas de Carla Simón, en la producción. Y La más dulce, de Laïla Marrakchi y con Itsaso Arana en su reparto, que tiene a Fasten Films en el equipo de productores.

Almodóvar, Sorogoyen y la dupla formada por Javier Calvo y Javier Ambrossi se enfrentarán en mayo a una selección formada por viejos conocidos de Cannes como Hamaguchi o Farhadi. Ambos han rodado en francés y coproducido con Francia sus nuevas y esperadísimas películas. También con ganadores de la Palma de Oro como Cristian Mungiu, el director rumano que la logró con 4 meses, 3 semanas y 2 días y que vuelve con Fjord, donde tienen un reparto estelar liderado por Sebastian Stan y Renate Reinsve. Y habrá que estar atentos al esperadísimo regreso del cineasta ruso exiliado Andrey Zvyagintsev, que tras un parón provocado también por enfermedad presentará Minotauro.

La asignatura pendiente de Cannes sigue siendo la paridad. Mientras que destaca la cantidad de directoras en Una cierta mirada, sorprende para mal las pocas que han logrado sitio en la Sección Oficial a concurso: solo cinco de los 21 nombres anunciados de una selección que suele completarse las próximas semanas con títulos de última hora que no llegaron a tiempo en esta primera valoración tal como confirmó el director de Cannes, Thierry Frémaux, que dijo que esto era “el 95% de la selección”.

Amarga Navidad es una de las películas más complejas de Pedro Almodóvar. Su estructura, donde una historia contiene a la siguiente, la convierte en un filme brillante que reflexiona sobre la responsabilidad del artista y hasta qué punto cuando un creador está poseído por la inspiración está legitimado a vampirizar a los que tiene a su alrededor. Pedro Almodóvar ha elegido para nuestro formato 'Anatomía de una escena' un momento que muestra a la perfección ese debate. Es una escena que tiene como protagonistas a Bárbara Lennie y a Victoria Luengo y confiesa que es una de sus preferidas. “Afortunadamente, en la película hay muchas secuencias importantes, pero esta es una de mis favoritas”, dice con humor.

Lennie interpreta a una directora de culto que ha dirigido solo dos películas. En un viaje a Lanzarote junto a su amiga Patricia, ella encuentra la energía para volver a escribir. Pero lo que le inspira es la desgracia de su amiga, que ha vuelto a ser engañada por su pareja. Ambas, como explica Almodóvar, viven un duelo. Lennie, el de su madre, recién fallecida; Luengo, el de una relación que se termina. 

Es una escena donde el debate más importante del filme se hace explícito, ya que Victoria Luengo le echa en cara a Lennie que vaya a usar su ruptura como materia prima de su nuevo guion. Una escena llena de diálogos punzantes, frases llenas de la esencia de Almodóvar y un duelo interpretativo entre dos actrices brillantes. Almodóvar se sabe de memoria cada diálogo de la escena, lo repite y hasta lo interpreta mientras se rinde al talento de ambas actrices. “El estupor de Victoria va creciendo y Victoria va mereciendo premio tras premio con este plano”, dice el director de la actriz con la que ya trabajó en La habitación de al lado.

Almodóvar destaca de esta escena su sobriedad. “Casi toda la escena ellas están de espaldas, sobre todo la que habla, que es Bárbara Lennie. Y hay solo tres colores. El blanco de la cocina, el jersey verde de Bárbara y una chaqueta roja de Patricia, el personaje de Victoria”, analiza. Una sobriedad que ha ido puliendo en sus últimas películas, pero que contiene señas de identidad de su cine, como esos colores brillantes o el gusto por la composición de cada plano.

Define esta secuencia como “esencial” y una de las que está “más orgulloso”, sobre todo por “la austeridad y la sobriedad, porque tiene mucho contenido y los elementos son blanco, rojo y verde, una cocina y ella casi todo el tiempo de espaldas”.

La escena elegida por Almodóvar

El cine dentro del cine siempre ha estado en la obra de Pedro Almodóvar. Ahí está el brillante inserto de El amante menguante en Hable con ella o de una forma más frontal, la compleja estructura de La mala educación. También el proceso creativo. Qué hay detrás de los escritores o los cineastas, qué les inspiran o cortan sus alas creativas, es otro de los tropos almodovarianos que ha abordado en varias películas, como la citada La mala educación; Los abrazos rotos, donde un director ciego dictaba sus historias a su ayudante, o Dolor y gloria, donde ambas constantes de su cine se abrazaban y desembocaban en un final donde la propia película se desvelaba como parte del artefacto.

Sin embargo, nunca había ido tan al límite como con Amarga navidad, su nueva película, donde lleva al extremo el juego de ficción y realidad en una filigrana narrativa brillante. Puede que sea de los guiones más complejos que ha escrito el propio Almodóvar, pero eso lo va descubriendo uno según pasa un filme al que conviene llegar lo más virgen posible para dejarse llevar por sus sorpresas narrativas que son, también en muchas ocasiones, guiños a la propia obra de su creador.

Amarga navidad es una inteligente y arriesgada matrioska donde cada historia va desvelando la siguiente… o la anterior, formando un juego de tramas que se entrelazan hasta desembocar en una escena final apabullante, de lo mejor que ha escrito el cineasta y condenada a quedar en el recuerdo. La primera capa muestra a una directora, Bárbara Lennie, que acude a un hospital por un episodio de migrañas. Pronto descubrimos que esa directora es un personaje de ficción escrito por otro director, Leonardo Sbaraglia, con un look que recuerda no de forma casual al del propio Almodóvar.

Por tanto, la matrioska almodovariana contiene a tres directores. La directora de la primera ficción, Lennie; el que escribe esa historia, Sbaraglia, y en un juego pirandelliano está, aunque no presente como personaje, el propio Almodóvar como demiurgo que escribe a ambos personajes, da forma a la película y hace que todas las piezas de su puzzle encajen.

El filme se descubre, en cada una de sus capas, como una reflexión sobre la responsabilidad moral de los creadores. ¿Hasta qué punto pueden nutrirse de forma impune de las historias que tienen alrededor?, ¿caiga quien caiga?, como se pregunta un personaje en un momento de la película. Esa pregunta se la hace la directora Lennie, se la pregunta el director que la escribe y, por tanto, nos la lanza el mismo Almodóvar a la cara del espectador.

¿Son los directores vampiros? Aquella cuestión estaba en el centro de una de las películas más importantes de la historia del cine español, Arrebato. Su director, Iván Zulueta, solo pudo dirigir dos películas, las mismas que ha dirigido el personaje de Bárbara Lennie en un guiño inconsciente al realizador que ha planteado de forma más bestia cómo el cine y la necesidad de crear puede devorar a los artistas. A la película de Zulueta se la recuerda, de nuevo, con ese cursor rojo del ordenador que palpita en la pantalla.

En ese juego de trenzas narrativas, Almodóvar se va desnudando en un ejercicio de autoficción con muchísima ficción, muchísimo juego narrativo y, como si fuera un oxímoron, muchísima verdad en la forma en la que el director aborda varios de los temas que han centrado su última etapa como director, como la soledad, o algunos que siempre han estado, como la unión de las mujeres como forma de ayudarse y salir adelante en un mundo de hombres.

Este ejercicio de guion y de narrativa endemoniada se permite el lujo de construir una ficción errática, a la que le falta incluso un detonante narrativo, para luego en su última y genial pirueta convertir todo ello en parte del filme. Y ahí es donde conviene guardar la sorpresa de una película que se desdobla para explicarse.

De alguna forma, la última matrioska, la más pequeñita, hace que se entiendan las anteriores en una escena final donde Almodóvar hace hasta autocrítica de varias de las cosas que han dicho de sus últimos filmes y de lo que podrían haber dicho de este… de no ser porque él ha sido más listo que todos y ha convertido todo ello en parte del juego metanarrativo que propone una película que parece mucho más sencilla que lo que realmente es, un encaje de bolillos planificado al detalle. Lo hace, además, evidenciándolo en un tour de force final entre el siempre estupendo Leonardo Sbaraglia y una Aitana Sánchez Gijón condenada a ganar todos los premios posibles. 

Almodóvar recupera señas de identidad que se habían perdido en los últimos años. Hay humor, y funciona. Hay un guiño hasta al kitsch, con ese bombero stripper al que da vida de forma hermosa un Patrick Criado en un personaje tan bonito como su nombre, Boni, de Bonifacio, y que hasta nos hace pensar en el Jaime Chávarri de ¿Qué he hecho yo para merecer esto?. Hay insertos musicales como los que uno recuerda en Hable con ella, aunque el de Amaia no encaja tan bien como el Cucurrucucú Paloma de Caetano Veloso y quita fluidez a la narración, algo que no ocurre con la escena en la que Bárbara Lennie y Victoria Luengo escuchan en silencio La llorona de Chavela Vargas —cómo no iba a estar ella— mientras cada uno llora por un motivo diferente y emociona hasta la lágrima al espectador. 

Sigue siendo, por supuesto, una película que desprende el sello de Almodóvar en cada fotograma. En su forma de componer, en el vestuario, en la excelente partitura de Alberto Iglesias… pero en esta ocasión uno se rinde al riesgo de un director que podía vivir en el conformismo, en la austeridad que tan bien ha dominado en sus últimas obras, y que ha decidido ofrecer algo intelectual, emocionante, y que nos haga reflexionar sobre lo que hay detrás de cada obra de ficción.

Pedro Almodóvar nos recibe en su santoral particular. Una pared llena de la gente a la que admira y se ha cruzado en su vida. A pocos centímetros la mirada de Billy Wilder detrás de sus gafas, un poco más arriba Jeanne Moreau. Unos metros más a la derecha aparece Ru Paul antes de hacerse famosa en la televisión. Y siempre, junto a ellos, sus actrices: Marisa Paredes y Penélope Cruz.

La pared del despacho del director, en la sede de su productora, El deseo, es un repaso a su carrera y a todo lo logrado. Enfrente, muchos de los premios que ha ganado. Lo que nadie puede dudar es que ese despacho es de Pedro Almodóvar. Hay algo eminentemente suyo. No son solo los colores, ni la disposición de los muebles, sino algo que está presente desde que uno entra. 

El director abre las puertas de su despacho para hablar con elDiario.es de su nueva película, Amarga Navidad, un filme que está entre los más complejos que ha escrito, y donde reflexiona sobre la responsabilidad ética de los directores de cine a través de una historia que se parece a una matrioska y que dentro contiene unas cuantas más. A priori es la historia de una directora de cine, Bárbara Lennie, que solo ha dirigido dos películas y se encuentra en un parón creativo. 

Pero poco a poco Almodóvar va abriendo las muñecas de su película para ver que dentro hay mucho más. También la historia de otro director, Leonardo Sbaraglia, que se parece mucho al propio Almodóvar, y que vuelve a traer ese elemento de auto ficción que estaba en Dolor y Gloria.

Amarga Navidad habla del proceso creativo. Estamos en su despacho, ¿es aquí donde se da ese proceso?

Parte. Aquí no escribo. Escribo siempre en casa o en cualquier otro lugar, pero aquí y en estas mismas butacas, dispuestas de otro modo, es donde hago las primeras lecturas con los actores y los primeros ensayos, incluso las primeras pruebas. Esto es una especie de ‘santa sanctorum’, y justamente esa parte del proceso es esencial, porque un casting desafortunado te puede cargar la película. Afortunadamente en esta he sido muy, muy afortunado. Estoy muy contento con todos los actores.

¿En esas lecturas ya se nota si algo no va bien?

Absolutamente. Pero desde la primera. Yo recuerdo haber tenido un gran problema con una película a principios de este siglo. Y ya en la primera lectura vi cuál era el problema. Lo que pasa es que no había modo de echarse atrás y pensaba que yo también era el problema y que después tú tienes que solucionarlo, que eres el director. Pero no se solucionó y fue a más.

En las primeras lecturas voy por partes. Por parejas o tríos o solo si es un monólogo. Y recuerdo que en esta ocasión ya me di cuenta de que los diálogos del final, de los últimos 20 minutos que protagonizan Leo Sbaraglia y Aitana Sánchez Gijón, que eran muy difíciles, e intenté cambiarlos, pero era imposible. La solución es que como son dos buenos actores, ellos afortunadamente me dieron todo el tiempo necesario y estuvimos por lo menos dos meses de ensayos diarios con esos 20 minutos.

La película habla de esa relación entre ficción y realidad. Siempre dice que sus películas nacen de sitios muy diferentes. Tacones lejanos nació de escuchar un telediario y pensar que la presentadora que estaba contando un crimen de repente confesaba que lo había hecho ella. ¿Cuál fue la chispa de Amarga Navidad?, ¿por qué hablar de esto en este momento de su carrera?

Amarga Navidad procede de un libro de relatos que escribí y que salió hace dos años o tres, y es uno de ellos. En principio el relato es lo que me empuja a ponerme a escribir. El relato son 12 folios y el guion son 160. Todo lo demás tenía que inventármelo, y en el relato no está ese elemento tan esencial que sí está en la película de la relación de realidad y ficción, que es algo que a mí siempre me ha inspirado y que ya está presente en más de una película. En La mala educación, el papel de Fele Martínez sabe que ha contratado a un chico que es falso, que dice ser alguien que no es, pero a la vez le fascina a nivel creativo ver hacia dónde lo va a llevar o hasta dónde va a ser capaz de esa impostura. La relación activa de un creador y la génesis de las ideas siempre han sido temas que a mí me han fascinado, porque es un tema muy misterioso.

En general mis ideas provienen del exterior, de las múltiples cosas que puedo encontrar en el exterior. Pero últimamente estoy recurriendo más a mí mismo como inspiración de lo que voy a escribir. En los últimos cinco años he hecho Dolor y gloria y esta película en la que como referencia principal para el personaje del director soy yo. Esto no quiere decir que yo esté loco por hablar de mí, no. De hecho no quiero hablar de mí, pero también me doy cuenta de que mi experiencia es el elemento que yo conozco mejor. No tengo que documentarme. Está dentro de mí. Y para todo lo demás, hay que ser un poco valiente y ver si vas a estar dispuesto a poder hablar de todo esto con la prensa. Porque hay una exposición, que no es lo que yo busco, pero forma parte de la aventura. También me estoy exponiendo hablando contigo.

Recuerdo Dolor y Gloria que la gente jugaba de alguna forma a ver qué era verdad o mentira, ¿le da miedo la especulación, que quieran saber qué es verdad y qué no?

Con las dos películas ya juntas creo que me he olvidado ya de esa especulación. En principio no me gusta la idea, no me gusta en absoluto. En Dolor y Gloria las partes que parecían de ficción eran las que eran reales y lo contrario. Y ahí me di cuenta que había un tema, que era la heroína, porque el personaje toma heroína en algún momento de la película. Yo nunca he tomado heroína, pero cuando hablaba con la prensa me daba cuenta de que les gustaba más el personaje si yo había tomado heroína. Había un momento que ya decía, mira tú pon lo que quieras, yo te digo la verdad.

Entonces me importaba menos pero sí es cierto que he tenido que vencer el pudor, porque yo soy una persona de natural pudorosa. De hecho te darás cuenta que hay muy pocas entrevistas, yo creo que ninguna, en la que hable directamente de mi vida privada. Es algo que lo he tenido siempre acotado. Lo que ocurre es que cuando escribo, no hay límites en ningún sentido y es cuando yo me siento más libre. Y ojalá que siga escribiendo así. Soy mucho más libre escribiendo, como decía Aitana al personaje, que en mi vida real. Pero el pudor no me ha quedado más remedio que ir superándolo a base de entrevistas.

Otro de los temas de la película es la ética del guionista, la vampirización del creador de los que tiene alrededor, ¿es Pedro Almodóvar muy vampiro como creador?

No, no lo soy. Pero lo que sí soy es muy poroso, muy permeable. Acabo de escribir ya el guion de lo que espero que sea la próxima película y no voy a decir el qué porque son dos personas conocidas, pero viene de un comentario absolutamente banal que me hizo una de las actrices durante el rodaje y de pronto eso encendió en mí una idea y después la desarrollé y salió como un torrente. Era como si hubieran abierto una puerta o quitado un tapón, y todo lo demás estaba dentro de mí.

El origen realmente era una cosa completamente superficial. La creación es un misterio, no puedes provocarla. Lo que sí puedes hacer es, como decía Picasso, trabajar. Yo me siento en el ordenador a escribir todos los días. Que la inspiración te coja escribiendo. Pero, en efecto, uno de los debates posibles de esta película son los límites del creador. Hay que preguntarse si hay límites, si no los hay, y si uno tiene derecho realmente a hablar de los demás con la misma sinceridad y la misma falta de pudor que cuando hablas de ti mismo.

¿Hay límites?

Es una pregunta que yo todavía no sabría cómo responder, porque hay una cosa clara y es que yo no quiero hacer daño a nadie. Los personajes que te inspiran son la gente con la que vives, y la gente a la que quieres. Y si fuera consciente de que cuando estoy escribiendo podría hacerle el menor daño, no lo haría. No escribiría. Pero uno no lo sabe tampoco. Yo nunca he tenido ninguna reacción cuando ha aparecido una anécdota que pertenecía a otra persona. Creo que en eso los límites dependen de la sensibilidad moral de cada persona.

El otro día leía un artículo con Emmanuel Carrère, que es el gran escritor de autoficción, donde él sí confesaba que se arrepentía de que con una de sus novelas hizo daño a su novia en ese momento y se arrepentía. Lo decía siendo consciente y no se sentía orgulloso de ello. Pero también decía, y citaba a otro autor: “Si en una familia hay un escritor, esa familia va a tener problemas”. Y es cierto, los escritores, sin que queramos, nos convertimos en seres peligrosos para los que nos rodean. Yo también me incluyo en eso, pero hasta ahora creo los límites te los impones en base a tu propia moralidad y tu propio sentido ético. Pero hay algo que es cierto, si hay algo que me inspira, si tú mismo me inspiras algo y yo me pongo a escribir…

Una entrevista no suele porque normalmente me inspiran personas que han sufrido, me inspira más el dolor que lo cotidiano, el placer o una entrevista encantadora como la que estamos teniendo. Las cosas encantadoras no me inspiran. Pero cuando estás hablando de alguien y sabes que has iniciado un camino en el guion que te está llevando a un lugar interesante uno no se pregunta si sigue o si tiene el derecho a hacerlo. Ahí reconozco que el autor está absolutamente poseído por lo que está escribiendo y la referencia real desaparece. Aparece después, cuando ya la has terminado de escribir y cuando has terminado la película. Pero reconozco en el director un enorme egoísmo cuando ocurre la inspiración, eso sí es cierto.

Es una película que habla del cine como vampiro y el personaje de Bárbara Lennie es una directora de culto que solo ha dirigido dos películas, se me hizo imposible no pensar en Iván Zulueta…

Es verdad que Iván hizo solo dos películas, pero no está inspirada en él. Yo a Iván le conocí mucho, trabajamos juntos, hizo tres o cuatro carteles de mis películas y hubo un periodo en que nos veíamos diariamente en Madrid y teníamos muchos amigos en común. Hay un elemento aquí que sí que me recuerda a Arrebato y me lo recordó después, cuando ya estábamos rodando, y es el cursor del ordenador. Ese cursor palpitando en la pantalla para mí equivalía un poco a la voracidad y la llamada que tiene el fotograma en rojo en Arrebato, que acaba engullendo, con el consenso del engullido, a Eusebio Poncela. Este palpitar del cursor tiene esa cualidad vampírica que es incluso superior. No lo desarrollo tanto, pero sí me servía como leitmotiv.

Es superior a la voluntad del Creador. Cuando al final el creador ha terminado y está tratando de volver a escribir el guion y yo le hago un primer plano, el cursor está llamándole en ese momento de duda. La presencia de Iván si está en la película, me he dado cuenta después, pero para el personaje de Bárbara pensaba más en alguien como Lucrecia Martel, por ejemplo, que ha hecho más de dos películas, habrá hecho cinco o por ahí, pero es una directora muy buena que desgraciadamente su cine es muy minoritario.

En un momento el personaje de Bárbara Lennie va al hospital y hay una mención a Hable con ella. Ella dice que escribió una película donde había dos mujeres en ese hospital, una en cada habitación, y una moría, así que pedía que la llevaran a la otra.

Exacto.

Esa directora de Amarga Navidad solo tiene dos películas, así que me pregunté, si tuviera que elegir solo dos películas, o pensar que solo ha dirigido dos películas, si Hable con ella sería una de ellas. 

Espero no tener que decidir eso nunca. En efecto, estaba pensando en Hable con ella. Es muy evidente que estoy pensando en mi película. Si tuviera que elegir dos, yo creo que Hable con ella sería una de ellas, seguro. Y también hay consenso con eso. Es una de mis películas más valoradas de mi carrera.

En esa escena final que ha mencionado, el personaje de Aitana Sánchez Gijón le dice muchas verdades a ese director, ¿le ha dado miedo que no le digan la verdad?, ¿rodearse de sitios donde todos le alaben y perder el contacto con la realidad?

Perder el contacto con la realidad es muy malo, sobre todo si además te dedicas a contar historias. No es una buena idea. Aunque a veces sea duro, yo afortunadamente creo que tengo por lo menos dos personas aquí, una es Lola, mi asistente, y otra es mi hermano, que me dicen cuál es el mundo en el que vivo.

Alguien que se dedica a esto o que ha tenido tanto éxito como yo, inevitablemente se aísla y es muy importante que haya alguien que, sin ningún respeto, no quiero decir violentamente, pero sí sin ningún respeto, te diga exactamente cómo son las cosas. Eso a mí me tranquiliza y me horrorizaría saber que estoy absolutamente solo, porque sé que la realidad, según me la van a contar los demás, es ligeramente distinta o mucho más suave que la que realmente es. Entonces yo no le tengo miedo. Puede gustarte o puede no gustarte, pero agradezco siempre que alguien me diga algo en lo que yo no he pensado y que sea mucho más real que lo que yo he pensado antes.

El artista tiene que posicionarse, porque hay mucha gente que se mira en él

Pedro Almodóvar — Cineasta

¿Cómo se impone la realidad a la ficción en estos momentos? Vivimos un mundo tan caótico, que no sé si esa realidad se impone en forma de pesimismo. 

Inevitablemente te influye, aunque hagas una comedia. De hecho, yo no estaba pensando tampoco en esta horrible situación que estamos viviendo. Creo que nunca hemos vivido en un mundo peor que el que estamos ahora experimentando. Por lo menos en los últimos 50 años de nuestra vida. Por ejemplo, el guion que acabo de escribir está totalmente contaminado por el pesimismo de la situación en la que estamos y ni siquiera era consciente cuando lo estaba haciendo. Es muy difícil que la realidad que estamos viviendo ahora mismo no te afecte. Yo trato de ser optimista, de pensar que habrá soluciones, pero me cuesta. Me cuesta mucho trabajo creer y creerme ese optimismo que yo me impongo como de un modo militante.

Hemos hablado del compromiso ético de un creador, pero estamos con el debate sobre el compromiso político. Venimos de una Berlinale donde se ha discutido de ello. Qué opina de esta guerra cultural sobre si los cineastas debéis o no posicionarnos, ¿considera que una un deber moral también en hablar?

Absolutamente. La reacción del jurado de la Berlinale me parece totalmente acomodaticia. Viniendo además de un país como Alemania, que está siempre mirando a EEUU y está siempre alineado con ellos no te extraña. A mí me parece de una cobardía inaudita. Me parece absolutamente necesario que saliera Tilda Swinton en nombre de todos nosotros, hablando de que tenemos que implicarnos en la realidad, cómo no hacerlo cuando no sabemos qué va a pasar en Gaza, y las cosas pintan del peor modo, porque nadie se cree esa paz, porque al día siguiente ya había 20 muertos, y al otro día 30.

El artista tiene que posicionarse, porque hay mucha gente que se mira en él. Entonces, si se van a mirar en este espejo, para bien y para mal, quiero que les devuelva el horror ante un genocidio como el que estamos viendo diariamente en televisión. El comportamiento de otros lugares como EEUU, sosteniendo ese horror, y con unas ideas respecto al futuro de los gazatíes son escalofriantes. Los artistas no vivimos en una torre de marfil, vivimos en la calle, vivimos de acuerdo con la realidad que nos ha tocado vivir y la que nos ha tocado vivir es la que es. La que le ha tocado vivir a todo el mundo, y todo el mundo tiene derecho a manifestarse y desde luego los artistas.

Ha dicho que tiene el guion de la próxima película escrito, he leído que ha escrito una novela, se encuentra en un momento de mucha creatividad, ¿hay un motivo concreto, una sensación de no querer dejar nada por contar?

Exactamente desde la pandemia he rodado más que en comparación con los diez años anteriores. Me ha entrado una prisa tremenda. Tengo la impresión, no de que me vaya a morir dentro de dos años, pero de que me queda cada vez menos tiempo. Esa sensación del tiempo que pasa se me ha hecho una presencia que no me olvido de ella. Comparte la mesa de trabajo conmigo. Entonces me ha entrado una prisa descomunal y ahora estoy escribiendo más que nunca.

Salgo menos que nunca y tengo menos vida social que nunca. No sé si es lo mejor o lo peor, pero siento que esta es la vida que he elegido y no me siento mal. No me siento solo. Pero sí es cierto que tengo una necesidad casi histérica de seguir escribiendo y de seguir pensando en más de un proyecto. Sí, me ha entrado una gran prisa. Tendrá que ver con la edad. Quiero decir, yo ya no voy a cumplir 70 años, ni 71. El tiempo es algo que corre y es inevitable. Se te escurre y se va, esa es la naturaleza del tiempo. Yo estoy tratando de retenerlo y de ir al mismo ritmo, y es una locura, pero de todos modos me resulta muy entretenido.

Vídeo de la entrevista completa

Vídeo: Alex Corral, Salvador Fenoll

El estreno de la película Volver en 2006 marcó un hito inolvidable en la historia del cine español, consolidando la alianza entre Pedro Almodóvar y su musa predilecta. Al cumplirse dos décadas de aquel fenómeno, toca recordar un largometraje que no solo triunfó en la taquilla, sino que también devolvió al director manchego su esencia más pura tras proyectos anteriores mucho más oscuros y masculinos. Y que hizo que, por primera vez en la historia de los Premios Oscar, una intérprete española, Penélope Cruz, fuese nominada en la categoría de Mejor Actriz del año. La historia de Raimunda, una mujer coraje que lidia con fantasmas reales y metafóricos en un barrio madrileño y en La Mancha, cautivó al mundo entero por su mezcla única de comedia y drama. 

La trama nos sumerge en la vida de tres generaciones de mujeres que logran sobrevivir al viento, al fuego y a la muerte con una vitalidad sin límites ni fronteras geográficas. Raimunda, interpretada magistralmente por Penélope Cruz, es una madre luchadora casada con un hombre en paro y con una hija adolescente que debe enfrentar una crisis familiar profunda. La aparición de su madre Irene, interpretada por Carmen Maura y supuestamente fallecida años atrás en un incendio, desata una serie de situaciones rocambolescas que mezclan lo sobrenatural con la cotidianeidad más absoluta del pueblo. Almodóvar utilizó esta narrativa para rendir un homenaje sincero al eterno femenino, a la solidaridad entre vecinas y a la resiliencia de las raíces culturales españolas.

El impacto más trascendental de la película fue, sin duda, la histórica candidatura de Penélope Cruz al premio Oscar como Mejor Actriz. Este logro llegaba tras otra gran cima conquistada en la meca del cine, como es la de que Javier Bardem hiciese lo propio años antes en la categoría masculina. Aunque finalmente el premio fue para Helen Mirren por su papel en la película La Reina, la nominación de Penélope rompió un techo de cristal fundamental para el desarrollo del cine español. Hollywood se rindió ante una actuación que recordaba a las grandes divas italianas como Sophia Loren, viendo en Penélope a una actriz de dimensiones internacionales extraordinarias.

La relación profesional entre Almodóvar y Penélope alcanzó su madurez absoluta con este proyecto, tras haber colaborado previamente en cintas como Carne trémula y Todo sobre mi madre. Almodóvar supo extraer de ella una interpretación naturalista y poderosa, transformando a la chica de Alcobendas en una mujer del pueblo llano que rezumaba autenticidad y fuerza. Para Penélope Cruz, trabajar con el cineasta manchego siempre fue un sueño personal desde que vio la película Átame durante su adolescencia en Madrid. Esta conexión casi telepática entre director y actriz permitió que en Volver se sintiera como con un traje a medida, logrando que la crítica internacional valorara su talento interpretativo.

Un reencuentro esperado

Otro de los grandes atractivos de Volver fue el esperado reencuentro entre Almodóvar y Carmen Maura tras dieciocho años de distanciamiento profesional y personal muy publicitado. Después de su éxito conjunto en Mujeres al borde de un ataque de nervios, la relación se rompió públicamente, dejando un vacío en el cine español durante casi dos décadas enteras. El regreso de Maura para interpretar a Irene fue el broche de oro a una disputa histórica, generando una expectación mediática sin precedentes antes del estreno oficial. Aunque surgieron algunas tensiones posteriores entre ambos, este trabajo conjunto demostró que la admiración mutua prevalecía sobre los rencores pasados, regalando al público una de las mejores actuaciones de su extensa carrera.

El éxito de la película no se limitó a las nominaciones individuales, ya que arrasó en festivales de gran prestigio como Cannes, donde todo el elenco femenino fue premiado colectivamente. Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Chus Lampreave y Yohana Cobo compartieron un galardón histórico que reconocía la fuerza del grupo actoral. En España, la cinta dominó los Premios Goya, alzándose con cinco estatuillas, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actriz para la propia Penélope. Además, la Academia Europea de Cine coronó a la intérprete madrileña y otorgó múltiples premios a la producción, consolidando a Volver como uno de los largometrajes más destacados y premiados de toda la década.

Antes de alcanzar este hito, Penélope recorrió un largo camino desde que Bigas Luna la descubriera en la película Jamón, jamón en 1992. Sus inicios en televisión y su posterior salto a Hollywood con películas como Blow o Vanilla Sky le permitieron hacerse un hueco en la meca del cine. Sin embargo, fue su regreso a Europa y su colaboración constante con Almodóvar lo que le otorgó el respeto definitivo de la industria norteamericana. Tras la nominación por Volver, Penélope finalmente lograría su primer Oscar en 2009 gracias a Woody Allen, pero siempre reconoció que Raimunda fue el papel que cambió su destino para siempre.

Veinte años después, Volver sigue siendo la película más taquillera de la filmografía de Almodóvar y un referente estético por su uso magistral del color y la iluminación. La cinta no ha perdido ni un ápice de su fuerza narrativa original, manteniéndose como una obra maestra que apela a lo tradicional y a la rica cultura popular española. El legado de esta historia de mujeres solidarias continúa vivo, recordándonos el momento exacto en que una actriz de Alcobendas se convirtió en una leyenda universal del cine. Hoy celebramos dos décadas de un filme que nos enseñó que siempre se puede volver a los orígenes para triunfar, marcando un antes y un después en nuestra cinematografía.

La presencia de Tardes de soledad al frente de la lista de Cahiers du Cinéma de lo mejor del año ha sido un buen corolario para lo que ha dado de sí internacionalmente el cine español. Al margen del desempeño que le quede por tener a Sirât en la carrera de premios, pocas dudas caben de que 2025 ha sido un año excelente para nuestra cinematografía y su proyección extramuros. Y este honor “tardío” para el documental de Albert Serra es significativo, pues de cara a 2026 se espera su nueva película de ficción. Out of this World será su primera producción en inglés, con F. Murray Abraham y Riley Keough (luego de que se tanteara a Kristen Stewart) de protagonistas.

Como Pacifiction, Out of this World abordará la geopolítica —en este caso la guerra de Ucrania— y es posible que, como Pacifiction, tenga su premiere en el Festival de Cannes. Antes de eso llegaría en marzo lo nuevo de otro de nuestros autores más universalmente aclamados, Pedro Almodóvar, que con el León de Oro de Venecia bajo el brazo (por La habitación de al lado) regresa a su idioma materno en Amarga Navidad rodeándose de Bárbara Lennie, Aitana Sánchez-Gijón o Vicky Luengo. Esta última, cada vez más solicitada, se dejaría ver meses después en El ser querido de Rodrigo Sorogoyen, donde Javier Bardem interpretaría a un padre director de cine que le ofrece un papel a su hija actriz, en una tesitura curiosamente similar a la que plantea la reciente Valor sentimental.

Los Javis estrenarán el año que viene su primera película como directores tras La llamada —y la primera desde su ruptura sentimental—, basándose La bola negra en una obra inconclusa de Lorca. Quieren estudiar “lo que significa ser maricón a lo largo del tiempo” con un reparto muy llamativo —de Penélope Cruz a Guitarricadelafuente— y ajustándose a una ambientación histórica que guiará algunas de las producciones españolas más ambiciosas de la temporada. Como Sacamantecas —lo nuevo de David Pérez Sañudo, aquí inspirándose en el primer asesino en serie de nuestro país— o Minotauro, con la que Julio Medem se adentra en la génesis del Guernica de Picasso.

Tras el éxito de su serie Yo, adicto, Javier Giner debutará en el largo con Esta soledad, mientras Cesc Gay se propone adaptar su propia obra de teatro en 53 domingos, apoyado por Netflix. También es un fenómeno teatral lo que impulsa Burundanga, el regreso de José Corbacho a la dirección y una prueba del volumen al que seguirá rindiendo la comedia en nuestro país. El taquillazo de Perfectos desconocidos en 2017 es uno de los hitos del género, y por fin tendrá secuela casi diez años después. Perfectos conocidos será sin embargo dirigida por Javier Fesser y no Álex de la Iglesia: él está ocupado con La cuidadora, donde por fin se reúne con Carmen Maura tras La comunidad.

Hay buenas previsiones para Cada día nace un listo —Arantxa Echevarría volviendo al molde de Políticamente incorrectos tras coronarse con La infiltrada—. También las hay para La familia Benetón+2, la inevitable secuela de la comedia de Leo Harlem, que será, sin embargo, eclipsada por Torrente presidente, donde su compañero Santiago Segura amenaza con satirizar a la clase política una vez ha concluido su ciclo Padre no hay más que uno y se propone resucitar a su personaje más recordado. Está por ver cómo funciona antes el experimento meta de Aída y vuelta a principios de año, mientras la cuarta entrega de Tadeo Jones lo tiene todo para arrasar.

Animación, videojuegos y secuelas aterradoras

Los dibujos animados atraen cantidades masivas de público. Lo acaba de demostrar Zootrópolis 2, aunque está por ver si la siguiente película de Disney Animation prevista para noviembre de 2026 tiene la misma suerte: Hexed, que narra una relación madre-hijo en un mundo de fantasía medieval, no es secuela de nada, y eso últimamente está deparando grandes fracasos para la Casa del Ratón. Así que su estudio subsidiario, Pixar, cruza los dedos con Hoppers —una suerte de Avatar donde una joven ecologista se hace pasar por castor—, aunque, si esta no funciona, al menos tiene previsto estrenar unos meses después, para verano, Toy Story 5.

La nueva aventura de los juguetes —ahora enfrentados a una tablet maligna— será otro bombazo de Disney. Existe la posibilidad, sin embargo, de que Super Mario Galaxy supere su recaudación: el 3 de abril volverá el fontanero de Nintendo. Illumination sigue a cargo de la licencia —preparando también Los Minions 3 para el verano—, mientras que Super Mario Galaxy no será la única adaptación animada de unos videojuegos icónicos: de cara a las siguientes Navidades llegaría una tercera entrega de Angry Birds. Sony Animation está detrás de ella, en un año donde se las promete muy felices gracias a Como cabras —baloncesto con animales antropomórficos— o al Oscar a Mejor película animada que es probable que le dé Las guerreras k-pop.

Volviendo a Disney no habría que perder de vista a Vaiana: remake de acción real de una película de dibujos con apenas una década de vida, que conserva a un Dwayne Johnson de carne y hueso como Maui. Los remakes y reboots siguen a la orden del día en Hollywood. Sin alejarnos de los videojuegos tendremos nuevas películas de Mortal Kombat y Street Fighter —con Noah Centineo de protagonista tras haberse quedado sin interpretar a He-Man; este tendrá el rostro de Nicholas Galitzine en la Masters del Universo que Mattel quiere para la temporada veraniega—, mientras que la nostalgia allanará el camino de las secuelas de El diablo viste de Prada, Prácticamente magia y… Los padres de ella, cuya cuarta entrega ha fichado a Ariana Grande tras el triunfo de Wicked.

El mencionado Johnson estrenará asimismo una nueva Jumanji en las Navidades de 2025 queriendo homenajear a Robin Williams, y consolidando la dinámica de recurrir a éxitos previos para asegurar una taquilla imprevisible. Es algo que también suscribe el cine de terror, aunque es cierto que la idea de partida de 28 años después ya era que su historia continuara en dos entregas: El templo de los huesos inaugurará en enero la cosecha terrorífica, muy conectada igualmente a los videojuegos. Christophe Gans estrena Return to Silent Hill, mientras que un Zach Cregger recién catapultado por el éxito de Weapons tiene vía libre para hacer con la marca Resident Evil lo que se le antoje.

Quizá el gran evento de terror del año —con permiso de Terrifier 4, que se supone concluiría la sangrienta historia de Art el Payaso en Halloween— sea Scream 7, con el reparto antiguo de vuelta para enfrentarse a Ghostface, y así disimular que ha perdido a las actrices principales (Jenna Ortega y Melissa Barrera) y a los directores de las dos últimas entregas (Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin volverán a sus orígenes con Noche de bodas 2). Aunque seguramente nada le haga tanto daño como tener cerquísima el estreno de Scary Movie 6, con los hermanos Wayans de vuelta para parodiar todo lo que haya propuesto el género en los últimos años.

Entre el blockbuster y el cine de autor

Clayface es otro filme de terror previsto para septiembre, dirigida por James Watkins tras haber convencido a la cinefilia con No hables con extraños. Su gran particularidad es que pertenece al Universo DC de James Gunn, decidido a inyectarle variedad al adocenado cine de superhéroes. Lo hará, eso sí, después de que Supergirl continúe la senda del Superman previo, con Milly Alcock en el papel de su prima kryptoniana. Frente a este lento reinicio de la Distinguida Competencia, Marvel Studios prepara para el año que viene el gran clímax de su Saga del Multiverso, que volverá a constar, como cuando Vengadores: Infinity War/Endgame, de dos partes.

Luego de que Tom Holland vuelva a balancearse en Spider-Man: Brand New Day —película que, pese a añadir a Mark Ruffalo como Hulk, quiere devolver al trepamuros a una cotidianidad urbana fuera de los excesos multivérsicos de No Way Home—, la incansable máquina de Kevin Feige estrenará en diciembre Vengadores: Doomsday. Tras las últimas decepciones de crítica y público, Marvel orquestará un nuevo evento Vengador —con vistas a continuar en 2027 con Vengadores: Secret Wars— sin tampoco jugársela en exceso. Por eso volverán Anthony y Joe Russo como directores, junto a los X-Men de los 2000 e incluso Robert Downey Jr. (ahora como villano).

Este conservadurismo de Disney explica también que la primera película de Star Wars que produce en seis años —tras la debacle de El ascenso de Skywalker— vaya a ser The Mandalorian & Grogu, culminando aquella serie que tan bien le sirviera para vender suscripciones a su plataforma de streaming. La taquilla mundial parece garantizada con esta aglomeración de jugadas seguras —no hay que perder de vista lo mucho que puede arrasar Michael, tanto como para que sus artífices ya estén pensando en dividir este biopic de Michael Jackson en dos partes—, y quizá haya que buscar en otro sitio para hallar películas que aúnen el espectáculo con cierta ambición o personalidad.

Nos habría gustado que Greta Gerwig escogiera un proyecto más apetecible tras Barbie, pero habrá que confiar en esa adaptación de Las crónicas de Narnia que desarrolla con Netflix. Proyecto Salvación, con Ryan Gosling, adapta otra novela del estimulante autor de El marciano, y le sigue de cerca una nueva precuela de Los juegos del hambre. Amanecer en la cosecha —con Ralph Fiennes, Elle Fanning o Jesse Plemons al frente— quiere seguir enriqueciendo el legado de Suzanne Collins.

Lo mismo que Denis Villeneuve quiere hacer con su amado Frank Herbert, en una Dune: Parte 3 que Warner quiere tener lista para Navidad (veremos si lo logra). Y entre todos estos autores comerciales se erige, por supuesto, Christopher Nolan, fijando a Homero como objetivo y a la historia de la que nacen todas las historias: seguramente sea La Odisea la superproducción más esperada del año, encabezada por Matt Damon como un Ulises ansioso por volver a casa.

Alrededor de Nolan se perfilan otras propuestas tan sugerentes como el nuevo y enigmático film de Steven Spielberg —que aún no tiene título, pero sabemos que retomará su obsesión por los extraterrestres—, Remain de M. Night Shyamalan o Artificial de Luca Guadagnino. El incansable italiano quiere ahora arremeter contra Silicon Valley alrededor de los inicios de ChatGPT, dentro de un proyecto que halla ecos con The Social Reckoning. Por supuesto que La red social debía tener una secuela que siguiera cubriendo el turbio historial de Mark Zuckerberg, con Aaron Sorkin ahora dirigiendo además de escribiendo, pues David Fincher está ocupado.

¿En qué estará ocupado Fincher? En la secuela de Érase una vez en Hollywood, que protagoniza Brad Pitt y produce Netflix con guion de Quentin Tarantino (quien sigue dándole vueltas a cuál debería ser la película merecedora de clausurar su carrera). The Adventures of Cliff Booth volverá a echar un vistazo a las bambalinas de Hollywood, si bien hay otra propuesta de este corte que va a atraer todas las miradas en 2026: la nueva película en inglés de Alejandro G. Iñárritu, que ha fichado a Tom Cruise para un misterioso papel. Uno que, asumimos todos por el precedente Birdman, estará basado en él mismo.

El regreso de Cruise al cine de autor encabezará la carrera al Oscar, rodeado de talentos más jóvenes que acaparen la conversación. Es lo que pronto hará Emerald Fennell con Cumbres borrascosas coincidiendo con San Valentín, precediendo lo nuevo de David Lowery (Mother Mary) o David Robert Mitchell (Flowervale Station). Todo para concluir en Navidades con otra versión del Hombre Lobo a cargo de Robert Eggers (similar a la jugada de Nosferatu en 2024) y una más del Cuento de Navidad de Charles Dickens. Dirigiendo en este caso Ti West, asiduo al cine de terror, con nada menos que Johnny Depp como Scrooge. Una forma de acabar el año como otra cualquiera.

El cine español ha elegido las mejores películas del siglo XXI. En una votación organizada por elDiario.es, 56 cineastas han escogido a Mulholland Drive, de David Lynch, como la mejor obra de estos últimos 25 años. Un podio que cierran In the mood for love, de Wong Kar-Wai y La ciénaga, de Lucrecia Martel. Esta es la lista de las mejores películas de Pedro Almodóvar (sin orden de preferencia)

56 directores del cine español han elegido las mejores películas del siglo XXI. Preguntados por elDiario.es, nombres como Pedro Almodóvar, Carla Simón, Isabel Coixet, OIiver Laxe o Alejandro Amenábar entre otros muchos, han hecho una lista libre en donde elegían aquellas películas que más les habían marcado de estos últimos 25 años, incluyendo también ese año 2000 que sirve de frontera para separar el nuevo milenio del viejo.

Una lista que aunque esté dominada por alguna película de EEUU contrasta con la que hace seis meses ofrecía el New York Times, en la que el cine anglosajón colonizaba todo. Nuestros directores ponen en valor otras cinematografías y otros directores. Así, cineastas como Lucrecia Martel o Béla Tarr aparecen en el top, mientras que no estaban en el del medio de EEUU.

Hay figuras que aparecen varias veces, entre ellos Pedro Almodóvar, el único director español en este top 25 que también deja unos datos interesantes sobre la forma de votar. Por ejemplo, las películas más votadas suelen ser de los primeros años del siglo, como si el paso del tiempo legitimara a las obras maestras. También queda claro que la llegada de directoras, y el que ellas voten, hace que aparezcan en las listas directoras como Alice Rohrwacher o Céline Sciamma. Son las mujeres las que ensalzan a otras directoras, mientras que los hombres suelen acordarse de otros directores. Este es el top de las 25 mejores películas del siglo XXI (al final de la lista podrás consultar el top de los 56 directores consultados)

25. 'La cinta blanca' (Michael Haneke, 2009)

Primera película de Michael Haneke que aparece en el top. La cinta blanca y ganó la Palma de Oro y optó al Oscar a la Mejor película internacional. Un retrato despiadado de la Alemania de entreguerras en un pequeño pueblo que sirve para explicar los inicios del nazismo y de lo que vendría después. Aterradora y con un blanco y negro helador.

24. 'Armonías de Werckmeister' (Béla Tarr, 2000)

Otro director con dos películas entre las mejores del siglo es Béla Tarr, auténtico pope del cine de autor más arriesgado que con Armonías de Werckmeister utiliza la excusa de una ballena que llega a un pueblo para hablar de la manipulación, el miedo al diferente y el racismo. Tarr consigue una película de una belleza plástica apabullante, pero con un mensaje que sigue siendo actual 25 años después.

23. 'El hilo invisible' (Paul Thomas Anderson, 2017)

Uno de los maestros del cine reciente de EEUU, Paul Thomas Anderson, consigue entrar con este filme que, dijeron, se basaba levemente en Balenciaga, pero que entre puntada y puntada convierte en una radiografía de las relaciones tóxicas con un Daniel Day-Lewis demostrando por qué es uno de los mejores actores de la historia.

22. '4 meses, 3 semanas, 2 días' (Cristian Mungiu, 2007)

El director rumano Cristian Mungiu sorprendió a todos en Cannes con este retrato del aborto clandestino en la Rumanía de Ceaucescu. Una película austera, rigurosa y heladora que tiene en el inolvidable rostro de Anamaria Marinca una de sus mejores bazas.

21. 'Yi Yi' (Edward Yang, 2000)

Edward Yang revolucionó el cine taiwanés y conquistó a todo el mundo con esta hermosa, delicada e íntima mirada a una familia de clase media de Taipei. La película conquista con sus planos largos y cuidados, y la delicadeza con la que habla de la familia como metáfora perfecta para hablar de una sociedad en cambio.

20. 'El caballo de Turín' (Béla Tarr, 2011)

Segunda película de Béla Tarr. Su obra maestra de despedida, con la que se retiró del largometraje y donde lleva hasta las últimas consecuencias su estilo insobornable de planos largos en blanco y negro y de un estilo casi pictórico. Su primera escena, un larguísimo plano secuencia con el viento azotando el carruaje y la música atronando pone los pelos de punta.

19. 'Las maravillas' (Alice Rohrwacher, 2014)

Primera mujer que aparece en la lista. Alice Rohrwacher es una de las figuras más refrescantes del cine europeo reciente, y aunque su estilo se haya consagrado después, fue esta joya la que le puso en el punto de mira de toda la cinefilia. Una película que ya sienta las bases de ese sello que la entronca con un neorrealismo mágico que bebe del Milargo en Milán de Vittorio Da Sica. Aquí es capaz de retratar con belleza y dignidad al campo, a la vez que criticar un mundo capitalista y el sensacionalismo de los reality shows televisivos.

18. 'Volver' (Pedro Almodóvar, 2006) 

Primera película de Pedro Almodóvar, único cineasta español que entra en el top 25, y lo hace de manera doble. Volver es una de sus películas más populares, con esa mezcla de humor cotidiano, melodrama desaforado y hasta un toque fantástico en ese regreso al pueblo tan emocionante. Ganó el premio al mejor guion en Cannes y para todas sus actrices. La Raimunda de Penélope Cruz es uno de los grandes personajes de la historia del cine y su frase final, “No me digas eso, Raimunda, que me pongo a llorar. Y los fantasmas no lloran”, antes de que suenen los acordes de Alberto Iglesias, que es historia del cine español.

17. 'Tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas' (Apichatpong Weerasethakul, 2010)

La Palma de Oro más radical en años (con un jurado en donde estaba Víctor Erice) fue la confirmación del director tailandés Apichatpong Weerasethakul, que usa el género fantástico para realizar una reflexión hipnótica y personalísima sobre la memoria íntima y la de todo su país. 

16. 'Petite Maman' (Céline Sciamma, 2021)

La llegada de Céline Sciamma al cine ha sido una revolución. Es una de las directoras que más ha influido en todas las mujeres de la industria, que citan su capacidad para romper la mirada masculina y acabar con los géneros que normalmente han estado colonizados por los hombres. Aquí realiza esa operación con la ciencia ficción, en donde sustituye la tecnología para ofrecer un viaje en el tiempo que sirve para hablar de la maternidad de la forma más sencilla y hermosa. Sin artificios. 

15. 'La zona de interés' (Jonathan Glazer, 2023) 

La película más reciente del ranking. Solo dos años ha necesitado Jonathan Glazer para convencer de que su mirada al Holocausto es una de las más brillantes que ha ofrecido el cine. Con su excelso trabajo de multicámara y un uso magistral del sonido consigue mostrar la asquerosa cotidianeidad de las familias nazis para que veamos que no eran el vecino de al lado, sino que éramos nosotros mismos. Ni un muerto, ni una escena truculenta, solo la sensación de que uno puede oler el humo del campo de concentración. 

14. 'Olvídate de mí' (Michel Gondry, 2004)

Michel Gondry consiguió plasmar en imágenes de forma sobresaliente el complejísimo guion de Charlie Kaufman, uno de los más brillantes del siglo XXI. ¿Borrarías los recuerdos de la persona que has amado una vez rompéis? Bajo esa premisa construyen una reflexión sobre el amor y los recuerdos que emociona hasta la lágrima sin recurrir a lugares comunes ni excesos dramáticos.

13. 'Un profeta' (Jacques Audiard, 2009)

Jacques Audiard sorprendió con este vibrante y afilado drama carcelario que se ha acabado convirtiendo en uno de los más influyentes del cine de las últimas décadas gracias a su pulso y su capacidad de generar tensión, a la vez que siendo tremendamente personal. Su adaptación en formato serie llegará en 2026.

12. 'El viaje de Chihiro' (Hayao Miyazaki, 2001) 

La única película de animación de la lista no es de Disney, ni de Pixar, sino del maestro japonés Hayao Miyazaki, que consiguió con esta película una obra maestra del cine animado. Original, tremendamente imaginativa y brillante además de hermosa. Una mirada a la infancia a través del imaginario fantástico tan propio del realizador japonés.

11. 'Toni Erdmann' (Maren Ade, 2016)

Una de las sorpresas del top es la presencia de la película de la directora Maren Ade, una de las comedias más peculiares y con corazón del cine reciente. Allí, mucho antes de que triunfara con Anatomía de una caída y La zona de interés, ya nos regalaba una interpretación maravillosa Sandra Huller como esa protagonista que aprende a disfrutar de la vida gracias a la irrupción de un peculiar padre con quien tiene una relación compleja. Una comedia tan tierna como diferente y arriesgada.

10. 'Retrato de una mujer en llamas' (Céline Sciamma, 2019)

Segunda película de la directora francesa y la que realmente la convierte en referente claro para toda una generación de cineastas. Sciamma destroza las normas de los dramas románticos históricos con esta historia de amor entre dos mujeres que demuestra que la erótica de una imagen está en el consentimiento y en cómo retrates el cuerpo de tus personajes. Una lección de puesta en escena ética y poética.

9. 'Under the Skin' (Jonathan Glazer, 2013)

Y otro director que cuela dos películas en el top 25 de las mejores del siglo. Jonathan Glazer dejó a todos con la cabeza del revés con una película con la que se jugó su carrera (estuvo mucho tiempo sin estrenarse en España). Una ciencia ficción que ofrece imágenes sorprendentes y desafía las normas del género para hablar del machismo y la violencia contra las mujeres con una Scarlett Johansson en su papel más arriesgado.

8. 'Hable con ella' (Pedro Almodóvar, 2003) 

Pedro Almodóvar no es solo el único director español en la lista, sino que tiene dos películas suyas en ella. Dentro del top ten consigue estar con Hable con ella, con la que logró un hito para el cine español, siendo el primer director en lograr el Oscar al Mejor guion original con esta hermosa historia sobre hombres que lloran, enfermeros que confunden sus sentimientos, toreras que sufren y todo con escenas para el recuerdo como un baile de Pina Bausch, el Cucurrucucú Paloma de Caetano Veloso o ese Amante Menguante que ya es historia del cine.

7. 'Amor' (Michael Haneke, 2012) 

Segunda película del director austriaco y la más hermosa que haya rodado (eso dentro de su habitual estilo). La historia de un matrimonio que se enfrenta a la enfermedad de ella es un bisturí en las relaciones, la enfermedad y la muerte que se plantea si el acto más cruel puede ser la muestra de amor más extrema. Emanuelle Riva y Jean-Luis Trintignant ofrecen dos interpretaciones para el recuerdo.

6. 'Los espigadores y la espigadora' (Agnès Varda, 2000)

Pionera y referente. La gran reivindicación de la única mujer de la Nouvelle Vague llegó tarde, pero la convirtió en todo un icono para la modernidad y el feminismo. Varda revolucionó la ficción, pero también la no ficción con películas como Los espigadores y la espigadora, que conseguía mirar a los ojos y dignificar a los trabajadores y comparaba a aquellos que recogían las espigas en el campo con los migrantes que vivían en las calles y a los que la derecha señala como el enemigo. Podría haber sido rodada ayer, porque mantiene intacta su fuerza y actualidad.

5. 'Nader y Simin, una separación' (Asghar Farhadi, 2011)

La película con la que muchos directores conocieron a uno de los cineastas iraníes más importantes del cine reciente. Farhadi construyó un tenso thriller dramático sobre un proceso de divorcio con el que mostraba las sombras de su país en una película donde todo funciona como un reloj, donde cada diálogo y cada encuadre son tan sólidos que cuesta creer que todo encaje tan bien.

4. 'La pianista' (Michael Haneke, 2001)

Sin duda Michael Haneke es el director más influyente de estos últimos 25 años para los directores españoles. Es el único que consigue meter tres películas en el top, y roza el podio con su película más popular, ese retrato brutal y despiadado que habla del deseo femenino desde lugares donde el cine pocas veces se había adentrado. Sus imágenes se clavan como astillas en el imaginario y uno nunca podrá olvidar la interpretación de Isabelle Huppert, actriz suicida como pocas, y la única que podría llevar a buen puerto un personaje tan antipático como real. 

3. 'La Ciénaga' (Lucrecia Martel, 2001)

La llegada de las nuevas directoras al cine ha hecho que se reivindique la figura de una cineasta fundamental de las últimas décadas como lo es la argentina Lucrecia Martel. Han sido las mujeres las que la han aupado a este tercer puesto y las que la definen como la maestra de todas ellas. Martel debutó en el largometraje con este devastador retrato de la clase burguesa argentina en una película audaz, original y que parece que cada fotograma sude y desprenda esa decadencia que la directora consigue imprimir con cada sonido y fotograma. 

2. 'Deseando amar' (Wong Kar-Wai, 2000)

Pocos directores tan influyentes y tan imitados como Wong Kar-Wai, que logró con Deseando amar su obra maestra. Una de las películas más bellas del cine reciente. Cada fotograma es una obra de arte donde fotografía, música y puesta en escena se dan la mano para provocar un síndrome de Stendhal constante. Una de las historias de amor más tristes y emocionantes del cine al ritmo de Siboney. Tony Leung y Maggie Cheung hicieron que sintiéramos en nuestras carnes su amor imposible.

1. 'Mulholland Drive' (David Lynch, 2001)

El año comenzó con el fallecimiento de David Lynch, y culmina con una de sus obras maestras como la mejor película del siglo XXI. Su Mulholland Drive condensa lo mejor de su cine, esa capacidad de hacernos creer que estamos dentro de un sueño, o de una pesadilla. Esta historia comenzó como un argumento para una serie y terminó siendo una de las miradas más despiadadas a la industria del cine, a la vez que una historia de amor más allá de la vida. Recuerden: No hay banda. No hay orquesta. Todo está grabado… Silencio.

La nueva película de Pedro Almodóvar, Amarga Navidad, ha estrenado su primer teaser tráiler. Un avance con muy pocos diálogos, sugerente, donde se pueden ya oír los acordes de la banda sonora de Alberto Iglesias y a un reparto que encabezan Bárbara Lennie, Victoria Luengo, Leonardo Sbaraglia, Patrick Criado, Aitana Sánchez Gijón y Milena Smit entre otros.

La película llegará a las salas de cine de la mano de Warner el próximo 20 de marzo, una fecha muy querida por el cineasta. Es ahí donde normalmente estrenaba sus filmes antes de acudir a Cannes. Habrá que esperar para saber si Amarga Navidad repite esa misma estrategia. Almodóvar rueda de nuevo en español tras su primera experiencia en inglés, La habitación de al lado, con la que ganó el León de Oro en Venecia.

La película cuenta la historia de Elsa, una directora de publicidad cuya madre muere durante un largo puente del mes de diciembre. “Encuentra refugio en el trabajo, aunque es más bien una huida hacia adelante. Trabaja sin parar y, sin darse cuenta, no se concede el tiempo necesario para guardar el duelo por la ausencia materna. Hasta que una crisis de pánico la obliga a detenerse e imponerse un descanso. Su pareja, Bonifacio, es su tabla de salvación en esos momentos de crisis. Elsa decide viajar a la isla de Lanzarote acompañada por su amiga Patricia, que también necesita alejarse de Madrid, mientras que Bonifacio se queda en la ciudad”, dice la sinopsis oficial.

Además, la historia de estos personajes se narrará paralelamente a la del guionista y director de cine Raúl Durán, “entremezclando ficción y realidad”. “Porque Amarga Navidad desarrolla cómo la vida y la ficción están unidas de un modo indisoluble, incluso doloroso en ocasiones”, dicen del tema central de esta historia.

El Festival de Cine de San Sebastián nunca había dado su premio de honor, el Donostia, a una productora. En sus 73 ediciones solo intérpretes y cineastas habían recibido el galardón hasta que este año una mujer ha roto esa barrera. Se trata de Esther García, la gran productora del cine español, y en su carrera es solo una barrera más que rompe esta pionera que demostró que una mujer podía producir en una industria de hombres. Lo hizo, primero, como secretaria, ayudante o jefa de producción en películas como Pim, pam, pum… ¡Fuego! (Pedro Olea, 1975) o El año de las luces (Fernando Trueba, 1986).

Pero fue con su entrada ese mismo año en El Deseo, la empresa creada por Pedro Almodóvar y su hermano Agustín, cuando Esther García empieza a desplegar su talento. Gracias a ella se produjo un cine que en España, marcada entonces por la llamada Ley Miró, no se hacía. No solo fue la mano derecha en la producción de todos los títulos de Almodóvar, sino que desde El Deseo comenzaron a buscar el talento que nacía en nuestro país y en Latinoamérica para también levantar esos proyectos.

Álex de la Iglesia, Lucrecia Martel, Isabel Coixet, Guillermo del Toro, Oliver Laxe… todos ellos han sido producidos por Esther García, que poco antes de recoger su premio Donostia de la mano de los hermanos Almodóvar visitaba la redacción de elDiario.es para repasar su carrera a través de cinco películas elegidas por ella misma. 

'Acción Mutante' (Álex de la Iglesia, 1993)

“¡Fue increíble!”. Es lo primero que acierta a decir Esther García cuando ve el tráiler de la película de Álex de la Iglesia. Su debut en el largometraje llega en un momento en el que El Deseo estaba buscando “gente talentosa”. “Fue Paz Sufrategui, que entonces estaba en El Deseo, quien nos enseñó Mirindas Asesinas, el corto de Álex, y nos pareció que tenía mucho talento y le contactamos porque sabíamos que estaba trabajando en algo, que por aquel entonces era un corto”, rememora Esther García.

Cuando les llevó el guion no dieron crédito. “Me divertí mucho. Tenía alguna reticencia por el trato a las mujeres, pero entendido desde la locura que era la película creí que se podía aceptar”, cuenta. Lo que tiene claro es que “en España una película así no se había hecho nunca”. “No solo por la ciencia ficción, que no había tradición, sino también por lo que había que construir, de hecho trabajamos con Emilio Ruiz del Río, el maquetista de Dune, la de David Lynch”, comenta García. Una película con la que “cambia el punto de vista de lo que podía hacerse en España” y que “abre una caja que estaba cerrada y constreñía las historias que contábamos”, dice Esther García de la que considera “la película más difícil que ha hecho”.

'El espinazo del diablo' (Guillermo del Toro, 2001)

Mucho antes de La forma del agua e incluso de El laberinto del Fauno, en El Deseo ya habían olido el talento de Guillermo del Toro gracias a su debut, Cronos (1992). Los hermanos Almodóvar y Esther García le conocieron en el Festival de Guadalajara, en un momento muy delicado, ya que el padre del director estaba secuestrado. Le dijeron que cuando quisiera, les llevara una historia que quisiera rodar. “Le dijimos que estaba en nuestro radar, y que si quería contara con nuestro apoyo. Él tomó el guante, vino y fue un proceso precioso”, cuenta la productora de un guion que le encantó desde el primer momento.

Otro rodaje complicado, “muchos niños, efectos especiales, un fantasma, agua, Marisa Paredes con una pierna falsa…”, pero ayudaba que Guillermo del Toro siempre tenía todo muy claro, algo que “simplifica mucho las cosas”. Para Esther García esta película tiene un componente emocional muy importante: “A partir de aquí me planteé que era algo más que una directora de producción, que era alguien que tenía la capacidad de hacer producción ejecutiva ofreciendo ideas y cambios para mejorar el guion y la propuesta. Hasta ese momento no había tenido el crédito de productora ejecutiva”.

'Mi vida sin mí' (Isabel Coixet, 2003)

“Es imposible no emocionarse”, dice Esther García con los ojos vidriosos. Con Coixet le une una relación de amistad que comenzó en esta película que produjo. Define a la directora como una “maestra en tocar emociones” y subraya la gran implicación de todos los actores porque estaban “convencidos de que era una historia preciosa”. Ver ahora el casting impresiona. La mítica Debbie Harry, Amanda Plummer, María de Medeiros, Sarah Polley y un Mark Ruffalo que empezaba a despuntar en Hollywood. 

Otra película “dificilísima”. En esta ocasión porque rodaban en Canadá y estaba la barrera del idioma de unas formas de rodar que no eran las que se llevaban en España. “Tuvimos que adoptar un sistema de rodaje al que no estábamos acostumbrados. Nunca habíamos trabajado con esos camiones, ni con esos sindicatos”, apunta. Pero muchas de aquellas novedades acabaron implementándolas en los rodajes españoles. 

Con Coixet han rodado otras dos películas, pero muchas otras no, y esto es una de las claves de El Deseo. Nunca ruedan dos películas a la vez: “Todas las que hacemos tienen una vocación de trascender. De pasar a la historia como una obra de arte. Otra cosa es que lo consigamos. Y ese proceso requiero hacerlo con unos tiempos concretos y con mucha dedicación. En El Deseo no somos una factoría, somos una productora que hacemos películas con cuidado, amor y energía”.

'La habitación de al lado' (Pedro Almodóvar, 2024)

Es curioso que, a pesar de haber trabajado en numerosas películas de Pedro Almodóvar como productora, Esther García haya elegido la última. El motivo es, simplemente, que es una película que la emociona muchísimo porque trata “un tema necesario como la eutanasia que merece ser puesto sobre la mesa en una sociedad tan envejecida como la europea”. Por eso destaca el gesto “valiente” de su amigo y compañero, lo que muestra “que es alguien muy preocupado por el mundo en el que vive”. 

Su primer recuerdo del filme están unidos a la pandemia, y es que por la huelga de actores casi no se puede hacer. La película cumplía todos los requisitos para que les dieran el visto bueno del sindicato, pero estaban tan saturados de peticiones que no se podían poner en contacto con ellos. Esther García pensó que la película se iba al traste cuando Julianne Moore desatascó la situación.

Describe a la actriz y a Tilda Swinton como “dos mujeres excepcionales”. “Cuando una piensa en un actor americano en un proyecto pequeño cree que todo van a ser pegas y peticiones imposibles. Sí, piden cosas a las que no estamos acostumbrados, pero nada que esté lejos de lo que se puede dar para que la película sea posible y estén cómodas y dándolo todo, porque en esta película lo dan todo”, zanja. La primera película en inglés de Pedro Almodóvar y también la última con ella como productora antes de su jubilación. 

'Sirat' (Oliver Laxe, 2025)

La última que ha elegido Esther García es la última de su carrera antes de su jubilación. Y está contenta de que esta sea la que pone la guinda, porque tiene la convicción de que la película de Laxe —que representará a España en los Oscar— “ha llegado a los espectadores y les ha dado un latigazo que les ha hecho mirar de otra forma”.

Otra producción complicada, con un casting de más de un año que fue de rave en rave buscando a los protagonistas y un proceso de localización arduo. Para García esta película le ha hecho conocer también a este colectivo que “vive al margen porque quieren, que creen que este mundo se va a hundir, pero no se rinden”. “Son especiales”, dice de ellos y cuenta cómo ha surgido una conexión especial con Steph y la reacción de la ravera cuando se vio en medio de la alfombra roja de Cannes: “Era un cambio radical respecto a la vida que llevan y a sus convicciones. Ella es una mujer extraordinaria que vive como predica, y decía que aquello era una locura. Estaba en desacuerdo con esa forma de vivir, pero también lo estaba asumiendo con la responsabilidad de estar ahí”.

Entrevista completa

Adrián Torrano

El cineasta Pedro Almodóvar ha publicado un vídeo a través de su productora El Deseo para apoyar una vez más a Palestina y denunciar el genocidio en Gaza. Lo ha hecho como parte de la campaña #AccionesYa, que forma parte de un serial en el que más artistas lanzan preguntas al gobierno sobre el genocidio, pidiendo que suspenda relaciones con Israel e imponga un embargo integral. Entre ellos, Aitana Sánchez-Gijón, Adriana Ugarte, Tristan Ulloa, Luis Tosar, Sara Salamo, Juan Diego Botto, Carlos Bardem, Ana Wagener, Miguel Ríos, Marta Nieto, Luis Zahera, Ana Fernandez, Omar Ayuso, Malena Alterio o Joaquim Reyes.

“Pido a nuestro Gobierno que rompa relaciones diplomáticas, comerciales y de todo tipo con el Estado de Israel en repulsa por el genocidio que está llevando a cabo con el pueblo gazatí a los ojos del mundo entero”, ha declarado Almodóvar en el vídeo compartido en Instagram. “También le pido a nuestro presidente que trate de convencer a todos nuestros aliados europeos para hacer lo mismo y que se unan a esta repulsa”, ha añadido.

El director de cine ha animado a la gente a sumarse a la iniciativa: “Si tú también tienes una pregunta o petición que hacer, grábate, usa el hashtag #AccionesYa y etiqueta a @artistasconpalestina”. Anteriormente, en junio, Almodóvar fue uno de los 1.800 nombres de la cultura que firmó por la paz en Gaza. “Hacemos una llamada urgente”, declararon en aquel momento personalidades como Rosa Montero o los hermanos Bardem. Además, el cineasta ya firmó otra petición en octubre pidiendo un embargo integral de armas.

Protestas en Venecia

La catástrofe humanitaria que está dejando el genocidio también ha llegado hasta el Festival de Cine de Venecia, que da el pistoletazo de salida este miércoles. Un amplio grupo de organizaciones culturales y activistas italianas e internacionales han anunciado su intención de utilizar la plataforma del festival para protestar contra Israel. Lo han hecho desvelando una pancarta con el lema “Palestina Libre” antes de la ceremonia inaugural, frente a la famosa alfombra roja por la que desfilarán diferentes actores, directores y productores.

Como recoge el medio especializado The Hollywood Reporter, un par de docenas de activistas ondearon banderas palestinas y desplegaron una pancarta que decía “Palestina libre. Alto al genocidio”. El grupo se manifestó gritando lemas como “Palestina libre” y “Alto al genocidio” antes de que los portavoces se dirigieran a la prensa que estaba allí reunida para dar inicio a lo que había sido anunciado como una conferencia de prensa, durante la cual pretendían revelar sus planes para el festival.

Entre las organizaciones que apoyan la protesta se encuentran, como indica el medio estadounidense, sindicatos, grupos antirracistas y feministas, colectivos estudiantiles, activistas ambientales, asociaciones religiosas y pacifistas, y organizaciones culturales, políticas y comunitarias locales de toda Italia, junto con grupos comunitarios palestinos, ONGs como Emergency y Mediterranea Saving Humans, y redes internacionales como Extinction Rebellion y Refugees Welcome.

En la primera rueda de prensa del Festival, la que da los presidentes de los diferentes jurados, se preguntó de forma frontal al presidente de la Sección Oficial del jurado, el director Alexander Payne, si la industria del cine debe tomar partido y condenar las atrocidades cometidas por Israel en Gaza como pide la carta de Venice4Palestine. Payne tiró balones fuera y aseguró no estar preparado para responder. “No me siento preparado para esa pregunta. Yo he venido aquí a hablar de las películas. De cine. Me gustaria pensar más en ello para dar una respuesta medida”, aseguró.

Da la impresión de que Paco Clavel siempre ha estado ahí. Sea como invitado estrella en programas de televisión, como locutor radiofónico a la busca y captura de singles del pasado o como una presencia ubicua en el rastro de Madrid, el inconfundible cantante y showman ha acompañado los vaivenes de la cultura española desde un momento que cuesta precisar. Ahora, el libro 'Paco Clavel: vida y milagros', firmado por Carlos H. Vázquez, repasa la trayectoria profesional de este jienense criado en Valdepeñas.

“Suelo tomarme la vida de manera positiva, siempre he tratado de que la gente se divierta conmigo, también de que piense”, arranca el polifacético Clavel, ataviado con una camisa que reproduce un catálogo de helados; “tanto en mi vertiente pop como en el cabaré he procurado que el público disfrute”. La música pop y el espectáculo cabaretero se mezclan al cincuenta por ciento en su carrera, junto a la conciencia de que “el artista lo que hace es comunicar, sea en el género que sea”.

Confiesa que la música ha estado siempre en su vida, “de hecho soy muy cantarín, siempre estoy cantando”. Nacido en Iznatoraf, provincia de Jaén, muy pronto se mudó con su familia a Valdepeñas, donde “había una tuna coro en la que fui la prima voz, porque afinaba bien. Las canciones se me quedaban, canturreaba, pero no pretendía dedicarme al espectáculo, el grupo era un divertimento”.

Eran los tiempos del crucifijo y la mantilla impuestos por el franquismo: “Tuve una niñez muy eclesiástica, por eso siempre llevo medallas. Soy ateo, pero la iconografía de la religión me parece muy divertida: esas vírgenes que parecen travestis, esas imágenes”. En los pueblos, recuerda, como había “tanta necesidad, el glamour estaba reservado a las iglesias. Es donde había obras de arte, un vestuario más especial. Menudas casullas llevaban”.

Tuve una niñez muy eclesiástica, por eso siempre llevo medallas. Soy ateo, pero la iconografía de la religión me parece muy divertida

Tras estudiar en Ciudad Real, Francisco Miñarro López --nombre real del cantante-- se mudó a Londres, donde descubrió “la cultura que había entonces, tan divertida: Carnaby Street, los grupos post-Beatles. Todo eso mientras en España era gris marengo”. Con los conocimientos adquiridos, volvió al país para instalarse en Madrid y ejercer como profesor de inglés. “Estuve en varios colegios y tuve alumnos como Lucía Etxebarria, y también los hijos de Carmen Flores”.

Es en ese momento, en los albores de lo que se acabaría conociendo como movida madrileña, cuando surge Paco Clavel: “Empecé a relacionarme con gente que estaba en un coro que cantaba canciones revolucionarias por los barrios, y ahí conocí al gran chico de mi vida, Luis del Campo, que murió hace unos años”. Junto a Del Campo recorrió la ciudad de punta a punta animando el cotarro. “Éramos unos gamberros que se divertían con la música, actuando en sitios muy pequeños. Pero a la gente le gustaba, me entusiasmé y ya me planteé vivir de la música”.

Bajo el nombre de Bob Destiny & Clavel i Jazmín, que al tiempo acortaron a Clavel i Jazmín, la pareja empezó a sonar más y más por los modernos ambientes de la capital. “A la gente le hacía gracia lo que hacíamos, que era en buena medida adaptar canciones de los sesenta y algunas de los setenta, trasladándolas a nuestro modo”.

De ahí surgió la oportunidad de grabar su primer disco. “En La vía láctea, el mítico local de Malasaña, trabajaba Yayo Aparicio, que ya falleció, y nos financió el primer disco, que incluía 'El twist del autobús'”. Ese primer trabajo lo escucharon algunos directivos de a compañía CBS, que ofrecieron un contrato al grupo, al que editó el larga duración 'Reina por un día'. “Todo esto lo hacíamos sin pensamiento de ser famosos ni de nada, hacíamos lo que nos divertía”, recuerda.

Cualquiera que haya visto a Paco Clavel sabe que su ecléctica indumentaria es parte fundamental de su propuesta. “Mi imagen surgió de manera espontánea, de hecho las primeras alzas las encontré en la basura, por la Ronda de Segovia”. Clavel las pintó de plateado y recorrió Madrid con ellas. “También me hacía camisetas con flecos, lo que se me ocurría. Era un tiempo muy aperturista, porque veníamos de una dictadura aburrida y feroz, y la gente tenía ganas de divertirse”.

Con su disco bajo el brazo, Clavel se convirtió en una presencia habitual en la televisión, donde no ha dejado de aparecer. Ha intervenido como invitado en recordados formatos como 'La clave' o 'Con las manos en la masa' y ha cantado junto a Alaska, Pedro Almodóvar, Fabio McNamara o Nacho Cano.

En la radio, medio al que sigue ligado a través de la conducción de numerosos programas musicales, explota su ingente colección de vinilos: “Siempre he sido muy aficionado a la radio, a los programas musicales. Fui comprando discos, comprando y comprando, y ahora no tengo dónde meterlos. Es un vicio, pero un vicio divertido”.

Es también el creador de dos distintivos estilos musicales: El cutrelux y el guarripop. “El cutrelux es mezclar lo cotidiano con el glamour”, explica, “el mejor ejemplo es la chaqueta que tengo hecha entera con sopas Knorr. Coger esas cosas que pueden ser basura y combinarlas con algo glamuroso es la esencia del cutrelux”. En cuanto al guarripop, “pues la misma palabra lo define, ¿no?”, sentencia divertido.

Clavel sigue al día de las novedades de la música, aunque se lamenta de que “ahora hay tanta información, tantas novedades todo el rato, que las canciones tienen que gustarte mucho mucho para que les prestes atención”. Con todo, no le faltan proyectos y nuevas apariciones a este inconfundible showman, que sigue recorriendo España pinchando sus temas favoritos en fiestas y festivales.

Preguntado como conclusión con qué se queda de su carrera, Paco Clavel no lo duda. “Lo mejor ha sido haber conocido a la persona con la que he compartido la vida, Luis del Campo. Gracias a él entré en la música. Me quedo con él”.

Cien personalidades de izquierdas de la política, la cultura, los medios de comunicación o el mundo jurídico han firmado un manifiesto para apoyar la continuidad del Gobierno y reclamar la puesta en marcha de un programa “actualizado” de medidas “contundentes y concretas” contra la corrupción que, al mismo tiempo, ponga por delante los “avances sociales” y “derechos civiles” para mejorar la vida de la ciudadanía.

Con el lema “Por los avances en derechos sociales y políticos y contra los intentos de involución”, el documento ha sido firmado por el cineasta Pedro Almodóvar, los cantantes Ana Belén, Joan Manuel Serrat, Víctor Manuel o Miguel Ríos, así como la actriz Loles León, entre otros.

Además, han secundado este documento el exministro y expresidente de la Junta de Andalucía, Manuel Chaves; el expresidente de la Generalitat José Montilla; o los exministros socialistas Leire Pajín, Magdalena Álvarez, Carmen Montón, Juan Fernando López Aguilar, Joan Clos, Manuel Castells o Jesús Caldera. En el listado aparece además el poeta Luis García Montero o la escritora Rosa Montero, entre otros.

Ven “inadmisible” que caiga el Gobierno antes de un juicio

El texto reconoce que los “supuestos delitos” asociados al 'caso Cerdán' de presunta corrupción, en el que están implicados los exsecretarios de Organización del PSOE Santos Cerdán y José Luis Ábalos son “graves” y “denotan crasos errores” en la elección de los cargos y la vigilancia de sus labores.

“Sin embargo, es inadmisible que un Gobierno, democráticamente elegido, caiga por un informe de la Guardia Civil, antes de celebrarse un juicio con todas las garantías en el que se acreditase la responsabilidad de la presidencia o del partido afectado”, arguyen.

Inciden en que la caída del Gobierno “sólo es posible por el éxito de una moción de censura o la celebración de elecciones”, dos supuestos que, hasta ahora, no se han dado. “Pretender acortar la legislatura por otros métodos supondría un golpe inconstitucional. Aquellos que solicitan que se celebren ya elecciones, sean de derechas o de izquierdas, lo único que desean es que llegue un gobierno de las derechas PP-Vox”, agregan.

“El ataque, desde todos los frentes conservadores y reaccionarios, al Gobierno de coalición progresista y su presidente se asemeja más a una conspiración para derribar a un gobierno legítimo que a la crítica política propia en un sistema democrático”, esgrime el texto, que critica la “descalificación” de las “derechas” por haber “puesto en cuestión el resultado electoral” como hicieron, en el pasado, los presidentes Donald Trump y Jair Bolsonaro.

Contra los ataques migrantes y la vandalización de sedes políticas

Observan, al mismo tiempo, que “las incriminaciones y calumnias” han alcanzado “niveles desconocidos en los parlamentos europeos”, con el uso de términos como “gobierno criminal, mafioso, capo de la mafia o gobierno de corruptos”.

“Los ataques a las personas migrantes y la vandalización de las sedes de partidos de izquierda recuerdan a las agresiones fascistas de épocas pasadas”, recriminan, a la vez que afirman que el Senado se utiliza como “ariete” con comisiones de investigación que “sólo pretenden incriminar al Gobierno”.

También ponen de manifiesto las concentraciones y huelgas del poder judicial contra “leyes del Congreso que no les gustan”, como la reforma de la justicia o la amnistía. Unas protestas que, dicen, se enmarcan “fuera de la legalidad”.

“Jueces y magistrados abren prolongadas investigaciones, con endebles bases probatorias, mientras la oposición deslegitima al Tribunal Constitucional porque no comparte la sentencia sobre la amnistía. Una parte muy importante de los medios de comunicación y redes sociales han desatado una orgía de falsas noticias o medias verdades con el fin de crear un clima político irrespirable, que no se corresponde con la situación del país”, añaden.

Al mismo tiempo, subrayan que los “avances” del Gobierno en materia económica y social “se ocultan por sistema” o se informa de ellos “sesgadamente”.

La elaboración de listas de recomendaciones, de una cosa o de otra, está más a la orden del día en el contenido de redes sociales y el cine no escapa de ello. Debido al haber llegado a este 2025, The New York Times ha llevado a cabo un proyecto en el que a través de una encuesta dirigida a más de 5000 profesionales de la industria ha seleccionado las 100 mejores películas de la historia del siglo XXI.

Una lista que se ha ido publicando en el medio estadounidense de diez en diez hasta revelarla al completo el pasado viernes con un puesto número uno que ha ido a parar a Parásitos del director Bong Joon Ho, estrenada en 2019, que ha superado a Mulholland Drive del fallecido director David Lynch.

En esta lista de 100 películas destacadas ha habido lugar para una producción española, en concreto ha sido Volver, de Pedro Almodóvar, que ocupa el puesto 80 de las mejores de las cintas del siglo XXI y que desde el medio destacan que ha sido una de las votadas por la actriz Pamela Anderson.

'Volver' de Pedro Almodóvar, entre las mejores películas del siglo XXI

Al revelarse en la posición 80, The New York Times destaca de la película de Pedro Almódovar la “electrizante actuación de Penélope Cruz” y la relación entre “varias generaciones de mujeres que muestran determinación mientras navegan por obstáculo tras obstáculo, en una obra empoderadora, repleta de belleza y pasión, salpicada de una pizca de realismo mágico que abre su narrativa a nuevos reinos”.

Volver fue una de las diez películas más taquilleras de los cines en España en 2006, la segunda nacional por detrás de Alatriste, con una recaudación de más de 10 millones de euros, y la más exitosa a nivel de premios, con una nominación a premio Oscar a mejor actriz para Penélope Cruz, así como dos nominaciones a los Globos de oro, a mejor actriz en drama y en película de habla no inglesa, aunque sería en los Premios Goya de ese año donde más triunfaría con 5 galardones, incluyendo mejor película, director y actriz, al igual que también ganaría 5 en los Premios del Cine Europeo.

El éxito del elenco femenino y de Penélope Cruz

Volver fue todo un éxito en la carrera de Penélope Cruz, al darle la distinción de ser la primera española en estar nominada al Oscar por mejor actriz protagonista, en un papel, el de Raimunda, para el que la madrileña contó que se inspiró en Sophia Loren.

Con las peticiones de Pedro Almodóvar de exagerar el acento, y evocar un estilo sensual y maternal, Penélope Cruz encontró en la mítica actriz italiana un espejo donde emularlo y lograrlo, en una cinta que fue un homenaje a las mujeres manchegas, del pueblo, que el director conoció de pequeño.

Uno de los detalles más curiosos de Volver de Pedro Almodóvar fue el hecho de que obtuvo una distinción inusual en el Festival de Cannes de 2006, al dar a todo su elenco femenino el premio a mejor interpretación femenina, un reparto que incluía a Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo y Chus Lampreave.

El top 20 de las 100 mejores películas del siglo XXI según The New York Times

El cine español está de luto este 17 de junio con el fallecimiento de Manolo Zarzo a los 93 años con una vida dedicada a las películas y la televisión, y una profesión, la de actor, que no dejó hasta los últimos días. Con una destacada trayectoria, fue dirigido por grandes como Mario Camus, Carlos Saura, e incluso participó en los llamados spaghetti western, para luego interpretar papeles en icónicas series.

Manuel Zarzo nació el 26 de abril de 1932 en el barrio de las Ventas de Madrid en el seno de una familia obrera y siendo el menor de ocho hermanos. Comenzó temprano en la interpretación, y a los 16 años recorrió España con una compañía de teatro juvenil, siendo su debut en el cine con la película Día tras día en 1951, dirigido por Antonio del Amo y desde el que creó una trayectoria de lujo

Los Santos Inocentes (1984)

Uno de sus papeles más destacados y recordados es el del doctor Don Manuel en la película Los Santos Inocentes, dirigida por Mario Camus y basada en la novela homónima de Miguel Delibes. En ella coincidió con Alfredo Landa y Francisco Rabal, en un largometraje cuya trama gira en torno a los trabajadores sin tierra que tienen que sobrevivir en una finca aristocrática de Extremadura en la década de los 60.

La Colmena (1982)

Dos años antes también había participado Manolo Zarzo en otra película mítica del cine español, también dirigida por Mario Camus, La Colmena, adaptación en este caso de la novela de Camilo José Cela que se basa en la Madrid de la posguerra, entorno al año 1942. En ella interpretó al gerente del café Consorcio López, y se rodeó de estrellas como José Sacristán, Victoria Abril, Ana Belén, José Luis López Vázquez o Francisco Rabal, con quien coincidiría también en Los Santos Inocentes.

Los Golfos (1960)

Pero una de las primeras películas más destacadas de la filmografía de Manuel Zarzo es Los Golfos, un trabajo de Carlos Saura en la que fue uno de los pocos actores profesionales, pero que fue estrenada mundialmente en el Festival de Cannes, donde estuvo nominada a la Palma de Oro a mejor película, que recaería al final en La dolce vita de Federico Fellini, pero que en España no se vería hasta dos años después debido a la censura.

En ella interpretaba a Julián, uno de los seis jóvenes que sobreviven en los arrabales de Madrid y que comete pequeños robos para poder pagar el debut como torero de su amigo Juan, que persigue este sueño.

Entre Tinieblas (1983)

Otro de los largometrajes destacados en los que participó Manolo Zarzo fue Entre tinieblas, donde fue dirigido por Pedro Almodóvar en papel de sacerdote, al ser una película que se adentra en el mundo de la religión y su relación con la realidad de la España de la década de los 80. En ella coincidió con su hija Flavia, que también se dedicó a la interpretación, y actrices como Marisa Paredes, Carmen Maura.

El demonio de los celos (1970)

Una de las partes más interesantes de la filmografía de Manuel Zarzo es su participación en el cine internacional, como el spaghetti western, con películas rodadas en Almería, y donde destaca por ejemplo El demonio de los celos, en versión original llamada Dramma della gelosia (tutti i particolari in cronaca).

En ella coincidió en cartel con Monica Vitti y Marcello Mastroianni, quien ganaría el premio de Mejor actor en Festival de Cannes con este filme, dirigido por Ettore Scola. Manolo Zarzo interpretó a Ughetto y también coincidía con otro actor español como Juan Diego.

Destacados papeles en televisión

Pero si Zarzo es en parte una cara conocida para la audiencia española es por haber participado en icónicas ficciones de la televisión, como Fortunata y Jacinta (1980), donde interpretó a Segismundo Ballester, Juncal (1989), Compañeros (1998) como Tomás Alberti, La verdad de Laura (2002), y con pequeños papeles en Curro Jiménez, Hospital Central, Aquí no hay quien viva o Amar es para siempre.

Cuando Pedro Almodóvar dirigió su primera película en 1980, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, Los Javis no habían nacido. Javier Ambrossi lo haría cuatro años después, cuando el cineasta ya habría estrenado otras dos obras, Laberinto de pasiones y Entre Tinieblas y estaba a punto de hacerlo con ¿Qué he hecho yo para merecer esto? Javier Calvo nacería otros siete años más tarde, en 1991, con Almodóvar ya convertido en un icono internacional gracias al éxito de Mujeres al borde de un ataque de nervios en 1988, por la que obtuvo ya su primera nominación al Oscar.

Sin embargo, hay algo en Los Javis, en la forma en la que han sabido captar el hablar de la calle, en su frescura o en su capacidad para mezclar géneros sin prejuicios, que ha hecho que desde sus primeros trabajos les compararan con él. Ellos nunca se han cansado de repetir que si hay un nombre que les haya influido es, por supuesto, Almodóvar. Lo demostraron hasta con la gala de los Goya que presentaron, donde coincidiendo con los 25 años del triunfo de Todo sobre mi madre recrearon una de sus míticas escenas y consiguieron que el propio Almodóvar subiera al escenario a participar en él.

Aquel homenaje fue uno de los gérmenes de Pedro x Javis, el especial sobre el director de obras maestras como Volver o Dolor y Gloria que Javier Calvo y Javier Ambrossi han dirigido y pensado y que se podrá ver en Movistar Plus+ desde el 19 de junio. El otro fue más peculiar. En enero del año pasado, Los Javis celebraron el éxito de La Mesías con una fiesta especial llena de actuaciones que recreaban escenas de la película y a la que acudió Pedro Almodóvar. Esa fiesta tenía mucho ya de homenaje a las que celebrara el manchego tras cada uno de sus estrenos, donde se realizaban performances, se cantaban canciones y se bailaba en algo que formaba pare de la propia promoción del estreno.

Fue allí donde se forjó una relación que ya no era solo de admiración y respeto, sino de amistad, y donde los Javis comenzaron a pensar que aunque se había hablado mucho de Almodóvar, nadie le había hecho un “homenaje al mejor director de España”. Decidieron ponerse manos a la obra. “No había nada que explorara su cine a fondo, que homenajeara a una leyenda viva. Y teníamos muchas cosas que preguntarle”, decía Javier Calvo en una pequeña presentación para la prensa que realizaron antes de proyectar por primera vez Pedro x Javis.

Finalmente, han sido tres episodios, aunque su idea inicial era realizar uno por cada película del director. Su ambición desmedida se redujo a esos tres capítulos que están articulados en torno a varios de los temas fundamentales del cine de Almodóvar. El primero es 'Amigas y Madres', el segundo 'Ley y Deseo'; y el tercero 'Muerte y Cine'. La idea del especial era, también “revivir el espíritu de la edad de oro de la televisión” y poner en valor “el silencio y la reflexión”. Por ello se pusieron como norma que no hubiera preguntas impostadas y que, obligatoriamente, todo “respirara mucho amor”.

Ese amor se nota en el cuidado que ponen a un proyecto que más que un mero documental acaba siendo un proyecto de los Javis, con todo el despliegue que les caracteriza. Aunque son tres conversaciones con Almodóvar lo que sirve de hilo conductor de los tres episodios —que giran en torno a los temas ya comentados—, Calvo y Ambrossi deciden mostrar las bambalinas de la realización, con ellos y sus guionistas (Brays Efe y Paloma Rando) nerviosos y preparando esas entrevistas.

También apuestan por homenajear al cine de Almodóvar. Para ello todos los invitados recrean frases de sus filmes. Algunas son las mismas actrices que ya las dijeron, como Loles León, que vuelve a decir algunas de sus líneas a las órdenes del cineasta. Pero también pasan por allí los mismos Javis, Raul Refree u otros invitados (Antonio Banderas y Penélope Cruz incluidos). Para completar la propuesta han apostado por recrear en directo números musicales de las películas de Almodóvar.

Así, Nathy Peluso cantará Teatro, de La Lupe, en una recreación de la terraza de Mujeres al borde de un ataque de nervios y, en uno de los momentos más hermosos, Luz Casal interpreta Piensa en mí delante de Loles León, Bibiana Fernández y Rossy de Palma, las chicas Almodóvar que se agarran de la mano mientras escuchan el precioso homenaje a Marisa Paredes pergeñado por los directores.

Pero el verdadero motor de todo es Almodóvar contando su carrera casi desde sus inicios, desde esa primera cámara de Súper 8 que se compró con su primer sueldo en la Telefónica, sus cortos y ese encuentro con Carmen Maura que supuso el principio de sus colaboraciones. Ese Erecciones generales que mutó para ser aquella Pepi, Luci, Bom que puso el cine español del revés. También habla de los prejuicios a los que se enfrentó en sus comienzos. Era el joven gracioso e irreverente, pero nadie pensaba que iba a lograr todo lo que luego consiguió con sus filmes, que le han colocado en un pionero en la representación de lo queer y en revolucionar un género como el melodrama para llevarlo a terrenos nuevos y sorprendentes.

Cuenta cómo apunta en una libreta las cosas que le llaman la atención y cómo en torno a ellas crea pequeñas historias que, a veces, se convierten en películas. Ahora le ha llamado la atención dos fenómenos recientes, el Onlyfans y los fan fictions, las historias que los fans escriben de sus personajes famosos imaginando tramas paralelas a las que cuentan las novelas o creaciones oficiales.

Uno de los momentos más emotivos es el repaso a las madres que pueblan su cine y, especialmente, las que dio vida una Chus Lampreave que, como confiesa Almodóvar, siempre fue una encarnación de su propia madre, que también aparece en varios cameos en sus filmes. “Lo hacía por el dinero”, dice entre risas el director recordando aquellas apariciones y explicando que uno de los momentos más emotivos de su cine, el final de La flor de mi secreto, cuando Lampreave le recita una poesía a Marisa Paredes, fue improvisado. En el último momento Almodóvar se acordó de la poesía que su madre le leía de niño y le dijo a la actriz que si podía recitarla. Forraron los asientos con los versos, y Chus, con sus gafas de sol, dejó un momento para el recuerdo. Uno más en la filmografía de Almodóvar.

10 años no son nada, pero dejan mucho. Prueba de ello es la trayectoria de Cibeles de Cine, que cumple una década en Madrid volviendo a regalar una programación variada que le sitúa como una referencia en las pantallas veraniegas de la capital. Este año no será menos, y volverá a concentrar grandes estrenos y clásicos imperecederos en la Galería de Cristal, junto a la sede del Consistorio de la capital.

Será del jueves 26 de junio al jueves 11 de septiembre, cada día salvo el 5 de julio. Este evento cinematográfico, cita imprescindible para las noches de verano de la capital, está organizado por CentroCentro e ideado y producido por la compañía mk2. Durante 12 semanas, los espectadores podrán disfrutar de una programación muy especial, pensada para todos los públicos y compuesta por más de 70 títulos.

Dentro de la programación de esta décima edición de Cibeles de Cine se han seleccionado desde los grandes éxitos de taquilla de la temporada (Anora, Wicked, Los pecadores, The Brutalist, Emilia Pérez, La sustancia), hasta lo mejor del cine independiente (Aún estoy aquí, Por todo lo alto, Flow, Parthenope), pasando por esperados títulos de estreno (La trama fenicia, Fórmula 1, Materialistas) y cine de culto de los 70, 80 y 90 como Annie Hall, Dirty Dancing, Pulp Fiction). También se proyectarán las películas españolas más premiadas del año (Sorda, La infiltrada, El 47, La habitación de al lado o Sirat), a través de sesiones especiales con presencia de parte del equipo.

Los clásicos tendrán su espacio los domingos en el ciclo TCM Nights con películas tan icónicas como Dos en la carretera, Desayuno con diamantes o West Side Story. Además, se conmemorarán los aniversarios de títulos tan imprescindibles en la historia del cine como La quimera del oro de Charles Chaplin (100 aniversario), El crepúsculo de los dioses de Billy Wilder (75 aniversario), El apartamento, también de Billy Wilder (65 aniversario), Tiburón de Steven Spielberg (50 aniversario) o Deseando Amar de Wong Kar-Wai (25 aniversario). Y se rendirá homenaje al cineasta David Lynch, fallecido a principios de año, con la proyección de la icónica Mulholland Drive.

Y como ya es habitual, los sábados serán los días elegidos para disfrutar en familia con películas como Lilo & Stitch, La princesa prometida, Cómo entrenar a tu dragón, Vaiana 2 o Robot Salvaje. Las sesiones Sala Glamour (Maria Callas, La sustancia, Anora, Dirty Dancing) contarán con un coloquio previo a cargo del equipo de la citada revista femenina e invitadas como Cristina Trenas, Marina Salas, Jimina Sabadú, Denisse P. Molina, Martín Cuervo o Ariane Hoyos.

La programación se completa con Pop Icons, una exposición aérea de ilustraciones de retratos de estilo pop de grandes iconos del cine a cargo de la artista francesa Flore Maquin, quien ha trabajado con Universal Pictures, Paramount Channel, The Hollywood Reporter o el Festival de Cannes, y quien ha diseñado el cartel de esta décima edición.