Pesadilla antes de Navidad es una de las películas más míticas de esta época del año. Dirigido por Henry Selick, este largometraje de stop-motion se estrenó en el Festival de Cine de Nueva York el 9 de octubre de 1993 y obtuvo un gran éxito tanto comercial como de la crítica. Lo que muchos no saben es que la historia de Jack Skeleton, considerada hoy una película de culto, tiene su origen en un pequeño texto que escribió Tim Burton unos años antes.

Fue en 1982 cuando el director de cine, que entonces trabajaba para Disney como animador y dibujante, escribió un poema titulado The Nightmare Before Christmas. “Era una tarde de otoño en la tierra de Halloween / y el aire todo lo helaba / A la luz de la luna, un esqueleto / se sentó solo en la cima de la montaña / Él era alto y delgado, con un murciélago de corbata / Jack Skellington era su nombre / estaba cansado y aburrido en la tierra de Halloween / donde todo era siempre lo mismo”, empezaba el texto.

A lo largo del poema, Burton creó todo el imaginario del mundo ficticio que, diez años después, se desarrolló en la película de animación que todos conocemos. Tal como explicó el cineasta después, la mayor influencia que tuvo a la hora de escribir aquel texto de tres páginas fueron los especiales navideños de televisión como Rudolph the Red-Nosed Reindeer y How the Grinch Stole Christmas!, creado por Chuck Jones en 1966.

Pese a que fue idea suya, el director de Beetlejuice (1988) y Eduardo manostijeras (1990) no pudo hacerse cargo de la dirección de Pesadilla antes de Navidad porque, en el momento en que Disney aprobó el desarrollo de la película, ya estaba en manos de otro proyecto. En concreto, de Batman Returns (1992), el largometraje protagonizado por Michael Keaton (Batman) y Michelle Pfeiffer (Catwoman).

“Es como si Burton hubiera puesto el huevo, y yo me hubiera sentado sobre él y lo hubiera incubado. Él no estuvo involucrado de manera directa, pero su mano está ahí. Mi trabajo fue hacer que pareciera ‘una película de Tim Burton’, lo cual no es tan diferente de mis propias películas”, señaló Selick, el verdadero director de la película. 

Otras películas de animación de Tim Burton

Aunque Tim Burton no dirigió Pesadilla antes de Navidad, sí que estuvo al frente de otras grandes películas de animación. Es el caso de La novia cadáver (2005), uno de los exponentes del cine gótico de Burton y de la técnica de animación de stop motion. El equipo tardó alrededor de 55 semanas en dar vida a los personajes y las diferentes localizaciones que aparecen en el largometraje.

En 2012, se estrenó Frankenweenie, una de las películas más especiales de Burton, ya que se trata de un remake del cortometraje que estrenó con el mismo nombre en 1984. La película, la primera en blanco y negro grabada con la técnica de stop-motion y publicada en formato IMAX 3D, es una parodia de la novela Frankenstein de Mary Shelley.

Un 23 de septiembre de 2005 se estrenaba en los cines estadounidenses Corpse Bride, que en España se tradujo como ‘La novia cadáver’ y que se lanzó también en la misma fecha. Un éxito que ha traspasado generaciones y se ha convertido en uno de los títulos por excelencia en Halloween.

Esta película se ha convertido en un clásico también por Tim Burton, que la dirigió junto a Mike Johnson, en la que se utilizó la técnica de la animación en stop-motion y en la que se tardaron más de 50 semanas en dar vida a los diferentes personajes, contando con las voces protagonistas de Johnny Depp y Helena Bonham Carter, dos de los actores que más han colaborado con el director.

‘La novia cadáver’: un clásico animado del stop motion y de Tim Burton

‘La novia cadáver’ es uno de los exponentes del cine gótico de Tim Burton y de la técnica de animación de stop motion, que la relacionó desde el principio con ‘Pesadilla antes de Navidad’ y una conexión que fue potenciada con la promoción al usar canciones de la banda sonora.

Una técnica de stop motion que fue un logro artesanal que llevó el sello distintivo de estilo de Tim Burton, que tuvo un equipo que tardó 55 semanas en dar vida a los personajes y las diferentes localizaciones, en una historia que se ambientó en un pueblo ficticio de la época victoriana.

La historia ficticia y real en la que se basó ‘La novia cadáver’

Sin embargo, la historia que cuenta ‘La novia cadáver’ no es del todo ficción al estar basada en un cuento ruso judío del siglo XIX titulado ‘El dedo' y que Tim Burton conoció a través de su colaborador Joe Ranft, al que se le dedicó la cinta por haber fallecido antes del estreno, mientras trabajaban en un anterior proyecto.

Este cuento se basa en un joven, que, a punto de casarse, para durante un viaje en descanso con sus amigos y simula su ceremonia al poner un anillo sobre una rama mientras pronunciaba sus votos matrimoniales. Lo que sucede luego es que de ahí surgió una mano esquelética con el anillo puesto y un cuerpo vestido de novia, con lo que el joven se ve de repente casado.

Esta historia, sin embargo, escondía realidad, pues se basaba en los actos de persecución de los rusos en el siglo XIX en los que se profanaban tumbas y se asesinaba a novias judías en el día de su enlace matrimonial. Una trágica verdad que la sociedad judía en Rusia fusionó con el folclore en este cuento que acabó siendo el origen de ‘La novia cadáver’ de Tim Burton.

Este 6 de agosto se acaba la larga espera de los fans de la serie Miércoles de Netflix, que fue el gran éxito y sorpresa de 2022 en la plataforma y que se ha hecho de rogar desde entonces para su segunda temporada que llega en una primera parte y una segunda que se verá a partir del 3 de septiembre.

Miércoles sigue contando con su elenco de lujo, con Jenna Ortega en el papel de Miércoles y también a Catherine Zeta-Jones, Luis Guzmán, Fred Armisen e Isaac Ordoñez como Morticia, Gómez, Fétido y Pugsley respectivamente, que en uno de los cambios de esta segunda temporada aspiran a tener mayor presencia de La Familia Addams.

Llegan a la ficción de Tim Burton como nuevos actores Steve Buscemi o Thandiwe Newton como Barry Dort y la doctora Fairburn, y con el gran fichaje de Lady Gaga, que se espera que participe en la segunda temporada.

El nacimiento y creación de La familia Addams

Esta serie de Netflix es la enésima adaptación de La familia Addams, que nació de la mente de Charles Addams, que creó el germen en sus viñetas en el prestigioso seminario New Yorker en la década de los 30 en las que firmaba como Chas Addams.

No sería hasta principios de la década de los 60 cuando La familia Addams nacería cuando el productor televisivo David Levy le propuso realizar una serie, y fue entonces cuando bautizó a los personajes con sus nombres y características que no tenían en sus viñetas.

Así nació la historia de La familia Addams, que se inspiraba en la suya propia y que tiene muchos elementos de la casa de la abuela materna de Charles Addams, que estaba deteriorada y tenía un montacargas, además de añadir esa mezcla de risas, terror y familia, a la que incluso le puso su apellido, sin esconder su clara influencia.

Además de inspirarse en su propia familia, los personajes estaban basados en actores del Hollywood clásico como Gloria Swanson para Morticia, Peter Lorre o Boris Karloff, además de notarse tintes del cine de Alfred Hitchcook en la recreación de esa serie que llegaría en septiembre de 1964 con capítulos de poco menos de media hora y en blanco negro, que fue todo un éxito e introdujo a los Addams en la cultura popular.

Las adaptaciones de La familia Addams más allá de Miércoles

Así fue como dio lugar a más adaptaciones, desde una serie de dibujos animados en los setenta a su llegada al cine que tuvo lugar en la década de los 90. En 1991 se estrenó La familia Addams con Angela Houston, Christopher Lloyd, Christina Ricci y Jimmy Workman como actores principales. La película de La familia Addams fue todo un éxito y esto hizo que su secuela solo tardara dos años en llegar, en 1993 con La Familia Addams 2: La tradición continúa.

Los Addams han traspasado más generaciones y ha llegado hasta el siglo XXI como musical de Broadway en 2010, con sus dos películas animadas de 2019 y 2021 y luego revivieron en lo más alto en 2022 con el estreno de la adaptación de Tim Burton con Miércoles Addams como protagonista con ficción de Netflix que ahora estrena su segunda temporada.

Bitelchús Bitelchús, la secuela de la clásica película de Tim Burton de 1988, ha llegado a los cines con mucha fuerza, pero sin estar exenta de polémica. La macabra comedia de Burton, que inauguró hace algunos días el reconocido Festival de Venecia, ha vuelto a la opinión pública por la sonada ausencia de Jeffrey Jones, el actor que encarnaba al personaje Charles Deetz en la película original. 

De los actores que estuvieron presentes hace más de tres décadas en la cinta original, Michael Keaton y su interpretación del propio Bitelchús, por supuesto, no podía faltar. Winona Ryder o Catherine O’Hara son otros ejemplos de actrices que han vuelto a encarnar sus personajes iniciales en esta segunda parte. No obstante, la ausencia de Jeffrey Jones, actor que interpretaba al empresario Charles Deetz en la ficción original, no ha pasado nada desapercibida por el público.

El motivo principal detrás de la ausencia de Jones en esta secuela es que en 2002 fue detenido por posesión de pornografía infantil y por solicitar imágenes sexuales a un niño de 14 años. Jones fue declarado culpable en 2003 por inducir a un menor a posar para fotografías sexuales y condenado a cinco años de libertad condicional, asesoramiento y a inscribirse permanentemente como delincuente sexual. Años más tarde, y sin haber actualizado su estatus como delincuente sexual, él mismo se declararía culpable y volvería a ser condenado a tres años más de libertad condicional. El actor fue registrado y declarado como agresor sexual en EEUU, etiqueta que le alejó definitivamente de la actuación y, por ende, de su presencia en esta reciente secuela. 

A pesar de esta condena, Jeffrey Jones no desapareció de la esfera pública de un plumazo, sino que mantuvo algunos papeles años después, como en 2019, año en el que participaría en la película Deadwood, una de sus últimas apariciones antes de que desapareciera prácticamente por completo de la industria cinematográfica. Ningún miembro de la dirección de la película se ha pronunciado al respecto de la ausencia de Jones.

Tim Burton y sus guionistas han conseguido eliminar con destreza la presencia del personaje que encarnaba Jones en la ficción de forma astuta, siendo coherente con la trama y desarrollo. Su personaje sale, pero como fantasma al que le falta la mitad del cuerpo, por lo que nunca se le ve la cara. De hecho, es el fallecimiento de su personaje lo que desencadena la trama de esta secuela.

Pese a la sonada ausencia de Jeffrey Jones, este no es el único actor que no ha renovado desde la primera entrega. Geena Davis o Alec Baldwin tampoco han vuelto a encarnar a sus personajes originales, Barbara y Adam, respectivamente.

Nuevas incorporaciones como las de Monica Bellucci o la de Jenna Ortega, una de las actrices más reconocidas del momento y protagonista de una de las últimas obras de Burton, Miércoles, cierran el reparto del filme, al que la polémica no ha afectado en la taquilla. Ha debutado número 1 en España y en EEUU, donde ha logrado el segundo mejor dato para un estreno de la historia en el mes de septiembre con más de 100 millones de dólares en su primer fin de semana.

Es irónico que el proyecto soñado durante años por los fans de Tim Burton fuera aquel que acabó con la carrera del director. Desde que el director mostrara su personalidad y su gusto por lo gótico y lo onírico gracias a filmes como Bitelchús y Eduardo Manostijeras, todo el mundo comenzó a señalarle como el único capaz de trasladar a una película (de acción real) el imaginario que Lewis Carroll desarrolló en Alicia en el país de las maravillas. Cuando Disney vio el filón económico de llevar sus clásicos animados a películas con actores de carne y hueso no dudó y le ofreció a Burton realizarlo.

Era la apuesta perfecta, y el resultado económico fue apoteósico, pero en lo creativo Burton no supo unir ambos mundos y creó un filme que apenas ofrecía ciertas pinceladas de su estética, sacrificando cualquier atisbo de oscuridad por el camino. Disney domesticó a Burton y le hundió por completo. Un cineasta que incluso había sobrevivido a adaptar a Batman y había construido una carrera impecable empezaba a caer en picado justo cuando alcanzaba unas cimas que incluso le colocaban en la mirada de los premios gracias a filmes como Big Fish o Sweeney Todd.

Desde Alicia en el país de las maravillas todo fueron fiascos que iban ahogando cada vez más a Burton, que tocó fondo, precisamente, con otra adaptación de un clásico de Disney, Dumbo, quizás su peor filme. Muchos vieron en aquella historia la metáfora del propio cineasta, un elefante encerrado en una jaula y expuesto por la empresa que le pagaba el sueldo. Fue otra empresa y otro golpe de talonario quien sorprendentemente lo rescató parcialmente. Netflix vio en él un nombre perfecto para su serie sobre Miércoles, el personaje de La familia Addams. Si Burton había logrado domesticarse para otra empresa podría hacerlo para ellos, que encima le dieron un producto con el que poder volver a su estética gótica y ciertas obsesiones.

El éxito de Miércoles fue estratosférico. En estos momentos sigue siendo, de lejos, la serie más vista de Netflix con 252 millones de visualizaciones (más de 100 que la cuarta temporada de Stranger Things, que se sitúa en el segundo lugar). Aquel pelotazo dio alas a Tim Burton, que regresa a sus orígenes de manera literal, ya que estrena Bitelchús, Bitelchús, la secuela de una de las películas que le colocaron en el foco de la industria. Burton no solo ha resucitado al personaje al que vuelve a dar vida Michael Keaton, sino que de alguna forma se ha resucitado a sí mismo. Por fin volvemos a ver al Burton de siempre. Reconocemos su estética, su humor, su espíritu… No se deja llevar por el signo de los tiempos y vuelve a recurrir a los efectos visuales prácticos en vez de al CGI cantarín. Hay segmentos en stop motion, una dirección artística que sale de su mente sin dudarlo y un gusto por la artesanía. A priori esto ya es mucho más que lo que había en sus últimas películas. 

Bitelchús, Bitelchús huele a cine de los 80. Mantiene el espíritu y a casi todo el reparto en una secuela divertidísima que hasta levantó los aplausos de la prensa en su primer pase en Venecia, donde abre con lujo la 81 edición del festival italiano antes de llegar a las salas el próximo 6 de septiembre. También hay que ser sinceros, la historia es más simple que el mecanismo de una polea, y alguna trama ―todo lo relacionado con Mónica Bellucci― está metida con calzador, pero poco importa ante la energía despendolada que desprende un filme en donde caben dardos a Disney, a los falsos aliados, al arte contemporáneo, a los influencers (en una escena brillante que fue ovacionada) y hasta a Netflix.

Los ejes temáticos se mantienen. Si en la original se atizaba a la especulación urbanística, aquí Burton ataca a la explotación comercial en forma de show televisivos que sacan la sangre (y los billetes) de cualquier cosa, ya sea una médium, una boda, o una tragedia. A eso añade una propuesta interesante, el amor es terrorífico. Todas las mujeres de esta familia -encabezadas por la sensacional Catherine O’Hara, seguida de una competente Winona Ryder y apuntalada por una Jenna Ortega que muestra que es una de las estrellas del momento- muestran que siempre mejor solas que mal acompañadas, ya sea por aduladores blanditos que esconden al machista de manual o por guaperas con rollito James Dean. Y por si fuera poco lo redondea con un epílogo con guiño a Muñeco Diabólico.

Burton encuentra la confianza para volver a entregar escenas originales y brillantes visualmente ―el tren con música soul―, y de la mano de la música de Danny Elfman y de un Michael Keaton desatado e hilarante llega con su mejor película en años y ofrece signos de esperanza a quienes pensaban que ya no tenía nada más que hacer en el cine.

Los últimos años me desilusioné con la industria del cine. Durante muchos años he estado perdido, y esta película me ha vuelto a dar energía

Tim Burton — Cineasta

El propio Tim Burton reconocía en la rueda de prensa que este filme supone, de alguna forma, su regreso. “Los últimos años me desilusioné con la industria del cine. Pensaba que no iba a poder hacer nada más que saliera de mi corazón. Durante muchos años he estado perdido, y esta película me ha vuelto a dar energía, he conectado con las cosas que me gusta hacer, me he rodeado con la gente que me gusta, y creo que esa es la única forma de tener éxito. No sé cómo irá la película, pero yo lo he disfrutado, y eso es lo principal”, dijo Burton, insistiendo en definir la película como un “proyecto muy personal”.

El cineasta no cree que esta secuela sea una consecuencia directa del éxito de la serie de Netflix, y confesó en Venecia que este proyecto llevaba mucho tiempo en su cabeza, pero también que Miércoles le dio ganas de hacer cosas, y que “conocer a Jenna Ortega también fue importante”. Pero este filme ya estaba hablado de antes con sus dos amigos, Michael Keaton y Winona Ryder, que le acompañaron en la presentación y se deshicieron en elogios hacia él, a quien definieron como un artista único y el rodaje como una de las mejores experiencias de sus vidas. Ninguno se quiso perder el regreso de un director que se ha reencontrado a sí mismo en una secuela de la que deberían aprender muchos taquillazos inanes de Hollywood.

El Festival de Venecia celebrará su edición número 81 del 28 de agosto al 7 de septiembre. A dos meses de la fecha, pocas cosas se sabían de esta edición más allá de la presidenta del jurado (Isabelle Huppert) y dos de los premios honoríficos (el director Peter Weir y la actriz Sigourney Weaver). Por eso, la Mostra ha apretado el acelerador y ha anunciado la que será su película de inauguración. Será la secuela de Bitelchús (Beetlejuice), el clásico de Tim Burton, la que se encargará de dar el pistoletazo de salida a la competición, aunque en este caso fuera de la pelea por el León de Oro.

El filme, de nombre Bitelchús Bitelchús (Beetlejuice, Beetlejuice), es uno de los más esperados del año, y con su presencia el festival se asegura una gran repercusión mediática además de una alfombra roja llena de estrellas de Hollywood, una de sus señas de identidad desde hace años. El filme tiene a casi todo el reparto de la original: Michael Keaton, Winona Ryder y Catherine O'Hara. Además, ha incorporado a Monica Bellucci y a una de las estrellas jóvenes del momento, Jenna Ortega, protagonista de la serie Miércoles, donde ya trabajó con Tim Burton, que repite en la dirección en esta secuela de uno de sus filmes más emblemáticos.

Será una de las nuevas bazas de Warner Bros para reventar la taquilla desde el 6 de septiembre, cuando se estrene en todo el mundo una semana después de abrir el certamen italiano. Su sinopsis oficial habla de cómo “después de una tragedia familiar inesperada, tres generaciones de la familia Deetz regresan a su hogar en la pequeña ciudad de Winter River”.

“La vida de Lydia, que sigue atormentada por Bitelchús, da un vuelco cuando Astrid, su rebelde hija adolescente, descubre la misteriosa maqueta de la ciudad en el ático y el portal al Más Allá se abre de forma accidental. Con tantos problemas en ambos mundos, es sólo cuestión de tiempo que alguien diga tres veces el nombre de Bitelchús y el travieso demonio vuelva a las andadas para desatar su particular caos”, añade.

La película original, estrenada en 1989, es un éxito de culto que ha pasado de generación a generación y que recaudó solo en EEUU más de 70 millones de dólares. Ahora intentará hacer lo mismo en un nuevo intento de explotar franquicias existentes y la nostalgia.

Uno de los centros de ocio más cuidados y promocionados por el Ayuntamiento de Madrid sigue dando que hablar. El Espacio Ibercaja Delicias, que actualmente acoge el polémico Laberinto de Tim Burton, se enfrenta a las protestas de muchos vecinos de Arganzuela. Descontentos con la iniciativa desde su concepción, estos residentes agrupados en la plataforma Delicias Para Tod@s - Stop Espacio Delicias denuncian además que la licencia municipal ha expirado este martes 4 de octubre, con lo que mantener la actividad del enclave está fuera de la legalidad.

Desde el Área de Desarrollo Urbano del Ayuntamiento matizan que los terrenos son propiedad de Adif, quien tiene la potestad para su alquiler. “En el acuerdo al que se llegó entre administraciones para dotar de equipamientos esas zonas, Adif ya dijo que mientras se realizaran los planes para desarrollar el ámbito, mantendría el alquiler por interés general, para mantener limpio y sin ocupas el solar y mientras se modifica la zona para albergar lo que el distrito y los vecinos quieren, haciendo un nuevo plan especial y cesiones y urbanizaciones de las calles”, explican a Somos Madrid.

En cuanto a la nueva renovación, desde el consistorio que dirige José Luis Martínez-Almeida recalcan que no entra en sus competencias, pero la reconocen: “Las licencias son actos reglados. En este caso, como no ha cambiado nada de la actividad y ya contaba con licencia, se ha vuelto a dar, pero es Adif quien prorroga el contrato”.

Según Miguel Martínez, portavoz de la plataforma Stop Espacio Delicias, podríamos estar en cambio ante una “estrategia claramente planificada” por Adif y el Ayuntamiento “para cambiar el uso dotacional establecido para estos terrenos en el PGOUM de 1997 y especular con ellos. El Ayuntamiento de Madrid ha utilizado una licencia destinada a instalaciones feriales de carácter efímero, como las que se dan al mercado de productores que se instala en el Planetario o unas fiestas de distrito, para autorizar una macroinstalación que ha exigido obras de cimentación que la ley no contempla y que son contrarias a las propias normas urbanísticas”, señaló Martínez en conversación con El Salto.

El Espacio Delicias se ubica donde se encontraba la antigua Estación de Delicias, en una de las parcelas situadas entre el Museo del Ferrocarril y el Parque Tierno Galván, inutilizada durante las últimas tres décadas. Los vecinos llevaban años reclamando espacios públicos con fines culturales en el lugar, y el plan de urbanismo reservaba estos terrenos para esa finalidad. Sin embargo, en lugar de un instituto o una biblioteca, la parcela ha sido tomada por “la empresa privada y el ocio más invasivo”, denuncian desde Delicias Para Tod@s.

Con tres carpas para representaciones teatrales y música en directo, más un jardín central con puestos de comida al aire libre, el Espacio Delicias acoge conciertos, cabarets y otros espectáculos hasta medianoche para 1.800 personas. A cargo de la compañía Let’s go, dirigida por el productor Iñaki Fernández y con el patrocinio de Ibercaja, en un principio la instalación solo tenía licencia desde finales de septiembre hasta abril de 2022, pero las renovaciones del permiso se han sucedido “pese a que la instalación atenta contra la calidad de vida de nuestro barrio, puesto que genera múltiples molestias”. Así lo lamentó Paloma Gómez (de Stop Espacio Delicias) en declaraciones a Somos Madrid.

Desde un inicio, y a pesar de las prórrogas, el consistorio se ha justificado ante las críticas aduciendo que se trata de una instalación temporal. “Esto no es así, aunque desde el exterior parezca una carpa gigantesca. Es una estructura duradera fijada con cimientos de hormigón y con acometidas para el suministro y el saneamiento”, aseguró también Gómez.

Los residentes protestan además por la inacción de las autoridades locales ante las molestias ocasionadas por la actividad del espacio. Su condición de acto de especial proyección cultural, oficial y religiosa, otorgada también en el permiso municipal, les permite rebasar algunos límites de horario y ruido. “Todo esto nos ha traído al barrio una serie de molestias: afluencia masiva de gente, tráfico, contaminación acústica y lumínica y en definitiva falta de tranquilidad. Nos ha mermado la calidad de vida”, dijo Paloma Gómez.

El pasado mes de abril, el Ayuntamiento y el Ministerio de Transportes, Movilidad y Agenda Urbana acordaron llenar con dotaciones y equipamientos culturales el vacío urbano que dejó la antigua parada de trenes e integrar en el entorno los antiguos suelos ferroviarios. El elemento más destacado del acuerdo es la construcción de la sede del Teatro Nacional de la Danza, así como un centro de interpretación y academia, dependientes del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música. Además, se establecen parcelas para un equipamiento educativo, deportivo y de otros usos culturales. Un proyecto más del agrado de los vecinos, que sin embargo no están dispuestos a soportar las molestias del Espacio Ibercaja hasta que eche a andar.

Mientras su nombramiento como embajador de Madrid sigue en el aire, Tim Burton visita la ciudad para inaugurar la exposición sobre su carrera que abrirá sus puertas este jueves 29 de septiembre en el Espacio Ibercaja Delicias. Como anticipo, el director de Ed Wood y Eduardo Manostijeras ha impartido una clase magistral moderada por Álex de la Iglesia en la que, además de repasar algunas de sus obras más relevantes, ha hablado sobre Johnny Depp. “Claro que volvería a trabajar con él, pero ahora mismo es como una estrella del rock”, ha declarado sobre el actor que ha liderado varios de sus largometrajes a lo largo de su trayectoria; y que el pasado mes de junio protagonizó junto a su expareja Amber Heard el mayor espectáculo judicial de este milenio.

Apenas dos meses después de que el jurado le diera la razón sentenciando a la actriz por difamación; el estadounidense lanzó un disco junto al guitarrista Jeff Beck y marchó de gira por Europa. “Hace tiempo que no le veo, pero hemos hecho muchas películas juntos y siempre las he disfrutado”, ha reconocido el cineasta durante el acto en el que no ha existido veto de preguntarle por su relación con el intérprete, al contrario que durante las entrevistas de promoción de la exhibición con la prensa celebradas hace dos semanas.

“Es un actor al a veces le gusta llevar sus papeles al extremo, y otras se queda en una zona de confort más clara”, ha continuando explicando, “me encantan los que son capaces de meterse en pieles tan diferentes”. Burton ha indicado que en sus proyectos conjuntos (Sombras tenebrosas, Sleepy Hollow, Eduardo Manostijeras, Ed Wood, Charlie y la fábrica de chocolate, Alicia en el país de las Maravillas, Sweeney Todd), Depp ha participado activamente en la construcción de sus mímesis en pantalla. “Aunque tengo una idea de lo que quiero del personaje, entiendo el proceso como una colaboración, en la que su energía está siempre presente”, ha explicado, haciendo extensible este modus operandi no sólo con el citado actor, sino con el resto de nombres que han compuesto los elencos de su filmografía.

Pionero en la “moda” del cine de superhéroes

Más allá de su vínculo con Depp, Burton se ha remontado al inicio de su carrera, en la que su talento para dibujar fue clave: “Nunca fue un ejercicio intelectual con el que consciente o inconscientemente plasmara cosas. Para mí era terapéutico. Cuando era pequeño me comunicaba a través de mis dibujos, no hablaba mucho”. “Tuve la infancia típica en un barrio a las afueras de la ciudad, rodeado de gente blanca. Todo era muy bonito y creo que por eso me atraían los monstruos y la fantasía, las películas de terror te permiten explorar la vida que nunca tuviste”, ha reflexionado, “los que me daban miedo eran mis padres, mis vecinos y mis profesores”.

Una de las películas sobre la que más se ha explayado ha sido Batman (1989), que realizó en una época en la que “el cine de superhéroes era algo totalmente nuevo”. Suya fue la decisión de contratar a Michael Keaton como protagonista. “La mayoría de actores que se pensaba que serían los mejores para interpretarle, eran los típicos fortachones de cara cuadrada; pero yo quería a alguien como él, con una mirada un poco loca”, ha argumentado, “al venir de la comedia, se consideró que no indagaríamos tanto en el giro psicológico que lleva a una persona a querer actuar y convertirse en un murciélago”.

Batman es un personaje que ha vuelto a ser llevado a la pantalla en sucesivas ocasiones. Entre ellas, la trilogía dirigida por Christopher Nolan liderada por Christian Bale. “Me hace gracia, y a veces también me dan ganas de llorar, porque en su momento me decían que nuestra película era muy oscura y que era mejor que no diera tanto miedo. Ahora, en comparación, parece una comedia romántica”, ha comentado con ironía. En cualquier caso, ha asegurado: “Tuve suerte de estar al principio de la moda del cine de superhéroes. Ahora las películas son excesivamente complejas. Ya tengo bastante con un sólo universo”.

De su favoritismo por 'Ed Wood' a la emoción de 'Big Fish'

Dentro de su filmografía, Burton ha destacado Ed Wood (1994) como una de sus “películas propias favoritas. Me identifico mucho con en el protagonista, menos por su travestismo”. “Al rodar, los directores siempre pensamos que estamos haciendo la mejor película. He tenido esa sensación muchas veces, aunque luego haya terminado siendo mala, que también me ha pasado”, ha reconocido sobre el largometraje con el que narró la vida del famoso director de cine de culto que le da título. A su vez, ha tenido proyectos que no ha salido a la luz, como una película de Superman. “Trabajamos en él prácticamente un año y fue dramático, porque después de tanto tiempo decidieron que era demasiado raro. ¿No se habían dado cuenta antes?”, ha lamentado.

La que sí acabó produciendo, pese a que tardó más de diez años en levantarla, fue Pesadilla antes de Navidad (1993). El director ha confesado que para él “la Navidad da más miedo que Halloween”, de ahí a que el largometraje haya acabado siendo uno de los más anclados en el terror de su carrera. En él opto porque fuera en blanco y negro, recurso que ha estado presente en otros títulos. “Los colores ayudan a marcar el estado de ánimo de los personajes, el prescindir de ellos me calma, prácticamente convierte la experiencia en un viaje introspectivo”, ha indicado. El próximo 23 de noviembre ampliará su trayectoria con la que será su primera serie de televisión, Miércoles, basada en la historias de La familia Addams. La ficción de Netflix seguirá al personaje una vez alcanzada la adolescencia.

“Inspiradores” y “pasionales” son los dos adjetivos con los que Tim Burton describe a Madrid y “su gente”. Ciudad de la que, en función de lo que ocurra el próximo 20 de septiembre en la Comisión de Cultura del Ayuntamiento y el día 27 en el Pleno municipal, será o no elegido como 'embajador', una nueva designación simbólica que el cineasta sería el primero en ostentar. Independientemente de lo que suceda en la votación, el creador estadounidense inaugurará el 29 del mismo mes El laberinto, una exposición inmersiva sobre su obra emplazada en el Espacio Ibercaja Delicias.

La productora y promotora LetsGo Company es la creadora de la exhibición y de ella parte la propuesta de otorgarle al autor de Ed Wood y Eduardo Manostijeras la distinción, una idea que el Ayuntamiento aceptó de buen grado e hizo propia. Una recompensa que, según el reglamento de distinciones honoríficas del consistorio, será otorgada a “aquellas personas que hayan destacado por sus actividades o servicios en el exterior en el beneficio de la ciudad de Madrid”.

Según reveló uno de los Cronistas de la Villa, la primera opción del alcalde José Luis Martínez-Almeida y Andrea Levy, responsable del área de Cultura, fue Mick Jagger; aprovechando que el líder de los Rolling Stones iba a visitar la capital el pasado mes de junio para iniciar su gira internacional. El cantante rechazó la oferta, vacante que la promotora aprovechó para proponer a Burton como candidato y, de paso, ampliar la repercusión de su exposición. El Ayuntamiento lo consideró oportuno y el realizador sí aceptó la distinción. “Madrid tiene una atmósfera muy creativa”, asegura a este medio, “es muy probable que ruede aquí”.

No obstante, su elección no ha estado exenta de polémica y continúa en vilo. Los grupos de la oposición y los Cronistas de la Villa, a los que se les solicitó su opinión, rechazaron la designación alegando que no existe relación entre el director y la capital. Así lo hicieron saber los expertos en sus informes desfavorables, aunque desde el cabildo han seguido defendiendo la candidatura.

El siguiente paso será que la propuesta vuelva a la Comisión de Cultura el próximo 20 de septiembre. Este punto se retiró del orden del día de la anterior, celebrada en julio, porque “no constaban” los citados informes negativos, que fueron posteriormente incorporados tras denuncias de Más Madrid y PSOE. El dictamen resultante se someterá a votación en el Pleno municipal el martes 27 del mismo mes, solo dos días antes de la inauguración de la exposición. Vox, que dejó su postura en el aire, será clave para que la designación salga o no adelante.

El próximo estreno de Burton también llegará este otoño

El laberinto es un homenaje al universo creado por Burton. Su cine está atravesado por su estilo único, reconocible y muy ligado al stop motion. Su predilección por esta técnica se debe a que es “bella y táctil, puedes tocarla y sentirla”. “Prefiero que haya plató siempre que se pueda. Ayuda a los actores y a todo el mundo”, defiende al echar la vista atrás a su carrera.

Abordar temas como la infancia, la soledad y el amor es otra de sus señas de identidad. Sin embargo, haberlos explorado como creador no ha cambiado su experiencia ni opinión sobre ellos. “Hay cosas que forman parte de ti desde que eres pequeño y siempre vas a estar ligado a ellas”, sostiene con una mezcla de entusiasmo y melancolía.

En su próximo proyecto, la serie Miércoles para Netflix que toma a la benjamina de La familia Addams como protagonista; se centra en otra etapa vital, la adolescencia. El director comenzó a crear la ficción durante la pandemia, “cuando parecía que las películas iban a cambiar”, de tal forma que se lo tomó “como una especie de experimento. Nunca había hecho algo así y decidí probar”. “Me gustaba mucho el personaje y la oportunidad de poder narrar su historia siendo un poco más mayor”, comenta.

El título llegará en otoño a la plataforma -fecha concreta pendiente de confirmación-, por lo que coincidirá con su posible nombramiento como 'embajador' de Madrid y la apertura de su exposición.

El título tiene gran potencial para captar el interés de la audiencia juvenil del servicio de streaming, pero no es algo que le preocupe. “Nunca tengo a algún público en concreto en mente, simplemente hago las cosas que me gustan. Si después las ven adultos, niños o animales... Es cosa suya”, afirma con ironía.

Tampoco da demasiada importancia a las interpretaciones derivadas de sus obras. “Nunca he pensado que mis películas sean abiertamente políticas, pero la vida lo es. Desde que vas al colegio está presente, tanto si trabajas en un restaurante o, en mi caso, haciendo cine”, expone.

De ahí a que entienda que haya quien “considere que mis largometrajes tiene cierta simbología con denotación política. No molesta que la gente tenga sus propias lecturas porque son cuentos. Te permiten partir de algo fantástico para pensarlo en términos reales. Este es el poder de este tipo de historias”.

Mis películas no son abiertamente políticas

Tim Burton

No en vano, precisamente el fantástico es el género predilecto de Burton. “Siempre es real, incluso las películas de monstruos”, argumenta, “por muy extraño que pueda resultar, todo está basado en las emociones humanas”. “Me encanta que no haga falta ser evidente, porque todos los cuentos están conectados con la vida”, añade.

Entradas por hasta 36 euros y múltiples itinerarios

Además de a la gran y pequeña pantalla, el universo de Burton va a trasladarse al formato expositivo, a través de la nueva exhibición inmersiva. El director se muestra conforme con su título ya que reconoce que, su mente “es, desafortunadamente, como un laberinto”. “Me representa porque mi punto de partida es siempre una idea que nunca sé a dónde va a llevar, si a una película, una escultura o un simple dibujo. Para mí el arte es como un parque de atracciones”, añade. Más allá de la identificación del cineasta con el título, ha sido elegido por la propia disposición de la muestra, que contará con cerca de 300 recorridos posibles.

Quienes la visiten podrán elegir su propio itinerario según las puertas que opten por cruzar, visitando estancias ambientadas con luces, tecnología, música, escenografía y vestuario de sus obras. Entre ellas, Alicia en el país de las Maravillas, La novia cadáver, Frankenweenie, Eduardo Manostijeras, Beetlejuice, Pesadilla antes de Navidad y Charlie y la fábrica de chocolate. Estará abierta de jueves a domingo, con pases cada 30 minutos, y sus precios irán desde los 14 a los 36 euros.

Burton ha prestado más de 200 bocetos para el evento, algunos de ellos inéditos y que, según revela, “ni era consciente que tenía”. “Dejé que abrieran todos los cajones y fue un poco loco. No era consciente de que no tiro absolutamente nada”, declara.

Un espacio temporal que reclaman los vecinos

Tim Burton. El Laberinto está emplazado en el Espacio Ibercaja Delicias, situado en una parcela pública distrito madrileño de Arganzuela. Su cesión por parte de Adif y el Ayuntamiento en 2021 a la compañía LetsGo fue criticada por los vecinos de la zona, que llevan años reclamando más equipamientos públicos como un instituto o una biblioteca; y no las carpas para espectáculos que por el momento siguen instaladas.

De ahí a que lamentaran que el futuro inmediato de las fincas pasara por la iniciativa privada y el ocio. Tal es su rechazo que crearon su propia plataforma de protesta, Stop Espacio Delicias. El espacio es provisional, ya que la licencia vence el próximo de octubre. No obstante, en la página web de la exhibición se venden entradas hasta el 11 de diciembre, por lo que dan por hecho que se prorrogará.

La designación del cineasta estadounidense Tim Burton como Embajador de Madrid sigue en vilo. Todo depende de lo que decidan los cuatro concejales de Vox en el Ayuntamiento de Madrid, en cuyas manos está que la propuesta impulsada por la responsable de Cultura, Andrea Levy, con el respaldo del alcalde José Luis Martínez-Almeida, salga adelante o no.

“Sin menoscabo de la figura del cineasta, compartimos la opinión de los Cronistas de la Villa”, que no ven ningún motivo ni mérito alguno para que Burton ostente tal distinción, señalan fuentes del grupo municipal de extrema derecha que lidera Javier Ortega Smith. “No encontramos la especial relación con Madrid que podría justificar este nombramiento”, aseguran las mismas fuentes. No obstante, Vox aún no quiere desvelar cuál será el sentido de su voto cuando la propuesta se eleve a finales de este mes al Pleno de Cibeles. “Veremos cómo evoluciona el tema; a día de hoy aún no hemos decidido nada”, aseguran.

Aunque desde el área de Cultura se ha dado por hecho que Burton va recibir la distinción, la realidad es que no está nada claro que así sea. Para empezar, la propuesta debe volver a la Comisión de Cultura que está convocada para el próximo día 20. En la reunión que celebró este órgano municipal el pasado 12 de julio no se llegó a debatir. Según explican fuentes de la oposición, aquel día ese punto del orden del día se retiró en Junta de Portavoces “porque el expediente estaba incompleto y no constaban los informes negativos de los Cronistas de la Villa”. Las opiniones de estos expertos, contrarias al nombramiento de Burton como Embajador de Madrid, se incorporaron posteriormente al expediente tras las denuncias de Más Madrid y del PSOE.

Vuelta a empezar en la Comisión de Cultura

Así que, si no hay más incidencias, el asunto deberá llevarse de nuevo a la Comisión de Cultura y el dictamen que salga de ahí tendrá que someterse a votación en el Pleno municipal que se celebrará una semana después, el martes 27 de este mes. Para que sea aprobado, deberá contar con “mayoría simple”. Es decir, más votos a favor que en contra. Y Vox es la llave para decantar la balanza. Si los cuatro ediles de extrema derecha votan en contra, Burton se quedará sin su distinción. Pero si deciden abstenerse, habrá un empate a votos: 27 a favor (de PP y Ciudadanos) y 27 en contra (de Más Madrid, PSOE y los tres ediles del Grupo Mixto). ¿Qué pasará entonces? Pues que gracias al voto de calidad del alcalde de Madrid, una potestad que contempla el Reglamento de Organización, Funcionamiento y Régimen Jurídico de las Entidades Locales en caso de empate en las votaciones, la propuesta se aprobará.

El nuevo título de Embajador de Madrid fue incorporado al Reglamento de distinciones honoríficas del Ayuntamiento de Madrid en la reforma aprobada el pasado mes de abril con el fin de otorgar ese 'privilegio' a “aquellas personas que hayan destacado por sus actividades o servicios en el exterior en beneficio de la ciudad de Madrid”. De momento, no hay nadie que ostente ese título que tiene carácter vitalicio y que conlleva la entrega de una insignia, que se otorga a la persona elegida “en acto solemne”.

Levy y Almeida pensaron en un principio en Mick Jagger para ser el primer Embajador de Madrid, pero el afamado cantante de The Rolling Stone rechazó la oferta dado que sus vínculos con la capital eran nulos. Entonces, pusieron el foco sobre Tim Burton y en la visita que el cineasta estadounidense tiene prevista realizar a la capital a finales de septiembre para inaugurar y protagonizar una exposición sobre su filmografía. Según explicaron entonces desde el departamento de Cultura, el director de cine de películas tan conocidas como Eduardo Manostijeras o Batman, se apresuró a aceptar el ofrecimiento, aunque nadie sabe qué “actividades o servicios” ha hecho Burton para promocionar la capital. Tampoco el Ayuntamiento ha sabido explicarlo.

El reglamento de distinciones honoríficas, en su artículo 39 apartado 3, señala que “una vez iniciado el procedimiento”, “se dará audiencia a la persona propuesta, en el caso de tratarse de persona física viva; a sus herederos de haber fallecido, o a su representante legal en el caso de personas jurídicas o incapacitadas con el fin de que manifiesten su conformidad expresa al otorgamiento”. Pero Burton, que aterrizará en Madrid el 29 de septiembre, lo hizo simplemente a través de una carta con su firma enviada al Ayuntamiento en la que señala su “conformidad con el otorgamiento de tal distinción”. Dicho documento, al que ha tenido acceso esta redacción, no lleva fecha, ni un refrendo electrónico, ni tampoco ninguna referencia a un número de expediente.

La polémica sobre este nombramiento lleva latente desde el pasado mes de junio, cuando Levy lo propuso y su idea fue aprobada por la Junta de Gobierno, que inició los trámite para la concesión del título a Burton el 23 de ese mes. Como es preceptivo, Levy tuvo que consultar a los Cronistas de la Villa, que emitieron unos informes en contra. Al comprobar su desaprobación, la responsable de Cultura decidió ocultar esas cartas a los grupos de la oposición. Luego no tuvo más remedio que incorporarlas al expediente, que extrañamente ha desaparecido estos días de la plataforma que tienen los concejales para su consulta.

En el entorno de Levy han reconocido que no se ha sabido explicar bien el objetivo de este título y están intentado que de aquí a su posible aprobación definitiva “se comprenda la oportunidad y los motivos de tal propuesta”, ya que creen que es una buena oportunidad de que un personaje como Tim Burton de “relevancia internacional” pueda exportar la marca Madrid por todo el mundo. No obstante, algunos concejales de la oposición no descartan que Almeida decida a ultima hora retirar la propuesta si ve que van a perder la votación.

La decisión unilateral tomada a finales de junio por el Área de Cultura del Ayuntamiento de Madrid que dirige Andrea Levy de proponer como Embajador de Madrid al director de cine estadounidense Tim Burton sigue en pie. A pesar de la fuerte polémica que ha levantado la designación, de las críticas de los grupos de la oposición y del rechazo que ha motivado entre muchos de los Cronistas de la Villa a los que se les solicitó sus opiniones sobre tal distinción. Pero no todo está escrito. La propuesta vuelve a cobrar protagonismo en el arranque del curso político y tiene que ser debatida en la Comisión de Cultura y votada por el Pleno municipal.

La elección de Burton contó con el desprecio de parte de los Cronistas de la Villa, títulos honoríficos que reciben personas vinculadas a la ciudad y que, entre sus competencias, tienen la de informar de forma consultiva sobre este tipo de distinciones. Tal y como adelantó elDiario.es, dichos informes fueron desfavorables. Los motivos para rechazar la designación del director de películas como Eduardo Manostijeras, Pesadilla antes de Navidad o Batman fueron muy similares: no ven relación alguna del cineasta con Madrid ni tampoco consideran que haya aportado nada a la capital.

El Ayuntamiento ha hecho oídos sordos a esas opiniones y ha seguido adelante con los trámites para otorgarle la distinción. El Gobierno de José Luis Martínez-Almeida abrió el correspondiente expediente informativo en el que se recogen los motivos para concederle el título, destinado en un principio “a las personas que hayan destacado por sus actividades o servicios en el exterior en beneficio de la ciudad de Madrid”. Pero Levy ocultó los informes de los cronistas, dado que suponían un revolcón a sus planes.

De hecho, a mediados del pasado mes de julio, durante la reunión de la Comisión de Cultura, tanto Más Madrid como el PSOE exigieron conocer dichos informes. Fue entonces cuando el PP tuvo que reconocer que eran negativos. Este periódico también había reclamado esos escritos, pero desde Cultura declinaron hacerlos públicos. Ahora, elDiario.es ha tenido acceso a ellos.

Uno de los consultados por Levy fue el periodista y editor de Madridiario.es, Constantino Mediavilla. En su día, Mediavilla aseguró a este medio que era “poco justificable” pedirles un informe “a posteriori, cuando ya han anunciado el nombramiento”. Una opinión que dejó por escrito en su respuesta a la petición de Levy. Entre sus razonamientos, dice que no puede “informar positivamente a un nombramiento que no presenta justificación alguna salvo que este cuerpo de cronistas desconozca a esta fecha algún mérito oculto del gran cineasta relacionado con la promoción o puesta en valor de la ciudad de Madrid con anterioridad a esta concesión”. “Por ello,- explica- comunico mi sentir desfavorable desde el respeto y admiración a la obra de Tim Burton”. Pero, a la vez, sugiere al Ayuntamiento que “sería conveniente evaluar consultas de forma previa a las concesiones para conocer en detalle las motivaciones que las promueven sugerencias que espero sea recibida y aceptada de cara a un reglamento que no es tan fácil de cumplir e interpretar”.

Otro de los Cronistas de la Villa es Pedro Montoliu, autor de numerosas obras sobre Madrid, quien asegura en su carta que no entiende “las razones por las que se propone conceder tal distinción a Burton sin discutir sus muchos méritos como cineasta y su innegable proyección internacional”.

“Pero Burton, que yo sepa, ha visitado Madrid en una ocasión, en enero de 2007 para presentar su película Sweeney Tood, y no ha destacado por sus iniciativas o servicios en el exterior en beneficio de la ciudad de Madrid por lo que no considero que sea merecedor de tal distinción”. Montoliu añade que el cineasta “tampoco ha hecho declaraciones sobre lo honrado que estaría si se le concediera tal distinción ni alabado la ciudad de Madrid en los medios internacionales”, así como “tampoco ha expresado su compromiso de futuro con la ciudad”. “Por todo ello lamento comunicar mi rechazo hasta candidatura esperando que las próximas propuestas de Embajador de la ciudad sean más apropiadas que esta”, concluye.

Un tercer cronista, Antonio Castro Jiménez, director de la revista Artescénicas, deja también clarísima su postura contraria a la distinción a Burton. “No encuentro ninguna razón para que esta persona se convierta en representante honorario de la capital de España”, dejó escrito, y añadió: “Desconozco cualquier vinculación del señor Burton con Madrid ni si tiene algún conocimiento o relación con la actualidad de nuestra ciudad”.

“Si no consta vinculación alguna con Madrid ni sabemos su disposición para en el futuro prestar la colaboración que se puede pedir desde el Ayuntamiento no veo razón de peso para concederle este honor más allá de la publicidad puntual que pueda provocar la noticia si llega a producirse”. Además, observa que el nombramiento del anuncio de esta concesión “coincide con la presentación de una exposición sobre este personaje y su obra”, lo que le hace pensar que “podemos estar ante una promoción publicitaria extra para una actividad que no será gratuita para los madrileños”.

Siguiendo esta tónica, el expediente incluye otro escrito de la presidenta del Instituto de Estudios Madrileños , que señala que como Cronista de la Villa en representación de este Instituto “no tiene datos para poder argumentar positivamente la concesión de esta distinción a Burton”. No obstante, se muestra hasta cierto punto comprensiva y señala: “Entiendo que se hace para que este estupendo director promocione la ciudad de Madrid”, pero añade que ella “de momento no ha encontrado ningún dato que justifique su vinculación con la ciudad aunque lo admiro profundamente por el trabajo que ha realizado a lo largo de estos años y no dudo de que si es nombrado [Embajador de Madrid] tratará de proyectar la marca de Madrid en el mundo”.

“Ridículo internacional”

Una vez conocidas todas estas razones, el grupo municipal de Más Madrid cree que los argumentos en contra de Burton “son de un sentido común incontestable”, mientras lamenta con indignación que el Gobierno de Almeida intentara ocultar esos informes. La portavoz del principal grupo de la oposición, Rita Maestre, cree que el alcalde y el Ayuntamiento han hecho “un ridículo internacional” y “todo por poner, cueste lo que cueste, a Tim Burton y Almeida en el mismo titular”.

“Es lo que pasa cuando llevas casi cuatro años gobernando y no tienes nada que ofrecer a la ciudadanía, que intentas hacer cosas como esta sin ton ni son, de mala manera, y salen mal. El problema es que deja en evidencia nuestra ciudad y eso no lo podemos consentir”, zanja Maestre.

“Este culebrón demuestra claramente cómo funciona el gobierno Almeida, su falta de seriedad gestionando y su poco interés por la cultura”, añade, por su parte, la concejala Pilar Perea. “Es un Gobierno que va a lo fácil, a salir en la tele con famosos sin ton ni son. Es lo que yo llamo la estrategia del brillibrilli, y encima lo hacen mal, muy mal. Este asunto es lamentable, es de vergüenza ajena. Ni Tim Burton ni Madrid se merecen esta chapuza”, añade en conversación con esta redacción.

Por su parte, la portavoz socialista, Mar Espinar, afirma a esta redacción que su grupo “alertó sobre la falta de documentación en el expediente que se presentó en la última Comisión de Cultura celebrada en julio”. “Nos enteramos, en la Junta de Portavoces previa, que se había decidido no enviar el informe preceptivo de los Cronistas de la Villa al ser negativo y recomendar que no se entregase tal honor, ya que no se justifican los méritos suficientes que recoge el reglamento para ser Embajador de Madrid”, dice.

“La señora Levy y el señor Almeida anunciaron una distinción sin que la persona en cuestión cumpla los requisitos mínimos. Además, a ello se suma el interés comercial que suele ser el que guía a este gobierno en cada decisión que adopta.”, añade la portavoz del grupo socialista.

Espinar adelanta que volverán a estudiar el expediente “por si ha habido algún cambio que pueda motivar realmente la condecoración, pero de seguir igual no podremos apoyar la iniciativa pese a tener todos claro que Tim Burton es una figura fundamental del panorama internacional”. “Estamos cansados de ver cómo nuestro Gobierno trata constantemente de hacerse trampas a si mismo y cómo pretende que participemos todos de esa misma actitud”, zanja.

Los tres concejales del Grupo Mixto también mostraron su enfado por cómo se ha llevado a cabo esta iniciativa. En este grupo la hasta ahora portavoz, Marta Higueras, se ha desmarcado de la unidad acción y de voto de sus otros dos compañeros de Recupera Madrid y ahora actúa de manera independiente. No obstante, según aclara a esta a esta redacción, al ser ella la portavoz de Cultura, ya expresó su opinión contraria a ese nombramiento.

Por su parte, el edil Luis Cueto ironiza y asegura a elDiario.es que “Almeida aprovecha el paso de cualquier visitante ilustre por Madrid, como fue el caso de Mick Jagger, para ofrecerle el puesto de honor de Embajador de Madrid”. “Es un disparate porque esa distinción debe ofrecerse aquel que haya hecho algo por Madrid, no a alguien que viene a Madrid a hacer su trabajo y que no tiene ninguna vinculación ni nada que ver con Madrid”.

A su juicio, “es una paletada y es absolutamente cutre intentar aprovechar que a cualquier famosete de turno que pase por Madrid le nombramos embajador”. “Eso es degradar ese título honorífico que se podría conceder perfectamente a gente que lleva muchos años haciendo mucho por la marca de Madrid”, concluye Cueto.

A pesar del revuelo levantado, la idea del alcalde y de Levy es poder celebrar esa “ceremonia solemne” de entrega de la distinción a Burton cuando el cineasta visite en septiembre la capital, en donde recalará para promocionar y presentar una exposición interactiva sobre su trayectoria cinematográfica, un “estreno mundial” que se montará en el Espacio Ibercaja Delicias.

Pero antes, los grupos de la oposición esperan que el Gobierno de Almeida tenga a bien convocar el Pleno si es necesario “de carácter extraordinario” para poder debatir a fondo la propuesta, que saldría adelante solo si cuenta con el apoyo del PP, Ciudadanos y Vox.

El Museo de Arte de la Diputación (MAD) de Antequera (Málaga) acoge la muestra 'Territorio Tim Burton', una colección de 60 obras con las que la ilustradora sevillana Irene Mala se adentra en el mundo del cine y explora el terreno del cineasta norteamericano en su cuádruple condición de director, productor, escritor y animador.

La exposición, que se podrá visitar hasta el 18 de septiembre, ha sido inaugurada este viernes por el diputado de Cultura, Víctor González, que ha estado acompañado por la concejala de Cultura de la localidad, Elena Melero, por la artista y por el comisario de la muestra, Antonio Sánchez.

El diputado provincial ha resaltado la trayectoria de esta artista andaluza, recordando que es la segunda vez que visita la Diputación tras exponer en la sede de calle Pacífico, en junio del año pasado, su muestra 'Camarón y el nuevo flamenco', en la que Mala narra la vida del genio del flamenco junto a figuras de su entorno, como Tomatito o Paco de Lucía, y representativas del flamenco actual, como Rocío Molina, Niño de Elche o Rosalía.

Inspiración

Al igual que aquella exposición tenía su origen en las ilustraciones de la publicación 'Camarón. La alegría y la pena' (Editorial Reservoir Books, 2020), esta muestra sobre Tim Burton se nutre de los originales que la artista realizó para el libro 'El Universo Tim Burton' (Ediciones Lunwerg, 2020).

Con su estilo ilustrativo, la sevillana recorre cintas tan conocidas como 'Batman', 'Pesadilla antes de Navidad', 'Eduardo Manostijeras', 'Big Fish', 'Ed Wood', 'Charlie y la fábrica de chocolate', 'Alicia en el País de las Maravillas', 'La novia cadáver', 'Sleepy Hollow', 'Mars Attacks!' o 'Sweeney Todd', entre otras, dando forma a escenas y personajes oscuros o tenebrosos, en unos casos, y coloristas y alegres, en otros, como en la filmografía misma de Burton, conectando la fantasía con la ingenuidad infantil.

Información útil

La exposición en el museo antequerano se puede visitar de martes a domingo en horario de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.30 horas. La entrada es gratuita.

Irene Mala es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, su ciudad natal. Ha ilustrado publicaciones como 'Camarón. La alegría y la pena' (Editorial Reservoir Books, 2020) o 'El Universo Tim Burton' (Ediciones Lunwerg, 2020), entre otras, además de cuentos infantiles. Ha creado portadas para distintas publicaciones y ha ilustrado carteles para campañas, ferias y ferias del libro. Desde 2008 ha expuesto en galerías y muestras por toda Andalucía, Madrid y Barcelona e incluso en Los Ángeles.

Hace unas semanas José Luis Martínez-Almeida anunció que iniciaría los trámites para otorgar el título de Embajador de Madrid al cineasta estadounidense Tim Burton, de 63 años. El alcalde de Madrid tenía intención de inaugurar esta distinción con el autor de Eduardo Manostijeras, Batman, Charlie y la fábrica de chocolate o Big Eyes. Sin embargo, tal y como ha podido saber este periódico, el informe encargado a los cronistas de la Villa ha resultado desfavorable. Los expertos rechazan nombrar a Tim Burton como Embajador de Madrid, según confirma el Área de Cultura del Ayuntamiento. Este periódico ha reclamado al área que dirige Andrea Levy el escrito de los técnicos, pero desde Cultura han declinado hacerlo público.  

Desde el Consistorio señalaron con el anuncio que el nombramiento de Burton “potenciaría la imagen de Madrid”, porque se trata de “un artista de talla y fama mundial”. Entonces pusieron en marcha el procedimiento para la concesión del título, que fue incorporado al reglamento de distinciones honoríficas del Ayuntamiento el pasado abril. La intención de este nuevo título es “distinguir a las personas que hayan destacado por sus actividades o servicios en el exterior en beneficio de la ciudad de Madrid”. En el caso de Tim Burton no han quedado demostrados dichos servicios. Según lo previsto por la norma, se concederán un máximo de tres títulos de Embajador cada año. 

La concesión “solemne” del título quería coincidir, según los planes del Ayuntamiento, con el estreno de un espectáculo de experiencia inmersiva sobre la obra del director, en el Espacio Ibercaja Delicias, después del verano. “Es decir, pretendemos concederle el título a alguien antes de que haga algo positivo por la ciudad”, explica Constantino Mediavilla, uno de los cronistas de la Villa de Madrid que ha emitido informe negativo a la concesión. El cuerpo consta de 12 miembros, entre historiadores y periodistas, que se dedican a estudiar y difundir la vida de Madrid. 

Ni vínculo ni promoción

Mediavilla indica a este periódico que han remitido varios informes individuales y todos los que ha podido leer son desfavorables. “Es poco justificable que nos pidan un informe a posteriori, cuando ya han anunciado el nombramiento. Por otro lado, salvo por error o desconocimiento, entiendo que la promoción de Madrid en su obra o en su persona es ninguna. A mí me gusta su cine pero no existe ninguna referencia a la ciudad. Para la concesión de este título debería, al menos, proyectar una imagen positiva de Madrid. Yo no he encontrado ninguna. Si le concedemos el título por la exposición que va a hacer estaríamos entregándoselo por algo que no ha ocurrido y no sabemos qué es”, cuenta el periodista a elDiario.es.

Pedro Montoliú, periodista, asegura que todos los cronistas que han ofrecido su opinión han rechazado el nombramiento. La propuesta tiene el voto en contra de Carmen Iglesias, Antonio Castro, Ruth Toledano, Feliciano Barrio, Constantino Mediavilla y el propio Montoliú. “Nos parece innegable la figura de Tim Burton, pero no existe ninguna relación con Madrid y nunca ha hecho campaña por la ciudad. La ha visitado una vez, eso sí. Por todo creemos que no hay motivo para darle el primer título de Embajador de Madrid a este personaje. Estudiamos el caso y descubrimos que no existe ninguna relación entre Tim Burton y Madrid. Es nuestra opinión, pero no es vinculante. Disentimos de la decisión anunciado y lamentamos que se desperdicie una oportunidad como esta”, asegura Pedro Montoliú.

La Junta de portavoces de Cultura del Ayuntamiento muestras indignación por la “chapuza” que el Área de Cultura ha realizado. Informan desde Cultura que la propuesta la han retirado de la votación de hoy, martes, porque “faltaba adjuntar el documento de los cronistas”. Por este motivo pasa a votarse en la próxima Junta de portavoces. Sin embargo, desde Más Madrid indican que el Área no ha incluido el informe de los cronistas a pesar de que el reglamento de distinciones honoríficas lo exige. Al no adjuntarse el informe se ha reclamado y en ese momento se informa al resto de grupos que en informe existe pero que es “contrario” a la concesión. Hoy estaba prevista la votación de la concesión y el Área no ha incluido el informe desfavorable. 

Mar Espinar, la portavoz del PSOE, explica a este periódico que Tim Burton cuenta con el reconocimiento de todos los madrileños por su brillante trayectoria profesional. “Unos minutos antes de comenzar la Junta nos hemos enterado de que el informe de los cronistas es negativo. Ocultar información a la oposición, por despiste o porque entienden que es un trámite innecesario, no es una práctica aceptable y por eso hemos pedido que se retire el punto. Madrid merece mejores gestores que no retuerzan la institución cada vez que se atisba la posibilidad de no hacer lo que quieren”, explica Espinar. 

Pilar Perea, de Más Madrid, considera que “esta es otra falta de respeto y muestra de desastre de este Gobierno”. “No sólo no completan la información antes de traerla a votación, sino que teniendo el informe en contra, no lo aportan. No valoramos si Tim Burton lo merece o no, simplemente consideramos que no aportar un informe negativo de los cronistas a una votación roza la prevaricación”, sostiene Perea.

La artista norteamericana Margaret Keane ha fallecido en su casa de California los 94 años debido a una insuficiencia cardiaca, según han informado sus familiares. Sus característicos retratos de ojos enormes fueron muy populares en las décadas de los 50 y 60, pero su propia historia saltó a la fama en 2014 gracias a la película Big Eyes, dirigida por Tim Burton.

La trama de la película de Burton se centra en el calvario al que le sometió su esposo durante años. Walter Keane, agente inmobiliario y docto en técnicas de marketing, se atribuyó la autoría de los cuadros de Margaret, a quien obligaba a pintar durante 16 horas seguidas mientras él disfrutaba de la riqueza obtenida con su labor. Si él salía, llamaba cada hora a casa para asegurarse de que seguía trabajando. “Era una carcel”, admitió ella años después.

Los retratos kisch, firmados como Keane, causaron sensación y les convirtieron en una pareja mediática, llegando a aparecer en la portada de la revista Life. Las obras preferidas por la alta sociedad norteamericana eran en las que aparecían niños abandonados de grandes ojos tristes. Estos cuadros llegaron a costar 50.000 dólares cada uno.

El carácter tímido de ella contrastaba con el de él, que se movía en círculos poderosos haciendo contactos y vendiéndose como el verdadero artista. En realidad, fue Margaret la que realizó retratos de Zsa Zsa Gabor, Kim Novak, Natalie Wood, Robert Wagner o Joan Crawford. También pintó a los Kennedy y a la familia de Jerry Lewis vestidos de arlequines. Su estilo no estuvo exento de detractores, pero el mismo Andy Warhol salió en su defensa y lo alabó, diciendo que no podía ser malo si era tan exitoso.

“Todo se convirtió en una bola de nieve y era demasiado tarde para decir que no fue él quien los pintó”, dijo la artista años más tarde al New York Times. “Siempre me arrepentiré de no haber sido lo suficientemente fuerte para defender mis derechos”.

Margaret fue afinando su técnica y empezó a firmar de forma diferente las obras perfeccionadas, incluso bajo la amenaza de muerte de Walter. En 1965 se divorció y en 1986 le demandó. El juez pidió a ambos que pintaran ante el tribunal para demostrar quién era el verdadero artista. Él alegó no poder hacerlo por una lesión de hombro, pero ella terminó un cuadro en 53 minutos y ganó. El juez obligó a Walter a pagar 4 millones de dólares a su exesposa, por lo que en el año 2000 murió arruinado.

Una fama renovada

Margaret Keane rechazó vender los derechos de su historia en numerosas ocasiones, hasta que llegó un par de guionistas que se los cedió a Tim Burton. Ella había retratado unos años antes a Helena Bonham Carter, por lo que aceptó ponerse en sus manos. Amy Adams fue la actriz escogida para interpretarla –ganando el Globo de Oro con este papel– y Christopher Waltz se metió en la piel de Walter.

Con la película y en el contexto de la cuarta ola feminista, la figura de Keane recobró fuerza. La artista abrió una galería en California, cuya imagen principal en redes sociales la muestra a ella junto a Amy Adams. Allí se explica que su artista favorito es Amedeo Modigliani y que también se inspiraba en Van Gogh, Rousseau, Picasso, Gustav Klimt o Gauguin.

A los 90 años, Keane comenzó a recibir cuidados paliativos en su casa. En 2017 desveló que sufría problemas circulatorios y pulmonares que le hacían depender de un suministro de oxígeno permanente. Su hija ha informado a los medios que, no obstante, la artista ha muerto rodeada de sus seres queridos y “en paz”.

Una de las más extravagantes personalidades cinematográficas de Jhonny Depp llega este jueves 2 de enero a la Biblioteca Central de Cantabria. 'Eduardo Manostijeras' (Edward Scissorhands, 1990), una de las obras por excelencia de Tim Burton, forma parte del Especial Cine Navideño y se proyectará a las 18.30 horas.

Esta película de fantasía se desarrolla mientras una anciana cuenta la historia de Eduardo Manostijeras a su nieta en una noche de Navidad. Este individuo es la creación de un inventor (Vicent Price) que no pudo acabar su obra a tiempo, por lo que el joven lleva unas cuchillas en las manos que sustituyen sus dedos.

Winnona Ryder (Kim Boggs en la ficción) y la banda sonora compuesta por Danny Elfman son los otros dos grandes protagonistas de la cinta. Este filme estadounidense de 98 minutos, producido por 20th Century Fox, ha recibido numerosas nominaciones en diferentes categorías como Mejor Maquillaje en los Premios Oscar (1990), Mejor Fotografía por el Círculo de Críticos de Nueva York (1990) o Mejor Diseño de producción en los Premios BAFTA (1991), entre otras.

Disney ha puesto en marcha una maquinaria del live action que promete devolvernos a la infancia recreando sus mejores clásicos de animación. De paso, la factoría del ratón que todo lo engulle está aprovechando para maquillar algunos de los polémicos detalles que le han hecho envejecer con un ligero olor a rancio.

Lo intentaron hace dos años con El libro de la selva, eliminando el legado colonialista del cuento de Rudyard Kipling y el tufo xenófobo de su primera adaptación, y lo vuelven a hacer con Dumbo, en cartelera desde este viernes.

Tim Burton dirige la nueva versión del elefante que quería volar con un presupuesto más que generoso para enmendar los errores del pasado. Y con aquellos lo consigue. Ya no hay cuervos con acento afroamericano que respondan ante su líder Jim Crow, bautizado como el hombre que promulgó las leyes de segregación racial en EEUU, ni chistes políticamente incorrectos. Pero ahora sus problemas son otros. Muchos otros.

Partiendo del guion de 1941, la acción nos traslada a un circo ambulante en decadencia gestionado por Max Medici (Danny DeVito) cuyas estrellas son un hombre negro forzudo, una sirena con sobrepeso, un mono que recita a Shakespeare y un antiguo jinete manco, interpretado por Colin Farrell, que ahora solo sirve para domesticar elefantes. Él y sus dos hijos huérfanos de madre –como no podía ser de otro modo en una fábula Disney– serán los encargados de cuidar a la nueva adquisición del circo llamada a salvarlo de la quiebra: la elefanta Jumbo y el bebé que espera en su interior, Jumbo Junior.

El inicio de esta primera mitad prometía un remake a la altura que explota, como hizo la primera, ese maltrato exacerbado hacia el diferente. Antes no tenía nombre, pero ahora lo llamamos bullying y presenciarlo es una absoluta tortura. Aún peor si el objeto de las burlas y de los golpes es la criatura más adorable que ha parido el CGI en las últimas décadas.

El elefante de Burton y sus desproporcionados ojos azules (casi tanto como sus orejas) son lo mejor y a la vez lo único bueno de la película. Teniendo en cuenta el título, debería resultar suficiente, pero todo lo que rodea al pequeño paquidermo es tan endeble que lo arrastra con su inconsistencia. Para empezar, es absurdo que la trama funcione solo cuando interactúan Dumbo y su madre, los dos personajes generados por ordenador, porque entonces el concepto de live-action carece de sentido.

Podemos sentir el instinto protector de ella cuando su recién nacido recibe cacahuetazos desde la grada de la carpa y su furia irracional cuando los brutos cowboys le arrastran de las orejas sin cuidado. Sigue siendo igual de descorazonadora la escena en la que la encierran en el minúsculo vagón con el cartel de “peligro, elefanta loca” y le arrulla con la trompa desde la rejilla de ventilación. Pero, cuando la señora Jumbo desaparece, los secundarios humanos adquieren una relevancia que no se merecen ni por el guion ni por las interpretaciones.

El elefante supera la depresión por su repentina orfandad aprendiendo a volar gracias a los cuidados de los dos hijos del jinete tullido. Sin embargo, cada vez que los actores miran a ese bulto de piel gris escamada es como si mirasen a una escoba. El espectador ve a Dumbo, pero cada caricia y palabra de afecto suena tan impostada que se le ve el plumero al truco de magia de Tim Burton.

La cosa no mejora cuando aparecen los dos “villanos” de la película interpretados por Michael Keaton como una especie de Walt Disney circense desatado y su acompañante Eva Green, que terminará pasándose al bando de los buenos con una premura artificial. En el único momento que se puede atisbar un poco del pasado Tim Burton es cuando la familia Medici llega a Dreamland, el paraíso de los freaks, donde la gente no se mofa de ellos sino que paga precios prohibitivos por disfrutar de sus espectáculos.

Y allí donde parece que Keaton va a aportar la pizca de locura necesaria, la acción se precipita en diversos sinsentidos que culminan con él convirtiéndose en un Beetlejuice pirómano que genera más tristeza que recelo. Con él, Burton ha perdido la oportunidad de exprimir un personaje hecho a su medida para dejarse llevar por la mirada edulcorada de un Disney que remienda su conciencia. Ni siquiera la mejor escena de 1941 ha pasado el filtro de lo políticamente correcto: la borrachera del bebé Dumbo y los elefantes rosas que bailan en su sueño de embriaguez.

A tanto ha llegado el brochazo, que el nuevo Dumbo ha abrazado la causa animalista de una forma que, sin embargo, se engarza bien con el resto de la narración. No así los burdos intentos de meter una lectura feminista a través de una aspirante a Marie Curie a medio hacer y quien celebra que los hombres lleven bata y rulos y las mujeres traje de ejecutivo.

No es el momento propicio para vanagloriarse de los circos que maltratan y encierran a animales salvajes y ahí Dumbo se alza como un gran transmisor de valores que hace siete décadas ni se planteaban. Lo que no es óbice para ofrecer un producto carente de acción, desmejorado respecto al original y con la profundidad argumental de un episodio de Disney Channel.

La rueda de los remakes acaba de arrancar, solo esperemos que en las siguientes logren el equilibrio que no habría hecho precipitarse al elefante más querido de la franquicia infantil.

Cuando la Alicia de A través del espejo, dirigida por James Bobin y heredera de la de Tim Burton (productor del filme), se despierta de su sueño en la cama de un sanatorio, su diagnóstico no deja lugar a dudas: histeria. En la Inglaterra victoriana, no quedaban muchas más opciones para toda aquella mujer que se atreviese a salirse en algo de la norma, o siquiera a dar una opinión.

“Era muy importante para nosotros subrayar eso. Recordar que eso pasaba. Y que no estaban locas. Esa secuencia estaba escrita desde el principio”. Habla Bobin, pero la responsabilidad de la escena se la atribuye Linda Woolverton, guionista de Alicia a través del espejo. También fue suya, y estaba tomada desde el principio, la decisión sobre cuál seria la última palabra que se pronunciase en esta secuela: “mujer”.

“Mi versión sí que es feminista”, indica Bobin sin prejuicios. “Alicia ha crecido. Ella nace a mediados del XIX y representa a una generación de mujeres que luego fueron las sufragistas, que consiguieron el voto, que comenzaron a cambiar las cosas. El mensaje del personaje es muy fuerte. La Alicia que crece y se convierte en capitana de barco es el camino lógico a seguir si no estás aplastada por la sociedad”. Suma así a Alicia a la reivindicación del feminismo de la Primera Ola. Ese que, por otra parte, resulta ser el que menos incomoda.

No está demasiado convencido de que Lewis Carroll pensase igual al escribir A través del espejo y lo que Alicia encontró ahí: “No creo que lo escribiese pensando en los derechos de la mujer y en la igualdad, sino que simplemente lo escribió para una niña. Cuando la conoció, Alice tenía 7 años y la sociedad victoriana no la había machacado todavía lo suficiente, así que era inteligente, valiente, quería hacer otras cosas. Él retrató a esa niña, que aún escapaba del peso de la sociedad, esa que le ordenaría primero que se callase, y luego como mucho que se casase”.

Una adaptación libre

Aunque es difícil, efectivamente, que Carroll (por otra parte, y como es sabido, acusado histórica y culturalmente de pedofilia) escribiese aquel libro pensando en ningún derecho de ninguna mujer (si acaso el de divertirse y volar de Alice), sí que el libro se ha convertido en un referente cultural para millones de niñas, a las que que ha inspirado para vivir sus propias aventuras. 

“Alicia no es un libro más en Reino Unido. Está en la casa de mis padres, en la de mis abuelos, en la biblioteca de mis hijos, en mi propia casa”, cuenta Bobin ante lo que implicaba tener detrás no sólo la sombra de Burton, sino todo un emblema cultural de su país. “Y una de las cosas que más me gustan es lo mucho que me ha hecho reír. Se puede trazar una línea recta desde ese absurdo surrealismo de Carroll hasta Burton, pasando por los Monty Python”.

De Alicia a través del espejo, narrativamente, lo han cambiado todo. “Es que creo que a Carroll no le interesaba la narrativa, el lenguaje, la estructura y la palabra. No parece que le importase mucho lo que le pasase a Alice, al menos no de una manera razonable. No hay nexos, no hay línea temporal. Se podría haber rodado eso tal cual, pero era arriesgado y tampoco era lo que queríamos. Y no pasa nada”.

Basándose, eso sí, en el original, el guion es más triste y melancólico que el de Alicia en el País de las Maravillas. “Para cuando él lo escribe, Alicia ya es una mujer, ya es adulta. Está esa melancolía de hacerse mayor, mirar hacia atrás, crecer”. Lo describe como un partido de ajedrez, en el que cada paso es importante para alcanzar la meta.

“Lo que más me interesaba era, por una parte, la relación entre Alicia y su madre, que no se oyen ni se escuchan; cada una tiene una opinión sobre lo que es ser mujer. Y por otra, ese paso del tiempo, los veranos dorados pasados. Alicia, al principio, echa la culpa al tiempo por haberle robado a su padre, pero luego cambia su postura. Primero, porque conoce al Tiempo, que es un personaje, y segundo, porque comprende que el tiempo le va a dar tanto como le va a quitar. Esa es la moraleja: si eres capaz de vivir el momento y apreciar el paso del tiempo y el momento, no habrá lugar para arrepentimientos” explica Bobin.

Un personaje sin historia de amor

Con esa evolución está de acuerdo Mia Wasikowska, la propia Alicia, quien pasa algo desapercibida entre un elenco formado por Johnny Depp, Anne Hathaway, Sacha Baron Cohen y Helena Bonham Carter; hablamos de una protagonista absoluta que aparece la tercera en los títulos de crédito.

“Alicia ha pasado dos años como capitán de barco, sabe muy bien que es independiente, tiene expectativas y vale mucho más de lo que la gente espera”, cuenta. “En la primera película la notaba más incómoda, no tan segura de sí misma. Sabía cómo quería ser, pero no estaba tan segura como para mostrarlo. Ahora es más adulta, sabe lo que quiere y no deja que otros la influyan. Se conoce”.

Esta australiana, que leyó los libros de Alicia de niña y vio tres veces la versión animada de Disney antes de rodar (aunque la que más le marcó es una stop motion checa que le puso su madre y que le traumatizó, “Alicia tiene algo de eso, de dar un poco de miedo”), confiesa que “no es muy común en este tipo de películas tan comerciales encontrar un papel relevante para una mujer. Incluso en las de superhéroes, con ellas como protagonistas, el peso lo llevan los hombres. Alicia me gusta porque no depende de una historia de amor”, confiesa. Y quizá por esa dificultad, dice que sueña con protagonizar un guión de Jane Campion.

Bobin también está orgulloso de que la suya sea “una de las pocas películas de Hollywood con un papel principal femenino y fuerte”. “Es que es una lástima y una pena, pero la sociedad es como es. Los guiones ya están planteados así, los recibimos así”. Las películas las hace y las piensa para su hija de ocho años, con quien se sienta en el sofá a verlas. Y sólo querría que, como Alicia, le aportaran más ejemplos de mujeres fuertes: “Como mínimo, personajes que no dependan de un hombre. Eso quiero que vea”.

No hay objeto más deseable para el cinéfilo que la película-unicornio, aquella que solo se aparece a las vírgenes. Más de medio siglo después todavía se hace difícil no fantasear de vez en cuando con lo que podría haber sido Kaleidoscope, el proyecto de Alfred Hitchcock sobre un asesino de mujeres, homosexual y culturista, que fue abortado por su abundancia en desnudos y violencia gráfica. Lo mismo ocurre con esa adaptación que Agustí Villaronga nunca ha podido llevar a cabo de La mort i la primavera, la novela tan extraña que Mercè Rodoreda dejó inconclusa a su muerte.

En los últimos años han proliferado los documentales sobre películas que no pudieron ser, desde el Lost in La Mancha que daba cuenta del rodaje catastrófico de El hombre que mató a don Quijote, eterno proyecto postergado de Terry Gilliam, al exuberante hombre de acero de Tim Burton y Nicolas Cage sobre el que se especula en The Death of “Superman Lives”: What Happened?, pasando por el Jodorowsky's Dune o L'enfer de Henri-Georges Clouzot, que giraba en torno una de las películas más bellas y morbosas de la historia precisamente porque nunca existió.

La isla del doctor Moreau sí llegó a hacerse. Se hizo varias veces, de hecho, y los que vieron la versión de 1996 todavía se preguntan por qué. Lost Soul: El viaje maldito de Richard Stanley a la isla del Dr. Moreau es la última incorporación al listado de documentales que tratan de explicar cuándo, cómo y por qué un sueño vira en pesadilla.

Carretera hacia el limbo

A principios de los 90, el sudafricano Richard Stanley se había destacado entre los nuevos directores de cine fantástico con Hardware: Programado para matar, una ópera prima que tomaba de la revista de historietas 2000 AD sus presupuestos apocalípticos y ciberpunk. Su segundo y lisérgico largometraje, El demonio del desierto, tuvo menos proyección pero le posicionó definitivamente como cineasta visionario, un adjetivo que la crítica cinematográfica utiliza mucho cuando no sabe bien qué otro aplicar.

En 1897, al año de publicar La isla del doctor Moreau, H. G. Wells amonestaba a su colega y amigo Joseph Conrad por haberle plagiado el personaje de Moreau en el Kurtz de El corazón de las tinieblas. Conrad se defendió de la acusación diciendo que su personaje estaba inspirado en la figura de Henry Morton Stanley, explorador de África famoso por rescatar al doctor Livingstone y a la sazón bisabuelo del joven Richard Stanley.

Convencido de su vínculo natural con aquella novela, Stanley logró venderle la adaptación a New Line Cinema, una productora en crecimiento responsable de títulos tan populares entonces como Pesadilla en Elm Street, Las tortugas ninja o Dos tontos muy tontos.

La película se planteó en un primer momento como una producción de bajo presupuesto, pero con misticismo y hechicerías, el director embaucó en la aventura al mismísimo Marlon Brando, el hombre que había encarnado a Kurtz en el Apocalypse Now de Coppola, otro calvario narrado, por cierto, en el excelente documental Corazones en tinieblas.

La incorporación del actor infló las dimensiones del proyecto pero su figura era más mitológica que utilitaria, así que para arrastrar público a la taquilla era necesaria una estrella. Val Kilmer acaba de hacer Batman Forever, estaba en la cima de su carrera, parecía una buena idea. Otra más.

Una serie de catastróficas desdichas

La mirada de Richard Stanley sobre la obra de Wells era atrevida, humanista, desaforada y casi de vanguardia tal y como dictaban los códigos del cine fantástico independiente, algo que Val Kilmer, que a decir de todos los implicados en el rodaje se reveló como un cretino arrogante, no podía ni quería entender. Entretanto Brando, en su línea de súper gran maestro ajedrecista, fluía por encima del bien y del mal. Para eso era Brando.

Brando un día decidía que hacía calor y que su personaje iba a llevar una cubitera en la cabeza, sin más, y al siguiente se engolosinaba con el hombre más pequeño del mundo y permitía que el dominicano Nelson de la Rosa se le encaramase al hombro para no volver a bajar nunca más de aquella cumbre. La naturaleza, alborozada, se sumaba a la fiesta con un huracán que se llevaría por delante el plató montado en un atolón de Australia, mientras Stanley, que no iba precisamente sobrado del temperamento necesario para coordinar la lucha de egos y despropósitos, hiperventilaba por los rincones y se arrancaba las cejas.

Llegados a cierto punto, cancelar una producción de aquellas dimensiones era una maniobra que una productora todavía mediana como New Line no podía ni contemplar, así que como medida de urgencia para minimizar pérdidas se decidió despedir a Stanley, quien tras un primer arrebato de ira y promesas de sabotaje terminó por pactar: a cambio de su sueldo íntegro se mantendría a un mínimo de cuarenta kilómetros del rodaje y no hablaría con nadie de lo que allí estaba aconteciendo. Su amiga Fairuza Balk, actriz en la película y otro perro verde en el Hollywood de los 90, recibió la noticia del cese amenazando a los productores con arrancarse el corazón con un cuchillo de sushi. Así todo el rato.

De capitán a polizonte

Para sacar las castañas del fuego, New Line contrató al veterano John Frankenheimer, el de El hombre de Alcatraz, Plan diabólico o El mensajero del miedo. Este se manejó resolutivo pero como un pulpo en un garaje en aquel ecosistema de humanimales ya abandonados a la buena de Dios, señores maquillados de hiena, perro o jabalí que alimentaban la entropía jugando al Scalextric, fumando porros de calibre familiar y apareándose por doquier en un infierno cumbayá donde la realidad era devorada por aquella misma ficción que no había manera humana de representar.

Irreductible, Stanley todavía pergeñaría un plan maestro para mantenerse cerca de su criatura hasta el final antes de exiliarse en los Pirineos franceses, donde desde hace años vive fuera del escrutinio de la sociedad en respeto a sus antepasados y a su propia salud mental.

Dirigida por el productor de extras para deuvedés David Gregory, Lost Soul arranca con la comparecencia de Stanley, aporta valioso material de archivo y recoge el testimonio de un montón de implicados en aquella infausta aventura. Su aspecto es el de un documental corriente y se muestra poco dado a la inventiva, pero su concatenación de azares y el dibujo del maelstrom hollywoodiense aniquilando la noción mágica de juego lo convierten en un fascinante making of “por los pelos” que viene a demostrar que las historias edificantes no tienen nada que hacer frente al relato de los grandes fracasos.

Halloween se celebra todos los años, y todos los años aparecen listas y propuestas en consonancia con el 31 de octubre: los disfraces más terroríficos. Las galletas con forma de fantasma que harán temblar a tu vecino. Los sitios más escalofriantes para celebrar la noche de los difuntos. Y así un largo etcétera de ránkings. Desde eldiario.es, como sabemos que -prácticamente- está todo inventado, hemos aunado la tradicional fiesta celta con la Generación Millennial, que, casualmente, vivió en primera persona el auge de Halloween en nuestro país.

Bitelchús (1988)

La película dirigida por Tim Burton fue un rotundo éxito de taquilla. El jugo de escarabajo que desprendía Michael Keaton recaudó 73 millones de dólares en EEUU. El argumento gira en torno a Bitelchús, (Beetlejuice) quien, a pesar de ser un exorcista del inframundo hace gala de un desternillante humor negro; y una pareja de recién casados que se establecen en su nueva casa. El tragacucarachas, encarnado por Keaton, tratará de echar a los novios del chalé de dos plantas en el que ya vivía una pareja de fantasmas antes que ellos.

Es la gran calabaza, Charlie Brown (1966)

Uno de los personajes de la mítica tira cómica Peanuts (Cacahuetes) protagonizó el tercer especial de Halloween, el primero del animador Bill Melendez. Aunque fue estrenado hace casi medio siglo, lo cierto es que la CBS lo estuvo reponiendo en su programación año tras año hasta el 2000. En la introducción del episodio, se observa a Linus y a Lucy yendo a por una calabaza para celebrar Halloween. Tras una selección bastante aleatoria de Linus, Lucy le indica que quiere que lleve la cucurbitácea más grande, a lo que él accede aunque no sin esfuerzo.

Donnie Darko (2001)

Si bien Donnie Darko excede en un año el baremo usado para definir a los Millennials, lo cierto es que está ambientada en el mes de octubre de 1988. Es todo muy misterioso: una turbina de avión que cae encima de una casa, un chico con algún que otro problema psicológico y que no sabe en qué lugar de la ciudad se despertará una vez que se acuesta en su cama. Un hombre disfrazado de conejo con tendencias asesinas y un profesor de autoayuda que no es trigo tan limpio como aparenta. Los hechos, aunque inconexos a priori, cobran sentido el 31 de octubre de ese mismo año. La película dirigida por Richard Kelly no pudo ser estrenada en 2001 por el atentado de las Torres Gemelas, pero se convirtió en una película de culto años después.

La casa árbol del terror de Los Simpson (1990-)

Qué sería de Halloween sin los especiales de Los Simpson. Hemos visto cómo Maggie era, en verdad, una alienígena. Sabemos que Homer estuvo a punto de viajar a ese universo en el que llovían rosquillas, pero se quedó en el equivocado. Bart y Lisa convertidos en superhéroes, las advertencias de Marge antes de cada capítulo... y un sinfín de historias, normalmente relacionadas con la literatura, obras de teatro y televisión.

El retorno de las brujas (Hocus Pocus, 1993)

El siglo XVII, aquel tiempo en el que se quemaba a las brujas. Mary, Winifred y Sara son tres hechiceras ahorcadas por una turba de aldeanos en su casa. Antes de morir juran venganza, asegurando que se reencarnarán cuando alguien encienda la vela negra de casa. 300 años después, unos chicos de Los Ángeles visitan el museo de las tres brujas. Max, que no cree para nada en cuentos de magia enciende la vela, haciendo que las tres hermanas vuelvan a la vida. Solo tienen hasta la mañana del día siguiente para intentar acabar con ellas, ya que si no, se convertirán en inmortales.

Scooby Doo (1969-)

La Máquina del Misterio, un perro que habla y su peculiar dueño, Shaggy, llevan inundando con historias de terror las televisiones de medio mundo desde hace algo menos de un siglo. Las historias, de lo más disparatas, están ambientadas en diferentes períodos de la historia ya que la furgoneta hace las veces de máquina del tiempo. La serie de dibujos ha estado nominada dos veces a los premios Emmy y se ha convertido en una franquicia multimillonaria para su productora, Hanna Barbera, con la creación de multitud de videojuegos y películas inspirados en los cuatro adolescentes y el perro parlanchín.

Pesadilla antes de Navidad (1993)

Jack Skeleton y la depresión en torno a Halloween. Quién le iba a decir a él que, a pesar de contar con el favor de todos sus habitantes -incluso del Rey Calabaza- lo que de verdad necesitaba era... una novia. Ah, el amor. Fue producida en 1993 mediante una técnica que Tim Burton ya había utilizado en Bitelchús en 1988, la animación en volumen. Obtuvo unos beneficios cercanos a los 50 millones de dólares. Aunque estuvo nominada a un Oscar por los mejores efectos visuales, no se alzó con la estatuilla, pero el tiempo ha logrado que la cinta se convierta en un mito del cine.

Agallas, el perro cobarde (1999)

Aunque la primera emisión fue en 1996, no sería hasta dentro de tres años que se comenzaría a emitir regularmente. Agallas es la mascota de Muriel y Eustace, dos agricultores en la tercera edad que cuentan con una facilidad pasmosa para ser engañados por los numerosos extraterrestres, fantasmas y monstruos que habitan en su mundo. Agallas, que pese a tener nombre de héroe es un perro bastante miedoso, termina salvándoles la vida en cada episodio.

En su afán de retomar sus películas de animación para convertirlas en películas de acción real, Disney tiene un nuevo objetivo: Aladdin. Según informa el portal The Hollywood Reporter, el estudio ya trabaja en una precuela de la historia basada en el famoso cuento Aladino y la lámpara maravillosa. La película estará centrada en la figura del Genio y protagonizada por actores de carne y hueso.

La cinta lleva por título Genies (Genios) y será una comedia de aventuras cuyo guión, escrito por Damian Shannon y Mark Swift (autores de la mayoría de entregas de Freddy contra Jason y el remake de Viernes 13), contará cómo el genio de Aladdin, al que en su versión original ponía voz el fallecido hace ya casi un año Robbie Williams, acabó atrapado dentro de la lámpara.

Los planes de Disney van más allá de esta precuela, ya que si el público acoge con entusiasmo y buenas maneras el filme -aseguran-, Genies será la película que allane el camino a la futura adaptación de acción real de Aladdin.

Una buena estrategia   

El estudio continúa así con la estrategia que ya siguió con títulos como Alicia en el País de las Maravillas, Oz, Maléfica o Cenicienta, entre otras, y que le ha reportado grandes ingresos en taquilla.

El primero de estos éxitos fue Alicia en el país de las maravillas, la película de Tim Burton recaudó 1.025 millones de dólares en todo el mundo en 2010. Después llegaron Oz, la precuela de El mago de Oz que amasó casi 500 millones de dólares en taquilla, Maléfica, la precuela de La Bella Durmiente que logró 760 millones de dólares de recaudación y por último la Cenicienta dirigida por Kenneth Branagh que se quedó en la gran cifra de 540 millones de dólares.

En la lista de Disney también están otros títulos como El libro de la selva, Pinocho, Mulan, Winnie de Pooh o la versión de La Bella y la Bestia protagonizada por Emma Watson y dirigida por Bill Condon.