“Esta es la primera biografía de Miguel Hernández escrita por un historiador”, afirma Mario Amorós, en una clara declaración de intenciones, en el prólogo de Un poeta en la Historia, la biografía que sobre el poeta de Orihuela acaba de publicar en Akal.

La mirada –y el método– del historiador aporta rigor a la reconstrucción de la vida de Miguel Hernández, siempre apoyada en las fuentes que consulta y contrasta, y respaldada en el vaciado de nuevos archivos que aportan información inédita, y que contribuyen a ampliar el conocimiento sobre la vida del poeta, a confirmar hipótesis o desterrar mitos.

Si un suceso aparece en el texto es porque ha sido previamente contrastado; y si no aparece es porque no hay prueba documental que permita verificarlo, por verosímil que sea, o por asumido que esté entre biógrafos y lectores. No se llenan los huecos con imaginación ni conjeturas. En Un poeta en la Historia la literatura la pone únicamente Miguel Hernández, o se encuentra en el pulso narrativo de un texto que fluye para acompañar a un lector que se deja atrapar por su prosa amena y clara.

La mayor aportación de Mario Amorós al conocimiento de la vida de Miguel Hernández deriva de la consulta del Fondo Documental Germán Vergara Donoso del Archivo Nacional de Chile. La “conexión chilena” de Amorós, familiarizado con los archivos nacionales de Chile, de cuyos fondos se ha servido para componer anteriormente las biografías de Salvador Allende, Pablo Neruda, Víctor Jara o Pinochet, le permite ahora rescatar, o restablecer, la “conexión chilena” de Miguel Hernández, aunque el poeta oriolano nunca llegara a pisar suelo americano.

Amorós ha tenido acceso a las casi cuatro mil páginas de un fondo que incluye las once cartas que Miguel Hernández dirigió al diplomático chileno entre junio de 1939 y enero de 1942, así como otros escritos, como la correspondencia que Vergara Donoso mantuvo con Vicente Aleixandre o Rafael Sánchez Mazas, y que Amorós descubrió en 2015, cuando investigaba, precisamente, para la biografía de Pablo Neruda, El príncipe de los poetas, que publicó en 2015. “Estas cartas iluminan de manera definitiva varios aspectos sobre los que prevalecían las dudas y las especulaciones y faltaba la certeza del respaldo documental”, apunta Amorós en su biografía.

Germán Vergara Donoso, que se definía como hombre políticamente de derechas, pero con fondo social y nulas simpatías hacia el fascismo, apenas vio una sola vez a Miguel Hernández, pero sintió por el poeta una gran admiración y se forjó entre ellos un sólido vínculo humano, más allá de sus diferencias concretas, y una gran amistad epistolar. Las gestiones de “su querido tío”, como así se dirigía a él Hernández en sus cartas, fueron esenciales para lograr la conmutación de la pena de muerte que el consejo de guerra franquista le impuso al poeta el 18 de enero de 1940.

Mario Amorós recoge la carta que Dionisio Ridruejo dirige al ministro de Educación Nacional para alertar de las graves consecuencias que pesarían sobre la imagen del régimen la ejecución de Miguel Hernández

Vergara Donoso escribió al ministro sin cartera Rafael Sánchez Mazas para interesarse por la situación de Miguel Hernández que, sometido a un chantaje por parte del franquismo, sabía que no se podía permitir el lujo de fusilar al escritor y repetir un nuevo “caso Lorca”. Amorós recoge en Un poeta en la Historia la carta que Dionisio Ridruejo dirige a José Ibáñez Martín, ministro de Educación Nacional, para alertar de las graves consecuencias que pesarían sobre la imagen del régimen la ejecución de Miguel Hernández: “El poeta –gran poeta– Miguel Hernández ha sido condenado a muerte por acusaciones graves. La ejecución de la sentencia, aun siendo justa, sería peligrosa para nosotros, porque podría ser la nueva versión del ”caso Lorca“, en orden a la propaganda. Aparte de eso y por puras razones de humanidad, siempre es bueno evitar la muerte de un hombre. Como esta tarde hay consejo, ¿quieres interceder por él ante el Caudillo? A Rafael [Sánchez Mazas] se lo he rogado igualmente. Sería una pena que por un descuido desapareciese un poeta importante y se diese un arma al enemigo”.

Parece que todo ello respondía a una retorcida estrategia por parte del régimen. La espada de Damocles de la pena de muerte pendiendo sobre la cabeza del poeta debía empujar a Miguel Hernández a pronunciar públicamente su arrepentimiento por haber participado en la defensa de la República y proclamar su adhesión al régimen. Sus amigos falangistas, como Dionisio Ridruejo o Ernesto Giménez Caballero, le visitaron en las cárceles de Torrijos y Ocaña para negociar la revisión de su condena e incluso para prometerle su libertad a cambio de retractarse.

Miguel Hernández, enarbolando la bandera de la dignidad, no se vendió, no se sometió a tan indigno chantaje. Finalmente, y de todos modos, la pena de muerte se conmutó por una condena a treinta años de cárcel que su muerte temprana no le dejaron cumplir

Miguel Hernández, enarbolando la bandera de la dignidad, no se vendió, no se sometió a tan indigno chantaje. Finalmente, y de todos modos, la pena de muerte se conmutó por una condena a treinta años de cárcel que su muerte temprana no le dejaron cumplir. Como decía Vázquez Montalbán, murió de tuberculosis y comunismo, es decir, por mantenerse firme en la defensa de sus ideas y por una enfermedad acrecentada por el “turismo carcelario” y las precarias e insalubres condiciones de las cárceles franquistas, donde los presos convivían hacinados y en compañía de las ratas.

Josefina Manresa, la mujer de Miguel Hernández, que siempre fue muy tibia a la hora de reconocer la militancia del poeta, que siempre prefirió describirlo en su dimensión más poética que política, y que incluso llegó a negar que Hernández hubiese llegado a tener el carnet del Partido Comunista (hecho hoy más que probado y fuera de toda duda), acaso para proteger su legado y para protegerse en un mundo desmemoriado y hostil, en la intimidad de las cartas dirigidas a Germán Vergara Donoso muestra su versión más descarnada, como prueba la escrita en abril de 1942, y que aporta Amorós del fondo chileno: “(…) Lo que hicieron con él fue asesinarlo. Le dieron una muerte lenta y dolorosa, sistema muy peculiar en esta gente sin entrañas e inhumana porque hubo mil medios para poder haber evitado su muerte, pero como les estorbaba y lo que querían eran quitarlo del medio, pues desde el principio fue mal atendido”.

La vida de Miguel Hernández ha sido ya contada por otros biógrafos. Antes de la de Mario Amorós, y todavía en 1975, Manuel Muñoz Hidalgo publicó Cómo fue Miguel Hernández. Un joven Rafael Chirbes, en la revista Ozono, y como muy bien recoge Álvaro Díaz Ventas en la antología de artículos de Chirbes, titulada Asen­tir y desestabilizar. Crónica contracultural de la transición, acusaba esta biografía de desactivar políticamente a Hernández, mostrándolo como un muchacho ingenuo y sin ideología que se dejó llevar por su debilidad y por las circunstancias sin nunca terminar de comprender lo que estaba en juego.

Luego vino la biografía de José Luis Ferris, Pasiones, cárcel y muerte de un poeta, en 2002 (corregida y aumentada en 2022), una auténtica obra de referencia entre los estudios hernandianos, que no solo supo recorrer paso a paso la vida pública del poeta, y conectarla con su poesía, sino también acceder a parcelas desconocidas de su vida privada, incluso íntima.

Rafael Chirbes acusaba a la primera biografía de Miguel Hernández, publicada en 1975, de desactivar políticamente al poeta, mostrándolo como un muchacho ingenuo y sin ideología que se dejó llevar por su debilidad y por las circunstancias sin nunca terminar de comprender lo que estaba en juego

En 2010, Eutimio Martín, en plena celebración del centenario del nacimiento del poeta, publicó El oficio del poeta, un libro asimismo imprescindible en la que se ofrece una imagen de Miguel Hernández muy atento a la norma literaria que regía en cada momento para, en función de esta, construir su propia poética y aprender a moverse y a posicionarse en el campo literario para ocupar un lugar privilegiado en el mismo. Cabe destacar también los primeros acercamientos de María de Gracia Ifach o Concha Zardoya, además de los trabajos de Agustín Sánchez Vidal, Dario Puccini o, más recientemente, Andrés Sorel, cuyas aportaciones al conocimiento de la vida del poeta fueron sin duda relevantes e imprescindibles.

Con Un poeta en la Historia: vida de Miguel Hernández se amplían y se completan algunos episodios de su biografía de gran importancia para entender su compromiso político. Pero lo más importante es que, a diferencia de las biografías anteriores, Mario Amorós, como historiador, inscribe al poeta, efectivamente y como el título anuncia, en la Historia; no en el contexto histórico, sino –y vale la pena insistir– en la Historia.

Porque no se trata de mostrar un contexto histórico como un escenario en el que el biografiado se mueve y actúa con relativa autonomía, sino el modo en que la historia –política y social– atraviesa, determina y constituye a un sujeto que habita las contradicciones de una coyuntura histórica específica y las despliega en su producción poética. Además de mostrarnos un ser humano con sus complejidades, con sus dudas y sus miedos, y también con sus certezas y compromisos, Amorós y Un poeta en la Historia nos muestra un sujeto histórico que, como no puede ser de otro modo, vive históricamente el tiempo que le tocó vivir y escribir.

Con tan solo 24 años descubrió un esqueleto completo de lo que se bautizó como “plesiosaurio”, que significaba “casi reptil”. No la creyeron y se llegó a decir que era falso, pero lejos de eso, se convirtió en el primer gran descubrimiento de una prolífica buscadora de fósiles en la llamada ‘Costa Jurásica’, actualmente Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO en Reino Unido.

Hablamos de Mary Anning, la considerada primera mujer paleontóloga que nació un 21 de mayo de 1799, y que, pese a sus hallazgos y su trabajo, fue siempre vista como una “intrusa por la comunidad científica” que solo la veía como una mujer, pobre y de clase trabajadora, además proveniente de una familia disidente religiosa.

Búsqueda y venta de fósiles por subsistencia

Mary Anning vino al mundo en Lyme Regis, un pueblo costero al oeste de Dorset, en Inglaterra, en el seno de una familia protestante pobre que pertenecía a un grupo religioso de un grupo protestante diferente al establecido, lo que complicaba todavía más la situación, ya de por si con muchas dificultades.

Desde pequeña acompañó a su padre en su afición por la búsqueda de fósiles, que se convirtió también en un método de subsistencia porque luego los vendían a los turistas de la zona. De hecho, en 1810, su fallecimiento repentino obliga a la familia a continuar esta fuente de ingresos al vivir de la caridad entonces y la joven junto a su hermano Joseph montaron un puesto en el que vendían lo que encontraban, como lo que fue uno de los primeros hallazgos, el cráneo de un ‘ictiosauro’.

El esqueleto que lo cambió todo

Esto sucedió en un contexto en el que el conocido como el padre de la paleontología, Georges Cuvier, acababa de presentar su teoría de la extinción y todavía faltaban 48 años para que Charles Darwin publicara el origen de las especies. De ese ‘ictiosauro’, tan solo un año después, Mary Anning descubrió el resto del esqueleto, que fue visto al principio como un “monstruo”.

El cráneo de este ejemplar se puede ver actualmente en el Museo de Historia Natural de Londres, donde finalmente acabó, pero que fue primero comprado por el coleccionista de fósiles Thomas Birch en 1818 por tan solo 23 libras. De este gran hallazgo de la joven, sin embargo, habló el cirujano Everard Home en varios artículos, pero sin mencionarla y atribuyendo su limpieza y preparación al personal del museo y al naturalista, viajero y anticuario, William Bullock.

No paró su búsqueda de fósiles

Así llegamos al año 1823, en el que Anning volvió a encontrar otro esqueleto, en este caso completo, el de un grande reptil marino, el ‘plesiosaurio’, un espécimen enorme y en tan buen estado que llamó la atención del zoólogo Georges Cuvier, que dudó al principio de su hallazgo, pero cambió su idea cuando vio los dibujos que hizo del ejemplar William Daniel Conybeare, paleontólogo.

Su trabajo siempre fue así, en continua duda y poca valoración, aunque se dieron algunas excepciones como cuando el diario Bristol Mirror publicó: “Esta perseverante mujer ha ido día sí día también durante años en busca de restos fósiles de importancia cada marea, durante varios kilómetros sobre los acantilados de Lyme, que arroja masas que son su objetivo inmediato, ya que sólo éstas contienen las valiosas reliquias de un mundo antiguo, que debe ser arrebatado en el momento de su caída, con el riesgo continuo de ser aplastadas por los fragmentos que caían de vez en cuando o ser destruidas por el flujo de la marea: a su esfuerzo debemos casi todos los excelentes especímenes de ictiosauro de las grandes colecciones”.

Compañeros como William Buckland o el geólogo y amigo, Henry De la Beche le dieron su papel de descubridora. De hecho, este último encontró su inspiración en ella para el ‘Duria Antiquior – A More Ancient Dorset’ en 1830, una litografía con la que recaudaba fondos para ella, y que dio lugar a lo que se conoce como ‘paleoarte’. Y es que tuvo también cierta reputación por su conocimiento del terreno y habilidad para la clasificación fósiles que completaban su falta de formación académica, pero que ella suplió siendo autodidacta en varias materias.

Siguió trabajando hasta el final de sus días. En 1828 descubrió un esqueleto de ‘pterosaurio’, reptil volador, y más especies extintas, especialmente marinas. Dos años antes tan solo había comprado una casa y abierto allí una tienda de fósiles que se conoció como ‘Almacén de fósiles Anning’. Continuó luchando por su reconocimiento, a pesar del rechazo, porque compañeros publicaban descripciones científicas de lo que ella encontraba sin mencionarla. Falleció en marzo de 1847 a los 48 años debido a un cáncer de mama, y sumida todavía en una complicada situación económica. En 2020 se estrenó la película ‘Ammonite’, dirigida por Francis Lee, protagonizada por Kate Winslet y Saoirse Ronan, que se basó en su biografía.

Su nombre es posible que no te suene, pero su legado ha quedado en las mujeres artistas que han venido después. Y es que, si hablamos de pintoras mexicanas, la primera que nos viene a la mente es Frida Kahlo, pero al mismo tiempo existió también una figura que como ella también exploró el autorretrato, el cuerpo femenino y la identidad, aunque cada una con su personalidad artística.

Hablamos de Carmen Mondragón, que fue más conocida como Nahui Olin, que pintora y poeta tuvo una trayectoria que más tarde fue relegada al olvido, pero cuya figura vive un momento de recuperación y reivindicación y que se pudo evidenciar con la retrospectiva que le dedicó el Museo Nacional de Arte de México en 2018.

Temprano inicio en el arte

Carmen Mondragón nació el 8 de julio de 1893 en la ciudad de Mexico, en el seno de una familia acomodada, en concreto como hija del general Manuel Mondragón, hombre importante del que fuera presidente del país Porfirio Diaz, pero que fue una de las figuras más odiadas de la Revolución mexicana debido a que tuvo un papel central en el golpe de Estado que culminó en la Decena Trágica, uno de los momentos más violentos de este período.

Debido a la situación económica de su familia, la joven gozó de una educación privilegiada y vivió gran parte de su infancia en Francia, donde desarrolló una faceta artística en varias disciplinas como la escultura, escritura o pintura, con un talento natural para la música y que le llevó a escribir sus propias piezas de piano.

A Francia volvería después de casarse a los 19 años con el también pintor Manuel Rodríguez Lozano, que formaba parte del movimiento artístico de ‘Los Contemporáneos’ y que la llevó a relacionarse con nombres como Picasso, Braque o Matisse, siendo clave este contexto para comenzar a centrarse en la pintura. Carmen Mondragón se trasladó a España, en concreto a San Sebastián, al estallar la Primera Guerra Mundial y aquí comenzó a pintar, aunque también fue cuando falleció su primer y único hijo de asfixia a los pocos meses de vida, en extrañas circunstancias debido a diferentes versiones contradictorias.

De Carmen Mondragón a Nahui Olin

Todo cambiaría al regresar a México en 2021, cuando ella conocería al también pintor Dr. Atl (seudónimo de Gerardo Murillo) con quien vivió una historia de amor tormentosa, que los llevó a protagonizar escenas en las calles de la ciudad y muchos altibajos, viviendo ambos además en un convento de la capital. Él sería el encargado de bautizarla como Nahui Olin, que venía a significar los cuatro movimientos del sol, un hecho que la describía mejor, todo ello al mismo tiempo que moría su padre, lo que dio lugar como una especie de nueva vida dejando su pasado atrás.

Desde aquí crecería su trayectoria artística y la llevaría a encontrar su propio lugar. Una obra en la que predominan los colores vibrantes, personajes expresivos, y en la que entraba lo que ella entendía como arte: una forma de expresión simbólica, que aportó también al simbolismo latinoamericano, retratando escenas cotidianas y festivas de México.

Pero uno de los temas principales de la carrera de Nahui Olin fue la libertad sexual e identidad femenina, algo que la llevó a ser una revolucionaria en este aspecto, usando su cuerpo como medio para evidenciarlo. Por ello, la artista usó su propia sexualidad, con imágenes provocadoras y algunas de ellas siniestras, pues ella entendía que la belleza tenía “un ingrediente doloroso y abrumador”. No le importaba mostrar su cuerpo desnudo, a la vez que reivindicaba la mujer como individuo ante la tradición y machismo de su México natal de entonces. A esto se suma que fue una de las grandes musas de la época, para pintores y muralistas como Diego Rivera, Jean Charlot o el propio Gerardo Murillo.

Como Frida Kahlo, con la que se relacionó junto a otras mujeres como Tina Modotti, Dolores del Río o Antonieta Rivas Mercado, exploró también el autorretrato, con sus ojos verdes y grandes como elemento diferenciador. Khalo y Olin son dos caras de un mismo fenómeno, siendo ambas pioneras del replanteamiento del papel de la mujer en la sociedad mexicana, pero con mayor reconocimiento y fama para la primera, mientras la segunda moriría en el olvido.

Y es que, durante sus últimas décadas, la artista se refugió en la vieja casa de sus padres rodeada de docenas de gatos y solo con visitas ocasionales de sus sobrinas o alumnos de la escuela donde daba clases de arte: “Independiente fui, para no permitir pudrirme sin renovarme; hoy, independiente, pudriéndome me renuevo para vivir”, llegó a expresar antes de su muerte el 23 de enero de 1978. Lejos quedaba la figura que fue, cuando en 1945 expuso por última vez abrumada por sus problemas personales, pobreza y la pérdida de su entonces pareja Eugenio Agacino, lo que la sumió en la depresión.

No solo se trata de los errores que la edición de Tiempo de silencio arrastra desde su publicación en 1962, sino del esfuerzo por parte de los herederos de Luis Martín-Santos de evitar la publicación de ciertos pasajes de una biografía a cambio de autorizar la publicación de citas y documentos inéditos regidos aún bajo los derechos de autor. Los movimientos de Rocío y Luis Martín-Santos Laffón respecto a la obra de su padre dejan tras de sí varias polémicas en las que la legalidad se cruza con el derecho y el interés general de la sociedad al acceso a la cultura, según los especialistas.

La obra magna de Martín-Santos se publicó en la editorial Seix Barral después de que la censura franquista eliminara algunos pasajes. “Cuando la publicaron, se basaron en la copia mecanográfica del manuscrito, plagada de errores y equivocaciones”, dice Alfonso Rey, profesor emérito de Literatura Española en la Universidad de Santiago de Compostela (USC) y estudioso que lleva cuatro décadas analizando dicha novela.

En aquel momento, el escritor, natural del protectorado español de Marruecos, no tuvo ocasión de ir a Barcelona y no llegó a corregir las galeradas a tiempo. Para la segunda edición, “algo más esmerada”, según Rey, ya había fallecido el autor, también reconocido por sus contribuciones a la psiquiatría. “Y así es como ha llegado hasta nuestros días una edición con defectos que nunca se han enmendado”, añade. En 2014, apareció en el Archivo General de la Administración de Alcalá de Henares el manuscrito. Según el profesor universitario, se demostró que “la impresión inicial fue más defectuosa de lo que se creía”.

Años antes, Rey ya había escrito una edición crítica y anotada de la novela a petición del filólogo Francisco Rico, quien había conseguido el beneplácito de los herederos de Martín-Santos, sus hijos Rocío, Luis y Juan Pablo. Los dos primeros gestionan la obra de su progenitor. Se publicó en la colección Clásicos y Modernos de la editorial Crítica en el 2000. “Realizamos aquel libro con la presunción de que iba a sustituir al de Seix Barral, pero no fue así. No tengo pruebas fehacientes, pero todo hace pensar que los herederos se opusieron a ello. Mi impresión es que consentían que mi libro saliera, pero solo en una editorial más pequeña”, añade el investigador.

Crítica cerró su colección de Clásicos y Modernos, por lo que el libro de Rey terminó descatalogado después de su reedición en 2005. Con el descubrimiento de 2014, el estudioso volvió a intentar publicar la novela sin errores en Seix Barral. En esta ocasión, Rocío y Luis se negaron a ello explícitamente. Ni siquiera diez años más tarde, con la celebración del centenario del nacimiento de Martín-Santos, salió a la luz la edición tal y como la había pergeñado el autor originalmente. La edición que publicó Seix Barral en 2024 reproduce los mismos errores que acompañan al texto desde hace 60 años.

Sin erratas, pero no oficial

“No me acuerdo” es la respuesta que Rocío Martín-Santos da a elDiario.es cuando se le pregunta por lo ocurrido con la edición de Rey a principios de siglo. “Sí sé que nos escribió para sacar una edición ampliada de ese libro. Le contestamos que lo sentíamos mucho, pero que no podíamos autorizarlo porque teníamos unos compromisos adquiridos con Seix Barral y Galaxia Gutenberg” añade. Esta última editorial se está encargando de la publicación de las obras completas de Martín-Santos, que comenzaron a ver la luz en 2022 y cuyo último volumen llegará a las librerías en 2028. La obra con la que culminarán la serie es una edición crítica oficial de Tiempo de silencio, que “restituirá fielmente todas las carencias de las ediciones anteriores”, según la hija del autor.

Pero Rey no se quedó parado. Se ha autoeditado su propio libro, Edición crítica de 'Tiempo de silencio' (Letrame, 2026), como si fuera una actualización del que vio la luz en 2005, aunque esta vez sin la autorización de Rocío y Luis Martín-Santos Laffón. Los fragmentos censurados que ya se pueden leer gracias al trabajo de este profesor de la USC son de un marcado cariz político. Por ejemplo, cuando el protagonista de Tiempo de silencio es liberado en la Dirección General de Seguridad, ve a unos estudiantes jóvenes con muy mal aspecto. Le pregunta al policía que va con él que quiénes son. Aunque Martín-Santos escribió que eran unos estudiantes que habían repartido octavillas, en referencia a los estudiantes detenidos por las protestas universitarias de aquellos años, la edición de Seix Barral reprodujo que la respuesta fue que “eran unos chalaos”.

Otros ejemplos tienen un carácter más estilístico. Para Rey, esto pudo ser un “descuido” del cajista a la hora de preparar la impresión. Son gazapos como publicar “educada” en lugar de “adecuada” y “cáscara” en lugar de “máscara”. Se trata de errores incluso con resultado cómico. Mientras que el original recoge “cuadraditos de queso con pimienta, aceitunas rellenas, galletitas saladas, salmón ahumado, salchichas enanas calientes y hojaldres”, en la edición de Seix Barral aparece el fragmento “cuadraditos de queso con pimienta, aceitunas enanas calientes y hojaldres”.

La cancelación en la biografía

No es la única polémica que ha sorteado la obra de Martín-Santos a cuenta del uso de los derechos de propiedad intelectual de los que gozan sus herederos. José Lázaro, escritor y director de Hedónica, una revista literaria, biografió a Martín-Santos antes de encontrarse con las cortapisas de Rocío y Luis Martín-Santos, a pesar de haber colaborado junto a la primera en algunos trabajos en los años 90 y primera década de este siglo. En 2004 le propuso a la heredera escribir la vida de su padre. Respondió que no habría problema.

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Cuando concluyó la primera versión del libro en 2008, al que la editorial Tusquets le acabaría concediendo el XXI Premio Comillas de Historia, Biografía y Memorias, le facilitó el original mecanoscrito a la hija. Lo sucedido lo relata el mismo Lázaro en el prólogo de la nueva edición que este año ha publicado de la biografía: “Rocío me ofreció una hermosa selección de fotografías familiares para ilustrar el libro y me indicó, sin necesidad de lápiz rojo, cuáles eran las páginas y párrafos del original que yo tenía que 'cancelar' [aún no se utilizaba ese eufemismo] para que ella me autorizase el resto de las citas y documentos incluidos en la obra que en aquel momento eran inéditos y tenían, por tanto, derechos de autor”.

En este punto, Rocío Martín-Santos contrargumenta: “No nos parecía adecuado que pretendiera publicar en medio de una biografía un importante cuerpo de inéditos sin un estudio ponderado de profesionales especializados”. “Hablamos con Tusquets y lo entendieron perfectamente. Decidimos hacer uso de nuestros derechos y que no se publicara material inédito”, agrega la heredera, con tal aversión al prólogo explicativo escrito por Lázaro que prefiere no escuchar ningún fragmento del mismo.

Cuatro obras inéditas ya publicadas

Entre los pasajes a suprimir se encontraba la descripción y comentario de texto de cuatro obras inéditas en poder de Lázaro. “Y eran obras importantes para entender la evolución de Martín-Santos antes de escribir Tiempo de silencio”, asegura este profesor de Humanidades Médicas en la Universidad Autónoma de Madrid (UAM), ya jubilado. Se trataba de la novela juvenil El vientre hinchado y las obras de teatro Viaje hasta el límite, Claudia e Irma. Él llegó a tener esos trabajos tras la cesión de los mismos por parte de Josefa Rezola, la última pareja de Martín-Santos.

Otro pasaje parcialmente “cancelado”, tal y como los denomina el mismo Lázaro, fue la relación con la comunidad Osho, en California, de Luis Martín-Santos Laffón, hijo del autor, quien sí colaboró en un primer momento con el biógrafo. “Nos guste o no, Osho le hizo una terapia que le permitió reorientar su vida en un sentido muy positivo. No tengo respeto por las sectas orientaloides, pero ahí están las pruebas. Yo en el libro digo que Luis hijo se benefició de alguna forma con Osho del tipo de psicoterapia que su padre planteó”, defiende. Ante dicho extremo, Rocío responde: “No venía a cuento introducir en una biografía de mi padre una entrevista inmensa sobre la vida de uno de mis hermanos”.

Finalmente, el antiguo profesor de la UAM accedió a eliminar los fragmentos que Rocío le había pedido y el libro salió bajo el título Vidas y muertes de Luis Martín-Santos (Tusquets, 2009). “Si no lo hacía así, no me autorizaban a publicar el otro material inédito, y sin ese material no había libro”, reconoce. Tras salir a la luz oficialmente en los volúmenes de Galaxia Gutenberg las cuatro obras que Lázaro conoció en 2008, el biógrafo entiende que ya no hay problema en abordarlas. Por eso, ha decidido publicar la biografía original bajo el mismo título, sin la “cancelación” de Rocío, en la editorial Triacastela, sello creado hace tres décadas por una fundación no lucrativa de la que Lázaro es el secretario de su patronato.

Consecuencias para la investigación

María Malmierca, abogada especializada en propiedad intelectual, detalla que los causahabientes o herederos de la obra inédita de un autor tienen la facultad de divulgar o no esa obra. “Aquí se desvela la tensión que siempre existe entre los derechos de los autores y sus herederos y el interés general de la sociedad en el acceso a la cultura”, prosigue. En el caso de Martín-Santos, sus hijos decidirán qué y cómo se publica la obra de su padre hasta que trascurran 80 años de la muerte del psiquiatra, acaecida en 1964.

La también asesora jurídica de la Asociación de Editores de Madrid remarca que la ley prevé que el conflicto se pueda judicializar. “Un juez podría llegar a adoptar medidas para garantizar el derecho a la cultura, aunque llevarlo a la práctica es complicado porque hay que ver el interés legítimo y que esas medidas no supongan un perjuicio injustificado a los derechos de los herederos”, se explaya.

Más allá de lo sucedido con los inéditos, Malmierca añade que, en este caso, entra en juego la protección a la intimidad u honorabilidad familiar. “El autor tiene dos opciones. O solicitar a un juez que adopte las medidas pertinentes para hacer público algo que se ha demostrado de gran valor o negociar con la familia o el biografiado”, apunta. Según la especialista, en ocasiones, es mejor ceder ante la eliminación de un contenido y contar con la familia para acceder a otro tipo de contenido que, si no fuera de esta forma, sería imposible de conocer.

“Lo ocurrido es legal. Ellos tienen unos derechos legales que hacen que tengan que autorizar la publicación de ciertos asuntos sobre la obra de su padre, pero eso lo han utilizado para exigir que se sacaran aspectos que no tenían nada que ver con la obra”, desarrolla Lázaro. Por eso, uno de sus objetivos es abrir un debate sobre las consecuencias que esta potestad de los herederos tiene en la investigación académica, cultural y editorial sobre los autores. “Tienen un poder increíble, hasta para elegir qué se expone de ellos y qué no”, subraya.

La edición oficial, para 2028

Respecto a lo que se expone, Lázaro se refiere a la muestra que la Biblioteca Nacional de España dedicó al escritor en 2024 con motivo del centenario de su nacimiento. Denominada Tiempo de libertad, estuvo comisariada por Julià Guillamon, quien asegura que se mantuvo al margen de la disputa. “Me dediqué a montar una exposición didáctica que fuera agradecida para el público y no entré en esas batallas”, afirma a este medio.

También dice que “la familia Martín-Santos fue la verdadera comisaria porque Luis y Rocío supervisaron todos los contenidos”, por lo que él tuvo un papel más técnico. Ni los libros de Rey ni de Lázaro estuvieron presentes en la muestra. Rocío exclama que “no le vieron sentido” a aludir a estos trabajos cuando ya pergeñaban la publicación de las obras completas de su padre.

A día de hoy, Galaxia Gutenberg se está encargando de publicar las obras completas de Martín-Santos, que concitan textos de narrativa breve, novelas, teatro, psiquiatría, ensayo y poesía en ocho volúmenes. Terminarán en 2028 con la edición crítica oficial de Tiempo de silencio y Tiempo de destrucción, a cargo de Domingo Ródenas, catedrático de Literatura Española en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.

El 2 de mayo de 1808, es decir hace 218 años, nació Emma Wedgwood, un nombre que nos puede sonar de poco, pero que tuvo especial relevancia en la vida de una de las figuras más relevantes de la biología como fue Charles Darwin, padre de la teoría de la evolución biológica en su obra ‘El origen de las especies’. Emma se casó con su primo en 1839 y pasó a ser Emma Darwin, pero su vida fue más que la de esposa y madre, siendo vital para que el biólogo desarrollara su carrera, todo ello a pesar de las diferencias claves de creencias que tenían dentro del matrimonio.

Recibió una educación liberal y clases de piano de Chopin

Emma Wedgwood vino al mundo el 2 de mayo de 1808 en Maer, Reino Unido, como la séptima hija de una familia de clase acomodada, en parte por la fortuna que había amasado Josiah Wedgwood, su abuelo y también de Charles Darwin, en la industria de la cerámica, con una marca que sigue existiendo e incluso está expuesta en museos.

La joven creció en un hogar de ambiente intelectual y liberal en el que desarrolló un talento natural para la música, alimentado por sus padres, y que durante un largo viaje por Europa llegó incluso a recibir clases de piano de Frédéric Chopin en París. Sin embargo, fue también cultivada en literatura, gracias a una amplia biblioteca bien provista en la casa familiar, lo que la llevó a tener también conocimientos de historia y política. El padre de Emma apoyó a Charles Darwin y le acompañó en el viaje del ‘Beagle’ durante cinco años, entre diciembre de 1831 y octubre de 1836, y en casa se recibía con emoción, orgullo y admiración todo lo que hacía el joven y que se conocía a través de cartas que se leían en voz alta, aunque también se preocupaban por los constantes problemas de salud que Darwin comenzó a sentir durante el viaje y que le perseguirían durante el resto de su vida.

En enero de 1839 fue cuando Charles Darwin y Emma Wedgwood se casaron, después de una larga reflexión por parte del biólogo, que tenía fuertes dudas sobre si casarse o seguir una vida de soltero con más libertades. Emma había rechazado previamente varios pretendientes por cuidar de su madre y hermanas enfermas, y llegó a los 31 años a ser esposa del padre de la teoría de la evolución.

Emma fue vital en la vida de Darwin por sus problemas de salud

En septiembre de 1842 fue cuando el matrimonio dejó Londres y se trasladó a una casa de campo llamada Down House en un pequeño pueblo de Kent, a 25 kilómetros al sur de la capital, siendo un lugar tranquilo para mejorar la salud que ya entonces era delicada de Darwin.

Se cree que podría haber sufrido la enfermedad de Chagas tras haber viajado a Sudamérica y por eso necesitaba un espacio más alejado de la ciudad, pero que debido a sus síntomas le hacía complicado por algunos períodos llevar a cabo su trabajo. Es por ello por lo que Emma Darwin fue la que le leía la correspondencia, revisaba las pruebas de sus libros, escribía cartas e incluso tocó el piano en sesiones específicas para calmar al científico, entretenerlo y también los unía. El matrimonio llegó a tener una familia numerosa, con diez hijos de los que siete sobrevivieron a la edad adulta.

Fue escéptica sobre la teoría de la evolución

Emma Darwin fue una persona profundamente religiosa, tanto en privado como en público. De hecho, era conocida en toda la parroquia por ayudar a quien lo necesitaba y repartía raciones de comida a hambrientos, unos detalles de su vida que se conocieron a través de un diario que escribió desde los 16 años hasta su muerte. También se dedicaba a leer la Biblia a sus hijos todos los días.

Charles Darwin, por su parte, había estudiado para clérigo, pero fue perdiendo la fe a lo largo de su vida, especialmente con el fallecimiento de su hija Annie por tuberculosis. Llegó a establecer que el cristianismo presentaba una “historia falsa del mundo y que se oponía al pensamiento racional”.

Emma, gracias a su diario, se sabe que sufrió por el agnosticismo de su marido, al igual que él, que sabía que sus ideas revolucionarias era también una especie de afrenta a la sensibilidad de su esposa, y esta se considera la razón por la que dudó y retrasó el publicar la teoría de la evolución, aunque fue fundamental en el papel de cuidadora y colaboradora: “Ha sido mi sabia consejera y cuidadora alegre a lo largo de la vida, y sin ella hubiera sido durante un período muy largo un miserable periodo de mala salud”, escribió en su autobiografía. Charles fallecería de un ataque al corazón el 19 de abril de 1882 a los 73 años, ella le sobreviviría 14 años al morir en 1896, viendo el reconocimiento que llegó a tener su esposo después de muerto.

La película biográfica sobre Michael Jackson llegó a los cines el pasado 22 de abril y lo hizo por todo lo alto, sin pasar desapercibida. Más allá de la expectación de los fans y los medios, el estreno no se libró de las críticas, que mayormente se centraron en cómo sus creadores han decidido dejar de lado cualquier tipo de tema conflictivo sobre la estrella del pop. 

Esta visión tan concreta que ofrece el filme sobre la vida del artista viene marcada en gran parte por el control del propio entorno familiar de Michael. El proyecto cuenta con el respaldo del patrimonio de los Jackson y su hijo Prince se puso al frente como productor ejecutivo, lo que irremediablemente ha marcado el enfoque del biopic. 

Pero al margen del contenido, una de las cosas que más ha llamado la atención son las ausencias. Janet Jackson, la hermana pequeña de Michael, no aparece en ningún momento de la película. Fue hace una semana, durante la premiere del filme en el Dolby Theatre de Hollywood, cuando LaToya Jackson reveló que su hermana había rechazado participar en el proyecto. 

“Se lo propusieron y ella lo rechazó abiertamente, así que hay que respetar sus deseos”, señaló frente a las cámaras de Variety tras la pregunta directa del periodista. La hermana del cantante, que no dio más explicaciones sobre esta decisión, aprovechó para felicitar a su sobrino por la interpretación que ha hecho en la gran pantalla: “Todos nos olvidamos de él y pensamos que estábamos viendo a Mike”. 

La hija de Michael tampoco quiso saber nada

El director del largometraje, Antoine Fuqua, también habló del tema: “Siento un gran respeto y cariño por Janet, no pasa nada. Ella apoya a Jaafar y eso es lo que importa”. La que no se ha pronunciado todavía es la cantante. La pequeña de los Jackson no ha compartido las razones exactas que la llevaron a desvincularse del proyecto, pero todo apunta a que la familia ha tenido opiniones divididas sobre la forma en la que se ha abordado esta película.

Un ejemplo claro que demuestra esta hipótesis lo encontramos en el caso de Paris Jackson, la segunda hija del cantante. La artista no ha participado en el desarrollo de la película y ni siquiera acudió a la premiere, cosa que sí hicieron sus hermanos Prince y Biggi. A diferencia de su tía Janet, Paris sí ha compartido su opinión sobre la adaptación.

Esta señaló que la película complace a un sector muy específico del fandom de su padre “que todavía vive en la fantasía”, y no dudó en afirmar que el filme está “lleno de mentiras”. “Leí uno de los primeros borradores del guion y di mi opinión sobre lo que me parecía, que es deshonesto, y no me cuadraba, pero no lo corrigieron. (...) Al final es Hollywood. Es un mundo de fantasía, no es real, pero te lo venden como si fuera real (…) Nada de eso me convence. No me gusta la deshonestidad”, señaló en un vídeo para sus redes sociales.

Nieto de uno de los fundadores de la Falange, hijo de uno de sus grandes adversarios, sobrino de uno de los cantautores más contrarios al franquismo, y también de Carmen Martín Gaite y Rafael Sánchez Ferlosio; Máximo Pradera creció rodeado de intelectuales que forman parte de la historia de España, a quienes ha reunido en Memorias de un nieto confuso (Navona).

Un libro en el que el escritor, periodista y musicólogo defiende que “cada familia es un campo de batalla ideológico disfrazado de álbum fotográfico”. El autor indica que la única diferencia de la suya con la del resto, es que esta batalla la libraron en público. Ahora bien, igual que al resto, a los sucesores les ha tocado heredar un pasado incómodo y tener que decidir qué hacer con él. Su elección: “Convertir el plomo de la herencia franquista en el oro de la provocación democrática”.

¿Cómo ha llevado ser nieto de Rafael Sánchez Mazas, fundador de la Falange y uno de los autores del Cara al sol? Una canción que ahora no se usa tanto, pero a veces sí.

Y puede llegar a sonar más si las cosas se tuercen. A mi madre no le gustó nada [la novela de Javier Cercas] Soldados de Salamina, a mí más. Viene a decir que Sánchez Mazas fue el gran ideólogo de la Guerra Civil, que sin él no la habría habido porque no habrían tenido soporte ideológico para alzarse. Mi padre me dijo cuando le pregunté que era una licencia literaria de Cercas. El peso ideológico de mi abuelo fue más bien accesorio, en detallitos, en el grito de “arriba España”, el yugo y la flecha; pero tanto como ser el gran ideólogo de la sublevación militar como dice el libro, no.

¿Por qué decidió escribir este libro sobre su familia en este momento?

En mi anterior hablé sobre mi experiencia con el cáncer, El cáncer y la madre que lo parió, que fue muy gorda porque es enfrentarte con la muerte, aunque ya estoy bien. Te cambia la mentalidad respecto a todo, la vida, tu familia. Probablemente, sin haber atravesado la enfermedad no lo habría escrito, pero ahora sí. Entre que me ha cambiado mi forma de pensar y me lo ha pedido mucha gente, llegó el momento.

Usted utiliza la provocación. Figuras como Trump, Ayuso o Milei son ahora mismo los maestros de la misma, ¿qué lugar ocupa en la actualidad?

Hay provocación buena y mala. El otro día comenté un tuit de Elisa Beni que era provocación chunga, porque es de esos opinólogos que lo que pretenden es tener razón a toda costa. Sacó uno absolutamente infumable sobre el derecho al odio, por la frase que había dicho Carlos Baute de la mona [el cantante alentó a los gritos de “fuera la mona” referidos a Delcy Rodríguez en un evento]. Hacía una cosa que me pone muy nervioso que es asociar lo humano con lo visceral y lo chungo. Lo humano también es la compasión, la inteligencia, la quietud, el análisis. Ese “es que somos humanos” se utiliza cuando nos equivocamos o excedemos, y no. Una de las grandes virtudes del ser humano es la compasión por el otro.

Lo que yo intento es practicar una provocación que va a al subtexto. Ahora podría provocar mucho, y creo que lo voy a hacer, a Baute, porque ha salido como si fuera un angelito diciendo: “Ay, me he equivocado, no soy racista”, porque ha visto que incluso le puede afectar comercialmente en la venta de sus discos. Se nota cuando la petición de disculpas no es sincera, sino que obedece a intereses comerciales.

Antes el libro era un objeto más respetado, ahora saca libros hasta Paz Padilla

Máximo Pradera — Escritor, periodista, guionista y musicólogo

Vivimos entre mucho ruido y parece que muchas veces la burrada de turno es lo que queda y no tanto cómo podemos contrarrestarla e incluso qué hay detrás de ese mensaje.

Sí. En España se ha producido un fenómeno, cada vez más creciente, que pertenece a intereses empresariales. Una tertulia es muy barata en relación al precio tiempo que ocupas en antena en televisión. Se lleva a gente que a lo mejor es fuerte en un campo, pero se le obliga a opinar de cosas que a lo mejor no tiene ni puta idea. Gente que antes de ayer no sabía que existía el estrecho de Ormuz, se lo ha leído en Wikipedia el día anterior y lo suelta simplemente porque la empresa le está pagando. Y la empresa está encantada, porque está rellenando tiempo. No hay contenido, hay relleno.

Hay muchísimo tertuliano bocachancla que traen porque es director de algún medio, por quedar bien en cámara, porque anima el debate, pero hay mucho deterioro de lo que es el periodismo. Siempre digo que si a todos los que dan opiniones en tertulias les obligaras a buscar una noticia al mes, se acabarían en una hora, porque buscar noticias es mucho más difícil que soltar cualquier parida.

Por ejemplo, he oído a Pablo Iglesias, al que no tengo ningún tipo de problema en llamarle 'el colectas', porque hago ese tipo de provocación, meterse mucho con elDiario.es. Como que es el periodismo de pijoprogres, pero el tío lo que hace es opinar sobre muchos temas que son exclusivas de elDiario.es. Por lo menos, reconoce el trabajo de los periodistas.

Su bisabuelo Víctor Pradera, que sentó las bases de lo que posteriormente sería el franquismo, era una persona muy bien formada. ¿Pecamos al pensar que un votante de Vox tiene que ser una persona iletrada o menos formada? Entender que haber estudiado mucho no te hace necesariamente una persona más progresista.

Mi bisabuelo era un intelectual. No hace falta ser ignorante para ser retrógrado, pero ayuda mucho, sobre todo lo peligroso es que haya muchos retrógrados. El autoritarismo, el falangismo, el fascismo ha encontrado una forma muy eficaz de sabotear la democracia, que es el principio de que yo tengo derecho no solamente a mis propias opiniones, sino a mis propios hechos, que es la realidad alternativa. Y que eso se considere normal, como el terraplanismo o la homeopatía. 

En el libro ahonda en la relación que su abuelo Rafael Sánchez Mazas tuvo con Franco.

Una de las historias que cuento es que Rafael Sánchez Mazas, además de falangista, fue ministro sin cartera durante el primer año de posguerra. Como era una persona intelectualmente muy dotada, con formación, y Franco era un zote, un general chusquero que no tenía ni puta idea de nada; le aburría muchísimo. Sus consejos de ministros podían durar cuatro o cinco horas, era eterno. A Franco le empezó a tocar las narices que mi abuelo llegara tarde. Un día preguntó por él y dijo que no le pusieran silla.

En su último Consejo, mi abuelo entró una o dos horas tarde y se encontró que no tenía donde sentarse. Tuvo que ponerse de pie en un discreto segundo plano como un alumno díscolo castigado. Cuando acabó, se acercó a Franco y este le dijo que ya no hacía falta que viniera más.

Mi capacidad para tocar las narices la he heredado en parte de mi abuelo porque las tocaba muy bien. En ese sentido es admirable, y no se le reconoce esa capacidad en Soldados de Salamina. Tenía un amigo falangista, Mourlane Michelena, que era muy pedante. Una vez le dio un zasca delante de todo el mundo, por postureo: “Mourlane, con el tiempo y esfuerzo que dedica usted a aparentar una cultura que no tiene, bien podría haberse construido una de verdad”. Yo estaría diciendo esa frase todo el día a todo el mundo, ese “qué estás diciendo si no sabes de qué estás hablando”. Estás en puro postureo. Ese era mi abuelo.

También ayudó a salvar la vida a Miguel Hernández. Finalmente, murió de tisis en la prisión de Alicante, pero estuvieron a punto de fusilarle bastante antes en Madrid. Mi abuelo, que tenía el privilegio de sentarse en el Consejo de ministros dijo “le pido la gracia para un poeta”. Consiguió salvarle la vida. Aunque solo sea por eso ya merece un lugar en la historia. 

Hablábamos del Cara al sol porque su abuelo estuvo involucrado en su composición, pero también tiene a su tío, Chicho Sánchez Ferlosio, que fue todo lo contrario, creando canciones protesta en el franquismo. ¿Qué papel tuvieron entonces? ¿Siente que ahora hay canción protesta?

No hay canción protesta. Cuando me llevaba bien con Pablo Iglesias, cuando Podemos era la Patrulla-X, que estaba Bescansa, Errejón, Monedero, antes de que este se los fuera puliendo uno a uno; adapté una canción de Munárriz que se llamaba Vamos a decir que no, para uno de los mítines que iba a hacer en plena efervescencia del 15M. Estuve a punto de irla a cantar.

La música es un cohesionador de la gente. Funcionó de maravilla en los años sesenta, y ahora, los movimientos sobre todo de izquierdas, no tienen himnos. No se canta. Qué habría sido del movimiento de los derechos civiles en Estados Unidos sin Joan Baez y We Shall Overcome, las canciones que cantaban. Los echo mucho de menos. En el tardofranquismo hubo muchísima canción protesta, no solamente de Chicho Sánchez Ferlosio, sino de Aute, Rosa León, Paco Ibáñez, muchísima gente con talento que te daba ánimos con lo que cantaba, las letras y las músicas. La gente necesita cantar.

Cuando habla en el libro de su tía Carmen Martín Gaite señala que le enseñaron que la literatura puede construir en vez de destruir, ¿sigue pensando igual?

Se ha deteriorado bastante. El otro día salió una noticia diciendo que el 50% de libros de España no vende ni un solo ejemplar. Hay una sobrepublicación. Antes el libro era un objeto más de lujo en el sentido no de dinero, que también supongo que comprar libros nunca ha sido agradable para el bolsillo; pero era un objeto más respetado. Ahora saca libros hasta… me acuerdo de Paz Padilla yendo a una recepción del Cervantes como escritora y la reina saludándola. No sé, están ocurriendo cosas muy insólitas. El concepto de autor se ha abaratado.

Mi padre abarató el libro, en el sentido bueno de la palabra. Siempre que se habla de Javier Pradera se hace de su parte política, militante y periodística. Pero él fue muy importante a la hora de abaratar el libro en el sentido económico, porque Alianza, la editorial que ayudó a cofundar, puso al alcance de generaciones españoles libros importantísimos, a los que no teníamos acceso en los sesenta y setenta porque eran de tapa dura y valían una pasta. Desde Kafka, Hermann Hesse, Freud. Con el libro de bolsillo de Alianza Editorial. Me gusta reivindicar su papel en la historia de España porque pienso que el libro de bolsillo de Alianza Editorial también lo es.

Vídeo de la entrevista completa

Vídeo: Adrián Torrano

Es una de las películas más esperadas de 2026 y verá la luz este 24 de abril en España y en gran parte de las salas mundiales. “Michael”, el biopic sobre Michael Jackson en el que su sobrino Jaafar Jackson se transforma en el rey del pop, y que ha sufrido diferentes retrasos en su fecha de estreno, de lo que se han sabido más detalles gracias al portal Variety.

Y es que, según la web, en el biopic no se hablará de la denuncia por abuso infantil que recibió el cantante en 1993 mientras se encontraba de tour por Asia y que supuso un punto de inflexión en su carrera, pues afectaría a su imagen pública. Esto obligo a rehacer toda la parte final, y de ahí el retraso de 2025 a 2026 como fecha de estreno.

¿Qué le pasó a Michael Jackson en 1993?

En enero de 1993, Michael Jackson era el rey del pop sin duda alguna y estaba en un punto álgido de su carrera. Ofreció uno de los shows del ‘halftime’ de la SuperBowl más recordados y míticos del espectáculo deportivo, ante lo que fueron más de 100 millones de espectadores en Estados Unidos. En ella cantó un repertorio que incluyó Jam, Billie Jean, Black or White, We Are the World y Heal the World, y que redefiniría lo que sería esta actuación más adelante en la cultura pop.

El año continuó a lo grande, recibiendo el Grammy Legend Award por su trayectoria y que se le otorgó de la mano de su hermana Janet Jackson, un hecho que llegó tras los tres ‘American Music Awards’ a Mejor Álbum Pop/Rock por Dangerous, Mejor Single Soul/R&B por Remember The Time, y el Premio al Mejor Artista y Humanitario Internacional.

Sin embargo, todo cambiaría en otoño de 1993, cuando Michael Jackson fue denunciado por abuso infantil a Jordan Chandler, un niño de 13 años, lo que llevó a que se abriera una investigación y se realizaran registros en su rancho de Neverland y otras propiedades.

Si bien el cantante negó todas las acusaciones, esto afectó a su imagen pública, que no volvería a tener la misma estima, además de que entonces admitió públicamente su dependencia a analgésicos y se sometió a tratamiento de rehabilitación. En enero de 1994, se llegó a un acuerdo extrajudicial en el que firmaron un acuerdo económico por una suma estimada de 23 millones de dólares, sin admitir culpabilidad, aunque esto no estuvo exento de controversia.

Omitir 1993 cambió el biopic de “Michael” y sumó presupuesto

Así, todo esto contado no formará parte del biopic de “Michael” debido a que todo un tercer acto que relataba todo esto fue omitido. Esto se debe, según Variety, al hecho de que descubrieron una demanda original que prohibía que el denunciante fuera representado en una película, algo que pasó cuando la película ya estaba completamente rodada.

Esto supuso 22 días más de rodaje, y obligar a cambiar todo el final, lo que sumó 15 millones de dólares al coste, que fue asumido por la propiedad de Jackson, porque fueron ellos mismos los que impulsaron la revisión. Así, esto retrasó el estreno del 18 de abril de 2025 inicial al 3 de octubre del mismo año para luego llegar finalmente este abril de 2026.

La película cambió así por completo, siendo una historia de su ascenso en la música y de trayectoria de sus éxitos, y ofreciendo solo la complicada relación con su padre como exploración de su vida personal, que iba a ocupar en el tercer acto mayoritariamente el impacto de las acusaciones de abuso infantil. De esta forma, se considera que el final actual se cerrará en la preparación de su icónica gira ‘Bad’ de 1987.

El hecho controversial por el que sí que pasará el biopic son las graves quemaduras que sufrió en su cuero cabelludo cuando grababa una publicidad con Pepsi en 1984, lo que le llevó a ser dependiente de analgésicos, y que derivaría finalmente en su fallecimiento en 2009.

El estadounidense Robert Crumb (Filadelfia, 1943) es uno de los autores vivos más influyentes del cómic mundial. No fue solo uno de los más decididos impulsores del comix underground a finales de los años 60, mientras vivía en San Francisco, sino que también fue uno de los primeros autores que consideró que el cómic podía ser un medio para la expresión personal y autoral, al margen de las grandes industrias.

Su influencia en la siguiente generación de historietistas puede rastrearse en figuras como Phoebe Gloeckner, Peter Bagge, Joe Matt o Daniel Clowes. Creador de personajes tan icónicos como el Gato Fritz o Mr. Natural, se reinventó a los 65 años con su propia versión del Génesis, su primera —y única— obra larga. Irreverente, ácido y autodespreciativo, el trabajo de Crumb constituye un corpus sólido y coherente a lo largo de las décadas, caracterizado por la crítica social y la exposición de su propia neurosis, lo que le ha traído no pocos problemas.

Recientemente, se ha publicado en nuestro país Crumb. Vida de historietista (Es Pop Ediciones, 2025, trad. Óscar Palmer), una extensa biografía elaborada por el escritor y crítico de cómics Dan Nadel. Se trata no solo de la más completa aproximación a la figura de Robert Crumb, sino también de una de las mejores biografías de autores de cómic que se hayan publicado.

Nadel aborda la labor con la intención de no ocultar ninguna de las muchas aristas del personaje, por deseo expreso del propio Crumb, que le puso esa condición para colaborar. El biógrafo no solo realiza interesantes análisis de las obras del dibujante, sino que también ha tenido entrevistas con prácticamente cualquier persona que haya sido importante en la vida de Crumb y siguiera con vida en el momento en el que realizó el proyecto.

Así, el viaje arranca desde una infancia y adolescencia marcadas por una familia disfuncional, con un estricto padre exmilitar y una madre con trastornos mentales, además de sus hermanos, con los que elaboraba sus primeros cómics artesanales. Crumb comenzó su carrera profesional en la empresa de tarjetas de felicitación de American Greetings, que le proporcionó sus primeros ingresos más o menos estables.

La biografía de Nadel nos guía por todas las idas y venidas de Crumb en una época en la que era más fácil vivir con lo puesto, saltando de ciudad en ciudad. Fue clave la creación del Gato Fritz, un éxito casi instantáneo que le procuró uno de sus primeros desengaños, cuando Ralph Bakshi la adaptó al cine en 1972 —fue la primera película de animación calificada X—, con unos resultados que no gustaron nada a Crumb.

El 'comix underground', la fiesta de las barrabasadas

Ya más o menos asentado en San Francisco, con su primera esposa, Dana Morgan, a quien abandonó más de una vez en su tendencia a la impulsividad, Crumb entró en contacto con dibujantes como Spain Rodriguez, Gilbert Shelton, Clay S. Wilson o Rick Griffin. Con ellos crearía Zap Comix en 1968, una de las primeras revistas consideradas underground: publicaciones subversivas que se distribuían por canales alternativos y que tuvieron no pocos problemas con las autoridades por sus contenidos violentos y sexuales.

El comix underground, como bautizaron a esta corriente informal, se inspiraba en autores como Harvey Kurtzman para explorar todo lo que no era posible en el cómic comercial, considerado un medio infantil o juvenil, con el objetivo de hablar de su tiempo, de las cosas que conformaban su mundo: drogas psicodélicas, música y algunas gotas de crítica social. Lo hacían, en ocasiones, con historias violentas, con sexo explícito y todo tipo de barrabasadas. Se trataba de hacer todo lo que estaba prohibido.

El underground fue el germen de todo el cómic adulto estadounidense que se desarrollaría en las décadas siguientes, desde Maus (1980-1991) de Art Spiegelman —que empezó su carrera como dibujante underground— al cómic periodístico de Joe Sacco, pasando por las obras de Alison Bechdel.

El éxito de Crumb, a pesar de la cadencia irregular de Zap Comix, estuvo en su capacidad de trabajo y su falta de límites. Fue uno de los primeros en usar una versión de sí mismo para hablar de sus obsesiones y exponer sus propios miedos y parafilias, como bien explica Dan Nadel. Sus historietas breves exploraban, además, la hipocresía de la sociedad burguesa tanto como la de la cultura hippie, con la que no terminaba de casar. Crumb, escéptico hasta el paroxismo, nunca pareció querer formar parte de ningún movimiento, más allá de sus colegas de profesión.

La obra de Nadel construye un certero retrato de un artista tímido, con evidentes dificultades para socializar en su juventud, contradictorio y con tendencia a huir de los problemas, lo cual le trajo, paradójicamente, sus mayores problemas. Crumb. Vida de historietista no obvia los acontecimientos más duros de la trayectoria de Crumb, como un mal viaje de ácido junto a su esposa Dana, de cuyos efectos tardó en recuperarse más de un año, su pésima paternidad con respecto a su primer hijo, Jesse, o sus problemas económicos motivados por su nula capacidad para los negocios.

La llegada a su vida de Aline Kominsky, su segunda esposa y una de las mejores dibujantes underground, pareció salvar a Crumb de una vida desastrosa. Tal y como cuenta Nadel, aportó orden y estabilidad, además de una pareja artística con la que publicó muchas páginas.

Convertido en un mito cuyos originales se subastaban por decenas de miles de euros, Crumb se alejó de la órbita del moribundo underground y se embarcó en nuevos proyectos, como la revista Weirdo (1981-1993). En 1991, la pareja, junto con su hija Sophie, se muda a una casa en un pueblo del sur de Francia —que Crumb pagó con el dinero obtenido de la venta de unos cuadernos de dibujos—, en busca de una vida más tranquila y cercana a la naturaleza.

Crumb sigue dibujando, al tiempo que desarrolla su pasión coleccionista por los discos de pizarra de música folk tradicional y toca el banjo. En 2009, publicaría El libro del Génesis, una traslación literal del primer libro de la Biblia realizada desde su ateísmo, y su primera obra larga, formato que había esquivado durante toda su carrera.

Fractura generacional

En 2019, durante la entrega de los Premios Ignatz —que reconocen los mejores cómics independientes— en la Small Press Expo, el dibujante afroamericano Ben Passmore motivó con sus críticas al trabajo de Crumb un aplauso cerrado en una sala llena de autores y autoras de cómic. El suceso evidenció de manera muy gráfica la fractura entre la generación de los underground y las nuevas sensibilidades.

Ciertamente, los estereotipos sexuales y raciales que manejaba Crumb resultan hoy inaceptables para mucha gente —dibujantes feministas como Trina Robbins también lo denunciaron en su momento—, y son claramente ofensivos si se extraen de su contexto. El propio Crumb reconoce abiertamente la misoginia de su juventud, que exhibía en historietas donde abundaba su esterotipo favorito: mujeres robustas, más grandes que él, a las que dominar sexualmente en todo tipo de tramas extrañas y delirantes.

En su defensa, el dibujante siempre ha dicho que esos trabajos no pretendían ser ejemplares ni modelo de conducta, sino, más bien, exploración de sus propias obsesiones y deseos enfermizos: a través de su exposición, señalaba los de toda la sociedad estadounidense.

En algunos casos, la lectura literal malinterpreta historias con un claro tinte satírico, como es el caso de Cuando los negros tomen América y Cuando los malditos judíos tomen América, publicadas ambas en Weirdo en 1993, dos provocativas piezas que mostraban todos los prejuicios racistas y miedos atávicos de la sociedad blanca estadounidense, con clara intención crítica. Sin embargo, las obras generaron una gran polémica y llegaron a ser prohibidas en Canadá, al considerar que incitaban al odio. Crumb, perplejo, pero también acostumbrado a meter la pata, no hizo nada por limpiar su reputación.

Las paranoias de Crumb

Pocos meses después de la llegada a las librerías de su biografía, lo ha hecho la última obra de Crumb hasta la fecha: Relatos de la paranoia (La Cúpula, 2026, trad. Hernán Migoya). Con la forma de un tebeo de toda la vida de los que le gustaba publicar, con 42 páginas, el padre del underground hace honor a su proverbial capacidad para pisar todos los charcos y expone en varias piezas cortas su espirítu crítico y suspicaz, que ha derivado a una paranoia evidente.

Desconfiado del sistema desde su juventud, Crumb se enreda en sus propias pesquisas sobre las vacunas contra la COVID-19, sin llegar a caer en una posición antivacunas clara, pero sí cuestionando inquisitivamente el papel de las empresas farmaceúticas en todo ello. Consciente de su propia deriva y sabiendo que puede haber perdido pie con la realidad, el propio autor siembra la duda en su discurso: en la portada leemos “¿Loco de atar o juez objetivo de la realidad? ¿Quién sabe?”.

A sus más de 80 años, el autor aún hace gala de una capacidad increíble para el dibujo, con sus precisas plumillas y su característico rayado, y dibuja no solo sus obsesiones paranoicas y su propia visión de las teorías de la conspiración, sino también un historieta cuyo guion escribió junto a Aline Kominsky años atrás, su particular homenaje a la esposa fallecida en 2022, o una reconstrucción de su mal viaje de LSD en 1966.

Cínico, afilado, dotado de su habitual verborrea, Crumb llama al pensamiento crítico e insta a los lectores a no creer a nadie, ni siquiera a él. Aunque se pase de frenada, su crítica contra los dogmas y el pensamiento único resulta válida, y coherente con toda una carrera dedicada a demoler tabúes sociales, para bien y para mal.

En de marzo de 1881, se creó el llamado “el mejor espectáculo del mundo”. Nacía de una fusión entre P.T Barnum y James A. Bailey, que tenían entonces los circos ambulantes más destacados del momento, y se bautizó como Barnum & Bailey Circus, donde la atracción que más llamaba la atención del público era el elefante africano Jumbo, que habían comprado de un zoo de Londres y que inspiró a la famosa película Disney ‘Dumbo’.

Hace 145 años creaba su gran espectáculo, el último diez años antes del fallecimiento de P.T Barnum, uno de sus impulsores, el hombre al que dio vida Hugh Jackman en el cine en el musical ‘El gran showman’, estrenada en 2017, y que edulcoró la biografía del famoso empresario que fue conocido no solo por sus espectáculos, sino también por usar el arte del engaño y exhibir animales y personas curiosas, los llamados ‘freaks’, no siempre en las mejores condiciones. Y es que del musical de Jackman, Zac Efron y Zendaya a la vida real hay larga distancia, aunque sí tomó varios hechos que pasaron o fueron parecidos.

Phineas Taylor Barnum nació en 1810 como hijo de un sastre y una posadera, y nieto de un vendedor de loterías, de quien aprendería el arte del engaño, que sería clave en su carrera como empresario de espectáculos. Esto le valió tener su primer trabajo en ventas a los doce años, y hasta que encontró su vocación siguió como comerciante.

Sería a los 25 años, en 1835, cuando empezaría en la industria del espectáculo. Exhibía a una esclava ciega y paralizada que presentaba como la que fuera niñera del presidente George Washington y aseguraba que tenía 161 años. Se llamaba Joice Heth y moriría tan solo un año después, pero hasta el último día fue usada por Barnum, que cobró como ‘show’ la autopsia del cadáver ante 1.500 espectadores. Después de esto, trabajó en el teatro ambulante Aaron Turner Traveling Circus.

Su primer gran éxito: el Barnum’s American Museum

En 1841 el empresario compró un edificio en Manhattan y crearía su primer gran éxito, el Barnum’s American Museum, que en sus cinco plantas era museo a la vez que teatro, zoológico y lugar de espectáculo de “fenómenos” o rarezas, donde destacaban un “Napoleón enano”, una gigante o la mujer barbuda Josephine Clofullia, que fue una de las más famosas del siglo.

El lugar atraía a tanto público que tenía una cifra media de 15.000 visitantes diarios, abriendo un total de 15 horas, y en él, P.T Barnum demostró su don en el arte del engaño también, al exhibir la sirena de Fiyi, que era en realidad un mono disecado con cola de pez. Al igual que en ‘El gran showman’, el museo fue víctima de un incendio, aunque luego pasaría por dos más, hasta que no se pudo recuperar y lo cerró.

De la política al circo ambulante

Tras cerrar su famoso museo de variedades, P.T Barnum se dedicó a la política hasta que en 1870 volvió al mundo del espectáculo, pero esta vez con un nuevo formato, el del circo ambulante, que atraía más público en esos días. Con el Barnum's Grand Traveling Museum iría de gira tanto por Estados Unidos como por Europa, al que ya bautizaban como “el mejor espectáculo del mundo”.

En 1881 fundaría el Barnum & Bailey Circus junto con James A. Bailey, que sigue funcionando con un descanso entre 2017 y 2023, aunque desde 1906 pasó a llamarse Ringling Brothers and Barnum & Bailey Circus. Solo disfrutaría diez años de ello, pues moriría en 1891.

Un 24 de marzo de hace 200 años nació una de las mujeres sin las que costaría entender el feminismo. Ella fue una de las mujeres que lideraron la Asociación Nacional de Sufragio Femenino (NWSA), que tenía como objetivo conseguir el derecho a voto de las mujeres, y si bien Elizabeth Cady Stanton y Susan B. Anthony son conocidas por gran parte del público, sobre todo estadounidense, el suyo no es así.

Hablamos de Matilda Joslyn Gage, sufragista que fue clave en el movimiento, pero que fue cayendo al olvido, en parte porque fue la más radical de todas, no solo centrándose en el sufragio femenino, sino también en defender los derechos humanos de toda la sociedad, incluyendo a los negros e indios.

La sufragista olvidada que dio origen al ‘Efecto Matilda’

Nacida bajo el nombre de Matilda Electa Joslyn el 24 de marzo de 1826 en Cícero, una localidad del estado de Illinois, desde su niñez quedó marcada su vida en defensa de los derechos humanos. Y es que creció en una casa que formaba parte de la red clandestina de apoyo a esclavos, conocida como ‘ferrocarril subterráneo’ y que la llevó temprano a la prisión por brindar asistencia a esclavos fugitivos.

En 1845 se casó con el comerciante Henry Hill Gage y se mudó a Fayetteville, en el estado de Nueva York. Se trataba de un suburbio de Siracusa que fue origen de movimientos que sucumbieron a la sociedad estadounidense en el siglo XIX, desde abolicionistas a detractores del alcohol, educadores progresistas y sufragistas.

En 1852, Matilda Gage se involucró en el movimiento sufragista al hablar en la Convención Nacional de Derechos de las Mujeres que tuvo lugar en Siracusa, y en 1869 entró en la NWSA, donde su trabajo consistía en aquello que no se veía, pero que era esencial. Realizaba todo tipo de tareas, desde organizar convenciones, escribir editoriales, editar periódicos sufragistas a hacer circular peticiones, y siendo parte fundamental de establecer muchos grupos locales y regionales que llevó a que la asociación tuviera una estructura nacional sólida.

Entre sus hechos más destacados en el sufragismo femenino está el hecho de haber coescrito junto a Stanton el documento ‘Declaración de derechos de la mujer y acusación contra el gobierno de Estados Unidos’, donde argumentaban que el gobierno violaba la Constitución al “negar a las mujeres el derecho a un jurado en el que pudieran participar otras mujeres (sólo los hombres podían servir como jurado) y someterlas al pago de impuestos sin tener representación política”. La presentaron junto a un grupo pequeño de mujeres cuando se subieron al podio de la celebración del Centenario de Estados Unidos y la leyeron al entonces vicepresidente del país, William A. Wheeler.

En 1886, Matilda Gage protestó en la inauguración de la Estatua de la Libertad al considerar “una mentira gigantesca, una parodia y una burla” el símbolo femenino de la libertad cuando las mujeres no podían votar en las elecciones nacionales. Sin embargo, la publicación del libro ‘Mujer, Iglesia y Estado’ en 1893 le valió ser condenada al ostracismo por asegurar que el cristianismo organizado había sido clave para oprimir a las mujeres durante siglos.

A pesar de ello, las nuevas generaciones de feminismo han ido recuperando su figura y poniéndola en su lugar de la historia, como una clara influencia en las feministas a partir de la década de los 70. Tanto es así que en 1993 la historiadora de la ciencia Margaret Rossiter acuñó el término ‘Efecto Matilda’ para describir la tendencia a disminuir, ignorar o desacreditar el trabajo de las mujeres científicas.

Influyó para que se publicara ‘El Mago de Oz’

La labor de Matilda Joslyn Gage fue más allá del sufragismo femenino, pues luchó por los derechos de los nativos americanos, entre los que admiraba a los iroqueses, que vivían en el estado de Nueva York. Además, ella fue la que animó a su yerno, Lyam Frank Baum, casado con su hija Maud, que publicara las historias que contaba a sus hijos, lo que dio lugar a ‘El maravilloso mago de Oz’. El escritor diría de su suegra que “era la mujer más talentosa y educada de su época”.

Gage murió en 1898 a los 71 años debido a un accidente cerebrovascular y no pudo ver ni la publicación de ‘El Mago de Oz’ ni la aprobación del voto a la mujer en Estados Unidos, que no llegaría hasta 1920.

Nació en el seno de la aristocracia, vio desaparecer su Prusia natal, se opuso activamente al régimen nazi y fue considerada un referente del periodismo de posguerra en Alemania, siendo clave en el desarrollo del periódico Die Zeit. Hablamos de Marion Gräfin Dönhoff, conocida también como condesa Dönhoff, quien falleció un 11 de marzo de 2002 a la edad de 92 años.

Marion Gräfin Dönhoff nació el 2 de diciembre de 1909 como la menor de siete hermanos en la casa familiar en el castillo de Friedrichstein, en la entonces Prusia oriental. La relación con sus padres fue distante, especialmente con su madre, aunque con su padre tendría su primer contacto con los periódicos, donde haría gran parte de su carrera, pues le leía The Times, Le Figaro o Der Frankfurter.

Su padre murió cuando ella tenía tan solo nueve años, lo que le llevó a ser disciplinada desde niña, “separando la razón de la emoción, a la vez que desarrollaba una segunda faceta: la de salvaje y rebelde, se convierte en una testaruda marimacha”, según escribe Alice Schwarzer en la biografía Marion Dönhoff. Una vida de resistencia.

Así, a pesar de la oposición de su madre, continuó sus estudios en la universidad y fue aceptada en el instituto de Potsdam, donde fue la única alumna entre 18 hombres y de donde se graduaría con honores. Luego se trasladaría a Frankfurt para estudiar economía, aunque con el ascenso del nazismo se iría a la Universidad de Basilea, donde finalmente se doctoraría en 1935 con una disertación en la que indagó en los orígenes del castillo de Friedrichstein, su lugar de nacimiento y el que era el edificio de mayor edificio histórico de Prusia Oriental.

Colaboró con el intento de asesinato de Hitler

Desde que comenzó la guerra, Marion Gräfin Dönhoff lo vivió de cerca porque sus hermanos fueron a luchar y tuvo que encargarse de la administración del castillo familiar, así como también de los dos hijos de su hermana Christa, que había fallecido joven. Debido a su red de contactos, asumió el papel de intercambiar mensajes importantes entre Prusia Oriental y Berlín, especialmente como informante dentro de su grupo de amigos, que fueron los que prepararon el complot contra Hitler el 20 de julio de 1944.

Después de que fallara el intento de asesinato de Hitler, la mayoría de sus amigos fueron ejecutados, pero ella sobrevivió y escribió un libro en su memoria en 1994 donde recordó aquellos días como “nada podría ser peor que perder a todos mis amigos y quedarme sola”. Finalmente, en enero de 1945 huyó al oeste ante el avance del ejército soviético, y lo hizo de una peculiar manera: a lomos de su caballo Alarich hasta Westfalia, unos 1.200 kilómetros en total recorridos.

Figura relevante del periodismo de guerra alemán

Marion Gräfin Dönhoff había perdido las posesiones de su familia, había visto desaparecer su Prusia Oriental, pero siguió adelante, y un articulo sobre sus amigos asesinados en el complot contra Hitler en 1946 la llevó a escribir en el entonces seminario Die Zeit, donde comenzaría a trabajar y se convertiría en una figura influyente.

Sus inicios fueron como freelance, porque quería trabajar “libre”, y fueron clave sus contactos y conocimiento de idiomas. Sus compañeros la conocían con el sobrenombre de “la condesa” porque su jornada laboral transcurría distanciada de la redacción, en la sección de política. Si por algo se hizo relevante en este sentido fue por abogar por una política conciliadora con la Alemania Oriental, por lo que recibió un premio por la Paz en 1971.

Siendo crítica con Adenauer, Marion Gräfin Dönhoff fue clave para la elección de Willy Brandt como canciller en 1969, con quien además tuvo una estrecha relación. Entonces era ya redactora jefe de Die Zeit y en 1972 se convertiría en directora del periódico. Después de dos décadas, se retiró profesionalmente pero se dedicó a un proyecto de vivienda en la ciudad de Hamburgo para ex presos, hasta que falleció el 11 de marzo de 2002, a la edad de 92 años, en el castillo de Crottorf, residencia de su sobrino.

Este 15 de marzo es la gala de los Premios Oscar 2026 y si hay un galardón que tiene una clara favorita es el de mejor actriz protagonista, que apunta a Jessie Buckley por su papel de Agnes en “Hamnet” de Chloe Zhao, al haberse llevado anteriormente el Globo de Oro, el Critics Choice Award, el BAFTA y el SAG Award.

Mientras el de mejor actor se le podría escapar a Timothee Chalamet, en el caso de actuación femenina, la actriz irlandesa parte como gran favorita, y lo que pocos saben es que su carrera comenzó en un concurso de televisión de la cadena BBC en el que quedó segunda. Este fue el inicio de una trayectoria poco usual en Hollywood y que podría escribir un capítulo más de su historia.

De rechazar el camino fácil para llegar al Oscar

Jessie Buckley nació en Killarney, Irlanda, el 28 de diciembre de 1989, y desde muy temprano comenzó en la actuación, durante el colegio y el instituto, donde interpretó también papeles masculinos para obras como ‘West Side Story’. Es por eso que muy temprano tuvo claro su objetivo, aunque fue rechazada por dos escuelas de teatro antes de que se decantara por audicionar para un nuevo concurso televisivo en la BBC.

Buckley fue seleccionada para participar en el reality show “I’d Do Anything”, un concurso en el que se buscaba la protagonista desconocida para el musical Oliver!, que se representaría en el West End de Londres, en 2008. No fue la ganadora, quedó en segunda posición, lo que le hizo ganarse ser la suplente de la obra, pero la actriz rechazó este premio porque tenía otros proyectos en mente como eran estudiar música en la Real Acdemia de Música de Irlanda e interpretación en la Real Academia de Arte Dramático de Londres.

La actriz irlandesa demostró que lo suyo era lo de trabajar en silencio, en la sombra, optando por el camino más difícil tras su participación en televisión, a la que no volvería hasta ocho años después para la serie ‘Guerra y Paz’ de 2016, a lo que se unió formar parte de otras series como ‘Taboo’ o ‘La mujer de blanco’.

El camino 'silencioso' a Hollywood

Su debut en el cine llegaría un año después de su regreso a televisión, en 2017 con ‘Beast’, un thriller psicológico en el que daba vida a un personaje incómodo y oscuro, en el que ya se podía atisbar su talento para papeles de alta intensidad emocional como el que le ha dado el reconocimiento en ‘Hamnet’.

Fue este un punto de inflexión, pues fue cuando la industria del cine puso su atención en Jessie Buckley para interpretar personajes secundarios cargados de peso y emoción como sucedió en ‘Estoy pensando en dejarlo’ y ‘La hija oscura’, de Maggie Gyllenhall, con la que ha vuelto a colaborar en “La novia”, un remake de “La novia de Frankenstein” que protagoniza con Christian Bale y que está siendo un sonado fracaso comercial y de crítica.

Pero Buckley ha demostrado que su camino no es el habitual, y tras su buen hacer en el cine, decidió volver al teatro musical y protagonizó junto a Eddie Redmayne la obra ‘Cabaret’ en el West End de Londres, en el papel de Sally Bowles que interpretó en la gran pantalla Liza Minelli, precisamente que le valió el Oscar a Mejor actriz en 1973.

El Museo Thyssen-Bornemisza arranca una nueva exposición temporal que dedica al pintor danés Wilhelm Hammershøi, conocido por dotar de misterio a la vida doméstica de la burguesía, su propia existencia, pues su mujer fue una de las grandes protagonistas de una obra que pasó al olvido por estar “pasada de moda” en plena era de las vanguardias, pero que ha ido recuperando su sitio en las últimas décadas.

Un pintor que enseñó a mirar de espaldas, a encontrar grandeza en lo cotidiano, y que desde el 17 de febrero se puede apreciar a través de su obra una gran retrospectiva, la más grande en España hasta ahora, con 89 óleos y dibujos, que se ha realizado con la cooperación de la Kunsthaus Zürich y comisariada por Clara Marcellán.

Esta exposición de El ojo que escucha, que estará en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid hasta el próximo 31 de mayo llega casi dos décadas después de otra destacada retrospectiva que tuvo el pintor en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona en 2007.

Quien fue Hammershøi: el pintor del silencio, la austeridad y el misterio

Wilhelm Hammershøi fue un pintor danés nacido en Copenhague en 1864 en el seno de una familia acomodada de la capital que se dedicaba al comercio. Desde muy pequeño se interesó en el arte, y de hecho comenzó a pintar a los ocho años, tal y como atestigua una carta del profesor de la escuela de arte en la que estudiaba que lo describió como “único e incomprensible” y con gran talento.

A los 21 años ya tuvo su primera exposición, en la que ya se hizo evidente su estilo, ese que le haría inconfundible: colores grises, figuras solitarias, paredes oscuras, habitaciones vacías, algún mueble y ángulos rectos. En 1891 se casó con Ida Ilsted, hermana de un amigo y compañero de trabajo, con quien viviría hasta su fallecimiento en 1916 y que sería una de las protagonistas de sus cuadros, al igual que su cuñado Peter.

Contemporáneo de las vanguardias, pero indiferente a ellas

De la vida de Wilhelm Hammershøi no se saben muchos detalles, lo que sí que se tiene claro es que fue contemporáneo de estilos que gozaron de popularidad y reconocimiento en su momento como fueron el impresionismo, fauvismo o las vanguardias, pero él se mantuvo indiferente y siguió cultivando su estilo, más centrado en la vida cotidiana y de corte sencillo y clásico, con paleta de colores grises, verdes y pardos.

Según su obra se considera que fue una persona melancólica, que además de pintar escenas de su hogar, su mujer de espaldas también retrató a personas de su época o algunos paisajes urbanos de su Copenhague natal. Su tratamiento de interiores y efectos de luz le han hecho ser definido como descendiente de Vermeer y precursor de Hopper.

Hammershøi ha recuperado popularidad en las últimas décadas por esa sensación de serenidad, silencio y comodidad que transmiten sus espacios, que también generan inquietud. Si de algo fue maestro fue del llamado Rückenfigur, el arte con el protagonista de espaldas, que invita al espectador a mirar lo mismo que él. Además del danés, hay otros ejemplos de obras maestras con esta técnica, como es el caso de Caminante sobre el mar de nubes de Caspar David Friedrich, uno de los exponentes del romanticismo alemán, o Muchacha en la ventana de Salvador Dalí.

Los fans de El diablo viste de prada cuentan los días para el próximo 30 de abril, día en el que la segunda parte de esta icónica comedia llegará a los cines de nuestro país, según ha anunciado 20th Century Studio. Será el momento de volver a ver en pantalla a Meryl Streep y Anne Hathaway, protagonistas de la película original que se estrenó hace dos décadas.

El largometraje ambientado en el mundo de la moda es el primer proyecto cinematográfico de Streep que podremos ver este año, sin contar su participación en Hoppers, película de animación producida por Walt Disney Pictures y Pixar Animation Studios en el que la actriz ha puesto su voz a uno de los personajes. El filme se estrenará el próximo 6 de marzo en Estados Unidos.

Pero antes de que estas películas lleguen a cines, ya se ha confirmado la noticia sobre el próximo proyecto que la actriz de Mamma Mia! y Los puentes de Madison protagonizará. Se trata de una película biográfica sobre Joni Mitchell, la icónica cantautora canadiense y una de las compositoras más influyentes del siglo XX. 

Después de años de especulación, este proyecto se hará realidad de la mano de Cameron Crowe, director conocido por películas como Casi famosos (2000) y Vanilla Sky (2001). La noticia la confirmó Clive Davis, histórico productor musical, durante la tradicional fiesta previa a los premios Grammy, celebrada el 31 de enero en el Beverly Hilton de Los Ángeles.

¿Qué se sabe de la adaptación?

Crowe entabló una amistad con Mitchell después de entrevistar a la cantante para la revista Rolling Stone en 1979. Sin embargo, la película biográfica sobre la compositora de temas tan populares como Big Yellow Taxi o Both Sides Now se ha estado desarrollando en los últimos cuatro años, según confesó el cineasta en una entrevista en octubre de 2025 en The Late Show.

“Nos reunimos regularmente para preguntarle cualquier cosa y ella habla sobre todo tipo de temas. Es una película que no será desde la distancia. Será desde su perspectiva, desde su vida. Ha conservado todo su vestuario, toda su ropa, todos sus instrumentos. Así que esta es una mirada realmente personal y maravillosa a su vida y su música”, compartió Crowe entonces.

El nombre de Streep llevaba años sonando como posible intérprete de Mitchell en su etapa adulta. Para la versión joven de la cantante, el nombre que más se ha repetido es el de Anya Taylor-Joy, reconocida por su aclamada actuación en la miniserie de Netflix Gambito de dama (2020). Sin embargo, la participación de esta actriz en el biopic sobre la cantante no se ha confirmado todavía.

Este viernes 13 de febrero, llega a los cines españoles “Cumbres borrascosas”, la última adaptación de la novela de Emily Brontë, dirigida por Emerald Fennell y con Margot Robbie y Jacob Elordi como protagonistas, siendo dos de los actores del momento en Hollywood.

Una adaptación que ha dado que hablar por su nivel de fidelidad a la novela original, de la que bebe, y que se publicó en 1847. Emily Brontë lo hizo bajo pseudónimo masculino, Ellis Bell, aunque más tarde en una posterior edición se reveló su verdadera identidad. La tragedia, sin embargo, alcanzó a la escritora, que no llegaría a vivir el éxito de su novela al fallecer tan solo un año después debido a una tuberculosis.

El paisaje que inspiró a Emily Brontë para crear Cumbres borrascosas

Para buscar el origen de la historia de Cumbres borrascosas, es inevitable acudir a la propia vida de Emily Brontë, pues ella se inspiró en sus vivencias para crear tanto el clima, el contexto, como los personajes y la trama.

El paisaje en el que se desarrolla el relato es evidente que se basa en Haworth, la zona rural de Yorkshire en la que vivió la escritora junto a su familia. Un lugar que destaca por los páramos ventosos y agrestes, que es el entorno en el que se situaba la casa parroquial en la que creció.

Esa atmósfera oscura y salvaje que respiramos en Cumbres borrascosas, que bebe del romanticismo gótico y da pie a las pasiones “salvajes” de la naturaleza humana, a la venganza y esa naturaleza indómita, influenciada por la vida rural. Todo ello se considera también resultado de las privaciones tanto económicas como sociales que vivía como hija de un pastor local.

Así, no extraña que, para entretenerse, desde muy pequeñas, las hermanas Brontë escribieran e hicieran una especie de competición para distraerse, pero también de cierta manera contar las duras condiciones que vivían. De hecho, en las novelas de las tres hay tintes autobiográficos de cierta manera. Solían escribir sobre un lugar que llamaban “Ciudad de Cristal” (Glass Town), y por la noche compartían los diferentes relatos. Charlotte y Branwell, el único hijo varón, crearon un territorio llamado “Angria”, mientras Anne y Emily dieron pie a desarrollar “Gondal”. De estos, se cree que partieron los primeros borradores de Cumbres borrascosas, pero también de Jane Eyre.

El legado de Emily Brontë y Cumbres borrascosas

Emily Brontë se cree que se inspiró en su propia familia, con una madre fallecida de forma prematura al dar a luz; un padre dedicado a la religión, pero también inteligente y particular; un hermano que se vio abocado a las drogas y el alcohol, así como los excesos sexuales, y en sus hermanas, Charlotte y Anne.

Su muerte prematura a los 30 años hizo que fuera su hermana Charlotte Brontë la encargada de administrar su legado literario. Sin embargo, al igual que con Anne, fue crítica con la obra Cumbres borrascosas, de hecho, llegó a estar preocupada por “el daño en la reputación” en plena época victoriana. De ella llegó a decir que era “más fuerte que un hombre, más simple que un niño, su naturaleza se mantenía sola”, y expresó que tenía que “excusar la crudeza de Cumbres Borrascosas, con su locura y sexualidad perversa”.

La película ‘Marty Supreme’ es una de las protagonistas de la temporada de premios en el cine, con hasta nueve nominaciones en los premios Oscar, entre los que destaca la de mejor actor para Timothée Chalamet, que buscará ser por fin ganador tras perseguir este reconocimiento, como hizo el año pasado con ‘A complete Unknown’ en el papel de Bob Dylan.

En esta ocasión, Timothée Chalamet recurre también a interpretar a una persona real en lo que no es una película biopic al uso, pero que bebe de muchos de sus recursos, pero que parece ser no habría encontrado el apoyo de los familiares del deportista en el que se han inspirado para este largometraje.

Y es que según ha trascendido, la familia de Marty Reisman, el jugador de tenis de mesa en el que se inspira el personaje de ‘Marty Supreme’ que interpreta Timothée Chalamet, se habría mostrado descontenta con la imagen que se da del deportista.

Así, la hija del fallecido Reisman ha manifestado de forma pública que en la película dirigida por Josh Safdie se da una representación que consideran “injusta” y que afecta directamente a su memoria personal y pública:

“Lo hicieron parecer un delincuente de poca monta. Me hacía sentir especial cuando era niña y quiero que la gente lo sepa. La familia Reisman no participó en ningún aspecto del proyecto ni ha recibido ningún dinero de las ganancias”, expresó la hija de Reisman, aclarando que no fueron consultados para la realización de la película.

Las acusaciones contra Josh Safdie en plena carrera hacia los Oscar de ‘Marty Supreme’

No es el único problema que afecta a la película con la que Timothée Chalamet pretende conseguir el premio Oscar a mejor actor, debido a la polémica que se ha desatado en torno a los hermanos Safdie y su posible separación debido a un caso de abuso sexual en el set de una de sus obras.

Siendo una de las favoritas al Oscar, entre ellas por la nominación de mejor dirección para Josh Safdie, no ha pasado desapercibido el caso de abuso sexual a una menor en el rodaje de ‘Good Time’ en 2017.

Según ha trascendido, la actriz de 17 años fue contratada para interpretar a una trabajadora sexual y en una escena de desnudez y sexo simulado, el actor Buddy Duress se bajó los pantalones, se expuso y le preguntó a la joven si podía tener relaciones reales mientras las cámaras seguían grabando, algo que sucedió y que Josh Safdie habría dejado que se continuará cuando estaba en el cargo, sin frenar lo que estaba sucediendo.

Esta escena fue eliminada, pero el rumor de la noticia comenzó a circular en 2022 y en 2023 se produjo la separación de los hermanos Safdie, que habían dirigido varias películas juntos, lo que muchos achacan como una razón por lo sucedido en el set, en el que en ese momento no se encontraba Benny.

Este viernes 30 de enero llega a los cines españoles una de las películas protagonistas de la temporada de premios en el cine, ‘Marty Supreme’, de la productora A24, protagonizada por Timothée Chalamet y dirigida por Joshua Safdie con guion de Ronald Bronstein.

Este largometraje ha obtenido un total de nueve nominaciones en los Premios Oscar 2026, entre ellas a mejor actor para Timothée Chalamet, que persigue este galardón como una de sus mayores metas y que ya intentó el año pasado con ‘A complete unknown’, biopic de Bob Dylan.

‘Marty Supreme’ no es un biopic al uso

Si bien nos lo puede parecer, ‘Marty Supreme’ no es una película biopic al uso, sino que se inspira libremente en la figura de Marty Reisman, apodado ‘The Needle’ (la aguja), un jugador de tenis de mesa con una historia apasionante que va más allá del deporte.

En la película, de hecho, recibe otro nombre, el de Marty Mauser, que se puede ver que se ha inspirado en él por los eventos descritos, y que se basa en el mito de Reisman, que va más allá de su talento, con su carácter extravagante y polémico durante el siglo XX en el ámbito deportivo.

Por ejemplo, algunos detalles que conectan ‘Marty Supreme’ con Marty Reisman es por ejemplo que comienza trabajando como vendedor de zapatos el personaje principal, y un empleo que llegó a tener el verdadero Marty, aunque solo durara en él unos días.

Pero si algo distinguió a Reisman fue su doble identidad de atleta de elite y ‘estafador’ profesional, que se puede también apreciar en la película, donde se puede ver como el talento lo usó en los salones de tenis de mesa de Nueva York donde se apostaba dinero en cada partido. De hecho, aparece el Lawrence’s Broadway Table Tennis Club, un epicentro de la vida del verdadero Marty y del personaje.

Quién fue Marty Reisman, la inspiración para ‘Marty Supreme’

Marty Reisman nació el 1 de febrero de 1930 en Manhattan y se declaró “neoyorquino de por vida” como recoge la revista PEOPLE. Creció en un entorno difícil, pues su padre era taxista, pero también corredor de apuestas y adicto al azar, al que llegó a describir como “perdedor compulsivo” en su autobiografía The Money Player. Al divorciarse sus padres cuando tenía tan solo diez años, sufrió una crisis nerviosa que marcaría su vida, pues entonces encontró el ping-pong como una forma de escape.

Reisman poco a poco fue ascendiendo gracias a su talento y a los 13 años ya era campeón juvenil de Nueva York siendo una de las mayores promesas del tenis de mesa estadounidense. Pero pronto también se convertiría en un problema, pues a los 15 años fue expulsado de un torneo por apostar 500 dólares en su propia victoria con quien creía un corredor de apuestas, pero que resultó ser el presidente de la Asociación Estadounidense de Tenis de Mesa.

Showman y figura mediática

Marty Reisman siempre apostaba por sí mismo y, de hecho, llegó a ser millonario en tres ocasiones, pero también perdería esa fortuna esas tres veces. Su truco más famoso consistía en apostar que podía partir un cigarrillo en dos desde el otro lado de la mesa con una pelota y lo hizo, además, en televisión en The Tonight Show Starring Johnny Carson en 1975 y volvió a repetirlo décadas después en el programa de David Letterman.

Además de todo ello, el jugador de tenis de mesa construyó una imagen propia con las prendas que elegía que formaban parte del “mito Reisman”, como él mismo lo llamaba, según recoge Forbes. Su legado perdura en clubes como SPiN, en Nueva York, donde sus fotos lo muestran con pantalones verde lima o estampados de leopardo. Marty Reisman murió el 7 de diciembre de 2012 en Nueva York, a los 82 años, debido a complicaciones cardíacas y de pulmón.

A Juan Ramón Ferreira nadie le pudo recriminar nunca que no atendiese a las palabras ajenas. Quienes más le conocían coinciden en que era un hombre siempre dispuesto a escuchar y menos dado a hablar. De hecho, su verbo, casi siempre pausado, le otorgó la categoría de “caballero” en los mentideros políticos de la ciudad, no sólo por su capacidad de expresión, sino por su voluntad constante de entenderse con todos. Discreto, pero activo en lo institucional, Ferreira falleció el pasado 31 de diciembre a causa de un infarto cuando se preparaba para la cena de Nochevieja junto a su familia. Una noticia tan inesperada como impactante en Granada, la ciudad que le acogió -nació en Alcalá la Real (Jaén) en 1961- y que explica la conmoción no sólo por su personalidad, sino por una dilatada y coherente trayectoria pública.

Su origen y su final al servicio de la ciudadanía están, paradójicamente, unidos. En 1995 accedió al Ayuntamiento de Granada como concejal del Partido Popular y asumió la responsabilidad de Turismo bajo el mandato de Gabriel Díaz Berbel; un cargo que retomó, junto al de Cultura, en 2023, cuando Marifrán Carazo confió en él para liderar ambas áreas. Y no lo hizo para pasar de puntillas por el puesto. En el año y medio que ocupó la concejalía, Juan Ramón Ferreira se volcó en dos cuestiones estratégicas para la ciudad: la celebración de la primera ceremonia de los Premios Goya en Granada y el impulso decidido a la candidatura para que la ciudad andaluza sea Capital Europea de la Cultura en 2031.

Un sueño que dejó prácticamente atado antes de fallecer. Tan sólo unos días antes de su muerte, Ferreira protagonizó el envío a la Comisión Europea de los documentos clave de la candidatura, el conocido ‘Bid book’, que recoge el proyecto estratégico elaborado de forma conjunta por las principales instituciones y agentes culturales de la ciudad. Un hito que, de materializarse, tendrá buena parte de su mérito en el trabajo desarrollado por el concejal, que convirtió esta aspiración en una de sus principales luchas políticas, asumida con convicción y una ilusión que quienes compartieron con él los últimos meses describen como contagiosa.

No era la primera vez que Ferreira dejaba huella en la proyección exterior de Granada. En los años noventa, durante su primera etapa como edil, revitalizó el área de Turismo hasta situar a la ciudad en el foco internacional, siendo testigo de visitas como las de Bill Clinton o las Spice Girls. Fue un periodo de modernización y apertura al exterior en una ciudad que, pese a su enorme patrimonio cultural, aún no había terminado de creerse su potencial. Tras aquella etapa como responsable de Turismo y Empleo, permaneció en la oposición municipal hasta 2003.

Un hombre de partido

Licenciado en Derecho por la Universidad de Granada, Ferreira ejerció como procurador de los tribunales y mantuvo una vinculación constante con el Partido Popular, formación en la que militó desde el final de su etapa universitaria. Fue concejal en tres mandatos y diputado del Parlamento de Andalucía entre 2012 y 2023, donde llegó a ostentar la portavocía de Justicia de los populares. Un cargo que desempeñó con solvencia y que no le hizo perder de vista un bagaje cultural y social que ya había intentado aplicar previamente como vicepresidente primero de la extinta Caja Granada, desde 2008, apostando de forma decidida por la obra social y la proyección cultural de la entidad.

Crítico con el expresidente provincial del PP, Sebastián Pérez, Juan Ramón Ferreira se mantuvo fiel a su partido incluso en los momentos más complejos para la organización en Granada, aportando experiencia y estabilidad cuando el proyecto atravesaba su peor etapa. Esa trayectoria, y el respeto cosechado a lo largo de los años, explican la confianza que Marifrán Carazo depositó en él para incorporarlo a su equipo de gobierno, con mayoría absoluta, como concejal de Cultura y Turismo, cargo que ostentaba en el momento de su fallecimiento.

Entre sus logros más recientes también destaca que Granada acogiera su primera Bienal de Flamenco o que, en el ámbito turístico, se impulsara una normativa para endurecer la apertura de nuevos pisos turísticos en la ciudad. En esa misma línea de firmeza institucional, Ferreira tuvo que gestionar decisiones incómodas, como el traslado de un trabajador de la casa museo de Federico García Lorca tras conocerse la publicación de mensajes enalteciendo la figura de Franco en sus redes sociales. Como responsable de Cultura y Turismo, ordenó su salida del centro y lo hizo también con discreción alegando que fue el propio empleado el que pidió su relevo.

Su fallecimiento ha generado una oleada de mensajes de reconocimiento que trascienden siglas. La alcaldesa de Granada, Marifrán Carazo, lo ha definido como “un hombre especial, buen compañero, padre y amigo que tanto empeño y voluntad ha puesto en su vida pública, al servicio de su ciudad, Granada”. El presidente de la Junta de Andalucía, Juan Manuel Moreno, que lo tuvo en el grupo de los populares en el Parlamento de Andalucía, dice que era “una de esas personas que honraba la política con su presencia”. Y desde el propio equipo de gobierno municipal, el portavoz Jorge Saavedra ha recordado que “compartir un rato con él era un placer” y que “a todos nos hacía mejores”.

Su transversalidad como político, ganándose el respeto de todas las visiones, ha hecho que también desde la oposición, la portavoz del PSOE, Raquel Ruz, asegurase estar “desolada” por una pérdida que deja “en shock” a la corporación municipal, recordando a Ferreira como “una persona querida por todos, afable, amable, conciliador y amante de su ciudad”. Un retrato compartido también por quienes coincidieron con él en los tribunales, en el Parlamento andaluz o en la vida cotidiana.

Persona dialogante, generadora de consensos y vitalista, Juan Ramón Ferreira deja tras de sí una forma de entender la política basada en el respeto, la escucha y el servicio público. Una figura singular en tiempos de ruido, cuyo legado institucional y humano queda ya ligado de forma inseparable a la historia reciente de Granada.

El Museo del Prado se ha dado su propio regalo de Navidad al adquirir en sus fondos la primera pieza de la obra de Luisa Roldán, un personaje relevante en la historia del arte español, al ser la primera mujer que fue escultura de la corte en España, en los reinados de Carlos II y Felipe V.

Se trata de Descanso en la huida de Egipto, una escultura que forma parte de la primera de su etapa madrileña, cuya compra ha sido realizada por el Ministerio de Cultura y adscrita al Museo del Prado, procedente de la colección Güell a través de la subasta de Abalarte por un importe de 275.000 euros de una de las figuras más importantes del barroco español. Con este movimiento, el Museo del Prado da un paso hacia “reafirmar su compromiso con la recuperación y difusión del legado artístico femenino, situando a Luisa Roldán en el lugar que le corresponde dentro de la historia del arte universal”, e incorpora así la primera obra suya en la colección, pues, aunque su nombre si figuraba en la fachada junto al de otros grandes maestros, todavía no estaba presente.

Luisa Roldán, la escultora barroca que rompió barreras

Luisa Roldán, también conocida como ‘La Roldana’, fue una mujer que “escapó” de la imagen de lo que se esperaba de ella en su tiempo, pues no solo desarrolló una carrera profesional y llegó a la corte española, sino que también se casó por voluntad propia sin haber obtenido el consentimiento familiar, como era habitual en el siglo XVII.

Nacida el 8 de septiembre de 1652 en Sevilla como Luisa Ignacia Roldán, aprendió el oficio de escultora en el taller de su padre, Pedro Roldán, que era un reconocido escultor de la capital de Andalucía, y que, debido a la gran demanda de encargos, hizo que sus doce hijos trabajaran con él, algo que determinaría la vida de La Roldana.

Luisa fue de todos sus hijos la que más provecho sacó de esta etapa y absorbió todos los detalles de las técnicas de su padre, que puso además en práctica. Fue en su taller también donde conoció a Luis Antonio de los Arcos, que más tarde se convertiría en su marido, en contra de la opinión familiar y por eso se conoció este hecho como “el rapto de la Roldana”. Entonces, la mujer permanecía bajo tutela masculina, y tuvo que salir de la casa familiar avalada por un mandamiento judicial, estando bajo custodia de otro hombre hasta que tuvo lugar su matrimonio, el día de Navidad de 1671, y obviamente sin la presencia de su padre.

Su carrera profesional independiente del núcleo familiar comenzó en Sevilla ya una vez casada, participando su marido también en el trabajo como un equipo, ambos produciendo gran cantidad de obras de encargos, sobre todo para conventos y cofradías en la ciudad y alrededores. Así, poco a poco se hizo un hueco, y fue como llegó su primer encargo de fuera, de la Catedral de Cádiz, donde realizó el Ecce Homo (1684), y que es su primera obra documentada.

La Roldana: la primera mujer escultora de corte en España

Pocos años después, el matrimonio se trasladó a Madrid con el propósito de trabajar para la corte, una etapa madrileña que inauguró precisamente El descanso de la huída de Egipto en 1691, siendo tan solo un año después cuando fue nombrada escultora de cámara de la corte real bajo el reinado de Carlos II, puesto que, además, consiguió mantener con la llegada de los Borbones con Felipe V.

Fue la primera mujer en lograr tal distinción, llegando a realizar obras reconocidas como el San Miguel de El Escorial, y en todas ellas se apreciaba un realismo dramático, detallismo en los ropajes o en la expresión de las emociones, con lo que se acercó al canon de la época, asociada a temas religiosos que casaban con las nuevas directrices del Concilio de Trento, firmado a mediados del siglo XVI, que prefería dotar de humanismo el arte para llegar al público.

A pesar de trabajar para la corte española, Luisa Roldán y su marido no gozaron de una posición económica cómoda, pues el sueldo no llegó hasta tres años después, con retraso, y poco se sabe sobre algunos detalles de su vida al haber poca documentación, en un contexto como el de su fallecimiento, que tuvo lugar el 10 de enero de 1706, pocos días después de firmar una declaración de pobreza, todo ello, aunque era escultora de corte, en pleno auge del Barroco.