Luis Tosar y Rigoberta Bandini han condenado la violencia en su discurso de bienvenida en los Premios Goya 2026. El actor y la cantante, que este año se han encargado de presentar la ceremonia, han aprovechado para ser reivindicativos. “Me sigue impactando mucho la imagen de José Luis Borau, presidente de la Academia en la edición del 98, que cambió su discurso institucional por un gesto muy simple, el de las manos blancos, para condenar la violencia que esta industria siempre ha condenado: la guerra de Irak, la guerra de Ucrania, el genocidio de Gaza...”, ha declarado Tosar.

El actor ha hecho alusión al momento en el que Borau se pintó las manos de blanco para condenar el terrorismo de ETA. Él tampoco ha querido escapar la oportunidad de pronunciarse acerca de lo que está ocurriendo más allá de nuestro país: “Es un día nefasto y triste mientras siguen haciendo la guerra por ahí adelante”. Rigoberta Bandini también ha continuado en la misma línea. “Hoy es un día especialmente triste porque Israel ha echado a Médicos Sin Fronteras de la frontera de Gaza y está dejando a millones de personas sin hospitalizar”, ha señalado.

Luis Tosar ya se había pronunciado en la alfombra roja: “El mundo es muy convulso y hay algunos que se dedican todavía a convulsionarlo más”. El presentador de la ceremonia junto a Rigoberta Bandini solo ha sido uno de los muchos actores que han aprovechado su altavoz para lanzar un mensaje social. Como ha manifestado el director Hernán Zin, es importante reivindicar “desde la verdad”, y el cine español ha vuelto a utilizar su plataforma para poner el foco en el genocidio en Gaza, zanjar el debate en torno a las subvenciones y apelar contra un machismo que todavía no ha sido erradicado.

Sirat, de Oliver Laxe, y Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, partían como las películas favoritas de la noche. Mientras que Los domingos dejó alguna categoría técnica libre y acabó sumando 13 nominaciones, Sirat le siguía en la cuenta con 11. La cinta de Ruiz de Azúa fue la gran victoriosa de los premios Feroz, pero Sirat llegaba a la gala tras haber triunfado en Cannes y haber logrado llevar a España a los Oscar. Completando el quinteto de nominados se encuentraba la revelación del curso pasado, Sorda, de Eva Libertad —que logró siete nominaciones—; Maspalomas, de Josemari Goenaga y Aitor Arregi —que amasó nueve— y La cena, de Manuel Gómez Pereira, que terminó con ocho.

28 de febrero. Es la fecha en la que conoceremos a los flamantes ganadores de los Premios Goya, que por segunda vez en su historia se entregarán en Barcelona. La ceremonia marcará un hito histórico al celebrarse en la capital catalana más de un cuarto de siglo después de que la capital catalana fuera el escenario de la primera entrega fuera de Madrid en el año 2000, año en el que triunfó Todo sobre mi madre. El evento busca celebrar cuatro décadas de excelencia en la cinematografía española, reafirmando el compromiso de la Academia de Cine con una cultura plural y territorialmente diversa. Y de dicha gala se van conociendo más detalles para todos aquellos que estén deseando ver a los cineastas nominados caminar por la alfombra roja. 

El escenario elegido para esta gran cita es el Auditori del Centre de Convencions Internacionals de Barcelona (CCIB), ubicado a escasos metros del mar Mediterráneo. El presidente de la Academia, Fernando Méndez-Leite, ha destacado que regresar a Barcelona en esta fecha tan simbólica es un reconocimiento profundo a una ciudad que respira cine por todos sus costados. Esta edición se suma a la lista de galas celebradas fuera de Madrid, tras haber pasado por las ciudades de Sevilla, Málaga, Valencia, Valladolid y Granada en años recientes.

La competencia en esta edición será intensa, con un total de 219 largometrajes españoles que aspiran a las codiciadas estatuillas. De estas producciones estrenadas en 2025, 123 pertenecen al género de ficción, 87 son documentales y 9 son cintas de animación. Además, destaca la vitalidad del relevo generacional con la inscripción de 67 óperas primas, junto a una amplia variedad de guiones que incluyen 130 textos originales y 42 adaptaciones.

La conducción de la gala del cine español estará a cargo de una pareja inédita: el actor Luis Tosar y la cantante y actriz Rigoberta Bandini. Ambos han expresado su ilusión y responsabilidad ante este reto, buscando que la ceremonia sea dinámica, divertida y un reflejo de la diversidad del cine actual. Tosar ha adelantado que no dejarán pasar la oportunidad de celebrar el cine catalán en una noche que promete ser un gran espectáculo televisivo para conectar con el público. La elección de los presentadores, además, une a dos figuras muy vinculadas a los premios; Tosar ha sido nominado en once ocasiones y cuenta con tres estatuillas por sus interpretaciones en Los lunes al sol, Te doy mis ojos y Celda 211. 

Por su parte, Bandini obtuvo el Goya a Mejor Canción Original en 2024 por su tema en Te estoy amando locamente y posee una sólida trayectoria como actriz de doblaje. Ambos artistas han manifestado su intención de incluir música en la gala para explotar sus talentos creativos sobre el escenario. Música al margen, uno de los momentos más emotivos será la entrega del Goya de Honor a Gonzalo Suárez, cuya trayectoria cinematográfica está también íntimamente ligada a la ciudad condal. El cineasta, autor de obras emblemáticas como Remando al viento, Ditirambo o La Regenta, será reconocido por una filmografía sorprendente que ha experimentado con múltiples géneros. Suárez ha recibido este galardón con alegría, destacando que el premio abarca toda una obra dedicada a la acción cinematográfica desde sus inicios.

Ya se puede votar

El proceso de selección para determinar a los ganadores es otro de esos aspectos que ya no son un secreto, tras conocerse las fechas establecidas por la Academia de Cine. El primer periodo de votación abarca desde el pasado 23 de diciembre y hasta el próximo 8 de enero de 2026. Posteriormente, tras el anuncio de los nominados, la segunda ronda definitiva arrancará el 4 de febrero y culminará el 13 de febrero de 2026, fijando así el camino final hacia la ceremonia en Barcelona.

La capital catalana no solo albergará la gala, sino que se inundará de cine durante las semanas previas con un amplio programa de actividades abiertas a la ciudadanía. Se han planificado exposiciones urbanas de fotografías históricas de ganadores catalanes, proyecciones con presencia de los protagonistas y encuentros con figuras emblemáticas del sector. Además, se distribuirán por las calles siete estatuillas gigantes de los Goya y se instalará un photocall en el ayuntamiento para los ciudadanos. Este despliegue coincide con un periodo de auge para el cine catalán, que recientemente registró cifras récord con 114 filmes producidos y 3,7 millones de espectadores en salas. El alcalde Jaume Collboni han subrayado que acoger los Goya es un reconocimiento al talento y dinamismo del audiovisual local. 

Y respecto a las producciones que ya generan grandes expectativas se encuentran las cintas preseleccionadas para representar a España en los Oscar, todas con producción catalana: Romería de Carla Simón, Sirat de Oliver Laxe y Sorda de Eva Libertad. Estas películas han tenido un recorrido destacado en festivales internacionales, como es el caso de la mencionada Sorda en el Festival de Málaga. La presencia de estos títulos subraya el excelente momento que vive el sector audiovisual en Catalunya en la actualidad. Otros nombres de prestigio que suenan con fuerza para esta edición incluyen a Alejandro Amenábar con El cautivo, Alberto Rodríguez con Los tigres y Cesc Gay con Mi amiga Eva. También se postulan como fuertes candidatas cintas como Maspalomas de Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi, Los Tortuga de Belén Funes y Un fantasma en la batalla de Agustín Díaz Yanes, además de Tardes de soledad de Albert Serra o Los domingos de Alauda Ruiz de Azúa. El 28 de febrero saldremos de dudas.

El actor Luis Tosar ha sido galardonado con el Faro de Honor 2025, principal premio del Festival de Cine de Santander, como reconocimiento a su trayectoria cinematográfica.

El premio se ha entregado este viernes en el acto inaugural de la novena edición del Festival de Cine de Santander, al que ha asistido la consejera de Inclusión Social, Juventud, Familias e Igualdad, Begoña Gómez del Río, acompañada por la directora general del Centro Botín, Fátima Sánchez; la concejala de Cultura, Juventud y Educación del Ayuntamiento de Santander, Noemí Méndez; y la presidenta del Festival de Cine de Santander, Lucrecia Botín.

Gómez del Río ha destacado “el escenario de rodaje incomparable” que representa Cantabria. “El cine no solo se disfruta en la gran pantalla, sino también en el compromiso social, en la defensa del medio ambiente y en la oportunidad que da a nuevas voces para abrirse camino”, ha señalado. En este sentido, ha indicado que “el mejor guion posible es el que combina cultura, sostenibilidad y talento joven”.

Además, ha felicitado a Tosar por su galardón, una felicitación que ha hecho extensible a María Zamora, que también será reconocida con este premio en los próximos días.

La sesión inaugural de la novena edición del Festival ha incluido el estreno mundial de 'Valle blanco, gallo negro', de Álex Galán, película inaugural de la Sección Oficial Óperas Primas a concurso.

Desde hoy y hasta el 18 de septiembre este certamen se celebrará en diversas salas de la ciudad como la Filmoteca Cantabria Mario Camus, el CASYC, los cines Embajadores de Santander y el Centro Botín como sede principal.

Esta novena edición contará con una selección de películas que abarcan desde óperas primas iberoamericanas, títulos de producción cántabra, cine de autor, un ciclo dedicado a Luis Buñuel por el 125 aniversario de su muerte, complementadas por actividades como encuentros con directores y coloquios. La sección Oficial Operas Primas, dedicadas a películas no estrenadas en España, contendrá un total de siete títulos.

Al estreno mundial de 'Valle blanco, gallo negro', del español Alex Galán, le seguirán ¡Cocodrilos', de México, dirigida por J. Xavier Velasco; 'Muña, muña', Argentina, de Paula Morel; 'Lo que queda', Argentina, de Mariel Escobar; 'Nancy', de Luciano zito; 'La naturaleza de las cosas', Chile, de Rafaela Camelo; y 'La búsqueda de Martina', uruguaya, de Márcia Faria.

La sección Cantabria Infinita, especializada en producciones de la comunidad, contará con la proyección de siete películas en la Filmoteca, entre las que se encuentran 'Daniela forever', de Vigalondo; 'Mikaela', de Daniel Calparsoro; 'Playa de lobos', de Javier Veiga; 'El poder del silencio', de Saúl Pérez Ruano; y 'El reto y mucho más', de Mario de Benito y Rodolfo Montero, entre otros títulos.

En el apartado de proyecciones especiales, una sección no competitiva, se verán películas premiadas tanto a nivel nacional como internacional, como 'La furia', de Gemma Blasco; 'Sorda', de Eva Libertad; 'El jockey', de Luis Ortega; y cierra la sección 'Sirat', de Oliver Laxe, triunfadora en el último festival de Cannes.

Completan el programa las secciones Sundance TV, Orígenes, que en esta edición está dedicada a Buñuel; los cortometrajes dedicados al medio ambiente, la Tarde más Corta, con trabajos de pequeño formato realizadas por jóvenes entre 18 y 30 años; Jornadas de Jóvenes Realizadores Cántabros, donde se proyectarán siete cortos; y otras propuestas como mesas redondas y laboratorios.

En lo que se refiere a homenajes, se incorpora este año la figura del 'Invitado de honor', que en esta ocasión será el director Rodrigo Sorogoyen, quien impartirá una clase magistral el día 18 en el Centro Botín.

Con motivo de la proyección de 'Sirat', se contará con la presencia de su realizador Oliver Laxe y el productor Domingo Corral.

Además del actor Luis Tosar, la productora María Zamora también será reconocida con los Faro de Honor de este año, la cineasta Icíar Bollaín será homenajeada con el Faro de Honor 'Carlos Saura' y los hermanos Carlos y Javier Barden serán reconocidos con el Faro Verde en agradecimiento a su labor en la promoción del entorno natural y la protección del medio ambiente y la sostenibilidad.

Asimismo, el actor argentino Nahuel Pérez Biscayart será reconocido con el Faro Dos Orillas y la directora y guionista Clara Roquet, con el Faro Talento Joven, nuevo premio para reconocer la trayectoria de jóvenes cineastas.

La película de Cesc Gay 'Mi amiga Eva' será la encargada de clausurar la novena edición del FCS el día 18 de septiembre, tras la entrega de premios.

Nada Hassan pasó 7 meses atrapada en Gaza antes de poder salir a Egipto desde donde logró, con ayuda de algunos amigos, llegar hasta España. “Dejé toda mi familia en Gaza”, explica, “aunque el ejército israelí diga que no morimos de hambre, sí lo hacemos. Mi hermano ha perdido ya 30 kilos y lo mismo pasa con el resto de mi familia”.

Este sábado 29 observaba junto a su madre cómo empezaban las jornadas que despedirán la Global Sumud Flotilla en dirección a su tierra natal. Rodeada de pañuelos palestinos y banderas, Hassan cuenta que se alegra de que la gente alrededor del mundo siga hablando de Gaza y que no haya tirado la toalla. “Lo más importante que se puede hacer por la gente de Gaza es hablar y recordar siempre a Gaza”, añade conmovida.

La Global Sumud Flotilla, una coalición de los grupos Magreb Sumud Flotilla, la Freedom Flotilla Coalition, Global Movement to Gaza y el Sumud Nusantara, zarpará el próximo domingo 31 desde diversos lugares que aún no se han detallado. Tampoco se sabe el número exacto de barcos ni de pasajeros, ya que todos los detalles está a buen recaudo y se mantiene la máxima confidencialidad para evitar riesgos innecesarios. Entre los tripulantes de las embarcaciones se encuentran figuras como los activistas Greta Thunberg o Thiago Ávila, ambos también parte de la anterior flotilla con el buque Madleen.

Después de que dos batucadas acompañadas de gritos de “free free Palestine” recorrieran el Moll de la Fusta, Ávila, quien fue retenido en una cárcel israelí después de la intercepción de la misión en junio, se ha dirigido al público. Ha advertido que a quienes embarquen “no les traten como héroes porque no es ni una fracción del riesgo que pasan en Gaza”.

También ha agradecido y recalcado la importancia de hablar, compartir y viralizar su misión, puesto que, si no fuera por el apoyo de los ciudadanos, “el Madleen hubiera tenido un destino mucho peor”.

Tampoco es ningún secreto que la exalcaldesa de Barcelona Ada Colau ha confirmado por redes su participación declarando en un post de Instagram que “si los gobiernos, incluido el de España, no hacen lo posible para parar al estado criminal de Israel, lo hará la ciudadanía”. Y no es la única. También otras celebridades nacionales e internacionales como la actriz Susan Sarandon, Nkosi Zwelivelile Mandela, nieto de Nelson Mandela, Jordi Évole, o los también actores Carolina Yuste, Luis Tosar o Liam Cunnigham han ofrecido su apoyo tanto a través de redes sociales como con su asistencia presencial. Este último, que ha aparecido en el escenario junto a Thiago Ávila, también embarcará en la flotilla y ha animado a la población catalana a asistir a las jornadas: “Venid a despedir a las personas que van a ayudar a los héroes de Gaza”.

Entre canciones y actuaciones diversas, Carme Vega, una de las asistentes, explicaba que había venido porque “a veces decimos que el Holocausto pasó porque no nos enterábamos, pero este está siendo retransmitido cada día por la televisión y no es una guerra, es un genocidio”. A su lado, su compañera Paula Segarra, que lleva una pancarta en la que se lee “Catalunya amb Palestina”, afirma que solo hacer acto de presencia ya es importante, “es decir que no estamos de acuerdo con lo que está pasando y que hay que parar este genocidio que es intolerable.”

Unos metros más allá, cerca del escenario, escucha la música Linda Matos, de Brasil. “Estoy aquí porque esté donde esté mi corazón está en Gaza”, explica, y añade que “la gente tiene que informarse y primero de todo hablar sobre Gaza, no aceptar lo que pasa allí, la brutalidad y la deshumanización”.

Muchas otras personas se han ofrecido a ayudar, incluso ofreciendo su casa para los tripulantes y voluntarios. Afirmaba Ander, un simpatizante de Bilbao que vive en Barcelona, que había habido más oferta de casas que demanda, lo que demuestra la implicación de la población local.

Más atrás, junto a un simpático peluche en forma de sandía, Cele Fierro, legisladora de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y tripulante de la Global Sumud Flotilla, afirma que es una misión con riesgo, pero asegura que la causa palestina es suficiente para que ella misma lo asuma. “Hoy más que nunca es necesario romper con ese bloqueo de ayuda humanitaria que está condenando al pueblo palestino, ya que aparte de las bombas hoy se utilizan el hambre, la sed y la falta de medicinas como armas de guerra y no lo podemos seguir permitiendo”, sentencia Fierro.

Aunque el pasado julio Josep Borrell, ex alto representante de Asuntos Exteriores de la Comisión Europea, aseguraba que Europa había “perdido el alma en Gaza”, este fin de semana desde Barcelona, los más de 26.000 voluntarios y activistas de hasta 44 países se proponen demostrar que no es así. Como ha afirmado Liam Cunnigham en su discurso de apertura, “el horror nos ha juntado como a una familia”.

“Mantener los negocios armamentísticos con Israel es complicidad activa con el genocidio”. Más de 1.200 profesionales del mundo de la cultura han enviado una carta Pedro Sánchez, pidiendo que decrete “de forma inmediata” un embargo integral de armas a Israel por vía del Real Decreto Ley. Oliver Laxe, Javier Fesser, Luis Tosar, Samantha Hudson, Carlos Bardem, Rocío Saiz, Rodrigo Sorogoyen y Alba Flores son algunos de los nombres que han firmado el documento que han presentado este lunes en el Teatro del Barrio de Madrid.

Los intérpretes Alberto San Juan, Aitana Sánchez Gijón, Silma López, Nathalie Poza, Álvaro Cervantes, Juan Diego Botto, Ana Wagener, Carmen Asecas, María Botto, Anna Marchessi, Enric Auquer, Irene Escolar, Ricardo Gómez, Hugo Silva y Elena Anaya; la directora Clara Roquet, los músicos Rodrigo Cuevas y Maria Arnal, las periodistas Olga Rodríguez y Cristina Saavedra; y el director del Museo Thyssen, Guillermo Solana, son otras de las figuras que se han sumado a la reclamación al presidente del Gobierno.

En su texto recuerdan que han pasado 20 meses del genocidio en Palestina, “de crímenes atroces y sistemáticos que cada día se vuelven más crueles, más devastadores”, conformando un “horror indescriptible” en el que Israel “no se detiene, sino todo lo contrario: intensifica su violencia con total impunidad y desprecio” por las vidas palestinas mientras “desafía” el Derecho Internacional.

“Vamos muy tarde”, reconocen en el documento: “El mundo no puede mirar hacia otro lado mientras el pueblo palestino es aniquilado”. Los artistas insisten en que la historia “ha demostrado que imponer un embargo de armas es una herramienta poderosa”, y en que Palestina necesita medidas “urgentemente”. También señalan que llevan “meses llenando las calles, una y otra vez, pidiendo a gritos el fin del comercio de armas con Israel”: “La cultura de este país le pedimos una vez más que detenga el negocio de las armas”.

“Las masacres continúan y España aún no está actuando con la contundencia que exige la gravedad de la situación. ¿A qué está esperando?”, plantean. Los profesionales de la cultura defienden que “el tiempo se ha agotado” y que cada día de “inacción” se traduce en “más personas palestinas asesinadas, más familias enterradas bajo escombros, más hospitales y escuelas reducidas a polvo. Exigimos acción real, inmediata y efectiva”. “La historia nos juzgará. Le pedimos que esté del lado correcto, del lado de la vida, la justicia y la humanidad”, concluyen en la carta.

A Daniel Guzmán el barrio le sale solo. Da igual lo que dirija, que siempre se cuela. Para él, el cine está en las calles. En la gente normal. La que coge el autobús, no la que va en un Mercedes a trabajar y vive en un chalet en las afueras. Lo mostró con su debut en la dirección, A cambio de nada, donde contando la vida de un chaval de 16 años que aprende en su barrio, dónde si no, a ser adulto antes de lo que debería. También había barrio en la picaresca de Canallas, su comedia quijotesca que mezclaba realidad y ficción con un personaje tan inverosímil como real.

Y lo hay, obviamente, en La deuda, su tercera película, que llega sobre la bocina para inaugurar el Festival de Málaga. Guzmán, perfeccionista, ha estado montando hasta el último momento para contar una película donde se habla de la culpa, pero sobre todo de un sistema roto en donde una anciana de 90 años puede ser expulsada de su hogar y en el que, cuando los mecanismos del bienestar social no funcionan, solo queda recurrir al crimen.

Guzmán inició su carrera como director en este certamen. Aquí ganó la Biznaga de Oro con su ópera prima y luego ganaría el Goya a la Mejor dirección novel. Desde entonces ha medido cada paso como director. Podría haber hecho muchos proyectos por encargo, pero siempre había algo en sus entrañas que le hacía decir que no y ponerse a escribir sus propias historias. Y ahí, claro, le vuelve a salir el barrio.

Ocurre en La deuda, que también protagoniza junto a Itziar Ituño y su amigo Luis Tosar. Aunque aquí el cascarón para hablar de todo sea un thriller, hay hilos que unen esta película con A cambio de nada, y quizás el más evidente es la emotiva relación que se establece entre el protagonista, un hombre de 50 años, y una señora de 90 junto a la que vive en un piso de Madrid. No se sabe bien si tiene una relación familiar o si simplemente se encontraron por el camino y decidieron convertirse en bastón imprescindible para salir adelante. A ella, Charo García, la descubrió en un extenso casting donde vuelve a demostrar su ojo para encontrar esos rostros normales que a veces el cine parece esconder.

Guzmán llega corriendo a la entrevista con elDiario.es. Estaba chequeando la copia que se proyectará en la inauguración. No deja nada a la improvisación y le gusta que todo esté en su sitio. Aun así recupera el aire y explica que lo de que salga el barrio es porque cuenta la vida que le ha tocado vivir. “Yo cuento historias que me vienen de lo social. Todo es social, todo es político y todo forma parte de la vida”, comienza diciendo.

En La deuda hay una presencia muy grande de la culpa, un tema que le parece “interesantísimo” y que considera algo que “te castra, te controla y te condiciona, y eso viene desde la sociedad judeocristiana”. “Yo voy soltando lastre. Voy creciendo con pensamiento crítico, educándome e intentando despojarme de la culpa, pero no podemos. La culpa está intrínseca en nuestra sociedad desde que nacemos. Como elemento dramático es muy bonito, porque la culpa lo que hace es condicionar. La culpa en el fondo es fascismo, porque te controla y no te deja evolucionar como persona”, añade.

Un 'thriller' sobre la vivienda

Todo el mundo le está diciendo que el tema de la película, la vivienda y los fondos buitre, es “superactual”, pero él lo pone en duda. “La gentrificación lleva 50 años. El problema está en cuando tú condicionas el desarrollo de un país al servicio del ladrillo y el turismo. Eso saca a la gente de los barrios y hace que pierdan sus identidades, sus referentes y sus arraigos. Ahora la tensión por la vivienda ha llegado a un momento que es insoportable. Yo me acuerdo de que hace 15 o 20 años tú te ibas a Berlín y las casas costaban un 30% de tu sueldo, ahora aquí dedicas un 70% de tu sueldo a pagar la vivienda. Eso hace que la gente no pueda vivir de una manera digna. Pero es un problema que llevamos arrastrando mucho tiempo”, apunta con contundencia.

Ojalá esta película la vea Feijóo, Almeida, Ayuso, Abascal, Pedro Sánchez, Aitor Esteban… Que la vean todos y que genere un debate sobre la vivienda

Daniel Guzmán — Cineasta

Mientras montaba la película, El Salto publicaba la noticia de que había sido condenado por agredir a los jóvenes que ocupaban una casa vacía de su propiedad. Guzmán explica que efectivamente la casa era de su propiedad, y que unos vecinos le habían avisado de que unas personas habían entrado en ella. “Es la casa donde yo vivía, donde vivo cuando ruedo en Madrid, y que estaba a punto de reformar para que se la quedara mi madre”, aclara sobre la publicación.

“Fui a ver a los chavales y les dije que se fueran porque era morada, que no era ninguna casa de un fondo de inversión ni un activo público, que es donde yo vivía de manera asidua. Me dijeron que querían dinero, les dije que no, y fui con dos amigos cuando acabamos de jugar al futbol. Había una puerta abierta y una ventana abierta. Ellos salieron, cerraron y se mosquearon. En ese momento llegó la policía. Ellos dijeron que ya se iban, que no querían mal rollo, y que habíamos hablado. La policía les dijo que tenían que denunciar y se fueron a presentar un parte de lesiones. No tenían nada. Hubo un juicio, a mí no me lo notificaron y no fui. Entonces, obviamente lo perdí. Fueron 300 o 600 euros, porque no había ni lesión ni nada”, explica sobre lo ocurrido.

Finalmente, Daniel Guzmán decidió no recurrirlo ni dar una nota de prensa, como le sugirieron, porque si demostraba que era morada podía meter en la cárcel a esas personas. “Eso hubiera ido en contra de mis principios y por eso lo dejé estar ahí. A partir de ahí todo se ha distorsionado y se ha generado un bulo para utilizarlo de manera política. Yo no he querido entrar, pero esa no es mi manera de proceder. Mi posicionamiento político respecto a ese tema es claro. Si un Ayuntamiento le vende 3.000 viviendas a un fondo buitre por 10 euros, la gente que está en la calle tiene que buscarse la vida. Creo que en este caso se ha creado un foco donde no lo hay, pero no quiero entrar en ese juego”, zanja.

La presión de ser de barrio

Con su primer corto y su primer largo, Daniel Guzmán tenía una presión doble. No solo estrenar y que gustara, también no fallar. Como si venir del barrio le hiciera sentir que no tenía derecho a tropezar. Ya no le pasa. “Al principio sí que lo pensaba, pero luego he seguido libre y he contado las historias que me ha apetecido de una manera libre”, aclara. Su condicionante, ahora mismo, es “el perfeccionismo”. “Soy la persona que más se exige, a un nivel que no te lo imaginas. Luego llega un momento en el que ya no te puedes preocupar. Ahora estoy aquí, disfrutando, esperando que la película guste. Yo he hecho lo que he podido”, cuenta.

De las cosas que más ilusión le hacen es que ha podido venir Charo a Málaga. “Eso es único”, apunta sonriente. No sabe de dónde le sale esa querencia por las protagonistas mayores. Cree que puede ser por la relación con su abuela, que protagonizó A pesar de nada y hasta logró una nominación al Goya a la Mejor actriz revelación. “Ese es el premio, porque luego no puedes gustar a todo el mundo, y no puedo condicionarme tanto. Ahora me tengo que ir a chequear la copia de por la noche”. Lo recuerda y vuelven a entrarle las prisas. 

De momento se ha negado a aceptar encargos, y parece que seguirá así. “El problema es que tenga una historia que necesite contar. Ahí estoy muerto. Me voy hasta lugares insospechados y me arruino, me tiro diez años para hacerla… Pero es que como tenga esa necesidad estoy perdido. No te puedo decir de dónde viene. Es una necesidad vital, porque al final las historias que cuento son compartidas, son mi propia historia, pero es la historia de mis padres, la historia de mis amigos…”, subraya.

Ahora empieza a poner el lazo a La deuda y llegará otra necesidad vital, pero antes deja un deseo: “Que esta película la vea Feijóo, Almeida, Ayuso, Abascal. Que la vea Pedro Sánchez, Aitor Esteban… Que la vieran todos. Que en una pausa de una sesión de control se la pongan y que genere un debate”.

El actor Luis Tosar, ganador de tres premios Goya, ha grabado un vídeo en el que llama a la ciudadanía gallega a participar en la gran manifestación de este domingo, 15 de diciembre, contra el proyecto de macrocelulosa en Palas de Rei (Lugo), impulsado por la multinacional portuguesa Altri. Lo hace porque cree que “seguramente” esa será “la última oportunidad que tenemos de cambiar nuestro futuro”.

“Amigas y amigos, el futuro está en nuestras manos, en las manos del pueblo, como siempre”, empieza la intervención del actor, natural del municipio lucense de Cospeito, a 70 kilómetros del lugar donde se pretende instalar la industria. “La administración, en este caso la Xunta de Galicia, está apoyando un proyecto de macrocelulosa que puede acabar con las terras da Ulloa, que puede acabar con buena parte del ecosistema de nuestro país”.

“Por eso es de vital importancia que el próximo 15 de diciembre, en Santiago de Compostela, todo el mundo acuda. Es importantísima esta movilización. Es, seguramente, la última oportunidad que tenemos de cambiar nuestro futuro”, continúa.

Tosar insiste: “Ese futuro está en nuestras manos y aún lo podemos cambiar” y antes de su despedida pide “por favor” que se acuda el domingo a Santiago, para finalizar con el lema de los opositores al proyecto: “Altri, non”.

El actor se suma así a otros rostros y voces de la cultura gallega que se han significado contra el llamado Proyecto Gama, una iniciativa industrial que pretende instalar en el centro geográfico de Galicia una planta de 360 hectáreas, diez veces la superficie que ocupa la de Ence en Pontevedra. Producirá celulosa y fibras vegetales con base de eucalipto y utilizará cada día hasta 46 millones de litros de agua del río Ulla -tantos como toda la provincia de Lugo-, de los que devolverá “depuradas” dos terceras partes.

El rostro más reconocible hasta ahora era el de también actor -y con dos Goya en su poder- Luis Zahera. Zahera protagonizó una campaña de Greenpeace, difundida especialmente a través de anuncios en Youtube, que arrancaba con una frase que ha pasado ya a la cultura popular: “Hola, soy Luis Zahera y mi tierra, Galicia, está en peligro”.

Un teléfono se descuelga en la Consellería de Cultura y un asesor se pone a la tarea de conseguir el número de Luis Tosar. Para ello llaman a una de las responsables de la productora Vaca Films y le piden el contacto. Como en la Xunta nada sucede a un ritmo trepidante, Tosar se entera del movimiento y sabe que alguien le va a llamar. Ahí, la primera pista de lo que sucedería poco después: el conselleiro comunica al actor que ha sido elegido para recibir la Medalla de Ouro de Galicia, el máximo galardón que concede la comunidad autónoma con motivo de la celebración, el próximo 25 de julio, del Día de Galicia. 

En conversación telemática con esta redacción, Luis Tosar (Lugo, 1971) asegura que su premio lo es para toda una generación que hace casi tres décadas empezó a construir la base de una estructura que ha situado a actores y técnicos gallegos en lo alto del escalafón de la industria audiovisual en España.

¿Cómo te enteraste de que te daban la Medalla de Ouro de Galicia?

La primera sospecha de que me la iban a dar fue a través de Emma Lustres, la productora de Vaca Films, a la que pidieron mi contacto desde la Consellería. Luego hablé con el conselleiro y me preguntó si aceptaba este galardón. Se dio la posibilidad de que, por temas de agenda, sí podía. La verdad es que la recibo con mucha alegría. Tengo la sensación de que hay un reconocimiento al trabajo del audiovisual gallego en general.

La Xunta dice que el premio reconoce todo ese trabajo de los cineastas gallegos que empezó a despuntar cuando tú eras muy joven. Un trabajo pionero que cambió muchas cosas y a muchos amigos...

Cuando yo empecé había una efervescencia total en el mundo del audiovisual en Galicia y es cierto que se estaba pasando de un modelo que partía de una televisión autonómica que empezó a generar ficción cuando antes no lo hacía y ahí empezó a generarse algo. La gente que empezamos a meternos en el mundo del cortometraje, algunos logrando llegar hasta el largo, y haciendo nuestros pinitos en series de televisión... Ahí empezó lo que ahora vemos: un audiovisual estructuralmente muy bien formado, tanto a nivel artístico como técnico. Se construyó algo sólido que, con el tiempo, se acabó convirtiendo en un referente a nivel nacional. Eso es uno de los mayores logros para estar orgullosos; hay mucha mirada del centro, de Madrid, hacia Galicia. Esa referencia que en su día estuvo en Euskadi yo diría que ahora está en Galicia.

'O que arde', 'O corno', 'Matria', películas que han triunfado en festivales como Cannes o San Sebastián y en las que pasa algo que antes no era habitual y ahora sí lo es: sus personajes hablan en gallego...

Ha habido una lucha por la normalización lingüística que al final ha dado sus frutos. Estas películas que has nombrado son claramente una reivindicación del idioma como un pilar fundamental de nuestra cultura. Antes había mucho complejo con respecto a esto. Al principio había manifestaciones puramente gallegas que se miraban en el ámbito autonómico o, en el mundo de la música como el folk, tenían éxito en Galicia y fuera de España. Eran productos que podían tener éxito en Galicia y en Japón, pero que era difícil que triunfasen en Galicia y en Valladolid. Eso con el cine hemos logrado traspasarlo.

¿Qué diferencias ves en este cine gallego de ahora y aquel en el que tú arrancaste tu carrera?

Yo he tenido contacto con las nuevas figuras del cine que vienen de Galicia hace años. Con Jaione Camborda colaboré hace muchos años trabajando guiones. Es gente que yo he observado cómo han evolucionado a lo largo de estos años pero es cierto que yo ahora no soy una parte tan activa de ese audiovisual gallego por la distancia.

Yo soy, inevitablemente, de otra generación. Pero ojalá pueda colaborar con ellos próximamente. Pero ahora mismo mi relación con eso es muy tangencial y la que tengo con Jaione, por ejemplo, pertenece al pasado.

Hace años que vives fuera de Galicia...

En este mundo siempre hay un efecto generacional. Es difícil que uno entre en otra generación aunque se puede producir. Ahí está el ejemplo de José Sacristán; en su amplísima carrera tuvo una vuelta al cine indie y empezó a trabajar con una serie de realizadores independientes y desconocidos para el gran público.

Mucha gente no sabe que esa generación de la que hablas era un grupo de amigos que los viernes se veían en El Atlántico, un bar de Santiago, para tomar una cerveza...

Es una cosa que me llama la atención últimamente. Cuando le cuento a alguien algo de Luis Zahera me preguntan si le conozco y si somos amigos y me resulta extrañísimo que me lo pregunten porque pensé que era algo que caía de cajón. Somos una camada de actores, directores y otros oficios que nos juntábamos en ese bar, que era un lugar de creadores y gente con inquietudes en el arte. Fue un caldo de cultivo muy interesante que provocó muchas sinergias. Surgieron muchas cosas mixtas y relaciones que acaban con situaciones como que Jorge Coira acabe haciendo la versión cinematográfica de Eroski Paraíso, de Teatro Chévere.

En aquellos años trabajaste en una serie, “Mareas Vivas”, que fue casi un acontecimiento social que ofrecía la pantalla de la Televisión de Galicia. ¿No ha vuelto a pasar algo igual en la tele pública gallega?

Como lo que pasó con “Mareas Vivas”, seguramente no. Ese fenómeno tenía un factor muy importante que fue el uso de las variantes dialectales. Fue la primera serie en la que se empezó a usar la lengua de una manera realista. Eso influyó para que el público conectase de una manera más directa con la serie porque había un reconocimiento de personajes que hablaban de verdad, de la misma manera que la gente escuchaba en la calle. Y también había personajes muy carismáticos; el personaje de Currás, que interpretaba Miguel de Lira, ha pasado a la historia del imaginario colectivo como algo que trasciende al icono cultural. Eso no es fácil que ocurra.

Vuelvo sobre el tema del idioma. Ahora triunfan películas que se hacen en gallego y algunas dirigidas por directores que no lo son, como es el caso de “As Bestas” y Rodrigo Sorogoyen. Todo esto mientras la política parece que da pasos en sentido diferente . ¿Que una peli en gallego se pueda ver en Salamanca sin ningún problema le puede estar dando algún tipo de lección a aquellos que todavía tienen temores por defender un idioma?

Yo creo que es una llamada de atención y una oportunidad para entender lo poco que dificulta que hagamos las cosas en nuestro idioma.

¿Qué hubiera pasado si a Sorogoyen se le hubiera ocurrido rodar “As bestas” en castellano?

Es muy difícil saberlo pero yo creo que buena parte del éxito de la película reside en el componente identitario que tiene. Recuerdo que cuando se hizo “Mar adentro” se buscó una visión de Galicia muy realista y un acercamiento de los actores a los acentos reales. En aquella época incluso algunas personas vinculadas al ámbito más nacionalista me decían: “Habla con tus amigos porque esa no es la Galicia que queremos exportar”.

¿En tu discurso de aceptación de la medalla hablarás de esto?

No tengo la cosa muy armada todavía. Creo que va a ser un compendio de esto que estamos hablando; la importancia de que un sector como el nuestro tenga la protección de las instituciones, sobre todo en películas con un corte mucho más independiente como estas que hemos citado. El cine independiente necesita que las instituciones no se despisten porque los reconocimientos están muy bien pero la solidez y la estructura necesita un apoyo firme y continuado.

¿Con qué estás ahora, en qué proyectos andas metido?

Ahora estoy rodando una colaboración muy pequeñita en una serie que se llama “Matices” y en septiembre empiezo una serie que se llama “Salvador” con Daniel Calparsoro en la dirección.

Además del placer de haber rodado con tus amigos, en estos años has estado a las órdenes de directores como Jim Jarmusch o Michael Mann. ¿Hay algún director con el que te gustaría rodar de manera especial?

Yo hubiera dado medio brazo por rodar con Scorsese. He tenido tanta adoración por sus películas y sus actores (Pesci, De Niro, Liotta...) que me hubiera encantado poder compartir medio minuto de una escena con cualquiera de ellos.

¿Cómo crees que están cambiando las plataformas el mundo del cine y su relación de los espectadores?

Ayer estaba en la cola de la compra y me encontré con una pareja de señores que me felicitaron y me dijeron que les gustaban mucho mis pelis pero me admitieron que hacía muchísimo tiempo que no iban al cine. Yo creo que la pandemia lo cambió todo y mucha gente perdió la costumbre de ir a las salas. En ese momento las plataformas empezaban a introducirse de una manera muy notable; fue el momento perfecto para las plataformas y el momento terrible para las salas de cine.

El consumo ha cambiado; la gente consume más contenido y eso provoca cierto colapso en la industria que se está empezando a notar. En los próximos años veremos cuál es la situación real después de esa sobredosis absoluta.

A lo largo de tu carrera te hemos visto dando un paso al frente para decir lo que piensas sobre determinadas situaciones sociales y políticas. ¿Cómo ves lo que está pasando en Europa y en el mundo con el avance de la ultraderecha?

La presencia de la ultraderecha en algunos estamentos es muy preocupante. En algunos lugares se les ha dado una capacidad de gobernar que nos afecta directamente al mundo de la cultura. Y está claro que el mundo de la cultura como yo la entiendo y la ultraderecha no cuadran. Tengo la sensación de que en los últimos tiempos ha habido un poco de contención con ellos. Espera, discúlpame un momento.

[momentáneamente se interrumpe la entrevista]

Es que se me estaba quemando el pollo, perdón. Ya estoy.

¿A qué te refieres con que ha habido contención?

Creo que ha habido un dique de contención. Yo tengo cierta sensación de descanso después del 23J con todo esto. Parece que venían muy fuerte y la cosa se ha relajado un poco. Me preocupan cosas como lo que representa Alvise Pérez. Creo que es un fenómeno absolutamente absurdo; una persona que se presenta sin un programa, que se ríe de los periodistas cuando le preguntan. Es algo que no puedo explicar. Votar a una persona así está tan lejos de mi manera de entender la política y la sociedad...Pero claro, yo no puedo despreciar el voto de otro ciudadano. La gente entiendo que vota en pleno uso de su raciocinio pero soy incapaz de comprenderlo, sinceramente.

¿Volver al teatro está en tu radar?

El teatro siempre está en mi radar. Estoy en una etapa en la que el teatro me complica la crianza. En otro momento los horarios me preocupaban menos pero ahora, con mis hijos, es una de mis prioridades. El audiovisual me ofrece una conciliación que el teatro me complica. Lo de tener que marcharte de casa cuando tus hijos están llegando y aparecer de madrugada cuando ya duermen...

Para lo que sí encuentras tiempo es para tu colaboración con la ONG “Uno entre cien mil”, ¿qué trabajo haces con ellos?

Al principio fue una colaboración para hacer un cortometraje que elucubraba con la idea de que se encontraba una cura contra la leucemia infantil y yo aportaba lo que podía en campañas que lo que buscaban era captar socios para sostener su trabajo. “Uno entre cien mil” es una fundación dedicada a la investigación para la lucha contra el cáncer infantil. Ahora estamos preparando una nueva campaña que se lanzará en septiembre.

Me he quedado con una curiosidad que te planteo como cierre. Cuéntame la receta de ese pollo que dices que se te ha estado quemando mientras hablábamos.

Es pollo a la cerveza. Con eso te digo todo.

No sé si preguntar la marca de cerveza con la que preparas el pollo a la cerveza...

No preguntes (risas).

No es tarea fácil conquistar el paladar de una cocinera con una estrella Michelin y dos soles de la Guía Repsol. El actor Luis Tosar lo ha intentado este sábado en el Festival de las Ideas y la Cultura de A Coruña con Lucía Freitas y una receta de empanada salteada con reivindicación feminista y humor. La importancia de la cita quedaba clara con una frase de Freitas: “Yo hoy me casaba. He cambiado la fecha por estar aquí”.

El actor —hoy reconvertido a pinche de cocina— y la chef han compartido una hora de cocina ante una Plaza de María Pita a rebosar, entre historias familiares, de su trayectoria profesional y de la época que compartieron cuando Tosar iba a comer el menú del día a su restaurante en Santiago de Compostela. “Tengo una estrella Michelin, pero no es nada. Yo cocino, guiso”, ha dicho Freitas mientras Tosar se afanaba en amasar. Por lo que pudiera pasar, el guiso del conejo para el relleno (y alguna que otra cosa más) ya estaba preparado previamente.

Freitas, que también tiene dos soles de la Guía Repsol, ha charlado sobre Amas da terra, un proyecto para empoderar a las mujeres a través de su trabajo y poner en valor oficios que representan las raíces de Galicia. “Trabajamos para dar visibilidad. En nuestra cocina somos todas mujeres. Es necesario que existan más mujeres con restaurantes propios. ¿Y qué necesitas? Seguridad. Yo misma tardé en valorar mi cocina, en sentirme segura”, ha explicado. Freitas consiguió en 2018 la estrella Michelin para A Tafona, un restaurante que se encuentra en Santiago de Compostela con una filosofía vinculada a Galicia y la producción local.

Tosar ha hablado, entre paso y paso de la receta, del horno de leña de la casa de su bisabuela, de la empanada que hacía su madre y de que su padre trabajó en una panadería, igual que el de Freitas. “Mi padre tenía ciertas nociones y durante una época restauramos el horno en la casa de mi bisabuela. Empezamos a hacer pan cuando yo era adolescente y ahí hacíamos también esa empanada de conejo que era, básicamente, un conejo entero metido dentro de pan”, ha bromeado.

Sobre el inicio de su carrera, Tosar ha recordado que fue a Santiago “a estudiar, supuestamente, Geografía e Historia”. “Fui a Santiago porque había donde hacer teatro y buscarse la vida. Evidentemente, no estudié nada. Pero empecé a hacer cursos y conocer gente”, ha contado. Pero también ha habido tiempo para hablar del futuro y sobre si volverá a vivir en Galicia: “Lo que más echo de menos probablemente sea la comida, los olores, la forma de vida más tranquila”, ha afirmado, aunque ha contado que no tiene intención de regresar pronto.

Como en los mejores programas de cocina, ha habido un corte y, mágicamente, el plato ya estaba horneado y listo para degustar. Si la empanada que han probado los asistentes al Festival de las Ideas y la Cultura era la que ha preparado Tosar o era otra es otro de esos secretos que se quedarán en A Coruña.

Monólogos, conciertos y pódcast en directo

Este sábado el Festival de las Ideas y la Cultura de elDiario.es ha arrancado con la conversación entre el escritor de 'Gomorra', Roberto Saviano, con el director de elDiario.es, Ignacio Escolar, y el periodista y autor de 'Fariña', Nacho Carretero. También se ha debatido sobre los retos que plantea el desarrollo de la Inteligencia Artificial y se ha subido al escenario James Rhodes para charlar con la redactora jefa de Género de elDiario.es, Ana Requena.

Durante la tarde llegará el turno de los Monólogos Inspiradores del Cambio con Luis Zahera, Asaari Bibang, Isabel Moreno y Elena Bueriberi. A las 18.00 se subirá al escenario la sección de elDiario.es dedicada la Filosofía, El rincón de pensar, y a las 19.00 será el momento de escuchar podcast en directo: Movidas varias, Un tema Al Día y Carne Cruda. El día acabará con el show de Mongolia y los conciertos de Fillas de Cassandra y Carlangas.

El cine de los Burnin' Percebes escapa a cualquier adjetivo. Todos los que se usen parecen clichés. Da igual que sea el de ‘inclasificable’, porque hasta ese suena a viejo y manido al lado de un cine que destila libertad en cada fotograma. Lo habían demostrado ya en todas sus películas previas, especialmente en La reina de los lagartos, el filme que les consagró como directores a contracorriente de una industria donde el humor se mide en películas con Leo Harlem y Santiago Segura. A ellos se les puso otra etiqueta, la del posthumor, aunque esa también parecen haberla superado.

Ahora el reto es más difícil. Demostrar que pueden manejar un presupuesto grande y seguir siendo libres. Entrar en la industria, pero mantener un espíritu de francotiradores. Seguir exudando libertad y no domesticación. Lo logran con El fantástico caso del Golem, donde no traicionan su universo, sino que lo amplían y lo hacen más grande y más visible. Una película que no se parece (por suerte) a nada, y donde la sorpresa es la tónica dominante. Al imaginario made in Burnin' Percebes, donde ya era habitual ver a intérpretes como Bruna Cusí o Javier Botet, se unen Brays Efe, en el papel que rompe con todo, Roberto Álamo, un divertidísimo Nao Albet y Luis Tosar como un pijazo de color anaranjado y formas de Julio Iglesias.

Resulta casi irónico que su película más grande haya nacido de lo más pequeño, de un gif de internet que rescata uno de los momentos más surrealistas de Top Secret, la película de los ZAZ (Jerry Zucker, Jim Abrahams y David Zucker), en el que un soldado nazi se cae de una torre y se rompe en trocitos como si fuera una figurita de porcelana. “Es que ni siquiera fue viendo la peli, lo vimos en un gif de la película en internet y, a partir de ahí, se nos empezó a ir la olla pensando qué pensaría la familia de este tío cuando le digan que se ha roto. Empezamos a elucubrar con eso y salió la idea de que se te cae un amigo y se te rompe”, cuentan los Burnin' Percebes.

Fue el detonante de una historia sobre golems, empresas de clones, padres pijos hiperprotectores y pianos que caen del cielo por errores burocráticos. Aunque parezcan elementos que ha completado el teclado predictivo de un móvil, todo tiene sentido en la cabeza de Nando Martínez y Juan González, amigos desde la infancia y dupla creativa a prueba de bombas que por fin ha encontrado compañeros de viaje dentro de la industria para poder dar rienda suelta a estas locuras. “Cuando escribimos el guion ya nos dimos cuenta de que era una propuesta muy cara. Después de hacer Searching for Meritxell pensábamos que nos íbamos a comer el mundo y que alguien iba a poner cinco millones de euros para hacer una película nuestra, pero no fue así”, dicen riendo.

Tuvieron que hacer unas cuantas más y dejar este proyecto en un cajón apartado sabiendo que en algún momento la harían. “No fue hasta que Pedro Hernández, de Aquí y Allí Films, la presentó al ICAA y nos dieron una ayuda selectiva hasta que dijimos, vale, ahora sí que se puede hacer”, recuerdan. Saben que “es una apuesta arriesgada”: “No es una película convencional ni mucho menos, y es verdad que la única manera de levantar una película como esta es que haya un productor detrás que tenga una locura a la altura de la tuya, como en este caso Pedro. Cuando hemos dicho que guardamos el guion en un cajón, en realidad fue Pedro el que lo guardó en un cajón, porque nosotros se lo propusimos y él dijo 'Yo esto lo quiero hacer, pero igual dentro de diez años’”.

No es una película convencional ni mucho menos, y la única manera de levantar una película como esta es que haya un productor detrás que tenga una locura a la altura de la tuya

Burnin' Percebes — Directores de cine

Un cine que solo es capaz de salir adelante gracias a locos como ellos, a los que se añadió Roberto Butragueño, desde Sideral, distribuidores también de la película. Entre los cuatro, lograron levantar esta rara avis. Nando y Juan se autocalifican como “culos inquietos” y si no hubiera sido en este momento, hubieran seguido rodando mientras intentaban levantar El fantástico caso del Golem. Ahora que la han hecho y que han rodado con un presupuesto más amplio, se sienten afortunados porque, además, no se les ha puesto “ninguna traba, ningún impedimento ni ninguna condición”. “En ningún momento nos sentimos abrumados, sino que nos permitía hacer que las cosas se parecieran más a lo que realmente queríamos hacer”, cuentan. Eso sí, al llegar el primer día y ver esos decorados que parecen salidos de un cuadro de Hopper mezclados con el 13 rúe del Percebe sí que se asustaron un poco.

Su humor va por carreteras diferentes a lo que se estrena habitualmente en el cine español, pero ellos no saben hacerlo de otra forma. “Es la única manera que tenemos de relacionarnos con el mundo”, aseguran. “Pero eso no quiere decir que pensemos las películas como películas de comedia. Nosotros tenemos ideas o historias que queremos contar y sabemos que la manera en que las vamos a contar será con humor, porque es lo que nos sale de dentro. Por eso también hacemos un tipo de comedia diferente a lo que es la más estándar, que también tiene que existir porque tiene mucho público, pero no es lo que a nosotros nos atrae”, zanjan.

El humor para ellos es un medio, pero su medio no está lleno de humor blanco o de gags, sino que “la comicidad sale de la situación”. “No buscamos el slapstick ni estas movidas, lo interpretamos desde lo serio, porque ya es lo suficientemente absurdo para que sea de humor. También hay que decir que no sé si sabríamos hacer una comedia convencional. Una comedia completamente canónica y que respete un poco los cánones del estilo a nivel patrio. No es nuestro humor”, añaden. A ellos se les puso esa etiqueta del postuhumor, creada por Jordi Costa y que hacía referencia a una corriente que se alejaba del mainstream y apostaba por otra forma de hacer las cosas. 

“Para nosotros fue superguay, porque que te metan en una etiqueta tiene su parte mala y su parte buena. La buena es que reivindicaban a gente que hacíamos cosas diferentes. Con el tiempo se ha diluido mucho, porque no tienen mucho que ver nuestras películas con un vídeo de Venga Monjas, ni con un show de Miguel Noguera. Yo creo que ya ha perdido mucho el sentido, pero ha permitido que gente como nosotros evolucionáramos y que hubiera una especie de escena en la que se nos englobaba a todos. Pero es verdad que no sé hasta qué punto nosotros pertenecemos al posthumor”, apuntan.

Confían en lo que consideran “un pequeño bum” en el que se está dando valor “a las comedias extrañas” y ven signos positivos en que el Oscar lo ganaran los Daniels con Todo a la vez en todas partes. “Es muy representativo que gente que hace cosas diferentes o que una productora como A24 se conviertan en referentes. Eso nos parece muy guay, porque tienen una filosofía más parecida a la que nosotros buscamos”, lanzan y mencionan un referente al que todo el mundo recurrió cuando El fantástico caso del Golem se presentó en el Festival de Málaga pocas horas después de que la película de los Daniels ganara en los Oscar: “Supongo que fue porque somos dos y hacemos cosas raras, pero mira, mejor que me digan los Daniels españoles que los nuevos Cruz y Raya, que no tenemos nada en contra de ellos, pero con los que nos identificamos menos”.

Mientras Venecia se paralizaba por el supuesto escupitajo de Harry Styles a su compañero Chris Pine, el equipo de la única española en Venecia la liaba por los canales de la ciudad italiana. El cotilleo pronto ha corrido como la pólvora entre la prensa, y la primera pregunta para el equipo de En los márgenes era casi obligada: ¿se cayó Luis Tosar al agua veneciana? Juan Diego Botto, Penélope Cruz y Luis Tosar no han podido evitar las risas y han contado la anécdota. “No quiero quitarle el protagonismo a la verdadera protagonista que es Luisa Mayol —actriz y pareja de Luis Tosar—, que es la que se cayó al canal. Luego yo hice un intento burdo de caer y solamente pude meter una pierna y el culo, pero nada más”, dijo el actor provocando carcajadas entre los presentes.

Se les notaba felices, pletóricos. Han sido seis años para levantar este duro drama sobre los desahucios y ahora lo presentan en uno de los festivales más importantes del mundo. Compiten en la sección Orizzonti de Venecia antes de viajar a San Sebastián y estrenar en salas de cine el próximo 7 de octubre. Botto ha debutado con una película que pone en el centro el drama de las personas desahuciadas con un guion que bebe de cientos de historias reales y que ha escrito junto a la periodista de elDiario.es Olga Rodríguez. El director, que sigue inmerso en la gira española de su obra de teatro Una noche sin luna, ha continuado con la broma del canal y ha dicho que es que corren el mito de que Fellini se cayó y ganó premio y que “han querido imitarlo, porque si pillas canal, pillas premios”.

Botto ha explicado el proceso de creación de este guion que les llevó a conocer muchas historias reales. Historias duras que han plasmado en un filme honesto y lleno de alma sobre esas personas, casi todas mujeres, que nunca se rinden ante un sistema que las echa de sus propias casas sin darles una alternativa. Para ello ayudó el contar con “dos de los mejores actores no de nuestro país sino del mundo”. Una película que nació de una petición de Penélope Cruz, que quería trabajar con su amigo Botto, al que conoce desde que se encontraron en la escuela de Cristina Rota cuando, cómo recordaban hoy, y la mismísima Rota les echó del escenario en medio de una escena de Romeo y Julieta.

Tosar sintió la necesidad de estar en el proyecto en cuanto leyó el guion. “Me pareció maravilloso. Creo que es una película totalmente pegada a la realidad. A mí me impactó enormemente. Me interesó poder encarnar a un tipo que es genuinamente bueno, que no fuera maniqueo, y no está muy de moda que esto ocurra. Además yo, que he hecho un montón de malos en el cine. Porque hay gente que es así y Juan me brindó la oportunidad de conocerlos. Hay personas que hacen esto todos los días y se dedican en cuerpo y alma a intentar que la vida de los otros sea un pelín mejor. Un pelín, porque es lo único que pueden hacer. Ellos consiguen arañar un día más a un fondo buitre o a un fondo de inversión o a un banco para que les deje a alguna familia estar 24 horas más en su casa. Pero para ellos ya es un triunfo, y esos pequeños triunfos los van sumando”, cuenta. 

Su personaje, Rafa, es un abogado que dedica todo su tiempo al activismo, hasta el punto de dejar de lado su propia relación sentimental y su día a día, lo cual es otro de los temas centrales de En los márgenes. “Es una lucha, y como ocurre con este personaje, que está inspirado en la pura realidad, esto hace que sacrifiques tu vida personal y tu vida afectiva totalmente. Todo igual por un sueldo de mil pavos”, añade.

'En los márgenes' es una película pegada a la realidad. Me impactó enormemente. Me interesó poder encarnar a un tipo que es genuinamente bueno. Hay personas que se dedican en cuerpo y alma a intentar que la vida de los otros sea un pelín mejor

Luis Tosar — Actor

Las mujeres son las heroínas de En los márgenes. Mujeres resilientes, que nunca dejan de luchar, que se unen, que se asocian y pelean por las demás. Era una de las intenciones de la película, porque en el proceso de documentación se dieron cuenta de que, en la mayoría de los casos, cuando el hombre pierde el trabajo, se hunde. Siente que ha fallado en su responsabilidad como hombre, no es lo que la sociedad le ha dicho que debe ser. Es en ese momento cuando las mujeres se empoderan mientras que muchos hombres, educados en el patriarcado, “se sienten vulnerables, frágiles y avergonzados”. “Los tres hombres que aparecen en esta película son tres buenas personas incapaces de resolver lo afectivo de una forma eficaz. La película no es una crítica a la totalidad, no es una enmienda a la totalidad de la masculinidad”, zanja.

Una mirada a la masculinidad que también fue algo que interesó a Luis Tosar: “Es algo que nosotros observamos y que creemos que merece la pena contar y que yo creo que es parte de nuestro tiempo, que es que este es un momento de transformación total para lo que significa ser hombre y de cómo tienes que caminar. Algunos ya están naciendo en ese entorno, pero muchos hemos sido educados y vivimos de otra manera y en un constante esfuerzo de transformación para ver cómo transformar esa masculinidad del siglo XX en la del siglo XXI, que no tiene absolutamente nada que ver”.

La película termina con unos créditos que dejan claro que los desahucios siguen ocurriendo, aunque los medios los hayan desplazado del foco informativo: “Ocurre algo en los ciclos informativos, que es que lo que sucede todos los días deja de ser noticia, y es algo que vimos con los desahucios, o ahora con la guerra en Ucrania. Eran titulares hace tres semanas y poco a poco esos titulares van cayendo de la primera página a las páginas interiores de los diarios”, señala Juan Diego Botto. “Olga Rodríguez es la coguionista de esta historia y mi compañera, y siempre dice que lo que sucede todos los días es lo que define nuestra realidad, y sin embargo deja de ser noticiable precisamente porque sucede todos los días. El hecho de que nos hayamos acostumbrado a que esto siga pasando ha dejado de traerlo a las portadas, pero sigue pasando. Hay decenas de miles de familias que están lidiando con esto todos los días, con una situación de profunda crisis económica o están a punto de perder su vivienda y eso es algo que sigue pasando”, añade. Su película devuelve a la primera página esas historias que nunca debieron ocurrir, pero que siguen pasando cada día en un sistema que mira para otro lado.

La Bienal de Cine de Venecia ha dado a conocer esta mañana su programación para su 79º edición este año, en la que se ha anunciado la selección de la película En los márgenes dirigida por Juan Diego Botto y protagonizada por Penélope Cruz y Luis Tosar, dentro de la sección Horizontes, cuyo jurado está presidido por la cineasta Isabel Coixet.

Esta película supone el debut en la dirección del actor, con un guion firmado por él y por la periodista Olga Rodríguez, un thriller social con la crisis económica como telón de fondo.

La participación de Penélope Cruz no termina ahí, pues la película L'immensità del director italiano Emanuele Crialese está protagonizada por ella y ha sido seleccionada para la sección oficial a competición. El año pasado, Cruz se alzó con la Copa Volpi en Venecia por su interpretación en la película de Pedro Almodóvar Madres paralelas.

La Bienal de Cine de Venecia tendrá lugar del 31 de agosto al 10 de septiembre en la ciudad italiana. La apertura la realizará la nueva película de Noah Baumbach, White Noise, adaptación de la novela de Don DeLillo protagonizada por Adam Driver y Greta Gerwig. Otras películas seleccionadas a concurso han sido The Whale de Darren Aronofsky, Tár de Todd FIeld (protagonizada por Cate Blanchett), Love Life de Koji Fukada, Athena de Romain Gravas, Bones and all de Luca Guadagnino, The Eternal Daughter de Joanna Hogg (protagonizada por Tilda Swinton), Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades de Alejandro Iñárritu, Argentina, 1985 de Santiago Mitre (protagonizada por Ricardo Darín) o All the Beatuty and the Bloodshed de Laura Poitras. Se puede consultar toda la selección aquí.

El Festival de Málaga ha dado comienzo con un nombre propio, el de Jorge Coira. Él es el director de la película de inauguración, Código Emperador, un thriller político sobre las cloacas de Estado que ha llegado este viernes a las salas españolas. No será la última vez que el director gallego aparezca en el certamen, ya que también presentará su nueva serie, Rapa. Es su nueva apuesta tras el éxito de Hierro. De nuevo de la mano de Movistar+, y de nuevo sacando la ficción española de las grandes ciudades.

El director se muestra radiante con este doblete en el festival, y con ganas de disfrutarlo porque “estas cosas no pasan con frecuencia”. Asegura que esta coincidencia en el tiempo viene provocada por la pandemia. Tras el rodaje de la segunda temporada de Hierro comenzó a planear su nueva serie. Código Emperador también llevaba un tiempo en la recámara, y cuando la situación mejoró las dos tuvieron luz verde y ahora llegan pegadas en el tiempo y ambas con una puesta de largo en el Festival de Málaga.

Con Rapa sale otra vez de Madrid y Barcelona y se va a su Galicia natal. El director es uno de los realizadores que demuestra que la descentralización del audiovisual español es una realidad. Galicia es una de las comunidades que mejor lo ha entendido. Ha conseguido un equilibro entre proyectos ambiciosos con productoras como Vaca Films (con Emma Lustres a la cabeza, responsable también de Código Emperador); y con una apuesta por un cine autoral que ya ha sido definido como Novo Cinema Galego, con Oliver Laxe y Lois Patiño como cabezas visibles.

“Me alegro de forma personal y de forma colectiva por Galicia y por España, porque creo que es sano que no todo esté en los mismos sitios”, dice Jorge Coira, que también opina que “es natural que Madrid sea el centro principal de producción”. Salir de la capital aporta “otras miradas”, y para él eso hace que “el sector audiovisual sea más interesante y más complejo”. “En Galicia se están recogiendo los frutos de apuestas de hace bastantes años. A finales de los 80 y principios de los 90 se empezó a tomar en serio el sector audiovisual, a considerarlo un sector estratégico y a invertir en tener algo de ficción propia”, explica sobre este crecimiento.

A pesar de la mejora y de que cada vez sea más fácil rodar fuera y sacar las tramas de las grandes ciudades, “sigue costando”: “Con Código Emperador rodamos en bastantes sitios, en Bilbao, en Madrid… pero luego nos fuimos a Galicia y rodamos en bastantes sitios partes que, supuestamente suceden en Madrid, lo hicimos con naturalidad porque las localizaciones nos interesaban, pero hace años esto hubiera sido recibido con extrañeza”.

Lo importante es que la trama se nutra del lugar donde se desarrolla, que no sea un simple destino de postal. Lo vieron con Hierro. La serie, originalmente, iba a ser en Galicia. Finalmente no pudo ser y se plantearon si abandonar el proyecto o ubicarla en otro sitio. Surgió la posibilidad de la isla de El Hierro, y Coira reconoce que a partir de ese momento “empezó a tomar otra dimensión y generó más interés”. “A través de la ficción podemos conocer un lugar tan único y fuera de lo común, y eso le da un plus a la trama. Nos fuimos a conocer a la gente de allí, su idiosincrasia, para conectarlo con la historia. Eso hizo que la serie ganara”.

En Galicia se están recogiendo los frutos de apuestas de hace bastantes años. A finales de los 80 y principios de los 90 se empezó a tomar en serio el sector audiovisual

Jorge Coira — Director de cine

Para Código Emperador se unió con Emma Lustres, a la que conoce desde hace años, cuando él montaba las películas de otros realizadores de Galicia, como Dani de la Torre. “Siempre habíamos tenido ganas de trabajar juntos y empezamos a hablar y barajar algunas ideas. Alguna no me entusiasmaba y alguna no le gustaba a ella, pero a raíz de una conversación con Jorge Guerricaechevarría vimos que ahí había algo que nos podía interesar a todos, así que nos reunimos y empezamos a pergeñar esta película”, dice.

Una historia que se basa en muchas historias reales, porque habla de un fontanero que trabaja para arreglar agujeros o para crearlos. Partidos políticos, empresarios… todos recurren a él para solucionar entuertos o incluso crear mierda para hundir a candidatos. Una trama que podría ser la de tantas y tantas noticias que han salido recientemente y que muestran unas estructuras del estado completamente roídas: “Tengo la sensación de que pueden salir más o menos noticias a la luz, pero que es algo que siempre va a estar ahí. Hay algo que está históricamente desde que hay estructuras de poder organizadas y jerarquizadas. Hay secretos, traiciones y complots. Parece algo natural del ser humano, el no saber ejercer una estructura de poder democrática y limpia, sin malas artes, parece difícil que exista”.

Pueden salir más o menos noticias a la luz, pero secretos, traiciones y complots siempren va a estar ahí. Están históricamente desde que hay estructuras de poder organizadas y jerarquizadas

Jorge Coira — Director de cine

Lo hace a través del thriller, el mismo género desde el que Alberto Rodríguez sacó la cara B de la Transición en La isla mínima o Sorogoyen habló de violencia policial en Antidisturbios. Un buen caballo de Troya para abordar la realidad y que llegue al espectador. “El thriller tiene cosas maravillosas y algo emocional, es una forma muy precisa para hablar de nuestra sociedad, para retratarla con elementos muy concretos y entrar muy directo al corazón de lo que ocurre”, apunta.

También aborda otro asunto que está íntimamente ligado a las cloacas del Estado, el periodismo, un tema que le hubiera gustado “explorar más” en la película. “Ojalá en otra ocasión, porque esta parte se toca lateralmente, pero queríamos que en el poco espacio que había para desarrollarla, se hiciera de forma compleja, sin mostrar una visión idealizada del periodismo ni un retrato pesimista de esa otra prensa que vive en connivencia con el poder”, zanja. Una apertura a lo grande para celebrar el primer cuarto de siglo de Málaga, que vuelve a desplegar su alfombra roja tras dos ediciones marcadas por la pandemia y que quiere servir, otra vez, de trampolín para nuestro cine y para los nuevos talentos que salen de aquí.

Hace menos de un mes, la presidenta de la Comunidad de Madrid denunciaba una campaña de espionaje orquestada por su propio partido para derrocarla. Con este anuncio, conseguía desviar la atención de un contrato adjudicado de urgencia para la compra de mascarillas al entorno de Isabel Díaz Ayuso, y por el que su hermano cobró una comisión. Isabel Díaz Ayuso desató una guerra en el PP con acusaciones de espionaje y dejaba en evidencia cómo funcionan las cosas en la política española. En una de esas confabulaciones del destino, este viernes se estrena Código Emperador, una película que, precisamente, aborda en forma de thriller las campañas de desprestigio organizadas por políticos para eliminar rivales o colocar candidatos.

Jorge Coira —creador de la serie Hierro— es el director de un filme que inaugura la Sección Oficial del Festival de Málaga y donde Luis Tosar da vida a un “fontanero”. Una persona a la que llaman para solucionar entuertos o para crearlos. Bajo las órdenes de un trampantojo de Villarejo, él acata órdenes que van desde tapar un escándalo en un club de fútbol cuyo presidente tiene una constructora hasta encontrar escándalos de posibles líderes que no convencen a la dirección. Cualquier parecido con la realidad no es coincidencia.

Trabajó con Jorge Coira en 18 comidas. Han pasado 12 años desde aquella película y se han reencontrado ahora.

Bueno, es que Jorge y yo somos amigos de la infancia, así que es una amistad que viene desde muy lejos. Una amistad permanente. Nosotros empezamos haciendo cortometrajes y aquí estamos. Es una suerte volver a coincidir ahora haciendo largometrajes.

¿Qué vio en el guion de Código Emperador que le hiciera decir que sí?

Vi una película que me interesaba mucho, y con un tema que últimamente ha acaparado titulares como son las cloacas del Estado. Es un mundo, el del espionaje, muy interesante para el cine, nos ha dado mucho material. Hablar de los bajos fondos o de cómo los recursos del Estado se usan de forma poco ortodoxa, algo que en los últimos años, gracias a la transparencia y a la investigación periodística ha salido a la luz. Es un material muy interesante. Hablaba estos días con Jorge, por mensaje, precisamente porque ha estado el CNI en primera plana de nuevo en los medios.

Y más con todo el entramado del PP, los espías y el hermano de Ayuso. La realidad supera la ficción.

Sí, hay algo de eso. Esto ocurre a veces, y esta vez una de las tramas esenciales de la película podría ser lo que ha ocurrido en el PP estos días, aunque un poco a la inversa, en la película es un candidato al que hay que buscarle las cosquillas por algún lado y que de repente desaparece. Es que es un material muy cinematográfico, muy excitante.

¿Cree que la película es pesimista o realista con la clase política?

La película no es todo lo pesimista que seguramente sea yo. Hemos visto durante años cómo la clase política había establecido un modus operandi en donde el servicio público era lo de menos. La propia política era el objetivo, estar en el meollo, manejar, tener cuota de poder y la mayor cantidad de escaños. Hemos visto cómo se desafían los proyectos políticos en la cara del ciudadano de una forma casi espontánea, en cuanto se ganaban las elecciones o al día siguiente. Pero creo que se está renovando, sobre todo en determinados partidos que intentan que el servicio público sea la primera opción y el objetivo final. Quiero pensar que ahora también porque el entorno internacional lo esta provocando, los políticos tienen que pensar en que las cosas tienen que mejorar, pensar en intentar trabajar para hacerlo desde el día que ganan las elecciones o, si las pierden también, haciendo trabajo de Estado. Soy de esa forma de pensar. Puede que sea iluso o utópico.

Hemos visto durante años cómo la clase política había establecido un modus operandi en donde el servicio público era lo de menos

Luis Tosar — Actor

La película se mete en asuntos complejos. No da nombres, pero habla de un presidente de un club de fútbol que construye trenes en otros países y las operaciones que se ven al final son nombres muy reconocibles por todos. ¿Era un riesgo?

Sí, me pareció arriesgado en cierto sentido, pero es que menos que eso no lo puedes hacer. Ya bastante hacemos con no dar nombres propios y podrían darse, pero por lo menos hay que meterse un poco en harina. La película tiene que tener un ingrediente inevitable y es que el espectador reconozca esos nombres. Está el nombre de Villarejo que suena, ha sonado y sonará, y que aunque no es que esté como tal en la película, de alguna manera sí que se recuerda esa forma de operar y ese tipo de personajes.

Siempre se dice que el thriller es un buen caballo de Troya para hablar de nuestra realidad, que es el mejor género para radiografiar nuestra sociedad.

Creo que es una forma buena porque tiene una gran capacidad de síntesis como género y eso es bueno para que el espectador entre de forma más directa en lo que en esta película se quiere transmitir, que es hablar de este tipo de estructura de poder que funciona, que seguirá funcionando, y que ha funcionado durante muchos años y que no podemos negarlo. El thriller es una buena forma de que la gente reconozca ese mecanismo. La película es un manual de cómo se pueden hacer ciertas cosas de las que la gente conoce el final pero no el proceso, y aquí fantaseamos de una forma que yo creo que es bastante cercana a la realidad.

La película también habla de la importancia del periodismo libre para destapar estos asuntos, ¿existe ese periodismo, cuál es su visión del periodismo actual?

Existe y es estrictamente necesario. No podemos prescindir de eso, pero lo tenéis muy complicado. En los últimos años se ha hecho la cosa cada vez mas compleja. Por un lado, se ha democratizado el periodismo con internet y las redes sociales, pero esa democratización, a mi forma de ver, ha atomizado el mundo del periodismo y eso ha hecho que sea muy difícil mantener una investigación larga y rigurosa sobre cualquier tema. Ahora las grandes corporaciones lo tienen muy fácil para deshacer cualquier intento de progresión, porque para eso hace falta gente trabajando, y para tenerla no puede ser una profesión precarizada, y en los últimos tiempos una de las profesiones que más ha sufrido también por internet ha sido el periodismo. Vivís en un territorio complicado porque creo que también os ha hecho muy libres para hacer llegar los contenidos pero, ¿de cuánto tiempo dispone un periodista para dedicarle a una investigación y de cuántos medios para que sea genuina y rigurosa? Yo creo que, quizás, antes cuando había grandes grupos editoriales comprometidos con la transparencia era más fácil que llegara a buen puerto, y creo que ahora no llegan tantas como debiera.

Últimamente trabaja con muchos directores gallegos y la industria en Galicia parece que está en su mejor momento, ¿hay que descentralizar el cine español?

Bueno, esto de la descentralización a veces es bueno y a veces hace que otras cinematografías que parecía que iban hacia arriba sufran. En Cataluña, por ejemplo, ahora no está tan boyante como estaba. Hay muchos directores trabajando en películas independientes, pero antes había mucha más industria, había gente que iba y venía a Cataluña. En Galicia, desde hace bastantes años, se está haciendo un cine con sello, con identidad, personal. Hay gente como Jorge que reside allí. Yo, de hecho, hasta los 43 residía ahí, no necesitaba venir a Madrid imperiosamente para dedicarme esto, y cada vez más actores y directores pueden vivir en otras comunidades autónomas que no son Madrid, y esto es bueno si también lo llevamos a los contenidos. Si se queda en una cosa estructural o empresarial está bien, pero será mejor si lo llevamos a los contenidos. Creo que las historias que cuentan cosas más periféricas son atractivas para el público.

Los favoritos de Midas es el nuevo estreno de Netflix de producción española. Se trata de una serie cerrada, en principio, de seis episodios, dirigida por Mateo Gil y basada muy libremente en el relato corto del gran escritor estadounidense Jack London, The minions of Midas, de 1901. Un siglo después de su publicación, el guionista Miguel Barros propuso su adaptación a Gil y, aunque lo pospusieron casi 20 años, finalmente acaba de llegar a las pantallas.

El protagonista de esta adaptación es el actor gallego Luis Tosar, que interpreta a un alto ejecutivo víctima de una extorsión que le hace replantearse su moralidad. Tosar vuelve a dar vida a un personaje importante en televisión, tras una carrera imponente en el cine que le ha proporcionado ocho nominaciones a los premios Goya, tres de ellas convertidas en premio, entre otros laureles. El actor se dio a conocer en la serie de la televisión gallega Mareas Vivas, antes de ese afortunado salto al cine. Le acompañan en el reparto Marta Belmonte en el papel de una periodista y Willy Toledo en su regreso a la pantalla tras lo que él considera un veto de diez años en el cine español. Tosar se muestra muy satisfecho con el resultado: “Creo que tiene los ingredientes necesarios para ser una serie que engancha de principio a fin -afirma-. Además, con un arco de evolución de personajes muy radical en el caso de algunos de ellos que les hace replantearse desde la más pura esencia cuales son sus principios”.

La realidad se ha ido pareciendo al presente sombrío descrito en la serie

La serie está ambientada en un presente un poco más oscuro y siniestro que el real, pero cada vez más concebible para el actor: “Es casi una recreación de lo que finalmente nos ha tocado vivir. Si vemos muchas imágenes de los informativos, nos van a recordar a otras tantas de Los favoritos de Midas, por desgracia. Hay un malestar social, un desasosiego que parece que se va extendiendo cada vez más de una forma global, no sólo en nuestra sociedad, en la nuestra de España y en la nuestra occidental, si no a nivel mundial. Y eso, curiosamente, siempre tiene ecos en la ficción. Creo que el caso de Los favoritos de Midas es un ejemplo muy claro de que la realidad se te va poniendo en paralelo y te va acompañando hasta casi pasarte por delante. Si tuviéramos que continuar la serie por alguna razón tendríamos que estar muy avispados para  que los acontecimientos no nos sobrepasen”.

El rodaje, que se realizó hace un año, le trae recuerdos mixtos: “Tuvimos alguna que otra anécdota, alguna lesión, como por ejemplo mi rodilla. Tuve que hacer media serie lesionado. Reto al espectador para que adivine en qué momentos se ve más claro”. De la presión que tienen a menudo las series para comprimir su producción da idea que, como recuerda el actor, se rodaron seis horas de metraje en poco más del tiempo en el que se filma una película de hora y media: “Lo hicimos en dos tandas, con un parón navideño, como las familias de bien, y continuamos después de los Reyes. Y duró unas ocho semanas, un largometraje largo. Fue un rodaje divertido pero duro, porque todos, al final, son calendarios constreñidos. Una y otra vez se intenta abarcar la mayor cantidad de material posible en cada día pero poco a poco siempre se va dando cuenta de que haría falta una semanita más para poder hacerlo en unas condiciones más humanas. Nos pasan un poco por encima los rodajes, esto es un clásico del cine y la televisión”.

“El equipo del rodaje estaba muy volcado en el planteamiento ideológico de la serie”

La conversación que propone la serie, con un trasfondo moral y político, se trasladó a todos los implicados en el rodaje: “Fue divertido porque teníamos un magnífico equipo muy talentoso para sacar esto adelante y era un grupo que estaba además muy volcado en la serie por el tema, por el contenido, por el planteamiento ideológico. Todo el debate que podía despertar estaba también muy vivo dentro del equipo y esto suele ser un aliciente para los que trabajamos delante de la cámara, para los actores. Saber que todas las dudas que a nosotros se nos plantean también están en buena parte de los compañeros. Vas escuchando opiniones, pareceres, puntos de vista, y eso nos va dando pistas sobre cómo tenemos que ir afrontando el material”.

Ese planteamiento ideológico es bastante ambiguo y responde en parte a las reflexiones, ya centenarias, de su autor original, Jack London, que acababa de abandonar los durísimos trabajos manuales que había desempeñado en su juventud para dedicarse a la escritura cuando abordó este relato. London estaba deslumbrado tanto por las recientes teorías de Karl Marx, que le habían llevado al socialismo, como por los sorprendentes descubrimientos de Charles Darwin, ambos fallecidos antes de empezar el siglo XX. Y esa tensión entre dos de las grandes corrientes de pensamiento del momento, una que proponía la salvación por cooperación, otra que había descubierto que solo los mejor adaptados sobrevivían y legaban su genética, le llevaron a idear esta historia, que no llegaba a las diez páginas.

“Algún que otro espectador se hará las mismas preguntas que mi personaje”

La cuestión que sobrevuela y puede implicar a los espectadores es qué estamos dispuestos a sacrificar en vidas y sufrimiento para conservar nuestra riqueza y nuestro estilo de vida. Esa premisa se ha trasladado al presente y sigue siendo una pregunta válida. Para Tosar es uno de los mayores atractivos de la propuesta: “Muchos de estos interrogantes, muchos de los dilemas que se plantean en Los favoritos son los que se tiene que plantear a diario el ser humano. Quizá no tan extremos como los que le tocan a mi personaje, Victor Genovés, pero en un mundo tan cambiante, tan radical como el que nos ha tocado vivir, al menos en esta era, las preguntas que se hace este personaje no van a estar muy lejos de las que se tenga que hacer algún que otro espectador”.

Luis Tosar devoró su propia serie: “La he visto, evidentemente, lo cual es bastante raro en mí porque no soy nada seriéfilo. No suelo ver series, casi nunca enteras. Puedo ver algún episodio suelto pero me cuesta engancharme, con lo cual ha sido un reto ver esta, y además en dos tandas. Seis episodios en dos días para mi ya es un récord absoluto. Y estando yo dentro del producto más todavía. Y la he disfrutado mucho”. El motivo: “Creo que hemos logrado los objetivos que perseguíamos. Se trataba de conseguir intriga y tensión al mismo tiempo que profundidad.  Y que eso fuera en ascenso a medida que avanzaba la serie hasta el último episodio. No era un objetivo fácil. Creo que es un formato bueno que nos ha servido de manera excelente para contar la historia tal como queríamos. Seis episodios, con esta duración, llegando a la profundidad a la que aspirábamos pero sin perder nunca valores que son importantes en televisión como son la tensión, la intriga y el suspense, sin que el ritmo decaiga. Estoy muy contento del resultado”. Tosar destaca los atractivos que pueden enganchar a los espectadores: “La recomiendo porque creo que es una serie fabulosa de intriga, suspense, un thriller político a ratos, periodístico en ocasiones, con alguna que otra dosis de historia de amor y sobre todo muy trepidante”.

Para el director, Mateo Gil, han sido referentes tanto las películas de los años 60 y 70 que hacían hincapié en los dilemas morales y políticos como las películas de hombres lobo, en los que el personaje se encuentra a sí mismo convirtiéndose en un monstruo para sorpresa de los que le conocen. El resultado es interesante y avanza en su intriga, pero a veces puede pecar de frío y algunos diálogos de poco naturales.

El estreno de su película Hasta el cielo se ha visto retrasado por la pandemia

Al margen de este proyecto, Tosar se ha visto trastocado por la pandemia: “Como todo el mundo. En nuestro sector ha afectado mucho. Sobre todo en la exhibición porque todo lo que estaba pendiente de estreno se ha tenido que retrasar. Hasta el cielo, una película que hicimos con Daniel Caspalsoro y Vaca films el año pasado, tenía que haberse estrenado en agosto y ya se ha retrasado una vez y se ha vuelto a retrasar ahora. Iba para el 27 de noviembre y estamos sin fecha determinada”.

Tosar lamenta especialmente la situación del teatro y la música, por su necesidad de público en directo. Personalmente, su agenda está comprimida: “Todo es un efecto dominó. En cuanto se mueve un proyecto, eso afecta muy probablemente al siguiente. Cuando uno está implicado en varias cosas, tiene que mover ficha y el año que viene se presenta muy nutrido de proyectos. Hay cosas que no se han podido hacer este año y se pretende hacerlas el que viene, pero va a ser difícil también encajarlos todos y contando con que la COVID nos deje funcionar de manera regular. De todas formas, gracias a las plataformas, el mundo del audiovisual está teniendo una cierta normalidad que jamás hubieras soñado algunos años atrás”.

“Habelas hailas”. Nació en tierra de meigas y sabe que “a maxia existe”. Solo hay que verle en una pantalla o sobre un escenario para encontrar siempre la cara de la verdad. 

Cerca de cuatro millones de parados en nuestro país, pero solo quien ganó su primer Goya metiéndose en la piel de un desempleado ha sabido poner en su rostro el drama de no saber “qué día es hoy” cuando todos son lunes al sol. Más de ciento cincuenta mil condenas anuales por violencia de género, pero solo quien soñó ser Harrison Ford en la comarca de A Terra Chá nos ha dado sus ojos para ser testigos del sinvivir que es el maltrato. Cincuenta y nueve mil reclusos en nuestro país, pero nadie olvida a “Malamadre” que llevó a “Calzones” a ocupar la Celda 211. Siete mil víctimas de la contienda rural que sembró desesperanza y cochambre en la posguerra, pero solo quien ha puesto nombre a la estrella 18 del almeriense Paseo de la Fama rezuma ternura en medio de la Intemperie. Víctimas, canallas y héroes anónimos. Todos con el mismo físico: ojos profundos, cejas homéricas e idéntica voz insondable. Pero cuando asume estos personajes ni se le confunde, ni se le olvida. Su arte interpretativo nos cambia.

Él también cambió. Iba para gamberro de instituto, pero una maestra todavía muy presente le “bajó los humos” con una mochila repleta de libros y no le dejó atrás. Le adelantó al primer pupitre de la clase y le puso a recitar en voz alta todos los textos de la Literatura de segundo de bachillerato. Al principio, forzado, los entonó. Después, se los creyó tanto que de recibir aplausos como payaso animando fiestas y comuniones pasó a recibir halagos de aquellos a quienes admiraba, tres Goyas y una sucesión infinita de premios a los que sonríe, pero que no permite entrar en casa: “Están en la de mis padres. Procuro tenerlos un poco alejados. No sé si es una cuestión mística o no, pero nunca he tenido especial interés en tener los premios que uno gana cerca ni muy presentes porque prefiero no descentrarme mucho de lo que me mueve como actor, que es actuar”.

Sacudiendo su fama sin descanso durante más de veintidós años, celebra la humanidad con oficio y naturalidad en vez de imitarla. Con la resaca de la responsabilidad que supone reestrenarse en la paternidad estos días ha dejado de fumar, pero no se rinde a continuar poniendo su nombre al servicio de causas sociales: gritó “Nunca mais” al desastre ecológico del petrolero Prestige; ensalzando los valores de la izquierda, coqueteó con las listas del BNG pero se desvinculó “por los discursos xenófobos”; defiende la lingua galega como esencia de su ser; y hoy sueña con que “el Covid-19 se convierta solo en un mal recuerdo” y se produzca esa extraña circunstancia de “que un día haya consenso en el Congreso de los Diputados”.   

Para los pocos escépticos que no alcanzan a verle firmando comedia se supera: es uno de los integrantes del trío cómico Magical Brothers y las carcajadas que despierta son tan rotundas como la maldad de los villanos que se pasean por el metraje de sus casi setenta películas, cuarenta cortos, media docena de obras teatrales y otras tantas series. Orgulloso de sus orígenes obreros, ahora debuta en la élite financiera como empresario chantajeado por Los favoritos de Midas. Pero él siempre humilde de verdade, cercano y con una retranca de carallo, continúa riéndose hasta de su sombra, toca la armónica, el ukelele, la guitarra, compone, canta y es productor cinematográfico. También le presta la voz en un videojuego al mismísimo “Padre de la patria”, George Washington, y sin sacudirse del todo la melancolía de su Lugo natal afirma que “con la pandemia no hemos aprendido nada de nada”. Apela a nuestra responsabilidad como sociedad apuntando que “los políticos son lo que son porque se lo permitimos: si son lo peor es que nosotros también somos lo peor”. Eso sí, con la misma alma ilusionada en los ojos que la del chaval al que le gustaba soñar con aventuras, sigue En busca del arca perdida ansiando convertirse un día en Indiana Jones: “Ahí está para mí la gran revelación, la verdadera esencia del cine”.

Un niño gallego cautivado por la arqueología y guiado por el hambre de aventuras

A sus cuarenta y nueve años recién cumplidos ha vivido un centenar de vidas. La que le acompaña siempre y supera la verdad de sus personajes, la de Luis López Tosar, arranca en Xustás: una pequeña parroquia lucense de ciento veinte casas hoy arrastradas a la España vaciada. Allí encontró su primera “enciclopedia de vida: os sitios onde pasei alguns dos mellores momentos da miña vida”.

Envueltos en el verde de una tierra regada por el Miño y sembrada de humedales se encuentran los recuerdos de infancia y de adolescencia de Toxi, el hijo de Luis y Alicia en el que todos sus paisanos veían la herencia de las dotes artísticas del abuelo Rufino. Rodeado de leyendas, de árboles abrigados por el musgo y de los últimos reductos de los defensores del Reino de Galicia, comenzó a coquetear con la guitarra; a derrochar bromas en la verbena de julio; a hacer sus pinitos como bailarín de break dance; a tomar sus primeras cervezas en el cementerio con el desafío que presume la juventud; y a hacer turnos de vigía al pie del río en las jornadas de pesca furtiva. En aquel tiempo, “en una sala de proyección vieja, grande y oscura de las que ya no quedan” se enamoró del cine de entretenimiento, de la arqueología, de la ilusión por la búsqueda de lo inesperado y la satisfacción del encuentro. También disfrutó como su idolatrado Harrison Ford haciendo expediciones con sus amigos y sus primos para buscar oro. Ellos también fueron el primer público de sus imitaciones. Los maestros y compañeros de su colegio de las Juventudes Marianas se convirtieron en los siguientes testigos de su rendida seducción por el escenario.

Su profesora de Literatura le puso en el camino de la interpretación

Tenía quince años cuando una maestra le demostró que la enseñanza puede ser la más grande de las artes. Mavisa, su profesora de Literatura de segundo BUP, le impartió conocimiento, pero sobre todo le inspiró el cambio: conocer, respetar y dejarse cautivar por lo que las palabras dicen cuando se las escribe desde el alma; cuando superan lo anecdótico para hablarnos de lo extraordinario que hay en lo cotidiano, en lo que de verdad importa. Ella le puso muchos textos en las manos y fe en que él sabría darles vida. Fue tan grande su convencimiento que, desde entonces, Luis no ha podido dejar de hacerlos crecer. Por eso, de tanto en tanto, se reencuentra con la rebeldía adolescente que J.D. Salinger desplegó en las páginas del libro más prohibido y leído durante tres décadas en EE UU: El guardián entre el centeno. Tampoco renuncia a visitar con frecuencia El Principito “como una buena guía para entender el mundo de los adultos”.

Musicalmente también apostó desde crío a caballo ganador. Rindió continuo homenaje a las cenizas de Bon Scott escuchando una y otra vez el álbum rockero más despachado en el mundo: el Back in Black de AC/DC. Y continuó poniendo el listón alto disfrutando de una de los 66 millones de copias del Thriller de Michael Jackson. Después, celebró sus veinte años descubriendo a la banda de rock norteamericana más popular de los 90: Pearl Jam. La voz de su líder, Eddie Vedder, es también la de la banda sonora de la vida de quien antes de lanzarse a la aventura del cine lo hizo a la arena musical con su grupo “Los Huana”. Cinco años después, ya reconocido como destacado actor del Centro Dramático Galego, entonaba por afición con su nuevo combo, Di Elas, versiones de Cindy Lauper, de Suzanne Vega, de Blondie, de Gloria Gaynor, de las Breeders. En 2010 las cosas se pusieron más serias y presentaron un álbum “de power-rock” con temas propios a los que Tosar, junto a tres amigos, puso letra, voz, armónica y guitarra.

Mareas vivas le hizo popular e Iziar Bollaín le condujo al estrellato

Sin dejar de trabajar el camino siempre ha preferido “que la vida me sorprenda”. Ella, siempre de su parte, ha respondido anticipándose a sus deseos. Con veintiocho años, un día de enero de 1999 dejó de ser un desconocido en su tierra: “Había ganado bastante pasta haciendo bolos como Lucas Mapache, un payaso de cumpleaños” mientras en sus noches libres disfrutaba como fiel espectador de los habitantes de Cicely y de su Doctor en Alaska, su serie fetiche. Como aquel, su personaje de Andrés Domínguez en la ficción de la TVG Mareas vivas, no pasó desapercibido. La emisión del primer capítulo lo lanzó al estrellato. Y grabando más episodios firmados por Antón Reixa recibió una llamada que volvió a cambiarle la vida: superando su acento gallego, Icíar Bollaín le convirtió en el aldeano castellano de Flores de otro mundo. Luego llegaron Los lunes al sol y su sello, garantía de calidad, se empeñó en que todas las semanas las arrancara trabajando. Lo ha cumplido, pero no permite estar lejos de su sitio: “Donde esté mi familia es mi lugar”.

Una película con nombre de Toro le trajo a su mujer en el Cabo de Gata y con ella los dos mayores premios que sí disfruta en casa: sus dos hijos. No quiere perder oportunidades de estar con los suyos. Por eso, en esta mañana de lluvia en Madrid que le lleva a aquellos días con olor a tierra y a hierba mojada, “el aroma de mi infancia”, despide su Playlist. Antes, nos recuerda que en estas fechas nubladas por la pandemia “hemos perdido también la oportunidad de ser un poco más responsables, de estar a la altura de las circunstancias. Al individuo le cuesta mucho aprender y a una sociedad infinitamente más”. Sin embargo, con la inteligencia emocional del que se ha puesto en el papel de tantos y tantos afectados por las dificultades, destaca que “lo mejor de nuestro país es la gente, nuestra energía, aunque andamos mal de autoestima y eso desemboca generalmente en mediocridad”.

Sierra y lija en mano, el niño que fue feliz viendo spaghetti westerns junto a su padre y soñó con una película de aventuras que sigue buscando, retoma su afición por el bricolaje construyendo una casa de árbol a sus pequeños. Caen virutas con olor a pino mientras cita a Todorov para recordarnos que “nuestras raíces son los hijos. Somos árboles al revés que arraigan por sus frutos”. Tomamos nota e xa queda feito. Luis López Tosar sabe casi tanto de madera como del liberador encantamiento del cine.

El director de cine lebrijano Benito Zambrano presenta Intemperie en su ciudad de adopción, Sevilla. Esa noche pone en pie al Teatro Lope de Vega, que le aplaude durante varios intensos minutos, arrancando un emocionado discurso contra los extremismos y por la libertad. Fue en la noche preelectoral y el miedo al auge de la extrema derecha se palpaba en el ambiente.

Es, curiosamente, la misma tensión que transmite su última película, un western rural ibérico, como le gusta definirlo al propio Zambrano, en el que las tensiones de la postguerra española y la sumisión al señorito del pueblo están muy presentes.

Zambrano, siempre político en el mejor de los sentidos, toma ese paisaje político para dibujar la relación entre un niño que escapa de las garras de un capataz y entabla una entrañable relación con un pastor, que le recomienda no vivir odiando. El niño Jaime López aporta una profunda y concentrada mirada, que es pura química con la experiencia de Luis Tosar.

¿Qué se siente al presentar tu película en tu propia ciudad?

Sevilla es mi casa y es muy bonito estrenar en una noche en la que estaban jefes de equipo, equipo artísticos, técnicos y productores. Fue muy bonito recibir ese aplauso en el Teatro Lope de Vega, pero nunca pensé ese nivel de aceptación. Todo eso hace que tenga una cosa especial y que la peli sea más nuestra.

¿Cómo llegó a tus manos la novela de Jesús Carrasco en la que está inspirada tu película? ¿Cuál fue tu primera impresión?

Me llega como una primera versión de guión, que me leo y que me parece superinteresante. Luego me leí la novela y descubrí aquel historión. Lo importante es que conecta con mi paisaje emocional y mi universo personal: un pueblo de campiña, que en verano tiene un paisaje seco y duro. Es un terreno resquebrajado por la sequía, que he visto desde niño, donde el agua es fundamental y se sufren los 40 grados del verano a la intemperie.

Es decir, que esa época no te resulta ajena.

Yo he trabajado en cortijos, recogiendo algodón, aceituna y vendimias. He sido jornalero en la época en la que el señorito era el dueño del pueblo. Son recuerdos que tengo y al leer la novela me resultaban cercanos. De hecho, de niño estuve yendo un tiempo con un pastor para entretenerme. Hay muchas cosas que conectan conmigo, acercando el guión a mi manera de sentir.

¿Cuáles han sido tus referentes cinematográficos?

El guión, las localizaciones, todo aquello me fue acercando cada vez más al western. No fue algo buscado, sino una cosa orgánica: hay una historia rodada en exteriores, en un paisaje seco y con mucho calor, con una historia de huida, secarrales, planos generales, unos tipos muy malos a caballo, escopetas, códigos de buenos y malos. Todo eso hace que la película termine siendo un western.

¿Cuáles serían esos referentes?

El renacido (Alejandro G. Iñarritu), Sin perdón (Clint Eastwood) y otras muchas pelis del western de Sergio Leone o John Ford. Al fin y al cabo, es con lo que nos hemos criado. Mi cultura es la cultura del western, que era lo que se veía en el cine de mi pueblo. Era una cultura muy influida por el cine americano, donde no llegaban las pelis buenas. Te apabullaban con westerns. Mi cultura no era la de Tarkovski, Rosselini o Bergman. Eso del cine de autor fue algo que conocí de mayor en la escuela de cine.

¿Hay que reivindicar más esa memoria emocional cinematográfica?

Los que somos de pueblos pequeños, vimos cómo muchos cines fueron decayendo y cerrándose en los años 80. Los pocos que había, ponían películas de capa y espada, romanos, bíblicas y supermanes. Cuando nos sentábamos a ver películas, no eran pelis de los cine de autor como Truffaut, Rosselini o Godard… La cultura cinematográfica de este país es la que se veía por televisión.

Háblame del rodaje. Contáis que las condiciones climáticas fueron especialmente duras.

Lo complicado era la temperatura. Eran temperaturas muy altas y en exteriores. Había mucho polvo. Eso en el fondo ayudaba a darle verdad, no tenías que inventarte nada. La naturaleza ya te estaba dando todo lo que necesitabas. Incluso venían remolinos de viento que nos venían bien. Lo que más nos fastidió fueron las tormentas de la segunda quincena de agosto, en las que llovía muchísimo y tuvimos que suspender el rodaje algunos días o se llevaba partes del decorado, llegándonos a cambiar secuencias que nos interesaban.

¿Qué aportaba el desierto de Orce y el resto de localizaciones de la comarca granadina al espíritu de la película? ¿Lo podemos considerar el tercer gran protagonista de la película?

Por supuesto, el espacio geográfico es el principal protagonista. Es fundamental.

Tu trabajo con los actores es muy especial, ¿cómo trabajaste esa química tan conmovedora entre los protagonistas, el pastor interpretado por Luis Tosar y el niño Jaime López?

Fue relativamente fácil. Luis Tosar es un monstruo. Tiene una gran entrega, personalidad y experiencia. Le da verdad a todo lo que toca. Jaime se ha comportado como un actor experimentado, preparado y bien centrado. El trabajo que había que hacer era un trabajo que parte de un desconocimiento absoluto. Los personajes no se conocen, nos venía bien que la película avanzara, que se fueran conociendo y teniendo una relación mejor. Dejarlo fluir.

¿Qué importancia tienen los primeros planos?

Para mí el cine son primeros planos. Primeros planos y mirada. Yo quería que los planos generales tuvieran mucha fuerza, pero que los planos cortos fueran contundentes, que las miradas traspasaran. Que el primer plano contara tanto o más que el plano general. Que, en definitiva, el paisaje del rostro fuera tan contundente como los planos de paisaje.

Hay una escena de llanto que nos encoge el corazón, ¿cómo la trabajaste con el niño?

El niño no llora, pero lo bonito es que transmite esa sensación. Me alegro de que parezca que llora. Siempre es difícil que un momento de emoción se sienta como una emoción verdadera. Es muy importante la concentración y la preparación del niño. Que cuando llegue ese momento emocional, él esté concentrado. Que la coach trabaje con él, que esté concentrado y en situación, para que cuando tenga que dar el do de pecho, lo dé.  

Tu película Solas marcó un antes y un después. Ahora, 20 años después de su estreno, una joven productora andaluza, como Áralan, toma el relevo y coproduce tu película. ¿Cómo ves la industria del cine andaluz actualmente?Solas

Hay una pequeña industria, que se ha consolidado en el tiempo. Entonces éramos muy pocos profesionales y técnicos y ahora es maravilloso ver la cantidad de jefes de equipo de primerísimo nivel que hay. Ahora mismo no necesitamos, como pasó con Solas, que venga de fuera gente del equipo. Ahora tenemos gente autosuficiente en todo el proceso de la peli. Se han ido consolidando productoras y gente preparada, que viaja y está en todos los mercados internacionales.

¿Existe un sector consolidado?

Existe un sector empresarial bastante bueno, pero tenemos que reclamar más atención de la administración. Una peli, como la mía, con un presupuesto de 3 millones de euros, ha dejado en Andalucía 1,5 millones y unos 150 trabajos directos e indirectos, entre figuración, catering y hoteles. Con una subvención de 300.000, traes una inversión de 1,5 millones. Estás apoyando tu cultura, generando empleo y un tejido de empresas.

Eres conocido por tu implicación política. El personaje de Luis Tosar le recomienda al niño que no merece la pena vivir odiando. ¿Cómo debemos reaccionar ante los que propugnan el discurso del odio?

Me parece muy bonito el discurso del pastor, o creo que es una de las cosas más bonitas de la novela, cómo el odio se sigue alimentado y enganchando. En este país, volvemos a separar, a ahondar en la miseria, para buscar réditos políticos, alimentando odios. Hay que hacer un esfuerzo y decir que no. Hay que buscar la manera de entendernos, dialogar y buscar siempre caminos fructíferos. Hay que luchar contra las fobias, contra todo lo que nos lleve a sentimientos negativos, porque al final nos daña a todos.

En tu película hay una palpable y sutil descripción de la postguerra española: ¿Se puede hacer cine político sin ser panfletario?

Todos estamos influidos por la política, pero cuando se trata de una obra que tiene un valor artístico, no se puede ser obvio, simplón, aburrido ni excesivamente panfletario en el mal sentido de la palabra.

¿Cuál es tu siguiente proyecto?

Vamos a empezar a trabajar en la próxima película, Pan de limón con semillas de amapola, basada en otra novela (Cristina Campos). Con suerte, en primavera empezamos a rodar.

Durante la primera década de los 2000, el terror fue el género rey en el cine español. Los otros, de Alejandro Amenábar, abrió las puertas de una senda que luego recorrerían Bayona con El orfanato, Jaume Balagueró con Frágiles, Darkness o junto Paco Plaza con [•REC], y Guillermo del Toro con El espinazo del diablo.

Y aunque este género sigue ofreciendo hoy grandes títulos, el trono de la taquilla y el cetro del reconocimiento de público y crítica parecen haber recaído ahora sobre el thriller. Alberto Rodríguez con La isla mínima y El hombre de las mil caras, Rodrigo Sorogoyen con Que Dios nos perdone y El Reino, Dani de la Torre con El desconocido, Daniel Monzón con El niño y hasta Oriol Paulo con Contratiempo o El cuerpo, son algunos ejemplos.

Parecía casi una cuestión de tiempo que a Paco Plaza le cayese un guion de esta naturaleza en las manos. No solo es uno de los realizadores más talentosos de nuestro cine, sino también uno de los que más ha cultivado el terror. En su trayectoria figuran tres entregas de la saga [•REC], obras tan anómalas como Romasanta y excelentes ejercicios de forma y fondo como Verónica. Ahora estrena Quien a hierro mata, un inquientante thriller protagonizado por Luis Tosar, sobre un enfermero con un trauma por superar y el narcotráfico gallego de fondo.

Un thriller tenso para un protagonista incómodo

thrillerEn un pequeño pueblo de la costa gallega, Mario -Luis Tosar- y Julia -María Vázquez- llevan una vida apacible y normal. Julia espera su primer hijo y Mario trabaja como enfermero en una residencia de ancianos en la que todos le aprecian. Todo empieza a tambalearse cuando ingresan allí al narcotraficante más poderoso del lugar, Antonio Padín -interpretado por el fallecido actor gallego Xoán Cejudo-.

“No sé quién llegó antes al proyecto, si Luis o yo”, confiesa Paco Plaza, director de la cinta, “pero no pude ponerme con él inmediatamente porque estaba rodando Verónica”, cuenta. Como él, Luis Tosar también tardó un tiempo en afrontar el papel de Mario, pero sus razones eran distintas: “Yo acababa de ser padre y tuve alguna reticencia con respecto al contenido, porque estaba en una energía vital casi opuesta”, confiesa.

El enfermero protagonista es uno de los papeles más complejos que el actor ha afrontado en años. El terreno moral en el que se desarrolla su personaje, entre la culpa, el odio y el ánimo de venganza, se cuecen a fuego lento en un personaje que de cara al público se presenta siempre amable y cordial. “Debido a mi reciente paternidad, esto era un berenjenal de oscuridades en el que no estaba preparado para meterme. Necesité tiempo. Hay un momento vital en el que uno sobredimensiona muchas cosas. Yo intenté conjugar lo emocional con lo profesional y las cosas no cuadraban”.

Pero pasó el tiempo y decidió que podía interpretar a Mario, un personaje que a buen seguro le sitúa en la carrera para los Goya de este año. Sería su octava nominación y, de ganarlo, su cuarto cabezón. “Acepté porque era todo un reto, por contener un arco emocional brutal, pero también por tener una ambigüedad moral que me interesaba mucho”.

Sobre sus espaldas se construye un trepidante thriller que combina de forma magistral diversos niveles de tensión y hondura dramática. El peso cultural del narcotráfico en Galicia, la responsabilidad social individual y colectiva en su influencia, el límite entre la justicia y la venganza, las relaciones familiares y las deudas heredadas o generadas... todo funciona y todo encaja con una naturalidad que rima con su imponente credibilidad.

“Lo que le pasa al personaje de Luis es lo que ocurre en personas que sienten un tipo de odio muy profundo”, explica Paco Plaza. “Lo que genera esa sensación es ver reflejado en el otro cosas de uno mismo que no nos gustan”. En ese sentido, el realizador señala que “lo que tortura a Mario no es lo que hizo su personaje antagonista. No es un villano. El suyo es un proceso de descubrimiento de una herida que pensaba que estaba cauterizada, pero sigue abierta y sangrando”.

A Luis Tosar se le ocurre otra metáfora: “De repente se abre una espita en su interior, y toda la presión que acumulaba empieza a salir de una forma desmesurada. Y eso le lleva a una situación en la que él ya no tiene el control de nada”.

Galicia y el narcotráfico, algo más que un escenario

Quien a hierro mata es una película profundamente gallega, pero no solo por estar rodada en Galicia. De hecho, gran parte de la trama discurre en escenarios interiores como la residencia de ancianos o la casa del matrimonio protagonista. Y sin embargo, la cultura, la forma de relacionarse o la de comprender las relaciones familiares impregnan el relato de forma natural.

“A mí siempre me ha gustado anclar las ficciones en un paisaje reconocible, en un lugar y un tiempo súperconcreto”, explica Paco Plaza. “Es interesante esa ubicación, porque ayuda a la metáfora. Galicia no es simplemente un lugar, es una forma de ser y de entender la vida y las relaciones”. Por eso, el realizador sostiene que es importante “cuando narras una historia ambientada en un lugar, ser muy permeable a éste: tienes que dejar que las cosas que ves y sientes cuando localizas permeen en ti y en la película”.

Con todo, es cierto que el narcotráfico en Galicia ha sido un tabú en la ficción de nuestro país durante mucho tiempo. En los ochenta, por el Cantábrico llegó a entrar el 80% de cocaína que se movía por toda Europa. La droga se cobraba vidas día sí y día también en las calles de cualquier ciudad. La operación Nécora, primer gran golpe contra el narcotráfico en la comunicad autónoma, se llevó a cabo en 1990. Fariña, sin embargo, no llegó a nuestras pantallas hasta el año pasado.

“Quizás hace falta cierta distancia para hablar de estas cosas”, afirma el realizador. “En el caso específico del narcotráfico en Galicia, tal vez hacía falta que pasase el tiempo y que existiese una condena social firme del negocio. Durante muchos años, hubo una connivencia social con el tema que hoy está en trámites de desaparecer. Eso es lo que te permiten el tiempo y la distancia: alcanzar cierta objetividad para hablar de ciertas cosas”.

“Estoy de acuerdo con Paco y creo que pasa con casi todos los conflictos”, añade Luis Tosar. “Mira Colombia, por ejemplo, ¿cuándo se empezarán a hacer películas sobre la guerrilla? Porque las que se han hecho hasta ahora tienen un componente demasiado implicado y es difícil aportar algo de objetividad ”, opina.

“O Patria”, suma Paco Plaza, “es difícil pensar que hubiese tenido el mismo éxito si no se hubiese publicado años después del cese de actividad de ETA. La distancia ayuda a la ficción y a quienes la practicamos”.

Quince años han pasado desde el estreno de la historia de Pilar y Antonio, una pareja que mostró la violencia de género sin tapujos ante los ojos de los espectadores españoles. 'Te doy mis ojos' ha celebrado este 25 de noviembre su 15 aniversario en Toledo, en una suerte de reflexión acerca de lo que ha cambiado desde el estreno de la innovadora película de Iciar Bollaín, protagonizada por Laia Marull y Luis Tosar.

Sin embargo, las conclusiones son más bien agridulces. Así lo expone Iciar Bollaín, que señala que todavía está “todo por hacer” porque las mujeres “siguen sin ser creídas” y denunciar la violencia machista es un “salto al vacío” para ellas, a pesar de que sigue siendo la única manera de que “todo se ponga en marcha” para detenerla. “El machismo sigue en nuestra educación y no ha cambiado nada desgraciadamente quince años después”, reflexionaba Bollaín, que explicaba que en el momento del estreno de la película, la violencia de género se veía como algo “muy privado” pero que salió también catapultado tras el asesinato de Ana Orantes.

Sin embargo, aclara que 'Te doy mis ojos' sirvió también para reflexionar, para decir que “la violencia está en todos los ámbitos, que no sólo hay un tipo de maltratador, sino que está en todas las clases sociales”. “Sí que ayudó a la concienciación, pero las mujeres siguen muy solas, siguen saltando a un vacío y luego se siguen encontrando a su maltratador”, lamentaba la premiada directora en Toledo. Bollaín recordó igualmente que una asociación de mujeres toledana fue la que le ayudó a crear los personajes de Antonio y Pilar y que la ciudad sirvió, con sus murallas y sus edificios, como una manera de retratar “el peso histórico” que sufren las mujeres al denunciar.

Por su parte, Luis Tosar ha coincidido en que no se han observado cambios reales. “En aquel momento pensamos que lo hicimos parecía que iba a haber una revolución. Por desgracia, creo que somos muchos más ilusos de lo que creíamos. La sociedad no ha cambiado mucho en este sentido, no parece que siquiera institucionalmente estemos preparados”, explicaba el actor gallego. En este sentido, recordaba igualmente las dificultades para denunciar de las mujeres: “todo lo que le cuesta a cualquier mujer poner una denuncia o tener credibilidad. Es terrible”.

La conclusión es que, en este sentido, la sociedad española “va muy lenta”. Y es que critica incluso que haya una visibilidad suficiente del problema. “Lo de las denuncias te da una medida del nivel de evolución social muy bajo en el que estamos, a la gente le cuesta admitir que puede ocurrir, cuando tenemos un número apabullante de muertes y agresiones”, lamentó.

El principal problema, continuó, se encuentra en la educación. “Seguimos estando como estábamos hace muchos años y no puede ocurrir. La educación es la base de la sociedad y tiene que haber una firmeza y una apuesta muy contundente sobre como criamos a nuestros hijos. No veo que haya un interés por profundizar en el sistema”, explicaba el actor. Además, advirtió de los contenidos “vejantes” e “inaceptables” que están al alcance de los menores y que, a pesar de todo, “no hay interés” en encontrar los “fallos del sistema”. “No es un tema de transacción política, los políticos tienen que centrarse de una vez”. Por eso, pidió avanzar hacia una sociedad pacifista, en la que el machismo “no salga por ningún lado”.

Luis Tosar toca el ukelele y canta en el auditorio de un crucero. El preso Malamadre de Celda 211 o el Antonio maltratador de Te doy mis ojos cambia de registro y se pasa a la comedia en Yucatán, la última película de Daniel Monzón en la que interpreta a un estafador. El dinero es el gran protagonista del filme. “Es una putada, pero está por encima de todo lo demás en la gran mayoría de las ocasiones”, lamenta el actor, y sentencia, “tiene demasiada importancia en nuestra sociedad”.

El intérprete gallego, tres veces ganador del Goya y Concha de Plata al mejor actor en el Festival de San Sebastián, es uno de los actores más prolíficos, reconocidos y aclamados del cine español. Y también de los más comprometidos y más abiertos a proclamar su conciencia social y política. Habla sin pelos en la lengua y con tacos. Honesto y directo.

Su fuerza y valor interpretativo suelen recaer en su expresión corporal, en su mirada intimidatoria, en la intensidad y contención de sus gestos y, sin embargo, en directo habla rápido y contundente. La serie de la televisión gallega Mareas Vivas fue la que le hizo dar el salto a la fama en 1999, antes de que cineastas como Vicente Aranda, Jaime Chávarri, Álex de la Iglesia, Patricia Ferreira o Manuel Martín Cuenca le llamaran para protagonizar sus películas.

¿Por qué el dinero condiciona tanto el comportamiento del ser humano?

El dinero provoca cosas que uno no creería que podrían llegar a pasar. Una herencia es casi una condena para una familia. Somos codiciosos por naturaleza y, junto con la envidia, son males que están muy presentes en la sociedad moderna tal y como la concebimos. No ocurre tanto en otras estructuras sociales en las que el dinero ni siquiera existe. Desde el momento en el que hay papel o moneda, aunque sean virtuales, ya hay algo que acumular y la acumulación para el ser humano es terrible.

¿Cómo recibió el cambio de Gobierno?

Es una fantástica noticia como ciudadano, pero no sé si tanto para el mundo del cine, que siempre está dando un poco bandazos. Te diría que independientemente de que haya un gobierno de derechas o de izquierdas, ninguno acaba de enterarse bien de cómo funciona nuestro negocio. Es muy complejo y quizás no debería depender solo del ministerio de Cultura, sino también del de Industria. Siempre estamos en un territorio un poco ignoto para todos los políticos en general. Cada vez que entran nuevos cargos en instituciones como el ICAA [el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales] volvemos a estar en arenas movedizas, porque los proyectos se retrasan. Es lo que pasa siempre.

¿Qué opina la polémica sobre la bajada del IVA de las entradas de cine y la no consecuente reducción de su precio en salas?la bajada del IVAla no consecuente reducción de su precio

En el cine tenemos bastante más problemas que el IVA. En las entradas de espectáculos, que son más caras la bajada del IVA, puede tener una incidencia mayor. Es verdad que hay gente que directamente no ha movido sus cifras, cada uno sabrá qué esfuerzo puede hacer. Hay exhibidores que lo hicieron antes y ahora ya no pueden. Tampoco puedo entrar mucho porque depende de las finanzas de cada uno.

Acarreamos otras dificultades, como estar viviendo un momento de transformación total de la forma de ver. La manera de consumir ha cambiado y no sabemos muy bien hacia dónde va. Creo que asistiremos a una forma de contemplar cine que hasta ahora ni nos habíamos planteado. Las plataformas nos están viniendo muy bien, porque hacen que nuestras películas tengan repercusión en lugares que hasta ahora estaban vetados, pero por otro lado la comodidad de ver los contenidos la tablet o el teléfono hacen que la competencia con las salas sea muy alta.

En 2003 ganaste el Goya al Mejor actor protagonista por Te doy mis ojos interpretando a un marido maltratador y, 15 años después, seguimos asistiendo a constantes casos de crímenes machistas. ¿Piensa que hoy en día hay más o menos Antonios que cuando lo interpretó?Te doy mis ojos

No puedo dejar de pensar que España es un lugar muy extraño, creo que a veces vamos hacia atrás. Te lo juro. Creo que nos cuesta acoplarnos al mundo moderno. Tengo la sensación de que no somos una sociedad lo suficiente evolucionada en comparación con lo que deberíamos, supuestamente, ser.

Si echamos cuentas vemos que hace 15 años estábamos haciendo una película sobre esto, andábamos sobre las 60 y pico mujeres asesinadas al año a manos de sus parejas y las cifras son similares mucho tiempo después. Cuando hicimos Te doy mis ojos realmente creíamos, quizás de manera un poco ilusa, que podía tener cierta función social el tratar este tema, expresarlo, hacerlo comprender aunque fuera en forma de ficción. Pensamos que podría servir pero es decepcionante cuando la realidad se impone porque te das cuenta de que no parece que hayamos ayudado.

¿Cómo fue meterse en la piel de un hombre maltratador?

Lo que uno puede llegar a entender es que hay mucha frustración y desubicación por parte del mundo masculino. Igual que el femenino ha ido en claro proceso de transformación, avance y progresión en las últimas décadas, hay un sector amplio de esta sociedad absolutamente patriarcal que no sabe donde colocarse. También hay mucha ignorancia y, cuando no tienes los instrumentos necesarios para gestionarla, se convierte en lo que a veces vemos en las noticias. Una especie de ser bruto, animal y que no tiene otra forma de expresarse que la violencia.

Creo que ocurre más que en mi generación. Viví mi adolescencia en los 80, un momento en que había una sociedad muy liberal, en la que ya todo se mezclaba, los roles se confundían, parecía que se iba a hacia un lugar un poco más diverso y ahora veo mucha más oposición. Alucino con las letras de reggaeton, en mi época jamás habíamos escuchado algo así, y mira que aquella época fue rompedora y transgresora. Hay como una especie de vuelta atrás, a roles muy rancios y antiguos en gente muy joven.

¿Qué ha fallado?

Habla muy mal de mi generación. Hay algo en lo que nosotros nos despistamos porque estos adolescentes son hijos nuestros. Quizás se nos pasó algo, puede que pensáramos que la cosa ya estaba resuelta y para nada. Tampoco veo que educativamente estemos haciendo un esfuerzo porque nada mejore. No puede ser que la educación y la forma de educar sigan siendo las mismas que cuando yo estudié. No se incide en determinados temas que son muy importantes en una sociedad que quiere progresar y evolucionar para bien.

Actor, hombre y cerca de los 50. ¿Le preocupa que envejecer pueda hacer que le lleguen menos papeles?

Sí. Al envejecer en esta profesión hay menos trabajo, es lo que hay. Y más en el mundo de hoy que es el mundo de los jóvenes cada vez más. Vivimos en una sociedad muy cruel en este sentido, hay mucha presión y en el mundo de la mujer es brutal. No tiene piedad. Hay cánones de belleza impuestos de una manera absolutamente dictatorial, si te sales un poco de la norma es muy difícil encontrar donde trabajar en la industria.

¿Esto ha sido así siempre? ¿Ha habido tiempos mejores?

Estoy en riesgo de ser un poco nostálgico, pero diría que antes había un poco más de margen. Cuando reviso películas de antaño creo que había más variedad física. Ahora ves productos en los que todo el mundo es muy guapo, y eso sí que es preocupante porque no son reflejo de ninguna sociedad. No hay por qué crear una ficción paralela en la que todo el mundo crea que hay un mundo mejor al que puedes acceder porque el mundo es el que es. Somos guapos, feos, altos, bajos, gordos, menos gordos, viejos, jóvenes, un poco de todo.

Crear una realidad paralela en la que todo es muy bonito genera una presión que ningún ser humano puede aguantar. El paso de los años es una especie de tortura para las actrices que no debería existir. Porque justamente los intérpretes se supone que somos mejores a medida que pasan los años. Lo jodido es tener la sensación de que lo que haces cada vez es peor.

¿Cómo vive la repercusión que tienen sus palabras por ser una figura pública?

Cualquier cosa que diga un actor se convierte en algo más grande sí o sí, bien por las estupideces que decimos a veces o por tener un altavoz que otros no tienen. Intento usarlo de la manera más inteligente posible, sin herir sensibilidades. No puedo dejar de ser ciudadano por muy actor que sea. Creo que sobre política hay que ser claro y sincero. Es una cosa pública. Lo ideal sería que todos pudiésemos hablar de política de forma transparente y natural sin que fuera un drama.

Quizás tenemos que ser más exigentes con nuestros políticos y más responsables a la hora de ejercer el voto, que es otra cuenta pendiente en este país. A veces no nos importa un comino votar o no votar, ni a quien votas. Parece que no va a pasar nada, pero pasa.

¿Qué se podría hacer para mejorar esta situación?

Hacen falta tiempo, porque hay ciertos desengaños que la sociedad española tiene que vivir, y memoria. No dejamos de ser una sociedad democráticamente muy joven, hay un poso que dejó una manera de actuar en la que todavía seguimos funcionando. El nepotismo o escepticismo siguen ahí porque la única manera de funcionar era esa, nos parece que es la manera natural, y no lo es.