El festival de música Wireless de Reino Unido ha sido cancelado después de que se le haya impedido la entrada en el país a Kanye West, quien era cabeza de cartel. El gobierno denegó el permiso para viajar a Reino Unido a West, también conocido como Ye, después de la polémica que suscitó la actuación prevista del artista en el festival de Londres este verano por sus comentarios antisemitas en el pasado.

“El Ministerio del Interior ha retirado la autorización de viaje a Ye, impidiéndole la entrada al Reino Unido. Por consiguiente, Wireless Festival queda cancelado y se reembolsará el importe de las entradas a todos los poseedores de entradas”, ha declarado el festival en un comunicado, pues West solicitó el lunes un permiso para viajar al país mediante una Autorización Electrónica de Viaje, pero las autoridades lo han bloqueado.

Un portavoz del festival ha confirmado que, tras el anuncio de la decisión del gobierno, el evento no se celebrará en julio y afirmó que se reembolsará el dinero a quienes ya hayan comprado entradas. “Como en todos los festivales Wireless, se consultó a múltiples partes interesadas antes de contratar a Ye y en ese momento no se destacaron preocupaciones al respecto”, ha agregado Wireless.

“El antisemitismo en todas sus formas es abominable, y reconocemos el impacto real y personal que estos problemas han tenido. Como dijo Ye hoy, reconoce que las palabras por sí solas no bastan, y a pesar de ello, aún espera tener la oportunidad de entablar un diálogo con la comunidad judía en el Reino Unido”, ha señalado el festival con respecto a los comentarios antisemitas, racistas y pronazis que Kanye West ha pronunciado en los últimos años.

Kanye West visitará Madrid este verano para un concierto en el estadio Metropolitano de la capital. El show será la segunda parada del rapero en España tras su concierto en la sala Razzmatazz de Barcelona. En aquel entonces, hace ya 20 años, el cantante actuó frente a un total de 2.000 personas. Dos décadas después, Kanye West actuará ante una cifra estimada de 50.000 personas.

Hace más de dos décadas que Kanye West no visita España y jamás lo ha hecho para dar un concierto en Madrid. Pero el polémico rapero estadounidense, que ya actuó en Barcelona en 2006, ha sorprendido con el anuncio de que su gira europea tendrá una parada en el Riyadh Air Metropolitano el jueves 30 de julio de 2026. Será un show único y se espera que interprete algunos de sus temas más sonados, como Power, Runaway u Only One.

Aparte de Madrid, el artista, renombrado recientemente como Ye, también tiene previsto ofrecer conciertos en las ciudades de Reggio Emilia (Italia), Arnhem (Países Bajos) y Marsella (Francia) este verano. Las entradas para su concierto en Madrid saldrán a la venta este martes 10 de marzo a las 10:00 horas, pero se trata de una preventa exclusiva a la que no todo el mundo tendrá acceso.

Para acceder a esta venta privada, los fans de Kanye West tendrán que registrarse a través de la página web yemadrid.com. Los registrados recibirán más información en el correo electrónico que hayan facilitado al rellenar la suscripción. Aunque puede que el rapero ofrezca más conciertos en Madrid dependiendo de la demanda, el show ha sido anunciado como “único”, por lo que no se puede afirmar que vaya a haber más fechas en el Metropolitano.

El concierto de Kanye West será la segunda parada del rapero tras su concierto en la sala Razzmatazz de Barcelona. En aquel entonces, hace ya 20 años, el cantante actuó frente a un total de 2.000 personas. Dos décadas después, Kanye West actuará ante una cifra estimada de 50.000 personas. Los precios, pese a que aún no se conocen, pueden ir desde los 125 euros hasta los 659 euros, cogiendo de referencia lo que costaban las entradas de su concierto en Reggio Emilia (Italia).

La música tiene el poder de interpelarnos a cada uno de nosotros y recordarnos dónde estábamos en un momento determinado. Es por ello que, cada vez que pasa cierto tiempo, es un acto necesario mirar atrás y descubrirnos a través del arte. Lo hemos hecho recientemente con este 2025 que ya termina, repasando algunas de las obras clave que definirán esta época cuando nos acerquemos a ella desde el futuro, pero ahora retrocedemos todavía más y viajamos por los 25 discos imprescindibles del primer cuarto del siglo XXI. Entre sus autores, artistas que siguen revolucionando el ámbito nacional e internacional.

Pese a que el nuevo siglo empezó en el 2001, para esta clasificación se ha optado por incluir también el año 2000, puesto que no hacerlo desvirtuaría lo que la gente entiende por décadas. Es por ello que el disco Kid A de Radiohead se considera una obra de los 2000, mientras que otro como Folklore de Taylor Swift se considera uno de los primeros grandes lanzamientos de la década del 2020. Para la selección de los mejores discos del siglo se ha contado, además, con la participación de 91 expertos del panorama musical nacional, incluyendo desde redactores de medios especializados hasta locutores de cadenas de radio.

Cada uno de los participantes ha seleccionado diez álbumes sin clasificarlos entre sí. El sistema de votación se ha basado principalmente en el consenso, premiando así a los discos que han logrado poner de acuerdo a un mayor número de críticos. En caso de empate de votos, se ha tenido en cuenta el peso global del artista y la suma total de menciones de toda su discografía. No obstante, para favorecer la diversidad, si dos discos han tenido el mismo número de votos, pero uno de los dos artistas ya había aparecido antes en la lista, se ha puesto por encima el disco del otro artista.

25. Sufjan Stevens: ‘Illinois’ (2005)

Illinois es una de las joyas del pop indie. Supuestamente la segunda entrega de un proyecto para hacer un disco sobre cada uno de los 50 estados de Estados Unidos (que nunca acabó dándose), Illinois es uno de los grandes discos del siglo: utiliza coros, orquestas, banjos y electrónica para narrar historias que mezclan hechos históricos reales y figuras locales (como el asesino John Wayne Gacy o el poeta Carl Sandburg). Tras el lanzamiento de Greetings from Michigan (2003), Stevens explora la fe, la identidad nacional y el dolor a través de un álbum de temática geográfica.

24. PJ Harvey: ‘Stories from the City, Stories from the Sea’ (2000)

Si los discos anteriores de PJ Harvey pueden considerarse oscuros y rurales, Stories from the City, Stories from the Sea es brillante y urbano. Inspirado por una estancia de seis meses en Nueva York, la artista captura la energía de la gran ciudad, el amor y el deseo con un sonido de rock directo y pulido. Se trata de su obra más accesible y melódica, destacando el dúo con Thom Yorke en This Mess We're In. Fue el álbum que consolidó a Harvey como una figura imprescindible del rock británico.

23. Adele: ‘21’ (2011)

El disco de ruptura por excelencia de este siglo. Adele logró unir a amantes de diversos géneros como el pop o el soul en un trabajo que cuenta con toques country. Aun así, el verdadero motor de 21, así como la clave del éxito de Adele, reside en su impresionante interpretación vocal. Rolling in the Deep y Someone Like You volvieron a otorgar relevancia a las baladas, afianzándolas como unas de las más importantes de los últimos tiempos.

22. Green Day: ‘American Idiot’ (2004)

Rescatando su carrera del estancamiento, Green Day apostó todo a una ópera punk conceptual inspirada en Jesus Christ Superstar y The Wall. El álbum canalizó la frustración y el miedo de la sociedad estadounidense bajo la administración de Bush y la guerra de Irak. A través del personaje de 'Jesus of Suburbia', Billie Joe Armstrong narra una historia de alienación juvenil, drogas y desilusión política. Musicalmente ambicioso, incluye temas de hasta 9 minutos y baladas acústicas, demostrando que el punk podía evolucionar hacia estructuras más complejas o incluso teatrales sin perder su fuerza reivindicativa y característica.

21. Madonna: ‘Confessions on a Dance Floor’ (2005)

Tras el fracaso crítico del político American Life (2003), Madonna decidió volver a lo que mejor sabía hacer: hacernos bailar. Producido por Stuart Price, Confessions on a Dance Floor está mezclado como una sesión continua de DJ, diseñado para mantener la energía en la pista de principio a fin. Es un tributo elegante a la música disco de los 70 y al electropop de los 80, sostenido, sobre todo, por el masivo éxito de Hung Up, en el que samplea a ABBA. Madonna demostró con su noveno disco que la música de baile también podía ser sofisticada y adulta.

20. Wilco: ‘Yankee Hotel Foxtrot’ (2002)

La discográfica de Wilco rechazó Yankee Hotel Foxtrot por considerarlo no comercial, lo que motivó a la banda a publicarlo de forma gratuita en su web. Tal fue el éxito que consiguió el álbum que obligó a otra discográfica a comprarlo. El disco encapsula una transformación del country-rock. Las letras, escritas antes del 11S, resultaron proféticas (“Los edificios altos tiemblan. Se escapan voces cantando tristes, tristes canciones”), haciendo que el álbum se convirtiera en la banda sonora involuntaria de unos Estados Unidos traumatizados y confundidos.

19. La Oreja de Van Gogh: ‘Lo que te conté mientras te hacías la dormida’ (2003)

Lo que te conté mientras te hacías la dormida representa la cumbre comercial del pop español de principios de milenio. Es la obra definitiva de la etapa de La Oreja de Van Gogh con Amaia Montero, donde la banda donostiarra refuerza sus sonidos de pop-rock para triunfar con canciones como Rosas o Puedes contar conmigo, que trascendieron el estatus de hit y con el paso del tiempo han demostrado su atemporalidad tanto en el país como en Latinoamérica.

18. Taylor Swift: ‘Folklore’ (2020)

Publicado por sorpresa durante el confinamiento por COVID-19, folklore marcó un giro de 180 grados en la carrera de Taylor Swift. Alejada de los estadios y de la purpurina de su anterior trabajo, Lover (2019), la artista colaboró con Aaron Dessner de The National para crear un disco melancólico de indie-folk. Por primera vez, Swift dejó de lado la autobiografía que había caracterizado sus anteriores álbumes para escribir desde la perspectiva de personajes ficticios, creando un triángulo amoroso adolescente a través de las brillantes canciones Cardigan, August y Betty. Fue el disco que le otorgó credibilidad ante la crítica alternativa y demostró su versatilidad como compositora más allá del pop de radio y el country.

17. Lana Del Rey: ‘Norman Fucking Rockwell!’ (2019)

Después de nunca haber sido tomada demasiado en serio por la crítica, Lana Del Rey se ganó el perdón de la crítica con Norman Fucking Rockwell!. El disco, que relata la decadencia americana y pone el foco en el romance, es uno de los mejores trabajos de quien es considerada una de las artistas que más ha inspirado el pop de la última década. Producido principalmente por Jack Antonoff, el álbum se centra en pianos y guitarras suaves para dar lugar a una atmósfera acústica. Sus letras abordan la masculinidad tóxica y la pérdida de la inocencia, ambientando la obra en una California que arde tanto literal como metafóricamente.

16. Frank Ocean: ‘Blonde’ (2016)

El segundo álbum de estudio de Frank Ocean, Blonde, en ejercicio de vanguardia minimalista que redefinió el R&B. Publicado de forma independiente un día después de su álbum visual Endless (para liberarse de su contrato discográfico), se trata de un disco que utiliza guitarras procesadas y teclados ambientales para hablar sobre la dualidad, la memoria, la bisexualidad y la nostalgia de la juventud. Es un álbum que exige paciencia, lleno de cambios de estructura y colaboraciones sutiles como la de Beyoncé, Jonny Greenwood o André 3000.

15. Arcade Fire: ‘Funeral’ (2004)

El debut de Arcade Fire estuvo marcado por la tragedia. Durante la grabación de Funeral, varios miembros de la banda perdieron a familiares cercanos, lo que impregnó el disco de una temática sobre la muerte, el duelo y la necesidad de vínculos emocionales con otras personas. La banda rechazó el cinismo del indie de la época para abrazar instrumentos poco convencionales como acordeones, violines y zanfonas. Entre sus temas destaca Wake Up, que dio inicio al indie más exitoso de los 2000.

14. Rosalía: ‘Lux’ (2025)

Rosalía ha logrado con Lux en el panorama nacional algo que solo Taylor Swift consigue con todos sus discos en el ámbito internacional: convertir el lanzamiento de su nuevo álbum en todo un evento. Desde que presentara su último proyecto en Callao de Madrid hasta que salió al mercado en su totalidad dos semanas después, Rosalía acaparó todas las conversaciones con un trabajo que recorre la mística femenina y la espiritualidad. Distanciándose por completo del instrumental de Motomami (2022), y optando en ocasiones por rememorar El Mal Querer (2018), la intérprete catalana apuesta por un sonido orquestal que, con tan solo varios meses desde su lanzamiento, es considerado de lo mejor del siglo.

13. Kendrick Lamar: ‘To Pimp a Butterfly’ (2015)

To Pimp a Butterfly es una enciclopedia sónica de la música negra americana. Kendrick Lamar se alejó del sonido comercial para rendir homenaje al jazz, el funk o el soul, colaborando con músicos como Thundercat y Kamasi Washington. El álbum supone una reflexión profunda sobre la responsabilidad de la fama, la depresión y el racismo institucional en Estados Unidos. El viaje del artista a Sudáfrica inspiró gran parte de la temática, conectando la lucha afroamericana con sus raíces. El tema Alright se convirtió en una de las canciones de las protestas contra la brutalidad policial, otorgando al disco una relevancia social durante el movimiento Black Lives Matter.

12. Björk: ‘Vespertine’ (2001)

Tras la grandilocuencia de Homogenic (1997), Björk se replegó hacia el interior del hogar para crear una obra maestra de la intimidad. Vespertine es un disco invernal y frágil, construido a base de micro-beats creados con sonidos domésticos (barajas de cartas, pisadas en la nieve) gracias a la colaboración con el dúo Matmos. A esto se suman arreglos de arpa, cajas de música y coros angelicales. Temáticamente, el álbum narra el florecimiento de un nuevo amor y el despertar sexual y espiritual, logrando transmitir una sensación física de calidez y refugio. Es la cumbre de la electrónica emocional.

11. Arctic Monkeys: ‘AM’ (2013)

Con AM, los de Sheffield lograron lo que pocas bandas británicas consiguen: conquistar América sin renunciar a su identidad. Alex Turner combinó los riffs pesados del rock desértico, una influencia directa de su amistad con Josh Homme de Queens of the Stone Age, con la rítmica y el groove del hip-hop y el R&B contemporáneo. El resultado fue un sonido nocturno, sexy y engominado, perfecto para la radio pero con credibilidad dentro de la escena rock. Canciones como Do I Wanna Know? o la adaptación del poema I Wanna Be Yours de John Cooper Clarke mostraron a un Turner en la cima de su capacidad lírica e incluso performática.

10. Taylor Swift: ‘1989’ (2014)

Este clásico encapsula el momento exacto en el que Taylor Swift abandona sus raíces country para reclamar el trono del pop mundial. Titulado con su año de nacimiento, 1989 se inspira en el synth-pop de finales de los 80, buscando una sonoridad brillante, pulida y sintética. De la mano de los productores Max Martin y Shellback, y con las primeras andaduras de Jack Antonoff en la producción, Swift construyó una fortaleza de estribillos matemáticamente perfectos. El álbum destaca también por su inteligencia lírica: en temas como Blank Space, Swift satiriza la imagen misógina de “devoradora de hombres” que la prensa había construido sobre ella, tomando el control de su propia narrativa.

9. The Strokes: ‘Is This It’ (2001)

Publicado poco antes del 11S, lo que obligó a retirar el tema New York City Cops de la edición americana, este disco supuso un reinicio para el rock. En una época dominada por el metal agresivo y el pop, The Strokes ofreció media hora de elegancia, guitarras entrelazadas y voces filtradas que evocaban a The Velvet Underground. La producción de Gordon Raphael capturó la esencia de una banda tocando en un sótano sucio pero vistiendo ropa cara. Is This It no solo salvó el rock de guitarras, sino que definió la estética hipster de la década y abrió la puerta a cientos de bandas posteriores como Arctic Monkeys, The Killers o Franz Ferdinand.

8. Kanye West: ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy’ (2010)

Encerrado en Hawái, Kanye West organizó un campamento de rap con los mejores productores y artistas del mundo para crear una obra maximalista y barroca sobre los excesos de la fama, el ego y el sueño americano. La producción de My Beautiful Dark Twisted Fantasy es lujosa y está cargada de capas orquestales, coros y samples progresivos. En la lista de canciones figuran títulos como Runaway, que muestran a un artista diseccionando sus propios defectos con una ambición sónica que ha sido difícil volver a ver en el género.

7. David Bowie: ‘Blackstar’ (2016)

Grabado en secreto mientras Bowie luchaba contra un cáncer terminal que ocultó al público, Blackstar es un disco denso, enigmático y conmovedor que aborda la mortalidad y la espiritualidad. Bowie reclutó al cuarteto de jazz vanguardista de Donny McCaslin para crear una atmósfera opresiva y experimental que lo alejara más del rock. El artista falleció apenas dos días después del lanzamiento, lo que muchos hicieron ver el disco como un regalo de despedida. Lazarus, una de las canciones de este trabajo, hicieron de la escucha del disco una experiencia casi religiosa sobre cómo afrontar el final de la vida a través del arte.

6. Beyoncé: ‘Lemonade’ (2016)

Más allá de la música, Lemonade es una obra cultural y política. Beyoncé utilizó la infidelidad de su marido Jay-Z como hilo conductor para explorar el trauma generacional, la resiliencia y la complejidad de la mujer negra en Estados Unidos. El disco recorre las etapas del duelo, desde la intuición, la negación, la ira y la apatía hasta el vacío la esperanza y redención. Además, salta sin complejos entre géneros, apostando por el rock en Don't Hurt Yourself, por el country en Daddy Lessons, o por el R&B y el gospel. El disco captura el momento en el que Beyoncé se centró en la creación de una obra compleja, culminando con Formation un himno sobre la identidad racial y el orgullo sureño.

5. C. Tangana: ‘El Madrileño’ (2021)

Antón Álvarez, la persona que aguarda bajo el nombre artístico C. Tangana, redefinió la identidad del pop español moderno al mirar hacia el pasado y hacia Latinoamérica. El Madrileño es un proyecto que tiende puentes entre la tradición (copla, pasodoble, rumba) y la modernidad urbana. La lista de colaboradores va desde Toquinho, Eliades Ochoa, José Feliciano o Andrés Calamaro hasta figuras actuales como Omar Apollo. El disco huye del trap que hizo famoso a C. Tangana para buscar un sonido más atemporal, logrando que canciones como Tú me dejaste de querer se convirtieran instantáneamente en himnos intergeneracionales que suenan tanto en discotecas como en verbenas de pueblo.

4. Rosalía: ‘Motomami’ (2022)

Si El Mal Querer (2018) se basó en la estructura y la contención, Motomami representó el caos y la libertad absoluta. Rosalía rompió con las expectativas de quienes esperaban que continuara con el sonido flamenco para entregar un trabajo musicalmente agresivo y también minimalista. El disco oscila entre el reguetón experimental, el jazz, la balada al piano y la electrónica industrial. Las letras, por su parte, abordan la fama, el aislamiento (fue grabado en parte durante la pandemia en Estados Unidos) y la transformación personal. Aunque temas como Saoko o Hentai generaron polarización inicial, acabaron consolidando a Rosalía como una artista capaz de reformular cualquier género.

3. Radiohead: ‘Kid A’ (2000)

El mayor suicidio comercial de Radiohead se ha acabado convirtiendo en una de las obras musicales más importantes de la historia reciente. Abandonando el rock alternativo que tanto éxito le había dado y dando un cambio radical hacia los sonidos electrónicos, el grupo liderado por Thom Yorke huyó de estribillos convencionales en Kid A para capturar la ansiedad ante la llegada del nuevo milenio y la tendencia tecnológica cada vez más fuerte. Ninguna canción se envió a la radio, por lo que Radiohead rompió las normas de la industria al centrarse en la promoción en internet, pero temas como Everything in Its Right Place o How to Disappear Completely han llegado a ser clásicos en su discografía.

2. Amy Winehouse: ‘Back to Black’ (2006)

El segundo y último álbum de estudio de Amy Winehouse fue la obra maestra que definió el sonido retro-soul del siglo XXI. La artista británica se alejó del jazz de su debut, Frank (2003), para abrazar el sonido de los grupos femeninos de los años 60 como The Shangri-Las. El álbum destaca por su crudeza autobiográfica: la cantante narra una tormentosa relación y su descenso a los infiernos del alcohol y la depresión. Su legado abrió la puerta a artistas como Adele o Lana Del Rey, y canciones como Rehab se han convertido en himnos que inspiraron a las futuras generaciones.

1. Rosalía: ‘El Mal Querer’ (2018)

Por muchos discos que publique Rosalía, El Mal Querer siempre será el álbum al que regresemos para contar cómo esta artista catalana consiguió alzarse como una de las figuras clave de la música de este siglo. Su segundo trabajo discográfico no solo cambió las reglas del juego en la industria nacional, sino que la hizo reconocida en todo el mundo. El disco es una obra conceptual basada en la novela del siglo XIII Flamenca y, capítulo por capítulo, disecciona una relación tóxica, desde el enamoramiento (Malamente - Augurio) hasta la liberación (A ningún hombre - Poder). Musicalmente, junto al productor El Guincho, la intérprete mezcló la raíz flamenca y la vanguardia electrónica urbana para crear un nuevo lenguaje sonoro sin apenas instrumentos melódicos tradicionales.

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El propietario de la red social Twitter, Elon Musk, ha cancelado esta madrugada la cuenta del rapero estadounidense Kanye West, que actualmente responde al nombre de Ye, por incitación a la violencia. La cancelación ha sido anunciada por el propio Musk después de que el rapero publicara una imagen en su perfil de lo que parecía una esvástica fusionada con una estrella de David.

“Ha vuelto a violar nuestra norma contra la incitación a la violencia. La cuenta será suspendida”, ha dicho el propietario de la red social en respuesta a otro usuario. El perfil del rapero aparece ya como cancelado.

La suspensión se produce después de que West alabara a Adolf Hitler en una entrevista publicada este jueves en el programa de extrema derecha Infowars, del locutor y propagador de teorías conspiratorias Alex Jones (recientemente condenado por difundir bulos), en la que negó la existencia del Holocausto e hizo comentarios antisemitas. En esa entrevista apareció con el rostro complemente cubierto con un pasamontañas y las manos tapadas con guantes.

“Todos los seres humanos tienen un valor que traer a la mesa, especialmente Hitler”, dijo West en un momento de la entrevista. Más adelante el cantante matizó que en realidad no le interesa tanto Hitler, pero que lo considera “un tipo genial”, con un “atuendo genial” y que era un “gran arquitecto”.

Antes de una pausa publicitaria, Jones le dijo que tenía un fetichismo hacia Hitler, a lo que el artista contestó: “Me gusta Hitler”. Además, negó que el dictador matara a seis millones de judíos, “eso es fácticamente incorrecto”. En otro instante el rapero indicó que no le gusta que se ponga la palabra “malvado” junto a nazi: “Me gusta la gente judía, pero también me encantan los nazis”.

Sus últimos comentarios racistas y antisemitas han hecho que el artista haya perdido millones de dólares en contratos con marcas de calzado y vestimenta, que han cancelado los acuerdos que tenían con el rapero. Ye estuvo la semana pasada en la residencia del expresidente de Estados Unidos Donald Trump (2017-2021) en Mar-a-Lago (Florida) junto con el nacionalista Nick Fuentes, conocido por sus posturas antisemitas, en una cena que ha sido criticada incluso por sectores de su partido, el Republicano.

Tampoco comprará Parler

Parler, la red social a la que acuden muchos usuarios expulsados de otras plataformas por sus incitaciones al odio y posiciones de ultraderecha, ha anunciado que anula su acuerdo de compra con West. El rapero y la empresa propietaria de Parler, Parlement Technologies, habían firmado un contrato de adquisición poco después de que Ye fuera expulsado de Twitter.

La compañía ha comunicado este viernes la ruptura del acuerdo, aunque asegura que esta sucedió hace dos semanas. “En respuesta a las numerosas consultas de los medios de comunicación, Parlement Technologies desea confirmar que la empresa ha acordado mutuamente con Ye poner fin a la intención de venta de Parler. Esta decisión se tomó en interés de ambas partes a mediados de noviembre”, ha publicado en un comunicado, desvinculando la decisión de los últimos comentarios alabando a Hitler del rapero.

“Puedo decir cosas antisemitas y Adidas no puede dejarme caer”. Este es uno de los mensajes lanzados por el rapero estadounidense Kanye West -también conocido como Ye- que han derivado en una cascada de contratos comerciales rotos. No solo con la marca deportiva alemana, también con la enseña de moda Balenciaga, la cadena GAP, sus representantes o el despacho de abogados que lo defendía.

Adidas sí lo dejó caer. La compañía alegó que “no tolera el antisemitismo ni ningún otro tipo de discurso de odio” y que los “comentarios y acciones recientes de Ye han sido inaceptables, odiosos y peligrosos y violan los valores de diversidad e inclusión, respeto mutuo y equidad de la empresa”.

Por ello, argumenta la enseña, “después de una revisión exhaustiva” decidió tomar “la decisión de rescindir la asociación con Ye de inmediato, finalizar la producción de productos de la marca Yeezy y suspender todos los pagos a Ye y sus empresas”. Una decisión con efecto inmediato que pasará factura a Adidas porque espera un impacto negativo en sus cuentas al cierre del año de 250 millones de euros.

Además, la empresa germana no dejó la puerta abierta a que Ye pueda utilizar resquicios legales para seguir comercializando estos productos por otra vía. “Adidas es el único propietario de todos los derechos de diseño de los productos existentes”. En unos días, la multinacional dará más detalles sobre cuál será el impacto económico de romper esta alianza comercial. “Se dará más información en los resultados del tercer trimestre, el 9 de noviembre de 2022”, adelantó.

Se da la circunstancia de que la empresa tiene a sus espaldas un pasado salpicado por el nazismo. Tras romper el contrato con Kanye West, la revista estadounidense 'Time' recordó que los fundadores de Adidas, Adi y Rudi Dassler, fueron miembros del partido nazi, al que se unieron en 1933, el año en que Hitler se convirtió en canciller. No es el único caso. Otras multinacionales alemanas como Porsche, Dr. Oetker o BMW también cargan con la herencia de haber colaborado con el Tercer Reich.

Tras perder los contratos con Adidas, Balenciaga y Gap, Kanye West se justificó en un mensaje a través de la red social Instagram en el que, entre otras cosas, aseguró que había perdido 2.000 millones de dólares en un día. Pero sus discursos antisemitas y de incitación al odio no solo le van a suponer una pérdida de ingresos, sino que también se le abre una batalla legal. La familia de George Floyd, asesinado por un policía en Mineápolis en 2020, ha presentado una demanda de difamación contra West por asegurar que la causa de su fallecimiento fue el consumo de fentanilo y no la violencia policial. 

¿Qué son las cláusulas de moralidad?

Adidas dará en unos días más información respecto a qué le ha supuesto romper sus lazos con Kanye West. De momento, los analistas que siguen la empresa dan horquillas sobre qué le aportaba esta colaboración, que van desde el 4% al 8% de sus ventas de 2021. Ese año, la multinacional logró unos ingresos de 21.234 millones de euros.

En sus últimas cuentas, la firma no da detalles. De hecho, tan solo enumera con qué famosos tienen firmados acuerdos de este tipo. “Beyoncé, Jerry Lorenzo, Kanye West, Pharrell Williams, Stella McCartney y Yohji Yamamoto siguen siguen jugando un papel importante en cautivar a nuestros consumidores”, enumera Adidas. “De igual manera, aprovecharemos nuestras asociaciones con los mayores símbolos del deporte, ya sea con equipos como el Bayern de Múnich o el Real Madrid; o deportistas como Lionel Messi o Mikaela Shiffrin”, añade.

Unas colaboraciones que conllevan contratos que no son públicos pero que suelen incluir las denominadas 'cláusulas de moralidad', que son las que permiten romper esos acuerdos en caso de que los famosos contratados se vean envueltos en escándalos o, como en este caso, realicen declaraciones que incitan al odio. En el de West, no solo se trata de los mensajes antisemitas, sino que también apareció hace unos días en un desfile en París con una camiseta que ponía 'white lives matter', un lema ligado a los supremacistas blancos. 

Esas cláusulas de moralidad permiten a las compañías romper los contratos de patrocinio o de colaboración si los famosos o deportistas en cuestión llevan a cabo acciones, declaraciones o comportamientos que las compañías no consideran adecuados y suelen entrar al detalle de qué pasa si eso ocurre y sobre cómo se rompen los contratos. Una práctica que minimiza los riesgos financieros de las empresas y, de paso, les evita ir a los tribunales.

Este tipo de cláusulas cobraron protagonismo después de que el ciclista Lance Armstrong, tras años negándolo, reconociera que se había dopado. “A partir de ese momento, todos los patrocinadores de Armstrong le retiraron su apoyo, lo que le costó [al ciclista] cerca de 75 millones de dólares. Para minimizar el daño, sus patrocinadores ejecutaron la cláusula de moralidad escrita en los contratos, que permiten a las empresas la opción de rescindir los contratos de patrocinio si el atleta se ve involucrado en conductas prohibidas expresamente”, recoge un artículo publicado en 'Boston College Law Review'.

Una larga lista de famosos y deportistas

Una de las compañías que tenía un acuerdo con el ciclista texano era Nike, a través de Livestrong, la fundación de Lance Armstrong. Y ese no es el único caso que afecta a la marca estadounidense. Hace seis años, rompió el contrato de patrocinio con el boxeador filipino Manny Pacquiao tras unas declaraciones homófobas que Nike calificó como “aberrantes”.

La lista de atletas que han perdido contratos -algunos por causas más graves que otras- no es precisamente corta. Oscar Pistorius, condenado a 15 años de cárcel por matar a su pareja; el boxeador Myke Tayson después de que su mujer lo acusara de violación; el golfista Tiger Woods por una polémica de relaciones sexuales fuera de su matrimonio, por la que perdió contratos con Gillette, Accenture o AT&T, entre otras marcas; o la tenista María Sharapova, también con Nike, tras su dopaje.

No solo ocurre en el mundo del deporte. El grupo cosmético L'Oréal rompió el contrato con la modelo Axelle Despiegelaere después de se publicasen fotos de ella en una cacería. Y, en un caso similar al de Kanye West, Christian Dior despidió al diseñador John Galliano por declaraciones antisemitas en las que aseguraba que amaba a Hitler. 

También ha habido casos en España. La cadena Clínica Baviera, rescindió un acuerdo con el humorista Dani Mateo después de que se sonase la nariz con la bandera de España en un sketch. “Cuando uno decide poner su vida al servicio de la risa, sabe que estas son las consecuencias, pero a veces resulta duro. Sin embargo, este es mi trabajo y tengo que apechugar. Por eso me dediqué a la comedia, para hacer la realidad más llevadera”, aseguró entonces Dani Mateo. 

Las polémicas y los contratos rotos no son nuevos. En 1989, Pepsi retiró un anuncio con Madonna tras el lanzamiento de Like a prayer, porque podía considerarse ofensivo. “¡Retiraron mi anuncio de Pepsi hace 30 años porque estaba besando a un santo negro!”, aseguró la cantante en Instagram. Madonna reaccionó así a que la compañía de refrescos retirase otro anuncio tras ser criticada de apropiación de las protestas de Black Live Matter.

El artista Kanye West —que en 2021 cambió su nombre a Ye— ha comprado la red social Parler, similar a Twitter, tras ser expulsado de esta plataforma y de Instagram por publicar comentarios antisemitas. Parlement Technologies, propietaria de Parler, ha hecho público este lunes que ha llegado a un principio de acuerdo con el rapero para venderle su red social, aunque no ha revelado las cifras de la transacción.

Parler es una red social minoritaria que se convirtió en el refugio de la ultraderecha estadounidense después de que las cuentas de Donald Trump y buena parte de sus seguidores fueran bloqueadas tras el asalto al Capitolio de enero de 2021. La plataforma hace gala de una “libertad de expresión no cancelable” en la que entran, por ejemplo, los llamamientos a la violencia y el discurso de odio que las redes sociales principales no toleran.

El movimiento de Ye para comprarla llega solo una semana después de que Twitter bloqueara su perfil por amenazar de muerte “al pueblo judío”: “Habéis estado jugando conmigo e intentado excluir a cualquiera que se opone a vuestra agenda”, escribió en un tuit. El artista, que llevaba sin tuitear desde 2020, volvía a utilizar la plataforma después de ser expulsado días antes de Instagram por otra publicación antisemita.

En Instagram, Ye había acusado al rapero Sean Combs, más conocido como Diddy, de estar “controlado por judíos”. La compañía decidió que los comentarios infringían su política contra el discurso de odio y bloqueó su cuenta, que tenía 18 millones de seguidores.

El artista alega que no es antisemita “porque la gente negra es de hecho también judía”. No obstante y a pesar de que sus declaraciones han sido criticadas por buena parte de los usuarios y organizaciones antirracistas de EEUU, Ye continuó con la polémica. “Los judíos se han apoderado de la voz negra”, afirmó en un podcast este fin de semana: “Ya sea porque usamos la camiseta de Ralph Lauren, o porque todos tenemos un contrato con un sello discográfico, o porque tenemos un mánager judío, o porque tenemos un contrato con un equipo de baloncesto judío, o porque tenemos una película en una plataforma judía como Disney”.

En un mundo en el que las opiniones conservadoras se consideran controvertidas, tenemos que asegurarnos de que tenemos derecho a expresarnos libremente

Kanye West (ahora conocido como Ye)

En el comunicado en el que anuncia la compra de Parler, Ye denuncia que este tipo de expresiones están siendo injustamente perseguidas. “En un mundo en el que las opiniones conservadoras se consideran controvertidas, tenemos que asegurarnos de que tenemos derecho a expresarnos libremente”, ha afirmado.

“Este acuerdo cambiará el mundo” ha proclamado el director general de Parlement Technologies, George Farmer. “Cambiará la forma en que el mundo piensa en la libertad de expresión. Ye está dando un paso innovador en el espacio mediático de la libertad de expresión y nunca más tendrá que temer ser eliminado de las redes sociales”.

“Ye se ha convertido en el hombre negro más rico de la historia a través de la música y la ropa, y está adoptando una postura audaz contra la reciente censura de las grandes empresas tecnológicas, utilizando su gran talento para seguir liderando la lucha por crear un entorno verdaderamente no cancelable”, destaca la compañía en el comunicado.

Nichos de odio

Parler no es la única red social que ha intentado hacer negocio a partir de los usuarios que se consideran injustamente expulsados de otras plataformas por sus opiniones extremistas. Otras compañías como Gab y, más recientemente, la red promovida por Donald Trump Truth Social nacieron con el mismo objetivo. Representan espacios “donde la extrema derecha se encuentra con los conservadores tradicionales y que representa la tradición de odio en la cultura estadounidense”, explicó Malaika Jabali.

La tendencia amenaza con trascender a estas pequeñas plataformas. La compra de Parler por parte de Ye se produce cuando todavía no se ha completado la adquisición de Twitter por parte del multimillonario Elon Musk, que también estuvo propiciado por lo que este magnate considera una falta de libertad de expresión en esta plataforma.

Musk ha confirmado que la expulsión de Trump de Twitter tras incitar a la violencia en el asalto al Capitolio le pareció “un error” y que permitiría el regreso del expresidente si completa la compra de Twitter. También celebró la vuelta de Ye a Twitter antes de que este fuera suspendido.

Según sus estadísticas, Parler tiene unos 16 millones de miembros en 2022. Twitter tiene unos 400 millones, Instagram se acerca a los 1.500 millones y Facebook supera los 2.200 millones de usuarios. Según los términos de su principio de acuerdo, Ye y Parler tienen intención de cerrar un pacto definitivo “durante el cuarto trimestre de 2022”.

Twitter ha bloqueado este domingo la cuenta del rapero estadounidense Kanye West —que ahora se hace llamar Ye—, que acababa de regresar a la red social después de dos años de ausencia, tras la publicación de un mensaje considerado antisemita. En el tuit, eliminado por violar las normas de la plataforma, West amenazaba a “los judíos” y señalaba: “Habéis estado jugando conmigo e intentado excluir a cualquier que se opone a vuestra agenda”.

El rapero, además, apuntaba en el mismo tuit que él no puede ser antisemita “porque la gente negra es de hecho también judía”. Twitter ha confirmado a varios medios estadounidenses que ha bloqueado la cuenta de West por un tiempo que no se ha dado a conocer, al considerar que ha violado sus políticas de uso.

El artista, que llevaba sin tuitear desde noviembre de 2020, había vuelto este fin de semana a esta red social después de ser también suspendido en Instagram tras sugerir que el rapero Sean Combs, más conocido como Diddy, estaba siendo controlado por judíos.

Sus comentarios fueron muy criticados por numerosos usuarios de las redes sociales, incluidos líderes políticos y la Liga Antidifamación (ADL), una influyente organización que combate el antisemitismo.

El regreso a Twitter del conocido músico, que tiene más de 31 millones de seguidores en esta plataforma, había sido celebrado por el multimillonario Elon Musk, que está en proceso de comprar la red social por 44.000 millones de dólares.

El controvertido rapero ya había estado esta semana en el centro de la polémica por lucir durante un desfile de moda en París una camiseta con el mensaje White Lives Matter (“Las vidas blancas importan”), un lema utilizado por supremacistas blancos en respuesta al movimiento contra el racismo Black Lives Matter.

Ye lo justificó en una entrevista en Fox News porque le pareció que la camiseta era “divertida”, igual que el hecho de que la llevara puesta él. Según contó, su padre, “un ex-Pantera Negra”, le escribió para decirle que también lo había encontrado cómico. “Le pregunté: papá, ¿por qué te pareció gracioso? Me respondió: 'Simplemente es un hombre negro diciendo lo obvio'”.

Ye ha sido diagnosticado con trastorno bipolar y ha hablado en diversas ocasiones sobre sus problemas de salud mental.

Los Grammy necesitaban un milagro y no va a suceder este año. La llamada “noche más importante de la música” está de capa caída y su edición número 64 no llega en el mejor contexto. Ha pasado solo una semana desde los Oscar, que acapararon los focos antes y lo siguen haciendo ahora, con la sombra del sopapo de Will Smith alargándose hasta los Grammy, que se celebran este domingo. Pero los premios de la Academia de Grabación de Estados Unidos necesitan algo más que un bofetón en directo para volver a levantar las pasiones de antaño.

Combatir la irrelevancia es más complicado que luchar contra la mala fama, pero los Grammy se han enfrentado a ambas en los últimos años. Unos datos de audiencia penosos, la llamada al boicot de varios artistas y las malas praxis de sus comités saliendo a la luz son los campos de batalla de esta edición. Para presentarla han confiado por segundo año consecutivo en el cómico Trevor Noah, un perfil carismático, previsible y que genera consenso, pero eso no es necesariamente bueno para los Grammy. Han renunciado a asumir riesgos y a generar expectativas, y así es difícil superar el batacazo de audiencia de 2021.

Este año BTS, Billie Eilish, Olivia Rodrigo, Lil Nas X o John Batiste suman el mayor número de nominaciones, aunque también se juegan un gramófono los españoles C. Tangana y Pablo Alborán. La organización ha hecho un claro esfuerzo por ampliar miras respecto a ediciones anteriores, pero los Grammy están lejos de ser aquellos prescriptores de fenómenos musicales que fueron en sus inicios.

De las primeras galas al declive

La primera edición de los Grammy se celebró en mayo de 1959. Se entregaron en dos cenas, una en el Hotel Beverly Hilton de Los Angeles y otra en el Sheraton de Nueva York. Frank Sinatra, Ella Fitzgerald y André Pevin, el compositor de la banda sonora de Gigi, se pasearon por las alfombras rojas con una etiqueta impecable. Todavía los premios no se habían convertido en ese desfile de moda histriónica y divertida que son actualmente. Un año después se televisó la primera gala y en la siguiente edición redactaron un “credo” para los Grammy: “Las ventas y la popularidad masiva son varas de medir para el negocio discográfico, no para esta Academia”.

Desde el debut de Barbra Streisand hasta el nacimiento de los Beatles, los Grammy demostraron que sabían tomarle el pulso al panorama musical antes que nadie. En los años 70, cuando optaron por retransmitir las galas en directo, contaron con Aretha Franklin, unos Beatles ya consolidados y un irreverente David Bowie. Las actuaciones eran tan míticas que despertaban la atención de las principales cabeceras sin esfuerzo. En esa década se volvieron internacionales.

Michael Jackson se estrenó en 1988, un año más tarde lo haría Metallica con One y en 1998 Celine Dion interpretó My Heart Will Go On en uno de los shows más recordados. La primera vez que actuó un latino en ese escenario fue en 1999, cuando Ricky Martin hizo despegar su carrera internacional desde los Grammy con la canción La copa de la vida, que fue el himno del mundial de fútbol de aquel año.

Los 2000 fueron un género de los Grammy en sí mismos: desde los estilismos de la alfombra roja –Jennifer López transformó la moda de principios de siglo con un vestido– hasta las controversias. Y, por supuesto, las actuaciones. Todo el mundo recuerda el popurrí de Britney Spears, el dueto formado por Eminem y Elton John, o el de Madonna y Gorillaz.

A partir de 2010, no hubo un año en el que los Grammy no inspirasen titulares por alguna razón: ya fuese la titánica Lady Gaga, los homenajes –como el de Withney Houston o el de Bob Marley–, el despegue de Adele o la conquista absoluta de Taylor Swift. Pero en 2017 empezaron los cambios. Los Grammy habían sacrificado su “credo” y dejaron que las controversias se les acumulasen... hasta que todo explotó.

Polémica tras polémica

La sospecha de que la Academia de Grabación valora los números discográficos sobre la calidad musical se remonta a mucho antes de 2017. Ya en 2012, llevaron a cabo una remodelación de las categorías reduciéndolas de 109 a 78, donde salió perdiendo el folclore. Los Grammy no se han esforzado nunca por esconder sus géneros favoritos, de ahí que no incluyeran el rock hasta 1979 ni el rap hasta 1989. Y su relación con el hip hop, el RnB y demás músicas urbanas no ha mejorado desde entonces.

La victoria de Beck como Álbum del año en 2015 sobre Beyoncé y la de Taylor Swift con 1989 sobre To Pimp a Butterfly, de Kendrick Lamar, en 2016, fueron dos sucesos con los que el público perdió confianza en los Grammy. Pero no solo ellos. Algunos de los artistas más seguidos del planeta llamaron al boicot de los premios. La gota que colmó el vaso fue cuando Bruno Mars ganó en Mejor Álbum con 24K Magic sobre Kendrick Lamar, Jay-Z, Lorde y Childish Gambino. Tres meses después, Lamar ganó el Pulitzer de música. Por su parte, en 2017 Frank Ocean se negó a presentar su disco Blonde como crítica al oscuro sistema de votación.

“No dejaré que mi discográfica vuelva a presentar mi música a los Grammy”, declaró The Weeknd en un comunicado en 2021, donde denunció que los comités secretos que revalidan las nominaciones seguían siendo “corruptos”. El músico reaccionó así después de que su exitoso álbum After Hours no figurase en ninguna de las 80 candidaturas de 2021. Le apoyaron otros raperos y artistas negros, lo que se sumó a anteriores quejas de Alicia Keys, Ariana Grande, Wiz Khalifa, Jay-Z o Drake. Este último, de hecho, se ha retirado de las dos categorías donde competía este año. Jay-Z, en cambio, se ha convertido en el artista más nominado de la historia de los Grammy.

También Zayn fue directo en sus críticas –“que jodan a los Grammy– y les acusó de permitir que ”el favoritismo, el racismo y la política de las redes influyan en el proceso de votación“. Lo cierto es que solo en 10 de las 64 ediciones ganó un artista negro. Pero el racismo no es la única lacra a la que se han enfrentado los Grammy.

En 2018, en plena ola del Me Too, las nominaciones estuvieron lejos de ser paritarias, por lo que en redes se empezó a mover el hashtag #Grammysomale. La cosa no mejoró cuando el presidente de la Academia, Neil Portnow, dijo en su discurso que las mujeres tenían que “mejorar su rendimiento”. Un comentario que incendió las redes con miles de personas pidiendo su dimisión.

Al año siguiente, Michelle Obama inauguró la gala acompañada de Lady Gaga, Jada Pinkett, Alicia Keys y Jennifer Lopez. Portnow renunció a la presidencia cinco meses después de aquello. Unos meses más tarde, Deborah Dugan se convertía en la primera mujer a cargo de los Grammy, pero fue apartada enseguida tras varias acusaciones de acoso y de crear un ambiente tóxico en el trabajo.

La llegada de la COVID-19, contra todo pronóstico, le dio un respiro a la Academia y la oportunidad de enmendar errores y lamerse las heridas. Dieron un vuelco al organigrama interno, contratando a más talento femenino, joven y diverso. Aunque algunos artistas seguían descontentos (como The Weeknd), los críticos abrazaron el cambio de la gala de 2021. “Ha sido la noche de los Grammy más coherente, decidida, hospitalaria y gratificante de los últimos 20 años, de lejos”, reseñaron en The Washington Post. Por desgracia, la audiencia no acompañó: los Grammy anotaron los números más bajos de su historia, con 8,8 millones de espectadores. Para hacerse una idea, en 2014 rozaron los 29 millones. ¿Lograrán superar el desastre este año?

¿Qué esperar de esta edición?

Para la 64 edición, la Academia de Grabación ha hecho realidad el deseo de The Weeknd y ha eliminado los comités secretos. Ahora solo los miembros con derecho a voto –que deben haber sido productores, intérpretes o ingenieros de una producción reconocida– han sido los encargados de seleccionar en cada categoría. “Más del 90% de los miembros tendrán que pasar por un proceso de recalificación a final de año, asegurando que sus votaciones están activamente vinculadas a la creación musical”, anunciaron, garantizando así algo más de transparencia.

La única polémica con la que comienzan estos Grammy inmiscuye a Kanye West, a quien han castigado por sus soflamas en las redes sociales. Entre las acusaciones de acoso a su exmujer, Kim Kardashian, y otros comportamientos extraños, el rapero también insultó al presentador de los Grammy, Trevor Noah, acusándole de ser “un negro antinegros”. La Academia decidió entonces cancelar su invitación. Por su parte, Instagram llegó a bloquear la cuenta de West y las críticas de los usuarios se dispararon, llegando incluso a iniciar una recogida de firmas a través de Change.org para eliminar al rapero del cartel del festival Coachella de este año.

Los premios más importantes de la música se juegan esa etiqueta en un panorama donde los soportes físicos están en peligro de extinción. ¿Arrastrarán junto a ellos a los premios Grammy? En la madrugada del domingo al lunes, a partir de las 2:00 (hora peninsular), se despejarán las dudas.

A pesar de estar abonado a la controversia, especialmente en los últimos años, Ye, artista norteamericano anteriormente conocido como Kanye West, está considerado como uno de los más influyentes del siglo. El productor, rapero y cantante, nacido en Atlanta pero criado en Chicago, atesora 75 nominaciones a los Grammy, de las que obtuvo el galardón hasta en 22 ocasiones.

Aunque alrededor de su figura se generen noticias de manera continua, sobre todo por razones extramusicales, la relevancia de su legado hace interesante el visionado de jeen-yuhs: A Kanye Trilogy, documental en tres partes y más de cinco horas de duración cuyo primer capítulo estrena Netflix este miércoles 16 de febrero. Los dos restantes aparecerán en la plataforma en las siguientes semanas.

Una vida excesiva y más de dos décadas de rodaje

Cuando se dice que jeen-yuhs: A Kanye Trilogy abarca más de veinte años de rodaje no hay un mínimo de exageración. La primera entrevista con Ye que muestra en la serie uno de sus directores, Clarence 'Coodie' Simmons, data de 1997, durante un repaso a la efervescente escena de Chicago para Channel Zero TV. El realizador queda fascinado inmediatamente con el talento y la ambición del entonces productor de rap.

En 2001, tras mudarse a Nueva York y firmar ritmos en el legendario álbum de Jay-Z The Blueprint, Kanye convence a Coodie para grabar material pensando en un futuro documental sobre su ansiado ascenso a la fama. Contagiado por su espíritu y armado con una cámara de vídeo, se convierte en inseparable durante esos primeros años de pulso continuo contra la industria.

El documental está firmado por Coodie junto a Chike Ozah, a quien conocen durante una de las primeras apariciones de Ye en MTV. Juntos firmarían el primer vídeo de West, Through The Wire, éxito casi instantáneo en la época, y a partir de ese momento pasa a formar parte del equipo habitual del artista. De hecho, jeen-yuhs (pronunciación literal de genius, genio en inglés) también describe los inicios del dúo como creadores de videoclips, conocidos como Coodie & Chike.

Los orígenes de un ‘jeen-yuhs’ sin filtro

El propio Coodie deja claro al inicio que esta pieza se construye desde la cercanía y la amistad. Al ser autor y narrador, formando parte de la historia, sería imposible pensar en un retrato imparcial. Eso convierte a jeen-yuhs: A Kanye Trilogy en un documental pensado sobre todo para fans, pero también para aquellos interesados en la industria del hip-hop a finales de los 90 y principios de los 2000.

El material es asombroso. Ver a West intentando convencer a los ejecutivos de Roc-A-Fella de su talento como rapero, ser ninguneado y salir abatido de la oficina roza la vergüenza ajena. Es historia del rap escuchar a Mos Def y Talib Kweli interceder para un fichaje frustrado por el sello Rawkus. Especialmente durante el primer episodio, Acto I: Visión, sorprende ser testigos de cómo cierran las puertas a un artista que luego pondría a la industria a sus pies.

Son tiempos en los que casi llora ante un periodista mientras defiende ser, más que un productor, “un rapero, un contador de historias” y reconoce que ensaya un hipotético discurso para los Grammy. Su insistencia empieza a dar sus frutos: Mos Def alucina en el backstage con su fraseo para Two Words, Jay-Z le deja rapear en The Bounce y Pharrell Williams, uno de los pocos productores en su nivel de influencia, se queda boquiabierto cuando escucha por primera vez Through The Wire. La cámara se cuela en el local de ensayo y el estudio mientras trabaja en futuros éxitos como Jesus Walks o Slow Jamz.

Los complejos rasgos de su personalidad ya estaban ahí. En la obstinación de quien lucha por un reconocimiento que no tiene o en la ambición que lo mueve a incorporar coros de gospel en un rap. Y en el trabajo incansable, como cuando rima a Coodie por teléfono tras un grave accidente de coche o planea vídeos en la consulta mientras le recolocan la mandíbula. También en una permanente frustración que solo calman los íntimos momentos con su madre, Donda, los pocos en los que parece realmente contento.

Visionado en Sundance y polémicas previas a su estreno

El Acto II: Determinación finaliza con el arrollador triunfo de su debut de 2004, The College Dropout, mientras que la última parte, Awakening, se dedica a su progresiva pérdida de contacto con la realidad, sus problemas mentales (está diagnosticado con trastorno bipolar), su coqueteo con la política y sus continuos encontronazos con otros artistas. Uno de ellos con el propio equipo de rodaje, con los que perdió el contacto durante años, hasta 2016. Curiosamente el documental comienza ahí, con Ye a punto de publicar uno de sus incendiarios tuits.

Como no podía ser de otra manera, el estreno también ha sido accidentado. Tras el visionado de la primera parte en el Festival de Sundance, Coodie se mostró alarmado por un comentario de Ye sobre su palabra final con respecto al montaje. Y hace solo unos días volvió a sorprender con una supuesta petición de que Drake, con quien ha mantenido bastante tensión en los últimos años, asumiera la narración.

Lógicas reticencias considerando el historial reciente del artista, que ya paralizó este mismo proyecto hace unos años, alrededor del lanzamiento de su disco The Life of Pablo en 2016, tras sufrir una gran crisis personal. Parece que las aguas han vuelto a su cauce y jeen-yuhs: A Kanye Trilogy, tras una aparición conjunta de Ye y Coodie para mostrar el acuerdo, podrá tener una larga vida en Netflix.

Conflictos extramusicales a la espera de Donda 2

A nivel personal Ye sigue desgraciadamente de actualidad. Parece empeñado en boicotear a toda costa la relación entre Kim Kardashian y el actor Pete Davidson, hasta el extremo de que su expareja teme algún tipo de altercado físico. Mientras ruega a Dios por una reconciliación familiar, ha decidido descartar a su antiguo amigo y colaborador Kid Cudi de futuros lanzamientos.

Disparates aparte, como la exigencia de una disculpa a Billie Eilish, parece que musicalmente su talento está encarrilado. Hace unos días publicó una de sus últimas firmas en materia de producción, la fantástica Diet Coke de Pusha T, en cuyo vídeo también aparece. Esta colaboración con uno de los pioneros de las mixtapes como mitad del dúo Clipse no habrá sido del agrado del archienemigo de Pusha T, Drake, quien parecía haber firmado las paces con Ye tras actuar juntos en el concierto benéfico Free Larry Hoover.

La fecha más importante, de todas formas, es el martes 22 de febrero. Ese día (2-2-22) teóricamente debería de publicarse Donda 2, continuación del mastodóntico álbum que dedicó el pasado año a su difunta madre. Si no se producen maniobras habituales en él como fiestas de lanzamiento frustradas o progresivos retrasos, puede que sirva para reconciliarle con una escena que, a pesar de sus continuas excentricidades, sigue debiendo muchísimo a sus innovaciones sonoras.

El diseñador estadounidense Virgil Abloh, primer director creativo afroamericano de la línea masculina de Louis Vuitton, murió de cáncer este domingo a los 41 años, anunció el grupo LVHM, al que pertenece esa marca. “Estamos conmocionados por esta terrible noticia. Virgil no era solamente un diseñador magnífico, un visionario, sino también un hombre con una bonita alma y una gran sabiduría”, dijo en Twitter el propietario de ese conglomerado de lujo, Bernard Arnault.

Nacido en Rockford en 1980, hijo de padres emigrados desde Ghana a Estados Unidos, Abloh también era director creativo de la marca superventas Off White, de la que LVMH era el accionista mayoritario, y sufría cáncer desde hacía años, según se precisó en ese mensaje en el que se mandó el pésame “a todos los que le querían”.

El creador, que se dio a conocer como asesor creativo del rapero estadounidense Kanye West, fue nombrado al frente de la dirección creativa de la línea masculina de Louis Vuitton en marzo de 2018, como sucesor del británico Kim Jones. Gracias a su relación con la escena de la música urbana estadounidense, su marca Off White se convirtió en una de las marcas más atractivas para el público joven.

Fan del Museo Reina Sofía y del arte en Madrid, Abloh apuntó entonces que la herencia y la “integridad creativa” de Louis Vuitton eran fuentes de inspiración clave para él y que les iba a rendir homenaje, además de intentar tender puentes con la actualidad. Y es que él mismo consideraba que era la lujosa marca quién tenía que adaptarse a un diseñador de chándals y zapatillas y no al revés. A él le gustaba compararse con Duchamp en cuanto a la idea de reinventar un objeto cotidiano: “La idea del ready-made, del objeto diario sacado de contexto y convertido en algo contemplativo”.

El estadounidense era también conocido por incluir reivindicaciones políticas en sus prendas. Era titulado en ingeniería civil por la Universidad de Wisconsin y tenía un máster en Arquitectura en el Instituto de Tecnología de Illinois. “Para la gente de la calle esto puede ser visto como un triunfo”, consideraba el mismo Abloh sobre su posición actual en una entrevista.

Su primera colección al frente de Louis Vuitton vio la luz en junio de 2018. En los jardines del Palais Royal de París, unas 3.000 personas acudieron al evento y otras cientos esperaban en las cuatro entradas del parque para ver a las estrellas que acudieron al desfile, entre ellas West y su entonces mujer, Kim Kardashian.

Abloh, padre de dos hijos, dijo entonces haber cumplido su sueño y esperó motivar a otros a perseguir los suyos: “Tú también puedes hacerlo”, escribió en Instagram tras el desfile.

Su cuenta en esa red social, donde tenía 6,5 millones de seguidores, precisó este domingo que desde 2019 padecía un angiosarcoma cardíaco, un tipo de cáncer agresivo y poco frecuente, por el que se había sometido a “numerosos tratamientos”, que decidió no hacer públicos.

“Su infinita curiosidad y su optimismo nunca decayeron. Virgil estaba impulsado por su dedicación a su arte y por su misión de abrir puertas a otros y de crear vías para una mayor igualdad en el arte y el diseño”, añaden en ese mensaje. “A menudo decía: 'Todo lo que hago es para la versión de mí mismo de 17 años', creyendo profundamente en el poder del arte para inspirar a las generaciones futuras”, recuerdan también sobre su gran influencia en los jóvenes diseñadores de la moda urbana.

Además de estilista, el estadounidense poseía un largo y variado currículo: dj, músico, productor de música, influencer y amigo de famosos. Suficiente para que la revista Time lo considerara en 2018 una de las 100 personas más influyentes del mundo.

En septiembre de 2019, cuando no salió a saludar después de un desfile, esa ausencia desató las alarmas. Entonces se dijo que su médico le había recomendado descanso tras diagnosticarle un burn out, es decir, un desgaste por exceso de trabajo conocido en español como síndrome del trabajador quemado.

Si creemos el relato que hizo Drake en el programa de entrevistas de LeBron James y Maverick Carter The Shop, la ruptura entre dos de los grandes MC actuales se gestó en dos pasos. El primero, una fallida colaboración donde aquel se sintió ninguneado por Kanye. El segundo, que sobre este último recaen las sospechas de haber filtrado a Pusha T la existencia del hijo recién nacido de Drake, lo que derivó en uno de los beefs o piques más intensos de la historia reciente del hip-hop.

A partir de ahí hay un reguero de malentendidos, recados más o menos crípticos a través de las redes sociales y acusaciones directas en la prensa que parece no tener fin. La guinda del pastel para este culebrón contemporáneo es que sus últimos elepés, Certified Lover Boy (Drake) y Donda (Kanye West) han sido publicados con solo cinco días de diferencia. Y aunque Kanye haya acusado a la discográfica Universal de lanzar su proyecto antes de lo debido era evidente que tal coincidencia avivaría la llama del morbo.

Al fin y al cabo hablamos de dos figuras clave del género ahora conocido como urban, un cajón de sastre donde se mezclan sin complejos hip-hop, r’n’b, trap o reggaetón. Cómo suena la música actual no se entendería sin Kanye West; así de crucial ha sido la carrera como productor del sucesor natural de Timbaland o The Neptunes. Y Drake es el artista que mejor ha sabido gestionar su ‘marca personal’, patentando el brumoso ‘sonido Toronto’ junto a The Weeknd y convirtiéndose en ese rapero a quien tus padres aceptarían como yerno.

Kanye vs Drake, Drake vs Kanye: el 'beef' fallido de esta incipiente década

Aunque a los aficionados a otros estilos les cueste asimilarlo, el pique entre dos raperos es una de las bases de la cultura hip-hop. Aunque en contadas ocasiones haya terminado provocando enfrentamientos violentos, en muchos casos, por ejemplo el de Jay-Z y Nas, ha impulsado los mejores momentos del género. Los más jóvenes sí parecen haberlo entendido, de ahí la popularidad entre ellos de las batallas de gallos y su teatrales enfrentamientos.

En este caso, sin embargo, parece que las diatribas públicas y privadas de Kanye y Drake no han germinado en positivo, artísticamente hablando. Sus últimos trabajos ahondan en la sensación de que lo mejor de sus carreras ya aconteció y nunca volverá. Son discos continuistas, predecibles, que no aportan novedades a nivel de producción, lírica o estilo. En corto: mediocres.

Si nos viéramos forzados a elegir a un ‘ganador’ del duelo, este probablemente sea Kanye. No porque destaque particularmente o porque haya firmado los mejores comebacks, no. Más bien porque no deja entrever referencia directa a la pelea a lo largo de Donda. Drake, por el contrario, parece articular su CLB en torno a la desconfianza y la traición. Y todo el mundo sabe que no hay mayor desprecio para un despechado que ser ignorado en público.

¿Han consolidado Drake y Kanye ya el ‘prog-urban’?

Uno de los inconvenientes principales a la hora de (tener que) disfrutar estos discos es que ambos son interminables. Donda alcanza la insufrible duración de 1 hora y 48 minutos. CLB pierde la carrera del ‘prog-urban' (un estilo urban que deriva en tediosamente progresivo, como ocurrió con el rock) y se asfixia a 22 minutos de la meta. Tampoco es novedad. Aunque los dos últimos lanzamientos de Kanye habían sido refrescantes por su brevedad, The Life of Pablo superaba la hora de duración. El anterior largo oficial de Drake, Scorpion, llegaba a la hora y media.

Es un mal común del género urbano contemporáneo. El celebrado Astroworld de Travis Scott, uno de los álbumes más decisivos de los últimos años, también rozaba la hora. Y en el caso del reggaetón y el trap latino tampoco abunda la mesura: por hablar de lanzamientos aparecidos en los últimos días el JOSE de J Balvin casi alcanza los 80 minutos, el Timelezz de Jhay Cortez llega a los 64 y Los Favoritos 2.5 de Arcángel se queda en “solo” 56.

Volviendo al dúo protagonista. No solo son sus discos demasiado extensos en cuanto a duración, también carecen de una narrativa lógica que endulce la aventura de concederles una escucha completa. Ambos discos tienen buenas canciones, sería absurdo negarlo, pero se llega a ellas más por estoicismo que por placer. En el sentido artístico, entre ambos se registra un empate técnico por puro aburrimiento.

Buscando las briznas de hierba que crecen en el desierto

Con la suficiente paciencia se pueden llegar a descubrir algunos momentos puntuales de interés. Sería extraordinariamente difícil que no los hubiera, teniendo en cuenta el talento natural de ambos personajes. También la cantidad de dinero invertido en sus elepés, que les asegura el mejor equipo técnico que existe en un género cuyo éxito depende en buena medida de una gran producción y una hábil mezcla.

En Donda destacan la pegadiza Jail, la urgencia de Off The Grid o el fantástico estribillo de OK OK. 24 y el himno de telepredicador de Jesus Lord podrían situarse sin muchos problemas entre las canciones buenas de su anterior disco junto al Sunday Service Choir, JESUS IS KING. Casi al final, No Child Left Behind convence como viaje épico hacia el Kanye más Kanye (para lo bueno y para lo malo).

Drake empieza con energía CLB, con una Champagne Poetry producida por su fiel Noah '40' Shebib que remite al clásico sonido que asentó entre Take Care (2011) y If You’re Reading This It’s Too Late (2017). Girls Want Girls y Way 2 Sexy son buenos singles, mientras que Fair Trade o No Friends in The Industry apuestan por un toque más agresivo. Fountains recuerda con su aroma caribeño a la fantástica mixtape More Life y You Only Live Twice es básicamente la segunda parte de su clásica Lord Knows, también junto a Rick Ross.

Artistas sin el menor pudor: sus vidas no son la tuya

Hay un detalle divertido. Pese a sus desencuentros públicos, Drake y Kanye comparten muchos featurings: Jay-Z, Travis Scott, Kid Cudi, Young Thug o Lil Baby aparecen en ambos discos. Otra cosa que les une es la nula presencia de mujeres. En el disco de Drake solo escuchamos a dos, Yebba y Tems, con brevísimas aportaciones. En el caso de Kanye para buscar la de Shenseea hay que ponerse las gafas de cerca y bucear bien entre los créditos.

Drake nos conquistó como rapero ‘sensible’ y aceptó de buen grado su fama de llorica, pero aquí se viste de Don Juan de palo. La portada de Damien Hirst y el vídeo de Way 2 Sexy son claramente paródicos, pero una línea como “say that you a lesbian, girl, me too, ayy” es inaceptable a septiembre de 2021. Kanye va más allá colaborando con dos artistas acusados de abusos, Chris Brown y Marilyn Manson, y un homófobo declarado, DaBaby. Para mayor cinismo lo hace en un disco que honra a su madre y se duele de los padres ausentes.

Es un síntoma claro de la burbuja en la que viven. Drake no se caracteriza por su compromiso social y son contadas las ocasiones en las que haya hablado abiertamente sobre el racismo. Lo de Kanye es capítulo aparte. Recordemos el apoyo a Trump, su fallida carrera presidencial o la escandalosa definición de la esclavitud como “una opción”. No se puede obligar a un artista a posicionarse pero en tiempos turbulentos, especialmente para los afrodescendientes, sería de agradecer un poco más de empatía.

El futuro son otras

No solo Drake y Kanye parecen alejados por completo de los problemas de sus oyentes. En The Off Season J. Cole se muestra más preocupado por seguir demostrando que es el gran rapero ninguneado de su generación. Y en Call Me If You Get Lost el artista multidisciplinar Tyler, The Creator continúa investigando nuevas personalidades teatrales. A la espera del inminente disco de Kendrick Lamar, lo más excitante de la escena está en el orgullo familiar de Tobe Nwigwe, la heterodoxia de Isaiah Rashad, el prometedor flow de Cordae o la fantasía estética de Lil Nas X. Y sobre todo en mujeres jóvenes como Tierra Whack, Rico Nasty, Little Simz, Sampa The Great, CupcakKE, Chika, Tommy Genesis, BIA, Dua Saleh o Snow Tha Product. Mientras que el talento de las viejas glorias se apaga, el de estas raperas resplandece y nos brinda historias nuevas.

Kanye West

Kanye West

Jesus Is KingDef Jam / UniversalR'N'B6Jesus Is King

Parece tan irrebatible que Kanye West cambió para siempre la estética rap con sus primeros discos como que hace tiempo ya que sus pupilos aventajados le han dejado atrás en esa permanente carrera por abrazar el pop del futuro. Jesus Is King, mil veces anunciado y otras tantas pospuesto, no va a cambiar esa tendencia. En la línea de Ye (2018) y colaboración con Kid Cudi bajo el nombre de Kids See Ghost, es un álbum de corta duración, casi un miniLP que no alcanza la media hora de duración.

Lo que llegados a este punto, lejos de resultar un problema se convierte en su mejor baza teniendo en cuenta que Jesus Is King no va sobrado de nuevas ideas, un grave problema para alguien que lleva dos décadas presentándose ante el mundo como renovador del pop.

Conceptualmente el disco se presenta como una suerte de álbum gospel, una idea remarcada por el coro femenino que abre el disco entre loas a Dios. Ese mismo recurso vuelve a utilizarse a continuación para enfatizar Selah entre aleluyas y agradecimientos por haberse reencontrado con la religión.

Teniendo en cuenta que Kanye es un tipo cuyo ego le ha llevado presentarse como una suerte de Jesucristo del showbusiness es bastante lógico dudar de las verdaderas intenciones de esta suerte de reencarnación artística, que no creativa. A falta de nuevas ideas en lo puramente musical Kanye apuesta una vez más por aquella máxima infalible: “Que hablen de mí… aunque sea para bien”.

Underworld

Underworld

DRIFT Series 1Autoeditado / Music As UsualELECTRÓNICA8DRIFT Series 1

Pocos artistas, ya sean electrónicos o no, han demostrado una ética de trabajo como Underworld a lo largo de las últimas tres décadas. Lo verdaderamente fascinante en el caso de Rick Smith y Karl Hyde es cómo todo ese tiempo después de haber definido nítidamente su sonido y de alcanzar el reconocimiento con la inclusión de su música en Trainspotting (la película), Underworld han seguido encontrando nuevos matices y vías de expresión sin perder su identidad.

DRIFT Series es el ejemplo perfecto para comprender cómo lo han conseguido. A lo largo del último año, Smith & Hyde se han forzado a producir y publicar un tema de forma ininterrumpida todas las semanas. Este calendario, claramente excesivo y a priori con pocas posibilidades de éxito, les ha empujado a registrar y producir canciones en contextos bien distintos: en diferentes estudios a lo largo y ancho del mundo, en sus propias casas o en la de amigos, tirando de las herramientas tecnológicas que hoy por hoy permiten producir música electrónica con apenas la ayuda de un portátil.

También, a modo de empujón creativo, Underworld han llevado un poco más allá su de sobra conocida disposición a colaborar con otros músicos: aquí el productor británico Ø [Phase] y la formación de jazz experimental australiana The Necks. El resultado de todo ello son siete “episodios” que serán publicados en una monumental caja (también incluye un DVD que documenta el proceso creativo a lo largo de ese tiempo) y en una versión reducida de un solo disco que recoge los mejores momentos de esas sesiones.

Obviamente, no todo ese material se encuentra a la misma altura ni apunta en la misma dirección: hay ejercicios de electrónica de club marca de la casa, pasajes ambient, coqueteos con la música étnica o ejercicios cinematográficos diseñados para películas de corte experimental. Pero, a día de hoy, y más allá de los beneficios que este experimento haya podido tener para la banda, lo que resulta admirable y no deja de sorprender es la inspiración de buena parte de estos temas y que todavía hoy, tantos años después, Underworld siga siendo sinónimo de “excitante”, “urgente”, “futurista”.

Acid Arab

Acid Arab

JdidCrammedELECTRÓNICA7Jdid

Tras la notable sorpresa que supuso Musique de France (2016), el dúo formado por Guido Minisky y Hervé Carvalho vuelve a la carga con un disco que se mueve en parámetros similares a los de su debut. Esto es, la infalible conjunción de música tradicional del Magreb y Oriente Medio con electrónica de club.

Más allá de que, como ocurrió en aquel primer disco, Jdid nos dé la oportunidad de descubrir a una serie de estrellas pop de aquellas latitudes. Algunos, como Ammar 808 o Les Filles de Illiaghadad que hemos tenido oportunidad de ver en directo en nuestro país recientemente, y otros como los argelinos Radia Menel, Sofiane Saidi, Amel Wahby y Cheikha Hadjla aportando vocales o el turco Cem Yildiz o el sirio Rizan Said aportando pasajes instrumentales.

El resultado de todo ello, un escalón por debajo de aquel excitante primer disco, se aleja de la etiqueta world music por mucho que beba abiertamente de ella, y funciona como escaparate de los aspectos más psicodélicos y festivos de la tradición musical de aquellos países.

Aitor Etxebarria

Aitor Etxebarria

Nihilism Part IMute / El SegellNEOCLÁSICA7Nihilism Part I

Hasta su colaboración con Hannot Mintegia componiendo la banda sonora de Gernika.Markak -documental sobre el bombardeo de Gernika, que es también el lugar de su nacimiento- Aitor Etxebarria era esencialmente conocido por su alias artístico de El_Txef_A.

Como el El_Txef_A Aitor publicó una serie de discos de electrónica de club en los que ya se intuía su gusto por los pasajes ambientales y los sonidos meditabundos. Sin embargo, fue aquel trabajo el que sacó a la luz esa otra faceta como músico en la que los beats dejan paso a largos desarrollos instrumentales a medio camino del neoclasicismo y las progresiones pos-rock.

Nihilism –en propias palabras del músico, “un viaje inquietante hacia el art-rock”- recopila cinco años de esos trabajos, piezas que posiblemente no hayan sido concebidas de forma unitaria para formar parte de un LP, pero que comparten un tono, una tensión casi siempre a punto de quebrarse, independientemente de que el protagonismo de cada tema recaiga en el piano, las cuerdas o las texturas electrónicas. No es de extrañar que el material haya llamado la atención de Daniel Miller, descubridor de entre muchos otros Depeche Mode o Nick Cave, y que fuera de nuestro país el disco lo edite su discográfica Mute Records.

Alessandro Cortini

Alessandro Cortini

Volume MassimoMute / [PIAS]ELECTRÓNICA8Volume Massimo

Hablar hoy por hoy de la música de Alessandro Cortini es tanto como hacerlo del sintetizador Buchla, un instrumento del que Cortini se enamoró hace unos años, cuando todavía rasgaba las seis cuerdas como componente de Nine Inch Nails y que le ha empujado a dar un vuelco a su carrera como músico. Un instrumento asociado a pioneros de la música electrónica como Morton Subotnick, Wendy Carlos o Suzanne Ciani, y que en los últimos años casi se ha convertido en un género en sí mismo al convertirse en el elemento central de la música de jóvenes artistas experimentales como Caterina Barbieri, Kaitlyn Aurelia Smith o el propio Cortini.

En ese contexto, Volume massimo es el disco más ambicioso del músico italiano hasta la fecha, tanto por su vocación de hacer música majestuosa para (casi) todos los públicos como por ver la luz al amparo de un gran sello como es Mute Records.

A medio camino de la banda sonora imaginaria, la estética de los correos cósmicos alemanes de los 70 y el wall of sound que Spector habría planteado de haber utilizado sintetizadores en vez de cuerdas y guitarras, este disco que el propio Cortini recomiendo escuchar “a gran volumen” supone una singular y hermosa aproximación al mundo de la electrónica totalmente ajeno a la música de club.

Gary Numan

Gary Numan

Replicas The First Recordings / Pleasure Principle The First RecordingsBeggars Banquet / Popstock!ELECTRO-POP8Replicas The First Recordings / Pleasure Principle The First Recordings

Hay diferentes momentos en la historia del pop en el que los músicos encuentran su mayor inspiración en vislumbrar un futuro tecnológico más o menos ilusionante. Una de esas etapas tuvo lugar a finales de los 70, cuando artistas con orígenes diferentes –el krautrock, el glam o el punk- abrazaron el uso de instrumentos electrónicos para tratar temáticas como la del hombre-máquina, la presencia extraterrestre en nuestro planeta o simplemente imaginar un futuro utópico/distópico.

Gary Numan fue uno de los que se lanzaron con mayor fervor a convertir en canciones pop las ideas que autores como Phillip H Kirk ya habían plasmado en sus novelas. Ese fue el punto de partida de Replicas (1979) un álbum acreditado a Gary Numan + Tubeway Army y de Pleasure Principle (1979), publicado sólo unos meses más tarde y que ya aparecía firmado con su nombre en solitario.

Ambos han quedado para la posteridad como dos ejemplares muestras de un incipiente sonido synth pop (o tal vez en este caso habría que habría que hablar de synth-punk), clásicos del género y también referentes de una forma de entender el mundo.

Esos dos discos, que ya en los últimos años gozaron de diferentes reediciones, vuelven de alguna forma a la vida con estos dos lanzamientos (independientes entre sí) que rebuscan en el archivo sonoro del artista para recuperar las maquetas previas, tomas alternativas y sesiones radiofónicas de la época. No se trata pues de una reedición propiamente dicha, sino de un lanzamiento complementario a los discos originales que muestra el proceso de maduración de ambos trabajos.

Gene Clark

Gene Clark

No Other4AD / Popstock!POP-ROCK-FUNK9No Other

La historia de No Other es la de otras tantas obras geniales incomprendidas en el momento de su publicación y que adquieren la relevancia merecida muchos años más tarde. Unos meses después de la reunión de los Byrds, Gene Clark vuelve meterse en el estudio en compañía del productor Thomas Jefferson Kaye para registrar la que él consideraría su gran obra.

Un disco en el que las influencias country-rock se ven enriquecidas por amagos de soul y funk, hard rock setentero y una complejísima producción que llevaría a disparar los costes de producción hasta convertir a este trabajo en poco menos que una producción maldita. Para colmo de males, No Other tuvo una penosa recepción por parte de crítica y público, hundiendo en la depresión a un Gene Clark que en paralelo vivía una etapa turbulenta por sus problemas con las drogas.

No sería hasta varias décadas más tarde que que artistas como This Mortal Coil o Beach House reivindicarían este disco: los primeros ya registraron una versión de Strength of Strings en 1986, mientras que los segundos montarían toda una superbanda de estrellas alternativas -con componentes de Fleet Foxes, Grizzly Bear, Lower Dens o The Walkmen, entre otros- para interpretar íntegramente este álbum en directo y demostrar así su admiración por él.

Por eso cobra especial sentido la recuperación de un disco que hasta hace no demasiados años dormía el sueño de los justos y que ahora volverá a ver la luz en cuatro versiones diferentes: desde la sencilla en CD hasta un boxset que incluye abundante material inédito, un libro o un documental.

A$AP Rocky está en prisión preventiva en Estocolmo por una presunta agresión y, tras su detención, su buen amigo y también megaestrella del rap Kanye West decidió hacer una llamada a la Casa Blanca y pedir ayuda. El presidente Trump, al que no le sobran los partidarios afroamericanos de fama mundial, descolgó entonces el teléfono y habló con el gobierno sueco. A ojos de Trump, el primer ministro sueco ha pasado en solo unos días de ser “el muy talentoso” Stefan Löfven a convertirse en “el muy decepcionante” Stefan Löfven. Y todo por comentarle al presidente que todo bien, pero que esto es Suecia y que el gobierno no le puede decir a un juez lo que tiene que hacer. Trump está muy enfadado porque “con todo lo que hacemos por Suecia”, pero rebobinemos un poco: ¿por qué demonios se ha metido Trump en este jaleo?

Esta historia comienza en las últimas elecciones presidenciales, cuando Donald Trump obtiene un apabullante 8% del 'voto negro'. Su gran argumento para seducirlos fue “¿qué demonios tenéis que perder?” y su resultado no es particularmente desastroso, ya que los demócratas llevan décadas arrasando entre los afroamericanos. La clave, sin embargo, estuvo en el descenso de la participación negra con respecto a las elecciones de Obama, una bajada que sí marcó la diferencia en algunos estados. La campaña de Trump realizó varias campañas en Facebook con el objetivo declarado de que muchos votantes negros se quedaran en casa el día de las elecciones y, por lo que parece, lo logró. Pero para ser reelegido el año que viene, Trump tiene ambiciones más elevadas: “Mira lo que he hecho por los afroamericanos”, ha dicho, presumiendo de que el paro entre ellos está en mínimos históricos. Ha declarado que quiere ganar el 'voto negro' y, para eso, necesita aliados dentro de la comunidad.

Si Trump está dispuesto a pelearse con Suecia para seguir siendo amigo de Kanye West es porque pocas figuras afroamericanas influyentes están dispuestas a hacerse fotos con él. Y desde luego ninguna con el predicamento del músico / influencer / gurú / ídolo de los realities. Su relación con las estrellas afroamericanas es oportunista: Trump suele alabar a ídolos negros del deporte, por ejemplo, pero siempre que no hablen de desigualdad, de política y, por supuesto, que no le critiquen. Parece que le interesa más la imagen de camaradería con ellos que sus opiniones.

Trump siempre felicita al golfista Tiger Woods, por ejemplo, pero reclama obsesivamente el despido de los jugadores de fútbol americano que protestan contra la brutalidad policial. Presume de su amistad con boxeadores negros, pero llama estúpido a la estrella de la NBA LeBron James por criticar sus políticas. De hecho, el presidente tiene un largo historial de cuestionar la inteligencia de cualquier afroamericano que le planta cara, desde periodistas a diputados: “El más tonto del mundo”, “capacidad intelectual extremadamente baja”, “perra”... Una joya.

Puede que ese lenguaje tenga que ver con que Trump tiene 73 años y se crió en una época donde el racismo estaba mucho más aceptado públicamente. Ahí está su historial como empresario: el gobierno tuvo que obligarle a alquilar sus apartamentos a más afroamericanos y muchos empleados le han acusado de discriminación. Además tiene un rosario de declaraciones racistas, entre las que brilla una supuesta explicación de que los negros son vagos por naturaleza aunque “no es culpa suya”. Pero, más allá de qué piense realmente Trump, al explotar abiertamente el lado más racista de la sociedad estadounidense para llegar la Casa Blanca, ha provocado una desconfianza que va a tener difícil superar. Entró en política poniendo en duda que el primer presidente negro fue verdaderamente estadounidense y, por mucho que baje el paro, es complicado que la comunidad afroamericana olvide sus homenajes a esclavistas o su argumentación de que en una marcha neonazi había “muy buena gente”. La inmensa mayoría de los afroamericanos tiene raíces en EEUU desde hace siglos, pero también es razonable creer que les rechinará oírle hablar de África como “países de mierda” y explicar que los inmigrantes africanos “no quieren volver a sus chozas”.

Trump seguirá compadreando con Mike Tyson y promoviendo a algunas de sus incondicionales afroamericanas como Diamond and Silk. Tal vez incluso saque a A$AP Rocky de Suecia y se reúna de nuevo con Kanye West. Podrá presumir en campaña no solo de la bajada del paro entre los afroamericanos, sino también de una reforma legal del sistema de prisiones que ha sido muy popular en la comunidad negra. Pero su lenguaje intolerante e incendiario siempre va a crear una brecha con un grupo de personas que ha vivido y vive el racismo muy de cerca. Puede que Trump no les llame “violadores y traficantes” como a los mexicanos, o les acuse de complicidad con el terrorismo como a los musulmanes estadounidenses, pero sus coqueteos con el nacionalismo blanco y sus salidas de tono, además de sus furibundos ataques a los afroamericanos que le discuten, son motivos suficientes para la desconfianza.

Kanye West

Kanye West

YeDef Jam / UniversalR'n'B5/10Ye

La diferencia entre dos deportistas tan ególatras y talentosos como Cristiano Ronaldo y Zlatan Ibrahimovic es que, mientras el primero ha colaborado a que sus equipos alzaran infinidad de trofeos, el sueco siempre se recordará por sus acciones individuales. En esencia, lo que distancia a un fuera de serie de un gran jugador. En cierto modo, la carrera de Kanye West engloba esos dos perfiles.

En el inicio, West se hartó de marcar goles y ganar finales firmando discos como The College Droput, 808s & heartbreak o My Beautiful Dark Twisted Fantasy, con los que reinventó la música negra comercial norteamericana. De un tiempo a esta parte, sin embargo, su figura se parece demasiado a la del delantero al que nadie discute sus condiciones, pero del que con el paso del tiempo se recordarán sus salidas de tono más que su capacidad goleadora.

No son pocos los discos que, partiendo de experiencias traumáticas y severas disfunciones psicológicas, se convierten en fascinantes retratos del lado oscuro. No es el caso de Ye, desde luego, un trabajo al que puestos a buscarle las cosquillas y vista su duración, podría hasta discutírsele la categoría de álbum.

Así de rácana se ha mostrado la creatividad de West tras dos años de lucha contra todo y contra todos, empezando por él mismo. A fin de cuentas sus salidas de tono con otras estrellas del pop, el sorprendente y explícito apoyo a Donald Trump o hasta la relación con su esposa Kim Kardashian, se han convertido en una suerte de performance artística a tiempo real y de dudoso gusto.

Con sus herederos, los Frank Ocean, A$AP Rocky, Kendrick Lamar y compañía, merendándoselo creativamente, Kanye publica ahora un disco que es también un ejercicio de exhibicionismo. Habla de sus instintos suicidas en I Thought About Killing You, violenta la intimidad familiar, y, un poco a medio camino de ambas cosas, expresa sus remordimientos de conciencia.

No obstante, la Historia de la música pop nos enseña que el público puede llegar a perdonar que un artista sea un impresentable, pero nunca que sea un impresentable aburrido. Y si en lo lírico Ye se lee casi como una revista del corazón, musicalmente estas siete canciones de soul sofisticado y r'n'b al tran tran confirman lo que ya sospechábamos: Kanye ha perdido el paso.

Chancha Via Circuito

Chancha Via Circuito

BienaventuranzaWonderwheelELECTRÓNICA / CUMBIA7/10Bienaventuranza

Pedro Canale, alias del productor tras Chancha Vía Circuito, es uno de los nombres decisivos en la divulgación del folklore latinoamericano que está gozando de enormes niveles de aceptación a nivel mundial. En su cuarto álbum, cuando ya se ha cumplido una década de su primera referencia, Canale reincide en su fórmula: lo tradicional alcanza un nuevo estadio en un contexto electrónico, cercano a la música de baile.

En cualquier caso, Bienaventuranza es un álbum que cuenta con un misticismo inédito en los trabajos precedentes de Chancha. Apoyándose en colaboraciones como las de Mateo Kingman, Gianluz, Lido Pimienta & Manu Ranks o Kaleema, a lo largo de estas doce canciones el protagonismo electrónico de antaño deja paso a atmósferas misteriosas, que evocan escenarios selváticos y civilizaciones perdidas.

Hilary Woods

Hilary Woods

ColtSacred Bones / Popstock!POP7/10Colt

Su bagaje le delata. Y no me refiero tanto a su paso por la veterana banda dublinesa JJ72, de la que formó parte tocando el bajo, como a sus años mozos como estudiante de cine. En su primer disco en solitario, Hilary Woods abandona los hábitos rockeros de los citados JJ72 para entregarse a un ejercicio de pop ambiental con mucho de cinemático.

Con el piano, las cajas de ritmos y algunos sintetizadores como herramientas, la música de Woods, aún encajando de lleno en el concepto canción, parece pensada para ambientar imágenes en movimiento.

Su naturaleza gaseosa, melancólica y por encima de todo misteriosa, se mira en el espejo de la música que Angelo Badalamenti y David Lynch escribieron para Julee Cruise. Obviamente, ni Woods es una cantante del calibre de aquella, ni estos temas están tocados por el golpe de genio de las piezas inolvidables que formaron parte de la banda sonora de Twin Peaks. Lo que no quita para que Colt sea una agradable sorpresa para el amante del dream pop.

Joaquín Pascual

Joaquín Pascual

EXEl ritmo de los acontecimientosPOP8/10EX

Lo nuevo de Joaquín Pascual (Surfin' Bichos, Mecromina, Travolta) ha sido cocinado entre la intimidad del hogar y algún lugar ignoto del espacio exterior. En casa, enganchado al piano, Pascual compuso una serie de melodías “satienescas” y de estructura libre que le ofrecían más libertad que nunca a la hora de encajar las letras. El resultado de ello son ocho canciones que se debaten entre la pornografía emocional y el escapismo.

No son pocas las referencias al cielo y las estrellas: “Imaginas siempre el mismo espacio oscuro y profundo. Con pequeñas luces que destellan. Viejas estrellas. Lentamente cruzan nebulosas y siguen su viaje. Armonías de sonidos nunca escuchados antes. Allí guardas tú su recuerdo. Nada te conecta con la tierra y así, por un momento, estás fuera de ella” dice en Espacio imaginario, el tema que abre el disco, toma su pulso y hasta, en palabras del propio Pascual, podría haber llegado a darle nombre.

Son referencias constantes a una huida (física y emocional) que musicalmente están representadas por vaporosos arreglos de sintetizador. El trabajo más tremendista y personal firmado por el albaceteño en cuarenta años de carrera musical.

Jon Hassell

Jon Hassell

Listening to PicturesNdeyaEXPERIMENTAL8/10Listening to Pictures

Nueve años después de su última referencia, Last Night the Moon Came Dropping Its Clothes in the Street, el norteamericano Jon Hassell está de vuelta con un álbum autoeditado, la primera referencia de un sello, Ndeya, que promete nuevos lanzamientos y la recuperación de material inédito del trompetista.

“Escuchando pinturas”, el título de este disco, bien podría hacer referencia a la forma que tiene de entender la música su amigo y colaborador Brian Eno, que siempre ha tendido puentes entre las artes plásticas y la música. Junto a Eno Hassell puso nombre a una nueva etiqueta: Forth World, cuarto mundo, “un sonido que a la vez es primitivo y futurista que combina elementos de la música étnica de diferentes partes del mundo con técnicas electrónicas avanzadas”.

Casi cuarenta años después de que esa definición se convirtiera en Possible Musics, la música de Hassell sigue situándose dentro de esas mismas coordenadas. A lo largo de las ocho piezas instrumentales que componen este disco las líneas melódicas que Hassell dibuja con sus trompeta parecen suspendidas en el éter, en medio de un crepitar compuesto a partir de sintetizadores y ritmos electrónicos.

Sami Baha

Sami Baha

Free for AllPlanet MuELECTRÓNICA8/10Free for All

El origen de Sami Baha explica en buena medida las peculiaridades de su música. Aunque lleva tres años instalado en el South London donde ha llegado a hacer carrera como productor de música electrónica, en realidad este joven músico turco pasó su adolescencia ejerciendo de MC en los barrios de Estambul. Una cosa llevó a la otra y Baha pronto comenzó a componer sus propias bases sobre las que disparar rapeados propio y ajenos.

Ese bagage y el enorme peso de la tradición musical de su país, se pueden rastrear en Free For All, disco que supone su debut largo y un paso adelante en comparación con el EP precedente Mavericks (2016), que podía inscribirse más claramente dentro de la etiqueta del “trap”. De aquella etapa quedan aquí no sólo rastros sonoros sino también una lista de amistades entre los que se encuentra una de las principales luminarias del género, el sueco Yung Lean, o el norteamericano DJ Nate -al que más bien habría que situar dentro de la escena footwork-.

Aunque si hay una colaboración que marca una de las canciones de Free for All esa es la de los MCs de El Cairo Dawsha y Abanob, que con vierten Ahl El M8na en material pirotécnico.

Jorja Smith

Jorja Smith

Lost & FoundFamm / SonyR'N'B / SOUL7/10Lost & Found

Echar un vistazo al reguero de colaboraciones que en los últimos dos años Jorja Smith ha ido dejando diseminadas por discos ajenos era más que suficiente para vaticinar que la carrera de esta joven cantante (21 años recién cumplidos) tenía un gran futuro por delante. Drake la descubrió y otras estrellas como Kendrick Lamar, Kali Uchis, Stormzy o Rag'n'Bone Man se beneficiaron de su virtuosa voz en temas propios. Que Jorja Smith echara a andar su propia carrera era sólo cuestión de tiempo.

Se cumplen los plazos y la británica se estrena con un disco que la sitúa a medio camino del r'n'b y un neo-soul que ha mamado desde la cuna: su padre era el vocalista principal de 2nd Naicha, banda menor que sin embargo Jorja reconoce como su principal influencia a la hora de arrancar su carrera artística.

Y efectivamente, si algo destaca a lo largo de estas doce canciones es el rango vocal de Smith. Si sabe conducir su carrera en la dirección correcta debería permitirle ser aquello que desee en un amplio espectro que va de Lauryn Hill a Sade, pasando por Amy Winehouse. Lo que necesita son canciones, precisamente aquello que en Lost & Found cuesta más trabajo encontrar.

Tal vez el 2017 no nos haya dejado tantas obras magnas como otras temporadas en el apartado discográfico, pero un vistazo a los artistas que han publicado disco durante el pasado año, como Björk, U2, LCD Soundsystem o Taylor Swift, entre otros, nos deja un poco huérfanos de grandes nombres para el 2018. Con todo y con ello, a continuación va una relación de veinte nombres que marcarán la agenda discográfica del 2018 y por los que la expectación está justificada.

Arctic Monkeys

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Fecha de publicación: primavera

Nunca antes Arctic Monkeys habían tardado cinco años en completar un disco, lo que se traduce en un más que posible definitivo salto de madurez en la que es la banda de rock más exitosa surgida en lo que llevamos de siglo. Poco sabemos por el momento de un disco que (eso sí es seguro) se publicará antes de verano y del que se dice que habrá un primer single en enero. Los rumores también les sitúan como el cabeza de cartel que todavía falta por confirmar para el festival Mad Cool.

Bruce Springsteen

Título: ?

Fecha de publicación: ?

Springsteen confirmó en una entrevista para Variety que en 2018 habría disco, el primero desde que en 2014 publicara High Hopes. Supuestamente, es un álbum que habría preparado en paralelo al espectáculo que ha mantenido ocupado al Jefe en los últimos meses y que bautizó de forma cáustica Springsteen on Broadway. En ese show, Springsteen desarrolla su faceta más íntima. ¿Un presagio de lo que ocurrirá con el disco? Él ha declarado que sus nuevas canciones muestran su pasión por Jimmy Webb, Burt Bacharach y la música californiana de los setenta.

Charli XCX

Título: ?

Fecha de publicación: ?

Aún sin haber conseguido dar el salto a la división de honor de las divas pop, la británica Charli XCX (alias artístico de Charlotte Emma Aitchison) bien puede presumir de haber firmado éxitos propios o ajenos como I Love It, Fancy, Boom Clap o Boys. Su productividad es tal que a lo largo de 2017 publicó dos notables colecciones de canciones (mixtapes) con temas de deshecho. Pero su tercer largo propiamente dicho y la verdadera continuación de su disco de 2014, Sucker, llegará este año.

Chvrches

Título: ?

Fecha de publicación: ?

Lauren Mayberry hizo un guiño a principios de 2017 desde sus redes sociales confirmando la presencia del trío escocés en un estudio en Los Angeles. De ser así, el tercer disco de Chvrches sería el primero en el que los de Glasgow saldrían de la zona de confort de su estudio doméstico. Posteriormente, fue un clásico del technopop de los 80 como Dave Stewart (Eurythmics) quien confirmó que estaba en el estudio con el grupo.

Ya de forma más reciente, Chvrches han asegurado estar trabajando con el productor Greg Kurstin (habitual de Adele, Sia o Beck) “en las canciones más pop que hemos hecho nunca”. Todo apunta a que preparan con este disco su definitivo salto al mainstream, emulando a las bandas que sonaban en la lista de éxitos cuando ellos eran aún niños.

Frank Ocean

Título: ?

Fecha de publicación: ?

La caprichosa actividad del músico de Nueva Orleans se ha convertido en uno de los secretos mejor guardado del pop norteamericano. Desde que Frank Ocean decidiera romper con la industria publicando por su cuenta el influyente Blonde, sus pasos son imprevisibles, tal y como se ha encargado de confirmar durante 2017 con la publicación de temas sueltos como Chanel, Biking, Provider y Lens. Sin embargo, los rumores aseguran que su nuevo trabajo ya estaría grabado y que llegaría en la primera mitad del nuevo año. Nada hay confirmado por el momento, pero el propio Ocean se ha encargado de insinuarlo en alguna entrevista.

Franz Ferdinand

Título: Always Ascending

Fecha de publicación: 9 de febrero

Always Ascending es quinto disco de la banda escocesa, sexto si contabilizamos su colaboración con los divinos Sparks. Es también un álbum especial por tratarse del primero tras los cambios en la formación: la baja de Nick McCarthy la han cubierto Dino Bardot y Robert Hardy. Cambios que bien poco han afectado al ADN de la banda: Franz Ferdinand siguen sonando exactamente igual que cuando hicieron su aparición allá por 2004. Lo que en función de las expectativas de cada cual serán magníficas noticias o un irritante caso, otro más, del día de la marmota musical.

Hinds

Título: ?

Fecha de publicación: febrero-marzo

Tras la gran repercusión que alcanzaron fuera de nuestras fronteras con su debut, Leave Me Alone, el cuarteto malasañero íntegramente compuesto por chicas, vuelve a repetir con el mismo equipo. Esto es, grabación en el estudio de Paco Loco en Puerto de Santamaría y control absoluto por parte del grupo del disco, sin productor estrella ni invitados de relumbrón (al menos que se sepa).

Toda una declaración de intenciones para una banda que ha recibido halagos de tipos tan relevantes como Bobby Gillespie, líder de Primal Scream, o Patrick Carney (The Black Keys). Aunque todavía no ha podido escucharse nada del disco, todo esto parece indicar que estamos ante una continuación natural de su debut.

Jon Hopkins

Título: ?

Fecha de publicación: abril-mayo

La continuación del tremendo Immunity (2013), uno de los grandes discos de electrónica en lo que va de siglo, se ha hecho de esperar. En 2016 Hopkins ya había comentado en redes sociales que habría nuevo disco a lo largo del año siguiente. Finalmente, ha habido que esperar un poco más. Su versión definitiva ya se ha escuchado a nivel interno en su discográfica, aunque por el momento nada ha salido de ahí.

Teníamos esperanza de que algún tema llegase a sonar hace unas semanas en la sala Mondo de Madrid, pero su cancelación de ultimísima hora nos dejó con la miel en los labios. En cualquier caso, hoy por hoy, Hopkins es sinónimo y garantía de calidad...

Kanye West

Título: Turbo Grafx 16

Fecha de publicación: ?

Es cuestionable hasta qué punto hay expectación ante lo nuevo de alguien tan productivo como Kanye, aunque lo que es indiscutible es su estatus de superestrella del pop. El caso es que, antes de su hospitalización en 2016 como consecuencia del stress West, había anunciado la publicación casi inmediata de tres discos. Uno hasta tenía título, Turbo Grafx 16, y supuestamente se filtró en la Red. Desde entonces, diversos músicos han confirmado su vuelta al estudio. Lo que está claro es que, tras un 2017 en blanco, West planea su retorno más pronto que tarde.

Major Lazer

Título: ?

Fecha de publicación: ?

Con su disco de 2015 y muy especialmente con el éxito mundial que supuso su single Lean On, el proyecto musical creado por Diplo en compañía de otros dos productores se convirtió en fenómeno global. 2017, en cualquier caso, no ha sido un año en blanco, y Major Lazer han publicado una serie de singles como Cold Water (con Justin Bieber y MØ), Believer, Run Up (con PARTYNEXTDOOR y Nicki Minaj) y Know No Better (con Travis Scott, Camila Cabello & Cuavo), que supuestamente formarán parte de este cuarto álbum en el que, según parece, también habrá colaboración de The Weekend.

Mala Rodríguez

Título: ?

Fecha de publicación: ?

Cinco años han pasado desde la publicación de Bruja, posiblemente el mejor disco de la jerezana independientemente del impacto de su debut allá por el 2000. Mucho tiempo, en el que la Mala se ha dedicado a consolidar su estatus de culto a lo largo y ancho del continente americano, a colaborar con artistas tan variopintos como Ibeyi, El Guincho o Benjamin Biolay y a plantear un nuevo golpe de timón a su carrera artística. Parece que lo nuevo de Mala Rodríguez no se publicará en Universal como el resto de sus discos, y que finalmente será el sello norteamericano Nacional Records quién lo pondrá en la calle. Una pista clara de la vocación cada vez más internacional de María.

Muse

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Fecha de publicación: ?

Un paseo por la cuenta de Instagram de Muse muestra a Matt Bellamy, Dominic Howard y Christopher Wolstenholme encerrados en un estudio de grabación de Los Angeles durante el pasado mes de octubre con uno de sus productores de confianza, Rich Costey. Además, en mayo la formación ya publicó un tema titulado Dig Down que por el momento se ignora dónde irá a parar. El tema en cuestión incide en el protagonismo de lo electrónico que en los últimos años ha supuesto una ruptura evidente entre Muse y sus fans de siempre. Lo único confirmado al cien por cien por el grupo es que en febrero se lanzará un nuevo single titulado Thought Contagion, que en teoría supondrá un retorno a las esencias guitarreras de la banda.

My Bloody Valentine

Título: ?

Fecha de publicación: ?

La continuación de Loveless tardó veintidós años en llegar. La continuación de esa continuación no se hará tanto de esperar. Cinco años después de la publicación de MBV Kevin Shields ha anunciado que el nuevo disco de My Bloody Valentine llegará en 2018, “cien por cien seguro”. Por lo que Shields ha confirmado en entrevistas recientes, lo que comenzó como un EP ha ido engordando hasta convertirse en un trabajo de al menos 40 minutos de duración con 7 u 8 temas que tendrían un mayor componente de canción que su inmediato precedente. En cualquier caso, y conociendo la gestión del tiempo que caracteriza al músico de origen irlandés, todo esto siempre hay que ponerlo en suspenso...

Niño de Elche / Toundra

Título: ?

Fecha de publicación: primavera

Despejamos aquí dos discos de un golpe, y el porqué de ello tiene su lógica: Niño de Elche y Toundra han sido unos de los grandes protagonistas del 2017 con su proyecto conjunto Exquirta, con el que jugaron a reinventar el flamenco rock. Una vez ese proyecto ha girado lo suficiente en directo, el heterodoxo cantaor flamenco y la banda postmetal más exitosa de nuestro país, dentro y fuera de nuestras fronteras, vuelven a tomar cada uno su camino.

El Niño de Elche con un disco producido por Raül Fernández (el hombre que ha ayudado a hacer despegar las carreras de Silvia Pérez Cruz y Rosalía). Y Toundra, volviendo a su dinámica habitual con el que será su quinto álbum, de nuevo publicado por la multinacional alemana Superball / Century Media.

Oscar Mulero

Título: ?

Fecha de publicación: ?

Aunque siempre ha sido mucho más conocido por su carrera como DJ, donde ha llegado a ser uno de los pinchas más reconocidos en todo el mundo, en la última década el madrileño Óscar Mulero se ha volcado en su faceta de productor, firmando desde 2011 cuatro largos, algo inusual en el terreno de la música de club. El quinto ya está en camino. Primero publicará un generoso EP de seis temas en el sello (igualmente madrileño) Semántica, que se titulará Acceptance y que verá la luz el 18 de enero. Ese lanzamiento, que sabemos que incidirá en la faceta más experimental de Mulero, dará paso unos meses más tarde (todavía no hay fecha concreta) para un largo con el mismo sello.

Perro

Título: Trópico lumpen

Fecha de publicación: febrero-marzo

Con sólo dos discos, los murcianos han sido una de las jóvenes bandas que más han llamado la atención en el circuito alternativo de nuestro país. Ahora vuelven a la carga con un tercer trabajo que verá la luz a principios de año, que ya tiene título oficial (Trópico lumpen) y que la banda define como su “trabajo de madurez”, algo que resulta difícil de interpretar en el caso de una banda con un conocido y corrosivo sentido del humor. Como novedad, la aportación de lujo de Joe Carra (habitual de The Drones, King Gizzard & the Lizard Wizard o Courtney Barnett) en lo que a la masterización respecta. Publica, como siempre, Miel de Moscas.

US Girls

Título: In a Poem Unlimited

Fecha de publicación: 16 de febrero

De acuerdo, no es un gran nombre como otros que forman parte de esta lista. Pero su disco de 2015 Half Free fue de largo uno de los favoritos de aquella temporada para el que esto escribe, y realmente la expectación es alta por ver si iguala o incluso supera la jugada. Por el momento, Meg Remy (la mujer tras el alias de U.S. Girls) ha avanzado dos temas que nos permiten mantener la esperanza. Especialmente el encantador himno pacifista con aires de funk setentero y la ya habitual producción fantasmagórica titulado Mad As Hell.

Vampire Weekend

Título: ?

Fecha de publicación: ?

Aunque la carrera de la banda neoyorquina no ha mantenido la trayectoria ascendente que apuntaba en sus inicios, hay morbo por conocer cuál es el camino a tomar cinco años después de la publicación de Modern Vampires of the City y el abandono de uno de los dos principales cabezas pensantes del grupo, Rostam Batmanglij (quien este 2017 ha debutado en solitario con un mediocre álbum para el sello Nonesuch).

En cualquier caso, parece que la relación entre Rostam y sus antiguos compañeros sigue siendo buena y que de alguna forma él estará presente en este álbum, aunque posiblemente no como miembro oficial del grupo. Ezra Koenig aseguró hace unos meses que el disco se llamaría Mitsubishi Macchiato -aunque ese es un dato todavía por confirmar oficialmente-, que sonaría más luminoso que su último trabajo y que, al menos en parte, estaría inspirado por la música de la estrella country Kacey Musgraves.

“Una de las obras 'artísticas' más perturbadoras de los últimos tiempos”, dijo Lena Dunham sobre el último y “enfermizo” vídeo musical de Kanye West. Famous, el provocador vídeo que se hizo público el viernes, muestra a varios personajes famosos acostados y desnudos con West y con su esposa, Kim Kardashian.

Entre los famosos que aparecen durmiendo uno junto a otro en una cama enorme figuran George W. Bush, Donald Trump, la editora de la revista Vogue, Anna Wintour, Bill Cosby, Rihanna, Caitlyn Jenner, Taylor Swift, y la esposa de Kanye West, Kim Kardashian.

La cámara hace un lento paneo sobre sus caras y cuerpos, tomándose su tiempo en la figura y partes anatómicas de cada famoso. Tienen el aspecto de estatuas de cera hiperrealistas, aunque en algunos casos da la sensación de que son los propios personajes los que están posando. No se sabe quiénes, de entre los personajes que aparecen, sabían del vídeo o habían dado su consentimiento.

En un largo mensaje en su cuenta de Facebook, Dunham compartió el lunes por la noche “algunos comentarios inconexos”. Llamó al vídeo “una de las obras 'artísticas' más perturbadoras de los últimos tiempos” y dijo que era emblemático de la “cultura rap”.

“Analicémoslo: al mismo tiempo (el ex estudiante de la Universidad de Stanford procesado por asalto sexual) Brock Turner se está librando con un castigo menor de haber violado a una mujer inconsciente y de haber sacado fotos de su pecho para distribuirlas en un chat grupal”.

“Al mismo tiempo que los ataques sexuales son emitidos online por Periscope y que hay chicas suicidándose después de haber sido expuestas en formas que nunca imaginaron… Mientras aún seguimos descubriendo los crímenes de Bill Cosby comprendiendo que son traumas para las mujeres que los sufrieron pero también gigantescos moratones en nuestra conciencia nacional… ¿Y ahora tengo que ver los encerados cuerpos de mujeres famosas inconscientes, boca abajo y dados vuelta como si hubieran sido drogadas y arrojadas como ropa sucia? Me provoca una repugnante sensación de náuseas”.

El representante de George W. Bush aclaró al sitio de noticias TMZ que, “en caso de que hubiera alguna duda… ese no es el presidente Bush”: “Él está en mucha mejor forma”. En un mensaje en Instagram, el cantante Chris Brown llamó “loco, talentoso, pero loco” a West.

La agencia de noticias Reuters se puso en contacto con los representantes de West, Kardashian, Jenner, Trump y Cosby pero prefirieron no hacer comentarios. Los encargados de relaciones públicas de los otros personajes no respondieron a las llamadas de Reuters.

El videoclip está inspirado en Sleep (Dormir), un cuadro de 2008 del artista Vincent Desiderio que muestra a gente durmiendo, unos junto a otros, con diferentes niveles de desnudez. En un artículo de opinión en la revista W, Desiderio escribió que el vídeo de West formaba un “cuadro perturbadoramente familiar, entusiasmantemente bello y espantosamente asombroso”.

Jason Kennedy, el periodista de E! News que difundió el vídeo, (pixelando pechos y genitales) dijo que West pretendía que el vídeo fuera visto como “un arte visual”. Pero Dunham, hija de los artistas Carroll Dunham y Laurie Simmons, se negó a aceptar a Famous, lleno de “los aspectos de nuestra cultura que hacen que las mujeres se sientan inseguras”, como a una pieza de arte provocadora.

“Si es algo prohibido, probablemente me encante. Porque sé que la función del arte es hacernos pensar en formas que no son siempre ordenadas o cómodas. Pero esto es otra cosa”, escribió. Según Dunham, la representación de su amiga íntima Taylor Swift le resultó especialmente “dolorosa de mirar”.

“Estoy segura de que poner al muñeco de Bill Cosby en la cama junto al de Donald Trump quiere decir algo, y que probablemente se están riendo de mí en algún grupo súper sofisticado de gente. Soy consciente de que hay una reacción más cool que la que estoy teniendo en estos momentos. Pero ¿saben qué? No tengo una reacción cool y es porque ver a una mujer que amo, como Taylor Swift, y a mujeres que admiro, como Rihanna o como Anna (Wintour), convertidas en un par de pechos de cera diseñados por algún tipo con conocimientos de efectos especiales, me hace sentir triste y desprotegida, preocupada por las quinceañeras que ven esto y tal vez no se den cuenta de que esa imagen granulada de una cámara en movimiento es la que se usa para las snuff movies”.

Tras el debut del videoclip, West aparentemente publicó un tweet que después borró: “¿Puede alguien demandarme ya? #Esperaré”.

La aparición de Swift en el vídeo es lo que más atención ha atraído teniendo en cuenta las conocidas tensiones entre ella y West, que comenzaron en el año 2009 cuando West se enfureció durante una ceremonia de entrega de premios mientras Swift pronunciaba su discurso. En la canción Famous, West se refiere a Swift: “Hice famosa a esa perra”.

Dunham terminó su mensaje pidiendo a West que buscase inspiración en otro lugar y no en la explotación de las mujeres y en los peligros que corren. “El asunto es así, Kanye: tú eres cool. ¡Di lo que quieras sobre la fama, sobre la privacidad, sobre los Illuminati o sobre lo que sea que te pase por la cabeza! Pero no puedo ver el vídeo, no quiero verlo, si da la sensación de haber sido inspirado en los aspectos de nuestra cultura que hacen que las mujeres se sientan desprotegidas en sus propias camas, en sus propios cuerpos”.

Después de ese mensaje Dunham publicó otro en el que, haciendo notar la ironía del acto, ella misma aparece con una camiseta con dibujos de su cuerpo sin ropa.

Traducción de Francisco de Zárate

Kanye West ha liberado hoy el video de Famous, el último single de su séptimo disco The Life of Pablo. Efectivamente, está lleno de famosos, que además están dormidos y desnudos, y desplegados en una enorme cama redonda en actitud de descanso postcoital. 

El vídeo empieza con el famoso fraseo “I feel like me and Taylor might still have sex / I made that bitch famous” (Creo que Taylor y yo aún podríamos acostarnos juntos / A esa zorra la hice famosa yo). La cámara recorre la interminable cama, donde el propio Kanye duerme flanqueado a la izquierda por su rubia némesis Taylor Swift, que muestra los pechos desnudos, y a la derecha por su esposa Kim Kardashian, que descansa boca abajo mostrando sus patentadas nalgas.

Alrededor del trío, celebridades del mundo de la música como Rihanna, Chris Brown o Amber Rose, la directora del Vogue americano Anna Wintour, el candidato republicano Donald Trump, el expresidente de los EEUU George Bush Jr. y, lo más perverso en un mundo perverso, Caitlyn Jenner, patriarca del universo Kardashian reconvertido en fenómeno trans.

Durante una gran parte del vídeo, la cámara sobrevuela los cuerpos buscando señales de vida. Aunque la página Consequence of Sound ya ha aclarado que se trata de réplicas en cera, los más curiosos agradecerán verlo hasta el final. Dice su realizador que está inspirado en un cuadro de Vincent Desiderio titulado Sueño.

Por lo visto, las elecciones presidenciales de 2020 en Estados Unidos van a ser un festival. Y si no, que se lo digan a Kanye West, que ha hecho de los premios musicales televisados su propia versión de liarla parda. Tras criticar en el escenario la concesión al mejor vídeo del año a Taylor Swift en 2009, el domingo anunció que se presentará como presidenciable en 2020.

Más allá de las bromas con respecto a su posible consumo de estupefacientes durante la gala y los memes que ya circulan sobre su futuro, quizás convendrá hacer un recuento de cuales son sus posibles contrincantes. Y aquí empieza lo bueno.

Sin duda, el más mediático hasta la fecha es Donald Trump -a quien recientemente el actor Owen Wilson describió como “el Charlie Sheen de los candidatos presidenciales”. Trump, que entró en el imaginario popular estadounidense primero en los ochenta como el ejemplo de gran empresario yuppie triunfador en el mercado inmobiliario, es conocido también por sus sonados divorcios y su participación en los programas televisivos The Apprentice y WrestleMania. Tras coquetear con la idea durante décadas -fueron famosos sus ataques a la primera campaña de Obama, a quien llegó a cuestionar su nacionalidad como ciudadano estadounidense- anunció su candidatura a liderar el Partido Republicano en las elecciones de 2016. En la actualidad, las encuestas le sitúan como el principal candidato dentro del partido.

Pero puede que el Charlie Sheen de los candidatos presidenciales acabe siendo...el propio Charlie Sheen. Por lo visto el actor, que se describe como un “republicano constitucional” sopesó la posibilidad de presentarse junto a su padre también en 2016, en un doblete “Sheen & Sheen”. Parece ser que todo quedó en algo anecdótico, una broma para intentar hacer sombra al verdadero candidato de Hollywood: George Clooney.

El rumor de una candidatura encabezada por el reconocido demócrata George Clooney viene de atrás. Ya en 2003 comenzó una férrea oposición a la guerra de Irak con duras declaraciones contra el entonces Secretario de Defensa Donald Rumsfeld, y continuó con su apoyo público a Obama en las elecciones de 2008 y 2012. Clooney ha tenido gran presencia como emisario de paz de la ONU y ha emprendido tareas humanitarias en Darfur desde 2006. Su atractivo ha hecho que la prensa le compare con los hermanos Kennedy y su era dorada de Camelot. Esto no ha hecho más que aumentar tras su boda con la abogada especialista en derechos humanos Amal Alamuddin: las casas de apuestas -un pulso curioso pero certero del sentir anglosajón- dan como más que posible un anuncio de candidatura para 2020.

De humorista a alcalde europeo

Si en Estados Unidos se trata del mundo de la farándula, en Europa la situación viene liderada por cómicos. Incluso antes de la debacle del Partido Laborista en las últimas elecciones, diversas figuras se posicionaron a favor de candidato laborista Ed Miliband para influir con su tirón mediático. Quizás el más conocido sea el actor y cómico Russell Brand -conocido en España por la película Forgetting Sarah Marshall, y por ser el exmarido de Katy Perry- que encabezó primero un movimiento que denominó como “la revolución” para exigir mayor representación democrática en las instituciones con “la implementación de ideas que ya tenemos”.

Ante la vaguedad de sus argumentaciones – que fueron atacadas tanto por la opinión pública como por el Partido Consevador-, Brand centró sus esfuerzos en una campaña contra la corrupción a través de un documental dirigido por Michael Winterbottom y -tras abandonar su férrea convicción de negarse a votar como manera de lograr la revolución- pidió el voto para Miliband.

El que se postula seriamente como alcaldable de Londres no es otro que el rey del stand up Eddie Izzard. El cómico, una eminencia del humor en lengua inglesa, proclamado por Monty Python como “el Python perdido”, ateo declarado y autodefinido como un “heterosexual transgénero” anunció en 2013 su intención de presentarse como candidato laborista a partir de 2019. Tras apoyar públicamente al partido en cuatro elecciones generales y hacerlo con renovada intensidad por Ken Livingstone en las elecciones de 2012, recientemente ha reafirmado su intención: “seré el candidato ateo y europeísta”, ha dicho.

La alcaldía parece ser un paso asumible entre tanto oropel. Más allá de las tentativas, existe el precedente del televisivo Jon Gnarr, estrella en Islandia y músico punk, que fundó el denominado Mejor Partido, se presentó a las elecciones y ganó con el 34,7% de los votos la alcaldía de Reikiavik. Tras cumplir un mandato, Gnarr renunció a volver a presentarse.

De aquellos lodos

La unión entre espectáculo, interés mediático y poder político tiene una larga tradición. Si durante los últimos años se ha analizado incesantemente cómo la comunicación política ha copiado las estrategias de la cultura popular, intentando captar su atractivo, no pocos han captado que el capital simbólico es aún mayor cuando se trata de artistas populares.

La lista es larga, especialmente en Estados Unidos: el músico Sonny Bono fue alcalde de Palms Springs y congresista republicano, el actor Arnold Schwarzenegger fue Gobernador de California -el estado más rico del país, y uno de los más codiciados políticamente-, y el compositor Willie Colón ha sido candidato al puesto de Defensor Público de la Ciudad de Nueva York por el partido Demócrata.

El tropicalista Gilberto Gil fue Ministro de Cultura con Lula da Silva, el rapero Wyclef Jean quiso ser candidato a la presidencia de Haití. Más cerca, el poeta y cantautor José Antonio Labordeta fue la cara y la voz de la Chunta Aragonesista en el Congreso entre 2000 y 2008.

Hay quien olvida que Eva Duarte, más conocida como Evita, comenzó en el radioteatro y en el cine, y fue allí dónde conoció al general y futuro presidente Juan Domingo Perón. Evita fue primero estrella del radioteatro -dónde, no casualmente, se hizo popular gracias al programa Grandes mujeres de todos los tiempos, en el que se dramatizaban las vidas de mujeres famosas de la historia-, antes de convertirse en Presidenta del Partido Peronista Femenino y Jefa Espiritual de la Nación, un delirante título que sólo poseyó ella.

También fue actor mediocre antes que Presidente de Estados Unidos Ronald Reagan. Tras destacar en películas de serie B, su entrada en política sería de la mano del Comité de Actividades Antiamericanas, frente al que testificó para intentar frenar influencia comunista en la industria del espectáculo. El resto es historia. Tanto, que llegó a olvidar su pasado cuando afirmó, sobre el actor, director y alcaldable Clint Eastwood: “¿Qué le hace pensar que un actor de mediana edad que ha hecho una película con un mono puede tener futuro en política?”.

La gala de los MTV Awards fue un escándalo. Nada raro si se tiene en cuenta la tendencia de ediciones pasadas. “The show must go on”, decía Freddy Mercury. Anoche, desde el Microsoft Threatre, hicieron buena la máxima del cantante británico y, un año más, el espectáculo primó sobre la música. Ya en otras ediciones se pudo ver a Madonna comiéndose la boca con Britney Spears y a Miley Cyrus bailando con Robert Thicke una coreografía más propia de un club nocturno que de una gala de premios.

1. Lo de Miley Cyrus

Dejando a un lado el morbo, la parte musical centró todos sus focos en Taylor Swift. La de Pensilvania se alzó con tres galardones (estaba nominada a nueve), entre ellos el de mejor vídeo del año por Bad Blood. Otra canción suya, Blank Space, recibió los dos restantes. Bruno Mars, Nicki Minaj, Fallout Boy, Snoop Dogg y OK Go, entre otros, también se hicieron con premios. Pero más allá de los artistas ganadores, si hubo alguien que sobresalió sobre el resto, esa fue Miley Cyrus.

La antigua Hannah Montana, hoy reconvertida en estrella mediática del despelote, la polémica y adalid de la rebeldía adolescente, condujo la gala entre medios vestidos, retazos de tela adosados a su cuerpo y chascarrillos insípidos, que en Twitter no tardaron en prender generando un incendio virtual que a punto estuvo de calcinar por completo a la cantante. También seleccionó una muestra de vídeos absurdos para proyectar entre actuación y actuación, que no terminó de gustar ni al público allí presente ni al virtual-tuitero. Y esto no había hecho más que empezar.

2. Taylor Swift vs. Kanye West (y su señora)

Hace seis años Taylor Swift subía al escenario del Radio City Music Hall de Nueva York a recoger el premio al mejor vídeo por You Belong With Me. Minutos más tarde, Kanye West le sacaba el micro para recriminar al público asistente que hubieran preferido la canción de Swift a las Singles Ladies de Beyoncé.

La venganza es un plato caliente que se sirve bien frío. Y la pasada noche la rubísima reina del pop le entregaba a West el premio honorífico Michael Jackson Video Award, levantando el fervor de los tuiteros. Siempre perfecta, Swift dedicó alguna palabra de agradecimiento al rapero, que acto seguido habló durante algo más de diez minutos, no para pedir perdón por aquel incidente del 2009, sino para recalcitrarse. “El problema era la contradicción. La contradicción es que yo lucho por los artistas, pero en esa lucha fui irrespetuoso con los artistas de alguna manera”, manifestó el de Atlanta.

3. Kanye West for President

Esto también era solo el principio. Durante el emotivo largo discurso, cargado de ego, empezó dándole las gracias a Taylor Swift por la entrega de la estatuilla, habló sobre el panorama musical, los nuevos artistas y las audiencias que iba a conseguir MTV emitiendo el momento de la entrega del premio honorífico una y otra vez: “Moriría por el arte, por lo que creo. El arte nunca puede ser educado”. Usó la muletilla bro (hermano) en varias ocasiones y aseguró que ojalá pudiera “no gustar tanto a la gente”, a lo que acto seguido exclamó: “¡Que les follen!”.

Kanye West confesó no entender las galas de premios y dijo haber fumado alguna sustancia antes de subir al escenario. Aconsejó a todos los allí presentes “escuchar a los niños” porque “son el futuro” y, ya para acabar, hizo una declaración de intenciones: “He decidido que en 2020 voy a presentarme a presidente (de los EEUU)”. Asi nomás.

4. Nicki Minaj vs. Miley Cyrus

Nicki Minaj primero firmó la paz y luego hizo la guerra. La organización la subió a ella junto con Taylor Swift al escenario para que zanjasen una polémica que coleaba desde hacía varias semanas en Twitter. Todo bien: cantaron juntas, reinó la armonía y un abrazo final selló la nueva amistad entre ambas divas.

Sin embargo, a Nicki Minaj le faltaba algo de salsa. Así que cuando volvió al escenario a recoger el premio al mejor vídeo de hip-hop por Anaconda, la cantante empezó dando las gracias a sus chicas, a sus chicos y queriendo a todo el mundo. “Y ahora, volviendo a esa puta que tenía tanto que decir sobre mi en la prensa el otro día... ¿Qué pasa Miley?”, dijo Minaj. A lo que una Cyrus atónita, saliendo al paso como pudo, contestó: “Nicki, todos estamos dentro de la industria, todos hacemos entrevistas y todos sabemos cómo lo manipulan”. La presentadora echó balones fuera y culpó a la prensa por tergiversar su entrevista en el New York Times.

5. El striptease Rebel Wilson

Antes de recoger el premio, Nicki Minaj estuvo bailando con Rebel Wilson. La actriz estadounidense presentó la categoría de mejor vídeo de hip-hop y apareció vestida de policía. “Muchas personas tienen problemas con la policía, por eso odio a las strippers policía”, dijo Wilson. Luego se quitó la ropa, dejando al descubierto una camiseta en la que se podía leer 'Que les den a las strippers policía'.

Rebel Wilson también aseguró que “Contraté a una para el 80 cumpleaños de mi abuela. Tuve que pagar un extra de 100 dólares por que le diese un masaje en la espalda, pero solo duró el tiempo de una canción”. Luego cogió de la mano a Nicki Minaj y juntas bailaron un poco de twerking.

6. El momento de Tori Kelly

La cantante estadounidense, con apenas 22 años ya es todo un ídolo de masas en EEUU. Prueba de ello fue la actuación que protagonizó, cantando su hit Shoud've been us y que puso a la comunidad tuitera del revés, gracias al chorro de voz de la cantante y el desparpajo con el que se mostró sobre el escenario del Microsoft Threatre. De lo mejorcito de los VMA 2015.

Bonus Track: el pezón de Miley Cyrus

No podía faltar algo de chicha en forma de erotismo y nadie mejor que Miley para esos menesteres. En mitad de la gala, mientras el plano se abría enfocando al escenario, el realizador mostró una imagen de la presentadora entre bambalinas sin la parte de arriba de su vestido. Durante un segundo muy largo, todo el mundo pudo contemplar el pezón de Miley Cyrus.

“Tengo una tendencia a la melancolía. Puedo pasar meses sin ver a nadie. Y me tomo en serio el proverbio chino que recomienda no contarle los males a los amigos, que les divierta su puta madre”. Eso decía Joaquín Sabina, que también admitía que en esos momentos de retiro surgía la verdadera inspiración. Los 19 días y 500 noches evocadores del de Úbeda podrían ser una constante en carreras artísticas de todos los rincones del globo y de cualquier época histórica. A menudo la mejor técnica de rehabilitación consiste en sublimar la pena y convertirla en un álbum de éxito. Así han visto la luz algunos de los hitos musicales de nuestro tiempo.

Donde ayer hablamos de los idilios con las musas ajenas, hoy lo haremos del desamor que solo se puede tener una vez en la vida con la musa negra. Ese momento traumático que deriva en una compilación de enormes y tristísimos temas de los que emanan muerte, enfermedad, soledad y odio.

El último en sumarse a esta terapia sonora ha sido Jeff Tweedy, mítico líder de Wilco, en el primer disco en solitario de su carrera, Sukierae. Con su vástago a la batería, la familia Tweedy dedica 20 nuevos temas a la batalla contra el linfoma que libra su esposa y madre, Susan. Es un disco valiente y, en contraposición a sus compañeros de lista, cargado de optimismo.

“Creo que el arte es un consuelo, independientemente de su contenido. Tiene el poder de remover y hacerte sentir como en realidad no lo haces”. Wilco no esconde las dificultades que vive su familia bajo unas melodías impostadas; ya el primer single I'll sing it es una pequeña muestra del estallido sombrío que caracteriza el álbum. Sus versos están plagados de códigos inescrutables y referencias a la enfermedad entre sonidos de garage de Chicago. Así nace el imponente tema de Boyhood, Summer Noon, y la melodiosa Wait for love.

El artista ha firmado astutamente una emancipación doble de la banda y del folk más endémico sin que hordas de detractores se atrevan a vender su cabeza al mejor postor. El homenaje conmueve y vende, pero sobre todo se traduce en un grito de esperanza para el verdadero remitente de este disco: su querida Sukierae. “No quería que el disco sonara como un panegírico prematuro”.

Pero hay otros que enarbolan su tristeza como un momento de lícita inspiración y condicionante de discos realmente excepcionales. Aquí recopilamos algunos infiernos que se bifurcaron en la pena de artistas como Freddie Mercury, Nick Cave o Billie Holiday y en la producción de algunos de los mejores álbumes de sus carreras.

808s & Heartbreak. Kanye West

808s & HeartbreakEn 2008, el rapero de las vanidades se vio sacudido por una broma macabra del destino cuando su madre, su apoyo desde los tres años, falleció a causa de unas complicaciones en una cirugía estética. Si todos los discos de Kanye West son sobre la experiencia de ser Kanye West, 808s & Heartbreak nació en un contexto de pérdida y reinvención. Estábamos acostumbrados a un hip-hop de excesos y en su lugar tuvimos pop de dormitorio, reflexiones tranquilas de madrugada y un giro vocal débil sin rimas consonantes.

En la bella Say you Will, los sonidos eléctricos se entremezclan con una sola voz tuneada que alarga su agonía hasta el infinito, un truco que se repite en Bad News. Casi todos los temas son cavernosos y se caracterizan por un elemento que monopoliza el sonido: las cuerdas de RoboCop, los sonidos chirriantes de la metrópoli en Streets Lights, las palmas en Love Lockdown o el sintetizador en Coldest Winter. Es cierto que, pese a no ser uno de los más elocuentes ni poéticos, algunos temas extrapolan de buena forma el dolor dejando de lado la expresividad sonora, como Pinocchio Story y Welcome to Heartbreak. Fue uno de los discos más aplaudidos de su carrera y todo un éxito de ventas, un lapsus en el camino mientras cocinaba otro de sus grandes hits de verano.

Innuendo. Queen

Innuendo“Como consecuencia de las grandes conjeturas aparecidas en la prensa en las dos últimas semanas, es mi deseo confirmar que me he hecho las pruebas de VIH y tengo sida”. Freedy Mercury reconoció en un comunicado que había contraído la enfermedad que pocos años después acabaría con su vida. Meses antes levantó su pierna en la mesa de un bar donde conversaba con el resto de los miembros de Queen. Lo que sus colegas de tantos años vieron les dejó helados: una pierna con una herida supurando, incapaz de cerrarse. Los cuatro asumieron en silencio lo que venía y ese mutismo común sobre el tema quedó reflejado en Innuendo.

Las composiciones de Mercury eran el grito que el cantante llevaba por dentro. Su vida de excesos llegaba a su fin y con esa sombra detrás de su espalda le pedía incandescente a Brian May que siguiera componiendo canciones para él, no podía dejar de cantar.

Innuendo es, con diferencia, el disco más oscuro de Queen. La muerte rodea el álbum en cada canción y en cada melodía. Headlong, pese a los martillazos de la batería y a una melodía que quiere ser divertida, no puede desprenderse de ciertos giros de tristeza en los puentes. Don’t try so hard es, quizá, una rendición. Las cuestiones que aborda se deslizan entre la voz de Mercury durante las estrofas para acabar pidiendo en el estribillo y en caída libre: “Don’t try so hard/no lo intentes demasiado”.

Ride The Wild Wind, con una cadencia muy diferente, evoca una persecución que bien pudiera estar protagonizada por Mercury, huyendo de las pesadas zancadas de la dama negra. Los ritmos son angustiosos y los efectos sonoros llegan a tener un punto tétrico, los vientos salvajes erizan la piel. Finalmente, These are the days of our lives simboliza una conclusión, una despedida. “Aquellos días se fueron/pero lo que vivimos fue de verdad”.

For Emma, Forever Ago. Bon Iver

For Emma, Forever AgoTodos los trabajos en solitario de Justin Vernon tienen ese olor a melancolía y tranquilidad que parecen cocinados en una cabaña perdida en los bosques de Wisconsin. Pero el único álbum que compuso por completo en un retiro eremita fue For Emma, Forever Ago en 2007. Después de alcanzar la fama con su grupo DeYarmond Edison, los miembros de la banda descubrieron intereses musicales divergentes que culminaron con su disolución y con un Vernon abandonado en la cuneta de Carolina del Norte. Aquejado por la mononucleosis y olvidado por su novia y por sus camaradas, Justin se recluyó en medio de la tundra nevada y salió cuatro meses después como Bon Iver, con uno de los mejores discos debut que ha alumbrado el folk yanki.

En medio de la vida ascética, Bon Iver intentó encontrar el punto medio entre el rumio interno, los conceptos farragosos y la expresión melódica y clara. Sin embargo, como veterano de la industria discográfica, nuestro ermitaño circunstancial fue consciente de que no sólo de sonidos naturalistas vive un cantante. Su instinto le llevo a aderezar temas como Flume con flautas y tambores, For Emma con la intensidad del cuerno y Los lobos con el falsete más exagerado del álbum y una estrepitosa percusión para evocar la catarsis final.

Pero también hay baladas que parecen recién salidas de la estufa de su refugio como Creature Fear, que se ve sometida a una única sílaba que se repite sin parar, o Lump Sum, que se apoya en la guitarra de Vernon y en una voz que parece interpretada en el fondo de una gruta. Con o sin añadidos, la capacidad evocadora y la atmósfera melancólica del disco fueron rápidamente descritas como “irresistibles”.

Funeral. Arcade Fire

Funeral

El título del álbum debut de Arcade Fire está justificado. Se lanzó en 2004 pero la grabación estuvo salpicada de panegíricos y visitas al cementerio. Primero fue la abuela del frontman Win Butler en junio de 2003, un año más tarde falleció su abuelo y escasos meses después la tía de otro de los miembros de la banda, Richard Parry.

Funeral es un réquiem de diez canciones, un lienzo en blanco pensado en su inicio para ser una obra alegre y optimista sobre el paso de los años. No obstante, las sucesivas desapariciones de seres queridos de los canadienses impusieron el brochazo negro.

El resultado es un disco de claroscuros, con cuatro odas a un barrio indefinido (Neighborhood), donde Arcade Fire recorre la importancia de los vínculos y los lazos familiares en tiempos oscuros. Los ritmos urbanos acaban en cuatro canciones para diluirse en The crown of love que mezcla los delirios y la nostalgia del amor adolescente. Los momentos de luz los arroja Rebellion (Lies). Tanto en la letra como en la música se posiciona como una power ballad enérgica sobre la superación de la muerte.

Lady sings the blues. Billie Holiday

Lady sings the blues“Yo he vivido historias como la que os voy a cantar”, decía Lady Day, y el público se estremecía porque conocían el pasado oscuro de la dama del jazz. Una historia que se resumía, sólo en parte, en el poema de Lewis Allen Strange Fruit. Prostitución, drogas, abusos machistas, racismo blanco y racismo negro por tener la piel del color del café con leche, cárcel y corruptelas discográficas tiñen Lady sings the blues: disco, libro y película. Sin duda una vida digna de todo soporte hasta sus últimos días, cuando murió bajo arresto policial, con 0,75 dólares en el banco, habiéndoselo bebido, fumado e inyectado todo, amando hasta el desgarro pero cantando a la dulzura y a la sofisticación.

El disco surgió en un par de sesiones grabadas en los cincuenta, respaldadas por el saxofonista Paul Quinichette, los trompetistas Charlie Shavers y Harry Edison, el pianista Wynton Kelly, y los guitarristas Kenny Burrell y Barney Kessel. En este álbum se produjeron versiones de temas antiguos como No Good Man, Some Other Spring y Lady sings the blues, pero interpretados por una Holiday mucho más oscura e intensa que la infantil y vital voz de los años 30, cuando fue descubierta en un garito de los fondos de Nueva York.

From her to eternity. Nick Cave and The Bad Seeds

From her to eternityLas drogas han corrido siempre por las venas de la industria musical. Desde que Nueva Orleans se llenara de jazz y destruyera la vida de Chet Baker, entre otros, son incontables las historias de cantantes que han sucumbido ante la tentación de los excesos. JJ Cale escribió Cocaine para Clapton en un intento de liberarle de aquel fantasma de polvo blanco que acechaba su nariz, Lou Reed compuso Heroine y Nick Cave llevó la droga de los 80 por excelencia hasta la eternidad.

En el tema homónimo, From her to eternity, es difícil distinguir si el encuentro con una chica en la habitación 29 de un hotel habla en realidad de una mujer o de la aguja ardiente que penetra su brazo. La escena se desarrolla entre ritmos punzantes y pianos estridentes, mientras la voz de Cave llena los posos de oscuridad que dejan los acordes disonantes. El álbum tiene siete canciones, la mayoría demasiado largas como Wings of flies y Avalanche, que se sumergen en la adicción a la heroína que atravesaron él y sus malas semillas en sus inicios (y en el resto de carrera su musical).

A Rush of Blood to the Head. Coldplay

A Rush of Blood to the HeadCuando Coldplay estaba a punto de meterse en el estudio para grabar su segundo álbum, el que iba a confirmarles como una de las bandas del nuevo siglo, dos aviones cruzaron el cielo y se estrellaron en las torres más emblemáticas de Wall Street. Las cenizas llegaron hasta los micrófonos de aquel estudio de grabación y el disco cambió de rumbo. Sólo ha habido una canción de corte político en toda la discografía de los británicos, homónima de su segundo disco –no, no es Politik-, y sin duda vino motivada por el efecto emocional que tuvo en los de Chris Martin aquel atentado.

A Rush of blood to the head está impregnado en casi todos sus temas de la tragedia que conmocionó el mundo el 11 de septiembre de 2001. Salió publicado al año siguiente y muchos críticos lo han calificado como un disco redondo, un paso más allá en la consolidación como grupo que habían iniciado con Parachutes. A partir de Yellow, los incursores de la reconversión del brit-pop enlazaron una suerte de secuela llamada The Scientist que no en vano termina con un volvamos a las estrellas. Esas mismas estrellas amarillas de las que habla la balada eléctrica de su primer disco.

A Coldplay siempre le ha gustado jugar con los círculos, en lo visual y en lo metafísico. El propio videoclip de The Scientist es una historia que comienza en su final, al título del disco Viva la vida le sigue el apéndice And death and all his friends y, en general, A Rush of Blood to the Head es un trabajo circular. Politik, su primera canción habla de amor, el homónimo del disco del que ya hemos hablado tiene la guerra como escenario -es la referencia más clara hacia el 11-S- y Amsterdam cierra el álbum con una reflexión sobre la muerte, cruda pero cálida a la vez.