Es una de las películas más esperadas de 2026 y verá la luz este 24 de abril en España y en gran parte de las salas mundiales. “Michael”, el biopic sobre Michael Jackson en el que su sobrino Jaafar Jackson se transforma en el rey del pop, y que ha sufrido diferentes retrasos en su fecha de estreno, de lo que se han sabido más detalles gracias al portal Variety.

Y es que, según la web, en el biopic no se hablará de la denuncia por abuso infantil que recibió el cantante en 1993 mientras se encontraba de tour por Asia y que supuso un punto de inflexión en su carrera, pues afectaría a su imagen pública. Esto obligo a rehacer toda la parte final, y de ahí el retraso de 2025 a 2026 como fecha de estreno.

¿Qué le pasó a Michael Jackson en 1993?

En enero de 1993, Michael Jackson era el rey del pop sin duda alguna y estaba en un punto álgido de su carrera. Ofreció uno de los shows del ‘halftime’ de la SuperBowl más recordados y míticos del espectáculo deportivo, ante lo que fueron más de 100 millones de espectadores en Estados Unidos. En ella cantó un repertorio que incluyó Jam, Billie Jean, Black or White, We Are the World y Heal the World, y que redefiniría lo que sería esta actuación más adelante en la cultura pop.

El año continuó a lo grande, recibiendo el Grammy Legend Award por su trayectoria y que se le otorgó de la mano de su hermana Janet Jackson, un hecho que llegó tras los tres ‘American Music Awards’ a Mejor Álbum Pop/Rock por Dangerous, Mejor Single Soul/R&B por Remember The Time, y el Premio al Mejor Artista y Humanitario Internacional.

Sin embargo, todo cambiaría en otoño de 1993, cuando Michael Jackson fue denunciado por abuso infantil a Jordan Chandler, un niño de 13 años, lo que llevó a que se abriera una investigación y se realizaran registros en su rancho de Neverland y otras propiedades.

Si bien el cantante negó todas las acusaciones, esto afectó a su imagen pública, que no volvería a tener la misma estima, además de que entonces admitió públicamente su dependencia a analgésicos y se sometió a tratamiento de rehabilitación. En enero de 1994, se llegó a un acuerdo extrajudicial en el que firmaron un acuerdo económico por una suma estimada de 23 millones de dólares, sin admitir culpabilidad, aunque esto no estuvo exento de controversia.

Omitir 1993 cambió el biopic de “Michael” y sumó presupuesto

Así, todo esto contado no formará parte del biopic de “Michael” debido a que todo un tercer acto que relataba todo esto fue omitido. Esto se debe, según Variety, al hecho de que descubrieron una demanda original que prohibía que el denunciante fuera representado en una película, algo que pasó cuando la película ya estaba completamente rodada.

Esto supuso 22 días más de rodaje, y obligar a cambiar todo el final, lo que sumó 15 millones de dólares al coste, que fue asumido por la propiedad de Jackson, porque fueron ellos mismos los que impulsaron la revisión. Así, esto retrasó el estreno del 18 de abril de 2025 inicial al 3 de octubre del mismo año para luego llegar finalmente este abril de 2026.

La película cambió así por completo, siendo una historia de su ascenso en la música y de trayectoria de sus éxitos, y ofreciendo solo la complicada relación con su padre como exploración de su vida personal, que iba a ocupar en el tercer acto mayoritariamente el impacto de las acusaciones de abuso infantil. De esta forma, se considera que el final actual se cerrará en la preparación de su icónica gira ‘Bad’ de 1987.

El hecho controversial por el que sí que pasará el biopic son las graves quemaduras que sufrió en su cuero cabelludo cuando grababa una publicidad con Pepsi en 1984, lo que le llevó a ser dependiente de analgésicos, y que derivaría finalmente en su fallecimiento en 2009.

Hace 40 años, la canción “Si tú eres mi hombre y yo tu mujer” de Jennifer Rush ocupaba lo más alto de la lista de sencillos en España, en la que se mantendría durante semanas, obteniendo un gran éxito con otra versión de las varias que ya había tenido y las que tendría, llegándose a afirmar como “la canción de amor de la década”, como reza el propio sitio web de la cantante estadounidense.

Y es que esa era la versión en español de “The Power of Love”, que había sido adaptada por Luis Gómez-Escolar, y que fue el enésimo número uno para la canción de amor que sería una de las baladas románticas más significativas de la década e interpretadas por artistas femeninas.

La historia camaleónica de “The Power of Love” de Jennifer Rush

Casi dos años antes del éxito de su versión español, en 1984, fue cuando se había publicado por primera vez la canción, grabada en Frankfurt, en Alemania, donde residía la cantante, que trabajaba entonces para el ejército de Múnich, y que había probado varias veces suerte en la música, hasta encontrar el tema que le abriría la fama.

Y es que, en 1979, antes de mudarse a Alemania, Jennifer Rush, que en realidad se llamaba Heidi Stern, había publicado su álbum debut en Estados Unidos bajo su nombre real, pero este pasó desapercibido. Con su verdadero nombre había también publicado sus primeros temas en Alemania en 1982. Como Jennifer Rush fue cuando encontró sus primeros éxitos, cuando entre febrero y marzo de 1984 realizó una gira con la Filarmónica de Berlín interpretando temas de la banda sonora de James Bond, asombrando al público con su voz.

Así, finalmente en diciembre de 1984 fue cuando “The Power of Love” vio por primera vez la luz, aunque solo llegó al número 16 en Alemania. Este éxito discreto cambiaría cuando un promotor de CBS en Londres escuchó cantarla en una convención discográfica en Hawai y en octubre de 1985, la canción tuvo una nueva vida lanzándose en el Reino Unido. Una decisión que cambiaría la carrera de Jennifer Rush, que vería como el tema que había escrito junto a sus productores la haría famosa.

De hecho, su número uno en el Reino Unido que duró cinco semanas y que permaneció 16 en total en la lista, supusieron que entrara en el Libro Guinness de los Récords como el sencillo más vendido en el país en 1985 con más de un millón de copias, tan solo en un par de meses antes de finalizar el año. Así, fue el sencillo más vendido por una artista solista femenina en la historia de la música británica, un récord que ostentó hasta 1992 cuando Whitney Houston se hizo con él con otra famosa balada romántica, “I Will Always Love You”.

Desde aquí, la década de los 80 fue de gran éxito para Jennifer Rush, que luego también tendría buenos números con canciones como “Ring Of Ice” o su dúo con Elton John, “Flames Of Paradise”, que se unieron a sus colaboraciones con otras personalidades de la música entonces como Richie Sambora de Bon Jovi, Desmond Child o Michael Bolton.

La segunda vida que le dio Céline Dion: el éxito en EE. UU

A pesar de ser el país natal de la cantante, el éxito en Estados Unidos se resistió, pues la canción solo llegó a alcanzar el puesto 57 de Billboard. No sería hasta 1993 cuando “The Power of Love” se convertiría un himno romántico también en USA, con la versión de Céline Dion, que le dio una destacada fama comercial, también en Canadá o Australia, además de reentrar en otros territorios europeos.

La versión de Céline Dion se convirtió en el sencillo más vendido por una artista femenina en 1994 en los Estados Unidos y el octavo más vendido en general, con 900.000 copias vendidas, y fue el primer número uno para la cantante canadiense, abriendo una trayectoria brillante y longeva. Tanto es así que la propia Billboard la reconoció dentro de su lista de “Mejor Canción de Amor de Todos los Tiempos”. Y es que ha quedado como una de las baladas románticas más traducidas, versionadas y todo un clásico del pop.

The Strokes vuelven a España para presentar su nuevo disco, Reality Awaits, y repasar los grandes éxitos de su carrera. Ofrecerán solo un concierto en nuestro país, en concreto en el Palau Sant Jordi de Barcelona, el 20 de octubre. Las entradas estarán a la venta este viernes 17 de abril a las 10h, pero habrá dos preventas los días 15 y 16.

Es la primera actuación fuera de un festival que ofrece la banda neoyorquina en España desde 2005, cuando actuó en la madrileña sala El Sol. Antes visitaron la Ciudad Condal cuatro veces, en el Primavera Sound de 2015 y 2022, en el Pavelló de la Vall d’Hebron en 2003 y en la sala Razzmatazz en 2002.

La gira tendrá diez fechas en toda Europa, con inicio en Londres y finalización en Dublín, y se desarrollará durante el próximo octubre.

Su nuevo y séptimo álbum, grabado en Costa Rica junto al productor Rick Rubin y finalizado en distintas partes del mundo, supone el primer material inédito del grupo desde The New Abnormal (2020). Ya puede escucharse el primer single de su nuevo disco, ‘Going Shopping'.

The Strokes, fundado en Nueva York en 1999, está compuesto por el cantante y compositor Julian Casablancas, así como por los guitarristas Nick Valensi y Albert Hammond Jr., el bajista Nikolai Fraiture y el batería Fabrizio Moretti.

Fue una de las bandas más influyentes de su época. Lanzaron su primer trabajo, Is This It, en 2001, del que se vendieron más de ocho millones de copias y fue incluido entre los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

En los cinco años siguientes publicaron los dos siguientes, Room on fire y First Impressions of Earth. Todos ellos tuvieron un gran éxito en Estados Unidos, en Reino Unido y en gran parte de Europa.

El regreso de Justin Bieber a los escenarios en el Festival de Coachella 2026 tras más de cuatro años después de su última gira ‘Justice World Tour’, que tuvo lugar en 2022, generó fuerte expectación, pero tampoco estuvo exento de polémica y controversia, iniciándose un fuerte debate en redes sociales.

El espectáculo de Bieber giró en torno a su música más actual, pero tampoco escapó de la nostalgia, repasando también los títulos que le hicieron famoso, dando lugar a una actuación que se movió con fuertes contrastes, entre momentos de intensidad y tranquilidad, moviéndose también en aspectos extraños que resonaron entre los asistentes, pero también los que lo siguieron por redes.

Este concierto no será la única ocasión que el cantante participe en el Festival de Coachella, que tiene lugar entre el 10 y 19 de abril en la localidad de Indio, California, pues el artista realizará una nueva actuación el próximo sábado 18 de abril.

Un espectáculo “perezoso”: las redes sentencian a Bieber en su regreso

La vuelta de Justin Bieber a los escenarios generó fuerte expectación después de cuatro años sin actuar, pero el espectáculo que llevó a cabo pareció no estar a la altura para los miles de usuarios que en redes sociales criticaron su actuación por ser “perezosa” y “carente de esfuerzo”, con calificativos que llegaron a asegurar que fue “uno de los peores shows en la historia del festival”.

Uno de los hechos más criticados fue la falta de directo del cantante, ya que muchos de los asistentes se quejaron porque usó voz pregrabada durante todas las canciones de su repertorio, pero esto no se quedó ahí, porque algunos llegaron a darse cuenta de que esta base parecía solaparse con los videoclips, dando la sensación de que lo que pasaba en el escenario quedaba en segundo plano.

Estas críticas fueron a más cuando la canción que Justin Bieber interpretaba fue su mítica canción “Baby”, de la que próximamente se cumplirán 16 años desde su lanzamiento. Era un momento muy esperado por los asistentes al concierto y muchos se quedaron decepcionados por el desempeño del artista.

“Le pagaron 10 millones de dólares para cantar karaoke”

Por si fuera poco, una de las más fuertes críticas, sobre todo a los que estaban en el festival de Coachella, fue que Justin Bieber apenas interactuó con el público, derrochando una actitud poco interesada en el ‘show’, que se acrecentó al proyectar varios contenidos desde un ordenador, donde simulaba que le pedían canciones para interpretar.

Tras todo, esto las redes sociales estallaron con comentarios como “le pagaron 10 millones de dólares para cantar karaoke de sus propias canciones en YouTube” o lo de “cantar a medias sobre tu video musical, que en realidad está más alto que tus voces, no es interpretar”. Esto hace referencia al hecho de que según reveló la revista Rolling Stone, el artista se embolsará esa cantidad por los dos conciertos en el festival.

El concierto de Justin Bieber fue de un comienzo con una primera parte protagonizada por canciones de sus álbumes 'SWAG' y 'SWAG II', para pasar luego al momento ‘nostalgia’ con temas como “Baby” o “Favorite Girl”, que marcaron sus inicios, e incluso el video de la cover de “With You” de Chris Brown que subió a YouTube y le hizo famoso. Además de actuaciones, Bieber también contó con invitados especiales de la talla de Tems, Dijon, Wizkid y Mk.gee.

Su estilo melancólico y elegante, poco estridente, inundó las radios de todo el mundo a principios de los 2000. La voz de la cantante británica sonaba mundialmente con canciones como “Thank You”, “White Flag”, “Life for Rent” o “Here With Me”, la canción que fue uno de sus mayores éxitos y que era número uno en España hace 25 años.

Tuvo una segunda oportunidad para el éxito

Pocas canciones pueden decir que han tenido una segunda oportunidad para alcanzar el éxito, con la misma artista y sin cambiar nada, sin una diferente versión. El 1 de febrero del 2001 volvía a publicarse “Here With Me”, en esta ocasión en el Reino Unido, después de haber sido lanzada por primera vez en 1999 en Estados Unidos.

El álbum del que formaba parte, “No Angel”, vivió una segunda vida exitosa y fue entonces cuando se decidió que uno de sus singles también merecía esa nueva oportunidad. Con su relanzamiento en 2001 se convirtió en uno de los éxitos del año, llegando al número cuatro en el Reino Unido, su país natal, donde alcanzaba el top 5 por segunda vez de forma consecutiva tras haberlo hecho con “Stan”, la colaboración con Eminem en la que incorporó en sample el primer verso de “Thank You”.

De hecho, no se equivocaron, fue así, en parte también porque formó parte del tema principal de la serie ‘Roswell’, que estuvo en antena entre 1999 y 2002. Alcanzó todavía más fama después de aparecer en una escena relevante de la película ‘Love Actually’, estrenada en 2003, y que se ha convertido en uno de los clásicos del cine navideño.  Así, “Here With Me” se hizo famosa en todo el mundo, no solo en Reino Unido y Estados Unidos, siendo también top 5 en países como Francia, Nueva Zelanda y llegando al número uno en Australia.

Con dos lanzamientos, en 1999 y 2001, la canción de Dido tiene también dos videoclips. El primero fue rodado en tonos sepias y mostraba a la cantante caminando por diferentes lugares, pero no acabó de convencer a la artista, que, aunque con bajo presupuesto, esperaba más creatividad para el lanzamiento del sencillo. Es por esto por lo que para su publicación internacional se grabó un segundo video en el que ella aparecía cantando sobre una cama en una habitación, que se combinó con escenas en las que caminaba por las calles de Ontario, Canadá.

Una canción que dedicó a su novio de entonces

Dido, que nació como Florian Cloud de Bounevialle O’Malley Armstrong en Londres en 1971 el día de Navidad, escribió “Here With Me” hablando sobre su relación con su novio de entonces, Bob Page, con quien se llegaría a comprometer, pero que rompería tras siete años juntos. En 2013, cuando le preguntaron sobre el tema, Dido recordó lo que significó en su carrera: “Fue la primera canción que escribí que fue buena. Es una canción de amor simple, escrita en un tiempo bastante oscuro”, admitía.

Y es que la canción fue la que marcó sus comienzos, pues la tocó por primera vez para su hermano y ella quería en un principio que encontrara un artista para que la interpretara, pero sería él quien le convencería para que ella misma la cantase. Ese mismo día firmó con la discográfica y fue como arrancó su trayectoria profesional.

Dido nunca desapareció y siguió haciendo música

Si bien Dido no volvió a tener un fuerte protagonismo en la música pop desde su estrellato a principios de los 2000, la cantante británica no dejó de lanzar discos, solo priorizó su vida personal, bajando el ritmo de lo que venía haciendo.

Un momento clave fue 2006, cuando lanzó su disco más personal y oscuro, “Safe Trip Home”. Lo grabó tras el fallecimiento de su padre y en uno de los momentos más difíciles de su vida, dicho por ella misma: “Me encanta el tercer álbum. Tiene la mayoría de mis canciones favoritas. Pero no podía cantarlas en vivo. Era tan crudo en ese momento. Mi padre acababa de morir. Muchas de ellas trataban de eso. Era como, ‘Oh Dios, no puedo hablar de esto’. No lo pensé” declaró al respecto. Por eso decidió no promocionarlo al mismo ritmo y no realizó una gira después.

Si bien publicaría más trabajos como “Girl Who Got Away”, Dido lo haría a un ritmo más pausado y no sería hasta el lanzamiento de su disco “Still on My Mind” en 2019 cuando volvió a ofrecer conciertos, 15 años después. Todo ello queriendo disfrutar de la música, pero sin la ambición de obtener un hit viral.

El 9 de abril la canción ‘Born this Way’de Lady Gaga alcanzaba al número 1 en la lista de singles en España, donde se mantuvo durante dos semanas, aunque su legado llegaba a más, siendo top 5 el álbum en España, y conectando el tema con generación de jóvenes, especialmente ‘queer’ que encontraron un reconocimiento común y que se pudo apreciar en redes sociales.

La canción ‘Born this Way’ fue más allá, abrió una nueva época para la cantante, y llevó a que le disco debutará como número 1 en hasta 28 países, vendiendo un total de 1,9 millones en su primera semana y un total de 8,2 millones de copias en total, siendo el más vendido del año 2011, justo hace 15 años.

Precisamente una década y media después la canción mantiene su legado como un himno del orgullo LGTBI moderno, de hecho, en 2021 la ciudad de West Hollywood declaró el 23 de mayo el Día de Born This Way, y la frase se convirtió en parte de identidad. Tanto que artistas como Troye Sivan, Sam Smith o Chappell Roan se abrieron camino con ella, afirmado por ellos mismos, y que anticipó la oleada de pop ideológico que vino después.

Lady Gaga respondió en el momento de su mayor expectación

Nos situamos en 2011. Lady Gaga llega como una de las artistas del momento tras los éxitos arrolladores con canciones como “Just Dance”, “Poker Face” y “Bad Romance”, por lo que la expectación era máxima para conocer su nueva música.

La cantante no defraudó. El 11 de febrero de 2011, dos días antes de lo previsto lanzó “Born this Way”, que tuvo su primera gran interpretación en los premios Grammy ese mismo año y que fue la primera canción en vender más de un millón de copias en iTunes, algo que hizo en tan solo cinco días.

El legado y significado de “Born this Way” de Lady Gaga

Lady Gaga era número uno en España hace 15 años con “Born this Way” en un contexto en el que lanzaba un mensaje con significado político. En 2011, por ejemplo, el matrimonio igualitario era ilegal en gran parte de Estados Unidos y las identidades trans no tenían apenas representación mediática, con lo que el tema llegó cuando se necesitaba.

Y es que la canción se convirtió en un himno sin metáforas, hablando en sentido claro, de hecho, fue la primera que incluyó como tal la palabra ‘transgender’. Aunque esto también le valió a que fuera censurada en radios de algunos países como Malasia, donde llegaron a justificarse en que “no se debe publicitar un estilo de vida que no corresponde con los valores del país”.

En el significado de la canción se encuentran varias capas, en el nivel más literal, el mensaje es simple, pero poderoso: no hay nada roto en ti. Lo dice con la mecánica más eficaz del pop: repetición, afirmaciones directas y una segunda persona que suena a abrazo colectivo, con frases como “Don't be a drag, just be a queen”. En “Born this Way”, Lady Gaga también apela a la ética comunitaria llamando a cuidar el entorno afectivo con versos como “give yourself prudence and love your friends”, y también a la religión que ha sido fuente de culpa para muchas personas del colectivo al decir “God makes no mistakes”.

La canción no escapó de la polémica

Además del éxito, “Born this Way” también tuvo parte de polémica. La más conocida fue el parecido con el tema de Madonna “Express Yourself”, algo que generó controversia y que alimentó la propia reina del pop al hacer un ‘mashup’ de ambas en su gira MDNA Tour en 2012. Lady Gaga reaccionó al asegurar que se había inspirado en ella y en Carl Bean, que había grabado un tema del mismo nombre en 1977. Pero esto no fue lo único, pues la canción también tuvo fuertes críticas por usar términos como ‘chola’ u ‘oriental’ para referirse a las comunidades latina y asiática, lo que generó controversia por ser ofensivos y estereotipados, a lo que no respondió la cantante de forma pública.

Una habitación de una histórica casa señorial del siglo XVI del pequeño pueblo de Castellserà (Lleida) acoge una colección de más de 300 objetos únicos que en su día pertenecieron a Michael Jackson. El recinto, conocido como La Casa dels Àngels es, además de una atracción turística, el lugar de residencia del reconocido mago catalán Josep Maria Lari (Mag Lari) desde 2022. Hasta entonces, el edificio permanecía cerrado al público.

La gran mayoría de las piezas han sido adquiridas en subastas internacionales y, preguntado por elDiario.es, Lari prefiere no confesar cuánto dinero ha invertido en ello. El ilusionista ha viajado en numerosas ocasiones a ciudades como Nueva York o Los Ángeles para conseguir algunos de los objetos más destacados, aunque reconoce que, desde 2010, el mercado se ha trasladado casi por completo al ámbito online.

Al abrir la puerta de la sala, suena You Rock My World y se aprecia un espacio cuidadosamente iluminado y ordenado, con una estética cercana a la de un museo. Cada pieza está acompañada de una ficha descriptiva con su contexto y fecha, mientras de fondo suenan algunos de los grandes éxitos del artista.

El espacio, bautizado como “Sala Wonderland”, permite, en cierta medida, adentrarse en la intimidad del Rey del Pop y conocer fragmentos de su universo personal, especialmente de su icónica residencia de Neverland. Entre los objetos expuestos destacan vajillas, juegos de mesa, un muñeco, elementos decorativos, un tocadiscos o artículos personales como perfumes, un cepillo de pelo o unas tijeras para las uñas. También se conservan notas dirigidas a su secretaria con indicaciones laborales, así como varios discos de oro.

Entre las piezas más llamativas para el público –según explica Lari– encontramos un chicle usado de 1984, cuyo origen exacto se desconoce, y varios mechones de cabello enmarcados. No obstante, la “joya de la corona” para el mago es el icónico guante de cristales Swarovski que el artista utilizó en su último concierto en el Madison Square Garden en 2001, compartiendo escenario con figuras como Whitney Houston o Britney Spears.

Una parte significativa de la colección procede de un antiguo almacén de la familia Jackson que, tras quedar abandonado por impago, fue adquirido por el coleccionista Henry Vaccaro, considerado uno de los mayores poseedores de objetos personales del cantante. Otras piezas han sido compradas a fans que lograron hacerse con recuerdos en conciertos o a las puertas de hoteles, como una funda de cojín también expuesta. “Los fans esperábamos toda la noche frente al hotel donde se alojaba”, recuerda Lari.

La sala incluye además otros objetos curiosos como agendas de miembros de la familia Jackson, un cartel de “no aparcar” colocado por la policía frente a Neverland el día de la muerte del artista, publicaciones religiosas de los Testigos de Jehová, un barrote de la terraza de la casa donde se gravó “Thriller” o material promocional de sus giras. 

A ello se suma una extensa colección de vestuario, desde trajes y chaquetas icónicas hasta prendas más cotidianas como pijamas, bañadores, sombreros o zapatos de su infancia, de la época en la que formó, junto a sus hermanos, los Jackson 5.

Fan del artista desde los ocho años, Lari asistió a varias giras internacionales, pasó noches enteras esperando a las puertas de hoteles, conoció personalmente a Jackson en Los Ángeles en 2009 –de donde conserva un autógrafo expuesto en la sala– e incluso acudió a su funeral. Además, le dedicó un espectáculo de magia en Barcelona y publicó un libro sobre sus experiencias siguiendo a su ídolo.

La visita a la sala forma parte de la experiencia completa de la Casa dels Àngels, que incluye un recorrido guiado por la historia del edificio, un espectáculo de magia y un restaurante de cocina local. El inmueble, de 792 metros cuadrados, está catalogado como bien cultural de interés local y acumula siglos de historia: acogió una comitiva de Felipe V, recibió a Pau Casals y, según varias leyendas, fue escenario de un ahorcamiento de una chica considerada “bruja”.

La exposición pone en valor el legado artístico del cantante y presenta los objetos como auténticas piezas de museo, en contraste con la persistente controversia que sigue rodeando su figura por las acusaciones de abusos a menores.

Esta polémica se ha reactivado recientemente tras el estreno del documental The Trial, que incluye audios inéditos difundidos por el periódico The New York Post, en los que Jackson pronuncia frases sobre su relación con los niños como: “los niños acaban enamorándose de mi personalidad. A veces me meto en problemas”; “si me dijeras ahora mismo... 'Michael, nunca podrías ver a otro niño...' me suicidaría” o “los niños... solo quieren tocarme y abrazarme”.

Cabe recordar que en 1993 fue acusado por primera vez de abusos sexuales a un menor, aunque el caso se resolvió mediante un acuerdo extrajudicial. En 2005, un jurado lo declaró no culpable de todos los cargos en un nuevo proceso. Sin embargo, la controversia resurgió en 2019 con el documental Leaving Neverland, donde dos hombres denunciaron supuestos abusos en su infancia.

Aunque estas demandas fueron inicialmente desestimadas, en 2023 una corte de California reabrió los casos, y se prevé un nuevo juicio durante 2026. En este contexto, la figura de Michael Jackson continúa siendo objeto de debate global, mientras sus hijos intentan defender su imagen y proteger su herencia, también en medio de disputas legales relacionadas con la gestión de su patrimonio.

En 2022, Céline Dion canceló su gira mundial ‘Courage World Tour’, que previamente había sufrido retraso y reprogramaciones debido a la pandemia de Covid-19, y anunciaba públicamente que sufría una enfermedad crónica y neurológica que llevaba tiempo sufriendo sin saber que significaban los síntomas que tenía.

La enfermedad la ha tenido alejada de los escenarios durante más de cuatro años debido a que entre sus afectaciones está el perder el control muscular, tener crisis físicas severas y el no poder cantar con normalidad.

Todo pareció cambiar después de actuar en la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de París 2024, lo que siguió varias apariciones públicas como en los Grammy y la grabación de su documental ‘I Am: Céline Dion’, donde mostró su lucha durante este tiempo.

Así es el Síndrome de la Persona Rígida, la enfermedad que tiene Céline Dion

Céline Dion padece el Síndrome de la Persona Rígida, que en inglés se conoce como ‘Stiff Person Syndrome’, una enfermedad crónica y sin cura, aunque se puede tratar y es por ello por lo que la cantante canadiense puede volver a los escenarios después de un largo entrenamiento tras ser diagnosticada.

Esta enfermedad neurológica y autoinmune es muy rara, pues afecta aproximadamente a solo una de cada millón de personas en todo el mundo. Afecta principalmente al sistema nervioso central, es decir, a cerebro y médula espinal principalmente.

Entre sus síntomas principales se encuentran una rigidez muscular progresiva, espasmos muy dolorosos e involuntarios, dificultad para moverse, caminar o respirar, así como problemas para usar la voz, un hecho clave en el caso de Céline Dion como cantante y que complicaba el poder subirse de nuevo a un escenario.

Cómo ha logrado Céline Dion volver a los escenarios

La cantante anunció recientemente una residencia de diez conciertos en París, en La Défense Arena, entre septiembre y octubre de 2026, con lo que vuelve a los escenarios y a ofrecer espectáculo en vivo para sus fans.

Un hecho que es posible porque Dion afirma sentirse “fuerte, emocionada y preparada” para el reto, y que además ha vuelto a cantar e incluso “bailar un poco”. Desde que le diagnosticaron la enfermedad crónica, su objetivo fue volver a cantar y es por ello por lo que llevó a cabo un proceso muy exigente.

Durante estos años ha seguido un proceso de medicación e inmunoterapia junto a rehabilitación física, rutina “de atleta” para recuperar movilidad y entrenamiento vocal intensivo para hacer realidad una vuelta a los escenarios que celebran sus fans y el mundo de la música.

'Toledo en Concierto 2026' traerá a la capital castellanomanchega a artistas como Viva Suecia, Rosario Flores, Álex Ubago, Ana Torroja o El Arrebato durante el verano.

Este ciclo de conciertos comenzará el próximo 13 de junio con una fiesta de presentación junto a La Rock A, según ha indicado el director general de SYS Producciones, Marco Givica, y cuyo principal escenario será la Plaza de Toros.

El 20 de junio se producirá el concierto de Viva Suecia, seguido el 26 de junio de la mano de Rosario Flores. El 27 de junio tendrá lugar el festival de música La Sagra Suena, con las actuaciones de Ginebras, La Casa Azul, La Paloma, Les Castizos y Bita. Las entradas de este festival ya están a la venta y pueden adquirirse a través de esta web.

En el mes de julio la programación incluirá nombres como Álex Ubago (3 de julio), Ana Torroja (4 de julio), Lia Kali (10 de julio), El Arrebato (11 de julio) o Delaossa (17 de julio), además de D. Valentino y MVRK (18 de julio) y de una nueva edición de ‘Oro Viejo by DJ Nano’ (25 de julio), que celebra su quinto aniversario en Toledo.

En septiembre, el cartel se completará con artistas como Sergio Dalma(4 de septiembre), Vanesa Martín (5 de septiembre), Fernando Costa (11 de septiembre) o JC Reyes (26 de septiembre), junto a propuestas como el 41 aniversario de Luismi Family (12 de septiembre), el espectáculo de Aguilera y Meni (18 de septiembre) o el concierto de Celtas Cortos (26 de septiembre).

Givica ha destacado también el trabajo conjunto con el Ayuntamiento y los vecinos para mejorar la organización del evento y evitar molestias, “este año se realizará un único montaje en junio y un desmontaje al finalizar septiembre, reduciendo molestias. Además, se han establecido horarios sin música y las pruebas de sonido se realizarán únicamente por la mañana”.

Conciertos y espectáculos para todos los públicos

El concejal de Juventud y Festejos del Ayuntamiento de Toledo, José Vicente García-Toledano ha subrayado ue se trata de una programación “ambiciosa”, con la presencia de artistas “de primer nivel”. Igualmente, ha explicado la “consolidación” de la Plaza de Toros como “enclave cultural” para este tipo de conciertos: “Se va a volver a mejorar la Plaza de Toros, que ya el año pasado ofreció unas condiciones excelentes, con un césped que permitió disfrutar mucho de cada concierto y de cada evento”, ha señalado.

El edil ha destacado asimismo el carácter inclusivo de la programación, diseñada para todos los públicos: “Se ha trabajado en una propuesta pensada tanto para jóvenes como para mayores, incorporando además actividades vinculadas a la Semana de la Juventud, como los conciertos de JC Reyes, los monólogos de Aguilera y Meni o el espectáculo de techno flamenco, que está tan en auge actualmente”.

El concejal también ha avanzado nuevas medidas organizativas para mejorar la experiencia del público y la convivencia vecinal. Así, el Ayuntamiento difundirá infografías informativas sobre aparcamientos y accesos a través de sus canales oficiales, con el objetivo de evitar colapsos y facilitar la movilidad. “Hemos mantenido reuniones para garantizar una mejor convivencia con los residentes de la zona y asegurar que estos eventos puedan mantenerse durante mucho tiempo. Sin duda, será un año inolvidable”, ha afirmado García-Toledano.

Más allá de luces deslumbrantes y del combate asalvajado por la atención en redes sociales también hay vida musical en el pop: la guitarra eléctrica como medio principal -no único- de expresión, la artesanía de la canción como apología del trabajo humilde y constante, lírica sobre el paso del tiempo y el lugar natal, conciertos en su ciudad y alrededores “con alguna excepción”. “Como The Feelies, que hacen dos o tres conciertos al año en New Jersey, o Jonathan Richman, somos una banda de kilómetro cero”, define divertido a Tesouro su cantante, guitarrista y compositor, Carlos Rego. El grupo acaba de publicar No centro do mundo, su segundo elepé, rock eléctrico, sereno, adulto para bien, que abreva en una tradición americana a la vez subterránea y clasicista.

Tesouro nació de las canciones que Rego (Ourense, 1961) había ido grabando junto al batería Aser Álvarez, su compinche en Cosecha Roja -activos entre 1988 y 2001- y Burgas Beat -entre 2002 y 2012. Buscaban bajista y se sumó Dani Alonso, procedente de Os Amigos dos Músicos (sensibles practicantes de folk rock). La idea fue tomando forma. El trío editó Aquí conmigo (vinilo, Hanky Panky Records, 2022), quizás más garajero que su sucesor. “Me cuesta poner distancia respecto de lo que hacemos. Sí sé que No centro do mundo es el primer trabajo del grupo como tal, con sus cuatro miembros aportando”, explica en conversación con elDiario.es. La incorporación de Anxo Fernández a los teclados -Hammond, piano- completó la formación. “Los arreglos de No centro do mundo (vinilo, Hanky Panky Records, 2026) están más pensados de antemano. El primero fue más inconsciente”, añade.

Ahora entrega un disco con canciones en gallego y en castellano, con Rego como letrista que recurre sin complejos a sus poetas de guardia: el espléndido vanguardista Manuel Antonio (1900-1930), el preciso y contracultural Lois Pereiro (1958-1996), Karmelo Iribarren, el anónimo autor de Silencio de Ourense. “La ciudad donde vives te marcha mucho. Esa idea del 'centro del mundo' se repite en varias canciones. En la de Pereiro, por ejemplo [Revisando os danos, a la sombra de The Dream Syndicate], o en lo que hacíamos con Burgas Beat”, dice, aunque remite el origen del concepto al recuerdo distorsionado de un diálogo de la película Los puentes de Madison (Clint Eastwood, 1995). “Los que habitamos ciudades pequeñas parece que estamos apartados de las corrientes principales y a veces es al revés”, puntualiza. Todo en Tesouro rechaza la grandilocuencia. Su épica, de haberla, es la cotidiana.

“Empresa mínima que no da pérdidas”

Los amplificadores por momentos restallan a lo Crazy Horse, el garage rock se desprende de lugares comunes en la estela de los Yo La Tengo de los 80, hay interrupciones acústicas (Silencio de Ourense, el arranque de la hermosa Sós o Manuel Antonio se disuelve en folk rock con punteos espejados en Television). ¿Por qué seguir escribiendo canciones tras casi cuatro décadas en una zona prestigiosa pero en sombra de la escena musical? “Por dinero seguro que no”, responde entre risas, “con el dinero y las horas que llevo invertidas en la música ya habría pagado la hipoteca. A veces yo también me hago esa pregunta”. Rego atravesó algún período de sequía, el más largo los cinco o seis años en torno al libro sobre Derribos Arias que publicó en 2015 (Derribos Arias. Licencia para aberrar, en 66rpm ediciones).

“Pero las canciones aparecen, quieren salir. Y tengo la suerte de que haya gente a mi alrededor que me ayuda a sacarlas al exterior, Dani, Aser, Anxo ”, se extiende, “y a mantener el nivel. De tercera regional, pero nivel [ríe]. Tenemos la posibilidad de tocar en condiciones. Somos una empresa mínima que no da pérdidas”. Tesouro, como antes Burgas Beat y aún antes Cosecha Roja -que alimenta cierto estatus de culto, elaborado pop energético-, despliega todas sus potencias en directo. “Eso es innegociable. El grupo tiene energía, sus canciones tienen nervio y ganan en vivo”, asegura, preguntado por lo paradójico, o no, de facturar rock adulto. “Lo que no queremos es quedarnos en el middle of the road [MOR]”, dice. Al fin y al cabo, “esto es un experimento, saber hasta cuándo se pueden hacer cosas con significado”. No hace tanto tiempo que el rock se ha hecho mayor y Neil Young no lleva la vejez de la misma manera que los Rolling Stones. Por ejemplo.

Y es que, pese a cierto discurso dominante, la chavalada sigue enchufando guitarras, considera. “Alcalá Norte o Carolina Durante no dejan de ser grupos de guitarras y triunfan. O The Rapants, que musicalmente están lejos de mí pero a los que tengo mucha admiración”, señala, “los vi crecer en los garitos de Muros (A Coruña), donde veraneo desde hace 30 años”. No todo tiempo pasado fue mejor, tampoco a este respecto. “El rock ya era minoritario cuando yo era adolescente. Si hay una expresión que odio es 'en mi época”, explica con sarcasmo, “hablas con tres tipos de mi edad y cada uno tiene su época. Cada uno la vive de manera distinta”. Lo que además no impide que criterios y preferencias evolucionen: “Yo odiaba los Bee Gees y ahora me parecen buenísimos. Incluso la banda sonora de Fiebre del sábado noche”.

En todo caso, la tarea de Tesouro y sus guitarras no es el baile, sino las canciones. Que además no esconden sus aires de familia. “No me niego a que se note lo que me gusta”, admite, “soy un humilde compositor. Los que no queremos inventar la rueda también tenemos derecho a hacer una rueda bien hecha”. Para Rego, mozo en un barrio del Ourense de los 70, el pop -en sentido amplio- fue su música folk. “Yo no accedí a la música tradicional gallega hasta más tarde. Solo algún disco de Fuxan Os Ventos [mítico conjunto vocal cuya etapa de mayor repercusión fue en la segunda mitad de los 70] que compraba mi padre”, confiesa, “pero sé que también sigo una tradición”. La del rock eléctrico, independiente y de orfebre. Sobre el que también escribe.

Los libros: de Bibiano a Modern Lovers

Rego ha publicado una celebrada monografía sobre la evanescente etiqueta Nuevo Rock Americano (NRA) -prácticamente creada por la prensa musical española y que englobaba a REM, Los Lobos, Dream Syndicate, Green On Red- y la biografía de Derribos Arias. Profundizó en la obra de Magín Blanco, artesano del rock eléctrico con La Rosa en los 80 reciclado en músico para la infancia, y la reevaluó. Su último libro repasa la increíble vida y la valiosa obra de Bibiano Morón, cantautor antifranquista y autor de tres magníficos elepés de folk progresivo entre 1975 y 1979. Tras el verano, la editorial Sílex publicará la aproximación de Rego a uno de sus héroes, el estadounidense Jonathan Richman. “Me centro en su primer grupo, los Modern Lovers originales”, explica, “activos entre 1970 y 1974 y que no sacaron ningún disco. Son un OVNI en la carrera de Richman”. Solo en 1976 apareció The Modern Lovers, con las maquetas registradas en el 72 producidas por John Cale, y se convirtió en uno de las fuentes secretas de la inmediata explosión punk. “Es un libro diferente a todo lo que he hecho hasta ahora, con otra forma”, apunta.

Mientras, Tesouro llevará a los escenarios No centro do mundo. Siempre bajo la filosofía del kilómetro cero. Este 4 de abril lo presentan en A Arca da Noe, en Vilar de Santos, en el corazón de la comarca de A Limia. El 18 apoyará a la única tienda de discos que resiste en Ourense, Bonus Track, junto a la surf music de Phantom Dragsters, también locales. Y el 24 del mismo mes abre para una banda legendaria y asociada al NRA, los Long Ryders de Sid Griffin, en la Sala Capitol de Santiago de Compostela. Ya en mayo, en el fin de semana del Día de los Trabajadores, Tesouro estará en la Fundación Club 45 de Álex Cooper -el de Los Flechazos- en León.

El clip de su último sencillo, Non sei como, podría ser como una síntesis del mundo Rapants: una bola de discoteca, voces featuring Joe Crepúsculo, una taberna a la orilla del indómito Atlántico, la camiseta de cuando el Dépor ganó la Liga, azafatas de avión en las naves de un puerto pesquero, actores tan míticos como Miguel de Lira y Federico Pérez, una serenata con gaita y tuba, cierta atmósfera lynchiana pero con retranca, un entierro, parejas cruzadas. E indie dance de amor y desamor, música disco con guitarras vivas, una habilidad indudable para la forma canción. The Rapants son el último fenómeno del nuevo pop gallego y tal vez, por su envergadura, uno de los más inesperados: han vendido casi 6.000 entradas para el concierto en el que, este 28 de marzo en el pabellón Multiusos Fontes do Sar de Santiago de Compostela, presentarán Rapants Club, su cuarto disco.

“Son unos chavales de Muros que lo petan. Esa idea es algo bonito a lo que adherirse. Tienen autenticidad, y eso cuenta”, intenta desentrañar el secreto de su éxito la periodista María Yáñez. No es fácil: una banda de guitarras, bajo y batería que, nacida en el subsuelo, cantando en gallego y sin una gran promotora detrás, reúne miles de personas. En 2026. “El mérito de The Rapants, en mi opinión, es que, por primera vez, el mainstream gallego no necesita ser validado fuera”, añade Yáñez, “al contrario de lo que sucedió con Iván Ferreiro, Xoel López o antes con Luz Casal. Incluso con Tanxugueiras”. Precisamente as Tanxugueiras, que cruzan la música tradicional con los denominados sonidos urbanos, son el precedente más obvio de The Rapants en cuanto a poder de convocatoria de una propuesta en gallego: en diciembre de 2023 agotaron localidades en el Coliseum de A Coruña, unas 9.000.

“No quito ningún valor a Tanxugueiras, al revés, pero su fama no creció de una manera tan orgánica como la de The Rapants, sino vinculada a su decisivo paso por el Benidorm Fest”, argumenta Karan Novo, uno de los organizadores del Emigrasón, festival de música y cultura gallega en Bruselas. Rapants han tocado en tres de las cuatro ediciones. En ese “crecimiento muy orgánico”, es decir, escenario a escenario, de minúsculas salas al pabellón do Sar, detecta Novo una de las fortalezas del grupo de Muros (A Coruña), pueblo marinero de unos 8.000 habitantes. “Hicieron bolos en todas partes y fueron construyendo su base de fans. Hacen las cosas bien, sin salidas de tono, ni en las tablas ni fuera de ellas”, considera, “son divertidos y no se flipan. Y tienen mucho carisma, algo que o se tiene o no se tiene. Aura, se dice ahora”.

Del garage a la pista de baile

La banda se formó en 2018: Samuel (guitarra y voz), Xanma (guitarra y voz), Matías (bajo y teclados) y Xaquín (batería). El primer espejo en que se miró -lo citan a menudo en entrevistas, recuerda María Yáñez- fue el de sus paisanos Terbutalina, divertido garage punk ramoniano, también en gallego, activos entre 2010 y 2025 y con discos como Hostias para todos (2012), Ritmo serbio (2013) o Al otomano se la va la mano (2015). Pero el sonido Rapants enseguida abandonó aristas garajeras y se enfocó hacia el baile, en parte una revisión del post punk aggiornado de los dosmil, en parte ítalo disco y ecos de Daft Punk. “La perfección de la fórmula bailonga del ya clásico indie rock con mecánico charles a contratiempo”, lo describió el crítico Noel Feáns en el diario Praza hace dos años, cuando salió su tercer disco, La máquina del buen rollo. “Son do it yourself total”, concede el crítico Fernando Fernández Rego, impulsor además del sello Ferror Records, “han crecido con cada disco. Nunca se acomodaron. Son ambiciosos: no se conformaron con llenar Capitol [conocida y activa sala de Santiago de Compostela, con capacidad para 700 personas] un año detrás de otro. Apostaron por la profesionalización de la banda, como en su momento lo hicieron Triángulo de Amor Bizarro y Novedades Carminha. Y su conexión con el público es brutal”.

Conexión y ambición, estas dos ideas se repiten entre los expertos consultados. “Parece música ligera pero se toman muy en serio a sí mismos y a su proyecto”, coincide María Yáñez, que pone de ejemplo Non sei como, uno de los adelantos de su último disco: “Es un temazo brutal. Pero el videoclip, hacer un videoclip de ese nivel, en concepto y ambición, demuestra de lo que son capaces”. Lo dirigieron Juan Barbazán, Sergio Goce y Manu Seo. “Son además humildes y se rodean de buenos profesionales, también a nivel técnico o de comunicación”, dice Karan Novo, “a lo mejor la clave está ahí. Siguen con una promotora pequeña. Tienen identidad propia y trabajan con gente que los entiende”.

Cambio de paradigma lingüístico

Y ya nadie les pregunta por la lengua en la que cantan. Y cuando lo hacen, reciben sarcasmo como respuesta. “Hablan de sus cosas en su idioma, casi en su dialecto”, apunta Yáñez. El gallego de Muros posee sus particularidades y The Rapants están orgullosos, no lo ocultan. Para Karan Novo, simbolizan un cambio de paradigma: “Cantan en gallego sin complejos, lo normal”. Alguna vez les preguntaron por qué lo hacían, relata Novo, y respondieron con ironía: “No nos habíamos dado cuenta”. Fernández Rego, veterano de la escena indie y underground, hace memoria y asegura que, todavía en 2006, la mayoría de las bandas gallegas se expresaban en inglés o castellano, “el gallego era la excepción”. “Hubo un giro y ahora es casi lo opuesto, se defiende lo propio”, celebra, “aunque, por fuerza, pueda haber algo de hype. Ahora el mainstream puede estar en gallego, para lo bueno y para lo malo”.

“Tienen potencial para salir fuera de Galicia”, entiende Yáñez, “aunque me encantaría que no lo necesitasen. Que pudiesen desarrollar una carrera, llenar conciertos, vender entradas y crecer sin que los tuviesen que validar en el exterior”. Rego cree que ese salto es aún materia pendiente -pese a que con el disco anterior giraron por todo el Estado- y ve así la cuestión: “Mola que les vaya bien, que haya referentes pop en gallego. Mejor unos chavales de Muros que Sidonie, Love Of Lesbian y todo ese rollo que nos están vendiendo”.

La banda sonora de las generaciones

Al cierre de su reseña de La máquina del buen rollo, Noel Feáns establecía algo así como una tesis sobre el fenómeno Rapants. Entonces acababan de colgar dos sold out consecutivos en la mencionada Sala Capitol e iban a ser una de las pocas bandas en gallego en el macrofestival O Son do Camiño. Pero la vista todavía no alcanzaba la dimensión que está tomando el fenómeno y las casi 6.000 entradas en Sar -donde los telonearán Úlex, novísimo pop guitarrero. “Cada generación tiene su banda favorita sobre el escenario y no siempre por motivos estrictamente musicales”, escribía Feáns, “hay factores como la diversión sobre y bajo el escenario o el número de hits coreables. Los de los 80 tuvieron a Siniestro Total. Los de los 90 tuvimos a Heredeiros da Crus. Los de los años 10 a Novedades Carminha. Y los de los 20 tienen a los Rapants”.

Desde el principio del concierto de Suede en La Riviera este lunes, ya a Brett Anderson se le notaba que tenía un secreto.

Hacía 13 años que Madrid no veía un show de Suede en una sala, desde que el disco Bloodsports (2013) trajo al grupo también a La Riviera, e igualmente con entradas agotadas. Suede es un grupo que se ha malacostumbrado a los festivales. En España, debe ser raro que les quede alguno sin pisar.

Festivales y geografía. En su idilio con España, el grupo británico, uno de los cuatro grandes del britpop, ha visitado lugares como Calvià, Ourense, Maracena, Escalarre u Oviedo. En la gira actual, en la que presenta el espléndido disco Antidepressant (2025), se está pateando la península, desde Sevilla hasta A Coruña. En verano habrá una nueva oportunidad de ver al grupo, en un programa doble junto a Nacho Vegas en el festival Pirineos Sur (en Lanuza, Huesca), el 10 de julio.

La de anoche no era la mejor para la garganta de Brett Anderson, pero hizo todo lo posible por compensarlo (otros hubieran cancelado). Salió al escenario con la decisión con la que siempre traspasa la cortina que separa el mundo íntimo del mundo del espectáculo. Fue puro nervio del principio hasta el final, desde Disintegrate hasta Dancing with the Europeans. 

Hay pocos frontman como él. Anderson ha patentado algunos movimientos icónicos, de manera que cualquiera que los intente, no será más que un imitador torpe. Estos son algunos: trepar hasta el filo de los monitores y, una vez arriba, mostrar su zapato lustrado; rebotar de manera incesante como si unos muelles imaginarios en los talones provocaran cierto vibrato en la voz; hacer girar el micrófono agarrado por el cable como si fuera una honda, veloz y peligrosa, después usarlo como un látigo, para que finalmente se enrede por inercia alrededor de su propio cuerpo, siempre al borde del estrangulamiento. Anderson, siempre al borde de todo: de los monitores, de los escenarios, de la vida.

Anoche, Brett Anderson estaba algo afónico. Se sinceró con el público y pidió ayuda en algunas canciones. El público español que le ha visto mucho, se ha sentido algo decepcionado. Pero incluso ese espectador exigente sabe que el peor concierto de Suede es un gran concierto, así en general. “La perfección es aburrida”, le dijo al público. A pesar de que la voz iba perdiendo matices y fuerza según avanzaban las canciones, Anderson completó la interpretación acústica de The Wild Ones con una frase a capella, como suele hacer en esta gira.

Unas flechas blancas pintadas con pegatinas sobre el suelo del escenario marcan a Brett Anderson el camino hacia su público. Un pequeño carril le conduce hacia el borde y, de ahí, a una escalerilla por la que desciende en reiteradas ocasiones, en todas las ciudades, para destruir la barrera del foso. Brett se baña entre los cuerpos de su público. La felicidad que le embriaga de una manera tan evidente, se derrama entre los abrazos, las fotos, las palmas que tímidas dan un pequeño toque sobre sus hombros e incluso los pasos atrás, con respeto y reverencia, que algunos dan para abrirle paso y que no quiera regresar pronto allá arriba, donde Mat Osman, Neil Codling, Richard Oakes y Simon Gilbert siguen a lo suyo, tocando para que nada de desmorone.

Dancing with the Europeans —canción que da título al tour, tercer single del disco y tema explosivo que cierra los conciertos— está inspirada, lo ha contado Brett Anderson, en un concierto que dio Suede en España hace tres años, cuando el cantante estaba pasando por una depresión y algo pasó con ese público, con la energía de esa noche, que fuimos como antidepresivos para él. Ese día comprendió lo importante que es sentirse “más grande” que uno mismo, parte “de un grupo”. Resulta que el grupo no es Mat, Neil, Richard, Simon y Bret. El grupo es también María, Nino, Iñaki, Alberto, Miguel, Raúl, Elena, Estela y miles de personas más. Todos somos Suede, de eso va este disco. De conectar en un mundo desconectado.

Al final del concierto, Brett Anderson ya no pudo guardar el secreto por más tiempo, y dijo que lo iba a contar. Los grupos, explicó, suelen decir que la ciudad en la que están es la mejor, y que tiene el mejor público —“you’re beautiful!” gritó en Beautiful Ones, y seguro que eso lo dice siempre, y seguro que siempre es verdad— pero en “fucking Madrid” esta es verdad de la buena, dijo, con palabras similares.

BTS está preparando su gran comeback. El próximo 20 de marzo, la banda de K-pop lanzará ARIRANG, su quinto álbum de estudio y, probablemente, uno de los más esperados de su carrera. El disco llega después de Proof (2022), su último disco, y será el primero que lancen tras el periodo en el que sus miembros han cumplido con el servicio militar obligatorio en Corea del Sur. 

El título del álbum hace referencia a una de las canciones folclóricas más conocidas de Corea, convertida en un símbolo cultural del país. En sus redes sociales, la banda ya ha lanzado algunas pistas sobre lo que será el disco; entre ellas, el número de canciones, el título de las mismas y, lo más interesante, quién ha trabajado en cada una de ellas. 

El proyecto reúne a una amplia lista de colaboradores internacionales, entre ellos Kevin Parker (Tame Impala), Diplo, Flume, Ryan Tedder (OneRepublic), Mike WiLL Made-It y el rapero JPEGMAFIA. También cuenta con aportaciones de Tyler Spry (compositor habitual de Bad Bunny), Teezo Touchdown, Artemas, Sean Cook y el productor surcoreano Pdogg, además de Nitti, Fakeguido, Pluss y Picard Brothers.

Y entre toda esta lista de nombres, también encontramos el de El Guincho. El productor español, cuyo nombre real es Pablo Díaz-Reixa, dejó su huella coproduciendo El Mal Querer, el álbum que Rosalía lanzó en 2018 y que catapultó su fama y su forma de fusionar el flamenco no solo en nuestro país, sino también a nivel internacional.

El canario también trabajó con la catalana en Motomami (2022), su álbum más experimental, firmando la producción de temas como La fama, Como un G, Chicken Teriyaki o La Combi Versace. Pero más allá de esto, El Guincho ha trabajado con otras muchas estrellas internacionales, incluyendo a Frank Ocean, Camila Cabello, Björk, Charli XCX y JENNIE de BLACKPINK, entre otras. 

Una gira internacional

No es la primera vez que BTS se acerca a la música en español. En 2019, j-hope (miembro de la banda) y Becky G lanzaron Chicken Noodle Soup, un tema que mezclaba coreano, inglés y español sobre un ritmo de hip-hop latino. Veremos en qué se traduce musicalmente la colaboración de los surcoreanos con tantos productores internacionales.

Por lo pronto, ya sabemos que el grupo emprenderá una ambiciosa gira mundial de estadios con 82 conciertos. El tour arrancará el 9 de abril en la ciudad coreana de Goyang para dirigirse a Japón y de ahí a Norteamérica. En Europa, BTS actuará en París, Londres y también en Riyadh Air Metropolitano de Madrid los días 26 y 27 de junio.

Es una de las melodías más reconocibles del pop de los 2000 en España y uno de los temas más reconocibles de la discografía de El canto del loco, y era número uno en las listas de éxitos hace 20 años exactamente. Sucedieron a ‘Rutinas’ de Chenoa el 11 de marzo y no abandonaron lo más alto hasta abril, cuando Madonna llegó con su mítico ‘Sorry’.

Hablamos de ‘Volverá’, segundo sencillo de ‘Zapatillas’, el disco más exitoso del grupo que dejó algunas de las canciones más conocidas del pop de los 2000. De hecho, es la canción que tiene récord de permanencia con cinco semanas no consecutivas en el número uno de los 40 principales y hasta 21 semanas en total entre la lista de singles.

'Zapatillas' es el disco de El canto del Loco más vendido

Es principios de 2006 y el grupo integrado por Dani Martín como vocalista, David Otero como guitarrista, Chema Ruíz como bajista y Jandro Velázquez como batería, lanza su segundo sencillo de ‘Zapatillas’. Un canto a la nostalgia, al anhelo de ese amor perdido, de una persona especial que vuelve a menudo al pensamiento, que se convirtió en uno de los grandes éxitos de la banda.

Envuelta dentro de disco en el que se basaron en historias de hechos reales, experiencias personales o no, como bien comentó el propio Dani Martín tras el lanzamiento de la canción: “Lo más importante de todo es que las canciones sean buenas. Con cada una todo el mundo se va a sentir identificado... son muy de que te levantas a las 8 de la mañana hasta que te acuestas a las 10 de la noche. Son cosas que nos pasan a todos... y cuando digo a todos digo a mi abuela, a mi padre, a mi prima pequeña y a mi hermana mayor”.

‘Zapatillas’ surgió de la convivencia entre giras: “Ha sido lo que nos ha salido. Enchufa el ampli, cógete un cuaderno y vamos a empezar a tocar. Así se ha compuesto y así se ha plasmado en el CD”, y de ahí su enfoque en el directo, y el resultado fue una gira de más de 800.000 asistentes a los cientos de conciertos que se ofrecieron, con hasta tres llenos en Las Ventas en julio de 2006 de forma consecutiva. El disco fue todo un éxito, el mayor de El canto del Loco, con más de 420.000 copias vendidas, el segundo álbum con más ventas ese año tan solo por detrás de ‘Pájaros en la cabeza’ de Amaral.

Una canción que plagió una banda nazi

Además de todo el éxito, ‘Volverá’ tiene un curioso hecho relacionado. Y es que una banda de ideología nazi llamada Hauptkampflinie plagió la canción con la misma música, aunque le varió la letra a su antojo y haciendo referencia al mensaje que querían dar.

La titularon ‘Vorwärts über Leichen’ (‘Adelante sobre cadáveres') y la colgaron en redes sociales, pero no contaban con permiso por parte de ‘El canto del Loco’ y es por ello por lo que a través de sus managers emprendieron acciones legales al utilizarla “sin ningún tipo de permiso”.

El pop español tiene un secreto. Suena a palabra en clave, a código de operación: Spicnic. Es el nombre de un sello discográfico activo desde 1994, pero reducirlo a esa definición, “sello discográfico”, es no llegar a entender qué es exactamente Spicnic.

Spicnic es “una mezcla entre retrofuturista, interplanetaria y nostálgica”. Spicnic es un “pasatiempo”. Spicnic es una hazaña, un asombro, un increíble. “Tenemos un público muy pequeño pero muy fiel, se puede decir que los conocemos a todos por su nombre y apellido”, dice Manuel Ríos, uno de los músicos que ha impulsado Spicnic a lo largo de los años. Además, es el cantante de Los Verdugos, el último grupo que han lanzado.

Además de las bandas de su propia factoría —Alpino, Tornasol, Meteoro, Astrogirls, Hello Cuca—, Spicnic ha descubierto a mitos del pop español como Los Fresones Rebeldes, Parade, Intronautas o Los Caramelos. El sello comenzó publicando los grupos que estaban en la órbita propia: la del fanzine Stamp y los grupos Terry Cuatro (glam gamberro de Villarrobledo) y Los Vegetales (el grupo de los hermanos Canut); “de ahí viene todo”, dice Alfonso Melero, que estuvo en Terry Cuatro, Hello Cuca, Alpino y Los Verdugos. ¿Qué cabe en Spicnic? “Todas aquellas cosas que nos gustan y que hace que cobre sentido ‘nuestro pequeño mundo’ o como diría Esty Quesada… fantasía”, define Juli Lee (Terry Cuatro, Astrogirls, Alpino, Los Verdugos). 

Hoy siguen apareciendo grupos en Spicnic que encajen con el criterio de la llamada spicnicidad, como Las Kasettes o Chinchetas. Y hay artistas que no graban en este sello, pero que bien podrían haberlo hecho si se hubieran profesionalizado, como Espanto, Confeti de Odio o Generador. O cualquier grupo español cuya maqueta hubiera sonado en el desaparecido programa de radio Flor de Pasión, de Juan de Pablos. “Siempre hemos sacado uno o dos discos al año, tanto ahora como en épocas más activas... En el 97, que fue el año en que más sonamos, creo que solo sacamos el primer EP de Los Fresones Rebeldes y el disco de [homenaje a] Tim Burton... Llevamos desde el 94 y este ha sido el Spicnic 41”, señala Alfonso para recordar que, en realidad, aunque tuvieron más notoriedad en los 90, siempre han estado ahí, haciendo más o menos lo mismo.

Los Verdugos, un descacharrado combo de pop punkoso y ramoniano a rebosar de referentes de la cultura pop española, acaban de publicar su primer long play —y solo en vinilo—, Episodios personales, a pesar de que sus primeras canciones se editaron hace casi diez años. Los Verdugos no dan conciertos ni tienen una oficina de marketing. Solo están aquí para “pasarlo bomba”, dice Manuel. Dioni Melero dice que la cosa consiste en “quedar para hablar de música y películas” y Juli Lee añade que sus intenciones son: “Pasar el tiempo comiendo pipas mientras vemos televisión, hablar de canciones y pensar en la dominación mundial”.

Después de un par de singles, un recopilatorio y un minielepé, han visto que al fin tenían tantas canciones como para “hasta descartar alguna”, señala Fernando Delgado, por lo que ya podían mandar “¡a positivar!”, dice Dioni. Los componentes de Los Verdugos, si vemos su evaluación desde los grupos anteriores, comenzaron en el punk, pasaron por una etapa más pop y tecnopop, y han vuelto al punk guitarrero, en un arco narrativo de 30 años que Dioni no ve como una evolución: “Cuando tenía 13 años vi actuar a Alaska y los Pegamoides en Villarrobledo y justo en ese punto me quedé”. “¡Viva la involución!”, dice Juli Lee. “Ha sido algo natural”, apunta Fernando. “Sin desmerecer a Alpino, porque me encantan las canciones que hicimos, yo disfruto más de este sonido guitarrero ya sea pop, punk, glam… me sorprendo más a mí mismo haciendo así las canciones y creo que nos limita menos. Los Ramones es un grupo importantísimo para todos, los hemos visto juntos dos veces y la cabra tira al monte”, explica Manuel.

El cine español mal visto

Forma parte de la seña de identidad de Los Verdugos, y en general de estos músicos en todos sus grupos y fanzines, reivindicar el cine clásico español. José Luis López Vázquez es su “actor más fetiche”, dice Fernando, y aparece en las portadas de sus discos Somos gente honrada y Episodios personales. “Quizás se nos ha ido un poco de las manos, pero nos da igual”, añade. “Es un ídolo absoluto, para nosotros su presencia es un estado de ánimo en sí mismo”, apunta Juli Lee.

“El cine español que homenajeamos desde el fanzine Stamp está mal visto por muchos”, explica Manuel Ríos. “Recuerdo cuando en los periódicos valoraban con estrellas las películas que echaban en la parrilla de televisión y a esas que nos gustan no les daban ni una estrella, tan solo un punto. Son películas que veíamos siempre semanalmente de pequeños, antes de que existiera Cine de Barrio, y reflejan con acierto un costumbrismo y una época. Fernando y yo somos de Moratalaz y escuchar a Gracita Morales decir con ilusión ‘¡un pisito en Moratalaz!’... o para Juli, Alfonso y Dioni escuchar ‘Club Deportivo Villarrobledo’ en la boca de Gracita Morales porque le toca la quiniela… ¡lo más!”.

“Sentimos que hay una cultura pop española que está llena de joyas que han sido injustamente olvidadas por el gran público, supongo que es algo generacional”, añade Juli Lee. “El cine español de los 60 y 70, con ese tono costumbrista, lleno de personajes que se encuentran en situaciones de precariedad y con la frustración del momento pero con sentido del humor y repleta de gente honrada que suele meterse en unos líos tremendos por amor o desesperación y que son obras maestras” es lo que reivindican, prosigue.

“También nos gusta Paul Naschy y su cine de terror con monstruos, licántropos, vampiros, momias, brujas y casas encantadas, ¡qué más se puede pedir!”, recalca Juli, que no quiere olvidarse de nombrar a la directora pionera Josefina Molina, que tiene ahora 89 años. “También somos muy de reivindicar actores concretos”, añade Fernando. “Somos capaces de aguantar una película infumable por ver 30 segundos a Josele Román, por ejemplo”. Y no solo las comedias, también son importantes para ellos películas como Furtivos (1975) de José Luis Borau o Mi querida señorita de Jaime de Armiñán, protagonizada por López Vázquez en 1972 y de la que el 17 de abril se estrenará un remake escrito por Alana S. Portero.

Reivindicar a Los Verdugos es reivindicar, por tanto, esa genealogía. Y la de una idea de canción “con una melodía perfecta que sonase en los autos de choque, que tenga poca duración y que sea pegadiza”, define Juli. Un grupo en el que resuenan los Ramones pero también Morrissey, The Cramps, ABBA y Alaska y los Pegamoides.

En marzo de 1986, el grupo Olé, Olé pasaba por uno de sus momentos más trascendentales. Tras la salida de Vicky Larraz para comenzar una carrera en solitario, llegaba la publicación del disco Bailando sin salir de casa, que sería el primero con su nueva vocalista, que pasaría entonces de ser una desconocida de 19 años a uno de los rostros más reconocibles del pop español.

Hablamos de Marta Sánchez, que se presentó en la escena musical con el tercer disco de Olé, Olé, que cumple 40 años. La cantante transformó la identidad del grupo hacia una estética más sofisticada, elegante y teatral, así como provocadora.

De una canción de guerra a la carta de presentación de Marta Sánchez

El primer éxito de Olé, Olé con Marta Sánchez fue la canción ‘Lili Marlén’, sencillo del mencionado disco que tan solo un día después de su salida se convirtió en número 1 de la lista de los 40 principales y todo un éxito inmediato. Un tema, sin embargo, que guarda una curiosa historia detrás, al ser una versión moderna de un himno alemán de la Segunda Guerra Mundial.

Y es que el tema ‘Lili Marleen’ había sido uno de los que había mantenido con motivación a los soldados alemanes en plena Segunda Guerra Mundial, que a su vez era una adaptación de un poema que se había escrito hace dos décadas, durante la Primera Guerra Mundial, en 1915.

Fue concretamente una noche de abril de 1915 cuando el entonces soldado Hans Leip escribió ‘Lili Marleen’ en un bloc de notas con tan solo 21 años y frente al cuartel de Kesselstrasse de Berlín, donde estaba de guardia un día antes de ser enviado al frente. En el poema, que completaría más adelante, no se dirigía a una chica, sino a dos, Lili y Marleen, de las que le dolía separarse.

No se publicaría hasta 1937 en la colección ‘Die Hafenorgel’ (El órgano del puerto) y en ese momento pasó completamente desapercibida. Fue dos años después, en 1939, cuando el compositor Norbert Schultze musicalizó la canción junto a la cantante Lale Andersen, y se convirtió en todo un éxito.

A pesar de que a Goebbels se dice que no le gustó y que la encontró “insuficientemente heroica”, de 1941 a 1945 no dejó de sonar en la radio militar Belgrado y se convirtió en uno de los temas populares a ambos lados del frente de la Segunda Guerra Mundial, pues en 1942 comenzaron a aparecer versiones en inglés.

Aunque fue la versión de Schultze la que hizo conocida a ‘Lili Marleen’, fue su compositor original, Hans Leip quien se llevó el reconocimiento, y a quien escribió el propio general estadounidense Dwight D. Eisenhower dándole las gracias de ser “el único alemán que había traído alegría al mundo entero durante la guerra”. Para él, sin embargo, sus versos fueron solo “una sencilla canción de amor sobre la triste despedida de un soldado en el frente”.

La canción, así, siguió generando versiones hasta llegar a la del grupo español Olé, Olé y que encontró en ella el inicio de una exitosa etapa junto a Marta Sánchez hasta principios de los 90, cuando la cantante se separó para iniciar una carrera en solitario que todavía perdura y que ha celebrado con su reciente álbum “40 años: 1985-2025”, junto a sus comienzos con el grupo, donde está precisamente ‘Lili Marlén’.

En marzo de 1996, de hace tres décadas, Céline Dion estaba en un gran momento profesional, con su disco ‘Falling into You’ siendo todo un éxito de ventas, pero también con una de sus canciones nominada al premio Oscar, “Because you Loved Me”, compuesto por Diane Warren, eterna pretendiente al galardón de mejor canción original.

Ese mismo año, Céline Dion, sin embargo, alcanzaría uno de sus grandes éxitos con la balada "It's All Coming Back to Me Now", que se mantuvo en el puesto número 2 de la lista Billboard durante cinco semanas. Durante sus más de siete minutos de duración es otro ejemplo de cómo la literatura universal ha influenciado himnos de la música pop porque está inspirada en Cumbres Borrascosas.

Así lo confirmó su compositor, Jim Steinman, artífice también de éxitos como “Total eclipse of the Heart” de Bonnie Tyler, a la que se le habría ofrecido anteriormente esta canción, que finalmente grabó el grupo femenino Pandora’s Box en 1989. De esta partió la de Céline Dion, que es una versión, con algunos tramos musicales aprovechados de la original.

Cumbres Borrascosas y la canción “más apasionada y romántica”

El compositor Jim Steinman, quien estuvo detrás de muchos de los temas del cantante Meat Loaf, compuso “It's All Coming Back to Me Now” en su “intento de escribir la canción más apasionada y romántica que jamás podría escribir, bajo la influencia de Cumbres Borrascosas”, que aseguró ser su novela favorita.

Fue precisamente una escena de la novela la que quiso captar, con ciertas libertades respecto a la historia original: “Esta canción es extrema, es una motocicleta erótica. Es como si Heathcliff desenterrara el cadáver de Cathy y bailara con él bajo la fría luz de la luna. No hay nada más extremo, operístico o apasionado que eso”, reconoció en una entrevista.

“It's All Coming Back to Me Now” y el lado tóxico del amor

Jim Steinman quiso plasmar uno de los principales temas que toca Cumbres Borrascosas como es el amor tóxico y lo que conlleva la intensa pasión oscura: “Trata sobre la obsesión, y eso puede ser aterrador porque pierdes el control y no sabes dónde va a parar. Dice que, en cualquier momento de la vida de alguien, cuando ha amado a alguien con suficiente intensidad y esa persona regresa, cierta caricia, cierto gesto físico puede convertirlo de ser desafiante y sentir asco con esa persona a ser de nuevo servil. Y no es solo una sensación placentera la que regresa, es el terror absoluto y la pérdida de control. Y creo que, en última instancia, eso es una gran arma”.

En “It's All Coming Back to Me Now”, que Céline Dion llevó al gran éxito convirtiéndose en uno de los clásicos de su longeva carrera musical, el compositor también tuvo influencia de Richard Wagner, del que también se confirmó admirador. En críticas como las de Sunday Times pueden ver atisbos de la ópera de Tristán e Isolda del alemán, con esa “pasión extrema y amor obsesivo”.

Es la compositora detrás de éxitos pop como “Un-Break My Heart”, “If I Could Turn Back Time”, “Rhythm of the Night” o “Can’t Fight the Moonlight”, ha compuesto más de mil canciones para cantantes que van desde Aretha Franklin, Whitney Houston, Lady Gaga, Kiss o junto a Taylor Swift, pero también es una de las personas que más veces ha estado nominada al premio Oscar sin ganarlo.

Hasta esta edición era Greg P. Russell, mezclador de sonido, con 16 nominaciones, la persona que más premios Oscars había perdido, pero con su nominación número 17, ese honor lo podría ostentar Diane Warren, de la que hablamos en esta ocasión. De ganarlo podría romper una “maldición” con menos espera de la que tuvieron el mezclador de sonido Kevin O’Connell, que estuvo nominado 20 veces antes de ganarlo en 2017, o el compositor Victor Young, que tuvo 22 nominaciones antes de conseguir una estatuilla en 1957, aunque ya de forma póstuma.

Así, con una nueva nominación al Premio Oscar a mejor canción original, Diane Warren vuelve a ser una de las protagonistas de la gala, que se celebra este 2026 el 15 de marzo. En esta ocasión, la compositora compite con “Dear Me”, interpretada por Kesha, como parte de la banda sonora de la película documental Diane Warren: Relentless.

Diane Warren busca su ansiado Oscar con una canción autobiográfica

Esta nominación 17 es para la compositora la más especial, porque se trata de una composición autobiográfica, como parte de un documental en el que repasa su historia y trayectoria: “Este año se siente diferente, porque la película para la cual escribí una canción es sobre mí”, declaró en la previa a los Premios Oscars 2026.

“Cuando era niña, me hostigaban mucho, ya sabes, los niños. No la tuve fácil creciendo. Y me sentía sola, y que el mundo estaba en mi contra. La música me salvó”, así cuenta su camino Diane Warren, que se convirtió en una de las compositoras más exitosas y prolíficas de la música pop, a la vez que conocida tanto por su personalidad excéntrica como por su extraordinario talento.

Todo ello se cuenta en la película documental Diane Warren: Relentless, de sus inicios como la menor de su familia y siendo marginada en el colegio y su ciudad natal, junto con entrevistas a personalidades con las que ha trabajado como son Cher, Gloria Estefan, Quincy Jones o Toni Braxton.

Las nominaciones de Diane Warren en los premios Oscars

En esta ocasión, no lo tiene fácil tampoco Diane Warren para lograr el ansiado premio Oscar, pues compite con el fenómeno musical del año como fue “Golden” de Las guerreras K-pop, así como junto a “Train Dreams” de Sueño de trenes, “I Lied to You” de Los Pecadores y “Sweet Dreams of Joy” del documental Viva Verdi.

Si bien es cierto que de sus 17 nominaciones no tiene ningún premio Oscar, sí que tiene uno honorario logrado en 2022. “Nos elige lo mejor de lo mejor del planeta en música para cine del planeta: compositores, liricistas, editores musicales. ¡Los mejores! Así que si ellos te eligieron a ti de entre cientos de canciones o piezas, ganaste”, aseguró. Esta es la lista completa de nominaciones a mejor canción en los Premios Oscars que atesora hasta el momento:

No ha estado paseándose por alfombras rojas, publicando fotos en Instagram o regalando colaboraciones mientras se tomaba un descanso desde su última gira: Harry Styles ha estado corriendo maratones. El artista, que alcanzó la gloria en 2023 adjudicándose el Grammy a Álbum del Año por Harry's House, bajó definitivamente la persiana a la industria musical y la dejó así durante casi tres años. Unos años que ha aprovechado para olvidarse de su estatus de estrella y jugar a ser un poquito más humano. Styles hizo en 3 horas y 24 minutos el Maratón de Tokio en marzo de 2025 y, seis meses más tarde, el Maratón de Berlín en 2 horas y 59 minutos bajo el nombre de Sted Sarandos.

Después de haberse hecho con el galardón más codiciado para cualquier persona que se dedique a esta disciplina, nadie podía esperar que Harry Styles probara suerte en el mundo del atletismo. Sin embargo, los artistas que más nos llaman la atención son aquellos que hacen lo que no esperamos que hagan. Beyoncé, Lana Del Rey, Taylor Swift, Lady Gaga... su permanencia en el foco público permanece porque nadie es capaz de predecir su siguiente paso. Y Harry Styles, que parece haber tomado nota de las mejores, se ha aplicado el cuento también a su regreso con Kiss All The Time. Disco, Occasionally. El artista ha subido la persiana dispuesto a ser el anfitrión de su propia fiesta y que te pases o no por ella no es algo que le importe demasiado.

Los primeros acordes de la nueva era del intérprete de As It Was son lo opuesto a la fórmula para labrarse un hit. Precisamente por ello, la inicial Aperture ha pasado sin pena ni gloria por las listas de éxitos. El tema, de más de cinco minutos y cuya producción se embarca en el pop electrónico y el house minimalista, es un enorme bandazo con respecto al soft-rock de su anterior trabajo. El estribillo es pegadizo, sí, pero no hay forma de que un tema así tenga cabida en las radios a pesar de que fuera su elección como primer sencillo. Y ahí radica su magia. Quizá por sus ritmos hipnóticos, quizá por la sorpresa de quien la canta, la canción actúa como una droga que da la bienvenida a la discoteca del cantante.

La música que envuelve el cuarto álbum de estudio de Harry Styles no es para todo el mundo, pero el artista elige el riesgo para ofrecer un viaje atractivo que confirma su triunfo. Una decisión mucho menos aburrida que la tomada por Bruno Mars hace tan solo una semana, quien fue a lo seguro para dar a sus fans un disco que carece de giros y que busca contentar a la mayor parte de sus oyentes. “Las bebidas van directas a mis rodillas”, reconoce en el tema de apertura el que fuera integrante de One Direction antes de que el grupo se separara. Sin embargo, y aunque suene paradójico, las adicciones están presentes en todo el proyecto. Solo hay que cerrar los ojos y dejarse llevar por unas melodías que en ocasiones arrasan con las propias letras.

Esta revolución sonora toca las estrellas en la sobresaliente Ready, Steady, Go!, en la que el ritmo muestra su garra al combinar una guitarra española con la batería. Es uno de los momentos excepcionales del disco, alzando el instrumental y dejando que se apodere de la atmósfera. Lo mismo ocurre en la sofisticada The Waiting Game, en la que vuelven a aparecer las cuerdas para dejar en un segundo plano la reflexión del autor. Esto, que puede resultar interesante, no se ejecuta con tanto éxito en Are You Listening Yet?, donde el peso que se otorga a la producción no consigue ser lo suficientemente memorable para que perdure en la memoria. Pese a que Styles se pregunta si puedes oír la voz que está dentro de tu cabeza, lo cierto es que en esta canción es más sencillo que escuchar la suya.

No obstante, la fiesta de Harry Styles no solo está aupada por la electrónica. El artista británico se deja arropar por una orquesta y un piano en la delicada Coming Up Roses, canción que nació como un villancico y que acabó evolucionando hasta convertirse en la balada del álbum. Poco queda ahora de la Navidad que inspiró al artista más allá del primer verso: “Cuéntame tus miedos / He retrocedido el reloj, es esa época del año”. El cantante fantasea con “perseguir la resaca” en una metáfora de alcanzar el placer temporal más allá de las consecuencias posteriores, uno de los pensamientos que más destacan en Kiss All The Time. Disco, Occasionally, donde se debate sobre si el impulso debe ser una prioridad.

No tan emocionante como evocadora de sus anteriores trabajos es Taste Back, un tema con el obvio sello del intérprete que aun así mantiene la agradable cohesión musical de la obra. Este es uno de los tres títulos con coros de Ellie Rowsell de Wolf Alice y explora el volver a abrirse al amor después de haber tenido una experiencia no muy enriquecedora. El sonido más pop del álbum, que no por ello más cautivador, se lo adjudica —no podía ser de otra manera— la canción Pop, en la que enigmáticamente canta que “es bueno probar dos sabores” bajo una energía juguetona.

Bastante más predecible es American Girls, cuyo estribillo parece sacado de su debut homónimo publicado en 2017. Es la menos experimental y a canción lo lleva a moverse entre ritmos house tranquilos. “Mis amigos están enamorados de las chicas americanas”, canta una y otra vez a lo largo de sus tres minutos de duración hasta que finalmente suena convincente. Este no es un disco para bailar, sino para esos momentos de la fiesta en los que lo único que queda es sentarse en el sillón mientras te atrapan las luces de colores intermitentes. Y, justo por eso, la agitada Dance No More se siente como un soplo de aire fresco ya al final del álbum, con un puente que sí invita a ponerse de pie.

Aun así, poco tiempo dura el éxtasis, pues Paint By Numbers, la pista siguiente, devuelve las melodías lentas de Kiss All The Time. Disco, Occasionally, que nunca terminan de molestar al conseguir dominar el ambiente. “Eres el más afortunado, oh, la ironía”, bromea Harry Styles. “Soportando el peso de los niños estadounidenses cuyos corazones rompes”, añade en la segunda estrofa. Es un tema suave que encauza de maravilla la canción de cierre, Carla’s Song, inspirada mucho en los sonidos de los 80, reuniendo todas las capas instrumentales que se han mostrado a lo largo del trabajo y provocando una perfecta explosión de sintetizadores.

Es probable que Harry Styles no hubiera optado por un trabajo como este si su principal objetivo fuera el de arrasar en ventas, como hará de todas formas. Eso no significa que su cuarto álbum lo haya alejado del mainstream —sería una locura pensar que las masas no pueden disfrutar de esta propuesta—, pero no por ello su movimiento es menos arriesgado. “¿Me quieres ahora?”, inquiere el cantante en la solvente Season 2 Weight Loss. “Quiéreme ahora”, le pide al oyente. Sin embargo, más allá de la pregunta, el artista jamás se había mostrado más desinteresado ante la respuesta del público. Ya sea por los elementos disuasorios de una fiesta o por la resaca que se avecina al apagar las luces, Harry Styles parece estar corriendo un maratón diferente.

“La mayor parte del mundo al que llega mi música está en crisis”, así de contundente se mostraba en 1986 Lionel Richie en una entrevista a The New York Times, en pleno éxito de una de sus canciones más reconocibles, “Say You, Say Me”.

Un carácter reivindicativo que no extraña teniendo en cuenta que fue coautor de “We are the World”, pero que lo decía en pleno momento álgido de un tema que lo mantenía en lo alto, compitiendo con dos “monstruos” en la era MTV como eran Michael Jackson, Madonna y Prince.

Y es que “Say You, Say Me” alcanzó el número 1 de Billboard Hot 100 y de varios países, entre ellos España, donde estaba en lo más alto de las listas de radio a principios de marzo de 1986, hace 40 años. Un mes en el que además el tema se hizo con el premio Oscar a Mejor canción original, pues aparecía en la película White Nights.

Una canción de película sin aparecer en su banda sonora

Fue el propio director de esta película, Taylor Hackford, el que le propuso a Lionel Richie que compusiera un tema para que formara parte de la banda sonora, con la que quería seguir manteniendo el éxito logrado en anteriores cintas, como fue el caso de “Up Where We Belong” de Oficial y Caballero o “Against All Odds” de Phil Collins de Contra todo pronóstico.

Una idea que tenía sentido, pues en esos momentos, Lionel Richie estaba en racha. En 1983 había encontrado el éxito con el disco “Can’t Slow Down”, ganador del Premio Grammy, y venía de escribir junto a Michael Jackson el tema benéfico “We Are the World”, que unió a varias de las estrellas musicales más grandes de entonces.

A Richie, sin embargo, le costó encontrar una composición con el título de White Nights, no acababa de dar con la tecla, y a cambió le entregó la maqueta de una canción que ya tenía escrita: “Say You, Say Me”, en el que la fuerza de su significado estaba en la valía de la amistad, lo que enlazaba con la trama de la película, protagonizada por Mikhail Baryshnikov y Gregory Hines, en la que un desertor de la Unión Soviética es encontrado por un agente de la KGB después de un accidente en Siberia, y al ser encarcelado encuentra fuerza en un estadounidense, con el que desaparecerán las diferencias para preparar un plan de escape.

La gran curiosidad es que, a pesar de formar parte de la banda sonora, “Say You, Say Me” no está disponible en el disco de la película debido a que la discográfica Motown no quería que el primer single de Lionel Richie tras firmar con ellos se diera con otra compañía, la que firmaba el álbum, con lo que la canción entrarái dentro Dancing on the Ceiling, lanzado en 1986.

“Toques de rareza” y un homenaje oculto a los Beatles

Actualmente “Say You, Say Me” es una de las canciones más reconocibles de Lionel Richie junto a “Hello”, y si es así es debido a sus “rarezas”, como han descrito varios críticos musicales, que no dudan en afirmar que la clave de su éxito está en su puente, que rompe por completo con el estilo de balada.

“El puente eléctrico acelerado por sí solo debería ser suficiente para convertirla en un clásico”, aseguraba Whitney Pastorek de Entertainment Weekly en una retrospectiva de 2007. Tan solo un año después, en 2008, apareció entre una de las mejores canciones de todos los tiempos en la posición 74 por parte de Billboard Hot 100 en el 50 aniversario de la lista.

Entre todo ello, uno de los hechos más desconocidos de la canción es que está directamente inspirada en “Hey Jude” de los Beatles, donde Lionel Richie tomó la voluntad de Paul McCartney para hablar de la “camaradería”, pero usando sintetizadores fluidos, un signo de la década de los 80. Además, el tema fue grabado por los músicos que también habían tocado en Thriller de Michael Jackson.