Después de que su abuela y su madre murieran por cáncer de mama, Angelina Jolie decidió hacerse unas pruebas genéticas. Tras comprobar los resultados, se sometió a una doble mastectomía preventiva (extirpación del tejido mamario) y a la extracción bilateral de los ovarios y de las trompas de Falopio. Cuando la actriz lo hizo público en 2013, generó lo que posteriormente fue calificado como el 'efecto Jolie', por la conciencia que generó y el notable aumento del número de mujeres que siguieron sus pasos haciéndose los estudios pertinentes y posteriores intervenciones quirúrgicas.

Alcanzado 2025, la intérprete aceptó interpretar a Maxime Walker, la protagonista de la película Couture, que llega este viernes a las salas; una directora de cine a la que, trabajando en la Semana de la Moda de París, le diagnostican un cáncer de mama. Alice Winocour (Próxima), autora del filme, eligió a Jolie para el papel precisamente por su experiencia con la enfermedad: “Quería a alguien que tuviera un vínculo muy íntimo”.

La intérprete aceptó y apostó por incorporarse igualmente como productora. Durante el rodaje tuvo muy presente a su familia, ya que aportó como atrezo de su personaje un collar de su propia madre. “Ojalá ella hubiera tenido esta comunidad, pudiera hablarlo de forma tan abierta como yo ahora”, reconoció una Jolie emocionada en la presentación del filme en el último Festival de San Sebastián, “y ojalá la gente responda con delicadeza y no se sienta sola”. “Otras mujeres no pueden elegir”, afirmó sobre su caso en concreto, reconociéndose en una posición privilegiada que no todo el mundo se puede permitir.

La enfermedad no excluye el deseo

Durante la película, Maxime mantiene relaciones sexuales con uno de sus compañeros de equipo, encarnado por el actor francés Louis Garrel; en la escena más conmovedora del largometraje. “Las relaciones sexuales están tal y como ella quiso mostrarlo. Ese cómo era para las mujeres vivir esos momentos de la enfermedad y al mismo tiempo poder disfrutar de una historia de amor”, comparte con elDiario.es la directora Alice Wincour. “Las mujeres no se definen por el cáncer, siguen siendo atractivas, siguen siendo mujeres aunque pasen por momentos difíciles”.

Louis Garrel añade que precisamente uno de los pilares de Couture es precisamente eso, “mostrar que la vinculación entre el cáncer y la enfermedad no excluye al deseo”. Directora e intérprete resaltan la química que se generó entre ambos para grabar esta secuencia. “Ella quería hacer algo bastante crudo porque era justo para la película, porque es la historia de una mujer que va a perder su pecho, y que de manera natural no por ello va a renunciar a su sexualidad”, explica el francés.

Para el actor era importante que el filme no cayera en convencionalismos al retratar la enfermedad, ya que considera que en muchas ocasiones se tiende a “un tono algo patético al intentar acabar con un poco de esperanza. Aquí lo que se quería desarrollar es cómo altera el cuerpo de una mujer cuando hay algo que quitar”. Y sin pasar por alto el miedo a la muerte con el que convive la protagonista.

Garrel alaba que su compañera de reparto lograra generar el 'efecto Jolie'. “El cine condiciona nuestros comportamientos. Que Angelina, el hecho de que una mujer tan impresionante, hiciera pública su experiencia, fue algo casi heroico”, alaba consciente de lo inspiradora que fue y cómo, al hablar de las pruebas e intervenciones a las que se había sometido, generó que muchas otras personas se sintieran igualmente capaces: “Si ella no ha perdido nada, ni su sex appeal ni su belleza ni carrera, 'yo también puedo hacerlo' fue la conclusión a la que llegaron muchas personas, y eso es magnífico”.

El universo de la moda como escenario

Maxime convive en la Semana de la Moda con otras mujeres que están buscando igualmente sus propios caminos y cambios que les permitan seguir avanzando en sus respectivas vidas, tanto personal como laboralmente. Una de ellas es Ada, que encarna en su debut en el cine Anyier Anei, una modelo de Sudán cuyo personaje está basado en su propia vida y que ha permitido ahondar en la experiencia dentro del mundo de la moda desde la perspectiva de una mujer africana. Su personaje convive entre desfiles y sesiones fotográficas con jóvenes de distintos lugares del mundo, incluida la Ucrania en guerra.

“En francés, la palabra 'couture' [alta costura] que da título a la película, significa también maestro. La idea era mostrar los hilos que hay detrás de los mundos reales y las palabras de las mujeres”, describe la directora Alice Wincour, al explicar la relevancia concedida en su filme a los vínculos que se generan entre tantos personajes femeninos. No importa que no se conozcan de antes ni que tengan necesariamente nada en común, entre ellas se tejen relaciones de las que sanan, acompañan y salvan; independientemente de las cicatrices que arrastra cada una.

Garrel, por su parte, destaca que el mapa de contextos, edades y cuerpos de las protagonistas de Couture, cuyo nexo es el mundo de la moda; es una muestra de cómo el arte no puede escapar de lo que sucede en el mundo en el que vivimos. “Es inevitable, está hecho por seres humanos. Modelos que vienen de todos los países, hay historias trágicas, países en los que hay guerra. Hay un contraste entre la ligereza de un desfile de moda formado por mujeres que vienen de países en los que la vida es un infierno”, valora.

El intérprete considera interesante que “dentro de que la moda puede no tener una ambición política, no puede alejarse, porque se nutre de personas que vienen de lugares distintos con sus propias historias”. Este fue uno de los motivos que le llevó a elegir participar en Couture, pero no el único. “No puedes elegir solo proyectos si cuentan algo del mundo, porque hay un placer del cine de extraerse de él para poder respirar. No hay una regla general sobre lo que debe ser el cine. Hay pelis políticas que son necesarias y de amor, que son políticas en cierto sentido, porque es lo que le interesa a la gente”, concluye defendiendo la existencia, participación y éxito de ambas.

El Festival de Cine de San Sebastián ha encontrado sucesor para José Luis Rebordinos. Se trata de Maialen Beloki, que se convertirá en la primera mujer al frente del Zinemaldia, el festival más importante en España. Beloki (San Sebastián, 1983) dirigirá desde enero de 2027 el Festival de San Sebastián tras haber sido designada para el cargo por el Consejo de Administración de la entidad, compuesto por el Ayuntamiento de San Sebastián, la Diputación Foral de Gipuzkoa, el Gobierno Vasco y el Ministerio de Cultura del Gobierno de España.

La decisión ha sido adoptada esta tarde por unanimidad en una reunión extraordinaria del Consejo celebrada en San Sebastián y es el resultado del concurso público convocado el 4 de marzo para nombrar a la persona que sucederá a José Luis Rebordinos, que ostenta el puesto de director del Festival desde 2011 y abandonará esa responsabilidad el 31 de diciembre de 2026. Beloki es una de las dos subdirectoras del Festival desde el año 2016.

José Luis Rebordinos había avisado con tiempo de que este sería su último año. También de que consideraba oportuno que este último curso él acompañara y guiara a la persona elegida para sucederle y poder darle el testigo en las mejores condiciones. Finalmente ha sido Beloki, persona de su confianza y junto a la que ha trabajado desde hace diez años.

Maialen Beloki ha sido, desde su incorporación en 2016, tal como dice el Zinemaldia en su comunicado de prensa, “una de las figuras clave en la evolución reciente del certamen, contribuyendo tanto a su posicionamiento internacional como a la ampliación de su actividad a lo largo de todo el año”. “En este contexto, ha impulsado el modelo Z365/Festival de todo el año, una iniciativa estratégica centrada en el desarrollo de nuevos talentos, la formación cinematográfica y la generación de pensamiento en torno al cine”, describe la nota de prensa.

Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Navarra y Doctora Cum Laude en Teoría, Análisis y Documentación Cinematográfica por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU), cuenta con una trayectoria que combina gestión cultural, docencia e investigación. Forma parte de la Dirección Académica de Elías Querejeta Zine Eskola, donde también es docente, y ha colaborado como profesora en Mondragon Unibertsitatea. A lo largo de su carrera ha participado en proyectos estratégicos como Donostia/San Sebastián Capital Europea de la Cultura 2016 y ha desarrollado una destacada actividad como conferenciante y autora en el ámbito cinematográfico.

En la 74.ª edición del Festival de San Sebastián que se celebrará del 18 al 26 de septiembre, además de los estrenos de las películas y proyectos cinematográficos, se presentará de forma oficial Zinemaren Akademia, una nueva institución formada por 150 profesionales del mundo del cine de Euskadi, Navarra e Iparralde. Se trata de la primera academia del cine creada en Euskadi y, como sus creadores han manifestado a través de su primer comunicado, busca ser “un espacio inclusivo, plural y representativo, al servicio de las y los profesionales del cine y del audiovisual”. “La primera semilla de un proyecto colectivo que aspira a representar, fortalecer y visibilizar el sector audiovisual del territorio”, han asegurado.

El proyecto ha surgido tras varias reuniones, la última de ellas en Bilbao, en la que se ha puesto la guinda a Zinemaren Akademia. Se ha tratado de “un encuentro cerrado y exclusivamente profesional”, en el que han pedido a los medios de comunicación que respeten el proceso, puesto que quieren evitar que “dinámicas externas” condicionen el desarrollo de la iniciativa. Para ello, han participado representantes de otras academias cinematográficas autonómicas, como Laia Aubia (Catalunya), Miguel Mariño (Galicia) e Irene Belert (Comunitat Valenciana), quienes han compartido sus experiencias y han servido de guía para lo que se quiere desarrollar en Euskadi.

Tras las intervenciones se ha celebrado un espacio de debate abierto en el que los asistentes han podido compartir sus “reflexiones e inquietudes en torno a los pilares que definirán la futura academia: su identidad, su modelo de participación, sus funciones y su forma de organización”, han adelantado.

Con esta última reunión se llevará a cabo la formalización legal de la entidad. “Asimismo, se ha establecido que la junta fundacional tendrá carácter transitorio hasta la celebración de las primeras elecciones de la futura junta de gobierno, momento en el que se definirá de manera democrática su estructura definitiva”, han reconocido desde la nueva organización.

Por el momento todo está en el aire, aunque existe una “voluntad compartida” de que el proyecto tenga éxito. De hecho, Zinemaren Akademia, podría tratarse incluso de un nombre provisional, y queda por determinar qué requisitos serán necesarios para formar parte, su ámbito geográfico, su sede, sus fuentes de financiación o el nombre de los 'Goya' vascos, que sí que buscan crear una vez la nueva institución de sus primeros pasos en el mundo del cine.

El Boletín Oficial del País Vasco (BOPV) ha publicado esta semana una oferta de trabajo. El Zinemaldia busca relevo para José Luis Rebordinos en la dirección del certamen. Se necesita una persona con experiencia en “la gestión y/o dirección de organizaciones de referencia en el ámbito audiovisual y creativo”. Además, deberá contar con altas capacidades de expresión oral y escrita en inglés y conocimientos de castellano y euskara. También se valora el conocimiento de francés.

La candidatura, en manos de una consultora de cazatalentos, exige capacidades de liderazgo y gestión de equipos, negociación y comunicación, así como conocimientos financieros y presupuestarios. El equipo espera contar con el relevo antes del Festival de Cannes para que pueda acompañar a Rebordinos. Su primer festival será el que celebrará la edición número 75, en 2027.

El consejo de administración del festival ha contratado a Batea, una consultoría de selección local. Los responsables piden a las personas interesadas su curriculum vitae y una carta de presentación, de máximo dos folios, en la que conste “su motivación para ocupar el cargo”. La oferta lleva publicada una semana, desde el 4 de marzo, en su página web. El plazo de inscripción se cerrará el 27 de marzo.

Hace dos años, Rebordinos anunció al consejo de administración su retirada a finales de 2026. Este órgano está compuesto por las instituciones públicas implicadas en el certamen: el Ayuntamiento de Donostia, la Diputación Foral de Gipuzkoa, el Gobierno vasco y el Ministerio de Cultura del Gobierno de España. Éstos son los encargados de designar al equipo responsable del festival internacional.

Rebordinos asumió la dirección del Zinemaldia en 2011. Nacido en Errenteria en 1961, el cine fue su gran afición durante toda su vida, pese a haberse licenciado en Pedagogía Especial. También ha dirigido otros festivales de la ciudad como el Festival de Cine y Derechos Humanos durante ocho años y la Semana de Cine Fantástico y de Terror durante 21 años.

Durante los últimos años al frente del Zinemaldia, Rebordinos se ha enfrentado a diversas polémicas. En 2021, la concesión del Premio Donostia a Johnny Depp generó revuelo por las recientes denuncias de maltrato a mujeres que pesaban sobre el actor. En una línea similar, también se pidió retirar del festival el largometraje 'Sparta' por acusaciones, posteriormente desestimadas, de maltrato a los niños protagonistas durante la producción.

Situaciones parecidas ocurrieron con el documental 'Josu Ternera' sobre el dirigente de ETA Josu Urrutikoetxea, que generó debate entre políticos, escritores y víctimas de ETA. Rebordinos reiteró en varias ocasiones que no había motivo de alarma y que condenaba las acciones terroristas de ETA. En 2024 también recibió críticas por la concesión de la Concha de Oro a 'Tarde de soledad', un retrato de la tauromaquia.

La última edición coincidió con un ataque israelí que derrumbó la torre más alta de la Ciudad de Gaza. El festival estuvo rodeado por manifestaciones a favor de Palestina, y acompañado por mensajes de artistas, como de Jennifer Lawrence, en contra el genocidio en Gaza.

Cuando Hasan Hadi era un niño y vivía en su Irak natal en los noventa, bajo el régimen de Sadam Husein, cada mes de abril, su profesor entraba en clase con un cuenco y les pedía que escribieran sus nombres en un papel y los metieran en él. Después, hacía un sorteo y el alumno elegido tenía que preparar una tarta por el cumpleaños del presidente. Después se seleccionaba a otros compañeros para que se ocuparan de la fruta, la decoración, las flores y los productos de limpieza, entre otros quehaceres. Aquel niño, Hasan Hadi, creció y ha decidido dar forma de película a este episodio de su infancia –y la de tantos críos iraquíes–; y el resultado es La tarta del presidente.

Su tierna y trágica ópera prima le valió para convertirse en el primer director iraquí premiado en Cannes, donde se alzó con la Cámara de Oro a la Mejor ópera prima. Este viernes llega a las salas españolas.

El sorteo anual para repartir las tareas por el cumpleaños de Sadam Husein no era al uso. La corrupción campaba a sus anchas, incluido en los colegios, donde quienes podían hacer algún favor a sus maestros contaban con un salvavidas para librarse de esta 'lotería'. Favores como arreglar una bicicleta o cortar el pelo podían funcionar como moneda de cambio para sobrevivir. Claro que, de no poder llevarlo a cabo, las posibilidades se disminuían, como le ocurre a Lamia, protagonista del filme, que, acompañada de su inseparable gallo Hindi y su mejor amigo Saeed, se ve obligada a conseguir todos los ingredientes, sin apenas recursos, del dichoso pastel.

Hasan Hadi tuvo suerte cuando era pequeño, ya que él se libró de tener que cocinar, pero un amigo suyo no corrió la misma suerte. “No la hizo y eso cambió drásticamente su vida, de manera trágica de hecho. Como yo sobreviví, siempre he sentido una especie de culpa”, reconoce a este periódico. También quiso hablar sobre ello por lo “increíble” que es que Sadam Husein exigiera que se celebrara su cumpleaños con la tarta que él mismo pedía.

Eso sí, al igual que les ocurre a los protagonistas de nueve años de la película, en realidad no era Sadam a quien temían, sino a sus profesores. “Ellos eran los agentes del Estado, los que nos iba a castigar. Y ese era el problema, que fueran tan reflejo de lo que realmente estaba pasando en el país”, añade. En la película “los niños no eran actores, no habían vivido la experiencia de los adultos, pero sí conocían el miedo de los profesores. Era importante utilizarlo para plasmar el que había en Irak a Sadam, a la dictadura”.

Tampoco fue casualidad que el cineasta quisiera situar la historia en los noventa, una década “clave” para su país. “Es la primera película iraquí sobre este periodo, que tiene repercusiones hasta en la actualidad. Quería que hablara del pasado, pero también sobre el presente y la guerra, porque hay elementos como la dictadura o las sanciones, que van a sonar a la gente. Por desgracia, lo que ocurre hoy en el mundo es un reflejo de lo que ocurrió en Irak en los noventa. Parece que la Comunidad Internacional sigue igual, por cómo se mantiene callada cuando hay una injusticia”, dice con contundencia.

Aun así, Hasan Hadi no quiso impregnar su filme ni del dramatismo ni la tendencia a la 'pornomiseria' emocional de la que pecan a veces los metrajes con temáticas parecidas; el director apostó por enternecer y aportar luminosidad. Esto se vehicula a través del vínculo que une a Lamia y Saaed, la relación de Lamia con su abuela, el cariño y refugio que supone para ella su gallo Hindi, y el tono entre aventurero y épico del viaje que llevan a cabo para ir superando las pruebas –Policía y hasta un intento de agresión sexual mediante– para hacerse con cada ingrediente de la receta.

“Hay muchos temas universales, pero la película habla a su vez de un par de chavales que están intentando buscarse la vida y vivir a pesar de las sanciones y castigos del profesor. Están los terrores de la guerra, pero también el amor, la amabilidad y la amistad”, comparte el director.

Todo ello en un marco de familias destruidas. Lamia es una niña que vive con su abuela, pero en ningún momento se cuenta qué ocurrió con sus padres. “No se menciona, porque la cantidad de cosas que les ocurrían a nuestros padres y madres entonces... Dejamos que sea el público el que rellene esta ausencia, que de alguna manera es parte de la historia. Te lo puedes imaginar, pero prefería dejar a los espectadores decidir”, justifica el cineasta.

Hacer cine en Irak

Hasan Hadi nació y creció en Irak, hasta que en 2017 consiguió una beca para estudiar cine en la Universidad de Nueva York NYU. Al terminar, regresó a su país para rodar La tarta del presidente. No fue fácil sacar adelante su ópera prima. El cineasta asegura que hacer cine en su país es “dramático, trágico, porque trabajas con muy pocos recursos, sin casi infraestructura, con muchos requisitos de logística”. Además, en su largometraje se combinan elementos que aún recuerda que uno de sus profesores decía que eran los “prohibidos” para hacer cine: niños, animales, gente que no fueran actores y agua.

“Los tuvimos todos, pero es que la película lo requería”, recuerda, más allá de viajar en el tiempo a hace tres décadas. “Es diferente trabajar en un país en el que todo esto ya está establecido. Trabajamos en un terreno raso porque no había ningún apoyo más que la pasión, el entusiasmo y el amor por hacer cine”, comenta. Aunque tuvo claro que esta era una historia que quería contar y filmar en Irak, su objetivo era que viajar mucho más allá de sus fronteras. Para ello, sin querer del todo alejarse del cine de autor, tuvo claro que quería “hacer algo que pudiera salir y que lo viera todo el mundo”.

El Museo Reina Sofía, el Museo del Prado, el Festival de Cine San Sebastián, el Museo Thyssen-Bornemisza y el Guggenheim lideran el informe Lo Mejor de la Cultura 2025, elaborado por la Fundación Contemporánea con el apoyo de CREA SGR. El estudio está basado en las opiniones de 445 panelistas repartidos por toda la geografía española, que han seleccionado lo mejor de la temporada, tanto en el conjunto de España como en cada comunidad autónoma. Madrid, Barcelona, Bilbao, Valencia y Málaga han sido elegidas como las ciudades con mejor oferta cultural en este documento que ha sido presentado este jueves en el Palacio de Festivales de Cantabria, ubicado en Santander.

Copado por museos, centros de arte, teatros, auditorios y festivales, el ranking incluye productos como Lux, el último álbum de Rosalía y, en el apartado de Galicia, la película de Oliver Laxe, Sirat. La sorpresa la da igualmente la Librería Gil, de Santander, al ser la única en formar parte del 'catálogo' reunido en el documento. El Top 10 general lo completan el Teatro Real, el CaixaForum, el CCCB, la Fundación Juan March, el Festival de Málaga y Matadero Madrid.

Con el objetivo de llegar al público general, y que el Observatorio no sea una herramienta meramente profesional, el estudio podrá consultarse libremente a través de la plataforma lomejordelacultura.com, una guía cultural que conforma un mapa vivo de los proyectos culturales en España, para al mismo tiempo reivindicar la cultura como destino turístico. La Fundación Contemporánea, responsable del documento, fue creada en 2008, con el objetivo de contribuir al desarrollo de los profesionales de la cultura.

En total son más de 500 propuestas, que incluyen a su vez filmotecas, residencias, ferias de cine, música, teatro, danza, literatura, arquitectura, premios, conmemoraciones y encuentros, como Mondiacult (puesto 42), la cumbre de ministros de Cultura de todo el mundo que se celebró el pasado mes de octubre en Barcelona.

“En un mundo no solo fragmentado, sino con ausencia de capacidad de diálogo, de reconocimiento del otro, si en algún lugar podemos encontrar una brizna de esperanza es en las actividades culturales de nuestro país”, ha declarado Jordi Martí Grau, secretario de Cultura, en el evento en el que ha sido presentado el informe.

Durante el acto se ha hecho entrega de la Insignia Cultural de España 2025 al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, doblemente reconocida en esta ocasión, al ser también beneficiaria de la Insignia Cultural de Madrid. A esta se suman los 17 reconocimientos por comunidad: Andalucía (Festival de Málaga), Aragón (Festival Pirineos SUR), Asturias (Museo de Bellas Artes de Asturias), Baleares (Fundació Pilar I Joan Miró), Canarias (TEA, Tenerife Espacio de las Artes), Cantabria (Centro Botín), Castilla La Mancha (Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro), Castilla y León (MUSAC), Catalunya (Festival Temporada Alta), Comunidad Valenciana (IVAM, Instituto Valenciano de Arte Moderno), Extremadura (Museo de Arte Contemporáneo Helga de Alvar), Galicia (Centro Galego de Arte Contemporáneo), La Rioja (Festival Sierra Sonora), Murcia (La Mar de Músicas), Navarra (Fundación Jorge Oteiza), País Vasco (Festival Internacional de Cine de San Sebastián).

Imprescindibles, novedades y

Lo Mejor de la Cultura incluye en su categoría Los Imprescindibles las propuestas más destacadas agrupadas por tipología de proyecto. A su cabeza están el Arte Reina Sofía, el Caixa Forum, el Teatro Real, el Festival de San Sebastián, el Sónar + D, ARCOMadrid, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro y la Feria del Libro de Madrid. El informe apoya igualmente nuevos proyectos culturales, entre los que este año han sido reconocidos la Bienal de Pontevedra, la Casa Museo Miguel Delibes en Valladolid, el Centro Danza Matadero en Madrid, Infinito Delicias en Madrid y el festival Murmullo, en Valle de Ricote, Murcia y la colección SOLO CSV, en Madrid.

En lo que respecta a los proyectos digitales, Filmin vuelve a lideral el ranking, seguido de CaixaForum+, el Museo del Prado y RTVE Play; junto a la Biblioteca Nacional, Matadero Madrid, Fundación Telefónica, MIRA, Sónr, Radio Nacional de España y Teatro Real.

En cuanto a las comunidades más destacadas por su número de propuestas rurales están Catalunya, Castilla y León, Galicia, Aragón, La Rioja y Andalucía. Los proyectos concretos más votados son: Azala en Lasierra (Álava), Badarán que Hablar en Badarán (La Rioja), Camprovinarte en Camprovín (La Rioja), Espacio Arte VACA en Viniegra de Abajo (La Rioja), Festival Agrocuir da Ulloa en Monterroso (Lugo), Fundación Cerezales Antonino y Cinia en Cerezales del Condado (León), La Fiesta de las Cuadrillas en Barranda (Murcia), La Pinochera en La Esperanza (Tenerife), Landarte (Navarra) y Sierra Sonora en Viniegra de Abajo (La Rioja).

Otro de los proyectos reconocidos en Lo Mejor de la Cultura son aquellos ejemplares por su compromiso social. El ranking vuelve a liderarlo La Fundación 'la Caixa', seguida de Fundación Daniel y Nina Carasso, la Fundación Cerezales Antonino y Cinia, La Casa Encendida y la Fundación ONCE. Otros nombres son Apropa Cultura, Matadero Madrid, Círculo de Bellas Artes, La Benéfica de Piloña, Museo del Prado y la Fundación Cultura en Vena.

El Observatorio de la Cultura, que la Fundación Contemporánea lleva realizando desde 2009, tiene en cuenta el aspecto económico de los proyectos culturales. El sector cifra de cara a 2026 un crecimiento de un 2,88%; mejor para los panelistas del sector privado (4,39%) que para los del sector público (1,80%) y los profesionales independientes (2,53%). En esta edición, de forma excepcional, se ha preguntado en qué medida consideran el impacto social de la cultura. El resultado medio (siendo 0 nada importante y 5 de vital importancia), ha sido de 4,57.

'Tardes de soledad', el documental del cineasta español Albert Serra sobre el matador peruano Andrés Roca Rey, ha sido escogida como mejor película del año 2025 por la prestigiosa revista francesa 'Cahiers du Cinéma'.

La publicación, fundada en 1951 y que sirvió de espoletazo para la 'Nouvelle Vague' (movimiento cinematográfico francés que surgió a finales de la década de 1950), escogió el documental del catalán Serra por delante de 'One Battle After Another'/'Una batalla tras otra', del estadounidense Paul Thomas Anderson; y 'Yes'/'Sí', del israelí Nadav Lapid.

Entre los otros filmes del top 10, 'Cahiers du Cinéma' destaca en el cuarto lugar a 'O agente secreto'/'El Agente Secreto', del brasileño, Kleber Mendonça Filho; y 'O riso e a faca', del portugués Pedro Pinho.

Este nuevo reconocimiento a 'Tardes de soledad' se une al del Festival de San Sebastián, en el que obtuvo la Concha de Oro de 2024.

Albert Serra (Banyoles, 1975) está considerado uno de los cineastas de culto españoles más prestigiosos gracias a una vanguardista obra que cuenta con filmes como 'Honor de Caballería' (2006), 'El canto de los pájaros' (2008), 'Historia de mi muerte' (2013) y 'Pacifiction' (2022), entre otras.

Un hombre duerme tirado en la acera de una calle londinense. Es de día, la vía está transitada. La gente camina con prisa, maletines en mano, seguramente a sus puestos de trabajo. También hay un predicador que grita intentando convertir a los caminantes a su religión. El ímpetu de su tono y palabras despierta a la persona sin hogar, que acaba increpándole, sin éxito. Se rinde, se levanta y opta por arrancar él también su propio día. Él es el protagonista de Urchin, el debut en la dirección del actor Harris Dickinson, protagonista de El triángulo de la tristeza y Babygirl, y el próximo John Lennon en el biopic de Los Beatles, y cuya ópera prima llega este viernes a las salas.

Su filme ubica los márgenes en el centro del relato a través de la historia de un joven que, cuando un señor trajeado se ofrece a comprarle comida, decide, impulsado por un instinto visceral y que a él mismo le costará comprender; agredirle. Le roba el reloj, pero lo hace desatando una violencia en forma de puñetazos que agravará su condena y, sobre todo, la desconexión tanto consigo mismo como con el sistema. “Es importante querer a tus personajes, incluso cuando tienen comportamientos cuestionables”, explica el cineasta, que proyectó su largometraje en el pasado Festival de San Sebastián tras su paso por el de Cannes.

En este caso, un Mike que pasará por la cárcel y posteriormente tratará de reinsertarse, viviendo en hoteles, buscando trabajo, intentando hacer amigos y redescubriendo su propia sexualidad. “Era importante que Mike fuera alguien con quien pudiéramos conectar y sentirnos identificados, aunque no sea necesariamente cercano a nosotros”, reivindica Harris Dickinson, que encontró en el intérprete Frank Dillane (Fear The Walking Dead) a su mejor aliado, pues consigue imprimir en él las dosis de humanidad, contradicción, oscuridad y luminosidad precisas para que, como el cineasta pretendía, genere rechazo y ternura a partes iguales. De ahí a que en Cannes fuera reconocido con el premio Un Certain Regard a Mejor actor, además del premio FIPRESCI.

Las personas sin hogar también se excitan

Dickinson quiso contar esta historia a raíz de su experiencia trabajando en una comunidad local en el este de Londres para personas sin hogar, en 2020. “Me indignaba que el gobierno local, a pesar de los esfuerzos, no estuviera brindando la ayuda adecuada. Había algunas grietas”, reflexiona sobre cómo nació la pulsión de hablar de alguien que “lucha consigo mismo”. “Quería contar las consecuencias de que alguien cometa un crimen como el que se ve en la película”, comenta y, a partir de ahí, seguir su viaje por las distintas instituciones y amigos, “como si fuera una odisea”. Porque en efecto lo es, desde sus problemas para adaptarse a trabajar como ayudante de cocina de un restaurante, hacer amigas, dejar el alcohol y conseguir tener una erección para poder masturbarse.

“Me interesaba saber qué significa redescubrir la sexualidad, porque la realidad es que muchas personas en ese contexto, ya sea por su alta dependencia a las drogas o estar pasando por una situación muy difícil, no necesariamente están en contacto con su sexualidad”, reflexiona Dickinson. Por ello optó mostrar a Mike “al salir de prisión, reintegrarse al mundo, enfrentarse de nuevo a la vanidad, a los espejos, al sexo opuesto y ver qué significa eso, su propio cuerpo y las sensaciones que conlleva”. “Es como redescubrirle poco a poco, sintiéndose incómodo, pero también excitado”, valora.

Medir para no tergiversar

Urchin es una película dura, que bebe del cine social de cineastas que Dickinson reconoce como referentes, como Ken Loach, Mike Lee y Sarah Gavron. La obra es dolorosa, cruda y tensa, pero también delicada y luminosa. No hay romantización ni idealización, ni tampoco se excede al recrearse en la miseria corriendo el riesgo de caer en el sentimentalismo ni en un posible y enfermizo paternalismo.

Me indignaba que el gobierno local no brindara la ayuda adecuada a las personas sin hogar

Harris Dickinson — Actor y director

“El mundo que retratamos está tan lleno de matices que, si terminara la historia solo con esperanza, podría acabar siendo una tergiversación, pero si acabara en tragedia, también”, opina. Siendo consciente de lo “cuidadoso” que debía ser en el desarrollo del largometraje, se centró en que las personas que viven la realidad de Mike “necesitan pasar por la misma lucha una y otra vez, volver a prisión, salir, rehabilitarse, conseguir trabajo, una y otra vez”.

Los hay que sí encuentran “esperanza de encontrar ayuda, una red de apoyo, transformarse y salir adelante”, pero Dickinson es consciente de que “no siempre es así”: “Por eso quise centrarme en la dificultad que supone la realidad que conlleva estar en esta situación, pero sin centrarme en la institución. Para mí nunca se trató de mostrar las deficiencias de la libertad condicional o la reforma penitenciaria”.

El director y actor asegura que no quería “atacarlas” porque las apoya. “Admiro mucho a la gente que trabaja en esos campos”, indica, mencionando a su padre, que es trabajador social. “No quiero que parezca que culpo a nadie de lo que le pasa a Mike, porque también creo que se trata de cómo él reacciona a sí mismo. Y creo que eso, en definitiva, tiene que ver con quienes somos como personas. Somos tan complejos, sensibles y delicados a veces que aunque llevemos millones de años en este planeta, seguimos teniendo esas debilidades en las que recaemos”, ahonda Dickinson al indicar por qué optó porque no hubiera ningún tipo de juicio en el guion.

Lo que sí está presente es la religión, desde la primera a la última escena. La inicial, con el predicador en la calle despertando a la persona sin hogar, la basó en una experiencia que el director presenció en sus propias carnes. “Él tenía un altavoz muy potente y no paraba de hablar, era casi como si pasara de ser una retórica religiosa inocente a algo que parecía una rabia ciega, y es confuso porque la religión se supone que es algo amable, pero sabemos que no lo es”, zanja. Por ello mostró a la persona intentando dormir contraponiéndole con alguien que, a su lado, intenta lo contrario: “informar y convertir”.

El cineasta reconoce que le interesan la “fe y el espiritualismo”, pero que al mismo tiempo no sabe qué significado tienen para él, igual que el hecho de pertenecer o no a una religión. “Quizás muchos de nosotros compartimos esa sensación de confusión hacia la fe en general y sentimos que formamos parte de algo más grande, pero sin saber qué es y sin querer etiquetarlo”, añade.

Hacer una película política sin ser “profeta”

Dickinson comenta que su pulsión por la dirección, aunque iniciara antes su carrera como actor, viene de lejos, cuando de adolescente comenzó a grabar vídeos haciendo skate. Pese a ser ya un nombre reconocido en la industria, en especial gracias a su papel protagonista en El triángulo de la tristeza, no lo tuvo fácil a la hora de encontrar financiación para su ópera prima. El intérprete no desistió en conseguirla, dispuesto a sacar adelante esta historia que nació de su necesidad de “involucrarse y movilizarse”. “Creo que mucha gente siente lo mismo, esa frustración ante cosas respecto a las que queremos un cambio, pero no sabemos por dónde empezar”, apunta.

El cineasta tomó como referencia la labor de la organización benéfica londinense llamada Under One Sky, que recorre la ciudad con voluntarios para ayudar a las personas en situaciones vulnerables. Trabajar con ellos le hizo ser consciente de que esa labor era en sí una necesidad.

“Estamos en un punto muy incierto en cuanto a la confianza de las personas, porque la hemos perdido en la jerarquía y los políticos”, lamenta al tiempo que señala que, precisamente por ello, considera que la “oportunidad de cambio” está en lo “comunitario, los esfuerzos locales, la comprensión y la empatía a escala global”. “La película no pretende imponer un mensaje, pero sin duda es política y espero que inspire la conversación. Pero sí, no pretendo tener las respuestas. No intento ser una especie de profeta que dé con la solución”, concluye.

“¿Y si entre esas cenizas escondidas están las de los nuestros?”. Esa pregunta de Anton Gandarias fue una de las claves para dar con el paradero de su tío, Anjel Lekuona, exiliado en la Guerra Civil y fusilado en el campo de concentración nazi de Hradischko, en la República Checa, y también una de las cuestiones que han querido narrar en el documental 'Popel' ('Cenizas'), que retrata el viaje de Gandarias, Unai Eguia y Antonio Medina, también familiares de víctimas del nazismo, en su búsqueda de la verdad. Es un viaje convertido en documental de la mano del director gernikarra Oier Plaza.

“Como gernikarras conocíamos la historia de Anjel Lekuona, pero todo cambió cuando nos enteramos de que no se trataba solo de la historia de un viaje dramático, sino que había algo positivo detrás: la heroicidad de František Suchý y su hijo”, reconoce el director que este martes ha presentado la película en la sala BBK de Bilbao bajo la presidencia del lehendakari, Imanol Pradales, y de la consejera de Justicia y Derechos Humanos, María Jesús San José, después de pasar por el Zinemaldia de Donostia y de su estreno en Praga a modo de homenaje.

František Suchý fue el administrador del crematorio civil de Strašnice, en Praga. Cada vez que lo nazis le llevaban un cuerpo del campo de concentración Hradischko, tenía la orden de incinerarlo. Sin embargo, Suchý, horrorizado por aquello, apuntaba sin que le vieran un listado de los nombres y apellidos de las víctimas y un número que los identificase. A pesar de que los miembros de la SS pensaban que el administrador del crematorio quemaba los cuerpos de forma conjunta, éste lo hacía por separado y depositaba sus cenizas en urnas individuales que escondía después por el cementerio. Cada urna contaba con un número que también incluía en el listado en el que iba escribiendo todos los días los nombres y apellidos de las personas que incineraba. También le pidió a su hijo que hiciera lo mismo, para así, tener una copia del listado por si le descubrían y acababan con su vida. Esa es la heróica historia que Plaza y su equipo han logrado llevar a la gran pantalla gracias a las animaciones de Kote Camacho.

“Aunque el transfondo sea oscuro y esté ligado con la muerte, la heroicidad de ese padre y su hijo y la investigación llevada a cabo por las familias de las víctimas tienen una belleza muy cinematográfica. La historia tiene muchas capas. Hemos tenido mucha suerte porque hemos contado una investigación ya realizada. Nuestro reto ha sido dar orden a esa investigación”, defiende el director, que logra en 87 minutos plasmar una historia de décadas que une a Euskadi y a la República Checa.

Suchý primero y su hijo después llegaron a rellenar tres libros grandes con los nombres de más de 2.000 víctimas, la mayoría prisioneros checos, pero también franceses y españoles. Las cenizas de Anjel Lekuona, quien fue deportado desde Francia, donde se exilió tras luchar como gudari en la Guerra Civil, reposan gracias a la hazaña de Suchý hoy en día en el memorial dedicado a las víctimas de aquella masacre en el cementerio de Praga. Junto a las suyas, también están las de otros cinco prisioneros españoles del campo de concentración del Tercer Reich: Enric Moner, Pedro Raga, Antonio Medina, Rafael Moya y Vicente Vila Cuenca. Llevan ahí desde el año 1945, pero no fue hasta hace poco cuando sus familias lo han sabido con certeza. “Mi madre, que no habló libremente de mi tío hasta que murió Franco, guardaba en su mesilla de noche la carta de uno de sus compañeros de cautiverio, Gregorio Uranga. En la carta le contaba qué había sido de mi tío, cómo fueron detenidos por los alemanes y los crímenes que se cometieron, pero sobre todo, contaba que mi tío había sido incinerado y sus cenizas estaban en Praga”, explicó el propio Anton Gandarias a este periódico cuando su tío se convirtió en el el primer vasco fusilado en un campo de concentración nazi homenajeado con una Stolperstein.

Esa fue la clave para que, después de 20 años de búsqueda, Gandarias, junto con Unai Eguia y Antonio Medina, también familiares de víctimas del nazismo tratando de saber qué ocurrió en aquella época, dieran, tras una larga travesía y con la ayuda del Gobierno de la República Checa, con el cementerio de Strašnice, donde efectivamente, encontraron las cenizas de Anjel Lekuona, con el número de urna 62559, Enric Moner con el número 62557, Pedro Raga, con 62558, Antonio Medina, con el número 62560, Rafael Moya, 62563, y Vicente Vila Cuenca con el número de urna 62752. Con esa información, localizaron a los familiares de los seis españoles asesinados en el campo de concentración de Hradischko, para que conocieran qué ocurrió con ellos.

La historia de Anjel Lekuona y del resto de las víctimas ha sido recogida en estos útimos años en la novela 'Y los campos se quedaron sin flores', escrita por Unai Eguia, otro de los protagonistas del documental 'Popel'. Eguia es un profesor que empezó indagando sobre la vida de Enric Moner y así llegó hasta la historia que se esconde y que a partir de este martes se podrá ver en la gran pantalla. “Es una historia que tenía que ser contada y que a día de hoy tiene sentido contar. Cualquier sociedad debe hacer un ejercicio de memoria para poder avanzar. 'Popel' es una historia viva porque de las cenizas encontradas 85 aún no han sido reclamadas ni encontrado el paradero de sus familias”, reconoce Plaza, que explica que para hallar a las familias de esas víctimas han creado una página web con el nombre del documental para conseguir que más familias vivan la historia de reencuentro con las cenizas de las víctimas que viven los protagonistas de la película.

La asociación Pantailak Euskaraz, en una comparecencia ante la Comisión de Cultura, Euskera y Deporte del Parlamento Vasco, ha diagnosticado una situación “preocupante” del euskera en los cines y las plataformas de 'streaming' como Netflix o Prime Video. Hay pocos contenidos originales en euskera y pocos productos audiovisuales que se doblan o subtitulan. En los cines, se quejan, la situación es “aún más grave”, con menos del 1% de las proyecciones en euskera. En el turno de respuestas de los grupos parlamentarios, el PNV, que gobierna en coalición con el PSE-EE, ha puesto en cuestión parte de la metodología de la asociación y ha señalado que no se han contabilizado, por ejemplo, estrenos de algunos festivales y proyecciones en cines de películas estrenadas otros años.

La asociación Pantailak Euskaraz, han explicado, surgió hace cuatro años, porque percibían que, pese a que las plataformas de series y películas iban ganando peso, el euskera no conseguía hacerse hueco. Según los datos ofrecidos por Alexander Aginagalde, en Euskadi se pasan de media seis horas al día frente a una pantalla, la mitad en redes sociales y el resto frente a la televisión y las plataformas de 'streaming'. Entre los jóvenes, esa segunda porción se decanta de forma más marcada hacia las plataformas. ¿En qué idioma ven esos contenidos los jóvenes? Dos tercios lo hacen en castellano, mientras que apenas un 1% los ve en euskera. El castellano se impone en todo tipo de dispositivos, e incluso entre aquellos jóvenes que se comunican en euskera en casa y en la calle, según han indicado desde la asociación. Lo mismo sucede con los contenidos que estos jóvenes suben a redes sociales. “El mundo de las pantallas para los jóvenes no es el mundo del euskera”, han lamentado durante la comparecencia, íntegra en euskera.

Todo ello, lamentan desde la asociación, repercute de forma negativa en el uso y en la calidad del euskera. Sí se ha alegrado Aginagalde de que, en el tiempo transcurrido desde la creación de la asociación, se han lanzado las plataformas Primeran, una suerte de Netflix en euskera, y Makusi, que en nueve meses había superado los 36.000 perfiles y las 445.000 horas de reproducción. “Aunque se han dado pasos, la situación aún no es buena”, ha lamentado, pues la presencia del euskera es “muy pequeña” aún.

Zumar Altzugarai, también de la asociación, ha hecho un repaso de la situación del euskera en las plataformas. En Netflix, hay 39 contenidos originalmente en euskera o doblados al euskera (un 0,5%) y 282 con subtítulos (un 3,6%); en Prime Video, 64 (0,78%) y 254 (3,19%), y en Max, 19 (0,8%) y 22 (0,97%). “A Netflix y Prime les sale barato subtitular, y hay más contenidos”, ha añadido Altzugarai. Según sus datos, puede que cada semana aparezca en Netflix un contenido con subtítulos en euskera, pero doblado quizá una vez al mes o cada dos meses. En el caso de Prime Video, de Amazon, aseguran que no entienden su política: traducen contenidos al euskera, pero casi nunca internacionales, solo originales en castellano, catalán o gallego. Disney+ no ofrece ningún contenido ni doblado al euskera ni con subtítulos.

Desde la asociación recalcan la circunstancia de que tiene los derechos de 'Irabazi arte', una serie producida por EiTB y originalmente en euskera, pero la está retransmitiendo solamente en castellano. La ley audiovisual aprobada hace años pretendía que al menos el 6% del catálogo de cada una de estas plataformas fuese en los idiomas cooficiales, esto es, euskera, catalán y gallego. Las grandes plataformas, sin embargo, quedaron exentas y los datos, han señalado desde Pantailak Euskaraz, están muy por debajo. Sería importante también, según han expresado, que las plataformas indicasen de forma más clara qué contenidos pueden verse en los idiomas cooficiales. En los cines, se han quejado, la situación es “aún más grave”. Entre Euskadi, Navarra e Iparralde, se estrenaron en 2024 900 películas, de las que apenas tres fueron en euskera, además de otras once dobladas. Y menos del 1% de las proyecciones fueron en euskera. Además, han incidido, ninguno de los diez estrenos más taquilleros de 2024 contó con doblaje al euskera. Ha contrapuesto estos datos a los de Catalunya, donde seis de las diez más taquilleras se han doblado al catalán.

Ante estos números y esta situación, ¿qué proponen desde Pantailak Euskaraz? Las peticiones, verbalizadas por Aginagalde, se resumen en incrementar los recursos económicos tanto para las producciones propias como para el doblaje, aprobar un marco legal propio para guarecer los derechos de los consumidores de contenido en euskera y la creación de un consejo audiovisual propio como los que ya tienen Catalunya, la Comunidad Valenciana y Andalucía. Ha pedido, además, que se redoblen las llamadas de las instituciones a ver contenidos en euskera, con anuncios cuando aparezcan nuevos doblajes o subtítulos.

“La cantidad traerá calidad”

En el turno de respuestas de los grupos parlamentarios, Garikoitz Mendizabal, del PNV, ha admitido que la situación es “un desafío” para el Gobierno vasco, porque los datos no son los que les gustarían. “Se necesita más tiempo para cambiar un sistema por completo. No podemos basarnos en la fotografía de uno o dos años”, ha aseverado. Ha puesto en cuestión parte de la metodología empleada por la asociación Pantailak Euskaraz, pues, según ha sostenido, se han quedado fuera de sus datos algunas producciones en euskera y otros estrenos en diversos festivales. En esa misma línea, les ha recordado que en cines se hacen proyecciones en euskera de películas estrenadas años atrás y que esas tampoco suman en los datos ofrecidos ante el Parlamento Vasco. “Hay mucho trabajo por hacer y compartimos el objetivo”, ha dicho después.

Josu Aztiria, de EH Bildu, ha señalado que el castellano cada vez tiene más fuerza y que eso se hace notar en las calles de las localidades vascas. Ha dicho, además, que no es solo que cada vez se vean más contenidos en castellano, sino que tiene gran importancia la “narrativa” que hay “detrás” y cómo ello influye en la “identidad nacional”. Ha defendido que si no se consumen más contenidos en euskera, es por falta de demanda y no por falta de interés en el idioma. “La cantidad traerá calidad”, ha sostenido. Ha demandado que al menos las cinco películas más taquilleras deberían estrenarse con doblaje al euskera al mismo tiempo que al castellano. Ha pedido, asimismo, que se trabaje “desde la ambición” y no “desde la complacencia”.

Maider Lainez, del PSE-EE, ha destacado la puesta en marcha de las plataforma Primeran y Makusi. Iniciativas como estas, ha señalado, están permitiendo que el euskera se difunda “a los cuatro vientos”. Se ha alegrado, asimismo, de que la más reciente edición del Festival de Cine de San Sebastián haya sido la más nutrida de producciones en euskera. “Queda patente que en 2025 estamos en un buen momento de la producción audiovisual en euskera y que vamos en la buena dirección con los avances que se han ido dando”, ha asegurado. La apuesta tanto de su partido como del Gobierno vasco (del que forman parte en coalición con el PNV) ha sido siempre, según ha dicho, a favor de los productos propios de calidad. Santiago López Céspedes, del PP, se ha limitado a agradecer la exposición de la asociación y a desearle “mucha suerte” con las reivindicaciones ante las plataformas.

Cuando Maspalomas se vio en el Festival de Cine de San Sebastián, un amplio porcentaje de los periodistas se preguntaba quién era aquel señor, de nombre José Ramón Soroiz, que les había hecho conmoverse hasta las lágrimas con su contenida y sensible interpretación de un hombre que, a los 70 años, regresa al armario cuando ingresa en una residencia. El resto, periodistas y público de Euskadi, daban un tirón de orejas a sus compañeros del resto de España por no conocer a Soroiz, una auténtica estrella allí desde hacía décadas. Hasta en las tiendas de Donostia la gente se alegraba de su éxito

Él es uno de esos rostros populares que ha acompañado a varias generaciones gracias a su trabajo en teatro pero, sobre todo, en la ETB, la televisión autonómica, donde protagonizó una teleserie que es historia de la televisión vasca, Bi eta bat, en la que estuvo varios años y en donde coincidió con otras dos actrices que, tras triunfar en la autonómica saltaron a la popularidad nacional: Elena Irureta y Ane Gabarain. Junto a ellas, además, protagonizaría Patria, la adaptación de la novela de Fernando Aramburu que estrenó HBO en 2020 y donde daba vida a uno de los personajes principales, Txato.

Ahora, tras años de trabajo silencioso, Pinpix, como le llaman los amigos, ha ganado la Concha de Plata a la Mejor interpretación en el Zinemaldia y apunta al Goya al Mejor actor protagonista. Lo hace, además, una persona a la que las entrevistas, la prensa y la exposición le parecen la parte más complicada de su profesión, como dejó claro en la rueda de prensa de presentación de la película. Eso sí, cada vez que habla, uno vuelve a emocionarse con una sencillez que se nota a los dos lados de la pantalla.

Uno de sus directores en Maspalomas, Aitor Arregi, define lo que ha pasado con José Ramón Soroiz como un Searching for Sugar Man. Cita el documental que contaba la historia de Sixto Rodríguez, un cantante que en EEUU era un desconocido, pero que se había convertido en una estrella en Sudáfrica gracias a un casete que llegó con sus canciones. “Me ha pasado un poco lo mismo con José Ramón, porque yo pensaba que quizás por Patria sería más conocido, pero muchos de fuera del País Vasco no le conocían, nos preguntaban que de dónde habíamos sacado a este actor”, recuerda el cineasta.

Para ellos es un actor que siempre les ha acompañado. “Desde que éramos críos, para nosotros es José Lontxo”, aclara y hace referencia a su mítico personaje en Bi eta bat. Para Arregi, Soroiz es tan bueno “porque hay mucha verdad en su interpretación”. “Creo que cuando está interpretando a nuestro Vicente de Maspalomas estás viendo a Vicente, pero también estás viendo al José Ramón que has conocido en los ensayos”, dice sobre el actor.

En Maspalomas coincide con Nagore Aranburu, otra actriz que tras triunfar en Euskadi se ha hecho una de las intérpretes fundamentales del momento gracias a Querer, la serie de Alauda Ruiz de Azúa. Aranburu, que hace de su hija en la ficción, recuerda con cariño y emocionada que su primer trabajo en una serie de televisión (Maite), hace casi 30 años, tenía como protagonista a José Ramón Soroiz: “Me acuerdo como si fuera ayer de aquellos primeros días de ensayo, porque yo llegué con todas mis ganas, toda mi ilusión, pero también con todos mis nervios. Y ahí había un hombre, un actor con mucha experiencia y que se movía allí como si estuviese en su casa, cómodo y muy tranquilo”.

Hemos sido compañeros de piso, amigos, marido y mujer… Casi siempre marido y mujer. Entre nosotros existe una complicidad única, un entendimiento especial

Elena Irureta — Actriz

Aquel desconocido hizo que esa experiencia fuera como la seda. “Me arropó, me acogió, me cuidó y me enseñó. Han pasado casi 30 años desde entonces y en Maspalomas, José Ramón tenía que hacer su primer protagonista en el cine y llegó desde el inicio con nervio, con ilusión, pero también con algún miedo. Y ha sido precioso poder acompañarle en ese viaje increíble que ha hecho. Poder cuidarle, darle mimos e ir de la mano con él. Le quiero un montón porque es muy buen actor, pero sobre todo es una excelente persona”, dice la actriz.

Elena Irureta es su compañera en series y obras de teatro desde hace décadas. “Hemos sido compañeros de piso, amigos, marido y mujer… Casi siempre marido y mujer. Entre nosotros existe una complicidad única, un entendimiento especial. Tras tantos momentos, tantas experiencias y proyectos compartidos, ¡qué alegría me da el premio que ha recibido por su trabajo en Maspalomas! Bien merecido porque es un actor extraordinario, pero sobre todo, un trabajador incansable. Este reconocimiento le correspondía desde hace tiempo. Zorionak, Pinpix”, dice la actriz que hizo de su mujer en la inolvidable Patria.

Los Moriarti ya le dieron un papel pequeñito en Loreak pero, como recuerda Jose Mari Goenaga, “muchas veces estaba en off”. “La película tenía una planificación donde a veces nos centrábamos en la protagonista o en un objeto y todo lo que rodeaba ese personaje o a ese objeto quedaba en off. Me acuerdo que Nagore Aranburu, en un momento dado, nos dijo ‘oye, explicarle a José Ramón, porque está un poco alucinando de que está interpretando, pero ve que la cámara está en otro sitio y no le está enfocando’. Se lo explicamos, a lo mejor un poco tarde, pero lo entendió perfectamente”, recuerda Goenaga.

Como contaron en el Zinemaldia, una de las pocas cosas que pidió José Ramón Soroiz cuando aceptó hacer Maspalomas es que no quería hacer prensa. “Descubrí una persona que se ahogaba en un vaso de agua y me sentí muy identificado, porque yo también tiendo a agobiarme. Creo que, como yo, tiene un gran síndrome del impostor. Él pensaba que no lo iba a poder hacer, iba vendiéndose fatal y dije, no pasa nada porque sé que es buen actor y la persona ideal para hacer ese personaje. También me generó un miedo de cara al rodaje, a ver si íbamos a ser dos personas ahogándonos a la vez, pero afortunadamente no ha sido así, entre otras cosas también porque estaba Aitor, que tiene un empuje y una positividad que venía bien para contrarrestarnos”, subraya. Soroiz dice que ha sido la mejor experiencia de su vida.

Tanto Goienaga como Arregi destacan su generosidad y aprovechan para manderle un mensaje: “Me gustaría decirle que se lo crea porque es un gran actor y ojalá siga haciendo cosas, que deje a un lado esas inseguridades que tiene, porque lo que ha conseguido yo creo es muy remarcable, ser el primer actor en euskera que consigue la Concha de Plata. Es un orgullo para todos. Para todos los euskaldunes y en especial para todos esos actores que están ahí peleando siempre”.

Solo tres películas y una miniserie ha necesitado Alauda Ruiz de Azúa para confirmarse como una de las voces importantes de nuestro cine. Con Los domingos ha dado un golpe en la mesa, y tras el éxito de Querer el año pasado ha conquistado la Concha de Oro de San Sebastián. Es la segunda cineasta española en lograrlo. La quinta en toda la historia del Zinemaldia. El jurado, presidido por Juan Antonio Bayona, se ha rendido a la película que más debate y conversación ha generado en todo el festival. Una mirada a la imposición de los lazos familiares que saltan por los aires cuando una menor cuenta su decisión de ser monja de clausura.

Con su Concha de Oro todavía en las manos, Ruiz de Azúa atendía a la prensa intentando digerir todo lo que había pasado —no solo había logrado la Concha de Oro, sino también los premios de la prensa internacional y los informadores cinematográficos españoles— y se mostraba contenta por ser la segunda española en lograr el galardón. “Que cambien las fotografías de los premiados, porque hasta ahora ha habido una desigualdad histórica”, pedía. 

Desde el escenario, cuando recogió el premio, reivindicó el cine como un lugar “de encuentro y entendimiento” del otro. Más tranquila cuenta que su intención era reivindicar el aprendizaje que ella misma está teniendo con el filme desde que ha comenzado a enseñarlo al público: “Públicos de sensibilidades muy distintas han conectado con la película. Me parecía algo muy valioso, que el cine puede tener esa capacidad de poder querer entender algo aunque no necesariamente tengas que validarlo, y que pueda generar ese espacio de reflexión y de encuentro, pero también de debate. Me parece interesante debatir en un sitio seguro, porque la ficción es un sitio seguro en un mundo en el que hay mucho ruido y mucho debate”.

Sus productores destacaban que el filme había generado mucha conversación entre los jóvenes y Alauda no sabe todavía cómo valorarlo, pero cree que es “bonito, porque creo que mucha gente joven conectaba como con la vulnerabilidad del personaje de Ainara, la protagonista”. “Me da mucha ternura, porque cuando eres joven estás con incertidumbre, con una falta de certezas, y en un mundo que puede ser muy duro. Me ha parecido como muy bonito que conecten con esa vulnerabilidad”, analizaba.

Desde que la estrenó sabía que la película podía generar ese debate, “porque hay dos puntos de vista muy, muy extremos”, y eso le hacía intuir que el espectador iba a posicionarse más con uno que con otro. Pero lo que más le ha sorprendido es “la cantidad de tiempo de debate que genera la película”. “Tengo amigos que estaban allí y me decían que habían escuchado a la mesa de al lado estar una hora y media debatiendo sobre si apoyaban a Mayte o a Ainara”, contaba con humor.

A pesar de que era la gran favorita, Alauda Ruz de Azúa confiesa que se ha acordado todos estos días de “eso que dicen del cónclave, que el que entra Papa en el cónclave, sale cardenal” y que ni en sus mejores sueños podía haber soñado una carrera tan meteórica, sobre todo porque debutó tarde. “Con lo que me costó a mí hacer la primera película… es que hasta que no he visto que el premio era para nosotros no me lo creía. No te lo imaginas. Es increíble, porque todos sabemos lo importante que son los premios para las películas, para la visibilidad de las películas”, aseguraba.

Muy poca gente puede hacer lo que quiera en el cine, pero este premio me coloca en una posición en la que puedo llevar proyectos a sitios y que me escuchen, que haya un interés

Alauda Ruiz de Azúa — Cineasta

Aunque un premio como este empuje su carrera, sabe que “ahora mismo muy poca gente puede hacer lo que quiera en el cine”. “Sí que es verdad que esto me coloca de momento en una posición en la que puedo llevar proyectos a sitios y que me escuchen y que haya un interés por lo siguiente que vaya a hacer, que ya es un sitio bastante afortunado. Pero nunca sale todo bien, en algún momento saldrá distinto o saldrá de otra manera. Hay que convivir con eso. Creo que soy muy consciente porque hice mi primera película tarde y tuve mi tiempo para entenderlo. Ahora la apuesta es intentar seguir haciendo proyectos que me resulten complejos, que me planteen dilemas”, opina. De momento ya tiene proyecto en cartera. Una miniserie sobre onlyfans escrita junto a Eduard Sola, con quien escribió Querer.

A pesar de esas posiciones enfrentadas respecto a la película, la unanimidad en cuanto a todos los premios recibidos deja claro que la película ha conquistado, o como apunta la directora, “que la gente está dispuesta a debatir”. También la gente de otros países, cuya cultura no está tan anclada al catolicismo y que han entendido una propuesta que, a priori, la propia cineasta pensaba que podía ser “muy local, porque tiene unas texturas muy vascas”. Sin embargo, “el tema de la religión y la tolerancia puede viajar bastante bien a otros países”. De momento viajará con una Concha de Oro bajo el brazo.

Los domingos ha sido la película del Festival de Cine de San Sebastián y lo ha confirmado con la Concha de Oro de esta 72 edición que la acredita como la mejor película según el jurado presidido por Juan Antonio Bayona. Desde su primera proyección la tercera película de Alauda Ruiz de Azúa, —y la primera tras el éxito de su miniserie Querer— monopolizó las conversaciones de la prensa y espectadores. La cineasta puso a todos a debatir sobre los lazos familiares y, esto es más complicado, la fe. Porque su propuesta parte de una pregunta compleja, ¿qué harías si tu hija de 17 años se metiera a monja de clausura?

La película de Ruiz de Azúa acaba virando y, con la austeridad y la inteligencia habitual de su directora, acaba hablando sobre cómo nos empeñamos en mantener eso que llamamos familia a pesar de que no haya nada que nos una con sus miembros. Para ello se centra en el conflicto moral de la tía de la protagonista, una sobresaliente Patricia López Arnaiz, y la única que se opone frontalmente a la decisión. Que ha sido el filme del festival lo evidencia, también, el consenso con otros premios no oficiales. La prensa de la Asociación de informadores cinematográficos le ha otorgado su Feroz - Zinemaldia, y el jurado de la crítica internacional con el premio Fipresci. 

Parte del debate en torno a Los domingos en este Zinemaldia surgió por cómo se posicionaba la autora respecto a su personaje principal, con dos visiones antagónicas: una que lee el filme como un canto a entender cualquier fe; la otra que defiende las decisiones del personaje de López Arnaiz a pesar de sus últimas decisiones en el filme. Es esa ambigüedad también la que muchos han destacado. Un cine que plantera preguntas y no respuestas al espectador. “La película nace con la voluntad de generar conversación y debate”, decía Ruiz de Azúa en la rueda de prensa de Los domingos. Misión lograda.

La Concha de Oro consagra a Alauda Ruiz de Azúa como una de las directoras más importantes del audiovisual español. De momento, es la segunda cineasta española que logra la Concha de Oro tras Jaione Camborda, que hace dos años la logró con O Corno. La quinta mujer en toda la historia del festival. Sale, además, propulsada para la temporada de premios de este año, ya que el filme se estrena el próximo 24 de octubre, justo a tiempo para optar a todo en los Goya. “Si amo el cine es porque me enseña que se puede mirar desde otro sitio y entender algo que es ajeno a ti. Intentar entender algo no es legitimarlo. Pero vivimos en un mundo donde hay gente distinta a ti y el cine debe ser sitio de encuentro y debate. Gracias porque me habéis devuelto la fe en ese espacio con este recibimiento”, dijo en su discurso además de pedir que pare el genocidio en Gaza.

Es, además, el tercer año consecutivo que la Concha de Oro va a parar al cine español. Y esto también plantea una reflexión. Por un lado, evidencia la gran calidad de las películas que se producen en nuestro país. Por otro, también puede ofrecer una imagen de un festival que empieza a premiar solo cine español. Por si fuera poco en esta edición el palmarés ha quedado casi monopolizado por el cine español, ya que el Premio Especial del Jurado ha ido para la otra favorita, Historias del buen valle, el excelente regreso de José Luis Guerín.

El mismo galardón que logró hace casi 25 años con otra de sus obras maestras, En construcción. Historias del buen valle es una película de no ficción que retrata con honestidad, dignidad y poesía la vida de los habitantes del barrio de Vallbona, en las afueras de Barcelona. Guerín también ganó el premio de la Cooperación española y pidió cooperación contra los nacionalismos. Citó a Alejandra Pizarnik para decir que su única patria es la memoria, y no tiene himno. “Esta es mi única bandera”, dijo y señaló su chapa contra el genocidio en Gaza.

Las otras dos películas españolas a competición también han logrado su premio. Por un lado, Los tigres ha sido reconocida con el galardón a la Mejor fotografía para Pau Esteve. Por otro, José Ramón Soroiz ha logrado el premio a la Mejor interpretación protagonista —desde hace años en San Sebastián no hay diferencia por género— por su conmovedor y delicado trabajo en Maspalomas, donde da vida a un señor que tras vivir su homosexualidad en libertad y plenitud en la localidad canaria vuelve, tras un accidente cardiovascular, a una residencia en su Euskadi natal provocando una vuelta al armario. Es la interpretación que más ha emocionado y que reconoce el trabajo de un mítico actor de Euskadi que debería ganar el Goya en la próxima edición. Un premio que fue recibido con una ovación en la sala de prensa mostrando el consenso que ha generado su trabajo.

Su premio ha sido ex aequo con la actriz china Zhao Xiaohong por Jianyu laide mama (Her Heart Beats in Its Cage), donde interpreta su propia historia, la de una mujer que sale de prisión tras haber estado diez años presa por asesinar su marido, un maltratador que abusaba de ella, y debe reencontrarse con su hijo y su suegra, que ha cuidado este tiempo del pequeño. Uno de los mejores filmes de la Sección Oficial cuya recompensa sabe a poco el discurso de la actriz levantó un aplauso cuando se lo dedicó a sí misma por todo lo que había luchado. 

El lado más sorprendente del palmarés llegó con el doblete al belga Joachim Lafosse, cuya correcta mirada al clasismo y racismo en Six jours, ce printemps-là le ha valido la Concha de Plata a la Mejor dirección y el premio al Mejor guion (junto a sus coguionistas Chloé Duponchelle y Paul Ismaël). Sus dos premios hacen que queden fuera otros filmes que parecían mejor colocados en las quinielas, como la película argentina Las corrientes, de Milagros Mumenthaler, una de las propuestas más arriesgadas de la Sección Oficial que recibió el premio Otra Mirada de RTVE, o Le cris de gards, de la mítica cineasta francesa Claire Denis.

Otro de los filmes que tuvo buena recepción fue Belén, la segunda película de la directora y actriz Dolores Fonzi, que construye un alegato en defensa del aborto con un caso real que conmocionó Argentina y en el que una mujer fue condenada ocho años a prisión acusada de un aborto ilegal. El trabajo de la Belén de la ficción, Camila Plaate, fue reconocido con el de la Mejor interpretación de reparto. La actriz dedicó su premio a las mujeres tucumanas que pusieron “su cuerpo” en la lucha por el derecho al aborto en su país. “Lo volveremos a hacer las veces que haga falta”, añadió.

Como toda la edición, la clausura también estuvo marcada por las denuncias del genocidio en Gaza. A los manifestantes a la orilla de la alfombra roja se unieron las chapas de casi todos los actores y directores y los discursos de los galardonados. Entre ellos resonó con fuerza el de Motaz Malhees, actor de La voz de Hind, la película sobre el asesinato de una niña palestina de cinco años por parte del ejército israelí.

El filme ganó, con la nota más alta de la historia del festival, el premio del público y se lo dedicó a la familia de Hind Rajab, a todos los trabajadores de la Media Luna Roja que “arriesgan sus vidas a diario para salvar las de otras personas” y pidió que la voz de Hind se traslade por todo el mundo para parar el genocidio y que haya “justicia y libertad”, dijo y acabó pidiendo, en español, una “Palestina Libre”. El filme de Kaouther Ben Hania se ha convertido en un símbolo, y la manifestación que se vivió el miércoles pasado para acompañar el pase del filme y a sus actores lo demuestra.

En los años 80 un convento en Lizaso (Navarra) albergó una comunidad llamada Arco Iris, un grupo de personas que a través del tantra, el yoga y la meditación buscaban lograr una libertad utópica lejos de la sociedad que hasta aquel momento conocían, el posfranquismo y la Transición. Desencantados y decepcionados por el movimiento obrero de Gipuzkoa, los padres de la cineasta Irati Gorostidi (Eguesibar, 1988) deciden integrarse en la comunidad Arco Iris. Décadas después y tras años de investigaciones, Gorostidi ha llevado su historia y la del resto de los integrantes de la comunidad a la gran pantalla con 'Aro berria', película estrenada en la 73.ª edición del Festival de San Sebastián.

“En un primer momento, la película muestra el movimiento obrero de Gipuzkoa, un momento en el que todo está cambiando, cambian las formas de organización de la lucha y se consigue la firma del Convenio del Metal del año 78, el primer convenio después del fin de la dictadura, con las primeras elecciones sindicales. La película refleja toda esa reforma económica y laboral que recoge los Pactos de la Moncloa y cómo lo vive un grupo de jóvenes que participan en asambleas y se autoorganizan”, explica a este periódico la cineasta.

Sin embargo, la decepción por la desmovilización de los años 80 en comparación con la lucha industrial masiva de los 70 empuja a esos jóvenes a buscar otras alternativas de vida relacionadas con el 'New age', un movimiento espiritual y cultural que surgió en Occidente en la década de 1970, caracterizado por una mezcla de diversas creencias y prácticas espirituales, como el paganismo, budismo, hinduismo y ocultismo. “Pasan de una época que es un hito en la historia del movimiento obrero vasco a acercarse poco a poco a una comunidad en las montañas, un proyecto de vida comunitaria en el que a través de cursos las personas entran en estados de catarsis y de trance a través de diferentes técnicas que tienen que ver con otras comunidades que ya existían en Estados Unidos y otros lugares de Europa y que tenían influencias sobre todo orientales”, detalla Gorostidi, que confiesa que los personajes de su película son inventados, aunque sus historias están inspiradas en la de sus padres y el resto de compañeros de la comunidad.

En su obra se pregunta qué les lleva a estas personas a cambiar radicalmente de vida hasta decidir dejarlo todo atrás y vivir en comunidad. “Para mí, lo más importante de la película o el hilo conductor ha sido tratar de acercarme y entender qué fue lo que atrajo a miles de personas en los años 80 en Euskal Herria a participar en la comunidad, porque parece muy rupturista con todo lo que habían aprendido a nivel social e interno. ¿Hasta qué punto 40 años de dictadura dejan huellas en el cuerpo y el inconsciente? Me llamó la atención cómo después de ese proceso de militancia, de trabajo muy teórico, en la fábrica, de una vida centrada en lo laboral, empiezan a plantearse qué pasa con las estructuras tradicionales de la familia y se replantean las relaciones sexo afectivas”, reconoce.

La cineasta reflexiona acerca de los prejuicios que rodean la comunidad Arco iris y el hecho de que en muchas ocasiones se relacione este tipo de comunidades con sectas. “Hay mucha prensa que habla de la comunidad Arco iris, pero no ha habido ninguna investigación posterior. Los medios de aquella época se referían a la comunidad como secta. Me parece importante que la película no tenga una mirada que juzgue ni las motivaciones para participar en los cursos o vivir en la comunidad, ni las prácticas que se llevaron a cabo. En ese sentido la película es abierta, aunque también contiene una visión crítica”, sostiene Gorostidi.

Esa visión crítica se basa en las tensiones y contradicciones que existieron dentro de la comunidad entre los propios miembros. “El tema de la liberación sexual, por ejemplo, es uno de los puntos centrales porque después de haber sido socializados en un sistema hiperrepresivo y católico la idea de la libertad sexual es difícil. La película también critica que a la comunidad le falta una perspectiva de género y que no se puede forzar a realizar determinadas prácticas, en ese sentido se hicieron mucho daño a nivel personal, porque la comunidad tenía una lógica absolutamente hetero normativa y la liberación sexual para una persona que ha sido socializada como mujer o como un hombre es algo radicalmente distinto”, lamenta.

Gorostidi busca que, al igual que ella cuando conoció la historia de sus padres, el público que vea su película reflexione sobre la comunidad y debata sin prejuicios sobre la posibilidad de pensar en otras formas de vida en común. “Me encantaría que la película generase conversaciones y reflexiones, que la gente que la vea no conecte con el prejuicio. Creo que lo que se replantearon esos jóvenes en relación con la vida, el trabajo o la forma de relacionarnos tiene mucho que ver con lo que nos planteamos los jóvenes hoy en día y reflexionar sobre ello creo que es un ejercicio interesante”, concluye.

Jennifer Lawrence ha roto todos los récords posibles. Con 22 años ganó el Oscar a la Mejor actriz protagonista. Con 35 acaba de ser reconocida con el Premio Donostia. Es la más joven de la historia en lograrlo. José Luis Rebordinos decía que en la figura de Lawrence se juntaban muchos factores que hacían que no se hubiera dudado ni un minuto cuando surgió la posibilidad de que ella fuera uno de los dos premios honoríficos de esta edición. Con menos de 40 ya tiene una carrera que muchas actrices veteranas desearían, y gracias a sagas como Los juegos del hambre es un icono adolescente que acerca un cine diferente a nuevas generaciones.

A San Sebastián llegó no solo a recoger el Donostia, sino para presentar Die, my love, el filme dirigido por Lynne Ramsay basado en la novela de Ariana Harwicz sobre una madre que sufre un estrés posparto que la coloca en situaciones que normalmente el cine no muestra. La actriz atendió a la prensa en una multitudinaria rueda de prensa en la que se advirtió que las preguntas se centraran en la película o su carrera.

Pese a ello, Lawrence no tuvo problemas en contestar sobre si cree que como artista se está sufriendo un ataque a la primera enmienda en EEUU tras lo sucedido en las últimas semanas con Jimmy Kimmel. “Sí. Nuestra libertad de expresión está siendo atacada y creo que el mundo del cine, y usar nuestra voz de forma artística nos permiten, en sitios como este, conectarnos y ser empáticos y libres”, opinó.

Sin embargo, cuando fue preguntada por su opinión sobre que el filme fuera distribuido por Mubi, una empresa participada por un fondo de inversión ligado al sector militar israelí, desde la organización se cortó la pregunta para recordar que las preguntas debían centrarse en la película y su carrera. Se volvió a intentar cuando otro compañero remarcó que le parecía inaceptable censurar una pregunta y le pidió que se posicionara ante lo que estaba ocurriendo en el mundo como madre que teme el futuro para sus hijos.

“Es terrible”, comenzó diciendo Jennifer Lawrence que esta vez sí contestó. “Lo que está sucediendo no es nada menos que un genocidio, y es inaceptable. Estoy aterrorizada por mis hijos, por todos nuestros hijos. Lo que me entristece es que esta falta de respeto y el discurso en la política estadounidense actual les parecerá normal a muchos jóvenes que les votan ahora mismo. Les parece totalmente normal que la política no tenga integridad. Los políticos mienten. No hay empatía. Y todos deben recordar que cuando ignoran lo que sucede en un lado del mundo, pronto les pasará lo mismo”, dijo de forma contundente.

Lo que está sucediendo no es nada menos que un genocidio, y es inaceptable. Estoy aterrorizada por mis hijos, por todos nuestros hijos

Jennifer Lawrence — Actriz

La actriz justificó su posición de intentar no contestar preguntas políticas a pesar de que la situación le “rompe el corazón”. “La realidad es que, al hablar demasiado o responder a tantas preguntas, tememos que nuestras palabras solo se usen para añadir más fuego y retórica a algo que está en manos de nuestros funcionarios electos. Solo quiero que la gente se concentre en quién es responsable, qué puede hacer y cuándo debe acudir a votar, y que no deje que los actores y artistas que intentan expresar su libertad artística, su libertad de expresión, carguen con las consecuencias de los verdaderos responsables”, zanjó.

La actriz también habló sobre los temas que aborda la película, como el estrés posparto, algo que contó que no tuvo con su primer bebé, pero sí con el segundo. “He sido muy afortunada porque tuve un buen posparto tras mi primer bebé, que fue cuando me leí el libro de Ariana, y quizás por eso, porque no estaba en un lugar tan bajo, pude mirar la historia de forma directa e ir a ese lugar. Tras el segundo sí que tuve estrés posparto y ha sido realmente raro ver la película en retrospectiva tras haber pasado por ello”, confesó.

Fue “un director nuevo y muy prometedor, Martin Scorsese” —dijo con humor—, quien le dijo que debía producir la adaptación del libro de Harwicz para protagonizarlo. Fue Lawrence quien pensó que Ramsay la dirigiera porque era muy fan de su trabajo. La cineasta aceptó, y el resultado ha sido una experiencia que describe como “perfecta”.

La joya del Festival de Cine de San Sebastián llegó casi sobre la bocina, y lo hizo de la mano del regreso de uno de los grandes cineastas españoles de las últimas décadas y que, sin embargo, y como él confiesa, no ha rodado todo lo que hubiera querido. José Luis Guerín presentó ayer su regreso al largometraje tras ocho años de ausencia y dejó a todos, de nuevo, fascinados. Igual que hiciera en este mismo certamen hace casi 25 años cuando presentó En construcción, aquella historia de los habitantes de El Raval de Barcelona que estaban siendo expulsados de sus casas por la burbuja urbanística que comenzaba. Volver a ver ahora el filme de Guerín deja en evidencia el poder de su cine, atemporal, que captura la memoria en su juego entre el documental y la ficción, y también que supo colocar su cámara en un problema que sigue siendo de rabiosa actualidad.

Hay un hilo claro que une En construcción con su nueva película, Historias del buen valle, que cuenta la vida de la gente del barrio de Vallbona, a las afueras de Barcelona. “Una isla”, como lo describen en la película, delimitada por el tren, la autovía y otros accidentes geográficos o urbanísticos. Guerín realiza su maniobra de aproximación habitual para captar el día a día de una comunidad que se convierte en un símbolo de resistencia. Resistencia contra la gentrificación, resistencia al falso progreso que les quiere quitar su campo de fútbol. Pero también resistencia, en la multiculturalidad que representa, a un auge de la extrema derecha que quiere dividir. 

En un mundo sin tejidos comunales, de individualismo atroz, Historias del buen valle es un chute de idealismo. Y lo hace sin subrayados. Sin forzar las tintas. Solo colocando la cámara donde toca. Dejando que sus personajes hablen y se relacionen. Captándoles con dignidad. Haciendo que nos preguntemos hasta qué punto es un documental o hasta qué punto esos personajes ficcionan sus propias historias. Da igual, uno tiene la clara sensación de que ha asistido a un trozo de vida que Guerín ha arrancado en forma de cine para ponérnosla a nosotros. Una película asombrosa que merece la Concha de Oro y que es la mejor de todas las que han pasado por la Sección Oficial.

Aunque el hilo más evidente es el que une Historias del buen valle —que por cierto ha producido Jonás Trueba con su compañía Los Ilusos— con En construcción sería injusto no acordarse de Tren de sombras en ese inicio en Súper 8 en blanco y negro, pero sobre todo a Innisfree, aquel emocionante relato de la comunidad irlandesa que vivía, como en una cápsula del tiempo, en el pueblo donde se rodó El hombre tranquilo, de John Ford. Era también una comunidad que resistía, que permanecía junta, que cantaba unida… Igual que la gente de Vallbona.

Hay hasta un guiño en ese personaje del barrio barcelonés que pide, al inicio de la película que Guerín ruede un wéstern. A él le dedica un plano para el recuerdo. Un plano de wéstern, con él en lo alto de una colina mirando su barrio bajo la niebla. Hay tanto cine en esa escena, en el elegante movimiento de cámara que el cineasta le regala, que hace que casi todas las películas vistas en este Zinemaldia palidezcan.

Pocas horas después del primer pase de prensa de la película, Guerín confesaba que le gustaba leer a los periodistas para tomar conciencia sobre sus propias películas, porque “un exceso de conciencia sobre el propio trabajo tiene un efecto inmovilizador”. Reconocía que hay algo de Innisfree en esa isla que es Vallbona. “Rodé a dos personas que buscaban sus recuerdos en las ruinas de una casita que construyeron ellos mismos. Se cruzó en mi memoria aquella imagen de los sobrinos de John Ford evocando en las ruinas de su porche”, apunta y dice que aunque crea que esta es muy diferente a En construcción, sí que ambas “abordan dos barrios de Barcelona, uno céntrico, otro en la periferia”.

Los centros urbanos se han convertido en parques temáticos, comercio de franquicias que acaba con el tejido social y vecinal, con lo que yo entendía como la vida cotidiana

José Luis Guerín — Cineasta

Ese viraje del centro de Barcelona a las afueras es porque solo así puedes “encontrar algo medianamente auténtico”. “Mi interés en las periferias viene de lejos ya. En la medida en que la gentrificación ocupa todo. Los centros urbanos se convierten en parques temáticos, comercio de franquicias que acaba con el tejido social y vecinal, con lo que yo entendía como la vida cotidiana. Entonces, por esa razón, aparte de los precios de la vivienda que son prohibitivos, eso nos lleva hacia la periferia. Yo no vivo en Barcelona, ahora vivo en Francia, pero cuando voy a visitar a familiares y amigos me voy siempre a los barrios periféricos, donde siento que late, que fluye una vida que yo reconozco como vida cotidiana”, explica. 

Para Guerín se está “desplazando la vida popular a los márgenes” y por eso cree que el cine debe mirar a ellos. Minutos después cuenta que la palabra margen no le termina de gustar, porque hay una condescendencia que no debería haber cuando nos referimos a esas zonas en donde se mezcla la gente que viene de un contexto rural y que han desarrollado su vida allí, a aquellos recién llegados a lo que consideran una “ciudad dormitorio” y que tienen menos implicación con los cambios que van ocurriendo.

La cámara de Guerín hace el esfuerzo de ir más allá del prejuicio. “En la periferia lo primero que ve son las enormes carencias flagrantes que padecen. Pero me gusta también verlo como espacio de singularidad que permite formas de vida, de resistencia, que han sido extirpadas y erradicadas de los centros urbanos desde hace muchísimo tiempo”, subraya. Su voluntad con Historias del buen valle, y con todas sus películas, es el de “asistir a una revelación o un descubrimiento”. “Creo que muchos compañeros míos documentalistas quieren hacer una película para hacer una denuncia previamente fijada Yo no, yo lo que me asiste es ese deseo de descubrir algo y compartirlo con vosotros. Con los espectadores”.

En esta ocasión esa revelación tiene muchas capas, y una de ellas es también esa defensa de España como lugar multicultural, de entendimiento y lucha pese a las políticas racistas. Guerín “quería celebrar la diversidad que se produce con la nueva globalización”. “Me parece preciosa la aportación que suponen todas estas personas y al mismo tiempo lo siento muy amenazado en los tiempos que corren. Estamos ante un resurgir tan truculento de los nacionalismos con una violencia atroz. Y los nacionalismos pretenden que la identidad sea una instancia fija, estática, inmóvil. Cuando una identidad, si está viva, debe ser necesariamente mutante. La identidad se construye cada día y la identidad de ese barrio está ahí, en movimiento”, reflexiona y da la explicación de porque, al comienzo de su filme, pone que nos encontramos ante un ‘work in progress’. Historias del buen valle, como el propio barrio, se sigue construyendo, y nunca dejará de hacerlo.

Leiva dice que muchas de las cosas que ha conseguido han sido por suerte. Y, quizás por ello, el documental sobre el artista que ha sido presentado en el Festival de San Sebastián haga tanta referencia a ese concepto: la suerte. Puede que un porcentaje muy alto del éxito se deba a estar en el lugar adecuado en el momento adecuado, pero, después de tantos años en el estrellato, lo de Leiva ya no puede ser una casualidad, y así lo acredita que su presencia en el Zinemaldia haya eclipsado a todo lo demás.

Delante de 3.000 personas se ha proyectado Hasta que me quede sin voz, el documental —cuyo estreno en cines será el 17 de octubre— que han dirigido Mario Forniés, Lucas Nolla y Sepia, y cuyo título sale de una de sus canciones más populares, pero también del hilo conductor del filme, que cuenta el periodo en el que el cantante se enfrentó a un problema en las cuerdas vocales que le hizo plantearse si el final de su carrera estaría cerca.

A pesar de que Leiva es alérgico a la exposición y a contar mucho de su vida íntima, en el documental sorprende la honestidad con la que se muestra y habla de temas como la fama, sus complejos físicos o el consumo de alcohol. De hecho, la única línea roja que les puso a los directores fue que “había que ir al cuello con la honestidad”. Desde el Hotel María Cristina, con su inseparable sombrero, su traje y una chapa contra el genocidio en Palestina, el cantante explica que tenía claro que para diferenciarse de los otros muchos documentales sobre músicos había que ser honestos “y que no pareciera un documental de promoción”. “Como espectador me aburren soberanamente”, cuenta.

El documental abarca el tiempo entre el final de una gira y el comienzo de la siguiente. Para Leiva, “la vida es lo que sucede entre un concierto y otro”, y él se considera una persona “cuyas miserias son iguales a las de todo el mundo”. Entender eso, que la vida de verdad está fuera de los escenarios, le costó “mucha terapia y muchos problemas”. “Durante muchos años de mi vida pensé que el mundo real era estar de gira y desatendí mucho mi vida. Lo he aprendido hace bien poquito, que la vida es lo otro y eso es un privilegio irreal que es nuestro oficio y que es maravilloso. Pero no es la vida real”.

Al contrario que muchos artistas que se consideran tímidos y a los que el escenario les ofrece la posibilidad de abrirse en canal, Leiva hace el viaje inverso. “Cuando te conviertes en una persona pública yo me he creado mi modo de supervivencia, y eso es ser muy introvertido y mostrarme muy poquito. Se me ve en el escenario con mi sombrero y mis cosas y se hace un poco de estereotipo. Pero eso no es una máscara, ese también soy yo. Lo que pasa es que yo soy más el tipo que hace croquetas con mi madre en el barrio, porque ese soy yo a tiempo completo. Luego durante un ratito me subo al escenario con un traje molón y el sombrero, pero la realidad es la otra”.

Yo soy más el tipo que hace croquetas con mi madre en el barrio, porque ese soy yo a tiempo completo. Luego durante un ratito me subo al escenario con un traje molón y el sombrero

Leiva — Músico

No le da miedo mostrar a ese Leiva que hace croquetas, porque no le “importa decepcionar a nadie”. “Miedo no me da, pudor sí porque yo soy muy blindado y muy poco dado a hablar de mi vida personal, pero bajo la mirada de unos amigos, sabiendo que tengo el arnés de seguridad de que unos amigos no van a ser sensacionalistas, ahí sí me he animado a hacerlo”. La fama y la popularidad es otro de los temas del documental, y Leiva cree que “muy poquita gente popular sale indemne de la fama”. “Todo lo que se proyecta en un escenario no siempre es igual que debajo de un escenario. Yo creo que la popularidad te debilita mucho y, por lo general, las personas que estamos expuestas a lo público tenemos un grado grande de inseguridad”, opina.

Ese problema en las cuerdas vocales hace que Leiva tenga en el horizonte la sombra de la cancelación o un posible retiro: “La ayuda quirúrgica me da más fuelle para terminar las giras. Pero lo que está claro es que es un obstáculo muy, muy gordo y, sobre todo, muy desgastante. Siempre revolotea el miedo a suspender, y ahora tengo que jugarlo todo de otra manera, tengo que hacer muchos menos shows. Pero, siendo honestos, sí que está en riesgo la continuidad, o al menos no sé por cuánto tiempo. Por eso lo tengo que disfrutar”.

En un giro irónico del destino, Leiva y su adorado Sabina, con el que ahora comparte una amistad, han acabado unidos también por esa pérdida de voz. “Hace poco le decía, es acojonante que al final voy a acabar yo con peor voz que tú, y él se descojonaba. Es que al final incluso con la voz nos unen las cosas. Es una amistad muy hermosa”, dice de esa relación en la que, por suerte, no ha entrado la idealización de Leiva hacia Sabina como artista. No lo ha hecho porque Sabina “se ha encargado de que así sea”. “Durante los primeros años que yo tenía mucho deslumbramiento, pero él se encargó rápidamente de que eso no sucediera. Si él se hubiera sentido cómodo en el deslumbramiento, no hubiera ido bien. Pero Joaquín enseguida me hizo entender que éramos amigos”.

A pesar de llevar una carrera más que consolidada, sigue teniendo como “pesadilla recurrente” que su momento va a pasar, que “esto mañana se acaba”. Lo considera “verosímil”, pero si eso pasara, la sensación sería de que ha cumplido. De que lo ha hecho bien: “Lo digo en el documental, pero es que a mí la suerte me ha venido ya varias veces a visitar. Si las cosas vienen ahora mal dadas, ya sería un empate. La vida me ha brindado una vida alucinante y lo he disfrutado mucho. Si la cosa fuera mal, seguiría sintiéndome un tipo con suerte por lo que he tenido”.

Vuelve a mencionar la suerte, y por eso su película acaba siendo una refutación de la meritocracia. Cuando lo vio en el montaje, eso le encantó: “La injerencia de la suerte en mi vida es muy grande. Yo no he propiciado encuentros que hayan cambiado el rumbo de las cosas. En mi caso, obviamente me he roto la espalda en la carretera tocando en clubs, pero las cosas que me han sucedido importantes en mi vida, yo las relaciono directamente con la suerte y no con el mérito. Y lo digo genuinamente. No lo digo con falsa modestia, lo digo porque lo pienso de mí y de mucha gente”.

Aunque durante algunos años de su vida, por la simbología existente de lo que significa ser una estrella del rock, confiese que haya “experimentado con todo”, cree que esa imagen nunca le ha definido. “Eso de la mala vida, de estar escribiendo en los bares… Eso a mí no me ha sucedido. Creo que en una cena de empresa de directivos de un periódico probablemente haya más cocaína que en un camerino”, lanza mientras vuelve a remarcar que si vida es la música, y que si no se dedicara a esto, probablemente se iría a poner copas: “No sé hacer otra cosa”.

Karmele Urresti fue una enfermera que tuvo que exiliarse desde su Ondarroa natal a Francia junto con su familia nacionalista en el año 1936, cuando los franquistas llegaron al pueblo vizcaíno. En el exilio, trabajó en un hospital de guerra tratando a los soldados heridos en combate hasta que le llegó la oportunidad de formar parte de Eresoinka, el grupo de música y danzas vascas creado por el Gobierno de Euzkadi en 1937 con el objetivo de combatir el franquismo a través de la cultura mostrándole al mundo canciones sobre democracia y libertad. En aquel grupo se enamoró de Txomin Letamendi, un trompetista que huyó de Bilbao tras combatir como gudari en la Guerra Civil. Su alias era Turuta. Juntos viven una intensa historia de amor entre dos guerras, la Guerra Civil y la Segunda Guerra Mundial, y dos exilios, uno a Francia y otro a Venezuela como escenario. Hasta que se les presenta la ocasión de volver a Euskadi pero con una misión: derrotar al franquismo infiltrándose entre sus afines y pasando información al Gobierno de Euzkadi en el exilio y al de Estados Unidos. Una historia recogida en primer lugar por el escritor Kirmen Uribe (Ondarroa, 1970) en su novela La hora de despertarnos juntos, y adaptada después en Karmele, película del cineasta Asier Altuna (Bergara, 1969) estrenada en la 73.ª edición del Festival de Cine de San Sebastián.

A pesar de tratarse de una trama de combate, guerra y espías, Altuna ha preferido narrar la historia real de Karmele desde lo cotidiano, lo doméstico y la intimidad, dando el protagonismo a las mujeres de la historia y a la cultura como arma para luchar contra el franquismo y el fascismo. “Tuve que hacer un trabajo muy fuerte de decidir qué iba a contar y a través de quién. Era muy atractivo para la pantalla contar las conversaciones de los espías o pasajes de combate que fueron reales, pero poco a poco fui quitando peripecias y metiendo más conflictos familiares. Dejé todo el contexto de exilio, de guerras y resistencia contra la dictadura un poco de fondo para poner la atención en lo doméstico, en la intimidad, los miedos, las dudas, las decisiones o los puntos de vista diferentes que tiene la pareja. También me interesó la transmisión entre generaciones”, explica a este periódico el director en una de las suites del lujoso Hotel María Cristina de Donostia, que acoge a cineastas y actores durante el festival.

Los hijos de Karmele, Ikerne, Patxi y Txomin, y otros familiares, han seguido de cerca la producción del proyecto y han colaborado con anécdotas, descripciones y documentos de la historia de sus padres. Ikerne, la mayor, cuyo personaje aparece en la película y quien tenía más recuerdos de aquella época, falleció en el año 2021. “La familia de Karmele era muy comprometida, independiente, amante de la cultura y de la educación. Su madre era profesora en euskera durante la Segunda República, también fue la presidenta de la Asociación de Mujeres del Pueblo. Puede que por ello Karmele fuera tan combativa. De hecho, sus hijos nos dicen que en la película igual ha salido demasiado blanda. Debía ser una mujer muy fuerte, con un caracter potente que se enfrentaba a todo y que no se callaba por nada”, reconoce Altuna.

De ahí viene uno de los puntos centrales de la película. “Hay dos puntos de vista: el del hombre, que siempre ha tenido el poder y más en aquellos años y el de la mujer que cría y deja de estar en el punto central de las decisiones. Txomin va por su lado con el objetivo de tumbar el régimen franquista con ayuda de los aliados, y deja atrás a Karmele, mientras ella no puede con eso. En su lugar, ella reconoce que la dictadura es más fuerte de lo que pensaban y que en ese momento es imposible tumbarla, por lo que cree que la esperanza está en las nuevas generaciones, en la educación que reciban sus hijos y en la recuperación del euskera que les fue arrebatado”, detalla.

Para Altuna, este tipo de películas son necesarias en los tiempos que corren. “El momento en el que estamos tiene mucha similitud con esa época negra de periódo entre guerras, de falta de libertad, de totalitarismo y de fascismo”, reconoce, aunque ve diferencias generacionales en la forma de acoger a personas exiliadas o migrantes en comparación con aquella época. “Eso ha cambiado mucho. Nosotros, los vascos, los españoles, hemos sido un pueblo emigrante. Ahora hay un discurso de violencia, de negación, de defender lo tuyo de manera egoista y necesitamos todo lo contrario. Necesitamos una actitud de diálogo, de crear puentes y de entender al que no es como tú y respetarlo”, sostiene.

El cineasta defiende que en la cultura y la educación está la solución a los conflictos de la sociedad actual. “Creo que la política ya no sirve. Nos bombardean con información que no vale para nada y luego hacen lo que quieren. Entonces, lo único que me queda a mí es creer en la cultura y la educación, como hicieron con el proyecto Eresoinka. Cuando perdieron la guerra desde el Gobierno de Euzkadi crearon ese proyecto para, a través de la cultura, intentar llamar la atención de las democracias europeas y luchar contra el fascismo. Fue una idea visionaria la de reivindicar lo nuestro a través de la música y mostrar que nos quieren aniquilar y destruir lo que somos. Cuando ya no quedaba nada, la música les dio algo de esperanza. Es importante saber transmitir, aprender y tener memoria para no caer en lo mismo”, indica.

La película, rodada en euskera es, según Altuna, el ejemplo de la evolución del cine vasco y de que ya no hace falta marcharse de Euskadi para llevar grandes proyectos a la gran pantalla. “Hace 20 años era difícil imaginar el panorama que estamos viviendo ahora. De alguna manera, la generación anterior, la de Enrique Urbizu, Álex de la Iglesia o Julio Medem, se tuvo que marchar a Madrid, mientras que nosotros hemos tenido la suerte de seguir y trabajar aquí. El apoyo de las instituciones ha sido fundamental y gracias a ello tenemos la suerte de que ahora hay un cine vasco y en euskera muy potente con obras muy diferentes entre sí, pero de mucho nivel. Y es algo para estar orgullosos”, concluye el director, que ha sido galardonado en esta edición del Zinemaldia con el Premio Zinemira a su trayectoria de más de 20 años que comenzó con la emblemática película Aupa Etxebeste!.

La historia de Turuta, también en los juzgados

El estreno coincide en el tiempo con un proceso judicial impulsado por esta familia para esclarecer el fallecimiento de Turuta tras su regreso a España en 1950. La documentación judicial, así como material desclasificado en Estados Unidos, prueba que Letamendi era agente del Servicio Vasco de Información (SVI), la agencia de espionaje creada por el lehendakari José Antonio de Aguirre en la Guerra Civil y, en el exilio, operó al servicio de la CIA, entonces conocida como OSS en sus inicios en la Segunda Guerra Mundial. El propio Aguirre, estando en Venezuela, le envió de vuelta a España, donde fue detenido, torturado y encarcelado. Falleció como consecuencia de esas circunstancias.

La familia presentó una querella para que se depuren responsabilidades y se restituya el honor del fallecido. Inicialmente, un juzgado archivó la causa pero la Fiscalía recurrió y está dispuesta a emitir una “declaración de hechos pasados”, es decir, un informe que, aunque no tenga consecuencias penales, permita poner negro sobre blanco en un documento oficial la historia real de esta familia.

En la 73ª edición del Festival de San Sebastián, la actriz Jennifer Lawrence recibe a los 35 años el Premio Donostia este viernes 26 de septiembre por ser considerada “una de las intérpretes más influyentes de nuestro tiempo”, certamen al que llega a presentar su último proyecto ‘Die My Love’.

La actriz conocida por su participación en la saga cinematográfica de ‘Los Juegos del Hambre’ como Katniss Everdeen o por su papel de Mystique en la precuela de la franquicia X-Men, ha tenido una carrera desigual después de lograr el premio Oscar con tan solo 22 años.

‘El lado bueno de las cosas’ (2012)

La película dirigida por David O. Russell fue la que le valió el premio Oscar a mejor actriz en 2013 por su interpretación de Tiffany, una joven con problemas y mala reputación que aparece en la vida de Pat, interpretado por Bradley Cooper, que recién acaba de regresar de un centro de salud mental, para crear un vínculo que cambiará la situación de ambos.

‘No mires arriba’ (2021)

La que fue una de las películas de las que más se habló durante 2021, dirigida por Adam McKay y estrenada en Netflix, contó también con Jennifer Lawrence como una de sus protagonistas en el papel de Kate Dibiasky, una estudiante de astronomía que hace un descubrimiento junto a su profesor de un enorme cometa cuya trayectoria va directamente a la Tierra.

‘Winter’s Bone’ (2010)

Otro de los papeles más alabados de Jennifer Lawrence es que el que realizó con tan solo 20 años en la película ‘Winter’s Bone’, cuando dio vida a Ree Dolly, una joven que vive en una zona rural de Missouri que tiene que hacerse cargo de su familia en situación precaria y cuyo padre desaparece misteriosamente tras salir de la cárcel.

‘Joy’ (2015)

Otra cinta de David O. Russell es una de las películas fundamentales en la filmografía de Jennifer Lawrence y que le valió otra nominación al premio Oscar al dar vida a Joy Mangano, una trabajadora de Long Island que se convierte en inventora de productos para el hogar y siendo así uno de los personajes más famosos de la teletienda en Estados Unidos.

‘La gran estafa americana’ (2013)

Tan solo un año después del prestigio que le supuso su papel en ‘El lado bueno de las cosas’, Lawrence participó junto a Christian Bale y Amy Adams como protagonista en ‘La gran estafa americana’, que se ambientaba en el Nueva York de los años setenta, y donde volvió a coincidir con Bradley Cooper.

Cuando los actores palestinos Motaz Malhees y Saja Kilani bajaron este miércoles las escaleras del Teatro Victoria Eugenia no pudieron contener las lágrimas. Les habían dicho que habría una concentración pro Palestina en San Sebastián y ellos habían prometido acudir, pero no contaban con que miles de personas les iban a recibir a las puertas del teatro entre aplausos y gritos pidiendo el final del genocidio. Ambos intérpretes habían acudido a presentar el pase de La voz de Hind, el filme sobre la niña de cinco años asesinada por el ejército israelí que se ha convertido en un símbolo para denunciar las masacres cometidas por el país.

La película dirigida por Kaouther Ben Hania llegó a Donostia tras ganar el León de Plata en Venecia y competía por el premio del público antes de estrenarse en salas españolas el 28 de noviembre. Ha sacado la nota más alta de la historia del festival: 9,52 sobre 10. Ese calor que se ha visto en las votaciones estaba en las calles, donde Saja Kilani sintió “el amor y la fuerza de la gente”. “Nos recordó que todavía hay humanidad, y se veía en sus ojos. Fue tan hermoso…”, opina la actriz.

Su compañero añade que pensaban que habría 30 o 40 personas esperando a la salida, pero cuando lo vieron se sintieron sobrepasados. “Se nos puso la piel de gallina. Era una declaración clara de que la gente está a nuestro lado, y eso es lo que necesitamos. Es hermoso ver que hay humanidad en este mundo. Creo que la mayor parte de la gente tiene humanidad. Nuestro problema es con los gobiernos cómplices, no con la gente”, dice mientras se le llenan los ojos de lágrimas. 

Ambos se aferran a la esperanza, y como artistas creen que es lo que deben hacer. “Anhelamos un mundo mejor. Anhelamos que la humanidad se levante y triunfe. Y por eso me siento tan honrado de formar parte del viaje de esta película. Es necesario que la vean todos los ojos posibles. Y lo digo con la mayor humildad, pero en realidad, es necesario que la vean todos los ojos posibles, más allá de mí como actor en esta película, por la importancia de la historia. Nuestro mayor logro es ganarnos el corazón de la gente. Y eso es lo que nos importa”, subraya Motaz Malhees. 

Malhees agradeció ayer al público la posición de España, que calificó como “valiente”, y se explaya sobre su emoción cuando escuchó a Pedro Sánchez recientemente: “Cuando vi el discurso que dio vuestro presidente recientemente pensé que menuda valentía. Hay un país que se alza con total valentía y su presidente habla también de ello. Ayer conocimos a vuestro ministro de Cultura, una gran persona. Y se manifestó junto a nosotros sin ocultarse. Llevaba una insignia que decía ‘Alto al genocidio’, admitía que es un genocidio. Ojalá que lo que está haciendo España inspire al resto de Europa y de países a actuar, porque si los grandes países europeos actuaran, podrían detener el genocidio ahora mismo”.

Malhees cree que lo que está ocurriendo es “como una historia de terror que está dando la vuelta al mundo y necesita ser escuchada”. “La gente, al ver esta película, comprenderá que cientos de miles de niños han pasado por lo mismo que Hind, pero esta historia está documentada, lo cual también es triste para mí como palestino porque parece que se necesita documentar cómo matan a tus hijos para que la gente entienda lo que está ocurriendo”, dice con contundencia.

Palestina es una especie de laboratorio para que el mundo pruebe con nosotros cosas peligrosas y repugnantes

Motaz Malhees — Actor

El actor intenta no hablar de sus propias experiencias, pero ya en Venecia apuntó que él sabía en sus carnes lo que es vivir los bombardeos y temer por su vida desde que era un niño. Una sensación que se ha repetido en numerosas ocasiones hasta que salió hace unos años de Palestina. “Me mudé porque quiero ayudar a una familia y a mí mismo a salir adelante, pero hasta ese momento vivía en un círculo vicioso. Ahora, desde fuera, lo veo y pienso que me gustaría sacudir a la gente por la calle para que vieran que lo que ocurre en Palestina no es normal, es una película de terror”, comienza diciendo. 

Recuerda el miedo a ser parado en un puesto de control y “que te humillan solo por ser palestino”. “Si el soldado decide arruinarte el día, puede. Si el soldado decide llevarte a prisión, puede. Si el soldado quiere dispararte, puede. Con que digan que antes intentaron atacarle vale, así de fácil. Es como si fuéramos una especie de laboratorio para que el mundo pruebe con nosotros cosas peligrosas y repugnantes. Así es como me siento ahora mismo desde fuera. Y duele”, zanja.

Por eso espera que el mundo actúe pronto, porque si no, no quedará nadie. Tiene claro que es una “limpieza étnica”. “Literalmente me despierto y me duermo pensando que mi familia está bien. Pero al mismo tiempo pienso en mis tíos, primos, amigos… Me importan todos. Siempre digo que Palestina será libre mañana, y entonces hablaremos del Congo. Hablaremos de Sudán. Hablaremos de cada lugar de la Tierra donde hay un pueblo oprimido. Hablaremos de ello. Esta es la misión de los artistas. No lo hacemos solo por amor al arte. No aprendí a hacerlo así”.

Desde que el filme pasó por Venecia, ambos no han parado, y aseguran estar agotados, pero que les ayuda estar el uno al lado del otro: “Siendo sincero, estoy supercansado. Mentalmente. Físicamente… Estoy mucho más cansado. Estoy exhausto. Pero al mismo tiempo, siendo completamente honesto, no me importa. Están masacrando a estas personas en vivo delante de nosotros y lo vemos en nuestras pantallas. Eso es lo que importa. Son mis emociones, mis sentimientos, mi cansancio. No importa. Lo que importa es detener este genocidio. Así que estamos haciendo todo lo posible para presionar al mundo para que haga algo para detenerlo. Crecí en Palestina. Lo he presenciado todo. Lo he vivido todo. No es una vida normal en absoluto. Pero sigues pensando en lo que tienes que hacer por tu gente. Eso es lo que importa”.