El Festival Internacional de Cine de Albacete, Abycine, ha inaugurado esta noche su 28ª edición en el Teatro Circo de Albacete con una gala que ha tenido como uno de sus principales momentos el homenaje a José Luis Rebordinos, director del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, en reconocimiento a su trayectoria y su contribución al desarrollo, la promoción y la proyección del cine español.

El reconocimiento, que ha sido entregado por el director de Abycine, José Manuel Zamora, acompañado de Alejandro Díaz Castaño, director del Festival de Cine de Gijón (FICX) y Jaume Ripoll, director del Atlàntida Mallorca Film Fest, adquiere un significado especial en un año en el que Rebordinos pone fin a su etapa al frente del certamen donostiarra, que dirige desde 2011 y del que se despedirá oficialmente el próximo mes de diciembre. Durante estos 15 años, su labor ha contribuido a consolidar el prestigio internacional del Festival de San Sebastián y a reforzar su papel como espacio de encuentro entre creadores, industria y público.

Sorprendido y emocionado, recordando a los fallecidos José Luis Cienfuegos e Ignasi Camós, Rebordinos ha destacado el papel de los programadores y directores de festivales, subrayando que los festivales son lugares de encuentro donde debatir, hablar y discutir, “siempre respetándonos unos a otros”.

Con este homenaje, Abycine ha querido resaltar el trabajo de una figura fundamental del panorama cinematográfico español, cuya trayectoria representa también la importancia de los festivales como plataformas para el descubrimiento de nuevos talentos, el impulso de proyectos y la difusión del cine independiente.

La vinculación de Rebordinos con Abycine 2026 se extiende además al ámbito de la industria audiovisual, ya que participa como miembro del jurado de Impulso WIP de Abycine Lanza, el foro dedicado a proyectos cinematográficos que se encuentran en fase avanzada de posproducción. Su presencia refuerza las conexiones del festival albaceteño con profesionales y referentes de la industria cinematográfica nacional.

Victoria Luengo, Premio Trayectoria Joven de Abycine

Otro de los momentos destacados de la inauguración ha sido la entrega del Premio Trayectoria Joven de Abycine 2026 a la actriz Victoria Luengo, con el que el festival reconoce su destacada carrera y su consolidación como una de las intérpretes de referencia de su generación.

Con una trayectoria que abarca cine, televisión y teatro, Victoria Luengo ha demostrado su versatilidad interpretativa en diferentes producciones, construyendo una carrera que la ha situado entre los nombres más destacados del audiovisual español contemporáneo.

Abycine ha querido reconocer con este galardón, que ha sido entregado por el director Javier Giner, la evolución artística de una actriz que, pese a su juventud, cuenta ya con una sólida trayectoria profesional y que representa el talento y la proyección de las nuevas generaciones de intérpretes españoles.

“La cultura nos genera identidad de nuestro país y el nuestro está en el centro del mundo, con películas que están a punto de hacer historia”, ha destacado Luengo, subrayando que “España tiene un cine increíble”.

La entrega de este premio ha sido uno de los principales contenidos de una gala conducida por elhumorista y actor albaceteño Joaquín Reyes, que ha aportado su particular sentido del humor, muy manchego, a una ceremonia con un marcado protagonismo del talento nacional y de la vinculación del festival con Albacete.

La inauguración también ha contado con una actuación musical del grupo albaceteño Colorado, que ha ofrecido un recorrido por diferentes temas vinculados al universo cinematográfico español de los años 60, reinterpretados con su particular estilo. Una propuesta musical que ha permitido recuperar algunas de las referencias sonoras de una de las décadas más representativas de la historia del cine español.

Berto Romero y Javier Ruiz Caldera y '5 minutos más'

La gala inaugural ha concluido con la proyección de 5 minutos más, dirigida porJavier Ruiz Caldera y escrita y protagonizada por Berto Romero, quienes han asistido al Teatro Circo para presentar la película al público de Abycine.

La cinta, en cuyo reparto también figuran Javier Cámara y Belén Cuesta, propone una original combinación de comedia y fantasía a partir de la historia de un matrimonio en crisis que decide pasar un fin de semana en una casa rural aislada. Lo que comienza como una escapada para intentar solucionar sus problemas se transforma en una situación extraordinaria cuando el tiempo empieza a retroceder cinco minutos, atrapando a sus protagonistas en una inesperada repetición de acontecimientos.

Con esta propuesta, Abycine ha apostado por inaugurar su 28ª edición con una película que conecta el humor, la creatividad y las nuevas fórmulas narrativas, en línea con el carácter innovador y la personalidad que han definido al festival a lo largo de su trayectoria.

Numerosos rostros del cine español en la inauguración

La gala ha reunido también a otros profesionales del cine español cuyos trabajos forman parte de la programación de Abycine 2026 y que han pasado por el photocall de inauguración en el Teatro Circo.

Entre ellos han estado Lluís Garau y Joan Porcel, protagonista y director, respectivamente, de La carn, una propuesta cinematográfica que explora las relaciones entre el cuerpo, la identidad y la tecnología a través de la historia de un joven bailarín que desarrolla una creación artística inspirada en las plataformas de videochat.

También ha asistido Alicia Albares, directora de La mala madre, una de las películas seleccionadas en Abycine Indie, así como Javi Giner, director de Esta soledad, otro de los títulos presentes en esta sección, que vuelve a reunir algunas de las propuestas más interesantes del cine independiente actual.

A ellos se ha sumado Aitana Ahrens, directora de Ultrasò, cortometraje ganador de la edición 2025 del Concurso de Ayuda a la Producción de Cortometrajes sobre Derechos Humanos de Amnistía Internacional y Abycine, que aborda los riesgos de la aplicación de la inteligencia artificial en el ámbito sanitario.

El photocall ha contado igualmente con la presencia de Valentina Viso, coguionista deViva, película dirigida por Aina Clotet que forma parte de la sección Talentos Lanza y que ejemplifica la capacidad del mercado audiovisual de Abycine para acompañar proyectos cinematográficos desde sus primeras fases de desarrollo hasta su llegada a las pantallas; o Bárbara Mestanza, directora de Sucia, que se proyecta mañana en Abycine, dentro de la sección Talentos Lanza.

La presencia de estos profesionales ha puesto de manifiesto la diversidad de propuestas que reúne Abycine, combinando creadores emergentes y figuras consolidadas del sector audiovisual, y reforzando el papel del festival como espacio de encuentro entre el público y los protagonistas de las películas.

Diez días de cine independiente en Albacete Con esta gala, Abycine ha celebrado la inauguración oficial de una edición que se desarrolla del 20 al 29 de octubre y que reúne 121 producciones, 101 sesiones públicas y seis estrenos mundiales.

El festival vuelve a apostar por una programación diversa que combina largometrajes, cortometrajes, encuentros con profesionales y actividades de industria, con especial protagonismo de Abycine Indie, Abycine Cortos, Hecho en Castilla-La Mancha y Abycine Lanza.

Precisamente, el mercado del audiovisual independiente Abycine Lanza continúa consolidándose como una de las principales plataformas de impulso a nuevos proyectos cinematográficos, favoreciendo el encuentro entre profesionales, productoras, distribuidores y creadores.

Se prevé reunir a 500 profesionales

La edición de este año prevé reunir a cerca de 500 profesionales acreditados entre el festival y Abycine Lanza, además de contar con la participación de más de 40 colectivos de Albacete y otras provincias de Castilla-La Mancha.

La programación continuará durante los próximos días en los diferentes espacios de exhibición de la ciudad y concluirá el 29 de octubre con la gala de clausura, en la que Antonio Resines recibirá el primer Premio 'José Luis Cuerda' de Abycine, creado para reivindicar el legado del cineasta albaceteño y su contribución a la comedia española.

En el año 1982, un joven Fernando Trueba, que venía de triunfar con su primera película, Ópera Prima, estrenó Chicho o mientras el cuerpo aguante (Una comedia didáctica). Una película que sabía que “nadie” iba a ir a ver al cine. No le importaba, y no le importó. Él había aprovechado el éxito de su debut para hacer un documental que nada tenía que ver con su primer trabajo: explorar el universo del cantautor Chicho Sánchez Ferlosio. Todavía no le conocía demasiado, pero estaba fascinado con su manera de vivir, su forma de ver el mundo, su libre y heterodoxa personalidad.

44 años después, la película acaba de volver a las salas de cine —tras verse en el Festival de San Sebastián— sin que Trueba tenga la esperanza de que vaya a verla mucha más gente que entonces, aunque confía en que sobre todo los jóvenes que, al igual que su protagonista, “no quieren ir por el camino que se les ha marcado como si fueran unos robotitos”. El filme regresa a la gran pantalla gracias a la restauración llevada a cabo por la ECAM, a partir del negativo original en 16 mm encontrado recientemente; y la insistencia del hijo del director, Jonás Trueba, en distribuirla.

El cineasta presentó en el Zinemaldia otro documental, Bajañí, sobre la trayectoria musical de Niño Josele, que cuenta con la participación de figuras como Caetano Veloso, Rubén Blades, Ron Carter, Kenny Barron, Marisa Monte, Estrella Morente y Soleá Morente.

¿Por qué quiso hacer un documental sobre Chicho Sánchez Ferlosio?

Me fascinaba todo lo que había oído de él, esas historias, la leyenda. Había todo un personaje singular y distinto que me fascinaba. Después de Ópera Prima, que era una película superescrita, me apetecía hacer una totalmente libre, improvisada, de la que no hubiera ninguna palabra sobre el papel.

Ya había hecho una que había arrasado en taquilla, quería hacer algo totalmente underground, fuera de lo comercial. De alguna forma también era como lavarte del éxito, limpiarte. El éxito tiene muchas cosas positivas porque te ayuda a seguir, pero también muchas cosas negativas. Y siempre te ensucia. No digo que el fracaso no pueda ensuciarte también, que te pueda volver resentido, rencoroso. Todas las cosas tienen su lado bueno y su lado malo.

¿A qué se refiere con ensuciar?

Mucha gente, cuando tiene un éxito, su única obsesión es conseguir otro, o superar el anterior. Ya no puedes bajar de ahí, hay que hacer más dinero, y te metes en una carrera demente contra ti mismo, o de competir contra los demás. Los medios tenéis una culpa brutal en esto, en cuanto a que no se habla de arte casi nunca; y, en cambio, se habla de lo que ha hecho una película en su primer fin de semana. Es más importante si ha hecho o no un millón, y a mí eso me importa un huevo. ¿Es buena? ¿Va a quedar para la historia? ¿Nos vamos a acordar de ella dentro de diez años? ¿Vamos a necesitar volver a verla?

Eso es lo que me pasa a mí con mis películas amadas, como El apartamento, Pickpocket, Las reglas del juego, El cameraman, El niño salvaje, las he visto treinta, cincuenta veces. Cuando me dicen que una película les ha encantado y que es muy buena, nunca les creo, les pregunto si la volverían a ver. Recuerdo cuando vi Delitos y faltas de Woody Allen el día de su estreno, que me pareció increíble. Cuando salí y llevaba 50 metros andando dije, ¿a dónde vas? Regresé al cine, saqué una entrada y volví a verla. Eso es lo que significa que te ha gustado una película.

El fracaso puede volverte rencoroso pero el éxito siempre te ensucia

Fernando Trueba — Cineasta

¿Ocurre algo similar con los premios? ¿Generan esa misma fiebre?

Sí, también afectan. Ese hacer una muy buena película y querer repetir lo mismo. Un premio te ayuda para la siguiente película, la promoción de la que has hecho y que más gente vaya a verla. En la medida en que te creas mejor que otro porque te han dado a ti el premio y no a él, te está haciendo un daño irreparable. Es absurdo creerte más listo que nadie por tener más premios cuando nunca le dieron el Oscar en vida ni a Hitchcock ni a Chaplin ni a Cary Grant, que son tres de los genios del cine.

No hay que dejarse arrollar. Si has tenido un éxito, disfrútalo, úsalo para algo. A mí el éxito de Ópera Prima me sirvió para hacer Chicho, el éxito de La niña de tus ojos me sirvió para hacer Calle 54. Lo bueno del éxito es si puedes usarlo para hacer algo imposible, pero si lo que quieres es hacer lo mismo para ver si haces más dinero, vete a la mierda, hazte banquero, vete a vivir a Wall Street.

¿Cuánto de fácil es medir eso? Estamos viendo a La bola negra sonar en las quinielas para los Oscar desde incluso antes de estrenarse. Al tiempo que usted sabe por su experiencia que, para ello, además del mérito de las películas, está la capacidad de hacerla recorrer Estados Unidos.

Es que, claro, vivimos en un mundo en el que tenemos que hacer promoción de lo que hacemos. Si no tuviéramos que hacerla, sería maravilloso. Siempre le digo a mi mujer que la única cosa que me podría hacer dejar el cine es la promoción. Hay momentos que te saturas, que no puedes más, que te agota. Dicho esto, si me llaman de una universidad, una escuela de cine, hasta de un instituto, me encanta ir a charlar con los jóvenes. Intentar meterles el gusanillo del cine.

Al revisitar ahora su documental sobre Chicho, llama la atención verle en su cama, hablando de la cantidad de tiempo que pasa allí. Ahora con las redes sociales, puede dar la impresión de que ya hemos podido ver a través de ellas las habitaciones de nuestros ídolos. ¿Vuelve esto un documental como el suyo en un documento menos singular de lo que lo era en su época?

Lo importante no es entrar en la casa de nadie. Lo importante para mí, y lo era en aquel momento, es hacer una película así. Era el principio aún muy endeble de la democracia, que se estaba todavía afirmando. Ese mismo año había sucedido el 23F. Estábamos todavía un poquito en bragas.

Para mí, esta película era ponerle enfrente a esta España que empezaba a ser tecnocrática de acobardados y machirulos, un espejo de que la vida puede ser de otra manera. Que el ejemplo de lo que ellos ponían de lo que tiene que ser alguien en la sociedad puede ser así, o de otra manera. Chicho era el ejemplo más perfecto que tenía a mano para decir: “Mirad, hay otras formas de vivir”. Yo creo que los jóvenes de ahora conectan con ese lado, no quieren ir por el camino que les han marcado como si fueran unos robotitos.

Hoy en día sigue haciendo falta reivindicar lo que suponía una figura como él.

Sí, era un ejemplo de que en la vida no tienes que ser triunfador ni pisarle la cabeza a nadie ni querer llegar el primero a ninguna meta. No hay meta. Lo importante en la vida es pasar por ella sin hacer daño. Y si puedes ayudar a alguien, ayudar.

¿Cuánto piensa en esto al pensar en su carrera? Tiene una amplia filmografía, ha trabajado mucho.

No he trabajado. Un trompetista cubano genial, Chocolate Armenteros, al que una vez le dijeron: “Usted que ha trabajado en tantas orquestas”. Él se quedó como si le hubieran dicho que había atracado al Banco de España. Y respondió: “¡Yo no he trabajado nunca! ¡Yo toco la trompeta!”. Yo tampoco he trabajado nunca. Yo hago películas. Es un privilegio que he tenido. A los quince empecé a soñar con hacer películas y he conseguido vivir bien, de ello. No me puedo quejar de nada. Dar las gracias a la vida. Punto.

Yo no he trabajado nunca, yo hago películas

Fernando Trueba — Cineasta

Al ver el documental de Bajañí, da la sensación de que ha querido hacer una película/regalo del arte de Niño Josele.

Totalmente. Es una película para daros placer. Para que cuando la gente se meta a ver la película salga diciendo: “¡Wow!”. Está dirigida a las emociones, a dejarse llevar. Para mí ha sido muy bonito componer esta especie de fresco. Me encanta por ejemplo el que yo llamo díptico que hay de Marisa Monte, la única artista que canta dos temas. El primero es un himno feminista compuesto por una nueva compositora brasileña desconocida, Mari Jasca.

La segunda es una canción que rompe con lo que normalmente son las canciones de amor, tristes, o bien de que te ha dejado tu novio o que la chica que te gusta no te hace caso. En cambio, este tema es una rareza porque es una canción de felicidad. De “no creía que podía ser tan feliz”. Meter un himno feminista que es poner los pies en la mesa seguido de una canción tan optimista y de amor es muy bonito porque se complementan la una a la otra. No son dos canciones, son las dos cosas más bonitas que hay en la vida. Que no te pisen los derechos y a la vez ser feliz. Que no te jodan la alegría de vivir, ni el disfrute.

Verano de 1936. Un poeta e intelectual de renombre quiere que el hombre al que ama le acompañe en un viaje que tiene que realizar a México. Pero hay un problema. Su amante tiene 19 años. Le falta uno para la mayoría de edad y necesita el permiso de su familia para salir del país.

El joven decide escribir una carta a su padre para que se lo dé, sabiendo que no va a ser de su agrado, y que seguramente no lo va a aceptar. A punto de introducir el sobre con la petición en el buzón, es su enamorado el que le detiene. Quiere evitarle el conflicto, no quiere que le rechacen en su casa. Adiós a México. Ambos se quedan en España, y el intelectual aprovecha la tesitura para viajar a su casa, a Granada.

“No llores, dos meses se pasan volando”, le dice al joven cuando se despide de él en la estación madrileña de Atocha. Jamás volvieron a verse. El poeta era Federico García Lorca. El joven, Juan Ramírez de Lucas, su último gran amor, que conservó sus diarios y cartas, dejándolos a su familia en una caja fuerte, con la petición de que no salieran a la luz hasta después de su muerte. “No te dejes llevar por la tristeza”, le escribió el poeta en la última correspondencia suya que se conserva, del 18 de julio de 1936. Un mes después, fue fusilado tras el golpe de Estado que provocó el inicio de la Guerra Civil.

Juan Ramírez de Lucas falleció en 2010. Y ahora, alcanzado 2026, el director Manuel Menchón ha rescatado los archivos y armado con ellos el documental La voz quebrada que, tras su paso por el Festival de San Sebastián, se estrenará en salas el próximo 16 de octubre.

“La historia de Federico y Juan es una metáfora de los silencios de este país”, explica el director a elDiario.es, que descubrió la existencia de su relación investigando para su anterior película, Palabras para un fin del mundo (2020), que giraba en torno a la muerte de Miguel de Unamuno. “Juan se sentía culpable del asesinato de Lorca porque es consciente de que se tendrían que haber ido a México”, comenta sobre el motivo por el que el a la postre escritor y crítico de arte no quiso que se supiera que había mantenido una relación con el poeta hasta después de su muerte.

La bola negra, la película de Javier Ambrossi y Javier Calvo que llegó a los cines el pasado viernes, también ahonda en la figura de Lorca y en otro de sus romances, Rafael Rodríguez Rapún. El ingeniero y futbolista que fue secretario del grupo teatral La Barraca, interpretado en el filme por Miguel Bernardeau.

La voz quebrada aporta más material inédito sobre el poeta, gracias a unos negativos encontrados en la casa del historiador Gonzalo Menéndez Pidal, que muestran a un Lorca sonriente, asomado a la parte trasera de una furgoneta, y actuando con La Barraca.

La noticia de la muerte de Lorca

Manuel Menchón explica que durante el proceso de investigación que llevaron a cabo para La voz quebrada buscaron información que cotejara los testimonios de Juan Ramírez.

Así, localizaron una carta manuscrita de un amigo de Federico García Lorca, fechada en julio de 1936, hablándole sobre el escritor, así como el periódico de Albacete en el que apareció por primera vez la noticia del entonces supuesto asesinato del poeta. Todavía no estaba confirmado, pero en sus escritos, Juan explica que fue su hermano el que se lo dijo: “Creo que han matado a Lorca”, tras leer el titular del diario. Desde entonces, le aprisionó un intenso dolor que tuvo que sufrir en silencio.

“Murió mezclado con los revoltosos”, terminaría diciendo Franco después de que H.G. Wells, que había conocido al poeta granadino en Argentina en un congreso celebrado en 1933, escribiera un telegrama preguntando por él. El periodista y escritor británico presidía en ese momento la PEN International, una organización de poetas, ensayistas y novelistas fundada en 1921 con el objetivo de estrechar lazos entre autores tras el final de la I Guerra Mundial.

Tras la muerte de Lorca, Juan Ramírez de Lucas se fue al frente junto a su hermano, que era sanitario, para ayudar al ejército republicano. Concluida la guerra, se alistó como voluntario de la División Azul, antes de desarrollar su carrera como escritor y crítico de arte. En especial sobre arquitectura, en ABC y en la revista Arte y Cemento de Bilbao.

Uno de los episodios más conmovedores de los que se revelan en el documental es que, años después de la muerte de Lorca, Juan Ramírez de Lucas acabaría visitando como periodista su residencia, la misma desde la que el poeta escribió su última carta. Era 1978, tenía 61 años. Nadie supo aquel día que él no era un visitante 'más'.

Lorca, un mito con sexualidad e ideología

Manuel Menchón ha tomado en su documental prestadas las voces de Álvaro Morte, Francesco Carrill, Pedro Casablanc, Verónica Sánchez, Víctor Clavijo, María Galiana y Alberto San Juan, para dar vida tanto a Lorca y a Juan, como a las distintas figuras cuyos textos también aparecen en la película.

También ha querido dar importancia dentro del largometraje al posicionamiento político del poeta que, si bien no militó en ningún partido, escribió sobre ello en sus obras, lideró cartas de intelectuales intentando evitar el auge del fascismo como el Manifiesto del Frente Popular en 1936. “Lorca no era equidistante. A menudo se le ha retratado como a un niño pequeño, y él sabía qué tenía que apoyar y de qué parte estaba”, defiende el cineasta, “él decía que no quería estar en ningún partido, pero porque tenía que estar con el débil”.

Otro de sus discursos más relevantes es el que emitió en 1931 a propósito de la apertura de la primera biblioteca pública de su pueblo, Fuente Vaqueros. “Contra un libro no valen persecuciones. Ni los ejércitos, ni el oro, ni las llamas pueden contra ellos; porque podéis hacer desaparecer una obra, pero no podéis cortar las cabezas que han aprendido de ella porque son miles, y si son pocas ignoráis dónde están”, pronunció.

Manuel Menchón considera que en la construcción del mito en torno a Lorca, se ha intentado que fuera “impoluto, sin sexo y sin ideología”, y que por ello precisamente no se hablara de su sexualidad “hasta los ochenta y que no fuera aceptada a nivel académico hasta los noventa”. La película incluye el Informe de la Jefatura de Superior de Policía de 1965, que sin embargo no fue revelado hasta 2015, pero que demostró que el poeta había sido asesinado por rojo y por homosexual. En él se le acusaba de ser “socialista, masón” y de tener “prácticas de homosexualismo”.

El director explica que en el relato sobre Lorca existe una “laguna” en torno a su vertiente ideológica: “Es interesante como estatua, pero no como persona. Un fenómeno que ha pasado con más personalidades antes de la Guerra Civil”. De ahí a que siga viendo necesario “restitituir” el honor del granadino “y no sacar únicamente el cliché de alguien solo en un apartado, como un niño o icono de lo que sea; sino la visión de que era una persona con una vida y unas ideas por las que fue asesinado”.

A su vez, entiende La voz quebrada como una restitución del honor no solo de Lorca, sino también de Juan Ramírez de Lucas. “Lorca fue asesinado, pero él fue silenciado por la propia estructura del país. El armario de Juan duró, su secreto permaneció hasta su muerte. Son dos silencios por motivos diferentes, uno físico y otro moral, por eso para mí son en realidad dos voces quebradas, dos voces eliminadas”.

Desde que se proyectó Tender Loving Care en el Festival de San Sebastián el certamen quedó prácticamente sentenciado. Era complicado que una película de la Sección Oficial igualará en sensibilidad, inteligencia y brillantez al filme con el que Mike Leigh se despedía del cine. El director británico ya había contado, y confirmó en el Zinemaldia, que esta será la última vez que dirija. Una enfermedad que afecta a sus ojos ha afectado a la movilidad del cineasta, que no se siente en las condiciones físicas necesarias para volver a rodar.

Algún malpensado podría pensar que ese factor sentimental, el que Tender Loving Care fuera la despedida de uno de los directores fundamentales del cine británico de las últimas décadas, podría afectar al jurado, pero tras ver la película es evidente que su calidad hablaba por sí sola. Si la crítica se rindió al maestro en contar el cine social desde lo íntimo, el jurado no se quedó atrás y claramente quedó enamorado de esta historia sobre cómo los cuidados son fundamentales, pero solo para aquellos que cuenten con una red familiar o de amigos. Un retrato magistral que, desde la relación de dos amigos y los padres de una de ellas, acaba creciendo a una crítica sobre la destrucción del estado de bienestar. 

No solo reconoció la película con una Concha de Oro tan previsible como incontestable, sino que el filme casi acaparó el palmarés llevándose también el premio al Mejor guion y el de Mejor actriz para Kate O’Flynn, que culmina su año dorado. La actriz británica llegaba de ganar el Emmy por La maldición de Widow's Bay y ahora se lleva la Concha de Plata por un trabajo de tono complicado donde se pasa de la comedia casi física al drama cotidiano. O’Flynn, eso sí, lo tuvo que compartir con Asta Kamma August, actriz noruega que protagoniza Growth of the soil, el filme de Hans Petter Moland que también logró el galardón a la mejor fotografía para Oskar Dahlsbakken. Desde Nueva York, Leigh mandó un vídeo agradeciendo por todos los premios para el filme. Tan escueto como acostumbra, solo dio las gracias y dijo un “Os quiero” que supo a poco.

El cine español, que venía encadenando tres Conchas de Oro consecutivas —O Corno, Tardes de Soledad y Los domingos— se tuvo que conformar en esta ocasión con la Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto (en el Zinemaldia no hay división por género en las categorías interpretativas, pero sí por protagonistas y secundarios) para Javier Cámara por su personaje despreciable e hilarante en la divertida 5 minutos más, de Javier Ruiz Caldera. 

El palmarés dejó fuera a otra de las grandes favoritas de la edición, The debut, de Jesse Eisenberg, una de las películas mejor recibidas y que muchos contaban con que no se iría de vacío. Las interpretaciones de Julianne Moore y Paul Giamatti o su guion parecían sus mejores bazas, pero el jurado, presidido por el cineasta Ira Sachs, decidió apostar por filmes más actorales y dejar, por esta vez, a Hollywood fuera de la ecuación. En su lugar apostaron por darle la Concha de Plata a la Mejor dirección a Amanda Kernell por la estupenda Brace your heart, retrato de independencia de una mujer en la comunidad Sami. Para cerrar el palmarés, el jurado apostó por una de las películas más radicales de la Sección Oficial, la china Border, de Ah Biao, a la que reconocieron con el premio del jurado. 

El público se rinde a 'La bola negra'

Tras convertirse en el evento del Zinemaldia, al realizar su premiere española en el marco del festival, donde competía en la Sección Perlak, que recoge lo mejor de otros certámenes internacionales, La bola negra regresó a Donostia al llevarse el premio del público. La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi logró una puntuación de 9,4, la segunda más alta de la historia del galardón tras la obtenida por La voz de Hind el año pasado (9,52).

Los cineastas regresaron al festival tras conseguir en el primer día en la taquilla más de un millón de euros, el segundo mejor viernes para una película española de los últimos diez años y solo por detrás del de Torrente, presidente, este mismo año. Un comienzo inmejorable para la que ya es, sin duda, la película española del año. 

El premio del público a la mejor película europea fue para Naza, el documental de Yuval Abraham y Rachel Szor, que no pudieron viajar a Donostia. Ambos han sido amenazados por la extrema derecha israelí por su filme, en el que 24 miembros del ejército y la inteligencia israelí cuentan los crímenes de guerra realizados contra la población palestina en Gaza. Un trabajo que ha hecho que desde el gobierno israelí se realice una campaña de desprestigio para un trabajo estremecedor, producido por The Guardian y que se estrenará en España el próximo 9 de octubre. Un mes después, The Guardian, uno de los productores del filme, la liberará en Youtube para que todo el mundo pueda verla. 

Muchos de los asistentes a la ceremonia de clausura posaron con carteles en defensa de los cineastas, y al anunciar el título del filme todo el auditorio saco las hojas que ponían We are naza too“. Enrique Costa, de la distribuidora del filme, Elástica, leyó unas palabras de los cineastas en donde agradecían el premio y esperaban que el galardón ”sirva para esparcir la voz de lo que la película representa y lo que el gobierno israelí está haciendo con la matanza de palestinos en Gaza“.

Cierra así una 74.ª edición que también será recordada como la última de su director, José Luis Rebordinos, que se despide tras 16 años al frente y al que se le dedicó una calurosa ovación para cerrar la ceremonia. Deja el testigo a Maialen Beloki, que desde el año que viene ejercerá las funciones convirtiéndose en la primera mujer al frente del festival más importante de España.

Tras convertirse en el evento del Zinemaldia, al realizar su premiere española en el marco del festival, donde competía en la Sección Perlak, que recoge lo mejor de otros certámenes internacionales, La bola negra regresó a Donostia al llevarse el premio del público. La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi logró una puntuación de 9,4, la segunda más alta de la historia del galardón tras la obtenida por La voz de Hind el año pasado (9,52).

Los cineastas regresaron al festival tras conseguir en el primer día en la taquilla más de un millón de euros, el segundo mejor viernes para una película española de los últimos diez años y solo por detrás del de Torrente, presidente, este mismo año. Un comienzo inmejorable para la que ya es, sin duda, la película española del año y que va dispuesta a hacer historia para el cine español en los próximos Oscar.

En su emocionante discurso, Javier Calvo dio las gracias al público y recordó que para Federico García Lorca, la figura que atraviesa las tres historias que conforman La bola negra, el público era muy importante, tanto que tituló así una de sus obras. Para ellos también lo ha sido siempre, incluso cuando su primera obra solo tenía 15 espectadores, los que cabían. “Para él no crear era la muerte. Nosotros hacemos esto para vosotros, para el público”, dijo Javier Calvo. “Hay una cosa que a mí me emociona mucho, y es que hoy y ayer y durante este año, escucho una frase que hacía tiempo que no quería usar la gente y es: ¡viva el cine español! Y lo quiero reivindicar: ¡Qué viva el cine español. Sí, Señor!”, añadió el cineasta.

Javier Ambrossi tomó la palabra para agradecer el galardón a aquellos que les han apoyado, entre ellos a José Luis Rebordinos, director del Festival de Cine de San Sebastián que además se despedía del certamen, que el año que viene estará dirigido por Maialen Beloki. “Tú nos hiciste creer que podíamos ser grandes con tu apoyo, así que muchísimas gracias, de verdad, de corazón”, le dijo.

“Hay dos cosas fundamentales para poder probar y experimentar: una es el equipo, y nosotros tenemos el mejor equipo técnico del mundo. Os quiero muchísimo. Gracias por dejarnos crear ese espacio en el que uno puede soñar que existe la comunicación horizontal, en el que uno puede ser un director teniendo dudas, en el que se puede ser un director diferente a lo que uno espera de un director. Gracias porque solamente con este equipo técnico hemos podido hacerlo. Gracias de verdad. Y gracias a Movistar Plus, a toda la gente que confiaron, Elastica, Atresmedia, El Deseo, gracias por estar aquí con nosotros. Tenemos mucho que agradecerles al público. Sabemos que estáis de nuestro lado y gracias por estar ahí y espero no defraudaros nunca”, concluyó.

“Si tuviéramos tradición de ir a buscar a los autores muchas cosas irían mucho mejor”. Lo decía Eduard Sola, uno de los guionistas con más visibilización del cine español con motivo de la publicación de su primera novela, El nido. Pensaba que, si nos fijáramos quién escribe las películas, los cuentos y hasta las noticias, nos prevendríamos de la desinformación. Si le hiciéramos caso, si miráramos quién ha escrito algunas de las mejores películas y series de los últimos años del audiovisual español encontraríamos un nombre, el de Isabel Peña.

Ella es la firma que acompaña a Sorogoyen en títulos como As bestas, Antidisturbios, El reino o El ser querido. Casi nada. Quienes no la conozcan solo tenían que haber estado un poco atentos. Hay en el cineasta una voluntad de reivindicarla siempre como una cocreadora. La escritura a cuatro manos de la dupla funciona siempre, pero Isabel Peña es mucho más que la coguionista de Sorogoyen, es una escritora con un ojo único, con una capacidad de tensionar sin manipular, de buscar los sitios moralmente ambiguos para que el espectador bucee en esa zona incómoda.

Lo demuestra ahora en su primera serie como showrunner, El castillo, creada junto a Eduardo Villanueva y Elena Martín Gimeno, la directora de Creatura que se encarga de la puesta en escena de algunos episodios (los otros los dirige Sandra Romero) y cuya aportación ha sido tan importante que se ha unido al tridente de creación de esta adaptación del libro El proxeneta, de Mabel Lozano.

Peña ha creado una miniserie de seis episodios —que el 8 de octubre se podrá ver en Movistar Plus— seca, sin concesiones ni recursos melodramáticos. Una mirada a la trata desde dos puntos de vista, el del chulo al que da vida un transformado, terrorífico y espectacular Raúl Arévalo; y el de una de las mujeres explotadas, el gran descubrimiento llamado Valentina Vidal con el que el espectador transitará este castillo de esclavitud moderna. El resultado es una de las mejores series españolas del año, lo que unido a El ser querido, vuelve a confirmar a la guionista como esa figura tranquila que convierte en éxito todo lo que escribe. 

La conjunción de estos dos proyectos ha sido “una casualidad”. De hecho, si ella hubiera podido elegir, hubiera preferido que no coincidieran en el tiempo. “Siempre quieres controlar los calendarios, pero cada proyecto tiene su propia vida y lo que es mejor para ese proyecto. Ha dado la coincidencia de que lo mejor para ambos proyectos es esto que está sucediendo ahora. Influye que nos ha costado mucho escribir este guion. Empezamos a escribirlo en 2018. Soy muy lenta”, dice riendo.

Fue Villanueva quien leyó el libro hace mucho y supo que ahí había una serie. Abordaba un tema, la trata, sobre el que siempre había querido trabajar. “Cuando llegó a mis manos, desde el primer momento se lo propuse a Isa, porque me parecía la persona ideal para hacerlo. Ya estábamos con Antidisturbios en marcha, y fue una cosa que fue muy poco a poco, compaginándola con todas las cosas que han estado en nuestra carrera. En concreto en la de Isa como guionista durante todo este tiempo, pero siempre sacando los huecos para ir haciendo distintas aproximaciones hasta encontrar la forma que ha acabado teniendo El castillo”, añade el productor de Caballo Films que aquí salta a la silla de creador.

Siento que en toda esta trayectoria y relación con Sorogoyen y la productora yo no he sido solo una guionista. Somos un equipo en cuanto a que muchas decisiones las tomamos juntos

Isabel Peña — Guionista

En una industria donde solo se mira al director, y donde a la mujer se le suele dar menos espacio, podría parecer que este proyecto supone la ‘emancipación’ de Isa Peña de Sorogoyen. O al menos un paso en la visibilidad de su trabajo. Pero para ella, siempre tranquila, siempre sincera, este paso “no es algo ni consciente ni inconsciente, sino que ha surgido así”. “Es que es demasiado orgánico y demasiado natural como para que haya un plan para conmigo misma o para con el mundo”, dice y continúa. 

Al rato retoma la respuesta. “Creo que no te he respondido bien”, apunta, y vuelve. Como buena guionista, reescribe de alguna forma lo dicho. “Siento que en toda esta trayectoria y relación con Rui (Sorogoyen) y con Caballo (la productora) yo no he sido solo una guionista. Yo creo que somos un equipo en cuanto a que muchas decisiones las tomamos juntos. Sí que hay, digamos, más responsabilidad sobre mis hombros en este proyecto que en otros anteriores que haya podido hacer con Rui, pero aunque todo sea más bestia y más grande, no me siento extraña con respecto a lo que yo había podido hacer antes”, explica.

Señala también a otra de las claves de Caballo Films, la productora que se ha convertido en familia creativa detrás de todos los proyectos, el trabajar en grupo y con la misma gente: “Lo he podido hacer más acompañada, y eso me ha ido dando conocimiento. Si me hubieran soltado en El castillo creo que me hubiera dado algo. Pero todo lo que hemos aprendido juntos como equipo, con Rui, con Nacho Lavilla… eso nos ha permitido enfrentarnos a los dos a un casting con más experiencia, porque yo nunca había ido a casting con tanta responsabilidad como ahora. Pero gracias a haber estado presente en algunos procesos, he pensado que podía hacerlo un poco mejor que antes”, aclara de un reto que define como “exigente” y de “mucho vértigo”, pero también “muy estimulante”. Eso sí, no sabe si repetiría: “Muy bueno tiene que ser el proyecto para que repitamos y tendrá que pasar dentro de un tiempo”.

En El castillo, gracias a esos puntos de vista, y a un guion complejo lleno de aristas políticas y económicas, consiguen trasladar que sobre la prostitución no hay solo una mirada unívoca. Peña define el universo retratado como “tan complejo” que cuanto más leían, más difícil se volvía. “Nuestra máxima era que cada vez que hubiera una grieta por donde pudiéramos abrir complejidad, había que hacerlo. Poner matices en todo momento, en todo lo que nos lo permitía la historia, sin faltar a la verosimilitud, sin pecar de pedagógicas”, subraya. 

En esa complejidad decidieron que su protagonista supiera desde el primer momento que iba a ejercer la prostitución y lo aceptara. “Es peligroso el pensar que todas vienen engañadas, porque entonces ya estamos empezando a generalizar. Y una de las muchas cosas que nos han obsesionado durante este proceso es el decir que cada mujer es un individuo, aunque todas padezcan el mismo abuso”, analiza la guionista.

También se nota en cómo la serie va desgranando las connivencias empresariales que siempre hubo y hay con la prostitución. Desde la sanidad privada, que se encargaba de los análisis médicos de las mujeres, a los bancos, que colocaron cajeros dentro de los prostíbulos para que los hombres sacaran dinero en efectivo. Una trama económica que El castillo analiza de forma brillante y que siempre tuvieron claro que quería que “atravesara toda la serie” para mostrar que hay muchos intereses en que esa esclavitud siga existiendo.

Tomás se gana la vida al frente de una empresa de funerales laicos, mientras su día a día está lejos de estar en calma. Con el carné de conducir retirado después de dar positivo por alcoholemia y acosado por las deudas con un boxeador retirado, intenta mantener a flote su negocio mientras trata de mantener la relación con su hija. En medio de ese caos aparece Sara, una estudiante en prácticas por la que empieza a sentir una atracción que complica todavía más su situación. Entre la pérdida, el deseo, la soledad y los errores acumulados, 'Azken agurra' sigue a un hombre que intenta encontrar una salida.

El largometraje, dirigido y escrito por el cineasta guipuzcoano Koldo Almandoz, se proyecta dentro de la sección oficial del Zinemaldia fuera de concurso. Rodada en Donostia con un presupuesto contenido, Almandoz ha destacado la importancia de poder estrenar la película en su lugar de origen y permitir que tanto el equipo técnico como los vecinos de la ciudad puedan contemplar la capital guipuzcoana desde una perspectiva cinematográfica diferente.

El duelo y las despedidas familiares ocupan el centro de la película, al tratarse de una experiencia “universal e inevitable”. El director ha elegido este marco para alejarse del cine “de corte social” y del realismo más convencional para construir una “fábula contemporánea con personalidad propia”, en la que abordar las contradicciones humanas y la búsqueda de segundas oportunidades.

Almandoz concibió a Tomás como un hombre torpe e imperfecto, pero no como una mala persona. Aunque acumula defectos y decisiones erráticas, el director busca que el espectador pase de verlo como un “capullo” a sentir ternura y empatía por él a medida que avanza la historia. Sus vínculos con su exmujer, su hija y las personas a las que acompaña en los funerales muestran también una faceta sensible que convive con sus propias frustraciones.

Para hablar de la pérdida, el filme combina la tragedia con el humor negro y la comedia melancólica, apoyándose en situaciones absurdas de la vida cotidiana. Almandoz le ha señalado a este medio que, en momentos de tristeza extrema, suelen aparecer situaciones cómicas que permiten liberar la tensión acumulada. “La vida funciona así”, reconocía. El cineasta también ha admitido “hacer una buena comedia es lo difícil”, puesto a que apostar por la sutiliza y complejidad antes que 'gags' y clichés, hacen más empinado el camino.

El realizador tiene la peculariadad de rechazar los guiones cerrados y las estructuras previsibles porque no cree en mecanismos perfectos dentro del cine. Almandoz apuesta por un proceso de creación abierto a los imprevistos, ideas del equipo y magia del lenguaje audiovisual. Su intención tampoco es aleccionar al público ni transformar su pensamiento, sino conseguir que la historia deje una huella duradera y permita al espectador “trasladarse a otra realidad” durante el visionado.

Aunque 'Azken agurra' no opta a los galardones del certamen donostiarra al figurar fuera de concurso, la película continuará su trayectoria en la sección oficial a concurso del festival de cine de Varsovia, en Polonia. Respecto a su rodaje en euskera, su idioma habitual de creación, Almandoz considera que usar una lengua minorizada no supone un obstáculo en el circuito internacional, donde, según explica, los festivales valoran la propuesta artística sin los prejuicios que existen dentro del mercado español.

El cineasta Mikel Gurrea, que sorprendió a todos en 2022 con Suro, buscaba sobre qué escribir su nueva película. Le gusta partir de “un lugar real”. Paseaba por su barrio, el barcelonés Sants, y se dio cuenta de que en las calles por las que paseaba había una película de ficción. “Empecé a interrogar el barrio con esa mirada de ficción, con esa idea de misterio. Sants es un barrio bastante cotidiano en apariencia. Es un barrio con un tejido asociativo muy fuerte. Ves muchos grupos de gente haciendo cosas. Algunas las comprendes, otras no porque no perteneces. Es un barrio con un sustrato anarquista muy potente pero que tiene un nombre muy religioso. Significa santos en catalán”, cuenta Gurrea del origen de su nuevo proyecto, Sants, con el que compite por la Concha de Oro en el Festival de Cine de San Sebastián. 

Ese choque entre un nombre religioso y un barrio donde a priori no hay nada santoral le hizo investigar y leer. Descubrió la iglesia que da nombre al barrio y fue a verla. Siempre estaba cerrada. Ahí apareció la imagen primigenia de Sants, la idea de “una iglesia cerrada, como una caja fuerte, llena de tesoros que alguien podría robar”. Leyendo sobre el tema descubrió a Erik el belga, un ladrón de arte que dejó memorias en las que describía “los robos con ambigüedad y ambivalencia”. “Prácticamente parecía que hablaba de devoción, la devoción de sustraer en lugar de colocar, pero era devoción por el objeto artístico y casi una devoción de religiosidad. Eso me interesó mucho. Entonces empecé a jugar con el personaje de Lali, que iba a ser una ladrona, que iba a ser una tía que respondía un poco al arquetipo de la drifter, una persona que vive de forma nómada”, explica.

Escribió una escena, que acabaría en la película, y a partir de ahí empezó a tirar el hilo para completar esta película atípica, hipnótica y mágica sobre una joven que descubre en el robo de arte un don, y acaba dentro de una comunidad liderada por una chamaca que le promete la pertenencia a un grupo, pero también que cuidará a su madre enferma mientras trabaje para su grupo de robos de obras religiosas. Un filme que llega con un timing curioso. Cuando la escribieron fue el robo del Louvre. Poco antes de estrenarla fue el del tesoro de Villena: “Mucha gente nos decía que no era real lo que contábamos, y es más real de lo que pensábamos”.

En Sants está ese juego entre lo profano y lo religioso en todo momento. En sus imágenes, en su trama. Y eso habla de un país en el que la presencia de lo católico sigue atravesando todo, incluso a los que no creen. Para Guerra, la gente que roba también idolatra esas imágenes de una forma similar, por lo que “iconoclasta e idolatría son al final dos caras de la misma moneda”. “Para mí era potente para mover la película en el espacio entre estas dos cosas”, añade.

En el centro del filme, y como contrapunto a la protagonista que interpreta una Victoria Luengo que vuelve a demostrar que es una de las mejores actrices del momento, coloca a un personaje hipnótico. Una ex monja, líder del grupo y que vende al mejor postor las obras a la que interpreta de forma misteriosa Eulalia Ramón, “la única que se le puede intuir un ideario más allá del de formar parte de una red de cuidados”, como la describe su director. 

Es un colectivo que hace cosas interesantes, que pone en juego una red, pero ella es la jefa. Mi ideario, mi creencia, es que tenemos que desconfiar de las estructuras piramidales

Mikel Gurrea — Cineasta

Ella se define como “una ladrona de ladrones”. Pero Mikel Gurrea hace que todo en ella sea sospechoso. Nunca sabemos si hay sinceridad en lo que dice. “Es un personaje que habla mucho con aforismos, que pontifica un poquito. Me divertía mucho no dejarlo claro. Me parecía que era potente darle a ella ese ideario para justificarse, pero quería que fuese un personaje esquivo que al final, es la líder piramidal de una estructura. Es un colectivo que hace cosas interesantes, que pone en juego una red de cuidados y favores, pero ella es la jefa. Mi ideario, mi creencia, es que tenemos que desconfiar de las estructuras piramidales”, opina.

En ese juego de lo milagroso, Gurrea cree que lo más cercano a un milagro que ocurre en el filme es que “alguien venga a tu vida y te diga que puede hacerse cargo de los cuidados a los que enfrentarse”. “Imagina que alguien pueda eximirse de esa responsabilidad, porque ese es un melón que no lo tenemos nada resuelto socialmente. No tenemos una estructura pública que, cuando hay que cuidar, se encargue y es jodido. En las ciudades eso se vive de una forma muy solitaria, entonces era muy suculento que ella ofreciera eso. Los líderes son persuasivos a menudo porque saben identificar la necesidad”, apunta.

Igual que la personalidad de su protagonista va a “la deriva”, también en lo estético quería ser “juguetón y no ir en línea recta”. Se basó en las películas de robos en donde el robo “parece un ritual”, y menciona a Rififí y Topkapi, de Jules Dassin, “que tienen este punto de juego y de ficción, pero que luego son metódicamente muy precisas”. También algo de Irma Vep, de Olivier Assayas, la película de 1996 que junto a su director de fotografía, Julián Elizalde, analizaron para trasladar los travellings con zoom que le dan a la película “fluidez e inestabilidad, una sensación de escapismo que tiene que ver con lo meta, con la ficción y la realidad”.

En el año 1941, Franco puso en marcha el Patronato de Protección a la Mujer, una institución para redimir todas las mujeres “descarriadas”, chicas que transgredían las normas morales de la dictadura, ya fuera por fumar, manifestarse, desobedecer o mantener relaciones sexuales fuera del matrimonio –mucho peor si se quedaban embarazadas–. El dictador puso a su esposa Carmen Polo a cargo de lo que terminarían siendo 538 centros repartidos por toda España que, tras la muerte de Franco en 1975, siguieron operativos otros diez años más.

“En los ochenta, mientras yo iba a ver En busca del arca perdida o Regreso al futuro, había chicas de mi edad encerradas en esas cárceles encubiertas siendo adoctrinadas, trituradas y machacadas para hacerlas débiles”, explica a elDiario.es el director Daniel Monzón, que descubrió la existencia del Patronato en 2020, cuando terminaba su anterior película, Las leyes de la frontera. El shock que le provocó le llevó a querer ir más allá, investigar sobre las mujeres “supuestamente rebeldes que no importaron entonces a nadie”, para contar su historia.

El resultado es el largometraje Ruega por nosotras que, tras su paso por el Festival de San Sebastián, llegará a las salas el próximo 6 de noviembre. En el extenso y complejo proceso de documentación fueron clave las publicaciones de Consuelo García del Cid, una de las mujeres que estuvo en el Patronato y que desde hace 15 años, dedica sus 24 horas a indagar y denunciar a la institución. “Me robó media vida y la otra media he decidido a contar lo que allí nos hicieron, para que se sepa y sobre todo para que no se repita”, explicó en una entrevista en elDiario.es en 2025.

Monzón coescribió el guion de la película junto a Jorge Guerricaechevarría, habitual colaborador del propio Monzón (Celda 211, El niño, Las leyes de la frontera) y Álex de la Iglesia (El día de la bestia, La comunidad). Y Zoe Bonafonte, que se ganó en 2025 la nominación al Goya a Mejor actriz revelación por su gran debut en el cine con El 47, encarna a su protagonista, Ana, una joven a la que sus padres deciden enviar al Patronato tras escaparse una noche para ir a un concierto.

“Lo terrible ya no es solo la propia institución en sí misma, sino cómo estaba impregnada en la sociedad. Estos padres católicos, apostólicos y románicos eran directamente los que consideraban que sus hijas se estaban descarriando y que había que llevarlas con las monjas para que las enderezaran”, comenta el director.

Ya en el reformatorio, Ana conoce a Sole –interpretada por Manuela Calle, grandísimo descubrimiento del filme–, cuya amistad se convertirá en el motor para sobrellevar el encierro, torturas –especialmente emocionales– mediante. Dentro de este lugar, es complicado no terminar creyendo que una no vale para nada, que solo sirve para limpiar y coser, y que prácticamente no tiene un lugar en el mundo, por inútil, impura y “sucia”. Su amistad se convierte en el escudo para “tratar de preservar su personalidad dentro de un sistema que trata de cambiarlas por completo, moldearlas”.

Una metáfora del franquismo

Para Monzón, lo que muestra Ruega por nosotras es una “metáfora del propio franquismo”, por cómo lo que le ocurre en este caso a un grupo de jóvenes en el centro es una “muestra de lo que pasaba fuera”: “La gente que vivía en el franquismo tenía que disimular y transformar su personalidad de acuerdo a los cánones que se dictaban porque si no, eras fusilado, encarcelado o apartado de la sociedad”. En concreto, defiende que su película enseña “lo que significaba la mujer en España hasta hace dos días, nada”.

“Es un magma que bulle y que no es tan lejano”, apunta, “hace darse cuenta de que en estos tiempos tan críticos y aciagos, a poco que se le eche abono a los rescoldos, a poco que se sople sobre las brasas, el fuego puede volver a arder de nuevo”. El cineasta insiste en que lo que sucedió en el Patronato no fue “en el medievo, fue hace nada, hace cuarenta años”.

“Ahora que hay mucha gente joven que se deja deslumbrar, a la que he escuchado decir que Franco era alguien que trajo prosperidad a España, lo dicen desde el absoluto desconocimiento. No lo han vivido, pero tampoco estudiado y, sin embargo, hay una serie de inputs, muchos en redes sociales, que están interesados en crear esa sensación”, lamenta, “esta película es una voz de alarma”.

Un Patronato clasista

Otro de los factores que afectaban al día a día dentro del Patronato, y que muestra el largometraje, es que la institución era clasista, distinguía entre “las chicas de pago y las que no”. Así, quienes como Ana eran entregadas por sus padres, pagando una cuota, se libraban de los castigos más crueles: “No acababan en el manicomio, lobotomizadas, con electroshocks”. El resto, las que llegaban directamente de la calle, no corrían la misma suerte.

En especial si eras lesbiana, ya que serlo era uno de los motivos por los que se llevaba a las chicas al manicomio: “La sexualidad dentro de los centros se castigaba con una pena tan terrible como esta”. El “gran pecado” de Ana era, comenta Monzón sobre el punto de partida de su protagonista, “dejarse llevar por su despertar sexual a los 19 años. No hace nada, se va a un concierto, se ha acostado con un chico y se encargan de decirle que es una pecadora”.

En el Patronato hacían creer a las chicas que eran tal escoria humana que acababan estando dispuestas a aceptar que un viudo las eligiera a dedo y se casaran con él porque pensaban que era lo mejor que les podía ocurrir

Daniel Monzón — Cineasta

De la investigación que llevaron a cabo para la película extrajeron que “había castigos físicos, y muy crueles, incluso sádicos, como algunos que se ven, pero lo más terrible eran las torturas psicológicas”. “Te hacían creer que eras tal escoria humana hasta el punto de acabar estando dispuesta a aceptar que viniera un viudo, te eligiera a dedo y te casaras con él porque pensases que era lo mejor que te podía ocurrir”, lamenta el cineasta.

Tal era el control que tenían en el Patronato sobre estas jóvenes que, aunque estaba estipulado que tenían que abandonar los centros a los 21 años, una vez adquirida la mayoría de edad entonces, si decidían que “no habían sido lo suficientemente enderezadas, se podía ampliar ese periodo hasta los 25. Y si alguna de ellas todavía se consideraba entonces que no era digna de salir a la calle, se le acusaba de lesbiana y directa al manicomio”.

Esta determinación desde dentro del Patronato se personaliza en el filme en el personaje de Socorro (Adelfa Calvo), la “dictadora” particular del centro en el que encierran a Ana y a Sole. Entre ella y en particular Ana, por su condición de pago, se genera un enfrentamiento continuo. “Al ser una chica inteligente, con buena apariencia, que sus padres le han encomendado directamente, se convierte en un juguete más interesante que las demás”. Un 'juguete' al que hace la vida completamente imposible, vertiendo en ella una crueldad enfermiza, que aun así sus progenitores deciden pasar por alto.

El cine ha mostrado muchas historias de amor. Algunas acaban bien, otras mal… lo que no suele preguntarse es lo que ocurre después. ¿Cómo se afronta la pérdida? Las pocas que se han parado a mirar a una ruptura lo hacen siempre como una excusa para que el o la protagonista encuentre otro interés romántico, o rehaga su vida de otra forma. Pero la realidad no es así. Las heridas muchas veces se quedan, hacen cicatriz y supuran. Porque la herida de una ruptura sentimental, en el mundo en el que vivimos, esconde algo más profundo.

¿Cómo vamos a querernos si no tenemos donde vivir?, ¿si uno llega reventado de trabajar 12 horas por un sueldo de mierda? Todo eso está en Esta soledad, el debut en la dirección de Javier Giner. Y lo está por ausencia pero presente. La precariedad, la violencia del sistema se masca en esos barrios de Bilbao grises y abandonados. En esas casas con desconchones. Esos carteles rotos. Y, sobre todo, esos dos protagonistas Lorea y Leo que no se ven en todo el filme. La película aborda las heridas sentimentales provocadas por las fracturas de un sistema, y cómo intentan recomponer las piezas con todo a la contra.

Para el director, que tras el éxito de la serie Yo, adicto, estrena su primera película en la sección de Nuevos Directores del Festival de San Sebastián, la soledad es una consecuencia de lo que pasa actualmente, de una “desconexión vital que es paradójica cuando estamos más conectados que nunca”. Y pone de ejemplo las ciudades, como ese Bilbao que es un personaje más de su filme, “lugar de encuentro y sin embargo, la gran urbe capitalista cada vez se ha convertido en un lugar donde las soledades son más usuales”. Un contexto en el que la soledad es “una especie de pandemia que atraviesa a varias generaciones y que cada vez se está haciendo más profunda”.

Con un Oriol Pla que demuestra que es uno de los grandes actores de nuestra generación (y que acaba de recibir el Premio Nacional de Teatro) y una Marina Salas soberbia, Giner deja claro que aunque no quiso “hacer una película de tesis o una película para dar la chapa acerca de una problemática”, es consciente de que ha hecho “una película profundamente anticapitalista en ese sentido”. “Habla de dos personas que intentan sobrevivir en una vida y en un contexto que se tambalea continuamente, que está formado por estructuras inestables y frustrantes. Mi pregunta es: ¿cómo podemos construir un futuro o amarnos cuando tú no puedes pagar el alquiler o cuando ciertas necesidades básicas del ser humano no están cubiertas y cada vez son más elusivas?”, cuestiona. 

Tiene la sensación de que nos hemos acostumbrado a la precariedad, a hablar de ella como algo “sistémico”. “Lo damos por hecho y continuamos, pero al final esa precariedad empieza siendo material, pero empapa todos los aspectos de nuestra vida. ¿Cuando tú tienes una inestabilidad laboral, qué tipo de estabilidad de afectos puedes tener? Me interesaba mucho investigar cómo todo eso afecta a la forma que tenemos de amarnos y de vincularnos con el otro”, añade.

Aunque estéticamente sea diferente, hay ciertos “tropos” que se repiten respecto a Yo, adicto, y que cree que probablemente vayan a estar en todo lo que haga a partir de ahora. Uno es la familia como estructura originaria que nos condiciona de mil maneras distintas“. Otro es el sistema para hacer ver que la responsabilidad, muchas veces, no es individual. ”Parece que si fracasas es que tú eres un fracaso, ese es el mensaje que lanza ese sistema. Y a lo mejor tú tienes algo que ver en el fracaso, pero la pérdida de esperanza no ocurre en un vacío. La precariedad no la invocamos nosotros, nos viene impuesta“, subraya. 

¿Cómo podemos construir un futuro o amarnos cuando tú no puedes pagar el alquiler o cuando ciertas necesidades básicas del ser humano no están cubiertas y cada vez son más elusivas?

Javier Giner — Cineasta

El Bilbao que muestra no es el de los anuncios de turismo, sino que en su búsqueda de un “realismo absoluto” ha retratado el “industrial decadente que todavía existe”. Protagonistas absolutos porque dónde se desarrolla una historia marca absolutamente cómo se cuenta. “Si tú sitúas esta historia de Leo y Lorea, por poner un ejemplo, en Lavapiés, sería una película completamente distinta. Hay algo que es muy intangible, pero que es como una identidad cultural, afectiva muy propia del País Vasco. Yo en plan de coña le llamo ‘mi película hipervasca’”, dice entre risas.

Para este debut ha confiado en dos actores que estaban en Yo, adicto, y que son amigos y cómplices, “dos actores superdotados” que son más su “familia” que simples intérpretes, Marina Salas y Oriol Pla. “Yo esta película la escribo para ellos, buscando cosas que no les he visto hacer y que de repente pensaba hostia, qué guay, vamos a transitar esto. Son dos personas implicadísimas, ultrasensibles y tienen un compromiso y un amor por su oficio tremendo y para mí es un lujo tenerles en mi vida”.

La entrevista se realiza poco después que Oriol Pla haya sido reconocido con el Premio Nacional de Teatro, y Giner cree que simplemente “está recogiendo los frutos por lo que es, uno de los actores más superdotados que tenemos en este país. Una bestia y es un maestro de vida”.

A Jesse Eisenberg interpretar a Mark Zuckerberg en La red social le cambió la vida. Hasta entonces era solo el típico secundario tímido y torpe, que casi pide permiso para hablar. Tras clavar su composición del magnate de Facebook a las órdenes de David Fincher no solo le cayó una nominación al Oscar, sino que Hollywood vio que había mucho más. De aquello han pasado más de 15 años, y Jesse Eisenberg ha demostrado de sobra que como actor es mucho más que aquel papel, pero lo que más ha sorprendido en estos años es que también había un excelente guionista y director.

Lo demostró en A Real Pain, por la que logró una nominación al Oscar al Mejor guion original y que le dio a Kieran Culkin un Oscar al Mejor actor de reparto. Lo confirma en The Debut, su graduación como cineasta. Una especie de Cisne negro ambientado en el teatro amateur donde una ama de casa —una Julianne Moore que ganará el Oscar con casi toda seguridad— obtiene un papel en un musical a las órdenes de un director de escena —siempre brillante Paul Giamatti— que consigue sacar la verdad en ella. Quizás demasiada, porque la actriz novata se va convirtiendo en una de método que buscará que todo sea puro, verdad. Eisenberg se ríe con gracia de los actores intensos, pero también escribe (canciones incluidas) un homenaje al teatro musical como lugar donde los descastados encuentran su sitio. 

A pesar de que no ha querido estar en la secuela del filme que se estrenará en octubre y donde Jeremy Strong recogerá su testigo, Eisenberg tiene claro que hacer de Mark Zuckerberg le cambió la vida. Y lo hizo para bien. “Para mí fue lo mejor del mundo, antes de esa película solo conseguía papeles de chicos tímidos, dulces, de virgen inocente. Y después de ese papel empecé a interpretar a villanos, a magos arrogantes; de pronto me ofrecieron todos esos otros papeles y fue algo fantástico. Me liberó de esa imagen tan dulce, virginal y típica de las comedias románticas. Tengo amigos que han estado en comedias de televisión durante diez años y cuando entras en la casa de la gente durante diez años es más difícil romper con esa imagen. En mi caso fue solo una película y fue genial. Y ahora están haciendo otra sin mí, así que resulta aún más liberador”, explicó.

Fue el de Mark Zuckerberg, además, el papel con el que estuvo más cerca de sentirse como su protagonista, Julianne Moore, esa actriz poseída por su personaje. “En La red social desarrollé insomnio. Me pasaba la noche en vela porque mi personaje era obsesivo. Y yo mismo empecé a obsesionarme y me quedaba despierto toda la noche, con la mente revolucionada. Hacíamos que vinieran médicos al set para darme pastillas para dormir. Les pasa a muchos actores. De alguna manera te conviertes en el sentimiento, en el espíritu de la película y te lo tomas demasiado en serio y cometes el error de pensar que eso hará que actúes mejor. Y no creo que sea así. Creo que simplemente te deja agotado”, opina.

Para él, The Debut habla “del nacimiento de una artista”. “Ella empieza siendo muy tímida y luego se convierte en una actriz bastante buena. Pero después se vuelve loca porque se toma a sí misma demasiado en serio. Cree que lo único importante en el mundo es interpretar correctamente a su personaje. Aunque eso signifique irse de casa, intentar cambiar la obra y faltar al respeto a sus compañeros de reparto. Así que... sí, es un poco una sátira sobre cómo los actores pueden tomarse su trabajo tan en serio que terminan arruinando la obra”, concede.

Todos los buenos actores practican alguna versión del método. Pero he visto actores que llevan esto demasiado lejos y exigen que todos los demás se sumen a su proceso. Y eso me parece egocéntrico

Jesse Eisenberg — Actor y cineasta

Con esto no quiere cargarse eso tan citado que llaman el método, aunque a aquellos que el método les posee no les ve con tan buenos ojos: “Creo que todos los buenos actores practican alguna versión del método. Pero he visto actores que llevan esto demasiado lejos y exigen que todos los demás se sumen a su proceso. Y eso me parece egocéntrico. Se pasan de la raya”.

Hay algo que une su anterior película, A Real Pain, con The Debut, y es que ambas exploran la identidad. Una identidad que en The Debut ayuda a conformarse en el teatro, irónicamente donde siempre se está actuando. El tema de la identidad confiesa que le apasiona porque su padre es profesor de psicología social y un experto en Erving Goffman “que habló sobre la presentación de la propia imagen en la vida cotidiana”. A eso hay que sumar que su madre trabajaba como “payaso en fiestas de cumpleaños”. “Mi vida acabó siendo una especie de... bueno, una combinación exacta de los intereses de ambos: reflexionar sobre la psicología de las personas en entornos sociales, pero también considerar el aspecto lúdico y disparatado de la interpretación. En cierto modo, esta película es como una obra conjunta de mis padres. Una producción de mis padres”, contesta con ironía.

En un momento de su película, el director de escena que interpreta Paul Giamatti reconoce que su sueño era ser actor, pero que al no conseguirlo acabó como director. El caso de Eisenberg es diferente, porque ha podido elegir dónde quiere estar, aunque sí que afirma que cree que “todos los que trabajan en una película desean en secreto poder interpretar las escenas; aunque odien estar delante del público”. “Hay algo realmente emocionante y especial en ser el centro de atención, que es lo que dice el personaje de Jerry. Y sí, tuve esa sensación mientras hacía esta película. Trabajaba con mis dos actores favoritos, Julianne Moore y Paul Giamatti, y sin embargo, yo estaba allí sentado, observando con los auriculares puestos en una sala oscura, pensando: ‘Dios, ojalá estuviera haciendo esa escena yo’. No porque fuera a hacerlo mejor, sino simplemente porque parecía mucho más divertido que estar sentado a oscuras con los auriculares puestos”, asevera.

Tras su paso por Telluride, y ahora por San Sebastián, la crítica ya habla del filme como uno de los que tienen mimbres de premios, especialmente sus dos protagonistas. Eisenberg acepta las críticas, especialmente a sus actores, con gusto, porque sabe que “hay grandes interpretaciones en películas que pasan desapercibidas”. “Los adoro, son mis actores favoritos. Llevan siéndolo veinte años, desde que era joven y empecé a entender de actuación. Para mí son los mejores. Me alegra mucho que se les reconozca, porque creo que hacen las cosas bien. No son vanidosos ni están obsesionados con su propia fama. Son simplemente los mejores. Son actores neoyorquinos humildes y magníficos. Así que estoy muy feliz”, zanja.

El jesuita Pedro Arrupe (Bilbao, 1907-Roma, 1991) estaba destinado en Hiroshima, en Japón, el 6 de agosto de 1945 cuando el 'Enola Gay' estadounidense arrojó la primera bomba atómica de la historia de la humanidad, que mató en el acto a unas 70.000 personas, casi el equivalente a la población total de una ciudad como Getxo. Arrupe no sólo fue testigo del “lago de fuego” que dejó la detonación sino que, aprovechando sus conocimientos médicos, se puso manos a la obra y salvó la vida a decenas de personas en el noviciado de Nagatsuka, emplazado en una loma a unos seis kilómetros del “hipocentro” de la bomba y reconvertido en sanatorio. También tuvo que quemar decenas de cadáveres, montañas de ellos, para evitar la propagación de infecciones.

Es una historia poco conocida en la tierra natal de quien, años después, fuera máximo responsable o “prepósito general” de la Compañía de Jesús, una influyente rama de la Iglesia católica. Ahora ha sido rescatada en una película que se ha estrenado este miércoles en el Zinemaldia de Donostia. Yo viví la bomba atómica, de la directora Maite Ibáñez, es un documental de 90 minutos principalmente en castellano, pero con testimonios igualmente en japonés o en euskera. Fue rodado en buena medida en Japón en el verano de 2025, coincidiendo con el octogésimo aniversario de la bomba atómica. Algunos de los que participan, ya centenarios, son españoles que siguen en el país y fueron colaboradores de Arrupe. Incluye fragmentos de reconstrucción de la catástrofe realizados con inteligencia artificial —así aparece indicado en pantalla— si no existen imágenes antiguas reales de archivo.

Cuenta Ibáñez que un compañero de trabajo se propuso hacer el camino ignaciano, una alternativa al de Santiago para seguir los pasos de San Ignacio de Loyola. Y, “para amenizar el trayecto”, se compró una biografía de Arrupe. Allí conoció su estancia en Japón y su papel tras la masacre de Hiroshima. “Y, como se iba a celebrar el ochenta aniversario, teníamos el contexto de oportunidad”, expone la directora sobre cómo surgió la idea. Antes de dedicarse al mundo audiovisual, donde ha hecho otros trabajos sobre víctimas y derechos humanos, Ibáñez era historiadora y arqueóloga.

“Era la última oportunidad. Ochenta años después es gente ya muy mayor. Si tienen conciencia de algo, de noventa no bajan”, razona. Y así empezaron a buscar testimonios entre supervivientes de Hiroshima. El japonés tiene una palabra para definirlos, 被爆者 o 'hibakusha'. Igualmente, se interesaron por posibles colaboradores de la misión de evangelización de Arrupe en aquellas tierras lejanas.

Y se toparon con la nonagenaria Fumiko Kato, una niña en 1945 que fue al noviciado desesperada a por algo de comida y que acabó quedándose a ayudar a atender a los heridos como buenamente pudo. Después, terminó bautizada por el propio sacerdote y profesando la fe católica. Y dieron también con Luis Cangas y Alberto Álvarez, religiosos nacidos en 1925 y 1923, respectivamente. Llegaron a Japón de adolescentes y siguen completando allí su vida. Ambos mantienen una mente muy lúcida. Y un descendiente de 'hibakusha' también conserva un carro que se usó en el noviciado en aquellos momentos.

El documental tiene como 'protagonista' a la profesora de la Universidad de Deusto Leyre Arrieta. Doctora en historia contemporánea, bromea que trabaja desde hace años en el campus de Donostia en un edificio llamado Arrupe y que, desde luego, no conocía en profundidad su figura antes de embarcarse en este proyecto. Al menos no conocía la parte relacionada con la II Guerra Mundial. Valiéndose como guía del libro Yo viví la bomba atómica del propio Arrupe, la historia muestra cómo Arrieta viaja de Deusto a Japón para seguir sus pasos y ella es quien va entrevistando a los supervivientes, muchos de ellos en sus casas. Hay imágenes rodadas también en el propio noviciado.

Ibáñez guarda con cariño el recuerdo “increíble” de la estancia en Japón, aunque fueron “quince días con temperaturas de 40 grados” y “un rodaje muy duro”. Menciona que muchas entrevistas se han quedado fuera del metraje. Cita como frase que se le ha quedado grabada la de Kato, que les aseguró que no quería morir porque quedaba mucha gente a la que no le había podido contar aún el horror de Hiroshima. Para muchos es el sentido último de sus vidas: que no caiga en el olvido. Además, a las 72 horas, Estados Unidos repitió masacre en Nagasaki.

Mas, ¿qué hacía un sacerdote vasco en Japón en aquellos años? En la época, Japón formaba parte del eje nazi-fascista capitaneado por Adolf Hitler en Alemania y Benito Mussolini en Italia. Por eso, los intercambios de todo tipo entre esos países eran corrientes. Y España formaba parte del club. Para los jesuitas, además, seguir los pasos evangelizadores de San Francisco Javier en Japón era una misión muy atractiva. Ahora mismo, solamente el 0,3% se declaran seguidores de esa religión en un país de más de 120 millones de habitantes.

No hay indicios de que Arrupe fuera, ni mucho menos, sospechoso de colaboracionista del régimen totalitario japonés. Es más, al día siguiente del ataque de Pearl Harbor, en el que las fuerzas japonesas atacaron una base naval estadounidense en Hawái con más de 2.000 víctimas mortales directas, el religioso fue arrestado. Era diciembre de 1941. La Policía del régimen llevaba tiempo haciendo informes sobre sus actividades y, al encontrarle cartas en variados idiomas (castellano, italiano, latín, alemán o inglés, entre otros), lo encerraron durante unas semanas acusado de espionaje. Pasó la Navidad bajo siete llaves, como él contó en sus memorias. Lo interrogaron creyendo que podía ser un informador. Antes de Japón, estuvo en Estados Unidos. Finalmente, fue puesto en libertad sin cargos.

Esto sucedió en Yamaguchi, que tiene un templo católico consagrado a San Francisco Javier. Es una ciudad hermanada con Pamplona, donde hay un parque con ese nombre. En 1942, Arrupe fue trasladado al noviciado de Nagatsuka, en el cual tenía la labor principal de formar nuevas vocaciones. Es allí donde se le paró el reloj a las 8.15 horas del 6 de agosto de 1945.

En el libro, se recoge así el momento: “Sobre la colina de Nagatsuka, clavado en el suelo y mudo de espanto, Pedro Arrupe contemplaba aquel inexplicable apocalipsis. [...] Sí, habían oído hablar de armas secretas, sobre todo antes de la derrota alemana, pero siempre se comentaba que no pasaban de ser mera propaganda. Ahora estaba allí, ante el espectáculo de la destrucción más feroz del hombre por el hombre. '¡Hay que ir a la ciudad! ¡Hay que hacer algo!'”.

Y, sí, hizo algo. En el documental se cuenta que, en su juventud, estudió Medicina en Madrid con Severo Ochoa antes de abrazar la fe. El profesor de ambos fue Juan Negrín, el último presidente del Gobierno republicano antes de la conquista total por parte de los golpistas franquistas en 1939. Éste es un dato biográfico trascendental para entender su actuación en 1945, donde tuvo que improvisar técnicas y cuidados desde sus conocimientos.

El 6 de agosto de 1945, después de la explosión, Arrupe y sus colaboradores esperaron un par de horas en la colina, observando la destrucción, para adentrarse después en la ciudad e intentar auxiliar a quien lo requiriese en la medida de lo posible. Se describe a personas buscando beber agua de un río lleno de cadáveres, a los que tenían que apartar. Y montañas y montañas de cuerpos. En el mejor de los casos, lo que pasaban eran “momias ambulantes” vagando por las calles. Los edificios estaban en llamas o directamente desaparecidos.

El noviciado, aunque con algunos daños, se mantuvo en pie y se convirtió en un hospital improvisado, con la mesa de la cocina como quirófano de campaña. Se hizo acopio de medicinas y víveres y se estima que unas 150 o 200 personas pudieron salvar la vida en los días siguientes a la deflagración. Murieron muchas, sí, pero algunos pudieron vivir para contarlo. “Queríamos mostrar todo eso tal y como él lo vio”, explica la directora. Asume que hay imágenes “duras”. Incluso que las recreaciones con inteligencia artificial son bastante explícitas. “Pero esto no se puede tapar. Hay que mostrarlo con toda la crudeza”, argumenta. Las entrevistas en cámara, eso sí, no incluyen preguntas sobre qué piensan los japoneses de Estados Unidos. “Es mejor. Nos sorprenderían las respuestas”, deja en el aire Ibáñez.

El estreno de esta cinta ha tenido lugar este miércoles en Donostia, en los Cines Príncipe. Habrá otros dos pases de aquí al final del certamen, en los Trueba y Antiguo Berri. Es una película incardinada en la sección Zinemira, la consagrada al cine vasco. La película, que tiene detrás a la productora New Servicing Media Euskadi, se proyectará igualmente en el Zinebi de Bilbao y se estrenará en cines al menos en Vitoria, Bilbao, Donostia, Pamplona, Madrid y Barcelona, aunque el sueño de sus creadores es que pueda verse también en Tokio y en la propia Hiroshima.

La expectación por ver a Brad Pitt se notaba por las calles de San Sebastián. Las señoras donostiarras hablaban de él en las terrazas y desde el lunes, cuando llegó, la gente se agolpaba a las afueras del Hotel María Cristina, sede del certamen y donde se alojan las estrellas, para ver si robaba alguna foto de la estrella de más tamaño que iba a pisar el Zinemaldia. Ya con su llegada, Pitt eclipsó a todos, y tras dos días en la ciudad (donde la gente especulaba dónde estaba porque fue como una sombra para los curiosos y sus móviles) el actor se presentó en la rueda de prensa más multitudinaria de esta edición para presentar En el corazón de la bestia, un filme de supervivencia donde él es la absoluta estrella de la función… junto a un perro.

Pitt recibió la ovación de la sala de prensa del Kursaal y habló del momento de la industria, donde “ha habido cambios enormes a lo largo de la historia y una consolidación de los estudios”. “El streaming nos ha brindado muchas más oportunidades. Y por un lado están las grandes superproducciones que permiten recuperar la inversión y, por otro, las películas independientes de bajo presupuesto; pero la franja intermedia, digamos, de 30, 40 o 60 millones, lo tenían muy difícil para salir adelante. Incluso películas como la nuestra sufrían, porque a los distribuidores les cuesta mucho recuperar la inversión en ese tipo de presupuesto medio. Sin embargo, ahora estamos viendo cambios; en cuanto a los costos de postproducción, existen nuevas herramientas que ayudarán a reducirlos. Así que tengo la esperanza de que esas películas... bueno, todavía queda mucho camino por recorrer”, dijo.

En el corazón de la bestia está producida por él con su compañía Plan B, una empresa con la que ayuda a financiar filmes independientes y grandes producciones, y por eso insistía en que cree que “la situación actual ha favorecido realmente al cine independiente; porque estos proyectos están llegando a más público”. Para él, “se percibe una fuerza comparable a la de los años 90”. 

A pesar de ser preguntado por el mundo actual, por un mundo en guerra y por cómo afrontar esos momentos, Pitt se zafó de las cuestionas menos centradas en los temas de la película aunque abordándolos de una forma genérica. Subrayó que, precisamente por lo comentado, le encanta esta película, porque “en el fondo es una historia de amor, además de una historia de supervivencia”.

“Personalmente, creo que podríamos dedicar más tiempo a aquello en lo que somos iguales, que es la mayor parte de las cosas. Pensar qué es lo que nos une, lo que nos conecta. Y creo que también podríamos escuchar mejor a algunos de estos grupos y prestar atención a las líneas que nos dividen. Quizás debamos empezar por ocuparnos de las personas que nos rodean y asegurarnos de que estén bien. Si todos hiciéramos eso... bueno, diría que es un buen punto de partida”, apuntó.

También habló de los soldados y el estrés postraumático, uno de los temas del filme, y habló de estas personas que “no solo sufren daños físicos, sino también perjuicios morales y psicológicos, una transición que les descoloca por completo”. Con esta historia quisieron “ilustrar la situación de un hombre que ha sufrido la pérdida y ha vivido cosas terribles, pero que luego intenta encontrar la paz y cómo se desenvuelve en ese mundo”.

Cuando uno piensa en el cine social, el primer nombre que suele venirle a la cabeza es el de Ken Loach. Y es normal, pocos cineastas como él han dedicado su filmografía a retratar las condiciones de la clase obrera y los desfavorecidos. Loach ha sido el martillo pilón que ha plasmado en imágenes el desmantelamiento del sistema de bienestar social con Thatcher a la cabeza. Sin embargo, tan importante como Ken Loach, aunque desde un sitio completamente diferente, pero absolutamente complementario, es Mike Leigh.

Porque tan importante como mostrar las duras condiciones de las personas en las fábricas es mostrar sus rutinas, sus conversaciones, su cotidianidad. Tan político es enseñar la cadena de montaje como a dos mujeres sentadas hablando de su vida en torno a una copa de vino. Quizás no hablen ni del trabajo, pero Leigh ha sabido retratar esos rostros a los que la vida les pasa por encima. Captar las casas que habita la gente de a pie y a las que el cine no suele dar el espacio necesario. Si Loach es la denuncia en el púlpito, absolutamente necesaria, Leigh es el que ha dejado constancia de cómo la intimidad de esos personajes está absolutamente atravesada por la precariedad. 

El cine de Leigh es tan político como el de Loach. Y, por tanto, en su película de despedida, Tender Living Care, tenía sentido que volviera a las raíces de su cine. Tender Loving Care —que se ha presentado en el Festival de San Sebastián donde debería llevarse la Concha de Oro— será la última película de la filmografía del director de obras maestras como Secretos y mentiras. No es una predicción ni una intuición. Lo ha dicho él. A los 83 años el cuerpo ha dicho basta. No puede afrontar físicamente otro rodaje.

Tras ver el filme uno puede decir que, si esta es su despedida, tiene todo el sentido y es una despedida perfecta. Porque en Tender Loving Care vuelve a dejarnos mirar a la intimidad de la clase obrera con ternura, elegancia y belleza; con una mezcla de humor y tristeza tan imposible de lograr. A través de la relación de dos amigas que vuelven a vivir juntas cerca de los 40 tras la separación de una de ellas, Leigh realiza una película de aparente sencillez donde lo que consigue es muy complicado. Porque lo que consigue es que veamos la vida.

El director, a través de las conversaciones aparentemente banales de las amigas, del trabajo de ambas como trabajadoras sociales, y de la relación de una de ellas con sus padres, realiza una defensa sin subrayados ni aspavientos de la importancia de los cuidados. Unos cuidados que ya no los da el servicio público, que desde Thatcher, a la que se cita directamente, ha abandonado a la gente. “En los 50 hasta los Tories pensaban en la gente, aunque me cueste reconocerlo. Ya no”, dice uno de los personajes avanzando el otro de los ejes del filme, que es la ausencia de justicia social, la ausencia de un sistema que nos cuide.

Estas cuatro personas se tendrán la una a la otra para cuidarse. En una ruptura, en las malas tardes de curro, en las citas que no salen, hasta en la enfermedad y el deterioro físico. Pero lo que eleva la película a una obra mayor es su capacidad para trascender esos cuatro personajes. Lo hace con un recurso que, de nuevo, parece sencillo, y es magistral y de una inteligencia descomunal. Un personaje que abre la película y la cierra en una situación absolutamente diferente. Retratada con la cámara de una forma opuesta, y que culmina mirando a la pantalla, con unos ojos que atraviesan al espectador y se le quedan grabados de por vida.

Espero que la película no se malinterprete como una obra de escapismo romántico, porque no lo es. Es una mirada cruda a la realidad. Pero, ante todo, trata sobre la compasión

Mike Leigh — Cineasta

Es imposible, además, no pensar que esos ojos son los del propio Mike Leigh. Primero, por el parecido físico que tiene con el actor que aparece. Segundo, porque también hay algo de despedida en la mirada. De reconocer que por más que quiera él ya no puede más, y esta es su carta de despedida. Una carta absolutamente magistral. Bella y desoladora, como la vida misma. 

El adiós de un cineasta

En la rueda de prensa de la película, Mike Leigh entró por vía telemática, ya que no pudo viajar físicamente a San Sebastián. El director fue preguntado por la prensa si, realmente, esta es su última película, y él lo confirmó y argumentó. “Es bastante sencillo. Tengo una afección médica que afecta a mis movimientos oculares y me resulta bastante difícil desplazarme; sin duda, más difícil de lo que debería ser para un cineasta. Por tanto, es más que probable que esta película tenga que ser la última. Pero eso es todo; es una cuestión práctica relacionada con mi estado de salud, una condición física”, dijo quitándole dramatismo a la decisión.

El cineasta estuvo parco en sus respuestas, pero también compartió su visión sobre el mundo. Una que, por desgracia, no es muy optimista. “No es difícil ser pesimista porque, como ya se ha mencionado, están sucediendo muchas cosas en el mundo que resultan alarmantes y negativas. Y, en realidad, eso es todo lo que puedo decir. No es una cuestión de blanco o negro”, dijo sobre su mirada al mundo actual.

No quiere que su película “se malinterprete con una obra de escapismo romántico, porque no lo es”, sino como “una mirada cruda a la realidad, pero, ante todo, a compasión, y la compasión es tan importante en estos tiempos como en cualquier otra época”. “No hemos dejado de ser humanos ni nos hemos detenido. La calidad de vida no desaparece simplemente porque estemos atravesando tiempos difíciles; al contrario, es una razón más para transmitir positividad siempre que podamos”, zanjó el director en una de las ruedas de prensa más emocionantes de este Zinemaldia, que se rindió ante la última obra de uno de los directores más importantes del cine de las últimas décadas.

Hollywood nos ha dicho que los fantasmas vienen a asustarnos. Normalmente, lo hacen porque tienen cuentas pendientes con el presente, y su presencia en el mundo de los vivos es violenta, vengativa y provoca el caos. Pero, si pensamos en un país como España, como Argentina, o como Chile, en los que las dictaduras han dejado tantos muertos en las cuneras, ¿no sería un territorio lleno de muertos que reclamaran ser oídos? El pasado violento de la historia de Argentina late en Mis muertos tristes, la serie que ha dirigido Pablo Larraín y que adapta cuatro cuentos de Mariana Enriquez, que ha participado en la escritura del guion.

Ambos han hecho algo mucho menos obvio y mucho más turbio. Los muertos que aparecen en su serie de cuatro episodios que se ha presentado en su versión cinematográfica en San Sebastián no son los muertos por la dictadura, son más recientes, pero tienen en común la herida violenta de un país donde la violencia nunca cesa. Mires a la década que mires hay una violencia política que deja cadáveres en las cunetas. 

Lo hace a través de la historia de una médica retirada a la fuerza (por matar por compasión durante la pandemia) que puede ver y hablar con los muertos. La llegada de su hermana y su sobrina —que comparte su don— desde EEUU es la chispa para terminar de encender un barrio humilde marcado por la violencia que asola la ciudad. Una violencia que es también burocrática, ejercida desde hospitales que no atienden y servicios públicos que no funcionan. Aquí los muertos no asustan, y no hay jump scares hollywoodienses. Los muertos solo quieren ser escuchados. Otros, salir del bucle violento que se les obliga a repetir. Otros solo que alguien les preste atención. 

Larraín llevaba tiempo queriendo trabajar con la literatura de Mariana Enriquez, y estuvo cerca de hacerlo en el pasado, pero no fue hasta que una de las productoras de su compañía, Fábula, le enseñó antes de que se publicara Un lugar soleado para gente sombría cuando vio realmente la oportunidad hecha realidad. “Me pareció que había una posibilidad de coger Mis muertos tristes como cuento central y trabajar con otros dos más y traer argumentos y personajes al cuento central”, cuenta Larraín desde San Sebastián. A su lado, Mariana Enriquez añade que se juntaron unas cuantas veces en Buenos Aires, pero que el resto fue online, y que ambos tuvieron claro que la idea era “fusionar relatos para hacer otro nuevo a partir de esos fundamentos y con el eje de Mis muertos tristes”.

Aunque Larraín sea chileno y Enriquez argentina, ambos tienen muchas cosas en común, y muchas de ellas “tienen que ver con un pasado político inmediato, dictatorial”. Sin embargo, una de las cosas que más le interesó es que la mirada de la escritora “con respecto a esas personas, a ese pasado y a esa idea de memoria es más amplia que las últimas tres décadas”. “Es más atemporal, y tiene que ver no solo con cómo nosotros los vivos, recordamos a los muertos o vivimos junto a ellos o habitamos el universo con ellos, sino que aquí se abre una puerta nueva y muy interesante, que es que cambia el punto de vista también hacia el muerto, porque es el muerto quien se manifiesta, es el muerto quien pide ser recordado, que llama la atención que no quiere ser olvidado. El primer acto de memoria tal vez viene de la reclamación de ese muerto a no ser olvidado”, subraya el cineasta.

El fantasma no es un ente que viene de otro lugar, sino una persona que vivió y que vuelve para pedir que se la recuerde, pedir que se le haga justicia 

Mariana Enriquez — Escritora

La escritora asiente y añade que “es que eso es una historia de fantasmas”. “El fantasma es como el que repite todo para que no se olvide de lo que le pasó, de lo que ocurrió”, analiza. Para Enriquez, las afinidades entre ambos van más allá de esa historia parecida o de la cercanía geográfica, y “tiene que ver con una manera de abordar la política desde lo artístico”. También cree que les une el interés por los personajes femeninos. “No es que yo escriba todo el tiempo sobre mujeres, pero en el caso de Mis muertos tristes y los cuentos elegidos las voces son de mujeres, y Pablo venía trabajando con voces femeninas fuertes, pero con una sensibilidad por la oscuridad”, añade. 

Tanto en sus libros como en este guion, Enriquez intenta “desmontar lo que hay detrás del fantasma y del cuento de fantasmas como cuento solamente de miedo”. Para ello siempre se pregunta qué es un fantasma, y para ella “no es un ente que viene de otro lugar, sino una persona que vivió y que vuelve para pedir que se la recuerde, pedir que se le haga justicia y para decir ‘yo también existí', no para dar miedo”. Una obra sobre los fantasmas de la memoria que se va a ver en 2026, en plena época de Milei, aunque eso es algo que Enriquez cree que no cambia nada: “Podrías cambiar ese año por cualquiera de los últimos 50 y sería lo mismo. La Argentina del 82 que entraba en la guerra, la Argentina del 89 con la hiperinflación, la de mediados de los 90, la de Menem, que es una de las épocas más violentas de la democracia argentina. Es un problema estructural”.

Una Argentina que, en la serie, se muestra inoperativa y con unos servicios públicos colapsados que no dan nunca una respuesta. La burocracia como barrera para solucionar los problemas de la gente, algo que para la escritora es “literariamente muy interesante porque es muy reconocible y muy argentino”. “En Argentina no sabes lo que puede significar un corte de luz, la cantidad de vida que se desvanece cada vez que se te corta la luz. Me parece uno de esos elementos que hace que tu vida sea penosa. Me interesa mucho trabajar eso literariamente. Primero porque la burocracia no se trabaja mucho literariamente o se trabaja en estos términos kafkianos, que tienen algo del absurdo, pero no tienen el agobio y el peso cotidiano de decir por qué mi vida tiene que ser hablar con una persona por teléfono todo el día”, zanja Enriquez.

Una gran tormenta azotó la costa vizcaína durante una noche de 1930. En medio del temporal, un buque inglés terminó frente a un acantilado de Algorta, en Getxo, y el carbón que transportaba se convirtió en una oportunidad para una población marcada por la pobreza. La familia Jauregui y otros vecinos se aventuraron a recoger el combustible para mantener calientes sus hogares, pero la lluvia y una tragedia acabarían recordándoles que no eran más que unas hormigas, unas ciegas hormigas.

La historia de Las ciegas hormigas no nació originalmente en un guion, sino en las páginas de la novela homónima escrita por Ramiro Pinilla. Se trata de una ficción ambientada en el municipio vizcaíno de Getxo en 1930, en el contexto real de la Gran Depresión de 1929 y la extrema pobreza que vivieron las familias trabajadoras. La obra literaria, galardonada con el Premio Nadal en 1960 y nunca antes adaptada al cine, narra cómo el encallamiento de un barco inglés cargado de carbón desata una desesperada lucha entre los vecinos por recuperar el combustible antes de que la tormenta destruya la costa.

El largometraje inicia su andadura en el Zinemaldia, el festival de cine de Donostia, donde compite dentro de Zinemira, la sección dedicada al cine vasco. La acogida del público ha sido inmediata, con las entradas agotadas para sus tres proyecciones programadas: el pase de estreno del viernes 18 en el Príncipe y las dos sesiones posteriores previstas para el sábado 19 en el Trueba y en el Antiguo Berri.

El director y guionista del filme, Igor Legarreta, ha contado a este periódico que descubrió el libro hace unos seis años y que, desde la primera lectura, comenzó a imaginar su salto a la gran pantalla. Al cineasta le sorprendió que una obra que consideraba tan potente no hubiera tenido mayor difusión, por lo que asumió el reto de darla a conocer al público audiovisual. Una semana antes de su presentación oficial, el equipo realizó un pase privado al que asistió la propia familia de Ramiro Pinilla, según han contado a elDiario.es/Euskadi los actores protagonistas, Urko Olazabal e Itziar Ituño.

A la hora de abordar la adaptación, Legarreta subraya la necesidad de encontrar un equilibrio entre el lenguaje literario y el cinematográfico. “Para mí se trata de ir encontrando la identidad de la película sin llegar a traicionar el espíritu de la novela”, ha explicado el realizador sobre un proceso que exige tomar decisiones y renuncias. Por otra parte, ninguno de los dos protagonistas conocía la obra antes de recibir el proyecto, pero eso les permitió llevar cada uno su enfoque: Ituño prefirió trabajar únicamente con el guion para no condicionarse, mientras que Olazabal sí leyó la novela de Pinilla para indagar en el trasfondo de su personaje.

La trama sitúa en el centro a la familia Jauregui, cuyos roles de género reflejan con dureza la época. Ituño ha desmontado el mito del matriarcado vasco al señalar que, históricamente, “fuera del caserío ha gobernado el hombre y dentro la mujer se ha cargado mucha responsabilidad”. Su personaje, Josefa, intuye que adentrarse en el mar durante el temporal es una locura, pero, aunque manifiesta abiertamente lo que piensa, asume que dentro de esa estructura familiar no tiene poder de decisión frente a la determinación del padre.

Por su parte, Olazabal aborda el papel de Sabas a través de la contradicción interna entre el deber familiar y el duelo reprimido. Su personaje muestra una “voluntad de hierro” para conseguir el carbón necesario para la supervivencia de los suyos, pero la tragedia que acontece durante la tormenta lo arrastra a un abismo emocional que intenta ocultar. Para Sabas, recuperar ese oro negro es la única vía para justificar la dolorosa pérdida de su hijo, mientras contiene su sufrimiento bajo la rabia.

Pese al choque de posturas y a la imposibilidad de exteriorizar la fragilidad emocional del hombre en aquel entorno rural de los años treinta, entre ambos cónyuges subyace una profunda complicidad, reconocida por ambos protagonistas. Tanto Ituño como Olazabal afirman comprender la conducta del personaje opuesto. De este modo, Josefa percibe perfectamente que la obstinación de Sabas por el carbón no es, sino una huida hacia adelante para sostenerse en pie y no derrumbarse ante la culpa.

Hubo una época, a mediados de los años 90, en la que en España se escuchaban constantemente palabras como Fistro o Pecador. Normalmente esos términos se acompañaban de un movimiento de manos, o una pierna que se mecía de forma descompasada como si tuviera un espasmo. ¿El culpable? Un cómico nacido en Málaga en 1931, que tras comenzar su carrera como cantaor se convirtió en una estrella del humor con más de 60 años gracias a un programa de chistes llamado Genio y Figura. 

Chiquito de la Calzada llegó como un tsunami a una España que quería ser moderna pero que seguía riéndose con chistes de mariquitas. Chiquito representaba bien esa dualidad. Un cómico que reinventaba el lenguaje y la forma de contar chistes, pero que seguía anclado en las viejas narrativas del humor. Quizás fuera por eso por lo que se convirtió en el personaje más conocido de España, y por lo que varias de sus expresiones más siguen usándose habitualmente.

Su llegada supuso, también, la llama para hacer arder la guerra de las televisiones privadas, que con su llegada en 1990 pusieron patas arriba un panorama en donde, hasta el momento, solo imperaba el monopolio de la televisión pública. Antena 3, con un modelo que copiaba a EEUU y sus talk shows, y Telecinco, que imitaba a la televisión privada italiana de excesos, bailes y explosión. 

En aquella guerra que se encarnizó se instauró el todo vale, con la cobertura de Alcasser y las Mamachichos y sus bailes como máximos exponentes. Pero ese todo vale también se pudo ver cuando, a mediados de los 90, Chiquito de la Calzada decidió parar temporalmente de la rutina frenética que le había llevado a estar en todos los bolos, todas las promociones y hasta dar las Campanadas. La cadena de la competencia, Telecinco, salió en su programa estrella, el late night de Pepe Navarro, Esta noche cruzamos el Mississippi, con un personaje que se parecía demasiado a Chiquito.

Se llamaba Lucas Grijander, lo interpretaba un desconocido que hasta entonces había sido guarda jurado, y llevaba la imitación del personaje a otra dimensión. Crearon un país ficticio, Chiquitistán, y la creación se convirtió en un éxito que si bien no superó, sí se puede decir que igualó al ausente Chiquito, que vio en su casa cómo primero Lucas Grijander, y después un segundo personaje, Krispin Clander, amenazaban su trono usando las palabras que él había creado. De ellos sacaron un merchandising ingente basado en canciones, teléfonos y mil promociones de las que, evidentemente, Chiquito de la Calzada no vio un duro.

Lo que pocos saben es que Chiquito, tras ver en la televisión cómo alguien usurpaba su personaje y se forraba a su costa, demandó a Telecinco y a la productora de Pepe Navarro por vulneración de derechos de propiedad intelectual. Lo que aquel juicio dirimía era si Chiquito era una persona pública, y por tanto estaba sujeto a la parodia, como ocurre con los políticos, o si era un personaje, una creación, y estaba protegido por la Ley de Propiedad Intelectual.

Aquel juicio era inédito en la televisión, y ahora un documental de Movistar Plus+ —que nace de una idea de Diego San José y dirige Juan Zavala junto a Javier Morales— revisa el caso, además de intentar entender qué hizo a Chiquito alguien tan especial en la cultura popular española. Se estrena en la plataforma el 1 de octubre y cuenta con testimonios que van desde el propio Pepe Navarro a amigos de Chiquito de la Calzada como Paz Padilla o Manolo Sarria, intentando analizar lo que supuso aquello en ese paradigma cambiante de la televisión en España.

El documental deja algunas perlas desconocidas, como la amistad de Chiquito con Mario Conde después de que este último le viera actuar. Conde participa en el filme contando que incluso le llegó a llevar las finanzas tras su éxito y que toda la ambición del cómico era comprar una casa para él y su mujer. “El éxito más grande de su vida”, como lo describen. 

Para el humorista, ver a Florentino Fernández, que también aparece en el documental, era traumático. “Llamaba a su mánager diciendo que estaban hablando de él y no podía dormir, se angustiaba mucho”, recuerda Paz Padilla. El propio Chiquito de la Calzada reconocería en una entrevista que se estaban forrando a su costa. 

Pepe Navarro lo niega en pantalla. “No lo copiamos. Usamos a Chiquito como un paradigma social, y a partir de ahí creamos una parodia de un país. Fuimos más allá del personaje que él creó, fue una evolución más extensa de lo que era”, dice a cámara mientras opina que aquella demanda fue porque le comieron la cabeza al ver que “podía ganar algún dinero”.

Aquel juicio fue, como no podía ser de otra forma, surrealista. Florentino Fernández recuerda que le preguntaron cosas como si él había dicho frases como “La vaca cobarde de la pradera” o “Ese caballo viene de Bonanza”. También se planteó otra duda que tiene incluso una vertiente más filosófica, ¿hasta qué punto un creador es original o siempre se basa en alguien?, ¿de dónde sacó Chiquito sus frases?, ¿no eran las mismas que usaba gente de Cádiz como Paco Gandía? Puede que Chiquito no sacara ni un euro de aquel juicio, pero entre chiste y chiste planteó dilemas sobre la propiedad intelectual que siguen vigentes en nuestra actualidad. 

“No sé, a mí me dieron un fusil”, es la respuesta que da un joven cuando le preguntan a qué bando de la Guerra Civil pertenece. Él es el soldado Sebastián, en la piel de Guitarricadelafuente. Quien pregunta, Nené, la cupletista a la que da vida Penélope Cruz en La bola negra, la película con la que los Javis ganaron el premio a Mejor Dirección en Cannes. A la actriz le “rompe el corazón” esta frase, al pensar en “cuántas situaciones y conflictos del mundo habrá quienes se hayan sentido y se sientan igual, sin saber muy bien por qué están luchando”.

El largometraje, que también acaba de alzarse con el Premio del Público en el Festival de Toronto y representará a España en los Oscar, llega este viernes a las salas españolas tras su paso por el Festival de San Sebastián. El filme cuenta entrelazadas la historia de cuatro jóvenes homosexuales, atravesados por la Guerra Civil, en tres líneas temporales.

“Es importante dar espacio a historias así, pero bien, a lo grande, y no intentar al blanquear al colectivo de una manera superficial, añadiéndolos como personajes constantemente secundarios donde no se profundiza sobre la herida. Esta película habla sobre la herida de un colectivo, sobre la realidad de un país”, reivindica Carlos González (Maricón Perdido, Mariliendre), uno de los jóvenes protagonistas.

El intérprete celebra que el filme “abra conversaciones, aunque incomoden”. En este caso, un conflicto bélico que continúa siendo usado como arma arrojadiza a nivel político, pero también en la calle, y no solo en las generaciones que lo vivieron, también en las que nacieron hasta más de medio siglo después de que concluyera.

Disparar antes de entender quién eres

Miguel Bernardeau (Querer, Élite), otro de los actores del largometraje, reconoce que investigar sobre este periodo le sirvió para “reflexionar sobre la guerra, la suerte que tenemos y el momento en el que vivimos”. “Somos muy afortunados”, defiende, “imagina que estalla una guerra en tu país, te obligan a escoger un bando y a matarte con tu vecino, con tu hermano, tu primo, tu tío. Es muy duro”.

El intérprete pensó igualmente sobre “los jóvenes que de repente, a día de hoy, hablan de la guerra de una forma nostálgica. Hay algo curioso ahí que creo que hacen desde la ignorancia. Hay valorar un poco más la paz”.

En la misma línea se sitúa Álvaro Lafuente (Guitarricadelafuente), cuyo abuelo se vio obligado a vivir una situación parecida a la de su personaje, Sebastián. “Por el pueblo en el que vivía le tocó luchar en el bando nacional. A mí tocó representar algo parecido, a un chaval que sale de su pueblo y le ponen un fusil en las manos”, describe el cantante, que ha debutado como actor a la orden de Javier Ambrossi y Javier Calvo.

“Como él habría mucha gente que no se había ni cuestionado cuál era su lugar en el mundo, y de repente se le exige que cumpla unos requisitos de algo que ni siquiera entiende”, lamenta. El actor explica que es “muy bonito representar muchas historias imposibles, y toda la frustración que hubo de no poder, en tiempos de guerra, en los que tu principal objetivo es sobrevivir; cuestionar cuáles son tus deseos ni tus aspiraciones”.

Mirar mejor el pasado para cuidar el presente

El cuarteto de intérpretes jóvenes lo completa Milo Quifes, el gran descubrimiento de la película, que comparte la valoración con sus compañeros. “Es muy importante que estudiemos, que sepamos de donde venimos, de lo que heredamos y los sacrificios que se han hecho para que nosotros estemos dando voz a lo que estamos dando voz”, defiende. A la vez que insiste en que “no hay que olvidarlo”, opina que esto no debe implicar “quedarse estancado”: “Hay que saber perdonar muchas cosas, porque si no perdonamos, no podemos tirar hacia adelante”.

Es importante hacerse cargo de nuestra cultura y herencia para mirar mejor el pasado y cuidar mejor el presente

Carlos González — Actor

Su compañero Carlos González comparte que se arrepiente mucho de no haber podido conversar con sus abuelos sobre la guerra, o “no haber prestado suficiente atención”. “Hoy en día vamos muy rápido con todo. Todo es una rueda de redes sociales, de contenido más frívolo, y nos perdemos muchas veces en una propia conexión con nuestra propia herencia y cultura”, lamenta, “es importante hacerse cargo de ella para mirar mejor el pasado y cuidar mejor el presente”.

Además, considera que hace años, “sería impensable producir este tipo de película, con dos directores gais, un elenco gay, hablando de la historia, desenterrando la verdad absoluta, porque incomoda. Pero para eso están el cine, la cultura, el arte”.

El poder de “conexión” de los Javis

El primer visionado de La bola negra en el Festival de Cannes el pasado mes de mayo culminó con una ovación de veinte minutos. También ha sido aplaudida en Toronto, y este domingo en San Sebastián. Una emoción que el reparto considera ya “universal” y en la que valoran que su conexión con Federico García Lorca ha tenido mucho que ver. “Siempre es un buen momento para reivindicarle”, apunta Milo Quifes.

Los Javis te hacen salir del cine haciéndote las preguntas correctas, porque no te dan ningún sermón de ningún tipo, pero te rompen el corazón

Penélope Cruz — Actriz

El poeta influyó a Guitarricadelafuente para componer la canción La Nieve, que forma parte de la banda sonora de la película, y con la que podrá aspirar al Oscar. “Mucha de su poesía representaba el final de un camino, el llegar a la muerte, pero como un algo un poco más abstracto. Me parecía bonito ver cómo la canción aparecía en la película en el momento en el que los tres personajes, al ver que todo está a punto de acabar, empiezan a ser libres. Y toman esa decisión de no dejar nada atrás y hacer lo que les dicta el corazón”.

Lorca, el valor de la identidad y la libertad, la casi obligación de vivir sabiendo que muchos no pudieron hacerlo, y lo que supuso la Guerra Civil están llamados a recorrer el mundo de la mano de La bola negra, llegando a todas las edades.

Penélope Cruz tiene claro que así va a ser, por la capacidad que tienen los Javis de “hacerte salir del cine haciéndote las preguntas correctas, porque no te dan ningún sermón de ningún tipo, pero te rompen el corazón. Colocan las cosas en su sitio desde un lugar de respeto total, pero te zarandean el alma”.

El peor enemigo de una pareja es la rutina. Esa frase hecha, tan manida y sobada, amenaza todas las relaciones sentimentales. ¿Hay en lo cotidiano del día a día una tranquilidad o es la muestra de que todo es aburrido? Ahora piensen que una pareja que mira al abismo de intentar entender si dicha afirmación es cierta o no, también se tiene que enfrentar a la vez a un bucle temporal que les hace repetir la misma rutina cada cinco minutos. Cada cinco minutos de reloj, y por un fenómeno que nadie puede explicar, vuelven al mismo sitio donde estaban y vuelta a empezar.

La idea, brillante, terrorífica y afilada, es la que está en el centro de 5 minutos más, la película que ha escrito Berto Romero, que dirige Javier Ruiz Caldera y que compite por la Concha de Oro en la Sección Oficial del Festival de Cine de San Sebastián. Por suerte la película no se queda en ser solo una ocurrencia ingeniosa, sino que avanza como una comedia bestia, en ocasiones bastante negra, que tiene como corazón dentro de su artefacto de ciencia ficción una disección de una pareja moderna que bordan Berto Romero y Belén Cuesta, obligados a estar en los cinco minutos de la marmota frente a una amenaza con pinta de señoro y los rasgos de un perfecto Javier Cámara.

Romero y Ruiz Caldera construyen una película que funciona con la precisión de un reloj, que es complicada y certera en lo técnico, con esos planos secuencia de cinco minutos que van retorciéndose cada vez más; pero que aciertan al conseguir que su propio artilugio no se quede solo en eso, sino que a través de él el espectador consiga conectar con esos personajes que se enfrentan a un apocalipsis que no consiguen entender mientras afrontan una crisis sentimental que superan a golpe de actos tremendos.

Además, lo cercano que está el mundo cada día de una nueva catástrofe hace que la que ocurre en pantalla no sea ni tan descabellada. Hasta recuerda al apagón. “Hemos llegado a un punto de encadenar apocalipsis, pre apocalipsis o supuestos apocalipsis que ya no nos sorprende nada, como si llegan los extraterrestres mañana. La gente lo considera como algo que puede ocurrir”, dice Berto Romero con humor desde el Festival de San Sebastián. 

De alguna forma 5 minutos más también sirve como metáfora de un mundo absurdo, aunque el guionista y protagonista niega que la escribiera pensando en ello. “La escribí de una forma emocional, intentando escribir una peli que a mí me flipa, que tuviera todos los componentes del cine que a mí me gusta ver tanto de forma como de fondo. Pero una vez digerida la escritura, sí me doy cuenta de que la película dialoga bastante bien con el momento que vivimos, sobre todo por esa sensación que a mí personalmente me angustia mucho y creo que compartimos todos que vivimos en un momento donde no podemos dejar de reaccionar, pero no podemos entender bien las cosas porque no hay tiempo. El bombardeo de momentos, de eventos, es tan continuo y tan buscado para tenernos aturdidos que esta sensación es de un cierto ahogo. Y la forma interesante para mí de representar eso es a través de esa metáfora que plantea la película”, dice de su guion.

No tiene claro si fue antes la voluntad de hablar de una pareja o el mecanismo del bucle que se reinicia cada cinco minutos, pero sí que, al ser un periodo tan corto de tiempo reinventa las reglas del subgénero hasta “no ser una peli de bucles temporales”. “En las películas los bucles temporales siempre son una nueva oportunidad. Esto es otra cosa. Esto es como si se rayara un disco. Cuando yo di con este mecanismo pensé en cómo podría yo aportar algo nuevo, porque estas películas son siempre iguales y nos las sabemos el mecanismo de memoria. Lo que encontré es que la manera de cambiarlo lo que hacía era anularlo”, dice del germen del filme. 

La película dialoga bastante bien con el momento que vivimos por esa sensación de que no podemos entender bien las cosas porque no hay tiempo para ello

Berto Romero — Actor y guionista

Es ahí cuando entra esa radiografía a la pareja moderna y hastiada que se enfrentan en su momento más bajo a ese disco rayado. “Esa idea de repetir y repetir para mí está muy relacionada con la pareja, porque uno de los grandes males que se le atribuyen cuando las parejas van mal es la rutina. Y de repente me pareció que era superpotente, que una historia de pareja desgastada por la rutina se enfrentara a una forma hiperbólica y salvaje de rutina”, subraya.

Aunque la presencia de 5 minutos más parezca una rara avis en un certamen de clase A, Javier Ruiz Caldera ya dejó caer medio en broma medio en serio hace un año que por qué no podía ser el caso de su filme. Lo hizo en la presentación de las películas originales de Movistar+, y entre títulos como Sirat, El ser querido o La bola negra (todas ellas presentadas en Cannes). Al ver que para su filme nadie consideraba posible que acudiera a un festival dijo con ironía que ellos también vislumbraban un festival para estrenarla. El dardo irónico se ha cumplido. Como recuerda Berto Romero, “cuando uno habla en broma siempre dice la verdad”.

Para Ruiz Caldera, “hay una cierta predisposición a descartar la comedia o el género fantástico como películas dignas de representarnos en festivales”. “Los que hacemos comedia estamos acostumbrados a que nos prejuzguen así, pero no tendría que ser así. Las películas son buenas o malas, independientemente del género, y hay que poner en valor la valentía y el criterio de Rebordinos y su equipo para seleccionarla para el festival”, zanja reivindicando la comedia y la ciencia ficción como filmes tan dignos de estar en Sección Oficial como cualquier drama.

Carmen Machi ha recibido este sábado el Premio Nacional de Cinematografía en el Festival de Cine de San Sebastián. La intérprete, conocida por películas como Ocho apellidos vascos, y series como 7 vidas, Aída y Celeste; fue elegida por el jurado por “ser una de las actrices de comedia más importantes de la historia del cine español”.

“He interpretado a mujeres que me han completado como persona. Mujeres corrientes con vidas extraordinarias, frágiles, fuertes, inteligentes, analfabetas, y desde hace unos cuantos años, mujeres maduras. Gracias por poner el foco en ellas, contar sus historias y darles visibilidad”, ha afirmado al recoger el galardón, “el universo femenino de la mujer madura también interesa, y mucho. Doy fe”.

Carmen Machi ha recordado cómo el cine le ha acompañado desde que era niña, cuando imitaba en su habitación a los personajes de las películas que veía en televisión: “Me producía una extraña sensación de libertad”. “Nunca pensé que el juego que era el refugio para vencer mi inseguridad y timidez, se convertiría en mi oficio y mi forma de vivir”, ha reconocido. La actriz ha asegurado que la profesión le ha “regalado una vida maravillosa” y que ha sido “bálsamo en los momentos más duros”. Además de compañeros que se han terminado convirtiendo en “amigos del alma”.

La actriz ha aprovechado la ocasión para defender que el cine “te sacude, te abre la mente, te interpela y te transforma”, y que precisamente por ello es tan importante “cuidarlo, protegerlo e impulsarlo”.

También ha agradecido la confianza de todos los productores con los que ha trabajado, así como los equipos que han ido “marcando la construcción” de sus personajes, como maquillaje, peluquería y vestuario; y en especial a los auxiliares de dirección y producción por “lidiar” con su “desastroso sentido de la orientación”.

Carmen Machi, “patrimonio nacional”

Antes de recibir el premio, varios compañeros han compartido unas palabras sobre Carmen Machi. El director Félix Sabroso ha resaltado que su “modo de trabajar tiene mucho que ver” con su “modo de vivir”, además de resaltar que la actriz encarna en sí “una forma de entender un oficio y la vida misma”. El guionista Diego San José, con quien rodó Celeste, que ha reivindicado que la intérprete es “patrimonio nacional”: “Todos, en algún momento de su carrera, hemos sido Carmen Machi”.

El ministro de Cultura Ernest Urtasun, por su parte, ha alabado su “versatilidad prodigiosa”. “Lleva a sus personajes más allá de lo esperado, siempre un poquito más allá”, ha añadido.