La bola negra llegó de tapadillo en las últimas jornadas del Festival de Cannes. Pocos conocían quiénes eran Los Javis, esos jóvenes directores españoles que habían aparecido casi por sorpresa en la Sección Oficial. Tras el pase oficial de su película, se convirtieron en la revolución del certamen. La crítica, aunque no unánime, quedó arrasada por sus tres historias enlazadas con Lorca como hilo conductor. El jurado ha confirmado el fenómeno y Javier Calvo y Javier Ambrossi se han hecho con el premio a la Mejor dirección. Un premio que, como el año pasado le ocurrió a Oliver Laxe, es un premio compartido. En esta ocasión el ex aequo fue junto a Pawel Pawlikowski, por Fatherland.

El jurado reconoce un trabajo excesivo, ambicioso, arriesgado y siempre al límite. Javier Calvo se acordó de su maestro, Pedro Almodóvar —que logró este galardón por Todo sobre mi madre— y recordó que La bola negra habla de “ver al otro”, y pidió empatía en estos momentos. “El arte es un vehículo para la empatía. La película habla de humanidad, de ver al otro como un ser humano, de entenderle, comprenderle, amarle”, reflexionó.  Su película es una mirada a los amores disidentes y a la Memoria Histórica que ha conquistado a la crítica de EEUU, que la colocan ya como una película fuerte de cara a la próxima temporada de los Oscar, destacando especialmente a una Penélope Cruz arrebatadora como una cupletista que anima a las tropas franquistas en la Guerra Civil. 

Este premio del jurado es la guinda perfecta al año histórico del cine español en Cannes, que también ha visto como Viva, de Aina Clotet, se hacía con el premio Rising Star de la Semana de la Crítica, y la coproducción española junto a República Checa Rehearsals for a revolution, el premio al mejor documental de todas las secciones, el Ojo de Oro. Una pena que ni Amarga Navidad ni El ser querido (que como La bola negra es una producción original de Movistar Plus) hayan podido completar el bingo perfecto. 

Sorprende sobre todo en el caso de Javier Bardem, sin duda la mejor interpretación vista en toda la Sección Oficial, y que no ha podido hacerse con el galardón de Mejor actor, que fue a parar a unos emocionados Emmanuel Macchia y Valentin Campagne, la pareja de enamorados en la Primera Guerra Mundial que emocionaron a todos en Coward, de Lukas Dhont.

Precisamente de 'mirar al otro', como dijo Javier Calvo, habla la ganadora de la Palma de Oro, Fjord, del cineasta rumano Cristian Mungiu, que logra su segunda Palma tras la conseguida por 4 meses, 3 semanas y 2 días en 2007. Se une al selecto club de cineastas que cuentan con dos en su estantería. Fjord plantea el dilema moral de cómo encajar en la sociedad a familias cuyos valores religiosos rozan lo extremo, y cómo las normas de un país demócrata como Noruega puede chocar con la convivencia en una pequeña comunidad.

Por primera vez Mungiu trabaja con actores internacionales, en este caso Sebastian Stan, y Renate Reinsve. Con este galardón Neon, la distribuidora de EEUU logra su séptima Palma de Oro. “Viva la diferencia”, dijo Tilda Swinton antes de entregarles el premio como anticipando lo que el presidente del jurado iba a anunciar. “Las sociedades hoy están fracturadas, radicalizadas. Este filme es un compromiso contra toda forma de integrismo, es un mensaje de tolerancia, inclusión, empatía. Son palabras maravillosas que a todos nos gustan, pero hay que aplicarlas más a menudo”, dijo Mungiu al recibir su Palma.

No es un trabajo tan fino como los anteriores del cineasta rumano, pero desde su presentación fue una de las películas mejor recibidas por la crítica. La otra gran favorita, Minotauro, del director ruso exiliado Andrey Zvyagintsev, logró la plata, el Gran Premio del Jurado, gracias a un remake de La mujer infiel de Claude Chabrol que convierte en una crítica bestial a un país podrido y corrupto, así como a su presidente Vladimir Putin. Un filme de una solidez y una contundencia incuestionable. 

Zvyagintsev dedicó al premio a sus productores por atreverse a levantar una película que crítica duramente la corrupción en Rusia. Tras ello, el cineasta mandó un mensaje “a una persona concreta que seguramente tiene otras decisiones que tomar” en este momento y “que no tiene internet ni estará viendo esta gala”. “Sé que gente de su entorno le transmitirá este mensaje”, agregó y leyó un texto en su móvil en el que pedía “que las masacres acaben de una vez”. “Y la única persona que puede acabar con esa carnicería es Vladímir Putin, presidente de la Federación Rusa. Acaba con esa carnicería, el mundo entero lo espera”, agregó ante la ovación de la sala

La mejor película de la Sección Oficial, la humanista y monumental Soudain, de Riusuke Hamaguchi —que con Drive my car logró aquí el premio al mejor guion antes de llevarse al Oscar a la Mejor película internacional— se conformó con el premio a la interpretación femenina, que también fue compartido para sus dos protagonistas, Virginie Efira y Tao Okamoto. Es un premio que sabe a poco, pero que es entendible, ya que en la relación de ambas y en las largas charlas entre ellas asienta el director japonés su filme.

Dos de las sorpresas de esta edición también fueron reconocidas por el jurado. El filme de la directora alemana Valeska Grisebach, The dreamed adventure, un western moderno de ritmo pausado en un pequeño pueblo búlgaro asediado por la corrupción y los trapicheos contado a través del rostro inolvidable de Yana Radeva se llevó el Premio del Jurado. Emmanuel Marre, que trajo una de las propuestas más rompedoras con Notre Salut, se llevó el premio al Mejor guion. Una película donde a través de la historia real de su abuelo aborda el colaboracionismo de Francia con los nazis rompiendo las normas del academicismo del cine histórico. Ambos representan la savia nueva de un Cannes que con ellos y los Javis han introducido nombres que no suelen estar en sus selecciones oficiales, aunque finalmente su Palma de Oro haya sido para uno de los nombres de toda la vida.

Penélope Cruz estudió danza durante muchos años. Aquella preparación la ha rescatado para convertirse en Nené, la cupletista a la que da vida en La bola negra, la película dirigida por Javier Calvo y Javier Ambrossi. El filme, que cuenta tres historias atravesadas por los amores disidentes y la memoria de Lorca, sorprendió en las últimas jornadas del Festival de Cannes, donde muchos la veían en el palmarés y que finalmente ha supuesto el galardón a Mejor dirección para los dos directores. Si bien el filme ha dividido a parte de la prensa internacional, todos se quedan prendados de esa cantante y bailarina que aparece animando a las tropas franquistas encima de un tanque en plena Guerra Civil. Penélope Cruz se enfunda una peluca rubia, se viste con traje militar y canta y baila como una especie de Marta Sánchez de los años 30. 

La actriz contó en la rueda de prensa que justo antes de rodar esa escena su médico le dijo que podía tener un aneurisma cerebral. Eso hizo que la escena estuviera dotada de una emoción especial. Finalmente, fue solo un susto, pero la actriz confiesa que aquel momento quedará grabado en su recuerdo como actriz, igual que la larga ovación de más de 15 minutos que le dedicó el Teatro Lumière en la gala de presentación del filme.

Unas horas más tarde, en un encuentro reducido con prensa española donde se encontraba elDiario.es, Cruz quiso tranquilizar. Aclaró que preguntó a un médico antes de seguir rodando, y que al día siguiente se lo dijo a los Javis, que en todo momento le ofrecieron desde paralizar el rodaje a adaptarlo a sus necesidades. Explicó que quiso contarlo ahora a todo el mundo porque “es bonito compartirlo”, y para que la gente vea las situaciones a las que se tienen que enfrentar en un rodaje, y recordó otro momento donde la tragedia se impuso en un rodaje. 

Su padre murió a los 62 años. Ella se encontraba rodando Zoolander 2, y el viernes por la noche había hablado con él. “Unas horas más tarde estaba muerto de un infarto”, recuerda. “Fue horrible. El sábado por la mañana llegaba a Madrid, el funeral fue el domingo, y por la tarde estaba de vuelta en Roma para seguir rodando una comedia el lunes. Recuerdo que me tenían que sujetar. A veces se viven cosas así y creo que es bonito compartirlas, porque somos un equipo, y si uno falla, todo el dominó que es un rodaje puede caer. No quería contarlo desde un lugar de víctima, sino de contar situaciones que vivimos que a veces son muy peculiares”, afirmó.

El ejemplo de los Javis

Desde que vio La llamada quedó cautivada con los Javis, y La mesías se lo confirmó. Entre medias muchos encuentros casuales donde hablaban de esa colaboración que no terminaba de confirmarse hasta que los directores le dijeron que tenían un personaje muy pequeño, esa Nené inspirada en cupletistas reales por la que muchos la colocan ya incluso en la carrera por el Oscar del año que viene. 

Tras la emoción por la ovación de casi 20 minutos, Penélope confiesa que tuvo que irse un buen rato a llorar a la habitación antes de pasar por la fiesta que el equipo celebró en la playa y donde se sentó a hablar con Javi Calvo en una hamaca e intentar procesar todo lo que habían vivido. Tiene la convicción de que los Javis han hecho “algo muy gordo”.

“Son tan jóvenes, pero son unas almas muy viejas y tienen mucha profundidad y mucha inteligencia, mucho humor, van a llegar a unas nuevas generaciones con unos temas mejor que lo que les van a llegar en un libro de texto o con un sermón de un familiar. A veces hay películas tan especiales que pueden conseguir eso. Pueden conseguir que por lo menos los más jóvenes se hagan esas preguntas desde otro lugar. Y eso era lo que más me motivaba para decir que sí. Ellos tenían miedo de mandármelo porque decían que era muy corto. No sé si son 15 minutos. Yo no los he contado y me da igual”, asegura.

El personaje tenía otro aliciente, volver a bailar, algo que estudió durante años y que no hacía en una película desde Nine, por la que, curiosamente, optó al Oscar. Pero también por lo que representa ese personaje, “ese sueño de libertad que ninguno de los personajes masculinos tiene”. “Ninguno de los personajes de las tres historias está cómodo en el lugar donde quiere estar y siendo quien quiere ser, ni siquiera pueden compartir quiénes son en su esencia. Y ella representa eso. Me emociona mucho lo que representa ella, era un honor poder darle vida”, reincide y hace hincapié en una de las frases finales del filme, “cuidado que aún nos acechan”.

Queda muchísimo y va a paso muy lento. El Me Too para mí fue un arranque de algo que tiene que continuar para siempre

Penélope Cruz — Actriz

Desde que comenzó a estudiar teatro en la escuela de Cristina Rota, “con 14 o 15 años”, a la que entró mintiendo sobre su edad, se obsesionó con Lorca. “Mi maestra en esos años era Cristina Rota, y yo elegía cosas que eran curiosas para una niña de esa edad, como Las criadas, de Jean Genet, o Doña Rosita la soltera, de Lorca. Ella nunca me prohibía hacer las obras que a mí me llamaban la atención, que siempre tenían temas muy turbulentos, personajes que no tenían mi edad, pero yo sentía que los entendía y que los quería comprender más a fondo y los quería explorar. Yo recuerdo todavía ese monólogo de Doña Rosita. Hay partes que no las voy a olvidar. Soy una apasionada de Lorca, es uno de los genios más grandes de nuestro país”, asegura y menciona la obra de su amigo Juan Diego Botto, Una noche sin luna. 

Tiene claro que el que no haya querido ver la homosexualidad de Lorca en su obra es porque “ha querido mirar para otro lado, porque está en todo lo que escribe”. “Hay una protesta todo el tiempo a no poder ser uno mismo, y a estar incluso en peligro de muerte. Aunque no lo ponga en primera persona, o lo ponga en otros personajes que no siempre son hombres, el tema de la identidad, de la libertad y de poder compartirla con los familiares siempre ha estado. Quien no haya querido ver eso a lo largo de las décadas desde que murió es porque no ha querido verlo. Es imposible no verlo”, zanja.

Apenas unos días antes de que se presentara La bola negra, Cate Blanchett decía en una masterclass en Cannes que, para ella, el Me Too se había enterrado de forma interesada y que debería estar más activo. Penélope Cruz coincide con su compañera: “Lo llamemos como lo llamemos, es algo que ya tiene que seguir de por vida. Para nada hemos llegado a un punto donde podamos estar relajados. No estamos en un lugar justo ni para el colectivo LGTB ni para, por supuesto, las mujeres. Queda muchísimo y va a paso muy lento. El Me Too para mí fue un arranque de algo que tiene que continuar para siempre”.

Javier Calvo y Javier Ambrossi llegaban a Cannes como dos desconocidos. En Francia La mesías se convirtió en un éxito de crítica, y en EEUU fue La veneno la que les abrió varias puertas, pero en el festival de cine más prestigioso del mundo llegaban de tapadillo. Desde días antes de la proyección de su nueva película, La bola negra, la comidilla es que los distribuidores internacionales habían caído rendidos a esta historia a tres tiempos que tiene a Lorca, y su obra inacabada, como hilo conductor que las une y las atraviesa.

Los Javis entraron en el Gran Teatro Lumiere siendo una promesa. Salieron convertidos en un fenómeno. En las casi tres horas de duración de La bola negra la crítica internacional —especialmente la de EEUU, donde hablan incluso de los Oscar— la habían convertido en una candidata al palmarés. La reacción de la gente tras la proyección, con casi 20 minutos de aplausos, la ovación más larga de esta edición, decía mucho de la sensación de revolución que dejó este drama ambicioso y hermoso en donde homenajean a Lorca, el escritor que les cambió la vida. 

Tanto al acabar la proyección como en las entrevistas con la prensa española, los directores subrayaban que “a Federico García Lorca lo asesinaron”. “Esto no es una idea, no es una quimera, no es un recuerdo histórico. Es una realidad personal de una persona a la que mataron por maricón. Para mí es muy importante reivindicar que la historia no es una línea de texto”, decía Javier Ambrossi desde Cannes.

Su compañero, Javier Calvo, añadía algo que se le escucha decir al personaje de Glenn Close en la película, y es que “es imposible separar un autor como Federico García Lorca de sus deseos íntimos”. “Se ha dicho mucho que la sexualidad de Federico no importa, ¡pero cómo no va a importar si en todas las obras de teatro habla de su desamor, de su miedo! El ABC, cuando publicó los Sonetos del amor oscuro, los publicó como Sonetos del amor. El amor oscuro es algo que hay que reivindicar, porque ha estado muy escondido y ha estado muy en la sombra durante muchos años. Cuando se ha hablado de Federico en el cine, en el teatro, muchas ideas han sido desde una perspectiva muy heterosexual. Y está genial que se haya mantenido vivo y que se haya visitado y que se haya puesto en pie, pero creo que ese Federico queer no ha estado casi nada presente en el arte en nuestro país”, apuntaba.

Avanzaba así uno de los motores de este proyecto, “hablar de la imposibilidad de expresarse”. “Hay amores que están enterrados, que no pudieron existir, como pasa en la peli, los que ni siquiera se pudieron reconocer a sí mismos, ni decir que eres homosexual para empezar una vida. Vivimos en un presente en el que para honrar a la gente que ha luchado y que ha muerto, tenemos por lo menos que intentar ser felices, intentar disfrutar de nuestra libertad y reivindicar que no se puede dar ni un paso atrás. Y no se va a dar”, decía contundente Ambrossi.

A pesar de tener claro de que no hay que dar un paso atrás, saben que para el futuro hay que ser firmes y estar atentos. Javier Ambrossi se muestra más confiado en que no vaya a haber un retroceso de derechos. “Espero que no. Yo creo que el hecho de que estemos aquí indica que no. Eso quiere decir que hay un movimiento cultural que empuja que no vaya a pasar, pero sí que hay gente que tiene interés en generar estas cortinas de humo y darle mucha importancia, ¿de verdad alguien cree que el problema de todos los problemas del mundo son los derechos de las personas trans? Pues en eso se basan las políticas de algunas personas”, lanzaba.

Hay gente que está intentando poner de moda la intolerancia y el fascismo, y eso es así. Y creo que nuestro trabajo es que eso no suceda emocionando a la gente

Javier Calvo — Cineasta

“Pero la amenaza existe”, continúa Javier Calvo. “La estamos viendo todos los días en el telediario y en la calle. Hay gente que está intentando poner de moda la intolerancia y el fascismo, y eso es así. Y creo que nuestro trabajo es que eso no suceda emocionando a la gente, haciéndole partícipe de historias con las que puedan involucrarse desde el alma, desde el corazón. Creo que es una gran manera de reconquistar ese terreno, emocionando y involucrando a la gente en nuestras historias”.

La bola negra es una película ambiciosa, de gran presupuesto, y eso siempre lo tuvieron claro, querían que fuera “grande para reivindicar que las historias lgtbiq+ pueden serlo, y que no tienen por qué apelar solo a un nicho. Como siempre hemos hecho, queremos llegar con historias nuestras a todo el mundo. Es algo que tenemos por bandera, crear cosas grandes y que estén protagonizadas por tres actores abiertamente homosexuales. Que no porque sea grande una película tiene que tener a un hetero para hacer de gay. El nicho es una tumba”, explicó Calvo.

Tan grande que tiene a dos estrellas de Hollywood en ella. Una es Glenn Close, que hace de un trasunto de Ian Gibson, una hispanista experta en Lorca. La actriz se enamoró de La mesías y les mandó un mail diciendo que quería trabajar con ellos. Cuando surgió este papel no lo dudaron, y ella dijo que sí pero con una condición, hablar en español. Le pusieron un coach que se desplazó al rodaje de la nueva entrega de Los juegos del hambre y comenzaron a trabajar sus escenas. 

La otra es Penélope Cruz, que tiene una secuencia para el recuerdo. Una cupletista que cual Marta Sánchez anima a las tropas franquistas encima de un tanque. “Ella es muy brujita”, dice con gracia Javier Calvo para explicar que fue ella la que, cuando se enteró de que tenían nueva película, les llamó para decirles que si había algo que pudieran hacer juntos, ella estaba dispuesta. Le dijeron que había un papel muy pequeño, de una cupletista, y ella dijo que le apetecía volver al musical. El papel pasó de tener una escena musical a dos. Ellos mismos reconocen que quizás no hacía falta que hubiera dos, pero que teniendo a Penélope podían haber sido hasta tres. “Ella se lanzó a los leones, se subió encima de un tanque, nos cayó una tormenta… Viendo todo eso me doy cuenta de que lo que queríamos hacer era lo que hemos sentido viendo las películas que hemos visto, las que te hacen soñar. Hemos intentado hacer la peli que querríamos ver”, zanjan. 

El estreno de la película Volver en 2006 marcó un hito inolvidable en la historia del cine español, consolidando la alianza entre Pedro Almodóvar y su musa predilecta. Al cumplirse dos décadas de aquel fenómeno, toca recordar un largometraje que no solo triunfó en la taquilla, sino que también devolvió al director manchego su esencia más pura tras proyectos anteriores mucho más oscuros y masculinos. Y que hizo que, por primera vez en la historia de los Premios Oscar, una intérprete española, Penélope Cruz, fuese nominada en la categoría de Mejor Actriz del año. La historia de Raimunda, una mujer coraje que lidia con fantasmas reales y metafóricos en un barrio madrileño y en La Mancha, cautivó al mundo entero por su mezcla única de comedia y drama. 

La trama nos sumerge en la vida de tres generaciones de mujeres que logran sobrevivir al viento, al fuego y a la muerte con una vitalidad sin límites ni fronteras geográficas. Raimunda, interpretada magistralmente por Penélope Cruz, es una madre luchadora casada con un hombre en paro y con una hija adolescente que debe enfrentar una crisis familiar profunda. La aparición de su madre Irene, interpretada por Carmen Maura y supuestamente fallecida años atrás en un incendio, desata una serie de situaciones rocambolescas que mezclan lo sobrenatural con la cotidianeidad más absoluta del pueblo. Almodóvar utilizó esta narrativa para rendir un homenaje sincero al eterno femenino, a la solidaridad entre vecinas y a la resiliencia de las raíces culturales españolas.

El impacto más trascendental de la película fue, sin duda, la histórica candidatura de Penélope Cruz al premio Oscar como Mejor Actriz. Este logro llegaba tras otra gran cima conquistada en la meca del cine, como es la de que Javier Bardem hiciese lo propio años antes en la categoría masculina. Aunque finalmente el premio fue para Helen Mirren por su papel en la película La Reina, la nominación de Penélope rompió un techo de cristal fundamental para el desarrollo del cine español. Hollywood se rindió ante una actuación que recordaba a las grandes divas italianas como Sophia Loren, viendo en Penélope a una actriz de dimensiones internacionales extraordinarias.

La relación profesional entre Almodóvar y Penélope alcanzó su madurez absoluta con este proyecto, tras haber colaborado previamente en cintas como Carne trémula y Todo sobre mi madre. Almodóvar supo extraer de ella una interpretación naturalista y poderosa, transformando a la chica de Alcobendas en una mujer del pueblo llano que rezumaba autenticidad y fuerza. Para Penélope Cruz, trabajar con el cineasta manchego siempre fue un sueño personal desde que vio la película Átame durante su adolescencia en Madrid. Esta conexión casi telepática entre director y actriz permitió que en Volver se sintiera como con un traje a medida, logrando que la crítica internacional valorara su talento interpretativo.

Un reencuentro esperado

Otro de los grandes atractivos de Volver fue el esperado reencuentro entre Almodóvar y Carmen Maura tras dieciocho años de distanciamiento profesional y personal muy publicitado. Después de su éxito conjunto en Mujeres al borde de un ataque de nervios, la relación se rompió públicamente, dejando un vacío en el cine español durante casi dos décadas enteras. El regreso de Maura para interpretar a Irene fue el broche de oro a una disputa histórica, generando una expectación mediática sin precedentes antes del estreno oficial. Aunque surgieron algunas tensiones posteriores entre ambos, este trabajo conjunto demostró que la admiración mutua prevalecía sobre los rencores pasados, regalando al público una de las mejores actuaciones de su extensa carrera.

El éxito de la película no se limitó a las nominaciones individuales, ya que arrasó en festivales de gran prestigio como Cannes, donde todo el elenco femenino fue premiado colectivamente. Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Chus Lampreave y Yohana Cobo compartieron un galardón histórico que reconocía la fuerza del grupo actoral. En España, la cinta dominó los Premios Goya, alzándose con cinco estatuillas, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actriz para la propia Penélope. Además, la Academia Europea de Cine coronó a la intérprete madrileña y otorgó múltiples premios a la producción, consolidando a Volver como uno de los largometrajes más destacados y premiados de toda la década.

Antes de alcanzar este hito, Penélope recorrió un largo camino desde que Bigas Luna la descubriera en la película Jamón, jamón en 1992. Sus inicios en televisión y su posterior salto a Hollywood con películas como Blow o Vanilla Sky le permitieron hacerse un hueco en la meca del cine. Sin embargo, fue su regreso a Europa y su colaboración constante con Almodóvar lo que le otorgó el respeto definitivo de la industria norteamericana. Tras la nominación por Volver, Penélope finalmente lograría su primer Oscar en 2009 gracias a Woody Allen, pero siempre reconoció que Raimunda fue el papel que cambió su destino para siempre.

Veinte años después, Volver sigue siendo la película más taquillera de la filmografía de Almodóvar y un referente estético por su uso magistral del color y la iluminación. La cinta no ha perdido ni un ápice de su fuerza narrativa original, manteniéndose como una obra maestra que apela a lo tradicional y a la rica cultura popular española. El legado de esta historia de mujeres solidarias continúa vivo, recordándonos el momento exacto en que una actriz de Alcobendas se convirtió en una leyenda universal del cine. Hoy celebramos dos décadas de un filme que nos enseñó que siempre se puede volver a los orígenes para triunfar, marcando un antes y un después en nuestra cinematografía.

El próximo 18 de octubre, la Academia de Cine, que es la encargada de repartir los Premios Oscar, reconocerá a Penélope Cruz en la quinta edición de la recaudación de fondos que es la Gala del Museo de la Academia 2025.

La actriz española recibirá el Icon Award por el impacto de sus interpretaciones tanto en el cine internacional como en España, y lo hará junto a Bruce Springsteen, Bowen Yang y Walter Salles, quienes también recibirán premios que reconocen sus carreras, en el primer caso el Legacy Award por haber inspirado a diferentes generaciones, el segundo el ‘Vantage Award’ como un perfil emergente y el último por el ‘Luminary Award’ por haber ampliado las posibilidades creativas en el cine.

Este nuevo reconocimiento de Penélope Cruz en Hollywood a sus 51 años es otro galardón que recibe por su amplia trayectoria en el cine y que comenzó con su participación en el videoclip de ‘La fuerza del destino’ de Mecano en 1988 y que tuvo su gran impulso en ‘Jamón, Jamón’ en 1992.

El premio Oscar a mejor actriz por Vicky Cristina Barcelona

Con ello merece la pena repasar algunos de los momentos que ha dejado la carrera de Penélope Cruz en Hollywood, que tuvo su punto álgido cuando ganó el premio Oscar en 2009 a Mejor Actriz de reparto por su interpretación de Maria Elena en 'Vicky Cristina Barcelona'.

En este filme, dirigido por Woody Allen, la actriz compartía protagonismo con Scarlett Johansson y Javier Bardem, su actual marido y compañero de reparto en varios proyectos. Un galardón que hizo historia al ser la primera interprete española en ganarlo, y en cuya categoría volvería a ser nominada al año siguiente por 'Nine'.

Su primera nominación en los Premios Oscar

Si bien se hizo con la estatuilla en 2009, Penélope Cruz ya sabía lo que era estar nominada, pero en la categoría de mejor actriz debido a su papel en 'Volver', de Pedro Almódovar en 2007, la que fue su primera nominación en los Premios Oscar, y que repetiría en su categoría de protagonista en 2022 por otra película del director manchego, Madres Paralelas.

En aquel 2007 tenía mucha competencia, con una Helen Mirren que se llevaría el Oscar a mejor actriz por su papel de Isabel II en 'The Queen' frente a Judi Dench por 'Diario de un escándalo', Meryl Streep por 'El diablo viste de Prada', Kate Winslet por 'Little Children' y la propia Penélope Cruz.

El debut de Penélope Cruz en Hollywood

Sus nominaciones en los premios Oscar y su galardón en 2009 llegaron después de que la actriz española decidiera cruzar el charco después de su reconocimiento que se ganó con sus primeros trabajos con Pedro Almódovar y Fernando Trueba. Su debut en Hollywood tuvo lugar en 1998 con la película ‘The Hi-Lo Country’, dirigida por Stephen Frears.

En este largometraje, Penélope Cruz interpretaba a Josepha, esposa de un ranchero, al que da vida Woody Harrelson, que regresa después de la Segunda Guerra Mundial a su pueblo en Nuevo México. Fue su primera película en Hollywood, pero el éxito en Estados Unidos llegaría con ‘Todo sobre mi madre’ de Almodóvar, y ‘Vanilla Sky’, donde compartiría cartel con Tom Cruise.

Pero si algo le abrió las puertas de Hollywood y del cine para participar con Pedro Almodóvar fue el éxito que fueron dos de sus primeras películas, como fue el caso de ‘Jamón, Jamón’ en 1992 y 'Belle Epoque', del mismo año y que obtuvo el premio Oscar a mejor película extranjera.

La elaboración de listas de recomendaciones, de una cosa o de otra, está más a la orden del día en el contenido de redes sociales y el cine no escapa de ello. Debido al haber llegado a este 2025, The New York Times ha llevado a cabo un proyecto en el que a través de una encuesta dirigida a más de 5000 profesionales de la industria ha seleccionado las 100 mejores películas de la historia del siglo XXI.

Una lista que se ha ido publicando en el medio estadounidense de diez en diez hasta revelarla al completo el pasado viernes con un puesto número uno que ha ido a parar a Parásitos del director Bong Joon Ho, estrenada en 2019, que ha superado a Mulholland Drive del fallecido director David Lynch.

En esta lista de 100 películas destacadas ha habido lugar para una producción española, en concreto ha sido Volver, de Pedro Almodóvar, que ocupa el puesto 80 de las mejores de las cintas del siglo XXI y que desde el medio destacan que ha sido una de las votadas por la actriz Pamela Anderson.

'Volver' de Pedro Almodóvar, entre las mejores películas del siglo XXI

Al revelarse en la posición 80, The New York Times destaca de la película de Pedro Almódovar la “electrizante actuación de Penélope Cruz” y la relación entre “varias generaciones de mujeres que muestran determinación mientras navegan por obstáculo tras obstáculo, en una obra empoderadora, repleta de belleza y pasión, salpicada de una pizca de realismo mágico que abre su narrativa a nuevos reinos”.

Volver fue una de las diez películas más taquilleras de los cines en España en 2006, la segunda nacional por detrás de Alatriste, con una recaudación de más de 10 millones de euros, y la más exitosa a nivel de premios, con una nominación a premio Oscar a mejor actriz para Penélope Cruz, así como dos nominaciones a los Globos de oro, a mejor actriz en drama y en película de habla no inglesa, aunque sería en los Premios Goya de ese año donde más triunfaría con 5 galardones, incluyendo mejor película, director y actriz, al igual que también ganaría 5 en los Premios del Cine Europeo.

El éxito del elenco femenino y de Penélope Cruz

Volver fue todo un éxito en la carrera de Penélope Cruz, al darle la distinción de ser la primera española en estar nominada al Oscar por mejor actriz protagonista, en un papel, el de Raimunda, para el que la madrileña contó que se inspiró en Sophia Loren.

Con las peticiones de Pedro Almodóvar de exagerar el acento, y evocar un estilo sensual y maternal, Penélope Cruz encontró en la mítica actriz italiana un espejo donde emularlo y lograrlo, en una cinta que fue un homenaje a las mujeres manchegas, del pueblo, que el director conoció de pequeño.

Uno de los detalles más curiosos de Volver de Pedro Almodóvar fue el hecho de que obtuvo una distinción inusual en el Festival de Cannes de 2006, al dar a todo su elenco femenino el premio a mejor interpretación femenina, un reparto que incluía a Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo y Chus Lampreave.

El top 20 de las 100 mejores películas del siglo XXI según The New York Times

Javier Calvo y Javier Ambrossi se encuentran preparando el que será su siguiente proyecto como creadores. En esta ocasión se trata de una película, la segunda en su carrera tras La llamada. El proyecto se anunció hace unos meses con el título de La bola negra, y ahora, en el marco del Festival de Cannes, ambos han aprovechado para avanzar los primeros detalles de un casting que tiene el reclamo de Penélope Cruz como nombre más popular de la película. La ganadora del Oscar tendrá un papel en el filme, que se estrenará en cines en 2026 y que, como contaron los directores en Cannes, “está escrito a medida” para ella.

Los protagonistas serán tres hombres y uno de ellos hará su debut en el cine. Se trata de Álvaro Lafuente Calvo, más conocido como Guitarricadelafuente, el músico que acaba de publicar su nuevo disco Spanish Leather, y que tendrá su primera incursión en la interpretación con uno de los personajes centrales de este filme que coge el nombre de una obra perdida o inacabada de Federico García Lorca del que se conocen algunos personajes y las cuatro primeras páginas. 

A su lado estará Carlos González, al que se acaba de ver en Mariliendre, una serie producida también por Los Javis, y Miguel Bernardeau, conocido por su papel en Élite y más recientemente en Querer. Todos en lo que los directores definieron en su anuncio como una “reivindicación queer de una parte de la historia de nuestro país”.

La película abordará “las heridas” de tres hombres en tres momentos distintos: 1932, 1937 y el año 2017. Abordarán “lo que significa ser maricón a lo largo del tiempo”, subrayaron hace unos meses, donde dijeron que esa “bola negra es el símbolo del rechazo, nuestra letra escarlata”, en relación a los estigmas o las vergüenzas públicas que porta una sociedad. 

“El proceso creativo de La bola negra comenzó con una labor de documentación e investigación histórica que hemos mezclado con un trabajo literario precioso con Alberto Conejero. Tiene una parte de adaptación teatral, otra de imaginación y otra de introspección para proyectar sobre todas las tramas nuestra identidad. Es muy ilusionante presentar aquí en Cannes, con estos compañeros, parte del casting de esta película de la que quedan aún por desvelar muchos nuevos talentos y sorpresas”, dice Ambrossi de este filme, del que su compañero asegura que es un texto que les toca “profundamente” y que les hace entender por qué se dedican a contar historias.

La historia 'queer' de España

Ambrossi y Calvo esperan “revisitar la historia de España desde lo queer”. Esta película llegará tras el gran éxito de Calvo y Ambrossi con la serie La Mesias, que vino anticipada por otras dos, Veneno y Paquita Salas. No es la primera vez que se juega a desarrollar esta obra inacabada de Lorca. En 2015, Alberto Conejero estrenó su obra La piedra oscura, dirigida por Pablo Messiez para el Centro Dramático Nacional, que es el segundo título que el poeta granadino dio a esa historia.

En Cannes se han anunciado, además, los socios internacionales de La bola negra: Le Pacte y Goodfellas, estandartes del cine de autor y fundamentales para el recorrido del filme fuera de España y en festivales internacionales. Además, en el equipo técnico repiten profesionales con los que Calvo y Ambrossi trabajaron en La Mesías: Gris Jordana será la directora de fotografía, Roger Bellés el director de arte, Ana López Cobos la figurinista, y Belén Martí Lluch, la coreógrafa. Alberto Gutiérrez firmará el montaje y Raül Refree la música de la película.

Residente ha publicado el videoclip de su canción 313, en la que canta también Sílvia Pérez Cruz y que está protagonizado por ambos músicos y por la actriz Penélope Cruz.

El video musical ha sido rodado en los jardines del Palacio Real de La Granja de San Ildefonso, en Segovia, gestionados por Patrimonio Nacional y está dirigido por el propio René Pérez Joglar, nombre real del cantante.

Residente ha agradecido “el talento y el tiempo” para la participación de Penélope Cruz de esta manera: “Desde Jamón, jamón, Belle Époque y Abre los ojos todos en el planeta estamos enamorados de ti”.

Respecto a Sílvia Pérez Cruz, Premio Nacional de las Músicas Actuales 2022, el puertorriqueño ha reconocido su “voz llena de luz que nos abraza el espíritu”.

La canción está inspirada en Valentina, una amiga fallecida del artista, y por ello los protagonistas del vídeo desaparecen antes de poder encontrarse, con unos efectos visuales creados por El Ranchito VFX, empresa española ganadora de 10 premios Goya, el último por La sociedad de la nieve.

Los artistas aparecen acompañados de un cuerpo de baile formado por bailarines de la compañía madrileña 180.

Vídeo para 'Bajo los escombros', una canción de apoyo a Palestina

Residente también ha publicado recientemente el videoclip de Bajo los escombros, canción perteneciente a su álbum Las letras ya no importan. El título hace referencia a los escombros a los que se han visto reducidos numerosos edificios de las principales ciudades palestinas debido a los ataques masivos e indiscriminados del ejército israelí, como respuesta a la brutal acción de Hamás en el sur de Israel el pasado 6 de octubre.

En diciembre pasado el rapero puertorriqueño se posicionó claramente en su cuenta de Instagram en contra de los atraques de las Fuerzas de Defensa de Israel y envió un mensaje de apoyo a todos aquellos que temen ser encarcelados por apoyar a Palestina: “Están en el lado correcto de la Historia”.

La canción tiene versos tan contundentes como los siguientes:

El invasor es un puerco, la clara

Porque aunque yo levante las mano', dispara

Pero resistimo' con poca agua

Como los árbole' de olivo vivimo'

Y en nuestros hombro' cargamo' con todo' los escombro'

El vídeo cuenta con la colaboración de la cantante palestina Amal Murkus, una de las máximas figuras de los territorios ocupados que combina melodías pop con las esencias mediterráneas y arábigas del folclore palestino.

Hay algo que vincula a Penélope Cruz con las grandes actrices del neorrealismo italiano. Con Sophia Loren y Anna Magnani. Con esas mujeres pasionales, arrebatadas y sufrientes. Lo vio claro Pedro Almodóvar, que la convirtió en una de ellas en títulos como Volver, donde no por casualidad aparecía una escena de Bellissima. Varios de sus mejores trabajos han sido, además, en italiano. A las órdenes de Sergio Castellito en No te muevas encarnó a un personaje que, además, tenía por nombre Italia. Penélope Cruz era la italianidad hecha cuerpo, y algo de eso pensó también Michael Mann cuando por fin levantó su proyecto soñado, el biopic de Enzo Ferrari con el que ha regresado al cine tras ocho años sin rodar un largometraje, y que llega a las salas este viernes.

En la historia del piloto y empresario había, cómo no, una mujer engañada, anulada y silenciada, su exmujer Laura Garello, la “signora Ferrari”, como la llamaban. Una mujer que fue señalada e insultada y que, a pesar de ello, fue la que llevaba cada cuenta y la que salvó a la compañía en sus peores momentos. Fue eso lo que Penélope Cruz vio en este personaje, en el que la rabia está contenida pero se desata cuando aparece en escena el Enzo Ferrari al que interpreta Adam Driver. Visitó su casa y hasta consiguió las cartas que ambos se escribieron. “Lo que me transmitía era mucha tristeza. Ella disfrazaba algo de una alegría que no existía”, dice de su personaje en un encuentro reducido con periodistas con motivo de la presentación de Ferrari.

Sabía que quería trabajar con Michael Mann, pero cuando empezó a escarbar en esta mujer se encendió en ella “una rabia y una necesidad de darle una voz a una mujer que no tuvo ninguna, y la poca que tuvo se la querían cargar”. “Todos esos hombres pasaron años intentando quitársela de en medio y se reunían con Ferrari para avisarle del riesgo de que ella tuviera tantos poderes legales, pero él llegó a despedir a 50 personas por intentar convencerle de aquello. Echar a Laura no era una opción”, añade.

La actriz se encontró que en Módena todos decían “que era una loca, que era complicada, que era un bicho…”. No encontró “compasión” hacia ella. “Preferían que esa parte de la historia de Ferrari siguiera oculta y enterrada. Y ahí Michael y yo, y mira que él es cero violines y cero cursi, vimos que esta señora tiene una historia que representa la historia de tantas mujeres, y no solo en esa época en Italia, sino también ahora en cualquier lugar del mundo. Todos conocemos casos así, y es una suerte poder darle una voz que nunca tuvo y darle su lugar”, cuenta sobre el señalamiento de tantas mujeres.

Un señalamiento que también viven las mujeres que se atreven a alzar la voz y denunciar agresiones sexuales, como se ha visto con el caso de Carlos Vermut, algo que para Penélope lo que muestra es que el camino a la igualdad “nunca se dijo que fuera a ser un proceso corto ni sencillo”, y tiene claro que esa igualdad “está todavía muy lejos”. Deja claro que quiere que su respuesta “no haga referencia solo al mundo del cine” y avanza que, de hecho, prepara un documental “sobre estos temas porque me importan de verdad”. 

Esta señora representa la historia de tantas mujeres, no solo en esa época en Italia, sino ahora y en cualquier lugar. Todos conocemos casos así, y es una suerte poder darle una voz que nunca tuvo

Penélope Cruz — Actriz

“Me da muchísima rabia y pena que sigan muriendo tantas mujeres. Mujeres que encuentran la fuerza descomunal para acercarse a denunciar, a hablar. No lo quiero llevar solo a lo que pasa en el cine, que evidentemente pasa aquí y en cualquier lugar del mundo, porque pienso que qué pasa con esas enfermeras, maestras, amas de casa, señoras de la limpieza o periodistas. Está por todas partes. A nosotras nos ponen un micrófono cerca, y la película que yo quiero hacer va más por ahí, porque al final son quienes menos voz tienen, igual que Laura no la tenía, pero es que hay casos de gente que está viviendo un auténtico infierno en sus casas, con hijos, y que no tienen escapatoria”, continúa.

A la actriz le preocupa “el sistema legal” en estos casos: “El problema más grave para mí es que muchas veces el sistema judicial falla. Es muy difícil para una mujer con hijos que está viviendo una tortura de malos tratos hacia ella o hacia unos niños atreverse a hablar. Para empezar no tienen ni a dónde ir, y cuando dan el paso, porque yo conozco a varias, no les han dado la protección necesaria y no las han escuchado. No digo que sea así siempre, pero muchas veces el problema más grande que tenemos es que no las escuchan”.

Cruz aclara que el documental que está rodando “no habla del maltrato”, sino que “tiene que ver con la mujer, pero habla de otra cosa”. Lleva un año trabajando en él y anuncia que le quedan otros dos aunque no da más pistas. Eso sí, también avanza que no descarta atreverse con dirigir ficción, algo que lleva diciendo “desde los 16 años”. “Se lo conté a Pedro Almodóvar con 16 años. Le dije: ‘Te voy a contar una cosa que te va a parecer muy rara, pero yo quiero dirigir’. Y él me dijo que tenía que hacerlo inmediatamente, pero yo sabía que no era mi momento. Ni lo es todavía. El documental para mí era mucho más importante y me lleva mucho tiempo. Me imagino que lo haré cuando mis hijos sean más mayores y y cuando aparezca la historia que yo sienta que es esa”.

Un Ferrari con miedo a conducir

Por su interpretación en Ferrari ha sido nominada a los premios del sindicato de intérpretes de EEUU. Un trabajo del que destaca la meticulosidad de Michael Mann, que llegó a elegir también la casa donde los actores se iban a quedar durante el rodaje. “Lo controla todo. A mí me mandaban casas, porque cuando vas a ir con tu familia pues la quieres elegir tú, entonces me mandaban como un filtro de cuatro o cinco, y yo decía: ‘¿pero este filtro quién lo ha hecho?’, y me decían que Michael. Yo le dije que no quería que perdiera el tiempo en esas cosas, que debía estar muy ocupado, pero me dijo que no, que quería hacerlo él, y hasta iba en persona a ver las casas, así que imagínate con las localizaciones…”.

Eso sí, siempre “con un sentido”. “Él mima hasta el último detalle. Todo es importante. Yo prefiero un director así a un director al que todo le dé igual o al que todo le parezca bien. A veces puede ser duro y da un poco de miedo, pero es un tío muy inteligente y con sentido del humor, y por suerte yo creo que los actores son uno de sus departamentos preferidos. Da igual si eres un actor que viene para un día o para una frase, te va a dar el mismo tiempo, te va a contar el pasado de ese personaje y nos trata a todos con mucha paciencia, cuidado y cariño”.

Michael Mann mima hasta el último detalle. Todo es importante. Yo prefiero un director así a un director al que todo le dé igual o al que todo le parezca bien

Penélope Cruz — Actriz

Lo que pocos sabían es que Penélope Cruz tiene un miedo irracional a los coches. “No soporto la velocidad. De hecho, fue mi primera pregunta a Michael Mann cuando me mandó un guion llamado Ferrari. Le dije que me hacía muchísima ilusión trabajar con él pero que no pretendiera que condujera un Ferrari a 200 por hora porque le tenía que decir que no. Creo que esto es por algo que compartí hace poco, y es que a mi hermana le pilló un coche yendo al colegio en una calle peatonal. Recuerdo perfectamente que ella iba vestida de rojo, con un anorak, y la tumbó. Perdió el conocimiento. Mi madre se la tenía que llevar a urgencias y a mí me dejaron con una vecina que me llevó al colegio. Con los años me he dado cuenta del trauma que tengo con los coches por esto, por ver a mi hermana sin conocimiento en el suelo y yo tener que ir a clase como si no pasara nada y sin saber si estaba bien o no. Cogí muchísimo miedo a los coches”.

Ya prepara sus dos siguientes proyectos. La adaptación de Los días del abandono, la novela de Elena Ferrante, a las órdenes de Isabel Coixet; y una versión de La novia de Frankenstein dirigida por Maggie Gyllenhaal, pero ella pide nuevas experiencias: “Sigo buscando comedias. Esta es la conversación semanal con mis agentes. O algo de musical, que creo que voy a hacer uno dentro de poco y estoy muy contenta, porque, como he bailado 18 años, así el proyecto me obliga a irme a bailar otra vez tres horas al día, que es algo que echo mucho de menos. Seguir buscando esos géneros que también me motivan pero que me es más difícil encontrarlos que el drama”.

El Sindicato de Actores (SAG) ha incluido a Penélope Cruz entre las nominadas a Mejor actriz de reparto por su trabajo en la película de Michael Mann Ferrari, en la que interpreta a la esposa del fundador de la célebre escudería. La actriz competirá en la categoría con Emily Blunt, Danielle Brooks, Jodie Foster y Da'Vine Joy Randolph, que acaba de ganar el Globo de Oro por su trabajo en Los que se quedan. La gala se celebrará el próximo 24 de febrero en el Shrine Auditorium de Los Ángeles y será retransmitida en directo en Netflix.

La madrileña, que estará en la adaptación de Los días del abandono de Elena Ferrante junto a Isabel Coixet, logra así su sexta nominación en los SAG Awards, en los que los propios actores y actrices eligen las mejores interpretaciones de sus compañeros en cine y televisión. Y con ella entra también en la carrera de los Oscar, al suponer un importante impulso a su candidatura. Para saber si entrará en la terna por la estatuilla habrá que esperar hasta el 23 de enero, día en que se hará pública la lista completa de candidatos.

Lista completa de nominados

Mejor actriz protagonista

Mejor actor protagonista

Mejor actriz de reparto

Mejor actor de reparto

Mejor reparto

Penélope Cruz e Isabel Coixet volverán a trabajar en juntas en Los días del abandono. La actriz protagonizó a las órdenes de la cineasta catalana Elegy hace quince años y ahora repetirá en la adaptación de la novela homónima de Elena Ferrante. La oscarizada intérprete encarnará a Olga, una escritora cuya vida da un vuelco cuando su marido decide de repente poner fin a sus veinte años de matrimonio abandonándola sin dar explicaciones ni despedirse de sus dos hijas.

La noticia ha sido avanzada por Variety y confirmada por elDiario.es. El filme será rodado en inglés y trasladará la acción que en el libro se desarrollaba en Italia a Estados Unidos. Su guion lo ha escrito la francesa Laurence Coriat, colaboradora habitual de Michael Winterbottom (Wonderland, Génova, Everyday).

Elegy, la anterior colaboración entre Cruz y Coixet se estrenó en 2008 y tomó como base la novela de Philip Roth El animal moribundo (2001). El drama contaba la historia de un carismático profesor (Ben Kingsley), que partía orgulloso de seducir a sus alumnas deseosas de probar experiencias nuevas pero nunca dejaba que una mujer se le acercara demasiado.

El último trabajo de la actriz madrileña, Ferrari, acaba de ser presentado en el Festival de Venecia, al que la intérprete no ha acudido por motivos personales. Se trata del biopic dirigido por Michael Mann de Enzo Ferrari, en cuya piel se ha metido Adam Driver. Coixet, por su parte, tiene pendiente la puesta de largo de Un amor, la adaptación de la novela de Sara Mesa con Laia Costa, con la que competirá en la Sección Oficial del próximo Festival de San Sebastián.

Los días del abandono engrosará la lista de adaptaciones a la pantalla de la obra de Ferrante. De hecho, será la segunda vez que esta sea llevada al cine, tras la versión que el italiano Roberto Faenza filmó en 2005 ambientada en Turín y liderada por Margherita Buy. El amor molesto, su debut literario, fue el primero en ser trasladado de la mano de Mario Martone. Pero las dos más populares siguen siendo las de la La hija oscura, ópera prima de Maggie Gyllehaal con Olivia Colman y Jessie Buckley; y La amiga estupenda, en forma de serie (disponible en HBO Max).

La más reciente es La mentirosa vida de los adultos, que también fue llevada a la pequeña pantalla producida por Netflix y con Valeria Golino y Veronica Powers en los papeles principales.

Hacía siete años que Michael Mann no rodaba. Demasiados. A un director que ha entregado algunas de las grandes películas de las últimas décadas ―entre ellas Heat y El dilema― no le debería costar tanto esfuerzo levantar un proyecto. En este tiempo le ha dado tiempo a levantar su proyecto soñado, el biopic de Enzo Ferrari que lleva en su cabeza, según cuenta, décadas. Una pena que tanto tiempo de barbecho no se note en Ferrari, una biografía fílmica convencional y plana presentada en el Festival de Venecia, y que está lejos de sus grandes obras, pero también lejos de otras menos brillantes donde el pulso y nervio del director siempre están presentes.

Quizás el caso más fácil para compararla es el de Ali, otro biopic, en esta ocasión del mítico boxeador, en el que sí lograba, al menos, separarse del tradicional filme sobre la vida de una leyenda. Lo lograba apostando por una mirada más política, hablando del creciente activismo de Ali, y con la increíble puesta en escena que tenían sus escenas de boxeo. De esos dos elementos a Ferrari solo le funciona uno, y no es suficiente. Mann se luce y saca su mejor versión cuando rueda las carreras de coches. Desde un entrenamiento sin fuste, donde gracias a su mirada y un montaje excelente mete al espectador en el coche, hasta el accidente demoledor que culmina el clímax de la carrera de las mil millas. Una escena que sobrecoge y donde uno piensa, ‘este es el Michael Mann que queríamos'. 

También recurre aquí a centrarse solo en un momento concreto de la vida del empresario y conductor, el de su crisis matrimonial con Laura y la carrera que casi acaba con su compañía. Visto el resultado parece que Mann esté tan obnubilado con el personaje que se haya olvidado de dar intención a su obra. Uno no sabe bien qué quiere contar a través del personaje. No hay un retrato de su obsesión, ni de su genio, tampoco de su habilidad para los negocios. No ayuda que Michael Mann se permita la licencia de usar hasta los mismos recursos musicales que en El dilema. El Sacrifice de Lisa Gerrard y Pieter Bourke vuelve a sonar en los momentos más dramáticos dando la sensación de que el autor o se autocita o ha puesto el piloto automático.

Por no haber no hay ni contexto político. ¿Cómo es posible que una película en la que sus personajes se han visto marcados por la Segunda Guerra Mundial y que se desarrolla en Italia, un país dominado hasta el año 1943 por el fascismo, no tenga apenas menciones a lo ocurrido? Una simple visita a Wikipedia aporta más datos sobre estos años en la vida de Ferrari ―como por ejemplo que la fábrica de la compañía estuvo al servicio de Mussolini― que el biopic de Michael Mann.

Tampoco se decanta por ser una radiografía del duelo de dos padres marcados por la muerte de su hijo, aunque ambos personajes se vean definidos por este suceso y por la ruptura de su relación provocada por la tragedia. Uno ve Ferrari sin problemas, porque Michael Mann es un artesano capaz de dirigir cualquier cosa de manera competente, pero echando de menos estar al borde de la butaca, emocionarse con los personajes y no solo con las carreras. 

En la rueda de prensa, Mann explicó que eligió el año 1957 porque fue cuando “muchos de los conflictos de su vida chocan”. “La empresa está en quiebra, acaba de perder un hijo y su matrimonio se está desmoronando. Estas dinámicas son tan específicas y, sin embargo, universales: todos pasamos por ellas. En esta historia, todo está comprimido de una manera dramática y operística”.

El encuentro con los periodistas era uno de los más esperados de esta edición. No solo por el regreso de Michael Mann, sino porque Ferrari es de las pocas películas que han recibido la exención de los sindicatos para poder ser promocionada en Venecia por los actores, lo que ha hecho que pudieran asistir Adam Driver y Patrick Dempsey, dos de los intérpretes de la película. Driver se deshizo en halagos al filme, pero también tuvo palabras para el parón que tiene a Hollywood en vilo. “Si las productoras independientes son capaces de llegar a las condiciones que piden los sindicatos, ¿por qué no pueden Netflix y Prime Video?”, dijo mostrando de forma clara su opinión en este conflicto.

“Si las productoras independientes son capaces de llegar a las condiciones que piden los sindicatos, ¿por qué no pueden Netflix y Prime Video?”, ha dicho Adam Driver mostrando de forma clara su opinión en este conflicto

Quien no acudió fue Penélope Cruz, que por motivos personales no pudo acompañar al equipo del filme. Una pena, porque la actriz es, de lejos, lo mejor de la película. Un papel que era un caramelito para ella, el de una madre italiana que sufre la pérdida de un hijo y las infidelidades de su marido. Cruz llena de rabia y dolor sus gestos y, sobre todo, su mirada. En sus ojos descansa una de las mejores escenas del filme, la que muestra cómo los dos padres visitan la tumba de su hijo. Mientras Enzo Ferrari habla en alto con él, ella lo enseña todo a través de su mirada. Lo hace gracias al trabajo de Cruz, cuyas apariciones insuflan vida a un filme que se queda a medio gas; aunque suene a juego de palabras estúpido.

El Festival de Venecia ha pasado una semana bastante movida. El anuncio de la huelga de intérpretes que ha paralizado Hollywood amenazaba seriamente su Sección Oficial. Venecia es un certamen que vive de ser la plataforma de salida de películas de cara a los Oscar, y sus grandes títulos siempre llegan de las producciones de Hollywood que luego estarán en la temporada de premios. Las normas de la huelga eran claras, ningún actor sindicado puede promocionar su filme, y las consecuencias se vieron rápido. La película de inauguración, Challengers, de Luca Guadagnino -con Zendaya como estrella absoluta-, cancelaba su presencia ya anunciada y era sustituida por un film italiano, Comandante.

Los rumores volaban y el director del festival, Alberto Barbera, ha reconocido este martes, en el anuncio de su Sección Oficial, que ha sido una “semana con problemas” pero que finalmente solo se les había caído la película de Guadagnino de la lista que tenían planeada. Viendo las 23 obras seleccionadas está claro que no miente, ya que ha logrado varios de los estrenos más esperados del año. Si la situación no se arregla sus estrellas no podrán promocionarlas allí, pero Venecia sobrevive este reto y consigue la presencia de David Fincher, Bradley Cooper, Sofia Coppola, Michael Mann y Yorgos Lanthimos, entre otros muchos. No es de extrañar que, al finalizar la rueda de prensa, Barbera haya agradecido de forma específica a las productoras y directores americanos que han querido ir a pesar del reto que será promocionar sin sus intérpretes.

La presencia de Fincher y Cooper confirma que Netflix sigue apostando por Venecia. La plataforma es una de las más señaladas en esta huelga, pero al certamen irá con sus producciones más esperadas. El regreso de David Fincher tras Mank con The Killer, y Maestro, el biopic de Bradley Cooper sobre Leonard Bernstein que él mismo protagoniza junto a Carey Mulligan. No es la única película de Netflix. También competirá por el León de Oro Pablo Larraín con El conde, sin duda una de las películas más esperadas que planea un Chile donde Pinochet no ha muerto y sobrevive como vampiro escondido y esperando su regreso. La clausura también será de ellos y corresponderá al cine español. Juan Antonio Bayona presentará su ansiada La sociedad de la nieve como broche de oro para su filme más ambicioso que reconstruye la tragedia del avión estrellado en Los Andes que ya contó el filme Viven.

Otro regreso que acaparará todos los flashes será el de Michael Mann, que estrenará otro biopic, Ferrari, protagonizado por Adam Driver y una Penélope Cruz cuya presencia dependerá de cómo se resuelva el tema de la huelga. Yorgos Lanthimos mostrará su particular versión de Frankenstein con personaje femenino protagonista y Emma Stone como estrella absoluta en Poor things. A las estrellas de Hollywood que puede que no pisen la alfombra roja se unen Jessica Chastain y Peter Saarsgard, que son el centro de Memory, lo nuevo de Michel Franco, un asiduo de la Biennale. 

La presencia de grandes directores ha intentado esconder la ausencia de nombres de directoras. Solo cuatro de 24 títulos están dirigidos por mujeres. Sofia Coppola (que tras el éxito de Elvis contará el otro punto de vista en Priscilla), Ava Du Vernay (una de las sorpresas de la sección oficial con Origin), Agnieszka Holland y Malgorzata Szumowska son las únicas confirmando que la Mostra sigue sin atacar uno de sus grandes problemas, la falta de paridad.

Venecia también se enfrentará a su fama de provocador y no esquivará la polémica. Lo hará con la presencia de Luc Besson en competición con Dogman (el director fue acusado de violación y ha sido absuelto recientemente); y de Roman Polanski y Woody Allen, que enseñarán sus nuevos filmes, The palace, una sátira sobre los ricos; y Coup de chance, un thriller rodado en Francia, respectivamente. 

Como suele ocurrir en Venecia, la Sección Oficial muestra una descompensación y se decanta por Hollywood y sus estrellas en vez de por el cine de autor de otros países. Aun así ha logrado nombres importantes, sobre todo la sorpresa de Ryusuke Hamaguchi, que tras el Oscar por Drive my car ha rodado de forma casi secreta un filme llamado Evil does not exist y que luchará por el León de Oro. A su lado autores consagrados del cine europeo como Stéphane Brizé, Mateo Garrone, o Bertrand Bonello

Otras presencias españolas

El cine español tendrá su momento más importante con la clausura de Bayona y el estreno de Ferrari gracias a Penélope Cruz, pero no serán las únicas presencias del cine de nuestro país. Para la curiosidad Aggro Dr1ft, el nuevo trabajo de Harmony Korine, el autor de Spring Breakers, que pocos esperaban en Venecia y que también tendrá un sello español con el protagonismo de Jordi Mollá. 

También se podrá ver el documental producido por el Museo Reina Sofía, Frente a Guernica, de Yervant Gianikian y Angela Ricci Lucchi, se podrá ver en Venecia; así como Aitana, el cortometraje que ha dirigido la nieta de Rafael Alberti, Marina, nacida en Canadá, pero que retrata la memoria a través del recuerdo de su abuela. 

“Mi abuela ha sido el fantasma que me ayudó a entrar en este espacio íntimo. Sin ninguna certeza sobre mi madre, la única manera que hallé para acercarme, fue siendo parte de esta película junto a ella, incómoda en el tiempo enrarecido del recuerdo. En la desmemoria, queda el tacto, una sonrisa y la abstracción del pasado. Mi madre es escritora, y pesa sobre ella ser hija de dos grandes autores de la generación del 27 en España, el poeta Rafael Alberti y la escritora María Teresa León. Este cortometraje es un ejercicio de memoria para ella y para mi hija, pero también es una metáfora de la perdida de la memoria histórica del país de mis abuelos”, dice la autora sobre este corto. 

Alcarràs sigue con paso firme su trayecto hacia la nominación al Oscar. En una carrera muy competida, con grandes títulos que suenan como favoritos, el filme de Carla Simón debe ir acumulando menciones y nominaciones que la coloquen en la mente de los académicos de Hollywood. La primera misión es pasar el corte que dejará la elección en 15 títulos. Casi todos los medios americanos dan por hecho que el filme español lo logrará, pero siempre hay sorpresas y lo mejor es no fallar en los galardones previos. Por eso, las nominaciones a los Premios del Cine Europeo se antojaban más importantes que nunca, y por eso las tres nominaciones que ha logrado, entre ellas la de Mejor película, confirman que Alcarràs no es sólo un fenómeno nacional, sino que conecta con los votantes de fuera.

Sus cuatro rivales en la categoría más importante de la noche, la de Mejor filme europeo, son cuatro películas que también suenan en todas las quinielas de los Oscar. La ganadora de la Palma de Oro, Triangle of sadness; la del segundo premio en Cannes, Close; la danesa pero ambientada en Irán, Holy Spider; y la revisión del mito de Sissi Emperatriz, Corsage, forman el quinteto de elegidas por la EFA (European Film Academy).

Carla Simón aparece también (junto a Arnau Vilaró) en la categoría de Mejor guion, donde se enfrentará a Close, Holy Spider, Triangle of Sadness y Belfast, de Kennet Branagh, una de las grandes olvidadas en la categoría reina. Una lástima que Simón no logre la nominación a Mejor dirección, que demostraría que es una de las favoritas. Allí los nominados han sido Lukas Dhont, por Close; Marie Kreutzer por Corsage; Jerzy Skolimowski, por EO, Ali Abbasi por Holy Spider; Alice Diop, por Saint Omer y Ruben Östlund por Triangle of sadness. La tercera nominación de Alcarràs es la que han elegido los universitarios europeos. 

La de Alcarràs no será la única presencia española en la ceremonia que se celebrará el 11 de diciembre en Reikiavik. Penélope Cruz ha logrado la nominación como Mejor actriz por Madres paralelas. Se enfrentará a Vicky Krieps, por Corsage; Zar Amir Ebrahimi, por Holy Spider; Léa Seydoux, por One fine morning y Meltem Kaptan, por Rabiye Kurnaz Vs. George Bush. El buen patrón, de Fernando León de Aranoa, competirá como Mejor comedia, una categoría que ya se había anunciado con anterioridad. Sus rivales son la islandesa Cop secret, de Hannes Pór Halldórsson, y la francesa La fractura, de Catherine Corsini.

En la lista de películas que habían pasado el primer corte pero que no logran finalmente ninguna nominación había otros dos títulos españoles. As Bestas, de Rodrigo Sorogoyen, que llega a las salas este viernes; Maixabel, de Icíar Bollaín, y Pacifiction, el filme de Albert Serra. Las categorías anunciadas se completan con la de Mejor actor, donde los cinco nominados son Paul Mescal, por Aftersun; Eden Dambrine, por Close; Elliott Crosset Hove, por Godland; Pierfrancesco Favino, por Nostalgia y Zlatko Burić, por Triangle of Sadness.

La historia del cine español en los EFA

El cine español tiene una relación de amor y odio con los premios del cine europeo. Aunque casi siempre logre alguna mención (la misma Carla Simón logró la de Descubrimiento del año con su debut, Verano 1993); no es tan normal que lleguen las nominaciones a Mejor película con una excepción, la de Pedro Almodóvar. El director ha conseguido la candidatura por casi todas sus películas desde 1999. Dolor y gloria, Julieta, Volver, La mala educación, Hable con ella y Todo sobre mi madre lo lograron. El manchego tiene dos victorias, por Todo sobre mi madre y Hable con ella; y es el único realizador español que consiguió llevarse el galardón.

Para encontrar una película nominada que no fuera dirigida por Almodóvar hay que retroceder hasta 2013, cuando Blancanieves, de Pablo Berger logró estar entre las finalistas. En 2010 fue El secreto de sus ojos quien, como coproducción hispanoargentina, estuvo nominada. Dos años antes, en 2008, el debut de Juan Antonio Bayona, El orfanato, conseguía la candidatura; mienttas que en 2004 la obtenía Alejandro Amenábar por Mar adentro. Ya había sido candidato tres años antes por Los otros. La lista la cierra Isabel Coixet, que ha optado una vez al Premio a la mejor película europea del año. Fue en 2003 con Mi vida sin mí.

Cuando era una niña, Penélope Cruz acompañaba a su abuela al parque y cantaba y bailaba como Raffaella Carrà delante de las señoras. Ya sabía que quería ser actriz y cuando podía, se transformaba en la artista italiana que era una estrella en nuestro país. No podía imaginar entonces que décadas después, convertida en una actriz internacional y con un Oscar en su poder, iba a convertirse de forma casi literal en la Carrà. Lo ha hecho en L'Immensitá, el filme que se estrena este viernes tras pasar por el Festival de Venecia y la Seminci de Valladolid.

Fue en el certamen italiano donde su director, el italiano Emanuele Crialese, confesaba a la prensa que la historia de esta película, la de una madre y su hijo trans que comienza a pedir que lo llamen como a un chico y no como a una chica, era la suya. Crialese es uno de los directores más respetados del cine italiano gracias a títulos como Terraferma, pero nunca había contado su propia historia en público. Algo tan íntimo que conocía su círculo más cercano, pero que nunca había tenido la necesidad de explicar. Lo hace ahora en forma de película y con Penélope Cruz como esa madre que es todo amor y que entiende a su niño por encima de un marido machista y abusador. 

Crialese cuenta desde Valladolid que todas sus películas nacen de su experiencia pero que es cierto que, en este caso, nace de “una representación bastante fiel” de sus sensaciones cuando tenía diez años. Una representación que siempre debe introducir ficción y en la que “hay mucha transfiguración” con la intención de convertir “la autobiografía en algo universal, que conecte con los otros, por lo que el guion se escribió en ese sentido, intentando universalizar una experiencia muy personal”.

En su relato, sencillo y emotivo, presenta a su madre como una mujer también atrapada. No en una identidad que no le corresponde como su hijo, sino en un matrimonio abusivo. En esa necesidad de escapar y de encontrar su lugar se encontrarán, y Crialese mostrará sus ganas de huir con escapes de fantasía a través de la televisión. Es así como Penélope Cruz se transformará en Raffaella, que para el director es un icono de la libertad sexual y política. “Su hijo ve que la madre no es feliz, y quiere verla feliz, y por eso se la imagina cantando, bailando, la proyecta como si fuera una diva. Creo que eso es una característica típicamente humana del ser humano, esa capacidad maravillosa de usar la imaginación y crear arte, no importa en qué forma. Y cuando somos niños esa capacidad evasiva con la imaginación está más desarrollada y poco a poco la vamos perdiendo de adultos, por eso siempre hay niños en mis películas, porque es una forma de recordarme esa libertad y que hay que renovarla y ejercitarla”, cuenta.

La película capta la mirada de Penélope Cruz, a la que el director compara “con esas mujeres inmortales del cine”. Cuenta que él normalmente no coge la cámara durante los rodajes, pero que cuando vio a la actriz española, cambió de idea. “Cuando vi a esa criatura, quería saber dónde iba a poner la cámara, cómo la iba a encuadrar y miré como si fuera un microscopio, la iba a analizando, su mirada es un misterio que no se puede explicar”, relata. Así, hasta que eligió comenzar el filme con sus ojos, una toma que captó para “analizar cómo funcionaba su mirada” y que finalmente lo conquistó. “El misterio de la fotogenia”, dice Crialese que vio claramente que “Penélope tiene algo que tenían Sophia Loren y Anna Magnani”.

Cuerpos en tránsito

Para Emanuele Crialese, no hay mucha diferencia entre los protagonistas de sus anteriores películas, centradas en la inmigración, y L’Immensitá, sobre un niño trans, ya que al final todas “exploran el tema de la identidad”. “Somos seres dinámicos, nuestra identidad nunca es la misma. Siempre está en proceso de cambio como nuestra memoria. No recordamos hoy las cosas como las recordábamos hace diez años. La migración es un movimiento y creo que, junto a la imaginación, una de las características del ser humano es el movimiento, las dinámicas de explorar y de conocer. También me interesa mucho el viaje de cualquier hombre y mujer que vive en una situación de marginalidad. Son los que son atacados los que un momento nos iluminan, los que nos dicen que hay que cambiar la perspectiva, cambiar la mirada. Y el cambio de mirada normalmente nos trae siempre una evolución”, describe.

La película sale en un momento en el que en Italia ha llegado la extrema derecha al poder, mientras que en otros países se debaten sobre la necesidad de una Ley Trans. Crialese cree que el tema de la identidad es “una historia tan antigua como el hombre” y propone poner el foco en otro sitio, en que “la población trans no es una amenaza para nadie”. “Creo que tenemos un problema de identidad, y el problema no es la identidad trans, sino la identidad en general. La lucha es sobre los derechos civiles y humanos, ¿por qué esa categoría de gente, la gente trans, no tiene los mismos derechos que todos? Porque se ha dicho que damos miedo. Se nos ha atacado”, asegura.

Cree que se ha extendido una campaña para alentar ese miedo hacia la comunidad trans, y pide dejar de señalar al colectivo: “¿Por qué asusta la existencia de esa gente? Porque tenemos un problema de identidad. Tenemos un problema de identidad sexual. Tenemos un problema de identidad política. Tenemos un problema de identidad como ser humano. Y es normal, podemos abordarlo como una cosa normal en la historia. Hay momentos en los que tenemos que mirarnos y preguntarnos dónde estamos. Las cosas ya no son como eran ayer, el mundo ha cambiado, y hay que preguntarse cómo podemos comunicarnos y cuáles son nuestros valores inalienables. Lo que pasa ahora es que hay una categoría de gente que está estigmatizada, pero el problema no lo tienen ellos, lo tienen los que tienen un problema con ellos”.

Cuando Penélope Cruz recogió en el pasado Festival de San Sebastián el Premio Nacional de Cine se acordó de Bigas Luna, de Fernando Trueba, de Pedro Almodóvar, de su familia… entre las muchas personas a las que mencionó estaba Katrina Bayonas. Quizás muchos no conocieran su nombre, pero Bayonas es la gran representante del cine español desde hace décadas. A ella le debemos haber descubierto a Penélope Cruz cuando era una adolescente que deseaba ser actriz después de haberse colado en una proyección de Átame.

Katrina Bayonas siempre se ha manejado entre bambalinas, fuera de foco, pero su trabajo es fundamental para entender el último cine español. Ella es quien dirige la agencia de representación Kuranda, que no solo sigue llevando a Penélope Cruz, sino que también es quien se encarga de negociar y defender los intereses de nombres como Ana de Armas, Elena Anaya o Alba Flores. La Academia de Cine reconoce todo su trabajo este año con uno de los premios de su Homenaje a los Profesionales. Pone de manifiesto la labor de esta mujer que nació en Hereford, Reino Unido, y que mamó el cine desde muy pronto. Su padre era el director de casting de Stanley Kubrick en películas como El resplandor, y de ahí aprendió lo que luego sería la profesión en la que se consagraría. 

Cuenta la leyenda, o ella en las pocas entrevistas que concede, que decidió venir a España porque se enamoró del cine de Buñuel viendo Viridiana. Lo cierto es que con 20 años se plantó en España sin saber apenas una palabra de castellano y tras trabajar en otras cosas comenzó a llevar la prensa de películas americanas y de algunos actores. Todavía no había decidido ser representante, algo que “fue paulatino”. “Yo era jefa de prensa de cine y poco a poco los actores a los que estaba llevando sus temas de prensa me pidieron que les representara y dije ‘pero yo no sé hacer esto’. Y me dijeron, ‘da igual, lo harás mejor que nadie, aunque no lo sepas’. Y fue muy halagador”, cuenta por teléfono y reconociendo que no se siente muy cómoda con las entrevistas. 

Lo que vieron esos primeros actores a los que llevaba la prensa fue un talento innato. El de una persona que tuvo una idea que cambió su destino, y puede que el del cine español reciente, el programa Caras Nuevas, que desde finales de los años 80 elegía jóvenes talentos para revolucionar una industria que siempre apostaba por los mismos. “Mira, más que nada lo hice porque estaba un poco harta de que en aquel momento había apenas dos o tres escuelas de interpretación en España. La gente no estudiaba. Ser actor era contar bien un chiste y ser actriz tener el cuerpo maravilloso y punto. Y entonces decidí que había que hacer algo y empecé Caras Nuevas”, cuenta.

Para presentarse a este casting había que cumplir una condición, tener al menos dos años de formación. Fue a Caras Nuevas donde se presentó Penélope Cruz, que siempre cuenta que tuvo que insistir tres veces hasta que Katrina Bayonas le dijo que sí. Bayonas se acuerda perfectamente. “¿Cómo no me voy a acordar?”, lanza y rememora la primera vez que vio a Penélope. 

La representante había elegido la escena que tenían que interpretar los candidatos, y confiesa que no acertó: “Era el primer año y yo elegí la misma escena para todos. Y era una escena de Casablanca, y ahí estaba Penélope haciendo el personaje de Ingrid Bergman con 13 o 14 años. No tenía nada que ver. Entonces le dije, ‘me he equivocado, esa escena no es para ti. Vete y vuelve con una escena más apropiada para tu edad’. Volvió e hizo una escena que era una improvisación. Y yo dije que no, que eso era un ejercicio de clase, que eligiera una escena y viniera y la hiciera con una pareja”. 

El trabajo es la clave del éxito de cualquiera y Penélope, efectivamente, es enormemente trabajadora, y sin esto hubiera sido solo una chica guapa y talentosa

Katrina Bayonas — Representante de actores

Fueron tres veces, pero desde el primer momento vio “que tenía un talentazo impresionante”. Solo hacía falta que le dieran “el material para poder hacer un buen trabajo, y a la tercera ya no hubo ninguna duda”. Desde entonces Penélope Cruz nunca se ha ido de su lado. El mundo de los actores y actrices se parece al de la liga de fútbol, y tener a una estrella en tu equipo de representados es fundamental. Cruz se ha mantenido fiel a su descubridora. Bayonas destaca de ella el trabajo, porque tiene claro que “el trabajo es la clave del éxito de cualquiera y Penélope, efectivamente, es enormemente trabajadora, y sin esto hubiera sido solo una chica guapa y talentosa, pero dudo mucho que hubiera llegado a estar donde está ahora”.

Aquella elección cambió la vida de ambas. El éxito de Penélope Cruz no fue inmediato, sino poco a poco, pero a Katrina Bayonas le “abrió las puertas de par en par, en todo el mundo”. “Pero ten en cuenta que eso fue muy paulatino, no fue que llegara a Kuranda y ala, ya está. Penélope tardó dos años en hacer su primer trabajo. Hasta llegar a su Oscar pasó mucho tiempo y de hecho acuérdate que hizo La quinta marcha, en televisión, y me acuerdo que sobre aquello lo hablamos mucho, sobre si le convenía o no hacerlo”, explica Bayonas. 

Cree que es fundamental que entre el representante y el representado haya una relación de confianza para recomendarle sobre determinados papeles, pero “en el caso de Penélope ella es muy suya y hace lo que ella intuye que debería de hacer”. Un instinto que ha hecho que a veces no coincidieran sobre sus elecciones, aunque siempre desde el respeto y esa confianza que las ha mantenido tan unidas décadas después.

No tiene la fórmula secreta para acertar, aunque está claro que algo tiene su instinto que sigue funcionando. Las nuevas generaciones de actores y actrices también pasan por Kuranda. Ricardo Gómez, Eneko Sagardoy, Manu Ríos, Miguel Bernardeau, Giorgina Amorós, Bruna Cusí, Itsaso Arana… en todos ha visto algo. Para ella, “un buen actor es aquel que no solo me emociona a mí, sino a todo el mundo que le ve”. “El actor es quien nos conecta con nuestros propias emociones a través de su emoción. Nos conecta con lo que nos pasa a nosotros. Y entonces, cuando un actor me emociona o me hace reír o me hace sentir, eso es lo que a mí me indica que es bueno”. Ni más ni menos.

No soy infalible. Probablemente he rechazado actores que han resultado ser buenísimos y he confiado en un actor que después me decepcionó. Seguro que sí

Katrina Bayonas — Representante de actores

Son elecciones muy emocionales, y por tanto está segura de que a veces se habrá equivocado. “No soy infalible. Probablemente he rechazado actores que han resultado ser buenísimos y he confiado en un actor que después me decepcionó. Seguro que sí”, asegura sin decir nombres. Es consciente de cómo ha cambiado la industria. Las plataformas han traído más trabajo, y sabe que Instagram es, actualmente muy útil para un intérprete: “Evidentemente, si tienes millones de seguidores eso va a ser un atractivo para que una productora te contrate, porque ya tienes un público para tu producto. Ha cambiado muchísimo. Es mucho más fácil por un lado y más complicado por otro”.

Lo que también tiene claro es que el mejor proyecto no es el que mejor paguen, y que es fundamental saber negarse: “Es superimportante saber decir que no, pero no solo es cuestión de dinero, es esencial el proyecto y el personaje. Si no conviene al actor, pues hay que decir que no; y si el proyecto y la persona que hay detrás sí le conviene, aunque no pague bien, pues muchas veces hay que decir que sí”. Palabra de Katrina Bayonas.

Pedro Almodóvar siempre ha dicho que Penélope Cruz le recordaba a una de las grandes actrices italianas de los años 50. Se refería, sobre todo, a Anna Magnani, la gran actriz del neorrealismo italiano cuya presencia era torrencial. Tenía carácter, belleza y carisma. No es de extrañar que en un momento de Volver, el personaje de Carmen Maura viera Bellísima, una de las grandes películas de la intérprete. Penélope Cruz nunca había estado tan Anna Magnani como en L'Immensità, su nueva película que se estrena el 28 de octubre tras pasar por el Festival de Cine de Venecia. También lo hará por la Seminci de Valladolid, donde estará fuera de concurso. Mientras tanto, elDiario.es muestra en exclusiva su tráiler.

En la película de Emanuele Crialese interpreta a una mujer española que emigró a Italia. Son los años 70, y ve cómo su matrimonio con un marido abusador se desmorona y cómo su hija mayor, Adriana, comienza a rechazar su nombre e identidad y comienza a pedir que se refieran a él como si fuera un chico. Una película sobre la identidad y el amor de una madre que a la actriz emocionó cuando leyó el guion porque hablaba de “temas de los que es importante seguir hablando y que están muy lejos de solucionarse, como en este caso, la violencia doméstica o la aceptación del personaje que interpreta Luana Giuliani”.

La película cuenta la historia real del propio director, que durante el Festival de Venecia desveló en público que es un hombre trans. Crialese es el autor de grandes películas del cine español reciente, casi todas centradas en el tema de la inmigración como Terraferma o Nuovomundo. Un filme que, además, supone un homenaje precioso a Raffaella Carrà, ya que Penélope se transforma en una escena en la cantante, a la que imitaba cuando era una niña e iba con su abuela al parque y hacía algunos de los números de sus canciones para ella y sus amigas.

Hay una etiqueta a la que la crítica 'sesuda' parece que tiene alergia. Es esa que dice ‘social’. Cuando una película se presenta bajo el paraguas de ser 'cine social' siempre recibe los mismos ataques. Se les acusa de ser obvios, panfletarios, de hacer pornografía emocional… les achacan de mostrar algo irreal. La realidad como algo irreal. Ese es el grado de desconexión de una sociedad que vive anestesiada. Que lava su conciencia leyendo el periódico con un café y se olvida de todo cuando llega a la página de la programación de la televisión. 

Los refugiados de Nadine Labaki, los inmigrantes de los Dardenne y los obreros de Ken Loach existen. Otra cosa es que muchos no quieran que se los enseñen. Que no quieran sentirse culpables porque todos esos realizadores señalan al sistema del que todos somos cómplices. La etiqueta social escuece porque nos muestra que hemos fallado. Es curioso que todos esos directores siempre digan lo mismo: si esos críticos escucharan las historias reales que inspiran esas películas se asombrarían, porque son mucho más duras de lo que contamos. La realidad es más dura y más miserable. 

El debut en la dirección de Juan Diego Botto no se avergüenza de su apellido. Es cine social. En mayúsculas. Sin complejos y sin temor a decirlo. Es cine que tiene otra de esas etiquetas que tanto se usan hasta quedar sin significado: es necesario. En los márgenes es una película que nos alumbra, que pone foco a un drama que hemos decidido olvidar, el de los desahucios. Un tema que ya no cabe en los telediarios y que sigue afectando a más de 100 familias todos los días. Si el cine sirve para algo, además de para entretenernos, es para mostrarnos las realidades que existen aunque prefiramos ignorarlas.

En los márgenes es un debut honesto, franco, sincero. Son sus mejores armas. Botto y Olga Rodríguez han armado un guion que recoge decenas de historias reales y las condensan en un filme que tiene corazón de thriller. Un drama sobre desahucios con cuenta atrás. La película podría ser una en la que una bomba va a explotar dentro de 24 horas. Aquí la bomba es el desahucio del personaje al que interpreta Penélope Cruz. La estrella baja al barro y al barrio y se convierte en una madre coraje que en su lucha por salvar su casa se olvida hasta de cuidar a su hijo. Cruz se ha dejado la piel en un filme que no solo protagoniza, sino que ha producido y ayudado a levantar.

Botto cruza tres historias para contar tres realidades con el drama de los desahucios en el centro. La que actúa como hilo conductor es la que protagoniza Luis Tosar —tan perfecto como siempre—, que recorre a contrarreloj la ciudad para ayudar a una madre inmigrante que puede perder a su hija. Se entiende por qué el director elige esta historia como nexo de unión, ya que el espectador comparte el punto de vista del personaje de su hijastro; un Cristian Checa que brilla y debería optar sin duda al Goya al Mejor actor revelación. Los prejuicios del joven son los del público. Sin embargo, esta decisión que en papel es perfecta, acaba lastrada por el poder de las otras dos historias. Tanto la de Penélope Cruz como la de Adelfa Calvo tienen un poder dramático que hace que uno se sienta arrasado por ellas. Pasa lo mismo con la excelente escena de la asamblea antidesahucio, donde esas historias reales saben tan a verdad que uno quiere quedarse a escuchar más.

Aunque todo el reparto brille, la contención y la emoción de Adelfa Calvo logran los momentos más sobrecogedores. Su última escena agarra y no suelta. Una escena que, además, muestra otro de los aciertos de En los márgenes, la decisión de Juan Diego Botto de dar un paso atrás en la dirección. No hay lucimientos ni florituras. Aquí no valen los movimientos de cámara virtuosos porque lo que importa son esas historias. La mejor muestra es ese plano que se detiene en el vidrio de una puerta que impide que se vea lo inevitable. Es una decisión que da dignidad a ese personaje y a su decisión.

Esa contención contrasta con ciertos subrayados que podrían haber sido evitados. No hacía falta que el personaje del hijo de Tosar explicite que le considera su padrastro y que finalmente será su padre. Tampoco el recurso de la fecha de cumpleaños y el regalo que le hizo. Son detalles que caen en una obviedad que no hay en el resto de un filme cuyo corazón pertenece a esa escena que nació como el comienzo del guion, la larga discusión de Penélope Cruz y Juan Diego Botto, que muestra otro de los temas centrales del filme, el coraje de esas mujeres que en las peores condiciones se convierten en las que tiran del carro. En En los márgenes, los hombres se caen cuando se les despoja de lo que se les ha dicho que define su masculinidad, el dinero, la casa, la pareja, y son ellas las que son capaces de pelear hasta el final.

Es una película que también demuestra el poder de la comunidad. En un mundo individualista, donde se empeñan en que las luchas colectivas desaparezcan, Juan Diego Botto reivindica la unión y la sororidad femenina como única forma de cambiar un sistema que es capaz de echar a una familia de su casa. Películas como esta suelen tener el don inconsciente de llegar en el momento perfecto. En los márgenes lo hace con la Ley de Vivienda volviendo a dividir al Gobierno de coalición, que va camino de terminar su legislatura sin haber logrado una ley que impida que nadie sea desahuciado. Quizás deberían poner esta película en el Congreso de los Diputados para que ni siquiera Espinosa de los Monteros pueda decir que no conoce a ningún español al que afectan medidas sociales como las que pueden evitar que alguien duerma en la calle.

Tiene dibujada en la cara una gran sonrisa. No para de recibir abrazos y felicitaciones, y se ha puesto elegante para verse –y para ver a los suyos– por primera vez en la gran pantalla. Pero en los ojos de Matilde habita una tristeza honda, macerada en diez años de incertidumbre por la amenaza constante de perder su casa. Su historia, y la de muchos como ella, forma parte de la trama de la película En los márgenes que se proyectaba este miércoles ante un público más exigente que el de los festivales de Venecia o San Sebastián: uno que ha vivido momentos tan desgarradores que no caben siquiera en la ficción. 

Desahuciar. La definición que remite a echar a una persona de una vivienda aparece en último lugar en el diccionario. La primera acepción es, sin embargo, más elocuente para describir lo que supone: “Quitar a alguien toda esperanza de conseguir lo que desea”. Tras hablar con Matilde, Carmen, Elsa o Mercedes, esa parece mucho más acertada. Con la salvedad de que habla de un deseo, algo aspiracional, un impulso. Tener un techo bajo el que vivir es un derecho humano, no un capricho. 

Aquí hay decenas, cientos de personas, a las que han intentado arrancarles la esperanza no ya de una vida plena, incluso de una existencia digna. Sus historias son todas diferentes, todas parecidas. Pero aquí están, convertidos en espectadores, porque no han podido con ellos. A muchos les han dejado en la calle, es cierto. Pero no se han dejado arrebatar el ansia de un futuro, la voluntad de pelear.  

El auditorio de Comisiones Obreras, en la calle Lope de Vega de Madrid, está a rebosar. Son más de 300 personas afectadas o vinculadas con los movimientos por la vivienda, voluntarios y profesionales de asociaciones y de ONG, plataformas de lucha sindical. En la pantalla aparecerán dentro de poco algunos de los rostros más reconocidos del cine español. Caras de revista y alfombra roja que eligieron ser, también, todos estos rostros golpeados, cabales, ilusionados por ver cómo Penélope Cruz, Luis Tosar y Juan Diego Botto les ponen en el centro de la escena. 

Elsa, el dolor y la rabia

Elsa se acerca al grupo enérgica, nerviosa. Lleva, como Matilde, muchos años de militancia en la Plataforma de Afectados por la Hipoteca. Empezó a ir incluso antes de dejar de pagar las tres mensualidades que justificaron la primera demanda del banco, en 2014. “Llegué sin saber nada de esto. Ahora soy yo la que negocia los casos de otros compañeros con la Sareb”, dice con orgullo, y presume de estar pendiente de “todas las historias” de quienes acuden a la Asamblea de Carabanchel. 

Para ella la debacle fue tan inesperada como inexorable. Con los restos de un acento chileno que 22 años en España han ido desdibujando, cuenta que al principio el futuro parecía deparar solo cosas buenas. “Nos iba muy bien”. Su marido, ingeniero, tenía una empresa que daba de sobra para pagar la hipoteca y para que incluso les dieran otra –no para ella sino para su hermano, que le iría pagando las cuotas–. 

“Pero cuando se pinchó la burbuja se fue todo a la mierda”. Su hermano se volvió a Chile, su marido –ahora con una orden de alejamiento por violencia machista– la abandonó. Se quedó sola con tres hijos y dos deudas impagables. Al mismo tiempo, su hijo menor, de entonces 17 años, desarrolló una serie de tumores en el cerebro que le han valido casi una decena de cirugías y le han convertido en una persona totalmente dependiente. “Alguien me dijo: ‘transforma todo ese dolor en rabia’. Y eso hice. Por eso estoy aquí. No sería la persona que soy sin la PAH”.  

Matilde, las palabras que se ahogan  

La luz se apaga. La historia de Matilde se hace cine. En la pantalla, una madre desesperada se calla un desahucio inminente tras haber servido de aval para la hipoteca de su hijo. Lo mismo que le pasó a ella con el préstamo de la suya. “Mi hija empezó pagando 700 euros, pero con la subida del euríbor enseguida se convirtieron en 1600. Vendimos todo lo que pudimos. Yo trabajaba en limpieza y la mitad de mi sueldo se lo daba a ella. Intentamos pagar hasta que ya no pudimos más”.

El banco no se conformó con la vivienda en la que su hija ya nunca viviría. Quiere también la que ella ha pagado íntegramente. Esa para la que ha trabajado desde los 14 años. Hace muy poco le llegó la notificación de que ha perdido el juicio. Ha recurrido. Pero la amenaza de repente está más cerca.

El marido de su hija se fue, el suyo ya no es su pareja pero sigue viviendo en la casa de Carabanchel que Matilde no se resigna a perder. Está enfermo y ella lo cuida. También vive allí un hijo de 35 años que ahora no tiene trabajo. Aquella crisis económica que fue el disparador de la mayor ola de desahucios pasó, pero la situación para muchos no ha mejorado y ya estamos inmersos en la siguiente. 

En las butacas hay cuerpos inquietos, risas y comentarios cuando Elsa, Matilde y otros integrantes de la PAH aparecen en el metraje junto a los actores, contando parte de sus historias. El director rodó con ellos tres secuencias a lo largo de siete días. También hay manos que se estrechan, cabezas que asienten, lágrimas, nervios. A veces algunos ojos se alejan de la pantalla y se pierden en la oscuridad. Quizá porque lo que ven les resulta demasiado, quizá porque están volviendo a escenas de sus propias vidas. 

La trama va subiendo en intensidad. El personaje de Luis Tosar, inspirado en el abogado Javier Rubio y en otras muchas personas que trabajaron y trabajan con los afectados, se va olvidando de sí mismo, tropieza con su propia solidaridad. “No lo harías si no lo ves. Pero si lo ves, entonces estás involucrado”, asegura. Botto y la coguionista, Olga Rodríguez, participaron durante años en reuniones de la plataforma. Lo que vieron y compartieron son los hilos que tejen las situaciones, los gestos, los diálogos. “Os admiro y os quiero porque habéis formado parte de nosotros tanto tiempo”, dirá ella con la voz quebrada al acabar la proyección. 

En los márgenes es también una película sobre mujeres guerreras, generosas, con sentido de lo colectivo. Ahí Matilde se siente reflejada. Pero no solo. Se le ahogan las palabras cuando reconoce que muchas veces pensó en tomar la decisión más drástica, en acabar con todo para poder descansar. “Cuando me da bajón todavía a veces lo pienso”, dice al hablar una depresión pertinaz. Pero mujeres como ella “sostienen al mundo”, en palabras de Juan Diego Botto. Son ellas las que de vez en cuando flojean pero nunca se rinden. 

Cuando las luces vuelven a encenderse muchas manos no se deciden entre aplaudir y enjugar las lágrimas. Ganan los aplausos. Una marea de camisetas y banderas verdes con consignas sobre vivienda digna –esas que vimos tantas veces en la prensa en el momento más álgido de los desahucios, las mismas que ya casi no vemos a pesar de que en hoy en España hay 100 al día– se agita por encima de las cabezas. El grito es colectivo: “No toleramos ni un desahucio más”. 

“Esto es la verdad”, sentencia Matilde cuando acaba la película. Cerca del escenario un hombre toma el micrófono: “Hace exactamente 10 años estaba en huelga de hambre. No se nota –dice con picardía mirando a su barriga– pero estuve dos semanas sin comer y conseguimos parar el desahucio”. Se suma Asun, con su pelo blanco, que entre aplausos asegura que En los márgenes va a mostrar al mundo “quiénes somos los que peleamos”. Y alguien agrega que “al ver cómo echan a una familia a la calle, a muchos se les va a caer la cara de vergüenza”. 

Un final feliz 

Se acerca Carmen. Tiene 32 años y un vestido amarillo que sobre su piel oscura resplandece. Está radiante. Escoltada por cuatro cabecitas de entre apenas unos meses y diez años, su voz suena enorme ante un auditorio emocionado. “Vosotros me conocéis, llevo cuatro años de lucha. Habéis visto crecer a mis hijos. Sabéis también que este 29 de septiembre me restringen el alquiler que me dieron cuando tuvimos que dejar mi buhardilla de 35 metros en plena pandemia”. Las gargantas se cierran, se apaga la algarabía ligera de los abrazos tras la película. Silencio. 

Ella continúa, y cuenta que le han extendido el plazo hasta el 2 de enero. Una mujer suspira y aprieta la mano de su compañero. Pero hay más: “Hoy mismo me han llamado de la Comunidad de Madrid para decirme que antes del 15 de diciembre ¡tendremos una nueva vivienda! Estallan los aplausos y cientos de gargantas gritan ”Sí, se puede; sí, se puede“ durante algunos minutos. 

Carmen responde entonando, con su pequeño coro infantil, algunos versos de la canción que Rozalén compuso para la película, y que ya se ha convertido en un himno para los integrantes de la plataforma. 

Grita “esta vida no es vida”

Si pa acabar el día

Tengo que pelear

Lucha porque tu voz se escucha

Y sonará potente

Si es en comunidad

Siente que el alma está valiente

Y siempre va de frente

Con fuerza y dignidad

Es posible que aquí, en un auditorio repleto de personas atravesadas por la precariedad, golpeadas por pequeñas y grandes desgracias –basta pensar en los relatos de Elsa y Matilde– no se pueda estar más lejos del territorio fantástico de un cuento de hadas. Pero a veces las historias, estas otras historias, también merecen un final feliz. 

En Alcobendas, a mediados de los años 80, una niña soñaba con ser actriz. Lo hacía desde el salón de su casa, espiando a las señoras que acudían a la peluquería de su madre, imaginando que las calles de su barrio eran un plató en el que imaginaba otras vidas y visitaba otros mundos. Aquella niña recibía, este sábado, el Premio Nacional de Cinematografía convertida en la intérprete española más premiada en la historia. Penélope Cruz tiene todos los premios, ha trabajado con los mejores directores y, sin embargo, como destacaba el ministro Miquel Iceta, hasta ahora no le había tocado a ella la mayor distinción que se otorga desde las instituciones públicas.

Cruz ha recogido el galardón emocionada, llorando, y dedicando el premio a su familia y a aquellos directores que le abrieron las puertas. También anunciando que la dotación económica del galardón (30.000 euros), irá destinada a causas sociales. Un tercio irá para la Plataforma de los afectados por la Hipoteca, tema que le toca de cerca y del que habla la película En los márgenes, que produce y protagoniza, otro tercio para la unidad CRIS contra el cáncer de La Paz y el último para el fondo asistencial para actores en precariedad de AISGE, una iniciativa que fue creada por su suegra, Pilar Bardem.

La actriz explicaba a la prensa tras recoger el premio que era importante para ella donar la dotación y elegir bien las causas. Por ello ha elegido a tres que conoce bien. Ha destacado la labor de la PAH y cómo después de rodar este filme conoce “con nombres y apellidos” a personas afectadas y lo mucho que este dinero les puede ayudar. Igual pasa con la unidad CRIS, que ha explicado que ha tratado a personas cercanas a ellas. También conocía de primera mano ese fondo para actores en situaciones difíciles, “especialmente mayores”.

Por supuesto se acordó de sus padres, que “tuvieron la generosidad” de apoyarla en una elección difícil. Entrar en un mundo que no conocían. “No teníamos ni un cine cerca, ni un pariente dedicado a esto, sólo un betamax de 300 kilos”, recordaba con los ojos vidriosos tras la entrega. Hubo una mención a sus maestros, Cristina Rota y Juan Carlos Corazza, y también para Bigas Luna, y Fernando Trueba, pero sobre todo para Pedro Almodóvar, “una de las personas que mejor ha relatado nuestro país, una figura imprescindible para entender el cine”. También a su representante desde que tenía 15 años, Katrina Bayonas, a la que agradeció que no le echara de su oficina la tercera vez que siendo una adolescente se presentó en su oficina.

Antes que ella hablaron dos de sus grandes amigos, la actriz Goya Toledo y el actor Luis Tosar, que habló de “todas las Penélopes, la madre, a la hermana, a la hija, a la compañera, a la amiga, a la vecina”. “Las conozco a todas y todas sois poderosas, firmes, entusiastas, solidarias, empáticas, simpáticas, revolucionarias, comprometidas, graciosas y todas ellas sois la misma, y la única. Seguramente no eres consciente de lo que supones para nuestra industria y nuestra cultura la influencia para miles de personas aquí y fuera por mucho tiempo. O quizás no pretendas hacerlo, pero tu bondad, compromiso, amor y trabajo halan por si solos. Esas características no son solo de la Penélope actriz, sino de las otras. Creo sinceramente que para ser una extraordinaria actriz, hay que ser antes una extraordinaria persona. Y a esa la conozco”, dijo el intérprete con el que actúa en En los márgenes.