Mejor espectáculo de teatro

Casting Lear de Barco Pirata, Andrea Jiménez y Teatro de La Abadía

Mejor espectáculo de danza

Afanador de Ballet Nacional de España

Mejor espectáculo musical o lírico

Farra de Cía. Lucas Escobedo y Compañía Nacional de Teatro Clásico - INAEM

Mejor espectáculo de calle

Fugit de Kamchàtka

Mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar

Cuento de Navidad (encapsulando a Dickens) de Societé Mouffettey COMA14

Mejor espectáculo revelación

Contra Ana de La Contraria

Mejor autoría teatral

Itziar Pascual por Pepito, una historia de vida para niños y abuelos

Mejor autoría revelación

Ester Guntín por Quiso negro

Mejor adaptación o versión de obra teatral o coreográfica

Andrea Jiménez y Juan Mayorga porCasting Lear

Mejor composición musical para espectáculo escénico

Juan Cristóbal Saavedra, Enrique Bermúdez, Jonathan Bermúdez, Gabriel Georgio González y Roberto Vozmediano por Afanador

Mejor coreografía

Guy Nader y Maria Campos porNatural order of things

Mejor labor de producción

LAFAM por Ambulant

Mejor dirección de escena

Marcos Morau porAfanador

Mejor diseño de espacio escénico y videoescena

Víctor Peralta por Thauma

Mejor diseño de vestuario

Sílvia Delagneau por Afanador

Mejor diseño de iluminación

Bernat Jansà por Afanador

Mejor actriz

Àgata Roca por L'imperatiu categòric

Mejor actor

Enric Auquer por El día del Watusi

Mejor intérprete femenina de danza

Maria Campos porNatural order of things

Mejor intérprete masculino de danza

Alfonso Aguilar por Natural order of things

Premio Max aplauso del público (PREMIO ESPECIAL)

L’alegria que pasa de Dagoll Dagom

La obra que el coreógrafo valenciano Marcos Morau realizó para el Ballet Nacional, Afanador, ha sido la ganadora de la noche con cinco premios Max. Pero lo más relevante, aparte del Premio al mejor espectáculo de danza, es el Premio a la mejor dirección de escena, galardón que tradicionalmente recaía en sector teatral. Además, Afanador, se llevó los premios de vestuario, iluminación y composición musical. Una gala empañada por la ausencia del ministro de Cultura, Ernest Urtasun y la presidenta del Gobierno de Navarra, María Chivite. Se esperaba a ambos representantes políticos, pero solo pocas horas antes se supo que no asistirían.

El momento más emotivo ocurrió cuando Petra Martínez tuvo que recoger sola el Premio Max de honor que este año recaía en ella misma y en su compañero, el recientemente fallecido Juan Margallo. Le entregó el premio su hija, la también directora de teatro Olga Margallo.

Petra Martínez comenzó, vestida de negro, diciendo “es un poquito duro porque tengo la lágrima floja”, para inmediatamente pasar a recordar las raíces, los orígenes de estos dos creadores nacidos del teatro independiente español de los años setenta. “Nos debemos al grupo Tábano, nos debemos al grupo, a la política, el arte, el teatro, cuando empezamos prohibían todo, pero tuvimos suerte, cuando estábamos haciendo Castañuela 70 y nos prohibieron hacerla en el Teatro de la Comedia de Madrid, pudimos ir por toda Europa y conocer a toda la inmigración española, esa sí era una España que pensaba, no como los que estábamos aquí que parecíamos gilipollas”, recordó.

Al final, esta actriz llena de gracia y vida dejó que la tragedia que vive hoy entrara en su discurso. “Hemos sido felices y se me ha muerto. Y eso no te lo dice nadie, se te muere y te da rabia, y te cagas en todo, es una putada. Lo peor es quedarse viva cuando se te muera alguien tan querido. Solo puedo deciros gracias y que viva Palestina libre”, concluyó.

Nafarroa presente

Pero esta gala si estuvo marcada también por algo fue por la reivindicación de una ciudad, Pamplona, y un territorio, Navarra, que vive un momento de especial efervescencia y fuerza en el sector escénico. Realmente la fiesta del teatro en esta ciudad comenzó el domingo a la tarde con una gran obra de teatro, La velocidad de la luz, del argentino Marco Canale. Una obra que tuvo lugar en el festival Arbola, una cita entregada a la investigación y ecologista hasta la muerte.

A las espaldas del frontón Labrit se vivió una fiesta escénica, una barbaridad en la que estuvieron más de 30 personas mayores de 65 años actuando en un proyecto que recogía y escenificaba sus vidas. Con las agrupaciones de música del coro y txistularis de Muthiko Alaiak y la Cofradía de San Saturnino Pamplona vivió uno de los espectáculos más relevantes y que incidió en sus raíces y sus confrontaciones como la realidad de los pueblos y las ciudades o el eterno problema entre la “navarridad” y la “euskalización”.

Es relevante y pertinente nombrar esta función porque no es fortuita. Estaba producida también, aparte del festival, por Teatrodix, un colectivo de teatro comunitario de Pamplona. Pamplona está viviendo uno de sus momentos más activos escénicamente, algo que traspasó la gala de los Premios Max. La dirección artística del espectáculo, que corría a cargo de la directora Ana Maestrojuán, directora pamplonica de larga experiencia, no defraudó y supo combinar la agilidad de las entregas con un respirar propio.

Comenzó la gala sentando cátedra con la intervención de Aurora Beltrán (Tahúres Zurdos). Tras la cantante salió una de las grandes de Pamplona, la actriz Natalia Huarte, actriz destinada a lo más grande. Su dupla no era otra que Ane Sagües, directora de Las Nenas Theater, una compañía fluida y con todo el power de lo que está por venir. Hija, además, de uno de los históricos del Teatro Estable de Navarra, Ángel Sagüés.

Además, se pudo disfrutar de una sencilla coreografía de la escuela de danza Faktoría, un lugar que está siendo un revulsivo, junto al festival DNA, del baile contemporáneo de la capital navarra. Todas esas conjunciones, junto con otras como el Festival de Olite que vive un renacer o el buen hacer de instituciones como la Escuela Navarra de Teatro, hacen que ese renacer no sea en absoluto fortuito.

La otra constante de la gala fue la reivindicación contra el genocidio de Gaza por parte de Israel. Muchos premiados tuvieron palabras recordando a los muertos y la inactividad de los poderes de los Gobiernos. La otra reivindicación vino de parte del presidente de la SGAE, Antonio Onetti, y del director de la Fundación SGAE, Juan José Solana, quienes pidieron “una regulación de la inteligencia artificial”: “No estamos en contra de las máquinas, pero sí de que nos destituyan”. También anunciaron la siguiente sede de los Premios Max, Mérida.

La otra ganadora de la noche fue Casting Lear de Andrea Jiménez, producida por Barco Pirata de Sergio Peris Mencheta y el Teatro de la Abadía dirigido por Juan Mayorga. Se llevó el ansiado Premio al Mejor espectáculo de teatro y el de Mejor adaptación, que corría a cargo de Jiménez y el propio Mayorga. La obra estrenada en La Abadía y que continúa con una gran gira, es una adaptación del Rey Lear de William Shakespeare. Cada noche Jiménez dirige a un actor invitado diferente. Ahí entra la performance y la sorpresa, el espectáculo nunca es igual y por manos de la directora madrileña ya han pasado nombres como Pedro Casablanc, Joaquín Notario, Fernando Colomo, Pere Ponce, Pedro Mari Sánchez, Alberto San Juan o Miguel del Arco.

Catalunya 'power'

Otro de los ganadores de la noche, si nos ponemos territoriales, fue Catalunya. El Premio a la obra revelación recayó en el espectáculo de danza Quiso Negro, de la coreógrafa Ester Guntín, catalana que con este mismo espectáculo ganó ya en 2023 el Premio de Danza del Institut del Teatre. Además, el Premio al Mejor diseño de espacio escénico recayó en Víctor Peralta de la compañía catalana La Mula, colectivo que está despuntando y asombrando en Catalunya, este julio estrenan nueva pieza Manual per a éssers vius dentro del Festival GREC, en el Teatre Lliure; comentan que las entradas están volando. Su teatro poético y tan objetual como conceptual cada día tiene más adeptos. Y buena culpa de ello es justamente de Peralta.

Pero es que tanto el Premio Max a mejor actor como a actriz fue para dos montajes catalanes, Àgata Roca por L’imperatiu categòric como Enric Auquer por la adaptación de ese novelón de Francisco Casavella, El día del Watusi. Y ya para redondear la noche otro espectáculo catalán fue quien se llevó los tres premios de danza que no se fueron para Afanador: mejor coreografía y mejor intérprete de danza femenino y masculino. Natural order of things, creada por el libanés Guy Nader y la catalana María Campos, indaga sobre los movimientos precisos y perfectos del universo llevados al espacio y el cuerpo de los bailarines. Desde que se estrenó el año pasado en el GREC de Barcelona ha maravillado allí por donde ha pasado. María Campos recibió el Premio a la mejor interpretación femenina y Alfonso Aguilar a la masculina.

Una de las sorpresas de la noche es que 1936, obra sobre la Guerra Civil dirigida por Andrés Lima y que ha tenido un éxito allí por donde ha actuado, no recibió ningún premio. Optaba a dos, mejor actor con Juan Vinuesa, y mejor autoría teatral. Pero los jurados, jurados son. Quizá cierto público no entienda que este año el gran éxito del teatro en España no esté en estos premios centrales de las artes escénicas.

La otra sorpresa de la noche fue el Premio Max a la mejor autoría teatral que este año recayó en una de las corredoras de fondo de la dramaturgia española, Itziar Pascual, que además obtuvo el galardón por una obra infantil, Pepito, una historia de vida para niños y abuelos. Acabó la gala con la irrupción de una cantante veinteañera y llena de fuerza irradiadora CastaZabal, cantante queer con dejes folk aflamencados. Su presente se confrontó con el de Julián Gayarre, el cantante del Roncal, esa voz salida de los montes pirenaicos que asombró el mundo entero y que hoy da nombre al teatro de Pamplona y que es seña de identidad de toda Navarra.

Los XXVIII Premios Max de las artes escénicas, que se entregarán en una gala el 16 de junio en el teatro Gayarre de Pamplona, han anunciado sus finalistas. Los galardones, organizados por la Sociedad General de Autores y Editores a través de la Fundación SGAE y con la colaboración del Ayuntamiento de Pamplona, persiguen estimular y premiar el talento de los profesionales del Teatro y la Danza de nuestro país, además de la promoción de los espectáculos de la temporada.

De los 486 espectáculos inscritos, 33 compiten en la última fase, Casting Lear y El día del Watusi, favoritas con cuatro candidaturas. Además, se han concedido ya dos premios especiales: Premio Max de honor, que distingue la trayectoria profesional del fallecido creador Juan Margallo y su viuda Petra Martínez (ex aequo).

También el Premio Max aficionado o de carácter social, que en esta ocasión recala en Ignacio Aranguren y Vicente Galbete por toda su trayectoria como docentes del Taller de Teatro Escolar del Instituto Navarro Villoslada de Pamplona (TTNV); y el Premio Max aplauso del público, que se concederá a aquel espectáculo que haya cosechado un mayor respaldo del público, sustentado en la masiva asistencia de espectadores y su permanencia en cartelera.

El listado de finalistas

Mejor espectáculo de teatro

• Casting Lear de Barco Pirata, Andrea Jiménez y Teatro de la Abadía

• El día del Watusi de Los Montoya, Teatre Lliure y Grec Festival de Barcelona (Institut de Cultura)

• Esnearen kolorekoa / Del color de la leche de Tanttaka Teatroa

• Un monstruo viene a verme de LaJoven / Fundación Teatro Joven

• Vania x Vania de Buxman Producciones (Teatro Kamikaze) y Teatro Español-Madrid Destino Cultura, Turismo y Negocio

Mejor espectáculo de danza

• Afanador de Ballet Nacional de España

• La Quijá de Mercat de les Flors

• Muerta de amor de Danza Liñán

• Natural order of things de GN|MC Guy Nader | Maria Campos

• Pineda. Romance popular en tres estampas de Ballet Flamenco de Andalucía

Mejor espectáculo musical o lírico

• Ànima de Teatre Nacional de Catalunya

• Farra de Cía. Lucas Escobedo y Compañía Nacional de Teatro Clásico - INAEM

• L'alegria que passa de Dagoll Dagom

Mejor espectáculo de calle

• El valor de nada de Cía. Pagans y Fira de Teatre al Carrer de Tàrrega

• Euskorleans de Kukai Dantza

• Fugit de Kamchàtka

Mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar

• Cuento de Navidad (encapsulando a Dickens) de Societé Mouffette y Coma14 Creaciones Escénicas

• Mr. Bo de Marie de Jongh

• Va de Bach de Aracaladanza, Real Teatro del Retiro - Teatro Real, Comunidad de Madrid

Mejor espectáculo revelación

• Contra Ana de La Contraria

• Órgia de La Rara

• Quiso negro de Vaikonur

Mejor autoría teatral

• Albert Boronat, Andrés Lima, Juan Cavestany y Juan Mayorga por 1936

• Itziar Pascual por Pepito, una historia de vida para niños y abuelos

• Victoria Szpunberg por L'imperatiu categòric

Mejor autoría revelación

• Aina Gimeno Pérez por Boira

• Ester Guntín por Quiso negro

• Julia Moyano y Rocío Hoces por Órgia

Mejor adaptación o versión de obra teatral o coreográfica

• Andrea Jiménez y Juan Mayorga por Casting Lear

• Iván Morales por El día del Watusi

• Vera González y Tolo Ferrà por Cuento de Navidad (encapsulando a Dickens)

Mejor composición musical para espectáculo escénico

• Andreu Gallén por L'alegria que passa

• Clara Peya por Caramel

• Juan Cristóbal Saavedra, Enrique Bermúdez, Jonathan Bermúdez, Gabriel  Georgio González y Roberto Vozmediano por Afanador

Mejor coreografía

• Guy Nader y María Campos por Natural order of things

• Manuel Liñán, José Maldonado, Alberto Selles, Juan Tomas de la Molia, Miguel Heredia, José Ángel Capel, David Acero Ángel Reyes por Muerta de amor

• Miguel Ángel Corbacho y Lorena Nogal por Afanador

Mejor labor de producción

• Barco Pirata, Andrea Jiménez y Teatro de la Abadía por Casting Lear

• La Fam Teatre por Ambulant

• LaJoven / Fundación Teatro Joven por Un monstruo viene a verme

Mejor dirección de escena

• Andrea Jiménez y Úrsula Martínez por Casting Lear

• Iván Morales por El día del Watusi

• Marcos Morau por Afanador

Mejor diseño de espacio escénico y videoescena

• José Luis Raymond y Laura Ordás por Un monstruo viene a verme

• Max Glaenzel por Afanador

• Víctor Peralta por Thauma

Mejor diseño de vestuario

• Deborah Macías por La discreta enamorada

• Ikerne Giménez e Inma Gómez por Mr. Bo

• Sílvia Delagneau por Afanador

Mejor diseño de iluminación

• Bernat Jansà por Afanador

• Conchita Pons por Natural order of things

• Cube.bz por La Quijá

Mejor actriz

• Ágata Roca por L'imperatiu categòric

• Aitziber Garmendia por Esnearen kolorekoa / Del color de la leche

• Miriam Moukhles por Tots ocells

Mejor actor

• Ahmed Younoussi por 14.4

• Enric Auquer por El día del Watusi

• Juan Vinuesa por 1936

Mejor intérprete femenina de danza

• María Campos por Natural order of things

• Patricia Guerrero por Pineda. Romance popular en tres estampas

• Sara Jiménez por Ave de plata

Mejor intérprete masculino de danza

• Albert Hernández por Afanador

• Alfonso Aguilar por Natural order of things

• Manuel Liñán por Muerta de amor

Después de Cádiz, Menorca, Bilbao y Valladolid este año le tocó a Tenerife. La gente de las artes escénicas desembarcó en la isla canaria para celebrar los premios organizados por la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE). La gala tuvo lugar en el neo futurista auditorio de Tenerife, del valenciano Santiago Calatrava, que inexplicablemente tenía muchos huecos libres entre sus asientos. Los premios estuvieron repartidos y hubo un sano equilibrio entre figuras veteranas y conocidas, como Núria Espert o Eduard Fernández, y voces que vienen demostrando su valía como Iñaki Rekarte, Fernanda Orazi o Nao Albert y Marcel Borràs.

La gran estrella de la noche fue, sin lugar a dudas, Núria Espert. Su premio, el Max de Honor a toda su carrera, lo presentó Miguel del Arco, director con quien trabajó en La violación de Lucrecia y que destacó la excelencia clásica de la actriz, pero también la fuerza de una mujer que en su época estaba “relegada a la cocina”. “Núria no sabía cocinar, cuando a su hija le increpaban si su madre no sabía hacer un huevo, esta contestaba si la suya sabía hacer Medea”, explicó para luego declarar, emocionado, el amor que esta profesión profesa a una de sus grandes actrices.

El aplauso a Núria Espert duró más de tres minutos, “gracias por la generosidad, la pasión, gracias por tanta belleza, por tanta sinceridad, qué regalo”, comenzó diciendo la actriz catalana antes de un discurso no escrito, corto y emotivo, que terminó con un sencillo: “Os adoro, gracias”. La SGAE también reconoció con el Premio Max Aplauso del público, a la obra protagonizada por José Sacristán y adaptación del libro de Miguel Delibes, Señora de rojo sobre fondo gris, como la mejor entre las más taquilleras.

Eduard Fernández se hizo con el galardón a Mejor actor por Todas las canciones de amor, el actor afirmó estar agradecido por el recibimiento que ha tenido la obra allí donde se ha hecho para luego decir que no había “podido hacerla en Barcelona, ni Lleida, ni Girona, ni Tarragona”, pero que esta noche se encontraba “muy feliz”. Aludía a la dificultad que a veces tienen las obras en castellano para ser programadas en Cataluña. Lógicamente, el actor olvidó el tema con un pequeño gesto y acabó dedicando a su madre el premio que ha recibido por este monólogo en el que Fernández se transforma en una anciana con alzheimer a quien vemos en escena transitar sus últimos días en una casa llena de recuerdos. 

La gran sorpresa de la noche fue el premio a la Mejor actriz. La impresionante actuación de Vicky Luengo en Prima Facie parecía tener todas las papeletas, pero el galardón se lo llevó la actriz navarra Natalia Huarte, que lleva años, primero desde la Compañía Nacional de Teatro Clásico, y ahora con trabajos con directores como Rekarte, Flotats o Lucía Carballal, demostrando que es una de las actrices más sólidas de nuestro teatro. Llama la atención su especial equilibrio entre técnica y fragilidad, algo bien presente en la pieza por la que ganó este galardón, Psicosis 4.48, “un texto escrito por Sarah Kane que aborda la depresión. Un mes después de escribirla Kane se suicidó”, comenzó diciendo Huarte sobre este montaje que dirigió Luz Arcas.

“Gracias por reconocer que esto es importante, ojalá no tuviésemos que representar estos textos, pero hay que saber dar luz a lo oscuro. Por favor, no dejemos de apoyar la cultura, necesitamos ampliar la mirada, salir de nuestros ombligos, conocer al otro. Había gente que venía a darme las gracias después de la obra, que me decían que pasaron por esto mismo y sus familias no entendían su depresión”, explicó Huarte. 

Si bien no hubo un ganador claro, dos han sido los trabajos más reconocidos por la importancia de los premios obtenidos. Los dos ya no tan jóvenes, Nao Albert y Marcel Borràs, amplían su exitosa trayectoria con dos premios Max. Su obra Falsestuff. La muerte de las musas, se llevó el gordo, Mejor espectáculo de teatro, y también el de Mejor diseño de espacio escénico. El otro ganador de la edición fue el espectáculo Forever, de la compañía vasca Kulunka Teatro, colectivo que llevan tres lustros trabajando con máscaras y dando obras de un realismo lírico que sigue ganando adeptos.

Forever se hizo con dos galardones, Mejor autoría teatral y Mejor dirección. Este último premio reconoce a uno de los directores que en los últimos años está demostrando una gran madurez y un gran talento en sus puestas en escena, Inañi Rekarte. Rekarte viene, por ejemplo, de estrenar uno de los éxitos de esta temporada, El monstruo de los jardines. Al recoger el premio el director vasco quiso recalcar la limitación que supone el modo actual de producción que hace que los espectáculos tengan que montarse en pocas semanas, “no todos los espectáculos pueden hacerse en 45 días”, afirmó para luego hacer un merecido homenaje a uno de los directores de escena de este país recientemente desaparecido, Ángel Gutierrez, “Ángel el ruso”, niño de la guerra emigrado a la URSS en la Guerra Civil y que volvió a una España democrática con toda una formación formidable en aquel país, “nos ha dejado recientemente, una parte de este premio le pertenece”, afirmó. 

Otra de las grandes ganadoras de la gala fue la argentina Fernanda Orazi que se llevó los dos galardones a los que optaba, Mejor Espectáculo revelación y Mejor Adaptación. Su obra Elektra, que se estrenó el año pasado en el Teatro de la Abadía, ha recorrido España y asombrado con una adaptación contemporánea y revitalizadora del clásico griego. Esta argentina, que lleva años demostrando pisar muy bien la escena como actriz, comienza a despegar como directora. Estos dos premios la impulsan y su nueva pieza, La persistencia, recién estrenada en el madrileño Teatro del Barrio, lo corrobora. 

Una solitaria denuncia contra la violencia sexual

Juan José Solana, presidente de la Fundación SGAE, al piano, y Antonio Onetti, presidente de la SGAE, a la palabra, saludaron a los políticos presentes, entre los que se encontraba el ministro de cultura Ernest Urtasun, celebraron los 125 años de la institución y dijeron que no venían a pedir nada, como en otras ocasiones ha pasado en el discurso institucional de la gala que se aprovecha para señalar las necesidades del sector. Tan solo pidieron una cosa, “que nunca jamás en ningún teatro ni ninguna sala de ensayos se dé ningún caso de acoso sexual y los teatros sean un lugar seguro para todas y todos”, haciendo clara mención al caso de acoso sexual y coacciones que ha conmocionado al sector y la sociedad del director de teatro Ramón Paso. Un llamamiento que ningún otro creador abordó en sus intervenciones. 

La danza continuó con la indefinición de otros años con un reparto geográfico de unos premios donde el flamenco, el contemporáneo, el clásico y demás disciplinas quedan en el mismo cajón de sastre. Así, Christine Cloux, coreógrafa suiza afincada en Valencia, ganó el premio a Mejor intérprete femenina por la pieza Corps seul, el coreógrafo catalán Ángel Durán ganó la categoría masculina por Cowards; y Olga Pericet y Daniel Abreu recibieron el premio a la Mejor coreografía por La Materia, segunda pieza de la trilogía que la cordobesa ha dedicado a las guitarras del lutier Antonio Torres. El gran ganador fue la compañía madrileña Kor’sia por su obra de danza contemporánea Mont Ventoux. 

Este año el dramaturgo José Padilla fue el encargado de hilar la presentación. Lo hizo a través de la vida de uno de los grandes escritores canarios, Ángel Guimerá, de quien este año se cumplen cien años de su muerte. La elección tiene dramatúrgicamente su interés: un canario que tuvo que emigrar a Cataluña para salir al mundo y que, además, Padilla abordó dejando entrever la sensibilidad nada heterosexual presente en el autor. Pero la estructura de unos premios televisivos y con 23 galardones a repartir quizá no sean el sitio idóneo para que esa dramaturgia pueda calar y traspasar. La gala este año no pasó de correcta. 

La Fundación SGAE ha realizado un evento especial este lunes en el Auditorio principal del Cartuja Center CITE, sede de SGAE en Andalucía, reuniendo a los finalistas andaluces de la 27ª edición de los Premios Max de las Artes Escénicas.

Olga Pericet asistió en representación de la obra La materia. La reconocida bailarina y coreógrafa está nominada a Mejor intérprete femenina de danza y Mejor coreografía junto a Daniel Abreu. Pericet subrayó la importancia del trabajo colectivo en su obra, resaltando el enfoque innovador y respetuoso con el flamenco propuesto por Daniel Abreu. Expresó su gratitud por las nominaciones, destacando que es un reconocimiento a su dedicación y esfuerzo en la danza.

De la obra El Público, adaptación de Alfonso Zurro de la obra de Federico García Lorca, nominada a Mejor labor de producción, asistieron Noelia Díez, Juan Motilla, el dramaturgo Alfonso Zurro y los intérpretes Luis Alberto Domínguez, Raquel de Sola y Piermario Salerno. El equipo de Teatro Clásico de Sevilla expresó su satisfacción por la nominación de El Público. Motilla describió la obra como “surrealista” y “desafiante”, y destacó la complejidad de la producción y el trabajo escenográfico.

José Lucas Chaves, director de SGAE Andalucía, destacó la calidad de las obras que este año representan a Andalucía en la gala Max y mencionó a los seis profesionales y creadores andaluces nominados. Además de Pericet y Teatro Clásico de Sevilla, figuran entre los nominados Ana López Segovia de Las niñas de Cádiz por Las bingueras de Eurípides, Andrés Marín por Yarin de Kukai Dantza, La Maquiné por Estación Paraíso y Luis Miguel Cobo por La casa vacía, de Proyecto Larrúa.

Los premios Max

Los ganadores de los 27º Premios Max de las Artes Escénicas se anunciarán el 1 de julio en una gala en el Auditorio de Tenerife Adán Martín. Este evento cuenta con el patrocinio del Cabildo de Tenerife, la colaboración del Ministerio de Cultura y Deportes (INAEM), y el apoyo de Grupo Eulen y AENA. La gala será retransmitida por La 2 de RTVE a partir de las 20 horas (hora peninsular), y también estará disponible en el Canal Internacional de RTVE y RTVE Play.

Los XXVII premios Max de las artes escénicas que se entregarán en una gala el 1 de julio en Tenerife, han anunciado sus finalistas. Forever reúne cuatro nominaciones y Prima Facie, dos.

De los 522 espectáculos inscritos en esta edición, 186 resultaron candidatos. De entre ellos, solo 44 montajes han llegado a la última fase, congregando un total de 71 finalistas. 

1. Mejor espectáculo de teatro

• Falsestuff. La muerte de las musas de Centro Dramático Nacional (CDN - INAEM)

• Forever de Kulunka Teatro

• Prima Facie de Producciones Abu, TiDi (Teatro Inversión Desarrollo Investigación), Hause & Richman Produccions, Gosua Films, Morris Gilbert y Teatro del Picadero

• Terra baixa (reconstrucció d'un crim) de Teatre Nacional de Catalunya

• Todas las canciones de amor de Check in Producciones

2. Mejor espectáculo de danza

• Corps seul de christineclouxdanza

• En la oscuridad todo se mueve de Institut Valencià de Cultura

• La casa vacía de Proyecto Larrua

• Mont Ventoux de Korsia

• Zarra de Compañía de Danza Adriana Bilbao

3. Mejor espectáculo musical o lírico

• Alexina B de Fundació Gran Teatre del Liceu

• Bruno, el musical que lo cambió todo de Off Teatro

• Ladies Football Club de Barco Pirata

4. Mejor espectáculo de calle

• [ The frame ] de Eléctrico 28 y Fira de Teatre al Carrer de Tàrrega

• Ciutat dormitori de Contenidos Superfluos

• Geure(r)a de Dimegaz y Harrobi Dantza Bertikala

5. Mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar

• Arrainak bihotzean / Un pez en el corazón de Mar Mar Teatro

• Estación Paraíso de La Maquiné

• Univers de Engruna Teatre y laSala / Festival elPetit

6. Mejor espectáculo revelación

• Boira de Col.lectiu La Persiana

• Electra de Pílades Teatro

• Nacional 340 de Physical Collage & Sforza Producciones

7. Mejor autoría teatral

• Iñaki Rikarte, Garbiñe Insausti, Edu Cárcamo y José Dault por Forever

• Juan Cavestany Sánchez por El traje

• María Goiricelaya por Nevenka

8. Mejor autoría revelación

• Elena Mateo Galindo por Nacional 340

• Ireneu Tranis y Alba Valldaura por Solar

• Jorge Usón Colomer por La tuerta

9. Mejor adaptación o versión de obra teatral o coreográfica

• Ana López Segovia por Las bingueras de Eurípides

• Fernanda Orazi por Electra

• Tito Asorey y Vanesa Martínez Sotelo por Unha inimiga do pobo

10. Mejor composición musical para espectáculo escénico

• Aurora Bauzá Soler por A beginning #16161D

• Luis Miguel Cobo por La casa vacía

• Raquel García Tomás por Alexina B

11. Mejor coreografía

• Antonio de Rosa y Mattia Ruso por Mont Ventoux

• Olga Pericet y Daniel Abreu por La materia

• Paula Serrano Llorca por En la oscuridad, todo se mueve

12. Mejor labor de producción

• Compañía de Danza Adriana Bilbao por Zarra

• Festuc Teatre por Bunji, la petita coala / Bunji, la pequeña koala

• Teatro Clásico de Sevilla por El público

13. Mejor dirección de escena

• Carlota Subirós por La plaça del Diamant

• Iñaki Rikarte por Forever

• María Goiricelaya por Nevenka

14. Mejor diseño de espacio escénico

• Adrià Pinar por Falsestuff. La muerte de las musas

• Alejandro Andújar por Tots eren fills meus

• Ikerne Giménez y Javier Ruiz de Alegría por Forever

15. Mejor diseño de vestuario

• Marie Szeronivick por L'Alquimista

• Sílvia Delagneau por Alexina B

• Vera Moles por Falsestuff. La muerte de las musas

16. Mejor diseño de iluminación

• Carlos Marquerie por Los gestos

• Felipe Ramos y Sharon Fridman por Europa

• Mingo Albir por Tots eren fills meus

17. Mejor actriz

• Natalia Huarte por Psicosis 4.48

• Nerea Moreno por Coronada y el toro

• Vicky Luengo por Prima Facie

18. Mejor actor

• Eduard Fernández por Todas las canciones de amor

• Pedro Casablanc por Don Ramón María del Valle-Inclán

• Rubén de Eguía por En mitad de tanto fuego

19. Mejor intérprete femenina de danza

• Christine Cloux por Corps seul

• Melania Olcina por Europa

• Olga Pericet por La materia

20. Mejor intérprete masculino de danza

• Andrés Marín y Jon Maya por Yarin (ex aequo)

• Àngel Duran por Cowards

• Shmuel Dvir Cohen y Tomer Navot por Go figure (ex aequo)

Sí, hablar de sexo sigue siendo un tabú, sobre todo si se trata de personas con discapacidad. El intérprete vasco Telmo Irureta, ganador de un Premio Goya al mejor actor revelación en el año 2023 por la película 'La consagración de la primavera' -de Fernando Franco-, quiere seguir rompiendo barreras.

En la gala del cine español Irureta triunfó con su reivindicación: “Nosotros también existimos y follamos” pero después recibió críticas al defender la prostitución en una entrevista y afirmar que había pagado a otros hombres por mantener relaciones con él.

Ahora, el actor, con parálisis cerebral desde los dos años, está embarcado en un proyecto teatral en el que interpreta a uno de los dos personajes del espectáculo 'Sexpiertos'. Esta comedia dirigida por Mireia Gabilondo con ciertos toques dramáticos llegará a al Teatro de Rojas de Toledo en unos días.

Sexpiertos habla de sexo y de discapacidad, pero también de “amor o de la falta de amor, de sentirse querido, deseado o de cuerpos distintos”. Este espectáculo inmersivo se podrá ver el próximo 16 de mayo en dos sesiones a las 18 y 20.30 horas, respectivamente.

Está fuera de las sesiones de abono y su aforo es reducido por lo especial de la representación. Irureta estará acompañado de la actriz Miren Arrieta en una obra que ya sido galardonada con el premio Max a la mejor labor de producción y el Premio Donostia de Teatro a la mejor obra en euskera. Charlamos con el actor días antes de la representación.

Además de ser uno de los intérpretes de 'Sexpiertos', también escribiste el guion de la obra junto a Kepa Errasti. ¿De dónde nace la inquietud por crear esta comedia, que también momentos de drama?

Tiene un poco de todo. Todo empezó porque trabajé antes con Mireia Gabilondo -la directora de la obra- en 2017. Hicimos un trabajo sobre el striptease. Eran cuatro piezas de teatro en un mismo espectáculo que se llamaba 'Striptease'. Cada pieza era de un director y tenían como tema común el desnudo.

Nos quedó una cosa bastante interesante donde hablábamos de los deseos, de fantasías sexuales y de discapacidad. Imagínate, hablamos de qué es un striptease, para qué se hace, con qué objetivo y cómo puedo yo hacer un striptease si no me puedo desnudar yo solo. Intentaba desnudarme pero me tenían que ayudar y como quedaba todo muy ortopédico decía 'bueno yo voy a hacer un striptease emocional'. Había un chico bailarín que se desnudaba para mí bailando y quedó muy bonito.

Mireia y yo dijimos que esto no podía quedar así y que teníamos que hacer algo más que vaya un poco con el tema de la intimidad y la discapacidad. Teníamos ganas de inventarnos algo y con los años hemos tenido la oportunidad. Lo escribí con Kepa porque me venía bien estar acompañado para tener también una visión más de fuera porque la discapacidad la vivo yo en primera persona y está guay hacer un poco de mezcla. Entonces, en los personajes de 'Sexpiertos', él tiene discapacidad y ella tiene otro tipo de problemas. Es bonita la relación de cómo él le cuenta y cómo se van rompiendo los miedos y los perjuicios. Se van dando cuenta de que son más parecidos de lo que pensaban.

¿Qué temas, además del sexo en personas con discapacidad, se abordan en 'Sexpiertos'? ¿Qué pueden esperar los espectadores que no conozcan la obra?

Hablamos un poco de todo, sobre todo de sexo y de discapacidad, pero también de amor o de la falta de amor, el querer sentirse querido, deseado, de cuerpos distintos, de posturas. También la amistad, que aquí tiene mucha fuerza. Son dos personas que se conocen en un ascensor que se queda bloqueado, por lo que pasan mucho tiempo juntos en un sitio muy pequeño y eso da mucho juego. Menos del tiempo hablamos de todo. Ella tiene algo de claustrofobia y yo empiezo a hablar para tranquilizarla.

Los espectadores, o parte de ellos, ven la obra sentados en una silla de ruedas. ¿Qué sensaciones os han transmitido de esta experiencia quienes ya la han visto?

Es un poco para acercarse a la situación del personaje, para empatizar un poco. Solo con estar en silla en vez de en butaca, si a alguien le sirve para pensar un poco... se ve distinto desde aquí, te coloca en esa posición de tener una discapacidad. Cuando vas por la calle y caminas cambia la visión. Yo voy mucho más abajo. Cuando me levantan de mi silla digo 'uy, qué pequeño es todo', cuando vas sentado parece más grande.

Normalmente la gente lo pasa bien con la obra, se ríen bastante. También ha venido gente que se ha emocionado porque tiene un momento bastante durillo y te toca el corazón. Este ya es el tercer año que estamos interpretando 'Sexpiertos'. Empezamos en euskera y luego hice la traducción al castellano para poder sacarla también fuera del País Vasco.

¿Se ha perdido un poco el miedo a hablar de sexo en nuestra sociedad o sigue siendo un tabú?

Un poco sí pero todavía no nos atrevemos. Les parece como guay, interesante, y les gusta, pero sigue siendo atrevido. A la gente le da cosa hablar tan directo de tanta intimidad. Son cositas que la gente igual no habla, o lo hablas con tus amigos... Como el tema de la discapacidad tiene un plus de desconocimiento creo que tenemos que informar para que no sientan que somos angelitos y que no follamos.

Para poder follar con una persona primero tienen que saber que yo sí puedo follar y que quiero. Cuando te ven en una silla de ruedas no sé qué imaginan, igual que de cintura para abajo no sienten nada. Pero todos los que estamos en silla no somos iguales y la discapacidad no es la misma, entonces es mejor preguntar y ya está. Pero preguntar nos da un poco de miedo. Me parece muy interesante y como hay mucha gente que todavía no se ha enterado, más después de los Goya y del discurso que di y la que se montó... Fue un malentendido.

Recibiste duras críticas por lo que dijiste sobre la prostitución.

Fue un lío. Yo pensaba que ya había hablado bastante de sexo y que iban a pensar que solo sé hablar de esto o que tengo como una obsesión. Me tocaba pasar página y empezar a hablar de otras cosas, pero después de la polémica como he visto que todavía no se han enterado, pues ya tengo una excusa para seguir un poquito con el sexo en la boca, como digo yo.

Es importante. No te ven como posible ligue, ven una silla. Me quitan esta oportunidad. Solo quiero que sepan que yo sí quiero, para que ellos se pregunten a ellos mismos si quieren o no quieren. Luego quizás no quieren, pero por lo menos se lo han preguntado.

¿Se han sentido identificadas personas con discapacidad sobre este tema cuando han visto la obra y los temas que abordáis?

Discapacidad es una palabra muy amplia. Entra todo. Discapacidad física, cognitiva... y dentro de esto hay distintas personas. Yo por ejemplo en la obra no hablo de paralíticos cerebrales. Hablo de mi caso o de mi personaje, que no soy yo pero se me parece mucho a mí. No generalizo.

Lo más bonito es que todos se sienten identificados, con o sin discapacidad, porque al final ves que los miedos y las preocupaciones se parecen. Lo que sientes en cada momento o si te sientes solo. Son dos personajes que están bastante solos y buscan a alguien. ¿Quién no se ha sentido nunca un poco solo? Al final la silla se te olvida.

¿El humor ayuda a exponer todas estas situaciones?

El humor ayuda en todo yo creo. Por un lado a pasarlo bien pero también a no quedar de víctimas, porque si ponen oscuridad con oscuridad es demasiado oscuro y al final no se ve nada. En cambio, si metes algo de luz el contraste impacta, y es más fácil que se quede grabado. O al menos para aprender creo que es más interesante. Cuando metes humor en algo tan oscuro impacta más y también duele más. Parece que aligera pero también te mete una 'patadita' de vez en cuando. Cuando menos te lo esperas hago comentarios de humor negro que duelen, soy muy de eso. Por un lado soy muy heavy, puedo soltar cualquier barbaridad, pero luego también tengo un toque muy Disney.

Cuando metes humor en algo tan oscuro impacta más y también duele más

Ha pasado más de un año desde que te concedieron el Premio Goya al mejor actor relevación por 'La consagración de la primavera'. ¿Cómo ha influido este reconocimiento en tu trayectoria profesional y personal?

Por ahora ha sido más personal que profesional. Ahora soy un poco más conocido, más visible. Por lo menos saben que existo y en la calle me han conocido más. En lo profesional empiezan ahora los proyectos. Estamos en un par que parece que van a salir como una película del director Carlos Villafaina. Gracias a la visibilidad que me dio 'La consagración de la primavera' cuando haya un personaje que ponga chico con parálisis cerebral igual dicen pues puede ser con Telmo.

¿Te molesta que tu carrera como actor se pueda encasillar en tener que interpretar siempre a un personaje que va en silla de ruedas y que tiene parálisis cerebral?

Todavía no. No me da miedo. Hay posibilidad de que me llamen para un personaje distinto, que no tenga que ser siempre el minusválido que va en silla de ruedas. Hay muchos personajes que puedo hacer solo que no se han imaginado todavía que ese personaje pueda estar en una silla. Igual hay guiones sobre un abogado o un informático y no dice nada de que está de pie. Se puede decir lo mismo pero sentadito.

Siempre lo comparo con los personajes que son homosexuales. Antes también el que era gay no contaba más en otras historias y hoy en día como ya está más normalizado igual es una característica del personaje y no se le da tanta importancia. Para que el discapacitado pueda ser otra cosa todavía tenemos que hablar muchísimo de discapacidad. También para una vez que veo a un personaje en silla de ruedas me da pena que no hable de lo suyo, porque como se conoce tan poco... Quiero seguir hablando de discapacidad. Lo que estaría guay es hacer muchos trabajos para poder hablar en unos sí y en otros no.

Hay muchos personajes que puedo hacer solo que no se han imaginado todavía que ese personaje pueda estar en una silla

También estabas en proceso de montaje de una película sobre tu propia vida. ¿En qué momento está?

Ya hemos terminado el montaje. Ha quedado muy bonito. Iba a ser una película, pero me han quitado media hora -risas- y se ha quedado en un cortometraje de 20 minutos. Pero es muy bonito, igual también es mejor que sea pequeñito y bien que 50 minutos un poco coñazo. Lo presentaremos este año, seguramente en julio empezaremos a moverlo.

Es de mi vida pero se centra en el año 1991, que es cuando tuve la encefalitis. Tenía dos años. En el personaje de 'Sexpiertos' fue de nacimiento, que le faltó oxígeno, pero en mi caso no fue así. La encefalitis me provocó la parálisis cerebral. El cortometraje cuenta cómo me pasó eso y cómo lo vivió mi madre.

Está contado desde su punto de vista. En ese año no sabía lo que iba a ser de mi, o de nosotros. Pensaban que me moría y fue una noticia muy dura que te cambia todo. En el hospital también les dijeron que la encefalitis no deja secuelas, pues menos mal -risas-... con lo bonito que es decir que no sabes algo. El primer día que fuimos al hospital también pensaban que era una luxación de codo al hospital. Me pusieron una escayola en el brazo y a casa. En la película se cuenta un poco esa parte también.

Llega con la voz tocada, preocupada por la función del sábado. Detrás, 75 años de trayectoria. Por delante, las funciones que quedan este mes de su último montaje, La voz del aire, y un nuevo proyecto que anuncia en el encuentro que ha organizado la Fundación SGAE para celebrar que este año se le entregará el premio Max de Honor, que el año pasado recibió Tricicle.

“Dentro de poco podré contar más, pero es una obra de Wajdi Mouawad, el autor de Incendios”, dice la actriz sobre su próximo trabajo. “Vamos a hacer un texto suyo y eso me tiene ya estudiando por la noche y aterrorizada. Siempre que comienzo algo nuevo tengo mucho miedo e inseguridad. Luego ya la cosa va calmándose, si no, sería imposible”, explica.

Con respecto al Max, Espert afirma que “es un premio deseado”. “Me apetece mucho porque es el premio que nos damos a nosotros mismos. Este premio dentro de la profesión tiene un prestigio enorme, no será un premio que acapare portadas, pero la profesión lo valora, lo discute, se alegra, se enfada…”. Espert, Premio Nacional de Teatro en 1985 y Premio Princesa de Asturias de las Artes en 2016 entre una larga lista a lo largo de su vida. Sorprendentemente no había ganado nunca una manzana de los premios del teatro que otorgan los autores aun habiendo estado nominada en cuatro ocasiones: “Pienso que ha tardado tanto porque durante años estuvimos con unas giras tremebundas, sin pisar España en meses, creo que esa es la única explicación”.

Con 89 años, la barcelonesa Núria Espert está de enhorabuena por partida doble. El 18 de marzo recogerá en la Embajada de España en Londres el título de haber sido nombrada doctora honoris causa por el Royal Center School of Speech and Drama, la gran casa de la actuación en Inglaterra por donde han pasado nombres como sir Laurence Oliver, Harold Pinter, Julie Christie o Martin Freeman. “Figuraos cómo está mi interior de agradecido y emocionado. Es la escuela por donde han pasado todos los grandes actores ingleses de los que yo estoy enamorada, no encuentro palabras para expresar la admiración que tengo por esos actores. Iré a buscarlo con mis hijas, con mis nietas, con mis amigos… Todos a Londres, a emocionarse y a coger fuerzas para el montaje de Mouawad”, afirma.

Censura y feminismo

La Espert no ha perdido humor y saber estar, frente a preguntas como qué papel se ha quedado con ganas de hacer, responde rápida y con guasa: “Estoy pensando en Cleopatra, creo que ahora es el momento ideal para hacerlo, siempre quise y nunca pude”. Cuando le preguntan qué es lo que la diferencia de otros actores y actrices espeta: “Suerte”, para luego rematar, “bueno, suerte y mucho trabajo”. Y cuando le preguntan si le preocupan las censuras a obras de teatro que han ocurrido en los últimos meses en España zanja el tema con un sólido: “No, no me preocupa. No se atreverán, no les dejaremos”.

La actriz catalana vive un momento dulce, sobre todo porque sigue en escena. “Con La voz del aire ha aparecido la gran sorpresa. Cuando tenía 18 años hice Medea en Barcelona, fue un trabajo que me marcó muchísimo, desde ese momento yo misma me sentía una trágica. Mi repertorio todo él es dramático, pero con esta obra he tenido la oportunidad de ser divertida, de ser malvada y de reírme de mi sombra. Mi público había ido con el pañuelo preparado para llorar, pero desde el minuto uno lo ha tirado y ha habido grandes carcajadas. Desde el primer día me dijo que sí, y ese calor me hace sentir muy querida”, explica.

Núria Espert creó en 1958, en una España netamente machista, la Compañía Núria Espert con su marido, Armando Moreno. Fueron años donde comenzaron a llegar los éxitos con obras de Eugene O’Neill o Alejandro Casona. Pero también de dificultades como el Hamlet que estrenó en 1960 en el que ella interpretaba al príncipe de Dinamarca y donde la crítica no le perdonó la transgresión.

O cuando ya en 1969 comenzó a trabajar con uno de sus grandes directores, el argentino Víctor García. Iban a estrenar en Madrid un programa doble con Las criadas de Jean Genet y Los dos verdugos de Fernando Arrabal. El estreno que iba a realizarse el 7 de febrero en el Teatro Reina Victoria de Madrid nunca llegó a realizarse. La censura lo prohibió debido a la obra de Arrabal. Un mes más tarde, Las criadas se pudo entrenar en el Teatre Poliorama de Barcelona. La crítica abjuró de la propuesta. Y no fue hasta que el montaje fue invitado al Festival Internacional de Teatro de Belgrado, consigue un sonorísimo éxito y se lleva el premio al mejor espectáculo, que la obra puede regresar a España donde, curiosamente, se convierte en el éxito de la temporada y en uno de los hitos del teatro español del siglo XX.

Años de pico y pala que, al recordarlos, ahora Espert comenta que “fueron tiempos difíciles que compartí con la mayor parte de los españoles, tiempos de sufrimiento, de frustración, pero de apretar los puños y tirar para adelante. Los que siguieron con los puños abiertos y lamentándose, desaparecieron”. Cuando se le pregunta si se siente pionera del feminismo, contesta rotundamente “sí, incluso antes de que se inventase la palabra”.

Ahondando en el papel de la mujer en esos tiempos Espert razona que no es tan difícil como pudiera parecer: “Mi profesión es una de las más avanzadas en cuanto a darle a la mujer su sitio. Si el libro dice ”entra Rosaura“, tiene que entrar Rosaura, no puede entrar Pedro o Romeo, tiene que entrar esa mujer. Y si el papel es largo no podrán discutirle el salario como en todas las fábricas, como le pasó a mi madre cuando trabajaba en una fábrica de tejidos. En el teatro no tenía otra que optar por mujeres que se acercaban a la cultura y luchaban por ella”, razona.

Además, confiesa que eran “desvergonzadas”. “Recuerdo lo terrible que fue cuando las actrices firmamos un documento diciendo que todas habíamos abortado por propia voluntad. No nos encerraron en la cárcel. Nos regañaron mucho, mi marido estaba furioso, se asustó, pensó que era una provocación. Y lo era. Pero no trajo consecuencias y es una de las veces de las que me siento más orgullosa”, recuerda Espert de la declaración de la Agrupación Feminista en 1979 que firmó un centenar de artistas ante el juicio a 11 mujeres en Bilbao y las detenciones que se habían producido en Cerdanyola. Un manifiesto que también firmaron personas como Cristina Alberdi, Rosa Regàs, Cristina Almeida, Anna Maria Moix, Lola Gaos, María del Mar Bonet, Esperanza Roy o Enma Cohen.

Medea de Eurípides, Yerma de Federico García Lorca (con las que llegó a las 2.000 representaciones), La buena persona de Sezuán de Bertold Bretch, ¿Quién teme a Virginia Woolf? de Edward Albee, El rey Lear de William Shakespeare, la dirección en Londres de La casa de Bernarda Alba, interpretada por Glenda Jackson, su dirección de óperas de quien ahora su nieta, Bárbara Lluch, ha cogido el relevo… La carrera de Núria Espert da vértigo. El día 1 de julio la actriz recogerá el premio en el Auditorio Adán Martin de Tenerife, donde se celebrará los premios este año. Se augura uno de los aplausos más entregados y largos de estos premios que llegan a su 27º edición.

Se impuso la cordura. Ganó La voluntad de creer en los premios Max de teatro 2023 de la Fundación SGAE, una de las obras más aplaudidas de esta temporada y que confirma la carrera de este creador que llegó a España desde Buenos Aires hace ya una veintena de años y que ha dado montajes tan recordados como Los ojos (2011), Las palabras (2013) o Las canciones (2019). La influencia de Messiez en nuestro teatro es ya un hecho, solo hay que ver cómo sus libros siguen siendo año tras año de los más vendidos en las secciones de teatro de toda España. Un autor y director que ha sabido trasladar a nuestro país la gran renovación que se dio en Argentina en los años 80 y 90 del siglo pasado.

El teatro de Messiez está basado en la actuación, algo que bien se demuestra en la obra que se llevó el gran galardón de esta edición pero que curiosamente no tenía ninguna otra candidatura. Ni como autor, ni como director, ni a ninguno de los grandes actores que levantan este montaje como Rebeca Hernando, que está enorme y que recogió el premio junto con otro grande de esta compañía, José Juan Rodríguez. No es fortuito que fueran ellos quienes recogieran el premio en vez de las productoras del espectáculo, Buxman Producciones y el Teatro Español. Ganó el teatro que reside en el actor y su capacidad de jugar y crear.

Ya en el primer premio se dejó entrever el carácter que se está afianzando en los últimos años en estos premios ya veteranos que llevan celebrándose desde 1988. El galardón al Mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar recayó en Blancanieves de La Chana Teatro, el único representante de Castilla y León en los premios. Primó el reparto geográfico. Algo que se confirmó más tarde cuando Pier Paolo Álvaro recibió el premio al Mejor diseño de espacio escénico por Ás oito da tarde, cando morren as nais, espectáculo que era también el único representante en esta edición por parte de Galicia. Nada objetable, son buenos trabajos. Pero no dejan de tener estos premios la sensación de estar diseñados con escuadra y cartabón. Unos premios que a diferencia de los Premios Talía, son decididos por un jurado que en teoría solo tiene en cuenta la calidad artística de los mismos. La defensa de la periferia estuvo presente en toda la gala, pero también lo estuvo la sombra de esa escuadra y cartabón un tanto artificial.

Otro de los grandes premios fue para las dos actrices, Marta Nieto y Marina Salas, que han interpretado el mismo papel en La infamia, la obra basada en los escritos de la periodista mexicana Lydia Cacho, luchadora de los derechos humanos que fue secuestrada en 2003 después de publicar un libro sobre la prostitución infantil en su país, Los demonios del Edén. Una obra dirigida por José Martret y que se estrenó en las Naves del Matadero de Madrid del Teatro Español, uno de los grandes ganadores de este certamen. El Teatro Español, aparte de esta obra y de llevarse el gran premio con La voluntad de creer, que también se estrenó en Matadero, estuvo presente en otro de los ganadores de la noche, Cucaracha con paisaje de fondo, montaje que se estreno en el madrileño Teatro Quique San Francisco pero que en mayo llega al Teatro Español. La obra, escrita y dirigida por Javier Ballesteros, se hizo con dos de los galardones del certamen, el premio al Mejor espectáculo revelación y a la Mejor autoría revelación.

En la danza, Cataluña estuvo bien presente a través de una de las bailarinas y coreógrafas más serias y potentes del país, Lali Ayguadé, que este año ha realizado Runa, una pieza donde Ayguadé sigue demostrando maneras y modos de un movimiento basado en una potentísima formación en el norte de Europa (Vandekeybus, Alain Platel, etc.) y que año a año va siendo más propia. La coreógrafa se llevó el premio a la Mejor intérprete de danza y a la Mejor coreografía. También, con la misma lógica de repartición geográfica, el Mejor espectáculo de danza fue a parar a La reina del metal, de la compañía flamenca de Jaen Vanesa Aibar & Enric Monfort.

Cataluña también se llevó otra alegría al recibir el Mejor espectáculo musical o lírico en manos de Gran Teatre del Liceu y su montaje La gata perduda, una ópera de nueva creación que se ha realizado con los vecinos del barrio del Raval de la ciudad de Barcelona. Quizá fue Cataluña la gran ganadora de estos premios. Aparte del premio Max de honor a Tricicle, unos clásicos del mimo y el humor, en Cataluña también recayó otro de los premios especiales, nuevo este año, el premio Max Aplauso del público, un nuevo galardón que reconoce la calidad del espectáculo que más tiempo ha estado en cartelera por el apoyo del público y que recayó en El petit príncep de la compañía La Perla 29. Una noche perfecta que concluyó con el Premio al mejor actor que recayó en Pere Arquillué por su trabajo en L’adversari.

Pero, como decíamos, hubo para todos. Así la compañía valenciana el Pont Flotant se llevó el galardón a la Mejor autoría teatral por la obra Eclipse total. Euskadi estuvo también bien presente, la veterana Tanttaka Teatroa se llevó el premio a la Mejor producción por Sexberdinak, y la compañía vasca La Dramática Errante, que aunque optaban a cinco premios pudo rascar el de la Mejor adaptación de obra teatral por Yerma, que recogió María Goiricelaya emocionada y reivindicativa de un teatro político, social y valiente. La noche además acabó con un justo premio a Iñaki Rikarte, director vasco de una de las obras más valientes de los últimos años, Supernormales, una obra interpretada por actores con diversidad funcional que muestran sin tapujos los prejuicios existentes alrededor de este colectivo. La obra se entrenó en el Centro Dramático Nacional la temporada pasada y ante la buena respuesta del público se ha decidido reponer a finales de este mismo mes.

Una gala con aire gaditano

El espectáculo comenzó con ecos zarandianos, en un escenario perfecto, bajo los arcos de herradura de estilo islámico del Gran Teatro Falla, uno de los grandes cosos del país con capacidad para 1.200 espectadores. El lema de esta gala dirigida por Ana López Segovia y el director y autor José Troncoso era “el teatro del futuro”, algo que tampoco dio para mucho juego dramatúrgico. No había que liarse. Sabía decisión. Luego había chirigota y cante, como no podía ser de otra manera, pero quizá el momento más genuino se dio, curiosamente, en el discurso institucional de la Sociedad General de Autores y Editores.

Antonio Onetti, presidente de la SGAE, comenzó el discurso espantando asperezas y rivalidades: “Queremos felicitar a la Academia por los Premios Talía, enhorabuena y que sea por muchos años”, tras lo cual la disertación del presidente, en la que le acompañaba Juan José Solana, presidente de la Fundación SGAE, fue roto por una de las tradiciones teatrales más largas, más de 200 años, y más bonitas de Cádiz: los títeres de la Tía Norica. Los muñecos de la Tía Norica decían con chufla: “Ahora viene el tabarrazo de siempre”, ante lo cual Juan José Solana se soltó el pelo, toco el piano y Onetti celebró el nuevo Estatuto del Artista, la danza y la diversidad, y lo hizo en verso. Por una vez el discurso tuvo gracia, estuvo animado. Algo que se agradeció. En definitiva, la gala estuvo discreta, animada y con un público, el gaditano, que mostró la facilidad de convertir el aplauso en palmas y compás.

1. Mejor espectáculo de teatro

La voluntad de creer de Buxman Producciones,Teatro Español - Madrid Destino Cultura Turismo y Negocio

2. Mejor espectáculo de danza

La Reina del Metal de Compañía Vanesa Aibar & Enric Monfort

3. Mejor espectáculo musical o lírico

La gata perduda de Fundació Gran Teatre del Liceu

4. Mejor espectáculo de calle

Love, love, love de Animasur

5. Mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar

Blancanieves de La Chana Teatro

6. Mejor espectáculo revelación

Cucaracha con paisaje de fondo de Mujer en obras

7. Mejor autoría teatral

Jesús Muñoz y Pau Pons por Eclipse total

8. Mejor autoría revelación

Javier Ballesteros por Cucaracha con paisaje de fondo

9. Mejor adaptación de obra teatral o coreográfica

María Goiricelaya Burón por Yerma

10. Mejor composición musical para espectáculo escénico

Pascal Gaigne por Eta orain zer? ¿Y ahora qué?

11. Mejor coreografía

Lali Ayguadé por Runa

12. Mejor labor de producción

Tanttaka Teatroa por Sexberdinak – Sexpiertos

13. Mejor dirección de escena

Iñaki Rikarte por Supernormales

14. Mejor diseño de espacio escénico

Alessio Meloni por La cabeza del dragón

15. Mejor diseño de vestuario

Pier Paolo Alvaro por Ás oito da tarde, cando morren as nais

16. Mejor diseño de iluminación

Laura Clos “Closca” por Rojos

17. Mejor actriz

Marta Nieto y Marina Salas (ex aequo) por La infamia

18. Mejor actor

Pere Arquillué por L'adversari

19. Mejor intérprete femenina de danza

Lali Ayguadé por Runa

20. Mejor intérprete masculino de danza

Mario Bermúdez Gil por El bosque

21. Premio Max Aplauso del público

El petit príncep de La Perla 29

La cita será en Cádiz el próximo lunes, 17 de abril, pero este miércoles ya se reunieron los finalistas andaluces a los premios Max en el mercado de Triana para empezar a saborear la manzana a la que aspiran. Entre otros asuntos compartidos durante un desayuno con la prensa, los artistas pusieron de relieve la elevada representación jienense de este año, con siete nombres en las quinielas, al tiempo que defendían la periferia artística, reivindicando una mayor visibilidad y espacio para disciplinas como la danza o el teatro de calle.

“Los de Jaén somos los olvidados de los olvidados”, manifestaba el dramaturgo Alberto Conejero, candidato este año al Max a la Mejor dirección de escena, junto a Xavier Bobés, por El mar: visión de unos niños que no lo han visto nunca, de Teatro Nacional de Cataluña. En este montaje, Conejero muestra su implicación con el teatro de la memoria, “porque somos la primera generación que vive sin testigos de una serie de acontecimientos fundamentales, y cuando ya no hay gente que haya vivido ese tiempo, la posibilidad del olvido y la manipulación es mucho mayor”.

Al mismo tiempo, subrayó que “en Andalucía, este espectáculo solo se ha visto hasta ahora en Sevilla y Granada. Ojalá ser finalista de los Max nos sirva para llevarlo a muchos otros lugares”. Una expectativa que el de Vilches comparte con el resto de sus compañeros, entre ellos el bailaor sevillano Israel Galván, que espera sumar al Max a Mejor intérprete masculino de danza por su espectáculo Seises a las nueve manzanas que ya posee. “Alguien me dijo una vez que los Max eran premios de segunda, pero yo creo que son importantes, entre otras cosas, porque te abren a otras regiones. No todo es Madrid o Barcelona, puedes descubrir lo que se hace en Jaén, o a ser conocido en Albacete o en Cuenca. Nos unen mucho, nos hacen más compañeros”.

Instalaciones y castillos hinchables

Galván, haciendo gala de su característico buen humor, aseguró que “como nunca me ha gustado mucho bailar, me siento cada vez más cómodo en el terreno performático. Más que bailaor, me siento como una instalación, que se hace y se acaba en el sitio. Entiendo las obras como virus que mutan y se convierten con el tiempo en otra cosa. Y me parece bonito que también se acaben, aunque con La edad de oro llevo girando desde 2005”.

“Los Max nos hacen más visibles, incluso dentro de la profesión”, defendió la sevillana Rafaela Carrasco, que el próximo lunes podría alzarse con el premio a la Mejor coreografía por Nocturna, arquitectura del insomnio. Un espectáculo en el que trabaja sobre “la inquietud, la ansiedad que me crea no poder dormir durante mis procesos creativos”, asegura. “La idea, que desarrollo junto al dramaturgo Álvaro Tato, es aprovechar ese insomnio junto con una serie de imágenes poéticas en una propuesta muy coreográfica, con mucho trabajo del cuerpo”.

Carrasco aprovechó la ocasión para pedir que los teatros programen más danza, “ya que actualmente hay un 85 % de propuestas teatrales o de otras artes escénicas, y solo un 10 o 15 % de danza. Tenemos que equilibrar esa proporción, porque la realidad es que los espectáculos de danza se llenan”.

Una reivindicación paralela a la que realizó José Antonio Pascual, de la compañía granadina (aunque también vinculada con Jaén) Animasur, con la que aspira a un Max al Mejor espectáculo de calle por Love, love, love. “Creo que a nuestros políticos solo les gusta el teatro de calle cuando habla de duendes y brujas, por eso nosotros casi no trabajamos en Andalucía, aunque cuando lo hacemos, a la gente le encanta. Parece que no interesa nada que tenga que ver con algo de conflicto, que genere cierto compromiso. El teatro de calle se sustituye por los castillos hinchables”.   

En la conversación surgió asimismo la cuestión de que muchos de los espectáculos que compiten en los Max son valorados a través del vídeo por el jurado. “Es imposible ver todo, pero al menos tendrían que intentarlo, porque no tiene nada que ver una propuesta en vivo que una en la pantalla”, dijo Conejero, mientras que Galván afirmó que “los Max a veces nos llevan a pensar que es mejor contratar a un buen montador de vídeo que hacer un buen espectáculo”.

Andalucía presente

Sobre la cuestión territorial hablaron también Elena Carrascal, aspirante al Max al Mejor espectáculo de danza por Archipiélago de los desastres de Elena Carrascal, e Isabel Vázquez, finalista en la categoría de Mejor coreografía por el mismo montaje. “Andalucía no está presente en la mayoría de las mesas de trabajo nacionales. El INAEM tiene que contar más con nuestra comunidad”, aseveró Carrascal, y añadió que un trabajo como Archipiélago todavía está luchando por tener un hueco en el catálogo de Platea (Programa Estatal de Circulación de Espectáculos de Artes Escénicas en Espacios de las Entidades Locales).

Por su parte, la jienense Vanesa Aibar (candidata a Mejor espectáculo de danza por La Reina del Metal de Compañía Vanesa Aibar y Enric Monfort, y a Mejor intérprete femenina de danza por la misma obra) defendió también sus raíces periféricas, y recordó cómo su espectáculo nació de una videocración en plena pandemia y se fue desarrollando sobre un intenso trabajo corporal con la música electrónica.

El resto de los finalistas con sello andaluz son, desde Jaén, El bosque de Mario Bermúdez Gil  (Mejor espectáculo de danza); y con la misma obra, José Pablo Polo, (Mejor composición musical para espectáculo escénico); Catherine Coury (Mejor intérprete femenina de danza) y Mario Bermúdez Gil (Mejor intérprete masculino de danza); y desde Sevilla, Pablo Chaves, Mejor diseño de espacio escénico, por Cucaracha con paisaje de fondo, de la Cía. Mujer en obras.

Finalmente, José Lucas Chaves, como director de la SGAE en Andalucía, comentó que los recién creados premios Talía, “no rivalizan con los Max, tienen otro formato y compiten en ellos proyectos muy diferentes, y en todo caso el tiempo pondrá cada cosa en su sitio”.  

La compañía La Dramática Errante está contenta. No es para menos. Pocas veces una compañía independiente de la llamada periferia (en este caso Bilbao) obtiene cinco nominaciones a los premios Max de teatro, que se entregarán el próximo 17 de abril: tres por Yerma, una versión libre y contemporánea de la tragedia escrita por Lorca, y dos por Altasasu (Mejor autoría y Mejor espectáculo). Antes de saber si se llevarán las preciadas manzanas a casa, dicen que el objetivo está cumplido. La compañía, formada por la autora y directora María Goiricelaya y la actriz y artista plástica Ane Pikaza, ha conseguido, desde que se estrenaran ambas obras en el año 2021, lo que llevaba tiempo pretendiendo: poder girar más allá de Euskadi, algo que a las compañías les cuesta sobremanera.

Este artículo habla de esa travesía y, especialmente, de una obra comprometida y difícil sobre el caso por el que ocho personas de esta localidad navarra fueron condenados en 2018 a penas de entre dos y 13 por las agresiones a dos guardias civiles en 2016 durante una noche de fiesta en los conocidos carnavales de la localidad. Hasta ahora, la obra no se ha podido ver en Madrid o Barcelona. Aunque eso cambiará tras los premios Max.

Tras el estreno en octubre de 2021 en el Teatro Arriaga de Bilbao, la obra se programó en el Festival Internacional de Vitoria, en el Teatro Principal. Ahí, la compañía comenzó a vislumbrar que el camino a recorrer no sería fácil. La portavoz del PP, Ainhoa Domaica, acusó al alcalde de Vitoria de “politizar” el Teatro Principal, tildó la obra de “adoctrinamiento nacionalista” y de “juicio paralelo sobre las tablas” y exigió que se retirara del cartel del festival. “Nosotras estábamos muy tranquilas”, recuerda Ane Pikaza, “María había hecho un trabajo muy minucioso y exquisito en dar voces a todos los implicados. Sabíamos que había que dejar que la obra hablase, nada más. Esta señora ni la había visto”, razona sobre este montaje en el que su autora estuvo casi dos años escribiendo el texto basado en los más de trescientos folios de la transcripción del juicio.

“La verdad es que el efecto de aquel intento de censura fue el contrario, tuvo un efecto rebote y se agotaron todas las entradas”, recuerda María Goiricelaya, quien también afirma que la compañía nunca quiso dar pábulo a este tipo de incidentes y que además estaban tranquilas ya que las tres funciones en Bilbao habían tenido una respuesta muy buena. “El público que acudió fue numerosísimo y muy variado. Fueron tres funciones que acabaron con los espectadores en pie aplaudiendo. Había mucha expectación, la gente quería ver qué se hacía en el teatro con este caso. Sabíamos que había público que iba a llegar, tanto desde la izquierda como desde la derecha con una carga ideológica y unos prejuicios que iban a hacer imposible generar una reflexión, que es lo que pretende la obra. Pero desde el primer momento vimos que en la mayoría de gente sí se generaba, sabíamos que, de algún modo, habíamos tocado una tecla”, recuerda Goricelaya.

50 funciones después

La obra ya ha tenido más de 50 funciones, tanto en euskera como en castellano, ha recorrido varias comunidades y se ha representado en Colombia y Uruguay. Eso sí, en España no ha tenido lugar en ninguna localidad gobernada por un partido de derechas. Ambas creadoras afirman que tenían claro que no les iban a llamar de ciertos sitios, “incluso hay programadores que han venido a verla, nos han dicho que les ha gustado y les interesaba pero que no podían programarla por quienes gobernaban en su ciudad”, afirma Pikaza.

Pero, poco a poco, la fuerza del montaje se ha ido imponiendo. Una fuerza que, sobre todo, reside en un texto ágil y lleno de datos e información que permiten al espectador conocer el proceso judicial y los dolores causados en ambos lados, como en una interpretación llena de energía y verdad. Tanto la propia Ane Pikaza, como Egoitz Sánchez, Nagore González y Aitor Borobia, van saltando de un personaje a otro con gestos mínimos y cambios energéticos. Todos interpretan tanto los papeles de un lado como del otro, al igual que a jueces, abogados, familiares y diversos implicados.

Ese continuo cambio de roles hace que el espectador no pueda identificarse tan solo con un actor o denostar a un personaje. “Queríamos provocar que la empatía del espectador saltase de un personaje a otro, era la forma de romper con las ideologías inamovibles, forzar empatías que ciertos espectadores tampoco estaban en un principio dispuestos a tener”, razona Pikaza sobre este montaje que en su puesta en escena tan solo cuenta con unas banquetas y un espacio vacío.

Desde hace un decenio en España el teatro documental está en auge. Un teatro que siempre tiene una vertiente política y de urgencia social. Así se han visto montajes como Jauría (2019) dirigido por Miguel del Arco sobre el caso de violación en los San Fermines de 2016, la trilogía Rescoldos de paz y violencia creada por María San Miguel entre los años 2012 y 2017 y que trata sobre la violencia en Euskadi y los procesos de diálogo y restauración; o, más recientemente, Homenaje a Billy el Niño (2022) que recogía los testimonios de las víctimas torturadas por este policía.

Pero en Altsasu llama la atención la especial manera de combinar ficción y documentación. Si bien la obra está plagada de datos del juicio, de titulares de periódicos o de testimonios a la prensa de los implicados, Goiricelaya ha ficcionado grandes partes de la obra como el día a día en prisión de los acusados, las visitas a la cárcel de los familiares o un diálogo entre una de las madres de los guardias civiles y una de las madres de los acusados. La autora explica a este diario que podría haber entrevistado a los implicados pero que decidió no hacerlo para tener una mayor distancia, que prefirió basarse en algo más aséptico como es la transcripción del juicio e imaginar ciertas situaciones “para ir mostrando la parte más humana de cada uno de ellos, para traer los personajes a tierra, conectarlos y poder mostrarles vulnerables. Por ejemplo, me apetecía recrear ese diálogo imposible entre las madres, mostrar la razón de cada una, poder ver que nadie tiene el monopolio del dolor”, razona Goiricelaya.

Hace tres años, la autora también realizó la dramaturgia de la obra Harri Orri Ar, un montaje de La Dramática Errante en donde, en un patio de colegio, se escenificaban la diversidad ideológica de la sociedad vasca y su tendencia a callar a través de testimonios. “Aquella obra fue muy importante para nosotras, era un canto a la reconciliación, a poder hablar las cosas entre nosotros”, afirma la autora, quien recuerda que en el proceso de creación fue fundamental la entrevista en Radio Euskadi entre, Aritz, el hijo de Ernesto Aranburu —sindicalista miembro de la mesa de HB que se suicidio ahorcándose en un caserío en 1997— y María, la hija del político asesinado por ETA Juan María Jauregui en el año 2000. “Creo que es una de las entrevistas más memorables que ha habido en relación con la convivencia en Euskadi. Me acuerdo que, cuando conté a mi cuadrilla de qué trataba la obra, salió a colación Aranburu y una amiga me miró y me dijo 'Eugenio es mi tío y yo fui la niña que le encontró cuando se quitó la vida'. Hasta ese punto a veces no hablamos aquí”, señala.

Un equilibrio en la cuerda floja

La obra comienza con el testimonio de los implicados de lo que ocurre en el Bar Koxka, lugar donde se produjo la agresión. No se obvian los brutales insultos de odio que recibieron los guardias civiles y sus parejas. “¡Dale más fuerte al puto perro guardia! ¡Teníais que estar muertos, cabrones!”, resuena en escena. A partir de ahí, el devenir procesal y judicial del caso se va desmenuzando. Así, se nos va contando, gracias a los testimonios de la defensa, cómo la declaración del dueño del bar aparece modificada, sin firmar y con fecha de otro día. Se cuentan las ruedas de identificación más que dudosas, y se explica el papel fundamental que tuvo el Grupo de Víctimas del Terrorismo que fue el primero en pedir una acusación a los implicados por delito de terrorismo y delito de odio. También fue el primero en relacionar la causa al movimiento ciudadano de Altsasua llamado Ospa Eguna (día de la partida), acto que todos los años tiene lugar en esta localidad y en el que se pide la salida de las fuerzas armadas del Estado de Euskadi y Navarra. Algo que fue vital para que la causa pasase a ser juzgada en la Audiencia Nacional, quien hizo suyos los razonamientos de GVT y decretó prisión incondicional a los acusados. De repente, suena en escena: “Un abrazo y todo nuestro ánimo a la @guardiacivil tras la brutal agresión sufrida por dos de sus miembros. No habrá impunidad”, el tweet escrito por el entonces presidente del Gobierno Mariano Rajoy.

Pero del otro lado, en escenas que se van intercalando de manera constante, comienzan a oírse las razones de los guardias civiles que viven apartados a varios kilómetros, ya en el monte, en la casa cuartel. Se cuenta la llegada de uno de ellos al pueblo lleno de ilusión y cómo todos sus intentos de relación con la comunidad son vetados e incluso censurados. Se narra también la situación de la novia del teniente de la Guardia Civil, de origen ecuatoriano y habitante de Alsasua. Cómo le retiran el saludo y le hostigan a partir del día de la agresión, cómo su cuadrilla de amigas desde los tres años le deja de hablar, sus problemas para dormir, la medicación, la claustrofobia. Su padre, un comerciante de Alsasua, dice en la obra: “Después de la agresión, mi hija tuvo que irse de Alsasua y mi mujer y yo sufrimos las consecuencias desde dentro: dañaron una máquina de bolas de nuestro bar y golpearon nuestro coche; nos colocaron pegatinas y pancartas en la puerta de nuestra casa; nos gritaban desde la acera cosas como 'traidores', 'fuera de aquí' o 'el pueblo no perdona'. Nos hicieron el vacío”.

Son testimonios que recuerdan mucho a otros tiempos. Pero quizá el momento más tremendo es la escena en que la mujer del otro guardia civil recibe una carta en la que se amenaza la vida de su hija de año y medio. “Decidimos pedir el traslado. Cuando amenazan a tu hija de año y medio… cuando alguien es tan inhumano como para amenazarte con lo que más quieres en el mundo que es un ser frágil e indefenso… no hay nada que pensar. Te vas. Sales corriendo de esa pesadilla. La misma forma de operar. La misma carta intimidatoria que ETA enviaba a empresarios, políticos, periodistas… la misma calaña humana”, dice la madre en la obra.

Al preguntar a Pikaza y Goiricelaya cómo se recibió este vaivén emocional en las representaciones en Euskadi y Navarra, las anécdotas son innumerables. Cuentan cómo, en varias ocasiones, guardias civiles fueron a ver la obra, y que incluso alguno de ellos les hizo saber que la historia les parecía “bien contada”. Cuentan cómo los padres de los implicados poco a poco fueron yendo a ver la obra. Algunas de las reacciones no fueron buenas. “Gente muy cercana al caso nos ha hecho saber que no estaban de acuerdo, que incluso la obra les había hecho mucho daño. Estamos hablando de muchos años de cárcel, es algo muy serio, sabemos que para un familiar puede ser muy doloroso. Pero la obra no está hecha para satisfacer a nadie. La obra intenta reflexionar sobre qué hacer cuando hay posturas que son irreconciliables, sobre cómo podemos asumir eso y avanzar como sociedad”, explica Goiricelaya.

En defensa de la periferia

Altsasu está de gira. En abril llegará a A Coruña y Pontevedra. En mayo a Pinto (Madrid). En julio podrá verse en Barcelona, en el Teatre Lliure dentro del Festival GREC. Además, la compañía acaba de cerrar, al fin, contratación con el Teatro de la Abadía de Madrid para la temporada que viene. “Estas contrataciones han sido previas a las nominaciones en los premios Max. Para nosotras esto muy importante. Es el primer espectáculo con el que hemos conseguido salir de Euskadi, y ahora con las nominaciones no podemos estar más felices”, afirma Pikaza que además está nominada al Premio a Mejor Actriz por Yerma.

Al preguntarles su opinión sobre la gran presencia en los premios Max de trabajos de la periferia que incluso no se han visto en Madrid o Barcelona, Goiricelaya lo tiene claro: “Estoy muy contenta y a favor de que los premios estén descentralizados y miren a la periferia. Las primeras sorprendidas hemos sido nosotras, una compañía independiente de mujeres jóvenes vascas que de repente tiene cinco nominaciones, pues en principio parece imposible, ¿no? Pues me alegra que sea posible, aplaudo esto de los Premios Max, me alegra mucho la mirada al trabajo de pequeñas compañías con menos recursos y menos visibilizadas. Lo defiendo”. Este año, además, dirigirá obra propia en el Centro Dramático Nacional y ya ha comenzado el proceso de trabajo del próximo montaje de La Dramática Errante, Ni flores, ni funeral, ni cenizas, ni tantán, obra que aborda la temática de los cuidados paliativos y que ya ha sido publicada por el propio Centro Dramático Nacional que alojó a la autora como residente para escribirla.

Estas dos compañeras de escuela de teatro, que luego trabajaron durante un decenio en la misma compañía vasca, Kabia Teatro, y que formaron la propia hace seis años, no paran. Desde hace un año, además, dirigen uno de los festivales históricos, el Festival de Olite, al que están dando un revolcón con una línea contemporánea y de teatro social que quieren seguir defendiendo. “Además este año hemos conseguido que haya más trabajos dirigidos y escritos por mujeres que por hombres. Va a ser un Olite paritario. Esa es nuestra línea roja, y cuesta, no es fácil encontrar más trabajos de mujeres que de hombres, algo que demuestra que todavía la equidad no es real”, concluye Goiricelaya.

Los Premios Max de las Artes Escénicas han anunciado este martes los finalistas de su 26ª edición, cuyos ganadores se darán a conocer el próximo 17 abril. Los galardones, organizados por la SGAE, premian el talento de los profesionales del Teatro y la Danza del país. El bosque, de Mario Bermúdez Gil, parte como favorita con cuatro nominaciones: Mejor espectáculo de danza, Mejor interpretación femenina, Mejor interpretación masculina y Mejor composición musical. La ceremonia se celebrará en el Gran Teatro Falla de Cádiz y será retransmitida en directo a partir de las 20h en La 2 de RTVE, a través del Canal Internacional y de RTVE Play.

Altsasu, Crim i càstig, La infamia, La voluntad de creer y Zona inundable son los títulos que aspiran a alzarse con el Premio Max a Mejor espectáculo de teatro. Yerma, la adaptación de la obra de Federico García Lorca, parte con tres nominaciones, que incluye Mejor dirección de escena para María Goiricelaya. Comparte número de nominaciones con Cucaracha con paisaje de fondo de Mujer en obras.

En las categorías interpretativas, Ane Pikaza por Yerma, Marta Nieto y Marina Salas (ex aequo) por La infamia y Pepa Pedroche por Los Santos Inocentes, optan al Premio Max a Mejor actriz. En el apartado masculino compiten por el galardón Alfredo Noval por La vida es sueño, Carlos Hipólito por Oceanía y Pere Arquillué por L'adversari.

Además, ya se han concedido dos premios especiales: el Premio Max de Honor, que distinguió la trayectoria de la compañía Tricicle, y el Premio Max aficionado o de carácter social para la labor de Payasospital, una asociación fundada por Sergio Claramunt que actúa en hospitales pediátricos de la Comunidad Valenciana. También se otorgará por primera vez el Premio Max del público, con el que un jurado profesional reconocerá un espectáculo que destaque por su calidad artística o técnica, y esté sustentado en la masiva asistencia de espectadores y de permanencia en cartelera de las últimas cinco temporadas.

Lista completa de nominados

Mejor espectáculo de teatro

Mejor espectáculo de danza

Mejor espectáculo musical o lírico

Mejor espectáculo de calle

Mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar

Mejor espectáculo revelación

Mejor autoría teatral

Mejor autoría revelación

Mejor adaptación o versión de obra teatral o coreográfica

Mejor composición musical para espectáculo escénico

Mejor coreografía

Mejor labor de producción

Mejor dirección de escena

Mejor diseño de espacio escénico

Mejor diseño de vestuario

Mejor diseño de iluminación

Mejor actriz

Mejor actor

Mejor intérprete femenina de danza

Mejor intérprete masculino de danza

'Las hermanas de Manolete', del albaceteño Gabriel Olivares, ha logrado seis candidaturas en los Premios Max de las Artes Escénicas, convocados por AISGE, que este año alcanzan su vigesimosexta edición.

Las seis candidaturas son Mejor Espectáculo para El Reló Producciones, Mejor dirección de escena para el propio Gabriel Olivares, Mejor Diseño de Espacio Escénico para Marta Guedán, Mejor actriz y Mejor Autoría Teatral para Alicia Montesquiu y Mejor Vestuario para Mario Pinilla.

El teatro Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa de Madrid estrenó en enero de 2022 'Las hermanas de Manolete', que continúa de gira nacional. Una historia de ficción basada en los personajes reales que rodearon la muerte del torero Manolete en 1947.

Está protagonizada por mujeres --Alicia Montesquiu, Alicia Cabrera y Ana Turpin--, que muestran un retrato de la sociedad franquista de esos años, en la que las mujeres eran meros objetos que no debían sobresalir sin permiso. Una historia de ineptitudes y oscuridad que lleva a la tragedia de varios seres: a un hombre considerado un dios, a un toro y a una actriz enamorada.

A lo largo de la historia hay poca información sobre las mujeres que han ido rodeando a personajes ilustres de épocas pasadas y cuanto más foco se pone en ellas, que han permanecido en segundo plano social, más nos sorprende lo que encontramos. “Mujeres valientes, creativas, terribles, mujeres con muchas cosas que aportar, buenas y malas, a la sociedad que las sepultaba en sus casas. En el caso del torero Manolete, la historia de las mujeres que le rodeaban es sorprendente. Se movían haciendo y deshaciendo una tela de araña a su alrededor, en el pequeño espacio que brindaba la sociedad a todo lo femenino”.

El albaceteño Gabriel Olivares dirige la compañía El Reló Producciones y también dirige y produce 'Las hermanas de Manolete'. Olivares ha escrito y dirigido obras como 'El día del padre', 'Arte', 'La importancia de llamarse Ernesto', 'Burundanga', 'Más apellidos vascos', 'Windermere Club', 'Our Town', entre otras. Crea TeatroLAB Madrid, una compañía especializada en la investigación y entrenamiento actoral que desarrolla su trabajo a partir de los métodos Suzuki y Puntos de Vista Escénicos. Con esta compañía ha adaptado y dirigido obras como 'La Caja', 'Our Town', 'Gross Indecency' o 'Proyecto Edipo'.

María Velasco escribe duro, desagradable incluso. Pero lo hace lento. Su teatro aún no está hecho pero raspa como un accidente de moto, de manera larga y erosionando por capas. Su última obra, Talaré a los hombres de sobre la faz de la tierra, habla sobre su vida lastrada de horrores y sobre una sociedad que, aún vestida con todos los oropeles de solvencia y humanismo, sigue hediendo al mismo tiempo que hiere y lesiona al individuo. A la mujer en concreto. La pieza es un ataque furibundo a la sociedad patriarcal y su capacidad de anular a las mujeres desde una edad temprana. Pero también es una apuesta por un teatro confesional que clama expiación al mismo tiempo que capacidad para perdonar.

En esta obra larga, desacompasada pero bella, la autora une de manera poética el maltrato de género con el ecocidio. El público asiste al derrumbe emocional y sexual de una niña que está por crecer (Laia Manzanares) en un universo masculino que arrasa mujeres como el fuego bosques, sin contemplación, masivamente, dejando una herida global e irreparable. Se representa la lucha de una mujer milenial que se niega a ser víctima en manos de maltratadores, pero que se asfixia en silencios fruto de la vergüenza. La protagonista se prostituye para financiar su doctorado, pero también para castigarse y para redimirse. Dice en la obra: “Te abres de piernas a aquello que siempre ha estado conviviendo contigo. Por fin, les miras a los ojos. En el jacuzzi somos mil. Para descolonizar mi cuerpo, lo sometí a una guerra de guerrillas. Todas las metamorfosis duelen”.

Un árbol cae, una mujer desaparece

Talaré a los hombres de sobre la faz de la tierra muestra con crudeza la dificultad de renacer, de formarse como adulto después de una infancia y adolescencia infeliz. “Lo preocupante es que no somos niños de la guerra ni hemos vivido situaciones de exclusión fuerte. Yo provengo de una clase media baja. Aun así, en una sociedad avanzada como la nuestra se sigue ejerciendo a cada paso un deterioro brutal de la materia prima con la que una persona nace. Acaban con lo mejor que hay en el ser humano”, explica esta autora que comparte la visión de Franz Kafka, Elfriede Jelinek o Thomas Bernhard de una sociedad donde términos como educación y humillación, sexo y transacción, o mujer y utillaje, han acabado por ser sinónimos. “Nunca podré hacer teatro de vanguardia porque tuve una infancia infeliz. Arrastro ese legajo, todavía sigo haciendo teatro para perdonar. Todavía tengo mucha basura que purgar en casa. Son cosas que salen de manera obsesiva en las obras porque está en mi pasado. Es algo con lo que todavía estoy dialogando. Tengo muchos muertos en el armario. Todavía sigo triturando basura”, explica.

Tengo muchos muertos en el armario. Todavía sigo triturando basura

En un momento de la obra asistimos a una especie de diario donde se cuenta la incursión de esta joven en la prostitución al mismo tiempo que trabaja en su tesis doctoral. Tras el cliente número uno, el personaje nos cuenta que pudo comprar pescado y corregir el marco teórico. Tras el segundo, que compra una cuña de queso, un vino reserva y corrige el marco metodológico de la tesis… Se mezcla la prostitución carnal y la intelectual. Pero la voluntad no es solo metafórica. Velasco es valiente, no se esconde y deja claro, en la obra y a este periódico, que lo que está viendo el espectador pertenece al pasado de la autora: “Sí, todo forma parte de mi pasado y sería una hipocresía no decirlo cuando se está hablando justamente de superar el tabú, de romper estigmas que se producen justamente por el silencio, porque no somos capaces de decir: 'yo estuve ahí'. Lo que me interesa es que el espectador sienta que hay una realidad en las palabras más allá de que sea biográfico, que hay carne, que la obra ha sido vivida y encarnada. Da igual quién lo firme. Lo que se está contando quema, me quema, por dentro. Ese es mi pacto para mantener la atención y para que la gente me regale dos horas”, sostiene aludiendo a una transacción con el público un tanto irónica.

María Velasco ganó el premio Max a la mejor autoría teatral el pasado junio. En la gala, Velasco subió al proscenio y dijo: “Como autora solo se me ocurren palabras malsonantes”. Después, contó cómo la pieza pudo hacerse desde la “autoproducción profundamente esforzada” y también aludió a la prostitución: “Sí, dije que hasta que no haya un día que no sea más vergonzoso decir que eres putero que prostituta, tenemos un problema. Y es verdad, ese día daremos menos asco. Pero bueno, no tuvo mucha repercusión, la memoria histórica sí es política, la prostitución parece que menos”, argumenta Velasco.

En medio de una guerra

Velasco lleva más de un decenio escribiendo textos y recibiendo premios. Poco a poco va dirigiendo sus obras. Está intentando erigir un lenguaje no solo literario, sino escénico. Ya son más de diez años de precariedad, de montajes efímeros y sin verdaderos espacios donde poder trabajar y experimentar cómo esa escritura puede tomar forma en escena. Si bien sus textos han sido reconocidos, su teatro no ha tenido una recepción fácil en el espectador. Su montaje sobre la novela de Boris Vian, La espuma de los días (1947), que pudo verse en el Teatro Español en 2019, era una obra interesante donde el clásico de Vian se acometía con libertad desde un teatro que anteponía las poéticas del cuerpo y el espacio a las nociones más tradicionales de conflicto, ritmo, fidelidad al texto y acción dramática. La recepción de la obra fue mala, se la acusó de inexperiencia, de no saber abordar diálogos ni dirigir actores. La guerra entre el teatro que sigue el canon y ese otro teatro experimental, que dialoga con los tiempos y usos de la plástica y el cuerpo, sigue bien presente en este país.

El teatro de Velasco está en medio de esa guerra. “En escritura he experimentado todo lo que he querido desde mi escritorio, pero no he tenido las mismas oportunidades de residencias para dirigir y trabajar con los actores y el espacio. En eso soy muy virgen. La gente entendió La espuma de los días como un error, como una falla en la dirección de actores y la puesta en escena de los diálogos. En Talaré... escribí diálogos para que la gente entendiese que mi manera de tratarlos es una elección poética y no tiene que ver con una zona de ignorancia”, explica sobre su última obra. Después de representarse en septiembre en la Cuarta Pared de Madrid, viajará a la Sala Beckett de Barcelona, a Badajoz y a Alicante.

En Talaré... los diálogos están bien escritos y tienen ritmo al mismo tiempo que se permiten un nivel poético nada costumbrista. Pero en escena, si bien esa poética está presente, el ritmo de los diálogos se lastra a voluntad buscando otro tiempo, un extrañamiento donde reinan los silencios entre las réplicas. Ahí, además, cuenta con bregados actores como Miguel Ángel Altet o Beatrice Bergamín que dan forma a ese otro tempo. Velasco parece querer talar su ritmo como quien se deshace de una floritura, parece querer desmembrar los textos buscando qué queda después del desastre. “Estoy en cierto modo influenciada por un teatro, como el de Emilio García Wehbi y Maricel Álvarez, donde la actuación se aborda desde un tiempo extraño, desde un extrañamiento experimental que no aprendí en ninguna escuela pero que me caló cuando lo vi”, explica Velasco citando a estos dos creadores argentinos fundamentales en el teatro de aquel país.

“Busco tiempos distendidos, muertos. Es un tiempo, además, menos manipulador con el espectador. Cuando me dicen que la gente se desconcentra viendo la obra me encanta, busco eso, si fuera valiente sería mucho más extrema. Admiro a los compañeros que trabajan esculpiendo el tiempo en escena, para mí eso es mucho más importante que el conflicto, la acción dramática y los demás sacrosantos cánones teatrales. Pero me queda mucho camino”, concluye la autora.

Meritocracia y mediocridad

En Talaré..., Velasco junta feminismo, ecocidio, maltrato, prostitución, simbolismo, danza y performance en una propuesta que intenta deformar el teatro naturalista hacia un terreno todavía no hallado. Velasco todavía no lo tiene agarrado. Su escritura todavía va por delante de la propuesta escénica. Sus textos tienen la capacidad poética de relacionar temas y símbolos al mismo tiempo que pueden convertirse en armas arrojadizas, escupitajos llenos de rencor restitutivo. La escena final de Talaré... en que Velasco, que se doctoró en 2015 en Comunicación, espeta al tribunal de su tesis lo que en su día no pudo decirles, es una verdadera apostasía de la meritocracia varonil donde no queda títere con cabeza.

Al comentarle la dureza del texto, Velasco lo tiene claro: “Es mi experiencia como alumna y como profesora. En la universidad el sistema de acceso al profesorado perpetúa la mediocridad y la cosificación del conocimiento. Los catedráticos, casi todos hombres, lo único que intentan es perpetuar sus metodologías y su visión. Conocimiento y ego van de la mano. El pensamiento es discusión, controversia y no crear groupies. En las escuelas de teatro pasa lo mismo, están llenas de profesores 'gurú' que viven de la adoración que les profesan niñas de 18 años, profesores que ya no están cerca del teatro y que toda la relación erótica que tienen en sus vidas es en las clases. Eso es un peligro”, razona.

Ahora, después de recibir el premio Max, Velasco tendrá la oportunidad de producir con más tiempo y medios. Prepara nueva obra para 2024 y ya está en conversaciones avanzadas con dos de los teatros nacionales más importantes del Estado para que apoyen y alojen el montaje. La obra aborda el asesinato en Burgos de una niña de seis años coetánea de la autora. Un caso no resuelto que puso patas arriba la ciudad de Velasco. Pero nada está asegurado. Su teatro está naciendo, los tratamientos simbólicos y estéticos de la obra fallan recargando más que abriendo huecos, y las escenas de diálogos extrañados apuntan, pero todavía no dan en la diana. En Talaré... incluso hay momentos en que la poética del cuerpo, ejercicios cercanos a la danza pulcramente ejecutados por Joaquín Abella, chocan diametralmente con la propuesta. Quizá esto mismo sea lo valioso de la obra, poder asistir como espectador a una manera no acabada, poder acompañar esa búsqueda. “Estoy en la cuarentena, ahora tendré la oportunidad de caerme con todo el equipo, de cagarla, pero por lo menos lo haré en condiciones”, concluye.

Si bien el espectáculo de Barco Pirata, Una noche sin luna, se hizo con dos de los galardones importantes (Mejor Actor y Mejor Espectáculo) en los premios Max 2022, quien obtuvo más galardones fue Canto jo i la muntanya balla, con tres estatuillas: Mejor Dirección, Mejor Diseño de Espacio Escénico y Mejor Composición Musical. Un espectáculo, este último, producido por La Perla 29 que se estrenó en la pequeña sala que esta compañía tiene en la Biblioteca de Catalunya. El trabajo de La Perla 29, colectivo artístico que nació a principios de siglo, lleva prodigando un teatro serio donde se junta la creación contemporánea y el repertorio. Estos tres premios también son un merecido reconocimiento a toda esa trayectoria.

Juan Diego Botto no pudo asistir a la gala al encontrarse en un rodaje. Recogió el Premio al Mejor Actor su hermana Nur Al Levi, que leyó una carta en la que Botto dedicó a su madre, Cristina Rota, el premio. Carta en la que quiso también hacer hincapié en la figura de los desaparecidos de la Guerra Civil afirmando que “miles de personas siguen esperando en las cunetas de este país que se siga haciendo justicia, esperando a que sus restos puedan tener una sepultura digna junto a sus seres queridos”. Subió Sergio Peris-Mencheta junto a Cristina Rota y Concha Busto a recoger el Premio a Mejor Espectáculo al grito de: “Viva Lorca, viva Botto y viva la madre que los parió”, tras lo cual también decidió leer unas palabras de Botto con gran carga política y en las que denunció “el auge de la extrema derecha, una ideología empeñada en negar derechos a los demás, esa ideología que dio un golpe de Estado, provoco una guerra y trazó un plan de exterminio, una ideología empeñada en apropiarse de la españolidad para expulsarnos a todos los demás, a toda la ciudadanía que piensa distinto”. Quiso también, Botto, tener un recuerdo al Cono Sur americano al decir: “García Lorca es el desaparecido más famoso de nuestra historia, pero no es el único”.

La danza, una de las grandes ganadoras

La danza tuvo una presencia mayor este año al llevarse también los Premios de Mejor Iluminación, que obtuvo Nicolás Fischtel por CreAcción, y el de Mejor Diseño de Vestuario, que obtuvo Ana Garay por Rebelión. Pero el gran ganador de la noche, frente a nombres del calado de Rocío Molina o Jesús Rubio fue Jesús Carmona, Premio Nacional de Danza 2020, que se hizo con dos galardones: Mejor Espectáculo de Danza y Mejor Intérprete Masculino de Danza. Destacó también la presencia de la danza de Euskadi. La balilarina de Zumaia, Lucía Lacarra, se aupó con el Premio a Mejor Intérprete Femenina de Danza por el espectáculo In the still of the nigth; y otro de los valores de la danza vasca, Iratxe Ansa, también Premio Nacional a la vez que Carmona, junto con su compañero Igor Bacovich, consiguió, además del mencionado Premio a Mejor Iluminación, el Premio de Mejor Coreografía por CreAcción.

Las sorpresas vinieron en los premios más pequeños. Así, Alessandra García, una de las representantes de ese movimiento vanguardista y comunitario malagueño entre el que se encuentran otros artistas como La Chachi y Alberto Cortés, recogió el Mejor Espectáculo Revelación. La otra sorpresa fue el Premio a la Mejor Autoría teatral que ganó María Velasco pasando por encima de los grandes favoritos, el propio Juan Diego Botto y Joan Yago que firmaba la obra producida por el Teatro Nacional de Catalunya, De què parlem mentre no parlem de toda aquesta merda. Velasco fue premiada por su obra Talaré a los hombres de sobre la faz de la tierra, obra poética y de gran densidad textual que la autora, también directora de la pieza, tuvo que producir a fuerza de pulmón desde la autogestión. Velasco denunció esta situación con un discurso que comenzaba con un claro: “Siendo escritora solo se me ocurren palabras malsonantes. Este camino ha sido muy difícil”. Además, aprovechó para agradecer a la Cuarta Pared, sala madrileña que volverá a exhibir esta obra el próximo septiembre, su apoyo durante todo el proyecto. Los otros premios de autoría recayeron en Sandra Ferrús y su obra La Panadera, Mejor Autoría Revelación. Y en Julio Manrique, Marc Artigau y Sergi Pompermayer que obtuvieron el Premio a la Mejor Adaptación por Carrer Robadors.

Una Monroe de piernas largas

Samantha Hudson decidió presentarse de Afrodita Hudson en una versión musical de Parole parole de Mina Mazzini y Alberto Lupo, versión donde el título se convertía en un “paraules, paraules”, haciendo referencia a la palabra presente en el arte escénico. Con aspecto de Monroe frontal y con piernas hermosas y largas, fue uno de los momentos de más fuerza escénica de la gala. Presencia que tuvo chiste incluido: “Voy muy Ainhoa Arteta, bueno, más teta que Ainhoa”. Presentó Samantha Hudson el Premio al Mejor Espectáculo de Calle, que recayó en la compañía Kamchátka, y el Premio al Mejor Espectáculo Infantil, que recayó en la longeva e indispensable compañía El Espejo Negro y su espectáculo Cris, pequeña valiente, obra sobre una niña transexual, “los niños transexuales existen, pido un gran aplauso para todos esos niñes que viven con nosotros, ser diferente no es malo, es enriquecedor”, dijo el director de la compañía Ángel Calvente. El Teatro del Soho de Málaga, que también coproducía Cris, pequeña Valiente, se hizo además con el Premio de Mejor Espectáculo Musical, que recogió Javier Banderas que en directo reprodujo un mensaje de audio de su hermano Antonio para agradecer el premio y revindicar la lucha “por las artes escénicas en unos tiempos que parece que solo las cosas que están grabadas existen”.

José Luis Alonso de Santos recibió el Premio Max de Honor, tuvo un discurso medido y juguetón, “traía un papel, pero lo he perdido”, donde destacó el papel de su familia y sus colaboradores a quienes quiso dedicar el premio. “Yo si acaso me voy a quedar con la peana de este premio, voy a recibir la peana de honor”, dijo señalando la parte inferior de la estatuilla. “Me gusta ser peana, para que otros se suban encima, para que otros se apoyen”, concluyó metafóricamente.

Miquel Iceta fue el gran ausente. Imposible llegar al Consejo de Ministros del día siguiente, adujeron fuentes oficiales. El marco fue inmejorable, un precioso teatro de 1829, el Teatro Principal de Mahón, primer teatro de ópera del país. Pequeño, precioso, acogedor y que supo irradiar el calor con que se ha fabricado esta gala donde el mar Mediterráneo fue el principal protagonista, olas y denuncias medio ambientales incluidas, pero a la que le faltó presencia escénica y un tanto de fuerza. Tuvo momentos que rozaron el desastre, como el número de uno de los organizadores de la gala, Josep-Pere Peyró, o la incomprensible zozobra, de Juan José Solana, presidente de la Fundación SGAE, que visiblemente nervioso perdió el hilo en un discurso que acabó siendo un tanto incomprensible y que quería insuflar al público el ir al teatro, levantarse del sofá y apoyar un sector que en los últimos meses está teniendo una asistencia menor. La presencia cercana y medida de los presentadores, Clara Ingold y Josep Orfila, salvó una gala que por momentos hacía aguas. Al final, una gala rápida, sosa y eficaz.

1. Mejor espectáculo de teatro

Una noche sin luna de La Rota Producciones; Concha Busto Producción y Distribución; y Barco Pirata

2. Mejor espectáculo de danza

Baile de bestias de Compañía de Danza Jesús Carmona

3. Mejor espectáculo musical o lírico

Company de Teatro del Soho Caixabank

4. Mejor espectáculo de calle

Alter de Compañía Kamchàtka

5. Mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar

Cris, pequeña Valiente de El Espejo Negro y Teatro del Soho Caixabank

6. Mejor espectáculo revelación

Mujer en cinta de correr sobre fondo negro de Alessandra García

7. Mejor autoría teatral

María Velasco González por Talaré a los hombres de sobre la faz de la tierra

8. Mejor autoría revelación

Sandra Ferrús por La panadera

9. Mejor adaptación o versión de obra teatral

Julio Manrique, Marc Artigau y Sergi Pompermayer por Carrer Robadors

10. Mejor composición musical para espectáculo escénico

Judit Neddermann por Canto jo i la muntanya balla

11. Mejor coreografía

Iratxe Ansa e Igor Bacovich por CreAcción

12. Mejor labor de producción

Unahoramenos Producciones por Moria

13. Mejor dirección de escena

Guillem Albà y Joan Arqué por Canto jo i la muntanya balla

14. Mejor diseño de espacio escénico

Alfred Casas y Laura Clos 'Closca' por Canto jo i la muntanya balla

15. Mejor diseño de vestuario

Ana Garay por Rebelión

16. Mejor diseño de iluminación

Nicolás Fischtel por CreAcción

17. Mejor actriz

Mònica López por De què parlem mentre no parlem de tota aquesta merda

18. Mejor actor

Juan Diego Botto por Una noche sin luna

19. Mejor intérprete femenina de danza

Lucía Lacarra por In the still of the night

20. Mejor intérprete masculino de danza

Jesús Carmona por Baile de bestias

Premio de Honor

José Luis Alonso de Santos

Max Aficionado de carácter social

Paloma Pedrero por Caídos del cielo

En una pequeña sala de Madrid, Nave 73, ha vuelto a resurgir, desde el rencor y el fracaso convertidos en luz y entrega, la figura de uno de los performers del teatro-danza más pujantes del país. Hace ocho años, Alberto Velasco surfeaba una ola de premios y reconocimientos, pero dos más tarde su carrera se truncó y comenzó un desierto de inseguridades que le llevaron a la inquina y la soledad. Sus proyectos no recibían apoyo y comenzó a recorrer el terreno abrupto del fracaso. Una etapa en que la autocompasión se vuelve compañera y la vida se desmorona. De ese periplo surge esta obra, Sweet Dreams, abordada con fragilidad, sinceridad y humor. Con medio cuerpo de Joker y otro medio del Cremaster de Matthew Barney, Velasco sangra y quiere brillar.

La hecatombe le llegó cuando recibió el Premio Max en el año 2016. Antes, Velasco prometía e iba subiendo escalones. Lo hizo desde que en 2007 creó su primera pieza, Vaca. En ella, con camiseta imperio y calzoncillos abanderados, hacia un alegato de la libertad queer y gorda contra cánones y corsés que le valió premios en su ciudad natal, Valladolid. Luego, Velasco sería succionado por una de las artistas más intensas del teatro-danza de este país, Marta Carrasco. “Marta dejó un poso en mi absoluto, fueron seis años muy intensos, me chupó. Y salir de ahí, poder desligarme y abrazarlo con cariño me costó mucho”, confiesa Velasco. Una etapa de formación y crecimiento en la que también trabajó con Alicia Soto e Hiroko Tanahashi.

Entre 2012 y 2016 le llega la confirmación en Madrid como creador. Había dejado Francia y el universo Carrasco, y se afianzaba. Trabaja con el coreógrafo Chevi Muraday de Losdedae en Cenizas, obra que resulta finalista en los premios Max, que incluye textos del propio Velasco y de un incipiente Pablo Messiez, y con la que viajan por Europa y América. Trabaja con Carlota Ferrer en Los nadadores nocturnos, le nominan al premio Max como actor secundario. La gente lo quiere, la profesión lo reconoce. Con Muraday repite fórmula y crean la pieza En el desierto un año más tarde, ganando el premio Max al mejor espectáculo de danza. La cosa sigue funcionando. “Esa época fue buena, fue buena, buena”, recuerda. Ese mismo año se atreve y monta espectáculo. Velasco no es actor, es intérprete, performer, y en escena no está para repetir y repetir, sino para crear y expandir. Y así, como paso natural, se atreve con un espectáculo propio: Danzad malditos. Triunfa; crítica y público lo jalean. Gana el premio Max al mejor espectáculo. En un mismo año, dos Max. Velasco cree en esa gala que el mundo se abre, se postra a sus pies. “Me decía: 'Ahora me recibirán en los despachos'. No sucedió. Presenté proyectos, llamé y llamé, y nada. No sucedió nunca”, recuerda.

Me decía: ahora me recibirán en los despachos. No sucedió. Presenté proyectos, llamé y llamé, y nada. No sucedió nunca

Paradójicamente, es justo en esa gala cuando comienza el desierto, la desorientación. No todo es tan fácil. Velasco monta La inopia. Coreografías para un bailarín de 120 kg, en el Teatro Kamikaze, foro de la gente de teatro de la capital del momento. Se hace tan solo dos días: “No funciona, no sale gira. Reconozco que me equivoqué, tenía cosas chulas, pero sí, soy muy crítico y no se me caen los anillos por decirlo. No estaba redonda”, recuerda. Intenta montar otro espectáculo: Escenas de caza, obra de una de las autoras que despuntan en ese momento, María Velasco. Nada: tres funciones. Llega la soledad. No volverá a dirigir en teatro hasta ahora, su carrera en televisión (Señoras del (H)ampa, Vis a vis, El vecino...) se ralentiza… “Pensaba que mi trabajo no interesaba, hacía proyectos con dramaturgos, proyectos de teatro-danza, los presentaba y me decían que no o ni me recibían. O me llegaba un mail del Centro Dramático Nacional que decía escuetamente que no les interesaba mi trabajo. Entonces intentaba modificar mis planteamientos, buscaba dar con la tecla de lo que se quería mostrar en Madrid y en el mundo. Me perdí”, explica. “La vida se me fue a la mierda, no sé separar una cosa de la otra. En lo personal también sentía desorientación y fracaso. Todo estaba unido, vida y trabajo, y me decía: 'Ya has hecho lo que tenías que hacer, ahora chao, se acabó, no tienes nada que contar''”, explica.

Una residencia, una salvación

Muchas veces los artistas exigen espacios y apoyo para la creación. “Una sala en Madrid, pequeñita, para ensayar una semana, son quinientos euros mínimo”, confiesa Velasco. “Para mí todo cambia cuando la Compañía Nacional de Danza me da una residencia y un espacio para trabajar. De repente me dicen 'que sí, cariño, que te buscamos unas fechas'. Y en cuanto empiezo a ensayar allá, en esas salas generosas de espacio y luz, veo que las cosas funcionan. Llegué siendo un despojo. Trabajé desde ahí. Me hice acompañar por María Pizarro que me animó a exponerme, yo andaba un poco traumado y me daba miedo. Y ahí comencé a ver que funcionaba, que conectaba, que no me daba pereza hacer los pases. Esto es importante. Cuando te da pereza hacer pases es que algo va mal. Comencé a fluir, a estar en contacto conmigo mismo, a permitirme, a meter músicas, a tener libertad”, explica Velasco que incluso afirma no tener la sensación “de hacer una pieza”. “Cuando entro en la obra es como si siguiese con mi vida, la atravieso, acaba y la vida sigue, pero sin sensación de que hubiese parado. No hay show, por eso tiene algo de especial este trabajo. La pieza me ha dado una naturalidad escénica con la que no contaba, porque no estoy empujándome. Estoy muy de acuerdo con lo que hago en la obra, estoy tranquilo, si mañana se acaba todo pues que le den”, cuenta.

Cuando entro en la obra es como si siguiese con mi vida, la atravieso, acaba y la vida sigue, pero sin sensación de que hubiese parado. No hay show, por eso tiene algo de especial este trabajo

Todo comienza como un ritual postdramático de raíces oscurantistas y castellanas. Velasco, gordo y con una actitud afirmativamente gay, sale a escena y se tumba sobre una tela enorme en la que se ve el cuadro Agnus Dei de Zurbarán. Realiza movimientos de suelo de una danza mínima, contemporánea. Las luces juegan al claro oscuro de tintes goyescos. El tiempo es lento, el simbolismo apuesta por la intuición, se huye de lo ilustrativo. Todo recuerda a una escena experimental española de principios de siglo que parece ya ida. Velasco se pone un capirote de Semana Santa, que más bien parece el de la Santa Inquisición. Ahí comienza un trabajo de cuerpo, de espalda, que lo convierte en pájaro con el propio capirote oficiando de pico del animal. Los referentes no paran, si al principio pareciera una obra de Angélica Liddell iluminada por Carlos Marquerie, ahora la escena se convierte en un trabajo de claras referencias al teatro-danza de Marta Carrasco.

Tras esta apertura, Velasco decide romper la escena, coge el micrófono y dice: “1983, un señor ya bastante grande asoma al mundo haciendo romper aguas a su jovencísima madre (…) Nunca más me ha vuelto a gustar madrugar (…) Como banda sonora de mi nacimiento, Eurythmics publica Sweet Dreams (Are made of this). Fui bautizado con este salmo”. Comienza a sonar la canción de la banda británica, pero en voz de Holly Henry. Bienvenido a un mundo de fulgor y deseo, de dolor y soledad, de luz y sombra.

A partir de ahí, el actor irá desgranando en escena una radiografía de su momento como artista y ser humano. Lo hará aunando géneros. Delirante sketch de una receta de un brownie en la que los ingredientes son 200 gramos de trauma, 110 de entorno normativo, 12 de buenas intenciones, 85 gramos de sal de tu zona de confort y una cucharada de esencia de amor romántico. Escena con playback del tema Vuelve conmigo de Anabel Conde que juega con el “quién se acuerda de ella hoy” en estos días de gloria de Chanel y SloMo. Y textos de gran carga poética sobre la infancia como reino perdido, sobre el pasado convertido en un paisaje de catástrofes, sobre el horrible miedo a la depresión: “Con la boca llena de veneno y unas ganas enormes de huir, de quitarme los zapatos y no moverme más nunca de mi rincón”, dice en un momento de la obra. Destacan, entre ellos, dos textos. Uno sobre la autocompasión que acaba en un lupanar de carretera con David Lynch al frente y una serpiente que te canta al oído lo miserable que eres. Y otro sobre las drogas en el que el cuerpo de Velasco se revela como un Chernobyl después de la tragedia, donde con los dientes blandos y la saliva pastosa se pregunta porqué su generación se droga tanto.

Bajo la influencia de Angélica Liddell

Todo se lo permite Velasco en esta obra. Pero lo realmente interesante, aunque a veces bordee el peligro de la pieza deslavazada, es que Velasco consigue unirlo, crear una dramaturgia, esa entelequia teatral que muchas veces no se sabe qué es. Una dramaturgia donde se trata su ascenso y caída profesional, pero que también es atravesada por otra búsqueda. Velasco se muestra como un Frankestein lleno de referentes, con retazos que son movimientos de Alicia Soto, con momentos que reproducen aquella maravilla de Marta Carrasco en Jerez junto a Juan Zaranda, Aiguardent. No hay pudor en mostrar influencias, Velasco sabe que estamos construidos de retazos de otros y lo muestra porque la búsqueda es otra, va indagando quién es él en escena, cuál es la esencia de su movimiento, desde dónde puede él decir. Velasco había perdido la brújula y Sweet Dreams busca un norte.

Hasta dos días antes del espectáculo todo era un desastre, pero ahí pasó algo, no sé el qué, que me hizo recobrar las ganas de vivir

Además muestra, con acierto, cómo la creación puede ser una cadena trófica al modo que lo es para el personaje de Belinchón en la novela de Rafael Reig Manual de literatura para caníbales. Un día eres posdramático, al otro estás en la teatro-danza, luego debes ponerte los galones del teatro documental y ahora parece que eso ya fue y debieras darle al sainete posindustrial. Y siempre con la sensación de llegar tarde, y siempre con el fracaso colgando. A ese vértigo responde Velasco. Si bien la pieza contiene momentos más discutibles, como una exhibición de actuación donde el actor reúne textos de Lorca, Chéjov e Ibsen, Sweet Dreams es un trabajo honesto, teológico y, después de tanta miseria, esperanzador. Una palabra peligrosa, tiende siempre a convertirse en chicle, pero que en esta obra Velasco consigue aquilatar y compartir con el público. La obra con pocas funciones todavía transcurridas se está convirtiendo en una de las sensaciones del teatro en la capital.

En un momento de la obra, Velasco cita una frase de ese montaje que con el tiempo comienza a alargar su extensa sombra como uno de los espectáculos más influyentes de este siglo: La casa de la fuerza, de Angélica Liddell. “La frase 'Amar tanto para morir tan solo' retumba en mi cabeza desde 2009, cayó en mi como una epifanía”, dice el actor sobre la escena. Pero hay una diferencia entre ambos. Velasco no comparte la destrucción filosuicida de Liddell. Cuando se enfrenta al bicho negro que supone Liddell, Velasco confiesa: “Sí, es cierto, me da mucha pena de mí mismo. Me hubiera encantado decir hasta aquí hemos llegado, pero no. Todavía tengo ganas, sé que es imposible ser feliz, pero quiero construir pequeños momentos de felicidad, lo deseo, lo anhelo. Hasta dos días antes del espectáculo todo era un desastre, pero ahí pasó algo, no sé el qué, que me hizo recobrar las ganas de vivir. Y es eso lo que cierra el espectáculo. Estos años anteriores, tan oscuros, que son como una nebulosa, no me hicieron bien. Me hace mejor ser esta persona un tanto más naif que soy ahora. Al final de la obra cojo otra vez la chaqueta de brillo, quiero iluminar el mundo, es así de simple. En definitiva, esta obra es tan solo una penitencia pop”, concluye.

Los Max, además de las veinte categorías en las que se reconoce lo mejor de las artes escénicas del año anterior, cuentan también con unos premios especiales. Hasta ahora eran tres, pero este año se quedarán en dos, pues la organización ha decidido prescindir del premio que elige el público del teatro.

“El premio del Público tenía como objetivo principal generar un movimiento y una cercanía entre el público y las obras. Pero vimos que había un nivel de participación muy bajo, un nivel que además estaba muy mediado por las redes sociales y por la capacidad de algunos de los agentes de generar un mayor movimiento. Todo eso distorsionaba el objetivo y el resultado del premio. Así que este año hemos decidido eliminarlo”, explica Rubén Gutiérrez del Castillo, director general de la Fundación SGAE, organizadora de los premios.

Gutiérrez también reconoce que no se consiguió que fuera ampliamente votado. Si bien en la edición de 2019 se contabilizaron 9.443 votantes, en 2020 fueron 4.271 y 5.236 en 2021.

Al preguntarle qué alertó a la organización de los premios sobre esa distorsión, Gutierrez explica que “llamaba mucho la atención, incluso se señaló en los medios de comunicación, que eran obras que habían tenido un recorrido muy pequeño. Lo que no quiere decir que no merezcan un reconocimiento. Pero precisamente en un premio como el del Público, que puede reflejar una mayor penetración en el conjunto de la sociedad e incluso señalar distancias interesantes entre el público y la crítica o los jurados que dan los premios, nos encontramos con obras que había visto poca gente”. En esta categoría quedan para la historia cuatro premiados: Joc de xiquetes, de Bullanga Compañía Teatral (2018), Genovese, de Groc Teatre (2019), ¡Viva!, de la Compañía de danza Manuel Liñán (2020); y La vida empieza hoy, de Tonet Ferrer (2021).

Premios considerados 'especiales'

El comité organizador de los premios, compuesto por los miembros de artes escénicas que forman parte de la junta directiva de la SGAE en las categorías de teatro y danza, y por una serie de autores y autoras propuestos por el propio comité, tomaron la decisión de anularlo con el beneplácito del Patronato de la Fundación SGAE, que es quien finalmente adopta la decisión.

Los otros dos premios 'especiales' son el de Honor y el de Carácter Social. El premio de Honor este año ha recaido en el dramaturgo José Luis Alonso de Santos. El de Carácter Social se ha otorgado a la ONG Caídos del Cielo, creada por la dramaturga Paloma Pedrero y dedicada al teatro dirigido a personas en riesgo de exclusión.

“A lo largo de los 25 años de los Max, los premios especiales se han ido analizando. Y cuando no cumplen los objetivos previstos, los eliminamos”, explica Gutierrez. Algo constatable en estos premios creados en 1998 por la Fundación y que ha tenido anteriores categorías especiales como el premio Iberoamericano o el premio Nuevas Tendencias, que fueron eliminados en 2014; o premios mucho más efímeros como el premio Espectáculo con Mayor Presencia Internacional, que tan solo duró hasta el 2002, y el premio de la Crítica, que se concedió entre 2006 al 2014.

Pero nunca los premios especiales se habían visto reducidos solo a dos. Gutiérrez se muestra abierto al cambio: “El solo tener dos premios especiales esta edición es absolutamente transitorio. En el comité no surgió otra propuesta para sustituirlo. Las propuestas, además, tienen que estar bien analizadas y estudiadas para asegurar un buen desarrollo. Tiene que estar muy bien diseñado. En la próxima edición puede haber un nuevo premio especial pero también puede cambiar alguna de las categorías. Estamos siempre sometiendo los premios a la propia realidad de la sociedad y del sector. Y en el comité hay debates muy profundos”, afirma.

Ante la pregunta de si en el comité ha habido debate en torno a poder unir las categorías de Mejor Intérprete Femenino y Masculino tanto en teatro como en danza, como se ha hecho, por ejemplo, en el Festival de Cine de San Sebastián, Gutiérrez afirma: “Todavía no ha habido un debate en ese sentido, pero sí que es un debate que se va a dar. Y ahí habrá que tener en cuenta todas las sensibilidades: la del sector, la de los agentes, la de la sociedad. Y no tomar decisiones a la ligera y provocar efectos contraproducentes incluso a los colectivos que se quiere ayudar y apoyar. Consideramos que todavía es pronto, pero estamos bien atentos y estudiando las reacciones y las sensibilidades de la sociedad española ante este tema. Ese debate se va a dar y la resolución nos gustaría que fuese duradera y fruto del consenso del conjunto de los agentes del sector, con los que la Fundación está en contacto continuo. En una decisión tan relevante hay que contar con ese consenso”.

A falta de tres semanas para la gala

Todo se está preparando para la nueva gala de los Premios Max, que se celebrará el 6 de junio en Menorca y en la que estos reconocimientos cumplen 25 años. El histórico y precioso Teatro de Mahón será el escenario y la gala estará a cargo de dos creadores mallorquines: el autor y director Josep Pere-Peyró y la bailarina de la Compañía Nacional de Danza Mar Aguiló. Todo parece que oleará a brea, genista y pino.

Gutiérrez es consciente de que los tiempos han cambiado. Desde hace un decenio, y motivado por la mala gestión de la SGAE en proyectos como el de Arteria —una compra de teatros a nivel internacional que endeudó a la Sociedad con más de cien millones de euros—, los presupuestos de los premios son otros. La producción de la gala ya no se externaliza sino que se realiza internamente desde la Fundación; y el presupuesto, de 340.000 euros, está compartido por la Fundación (100.000 euros), el Inaem (40.000) y 200.000 euros que aporta la administración que acoge el certamen. “Ya no tenemos la capacidad presupuestaría que había antes, somos conscientes. Estamos muy orgullosos de cómo desde la Fundación llevamos a cabo el trabajo de producción, sin externalizar. Y estamos muy contentos del trabajo que se está realizando con las administraciones que nos acogen”, explica Gutiérrez sobre un modelo de premios en el que el ayuntamiento o comunidad que acoge los premios financia parte de las galas pero también tiene una mayor implicación en la organización para así poder poner de relieve la realidad y riqueza escénica de su territorio.

Así, el año pasado, la gala que tuvo lugar en el Teatro Arriaga de Bilbao tuvo un sabor profundamente vasco; y la anterior, en Málaga. “Este año la gala va a sorprender, va a poner en valor el sector de las artes escénicas de las islas. Hay otras galas de otros premios que te da igual donde se hagan, lo único que cambia es el teatro”, explica Gutiérrez sobre esta gala que tendrá lugar en el primer teatro de ópera construido en España en 1838. “Es un teatro pequeño, con un equipo muy pequeño. La ilusión con la que están trabajando es enorme. La gala se va a centrar en la importancia del mar y del sentir balear. Todos los participantes son baleares y eso se nota”.

'Una noche sin luna', la obra protagonizada y escrita por Juan Diego Botto y dirigida por Sergio Peris-Mencheta parte como la favorita a los Premios Max siendo candidata a cuatro de los galardones más importantes: Mejor Espectáculo, Mejor dirección, Mejor actor y Mejor autoría teatral. El comité organizador de los Premios Max de las Artes Escénicas ha dado a conocer este lunes a los finalistas de las 20 categorías a concurso de su XXV edición que se celebrará el próximo 6 de junio en el Teatre Principal de Maó (Menorca).

Los galardones, organizados por la Fundación SGAE pretenden estimular y premiar el talento de los profesionales del teatro y la danza de nuestro país, además de la promoción de los espectáculos de la temporada. De los 449 espectáculos inscritos en esta edición, 179 resultaron candidatos. De entre ellos, solo 38 montajes han llegado a la última fase, congregando un total de 65 finalistas.

Juan Diego Botto (Argentina, 1975) fue galardonado con el Premio Nacional de Teatro 2021, entre otras razones, por su capacidad para “llegar al gran público a través de un lenguaje claro y sencillo pero cargado de poesía”, atributos que el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) destacaba que había puesto de manifiesto en “Una noche sin luna”. Una obra que con la que traslada los aspectos menos conocidos de la vida y obra de Federico García Lorca.

Rebelión es otra de las obras que más candidaturas aglutina, tres: Mejor diseño de Vestuario, Mejor composición musical y Mejor Coreografía. A mejor espectáculo de teatro están seleccionadas Canto jo i la muntanya balla de La Perla 29; Descendimiento de Teatro de la Abadía y Una noche sin luna de La Rota Producciones, Concha Busto Producción y Distribución y Barco Pirata. A mejor dirección de escena compiten Guillem Albà y Joan Arqué por Canto jo i la muntanya balla, Javier G. Yagüe por Instrucciones para caminar sobre el alambre y Sergio Peris-Mencheta por Una noche sin luna.

La mejor autoría teatral se la disputarán: Joan Yago por De què parlem mentre no parlem de tota aquesta merda, Juan Diego Botto por Una noche sin luna, María Velasco González por Talaré a los hombres de sobre la faz de la tierra. Baile de bestias de la Compañía de Danza Jesús Carmona, Entre hilos y huesos de Daniel Doña Compañía y Teatros del Canal (Madrid Cultura y Turismo) y Somos la guerra de Asociación Danza La Pharmaco y La condesita de Conde Duque optan al mejor espectáculo de danza Mientras que a mejor espectáculo musical o lírico están seleccionados: Company de Teatro del Soho Caixabank, La tabernera del puerto de Teatro de la Zarzuela - INAEM y Paüra de Cía. Lucas Escobedo.

Se da la circunstancia de que dos actrices y autoras optan a esas dos categorías, Alessandra García y Sandra Ferrer, optan al premio a mejor actriz y mejor autoría revelación. La primera por Mujer en cinta de correr sobre fondo negro y la segunda por La Panadera. Joan Yago por De què parlem mentre no parlem de tota aquesta merda; Juan Diego Botto por Una noche sin luna y María Velasco González por Talaré a los hombres de sobre la faz de la tierra, han sido los elegidos a mejor autor teatral. La Mejor adaptación caerá en manos de Ana Zamora por Numancia, Ignacio del Moral por El viaje a ninguna parte o Julio Manrique, Marc Artigau y Sergi Pompermayer por Carrer Robadors.

La compañía LaJoven / Fundación Teatro Joven por Eneida. Playlist para un continente a la deriva; Teatro del Soho Caixabank por Company y Unahoramenos Producciones por Moria están nominadas a mejor labor de producción. La interpretación de Alessandra García en Mujer en cinta de correr sobre fondo negro, la de Mónica López por De què parlem mentre no parlem de tota aquesta merda y la de Sandra Ferrús por La panadera, son las seleccionadas a mejor actriz.

Mientras que a mejor actor forman la candidatura Carlos Álvarez-Ossorio por Si esto es un hombre, Guillem Balart por Carrer Robadors y Juan Diego Botto por Una noche sin luna. Las seleccionadas a mejor intérprete femenina de danza han sido Lucía Lacarra, Luz Arcas y Rocío Molina y como mejor intérprete masculino en la misma categoría están Jesús Carmona, Jesús Rubio Gamo y Marcos Matus.

Además de las 20 candidaturas a concurso se conceden dos premios especiales: el Premio Max de Honor, que ha distinguido la trayectoria del dramaturgo y director escénico José Luis Alonso de Santos, y el Premio Max de Carácter Social, que ha reconocido la labor de Caídos del Cielo, ONG fundada por la dramaturga Paloma Pedrero.