Nacida como un campamento militar romano hace más de 2.000 años, Astorga es una pequeña ciudad con una gran historia. Está ubicada al noroeste de España, en el corazón de Castilla y León. Enclavada estratégicamente sobre un cerro que domina el paisaje, su posición la ha convertido en un cruce de caminos entre el Bierzo y la Meseta.

Dentro de sus murallas del siglo IV, los vestigios de sus diferentes etapas históricas dan forma al presente que hoy vive Astorga. Uno de sus parques, por ejemplo, permite contemplar en una misma panorámica la época romana, el periodo gótico peninsular y un singular despliegue artístico de Gaudí.

Es una ciudad pequeña —que supera apenas los 10.000 habitantes—, pero sus monumentos, calles y plazas son visitados por más de 125.000 personas cada año. Además de su riquísima historia, Astorga es un punto clave del Camino de Santiago: dos factores decisivos que le valen miles de visitas anuales.

Una ciudad nacida del imperio romano

Es una ciudad bimilenaria. Sus orígenes datan de los años 15-10 a.C., tras el final de las Guerras Cántabras. Se fundó como un campamento militar de control territorial para la Legio X Gemina —una célebre legión romana— en la época del emperador Augusto. Desde entonces, se reconoce el valor estratégico de su ubicación como enclave de paso y control de la región. En la actualidad, la Junta de Castilla y León aún conserva restos de aquel lejano periodo histórico.

Esta huella romana no hizo más que acentuarse. A comienzos del siglo IV se construyó la icónica muralla defensiva, que hoy conserva más de dos kilómetros de perímetro y es uno de los mayores símbolos de Astorga. Dentro de estos muros, el trazado urbano y gran parte del repertorio arqueológico de la ciudad la convierten en una escala esencial de la Ruta Romana y en una de las paradas más ilustrativas para entender la presencia del Imperio en Castilla y León.

Este peso romano en Astorga es palpable en sus rocas, cloacas y mosaicos. La información se puede ampliar en el Museo Romano, que permite comprender cómo la configuración urbana responde a decisiones tomadas por las personas que habitaron este enclave desde hace 2.000 años. Cuenta con una amplia colección de epigrafía, pinturas y joyería, y se alza, además, sobre una de las galerías de la época imperial conocida como la Ergástula, donde el visitante puede acercarse a cómo era la vida en aquellos tiempos.

Por otra parte, la visita a la muralla resulta imprescindible: el macizo granítico cuenta la historia de la ciudad como si de un libro se tratase. Quienes quieran llevar el conocimiento más allá pueden realizar la Ruta Romana, un itinerario guiado que recorre las termas mayores y menores, la Domus del Oso y los Pájaros y las cloacas romanas, que se cuentan entre las mejor conservadas de Europa.

El renacer medieval junto al Camino de Santiago

Tras la época romana, Astorga sufrió una importante merma en su población y en su relevancia debido al paso violento de los pueblos visigodos, los suevos y, sobre todo, los árabes. Fue invadida y destruida en varias ocasiones, y no sería hasta la Baja Edad Media cuando la ciudad recuperaría su importancia con el auge del Camino de Santiago y, especialmente, con el marquesado de Astorga, gestionado por la familia Osorio a mediados del siglo XV.

La villa transformó su centralidad, integrada en el gran mapa jacobeo y consolidada como cruce de caminos entre la Meseta, el Bierzo y el Camino de Santiago. En ese contexto creció la ciudad eclesiástica. Su diócesis es una de las más antiguas de la Península Ibérica y su impresionante catedral gótica se erige como el máximo emblema de esta capa de la historia de Astorga.

La Catedral de Santa María creció sobre el solar de una antigua iglesia románica. Su construcción se inició en 1471, pero la silueta actual cuenta con elementos de reformas posteriores. Combina rasgos góticos en la nave y las capillas, renacentistas en la portada sur, barrocos en la fachada principal y neoclásicos en el claustro. El resultado que el visitante puede ver hoy es la síntesis de un proceso artístico, religioso e histórico de cientos de años.

El inesperado legado de Gaudí en León

En época moderna y contemporánea, la historia siguió escribiéndose en piedra con el Ayuntamiento barroco y, ya en el siglo XIX, con el Palacio Episcopal de Gaudí. Proyectado en 1887 tras el incendio del antiguo palacio, esta construcción introduce el modernismo en un casco histórico que encapsula diferentes etapas.

El Palacio Episcopal es una de las piezas monumentales más singulares de Astorga. Proyectado por el famoso arquitecto Antoni Gaudí, es una de sus pocas obras realizadas fuera de Catalunya. Su estilo está inspirado en el arte gótico medieval. El encargo llegó por la vía de la amistad: el obispo Grau, paisano de Gaudí, le encomendó el proyecto tras el incendio que destruyó el palacio anterior, y el arquitecto lo concibió como un castillo en el exterior y una iglesia en el interior. Hoy alberga el Museo de los Caminos, dedicado al Camino de Santiago.

La cruz de la torre de Jesucristo corona desde el pasado mes de febrero la Sagrada Familia, la monumental basílica concebida por Antoni Gaudí y cuya edificación comenzó en 1882. El templo está lejos de terminarse y la previsión de los arquitectos es que la construcción se demore durante una década más, aunque todos celebran la colocación de uno de los elementos arquitectónicos más esperados, aquel con el que casi se toca el cielo de Barcelona. 

Pese a llevar semanas en lo alto de la Sagrada Familia, el patronato no da la torre de Jesucristo por inaugurada ni bendecida. Es una tarea pendiente, de la que se encargará el papa León XIV, que visitará la capital condal durante el mes de junio, en el marco de su viaje programado a España, en el que también hará parada en Madrid y Canarias. 

El día escogido para la bendición del papa León XIV: 10 de junio. Ese día se celebrará multitudinaria misa en la Sagrada Familia y se inaugurará la torre de Jesucristo con un acto solemne, según explican desde el patronato. Por último, la cruz se iluminará, en lo que se ha concebido como “un homenaje visual a la creatividad y la visión” de Gaudí. 

Una cruz al estilo Gaudí

La torre de Jesucristo de la Sagrada Familia es el corazón del proyecto de Gaudí. Y este estaba incompleto, al menos hasta este año, cuando ha sido rematada con la colocación de la cruz. Hablamos de un enorme elemento arquitectónico de 29 metros, con dos partes diferenciadas: un terminal bajo de 12 metros y una gran cruz tridimensional de cuatro brazos, similar a las que podemos ver en otras obras del arquitecto como la Casa Batlló o la Torre Bellesguard.

Aunque en apariencia las cruces son similares, el tamaño de la proyectada en la torre de Jesucristo la hace única: 17 metros de altura, el equivalente aproximadamente a un edificio de cinco pisos; y una envergadura de 13,5 metros. Otro elemento distintivo es que está confeccionada con una geometría de doble giro, el método geométrico que se emplea en el resto de columnas de la basílica.

Según se recoge en los Àlbums del Temple, el arquitecto catalán pretendía que la cruz de la torre central de la Sagrada Familia fuera un elemento central del diseño, que brillara de día y alumbrase de noche. Por este motivo y según detalla el templo en su web, se han utilizado cerámica blanca esmaltada y vidrio, dos materiales que son resplandecientes. Además, en las torres aledañas se colocarán focos de luz.

En cuanto a la base de apoyo que sostiene la cruz, presenta la siguiente alabanza a Cristo: Tu solus Sanctus, Tu solus Dominus, Tu solus Altissimus (Tú el único Santo, Tú el único Señor, Tú el único Altísimo, en su traducción al castellano). 

De Alemania a Barcelona 

La icónica cruz de la torre de Jesucristo se ha fabricado fuera de nuestras fronteras, concretamente en Alemania. De ahí, llegó a Barcelona en módulos, que se han ido encajando poco a poco. En el caso de la cerámica esmaltada blanca, la piedra interior y los cristales, sí se ejecutaron en varias fábricas y talleres de Catalunya.

Atravesar Passeig de Gràcia no es tarea sencilla. Y no solo por la cantidad de gente que lo recorre cada día, muchos de ellos compradores atraídos por las tiendas de lujo que copan sus soportales. Tampoco es fácil moverse por el tráfico rodado, porque no hay que olvidar que esta enorme avenida es una de las principales arterías de la ciudad condal. 

También hay que lidiar con la cantidad de gente que acude para contemplar dos de las obras más importantes de Antoni Gaudí: Casa Batlló y Casa Milà, aunque pocos se refieren a esta última por su nombre, sino que se le conoce como La Pedrera. Un sobrenombre que se explica por los materiales empleados en la fachada. 

Un encargo del matrimonio Milà

La Casa Milà nunca fue concebida con el sobrenombre de La Pedrera. De hecho, esta construcción fue concebida como una enorme vivienda, un encargo del matrimonio Rosario Segimon y Pere Milà, una familia acomodada de la época y que quiso trasladar su residencia a Passeig de Gràcia.

La vivienda daba para mucho y para muchos inquilinos. Los primeros fueron amigos o conocidos de este matrimonio burgués. Según detalla la Fundació Catalunya La Pedrera, durante los primeros años, en el edificio vivieron ilustres como Paco Abadal, propietario de la marca de automóviles Abadal y Cía; el empresario textil Antoni Feliu Prat; o el príncipe egipcio Ibrahim Hassan. 

Una fachada controvertida

La Casa Milà nunca pasó desapercibida. Y uno de los motivos fue la fachada. Al terminar la construcción, su exterior generó controversia. Eso explica el mote que recibió de La Pedrera, porque algunos barceloneses se burlaban del aspecto extravagante y tétrico de su fachada principal, detallan desde el consistorio en su página web. 

A diferencia de otros edificios ideados por Gaudí, su fachada es sobria. Sin colores ni estridencias, pero tampoco son necesarios por la original forma en la que está colocada la piedra caliza que se escogió.

La elección, aunque generó la burla de algunos barceloneses, responde a que, en aquel momento, Gaudí estaba viviendo su etapa naturalista y su máxima plenitud creativa. El popular arquitecto catalán estipuló que la piedra se colocase de forma que recordase a la configuración orgánica de la naturaleza: sin rigidez y con todo tipo de volúmenes. 

Además de su controvertida fachada, la que le ha dado el sobrenombre de La Pedrera, otro elemento que destacan los especialistas de la vivienda es la terraza. Esta presenta decenas de chimeneas, que representan figuras de guerreros petrificados, formando una especie de jardín de esculturas al aire libre. 

La apertura de la tercera planta de la emblemática Casa Batlló, recuperada tras un siglo de uso privado, es todo un hito que realeza una de las joyas de la arquitectura modernista de Barcelona. Y es que, por primera vez en la historia contemporánea, el público puede acceder a la única vivienda de este icónico edificio modernista que se conserva tal y como Antoni Gaudí la concibió originalmente en 1906. Este espacio ha permanecido habitado durante más de cien años por los descendientes directos de la familia Batlló, lo que ha permitido una preservación excepcional de su autenticidad. La apertura marca un momento trascendental para el patrimonio mundial, ofreciendo una visión íntima de la arquitectura doméstica del genio catalán.

Ahora, estas salas dejan de ser un refugio familiar para transformarse en un escenario vivo donde la historia y la modernidad se encuentran finalmente. A diferencia del resto de las plantas que conforman el edificio, este nivel destaca por haber mantenido intacta la esencia de la vida doméstica de la Barcelona de principios del siglo XX. Se trata de un testimonio valioso que revela cómo Gaudí proyectaba los espacios más íntimos, combinando funcionalidad con su inconfundible lenguaje estético de formas orgánicas. La autenticidad de sus estancias ofrece una oportunidad única para comprender la dimensión más humana y cotidiana del arquitecto, más allá de sus grandes intervenciones públicas. Al cruzar el umbral de su puerta original, el visitante se sumerge en una atmósfera que parece haberse detenido en el tiempo tras décadas de privacidad familiar. 

Es la última joya residencial que faltaba por mostrar al mundo dentro de esta obra maestra declarada Patrimonio Mundial por la UNESCO, una recuperación que ha sido posible gracias a un minucioso proceso de restauración que se ha extendido durante tres largos años de trabajo. Los responsables del proyecto adoptaron un enfoque estrictamente arqueológico, retirando con sumo cuidado las múltiples capas de pintura y reformas acumuladas a lo largo de las décadas. Bajo estos añadidos posteriores, emergió la verdadera naturaleza de la vivienda, revelando una estructura que permanecía sorprendentemente intacta a pesar del paso del tiempo. 

Cada intervención se realizó con el máximo rigor histórico para asegurar que la visión de 1906 volviera a brillar intensamente. Entre los hallazgos más sorprendentes de este proceso arqueológico destacan delicadas decoraciones florales en los estucos de cal, que estuvieron ocultas por más de un siglo. La restauración también ha permitido recuperar los techos de formas onduladas y orgánicas que demuestran la innovadora concepción espacial que Gaudí aplicaba en los ámbitos residenciales. Un detalle fascinante descubierto durante los trabajos es el uso pionero del reciclaje por parte del arquitecto, quien adaptó puertas del edificio preexistente para su nuevo diseño. 

Sin embargo, el descubrimiento más excepcional ha sido una maneta inédita diseñada por el propio Gaudí, cuya existencia era totalmente desconocida hasta ahora en la casa. Estos elementos decorativos y funcionales amplían significativamente nuestro conocimiento sobre la capacidad de innovación y la atención al detalle del maestro. La materialidad del espacio ha sido devuelta a la vida gracias al esfuerzo de expertos artesanos locales que han analizado y restaurado cerca de un centenar de carpinterías originales. Puertas, ventanas y arrimaderos han sido tratados con técnicas tradicionales, mientras que los pavimentos, debido a su mal estado, se han reproducido fielmente pieza a pieza. 

Estas réplicas mantienen la geometría y el diseño originales concebidos por Gaudí, incorporando mejoras técnicas contemporáneas que garantizan su durabilidad para los nuevos usos. El rigor en la recuperación de los herrajes, pomos y tiradores originales completa una atmósfera donde cada material cuenta una historia de excelencia artesanal. Este viaje a los orígenes permite que el visitante no solo observe el patrimonio, sino que sienta la textura de una arquitectura diseñada para ser vivida.

Lugar de encuentro

Sobre esta base histórica impecablemente restaurada, la prestigiosa diseñadora Paola Navone ha introducido una nueva capa de interiorismo contemporáneo que dialoga con la obra de Gaudí. La intervención de OTTO Studio no busca imitar el lenguaje modernista, sino establecer una conversación respetuosa a través del color, las texturas y el mobiliario ecléctico. Navone planteó su diseño imaginando cómo sería habitar hoy esta vivienda única, integrando piezas actuales con bancos y colgadores originales diseñados por el arquitecto. El resultado es un espacio que vibra con una sensibilidad propia, donde los contrastes sutiles activan las salas sin competir con su valor patrimonial. 

La nueva vida de la tercera planta trasciende la función de un museo convencional para recuperar su vocación original como un lugar de encuentro dinámico y vibrante. Este formato flexible permite que la vivienda siga cumpliendo su propósito doméstico original, adaptándose a las necesidades de la sociedad actual. Con esta apertura histórica, Casa Batlló reafirma su compromiso como monumento vivo que evoluciona constantemente sin perder de vista sus raíces y su legado radical de innovación. La tercera planta representa la continuidad natural de un relato arquitectónico que comenzó hace más de un siglo y que ahora se proyecta hacia el futuro. Al permitir que nuevos públicos habiten estos espacios, se garantiza que la visión de Gaudí siga inspirando y generando felicidad a través del arte y el diseño. Barcelona recupera así un fragmento esencial de su memoria modernista, ofreciendo una forma inédita de experimentar la genialidad del maestro catalán en pleno siglo XXI. 

En junio de 2026 se cumplen 100 años de la muerte de Antoni Gaudí, una de las figuras clave de la arquitectura moderna y el gran nombre del modernismo en España. Su legado está inevitablemente ligado a Barcelona, donde se concentran algunas de sus obras más conocidas, pero su huella va mucho más allá de la capital catalana.

De hecho, el centenario es una buena excusa para mirar hacia otros lugares menos evidentes y plantear una escapada diferente, con una ruta por el norte de España que conecta tres de sus proyectos más singulares fuera de Catalunya. A este itinerario se podría sumar, aunque en otro plano, su intervención en la Catedral de Mallorca, donde trabajó en tareas de restauración entre 1903 y 1914. A pesar de que el templo, como tal, remonta sus orígenes al siglo XIII. 

Aunque la principal fama se la llevan las obras que Gaudí llevó a cabo en Barcelona y su entorno, hay tres edificios fuera de Catalunya que se pueden visitar hoy en un recorrido bastante compacto. Hablamos de la Casa Botines, en León, un edificio concebido como vivienda y espacio comercial que hoy funciona como museo; del Palacio Episcopal de Astorga (León), una imponente construcción neogótica con aire de castillo que alberga el Museo de los Caminos; y de El Capricho, en Comillas (Cantabria), una de sus primeras obras, donde ya aparecen muchas de las ideas que marcarían su arquitectura.

¿Quién fue Gaudí y por qué sigue marcando la arquitectura?

Hablar de Antoni Gaudí es hablar de una manera muy particular de entender la arquitectura. Nacido en el Campo de Tarragona (Reus o Riudoms) en 1852 y fallecido en Barcelona en 1926, desarrolló un lenguaje propio que lo convirtió en el máximo exponente del modernismo en España. Hijo de un calderero, desde joven estuvo en contacto con el trabajo artesanal del metal, algo que marcaría su capacidad para entender el volumen, la geometría y las estructuras de una forma muy intuitiva.

Su arquitectura no se limita a lo estético. Gaudí concebía cada edificio como un conjunto en el que estructura, función y decoración formaban un todo de forma coherente. La naturaleza fue una de sus grandes fuentes de inspiración, tanto en lo formal como en lo constructivo, y eso se traduce en soluciones innovadoras y en un uso muy particular de los materiales, como el trencadís (su característico mosaico con piezas cerámicas) que se ha convertido en una de sus señas de identidad.

Aunque su obra más famosa está en Barcelona, con ejemplos como la Sagrada Familia, el Park Güell o la Casa Batlló, estos proyectos fuera de Catalunya permiten entender mejor su evolución. En ellos se ve a un Gaudí en transición, todavía influido por el neogótico o por corrientes orientalizantes, pero ya experimentando con muchas de las ideas que después desarrollaría en sus obras más conocidas.

Casa Botines (León): un edificio pensado para vivir y trabajar

En pleno centro de León, la Casa Botines es probablemente la obra de Gaudí que mejor se integra en un entorno urbano convencional, aunque solo a primera vista. Construida a finales del siglo XIX por encargo de unos comerciantes textiles vinculados al entorno de Eusebi Güell, el edificio responde a una idea muy práctica: combinar espacio comercial y viviendas en un mismo inmueble.

El resultado es un edificio de apariencia casi medieval, con torres en las esquinas y una fachada sobria que mezcla referencias góticas y soluciones modernas. Gaudí diseñó una estructura funcional y avanzada para su tiempo: planta baja para el negocio, sótano como almacén, una planta principal para los propietarios y pisos superiores destinados al alquiler. Fue, de hecho, su primera casa de vecinos.

Hoy, la Casa Botines es el Museo Casa Botines Gaudí, y la visita permite entender tanto el edificio como la figura del arquitecto. El recorrido incluye estancias originales, detalles constructivos como el uso del hierro o la madera, y el acceso al torreón histórico de 1893. Además, alberga una colección de arte con obras de Francisco de Goya, Joaquín Sorolla o Salvador Dalí, lo que añade interés más allá de la arquitectura. Y si quieres un dato de interés para completar tu visita, es curioso saber que en 1953, durante una restauración de la estatua de San Jorge y el dragón que preside la fachada, se encontró un tubo de plomo con los planos originales firmados por Gaudí. 

De cara a la visita, hay varias opciones, tanto de forma libre como guiada. También conviene echar un vistazo a la programación cultural, porque el museo organiza exposiciones temporales, talleres y actividades durante todo el año.

Y ya que estás en León, merece la pena completar la jornada. La catedral de León está a pocos minutos, igual que el barrio Húmedo, donde se concentra buena parte del ambiente gastronómico de la ciudad.

Palacio Episcopal de Astorga: el Gaudí más monumental

A unos 40 kilómetros de León, en Astorga, el Palacio Episcopal de Gaudí es una de sus obras más llamativas fuera de Catalunya. El encargo llega tras el incendio del antiguo palacio en 1886, y el arquitecto proyecta un edificio completamente nuevo que conecta con el pasado medieval de la ciudad.

El resultado es un conjunto de estilo neogótico construido en granito del Bierzo, que combina rasgos de castillo, templo y residencia señorial. Las torres, los ventanales apuntados y, sobre todo, el foso que rodea el edificio, refuerzan esa estética. Gaudí dirigió las obras hasta 1893, pero tras la muerte del obispo Grau abandonó el proyecto, que sería terminado años después por el arquitecto Ricardo García Guereta.

En el interior, el recorrido incluye espacios como la capilla, el salón del trono o distintas salas con vidrieras y elementos decorativos modernistas. Hoy el edificio alberga el Museo de los Caminos, vinculado al Camino de Santiago, lo que añade un extra a la visita.

Aquí hay un punto especialmente interesante: además de la visita general (libre o guiada), existe la experiencia del “Palacio Escondido”, que permite acceder a zonas que hasta hace poco no estaban abiertas al público. Incluye, entre otras cosas, la subida a la parte superior del edificio gracias a un ascensor panorámico instalado recientemente, algo que mejora y amplía la vivencia.

El entorno también hay que tenerlo en cuenta. Justo al lado está la Catedral de Santa María de Astorga, y el casco histórico conserva restos de murallas romanas. Si tienes tiempo, el Museo del Chocolate de Astorga es una parada curiosa, y siguiendo con la gastronomía, el cocido maragato o las mantecadas son apuestas seguras.

El Capricho (Comillas): la obra más libre y experimental

La última parada nos lleva a Comillas, donde se encuentra una de las obras más singulares de Gaudí. Construido entre 1883 y 1885 por encargo de Máximo Díaz de Quijano, El Capricho de Gaudí es una de sus primeras casas y un buen ejemplo de su etapa más experimental.

Aquí ya aparecen muchos de los temas que marcarán su arquitectura: la naturaleza como referencia constante, el uso simbólico de la decoración o la atención a la funcionalidad de los espacios. El edificio combina influencias orientalizantes, neomudéjares y neogóticas, con una estructura compleja en la que cada estancia está pensada en función de la luz solar.

Uno de los elementos más reconocibles es la torre cilíndrica decorada con cerámica de girasoles, pero merece la pena fijarse también en detalles como las vidrieras con motivos musicales y naturales, las barandillas que funcionan como pentagramas o las soluciones técnicas pensadas para mejorar la acústica y el confort térmico.

La visita recorre distintas estancias, como el salón, el dormitorio o el estudio, y permite entender cómo Gaudí planteaba una vivienda desde dentro. El jardín también forma parte de la experiencia, con espacios diseñados para integrarse en el entorno.

Hoy funciona como museo y está abierto todo el año, con visitas libres y guiadas. Además, organiza actividades como talleres, conciertos o eventos temáticos, especialmente en fechas señaladas, lo que hace que la visita pueda ser bastante dinámica.

Más allá de El Capricho, Comillas tiene suficiente interés como para dedicarle más tiempo, pues el Palacio de Sobrellano o la Universidad Pontificia de Comillas forman parte de ese conjunto modernista poco habitual en la costa cantábrica.

Desde 2012, el arquitecto Jordi Faulí dirige las obras de la Sagrada Família, un proyecto atravesado por un debate incómodo y persistente entre los barceloneses: ¿hasta qué punto lo que hoy se construye sigue siendo Gaudí? En plena recta final del templo, después de la reciente coronación de la cruz de la torre de Jesús, y con el conflicto urbano aún abierto, Faulí defiende la continuidad del proyecto.

Nos cita en uno de los balcones interiores de la fachada de la Gloria, en construcción, que albergará las esculturas que designe el concurso entre los tres artistas seleccionados: Miquel Barceló, Cristina Iglesias y Javier Marín. Para llegar a lo alto de este mirador, desde donde se observan los noventa metros de longitud de la nave del templo —un prodigio arquitectónico de geometrías tan bellas como incomprensibles—, hemos tenido que abrirnos paso entre la luz calidoscópica y etérea de las vidrieras del artista Joan Vila-Grau y entre la multitud de visitantes que contempla la obra magna de Gaudí, hasta quince mil cada día.

Tras recorrer una escalera de caracol interminable, de escalones milimétricamente idénticos y con una zanca de piedra tallada, llegamos a una altura donde el murmullo de los turistas es ya solo un zumbido lejano y las ramas en las que se descomponen las columnas quedan a la altura de los ojos, como cuando se trepa a lo alto de un árbol en medio del bosque.

Usted suele decir que construyen lo que Gaudí dejó. ¿Hasta qué punto eso es literal, y hasta qué punto hay una interpretación contemporánea inevitable?

Se puede decir un 8%, un 10% o incluso un 15% de obra construida en vida de Gaudí, pero eso hay que entenderlo dentro de cómo funciona habitualmente la arquitectura. Un arquitecto proyecta y luego la construcción implica a mucha gente, aunque la obra se le atribuya a él. Hay otros casos de edificios que se han terminado después de la muerte de su autor, como la iglesia de Saint-Pierre de Firminy de Le Corbusier, pero en Gaudí hay una diferencia importante: él sabía que no vería la obra acabada. Y por eso dedica un esfuerzo enorme a dejar información para el futuro.

Deja planos generales como plantas, secciones, alzados, pero también descripciones muy precisas del contenido simbólico, porque en su caso arquitectura y significado son inseparables. Toda esa información se recoge en los álbumes del templo y en publicaciones como las de su discípulo Isidre Puig Boada, que son fundamentales para asegurar la continuidad tras su muerte en 1926.

Gaudí construyó entre un 8% y un 15% del templo, pero dejó todo lo necesario para continuarlo

Además, construye maquetas a gran escala de la nave o de las cubiertas y, sobre todo, establece un sistema basado en geometrías que le otorgan una lógica intrínseca a todo el edificio que permite interpretarlo. Las maquetas, más que mostrar unas formas concretas, le servían para enseñar cómo combinar esas geometrías.

Y hay un gesto muy significativo: Gaudí termina un campanario de la fachada del Nacimiento para que sirva de modelo. Es una manera de garantizar la continuidad, pero también de implicar a la sociedad de su tiempo. Al completar una fachada, el edificio se convierte ya en un referente visible, capaz de atraer visitantes y donaciones.

¿Qué ha llegado hasta hoy de todo ese material? Si no me equivoco, en 1936, en plena Guerra Civil, un incendio arrasó su estudio.

No sabemos exactamente qué se perdió. Probablemente planos que estaban en proceso y que no se habían publicado. Pero muchas piezas no desaparecieron, sino que se fragmentaron. Las maquetas, por ejemplo, se han podido reconstruir en gran parte: se han identificado los fragmentos y sabemos a qué corresponden.

En cuanto a los planos, se conservan los que se publicaron en su momento, que ya mostraban la totalidad del templo. Eso indica que los documentos principales existían y fueron recogidos. Puede que hubiera otros, pero no debían de ser esenciales.

Con lo que se ha conservado, ¿hay suficiente información para continuar el proyecto con coherencia?

Sí. Yo siempre digo una frase: siempre sabemos hacia dónde ir. El hecho de que todo esté basado en geometría es una ventaja enorme. A partir de una maqueta o incluso de fragmentos, se puede reconstruir el conjunto. Por ejemplo, si conservas partes de una columna, puedes deducirla entera. La fachada de la Pasión, por ejemplo, se pudo construir con gran fidelidad.

La Sagrada Família actual es inseparable de la modelización digital. ¿Existe el riesgo de que esa precisión la aleje del espíritu original?

No sabemos exactamente cómo trabajaría Gaudí hoy, pero sí sabemos cómo trabajaba. Él ya innovaba con los medios de su tiempo, por ejemplo, con el hormigón armado, que también era un reto entonces.

La tecnología no cambia el proyecto, lo hace más preciso. Hoy, en algunos casos, construimos con una precisión geométrica mayor que la de los documentos originales. Mi antecesor, Jordi Bonet, introdujo la tecnología informática y el uso de máquinas de control numérico que nos han llevado a esta “hiperprecisión”. No creo que estos métodos traicionen el espíritu del edificio porque fundamentalmente se basa en geometrías puras.

Además, las técnicas actuales nos permiten mejorar algunos elementos. Por ejemplo, las seis torres centrales son exactamente las que Gaudí proyectó por fuera, pero por dentro hemos podido hacerlas completamente libres de estructura. Gaudí preveía compartimentarla en distintos niveles; nosotros hemos conseguido espacios interiores continuos de gran altura.

¿Hay algún reto constructivo que Gaudí no hubiera podido afrontar?

No. Estoy convencido de que todo lo que proyectó lo consideraba construible. Lo que ocurre es que hoy tenemos herramientas que nos permiten hacerlo mejor, con más precisión y, en algunos casos, con mayor calidad espacial.

En el debate público se habla más del impacto urbano que del edificio. ¿Se pensó lo suficiente como pieza de ciudad?

Sí. Para Gaudí, la Sagrada Família es una expresión de la fe cristiana, pero también un elemento urbano. Piensa en las vistas desde distintas distancias, en cómo se percibe el conjunto desde lejos y cómo se descubren los detalles al acercarse. La fachada acoge toda la simbología para que desde fuera cualquier ciudadano pueda apreciar el mensaje del templo.

La fachada de la Gloria, la única que queda por terminarse, tiene un concurso escultórico abierto. ¿En qué punto está?

Los artistas ya han presentado sus propuestas y las comisiones han hecho sus informes. Ahora el Patronato de la Junta Constructora debe decidir, sin prisas. El concurso se ha planteado con libertad creativa, pero con unas premisas claras: la fachada debe explicar la vida eterna, el cielo, los caminos para llegar a él y también el infierno, que se sitúa simbólicamente bajo el nivel de la calle.

Habrá elementos como las 14 columnas y todo un discurso teológico que debe integrarse en la arquitectura. Gaudí no definía el estilo escultórico; definía el contenido y confiaba en los artistas del futuro para expresarlo con el lenguaje de su tiempo.

Gaudí pensó la Sagrada Família como una pieza urbana

¿Hay un calendario aproximado?

El objetivo es que en unos diez años se puedan ver las torres acabadas, pero dependerá también de los acuerdos con el Ayuntamiento.

La fachada de la Gloria es la que, precisamente, entra en conflicto con los vecinos de los edificios afectados por el futuro crecimiento del templo. ¿Se puede conocer ya el desenlace de esta situación?

Hay un proceso de diálogo con el Ayuntamiento y una buena predisposición para encontrar soluciones. La idea es que quien quiera permanecer en el barrio pueda hacerlo. No hay todavía un acuerdo cerrado ni plazos concretos, pero el proceso está abierto y con buenas perspectivas.

¿Cómo es que la Sagrada Família obtuvo la licencia de obras hace apenas siete años?

La licencia se solicitó en 1885, pero no hubo respuesta. Durante muchos años hubo una cierta complicidad administrativa que permitió avanzar la obra. Ahora la situación se ha regularizado, y eso es positivo.

La continuación del templo sigue generando un debate muy intenso, incluso entre arquitectos. ¿A qué lo atribuye?

Es normal que haya opiniones diversas. Pero hay un argumento claro: la vocación de un edificio es acabarse, especialmente cuando es fruto del esfuerzo colectivo.

En este caso, además, hablamos de un gran arquitecto que dejó muchísima información para que se pudiera continuar su obra. Gaudí dedicó los últimos años de su vida exclusivamente a la Sagrada Família, catorce años centrado solo en eso. Acabarla es una cuestión de compromiso con su obra. También, desde el punto de vista de la ciudad, tiene todo el sentido completarla.

Gaudí no era un genio aislado; era exigente, pero cercano

Si tuviera que elegir dos aportaciones revolucionarias de Gaudí, ¿cuáles serían?

La primera es su capacidad de observar la naturaleza y trasladar sus principios a la arquitectura, no copiándola, sino extrayendo su esencia. La segunda es la invención de un tipo de columna que genera estructuras arborescentes, con ramificaciones. Es una aportación fundamental como tipología arquitectónica. Hay las columnas griegas, las romanas, las egipcias, las salomónicas… y también las de Gaudí.

Y añadiría el uso de superficies regladas, como los hiperboloides, que ofrecen enormes posibilidades constructivas. Se conocían y se estudiaban a nivel matemático, pero nadie las había aplicado en la arquitectura.

En pleno auge de la mitificación de Gaudí, ¿cómo lo describiría de forma realista?

Era una persona exigente, pero cercana. No vivía aislado: trabajaba rodeado de gente muy competente y sabía sacar lo mejor de cada uno, dándoles margen para aportar. Por ejemplo, en la famosa maqueta funicular de la cripta de la colonia Güell colaboró con un ingeniero suizo, y en muchos de sus proyectos contó con arquitectos como Josep Maria Jujol, con quien establecía una relación de gran confianza, permitiéndole desarrollar soluciones propias dentro del conjunto y aprovechando al máximo su talento.

Su dimensión espiritual y su devoción cristiana era importante y fue creciendo con el tiempo, pero no lo alejaba del mundo. Al contrario, reforzaba su compromiso con el trabajo y con las personas que lo rodeaban.

Aprovechando que este año Barcelona es la capital mundial de la arquitectura y que se celebrará el Congreso Mundial de Arquitectura de la UIA: ¿Qué relación debería tener la Sagrada Família con Barcelona en el futuro?

En los últimos años, se han impulsado acciones como jornadas de puertas abiertas y otras iniciativas para facilitar el acceso del público local, además de un esfuerzo constante de divulgación del proyecto. En relación con el Congreso de la UIA, la Sagrada Família acogerá uno de los actos, creo que se trata de una entrega de premios, que nos genera mucha satisfacción. Este tipo de iniciativas encajan con la voluntad de abrir el templo también al ámbito arquitectónico y cultural.

La Sagrada Família es un templo expiatorio y, como tal, tiene unas funciones específicas, pero también es un espacio que puede alojar determinadas actividades. Ya se organizan conciertos, lógicamente vinculados a la música sacra, y también se han celebrado conferencias. La idea es poder seguir abriendo el edificio a la ciudad y a la comunidad arquitectónica, siempre dentro de sus propias limitaciones.

La Sagrada Familia, el Park Güell o las casas Batlló y Milà (La Pedrera) son probablemente los primeros monumentos diseñados por Antoni Gaudí que vendrán a tu mente si piensas en el icónico arquitecto catalán. Es normal si tenemos en cuenta que la mayor parte de su obra arquitectónica se erigió en la ciudad de Barcelona. De hecho, solo tres de los edificios que el modernista ideó se encuentran fuera de Catalunya. 

Uno de ellos está en la localidad de Comillas, en la costa occidental de Cantabria. Hablamos de El Capricho (1883-1885), la primera casa particular proyectada por el arquitecto español en su juventud. El edificio, que destaca por su marcado estilo orientalista, fue construido de forma simultánea a la Casa Vicens de Barcelona, declarada Patrimonio Mundial por la UNESCO. Los otros dos edificios con el sello Gaudí fuera de tierras catalanas los encontramos en Castilla y León. 

Palacio Episcopal de Astorga

En 1886, el antiguo palacio episcopal de Astorga se incendió. El obispo de la diócesis en ese momento, Juan Bautista Grau, necesitaba un nuevo edificio y decidió encargarle el diseño a Gaudi. Ambos eran catalanes y se conocían previamente, por lo que el arquitecto acabó aceptando la propuesta. 

Gaudí diseñó el palacio entre 1889 y 1893, un momento en el que trabajaba principalmente en Barcelona y todavía no era la figura internacional que sería después. Este puede ubicarse dentro del período neogótico del arquitecto, durante el que se inspiró sobre todo en el arte gótico medieval. No obstante, Gaudí decidió abandonar la construcción al no entenderse con la junta constructora, lo que llevó al arquitecto Ricardo García Guereta a finalizar la obra.

Casa Botines

Ubicada junto al palacio de los Guzmanes (sede de la Diputación de León) y a la plaza de Santo Domingo, la Casa Botines se construyó entre 1891 y 1892 en la ciudad de León por encargo de los empresarios textiles Simón Fernández y Mariano Andrés. En aquel momento, Gaudí no era todavía el arquitecto que asociamos con la Sagrada Familia, pero ya había demostrado su enorme capacidad de innovación.

El nombre de la obra deriva del apellido del fundador de la empresa detrás de aquella petición, Juan Homs y Botines, un comerciante de origen catalán que se había asentado en la capital leonesa para expandir el negocio de la compraventa de tejidos. Cuando le pidieron el diseño, Gaudí estaba trabajando en Astorga, por lo que aceptó el encargo, entre otras cosas, por la cercanía entre ambos sitios.

La Casa Botines también se puede ubicar dentro del período neogótico de Gaudí. Aunque originalmente este fue un edificio utilizado con fines comerciales y residenciales, hoy alberga un museo que se puede visitar todo el año, donde se conservan espacios restaurados y exposiciones sobre su historia y sobre el propio Gaudí.

Más de 10.000 peatones recorren sus 1,3 kilómetros a diario. Muchos solo levantan la mirada –y el móvil– frente a las obras de Gaudí, ya sea la Casa Milà o la Casa Batlló; otros, van de compras en tiendas que ocupan fincas modernistas que levantaron grandes fortunas barcelonesas. Roger Bastida (L’Hospitalet de Llobregat, 1990), historiador del arte, escritor y devoto de esta avenida, pasea entre todos ellos y concluye, optimista: “No creo que los barceloneses hayamos abandonado el Passeig de Gràcia”.

Bastida ha publicado Passeig de Gràcia. Història d’una familia (editorial Comanegra), con el que ha ganado el premio IV Santa Eulàlia de novela. En él, describe las peripecias de tres sagas familiares alrededor del auténtico protagonista del libro: el Passeig de Gràcia, la arteria comercial más lujosa de la ciudad, y la más cara de España, que hace 200 años era apenas un camino de carros que unía Barcelona con el pueblo de Gràcia, y que se erigió en la ubicación más codiciado de sus grandes fortunas.

El paseo con Bastida arranca en lo alto del Passeig de Gràcia. A un lado y otro de la Diagonal, dos ejemplos de lo que fue y lo que es hoy el paseo. El Palau Robert, vestigio del paseo de los palacetes (que serían derribados para levantar edificios), convive con el antiguo Deutsche Bank, símbolo del poder bancario afincado en la arteria durante el franquismo y de su transformación en el siglo XXI en meca del superlujo para capitales extranjeros. Su ático se vendió por 40 millones, el metro cuadrado más caro de toda España.

“El Passeig de Gràcia permite explicar la historia de la ciudad y del país. Comenzando por el comercio con América, la industria textil, la especulación inmobiliaria… y desembocando con el turismo”, señala Bastida. Además, reivindica, es de las pocas grandes avenidas europeas donde el dinero y el arte van tan de la mano. “Si vas por las calles más lujosas de Madrid o de Milán, no te encuentras un Gaudí o un Domènech i Muntaner, ni casas museo”, afirma.

Palacios levantados con dinero esclavista

Proyectado por Bernaldo de Quirós, marqués de Campo Sagrado, e inaugurado en 1827, su existencia es anterior al derrumbe de las murallas de la ciudad y la expansión del Eixample. “Plantaron árboles, pusieron bancos, fuentes, e inicialmente era un espacio de recreo, porque la ciudad se había quedado pequeña”, explica Bastida. Pero poco a poco, las grandes familias, ya fueran la aristocracia local o las fortunas originadas en Cuba y Puerto Rico, lo eligieron para levantar sus palacios. 

Es el caso de los marqueses de Castelljussà o de la familia Massana, que amasó su fortuna a base de trabajo esclavizado en Cuba. Ambos apellidos son fabulados para la novela Passeig de Gràcia, pero se basan en hechos reales. Uno de los palacios que aguantó más en pie, hasta 1947, fue la Casa Samà, de Salvador Samà, Marqués de Marianao. Su riqueza está vinculada al tráfico ilegal de esclavos. 

“El peso de las fortunas antillanas en la construcción del Passeig de Gràcia es importante, y esto incluye las familias que sabemos que traficaron con esclavos o las que tenían plantaciones y se beneficiaron de su mano de obra”, describe Bastida. Otra de las grandes herederas de esclavistas que desembarcó en esta avenida fue Manuela Xiqués, la Bisabuelita, que compró el solar donde hoy está el Hotel Majestic. 

De la primera fase del Passeig de Gràcia solo quedan dos palacios. El Palau Robert (aunque es posterior, puesto que el financiero gerundense Robert Robert i Surís mandó derribar unos chalés y construir a finales del XIX su palacio) y el Palau Marcet, del empresario Frederic Marcet, inmerso actualmente en un polémico proyecto de remodelación para albergar el Museo Thyssen.

Especulación y arquitectos estrella

Hacia finales del siglo XIX, el Eixample en construcción se convirtió en un lienzo en blanco para los grandes arquitectos del modernismo catalán. En el Passeig de Gràcia, se derruyeron palacetes para dar forma a la actual avenida de inmuebles de cuatro plantas. “Era la calle donde se pagaba el suelo más caro, estaba estudiadísimo cuánto costaba cada metro cuadrado”, explica Bastida. “Es entonces cuando se crea este modelo clásico de edificar una finca de cuatro plantas, con el Principal para el propietario y el resto, para otras familias adineradas”, resume. 

Las grandes familias se lanzaron a una feroz competición para conseguir los arquitectos más demandados de la nueva corriente modernista. Antoni Gaudí, Josep Puig i Cadafalch, Lluís Domènech i Montaner. “Enric Sagnier era entonces el más caro y es el que tiene más obra en la ciudad, aunque no es tan conocido”, precisa Bastida. 

El legado más evidente de esa competición es la llamada manzana de la discordia, que aúna la Casa Batlló, de Gaudí, la Casa Ametller, de Puig i Cadafalch, y la Casa Lleó Morera, de Domènech i Montaner. Su acera es de las más intransitables de la ciudad. Bastida se queda con la Lleó Morera, en la que trabajó de guía el poco tiempo que estuvo abierta al público. “Tiene el interior doméstico modernista más espectacular de Barcelona”, argumenta. Además, su fachada es la primera íntegramente de cristal.

Lejos de los turistas, un paseo con Bastida permite descubrir aún secretos del modernismo en plena capital catalana. Como los que esconde la tienda del Massimo Dutti del número 96. Es la Casa Ramon Casas, el pintor modernista catalán cuyo padre hizo dinero en Cuba (la finca de al lado, que alberga la joyería Rabat, es la que heredó su hermana). Aún conserva arquitectónicamente el patio de carruajes o el taller donde pintaba. También escaleras o una chimenea de hierro que simboliza un mono y frente a la que se fotografía el escritor.

De las tiendas de lujo a Carles Marx

Mientras fue todavía hogar de la alta burguesía, los comercios del Passeig de Gràcia reflejaron las necesidades y caprichos de sus residentes. Inicialmente, explica Bastida, abundaban los talleres mecánicos, tiendas de complementos para automóviles o gasolineras. “En aquella época, esto era sinónimo de lujo”, dice el escritor. Con la Primera Guerra Mundial, añade, se llenó de cafeterías, pastelerías, peluquerías y tiendas de moda. 

Uno de los comercios más emblemáticos, la joyería Masriera (hoy Bagués-Masriera) sigue en pie en la avenida, aunque en otro emplazamiento al histórico. Fueron los grandes joyeros del modernismo. 

Pero las modas cambian, recuerda el escritor, y llegó el día en que las grandes fortunas prefirieron instalarse en la zona alta de la ciudad, donde permanecen. Ese proceso fue parejo al desembarco en el Passeig de grandes bancos e instituciones, con sus oficinas que cerraban por la tarde y dejaban la calle vacía de actividad. El Banco Vitalicio, que se alza en el solar del antiguo palacio del esclavista Samà, hoy Edificio Generali, es el más llamativo, junto con el del Banco Hispanoamericano, actualmente sede del hotel de lujo Mandarin Oriental.

Resulta que justo donde está el hotel, y antes el banco, se erigió también el monumental edificio del elitista Círculo Ecuestre, con piscina interior y sala de esgrima. Lo inauguró en 1926 el rey Alfonso XIII. Durante la Guerra Civil, lo ocupó la UGT y lo convirtió en el Casal Carles Marx. Después Franco se lo entregó a la Falange Española. 

Tras la etapa de los grandes bancos y aseguradoras, la fase en la que entró el Passeig de Gràcia es la actual, la del turismo de masas. A esta no llega el libro de Bastida, porque considera que ya está a la vista de todo el mundo. A diferencia de la Rambla y de partes del barrio Gótico, que han expulsado a los barceloneses en favor de los visitantes, Bastida considera que el fenómeno que vive su avenida preferida es distinta. En primer lugar, porque el pueblo barcelonés nunca ha podido residir en ella, ni ahora ni antes.

“No compramos en el Passeig de Gràcia, ni viviendas ni en sus tiendas, porque no tenemos poder adquisitivo, pero es que mis bisabuelos hace cien años tampoco lo tenían”, expresa. “No es que hayan puesto joyerías de lujo para los guiris, aquí la especulación existe desde hace 150 años”, añade. 

Y sin embargo, matiza que ni él ni muchos barceloneses han renunciado a pasear por el Passeig de Gràcia. Para ver el encendido de las luces de navidad, para desplazarse por el Eixample, para cenar en algún restaurante o, quién sabe, para comprar un anillo de boda.

La Sagrada Familia está llena de detalles que a menudo pasan desapercibidos. Entre columnas que parecen árboles, fachadas llenas de símbolos y esculturas que cuentan historias bíblicas, hay pequeños elementos que pueden sorprender incluso a quienes visitan el templo con frecuencia.

Uno de ellos se encuentra en las puertas de la Sagrada Familia situadas en la fachada del Nacimiento. Si uno se fija con atención en la gran puerta de bronce del pórtico central, aparecen decenas de animales diminutos: escarabajos, mariposas, mantis religiosas, libélulas o caracoles.

La presencia de estos insectos en la Sagrada Familia no es casual. Forma parte de un lenguaje simbólico que conecta la arquitectura del templo con la naturaleza.

Una obra del escultor Etsuro Sotoo

Las actuales puertas de la Sagrada Familia en la fachada del Nacimiento fueron diseñadas por el escultor japonés Etsuro Sotoo, uno de los artistas más estrechamente vinculados al proyecto del templo en las últimas décadas.

La puerta principal mide más de siete metros de altura y forma parte de un conjunto de cuatro grandes puertas que el escultor creó para esta fachada.

En su superficie aparecen representadas hojas, hierbas, flores y numerosos animales. Entre ellos destacan los insectos en la Sagrada Familia, que se distribuyen entre tallos y plantas como si formaran parte de un jardín esculpido en bronce.

El color predominante es el verde, acompañado por flores amarillas en la parte inferior y una franja superior con hojas rojizas que aportan contraste al conjunto.

Por qué aparecen insectos en la Sagrada Familia

La presencia de insectos en la Sagrada Familia responde a la visión que Antoni Gaudí tenía de la naturaleza.

El arquitecto consideraba que la naturaleza era el gran libro de inspiración para la arquitectura. De hecho, una de sus frases más conocidas afirma que la naturaleza es la gran maestra del arte.

Por eso la fachada del Nacimiento, que narra los primeros años de vida de Jesucristo, está llena de referencias al mundo natural: plantas, flores, animales y también insectos.

En las puertas de la Sagrada Familia, Etsuro Sotoo quiso continuar esa idea integrando pequeños seres vivos que simbolizan el ciclo natural de la vida.

Entre ellos pueden encontrarse mantis religiosas, escarabajos, orugas, mariposas, libélulas, abejas, saltamontes o caracoles, todos integrados entre hojas y flores.

Un simbolismo ligado a la vida y la creación

La fachada del Nacimiento es la única de las tres fachadas principales de la Sagrada Familia que Antoni Gaudí llegó a ver terminada antes de su muerte en 1926.

En ella todo gira alrededor del nacimiento, la vida y la fertilidad de la naturaleza. Por eso la decoración está llena de vegetación y animales.

En las puertas de la Sagrada Familia, por ejemplo, aparecen flores de calabaza y hiedra, que tradicionalmente simbolizan el matrimonio y la unión.

Los insectos en la Sagrada Familia refuerzan esta idea de vitalidad y biodiversidad, recordando que la naturaleza está llena de pequeños seres que también forman parte de la creación.

Un detalle que muchos visitantes pasan por alto

Quienes visitan la Sagrada Familia suelen quedar impresionados por las grandes torres, las columnas o las vidrieras de colores.

Sin embargo, las puertas de la Sagrada Familia esconden un universo de detalles que solo se descubren cuando uno se detiene a observar.

Las esculturas creadas por Etsuro Sotoo transforman la puerta en una especie de jardín de bronce donde los insectos en la Sagrada Familia conviven con hojas y flores.

Un pequeño recordatorio de algo que Gaudí tenía muy claro: la arquitectura, como la vida, nace siempre de la naturaleza.

Quien entra por primera vez en la Sagrada Familia suele tener la misma sensación: la luz cambia constantemente. No es solo un templo, es un espacio donde el color parece moverse con el paso de las horas.

Esto no es casualidad. Gaudí diseñó cuidadosamente cada ventana del edificio para que el interior cambiara de atmósfera según el momento del día, la estación del año y la posición del sol.

El propio arquitecto lo resumía con una frase que se ha vuelto famosa: el sol es el mejor pintor. Y precisamente por eso la arquitectura de Gaudí convirtió la luz natural en uno de los elementos fundamentales del templo.

Las vidrieras de la Sagrada Familia no están colocadas al azar. Sus colores, su intensidad e incluso su posición responden a una lógica que mezcla arquitectura, naturaleza y simbolismo religioso.

Cómo pensó Gaudí la luz en la Sagrada Familia

Para entender el uso de la luz en la Sagrada Familia hay que tener en cuenta que Gaudí quería superar el modelo de las catedrales góticas.

En las iglesias medievales, la estructura necesitaba grandes contrafuertes y arbotantes exteriores para soportar el peso del edificio. En cambio, la arquitectura de Gaudí utilizó un sistema de columnas ramificadas que funcionan como árboles de piedra.

Esta estructura interior permitía distribuir el peso sin necesidad de esos apoyos externos. Gracias a ello, el templo podía abrirse mucho más a la luz natural.

Así, la Sagrada Familia se concibió como un espacio donde la iluminación no fuese solo funcional, sino también espiritual.

Por eso la luz en la Sagrada Familia entra por decenas de ventanales que recorren las naves del templo.

Las vidrieras inferiores y superiores

Otra de las decisiones más curiosas de Gaudí tiene que ver con la posición de los colores.

En muchas catedrales góticas, las zonas altas de las ventanas contienen los colores más intensos. Sin embargo, en la Sagrada Familia ocurre lo contrario.

Las vidrieras de la Sagrada Familia situadas en las partes bajas contienen los colores más vivos y las inscripciones con nombres de santos y santuarios. De esta forma, los fieles pueden verlas y leerlas desde el suelo.

En cambio, las ventanas superiores son mucho más claras. La intención era permitir que la luz en la Sagrada Familiailuminara directamente las bóvedas decoradas con mosaicos.

Esta decisión refuerza uno de los efectos más buscados en la arquitectura de Gaudí: la sensación de verticalidad, como si el templo se elevara hacia el cielo.

Colores fríos al amanecer y cálidos al atardecer

El segundo gran elemento del diseño lumínico de la Sagrada Familia es la orientación del edificio.

Gaudí pensó las vidrieras de la Sagrada Familia teniendo en cuenta el recorrido del sol a lo largo del día.

El lado este del templo corresponde a la fachada del Nacimiento, que simboliza el inicio de la vida. Por eso las ventanas de esa zona utilizan colores fríos y azulados, similares a los tonos del amanecer.

En cambio, el lado oeste coincide con la fachada de la Pasión, que representa el final de la vida. Allí predominan los tonos rojos, naranjas y dorados, propios de la luz del atardecer.

De esta forma, la luz en la Sagrada Familia no solo ilumina el interior, sino que también narra simbólicamente el nacimiento y la muerte de Jesús.

El espectáculo de luz durante los solsticios

La experiencia visual dentro de la Sagrada Familia cambia aún más en determinados momentos del año.

Debido a la inclinación del eje terrestre, la trayectoria del sol varía entre verano e invierno. Este fenómeno hace que la luz incida de forma distinta sobre las vidrieras de la Sagrada Familia.

En las semanas cercanas al solsticio de verano, los rayos del sol entran muy directamente por el lado del Nacimiento durante la mañana.

En cambio, cerca del solsticio de invierno ocurre lo contrario: el sol del atardecer penetra con más fuerza por las ventanas de la fachada de la Pasión.

En esos momentos, la luz en la Sagrada Familia proyecta colores intensos sobre columnas y bóvedas, creando uno de los espectáculos más impresionantes del templo.

Una arquitectura pensada para que el sol pinte el templo

Todo este sistema demuestra hasta qué punto Gaudí entendía la arquitectura como algo vivo.

Las vidrieras de la Sagrada Familia no son simplemente elementos decorativos. Forman parte de un diseño en el que el sol transforma constantemente el interior del edificio.

La arquitectura de Gaudí convirtió la Sagrada Familia en una especie de reloj de luz natural donde cada hora del día produce un ambiente distinto.

Por eso, entrar en el templo por la mañana o hacerlo al atardecer no es la misma experiencia.

En realidad, cada visita muestra un templo diferente. Uno que cambia con el sol, tal y como había imaginado Gaudícuando dijo que el mejor pintor de todos era, simplemente, la luz.

Si hay algo que hace que el perfil de Barcelona sea reconocible es esa basílica que sobresale por encima de todos los edificios de la ciudad: la Sagrada Família. Esta obra del arquitecto Antoni Gaudí no sólo es la construcción más alta de la capital catalana, sino que también es la iglesia más alta del mundo.

Su punto más elevado se consolidó el pasado 20 de febrero, con la colocación de la Torre de Jesús, que pone punto y final al crecimiento vertical del templo. Ahora mide 172,5 metros. Más que cualquier otra obra del hombre en la ciudad, pero unos pocos metros menos que la montaña de Montjuïc. Todo porque Gaudí quería evitar superar la obra de Dios.

Esta es una de las decenas de curiosidades que rodean a la Sagrada Família, un templo al que, aunque haya dejado de crecer, todavía le faltan unos 10 años para estar acabado del todo. Su construcción sigue en marcha, pero 2026 será especial para el templo. Este año se cumple el centenario de la muerte de Gaudí y eso ha propiciado una agenda llena de actos y ceremonias que tendrán lugar en la que fue su creación más icónica. Entre otras cosas, el Año Gaudí contará con una visita del papa León XIV, que acudirá a Barcelona para bendecir la basílica.

El templo es una de las atracciones turísticas más concurridas de la ciudad, llegando a acoger cada año a casi cinco millones de personas. Pero más allá de admirar sus abarrotadas fachadas, la curiosa forma de las columnas y el espectáculo de colores que son sus ventanales, pocos salen de su visita conociendo esas historias menos conocidas.

La Sagrada Família es “una Biblia en piedra”, según la define Umberto Viotto, arquitecto adjunto al arquitecto director de la Sagrada Família. Gaudí usó diversos elementos para explicar, a través de metáforas, las Sagradas Escrituras. Como ejemplo, un detalle: en la fachada del Nacimiento, hay una imagen del corazón de María, que es donde se guardan las vivencias de Jesús. Pues ese corazón está rodeado de abejas, como símbolo de la importancia de los fieles para entender y salvaguardar la fe.

También sabemos que los brazos de la recién instalada Torre de Jesús son cristaleras y permitirán a sus visitantes mirar tanto al cielo como a la tierra. Y es que el arquitecto quería que la vista estuviera limpia para observar arriba, donde se encuentra Dios, y abajo, donde estaban los obreros. Ambos actores indispensables sin los cuales la Sagrada Familia no existiría.

Pero hay muchas más historias tras sus muros. ¿Por qué las ventanas tienen esos tonos?, ¿Qué hay en los balcones superiores y qué guiños hay en su decoración?, ¿Hasta qué punto era importante la naturaleza para Gaudí y qué elementos de la fauna y la flora usa para explicar la Biblia?, ¿Dónde están los reconocimientos que el arquitecto dejó por toda la basílica a los obreros que la hicieron posible? Estas y otras preguntas son las que responde Viotto, que acompaña a elDiario.es en una visita guiada por el interior y el exterior del templo. Pero advierte: “Todavía quedan muchas incógnitas por resolver”.

Antoni Gaudi pasó los últimos meses de su vida instalado en su taller del interior de la Sagrada Familia. Aquel espacio no era solo su lugar de trabajo: se había convertido, prácticamente, en su hogar. Allí dormía, dibujaba y daba forma a las maquetas que crearon su obra arquitectónica. Cien años después de su muerte, la Catedral de Barcelona ha estrenado este miércoles una película de realidad virtual que permite al espectador adentrarse en ese taller a través de unas gafas de VR de última generación.

La experiencia ofrece un viaje inmersivo a uno de los espacios más íntimos de Gaudí, donde diseñó minuciosamente su arquitectura ligada a la naturaleza, a la espiritualidad y a la artesanía. De aquel laboratorio surgieron obras como el Park Güell, la Casa Batlló, la Casa Mila, el Palau Güell, la Cripta de la Colonia Güell y la propia Sagrada Família.

Aunque la Catedral de Barcelona, del siglo XV, no fue una obra diseñada por él, su elección como escenario de esta experiencia de realidad virtual no es casual. Gaudí mantuvo una estrecha vinculación con el monumento a lo largo de su vida. “Uno de sus rituales era venir a misa a la Catedral y después bajar al mar, ya que afirmaba que las olas le ayudaban en su trabajo profesional y personal”, ha recordado el sacerdote de la Catedral de Barcelona, Josep Maria Turull, durante una rueda de prensa celebrada este miércoles.

El germen del proyecto, según ha explicado su director, Stéphane Landowski, se remonta a un documental coproducido por TV3. Aquella experiencia despertó en el equipo el deseo de adentrarse en el taller de Gaudí y reconstruirlo “con el máximo rigor”. La recreación se ha construido a partir de una decena de fotografías originales del espacio, tomadas poco antes de la muerte del arquitecto y del incendio ocurrido durante el inicio de la guerra civil, que calcinó gran parte del material del taller.

A través de este material, especialistas en reconstrucción numérica —con experiencia en espacios como el Palacio de Versalles y el Museo del Louvre— han recreado digitalmente, pieza por pieza y objeto por objeto, el espacio original. La película, realizada durante 3 años, combina esta minuciosa reconstrucción con ficción interpretada por actores catalanes. “Es una manera de renovar el discurso tradicional sobre Gaudí y acercarlo a la ciudadanía con una nueva mirada”, ha señalado Turull.

La experiencia se organiza en pases cada 30 minutos para grupos de hasta 12 personas y está disponible en siete idiomas. Aunque los asistentes comparten el mismo espacio físico, la vivencia es individual. Además, cada participante utiliza gafas de realidad virtual de última generación.

Durante los 22 minutos que dura el recorrido, los espectadores pueden desplazarse por el taller tal y como lo tenía Gaudí, rodeados de maquetas, herramientas y materiales, e incluso de la cama donde el arquitecto pasaba algunas noches. “Es una experiencia no se tiene que ver; se tiene que vivir”, ha subrayado Marc Gomariz, director de una de las productoras participantes.

La película, que ya ha sido galardonada con diversos premios internacionales, está escrita y dirigida por Stéphane Landowski y Gael Cabouat, y producida por la compañía francesa GEDEON Experiences, junto a Small Creative y NHK. En 2023 formó parte de la sección Venice Immersive del 80º Festival de Cine de Venecia. Tras su paso por países como Francia, Alemania, China y Corea, la obra llega ahora a Barcelona.

“Desde que vimos la obra en Francia, tuvimos muy claro que era necesario llevarla a Barcelona”, ha apuntado Mar Esteve, directora de otra de las productoras participantes. “Es una gran película tanto a nivel gráfico como narrativo y representa un homenaje muy respetuoso de todo el legado de Gaudí”, ha añadido Gomariz.

La basílica de la Sagrada Familia de Barcelona va quemando etapas, aunque sea lentamente, porque la edificación de la obra cumbre de Antoni Gaudí comenzó en 1882. La previsión de los arquitectos es que la construcción se demore durante una década más y los esfuerzos se centrarán ahora en la construcción de la tercera y última fachada del templo modernista, la de la Gloria.

El último hito que se ha completado: la colocación del brazo superior de la cruz de la Torre de Jesucristo, la más alta del imponente monumento, considerada la obra maestra del modernismo catalán. Con la puesta de esa pieza, el templo catalán ha alcanzado su altura máxima prevista (172,5 metros) y pasa a convertirse en la iglesia más alta del mundo. 

La colocación del brazo superior ha sido la última pieza del complejo puzzle de la cruz de la Torre de Jesús, que ha hecho un largo viaje hasta su ubicación final. Fue fabricada en Alemania en 2025 y llegó a Barcelona en catorce megapiezas que se han premontado en la propia Sagrada Familia, en una plataforma de trabajo situada a 54 metros de altura por encima de la nave central.

Una vez montados, se fueron subiendo a lo más alto de la iglesia catalana. En total, han sido siete piezas, según explica el templo en un comunicado: el brazo inferior, el núcleo central, los cuatro brazos y el brazo superior, el último que se ha colocado y con el que alcanza una altura de 172,5 metros. 

“La finalización de la cruz de la torre de Jesucristo representa mucho más que la culminación de una fase constructiva: es el resultado de años de trabajo y de estudio del legado que Antoni Gaudí nos dejó. También es un compromiso firme con el futuro, para continuar trabajando en la finalización de la Sagrada Familia”, ha explicado el arquitecto director, Jordi Faulí.

Con ventanales en los extremos

La Torre de Jesús de la Sagrada Familia ya cuenta con su cruz, una enorme pieza que mide 17 metros de altura y 13,5 metros de ancho. Se trata de una cruz de cuatro brazos tridimensional. Está recubierta de vidrio y cerámica blanca esmaltada, porque Gaudí quería que pareciera de cristal. En los extremos de los brazos horizontales, habrá unos ventanales desde los que se podrá contemplar la ciudad.

Ese proceso de esmaltado y acristalado se ha realizado en varias fábricas y talleres de Catalunya, una parada más del viaje que comenzó en Alemania y que ha terminado en Barcelona. 

La inauguración oficial de la Torre de Jesucristo tendrá lugar el próximo 10 de junio, coincidiendo con la celebración del centenario de la muerte de Antoni Gaudí, un momento que significa un hito histórico para la Sagrada Familia y un homenaje al arquitecto catalán. 

Durante décadas fue una sospecha. Un rumor persistente entre vecinos. Una intuición basada en curvas imposibles y detalles que “olían” a Gaudí. Ahora, un estudio técnico encargado por la Generalitat de Catalunya lo da por confirmado: el Xalet del Catllaràs, en los bosques del Berguedà, fue diseñado por Antoni Gaudí en 1901.

No es una obra monumental. No es la Sagrada Familia ni la Casa Batlló. Y quizá precisamente por eso resultaba más misteriosa.

Un encargo industrial en plena montaña

El chalet fue encargado por Eusebi Güell para alojar temporalmente a los ingenieros que trabajaban en las minas de carbón de la zona, cerca de La Pobla de Lillet. Estamos hablando de una construcción levantada entre 1901 y 1908, en plena efervescencia de los proyectos modernistas del arquitecto.

Mientras Gaudí trabajaba en obras como el Park Güell, diseñaba también esta vivienda funcional en un entorno remoto, a 1.370 metros de altura, rodeada de bosque.

Eso sí, según el informe, Gaudí habría diseñado el edificio, pero no dirigió directamente las obras. La ejecución corrió a cargo de su colaborador Juli Batllevell. Esa distancia explicaría por qué el arquitecto nunca reivindicó públicamente la autoría.

Las pistas que lo confirman

El estudio, dirigido por Galdric Santana, analizó planos, secciones y geometrías del edificio y las comparó con otras obras de Gaudí.

La clave estuvo en los arcos.

La sección transversal revela divergencias características entre arcos parabólicos y catenarios, una firma estructural habitual en el arquitecto de Reus. También se identificaron elementos constructivos muy propios, como la utilización de bóvedas específicas y la disposición de distribuidores a 45 grados, un recurso que aparece en obras como la Torre Bellesguard.

No es un gesto ornamental. Es estructura pensada con lógica gaudiniana.

Una pirámide funcional en medio del bosque

A primera vista, el Xalet del Catllaràs parece sencillo. Casi austero. Nada que ver con la exuberancia decorativa de otras obras del arquitecto.

Tiene forma triangular, cercana a una pirámide. Los arcos estructurales forman parte de la fachada, interrumpida por pequeñas ventanas abuhardilladas. La razón no es caprichosa: esa inclinación facilita que la nieve resbale y no comprometa la estabilidad del edificio.

La base está revestida de piedra y el conjunto, de tonos crema, contrasta con el verde intenso del entorno forestal.

Es Gaudí, pero en versión industrial.

El interior estaba dividido en seis viviendas, dos por planta. Los espacios se reducían progresivamente en altura hasta culminar en la buhardilla. El estudio también desmonta una idea extendida: el chalet no fue pensado para trabajadores rasos, sino exclusivamente para ingenieros.

En 1932 pasó a manos del Ayuntamiento de La Pobla de Lillet. Sufrió décadas de abandono, rehabilitaciones y transformaciones. En una intervención de 1971 se perdió la escalera de caracol original, sustituida por una metálica. En 2015 se reconstruyó una nueva escalera respetando mejor el espíritu del diseño original.

¿Y ahora qué?

El consistorio no contempla convertirlo en alojamiento ni en uso residencial. La idea es integrarlo dentro de una ruta turística que lo conecte con las minas cercanas y el conocido Tren del Ciment. La confirmación de la autoría llega además en el contexto del Año Gaudí, lo que añade una dimensión simbólica al hallazgo.

Pero la historia no termina aquí. Existen otras construcciones atribuidas a Gaudí pendientes de confirmación técnica. Vecinos y expertos llevan años señalando posibles autorías en distintos puntos de Catalunya.

El Xalet del Catllaràs demuestra algo interesante: que Gaudí no fue solo el arquitecto del espectáculo modernista, sino también un diseñador capaz de pensar espacios funcionales, industriales y discretos, adaptados al territorio.

A veces, las grandes revelaciones no están en el centro de la ciudad, sino a veinte minutos de pista forestal, en medio del silencio del bosque.

Y ahí, también, estaba Gaudí.

La Sagrada Família, el icono modernista de Barcelona y la joya de Antoni Gaudí ha alcanzado este viernes su altura máxima tras instalar el brazo vertical de la Torre de Jesús, la última que quedaba por finalizar. Se trata del punto más elevado del monumento y el que lo consagrará como la iglesia más alta del mundo, con 172,5 metros.

La colocación, llevada a cabo por un equipo de habilidiosos gruístas, ha sido presenciada por diversos grupos de turistas. Aunque muchos de ellos miraban al monumento sin ser conscientes de lo que estaba sucediendo. La mayoría tomaban las típicas fotos y vídeos de rigor, pero solo unos pocos observaban al detalle la operación. Era un grupo de japoneses, que habían sido alertados por su guía turística. Esos, al contrario de los demás, han estado bastante más tiempo ante el monumento, conteniendo el aliento en el momento en el que el brazo superior ha encajado con el resto del cuerpo de la cruz.

Una vez acabada esta torre, la estructura de la basílica estará terminada, 144 años después de que se colocara la primera piedra y lo hace coincidiendo con el centenario de la muerte de Antoni Gaudí. Ahora bien, todavía quedan años de obras, pues la fachada de la Glòria (la tercera y última y la que servirá como entrada principal al templo), así como la escalinata de acceso todavía tardarán unos 10 años en estar acabados.

Además, todavía habrá que esperar para ver la Sagrada Família sin los andamios y grúas que hace años que la acompañan en todas las fotos. Seguirán ahí, por lo menos, hasta el 10 de junio, que es el día en que se inaugurará la Torre de Jesús. La ceremonia, a la que se espera la asistencia del papa León XIV, coincidirá con la conmemoración de la muerte de Gaudí.

La gran cruz que culmina la Torre de Jesús tiene geometría de doble giro, la misma que se utilizó para las columnas del interior de la basílica. Se caracterizará por su brillo, pues estará recubierta de vidrio, cerámica blanca esmaltada y en los brazos horizontales tendrá unos ventanales desde los que se podrá observar el cielo y la ciudad. Dicen quienes conocieron las motivaciones del arquitecto catalán que quienes visitaran la estructura pudieran mirar hacia arriba -hacia Dios, quien inspiró la construcción- y hacia abajo -hacia la calle y los obreros que la erigieron.

La cruz, que tiene 17 metros de altura y 13,5 de ancho, ha sido construida en Alemania y transportada hasta Barcelona en 14 “megapiezas” que se han premontado en una plataforma de trabajo a 54 metros de altura, justo por encima de la nave central. Una vez ensamblado cada brazo -de 12 toneladas cada uno- ha sido colocado en su posición por un equipo internacional de gruístas.

A su término, la Sagrada Familia no sólo afianzará su título de iglesia más alta del mundo, sino que también se convertirá en el edificio más alto de Barcelona, superando la Torre Mapfre y el Hotel Arts. Pero, aun así, estará unos pocos metros por debajo de Montjuïc, tal como Gaudí quiso. Porque la obra del hombre no puede superar a la de Dios.

Lo que todavía queda

El próximo hito de la Sagrada Família será acabar la fachada de la Glòria, la mayor y la que será la entrada principal al templo. Las tres fueron diseñadas por Gaudí con estilos distintos, cargadas de gran simbolismo. La del Nacimiento, la única que el arquitecto llegó a ver acabada, es un canto a la alegría de la vida y a la creación; la de la Pasión, obra de Josep Maria Subirachs, rememora los últimos días de Jesús; y la de la Glòria hablará sobre la vida eterna.

La Junta Constructora de la Sagrada Família ha pedido a tres artistas que presenten sus propuestas para esta última fachada: el mallorquín Miquel Barceló, la donostiarra Cristina Iglesias y el mexicano Javier Marín. Se prevé que durante este mes de febrero presenten sus bocetos, que se deberán basar en unas directrices que dejó Gaudí a través de esbozos, planos y maquetas.

La fachada de la Glòria será la más complicada de construir. No sólo porque el arquitecto no dejara planos específicos sobre su diseño, sino porque este acceso va acompañado de una polémica escalinata que implicará el derribo de dos islas de casas, lo que afecta a unas 3.000 viviendas y 10.000 vecinos.

Si había alguna duda, ha quedado resuelta: Antoni Gaudí es el autor del Chalé del Catllaràs de la Pobla de Lillet, en la comarca barcelonesa del Berguedà. Lo demuestra “de forma objetiva e inequívoca” un estudio, encargado por el Departamento de Cultura y liderado por Galdric Santana, director de la Cátedra Gaudí, que se ha hecho público este miércoles.

Hasta ahora la autoría de Gaudí era una suposición. Se daba por hecho que Eusebi Güell, mecenas y protector del arquitecto de Reus, le encargó el diseño de ese alojamiento para los ingenieros de una mina cercana a una de sus fábricas en la comarca.

Con este trabajo, se demuestra según la Generalitat que este edificio, construido en medio del bosque entre 1901 y 1908, incluye “técnicas y metodologías singulares” de Gaudí. También se explica por qué él nunca le reivindicó como suyo: porque diseñó pero no dirigió las obras de construcción. Y porque el edificio sufrió distintas modificaciones respecto al diseño original.

La investigación es el resultado de dos años de análisis documental e información gráfica y analítica. Entre las investigaciones realizadas por Santana, director de la Cátedra Gaudí de la Universitat Politécnica de Catalunya - BarcelonaTech (UPC), destacan las comparativas de planos entre el chalé y edificios de Gaudí donde se determina que existe una “perspectiva constructiva afín”.

Entre las coincidencias, se encuentra el uso de una bóveda de rincón de claustro anexa al Chalet –actualmente desaparecida– y el acceso entre habitaciones mediante el uso de distribuidores a 45 grados. Otro elemento “clave” es el uso de un arco “que parece una parábola o una catenaria”. Santana especifica que, en realidad, es una “funícula calculada” para soportar los dos pisos del edificio.

“Era tan atrevido y tan nuevo que quienes construyeron el edificio no se fiaron y añadieron unos muros de carga. En aquella época nadie se atrevía a hacerlo”, afirma. En cambio, sí mantuvieron el trazado de los planos y la distribución.

Según el autor, Gaudí nunca habría reivindicado la autoría del chalé porque “el resultado no era lo que él había dibujado”. Durante ese período, era habitual que los arquitectos no firmaran las obras si no se ejecutaban fielmente al proyecto original. Según el estudio, Juli Batllevell, colaborador de Gaudí, podría haber sido el autor de la ejecución.

El Chalé del Catllaràs se construyó para acoger a los ingenieros ingleses que fueron a trabajar a las minas de la zona, en la comarca minera del Berguedà, en el prepirineo catalán. Las explotaciones servían para abastecer de combustible la fábrica del Clot del Moro, propiedad de Eusebi Güell y la primera fábrica de cemento portland del Estado.

Un proyecto realizado desde la “plena libertad”

Santana define el Chalé de Catllaràs como una “paradoja”: “Podrías decir que es una obra menor, pero lo que sintetiza realmente este proyecto es la forma de pensar de Gaudí”. Para él, el chalé tiene “mucho valor” porque lo hizo en un lugar donde “se sentía totalmente libre”. El emplazamiento no es un entorno urbano y no existen normativas ni límites de alturas. Allí, en medio del bosque, argumenta, pudo aplicar “su filosofía de arquitectura moderna propia”.

El alcalde de La Pobla de Lillet, Enric Pla, cree que este estudio permite “hacer justicia” y certifica “lo que la gente del pueblo sabe desde siempre”. Además, cree que el estudio tiene el rigor suficiente “para que nunca más nadie pueda decir que no es obra de Gaudí”. El vínculo de Gaudí con este municipio del Berguedà se ha mantenido bien vivo y se conserva una fotografía donde se ve a Gaudí visitando al pueblo acompañado de Güell.

“Siempre le hemos querido muchísimo este chalé, porque ya de pequeños era nuestra casa de colonias”, ha explicado el alcalde. “Veníamos andando, pasábamos dos o tres días y volvíamos a bajar”, recuerda.

El Ayuntamiento ahora quiere convertirlo en un refugio de montaña para “garantizar su conservación” y que alguna entidad pública se encargue de la gestión. Tienen claro que este edificio, de propiedad municipal, debe conservarse en buen estado y que sea “visitable para todos, también para la gente del pueblo”.

El municipio cuenta además con otro elemento atribuido a Gaudí: los Jardines Artigas. El Ayuntamiento trabaja ahora para certificar que también son obra suya, pero admite que este 2026 todavía no será posible. “Es el recurso turístico más visitado del Berguedà”, señala el alcalde, que no duda en afirmar que “la huella de Gaudí” ha sido clave para la proyección turística de este po

El próximo 10 de junio hará un siglo que Antoni Gaudí (Reus 1852 – Barcelona 1926) moría en el Hospital de la Santa Creu, después de ser atropellado tres días antes por un tranvía en el cruce de la Gran Vía con las calles Girona y Bailén. Desaparecía así un arquitecto genial y único, cuyos edificios siguen maravillando a los amantes de la arquitectura no solo por su singular belleza sino también por lo innovador de las estructuras que desarrolló.

Arcos catenarios, paraboloides hiperbólicos, elipsoides y otras estructuras que hasta la llegada de Gaudí se consideraban poco estéticas, cuando no imposibles de emplear en la construcción de edificios, con él adquirieron forma, volumen, relieve y, sobre todo, presencia explicita en las fincas del llamado “modernismo catalán” del cambio del siglo XIX al XX. La Pedrera, la casa Batlló, la Colonia Güell –en especial la cripta–, el parque Güell, la Sagrada Familia y tantos otros edificios por toda España resumen a la perfección la capacidad del artista para innovar y fascinar, un atractivo que se ha mantenido sostenidamente durante el último siglo.

Sin embargo, las creaciones de Gaudí apenas tuvieron continuidad estilística en otros arquitectos salvo en muy contadas ocasiones, como es el caso de sus discípulos Josep Maria Jujol, César Martinell y el valenciano Rafael Guastavino, que si bien no trabajó con el maestro, si se mostró muy influido por él y llevó algunas de sus formas, como la “vuelta”, a su exitosa aventura empresarial en Estados Unidos.

elDiario.es ha conversado con dos destacados expertos en la figura y la obra de Gaudí sobre las razones por las que el estilo gaudiniano quedó en vía muerta al poco de morir el arquitecto. Son Santiago Huerta, profesor emérito de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid y autor del trabajo El cálculo de estructuras en la obra de Gaudí, y Galdric Santana, director de la Cátedra Gaudí y Comisario del Año Gaudí.

El padre del diseño moderno de estructuras

“Realmente él fue el padre del diseño moderno de estructuras, el primero que le dio a la estructura la forma que mecánicamente le correspondía”, sentencia Huerta. “Gaudí usó por primera vez la estática gráfica no solamente para verificar las estructuras, que es lo que se venía haciendo, sino para proyectar formas nuevas arquitectónicas como los arcos catenarios, los hiperboloides, los paraboloides hiperbólicos y otras figuras que él incorpora de forma novedosa”.

La estática gráfica es un método de cálculo geométrico para analizar fuerzas y el equilibrio en estructuras planas, como celosías o arcos, mediante diagramas vectoriales. La innovación de Gaudí, destaca Huerta, fue el empleo de maquetas polifuniculares, basadas en modelos colgantes con cadenas, cordajes y pesos para determinar la forma invertida de los llamados arcos catenarios y parabólicos.

“Lo que hizo Gaudí fue transpolar las formas que determinaba la tracción de un determinado peso en un sistema de cadenas, o cuerdas, a la compresión, esto es dándoles la vuelta y suponiendo que la forma generada en la tracción era la que mejor aguantaba la compresión”, desvela Huerta. Una muestra de maqueta funicular, empleada por Gaudí a escala, puede contemplarse en la Colonia Güell, en Santa Coloma de Cervelló, cerca de Barcelona.

Estas figuras resultantes, muchas veces con formas inusuales hasta entonces, han sido a la postre las que han dado fama mundial a la arquitectura de Gaudí. “Una muestra clara son los pórticos del Parque Güell con las columnas inclinadas, también en la Colonia Güell se aprecian y por supuesto en la Sagrada Familia” desvela Huerta, “todo este universo de figuras viene del de adaptar la forma a la trayectoria de las fuerzas”.

Revolucionario estético

Santana, no obstante, matiza que el conocimiento de las maquetas funiculares y las formas catenarias no fue una invención de Gaudí: “Era un conocimiento que tenían todos los arquitectos y, de hecho, en el Instituto Geometría, cuando Gaudí era alumno, se enseñaba la catenaria como curva adecuada para arcos de grandes cargas”. Lo que ocurría, según el director de la Cátedra Gaudí, es que “por su plástica arquitectónica” eran curvas que “no tenían una buena acogida como obra vista”.

“Entonces lo que hace Gaudí es decir que esta plástica es la funcional y, por tanto, es bonita por sí sola”, asevera Santana, lo cual supuso “un planteamiento revolucionario y de gran atrevimiento estético”. Tanto Huerta como Santana explican que previamente ya se ejecutaban estas estructuras, pero se escondían “porque se consideraba que enseñar esto era feo”. “Lo que hace Gaudí es optimizar la forma y reivindicarla, pero además, después la pasa a una dimensión más como superficie funicular tridimensional”, apostilla Santana.

“Fue un personaje con una enorme creatividad y muy innovador”, destaca Huerta de Gaudí, “pero no publicó apenas nada de sus investigaciones, sabemos de ellas por sus obras y sus discípulos; además, toda la información y planos que se atesoraban de la Sagrada Familia se destruyeron durante la guerra civil”. “Era como Brunelleschi –autor de la cúpula de Santa María de la Flor en la catedral de Florencia– que tampoco publicó nada, un arquitecto que inventó la perspectiva y muchas máquinas que luego copiaron otros, entre ellos Leonardo da Vinci”, apunta Huerta.

Primero el empirismo y después el cálculo

Existe una cierta leyenda del Gaudí empirista que evitaba el cálculo matemático de sus estructuras porque este resultaba muy complejo y porque además no era un gran diestro en la materia. “Hay que tener en cuenta que los materiales con los que trabajaba Gaudí eran el ladrillo y la piedra, que a diferencia del hormigón o el acero, deben resistir la compresión en lugar de la torsión”, señala Huerta.

“Lo que hacía Gaudí en su taller era experimentar con la forma geométrica que se adapta exactamente, o muy aproximadamente a esta compresión, y también experimentaba con la fotografía, y luego ya lo sometía al cálculo él o sus discípulos”, añade. Respecto a la pericia en el cálculo, Santana apunta que Gaudí tenía un dominio notable de las matemáticas a pesar de que en este campo no era de los más destacados de su generación.

De hecho, el comisario del Año Gaudí desvela que la complejidad de los cálculos que demandaban las nuevas estructuras desarrolladas provocó que “poco a poco la vía Gaudí quedase muerta” en favor de ·“geometrías menos complejas en cuanto al cálculo”, algo que favoreció también el auge del acero y el hormigón. “Sin embargo, ahora que los ordenadores permiten ejecutar cálculos complejos con mayor facilidad hay una tendencia a retomar los desarrollos de Gaudí casi un siglo después, entre otras cosas porque suponen un ahorro de material y procesos mucho más ecológicos”, subraya. “Ha tenido que llegar la era de los ordenadores para que se pueda empezar a innovar sobre lo que concibió”, concluye Santana

Gaudí, genio sin escuela

Respecto al motivo por el que Gaudí no dejó una escuela estilística tras de sí, Huerta, con un amplio bagaje académico en la materia, opina que la llegada de nuevos materiales, para los cuales la compresión ya no suponía un problema, hizo que se perdiera el interés por las propuestas de Gaudí. Dice que “se ha convertido en una figura de difícil clasificación dentro de la historia de la arquitectura”, aunque reconoce que “la arquitectura más vanguardista está retomando muchos de sus hallazgos”.

“La aseveracion de que las innovaciones de Gaudí dejaron de ser necesarias con la llegada de nuevos materiales, es algo muy relativo y un poco mito”, replica Santana que, como Huerta, insiste en que “desde hace algunos años se vuelve de nuevo la mirada a sus estructuras y muchas de las que él creó, como es el caso del paraboloide hiperbólico, se están recuperando por sus grandes ventajas en cuanto a sostenibilidad y ahorro de materiales”.

En opinión del catalán, “lo que pasó es que sus discípulos no supieron seguir su senda, en el sentido de llevar sus innovaciones más allá”. Cree que a lo sumo, como en el caso de Jujol y Martinell, o de Guastavino con la llamada “vuelta catalana”, se dedicaron a explotar los hallazgos del maestro, pero sin crear nada nuevo a partir de ellos. “Martinell te hará a vueltas a veces cilíndricas, bóvedas esféricas y planes de carga porticados con funiculares o parábolas, depende del caso, pero Gaudí lo que hizo es llevar estas formas a las tres dimensiones y eso es lo que el resto no supo continuar”, sentencia Santana.

Gaudí, el gótico y la Sagrada Familia

“Gaudí criticaba el gótico por su uso de pilares verticales que implicaban un desequilibro de fuerzas en los laterales, que habría que compensar con sobreestructuras a veces complejas como son los contrafuertes, arbotantes, etc.”, comenta Huerta. “Decía del gótico que era un estilo preindustrial y lo critica en sus conversaciones con los discípulos, criticaba especialmente los pináculos, de los que dice que son como si un jorobado anduviese poniendo banderitas en los edificios”, ilustra.

Huerta pone el ejemplo del bastón para explicar cómo concebía los pilares Gaudí: “Para que un bastón pueda sujetar el peso de un cuerpo tiene que estar inclinado”, explica. “Así que él busca en la inclinación del pilar la mayor resistencia a la compresión, hasta llegar a concebir los arcos catenarios”, remacha. De todas formas, reflexiona que esta aversión al gótico no deja de ser curiosa “porque la Sagrada Familia tiene un aire gótico innegable”.

Santana, que coincide con Huerta en la vocación gótica de la catedral diseñada por Gaudí, explica que no es que el arquitecto renegara del gótico estrictamente, pero sí pensaba que era un “estilo superado”, sobre todo en la construcción de edificios religiosos y que, por tanto, debía actualizarse y optimizarse. En este sentido señala, refrendando las palabras de su colega madrileño, que “la Sagrada Familia es el gran ejemplo de su propuesta para poner al día el gótico”.

Si la del año pasado fue una gala explosiva y polarizada por los llamamientos a actuar por el derecho a la vivienda digna, la de este año se ha demostrado más plana, austera y comedida, con momentos soporíferos que el escaso humor al que han recurrido los presentadores no ha conseguido disipar. A pesar de encontrarse Catalunya en pleno colapso de la red ferroviaria conocida como Rodalies, no ha habido ninguna mención a este hecho, ni siquiera a la manifestación que había tenido lugar 24 horas antes a apenas unos centenares de metros del Liceo, teatro que aparaba la gala este año.

Solamente tres discursos de agradecimiento han arrancado los aplausos entusiastas de los asistentes. El primero ha sido el de la directora de Furia Gemma Blasco, que en la película relata su proceso de superación de la agresión sexual que sufrió en 2011. “A la Gemma de 18 años, que acaba de ser agredida y que soñaba con ser cineasta, creo que estaría viendo los Gaudí, así que, si se abre una línea en el espacio y el tiempo, quiero decirle estas palabras”, ha dicho la premiada. “Sé que ahora te duele el cuerpo y el alma y que todo es muy oscuro, pero créeme, pasarán los años. Conocerás hombres que no verán tu cuerpo como un territorio de conquista”, ha proseguido emocionada.

“Encontrarás el amor de muchas formas y un equipo de personas talentosas que te acompañarán a contar lo que estás sintiendo ahora mismo. Las mujeres de tu vida te sanarán y te repararán. Y algún día podrás ejecutar, a través del cine, una venganza poética y respetuosa. No tienes nada de lo que avergonzarte. De hecho, gracias a la lucha de mujeres como tú, en 2026, te aseguro que la vergüenza está cambiando de bando”, ha añadido entre numerosos aplausos.

Finalmente, Blasco ha cerrado su discurso recordando que “una de cada cuatro mujeres ha sufrido violencia sexual”. “Esta noche son 1.800 personas. Creo que debemos hacer números. Este premio lo dedico a todas las víctimas de violencia sexual”, ha remachado.

Eduard Sola, por “un mundo sin putos fascistas de mierda”

También ha sido contundente Eduard Sola, ganador junto a Cesc Gay del premio al Mejor guion original por Mi amiga Eva. El pasado año ya suscitó polémica su discurso tras ganar el mismo premio por Casa en flames y este año no ha querido defraudar. Haciendo referencia a Eva, “que quiere encontrar y sentir el amor de nuevo”, el guionista ha ensalzado a todos aquellos que quieren “romper la norma”, que tienen “la osadía de soñar”.

“A quienes imaginan, la vida los machaca. Y yo querría deciros que tenemos que hacer como Eva, que las utopías son utopías hasta que alguien las hace realidad. Que un día fueron un imposible las ocho horas de jornada laboral, que fue una locura que los niños dejaran de trabajar para ir a la escuela, y que fue inimaginable que las mujeres votaran, y aquí estamos”, ha dicho Sola, que ha rematado su discurso invitando a imaginar “un mundo sin genocidios, sin armas, sin fascistas de mierda gobernando el mundo”. “Imaginémoslo, luchémoslo, construyámoslo juntos, construyamos este mundo juntos, y un día entonces, como la muerte de Eva, este mundo más justo, más empático, mejor, será una realidad”, ha finalizado entre aplausos.

Irene Iborra dedica el premio “a las 400 personas que en plena ola de frío fueron desahuciados”

También Irene Iborra Rizo, ganadora de la Mejor Película de Animación por Olívia y el terremoto invisible, se mostró reivindicativa y aprovechó su discurso para enviar su apoyo al B9 de Badalona, el macrodesalojo ordenado por el alcalde de la ciudad, Xavier Garcia Albiol. Olívia y el terremoto invisible pone el foco en una niña de 12 años que vive en un barrio de clase media barcelonés con su madre y su hermano pequeño hasta que una notificación de desalojo los obliga a ocupar, con la ayuda de la Plataforma de Afectados por la Hipoteca, un piso vacío en la periferia. Iborra ha terminado dedicando el premio “a todos los niños y adultos que han sido desahuciados y a las 400 personas que en plena ola de frío fueron desahuciados. Estoy segura de que si todos ponemos energía recuperaremos la humanidad”.

Finalmente Ángela Cervantes, premiada como Mejor actriz principal por Furia, ha cerrado un emotivo parlamente dando las gracias a los migrantes de Catalunya “por el esfuerzo que hacéis viniendo a trabajar aquí, que es una cosa nada fácil, porque a mí me hacéis una persona más empática, más humana, y ojalá un día podáis sentaros en estas butacas [del Liceo] para explicar vuestras historias porque tenéis muchísimas cosas que explicar”.

La fachada de Casa Batlló vuelve a convertirse en un imán nocturno en el Passeig de Gràcia. No por un nuevo restaurado ni por una efeméride redonda, sino por algo más sutil y, a la vez, más hipnótico: un proyecto de arte visual basado en luz, ritmo y percepción que transforma el edificio sin tocarlo. Estará visible hasta el 17 de mayo y no funciona como espectáculo pirotécnico, sino como una lectura contemporánea del lenguaje de Gaudí.

Detrás de la propuesta está United Visual Artists (UVA), estudio londinense fundado en 2003 por Matt Clark, especializado en trabajar la luz, el sonido y el movimiento como materias primas. Lo que plantean aquí no es un mapping al uso, sino una obra que se despliega en el tiempo y que conecta directamente con la lógica interna del edificio.

Luz y oscuridad como estructura narrativa

El proyecto, titulado Beyond the Façade, se articula a partir de una idea simple pero poderosa: el ciclo entre el día y la noche, la luz y la sombra. No es un concepto decorativo, sino estructural. La intervención reproduce transiciones, pulsos y variaciones lumínicas que remiten tanto al movimiento del sol como a ciclos más amplios: nacimiento, transformación, desaparición.

UVA no se queda en los patrones físicos de la naturaleza —ondas, simetrías, ritmos—, sino que explora también lo emocional y lo espiritual. En ese punto es donde el diálogo con Antoni Gaudí se vuelve evidente. El arquitecto entendía la naturaleza como un sistema regido por leyes profundas, muchas de ellas geométricas, y esa idea atraviesa todo el proyecto.

No es casual que Clark recupere una de las frases más citadas de Gaudí: “La línea recta pertenece al hombre, la curva pertenece a Dios”. Para UVA, esa afirmación no habla solo de arquitectura, sino de cómo los humanos intentamos traducir una realidad compleja a sistemas comprensibles: números, formas, lenguajes, tecnologías.

Un homenaje que no imita

Uno de los grandes aciertos de Beyond the Façade es que no intenta copiar a Gaudí ni “modernizarlo” con efectos digitales. Lo que hace es trabajar desde el mismo lugar conceptual: buscar el orden oculto bajo la superficie. La fachada no se convierte en pantalla, sino en cuerpo. La luz no tapa la arquitectura, la activa.

Para ello, United Visual Artists ha trabajado con artesanos, diseñadores y técnicos especializados, combinando tecnología avanzada con una mirada casi artesanal del detalle. El resultado es una obra que se percibe más como un fenómeno que como un objeto: algo que sucede, cambia y desaparece.

Una exposición que también se recorre por dentro

Además de la intervención exterior, Beyond the Façade es la primera exposición del nuevo espacio contemporáneo de Casa Batlló, situada en la segunda planta del edificio. Puede visitarse de forma independiente o integrada en el recorrido habitual del monumento, siempre en su horario de apertura.

No es una muestra de paneles ni de piezas colgadas, sino una experiencia inmersiva que amplía lo que ocurre fuera. La luz, el sonido y el movimiento vuelven a ser los protagonistas, reforzando esa idea de obra como evento temporal más que como colección de objetos.

Hasta mayo, pero no para siempre

La instalación podrá verse del 31 de enero al 17 de mayo, una ventana limitada que encaja bien con el propio espíritu del proyecto: nada aquí está pensado para ser permanente. Como la luz al final del día, aparece, transforma el espacio y se va.

Y quizá ahí está la clave de su magnetismo: no pretende quedarse, sino hacerte mirar de nuevo un edificio que creías conocer.

María Rodríguez Soto lleva varios años acelerados. Sus últimos papeles en el cine la han dado a conocer al gran público. Sus nominaciones a los Premios Goya o los Gaudí por películas como Els dies que vindran, Mamifera, Casa en flames o Frontera, ha hecho que esta actriz esté en boca de todos. Pero María Rodríguez Soto es también una de las grandes actrices del teatro.

Lo de María Rodríguez y el teatro viene de largo. Más de 25 montajes teatrales en menos de 23 años de carrera con directores como Jordi Prat i Coll, Victoria Spunzberg, Carme Portaceli o Julio Manrique la abalan. Ahora presenta en el Teatre Nacional de Catalunya (TNC) La reina lloba bajo dirección de Pau Carrió. Una obra sobre uno de los personajes femeninos shakesperianos con mayor calado, la reina de Inglaterra Margarita de Anjou.

Con Carrió la actriz ya había acometido otras obras del inglés como Enrique V (2014) o Hamlet (2016), ambas estrenadas en el Teatre Lliure. Ahora junto a actores como Quim Àvila, Pepo Blasco, Queralt Casasayas, Josep Julien, Xavi Ricart, Pau Roca y David Vert, protagonizará esta propuesta en que el director pone el foco en este personaje femenino que luchó como el más terrible de los hombres.

Rodríguez se está convirtiendo en una de las grandes de Catalunya. Aun así, cuando le preguntamos cuál es papel que querría hacer, la actriz no responde, por ejemplo Medea a lo Nuria Espert, sino que afirma que lo que le gustaría es hacer un espectáculo de clown, “no lo hecho nunca, es un reto, lo que mola es acercarte a cosas que no dominas”, afirma.

Es una actriz que pisa bien, verosímil, versátil, capaz de afrontar un Shakespeare o una marcianada del maravilloso Pablo Rosal como El día antes de la flor. Hablamos con Rodríguez Soto justo el día antes de estrenar La reina Loba. A pesar de la experiencia, lo nervios siguen ahí, a flor de piel.

Margarita D’Anjou, la noble francesa que se convirtió en reina de Inglaterra, esposa de Enrique VI, el rey loco, que se enfrentó a la Casa de York en la Guerra de las dos rosas, que tuvo que huir a Francia, pero recuperó el trono años más tarde. Y que finalmente lo volvió a perder en pura tragedia: su hijo fue ahorcado en el campo de batalla y ella encerrada en la Torre de Londres, ¿personajazo, no?

Ya lo creo, además Margarita es el personaje femenino de Shakespeare que, aunque no tenga una obra dedicada a ella, éste más desarrollado. Pau Carrió se ha basado sobre todo en los tres tomos de Enrique VI y en Ricardo III y luego ha ido hilando con textos de su propia cosecha la propuesta. En este momento siento que necesito al público ya. Pasa en todas las obras de teatro, pero creo que con Shakespeare aún pasa más. Sus personajes están tan escritos para el público, tengo tantas frases a platea que necesito estrenar ya.

¿Qué le parece la figura de Margarita?

Margarita desde pequeña fue moneda de cambio, su padre la vendió a los reyes ingleses para casarla y afianzar una alianza tras la Guerra de los Cien Años. A ella, en un principio, esto le pareció una gran idea, pero en el fondo aquello acabó pasándole factura, atravesándole el alma. Ella intentó reinar, pero no la dejaron… Y en esa lucha con los York acabó aplicando las mismas estrategias horribles de la corte inglesa que ella misma detestaba. Intentó obtener lo que le prometieron a cualquier precio y acabó convirtiendo en una gran villana. Es una especie de Ricardo III pero en mujer.

Es uno de los personajes femeninos de Shakespeare mejor dibujados, ¿está de acuerdo?

Sin duda. En Shakespeare estamos acostumbrados a ver cómo el dolor transforma al ser humano, pero más a través de los personajes masculinos. En la mujer se ve muy poco. Y si ocurre, como en Ofelia o Lady Macbeth, éstas acaban suicidándose. En cambio Margarita tiene un instinto de supervivencia que la hace única.

La interpretación es una carrera de fondo. Hay muchos momentos en que es muy complicado si no vienes de una familia adinerada

Déjeme preguntarla por su pasado, ¿cuándo supo que era actriz?

Llevo haciendo teatro toda la vida. Con seis años ya hacía teatro en el colegio público de mi barrio y seguí haciéndolo cuando pasé al instituto. En Barcelona y en Catalunya hay una muestra de teatro juvenil muy grande, no tiene ningún tipo de afán, pero para mí fue muy importante. Me acuerdo que cuando subí al escenario, había muchísimo público, y me pasó algo muy revelador. Fue la primera vez que sentí la actuación, la disfruté desde un sitio nuevo, sentí que podía contar, que se abría un canal claro entre yo y el público. Ahí entendí que si el oficio era eso que había sentido, yo quería ser actriz.

¿Sus padres son de Barcelona, verdad?

Sí, bueno, la familia de mi madre sí, pero la mi padre es cordobesa. Emigrantes que vivieron en el Somorrostro, en las barracas donde convivieron los emigrantes andaluces con los gitanos durante muchos años. Me siento un poco charnega, tengo ahí cierto orgullo. He vivido las dos culturas.

Me llamó la atención unas declaraciones suyas en la que hacía hincapié en que en el teatro en Barcelona contaba mucho también el origen, la clase social, ¿podría explicar esto?

La interpretación es una carrera de fondo. Hay muchos momentos en que es muy complicado si no vienes de una familia adinerada. El teatro además, en el fondo, es un oficio muy familiar. Ahora, que soy madre y mi hija se pasa muchas tardes en el camerino, lo entiendo mejor. Pero cuando empiezas de cero cuesta. Al principio te parece un mundo cerrado y tienes miedo de no poder dedicarte a esto. Y cuando ves que tienes que trabajar de otras cosas para sobrevivir, porque la vida está muy jodida, pues temes alejarte y no poder volver.

¿Le pasó esto en sus inicios?

Y tanto. Tuve que trabajar de todo: de camarera en tablaos flamencos, vendiendo libros, repartiendo folletos… O me vi pidiendo favores para poder ir a un casting a Madrid. Estuve más de siete años jodida, la verdad, fue duro. Pero siempre hubo algo ahí al fondo que me salvaba, aparecía una obra, una oportunidad… La verdad, las cosas no han ido nada mal y me siento privilegiada.

“Me he hecho un máster en papeles de mujeres fuertes porque he tenido grandes capitanas de barco”

Desde hace 6 años todo se acelera y su carrera en cine explota: Els dies que vindran de Carlos Marqués-Marcet con la que gana el Premio Gaudi, Mamífera, de Liliana Torres Exposito y Casa en flames de Dani de la Orden, ambas en 2023, las nominaciones al Gaudí y los Goya… Años de mucho trabajo donde ha interpretado a mujeres fuertes que cuestionan la figura tradicional de lo supuestamente femenino…

Sí, me he hecho un máster [risas], pero creo que eso se ha podido dar porque ha habido mujeres capitanas de barco. Tiene mucho que ver con que las mujeres también estén en primer término ahora explicando historias. Realizadoras, dramaturgas, guionistas y directoras capaces de alzar su película y explicar lo que les pasa y cómo se sienten. También creo que es por la edad que tengo. Y también tiene que ver con algo nada baladí y que no dejo de repetirme: que estoy teniendo mucha suerte.

En abril se dará la cuadratura del círculo. Después de todas esas mujeres fuertes llega a sus manos una bien especial, lúcida, que vive a pulmón, lesbiana… Me refiero a la protagonista de Permagel, el libro escrito por Eva Baltasar que en abril se estrena en el Espai Texas y que dirigirá Victoria Spunzberg.

Sí, ya hemos comenzado a estudiar el texto, la adaptación es maravillosa, funciona como un tiro. Es todo un poco locura, porque ahora estreno en el TNC y ya ando metida en la siguiente. Todo tiene su lado oscuro, pero cuando estudié el proyecto me pareció tan ilusionante… Ahora estoy un poco cagada. La última semana de La reina loba estaré por las mañanas ensayando Permagel, no hay otra, como el hombre bala, a saco.

¿Qué destacaría del personaje de Permagel?

Es impresionante cómo el personaje de Eva Baltasar enseña las entrañas con cero rubor y cero vergüenza. Y cómo lo hace desde un lugar lleno de humor y al mismo tiempo mucho dolor. Es muy importante hablar del suicidio desde ese punto de vista, y así dejar de estigmatizarlo.

Además, este año estrena nueva serie con Eduard Fernández, Matar un oso, con Movistar, ¿ahí que papel le ha tocado?

Hago de agente rural. También es una mujer bien importante, fue la primera agente rural en Catalunya. Está basado en un caso verdadero en el que matan a un oso en la Vall d'Aran. Es una investigación que todavía está abierta, fue la primera muerte de un animal que se trató por la vía penal en España.

A esa María de 20 años le diría que no se preocupara si lo hacía mal, porque no importa hacerlo mal, lo que importa es atreverse

La serie que está más cerca es Ravalear que dirige Pol Rodríguez e Isaki la Cuesta, ¿no?

Estamos muy contentos porque vamos a la Berlinale. Es la primera vez que una serie española va al festival berlinés. La serie va sobre la especulación inmobiliaria en un caso concreto que ocurrió en la familia de uno de los directores, de Pol Rodríguez. Es la historia del restaurante Can Mosques del barrio del Raval, que fue comprado por un fondo buitre.

Caray, el ritmo es frenético, lleva cinco años de aúpa, ¿cómo es tener una hija de ocho años, la conciliación, los cuidados…?

Después de la pandemia es verdad que el nivel de trabajo aumentó mucho. Este año la conciliación ha sido bien complicada, pero tengo la suerte de tener unos padres maravillosos que viven en Barcelona y que están encantados de hacer de abuelos y ayudarme. Hay momentos en que la maternidad me hace sentir muy culpable, pero también pienso que enseñarle a mi hija que se puede ser madre y trabajar de lo que más quieres es bastante revolucionario.

Si piensa en los primeros años, en la actriz que era y la actriz que es ahora ¿en qué cree que ha mejorado?

A esa María de 20 años le diría que no se preocupara si lo hacía mal, porque no importa hacerlo mal, lo que importa es atreverse. El miedo a hacer el ridículo te hace no contar las historias como tienen que ser contadas. Hay que gozar en el escenario, eso es lo que nos hace ser mejores intérpretes.