En 2006, Albert Serra presentó la que se considera su primera película, Honor de Cavallería. Antes había dirigido, en 2003 y sin estreno comercial, Crespia, pero fue con su siguiente obra cuando llamó la atención de todo el mundo. Llegó al festival de Cannes, a la Quincena de los realizadores. Dos años después repetiría sección con El cant des Ocells; y ya en 2019 ascendería a la sección 'Una cierta mirada', donde logró el Premio Especial del Jurado por Liberté. Tres años después se consagraría con Pacifiction, su primera presencia en la Sección oficial a Concurso del festival más prestigioso del mundo. Las críticas fueron unánimes y hasta estuvo nominado al César a la Mejor película y a la Mejor dirección. 

Por ninguna de esas películas estuvo nominado al Goya. Mientras el resto del mundo se rendía ante el enfant terrible del cine español, la Academia de Cine lo ignoraba una y otra vez. Ni siquiera fue nominado como dirección novel ni en categorías técnicas. Tampoco la increíble fotografía de Artur Tort… Nada. 

Paralelamente, Oliver Laxe comenzaba también su carrera. El gallego debutaría un poco más tarde, en 2010. Lo haría con Todos vosotros sois capitanes, desde el mismo festival, Cannes. En la Quincena de los Realizadores enamoró a la crítica y se llevó el premio Fipresci. La lógica diría que un debut premiado en Cannes lograría, al menos, la nominación a Mejor dirección novel en los Goya. Tampoco. Ni esa ni ninguna otra.

Seis años después presentaría su segundo filme en el mismo certamen. Cambió de sección, y desde la Semana de la Crítica logró el galardón a la Mejor película con Mimosas. El eco de aquel éxito tampoco llegó a la Academia de Cine de España. Cero nominaciones. La suerte de Laxe cambió antes que la de Serra. Con O que arde, en 2019 —donde coincidió con el director catalán— ganó el Premio del Jurado. Esta vez, sí. Esta vez los Goya quedaron conquistados por Benedicta, y la historia de este pirómano que regresa al pueblo logró cuatro nominaciones a los Goya, entre ellas Mejor película y Mejor dirección. Ganó dos: fotografía para Mauro Herce y Actriz revelación para Benedicta Sánchez.

En la edición de 2026, ambos se encuentran en un escenario donde pocos pensaban que se encontrarían, los de unos premios que suelen reconocer un cine más convencional. Sin embargo, la apertura de la Academia ha hecho que en esta ocasión Albert Serra y Oliver Laxe compitan por el Goya a la Mejor dirección. El primero, además, por un documental, Tardes de soledad, su mirada a la tauromaquia con la que ganó la Concha de Oro de San Sebastián. El segundo con Sirat, Premio del jurado en la Sección Oficial de Cannes y nominada al Oscar a la Mejor película internacional.

En 20 años, ambos han pasado de los márgenes, de ser considerados francotiradores fuera de la industria, dos hijos de Cannes olvidados por su país, a estar nominados en los premios de la industria del cine español. Los Goya han ensanchado sus márgenes y, por suerte, ahora entran otras propuestas. 

No quiero estar en ningún saco. No tengo ni maestros, no quiero formar parte de ningún sitio, ni de ningún club, ni de ningún éxito, ni de nada que no sea yo mismo. Solo

Albert Serra — Cineasta

En los pasados premios del cine europeo, Serra y Laxe ya se vieron las caras. Ambos atendieron a la prensa española, por separado, y se les preguntó si pensaban que esa conjunción de ambos nominados significaba algo. Para Serra ambos son fenómenos “que no se pueden comparar” y pedía que no le metieran en ningún saco o grupo. “Yo no voy con nadie más. No me metas en el saco de otras personas que hacen cosas que no tienen nada que ver con las mías. Yo no he visto esta película [Sirat]. Yo voy solo. Llevo mucho tiempo solo. Estoy muy bien donde estoy. No molesto a nadie, y que no me molestan a mí porque yo no me quiero meter en ningún saco de nadie más. No tengo ni maestros, no quiero formar parte de ningún sitio, ni de ningún club, ni de ningún éxito, ni de nada que no sea yo mismo solo. Yo no quiero ser un fan de Scorsese, ni amigo de Scorsese ni amigo de nadie”, decía con su habitual ironía.

Aun así, reconoce que esas películas, “sin haberlas visto, al menos son películas”, y pide que no le hagan decir títulos españoles que no lo son porque le llevaría todo el día. Cree que sí que hay algo en común entre ambas películas, y es “la experiencia”. “Esto es lo que la gente quiere, aunque sea una experiencia con la que yo no estoy de acuerdo, que a mí no me gusta o no me interesa, pero una experiencia diferente de la que habitualmente tienes. Para eso se inventó el cine. La pantalla grande. El acontecimiento. Y si es tan fácil, ¿por qué no lo hacen las plataformas? Pues porque esto requiere un tipo de predisposición del espectador diferente, y claro, allí están obsesionados en que no te distraigas, que estés todo el rato consumiendo”, zanja. 

Laxe cree que este éxito de ambos no es algo “de personas en concreto”, sino que lo ve “algo más generacional”. “Había una manera de hacer cine en España muy clara y se ha complejizado. El ecosistema del cine español es mucho más diverso, hay voces más diversas, y eso es un síntoma de madurez. Es bonito tener el respeto de la gente, que ve que hacemos películas, que las hacemos bien y, sobre todo, que son coherentes con nosotros. Son películas donde yo nos veo a todos. Te pueden gustar más o menos algunas películas de los compañeros, pero todas son honestas y eso es importante”, explica el gallego.

Se refiere a la cosecha de este año, donde casi todas las novedades tienen un perfil de cine medio adulto o de autor. Casi todas, además, han estado en un festival internacional. Para Laxe, eso es porque “estamos en un momento en el que la gente y la industria está cansada de las mismas pelis”. Por eso, y cita a Thierry Frémaux, director del Festival de Cannes, los filmes deben convertirse en “eventos, experiencias que hagan recordar que el cine es un sitio de transformación, de catarsis”.

Por ello nunca ha creído “en la dialéctica de cine de autor y cine comercial”. “Sobre todo porque el mal llamado comercial tampoco era un cine tan comercial. Y mucho cine de autor muchas veces no tiene alma o está hecho desde el cálculo y es predecible. Lo que queremos es compartir películas, que se vean. Hacer una película es demencial, te lleva a tus límites, es muy duro. Yo creo que desde hace tres años habré estado muy poco en casa. Entre el rodaje, la postproducción y la exhibición. Entonces, tu trabajo tiene que servir”, puntualiza, dando a entender que sus compañeros, junto a él, lo han logrado.

Los Premios del Cine Europeo cambiaron este año su habitual fecha de entrega, en el puente de diciembre, para moverse a enero. La idea es entrar en la temporada de premios y no alejarse tanto de ella. Colocar en el foco la o las películas europeas que suenan para los Oscar —que este año se anuncian el jueves 22— y aprovechar las giras mundiales de los directores para poder traer a todos a la ceremonia. La idea salió bien. 

Por la alfombra roja pasaron todos los nominados en un año en el que, además, todos ellos suenan para los premios de la Academia de Hollywood: Joachim Trier, Jafar Panahi y Oliver Laxe, el director español que entraba en el auditorio con el récord de nominaciones para Sirat. Nueve posibilidades de las que acabó materializando cinco, todos y cada uno de los apartados técnicos donde no tuvo rival y que pueden ser un buen augurio de lo que puede pasar el jueves. Fotografía, montaje, casting, diseño de producción y sonido. Era la primera vez que las categorías técnicas tenían nominados y se entregaban en la ceremonia. Y en esa primera ocasión la película española pone el listón muy arriba.

Sin embargo, y en su línea habitual, los Premios del Cine Europeo decidieron concentrar en una película todos los premios importantes. Si en los años anteriores había ocurrido con Emilia Pérez o Anatomía de una caída, esta vez ha sido la película noruega Valor sentimental la que lo ha hecho. El filme de Joachim Trier sumó uno más, seis premios: Película, dirección, guion, actor para Stellan Skarsgard y actriz para Renate Reinsve, además del de mejor banda sonora. De nuevo, puede ser una premonición de lo que ocurra en las nominaciones de los Oscar donde Valor Sentimental llega colocada con mucha fuerza. Trier destacó que “el otro no es el enemigo” y que nos urge crear “empatía” en estos momentos. “Hay que mantener el cine vivo”, culminó.

Entre las dos películas se llevaron once de los galardones, dejando para el resto nada más que la pedrea. Menos suerte tuvieron las otras dos películas españolas nominadas. Tardes de soledad, la película de Albert Serra sobre la tauromaquia no logró el de Mejor documental, que se llevó Fiume o Morte!, de Igor Bezinović; y la película animada Olivia y el terremoto invisible, de Irene Iborra, no pudo dar la sorpresa frente a la favorita, la francesa Arco.

La mañana de los premios, la presidenta de la Academia, la actriz francesa Juliette Binoche, anunciaba que sería una gala política, ya que el cine no puede esconderse de lo que ocurre en el mundo. Acertó. Quedó claro cuando la gala, que fue comisionada por el cineasta Mark Cousins, abrió dándole la palabra al cineasta iraní Jafar Panahi —que se fue de vacío con Un simple accidente—, condenado por el régimen y que deberá entrar en prisión cuando vuelva a su país.

Panahi denuncio la violencia y la masacre que ha sufrido su tierra, pero dejó un mensaje de advertencia para todos: “Esto no trata solo de Irán, sino que todo el mundo está en riesgo. La violencia se ha normalizado, se extiende, se contagia. Nadie esta salvo. Ni en Irán ni en el resto del mundo. Por eso nuestra tarea como cineastas es más complicada y difícil que nunca. Si estamos decepcionados con nuestros políticos debemos hablar, porque el silencio en tiempos de crímenes no es neutralidad, sino contribuir a la oscuridad”. 

Política, como su película, fue la portuguesa Laura Carrera, que ganó el premio al descubrimiento del año por la excelente On falling, una mirada a las empresas tipo Amazon y la alienación y explotación de sus trabajadores. Por ello remarcó al ganar el galardón que su obra hablaba de “un mundo deshumanizado por la expansión del capitalismo”.

Uno de los momentos más emotivos de la gala fue el premio de honor para Liv Ullmann, emocionada y que comenzaba diciendo que si temblaba no era “por los nervios, sino por la edad”. Ullmann tampoco pasó la oportunidad de hacer un discurso sobre el complejo momento que pasa en el mundo. “Lo que está pasando ahora está fuera de nuestra comprensión. Soy Noruega, le hemos dado el premio Nobel a alguien, ¿y ahora se lo da a otra persona? Soy noruega, tenemos normas, y si vas a despreciar el Nobel, deberíamos quitártelo”, dijo Ullmann refiriéndose a María Corina Machado.

Concluyó subrayando la importancia del cine: “La gente nos verá en las películas y entenderá quienes somos y verá que estamos todos juntos, en el mundo”. Un discurso que emocionó al otro premio honorífico, el de Alice Rohrwacher, que agradeció a Ullmann sus palabras y apuntó al cine como una forma de imaginar alternativas ante lo que viene. “El único futuro que parece que vamos a recibir es la guerra y las armas”, dijo la directora de filmes como Lazzaro Feliz o La quimera.

En un año de tanto y tan buen cine español es normal que muchas películas se queden fuera de las nominaciones a los premios. Los Goya, además, no tienen la ventaja de poder separar entre comedia y drama y que así entren más obras, por lo que siempre es más fácil que haya títulos que acaben siendo olvidados. En un año donde Los domingos ha arrasado con todo, sumando 13 nominaciones, y Sirat le ha seguido con 11, estas son las ausencias más sonadas:

'Romería'

A la película de Carla Simón le ha pasado como a La habitación de al lado el año pasado. Pese a su presencia en festivales internacionales (Romería estuvo en Cannes), no ha logrado entrar en la categoría de Mejor película, pero sí en la de Mejor dirección. Se venía barruntando esa posibilidad desde hace tiempo, cuando La cena, la comedia de Manuel Gómez Pereira, empezó a convertirse en un pequeño fenómeno en la taquilla y se ha confirmado en estas nominaciones, que ya daban señales desde sus primeros compases. La Academia tampoco se ha acordado de la fotografía de Helene Louvart, el montaje de Ana Pfaff ni la banda sonora del hermano de la directora, Ernest Pipó.

Sergi López

“¿Puedo quejarme un poco?”, decía la productora de Sirat, Esther García tras conocer las 11 nominaciones de su película. Estaba feliz, pero pensaba que el trabajo de Sergi López merecía el reconocimiento en la categoría de Mejor actor protagonista. Todos daban por hecho su presencia, de hecho él opta al mismo premio en los EFA, los premios del cine europeo. Sin embargo, la Academia de Cine ha sorprendido con la presencia de Manolo Solo, también magnífico en su trabajo en Una quinta portuguesa, el filme de Avelina Prat que ha sido una de las sorpresas de las nominaciones con tres candidaturas.

'Los tortuga'

Solo una nominación para la película de Belén Funes sabe a muy poco. Es uno de los mejores filmes españoles del año, una obra que demuestra una madurez narrativa y que supone su segunda película. Debería haber optado a premios como Mejor guion o incluso Mejor película, pero este retrato de cómo la precariedad afecta hasta al duelo de una madre y una hija solo logró dos nominaciones, la de la actriz chilena Antonia Zeggers como interpretación femenina protagonista y la de Elvira Lara como actriz revelación.

'La buena letra'

El cine de Celia Rico es tan frágil, aparentemente tan pequeño, que suele pasar desapercibido. Le pasó con su anterior obra, la estupenda Los pequeños amores, y le ha pasado con esta brillante adaptación de la novela de Rafael Chirbes, que solo ha logrado la mención a Mejor guion adaptado. Un trabajo que merecía más, o como poco, que sus apartados técnicos como la fotografía y la interpretación de Loreto Mauleón estuvieran presentes. 

'Tardes de soledad'

Una de las sorpresas de la tarde la dio Albert Serra, que ha logrado con Tardes de soledad, su documental sobre la tauromaquia, lo que nunca había logrado con sus anteriores obras de ficción: su primera nominación al Goya como director. Ni siquiera Pacifiction había logrado colarse y la Academia le ha hecho un hueco en una categoría importante y en la de Mejor documental. Ahora bien, ¿por qué no en Mejor película?, ¿cómo es posible que no esté en montaje y sonido cuando son claves en el filme?

'Madrid EXT'

Uno de los mejores documentales del año no ha encontrado su hueco entre las cinco películas finalistas en su categoría en los Goya. Madrid EXT, la sinfonía de Juan Cavestany que ofrece una mirada crítica a un Madrid que desaparece merecía la nominación no solo ahí, sino también en montaje y a la excelente banda sonora de Guille Galván, miembro de Vetusta Morla, y que ha compuesto una pieza fundamental en la obra.

Iraia Elías

Si bien su compañera de reparto en Un fantasma en la batalla, Susana Abaitua, logró la merecida nominación a actriz protagonista, es injusto que Iraia Elías no haya conseguido la suya como actriz de reparto. Su juego de espejos en el thriller de Agustín Díaz Yanes es complejo, lleno de detalles, y basado más en el silencio que en las palabtas. Un trabajo finísimo que merecía más reconocimiento.

'Golpes'

Casi todo el mundo daba por hecho que Rafa Cobos sería uno de los cinco nominados en la categoría de Dirección novel. El guionista de Alberto Rodríguez ha debutado en el largometraje con una inteligente revisión del cine quinqui que había gustado a la crítica. Sin embargo, el filme no ha logrado ninguna candidatura. No solo destaca la ausencia de Cobos, un nombre muy respetado por la Academia y con varios cabezones en su poder, sino también apartados técnicos como su fotografía o montaje.

'A nuestros amigos'

Otro excelente documental que merecía la nominación El trabajo de Adrián Orr, desdibujando los límites entre la ficción y la no ficción es finísimo y una de las miradas más certeras al desclasamiento y al barrio del cine de los últimos años. Un director a tener en cuenta y que la Academia podría haber tenido en cuenta. 

El cine de 2025 ha sido la confirmación de las nuevas miradas del cine español. Por primera vez en años hubo dos películas españolas en la sección oficial de Cannes y otra tercera (la estupenda Ciudad sin sueño) en la Semana de la Crítica. Es un triunfo y un cambio de paradigma que se refleja en este top de lo mejor del año que tiene en cuenta el cine estrenado desde el 1 de enero al 31 de diciembre y que tiene una vencedora tan previsible como lógica.

Todo en un año que vivió, en sus últimos compases, un movimiento que puede sacudir toda la industria. La posible compra de Warner por parte de Netflix puede cambiar todo en unos meses. Aunque aquí haya diez títulos, hay muchos más que merecían estar: Los tortuga, Una casa llena de dinamita, Valor Sentimental, La luz que imaginamos, Madrid EXT, Kontinental '25 o el estupendo Superman que hizo James Gunn. O el corto de Elena López Riera, Las novias del sur, y el riesgo de la distribuidora Atalante trayendo y descubriéndonos el cine de Maurice Pialat. Poder ver La infancia desnuda en una sala de cine es una de las grandes experiencias cinematográficas del año.

10. 'Un simple accidente'

Jafar Panahi logró su primera Palma de Oro por esta película rodada en clandestinidad en Irán, y que le permitió salir del país por primera vez en años. Ahora se enfrenta a una nueva pena de prisión cuando regrese al país. Son motivos extracinematográficos, pero importantes para ver el talento del cineasta iraní para, con todos los impedimentos posibles, crear un thriller lleno de humor negro que habla sobre cómo romper el círculo de la violencia y si la venganza es la mejor forma de lograrlo. Su plano final, con ese fuera de cuadro y el sonido que amenaza de nuevo es uno de los mejores del año.

9. 'Los chicos de la Nickel'

Menuda adaptación personal, compleja e interesante la que se sacó de la manga el casi debutante Ramel Ross, que solucionaba los problemas de la novela de Colson Whitehead con una solución que subrayaba cómo el punto de vista de una película es fundamental. El espectador veía el filme desde los ojos, literal, de estos dos chavales conocidos en un reformatorio donde se asesinaba a los jóvenes negros y se les enterraba sin dar noticias a sus familiares. Sin acudir al drama fácil, con una puesta en escena excelente, Ross se confirmaba como un gran director a seguir.

8. 'Alpha'

Sí, Alpha es una película irregular, pero como su propia directora, Julia Ducournau, decía cuando recogió la Palma de Oro por Titane, ella es consciente de que sus películas están lejos de ser perfectas, y por ello son tan únicas, se sienten tan diferentes y personales. Qué fácil hubiera sido para la cineasta francesa acomodarse y hacer algo grande en EEUU, y, sin embargo, desde su estilo descarnado e intenso aborda las heridas que dejó el SIDA en un filme que siempre apuesta por ofrecer algo nuevo. Va tan a saco, que muchas veces se estrella, pero cuando funciona es mejor que la mayor parte del cine que se estrena.

7. 'The mastermind'

Qué buena es Kelly Reichardt. Sin hacer ruido, sin aspavientos, se ha convertido en una de las cineastas fundamentales del cine independiente de EEUU de las últimas décadas. A una filmografía impecable con títulos como First Cow y Old Joy une ahora esta película que revienta los clichés del cine de robos. Le quita el glamour, lo imprime del gris de las vidas cotidianas, y de fondo las protestas contra la guerra de Vietnam en un momento que pudo ser de cambio, pero acabó en una ilusión. Todo con un Josh O’Connor pletórico.

6. 'La voz de Hind'

Muchas veces se usan con demasiada facilidad adjetivos como ‘necesaria’ o ‘importante’ para hablar de una película. Con La voz de Hind se pueden decir sin tener miedo, porque lo que ha hecho Kaouther Ben Hania con este filme es un cine de urgencia, un puñetazo en la mesa para concienciar a la gente sobre el genocidio en Gaza. Lo ha hecho con una película que huye de la pornografía emocional y que se mantiene fiel a su propuesta ética y estética: usar la voz real de Hind Rajab, la niña asesinada por el ejército israelí a tiros, para recrear las labores de la Media Luna roja que intentaron rescatarla. Un thriller de cuenta atrás en donde uno sabe el final y que es una de las películas que marcan este año, sin ninguna duda.

5. 'Sirat'

Y nos fuimos de rave gracias a Oliver Laxe. Su propuesta más popular, sin renunciar a sus señas de identidad ya apuntadas en su obra anterior, se ha convertido en un fenómeno internacional. En Cannes todo el mundo hablaba de ella y ganó el Premio del Jurado. Ahora en Hollywood dan palmas con esta propuesta sensorial, inmersiva y hasta física. Ha pasado el corte en cinco categorías de los Oscar y ha confirmado a Laxe como uno de los grandes directores españoles. Una película que cuenta, además, con un mensaje político contundente: hasta aquellos que quieren salir del sistema acaban salpicados por lo que ocurre en el mundo. Su primera hora es de lo mejor del cine de 2025.

4. 'Tardes de soledad'

Albert Serra dinamitó el Festival de San Sebastián de 2024 con este documental sobre la tauromaquia que, como esperábamos de él, supuso mirar por la cerradura de lo prohibido, de lo que no queremos mirar. Puso a todos a debatir sobre sus imágenes y consiguió que el debate volviera al centro. Hay en su puesta en escena, porque es un documental donde hay una clara labor de dirección, un retrato sobre la crueldad de los toros, y también sobre esa masculinidad que impera en las cuadrillas. Imágenes como la de Roca Rey siendo vestido como si fuera una drag queen son para el recuerdo. Cine libre, arriesgado, de una de las mentes más únicas del cine español. Ahora solo queda esperar a ver qué ha hecho con su debut en inglés en lo que parece será una comedia sobre las relaciones políticas entre Rusia y EEUU.

3. 'Romería'

Menudo año para el cine español. Cannes vivió la consagración de una generación de cineastas que están cambiando las normas de la industria. Laxe y Carla Simón se plantaron en el festival más importante del mundo con sus nuevas obras y enamoraron a todos. Romería es una película hermosa, que confirma la gran sensibilidad de la directora, su capacidad para ser política y poética a la vez, sin diálogos innecesarios, dando el poder a la imagen. Tiene un control total de su película y se nota. Pero si hay algo que emociona en este filme que cuenta la historia de sus padres, muertos por el SIDA y la heroína, es su defensa del cine como agente reconstructor de la memoria, incluso inventada, como muestra esa media hora final onírica, de las más emocionantes del año y que además apunta a nuevas direcciones en la carrera de Simón, que con solo tres películas es ya una de las figuras más importantes del cine español.

2. 'The brutalist'

Una de esas inclusiones raras, porque claramente es una película de 2024, pero se estrenó en España en enero de 2025, y por ello debe estar casi en lo más alto de esta lista, porque la epopeya histórica de Brady Corbet nos dejó a todos con la boca abierta. Un sopapo al sueño americano, al capitalismo más brutal, que devuelve la fe en un cine ambicioso en lo estético y en lo temático. Rodada en Vistavisión, con una banda sonora hipnótica, con un Adrien Brody que ganó con merecimiento el Oscar… todo en The brutalist es cine de primera categoría. 

1. 'Una batalla tras otra'

Pocas veces hay tal consenso con una obra, pero lo nuevo de Paul Thomas Anderson es una obra maestra. Es, además, una de las películas que mejor definen el momento actual. Una adaptación libérrima del Vineland de Thomas Pynchon que mezcla géneros, estilos, tonos, y que siempre sale victoriosa. Es capaz de jugar al humor absurdo de El gran Lebowski para luego entregar una de las mejores escenas de acción que se han visto en años (esa persecución por las carreteras). Todo fluye, todo parece a punto de desbordarse y siempre acaba encontrando su sitio. Una película que nos enseña que las revoluciones hay que transmitirlas de generación en generación para no arrepentirnos de lo que puede venir. Es la película del año.

La carrera internacional de Sirat sigue imparable. Si el pasado fin de semana se estrenaba con éxito en EEUU —en solo dos copias para poder calificar para los Oscar en cualquier categoría— ahora han sido los Premios del Cine Europeo (EFA) los que la han elegido como una de las grandes favoritas para sus galardones de este año, que se entregarán en Berlín. La película de Oliver Laxe —que ganó el premio del jurado en Cannes— es una de las más nominadas con cuatro candidaturas, entre ellas las más importantes: Mejor película, Mejor dirección, Mejor guion y Mejor actor para Sergi López. 

Un empujón de cara a la posible nominación al Oscar a la Mejor película internacional, donde su distribuidora, Neon, confía en sus opciones. Para ello tendrá que pasar el primer corte, donde se realiza una primera shortlist de 15 películas que se anuncian a mediados de diciembre, antes de saber si estaría entre las cinco finalistas de un año muy complicado y con mucha competencia. Muchos de los títulos que suenan para el Oscar son, además, sus rivales en la categoría reina de los EFA, la de Mejor película. 

Es el caso de Valor sentimental, de Joachim Trier, que tras su gran premio del jurado en Cannes es la más nominada de esta edición y hace pleno de candidaturas: Película, dirección, guion, actor y actriz. Es el rival a batir y la gran favorita. El resto de películas de ficción nominadas son: La voz de Hind Rajab, de Kaouther Ben Hania; Sound of falling, de Masha Schilinski; y Un simple accidente, de Jafar Panahi.

No será la única película española que pueda optar al premio al Mejor filme. Desde el año pasado, los EFA cambiaron sus normas para que los documentales y las películas de animación nominadas en su respectiva categoría opten también al galardón que reconoce la mejor película del año, dejando un total de quince nominadas: cinco de ficción, cinco documentales, y cinco de animación. Así, Albert Serra es finalista con Tardes de soledad, que opta al mejor documental del año y a Mejor película; y también la película animada Olivia y el terremoto invisible, dirigida por Irene Iborra y que ha entrado entre las cinco finalistas de su categoría y, por tanto, entre las quince finalistas.

Tardes de soledad parte como uno de los favoritos en la categoría de Mejor documental, donde se enfrentará a Riefenstahl, de Andres Veiel; Fiume o Morte!, de Igor Bezinović; Songs of slow burning earth, de Olha Zhurba y With hasan in Gaza, de Kamal Aljafari. Por su parte, Olivia y el terremoto invisible tendrá una dura competencia, con dos películas francesas, Arco y Little Amelie como favoritas, además de Dog of god y Tales from the magic garden.

Sergi López tendrá enfrente al ganador de la Copa Volpi, Toni Servillo, por La gracia; Stellan Skarsgard, por Valor sentimental; Mads Mikkelsen, por The last viking y a Idan Weiss, por Franz.

El 3 de mayo del año pasado, el Ministerio de Cultura anunciaba que eliminaría el Premio Nacional de Tauromaquia, que hasta entonces estaba dotado de 30.000 euros, una cifra que equiparaba los toros al resto de disciplinas como el cine, el teatro o la literatura. El departamento que dirige Ernest Urtasun mostraba sus convicciones antitaurinas y no convocaba el galardón para 2024 además de iniciar los trámites administrativos para su anulación definitiva.

Urtasun confirmaba así lo que ya había manifestado cuando era eurodiputado. En 2016 declaró que “la tortura animal no puede ser considerada cultura”, y consecuentemente, cuando tuvo la cartera de Cultura en su poder, decidió que así fuera. A pesar de que la asistencia a los toros se encuentre desde hace años en decadencia, siempre han sido una guerra cultural entre derecha e izquierda.

El anuncio de Urtasun enquistó esa batalla. Si ya era normal ver a Isabel Díaz Ayuso o a Victoria Federica de Marichalar y Borbón yendo a los toros, estableciendo un hilo que unía el sector más conservador con las plazas; tras la eliminación del premio, barones discordantes del PSOE se unieron al bando pro taurino, con Emiliano García Page a la cabeza. El presidente de Castilla-La Mancha guiñó de nuevo el ojo a la derecha y se unió a ellos en la convocatoria de un premio nacional alternativo que se entregaría en el Senado.

En medio de toda esta guerra cultural, el Festival de Cine de San Sebastián anunció que incluía a competición por la Concha de Oro el documental que el cineasta catalán Albert Serra había rodado, precisamente, sobre los toros. No existe un Zinemaldia sin su polémica, y en esta ocasión los toros mostraron que el debate estaba abierto convirtiéndose en el tema de un festival de cine, donde un elemento como la tauromaquia no suele aparecer ni de lejos.

No era una película cualquiera la que abordaba el asunto, sino que Tardes de soledad era el nuevo filme de uno de los autores más personales y radicales del cine español. Un enfant terrible que, hasta ese momento, había sido reivindicado más en Francia, donde es nombre habitual del Festival de Cannes y donde había optado a los premios César por su anterior filme Pacifiction. En España, en cambio, su nombre sigue siendo desconocido para una gran parte del público.

PACMA pidió que se retirara el filme de la competición, Urtasun no estuvo en la proyección —el ministro solo acudió el primer fin de semana y la película se proyectó más tarde—, y el director del festival, José Luis Rebordinos —experto en lidiar con polémicas como está— pidió que la gente viera la película antes de opinar e incluso invitó a los miembros del partido animalista a un pase.

La película se convertía así en el misterio mejor guardado y más deseado del festival. Tras el primer pase de prensa, esa sensación se agrandó. Las críticas fueron unánimes. Albert Serra confirmaba que era un cineasta prodigioso, capaz de ofrecer una mirada sin moralismo, pero afilada como un cuchillo. Tardes de soledad, como siempre en su cine, suponía acercar el ojo a una mirilla para observar lo que nadie quiere ver. Por mucho que se niegue, la tortura animal sigue existiendo en una plaza pública delante de miles de personas, y su película intentaba mostrar lo que ocurría dentro —y fuera, en las bambalinas de la cuadrilla—, para que esa tradición siguiera manteniéndose.

La honestidad es la clave. 'Tardes de soledad' no rehúye nada. De la misma manera que se muestra la intimidad hay otros planos que muestran la violencia del toreo

Albert Serra — Cineasta

Lo que nadie esperaba es que las críticas positivas fueran transversales. Y aquí se desveló el gran acierto de Serra. Su cámara captaba todo para que el espectador lo descodificara. Los taurinos vieron en ella un elogio del honor, de la valentía. Un ensalzamiento del enfrentamiento entre el torero y la muerte que exaltaba la belleza de su tipismo. Los antitaurinos vieron un retrato tan salvaje y violento que colocaba a los toros como algo indefendible. Uno que daba el primer plano de la película al toro vivo, que enseñaba la carnicería a la que le castigan y que, en un hallazgo narrativo más propio de la ficción que del documental, encontraba un alivio cómico y ridículo en la cuadrilla pelota del torero Roca Rey, protagonista absoluto de un filme que, además, subrayaba el componente homoerótico del toreo con una escena del maestro a medio vestir que podría encajar dentro de un episodio de RuPaul.

El jurado, presidido por la directora española Jaione Camborda, corroboró todo eso y le dio la Concha de Oro destacando “su poder artístico” y “su lenguaje cinematográfico que otorga espacio al espectador para juzgar”. “Creemos en el poder del arte para generar movimiento, y esta obra nos permite reflexionar sobre los límites de la expresión artística, el miedo, la brutalidad o la masculinidad, entre otros aspectos”, añadió la autora de O’Corno. “Espacio para juzgar”. Puede parecer un lugar común, pero ahí radica la clave de las reacciones a Tardes de soledad, pero también del cine de Serra, que no da todo mascado, que no da sermones. Un cine cuyas imágenes siempre tienen un misterio que el espectador debe descifrar.

A todo esto, Albert Serra, que hasta entonces había disfrutado dando titulares hiperbólicos, se presentó en San Sebastián más calmado que de costumbre. Lo hizo solo. Nadie de la cuadrilla ni Roca Rey le acompañaron en la promoción; como tampoco lo han hecho en los eventos promocionales de presentación del filme. Él defendió su filme de la polémica, y por supuesto tuvo que responder a la pregunta de dónde se colocaba él en la guerra cultural de la tauromaquia. Serra, como su cine, no busca contestar a nadie, y desde el primer momento dejó claro que era más taurino que antitaurino.

“No estoy en contra. Prefiero que exista a que no exista, sin ninguna duda”, contestaba a elDiario.es sin remilgos, pero añadiendo que esa postura era estéril y que hacía flaco favor a su propuesta cinematográfica. “Este tipo de actitud no te sirve para nada. Al contrario. Para hacer una película y sobre todo una película documental, lo bonito es precisamente ponerte en este estado de inocencia, en esta posición de búsqueda, que la cámara busque cosas inéditas, cosas que te sorprendan a ti mismo, cosas que no podrías encontrar de ninguna otra manera. Y, sobre todo, cosas que los ojos humanos no han visto nunca. Para eso está. Si no, sería muy aburrido. Si no, ya tienes las retransmisiones de la tele para eso”, añadía.

Para él su posición moral se resumía en una palabra: “Honestidad”. Y ahí creía que radicaba el éxito de Tardes de soledad entre todo el arco ideológico. “Nunca me planteo qué va a ver la gente en mi película, pero creo que la honestidad es la clave. Tardes de soledad no rehúye nada. De la misma manera que se muestra la intimidad, hay otros planos que muestran la violencia del toreo. Hay de todo. En ese equilibrio se puede encontrar todo el mundo”, opinaba Serra sobre esa transversalidad. Subrayaba que no se había casado con nadie a pesar de que era “un tema controvertido y espinoso”. Si hubiera pensado en contentar al torero, “sería un publirreportaje de su mejor corrida del año” y, por el contrario, podía haber sido mucho más salvaje. “Si escuchas a la gente, no acabarías nunca”, zanjaba en San Sebastián. 

Lo que nadie pensaba que iba a ocurrir era que el cineasta más insobornable, el más radical, iba a ser el objeto de deseo de todos. Y que lo iba a hacer con una película sobre los toros. Tanto la derecha como la izquierda han querido apropiarse de Tardes de soledad (y de Serra). El filme es el vellocino de oro de esta guerra cultural. Solo hay que mirar lo ocurrido tras la Concha de Oro en San Sebastián. Albert Serra ha protagonizado una portada de Vanity Fair, lo que nunca había logrado con ninguna de sus otras películas; la más taquillera de todas ellas apenas superó los 20.000 espectadores. Ha dado coloquios en la Academia de Cine, y en todos los lugares sagrados para la cinefilia.

A la vez, el periódico El Mundo recuperaba su olvidado premio de tauromaquia solo para dárselo a Albert Serra, mientras que el recién creado y alternativo Premio Nacional que no depende del Ministerio de Cultura, sino del Senado y nueve comunidades autónomas también ha recaído en el cineasta. ¿Cuántas veces el sector conservador había premiado a un director de cine?, ¿cuántas veces el mundo del cine había reivindicado una película sobre el toreo?

Y ahí surge una duda, una que afecta a un director que había construido su carrera y su imagen en torno a una figura de rebeldía, de desafío al poder y a todo. ¿Si Albert Serra gusta a todos, no significará que se ha domesticado?: “Lo he pensado. Lo he pensado un poquito. No mucho, pero no sé. Probablemente. Esperemos a la próxima para decirlo, que esa va sobre Rusia y promete”. 

El Senado ha entregado este lunes el Premio Nacional de Tauromaquia al cineasta Albert Serra y a la Real Unión de Criadores de Toros de Lidia (RUCTL) entre críticas al ministro de Cultura, Ernest Urtasun, por suprimir el galardón nacional anteriormente gestionado por el Ministerio. El premio, que fue eliminado oficialmente por el Ministerio de Cultura en septiembre de 2024, ha sido recuperado ahora por el Senado (con mayoría absoluta del PP) y nueve comunidades autónomas, y así se ha cristalizado en el acto celebrado este lunes en la Cámara Alta.

“En mayo del pasado 2024 conocimos la decisión unilateral por parte del señor ministro de suprimir el Premio Nacional de Tauromaquia, y ante esa imposición, el Senado y numerosos gobiernos autonómicos decidieron poner en valor lo que era de justicia y mantener esta celebración”, ha declarado el presidente de la Cámara Alta, Pedro Rollán, del Partido Popular, en la entrega de premios. 

Rollán ha agradecido a Andalucía, Cantabria, Murcia, Comunidad Valenciana, Aragón, Extremadura, Madrid, Castilla y León y Castilla-La Mancha (única gobernada por el PSOE), así como a la Fundación Toro de Lidia, por recuperar este reconocimiento, que cuenta con una dotación de 30.000 euros.

El presidente de la Cámara Alta ha expresado que este galardón está “muy por encima de cualquier tipo de ideología y de cualquier tipo de siglas”. “La historia ha demostrado que cuanto más se ataque al mundo del toro, más se refuerza y más revitalizado sale. La tauromaquia no tiene ideología, no es de derechas ni de izquierdas, es de todos”, ha señalado Rollán.

En términos similares se ha pronunciado el presidente de la Fundación Toro de Lidia, Victorino Martín, otro de los organizadores del premio, que ha esgrimido que “frente a la triste censura de algunos, nosotros estamos aquí hoy celebrando la cultura y la libertad”.

Albert Serra, que recibe el galardón por “elevar la tauromaquia a un ámbito de reflexión artística”, según el jurado, ha ensalzado el poder de convicción del cine y ha expresado que su película permite ver “realidades que estaban ocultas y que nos puede hacer cambiar nuestra visión”: “Cosas que a priori nos parecía que podíamos detestar, las terminamos amando”.

El torero Andrés Roca Rey, que protagoniza precisamente el documental Tardes de soledad del cineasta catalán, se ha dirigido al ministro: “Al señor Urtasun, le digo que aquí estamos. No necesitamos su permiso. No se puede imponer la cultura desde un despacho”. Finalmente, el presidente de la Real Unión de Criadores de Toros de Lidia, el ganadero Antonio Bañuelos, ha recogido el galardón definiendo el mundo del toro como una “pieza indispensable en la cultura española”.

ERC denuncia “falta de transparencia” 

Antes de la entrega, ERC ha presentado un escrito ante la Mesa del Senado en el que denuncia la “falta de transparencia” en la organización del acto. ERC condena que, a lo largo de la tramitación del evento, se ha ocultado información clave sobre su financiación, acuerdos y criterios organizativos, lo que ha impedido un debate transparente y un control parlamentario adecuado. 

Además, los republicanos afirman que a pesar de las solicitudes de información y los escritos de protesta presentados, la Mesa del Senado ha ofrecido escasas o nulas respuestas. Este reconocimiento ha sido duramente criticado por los republicanos, al considerar que supone un uso indebido de recursos públicos para una iniciativa completamente ajena a las funciones del Senado

Una de las citas cinematográficas ineludibles en Madrid regresa con su habitual unión entre jóvenes talentos y cineastas de trayectoria consagrada. El Festival Márgenes celebra su 14ª edición del 22 al 30 de noviembre, una vez más en diversas sedes repartidas por Lavapiés (Cine Doré, La Casa Encendida, Museo Reina Sofía y Sala Equis) y Arganzuela (Matadero Madrid). Incorpora además el Círculo de Bellas Artes de Madrid, en plena calle Alcalá y a pocos metros de la Gran Vía.

La sección oficial presenta un emocionante y variado programa que pone su foco en algunos de los nombres más reconocidos del panorama internacional, así como en cineastas emergentes que ya han dejado su huella en el circuito de festivales como Cannes, Berlinale o San Sebastián. Obras de diferente duración y formato procedentes de diez países, que ofrecen un viaje a través de miradas provocadoras e innovadoras sobre la complejidad humana y las tensiones de nuestro tiempo.

Una de las más destacadas se verá el lunes 25 a las 21.30 en la Sala Equis: es Atrapados por la marea, nueva radiografía social y sentimental de China del reconocido cineasta Jia Zhagke. O, el viernes 29 de noviembre en la Sala Plató de Cineteca, la ganadora del premio a la Mejor Dirección en el último Festival de Cannes: Grand Tour, del portugués Miguel Gomes (que ha sido definido como todo un viaje sensorial a través de una historia de amor y desamor). Destaca también el estreno en España de Eat the Night, de la siempre atrevida, imaginativa y juguetona pareja de cineastas franceses Caroline Poggi y Jonathan Vinel. Será el jueves 28 a las 20.30, también en la Plató de Cineteca.

Muchas de las entradas para estas y otras secciones de Márgenes, en concreto todas aquellas sesiones que tendrán lugar en Matadero, pueden adquirirse en este apartado de la web de Cineteca Madrid. El precio es de 5€, gratis entre semana para usuarios de JOBO. La cuantía es la misma para las actividades de la Sala Equis, que acoge las proyecciones de sección oficial del lunes 25 de noviembre ya que ese día la Cineteca no abre sus puertas: ahí se verán la propia Atrapados por la marea y, antes, la película de Courtney Stephens Invention a las 19.30.

Ciclos dedicados a dos directoras siempre en la vanguardia

En colaboración con Filmoteca Española, la retrospectiva de este año está dedicada la cineasta suiza Anne-Marie Miéville, figura clave injustamente ignorada del cine de vanguardia. Más allá de su colaboración y relación sentimental con Jean-Luc Godard, la obra de Miéville explora el papel de la mujer en el mundo actual. Pero su filmografía no deja de lado la atención al contexto social, la complejidad del encuentro con el otro, la comunicación mediática o el uso de una puesta en escena antinaturalista y un montaje estilizado para resultar siempre innovadora y audaz. El Doré proyectará 15 títulos de la directora repartidos en ocho sesiones disponibles en este enlace, desde el cual pueden adquirise también las entradas.

Otro foco se centrará igualmente en una vanguardista cineasta e intelectural, Hito Steyerl. Es una de las más destacadas personalidades en el arte contemporáneo y en el pensamiento crítico sobre las imágenes, la tecnología y el poder. Casi diez años después de su retrospectiva en el Reina Sofía, este foco profundiza en la obra de la artista alemana en la última década.

El ciclo ofrece cuatro sesiones con una masterclass de la artista (entradas aquí). Tres de las sesiones ofrecen sus producciones más recientes, mientras que una sesión enlaza con sus ensayos históricos. El ciclo es una oportunidad única de conocer la obra de Steyerl en la sala de cine, medio con el que establece un diálogo sobre su pervivencia y transformación en la sociedad digital.

El cine español más creativo y emergente

La selección de títulos españoles en Márgenes se divide en dos secciones que se proyectarán en la Cineteca de Matadero Madrid, recopiladas junto a otras actividades de Márgenes en este enlace. La competitiva es Escáner, con películas que exploran sensibilidades, temas y enfoques estéticos de la cinematografía contemporánea en nuestro país, con el propósito de ser un altavoz y escaparate para la creación más libre y plural. Un retrato diverso del cine independiente español actual en la que conviven cineastas de largo recorrido junto a promesas del cine español, con títulos que exploran temas como la identidad, el paso de la juventud a la edad adulta, lo marginal, el deseo y la sexualidad, y la política en el arte.

Entre ellas se encuentran Las novias del sur, documental de Elena López Riera en el que mujeres maduras hablan del deseo, de su matrimonio, de su primera vez o de su relación íntima con la sexualidad. También la agridulce historia romántica que relata María Herrera en su cortometraje El cuento de una noche de verano, protagonizado por Olivia Delcán y Nacho Sánchez. O la sugestión nocturna y urbana de Los jóvenes andan, de Miguel Ariza. Mencionar además el documental Caja de resistencia, de Alejandro Alvarado y Cocha Barquero, que rescata las películas frustradas (y soñadas) por el director Fernando Ruiz Vergara, autor de la primera película censurada después del franquismo: el documental Rocío, sobre problemáticas y abusos en la famosa romería.

Completa la programación española la sección MRGENTE, dedicada a nuevos talentos que trabajan en Madrid. Una sección salida de la capital y sus márgenes, tan variada como la propia ciudad. Cortometrajes como Configuración de un umbral, Corre o vento y Los siento dan muestra de la variedad de apuestas cinematográficas creadas en Madrid.

Dos homenajes con presente y futuro

Albert Serra, reciente ganador de la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián con su documental taurino Tardes de soledad, recibirá el Premio Especial Márgenes 2024. El galardón celebra el espíritu libre e innovador de los premiados y premiadas. Según Márgenes, se trata de “un autor que transita con absoluta naturalidad entre el arte y el cine contemporáneos; desdibujando los límites entre la vanguardia y la tradición”. El ganador del Leopardo de Oro del Festival de Locarno por Historia de mi muerte recogerá este nuevo reconocimiento y mantendrá una conversación con la escritora y periodista Blanca Lacasa el martes 26 de noviembre en Cineteca Madrid. Las localidades pueden adquirirse en este link.

El certamen concede otro reconocimiento, el Premio Márgenes Futura, en el que reivindica el trabajo de un cineasta, artista e investigador que ha destacado por conjugar el rigor de la investigación académica con la exploración del lenguaje audiovisual. En este caso recae en Gerard Ortín, que invita a la reflexión sobre las complejas relaciones entre los humanos y su entorno. El premio irá acompañado de un ciclo online, organizado junto a CaixaForum+, que podrá verse en su plataforma de manera gratuita entre el 22 de noviembre y el 22 de diciembre.

Clase magistral, sesión familiar y una clausura con sesión doble

El director rumano Radu Jude visitará el festival para presentar su última película, Eight Postcards from Utopia, codirigida con Christian Ferencz-Flatz y presentada en la pasada edición del Festival de Locarno. Un retrato lúdico, hilarante, innovador y provocador elaborado con metraje encontrado y montado únicamente a partir de anuncios de la Rumanía postsocialista. Además, impartirá una clase magistral el 25 de noviembre en el Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes, actividad organizada junto a ECAM y el propio CBA. Este espacio dedicará asimismo una retrospectiva a parte de la obra del director rumano, reconocido en 2021 con el Oso de Oro de Berlín por Un polvo desafortunado o porno loco.

La Casa Encendida es el lugar elegido para sección dedicada al público infantil, Lafamily, que busca acercar el cine y la creación audiovisual a los más pequeños y fomentar la alfabetización audiovisual, entrelazando entretenimiento y educación.  La sesión está dedicada a la pionera de la animación canadiense Evelyn Lambart y a sus fábulas con animales. Además, estará dinamizada por la ilustradora Elena Hormiga, quien presentará las piezas de manera guiada e interactiva, permitiendo descubrir los secretos de la técnica y las enseñanzas de las fábulas. Será el lunes 24 de noviembre a las 12.00 a un precio de 4 euros (entradas aquí).

Por último, para la clausura Márgens organiza una doble sesión en Cineteca (además de la entrega del premio a Gerard Ortín). No soy yo es un artefacto visual en el que el cineasta Leos Carax hace un repaso de su filmografía, de la Historia del cine y de la del siglo XX de una forma radicalmente personal y visceral. Además, el cortometraje Allégorie Citadine, de Alice Rohrwacher y JR, reflexiona sobre las imágenes, las ilusiones y la liberación del pensamiento, inspirado en el mito de la caverna de Platón. Será en la sala Azcona y las localidades pueden conseguirse en este link.

En dos años Seminci se ha consolidado como el festival español más potente tras San Sebastián. Ha recuperado ese espacio y lo ha hecho logrando una Sección Oficial potente que apuesta por el cine español y consiguiendo que casi todos los cineastas que compiten presenten sus películas, algo fundamental para un certamen. En la segunda edición capitaneada por José Luis Cienfuegos, la apuesta por ese cine más autoral se ha cerrado con la Espiga de Oro para Misericordia, la última película de Alain Guiraudie, el director de El desconocido del lago que aquí entrega un thriller rural en apariencia, pero lleno de homoerotismo, mala leche, humor negro y una reflexión sobre la iglesia, la moralidad y cómo el sexo y el amor pueden ser monedas de cambio en la sociedad actual.

Guiraudie es uno de esos cineastas que nadan a contracorriente de modas, y el jurado le ha premiado no solo con el primer premio, sino también con el del Mejor guion. Misericordia es, además, un pequeño triunfo para el cine español, ya que cuenta con la producción de Albert Serra y su socia Montse Triola a través de su productora Andergraun Films. Se podría decir, de hecho, que es una nueva victoria del cineasta catalán y sus apuestas por películas que se salen de los cánones de la industria. Misericordia estuvo en el pasado festival de Cannes, pero no compitió por ningún premio, ya que solo se pudo ver en la sección de Cannes premiere.

El jurado ha elegido un palmarés en el que no se encuentran filmes premiados en otros certámenes internacionales. Se quedan fuera dos de las favoritas como The brutalist o Vermiglio, ambas con galardón en Venecia, y entran apuestas a las que un premio en Seminci pueden ayudar mucho más en su carrera comercial como ese premio a la Mejor dirección que el jurado entregó a Guan Hu por Black Dog.

Seminci también confirma el gran estado del cine español, que ve cómo varias de sus propuestas de Sección Oficial entran en el palmarés. El original y sorprendente musical sobre la eutanasia de Carlos Marqués-Marcet, Polvo Serán, logra el segundo premio, la Espiga de Plata (ex aequo con Stranger Eyes, de Yeo Siew Hua). Un premio más que merecido para uno de nuestros cineastas más finos y arriesgados que ha realizado una película que no se parece a ninguna, con canciones de María Arnal y coreografías de La Veronal, y un dúo protagonista espectacular, Ángela Molina y Alfredo Castro, que recibieron una mención especial del jurado por sus interpretaciones.

También salió con premio Salve María, el thriller sobre la maternidad de Mar Coll, que muestra como si fuera una película de terror las dudas de una madre arrepentida. Su galardón a la Mejor actriz para Laura Weissmahr es impepinable. Ninguna interpretación en esta Seminci está al nivel de lo que hace esta actriz hipnótica. Este premio debería colocarla en la carrera del Goya a la Mejor actriz revelación; igual que este palmarés debería reivindicar a Polvo Serán y Salve María como dos de los grandes títulos españoles del año. El premio Pilar Miró a la mejor ópera prima española fue para Fin de Fiesta, de Elena Manrique, por su sátira contra los pijos y contra el racismo.

El premio al mejor actor también fue compartido para Jan Gunnar Røise y Thorbjørn Harr, los dos intérpretes de Sex -que acaba de estrenarse en salas españolas-, el filme del noruego Dag Johan Haugerud, que inaugura su trilogía sobre sexo y amor de la que ya se viera la segunda parte, Love, en Venecia. Con su estilo humanista, el cineasta ofrece una reflexión sobre la masculinidad, el género y la identidad a través de las conversaciónes de dos deshollinadores que ven cómo eso que les hace hombres heterosexuales se tambalea tras dos sucesos: el primero tiene sexo con otro hombre, y el segundo sueña con que es una mujer. La interpretación de ambos, sin aspavientos y muy medida, es una de las grandes bazas de un filme que basa casi toda su fuerza en las conversaciones de ambos.

El palmarés de Seminci también reconoce las labores técnicas, y premió el montaje de Telmo Churro y Pedro Filipe Marqués en Grand Tour, la bellísima película de Miguel Gomes con la que el director portugués logró el premio a la Mejor dirección en Cannes; y la fotografía de Gao Weizhe en Black Dog. El cine indie de EEUU, una de las grandes bazas de esta edición, se tuvo que conformar con el premio Fipresci que otorga la crítica internacional para Christmas Eve in Miller's Point, de Tyler Taormina; y el del público para Bob Trevino Likes it, de Tracie Laymon.

Albert Serra nunca deja indiferente. Ni con su cine, ni con sus entrevistas. Hay algo genuino en él, algo que cada vez cuesta más encontrar en una industria donde todo se hace con escuadra y cartabón. Donde un algoritmo dice lo que funciona y lo que no, o donde hay que introducir un giro para que el espectador no se vaya. Serra coge esas normas, las del mercado, hace una bola con ellas y las tira a la basura para seguir haciendo un cine libre y a contracorriente, que reta al espectador.

Quizás por eso supo tan bien a todos la Concha de Oro que el cineasta catalán ganó por Tardes de soledad, el documental sobre la tauromaquia que fue el evento del festival. Pocos minutos después de ganar el premio, Serra atendió a la prensa y volvió a mostrar que es una rara avis en el cine español. Lo primero que dijo, tras sentarse y pedir un vaso de agua, es que nunca había pensado en si el filme iba a gustar o no. “Si digo la verdad la gente no se la cree, pero no me importaba nada si gustaba o no. No pienso en eso. Suficientes problemas hemos tenido con acabarla a tiempo y que quedara bien”, comenzó diciendo.

En una de sus frases míticas cuando promocionaba sus anteriores filmes se definió como la madre Teresa del cine español, porque daba mucho y no recibía nada a cambio. Sonríe cuando se lo recuerdan. “Ahora he recibido un poco más. Es que si no ya sería santo. Me llevarían a los cielos. En aquella época era verdad, pero ahora ya no lo puedo decir”, reconoció.

La respuesta crítica tan unánime también le ha hecho pensar, ¿y si se está domesticando un poco? “Lo he pensado un poquito. No mucho. Supongo que, por lo que me han contado amigos míos, comparado con las otras películas todavía continuaba siendo la más osada. Esperemos a la próxima. Sobre Rusia. Esa promete”, confiesa y emplaza a su siguiente filme, que se rodará en verano y que según medios de EEUU tendrá a Kristen Stewart como protagonista.

Taurinos y antitaurinos. Todos han alabado el filme, pero Serra prefiere no valorar qué han podido ver unos u otros. Cree que el éxito del filme radica en su “honestidad”. “No rehuye nada. De la misma manera que muestra la intimidad, hay otros planos que muestran otra realidad de violencia. En este equilibrio yo creo que la gente puede encontrar ese mundo que retrata. Por eso es un documental”, añade.

El premio en sí le importa poco. “No es una cosa que me atraiga. No me molesta no ganar. Los premios no afectan a uno, lo que cuenta es la película. Evidentemente ayuda a la financiación de próximas películas, para eso sí ayuda, pero por lo demás ni ayuda ni perjudica. Sinceramente, quizás parecerá extraño, pero de verdad que nunca conocí en este mundo del cine a nadie que le importara menos el éxito que a mí. No me guío por esos parámetros”, subrayó.

Si tienes ese acceso privilegiado no puedes hacer una cosa impostada, ni lo más mínimamente impostada. Siempre va a haber una autoconsciencia, pero tiene que ser la mínima posible

Albert Serra — Cineasta

Quiere que la cuadrilla que muestra el filme, y el torero que lo protagoniza, Andrés Roca Rey, “la vean tranquilamente”. “Les enseñamos un montaje al principio, pero él está en otras cosas, tiene sus propios problemas, como torear, que ya es bastante dificultoso y está en plena temporada. La película es una amplificación de la realidad, y verse a uno mismo es también complicado de asimilar”, dijo sobre si habían visto ya el filme aquellos a que retrata con un documental con el que espera que “la cámara revele algo”. “Si tienes ese acceso no puedes hacer una cosa impostada, ni lo más mínimamente impostada. Siempre va a haber una autoconsciencia, pero tiene que ser la mínima posible”, opinó.

En su discurso al ganar la Concha de Oro destacó el valor del cine osado para adentrarse en asuntos espinosos como el toreo. Sobre todo se refería a “osado formalmente”, algo que considera su “obsesión”. “Hacer cosas que no estén vistas, crear atmósferas inéditas, es lo que he hecho siempre”.

Lo que no le interesaría retratar en un documental es otro mundo como el del fútbol: “No me interesa porque tiene una cosa más vulgar. Tampoco tiene tanta relevancia porque no se convocan los mismos valores además es una cosa más mediática. De entrada ya está muy expuesto. Eso no quiere decir que otro director más interesado e inteligente que yo lo pueda hacer”, zanjó.

¿Y el futuro de los toros? Pues Serra contestó siendo Serra: “No soy adivino”. Pero luego añadió más calmado, “como todas las cosas tiene su evolución, y la sociedad evoluciona de una manera y a veces las cosas también cambian”.

Los premios de los Festivales de Cine son una lotería. Rara vez coinciden con lo que piensa la prensa, con la que la crítica coloca los días previos como favorita. De hecho, hasta el propio término ‘fallo’ del jurado induce a un juego de palabras sobre la dificultad de acertar. Sin embargo, el jurado de esta edición del Festival de San Sebastián cuadró un palmarés prácticamente impoluto -aunque con alguna sorpresa-, comenzando por una Concha de Oro impepinable, la que se llevó Albert Serra por su polémico -días antes de la presentación desde PACMA se pidió su retirada de la competición- y portentoso documental sobre la tauromaquia, Tardes de soledad.

El filme de Serra, uno de los autores más importantes del cine español actualmente y uno de los pocos por el que se pegan los festivales internacionales, era la propuesta que rompió el festival a la mitad. Fue el evento del Zinemaldia, por relevancia y curiosidad. Tras verla estaba claro que también lo partió por la mitad a nivel cinematográfico. Era difícil que una obra de Sección Oficial estuviera al nivel del imponente retrato del director a la tauromaquia.

Con un acceso inaudito, Serra coloca su cámara a ras de arena y muestra lo que ocurre ahí dentro. Un espectáculo violento donde alguno verá fascinación, pero donde solo hay barbarie. Serra no juzga, pero al mirar tan de cerca, al mirar sin cortapisas, ofrece un relato del absurdo y lo salvaje. Nos lanza a la cara su película para que la recojamos y hagamos con ella lo que queramos. Si su retrato de la plaza es tremendo, no lo es menos el que hace de las bambalinas de esa cuadrilla llena de testosterona y de una masculinidad vestida de traje de luces.

La presidenta del jurado, Jaione Camborda -ganadora de la Cocha de Oro el año pasado por O Corno-, destacó “su poder artístico” y que “con su lenguaje cinematográfico otorga espacio al espectador para juzgar”. “Creemos en el poder del arte para generar movimiento, y esta obra nos permite reflexionar sobre los límites de la expresión artística, el miedo, la brutalidad o la masculinidad, entre otros aspectos”, añadió. Por su parte, Serra -que también ganó el premio que otorga la Asociación de Informadores Cinematográficos- se acordó “inevitablemente”, de “los protagonistas de la película”. “Acercarse a este grado de intimidad de una gente que es singular es un privilegio, un honor y quería agradecerles permitírnoslo. A Andrés Roca Rey y a su cuadrilla. Gracias a ellos la película existe y tiene un lado genuino que no se pueden encontrar en tantas otras películas. Solo el cine de autor osado puede ir al fondo de una cuestión, incluida esta”, añadió. 

Con la Concha de Plata al a Mejor dirección el jurado lanzó una declaración de intenciones con su único premio ex aequo. Premió dos óperas primas de dos talentos emergentes, pero haciendo un cine radicalmente diferente. Por un lado, el cine social de una nueva generación representado por Laura Carreira, que con On falling se había colocado como una de las grandes favoritas a todo este año. Un retrato de la precariedad laboral, de las nuevas formas de explotación y de la falta de redes sindicales y asociativas que ha producido Ken Loach, pero que recurre a una sequedad que conmociona. 

Lo compartió con Pedro Martín-Calero, otro ‘novato’ que sorprendió con El llanto, filme de terror producido por Caballo Films, la productora de Rodrigo Sorogoyen, y que ha escrito junto a Isabel Peña. Una película que ha dividido a la crítica, pero donde Martín-Calero muestra que en España también hay otras formas de hacer terror y de hacer que hable de temas actuales como la violencia hacia las mujeres y cómo la sociedad nunca las cree. Martín-Calero se acordó del equipo técnico y del apoyo del instituto nacional de cine argentino para criticar las políticas de Milei contra el sector audiovisual. “El llanto habla de la violencia machista, un tema central de nuestra sociedad del que todos somos responsables”, añadió el cineasta.

Mucho cine español

La otra lectura que se puede hacer del palmarés es que el cine español vive un momento dulce. Este San Sebastián llegaba poco después del reciente León de Oro para Pedro Almodóvar -que en Donostia recogió el Premio Donostia por toda su carrera- por La habitación de al lado, y cierra con tres de las cuatro películas españolas en el palmarés. La tercera en entrar fue Los destellos, otra de las favoritas que tuvo que conformarse con el premio a la mejor interpretación -el Zinemaldia no distingue por género en sus premios- para Patricia López Arnáiz, ahora mismo una de las actrices más en forma que se emocionó hasta las lágrimas en el escenario y se lo dedicó a la directora, Pilar Palomero. También en Nuevos Directores hubo recompensa con la Mención Especial al debut de C. Tangana, La guitarra flamenca de Yerai Cortés, un documental con ecos de Saura que ha sido una de las sorpresas de esta edición.

El premio especial del jurado -que puede destacar cualquier aspecto de una de las películas en competición- fue para todo el reparto de The last showgirl, de Gia Coppola. Una película que supone la resurrección de Pamela Anderson, que se reivindicó como actriz con esta mirada empática y llena de cariño de la nieta del director de El Padrino hacia una bailarina de variedades de Las Vegas de más de 50 años a la que anuncian que se quedará en paro ya que cierra el show donde trabaja. Ambas subieron al escenario a recoger el galardón y Anderson se acordó del resto del reparto, en el que están Jamie Lee Curtis o Dave Bautista.

La sorpresa del palmarés llegó con la inclusión con dos premios de Cuando cae el otoño, de François Ozon, un filme menor del cineasta francés que se llevó las menciones a la Mejor interpretación de reparto, para Pierre Lottin, y el mejor guion, que también recogió el intérprete. Entendible lo primero. Lottin -que recogió con dardo a Macron agradeciendo su “escucha”- tiene presencia, carisma, y es uno de los actores franceses del momento. Menos comprensible lo del guion, sobre todo teniendo en cuenta que se lo lleva por encima de títulos como Mi única familia, el desolador retrato de Mike Leigh que se iba de vacío a pesar de convencer a la crítica y de ser uno de los mejores en competición. Un palmarés que se cerraba con otro premio impepinable, el de la Mejor fotografía para la película china Bound in heaven, thriller rodado con gusto exquisito y otro prometedor debut de la cineasta Xin Huo.

Albert Serra ha sacudido el Festival de Cine de San Sebastián. Si sus ficciones siempre retan y revuelven el adocenado cine industrial, su primer documental ha dejado el Zinemaldia tiritando. A Serra está claro que le ponen los retos, y realizar un trabajo de no ficción sobre la tauromaquia era uno de ellos. Lleva cinco años trabajando en lo que finalmente se ha convertido en Tardes de soledad, el filme más esperado de la Sección Oficial.

Serra repite patrones de sus filmes narrativos, y los aplica a una película que coloca la mirada a ras de plaza de toros donde uno es testigo de la violencia que se aplica al animal, al que escuchamos hasta respirar. Pero también se cuela en las bambalinas de la cuadrilla y ahí los retrata performando una masculinidad trasnochada. Lo consigue sin forzar. A fuerza de rodar y buscar. 

Hay algo, sin embargo, que sí parece diferente esta vez, y es que Serra se ha mostrado mucho más cauto en sus respuestas que en otras ocasiones. Ha dejado que la película hable, la ha lanzado a la cara de los espectadores dejando que sean ellos los que saquen sus conclusiones. Él tiene pocas certezas, pero una de ellas es que va a hacer siempre el cine que le dé la gana y no el que le pidan.

¿En qué momento decide hacer una película sobre la tauromaquia?

Es un mundo que no me es totalmente ajeno, pero tampoco soy un aficionado regular. Había ido a lo mejor a una o dos corridas en los últimos años. Las que dio José Tomás en Barcelona. Cuando era pequeño también fui alguna vez… pero eso estaba olvidado. Esto nace del máster de documental de la Pompeu Fabra, que me dijeron que tenía que hacer un documental con ellos, y siempre respondía que no tenía un tema que me interesara documentar. Y tras tanto insistir un día dije, ‘hostia’. Yo pensé que era un tema que entrañaba una dificultad, porque si ahora dices toros parece una cosa un poco casposa que a priori no parecería muy asociada a mis formas modernas. Se lo dije y primero dijeron, ¿ahora, los toros? Se lo pensaron un par de días. Yo sé que pensaron que quizás ahora no tocaba, pero por qué no tocaba. Este fue el inicio.

Hay una cosa divertida, que es que un día, estaba con uno de los productores, Luis Ferrón, en uno de los actos de Madrid. Estábamos hablando de esto y estaba Frederick Wiseman (uno de los documentalistas más prestigiosos del mundo). Le hablamos del proyecto y le encantó. Cuando me fui le dijo al productor, si él no lo hace lo hago yo. Y eso me estimuló más, dije, vamos a hacerlo. Han sido un cúmulo de circunstancias, pero siempre consciente de la dificultad que tenía. Sabía que sería una cosa un poco controvertida por el tema mismo.

La pregunta es evidente, y quizás incluso se la hizo alguno de los productores, ¿es taurino?

Yo estoy a favor… bueno, no estoy en contra. Prefiero evidentemente que exista a que no exista. Sin ninguna duda. Pero este tipo de actitud no te sirve para nada para hacer una película, y menos para hacer una película documental. Lo bonito es precisamente ponerte en este estado de inocencia, en esta posición de búsqueda. Vas a documentar un tema que existe, pero puedes intentar que la cámara busque cosas inéditas, cosas que te sorprendan a ti mismo, cosas que no podrías encontrar de ninguna otra manera. Y sobre todo, cosas que los ojos humanos no han visto nunca o no hemos tenido acceso. Para eso está. Si no, sería muy aburrido. Si no, ya tienes las retransmisiones de la tele.

¿Qué le ha sorprendido a usted?

Me sorprendieron los diálogos de la película, que fue una cosa que fuimos descubriendo según la rodábamos. Hay una poesía detrás, vienen del universo de su vida. Frases como “Eso es la vida”, “Los frentes del alma” o todo el tema relacionado con la verdad, que es otra palabra que sale mucho y es muy interesante, porque es algo que está totalmente perdido en el mundo contemporáneo, en donde todo está reducido a la comunicación o el efecto que se crea. Y ellos dicen cosas como “Verdad plena” o “Con qué verdad has matado”… Una especie de poesía que no sabía ni que existía. Todo esto sale de los inalámbricos y lo vimos con el proceso de montaje muy avanzado.

Lo que hace la televisión siempre es banalizar. Aquí pretendemos todo lo contrario, amplificar, utilizarlo todo y ser parte de la realidad

Albert Serra — Cineasta

También a nivel estético te vas sorprendiendo. Porque del toreo se han visto fotografías, pero no se han visto planos sostenidos, planos largos. Planos como en los que seguimos el rostro del torero en la cara, con ese tipo de vibración, estando en una situación extrema, pero aguantando el plano un poco más… son cosas que me sorprendían y que creo que tenían un interés plástico indiscutible.

Hasta ahora los toros se han visto por televisión, ¿ha mostrado esa retransmisión televisiva una versión edulcorada del toreo?

Lo que hace la televisión siempre es banalizar. Aquí pretendemos todo lo contrario, amplificar, utilizarlo todo y ser parte de la realidad. Esto es un documental. Si la película no tuviera estos momentos de… no diré crueldad, pero sí de trascendencia sobre la vida y la muerte, no sería la misma. No tendría la misma enjundia. Forma parte del tema. Es lo que hay y es lo que lo hace único también. Lo que lo diferencia de cualquier otro espectáculo. Para mí era evidente que debía estar. Es que tampoco va a cambiar la opinión de nadie, pero me gusta la idea de que plásticamente esté. Es un poco un tema de la honestidad de la propia película. Esto es un tema importante. Quería hacer honor a la honestidad y el compromiso que tiene el torero, pero también un retrato paralelo e igual de honesto con todos los otros elementos. Por eso se elude al público, se elude lo folclórico. No todo se puede reducir a un debate, y creo que esto no se puede ver de esa manera.

Siempre hablamos de la moralidad de las imágenes, sobre si un travelling es una cuestión moral o lo es un primer plano. Es verdad que al ser un documental es mucho más complicado elegir esto, pero hasta qué punto ha tenido en cuenta esa moralidad de las imágenes después, en el montaje. 

Evidentemente después de grabar tantas horas, hay que escoger. Mi proceso de montaje no se ha distinguido de los de las películas de ficción que he hecho. De todas las imágenes yo escojo las que me gustan, por el motivo que sea, de manera totalmente arbitraria, y con ellas y con otro montador construimos la película. Esa arbitrariedad en esta primera elección hace que la película escape a cualquier tipo de reducción ideológica. A partir de ahí sí, claro, tienes que valorar y calcular muchas cosas. Hay imágenes más o menos crueles. Más o menos largas… Hay gente que pensará que tendría que estar un poco más equilibrado, y yo digo que por qué. Yo quiero hacer lo que me dé la gana. Ser equilibrado no es ningún criterio para mí. Para mí el equilibrio es que tenga una lógica interna formal, o que lo tenga a nivel de atmósferas, pero no que tenga más contenido de un tipo que de otro. Además, al ser un documental hay algo de fatalidad. Yo tengo las imágenes que tengo. 

Pero por responder a tu pregunta, más allá del azar o esa arbitrariedad, entra mi gusto. Y no me pregunto por qué me gusta o no me gusta una imagen. Hay imágenes más agónicas, o con más sangre, que no hemos metido, quizás porque no era tan bonito… no lo sé. Todo son elecciones y siempre hay algo de moral en ellas. Siempre. Este es el retrato del toreo que ha hecho una persona que no es parte. Nos dieron acceso y la libertad para ofrecer una visión completamente libre y, creo yo, estética y con potencial artístico.

Ha hablado de honestidad. ¿Esa honestidad coloca a la película en una posición donde quizás no guste a los taurinos ni a los antitaurinos?, ¿ha pensado en cómo puede ser recibida?

Inevitablemente lo piensas porque había mucha gente involucrada, porque incluso hicimos una proyección para el entorno del torero, pero yo no cambio nada pensando en esa recepción. Sé que era un tema bastante controvertido y espinoso. De alguna manera estás dando la imagen de algo, reflejando una imagen de una práctica. Entonces, ¿qué imagen quedará? Pero qué quieres que te diga, es que yo si pensara esto, si hiciera caso a unos, tendría que poner unas imágenes, y si hiciera caso a otros, tendría que poner otras.

Si tuviera que hacer 100% caso al torero, probablemente sería un publirreportaje de su mejor corrida del año. No puedo. De alguna manera no puedo ser consciente de esto. Sé que el debate está ahí. La película que hice al final es la que a mí me gusta y en la que cada cosa tiene su sentido y cada cosa tiene una razón de ser. Es un tema muy sutil donde cada uno tiene su opinión. No acabarías nunca si escucharas a la gente. No puedes hacer las cosas para complacer a la gente. Y menos una cosa como ésta. Entonces tiene que haber algo de honestidad también.

José Luis Rebordinos, director del Festival de Cine de San Sebastián, está bregado en mil batallas (culturales). Son demasiados años al frente para no tener las tablas que requiere el certamen más importante de España. Su apuesta es siempre la misma, afrontar cada polémica y cada pregunta de forma frontal. Rebordinos nunca se escabulle. No lo hizo el año pasado, cuando programar el documental de Jordi Évole hizo que desde la derecha le acusaran de blanquear la figura del etarra Josu Ternera.

Este año la edición parecía tranquila, aunque era evidente que tener un documental sobre el toreo el año en el que se ha eliminado el Premio Nacional de Tauromaquia podía ser controvertido. Aunque nadie lo ha visto, solo los programadores del certamen ―Rebordinos entre ellos―, también es evidente que no será un documental al uso, porque Tardes de soledad lo firma Albert Serra, el cineasta más radical y la mirada más personal y de autor del cine español en este momento.

Cuando uno diseña una edición del Festival de San Sebastián, ¿hay una línea editorial?, ¿cuál sería la de este año?

Nosotros tenemos unos criterios con los que seleccionamos. Por un lado, obviamente y como todos los festivales, buscamos películas de los grandes directores que son esperadas y que los medios de comunicación y los espectadores tienen ganas de ver. Si tu tienes la última de François Ozon, de Joshua Oppenheimer o de Costa-Gavras, obviamente a priori apetece verlo. Luego te pueden gustar más o menos, pero apetece verlas.

Por otro lado, San Sebastián está muy empeñada en la búsqueda de nuevo talento. De hecho, verás que hacemos muchas actividades en ese sentido, y hay en sección oficial un par de películas que para mí van a ser grandes sorpresas y que son primeras y segundas películas. Esa es otra línea. Y luego hay otra, que es la búsqueda de nuevos caminos, que muchas veces eso se va más hacia Zabaltegi Tabakalera, pero que también en la sección oficial hay películas de este estilo. Son tres líneas de trabajo claras y que tenemos en mente el equipo. 

Sobre la sección oficial de este año yo creo que hay dos líneas que a mí me gustan. Una es que está presente el cine de género, que puede ser de autor y que siempre lo defendemos. Este año tenemos un musical como The End, tenemos una película de terror pura y dura como es El llanto, o una serie B como Serpent’s Path, que es una peli de Kiyoshi Kurosawa pero que es una serie B que se declara como tal desde el primer plano. Y luego está la búsqueda de ese cine social, que habla de la realidad, de lo que está pasando. Eso lo ha tenido siempre San Sebastián, esa parte un poquito más política.

Imagino que cuando ven las películas notan que hay temas que están latiendo en la sociedad del momento. A priori parece que la violencia contra las mujeres, o la muerte, son dos temas que se repiten en las películas de este año.

Está también el tema de la pobreza en Europa, de los nuevos pobres. Películas que hablan del problema de que en este estado del bienestar algo está fallando. Como has dicho está el tema de la mujer. Un tema en el que no es que estemos peor, al revés, probablemente estemos mejor que nunca, pero el cine antes no lo contaba. Hay una preocupación, porque la cantidad de maltratos o asesinatos de mujeres que hay es inaguantable e insostenible como sociedad. Y mencionabas la muerte. Yo creo que tiene una lógica. Cada vez vivimos más y las sociedades son más mayores, están más avejentadas, y hay una preocupación de qué hacer con nuestros mayores o qué va a pasar con nosotros cuando seamos realmente ancianos. El cine no deja de ser un reflejo de su tiempo. Lo ha sido siempre.

Da la sensación de que hay bastante cine español y también que hay mucho que se ha quedado fuera, ¿cuesta encontrar el equilibrio?

Sí. Hay algunos festivales que quieren tenerlo todo, pero nosotros no. Yo intento hacer un festival mostrando lo mejor posible en San Sebastián, pero jamás hago un festival en contra de otro festival. Por eso intentamos dejar libre todo aquello que no va a poder tener un buen sitio en San Sebastián. A veces nos equivocaremos. Este ha sido un año increíble, lo hemos visto en Málaga, en Cannes, en Locarno… nosotros tenemos un plantel de películas que está, incluso, hasta forzado un poco más de la cuenta. Es decir, no nos pasamos, pero estamos en el límite. Pero es que fíjate la selección de cine español en Valladolid. Fíjate lo que hay en Sitges. Es que yo creo que tenemos el mejor momento del cine español. Yo tengo 62 años, desde los 28 trabajo con cine y yo creo que nunca he conocido unos años en general tan buenos del cine español.

Está en sección oficial Tardes de soledad, la película de Albert Serra. ¿Cree que va a ser la película polémica de este año? Un documental sobre tauromaquia justo en el año en el que se ha quitado el Premio Nacional de Tauromaquia.

A mí las polémicas que me duelen son cuando se habla de las víctimas de terrorismo, porque ahí sí que me hace daño pensar que ellas puedan sufrir por algo que hagamos. La tauromaquia… pues hay gente a favor y gente en contra. Yo tengo mi opinión. No me voy a definir ahora porque creo que sería una falta de respeto a la película. Cuando acabe el festival no tengo ningún problema en decirlo. Yo no he estado nunca en los toros. Solo una vez que me llevó mi padre al bombero torero. Es decir, que no es mi mundo. Pero yo he visto la película y me parece interesantísima porque es una aproximación artística al mundo de los toros.

A mí las polémicas que me duelen son cuando se habla de las víctimas de terrorismo, porque me hace daño pensar que puedan sufrir por algo que hagamos

José Luis Rebordinos — Director del Festival de Cine de San Sebastián

No es una película para decir si apoya a los toros o si va en contra. Es un fenómeno cultural donde hay una violencia contra los toros brutal. Eso es así y nadie lo puede negar. Creo que no lo niegan ni los propios taurinos. Hay, cada vez más, un movimiento fuerte en la sociedad que cree que eso es maltrato animal y que no se debe permitir. Y al mismo tiempo hay gente que ve en el toreo una serie de cosas artísticas. Bueno, lo que ha hecho Albert Serra es acercarse a ese mundo con una mirada de artista, con una mirada de cineasta.

La gente me pregunta, es a favor o en contra de los toros, y yo les digo que y yo qué sé. Por un lado, obviamente está presente la violencia contra los toros, con lo que según cómo seas, te parecerá una barbaridad. Pero luego hay también, en ese mundo del toreo, unos rituales que tienen cierta belleza. No creo que Albert Serra se haya planteado esta película como una peli pro o en contra de los toros. Él tendrá su opinión. Esta película, si hubiera llegado, probablemente estaría en Cannes. Es uno de los cineastas más solicitados del mundo en este momento y para nosotros es una película interesantísima, muy especial y artísticamente de una precisión como la que tiene Serra en sus mejores momentos.

Hace tres años la polémica estuvo en torno al Premio Donostia a Johnny Depp. Vuelve con su nueva película como director. ¿Es una reafirmación en aquella decisión que fue tan comentada?

No reafirmamos nada. Simplemente que Johnny Depp es un señor que nunca ha sido acusado, por tanto no ha sido juzgado ni condenado en sede judicial por ningún tema de maltrato. Perdió un juicio por difamación y luego lo ganó. Él lo perdió contra el periódico y luego se lo ganó a Amber Heard. Es muy curioso porque había gente decía que es un maltratador por el juicio contra el diario The Sun. Por cierto, he tenido los 166 folios de esa sentencia en mi ordenador y en ningún momento se dice que sea un maltratador, aunque se habla de posibles maltratos. Pero ojo, que luego ha sido al revés, cuando ha ganado el juicio en EEUU he recibido mails de gente diciéndome que tenía razón. Oiga, es que yo no tengo ni idea porque es que tampoco se ha juzgado eso. Yo lo he dicho muchas veces. Odio los linchamientos. Yo no soy policía para investigar nada. Y menos juez para juzgar mientras no haya una sentencia judicial. Yo no tengo nada que decir.

Es que mira lo que pasó con Ulrich Seidel en 2022 [el periódico Der Spiegel le acusó en un reportaje de explotar a los actores infantiles de su película Sparta al violar las normas laborales de Rumanía]. Dos investigaciones han dictaminado que no hubo nada, que hay pruebas de que todo de lo que le acusaron era mentira. Y dos festivales quitaron su película de la programación. Yo eso nunca lo voy a hacer con nadie. Yo para plantearme qué hacer con una película por un tema como estos necesito una orden judicial. Hasta entonces no tengo nada que plantearme. Ahora en las redes se hace una acusación y todo el mundo la da por buena, y eso es de locos. No puede ser. 

Desde los sectores más progresistas de la sociedad, los que hemos defendido el feminismo y hemos defendido los derechos de las mujeres, se ha defendido al mismo tiempo la presunción de inocencia. Es importante mantenerlo porque frente a la presunción de inocencia solo queda el linchamiento. Y aunque la justicia todos sabemos los problemas que tiene, cuando no hay una justicia, por mala que sea, siempre triunfa el más fuerte. Si hay una justicia que hace aguas, que defiende al más fuerte, luchemos para cambiarla. 

Me imagino que el Premio Donostia a Almodóvar es la guinda del pastel, ¿era una espina clavada suya como director del festival?

Una espina clavada no, pero obviamente ya se lo habíamos ofrecido antes y no había cuadrado por agendas. De hecho, hacía ya un tiempo que nosotros habíamos hablado con su equipo y le habíamos dicho que Pedro tendría el Premio Donostia cuando él quisiera. ¿Cómo no lo va a tener? Si hay alguien en España que tenía que tener el premio Donostia era Pedro Almodóvar. 

A veces tenemos cierto complejo y parece que lo nuestro no es tan importante. Pedro Almodóvar es imagen de España a un nivel que ni la campaña de publicidad más cara podría igualar

José Luis Rebordinos — Director del Festival de Cine de San Sebastián

A veces no somos conscientes de lo que tenemos. Es que cuando vas a Cannes, Pedro Almodóvar entra en la sala y ves lo que mueve. Creo que no somos conscientes de esto. Mira, yo lo he descubierto con los años, con Javier Bardem, con Penélope Cruz, con Pedro Almodóvar… creo que nos hemos acostumbrado a que son como nuestros. De andar por casa. Es como si los viéramos en zapatillas, pero realmente son grandes ídolos del mundo. A veces, como son nuestros, tenemos cierto complejo y parece que lo nuestro no es tan importante como realmente lo es. Pedro Almodóvar es imagen de España a un nivel que ni la campaña de publicidad más cara podría igualar. 

El año pasado fue contundente contra la posible llegada de la extrema derecha y la importancia del festival de posicionarse, ¿ha pasado ese miedo?

Yo tengo 62 años. Tenía 15 años cuando murió Franco. Viví los últimos coletazos del franquismo, antes y después de su muerte, porque todavía en los 80 había torturas. En Euskadi había asesinatos políticos por parte de la extrema derecha y, por supuesto, ETA mataba sin parar, con muchísima crueldad. Los que de alguna forma conocimos el fascismo, aunque fuera de refilón, porque obviamente no lo sufrimos en sus peores momentos, debemos hacer todo lo que se pueda para pararlo, no sea que un día nos arrepintamos. Yo lo he dicho muchas veces, el festival de cine nunca se va a definir a nivel de partido político. En San Sebastián son bienvenidos todos los partidos democráticos menos aquellos que son homófobos, racistas, machistas, que reivindican a un traidor a su país que se llamaba Francisco Franco, que fue un asesino. Es que no deberían ser legales. Eso lo dije y lo sigo manteniendo. No podemos permitir que Vox avance un palmo. Ni Vox, ni LePen, ni Meloni ni todos aquellos que defienden conductas antidemocráticas. 

El Partido Animalista PACMA en Guipuzkoa ha solicitado al Festival de Cine de San Sebastián que retire la proyección del documental sobre la tauromaquia Tardes de soledad, programada para el próximo 23 de septiembre. La película de Albert Serra se centra en las experiencias de los toreros Andrés Roca Rey y Pablo Aguado, lo que para la formación política “humaniza una práctica violenta”.

“Es una película que va a dar mucho que hablar, obviamente, y que habrá gente en contra y gente a favor”, había avanzado el director del Festival, José Luis Rebordinos, a elDiario.es, que considera que lo que el cineasta ha llevado a cabo en su filme es “acercarse a ese mundo con una mirada de artista”.

“No es una película para decir apoyar si toros sí o ir en contra. Hay un fenómeno cultural donde hay una violencia contra los toros brutal, que eso es así, nadie lo puede negar. Creo que no lo niegan ni los propios taurinos”, añade, “y bueno, hay cada vez más un movimiento fuerte en la sociedad que cree que eso es maltrato animal y que no se debe permitir”. Precisamente a principios de septiembre el Ministerio de Cultura fulminó el Premio Nacional de Tauromaquia con un apoyo ciudadano de más del 90%. Una decisión que ya avanzó el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, el pasado mes de mayo.

“Aunque Albert Serra ha señalado que su enfoque es principalmente estético, desde PACMA consideramos que este tipo de representaciones plantean graves preocupaciones éticas”, ha explicado el vocal de la Junta Directiva del partido animalista, Asier Esparza, en un comunicado. “Al ofrecer una visión romántica e íntima de una práctica controvertida como la tauromaquia, se corre el riesgo de normalizar y perpetuar una tradición que implica violencia hacia los animales, algo que va en contra de los valores éticos que deberíamos defender”, ha añadido.

Arrinconar la “violencia hacia los animales vestida de cultura”

El Partido Animalista ha destacado que el festival recibe “un considerable apoyo económico” proveniente de fondos públicos gestionados por instituciones como el Ayuntamiento de Donostia, el Gobierno Vasco y la Diputación Foral de Gipuzkoa, y que, por tanto, los ciudadanos “tienen el legítimo derecho de exigir que esos recursos públicos no se destinen a dar visibilidad a contenidos violentos”.

También destacan que, dado que se trata de un evento de prestigio internacional que proyecta una “imagen cultural de España al mundo”; “permitir la difusión de una obra que trata de humanizar la tauromaquia es dar a entender que los españoles, en general, estamos de acuerdo con ella, cuando la realidad actual es muy distinta”. “Creemos que, como referente cultural, el festival debe alinearse con los valores de la sociedad actual donde la violencia hacia los animales vestida de cultura está cada vez más arrinconada”, ha concluido.

La 72 edición del Festival de Cine de San Sebastián comienza a coger forma con el anuncio de las películas (y series) que estarán en sus diferentes secciones. En el tradicional acto que organiza el certamen en la Academia de Cine se ha desvelado qué cuatro cineastas competirán por la Concha de Oro, el premio más importante del Zinemaldia. En esta ocasión serán cuatro cineastas españoles los que intenten llevarse un galardón que el año pasado fue para la directora española Jaione Camborda por O Corno.

Albert Serra, por Tardes de soledad; Icíar Bollaín, por Soy Nevenka; Pilar Palomero, por Los destellos; y el debutante Pedro Martín-Calero, por El llanto han sido los elegidos por el comité de selección del festival. Será la primera vez de Serra en Donostia. El director catalán, un habitual de Cannes, intentará convencer con un documental que posiblemente llegue con polémica, ya que Tardes de soledad ahonda en el mundo del toreo. Llega a San Sebastián el mismo año que el Ministerio de Cultura ha decidido retirar el premio nacional de Tauromaquia y el debate al respecto ha vuelto a la palestra.

Tanto Icíar Bollaín como Pilar Palomero saben lo que es estar en Sección Oficial de San Sebastián, aunque ninguna ha logrado la Concha de Oro. Bollaín regresa tras el éxito de Maixabel con otro biopic sobre otra mujer. En este caso Nevenka Fernández, la concejala del PP que denunció al alcalde de Ponferrada por acoso sexual en un caso pionero. Por su parte, Palomero estará en Donostia tras mostrar aquí La maternal. Lo hará con su nuevo filme, Los destellos, la adaptación del relato de Elder Rodríguez con Patricia López Arnaiz y Antonio de la Torre como protagonistas. La sorpresa la ha dado el debutante Pedro Martín-Calero, que con su primer título, El llanto, logra entrar . Un filme de terror escrito por Isa Peña y protagonizado por Ester Exposito. 

Fuera de concurso se podrá ver La virgen roja, la mirada de Paula Ortiz a la historia real de Hildegart Rodríguez, un suceso real en los primeros años de la segunda república que protagonizan Najwa Nimri y Alba Planas. También habrá sitio en Sección Oficial (fuera de concurso) para las series. Alauda Ruiz de Azúa dirige Querer, de Movistar+, la historia de un matrimonio que rompe después de 30 años y con una denuncia por violación continuada de por medio. Disney+ estrenará Yo, adicto, la adaptación de la novela autobiográfica de Javier Giner que él mismo dirige junto a Elena Trapé y que protagoniza Oriol Pla en una proyección especial. En velódromo se podrá ver Celeste, la comedia de Diego San José sobre una inspectora de hacienda que investiga a una cantante en un caso que se parece mucho al de Shakira.

Una de las sorpresas del anuncio fue la presencia de C. Tangana en la sección Nuevos Directores con su debut en la dirección con un documental sobre el músico Yerai Cortés que abrirá la sección. Una sección que tendrá otras dos películas españolas, Los últimos románticos, de David Pérez Sañudo; y Por donde pasa el silencio, de Sandra Romero Acevedo.

José Luis Rebordinos subrayó que cada año es “más complicado” hacer la selección por la gran salud del cine español. “La variedad de propuestas es increíble”, añadió en su presentación y dejó abierta la posibilidad de que haya algún otro anuncio de última hora. 

En todos los festivales de cine se formulan hipótesis sobre por dónde podría ir la decisión del jurado teniendo en cuenta quiénes son sus miembros. El pasado Cannes rápidamente se rescataron las declaraciones de Ruben Östlund en una entrevista en la que decía que no le gustaba el cine humanista de Kaurismaki y todo el mundo tuvo claro que el cineasta finlandés no ganaría por su magistral Fallen Leaves. Este año, en la Berlinale, más que teorías todo el mundo se hacía una pregunta, ¿qué le gustará a Albert Serra?

El cineasta catalán posee una de las miradas más personales y radicales del cine actual. Películas donde la apuesta formal se explora hasta la sublimación y donde lo temático queda en un segundo plano. A Serra le gusta el riesgo, lo diferente, lo que explora los límites. Siempre que habla fulmina el 90% del cine que se rueda asegurando que es académico y dogmático. ¿Qué puede gustarle a Albert Serra en un certamen como éste, donde además las cuestiones de la agenda política y social tienen tanta presencia?

Pocos días antes de conocer el palmarés del jurado (después se sabría que el premio sería para el documental de Mati Diop), con una copa de vino blanco en la mano y con ganas de volver al montaje de su documental sobre la tauromaquia, Tardes de soledad, Serra atiende a elDiario.es en la capital alemana para comentar una edición de Berlinale que comenzó como solo él sabe, con polémica. Una periodista rescató unas declaraciones suyas de 2018 donde aseguraba que quería ser espía ruso y que admiraba a Putin. Se negó a retractarse y sus compañeros salieron en su ayuda. Tampoco la necesitaba. 

¿Es la primera vez que ha sido jurado de un festival de 'clase A'?

Había estado también en Mar del Plata hace muchos años y en el de Tokio, pero es que es una cosa que no me interesa nada. Lo hago más por un favor, si la gente que me lo pide piensa que yo les puedo servir de ayuda para escoger las mejores películas, pues lo hago. Pero, sinceramente, no es una actividad que me encante.

Demasiado cine en poco tiempo.

Sí, es que es muy complicado, porque son películas muy diversas y muchas no son de mi estilo. Y luego discutir con gente con los que algunos pues sí, pero otros no tanto… 

¿Se discute mucho?

Depende. Hay de todo, a mí no me gusta discutir. Hay cosas que son tan de sentido común… A veces puede ser enriquecedor, pero tienen que ser películas buenas, que den para poder hablar y para poder discutir, y de estas cada año no hay muchas. Entonces es difícil que sea una actividad 100% placentera.

Almodóvar contaba de su experiencia como presidente del jurado en Cannes que se dio cuenta de que no servía para política, no supo convencer. ¿Comparte esa sensación?

Sí, hay algo de esto. A ver, a mí sí me interesa convencer a alguien si es por el bien común, por el bien de la historia. Intentar que sea la mejor película. A partir de aquí, hay siete personas en el jurado y cada uno tiene su visión. No sé si es política, pero tampoco veo que la persuasión sirva de mucho.

Ser jurado de un festival no me interesa nada. Lo hago más por un favor. La gente que me lo pide piensa que yo les puedo servir de ayuda para escoger las mejores películas

Albert Serra — Cineasta

Cuando uno es jurado me imagino que antes de empezar a ver películas piensa un poco qué es lo que quiere premiar, si es la película que más le gusta, la que piensa que mejor habla del momento… ¿Pensó en eso, en qué le gustaría que dijera el premio de este jurado?

Es una buena pregunta. Se interponen muchos factores. A mí, por ejemplo, el contenido de una película no me interesa para nada, pero hay a otros miembros del jurado, no todos, pero muchos, a los que el contenido les importa mucho. Entonces a veces es una conversación de sordos. Mucha gente también se pregunta si dar un premio a una persona ya famosa u optar por una persona que no lo es, esa es otra consideración. O premiar una película que no necesita ganar ningún premio o dárselo a otra que le puede favorecer para hacer una carrera o para que se vea a un realizador que tiene un potencial y que esto supondría un estímulo importante para él. Desde mi punto de vista, lo formal es lo que se tiene que premiar, pero cuando lo formal tampoco destaca tanto entre una película u otra, empiezan estas consideraciones. Cuando no hay una apuesta clara todo entra en consideración, lo quieras o no.

Y hay que llegar a un consenso…

Es un consenso que tampoco te representa tanto, porque a lo mejor lo que tú has conseguido dentro de ese palmarés la gente no lo sabe. Lo que queda al final son los premios importantes, es lo que acaba definiendo al festival de ese año, y a veces uno no tiene más remedio que resignarse, es ley de vida. Pasa aquí como pasa en todos los trabajos y en todas las cosas que son colectivas, que uno tiene que aceptar cosas con las que no está al 100% de acuerdo. Es lo que hay.

El primer día hubo esa rueda de prensa que fue tensa, con esa mención a sus declaraciones en una entrevista de 2018.

Tonterías. Hice una broma en una revista rusa. Dije que me gustaría ser espía ruso y que dejaría el cine. ¿Qué quieres que conteste a esas cosas? Ninguna pregunta fue sobre cine. Al otro le preguntaron de la extrema derecha, al otro sobre Israel, ¿nosotros qué tenemos que ver con todo esto? Es que no lo entiendo.

Al ser directores de cine se les pide que se posicionen sobre los temas de actualidad.

Sí, supongo que como a cualquier persona pública o a cualquier artista, pero personalmente yo nunca he hecho ninguna película política ni que tratara de esos temas, ni me interesa una mierda. Yo estoy con la cosa más formalista de la evolución de lo que define el cine contemporáneo. Cuando aquí en el jurado me hablan del tema o del argumento... Si yo ni me acuerdo de lo que ha pasado ni de lo que hablan. Ni me importa. De hecho, no miro ni he mirado nada del catálogo. No sé ni qué coño estamos mirando. Sabía que había una de Bruno Dumont porque lo leí o porque alguien me lo dijo. Todos van informados y saben qué director es, y yo entro allí y no sé ni cuánto dura. Bueno eso sí que lo miro, pero aparte de esto nada.

Casi sería mejor que todos los jurados fueran a ciegas. Menos condicionantes.

Claro. Yo puedo juzgar perfectamente cualquier película, cualquier imagen en segundos. De hecho, digamos que mi trabajo me ha hecho famoso por ello. Yo ruedo 500 horas de un tema muy heterogéneo y mi trabajo más fino, o uno de los más finos junto con la dirección de actores, es este, enjuiciar imágenes. Ver cuáles son sus puntos fuertes y cuáles son los débiles. Ver cómo esto puede combinar para crear sensaciones complejas, más acordes con la percepción de la vida y no simplificaciones en base a un guion tratando un tema tonto.

Hay mucha tradición aquí, en Berlín, de cine político reivindicativo y a mí es un tema que no me interesa para nada. Es que además me parece inútil, tiene un efecto nulo en ese pretendido objetivo infantil de concienciación. Las películas más preocupadas por el contenido político suelen ser en general las películas con un tratamiento más académico y formalmente más adocenado. Yo he seguido otras tradiciones. Para que una cosa sea políticamente subversiva siempre tiene que pasar por una forma subversiva, jamás por un tratamiento académico, porque te tratarán como un niño.

Hay mucha tradición en Berlín de cine político reivindicativo y a mí es un tema que no me interesa para nada. Me parece inútil y con un efecto nulo en ese objetivo infantil de concienciación

Albert Serra — Cineasta

Entonces no sé si está de acuerdo con esa frase atribuida siempre a Godard de que un travelling es una cuestión ética, moral.

Claro que sí. Todas las decisiones formales impactan en la percepción de lo que tú estás viendo. Y a veces es una percepción desde la confusión, desde el éxtasis, desde la sublimación… hay mil formas de penetrar en la imagen que no responden necesariamente a la didáctica dramática de unos personajes que te están explicando algo sobre un tema. Hay miles de aproximaciones diferentes, miles de maneras de relacionarte con las imágenes que pueden crear un impacto, a veces físico, pero siempre pasa por esta cosa emocional. Mucha gente dice eso de ‘me ha emocionado’. A mí no me ha emocionado nunca una película, solo me emocionan estéticamente. Es que no sé ni qué quiere decir. Pensar que una cosa que es una ficción, te lo tomes tan en serio…

¿Nunca ha roto esa barrera, nunca se ha emocionado?

No. El efecto catártico puede existir, pero eso es, digamos, un efecto casi físico. Pero esto de emocionarse, o creerse lo que está pasando… hostia, es un poco infantil. Otra cosa es la fe. La fe en las imágenes. La fe en que las imágenes tienen una especie de certificado real y profundo, que certifican algo que pasó, pero esta fe no se puede confundir con la emoción por la historia.

En el documental Chambre 999 usted habla sobre el cine y habla de “la fantasía ineficaz”, no sé si es a esto a lo que se refería ahora mismo.

Exacto, es una fantasía que precisamente no sirve para nada. No te enseña nada. No aprendes nada, pero te crea una percepción del mundo compleja y siempre mantiene su vigencia, porque está hecha no con verdades ni con cosas sabidas, sino precisamente con lo desconocido. Y este desconocimiento, este misterio, se mantiene vivo en las grandes obras, que son imperecederas. Pero al menos tienes que tener la disposición de crear de esta manera. Hacer algo que te sorprenda a ti mismo. Este es otro de los grandes temas de mi manera de trabajar, la pérdida del control. La pérdida del control sobre lo que estás haciendo es un elemento esencialísimo, y de hecho es como trabajan todos los escritores. El escritor escribe personajes, pero luego estos van cogiendo una entidad propia que se escapa incluso del escritor que lo está creando.

En algún momento hay que volver a coger el control de la película, imagino.

Creo que no, y ese es el error. En el cine contribuye mucha gente, pasa por muchas etapas. La escritura es una persona sola escribiendo y es una de esas muchas etapas, y no puedes pretender controlarlo, domesticarlo o simplificarlo. La pérdida de control para mí es un elemento importantísimo y que definirá al cine. Esto mezclado con la inocencia, evidentemente, y con procesos de manipulación formal, ya sea de montaje, de posproducción, pero siempre con esta posibilidad de pérdida de control que nace también de que la película ya tiene un sentido, hay una homogeneidad al principio, que es el concepto de la película. Sobre esta base se puede acceder a esta premisa de la pérdida del control.

Ha mencionado la inocencia.

Es lo más importante para mí. Tú no tienes que saber nada de lo que estás haciendo. Análisis y creación no funcionan, excepto en fases como el montaje. 

Es muy curioso porque normalmente cuando se dice que una película es inocente se usa como algo negativo.

Es la inocencia con la que tú te enfrentas a tus propias imágenes. Tú no sabes más que tus propias imágenes, y por lo tanto eres inocente. Cuando tú ya sabes más, entonces ya no eres inocente. Eres un vendedor de algo.

Hay mucho vendedor bueno.

Pero vendedor de productos malos. Malos vendedores de productos malos.

En esta industria hay buenos vendedores también.

Estos son los cínicos. Y por qué no, también habrá gente con producto bueno que no quiera vender su producto. Lo decía Marguerite Duras. Ella hizo una película y le preguntaron por ella y dijo: 'Acabo de rodar una pero no sé si se la enseñaré a nadie'. Viniendo de Duras, probablemente era un producto bueno y no quería ni venderlo. Es un tema de egos, que esto ocurre mucho en los jurados también, que mucha gente habla para escucharse a sí mismo. En todas las actividades humanas donde hay que decidir ocurre. Por eso yo digo que no discuto con nadie. No quiero hablar, no quiero hacer ningún debate. Como máximo una entrevista, pero esto de una mesa redonda con siete personas, y además con público… no sirve de nada. La gente solo habla, algunos para escucharse, y otros por vanidad, por la imagen que quieren proyectar de sí mismos. No hay ningún interés en el intercambio real de ideas, y esto lo vemos en todos los trabajos. Por eso Karl Lagerfeld decía que no hacía reuniones.

Lo más importante en el cine es la inocencia, no puedes saber más que tus propias imágenes

Albert Serra — Cineasta

Ahora mismo está trabajando en el montaje de su documental sobre la tauromaquia, ¿cómo va? 

Bueno, estamos empezando.

Yo pensaba que lo veríamos pronto.

Bueno, la veremos este año, eso sí. ¿Dónde y cuándo? No lo sé. A ver, no es verdad que esté empezando. Hay un proceso muy largo en todas mis películas, que es el visionado. Yo veo todas las imágenes que se han grabado, de todas las cámaras a tiempo real y voy analizando lentamente. Hablamos de 300 o 400 horas, y cada día puedas mirar seis o siete horas, pues ya puedes empezar a contar solo el visionado lo que representa. Es un proceso duro, pero una vez está hecho empieza ya el montaje propiamente. Y como son tan interesantes las imágenes que hago en general, por su misma pérdida de control, hay muchos elementos sorprendentes o genuinos. La cámara graba cosas que son invisibles al ojo humano. Entonces, es otro mundo nuevo y es muy bonito. Esta fase ya se ha pasado y estamos montando.

Antes ha dicho que no le interesa un tema político y ha hecho una película sobre la tauromaquia…

Yo solo la he filmado. Yo no soy el torero, ni el de la industria, ni nada. Yo solo pierdo con esto. Habrá gente que me odiará. Era un lujo totalmente innecesario, contraproducente para mí. No tenía ninguna necesidad de hacerlo. Pero era el único tema de documental que podía hacer. En el documental el tema es todavía más importante. A mí me gustan los documentalistas rusos y chinos, que hacen cosas que no son políticas porque son artistas, pero que la realidad política que suelen retratar es muy cruel y se la juegan. Se juegan incluso la vida y la carrera. Ellos sí que van en serio en esto y no podemos comparar lo que hacen ellos con eslóganes de tres al cuarto.

Yo no soy el torero. Yo solo pierdo con esto. Habrá gente que me odiará. Era un lujo totalmente innecesario, contraproducente para mí. No tenía ninguna necesidad de hacerlo

Albert Serra — Cineasta

Usted que busca tanto la forma, en los documentales es más complicado.

A mí una cosa que me gusta en los documentales es cuando me pregunto, ¿cómo coño lo han hecho?, ¿cómo han llegado a grabar esto?, ¿cómo esta gente se ha degradado y se ha llegado a dejar grabar así?, ¿cómo han llegado a este grado de profundidad sobre un tema que tenía todas las barreras y no era posible pero lo hayan atravesado todo? Esta es la gran pregunta para mí, y es algo formal en el fondo. Evidentemente, hay temas en los que las barreras son superiores, pero aún así es un tema formal de cómo planteártelo, cómo convencer a la gente. Y es fascinante. Acepto otras formas de documental, pero el cine político, volviendo al tema de antes, para mí consiste, como punto de partida básico para encontrar algo interesante, en buscar lo malo de los buenos y lo bueno de los malos.

Es todo lo contrario a lo que se suele ver.

Sobre todo en el documental, porque hay como una buena conciencia que prevalece. Me parece muy ingenuo, porque formalmente no te va a dar nada interesante.

Y después comenzar a rodar la nueva película, Out Of This World, que ya se ha anunciado.

Aquí, en Berlín precisamente, hemos tenido unas reuniones importantes y se está trabajando con hipótesis. Parece que se rueda este año, a finales de verano, en agosto, pero eso se tiene que confirmar ahora, inevitablemente en 15 días como máximo. A lo mejor tenemos buenas noticias de que va para adelante. Creo que estamos cerca, hay unas posibilidades muy grandes. Yo creo que ya no se puede esperar más. De hecho estamos trabajando aquí con la gente que está preparando el rodaje, y hay una parte ya con fechas concretas de rodaje, incluso un plan de trabajo, pero ya sabes que con los americanos…

Es casi una profecía autocumplida, dijo en aquella entrevista que le citaron al comienzo de la Berlinale que quería ser espía ruso y la película va de un espía ruso.

Bueno, es una comedia. Es más, sobre la rivalidad entre Rusia y EEUU. Es algo casi sentimental. La historia es una fantasía. Mucha gente le recriminó a Tarantino que había cambiado la historia en su última película, pero es que el cine no es un libro de historia. En la ficción la gente va predispuesta a leer cosas que pueden ser mentira. Entonces hay un margen, pero es un gran debate, porque las imágenes tienen ese índice de realismo y sobre todo si se hace como yo, con buenos actores, con organicidad… pues te lo crees y te confunde. Tiene ese poder un poco maligno y muy absorbente.

Albert Serra se parapeta detrás de sus gafas de sol y uno nunca sabe si lo que dice es la verdad más salvaje y despojada o una provocación juguetona y medida. Sus respuestas son como su cine, sorprendentes, desafiantes y un reto constante. Es un autor para el que la etiqueta 'inclasificable' parece un simple cliché. Hace un cine contracorriente, que explora límites narrativos y también la paciencia del espectador. No es de extrañar que sea uno de los autores más respetados a nivel internacional. Uno de esos que puede permitirse el lujo de competir por el premio más prestigioso del cine de autor, la Palma de Oro de Cannes.

Lo hizo con Pacifiction, su última película. La historia de un alto comisionado francés que investiga unas prácticas militares en Bora Bora es una excusa para hacer lo que le da la gana. Para construir imágenes hipnóticas como un tsunami que ríase de Lo imposible o un baile donde Fassbinder y Lynch se dan la mano. El filme se estrena este viernes en salas de cine en España, donde sus películas han pasado siempre de puntillas. Esta vez él quiere hacer ruido. 

La película se estrena después de competir por la Palma de Oro en el Festival de Cannes. ¿Es lo máximo a lo que uno puede esperar como director, a competir por la Palma de Oro en Cannes?

No lo miro así, pero sí es verdad que allí se le presta una atención especial al tipo de cine que yo hago. Y si es en competición, pues esto tiene todavía una difusión superior. Entonces es quizás un equilibrio bastante ideal y bastante perfecto de aceptación de lo más osado que se puede ver hoy en día y al mismo tiempo con una difusión que creo que las películas que están allí merecen porque son las que intentan, al menos en algunos casos o en la mayoría de los casos, abrir caminos nuevos, explorar nuevas vías estéticas en relación a lo que debe ser el cine de hoy en día. Así que, sí, es un buen sitio.

No sé si eso es algo que siempre se propone con su cine, abrir vías nuevas.

Sí, esa es un poco la idea también. Pasa, al principio, por sorprenderme a mí mismo creando una cosa que no sea como lo que ya he hecho, algo que realmente me interpele o me desafíe a mí mismo. A partir de aquí, probablemente porque estoy bastante al tanto de lo que pasa en el cine contemporáneo, el resultado de este desafío personal contra mí mismo acaba teniendo una originalidad objetiva y acaba siendo fiel a mi propia personalidad. Esto también es importante, y acabas creando mundos o imágenes, o tonos o atmósferas, que no son tan habituales o que incluso pueden llegar a ser inéditas.

¿Cuál era el desafío con Pacifiction?

Que fuera una película un poquito narrativa, que tuviera una cierta ligereza, que hubiera una pequeña peripecia, que tratara un tema de actualidad, con ciertas tensiones del mundo en que vivimos, que hubiera unas ciertas observaciones sobre lo humano, y esto contextualizado en un mundo más o menos coherente, identificable como el mundo actual, y que además yo dentro de estas imágenes pudiera destilar mis obsesiones por los detalles, por pequeñas filias escabrosas, pequeñas sugestiones no políticamente correctas. Unas imágenes a veces que de espectrales llegan a ser visionarias. Que tampoco fuera periodismo en imágenes, sino que realmente la pulsión creativa fuera lo más esencial. Y bueno, hacer esto compatible en un todo coherente. Ese era mi desafío y no sé hasta qué punto lo conseguí, pero si el espectador lo siente como experiencia fuerte, pues ya está bien.

Cuando se presentó en Cannes algunos dijeron que era su película más convencional. No sé si para usted eso más que un halago es todo lo contrario.

¡No os confiéis! Hay un margen, yo creo que grandísimo. Incluso a ese nivel que te decía de sutilezas y de detalles hay margen. No sé, supongo que es mi película más convencional. Y aunque sea falso, siempre será infinitamente más osada y audaz que la totalidad, ya no del cine, que esto es casi una perogrullada, pero sí que mucho cine mundial bastante avanzado. Los adjetivos que los ponga la gente, pero el resultado es lo que cuenta. Y sobre todo, insisto, la experiencia de este resultado por el espectador, que es a lo que yo me debo, aunque paradójicamente la gente se piensa que hago las cosas para mí mismo. Sí, el desafío es contra mí mismo, como te dije antes, pero la experiencia la va a sentir él.

Es esa dicotomía que muchas veces el cine de autor parece que crea. Hago la película para mí, no para los espectadores. ¿Le gustaría que sus películas fueran un éxito de taquilla?

A mí esto me es indiferente. Pienso que para la gente que entiende, para la gente que entiende el tipo de exploración que yo estoy haciendo, si ven la película y la disfrutan en toda la complejidad en que yo desee plantearla, esa es mi satisfacción y mi logro. A partir de aquí, hasta qué punto la gente puede tener acceso a las virtudes de esta película y disfrutarla es otro tema. Pienso que la gente está tan harta de las imágenes que se repiten, que a lo mejor la gente la ve solo para echar, cómo diría yo, una cana al aire, ¿no? Tras toda su experiencia de pareja convencional con el cine normal, con su historia de amor repetitiva y aburrida. Una relación de la que debería divorciarse este espectador. Pero si no quiere divorciarse del todo, que sé que es un poco difícil de hacer como yo lo hice, que ya vi el camino del cine radical y ya nunca más supe del otro, si no puede hacer este cambio tan radical en su vida y abandonar el cine normal, al menos, una cana al aire.

¿Qué cine le gusta?

El que practican gente como yo en ciertos lugares del mundo.

Dígame otro nombre que no sea el suyo.

La película de Gaspar Noé (Vortex) me gustó mucho en Cannes. Incluso me había gustado mucho la anterior. Mucho más. Y ahora, por ejemplo, Rímini, que estaba en Berlín este año y que no ganó pero es buena, es una cosa bastante impactante, como todas las de su autor. Por poner un ejemplo de dos películas que no tienen nada que ver. En Venecia podréis ver ahora la última de Lav Díaz, que estuve en el rodaje.

¿Ha hecho siempre el cine que ha querido? ¿Siempre ha hecho la película como le ha dado la gana?

Sí, en este caso sí lo puedo decir, que he sido afortunado, siempre en unas condiciones muy coherentes a nivel presupuestario y muy lógicas y bastante austeras, por decirlo así. Pero sí, fui afortunado de tener productores y coproductores, sobre todo en el extranjero, que respetaron esta visión y que, al contrario, piensan que lo que yo haga, por más extraño que les pueda parecer al principio, siempre tiene una razón de ser y que al final redunda en la calidad de la película.

Parece que sus películas se acogen mejor en Francia. No sé si cree que tiene que ver algo con la educación audiovisual allí.

No es que tenga que ver, es que es a causa de esto, básicamente, y no solo de audiovisual, sino también de un aprecio superior por todas las artes en general.

Al ver a Benoît Magimel en la película, con ese pelo, esas gafas y ese traje, me fue inevitable no pensar en usted, ¿cuánto de juego de espejos o de trampantojo hay en esa caracterización?

No lo sé. Es una buena pregunta. Las gafas las escogió él porque es un coleccionista. De hecho, diseña una colección para una marca de gafas y tiene una colección de no sé cuántos centenares. Está obsesionado con esto. Escogió ese cristal porque quería que se vieran los ojos un poco, pero no mucho. Me propuso dos colores y escogí el azul, pero sí que yo diseñé personalmente el traje que él lleva, porque me gusta mucho y de hecho me hice uno para mí similar o casi idéntico. Quizá sí que hay una fusión teniendo en cuenta estos dos elementos, pero aparte de esto, yo creo que él se desenvuelve autónomamente y lógicamente en su mundo, que es este mundo que describe la película y allí, bueno, pues no hay autor. Es difícil que pueda meter mano de una manera, digamos, directa, sin que pierda sutileza la cosa. Al contrario, esquivo cualquier forma de identificación conmigo y con mi mundo. Lo que me interesa son cosas que no conozco, no lo que ya conozco.

De hecho, siempre le he escuchado decir que no le interesa nada esta moda de la autoficción. ¿Por qué cree que tantos directores recurren a ella para sus películas?

Porque son gente sin curiosidad, perezosos y quieren evitar a todo precio la fricción en el trato con la alteridad a nivel profundo. Entonces uno se queda ensimismado en uno mismo y le parece que esto es muy interesante. En cambio, lo que yo hago a nivel de salvajismo, esto es el máximo nivel. A nivel de fabricación, a nivel de tensión, de ir al fondo con esta angustia de terrenos inexplorados, incluso para el actor, no creo que nadie me supere.

Creo que su siguiente película es sobre el mundo de los toros.

Sí, es más sobre el mundo de los toreros, sobre todo porque no quiero entrar en polémicas que no son de mi interés y en cambio sí que lo es el mundo de los toreros y sobre todo el compromiso personal, la locura casi personal de estar en 2022 haciendo esto, el interés tan profundo por la tauromaquia, por arriesgar la propia vida. Me interesa en todos los temas espirituales, de valor, de angustia, también de, casi diría, de definición de civilización, ¿no? El rol de los animales en nuestra civilización, por ejemplo, y cómo esto es vivido desde dentro por los toreros, sobre todo por los más dignos y comprometidos con este arte. Creo que es un tema único y que está a mi alcance y que no encuentro ninguno de una violencia tal, ni similar, y donde realmente la decisión de la persona juega un papel tan misterioso.

¿Le gustaría ganar un Goya?

Para mí siempre todos los premios son bienvenidos. Desde el momento en que uno se presenta a un premio, en este caso los productores deciden presentarse, pues yo prefiero ganar que perder. Esto sin ninguna duda. 

Y esto que se dice de que el arte no debe competir…

La historia es la competición más grande, el juicio de la historia. Siempre estamos compitiendo directa o indirectamente. Y claro, también tengo que decir que la competición a la que yo me dedico, por la que trabajo cada día, es por la gloria eterna, pero si hay pequeñas competiciones entre tanto también me gusta ganarlas.

¿Qué cree que dirá el juicio de la historia del cine de Albert Serra?

Esto no lo sé, pero que será mejor que el 99,99% de todos los nombres que tú o cualquier espectador tiene en su cabeza, esto seguro.

Entrevista completa con Albert Serra

Vídeo: Nando Ochando y Xabi González

Pocas veces se habían oído tantas risas en el Festival de Cannes como en el pase de Triangle of sadness. La sátira bestial, ácida y escatológica de Ruben Östlund arrancó carcajadas y aplausos en varias ocasiones durante su proyección. Parece que el jurado presidido por Vincent Lindon también sintió lo mismo, porque le han dado el director sueco la Palma de Oro a la mejor película de una edición de Cannes en la que ninguna película provocó un consenso como el que hubo en otras ocasiones. Una farsa divertidísima sobre los ricos que atiza a todo lo que pilla por su camino: los hombres, los falsos aliados, las influencers, los modelos, pero sobre todo a los ricos. Todo cabe en el bisturí de Östlund, que ya había logrado este galardón por otra sátira, The Square. Pasa a la reducida lista de realizadores que tienen dos Palmas de Oro, la anterior fue en 2017 por The Square.

Un palmarés que dejó fuera la propuesta más radical y autoral de toda la Sección oficial, la del español Albert Serra, que con Pacifiction voló la cabeza de todos, aunque no del jurado. Muchas daban por hecho que, al menos, sería suyo el galardón al Mejor actor para un inconmensurable Benoit Magimel como un alto comisionado francés en un Tahití decadente. A Magimel le pudo pesar el hecho de que ya tenía un premio de interpretación en Cannes por La pianista, de Michael Haneke. Su premio fue para la estrella coreana Song Kang-ho, protagonista de Broker, la nueva película de Hiruklazu Kore-Eda. Un drama sobre las ‘baby box’, donde en Corea se pueden abandonar a bebés recién nacidos. Song Kang-ho -conocido por ser uno de los protagonistas de Parásitos- da vida a una persona que recoge a los niños y busca una familia para ellos.

El segundo premio en importancia, el Gran Premio del Jurado, fue compartido por Claire Denis y Lukas Dhont. La primera, una veterana directora que con un filme que había decepcionado a la crítica logra su primer premio importante en Cannes. Stars at noon es un filme hipnótico pero fallido sobre una periodista que no puede salir de Nicaragua y que encuentra apoyo en un misterioso británico que llega a hacer negocio. Demasiado premio para una obra que no está entre las mejores películas de Denis.

Dhont, por su parte, sonaba en todas las quinielas como el gran favorito para la Palma de Oro por su conmovedora Close. Se quedó a las puertas, pero con 32 años tiene mucha carrera para lograrlo. Close es un trabajo delicado, sensible e inteligente que afronta temas espinosos como el suicidio, el duelo y la culpa. También una radiografía de cómo se construye la masculinidad en nuestra sociedad y cómo se señala a los niños que no se comportan respecto a los cánones de lo que debe ser un chico. Todo gracias a la relación de dos amigos de 12 años que cuando llegan al colegio son señalados como novios.

Por su parte, Zahra Amir Ebrahimi fue elegida como la mejor interpretación femenina de un Cannes donde brillaron los papeles para mujeres. Holy Spider es una película que descansa en su potente interpretación de una periodista que investiga los asesinatos de prostitutas realizados en Irán. Un filme basado en un hecho real con el que el director Ali Abbasi realiza una radiografía brutal del machismo de su país de origen. Amir Ebrahimi tuvo que huir de su país, Irán, cuando se filtró un video sexual suyo, y ahora, gracias a “la generosidad” del director ha logrado este merecido reconocimiento.

Cannes se sacó de la manga -cómo no-, un premio especial para conmemorar su 75 aniversario. Fue para los hermanos Dardenne, directores que ya cuentan con dos Palmas de Oro en su haber y que con la contundente Tori y Lokita, un precioso y durísimo retrato de la inmigración, eran favoritos a todo. El jurado decidió darles este galardón en vez de darles el máximo reconocimiento y colocarles como los directores con más Palmas de Oro. Un nuevo reconocimiento para dos de los directores más comprometidos del cine europeo.

Otro veterano, el director polaco Jerzy Skolimowski, que no pudo estar en la presentación de su película, sí que llegó a Cannes y recogió el Premio el Jurado por Eo, un filme que analiza su país desde la mirada de un burro. De hecho, el director dedicó la película a los burros que dieron vida al animal y acabó su discurso con un rebuzno. Una película visualmente imponente que compartió el premio con Las ocho montañas, de Charlotte Vandermeersch y Felix Van Groeningen, una de las películas más deseadas en el mercado del festival tras emocionar en uno de los primeros días de competición. Una película que habla “de la vida en toda su fuerza y su fragilidad”. 

La película más redonda de la Sección Oficial se tuvo que confirmar con el premio a la Mejor dirección. Park Chan-Wook ganó el galardón por su impecable Decisión to leave, un thriller policial donde un detective se enamora de la principal sospechosa de un crimen. Una historia romántica, tensa y visualmente apabullante, llena de decisiones visuales que sorprenden y dejan pegado al espectador en su butaca. Una de las grandes películas de este Cannes. Más sorprendente fue el galardón al Mejor guion para Tarik Saleh por Boy from heaven, un competente thriller político ambientado en Egipto que no aparecía entre los favoritos.

Concluye así un Cannes de nivel irregular pero que sí cumplió una misión. Realizar una defensa cerrada y férrea de las salas de cine en un momento complejo y delicado. Lo hicieron sin abrirse a Netflix, dando un premio al último adalid de las salas, un Tom Cruise que estrenó en el certamen Top Gun: Maverick. Y finalmente, lo reafirmaron dando el premio a uno de esos autores que conjugan a la perfección lo artístico y lo comercial. Triangle of sadness es una comedia que tiene todo para convertirse en un fenómeno de masas que demuestre que una Palma de Oro también arrastra a gente a las salas.

Desde 2009 solo ha habido un nombre español en la Sección Oficial de Cannes, el de Pedro Almodóvar. Este año se ha unido otro, el de Albert Serra, el mil veces llamado enfant terrible del cine español por sus películas provocadoras, radicales y únicas. El director catalán ha construido una carrera que ha sido más reconocida en Francia que en España, donde hasta le cuesta encontrar distribución. Muchos le consideran un afrancesado, y de hecho sus películas se ambientan en una Francia a través de la cual analiza la podredumbre del mundo actual.

Con su nueva película, Pacifiction, ha creado un filme tan excesivo como único. Contiene varias de las imágenes más potentes que se han visto en este festival de Cannes y una interpretación que huele a premio, la de Benoît Magimel como un alto comisionado francés en Tahití que investiga el rumor de pruebas nucleares en sus aguas. Un anti thriller político en el que presenta a políticos sudorosos, gordos y decadentes. Un mundo donde nadie se fía de nadie. Donde no hay principios y los políticos bailan bajo la luz de un neón morado borrachos y con total impunidad. Una película libre, que nunca sabes por dónde va a girar y con la que Serra entrega su filme más accesible sin renunciar a una mirada autoral clara y consciente.

¿Por qué le interesa la decadencia del imperio francés? Primero fue en La muerte de Luis XIV, luego en Liberté y ahora en Pacifiction.

No es algo específicamente francés. Me interesa en la medida en que es universal. Evidentemente, cuando se habla de imágenes son imágenes concretas, y a mí me importa mucho la dirección artística. Que todo sea perfecto. Que creas en eso, que sea un universo imposible o improbable, pero que creas en eso. El aspecto interesante es que es universal y, en este caso, como es contemporáneo, hoy todo está conectado. La decadencia está en todos los sitios. Es una metáfora que permite ver esto y me permite la libertad que me gusta, también en el tono de la película, que nunca sabes si es farsa o sátira, si luego va en serio… La película va mutando y transformando a tiempo real. No hay control, parece que está fuera de control. En mis rodajes me gusta generar ese caos, me gusta pescar en aguas revueltas.

Le gusta generar imágenes que perduren. Lo dice en un contexto de consumo ansioso en plataformas. Tengo una duda: ¿si Netflix llegara con un cheque en blanco y le diera libertad absoluta, les diría que sí?

Claro. Si vienen con un cheque en blanco y pudiendo hacer lo que quiera, sí.

¿Y si tiene que renunciar a la pantalla grande?

Esto es otro tema. Creo que para hacer estas películas hay un pacto que pasa por lo físico. Necesitas más información, porque todo es sutil y complejo, incluso hay que perderse un poco. Y el cine es eso, es crear una lengua extranjera que a veces crea más confusión que esclarecimiento, y la pantalla grande es clave para crear esa confusión. Entiendo que son formas distintas de consumir y que buscan objetivos diferentes. No parece que les interese este tipo de cine, les interesa una suscripción masiva de público. En Netflix no compras un autor, compras la suscripción del mes, y el autor también se define por esto, por ser único. Vas al cine a ver a ese autor. No es intercambiable. Nadie puede hacer la película que yo he hecho, pero las series comparten directores y son todas iguales. Con eso está todo dicho.

Este año ha ganado Carla Simón en Berlín, usted compite por la Palma de Oro… ¿Está cambiando algo del cine español?

No, no creo que esté cambiando. Pero si puedo contribuir en algo… Es que no me gusta la idea de 'cine español' porque creo que el concepto de cinematografía, de cinematografía nacional, es obsoleto. Ahora son todo coproducciones porque las películas tienen interés mundial, no las puedes financiar tú solo y cuando coproduces, compartes riesgos y hay otro distribuidor implicado que cuida a su comunidad. Es una manera nueva de ver las cosas. Ir al pasado no tiene sentido y eso de ‘cine español’ no tiene recorrido. Bueno, sí, tiene recorrido económico para los que se benefician.

Pienso en la gloria, pero no en la gloria presente. Trabajo para la gloria, como los poetas que quieren la gloria eterna

Albert Serra — Director de cine

Ha mencionado a los que se benefician. No sé si está muy enterado de lo que está pasando con la nueva Ley Audiovisual.

Sabía mucho de esto, pero me he quedado un poco… no sé qué pasa al detalle, si la leyera me entero rápido, pero me parece que va en la misma dirección, que lo que había no lo modifica en nada y que es lo mismo de siempre. Antes todos los ricos decían que había que hacer industria. La idea era esa, hacer industria porque cada país tenía que tener grandes empresas para competir con los extranjeros. Vale, pues venga, hacedlo. Pero no, dijeron: vamos a ayudarles durante un tiempo para ver cómo pueden competir con los americanos, y ves que era mentira, que lo único que quieren, como no pueden competir contra ellos, es quitarles el dinero a los pobres y ahora quieren parte del pastel reservado para los pobres. Quieren formar parte de esta pequeña industria. Esta hipocresía va a peor y no está cambiando. Y tampoco veo muchos resultados, porque cuando se ponen con lo artístico tampoco saben mucho y cuando se ponen con lo comercial tampoco parece que el resultado sea muy brillante.

Hay un monólogo fantástico en la película sobre que la clase política es como un club nocturno. ¿Es una película sobre la decadencia de la clase política?

No habla de una clase política, pero sí de un distanciamiento que hay entre la clase que dirige y el pueblo. Esto se ve cada vez más claramente y se traduce en que las diferencias entre ricos y pobres son cada vez más grandes. Esto provoca incomprensión, distanciamiento. Y está en el protagonista, este hombre en esta tierra de nadie que debería comunicar decisiones para la gente, para el pueblo, pero cada vez hay menos gente en ese territorio. 

La película tiene varias escenas poderosas, personalmente me fascina el último baile homoerótico en la discoteca.

Es que es esto, la percepción de las cosas. Yo no trabajo con significaciones. No pienso en imágenes correctas o incorrectas. No tiene cabida eso. Hay una pulsión de intentar no reducir la complejidad de la vida real, que ya está bastante reducida por la cotidianeidad que nos aplasta a todos, sino incrementarla. Hacer la percepción de la vida más intensa, ya sea plásticamente como moralmente. Mi obsesión es crear atmósferas inéditas. Hay que hacer creer lo increíble. Ver lo invisible.

En el vídeo que precede a las películas de Cannes hay unas escaleras. En cada escalón aparece un nombre clave de la historia del cine y de Cannes. Van cambiando todos los días, pero solo hay tres españoles: Buñuel, Saura y Almodóvar. ¿Cree que va a estar pronto en ese Olimpo de nombres en esa escalera?

No pienso en esa manera, pienso en el largo término. Pienso en la gloria, pero no en la gloria presente. Trabajo para la gloria, como los poetas que quieren la gloria eterna. Las circunstancias que rodean la percepción de una obra en tiempo presente o a corto término… eso no me importa, y la gente dice que no se creen que no me importe, y yo les digo que no me importa que no se crean que no me importe.

Era uno de los nombres españoles que sonaban en todas las quinielas de este año para competir por la Palma de Oro en Cannes. Por eso, cuando Thierry Frémaux anunció el pasado jueves la Sección Oficial a concurso hubo una pequeña decepción al no encontrar el nombre de Albert Serra entre los 18 anunciados. Frémaux también avisó que quedaban unos cuantos títulos por anunciar, y estos han llegado en forma de comunicado oficial con el de Serra entre los repescados a última hora. El nuevo filme del inclasificable director, Tourment sur les îles, luchará por el premio más importante del cine de autor.

Es la primera vez que Serra luchará por la Palma de Oro. Estuvo en la Sección Oficial, pero fuera de concurso, con La muerte de Luis XIV, y con su explícita y provocadora Liberté compitió en la sección paralela, Una cierta mirada, donde logró un Premio Especial del Jurado. El salto natural era entrar en sección oficial, y lo ha logrado con esta película en la que cuenta la historia de una escritora que regresa a su país después de haber triunfado en Francia con una novela. Sin embargo, está desorientada y en una crisis creativa. Ante la imposibilidad de escribir nuevas obras, decide aceptar un trabajo de traducción simultánea junto a un embajador. Una coproducción entre España y Francia con un reparto en el que se encuentra el español Sergi López y el francés Benoit Magimel.

Es la primera vez en años que un nombre español que no sea Pedro Almodóvar entra en la Sección Oficial de Cannes. No será la única presencia española en la Croissette, ya que la cineasta española Elena López Riera competirá en la Quincena de Realizadores, sección paralela, con su ópera prima, El agua, protagonizada por Luna Pamiés, Bárbara Lennie y Alberto Olmo y que en España distribuirán Filmin y Elastica. El delegado general del certamen, Paolo Moretti, destacó este martes en conferencia de prensa que se trata de “un primer largometraje místico, sensorial, impregnado de sensibilidad documental, en torno a un mito, el de la desaparición recurrente de mujeres en un pueblo español”.

“La película confirma la emergencia de una nueva voz en el cine europeo contemporáneo”, dijo el representante de la Quincena, que celebrará su 54 edición entre los próximos 17 y 28 de mayo y será inaugurada por L'Envol, del italiano Pietro Marcello, con el actor francés Louis Garrel. La selección incluye nombres que se esperaban en la Sección Oficial de Cannes como Mia Hansen Love, que presentará aquí Beau matin, o el de Alex Garland, que estrenará su esperada Men en esta prometedora Quincena que ha plantado cara a la oficial de Cannes.

Los otros dos nombres que se han unido a la Sección Oficial a concurso son los de Charlotte Vandermeersch y Felix Van Groeningen, con Le otto montage, y el de Léonor Serraille, con Un petit frére. Se unen a una selección en la que destacaban los nombres de David Cronenberg, Kore-Eda o Park Chan Wook. Una edición con pocos nombres de mujeres pero muchos nombres consagrados con los que celebrar la 75 edición del certamen.