Un 27 de febrero de 1996 el mundo del videojuego cambió para siempre con la publicación en Japón de Pokémon Rojo y Pokémon Verde. Treinta años después, celebra su aniversario siendo la franquicia de entretenimiento con más ingresos del mundo. Para llegar a ese punto, primero tuvo que conquistar a una generación que se enamoraría de aquellas criaturas y su universo. El hecho de que se lanzaran a la vez dos versiones distintas de la misma obra, en la que los objetivos consistían en ser el mejor entrenador que habrá jamás y hacerse con todos es significativo, pues estas siguen siendo las piedras angulares que definen una estrategia que ha demostrado con creces su éxito. 

“Pokémon presenta de forma digerible algunas tradiciones muy arraigadas del juego de rol japonés más clásico, ofreciéndolas en un paquete muy accesible y en el que aun así hay bastante espacio para la complejidad”, explica a este diario el periodista de videojuegos en Anait Games Víctor Martínez. Para la ilustradora y fanática de la saga Inanilux, su continua notoriedad reside en que “sus juegos son generacionales”, lo que le permite estar “siempre presente”. Los hermanos detrás del proyecto Umbral Friki comentan precisamente que, gracias a que “se ha adaptado muy bien sin perder su esencia”, mucha gente mantiene el interés y captan nuevos fans. Como agrega el aficionado Juan Marcos Segura, “es una franquicia que, si te pilla a una buena edad, te atrae con monstruitos graciosos y ya te quedas siempre en ella”.

El amor de un niño por capturar y analizar bichos fue el origen de todo. La nostalgia por una afición que estaba desapareciendo debido a la pérdida de naturaleza en las ciudades niponas llevó al diseñador Satoshi Tajiri a desarrollar un concepto que emulase aquel sentimiento. Por tanto, ese afán de acumulación y exploración es intrínseco a Pokémon, que “ha sabido explotar muy bien la mecánica del coleccionismo, pues desde el principio te invita a ‘hacerte con todos’, a construir tu propio equipo y a ponerte a prueba contra otros entrenadores”. “Esa mezcla de colección, personalización y competición lo hace muy rejugable y culturalmente relevante”, considera la Dra. Anna Morales sobre los atractivos del videojuego.

A esto se suma que “funciona a varios niveles, y cada persona puede tener una experiencia completamente distinta”, según describe Segura, quien también destaca cómo la compilación, lejos de quedarse en una acción individual, está muy relacionada con la comunidad. La desarrolladora Game Freak publica dos ediciones del mismo título a la vez porque determinadas criaturas solo aparecen en una de ellas, de manera que para conseguir todas es necesario el intercambio. En su momento hacía falta un cable especial que conectara dos consolas Game Boy, pero la irrupción del modo online facilitó la creación de comunidades globales. “El intercambio es su mayor lastre y su mayor virtud. Cuando juegas, es una lata tener que hablar con alguien que tenga la otra versión para conseguir los que te faltan, pero inevitablemente acabas creando comunidad, ya sea ‘en la vida real’ en Reddit, en Telegram, en el barrio con gente que juega a Pokémon Go… el coleccionismo de Pokémon te acaba haciendo crear muchísimos lazos diferentes”, relata Segura. 

Bien lo demuestra el citado fenómeno surgido en 2016, cuando debutó la aplicación Pokémon Go, que devolvió al intercambio su fisicidad, desencadenando una nueva oleada de pokemanía que, pese a haber perdido algo de fuerza, sigue celebrando eventos recurrentes que congregan a multitud de aficionados. “Es bastante divertido, yo suelo ir sola a algunas quedadas que se hacen en el Retiro. Todos te acogen sin problema. Al fin y al cabo, estamos haciendo lo mismo y necesitamos la ayuda del otro”, reconoce Inanilux, quien se confiesa “encantada” con esta comunidad, “porque se nota que no hay esa hostilidad como puede haber en VGC [Campeonato de Videojuegos Pokémon, es decir, competiciones oficiales] o TCG [el Juego de Cartas Coleccionables Pokémon]”.

Especulación, te elijo a ti

Las mecánicas de coleccionismo e intercambio tienen una vertiente tangencial más allá del videojuego a través del juego de cartas que ya triunfó tras su lanzamiento en los 90. “Las cartas Pokémon (en gran medida gracias a las falsificaciones, omnipresentes y mucho más accesibles que las cartas legítimas) son otro buen ejemplo de por qué la serie es exitosa: se pueden usar para jugar, y es un buen juego de cartas, pero también se pueden intercambiar, se pueden coleccionar, se pueden tener porque te gustan las ilustraciones, son un lugar común alrededor del que hacer grupo, son más o menos unisex…” expone Martínez, quien define la afición a Pokémon como “una que se retroalimenta con mucha facilidad, y que no tiene un ‘origen’ claro u obligatorio: puedes empezar con las cartas, con los videojuegos, con las series o simplemente porque te gustan las ilustraciones que hay en la ropa o en las mochilas”.

Pero, si las cartas se han puesto tan de moda ahora es debido a los precios astronómicos que están alcanzando algunas piezas. Recientemente, el youtuber Logan Paul vendió a AJ Scaramucci –hijo del ex director de comunicaciones de la Casa Blanca– una rareza diseñada por Atsuko Nishida, la creadora original de Pikachu, por una cifra récord que supera los 16 millones de dólares. “Claramente es un problema, muchísima gente que desconoce el hobby está entrando a sacar provecho de la situación, dejando sin stock a verdaderos coleccionistas o quienes realmente les gustaría iniciarse en el coleccionismo de toda la vida, y también está provocando que algunos lo dejen por la dificultad y el coste del producto”, alegan desde Umbral Friki, conocedores del sector ya que tienen una máquina de vending.

Desde el proyecto familiar también declaran que “mucha gente fan de la franquicia empezó abrir sobres digitales en el videojuego para móviles JCC Pokémon Pocket [estrenado en octubre de 2024] y luego decidieron hacerlo también en físico”. Además, asegura, “la cantidad de influencers que empezaron a hacer aperturas buscando las cartas más raras” y las “colecciones nuevas con protagonistas como Pikachu o Eevee” crearon un “hype imposible de parar”. 

Todo el foco que la franquicia pone en el coleccionismo ha llevado a que las 151 criaturas iniciales hayan dado paso a 1025 especies actuales, en cuyos diseños está gran parte del encanto. Para Inanilux, que ya dibujaba los Pokémon que veía en la televisión cuando tenía dos años, “funcionan porque no son criaturas complejas, son monstruos muy reconocibles”. Considera además que el “diseño juega un papel crucial en todos los aspectos”, y que no es casualidad que “todos los Pokémon iniciales tengan en su paleta de color rojo, azul o verde, dependiendo del tipo, para que sea identificable de primeras”. Martínez añade que “a lo largo de estas décadas han conseguido, y todavía consiguen de vez en cuando, llegar a abstracciones muy evocadoras que hacen que los Pokémon, que a estas alturas son ya tantos que casi es imposible conocerlos a todos, tengan más vida de lo que tendrían si fueran solo dibujos, si no existieran primero dentro de un videojuego”. 

El atractivo de las criaturas ha dado lugar a colecciones ingentes de merchandising, pero también a creaciones más interesantes, como las realizadas por la Dra. Anna Morales, para quien “Pokémon es una buena excusa para divulgar sobre casi cualquier cosa”. Ella, de hecho, emplea este universo en muchos de sus vídeos para hablar de la física detrás de los ataques o del algoritmo de captura de los videojuegos. “Llevo tiempo usando la ficción como puente para hablar de la realidad y como Pokémon es una de las sagas que más he jugado desde pequeña —y además es tan conocida—, me salió de forma natural”, comenta. Aclara que su público es “relativamente específico” porque “suele ser gente interesada en cultura pop y en ciencia”, aunque a veces le sigue “gente que no consume contenido científico habitualmente”, algo que le gusta porque su “objetivo es acercar la ciencia también a quienes creen que ‘no es para ellos’”. En definitiva, el carisma que desprenden estos seres es capaz de romper muchas barreras.

30 años más de Pikachu

Como parte de las celebraciones de aniversario, Pokémon ha optado por mantenerse fiel a su lema e intentar hacerse con todos, más incluso que antes. En los últimos años se han sucedido propuestas de todo tipo, desde merchandising variado hasta aplicaciones para medir el sueño. La apertura hace unas semanas del parque de atracciones PokéPark Kanto en Japón –que emula algunas áreas de los videojuegos originales, con réplicas de cientos de criaturas– e incluso su campaña con famosos como Lady Gaga o Lamine Yamal debutada en la Super Bowl son claras muestras de este empeño globalista. Una nueva colección de Lego o colaboraciones con otras grandes marcas como Adidas, además de eventos presenciales y el inminente estreno de Pokémon Pokopia, una propuesta que recuerda más a Animal Crossing y Minecraft que a los videojuegos originales, demuestran que no hay barreras que frenen a Pikachu.

“A veces casi da la sensación de que se ha diversificado más de la cuenta; llevo siguiendo Pokémon desde sus inicios, y muchas veces parece que la cara más creativa y feliz de la serie está fuera de los videojuegos, con los que es fácil sentir que están en un segundo plano o, por no ser muy apocalíptico, que para The Pokémon Company son iguales que el resto de merchandising”, señala Martínez. Agrega que cada vez tiene “menos claro que los videojuegos sean realmente nucleares” y que “hay una falta de ambición que hace que se pueda hablar de algo así como potencial desaprovechado, especialmente desde que las consolas portátiles que eran hogar de Pokémon (y donde era menos relevante ‘estar a la altura’ en lo técnico) desaparecieron”.

Como consecuencia, “la serie avanza a un ritmo que no es el que se esperaría de ella”. Juan Marcos Segura resalta que “ha habido un estancamiento”, ya que “cada juego nuevo ofrece una mejora sustancial a cambio de dejar atrás algo que ya parecía mejorado”, detalle que achaca a “los cortos ciclos de producción, para que la franquicia siga siendo relevante”. A la vez, opina que la saga “es pura nostalgia, y es difícil que los treinteenagers enganchados consigamos escapar de ella”. 

Sin embargo, Inanilux plantea que “ha tenido una gran estrategia de marketing, porque cada generación es totalmente distinta a la anterior y no necesitas jugar los anteriores juegos para poder comprar el nuevo”, lo que invita al relevo generacional. “Como padre, te podría decir que, con estas cosas, a veces tengo la sensación de que somos los adultos los que nos parapetamos detrás de la idea de la nostalgia para darle un sentido a nuestras aficiones, o para justificarlas, como si fueran una debilidad o una anomalía”, razona Víctor Martínez, para quien “muy mal tiene que darse para que Pokémon no mantenga su popularidad, teniendo en cuenta que es la IP más lucrativa del mundo y que tiene incluso el apoyo institucional del gobierno japonés”.

Eso sí, el periodista destaca que a título personal querría que “se reconciliara con sus orígenes en el videojuego y que buscara recuperar algo de relevancia creativa, sobre todo teniendo en cuenta que la relevancia comercial parecen tenerla más o menos asegurada”. Como bien resume la Dra. Anna Morales, “si algo ha demostrado Pokémon es que sabe mantener el interés en una fórmula con 30 años de recorrido”, por lo que la clave es que con ella “siga atrayendo a público joven”. “Mientras esa rueda siga girando, no parece una franquicia que vaya a frenarse pronto”.

Aunque la saga Animal Crossing cuenta desde su debut con apasionados seguidores, atraídos por la estética adorable y la experiencia de juego relajada, era imposible prever el éxito mundial que cosecharía debido a la pandemia de covid. New Horizons se publicó menos de una semana después del confinamiento y, rápidamente, supuso un oasis de paz, un refugio donde encontrar rutina en una situación de excepcionalidad y desde el cual generar vínculos, ya fuera con los adorables animales antropomórficos que pueblan ese universo o con otros jugadores. Tras seis años de su lanzamiento, el título acaba de recibir una actualización gratuita, que ha reavivado el interés por la obra a la vez que las conversaciones acerca de su mensaje. ¿El motivo? Entre las novedades de la versión 3.0 se incluye un hotel, cuya apertura deviene en turistificación.

New Horizons sigue a un aldeano que se muda a una isla desierta, a la que van llegando vecinos y servicios, como una tienda, una mercería o un museo. Sin objetivos marcados ni rutas predefinidas, la libertad creativa y la tranquilidad que emanan de la experiencia han hecho las delicias de los casi cincuenta millones de personas que lo han comprado. Por eso, muchos usuarios se quejan de cómo la irrupción del turismo está trastocando su manera de jugar. Cuando la familia del Capitán —una tortuga marina inspirada en los kappa japoneses— abre un alojamiento en el muelle, empiezan a aparecer nuevos personajes, que se alojan en una de las nueve habitaciones disponibles y pululan a su ritmo por los terrenos. Como consecuencia, las redes se han llenado de carteles de “Tourist go home” plantados por los usuarios en la entrada del polémico establecimiento.

Para un gran seguidor de la saga como Eric Rodríguez, de Leyendas & Videojuegos, “la nueva actualización altera el juego”. “Es una sensación muy extraña estar en tu isla, con los vecinos con los que has creado relaciones, en las calles que has pavimentado, haciendo lo que después de años ya se ha convertido en una rutina, pero con cuatro o cinco turistas deambulando en todo momento”, relata. De esta forma, se reproduce la dinámica del turista que, con su presencia, transforma los procesos sociales dentro del territorio que visita. Esta sensación entronca con los comentarios de Nerea Pérez de las Heras en el programa de Saldremos mejores dedicado a la turistificación, en el cual argumentaba que en el madrileño barrio de Malasaña “ya no hay personas, solo NPC [personajes no jugables]”, “relleno de videojuego”. El malestar que identificaba la comunicadora tiene ahora su reflejo en un entorno virtual que era considerado un espacio seguro.

“Hay demasiados turistas, no aportan nada y hablar con ellos es un rollo porque las personalidades se repiten”, explica a este diario Alicia, una jugadora que no está conforme con los cambios. Añade que, aunque suene superficial, encima estos suelen ser “modelos de personaje feos”. No es la única para quien esta cuestión ornamental importa, pues muchos se quejan de que la aparición de turistas rompe con la estética que habían creado, en la que, por ejemplo, un viajero de aspecto estridente como la oveja payaso Kikolor no encajaba con su cuidada atmósfera otoñal de tonos neutros. La videoensayista FlurryMoon señala en su canal que este malestar se debe a que es el único elemento sobre el que los usuarios no tienen control en un juego que te convierte en un “dictador en un entorno limitado”.

Esa es la razón por la cual estima refrescante la aparición de animales que añaden aleatoriedad. De la misma opinión es el streamer Salva Gamer, quien, aunque bromeó en sus redes creando una habitación de hotel que emulase una cárcel para “dar voz a las quejas”, en realidad disfruta “conociendo otros vecinos diferentes a los de tu isla”. Al mismo tiempo, es consciente de que, a diferencia de lo que sucedía en el título para Wii Animal Crossing: City Folk, donde había visitantes externos al foco de la acción en una zona comercial, las interacciones en esta ocasión resultan demasiado efímeras, lo que impide conectar con estos personajes tan “independientes”.

Omnipotencia decorativa

Animal Crossing nace con la vocación de generar comunidad, primero local al fomentar compartir la experiencia entre integrantes del núcleo familiar, y después global, con la inclusión de modos de juego o intercambio online, algo que terminó de explotar durante la pandemia, cuando se celebraban reuniones grupales digitales en un espacio libre de carga vírica. Pese a la importancia que tuvo el encuentro en su lanzamiento, las actualizaciones han otorgado mayor relevancia al diseño, algo en sintonía con los últimos videojuegos de la franquicia, con spin-offs como Happy Home Designer o la versión para móviles Pocket Camp, donde la acumulación de objetos y el colocarlos se convierten en el gran foco. Para Rodríguez, “la saga ha dejado atrás las raíces sociales y de convivencia compartida, para centrarse en la personalización y la decoración”.

Parece lógico el cambio, dado que la decoración cautiva a muchos jugadores. Alicia asegura que disfruta “ese aspecto de ir desbloqueando y descubriendo muebles, suelos o paredes nuevos”. Ella, que se considera una jugadora que va bastante a su aire, reconoce que “ver otras islas a veces inspira o da rabia”, dependiendo de las decisiones tomadas por esos otros usuarios. Salva, por su parte, opina que la saga fomenta más compartir que competir, pues “la comunidad de Animal Crossing se divierte precisamente compartiendo sus creaciones”. “Me encanta enseñar en mi canal cómo evoluciona mi isla o cómo construyo desde cero, para que todo aquel que piensa que es muy difícil hacer zonas chulas sepa que no lo es tanto, vea cómo hacerlo paso a paso y pueda coger ideas”, expresa. 

Pero potenciar la decoración implica primar la acumulación de enseres —que incluyen de manera más habitual colaboraciones con marcas, con la reciente aparición de muebles o vecinos inspirados en otras franquicias de Nintendo como Splatoon o The Legend of Zelda que normalizan el merchandising dentro del juego como algo aspiracional— y permitir al jugador controlar cada vez más elementos, desde cómo es la orografía de la isla hasta cómo son los hogares de sus vecinos, quienes se convierten en meros elementos del escenario, como destaca la periodista Paula García en Eurogamer. También Eric Rodríguez comentaba en un reciente videoensayo que, al poner la isla entera a disposición del jugador, New Horizons va en contra de la esencia original de su creación. Lejos queda esa primera entrega, donde una fuente mágica revelaba si el pueblo estaba equilibrado con la naturaleza y la vida seguía sin la presencia del jugador. Ahora, esa naturaleza queda supeditada a la voluntad del usuario que, pese a su poder infinito, no es capaz de controlar el turismo. 

Fantasía capitalista o escapista

Mucho se ha discutido sobre si Animal Crossing propone modelos organizativos alternativos o solo proporciona una vía de escape capitalista. Su propio punto de partida parte de esta disyuntiva: el jugador siempre contrae una hipoteca con el mapache Tom Nook, quien, sin embargo, nunca presiona para recuperar el dinero. Animal Crossing encapsula así muchas de las contradicciones de los cozy games y, como bien resumía Pablo Algaba en su ensayo La aldea feliz, un viaje a través de Animal Crossing, la franquicia es “medicina para un desencanto”, pero “producida, empaquetada y vendida por una multinacional que responde ante sus accionistas”. Desde su perspectiva, estas mecánicas demuestran que “resulta más sencillo imaginarnos nuestra utopía como un capitalismo guay que como un paradigma completamente nuevo”.

Con esta nueva actualización, queda patente que el progreso en la isla pasa necesariamente por el intercambio económico. Alicia afirma que la apertura del hotel “apoya el discurso de que un lugar solo puede desarrollarse a través del turismo”. De ahí que, pese a que le parece “genial alargarle la vida a un juego de forma significativa sin tener que gastar dinero en expansiones”, cavila que “normalizar la gentrificación resulta bastante peligroso”, en especial para jugadores jóvenes.

Salva Gamer indica que, como simulador, es normal que Animal Crossing presente similitudes con la realidad, aunque matiza que “no se están eliminando recursos de nuestros residentes para dedicarlos a los turistas”, así que no le parece que “el turismo se haga de una manera ‘agresiva’, permitiendo que los residentes sigan conviviendo de la misma manera agradable que antes”. Bad Bunny no cantará sobre lo que le pasó a esta isla, pero es relevante que haya surgido un debate que dialoga con cómo el videojuego ha explorado la crisis de la vivienda.

Para Eric Rodríguez, que inició su canal precisamente para “utilizar los videojuegos como forma de hablar de temas variados”, esta actualización “está revelando a mucha gente lo que se siente al vivir en un lugar masificado”. En su caso, que dejó “una ciudad que vive casi completamente del turismo” para mudarse a un pueblo pequeño donde atesora el ambiente “íntimo y familiar”, cavila que, “si de la noche a la mañana empezase a ver a turistas dando vueltas sin respetar las costumbres locales”, probablemente le “molestaría de una forma muy parecida a cómo a los jugadores les está molestando encontrarse a NPC en sus construcciones de New Horizons”. Termina reflexionando sobre cómo hay gente que ha dedicado mucho tiempo a sus islas, “por lo que verlas ahora convertidas en atracción turística, y sin forma ninguna de gestionar por dónde se desplazan esos personajes o cómo interactúan con ella, es comprensible que genere resentimiento y divida a la comunidad”. 

Los sueños de la tecnología producen monstruos. Criaturas aterradoras que habitan entornos digitales. Pesadillas construidas de píxeles, capaces de atravesar la realidad y anidar en los imaginarios colectivos. Al amparo de Internet ha surgido un género basado en la viralidad del material original: los creepypastas. Como sucede con cualquier leyenda urbana, la difusión es clave para la existencia de estos relatos de terror, construidos sobre el lenguaje nacido en la red. Por eso, su relación con los videojuegos es tan estrecha.

En el estudio Disordered Media conocen el atractivo de los espacios virtuales abandonados. En su videojuego oneway.exe: Module 1.0 las mansiones marchitas con entidad propia ceden el protagonismo a seres virtuales que toman consciencia. El punto de partida de este llamativo debut consiste en investigar el videojuego de terror inacabado UNTITLED.exe, pues sus archivos esconden un macabro secreto. Para descubrirlo hay que moverse por la interfaz de un ordenador y escarbar entre conversaciones viejas y programas desfasados para averiguar qué pasó con los tres desarrolladores de ese título maldito.

Hay un punto metatextual, ya que detrás de oneway.exe: Module 1.0 también se encuentra un diminuto equipo, encabezado por los fundadores de la desarrolladora, el matrimonio formado por el programador Bugs Ray y la escritora Spider Ray. Junto a ellos trabajan cinco amigos, un grupo pequeño que ha hecho posible esta obra repleta de personalidad y de cariño hacia un Internet que ya no existe. A través de una mezcla de exploración de entornos en 3D, resolución de puzles y navegación por foros olvidados se convierte en el homenaje perfecto a un género moderno.

Arqueología del ‘creepypasta’

La novela epistolar está estrechamente relacionada con el terror por cómo esa aparente veracidad de los textos encontrados añade una capa de inquietud a las historias, que parecen más reales por la manera en que se cuentan. No es casualidad que clásicos como Frankenstein o Drácula optaran por la narración mediante cartas. Más adelante, el metraje encontrado adapta el formato al cine y, aunque sus primeros ejemplos se encuentran a partir de los 60, florece unas décadas después, en el momento en que la tecnología de vídeo se populariza y comienza a estar al alcance de la mayoría. Así, el found footage, precisamente por el aire amateur que le otorga el tipo de grabación y el bajo presupuesto al que se asociaba en un inicio, cautiva a las audiencias.

El creepypasta es tan solo la evolución lógica, un heredero nacido al cobijo de un Internet primigenio donde, en vez de las grandes compañías monopolizando las redes sociales, reinaban la interacción anónima en espacios más de nicho y los documentos compartidos libremente. De ahí a que muchos de los relatos más famosos del género partan de videojuegos malditos, mensajes escondidos en CD o cadenas de mails embrujadas. Donde el metraje encontrado muestra lo oculto gracias a la tecnología, el creepypasta cuestiona esa mediación tecnológica, y las consecuencias de que se haya implantado en los hogares.

El lenguaje también se adapta, pues el relato en primera persona surge en chats y la cámara al hombro da paso al glitch. Todo ello está presente en oneway.exe: Module 1.0, que crea una atmósfera opresiva dentro de archivos corruptos. Y es que el videojuego abandonado, núcleo de la historia, parece tener entidad propia. Por eso, hay que navegar por él siendo consciente de que adentrarse en los secretos de su creación será adentrarse en la historia online de los 2000. El matrimonio detrás de la idea se conoció precisamente en línea hace diez años, y se nota que esta historia nace de un interés común. Sorprende, de hecho, que tan poca gente haya sido capaz de crear un videojuego así de cuidado, que combina múltiples estilos de animación, tiene una ambientación sonora envolvente y una estupenda banda sonora de Marcy Nabors (Deltarune), lo que da como resultado lugar un título muy inmersivo.

Aunque abre con una secuencia en un oscuro pasillo y en sus primeros compases toca huir de una criatura, estos lugares comunes dejan paso a un amplio espacio virtual. De esa manera, la supervivencia se alterna con la investigación y la resolución del rompecabezas. Para ello han recreado con precisión distintos elementos digitales populares de entonces, desde foros en los que todo el mundo usa seudónimos hasta blogs estilo MySpace; pasando por mascotas de escritorio, la invasión de los pop-ups y la estética gótica otaku del portal creativo DeviantArt. También mezclan los sustos del jumpscare con la inquietud que emana del entorno, y la confusión de no saber si el mensaje de error que salta está ocurriendo en la realidad o es parte del videojuego, un detalle en el que por desgracia ha influido el hecho de que el lanzamiento haya tenido algunos problemas iniciales, al publicarse oneway.exe: Module 1.0 con bugs [fallos de programación] que dificultan la jugabilidad.

El resultado es una obra que recuerda a UFO 50 en su meta narrativa, pero que se enfoca solo en el horror. Cada uno de los ocho personajes principales tiene su propia ruta, que a su vez se inspira en un género de terror diferente. Es fácil captar referencias a otros videojuegos, ya sea en las mecánicas o en los diseños. Pero, además de encontrar guiños a Resident Evil o Five Nights at Freddy's, hay alusiones a conocidos creepypastas, como Sonic.exe —que parte de un disco maldito del videojuego protagonizado por el erizo azul—, y, por supuesto, Slenderman, una historia tan famosa que ya es parte de la cultura popular. Eso es precisamente lo que busca oneway.exe: Module 1.0: realizar una arqueología del pasado para reivindicar las historias que allí nacieron.

Nostalgia por un pasado aterrador

Oneway.exe: Module 1.0 combina las pruebas consistentes en encontrar claves de seguridad entre fotografías de adorables gatitos con el horror que irradia una imagen que se corrompe. Sin duda, manejan el lenguaje de la red. Esa fascinación por el material perdido se aprecia hasta en su página web, que oculta un juego de realidad, es decir, una historia inmersiva fragmentada, que en este caso amplía el lore del propio videojuego. Pero su amor por el medio hace que cierta nostalgia permee en la obra, que sexualiza a sus monstruos y quiere honrar el pasado. Desde Disordered Media aseguran que su debut une “los peores aspectos de tu nostalgia” por ese espacio online, pero no deja de ser una “carta de amor”, como ellos mismos la definen, por “el horror que se encuentra en Internet”.

Conocer más sobre los creadores ficticios repletos de sueños permite entender cómo se pervierten sus frustraciones hasta volverse monstruosas. Pero funciona más como homenaje que como reivindicación

El videojuego habla de cómo la red se ha convertido en un espacio de desahogo, con lo bueno y lo malo que eso conlleva. Por ejemplo, conocer más sobre esos creadores ficticios repletos de sueños permite entender cómo se pervierten sus frustraciones hasta volverse monstruosas. Pero funciona más como homenaje que como reivindicación, más en la línea de Doki Doki Literature Club!, videojuego conocido por utilizar los códigos del horror online para romper la cuarta pared; que a Vile: Exhumed, que expone la violencia que sufren las mujeres a través del uso del gore en la interfaz de un ordenador de principios de los 2000. Pese a que oneway.exe: Module 1.0 no sea subversivo, muestra un cariño genuino y un respeto profundo por todas esas historias aterradoras que les han precedido.

Por ello, resultará especialmente cautivador para quienes están familiarizados con aquel pasado, su lenguaje y los encantos del creepypasta. Para quienes desconozcan este legado virtual será un ejercicio interesante, de asomarse a un mundo extraño y fascinante, pero al mismo tiempo puede resultar complicado avanzar por sus diferentes escenarios, sobre todo porque por ahora no cuenta con localización al español. Otro problema es que su lanzamiento se ha visto empañado por algunos errores de programación que todavía están solucionando. Es más, a la hora de escribir esta crítica, una de las rutas todavía no se puede completar. Por suerte para Disordered Media, ya cuentan con un pequeño fenómeno fan, que se ha dejado embrujar por su universo. Quizá, como con un buen creepypasta, su historia se acabe difundiendo, y el legado de ese videojuego maldito perviva en el tiempo.

El desarrollador de videojuegos Vince Zampella, director de la exitosa franquicia Call of Duty, ha fallecido a los 55 años en un accidente automovilístico en una autopista en el sur de California, según dio a conocer este lunes la cadena NBC News. El cocreador de uno de los videojuegos más conocidos del mundo murió el pasado domingo en un tramo montañoso de una autopista en el valle de San Gabriel, en el este de Los Ángeles.

El informe de la Patrulla de Carreteras de California, según recoge NBC News, concluye que el Ferrari en el que viajaba Zampella se salió de la carretera, chocó contra una barrera de cemento y salió despedido.

“Esta es una pérdida inimaginable, y nuestros corazones están con la familia de Vince, sus seres queridos y todos aquellos que se sintieron atraídos por su obra”, ha indicado por su parte un representante de Electronic Arts, la empresa para la que trabajaba Zampella.

“La influencia de Vince en la industria de los videojuegos fue profunda y trascendental”, agregó, explicando que “ayudó a dar forma al entretenimiento interactivo moderno e inspiró a millones de jugadores y desarrolladores de todo el mundo”. De hecho, Zampella es considerada una figura clave en la industria de los videojuegos. Cofundó el estudio Infinity Ward, donde encabezó el desarrollo de los primeros Call of Duty, convertidos en una de las franquicias más exitosas desde su lanzamiento en 2003.

Con el ritmo frenético del día a día no siempre es fácil sacar tiempo para jugar. De ahí que el descanso que para tantas personas ofrece la Navidad sea idóneo para ponerse al día con esas obras que se han quedado pendientes durante los últimos doce meses. Además, hay variedad donde elegir, como bien demuestra este listado de videojuegos lanzados en 2025, en el que podrás encontrar una alternativa perfecta para cada persona.

Ya sea para regalar a un ser querido o para regalarse a uno mismo, aquí hay algo pensado para cada tipo de jugador, independientemente de si quiere ir a lo seguro o experimentar. La recopilación también está adaptada para todos los bolsillos, ya que la horquilla de precios va desde el gran desembolso que suponen los grandes lanzamientos hasta títulos más asequibles, sean indies o no. En todos los casos, obras interesantes de las que disfrutar antes de despedir el año.

‘Clair Obscur: Expedition 33’ de Sandfall Interactive

Sin duda, una de las grandes sorpresas de 2025. Este videojuego de rol por turnos ha cautivado con la solidez de la propuesta, cuyo punto fuerte reside en un encantador universo ambientado en la Francia de la Belle Époque y unos personajes carismáticos que deben hacer frente a una misión suicida, que tiene como objetivo destruir a la Peintresse, un ser que anualmente aniquila a gran parte de la población, sin que se sepa el motivo. El videojuego francés es un doble AA que quiere hablar de la esperanza en momentos oscuros sin dejar de ser realmente entretenido por el camino. Disponible para PC, PlayStation 5 y Xbox Series X|S.

‘Despelote’ de Panic

Tras años dando vueltas por eventos especializados, al fin se ha publicado esta obra casi autobiográfica de Julián Cordero, que tiene como telón de fondo el Mundial de Corea y Japón de 2002, cuando la selección masculina de Ecuador clasificó por primera vez en su historia. A nivel mecánico, consiste en patear un balón por todo Quito, lo que permite desplegar un relato complejo y emotivo sobre la experiencia de un niño en una ciudad emocionada con el fútbol en un contexto de crisis económica. Destaca también su estética, que mezcla un dibujo sencillo de trazos simples sobre fotografías monocolor de la ciudad, y su fuerte arraigo en lo local, que vuelve la experiencia tan atractiva. Disponible para PC, PlayStation 4 y 5, Nintendo Switch y Xbox Series X|S.

‘Hollow Knight: Silksong’ de Team Cherry

Aunque al hablar de los videojuegos más esperados del año —sobre todo teniendo en cuenta el retraso de GTA VI—, Silksong se lleva la palma. Después del arrollador éxito de su predecesor, Hollow Knight, los amantes de la dificultad encuentran en esta secuela del conocido metroidvania un reto todavía mayor. Sin duda una propuesta exigente, pero que por eso mismo hará las delicias de quienes llevaban siete años deseando adentrarse en un hermoso mundo habitado por insectos. Esta vez lo harán de la mano de Hornet, que tendrá que enfrentarse a multitud de enemigos en su ascenso por el reino de Pharloom. Disponible para PC, PlayStation 4 y 5, Mac, Nintendo Switch y Switch 2 y Xbox Series X|S

‘Blue Prince’ de Dogubomb

Para los fans de la resolución de puzles y el misterio, Blue Prince es una de las mejores alternativas, ya que bajo un concepto sencillo esconde mucho más de lo que parece a simple vista. El videojuego sigue a Simon, que, en una mansión familiar que en teoría solo tiene 45 estancias, debe dar con la habitación número 46 para poder heredar la propiedad. Hay que usar la lógica e incluso tomar notas para desenvolverse entre sus rompecabezas, en especial porque las salas se generan de manera aleatoria cada día de juego, haciendo que cada partida sea única. El inconveniente es que solo está disponible en inglés. Disponible para PC, PlayStation 5, Mac y Xbox Series X|S.

‘Wednesdays’ de Arte France

Este videojuego de narrativa fragmentada y hermosamente ilustrado trata un tema complicado: los abusos sexuales infantiles. Lo hace a través de Tim, un joven que se da cuenta de que en su infancia fue víctima de situaciones de violencia sexual que había reprimido. Con muchísimo tacto y dando la opción de saltar secuencias sensibles, la obra aborda el complejo proceso de trauma del protagonista, ofreciendo al mismo tiempo una experiencia que apuesta por el optimismo, incluso frente a experiencias tan crudas y dolorosas. Aunque publica Arte France, ha sido desarrollado por un pequeño equipo encabezado por el guionista Pierre Corbinais. Disponible para PC.

‘Hades II’ de Supergiant Games

2025 ha sido un año donde las secuelas han jugado un papel destacado. Como Death Stranding 2: On the Beach o el citado Silksong, Hades II también perfecciona la excelente fórmula de su primera entrega. En este regreso al inframundo de la mitología griega, la princesa Melinoe debe enfrentarse a Cronos para salvar a su familia. Las ambiciones quedan muy patentes en cómo desarrolla una historia cautivadora a través de su siempre fascinante elenco de personajes, a los que se conoce mejor en cada ciclo de su bucle jugable, que sigue siendo igual de adictivo. Del mismo modo que aquí la muerte no es el final, cada game over ofrece un poquito más de historia, que anima a volver a intentarlo. Disponible para PC y Nintendo Switch 2.

‘Split Fiction’ de Hazelight Studios

Quienes disfrutan jugando en compañía pueden acercarse a este título diseñado específicamente para cooperar con otra persona. La aventura es del mismo equipo que triunfó con It Takes Two, solo que, ahora, en vez de centrarse en un matrimonio, las protagonistas son dos autoras que quedan atrapadas en un programa que iba a dar vida a sus historias. Para salir de allí deben aprender a colaborar, igual que quienes sostienen los mandos. Solo así podrán sobrevivir en los mundos de fantasía y ciencia ficción que ellas mismas imaginaron. Una experiencia que combina acción y plataformas, ideal para quienes quieran adentrarse en los videojuegos, pero prefieran hacerlo en compañía. Disponible para PC, PlayStation 5, Nintendo Switch 2 y Xbox Series X|S.

‘Ninja Gaiden 4’ de Team Ninja y PlatinumGames

También han triunfado este 2025 los videojuegos de los mercenarios japoneses. Como parte del Año del Ninja se han publicado la remasterización Ninja Gaiden II Black y el ocurrente plataformas 2D Ninja Gaiden: Ragebound, pero es la cuarta entrega de la saga, que opta por el 3D sin perder su esencia, la que se cuela en este listado. El protagonista, Yakumo, es un joven del clan Cuervo que debe enfrentarse al Dragón Oscuro antes de que arrase con Tokio, una premisa sencilla que sirve para desatar una acción desenfrenada en un mundo en el que se combinan folklore con un futuro tecnológico. Brinda una experiencia divertida y exigente, pero que permite adaptar la dificultad para hacerla más accesible a los diferentes tipos de jugadores. Disponible para PC, PlayStation 5 y Xbox Series X|S.

‘Camper Van: Make it Home’ de Malapata Studio

El estudio malagueño Mapalata debutó con un videojuego cozy de colores suaves y con banda sonora compuesta por Juanma Latorre de Vetusta Morla, que consiste en decorar una caravana en la que vive y viaja la invisible protagonista. Para quienes busquen títulos tranquilos, adorables y relajantes, la experiencia será muy satisfactoria por cómo es de agradable colocar los objetos en el interior del vehículo, pero también por la forma en que, a través de ellos, se despliega una pequeña historia, que va dando pistas de los momentos vitales en los que se encuentra el personaje principal. Perfecto para disfrutar sin prisa al calor de una mantita. Disponible para PC y Nintendo Switch.

‘Silent Hill f’ de NeoBards

Los amantes del terror pueden aprovechar el tiempo ocioso para jugar la última entrega de la conocida saga de Konami, que en esta ocasión traslada la acción al Japón rural de 1960 para seguir a una adolescente que se adentra en un escenario de pesadilla, donde por supuesto la niebla característica está presente. Con un trasfondo que aborda el trauma y la violencia, en concreto aquella que sufren las mujeres, el horror psicológico y la supervivencia se dan la mano a través de una atmósfera más que lograda y combates cuerpo a cuerpo. Disponible para PC, PlayStation 5 y Xbox Series X|S.

‘Consume Me’ de Hexacutable

Hablando del terror de ser mujer, Consume Me trata una temática similar a Silent Hill f pero desde una perspectiva completamente diferente, ya que la obra creada por Jenny Jiao Hsia y AP Thomson, en vez de por el miedo, apuesta por ser verdaderamente divertida. Es un videojuego de gestión de recursos que, para explorar la llegada a la madurez de la protagonista, que padece un trastorno de la alimentación, opta por diferentes minijuegos hilarantes y muy expresivos. De este modo muestra el impacto que tienen las presiones estéticas y la necesidad de alcanzar la perfección en una adolescente que quiere cumplir a toda costa con las expectativas sociales. Disponible para PC y Mac.

‘Is This Seat Taken?’ de Poti Poti Studio

Los puzles son el género elegido por el estudio catalán Poti Poti Studio para estrenarse. Con unos diseños sólidos y una propuesta ingeniosa, el objetivo consiste en sentar a diferentes personajes con formas geométricas en los asientos de variados espacios (un tren, una clase, un estadio…), pero teniendo en cuenta sus preferencias. Ofrece horas de entretenimiento a través de un gran diseño de niveles y situaciones que resultarán familiares. Lo mejor es cómo incluyen con elegancia toda la información necesaria para resolver los rompecabezas con éxito. También que la experiencia resulta poco estresante, pues no hay cuenta atrás, lo que invita a apostar por el ingenio de manera relajada. Disponible para PC, Nintendo Switch y smartphone.

‘Donkey Kong Bananza’ de Nintendo

A veces no hay nada tan relajante como liarse a puñetazos. Bien lo sabe Donkey Kong, el mítico simio de Nintendo, que ha regresado por la puerta grande con una aventura de plataformas que hará las delicias de toda la familia. El mismo año que ha salido la esperadísima consola sucesora de Switch, y pese a que Mario Kart World fuera la opción elegida para su debut, son los coloridos escenarios de Bananza, su relación con una joven Pauline y la juguetona mecánica de avanzar a golpetazo limpio por los distintos escenarios subterráneos lo que hacen de este el título perfecto para darle un tiento a la Switch 2. Disponible para Nintendo Switch 2.

‘Ball x Pit’ de Kenny Sun

Todos los años hay un videojuego que fascina por la adicción que genera, en un sentido no problemático, por supuesto. Sin llegar al nivel de innovación de Balatro, Ball x Pit consigue un bucle divertido que parte de la idea de lanzar bolas en un entorno de fantasía, así como suena: se elige un personaje y se selecciona donde dispara para acabar con los monstruos que inundan un foso sin fin. Publicado por Devolver Digital, la estrategia es clave para triunfar en medio del caos de proyectiles y némesis, pero además los recursos que se consiguen en las profundidades sirven para gestionar la reconstrucción de la ciudad Bolabilonia, en una mezcolanza de géneros que funciona gracias a la intensidad que alcanzan las rápidas partidas, que siempre dejan con ganas de más. Disponible para PC, PlayStation 5, Nintendo Switch y Switch 2 y Xbox Series X|S.

‘Luto’ de Broken Bird Games

Una casa laberíntica puede parecer un punto de partida muy visto, pero este videojuego de terror psicológico en primera persona consigue explotar sus escenarios al máximo al generar una tensión continua y una sensación de desubicación dentro de sus habitaciones, en las que hay que resolver rompecabezas. Además, lo onírico y lo metatextual van ganando espacio en una obra de marcado sabor canario, que habla del dolor de la pérdida. Por tanto, se trata de otra ópera prima nacional a la que merece la pena acercarse. Disponible para PC, PlayStation 5 y Xbox Series X|S.

‘Baby Steps’ de Gabe Cuzzillo, Maxi Boch y Bennett Foddy

Nate es un treintañero sin oficio ni beneficio que un día es teletransportado a un universo extraño, en el que debe desenvolverse. Ataviado con un pijama sucio y sin ser capaz de andar demasiado bien debido a su estilo de vida, la premisa es algo rancia, pero, pese a todo, el videojuego se las arregla para ser divertido en su parodia de los walking simulator, sobre todo a través de una plasticidad hilarante, que convierte la experiencia de moverse en una realmente complicada. El resultado es un título pretendidamente bizarro y excéntrico, que sorprende en su exploración del slapstick juguetón, en todos los sentidos de la palabra. Disponible para PC y PlayStation 5.

‘Goodnight Universe’ de Nice Dream Games

Para jugar a Goodnight Universe es mejor hacerlo con una webcam que registre cada gesto, pues esto permite identificar si el jugador parpadea, sonríe o mueve la cabeza. De esa manera se pueden controlar mejor los movimientos de Isaac, un bebé de apenas seis meses que vive en un suburbio estadounidense. Aunque la criatura es demasiado joven como para hablar, es más inteligente de lo que debería a esa edad. Ese es el misterio que habrá que desentrañar, en una historia que mezcla con habilidad géneros, pero cuyo núcleo emocional es clave para conectar con este relato sobre la familia y el lugar en ella. Disponible para PC, PlayStation 5, Nintendo Switch y Switch 2 y Xbox Series X|S.

‘Dispatch’ de AdHoc Studio

Estrenado de forma episódica al lanzar sus capítulos por tandas, Dispatch es una novela visual protagonizada por superhéroes oficinistas, en la que Aaron Paul pone voz al protagonista, un héroe en decadencia que se ha convertido en operador de un equipo de villanos con poderes que quieren redimirse. Con el humor por bandera, pero también con su corazoncito, bebe claramente de la ficción televisiva. De ahí que las cinemáticas sean fundamentales, aunque encuentra un buen equilibrio entre estas y el peso que tienen las decisiones del jugador, ya sea gracias al rol o de la gestión, en el desarrollo de los acontecimientos. Esta aventura tiene un excelente apartado visual, magníficas actuaciones de voz y suficiente carisma en el guion como para enganchar. Disponible para PC y PlayStation 5.

‘Henry Halfhead’ de Lululu Entertainment

La vida de Henry es el centro de este colorido videojuego, que sigue al protagonista desde su más tierna infancia. Su particularidad no es solo que se limite a ser una media cabeza sin tronco o extremidades, sino que puede poseer todos los objetos, es decir, que adquiere la habilidad de transformarse en ellos. Por tanto, es una experiencia graciosa, que, sin embargo, va construyendo una historia sobre la responsabilidad y la relación con el trabajo. De ahí que este videojuego breve y divertido consiga ser también muy emocionante. Disponible para PC, PlayStation 5, Nintendo Switch y Xbox Series X|S.

‘Horses’ de Santa Ragione

Este es un videojuego repleto de personalidad. Aunque, por desgracia, si se está comentando tanto su reciente estreno no es por sus particularidades, sino por el hecho de que Epic y Steam han impedido su venta, en línea con la censura que se ha producido en la tienda después de las presiones de ciertos procesadores de pago. La obra del cineasta experimental Andrea Lucco Borlera sigue a un universitario que se pone a trabajar en verano en una granja en la que tiene que realizar diferentes tareas diarias. La particularidad reside en que, en vez de animales normales, lo que el protagonista ve son humanos desnudos con máscaras de caballo. La extrañeza permea toda la propuesta, que explora la obediencia, la moralidad y la violencia mediante el surrealismo. Merece la pena que se hable de él por sus méritos, y no por la injusticia que ha sufrido. Además, se puede comprar por apenas 5€, de modo que es un buen broche final para estas recomendaciones festivas. Disponible para PC.

En enero de 1938, un soldado republicano se adentra en un edificio en ruinas en territorio franquista. Fuera, resuenan las bombas. Mientras avanza entre los escombros para encontrar unos documentos importantes en un Ayuntamiento en ruinas, una historia íntima de amor, pérdida y violencia se despliega. Porque en el videojuego para ordenador Letters of longing, la memoria histórica se explora de manera literal, pues parte de los recuerdos de una anciana que reconstruye el pasado de sus padres.

“En abril de 2024, estaba recordando una historia de la Guerra Civil entre dos hermanos en distintos bandos y pensando en convertirla en videojuego cuando se me ocurrió centrarlo en dos hombres enamorados”, cuenta a este diario Carlos Royuela Torres, más conocido como Royu. Él es el ideador de esta propuesta epistolar lanzada por el estudio indie Happy Break Bones, que debuta oficialmente con un título pequeño pero ambicioso.

Focalizado en las cartas que se mandaban Juan y Antón, dos amigos que comparten sus inquietudes ante la tensión que empieza a respirarse en España, los desarrolladores describen este videojuego en primera persona como un walking simulator dado que la mecánica consiste en andar entre los escombros, resolver pequeños puzles para avanzar e interactuar con distintos objetos para evocar memorias que arrojan luz sobre el pasado de estos dos hombres, que plasmaron por escrito unos sentimientos que encapsulan mucho más de lo que cuentan.

Entiérrame mi amor relata la historia de un matrimonio sirio en el que un integrante de la pareja intenta emigrar a Europa para huir de la guerra en 2015 mientras el otro se queda atrás. This War of Mine ocurre durante el Sitio de Sarajevo, pero pone el foco en los civiles que sobreviven en unas condiciones extremas. El videojuego internacional ya ha abordado temas duros en contextos bélicos antes. Para Royu, el medio aporta “empatía” a la hora de tratar cuestiones tan delicadas. “El controlarlo hace que lo vivas más de cerca, porque no solamente estás viendo la historia, también eres partícipe de ella”, asegura.

Pese a este potencial del videojuego, la Guerra Civil española apenas ha tenido presencia en él, a diferencia de lo que ocurre con otras artes. Además, las pocas veces que se ha tratado, ha sido en propuestas de acción o estrategia que no tenían en cuenta las dimensiones políticas y sociales del conflicto. Existen excepciones, como el metafórico 13 rosas, en el que Casilda de Zulueta apuesta por la resolución de rompecabezas y espacios delimitados, muy en la línea de Letters of longing, para hablar de la represión franquista.

El integrante de Happy Break Bones considera que esta ausencia de ejemplos se debe a dos razones principales. “La primera es que hacer videojuegos es muy caro y no se hacen tantos en España, de modo que, aunque parezca irónico, sigue siendo un tema jodido decir ‘oye, fusilar a la gente por sus ideas está mal’. Entonces hay quienes no se arriesgan por razones económicas”, explica. El otro motivo es “el qué dirán”, la repercusión de la obra y si su publicación puede encasillar a un estudio. “Por miedo a no querer mojarse, los equipos no van en esa dirección”, cabila.

Historias que fueron censuradas

En el caso de Letters of longing la memoria histórica también es memoria queer, ya que, aunque “la gente LGBTIQA+ ha existido siempre”, el desarrollador “nunca había visto esta clase de diversidad presente durante la Guerra Civil”. “Siendo yo LGBTIQA+, qué menos que dar un poco de representación al colectivo”, prosigue. Es por eso que el núcleo narrativo es la relación entre dos hombres, cuyo amor no puede ni expresarse debido a la censura. Pero Royu, “harto” de que todas estas historias “acaben en tragedia”, ha querido reivindicar el derecho a un final feliz: “Quién mejor que su propia hija para contarlo, pues eso significa que pudieron llevar una buena vida después de todo”.

Por supuesto, es consciente de la imposibilidad histórica que supone que dos hombres criaran a una hija, aunque fuese adoptiva, durante la posguerra, pero es una licencia artística. En su mente tiene muy claro cómo los protagonistas llegan a ese punto vital, y de hecho lo revela durante la entrevista, pero en el videojuego queda completamente abierto, pues opina que “cuando alguien se imagina lo que ocurre es mucho más poderoso”.

Pese a pequeñas decisiones que se alejan de la realidad para lanzar un mensaje, la ambientación está muy cuidada. “La documentación fue un poco trambótica”, rememora entre risas. Pero consiguió hacerse con mapas de cómo eran las carreteras de Teruel, su ciudad natal y el lugar en el que se ambienta el videojuego, a través del Archivo Histórico Provincial de la localidad, lugar al que acudió en varias ocasiones para recuperar materiales que sirvieron de inspiración. También visitaron muchas páginas de segunda mano, donde pudieron investigar cómo eran los muebles de aquella época e incluso conseguir cartillas militares de los ejércitos republicano y fascista para después reproducirlas con fidelidad.

La atención prestada al detalle se nota. Además, aunque se repitan objetos en el videojuego y a veces los movimientos resulten rudimentarios, tampoco importa, porque ese no es el foco de la historia. Al mismo tiempo, incluyen detalles sutiles que denotan un gran mimo, como el hecho de que “si pulsas el botón de disparar, hay una pequeña animación y suena como si estuviese atrancada, en una referencia a que muchas de esas armas usadas por el bando republicano provenían de la Unión Soviética, de la Primera Guerra Mundial, por lo que llegaban defectuosas”. También es revelador que las armas no sirvan en Letters of longing, pues en la obra la guerra de la memoria no se gana a punta de pistola, sino de visibilizar aquello que ha intentado ser enterrado.

Sabor español que triunfa en China

El guion de Letters of longing se escribió en una noche, aunque después hubo un proceso de recopilar impresiones y realizar mejoras. La jugabilidad sí tuvieron que rehacerla a mitad de desarrollo, una semana antes de un gran evento. “Fue una locura”, rememora Royu sobre aquel momento, cuando decidieron incorporar el personaje de la hija como detonante de la historia y apostar más por la inmersión al permitir que el jugador sea quien tenga que ir buscando los fragmentos de historia, que cobran vida a través de las cartas de los dos amantes y de la ambientación sonora que suena al leerlas.

Para la banda sonora, debido a que no podían pagar composiciones propias, optaron por buscar una versión libre de derechos de Recuerdos de la Alhambra de Francisco Tárrega. A partir de ahí, seleccionar otras piezas del autor que encajasen. Todo eso le otorga un sabor muy patrio al resultado, motivo por el que sorprende que le hayan puesto un título en inglés. “El nombre en clave del proyecto fue ‘proyecto máquina de escribir’, por lo que el título real no se planteó hasta casi el final, y optamos por algo que, al buscarlo, remitiese directamente al juego. Así que fue sobre todo cosa de la desgracia del SEO, tienen que encontrarte para que no mueras entre todas las páginas de resultados”, revela el creador.

Esto no ha impedido que más del 70% de sus jugadores actuales sean de España, algo que no suele ser lo habitual. Después, el segundo país con más ventas —antes justo de Estados Unidos y de otras naciones angloparlantes— es China, donde Royu considera que funciona bien porque las audiencias LGBTIQA+ buscan juegos en los que verse reflejadas. Además, claro, está el hecho de que han publicado el videojuego en español, inglés y en chino pese a lo difícil que ha sido localizar una obra con tantos regionalismos, en la que los protagonistas se expresan en aragonés y gallego antes de que estalle la guerra y tengan que limitarse al español.

La manera en la que se ha publicado Letters of longing denota un gran interés en volver la obra accesible. De ahí que su precio sea tan bajo, pues no llega a los 3€ en Steam. Royu comenta que la corta duración también ayuda en ese sentido, aunque el hecho de que el videojuego no llegue a la hora deriva de “la necesidad de contar una historia, que dura lo que tiene que durar”. Como resultado, este es un debut muy particular, tanto, que tenían unas “expectativas casi nulas con el lanzamiento”, aunque de momento sus funestas previsiones se han visto superadas. “No nos va a sacar de pobres, pero al menos unos cuantos meses pagamos el alquiler”, reconoce con franqueza el desarrollador, consciente de que vender videojuegos a un precio tan bajo no es rentable, sobre todo para un estudio que acaba de empezar a profesionalizarse.

Pero el de Happy Break Bones es un equipo joven —Carlos Royuela Torres tiene tan solo 25 años, aunque lleve diez desarrollando videojuegos por su cuenta— y que quiere hacer las cosas de forma diferente. Se nota en que su carta de presentación sea un videojuego breve y barato sobre un romance LGBTIQA+ situado en la Guerra Civil española, pero también en el hecho de que no haya un jefe como tal, sino que todas las decisiones las tomen por consenso. Mientras que su estreno ha sido “una historia muy esperanzadora pero claramente oscura, tétrica y contemplativa, el siguiente título será todo lo contrario: mucho luminoso, dinámico y enérgico”. El objetivo es no quemarse durante el proceso de desarrollo, y hacer que la labor de su estudio “sea viable en un periodo largo de tiempo”.

Roblox es un colorido mundo online que busca ser un punto de encuentro para jóvenes, en el que pueden programar sus propias experiencias interactivas o disfrutar de las generadas por otros usuarios, con los que también es posible relacionarse. La diferencia con otras propuestas igualmente exitosas como Minecraft, donde creatividad y comunidad se dan la mano, radica en que las mecánicas de juego varían en cada universo y en que existe mayor personalización. Sobre el papel suena a prometedor terreno de juego, pero diversas denuncias afirman que la plataforma es también “un coto de caza perfecto para pederastas”, según las palabras de la fiscal general de Luisiana, Liz Murrill.

Precisamente la Fiscalía de Luisiana ha presentado varias demandas contra el gigante del entretenimiento. En Estados Unidos varios juzgados tienen causas abiertas relacionadas con la presencia de depredadores sexuales en el portal. En España, la Fiscalía de Lleida está rastreando posible corrupción de menores en todo el territorio nacional, mientras que la Agencia Española de Protección de Datos ha ampliado la investigación que tiene en marcha sobre el tratamiento que hace de los datos de los jóvenes, para comprobar si sus mecanismos de verificación son eficientes.

Para entrar a Roblox basta con crear un usuario nuevo. Sin necesidad de comprobar la edad es posible acceder a miles de experiencias de toda índole. Para las consideradas como “maduras” hay que demostrar ser mayor de 13 mediante un sistema de verificación con IA que requiere mostrar el rostro en cámara, y que a partir de enero será requisito obligatorio para acceder a las funciones de comunicación. Moverse por la interfaz resulta intuitivo, es fácil de instalar, en principio no hay que pagar nada y su estética recuerda a Lego. Estos ingredientes han hecho que la compañía tenga más de 85 millones de usuarios activos al día —aunque Hindenburg Research asegura que estaban inflando las estadísticas—, teniendo un 39 % de ellos menos de 13 años de acuerdo con Takeaway Reality. 

La edad mínima para acceder a Instagram o TikTok es precisamente 13. En Roblox, esa barrera desciende hasta los 5 años. Por eso, los jóvenes acuden desde edades tempranas al portal a divertirse y socializar. Los cinco menores entrevistados para este reportaje comentan que empezaron a jugar pronto y que llevan haciéndolo desde entonces. La posibilidad de probar experiencias variadas es uno de los atractivos que destacan, así como el poder singularizar sus avatares. Pero, frente a esta cara más amable, subyacen problemas que ponen en peligro a sus usuarios y que, lejos de ser nuevos, llevan discutiéndose mucho tiempo.

En 2018, una madre denunció en Facebook que habían agredido sexualmente al avatar de su hija. Entonces, la conversación giró alrededor de la violencia online, pero un año antes el youtuber Ruben Sim ya había expuesto en su canal el comportamiento depredador de algunos adultos. Otras figuras han seguido su camino, como el influencer Schlep, quien, tras publicar varios vídeos en los que se hacía pasar por un menor para desenmascarar a pederastas, ha sido baneado por incumplir los términos de servicio del portal. Pero fue el reportaje de Bloomberg profundizando sobre la presencia de agresores sexuales en la plataforma el que hizo saltar todas las alarmas. 

“Que haya incidencias no es nuevo, porque esto ocurre a través de los chats, y suele aparecer también en redes sociales como Instagram o TikTok”, explica a este medio la Dra. María Salmerón, presidenta de la Sociedad Española de Medicina de la Adolescencia. “A las consultas vienen padres por dolores de cabeza o problemas para dormir de sus hijos que vemos que ocurren porque en Roblox se enfrentan a contenidos que les incitan a las autolesiones, les cuestionan su sexualidad o les invitan a mandar fotos desnudos, y sí hemos detectado una agrupación y aumento de casos”, aclara.

Violencia virtual, consecuencias reales

Roblox es consciente de que existe un problema, pues en 2024 reportó más de 24.000 incidentes de explotación infantil en su plataforma al Centro Nacional para Niños Desaparecidos y Explotados, la organización estadounidense que ofrece ayuda a las víctimas y familias de niños perdidos, recuperados o víctimas de explotación sexual. La cifra fue bastante más elevada que los 13.000 reportes internos del año previo, según Games Industry. Matt Dolman, del bufete Dolman Law Group, comentaba en una entrevista con Wired que están llevando 300 casos de pederastia, siendo el 60% de sus clientes niñas. Los bufetes Stinar Gould Grieco & Hensley y Milberg representan a otras 400 presuntas víctimas. Por su parte, la empresa de inversiones Hindenburg Research asegura que la plataforma expone a los menores a “grooming, pornografía, contenido violento y lenguaje abusivo”.

La demanda interpuesta por la Fiscalía de Luisiana alude a que algunas de las experiencias que se pueden encontrar tienen nombres como “Escape to Epstein Island” (“Escape a la isla Epstein”), en alusión al depredador sexual Jeffrey Epstein. Buceando por Roblox, en la actualidad no es tan sencillo dar con esta clase de títulos, pero hay muchas experiencias destinadas a charlar, estar de fiesta o socializar en las que es fácil encontrar a usuarios preguntando a otros por su edad o detalles personales e intentando ligar.

Del mismo modo, hay que mencionar la existencia de los condo games, espacios en los que se queda para simular relaciones sexuales a los que se accede mediante canales externos. Un representante de Roblox explica a este diario que son conscientes de que “hay personas malintencionadas que tratarán de eludir las normas”, pero que “se tratan de una minoría” y disponen de “herramientas eficaces para detectar y eliminar estos juegos a través de una combinación de tecnología de aprendizaje automático y la intervención manual de un equipo de moderadores expertos”. Insiste en que “es muy raro que los usuarios se encuentren con ese contenido en la plataforma”, ya que cuentan con “filtros para evitar buscar contenido inapropiado”. A pesar de ello, es sencillo llegar a comunidades en Telegram o Discord a través de las cuales acceder a dichas experiencias eróticas, que muchas veces están creadas y gestionadas por menores, como expuso el youtuber trixt0r en su canal mediante entrevistas a varios desarrolladores.

Cómo proteger a los menores que juegan

“Conocí a gente que se hacía pasar por un niño. Sentía que esa persona trataba de manipularme y usaba unos términos algo raros, pero yo entonces era muy pequeña” comenta Lucía [nombre ficticio], una joven jugadora que detectó comportamientos extraños en Roblox. Para Marina [nombre ficticio] la experiencia ha sido diferente: “no he sentido que alguien con quien me haya encontrado se haya hecho pasar por niño, pero sí gente con intenciones de robar o aprovecharse de mí”, expresa. Su madre añade que su hija “aprendió a poner en duda lo que dicen en el juego y actuar en consecuencia” y que, antes de que comenzara a jugar, estuvieron “hablando de lo que podía encontrar”. “Le dije que me preguntara cada cosa con la que le surgieran dudas o temor”, relata, algo que la joven ha cumplido. La progenitora destaca que también ha encontrado gente que comparte sus intereses, pero que “ahora solo se relaciona con amigos ya consolidados”.

Todos los jugadores entrevistados para este artículo son menores y suelen jugar con amigos cercanos. Carmen [nombre ficticio] es una adolescente que asegura que la plataforma es “segura si se usa con cuidado o bajo control parental”, pero se ríe al ser preguntada por esta herramienta, porque ella misma no la ha utilizado nunca, ya que afirma que siempre juega a lo mismo y que sus padres lo saben. No es la única: ninguno de los entrevistados utiliza los controles parentales que ofrece la plataforma. Mario [nombre ficticio] explica que “hay que tener cuidado con la gente con la que se interactúa”, consciente de que existen algunos riesgos online. Sus padres confían en que su hijo “sabe perfectamente los peligros de Internet”, sobre todo el riesgo que supone tener conversaciones fuera de la propia aplicación de Roblox, porque, mientras que la plataforma censura el lenguaje inapropiado, los enlaces a sitios externos e información personal como direcciones o teléfonos, otros espacios donde se reúnen las comunidades de jugadores, como Discord, no cuentan con este filtro. La Dra. María Salmerón añade que, “igual que cuando salen a la calle es importante saber dónde van a estar y con quién van a ir sus hijos, en el mundo digital es igual”. Por eso anima a los progenitores a probar estos servicios “durante un tiempo y ver qué posibles riesgos entrañan”.

Construyendo experiencias y no videojuegos

Roblox nace con la idea de que los videojuegos eran el futuro del software educacional, pero sus creadores, Erik Cassel y David Brent Baszucki, pronto se dieron cuenta de que los menores usaban ese lenguaje tan sencillo más para jugar que para aprender. En 2006 la empresa adopta su nombre actual y empieza a crecer como un portal recreativo destinado a que los chavales desarrollen sus propias experiencias. Usan este término, experiencias, en lugar de videojuegos para no dar la sensación de que se nutren del músculo creativo de los usuarios. Pero la realidad es que las ganancias de la compañía, valorada en la actualidad en 90.000 millones de dólares, derivan en gran medida de las creaciones de los jugadores. 

No hay que perder de vista que Roblox no es un videojuego per se, sino una plataforma que los aglutina. Por tanto, anima a que cualquier persona desarrolle accesorios para los avatares o experiencias que incluyen microtransacciones, de modo que otros jugadores puedan pagar por estos elementos. De cada venta, la compañía se queda un elevado porcentaje, mientras que los creadores ganan alrededor de un 30% del valor del producto que han diseñado. Al preguntarle por esta cuestión, el representante de Roblox habla de que “es una forma de expresión creativa” y de que “para algunos es un hobby”, pero “para otros se puede convertir en una carrera”. Destaca que, las personas “inscritas en el programa DevEx”, que permite intercambiar la moneda del juego por divisa real, “tienen en su mayoría más de 18”. También, que “la edad media de los desarrolladores con mayores ingresos ronda los 25 años”. Pero esto ignora que cualquier usuario que supere los 13 puede pagar por campañas publicitarias para promocionar sus creaciones, algo que incentiva la propia compañía. También, que hay menores trabajando para creadores, adultos o no, para los cuales realizan tareas a cambio de la moneda del juego, Robux, o dinero real, como exploró The Guardian. Dado que se suelen organizar en espacios externos como Discord, no existe regulación en dichas comunidades de desarrollo. 

En 2021, People Make Games publicó un completo reportaje en el que abordaban la explotación laboral infantil en Roblox. En él señalaban que la empresa se queda con porcentajes muy elevados de cada transacción y que el cambio de la moneda in game sale peor cuando te pagan tu parte que cuando la cambias para comprar. Quintin Smith, guionista y presentador del documental, expresa en una entrevista para elDiario.es que no sabe “qué implica para el desarrollo psicológico de un niño que sus primeros trabajos sean todos en un espacio no regulado que no cuenta con los controles que deben implementarse para evitar la explotación laboral”, pero que está “seguro” de que “no es bueno para su autoestima o, lo que es peor, para el tipo de gerente en el que se convertirá cuando tenga empleados”. La Dra. María Salmerón señala que entre los adolescentes que diseñan experiencias existe el problema de que los “sistemas de recompensa inmediata activan la zona dopaminérgica, lo que implica que ”son adictivos“ a través de mecanismos como ”el hecho de tener monedas, de poder comprar mejoras para el juego o de que haya macroencuentros a horas intempestivas entre semana“. 

El planteamiento de Roblox y su foco en la personalización mediante la compra de mejoras es otra de las fuentes de beneficios. De los menores entrevistados, solo Carmen aseguraba no haber invertido nada, aunque tiene gente de su entorno cercano que se ha dejado “mucho dinero”, y algunos a los que incluso han robado tras hackear sus cuentas. Muchas marcas aprovechan este espacio virtual para promocionarse mediante el diseño de experiencias propias, por ejemplo, Mattel ofrece colaboraciones exclusivas para algunos de sus productos, como las muñecas Monster High. Y, desde hace unos meses, Roblox permite realizar compras físicas en sus entornos online y ganar recompensas por visionar anuncios de 30 segundos. 

Esto refuerza la idea de que funciona como un centro comercial, uno en el que también hay experiencias con dinámicas parecidas a las de los juegos de apuestas. Porque, evitando la denominación de videojuego, en Roblox esquivan las regulaciones de los juegos de azar. “Prohibimos simulaciones y apuestas reales en la plataforma, donde no se puede intercambiar dinero real, Robux ni artículos de valor dentro del juego en relación con ninguna actividad relacionada con las apuestas”, matiza su portavoz. Sin embargo, en su universo online existen cientos de experiencias que imitan la ambientación y mecánicas de los casinos.

El futuro incierto de ‘Roblox’

Después de que 51 personas musulmanas fueran asesinadas en las mezquitas neozelandesas de Christchurch, en Roblox aparecieron experiencias que recreaban estos atentados. Del mismo modo, existen zonas de roleplay nazi amparadas en ser obras sobre la II Guerra Mundial, donde de manera lo suficiente sutil como para evitar el banneo se emplea simbología fascista, por ejemplo, alterando los colores de la bandera o la forma de la esvástica. Desde la compañía aseguran que tienen “una política estricta que prohíbe contenidos o comportamientos que inciten, aprueben, apoyen, glorifiquen o promuevan el extremismo” y que lo gestionan mediante el uso de tecnologías como la IA y otras herramientas automatizadas, pero también con investigadores. 

Pero no parece tan eficaz en el caso del franquismo, pues no es complicado dar con obras cuya portada son imágenes del Valle de los Caídos o que recrean la Guerra Civil o la dictadura desde el ensalzamiento. Asimismo, existen perfiles en redes sociales como TikTok que suben vídeos de su paso por Roblox con escenas que titulan “franquista invade Marruecos para que no vengan los moros” o “[nombre del personaje] ahoga penas en alcohol recordando los mejores momentos del caudillo”.

La falta de regulación online ha llevado a que algunos entornos se conviertan en espacios en los que grupos extremistas se organizan. En estas comunidades virtuales han crecido grupos violentos que abusan de menores como la organización neonazi 764. Aunque no es algo exclusivo de Roblox, pues la Agencia de Seguridad Nacional estadounidense investigaba las comunidades de World of Warcraft y Second Life para detectar grupos terroristas por estar sus chats menos controlados que las apps de mensajería instantánea o las redes sociales. 

No hay que perder de vista que en los mundos virtuales se socializa de verdad, algo que los convierte en lugares de expresión. De ahí que Roblox haya habido protestas en contra del Servicio de Control de Inmigración y Aduanas estadounidense y concentraciones a favor de Palestina, muchas de las cuales fueron cerradas por la propia plataforma. Nada de lo que ocurre en ella es nueva, pues Habbo Hotel, videojuego que cumple 25 años, sufrió crisis parecidas: el título finés fue pionero en las microtransacciones que cambiaban dinero real por la moneda del juego, tuvo polémicas tras acciones reaccionarias de trolls y, en 2012, tras una investigación de Channel 4, se desveló la existencia de chats sexuales en los que se acosaba a menores, lo que supuso el principio de su decadencia. 

“Literalmente cualquier videojuego online dirigido a niños se convertirá en un foco de abusos si se le deja. Por desgracia, para obtener beneficios, estas empresas deben gestionar sus entornos digitales a una escala que hace que la moderación constante resulte inviable por su elevado coste”, explica Quintin Smith, quien compara la situación con “un negocio de parques infantiles que tiene un solo cuidador para supervisar a cientos de niños para poder obtener beneficios”. Para hacer frente al problema, Roblox ha tomado nuevas medidas de seguridad en el último año, como implementar las conexiones de confianza, que permiten seleccionar usuarios concretos para chatear sin filtro. Y, a partir de enero, el sistema de chat volverá a cambiar, pues estará basado en la edad estimada por el reconocimiento facial precisamente para limitar la comunicación entre menores y adultos. 

Cualquier videojuego online dirigido a niños se convertirá en un foco de abusos si se le deja. Por desgracia, para obtener beneficios, estas empresas deben gestionar sus entornos digitales a una escala que hace que la moderación constante resulte inviable por su elevado coste

Quintin Smith — Guionista y presentador del documental sobre Reblox elaborado por 'People Make Games'

Pero la normativa presente hasta el momento trata a los mayores de 13 años como si fuesen adultos y, aunque prohíbe compartir imágenes, vídeos o información confidencial en sus chats, los usuarios son capaces de saltarse estas restricciones a través de modificar el lenguaje empleado y de trasladar la conversación a otras plataformas menos reguladas. Por eso, la Dra. María Salmerón recuerda que, para proteger a los menores, “los padres no tienen que estar alerta solo en los juegos, sino en cualquier servicio digital que tenga servicios de chats privados, pues es ahí donde ocurren los problemas.”

Respecto a Roblox, mientras la Unión Europea estudia si Instagram y Facebook incumplen la obligación de proporcionar a sus usuarios mecanismos sencillos para notificar contenido ilegal, parece que las denuncias lo mantendrán en el punto de mira. Su CEO, David Baszucki, expresaba en una entrevista reciente con la BBC que quiere que sea “el futuro de la comunicación”. Quizá se trunquen estas ambiciones y corra la misma suerte que Habbo Hotel ahora que la seguridad en la plataforma está en entredicho o, quizá, el poder acumulado en estos años permita que aquel proyecto nacido como educativo siga en activo a pesar de los riesgos que puede entrañar para sus jóvenes jugadores. 

Hace 20 años, Grand Theft Auto: San Andreas tuvo una de sus mayores polémicas por accidente. El título casi permite al protagonista, tras una cita con una de sus novias, mantener relaciones sexuales explícitas después de que ella le invitara a tomar café. Cuando el programador Patrick Wildenborg descubrió el código del minijuego todavía oculto y lo hizo público mediante el mod —modificación del software para alterar el contenido original— Hot Coffee, causó una gran controversia. Se presentaron varias demandas colectivas y se subió la clasificación a mayores de 18 años en EEUU, lo que impidió su venta en grandes cadenas comerciales.

Pese a las críticas que San Andreas había recibido por misoginia y racismo, no se tomaron medidas por esos motivos. Así, lo que puede parecer un suceso aislado muestra que la sexualidad causa más conflicto. “Tenemos normalizado que la gente explote o sea desmembrada, en este medio y en cualquiera, pero cuando se incluye contenido sobre sexualidad siempre asusta”, expone Núria Braña, educadora social y sexóloga. Ella considera que cuesta mostrarlo con naturalidad por ser “un tema relegado a la intimidad”, pero que la sexualidad en el medio “puede usarse de maneras infinitas y muy positivas”.

Para le desarrolladore indie Kastel, los videojuegos son “una fantástica vía para explorarla porque te ponen en el punto de vista del personaje”, lo que “nos lleva a preguntarnos por qué encontramos una escena de buen o mal gusto y qué dice eso sobre nuestros deseos”. Pero estas posibilidades se han limitado habitualmente a escenas de edredoning, a secuencias torpes o a satisfacer fantasías machistas, donde el sexo es una recompensa. Al mismo tiempo, la existencia de mods que desvisten a los protagonistas de conocidos títulos o que permiten copular en pantalla indican el interés de las audiencias. 

Fernando Porta, coordinador editorial de Loop, cree que “el sexo en videojuegos siempre ha tenido problemas para representarse de forma crítica”. Cuenta que el número inicial del monográfico de Loop se dedicó precisamente al sexo como “carta de presentación diferente”. “La recepción del público fue tremendamente positiva”, demostrando que la temática importa. Pero advierte que “todavía queda un largo camino, más cuando la ola anti-woke limita las posibilidades de mostrar otras perspectivas en títulos con alcance comercial”. Lo demuestran las presiones que MasterCard y Visa han recibido del colectivo conservador australiano Collective Shout, que han llevado a la censura de obras con contenido sexual.

Sexo primigenio o misoginia pixelada

La conexión del sexo con los videojuegos está estrechamente ligada a su historial machista. Los cuerpos femeninos, fueran de los propios personajes o de modelos, se usaban como reclamo publicitario y como trofeo en las narrativas, porque se veía al varón cisheterosexual como target único. Cuando en 1981 se estrenó la aventura conversacional Softporn Adventure, pionera del videojuego erótico, la trama consistía en conquistar a tres chicas.

En unos meses tuvo que retirarse del mercado debido a las críticas, algunas de personas escandalizadas por el contenido o por la portada —en la que aparecían tres mujeres desnudas en un jacuzzi—, otras molestas por el sexismo. Como consiguió buenas ventas, seis años después llegó el remake con gráficos Leisure Suit Larry in the Land of the Lounge Lizards, que tuvo varias secuelas. En esa misma época la empresa norteamericana Mystique sacó varios títulos para adultos, como el infame Custer’s Revenge, en el que el general George Armstrong Custer intenta violar a una mujer indígena atada a un cactus. 

La misoginia era innegable entonces, pero lo que podría achacarse a la época sigue sucediendo. La plataforma Steam está plagada de títulos pornográficos, muchos de los cuales incluyen sexo no consentido. En 2019 hubo polémica con Rape Day, cuya premisa consiste en ejercer violencia contra las mujeres durante un apocalipsis zombi. Este año ha sucedido algo parecido con No Mercy, una novela visual “de dominación masculina” en cuya promoción se incluían frases como “nunca aceptes un no por respuesta”. Las críticas llegaron hasta el Parlamento británico, y la propia compañía Zerat Games lo retiró, después de que Collective Shout recogiera más de 70.000 firmas en su contra.

Para la divulgadora Annie Whitacre, que reivindica en su canal de YouTube 'Sex Positive Gaming' los videojuegos para adultos, No Mercy “es una novela visual mal escrita”, y entiende que “algunas personas consideren el contenido objetable”, pero considera que esa era parte “de la intención del creador”. Además, sostiene que existen libros de Anne Rice y Stephen King “con temáticas y matices sexuales similares”. Núria Braña sí opina que No Mercy tenía la intención de ser “un simulador de violación a mujeres” que podría definirse como “peligroso”, pero señala que Steam acoge al mismo tiempo “videojuegos racistas o colonizadores”, y que plataformas de lectura y escritura abiertas a menores como Wattpad, están “plagadas de historias en las que hay sexo no consentido o incesto”. 

El polvo como recompensa

Más allá del videojuego pornográfico, la sexualidad ocupa un hueco muy delimitado en el mainstream. Para el desarrollador Robert Yang, “la mayoría de obras comerciales de gran presupuesto ofrecen representaciones superficiales del sexo, pues si dedicaran realmente tiempo o reflexión a la sexualidad, correrían el riesgo de ser clasificadas como Adults Only [solo para adultos]”, lo cual limitaría mucho su venta en EEUU. Dado que es complejo convertir el sexo en mecánicas, suele aparecer como cinemática. A veces se ha convertido en interacción, como en la saga God of War, donde varios de sus títulos incorporan un minijuego, parecido al polémico de San Andreas, en el que el protagonista Kratos podía mantener relaciones con diferentes mujeres. Pero el acto solo se intuía. 

“En el videojuego triple A, la mayoría de las veces las narrativas responden a una fantasía poco elaborada y heterobásica”, destaca la sexóloga Núria Braña. Esto ocurre incluso en videojuegos de rol, el género popular con más escenas de sexo en la actualidad. Son las franquicias de la empresa BioWare las que han convertido el romance en un elemento muy atractivo de sus universos, pero las escenas íntimas no dejan de ser recompensas por haber aumentado el vínculo sentimental con otros personajes. En la saga espacial Mass Effect, estas secuencias remiten mucho a las de Hollywood, ya que apenas se ven cuerpos desnudos, aunque en Dragon Age hay más elementos de humor e incluso un punto camp. 

En esa misma línea se mueve Baldur’s Gate III, que se convirtió en el gran videojuego de 2023 pese a ser definido de “muy cachondo”. Esta versión de Dragones y Mazmorras permite mantener relaciones sexuales con un variado elenco de personajes. El guionista Adam Smith aseguró durante un panel en el evento PAX West 2024 que “la sexualidad no debería ser controvertida”. “Está bien que las cosas sean sexis”, afirmaba al explicar que querían crear personajes “auténticos”. El cuidado puesto a la hora de incorporar la sexualidad se demuestra también en el hecho de que usaran coordinadores de intimidad en el rodaje, algo que todavía no es habitual en el medio. “Su éxito va a permitir que se aborde la sexualidad de forma más diversa en las grandes superproducciones”, cabila Fernando Porta, “pero al ser un tema que siempre ha estado ‘censurado’, todavía queda por ver si hay títulos que apuesten de manera más tangible por nuevas formas de entender la sexualidad”.

Tomar el control de la narrativa erótica

En 1982, el videojuego japonés Night Life se aproximó a lo erótico desde otra perspectiva, pues ofrecía un catálogo de posiciones para que parejas hetero recién casadas mejoraran su vida sexual. Por esa misma época eran populares espacios de rol en línea textuales de índole erótica, los denominados MUDsex. Posteriormente, se han producido encuentros íntimos dentro de mundos virtuales como Second Life o World of Warcraft, popular multijugador donde que el acto no estuviese integrado en su universo no impedía a la comunidad buscar alternativas que simulasen el fornicio. Todas estas opciones han permitido examinar en compañía la sexualidad como un juego. 

“Los videojuegos son una herramienta increíble para explorar el sexo de una manera segura y saludable”, refuerza Annie Whitacre. La divulgadora afirma, además, que el videojuego erótico “representa uno de los segmentos de más rápido crecimiento de la industria”. El año pasado se publicaron en Steam más de 2000 videojuegos para adultos, que también cuentan con plataformas específicas como F95Zone o Nutaku, perteneciente al conglomerado canadiense Aylo, dueño de Pornhub.

Muchas propuestas alojadas en dichos portales adoptan una mirada masculina, aunque Whitacre se opone a conceptos como el male gaze, pues piensa que hablar en estos términos “implica que a los hombres les tiene que gustar ciertas cosas y a las mujeres no”. Reconoce que “las mujeres tienen actualmente más vías de expresión sexual aceptables a través de novelas visuales románticas, mientras que la mayoría de los juegos para adultos fuera de este género tienden a dirigirse a gustos que se consideran más comúnmente masculinos”. 

En Consensual Torture Simulator, Merritt Kopas se enfrenta al consentimiento en un simulador textual de una relación BDSM, en el que quién juega adopta el rol dominante. Anna Anthropy describe su Sex Cops of Ticle City como una “fantasía sobre ser secuestrada por atractivas lesbianas policías”, inspirada en el cine de los 70 y 80. Y Nina Freeman en How Do You Do It observa el sexo a través de la mirada infantil de una niña que usa unos muñecos para entender cómo funciona. Estas y otras muchas obras demuestran que existe otra manera de abordar la sexualidad en el indie, donde tiene cabida una mirada queer.

Cómo la censura amenaza lo queer

Robert Yang es uno de los máximos exponentes del videojuego queer sexual. Indaga en las dinámicas de poder en entornos gay, con obras incómodas que ponen de manifiesto las normas sociales para cuestionarlas a través de conceptos como la intimidad o la sumisión. De ese modo, en The Tearoom, el protagonista acude a un baño público a entablar contacto visual con otros hombres para ver si logra lamer sus pistolas, ya que el autor creía que las armas son “lo único que la industria nunca censurará”.  

La realidad es que sus creaciones han sido baneadas de plataformas como Twitch, y en una entrevista para elDiario.es remarca que “la censura contra la sexualidad lleva años presente en los videojuegos”. “Para comprender el peligro que entrañan estas prohibiciones, basta con sustituir ‘videojuego’ por ‘libro’. ¿Deberían prohibirse todos los libros con contenido controvertido? ¿Debería prohibirse a los artistas crear libros sobre sus experiencias con la violencia sexual? ¿Deberían los bancos y las tarjetas de crédito decidir qué libros se pueden comprar? Si la respuesta a cualquiera de estas preguntas es ‘no’, también deberías estar en contra de esta prohibición de los videojuegos, ya que también son una forma artística de expresión política”, concluye.

Kastel desarrolla videojuegos yuri —cuyo eje central son las relaciones románticas o sexuales entre mujeres—, lo que le otorga libertad para “explorar cómo nuestros deseos son complejos”, algo que “no tiene cabida en los medios tradicionales”. Su obra Uranium Gays, en la que las protagonistas si se acuestan emiten una radiación nuclear letal, pretendía ser un “pasatiempo divertido”, pero se ha convertido en una víctima de la desindexación en itch.io. Asegura que se ha planteado “optar por la solución sencilla y hacer juegos que no sean para adultos”, pero “eso significaría que su espacio se volvería más precario”. Fernando Porta señala la censura impulsada en ciertos mercados como el chino, que ha afectado a “contenido multimedia que represente relaciones homosexuales, lo que se define como danmei o boys love (BL), un género de gran popularidad en tierras asiáticas”. 

El miedo al sexo hace peligrar la democracia

En 2021, la periodista Ana Valens aseguró que las presiones de la ultraderecha y los procesadores de pago podrían afectar a portales supuestamente seguros para las obras adultas o queer. Ahora, la última maniobra impulsada por la asociación australiana Collective Shout —en cuyas filas se encuentra el lobby religioso de extrema derecha Exodus Cry y que tiene como presidenta a Melinda Tankard Reist, contraria al aborto y abiertamente tránsfoba— parece la punta de lanza de una campaña más amplia contra el contenido sexual en Internet. Estas regulaciones han tenido lugar en otras plataformas como Tumblr, Patreon o PayPal, y responden a las demandas de Proyecto 2025, las propuestas conservadoras que sigue el gobierno de Trump y que buscan, entre otras cosas, responsabilizar a las compañías de la creación de “contenido ofensivo”. 

Que los videojuegos sean una de las cabezas más visibles tiene que ver con que existen productos que generan gran controversia y a los que resulta complicado defender, como No Mercy, pero seguramente también a cómo el relegar el sexo a los márgenes o la anécdota facilita su eliminación total del medio. El conocido director Yoko Taro (NieR: Automata) advertía en X que el hecho de que los “procesadores de pagos, que están involucrados en toda la infraestructura de la distribución de contenido” tengan ese poder “pone en peligro la democracia en sí misma”. Y para Annie Whitacre, “las empresas privadas como Visa y Mastercard han intervenido para asumir una posición reguladora en el vacío creado por la inacción y la incompetencia del gobierno”.

“Crear juegos fetichistas es progresista porque los fetiches son difíciles de entender para mucha gente y, si eres capaz de comunicar su atractivo de forma coherente, estarás ampliando la visión del mundo de alguien sobre la sexualidad”, defiende Kastel. Robert Yang, por su parte, resalta que estas medidas “se dirigen principalmente a los creadores de videojuegos más pequeños y a los artistas LGBTIQA+, que cuentan con menos recursos, pero asumen más riesgos creativos”. “Los conservadores antipornografía argumentan que nuestras identidades son intrínsecamente pornográficas y, por lo tanto, creen que debemos ser prohibidos. No se detendrán hasta que puedan borrar a todas las personas LGBTIQA+ de Internet y de la vida pública”, advierte, antes de asegurar que “debemos organizarnos contra estas prohibiciones”. 

Pese a que existen pocos estudios recientes, las últimas investigaciones realizadas en el España señalan que los Trastornos de Conducta Alimentaria (TCA) afectan al 4% de la población adolescente. Estas enfermedades se pueden manifestar de distintas formas, pero todas condicionan las vidas de quienes las padecen a través de una relación malsana con la comida. Por eso, el videojuego Consume Me convierte el control de calorías en una mecánica central que influirá a la joven protagonista en su paso a la edad adulta.

Este título indie para PC (disponible en Steam desde el 25 de septiembre) podría haberse convertido en un relato dramático lleno de dolor o en una mera advertencia sobre las huellas duraderas del TCA. Pero Jenny Jiao Hsia se ha inspirado en sus propias vivencias para transformar la angustia a través del humor, una herramienta que permite construir un relato cercano y muy divertido. “La comedia es una buena forma de conectar con la gente, además de que el contraste entre las partes ligeras y las pesadas es importante a la hora de contar una historia real”, explica la desarrolladora.

Su compañero AP Thomson añade en una entrevista para este diario que “Jenny no habría sido honesta de no haber incluido mucho humor, porque es una persona muy divertida”. Pero este enfoque no quita la sensibilidad frente a la temática que estaban tratando. Por ello, el videojuego empieza con un aviso de contenidos y el conteo de calorías se realiza mediante bocados, una unidad de medida ficticia. “En los orígenes del proyecto, algunas personas, al probarlo, pensaban que se trataba de un título educacional para enseñar a perder peso. Como ese no era para nada el objetivo, quisimos dejar clara nuestra postura con una advertencia”, relatan.

Al mismo tiempo, son “conscientes de que la gente que ha experimentado desórdenes alimenticios puede verse afectada por Consume Me”, así que no querían revivir ciertos malestares a través de un reflejo muy realista, sino presentar “una versión fantasiosa” de las experiencias de la autora. Precisamente por su mezcla de ironía y honestidad funciona como alegato contra la gordofobia, un problema que consideran todavía presente. “No creo que sea controvertido afirmar que nos encontramos en un punto de retroceso cultural, y que existe una cultura muy tóxica alrededor del fitness y el consumo de alimentos”, conviene Thomson, quien asocia este fenómeno a la nostalgia por los inicios de los 2000. Hsia añade que, “aunque ha habido movimientos body positive, no se ha producido tanto progreso”, y que este además depende de la cultura. En su caso, al haber crecido como asiáticoamericana, ha visto que sigue habiendo “mucho énfasis en la delgadez”.

El puzle de la restricción alimentaria

Consume Me comienza durante las vacaciones de Jenny, una adolescente en su último año de instituto que está disfrutando del verano hasta que su madre critica su apariencia, generándole una inseguridad que la acompañará durante años. “Eran cosas que mi madre me decía todo el rato, así que escribirlas salió de manera muy natural”, comenta Hsia. “En nuestro proceso de dialogar, Jenny solía venir con una historia o un diálogo inicial para que yo lo reescribiese, pero todas las escenas con su madre son suyas”, completa Thomson.

El videojuego, dividido en seis capítulos, consiste en mantener la estricta dieta de la protagonista mientras realiza otras tareas que le permitirán conseguir sus objetivos, ya sean comprarse un bañador para ir a una fiesta en la playa, estudiar para los exámenes de acceso a la universidad o mantener viva la relación a distancia con su novio. La estructura siempre es la misma: cada jornada se divide en bloques en los que enfrentarse a situaciones aleatorias, a citas fijas y a la gestión del tiempo libre, donde decide si cumplir con las obligaciones (desde realizar tareas del hogar hasta hacer deberes) o apostar por el ocio (pasando por maquillarse o perder horas haciendo doomscrolling). Al final de cada semana, ocurre algún evento clave para el que Jenny se ha estado preparando.

Pero una de las actividades que se debe realizar a diario es comer, y de ello dependerá el resto de la jornada. A golpe de click se controla todo el videojuego, muy inteligente en su construcción, pues para adentrar a quien juega en la mente de Jenny usa un minijuego estilo tetris, en el que hay que colocar piezas de alimentos en una bandeja de modo que encajen, hasta cubrir todos los huecos, pero sin pasarse de bocados, para evitar engordar. Por supuesto, este equilibrio es imposible, ya que si quedan espacios vacíos la protagonista tendrá hambre y no podrá realizar algunas actividades posteriormente o sufrirá atracones inevitables, mientras que si se salta la dieta dos días a la semana el juego llegará a su fin, en un game over que obligará a repetir dicho bloque.

Encima, a medida que crece, las tareas se complican y el control excesivo del trastorno alimenticio muestra sus garras. Para evitar dormir con el estómago vacío Jenny puede tomar un chicle saciante sin que aumente el gasto calórico, y para ingerir menos bocados puede aprender sobre dietas en revistas. Del mismo modo, la ropa que se pone mejora su ánimo y le otorga habilidades, como la de hacerle olvidar que no ha comido bien, y para lograr quemar bocados y estudiar al mismo tiempo puede desbloquear el hacer ejercicio mientras escucha apuntes, aunque esto consumirá más de su ánimo y energía, las otras dos variables junto al estómago que hay que tener en cuenta para sobrevivir.

Convertir una vida en minijuegos

Esta gamificación tan bien medida permite profundizar en los peligros de los trastornos alimenticios. Además, ofrece soluciones muy ingeniosas que transforman el videojuego en un ocurrente gestor de recursos. Por ejemplo, para que a Jenny le cunda más terminar los deberes, primero debe procrastinar, pues cuantas más actividades realice antes de ponerse a ello más palabras escribirá de seguido. Todas las tareas se realizan a través de minijuegos variados de fácil manejo, que recuerdan tanto a WarioWare como a las obras de flash que poblaban tantos portales web. De hecho, la saga protagonizada por el rival de Mario es una de las inspiraciones de Hsia, al igual que PaRappa the Rapper o Rhythm Paradise, todos videojuegos de estilos coloridos y adorables.

Sobre su propia estética, la considera una consecuencia de sus referentes y habilidades. Le gusta diseñar a través de pequeñas normas, lo que en este caso se tradujo en una paleta de cinco colores. El resultado es excelente, con una cuidada ambientación a la que se suman las expresiones exageradas de la protagonista. También se transmite mucho dinamismo a través de la pantalla partida, recurso que nace fruto de la necesidad, pues comenzaron el desarrollo pensando en que sería una obra para móviles.

Algunos de los minijuegos son verdaderamente graciosos, como el de leer, donde se debe clickar velozmente el objeto para mantener la vista fija en sus páginas y evitar las distracciones que sobrevuelan la mente de Jenny, sean pensar en su perro, en la comida o en su crush. Muchos remiten a las obras breves que Hsia tiene subidas en su perfil de itch.io, donde cuenta con un simulador de relaciones a distancia, de yoga o de maquillaje; propuestas menos pulidas, pero en las que ya mostraba un estilo particular, de comedia expresiva a través de la cual aprovechar la plasticidad del videojuego. “Consume Me comenzó como una colección de minijuegos porque era lo único que sabía hacer; cuando se sumó AP, quisimos hacer algo que cubriese un periodo de tiempo amplio y contase una historia”, confiesa la autora, quien de tanto pensar en cómo “convertir cada interacción en un minijuego divertido” los ha acabado aborreciendo, como comenta entre risas.

Mientras estudiaba en el NYU Game Center Jenny Jiao Hsia conoció a su compañero AP Thomson, que se sumó al prototipo que estaba creando en 2018. Ambos recuerdan las largas conversaciones por videollamada que mantenían en plena pandemia, para buscar el núcleo de su obra. Más adelante, llegaron nuevos integrantes: en 2022 Ken “coda” Snyder entra para crear la música, un tiempo después Kelly Jie En Lee para trabajar en el arte adicional y por último Violet W-P, que en 2023 se encargó del diseño de sonido. Este goteo se debe a que el desarrollo se ha alargado durante diez años, algo que ha sido cansado y complejo. “Empezó como un proyecto personal impulsado por la pasión, casi como un hobby, aunque en realidad fueran mis deberes. Pero, una vez conseguimos financiación, dejó de ser divertido. No me di cuenta de que el videojuego se transformaría en algo estresante, pero, a pesar de todo, ha sido gratificante”, concluye su creadora.

Cómo no consumirte al exponerte

Consume Me no se centra exclusivamente en la pasada relación de Jenny con la comida. Este es un elemento que condiciona su juventud, pero el videojuego es un viaje a la adultez fragmentado, lleno de fracasos, inseguridades y ansiedad, que al mismo tiempo resulta esperanzador, agradable y tierno. Jugar transmite esa ansiedad vital de no saber si vas a llegar a todo y de pensar que tu cuerpo no es suficiente. Dicha frustración demuestra que consigue adentrar a quien juega en la mente de Jenny.

“Me pregunto si me pasa algo malo, porque me da igual compartir mis experiencias. Siento que son humanas y que la mayoría de la gente va a identificarse con ellas. Me encanta conectar con los demás y hacer cosas que les lleguen, así que espero que quien lo juegue sienta que ha pasado un rato conmigo”, razona. Por ese motivo, algunas decisiones en la ficción a veces parecen extrañas o abruptas. Así sucede con el breve escarceo de la protagonista con la fe —que da lugar a curiosas escenas en las que aparece un gigantesco Jesucristo salvador— o con su final.

A cambio, tiene una honestidad emocionante por cómo a partir de algo tan personal construye un relato coming of age que resonará con mucha gente. Es una pena que no termine de desmontar el peso de los cánones femeninos, aunque algo se verbalice al final, ni que haya una reflexión mayor acerca del impacto de la gordofobia. Pero es reconfortante cómo demuestra que el equilibrio es imposible, que la perfección no existe y que la restricción alimentaria acaba pasando factura, aunque al principio pueda no parecerlo.

La buena recepción de su demo y el haber ganado premios como el de Mejor Videojuego Independiente en los Independent Games Festival Awards indican el interés que Consume Me ha despertado. Pero sus creadores no parecen particularmente nerviosos por el lanzamiento. AP Thomson explica que de forma paralela había estado trabajando en otro videojuego, que “saldrá relativamente pronto” y que incluye composiciones musicales suyas. Jenny Jiao Hsia, en su línea, da una respuesta poco ortodoxa y entusiasta, pues en vez de centrarse en su futuro laboral habla con emoción de sus planes: tejer aprovechando toda la lana que ha ido acumulando en estos años de desarrollo y disfrutar de su nueva afición, el ballet, ya que interpreta El Cascanueces justo tras el estreno. “Va a ser mi primera actuación, quizá haga un videojuego sobre ello, pero primero haremos otras cosas que no estén directamente relacionadas con el desarrollo”, concluye sonriente.

Cuarenta años después del nacimiento del primer videojuego español, el documental Tribute quiere rendir homenaje a una historia que todavía tiene mucho por descubrir. En esta ocasión, lo hace a través de un formato peculiar, el del mini documental publicitario, y bajo la particular mirada de Nacho Vigalondo (Colossal, Daniela forever), que con la reciente serie Superstar ya había mostrado su capacidad de trasladar a un lenguaje propio inquietudes y vivencias ajenas.

“Es un truco, porque contar en media hora una historia con un valor enciclopédico hubiese dado lugar a un publirreportaje de puro dato”, explica el cineasta. Para él, “la única manera de universalizar el tema y de disfrutar” lo contado era “escoger un punto de vista”, aunque implicase dejar elementos fuera. De ahí que se centre en su vivencia personal, que es muy similar a la de su compañero en guion Rubén Ajaú, pese a la diferencia de edad entre ellos. “Cuéntamelo como si me lo contaras de verdad” fue la primera nota que recibió el autor de la película Cuchillo por parte de Vigalondo. Esa cercanía perseguida se nota desde el inicio.

De hecho, el tono es muy similar al que ambos construyeron en Los Felices Veinte, pues quisieron poner en marcha lo aprendido durante el programa para que “se pareciese más a un encuentro improvisado un domingo por la tarde que a una construcción pseudoacadémica”. Sus puntos fuertes pasan precisamente por la elección de anécdotas valiosas, que adquieren una nueva dimensión gracias a la naturalidad, el ritmo ágil, los recursos originales y la comedia incómoda que impregna todo.

Pablo Ruiz, uno de los hermanos responsables de la desarrolladora Dinamic cuenta cómo fue trabajar en esos primeros años del videojuego nacional en el que crearon obras como Capitán Sevilla —una obra de 8 bits con un llamativo diseño visual y protagonizado por un superhéroe cañí—, mientras que Paco Pastor, cantante de Fórmula V y fundador de Erbe Software, relata su experiencia distribuyendo videojuegos en una época en la que la piratería era la norma. 

Enternecedora es la presencia del director de películas como No habrá paz para los malvados, Enrique Urbizu, encargado de dirigir las secuencias de vídeo de movimiento completo (o full motion video) del western interactivo Los justicieros, pionera precisamente por contar únicamente con imágenes en acción real, rodadas en Almería. Esta entrevista “no estaba prevista”, pero, tras descubrir este detalle durante una cena, Vigalondo le insistió en pasarse por el plató. La espontaneidad se cuela así por un documental que también reivindica los quioscos como epicentro de la cultura del videojuego pre-Internet a través de la directora de la edición impresa de Hobby Consolas Sonia Herranz y el mundo de los blogs, que se explora junto a Pedro Berruezo, creador del extinto Mondo Píxel. 

Resulta refrescante esta mirada, que pone al mismo nivel la creación y la crítica cultural en su intento por desentrañar un fenómeno que, sin embargo, se queda en un análisis del pasado. Herranz confiesa a este diario que trabajar entonces era “el despiporre”. “Se hacían mil cosas y me divertía tanto haciéndolas como pensando en lo que iba a disfrutar el lector después”, explica con una sonrisa.

En la actualidad, la situación es más compleja, porque “si quieres saber cómo es un juego, miras cómo se lo ha jugado alguien de arriba abajo”, lo cual pone en un aprieto a la prensa en papel. “Busqué, pero no hay ninguna imprenta que imprima vídeos”, bromea. Para Vigalondo, que se queda dormido viendo ensayos audiovisuales, “la prensa del videojuego ha adelantado a la del cine de una manera vertiginosa”. “Ahora mismo, si me topo con una película que no conocía, doy por hecho que existen opiniones online, pero no un análisis en profundidad más allá de las cuatro películas de las que se habla mucho”, asegura.

Frente a estos instantes honestos, Tribute se pierde donde menos se aprecia la conexión con Vigalondo, que, por ejemplo, menciona los espacios compartidos del videojuego en línea como experiencia de segunda mano. Al mismo tiempo, la conversación con streamers como IlloJuan parece una imposición externa y, pese a que se abordan temas interesantes como el convertir en trabajo tu afición o los peligros de la IA, se hace de manera demasiado superficial, sin historietas concretas que anclen las entrevistas. Una pena también que la presencia de jugadores profesionales como Skain o Araneae esté desaprovechada.

Existe una narrativa alrededor de cómo el videojuego ha pasado a ser mainstream, pero ellos apenas tienen voz propia. En una entrevista para elDiario.es, el propio Araneae, que fue jugador profesional de League of Legends, comenta que empezó a competir en 2009, cuando “si decías que te dedicabas a esto eras muy raro, y si lo decías en una discoteca te miraban mal”. “Era algo muy de nicho, pero ahora resulta hasta interesante, porque Internet lo ha hecho evolucionar todo a pasos agigantados”, asegura con alegría.

Más allá de ciertas superficialidades lógicas del formato, el mayor problema del documental es cómo cae en narrativas heredadas. El tono al hablar de Dinamic Software adquiere la narrativa épica del neoliberalismo individualista estadounidense de jóvenes hechos a sí mismos, y hay una nostalgia palpable que condiciona lo contado. Aunque, sin duda, lo más incómodo es cómo perpetúa la noción de industria masculinizada por casualidad y no por causalidad, ya que solo hay una mujer entrevistada. Es comprensible que predomine esa mirada subjetiva, cómica y honesta, pero no por ello debe justificarse este vacío. “Dentro de que el documental alardea de su imperfección, ojalá fuese una imperfección distinta”, responde Vigalondo al respecto.

Por todo esto, una pregunta ineludible planea sobre Tribute: ¿a quién se dirige exactamente? El cineasta ofrece una clave en la nota de prensa, donde destaca que funciona “como una desordenada reunión de amigos soñada por el gamer cuarentón más afortunado del mundo”. Esto resulta curioso teniendo en cuenta que, aunque de la producción se encarga Sayaka Producciones (Cinco lobitos, Su majestad) y la pieza se estrena en Prime Video, no deja de ser promoción de Domino’s Pizza, marca que lleva años potenciando una imagen concreta del gaming nacional destinada al público juvenil y centrada en los neones, las competiciones deportivas y el streaming. En 2024, la compañía celebró una década apoyando el sector con un monumento temporal que recorrió España y que se llamaba, precisamente, Tribute. 

Pero este Tribute consigue por momentos librarse del peso de ser branded content para convertirse en una obra con valor en sí mismo, y con una dignidad envidiable pese al corporativismo, incluso cuando es evidente que en los menos de 40 minutos que dura es imposible profundizar en algo tan complejo y fascinante. Como el propio OXO Museo del Videojuego en el que se han grabado algunas secuencias, sirve o bien de puerta de entrada llamativa para gente ajena al medio o bien como caramelito nostálgico para aquellos jugadores que vivieron estos comienzos. Al menos, ambos productos son divertidos y poseen cierta relevancia a pesar del carácter anecdótico. 

Conrad Roset, de Nomada Studio, asegura en el documental que con su exitoso debut Gris querían atraer a jugadores y no jugadores, pero moverse en esa complicada barrera no es sencillo, y en este caso pasa factura. Lo bueno es que el proyecto también pone de manifiesto lo necesario que sería contar con este mismo mimo una versión más profunda, y sin duda más plural, de la historia del videojuego español. Rubén Ajaú asegura que “todas las entrevistas eran cuatro veces la duración final”, y tanto él como Nacho Vigalondo no se cierran la puerta a ampliar el proyecto si se lo encargasen. Por lo que, quién sabe, quizá este tributo sea solo el inicio.

Después de un día agotador, los videojuegos se convierten en un espacio relajante para muchas personas. El informe internacional Power of Play lo corrobora. El 71% de los encuestados aseguran que jugar les ayuda a reducir el estrés. Hay quién disfruta metiendo tiros a demonios o pegando saltos sobre plataformas, pero también gente que acude a títulos que ofrecen tareas repetitivas, estéticas coloridas y gráficos amables en los que refugiarse. Estos últimos son los denominados cozy games, obras que buscan hacer sentir bien, aunque sea a través de reproducir mecánicas relacionadas con el trabajo.

No se trata exactamente de simuladores laborales, que emulan empleos reales, sino más bien de utopías capitalistas, pues muestran una cara amable del sistema: cuentan con bucólicos escenarios que son un cruce entre lo rural y lo urbano, personajes afables con los que interactuar, un nivel de dificultad bajo que vuelve los juegos accesibles y tareas redundantes, que generan un bucle jugable que engancha y genera placidez. Muchos son simuladores de granja como el exponente inicial Harvest Moon, pero también entran en esta categoría videojuegos de puzles como Unpacking, centrado en ordenar cajas de mudanza, o A Short Hike, sobre una joven que está intentando escalar una montaña, porque pese a que abordan temas delicados, dejan una sensación final agradable.

Los cozy games son una alternativa alejada de la agresividad explícita que erróneamente se sigue considerando intrínseca del medio. En el recién estrenado Discounty son conscientes de que la violencia puede adoptar otras formas y perpetuar dinámicas feroces, por lo que apuestan por mostrar las consecuencias que la expansión empresarial tiene en el entorno. Este videojuego RPG (de rol) comienza cuando llegas al pequeño pueblo costero Blomkest para encargarte del único supermercado de la zona a petición de tu ambiciosa tía. Una premisa clásica, adornada con un toque de misterio, donde lo interesante reside en que todas las misiones secundarias conectan con el impacto que el sistema tiene en la comunidad.

Este es el primer título de Crinkle Cut Games, un pequeño estudio formado por tres jóvenes que, tras graduarse en 2021, obtuvieron una subvención del Instituto Cinematográfico de Dinamarca. “El apoyo público a los videojuegos es increíblemente importante y no menos legítimo o esencial que a cualquier otra forma de arte”, asegura Ian Stewart, director de comunicación del equipo, quien piensa que debido a que “Dinamarca es un país pequeño, puede ser difícil dejar huella en la escena internacional sin un apoyo público sustancial”. Dado que nacen con la intención de crear videojuegos “peculiares” con un punto de “sátira y subversión”, han comenzado por este género porque “le vendría bien un poco más de variedad en las historias contadas”.

De ahí que Discounty se “burle de lo absurdo de comprar y vender productos inútiles y de la explotación que subyace en el modelo de ‘crecimiento infinito’”. Ser conscientes de que trabajan en una “industria conocida por sus prácticas insostenibles, que obligan a los empleados a trabajar jornadas extremadamente largas durante años”, puede ser “una de las razones subconscientes” por las que su primer videojuego también aborda dichas cuestiones, explica Stewart a este periódico, aunque matiza que “la desigualdad en el entorno laboral y la explotación de los trabajadores es un problema casi universal”.

Vender más no salvará tu pueblo

Discounty consta de tres capítulos, en los que debes combinar la gestión del negocio durante seis días a la semana a jornada completa con invertir tu escaso tiempo libre en explorar el decadente pueblo, conocer a sus habitantes y descubrir sus secretos. Esta propuesta multiplataforma publicada de la mano de la editora británica PQube se mueve entre el placer que suponen las mecánicas de dirigir la tienda (el estrés de los primeros días deja paso al disfrute de mantenerla ordenada y abastecida, así como de plantear estrategias que impulsen tus intereses comerciales) y el malestar de ser un peón sin poder real.

No parece casual que el personaje central no cuestione sus férreos horarios, ni sienta cansancio, ni tenga la capacidad de alterar los precios de los productos. Tampoco, que toda su vida quede reducida al trabajo, ya que la ausencia de ocio en el pueblo te lleva de vuelta a la tienda una y otra vez, para seguir perfeccionándola, mientras que las relaciones con los vecinos están muy marcadas por los acuerdos comerciales a los que llegas con algunos personajes. “Es curioso, muchos cozy games se centran en trabajos interminables y difíciles, y el nuestro no es una excepción. Queríamos que todas las mecánicas giraran en torno a la tienda: ¿quién tiene tiempo para otra cosa?”, resalta Stewart, que no obstante reconoce que tampoco tuvieron “tiempo de incluir muchas actividades secundarias’.

Es una pena que tampoco tuviesen capacidad de añadir más diálogos a los personajes, cuyas interacciones fuera de las tramas centrales se sienten repetitivas. Pese a cuestiones como esta, que denotan su inexperiencia, el videojuego tiene muchos detalles que apoyan repensar cómo jugamos. Así, a medida que avanza la trama, el personaje central siquiera tiene capacidad de decidir sobre el futuro del negocio, que su tía quiere expandir para atraer a clientela de fuera. El crecimiento es inevitable, pero también las consecuencias, ya que decisiones como esta entrarán en conflicto con los intereses de la población de Blomkest.

Con esta narrativa, en Crinkle Cut Games querían “darle la vuelta a los tópicos”. “En muchos cozy games tu personaje se traslada a un pueblo remoto para alejarse de la ciudad, monta un gran negocio, se hace amigo de todo el mundo casi al instante y resuelve todos los problemas del lugar. Pensamos que sería interesante explorar lo contrario. ¿Y si no pudieras resolverlos o, sin querer, los empeoraras? ¿Y si el pueblo estuviera un poco deteriorado y no fuera un lugar en el que realmente quisieras vivir?”, detalla Stewart.

Lo 'cozy' no quita lo perverso

Simular trabajos siempre ha formado parte de los videojuegos. Ya sea como parte de la mafia en Grand Theft Auto o como policía novato en Resident Evil, su profesión es central para muchos personajes icónicos. El debate con los cozy games deriva de cómo romantizan ciertos empleos, relacionados sobre todo con el trabajo manual, particularmente en el campo, que ignora la dureza de dedicarse a este sector, así como las violencias ejercidas sobre otros seres vivos o el entorno.

“Muchos de estos juegos implican criar y cuidar animales, pero de forma extremadamente simplificada y edulcorada: si se quiere crear un ambiente acogedor, los jugadores no quieren pensar en sacrificar a sus adorables animales, en la realidad de la producción de leche o en nada por el estilo”, razona Stewart sobre la trama animalista de Discounty, aunque aclara que tampoco pretendían “hacer una gran declaración sobre el consumo de carne, sino poner de relieve las consecuencias de la vida real que a menudo se pasan por alto en estas obras”.

Antes de la pandemia ya había títulos populares con estas características acogedoras, como el conocidísimo videojuego de granjas Stardew Valley, pero es el éxito en pleno confinamiento de Animal Crossing: New Horizons quien catapulta el crecimiento de estos wholesome games, videojuegos que promueven el bienestar. Los llames cozy, wholesome o slow (del inglés, lento, videojuegos más calmados que ayudan a relajarse), está claro que hay un movimiento a su alrededor. Siempre han existido propuestas como estas y audiencia interesada, pero ahora se están explotando como un nicho de mercado concreto.

Su mercantilización pasa por la necesidad de crear espacios aesthetics de ocio, de personalizar tu dispositivo y tu escritorio para jugar acogedoramente. Que la streamer Cozt K, dedicada a jugar en directo videojuegos cozy, acumule más de 20.000 suscriptores y se dedique a vender también este modelo de vida es buena muestra de ello. De algún modo, la sensación de pertenencia a una comunidad de videojuegos que busca ser sana ha acabado implicando más consumo.

En 2019 el desarrollador independiente Matthew Taylor funda Wholesome Games, que ha organizado un evento internacional en el que se promocionan títulos que transmitan una sensación de “confort, compasión y acogedora”. Este ha ido ganando relevancia con los años, alcanzando en sus trasmisiones a una audiencia de más de cinco millones de personas. En su web sostienen que estos títulos pueden contener violencia “siempre que esa violencia consista en derrocar a un opresor”.

En esta línea discurre Discounty, aunque en su caso apuesta por la culpa compartida, las soluciones colectivas y el desaceleracionismo como camino. Stewart está “muy agradecido a Wholesome Games y a movimientos similares” porque dejan claro que “existe un gran deseo por experiencias que no siempre se han considerado juegos ‘reales’”, entendiendo por estos últimos aquellos “competitivos o de elevada dificultad”.

Frenar para sobrevivir

El director de comunicación de Crinkle Cut Games opina que los cozy games tuvieron “un gran auge hace unos años” y que, “aunque siguen siendo populares, están empezando a perder fuerza e incluso a recibir muchas críticas”. En especial porque algunas audiencias los perciben como “productos de baja calidad destinados a sacar provecho del auge, que persiguen una determinada atmósfera sin ofrecer una jugabilidad satisfactoria o innovadora”. Pese a todo, no cree que vayan a desaparecer, sino que surgirán propuestas “más creativas” que renueven el género.

Con sus fallos y aciertos, Discounty entra en esta categoría, pues sin desviarse de la fórmula de los wholesome games —como sí hacía Tiny Garden, del estudio gallego Ao Norte, al centrarse en el trueque más que en la acumulación de recursos—, propone alternativas. Le falta fuerza en su cuestionamiento de la idiosincrasia del género, algo que no sería un problema de no haber centrado gran parte de su promoción en este aspecto. Mejor gestor de tienda que videojuego de misterio, es con todo un punto de partida interesante, tanto para quienes quieren empezar a repensar el concepto de lo cozy como para un estudio que acaba de dar sus primeros pasos. A este respecto, Ian Stewart comenta que todavía le cuesta “apreciar lo bien que ha sido recibido”, pero que “el lanzamiento, más que un final, se siente un principio”.

Después de meses de rumores sobre la esperadísima Nintendo Switch 2, el aparato fue presentado oficialmente en abril mediante un directo en el que la gran sorpresa fue el anuncio de Donkey Kong Bananza. Este es el primer videojuego protagonizado por el icónico simio en mucho tiempo y también el primero en plataformas 3D en más de 26 años. Su llegada parece indicar que la compañía nipona se está esforzando por rescatar a un personaje al que, de hecho, deben su éxito internacional.

Quien comenzó como una némesis simplona del fontanero Mario se ha convertido en una pieza clave de la nueva estrategia empresarial, que pasa por impulsar el crossmedia a la vez que siguen innovando en el terreno jugable. Con los rumores de que tiene una película propia en camino y el estreno de su última aventura en solitario —que es, además, el segundo título exclusivo de la recién estrenada consola, toda una declaración de intenciones— vuelve a ponerse el foco en un protagonista que ha sabido impulsar el progreso en un medio en el que todavía tiene mucho que decir.

En la presentación española de Donkey Kong Bananza, Nintendo ha hecho énfasis en las conexiones que establece esta obra con el cine, en concreto con el de animación. Pero la relación del simio con el séptimo arte se remonta a su propio nacimiento. A finales de los 70, Nintendo se encontraba en un momento delicado en el mercado norteamericano. Para conquistarlo, acudieron a Popeye, el personaje de las tiras cómicas de Elzie Crisler Segar. De hecho, la ambientación en un edificio en obras nace del cortometraje Popeye el Marino: Olivia sonámbula. La dificultad de volver reconocible al marinero en ese primigenio pixel art y ciertos problemas con la licencia llevaron al joven Shigeru Miyamoto —quien crearía, entre otros, al Mario que hoy conocemos y la saga The Legend of Zelda— a apostar por personajes propios.

Popeye, Brutus y Olivia daban paso a Jumpman, el proto-Mario, Donkey Kong, la mascota enfurecida del protagonista, y la secuestrada Pauline. Con esta premisa tan sencilla, que bebía del King Kong de 1933 y de La Bella y la Bestia, Miyamoto creaba una mínima narrativa que en aquel momento resultó novedosa. Pese a que muchas veces se ha rumoreado que el nombre del simio provenía de un error de traducción entre donkey (burro) y monkey (mono), con él quería encapsular la esencia algo tontorrona y cabezota del personaje, a la vez que apelar a la audiencia estadounidense. Fruto de esta estrategia nacen el videojuego arcade Donkey Kong y dos personajes que cambiarían el medio.

Su innovación como uno de los primeros títulos de plataformas y el hecho de introducir una narrativa, por rudimentaria que fuera, hicieron que triunfara rápidamente. Tras su estreno en 1981, Nintendo pudo asentarse por fin en Estados Unidos, aunque también se las tuvo que ver con la denuncia de Universal City Studios, quien consideraba que el videojuego infringía los derechos de autor de su franquicia King Kong. Finalmente, perdieron el juicio, pero con la distancia que otorga el tiempo resulta interesante observar cómo esas barreras de influencias han quedado difusas, sobre todo ahora que Bananza tiene la vista puesta más que nunca en el cine y que los monos han dejado de ser solo una amenaza.

Del villano bobalicón al héroe más mono

Tras debutar por la puerta grande, Donkey Kong tuvo presencia en series de televisión como Saturday Supercade y un par de continuaciones: en la primera, su hijo intentaba rescatarlo de las garras de Mario, en su única aparición como villano, y en la segunda irrumpía en el invernadero de Stanley, un supuesto primo del fontanero, que le fumigaba para evitar que acabase con sus flores. El funcionamiento desigual de estas secuelas hicieron que el simio quedara en el olvido hasta la década de los 90.

El estreno en 1994 del innovador Donkey Kong Country para la NES renovó al personaje al mismo tiempo que expandía su universo. El videojuego, además de por sus mecánicas, recibió grandes críticas por su gran diseño, tanto por el cuidado aspecto visual como por la banda sonora, dos elementos que Bananza ha querido tener también muy en cuenta. Curiosamente, en este título se explica que a quien ahora conocemos como Donkey no es el protagonista del arcade original, sino que ese era su abuelo, ahora llamado Cranky Kong. Tal fue el éxito de este revival, que los personajes hasta protagonizaron una nueva serie de animación, la primera mediante captura de movimiento, El país de Donkey Kong.

En los siguientes años, se publicó la trilogía Donkey Kong Land para Game Boy y varios spin offs, algunos con propuestas tan sorprendentes como el videojuego de ritmo Donkey Kong Jungle Beat, que venía acompañado de unos reconocibles mandos en forma de bongos. También en 2004 se inició la saga Mario vs. Donkey Kong, en la que el simio vuelve a quedar como un secundario simplón a quien su obsesión por los juguetes Mini-Mario lleva a enfrentarse con el italiano. De esa manera, da la sensación de haber estado dando bandazos respecto a su personalidad y papel, pues no es hasta los últimos años que definitivamente ha pasado de villano ramplón a protagonista carismático.

Adiós a los secuestros, hola a los puñetazos

Con todo esto en mente llega Donkey Kong Bananza, un videojuego realizado por el mismo equipo del laureado Super Mario Odyssey, que presenta un rediseño del personaje con el que buscaban transmitir todo su “encanto” y, de algún modo, alejarse del tono más gamberro que lucía en los 90 para volverlo adorable, muy en la línea de lo que funciona en la actualidad, como también le ha sucedido al alienígena Stitch. En el evento de presentación celebrado en Madrid, los responsables de Nintendo han destacado que la producción del título es muy cercana a las de las películas de animación, por lo que parece evidente que quieran tender puentes cada vez más firmes entre ambos mundos. Es por eso que, aunque Donkey Kong es capaz de abrirse camino a través de puñetazos en el nuevo videojuego, lo emparejan con una adorable cantante para que la dupla resulte más atractiva para todos los públicos.

El origen de su aliada en esta aventura es curioso, pues forma parte de la tríada original del arcade, ya que ella era la joven secuestrada por el simio, Pauline. En sus primeras apariciones su aspecto y rol son más similares a los de la Peach inicial, pero, al igual que la princesa del Reino Champiñón, su papel ha pasado de ser una secundaria a una mujer con personalidad propia. Ha aparecido en varios títulos, particularmente de Mario vs Donkey Kong, en los que pasa de ser amiga a secuestrada por Donkey Kong sin mucha continuidad. No es hasta Super Mario Odyssey que le dan una personalidad, ya que es presentada como alcaldesa de la ciudad Nueva Donk y como cantante de jazz, en lo que quizá sea un guiño a los libros de colorear de los 80, en los que ella ya aparecía asociada al mundo de la música.

Ahora es una joven de 13 años y su voz juega un papel fundamental, pues es la que desencadena las transformaciones del protagonista, que les permitirán avanzar por los diferentes escenarios. Con esta decisión se alejan de la vinculación con el secuestro y apuestan por un cliché que ha ganado popularidad en los últimos años: el del varón que se ablanda tras tener que hacerse cargo de una niña. Este estereotipo, presente en videojuegos como The Last of Us o Death Stranding ha tenido también su eco en series como The Mandalorian o películas como Monstruos S.A. o ¡Rompe Ralph!, dos claros referentes con los que quiere asociarse Nintendo. El último caso es especialmente curioso por cómo la inspiración de los protagonistas viene inicialmente de los videojuegos de la compañía nipona, de manera que las producciones se retroalimentan y los roles se vuelven cada vez más rígidos.

Más allá de esto, lo probado durante la presentación permite ver un videojuego divertido, repleto de escenarios coloridos y una banda sonora con entidad propia, cuidada y enérgica, que mezcla las composiciones originales con nuevas piezas de Kenta Kubo. La mecánica de avanzar a base de golpes es realmente gustosa, por lo que la aventura promete ser entretenida, y tanto una buena puerta de entrada para nuevos fans del personaje de todas las edades como una reafirmación de la presencia que cobra Donkey Kong cuando se le permite brillar, con toda su brutalidad y comedia intactas, pero abrazando también la ternura y el trabajo en equipo.

Mirar al pasado para encarar el futuro

En realidad, Donkey Kong no ha estado completamente olvidado en los últimos años, ya que ha tenido un papel notable en otros títulos del universo, como Super Smash Bros. o Mario Kart. También aparece en la adaptación animada de Universal Pictures e Illumination Entertainment, donde le pone voz Seth Rogen en versión original y su papel fue bastante celebrado. Tampoco hay que pasar por alto que menos de un año después de la película, el parque de atracciones Universal Studios Japan abría la primera expansión del área de Super Nintendo World, que se centraba exclusivamente en el mundo de Donkey Kong.

La estrategia de Nintendo de ir dando protagonismo a cada uno de sus personajes clave está muy pensada y nace de manera transversal, pues va mucho más allá de las consolas. Ya no dejan que sus IP deriven en productos secundarios sobre los que no tienen el control. Que el rediseño ideado para Donkey Kong Bananza es el que se ha tomado como modelo en Super Mario Bros: La película y Mario Kart World demuestra que tienen todo calculado. Ahora que acaban de anunciar los actores protagonistas del live action de The Legend of Zelda, parece claro que han sabido aprovechar las posibilidades crossmedia del cine mainstream y que quieren convertirse en un gigante absoluto del audiovisual. Solo queda ver si seguirá mirando a sus orígenes para proyectar hacia el futuro y en qué nuevo medio son las próximas aventuras del mono con corbata más querido.

Durante el shogunato, Tokugawa Japón prohibió bajo pena de muerte la entrada o salida de cualquier persona del país. Así, comenzó un periodo de férreo aislamiento, que duró casi 200 años, en los cuales la mayoría de los habitantes permanecieron ajenos a los cambios que se estaban produciendo fuera de sus fronteras. En 1853, tras la presión ejercida por una flota de buques de guerra estadounidenses que irrumpieron en la costa de Tokio para forzar la apertura del comercio internacional, los japoneses experimentaron un shock al presenciar las máquinas de vapor que movían los navíos.

Ese instante marcó el devenir del país, que tuvo que plantearse si mantener la desconexión y arriesgarse a una invasión encabezada por tecnología que desconocían o retomar el contacto exterior, lo que pondría fin a su sistema feudal en pos de una rápida industrialización que desembocaría en una economía capitalista. La conmoción de enfrentarse a un mundo radicalmente diferente de un momento a otro ha dejado su huella en la sociedad nipona, del mismo modo que ha condicionado su cultura y su convulsa relación con EEUU. Muchos de estos elementos salpican Death Stranding, la saga de videojuegos de autor centrada en unir una sociedad fragmentada tras una gran conmoción.

Seguramente la obra de Hideo Kojima no parte conscientemente de este punto de inflexión histórico, aunque sin duda está influida por el vínculo entre ambas potencias, marcado por una relación colonial que ha devenido en admiración y asimilacionismo. Resulta interesante que este fuera el primer videojuego que el diseñador japonés publicaba fuera de Konami, la empresa responsable de sagas como Silent Hill o Castlevania, y en la que había pasado 30 años. También que, en su esperada secuela, Death Stranding 2: On the Beach, mantenga el foco en la necesidad de reconstruir otras naciones a partir de Norteamérica, en un contexto sociopolítico en el que esta premisa adquiere nuevos matices.

Reconocidos actores como personajes principales, cameos de cineastas internacionales y poderosos elementos visuales diseñados por Yoji Shinkawa sostienen una mecánica centrada en caminar. Son los ingredientes centrales de un videojuego que se ha convertido en un mastodonte. El mérito principal es de un desarrollador al que se acusa de ser un director de cine frustrado, y que es tan poco sutil como críptico en su lectura del convulso panorama actual.

Crear comunidad en un mundo fragmentado

A finales de 2019 se publicaba con muchas expectativas la primera entrega, una obra que en sus primeros compases presenta un mundo distópico en el que, tras producirse un cataclismo, la población de EEUU teme salir por miedo a ser atacada por los Entes Varados que plagan el exterior o verse sorprendida por el declive, una lluvia que hace envejecer rápidamente a los organismos. Quien juega encarna al repartidor Sam Porter Bridges (Norman Reedus), cuya misión consiste en atravesar peligrosos parajes para realizar entregas, con la intención de reconectar las Ciudades Unidas de América, un punto de partida patriótico que no por ello dejaba a las personas fuera del foco.

Al fin y al cabo, empleaba el eslogan 'Make America Whole Again', una nada velada alusión a la campaña trumpista, para darle la vuelta. Para algunas personas, el videojuego resultaba aburrido, un walking simulator, un simulador de Glovo. Pero con la llegada de la pandemia apenas unos meses después del estreno, su foco en el aislamiento resonó con más fuerza que nunca en una sociedad que había cambiado fruto de un hecho traumático.

Death Stranding 2: On the Beach comienza once meses después de que el protagonista —spoiler— consiguiera su objetivo. Sam, el héroe que unió el país, vive aislado por voluntad propia junto a Lou, el bebé sobrenatural que adopta. Esta contradicción es un elemento esencial de la saga, que en esta secuela se plantea precisamente si ha merecido la pena volver a conectar. Y es que aquí el protagonista tendrá que repetir la hazaña. Primero en México y después en Australia, países que ofrecen paisajes alucinantes y mucho más variados sobre los que desplazarse, con una presencia de elementos climáticos adversos más marcada y algunos escenarios que parecen sacados directamente de otros planetas. Además, no parece casualidad la elección de dos territorios con un pasado colonial relacionado con EEUU.

Pese a la superficialidad temática en algunas cinemáticas, presente en ambos juegos, Death Stranding 2 empieza mucho más al grano. Sam vuelve a dudar de su misión, de qué consideramos conquista y qué ayuda solícita. Pero lo interesante sigue brotando de la narrativa emergente, esa creada al interaccionar. La jugabilidad de este título exclusivo para PlayStation 5 se centra de nuevo en caminar, usando herramientas como cuerdas para escalar y teniendo cuidado de gestionar bien los bultos para que no te desequilibren ni se dañen por el camino. El vínculo que se genera con las tareas se mueve entre el tedio y la satisfacción por haber hecho feliz a alguien con tu entrega.

La conexión se pone en el centro también a través de los me gusta en las construcciones o advertencias que crean otros usuarios y que aparecen aleatoriamente en tu partida, lo cual fomenta la cooperación ya desde las propias mecánicas. Del mismo modo, las redes sociales adquieren entidad en la secuela, donde el denominado social strand system te permite ver lo que hacen o piensan el resto de personajes. Pero, teniendo en cuenta que en EEUU los repartidores como Sam han sido sustituidos en su mayoría por robots de la empresa APAC, la tecnología no se muestra amable todo el tiempo, sino algo mucho más complejo, que lleva al videojuego a cuestionar abiertamente: “¿Deberíamos habernos conectado?”.

Videojuegos de autor con aroma hollywoodiense

Cuando Hideo Kojima mostró el misterioso tráiler del primer videojuego que publicaba con su propia compañía, el público enloqueció. El director se había labrado un sello propio, que hacía que sus obras, pese a haberse publicado al amparo de una gran compañía, siempre se sintieran como propias. Además de alcanzar la fama internacional y crear el género de sigilo con la saga Metal Gear, sus cuidadas cinemáticas, sobre todo las de acción, se volvieron conocidas. Es cierto que primero quiso dedicarse a hacer películas, en parte inspirado por las noches de cine familiar de su infancia, pero la pasión que le despertaron videojuegos como Super Mario Bros. le llevaron finalmente por esta senda.

Por tanto, más que un director de cine frustrado, como tantas veces se le achaca, es un diseñador que diluye el cine en el videojuego, pues la interacción sigue siendo esencial en las experiencias que crea. Fruto de su amor por el séptimo arte, adora incluir alusiones a sus filmes favoritos, que permean su obra, al igual que su interés por el militarismo y la música occidental, que tanta presencia tienen en Death Stranding 2, donde comparten temas de nuevo Ludvig Forssel, Woodkid y Low Roar. Además, está la cuestión de los protagonistas, pues al regreso de Léa Seydoux, Guillermo del Toro o Margaret Qualley, se suman al elenco la actriz Elle Fanning y George Miller, director de Mad Max, una de sus sagas de referencia. También tienen cameos perfiles como S. S. Rajamouli, director del taquillazo indio RRR y el cineasta japonés Mamoru Oshii, que siempre aparecen con unos diseños 3D hiperrealistas.

Todo esto no significa que deje de lado los elementos de su Japón natal, ya que el desarrollador es experto en llevar el humor nipón al extremo, en lo que muchas personas denominan kojimadas. La secuela abraza incluso más lo absurdo, ridículo y estrafalario, como ejemplifica el nuevo personaje Dollman, que es, literalmente, una marioneta. También dice mucho de la personalidad de Kojima que, ante la buena recepción de los testeos de On the Beach, asegurase que prefería ser tan controvertido como en la primera parte.

La realidad es que Death Stranding 2 es una continuación clara, pues no deja de ser lo mismo pero más grande y pulido, de forma similar a lo ocurrido con The Tears of the Kingdom. Sí se aprecia un interés en cuestionar los planteamientos previos y, aunque sigue pecando de expositivo —al menos en los primeros compases, los probados por este diario—mantiene cierta ambigüedad en su lectura que invita a la conversación. Y eso no es algo que consigan todos los autores.

El tiempo dirá si resulta tan profético como su antecesor, pero no hay duda de que ha llegado en un momento clave, pues Death Stranding 2: On the Beach recoge las amenazas que suponen la oligarquía tecnológica, la crisis climática y los enfrentamientos entre naciones. Lo hace con un punto mamarracho y partiendo de la contradicción que supone una visión idealizada por EEUU, que vuelve a erigirse al mismo tiempo como buque disruptor y como amenaza silente, pero es interesante la pregunta que plantea sobre las consecuencias de optar por cerrar fronteras o decidir que ninguna persona es una isla.

La concepción del amor en tiempos de apps ha cambiado. Pero, mientras el flirteo se gamifica en el día a día, los videojuegos no parecen volverse más románticos. La gran excepción son los simuladores de citas o dating sims, un popular nicho que ha sabido adaptarse a las inquietudes sentimentales actuales. En ellos, la adrenalina de recibir un match está presente, solo que cambian el swipe por un elenco de atractivos protagonistas que caerán a tus pies si eliges las opciones correctas.

Dado que los videojuegos sirven muchas veces para evadirse o vivir fantasías de poder, no es de extrañar que haya un subgénero dedicado a buscar el amor. Lo más interesante es cómo las rígidas reglas del formato se retuercen para confrontar la relación de la sociedad con el romance. Tender: Creature Comforts ya plantaba cara a las aplicaciones de ligar, reproduciendo sus mecánicas para cuestionarlas a través de entablar relación con diferentes alienígenas. Ahora, Date Everything! lleva al absurdo la apetencia de un escarceo al hacer que los objetos de tu casa cobren vida y se conviertan en potenciales ligues.

El videojuego pone a quien juega en la piel de una persona que, cuando acaba de perder su empleo por culpa de la IA, recibe un misterioso paquete: una nueva tecnología que le permite ver a los objetos en su forma humana. La meta será forjar intensos vínculos con tu tostadora, tus estantes y hasta tu angustia existencial, que podrán convertirse en amistades, amantes o rivales. La premisa ilustra bien el tono general, que se mueve entre el humor absurdo y la crítica irónica, aunque cuidando el núcleo emocional. Porque en Date Everything! tu cama te seducirá de maneras que no creías posibles, pero también ahondarás en los problemas afectivos de tus electrodomésticos.

Historia de la heterosexualidad simulada

Para entender cómo se llega a este punto de delirio romántico conviene indagar en la historia de un género que triunfa en Asia. Fue precisamente en Japón donde nació a finales de los 80, a raíz de obras como Girl’s Garden, centrado en una joven que recoge flores para su crush, y Nakayama Miho no Tokimeki High School, sobre un adolescente que intenta conquistar a una compañera de instituto y estrella del pop. En 1994, con el popularísimo Tokimeki Memorial, se asientan las mecánicas actuales: novelas visuales que progresan mediante la elección de respuestas.

En los videojuegos de citas, el punto de vista es en primera persona para fomentar la proyección y suelen terminar cuando se produce la conquista. Aunque, si te equivocas con las respuestas dadas, es habitual que llegues a finales malos o neutros. Muchos, además, combinan la simulación romántica con mecánicas de gestión de recursos. Pero lo clave es entender que es un género muy centrado desde el inicio en demografías, con títulos claramente enfocados a los hombres (donde abunda el contenido explícitamente sexual) o a las mujeres (donde cobran mayor importancia las escenas románticas).

De ahí que también perpetúen marcados roles de género y promuevan la heteronormatividad, como ejemplifican las propuestas para móviles de la desarrolladora japonesa Voltage Inc Games, que llevan más de 20 años cosechando éxito con premisas como pretender ser la esposa de conveniencia de un atractivo hombre en apuros o convertirte en la letrista de una conocida boy band. En Corea del Sur también han proliferado obras similares, como el videojuego para móviles Mystic Messenger de Cheritz, que innovó al trasladar la acción a un chat estilo WhatsApp y permitir recibir videollamadas de los potenciales novios, miembros de una asociación caritativa repleta de secretos.

Más recientemente, el chino Love and Deepspace ha llegado a 50 millones de usuarias y generado más de 400 millones de dólares de beneficios no exento de polémica. Este videojuego de citas con microtransacciones lleva la acción a un universo futurista y mezcla los combates contra seres cósmicos con el romance, y su mayor controversia tuvo lugar hace unos meses, cuando una actualización permitió a los maromos virtuales recordar a las usuarias la llegada de su periodo tras realizar un seguimiento de su ciclo menstrual. Esto levantó dudas sobre la seguridad de ofrecer esta información a una app, al mismo tiempo que ciertas jugadoras defendían la importancia de normalizar la regla.

La presencia del romance en oriente se extiende también a videojuegos que, aunque no se centran exclusivamente en la búsqueda de pareja, tienen la vinculación sentimental con sus personajes coleccionables como eje, como ocurre en apuestas tan populares como la también china Genshin Impact. Pero, ¿qué pasa en occidente? ¿No triunfa el amor digital?

¿Tenemos miedo del amor?

El romance en videojuegos es un género considerado menor, en parte por verse reducido a una propuesta para mujeres, como ocurre en otros ámbitos culturales como el cine o la literatura. Pero al hacer estas consideraciones se suele ignorar que títulos occidentales de gran alcance como las sagas Dragon Age, Mass Effect, The Witcher o Baldur’s Gate 3 incluyen mecánicas de dating sim, ya que permiten iniciar romances con uno o varios compañeros de aventuras. También ocurre en simuladores sociales como Los Sims o títulos de granjas como Stardew Valley, que ya de por sí son ignorados por un segmento de la comunidad gamer por ser, efectivamente, populares entre las jugadoras.

Lo mismo sucede con los videojuegos de móviles —un mercado que, según el Libro Blanco del Desarrollo Español de Videojuegos 2024, suponen el 55% de los ingresos totales del sector—, que muchas veces no se toman en serio por no considerarse una plataforma válida. Pero en smartphones amasan mensualmente grandes ganancias en las tiendas digitales Love Island: The Game o Jugando con fuego, inspirados en realities sobre parejas, o títulos de rol como Episodes, centrados en el romance y el drama. Del mismo modo, los videojuegos pornográficos que inundan las principales plataformas digitales indican que hay audiencia para estas obras, pese a que no se hable tanto de ellas.

Sin embargo, hay un tipo de dating sims que triunfa en occidente hasta el punto de ser tomados algo en serio por los medios especializados: los juegos de romance irónicos, es decir, aquellos que parodian el género utilizando su misma puesta en escena y recursos. Uno de los casos más populares es Hatoful Boyfriend, un simulador de ligar… con palomas. Su bien recibido ingenio ha hecho posible que existan alternativas que te permiten enamorar dinosaurios (Jurassic Heart), espíritus (Speed Dating for Ghosts), criaturas lovecraftianas (Sucker for Love: First Date), plantas (Take Me or Leaf Me) y hasta armas (Boyfriend Dungeon), siendo este último un precursor directo de Date Everything!.

También es conocido I Love You Colonel Sanders!: A Finger Lickin’ Good Dating Simulator, un videojuego oficial de KFC, o Doki Doki Literature Club!, conocido por cómo rompe la cuarta pared y transforma lo que parecía un inocente relato en una historia perturbadora, que evidencia la visión del amor tan tóxica que suelen tener estas obras. Tampoco hay que pasar por alto que muchos simuladores de citas son subversivos por incorporar personajes queer, racializados y/o con corporalidades disidentes, perfiles muchas veces ausentes tanto en los dating sim asiáticos como en el videojuego en general. Así, que Dream Daddy: A Dad Dating Simulator triunfara se debe a su encantadora construcción de un elenco de padres a los que ligarse, pero también a ser un espacio seguro para la comunidad LGBTIQA+.

Hogar, dulce hogar

Bajo la ironía del dating sim occidental también hay verdadero amor por el género, y se podría afirmar que el deconstruirlo viene más de la necesidad de encontrar nuevos parámetros para el romance que de un rechazo a su presencia en videojuegos. Es lo que ocurre en Date Everything!, que va muy de frente con la idea de establecer vínculos. Desarrollado por el debutante estudio Sassy Chap Games y publicado por Team 17 para PC, PS5, Xbox Series y Nintendo Switch, consigue crear un cautivador elenco de personajes, diversos en todos los sentidos, y con alrededor de 11.000 imágenes dibujadas a mano. A veces toca temas crudos y hasta se vuelve sexualmente explícito en ocasiones —en lo textual, no en lo visual—, y esta mezcla de ingredientes hace que se sienta inconsistente y caótico a ratos.

También le falta maña a la hora de afilar su crítica social y la evolución de algunas relaciones resulta tan torpe como el movimiento por el decorado 3D, algo que compensa con unos ingeniosos diálogos —de momento, solo disponibles en inglés— y un fantástico elenco de voces, entre quienes se encuentran Felicia Day o Matthew Mercer. Si bien llega a abrumar la cantidad de alternativas románticas, eso simplemente lo hace más realista, al mismo tiempo que más tontorrón y amable que la experiencia en muchas apps de citas. Porque, pese a la fama que todavía tiene el dating sim, puede ser muy disfrutable echar una tarde veraniega conociendo mejor a quienes te rodean e incluso dejando que el amor llame a la puerta de casa. De manera bastante literal en este caso.

Tras un marzo agónico para las salas, las alarmas volvían a sonar. Se encadenaban varios fracasos en la taquilla mundial, y aquellas películas que debían haber arrasado —como la nueva entrega de Capitán América o Blancanieves— se habían quedado muy lejos de lo esperado. Pero de repente llegó una película, dio un golpe en la mesa y devolvió el optimismo a los exhibidores, que por ejemplo en España se enfrentan a una época clave como las vacaciones de Semana Santa. El título en cuestión era Una película de Minecraft, y no deja espacio a la imaginación, porque de eso se trataba, de una película que trasladaba a la pantalla grande el universo del videojuego más vendido de la historia.

En EEUU debutó, en su primer fin de semana, con unos estratosféricos 162 millones de dólares. En todo el mundo hizo 342. Solo en España logró más de cinco millones. Su presupuesto se estima en 150. Para colocar en situación el pelotazo, Barbie realizó 155 en sus primeros tres días en su país y 337 a nivel global. Es, de lejos, el mejor estreno del año, y el mejor realizado por una película basada en un videojuego. Destrona a la película de animación de Super Mario Bros que en las mismas fechas hace dos años amasó 146 millones para un total de 1.300 millones de dólares.

No es casualidad que en apenas dos años se hayan destronado entre sí, sino que es una muestra de una tendencia en Hollywood, que se está encomendando a las adaptaciones de los videojuegos para salvar la taquilla. En una industria donde se apuesta por lo seguro, donde los estudios buscan IPs (las siglas de Intellectual Property en referencia a las sagas) conocidas para crear nuevas franquicias, los juegos más populares de la consola de toda la vida son la nueva moda. En estos momentos, hay 35 películas en desarrollo. Algunas, secuelas de las que han funcionado estos últimos años, pero en su mayor parte se trata de reinicios, como el de Tomb Raider, o títulos de culto como Death Stranding. Esta última, además, producida por A24, el estudio indie que también busca rédito en los videojuegos.

No es casualidad que pocos días después del estreno de Minecraft en cines vaya a llegar a Max la segunda temporada de su serie estrella, The Last of Us, la adaptación de videojuego que demostró que se puede hacer un gran producto con ese material de base. De momento, en cine ninguna película ha logrado que la crítica se haya rendido a sus pies, pero la serie creada por Craig Mazin —responsable de Chernóbil— ha unido dos mundos: el del prestigio y el del éxito. Eso ha provocado un cambio en cómo aborda Hollywood esas adaptaciones. Empiezan a buscar a directores reconocidos, ponen presupuestos abultados y una gran maquinaria promocional. 

Una reciente investigación de la empresa inglesa Ampere, encargada de estudios de mercado, mostraba que Hollywood estaba cambiando, poco a poco, a los superhéroes por personajes de videojuegos. En 2023 se observó cómo coincidía “un descenso en la popularidad de las películas y series de televisión basadas en cómics, y un aumento en las adaptaciones de videojuegos”. Aquel año al pelotazo de Mario Bros y la llegada de The Last of Us se sumó que Five Nights at Freddy's, un filme que Universal había concebido para estrenar directamente en su plataforma Peacock, finalmente lograra estrenarse en cines arrasando con 290 millones (costó solo 20 millones y la secuela está en marcha).

“Las adaptaciones de cómics siguen siendo componentes importantes de las estrategias de estudios y cadenas, pero el interés en las franquicias está empezando a decaer. El volumen promedio de búsquedas de los consumidores para las últimas versiones de las principales adaptaciones de cómics ha disminuido desde 2021 y 2022. Sin embargo, la propiedad intelectual del mercado de los videojuegos está empezando a ofrecer un rendimiento comparable y su demanda está creciendo, como lo demuestran los recientes éxitos basados en videojuegos, como la película de Super Mario Bros y la saga The Last of Us”, decía el estudio. Este interés creciente creen que, además, se vio influido por el confinamiento.

Para Illia Abusaitov, el investigador encargado, “el éxito de adaptaciones de videojuegos como Sonic the Hedgehog, Pokémon: Detective Pikachu, Uncharted”, además de las ya citadas, ha hecho que “los estudios, reacios al riesgo, hayan comenzado una transición fluida hacia el mundo de los videojuegos”. “Estas adaptaciones ya han demostrado su capacidad para igualar o incluso superar el éxito de las adaptaciones de cómics. Sin embargo, los estudios deben establecer un enfoque consistente para garantizar que se conviertan en éxitos fiables, similares a los logros de las adaptaciones de cómics”, añadía el informe.

Todas esas adaptaciones son recientes y tienen como punto de inflexión 2019. Hasta entonces las versiones de videojuegos eran consideradas veneno para la taquilla. Solo excepciones como la saga de Resident Evil —que ya están reiniciándola con Zach Cregger, director de Barbarian, al frente— funcionaron y tuvieron una vida larga como franquicia. En su caso provocado por un presupuesto muy ajustado que aseguraba una rentabilidad con resultados que para otros filmes no serían rentables. Es lo que ocurrió con la saga de Tomb Raider protagonizada por Angelina Jolie, que tras aprobar raspada la asignatura de la taquilla en 2001 –recaudó en todo el mundo 274 millones con un presupuesto de 115 millones– suspendió estrepitosamente con su secuela, que se quedó en los 156 millones en todo el mundo al final de su carrera. Menos de lo que ha hecho Minecraft en su primer fin de semana.

Las adaptaciones de videojuegos nacieron malditas desde su primera gran apuesta, que no fue otra que Super Mario Bros. La extrañísima película de 1993 tuvo unas críticas desastrosas. Un artículo de The Guardian en 2014 por la llegada a DVD del filme definía el recibimiento que tuvo de la siguiente forma: “Debutó recibiendo los ataques críticos que normalmente se reservan para las películas de propaganda nazi, los ataques de drones o las comedias de Adam Sandler”.

Pero lo peor fue que se convirtió en uno de los fiascos más grandes de los 90. Costó 48 millones de dólares de presupuesto. Fichó a Bob Hoskins y a John Leguizamo como Mario y Luigi y, aun así, siendo el videojuego más popular en todo el mundo, solo logró 38 millones en total. Aquel comienzo sería muy difícil de superar.

No ayudó que los estudios apostaran por productos de medio pelo para estas versiones. Ocurrió con Street Fighter (1994), que dio a Jean Claude Van Damme el protagonismo convirtiendo a un personaje como Guile, nada querido por los jugadores, en el centro de una historia que también fue machacada por la crítica. Los 99 millones en todo el mundo para un presupuesto de 35 (siempre sin contar con los gastos de marketing y publicidad) no fueron suficientes para hacer más entregas.

La lista de fracasos es larguísima: Alone in the dark, Doom, Silent Hill, Hitman, Max Payne, Prince of Persia, Assassin’s Creed… todas fueron estrellándose en la taquilla mellando la confianza de los estudios. Tuvo que llegar Mario, el mismo fontanero que comenzó el desastre, para arreglarlo y hacer ver a Hollywood que tenían entre manos su nueva gallina de los huevos de oro a la que exprimir hasta que deje de dar fruto.

La localización al idioma nacional vuelve más accesibles los videojuegos, ofrece nuevos matices a la obra gracias al uso de voces locales y es una alternativa muy querida por gran parte de la comunidad, que por eso mismo ha mostrado rechazo al hecho de que ni la última expansión de World of Warcraft ni Doom: The Dark Ages vayan a contar con doblaje en español de España. El motivo, al parecer, es el desacuerdo entre los actores de voz y la cláusula sobre inteligencia artificial generativa propuesta por Microsoft.

Juan Navarro Torelló, voz de Anduin Wrynn en la serie de videojuegos Warcraft, ha sido de los primeros afectados en pronunciarse públicamente. “Nosotros hacemos un trabajo y cobramos un dinero por ello, lo que no puede ser es que hagan un dos por uno y cojan mi voz para entrenar una inteligencia artificial que lo que va a hacer es quitarme el trabajo”, aclara en una entrevista para este medio. “La única razón de ser de dicho entrenamiento es llegar a un punto en el que puedan prescindir de los actores y actrices cuyo trabajo pretenden utilizar para realizar ese aprendizaje”, añade su compañera de profesión Beatriz Llaneza Mielgo.

La también actriz de voz y secretaria del sindicato de Artistas de Doblaje de Madrid (ADOMA) Jara Luna aclara que, hasta el momento, han encontrado “muy pocos trabajos en los que se pedían voces para entrenar a una IA”, aunque algunos “lo hacían pasar por una sesión de grabación de emociones”. “El problema que tenemos son las cesiones tan abusivas que firmamos, que incluso no se amparan bajo las leyes de nuestro país y dejan abiertas muchas puertas”, agrega. Ante esta situación, propusieron a las distribuidoras y estudios de doblaje la redacción de una cláusula IA que les protegiera y, desde mayo de 2023, cuentan con ella. Al menos, siempre que las empresas no se nieguen a aceptarlas.

Una cláusula para dar voz a los actores

El trabajo de interpretación, incluyendo la actuación de voz, genera derechos de propiedad intelectual y está protegido asimismo por los derechos de imagen. Navarro pone de ejemplo el eslogan “¿te gusta conducir?” de los anuncios del fabricante de automóviles BMW, un cierre que se ha usado en cientos de spots de la compañía y que, aunque no ha vuelto a regrabarse, ha seguido generando ingresos a su autor. “Pero parece que lo que quieren ahora es pagarte por una cosa y tener la posibilidad de usar tu voz para lo que les dé la gana”, reitera.

La cláusula IA redactada por PASAVE, la plataforma de asociaciones y sindicatos de artistas de voz de España, busca precisamente evitar que la voz de los trabajadores se clone o utilice para entrenar inteligencias artificiales. “Los resultados a futuro no sé cuáles serán, pero usar una herramienta con un resultado artificial para un trabajo artístico, donde las emociones humanas son tan importantes, seguramente resultaría en algo sin vida, poco creíble y que cualquiera con un ordenador podría hacer desde su casa, desprofesionalizando al sector audiovisual”, completa Luna. Llaneza puntualiza que “esta acción no solo repercutiría negativamente en la parte artística”, pues “aunque los actores son el medio que pretenden utilizar para llevar a cabo este cambio, el doblaje se compone de una extensa cadena de personas y ellas también pagarían las consecuencias”.

De momento, el gremio ha “estado en negociaciones con las grandes empresas, como Netflix, Disney, Max, Apple o Prime, y al final de una manera u otra se ha implementado esta cláusula en todos los contratos firmados” según Navarro. Sin embargo, Luna comenta que se han encontrado con otros problemas a nivel usuario, como “clonaciones de voz de muchos compañeros y compañeras, que no han dado su consentimiento”, lo cual “repercute en su trabajo” y “atenta a su imagen” dado que “la voz forma parte de ella y la captación y reproducción sin permiso se considera delito”.

“Hace unos meses nos encontramos con un caso en el que habían clonado la voz de una compañera y habían hecho un vídeo de ‘humor’ en el que se decían auténticas barbaridades que atentaban a su honor”, expresa sobre los retos que implica legislar la irrupción de la inteligencia generativa, que es la que se ha convertido en foco de debate debido a su capacidad de producir voces sintéticas a partir de una base de datos alimentada con materiales con derechos de autor que se han empleado sin permiso.

Decadencia en el doblaje de videojuegos

El pasado julio, los dobladores y actores de videojuegos iniciaron una huelga en Estados Unidos a través del sindicato SAG-AFTRA debido a los desacuerdos respecto al uso de la IA. Las protestas siguen en activo y han afectado al doblaje en inglés de videojuegos como los de la compañía china HoYoverse o League of Legends. En Europa la legislación es más protectora, ya que se debe comunicar que el producto ha sido generado por inteligencia artificial, aunque esto, por supuesto, no implica que siempre se cumpla la normativa.

Por ejemplo, Microsoft recibió críticas recientemente por el tráiler lanzado en el 20 aniversario de World of Warcraft, supuestamente doblado sintéticamente, detalle que parecía adelantar que The War Within: la Isla de la Sirena fuese la primera expansión en todos estos años en llegar con parches de contenido sin adaptación a español de España. Del mismo modo, las voces amateurs utilizadas en Overwatch se han convertido en un problema para la comunidad, que siente que la calidad del título ha disminuido notablemente en poco tiempo. El hecho de que el nuevo Doom cuente con doblaje en nueve idiomas, entre los que no se incluye el castellano, es también significativo de lo que parece la nueva tónica.

Una fuente cercana a la compañía que prefiere mantenerse anónima considera que lo ocurrido con el gigante tecnológico en España puede estar relacionado con la incapacidad de la empresa estadounidense de modificar sus contratos en base a las peticiones de los actores de voz nacionales, ya que no saben cómo esto podría afectar a los acuerdos que tienen con otros países. Desde Microsoft han declarado para este texto lo siguiente: “Por respeto a todas las partes implicadas, no añadiremos nuevos comentarios a las negociaciones. Esperamos que se llegue lo antes posible a un acuerdo beneficioso para ambas partes que nos permita devolver el talento y la creatividad de estos artistas a nuestros juegos para disfrute de todos los jugadores”.

Por tanto, parece que al menos hay interés en recuperar las voces habituales. Sobre el posible efecto dominó que renunciar a los equipos profesionales pudiese tener en otras desarrolladoras, Jara Luna espera que no se produzca. “Prescindir de una opción en castellano ya no solo se recibe como una falta de interés y cuidado por el jugador, sino que podría hasta verse como una falta de consideración hacia las personas que no pueden leer subtítulos por una discapacidad visual”, recalca. Además, asegura que “en España siempre se ha valorado el doblaje, se aprecia y además se exige que sea bueno” y que “los porcentajes de consumo de las versiones dobladas son altos”.

Para Beatriz Llaneza, “hay que tener claro que si una empresa pretende utilizar IA para el doblaje no lo está haciendo para ofrecer ningún tipo de ventaja o mejora para el público ni para los profesionales”. “Su única intención es sacar de la ecuación a una profesión ya de por sí mal pagada y sustituirla por otra forma de trabajo que les resulte aún más barata, pero no pretenden prescindir del doblaje porque saben que amplía su audiencia”.

El futuro estará marcado por la IA

Respecto al futuro que aguarda, Navarro considera que ocurrirá como con el debate entre los taxistas y la compañía Uber, que tendrán que “convivir”. “Pero vamos a hacerlo de otra manera, si lo que quieres es tener mi voz, negociemos, hablemos de cuánto cuesta”, reflexiona. “Yo entiendo que para ciertas cosas en las que no entra la parte artística, como personajes de fondo que apenas se escuchan, podría usarse, aunque es una pescadilla que se muerde la cola, porque si la gente no entra en papeles pequeños luego no puede ascender. Además, muchas personas no van a querer entrenar a una IA porque nos quedamos sin trabajo”, explica, consciente de las diferentes opiniones.

“No hay una cifra que ni mis compañeros ni yo estuviésemos dispuestos a aceptar porque sería pan para hoy y hambre para mañana”, subraya Llaneza, quien considera que “estamos a tiempo de evitar una distopía en la cual las máquinas serán las encargadas de realizar la interpretación de una serie, videojuego o película mientras los actores de doblaje se van al paro”. Ella, además, señala que “si lo único que les importa a las empresas es el dinero, habrá que hacer que no les salga rentable”. Por su parte, Jara Luna expresa que “cada uno es libre de hacer lo que considere oportuno”, pero “ya ha pasado que muchos se han borrado las suscripciones o se han negado a comprar un producto que no esté doblado al castellano”. “El público de los videojuegos es muy leal y exigente, y si la experiencia de usuario no les gusta, no lo van a consumir”, resume.

“Lo que está claro es que la forma de hacer las cosas va a cambiar. Esto ha sido siempre así, ocurrió con los narradores en los cines, con los coloristas… No estoy ni a favor ni en contra, creo que tendremos que acostumbrarnos, unirnos y aprender a utilizar las herramientas que nos van llegando” concluye Juan Navarro Torelló sobre el futuro de su sector. El hecho de que en España el Ministerio de Cultura haya terminado retirando el criticado real decreto ley que intentaba regular la IA y que asociaciones de artistas se estén organizando contra la inteligencia artificial generativa parece indicar que esta seguirá siendo en el futuro inmediato uno de los grandes focos de debate y conflicto de las industrias culturales.

Los trabajadores en la sede de Barcelona de Ubisoft, la multinacional francesa de los videojuegos, han anunciado este jueves que van a la huelga. En plena crisis global en la industria, con despidos de las grandes compañías en todo el mundo, esta es el primer paro formal que se convoca en España en este sector.

La huelga, convocada formalmente por el sindicato CGT, se ha anunciado para el 13 de febrero, coincidiendo con la que se ha organizado en el sector en Francia. El origen del malestar de los empleados de Ubisoft Barcelona es la política de la multinacional de reducir el teletrabajo, aunque de fondo se le añaden los despidos que ha llevado a cabo por ahora en estudios de otros países (unas 500 bajas, según cálculos del sindicato). 

Ubisoft es una de las compañías más importantes y con más experiencia del mundo de los videojuegos. Son los creadores de exitosas sagas como ‘Assassin’s Creed’, ‘Prince of Persia’ o ‘Rainbow Six’. Su presencia en Barcelona se remonta a 2004, y actualmente cuentan con 190 empleados en sus oficinas barcelonesas de la Torre Diagonal 00.

En un comunicado de este jueves, la CGT lamenta la “imposición” por parte de la compañía de una política de teletrabajo que reduce en un 33% esta modalidad. “Un cambio sustancial después de cinco años con un sistema que contemplaba el 60% de los días del mes en trabajo remoto”, exponen. Ya en noviembre el sindicato interpuso una demanda contra la empresa por esta misma decisión.

Igual que en otras empresas desarrolladoras de videojuegos, los empleados de Ubisoft anunciaron el pasado julio que se sindicaban a través de la Coordinadora Sindical del Videojuego, bajo el paraguas de CGT. Al igual que en otros países, la crisis en la que se encuentra sumida la industria del desarrollo y edición de videojuegos ha golpeado en los últimos meses a España con despidos y cierres de estudios, como es el caso de Novarama o Smilegate o la declaración de insolvencia de Tequila Works. 

Las fobias pueden condicionar tu vida. Sobre todo, si la huida del monasterio en el que te han recluido depende de hacer frente a los miedos irracionales que dominan tu ser. Por eso, los cinco protagonistas del videojuego español The Stone of Madness tendrán muy complicado coordinarse para resolver los misterios que oculta el manicomio de los Pirineos en el que están encerrados. Con esta premisa inspirada en sucesos históricos, las pinturas de Goya como referente estético y una aproximación oscura al folclore nacional son los otros dos ingredientes que conforman la propuesta.

“El proyecto iba a ser totalmente diferente, también ambientado históricamente en España, pero un siglo antes, en el XVII”, explica José A. Gutiérrez, director creativo y miembro fundador del turolense Teku Studios, en el cual surge el concepto original de la obra que luego han desarrollado junto a los veteranos The Game Kitchen, estudio sevillano responsable del popular Blasphemous. Aquí, pese a que beben menos de la imaginería de la Semana Santa andaluza, mantienen el interés por la ambientación religiosa, solo que, en vez de abrirse paso a espadazos, el progreso depende del ingenio de un grupo de parias que tendrán que superar sus propias barreras mentales.

“Lo acabamos centrando en el Siglo de Oro por las casas de locos y cómo se empezaba a introducir poco a poco la psiquiatría, aunque entonces no fuera tal”, detalla. Considera que había un “contexto muy interesante, pues los jesuitas acababan de ser expulsados de España y algunos monasterios se habían quedado vacíos, siendo realojados allí los enfermos”. Esto creaba una “ambientación alucinante” para una obra de sigilo táctico, en la que es necesario calcular cada paso para no sufrir las consecuencias de que atrapen a tu equipo cometiendo una infracción.

El sueño de la razón produce fobias

El videojuego, que se ha publicado para PC, PlayStation 5, Xbox Series X|S y Nintendo Switch, apunta maneras desde el propio título, una alusión a “la piedra de la locura”, término referido a las trepanaciones realizadas en la Edad Media para extraer un cúmulo de piedras que se creía que originaban dolencias mentales. Con el nombre de esta peligrosa y absurda práctica, The Stone of Madness sigue a cinco personas con serias fobias que deben unir fuerzas para sobrevivir en un lugar opresivo.

“Desde pequeño me han atraído los personajes miserables, y aquí el contexto nos daba una oportunidad de jugar con ellos”, aclara el desarrollador, que “tenía claro que no iban a ser poderosos, más bien al contrario, con habilidades un poco extravagantes”. Con esa idea en la cabeza, los protagonistas fueron apareciendo de forma natural. Tenían claro que uno debía de ser un sacerdote, para que pudiese jugar cierto papel de espía en el monasterio y porque “venía muy bien para conectar con la historia, ofrecer un narrador y como gancho que recuerda a obras famosas como El nombre de la rosa”.

Además, todo el elenco tiene habilidades y fobias particulares, que deben conjugarse para avanzar. Para la elección de estos hándicaps, buscaron miedos que “se entendieran al instante”. De ese modo, el sacerdote Alfredo sufre en presencia de los cadáveres precisamente por su fe y la pequeña Amelia teme a las gárgolas del convento, fruto de un miedo infantil. Cuando se exponen a estos terrores, su barra de cordura desciende. Y, si la pierden por completo, desarrollan un nuevo trauma que dificultará aún más el juego.

Algunas opciones de fobias son más obvias —por ejemplo, el artesano mudo Eduardo teme a la oscuridad y puede desarrollar claustrofobia si no se va con cuidado—, otras más particulares. Es el caso de la anciana Agnes, una bruja con remordimientos a la que le entra reúma cuando corre y, si no se juega con ella en mucho tiempo, se queda dormida sobre el bastón. Para Gutiérrez, la fiera Leonora ha sido un personaje difícil de diseñar por sus “contrastes” porque, aunque posee una buena educación es la más violenta del grupo, y fue difícil transmitir ese equilibrio en su diseño: “la cara tenía que tener cierta belleza pero ser ruda, e imponer es muy complicado cuando llevas un lacito rojo en la cabeza”. Mientras, con Eduardo tuvieron que ensayar mucho, pues “el miedo a la oscuridad al principio era muy cansino de sobrellevar”. Ahora, está siendo uno de los personajes más queridos.

Controlando a estos cinco internos, hay que escabullirse por el monasterio sin que los guardias detecten su presencia para encontrar pistas. Por la noche, el equipo también debe preparar la jugada, y elegir entre curar sus heridas, sobornar a los presidiarios o introducir mercancía de contrabando. A través de probar diferentes estrategias, se va desvelando un misterio que habla de injusticias sociales, dolor y un sombrío legado histórico.

Claroscuros de una época religiosa

“Nuestra religión es un poco oscurilla, ¿no? Cuando te metes de pequeño en una iglesia y es todo tan tenebroso, con esas estatuas… eso ha sido algo que siempre me ha atraído a nivel cultural”, prosigue el creativo sobre la ambientación del videojuego. Lo compara con la saga Blasphemous, la cual toma “la parte más dramática de la religión cristiana española y la transforma en algo muy truculento”. En cambio, en The Stone of Madness la aproximación es más histórica, aunque no se han resistido a meter elementos sobrenaturales.

Asegura que el objetivo “nunca ha sido mostrar a la iglesia como el malo, sino como el contexto de una época que no se entendía sin creencias religiosas”. Por eso tienen como protagonista un sacerdote encerrado por defender sus principios que se enfrenta a otro corrupto, es una historia repleta de grises. Además, puntualiza que todo en esos siglos está muy bien documentado, de modo que muchos casos que aparecen en el juego están sacados de la realidad. “Pero solo los más suaves”, advierte, porque “muchas veces esos traumas mezclaban las creencias religiosas con las filias sexuales y daban lugar a cosas muy extrañas”, y ellos han decidido adaptarlo a todos los públicos. “Aun así creo que ha quedado bastante oscurete”, reconoce.

La oscuridad también está presente en los bellísimos escenarios, inspirados por las pinturas de Francisco de Goya. Como estudiante de Bellas Artes, Gutiérrez lo cita como uno de sus artistas de referencia: “La pintura de Goya, con esos trazos tan gruesos, es muy característica, pero es algo que no funciona bien en movimiento, entonces tuvimos que dar con un estilo diferenciador, y frente a la paleta desaturada tan de moda ahora en videojuegos, optamos por meter colores más vivos”. Comenta que optaron por un camino que recuerda a las películas clásicas de Disney al combinar fondos pintados a mano muy detallados con animaciones por celdas de los personajes, que así resaltan más. “Las animaciones las hicimos mediante rotoscopias, las grabamos primero con gente real y encima las hemos pintado y alterado a mano”, precisa. El cuidado resultado, desde luego, puede apreciarse en cada uno de las hermosas estancias del monasterio.

Dificultad no apta para impacientes

La complejidad de The Stone of Madness es notable desde los primeros compases, y no deja de ir en aumento. Sus mecánicas recuerdan de inicio al clásico de estrategia en tiempo real Commandos, que también cuenta con personajes con habilidades especiales que deben combinarse para progresar. Asimismo, toma la estructura de investigación desarrollada a lo largo de varios ciclos de día-noche de otro icono del desarrollo nacional, La abadía del crimen, un título de 1987 que adapta libremente El nombre de la rosa de Umberto Eco. Para Gutiérrez, sería bonito que nuevos jugadores se acercasen a estos clásicos gracias a sus videojuegos.

Eso sí, considera que “cuando le echas bastantes horas te acabas dando cuenta que en realidad es más Dishonored, porque la clave está en experimentar con las combinaciones, de habilidades, y hay algunas muy locas”. Afirma que la parte de programación “ha sido un reto tremendo” porque había que tener en cuenta muchas pequeñas piezas. “No te puedes imaginar la cantidad de bugs [errores] que han salido”, revela, de ahí que reivindique ese trabajo tantas veces invisibilizado de los programadores. Para conseguir que todo funcionase, han tenido que “testear muchísimo con muchísimos jugadores de todo el mundo”, en vez de limitarse a “pruebas dentro del estudio o con familiares y amigos, que es lo típico”. Incluso ahora, viendo los streamings de su audiencia, siguen haciendo balance de la dificultad de cara a lanzar parches.

La realidad es que es un videojuego complicado, sobre todo cuando cae la noche y el convento se llena de ánimas y restricciones que aumentan la dificultad. Hasta puede llegar a ser frustrante, en especial para quien no disfruta del ensayo-error. Pero el desarrollador asegura que de momento está funcionando bien entre la gente novata del género, que encuentra muchos “estímulos novedosos y refrescantes”. “Sabíamos que no iba a ser un videojuego explosivo que consigue cientos de miles de ventas el día uno, pero creemos que necesita rodaje y que el boca a oreja ya está funcionando bastante bien”, resume José A. Gutiérrez sobre las expectativas de futuro que tienen con este monasterio marcado por la locura, del cual es tanto un placer como un tormento escapar.

Convertido en un icono internacional, Ibai Llanos ahora se dedica a reponer productos en una tienda... más o menos, pues aunque esto ha formado parte de su trabajo reciente, ha sido tan solo un juego, inspirado en una actividad emulada. Hace unos meses Supermarket Simulator se convirtió gracias a populares streamers como él en un fenómeno efímero, capaz de tener pendientes a miles de personas de la gestión virtual de un supermercado.

El éxito de sus aventuras online lo ha empujado a publicar un vídeo que le muestra trabajando de incógnito como cajero. Llanos reproducía las acciones que realizaba digitalmente de reponer, cobrar y supervisar la tienda en un entorno real. Puede parecer anecdótico, pero hay muchas personas que juegan a trabajar en su tiempo de ocio, lo cual lleva a cuestionar por qué, con todas las posibilidades que ofrece el videojuego, deciden enfocarse en sacar adelante negocios, conducir largas horas o administrar un terreno.

En cierto grado, todos los videojuegos son de simulación, ya que hasta Pong reproducía el deporte de raqueta. La diferencia es que, como género, buscan experiencias lo más realistas posibles. De hecho, su origen reside en propuestas destinadas al entrenamiento profesional, como Microsoft Flight Simulator, que se lanzó en 1982 para enseñar a pilotar. Unos años después llegaría el Railroad Tycoon original, centrado en gestionar una red de ferrocarril, y desde entonces los títulos que giran alrededor de los vehículos no han dejado de sucederse, siendo este uno de los subgéneros más populares.

La comunicadora de videojuegos Victoria Belver es una aficionada a los simuladores de conducción, aunque reconoce que en su vida real ni siquiera tiene carnet, en la virtual conduce taxis por Barcelona en Taxi life a city driving simulator o grandes camiones por Europa gracias al popular Euro Truck Simulator 2. “Conducir fijándote en las señales en otro idioma, poner la radio del país por el que estás conduciendo… es como viajar a ese lugar. Y creo que estos juegos triunfan precisamente porque hay mucha gente a la que le relaja conducir por la autopista”, expresa. Además, reconoce que desde que juega ha empezado a interesarse por los camiones, así que lo simulado se ha colado en su cotidianidad.

La realidad es que la saga Euro Truck Simulator es bastante popular entre personas relacionadas con la industria del transporte, algo habitual con otros títulos como el famoso simulador de granjas Farming Simulator, cuya audiencia está formada en buena parte por granjeros. En otras ocasiones, dichas obras pueden dar ganas de dedicarse a oficios concretos, como le ocurre a Pol, jugador habitual del simulador de gestionar una tienda de coleccionismo de cartas TCG Card Shop Simulator, a quien le “parecería interesante tener una tienda en la vida real”, pese a que tiene “la sensación que sería muy diferente”.

En su caso, el interés por dicho videojuego deriva de su jugabilidad ligera, por eso, aunque este género no es su predilecto, se acerca a él de forma casual, en busca de una experiencia relajante concreta. Por este mismo motivo, muchas personas se han enganchado al viral PowerWash Simulator, centrado en lavar a presión distintos objetos, pues hay algo hipnótico en la realización virtual de tareas cotidianas.

¿Sueñan los androides con abejas eléctricas?

Es curioso que uno de los primeros videojuegos de esta clase naciera como broma. Advanced Lawnmower Simulator se publica en 1988 como una gracieta del Día de los Inocentes y, sin embargo, ha dado lugar a un enorme listado de simulators. Experiencias abiertamente humorísticas como Goat Simulator (consistente en hacer la cabra, de manera literal) o el surrealista I am bread (que sigue a una rebanada de pan que sueña con ser tostada), han llevado al extremo la sátira dentro del género, encontrando grandes picos de popularidad en la era del streaming.

También hay propuestas más serias, e Inés González es aficionada a ellas, pese a que reconoce que “mucha gente cree que solo juegan a ellos youtubers para enseñarlos en Twitch”. Ella ha simulado ser bombera, butanera y todo lo que se le ponga por delante, ya que en sus horas libres busca nuevas alternativas. Ahora está enganchada a Bee simulator, que le llamó la atención por “bonito y tranquilo”. Eso sí, confiesa entre risas que le dan “mucho asco las abejas y los insectos en la realidad”, pese a que le relaje convertirse en uno virtual.

Pero a muchas personas les entretiene ser alguien o algo más, el interés que despertó Little Computer People, que seguía a una persona en su hogar, ya lo demostró en 1985. En los últimos años, estas alternativas no han dejado de crecer, y han encontrado en Animal Crossing un nuevo tótem, que si bien alcanzó su cénit en el confinamiento, ahora también se puede disfrutar desde el bolsillo a través de la versión para móvil, Pocket Camp. “Me encanta la idea de tener tu propio espacio, construirlo desde cero, y poblarlo de animalitos monos. Además, le puedo dedicar un poquito de tiempo cada día sin necesidad de tener que quedarme a medias de la historia y lamentarme por no poder seguir”, aclara sobre esta franquicia la diseñadora gráfica Sara Barper, que se define como amante de los videojuegos de simulación social desde que su hermana la introdujo de pequeña a Los Sims.

Actualmente disfruta de la última entrega de Infinity Nikki, un videojuego chino de fantasía que le llamó la atención porque es “visualmente muy resultón”. Aunque se trata de un título con ciertos elementos de aventuras, uno de “sus puntos fuertes es que los trajes y accesorios que van sacando son tan chulos que dan ganas de conseguirlos todos”, de modo que el hacerse con nuevos disfraces es uno de sus grandes alicientes, en la línea de lo que ocurre en gigantes como Genshin Impact. Y es que la relación entre coleccionismo, relajación y simulación está muy presente en muchas de estas obras.

El placer de simular el trabajo

El éxito de la simulación reside en la autonomía que ofrecen a quien juega, que recibe una recompensa inmediata y bien medida. Lo explica el experto en videojuegos Jamie Madigan, quien también argumenta que esta posibilidad de tomar decisiones que no podrías en el mundo real es un aliciente, así como la ausencia de restricciones y burocracia. De ahí que a Ibai Llanos abogue por convertir la performance online en un juego de cámara oculta, pues no deja de ser un traslado lúdico de las tareas que realizaba en Supermarket Simulator, que tampoco tenían verdaderas consecuencias. Para Inés González, resulta entretenido no solo jugar a simuladores sino ver a streamers hacerlo, ya que “como normalmente te dan mucha capacidad de elección puedes cagarla”, le parece “más divertido ver qué puede salir mal a lo que ocurre en un juego de plataformas, donde simplemente pierdes una vida”.

Sobre la clave de los simuladores, Pol comenta que “generalmente emulan una parte muy pequeña de las actividades de una profesión, normalmente las más gamificables”, algo que para Victoria Belver lleva a idealizar en cierta medida dichos oficios: “Los romantizas, cuando por ejemplo la vida de un camionero es dura porque están todo el día viajando y sentados, lo cual es terrible para la espalda”. Es interesante, por tanto, que los simuladores hayan crecido tanto al amparo del streaming, con personas trabajando a jugar que tienen otros trabajos, sobre todo por cómo estas propuestas perpetúan lógicas productivas, ya que crean un estado de satisfacción basado en la obtención de logros.

Incluso se puede argumentar que en el capitalismo tardío la diversión se convierte en una prolongación del trabajo, como afirmaron los filósofos Adorno y Horkheimer. “Este es un debate que últimamente está sonando mucho, y sinceramente creo que depende de cada persona: no es lo mismo si te lo tomas como una obligación hasta el punto de sentirte mal si no cumples las tareas que si estos videojuegos te sirven para relajarte, desconectar y tener un rato divertido”, matiza Sara Barber, “al final eso puede pasar con cualquier otro hobby, y es que por desgracia nos han inculcado el tener que ser productivos siempre y obtener felicidad a través de un sistema de recompensas”.

Ha sido un año extraño para el videojuego. Mientras los despidos, el cierre de estudios y la inestabilidad han condicionado lo laboral, la solidez y variedad de los lanzamientos han definido un 2024 en el que han brillado especialmente los indies.

‘Balatro’ de LocalThunk

El gran fenómeno de 2024 ha sido este videojuego de cartas diseñado en solitario por un desarrollador canadiense. Con su adictiva jugabilidad basada en un sistema de construcción de mazos, Balatro se ha convertido en una sensación global. Inspirado en el póker y en el juego cantonés Big Two —aunque no es necesario conocer las reglas de ninguno para disfrutarlo— y con la aleatoriedad como aliada, bajo su apariencia sencilla se esconde una complejidad arrebatadora que hace que cada partida sea diferente. El objetivo es desbloquear nuevas cartas, probar distintas combinaciones de las mismas y completar diversos desafíos que te pueden llevar hasta a romper las normas del juego.

Disponible para PC, PlayStation 4, Nintendo Switch y Xbox One y Series X|S, iOS, y Android.

‘Astro Bot’ de Team Asobi

Pese a que Astro Bot no deja de ser un gigantesco anuncio para vender las bondades de PlayStation 5, posee cualidades suficientes como para colarse en este listado. Al fin y al cabo, no solo es el videojuego del año según The Game Awards, sino un plataformas en 3D encantador, que no se queda solo en el homenaje al género o a la marca, ya que más allá de su mimadísimo gamefeel, tiene multitud de aciertos propios. Así, parte de un viaje por toda la galaxia para ayudar al simpático robot protagonista a recuperar las piezas perdidas de su nave para llevar al jugador a distintos niveles en los que enfrentarse a retos y jefes finales propios, en una aventura entrañable, graciosa y repleta de sorpresas.

Disponible para PlayStation 5.

‘Neva’ de Nomada Studio

Si con Gris triunfaron en todo el mundo, con Neva los barceloneses Nomada Studio han demostrado que había mucho más que suerte en el enorme éxito cosechado con su debut. Su cuidada apuesta estética, su imaginativo universo y su atrapante jugabilidad hacen de este videojuego centrado en la relación entre una guerrera y una loba uno de los títulos más interesantes del año. Capaz de convencer tanto a quienes busquen un plataformas solvente como a quienes prefieren una historia conmovedora, el buen hacer del estudio se aprecia en cada uno de los detalles de esta obra tan cautivadora.

Disponible para PC y Xbox Series X|S.

‘Metaphor: ReFantazio’ de Studio Zero

En un año en el que la industria japonesa ha ofrecido videojuegos estupendos como Final Fantasy VII Rebirth o Like a Dragon: Infinite Wealth, es difícil quedarse con solo una de estas propuestas de mundo inabarcable y horas casi infinitas. Pero por su excelente combinación de fantasía medieval, estética anime, simulación social y juego de rol, Metaphor: ReFantazio tiene méritos de sobra para situarse entre lo mejor de 2024. Con la crítica a la sociedad actual como telón de fondo, la acción se sitúa en un reino en el que, tras la misteriosa muerte del rey, se busca un sucesor, de modo que la finalidad es ayudar al idealista protagonista a hacerse con el favor de la gente para ser el nuevo monarca.

Disponible para PC, Playstation 4 y 5 y Xbox Series X|S.

‘Lorelei and the Laser Eyes’ de Simogo

Este videojuego de puzles desarrollado por el mismo estudio de aclamadas obras como Sayonara Wild Hearts consigue partir de un lugar común como es la exploración de una mansión para generar una atrapante atmósfera de misterio que combina el surrealismo con el delicioso reto que suponen sus rompecabezas no lineales. Repleto de personalidad en todos sus apartados, ofrece una experiencia acotada que requiere pensar bien para dar con las soluciones a sus ingeniosos y variados acertijos. Es cierto que a veces puede resultar algo frustrante, pero la belleza de su estética en blanco y negro anima a seguir adelante. Además, con una libreta a mano, es posible resolver todos los enigmas.

Disponible para PC, Nintendo Switch y PlayStation 4 y 5.

‘Mouthwashing’ de Wrong Organ

Estrenado en septiembre de 2024, ha sido con la llegada del otoño y al amparo de Halloween que este pequeño indie ha despuntado entre la crítica y los usuarios. Es normal, pues el título de terror en primera persona sitúa la acción en una nave cuya tripulación ha quedado atrapada en el espacio, y consigue abordar mediante una narrativa no lineal cuestiones delicadas en una atmósfera asfixiante. Mediante la exploración, la resolución de puzles y el diálogo con el resto de pasajeros, se desarrolla una historia que cuenta con imágenes explícitas y emplea el gore como un recurso habitual, de manera que no es apto para todo el mundo.

Disponible para PC.

‘The Legend of Zelda: Echoes of Wisdom’ de Nintendo

En el lado contrario de la balanza, la primera aventura de la icónica saga de Nintendo con Zelda como protagonista absoluta es ideal para todas las edades. Con un universo colorido, una aventura sencilla y una mecánica ingeniosa que es su principal aliciente, consigue adaptar los elementos típicos del universo de Hyrule a un nuevo modo de juego, que presenta la oportunidad de probar distintas alternativas para solucionar un mismo problema. Habrá quienes consideren que carece de la épica de sus antecesores, pero no requiere de ella para ofrecer un entretenimiento amable y repleto de perspicacia, que pone por encima de todo la diversión.

Disponible para Nintendo Switch.

‘Arctic Eggs’ de The Water Museum

Con la mecánica de freír alimentos como núcleo central, esta particular obra tiene la apariencia de un simulador de cocina en el que se pasan por la sartén cigarrillos o cucarachas junto al pescado. Protagonizada por una traficante de gallinas venida a menos, la acción se limita a cocinar para distintas personas hambrientas con los escasos ingredientes disponibles. Dicho así, puede no sonar a mucho, pero su estética low poly sumada a una ambientación indefinida pero muy anclada en el cyberpunk, junto al surrealismo propio que emana de la propuesta, consiguen enganchar antes incluso de que su agudo sentido del humor y sus reflexiones acerca del sentido de nuestras acciones conviertan este estrafalario título en una de las experiencias más interesantes de 2024.

Disponible para PC y Mac.

‘Animal Well’ de Billy Basso

La estética pixelada permite crear espacios complejos como lo son los escenarios de Animal Well, un videojuego consistente en explorar un misterioso pozo repleto de vida. Tras siete años en desarrollo, su autor Billy Basso consigue capturar un ambiente único y repleto de emoción al hacer a su personaje principal avanzar por un mundo oscuro y extraño, cuyo objetivo inicialmente no queda demasiado claro. La interacción con el entorno evoluciona a medida que se avanza y se resuelven los puzles que surgen por el camino, de manera que la relación que se establece con el resto de criaturas también adquiere nuevos matices, ofreciendo un viaje sólido y sorprendente.

Disponible para PC, PlayStation 5, Nintendo Switch y Xbox One y Series X|S

‘UFO 50’ de Mossmouth

Cerrar con UFO 50 es casi como hacer trampa, pues en realidad se trata de 50 videojuegos en uno. Con distintas duraciones, dificultades, géneros y mecánicas, cada una de las obras que componen este recopilatorio tiene su propio encanto. Aunque se presentan en el orden en que supuestamente fueron desarrolladas por el ficticio estudio UFO Soft, en realidad se puede jugar en el orden deseado, pues además todos son independientes. De ese modo, es posible echar horas en cooperativo a un plataformas, pasarse en un rato un videojuego tipo arcade o probar puntería el tiempo que se quiera en un videojuego de disparos. Sin duda, una excelente alternativa para disfrutar de la amplia variedad que ofrece el medio.

Disponible para PC.