Pol Rodríguez, director junto a Isaki Lacuesta de Segundo premio, vio cómo un fondo buitre se quedaba con el restaurante que su familia había gestionado durante 90 años. Can Lluís, en pleno Raval barcelonés, fue durante mucho tiempo un lugar de encuentro de gente del barrio y también de gente del cine como Joaquim Jordá o José Luis Guerín, que disfrutaban de la comida casera que preparaban los padres de Rodríguez. 

Compraron el edificio, les echaron, y por si fuera poco, se quedaron la 'marca' que ellos crearon. Can Lluis sigue existiendo bajo otros dueños que han aprovechado la imagen para convertirse en un lugar perfecto para los turistas que abarrotan las calles del Raval. Can Lluis es un ejemplo perfecto de la gentrificación, el problema de la vivienda y la especulación de los fondos buitres.

Aquella herida se ha convertido en una serie. Ravalear, que estrena este 22 de mayo HBO, parte de la experiencia real de Pol Rodríguez pero le aplica la máxima del 'what if', es decir, plantearse qué hubiera pasado si algo hubiera sido distinto. En este caso, Ravalear se plantea lo que podría haber ocurrido si esa familia hubiera luchado con todo para evitar que les echaran. Y con todo es 'con todo'. Ese es el punto de partida de una serie excelente, de lo mejor que se ha producido en España estos años.

La serie que Rodríguez codirige de nuevo con Isaki Lacuesta convierte ese hecho, esa amenaza de desahucio, en una palanca para poner a sus personajes al límite. Ellos deciden que están dispuestos a todo por no permitirlo, y meterán okupas en sus pisos, o comenzarán a realizar acciones en el límite de lo legal, o cayendo directamente en lo ilegal. La serie pregunta hasta dónde está uno dispuesto a llegar por impedir una injusticia, o si el fin justifica los medios. También si hay algo que hacer cuando lo que hay enfrente es un sistema perfectamente diseñado y construido para que unos siempre venzan y otros hinquen rodilla. 

Ravalear convierte el drama de la familia en un thriller vibrante, febril y frenético. El uso del montaje y la banda sonora, con sus toques tecno, convierten los momentos más tensos de cada episodio en una coctelera que pone al espectador al borde del sofá. Pero si la serie se eleva más allá del thriller de carga social es por la profundidad de sus personajes, por la intensidad que también trasladan las conversaciones familiares, los encuentros con los especuladores. No es una serie de fuegos artificiales, sino que va construyendo su poder en las relaciones de sus personajes, a los que entiendes a pesar de verles equivocarse y de ser contradictorios.

Consiguen Rodríguez y Lacuesta que uno se siente dentro del Raval, y eso es difícil. No hay nada peor que sentir que algo es de cartón piedra, pero aquí es todo lo contrario. Se nota el cuidado por ser realista, por sentir el barrio. A decisiones de producción (como reconstruir enteramente el restaurante para poder rodar por todas sus esquinas) se suman otras visuales que subrayan esa sensación. Los planos con teleobjetivo desde lejos en donde se ve a los personajes interactuar con la gente del barrio desprender una veracidad que hacen que uno piense si realmente es una cámara oculta o son figurantes contratados. Uno parece que han dejado a Enric Auquer moverse a sus anchas por las calles del Raval y que lo han grabado todo. Algo que se consigue con la decisión de pixelar rostros, algo que los directores confiesan que, en ocasiones es porque realmente no querían aparecer, y en otras se ha jugado esa baza para acrecentar esa idea de realidad.

Auquer es el protagonista absoluto de la ficción, y demuestra que es uno de los mejores actores del audiovisual español. Es un agujero negro al que quieres mirar todo el rato. Traslada la impotencia de su personaje y uno le acompaña hasta su bajada a los infiernos. Uno tiene ganas de abrazarle y darle un tortazo, pero sobre todo de seguir con él. No podría llegar al nivel que llega si no le acompañara un equipo perfecto. María Rodríguez Soto, que coincidió con él en la estupenda película Mamífera, está perfecta como su pareja, y Quim Ávila está destinado a hacer cosas importantes. Aquí clava al hermano formal al frente del restaurante. La familia la completan dos leyendas del audiovisual catalán: Lluïsa Castell y Francesc Orella, patriarcas y cable a tierra para que la serie nunca pierda la empatía.

Porque ese es uno de los principales riesgos que corre la serie, y de lo que quizás se resienta un poco pasado el ecuador, y es que se hace demasiado oscura, demasiado pesimista y hasta un punto cínica. Pero Pol Rodríguez es consciente de ello, y sabe que, al menos no del todo, no puede ser una serie pesimista. Sin hacer spoiler, pero Ravalear deja luz al final del túnel, quizás la solución pase por la colectividad, por organizarnos contra un sistema injusto, aunque en esa coda final que abre la puerta a una segunda temporada también avance que, quizás el monstruo final, solo era más grande y estaba a la vuelta de la esquina (en las instituciones públicas).

Casi siete años después, por fin tenemos en cines una nueva película de Star Wars en cines, y los amantes del universo de George Lucas estamos de celebración. The Mandalorian and Grogu, dirigida por Jon Favreau, y protagonizada por Pedro Pascal y Sigourney Weaver, es una nueva vía de entrada a esta saga de ciencia ficción, pero a la vez continúa la historia de unos personajes a los que conocimos en las tres temporadas de The Mandalorian, que se convirtió en todo un fenómeno desde su estreno en 2019, y en la única que por ahora tiene El libro de Boba Fett (2021), ambas de Disney +.

El éxito que tuvo la serie de El mandaloriano entre crítica y público se debió a que ofrecía, en el momento justo, una propuesta diferente: se alejaba de los personajes más conocidos de la saga pero, paradójicamente, recuperaba su espíritu original al combinar aventuras espaciales, western y cine de samuráis. Los ocho episodios de la primera temporada eran casi independientes, y para disfrutar de ellos no necesitabas haber visto ninguna película de Star Wars, por lo que era un punto de entrada estupendo para luego acercarte a las películas (o tener una excusa para volver a verlas, si es que acaso se necesita una). Además, tenía una sensacional banda sonora de Ludwig Göransson que también compone la música de la película.

Si no has visto las series, no te preocupes, pues es bastante probable que no haga falta estar al día de todas las entregas anteriores para poder seguir y disfrutar de The Mandalorian and Grogu (como ya sucede de hecho muchas veces en el Universo Cinematográfico Marvel), aunque seguro que hay guiños especialmente disfrutables si estás más familiarizado con ellas. Pero, si no te fías, te damos por si acaso algunas pinceladas sobre los protagonistas.

¿Cuál es el punto de partida de la película y dónde se ubica en el universo de Star Wars?

La historia se ambienta pocos años después de la trilogía original de Star Wars. Es decir, cronológicamente iría después del Episodio VI: El retorno del jedi. Por tanto, estamos ante un turbulento periodo de transición entre regímenes políticos opuestos: la alianza rebelde ha vencido después de la destrucción de la segunda estrella de la muerte; y el Imperio ha caído, aunque hay quienes todavía conspiran en las sombras…

El mandaloriano del título, al que también se le llama Mando pero cuyo nombre real es Din Djarin, es un cazarrecompensas que pertenece a una secta (cuyo lema es el famoso “Este es el camino”) que sigue un credo muy estricto que le prohíbe quitarse el casco y la armadura delante de nadie. Y el niño, que no se llama Baby Yoda (a pesar de que ese apodo se hiciera muy popular con el lanzamiento de la serie) sino Grogu, lo acompaña como su hijo adoptivo. Grogu es adorable, pero también imprevisible, y muy poderoso: es sensible a la Fuerza y, aunque no ha completado su entrenamiento, tiene habilidades que son propias de los jedi.

Djarin y Grogu viven en un tranquilo rincón de un planeta situado en el borde exterior de la galaxia, y el cazarrecompensas ha decidido aceptar de ahora en adelante misiones que no pongan en riesgo al niño (o, al menos, no en un riesgo demasiado evidente). Además, y debido a experiencias pasadas (bastante traumáticas algunas de ellas, de hecho), Mando prefiere tener un único contratista: la Nueva República. De este modo, se ofrece para capturar delincuentes que vivan al margen de la legalidad y que, de alguna forma, intenten volver a instaurar el Imperio.

¿Pero cuál es la historia previa de los protagonistas?

Si quieres saberlo todo de estos personajes, ten en cuenta que su historia se cuenta a lo largo de las tres temporadas de El mandaloriano y de la única de El libro de Boba Fett: y sí, es importante ver esta, porque no tienen solamente un cameo, sino que en ella se nos presentan acontecimientos de gran importancia en la vida de los protagonistas. El orden correcto de visionado es el siguiente: primero las fantásticas temporadas 1 y 2 de The Mandalorian; después, El libro de Boba Fett; y, para rematar, la tercera de The Mandalorian.

Pero si no te da tiempo a hacerte maratón de las series antes de ir a ver la película; si ya te la has visto, pero quieres refrescarla; o si simplemente no te importan los spoilers, en verTele te contamos todos los detalles para que vayas al día con sus aventuras.

AVISO: A partir de aquí hay spoilers de las series de The Mandalorian y de El libro de Boba Fett

“Si quieren conseguir dominar la fuerza, los jedi deben desprenderse de todas sus ataduras”.

“Es lo opuesto a nuestro credo. La lealtad y la solidaridad son el camino”. Conversación sobre Grogu entre Din Djarin y La Armera

· Temporada 1

La primera temporada de la serie nos presenta a un hombre misterioso que trabaja de cazarrecompensas, y que siempre lleva puesta una armadura y un casco que nunca puede quitarse: es el mandaloriano del título, Din Djarin. En el primer episodio le encargan una arriesgada misión: capturar a una criatura que después descubrirá que es un niño. Es Grogu, aunque de momento no sabremos su nombre.

Entre el cazador de recompensas y la criaturita verde de ojos saltones surge un vínculo muy fuerte casi desde el primer momento, y el mandaloriano pondrá en riesgo su vida, y también la de sus amigos, para salvar la del niño de los remanentes imperiales que tienen interés en capturarlo. Porque, como también sucede en la vida real, en el universo de Star Wars cuando cae un régimen político como el Imperio sus seguidores no desaparecen de la noche a la mañana, sino que algunos conspiran para restaurarlo.

Esa temporada 1 de El mandaloriano nos muestra secundarios maravillosos como Greef Karga, Cara Dune, Kuiil (y su “He hablado”) o el robot IG-11, y también nos presenta al villano principal de toda la serie: el moff Gideon, interpretado por Giancarlo Esposito, famosísimo por su papel de Gus Fringe en las series Breaking Bad y Better Call Saul. Un moff es un alto cargo político y militar del Imperio galáctico, y este en concreto va detrás de Grogu porque el niño es sensible a la Fuerza: tiene habilidades propias de los caballeros jedi que lo convierten en un ser potencialmente muy poderoso. El moff Gideon y sus antiguos compañeros del Imperio buscan experimentar con Grogu para transferir sus poderes a nuevos soldados.

Mando se ve reflejado en el crío, pues él también fue un huérfano, acogido precisamente por una tribu de mandalorianos que sigue una estricta fe religiosa. Después de muchas luchas y peligros, Din Djarin y sus amigos (y no sin algunas bajas y muchos sacrificios) conseguían vencer al moff Gideon y salvar a Grogu. Y el mandaloriano, malherido, mostraba su cara a su amiguito (y, ya de paso, al público): la de un Pedro Pascal que pone voz al personaje (y que lo interpreta, pero no siempre que este lleva puesto el casco, ya que es sabido que también Brendan Wayne, nieto del mítico actor John Wayne, suele estar debajo del traje en muchas secuencias).

· Temporada 2

En la temporada 2, Mando quiere llevar al niño con los suyos, con los jedi: una religión devota de la fuerza con la que los mandalorianos han tenido fuertes enfrentamientos en el pasado. Esta segunda entrega todavía mantiene el espíritu de la primera al presentar algunos capítulos que son pequeñas aventuras aisladas, prácticamente autoconclusivas, con una gran presencia de monstruos espaciales, y que beben mucho del cine bélico, del de aventuras y, sobre todo, del cine del oeste, y que incluyen hasta un personaje llamado el Marshal que interpreta Timothy Olyphant, actor que se dio a conocer precisamente en un western televisivo de mucho prestigio de la HBO: Deadwood.

Pero esta temporada 2 ya conecta mucho más directamente con otras películas y series del universo de Star Wars: en especial, con la trilogía original y la trilogía de las precuelas (es decir, con la historia que va del Episodio I al Episodio VI). De hecho, en esta temporada 2 de hay influencia y personajes de la serie Star Wars: The Clone Wars, y no es casualidad, pues uno de los productores ejecutivos de The Mandalorian (y coguionista de la nueva película) es Dave Filoni, presidente de Lucasfilm y, anteriormente, también uno de los responsables de la mítica serie de animación.

En sus aventuras y viajes, Grogu y el Mandaloriano llegan dan con Ahsoka, interpretada por Rosario Dawson (que, por cierto, tiene su propia serie en Disney +, estrenada en en 2023). Esta jedi, que en su día fue nada más y nada menos que aprendiz de Anakin Skywalker, parece ser capaz de descifrar los secretos de Grogu, empezando por su nombre, pues hasta ese momento no lo conocíamos. Ahsoka no quiere tomar a su cargo al pequeñín, pues cree que no puede formarse como un verdadero jedi, pues descubre en él no solo traumas, sino también una unión muy fuerte con su amigo mandaloriano, y sabe que será muy difícil, duro y puede que hasta peligroso separarlos.

Mientras tanto, el moff Gideon ha vuelto, y consigue secuestrar al niño, por lo que Mando deberá pedir la ayuda de antiguos aliados, como Cara Dune o Greef Karga, o de nuevos conocidos como Bo-Katan Kryze, de la realeza mandaloriana, que ahora vive prácticamente como exiliada desde el gran desastre que sucedió en el planeta de Mandalore, que acabó con buena parte de los mandalorianos y los expulsó de su tierra.

El último episodio de la temporada 2, titulado El rescate, es de los más recordados de toda la serie. En ese capítulo, los protagonistas se embarcan en una misión prácticamente suicida para recuperar a Grogu. Sin embargo, ni siquiera toda su fuerza combinada es capaz de hacer frente a los peligrosísimos robots armados con los que cuenta Gideon, y Mando y sus amigos se enfrentan a una muerte casi segura... Hasta que, de repente, ven llegar una nave del tipo ala X, en la que va montado un jedi, quizá el más poderoso de toda la galaxia, acompañado de su androide.

Una figura encapuchada, vestida de negro, con un brazo que parece robótico, y su famoso sable verde, tal y como se nos mostraba en El retorno del jedi, solo que ahora domina todavía más sus habilidades. El rescate de los protagonistas por parte de Luke Skywalker es sin duda uno de los mejores momentos de todo el universo de Star Wars. Luke ha sabido de la existencia de Grogu, y ha decidido no solo salvarlo, sino también tomarlo como aprendiz. Din Djarin, nuestro mandaloriano, ha conseguido su objetivo de llevar al niño con los suyos, pero tanto él como su amigo están muy tristes por tener que separarse. En una despedida preciosa, Djarin vuelve a mostrar su rostro a Grogu, y se funden en un abrazo.

La segunda temporada de The Mandalorian nos contaba también el regreso de otro personaje de la trilogía original: uno al que habíamos dado por muerto en el episodio VI y que en realidad había conseguido salvarse: no, no me refiero al emperador, sino a Boba Fett, el cazador de recompensas que había caído en las fauces del Sarlacc para ser digerido a lo largo de de mil años, tal y como se nos contaba por parte de C3PO y de Jabba el Hut en El retorno del jedi.

La operación de rescate de Han Solo que se nos muestra en esta película, y que habían orquestado sus amigos Luke, Leia, R2-D2, Chewbacca y Lando Calrissian, llevó a que, casi por error, el mismo Han Solo empujara a Boba hasta la boca del monstruo… Pero en la serie descubrimos que Boba Fett, el personaje que precisamente inspiró a todos los mandalorianos del universo de Star Wars con su presencia amenazante, su armadura, sus propulsores y su casco, sobrevivía. Y en El mandaloriano se hace amigo del protagonista. En la escena poscréditos de la segunda temporada de la serie se nos muestra que tanto él como su amiga y socia Fennec Shand se acaban haciendo con los bajos fondos del planeta de Tatooine, ocupando el liderazgo de la banda criminal que antes había estado a los mandos de Jabba.

· El libro de Boba Fett

En El libro de Boba Fett se nos cuentan los detalles de cómo Boba conseguía salvarse del Sarlacc, y se nos mostraba que era después capturado (y posteriormente adoptado) por una tribu de moradores de las arenas. Sin embargo, después de una matanza, el protagonista tenía que seguir su camino. Conocía y salvaba la vida de Fennec Shand, otra asesina a sueldo que posteriormente sería su mejor amiga, y tenía que afianzar su posición en los bajos fondos del planeta arenoso, haciendo frente incluso a los gemelos hutt, los primos de Jabba.

Pero más allá de su tono western y de sus homenajes a Lawrence de Arabia y hasta a El padrino, y de recuperar elementos tan apreciados por los fans como el palacio de Jabba o hasta un rancor, por lo que de verdad aparece la serie aquí es porque plantea algunos acontecimientos de vital importancia en la historia de Din Djarin y de Grogu, pues recordemos que sus caminos se habían separado. El caso es que Grogu y Din Djarin ya están juntos de nuevo al inicio de la temporada 3 de The Mandalorian, por lo que es imprescindible ver esos tres capítulos finales de El libro de Boba Fett para saber cómo se reencontraron.

Después de su separación, Mando sigue trabajando de cazarrecompensas, y ahora acepta incluso misiones más difíciles, pues ya no tiene que cuidar del niño. Tira hacia adelante porque cree que separarse de él para que este volviera con los suyos ha sido lo correcto. Mientras tanto, Grogu sigue con su formación de jedi, bajo la tutela de Luke Skywalker. Sin embargo, como también le pasaba al propio Luke de joven, Grogu siempre parece estar mentalmente en otro lado, y echa menos a su amigo.

A Mando su tribu le echa en cara que haya cometido un pecado gravísimo según sus creencias: revelar su rostro. Y le advierten de que le considerarán un hereje hasta que se bañe en las aguas vivas del planeta Mandalore, que está asolado por una maldición después del gran desastre que expulsó de allí a los mandalorianos. Sin embargo, y a pesar de rechazarlo por haber roto un principio fundamental de su credo, le ayudan a forjar una pequeña armadura para Grogu, que sirva para protegerle, y que será su obsequio como huérfano que ha estado a cargo de los mandalorianos.

Din Djarin se lo quiere entregar a Grogu en persona, pero Ahsoka, que también está junto a Luke, R2-D2 y Grogu, le aconseja no hacerlo, pues, según las creencias de los jedis, si el niño ve a su antiguo protector le resultará todavía más difícil seguir separados y continuar formándose. Los jedis le dan a Grogu el obsequio del mandaloriano de su parte, y a este el regalo le hace muy feliz, pero también le remueve.

Luke Skywalker percibe los sentimientos del niño y le pide a Grogu que tome una difícil decisión: le pone delante, a un lado, la armadura mandaloriana; y a otro, una espada láser que perteneció al mismísimo Yoda. Luke le dice a Grogu que tendrá que escoger su camino: completar su formación como jedi rompiendo todos sus lazos del pasado… o volver con su amigo, vivir como un mandaloriano y alejarse de los senderos de la fuerza.

Grogu lo pasa mal, porque sabe que tiene un gran dilema… que se nos resuelve al final de El libro de Boba Fett. Y es que el niño con poderes decide volver con su amigo (lo que, en buena medida, es un gran alivio, y no solo porque supone el reencuentro con Mando y la continuación de sus aventuras, sino porque si has visto las secuelas (los episodios VII, VIII y IX) sabes que, probablemente, de seguir con Luke, Grogu habría sido asesinado por Kylo Ren). Y Grogu ya había sobrevivido por los pelos a una gran matanza, pues como nos cuenta tanto El libro de Boba Fett como la tercera temporada de El mandaloriano, Grogu era uno de los niños que vivían como aprendices en el templo jedi justo cuando Palpatine, antes de convertirse en el emperador, decidió poner en marcha la orden 66, con la consiguiente masacre de caballeros jedi y aprendices, algunos de ellos muy pequeños.

· Temporada 3

La temporada 3 de The Mandalorian está mucho más centrada en el personaje de Bo-Katan Kryce, la reina mandaloriana en el exilio, una gran amiga y aliada de los protagonistas, que intentarán reunir a las distintas tribus mandalorianas para lograr que superen sus odios profundos y diferencias, e intentar recuperar el planeta Mandalore después de la Gran Purga que sufrieron. Din Djarin y Grogu estarán allí para ayudarla.

Al inicio de esta tercera entrega, Mando se baña en las aguas vivas, por lo que consigue volver a ser admitido como mandaloriano según su credo (eso sí, no puede quitarse el casco de nuevo delante de nadie). Djarin también es capturado y, después, rescatado gracias a Grogu y a Bo-Katan. Y tienen que hacer frente de nuevo, presumiblemente ahora de forma definitiva, al gran villano, el moff Gideon, que había conseguido escapar de camino al juicio que le iba a hacer la nueva República.

Además, Grogu es admitido como huérfano mandaloriano por la tribu de Din Djarin, consigue avanzar en el desarrollo de sus poderes mientras aprende la forma de vida mandaloriana y, finalmente, es adoptado de forma oficial como hijo por parte de Mando, por lo que ahora el niño asume el nombre de Din Grogu. Esto seguro que es importante de cara a la película.

Al final de la serie, el mandaloriano Din Djarin recibe de parte de su amigo Greef Karga, que ahora es el político más importante del planeta Nevarro, unas tierras para instalarse en recompensa por haber ayudado a sus habitantes en momentos de peligro y necesidad. Djarin decide, ahora que es padre, aceptar misiones que en principio sean menos peligrosas, trabajando como cazarrecompensas con un solo contratista: la nueva República. Busca ayudar de esta manera y llegar a aquellos lugares donde no alcance la nueva y frágil autoridad política del nuevo régimen democrático, y todo parece indicar que sus misiones pasarán por enfrentarse a los reductos imperiales que todavía conspiran en las sombras.

En un plano final precioso, que recuerda a los cierres de las mejores películas del oeste, el mandaloriano y Grogu están tranquilamente en el porche de una pequeña y bonita casa: su hogar, un lugar acogedor y cálido en un mundo duro y hostil. Y obtienen por fin de una tranquilidad y de una paz que los dos se merecen y de la que en el pasado no han podido disfrutar mucho. Un cierre perfecto, en el que quedan a la espera de nuevas aventuras, que por fin podremos saber cómo continúan.

Según hemos podido ver en el tráiler, Star Wars: The Mandalorian and Grogu traerá de vuelta a viejos conocidos de la serie, además de presentar nuevos personajes, y recuperará algunos de los elementos más icónicos de la trilogía original: los AT-AT, esos tanquetes con cuatro patatas con los que los soldados imperiales atacaban a los rebeldes en el planeta helado de Hoth en El imperio contrataca; o los transportes bípedos que disparaban a través de los bosques de la luna de Endor en El retorno del jedi.

Esperemos que The Mandalorian and Grogu no pierda la esencia original de la serie, esa que la hizo tan especial, que siga centrada en el vínculo de los protagonistas, en lo mucho que se necesita pese a que, en apariencia, sean tan diferentes. Que nos ofrezca una aventura entrañable y divertida a través de los rincones más remotos de la galaxia que nos recuerde a muchos la fascinación que sentimos por las películas de Star Wars en el momento en que las descubrimos.

Y no olvidemos que estos personajes serán la entrada a este universo para nuevos fans: seguro que algunos de ellos serán niños pequeños, y tendrán muchas horas de diversión por delante si después se animan con las diversas trilogías, pero este mundo maravilloso que surgió de la mente de George Lucas, y que ahora continúan Jon Favreau, Dave Filoni y Noah Kloor, les pertenecerá también a ellos desde el mismo momento en que se asomen a esta película.

Allá por 2019, cuando Movistar Plus era la casa de la comedia gracias a su apuesta por programas de humor, una generación de cómicas se ganó por derecho propio la oportunidad de tener voz en espacios televisivos reservados hasta entonces para hombres hablando de cosas de hombres. Las que faltaban no tuvo una vida especialmente larga en la TV de pago, pero sí fue suficiente para descubrir ante el gran público a mujeres con mucho que contar.

Entre las Thais Villas, Henar Álvarez, Eva Soriano, Susi Caramelo o Nerea Pérez de las Heras asomó Victoria Martín, una humorista y guionista que había roto moldes en Internet con sus sketches sobre la cultura milenial y sus parodias de influencers, y cuyo humor llegó como un soplo de aire fresco para generaciones de espectadoras que no se sentían representadas en los grandes formatos cómicos.

Siete años después de aquello, y tras haber construido una carrera con éxitos como el podcast Estirando el chicle, Victoria Martín cierra el círculo con el estreno, este jueves 21 de mayo en Movistar Plus, de su propia serie de ficción. Una producción basada en su libro Se tiene que morir mucha gente y que es, sin matices, todo lo que te esperas de una serie de Victoria Martín.

Protagonizada por Anna Castillo, Macarena García y Laura Weissmahr, la nueva ficción original de la plataforma de Telefónica cuenta la historia de Bárbara, Elena y Maca, tres amigas de la infancia que hacen frente a distintas frustraciones de su generación. Es, sin embargo, la crisis personal de una de ellas la que hace que todo salte por los aires y se cuestione, desde el humor más negro, si odia a sus amigas o si lo que no soporta es su vida en general.

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La serie de Victoria Martín

Por convicción o por casualidad, Movistar Plus ha encadenado en cuestión de un mes el estreno de dos series, Yo siempre a veces y Se tiene que morir mucha gente, que tienen mucho en común. Más allá de los títulos largos y de haber compartido presencia en Canneseries, ambas ficciones creadas y dirigidas por mujeres tienen a las nuevas generaciones de treintañeras en el centro de su trama. No obstante, si la primera destaca por ser un retrato realista de la precariedad de una generación a través de los ojos de una madre soltera, esta segunda es un relato cómico de los dramas milenial con la salud mental en el centro.

Quien se disponga a ver sus 6 capítulos habiéndose leído el libro del que parte, encontrará la misma historia fielmente representada en pantalla. Quien lo haga siendo conocedor del universo de Victoria Martín, reconocerá en el personaje de Anna Castillo a la cómica que ya conoce por sus monólogos y sus podcast. Y quien se lance a ciegas verá, sin más prámbulos, una genialidad. Una, eso sí, que quizás no es apta para todos los sentidos del humor.

Ver a la actriz catalana, que lidera el trío protagonista en el papel de Bárbara, es ver a Victoria Martín con su comedia llena de retranca, ironía y a veces autodesprecio. La propia creadora admite en una entrevista con verTele que la historia es en cierto modo autobiográfica: “Tiene mucho de mí, de mis amigas, de mujeres que conozco y, evidentemente, de personas horribles”, expresa.

Tanto Martín como Nacho Pardo, también director y productor, confiesan que siempre visualizaron a Anna Castillo en ese papel: “Era imposible no pensarlo, era un sueño que teníamos y cuando le pasamos los guiones aceptó muy rápido”. A quien costó más encontrar fue a la jovencísima Sofía Otero, que es la gran sorpresa de la serie con un personaje que ejerce de genial contrapunto de la protagonista como su niña interior y que es capaz de verbalizar lo que todo el mundo piensa, pero pocos dicen en voz alta.

“Fue un proceso muy difícil de casting. Era una niña muy pequeña que tenía que hablar como una adulta. Vimos a más de 300 niñas y Sofía fue literalmente la última”, cuentan los directores a este portal. Su elección ha acabado siendo todo un acierto para representar un personaje que no estaba ni en el libro ni en los primeros bocetos de la ficción, que paradójicamente fue antes un guion audiovisual que una novela. “Elegir a Sofía, aparte de que es una actriz increíble, era porque tenía la madurez suficiente como para entrar en estas bromas y en esta comedia, que pertenecen más al mundo adulto”, agregan.

Frustraciones milenial para todas las generaciones

Ese humor generacional que identifica a quien firma y dirige Se tiene que morir mucha gente -junto a Sandra Romero y al mencionado Nacho Pardo- es el vehículo para que esta ficción sea un preciso retrato -definición que a buen seguro Victoria odiaría- de muchas de las frustraciones que representan sus tres protagonistas: jóvenes treintañeras compartiendo piso, sin trabajo estable, con pocas expectativas sobre el futuro, sin estabilidad emocional y con los ansiolíticos como refugio. “Yo no tengo putos sueños”, llega a decir su protagonista en una de las secuencias; un auténtico drama que, entre la risa, apela directamente a su público potencial.

Reflejar desde la comedia que alguien es más infeliz al ver la felicidad ajena no lo hace menos duro, pero el peaje no es tan doloroso. Desde ese prisma la serie también reflexiona sobre la salud mental y va de frente para denunciar la situación de las mujeres cómicas en un sector que, todavía en pleno 2026, prioriza a los hombres.

Punto de vista generacional pero temas universales que hacen que para sus directores, Se tiene que morir mucha gente pueda gustar a todo tipo de público independientemente de su edad. “Yo creo que, al final, no gustarte a ti mismo, sentirte solo y odiarte no es de esta generación, creo que es de todas”, desliza Victoria Martín. Sandra Romero, por su parte, apunta más al sentido del humor del público que se acabe asomando a la serie: “Tiene que ver con qué tipo de comedia conectas. Más que si es una serie generacional o no, va con el tipo de humor con el que te ríes”.

Anna Castillo y Macarena García, el reencuentro que merecíamos

Más allá de la socarronería, si hay algo que funciona en Se tiene que morir mucha gente es la pareja que forman Anna Castillo y Macarena García, dos amigas en la vida real a las que el público de su generación deseaba ver juntas de nuevo. Casi una década después de la película La Llamada y de la serie Paquita Salas, el origen del universo audiovisual de Los Javis, las actrices comparten al fin otro proyecto que parece hecho a medida para ellas.

Para la primera, por las semejanzas que unen su perfil cómico con el del humor de Victoria Martín, que ya hemos comentado. Para la segunda, porque da vida a un personaje, Elena, del que puede estar lejos a nivel personal, pero con el que se luce más que nadie en la serie.

Frente a la situación de sus amigas Bárbara y Maca, una cómica frustrada y una actriz que trabaja de camarera porque no consigue ningún papel, Elena es la que representa esa parodia del éxito en Se tiene que morir mucha gente. A sus 30 está casada con un hombre que le dobla la edad y ha alcanzado el sueño de su vida: no volver a trabajar. Sin embargo, todas las capas con las que se protege se van cayendo una a una, para deleite de los espectadores.

Macarena brilla con Elena en solitario y, sobre todo, se luce en todas sus interacciones con Anna. Secuencias que ya han empezado a hacerse virales incluso antes del estreno, y que reflejan los puntos más álgidos de la serie en su conjunto. “Tener que trabajar la química entre las actrices, que es un trabajo que hay que hacer cuando hay amistades en la ficción, si ya son amigas de base como en este caso nos hace el trabajo muchísimo más fácil”, expresa Nacho Pardo.

Entre ese dúo ha encajado también bien una Laura Weissmahr, la tercera del trío, que lo tenía más complicado para lucirse, pues el peso cómico de la serie recae especialmente en sus compañeras de reparto. “Cuando vimos a Laura, que tiene una energía completamente distinta, vimos que elevaba todo aquello. Ha terminado siendo la tercera mejor amiga y ha pasado también en la vida, que se llevan increíblemente bien y todo nació a raíz de la serie”, valora por su parte Sandra Romero.

La historia de estas tres amigas, reales y de ficción, llega completa este jueves 21 de mayo a Movistar Plus.

La temporada 2025/2026 encara estas semanas su recta final. En poco más de un mes diremos adiós a un curso televisivo que será recordado por unas cuantas noticias de impacto. Por encima de todas destaca la histórica renuncia de RTVE a participar en Eurovisión por la presencia de Israel, aunque tampoco hay que obviar otras como la marcha de Jesús Vázquez de Mediaset o el adiós de Samantha Vallejo-Nágera a MasterChef. Y si entramos en el capítulo de las audiencias, ahí hemos tenido el liderato continuado de Antena 3, el explosivo crecimiento de La 1 o el apretado pulso entre Cuatro y laSexta.

En el siguiente análisis no vamos a detenernos en nada de esto, sino en algo que puede parecer secundario a simple vista, pero que nos afecta directamente como espectadores: las anomalías de programación que hemos presenciado esta temporada. Hablamos de las decisiones más sorprendentes y atípicas —que no necesariamente fallidas— que han tomado las cadenas generalistas a la hora de colocar sus series y programas en la parrilla. Decisiones que han ido desde emitir formatos fuera de sus fechas habituales hasta cambiar otros de día o franja de emisión sin motivo aparente, pasando por otros movimientos pocas veces vistos en la televisión lineal.

A continuación repasamos seis de los más relevantes que ya nos ha dejado este curso. Y decimos 'ya' porque la cosa no acaba aquí. Por delante tenemos la próxima revolución de las tardes de Telecinco y la convicción de que los jefes de programación del resto de cadenas no van a quedarse con los brazos cruzados, sino planeando cualquier cambio que les permita arañar unas décimas de share.

1) Los casos de 'Barrio Esperanza' y 'Trivial Pursuit'

Empezamos nuestro repaso con Barrio Esperanza, el ejemplo más claro y reciente de programación fallida. La serie protagonizada por Mariona Terés se estrenó con gran éxito el domingo 19 de abril, cuando fue capaz de aprovechar su temprano inicio (22:00 horas) para eclipsar a la competencia con un 15.3% de cuota y 1.6 millones de espectadores de medio. Sin embargo, en vez de dejarla ahí y seguir explotando su potencial, La 1 pasó a emitirla los miércoles a las 23h, condenándola a una profunda fuga de público y a datos tan pobres como el que cosechó la semana pasada (7.7% de share y 665.000 televidentes).

La cadena pública, que inicialmente justificó este movimiento, ahora ha decidido dar marcha atrás y ofrecer los dos últimos capítulos este próximo domingo a las 22h. Por desgracia, el daño ya está hecho y la medida llega muy tarde. Tan tarde como los horarios de emisión a los que nos tienen acostumbradas las cadenas generalistas, tal como denunció la propia Mariona Terés.

Mención aparte merece Trivial Pursuit. La adaptación del mítico juego de mesa fue anunciada hace casi un año con vistas a emitirse diariamente en las tardes de La 1, que por aquel entonces languidecían con La familia de la tele. Sin embargo, RTVE nunca ha llegado a emitirlo ahí. Tras presentarlo para La 1, para La 2 y llegar a dejarlo en el limbo, finalmente lo estrenó la noche del viernes 13 de febrero en La 1. Ahí estuvo hasta el 23 de marzo, cuando fue trasladado al access diario de La 2. Desde entonces se emite ahí de manera satisfactoria, pues tras tantos mareos, el concurso presentado por Egoitz Txurruka finalmente ha encontrado su sitio como telonero de Cifras y letras, con el que forma una sólida pareja en audiencias.

2) Los cambios en los access de Mediaset

Trivial Pursuit no es la única 'víctima' que nos ha dejado esta temporada en materia de programación. Otro ejemplo claro lo encontramos en First Dates, cuyo 2026 está siendo toda una montaña rusa. El dating de Carlos Sobera empezó el año ascendiendo al access de Telecinco y dejando su lugar en Cuatro a Horizonte, que a finales de enero se convirtió en un programa diario. La idea inicial era que solo lo fuera durante un mes, pero Mediaset no tardó mucho en confirmar que Iker Jiménez y los suyos se quedarían ahí por tiempo indefinido.

A priori, esto no tenía que ser un problema para First Dates siempre y cuando mantuviera su sitio en el access de Telecinco. El problema es que no lo mantuvo, porque fue llegar La isla de las tentaciones 10 y ver reducida su presencia en la parrilla al tardío prime time de los miércoles, después del tercer access de la semana para el reality de Sandra Barneda. Este, siguiendo la estrategia de su anterior edición, volvió a la parrilla para ser más un programa de access (lunes, martes y miércoles) que de lo que entendemos por prime time (lunes).

Sin embargo, tras ver que estaba sufriendo mucho ante El Hormiguero, La Revuelta y la Champions League —8 noches de 12 por debajo del 10%—, Telecinco reculó y devolvió a First Dates al access solo un mes después para dedicar el tardío prime time de los lunes y los miércoles a las Tentaciones, siendo este su actual ritmo de emisión.

3) Un 'Supervivientes' en septiembre y un 'GH' en noviembre

Como decíamos, la primera edición de La isla de las tentaciones con tres access por semana fue la pasada, la número 9, que Telecinco emitió entre principios de noviembre y mediados de enero. El programa producido por Cuarzo (Banijay Iberia) fue uno de los tres realities que la cadena emitió en el primer cuatrimestre de la temporada, toda una rareza y también toda una declaración de intenciones por su parte, ya que puso toda la carne en asador estrenando entre septiembre y noviembre Supervivientes All Stars 2, La isla de las tentaciones 9 y GH 20.

La primera sorpresa nos la llevamos con el reality aventurero, pues Telecinco no lanzaba una nueva edición de Supervivientes en septiembre desde Supervivientes 2001, aún con concursantes anónimos. En noviembre llegó el turno de las Tentaciones, que solo una vez antes habían comenzado una edición en dicho mes (la cuarta, en 2021). Y también en noviembre vio la luz GH 20, siendo ésta la primera edición de la historia de Gran Hermano que arrancaba a estas alturas del calendario. Por desgracia, también acabaría siendo la primera en terminar tras sólo 42 días de conviviencia, convirtiéndose en la edición más corta y menos vista de la historia del mítico reality. Otra anomalía más que sumar a la lista.

4) 'Malas lenguas', el programa con dos cadenas y dos horarios

En esta lista no puede faltar Malas lenguas, protagonista de una de las mayores rarezas de la temporada en lo que a programación se refiere. Y es que el programa de Jesús Cintora es el único que se emite diariamente en dos cadenas y dos tramos horarios distintos: de 17:40 a 19:35 horas en La 2 y entre las 19:35 y las 20:30h en La 1.

Inicialmente sólo iba a emitirse en La 2 entre las 19 y las 21h, pero el mal funcionamiento de La familia de la tele llevó a La 1 a hacer mil y una pruebas hasta dar con las competitivas tardes que tiene actualmente. Malas lenguas formó parte de esta dinámica de 'ensayo y error', llegando a emitirse algunos días en la sobremesa de La 1 y después en el tramo final de las tardes de La 2. Actualmente se emite primero en la segunda cadena pública y después en la primera, y además con tan buenos datos (6-8% en La 2, 10-12% en La 1) que RTVE lo premió a finales de abril con una versión para la noche de los sábados en La 2 (Malas lenguas noche), donde compite desde entonces con laSexta Xplica.

5) Las dobles entregas de 'Lo de Évole'

La programación de los canales de Atresmedia es tan estable que cuesta encontrar anomalías dentro de ella. Pero como suele decirse, haberlas haylas. Una de ellas es Lo de Évole, que hasta esta temporada reservaba sus dobles entregas a invitados de gran impacto. Sin embargo, 7 de los 12 programas de su última tanda han tenido dos partes —Alba Flores, Iñaki Urdangarin, Loles León, Lola Herrera, Marc Giró, Alejandro Sanz y Álvaro García Ortiz—. Y dado que la mayoría de ellas han cosechado buenos datos de audiencia, cabe preguntarse por qué laSexta no recurrió antes a esta estrategia. Lo que parece seguro es que ha venido para quedarse, pues laSexta gana audiencia con ella y el formato de Jordi Évole, más tiempo en pantalla.

6) Los programas de una sola emisión

Cerramos nuestro repaso con la sexta y última anomalía a destacar: la de aquellos programas con una sola emisión. En este grupo encontramos el reciente paso por Antena 3 de Una fiesta de muerte, una especie de 'Cluedo' con famosos presentado por Àngel Llàcer que fue capaz de liderar la noche en que se emitió (12.8% el sábado 25 de abril). Eso sí, antes de su estreno la cadena aclaró que esta sería “la primera entrega” de una serie de episodios “autoconclusivos” alrededor de este formato sin periocidad fija, del que parece que próximamente veremos nuevos programas.

Más dudas hay acerca de la vuelta de Crossobar, un programa de sketches al estilo Homo Zapping que también dio la talla en su única noche en La 1 (12.4% el 29 de enero). Por ahora, se desconoce si este formato capitaneado por Arturo Valls y Lalachus volverá a la cadena pública, la cual cuenta en su currículum con las dos cancelaciones más fulminantes del curso (Cuánto, cuánto, cuánto y Al margen de todo tras dos y tres entregas, respectivamente) y otra marca carente de periodicidad: La casa de la música, que vio la luz en Nochevieja y volvió a la parrilla el pasado sábado para cubrir la ausencia de Eurovisión.

Cuando el pasado sábado se anunciaron los 516 puntos que daban la victoria a Bulgaria en Eurovisión 2026, muchos respiraron aliviados al ver que el festival evitaba el temido triunfo de Israel, que ha vuelto a manchar un año más un certamen que sigue permitiéndole blanquear en TV un genocidio que deja hasta la fecha más de 72.000 personas asesinadas en Gaza. Sin embargo, la realidad es que lo ocurrido en Viena es un verdadero éxito para la candidatura israelí, al colarse por segunda vez consecutiva en esa pantalla final con la que venden un falso apoyo popular por parte de Europa; y también para la UER, que contenta a los hebreos mientras sortea el 'marrón' de tener que celebrar el evento en su país, un hecho que sí podría darle su sentencia de muerte definitiva.

La coronación de Dara como ganadora de Eurovisión 2026 gracias a su canción Bangaranga no es más que otro 'parche' que, por encima de lo que algunos quieran promulgar, sigue poniendo en entredicho la limpieza del concurso musical. Por un lado, porque la plata ha sido por segundo año consecutivo para Israel, dejando otra vez a la UER en la posición más cómoda: a la KAN le vale el resultado para hacer creer al mundo que cuenta con el respaldo de la ciudadanía europea mientras se victimiza -como ha hecho Netanyahu- al alegar que el jurado les apea injustamente de la gloria y la organización evita que un triunfo de los hebreos obligue a llevar a su territorio el certamen, algo a lo que muchos más países se opondrían y que pondría a la institución, al fin, entre la verdadera espada y la pared.

Por otro, porque sospechosamente la clasificación final de Eurovisión 2026 ha traído alegrías para Bulgaria (1º), Rumanía (3º) y Moldavia (8º), los tres países que la UER rescató para maquillar la sonada salida de España y otros cuatro estados -Países Bajos, Irlanda, Estonia e Islandia-. Los tres repescados, que abandonaron el evento en el pasado asegurando no tener la solvencia económica suficiente para poder participar, han regresado por todo lo alto: entrando dentro del TOP 10 del ranking definitivo y colándose entre tres de los cuatro países -junto a Israel- con mayor puntuación por parte del televoto. Durante los últimos días, se ha puesto en duda la financiación de las tres candidaturas, pues llama la atención no solo que hayan podido volver a Eurovisión sin mayor problema sino que lo hayan hecho de una forma tan competitiva.

Eurovisión, un festival cada vez más turbio y dudoso

Para colmo, la polémica en Moldavia por la baja puntuación que su jurado dio a Rumanía -3 puntos frente a los 12 de su televoto-, con la cadena pública moldava TRM mostrando su disconformidad con los jueces y su director general presentando este lunes su dimisión por lo que allí consideran “un escándalo”, no hace sino enturbiar aún más la situación. En el discurso con el que Vlad Turcanu ha anunciado su decisión, según recogieron medios locales, el responsable de la emisora lamenta que los expertos designados como jurado profesional de Eurovisión 2026 no tuviese en cuenta “la sensibilidad existente entre la República de Moldavia y los dos países vecinos: Rumanía y Ucrania”. Es decir, deslegitima la independencia de sus jueces y reconoce abiertamente unos intereses geopolíticos que la UER se empeña de manera burda en negar.

Además, tampoco invita a creer que es coincidencia el 'castigo' que han recibido este año dos de los países nórdicos: Suecia y Finlandia. Los primeros, que estaban entre los favoritos en los meses previos a Eurovisión 2026 y cuya representante fue reprendida por la UER tras quejarse de la participación de Israel, acabaron obteniendo su peor resultado desde 2010 con una 20ª posición. Los segundos, que se posicionaron poco a poco como claros candidatos al Micrófono de Cristal durante la misma semana en Viena, cayeron a la sexta plaza. Todo ello, tras filtrarse en la prensa de Israel a pocos días de la final que una victoria de Finlandia podría complicar la participación del estado hebreo en 2027 al ser el gigante escandinavo un territorio 'hostil' para ellos.

¿Y si la solución era que Israel ganase Eurovisión?

Con todo, son cada vez más quienes parecen tener claro que la inmovilidad de la UER solo se podría romper con una victoria de Israel que pusiera a la institución en la tesitura más delicada. ¿Sería capaz de dar luz verde a una edición de Eurovisión en un país envuelto en varios conflictos bélicos, independientemente de la deslegitimación de los mismos? ¿Cuántos países más abandonarían el certamen al negarse a participar en un evento organizado por un país genocida?

El marco cambiaría por completo, el tablero se agitaría y se demostraría que lo vivido durante los últimos tres años no es más que un sainete en el que todos validan el 'elefante en la habitación': que la UER está siendo cómplice del uso que Israel está haciendo de Eurovisión para blanquear sus crímenes de guerra y su masacre sobre Palestina.

Mientras tanto, como decíamos, la Unión se sigue encontrando el escenario más favorable para no ejecutar cambios sustanciales en un histórico concurso que cada año que pase ve más complicada su reconstrucción. E Israel, por su parte, se beneficia de la paradoja que supone no terminar de consumar una victoria que, a fin de cuentas, no le conviene. A la KAN le interesa más seguir siendo segunda -con amenazas continuas de triunfo- para continuar imponiendo su relato y que el Micrófono de Cristal se lo lleven países aliados que le pongan año tras año la alfombra roja en el festival.

Para más inri, hace unos días Martin Green, director de Eurovisión, no cerraba la puerta al regreso de Rusia y precisamente Bulgaria, el país que acogerá la próxima edición, acaba de constituir un gobierno prorruso tras sus últimas elecciones generales. Por tanto, la UER ve allanado el terreno para plantear la posible vuelta de Rusia y tratar de acallar las críticas por el doble rasero que ha tenido con Israel en estas tres últimas ediciones.

Con todo, RTVE fijó para este 17 de mayo, un día después de la final de Eurovisión 2026, la fecha en la que comenzaría a estudiar las condiciones de su posible vuelta al certamen. Habrá que esperar para ver si este enmarañado contexto complica aún más las cosas y si, tras lo ocurrido en Viena, otros países (con Portugal sumida en presiones internas y con Bélgica advirtiendo ya de su posición contra Israel) se suman a España y los países retirados para plantarse y pedirle a la UER un debate limpio y real sobre el futuro del festival.

Eurovisión celebra este sábado 16 de mayo la final más polémica de su historia. El certamen, que lleva dos ediciones consecutivas en 'jaque' por Israel, llega a la cita de Viena 2026 con las alarmas encendidas y con dos posibles desenlaces: que todo acabe saltando por los aires con una victoria de la KAN israelí, o que la Unión Europea de Radiodifusión se agarre al clavo ardiendo de un país favorito como Finlandia para agitar el tablero de aliados.

Como en verTele hemos ido advirtiendo y analizando en nuestras coberturas de Malmö 2024 y Basilea 2025, el festival de la UER ha pecado de una excesiva permisividad con la delegación de Israel. No únicamente permitiéndoles participar en plena masacre en Gaza y ofreciéndoles un escenario de millones de espectadores, sino también protegiendo a la cadena israelí a pesar de sus incumplimientos constantes de las normas del festival; y a su vez permitiendo la adulteración del televoto cometida por el gobierno hebreo sin tomar medidas, como recientemente ha reconocido el director Martin Green.

De este escaparate propagandístico en el que se ha convertido Eurovisión se bajaron en el camino a Austria las televisiones públicas de España (RTVE), Países Bajos (AVROTROS), Irlanda (RTÉ), Eslovenia (RTVSLO) e Islandia (RÚV), tras intentar sin éxito recuperar el espíritu del certamen expulsando a Israel. Pese a las medidas cosméticas de la UER para llevar a cabo la edición de Viena, la ausencia de los cinco países con más dignidad de Europa no ha hecho sino confirmar que nada ha cambiado en el seno del festival.

Lo que debería haber sido una celebración de los 70 años de un certamen que une a través de la cultura, es de nuevo una cita llena de tensión política que el público europeo vivirá con el corazón encogido hasta saber si al Gobierno de Israel le salen las cuentas con los votos y esta vez es la vencida. Porque en eso han convertido Eurovisión: en una herramienta de poder mediático que ya tiene poco de concurso musical.

Israel mancha otra final de Eurovisión con polémica (y ya van 3)

Que el Gobierno israelí haya admitido que invirtió “mucho dinero” en campañas para fomentar el voto en las ediciones de 2024 y 2025, algo que está prohibido en las normas de Eurovisión, no ha impedido que se presenten en Viena con las mismas prácticas y objetivos. Tras el testeo en Malmö con la candidatura de Eden Golan, en Basilea la estrategia les sirvió para ganar el televoto y estar a punto de levantar el Micrófono de Cristal con Yuval Raphael. Dos candidaturas politizadas hasta el extremo que no habrían sido las únicas con inversión gubernamental, pues el New York Times ha desvelado estos días en una investigación que el Ejecutivo llevaría implantando estas prácticas al menos desde 2018, el año de su última victoria.

El propio director de Eurovisión, Martin Green, que antes del inicio de la semana eurovisiva admitió que no fueron lo “suficientemente estrictos” con la adulteración del televoto israelí, y que hace unos días envió una advertencia formal a la KAN por volver a saltarse las normas con campañas de voto masivo que no están permitidas, vio el martes cómo se repetía la historia en la primera semifinal: Israel se coló en la final gracias a la votación del público.

En el Wiener Stadthalle de Viena, parte de los asistentes mostraron su desacuerdo con la participación israelí, y por la retransmisión televisiva se colaron gritos de “stop the genocide!” durante la actuación de Noam Bettan. La respuesta de Eurovisión, que había prometido libertad de expresión, fue censurar las protestas contra el criterio de la TV organizadora, la ORF austríaca. Este ha sido un ejemplo más de la permisividad de los organizadores con Israel, y una polémica que se suma a la larga lista que el festival acumula en estas tres últimas ediciones.

En estos años de tensión, el certamen de la UER ha permitido a la KAN saltarse normas capitales de Eurovisión. Como recogimos en este artículo meses atrás, entre ellas están las manifestaciones políticas en las letras de las canciones y en declaraciones públicas, así como comportamientos que van contra los códigos de conducta e incluso comentarios en las retransmisiones de las galas en la cadena israelí contra otros cantantes y países que no están permitidos. Al menos 16 delegaciones presentaron quejas por la actitud de la comitiva de Eden Golan en Malmö, una edición repleta de tensión en la que verTele pudo palpar el ambiente insostenible, pero nada de ello fue suficiente para valorar su exclusión.

Tampoco el hecho de que la KAN, una cadena pública, incumpla sistemáticamente los estatutos de la propia Unión Europea de Radiodifusión más allá de Eurovisión. En 2025 ya recogimos más de un centenar de ejemplos recopilados por la Red Solidaria Contra la Ocupación de Palestina. En mayo de 2026, ya son 270 las muestras de que la televisión israelí ha incumplido estos estatutos apoyando al ejército, haciendo apología de la limpieza étnica en Gaza y blanqueando y normalizando el genocidio. Noticias, artículos, reportajes y declaraciones que contradicen el argumento vertebral que la UER ha defendido para mantener a la KAN y a Israel en Eurovisión durante ya tres años de barbarie en Palestina.

La única luz en el túnel en el que se encuentra el certamen es que ya solo es noticia en la prensa mundial por ser cómplice y altavoz del Gobierno hebreo, y medios importantes como el New York Times o la BBC ya se atreven a decir que Israel utiliza Eurovisión como una herramienta de “poder blando”.

Finlandia, la favorita que amenaza a Israel y su televoto adulterado

Con todo este contexto llegamos este sábado 16 de mayo a la final de Eurovisión 2026, que La 1 de RTVE no emitirá por primera vez tras 64 años consecutivos en el festival. Sin un miembro del Big Five (España), sin un país fundador del festival (Países Bajos) y sin el más laureado de la historia (Irlanda), el certamen de la UER tratará de salir airoso de una edición que es de suma importancia para su supervivencia, pues del resultado dependerá que pueda empezar a reconstruirse o que llegue su autodestrucción definitiva.

Si se repite la historia e Israel vuelve a pelear por la victoria, o llega a ganar, con un televoto que se ha confirmado que está adulterado y ante el que el director de Eurovisión ha prometido que tomarán medidas, será el fin del certamen tal como lo hemos conocido. Si se impide al fin el control político de los votos, y la organización demuestra que está dispuesta a cambiar las cosas, quizás se abre una vía a que las televisiones retiradas quieran emprender el camino de vuelta.

En todo este rompecabezas podría tener un papel fundamental Finlandia, la gran favorita de Eurovisión 2026 en las apuestas y entre las sensaciones de la prensa especializada presente en la sede. Con sello del escenógrafo español Sergio Jaén, que ya ganó el año pasado con JJ de Austria y que ha formado parte del último Benidorm Fest, la propuesta nórdica es la que tiene todos los focos encima como clara candidata.

Así lo expresa a verTele Jordi Ramos, periodista especializado de RAC1 que cubre desde Viena una edición que define como “descafeinada”. Con cuatro festivales a sus espaldas, diferencia el ambiente “curioso” de la capital austríaca con los vividos en ciudades más pequeñas como Malmö o Basilea que se volcaron con el certamen. No lo achaca exclusivamente al factor político que empaña la edición, pero sí afirma que no se palpa el ambiente eurovisivo en las calles de una sede tan grande.

Para él, que sigue la actualidad eurovisiva durante todo el año, “Finlandia parece que lo tiene todo hecho”. “Los finlandeses han hecho una actuación por y para ganar Eurovisión. Es una actuación ganadora”, expresa el periodista, pues esta cuenta con todos los ingredientes que -a priori- pueden gustar tanto al público como a los jurados. La propuesta se llama Liekinheitin y está interpretada por el vocalista Pete Parkkonen y la violinista Linda Lampenius. Hay fuego, ventilador, mucha intensidad, un relato ganador y hasta música en directo, después del permiso especial que la UER ha otorgado a su delegación.

“En el centro de prensa [de Viena] se piensa que la clave la tiene el jurado. Después de las campañas orquestadas de Israel todo el mundo da por hecho que el televoto va a ir para ellos y que la llave la tiene el jurado”, asegura Ramos, que aunque no tiene la sensación de que los profesionales vayan a dirigir la votación de una manera intencionada para evitar el posible triunfo israelí, sí considera que “Noam Bettan no es un intérprete tan excelente” como sus predecesoras, y hay artistas de otros países pueden tener puntuaciones más altas que él. Se habla incluso de Australia, que en las últimas horas se ha destapado como la otra gran candidata. La media de ambas votaciones determinará quien acaba aspirando al Micrófono de Cristal.

Si es finalmente Finlandia podría ser la peor noticia posible para Israel, y quizás la mejor para Eurovisión. Y no por apearles del triunfo, sino porque sería una victoria incómoda para ellos. Desde la prensa israelí, en concreto el digital Ynet, se habla desde hace días de la “preocupación” existente en la KAN ante la posibilidad de tener que viajar el próximo año a un país en el que hay rechazo social al genocidio en Gaza. La televisión pública finlandesa, YLE, ha dado este 2026 un pequeño paso al denunciar el “hackeo eurovisivo” de Israel en las dos últimas ediciones, si bien no se llegó a sumar al boicot cuando tocaba.

Solo con una victoria así, y solo quizás, podría agitarse definitivamente el tablero eurovisivo para que cambiaran las cosas de cara al próximo año. Algo que es de suma urgencia para la propia organización, que ya ha admitido abiertamente que “echan de menos” a los cinco países retirados y que trabajarán en que vuelvan. No es algo que sorprenda, pues como hemos analizado, Eurovisión ya está sufriendo las consecuencias con una caída de streamings, repercusión y también inversión. El futuro del certamen, si existe, puede empezar a escribirse este sábado.

Cuando Álex Pina y Esther Martínez Lobato escribieron la segunda temporada de Berlín, lo hicieron ignorando que se trataría de su final en Netflix. Hace alrededor de dos meses, Pedro Alonso citó a los creadores a una reunión en la que les acabó soltando la bomba: quería dejar atrás al personaje que lo catapultó a la fama mundial en La casa de papel y que lo ha terminado acompañando durante los casi diez últimos años. Su drástica decisión cambió todos los planes y provocó que la nueva tanda de capítulos, que llega este viernes 15 de mayo a la plataforma con el título de Berlín y la dama del armiño, quedara como un desenlace involuntariamente anticlimático que deja a medias el camino de esta exitosa precuela hacia los hechos narrados en el arranque de la serie original.

De esta manera, tal y como han reconocido los citados guionistas, se vieron frustradas sus intenciones de seguir “sacando lonchas” a una figura que aún tenía más historias que contar sobre su pasado. Un personaje que, tras la inesperada determinación de Alonso, verá interrumpido su arco de transformación en esta línea temporal previa al atraco de la banda del Profesor a la Casa de Moneda y Timbre.

El propio Pedro Alonso admitía estos días a verTele, en una entrevista que verá la luz este fin de semana, que su idea de poner fin a Berlín “cambiaba el ángulo” de todo, incluso el de la propia conversación que estaba manteniendo con este portal. Pues bien, como consecuencia, su decisión distorsiona también en cierta manera la perspectiva desde la cual toca analizar y valorar la nueva tanda de episodios de la ficción.

Así pues, quien escribe estas líneas se enfrentó a la temporada 2 de Berlín -Netflix dio acceso a los medios a sus ocho capítulos- desconociendo también que se trataba de su final, puesto que Alonso confirmó su salida apenas dos días antes de su espectacular presentación en Sevilla. Y en esa ingenua e incontaminada experiencia, Berlín y la dama del armiño se siente como una extensión mejorada de la anterior, logrando asentarse en ese nuevo código de comedia que en Berlín y las joyas de París no terminaba de encajar -como analizamos en nuestra crítica-, y con sus protagonistas mejor defendidos y mejor cohesionados -con alguna excepción- en sus relaciones interpersonales.

Sin embargo, una vez sabido que se trata de su adiós definitivo, la sensación cambia por completo. Con ese nuevo marco, se queda uno insatisfecho y desconcertado ante una resolución que, sin hacer ningún tipo de spoiler, deja varias tramas abiertas que podían llegar a tener continuidad en el futuro. Pese a que Pina y Martínez Lobato pusieron un broche conclusivo a la temporada, algunos giros importantes que suceden durante el desenlace -que incluirá el anunciado aunque testimonial cameo de El Profesor que entusiasmará a los fans de La casa de papel-, hace evidente que este no era el punto en el que los creadores de Berlín querían soltarle la mano. Sea como sea, los espectadores que se asomen a los nuevos capítulos deberán asumir todo este contexto y, cada quien, lidiar con esa citada doble lectura para poder disfrutarlos.

'Berlín' madura en Sevilla y se topa con un atinado y cómico espejo

Al margen de esa anticlimática despedida, Berlín y la dama del armiño convence más que su predecesora, que descolocó imponiendo un nuevo tono de cómico romanticismo a un Berlín acosador que realizaba acciones moralmente condenables, como recogimos en este otro análisis, en su intento de conquistar a la mujer que deseaba. En esta nueva tanda, el humor está mejor enfocado y los guionistas han logrado pulir la parte más turbia e inquietante de su protagonista. Un hombre que, no olvidemos, acabó violando a una rehén en las primeras temporadas de La casa de papel y del que en este spin-off en forma de precuela se intenta mostrar una cara 'más amable' antes de iniciar su proceso hacia la oscuridad, potenciado por una enfermedad terminal que empieza en esta entrega a dar sus primeros síntomas.

Berlín, ahora algo más luminoso y con signos de tener aún un ápice de humanidad y sentido de la ética -como veremos en el epílogo del último episodio-, protagoniza sus momentos más divertidos gracias a dos de las tres incorporaciones que ha hecho la serie para sus nuevas tramas, que tienen la ciudad de Sevilla como maravilloso escenario principal.

Por un lado, con el rol de José Luis García Pérez, un ficticio Duque de Málaga que contrata sus servicios en la capital andaluza para robar el cuadro de Leonardo da Vinci La dama del armiño. El aristócrata se presenta así como un acertadísimo y divertido espejo de Berlín, destapándose como un tipo tan narcisista, excéntrico, arrogante y megalómano como él. En ese frente a frente, Berlín y su némesis desarrollan una encarnizada lucha de egos que propicia algunos de los momentos más cómicos de la temporada.

Por otro lado, con el de una Inma Cuesta que brilla en la piel de Candela, una sevillana 'de pura cepa' que caerá inevitablemente en algunos clichés sobre Andalucía. Unos estereotipos que surgen de esa caricaturización que la serie -siempre con vocación de 'cómic'- hace de algunos de sus personajes principales y que, probablemente, atiende a un interés de potenciar su internacionalización en mercados como el americano.

Candela, con un espíritu libre y rebelde que trae a la memoria, entre otros referentes, a la Esmeralda de El jorobado de Notre Dame -con un conejo en lugar de una cabra como mascota-, hace aflorar esa parte sentimental de Berlín, estableciendo entre ellos una relación algo más sana, natural y de igual a igual que la de la temporada anterior. El trío de fichajes lo completa una siempre magnética Marta Nieto, esposa del Duque de Málaga que pondrá en jaque los planes de la banda, quien sorprende positivamente en un registro muy diferente al que nos tiene acostumbrados en su trayectoria como actriz.

Los tres reconocidos actores se unen de forma orgánica al reparto principal, que se nota esta vez más asentado. Especialmente, con una Michelle Jenner más consolidada en el perfil 'nerd' de Keila, un Joel Sánchez que crece notablemente como actor tras su debut en el mundo de la interpretación en la primera tanda y un Tristán Ulloa con Damián apuntalando su vis cómica a la vez que desarrolla de forma coherente su parte emocional. En general, se percibe un mayor disfrute del elenco -que traspasa verdaderamente la pantalla-, aunque el guion ejecuta una extraña separación de la banda que, por la manera en la que se resuelve, se siente forzada y sin sensación de que aporte algo realmente interesante en la trama.

El último 'personaje' clave de la temporada, tirando uno también de clichés, es el de la propia Sevilla, que coge el relevo de París como otro imponente escenario en el que desarrollar el nuevo robo del clan. La ciudad andaluza tiene un protagonismo clave en la ficción, impregnando el ambiente y contagiando a los protagonistas de su potente energía, alegría y color, aunque eso sí, siempre desde una mirada más glamurosa y elitista sobre la metropoli. Este ha sido otro de los grandes aciertos de Netflix en las dos temporadas de Berlín, el de salir a rodar -haciendo gala de su caracter de superproducción- en localizaciones reales de dos emplazamientos tan emblemáticos. Estos lugares han acabado dinamizando la ficción, con París otorgándole un tono más elegante y sofisticado a la escena y Sevilla uno más vibrante y pasional.

En cualquier caso, Berlín y la dama del armiño sigue funcionando como un tiro en su parte de acción y gustará a aquellos que se acerquen a la serie buscando el ADN adictivo que siempre ha caracterizado a la franquicia. La ficción apuesta en esta tanda por un robo 'matrioshka' -con la banda organizando un golpe dentro de otro mucho más ambicioso-, lo que complejiza el relato hasta un nivel en el que sus creadores vuelven a tirar de algún parche narrativo (los famosos 'deus ex machina') o repetir algún recurso que ya hemos visto antes dentro de la misma saga para resolverlo. A pesar de eso, la temporada mantiene su gran voluntad entretenedora, su trepidante ritmo y su espectacular eficacia técnica. Todo ello, en un desenlace 'interruptus' que Netflix ha amortiguado con una inteligente maniobra antes de su lanzamiento: el anuncio de lo nuevo de La casa de papel.

Que Eurovisión pierde mucho sin España es algo que ya advertimos en verTele allá por diciembre de 2025, cuando RTVE comunicó su retirada por la presencia de Israel en Viena 2026. Seis meses después, una vez iniciada la edición de la vergüenza, todas estas consecuencias negativas para el certamen se confirman con datos y declaraciones oficiales, pues el propio director del festival ya ha admitido abiertamente que “echan de menos” a los países que decidieron anteponer su dignidad a la celebración.

Cogiendo como referencia las palabras textuales del máximo responsable del concurso, ya podemos enumerar y analizar por qué la salida de RTVE ha hecho mella en la presente edición. Y es que al margen del palmarés español, hay al menos 5 motivos de peso por los que la Unión Europea de Radiodifusión echa de menos, y no poco, a nuestra televisión pública en Austria.

Las consecuencias de la decisión de mantener a Israel son contundentes: el pasado domingo, Eurovisión 2026 dio el pistoletazo de salida con su clásica Alfombra Turquesa. Por allí se paseó el candidato israelí con más seguridad que nunca, una pequeña manifestación propalestina y un plantón a la prensa desplazada.

Antes de ese día, el director Martin Green ya había tenido que advertir formalmente a la KAN por infringir (un año más) las normas, y desde entonces el festival solo es noticia en la prensa mundial -incluido el New York Times con una dura investigación- por ser cómplice y altavoz del Gobierno que está perpetrando un genocidio en Gaza. Algo que se confirmó el martes con la censura de la organización a las protestas durante la actuación del cantante israelí, a pesar de haber garantizado que habría libertad de expresión.

Las secuelas de perder a España, junto a Países Bajos, Irlanda, Eslovenia e Islandia, no son tampoco algo menor. Centrándonos en nuestra televisión pública, RTVE, que por primera vez tras 64 ediciones consecutivas no participa en Eurovisión ni tampoco lo emite, estaspodrían resumirse en los siguientes titulares principales:

1) “Un golpe económico enorme” para Eurovisión

La baja de RTVE y las otras cuatro televisiones públicas retiradas es “un golpe económico enorme” para Eurovisión. No lo decimos nosotros, lo ha afirmado textualmente Christer Björkman, histórico productor del festival que ha estado al frente de ediciones recientes.

No es solo el daño reputacional y la mancha que esta situación provoca al legado de Eurovisión. La retirada de varios miembros supone un perjuicio para las cuentas de la organización y para las televisiones que siguen vinculadas al concurso. “Va a implicar que el coste para participar el próximo año en Eurovisión será bastante más alto”, declaró el directivo en una entrevista reciente con la cadena de televisión SVT, al ser los ingresos de 2026 notablemente inferiores a lo previsto.

Gracias a Eurovisión-Spain podemos agregar cifras a estas palabras. Tal como recoge el portal especializado, RTVE aportó en 2025 alrededor de 331.700 euros al certamen como miembro relevante del Big Five. Sumando las contribuciones de Países Bajos (unos 250.000 euros vía AVROTROS y NPO), Irlanda (100.270 euros por RTÉ) y Eslovenia (87.379 euros a través de RTV SLO), y sin conocer exactamente la aportación de la RÚV de Islandia el año pasado, la UER habría dejado de ingresar cerca de 800.000 euros fijos en Viena 2026. Esta cantidad contempla únicamente las cuotas, pero no todos los ingresos indirectos. Por tanto, el agujero económico de Eurovisión este año sería sensiblemente mayor.

2) Venta de entradas y seguimiento en Europa

Los ingresos de Eurovisión 2026 a través de la venta de entradas también se han visto mermados. No va a haber grandes vacíos, pues hasta Viena se han desplazado fans de gran parte del continente, pero sin España la UER ha perdido a una de las mayores masas de aficionados.

Durante años, los eurofans españoles han sido de los que más se han movido por Eurovisión. Se ha palpado en sedes cercanas como Lisboa en 2018 o Turín en 2022, donde los estadios tenían mayoría de público español, pero también en todas las ediciones recientes.

Los datos oficiales del festival de los últimos tiempos han incluido siempre a España en el top-10 de países donde más entradas se vendían, llegando al top-3 en 2022 o al top-5 en 2025. Algo que por cuestiones obvias no ha sucedido en 2026.

3) Pérdida de impacto en streaming y audiencias

Aunque faltará público español in situ, donde más notará Eurovisión la salida de España será en las audiencias televisivas, pues RTVE aporta una de las mayores cifras del continente. En 2025, casi 6 millones de espectadores siguieron en La 1 la candidatura de Melody, cerca de 7 millones vieron a Chanel en 2022 y los años de Blanca Paloma y Nebulossa hubo alrededor de 5 millones de personas pendientes.

A falta de conocer la cifra real de espectadores de Eurovisión 2026 para cuantificar la pérdida, si la UER no la maquilla, los datos que sí podemos testar ya son los del impacto de las canciones, que como hemos analizado ya en verTele se ha reducido casi a la mitad. Según los datos de reproducciones de los temas eurovisivos, a los que hemos tenido acceso, se han escuchado antes de la final un 45% menos que en 2025.

4) Coberturas y repercusión en prensa

La cobertura de Eurovisión 2026 también se ha visto mermada. Y no hablamos aquí de enfoques, que también, sino de cantidad. Desde el boom que se vivió en Lisboa por el fenómeno Alfred y Amaia de OT 2017, y especialmente en los últimos tiempos con el impulso del Benidorm Fest, RTVE es una de las televisiones europeas que más periodistas ha llevado cada año al festival para cubrirlo in situ.

Según datos a los que ha tenido acceso verTele, España fue el sexto país que más medios desplazó a la última edición en Basilea 2025 solo por detrás del anfitrión, Suiza, y del resto del Big Five. Sin ser ni mucho menos favoritos con la candidatura de Melody, RTVE cubrió las 30 plazas nacionales de las que disponía para que periodistas españoles pudieran trabajar en la ciudad helvética, donde también estuvo este portal, y otros 15 medios 'patrios' fueron acreditados además como prensa internacional. No entran en este recuento la cantidad de periodistas acreditados para seguir el certamen online, que son otros tantos, ni los que obtienen plaza como fans.

Sin España, ellos también se han quedado por el camino y no es que se hayan perdido sus coberturas completas de Eurovisión, sino que la mayoría de estas se han tornado más críticas con lo que a día de hoy es el festival.

5) Una crisis reputacional sin precedentes

Todo ello, sumado a los grandes medios internacionales que han arrancado ahora con sus investigaciones y enfoques críticos con la gestión de la UER, ha derivado en una crisis reputacional sin precedentes de Eurovisión.

La 70ª edición, que cuenta con el número de participación más bajo en 23 años, ha levantado el telón sin un miembro del Big Five (España), sin un país fundador del festival (Países Bajos) y sin el más laureado de la historia (Irlanda). Pero no es solo eso, pues se está celebrando con Israel, ofreciendo un año más el escaparate de audiencias millonarias al blanqueamiento del genocidio en Gaza con el televoto a disposición del Gobierno hebreo.

Este martes 12 de mayo, la primera semifinal del certamen certificó el pase a la final del candidato israelí entre protestas censuradas por la organización y la amenaza, un año más, de que pelearán por la victoria con el televoto bajo sospecha. De cara al próximo sábado 16, da la sensación de que esto no ha hecho más que empezar y que la UER se enfrentará de nuevo a un momento crítico para el futuro del festival.

Eurovisión 2026 arranca este martes 12 de mayo su edición de la vergüenza en Viena, con la celebración de una primera semifinal en la que Israel volverá a encontrar un escenario de audiencias masivas para seguir -otro año más tras Malmo 2024 y Basilea 2025- blanqueando ante el mundo su genocidio en Gaza. Aunque el certamen vivió el pasado domingo su alfombra inaugural, con el representante del país hebreo topándose con una primera (y aislada) protesta propalestina -en el contexto de un acto que reforzó aún más su seguridad respecto a ediciones anteriores-, la de esta noche será la puesta de largo real de la 70 entrega de un festival manchada por la polémica.

Y es que después de que el austriaco JJ levantara el último Micrófono de Cristal en Suiza gracias a su Wasted Love, comenzó el año más tenso de la historia del concurso ya que varios países encrudecieron sus quejas a la UER por la permisividad mostrada con Israel y su cadena pública KAN, que ha sido constantemente protegida a pesar de sus incumplimientos continuos de las normas del festival. También por hacer la vista gorda ante la adulteración del televoto cometida por el gobierno hebreo sin tomar medidas estrictas, como recientemente ha reconocido el director Martin Green.

Todo ello desembocó en una convulsa Asamblea General celebrada el pasado mes de diciembre en la que la UER evitó que se realizara una votación vinculante -como se pedía desde algunas emisoras- en la que se decidiera sobre la participación de Israel en el certamen. Ante la inoperancia del organismo, RTVE y España cumplieron con su amenaza, y se retiraron del concurso junto a otros cuatro países. Y aunque la UER trató de amortiguar el golpe trayendo de vuelta a otros como Bulgaria, Rumanía y Moldavia, la de Viena 2026 será la edición con la participación más baja desde 2003.

Hablamos, por tanto, de un año clave para el futuro de Eurovisión, certamen que, tal y como han reconocido sus responsables, se verá mermado por la baja de países de tanto peso en el seno de la UER como es España. Entre tanto ruido, la marcha de RTVE, que vivirá esta semana su primera ausencia en Eurovisión tras 64 años ininterrumpidos participando, abre un gran abanico de dudas entre el público que desde verTele nos proponemos a resolver.

Las dudas sobre Eurovisión 2026, la edición de la vergüenza

Con el objetivo de arrojar luz sobre el contexto en el que se desarrollará Eurovisión 2026, a continuación respondemos a 10 preguntas clave sobre el festival y la posición en la que queda España tras su retirada.

España anunció el pasado 4 de diciembre su retirada de Eurovisión 2026 tras la mencionada Asamblea General de la Unión Europea de Radiodifusión que, después de la cancelación de la votación prevista para noviembre, estaba fijada como la cumbre donde se tomaría la decisión respecto a la permanencia o expulsión de Israel del certamen. En la cita, RTVE -junto con otros 7 países- solicitó por escrito que se realizase una votación secreta para decidirlo de manera democrática, pero la presidencia de UER denegó la realización de una votación específica sobre ello.

Por el contrario, se realizó una única votación sobre la aprobación de las nuevas normas propuestas por la Unión, que no hacían más que allanar la continuidad israelí. Tras defender su postura, y al ver que salía adelante este reglamento y se confirmaba la participación de Israel, RTVE anunciaba su marcha. A España se sumaron enseguida otros cuatro países: Islandia, Irlanda, Países Bajos y Eslovenia, todos coincidiendo en el rechazo a la permisividad con Israel por lo ocurrido en ediciones anteriores del certamen y tras la continuación del genocidio en gaza incluso pese a anunciarse un fallido alto el fuego.

Además de su posición de no participar en Eurovisión 2026, RTVE confirmó en diciembre que no emitirá ni las dos semifinales del 12 y 14 de mayo ni la final del próximo sábado 16. Por tanto, La 1 no ofrecerá el certamen europeo por primera vez desde hace 64 años. Respecto al resto de países retirados, Irlanda y Eslovenia tampoco emitirán Eurovisión 2026, mientras que Islandia y Países Bajos sí lo harán. En el caso del país neerlandés, será a través de la cadena pública NPO 1 y no la AVROTROS, emisora participante del festival, también pública.

Sí, Eurovisión 2026 se podrá ver desde España pero sólo a través de Youtube, ni RTVE ni ninguna otra cadena de nuestro país lo emitirá. Como cada año, el certamen ofrecerá en su canal oficial de Youtube la retransmisión internacional de sus galas, con el sonido original del evento y sin los habituales comentarios en español de Tony Aguilar y Julia Varela guiando el evento.

Fuentes de RTVE explican a verTele que no habrá ningún tipo de consecuencia para la cadena pública por el hecho de no emitir Eurovisión 2026. Cada mes de diciembre, antes de que se agote el plazo de incripción para participar en el certamen, las emisoras de la UER deben anunciar si concursan o no en Eurovisión. En el caso de participar, cada país está obligado a emitir el evento. Si no se participa, no hay obligación de retransmisión, como ocurre con RTVE y con España. Los países miembro que no participan pero sí quieren ofrecer Eurovisión -como Países Bajos e Islandia- pueden hacerlo, pero pagando un determinado precio por los derechos de emisión.

España ha formado hasta ahora parte del llamado Big Five, es decir, del grupo de cinco corporaciones públicas que más dinero aportan a Eurovisión y que, como 'premio', pasan siempre de forma directa a la final. Al no participar, España dejará obviamente de formar parte de este selecto club que ahora queda reducido a un Big Four, con Alemania, Italia, Francia y Reino Unido. Sin embargo, si en el futuro RTVE y España volviesen al certamen, no debería haber ningún problema con recuperar esta posición de privilegio. Es lo que ocurrió con Italia, que estuvo apartado de Eurovisión durante 13 años y a su regreso en 2011 volvió a integrarse en el grupo, con su aportación económica correspondiente.

No. O, al menos, no debería. En el comunicado de su salida del festival, RTVE no concretó a cuántos años se extendería su retirada. No obstante, por los motivos del abandono vinculados a la permanencia de Israel, se sobreentiende que para el regreso de España a Eurovisión deberían darse condicionantes que garanticen que el festival no va a seguir dominado por intereses políticos. Sin ir más lejos, Sergio Calderón, director de TVE, desvelaba recientemente a verTele que a partir de este 17 de mayo, un solo día después de la final, la Corporación comenzará a estudiar su posible regreso a Eurovisión pero solo “si se dan las condiciones para participar en el futuro”.

Sí, los españoles podrán votar en Eurovisión. Desde la pasada edición, los ciudadanos de países que no forman parte del festival pueden votar mediante la página web oficial de Eurovisión a través de un sistema global unificado llamado Rest of the World. Eso sí, ningún país no participante tendrá representación en el jurado profesional.

Para este sábado, RTVE prepara una noche especial con la que pretende llenar el vacío musical que deja en la parrilla el festival de Eurovisión. Aprovechando la percha de que el 16 de mayo es el Día Internacional de la Convivencia en Paz, La 1 ofrecerá en prime time el segundo especial de La casa de la música tras el emitido en Nochevieja, aunque esta vez con Jesús Vázquez como presentador y con las actuaciones de más de 20 artistas, como Raphael, Manuel Carrasco o Guitarricadelafuente, entre muchos otros.

La crisis reputacional de Eurovisión 2026, con la UER inoperante ante Israel tras el genocidio en Gaza, ha causado estragos en la expectación del público en los meses previso a la celebración del festival. Tal y como analizamos en este otro artículo, la continuidad del impune país hebreo y la marcha de España y otros cuatro participantes ha afectado de forma clara a las escuchas de las canciones candidatas este año al Micrófono de Cristal. Respecto al año pasado, las reproducciones han descendido un 45%, es decir, que los temas han despertado la mitad de interés que en las mismas fechas de 2025. Estas cifras reflejan, por tanto, que hace cinco años que no se escuchan tan poco las canciones de Eurovisión a una semana de la final.

De momento, con el futuro de RTVE y Eurovisión en el aire, lo que es seguro es que la cadena pública seguirá apostando por el Benidorm Fest como certamen nacional independiente del histórico europeo. A falta de conocer si se dan esos condicionantes para que RTVE vuelva a Eurovisión, el Benidorm Fest seguirá adelante con premios seguramente similares a los que otorgó a los ganadores de la edición de este 2026. Este año, RTVE dio 100.000 euros para los artistas y 50.000 para los compositores del tema ganador, además de los premios patrocinados por Spotify y Televisa.

Israel se pasea en Viena con más seguridad y primera protesta

El primer gran evento de Eurovisión 2026 tuvo lugar el pasado domingo, cuando el festival dio el pistoletazo de salida a su 'edición de la vergüenza' en Viena (Austria) con su tradicional alfombra turquesa. La celebración inaugural se desarrolló sin altercados gracias a un dispositivo de seguridad reforzado que, eso sí, no pudo evitar el encuentro del representante israelí y su delegación -que recibió además en los días previos la advertencia de la UER por promover de nuevo camapañas de voto masivo- con una gran bandera de Palestina en protesta contra el genocidio en Gaza.

La plaza del Ayuntamiento de Viena fue el escenario elegido por la organización de Eurovisión 2026 para celebrar esa alfombra inaugural que, como cada año, sirve como puesta de largo de cada edición del concurso musical. Y si el año pasado el desfile en Basilea estuvo cargado de gran tensión por el baño de banderas palestinas que se avistaron al paso de Yuval Raphael, en esta ocasión el acto se desarrolló sin manifestaciones populares contra el país hebreo.

En ese contexto, llamó la atención el recibimiento que un eurofan hizo a la delegación de Israel al desplegar una gran bandera de Palestina mientras desfilaban por la alfombra turquesa. Un vídeo difundido a través de las redes sociales muestra cómo varios miembros de seguridad se plantaron frente al espontáneo mientras este gritaba “libertad para Palestina”. Sin embargo, los agentes no pudieron impedir que se produjese la estampa de la primera protesta de la semana contra el cantante Noam Bettan y su equipo.

Tanto el candidato de Israel como el de Ucrania realizaron su paseillo inaugural, como ocurriera en 2025, escoltados por guardaespaldas y protegidos por maletines y paraguas antibalas. Según recogió EFE, el dispositivo de seguridad se hizo notar también entre el público, con controles de acceso con registro corporal, prohibición de bolsos y mochilas y una notable presencia policial entre los asistentes que completaron parte del gran operativo que Viena ha preparado para esta semana.

Esta alfombra turquesa de 2026 se llevó a cabo con una afluencia de público menor a la de años anteriores (medios locales la cifraron entre 3.000 y 5.000 personas) y por debajo de las expectativas del propio Eurovisión. Así pues, la crisis que atraviesa el festival, además de notarse en el desplome de escuchas de sus canciones, habría afectado ya a la cantidad de fans desplazados a Viena para seguir los eventos que rodean al certamen.

Tras su paseo por la alfombra Turquesa, el representante de Israel Noam Bettan sorteó a la prensa para evitar hablar con los medios desplazados a Viena. Este martes 12 de mayo, Israel relizará su debut en la primera semifinal de Eurovisión 2026.

La segunda temporada de Daredevil: Born Again llega a su fin con una espectacular culminación al relato de resistencia política que planteaba esta nueva entrega, la cual guarda escalofriantes paralelismos con la actualidad: el ascenso de un empresario de pasado turbio y antecedentes delictivos a lo más alto de la política, o la creación de un cuerpo parapolicial que siembra el terror entre la población civil.

No es exagerado decir que, junto a Andor, Daredevil: Born Again es una de las series que mejor retratan nuestro presente, y que abordan más directamente la degradación de las democracias y el auge del autoritarismo que vivimos en el mundo en los últimos años: una a través del universo de Star Wars; otra, en el mundo de los superhéroes de Marvel.

El octavo y último capítulo, ya disponible en Disney+, no alcanza quizá el nivel de los mejores de la temporada: el brillantísimo 4, centrado en el personaje de Bullseye; o el 5, que es prácticamente una historia de fantasmas; pero se queda muy cerca. Y deja muy abierto el futuro de algunos de sus protagonistas... e incógnitas sobre si aparecerán en otros proyectos de Marvel, como la esperadísima Spider-Man: Brand New Day, que se estrena el 31 de julio.

Análisis del final de la temporada 2 de 'Daredevil: Born Again'

(A partir de aquí, SPOILERS)

Veníamos de un séptimo episodio que había culminado con el crudísimo asesinato de Daniel Blake, uno de los personajes más interesantes de la serie. Un chaval que se ve muy joven con mucho poder, influencia y riqueza, aupado por el mismísimo Kingpin, y que se ha debatido de forma trágica durante los últimos capítulos entre aceptar su deriva criminal o hacer lo correcto, sabiendo que probablemente le costará la vida.

Uno de los momentos más tensos de toda la temporada tiene lugar en un coche, junto a un sótano donde a la periodista y mejor amiga de Blake, BB Urich, le espera la muerte. Una escena que recuerda mucho a uno de los momentos de Los Soprano, una conexión a la que también ayuda, claro está, que el actor que interpreta a Daniel, Michael Gandolfini, sea el hijo de James Gandolfini, que interpretaba al mismísimo Tony Soprano.

Pero con permiso del trágico destino de Daniel Blake, el octavo y último episodio de Daredevil: Born Again empieza con una Karen Page encarcelada, a la que quieren hacer pagar penalmente por haber ayudado a Daredevil. Con la ley antijusticieros acusan a Karen Page de ser una especie de superheroína y, a efectos legales, la quieren tratar como si fuera una terrorista. Por suerte, Matt Murdock se ocupará personalmente de defenderla en un juicio muy mediático en el que quiere exponer a Wilson Fisk / Kingpin.

Y es que Murdock, después de superar un intento de asesinato, y de recibir de nuevo el apoyo de Jessica Jones, decide reconocer abiertamente que él es Daredevil, de forma que su testimonio pueda servir para enjuiciar a Fisk, a pesar de que al abogado le tocará acarrear con las consecuencias de su faceta de justiciero. Aunque al principio no le creen, sobre todo por su ceguera, consigue convencer a los presentes a través de algunas de sus espectaculares habilidades superheroicas.

Hasta ahora muy pocos sabían el secreto de Matt Murdock. Sí que lo conocía Kingpin, aunque había decidido no desvelarlo en un pacto de caballeros entre los dos enemigos. De hecho, un momento muy curioso al inicio de esta temporada es cuando Fisk, para acorralar más todavía al protagonista, decide iniciar una campaña de búsqueda del heroico ciudadano Murdock, supuestamente con el objetivo de recompensarlo, mientras ponía también a Daredevil en busca y captura. Así expone doblemente a Matt, pues lo pueden reconocer en cualquiera de sus dos identidades, ya sea un agente de policía, un miembro de las fuerzas especiales de Fisk o un ciudadano anónimo.

Wilson Fisk parece sorprendido y descolocado por el movimiento de Murdock. Está devastado tras la pérdida de su esposa Vanessa, y empieza a estar acorralado por la justicia y por buena parte de la opinión pública: los ciudadanos de Nueva York han podido ver su verdadero rostro. Pero Kingpin no se cortará de cara a ejercer una violencia brutal hasta llegar a matar a muchos manifestantes que protesten por su gestión política y por sus actividades delictivas.

Matt Murdock se enfrenta de nuevo al dilema de cómo vencer a Kingpin sin acabar con su vida, sin convertirse él mismo en un monstruo por el camino, sin permitir que este se lleve la vida de más inocentes, ni que la turba acabe con la vida del mafioso y político en un linchamiento. Jessica Jones participa junto a Daredevil en la secuencia brutal de acción del episodio.

Los dos contarán con la ayuda de Karen Page y de la nueva White Tiger, Ángela del Toro, la sobrina del difunto superhéroe White Tiger de la primera temporada, que sigue su propio camino superheroico. Y Benjamin Poindexter, también conocido como Bullseye, tiene, a petición del propio Matt Murdock, de nuevo un papel importante para salvar de la vida de la gobernadora de Nueva York, a la que Kingpin había enviado un sicario.

Se nos muestra que la psiquiatra Heather Glenn, exnovia de Matt Murdock, probablemente todavía muy afectada por el trauma de ser atacada por el asesino en serie Muse en la primera temporada, está tomando una deriva realmente oscura. Incluso se nos llega a insinuar que podrá continuar con las acciones de Muse, pues conserva la máscara, y parece fantasear con ponérsela para dar rienda suelta a sus instintos más violentos.

Jessica Jones se reencuentra con un Luke Cage que vuelve a casa, y que se revela como el padre de su hija. Cage reconoce que lo han liberado de su trabajo como justiciero a sueldo (casi, casi un mercenario), dirigido por el extravagante personaje interpretado por Matthew Lillard. (Con la aparición de Cage, se nos ha integrado ya en el universo de Daredevil: Born Again a casi todos los personajes de la serie The Defenders). Posteriormente, se nos muestra que su lugar en aquel equipo lo ha ocupado ahora Bullseye, que sigue con su particular viaje de villano hacia aquello que él cree que es un héroe (y que en todo caso es una especie de antihéroe amoral muy cuestionable, pero con mucho encanto).

Después de derrotar por fin a Fisk, Matt Murdock tiene una escena muy bonita hacia el final con Karen Page, que casi parece un recuerdo de alguna de sus primeras citas, en un restaurante encantador decorado con luces de colores muy bonitas. Pronto descubrimos que ese será el escenario de la detención del abogado, que es procesado por sus actividades al margen de la ley como justiciero. Matt ha conseguido librar de la prisión a Karen, y liberar a Nueva York de Fisk, y acepta encantado el peaje que le supone.

La serie termina con Fisk en una playa, lejos de Nueva York, después de haber aceptado el acuerdo extraordinariamente generoso que le ha ofrecido la justicia y la gobernadora, y que tanto le animó a aceptar Matt Murdock. Matt Murdock, nuestro Daredevil, entra en prisión, y se encuentra allí, también encarcelados, con los antiguos agentes de ese cuerpo parapolicial antijusticieros creado por Fisk. Alguno de ellos, que decidió hacer lo correcto aunque fuera tarde, parece saludarle con respeto.

Y lo último que vemos también es a Murdock en una celda: las puertas se cierran, y él acepta su destino, se hace cargo de las consecuencias de sus actos, satisfecho con las decisiones tomadas. Sabe que, en el fondo, y a pesar de que la puerta de su celda se cierre, es un final agridulce, sí, pero en el que tiene mucho de lo que sentirse orgulloso.

¿Qué deparará el futuro a los personajes de 'Daredevil: Born Again'?

La continuación más inmediata del universo de Daredevil se estrena la semana que viene: un especial para televisión dedicado al personaje de Punisher, el Castigador, que aparecía en la serie original de Daredevil (2015-2018) para Netflix (aunque actualmente solo puede verse en Disney+), y que tenía un papel relevante en la primera temporada de Daredevil: Born Again. Este episodio especial, titulado Punisher: One Last Kill, probablemente nos descubra qué hacía el personaje durante los acontecimientos de esta segunda entrega de la serie, y conectará directamente con Spider-Man: Brand New Day, la nueva película del hombre araña de Tom Holland, en la que sabemos que Punisher tendrá importancia.

Además, como la nueva entrega de Spider-Man también sucederá en Nueva York, ya que la mayoría de las historias de Daredevil y del hombre araña transcurren en la Gran Manzana, el punto de partida de la película también beberá de la serie de Matt Murdock. Por ejemplo, como ya anticipaba el tráiler, la alcaldesa de la ciudad es ni más ni menos que la teniente de alcalde que trabajaba con Fisk. Y, a pesar de que Charlie Cox ha insistido en repetidas ocasiones en que Matt Murdock no aparecerá en la nueva película de Spider-Man, no parece descabellado pensar que sí lo hará: primero, porque se nos ha adelantado que Spider-Man combatirá a La Mano, una organización criminal integrada por ninjas a la que se ha tenido que enfrentar Daredevil tanto en los cómics como en la serie de la década pasada.

Además, el hecho de que Matt Murdock esté en prisión al inicio de la película de Spider-Man puede servir para tenerlo inicialmente fuera de pantalla, pero para incluirlo con alguna trama con el desarrollo de la película, aunque sea más puntualmente. Una aparición, la de Murdock, que tendría mucho sentido sabiendo la importancia que tiene su relación con el personaje de Punisher y la química que tienen entre ellos (aunque la de Tom Holland con Jon Bernthal también parece estupenda, por lo poco que hemos podido ver en los avances de Spider-Man: Brand New Day.

Aparezca o no Daredevil en la siguiente película de Spider-Man, la historia del personaje continuará el año que viene, pues ya hay confirmada una tercera temporada, que entró en producción hace unos meses. De este modo, Daredevil: Born Again se convierte en la primera serie de Marvel para Disney + en tener tres temporadas (la única que tenía dos hasta ahora, además de Born Again, es Loki). Y nosotros tendremos muchas ganas de verla.

Las cadenas de televisión encaran estos días los dos últimos meses de la temporada 2025/2026, un curso del que todavía no conocemos su desenlace, pero que ya nos ha confirmado algunas cosas y sorprendido con otras a estas alturas de la película. Dentro de lo previsible figuran el dominio de Antena 3 y la falta de reacción por parte de Telecinco, mientras que en el capítulo de sorpresas sobresalen el crecimiento de La 1 y el apretadísimo duelo entre Cuatro y laSexta.

Sin desmerecer los anteriores, vamos a dedicar este análisis al último de los puntos señalados. A la contienda entre el segundo canal de Mediaset y el su homólogo de Atresmedia, cuya extrema igualdad no entraba en las pronósticos de casi nadie allá por el mes de septiembre. Principalmente, porque laSexta llevaba por aquel entonces 50 victorias mensuales consecutivas frente a su máximo rival, que además había desaprovechado dos oportunidades únicas para acabar con esta racha en julio y agosto.

Cuatro perdió ambos meses por apenas una décima de diferencia, siendo especialmente frustrante lo ocurrido en agosto, cuya última semana afrontó ligerísimamente por delante. Sin embargo, Aruser@s volvió de sus vacaciones de verano y se esfumó cualquier esperanza de victoria, lo que dejó a Cuatro con la que sensación de que no iba a tener las cosas tan de cara durante la temporada regular. Al menos a priori, pues la realidad ha acabado yendo por otros derroteros.

Las audiencias de Cuatro y laSexta esta temporada

En cinco de los ocho meses de este curso, la diferencia entre ambos canales ha sido de una décima o menos, con febrero (victoria de Cuatro por cinco milésimas) y abril (triunfo de Cuatro por una centésima) siendo los máximos exponentes de esta igualdad extrema. De hecho, ambos canales suman cuatro victorias cada uno, algo que resulta especialmente noticioso en lo que respecta a la cadena de Mediaset, que hasta diciembre llevaba 53 meses seguidos sin ganar a laSexta. O lo que es lo mismo, cuatro años y cinco meses sin conocer la victoria. Concretamente, desde julio de 2021, que fue cuando saboreó la última gracias a la emisión de partidos de la Eurocopa.

Diferencias de laSexta y Cuatro esta temporada (septiembre-abril):

Aquel triunfo fue excepcional por la presencia del fútbol, como excepcional es que este curso Cuatro haya ganado cuatro meses a laSexta sin recurrir a un evento de tal envergadura. ¿Pero cómo hemos llegado a esta situación? Evidentemente, por las variaciones que han sufrido los datos de audiencia de una y otra cadena. En el caso de Cuatro, entre septiembre y abril ha promediado un 6% de cuota, una décima más que en el mismo periodo de la temporada pasada. Y en el de laSexta, ha perdido medio punto entre un curso y otro (ha pasado del 6.6% al 6.1%).

Así pues, se puede decir que la balanza que se ha equilibrado más por demérito de laSexta que por mérito de Cuatro, aunque tampoco es cuestión de restar importancia al buen momento que atraviesa el canal de Mediaset. No en vano, solo este curso ha conseguido romper su larguísima sequía frente a laSexta, completar su mejor inicio de año desde 2017 (6.1% de media entre enero y abril) y firmar su mejor racha en audiencias desde dicho año (cuatro meses seguidos con un 6% o más de share), tres hitos que no están al alcance de cualquiera.

Audiencias mensuales de Cuatro esta temporada:

MEDIA: 6% (5.9%)

Audiencias mensuales de laSexta esta temporada:

MEDIA: 6.1% (6.6%)

Por si fuera poco, en la comparativa con la pasada temporada, Cuatro solo sale perdiendo un mes consigo misma (anotó tres décimas menos en noviembre que en el mismo mes que el año anterior). En los demás, o se ha mantenido o ha subido, en parte gracias al crecimiento experimentado por marcas como Noticias Cuatro, Todo es mentira, Código 10, Lo sabe, no lo sabe, Horizonte y En boca de todos, que en lo que llevamos de curso han firmado algunos de los mejores números de su historia.

De todos ellos cabe destacar a En boca de todos, que además de ser el programa diario más largo del canal (3 horas y 30 minutos por día), es uno de los que más ha crecido en el último año. De hecho, ha pasado de promediar poco más de un 5% de media a principios de 2025 a no bajar del 7% en el primer cuatrimestre de 2026, tocando techo en febrero con un 8%. En paralelo, el resto de la parrilla también ha llevado a Cuatro a conseguir dos cosas que parecían impensables. La primera, sumar tres victorias mensuales de cuatro posibles frente a laSexta en 2026. Y la segunda, hacerlo sin el que fuera su buque insignia, First Dates, que a principios de año dio el salto a Telecinco y cedió su sitio en el access de Cuatro a una tira diaria de Horizonte.

Diferencia de Cuatro respecto a la temporada pasada (septiembre-abril):

laSexta no ha experimentado este curso un cambio de tanto calado, por lo que su parrilla diaria es prácticamente idéntica a la de la temporada pasada. Por tanto, sus datos de audiencia siguen dependiendo mucho de la actualidad informativa. Una prueba de ello lo vemos en las cifras de octubre y noviembre, significativamente inferiores a las del curso anterior (-0.9 y -1.1 puntos, respectivamente) porque entonces el público conectó mucho con el canal para seguir todo lo relacionado con la DANA de Valencia.

Diferencia de laSexta respecto a la temporada pasada (septiembre-abril):

Por aquellas fechas, ninguna cadena dedicaba tantas horas como laSexta a la actualidad en directo. Sin embargo, ahora tiene la feroz competencia de La 1, que ha crecido mucho en este terreno con La hora de La 1, Mañaneros 360, Malas lenguas y la incorporación, este mismo curso, de Directo al grano. De todos ellos, los que más daño le han hecho han sido los dos programas matinales, cuyo imponente crecimiento en el último año (ha subido del 14.8% al 19.1% entre abril de 2025 y abril de 2026) han pasado factura a Aruser@s (del 16.3% al 13.3%) y Al rojo vivo (del 11.3% al 8.6%), que juntos forman el tramo diario más competitivo de laSexta y el más diferencial en la pelea frente a Cuatro.

Los puntos a mejorar de Cuatro y laSexta

Ambos programas todavía son los más punteros del canal. Sobre todo el de Alfonso Arús, cuyas cuotas son muy superiores a la media de laSexta y generalmente inalcanzables para el resto de ofertas de la cadena. Además, su fuerza contrasta con la debilidad que Cuatro muestra en su franja de emisión (de 7 a 11 horas), donde los capítulos de Alerta Cobra apenas llegan al 2-3% de share. Reforzar ese tramo de la parrilla sigue siendo la gran asignatura pendiente del canal 'rojo', que necesita rascar más share ahí si quiere que sus victorias frente a laSexta dejen de ser noticia y pasen a ser algo habitual.

Para la cadena de Atresmedia, su margen de mejora pasa por el prime time. El pasado jueves, sin ir más lejos, llegó al último día de abril con tres décimas de ventaja (6% vs 5.97%). Sin embargo, el desigual duelo entre Horizonte (10.2%) y Servicio secreto by Chicote (4.7%) le impidió hacerse con la victoria por una sola centésima de diferencia. “Mi cadena me lo hizo saber unos días antes. El resultado de la batalla entre compañías se iba a decidir el jueves, última noche del mes. Menuda responsabilidad (...) Por una centésima. Por esa noche. El mes ganado por tu cadena en su guerra particular”, ha destacado Iker Jiménez en su newsletter, sobre esta noche clave, tal como recoge El Confidencial.

Con una oferta más fuerte, probablemente laSexta se hubiera llevado el triunfo. De ahí que sea primordial para ella ganar enteros en el históricamente conocido como horario de máxima audiencia. Una banda horaria donde Cuatro solo marca diferencias los jueves con Horizonte, pero donde laSexta tiene mucho que crecer. Consciente de ello, la cadena 'verde' acaba de lanzar tres programas para tratar de revertir esta situación: Cara al Show con Marc Giró, La noche de Aimar y el ya mencionado Servicio secreto by Chicote. El problema es que el primero ha ido por ahora de más a menos (8.5% y 6.2%), el segundo ha arrancado con mal pie (4%) y el tercero está yendo a más, pero sin dejar de anotar unas cifras insuficientes (3.6% y 4.7%).

Teniendo en cuenta que en el resto de franjas no se aprecian grandes diferencias —salvo los fines de semana, donde Cuatro suele ser más fuerte que laSexta gracias a sus reposiciones matinales y sus películas—, hoy por hoy el duelo entre ambos canales pasa por estos detalles. Por mejorar su arranque diario, en el caso de Cuatro, y por sacar más partido a su prime time, en el de laSexta. Hasta que no lo hagan, ambas van a mantener un pulso de lo más igualado en audiencias. Eso sí, se vienen curvas en mayo (elecciones andaluzas), junio y julio (Mundial de fútbol) y agosto (mes de muy bajo consumo televisivo), así que justo ahora entramos en un periodo un tanto incierto para las dos. Veremos cuál sale mejor parada de él.

“¡No aceptéis las cookies! ¡No aceptéis las cookies!”. Este es el consejo que nos brinda Billy Magnussen (medio en broma, medio en serio) al preguntarle cómo ha cambiado su relación con la tecnología a raíz de su trabajo en The Audacity, la nueva serie de AMC+ que ha llegado este mes de abril al canal de streaming, anunciando su renovación por una segunda temporada incluso antes de su estreno. El actor, popular por ficciones televisivas como Made for love o Black Mirror, y películas como Into the woods o Noche de juegos, interpreta a Duncan Park, el director ejecutivo de una empresa de Silicon Valley especializada en la minería de datos.

Creada, escrita y producida ejecutivamente por Jonathan Glatzer (artífice de otros títulos de éxito como Better Call Saul o Succession), The Audacity se introduce en esa burbuja de California en la que se concentran las principales compañías tecnológicas del mundo para romperla y retratarla en forma de una inteligente y divertida sátira. La historia arranca cuando la empresa de Park, llamada Hypergnosis, entra en una importante crisis económica tras el fracaso de una operación fallida fruto de sus impulsivas decisiones.

Una conducta que el protagonista intenta corregir con ayuda de su terapeuta, la doctora JoAnne Felder -el otro gran personaje de la serie junto a Duncan, a la que da vida una brillante Sarah Goldberg-. Ambos desatan una gran confrontación cuando el chico descubre que la especialista -que trata en su consulta a los principales magnates del valle- está usando la información que le comparten sus clientes para realizar inversiones personales. Es entonces cuando se detona toda una enredada disputa marcada por la lucha de egos, los dilemas éticos y la necesidad de hacer lo que sea para que el precio de sus errores, como dice el lema de la ficción, siempre lo paguen otros.

Pero esa guerra no será cosa de dos, sino que implicará a un gran plantel de secundarios -con multimillonarios, psiquiatras, gurús, nerds informáticos y yuppies digitales- que es encarnado por un reparto coral y de altura. En el elenco, que es otro de los principales atractivos de la producción, figuran intérpretes de renombre como Zach Galifianakis (Resacón en las vegas), Paul Adelstein (Prison Break), Lucy Punch (Motherland), Rob Corddry (The Daily Show) o Simon Helberg, al que hará gracia ver como freak tecnológico tras su icónico papel como científico en la emblemática The Big Bang Theory, sitcom de la CBS en la que hacía del carismático Howard Wolowitz.

“Leí el guion de Jonathan Glatzer y pensé: Dios mío, quiero con todas mis fuerzas tener la oportunidad de dar vida a Duncan. Hice una audición para el papel y luché por él”, cuenta Magnussen a verTele, durante una reciente visita promocional a Madrid de la mano de AMC+, explicando lo que le “fascinó” del personaje. “Me encantó el hambre de este tipo, que está un escalón por debajo de ser un titán tecnológico, y su necesidad y deseo de ser visto y reconocido. No creo que Duncan sea un mal tipo, creo que es un hombre perdido. Cuando leí eso en el guion pensé: Dios, hay una profundidad de personaje aquí a la que quiero hincar el diente”, explica con entusiasmo el actor.

Una definición que sintetiza a la perfección los factores principales por los que The Audacity merece la pena. Y es que la serie encuentra desde su primer capítulo un gran equilibrio entre ese ejercicio de sacar a relucir las miserias y artimañas de un Silicon Valley que prácticamente controla el mundo y el de ahondar en la psicología humana y carencias emocionales de las personas que lo habitan.

'The Audacity', la serie que retrata las miserias de Silicon Valley

“El éxito tiene un precio, que lo paguen otros”. Como decíamos, este es el eslogan con el que AMC+ ha presentado The Audacity en España, resumiendo en una potente frase el modus operandi de los multimillonarios que controlan las principales empresas del mencionado 'centro de mando' norteamericano. Lo curioso es que la ficción utiliza en Estados Unidos otra consigna aún más explícita: “Move fast and break people” (“Muévete rápido y rompe a las personas”).

Se trata de una frase que versiona de forma atinada el lema interno acuñado por Mark Zuckerberg en los orígenes de Facebook, Move fast and break things (Muévete rápido y rompe cosas). Con él, invitaba a sus trabajadores a actuar de una manera a la postre irresponsable en la que innovación y la experimentación prevalecieran sobre la precaución. En definitiva, se encomendaba a aquello de que 'no se puede hacer una tortilla sin romper algunos huevos'. Lo que The Audacity nos subraya es que no son cosas las que se quiebran, sino las propias personas.

“Creo que cuando empezó la era 'puntocom' había mucha esperanza, era emocionante, eran personas que querían hacer algo hermoso. La cuestión es que todas esas personas intentaban construir un producto perfecto, intentaban construir cosas perfectas... pero la verdad es que son personas imperfectas quienes las construyen y me encanta explorar eso. Son personas intentando alcanzar la perfección sin ser perfectas y perdiendo el tiempo mirando hacia fuera en lugar de mirar hacia dentro para arreglarse a sí mismas, y todos ignoran eso”, reflexiona Magnussen.

Mediante la figura de su personaje, The Audacity ahonda en los intereses que se esconden detrás de la minería de datos y enseña lo que las grandes empresas tecnológicas hacen con la información que todos los usuarios les brindamos a través de nuestro uso cotidiano del universo de Internet. Estas compañías se dedican analizar todos esos datos masivos (el llamado 'big data') que reciben a diario de nuestras aplicaciones móviles, sintetizando factores como la ubicación geográfica, el género, la edad, el nivel económico, la corriente ideológica, el comportamiento frente a la publicidad y un largo etcétera.

Toda esa información, que cedemos de forma relativamente pasiva -aceptando a ciegas ciertas políticas de privacidad en nuestros dispositivos-, es comercializada a posteriori a grandes poderes económicos o institucionales, ya que son útiles para detectar vía 'machine learning' ciertos patrones y tendencias a nivel macro con los que establecer estrategias útiles a nivel financiero o incluso político. “¡No aceptéis las cookies! ¡No aceptéis las cookies!”, advierte con humor Billy Magnussen al explicar lo que ha aprendido gracias a este proyecto. “La tecnología es un arma de doble filo”, considera el actor.

“Es algo muy bonito que puede conectarnos, puedes aprender, no tienes que perder tiempo... bueno, 'perder tiempo' no es la mejor forma de decirlo, pero ahora tenemos acceso a la información a una velocidad increíble. Y eso es un regalo para personas que quizá no tenían educación, oportunidades o ese acceso antes, y ahora lo tenemos en la palma de la mano. Y al mismo tiempo, puede ser una herramienta muy peligrosa que nos vuelve vagos, nos desconecta y nos distancia de otras personas”, valora el intérprete.

En definitiva, The Audacity se presenta como una oportuna comedia negra que pone el foco en una temática tan actual como la que recientemente abordaba la española Entrepreneurs de Disney+. Sin embargo, si la ficción de los Pantomima Full servía para desmontar de una forma blanca y ligera la meritocracia y las farsas del neocapitalismo, la serie de AMC+ esconde bajo el paraguas del humor una seria problemática que nos afecta más de lo que pensamos y retrata de forma descarnada ese centro tecnológico que mueve los hilos del mundo desde las sombras.

“¿Estarán contentos en Silicon Valley? Presentamos la serie en San Francisco a gente de allí, y todos dijeron: 'Wow, lo habéis clavado. Esto es más o menos así'”, nos desvela Magnussen. “Pero creo que lo bonito de la escritura y la narrativa de Jonathan Glatzer es que la serie trata realmente sobre la humanidad de las personas dentro de estas burbujas. Podríamos haber situado la historia en la industria del cine o en la financiera. Simplemente elegimos el mundo tecnológico porque es muy influyente e importante en la sociedad moderna. Lo que me encanta de la serie es que podría situarse en cualquier industria, pero elegimos esta por su relevancia actual”, sentencia.

Casi medio siglo después de que Isabel Allende escribiera La casa de los espíritus, la plataforma Prime Video ha estrenado la serie que trocea en ocho capítulos la primera y más emblemática novela de la autora chilena, aquella con la que esta pudo trazar una amplia radiografía de la política y la sociedad latinoamericanas del siglo XX.

No es la primera vez que se graba una adaptación del libro, pero nunca antes se había hecho con la sensibilidad que merece. Cuando La casa de los espíritus cayó en manos de Hollywood en 1993, la película resultante, grabada en inglés y protagonizada por Jeremy Irons, Winona Ryder, Glenn Close, Meryl Streep y Antonio Banderas, recibió un buen puñado de críticas por su falta de identidad latina, cosa que se ha tenido muy presente a la hora de hacer esta nueva versión audiovisual.

La serie tiene un planteamiento radicalmente diferente y el deseo de preservar el ADN de la obra original. Se ha grabado en español, tiene producción chilena y su equipo humano es mayoritariamente iberoamericano. Son el mexicano Alfonso Herrera y la madrileña Nicole Wallace quienes interpretan a Esteban Trueba y Clara del Valle, la pareja protagonista de este drama romántico marcado por las tensiones familiares y los conflictos sociales de una época no demasiado lejana.

La productora Filmnation “quería una adaptación mucho más fiel que la película”, explica a verTele la directora del proyecto, Francisca Alegría, que destaca la “necesidad” que existe hoy en día de “contar nuestra historia” con el acento de quienes la vivieron. De hecho, Nicole Wallace cree que esta serie es el “ejemplo” de que “se puede hacer una adaptación que vea mucha gente y que esté arraigada a las raíces latinoamericanas”.

Por respeto a la historia se ha preservado su alma latina, y por respeto a los lectores se ha intentado hacer una escrupulosa selección de las tramas. Con ocho capítulos a su disposición, la serie puede incluir muchos más detalles que una simple película y es capaz de mostrar en toda su extensión el crecimiento de los personajes, pero no siempre se acierta al hacer esa complicada criba. En este caso se han tomado “algunas licencias” creativas, admite Alegría, aunque han tratado de ser “lo más fieles posible” a la obra original –tanto en forma como en fondo– para que exista una “coherencia narrativa”.

El equipo se muestra orgulloso del resultado final, de haber sacado adelante una “adaptación bendecida por Isabel Allende”, como la describe Francisca Alegría, ya que la escritora es productora ejecutiva de la serie junto a Eva Longoria y Courtney Saladino. Parece que los astros se han alineado en esta ocasión para que el bagaje y la esencia de La casa de los espíritus llegue por fin a la pequeña pantalla.

La política, muy presente en 'La casa de los espíritus': “Los derechos se pueden perder en un solo día”

Ni el libro ni la serie son la clásica telenovela que engorda sus tramas con amores tóxicos y rencillas familiares insustanciales. De todo eso hay bastante, pero enfocado siempre desde sus connotaciones políticas, desde el análisis de una sociedad que evoluciona al ritmo que lo hacen sus protagonistas.

La casa de los espíritus comienza a principios del siglo XX y se extiende a lo largo de cuatro generaciones. Esteban Trueba y Clara del Valle son el hilo conductor de la trama. Él es un machista decidido a triunfar en el mundo de los negocios, y ella una dulce joven acomodada que tiene cierta sensibilidad para comunicarse con lo sobrenatural. Parece que no hay nada que les una. Nada salvo el matrimonio, que no es poco.

“Esteban Trueba representa la política latinoamericana, la polarización que existe en la región y en el mundo, la injusticia, el desequilibrio y la falta de empatía”, expone Alfonso Herrera, el actor que le da vida en la nueva serie de Prime Video. “Hay que no juzgar al personaje para poder interpretarlo. Hay que entender de dónde vienen esas carencias para ver por qué detona de esa forma”, añade durante su charla con verTele.

Son las mujeres quienes aportan el equilibrio necesario en una historia de injusticias y desigualdades. Suya es la mirada sensible que nos hace creer que un mundo mejor es posible. Un mundo sin patriarcado y sin el abuso de los ricos sobre los pobres.

“Mi madre siempre me ha dicho que los derechos se consiguen con una lucha generacional y se pueden perder en un solo día. Tristemente, ahora nos estamos dando una hostia de realidad”, lamenta Nicole Wallace, que se disculpa por utilizar palabras gruesas para describir la situación que le rodea: “En mi generación hay mucha gente que da por hecho que no hay nada por lo que luchar. Ojalá esta serie haga de espejo, de reflexión, porque es una historia que, aun siendo latinoamericana, podría pasar en cualquier momento en cualquier país. No estamos tan lejos de ellos”, advierte.

Consciente de que la ola reaccionaria sacude al mundo de punta a punta, Wallace, a sus 24 años, cree que es necesario que “nos volvamos un poco más activas y revolucionarias para tomar las riendas otra vez de nuestra historia”. Todo es política y cada gesto tiene trascendencia. Incluso devolver el acento latino a La casa de los espíritus es un acto de soberanía, dice Alfonso Herrera: “Me parece muy loable que una serie de estas características sea hablada en español y que en el norte lean subtítulos. Eso es algo disruptivo y fantástico”.

Desde que en 2018 lanzó su primera serie original en España, Pequeñas coincidencias, Prime Video ha ido construyendo su catálogo patrio de ficción con más de una treintena de producciones propias de distintos géneros y con diferentes particularidades. En ocho años, el streamer de Amazon ha estrenado superproducciones como Sin límites, fenónemos literarios como Reina Roja, aplaudidos dramas como Días mejores o mediáticas comedias como Su Majestad. Ninguna de ellas, sin embargo, tiene que ver ni en fondo ni en forma con Cochinas, el nuevo título español que rompe moldes en la plataforma.

Con Malena Alterio como cabeza de cartel, la serie de comedia que Prime Video estrena este viernes 24 de abril nos sitúa en el Valladolid de finales de los 90 para contar la historia de Nines, un ama de casa de aires conservadores que se ve obligada a salvar el negocio familiar, un videoclub de barrio, especializándose en el único negocio que da dinero: el porno. Una premisa llamativa que es solo el punto de partida de un relato que va más allá de la superficialidad y el cliché, y que emociona entre la risa con algunas primeras veces.

Creada y escrita por Carlos del Hoyo (Señoras del (h)AMPA) e Irene Bohoyo (Vamos Juan), Cochinas tiene su centro neurálgico en el Dorothy, un pequeño local en quiebra que, por una mezcla de desesperación y creatividad, acaba convirtiéndose en el primer videoclub de la ciudad especializado en películas para adultos. Un negocio enfocado a los “pajilleros” del barrio que termina siendo un lugar seguro para un grupo de mujeres que se despojan de los prejuicios machistas de la época para experimentar su liberación sexual.

En ese despertar feminista, contextualizado con una perfecta ambientación de una provincia en la España previa al euro, tiene un papel clave la mencionada Nines (Alterio), pero también unos Agu (Álvaro Mel) y Chon (Celia Morán) como representación de una generación con una mirada y sensibilidad mucho más modernas. En resumidas cuentas, un trío diverso y fresco para liderar una serie tan provocativa como rompedora, a cuyos 8 capítulos ha tenido acceso verTele antes de su estreno, y de los que analizamos las claves junto a sus directoras y protagonistas.

El porno como detonante para resignificar a las cochinas

Quien se asome este viernes al primer episodio de Cochinas en Prime Video, se verá sorprendido por un chocante arranque inspirado precisamente en las películas porno de los 90, y que tiene continuidad en cada uno de los capítulos de la serie. Pequeños sketches en clave de humor que, una vez vista la producción al completo, esconden un mensaje mucho más interesante de lo puramente cómico.

Que una serie de naturaleza feminista esté vertebrada sobre una industria tan machista como la de la pornografía puede despertar contradicciones en aquellos que empiecen a verla y extraigan conclusiones prematuras. También en quien escribe estas líneas, que entre la carcajada y el asombro confiaba en que la evolución de la historia justificase la explotación del porno más allá del gag. Y así es.

Por si hiciera falta, las directoras Andrea Jaurrieta, Laura M. Campos y Núria Gago, en conversación con este portal, explican esta decisión, aclaran que Cochinas “no blanquea el porno” y apuntan a la evolución del arco de la historia para despejar cualquier duda.

“Lo importante de esta serie es cómo esas mujeres de los años 90, a las que les han dicho que el sexo es malo y que sus cuerpos no son sensuales, empiezan a autodescubrirse. Y es a través de estas películas porno, porque no había otra manera de acceder a la educación sexual”, explica Jaurrieta, que señala este recurso como detonante en la historia de las mujeres protagonistas: “Toman conciencia de que esas películas quizás no les aluden directamente porque tienen una mirada absolutamente machista y no se sienten representadas”, agrega.

“En provincias no existía el sexo para las mujeres, si existía era para tener hijos”, comenta también la realizadora, a lo que su compañera Núria Gago apunta que “en general la sociedad estaba muy descolgada de esa mirada [feminista]”. Este es el contexto de la nueva serie de Prime Video, que como decíamos se ambienta en un Valladolid de 1998 en el que las mujeres que disfrutaban de su libertad sexual eran tildadas de “cochinas”.

La ficción retrata ese machismo estructural de barra de bar para resignificar el insulto y recordarnos cómo estábamos hace no tanto, poco menos de 30 años. “Llegando al 2000 ya pensábamos que éramos modernos, pero ahora te pones en 2026 y sí ha cambiado la película. Hay cosas que se han avanzado, espacios que se han conquistado y otros que quedan por conquistar, pero también en relación a la mujer, a la sexualidad, a los derechos, a la igualdad, ha habido avances”, reflexiona con verTele Malena Alterio.

Cochinas nos enseña esa España y también la que representan Agu y Chon, a quienes define la propia Alterio como “los brotes verdes que vemos en el futuro”. Porque en el 98 no solo había cuñados de carajillo, también nuevas generaciones con inquietudes, ideas y sensibilidades que nos resultan más reconocibles en la actualidad, y hombres como el charcutero, a quien interpreta Juanjo Cucalón, que regala junto a Esperanza de la Encarnación una de las pequeñas historias por las que merece la pena asomarse a esta serie.

'Cochinas' se sale de la normatividad haciendo visible lo real

La secuencia estrella de los charcuteros -de la que no daremos más detalles por no arruinar el visionado- es el reflejo perfecto de lo que es Cochinas: una serie real y natural que da visibilidad a todo tipo de cuerpos, relaciones e identidades. En un audiovisual plagado de normatividad en el 95% de las producciones, donde poco de lo que se ve representa a la mayor parte de la sociedad, que una ficción muestre sin tapujos lo que somos no debería ser la excepción sino la norma.

“Es la única manera de llegar al público, de que te sientas identificada”, comenta Andrea Jaurrieta. A su lado, Laura M. Campos explica que “la idea también es normalizar los desnudos, todo tipo de desnudos y todo tipo de cuerpos. Un abrazo, viniendo de quien venga, es bonito. Está todo el mundo representado en todos los niveles y en todos los sentidos”.

“Naturalizamos el desnudo, además, sin subrayarlo por trama. Vemos desnudos y vemos cuerpos distintos, pero no hay algo que diga: mira esto”, agrega por su parte Núria Gago, idea en la que incide Jaurrieta: “Como directoras queríamos que la mirada no fuera sexualizadora. Muestras un cuerpo porque todos tenemos uno. Todos nos miramos al espejo y estamos desnudos, y si estoy mostrando el cuerpo es porque está contando algo, pero la cámara no lo subraya ni lo sexualiza”.

En ese sentido, que la serie esté dirigida por tres mujeres es de suma importancia, pues de su mirada y sensibilidad nace el retrato de las relaciones y reivindicaciones de este grupo de protagonistas. “Todos los personajes principales son mujeres y nos podemos sentir más identificadas. Y la mirada que tenemos es más de empatía y no tanto de objetualización de los personajes”, afirma Jaurrieta, si bien destaca que “cada vez hay más hombres directores con esa sensibilidad”.

Laura M. Campos, por su parte, apunta a sus referentes, que no son otras que sus madres y abuelas: “Hay mucho de experiencia personal en esta serie, tanto en el ámbito sexual como en los personajes y en la época. Creo que no es lo mismo el trato o el recuerdo que yo puedo tener de ciertas formas de actuar de mi abuela o de mi madre en ciertos momentos que la que puede tener mi hermano, y ha crecido conmigo”.

En definitiva, y para quien tenga dudas, Cochinas es una rompedora comedia sobre la liberación sexual de un grupo de mujeres de los 90 tan bien dirigida como interpretada. Y no sólo por una Malena Alterio brillante en su vis cómica, sino también por un tierno Álvaro Mel y una debutante Celia Morán que se adueña de todas sus secuencias y que apunta a revelación del año.

Raquel Pérez, Celia de Molina, Chani Martín, Esperanza de la Encarnación, Álvaro Almodóvar, Albert Baró, Ana Mencía, Josele Román, Aina Picarolo, David Castillo, Enrique Asenjo, Jose Luis García-Pérez, Paqui Horcajo, Juanjo Cucalón, Blanca Javaloy y Daniela Blume completan el reparto de la serie, que está producida por Oslodije y que se estrena al completo en Prime Video este viernes 24 de abril.

El éxito de crítica y público, juntos o por separado, es el principal baremo que mide el valor de un showrunner o un cineasta. Sin embargo, hay otros méritos que también pueden calibrar su importancia en la industria individual, siendo dos de ellos su olfato para descubrir nuevos talentos y su capacidad de sacar adelante proyectos que, sin su apoyo, difícilmente podrían ver la luz. Un ejemplo claro de esto último lo tenemos en la figura de Pedro Almodóvar, del que se habla mucho —y con razón— de su excelsa carrera como director y muy poco de que, por ejemplo, él y su hermano Agustín produjeron con El Deseo la ópera prima de Álex de la Iglesia (Acción mutante, 1993) y dos de las primeras y más importantes películas de Guillermo del Toro (El espinazo del diablo, 2001) e Isabel Coixet (Mi vida sin mí, 2002), pese a que ninguna de ellas tenía mucho que ver con su estilo de cine.

Los Javis, admiradores confesos del manchego, están más o menos en las mismas. Trece años después de que triunfaran con la versión teatral de La Llamada —curiosamente, el mismo tiempo que separa la primera película de Almodóvar (Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, 1980) y la primera que produjo sin estar dirigida por él (la ya mencionada Acción mutante)—, Javier Calvo y Javier Ambrossi han construido una carrera tan sólida que ahora mismo pueden permitirse el lujo de sacar adelante no sólo sus propias producciones, sino también las de otros a través de su compañía, Suma Content. De hecho, la buena acogida de sus creaciones ha hecho que la etiqueta “producida por los Javis” goce de una fuerza inusual dentro de nuestra industria por el simple hecho de mencionar en ella al dúo creativo, por mucho que ninguno de sus integrantes tenga algo ver con el guion o la dirección de aquellos títulos que la lucen.

Yo siempre a veces, la nueva serie de Movistar Plus+, es la última producción en sumarse a esta lista, en la que ya figuran ficciones televisivas como Cardo (Atresmedia, 2021), Vestidas de azul (Atresmedia, 2023), Superestar (Netflix, 2025) o Mariliendre (Atresmedia, 2025). Siguiendo con las coincidencias, las cuatro fueron creadas o cocreadas por mujeres, igual que Yo siempre a veces, el proyecto más importante hasta la fecha de Marta Bassols y Marta Loza, que ambas han escrito junto a Almudena Monzú y que Loza ha dirigido junto a Ginesta Guindal y Claudia Costafreda. Para rizar el rizo, esta última ya dirigió en su momento capítulos de Vestidas de azul, Cardo y Superestar, además de ser cocreadora de las dos últimas y guionista de Veneno (Atresmedia, 2020), por lo que su presencia tras las cámaras en Yo siempre a veces refuerza la conexión de los Javis con esta serie. Una conexión que también se aprecia en otro punto importante: el resultado final no cae en la indiferencia.

'Yo siempre a veces' y lo difícil que es salir adelante

De momento, Yo siempre a veces ya ha sido avalada por el prestigioso festival Canneseries, donde competirá en su selecta sección oficial a partir de este jueves 23 de abril, coincidiendo con su llegada a Movistar Plus+. Compuesta de seis episodios (30 minutos), la serie sigue a Laura (interpretada por la debutante Ana Boga), a quien la vida le cambia por completo cuando tiene un bebé con Rubén (David Menéndez) tras una noche de fiesta por Barcelona. Laura, que antes de ser madre tenía pensado volver a disfrutar de su buena vida en Berlín, ha de quedarse en la Ciudad Condal e intentar sacar adelante al pequeño Mario en una España tan precaria como la de nuestros días, sobre todo para la gente joven. Y Rubén, que hasta ahora vivía por y para la noche, debe asumir la gran responsabilidad que supone ser padre. Sin embargo, ella está más dispuesta que él de dar un paso adelante hacia la madurez, lo que acaba por causar fricciones entre ambos.

Esto no quiere decir que Laura sea un personaje perfecto, ni mucho menos. De hecho, una de las cosas que habla bien de Yo siempre a veces es que no pretende —o no parece pretender— que sus protagonistas caigan bien al público, aunque tampoco necesariamente mal. Dentro de su naturalidad, la serie apuesta por presentar a Laura y Rubén como dos personas normales y corrientes, con sus virtudes y sus defectos, y que tan pronto resultan simpáticas como todo lo contrario. No siempre al mismo tiempo, claro, pues hay ocasiones en las que es más fácil conectar con Laura que con Rubén y viceversa, aunque la verdadera protagonista sea ella. De hecho, uno de los puntos mejorables de la propuesta está en la construcción de sus tramas, pues por momentos parece ser la persona con más mala suerte del mundo debido a la enorme cantidad de contratiempos a los que se enfrenta, algunos de ellos tan rocambolescos que ponen en peligro el tono realista de la serie.

Insistir en esta desdicha no hacía falta cuando tu protagonista es madre soltera, carece de trabajo estable y el padre de su hijo no le pone las cosas fáciles, pues bastante tiene ya con hacer frente a todo esto. Aun así, por excesivas que puedan resultar, las dificultades de Laura no tapan una realidad: que es muy complicado ser uno mismo y avanzar emocional y vitalmente en un contexto de precariedad. Al fin y al cabo, ella vive en la España “de ahora”, en la que es tan costoso acceder a la vivienda, tener un buen salario y contar con las herramientas necesarias para construir una familia. Una España “de ahora”, pero que para los millennials de su edad es la de casi siempre, pues lleva muchos años sin ofrecer los alicientes que sí disfrutaron generaciones anteriores. Hay una escena muy ilustrativa al respecto. En ella, Laura mira el móvil, ve lo caros que están los alquileres en Barcelona y asume que están fuera de su alcance. Un buen resumen de cómo están las cosas.

Escenas como esta no hacen de Yo siempre a veces una de las mejores series de Movistar Plus+, pero sí una de las más realistas, humanas y que más tiene los pies en el suelo de todo su catálogo original. A su favor también juega que no cae en el error de demonizar la maternidad, algo que hubiese sido muy fácil de hacer dado el radical giro que experimenta la vida de su protagonista. Porque sí, las cosas para Laura eran mucho más sencillas cuando vivía por y para ella y podía ser ella misma en todo momento, pero esto no le impide sentir un inmenso cariño por su pequeño Mario. Los múltiples planos del bebé sonriendo recuerdan a su madre —y nos recuerdan a los demás— que por muy complicadas que se pongan las cosas, siempre hay un buen motivo para tirar hacia adelante. Y a Javier Calvo y Javier Ambrossi, que siempre hay historias y mucho talento femenino ahí fuera por el que apostar.

Aceptamos que la realidad siempre supera a la ficción, pero olvidamos que esta última tiene la tarea pendiente de dar voz a los contextos invisibilizados que condicionan a miles de personas. La serie Barrio Esperanza no se compone de lujos, personajes de postín o tramas glamurosas. Todo lo contrario: la calle es su escenario para mostrar un complejo día a día sepultado por la vorágine de actualidad que nos bombardea. Es una producción que va de segundas oportunidades, trata el acoso a todos los niveles y tiene por protagonista tanto la vulnerabilidad como la educación pública. Sin duda, un ejercicio necesario que se comporta como homenaje a los héroes sin capa en consonancia con la misión de servicio público de RTVE.

El estreno está programado para este domingo, 19 de abril, en el prime time de La 1. Con la actriz Mariona Terés como cabeza de cartel, el título que nos ocupa rompe por completo la tendencia actual de la ficción. Aquí no hay áticos luminosos ni vidas idílicas disfrazadas de drama. Hay barrio, grietas de lo más reales que están completamente desplazadas de la agenda informativa. La intención es clara: poner el foco donde a veces se nos olvida mirar como ciudadanos. Y lo hace recuperando esa esencia de otras épocas, pero adaptándola a un presente que, paradójicamente, no muestra el interés que sus propias heridas merecen.

Producida por Globomedia (The Mediapro Studio) en asociación con la corporación pública, Barrio Esperanza se presenta como una comedia que combina el humor ácido con un tono vitalista. Cuenta además con un elenco que se completa con Alejo Sauras, Ana Jara, Mariano Peña, Guillermo Campra, Laura de la Uz, Ángel Héctor Sánchez, Ruth Núñez, Carlos Librado 'Nene', Carmen Balagué y Javier Pereira, a los que se unen los niños que interpretan a los alumnos de un colegio público. Los creadores de la serie, Iván Escobar y Antonio Sánchez Olivas, han logrado plasmar en pantalla una obra que refleja a la perfección un trabajo por hacer en materia de igualdad social.

El barrio como reflejo de una realidad olvidada

El barrio es el corazón narrativo de la serie, como su propio nombre indica. Es el lugar donde se cruzan todas las historias y donde surgen conflictos muy reales: el acoso escolar, la precariedad de la enseñanza pública, la vulnerabilidad de las familias, la problemática económica o la necesidad -urgente- de segundas oportunidades. En absoluto son temas elegidos al azar. Es lo que está ocurriendo ahora mismo, quizás al otro lado del rellano o de la calle. Pero no siempre se le otorga la visibilidad que merece en televisión.

Un 25.7% de la población española está en riesgo de pobreza o exclusión social, según el Instituto Nacional de Estadística (INE). Como sociedad, a veces caemos en la trampa de no otorgar la importancia que merece a un dato aislado. Cuando ponemos la lupa en los jóvenes, la conclusión es todavía más dramática: casi uno de cada tres menores sufre esa situación. Pero detrás de esta cifra se esconden miles de historias, y Barrio Esperanza es consciente de ello. Incluso hay escenas directamente relacionadas con esta triste realidad que hasta emocionan.

El acoso escolar también es clave en la serie, poniendo cara a diferentes niños -y también adultos- que sufren esta lacra. No es ficción, estamos hablando de una verdad que sufren nuestras aulas. Según los últimos estudios publicados por el Ministerio de Educación, un 9.5% del alumnado en Primaria indica haberlo sufrido. La producción busca concienciar al respecto durante sus capítulos, con un profesorado sorprendido ante los casos que se descubren a raíz de una iniciativa nunca antes puesta en marcha desde el centro público.

Y como no podía ser de otro modo, la educación juega un rol protagónico en cada uno de sus episodios. La clase política tiene la obligación de proteger uno de los valores más preciados de nuestro país. Las administraciones deben invertir todos los recursos necesarios para formar a nuevas generaciones, garantizando así la igualdad plena de oportunidades. Los datos expuestos en un informe de Save The Children invitan a la reflexión: España es el país de la OCDE que más segrega por renta entre la escuela concertada y la pública.

Esperanza, una justiciera en busca de segundas oportunidades

Para qué nos vamos a engañar, Esperanza es la profesora que todo alumno hubiera deseado tener. Mariona Terés interpreta con gran destreza a una mujer que necesita resarcirse de los errores del pasado tras ocho años de condena. ¿Y cómo lo intenta? La respuesta es altamente entrañable: ayudando a todos esos niños con miedos y sueños por cumplir pese a las adversidades. En definitiva, su camino pone de relieve tanto los prejuicios como los estigmas de toda una sociedad a la hora de conceder una segunda oportunidad a una mujer que tomó el camino equivocado.

La recién licenciada no busca cambiar el mundo, pero sí arreglar en la medida de lo posible la realidad que hay frente a sus ojos. En una ficción de corte social, es algo que resulta imprescindible. Si hacemos énfasis en esas problemáticas fundamentales, las personas de avanzada edad también gozan de representación en esta serie a través de la madre de la protagonista. A través de su figura se muestra a un colectivo frágil y vital para cualquier sociedad, en ocasiones invisibilizado. Según la Fundación ONCE, la soledad no deseada alcanza el 20% entre los mayores de 75 años.

Un estreno inesperado en La 1 que desplaza a 'La película de la semana'

Con todos estos elementos, RTVE despliega sus alfombras para estrenar Barrio Esperanza. La fecha elegida -un domingo- sorprende sobremanera por un giro de programación que supone la supresión del contenedor La película de la semana, que en su anterior emisión logró liderar frente a Supervivientes: Conexión Honduras. Se trata de una “noche especial” en la que la ficción se extenderá entre las 22:00 horas y las 00:25, acompañada después por el documental España de barrio: Carabanchel. Desde verTele hemos preguntado por el número de capítulos que se emitirán en el estreno -aunque por la duración coincide con dos-, sin obtener respuesta de la corporación. Queda por ver si la estrategia se mantiene o si, por contra, termina dando el salto a otra jornada diferente.

La estrategia de la corporación arroja una doble lectura: es de aplaudir que una serie vuelva a arrancar a una hora que facilite la conciliación y no se convierta en el plato fuerte tras La Revuelta. Y en este sentido, es necesario destacar un aspecto que no juega del todo a favor: cada episodio dura alrededor de 70 minutos, un estándar ya poco habitual en la ficción española. En una industria donde el consumo es cada vez más fragmentado, esta extensión se le puede volver en contra. No por falta de contenido, ni por ritmo en algunas ocasiones. Cierto es que algunas tramas piden respirar, pero otras agradecerían desarrollarse con mayor agilidad.

'Barrio Esperanza' es tan valiente como necesaria

En conclusión, Barrio Esperanza se presenta como una serie inherente a la razón de ser de RTVE: el servicio público. En cierto modo, se erige como un recordatorio necesario de lo que ocurre a nuestro alrededor. La ficción sirve en esta ocasión para señalar una realidad incómoda de ver, plagada de historias que condicionan la vida de miles de personas aunque no sean nada atractivas para los algoritmos. Y lo hace poniendo la lupa en la vulnerabilidad, el acoso escolar, la precariedad en la educación y las segundas oportunidades. En tiempos de evasión constante, que una producción regrese a las calles para contar sin filtros lo que ocurre es tan valiente como necesario.

Pocos programas han dado tantas alegrías a Antena 3 como La ruleta de la suerte. Además de ser líder de audiencia cada mañana, el exitoso concurso de Jorge Fernández disfruta de una estabilidad privilegiada que contrasta con las habituales turbulencias de la parrilla televisiva. No parece que el paso del tiempo haya erosionado su prestigio, como les ocurre a muchos programas que caen en el olvido y acaban por desaparecer. Más bien al contrario, su principal fortaleza es su veteranía, su marca y su capacidad para enganchar al público día tras día. Solo así ha podido convertirse en una baza imprescindible para la cadena de Atresmedia.

La historia de La ruleta de la suerte está íntimamente vinculada a la de Antena 3. Procedente de Estados Unidos, donde se le conoce desde 1975 como Wheel of Fortune, el concurso llegó a España el 25 de enero de 1990, día en el que Antena 3 arrancaba sus emisiones. Mayra Gómez Kemp tuvo el privilegio de presentar el primer programa de entretenimiento de la televisión privada, otro hito más en la extensa carrera mediática de la cubana.

En el año 2006, después de pasar por Telecinco y tras quedarse sin cadena durante una larga temporada, La ruleta de la suerte regresó a la que fuera su casa para iniciar una nueva etapa con Jorge Fernandez al frente. Esa etapa se ha prolongado de manera ininterrumpida hasta la actualidad y cumple 20 años este sábado 18 de abril.

Un éxito de audiencia rotundo de lunes a viernes

La ruleta de la suerte ha envejecido muy bien y así lo atestiguan sus datos de audiencia, que presentan pocos altibajos y son muy superiores a los de la competencia. En 2006, cuando comenzó la actual etapa, el concurso regresó a la pequeña pantalla con un 26.9% de cuota de pantalla y 1.318.000 espectadores, cifras muy similares a las que manejaba en la década de 1990. Sin embargo, en los años siguientes empeoró su rendimiento.

La temporada 2017/2018 fue un tanto agridulce para el programa de Jorge Fernández. En ella registró su peor dato de cuota de pantalla (cayó al 14.7%), pero, por sorprendente que pueda parecer, también se disparó su número de espectadores. La razón es bien sencilla: La ruleta de la suerte, que hasta entonces se emitía a mediodía, pasó a ocupar la franja de Los Simpson (de 14:00 a 15:00 horas) en la que el consumo televisivo es mucho mayor.

Aquel movimiento fue decisivo, y aunque no estuvo exento de polémica porque a los fans de la serie no les hizo ninguna gracia el cambio, eso permitió al programa comenzar una remontada que se prolonga hasta la actualidad: en pocos años ganó una buena cantidad de seguidores y mejoró su competitividad.

Durante el último lustro se ha dado otra curiosa situación. Mientras que La ruleta de la suerte ha visto cómo se reduce su base de espectadores desde la temporada 2020/2021 (cuando tocó techo con una media de 1.737.000), su competitividad no ha dejado de crecer hasta alcanzar el 22% de cuota en la temporada 2024/2025. Entre las muchas explicaciones que podrían darse a este otro fenómeno que parece contradictorio, hay una que resulta bastante factible: el programa pierde espectadores porque la televisión, en general, pierde espectadores; pero su competitividad ha crecido porque la audiencia sigue prefiriendo este concurso en vez de otras ofertas televisivas.

Así aislados, los datos carecen de la importancia que realmente tienen, por lo que es necesario un poco de contexto para evidenciar la fortaleza del concurso. Con un 21.6% de cuota de pantalla en la temporada 2025/2026, La ruleta de la suerte tiene casi el doble de audiencia que su cadena (Antena 3 promedia un 12.4% en abril) y saca una ventaja abismal a los rivales contra los que compite cada día: Mañaneros 360 ronda el 12% en esa franja de emisión, y El precio justo se acerca tímidamente al 9%.

Consciente del éxito imparable de La ruleta de la suerte, Antena 3 emite desde 2020 reposiciones del concurso en las mañanas de sábados y domingos. Incluso en este caso, con entregas repetidas, es líder de audiencia y tiene datos muy superiores a la competencia: un 17.8% de cuota y 1.258.000 espectadores en la actual temporada. Además, la cadena de Atresmedia ha emitido ya dos ediciones de La ruleta de la suerte noche, la versión nocturna del programa, aunque en este caso, todo sea dicho, sin tanto éxito como su versión diaria.

· Audiencias de 'La ruleta de la suerte' en el fin de semana

'La Ruleta': un pequeño resquicio de la televisión tradicional

Es evidente que se ha formado alrededor del concurso, a lo largo del tiempo, una gran comunidad de fans. No es un programa exigente para el espectador y no se le exige una inquebrantable fidelidad. Sus participantes cambian cada día y su mecánica es casi idéntica desde hace más de tres décadas. Para qué tocar lo que funciona, se preguntarán en los despachos de Antena 3.

Fiel a su esencia, podría decirse que La ruleta de la suerte es uno de los pocos programas que, como Saber y Ganar, el Grand Prix o El precio justo, nos conectan con la televisión del pasado. Es un pequeño vistazo a otra época, a una en la que la parrilla televisiva estaba llena de formatos de entretenimiento.

Al igual que las recetas de Karlos Arguiñano, que también se emiten en Antena 3 desde hace años, el concurso de Jorge Fernández y Laura Moure se ha convertido en una referencia para los espectadores, ha creado en ellos la costumbre de encender el televisor cada día a las dos de la tarde para girar y girar con La Ruleta.

Por si fuera poco, La ruleta de la suerte se ha convertido en una pieza fundamental para la primera edición de Antena 3 Noticias, que se emite justo a continuación. El éxito del concurso es fundamental para que el informativo de Sandra Golpe sea el más visto de la televisión. Es una estrategia perfecta, a la vista está. Perfecta y muy rentable para la cadena de Atresmedia, que goza de una tremenda estabilidad en una franja insufrible para sus rivales.

Este viernes, con motivo de su 20 aniversario, La ruleta de la suerte tuvo como invitado a Jim Thornton, el presentador de la versión estadounidense. Acompañado por los miembros de la banda del programa, el showman, que saludó a los espectadores de Antena 3 con su característico entusiasmo, se atrevió a pronunciar algunas palabras en español para demostrar cierta cercanía. Esa podría ser la receta del éxito: acercarse al público con confianza, crear comunidad y hacer que La Ruleta brille como si este fuera su primer año en emisión.

La quinta temporada de Machos Alfa vuelve a dar con la tecla, presentado de nuevo a unos personajes que libran su particular batalla con esa deconstrucción que les lleva por el camino de la amargura. En esta tanda de capítulos, la premisa de partida ya es toda una declaración de intenciones: los cuatro amigos planean irse a vivir juntos a una “comuna machirula libre de mujeres”, que viene a ser un complejo diseñado para estar 'a salvo'. Esta idea que plantea la serie de Netflix podría encajar a la perfección con el deseo de cualquier nostálgico: un búnker donde los techos de cristal ni siquiera tienen nombre, donde la igualdad no quebrante una forma de vida con amplias comodidades.

Que nadie se equivoque, la comedia de los hermanos Caballero se eleva una vez más como una excelente crítica, como analizamos a continuación en verTele. Es una sátira a ese caos del que tanto se quejan ciertos sectores de la sociedad, utilizando el humor para retratar la fragilidad de aquellos que confunden el avance social con una persecución personal. Ya lo dijo Raúl Tejón en una entrevista, refiriéndose a esos “bros” que le toman por gurú sin entender la parodia: “Yo soy mariquísima y no me oculto, lo digo abiertamente”. Para los que no se han enterado de absolutamente nada, como comentó el actor, esta temporada es una tesis de manual.

La ficción de Contubernio Films se estrena este viernes, 17 de abril, con una batería de episodios donde sus protagonistas se dan de bruces contra la realidad. Fernando Gil, María Hervás, Raúl Tejón, Kira Miró, Gorka Otxoa, Paula Gallego, Fele Martínez y Raquel Guerrero están de vuelta para brindar al espectador una imagen caricaturesca de nuestra sociedad. Completan el reparto las nuevas incorporaciones María Adánez y Diego Martín, con personajes clave que complementan los regresos de Cayetana Cabezas, Marta Hazas y Paloma Bloyd, entre otros. La dirección de los seis episodios de la serie corre a cargo de Laura Caballero, también creadora junto a su hermano Alberto Caballero.

El viaje de los cuatro fantásticos de 'Machos Alfa 5'

El arco argumental de esta temporada es, quizás, el más maduro -dentro de las posibilidades de este cuarteto- hasta la fecha. Resulta un ejercicio de lo más interesante analizar el colapso de Santi Peralta (Gorka Otxoa), quien decide que ya ha tenido más que suficiente en su viaje hacia la deconstrucción. El arquitecto que intentó ser el aliado perfecto inicia un camino radical de vuelta: rechaza cualquier tipo de relación sexoafectiva, impulsando la constitución de la sociedad Pacto Patriarcal. Y lo cierto es que se transmite una ternura latente en sus fracasos constantes por encontrar una persona con la que avanzar. Podríamos definirlo como el hartazgo vital hecho personaje.

Por su parte, Raúl Camacho (Raúl Tejón) por fin colapsa. Toma conciencia de que nunca supo querer, un diagnóstico que resuena en varias generaciones educadas en un patriarcado donde los sentimientos no son cosa de hombres. Sus tramas nos vuelven a llevar por rincones incómodos de la heterosexualidad, como esos clubes destinados al placer solo para varones donde la única regla es que “no hay contacto homosexual”. El personaje da un paso más en esta pirueta argumental para retratar la homofobia interiorizada que, lamentablemente, aún sobrevive en ciertos entornos. Bien por Machos Alfa, colando este debate en millones de hogares a través de la comedia.

El adalid de la masculinidad, que responde al nombre de Pedro Aguilar (Fernando Gil), vive una curiosa evolución: el más reacio en los inicios termina abrazando algunas bondades de la deconstrucción, o al menos eso parece. Básicamente, hasta el más 'rudo' puede cambiar cuando el sistema que defendía cae por su propio peso. Mientras tanto, Luis Bravo (Fele Martínez) intenta sobrevivir hasta que encuentra su ¿nuevo camino? tras una negociación con su esposa plagada de giros. Y atención porque uno de sus episodios vitales toca de lleno una asignatura pendiente para nuestra sociedad: las relaciones y las dinámicas cuestionables de pareja.

Adolescentes y relaciones tóxicas

Conviene poner la lupa en una de las tramas que nos regala la quinta temporada de Machos Alfa: la toxicidad que impera en las relaciones de los adolescentes. También se muestran otras tramas inspiradas en otras polémicas de nuestros días, evidenciando su vocación de generar reflexiones en los espectadores. El guion pone sobre la mesa una realidad que se recoge en los dos últimos Macroestudios de violencia de género Tolerancia Cero, cuyas estadísticas más preocupantes se destacan a continuación:

La serie de Netflix aborda esta difícil realidad a lo largo de la temporada, evidenciando que todavía queda mucho camino por recorrer en materia de igualdad. Y lo hace a través del humor, un vehículo clave para introducir debates en la conversación de los espectadores. Es fundamental que el mensaje llegue a todas las generaciones -sobre todo a las nuevas-, especialmente en un contexto donde el sesgo de confirmación actúa como escudo. En una época en la que muchos desacreditan las realidades que no encajan con su ideología, colar esta realidad en una narrativa es vital. Quizás, la forma más efectiva de romper un muro para visibilizar y concienciar.

Un espejo de nuestra sociedad que escuece (y mucho)

Más allá de las risas, Machos Alfa se erige como un ensayo sobre el cambio de paradigma en lo que significa “ser un hombre”. La sociedad viene de un pasado donde la masculinidad era sinónimo de fuerza, silencio emocional, dominación, ausencia de dudas y virilidad en exceso. Ese modelo, que durante décadas fue hegemónico, era estructural: el Centro de Investigaciones Sociológicas (CIS) lleva años detectando un aumento en la percepción de los hombres -especialmente jóvenes- que advierten discriminación en la promoción de la igualdad de las mujeres.

Ese hombre de ayer no se preguntaba quién era ni qué sentía, simplemente ejecutaba un rol privilegiado de autoridad que no podía cuestionarse. En este sentido, el cuarteto protagonista satiriza a la perfección ese punto de inflexión: todos viven a su manera un caos interno porque la sociedad les obliga a escapar de una histórica zona de confort. Ellos mismos deciden vivir en una “comuna machirula libre de mujeres” mucho tiempo después de haberse sometido a un curso donde deconstruirse, aunque el devenir de los acontecimientos puede terminar por desbaratar sus planes.

La idea de retiro que plantea la serie conecta con el auge de comunidades online solo frecuentadas por hombres, que en la realidad suelen ir acompañados por discursos antifeministas donde hay “crecimiento del negacionismo”, como documenta el Ministerio de Igualdad. Y aunque los personajes terminan enfrentándose a sorprendentes cierres de ciclo durante la quinta temporada, Machos Alfa vuelve a plantear con acierto que el conflicto real no está en la igualdad, sino en la gestión emocional, cultural y social.

'Machos Alfa' invita a reírse de las contradicciones

En definitiva, Machos Alfa se mantiene como una de las mejores comedias españolas de la televisión actual, confirmando que no existe temor alguno a meterse en el barro. Las interpretaciones son, como siempre, impecables. Logran que empaticemos con personajes que, sobre el papel, posiblemente nos sacarían de nuestras casillas. Y es que la serie de Netflix no juzga desde una posición de superioridad, sino que invita a reírse de las contradicciones humanas. Es entretenida, es ágil y, sobre todo, es muy inteligente: señala sin titubeos que el búnker del cuarteto protagonista no es para huir de las mujeres, sino para alejarse de un mundo que ya no se vive en blanco y negro.

Cuando en junio de 2019 Euphoria irrumpió en nuestras pantallas, lo hizo como una producción estéticamente rompedora que traía a la televisión un relato audiovisual, en fondo y forma, altamente representativo de la generación Z. Con Zendaya al frente de un desconocido reparto de noveles actores a los que catapultó al estrellato, la serie de HBO Max -basada en la homónima israelí de la plataforma HOT- causó un gran impacto entre el público por el planteamiento de un descarnado universo en el que se lograron plasmar -tal vez con exceso de revoluciones- algunas de las inquietudes más características de la población centennial. En su tercera temporada, que la plataforma estrenó este pasado lunes, Euphoria rompe ahora con su pasado y deja atrás casi todo lo que un día la hizo grande y extraordinaria.

Lejos de presentarse como una serie juvenil al uso más, tirando de conflictos adolescentes ya explotados en otros títulos, Euphoria llegó a nuestras vidas en el último verano prepandémico con todo el peso puesto sobre unos protagonistas que sublimaban el nuevo signo de los tiempos entre los jóvenes: sus personajes usaban un lenguaje hiperreferencial y autoconsciente; mostraban una mayor sensibilidad sobre la salud mental y una apertura de miras desprejuiciada, diversa y fluida en torno a la identidad sexual; y manifestaban una gran voluntad por la creatividad y la autoexpresión, evidente desde su propio maquillaje y vestuario, lo que causó un gran impacto cultural en las corrientes de moda del planeta en aquella época.

Todo este cóctel fue reflejado ante las cámaras por su creador Sam Levinson -durante sus dos primeras temporadas y los dos capítulos especiales que HBO Max ofreció entre ellas- a través de un look cinematográfico hiperestilizado, con aire indie y ciertamente experimental, que ponía la realización -con abundancia de primeros y primerísimos primeros planos- y la fotografía -y su gama de colores saturados- al servicio de las emociones de sus protagonistas.

También lo hacía con su narrativa, que planteaba fórmulas innovadoras que atrapaban al espectador, jugando con diferentes líneas temporales y con secuencias que oscilaban con facilidad entre lo realista y lo onírico. Y con su excelsa banda sonora firmada por Labrinth, que servía como un potentísimo amplificador sensorial de toda la historia y una de las señas de identidad más sólidas de la ficción. Todo ello tenía, como decíamos, un claro objetivo: no ya explicar las emociones de sus personajes, sino hacérnoslas sentir en nuestra misma piel.

'Euphoria', otra víctima del retroceso cultural de nuestro tiempo

El contexto en el que Euphoria logra al fin estrenar su tercera temporada en HBO Max, que recordaremos al final de este artículo, se hace fundamental para entender las posibles consecuencias que este crispado ambiente ha tenido en su resultado. Pero no es el único, ya que la ficción parece ser el último producto que sufre los efectos del gran retroceso ideológico que se ha desatado en el mundo en los últimos años y que, sin duda, ha permeado con fuerza en una industria cultural que plantea dudas sobre cuánto tiene de reflejo y cuánto de instrumento perpetuador de los valores conservadores que imperan en la sociedad.

Así pues, la pandemia del coronavirus se posiciona como un punto de inflexión clave en nuestra historia reciente, con la emergencia o repunte de figuras de poder que se aprovecharon de un escenario de incertidumbre y miedo global para mover a su antojo el tablero político y social en todo el planeta. Y en esa nueva partida, estos agentes retrógrados entendieron que la llamada -por ellos- 'batalla cultural contra lo woke' jugaba un papel clave para poner freno a todos aquellos principios progresistas, de conciencia social, de igualdad, de inclusión o de diversidad que se imponían entonces en el discurso social dominante.

Esta regresión, que se viene palpando en los últimos tiempos en títulos de nueva creación, cobra -voluntaria o involuntariamente- una mayor tangibilidad en Euphoria, a la que la perspectiva del tiempo y su desarrollo a caballo entre los años pre y postpandémicos deja en profunda evidencia. Al menos eso es lo que siente uno cuando se planta a ver los tres primeros capítulos de esta tercera temporada, los únicos de los ocho que componen la tanda a los que ha podido acceder verTele.

En ellos, los personajes retoman las tramas cinco años después de los hechos ocurridos en el final de la segunda tanda, con unas vidas (lógicamente alejadas -quizá demasiado- de las que tenían en el instituto) en las que, tras perderse a sí mismos en los dramas de la juventud, cada uno emprende su respectiva travesía por el desierto. Una deriva en la que parece descarrilarse la propia serie, que se entrega -ahora también en fondo y forma, como aventuraba su tráiler y su cartel promocional- a un conservadurismo y falta de creatividad con el que deja atrás todo lo que un día fue.

'Euphoria' se desdibuja en su temporada 3 en HBO Max

Por un lado, como decíamos, hay un giro formal y estético. Y es que Euphoria se convierte en su tercera temporada en una suerte de neo-western de mirada masculina que la acerca a referentes más próximos a Breaking Bad o Los Soprano que a títulos autorales como Girls o Fleabag. Es decir, más al thriller criminal y la comedia negra y menos al drama y al realismo generacional que marcaba sus primeras temporadas. Para ello, Levinson presenta ahora a Rue como una traficante de armas y de drogas que tiene que sortear humorísticas peripecias vinculadas a la delincuencia -como la delirante con la que arranca el primer capítulo- y lidiar con los tejemanejes de dos capos de la droga en sus insistentes intentos por huir de los errores de su pasado.

En esa nueva vida, en el marco de un conflictivo club de striptease, es donde el personaje de Zendaya se topa con los de la cantante Rosalía y la actriz hispano-puertorriqueña Priscilla Delgado (la niña de Los Protegidos), fichajes de la temporada -junto a una en principio testimonial Sharon Stone- y que no dejaran indiferente a nadie con sus pertinentes trabajos interpretativos. Especialmente el de la segunda, que despunta por sorpresa con un personaje más protagónico del que nadie imaginaba y que aspira a ser clave en el segundo tramo de la temporada.

Para lograr esa estética, Levinson y su director de fotografía (Marcell Rév) apostaron por rodar en película de 65mm de Kodak, buscando proporcionar una imagen extendida en pantalla que reflejase mejor el nuevo mundo amplio y salvaje en el que se mueven los personajes. Como consecuencia, se pone ahora más el foco en lo que ocurre alrededor de los protagonistas y menos en la profundidad de las consecuencias emocionales que desencadena en ellos lo que les pasa. Los creadores también abandonan la oscuridad y el juego de luces y colores de sus comienzos -aunque en la segunda tanda ya vivió una notable evolución fotográfica- para decantarse ahora por los tonos cálidos -dorados, amarillos, anaranjados- más clásicos de cine del Oeste.

Todo esto, sumado a la pérdida de Labrinth en la banda sonora -que prescinde ahora también de esa canciones comerciales que anclaban la serie a nuestro tiempo- y a un encargo a prestigioso Hans Zimmer que se hace insuficiente por la despersonalización que se produce en las músicas de la producción, propicia que parezca que nos encontramos desde el principio -y de un simple vistazo- ante una Euphoria radicalmente diferente a la que hace no tantos años nos conquistó.

Pero Euphoria también se desdibuja en sus tramas, con un guion que se desinfla desde el planteamiento de la temporada y que no hace justicia a las estrellas actorales de su reparto, siempre con una soberbia Zendaya que está por encima de su texto. Durante los dos primeros capítulos, la serie se esfuerza -haciendo uso de demasiado metraje- en contarnos lo distanciada que vive ahora aquella pandilla de amigos y en el tercero encuentra en la boda de Cassey y Nate una excusa fácil, forzada y poco consistente sobre el papel para reunirlos. Era obvio que los personajes no iban a seguir escolarizados con sus actores acercándose a la treintena, pero en estos nuevos episodios se nos presentan con desarrollos vitales superficiales, poco interesantes e incoherentes, especialmente el de Jacob Elordi, con un Nate 'beatificado' que pierde por completo los tormentos, la ira y la oscuridad que siempre lo caracterizaba.

Lo único que tienen los protagonistas de Euphoria en común es llevar unas vidas vinculadas a la criminalidad, ya sea por narcotráfico, prevaricación urbanística o explotación sexual. Y es en este último punto donde la serie toca hueso por la mirada cosificadora y sexualizada que Levinson -que ya fue criticado por lo mismo en The Idol- parece poner sobre los personajes femeninos, al menos en los tres capítulos que HBO Max ha avanzado a la prensa. Ahí la peor parada es una Sydney Sweeney objetivada y erotizada hasta el extremo, una actriz que ha sido víctima de esto mismo por la proyección que han hecho de ella la industria y los medios a raíz de su éxito en la serie.

Sin querer precipitarnos, ni cometer el error de juzgar la parte por el todo, habrá que ver el resto de entregas para confirmar si la representación que se hace de las mujeres -que llevan todo el peso de las tramas- termina llevando implícita una crítica o reflexión moral (como se dejaba entrever mejor en las primeras temporadas) o, al vaciarse de mensaje y basarse en el artificio, acaba reforzando los estereotipos y comportamientos misóginos que quizá pretendía señalar. Habrá que esperar para ver si Levinson y Sweeney han ideado una estrategia para expresarse contra el odio a través de sus tramas en los nuevos capítulos de la ficción o todo queda en una trivial huida hacia adelante.

En definitiva, toca aguardar unas semanas para ver si Euphoria logra reconducir una temporada -ojalá final- a la que, de momento, sostiene su espectacular reparto, el rédito del interés por la evolución de unos personajes otrora bien escritos y desarrollados, y su adictivo potencial entretenedor, aunque a veces abuse de buscar disrupción y forzoso impacto a través de imágenes incómodas y desagradables. También la crítica que planea de fondo sobre un sistema capitalista que se tambalea y que desmonta, con alusiones y alegorías a la Fiebre del Oro de California -espacio en el que se desarrolla la acción-, aquella vulgar quimera del sueño americano.

La larga y convulsa espera para lo nuevo de 'Euphoria'

Euphoria rompe con todo ello en su tercera temporada -y última, tal y como han apuntado en recientes entrevistas sus responsables y estrellas-, que se estrena siete años después del lanzamiento de su primera tanda en HBO Max, y tras una larga y convulsa espera de cuatro años desde la segunda que parecen haber hecho mella en su resultado. Un retraso marcado primero por la huelga de guionistas de Hollywood y, después, por las dificultades para compaginar las agendas de sus ya cotizados actores, especialmente las de unos consagrados Zendaya, Sydney Sweeney y Jacob Elordi, nominado este año al Óscar al Mejor Actor por su trabajo en Frankenstein.

Cuatro años a la par condicionados por algunas polémicas internas en la serie que han hecho aflorar desavenencias entre algunos actores y Sam Levinson, con el sonado abandono de Barbie Ferreira, unido a los de otros intérpretes principales como Storm Reid, Austin Abrams o Dominic Fike; rumores de enfrentamiento -con las miradas en Zendaya y Sweeney por sus conocidas diferencias ideológicas- entre algunos miembros del elenco principal, que curiosamente evitó un posado grupal en la reciente premiere de la temporada; e incluso la abrupta salida de Labrinth, que a última hora dejó el proyecto y retiró su música del mismo entre críticas a la industria y un supuesto conflicto con la serie que también parecía señalar a Levinson.

Por otro lado, la producción se vio afectada por la muerte de uno de sus responsables principales, el productor Kevin Turen, y la de dos de sus actores protagonistas: en agosto de 2023, la de Angus Cloud -el joven Fezco en la ficción, una de las piezas claves de su segunda temporada-; y el pasado mes de febrero, la de Eric Dane, que interpretaba al despreciable Cal Jacobs -el padre de Nate (Jacob Elordi)- y que deja en esta tercera tanda un último (e impactante) trabajo a título póstumo tras fallecer a causa de esclerosis lateral amiotrófica (ELA). A través de sus créditos, Euphoria le dedica a los tres sus nuevos capítulos y, en una carta enviada por Sam Levinson a la crítica -a la que ha podido tener acceso verTele-, el creador hace especial hincapié en cómo la muerte por sobredosis de Angus Cloud le “afectó profundamente de forma inesperada”.

“Con la adicción, se supone que uno debe estar preparado para la pérdida de alguien que está luchando, pero su muerte despertó en mí una rabia, no solo por él, sino por las muchas vidas jóvenes en Estados Unidos truncadas por el fentanilo. El año en que murió, más de 70.000 estadounidenses fallecieron por esta causa, siendo la principal causa de muerte entre los menores de 45 años. Esta temporada se convirtió en mi forma de honrar a Angus y a todos los jóvenes que no tuvieron una segunda oportunidad. Quería contar una historia en la que la esperanza y la luz aún pudieran sentirse en la oscuridad”, explica en el texto el cinesta, quien ya reconoció que sus problemas con las drogas en el pasado le habían inspirado a la hora de poner en pie Euphoria.

Cuando Atresmedia se lanzó en 2021 a adaptar en formato serie de televisión la exitosa saga de novelas La novia gitana, lo hizo siendo consciente del material que tenía entre manos. El universo creado por el trío de guionistas detrás de Carmen Mola se caracteriza dentro del género policíaco-suspense por su estilo crudo y oscuro, algo que solo era capaz de llevar a la pantalla con un sello auténtico un cineasta como Paco Cabezas.

El grupo audiovisual, junto a Diagonal TV (Banijay Iberia) y Viacom International Studios, apostó por confiar su producto al reconocido director español, que ya entonces contaba créditos internacionales como Penny Dreadful o Fear The Walking Dead. El resultado fue una serie thriller oscura y con identidad que llevó por nombre La novia gitana, el título de la primera novela y que engloba también una saga que a día de hoy cuenta con cinco obras literarias y tres audiovisuales.

La segunda de ellas, La red púrpura, se llevó a la pantalla en 2023 de nuevo con Paco Cabezas al frente de la dirección y un elenco liderado por Nerea Barros en la piel de la inspectora Elena Blanco, el alma de este quinteto de historias. Lo hizo subiendo el nivel de la primera temporada y también redoblando la representación de la violencia para ahondar en la versión más oscura del ser humano.

Esta temporada 2 mantuvo la esencia de las páginas de la novela, pero ya se desmarcó irrevocablemente de la obra original en un paso clave sin el que es imposible entender cómo llegamos a La Nena, la adaptación del tercer libro de la saga de Carmen Mola que Atresplayer y Disney+ estrenan, por primera vez en conjunto, este domingo 12 de abril.

Una adaptación de autor que se independiza de Carmen Mola

Ya desde su nota de prensa, Atresmedia avanza que la temporada 3 es una “adaptación libre” del libro con el que comparte nombre, inevitable dado los cambios que se han ido introduciendo en las entregas anteriores. Algo que se asume que ha contado con el beneplácito de los autores, que firmaron los guiones de las dos primeras (Antonio Mercero en ambas, Jorge Díaz solo en la primera), si bien desaparecen de los créditos de La Nena en los que figura únicamente el coordinador José Rodríguez.

Con estas pistas se entiende la principal conclusión que saca alguien que ha leído la saga y ha visto las dos temporadas, como es quien escribe estas líneas: visionando los dos primeros capítulos de la tercera, a los que ha tenido acceso verTele, es difícil reconocer en ellos el contenido de las novelas. El universo La novia gitana se ha independizado por completo de Carmen Mola en una serie que es muy continuista respecto a sus propias temporadas, pero no en cuanto a muchos aspectos de la historia que contaban los libros.

Así las cosas, y sin conocer todavía cómo evolucionará esta tanda más allá de los dos capítulos iniciales, La Nena se confirma como un thriller de autor que trasciende a su propio universo literario. Si no revisitas al menos La red púrpura, temporada que se estrenó hace cerca de tres años, es difícil de seguir. Sin embargo, es a su vez recomendable olvidar todo lo que narraban los autores para disfrutar realmente lo que muestra la adaptación audiovisual.

Chesca da un paso al frente en una temporada cruda

Como refleja la sinopsis oficial de la serie, la trama de La Nena se sitúa meses después de los sucesos de La red púrpura, con Elena Blanco en paradero desconocido. El foco se posa esta vez en el personaje de Chesca, interpretado por Lucía Martín Abello, que busca venganza tras todo lo sucedido en la temporada anterior. En esta tercera entrega, la BAC no solo tratará de descubrir quién está detrás de la organización, sino que investigará sus orígenes en un recorrido cargado de simbología y misticismo.

Por tanto, el inicio de La Nena resulta muy continuista respecto a La red púrpura, y es pertinente recordar lo que pasó en esa segunda temporada para conectar con el presente. Es continuista en cuanto a la trama y también el tono, ya que conserva esa oscuridad y crudeza características de la serie y vuelve a confirmarse como uno de los únicos thriller españoles de autor que podemos ver en la actualidad. Le honra no lanzarse a lo comercial, y mantener su sello aunque en ocasiones pueda ser café para muy cafeteros.

Como decíamos, el protagonismo recae en esta ocasión en Chesca, un personaje hasta ahora secundario que coge galones y brilla con la interpretación de la mencionada Lucía Martín Abello. Si se respeta a grandes rasgos la historia central de la novela, tan dura como difícil de imaginar en el audiovisual, sin duda marcará un punto de inflexión en la franquicia.

En los 8 capítulos de 50 minutos, producidos esta vez por Buendía Estudios Canarias y Diagonal (Banijay Iberia) con la participación de Atresmedia, Ignacio Montes, Mona Martínez, Vicente Romero, Francesc Garrido, Ginés García Millán, Daniel Ibáñez, Nuria González, Óscar de la Fuente, Carmen Prada, Roberto Álamo y Carlos Cabra también recuperan a sus reconocidos personajes. La Nena incorpora al reparto a los actores Eduardo Casanova, Raúl Sanz, Pepe Sevilla, Santi Prego y Daniel Freire, entre otros, y Miguel Ángel Trudu acompaña al antes mencionado Paco Cabezas en la dirección.

El primer capítulo de La Nena se estrena este 12 de abril en Atresplayer y Disney+. Los siguientes se irán lanzando semanalmente, a razón de un episodio cada domingo.