‘El nudo’, una producción de Atresmedia Televisión en colaboración de Diagonal TV, se convirtió en la primera serie original y en exclusiva de ATRESplayer PREMIUM. Así, esta apuesta seriéfila se añade al contenido propio de su plataforma de pago como lo están haciendo con producciones como ‘La Valla’, ‘Luimelia’, ‘Perdida’, ‘Gente hablando’ o próximamente ‘Veneno’.

Amor prohibido, morbosidad, pasión, infidelidad, asesinato, venganza, misterio y ambición son los ingredientes principales de ‘El Nudo’. Todo ello mezclado -no agitado- que da como resultado un cóctel explosivo-culebronesco que puede llegar a provocar altas dosis de adicción. De hecho, ‘El nudo’, supone la adaptación española de la exitosa serie argentina ‘Amar después de amar’ que reunió grandes cuotas de audiencia en el canal Telefe en 2017.

Daniel (Oriol Tarrasón) es operado de urgencia. Ha sufrido un accidente de coche. Sigue vivo, pero en muy mal estado. A la espera de noticias, su madre, Miriam (Luisa Gavasa), y Rebeca (Cristina Plazas), su esposa, empiezan a hacer llamadas a allegados para comunicar la situación. Entre ellos, a Sergio (Miquel Fernández), marido de Cristina (Natalia Verbeke), su mejor amiga.

Rebeca nunca imaginó que detrás de una llamada de emergencia descubriría que su esposo Daniel no solo ha quedado en coma por un accidente de tráfico, sino que una mujer desconocida viajaba junto a él desapareciendo sin dejar rastro. Lo que no podría esperar es que este accidente salpicase tanto su vida como las de Sergio y Cristina.

La historia de estas dos parejas unidas o no por el destino se narra en varias capas temporales y desde diversas perspectivas -protagonistas y secundarios-. Como si de una madeja se tratara el relato se va deshilando poco a poco con el paso de los episodios. Un relato de amor prohibido y atracción fatal que deja como resultado una víctima y el inicio de un juego de sospechosos y algo muy turbio detrás.

La realidad es que ‘El nudo’ es un thriller estilizado y elegante con un estilo que puede recordar a series como ‘Big Little Lies’ o ‘The Affair’. El guion soporta más o menos bien los trece episodios, pero, es cierto, que hay un tramo en mitad de la temporada donde flaquea tanto en interés y ritmo. Quizá con menos capítulos la serie hubiera quedado más compacta a nivel general. Porque las tramas secundarias no terminan de conjugar la suficiente fuerza e interés para que adquirir protagonismo.

No hay nada más adictivo que la infidelidad, la pasión, el amor, el sexo y el despecho. Todo ello rodeado por un halo de misterio, venganza, mentiras, secretos y un misterioso asesinato. Un cóctel culebronesco que tiene las suficientes características para enganchar a un tipo de audiencia. La serie, a pesar de ciertos tramos, consigue manejar muy bien la tensión y misterio hasta su recta final.

Uno de los puntos a favor de ‘El nudo’ es disfrutar de su cuarteto protagonista: Natalia Verbeke, Cristina Plazas, Miquel Fernández y Oriol Tarrasón. Un trabajo fantástico el de todos, pero del que me gustaría reseñar el de Cristina Plazas. Tremenda y fantástica de principio a fin.

‘El nudo’ es un thriller atractivo con un punto adictivo gracias a sus ingredientes culebronescos y a unos actores protagonistas que ponen toda la carne en el asador. La serie se puede ver completa en ATRESplayer PREMIUM.

‘Giri/Haji (‘Deber/Deshonor’), la producción de la BBC2, aterrizó en Netflix a primeros de enero. Un thriller policial que, si bien es un género trillado hasta la saciedad, siempre hay series con las que al menos te llevas una grata sorpresa. Una historia que se mueve entre Londres y Tokio para dar como resultado un excelente plato de cocina de fusión digno de un chef de estrellas Michelin.

La serie de producción británica está creada y escrita por Joe Barton (‘Humans’). La narración se conjuga en clave británica y japonesa tanto en idioma como cultura, provocando un juego de contrastes muy interesante y a la vez refrescante tanto en lo visual como en lo textual. Lo que más llama la atención es cómo alrededor de la parte policial se construyen cinco personajes coprotagonistas muy interesantes.

El detective Kenzo Mori (Takehiro Hira), un detective de Tokio, viaja a Londres a investigar la muerte del sobrino de un jefe de la Yakuza japonesa. El máximo sospechoso de ese asesinato, quien provocará mucha tensión entre los diversos clanes, es su hermano Yuto (Yōsuke Kubozuka), quien anteriormente se suponía que había muerto. Solo falta un pequeño aleteo de una mariposa para que se desate la guerra total.

Kenzo, en una ciudad y cultura desconocidas para él, comienza la búsqueda desesperada y a contrarreloj de su hermano para llevarlo de vuelta a Tokio y así calmar a los clanes Yakuza. En su periplo británico conoce a Sarah Weitzmann (Kelly MacDonald), una detective venida a menos por problemas internos, y a Rodney Yamaguchi (Will Sharpe), un chico gay que trabaja de prostituto, con muchos problemas y fantasmas personales. El último ingrediente del cóctel es Taki (Aoi Okuyama), la hija de Kenzo, que se fuga desde Japón.

Si hay que destacar un punto a favor de ‘Giri/Haji’ es el continuo bilingüismo del que hace gala durante esta primera temporada. Un pacto fantástico que aporta mucha más verosimilitud a la historia. Además, destaca cómo Joe Barton aborda de manera muy acertada esa fusión estética-narrativa japo-inglesa. La idiosincrasia cultural y la mezcla entre oriente y occidente le dan ese halo de frescura y diferencial a la serie.

El factor decisivo de este thriller policial es cómo alrededor de esa trama principal -por momentos secundaria-, se construyen y desarrollan las diversas historias de los cinco protagonistas. Es quizá lo más interesante de esta propuesta seriéfila. Además, actúa de combustible para enganchar al espectador. Se podría decir que el asesinato y el conflicto de la Yakuza es un simple 'macguffin' para avanzar en el desarrollo de los más que interesantes relatos personales de Kenzo, Taki, Sarah, Rodney y Yuto.

La misma esencia de la serie creada por Joe Barton revela un núcleo central donde pivotan los cinco protagonistas: la redención. Los personajes, ya sea por malas decisiones, el destino, la mala suerte, el honor, el deber o el amor, no se encuentran felices con la parte que les ha tocado vivir; de ahí, ese halo de tristeza que envuelve a cada uno de ellos. Se encuentran perseguidos por sus fantasmas del pasado y traumas que les provocan heridas supurantes. Por ello, los personajes intentan buscar esa salvación para intentar sanar esos cortes en el alma; aunque siempre les planeará la dicotomía entre honor y deber.

El relato de ‘Giri/Haji’ resulta orgánico con ese halo poético de la filosofía oriental y ese toque británico a lo ‘RocknRolla’ en ciertos momentos de la serie. Todo tiene sentido -tanto lo principal como lo secundario- en esta fusión.

‘Giri/Haji (‘Deber/Deshonor’) es un thriller policial que gracias a la mezcla y/o fusión de ciertos elementos británicos y japoneses hacen de él algo muy especial. Se encuentra en Netflix.

‘Néboa’, la nueva producción de RTVE en colaboración con Voz Audiovisual, es la apuesta seriéfila con sabor gallego en el prime time de La 1. Un thriller de raza, intriga y con ciertas dosis de misticismo protagonizado por las actrices Emma Suárez e Isabel Naveira.

La serie está creada por Xosé Morais, Víctor Sierra y Alberto Guntín y dirigida por Gonzalo López-Gallego, Jorge Saavedra y Manu Gómez. La cadena pública vuelve apostar por el thriller como punta de lanza como ya lo haría con la gran ‘La Caza. Monteperdido’ y con la excelsa ‘Malaka’. Además, apuesta de nuevo por el localismo -esta vez gallego- a la hora de emplazar la historia. Una opción cuanto menos positiva a la hora de buscar sabores únicos y característicos.

El punto de partida de ‘Néboa’ es la primera noche de carnaval o entroido en la isla de Néboa cuando aparece el cadáver de una adolescente en O Burato do Inferno, un lugar rodeado de leyendas: en esa misma cueva ya habían aparecido cuerpos asesinados de la misma forma, en 1919 y en 1989. En ambas ocasiones, estos crímenes iniciaron una serie de cinco asesinatos durante los ocho días de carnaval. Asesinatos que nunca se llegaron a resolver.

La creencia popular es que el asesino es el 'Urco', un hombre con cabeza de lobo que sale del mar rodeado de cadenas para llevarse a los vivos y que, al mismo tiempo, es una de las figuras representativas del entroido de Néboa.

El localismo y la habilidad de explotar todo el jugo a la cultura, historia, mitología e imaginería local es una opción que se está volviendo cada vez más común en la producción seriéfila española. Además, en un género tan trillado como el thriller se agradece ese sabor propio y característico que añaden ciertas zonas de España. En este aspecto, hay ejemplos actuales como ‘Fariña’, ‘Hierro’, ‘Malaka’ o ‘Presunto Culpable’, entre otras.

La apuesta de ‘Néboa’ es muy clara: una región o comarca pequeña ciertamente aislada; una imaginería y cultura local potente, mágica y tenebrosa; una mujer protagonista con ciertos problemas en la mochila; lugareños bajo sospechas; y, por último, un supuesto asesino en serie que sembrará el caos. Sí, un thriller de manual, pero con las posibilidades de imbuirse en la oscuridad de las leyendas e historias gallegas. Algo que, para mí, ya es suficiente para engancharme en este serial policíaco.

El comienzo de ‘Néboa’ es cuanto menos atractivo. Una puesta seductora gracias a una buena atmósfera y ambientación. Una historia que, a priori, apostará por mezclar todos los elementos del thriller con la magia, mitología y superchería gallega. Además, cuenta con una propuesta muy interesante en cuanto a dirección. Sospechosos y falsos culpables abundaran en un relato donde la protagonista, Mónica (Emma Suárez), una investigadora díscola de la Guardia Civil, tendrá que apresar a un supuesto serial killer centenario.

La protagonista, que llega junto a su hija (Alba Galocha) a la zona, verá muy pronto que las leyendas se pueden tornar en realidad. A la trama principal hay que sumar la historia que traen la investigadora y su hija y el miedo y superchería local al denominado 'Urco'. Un cóctel que, de entrada, me resulta muy apetecible.

‘Néboa’ se emite la noche de los miércoles en La 1 de RTVE. Una serie con aroma gallego y con una idiosincrasia muy especial y particular.

Hablando se entiende la gente debió pensar Álvaro Carmona cuando decidió crear la serie protagonista de esta semana para Flooxer, la marca joven de Atresmedia. La primera temporada se estrenó a finales de 2018 y, tras el éxito cosechado, llega una segunda que vuelve a incidir en el diálogo, espacios reducidos y capítulos breves para demostrar que el tamaño no importa.

El sevillano Álvaro Carmona es el creador, director y escritor de ‘Gente Hablando’. Un pequeño diamante con el que consiguió ganar a nivel internacional: Mejor Serie de Formato Corto en el Festival Internacional Séries Mania de Lille, Mejor Serie de Formato Corto en los Produ Awards 2019 en Cancún y con el Premio a Mejor Director y Mejor Actor en el Marseille Web Fest. Incluso, se llegó a colar como nominada a Mejor Guion en los Premios Iris 2019.

Las mismas señas de identidad son las que hacen de nuevo destacar a ‘Gente Hablando’ y, esta vez, se vuelve a rodear de un reparto de altura: Berto Romero, Gorka Otxoa, Antonio Durán 'Morris', Miki Esparbé, María de Nati, Mariola Fuentes, Manolo Solo, Raúl Fernández de Pablo, Itsaso Arana, Pilar Bergés, Lluis Villanueva, Dolores Martín, Llimoo y el propio Álvaro Carmona.

‘Gente Hablando’, para quien no conozca todavía esta serie de Flooxer, son pequeñas historias cotidianas y auto conclusivas que en pocas pinceladas se descubren como reflexiones abiertas y alejadas de maniqueísmos sobre temas universales y actuales. El espectador es parte esencial de la narrativa al tener que involucrarse, tomar postura y sacar sus propias conclusiones de lo que está viendo.

Si hay algo que me motiva en una serie como ‘Gente Hablando’ es como su creador es capaz de sintetizar y significar temas tan relevantes y complejos en apenas 12 o 13 minutos. Quizá a muchos les parecerá algo relativamente sencillo, pero no lo es. Además, que cada historia termine entroncando una reflexión cuanto menos interesante y con cierto grado de interés y complejidad es muy difícil.

Carmona lo consigue a través de la más rigurosa cotidianidad y la empatía con unos personajes que transmiten humanidad. No todas las historias te calan de la misma manera, pero todas dejan cierto poso. Las temáticas son muy variadas en esta segunda temporada: los límites de la infidelidad, el dinero como status social o no, cumplir o no la última voluntad de la madre, la apariencia física como forma de definir a las personas, el síndrome de Peter Pan y el contraste del inicio y final de una relación.

La serie que basa su fuerza en el parlamento y en la capacidad de transmitir de sus actores da un pasito más en cuanto a dirección. No solo se nota más madurez a nivel textual, sino también en cómo Álvaro Carmona arriesga o experimenta más en lo formal; de ahí, que ‘Gente Hablando’ sea una de las series más exitosas de la plataforma. Siempre surge la necesidad de que se creen este tipo de ficciones diferentes con alma vocacional y autoral.

La primera y segunda temporada de ‘Gente Hablando’ ya se puede disfrutar en ATRESPlayer Premium. Mientras, los nuevos capítulos de la segunda se estrenan en abierto a partir del 9 de febrero. No dudes en echar un vistazo a estas historias pequeñas y certeras donde el diálogo y la mayor intimidad cotidiana te llevarán a reflexionar sobre temas actuales.

‘SKAM’, la serie juvenil de origen noruego, nació allá en 2015 en tierras nórdicas y se convirtió en tiempo récord en un auténtico fenómeno nacional. Se emitió principalmente a través de la web de la cadena pública NRK. Su cuarta y última temporada fue en 2017, pero el germen de esta ficción a nivel mundial ya estaba inoculado. Tras la segunda el fenómeno comenzó a crecer y crecer más allá de las fronteras noruega: todos los jóvenes querían ver la historia protagonizada por Chris, Vilde, Eva, Noora y Sana.

La serie escandinava, de alguna manera, consiguió tomar el relevo generacional de la mítica ‘Skins’, aunque esta no consiguió el vuelo, ruido y viso internacional de lo que se convertido hoy el fenómeno ‘SKAM’, ni mucho menos. Las cadenas de medio mundo recogieron el guante y vieron en este original nórdico la forma de establecer diálogo actual y moderno con las nuevas generaciones, y, de ahí, surgieron nuevas adaptaciones: ‘SKAM France’, ‘Druck’ (Alemania), ‘SKAM Austin’, ‘SKAM Italia’, ‘SKAM NL’ (Países Bajos), ‘wtFOCK’ (Bélgica) y ‘SKA España’. Además, en otros países se plantean su propia versión de la serie.

No se puede llegar a entender este fenómeno sin las nuevas formas de comunicación y sin ese componente transmedia qué, por ejemplo, ha alcanzado en España. En nuestro país aterrizó de manos de Movistar+, producida por Zeppelin TV, de una forma muy particular y especial buscando la complicidad de un público que ve, siente y consume la televisión de una manera distinta. El primer clip salió un 9 de septiembre de 2018 y, a partir de ahí, el juego transmedia empezó: clips diarios, Youtube, Instagram de las protagonistas o WhatsApp, entre otras acciones. Todo ello se puede seguir fervientemente a través de la web oficial y más tarde -y el capítulo completo- en el servicio VOD.

La serie está protagonizada por cinco jóvenes Eva (Alba Planas), Cris (Irene Ferreiro), Nora (Nicole Wallace), Viri (Celia Monedero) y Amira (Hajar Brown), una generación de chicas nacidas a partir del año 2000. Un grupo de amigas donde se explora: la dependencia de las redes sociales, cómo afrontan el sexo y las identidades sexuales, el amor y las rupturas, la búsqueda de sí mismos o la necesidad de encajar. Así, ‘SKAM España’, se asoma a la vida de estos chicas y chicos en su camino hacia a la vida adulta.

Hay que quitarse la careta, ir más allá de los complejos y abrir “nuestras percepciones a todo tipo de series”, como decía Lorenzo Mejino al hablar de la ‘SKAM’ noruega. Que no te cohíba disfrutar de una serie juvenil -y de la que no eres su target de edad, ni por asomo- te “provoque tantos sentimientos”, como decía Begoña Álvarez, la productora ejecutiva de ‘SKAM España’, en una entrevista exclusiva a Los Lunes Seriéfilos. Qué no importe sentirse identificado con lo que le pase a este grupo de cinco adolescentes. Disfruta. Emociónate. Aprende. No hay complejos, solo barreras. Carpe diem.

La particularidad del formato ‘SKAM’ es que hay apenas interacción con adultos y, coincido plenamente con Lorenzo Mejino, que es uno de los grandes aciertos del universo. Las chicas y chicos no tienen “personajes adultos que les enseñen el camino ni que les den las claves para solucionar sus conflictos, sino que son ellos mismos los que se ayudan unos a otros para encontrar soluciones”, explica muy acertadamente Begoña Álvarez. De ahí, que tenga un punto muy, muy interesante ‘SKAM España’ -o cualquier otra versión de la original-, porque se convierte en una magnífica ventana donde ver, observar y reflexionar los problemas de la juventud.

‘SKAM España’, un reto al que se enfrentan las adaptaciones, era significar su existencia o creación: una simple copia o aportar algo más al valor de la franquicia. El vuelo de la adaptación española, al que yo me he unido ahora -de lo que me arrepiento profundamente-, comenzó asemejándose a su versión noruega -protagonizada por Eva-, pero, la segunda temporada -protagonizada por Cris-, afortunadamente se desligó para convertirse en algo sumamente especial, complejo y acertado. Elevó el nivel del discurso.

Cierto es que la temporada protagonizada por la actriz Alba Planas, no deja de ser una historia clásica de amor y desamor juvenil con todos los vericuetos y problemas del instituto y redes sociales de por medio. Sin embargo, la segunda temporada, protagonizada por una gran Irene Ferreiro, está impregnada de una pátina tan necesaria y actual como acertada. En ese momento, ‘SKAM España’ dio una vuelta de tuerca a la original noruega. Cuando decidió visibilizar, normalizar y pegar un portazo a la intolerancia para mostrar que los vientos están cambiando -a MEJOR-, por mucho que algunos se empeñen en poner puertas al campo. Love is Love.

“En el caso de Cris, cuando conocimos a Irene Ferreiro, encontramos a una actriz muy sólida con una historia personal y con unas vivencias muy potentes y creíamos que era necesario darle voz. Además, el trabajo previo con los psicólogos nos decía que aquí en España se estaba reclamando una historia que visibilizase a las chicas bisexuales, que visibilizase determinadas opciones sexuales y vitales que no tienen representación en la ficción, que parece que no existen”, explica Begoña Álvarez.

La serie -y, sobre todo, esta segunda temporada- es una respuesta contra la intolerancia y el discurso del odio que se está generando desde el ámbito político; de ahí, que me parezca sumamente importante. Porque no hay mejor manera de “reivindicar la diversidad y la tolerancia”, como explica Begoña, que desde un producto cultural como las series de televisión. ‘SKAM España’ naturaliza y normaliza de manera orgánica y sin más hierro del de una sociedad -y las personas que la componen- cambia y progresa.

Es MUY importante todo lo relativo a Cris (Irene Ferreiro) y Joana (Tamara Ronchese), pero, el conjunto suma mucho porque es interesante todas esas interacciones y cómo encajan los diversos problemas a los que se enfrentan las nuevas generaciones. De ahí, ‘SKAM España’ elimina barreras y estigmas para naturalizar la diversidad sexual y la multiculturalidad. Tan necesaria en los tiempos que corren. 

En este aspecto, y, como apunta Irene Lucas en su artículo ‘Que Amiris sea lo más real que haya‘, hay un personaje capital en estas dos temporadas y ese es el de Amira (Hajar Brown), porque “visibiliza, normaliza y representa una juventud que frente a los discursos de la intolerancia, del odio y de la incultura”, explica Irene. No puedo estar más de acuerdo con esta afirmación, y, de hecho, espero con cierta ansia la temporada que ella protagonice porque puede ser -y DEBE- muy importante. Ella es mulsulmana plenamente integrada y que representa unos valores cuanto menos necesarios.

‘SKAM España’ que, en la actualidad se encuentra emitiendo una tercera temporada coprotagonizada por Nora y Viri, tiene que seguir con esa línea ascendente. En esa que su discurso tenga varias capas de complejidad y que sea capaz de desarrollar de forma inteligente los problemas y afecciones actuales de la adolescencia; además, esperar que los personajes sigan ganando mucha más profundidad.

La serie y todo universo transmedia se puede ver en Movistar+. Si no lo has hecho ya, engánchate al universo ‘SKAM España’ porque cuando te des cuenta te darás cuenta lo necesaria que es.

‘Perdida’, la nueva serie de Atresmedia Televisión en colaboración con Big Bang Media (The Mediapro Studios), se estrenó en el prime time de Antena 3 el 14 de enero. Un thriller de venganza, creado por Natxo López, protagonizado por Daniel Grao, Adriana Paz, Ana María Orozco, Carolina Lapausa, Fernando Solorzano, Melani Olivares y Verónica Velásques.

La serie está dirigida por Iñaki Peñafiel, David Ulloa y Rafa Montesinos, y ha contado en el desarrollo de guiones con el propio Natxo López, Almudena Ocaña, Aurora Graciá, Carlos de Pando y Mikel Barón. La primera temporada de ‘Perdida’ tiene 11 capítulos de 50 minutos de duración cada uno.

Actualidad. Bogotá, Colombia. Una habitación de un hotel. Un hombre, Antonio (Daniel Grao), traga bolas de cocaína. Parece estar nervioso, pero él sigue tragando. Al terminar, se dirige al aeropuerto, callado, reservado. Allí es detenido.

10 años antes. Valencia. Antonio se dispone a comer en un chiringuito de playa junto a su mujer Inma y su familia. Su pequeña hija, Soledad, de cinco años, juega en la arena, cerca de la orilla del mar. La madre avisa a la niña, pero la pequeña no responde… Todos acuden a buscarla, no hay ni rastro.

¡Qué gran apuesta es ‘Perdida’! De verdad, tiene unos primeros episodios muy, muy prometedores y que tienen lo imprescindible y necesario para enganchar al espectador. Una historia marcada en dos tiempos y dos países: pasado y presente, España y Colombia. Un relato dramático, de esperanza y venganza de un padre que no da por perdida a su hija diez años después de su desaparición.

Sin duda, la serie demuestra su ambición y lo hace no solo con un comienzo muy bien escrito o desarrollado, sino también con una fotografía con cierto empaque cinematográfico. Sin embargo, en ‘Perdida’, la ambientación y la atmósfera claramente trabajadas son otro de los puntos a favor de este primer vistazo. La pretensión llega también a la hora de utilizar esas localizaciones exteriores e interiores naturales que imbuyen al espectador aún más en lo que se está contando.

Sí, ‘Perdida’ usa elementos muy reconocibles de este tipo de relatos, pero sí que tiene unos giros o caminos que resultan interesantes y que invitan a seguir con ella. La serie, en estos primeros pasos, maneja muy bien el ritmo y tensión -espoleada por esos capítulos de 50 minutos-; además, combina a la perfección la intriga y el misterio de una trama que se irá desmadejando poco a poco. Además, a través de diversos flashbacks se conocerá todos los entresijos y posteriores consecuencias de la desaparición de la niña.

Hay ciertos aspectos que me gustan de este comienzo de ‘Perdida’ y es, sobre todo, como apoyan la fuerza de muchas de esas escenas en la potencia actoral. Donde el diálogo no prima y sí la capacidad de los actores de rellenar y significar esos huecos del silencio. De ahí, ese trabajazo de Daniel Grao, Ana María Orozco o Adriana Paz. Otro y creo que más importante, es que la serie sabe dar el golpe en la mesa en el momento justo para atrapar definitivamente al espectador.

Los personajes tiene cierta bagaje y potencia jugando con esa ambigüedad desde el principio. Nadie es lo que parece y eso es un punto importante para dotar de interés a 'Perdida' desde el inicio.

En ese momento clave, ‘Perdida’ cambia y en ello las posibilidades que se abren: venganza, mafia, dureza, crudeza, pasión, esperanza, amor o corrupción, entre otras. Un cóctel explosivo y emocional que funciona muy bien en estos primeros episodios.

‘Perdida’ tiene un inicio muy prometedor con una historia que engancha y un reparto en estado de gracia. Solo habrá que comprobar cómo se va desarrollando todo en los siguientes episodios, pero tiene todos los ingredientes para disfrutar.

El 19 de enero Atresmedia Televisión, en colaboración con Good Mood y Globomedia, estrenarán ‘La Valla’ en ATRESplayer PREMIUM. La cadena emprende un viaje no exento de riesgos a un mundo distópico tan lejano y a la vez tan cercano. Una serie que cuando llegue al 'prime time' de Antena 3 levantará polémica espoleada por los tiempos políticos y sociales convulsos en los que se encuentran España y el mundo.

Unax Ugalde, Ángela y Olivia Molina y Abel Folk protagonizan esta historia creada por Daniel Écija. Un relato que bebe, como el propio Écija contó en la presentación en el MiM Series, de su propia experiencia como inmigrante en Australia. En una primera temporada de 13 episodios marcada, en primeras instancias, por un discurso centrado en la eterna lucha de clases y de “buenos” contra “malos”.

‘La Valla’ se emplaza en un futuro próximo pero cercano. El espectador no tendrá que hacer muchas cábalas para imaginarse en qué situación se encuentra el universo que plantea la serie: una III Guerra Mundial, una Tierra sacudida por la escasez de recursos naturales y un panorama político donde las democracias occidentales se han convertido en regímenes dictatoriales. Un contexto de ciencia ficción que bebe de elementos tan reales como el cambio climático, el auge del radicalismo político y de una sociedad cada vez más intolerante y divida.

Un núcleo familiar -fórmula para enganchar a distintos 'targets' de audiencia- actúa como protagonista de esta historia de supervivencia, rebeldía y lucha. Ellos serán parte capital en la historia para luchar con una España dividida en dos regiones férreamente cerradas: el Sector 1 (el del gobierno y los privilegiados) y el Sector 2 (el resto). La única forma de pasar de una zona a otra es cruzar la valla que las separa.

Sin duda, ‘La Valla’ es producto con ciertos riesgos para la audiencia en abierto y de ahí el gran valor de apostar por una serie de estas características -y más en los tiempos que corren-. Los paralelismos con cierto partido son más que evidentes y probablemente traerá algún que otro comentario. Por eso, lejos de ser una serie distópica tiene ciertos elementos de rabiosa actualidad. Desde ella, como ya ocurría en ‘Years & Years’ u ‘Okkupert’, sirve para reflexionar sobre posibles hechos políticos, sociales, económicos y medioambientales tan plausibles como verosímiles.

Quizá una de las claves más importantes es que la serie encuentre su propia voz y, ciertamente, no lo tendrá nada fácil porque hay mucho donde mirar y comparar. Aun así, ‘La Valla’ tiene una margen extremadamente grande para crecer y evolucionar; y, aunque a priori su estructura es la clásica de malos contra buenos o poderosos contra vasallos, no debería quedarse ahí. Ciertamente, habrá que ir comprobando hasta qué punto de complejidad narrativa lleva su relato y a sus personajes.

La serie remarca ese sentimiento de unidad contra la adversidad, el miedo y la falta de libertad. Todo ello capitalizado en la familia protagonista. No será muy difícil empatizar con ella y ese sentimiento de rebeldía hacia esa falta de democracia. Los elementos contra los que luchan son los mismos que usan -han usado y usarán-, muchos regímenes dictatoriales. Los protagonistas son la parte disruptiva del relato ya que son una pieza clave para luchar contra el poder.

La historia resulta muy cercana -a pesar de ser una distopía futurista- y creo que será parte fundamental para atrapar al espectador. En este primer vistazo la serie coloca las piezas en el tablero -todo muy introductorio-, pero ‘La Valla’ tiene posibilidades infinitas si la televisión en abierto le da esa posibilidad. Seguramente, los episodios de 50 minutos y el avance de la historia metan mucho más nervio, garra y tensión a todo el conjunto.

Si hay algo que destacar es la gran producción que se encuentra detrás de ‘La Valla’, solo hay que ver ese plano de un Madrid post-apocalíptico más propio de ‘The Walking Dead’, para comprobar que se le ha puesto cierta ambición en ese sentido. Se han cuidado todos los detalles y la serie, al menos, se siente auténtica y nada artificial en cuanto ambientación y atmósfera.

La ficción conserva ciertos elementos que le permiten llegar a la audiencia en abierto. ‘La Valla’ tiene una propuesta atrevida donde conjuga muy bien intriga, tensión y misterio. Además, a la serie no le tiembla la mano a la hora de mostrar ciertas dosis de dureza y crudeza en estos primeros compases de la historia. Será importante y decisivo hasta qué punto es capaz de invitar a la reflexión y elevar el debate a los propios espectadores. Incluso, saber cómo son capaces de expandir su universo.

La serie apuesta por un reparto encabezado por Unax Ugalde, Olivia Molina, Ángela Molina, Laura Quirós o Eleonora Waxler, entre otros. Muy solventes y con un gran trabajo por delante.

‘La Valla’ se estrenará primeramente en ATRESplayer PREMIUM el 19 de enero, para que durante 2020 se emita en el prime time de Antena 3. Una serie distópica que bien desarrollada dará muchísimo que hablar.

Quizá a muchos no les suene de nada ‘El Gran Héroe Americano’, una de las series míticas de los ochenta estadounidenses, pero tiene algunas similitudes con el superhéroe español que protagoniza la primera crítica del 2020 del blog. Se trata de Titán, un superhombre cósmico, que aterrizó el último día de 2019 en la televisión gracias a ‘El Vecino’ de Netflix.

Miguel Esteban y Raúl Navarro, ambos creadores de ‘El Fin de la Comedia’, se basan en el cómic homónimo de Santiago García y Pepo Pérez para crear ‘El Vecino’. Una comedia costumbrista española con una primera temporada con 10 episodios de 30 minutos cada uno. Nacho Vigalondo (‘Colossal’, 'Los Cronocrímenes') se inmiscuye en la dirección de los dos primeros episodios. Mientras, Quim Gutiérrez ('Ventajas de viajar en tren') y Clara Lago ('Ocho apellidos vascos'). Catalina Sopelana ('Quién te cantará') y Adrián Pino ('Allí abajo') protagonizan la serie.

Carlos de Pando, Sara Antuña, Nahikari Ipiña y Eneko Gutiérrez son los responsables de la producción ejecutiva de esta serie original producida por Zeta Audiovisual ('ÉLITE', 'El hombre de las mil caras’, 'Tres metros sobre el cielo', 'Superlópez') para Netflix.

La historia de ‘El Vecino’ se contextualiza en un barrio obrero de la capital de España, aunque bien podría ser de cualquier ciudad. En él, se encuentra Javier (Quim Gutiérrez), a quien las cosas no le van muy bien en el trabajo ni en su relación con Lola (Clara Lago). Sin embargo, un fin de semana en Cuenca le cambiará la vida para siempre. Un superhéroe intergaláctico (Jorge Sanz) le caerá literalmente encima y le pasará sus superpoderes antes de morir. Lejos de facilitarle la vida, se la hará un poquito más complicada que antes. Menos mal que ahí tiene a José Ramón (Adrián Pino), su vecino, que va a enseñarle a usar sus poderes para el bien y a ocultar su identidad secreta.

Si hay algo por lo que aboga ‘El Vecino’ es por una mezcla acertada entre el costumbrismo más español y el género de los superhéroes -algo tan absolutamente de moda-. Quizá no sea el Capitán América, Hulk o Iron man, pero Titán cuánto menos defenderá los quehaceres diarios más convencionales y castizos de su barrio y alrededores. Hay que salvar un perrito -ahí está- o hay que salvar a la gente de un aplastamiento de una letra del mítico cartel de Tío Pepe -ahí está-. Aunque, el reto más difícil para Javier será el de aprender a ser superhéroe.

La clave de ‘El Vecino’, como apuntaba mi compañera en el primer vistazo de la serie, es que sus creadores saben perfectamente a lo que juegan: se alejan de la pretensión para crear algo sencillo, ameno y agradable. Una ficción muy entretenida, aunque no perfecta, que no es una serie de superhéroes al uso -si alguien va buscando eso, se equivoca-. Con una primera temporada que se podría considerar como una especie de preludio de lo que estar por venir.

Detrás del origen de Titán y todo el humor que lleva asociado a su alrededor. El discurso de la serie ahonda en temas y situaciones tan absolutamente modernas como la precariedad laboral, la proliferación de las casas de apuestas, fracaso empresarial, la tiranía de las redes sociales o la escasez de futuro en el horizonte de los jóvenes, entre otras. Todos los protagonistas de ‘El Vecino’ de alguna manera o de otra están marcados por alguna de estas cosas. De ello, sus creadores saben sacar situaciones cómicas muy divertidas e hilarantes.

Hay que destacar a Quim Gutiérrez en un papel que le viene como anillo al dedo. Está divertidísimo y se le nota muy a gusto en el papel de Javier/Titán. Además, Adrián Pino, como José Ramón y compinche del superhéroe, es una de las gratas y grandes sorpresas de ‘El Vecino’. Clara Lago, como Lola, consigue destacar más en solitario. Mientras, Catalina Sopelana, como Julia amiga de Lola, destaca al mismo nivel que Adrián. Se podría decir que los secundarios son la auténtica revelación de la serie.

‘El Vecino’ es una comedia muy agradable y divertida que encierra una gran crítica. Sus diez episodios ya se encuentran en Netflix así que ya no tenéis excusa. Eso sí, si tenéis algún problema no llaméis todavía a Titán que está en periodo de prácticas.

Qué mejor para despedir el 2019 que con el ranking más esperado: el de las mejores series de televisión. Este año de nuevo críticos y entendidos en la materia me han ayudado a la difícil labor de elegir entre la gran cantidad y variedad de ficciones televisivas a las más relevantes.

Entre esos críticos y entendidos del universo seriéfilo se encuentra: La periodista Natalia Marcos (‘Quinta Temporada’, El País), el analista especializado en series de todos los rincones del mundo Lorenzo Mejino (‘Series para Gourmet’, El Diario Vasco), el periodista Mikel Labastida (‘El Síndrome de Darrin’, Las Provincias), la periodista y adicta a las series Laia Portaceli (‘La Script’, Movistar), la periodista experta en series y cine Marina Such (Fuera de Series), la periodista y presentadora todoterreno Isabel Vázquez, el periodista Pere Solà (‘La Vanguardia’), el periodista y experto en televisión Alberto Rey (‘Asesino en serie’, El Mundo), la periodista Lucía Cabanelas (ABC), el periodista Álvaro Onieva (Fuera de Series), al periodista Álvaro P. Ruiz de Elvira (‘Quinta Temporada’, El País), la docente y gran entendida televisiva Conchi Cascajosa, a la periodista Mariola Cubells (‘La Ventana’, La Ser), el periodista Eneko Ruiz (El País), la periodista Patricia Puentes (CNET en español), y, por último, un servidor Mario Cerdeño (‘Los Lunes Seriéfilos’, eldiario.es).

Todos ellos han compartido conmigo sus respectivos rankings de las diez mejores series de 2019 con un determinado sistema de puntuación para elaborar la lista definitiva:

10ª. ‘Paquita Salas’ (3T) (29 puntos. Netflix)

La tercera temporada de la serie creada por Javier Calvo y Javier Ambrossi se cuela en el último puesto del ránking. La historia de la representante de actores Paquita sigue encandilando a los críticos y este año se convierte en la única ficción española que se cuela entre las internacionales. ‘Paquita Sala’ gana en madurez en muchos ámbitos y, de ahí, su merecido décimo puesto.

Aquí la crítica: Paquita ni quiere abandonar ni abandona en la 3ª temporada de 'Paquita Salas'

9ª. ‘Mindhunter’ (2T) (34 puntos. Netflix)

Una de las producciones originales de Netflix más destacadas se abre paso entre las mejores series del año. Holden, Bill, Wendy y los asesinos seriales se ganan el cariño de los críticos en su segunda temporada. Un nuevo salto de calidad la aúpa al noveno puesto.

Aquí la crítica: 'MINDHUNTER' (2ª Temporada): Es mejor, mucho mejor

8ª. ‘Unbelievable’ (36 puntos. Netflix)

La miniserie protagonizada por Toni Collette, Merritt Wever y Kaitlyn Dever ha sido una de las revelaciones de la temporada. Basada en hechos reales que ocurrieron en la vida de Marie Adler, una joven adolescente del estado de Colorado (EEUU) que fue acusada de realizar una denuncia falsa por un cargo de violación. Una serie interesantísima que, sin duda, no dejará indiferente a nadie.

Aquí la crítica: 'Creedme'. El relato de un calvario que busca la reflexión

7ª. ‘Years & Years’ (40 puntos. HBO España)

Esta miniserie creada y escrita por el gran Russell T. Davies (‘A Very English Scandal’) es una de las distopías más aterradoras de los últimos años. A pesar de su final, más o menos discutible, presenta una historia rupturista, salvaje y de gran calado que se atreve a poner y retorcer una y otra vez el dedo en una herida supurante.

Aquí la crítica: ‘Years and Years’: una distopía tan cercana como aterradora

6ª. ‘Euphoria’ (45 puntos. HBO España)

Todo en ‘Euphoria’ ha sido una grata sorpresa: desde su nivel técnico y textual hasta pasando por personajes como Jules, Rue o Kat. La historia tiene unos protagonistas muy bien cimentados y que crecen en cada capítulo y que, de alguna manera, son absorbidos por las circunstancias de sus problemas. A nivel formal, la ficción construye una atmósfera distintiva, propia, onírica, real y a la vez surrealista.

Recomendación junto a otras series juveniles: Siete series de adolescentes para enamorarte de la moda juvenil

5ª. ‘The Crown’ (3T) (63 puntos. Netflix)

La tercera temporada de ‘The Crown’, protagonizada esta vez por Olivia Colman, Helena Bonham Carter y Josh O'Connor, no deja de pisar el acelerador para seguir siendo una de las mejores series de producción original de Netflix. La historia de la monarquía británica encandila otro año más a los críticos.

Aquí la crítica: 'The Crown' (3ª Temporada): Se avecina la #TheCrowmania

4ª. ‘Watchmen’ (79 puntos. HBO España)

La nueva adaptación de la novela gráfica de Alan Moore era una de las series más esperadas de 2019 y, desde luego, no ha decepcionado en absoluto. Damon Lindelof (‘The Leftovers’) consigue dar un toque distinto y especial a la historia de ‘Watchmen’. El resultado ha superado las expectativas y, además, dentro de la temporada se encuentran alguno de los mejores capítulos del año.

Aquí la crítica: 'Watchmen': “¡Extra, extra! Damon Lindelof lo ha vuelto a hacer”

3ª. ‘Succession’ (2T) (98 puntos. HBO España)

‘Succession’ se abre como uno de los mejores dramas de HBO. Incluso, se podría decir que es la mejor heredera de ‘Juego de Tronos’ que tiene en su catálogo actual. En esta segunda temporada la serie eleva más su nivel y, por eso, se encuentra entre las tres mejores de 2019. Esta familia disfuncional de ricos sigue siendo magnífica, adictiva y compleja. Una maravilla que deberías estar viendo.

Aquí la crítica: ‘Succession’: entra y disfruta de la “típica” familia rica y disfuncional

2ª. ‘Chernobyl’ (101 puntos. HBO España/ Sky España)

La catástrofe nuclear de la central de Chernóbil ha sido una de las grandes protagonistas de 2019. ‘Chernobyl’, la co-producción entre HBO y Sky, es una historia cruda y desasosegante protagonizada por los llamados héroes anónimos ante un gobierno que prefería tapar el desastre. 

Aquí la crítica: 'Chernobyl': la inoperancia política ante el mayor desastre nuclear de la historia

1ª. ‘Fleabag’ (2T) (105 puntos. Prime Video Amazon)

Phoebe Waller- Bridge, la actriz, guionista y creadora, cierra por todo lo alto, con su segunda y última temporada, ‘Fleabag’. Si la británica ya demostró de lo que era capaz en la primera; en la segunda, da un paso más allá para ofrecer al espectador un final perfecto e inolvidable. Los críticos han decidido aupar a la serie creada por Phoebe como la mejor de 2019. Si no has visto ‘Fleabag’, deberías. 

*Bonus track (Ranking desde la posición 11ª a la 20ª): 11ª- 'Juego de Tronos’ (8T), 12ª- 'Así nos ven', 13ª- 'Killing Eve' (2T), 14ª- 'Malaka’, 15ª- ‘The Politician’, 16ª- 'Russian Doll', 17ª- 'The Morning Show', 18ª- 'Sex Education', 19ª- 'The Virtues' y 20ª- 'The Deuce' (3T)

La producción española de series sigue viento en popa. Atresmedia, Mediaset, RTVE, las operadoras autonómicas, Movistar, Netflix, HBO o Amazon han hecho de 2019 otra prolífica, variada y rica cosecha de ficciones de distinta temática y calidad. Por eso, este año había buena materia prima para componer una lista con las cinco mejores series españolas.

Este año, de nuevo, había mucho donde elegir por lo que se han quedado fuera de lista ficciones tan interesantes como ‘La Caza. Monteperdido’, el regreso de ‘La casa de papel’, la gran comedia en abierto las ‘Señoras del (H)ampa’, la cuarta temporada de ‘Vis a Vis’ o ‘El Embarcadero’, entre otras.

A continuación, el ranking de las cinco mejores series españolas de este 2019:

5. 'Mira lo que has hecho' (2ª Temporada)

Berto Romero, en su papel de creador y showrunner, se enfrentó a la gran responsabilidad de la segunda temporada y, sin duda, lo superó con creces. ‘Mira lo que has hecho’ se ha convertido en una de las comedias más aclamadas por los críticos en sus dos temporadas. Unos nuevos episodios con más escala de grises que dotan a la serie de calado y profundidad.

Aquí la crítica: ‘Mira lo que has hecho’ (2ªT): una nueva vuelta de tuerca a la paternidad y maternidad

4. 'La Peste' (2ª Temporada)

Qué bien le ha sentado a ‘La Peste’ su regreso. Si la primera me gustó mucho, con algún que otro matiz muy mejorable, esta segunda temporada ha logrado establecer una historia muy interesante con la Garduña de por medio. Eso sí, la historia no pierde esa proyección atemporal que expuso en anteriores capítulos.

Aquí la crítica: 'La Peste' (2ª Temporada): Sevilla en tiempos de La Garduña

3. 'Vida Perfecta'

‘Vida Perfecta’, la comedia generacional creada por Leticia Dolera, fue una de las triunfadoras de la pasada edición del Cannesseries. Renovada por una segunda temporada ha resultado ser un soplo de aire fresco en este 2019. La barcelonesa sorprende con un producto de nicho, maduro e inteligente. Una historia serie que merece estar en el top tres.

Aquí la crítica: ‘Vida perfecta’: tres mujeres perfectamente imperfectas

2. 'Hierro'

‘Hierro’, la serie creada y escrita por el gallego Pepe Coira (‘Mareas Vivas’) y dirigida por Jorge Coira (‘Mareas Vivas’) para Movistar+, ha sido otra de las grandes sorpresas de este 2019. Un drama policiaco cuidado al detalle con una atmósfera absorbente, guion interesante y grandes protagonistas. Sin duda, unas de las recomendaciones del año.

Aquí la crítica: ‘Hierro’: ¡Bienvenidos al Canarian Noir!

1. 'Malaka'

La serie está creada por Daniel Corpas y Samuel Pinazo, dirigida por Marc Vigil y producida por Javier Olivares se gana de pleno derecho liderar la clasificación de mejor serie española 2019. ‘Malaka’ no solo es un gran ejercicio de estilismo técnico, musical y textual, sino también una historia que arriesgada, realista y cruda en pleno prime time de la televisión pública, algo que hay que valorar muchísimo.

Aquí la crítica: ‘Malaka’: un thriller a quemarropa de una Málaga cruda e inolvidable

La serie protagonista de esta semana en la web es de origen escandinavo, pero no es una 'nordic noir'. Más bien se trata de una historia desternillante, de esas que te alegran el día; incluso, podría añadir un calificativo más a esta comedia: creativa. ‘Match’, de creación noruega, viene a convertir la vida del protagonista en un auténtico ‘Carrusel Deportivo’. Sí, como estás leyendo: ¿Quién no ha soñado alguna vez convertir su vida en una emocionante narración radiofónica-deportiva?

Martin Lund (‘Psychobitch’), su creador y que interpreta a uno de los dos comentaristas de ‘Match’ (‘March’), estrenada a principios de 2018 por la cadena NRK. Ahora, se encuentran sus dos temporadas de diez episodios cada una -15 minutos por capítulos-, en Filmin. La serie ha sido vendida a más de 20 países y ya tiene en marcha algún remake. Además, ganó el Premio del Público en la última edición del Serielizados Fest. Por último, está protagonizada por Herbert Nordrum (‘Young and Promising’) y Eline Grødal (“Oslo Zoo”).

La historia sigue a Stian (Herbert Nordrum), un joven de veintitantos totalmente normal. Alguien que podría ser tu vecino si no fuese porque allí donde va lo hace acompañado de dos comentaristas deportivos que narran en directo todo lo que ocurre en su vida, desde lo más banal, como sus compras en el supermercado, hasta sus peripecias sexuales en la intimidad de su habitación. Su relación ahora-sí-ahora-no con Mia (Eline Grødal) es el hilo conductor de un relato adornado con la emoción y la épica del deporte.

Martin Lund ya había experimentado con ello en su cortometraje ‘Hjemmekamp’, con el que se dio a conocer en 2004 viajando a diversos festivales como el de Sundance. De ahí, surgió la idea de la serie ‘Kampen’, la versión infantil de ‘Match’, donde la vida de un niño era narrada por dos comentaristas.

En base, ‘Match’ narra la típica historia de amor entre un chico y una chica: cómo y dónde se conocen, la primera vez con a los suegros o amigos, problemas cotidianos, pequeñas crisis, etc. Si la serie se hubiera quedado ahí, solo hubiera sido una comedia romántica más del montón. Sin embargo, Lund da un par de pasitos más allá para convertir este relato clásico en algo hilarante y creativo. Porque no es lo mismo que tu vida amorosa y personal sea retransmitida en directo por Manolo Lama o Juanma Castaño. De hecho, es mucho más divertida.

El punto clave de la serie es que no terminas de aborrecer la retransmisión deportiva de la historia amorosa de ambos protagonistas: por un lado, es divertidísimo, y por el otro, la poca duración de los capítulos equilibra el conjunto. Ni exceso, ni defecto. Además, el lenguaje deportivo, las moviolas, infografías o los diversos expertos que tomarán voz para analizar situaciones específicas, hacen de todo algo muy ameno, orgánico y divertido.

‘Match’ es de esas comedia muy disfrutonas que te alegran el día y la semana. Donde vivirás la historia de ambos protagonistas con la pasión de cualquier deporte. Todo en su vida cotidiana es proclive de una repetición o de un análisis exhaustivo de un experto. A la serie no se le puede pedir más: es fresca, dinámica, desternillante e irreverente. No le falta de nada. Si te quieres enganchar a ella, lo puedes hacer a través de Filmin.

Esta semana toca hablar de comida, amor y viceversa. No, no es 14 de febrero, el día destinado a las muestras de amor menos sutiles. Aquí ha llegado en pleno diciembre con el frío y las navidades a la vuelta de la esquina. Sin embargo, esta vez el flechazo -o el intento de él-, llega a través de Tinder, Lovoo o Meetic. Vamos, ya me entendéis. Así comienza ‘Foodie Love’, una serie creada por Isabel Coixet, para amantes de la gastronomía y las citas a ciegas.

En este 'lío' de comida, sexo y amor se mete Coixet, en su primera serie de televisión, convirtiéndose en otra/o directora/o cinematográfica/o que se mete en el selecto mundo de las ficciones televisivas. Una serie es una serie y una película es una película. Aunque, de qué me voy a quejar yo, cuando la prestigiosa Cahier Du Cinema ha elegido ‘Twin Peaks: The Return’ como mejor película de la última década. Series 1 - Películas 0. ¡Chuparos esa! Sí, tenía que colarlo. Bueno, retomando ‘Foodie Love’, esta serie de ocho capítulos producida por HBO, está protagonizada por Laia Costa (‘Cites’) y Guillermo Pfening.

El amor en ‘Foodie Love’ se busca a través del algoritmo de una aplicación para amantes de la gastronomía. En ella se conecta a los protagonistas de la historia, una chica y un chico que comienzan a conocerse con las dudas propias de quien conserva cicatrices de relaciones anteriores. A lo largo de varias citas tendrán que descubrir si coincidencias como su devoción por el yuzu japonés o su alergia común al postureo foodie son suficientes para construir los cimientos de una historia de amor duradera.

En una opción tan plausible como trillada en televisión y cine, Isabel Coixet, intenta dar su visión particular sobre las nuevas maneras de conectar y, como, elección incluye el mundo foodie como nexo de unión para hablar de amor, desamor, sexo, miedo sentimental o compromiso, entre otros temas. Sin embargo, lejos de sentirse real, toma ese rumbo esnobista o elitista pijo-millennials que bien puede echar para atrás que se asoma a más de un capítulo. Sí, ‘Foodie Love’, es mi serie favorita de ciencia ficción sobre amor.

El trabajo de dirección de Isabel de Coixet es muy bueno y, sin duda, se nota ese toque cinematográfico. Además, hay que reconocer que Laia Costa y Guillermo Pfening están geniales y transmiten esa química que tienen juntos en escena. En esa mezcla, quizá, esté lo mejor de ‘Foodie Love’, en la ambición de Coixet de provocar una experiencia sensorial a todos los niveles -sentimientos + comida- y la magia entre Laia y Guillermo. Para ello, la historia se emplaza durante sus ocho capítulos en distintos tipos de restaurante y lugares. En una manera de guiar de manera simbólica la historia de amor entre los protagonistas.

Los dos protagonistas se van conociendo poco a poco y bocado a bocado; de ahí, como cualquier comedia romántica, se van descubriendo las inseguridades y heridas sin cicatrizar de relaciones sentimentales anteriores. Sin embargo, a ‘Foodie Love’, le sobra ostentosidad y elitismo. Sobre todo, de una historia -con rasgos autobiográficos-, en la que su primera parte es la más destacable, pero en la segunda, en muchos momentos, la cosa deja mucho que desear.

El principal problema que tiene ‘Foodie Love’ es que hay elementos suficientes -desde mi más estricto punto de vista-, que hacen que te alejes capítulo a capítulo de ella como serie y como historia. Porque el propio microcosmos donde todo se desarrolla es el mismo que te hace aborrecerla o rechazarla -hay poco lugar para el término medio, sinceramente-. Además, a partir de cierto momento, se convierte todo en una especie de marcianada más cercana a la ciencia ficción que a una comedia romántica interesante y creíble con la que puedes llegar a empatizar.

‘Foodie Love’ a ratos funciona, a ratos es un plomazo -muy intenso, eso sí- y a ratos tan esnobista y pretenciosa como poco creíble. Sí, ‘Foodie Love’, puede provocar indigestión que te haga abandonarla a las primeras de cambio. No, lo importante no es la comida -en la que tanto se recrea la directora-, la clave es desarrollar una historia transversal tan sumamente interesante que te permita paladear el relato -con gusto-, al ritmo que Coixet propone en la serie.

Desde luego, si Coixet ha intentado ser la voz de una generación, pues eso, se ha quedado en un intento infructuoso -y aburrido-. ‘Foodie Love’ no es la mejor serie española que te habían prometido, lo siento, por mucho que nos guste ver a Laia y Guillermo en pantalla porque sus personajes son tan hostiables como erráticamente construidos.

‘Foodie Love’ ha sido como una receta de alta cocina fantásticamente presentada, pero donde le falla todo lo demás. No, la serie de Isabel Coixet, no es la mejor serie española del año.

La serie protagonista de esta semana adelanta la llegada de la Navidad a este blog. En una historia de esas que te narran tus abuelos, abuelas, padres o madres alrededor del fuego acogedor de una chimenea, a la antigua usanza. Donde su voz o voces te evaden del brillo de la pantalla y del sonido tintineante de tu smartphone. Un recorrido temporal a través de los momentos claves que construyen una familia, la cambian, la destruyen o la reconcilian. Esta vez, todo se desarrolla o pivota alrededor de una cena tan importante como la navideña. ‘Días de Navidad’, usa una fecha sumamente importante en el calendario familiar, para contar su historia.

Pau Freixas (‘Sé quién eres’) crea y dirige esta miniserie de tres episodios para Netflix que estará disponible a partir del 6 de diciembre. ‘Días de Navidad’ narra la historia de una familia a través de la mirada de tres hermanas. El creador catalán con gran gusto y sensibilidad cuenta este relato rodeado de un reparto que irradia talento: Carla Tous, Nerea Barros y Ángela Molina, interpretando a Valentina en las tres etapas; Berta Castañé, Elena Anaya y Charo López, interpretando a Esther; Mariona Pagés, Anna Moliner y Verónica Forqué, interpretando a Adela; y, por último, Mar Ayala, Verónica Echegui y Victoria Abril, interpretando a María.

Además completan el reparto Susi Sánchez (Sofía), Nausicaa Bonnin (Sofía joven), Alicia Borrachero (Isabel), Francesc Garrido (Mateo), David Solans (Juan), Miguel Fernández (Juan joven), Iván Morales (Antonio), Manel Barceló (Antonio), Carles Arquimbau (Mateo), Julio Manrique (Rafael), Sarah Perriez (Colette), Antonio Dechent (Jefe Manuel), Andreu Benito (Ramón), Carmen Sansa (María Ángela), Gonzalo Cunill (Diego), entre otros.

‘Días de Navidad’ es la historia de cuatro hermanas a través del tiempo unidad por un secreto. Un relato contado a través de los ojos de ellas en tres momentos clave de sus vidas: cuando son hijas, madres y abuelas. Cada episodio corresponde a una generación. En este caso, la navidad sirve como telón de fondo para hacer un acercamiento introspectivo en sus secretos, confidencias y conflictos familiares.

“Vuelve a casa vuelve… por Navidad”, como decía aquel emotivo anuncio que El Almendro que acompañó a tantos y tantos hogares españoles durante el periplo navideño. Un comercial que alentaba a las personas a volver al lugar más cálido del mundo, el calor de los nuestros, el calor del hogar. Ese sitio que tiende a ser idílico y seguro en la más tierna infancia, adolescencia y juventud o eso pretendió siempre Mateo (Francesc Garrido) e Isabel (Alicia Borrachero) con sus tres hijas -y más tarde con Valentina)-. Una casa alejada del mundanal ruido y de una España marcada por el fin de la Guerra Civil.

Todo era poco dentro de un oasis donde unos padres sobreprotectores hacían todo lo posible para proteger la felicidad de sus tres hijas. Las verdades incómodas y la realidad se “tergiversa” para que no contaminaran esa atmósfera idílica y perfecta. Un palacio de cristal que solo comenzó a resquebrajarse con la llegada de Valentina y el secreto que las acompañaría durante toda su vida y que, de alguna manera, modificaría para siempre a la familia.

Ese palacio de cristal construido fehacientemente por sus progenitores, eso sí, bajo cimientos de arena, se desmoronó poco a poco. Las “verdades” se convirtieron en mentiras y los secretos en dolor y odio. La familia se instaló en una falsa felicidad tan frágil como todo lo que no se atrevían a decir, pero que fue alejando a unos de los otros con el paso de los años. Por eso, 'Días de Navidad, a pesar de ser una historia contada con cierta belleza y sensibilidad tiene un componente dramático muy bien hilado y soterrado. La clave es como Pau Freixas explora, dosifica y explota todos esos conflictos “escondidos” durante los tres episodios.

La familia que describe Freixas en 'Días de Navidad' puede ser la de cualquiera porque sus conflictos y temas son universales: de la protectora adolescencia a la vida adulta, la muerte un ser querido, el amor, los malos tratos, el inestimable paso del tiempo, la paternidad/maternidad, la felicidad, la lealtad, lo recuerdos, los lazos de sangre, los secretos o la amistad, entre otros. Un drama familiar condensado en tres episodios como si un cuento de navidad se tratara.

Sin embargo, lo que hace aún más atractivo este pequeño cuento o historia navideña es su reparto estelar porque no puede condensar más talento y tablas -sobre todo los dos últimos episodios-. Es un verdadero placer ver dentro de la pequeña pantalla a actrices de la talla Susi Gala, Elena Maya, Verónica Forqué, Alicia Borrachero, Francesc Garrido o Victoria Abril, entre otras. Contar con gente de este calado hace que una historia que depende tanto de los personajes salga muy airosa.

‘Días de navidad’ es una historia clásica, navideña o universal. Un relato familiar enmarcado en tres épocas distintas narrado a través de la visión de tres niñas, tres madres y tres abuelas. Además, se nota como Pau Freixas se apoya en el talento interpretativo de sus protagonistas femeninas para dotar de más potencia a la serie.

La serie creada por Pau Freixas se estrena el día 6 de diciembre en Netflix. ‘Días de navidad’ es una miniserie agradable y emotivo con fondo y corazón. Si quieres empezar a vivir la Navidad antes de tiempo, no lo dudes.

A mediados de los 50 se estrenó ‘To Catch a Thief’, en España ‘Atrapa a un ladrón’, una película del genio del suspense Alfred Hitchcock, basada en la novela homónima publicada por David Dodge, que contó como protagonistas con la gran dupla compuesta por Cary Grant y Grace Kelly. Más de sesenta años después Javier Olivares, el creador de ‘El Ministerio del Tiempo' y productor ejecutivo de ‘Malaka’, recoge el guante del maestro para ofrecer una versión colorista y particular de la historia del Gato.

Olivares lleva totalmente a su terreno la película de Hitchcock y como buen amante de las referencias, llena esta serie de diez episodios de ellas. En la primera producción de Viacom International Studios (VIS) se encomiendan a Javier para una producción que mezcla dos aromas: el español y el argentino. Alexandra Jiménez y Pablo Echarri, son los nuevos Grace y Cary, y, desde luego, la pareja lo hace muy, muy bien. Un extra para disfrutar de una ficción tan entretenida como ‘Atrapa a un ladrón’ que se puede ver en el canal en abierto Paramount Network España y en Prime Video de Amazon.

Lola Garay (Alexandra Jiménez) es una inspectora de policía y a la vez mujer del ex ladrón Juan Robles (Pablo Echarri), también conocido como El Gato. Al igual que la cinta original, esta serie seguirá los pasos de este ladrón de joyas ya “rehabilitado”, en su lucha por desvelar la identidad de un misterioso impostor que está robando en su nombre. Además de los robos y los misterios, una floreciente historia de amor entre los dos protagonistas añadirá aún más interés a la historia.

Esta vez la historia de ‘Atrapa a un ladrón’ se traslada entre Barcelona y Buenos Aires. Cuando tras la boda de Lola y Juan, este tiene que volver a su Argentina natal a resolver un misterio: alguien ha robado varios cuadros utilizando su modus operandis salpicando a un familiar cercano.

La propuesta de Javier Olivares, Jordi Calafí y su equipo es la de una serie entretenida y ligera con grandes dosis de humor. En una ficción con una estructura clásica televisiva da al espectador un drama sencillo, agradable y divertido. ‘Atrapa a un ladrón’, sin jugar a una liga más grande -y tampoco creo que esa fuera su intención-, utiliza la mezcla argentina y española para llevar mucho de los elementos de la película de Hitchcock a la pequeña pantalla. De hecho, la ficción coge un camino más ligado a la ligereza de grandes producciones del Hollywood moderno del cine de atracos y ladrones.

Sin duda, la serie tiene un mayor acento argentino por uno de los protagonistas, por los secundarios y por el emplazamiento de gran parte de la historia -en Buenos Aires-. Alexandra Jiménez navega muy bien en toda la idiosincrasia argentina y forma muy buena pareja con Pablo Echarri, mostrando buena química y entendimiento en pantalla. La realidad es que ellos son una de las grandes bazas de ‘Atrapa a un ladrón’.

La historia se mueve entre las tramas secundarias de los protagonistas, con varios flashbacks durante los episodios, y la de los propios familiares y amigos; además, del entuerto principal entre perros (policías) y gatos (ladrones). La serie apuesta por la ligereza -y no lo digo en todo despectivo-, gran ritmo y humor. Para mí, la clave es que ‘Atrapa a un ladrón’ no es ostentosa -y ni lo pretende-, y ni compleja porque decide jugar en clave del puro entretenimiento, sin abarcar más.

‘Atrapa a un ladrón’ es una apuesta divertida y sin complejos de la mano del equipo de Javier Olivares. Quizá se le pueden achacar muchas cosas a la serie, pero creo que la serie es una buena opción para evadirse y divertirse.

‘La Peste’ vuelve a “contagiar” este blog como ya lo hizo a principio de 2018, pero esta vez con sus nuevos capítulos. La primera serie original de Movistar+ llegó para marcar el camino a seguir de la producción propia de la casa. Desde entonces, ya son muchas las series creadas de diversa calidad: ‘Hierro’, ‘El día de mañana’, ‘La zona’, ‘En el corredor de la muerte’, ‘El Embarcadero’ o ‘Mira lo que has hecho’, entre otras.

En esta segunda temporada de ‘La Peste’, Rafael Cobos (‘El hombre de las mil caras’), se convierte en el showrunner principal de la serie. Mientras Alberto Rodríguez (‘La isla mínima’) dirige los dos primeros episodios es David Ulloa (‘Pulsaciones’) quien lo hace con los cuatro restantes. De esta manera, Cobos toma en solitario el mango creativo de los seis nuevos episodios. Los actores Pablo Molinero, Patricia López Arnáiz, Sergio Castellanos y Cecilia Gómez regresan acompañados por las incorporaciones de Jesús Carroza, Estefanía de los Santos, Claudia Salas o Luis Callejo.

La trama de estos nuevos episodios arranca cinco años después de la última gran epidemia de peste, de la que Sevilla ha conseguido reponerse. Sigue manteniendo el monopolio del comercio con las Indias y su prosperidad va en aumento. Sin embargo, el gobierno tiene ciertos problemas para alimentar a la gran mayoría de sus habitantes y para asegurarles unos servicios asistenciales mínimos. Eso hace que el descontento social crezca y que cristalice el nacimiento de La Garduña, el crimen organizado, que ha tomado el control de la ciudad.

Lejos de Sevilla, en Tierra del Fuego, Nuevo Mundo, Mateo (Pablo Molinero) recibe una carta de Teresa (Patricia López Arnaiz). Valerio (Sergio Castellanos) está amenazado de muerte por La Garduña y le pide que vuelva para ayudarle. Mientras, la ciudad recibe a un nuevo Asistente, Pontecorvo (Federico Aguado). Su misión es poner orden en la ciudad y doblegar al hampa.

La segunda temporada de ‘La Peste’ arranca muy ligada al estilo de la primera, a pesar de establecerse temporalmente cinco años más adelante del final de la misma. La historia empieza a desligarse en el último tramo del primer capítulo: ya no es un thriller policíaco al uso porque una nueva enfermedad ha contagiado a una ciudad donde sus gobernantes se están viendo superados por la situación. La mafia ha llegado a Sevilla para quedarse y tomar el control.

El relato de ‘La Peste’ no pierde esa proyección atemporal que expuso en su primera temporada. Sin embargo, ahora los líderes de la ciudad sobrepasados e incapaces de dar soluciones no son los protagonistas, y sí un pueblo muerto de hambre que ve con buenos ojos la aparición de una miasma llamada Garduña. La emergencia de este poder paralelo a la ley trae consigo otros problemas más graves, pero que para muchos son un peaje más para poder llevarse algo a la boca: contrabando, prostitución ilegal, violencia, muerte y corrupción. La red del hampa se extiende de manera inexorable hasta llegar a ciertos rangos de poder de la ciudad.

El gran enemigo de esta nueva temporada ya no son las élites espoleadas por un caso criminal. Ahora, los protagonistas tendrán que luchar mano a mano para acabar con algo tan difícil como imposible de erradicar: La Garduña y su terrible influencia. Eso sí, a ‘La Peste’ no le temblará la mano a la hora quemar tramas a velocidad vertiginosa, sin dejar de establecer una pequeña radiografía de la sociedad de la época. El relato se vuelve más adrenalínico según avanza hacia el final de la temporada; aunque, echo en falta un poco más reposo en el desarrollo sobre todo el tema del hampa, sus personajes e influencias.

La lucha de las mujeres en un mundo terriblemente hostil para ellas está comandada por los personajes interpretados por Patricia López Arnaiz, Sergio Castellanos y Cecilia Gómez. Su batalla contra el hampa, dueño de toda la prostitución que recorre Sevilla, será la de sacar a esas prostitutas de la calle. Esta parte de ‘La Peste’ me resulta interesante porque da cierto aroma reivindicativo y femenino a la serie.

La segunda temporada de ‘La Peste’ se puede ver completa a partir del 15 de noviembre en Movistar+. Si te gustó la primera, no dudes en continuar la historia.

La series juveniles no pueden estar más de moda y su alcance o expansión está superando a su propio nicho objetivo. Están en alza y no digo con esto que antes no lo estuvieran, pero es cierto que últimamente son muchas las que vienen a la cabeza. Por eso, he decidido hacer una selección de siete ficciones juveniles o adolescentes muy recomendables y que, sin duda, te harán rejuvenecer.

Aquí la lista de las siete series juveniles que considero recomendables tanto para jóvenes como para no tan jóvenes:

‘Doggystyle’

La vida está llena de fracasos. Que se lo digan a Asta (Rosalind Mosbæk), la protagonista ‘Doggystyle’. Una veinteañera aspirante actriz que no tiene más remedio que regresar de Copenhague para vivir de nuevo con sus padres. La serie creada por la danesa Anna Emma relata lo crudo y duro que es enfrentarse al primer fiasco personal. Su vuelta a casa no será nada halagüeña con unos padres que ya han rehecho su vida sin ella, pero además, su pueblo y amigos han cambiado.

Para la protagonista supone un gran golpe tanto a nivel profesional como personal. Asta se irá dando cuenta que, a partir de ahora, tendrá que afrontar su vida de otra manera con mucho que le pese.

‘Skins’

¡Qué decir de ‘Skins’ que no se haya dicho ya! Para mí, es la serie adolescente o juvenil por excelencia. ¡Cuántas series han bebido y beberán de ella! La ficción británica abarca siete temporadas, más de 60 capítulos y tres generaciones distintas de adolescentes. Fue y siempre será una auténtica referencia. El furor que creó en Reino Unido sentó precedente.

La historia que sigue a tres generaciones distintas de jóvenes (temporada 1-2, temporada 3-4 y temporada 5-6), narra a la perfección la complejidad de la adolescencia con todos los problemas y decisiones a las que se tienen que enfrentar. ‘Skins’ es explícita y real. Una de las mejores series juveniles de la historia.

‘Lovleg’

¿Eres fan de ‘Skam’ la original o de ‘Skam España’? Pues posiblemente ‘Lovleg’ sea la siguiente serie adolescente que debes ver. La noruega explora la vida de unos estudiantes de secundaria que viven en comandita en un piso de la localidad de Sandane. La historia con una estructura muy similar a las anteriormente mencionadas tiene como protagonista a Gunnhild (Kristine Ryssdalsnes Horvli).

La protagonista se verá obligada a vivir en un piso compartido para poder cursar los estudios de secundaria, para salvar la gran distancia que hay a su casa familiar. Gunnhild, con una personalidad un tanto rara, intentará utilizar esta nueva experiencia para huir de las habladurías de su pueblo; sin embargo, pronto se dará cuenta que le será muy difícil. Sus compañeros Alex, Peter y Sara le servirán de apoyo.

‘Skam España’

La serie juvenil que ha revolucionado el panorama televisivo español es la adaptación del drama adolescente noruego 'SKAM''. Movistar+ ha conseguido, de la mano de Zeppelin, conquistar a los jóvenes españoles con su apuesta por el realismo y la inmediatez contando las historias de Eva, Cris, Nora, Amira y Viri. Personajes identificables, un lenguaje cercano, una narrativa transmedia y un discurso basado en la tolerancia, la amistad, el respeto y la diversidad son los elementos que han elevado a 'SKAM España' a la categoría de éxito internacional.

‘Derry Girls’

'Derry Girls’ es una de esas comedias que tienen un rasgo distintivo que la hace sumamente especial. Esta vez la historia sigue las aventuras y desventuras de un grupo de quinceañeras en pleno conflicto político en Irlanda del Norte en los años noventa.

El quinteto compuesto por Erin, Orla, Clare, Michelle y James resulta irresistiblemente desternillante. Las situaciones -algunas bordean el surrealismo- y unos diálogos muy potentes y acertados hacen irresistible ‘Derry Girls’ Una historia juvenil, pero con el toque especial británico. La segunda temporada se estrenará en Netflix en agosto.

'Euphoria’

'Euphoria’, cuyo reparto juvenil encabeza la actriz Zendaya (‘Spider-Man: Lejos de Casa’) ha levantado ciertas ampollas en Estados Unidos por su representación cruda de la adolescencia: drogas, amor, amistad, alcohol o sexualidad. Sam Levinson (‘Nación Salvaje’), su creador, rompe tabúes y explora las diversas adicciones y problemas a través de un grupo de jóvenes que les sobrepasa la vida.

Sin embargo, la serie dista mucho de ser la típica serie adolescente, le verdad. ‘Euphoria’ tiene algo muy especial tanto en lo textual como en lo formal. La historia goza de unos personajes muy bien cimentados y que crecen en cada capítulo y que, de alguna manera, son absorbidos por las circunstancias de sus problemas. A nivel formal, la ficción construye una atmósfera distintiva, propia, onírica, real y a la vez surrealista.

Todo es una grata sorpresa en ‘Euphoria’: desde su nivel técnico y textual hasta pasando por personajes como Jules, Rue o Kat.

‘Élite’

La clave de que ‘Élite’ se encuentre en esta lista de siete serie juveniles ha sido su situación de fenómeno/evento y su alta capacidad de adicción. Una historia que más allá de su calidad o no, ha sido una auténtica droga para la mayor parte de las personas que se atreven a reproducir el primero de sus capítulos en Netflix.

No solo eso, Netflix ha juntado otro de los ingredientes que han hecho de esta serie adolescente un bombazo: apostar por caras muy reconocibles. Por eso, ‘Élite’ la protagonizan Miguel Herrán, Jaime Lorente y María Pedraza de ‘La Casa de Papel’. A ellos hay que sumar a Itzan Escamilla, Miguel Bernardeau, Arón Piper, Ester Expósito, Mina El Hammani, Mina El Hammani, Álvaro Rico, Omar Ayuso y Danna Paola. En la actualidad, convertidos en auténticos reclamos.

‘Élite’, sin duda, es un relato culebronesco juvenil. Un entretenimiento puro y duro al que no hay que tomárselo muy en serio. Donde se encontrará pijerío, ¡WTF!, sexo y hormonas por doquier.

Esta semana toca viajar a tierras malacitanas para escribir sobre un thriller policial de mucha raza y crudeza. Se estrenó en La 1 de RTVE y con solo ocho episodios se ha erigido en una de las mejores series españolas de este 2019: se trata de ‘Malaka’.

La serie está creada por Daniel Corpas y Samuel Pinazo y dirigida por Marc Vigil ('El Ministerio del Tiempo'). Un proyecto que RTVE seleccionó en el foro de coproducción Conecta FICTION en su edición de 2018. Javier Olivares (‘El Ministerio del Tiempo’) -coproductor ejecutivo de la serie- y Jordi Calafí -coordinador de guiones-, tutelaron el desarrollo de ‘Malaka’.

Maggie Civantos, Salva Reina y Vicente Romero protagonizan ‘Malaka’ junto a Laura Baena, Cuca Escribano, Susana Córdoba, Manuel Morón, Antonio Gil, Alejandro Casaseca, Víctor Castilla, Emilio Palacios, Ignacio Mateos, Héctor Medina, Pilar Gómez, Helena Kaittani, y Noemí Ruiz.

El punto de partida de ‘Malaka’ es la desaparición de la hija de un importante empresario de Málaga, que se convierte en el detonante de este 'thriller' policíaco. Dos agentes, perseguidos por su pasado, son los encargados de la investigación: Darío (Salva Reina), un policía corrupto que conoce la calle a fondo; y Blanca (Maggie Civantos), una agente de élite que vuelve a su ciudad después de pasar unos años en Madrid. Ambos se ven obligados a trabajar juntos cuando desaparece la joven Noelia.

En la investigación también se implica Quino (Vicente Romero), un detective privado, ex policía. Los tres intentarán resolver un caso que acaba mezclándose con sus conflictos familiares y personales.

Lejos de compararla con ‘The Wire’ y la influencia que haya podido causar en ‘Malaka’, como lo ha hecho en otras tantas series, es cierto que la ficción española plasma en su primera temporada esa alegoría de ciudad como base del conflicto, como crónica socioeconómica e indicativo de país. Un pequeño ejercicio de realismo crítico, a pesar de ser un thriller policial, sobre una España aún anclada en la crisis económica y un sistema tan corrupto como hijo de puta.

Suena a tópico, lo sé, pero la ciudad de Málaga y sus paisajes urbanos son un personaje más. Se convierten en el lienzo perfecto de un realismo sucio y sin cortapisas de una historia dura, cruda y truculenta. La metrópoli andaluza actúa como elemento modificador de todo lo que ocurre a los protagonistas en sus calles, plazas, rincones, bares o playas. Toda su idiosincrasia se plasma en cada una de sus secuencias, escenas y planos. Una Málaga inolvidable, sucia y bella a la vez.

La clave de ‘Malaka’, en mi más modesta opinión, es su evolución como historia y, con ella, la de sus protagonistas. El ir más allá del detonante inicial y de conseguir mutar el leitmotiv de un relato criminalístico puro y duro -el caso de la joven asesinada-, a una pequeña radiografía de la sociedad malacitana y, de ahí, una pequeña representación en clave urbana de la España más humilde en contraste con la más acomodada.

Un relato realista que, con el paso de los episodios, consigue transpirar una sucia dureza y crudeza. Donde cada uno de los personajes intenta adaptarse lo mejor posible a donde el destino les ha hecho caer sin remedio. Para ello, ‘Malaka’ busca huir del maniqueísmo todo lo posible. E intenta dibujar protagonistas que tengan vericuetos morales y éticos, para lograr que no haya buenos y malos, en el más sentido estricto de su definición. Así, todos tienen ese halo de supervivencia para enfrentarse en un entorno hostil y difícil.

Por ello, ‘Malaka’, con esos referentes tan claros, juega a lo inevitable, a la sensación de que su historia o lo que ocurre durante el desarrollo del caso se volverá a repetir una y otra vez, como si de una rueca se tratara: corrupción, precariedad, crimen, capitalismo voraz, drogas, pobreza y supervivencia. En ese microcosmos, tan bien desarrollado, los protagonistas luchan contra viento y marea, se redimen o condenan de manera inapelable y se caen y levantan. No hay vencedores y vencidos en su totalidad: solo supervivientes que se adaptan a lo que han perdido y obtenido durante ese camino.

En ese lienzo tan magnífico en el que se convierte Málaga y toda su idiosincrasia se ha movido a la perfección el trío protagonista compuesto por Maggie Civantos, Salva Reina y Vicente Romero. Todo ello gracias a unos personajes que crecen -y lo hacen muy, muy bien-, con el desarrollo de ‘Malaka’, y, por eso, la serie evoluciona hacia una propuesta de personajes, sin descuidar la parte procedimental. Sin embargo, es cierto, que ellos y su historia particular gana mucha más importancia y sustancia según avanza el relato, cosa que me parece capital para enmarcar a la serie en algo más que un simple thriller policial.

Sin menospreciar el gran trabajo que hace Maggie Civantos en ‘Malaka’, me gustaría reseñar a Salva Reina y Vicente Romero. Ellos, son para mí, la auténtica revelación seriéfila de este 2019. Han sido una gran y grata sorpresa. Salva, al que yo tenía encasillado en comedia, hace un papelazo dramático metiéndose en la piel de Darío. Bueno, de Vicente decir que se merece algún premio o nominación en los Premios Feroz este año.

‘Malaka’ es un gran ejercicio de estilismo técnico, musical y textual. Un gran producto de los que se merece una cadena pública como RTVE, como otros más recientes como ‘El Ministerio del Tiempo’ o ‘La Caza. Monteperdido’. Una recomendación total, para una serie que ya se puede ver entera en ‘A la Carta’.

La serie sobre la que escribo esta semana es de esas que no dejan indiferente a nadie. Una rara avis extraña, bella y portentosa de las que llaman la atención ya sea por lo narrativo o por su factura técnica. Donde se mezcla lo tradicional y lo experimental para contar una historia compleja y especial sobre los laberintos de la mente humana. Una navegación hábil sobre las consecuencias de las enfermedades y problemas mentales. Este relato tiene un título: ‘Undone’, una serie de animación que está disponible en Prime Video de Amazon.

Kate Purdy y Raphael Bob-Waksberg, los creadores de la excelsa ‘Bojack Horseman’, de Netflix, son los responsables de esta pequeña joya rupturista llamada ‘Undone’. La serie de animación usa la técnica roboscópica para armar los cimientos de la historia. Un proceso usado por primera vez en una serie y que tiene en la dirección a Hisko Hulsing (‘Montage of Heck’). El equipo técnico también emplea varios métodos más, incluyendo pintura al óleo sobre lienzo para renderizar los fondos. Un gran esfuerzo donde se nota todo el mimo que han puesto para confeccionar todos los ámbitos de la animación.

El reparto de ‘Undone’ lo encabezan Rosa Salazar (‘Alita: Ángel de Combate’) y Bob Odenkirk (‘Better Call Saul’), acompañados por Angelique Cabral, Constance Marie, Siddarth Dhananjay y Daveed Diggs. John Corbett, Jeanne Tripplehorn, Sheila Vand y Tyler Posey se encuentran entre las estrellas invitadas.

Alma, una joven de 28 años de San Antonio (Texas), vive su mundana existencia hasta que un accidente fatal le induce visiones de su difunto padre, Jacob. A través de estas visiones persistentes, su padre la urge a aprender más sobre una misteriosa habilidad que la permite viajar a través del espacio y el tiempo con la esperanza de prevenir su prematura muerte. Esta odisea desafía las relaciones de Alma y pone en tela de juicio su salud mental entre las personas que la rodean.

La humanidad que se refleja en ‘Undone’ es la misma que se transmite en todos los personajes de ‘Bojack Horseman’ -que recomiendo encarecidamente-. En esta serie, sus creadores, vuelven a narrar con extremada sensibilidad, delicadeza y pureza los laberintos sofisticados y complejos de la mente humana. Todo ello a través de un torrente de creatividad y originalidad audiovisual inusitada: donde la fantasía se fusiona con la realidad y viceversa.

Este drama psicológico se elabora como las modernas técnicas de deconstrucción de la alta cocina. ‘Undone’ desde dos puntos focales diferentes la realidad y la fantasía -viajes temporales incluidos-, estructura el camino central de su historia del que subyace otras subtramas temáticas como las relaciones sentimentales y familiares o el paradigma de la vida moderna, entre otras. Así, la serie, siendo un viaje colorista y lisérgico se siente terriblemente humana, reflexiva y cercana.

Su totalidad de ocho episodios recuerda a esos capítulos magistrales -en mayúscula- de 'Bojack Horseman' que tratan sobre la depresión, la soledad o la demencia. Tan finamente hilados como acertados en su exploración y tratamiento. Capaces de trascender a nivel narrativo, de buscar más allá y de transportar al espectador en un viaje sensitivo, surrealista y extrasensorial único. Qué busca de alguna manera explicar o ilustrar el funcionamiento de nuestra mente ante determinados problemas y/o enfermedades.

Si hay algo clave en ‘Undone’ es su evolución tanto a nivel de historia como de personajes: buscando la complejidad formal como textual. No duda en meterse en piruetas narrativas de las que sale airosa. Quizá puede llevar a perder en algún momento la coherencia, pero solo en pequeños puntos. Sin embargo, en cómputo general, la serie aprueba con una grandísima nota.

Se está ante una serie comprometida, onírica y muy profunda. Su visión no deja de ser muy acertada, a la vez de compleja y crítica. Un relato punzante con un punto de vista existencialista donde tiene como foco el hombre, la mujer y la vida. Una alegoría sincera sobre el gran daño que pueden hacer las heridas o heridas mal curadas en el seno de nuestra mente.

‘Undone’, esta serie de animación adulta, es un viaje extrasensorial de tan solo ocho episodios que recomiendo a todo el mundo. Muy clarificador, tierno y triste, pero a la vez tan necesarios. Una pequeña ‘fábula’ lisérgica que se puede ver en Prime Video de Amazon.

Esta semana vuelvo a territorio español para escribir sobre ‘Vida perfecta’, la serie creada por Leticia Dolera (‘Requisitos para ser una persona normal’, 'Atlánticas') para Movistar+, una de las triunfadoras de la pasada edición del Cannesseries. Es una comedia generacional con toques dramáticos, con claras influencias de ‘Girls’, protagonizada por tres mujeres en distintas etapas de vitales.

La creadora firma el guion junto Manuel Burque; mientras, en la dirección se encuentra la propia Leticia Dolera, Elena Martín y Ginesta Guindal. El trío de actrices formado por Celia Freijeiro, Aixa Villagrán y Dolera son las protagonistas de una historia más compleja, ambiciosa e intimista de lo que llegó a ser la película ‘Requisitos para ser una persona normal’. Enric Auquer, Manuel Burque, David Verdaguer, Font García, Carmen Machi, Fernando Colomo y Pedro Casablanc acompañan a las protagonistas.

La historia sigue a María, Cristina y Esther, tres mujeres que han superado los 30 y que, por distintas razones, están en medio de una crisis vital. Las tres descubrirán que su vida no tiene por qué ser tal y como la habían planeado. Un viaje íntimo en uno de los momentos donde los grandes pilares de su vida se tambalean.

La barcelonesa sorprende con un producto de nicho, maduro e inteligente. Una historia donde muestra la sexualidad femenina sin cortapisas. No solo eso, Leticia Dolera también abre un diálogo sincero y directo sobre temas tan actuales como la precariedad y el mundo laboral, los nuevos modelos familiares, la discapacidad, homosexualidad, la maternidad o los sueños rotos de una generación hastiada por la crisis o el matrimonio. Lo hace mostrándolo desde la cotidianidad y la verosimilitud de un relato que suena tan real como cercano.

La serie muestra todo lo contrario de una vida perfecta, y de ahí el gran acierto al cambiar el título. Las tres protagonistas de ‘Vida perfecta’ miran, con la perspectiva de estar en la treintena, cómo sus deseos, anhelos y sueños son muy distintos a como se imaginaban cuando eran adolescentes, pero sobre todo la ficción, desde un punto de vista femenino, representa o describe en precisas pinceladas muy bien a toda una generación -los millennials-, tocada completamente por la crisis y un futuro repleto de incertidumbre.

Si hay que pensar en un claro referente de ‘Vida perfecta’ es la ‘Girls’ de Lena Dunham, sin lugar a dudas. La serie conjuga ese toque de comedia independiente con toques dramáticos de otras como ‘Transparent’ o ‘Please Like Me’. Dolera le da su estilo propio y consigue mantener muy bien el equilibro entre la comedia y los contrapuntos dramáticos y críticos. Además, sorprende cómo la barcelonesa expone un estilo más natural y sutil, lejos de un discurso machacón y moralizante, pero sin perder de vista su chispa más ácida y afilada.

La serie trata los problemas femeninos, la discapacidad, la homosexualidad y otras temáticas con las que a la creadora no le importa bajar al barro y explorarlas, para después salir airosa; eso sí, siempre teniendo la cotidianidad, naturalidad, sinceridad, normalización y la universalidad como claros referentes.

Celia Freijeiro, Aixa Villagrán y Leticia Dolera, protagonistas absolutas de ‘Vida perfecta’, hacen un trabajo excelente en la serie. Mostrando mucha química y compenetración en pantalla. Las tres con diferentes anhelos, sueños y vidas “perfectas” se enfrentan problemas que les harán replantearse su situación vital, su vida y su futuro tanto laboral como sentimental.

La primera temporada de ‘Vida perfecta’ se estrena completa a partir del 18 de octubre en Movistar+. Una historia sobre mujeres, contada por mujeres y protagonizada por mujeres.

La zarina Catalina II de Rusia, más conocida por Catalina la Grande, es el personaje histórico que protagoniza la tercera coproducción de Sky y HBO, tras ‘Chernobyl’ y ‘The Young Pope’. Una serie limitada de cuatro capítulos sobre los dimes y diretes del reinado de una de las mujeres más poderosas de todos los tiempos y que terminaría por convertir a Rusia en una gran potencia europea y mundial.

La miniserie está escrita por Nigel Williams (‘The Name of the Rose’, ‘Elizabeth I’) y dirigida por Philip Martin (‘The Crown’, ‘Birdsong’), ganador del Bafta y del Emmy. La excelsa Helen Mirren da vida a la emblemática zarina rusa y está acompañada por actores de la talla de Jason Clarke, Gina McKee, Georgina Hale, Joseph Quinn y Rory Kinnear, entre otros. ‘Catalina la Grande’ se estrenó al completo el 3 de octubre en Sky España.

La última vez que se plasmó la historia de esta zarina rusa fue en 1995 con la miniserie alemana ‘Catalina la Grande’, protagonizada por la actriz Catherine Zeta-Jones. Aunque han existido muchas más versiones de la controvertida vida y gran reinado de esta monarca tirana que llevó a Rusia a uno de sus máximo apogeos como imperio: ‘Young Catherine’ (1991), ‘Capricho Imperial’ (1934), ‘Catherine of Russia’ (1963) o ‘A Royal Scandal’ (1945), entre otras.

La escuela británica es experta en desarrollar y ambientar producciones históricas y ‘Catalina la Grande’ no iba a ser diferente; de hecho, es lo primero que llama la atención. Todo se encuentra cuidado y medido al detalle en una de las épocas de más esplendor territorial del Imperio Ruso junto con un reinado con mano de hierro y tiránico que creó grandes tensiones internas -sobre todo, en lo referente al campesinado-. Un retrato sobre la pomposidad y ostentosidad de las altas esferas.

‘Catalina la Grande’ se centra en lo personal, en la esfera privada de la emperatriz. La vida entre bambalinas de una de las mujeres más poderosas del siglo XVIII y última zarina de Rusia. La serie retrata los vericuetos más íntimos de Catalina tanto en sus relaciones sentimentales con diversos hombres -que nunca se preocupó de ocultar-, como su lucha contra el poder de lo preestablecido y contra aquellos que miraban con soberbia y repugnancia que una mujer pudiera ostentar todo el poder.

Detrás de la figura de Catalina la Grande se esconde la de Helen Mirren, en un papel que le resulta tremendamente cómodo y, de ahí, que esta zarina luzca tan espectacular en la serie. Ella es todo y solo por eso, merece meterse en este micro universo de tan solo cuatro episodios, donde en pequeñas pinceladas se realiza una impresión íntima de lo que pudo rodear a la emperatriz entre consejeros, amantes y nobleza.

Los cuatro episodios guardan algún que otro diálogo reseñable y, en cierta manera, la miniserie consigue hilvanar bien las intrigas y conspiraciones palaciegas con esos voraces amantes que esperaban desnudos entre las sábanas de la habitación la emperatriz. Quizá la miniserie se quede algo corta en extensión porque es cierto que la figura de Catalina la Grande da para mucho más y, a veces, da la sensación que todo ocurre extremadamente rápido. A fin de cuentas, esta zarina es una de las figuras más importante de la historia de Rusia por todo lo que hizo y desarrolló durante su reinado.

Todo lo que rodeó al preciado trono y todos los peligros a los que se enfrentó una Catalina que se aferró a él hasta el lecho de su muerte; eso sí, siempre tuvo tiempo de disfrutar la lujosa y libertaria vida de palacio. Todo a partes iguales: amor y guerra. Así, son los cuatro episodios de ‘Catalina la Grande’ que ya se pueden disfrutar en Sky España.