Han pasado 175 años desde la inauguración de la librería más antigua de España, que resiste en la ciudad de Burgos. Varias crisis económicas, cinco relevos generacionales y hasta dos fuertes pandemias después, la gripe española y la COVID, y ahí sigue. La librería Hijos de Santiago Rodríguez nunca ha dejado de prestar servicio desde 1850 y parece que por lo pronto va a seguir así por unos años más.

Sobrevive en un contexto de descenso del número de librerías en España (del 6,2% en 2023 respecto al año anterior, según los datos más recientes de CEGAL) pero de crecimiento en general de las empresas: mayor facturación, más metros cuadrados dedicados a la venta de libros, más empleo. Es decir: les va mejor a las grandes superficies que a los pequeños negocios.

Las pequeñas están más indefensas frente a la adversidad. La especulación inmobiliaria es el obstáculo principal. Como la Sant Jordi en Barcelona, que recibe burofaxes del fondo inversor propietario del inmueble de la calle Ferran que les anuncia subidas del alquiler. Como la Traficantes de Sueños en Madrid, que ha podido quedarse en su ubicación del barrio de La Latina gracias a un crowdfunding para comprar el edificio. En cambio, Desperate Literature, a pesar del crowdfunding que realizó por su parte, tendrá que abandonar su emplazamiento también en el centro de Madrid.

Lucía Alonso, actual gerente de la que ostenta el título de librería más antigua de España es la sexta generación que se encarga de la librería que en su día fundó su antepasado Santiago Rodríguez. Comenzó como un taller de impresión y una casa editorial y, poco a poco, ha conseguido hacerse un hueco como la librería de referencia para la mayoría de burgaleses. Una larga historia al servicio de las letras de la que aún hoy se conservan importantes colecciones de libros y pequeños objetos, como el teléfono en el que atendían las llamadas, cuyo número también se ha conservado.

La librería de Alonso no solo ha sido relevante para seis generaciones de su familia, también lo ha sido para la de los burgaleses de la zona, que aún recuerdan haber escuchado de ella en palabras de sus antepasados. “Tatarabuelos de actuales compradores ya acudían a nuestra librería, eso crea un vínculo. Además, no solo acuden vecinos, también gente de fuera que viene aquí como una parada obligatoria”, relata su dueña en conversación con elDiario.es.

Tener el título de la librería más antigua de España, además de una responsabilidad, también es un atractivo. Así lo cuenta Alonso, que dice haber observado un incremento en las visitas a su librería desde que ha recibido mayor promoción en redes sociales: “Hay un turismo muy concreto, un turismo de librerías, que cuando visita ciudades acuden a establecimientos como el nuestro”, detalla. 

Pero la Hijos de Santiago Rodríguez no es la única librería con importante historia a sus espaldas. Por la librería Las Heras, en Soria, han pasado ilustres figuras de las letras como Antonio Machado, que según César Millán, actual gerente, “acudía para comprar el papel en el que escribía sus obras”. “Una persona mayor vino una vez para ver la librería en la que un día trabajó su abuelo. Nos contó que un profesor de su abuelo le pedía papel para escribir. Resulta que aquel profesor era Antonio Machado”, narra Millán.

La librería Las Heras lleva prestando servicio desde 1860 como un “punto cultural en el que se juntan y juntaban grandes intelectuales”. Desde entonces, Millán explica haber querido conservar la verdadera y antigua función del librero más allá de vender libros, la de recomendador. “Para mí, nosotros somos una especie de farmacia del alma. Los libreros de toda la vida no solo eran vendedores. Es muy importante saber recomendar un buen libro”, detalla para este medio.

Además del trato con el cliente, la librería Las Heras sigue conservando su identidad gracias a su puerta de entrada. Una fachada clásica que recoge la mirada de todo el que pasa por el centro de Soria y que sirve de perfecto complemento al “olor a papel y estética antigua” que atrae el turismo de la zona. También han mantenido la antigua caja y los mostradores de nogal, originales del siglo XIX. 

Otra librería que ha sobrevivido al tiempo es la de Eugenia Pujol, que si bien no se lleva el título de la más antigua, no se queda lejos. De hecho, sí que lo es en Barcelona. El nombre de su comercio, Fabre, ha sido y es todo un referente para generaciones de vecinos de todas las ubicaciones por las que ha ido haciéndose paso este establecimiento durante sus más de 160 años de historia. El más recordado de sus locales es el que en su día estuvo en Rambla de Catalunya, enclave por el que aún hoy siguen recordando a esta librería. 

“Hay personas que vienen y nos cuentan que cuando eran niños pasaban con sus abuelos por la librería para comprar sus libros de texto. Ahora, son ellos los abuelos que acompañan a sus nietos para comprarles el material escolar. Eso es muy bonito”, detalla para elDiario.es su gerente, Eugenia Pujol. 

La librería Fabre, ahora ubicada en el Eixample barcelonés, tiene una particularidad frente al resto que, debido a su historia, se ha conservado hasta hoy. El negocio tiene una fuerte tradición alemana debido a la procedencia de una de sus pasadas propietarias, abuela del marido de Eugenia. Desde entonces, esta librería ha seguido conservando esta herencia hasta el punto de hacerse llamar librería alemana y vender libros en dicho idioma o típicas figuritas de madera.

También han conservado procedimientos y objetos de su historia pasada. Ejemplo de ello es el mobiliario, del que Eugenia explica no haber querido desprenderse, conservando el mostrador o la puerta de hace décadas. La manera de cuidar los detalles también viene de años atrás: “Pilar, anterior encargada que se acaba de jubilar, llevaba 40 años haciendo los escaparates de la misma manera. La contrató la abuela de mi marido y desde entonces se ha dedicado ella a eso. Mucha gente nos conoce por los escaparates y eso crea un vínculo muy especial”, relata Pujol. 

La crisis, también librera, de 2008

Estas históricas librerías, pese a ubicarse en ciudades distintas, tienen mucho en común. Todas ellas han pasado por difíciles circunstancias que han complicado su supervivencia. Sus actuales propietarios recuerdan las más recientes. “Durante la crisis económica de 2008 casi cerramos. La librería iba muy mal, teníamos incluso que poner dinero para no acabar con su historia. Decidí hacerme cargo yo, pese a que pertenecía a la familia de mi marido, y con unos pocos cambios de distribución e iluminación la cosa mejoró notablemente”, detalla la gerente de Fabre.

La historia de la librería Hijos de Santiago Rodríguez tampoco ha sido sencilla: “Crisis como la de 2008, que nos ha tocado más de cerca, afectaron mucho a nuestro negocio. También la COVID. En momentos como esos me planteaba cómo lo pasarían mis antepasados para nunca cerrar”, explica Alonso. “La COVID fue un momento complicado, pero no quisimos dejar a nuestros vecinos sin libros. Habilitamos una web con los que teníamos en la librería y, yo misma, con un carrito de la compra, repartía puerta por puerta los pedidos”, recuerda.

Frente a estos problemas económicos se encuentra otro más concreto para este tipo de negocios familiares, el del relevo generacional. Ese es el problema que hizo cerrar a Loave en Talavera de la Reina (Toledo), tras 72 años de historia. O que obligó al dueño de San Andrés, abierta durante 24 años en Pola de Allande/La Puela (Asturias), a ofrecer el traspaso en redes sociales cuando llegó el momento de su jubilación. Poner fin a una herencia familiar de más de 100 años no es una decisión sencilla: la librería Hijos de Santiago Rodríguez estuvo a punto de cerrar, pero consiguieron encontrar una solución: “Cuando mi abuelo falleció nadie pudo hacerse cargo en ese momento. Decidimos que se encargase una gerente. No se cerró y luego volvió a ser regentada por nuestra familia”, explica Alonso.

Distinto es el caso de la librería Las Heras, que ya no se encuentra en manos de la familia fundadora, pero que sigue manteniendo la misma esencia gracias a que su actual gerente, César Millán, ha estado varias décadas en contacto con el negocio. 

Este lunes comienza la nueva edición de la Fiesta del Cine en las salas de España. Un importante evento para los cines españoles que, en su segunda fecha de 2024, pretende llenar las butacas aprovechando el precio reducido. Tan solo 3,50 euros por ver una película durante las cuatro jornadas de esta Fiesta, que durará entre el 4 y el 7 de noviembre.

Aunque la anterior edición de esta iniciativa, la de primavera de este año, registró datos de asistencia notablemente inferiores a los de años atrás, normalmente las ediciones de otoño suelen funcionar bastante mejor en afluencia de espectadores.

A pesar de que no todas las salas forman parte de esta iniciativa, son más de 300 cines en toda España los que se encuentran adscritos. Cuatro jornadas de películas de estreno entre las cuales recomendamos estas cinco imprescindibles.

‘La habitación de al lado’

Ganadora del León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia y el primer filme en inglés dirigido por Pedro Almodóvar. La habitación de al lado recoge la mirada a la muerte digna y traza un canto al poder de la empatía desde una perspectiva emotiva. La película ha colocado a Almodóvar en el primer plano de la actualidad desde su estreno en Venecia y con el premio Donostia a su carrera.

Interpretada por dos grandes actrices, Tilda Swinton y Julianne Moore, la película capta la emotiva visión sobre la muerte que Almodóvar traslada a partir de un relato de Sigrid Nunez sobre dos amigas que se acompañan en los últimos días de una de ellas. Los recuerdos, la amistad, la lealtad, pero también la confrontación con el pasado son algunos de los temas que explora la película.

Un filme desnudo y austero, pero muy almodovariano en cuanto a colores, composición y espíritu. Almodóvar en estado puro y una perfecta elección para aprovechar la Fiesta del Cine.

'Anora'

Parece que de ganadores va la cosa. Del Festival de Venecia pasamos al Festival de Cannes, lugar del que Anora y su director Sean Baker salieron por la puerta grande con una Palma de Oro. Este filme no es una película romántica cualquiera. Su protagonista es una trabajadora sexual que mantiene una relación fugaz con el hijo de un oligarca ruso, que no acepta esta relación. Una trama que explora temas como la dignidad o la vulnerabilidad y ofrece un análisis de las diferencias de clase y las relaciones de poder. 

Un viaje entre comedia y romance que traza las complejidades de la vida de la protagonista y todas las luchas emocionales que debe atravesar mientras navega en un mundo lleno de limitaciones y prejuicios. Además de abordar la cuestión de clase, Baker también aborda el trabajo sexual, con un retrato crudo y realista.

Una película de la que se ha hablado como el reverso de Pretty Woman. Sin duda, uno de los grandes filmes del año que, por el momento y según la crítica, tiene muchas papeletas de llevarse alguna nominación en los Oscar. 

'La infiltrada'

La infiltrada recoge la historia de Aránzazu Berrade, el nombre falso que adoptó la primera mujer que se adentró en ETA. Una joven de 22 años que se enfrentó a la presión y al machismo a cambio de nada y que fue un elemento clave en desarticular la banda terrorista. Con esta película se rescata su historia y se pone nombre a una figura hasta ahora desconocida para el público general.

Con la dirección de Arantxa Echevarría, este filme crea una especie de juego de espejos donde el machismo es transversal. La protagonista, interpretada por Carolina Yuste, destaca por la carga psicológica de su misión, la de infiltrarse sin ser descubierta.

Con un tono sobrio y un enfoque centrado en los dilemas morales de la infiltración, este filme ofrece una mirada cruda y dramática de una historia que, según su directora, habría sido conocida mucho antes en el caso de haber sido protagonizada por un hombre.

'Salve María'

Salve María se aproxima al thriller psicológico anclado a la cotidianeidad y a la maternidad. Su directora, Mar Coll, cuenta la rutina de una escritora que ha sido madre y que no siente por su bebé el mismo cariño que parecen sentir el resto de madres.

Después de una trágica noticia sobre una madre que ha ahogado a sus dos bebés en una bañera, la protagonista de Salve María no continuará su maternidad con normalidad. Si estaría mejor sin su bebé es una de las escalofriantes preguntas que es hace.

El filme lanza dardos incómodos al espectador con el foco puesto en las complejidades y sombras de la maternidad, lejos de la idealización más común. Una película que asusta y sobrecoge, que también apuesta por el body horror de aquellas madres cuyos cuerpos cambian por completo al dar a luz. Un filme que cuestiona y critica la idealización de un proceso humano y cotidiano que en cuanto deja de ser como la sociedad concibe señala de manera directa a esas ‘malas madres’. 

'Jurado Nº2'

La nueva película de Clint Eastwood. Un thriller judicial inteligente que narra el proceso en el que un hombre es elegido como jurado popular. Un hombre ideal, marido perfecto y futuro padre de familia que, al llegar al juzgado, se da cuenta de que él fue el verdadero culpable de la muerte de la víctima que están juzgando. La pregunta que le asalta aquí es si entregarse o no. El protagonista intentará convencer al resto del jurado popular de no condenarle sin tener que entregarse.

El filme número 40 de Eastwood explora el suspense y temáticas como la importancia de la verdad y la mentira. Una película que consigue el objetivo de cualquier cineasta, el de mantener al espectador en la butaca con intriga y expectación. La moral, la culpa o el sistema judicial fallido son algunas de las temáticas que Eastwood aprovecha en la que podría ser su última película.

Este thriller, de la mano del estilo clásico de Eastwood, recupera el aroma de los 90 en una película que explora la ambigüedad moral de unos complejos personajes.

Quevedo ha terminado oficialmente la retirada temporal que anunció a finales de enero para cuidar su salud mental y su carrera. El cantante canario ha vuelto a los escenarios por sorpresa y ha lanzado este miércoles su nueva canción Duro, la que parece ser el inicio de su nueva etapa en la música. Así lo hizo saber él mismo con una inesperada aparición este martes en un show sorpresa frente a la Catedral de las Palmas de Gran Canaria.  

“Quería compartirlo con ustedes. Vuelvo a sacar música y quiero enseñársela. Es un trocito solo, pero creo que les va a gustar”, explicó Quevedo el pasado martes antes del estreno de Duro, que ya está disponible en las plataformas digitales. El tema también ha sido lanzado junto a un videoclip en el que el artista ilustra su vuelta a los focos con la entrada en una alfombra roja llena de flashes hacia su persona.  

“A darle duro, duro, duro, duro, duro…”, canta Quevedo en el estribillo de su nuevo tema. Una parte repetitiva y pegadiza con la que el propio artista ha explicado en redes haber vuelto pisando fuerte: “Volvimos duro”. La canción habla sobre perreo, infidelidad y relaciones sexuales, varios de los temas recurrentes en la discografía de Quevedo. El artista de éxitos como Columbia o Quédate, que no podemos olvidar que fue el cantante que más discos vendió en España el año pasado, lleva varios días publicando en sus redes imágenes que pueden estar anticipando su nueva etapa.

Una nueva etapa para la que, en el caso de este nuevo tema, se ha rodeado de los productores GIO, KIDDO, Garabatto, Bluefire y la layenda del hip-hop español Frank T. Productores de talla mundial que han trabajado con varios de los artistas más grandes de la industria como Beyoncé, en el caso del nigeriano KIDDO. De la masterización del tema se ha encargado Dale Becker, artífice de canciones para Katy Perry, Billie Eilish o Myke Towers, y de la mezcla Josh Gudwin, que ha sido galardonado con varios Grammys y ha trabajado junto a Dua Lipa o Bad Bunny.

La vuelta de Quevedo ha despertado, como era esperable, mucho revuelo en redes. Redes como X se han llenado, por un lado, de opiniones que apoyan el estreno de Duro y, por otro, de mensajes que esperaban más de la vuelta del artista urbano. “Qué descafeinado ha quedado el regreso de Quevedo con Duro, ¿no?” es una de las opiniones habituales. También aquellas que hablan sobre las expectativas que el cantante había generado sobre su regreso: “Quevedo lleva metiendo hype meses para finalmente sacar un tema que se basa en decir 'duro' 20 veces”.

Otros comentarios en redes, aunque parezcan minoritarios, sí que apoyan el lanzamiento del canario: “No es la mejor canción de Pedro, pero es muy armónica, pegadiza y mejora cada vez que la escuchas. Va a pegar mucho”. Un lanzamiento que no ha quedado exento de revuelo por las grandes expectativas que los seguidores del cantante tenían depositadas en su vuelta a los escenarios.

De momento no se tienen más detalles sobre sus próximas canciones, giras o proyectos. Sin embargo, uno de los rumores que ha cogido fuerza en redes durante los últimos días es una posible colaboración con la cantante Aitana, que ha lanzado pistas similares a las de Quevedo en sus redes.

El cantante, consolidado ya como una de las revelaciones de la industria musical española, ha llegado a liderar en varias ocasiones la lista mundial de reproducciones en Spotify. Una máquina de hacer hits que después de un paréntesis de casi un año de descanso, vuelve más “duro” que nunca.

Leire Martínez, ahora exvocalista de La Oreja de Van Gogh, ha decidido sentarse y hablar por primera vez con detenimiento sobre la polémica originada por el comunicado que le separaba de la banda en la que ha permanecido por 17 años. Lo ha hecho este miércoles en la nueva temporada de Me quedo conmigo, un formato de la plataforma de contenido a la carta de Mediaset dedicado a la salud mental. En este espacio la cantante traza un recorrido por los momentos más duros de su vida y explica su salida de La Oreja de Van Gogh. “El sentido común te indica que si no he firmado el comunicado de la banda es porque probablemente no estaba de acuerdo con él”, explica en el avance de la próxima entrega.

“Amaia Montero no tiene nada que ver en lo que haya ocurrido de puertas para adentro en este grupo, que la dejen tranquila”, detalla Martínez a la vez que resalta no ser “rival de nadie” y que no piensa “formar parte de la guerra de otros”. Una declaración de intenciones que la aleja de la constante comparación y rivalidad pública contra la primera vocalista de la banda, con la que explica no tener mala relación: “Amaia y yo nunca hemos sido amigas, hemos sido compañeras y la admiro profundamente”.

Además de insinuar no estar de acuerdo con el comunicado que lanzó el grupo el pasado 14 de octubre, la vocalista también ha hablado sobre todos los años que ha formado parte de la banda. “Si alguien se cree que en 17 años de convivencia todo ha sido maravilloso...”, apunta la artista. Un desenlace del que Martínez habría rechazado hablar en profundidad y del que rehúye continuar hablando: “Si hablo se van a generar muchas cosas feas. Fui un poco inconsciente, tiré para adelante sin plantearme nada”.

La artista no solo ha hablado sobre el proceso de separación de La Oreja de Van Gogh. También sobre su vida personal, su infancia y la tormentosa relación entre sus padres, que habría condicionado su desarrollo personal y los primeros años de su vida adulta.

Según explica Leire Martínez, una de las tareas que más le han costado durante toda su vida ha sido la de “poner límites”. Algo que le habría dificultado “casi todos los aspectos” de su vida como “familia, relaciones de pareja o trabajo”. El primero de los episodios, y el único de momento disponible, gira en torno a su infancia y relación con sus padres, que se separaron cuando ella tenía 5 años. “Crecí con una situación de un papá sufridor que lo está pasando fatal y una mamá dolida que yo percibía con mucho dolor, pero también con enfado”, relata.

Una separación que condicionaría los primeros pasos de su vida adulta, teniendo que emanciparse de casa con tan solo 17 años: “Me emancipé muy pronto, no porque quisiera, sino por necesidad”. Frente al dolor de una separación y unos años de vida complicados, Martínez relata uno de los primeros momentos en los que afirma haberse sentirse “querida”, cuando fue acogida por una familia para echar una mano con el cuidado de los hijos. “Los niños me daban amor sin que yo lo pidiera. Me hacía sentir la persona más importante. Ese fue el comienzo de mi curación. Ellos, sin saberlo, han sido clave en mi vida y en mi recuperación”.

La exvocalista de La Oreja de Van Gogh seguirá hablando durante el resto de episodios de Me quedo conmigo, y lo hará con la ayuda y respaldo de Andrea Vicente, psicóloga especializada en relaciones afectivas, autoestima y gestión emocional. Serán cuatro entregas en las que la cantante guipuzcoana se abrirá emocionalmente con una reflexión profunda de su trayectoria personal y profesional.

Amaia estrena canción por sorpresa

Un día antes de este pronunciamiento de Leire Martínez y aún en medio de la tormenta mediática, Amaia Montero publicaba por sorpresa una nueva canción en sus redes sociales. Tormenta perfecta se llama el tema que la cantante ha escogido lanzar apenas dos semanas después del controvertido adiós a Leire.

Frente a los rumores de la vuelta de Montero a la banda, la cantante prosigue de momento con su carrera en solitario con la publicación de este tema que, según ha revelado, fue compuesto hace diez años. “Hace un mes la encontré en un archivo y pensé '¿y... por qué no?'. Pensé en ella y en vosotros. Era el momento de hacer un regalo, compartirla con vosotros”, ha detallado la artista en una publicación de Instagram.

“La exigencia de la industria de la música nos está pasando factura. Las plataformas musicales se han convertido en redes sociales donde el algoritmo te exige. Si dejas de publicar música, te condenas al olvido. Me siento rehén de esas dinámicas”. Así denunció el cantante Ismael Serrano el funcionamiento actual de la industria musical en su encuentro con los socios de elDiario.es celebrado este martes en la redacción del periódico. Un evento en el que el cantautor habló sobre los momentos convulsos que vive España, la pesimista situación de buena parte de la sociedad e interpretó en directo, como novedad en los eventos de elDiario.es, cuatro de sus éxitos.

Los socios que asistieron al encuentro pudieron escuchar importantes canciones que representan diversos momentos de la carrera de Serrano que, ahora, han sido unificadas en Sinfónico. Un álbum difícil de elaborar por su tarea sintetizadora de toda una carrera para “resumir canciones representativas en un solo disco” de trece canciones. En Sinfónico, Ismael Serrano traza un recorrido por canciones como Ana, Ven o Papá, cuéntame otra vez, pero desde un sonido con un toque distinto. “Me gusta escribir y contar historias. Para este disco no solo he tenido en cuenta las canciones que más representan para mí, también para el público”, detalló el artista.

Un complejo y elaborado trabajo en el que el cantautor siente situarse en un lugar no tan habitual para la corriente actual de la industria de la música. “Hacer un disco de estas características es caro. La industria ahora tiende a otro lugar (...) Poder cantar con una [orquesta] sinfónica te sitúa en un lugar distinto, le da otro vuelo a las canciones”, contó.

Frente a este sentimiento del que habla Serrano, el de nadar contracorriente en la industria musical, chocan las nuevas tendencias en la industria de la música de las que el cantautor apunta sentirse rehén por la rapidez e inmediatez con las que se exige lanzar nuevas canciones para no desaparecer. “Me parece alucinante que un grupo como Vetusta Morla tenga que lanzar un comunicado por retirarse un año. Antes eso no era normal. Cantantes como Serrat podrían estar un año hasta sacar el próximo disco y no pasaba nada”, apuntó Serrano.

En el encuentro, conducido por la periodista de la sección de Cultura Laura García Higueras, Serrano comentó la manera en la que ha cambiado su relación con la música desde sus inicios. “Creo que hay que entender la canción como un ejercicio de terapia. También como un ejercicio de resistencia al paso del tiempo”. Un paso del tiempo con el que afirma haberse vuelto “más permeable y desprejuiciado” desde el punto de vista musical. Uno de los ejemplos que el cantante propuso a los socios para entender mejor esta evolución fue su relación con el desamor y cómo se había modificado su concepción: “Con el paso del tiempo te desprendes de la toxicidad del desamor. Te das cuenta que de desamor no te mueres, eso es saludable”.

Serrano también reivindicó la importancia del cantautor y de sus conciertos, “un trabajo artesanal” donde se invita a “hacer un viaje de inmersión en el universo que te plantea el artista”. La pureza de estos conciertos choca con otra de las nuevas tendencias de la música actual, los festivales. Un lugar en el que, según Serrano, más que buscar conectar con el artista se busca “socializar y dejar constancia en redes sociales”. También rehusó de otras de las tendencias actuales, la de las canciones producidas por la inteligencia artificial, temas que “nunca llegarán a emocionar al humano”.

En respuesta a una de las preguntas de los socios y sobre la situación social actual, Serrano apuntó: “La sociedad vive ahora sumida en la melancolía porque se siente sumamente decepcionada. Va a ser muy difícil restablecer la confianza del político con el ciudadano, se está convirtiendo en un abismo”. Una situación especialmente dura y complicada para los jóvenes que, en palabras de Serrano, “piensan que el mundo y el sistema no se puede cambiar, sino que hay que buscar los recovecos para salir a flote”, a pesar de que “siempre hay ventanas de oportunidad que se abren de manera insospechada”.

Frente a este momento social, el cantante sitió sentirse “preocupado”, especialmente por la escasez de ilusión de las nuevas generaciones, una generación especialmente “desencantada”. “Los jóvenes ven que su futuro no va a ser mejor. Van a tener peores salarios, peor sanidad y, además para qué quieren un salario mínimo si luego se lo come el alquiler. Puedo llegar a entender que un chaval quiera quemarlo todo”, explicó Serrano. No obstante, según el cantante la situación no pasa por volverse reaccionario ante la imposibilidad de cambiar el sistema.

Serrano también reivindicó la necesidad de entender a los jóvenes en la actualidad: “Hay que ser comprensivo y entender a esos chavales. Uno no nace facha o rojo, lo que hay es un chaval que no encuentra respuestas. Lo que hay que hacer es sentarse con él y darle argumentos sólidos”. Frente a esto, el cantautor plantea la necesidad de traer el debate sobre quién debe estar en primera línea y de la necesidad de traer gente con nuevas ilusiones que sean capaces de contagiarlas a estos sectores de la sociedad que ven con pesimismo y desencanto su futuro.

Uno no nace facha o rojo, lo que hay es un chaval que no encuentra respuestas. Lo que hay que hacer es sentarse con él y darle argumentos sólidos

Ismael Serrano — Cantautor

Fractura en la confianza con la política

La polémica sobre la dimisión de Íñigo Errejón y sus acusaciones por acoso sexual también formaron parte de los temas de debate. Sobre esto, Serrano afirmó que situaciones de este tipo “pueden pasar en cualquier ámbito” por la existencia del machismo, que “atraviesa todos los sectores, desde las redacciones a la propia industria musical”.

No obstante, sobre la polémica de Errejón, Serrano quiso rescatar, sobre todo, las consecuencias que situaciones como estas traen sobre la “fractura con respecto a la confianza en la clase política”. Una de las grandes problemáticas que destacó el artista ante la necesidad de “restablecer la confianza”.

También en respuesta a una de las preguntas de los asistentes, Ismael Serrano hizo hincapié en la importancia de hablar del “nosotros” y de las problemáticas y situaciones colectivas en las canciones. A modo de ejemplo situó el disco Mediterráneo, de Joan Manuel Serrat. Un disco que habla “del nosotros y de ese territorio común que nos une”.“Si bajasen alienígenas a la España de 1960, podrían entenderla tan solo con la discografía de Serrat. Podrían entender las penas y las incertidumbres de un español medio. Si ese alienígena bajase ahora no sé qué discografía le pondría”, denunció el cantante.

Después de las preguntas de los socios que asistieron al encuentro, el cantautor interpretó en directo cuatro de las canciones que han marcado su trayectoria y que ahora han sido adaptadas para su álbum Sinfónico. Ana (1997), Ven (2017), Qué andarás haciendo (2002) y Papá, cuéntame otra vez (1997) de la mano de la voz y la guitarra de Ismael Serrano acapararon los últimos minutos del evento. Unos últimos momentos musicales que los socios siguieron con el susurro de las letras e, incluso, con alguna que otra lágrima.

Entre los asistentes al evento hubo algunos grandes fans de la música de Ismael Serrano y otros que, además de asistir para escucharle cantar en directo, estaban especialmente interesados en escuchar sus palabras. Cristina es un ejemplo del primer caso, una fan de su música que al ver que iba a poder escuchar y ver en directo a Ismael Serrano decidió asistir al evento y ya de paso hacerse una foto con el cantante. Para las socias Marina y Alejandra, Serrano supuso también una gran parte de sus adolescencias, de ahí que quisieran asistir al encuentro y poder conectar con esa nostalgia juvenil a través de sus canciones.

Al otro lado se encontraba María, que prácticamente no conocía la música de Serrano, pero que decidió acudir para escuchar qué tenía que decir el cantante. María aseguró quedar “encantada” por el “interesante discurso” del artista.

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Video completo del encuentro

Hace más de dos años Judeline fantaseaba en una entrevista para este medio sobre el incierto lanzamiento de su primer disco. Un momento importante en su carrera del que esperaba poder “sentirse orgullosa” cuando sea mayor y del que rehuía poner una fecha. Ahora, años después, ese momento ha llegado. Bodhiria es el nombre del álbum debut con el que Judeline ha creado todo un concepto con el que irrumpir en la escena urbana y sentirse orgullosa. 

Lo hace a través de un viaje por el romance, la religión o la espiritualidad y cantando desde otra identidad y otro nombre, el de Angel-A, el alter ego que protagoniza la totalidad de este nuevo trabajo. Una docena de canciones que aúnan la fusión de tradición y vanguardia y de las que fueron adelantadas meses atrás algunas como mangata, INRI o zarcillos de plata. 

Pese a contar con una carrera relativamente corta, en los últimos años Judeline ha conseguido hacerse un hueco en la industria gracias a su trabajo propio —como su epé de la luz— y la colaboración con artistas de la talla de Alizzz, Dellafuente, Tainy o J. Balvin, del que fue invitada especial en su gira europea. En la última semana, Judeline también ha sido confirmada como parte del próximo disco del rapero argentino Duki, que también cuenta con figuras como Myke Towers, Bizarrap o Morad. 

La cantante gaditana ya ha agotado las entradas de muchos de sus conciertos previstos para su Bodhiria Tour, colgando el cartel de sold out en ciudades como Madrid, Barcelona o Valencia antes incluso del lanzamiento del álbum. En apenas unas semanas Judeline dará comienzo a su gira en Bruselas, París y Londres, un tour que ella misma define para elDiario.es como “un cambio en todos los sentidos” y una puesta en escena que “subirá de nivel”.  

Hay gente que le define como la futura promesa de la música urbana, ¿cómo gestiona las expectativas depositadas en el lanzamiento del primer álbum?

Bueno, yo creo que no puedo controlar las expectativas que tenga nadie. Obviamente, sí es una presión, pero no cambia mi manera de verme a mí misma. Yo tengo claro que lo estoy haciendo de forma orgánica, que mi manera de crear me sale de dentro y no pienso las cosas. Muchas veces simplemente hago lo que me sale naturalmente. Sigo un poco esa filosofía de vida, pues no puedo controlar lo que los demás vayan a sentir cuando el álbum salga. Lo que para mí es importante es que yo sí estoy muy orgullosa con la obra y creo que tiene mucho sentido que salga en el momento en el que está mi carrera ahora mismo.

Con Bodhiria ha creado todo un concepto. De hecho, en Bodhitale, la primera canción del disco, “colabora” con Angel-A. En realidad utiliza este nombre como alter ego a lo largo de todo el trabajo, ¿por qué? 

Todo el álbum lo canto desde ella. Para mí ella es la protagonista del álbum y me dio mucho juego a la hora de crear el concepto y a la hora de escribir las letras. Poder cantarlo desde otra persona hacía que me sintiese mucho más desenvuelta y relajada. No me ceñía tanto a cosas que a mí me habían pasado, cosas que yo siento o cosas que pienso que están bien o están mal. Gracias a este alter ego me sentí libre para contar ciertas cosas en el disco.

Bodhiria es este no lugar que me he inventado para crear el disco. Creo que viaja por muchos sentimientos muy distintos y por muchos temas. Abarco el romance, la religión, la espiritualidad, los sentimientos tóxicos, la idealización. No sé, para mí es un viaje que puedes escuchar tanto si estás enterado del concepto como si no, y eso es un poco lo que pretendía y creo que también musicalmente abarca varios géneros distintos. Quería que mi primer álbum fuera un álbum de verdad, es decir, una pieza que tenga en común varios factores entre todas las canciones, pero que se note que, aunque sean canciones distintas y cada una con distintos géneros, que es una obra en sí.

Pese a jugar con varios géneros y sonidos, la fusión de tradición y vanguardia y la referencia a sus raíces están muy presentes en todos sus trabajos. ¿Cómo define su estilo? 

Realmente no sé si es una mezcla. Para mí los géneros están superpasados ya. Hago la mezcla natural que ha hecho mi cuerpo con distintas referencias durante toda mi vida y es simplemente la música que me sale hacer. No sabría decirte qué estilo hago exactamente.

Mis raíces me influyen mucho. Al final es lo que uno es. Obviamente, si yo me he criado en Andalucía, que es un lugar tan rico culturalmente, me condiciona en mi música. Creo que gran parte de mi personalidad no existiría si no fuera andaluza, sería una persona completamente distinta. Simplemente, hago y digo lo que realmente soy yo, una niña criada en Andalucía con ciertos referentes y con ciertas cosas que he visto en mi día a día y con cierto tipo de lenguaje y de palabras que no se utilizan en el resto de España, pero poco más.

Para mí los géneros están superpasados ya. Hago la mezcla natural que ha hecho mi cuerpo con distintas referencias durante toda mi vida y es simplemente la música que me sale hacer

Judeline — Artista

Ahora tiene 21 años, pero empezó en la música hace cuatro años, ¿cómo se porta la industria musical con un artista emergente tan joven?

A medida que pasa más tiempo voy aprendiendo más de la industria y soy más conocedora de cómo funciona. Alguna vez me he podido sentir menos valorada, pero no sabría decirte si por juventud o inexperiencia. Ahora me siento más segura a la hora de entrar en ciertos círculos o a la hora de tratar con ciertas personas dentro de la industria. Pero al principio, cuando todavía no tienes oportunidades y nadie sabe muy bien qué haces, hay personas que se aprovechan mucho de eso y que intentan venderte que te lo van a dar todo. 

Hay cosas que en realidad una persona con más experiencia quizás habría rechazado o no haría, pero bueno, ha sido todo un aprendizaje. No me he encontrado con cosas tan horribles como las que me podría haber encontrado. Hay mucho paternalismo, siempre lo digo. Y el hecho de ser mujer y joven ha sido un poco complicado, pero estoy contenta. Creo que he tenido suerte de rodearme de personas buenas que dentro de lo que cabe no me han querido manipular.

Muchos artistas adquieren la idea de hacer un gran recinto o estadio como sinónimo de éxito, ¿qué cree que es el éxito?

No lo sé. Yo creo que el éxito para mí puede ser muy distinto y que cada persona tiene una visión del éxito distinta. No sabría decirte para mí lo que es el éxito profesionalmente. Pues sí, a lo mejor es hacer unos cuantos estadios por el mundo, o a lo mejor es sacar un disco que me revolucione a mí misma y que sienta que me he convertido en un músico mucho mejor de lo que era. Pero quizás personalmente es llegar a los 35 tranquila de dinero y teniendo una vida tranquila con un bebé y dos vacas mientras vivo en el campo. Para otros será que nadie le reconozca por la calle y que puedan vivir de lo que les gusta. Todo depende. Cada persona es una cosa.

La posición mediática del artista suele conferir un importante altavoz para influir en la sociedad, ¿tiene el artista una responsabilidad social inherente a su profesión?

A mí no me parece que haya que tener a los artistas de referentes. Somos músicos, no somos ni especialistas en política, ni en nutrición, ni psicoanalistas. Obviamente, es muy positivo y tenemos muchísimo altavoz y muchísima influencia en la gente joven. Por ejemplo, lo que diga Anuel va a misa para muchos chavales, también lo que diga Ariana Grande para otros. 

Entonces, creo que hay que tener cuidado con a quién se le escucha y tampoco tenerles en cuenta las cosas, porque son cantantes. No estoy diciendo no separar la obra del artista porque creo que en ocasiones sí que hay que hacerlo, pero no sé, no creo que debamos ser nosotros los portavoces de ciertos temas.

En mi trabajo no hay reivindicación como tal, porque no pretendo hacer a las personas reflexionar sobre nada en concreto, simplemente quiero que les llegue y les lleve a algún lugar. Me gustaría generar sentimientos bonitos en las personas, no me gustaría hacer que se rayen por el mundo. Yo la música la utilizo más como una vía de escape. Creo que ya hay otros medios como para poder rayarse y para poder pensar en lo mal que está el mundo. Pero bueno, cada uno con lo suyo. Si quieres escuchar a Residente y comerte un rap de ocho minutos que te hable de la situación social de no sé dónde, pues también está superbién y es superbonito. Pero en mi caso me gusta que sean historias e imaginarte algo que te mueva, te dé curiosidad o te evada un poco.

No me parece que haya que tener a los artistas de referentes. Somos músicos, no somos ni especialistas en política, ni en nutrición, ni psicoanalistas. Obviamente, tenemos muchísimo altavoz y muchísima influencia en la gente joven. Hay que tener cuidado con a quién se escucha

Judeline — Artista

Durante estos años ha dedicado gran parte de sus conciertos a tocar en festivales. Espectáculos que cada año copan la atención mediática por la ausencia casi total de mujeres y de personas no binarias en sus carteles ¿cree que lo que pasa en estos festivales es un reflejo de la industria de la música?

Sí. Es un reflejo de la industria de la música y de todo el consumo musical del mundo. No es el hecho de que por obligación tengan que meter unas mujeres en el festival. Lo increíble es cómo no se les pasa por la cabeza incluirlas. ¿No escuchan mujeres en su día a día? ¿No hay mujeres? El problema es ese, que ni se les pasa por la cabeza. Van a lo de siempre, a lo mismo. La cosa no es hacer el esfuerzo de meter a algunas mujeres por las críticas. Es que hay un montón que podrías meter y es que ni siquiera se les pasa por la cabeza. Ojalá pueda hacer algo para cambiarlo. Para mí, honestamente, en España las mujeres son las que de verdad están consiguiendo cosas en la música. Aitana, Rosalía, Lola Índigo, Bad Gyal para mí son quienes destacan a nivel internacional.

De vuelta al lanzamiento de Bodhiria, empieza la gira en unos días en Bruselas, París y Londres. ¿Por qué ha decidido empezar fuera de España? ¿Qué tiene preparado?

Empiezo fuera porque surgió y me hace ilusión probar el show fuera y poder venir bien cargada y un poco entrenada a España. Además, mi música se acoge muy bien en el extranjero, como que la entienden muy bien, aunque no entiendan las letras. Creo que hay algo que les transmite y están más acostumbrados a ciertos tipos de sonidos que yo utilizo y que se utilizan fuera. Tengo muchísimas ganas. Tengo preparado un cambio de show en todos los sentidos. Obviamente, va a cambiar porque hay un nuevo álbum, pero voy a subirlo de nivel. 

No puedo dejar pasar que durante esta semana se ha anunciado su participación en el nuevo disco de Duki, que saldrá el 31 de octubre, ¿qué ha supuesto durante su carrera trabajar con grandes artistas?

La canción con Duki para mí es la colaboración con mayúsculas. Es el tema que he hecho en colaboración que más me gusta. Me parece un temón, lo he escuchado muchísimas veces y él es increíble. Los dos nos hemos entendido muy bien en el estudio. Él ha respetado muchísimo mi parte, siento que he podido meter bastante de mi rollo en la canción. La producción la hizo mi amigo Tuiste, o sea que estoy muy contenta con el resultado.

Por lo demás, lo que he aprendido de trabajar con gente que admiro es que son personas muy constantes. Para mí eso dice mucho. Tomarte esto como un trabajo e ir al estudio periódicamente y no guiarte solo de una inspiración, sino de verdad, tomártelo como un entrenamiento y ser profesional.

¿Dónde se ve de aquí a unos años?

Pues no sé. Quizás viviendo entre España y el extranjero. De momento no tengo nada pensado, pero sí que hay algo que me tira fuera un montón y me da curiosidad por irme fuera, pero más por la experiencia propia. Quiero vivir lo que es vivir en el extranjero. Ya tendré tiempo para estar en España. También me imagino siendo mucho más adulta, gestionando mucho mejor todos los líos que tengo, siendo más organizada y siendo mucho mejor músico de lo que soy ahora, espero.

Carolina Durante ha publicado este viernes su último álbum Elige tu propia aventura. Un disco del que ya habían presentado algunas canciones, pero que ha sido lanzado con una colaboración sorpresa dentro del tema Normal. Rosalía, sin crédito aparente en el título de la canción, emerge cantando por sorpresa en el tercer álbum de la banda madrileña.

Lanzado sin previo aviso por parte de su discográfica, que incluso había remitido para las entrevistas de promoción un audio del álbum sin ese corte, figura en el segundo lugar del repertorio y trata sobre redención y disculpa, pero también resentimiento en la línea de muchas de las canciones del grupo.

Rosalía, que lanzaba apenas hace unas semanas Omega junto a Ralphie Choo, ya había mostrado tiempo atrás su interés y apoyo en la banda madrileña de indie rock. De hecho, la catalana habría acudido a uno de los últimos conciertos del grupo en el Wizink Center de Madrid. Un apoyo fruto de un vínculo que llega a lo familiar a partir de la relación de su hermana con uno de los integrantes, el vocalista Diego Ibáñez.

Dentro de Elige tu propia aventura ya habían sido publicadas con anterioridad otras canciones como Joderse la vida, Misil o Hamburguesas. Un álbum que supone un cambio de estilo. “Es más heterogéneo. En el anterior disco buscábamos algo más cañero, más directo. Este disco tiene más espacio, creemos que ha habido un cambio a mejor”, explica el vocalista Diego Ibáñez a la agencia EFE.

En 2025, Carolina Durante estarán de gira por todo el territorio, con conciertos como el del 25 de enero en el Sant Jordi Club de Barcelona o su regreso al Wizink Center de Madrid el 28 de febrero. Además, formarán parte de la escuadra española en la próxima edición del festival Primavera Sound 2025 de Barcelona, como se acaba de anunciar.

El festival de música Viña Rock ha publicado este lunes un avance del cartel de su próxima edición, que tendrá lugar del 1 al 3 de mayo de 2025. El anuncio ha sido de inmediato señalado en redes por la ausencia casi total de mujeres entre los artistas que figuran en el cartel provisional. De hecho, de 35 artistas que conforman el avance que ha publicado el festival, tan solo hay una mujer.

El cartel, aunque todavía queden artistas por confirmar, toma como cabezas de cartel a bandas de rock conformadas por hombres como Mägo de Oz, La Raíz o Talco. Otras bandas como La Sra. Tomasa han llevado a confusión a algún usuario en redes, al pensar que estaría integrada por mujeres; sin embargo, sus integrantes son seis hombres. Y tambien la ironía, como en el caso de Eme Dj: “Menos mal que hay una señora”. La única artista femenina y en solitario que figura en el cartel es Grex.

“Campo de nabos”, “viñanabos”, “testosterona rock”, “viñaseñoros” o “viñahombres” son algunos de los apelativos que ha recibido el festival en X como respuesta al anuncio del cartel. El festival no ha contestado a las críticas en redes.

Otro usuario, el periodista Antonio de la Lama Girón, ha señalado que “en la ilustración del cartel hay unas 93 personas de las cuales el 57% son personajes femeninos, incluyendo el grupo que toca. En la lista de grupos aparecen un 0% de mujeres”.

Este anuncio ha propiciado en redes un debate que lleva rodeando la elección artística de decenas de festivales en España durante años. “Llevamos más de 15 años con la misma situación y nada mejora. Estamos hartos”, dice la cantante y activista Rocío Saiz, una de las que lo han visibilizado, en conversación con elDiario.es.

Este medio analizó el pasado verano “el problema” de los festivales con las mujeres: dos de cada tres artistas (músicos y solistas incluidos) que ocupan sus escenarios son hombres. Para realizar esta radiografía elDiario.es estudió los carteles de 2014 de los 10 eventos que aglutinaron el mayor número de asistentes el año anterior.

Las cuentas del Viña Rock concluían que un 67% de los nombres del cartel eran grupos de hombres, a lo que había que sumar un 24% de hombres solistas. El 4,8% era de bandas mixtas, frente a un 3,6% de mujeres solistas y un ínfimo 1,2% de grupos de mujeres.

“La historia del rock and roll es la que arrastra desde décadas que las grandes estrellas sean mayoritariamente hombres”, fue la excusa que se puso desde un festival similar, el Resurrection Fest, cuyo cartel arrojaba los datos menos paritarios del análisis.

Rocío Saiz se queja de que son “siempre las mismas” las que se posicionan y que echa de menos que los hombres “se posicionen al respecto”. Además, señala que el equilibrio se echa en falta no solo en la ausencia de mujeres sino también en personas no binarias y diversas. “Si siempre somos nosotras las que nos posicionamos, nos hace colocarnos todavía en posiciones más vulnerables y perder trabajos”, indica Saiz.

Los Voluble es un dúo formado por dos hombres que sí ha alzado la voz y que ha señalado una ausencia de perspectiva de género similar en el Bienal de Flamenco de Sevilla.

Sacar adelante un festival de música no es tarea sencilla. Este verano más de 100 festivales de música han sido cancelados en todo el mundo. Long Division, Shindig, El Dorado, Pennfest, Connect Music y un largo etcétera completan la lista de eventos que han echado el cierre por diferentes motivos. Problemas en las licencias y permisos, complicaciones para financiar el espectáculo o dificultades para encontrar un recinto. Obstáculos que, de la mano de la creciente y agresiva competencia, terminan por afectar a un sector de la música en constante movimiento.

España no es una excepción. Artistas cuyo nombre se escribe en letra pequeña en el cartel y que trabajan en peores condiciones o las reclamaciones de un público que busca una experiencia sin abusos, son dos puntos de vista que necesitan de un tercero para completar la fotografía: a qué dificultades se enfrentan los promotores para sacar adelante sus festivales.

Aunque cada día parece menos importante, los nombres del cartel son un factor decisivo. Construir un line up con artistas ajustado al presupuesto es una tarea compleja por la progresiva subida de los cachés y la fuerte competencia del sector. Los directores del Tomavistas (Madrid) atribuyen este problema a la existencia de “más demanda que oferta” de una serie de artistas. Ese desequilibrio “afecta seriamente a la parte financiera”. “Si había que afinar mucho antes, ahora hay que hacerlo mucho más”, apuntan para elDiario.es. 

Todos los festivales lo sufren, aunque algunos pueden hacer frente a esta subida de precios con mayor solvencia que otros. Dani Herbera, director del Cranc Illa (Mallorca y Menorca), apunta este como uno de los mayores retos que tiene que afrontar cada año un festival como el suyo: “No podemos pagar lo que los artistas piden. Muchas veces los cachés los tengo que marcar yo. A un artista que pide 20.000 euros yo le puedo pagar la mitad, tenemos que intentar que lo entiendan”, cuenta.

El alza de cachés, además de afectar especialmente a los festivales de tamaño pequeño y mediano, también complica la supervivencia de aquellos “periféricos”. Así lo detallan Álvaro Fernández y Antonio Mata, directores del festival Canela Party (Torremolinos), que señalan al “madridcentrismo” como uno de los factores de encarecimiento. “Si una banda es capaz de generar una cantidad equis de dinero en Madrid, eso es lo que piden a todos los festivales”. Un sistema que perjudica a los pequeños y medianos eventos de otras partes de España donde “las bandas no funcionan igual”.

“Mucha gente piensa que hacer un cartel es solo ponerse a escribir tus nombres favoritos en un papel, hacer unas llamadas y cerrarlas, pero detrás hay un trabajo de meses, a veces años, para al final conseguir algo que si se parece remotamente a lo que planeaste en un principio, te podrás dar con un canto en los dientes y sentirte satisfecho”, explica la dirección del Canela Party.

Si una banda es capaz de generar una cantidad equis de dinero en Madrid, eso es lo que piden a todos los festivales

Álvaro Fernández y Antonio Mata — Directores del festival Canela Party

Pese a que cada festival sea realista con la financiación con la que cuenta y los cachés que son capaces de afrontar, la cada vez mayor competencia en el sector sigue complicando la tarea de elaborar un buen cartel. La promotora del Sonorama Ribera (Aranda de Duero) apunta que hay veces que “incluso con el dinero que piden encima de la mesa” los artistas acaban rechazando un festival. Es decir, no basta con reunir una alta cantidad de dinero, sino también competir con otros eventos, cuadrar fechas, encajar el artista con el tipo de evento o que coincida que no esté de gira. Una odisea en la elección artística que dispara los gastos de las promotoras, que se agrava en aquellos casos en los que las direcciones no están dispuestas a “inflar precios, bajar salarios o convertir el festival en un escaparate de marcas”, tal y como aseguran desde el Canela Party. 

Por si fuera poco, además de pagar los elevados cachés de los artistas, los festivales también tienen que hacer frente a los gastos básicos de alojamiento y transporte. Una práctica que, siempre y cuando sea moderada, está justificada por el servicio que presta el artista. No obstante, desde el Canela Party destacan que hay veces que las exigencias de los artistas sobrepasan ciertos límites. “Hay que saber cuándo poner límites a las peticiones. Queremos que los artistas estén lo más cómodos posible, pero siempre dentro de lo razonable. No se puede decir que sí a todo o extender la hospitalidad a los amigos de la banda”, relatan. 

Asimismo, la competencia no solo afecta a una agresiva lucha por los mismos artistas, también genera problemas logísticos y de montaje. Mario Carnago, director del Holika (La Rioja) cuenta para elDiario.es que, como los proveedores están inmersos en una “rueda continua de festivales”, muchos materiales llegan el mismo día del inicio del evento. “Los food trucks o sanitarios portátiles, por ejemplo, llegan a veces el mismo día del comienzo procedentes de otros eventos con fechas similares”, detalla. Unos retrasos que reducen el margen de maniobra y de acción frente a contratiempos y aumentan el estrés y la incertidumbre de las promotoras. 

Ubicación distinta, problemas distintos

El lugar escogido para celebrar un festival también tiene sus complicaciones particulares. El Cranc Illa se organiza en las islas de Mallorca y Menorca, un factor que, según Dani Herbera, su director, dificulta la organización. “La insularidad es uno de nuestros mayores problemas. La gente se piensa más si venir o no a nuestro festival por el coste añadido que supone”, detalla. Una evidente complicación a nivel de costes en alojamiento y transporte que, al tener un 70% de asistentes de fuera, afecta a cada edición. Sin embargo, donde esta insularidad juega un papel más decisivo es en los altos costes de producción que supone en material de sonido o iluminación, que muchas veces hay que trasladarlos desde la península. 

Este factor geográfico no solo afecta a aquellos festivales que escogen recintos insulares. Cada ubicación tiene una serie de problemáticas y retos muy distintos. En grandes ciudades como Madrid la mayor dificultad es encontrar un recinto que respete el descanso de los vecinos y conseguir todas las licencias necesarias. La dirección del Tomavistas ―ubicado en Caja Mágica― explica para este medio que “el proceso de solicitud de licencias es muy exigente en una ciudad como Madrid”. Estos permisos deben cubrir aspectos basados en la seguridad o la accesibilidad, pero también de respeto en la convivencia con los vecinos. Sobre este último punto el Alhambra Monkey Week (Sevilla) afirma ser consciente de que, al ser un festival urbano, deben “balancear la fiesta” que ofrecen con “las necesidades de los vecinos”. Unas prácticas en las que siguen trabajando para “luchar por la utopía de que todo el mundo esté contento”, apuntan. 

No solo tienen dificultades los festivales urbanos e insulares. En el municipio burgalés de Aranda de Duero, donde se celebra el Sonorama Ribera, el principal problema es la necesidad de mano de obra, que ante la escasez local, necesita incluso recurrir a trabajadores procedentes de otras partes de España. También suponen un reto las comunicaciones. La inexistencia de trenes o autovías que conecten las grandes ciudades con municipios como Aranda de Duero (Sonorama Ribera) o Calahorra (festival Holika) complican considerablemente incrementar los datos de asistentes. 

Esta ubicación geográfica también determina un factor muy importante para los asistentes de un festival: el alojamiento. Según el Canela Party, “la locura de los precios dinámicos y la avaricia del sector turístico” dificulta tanto el alojamiento de artistas y trabajadores, como el de los asistentes foráneos. Este festival dice haber experimentado en los últimos años un aumento notable en la partida destinada a alojar a su equipo y artistas. También explican conocer a gente que no ha podido asistir a Torremolinos por la “imposibilidad de encontrar alojamientos razonables o por cancelaciones de última hora por propietarios que quieren doblar precios”.

El problema hotelero se sufre mayormente durante la temporada alta en municipios turísticos. Festivales como el Holika (Calahorra, La Rioja), por su parte, carecen de un problema como este, pues su sistema de alojamiento, al igual que multitud de festivales en España, se basa mayormente en zonas de acampada.

“Un expediente más en una montaña de papeles”

Si bien elaborar un cartel o escoger una buena ubicación son unos retos importantes para cualquier promotora, financiar un evento de tal magnitud supone la mayor de las complicaciones. Una tarea que se dificulta especialmente para aquellos festivales que dependen directamente de las subvenciones y ayudas públicas. “La Administración es muy lenta. Nosotros dependemos de ayudas públicas y patrocinios privados. Las subvenciones nos llegan después de la celebración del festival”, detalla Dani Herbera, director del Cranc Illa. Al partir sin financiación pública, Herbera califica esta tarea como una ejecución “a ciegas”, donde planifica y hace realidad todo un festival suponiendo la subvención que llegará a posteriori. 

Estos retrasos no son la única queja de los festivales frente a las administraciones. También la lentitud y poca antelación en la planificación de la normativa necesaria. “Si bien un festival comienza su organización hasta un año antes de su celebración, en general la licencia se le concede prácticamente con la apertura de puertas. Esto genera una enorme inseguridad jurídica tanto para el promotor, como para los asistentes y la Administración Pública”, explica para elDiario.es Belén Álvarez, abogada de la Asociación de Festivales de Música (FMA).

La Administración es muy lenta. Nosotros dependemos de ayudas públicas y patrocinios privados. Las subvenciones nos llegan después de la celebración del festival

Dani Herbera — Director del Cranc Illa

Asimismo, en muchas ocasiones las administraciones exigen ciertos cambios que han de ser inmediatos, pues los comunican a pocos días del inicio. “Desde los ayuntamientos no entienden la necesidad de planificar un festival con antelación. Te responden a los meses y eso hace que se trabaje mal. No le dan la importancia que tiene”, apunta Herbera. Una idea que subraya también la dirección del Alhambra Monkey Week (Sevilla): “Entendemos que lo que para nosotros es lo más importante del mundo, para otros es un expediente más en una montaña de papeles”. 

Un ejemplo claro de esta poca antelación ante los cambios que exigen los ayuntamientos para aprobar las licencias es el que vivió el Cranc Illa en una de sus pasadas ediciones. El recinto en el que se celebra este evento se ubica junto a un hospital, algo que, tal y como explica su director, en principio les eximía de la necesidad de contratar una ambulancia para los asistentes. A pocos días de iniciar el festival, el Ayuntamiento les comunicó la obligatoriedad de contar con un vehículo de asistencia sanitaria, teniéndolo que contratar de manera precipitada y trasladarlo desde Barcelona, pues no había ambulancias disponibles en la isla. Esta precipitada acción, motivada por los reducidos plazos de las administraciones, supuso un gasto importante e inesperado para la organización del festival. 

El Canela Party también formó parte de la lista de festivales afectados por las presuntas malas prácticas de las administraciones. Los directores del festival apuntan a este medio que, en un inicio y teniendo un tamaño mucho más pequeño, era una “verdadera heroicidad sortear las trabas institucionales”. Detallan haber sido “ninguneados” y no haber recibido ayuda, sino que además, en ocasiones, les “ponían palos en las ruedas”. Después de estas experiencias, la dirección del festival decidió hace algunos años mudarse de municipio hasta su actual emplazamiento, Torremolinos, donde dicen “haberse sentido escuchados, aunque no siempre con la agilidad necesaria”. 

Gran parte del problema que ocasiona estos retrasos y deficiencias en los trámites de permisos radica en que en España no existe una legislación uniforme ni específica en relación a este tipo de eventos. Esta tarea de concesión de licencias suele ser competencia de los ayuntamientos y administraciones locales, que funcionan cada una con sus propios recursos y plazos. De hecho, el problema se vuelve aún mayor en localidades que nunca han lidiado con este tipo de procesos normativos y lo tienen que hacer por primera vez. “Las primeras ediciones de un festival siempre son las más complicadas. El propio Ayuntamiento, si no tiene otro evento del mismo tipo en la ciudad, se ve en una situación que no ha vivido antes. Hay que adaptarse a una situación y a un territorio”, explican desde El Planeta Sonoro, promotora de festivales como el Sonorama Ribera.

Las primeras ediciones de un festival siempre son las más complicadas. El propio Ayuntamiento, si no tiene otro evento del mismo tipo en la ciudad, se ve en una situación que no ha vivido antes. Hay que adaptarse a una situación y a un territorio

El Planeta Sonoro — Promotora de Sonorama Ribera

“Los festivales son eventos que ofrecen música y otras muchas actividades culturales, convirtiéndose en 'mini ciudades' durante los días de su celebración. Es por ello que tienen que tener en cuenta multiplicidad de normas de distinto ámbito, local, autonómico o nacional (...) A este reto legal se une el que la interpretación que se hace de estas normas en las diferentes autonomías y municipios no siempre es homogénea”, explica para elDiario.es Belén Álvarez, abogada de la Asociación de Festivales de Música (FMA).

El sector de los festivales de música ha crecido y evolucionado mucho en los últimos años. Ahora se hacen eventos más grandes, con más actividades, con más aforo o con más artistas y, por ende, con la necesidad de solicitar más permisos. Desde la Asociación de Festivales de Música, y tal y como asegura su abogada, plantean la conveniencia de revisar ciertas normas, que se aplican en la organización de un festival, de manera que “tengan en cuenta su realidad y los tiempos de su organización”.

Brava Madrid ha sido el último festival del verano en entrar en la lista de eventos denunciados ante las autoridades de consumo por la imposición de normas presuntamente abusivas. Las pulseras cashless para pagar en las barras, la prohibición del acceso con comida o bebida del exterior, o la exigencia de comprar un vaso reutilizable sin posibilidad de retorno son algunas de las prácticas por las que casi una veintena de festivales han sido denunciados este año en España.

La última edición de Brava Madrid, celebrada los pasados 20 y 21 de septiembre en Ifema, ha incurrido en esas prácticas según Facua-Consumidores en Acción. Una de las más comunes, instaurada en gran cantidad de eventos, es el uso de una pulsera cashless como único método de pago. Esta exigencia se vuelve aún más preocupante cuando algunas empresas establecen plazos muy reducidos para solicitar la devolución del saldo restante en este monedero digital (14 días en el caso del Brava). Desde Facua recuerdan que, en el caso de las pulseras cashless, cualquier establecimiento en España está obligado a aceptar el pago en efectivo, considerando como abusiva la obligatoriedad de la pulsera.

Además, el reembolso del dinero no llega íntegro, pues en el caso del Brava el consumidor tiene que pagar tres euros como “gastos de gestión por la prestación del servicio de devolución”. María Ramírez, una de las asistentes a este festival, se queja de que si “la recarga la haces tú”, el festival no hace “gestión ninguna”, por lo que no entiende por qué debe pagar tres euros. Este tipo de gastos añadidos, o comisión, está puesto en cuestión, en general, para la venta de entradas de todo tipo de espectáculos.

Perder el sobrante de la pulsera

Este verano, la Organización de Consumidores y Usuarios (OCU) denunció ante las autoridades de consumo a diez festivales de música al aire libre por malas prácticas que podrían haber afectado a más de un millón de asistentes. Las prácticas denunciadas en algunos festivales ―como FIB (Benicàssim), Monegros Desert Festival (Fraga), Puro Latino (Puerto de Santa María, Sevilla, Arganda, Torremolinos y Almería) o el Zevra Festival (Cullera)― son las mencionadas de cobrar una comisión de entre dos y tres euros para poder recuperar el saldo sobrante de la pulsera cashless y los plazos reducidos a dos semanas.

Precisamente sobre el cobro de gastos de gestión radica la denuncia de Iker, asistente del festival Boombastic de Asturias: “Al retirar el dinero sobrante me cobraron 2,50 euros. Es una práctica que se considera abusiva, pero que siguen haciendo. Pasa en la mayoría de festivales”, lamenta. Esta práctica está anunciada en su web pero eso no la hace menos abusiva, advierten las organizaciones de consumidores. Este medio también se ha puesto en contacto con la organización del Boombastic pero ha declinado participar en este reportaje.

Otro asistente del Brava festival, Alfie, explica para elDiario.es su recelo, pues cree que las cantidades de recarga de la pulsera están “hechas a propósito para que siempre te sobre algo de dinero”. Unas prácticas que este asistente resume como una “auténtica estafa”. Pero aún hay más gastos inesperados.

Ramírez explica que tuvo que pagar una penalización de 20 euros por haber nominado su entrada ―identificar a la persona que la usará, para así evitar posibles fraudes― una vez pasado el plazo establecido por el festival. Según esta asistente, el aviso de este requisito no está claro y exige hacerlo varios meses antes de la celebración del festival. “Una gestión malísima”, explica a este diario. Este medio ha intentado contactar en varias ocasiones con la promotora de Brava Madrid para recoger su punto de vista, pero no ha obtenido respuesta.

Este verano se ha hablado mucho sobre la obligación de comprar un vaso reutilizable y su carácter o no retornable. Las promotoras de conciertos se escudan en la reducción de residuos y su impacto en el medioambiente. Este tipo de vaso reutilizable ha sustituido en la mayoría de eventos al vaso de un solo uso, en gran medida por el efecto disuasorio del precio: alrededor de los dos euros (aunque su gastos de fabricación es de apenas unos céntimos). Lo que no se ha generalizado es la posibilidad de retornar el vaso para ese precio no sea un coste sino una fianza.

Según los expertos en la gestión de residuos de grandes eventos, producir un vaso reutilizable requiere diez veces más plástico que un vaso normal. Si ese vaso no se reutiliza, tras su lavado y almacenaje, un mínimo diez veces más, implica generar diez veces más residuos. Algunos festivales sí están facilitando el sistema de retorno y devolución de la fianza. Uno de ellos es el festival Cranc de Menorca, que cobra un euro por el vaso y devuelve este dinero a cambio del vaso usado.

Otros festivales como el Sonorama Ribera (Aranda de Duero) y el Cruïlla (Barcelona) también lo han hecho. “Sin el sistema de vasos reutilizables y retornables habríamos utilizado 350.000 vasos. Gracias a esta medida, en la última edición hemos usado la mitad. Esto no significa que en cada edición fabriquemos 175.000 vasos, sino que usamos los mismos de la edición anterior”, explican a elDiario.es desde el Cruïlla.

La promotora Last Tour, encargada de festivales como el Bilbao BBK Live o Kalorama Madrid, también han expresado su compromiso con el consumidor y el medioambiente, y aseguran a este medio haber adoptado el sistema de vasos retornables en todos sus festivales desde 2017 pero se desconocen los datos de cuántos asistentes retornan los envases.

Galletas escondidas

Otro de los puntos conflictivos de este tipo de eventos es el acceso con comida del exterior. María Ramírez explica su experiencia en el Brava, ya que el año anterior intentó “pasar con unos sándwiches”, pero no le dejaron. “Por suerte, llevaba escondidas unas galletas”, añade. Este año preguntó por la prohibición de acceso de comida del exterior, pero no obtuvo respuesta: “Así que, por si acaso, no llevé nada”, cuenta.

Es una norma que lleva años impuesta, no solo en eventos musicales, sino también en eventos deportivos o salas de cine. Kalorama Madrid, Mallorca Live Festival, Remember Campa de Santander, No Sin Música de Cádiz, Festival de Les Arts de Valencia o el Puro Latino Fest de Sevilla son tan solo algunos de los ejemplos de festivales que este mismo año han impuesto esta exigencia a sus consumidores, según Facua.

“No se puede acceder con comida o bebida del exterior” es un anuncio habitual en las webs de los festivales. No obstante, estar anunciado previamente no lo convierte en legal. Según Facua, como ninguno de estos festivales tiene como actividad principal la de comercializar comida o bebida, la limitación de acceder con estos alimentos constituye una cláusula abusiva. Estas restricciones, además de asegurar el consumo en las barras instaladas en el interior del recinto, también facilitan la fijación de precios abusivos a los que los consumidores no tienen más remedio que hacer frente si desean tomar algo. Muchos de los festivales, en cambio, plantean su negocio como una experiencia gastronómica además de musical.

Frente a estas denuncias, la promotora Last Tour asegura que todas las denuncias sobre el acceso de comida y bebida en relación al Bilbao BBK Live han sido archivadas. También explican que las denuncias a sus festivales no proceden “ya que no han incumplido ninguna normativa”. Desde el BBK Live siguen manteniendo en su web la prohibición de entrar con comida y bebida del exterior aunque la promotora puntualiza que sí que está permitido en aquellos casos “necesarios para la salud”.

Salir y entrar cuesta dinero

Si entrar al recinto con alimentos del exterior está prohibido en muchos festivales, también lo está salir del recinto y volver a entrar. Casos de este tipo habrían sucedido, según Facua, este verano en el Festival Arena de Mazagón, el Spring Festival de Alicante, el Fortaleza Sound de Lorca o el Puro Latino Fest. Este último especifica esta norma en sus condiciones generales y lo atribuye a la necesidad de “adquirir el derecho de reacceso”, algo que la OCU califica como “retención ilegal”.

Elena y Andrea son dos amigas que asistieron al Puro Latino en su edición de Almería y explican haber visto cómo la organización del festival cobraba estas tasas extra por el reacceso. “Nosotras no salimos porque nos parecía un robo, cobraban 15 euros. A esto se suma que no dejaban entrar con comida del exterior y nos cobraron gastos de gestión para retirar el dinero sobrante de la pulsera”, detallan las amigas. Este medio se ha puesto en contacto en varias ocasiones con la organización del Puro Latino Fest, pero no ha obtenido respuesta.

También, y según Facua en una denuncia anterior a la celebración del festival, en el Fortaleza Sound de Lorca el reacceso al recinto iba a costar 10 euros (un servicio incluido con la entrada VIP). No obstante, tal y como cuentan desde el festival, esta medida finalmente no se impuso: “La idea inicial era cobrar este reacceso para proteger el descanso de los vecinos durante un horario concreto. Ante la avalancha de críticas decidimos quitarla y fue totalmente gratuito”, apuntan. Magdalena, una de las asistentes al festival, corrobora que no hubo cobro extra en el reacceso en el Fortaleza Sound: “Yo pude salir y entrar gratuitamente”, explica, así como otros asistentes contactados por este medio.

Mientras estas prácticas se vuelven cada vez más habituales, festivales como Resurrection Fest han cedido ante las denuncias. En la última edición de este evento gallego se han eliminado los gastos de gestión para la devolución del dinero restante en las pulseras cashless —que eran de un euro— y la prohibición de introducir bebida y comida al recinto. Aún les quedaría permitir el pago en efectivo.

Multas insuficientes

Una de las grandes quejas de las asociaciones de consumidores es la falta de medidas por parte de la Administración. Desde el Ministerio de Consumo informan a este periódico que están manteniendo reuniones con las asociaciones, así como con empresas de intermediación en la venta de entradas, para analizar las prácticas del sector.

La OCU define esta situación como un “caos normativo”, pues en cada región de la geografía española este tipo de legislación se regula de manera diferente. Comunidades como Cantabria, Canarias, Navarra y Catalunya permiten la prohibición del acceso con alimentos y bebidas del exterior, otras encuadran esta cuestión en el derecho de admisión y otras, como Asturias, permiten elegir al consumidor.

Un “caos normativo” que, frente a la veintena de denuncias presentadas durante este verano, ha dejado solo dos sanciones. La primera, la interpuesta por el Ayuntamiento de Sevilla al Sonoria Festival por incumplir varias condiciones contractuales y no ofrecer servicios a los que se tenía acceso con las entradas VIP. La multa ha sido de 2.000 euros.

La segunda multa del verano que ha trascendido ha sido la interpuesta al festival Jardín de las Delicias por el Ayuntamiento de Madrid. Una sanción de 3.000 euros por “obstrucción a la inspección”, que se califica como una infracción leve.

Ante esta situación, desde Facua reclaman “la imposición de multas contundentes, con cuantías mucho más elevadas, para que las promotoras de este tipo de eventos no vuelvan a cometer infracciones”. Por su parte, desde la OCU además de presionar a las autoridades de consumo a tomar medidas, también instan al Ministerio de Consumo —que solo se ha pronunciado este verano sobre los gastos de gestión de los espectáculos— a que desarrolle una normativa homogénea sobre los derechos de los asistentes a este tipo de eventos.

Netflix ha anunciado este miércoles una película documental que recoge la experiencia de las jugadoras españolas que ganaron el último mundial de fútbol. #SeAcabó: Diario de las campeonas se estrenará el próximo 1 de noviembre y recoge testimonios inéditos de futbolistas como Jenni Hermoso o Alexia Putellas.

El documental explora el camino de un equipo que vio cómo una victoria sin precedentes fue impactada por un escándalo a nivel internacional, el conocido como caso Rubiales, debido al comportamiento del expresidente de la Real Federación Española de Fútbol el 20 de agosto de 2023 en la final de la Copa Mundial Femenina de Fútbol celebrada en Sídney (Australia).

La plataforma ha confirmado que Jenni Hermoso, Alexia Putellas, Irene Paredes, Aitana Bonmatí, Olga Carmona, Teresa Abelleira, Ivana Andrés, Laia Codina, Sandra Paños y Lola Gallardo participan en el documental. “Es la primera vez que muchas hablan de esto”, indica Joanna Pardos, directora del filme. 

Las jugadoras son conscientes de cómo el beso no consentido desencadenó un debate nacional y destituciones de alto nivel que cambiaron el fútbol español. Los directores también, y por ello el título en inglés (It's All Over: The Kiss that Changed Spanish Football), aunque no el español, recoge lo que han denominado el “beso que cambió el fútbol español”.

Luis Rubiales será juzgado en 2025 por agresión sexual y coacciones. El juez también envía a juicio, en su caso por el delito de coacciones, al ex director deportivo de la selección masculina Albert Luque, al exentrenador de la selección femenina Jorge Vilda y al que fuera responsable de Marketing de la RFEF Rubén Rivera. 

Javier Martínez y Luis Miguel Calvo, coproductores ejecutivos del documental, definen la película como “la historia de cómo un grupo de mujeres excepcionales no solo transformaron el deporte que aman, sino que también desafiaron y cambiaron las percepciones y estructuras sociales, inspirando a generaciones futuras a luchar por la igualdad y el reconocimiento”.

Diversas organizaciones culturales, artistas y demás profesionales de sectores como el audiovisual o el literario han hecho público este miércoles un manifiesto en el que piden al Gobierno medidas que les protejan de los abusos en relación al avance de la inteligencia artificial generativa. El manifiesto, firmado de momento por seis organizaciones, tiene como principal objetivo la denuncia de las irregularidades en relación a la IA y la exigencia de respeto y dignidad de sus trabajos.

Las organizaciones que han unido sus fuerzas a través de este manifiesto apelan directamente al Gobierno y al Parlamento para que, ante la entrada en vigor del Reglamento de la Unión Europea sobre inteligencia artificial, protejan tanto a los ciudadanos como a los profesionales del sector artístico y cultural. El respeto de la dignidad y derechos del ser humano, la protección de la libertad de expresión y de creación y el cumplimiento de los derechos de autor son los tres puntos esenciales sobre los que se fundamenta este manifiesto. 

Esta denuncia llega después de que diversas aplicaciones basadas en la inteligencia artificial hayan inundado el mercado con la posibilidad de generar imágenes, textos o vídeos para cualquier persona sin conocimientos. Un riesgo palpable que hace ver con preocupación a esta herramienta ante la posible pérdida de trabajo de los profesionales que se dedican a estos procesos creativos.

En el manifiesto no solo se dirigen hacia el Gobierno y las autoridades, que deberán supervisar y controlar la situación hasta que se regule adecuadamente, sino que también apelan a las empresas que desarrollan la inteligencia artificial. Se les pide que respeten sus derechos de autor y de propiedad intelectual y que dejen de competir deslealmente con ellos. A estas empresas de inteligencia artificial se les pide también mayor transparencia, que acrediten el haber obtenido autorización para el uso de sus obras en cualquier fase de construcción y que se demuestre haber remunerado a sus titulares. Reclaman también que se retiren del mercado los modelos de IA que se hayan generado de forma ilegal.

Con respecto a los productos que sean creados con inteligencia artificial, solicitan que no sean considerados obras de creación intelectual ni que puedan estar protegidos. También que no puedan presentarse a ayudas o subvenciones que puedan competir con otros profesionales de la cultura.

“Esta situación ha de remediarse lo antes posible”

Alianza Audiovisual (AA), ACE Traductores, la Asociación de Directores de Escena de España (ADE), la Federación de Asociaciones de Ilustradores de España (FADIP) y la Unión de Correctores (UNICO) son las organizaciones que han mostrado su apoyo con la firma de este manifiesto. Un escrito que, tal y como informan, estará abierto a nuevas adhesiones de todas aquellas organizaciones que estén preocupadas por el avance de la inteligencia artificial.

Este manifiesto llega después de que en el pasado mes de julio se aprobase el Reglamento Europeo de Inteligencia Artificial, la norma de referencia internacional que tendrá una influencia fundamental en futuros desarrollos normativos. De hecho, en el propio Reglamento se subrayan los riesgos que supone el uso de sistemas de inteligencia artificial que atañen directamente a los profesionales del sector cultural. 

El problema radica en que la mayoría de inteligencias artificiales están entrenadas para trabajar con inmensas cantidades de datos procedentes de la web, sin distinción del origen ni los derechos de autor. Esto pone significativamente en riesgo el trabajo de los profesionales de la cultura, que ven cómo sus trabajos son utilizados sin crédito ni remuneración por estos sistemas. “Esta situación ha de remediarse lo antes posible”, exigen las organizaciones culturales firmantes.

Desde el propio manifiesto hacen hincapié también en la denominación apropiada. Lo generado por la inteligencia artificial no son obras, sino productos. Unos productos que en ocasiones son idénticos a las obras que sí son elaboradas por profesionales. Estas prácticas generan una competencia desleal y desincentiva la creación artística, poniendo en riesgo estas profesiones. 

Margarita Landi lo sabía de sobra. Los relatos sobre crímenes siempre han despertado interés en la gente. Desde exitosas novelas como A sangre fría (1967) hasta las nuevas series o podcasts sobre true crime que hoy no paran de inundar las plataformas digitales, narrar crímenes y sucesos nunca ha dejado de estar de moda. De esto, poca gente supo más que Margarita Landi (1918-2004), la periodista conocida como 'la rubia del velo y la pistola' que sacrificó su vida personal para trabajar durante décadas en la que sería su mayor pasión, el relato del crimen. 

Apodada también como ‘la dama del crimen’, Landi consiguió ser la primera mujer en España en especializarse en el género de sucesos dentro del periodismo. Un género que, por su conocida peligrosidad, normalmente era encargado a los hombres. Ser mujer podía ser visto como una amenaza en la tarea de profundizar en casos peliagudos, aunque también podía tener algunas ventajas, como la de poder indagar cualquier asunto sin levantar sospechas, como fue el caso de Landi. 

“Los entrevistados se abrían más con una mujer que con un hombre, eso le hizo ganar importancia en un mundo enteramente masculino. De hecho, en la redacción eran todos hombres menos dos mujeres, ella y la secretaria”, explican para elDiario.es Javier Velasco y Maudy Ventosa, autores de El caso Margarita Landi: la rubia del velo y la pistola (Alianza). En este libro, Velasco y Ventosa recuperan, veinte años después de su muerte, a una de las figuras más importantes del periodismo de sucesos en España. Lo hacen después de varios años de trabajo trayendo de vuelta su propia voz y estilo, recordando sus casos más célebres con la ironía y agudeza que le caracterizaba. 

Además de ser recordada por su atuendo ―el velo negro se debía a los numerosos funerales a los que asistía por su labor profesional― era conocida en el gremio por su destreza y rapidez. De hecho, de forma irónica y entre sus compañeros se comentaba que llegaba al lugar del suceso incluso antes de que se cometiera el crimen. También destacó por su rigor: “En un asesinato ella hablaba tanto con la familia del asesinado como la del asesino, trataba ambas partes por igual y se documentaba de todo el entorno”, cuentan Velasco y Ventosa. 

En beneficio de su trabajo conservó una estrecha relación con la policía, esencial en el desarrollo de su labor profesional, con la que la reportera criminal se ganó otro apodo, ‘el subinspector Pedrito’. Un apodo, o más bien un seudónimo, que le sirvió para ser avisada por la policía de inmediato sin levantar sospechas y aparecer en el lugar de los hechos en su icónico deportivo Volkswagen Karmann Ghia.

“Margarita tiene todas las peculiaridades para preguntarte ¿por qué Netflix no ha hecho ya algo con su vida?”, afirma para elDiario.es Servando Rocha, editor de Rojo Sangre. Prensa de sucesos en España (Editorial La Felguera), libro en el que se recoge una radiografía de la crónica de sucesos del país, también de reciente edición. Su vida no fue sencilla. Huérfana desde pequeña, vivió la dictadura de Primo de Rivera, la República, una guerra civil, otra dictadura, la Transición y la democracia. Cambios políticos y sociales constantes a los que tuvo que adaptarse también en su manera de escribir y ejercer su trabajo. Sus crónicas hay que entenderlas en cada contexto en el que fueron escritas.

En la dictadura, por ejemplo, se controlaban todas las noticias y se quería dar una imagen idílica del país, sin muertes ni crímenes. De hecho, durante el periodo franquista y sobre todo al principio, al popular semanario El Caso, del que Landi formó parte durante más de tres décadas, solo le estaba permitido publicar un asesinato semanal. Una forma de censurar la realidad social del país a partir de un género de especial importancia que Landi calificaba como el “periodismo con mayúscula”. De hecho, de forma anecdótica, Javier Velasco y Maudy Ventosa cuentan que en su labor de documentación han encontrado censuras como la de modificar la frase “encontramos el cuerpo semidesnudo” por “semivestido”. De nuevo, un intento de suavizar y mostrar una versión idílica muy distante de la realidad social del país. 

Esta rubia del velo y la pistola pronto se hizo con un hueco en el mundo del periodismo de sucesos. Una mujer rompedora conocida por vestir pantalones, conducir un deportivo o fumar en pipa no podía pasar desapercibida. Pasó 35 años en El Caso, una de las cabeceras más populares entre los sesenta y setenta, viviendo también épocas difíciles por los cambios sociales que experimentó el país. Después, la periodista pasaría por Interviú y por RTVE, en programas de sucesos como La palmera, Código uno o Así son las cosas. De hecho, llegó a presentar su propio programa, Mis crímenes favoritos en Telemadrid. Una época que terminó de popularizar la figura de Landi entre la sociedad española a través de su sofisticada y peculiar imagen perfecta para la pantalla.

Landi fue una de las grandes figuras que participó en el relato de los sucesos y de la sangre, pero no la única. Alrededor de cada suceso existía y existe un morbo orientado, no solo a conocer la historia completa, sino los entresijos que yacen detrás de ella, como si de una novela policíaca de ficción se tratase. La prensa de sucesos en España o ‘prensa roja’ siempre ha estado en boca de todos, en parte, por la cantidad de cabeceras y semanarios que se dedicaban a su difusión y relato. 

El primer suceso que podemos denominar como mediático en España fue el conocido como ‘crimen de la calle Fuencarral’ (1888), un asesinato en una casa de esta famosa vía madrileña en el que fue encontrado un cuerpo en llamas. Así lo cuenta para elDiario.es Servando Rocha, escritor y editor de La Felguera: “Este crimen, que fue seguido durante días por la prensa, supuso la primera noticia que dio a conocer que el crimen y el morbo venden”.

Los Sucesos (1866-1869) fue la primera cabecera especializada en España, un tabloide que recogía, también con ilustraciones, algunas de las catástrofes o accidentes más notables del momento. Una auténtica revolución en la prensa y sociedad española que despertaba y normalizaba el relato sangriento a través de entregas diarias. Cabe destacar que al principio por “sucesos” se hacía alusión a cualquier tipo de acontecimiento. Sería más adelante cuando esta palabra adquiriese la acepción de hoy. Además, ser reportero de sucesos estaba mal visto, “fue hacia los años veinte cuando esto comenzó a cambiar, entonces serían vistos como James Bond”, explica Rocha.

Decenas de cabeceras siguieron la estela de Los Sucesos después de su desaparición, pero una destacaría sobre las demás, El Caso (1952-1997). El Caso ha sido uno de los semanarios especializados en los sucesos con mayor trayectoria y acogida en España. Las más de tres décadas que la propia Margarita Landi permaneció en este semanario le sirvieron para adquirir mayor notoriedad antes de su paso por televisión. El Caso era un medio que, tal y como recoge Rocha, “contaba lo que nadie se atrevía a contar porque no podían hacerlo”. Un semanario que ha acompañado a la población española en difíciles procesos sociales, manteniendo, no obstante, su persistencia en la labor de relatar los sucesos y crímenes del país.

Para entender el seguimiento que hacía El Caso de los sucesos de actualidad, en algunas de sus páginas publicadas a partir de la colección particular de Juan Rada, exdirector del semanario y Servando Rocha, podemos observar auténticas infografías con todo detalle. “Reconstrucción del crimen y la captura” es el título de una especie de mapa que ilustra parte del callejero madrileño con el trazo del camino que habrían seguido los delincuentes y los policías en su búsqueda. Una auténtica inmersión en el suceso que hizo de este semanario todo un éxito de la prensa española. También impactantes portadas que daban nombre y ponían cara a asesinos y asesinados.

En palabras de Servando Rocha, “Equipo de Investigación, de La Sexta, es como El Caso de entonces, pero con los medios de hoy en día”. Un legado que habría influenciado cantidad de programas, periódicos y demás medios de comunicación por el interés que el humano tiene hacia lo oscuro. “Nos fascina ver lo que no se puede ver, es como observar por una mirilla lo que está prohibido. Toca la fibra de los miedos”, detalla Rocha. 

El éxito del ‘true crime’

Todo lo que Margarita Landi o El Caso hicieron por la construcción del periodismo de sucesos en España ha proseguido en otros géneros a partir del true crime moderno. Lo vemos ahora con la cantidad de libros, series, películas o podcasts que se publican en torno a historias criminales que en su momento no formaron parte de la ficción. No hay que irse tan lejos para recordar el éxito de series como El cuerpo en llamas, que relata el llamado ‘crimen de la Guardia Urbana’ o El caso Asunta, sobre la extraña desaparición y posterior asesinato de una niña en 2013. Series que recogen el legado de la crónica de sucesos y, con los medios y casos actuales, crean superproducciones que enganchan a la audiencia tanto como lo hacían las cabeceras del siglo pasado.

En España hemos dignificado poco nuestro 'true crime', la gente ahora ha descubierto que aquí también pasaban cosas y hay personajes apasionantes, no solo en Inglaterra y Estados Unidos

Servando Rocha — Escritor y editor de La Felguera

“En España hemos dignificado poco nuestro true crime, la gente ahora ha descubierto que aquí también pasaban cosas y hay personajes apasionantes, no solo en Inglaterra y Estados Unidos”, apunta Rocha. Un relato del crimen, no obstante, que parece haber experimentado grandes cambios que distan del relato que se hacía décadas atrás. “El periodismo que hacía Landi ya no se hace. Ella hacía otra cosa mucho más personal”, apuntan Velasco y Ventosa. 

La historia de una España compleja y oscura que consigue retratar una realidad de la que figuras como Landi formaron una parte imprescindible aunque no siempre recordada. Ella no solo rompió moldes en un mundo de hombres, también dejó como legado una fiel radiografía de la situación social en España durante décadas. Una auténtica periodista de raza que, hoy en día y después del 20 aniversario de su muerte, merece ser rescatada. “Es importante dar a conocer la España olvidada. Conociendo bien nuestra historia y poniendo a personajes como Landi de moda recordamos a personas que dejaron mucha impronta en el país”, concluyen Velasco y Ventosa.

Shakira ha vuelto a sacar música. La cantante colombiana ha lanzado durante la madrugada de este jueves en España Soltera, su último sencillo con influencias afrobeat que reivindica su estado sentimental y la amistad femenina. La canción celebra sin complejos la libertad para “hacer lo que quiera” en compañía de artistas femeninas como Anitta, Danna Paola, Winnie Harlow, Shannon o Lele Pons. 

Soltera ya está disponible en todas las plataformas digitales y tal y como ha anunciado Sony Music, su discográfica, “el vídeo será lanzado próximamente”. Durante esta semana Shakira ha promocionado en sus redes este lanzamiento con vídeos que reivindican la fiesta y diversión en compañía de otras artistas internacionales. “México, Colombia, Brasil, Jamaica y Venezuela presentes!”, escribió.

Este es el primer lanzamiento de la artista después de la publicación de su último disco Las mujeres ya no lloran, un canto al empoderamiento femenino tras su ruptura con el exfutbolista Gerard Piqué. Soltera sigue esta misma línea con palabras como “yo tengo derecho de portarme mal pa’ pasarla bien” o “estoy suelta y ahora puedo hacer lo que quiera”, en referencia a su actual situación sentimental.  

Shakira, además de hacer referencias a su vida personal, también ha citado uno de sus amigos y compañeros de profesión, Alejandro Sanz, con quien comparte el tema La Tortura. La artista canta “esta nena tiene fans y el corazón partio' como Sanz”, en alusión al famoso éxito del cantante español.

Esta nueva canción llega apenas unas semanas después de que la cantante fuese nominada a tres Latin Grammy. Shakira tiene confirmada varias fechas aún de su Las mujeres ya no lloran World Tour y pasará por 14 ciudades distintas de Estados Unidos como Miami, Washington y Los Ángeles. De momento se desconocen sus próximos conciertos, que probablemente lleven a la artista a otras partes del mundo.

El pasado martes la editorial cARTEm anunció en su perfil oficial de Instagram la portada de su nuevo libro Tolkien Legendarium: Héroes. El anuncio levantó de inmediato revuelo en redes sociales por un gran detalle en su elaboración. La portada y el resto de ilustraciones del libro están hechas a partir de inteligencia artificial, herramienta que atenta contra el trabajo de ilustradores y demás profesionales del sector. 

De inmediato y al ver la respuesta de los usuarios en redes, Pedro Iribarnegaray, uno de los propietarios de cARTEm, emitió un comunicado para dar a conocer sus explicaciones y su posición al respecto del uso de esta herramienta en el mundo editorial. Tal y como argumenta en esta carta “la IA generativa no roba”, puesto que sus ilustraciones no se parecen a ninguna ya existente, “no hay ninguna igual”. 

Afirma que la IA “crea basándose en los trillones de imágenes que ha visto” y lo hace “a una velocidad y amplitud que genera miedo”. “Y eso es lo que veo yo aquí: miedo. Algo muy humano que ya sintieron los entintadores y coloristas a finales de los 90, cuando el entintado digital empezó(...) Los que supieron adaptarse al cambio, aquí siguen, y trabajan con nosotros en nuestros cómics y libros”, argumenta Iribarnegaray en el comunicado. Una explicación que atribuye el empleo de la IA a una evolución natural de la tecnología y la sociedad a la que sería necesario “adaptarse”.

El inicio de este proyecto, tal y como expresa su editor, se debe a haber echado en falta una mayor profundidad en los personajes del mundo de Tolkien, que sí abordarían en este nuevo libro. De ahí que hayan decidido “usar todo lo que nos permite la tecnología actual, exprimida por gente que sabe muy bien lo que hace”, apunta. El uso íntegro de herramientas de inteligencia artificial se constata al ver que el responsable de los diseños e ilustraciones del libro es Carlos del Corral, que no es ilustrador, sino director y profesor de IA en una academia.

El comunicado publicado, en defensa de las críticas suscitadas a raíz del anuncio de su último libro, también incluye el posicionamiento que toma la editorial con respecto a estas herramientas. “La IA generativa ha venido para quedarse. Adaptaos, aprended, usadla y explotadla y dadle vuestro toque (...). Entiendo vuestro miedo y preocupación, y os deseo la mejor de las suertes, de corazón, pero la caja ya se ha abierto, y no se va a cerrar”, concluye el escrito.

Quejas desde el sector

Una vez publicadas las explicaciones de la editorial, el revuelo en redes se ha vuelto incluso mayor. Lectores, ilustradores y demás profesionales del sector se han posicionado claramente en contra de esta postura. De hecho, David Rubín, ilustrador que colaboraba con la editorial, ha explicado en redes su decisión de romper relaciones profesionales con ellos. “Acabo de cancelar una colaboración con la editorial cARTEm al leer la carta explicativa que han hecho pública en la que defienden, de un modo insultante y desinformado, el uso de la IA generativa”, explica.

El ilustrador ha compartido también el correo electrónico que ha enviado a la editorial y en el que explica los motivos de esta ruptura. “Cómo imaginaréis soy contrario al uso de la IA, algo que considero firmemente que atenta contra mi profesión y que empobrece la oferta editorial”, dice Rubín. “Considero inadmisible que vosotros apostéis por producir y editar un libro enteramente ilustrado mediante IA generativa, y considero un verdadero insulto hacia toda mi profesión el comunicado publicado (...). Mi ética no me permite colaborar con una empresa, cARTEm, que contribuye a empeorar aún más la situación por la que actualmente está pasando mi profesión”, concluye Rubín.  

Una ruptura contractual que se ha sumado a las decenas de críticas y reivindicaciones que están circulando en redes sociales en torno a una decisión y unas palabras que ponen en peligro la profesión de miles de ilustradores en España.

La Academia Latina de la Grabación ya ha anunciado los artistas nominados para la 25ª edición de los Grammy Latinos 2024 y hay dos claros favoritos. Karol G y Bad Bunny lideran la lista con ocho nominaciones cada uno gracias a los éxitos que han cosechado a lo largo del último año.

La artista colombiana, que brillaba hace unos días en los premios MTV VMA y hacía bailar Si antes te hubiera conocido a la propia Taylor Swift, ha sido nominada en categorías como Mejor Grabación del Año, Mejor Canción del Año o Mejor Álbum de Música Urbana. Nominaciones que han llegado de la mano de auténticos éxitos como Mi ex tenía razón y el resto que completan su disco Mañana será bonito. 

Bad Bunny no se queda atrás en la carrera por brillar en la gala de los Grammy Latinos de este 14 de noviembre. El cantante puertorriqueño comparte categorías con Karol G en Mejor Grabación del Año, con Monaco, pero también destaca en otras como Mejor Interpretación Reggeatón o Mejor Canción de Rap/Hip Hop, con dos nominaciones en cada una.

Entre estos dos artistas internacionales que llenan estadios con sus temas e interpretaciones se ha colado un productor y compositor que viene siendo también uno de los grandes favoritos en estas entregas de premios. Se trata de Edgar Barrera, un joven de 34 años que llega incluso a superar a Karol G y Bad Bunny con nueve nominaciones, incluyendo Compositor del Año y Productor del Año. El compositor se ha vuelto a colar por segundo año consecutivo como el más nominado de los Grammy Latinos, este año gracias a temas como Mi ex tenía razón, de Karol G. 

En la lista de nominados también figuran algunos nombres españoles como C Tangana y su video musical Oliveira dos cen anos, David Bisbal junto a Carlos Rivera en Ahora, la cantautora Valeria Castro con La ceniza o Íñigo Quintero nominado como Mejor nuevo artista.

Entre las novedades de esta 25ª edición, que tendrá lugar el 14 de noviembre en Miami, se han introducido nuevas categorías para dar paso a géneros como Mejor Interpretación de Música Electrónica Latina y Mejor Álbum de Música Mexicana Contemporánea.

Lista completa de nominados

Grabación del año

Álbum del año

Canción del año

Mejor artista revelación

Mejor álbum pop vocal

Mejor álbum vocal de pop tradicional

Mejor canción pop

Mejor interpretación de música electrónica latina

Mejor interpretación urbana/fusión

Mejor actuación de reguetón

Mejor álbum de música urbana

Mejor canción de rap/hip hop

Mejor canción urbana

Mejor álbum de rock

Mejor canción de rock

Mejor álbum de pop/rock

Mejor canción pop/rock

Mejor álbum de música alternativa

Mejor canción alternativa

Mejor álbum de salsa

Mejor álbum de cumbia/vallenato

Mejor álbum de merengue/bachata

Mejor álbum tropical tradicional

Mejor álbum tropical contemporáneo

Mejor canción tropical

Mejor álbum de cantautor

Mejor canción de cantautor

Mejor álbum ranchero/mariachi

Mejor álbum de banda

Mejor álbum de tejano

Mejor álbum de norteño

Mejor álbum de música mexicana contemporánea

Mejor canción regional

Mejor álbum instrumental

Mejor álbum de folk

Mejor álbum de tango

Mejor álbum de flamenco

Mejor álbum de jazz/jazz latino

Mejor álbum cristiano (en español)

Mejor álbum cristiano en portugués

Mejor álbum de pop contemporáneo en portugués

Mejor álbum de rock o alternativo en portugués

Mejor actuación urbana en portugués

Mejor álbum de samba/pagode

Mejor álbum de música sertaneja

Mejor álbum de raíces en portugués

Mejor canción en portugués

Mejor álbum infantil latino

Mejor álbum de música clásica

Mejor composición clásica contemporánea

Mejor arreglo

Mejor paquete de grabación

Compositor del año

Álbum con mejor ingeniería

Productor del año

Mejor vídeo musical corto

Mejor vídeo musical de larga duración

Coldplay vuelve a los escenarios europeos. La banda británica ha anunciado este martes las ocho fechas que tienen preparadas para Europa durante el verano de 2025 y ninguna de ellas será en el continente. Apenas ocho conciertos que solo dejarán ver a la banda en el Reino Unido: la capital, Londres y la pequeña ciudad de Hull.

“Estas serán las únicas ciudades europeas y del Reino Unido en las que la banda actuará durante el próximo año”. Así anunciaban desde el grupo encabezado por Chris Martin los próximos shows que se desarrollarán en agosto en el Craven Park Stadium de Hull y el Wembley Stadium londinense. Dos fechas en Hull (18 y 19 de agosto) y seis en Londres (22, 23, 26, 27, 30 y 31) que han sido anunciadas apenas unas semanas antes del lanzamiento de su próximo disco Moon Music, que verá la luz el próximo 4 de octubre. 

La fecha fijada para el inicio de la venta general es el viernes 27 de septiembre a las 10:00 hora española, aunque tal y como han anunciado, hay entradas exclusivas para aquellos fans que reserven su próximo disco a través de la web oficial de la banda. 

El anuncio de la continuación europea de esta supergira Music of the Spheres no ha pasado desapercibido. La noticia más sorprendente y excéntrica ha sido las dos fechas que la banda ha destinado a Hull, una pequeña ciudad inglesa de renta baja y clase trabajadora, que no esperaba ver en su estadio con capacidad para 25.000 personas a una banda de tal magnitud. Según el medio británico The Telegraph, el grupo habría querido tocar en algún lugar más pequeño de lo habitual localizado por el norte de Inglaterra. A esto, según el citado medio, se sumaría la insistencia de la dirección del Craven Park Stadium, que finalmente ha conseguido que Coldplay pase dos noches por su recinto.

Para entender la magnitud de este acontecimiento, toda la población de Hull podría caber en los seis conciertos que la banda ha fechado en Wembley hasta en dos ocasiones. Un acontecimiento histórico que ha pillado por sorpresa a los habitantes de esta ciudad, que ha sido definida por The Telegraph como “la ciudad que acaba de dar el golpe de Estado del año en el rock and roll”.

Coldplay, además, ha puesto en marcha mecanismos con los vendedores de entradas para garantizar que la mitad de las entradas de las dos fechas de Hull se entreguen a fans que tengan códigos postales en la zona, asegurando que los habitantes de la zona no se pierdan este acontecimiento histórico en su ciudad natal.

Para los shows de esta gira, la banda ha indicado que el 10% de las ganancias irán dirigidas a Music Venue Trust, una organización benéfica que vela por la protección de los lugares musicales con base en Reino Unido. Asimismo, los conciertos que se celebren en el Wembley Stadium serán producidos y alimentados a partir de energía solar, eólica y cinética en su totalidad. 

De momento, Coldplay no ha finalizado su gira de 2024. La banda aún tiene 11 fechas fijadas hasta el final del año, todas ellas en Australia y Nueva Zelanda. Melbourne, Sídney o Auckland serán las ciudades por las que la banda de éxitos como Viva la vida, Fix You o Clocks pasará en lo que queda de año. 

El anuncio de su gira europea para 2025 que llega meses después de sus recientes y exitosos lanzamientos feelslikeimfallinginlove y We Pray y apenas unos días antes del esperado nuevo álbum que se sumará a la extensa discografía de la banda británica. 

“El pensamiento sale a la calle” es la razón de ser del nuevo festival cultural que va a tomar las calles, plazas y centros del espacio público madrileño entre el 18 y el 21 de septiembre. Bajo el nombre del Festival de las Ideas, y organizado por el Círculo de Bellas Artes y La Fábrica, este proyecto pretende acercar a la ciudadanía todas las formas de pensamiento de manera abierta y participativa.

La primera edición de este festival, del que elDiario.es es medio colaborador, gira en torno a la catarsis, que lanzará durante estos cuatro días del evento preguntas sobre las formas, causas y remedios de los malestares contemporáneos. Una edición comisariada por el filósofo español Javier Moscoso y coordinada por Marcela Vélez que surge con un punto de partida claro: poner las ideas en boca de todos, llenando los espacios públicos y culturales de la ciudad.

La entrada al festival es libre y gratuita hasta completar aforo y recoge actividades como conversaciones, mesas redondas, speakers' corners o paseos filosóficos que aproximan disciplinas como la música, el teatro, el arte o la filosofía a buena parte del centro de la ciudad.

La céntrica Plaza de España será el corazón del festival a través de una especie de foro. Un espacio que contará con un gran escenario a pie de calle para más de 600 personas y donde tendrán lugar las grandes conversaciones, los conciertos y los espectáculos escénicos. Plaza que también será tomada por una Feria del Libro con casetas dedicadas a diferentes temáticas relacionadas con la catarsis, el tema de esta primera edición.

El Círculo de Bellas Artes será la segunda sede del festival, lugar que acogerá los actos con vocación más pausada y reflexiva; mesas redondas, teatro o conversaciones con figuras especializadas. Además de estas dos sedes, el Festival de las Ideas se extiende en forma de pequeños escenarios y eventos por algunos de los puntos neurálgicos de la cultura, como la Fundación Ortega-Marañón, el Museo Reina Sofía o el Ateneo de Madrid.

Una catarsis colectiva

La socióloga y escritora Eva Illouz es la encargada de inaugurar el Festival este miércoles 18 en la Plaza de España, una de las grandes figuras internacionales del pensamiento que buscará en esta primera conversación una catarsis colectiva. La conversación de Illouz se preguntará sobre si la sociedad es demasiado quejumbrosa o si hay motivos reales para el desaliento. Este mismo primer día, se suman otros grandes nombres como Wendy Brown, socióloga y politóloga conocida por su análisis crítico del neoliberalismo y la democracia.

La filósofa Marina Garcés, que conversará con el director de elDiario.es Ignacio Escolar en el evento Promesas incumplidas, José María Lasalle, César Rendueles o las artistas María Peláe y Marlena son algunos de los nombres que tomarán la palabra en el segundo día de festival. Día de conciertos, conversaciones, pero también de La noche del pensamiento franco-alemán, un evento especial que contará con la reflexión de filósofos extranjeros como Markus Gabriel, Élisabeth Roudinesco o Laurent Daudet. 

Para el tercer día, otra de las grandes conversaciones que resalta es Felicidades infelices, el evento a cargo del filósofo y sociólogo francés Gilles Lipovetsky que estará influenciado por su estudio sobre el capitalismo y el impacto en la autenticidad y autonomía de los individuos. Por su parte, Peter Sloterdijk, autor de Crítica de la razón cínica (1983), conversará sobre esta época de tiempos grises y si esa grisura es o no resultado de una alucinación colectiva.

La periodista Soledad Gallego-Díaz, la escritora Remedios Zafra o el escritor y filósofo Javier Gomá también pasarán por los escenarios del Festival de las Ideas durante el viernes 20 para abordar diferentes temáticas. No todo es conversación y debate, pues la música y el teatro no se quedan fuera del programa. Alberto Conejero, Tomás Cabané o Marc Caellas utilizarán el arte arte escénico para servir de vehículo al pensamiento, la reflexión y, sobre todo, la catarsis. El Naán, Sés y Ursaria pondrán el punto final a la programación de todos los días de festival a partir de originales propuestas musicales.

Para el último día del festival, resuena el nombre de uno de los pensadores actuales más reconocidos, Michael Sandel, que es el encargado de la clausura y que hablará del descontento democrático en solitario, y de las culturas del bienestar junto a Adam Sandel. No podemos olvidar, más allá de las conversaciones, mesas redondas o conciertos, dos de los grandes protagonistas del Festival: los paseos filosóficos o los speakers’ corners, donde todo el que lo desee podrá tomar la palabra e intervenir. 

La calle como foco de reflexión

En los paseos filosóficos un pensador acompañará a un grupo reducido de personas en una reflexión sobre un concepto o una idea filosófica. Unas actividades que, de forma gratuita, pero bajo previa inscripción, se desarrollan por diferentes puntos de la ciudad como el Museo Reina Sofía, el Museo de América, la Plaza de Oriente o el Parque del Oeste. También habrá dos ‘Un café con…’, en los que Marina Garcés (jueves 19) y Remedios Zafra (viernes 20) compartirán un café con un grupo reducido de personas y charlarán sobre catarsis y filosofía. 

Los speakers’ corners, por su parte, son una de las actividades más representativas de la esencia del festival. Instalaciones efímeras distribuidas a lo largo de diferentes enclaves de la ciudad en las que todo el que lo desee podrá expresar sus ideas, reflexiones e inquietudes. Cada uno de estos puntos cuenta con una temática distinta, entre las que destacan el desamor, las conexiones, el mundo del arte o la inteligencia artificial. 

Un festival que, de la mano de los malestares contemporáneos y la catarsis como eje central, pretende lanzar una apuesta cultural para dar respuesta a problemas actuales y despertar el sentido crítico de la población madrileña.

Mariona Borrull, periodista y especialista en cine, ha decidido renunciar a su plaza como jurado de la 57ª edición del Festival de Cine de Sitges por la “total ausencia de cineastas mujeres y no binarias en la selección”. Así lo daba a conocer este lunes a través de una publicación en su perfil oficial de X, en la que explicaba que no podía excusar esta falta de representación y tampoco participar en ella.

Borrull, que iba a formar parte del jurado de la Sección Brigadoon, ha desestimado participar en esta edición porque “la paridad se consigue solo a la práctica, incluyendo personas no binarias en nuestros line-ups”. Unas palabras que se han sumado al ánimo y aliento hacia la organización del festival para que implementen medidas “que hagan efectivos los deseos de igualdad que divulgan”. 

“Me duele y me preocupa renunciar a este jurado, y también sé que los cambios no llegarán a corto plazo, pero nunca me consideraría feminista si con mi silencio fuera cómplice de un programa injusto”, ha concluido Borrull. 

Ante sus palabras, el Festival de Sitges también se ha pronunciado con un comunicado que lamenta esta decisión y aclara los motivos que han propiciado este abandono. En primer lugar, el certamen argumenta que, al seguir las directrices de la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos (FIAPF), no solicitan información personal sobre la identidad sexual de los realizadores, por lo que no pueden confirmar ni desmentir la participación de cineastas no binarios. 

En el citado texto destacan, además, la existencia de talento femenino “en otros créditos de gran importancia”. Ejemplo de ello son Johanna Horn, productora de The Harvest, Cristina Medina, guionista de Céntrico o Sonia Flórez, montadora de Voyager. En el caso concreto del selección de Brigadoon, la Sección a la que Mariona Borrull ha renunciado participar, hay “excelentes trabajos dirigidos por mujeres”, entre las que destacan obras de Sarah Appleton y Phillip Scott, Lisa D’Apolito o Lg White. 

Otro de los argumentos que desde la organización lanzan como réplica a Borrull son los tres tributos a las actrices Rossy Mendoza, Tisa Farrow y Teresa Gimpera, que fallecieron recientemente. Asimismo, responden en que no solo divulgan, sino que han desplegado “en los últimos años un gran programa con acciones concretas como las residencias para futuras cineastas femeninas”, así como su proyecto WomanInFan para la visibilización de la mujer.  

“Por último, recalcar que el Festival de Sitges siempre ha creído en el talento, sin recurrir a cuotas de ninguna clase. La calidad y la idoneidad de las producciones, según cada sección, son los criterios más importantes y relevantes a considerar”, concluye el comunicado del Festival. 

Una renuncia que llega en la 57ª edición de uno de los festivales cinematográficos con mayor prestigio y reconocimiento en Europa, que este año tendrá lugar entre el 3 y el 13 de octubre y que afecta directamente a la Sección Brigadoon, la fracción del festival que valora largometrajes, documentales y cortometrajes de producción independiente y dentro de las temáticas de terror y fantástica. 

El grupo mexicano Maná ha anunciado la decisión de retirar de todas las plataformas digitales su canción De pies a la cabeza con Nicky Jam, después de que el puertorriqueño mostrase su apoyo en un mitin al candidato republicano Donald Trump. 

Este anuncio ha sido comunicado a través del perfil oficial de Instagram de la banda bajo el texto “Maná no trabaja con racistas”. Una decisión motivada por la presencia del cantante en un acto en apoyo a Donald Trump que tuvo lugar en Las Vegas durante el pasado sábado. Nicky Jam, además de subir al escenario y lucir una gorra roja con el lema Make America Great Again, también aseguró que Estados Unidos necesita que vuelva Trump a la presidencia. 

“Es un honor conocerlo, señor Presidente. La gente de donde yo vengo no suele conocer al presidente, así que me siento afortunado. Necesitamos que regrese al poder”, apuntó Nicky Jam en el acto en apoyo a Trump. Estas palabras levantaron de inmediato mucho revuelo en redes sociales, generando una gran polémica que ha culminado con la reciente decisión de la banda mexicana.  

En el comunicado que ha dado lugar al anuncio de esta decisión, la banda explica que “durante los últimos 30 años Maná ha apoyado y defendido los derechos de los latinos en el mundo”. “No existe negocio o promoción que valga más que la dignidad de nuestra gente. Por eso, hoy Maná decidió bajar su colaboración con Nicky Jam De pies a la cabeza de todas las plataformas digitales”, concluye el grupo.

La canción, que fue lanzada en 2016 en colaboración con el reguetonero y que sumaba millones de reproducciones en Spotify ya no forma parte de ninguna plataforma digital como respuesta a los pronunciamientos políticos del puertorriqueño, que de momento no ha dicho nada al respecto.

No obstante, Nicky Jam no habría sido el único en la industria que se ha posicionado a favor de Trump. Hace unas semanas, el también reguetonero Anuel AA subía a sus redes una foto en apoyo al candidato estadounidense bajo el texto “Voten por Trump”. Unas declaraciones que también causaron revuelo en redes después de que el cantante pasase el día entero en la casa del expresidente estadounidense.