Que un delincuente acabe colaborando con la policía no es nada raro. Pero quizás no lo es tanto pasar de ser un bandido con varias condenas acumuladas, a convertirse en el impulsor del primer cuerpo de policía científica y pionero de la criminalística. Eso es lo que hizo Eugène-François VIdocq, personaje singular que vivió en los tiempos de la Revolución Francesa y cuya trayectoria es digna de película.

De hecho, existen varias adaptaciones al cine de la biografía de Vidocq, así como novelas inspiradas en sus hazañas como detective. Se dice que Victor Hugo tomo prestados detalles de Vidocq para definir los personajes de Jean Valjean y el inspector Javert en su famosa novela Los miserables. Otros autores como Edgar Allan Poe o Dickens también se inspiraron en este personaje realmente fascinante.

Una vida errante de delitos y fugas

Existe una biografía escrita por un autor desconocido que nos aporta algunos datos biográficos sobre Vidocq. Nacido en Arrás en 1775, su carrera delictiva empezó a los 14 años cuando robó dinero del negocio de sus padres. Dinero que perdió pronto, por lo que tuvo que alistarse al Regimiento borbónico. En el ejército tuvo bastantes reyertas que culminaron con una condena a muerte, de la que consiguió librarse mediante métodos poco convencionales. Su carácter poco disciplinado lo llevó a desertar y llevar una vida errante, con constantes conflictos de falsas, encarcelamientos continuos y fugas espectaculares.

En este tiempo desarrolló una gran habilidad para los disfraces, lo que le facilitó su conversión en infiltrado y espía para los cuerpos policiales. Y en 1809, cansado de las continuas huidas y enfrentamientos con la ley, tomó una decisión que cambió su historia y la del crimen y se ofreció a colaborar con la policía de París. Para aquel entonces, Vidocq disponía de grandes conocimientos sobre el mundo del hampa, por lo que ofreció sus servicios como confidente e investigador a cambio de un indulto.

Nace la Brigada de Seguridad

En 1812 dio un pasó más al fundar la llamada Brigada de Seguridad, un cuerpo integrado por una treintena de antiguos convictos como el mismo. Como primer director de esta agencia, se le considera un pionero de la criminología y la investigación policial moderna.  Vidocq siguió desarrollando estas labores a partir de 1833 en la que sería la primera agencia de detectives privados de la historia.

No se puede negar que la experiencia obtenida en sus años en el hampa sirvió para mejorar las técnicas de investigación policial. Entre otras cosas, Vidocq introdujo un sistema de fichas para registrar datos, además de anticipar la criminalística y la ciencia de la balística en el trabajo policial. También fue el primero en hacer moldes de yeso de las impresiones de pies y zapatos, además de destacar por sus técnicas de camuflaje y vigilancia. Gracias a estas técnicas consiguió detener a cerca de 4000 delincuentes.

Tras dimitir de la Brigada, Vidocq publicó unas memorias que obtuvieron un gran éxito y lo convirtieron en un auténtico mito, cosa que explica porque tantos autores del siglo XIX lo tomaron como referente para sus obras.

La Ruta de la Seda, que conectó la China con Europa y África a través de diferentes caminos, se considera la primera gran red comercial de la historia. Por ella circularon comerciantes que trajeron la seda, además de té, especias, porcelana, pólvora y papel. Pero a través de estas rutas llegaron también nuevas religiones, ideas y conocimientos, entre ellos técnicas culinarias que acabaron por definir la gastronomía de todo el territorio de Asia Central.

Así fue como el arroz, se expandió desde el sur de Asia hacia el lejano oriente y se convirtió en uno de los ingredientes principales de las cocinas de la mayoría de los países de la región. El arroz es la base de un plato que, desde hace siglos, se puede encontrar con todas sus variantes en los diferentes países que traviesan la Ruta de la Seda: el plov.

El plov, de Persia a Asia Central

El plov, también conocido como pilaf, es un guiso de arroz con carne, verduras y especias que se prepara en un recipiente específico. Su origen se remonta a la antigua Persia e India, e incluso se pueden rastrear algunos textos históricos del Imperio aqueménida (550-330 a. C.) que ya mencionan platos de arroz parecidos servidos en banquetes reales.

Las Rutas de la Seda fueron el canal de transmisión de esta tradición gastronómica, y se cree que tanto Marco Polo como Tamerlano contribuyeron también a su popularización.

El plato nacional de Uzbekistán

Actualmente este plato se consume por igual en muchos de los países de Asia central como Kirguistán, Kazajistán, Turkmenistán, así como en Rusia. Pero es en Uzbekistán donde es especialmente conocido y se considera su plato nacional.  

De hecho, Desde 2016, el plov uzbeko está reconocido como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. Se considera un elemento fundamental de hospitalidad y cohesión social, y es un plato indispensable en bodas y fiestas.

En otras zonas de Asia puede conocerse bajo otros nombres que se refieren, en realidad, al mismo tipo de receta con arroz. Así, en Tayikistán se conoce como oshi palav y en la región china de Xinjiang lo llaman polo o pulo. Su esencia, sin embargo, es la misma.

La receta del plov

La base del plov es el arroz, pero tampoco falta en la receta la carne, habitualmente cordero o ternera, así como las zanahorias y otras verduras. Una cosa muy particular de la receta es que se cocina en un caldero de hierro específico conocido con el nombre de Kazán.

Un buen plov requiere una larga preparación y horas de cocción. Se empieza dorando la carne y cocinando las cebollas y las zanahorias, y a continuación, la mezcla de carne y verduras se sazona con especias como comino, cilantro y pimienta y se cuece a fuego lento. Al cabo de un tiempo se añade el arroz, previamente remojado, se tapa y se deja cocer al vapor. Una de las claves del éxito del plato es dejarlo reposar entre 15 y 20 minutos antes de servirlo.

En Uzbekistán es típico celebrar encuentros comunitarios para prepara el plov como un evento social. Por eso es un plato que no falta nunca en bodas, fiestas religiosas y otro tipo de celebraciones.

Ahora que los Javis y su película La bola negra se han situado en la carrera hacia los Óscar, es un buen momento para recordar cuál fue la primera película que trajo la dorada estatuilla de Hollywood a España. Y que, de paso, convirtió Gijón en un plató cinematográfico que todavía hoy se puede recorrer. La ciudad asturiana, sede de un importante festival de cine, fue escenario del rodaje de Volver a empezar, el drama nostálgico con el que, efectivamente, José Luis Garci consiguió, en 1983, el primer Oscar para el cine español.

Volver a empezar relata la historia de un famoso escritor que regresa a su ciudad natal, que es precisamente Gijón. Y es a través de este personaje que recorremos diferentes lugares emblemáticos de la ciudad, desde el puerto viejo, el Club de Regatas, el muro de San Lorenzo o el teatro Jovellanos.

Una ciudad protagonista

En la película de Garci, Antonio Ferrandis da vida a Antonio Albajara, un profesor de Literatura en Berkeley que decide regresar a Gijón tras recibir el Premio Nobel de Literatura y repasar los recuerdos de una ciudad que dejó atrás muchos años antes. Un argumento que le sirvió a Garci para hablar, aunque fuese entre líneas, de aquellos que tuvieron que huir durante el franquismo y pudieron por fin regresar con la Democracia.

En la película, Antonio se reencuentra con Elena (Encarna Paso), su amor de juventud, y junto a ella recorre varios lugares de la ciudad. Su deambular por la ciudad convierte Gijón en protagonista y la película funciona también como un pequeño reportaje turístico, ya que nos muestra lugares emblemáticos como el Teatro de Jovellanos, el Club Astur de Regatas o los viejos cines Robledo. Antonio y Elena incluso asisten a un partido del Real Sporting de Gijón en el estadio de El Molinón.

Entre los lugares que más aparecen destaca, sin duda, la Playa de San Lorenzo y su muro, el paseo marítimo. Asimismo, en la película, Antonio se hospeda en el Hotel Asturias, que todavía existe hoy en día y donde puede verse una placa que recuerda que allí se rodaron escenas de la película ganadora del Oscar.

Más allá de Gijón

El reencuentro de Antonio con Elena les lleva más allá de Gijón, a recorrer algunos lugares cercanos que no pueden faltar en ninguna ruta turística por Asturias. Así, en la película aparecen imágenes de postal del ojo de Deva, donde nace el río Peñafrancia, y también aparecen varios enclaves de la costa asturiana como Cudillero, Cangas de Onís, Muros de Nalón y el Cabo Peñas, así como del Santuario de Covadonga.

La proyección internacional obtenida por esta película gracias a los Oscar sirvió, pues, para dar a conocer al mundo unas localizaciones poco habituales en la gran pantalla. Asimismo, abrió el camino para otros cineastas españoles que triunfaron en Hollywood, como Fernando Trueba o Pedro Almodóvar. Quién sabe si La bola negra ampliará también esta lista.

Personajes que parecen estar vivos, telas y joyas representadas con gran nivel de detalle e interiores realistas que nos siguen fascinando cuatro siglos más tarde. Las obras del artista Vermeer de Delft nos sorprenden por su capacidad de reflejar la realidad y plasmar la luz. No en vano está considerado uno de los grandes pintores del barroco holandés y su obra sigue inspirando tanto a investigadores como a escritores de ficción todo tipo de historias y especulaciones.

Entre ellas, las que se preguntan si detrás de este enorme talento del pintor de Delft puede existir algún tipo de truco. Desde hace bastante tiempo que se especula que quizás pudo llegar a usar algún mecanismo óptico como la cámara oscura. A pesar de que esta teoría tiene sus adeptos, existen tantos detalles que lo confirman como que lo desmienten. ¿Qué hay de cierto en todo ello?

¿Usó Vermeer efectos ópticos?

Entre los primeros que señalaron la posibilidad que el realismo de Vermeer tuviese “truco” está el artista e ilustrador estadounidense Joseph Pennell, que en 1891 ya se refirió a que esas cualidades fotográficas de sus pinturas tenían una base técnica.

Los aspectos que demostrarían esta hipótesis son visibles a simple vista. Si nos fijamos en sus cuadros, podemos ver que en muchos de ellos se detectan desenfoques y pequeñas manchas o “reflejos de luz” desenfocados, como los que aparecen en el pan y la jarra del cuadro titulado La lechera.

También la precisión en la recreación de los espacios, con unas perspectivas y relaciones de profundidad extremadamente realistas, hacen sospechar que pudo basarse en las imágenes reflejadas por la cámara para definir las escenas de sus obras.

Finalmente, también se puede ver en los bordes de las figuras, en los que se observa un enfoque suave y bordes difuminados combinados con altos contrastes, como en La joven del sombrero rojo.

Estos fenómenos estarían reproduciendo efectos de lente propios de un mecanismo como el de la cámara oscura, un instrumento que consiste en una caja o habitación cerrada con un agujerito en el que entra un haz de luz que proyecta una imagen invertida de la realidad.

Limitaciones técnicas

Los que no ven tan claro que Vermeer se apoyara en la cámara oscura para pintar sus cuadros, argumentan que no existe ninguna información documental en inventarios, cartas u otros testimonios de la época que confirmen que Vermeer dispusiera de una cámara oscura.

Además, las dificultades técnicas con las que se habría encontrado en caso de usar este instrumento tampoco habrían facilitado el nivel de detalle de sus pinturas. Las proyecciones, suponiendo que se realizaran, serían oscuras y poco nítidas, cosa que habría dificultado captar tanto detalle o pintar con colores tan vivos.

Por otro lado, hay quien cree que atribuir a Vermeer el uso de la cámara oscura reduce su mérito artístico, ya que se estaría insinuando que todo su valor se basa en la mera copia y no es su talento para la composición, el color y el uso de la luz en sus escenas. En este sentido, en algunos de sus cuadros se han detectado unos pequeños agujeros que indican que quizás uso el método del clavo y la cuerda para trazar las líneas de perspectiva hacia el punto de fuga.

La posición más aceptada es la que considera que Vermeer pudo combinar la observación óptica de la cámara oscura para fijarse en detalles más concretos, con herramientas tradicionales de trazado geométrico. Sea como sea, el genio artístico y la destreza técnica de la que hace gala Vermeer en sus obras nos siguen maravillando hoy en día.

La influencia en la historia del arte de Michelangelo Merisi, más conocido como Caravaggio, está más que demostrada. Con su uso de la luz y el realismo de sus obras, influyó de forma definitiva en el Barroco y, tras él, surgió toda una generación de artistas que siguieron y consolidaron su estilo. Entre ellos se incluye Francesco Boneri, cuya vinculación con Caravaggio va más allá de ser un simple seguidor. Conocido como Cecco del Caravaggio, fue amigo, modelo y alumno de Caravaggio, y según los especialistas, también fue su amante.

Antes de iniciar su propia trayectoria como artista, Cecco (diminutivo de Francesco) mantuvo una estrecha relación con el Merisi. Una relación que queda en evidencia en muchas de las obras que pintó Caravaggio, en las que Boneri aparece como modelo principal. Entre estas, destaca por encima de todas el famoso Amor Vincit Omnia (El amor todo lo vence), en el que vemos a un joven desnudo y sonriente con grandes alas de ángel que posa de forma pícara y desinhibida mirando directamente al espectador.

Modelo de Caravaggio

De Francesco Boneri se desconocen muchos datos, como, por ejemplo, donde nació y cuando murió. Pero podemos reconocerlo en muchas de las obras de Caravaggio pintadas en su etapa romana. Además del famoso cuadro del Amor, lo vemos gritando en el Martirio de San Marcos, como ángel en La conversión de San Pablo, como el hijo en El sacrificio de Isaac o como David con la cabeza de Goliat, por mencionar algunos. Hoy está aceptado que Boneri fue, además de modelo, sirviente y amante del pintor, algo que quedaría demostrado incluso con su apodo, Cecco del Caravaggio.

En este sentido, existe una crónica de la época firmada por el viajero Richard Symonds, que asegura que el joven que aparece de Cupido en el cuadro de Caravaggio “era el cuerpo y el rostro de su propio chico o sirviente”. En su texto, Symonds concluye su nota con la expresión “that laid with him” solo traducible por “que se acostaba con él”.

Un cuadro enigmático y transgresor

Además de sirviente y modelo, Boneri se desarrolló como pintor. Como caravaggista, los expertos señalan su calidad como artista, a pesar de las dificultadesde conocer su obra puesto que sus cuadros no están firmados. Aún así, se le han atribuido varias obras como la Expulsión de los mercaderes del templo, Muchacho con instrumentos musicales o su obra más famosa y enigmática, Cupido en la fuente.

En este cuadro no cuesta ver la influencia de Caravaggio, tanto en el estilo como en el tema. En el lienzo vemos una figura masculina con alas oscuras (que remite al joven Cupido antes mencionado) que se inclina a beber agua en una fuente. Lo que más llama la atención es la forma del surtidor, marcadamente fálico, y que veamos al hombre arrodillado y en una posición que sugiere una felación. Por esto, son muchos los críticos e historiadores del arte, entre ellos el máximo especialista en Cecco, Gianni Papi, que han interpretado el cuadro como un diálogo autorreferencial con una carga homoerótica explícita, algo inédito en la época.

Para Papi, este cuadro funciona como un espejo biográfico y una autoafirmación de identidad que hay que contextualizar en la relación íntima que mantuvieron los dos hombres.

Peter Robb, en su libro M. El enigma de Caravaggio, desarrolla esta cuestión. Otros especialistas han profundizado también en la relación entre Cecco y Caravaggio para interpretar Cupido en la fuente como un homenaje directo de Francesco Boneri a quien fue su amante y mentor, que había muerto poco antes, en 1610, cuando solo tenía 39 años.

Incluso el famoso crítico italiano Roberto Longhi, gran especialista y redescubridor de la escuela caravaggista en el siglo XX, se fijó en esta tela singular para definirlo como un “auténtico cañonazo” por su potencia visual y su crudeza realista. Longhi también señaló sus “enigmas figurativos”, que hoy se interpretan como una de las primeras obras de la historia que muestran abiertamente una manifestación homoerótica.

Se elaboró en Inglaterra, pero no se ha vuelto a ver por allí en casi mil años. Eso explica las grandes expectativas que ha generado la exposición, en el Museo Británico de Londres, del conocido como Tapiz de Bayeux, una espectacular pieza de artesanía textil de casi 70 metros que este año, por fin, ha salido de la Normandía para mostrarse a los ingleses por primera vez desde su creación. Tan importante es la llegada del tapiz a Londres que el mismísimo Rey Carlos de Inglaterra acudió, junto al presidente francés Emmanuel Macron, a visitar la exposición antes de que abra sus puertas al público.

Las nuevas tecnologías han hecho posible, en 2026, el hito de mover esta frágil pieza que fue confeccionada sobre el año 1070 y que ha llegado a nuestros días en un estado de conservación excepcional, a pesar de la fragilidad de sus materiales y de haber sobrevivido a incendios, guerras e incluso el intento de saqueo por parte de los nazis.

Un falso tapiz

El viaje del Tapiz de Bayeux a Londres ha renovado el interés por conocer su origen e historia y, de paso, para desmentir algunos mitos y corregir algunos errores que se han ido perpetuando a lo largo de los siglos. Entre ellos, el primero y más curioso está en el mismo nombre de la obra. Y es que resulta que no se trata de un tapiz, por más que se conozca como tal y se presente también así en la exposición de Londres.

El Tapiz de Bayeux es, en realidad, un bordado sobre lino, realizado sobre nueve paneles de tela de lino unidas posteriormente para darle continuidad al relato que explica. Esta auténtica filigrana de artesanía textil explica la historia de la conquista de Inglaterra por parte de Normandía en 1066, que culminó en la célebre Batalla de Hastings. En esta batalla murió Harold Godwinson, el último rey sajón de Inglaterra. Poco después, sería coronado Guillermo el Conquistador.

La historia del tapiz

Considerado hoy como uno de los mayores tesoros medievales conservados en Europa, el Tapiz de Bayeux fue bordado por mujeres, seguramente monjas, en talleres ingleses de la ciudad de Canterbury y por encargo del obispo Odo de Bayeux. Se sabe que se hizo allí por detalles como, por ejemplo, que los textos en latín incluyen algún anglicismo y otros errores propios de los angloparlantes. Además, tanto la técnica de bordado como el estilo de las figuras sigue el modelo de los manuscritos iluminados en el famoso scriptorium de Cantebury.

Una “novela gráfica” histórica

Para los ingleses, el Tapiz de Bayeux es la principal fuente de información sobre los hechos que tuvieron lugar en 1066, puesto que se trata de una representación visual casi inmediata de unos hechos que quedaron plasmados aquí como si se tratase de una primitiva novela gráfica. El tapiz consta de 9 paneles con 58 escenas bordadas en las que se pueden contar hasta 626 figuras humanas, 202 caballos y mulas, 41 embarcaciones y otros detalles de diferente índole, incluidas algunas referencias obscenas.

Sin embargo, la versión de los hechos que ofrece no está libre de controversia, puesto que hay muchos errores y manipulaciones, en un claro ejemplo de cómo la historia la escriben los vencedores.

Mitos y errores

Hoy nos referimos a este enorme bordado como tapiz por un error histórico en la traducción de su nombre. La pieza, oculta durante siglos en la catedral de Bayeux, se incluyó en un inventario de 1476. En 1729, eruditos de la época lo volvieron a sacar a la luz. Fue en ese momento en que confundieron la técnica del bordado, que se realiza a mano, con la del tapiz, que se hace con un telar.

Pero más allá del nombre, el Tapiz de Bayeux incluye otras falsedades y inexactitudes históricas. Entre las más conocidas, la causa de la muerte del rey Harold, que se muestra en el tapiz con una flecha en el ojo. Sin embargo, las costuras originales y los dibujos antiguos demuestran que la figura sostenía una lanza que solo estaba marcada. Se cree que en 1817, el dibujante Charles Stothard unió los puntos y dibujó una flecha basándose en la tradición popular. Los historiadores aseguran que Harold fue asesinado, en realidad a machetazos.

El paso del cometa Halley

Otra de las curiosidades de la pieza que generan controversia tiene que ver con el cometa Halley, que sabemos que pasó en abril de 1066. Sin embargo, en una de sus escenas, el bordado nos hace creer que el cometa pasó justo después de la coronación de Harold, en enero de 1066, como un presagio de su muerte. Se trata, de nuevo, de una manipulación para vestir un relato interesado.

A pesar de los detalles, errores y elementos manipulados, no hay duda de que este gigantesco “tapiz” bordado tiene un interés histórico, artístico y artesanal, además de una simbología política. Nació como herramienta de propaganda política y para celebrar la victoria de los normandos sobre los ingleses. Hoy, que Francia lo preste al Reino Unido nos habla de como han cambiado las cosas.

Solemos considerar Hollywood como la Meca del cine, pero a veces olvidamos que algunas de sus grandes producciones clásicas se rodaron, en realidad, en unos estudios a las afueras de Roma que se han convertido también en un punto de referencia para los cinéfilos. Son los estudios Cinecittà, nacidos en 1937 como parte de un proyecto impulsado por Mussolini para promocionar el cine como herramienta de propaganda.

Sería después de la Segunda Guerra Mundial, a partir de los años 50, cuando estos estudios llamarían la atención de las majors de Hollywood, que desembarcó en Italia para filmar algunas de sus películas más míticas. Y gracias a ello, hoy Cinecittà es uno de los lugares más icónicos de la industria cinematográfica. Aquí se han rodado más de 3000 películas, además de series de televisión, videoclips y anuncios.

Hollywood en Roma

Cinecittà se inauguró el 28 de abril de 1937, como un gran complejo de 73 edificios, 21 de los cuáles eran estudios cinematográficos. Durante la Segunda Guerra Mundial y ante la situación política del país, los estudios fueron trasladados a Venecia y ocupados por los nazis. Al final de la guerra, los americanos que entraron en Italia trajeron a Cinecittà equipos técnicos, cámaras, proyectores, equipo de sonido y películas.

Y así fue como, después de la guerra y especialmente entre los años 50 y 60, el cine americano hizo de Cinecittà un lugar de rodaje de referencia, gracias a los incentivos fiscales y mano de obra cualificada y barata y un buen clima para rodar. Tanto fue así, que Cinecittà llegó a ser conocida como el “Hollywood sobre el Tíber”. En esta época, por poner algunos ejemplos, se rodaron en los estudios romanos grandes clásicos como Quo vadis? de Mervyn Leroy, Ben Hur de William Wyler o Cleopatra de Joseph L. Mankiewicz. Fue precisamente aquí donde Elizabeth Taylor y Richard Burton iniciaron su apasionado y famoso romance.

El cine americano revistió Cinecittà de la misma aureola de glamur del que presumía Hollywood. Pero también los grandes directores del cine italiano pasaron por estos estudios para rodar sus obras. Ettore Scola, Sergio Leone, Luchino Visconti, Anna Magnani, Alberto Sordi, Vittorio De Sica, Sophia Loren, Gina Lollobrigida o Claudia Cardinale son solo algunos nombres que también participaron en películas filmadas en Roma. Y, por supuesto, Federico Fellini, que reconstruyó en el Teatro 5 de Cinecittà la famosa avenida Via Veneto, que en los años 50 y 60 se convirtió en punto de encuentro de las estrellas de cine y los inevitables paparazzi.

Cinecittà en la actualidad

Aunque la época dorada de los estudios parece haber pasado, la realidad demuestra que siguen siendo un lugar de referencia para rodajes de todo tipo de películas y series. Actualmente ocupan una superficie de 400.000 metros cuadrados y cuentan con 19 estudios de filmación, entre los que destaca el mítico Teatro 5 que ahora lleva el nombre de Fellini.

En las últimas décadas se han rodado en Cinecittà películas como El padrino III, de Francis Ford Coppola, El paciente inglés, de Anthony Minghella, Life Aquatic, de Wes Anderson, La pasión de Cristo, de Mel Gibson o Gangs of New York, de Martin Scorsese. También se filmó aquí la aclamada serie de televisión “Roma” (2005-2007).

Una visita a los estudios nos permite ver en directo decorados usados para estas filmaciones. Entre otros, se pueden ver la recreación de templos y edificios del imperio romano, las calles de Nueva York o la fachada de la Basílica de San Pedro que se construyó para la serie “The Young Pope” de Paolo Sorrentino. Además, desde 2019 se ubica en estos estudios el Museo Italiano del Audiovisual y del Cine (MIAC).

Aprovechar las vacaciones para realizar un viaje con tu pareja puede ser una buena manera de reforzar la relación. No se trata únicamente de cambiar de aires para conocer nuevos destinos, sino de romper la rutina diaria, compartir experiencias, mejorar la comunicación en pareja y crear nuevos recuerdos compartidos. Y para todo ello, no hace falta irse a la otra punta del mundo.

España ofrece destinos ideales para todos los gustos, desde escapadas a la playa o la montaña, a excursiones por espacios naturales o visitas al patrimonio cultural e histórico y, por supuesto, experiencias gastronómicas para todos los gustos. La clave está en planificar el viaje juntos, buscando un equilibrio en las preferencias (y el presupuesto) según lo que más os apetezca a cada uno.

A continuación, cuatro propuestas en España para disfrutar de unos días en pareja

Cabo de Gata

Pocos destinos ofrecen playas de ensueño y naturaleza salvaje al lado de pueblos con encanto y chiringuitos donde disfrutar del buen comer. El Cabo de Gata es el destino perfecto para las parejas que quieren ir a su aire, sin prisas ni presiones, disfrutando de la naturaleza, el sol y el mar. La zona se puede recorrer en coche, para buscar calas como las de Mónsul, Genoveses o Enmedio, disfrutar del paisaje de las Salinas de Cabo de Gata o del Arrecife de las Sirenas o tomar algo al caer la tarde en La Isleta del Moro o Agua Amarga. Y desde luego, nada más romántico que disfrutar de la puesta de sol desde una de estas playas de ensueño.

Toledo

Para las parejas que busquen algo más cultural, Toledo es el destino perfecto. Es una de las ciudades más bonitas y con más historia, pues aquí convivieron durante siglos cristianos, judíos y musulmanes. En su centro histórico se pueden encontrar testimonios de esta convivencia cultural, en edificios que vale la pena visitar como la mezquita del Cristo de la Luz, la plaza del Zocodover, el Alcázar de Toledo o su catedral. Dejarse perder por sus callejones es ya de por si toda una experiencia, como lo será sentarse en alguno de sus restaurantes para disfrutar de la típica comida de la zona.

La Rioja

Para los amantes de la gastronomía, nada mejor que La Rioja, la tierra del vino por excelencia. La región se puede recorrer en coche haciendo paradas en las diferentes bodegas que hay en la zona, algunas tan espectaculares como las diseñadas por Frank Gehry (Marqués de Riscal) o Santiago Calatrava (Ysios). También hay que ir al famoso Barrio de la Estación de Haro, el enclave que presenta la mayor concentración de bodegas centenarias del mundo. Por no olvidar la famosa Calle Laurel, perfecta para ir de pinchos y copas, en uno de los mejores ambientes gastronómicos de España. Y por si todo esto fuese poco, en La Rioja también se pueden visitar catedrales, monasterios y otros monumentos declarados Patrimonio de la Humanidad, como la Catedral de Santo Domingo de la Calzada o los monasterios de San Millán de Yuso y de Suso.

Santander

El Norte también nos ofrece destinos perfectos para una escapada tranquila en pareja. Santander es una opción ideal, especialmente para quienes buscan combinar playa con un ambiente urbano y cultural. En la ciudad puedes relajarte en sus amplios arenales, pasear por El Sardinero, que bordea toda la costa, o recorrer la Península de la Magdalena y los preciosos jardines que rodean el Palacio Real con vistas espectaculares al Cantábrico. Sin olvidar el Centro Botín, un espacio cultural diseñado por Renzo Piano, donde se puede disfrutar de las vistas, visitar una exposición o tomar algo en su terraza.

Fue una de las mejores cantantes de ópera de su época, una soprano que triunfó en teatros de todo el mundo llevando siempre el nombre España con orgullo. Pero su nombre ha quedado, en la actualidad, relegado a un cierto olvido, y solo se la reivindica por el papel que ejerció tras retirarse de los escenarios. Los amantes de la ópera conocen hoy a Elvira de Hidalgo principalmente por ser la maestra de canto de la gran Maria Callas.

La faceta de profesora de canto, sin duda, fue relevante en la vida de esta cantante aragonesa y en la de la historia general de este género, pero suele dejar de lado sus propias aportaciones al mundo de la ópera, donde también ella brilló gracias a su arte como soprano de coloratura.

Un debut con 16 años

Elvira Juana Rodríguez Roglán nació el 28 de diciembre de 1891 en Valderrobles, un pequeño pueblo de Teruel, aunque pronto se trasladó a Barcelona con sus padres Miguela Roglán y Pedro Rodríguez Hidalgo. Sería en la ciudad condal donde inició sus estudios de canto bajo la tutela de Concepció Bordalba Simón y María Barrientos en el Conservatorio Superior de Música del Liceo.

Destacando ya de joven, Elvira tuvo ocasión de completar sus estudios musicales en Milán con el maestro Melchor Vidal. Fue en esa época, a principios del siglo XX, cuando eligió su nombre artístico, Elvira de Hidalgo. En 1908, con tan solo 16 años, le llegaría su primera y gran oportunidad, una que no todos los cantantes pueden explicar. La joven de Hidalgo debutó en el mítico Teatro di San Carlo de Nápoles, interpretando la Rosina de El barbero de Sevilla, la popular ópera de Gioachino Rossini. Este papel, que Elvira interpretó con gran pasión y una destacable voz, marcó toda su carrera en los escenarios.

Estrella en Europa y América

Gracias a su arte, Elvira de Hidalgo pudo acceder a una envidiable carrera musical que la llevó a estar en los principales teatros de Italia, Europa y América, donde destacó como una de las mejores soprani d’agilitá de su época. Este término de la ópera italiana define a una soprano con una capacidad extraordinaria para cantar con total precisión pasajes muy rápidos, con adornos vocales complejos y notas muy agudas. Los expertos aseguran que su voz cálida y cristalina, a lo que se sumaba una tesitura amplia, inusual en una soprano ligera como ella. De su talento hizo gala cantando los roles protagonistas de óperas como Linda de Chamounix, Rigoletto, I Puritani y Lucía de Lammermoor, entre otros.

En sus funciones, además, siempre que podía trataba de incluir la canción De España vengo, con la que expresaba el orgullo de su origen. Sin embargo, su país rápidamente la olvidó. Elvira anunció en 1936, justo el año del inicio de la Guerra Civil española, su retirada de los escenarios. A partir de ese momento solo se dejó ver ocasionalmente en alguna función, para pasar a centrar en la actividad por la que hoy es más recordada, la enseñanza del canto.

La maestra de la Callas

Como una de las grandes estrellas de su época en el bel canto, en su rol como profesora tuvo mucho que ver con la recuperación de este estilo de cantar ópera. El bel canto, que se caracteriza por la elegancia, pureza y belleza en la emisión de la voz, había tenido un momento de esplendor en el siglo XIX, cuando grandes compositores como Bellini o Donizetti crearon las óperas belcantistas por excelencia.

Tras la Segunda Guerra Mundial, el gusto por el bel canto se fue recuperando en parte gracias al impulso que le daría la mayor estrella de la ópera, Maria Callas. Y en ello tuvo mucho que ver Elvira de Hidalgo. La cantante aragonesa se había retirado para dar clases de canto en el conservatorio de Atenas entre 1938 y 1943. Allí fue donde conoció y formó a una desconocida Maria Callas. Hidalgo vio en ella su gran potencial y le enseñó, además de la técnica de la coloratura y el control del aire, a dotar a esas florituras vocales de una carga dramática, actoral y emotiva profunda. Esos serían los factores que convertirían a la Callas en la más grande.

En 1947, Elvira de Hidalgo fue reconocida oficialmente como “la maestra de la Callas”. Un par de años después pasó a vivir en Ankara y en 1959 se estableció definitivamente en Milán, donde fue elegida catedrática vitalicia del Conservatorio de La Scala. Siguió impartiendo clases de canto hasta su muerte el 21 de enero de 1981.

Actualmente, en su pueblo natal, Valderrobles, se puede visitar un museo dedicado a la soprano en el que se muestran trajes, bocetos y escenografías de las óperas que la llevaron al estrellato. Asimismo, el Ayuntamiento de Zaragoza puso su nombre a una de sus calles en el año 2009.

Que la obra de Gaudí es fascinante, lo puede corroborar cualquier persona que visite sus edificios modernistas. Pero entre todos sus admiradores, hay uno de lo más singular. Se trata de Francisco González Gragera, un albañil y marmolista de Los Santos de Maimona, en Badajoz, que quiso emular al famoso arquitecto catalán construyendo él mismo un edificio de imitación modernista. El resultado de su idea se puede visitar en este municipio extremeño y se conoce popularmente como el Capricho de Cotrina.

Conocido en su pueblo natal de Torremejía con el apodo de Cotrina, González Gragera murió en 2016 sin poder ver terminada su obra, cuya construcción han continuado sus hijos. El Capricho de Cotrina adopta el nombre de su autor, pero también del “Capricho de Gaudí”, la famosa villa que el arquitecto catalán construyó en la ciudad cántabra de Comillas, una de las pocas que realizó fuera de Catalunya.

La idea de este edificio tan original nació en 1988, cuando González Gragera le prometió a su hija que algún día tendría una casa realmente única. Así, se propuso construir con sus propias manos una casa que fuese algo realmente diferente. Lo hizo, a lo largo de los años, de forma autodidacta y progresiva. Francisco dedicó parte de su vida a desarrollar esta casa sin seguir planos convencionales ni disponer de formación académica en arquitectura.

Inspirado en Gaudí

El Capricho de Cotrina está claramente inspirado en la estética del modernismo y sus formas curvas y orgánicas inspiradas en la naturaleza. Se suele describir el edificio como una construcción de carácter gaudiniano, debido a sus similitudes formales con algunas obras del famoso artista modernista.

Para la construcción, su creador uso materiales como mampostería de piedra caliza, mortero de cemento y ladrillo. Lo que le da su aspecto singular es el uso de mosaicos de diversos colores que decoran la superficie según la técnica del “trencadís” modernista, que consiste en usar fragmentos irregulares de cerámica esmaltada adheridos a las superficies. El trencadís se puede ver en las escaleras, barandillas, cúpulas, terrazas y otras zonas del edificio.

En el interior hay un salón principal, la cocina, un espectacular cuarto de baño y habitaciones distribuidas en torres. Destaca la habitación principal también por su diseño, ya que está concebido con forma figurativa, con un largo pasillo que conecta con la estancia final y genera una original disposición.

Además, vale la pena fijarse en la puerta de entrada de cemento armado y en el estanque situado sobre el salón, utilizado para mitigar las altas temperaturas en el interior. Alrededor de la casa hay también una cascada que desemboca en una piscina, una fuente y un taller de trabajo en mármol, todas ellas realizadas siguiendo la inspiración modernista de todo el conjunto.

El capricho, hoy

Como es lógico, al principio los vecinos se tomaron este proyecto como una locura y a su autor, como un excéntrico. Sin embargo, el resultado de la obra de González Granera, aunque inconclusa, se ha convertido en un reclamo para visitar el pueblo. El Capricho de Cotrina, además, ha despertado el interés de especialistas e instituciones, tanto a nivel nacional como internacional, que la han difundido como un ejemplo destacado de arquitectura autodidacta.

Hoy, la casa acoge un museo en memoria de su creador, pero también funciona como vivienda familiar, por lo que abre al público los sábados, domingos y festivos con cita previa.

La ciudad de Figueres, en Girona, es conocida por ser la ciudad natal de Dalí y sede del famoso museo que lleva su nombre. Pero el municipio ofrece otros atractivos a los visitantes, entre los que destaca un singular museo ideal para una visita en familia. Se trata del Museo del Juguete de Catalunya, espacio que alberga una de las colecciones de juegos y juguetes más importantes de España y que nos permite conocer, entre muchas otras cosas, con qué jugaba Dalí cuando era niño.

Fundado en 1982, el Museo del Juguete exhibe miles de piezas que abarcan desde la antigüedad hasta la década de 1980. En sus vitrinas están expuestas desde muñecas de diferentes épocas a meccanos y juegos de construcción, todo tipo de marionetas, coches de hojalata y juegos de mesa.

Los juguetes de los famosos

Entre las piezas más destacadas que se pueden ver, están los juguetes que pertenecieron a personalidades de la cultura catalana como los artistas Joan Miró y Joan Brossa, los escritores Terenci Moix y Quim Monzó o la actriz Núria Espert.

La estrella de la colección, porqué conecta este museo con el ciudadano más ilustre de Figueres, es un muñeco que perteneció a Salvador Dalí y su hermana Anna Maria. Se trata de un osito de trapo conocido con el nombre de Don Osito Marquina. Y más allá del interés que pueda tener el hecho de que perteneció al famoso artista surrealista, el osito por sí mismo también tiene interés como pieza de museo.

Se trata de un oso de peluche fabricado por la empresa alemana Steiff en 1910, que fue fundada en 1880 por Margarete Steiff y que se especializó en la fabricación de juguetes de alta calidad. Steiff empezó fabricando de forma artesanal unas figuras de animales de felpa que pronto se harían populares y que se exportarían a todo el mundo. El primer osito, el modelo 55PB, se creó en 1902 y destacaba por tener las piernas y brazos articulados. El oso se presentó en la Feria del Juguete de Leipzig de 1903 y allá por 1906 causaba furor en las casas de niños de toda Europa y Estados Unidos.

Don Osito Marquina

El osito que puede verse en Figueres fue comprado en París en 1910 por los tíos de Salvador Dalí, Maria Teresa y Anselm Domènech, que se lo regalaron a él y a su hermana. Los niños solían jugar a menudo con el muñeco, al que bautizaron como “El Tio Don Osito”. En 1925, Federico García Lorca pasó varias semanas con la familia Dalí en Figueres y Cadaqués, y allí conoció la historia del osito al que el poeta “rebautizó” con el nombre de “Don Osito Marquina”, en un guiño al dramaturgo y poeta Eduardo Marquina. Este es el nombre con lo que se conoce hoy en día.

Lorca le cogió tal afecto al muñeco que incluso llegó a enviar cartas des de Granada dirigidas directamente a Don Osito Marquina, algunas de las cuáles se conservan en el museo, así como una foto donde se puede ver a Anna Maria y Salvador con el muñeco.

Un viaje por la historia de los juguetes

Más allá del osito de Dalí, en el Museo del Juguete de Figueras se puede realizar un auténtico viaje por la historia de los juguetes y descubrir cómo se divertían los niños de siglos pasados. Entre los objetos más relevantes que se pueden ver, destaca un ejemplar de la primera muñeca Barbie fabricada en 1959, así como una monumental maqueta de trenes en miniatura, los populares trenes metálicos de cuerda y eléctricos de las marcas pioneras Payá y Ric, teatritos de papel del siglo XIX y principios del XX, muñecas de porcelana, terracota y cartón piedra y también una réplica de la figura de Maria, el robot de la película muda Metropolis, de Fritz Lang.

En los años de la ley seca, en la década de los 30, surgieron en Estados Unidos una serie de figuras mafiosas que . Junto a Al Capone o Frank Costello, uno de los mafioses más populares de aquellos años fue “Lucky” Luciano. Nacido como Salvatore Lucania en Sicilia, su trayectoria delictiva lo convirtió en uno de los criminales más famosos de la historia. Fue jefe de la familia Genoveses y se le considera el arquitecto del crimen organizado en Estados Unidos.

Como muchos jefes mafiosos, Luciano también acabó cayendo en las garras de la justicia y puesto en prisión durante una década. Lo que no es tan sabido es que en la caída de Luciano tuvo un papel relevante una auténtica pionera: Eunice Carter, la primera mujer afroamericana que trabajó como fiscal en Nueva York.

Nacida el 16 de julio de 1899 en Atlanta, Georgia, Eunice Roberta Hunton Carter era hija y nieta de esclavos. Tras los disturbios raciales de Atlanta de 1906, una violenta masacre en la que docenas de personas negras fueron asesinadas por los blancos, se trasladó con su familia a Brooklyn. Eunice se crio en una familia plenamente concienciada en la lucha por los derechos humanos. Sin ir más lejos, su padre fundó la división negra de la organización social YMCA y su madre era una activa participante en la Asociación Nacional para el Progreso de las Personas de Color (NAACP). Animada por sus padres, Eunice ingresó en el Smith College y se graduó en Trabajo Social. A los 25 años se casó con el dentista Lisle Carleton Carter, y poco después dio a luz a su hijo.

Una mujer negra pionera en el derecho

A pesar de trabajar en el Comité de Ayuda de Emergencia al Desempleo en Harlem, en 1927 decidió matricularse el programa nocturno de la Facultad de Derecho de Fordham en 1927. A pesar de trabajar y cuidar de su familia y su hijo, consiguió sacarse el título en cinco años. Se convertía así en la segunda mujer negra de su facultad en titularse y hacía realidad el sueño de ser abogada.

Destinada a ser una pionera, Eunice fue también la primera mujer negra en ser fiscal adjunta del distrito del estado de Nueva York. Entre sus tareas, estaba la de procesar casos de prostitución. Así fue como se dio cuenta de que todas las mujeres que eran detenidas solían ser procesadas y liberadas, y que todas ellas contaban con los mismos abogados. Eunice vio clara la existencia de un sindicato clandestino que controlaba el comercio sexual y así lo notificó a al fiscal federal de la ciudad de Nueva York.

19 hombres y una sola mujer

El fiscal decidió incorporar a Eunice a un reducido equipo de fiscales de élite que trabajaba para combatir el crimen organizado. Conocidos como los “Veinte contra el hampa”, el grupo estaba integrado por 19 hombres y una sola mujer, Eunice Carter. En este grupo, ella se dedicó a buscar las conexiones entre la mafia y los burdeles de Nueva York. Fue Carter la que organizó una gran redada y consiguió que las prostitutas y madamas testificaran contra sus jefes.

Con toda esta información, Eunice Carter logró reunir las pruebas necesarias para acusar a Lucky Luciano de 62 cargos de prostitución compulsiva. Era la primera vez que una gran figura del crimen organizado era arrestada por algo que no fuera evasión de impuestos, como pasó con Al Capone. El juicio contra Luciano, celebrado en mayo de 1936, tuvo una gran repercusión mediática. El mafioso fue condenado a una pena de entre 30 y 50 años de prisión, de los que solo cumpliría 10 antes de ser indultado por sus servicios durante la IIGM.

A pesar de la importante labor que llevó a cabo Eunice Carter en este caso, su contribución fue olvidada y, a mediados de la década de 1940, había sido apartada de las promociones profesionales y cobraba mucho menos que sus colegas masculinos. Eunice dimitió de la Fiscalía del Distrito en 1945 y dio el salto al trabajo internacional. Dedicó el resto de su vida a luchar por los derechos civiles y de las mujeres.

La historia del cine español cuenta con grandes cineastas que han sido reconocidos dentro y fuera de nuestras fronteras: Buñuel, Berlanga o Saura son solo algunos de los autores cuyas películas forman parte de las mejores de la cinematografía española. Sin embargo, ésta estuvo también fuertemente condicionada por los mecanismos de control y censura que, muy especialmente durante la dictadura franquista, obligó a modificar guiones, cortar escenas o inclusos cambiar títulos.

No solo se censuraron o prohibieron algunas películas que venían de Hollywood También el cine español sufrió, y mucho, el impacto de las tijeras. Por eso, la historia de los grandes clásicos de nuestro cine incluye también las batallas de los directores y productores contra la censura cinematográfica. Estos son algunos de los casos más sonados.

Viridiana (Luis Buñuel, 1961)

El cine de Luis Buñuel, surrealista y transgresor, no despertó grandes simpatías entre los censores. El caso más famoso es el de su película Viridiana, que da la casualidad de que fue la primera que el director aragonés filmaba en España tras años de exilio en México. La película relata la historia de una novicia que sale del convento para ir a cuidar a su tío en su finca. Allí conoce también a su primo, que flirtea con ella.

En la última escena, la protagonista Viridiana se presentaba en la casa de su primo y cerraba la puerta tras de sí, dando a entender que se entregaba a él. El censor jefe de aquella época, José Arturo Méndez Palacio, no creyó que fuese apropiado por considerarlo demasiado explícito y obligó a cambiar el final. Así fue como Buñuel, para burlarse del censor, incorporó un perverso detalle: el primo estaba jugando a las cartas con una criada y, con la llegada de Viridiana, se sugería que todo acababa con un trio.

Muerte de un ciclista (Juan Antonio Bardem, 1955)

En su momento, la censura consideró esta película como “gravemente peligrosa”, ya que los dos protagonistas mantenían una relación adúltera cuando se comete el accidente que da título al film. Los censores hicieron hincapié en que la pareja mostrara su arrepentimiento y por eso obligaron a insertar y doblar una escena en postproducción en la que el protagonista, Alberto Closas se despide de su amante, Lucía Bosé, y le dice que no volverá a verla nunca más.

La película sufrió otros cortes, por ejemplo, en la secuencia de la protesta estudiantil, donde se mostraba la actuación represiva de la policía. También se se eliminó la imagen de un niño pobre comprando pipas que contrastaba con una boda burguesa y que acusaba las diferencias de clase durante el franquismo.

Los jueves, milagro (Luis García Berlanga, 1957)

Se dice que esta es una de las películas con más cortes del cine español. La película relata como los habitantes de un pueblo termal que ya no atrae turismo, se inventa las apariciones de San Dimas para atraer nuevos visitantes.

Lo que pasó en este caso es que, a medio redactar el guion, el productor inicial vendió su compañía a una empresa vinculada al Opus Dei, que vio con malos ojos una historia que se burlaba de las creencias religiosas. Por esta razón, Berlanga tuvo que modificar su historia y recortar escenas. Incluso se llegó a contratar a un segundo director para filmar nuevas escenas que se ajustaran más a las ideas de los nuevos productores.

Finalmente, hace unos años se pudo rescatar la versión original de Berlanga y que no se llegó a estrenar durante el Franquismo.

La caza (Carlos Saura, 1966)

En los años sesenta, el régimen franquista se abrió ligeramente y dio pie a la aparición de una nueva generación de cineastas que trataron de renovar el cine autóctono con propuestas más atrevidas. Este es el caso de Carlos Saura, que, sin embargo, no se libró de la censura en una de sus primeras y más celebradas películas, La caza. En apariencia, la película solo habla de cuatro amigos que van de caza. Pero entre metáforas e insinuaciones, Saura estaba realizando una gran crítica a la sociedad española de la época, al nepotismo y a las heridas de la Guerra Civil todavía no cerradas.

Saura tuvo la suerte de topar con el censor falangista Marcelo Arroita Jáuregui, gran amante del cine, y que le vio los valores artísticos a su película. Sin embargo, eso no evitó que le obligaran a modificar el título original de la película, La caza del conejo, por tener demasiadas connotaciones sexuales. Es por eso que la película se tituló simplemente La caza.

El crimen de Cuenca (Pilar Miró, 1979)

Con la llegada de la democracia, la censura quedó casi como una cosa del pasado. Pero existe una película rodada durante el periodo de la Transición que sufrió todavía las iras censoras. Se trata de El crimen de Cuenca, la polémica película de Pilar Miró, rodada en 1979.

La capitanía general de la VI Región Militar consideró que la película injuriaba a la Guardia Civil, a pesar de que se basaba en los informes reales de las torturas infligidas a dos inocentes en 1913. Pilar Miró fue procesada y la película secuestrada hasta 1981, cuando pudo finalmente estrenarse tras un largo proceso de revisión y el levantamiento de la orden de prohibición. El crimen de Cuenca fue un auténtico éxito de taquilla.

En el Camino de Santiago a su paso por Navarra, existe una parada obligatoria que es el municipio de Estella-Lizarra. Considerada la “Toledo del norte”, esta ciudad destaca por su gran patrimonio monumental medieval y por su vinculación histórica con el Reino de Navarra. La iglesia de San Pedro de la Rúa con su espectacular claustro románico, el Palacio de los Reyes de Navarra o el puente románico sobre el río Ega son solo algunos de estos puntos de interés de visita obligada si pasamos por esta zona.

Pero más allá del pasado monumental, en Estella se puede disfrutar también de un lugar a las afueras que alberga una curiosa colección de arte, el Parque de los Desvelados. Este museo al aire libre impulsado por el escultor Luís García Vidal está ubicado a unos 1,8 kilómetros del centro de Estella-Lizarra, en la falda del monte y se conoce popularmente como el Parque de las Calaveras por el tipo de esculturas que se pueden ver allí.

Un parque dedicado a la muerte

El Parque de los Desvelados es el resultado de un trabajo de 30 años que el escultor Luis García tiró adelante él solo. Su idea era construir un museo al aire libre para concienciar de que la muerte es algo natural. Por eso, llenó una parcela que poseía en el término de San Lorenzo con una serie de esculturas gigantes con forma de cráneo construidas por el mismo con restos de poda de zumaque, un arbusto muy característico de la zona, y que destaca por el color rojizo que sus hojas adoptan en otoño.

Nacido en Melilla en 1927, Luis García fue un escultor y pintor expresionista que vivió en múltiples lugares, desde Málaga a Madrid o Barcelona, pasando por Tetuán, Tenerife o Brasil, donde ganó algunos premios de escultura. Finalmente hizo realidad su sueño de viajar a París, donde conoció a su esposa, Carmen Eguaras, natural de Estella. De esta unión surgió el vínculo del artista con la ciudad navarra, a la que llegó en 1971 y en la que solía pasar los meses de invierno, mientras que en verano seguía viviendo en París.

Ese mismo año de 1971 fue cuando el escultor construyó la primera de las calaveras que acabarían por dar nombre al parque. Acabaría por dedicar 37 años ininterrumpidos de su vida a levantar, moldear y reparar estas esculturas hasta su muerte en misteriosas circunstancias en 2008, cuando su cuerpo apareció flotando en el río.

Coches accidentados

Durante todo este tiempo, García pasaba horas en este parque, que llenó de calaveras, pero también de otros elementos igualmente siniestros. Así, más adelante incorporó a su museo de la muerte una serie de coches que habían sufrido accidentes de circulación, e incluso sillas de bebé rotas. En una de estas obras se puede leer la inscripción “A la muerte le gustan los coches”.

La obsesión por la muerte parece que se debe a lo mucho que le marcó la muerte a los 59 años de su hermano Alberto, también artista y con el que viajó a Brasil. De hecho, hay una obra en el parque en la que se puede ver una dedicatoria escrita de su puño y letra.

Tras la muerte de Luis García, el Parque de los Desvelados quedó abandonado. La finca está rodeada de una valla pero con la puerta siempre abierta, según dicen por deseo de su autor, que quería que todo el mundo pudiera visitar su extraño museo dedicado a la muerte. La falta de mantenimiento ha hecho que algunas de las calaveras hayan caído, pero aún así, el lugar sigue en pie. Incluso se ha llegado a rodar allí una película de zombies.

El cine nació oficialmente en 1895, cuando los hermanos Lumière presentaron en público una sorprendente invención, el cinematógrafo. Pero ese aparato no surgió de la nada. Durante siglos, la humanidad había buscado la manera de atrapar imágenes en movimiento. Y para ello, se habían desarrollado infinitud de aparatos y dispositivos que trataban de engañar el ojo y crear una ilusión visual.

El Museo del Cine de Girona permite conocer e incluso poner a prueba algunos de esos aparatos, para entender la evolución de los mecanismos ópticos que culminaron, a finales del siglo XIX, con la invención del cine. Inaugurado el 8 de abril de 1998, este museo es una institución pionera y de referencia en España en su especialidad. Pero, es, principalmente, un espacio para entender la evolución de la imagen en movimiento y como, en realidad, se basa en una ilusión.

Un fenómeno óptico

Hasta llegar a la invención del cine, muchos científicos e inventores pusieron a prueba mecanismos y aparatos que experimentaban con la óptica, la física de la luz y la anatomía de la visión humana. Para entender porque vemos imágenes en movimiento, resulta interesante conocer la llamada la persistencia retiniana y el fenómeno Phi: la capacidad del ojo y el cerebro humano para retener una imagen durante una fracción de segundo y proyectar continuidad sobre una secuencia rápida de imágenes fijas e independientes.

El Museo del Cine de Girona nos permite recorrer esta evolución científica y técnica a través de dispositivos fascinantes, como las cajas ópticas, las linternas mágicas p el zootropo, entre otros. Entre los mecanismos más antiguos, destacan las sombras Chinas y las cajas ópticas, basadas en juegos de luces y siluetas con las que se creaban narrativas visuales. Estas tecnologías primitivas evolucionaron hacia la cámara oscura, auténtica antecesora de la fotografía y el cine.

Podemos conocer también el mecanismo de las Linternas Mágicas, que fueron el primer gran espectáculo visual proyectado de la historia. Para ello, se usaban fuentes de luz y lentes, además de unas placas de vidrio con imágenes, que se proyectaban en la pared creado efectos visuales impactantes.

En el siglo XIX surgieron juguetes ópticos como el Zootropo y el Taumatropo. Eran aparatos giratorios con ranuras en los que se colocaban dibujos que, al girar, simulaban movimiento.

Todos estos aparatos sirvieron como pasos progresivos hasta llegar a la invención del Praxinoscopio y, finalmente, del Cinematógrafo, con el que finalmente se consiguieron registrar y proyectar las anheladas imágenes en movimiento.

A lo largo de la visita por el museo, no vemos estos aparatos en vitrinas, sino que tenemos la oportunidad de manipularlos, experimentar con la luz y comprobar con nuestros propios ojos como los mecanismos visuales nos engañan.

El origen de la colección

Este curioso y recomendable museo se lo debe todo a un hombre, Tomàs Mallol i Deulofeu, ingeniero, fotógrafo y publicista que convirtió su pasión en una de las actividades centrales de su vida. Nacido en 1923, con solo ocho años ya construyó su primer proyector casero. Formado como perito industrial, desarrolló su carrera en la fotografía, la publicidad y el cine amateur. Pero con lo que destacó más fue con su impresionante colección, que sirvió de base para el Museo del Cine de Girona.

A mediados de los años 1960, Mallol empezó a buscar aparatos científicos e históricos que explicaran cómo la humanidad aprendió a representar la imagen en movimiento antes y después del invento del cine. Dedicó más de 25 años a reunir todos los aparatos y mecanismos que hoy podemos ver y disfrutar en el museo. En 1994, el Ayuntamiento de Girona adquirió la Colección Tomàs Mallol, para garantizar su conservación y divulgación.

El museo dispone actualmente de casi 8.000 objetos y aparatos precinematográficos, 10.000 imágenes fijas (grabados, fotografías, carteles), 800 películas históricas y otras piezas curiosas, como la colección de cine infantil Cine NIC o aparatos de cine amateur de paso estrecho (8mm, 9.5mm, 16mm).

Ferdinand Cheval trabajaba como cartero en la ciudad francesa de Hauterives, en la región de Drôme-Auvernia-Ródano-Alpes, cerca de Lyon. Su vida era de lo más común y nada parecía que fuera a romper la rutina, hasta que un buen día, Ferdinand tropezó con una extraña piedra. Era el año 1879, Cheval tenía 43 años y empezaba así la historia de una de las construcciones más extrañas y fascinantes que se pueden ver en Europa: el Palais Ideal (Palacio Ideal).

Esta construcción de difícil clasificación está realizada en piedra esculpida, siguiendo un estilo libre y ecléctico que hoy, casi un siglo y medio más tarde, nos sigue fascinando y sorprendiendo. No en vano, se calcula que cada año pasan por el Palacio Ideal unos 150.000 visitantes.

Un proyecto de lo más loco

Quien le iba a decir a Ferdinand Cheval que 33 años después de encontrarse con una piedra, la idea que le vino a la cabeza se habría convertido en una realidad. Solo y con sus propias manos, Cheval se obsesionó por recoger piedras y más piedras a lo largo de sus paseos diarios. Tomando como inspiración imágenes de postales y de revistas que distribuía gracias a su oficio de cartero, Cheval fue dando forma a un singular palacio en su propio jardín.

El resultado es un inclasificable edificio que mezcla los estilos arquitectónicos de los cinco continentes, y que está realizado con materiales encontrados y reciclados. El edificio, completamente transitable, destaca por su decoración esculpida, en la que se pueden ver desde caimanes, elefantes o pelícanos hasta personajes mitológicos, hadas o gigantes y elementos naturales.

Fuente de inspiración artística

Realizado sin normas y al margen de escuelas o movimientos artísticos, el Palacio Ideal del Cartero Cheval pronto despertó el interés de grandes artistas de su época. De hecho, hoy se considera la gran obra representativa del arte Naíf porque así lo definió en 1969 el escritor André Malraux, que en aquel momento ocupaba el ministerio de cultura francés. Antes ya había llamado la atención de figuras como André Breton, que en 1920 consideró a Ferdinand Cheval precursor de la arquitectura surrealista e incluso le dedicó un poema titulado “Le Revolver à cheveux blancs” (“El Revólver de cabellos blancos”).

También Picasso, así como Tinguely y Niki de Saint Phalle mostraron en su momento una gran admiración por esta obra que el también artista Jean Dubuffet comparó con el “art brut” en el que se emmarca su propia obra.

Una tumba hecha con sus manos

El Palacio Ideal no es la única obra arquitectónica que nos dejó Ferdinand Cheval tras su muerte. Cuando tenía ya 78 años, este imaginativo cartero emprendió un segundo proyecto, el de construir su propia tumba, siguiendo el estilo indescriptible de su palacio.

Así, trabajando sin pausa y con sus propias manos, Cheval dedicó ocho años más a construir un mausoleo para él y su familia, conocida con el nombre de “tumba del silencio y del descanso final”. Se ubica en el cementerio de Hauterives, no muy lejos del palacio. Cheval murió cuatro años después de finalizarla. La tumba, recubierta de piedras, fósiles, conchas y otros elementos variopintos, presenta el mismo aspecto orgánico del Palacio.

Hoy, el Palais Ideal está considerado como un Monumento Histórico y atrae a miles de visitantes cada año. En el año 2018, el director francés Niels Tavernier dirigió la película L'extraordinaire histoire du facteur Cheval, en la que Jacques Gamblin y la actriz Laetitia Casta dan vida al imaginativo cartero y su esposa.

A finales de los años 50, el empresario catalán Salvador Claret i Naspleda se compró un Ford T de 1923, un modelo de coche histórico que despertaría en él una pasión que se convertiría en algo mucho más grande. Claret restauró el Ford T totalmente, lo pintó de negro y empezó a usarlo como su vehículo propio. Hasta que, en 1959, se animó a participar con él en el primer Rally Barcelona–Sitges en 1959.

El éxito de aquella experiencia lo animó a comprar nuevos vehículos históricos. El resultado de esa obsesión puede visitarse hoy en día en Sils, donde se expone la Colección de Automóviles Salvador Claret (CASC), un singular museo dedicado a la arqueología del motor que ningún aficionado a los coches debería ignorar.

Una vida dedicada al motor

Nacido en 1909, Salvador Claret abrió en 1934 el Garage Central, y dos años más tarde instaló allí la primera autoescuela de Girona. Auténtico visionario del turismo, Claret tuvo la idea de abrir pequeños complejos de carretera como el Hostal de la Selva o el Hostal del Rolls, iniciativas que le valieron la Medalla al Mérito Turístico.

Sin embargo, sería gracias a su colección de coches históricos, en los que hay vehículos de las marcas Packard, Bugatti o Alfa Romeo, con la que obtendría una mayor notoriedad. A lo largo de los años 60 y 70 desarrolló esta afición que lo llevó a exponer en el Palacio de la Virreina (1961) y a competir en rallies internacionales de prestigio.

Así fue como Claret se ganó su reconocimiento como uno de los pioneros en la conservación del patrimonio técnico en España.

Los tesoros de la colección

Entre coches y motos, además de material de aviación, la Colección de Automóviles Salvador Claret dispone de cerca de 300 vehículos, tanto nacionales como europeos y americanos. La visita a la colección permite, además de ver coches históricos, hacerse una idea del gran arraigo y popularidad que tuvieron las motocicletas durante la posguerra española.

La colección destaca especialmente por la presencia de vehículos españoles, entre los que vale la pena señalar el Bonet (1889), considerado el primer automóvil construido en España, así como vehículos de otras marcas emblemáticas como Hispano Suiza, Pegaso, Bultaco o Montesa. Hay, también, piezas de firmas cas olvidadas como Orix, Ricart o David.

Otro coche interesante es el Merry Weather de 1883 con motor de vapor o un Ford Sierra Cosworth de 300 caballos con el que Carlos Sainz se proclamó Campeón de España de Rally en 1987, así como los seis modelos de Ford T.

Además, se pueden ver vehículos que pertenecieron a personalidades históricas, como el Mercedes Benz 190 SL de 1959 del futbolista Paco Gento, el Ford A de 1931 que la actriz Madeleine Carroll conducía en Sant Antoni de Calonge, Un Hispano Suiza que perteneció a Picasso, el Topolino que Mussolini regaló a Queipo de Llano y el Cadillac El Dorado de 1954 blindado de Francisco Franco.

El fondo del museo se completa con más de 4.000 libros, un archivo fotográfico, hemeroteca y más de 15.000 catálogos. Actualmente, la Colección de Automóviles Salvador Claret forma parte del sistema de museos colaboradores del mNACTEC (Museu Nacional de la Ciència i de la Tècnica de Catalunya).

Melodías que evocan el movimiento del mar y letras que nos hablan de la memoria y la nostalgia de los marineros que cruzaron el océano. Las habaneras surgieron a raíz de los contactos comerciales entre España y Cuba, y su recuerdo ha pasado de generación en generación.

Hoy, las habaneras son patrimonio del folclore musical, y a la vez forman parte de la banda sonora del verano, especialmente en zonas como Catalunya, donde pocas son las fiestas mayores que no incluyen una cantada tradicional. Pero ¿cuál es realmente su origen?

Un origen debatido

Los expertos no acaban de ponerse de acuerdo con el origen exacto de las habaneras, pero en líneas generales, la mayoría de los estudiosos sitúan su nacimiento en Cuba durante los siglos XVIII y XIX. Estas canciones, de hecho, adoptan su nombre de la capital cubana, con la que España mantuvo importantes contactos comerciales.

Entre España y Cuba circulaban productos como sal, azúcar y tabaco. Los marineros mercantes que navegaban en los barcos trajeron, además de estas mercancías, la influencia de una música de raíz cubana que fusionaron con el propio folclore español.

Así, en las habaneras se pueden encontrar formas de la contradanza antillana/criolla y de las canciones criollas, pero también la influencia de la canción popular y la estructura del tanguillo gaditano. A pesar de surgir en el Caribe, las habaneras se desarrollaron en España, donde pronto se convirtieron en una forma popular que se difundió por todo el territorio nacional.

El padre de la habanera

Entre los nombres que contribuyeron a la popularidad de este género, destaca Sebastián Iradier, considerado el “padre de la habanera”. De origen vasco, Iradier fue el responsable de ralentizar el ritmo y plasmar la estructura de la “Danza lenta” o habanera tal como se conoce en España.

Entre sus obras más conocidas destaca "La Paloma", una de las habaneras más famosas y difundidas del mundo. Asimismo, entre 1840 y 1850 Iradier compuso “El arreglito”; que serviría de base para la célebre habanera que Georges Bizet compuso para su ópera Carmen (1875).

Las habaneras en Catalunya

A pesar de ser populares en toda España, las habaneras son especialmente queridas en Catalunya, donde incluso se siguen componiendo nuevas habaneras que se incorporan al repertorio. Hoy en día, es difícil encontrar un pueblo que no incluya dentro de su programa de fiestas mayores de verano una “cantada d’havaneres”, evento que suele completarse con el ritual del “cremat”, una bebida a base de ron quemado que se sirve caliente y en vasos de barro.

Especialmente popular es la Cantada que se celebra cada mes de julio en Calella de Palafrugell. Se trata del evento más multitudinario del mundo dedicado a este género musical. En él se reúnen más de 30.000 personas para escuchar a las diferentes formaciones que participan en la cantada. En Catalunya existen decenas de formaciones profesionales y semiprofesionales, algunas de ellas con larga tradición, como Peix Fregit o Els Pescadors de l'Escala. Canciones como El meu avi han pasado al imaginario colectivo como si fueran himnos tradicionales.

Fuera de Catalunya, destaca también el caso de Torrevieja. En esta ciudad alicantina, la habanera se canta en eventos sociales y cotidianos como bodas, fiestas o incluso entierros. En Torrevieja se celebra, desde 1955, el Certamen Internacional de Habaneras y Polifonía, uno de los eventos coral-musicales más importantes del mundo.

La arquitectura nos ofrece, en España, grandes ejemplos de edificios de diferentes épocas y estilos, desde el románico de la Vall de Boí hasta el barroco de Santiago de Compostela o el modernismo de Gaudí en Barcelona. Pero en algunas de nuestras ciudades podemos disfrutar también de las obras más futuristas imaginadas por los arquitectos contemporáneos.

Nombres como Zaha Hadid, Santiago Calatrava, Oscar Niemeyer o Norman Foster son solamente algunos de los que firman el diseño de edificios que hoy acogen grandes museos, centros culturales o oficinas de grandes empresas, y que destacan por su originalidad. Algunos incluso parecen sacados de películas de ciencia ficción.

Reseguir el mapa de España buscando algunas de estas construcciones puede ser una forma diferente de viajar y disfrutar de la cultura y la arquitectura. Aquí algunas de las más destacadas.

Museo Guggenheim Bilbao

La ciudad portuaria pasó del gris de los astilleros a los sorprendentes brillos de las planchas de titanio curvilíneas que dan forma al Museo Guggenhheim. Un total de 33.000 planchas forman parte de la indescriptible fachada de este museo diseñado por Frank Gehry, convertido en todo un icono de la ciudad, además de un centro donde visitar algunas de las exposiciones temporales de arte contemporáneo más interesantes.

Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia

Valencia también abrió las puertas a la modernidad con este faraónico proyecto de Santiago Calatrava, que diseño unas sorprendentes construcciones para formar un conjunto arquitectónico que incluye el mayor acuario de Europa, un museo de ciencias, una ópera y un cine digital 3D.

Centro Niemeyer de Avilés

La única obra del arquitecto brasileño Oscar Niemeyer en España es este museo integrado por varios edificios con aires de nave espacial, que destacan por sus superficies blancas y sus formas curvas. En su interior, un auditorio, una torre mirador, una sala de exposiciones y una cúpula espectaculares.

Metropol Parasol de Sevilla

En el centro de Sevilla, la tradicional plaza de la Encarnación se ha convertido en un reclamo turístico gracias a una espectacular estructura que se conoce popularmente como “Setas de Sevilla” por su curiosa forma. Se trata de la estructura de madera más grande del mundo, diseñada por Jürgen Mayer. Además de pasarela, alberga también un museo arqueológico y un espectacular mirador a casi 30 metros de altura.

Walden 7 de Sant Just Desvern

Diseñado por Ricardo Bofill e inaugurado en 1975, este edificio toma su nombre del ensayo Walden o La vida en los bosques (1854) de Henry David Thoreau y de la novela de ciencia ficción y psicología Walden dos (1948) de B. F. Skinner, en la que se imagina una comunidad utòpica. Y esto es lo que pretendía Bofill con este conjunto de vivienda social tan atípico, que pretendía plasmar una utopía social y estética. Destaca por su color rojizo y su aspecto de fortaleza, si bien en su interior los espacios vacíos conectan los espacios comunitarios.

Cuatro Torres Business Area de Madrid

La Torre Cepsa, la Torre PwC, la Torre de Cristal y la Torre Emperador, construidas a principios de los años 2000, definen el skyline de la capital española en el nuevo siglo. Ubicadas en un moderno parque empresarial al lado de la Castellana, en el barrio de La Paz, todas ellas superan los 200 metros de altura y constituyen los rascacielos más altos de España. Cerca de ellas se levanta, por cierto, la Torre Caleido, popularmente conocida ya como “la quinta torre”.

MUSAC de León

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León destaca por su fachada colorista, a lo que contribuyen sus 3.351 vidrieras de 37 colores distintos, inspiradas en los colores de la vitral de “El Halconero”, de la Catedral de León. Creado por los arquitectos españoles Emilio Tuñón y Luis Moreno Mansilla, la idea del edificio es la de ejercer como una “catedral contemporánea” dedicada al arte y el pensamiento.

Centre Pompidou de Málaga

También los colores llaman la atención del Centre Pompidou de Málaga, un edificio en forma de cubo diseñado por Daniel Buren y que ya se ha convertido en uno de los símbolos de la nueva Málaga, una ciudad que en los últimos años se ha modernizado y ha experimentado una auténtica revolución cultural. En este museo puedes ver piezas de arte selectas de artistas como Picasso, Miró, Chagall, Frida Kalho o Kandisky, entre muchos otros.

Pabellón Puente y Torre del Agua de Zaragoza

La arquitecta Zaha Hadid diseño un puente en forma de gladiolo, muy cercano a una original torre de 76 metros de altura creada por Enrique de Teresa. Ambas construcciones formaban parte de la propuesta para la Exposición Internacional 2008, y que hoy son los iconos de la vanguardia en la ciudad.

El mes de agosto en Madrid es sinónimo de verbenas. Y entre ellas, sobresale la Verbena de la Paloma, una tradicional fiesta que se celebra cada 15 de agosto coincidiendo con la festividad de la Virgen de la Paloma (o la Asunción de la Virgen), considerada la patrona «popular» de los madrileños. Es la última gran fiesta del verano, y toda una oportunidad de salir y encontrarse con los que se han quedado en la ciudad en una época en que la mayoría suele huir hacia la costa o destinos más fresquitos.

Durante esos días, las plazas se llenan de la alegría de la gente, del ritmo del chotis y de los tradicionales mantones de Manila, grandes pañuelos de seda bordada y decorados con flecos, que vestían las mujeres como elegante prenda de vestir a finales del siglo XIX, y que hoy se suelen lucir con orgullo en verbenas y fiestas tradicionales. Todo este ambiente forma ya parte del imaginario popular y cultural de los madrileños. Y es así, en parte, gracias a una zarzuela que se inspira y lleva el nombre de esta fiesta.

¿Qué es una zarzuela?

La zarzuela es un género musical parecido al musical o la opereta, pero surgido en España, en que en el que se alternan escenas habladas y cantadas y que suele retratar estampas costumbristas y populares. Este género experimentó su máximo apogeo en último tercio del siglo XIX y principios del XX. Entre sus títulos más emblemáticos se encuentran obras maestras como Luisa Fernanda, La rosa del azafrán o Agua, azucarillos y aguardiente.

Entre todas ellas, La verbena de la Paloma es, sin duda, una de las más influyentes y representadas de todo el repertorio. Quizás sea porque la obra capta a la perfección el ambiente festivo y los personajes típicos que pueblan la celebración del 15 de agosto. También han contribuido, sin duda, sus famosos números musicales. Pocas son las personas que no han oído alguna vez coplas tan populares como “¿Dónde vas con mantón de Manila?” o “Una morena y una rubia”.

Un retrato del Madrid más castizo

Estrenada con gran éxito en el Teatro de Apolo de Madrid el 17 de febrero de 1894, cuenta con música de Tomás Bretón y libreto de Ricardo de la Vega. Subtitulada originalmente El boticario y las chulapas y celos mal reprimidos, la obra retrata el ambiente castizo del barrio de La Latina y Lavapiés durante las fiestas.

Al parecer, el libretista se basó en un hecho real acaecido en la propia capital. Un joven cajista de imprenta provocó un gran escándalo durante la verbena al descubrir que su novia iba acompañada de un viejo adinerado. Así nace la historia del cajista Julián, el protagonista de la obra, y que está carcomido por los celos al ver que su novia Susana coquetea con el maduro boticario, don Hilarión. Toda la trama se desarrolla durante la tarde y la noche del 14 de agosto, culminando en plena fiesta popular.

Pocas obras pueden presumir de mantenerse plenamente vigentes más de cien años después de su estreno. Con un libreto ágil y divertido y algunas de las páginas musicales más pegadizas y reconocibles de la música española, La verbena de la Paloma continúa siendo una puerta de entrada perfecta para descubrir la zarzuela y aficionarse a este género.

Hoy en día se sigue representando con frecuencia en el Teatro de la Zarzuela, así como en escenarios de toda España e internacionalmente. Además, también ha sido llevada al cine en tres célebres adaptaciones (en los años 1921, 1935 y 1963), lo que la confirma como un icono indiscutible del casticismo madrileño.