El pasado 1 de junio, la Academia de Hollywood anunció la creación de una lista de los mejores cines de todo el mundo. “Un nuevo premio mundial que celebra la experiencia cinematográfica y la gran tradición de las salas de cine”, según anunció la institución que entrega los Oscar en un comunicado donde subrayó que esta lista tiene “como objetivo reconocer a los cines más notables del mundo y honrar la excelencia en la exhibición cinematográfica”. “La Academia reconocerá a los cines que brindan experiencias excepcionales al público, preservan la historia del cine y sirven como pilares culturales en sus comunidades”, añadían.

Una iniciativa enmarcada dentro del centenario de la Academia que se celebrará en 2027, y para el que la institución seleccionará 50 cines. 25 de EEUU y 25 internacionales. Para ello anunciaron que se crearía un comité de miembros de la Academia de todas las ramas que serán los encargados de seleccionar dichos cines. Al frente de ese comité, la Academia de Hollywood ha decidido colocar a Sean Baker y su pareja, la productora Samantha Quan. Los ganadores del Oscar por Anora estarán al frente del equipo que “revisa las candidaturas y recomienda cines para su inclusión en la Lista de Cines Destacados de la Academia”. Ambos, además, se encuentran preparando su nueva película, Ti amo, que será un homenaje a la comedia italiana de los 60 y 70.

Para el director ejecutivo de la Academia, Bill Kramer, y la presidenta de la Academia, Lynette Howell Taylor esta iniciativa “celebrará la experiencia cinematográfica y honrará a las salas que unen a las comunidades a través del poder de la narrativa cinematográfica”. Las salas de cine elegibles deben ser cines físicos que operen durante todo el año y pueden estar ubicadas en cualquier parte del mundo. Podrán, también, proyectar estrenos o películas de repertorio.

Los criterios de evaluación señalados por la Academia en su convocatoria incluyen la forma de participación de la comunidad de espectadores, su programación, la diversidad, inclusión y accesibilidad, la preservación histórica, el diseño y las condiciones de la sala así como los servicios de venta de alimentos y bebidas. Las salas de cine seleccionadas aparecerán en las plataformas digitales de la Academia, incluyendo su sitio web y redes sociales, y recibirán un certificado físico para exhibir en sus vestíbulos.

La nieve, el tema compuesto por Guitarricadelafuente y Raül Refree para la banda sonora de La Bola Negra, ha sido presentada para optar al Oscar a Mejor Canción Original. Según The Hollywood Reporter, el tema del largometraje dirigido por Javier Calvo y Javier Ambrossi busca la nominación en una categoría en la que ya suenan otros artistas como Taylor Swift y Lady Gaga, por sus composiciones para Toy Story 5 y El diablo viste de Prada 2, respectivamente.

La Bola Negra narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia; y una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca. La canción La Nieve suena en una emotiva escena ambientada precisamente en la nieve que le da título, hacia el final del largometraje.

El tema fue compuesto por Raül Refree junto a Guitarricadelafuente, para el que la película ha supuesto igualmente su debut como actor. En ella encarna a Sebastián, un soldado nacionalista al que se le encarga vigilar a un soldado republicano (Miguel Bernardeau), con quien establece un vínculo especial durante la Guerra Civil Española.

Guitarricadelafuente podría convertirse en la quinta persona en lograr nominaciones al Oscar tanto por su interpretación como por la composición de la canción en la misma película. Gesta que lograron anteriormente Mary J. Blige por Mudbound en 2018, Lady Gaga por Ha nacido una estrella en 2019, Cynthia Erivo por Harriet en 2020 y Leslie Odom Jr. por One Night in Miami en 2021.

De confirmarse la presentación de la canción a los Oscar, continuarían las buenas noticias para La Bola Negra. La semana consiguió el récord de 47 días de estreno exclusivo en cines antes de pasar a Netflix en EE.UU. El gigante del streaming adquirió el filme de los Javis tras su triunfo en Cannes, para impulsarla en la temporada de premios, llegará a la cartelera norteamericana el 16 de octubre –en España se estrena el 25 de septiembre–. Puesto que su incorporación a Netflix no ocurrirá hasta el 2 de diciembre, la aclamada cinta logrará así el periodo de exclusividad en salas más largo hasta la fecha para un título de la plataforma.

Los Premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, los Oscar, se celebraron por primera vez el 16 de mayo de 1929, en una ceremonia que duró 15 minutos, en la que ya se sabían los ganadores desde hacía tres meses. La Academia había sido fundada en 1927 por el productor Louis B. Mayer, originalmente como herramienta para mejorar la imagen de la industria y gestionar las relaciones laborales. Casi un siglo después, los Oscar siguen siendo el referente global del cine, con más de 10.000 profesionales de la industria ejerciendo su voto. Y como cualquier institución humana, tienen un historial de 'errores' que el tiempo se ha encargado de dejar en evidencia.

El debut que cambió Hollywood y la Academia no vio

En 1992, un joven de 28 años llamado Quentin Tarantino presentó en el Festival de Sundance su ópera prima con un presupuesto de 1,5 millones de dólares. Reservoir Dogs introdujo la narrativa no lineal, los diálogos sobre cultura pop y una violencia estilizada que cambió el lenguaje del cine independiente americano. La Academia la ignoró por completo: cero nominaciones. Dos años después, Pulp Fiction recibiría siete, lo que hace todavía más llamativo que el origen de todo pasara sin pena ni gloria.

El segundo error es quizá el más difícil de explicar. El bueno, el feo y el malo (1966), el western más valorado de la historia del cine, situado por ejemplo en el número 5 en el ranking de IMDb con más de 800.000 valoraciones, no recibió tampoco ni una sola nominación. La dirección de Sergio Leone, la actuación de Clint Eastwood y la icónica banda sonora de Ennio Morricone pasaron completamente desapercibidas para la Academia. De hecho, al ser una coproducción italoespañola, Hollywood la miraba con otros ojos al ser etiquetada como una película “spaghetti western”. Si no contamos el Oscar honorífico que le entregó la Academia por su trayectoria en 2006, Ennio Morricone tardó 50 años desde el mítico western en ganar un Oscar al poner música a Los odiosos ocho (2016), del propio Tarantino, con 87 años.

Un duelo histórico, Fincher olvidado y Kubrick en los Razzie

Pero eso no es todo. En 1995, Michael Mann consiguió juntar por primera vez en la misma escena a Al Pacino y Robert De Niro con diálogo compartido. Ambos habían aparecido en El Padrino II pero en épocas distintas sin coincidir nunca en pantalla. El resultado fue Heat, considerada por críticos y directores como una de las mejores películas de atracos de todos los tiempos, con su tiroteo icónico por las calles de Los Ángeles. La Academia no la nominó en ninguna categoría: ni sonido, ni montaje, ni actuaciones. Nada.

Zodiac (2007), de David Fincher, tuvo la misma suerte. Sigue sin explicarse hoy en día que con un reparto de lujo, que contaba con Jake Gyllenhaal, Robert Downey Jr. y Mark Ruffalo, y una recreación modélica de los años 70, la película fuese ignorada por completo por los profesionales de la industria que votan. Paradójicamente, la Academia sí nominó a Fincher un año después por El curioso caso de Benjamin Button (2007), una película menos valorada por la crítica y el público.

Pero sin duda, el caso más llamativo de todos es el de El Resplandor (1980). Es una de las pocas películas de la filmografía de Stanley Kubrick en no recibir ninguna nominación en los Premios Óscar, logrando sin embargo ser candidata en dos categorías en los Premios Razzie (Peor director y Peor actriz) en el primer año que se otorgaron estos premios que valoraban lo peor del cine de Hollywood. Sin embargo, el tiempo la ha convertido en una de las obras de terror más influyentes de la historia del cine y en una referencia obligatoria en cualquier análisis sobre el lenguaje cinematográfico del horror, dejando escenas icónicas que están en el imaginario de cualquier fan del cine. De hecho, pese a su gran filmografía, Kubrick solo ganó un premio Óscar en toda su carrera, y no fue por su dirección o sus guiones, sino por los Mejores Efectos Visuales Especiales de la película 2001: Una odisea del espacio (1969).

En casi 100 años de repartir estatuillas doradas, la Academia ha sabido reconocer obras extraordinarias, pero también ha mirado hacia otro lado ante el debut de Tarantino, el mejor western de la historia, el duelo más esperado del cine americano, el thriller más obsesivo de Fincher y la obra maestra de terror de Kubrick. Cinco ejemplos en las que el tiempo, por suerte, ha acabado poniendo cada cosa en su lugar.

Dian Fossey, nacida en San Francisco en 1932, cambió la ciencia con su entrega absoluta. Se graduó en Terapia Ocupacional, pero la obra de George Schaller despertó su interés por África. En 1963, usó sus ahorros para viajar y conocer al reconocido paleoantropólogo Louis Leakey. Él la convenció de que estudiar simios era clave para entender nuestra propia evolución. Tras aprender suajili, se instaló en África en 1966 apoyada por la revista National Geographic. Su base inicial fue el Congo, pero la inestabilidad política la llevó finalmente hasta Ruanda. Allí, en las montañas Virunga, comenzó una labor de investigación que duraría veinte años. Su vida fue un testimonio de pasión y defensa inquebrantable por la naturaleza salvaje.

El 24 de septiembre de 1967, fundó el Centro de Investigación Karisoke entre dos grandes volcanes. Su campamento comenzó con dos tiendas de campaña en un entorno sumamente hostil y aislado. Durante los primeros años, Fossey enfrentó la soledad absoluta sin apenas apoyos ni recursos. Los gorilas no estaban habituados a los humanos y los locales desconfiaban de su presencia. A pesar de sufrir un enfisema pulmonar, su determinación compensaba cualquier miedo o carencia. Aprendió a comunicarse con sus trabajadores mediante gestos y mucha paciencia en la selva.

Para ganarse la confianza de los gorilas, Fossey imitó sus comportamientos naturales de forma creativa. Caminaba sobre sus nudillos, masticaba apio y emitía sonidos de satisfacción similares a eructos. Al mantenerse a la misma altura que ellos, logró que los primates perdieran el miedo. Sus observaciones destruyeron el mito del gorila como una bestia violenta tipo King Kong. Tras miles de horas de estudio, demostró que son criaturas gentiles, plácidas y muy inteligentes. National Geographic envió a Bob Campbell para documentar visualmente estos hallazgos tan asombrosos. Las imágenes de Fossey interactuando con simios cambiaron la percepción global sobre esta especie. Su trabajo resaltó la urgencia de conservar el hábitat natural de estos seres tan especiales.

Dentro de los grupos que estudiaba, Fossey estableció un vínculo muy profundo con el gorila Digit. Lo llamó así por un dedo dañado y llegó a interactuar con él como verdaderos amigos. Sin embargo, el 31 de diciembre de 1977, Digit fue brutalmente asesinado por cazadores furtivos. El animal murió defendiendo a su familia y fue encontrado mutilado sin su cabeza ni manos. Este suceso sumió a Fossey en una depresión y transformó su ciencia en una guerra personal. Creó la Fundación Digit para recaudar fondos destinados a combatir la caza ilegal en Ruanda. Su dolor se convirtió en una furia implacable contra quienes amenazaran a sus queridos animales. La muerte de su gorila favorito marcó un punto de no retorno en su vida y aislamiento.

La lucha de Fossey contra la caza furtiva fue radical, utilizando tácticas que le propició enemigos. Quemaba trampas, capturaba intrusos y usaba máscaras para que creyeran que ella hacía brujería. Se opuso firmemente al turismo masivo, pues creía que interfería en la paz de los animales. Sus enfrentamientos constantes con el gobierno ruandés tensaron su situación legal en la región. Algunos colegas consideraban que sus métodos extremos obstaculizaban una gestión racional del centro. A pesar de las críticas, su activismo logró que la crisis de los gorilas captara atención global. Fossey se convirtió en un símbolo de la conservación radical en una época de gran indiferencia. No dudaba en enfrentarse a intereses poderosos para asegurar que los gorilas pudieran existir.

En 1983, publicó su obra maestra Gorilas en la niebla, relatando sus décadas en la selva. El libro fue un éxito rotundo y sirvió de base para la famosa adaptación cinematográfica posterior. Académicamente, obtuvo su doctorado en Zoología por la Universidad de Cambridge en el año 1974. Su técnica de ganarse la confianza de animales salvajes fue un gran legado para la ciencia. Incluso el divulgador David Attenborough filmó una secuencia histórica con ella para la televisión. Fossey demostró que cada gorila poseía una personalidad distinta y estructuras familiares complejas. Sus reportajes concienciaron a miles de personas sobre la fragilidad de la vida silvestre africana. Gracias a su labor de difusión, el mundo comprendió la importancia de proteger a estos gigantes.

Enigma por resolver

La mañana del 27 de diciembre de 1985, Dian Fossey fue hallada muerta en su cabaña de Karisoke. Fue asesinada con un machete tipo panga que ella misma tenía colgado en su vivienda. La escena del crimen estaba revuelta, pero se descartó el robo al no faltar dinero ni valores. Su asesinato sigue siendo un enigma casi cuarenta años después, lleno de muchas irregularidades. Las teorías apuntan a cazadores resentidos, contrabandistas de oro o funcionarios corruptos. Su asistente Wayne McGuire fue acusado, aunque el caso nunca se resolvió satisfactoriamente. Fossey sabía que su vida corría peligro y tuvo problemas para renovar su pasaporte. Su muerte violenta marcó el fin de una era, pero no el fin de su gran lucha por la vida.

Dian Fossey fue enterrada en el cementerio que ella creó, descansando eternamente junto a Digit. Su lápida lleva el nombre Nyiramachabelli, que significa la mujer que supo adaptarse al bosque. Tres años tras su muerte, la película protagonizada por Sigourney Weaver inmortalizó su legado. Weaver fue nominada al Óscar y ganó el Globo de Oro por interpretar magistralmente a la zoóloga. Aunque los gorilas siguen en peligro, su población ha crecido gracias a las bases de Fossey. Organizaciones actuales continúan hoy con su misión de proteger a esta especie tan vulnerable. Su última frase en el diario recordaba que el valor de la vida está en proteger el futuro. Nadie amó tanto a los gorilas como esta mujer que entregó su existencia por su salvación.

La música de La Odisea ha despertado tanta curiosidad como la propia adaptación cinematográfica de Christopher Nolan. El motivo no está solo en que el director haya vuelto a confiar en Ludwig Göransson, su colaborador en Tenet y Oppenheimer, sino en la decisión creativa que ambos han tomado para la nueva película: prescindir de la orquesta sinfónica tradicional. En su lugar, el compositor sueco ha construido la banda sonora a partir de instrumentos inspirados en la Antigua Grecia, como liras, aulos o una colección de 35 gongs de bronce, combinados con sintetizadores para crear un lenguaje sonoro propio. La elección no responde únicamente a una cuestión estética, sino también histórica. “La orquesta no existía entonces”, explicó el propio Göransson en declaraciones para Time, al justificar un enfoque que busca alejarse de los códigos musicales que tradicionalmente han acompañado al cine ambientado en la Antigüedad.

La decisión resume el momento que atraviesa el compositor sueco. Con solo 41 años, Göransson ya ha ganado tres premios Oscar a la mejor banda sonora por Black Panther, Oppenheimer y Sinners, además de varios premios Grammy, Globos de Oro y Emmy. Aunque todavía se encuentra lejos de la trayectoria de John Williams, el compositor vivo con más nominaciones a los Oscar (54) y ganador de cinco estatuillas, o de Hans Zimmer, ganador de dos premios de la Academia y autor durante más de cuatro décadas de algunas de las bandas sonoras más influyentes del cine contemporáneo, el ritmo con el que ha acumulado reconocimientos y su condición de colaborador habitual de cineastas como Christopher Nolan y Ryan Coogler explican por qué hoy comparte la primera línea de la música para el cine con nombres como John Williams y Hans Zimmer.

Del blues sueco a Hollywood

Nacido en 1984 en la ciudad sueca de Linköping, Göransson creció en una familia donde la música formaba parte de la vida cotidiana. Su padre era guitarrista de blues y profesor, mientras que su madre tocaba el piano. Aquella combinación de influencias despertó muy pronto su interés por la música y le permitió crecer escuchando estilos muy diferentes. Tras estudiar en el Real Conservatorio de Estocolmo, obtuvo una beca para especializarse en composición para cine en la Universidad del Sur de California, una decisión que marcaría definitivamente su carrera profesional.

Fue precisamente en Los Ángeles donde conoció al entonces joven director Ryan Coogler. Ambos comenzaron colaborando en el cortometraje Locks después de coincidir gracias a un amigo común y descubrir que compartían una forma muy parecida de entender el cine y la música. Aquella primera colaboración terminó convirtiéndose en una de las asociaciones creativas más estables de Hollywood. Desde entonces, Göransson ha compuesto todas las películas dirigidas por Coogler: Fruitvale Station, Creed, Black Panther y, más recientemente, Sinners. Para esta última, el compositor dedicó meses a investigar la historia del blues y sus conexiones con otros estilos musicales, un trabajo previo que terminó impregnando toda la identidad sonora de la película.

A esa trayectoria junto a Coogler se suman colaboraciones con algunos de los nombres más influyentes de la industria. Christopher Nolan recurrió a él para sustituir a Hans Zimmer en Tenet, una colaboración que continuó con Oppenheimer y ahora con La Odisea. En paralelo, Göransson ha firmado las bandas sonoras de producciones como The Mandalorian, Venom, Turning Red o Black Panther: Wakanda Forever, ampliando un currículo que combina cine, televisión y grandes franquicias. Fuera de la pantalla también ha desarrollado una sólida carrera como productor musical junto a Donald Glover, conocido artísticamente como Childish Gambino, con quien produjo, entre otros trabajos, el éxito This Is America, galardonado con el Grammy a la Grabación del Año y a la Canción del Año.

El compositor que convierte cada proyecto en una investigación

Si algo distingue a Göransson de buena parte de sus contemporáneos es el tiempo que dedica a documentarse antes de empezar a escribir música. El propio compositor ha explicado en varias ocasiones que intenta salir de su zona de confort en cada proyecto y buscar sonidos que no haya utilizado anteriormente. Esa filosofía vuelve a estar presente en La Odisea. Ante la petición de Christopher Nolan de no utilizar una orquesta convencional, Göransson emprendió una investigación sobre los instrumentos que pudieron escucharse en la antigua Grecia y trabajó junto a musicólogos e intérpretes especializados para aproximarse a ellos con el mayor rigor posible.

El resultado incorpora liras interpretadas siguiendo criterios históricos, aulos reconstruidos a partir de fuentes arqueológicas y una colección de 35 gongs de bronce de distintos tamaños adquiridos expresamente para la película. A ese conjunto añadió sintetizadores, un recurso deliberadamente anacrónico que amplía la textura sonora sin renunciar a la inspiración histórica. “Sabía que, para crear un mundo completamente original, tenía que salir también de mi zona de confort y encontrar sonidos con los que nunca hubiera trabajado”, explicó el compositor sobre el proceso creativo de la película en declaraciones para el medio anteriormente citado.

Tres Oscar antes de los 42 años

La banda sonora de La Odisea representa un nuevo desafío dentro de esa trayectoria. En lugar de recurrir a la gran orquesta que durante décadas ha definido el sonido del cine épico, Göransson ha optado por investigar cómo pudo sonar realmente el mundo de Homero y construir desde ahí un lenguaje musical propio mediante instrumentos inspirados en la Antigua Grecia y recursos electrónicos. Esa capacidad para replantear cada proyecto desde cero, unida al reconocimiento acumulado en muy pocos años, explica por qué el compositor sueco ya comparte la primera línea de la música para el cine con figuras como John Williams y Hans Zimmer.

La histórica victoria de los New York Knicks que les ha convertido en campeones de la NBA 53 años después del último título ha dejado para la franquicia histórica imágenes para el recuerdo como la celebración de Jalen Brunson como líder y estrella de unas Finales, en las que 27 años antes su padre se había quedado a las puertas, aunque con un rol más secundario.

Sin embargo, uno de los momentos más virales de la celebración de los Knicks ha sido cuando los jugadores celebraron en la cancha con el actor Timothée Chalamet, que asiduo al Madison Square Garden y aficionado del equipo, estalló de celebración en mitad de la pista.

El actor, sin embargo, no se quedó solo en eso, sino que también celebró con el equipo en el vestuario, en un vídeo que compartieron desde el equipo de la que es su ciudad natal. A la estrella de Hollywood llegaron a preguntarle si quería gafas para protegerse del champán y su respuesta fue clara: “No me las merezco. No soy un atleta. Normalmente, uso un doble de acción para eso”, en declaraciones recogidas por Variety.

Chalamet no fue el único famoso que estuvo en el partido de las Finales NBA entre los Knicks y los Spurs, sino que también se pudo ver a otras celebridades en el Madison Square Garden como fue el caso de Spike Lee, Adam Sandler, Larry David, Ben Stiller, Taylor Swift o Chris Rock, entre otros. Incluso estuvo en un encuentro de la eliminatoria el presidente de los Estados Unidos, Donald Trump, siendo así el primero en ejercicio que presencia en vivo unas finales NBA.

Timothee Chalamet lanza un dardo a Hollywood: “Mucho mejor que los Óscar”

Uno de los detalles que más se ha hecho virales de la celebración de Timothee Chalamet del título NBA de los Knicks fue al compararlo con un premio Óscar: “¡Esto es mucho mejor que los Óscar! ¡Vamos! ¡Los Knicks son campeones!”, aseguró a pie de cancha el sábado por la noche, momentos después de que los Knicks derrotaran a los Spurs y se alzaran con el título tras en una serie de 4-1.

Unas declaraciones que tienen ‘morbo’ si tenemos en cuenta la polémica alrededor de sus últimas nominaciones a Mejor Actor en los Óscars, siendo favorito en las dos ocasiones que ha sido nominado por ‘A complete Unknown’ y ‘Marty Supreme’, pero en ninguna de ellas se alzó con el premio.

Ocho años después de su primera nominación al Óscar en 2018 por ‘Call Me By Your Name’, en la pasada edición partía como el gran favorito, pero la polémica rodeó parte de su campaña para lograr la estatuilla. En primer lugar, por el hecho de que la familia del jugador de tenis de mesa en el que se basó ‘Marty Supreme’ no estuvo conforme con su interpretación, pero luego también pudo afectar la acusación de abuso sexual en un rodaje de Josh Safdie, en ‘Good Time’ en 2017, director de la película.

Aunque si hubo un momento en el que muchos críticos coinciden que perdió el Oscar, que finalmente se llevó Michael B. Jordan por ‘Sinners’, fue por sus declaraciones sobre el ballet al describirlo como algo que “ya no le importa a nadie” en una entrevista realizada por el también actor Matthew McConaughey.

El documental español Sucia, dirigido por Bàrbara Mestanza y Marc Pujolar, ha ganado el premio al mejor documental en el festival de Sheffield, uno de los más prestigiosos en el mundo de la no ficción. Esta victoria la precalifica y la hace elegible para la próxima edición de los Oscar. Es decir, la coloca entre la lista de películas que podrán optar al premio en la categoría de Mejor película documental. 

El jurado, cuando anunció el premió, valoró un filme en el que “a través de una narración valiente y una visión creativa extraordinaria, transforma el trauma personal en una reflexión colectiva”. Sucia se basa en la experiencia personal de la directora, la también actriz Bàrbara Mestanza, que sufrió abusos sexuales. En el filme se muestra cómo la sociedad juzga a la víctima, preguntándole por qué no se fue o por qué no hizo nada, en vez de analizar por qué esto sigue pasando. Mestanza sigue todo su proceso, incluido el de denuncia y hasta el judicial, en una obra que finalmente acaba mostrando también el poder sanador del arte. 

“Si bien se basa en la singularidad de la historia personal de la cineasta, la película se expande hacia afuera, planteando preguntas más amplias sobre la culpa, la vergüenza, el poder, la actuación y los sistemas que dan forma a nuestra complicidad en la violencia. Su edición rigurosa y convincente entrelaza años de creación artística y procesos legales, creando un viaje apasionante que desafía al público a la introspección y a examinar sus propias narrativas”, aseguró el jurado del festival de Sheffield.

El filme, que ya fue galardonado en el pasado Festival de Málaga, continúa así su exitosa carrera por los certámenes de documentales de todo el mundo. Para su directora y protagonista “es increíble haber podido llegar a ganar”. “No solo hacerlo fuera de nuestra casa, sino en un sitio dedicado a los documentales, algunos de ellos con grandes presupuestos y también grandes historias. Nos estamos dando cuenta de la magnitud del tema a través de cada festival al que estamos yendo, pero era muy difícil de imaginar que una cosa tan pequeña, tan pequeña y tan concreta pudiera ser el caballo de Troya perfecto para generar movimiento y y generar colectivo”, opina Mestanza del galardón. 

Recuerda los días de proyección del documental en Sheffield, donde la gente les ha parado y ha acudido a ellos “llorando y emocionados” incluso antes de saber el palmarés. “Para mí es importante resaltar que, al final, cuando te pasa una cosa como esta no te conviertes en alguien más fácil, sino más complejo. Me emociono no solo por haber podido hacer esta peli, sino por todas esas personas que han estado a mi lado”, añade.

Su productor, Pau Sanclemente, destaca “cómo una historia tan personal y autograbada de un tema tan complicado que parecía local ha tenido esta repercusión y ha conectado muchísimo con el público”. “Una historia local que se convierte poniendo el dedo señalando a un problema de magnitud global y eso ha hecho que resuene en muchísima parte del público”, añade y avanza que este premio puede hacer que llegue “más allá de las fronteras de España” y así “poder encontrar la posibilidad de hacer una distribución global”.

Un documental para generar conversación

La actriz explicaba en una entrevista a este periódico que durante diez años vivió obsesionada con su agresor. “Pensaba en por qué me escogió a mí, por qué hizo eso ese día y por qué conmigo. Y necesitaba tenerle delante para que me lo explicase, pero también para que me viera viva. Él me había arrebatado mi cuerpo, mi juventud, casi me muero por su culpa. Con los años comprendí que era como un veneno que entró en mi cuerpo: no solo me metió los dedos en la vagina, sino que logró meterse dentro de mí durante años. Así que para mí era importante que me viese la cara y decirle: ‘Aunque hayas intentado quitarme lo más vital, yo sigo aquí. Estoy viva’”, decía.

Sucia es su carta para certificar que sigue viva, pero que esto no ha acabado. Aunque al final pueda responder a esa pregunta de por qué no hizo nada, algo tan simple como “porque no podía”, los datos de las mujeres que son agredidas y abusadas son espeluznantes. El documental termina con unas cifras incontestables. 400.000 personas han sido víctimas de violencia sexual. Solo un 5% denuncia y, de las que lo hacen, solo un 9,7% obtiene sentencia condenatoria hacia su agresor. 

La voluntad de este trabajo de generar conversación y de que esto continúe se confirma cuando al finalizar el filme aparece un QR en la pantalla. Al escanearlo, uno accede a un cuestionario para poder compartir sus propias experiencias y si ellas y ellos han sufrido alguna situación parecida. Porque ese es el verdadero trabajo del arte, seguir planteando preguntas que nos hagan avanzar como colectivo.

La actriz estadounidense Glenn Close, el director británico Ridley Scott y el animador Floyd Norman recibirán un Óscar honorífico en la gala de los Governors Awards (premios de los Gobernadores), informó este miércoles la Academia de Hollywood.

La gala se celebrará el 15 de noviembre en el Ray Dolby Ballroom del Ovation Hollywood y también otorgará el premio Memorial Irving G. Thalberg a las productoras Christine Vachon y Pamela Koffler.

Estos premios celebran a “cinco personas extraordinarias cuyo trabajo innovador ha marcado para siempre el arte de hacer cine”, dijo la presidenta de la Academia, Lynette Howell Taylor, en el comunicado.

Este será el primer Óscar que reciba Close, de 79 años, quien ha sido nominada a los premios de la Academia en ocho ocasiones por filmes como 'El mundo según Garp', 'Las amistades peligrosas' o 'La buena esposa'.

A lo largo de cinco décadas, la actriz ha trabajado en más de cien proyectos cinematográficos y se ha consolidado como una de las más versátiles de la industria.

Por su parte Scott, de 88 años, también recibirá su primera estatuilla dorada tras haber sido nominado como director por películas como 'Thelma & Louise', 'Gladiator (El gladiador)' o 'Black Hawk Down'.

El director también es conocido por dirigir algunas de las películas de ciencia ficción más memorables de la historia del cine como 'Alien' o 'Blade Runner'.

Por su parte, Norman, de 90 años, ha sido uno de los responsables de cimentar el universo de Walt Disney Animation Studios como el primer animador negro del estudio contribuyendo a filmes emblemáticos de la franquicia como 'La Bella Durmiente', 'El Libro de la Selva' y 'Robin Hood', entre otros.

Los Óscar honoríficos se conceden para honrar la trayectoria profesional y las contribuciones de ciertas personas al estado de las artes y las ciencias cinematográficas en cualquier disciplina.

Estos reconocimientos suelen otorgarse a personalidades que, pese a sus trayectorias, nunca han ganado un Óscar.

Asimismo, Vachon y Koffler, fundadoras de la productora independiente Killer Films en 1995, son responsables de películas como 'Safe', 'Velvet Goldmine', 'Happiness' o 'Boys Don't Cry'.

El premio Memorial Irving G. Thalberg se otorga “a un productor creativo cuyo conjunto de obras refleja una calidad consistentemente alta en la producción cinematográfica”.

Como cada año, los diferentes premios revisan sus normas y publican las nuevas. Normalmente hay ciertos cambios cosméticos que ajustan y mejoran dudas en ciertas categorías o responden a quejas de los miembros de las diferentes asociaciones. Sin embargo, la Academia de Hollywood ha revolucionado sus próximos premios con la publicación de su nueva normativa, ya que incluye cambios en categorías esenciales como las interpretativas, además de afrontar de forma tajante la inteligencia artificial —una de las grandes preocupaciones del sector— y dar la vuelta a la categoría de Mejor película internacional.

Es un cambio grande, que todavía no han explicado en profundidad, pero que altera el paradigma actual. Hay uno de los cambios que afecta al cine español, ya que tiene que ver con la categoría de Mejor película internacional. La Academia responde a la internacionalización de sus miembros, a la gran presencia de filmes que no son de EEUU y, sobre todo, a una de las polémicas más recientes: los títulos ignorados por sus respectivas Academias para ir a los Oscar.

Hasta ahora, la única forma de optar al Oscar a la Mejor película internacional era ser elegida por la Academia de cada país. Se quedaban fuera cualquier filme disidente en países donde hay censura y regímenes dictatoriales —algo que ya abordaron en parte el año pasado—; y provocaba situaciones que dejaban fuera de la categoría a títulos que, a priori, podían ser favoritos. Por ejemplo, Anatomía de una caída no fue la escogida por el comité francés, que optó por A fuego lento a pesar de que el filme de Triet había ganado la Palma de Oro y fue comprado por Neon, una de las grandes distribuidoras del cine indie de EEUU.

Eso cambia a partir de este año. La Academia de Hollywood mantiene el criterio principal para optar al Oscar internacional, pero añade otro. “Además de la presentación oficial de una película por parte de un país o región a través de los Comités de Selección aprobados por la Academia, una película en un idioma distinto al inglés puede presentarse al ganar un premio que califique en un festival de cine internacional, según lo especificado en la Lista de Festivales que Califican para el Premio a la Mejor película internacional”, anuncian en sus nuevas normas.

Los festivales que calificarán para la 99ª edición de los Oscar serán el Festival Internacional de Cine de Berlín (con la película ganadora del Oso de Oro), el Festival Internacional de Cine de Busan (Premio a la Mejor Película), el Festival de Cannes (Palma de Oro), el Festival de Sundance (Gran Premio del Jurado de Cine Mundial), el Festival Internacional de Cine de Toronto (Premio Plataforma) y el Festival Internacional de Cine de Venecia (León de Oro).

Dejan fuera a San Sebastián a pesar de ser un festival de categoría A. El director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, explicaba este lunes en un acto en la Academia de Cine que “trabajarán” para formar parte de ese grupo, y que cree que el Zinemaldia ofrece algo que el resto no tienen: presencia del cine iberoamericano. “Son unas normas raras, ya veremos cuanto tiempo siguen, pero es verdad que a nosotros nos hubiera gustado estar”, dijo. También valoró el momento de la Academia de Hollywood y de unos Oscar que “pasan por una época un poco compleja donde no acaban de encontrar su identidad”.

Ya hay dos candidatas

Todo esto implica que este año ya hay dos filmes que optarán al Oscar: la turco alemana Yellow Letters, ganadora del Oso de Oro, y Shame and Money, coproducción entre Alemania, Kosovo, Eslovenia, Albania y Macedonia del Norte. A ellos pronto se unirá la película que gane la Palma de Oro en Cannes. Esto provoca que un país pueda jugar con esta casuística de forma estratégica. Pongamos, por ejemplo, que Rodrigo Sorogoyen gana la Palma de Oro este año por El ser querido. La Academia española podría —y debería—optar por otro título como Amarga Navidad o La bola negra para aumentar las posibilidades de que España tenga un filme entre el quinteto finalista a los Oscar. 

Esto hace que, por primera vez, y como ya pasa en los Globos de Oro, un país pueda tener más de un título nominado en la misma categoría. Y aquí viene la principal queja, ya que esto favorece, evidentemente, a las industrias más potentes, con Francia a la cabeza. Los países iberoamericanos y cinematografías africanas o de Oriente Medio es muy complicado que puedan optar con varias películas debido a su escasa producción y dificultades de financiación. De hecho, al ver las selecciones oficiales de certámenes como Cannes o Venecia, donde estas industrias son ignoradas desde hace años, se entiende que habrá países que se vean afectados negativamente por este cambio.

Esto, por ejemplo, podría haber hecho que España eligiera el año de Alcarrás —que ganó el Oso de Oro— a otro título como As bestas, duplicando sus opciones. O que Francia lo hubiera hecho el año de Titane, que ganó la Palma de Oro y fue elegida por su comité dejando fuera a El acontecimiento, que finalmente ganó el León de Oro, por lo que también hubiera optado automáticamente y podrían haber escogido una tercera. Un país podrá tener, en un caso excepcional, hasta siete películas en competencia en caso de que ganen todos los premios de la lista y su Academia elija una séptima. 

No es el único cambio en la categoría de Película Internacional. A partir de ahora será el título de la película el que esté “acreditado como nominado, en lugar del país o la región, y el premio será recibido por el director en nombre del equipo creativo”. “El nombre del director aparecerá en la placa de la estatuilla después del título de la película y, si corresponde, el país o la región”, dicen las nuevas normas. A pesar de ello, la Academia ha aclarado posteriormente al periodista Erik Anderson que “el director de la película ganadora del premio a Mejor película internacional aceptará el galardón, pero no será nominado ni ganador oficial de un Oscar”, algo que pertenece a la película como tal.

La Academia se planta ante la IA

Varios de los principales cambios en la normativa de los Oscar vienen para defenderse del uso de la inteligencia artificial, uno de los caballos de batalla del sector. De hecho, el principal anuncio viene poco después de que varios medios publicaron la noticia de que Val Kilmer había sido ‘resucitado’ con la inteligencia artificial para la película As Deep as the Grave. Variety, medio especialista en cine, publicaba un artículo el 20 de abril justo después preguntándose si el actor podría ganar un Oscar por esta ‘actuación’ y urgía a la Academia a tomar cartas en el asunto.

Dicho y hecho. Menos de dos semanas después la institución anunciaba esos cambios que afectan a la categoría interpretativa. A partir de ahora “solo se considerarán elegibles los papeles acreditados en los créditos legales de la película y que hayan sido interpretados por personas con su consentimiento”.

No es el único cambio en las categorías de interpretación. A partir de ahora un mismo intérprete puede estar nominado dos veces o más en la misma categoría por diferentes papeles. Hasta ahora, si esto ocurría, solo entraba el papel más votado. Siempre se ha hablado de que Nicole Kidman podría haber estado nominada dos veces, por Los otros y Moulin Rouge; Kate Winslet también por El lector y Revolutionary Road y Jessica Chastain también como actriz de reparto por El árbol de la vida y Criadas y señoras. Solo lo estuvieron por una de esas películas.

La defensa contra la IA llega también en las categorías de guion, donde las nuevas reglas “estipulan que los guiones deben ser de autoría humana para ser elegibles”. Además, la Academia aclara que en cuanto a “la Inteligencia Artificial Generativa, se reserva el derecho de solicitar más información sobre la naturaleza del uso y la autoría humana”.

Contra las canciones timo

Una de las categorías donde muchas producciones intentaban rascar una nominación ‘fácil’ ha sido siempre la de Mejor canción. Cualquier producción con posibilidades de estar en la conversación de los premios encargaba una canción a una estrella famosa, la colaba en sus créditos y a correr con una candidatura posible bajo el brazo. La Academia ha querido también poner fin a esas prácticas y ha aclarado lo que, a partir de ahora, se considerará una canción original. Ya no vale con que en los créditos aparezca, sino que tiene que entrar en pantalla al menos 15 segundos antes de que estos aparezcan. No es un cambio sustancial, pero al menos tendrán que sonar antes de que la película concluya. 

En Hollywood, asumir el control total de una película no es una tarea sencilla. Dirigir y protagonizar un proyecto es doble responsabilidad que pocos actores se atreven a asumir. Sin embargo, cuando esta fórmula funciona, suele traducirse en reconocimiento crítico y, en algunos casos, en éxito en los premios más importantes de la industria: los Oscar.

El último en volver a sumarse a este reto es Bradley Cooper, que será el encargado de dirigir y protagonizar, junto a Margot Robbie, la precuela de Ocean's Eleven. No es la primera vez que el actor estadounidense se coloca detrás y delante de la cámara. Ya lo hizo con Ha nacido una estrella (2018) y más recientemente con Maestro (2023), consolidando una trayectoria en la que busca un mayor control creativo sobre sus proyectos.

Suele dar buenos resultados

Para dirigir una película se necesita una visión global del proyecto; para interpretar, concentración en el desarrollo del personaje. Combinar ambas funciones supone un gran desafío, ya que obliga a dividir la atención entre lo técnico y lo interpretativo. Aun así, algunos nombres ilustres han demostrado que esta doble faceta puede convertirse en una ventaja.

Uno de los ejemplos más representativos es Clint Eastwood, que tiene una de las carreras más sólidas de Hollywood como actor y director. Con Sin perdón (1992) y Million Dollar Baby (2004), Eastwood logró el Oscar al mejor director y a la mejor película, protagonizando además ambos filmes. Con su éxito en dos películas tan diferentes, se ha erigido como un modelo a seguir para quienes quieren dominar ambas disciplinas.

También destaca el caso de Mel Gibson, que consiguió el reconocimiento internacional con Braveheart (1995). La película no solo fue un éxito de taquilla, sino que le valió para ganar los premios Oscar al mejor director y a la mejor película. En esta misma línea se sitúa Kevin Costner con Bailando con lobos (1990). Su debut como director fue también uno de los más exitosos de la historia reciente, al conseguir dos de los premios más importantes de la Academia. Costner protagonizó la película y demostró que asumir ambos roles podía cosechar resultados extraordinarios. En este selecto club se encuentra también el reconocido Woody Allen, que ganó los premios a la mejor película y al mejor director por Annie Hall (1977). Ese año protagonizó el filme y fue nominado al Oscar al mejor actor, aunque no se llevó ese galardón.

Warren Beatty, por su parte, dirigió y protagonizó Reds (1981), con la que ganó el Oscar al mejor director. Curiosamente, estuvo nominado como actor pero no obtuvo la estatuilla de interpretación. Más reciente es el caso de Ben Affleck, quien con Argo (2012) consiguió el Oscar a la mejor película. Aunque no fue nominado como mejor director, su trabajo al frente del proyecto le valió para ganarse el respeto de Hollywood.

En esta lista aparece Roberto Benigni con La vida es bella (1997). El italiano logró combinar ambas facetas con éxito y ganó el Oscar al mejor actor por su interpretación, aunque no obtuvo reconocimiento en las categorías de dirección o mejor película. Y también encontramos a Laurence Olivier, el único en la historia que ha ganado el Oscar a la mejor película y al mejor actor por la misma cinta, Hamlet (1948).

Actualmente, cada vez más actores buscan ampliar su papel en la industria, ya sea como productores o en el rol de actor-director. La posibilidad de controlar la historia desde su concepción e interpretarla al mismo tiempo permite desarrollar proyectos más personales y coherentes. Un riesgo alto, pero que si se ejecuta bien, es sinónimo de buenos resultados.

El próximo paso de Bradley Cooper volverá a poner a prueba esta fórmula. Dirigiendo y protagonizando la precuela de Ocean's Eleven, tendrá una nueva oportunidad para demostrar si esta es una apuesta ganadora en Hollywood. Porque, aunque no todo el mundo es capaz de lograrlo, cuando se consigue, el resultado suele dejar huella.

Según IMDb, la base de datos en línea más grande y completa del mundo sobre cine y televisión, Peter O’Toole participó como actor en un total de 102 producciones. El actor británico, que falleció en 2013 a los 81 años, no dejó de trabajar casi hasta al final de sus días: la última película en la que participó, Cristiada , se estrenó apenas un año antes de que muriera. 

En sus años de trayectoria, O’Toole se ganó el cariño del público, pero también el reconocimiento de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos, encargada de entregar los más prestigiosos premios de la industria del cine. El actor consiguió un total de ocho nominaciones a los Oscar, lo que lo convirtió en uno de los intérpretes más nominados en la historia de estos galardones.

En esto, es Meryl Streep quien se lleva el primer puesto. La actriz ha sido nominada hasta en 21 ocasiones. Le siguen Katharine Hepburn y Jack Nicholson, ambos con 12 nominaciones al Oscar. La diferencia de estos intérpretes es que, al contrario que le ocurrió a O’Toole, ellos sí volvieron a casa con alguna estatuilla. 

Streep, por ejemplo, tiene tres victorias, incluyendo el Oscar a Mejor actriz que se llevó por su papel en La dama de hierro (2011). Katharine Hepburn, por su parte, ganó hasta cuatro galardones, siendo el primero el que consiguió en 1934 por su papel en Gloria de un día. Peter O’Toole, sin embargo, no alcanzó el lujo de subir al escenario para recibir la mítica estatuilla dorada por una de sus interpretaciones.

Tuvo que esperar al año 2003, año el que la Academia le otorgó el Premio Honorífico por su trayectoria. “Ahora tengo mi propio Oscar, que me acompañará hasta que la muerte nos separe”, comenzó diciendo en su discurso de agradecimiento. Y concluyó: “Deseo que la Academia sepa que estoy tan encantado como honrado. (...) Al final, me habéis dado esta deliciosa sorpresa. Sois muy buenos”.

Las mejores interpretaciones de Peter O’Toole

Aunque empezó a actuar un poco antes, la interpretación más emblemática de O’Toole llegó en los años 60, con el estreno de Lawrence de Arabia (1962). En la película, interpretó a T.E. Lawrence, un oficial británico que es enviado al desierto para participar en una campaña de apoyo a los árabes contra Turquía. Fue la primera vez que la Academia lo nominó a Mejor Actor.

Luego llegaron otras siete películas con las que también fue nominado al Oscar: Becket (1964), Un león en invierno (1968), Adiós, Mr. Chips (1969), La clase dirigente (1972), Profesión: el especialista (1980), Mi año favorito (1982) y Venus (2006). No le hizo falta ninguna estatuilla dorada para convertirse en uno de los iconos de Hollywood.

Acompañamos al periodista de elDiario.es Javier Zurro a la gala de los Oscar. Nos cuenta desde dentro una ceremonia en la que la película ‘Una batalla tras otra’ fue la gran ganadora y en la que la española Sirat, que estaba nominada a dos estatuillas, se volvió a España de vacío. Conocemos un sistema de seguridad férrea, un entorno en el que no se puede grabar pero donde hay muchas curiosidades que conocer. Nos lo cuenta, a su vuelta a España, nuestro compañero… ya que además, para él, era la primera vez en la que como periodista cubría los premios Oscar.

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Un premio puede parecer una garantía económica, pero no siempre funciona así cuando llega el momento de convertirlo en dinero. Algunos actores pueden atravesar dificultades económicas y plantearse vender sus premios Oscar, aunque ese galardón que representa lo más alto del cine no funciona como un objeto libre para hacer negocio.

La estatuilla tiene valor simbólico y abre puertas profesionales, pero su uso está limitado por normas que condicionan cualquier intento de venta. Esa diferencia entre el prestigio y el dinero es la que explica por qué el trofeo no se comporta como otros bienes de lujo. Ese límite lleva a una regla poco conocida que define qué se puede hacer con él.

La Academia obliga a ofrecer la pieza por un dólar antes de venderla

Ese límite sobre el uso del trofeo define el punto principal de toda esta historia. La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas impone a cada ganador la obligación de ofrecer primero su estatuilla por un dólar si quiere deshacerse de ella, y esa misma condición alcanza también a los herederos que la reciban tras la muerte del premiado.

La norma impide cualquier venta directa a terceros sin ese paso previo, y así corta la posibilidad de sacar beneficio del objeto. La medida se mantiene vigente y condiciona cualquier intento de poner un Oscar en circulación, que solo podría llegar a suceder si la Academia se niega a abonar el discreto montante.

Esa restricción contrasta con la percepción habitual de su valor. Ganar un premio de la Academia suele abrir la puerta a mejores contratos y puede aumentar el caché de un actor hasta un 20% en proyectos posteriores, pero el objeto físico en sí tiene un valor simbólico mucho mayor que su precio real.

La propia institución deja claro que no se puede usar como fuente de ingresos, y por eso establece reglas que frenan cualquier operación comercial con la estatuilla. Esa diferencia entre prestigio y dinero marca la distancia entre lo que representa el premio y lo que realmente permite hacer.

Los premios anteriores a 1951 sí alcanzan cifras altas en subastas

Sin embargo, no todos los Oscar están sujetos a esas limitaciones. Las estatuillas entregadas antes de 1951 quedaron fuera de ese marco legal, y por eso han aparecido en subastas con cifras muy altas. En 1999, Michael Jackson pagó 1,54 millones de dólares por el Oscar a mejor película de 1940 concedido a Lo que el viento se llevó, mientras que en 2011 el premio de guion de Ciudadano Kane de 1942 alcanzó 861.542 dólares. Esos casos muestran cómo cambia la situación según el año de entrega y dejan claro que el mercado existe, aunque solo para piezas anteriores a la norma.

El control no se queda solo en la venta de las estatuillas. La Academia también actúa contra usos no autorizados del símbolo, y ha llevado a los tribunales a negocios que fabricaban réplicas en chocolate o a páginas que utilizaban la palabra Oscar en su nombre.

Según informó Los Angeles Times en 2016, estas acciones buscan proteger la imagen del premio y evitar que se use sin permiso. Esa vigilancia amplía el alcance de las normas más allá de los propios ganadores.

Este 2026 llegó una nueva remesa que no podrá ser vendida

Todo este sistema convive con el prestigio que sigue rodeando a la ceremonia. En 2026, la gala se desarrolló sin grandes polémicas y títulos como Una batalla tras otra, Sinners, Weapons o Hamnet se llevaron algunos de los premios principales.

Aun así, hubo cierto debate sobre la nueva derrota de Timothée Chalamet y por la falta de nombres como James Van Der Beek o Brigitte Bardot en el segmento In Memoriam. Al mismo tiempo, intérpretes como Michael B. Jordan, Jessie Buckley y Amy Madigan recogieron sus estatuillas. Todos ellos aceptaron ese compromiso al recibir la estatuilla, lo que mantiene el control sobre su circulación incluso décadas después de la entrega.

Las quinielas lo tenían claro. Si había una canción que tenía todas las posibilidades de llevarse el Oscar en 2026, esa era Golden. El tema original de Las guerreras K-Pop, largometraje que también se fue a casa con la estatuilla a Mejor película de animación, fue todo un fenómeno el verano pasado. Y las apuestas se cumplieron. 

El hit que llegó a liderar todas las listas de éxitos del mundo consiguió el Oscar en una gala en la que Huntrx, trío ficticio formado en la vida real por las coreanas Rei Ami, Ejae y Audrey Nuna, también tuvo la oportunidad de interpretar el tema en directo. Fue uno de los pocos momentos musicales de la ceremonia que se celebró el domingo en el Dolby Theatre de Los Ángeles. 

Golden sustituye así a El mal, el rap con toques de rock que se llevó el Oscar a Mejor canción en la edición del año pasado y que formaba parte de Emilia Pérez, el musical protagonizado por Karla Sofía Gascón y Zoe Saldaña. Era la segunda vez en la historia de los premios de cine de Hollywood en la que un tema en español se llevaba la estatuilla.

Para conocer cuál fue la primera canción en español que consiguió este reconocimiento tenemos que remontarnos a 2005, año en el que Prince entregó el premio al cantautor uruguayo Jorge Drexler por la canción que había compuesto para la película biográfica sobre el Che Guevara. 

No querían que la cantara en directo

Al otro lado del río es el nombre del tema que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos decidió premiar en la ceremonia de los Oscar celebrada el 27 de febrero de 2005. La canción fue creada para Diarios de motocicleta, una película que narra el primer viaje del Che Guevara por América Latina.

Era la primera vez que una letra en español era reconocida en los Oscar. Sin embargo, a los organizadores del evento les pareció que Drexler no era lo suficientemente conocido en EE.UU. como para subir al escenario a cantarla en directo; para esa tarea, se contrató a Antonio Banderas y Carlos Santana.

Pero el compositor no quiso desaprovechar la oportunidad y cuando Prince pronunció el título de su canción y subió a recibir la estatuilla, el uruguayo dejó a un lado el típico discurso de agradecimiento y empezó a cantar. “Clavo mi remo en el agua / Llevo tu remo en el mío / Creo que he visto una luz / Al otro lado del río”. Se limitó a decir “chao” y “gracias” justo después de entonar esos primeros versos de la canción.

“¡Qué buena cara tienes!”, saluda el presidente de la Xunta, Alfonso Rueda. El interlocutor de la videollamada es el director de cine Oliver Laxe, que replica dudando de la veracidad de la apreciación. El jefe del Gobierno gallego ha publicado en sus redes sociales un vídeo en el que felicita al cineasta por su participación en los Oscar, en los que su última película, Sirat, tuvo dos nominaciones, aunque finalmente no lograse ninguna de las dos estatuillas. Laxe afirma que “es fácil perder contra cineastas tan buenos” y Rueda le traslada su apoyo: “Es para estar orgulloso”.

La conversación se desarrolla con la reflexión de Laxe sobre lo aprendido en los últimos meses, con el recorrido de la película en salas y premios (como en el Festival de Cannes, en el que sí se llevó un premio, el del Jurado), y la buena posición en la que considera que se encuentra ahora para sus nuevos proyectos. La Xunta ha sacado pecho también del trabajo del cineasta, al que dio apoyo para la realización de Sirat y al que concedió después una ayuda para la promoción internacional del filme.

“Eres nuestro frontman, así que cuídate mucho y siéntete muy orgulloso, que nosotros estamos muy orgullosos de ti”, insiste Rueda, antes de despedir la llamada y enviarle “un abrazo de toda Galicia”.

Una broma del presidente gallego durante la videollamada permite recordar que la vicepresidenta segunda del Gobierno y ministra de Trabajo, Yolanda Díaz, no ha sido la única representante de una administración pública que viajó a Los Angeles para la gala. Su asistencia fue criticada por el PP, el partido de Rueda, que publicó en sus redes un montaje de la ministra sujetando un Oscar y citando una información sobre el coste del billete de avión.

“Te mandé a Jose a que te diese un poco de suerte”, dice Rueda. Ese Jose es José López Campos, el conselleiro de Cultura, que estuvo en la ciudad estadounidense para compartir el “acontecimiento histórico” que representa para el audiovisual de la comunidad que, por primera vez, una película gallega haya estado nominada a los Oscar.

El Gobierno gallego informó en una nota de prensa de que López Campos viajó acompañado del director de la Axencia Galega das Industrias Culturais, Jacobo Sutil, para “ejercer la representación institucional de la Xunta en la ceremonia de entrega”. 

Uno de los grandes protagonistas de la ceremonia de los Premios Oscars 2026 fue Michael B. Jordan al llevarse la estatuilla a mejor actor protagonista, una categoría en la que el gran favorito era Timothee Chalamet por su interpretación en ‘Marty Supreme’. El papel de los hermanos gemelos Smoke y Stack en ‘Sinners’ ha valido al actor afroamericano el ser una de las grandes sorpresas de la noche.

Un hito que alcanza a los 39 años y que en su discurso se centró en agradecer el camino que abrieron otros actores negros anteriormente: “Estoy aquí gracias a las personas que me precedieron: Sidney Poitier, Denzel Washington, Halle Berry, Jamie Foxx, Forest Whitaker, Will Smith. Y estar entre esos gigantes, entre esos grandes grandes, entre mis antepasados, entre mis compañeros”, declaró, con un galardón que culmina trece años de amistad y colaboración con Ryan Coogler.

La colaboración entre Ryan Coogler y Michael B. Jordan inició en 2013 con ‘Fruitvale Station’, donde el actorinterpretaba a Oscar Grant, un joven afroamericano que muere a manos de la policía en Oakland, una historia basada en hechos reales, aclamada por la crítica y que lo convirtió en uno de los más prometedores de la generación. Después de esta, han trabajado juntos cinco veces más hasta llegar a ‘Sinners’ y que ha dado como resultado el premio Oscar.

Otra de las razones por las que Michael B. Jordan ha sido también uno de los protagonistas de los Oscars 2026 al celebrar su premio en un restaurante de comida rápida de Hollywood, ‘In-N-Out’, donde acudió junto a su estatuilla conseguida por Mejor actor protagonista.

La llegada del actor sorprendió a los trabajadores y los clientes que allí se encontraban, de un local que se encuentra tan solo a unas manzanas del Dolby Theatre de Los Ángeles, y las imágenes firmando servilletas y envoltorios mientras degusta una hamburguesa se han hecho virales en redes sociales. Todo ello antes de acudir a la habitual fiesta de los Oscars de Vanity Fair.

El curioso vínculo de esta hamburguesería con los premios Oscars

Esta aparición de Michael B. Jordan en la cadena de hamburguesas no es nada nuevo, porque mantiene un cierto vínculo con los premios Oscars, al encontrarse relativamente cerca, y a la que acuden muchos nominados y asistentes a la ceremonia.

De hecho, así lo dejó claro también el presentador Jimmy Kimmel para la revista People en una entrevista en 2024: “No tengo nada en contra de McDonald’s, pero en la noche de los premios, es In-N-Out. Creo que en parte es porque cuando la gente está en Los Ángeles, una de las cosas de su lista es ir a In-N-Out y hay mucha gente que está en Los Ángeles sólo por los Oscar, así que acaban diciendo: 'Vale'. Además, te entra mucha hambre, así que In-N-Out es sin duda la tradición de las galas de premios”, concluyó.

Así, algunos galardonados que también celebraron su premio Oscar acudiendo a esta famosa cadena fueron también nombres como Paul Giamatti, Julia Roberts o Reese Witherspoon.

Las salas de cine han recibido durante años historias inquietantes que el público seguía con entusiasmo, mientras los grandes premios apenas miraban hacia ese tipo de producción. Los Oscar 2026 rompieron esa inercia y dejaron una señal clara de cambio en la relación entre la Academia y el terror.

Ese giro quedó fijado en la ceremonia de este año, cuando tres películas del género reunieron ocho estatuillas en total. Nunca antes el terror había acumulado tantos premios en una misma gala. El resultado coloca al género en una posición distinta dentro de los premios y refuerza la idea de que el miedo puede mantener historias con peso artístico y reconocimiento institucional.

La versión de Guillermo del Toro obtuvo premios en áreas de producción

Una de las producciones que sumó estatuillas fue Frankenstein, dirigida por Guillermo del Toro. La película obtuvo tres premios dentro de categorías de producción. La Academia distinguió el maquillaje y peluquería, el diseño de vestuario y el diseño de producción. La obra aspiraba a nueve premios en total y su director buscaba trasladar al cine la criatura creada por Mary Shelley.

Aunque algunos análisis literarios consideran que la adaptación prescinde de partes relevantes de la novela, la película consiguió una buena presencia en la gala. El resultado confirma una tendencia habitual en estos premios, donde el terror ha logrado reconocimiento con frecuencia en apartados técnicos.

La película de Ryan Coogler dominó las nominaciones de la noche

En la gala reciente, el título más destacado fue Los pecadores, dirigido por Ryan Coogler. La película logró cuatro premios y acumuló 16 nominaciones, la cifra más alta registrada por una película en la historia de los Oscar.

Michael B. Jordan recibió el premio a mejor actor por su interpretación. El film también obtuvo los galardones de mejor guion original, mejor banda sonora y mejor fotografía. Además, ese último premio supuso un momento singular porque la estatuilla en fotografía fue entregada por primera vez a una mujer dentro de esta categoría.

A pesar de ganar cuatro premios, la película terminó perdiendo 12 de las 16 candidaturas a las que optaba, una cifra que la convierte en el título con más nominaciones no convertidas en premios.

Amy Madigan cerró una espera de cuatro décadas con su premio

Otra de las películas presentes en la ceremonia fue Weapons, dirigida por Zach Cregger. El reconocimiento llegó con el premio a mejor actriz de reparto para Amy Madigan. El galardón también marcó un récord personal en la trayectoria de la intérprete.

Madigan había recibido su primera nominación en 1985 por Dos veces en la vida. La distancia entre aquella candidatura y el premio actual alcanza cuatro décadas, el intervalo más largo entre nominaciones registrado para una actriz dentro de los Oscar.

El análisis del sector señala razones culturales y económicas del auge

Ese contexto también explica el momento que atraviesa el género. El portal Fangoria señaló que cada temporada se repite una pregunta sobre el reconocimiento institucional al terror. Según el medio, durante décadas la respuesta era negativa, pero la situación actual presenta matices distintos.

Fangoria indicó que “este año se ha llenado de cine de terror demasiado poderoso para ignorarlo”, una valoración que apunta a la fuerza cultural de estas producciones. El mismo análisis recuerda que la historia de los Oscar siempre ha tratado estas películas como excepciones, incluso cuando obtuvieron premios importantes.

El contexto económico también explica parte del cambio. Más del 50% de las películas de terror generan beneficios, mientras que el promedio del cine en general se sitúa cerca del 37%. Esa diferencia muestra por qué los estudios siguen apostando por el género.

Además, en los últimos años muchos realizadores han explorado el terror como herramienta para tratar conflictos sociales o políticos. Fangoria señaló que las producciones recientes utilizan monstruos o amenazas como metáforas de sistemas de poder, desigualdad o desconfianza institucional.

La historia de estos premios guarda algunos precedentes muy recordados

La historia del terror en los premios de la Academia incluye otros títulos que lograron estatuillas en distintas épocas. Algunos de esos momentos quedaron muy presentes en la memoria del cine. Fangoria recordó que “el triunfo de El silencio de los inocentes en 1991 sigue siendo el único caso en el que una película de terror ganó mejor película”.

El género también ha obtenido premios con producciones como Misery, donde Kathy Bates ganó mejor actriz, o ¡Huye!, que consiguió el Oscar a mejor guion original.

Películas de terror que han ganado un Oscar

A lo largo de las décadas, varias películas de terror han sido reconocidas con premios de la Academia. Estas son todas ellas:

Entre premio y premio, los Oscar reservaron un hueco de la gala para recordar a las estrellas fallecidas en el último año, como el actor Robert Redford, el cineasta Rob Reiner, la intérprete Diane Keaton o el popular Val Kilmer, quien encarnó a Batman en 1995. A todos ellos, entre muchos otros, se les incluyó en la sección especial In Memoriam que se proyectó en la ceremonia. 

Sin embargo, la sorpresa llegó por la decisión de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas estadounidense (AMPAS) de no incluir a figuras como Gene Hackman, Eric Dane y Brigitte Bardot. Ellos tres se quedaron sin mención durante de la gala de Hollywood, una ausencia que ha llamado la atención de medios especializados como Variety o también de los asistentes de la 98 edición. 

En el momento In Memorian, tampoco hubo hueco para el actor y director de televisión estadounidense Malcolm-Jamal Warner o el conocido intérprete Robert Carradine. Otras ausencias: la actriz June Lockhart, conocida por su papel en la serie de televisión Lassie, o el artista estadounidense Bud Cort. 

Las ausencias de todos ellos no pasaron inadvertidas, aunque algunos aparecen en la página web del AMPAS. Ese es el caso de la francesa Brigitte Bardot y de Eric Dane. También de James Van Der Beek, conocido por sus apariciones en películas como Varsity Blues y The Rules of Attraction y quien falleció a los 48 años el pasado mes de febrero. Sin embargo, no hay rastro de Gene Hackman. 

Medios como Variety destacan, sobre todo, la ausencia de Bardot, estrella en películas como Y Dios creó a la mujer, La verdad, Un asunto muy privado y El desprecio. De acuerdo con The Guardian, esta decisión podría responder a los polémicos posicionamientos de la actriz y cantante gala, defensora activa de la extrema derecha. De hecho, su inclusión en los Premios César fue recibida con abucheos y gritos de “racista”.

En cambio, la gala rindió un emotivo homenaje a Reiner y Redford, a quien Barbra Streisand dedicó unas sentidas palabras y cantó un fragmento de la oscarizada canción The Way We Were, de la película con el mismo título y en la que ambos compartieron pantalla. Por su parte, el comediante Billy Crystal fue el encargado de honrar la memoria de Reiner, a quien describió como una de las figuras más influyentes de Hollywood y destacó su activismo.

Sirat se va de vacío

Una batalla tras otra fue la gran triunfadora de la 98 edición de los Oscar, que reconocieron el talento de su director, Paul Thomas Anderson, uno de los directores más prestigiosos de Hollywood pero menos premiados por la academia. El filme se llevó seis estatuillas frente a los cuatro de la que era la gran favorita, Los pecadores de Ryan Coogler, que llegó a la gala con el aval de haber conseguido el récord de nominaciones de la historia de los premios, con 16 candidaturas. Por su parte, Sirat se quedó su premio. Sentimental Value se consagró como mejor película extranjera y el mejor sonido fue para F1.

Vi Hamnet en su avant premier en Argentina: desde ese día hasta el día en que saldrá esta columna, cuando se decidirá su suerte en los Oscar, siento que la película pasó por muchísimas conversaciones. El privilegio de verla antes de leer casi cualquier cosa fue clave: pude disfrutarla antes de escuchar que Chloé Zhao no sabe filmar o, peor todavía, que la película es “porno del duelo”, lo que sea que eso signifique.

Hamnet es una especie de caja china de derivaciones: fue primero una novela de la británica Maggie O’Farrell, pero que es a su vez una suerte de ficcionalización de la vida de William Shakespeare en la que él es un personaje completamente lateral y la protagonista es su esposa, particularmente el modo en que ella lidia con la muerte de su hijo Hamnet (que, en esta lectura, sería la inspiración para la obra maestra Hamlet). Esta novela, que es entonces una especie de adaptación de la historia de la literatura, es luego adaptada al cine por la cineasta china Chloé Zhao. Zhao debutó en el cine como documentalista, de modo que no es extraña al trabajo con la realidad; y sin embargo, en la película se sumerge en la fantasía con una libertad refrescante y casi inocente. 

Habiendo leído el libro, me pareció que la película no hacía tanto énfasis en lo que para mí era lo más notable de la novela original de O’Farrell: Agnes, la protagonista (una versión ficcional de la esposa de Shakespeare), es una mujer del siglo XXI atrapada en el siglo XVI. El duelo, y sobre todo el duelo de un hijo, son experiencias intraducibles de una época a la otra. O’Farrell intenta todo el tiempo, a lo largo de su texto, mostrarnos la cercanía que existía en la época isabelina con la muerte, y quizás sobre todo entre la muerte y los niños.

Los hijos de Agnes y Shakespeare viven sumergidos en la violencia de la naturaleza: sin tutores ni miedos, sin medicina moderna, en una forma de vida cuasi autónoma, sucia y salvaje que no se parece en casi nada a lo que hoy entendemos por infancia. La muerte de los hijos, entonces, era ciertamente triste, pero sería raro decir que era trágica: definitivamente no era considerada, como lo es hoy, como “lo peor que puede pasarle a una persona”. Era más bien, quizás, análoga a lo que hoy sería la muerte de un padre, o de una pareja; una de las durezas de la vida, pero de esas que le tocan más o menos a todo el mundo y que se espera que una pueda sobrevivir. Agnes, en cambio, lo trata como lo trataríamos nosotros: a ojos de todo su entorno, entonces, enloquece.

En la novela, este contraste entre lo que se espera de una madre (que siga adelante con su vida) y lo que Agnes de hecho hace es uno de los temas centrales. En la película, en cambio, esta diferencia entre Agnes y su entorno está mucho menos clara; de alguna manera, la película aprovecha el hecho de que su protagonista tenga la sensibilidad de una chica “de ahora” para sencillamente contarnos la historia como si sucediera “ahora”. Entonces Agnes no solo es una madre del siglo XXI; es también una esposa del siglo XXI. El modo en que Agnes se molesta con la insensibilidad de su esposo, con el hecho de que él sí siga adelante con su vida y su carrera luego de la muerte del pequeño Hamnet, es claramente extemporáneo.

Pocas cosas me producen tanta curiosidad como las emociones de hace siglos: cómo era ser mujer, hombre, padre, madre, amigo, amiga, hijo o hija antes de que las familias fueran eso que son hoy. Cómo era enamorarse; cómo era criar; cómo era separarse; cómo era duelar. Hamnet es una película preciosa y sensible; me resultó admirable, sobre todo, el modo en que Zhao narra la naturaleza, y la importancia de los tiempos y los colores de lo silvestre para el personaje de Agnes. Es virtuoso, también, el trabajo de Jessie Buckley construyendo una protagonista al mismo tiempo opaca y transparente. Pero si la película tiene algo imperdonable es su falta de curiosidad por la sensibilidad de la época que retrata: Zhao abraza esas contradicciones que están en el texto de O’Farrell, pero un poco para suavizarlas y pararse firmemente de un lado, el lado de nuestra manera de entender los sentimientos. Se pierde, entonces, de preguntarse por lo situado de nuestra manera de sentir, lo contextual y lo temporal del modo en que entendemos cosas supuestamente tan eternas como la vida y la muerte, el duelo y el amor.

Pienso que hay un solo vínculo en la película que escapa a este problema: la relación entre Agnes y su suegra, la madre de Shakespeare, encarnada por Emily Watson. Creo que tanto en lo que ponen las actrices como en el texto, o sobre todo en la falta de él, ahí se construye una camaradería femenina antigua en el mejor de los sentidos, una complicidad basada solamente en la suerte compartida, o más bien en la falta de ella, que estaba más a flor de la piel cuando la vida de todas las personas, pero quizás ante todo la de las mujeres, estaba más determinada por la naturaleza. Dos mujeres que en principio se tratan con frialdad y desconfianza se vuelven hermanas no, como lo haríamos en el siglo XXI, compartiendo experiencias a través de las palabras, sino compartiéndolas porque la gente vivía demasiado cerca, porque no existía la privacidad ni la higiene anónima de los hospitales tal como hoy la conocemos. En esos pocos momentos que ellas comparten está escondida, en mi humilde opinión, la película que podría haber sido.

TT/MF

Ha tenido que hacer diez películas para que los Oscar, por fin, le reconozcan. Paul Thomas Anderson es uno de los cineastas fundamentales del cine independiente de EEUU desde hace tres décadas. Por el camino ha traído obras maestras como Boogie Nights, Magnolia, The master, Pozos de ambición o El hilo invisible. Por todas ellas logró nominaciones a los premios de la Academia de Hollywood. No ganó por ninguna.

La Academia le debía una. Y se la ha devuelto a lo grande. No podía ser de otra forma, su Una batalla tras otra era la película del año, y ha salido de los Oscar encumbrada como tal y con seis galardones, entre ellos todos los importantes: Mejor película, dirección, guion adaptado (todos para él), además de los de mejor montaje, actor de reparto para Sean Penn y el de mejor casting, que se entregaba por primera vez en esta edición. S

PTA, como se le conoce entre la cinefilia, suele ser alérgico a los discursos políticos. De hecho, en los BAFTA fue preguntado por ello. Sobre su decisión de no decir nada cuando su película habla de revolución, de la importancia de que los que vengan o hagan mejor y logren los cambios que no lograron los anteriores. En su primer discurso de la noche, el de guion adaptado (el filme se basa libremente en el Vineland de Thomas Pynchon), ya dejó pistas, pero fue en la sala de prensa del Dolby Theatre donde al ser preguntado habló algo más.

Cuando, en las tres únicas preguntas que se le hicieron, se le cuestionó por el mensaje que dejaba su filme en el mundo actual, dejó claro que su película “Obviamente guarda cierto paralelismo con lo que sucede a diario en las noticias”. “Evidentemente refleja lo que está ocurriendo en el mundo en cuanto a la dirección que este está tomando. No lo sé con certeza, pero sí sé que, al final de nuestra película, vemos a nuestro héroe marcharse para continuar luchando contra las fuerzas del mal. Y ojalá el sentido común y la decencia vuelvan a estar de moda”, añadió.

También abordó una de las críticas que se ha hecho a la película, el del tratamiento de su personaje femenino, Perfidia Beverly Hills. Anderson se refirió a las palabras de su protagonista, Teyana Taylor, que no pudo lograr el Oscar horas antes. “Retratamos muchos personajes diferentes. Su personaje está lleno de imperfecciones y, lamentablemente, toma decisiones que resultan perjudiciales para la revolución por la que ella intenta luchar. Es algo complejo. Siempre supimos que estábamos intentando crear algo complejo”, defendió de su guion. 

A medida que uno se hace mayor y continúa en la profesión, la única razón por la que sigue haciéndolo es para estar con otras personas

Paul Thomas Anderson — Cineasta

Por eso quiso “no hacer algo que fuera puramente heroico”. “Debemos asumir esa complejidad. Debemos reconocer el hecho de que esta mujer no solo padecía depresión posparto, sino que también arrastraba problemas personales propios con los que aún no se había reconciliado realmente. Es algo muy peligroso cuando uno empieza con el propósito de cambiar el mundo, pero poco a poco comienza a volverse algo egoísta y termina leyendo sus propias reseñas. Esa era nuestra heroína, Perfidia, alguien que termina convirtiéndose en una antiheroína”, argumentó. 

Finalmente subrayó de nuevo el mensaje del filme, que mira al futuro y las nuevas generaciones para arreglar este caos: “El objetivo de todo esto era sentar las bases para la historia de Willa, la siguiente generación. ¿Qué sucede cuando tus padres, que son personas dañadas, te han legado una historia bastante difícil? ¿Cómo lidias con eso? Esa es nuestra historia. Y nuestra historia se centra en Chase y en su evolución; o, para expresarlo en términos del aspecto generacional: en su intento por hacerlo mejor”, zanjó.

En el poco tiempo ante la prensa, Paul Thomas Anderson defendió también la labor del cineasta como algo comunal: “La única razón por la que sigo haciendo esto es por las personas con las que colaboro. Quizás no esté muy de moda decir que uno no hace esto por los premios ni por ninguna otra cosa, pero, lo juro por Dios, lo que realmente me entusiasma de hacer cine es colaborar con otras personas. Ahora mismo, ese es el punto número uno de mi lista. Quizás, cuando uno empieza, solo piensa en lo que sea que persiga en ese momento; simplemente quiere formar parte del mundo del cine. Pero a medida que uno se hace mayor y continúa en la profesión, la única razón por la que sigue haciéndolo es para estar con esa gente”.