El 19 de marzo de 2015, el Teatro Romea subió el telón para que el público barcelonés viera, por primera vez, Els veïns de dalt, la primera obra escrita y dirigida por Cesc Gay, cineasta responsable de títulos como Truman o En la ciudad. Aquella comedia de enredo que se basaba, de alguna forma y muy libremente, en el ruido generado por sus propios vecinos de arriba, fue un éxito que estuvo un año llenando el patio de butacas. Pere Arquillué, Àgata Roca, Nora Navas y Jordi Rico daban vida a estas dos parejas que en una cena acaban sacando los dardos para mostrar las grietas, dudas y aspiraciones de dos parejas modernas en un mundo que corría más rápido que ellos.

El éxito hizo que, apenas un año después, la obra llegará al teatro de la Latina de Madrid, con un reparto completamente nuevo (Pilar Castro, Xavi Mira, Andrew Tarbet y Candela Peña) y su título en castellano: Los vecinos de arriba. El resultado, el mismo, un éxito atronador con el cartel de ‘No hay entradas’ colgado día tras día, al igual que en la gira por toda España que se realizó justo después.

Era cuestión de tiempo que aquella obra se convirtiera en una película. Una producción, a priori, sencilla: cuatro actores, un único escenario y la prueba de fuego ya pasada, la de un guion que hacía reír a carcajadas allá por donde pasara. El encargado fue el propio Cesc Gay, que estrenó en noviembre de 2020 su versión. De nuevo, cambio de reparto. Ahora eran Javier Cámara, Alberto San Juan, Belén Cuesta y Griselda Siciliani. Esta vez sí, cambió de título. De Los vecinos de arriba se pasó a Sentimental. A pesar de estrenarse con las persianas a medio subir en la época post covid, el filme logró 733.364 euros en taquilla. 

Y aquí llega lo novedoso. Aquella comedia de dos parejas que parecía un fenómeno puramente español, empezó a ser comprado para remakes. El primero llegó de Italia en 2022. Paolo Costella sustituía a Cesc Gay en Vicini di casa, una comedia que se iba más a la exageración y el humor más corporal, pero que mantenía línea a línea el guion. Fue solo el comienzo. Desde entonces han llegado remakes en Suiza (Die Nachbarn von oben, 2023) —que logró dos nominaciones a los premios del cine suizo para sus dos actrices—, Francia (Et plus si affinités, 2024), Rusa (Neprilichnye gosti, 2024), República Checa (V dobrém i zlém, 2024), Corea del Sur (Witjip saramdeul, 2025), Países Bajos (De bovenburen, 2026) y Portugal (O Pecado Mora em Cima, 2026).

Ha sido, cómo no, la versión de EEUU la que ha terminado de colocar la película original en el foco. El remake que ha hecho Hollywood llevaba años rondando los estudios. Exactamente, desde marzo de 2021, cuando se compraron los derechos para una versión en inglés. Un año después se anunció a Jonathan Dayton y Valerie Faris (directores de Pequeña Miss Sunshine) para dirigirla y en 2023 se dijeron los primeros nombres del reparto: Amy Adams, Paul Rudd y Tessa Thompson. Sin embargo, la producción nunca comenzó y acabó en un cajón hasta que en 2025 recayó en las manos de Olivia Wilde, aunque manteniendo el guion que habían escrito Rashida Jones y Will McCormack con el nombre de The invite. Wilde, además, se ponía al frente del reparto y elegía a Seth Rogen, Edward Norton y Penélope Cruz para protagonizarla.

A priori pocos apostaban porque el noveno remake de la misma historia pudiera hacer mucho ruido, pero el paso del filme en el pasado Festival de Sundance —a donde llegó sin distribución— se convirtió en la película más deseada del certamen. Los estudios pujaron por ella con ofertas millonarias. Finalmente, fue A24 quien se hizo con los derechos por 10 millones de euros tras rechazar Olivia Wilde una oferta del doble de dinero de Netflix por su compromiso con las salas de cine. 

En EEUU se estrenó el pasado junio, y las críticas fueron arrolladoras. Tanto, que se encargaron de colocarla como una de las primeras favoritas a los Oscar. Cuatro meses después sigue en los lugares más altos de las apuestas. Y lo hace, además, con 60 millones de dólares recaudados en todo el mundo y con muchos lugares por estrenar. Entre ellos, España. Aquí, lugar de nacimiento del original de Cesc Gay llegará este viernes, y ya con el runrún de los Oscar y la más que posible nominación de Penélope Cruz, que podría hacer historia en los premios de la Academia si consigue ser la primera persona en obtener dos nominaciones en la misma categoría el mismo año (algo posible tras el cambio de normas de la Academia y que podría ocurrir gracias a su otro trabajo en La bola negra).

Una mirada afilada y feminista

Tras ver La invitación uno puede entender porque una película vista tantas veces antes ha conseguido destacar de esa manera. El primer lugar al que hay que mirar es al guion. La adaptación hecha por Rashida Jones y Will McCormack lima aspectos que la hacen mucho más moderna y afilada. Más propia del 2026. Complejiza los personajes femeninos, les da más aristas, y trae el conflicto de estas parejas al presente. Se toma la comedia en serio. Se quiere hacer reír, pero en una película que habla de una herida que afecta a muchas parejas del presente, con temas como la clase o la vivienda latiendo de fondo.

A eso hay que añadir la inteligencia de Olivia Wilde en la dirección. Casi todas las adaptaciones se han visto muy limitadas por el origen del texto. Cuatro personajes y un piso. Eso es todo lo que había en la obra de teatro, y ahí había que apañárselas para convertirlo en un artefacto cinematográfico. La mayor parte de las películas se han visto afectadas por ello. Han apostado todo a la efectividad del texto en vez de pensar en formas expresivas de explotar el territorio doméstico.

Wilde lo ha hecho. Lo demuestra con la elección de esa banda sonora, casi de música de thriller, que tensa cada conversación, también con un montaje mucho más rápido, y, sobre todo, con la composición de cada plano. Dónde se coloca cada personaje es importante. Cómo construye todos los elementos de su plano, y cómo juega con la propia arquitectura de la casa demuestra inteligencia, hasta llegar a un plano final que es capaz de mostrar el estado emocional al que han llegado los protagonistas solo por cómo les sitúa en el encuadre.

Como demostraba la obra y la primera versión, Sentimental, lo que es fundamental es tener a cuatro intérpretes que entiendan el tempo de una comedia basada en unos guiones ácidos, pero también en el ritmo y en cómo se paladean las pullas que se lanzan. Wilde ha elegido cuatro todoterrenos, pero son sobre todo ella misma y Penélope Cruz las que destacan. Wilde asumiendo la parte más exagerada, a veces rozando la comedia física. Siempre aportando algo, una reacción en segundo plano, un gesto divertido. Cruz disfrutando en un personaje que ella ayuda a elevar respecto a otras versiones. Mezcla el español y el inglés con naturalidad, y convierte su Piña en un torrente de energía. El público entiende que todo se revolucione con su llegada. 

Penélope Cruz reconocía en el Festival de Venecia que ella es la primera sorprendida por lo que le está ocurriendo este año. “Cuando estrenas tres películas en un año, si una sale bien y conecta con el público ya es una especie de milagro, pero que pase con las tres es raro. Y es sano que me siga sorprendiendo”, contaba tras la presentación de la tercera de esas películas, Búnker.

De los Oscar no quiere ni hablar. Cuando le mandaron las previsiones que la colocan nominada tanto por La invitación como por La bola negra se puso tan nerviosa que borró el mensaje que había escrito a quien se lo había enviado. Al final lo resumió con una palabra “ilusión”. “Eso quiere decir que las cosas van bien en tu trabajo y eso se traduce en que te sigan ofreciendo personajes interesantes, en poder seguir viviendo de tu trabajo, haciendo lo que te gusta y con material de calidad y con material que te permita enfrentarte cada vez a algo, algo nuevo, a algo que te dé miedo, y esa es la sensación que crea adicción dentro de nuestra profesión”. 

Ahora que los Javis y su película La bola negra se han situado en la carrera hacia los Óscar, es un buen momento para recordar cuál fue la primera película que trajo la dorada estatuilla de Hollywood a España. Y que, de paso, convirtió Gijón en un plató cinematográfico que todavía hoy se puede recorrer. La ciudad asturiana, sede de un importante festival de cine, fue escenario del rodaje de Volver a empezar, el drama nostálgico con el que, efectivamente, José Luis Garci consiguió, en 1983, el primer Oscar para el cine español.

Volver a empezar relata la historia de un famoso escritor que regresa a su ciudad natal, que es precisamente Gijón. Y es a través de este personaje que recorremos diferentes lugares emblemáticos de la ciudad, desde el puerto viejo, el Club de Regatas, el muro de San Lorenzo o el teatro Jovellanos.

Una ciudad protagonista

En la película de Garci, Antonio Ferrandis da vida a Antonio Albajara, un profesor de Literatura en Berkeley que decide regresar a Gijón tras recibir el Premio Nobel de Literatura y repasar los recuerdos de una ciudad que dejó atrás muchos años antes. Un argumento que le sirvió a Garci para hablar, aunque fuese entre líneas, de aquellos que tuvieron que huir durante el franquismo y pudieron por fin regresar con la Democracia.

En la película, Antonio se reencuentra con Elena (Encarna Paso), su amor de juventud, y junto a ella recorre varios lugares de la ciudad. Su deambular por la ciudad convierte Gijón en protagonista y la película funciona también como un pequeño reportaje turístico, ya que nos muestra lugares emblemáticos como el Teatro de Jovellanos, el Club Astur de Regatas o los viejos cines Robledo. Antonio y Elena incluso asisten a un partido del Real Sporting de Gijón en el estadio de El Molinón.

Entre los lugares que más aparecen destaca, sin duda, la Playa de San Lorenzo y su muro, el paseo marítimo. Asimismo, en la película, Antonio se hospeda en el Hotel Asturias, que todavía existe hoy en día y donde puede verse una placa que recuerda que allí se rodaron escenas de la película ganadora del Oscar.

Más allá de Gijón

El reencuentro de Antonio con Elena les lleva más allá de Gijón, a recorrer algunos lugares cercanos que no pueden faltar en ninguna ruta turística por Asturias. Así, en la película aparecen imágenes de postal del ojo de Deva, donde nace el río Peñafrancia, y también aparecen varios enclaves de la costa asturiana como Cudillero, Cangas de Onís, Muros de Nalón y el Cabo Peñas, así como del Santuario de Covadonga.

La proyección internacional obtenida por esta película gracias a los Oscar sirvió, pues, para dar a conocer al mundo unas localizaciones poco habituales en la gran pantalla. Asimismo, abrió el camino para otros cineastas españoles que triunfaron en Hollywood, como Fernando Trueba o Pedro Almodóvar. Quién sabe si La bola negra ampliará también esta lista.

En la madrugada del 25 de febrero de 2008, un actor español acudió a la 80.ª edición de los Premios Oscar, celebrada en el Teatro Kodak de Los Ángeles (California), con la posibilidad de llevarse una estatuilla. Estaba nominado a Mejor actor de reparto por No es país para viejos, la película escrita y dirigida por los hermanos Joel y Ethan Coen que se había estrenado meses antes.

El intérprete competía con otros compañeros de profesión, entre los que estaban Casey Affleck, Philip Seymour Hoffman, Hal Holbrook y Tom Wilkinson, pero finalmente su nombre fue el elegido. La cantante y actriz estadounidense Jennifer Hudson fue la encargada de leer el sobre y anunciar que Javier Bardem acababa de hacer historia.

“Mamá, esto es para ti”, dijo el español refiriéndose a Pilar Bardem, que lo acompañó en aquella noche tan especial, durante el discurso de agradecimiento. “Esto es para tus abuelos, para tus padres Rafael y Matilde. Esto es para los cómicos de España que han traído, como tú, la dignidad y el orgullo a nuestro oficio. Esto es para España, y esto es para todos vosotros”. 

Javier se convirtió así en el primer actor español en ganar un Oscar. Hasta entonces otros españoles habían sido nominados, pero ninguno había conseguido ser galardonado en la categoría de interpretación. Bardem mismo había sido candidato en 2001 por Antes que anochezca, largo de Julian Schnabel, pero tuvo que esperar siete años para finalmente conseguir la estatuilla.

Aquella noche fue especialmente importante para No es país para viejos. El largometraje terminó la gala con cuatro premios, incluidos los de mejor película, mejor dirección para los hermanos Coen y mejor guion adaptado. La Academia destacó además que, por primera vez desde 1964, los cuatro intérpretes ganadores en las categorías de actuación eran extranjeros.

Más allá de Bardem

Bardem abrió la veda para los actores y actrices españoles en la Academia de Hollywood, y solo hubo que esperar solo un año para que otro nombre español levantara la estatuilla. En 2009, Penélope Cruz ganó el Oscar a actriz de reparto por Vicky Cristina Barcelona, dirigida por Woody Allen. Se convirtió así en la primera actriz española en conseguir el premio.

Primera y última, al menos de momento, pues la pareja de actores formada por Bardem y Cruz sigue siendo la única que ha conseguido un galardón en la más prestigiosa gala de la industria cinematográfica. En 2020, Antonio Banderas fue nominado por su papel en Dolor y Gloria, de Pedro Almodóvar, pero este tampoco consiguió la victoria.

Hoy se estrena La bola negra en España y, mientras tanto, Netflix sigue trabajando en su estrategia para la película en su carrera por el Oscar. Según ha podido conocer The Hollywood Reporter, todo el elenco aplicará a las categorías de reparto —Guitarricadelafuente, así como los actores Miguel Bernardeau, Carlos González y Milo Quifes, y las actrices Penélope Cruz, Lola Dueñas y Glenn Close—. La razón de esta decisión es que ningún intérprete destaca claramente sobre los demás según su tiempo en pantalla, por lo que carece de sentido hacer campaña por alguno de ellos en la categoría de protagonista.

No es la primera vez que se lleva a cabo esta estrategia. Numerosas películas aclamadas y exitosas en la temporada de premios optaron en su momento por tomar la misma decisión, incluyendo cuatro que ganaron el Oscar a la mejor película: Crash (2005), Spotlight (2015), Moonlight (2016) y Parasite (2019). Todas ellas, excepto Parasite, también obtuvieron al menos una nominación individual a mejor actor o actriz de reparto, y todas ellas, excepto Moonlight, también ganaron el premio al mejor reparto.

El filme es uno de los títulos favoritos para la próxima temporada de premios tras su victoria a la mejor dirección en el Festival de Cannes y se ha convertido en la apuesta de Netflix para los Oscar. Ha gozado de una enorme acogida por parte de la crítica y, desde entonces, la plataforma de streaming ha preparado una gran campaña. Tanto es así que tendrá el periodo de tiempo más largo en la cartelera de EEUU antes de su estreno en Netflix. Asimismo, su canción La nieve, compuesta por Guitarricadelafuente y Raül Refree, ha sido presentada para luchar por la estatuilla.

La película narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia; y una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca. Ha sido escrita por los Javis junto con Alberto Conejero. Javier Calvo ha asegurado que hablan constantemente con su equipo sobre las posibilidades de La bola negra. “Sabemos que vamos a vivir con una maleta durante varios meses. Somos conscientes de ello y lo vamos a hacer felices. Y esto ya no es solo por tener el mayor número de nominaciones posible, sino para que el mensaje de la película llegue al mayor número de gente posible”, ha declarado. “Ese es el objetivo. Es algo con lo que nunca habíamos soñado jamás en la vida y no puedo ni imaginar en más nominaciones”, ha agregado.

Todo el mundo habla de La bola negra. Y qué bien que lo hagan. La gente habla por las calles de Lorca, de la Guerra Civil, de esa película que va dispuesta a hacer historia en los Oscar gracias a su mezcla de emoción, ambición y memoria histórica. Pero sobre todo hablan de ellos, de los Javis, de Javier Calvo y Javier Ambrossi, dos cineastas superdotados, autodidactas y brillantes.

Parecía ayer cuando llenaban el hall del Teatro Lara con La llamada, o cuando desde un canal desconocido, Flooxer, nos presentaron a Paquita Salas, ahora un personaje fundamental en la historia de las series españolas. Poco a poco, proyecto a proyecto, han ido creciendo en madurez hasta llegar a esa bola negra con la que compitieron en el Festival de Cannes, donde lograron el premio a la Mejor dirección.

Es raro ver en el festival más importante del mundo compitiendo a directores con su segunda película, pero allí intuyeron pronto lo que luego se ha comprobado, la emoción torrencial que el espectador vive al ver la película. La gente se ve arrollada por esa mezcla de líneas temporales que mezclan 1932, 1937 y 2017; que se atreven a desarrollar la ficción inacabada de Lorca, y a materializarse en una coda final que emociona hasta la lágrima. El mundo ha descubierto a los Javis.

¿Cómo han vivido la locura de todos estos meses?

Javier Calvo: Yo estoy bien, la verdad. Nos hemos obligado a tener un agosto en el que no hacer nada. Yo he estado mucho tiempo con mi familia en Murcia, en mi casa de siempre, y mi única preocupación ha sido pensar en qué íbamos a comer al día siguiente y mientras comíamos qué íbamos a cenar esa noche. Eso me da mucha paz. Yo necesitaba tocar tierra porque ha sido, más que todo lo que ha pasado, el ritmo de estos momentos. Me ha venido bien este mes de estar tranquilo, respirar y prepararme para lo que tenga que venir.

Javier Ambrossi: Yo estoy aceptando que tengo que descansar, pero tengo que trabajar todos los días para que mi cerebro esté regulado. Si no, como que se me hace bola y pienso que luego va a ser peor cuando vuelva. Pero estoy muy tranquilo con lo que pasó en Cannes. Cuando ganamos 'Mejor dirección' me dio paz sentir todo lo que había pasado, porque no tendría por qué haber ocurrido. No respondía a nada más que a la película. No tuvimos la oportunidad ni de explicarla ni de hablar con nadie ni de tener ni siquiera una carrera larga en el cine como para que de repente sea un premio que compense otra cosa. Realmente habla la película.

A mí hay una cosa que me parece muy mágica de Cannes. Hay películas que entran en el teatro Lumière de una forma, y salen de otra. Vuestra salida fue increíble, la gente estaba deseando saber quiénes erais. 

J.A.: A la mitad de la proyección yo sentí que la gente había conectado con la película. Yo empecé a escuchar lágrimas, gente sonándose los mocos, muchísimo silencio. No sé si será el más grande del mundo, pero uno de ellos. Además, es un cine que se presta mucho a que haya invitados que no sepan ni qué película van a ver, ni quién eres tú. Que estén con el móvil. Gente que se levanta, gente que se va. Entonces, de repente, ver a la gente tan concentrada, emocionada... La primera mitad estuvimos peleados, pero peleados tipo que le tuve que decir: “Javi, deja de darme por el culo”.

J.C.: En Cannes tú vas el día anterior a las tres de la mañana a chequear el sonido y decidir a qué volumen pones la proyección. Es que solo de acordarme me estoy angustiando, se me seca la boca. A mí me gusta que suene muy alto. Fuimos y yo estaba muerto, llevábamos mucha tralla encima. Habíamos entregado la película un par de días antes. Y dije, “ponla al siete”. Y me dijeron, “es un poco alto”. Y yo, “venga, da igual”. Pues en mitad de la proyección empiezo: “Está muy alta. Muy alta. Muy alta”.

J.A.: Es que Javi te da el viaje de ida y el de vuelta. Durante el momento que hay que elegir es: “Lo pongo alto”. Hasta que le dices que sí y luego ya cuando lo ha puesto dice: “Está muy alto”. Y ya le dije: “Javi, no me vas a joder la proyección del estreno. Esto es una vez en la vida”.

'La bola negra' es una película que nos supera, que tiene como un propósito mayor de existencia que nosotros, y creo que eso la gente lo está leyendo.

Javier Ambrossi — Cineasta

J.C.: Y aparece la productora francesa por detrás, Alice Labadie, y dice: “Igual está un poco alto”.

J.A.: Yo también le hablé fatal. Le dije: “No te metas tú ahora, porque lo que le faltaba a él”. 

J.C.: Estuve escribiendo al proyeccionista por WhatsApp en mitad de la proyección.

J.A.: Yo tuve la suerte de tener cerca a Lola Dueñas, que no había visto la película. Entonces la magia de Lola de repente se me pegó. Lola empezó a conectar de una manera muy profunda y empezó a llorar.

J.C.: Y tú me dijiste: “Javi, va a salir bien, está escrito en las estrellas”.

J.A.:. Yo siento que esta película, desde que llegó a nuestra vida y con todo lo que ha pasado, hay algo que no estamos controlando. Este es un proyecto que de repente llegó a nuestra vida y que todo ha sido fluido. Con mucho trabajo, mucho esfuerzo. El rodaje más difícil que hemos tenido jamás, el que más intenso hemos vivido. Pero todo tenía como un flow. Y siento eso, que está escrito en las estrellas. Siento que es una peli que nos supera a Javi y a mí, o que tiene como un propósito mayor de existencia, y creo que eso la gente lo está leyendo.

Por seguir con la locura, ¿cómo viven que La bola negra esté en todas las predicciones de los Oscar?

J.C.: No he sido muy seguidor de este mundo apuestas de Oscar, entonces no sé cómo de realista es ni cuánto cambia eso. Sé que estamos ahí y que se nos considera. Yo me acuerdo, creo que cuando estábamos en Cannes, que vi un tuit como de algún bot que decía: estadísticas de que La bola negra gane algún premio en Cannes: 0%. Entonces ahora estamos un poco más arriba en la estadística de ganar algo, lo cual me parece increíble, casi una simulación. Pero ahí está. A mí nuestra película, la de todo el equipo, me encanta y ojalá pase. Creo que sería algo muy importante para la película, para nosotros, para el equipo y para este país.

J.A.: Y para el cine español. Yo viendo cómo gusta a los americanos y cómo gusta a todo el equipo de Netflix, la puja que ha habido por tenerla, que ha sido grande y sobre todo viendo la reacción de la gente, ves la emoción y es muy genuina, como que toca algo en la cultura americana.

En Cannes se notó en cómo conectó con la crítica de EEUU.

J.A.: Sí, porque tiene algo de homenaje al cine, evidentemente al cine hollywoodiense que me hizo amar el cine. Pero tiene luego otras muchas cosas y tiene sentido que una cultura como la americana en este momento reivindique la emoción.

J.C.: Yo creo que también nosotros creamos desde un lugar bastante salvaje, emocional y artesanal, y en el sistema que tienen ellos montado a la hora de rodar es muy difícil conseguir esa manera de hacer tan artesanal y bestia como hacemos nosotros.

J.A.: Y sin plantillas. Les sorprende que no respondemos a tests. Entonces eso les conmueve. A Lisa Taback, que es la que lleva todo el mundo premios en Netflix le pregunté, ¿pero por qué nadie querría darnos un premio?, ¿qué representamos? Y me dijo: “El futuro. Yo la apuesta que hago desde Netflix es apostar por el futuro. No he visto gente como vosotros. No he visto gente que se implique así. No hay directores así”.

Y ese estreno en cines en EEUU, cuando allí la estrenará Netflix (aquí pasará por cines y posteriormente se verá en Movistar Plus), que creo que es muy representativo…

J.A.: Se pidió, lo pedimos.

¿Es un logro conseguir que se vea en pantalla grande, que se comparta así esa emoción?

J.C.: Es que creo que realmente la película que queríamos hacer era una película que generara la necesidad de disfrutarla en una sala en pantalla grande, de manera colectiva y con la sensación de no querer perderte ningún detalle. En contraposición a me pongo una película en la tele mientras hago la comida o miro el móvil y me quedo dormido, y mañana si eso lo acabo o no. Contra esa costumbre que se está generando, que no digo que esté bien ni mal, a mí no me encanta, queríamos crear algo que significara todo lo contrario, la ilusión de volver a disfrutar con alguien, o de mostrarle a alguien, que creo que eso es muy bonito. Esa sensación de ir a un lugar y salir de otra manera. Yo recuerdo cómo he salido de películas cuando tenía 13 o 14 años y recuerdo la sensación de ver el mundo de otra manera, de salir por la calle y sentir que la calle es distinta y que mi vida es distinta y me daría mucha pena que esa sensación cada vez se fuera diluyendo más en la gente, sobre todo en la gente joven.

El extremismo y el odio son una sombra que acecha continuamente y parece que últimamente más. Y de hecho, la última frase de la película es “mira que nos acechan todavía”

Javier Calvo — Cineasta

J.A.: Fue una negociación cuando Netflix dijo que querían la película. Estábamos ahí en Cannes, en unas calles al lado de unos contenedores de basura, porque no hay absolutamente nada, con un ron cola que estaba el hielo derritiéndose, en mitad de una callejuela, pasando el camión de la basura. Y yo lo que pedí es que fuera por lo menos un mes y medio en cines y que respetaran el formato en el que está rodada. No nos importó el dinero, no estábamos hablando de eso. Netflix puede tener el poder de llegar a la gente, que es algo que la peli siendo de lo que es y el mensaje que tiene, va a agradecer muchísimo. Pero pedimos un mes y medio, y nos dijeron, “¿pues sabes qué? Serán 47 días”.

Han mencionado que hay películas que uno entra de una forma y sale de otra, ¿cómo les gustaría que saliera la gente de La bola negra?

J.C.: Para mí lo principal sería que hicieran caso a una voz que suena en un momento de la peli que dice: “Hay que vivir. Vivir siempre”. Creo que es una película que te ayuda a tomar decisiones y a querer vivir, y eso es algo muy bonito.

J.A.: Me gustó mucho la conversación que tuvimos con Anne Hathaway sobre la película que dijo que ella se quedaba con un pensamiento y es que en el presente nuestra parálisis es privilegio, y me pareció que lo clavó, y es justo lo que yo quiero que reflexionemos, que en el presente estamos paralizados porque tenemos la oportunidad de estarlo, pero que tenemos que movernos hacia delante. No te quedes en un sitio donde no quieres estar, no estés en una pareja con la que no quieres estar. Hay un privilegio que es el de tener tantas opciones que nos paraliza. Y hace muy poquito la generación de nuestros abuelos no podía a lo mejor ni reconocerse su propio deseo. Y en el colectivo LGTBIQ+ eso está muy claro. La peli habla de eso. Hay tanto silencio, tanto, tanto dolor, tanta tristeza, tanto asesinato en nuestro colectivo, tanta gente que ha luchado, que creo que los que en el presente podemos tener opciones de libertad, tenemos que explorarlas y tenemos por lo menos que intentar ser felices y sentirnos completos.

Pero es verdad que, por desgracia, ese mensaje en 2026 sigue siendo de alguna forma casi revolucionario, ¿hacia dónde creen que avanzamos, les da miedo el futuro?

J.A.: Es que nosotros mismos no habíamos escrito una peli ni una serie con personajes gais, ni hablando de deseo entre hombres. Entonces para nosotros mismos es revolucionario porque no sé por qué nunca nos habíamos atrevido a hacerlo. No sé si porque era obvio o porque no queríamos sacar temas que a lo mejor nos removiesen a nosotros. Parece que hay muchas historias en el cine que hablan de eso, pero es que no hay tantas, y protagonizadas por actores abiertamente gais que interpretan papeles gais, dirigidas por directores gais, con equipo LGTBIQ+… no hay tanto hecho por y para. Entonces para mí sí es revolucionario porque sí viene a ocupar un hueco que falta y espero que la gente de una generación la reciba así.

J.C.: Yo creo que hay algo que es obvio, y es que el extremismo y el odio es una sombra que acecha continuamente y parece que últimamente más. Y de hecho, la última frase de la película es “mira que nos acechan todavía”. Todo lo que ha vivido Sebastián, el personaje de Guitarrica, no pasó hace tanto tiempo. Cuando fuimos a la Fundación 26 de diciembre, que vamos a menudo, a tomar roscón con los mayores LGTBI de la asociación, se acercó uno de ellos y nos dijo que él había tenido su pareja toda la vida y las dos familias les dejaron de lado por ser gais, y que cuando murió, él no tenía nada más en su vida. Era lo único que tenía. Se quedó solo y solo iba al cementerio todos los días a ponerle flores. Y ahora, gracias a que estaba la fundación, podía ir a relacionarse con gente. Entonces me hizo pensar, joder, no solo no conozco las historias de las personas mayores de mi colectivo, que es impresionante e increíble, gente gracias a la cual yo hoy puedo disfrutar de mis derechos, sino que creo que tampoco conozco la de mis abuelos.

J.A.: Y lo que has dicho de los abuelos, ojalá la película sea reivindicativa también en eso, en lo familiar, en encontrarnos con la gente que nos rodea, en la familia, los abuelos, los amigos, la gente que piensa diferente a nosotros. Lo que me parece más reivindicativo de la peli, más allá de la lucha LGTBI, que evidentemente es muy importante, es la reivindicación de entendernos, de intentar ponernos de acuerdo aunque sean cuatro hechos fundamentales de nuestra historia para poder seguir adelante, para poder tener un diálogo, para que no todo se convierta en violencia.

Lo de ponernos de acuerdo en cuatro cosas, ¿una de ellas no debería ser Lorca, cuyos restos siguen bajo tierra?

J.C.: Fíjate, no creo que nadie en España niegue que Lorca es, si no el más grande, un genio absoluto. No hay debate a nivel poético o teatral, es uno de los dos o tres más importantes. Pero sí que es verdad que a mí me sorprendió, porque no sabía qué pasaba, que al hablar de él parece como que mucha gente tirara de él, por un lado, o por otro, como si no quisieran que fuera de todos. Como si hubiera una disputa por quién tiene la razón sobre él. Una cosa muy rara que yo no sabía qué pasaba.

J.A.: Eso pasa con los símbolos. Todo el mundo quiere apropiarse de los símbolos. Es una cosa normal, eso es lo lógico. Pero es verdad que asusta cuando de repente quieres hablar de algo. Lo que nosotros queríamos hacer, lo que nos parecía bonito, era enriquecer la figura de Lorca, no negar ninguna de las otras partes políticas sociales que evidentemente son superimportantes en lo que él era. Nosotros creemos que no se ha señalado suficiente que una condición importante de su vida, en su literatura y en su asesinato fue su libertad. Su libertad que englobaba su homosexualidad y que creo que a mucha gente, y a mucha gente joven, le puede hablar. Es que no tenemos tantos artistas LGTBIQ+. Y la gente dice, pero qué más da que fuera gay, pues sí importa, porque apela a nuevas generaciones como referente y creo que eso es importante. Nosotros solamente queríamos enriquecer esa figura sin querer sentar cátedra. 

Hay una cosa en el tamaño de la película, porque no hay historias grandes, épicas, LGTB. Hacen siempre la comparación con Titanic, pero tiene algo de eso, de una historia de amor épica homosexual, historias queer que no tienen por qué ser de nicho, pequeñas. 

J.A.: O que para que sea muy grande, tipo Brokeback Mountain, tengan que interpretarla dos estrellas hetero. Que tenga todos los elementos que tiene La bola negra, eso la hace muy única. Yo creo que esta peli tiene todos los elementos para que si te acercas, puedas salir cambiado y con un pensamiento, por lo menos, más cercano al otro, que es de lo que va, de ver que el otro existe, piense diferente a ti o no.

J.C.: Me encanta que digas Titanic, porque claro, igual que Lars Von Trier dijo, “yo quería hacer un musical y me salió Bailar en la oscuridad”, o Almodóvar en una entrevista en La Edad de Oro, que le preguntaron, ¿a quién creéis que os acabaréis pareciendo?, y dijo: “Yo creo que irremediablemente acabaré pareciéndome a Pedro Almodóvar”. Pues claro, yo quería hacer Ven y Mira, Apocalypse Now e irremediablemente siempre se me acaba acercando un poquito, aunque sea en emoción y en ganas de llegar a la gente, a Titanic.

Desde que les hacemos entrevistas nunca les habíamos preguntado por su vida privada…

J.A.: Ya la contábamos nosotros [risas].

Pero de repente les preguntamos si van a hacer otra película tras la separación, ¿cómo llevan que su vida íntima se haya colocado en ese foco?

J.C.: Yo lo pasé muy mal, sinceramente, me dio mucha ansiedad, pero a la vez agradezco que pasara porque me ayudó a entender que tengo que proteger mucho más mi vida. Como que antes éramos muy festivos, contábamos todo. Siento que he pagado un poco las consecuencias de haberme expuesto como pareja en mi vida, y me doy cuenta de que cada vez más quiero que mi trabajo hable de mí y yo vivir mi vida y ya está.

J.A.: Yo lo entiendo, entiendo el interés. Creo que siempre hemos mezclado lo personal con lo profesional en cada entrevista desde que la gente nos conoce, desde que empezamos con La llamada. No ha habido entrevista en la que no hayamos hablado y sido cariñoso el uno con el otro. Es normal que cuando se produce la ruptura, haya este interés. Ahora que ya ha pasado, pues yo creo que ya no hay más que rascar. Es decir, vamos a seguir trabajando juntos, nos queremos un montón y cada uno tiene su vida y así seguirá.

Entrevista completa

Pocas horas antes de que Alejandro Amenábar anunciara que La bola negra era la elegida por la Academia de Cine para representar a España en la lucha por el Oscar a la Mejor película internacional, el equipo de la película, con Javier Calvo y Javier Ambrossi al frente, recibían una de las ovaciones más grandes que se han oído en el Festival de Toronto. El pase de La bola negra en el certamen confirmaba las buenas sensaciones que se tenían. Se repetía lo ocurrido en Cannes, y demostraba que el público y la crítica ama la película.

La decisión de la Academia este año parecía obvia. El ruido del filme de los Javis desde que se presentara en el certamen francés el pasado mayo no ha hecho más que crecer. Ya allí se dieron los primeros pasos hacia una carrera al Oscar que, con el apoyo de España como su representante, se solidifica y amplifica.

España se encuentra con una oportunidad única de hacer historia. Hacía mucho tiempo que no se estaba tan cerca de conseguir ese quinto Oscar a la Mejor película internacional (tras los logrados por Garci, Trueba, Almodóvar y Amenábar) y parece que todo está a favor para romper nuestro propio techo y lograr, por primera vez, una nominación al Oscar a la Mejor película y quién sabe si incluso superar a Emilia Pérez como el filme internacional más nominado. Estas son las claves por las que La bola negra tiene mucho a favor para hacer historia para España. 

Netflix

Tras la locura provocada por la película en Cannes se desató una guerra de ofertas para hacerse con los derechos de distribución del filme en EEUU. Esta figura es clave para el éxito de una película no solo comercialmente, sino también en los Oscar. Finalmente, fue Netflix, quien ya ha dejado claro que La bola negra es su gran apuesta para los premios de la Academia de Hollywood. La campaña ha comenzado. Han hecho coloquios, el filme ha estado en Telluride, en Toronto… 

La efectividad de las campañas de Netflix está más que comprobada. No van solo a por la nominación de Mejor película internacional, sino que van a por todas. Solo hay que ver lo ocurrido en años anteriores con otras de sus apuestas. Netflix compró Emilia Pérez en Cannes. El resultado fueron 13 nominaciones de las que se llevó dos. Sin novedad en el frente logró nueve candidaturas y cuatro Oscar, y Roma ganó tres de 10.

La apuesta por la película está superando la realizada con títulos anteriores en un aspecto clave: la permanencia en salas. La bola negra ha logrado una presencia histórica en cines: 47 días. Más que películas de estudios tradicionales. El récord anterior pertenecía a Historia de un matrimonio de Noah Baumbach, que estuvo en cines 30 días antes de incorporarse a Netflix en 2019. El gesto es importante. La gran crítica a Netflix, y el motivo por el que muchos creen que todavía no tiene el Oscar a la Mejor película, es que no protege las salas. Ahora lo hará. Esto ha hecho que muchos gurús de EEUU den a La bola negra como una segura candidata no solo en Mejor película internacional, sino en todo, pudiendo incluso superar las diez nominaciones. 

El premio en Cannes

Cannes se ha convertido en el gran festival para que el cine no hablado en inglés entre en los Oscar. El año pasado, Valor sentimental logró el Oscar a la Mejor película internacional y nominaciones en las categorías más importantes después de enamorar en el festival francés. En la categoría de Mejor película también entró El agente secreto, otro filme presentado allí.

Pasó lo mismo con Emilia Pérez o Drive My Car. El recibimiento que se tiene en Cannes es clave. En muy pocas ocasiones una película gana el Oscar a Mejor película internacional y se cuela en más categorías sin haber pasado con éxito (y premio) por un festival de clase A. Especialmente Cannes.

La presencia de La bola negra en Cannes fue única. Los Javis entraron como unos desconocidos en el pase de gala y salieron como dos cineastas con futuro, con una película que enamoraba y una ovación histórica. Los 20 minutos de aplausos que recibió reflejaban que la gente había caído rendida a sus pies. En los corrillos del festival no se habló de otra cosa en los dos días siguientes hasta el palmarés.

Las críticas de EEUU

De ese recibimiento bestial en Cannes hubo uno que destacó. El de la crítica de EEUU. Era normal que la película calara entre la prensa española, al abordar su historia y un mito como Lorca. Sin embargo, los medios claves en la carrera para los Oscar como New York Times, Variety o el periodista Matt Neglia, para la web especialista en los premios Next Best Picture, tuvieron claro que acababan de ver un filme importante y que debería tener un hueco en la carrera por los premios. 

No hay que desdeñar la importancia de los gurús de los Oscar en la carrera. Aunque sean los académicos quienes votan, ellos colocan títulos en el imaginario de la gente. Colocan el foco en películas que podrían pasar desapercibidas y reflejan el momento álgido de algunas de ellas. Con La bola negra lo tuvieron claro desde el primer momento y lo han defendido desde entonces. Ahora mismo, Next Best Picture la coloca incluso por encima de La odisea en sus predicciones.

Lorca

La figura de Lorca es el hilo vertebrador de La bola negra. Sus tres historias están atravesadas por la ausencia del escritor y las heridas que eso deja en una España que tiene “historias de amor enterradas”, como se oye en un momento del filme. Lorca aparece en un momento mágico del filme —interpretado por el poeta y performer Alberto Cortés—, pero sus versos y su obra resuena en todo el metraje.

La obra del escritor es mundialmente conocida, y la película llega en el momento del 90 aniversario del asesinato del escritor. Una efeméride perfecta para reivindicar a Lorca, y para hacer brillar aún más a La bola negra.

Los Javis (y Penélope)

Hollywood ha descubierto a Javier Calvo y a Javier Ambrossi. Su carisma, naturalidad y personalidad son otra arma perfecta para utilizar en esta campaña. Se van a dejar la piel. Son jóvenes, frescos y representan el futuro. Un futuro que pasa por la visibilidad de las historias queer, y que no pide permiso para entrar en espacios hasta ahora reservados para los hombres heteros. 

En EEUU les encanta la gente que disfruta de cada momento de esta carrera de obstáculos que son los Oscar, y ellos están dispuestos a hacerlo. Ojalá Los Ángeles diciendo frases de Paquita Salas o de Veneno, o descubriendo La Mesías. Nadie duda de que en Hollywood van a caer rendidos a la personalidad y la gracia de los directores, y que ellos son, además de Penélope Cruz, la cara más visible de La bola negra. 

La bola negra, la película de Javier Calvo y Javier Ambrossi en la que afrontan la memoria histórica y homenajean a Federico García Lorca, ha sido la elegida por la Academia de Cine para representar a España en los próximos Oscar. La cinta ha vencido a las otras dos finalistas, El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen; y Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, y será candidata a la nominación.

El filme es uno de los títulos favoritos para la próxima temporada de premios tras su victoria a la mejor dirección en el Festival de Cannes y se ha convertido en la apuesta de Netflix para los Oscar. Ha gozado de una enorme acogida por parte de la crítica y, desde entonces, la plataforma de streaming ha preparado una gran campaña. Tanto es así que tendrá el periodo de tiempo más largo en la cartelera de EEUU antes de su estreno en Netflix. Asimismo, su canción La nieve, compuesta por Guitarricadelafuente y Raül Refree, ha sido presentada para luchar por la estatuilla.

“Estamos muy emocionados. La película, en Toronto y en EEUU, gusta muchísimo, así que vamos a dejarnos la piel para llegar lo más lejos posible. Gracias por la confianza”, ha reaccionado Javier Calvo a la noticia. Ambrossi, por su parte, ha confesado que están “llorando y temblando”: “Es emocionante y significa mucho. Es una película que hemos hecho entre mucha gente y ahora pienso en mi familia, en el casting, en cada día de rodaje”.

“Es una película que va a hablar a cada una de las personas que se sienten la butaca de una manera diferente. Tiene la poesía suficiente para apelar a cualquiera, así que pedimos a la gente que se olviden de lo que han escuchado y que se sienten a disfrutarla”, ha comentado Ambrossi. El cineasta ha indicado que “es una película que tiene tanta mezcla de géneros y pasan tantas cosas diferentes que cualquier persona, de cualquier generación, se va a encontrar una película que le va a hablar”.

“Es impresionante cómo fuera de España hacen suya la historia”, ha enfatizado el director. “La película está totalmente en español, subtitulada, y gente que no sabe ni una palabra de español la vuelve a ver y conecta con ella. Y no es una película fácil: tiene muchas cosas exigentes con el espectador”, ha explicado, añadiendo que “es precioso que exista esa conexión cuando se habla de la importancia de la cultura, del tema de los abuelos y de la idea del pasado”.

El largometraje acaba de estrenarse en el Festival de Toronto, donde también ha obtenido impresiones positivas entre quienes asistieron a la proyección. “Se sintió algo muy mágico, algo muy parecido a lo que vivimos en Cannes”, ha alegado Calvo con respecto a dicho estreno. Además, se mantiene optimista en lo que queda de carrera y afirma que desde Netflix tienen “mucha ilusión y confían de verdad”. De hecho, miran más allá de la nominación a la mejor película extranjera. “Quiero trabajar para que sea una realidad, no me había permitido soñar con ello hasta hoy”, ha reconocido Ambrossi.

La bola negra, favorita en la temporada de premios

Javier Calvo ha asegurado que hablan constantemente con su equipo sobre las posibilidades de La bola negra. “Sabemos que vamos a vivir con una maleta durante varios meses. Somos conscientes de ello y lo vamos a hacer felices. Y esto ya no es solo por tener el mayor número de nominaciones posible, sino para que el mensaje de la película llegue al mayor número de gente posible”, ha declarado. “Ese es el objetivo. Es algo con lo que nunca habíamos soñado jamás en la vida y no puedo ni imaginar en más nominaciones”, ha agregado.

La película, que llegará a los cines de España este 25 de septiembre, narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia; y una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca. Ha sido escrita por los Javis junto con Alberto Conejero, y está protagonizada por Guitarricadelafuente, en su debut como actor, así como por Penélope Cruz, Glenn Close, Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas y Julio Torres.

Hace unos días, cuando se anunció que la película optaría a representar a España en los Oscar, Javier Ambrossi afirmó que se “dejarían la piel” si eso sucedía. “Más allá de lo que pase, que sería precioso, hay planes de que la película llegue a la mayor cantidad de gente posible”, comentó. Por su parte, Javier Calvo apuntó que la cinta estaba trascendiendo fronteras. “Algo que creíamos que era muy español, muy de nuestra cultura, aquí en EEUU emociona de una manera que me sorprende. Les interesa nuestra historia”.

Parece complicado que en una carrera como la de Penélope Cruz, en la que ha habido eventos como aquel Cannes de 2006 en el que ganó junto a sus compañeras el premio a la Mejor interpretación por Volver; o el Oscar por Vicky Cristina Barcelona en 2009, cada año haga ensombrecer al anterior. La filmografía de Penélope Cruz está plagada de buenas elecciones —que no siempre eran las más obvias—, apuestas por cineastas que han sacado lo mejor de ella y una ética del trabajo que han hecho que en 2026, y con 52 años, esté viviendo uno de los mejores años —de momento— de su carrera.

En enero ya se empezó a barruntar lo bien que estaba en La invitación, el remake de Sentimental, de Cesc Gay, que había rodado a las órdenes de Olivia Wilde, pero fue en su estreno en EEUU cuando la gente descubrió la energía contagiosa de su personaje y empezó a hablar de posibilidades de una nueva nominación al Oscar. 

A eso se suma el terremoto de La bola negra. Si la película de Javier Calvo y Javier Ambrossi se convirtió en un fenómeno según se vio en el Festival de Cannes, el secreto del papel de Penélope Cruz se reveló como una de las muchas maravillas que había en su interior. Su cupletera que anima a las tropas franquistas en la Guerra Civil es un caramelo que ella exprime hasta su última gota. Dos escenas de baile y cante (una sobre un tanque) y una escena dramática le valen para que todos se acuerden de su Nené Romero. Tras el pase de prensa todos coincidían: La bola negra, y Penélope, apuntaban al Oscar.

Hasta este año, una actriz no podía ser nominada dos veces al Oscar en la misma categoría, pero el cambio de normas para esta edición hace posible soñar con que Penélope Cruz se convierta en la primera actriz de la historia en ser doblemente nominada por La invitación y La bola negra. Aún hay más. Cruz todavía tenía una última bala en la recámara, el estreno de Búnker en Venecia, donde el filme, que protagoniza junto a Javier Bardem, se ha recibido con una calurosa acogida que pone la guinda perfecta y emocionante a un año mágico. 

Pocas horas después de la ovación, Penélope Cruz atendió a la prensa española y contó lo “bonito y especial” de aquel momento porque es consciente de que “no pasa siempre”. Ella lo ha vivido este año dos veces, en Cannes y aquí. “Pero eso no quiere decir que puedas acostumbrarte a eso”, añade rápidamente. 

Confiesa que sigue “alucinada” con lo que está pasando este año. “Desde que me convertí en madre bajé mucho el ritmo, porque antes era una locura y trabajaba sin parar. Fue una suerte poder permitirme parar. Desde entonces, he hecho una película al año o a lo mejor dos, si no eran muy largas. Y es verdad que ahora las que he hecho, que tampoco han sido rodajes muy largos para mí, se han juntado y han salido las tres a la vez. Y yo, de verdad, soy la primera sorprendida por todo lo que está pasando. No te engaño. Es que, si estrenas tres en un año, si una sale muy bien y conecta de esa manera con el público, ya es una especie de milagro. Pero que esté pasando con las tres es raro. Es normal y sano que me sorprenda”, dice.

No quiere ni oír hablar de los Oscar. O al menos de momento. Un amigo le mandó hace poco un artículo de Variety donde se hablaba de sus opciones este año. “No te puedo decir lo que le contesté, ¡me puse tan nerviosa que le escribí una cosa que tuve que borrarla!”, comenta entre risas. “Hace ilusión algo así, porque quiere decir que las cosas van bien en tu trabajo, y al final eso se traduce en que te sigan ofreciendo personajes interesantes, en poder seguir viviendo de tu trabajo, haciendo lo que te gusta y con material de calidad que te permita enfrentarte cada vez a algo nuevo, a algo que te dé miedo. Esa es la sensación que crea adicción dentro de nuestra profesión. No es tanto un alimento para el ego, que es verdad que cualquiera en esos momentos puede sentir un subidón y es sano y es humano, pero mi motor, lo que me da felicidad, es saber que cuando tienes un año así añades más papeletas para que puedan seguir surgiendo personajes y guiones interesantes”, aclara.

Hubo temporadas, sobre todo en los primeros años, donde yo podía haber ido por otro camino, diciendo que sí a proyectos que a lo mejor me hubiesen encasillado mucho más

Penélope Cruz — Actriz

Papeles diferentes, dirigida por mujeres, por cineastas jóvenes. De aquí y de allá. Una elección de proyectos “que es una combinación de suerte y de haber sido capaz de decir que no a cosas que eran muy tentadoras, pero que no eran las adecuadas para ese momento”. No siempre fue así: “Hubo temporadas, sobre todo en los primeros años, donde yo podía haber ido por otro camino, diciendo que sí a proyectos que a lo mejor me hubiesen encasillado mucho más. Yo no entendía que siendo tan joven, pocos años después de empezar, tuviera que ser yo la que dijera que no a algo, pero aun así me forzaba a hacerlo y luego siempre me alegraba”.

Pero “las carreras no se construyen solo en los síes, sino en las veces que tu corazón te dice que no”. “No depende solo de mí, sino de la confianza que depositan en mí los que me dan ese material, y en eso han tenido mucho que ver Pedro [Almodóvar], Fernando [Trueba], Castellitto y directores que han puesto en mis manos personajes que no se parecían para nada ni a mí ni a ningún otro personaje que hubiera interpretado antes”, subraya acordándose de varios de los cineastas que cambiaron su carrera.

En Búnker, su personaje y el de Bardem se enfrentan a la tentación de aceptar un proyecto que choca contra sus principios éticos. Una decisión que ellos, como actores, también han tenido que tomar. De hecho, “el 30% de las veces” que Penélope Cruz ha dicho que no, es por motivos parecidos. El resto, simplemente porque intuía que no eran para ella. “Si te está yendo bien en esta carrera es mejor decir que no a un proyecto y esperar a que aparezca el siguiente. Y yo soy muy consciente de que eso es un gran privilegio, porque estoy rodeada de compañeros y compañeras que lo pasan mal y que pasan mucho tiempo sin trabajar”, asevera.

Tras su apuesta por los Javis quiere seguir explorando nuevas voces: “Ahora mismo hay un montón de mujeres directoras a las que admiro muchísimo y con algunas tengo planes de trabajar de aquí a dos o tres años. Hay tanta gente con tanto talento y mucha gente joven”. Ese fue uno de los motivos para crear su productora, Moonlyon, que se encuentra “dentro del paraguas de Mediapro” y con quien lleva tres años desarrollando filmes que “verán la luz dentro de poco”. Proyectos para que un año como este no sea una ilusión, sino una realidad que se repita.

La bola negra de los Javis, El ser querido de Rodrigo Sorogoyen o Los domingos de Alauda Ruiz de Azúa. Entre estas tres películas estará la que representará a España en los Premios Oscar 2027 en la categoría de mejor película internacional, según anunció la Academia de Cine hace unos días.

Será el 16 de septiembre cuando finalmente conozcamos a la elegida, la cual tomará el relevo a Sirat de Oliver Laxe, la cinta por la que apostó la Academia el año pasado. Esta luchará por conquistar a Hollywood y hacerse con este prestigioso galardón que en 2026 se llevó la producción noruega Valor sentimental, dirigida por Joachim Trier.

En la historia de estos premios, tan solo cuatro películas con sello español han conseguido alzarse con la estatuilla dorada. La última vez fue con Mar adentro (2004) de Alejandro Amenábar; antes pasó con Todo sobre mi madre (1999) de Pedro Almodóvar y con Belle Époque (1993) de Fernando Trueba.

Pero para conocer al primer largometraje que conquistó a la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas estadounidense debemos remontarnos a abril de 1983, cuando un largometraje del cineasta José Luis Garci hizo historia. Fue entonces cuando Volver a empezar (1982) se convirtió en la primera española en ganar el Oscar.

Volver a casa tras el exilio

En Volver a empezar conocemos al entrañable personaje de Antonio Albajara, interpretado por Antonio Ferrandis, un escritor español que vive en Estados Unidos y que acaba de recibir el Premio Nobel de Literatura. Después de muchos años fuera de España, regresa a Gijón, su ciudad natal, donde se reencuentra con Elena, el gran amor de su juventud, interpretada por Encarna Paso.

Garci, que ya había dirigido cintas con una fuerte carga política como Asignatura pendiente (1977), planteó esta película como un homenaje a toda una generación que perdió su juventud por culpa de la Guerra Civil y el exilio. La idea gustó en Hollywood, algo que quedó más que patente en los Oscar del año 83, pero en España no todo fue tan bonito.

El país, que vivía los últimos momentos de la Transición, no había recibido con tanto entusiasmo el trabajo de José Luis. Para algunos, su tono nostálgico y sentimental resultaba excesivo. Un crítico de El País llegó a calificar la película de “morosa y hueca”, cuyos personajes “no aportan una mayor clarificación”. Sin embargo, su elección como representante española para el Oscar y la posterior victoria en la ceremonia terminaron de convencer al público. Hoy, Volver a empezar es una película clave dentro de la historia de nuestro cine.

John Malkovich es uno de esos actores a los que su rostro, alejado del canon de belleza hollywoodiense, siempre ha colocado en papeles de ‘raro’. Hacía tiempo que le tocaba ese personaje que le volviera a colocar en el centro. Uno que despertara a la gente del letargo y viera que es algo más que un intérprete condenado a secundarios excesivos y excéntricos. La varita mágica la tenía Martin McDonagh, experto en coger a actores como Malkovich y darles el personaje que se merecen.

El director de Tres anuncios en las afueras (que valió el Oscar a Frances McDormand y Sam Rockwell) y Almas en pena de Inisherin (que granjeó sendas nominaciones para Colin Farrell y Brendan Gleeson) es de esos cineastas que escriben caramelos a los actores. A Malkovich le ha dado uno de los mejores personajes de su carrera, el de Wild Horse Nine. Malkovich borda ese agente de la CIA destinado en Chile para preparar el golpe de Estado contra Salvador Allende y que pierde la memoria mientras decide escribir, valga la redundancia, sus memorias contando todas las barbaridades cometidas sirviendo a su país, y ahí entra desde el magnicidio a varios golpes de Estado en países como Guatemala o el Congo.

Tras el pase de prensa en el Festival de Venecia la crítica lo tuvo claro, a John Malkovich le van a llover los premios por el filme, y ya en la rueda de prensa se le preguntó por ello. “Tengo una carrera muy larga y tengo películas espectaculares con directores, guionistas y actores increíbles. Nunca siento que compita con nadie, porque amo lo que hacen, para mí es algo muy bonito que digan esas cosas, pero lo más bonito es que haya atención sobre esta película que tiene varias interpretaciones increíbles y está genial escrita y dirigida. Eso es lo más importante”, dijo.

McDonagh llevaba varios proyectos intentando trabajar con él, pero por culpa de compromisos con otras películas no habían podido hasta ahora, y la elección fue “muy fácil”. “Era un guion hermoso y esta vez no había nada que lo impidiera. Me gusta que los dos protagonistas son dos idiotas que son tan ignorantes que dicen en alto que son de la CIA y van a desestabilizar la democracia de Chile y mandar al país al garete. Aunque, a veces, leyendo la historia, parece que algo así está cerca de lo que ocurrió en realidad”, dijo de su elección del papel.

Poco antes, Malkovich, junto a su compañero de reparto, Sam Rockwell, atendía a elDiario.es en un hotel junto a la Plaza de San Marcos de Venecia. Rockwell contó lo más importante y por lo que repiten todos con Martin McDonagh: “Es un guionista realmente bueno, pero no es un cretino, lo cual ayuda. Es un hombre empático, amable, tiene modales y habilidades sociales, lo cual a veces, sorprendentemente, puede ser raro”.

Para tener una memoria social, una memoria nacional, hay que tener un cierto grado de aprendizaje, haber absorbido algo, y eso no veo que pase a menudo. No importa de donde vengas, hay mucho olvido

John Malkovich — Actor

En Wild Horse Nine se tiende el hilo para que el espectador una que lo ocurrido en aquellas décadas, desde el asesinato de Kennedy en 1963 a los diferentes golpes de estado contra gobiernos latinoamericanos de izquierdas, tiene sus consecuencias en la actualidad. Algo que dejó claro Martin McDonagh en la rueda de prensa, y que hace pensar a Malkovich si lo que tenemos ahora es, realmente, eso que llamamos democracia.

“No estoy del todo convencido de que vivamos en una democracia, pero si es así… buena suerte con ello porque, ¿qué es una democracia?, ¿de quién es?, ¿cómo se decide? Hoy me he preguntado varias veces, ¿en qué país los ciudadanos creen lo que dice su Gobierno? No estoy seguro. Esto se ha repetido una y otra vez en el tiempo, lo que pasó en noviembre de 1963, en Chile del 73… está sucediendo todo el tiempo”, asegura.

McDonagh establece una metáfora entre la memoria que pierde su protagonista y la memoria perdida de forma colectiva que hace que olvidemos sucesos como el golpe de Estado de Chile y nos condene a repetir los mismos errores. Para Malkovich esa idea es “la esencia de la película” y recuerda que el otro día vio en televisión a jóvenes universitarios que, ya no es que supieran lo que ocurrió en Chile en 1973, es que no sabían “lo que pasó en Nueva York el 11 de septiembre de 2001”. “No sabían nada, ni quién lo hizo, ni cómo se respondió… para tener una memoria social, una memoria nacional, hay que tener un cierto grado de aprendizaje, haber absorbido algo, y eso no veo que pase a menudo. No importa de donde vengas, hay mucho olvido”, dice con cierto pesimismo.

Para el actor de Las amistades peligrosas es importante que películas como Wild Horse Nine vengan a festivales internacionales. Lo dice en un año en donde Hollywood ha frenado su presencia en Cannes o Venecia. Para el actor, “el cine es algo mundial, y hay un público en todas partes que quiere ver algo interesante, algo que los conmueva, los divierta, los emocione”, y pone un ejemplo: “Si alguien ve El agente secreto fuera de Brasil, puede que no les guste, y lo entiendo, pero la película les está diciendo algo, y antes había muchas películas estadounidenses, en los 70, que hacían eso, y cada vez hay menos cine estadounidense que lo haga y eso es desgarrador, pero también es un error increíble. Venir a un lugar como Venecia o San Sebastián o El Cairo o Cannes o donde sea te conecta con un público de todo el mundo. Y es un mundo muy grande”.

La Academia de Cine ha anunciado las tres cintas finalistas que lucharán por representar a España en los Premios Oscar 2027 en la categoría que honra a la mejor película internacional. La bola negra de los Javis, El ser querido de Rodrigo Sorogoyen y Los domingos de Alauda Ruiz de Azúa son los tres títulos seleccionados por la institución. Ahora, serán sus miembros quienes decidan la película que finalmente competirá por la nominación a la estatuilla. La elección final será anunciada el 16 de septiembre.

El largometraje resultante tomará el relevo a Sirat de Oliver Laxe, la cinta por la que apostó la Academia de Cine para representar a España en los Oscar de 2026, que, al contrario que la anterior Segundo premio de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, sí logró hacerse con la nominación. Laxe incluso optó a dos galardones: mejor película internacional y mejor sonido. En esta ocasión, España llega de hacer un buen papel en el Festival de Cannes, donde tanto La bola negra como El ser querido compitieron en la Sección Oficial, siendo la primera galardonada con el premio a la mejor dirección.

La bola negra, el filme de Javier Calvo y Javier Ambrossi, es una de las grandes apuestas de Netflix para los próximos Oscar. En Cannes tuvo una buenísima acogida por parte de la crítica y, desde entonces, la plataforma de streaming ha preparado una gran campaña para la cinta en la temporada de premios. Tanto es así que tendrá el periodo de tiempo más largo en la cartelera de Estados Unidos antes de su estreno en Netflix. Asimismo, su canción La nieve, compuesta por Guitarricadelafuente y Raül Refree, ha sido presentada para recibir una nominación.

La bola negra narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia; y una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca. Ha sido escrita por los Javis junto con Alberto Conejero, y está protagonizada por Guitarricadelafuente, en su debut como actor, así como por Penélope Cruz, Glenn Close, Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas y Julio Torres. Se estrenará en cines en España el próximo 25 de septiembre.

Javier Ambrossi ha agradecido por la preselección de La bola negra y ha afirmado que se “dejarían la piel” por representar al país en los Oscar. “Más allá de lo que pase, que sería precioso, hay planes de que la película llegue a la mayor cantidad de gente posible”, ha comentado. Asimismo, también se ha acordado de Amarga Navidad, el que era otro de los títulos favoritos: “Quiero felicitar a Almodóvar porque, aunque no está entre las tres pelis, ha hecho un peliculón y se va a quedar con nosotros muchísimo tiempo”.

Por su parte, Javier Calvo ha apuntado que la cinta está trascendiendo fronteras. “Algo que creíamos que era muy español, muy de nuestra cultura, aquí en Estados Unidos emociona de una manera que me sorprende. Les interesa nuestra historia, les interesa Federico, y salen muy tocados de los visionados. Gente a la que admiramos muchísimo se nos está acercando, así que es un momento increíble”, ha destacado. Además, ha confesado que “el premio a mejores directores en Cannes fueron unas palabras de aliento”: “Fue una voz que nos dijo que éramos unos grandes directores. Hemos aprendido haciendo, rodando, y La bola negra ha sido el rodaje más intenso que hemos vivido todos los que hemos participado en él”.

Un “momento muy bonito” para los cineastas

Rodrigo Sorogoyen presenta en El ser querido un reencuentro, mostrando a un director de cine que quiere redimir sus pecados reencontrándose con la hija a la que abandonó. Se trata de un filme sobre la culpa, pero sobre todo sobre cómo se construye la memoria y el relato. Los recuerdos de ese padre, cuyo papel defiende Javier Bardem, y su hija, a la que interpreta Victoria Luengo, son radicalmente diferentes y ninguno pretende dar su brazo a torcer. El largometraje ha tenido un excelente éxito en taquilla, superando el debut de As bestas y salvando el verano de la taquilla española.

Sorogoyen ha reaccionado a la noticia afirmando que está en un “momento muy bonito”: “En el equipo comentamos mucho que está yendo todo muy bien. Las taquillas y las críticas van muy bien. Al público le está llegando mucho la película y sonreímos como tontos”. El cineasta ha declarado que el hecho de que El ser querido sea una de las tres películas que puede representar a España en los Oscar “es la guinda, una alegría más”. “Estamos muy contentos, sobre todo por la taquilla, que está siendo sorpresiva. Normalmente siempre pienso que no vamos a hacer taquilla, así que estoy contento de haberme equivocado”, ha añadido.

En cuanto a enfrentarse a Los domingos y La bola negra, Isabel Peña, guionista de la película, ha comentado que lo encara “con muchísimo orgullo de pertenecer a esta generación de cineastas”. “Estamos en un momento buenísimo y somos gente que, aunque se nos puede considerar jóvenes, todas las personas de todos estos equipos llevamos muchísimo tiempo currando y nos lo hemos ganado. Quiero felicitar también a los Javis y al equipo de Los domingos”, ha alegado.

Asimismo, Alauda Ruiz de Azúa se hizo con una de las películas más aclamadas del año pasado con Los domingos. Arrasando tanto en los Feroz como en los Goya, la película gira en torno a un difícil dilema: ¿qué harías si tu hija se metiera a monja? La decisión de una joven menor, que debería elegir carrera para ir a la universidad y elige un convento de clausura, enfrenta las posiciones de su padre, que deja que haga lo que quiera, y la de su tía, interpretada por Patricia López Arnaiz, que se da contra la pared constantemente en su intento de convencerles de que esa decisión no es libre, sino un proceso de gota china hecho durante años en un colegio religioso.

La directora ha indicado que Los domingos ha sido una película “muy especial”. “Lo hemos vivido con mucha emoción y estamos muy agradecidos a todos los compañeros de la Academia que nos han arropado y abrazado”, ha agregado Ruiz de Azúa. En cuanto a la segunda vida internacional que pueda tener la cinta, se muestra optimista: “Todavía no se ha estrenado en Estados Unidos, pero recuerdo que en el Festival de San Sebastián, donde ganamos la Concha de Oro, hubo mucha gente de todo el mundo e intuimos que atravesaba a la gente de distintas maneras. A veces, lo que hay dentro es mucho más profundo y sigue generando conversación entre personas de muchas culturas distintas”. “El dilema sobre lo religioso y la tolerancia está presente internacionalmente”, ha sentenciado.

El pasado 1 de junio, la Academia de Hollywood anunció la creación de una lista de los mejores cines de todo el mundo. “Un nuevo premio mundial que celebra la experiencia cinematográfica y la gran tradición de las salas de cine”, según anunció la institución que entrega los Oscar en un comunicado donde subrayó que esta lista tiene “como objetivo reconocer a los cines más notables del mundo y honrar la excelencia en la exhibición cinematográfica”. “La Academia reconocerá a los cines que brindan experiencias excepcionales al público, preservan la historia del cine y sirven como pilares culturales en sus comunidades”, añadían.

Una iniciativa enmarcada dentro del centenario de la Academia que se celebrará en 2027, y para el que la institución seleccionará 50 cines. 25 de EEUU y 25 internacionales. Para ello anunciaron que se crearía un comité de miembros de la Academia de todas las ramas que serán los encargados de seleccionar dichos cines. Al frente de ese comité, la Academia de Hollywood ha decidido colocar a Sean Baker y su pareja, la productora Samantha Quan. Los ganadores del Oscar por Anora estarán al frente del equipo que “revisa las candidaturas y recomienda cines para su inclusión en la Lista de Cines Destacados de la Academia”. Ambos, además, se encuentran preparando su nueva película, Ti amo, que será un homenaje a la comedia italiana de los 60 y 70.

Para el director ejecutivo de la Academia, Bill Kramer, y la presidenta de la Academia, Lynette Howell Taylor esta iniciativa “celebrará la experiencia cinematográfica y honrará a las salas que unen a las comunidades a través del poder de la narrativa cinematográfica”. Las salas de cine elegibles deben ser cines físicos que operen durante todo el año y pueden estar ubicadas en cualquier parte del mundo. Podrán, también, proyectar estrenos o películas de repertorio.

Los criterios de evaluación señalados por la Academia en su convocatoria incluyen la forma de participación de la comunidad de espectadores, su programación, la diversidad, inclusión y accesibilidad, la preservación histórica, el diseño y las condiciones de la sala así como los servicios de venta de alimentos y bebidas. Las salas de cine seleccionadas aparecerán en las plataformas digitales de la Academia, incluyendo su sitio web y redes sociales, y recibirán un certificado físico para exhibir en sus vestíbulos.

La nieve, el tema compuesto por Guitarricadelafuente y Raül Refree para la banda sonora de La Bola Negra, ha sido presentada para optar al Oscar a Mejor Canción Original. Según The Hollywood Reporter, el tema del largometraje dirigido por Javier Calvo y Javier Ambrossi busca la nominación en una categoría en la que ya suenan otros artistas como Taylor Swift y Lady Gaga, por sus composiciones para Toy Story 5 y El diablo viste de Prada 2, respectivamente.

La Bola Negra narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia; y una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca. La canción La Nieve suena en una emotiva escena ambientada precisamente en la nieve que le da título, hacia el final del largometraje.

El tema fue compuesto por Raül Refree junto a Guitarricadelafuente, para el que la película ha supuesto igualmente su debut como actor. En ella encarna a Sebastián, un soldado nacionalista al que se le encarga vigilar a un soldado republicano (Miguel Bernardeau), con quien establece un vínculo especial durante la Guerra Civil Española.

Guitarricadelafuente podría convertirse en la quinta persona en lograr nominaciones al Oscar tanto por su interpretación como por la composición de la canción en la misma película. Gesta que lograron anteriormente Mary J. Blige por Mudbound en 2018, Lady Gaga por Ha nacido una estrella en 2019, Cynthia Erivo por Harriet en 2020 y Leslie Odom Jr. por One Night in Miami en 2021.

De confirmarse la presentación de la canción a los Oscar, continuarían las buenas noticias para La Bola Negra. La semana consiguió el récord de 47 días de estreno exclusivo en cines antes de pasar a Netflix en EE.UU. El gigante del streaming adquirió el filme de los Javis tras su triunfo en Cannes, para impulsarla en la temporada de premios, llegará a la cartelera norteamericana el 16 de octubre –en España se estrena el 25 de septiembre–. Puesto que su incorporación a Netflix no ocurrirá hasta el 2 de diciembre, la aclamada cinta logrará así el periodo de exclusividad en salas más largo hasta la fecha para un título de la plataforma.

Los Premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, los Oscar, se celebraron por primera vez el 16 de mayo de 1929, en una ceremonia que duró 15 minutos, en la que ya se sabían los ganadores desde hacía tres meses. La Academia había sido fundada en 1927 por el productor Louis B. Mayer, originalmente como herramienta para mejorar la imagen de la industria y gestionar las relaciones laborales. Casi un siglo después, los Oscar siguen siendo el referente global del cine, con más de 10.000 profesionales de la industria ejerciendo su voto. Y como cualquier institución humana, tienen un historial de 'errores' que el tiempo se ha encargado de dejar en evidencia.

El debut que cambió Hollywood y la Academia no vio

En 1992, un joven de 28 años llamado Quentin Tarantino presentó en el Festival de Sundance su ópera prima con un presupuesto de 1,5 millones de dólares. Reservoir Dogs introdujo la narrativa no lineal, los diálogos sobre cultura pop y una violencia estilizada que cambió el lenguaje del cine independiente americano. La Academia la ignoró por completo: cero nominaciones. Dos años después, Pulp Fiction recibiría siete, lo que hace todavía más llamativo que el origen de todo pasara sin pena ni gloria.

El segundo error es quizá el más difícil de explicar. El bueno, el feo y el malo (1966), el western más valorado de la historia del cine, situado por ejemplo en el número 5 en el ranking de IMDb con más de 800.000 valoraciones, no recibió tampoco ni una sola nominación. La dirección de Sergio Leone, la actuación de Clint Eastwood y la icónica banda sonora de Ennio Morricone pasaron completamente desapercibidas para la Academia. De hecho, al ser una coproducción italoespañola, Hollywood la miraba con otros ojos al ser etiquetada como una película “spaghetti western”. Si no contamos el Oscar honorífico que le entregó la Academia por su trayectoria en 2006, Ennio Morricone tardó 50 años desde el mítico western en ganar un Oscar al poner música a Los odiosos ocho (2016), del propio Tarantino, con 87 años.

Un duelo histórico, Fincher olvidado y Kubrick en los Razzie

Pero eso no es todo. En 1995, Michael Mann consiguió juntar por primera vez en la misma escena a Al Pacino y Robert De Niro con diálogo compartido. Ambos habían aparecido en El Padrino II pero en épocas distintas sin coincidir nunca en pantalla. El resultado fue Heat, considerada por críticos y directores como una de las mejores películas de atracos de todos los tiempos, con su tiroteo icónico por las calles de Los Ángeles. La Academia no la nominó en ninguna categoría: ni sonido, ni montaje, ni actuaciones. Nada.

Zodiac (2007), de David Fincher, tuvo la misma suerte. Sigue sin explicarse hoy en día que con un reparto de lujo, que contaba con Jake Gyllenhaal, Robert Downey Jr. y Mark Ruffalo, y una recreación modélica de los años 70, la película fuese ignorada por completo por los profesionales de la industria que votan. Paradójicamente, la Academia sí nominó a Fincher un año después por El curioso caso de Benjamin Button (2007), una película menos valorada por la crítica y el público.

Pero sin duda, el caso más llamativo de todos es el de El Resplandor (1980). Es una de las pocas películas de la filmografía de Stanley Kubrick en no recibir ninguna nominación en los Premios Óscar, logrando sin embargo ser candidata en dos categorías en los Premios Razzie (Peor director y Peor actriz) en el primer año que se otorgaron estos premios que valoraban lo peor del cine de Hollywood. Sin embargo, el tiempo la ha convertido en una de las obras de terror más influyentes de la historia del cine y en una referencia obligatoria en cualquier análisis sobre el lenguaje cinematográfico del horror, dejando escenas icónicas que están en el imaginario de cualquier fan del cine. De hecho, pese a su gran filmografía, Kubrick solo ganó un premio Óscar en toda su carrera, y no fue por su dirección o sus guiones, sino por los Mejores Efectos Visuales Especiales de la película 2001: Una odisea del espacio (1969).

En casi 100 años de repartir estatuillas doradas, la Academia ha sabido reconocer obras extraordinarias, pero también ha mirado hacia otro lado ante el debut de Tarantino, el mejor western de la historia, el duelo más esperado del cine americano, el thriller más obsesivo de Fincher y la obra maestra de terror de Kubrick. Cinco ejemplos en las que el tiempo, por suerte, ha acabado poniendo cada cosa en su lugar.

Dian Fossey, nacida en San Francisco en 1932, cambió la ciencia con su entrega absoluta. Se graduó en Terapia Ocupacional, pero la obra de George Schaller despertó su interés por África. En 1963, usó sus ahorros para viajar y conocer al reconocido paleoantropólogo Louis Leakey. Él la convenció de que estudiar simios era clave para entender nuestra propia evolución. Tras aprender suajili, se instaló en África en 1966 apoyada por la revista National Geographic. Su base inicial fue el Congo, pero la inestabilidad política la llevó finalmente hasta Ruanda. Allí, en las montañas Virunga, comenzó una labor de investigación que duraría veinte años. Su vida fue un testimonio de pasión y defensa inquebrantable por la naturaleza salvaje.

El 24 de septiembre de 1967, fundó el Centro de Investigación Karisoke entre dos grandes volcanes. Su campamento comenzó con dos tiendas de campaña en un entorno sumamente hostil y aislado. Durante los primeros años, Fossey enfrentó la soledad absoluta sin apenas apoyos ni recursos. Los gorilas no estaban habituados a los humanos y los locales desconfiaban de su presencia. A pesar de sufrir un enfisema pulmonar, su determinación compensaba cualquier miedo o carencia. Aprendió a comunicarse con sus trabajadores mediante gestos y mucha paciencia en la selva.

Para ganarse la confianza de los gorilas, Fossey imitó sus comportamientos naturales de forma creativa. Caminaba sobre sus nudillos, masticaba apio y emitía sonidos de satisfacción similares a eructos. Al mantenerse a la misma altura que ellos, logró que los primates perdieran el miedo. Sus observaciones destruyeron el mito del gorila como una bestia violenta tipo King Kong. Tras miles de horas de estudio, demostró que son criaturas gentiles, plácidas y muy inteligentes. National Geographic envió a Bob Campbell para documentar visualmente estos hallazgos tan asombrosos. Las imágenes de Fossey interactuando con simios cambiaron la percepción global sobre esta especie. Su trabajo resaltó la urgencia de conservar el hábitat natural de estos seres tan especiales.

Dentro de los grupos que estudiaba, Fossey estableció un vínculo muy profundo con el gorila Digit. Lo llamó así por un dedo dañado y llegó a interactuar con él como verdaderos amigos. Sin embargo, el 31 de diciembre de 1977, Digit fue brutalmente asesinado por cazadores furtivos. El animal murió defendiendo a su familia y fue encontrado mutilado sin su cabeza ni manos. Este suceso sumió a Fossey en una depresión y transformó su ciencia en una guerra personal. Creó la Fundación Digit para recaudar fondos destinados a combatir la caza ilegal en Ruanda. Su dolor se convirtió en una furia implacable contra quienes amenazaran a sus queridos animales. La muerte de su gorila favorito marcó un punto de no retorno en su vida y aislamiento.

La lucha de Fossey contra la caza furtiva fue radical, utilizando tácticas que le propició enemigos. Quemaba trampas, capturaba intrusos y usaba máscaras para que creyeran que ella hacía brujería. Se opuso firmemente al turismo masivo, pues creía que interfería en la paz de los animales. Sus enfrentamientos constantes con el gobierno ruandés tensaron su situación legal en la región. Algunos colegas consideraban que sus métodos extremos obstaculizaban una gestión racional del centro. A pesar de las críticas, su activismo logró que la crisis de los gorilas captara atención global. Fossey se convirtió en un símbolo de la conservación radical en una época de gran indiferencia. No dudaba en enfrentarse a intereses poderosos para asegurar que los gorilas pudieran existir.

En 1983, publicó su obra maestra Gorilas en la niebla, relatando sus décadas en la selva. El libro fue un éxito rotundo y sirvió de base para la famosa adaptación cinematográfica posterior. Académicamente, obtuvo su doctorado en Zoología por la Universidad de Cambridge en el año 1974. Su técnica de ganarse la confianza de animales salvajes fue un gran legado para la ciencia. Incluso el divulgador David Attenborough filmó una secuencia histórica con ella para la televisión. Fossey demostró que cada gorila poseía una personalidad distinta y estructuras familiares complejas. Sus reportajes concienciaron a miles de personas sobre la fragilidad de la vida silvestre africana. Gracias a su labor de difusión, el mundo comprendió la importancia de proteger a estos gigantes.

Enigma por resolver

La mañana del 27 de diciembre de 1985, Dian Fossey fue hallada muerta en su cabaña de Karisoke. Fue asesinada con un machete tipo panga que ella misma tenía colgado en su vivienda. La escena del crimen estaba revuelta, pero se descartó el robo al no faltar dinero ni valores. Su asesinato sigue siendo un enigma casi cuarenta años después, lleno de muchas irregularidades. Las teorías apuntan a cazadores resentidos, contrabandistas de oro o funcionarios corruptos. Su asistente Wayne McGuire fue acusado, aunque el caso nunca se resolvió satisfactoriamente. Fossey sabía que su vida corría peligro y tuvo problemas para renovar su pasaporte. Su muerte violenta marcó el fin de una era, pero no el fin de su gran lucha por la vida.

Dian Fossey fue enterrada en el cementerio que ella creó, descansando eternamente junto a Digit. Su lápida lleva el nombre Nyiramachabelli, que significa la mujer que supo adaptarse al bosque. Tres años tras su muerte, la película protagonizada por Sigourney Weaver inmortalizó su legado. Weaver fue nominada al Óscar y ganó el Globo de Oro por interpretar magistralmente a la zoóloga. Aunque los gorilas siguen en peligro, su población ha crecido gracias a las bases de Fossey. Organizaciones actuales continúan hoy con su misión de proteger a esta especie tan vulnerable. Su última frase en el diario recordaba que el valor de la vida está en proteger el futuro. Nadie amó tanto a los gorilas como esta mujer que entregó su existencia por su salvación.

La música de La Odisea ha despertado tanta curiosidad como la propia adaptación cinematográfica de Christopher Nolan. El motivo no está solo en que el director haya vuelto a confiar en Ludwig Göransson, su colaborador en Tenet y Oppenheimer, sino en la decisión creativa que ambos han tomado para la nueva película: prescindir de la orquesta sinfónica tradicional. En su lugar, el compositor sueco ha construido la banda sonora a partir de instrumentos inspirados en la Antigua Grecia, como liras, aulos o una colección de 35 gongs de bronce, combinados con sintetizadores para crear un lenguaje sonoro propio. La elección no responde únicamente a una cuestión estética, sino también histórica. “La orquesta no existía entonces”, explicó el propio Göransson en declaraciones para Time, al justificar un enfoque que busca alejarse de los códigos musicales que tradicionalmente han acompañado al cine ambientado en la Antigüedad.

La decisión resume el momento que atraviesa el compositor sueco. Con solo 41 años, Göransson ya ha ganado tres premios Oscar a la mejor banda sonora por Black Panther, Oppenheimer y Sinners, además de varios premios Grammy, Globos de Oro y Emmy. Aunque todavía se encuentra lejos de la trayectoria de John Williams, el compositor vivo con más nominaciones a los Oscar (54) y ganador de cinco estatuillas, o de Hans Zimmer, ganador de dos premios de la Academia y autor durante más de cuatro décadas de algunas de las bandas sonoras más influyentes del cine contemporáneo, el ritmo con el que ha acumulado reconocimientos y su condición de colaborador habitual de cineastas como Christopher Nolan y Ryan Coogler explican por qué hoy comparte la primera línea de la música para el cine con nombres como John Williams y Hans Zimmer.

Del blues sueco a Hollywood

Nacido en 1984 en la ciudad sueca de Linköping, Göransson creció en una familia donde la música formaba parte de la vida cotidiana. Su padre era guitarrista de blues y profesor, mientras que su madre tocaba el piano. Aquella combinación de influencias despertó muy pronto su interés por la música y le permitió crecer escuchando estilos muy diferentes. Tras estudiar en el Real Conservatorio de Estocolmo, obtuvo una beca para especializarse en composición para cine en la Universidad del Sur de California, una decisión que marcaría definitivamente su carrera profesional.

Fue precisamente en Los Ángeles donde conoció al entonces joven director Ryan Coogler. Ambos comenzaron colaborando en el cortometraje Locks después de coincidir gracias a un amigo común y descubrir que compartían una forma muy parecida de entender el cine y la música. Aquella primera colaboración terminó convirtiéndose en una de las asociaciones creativas más estables de Hollywood. Desde entonces, Göransson ha compuesto todas las películas dirigidas por Coogler: Fruitvale Station, Creed, Black Panther y, más recientemente, Sinners. Para esta última, el compositor dedicó meses a investigar la historia del blues y sus conexiones con otros estilos musicales, un trabajo previo que terminó impregnando toda la identidad sonora de la película.

A esa trayectoria junto a Coogler se suman colaboraciones con algunos de los nombres más influyentes de la industria. Christopher Nolan recurrió a él para sustituir a Hans Zimmer en Tenet, una colaboración que continuó con Oppenheimer y ahora con La Odisea. En paralelo, Göransson ha firmado las bandas sonoras de producciones como The Mandalorian, Venom, Turning Red o Black Panther: Wakanda Forever, ampliando un currículo que combina cine, televisión y grandes franquicias. Fuera de la pantalla también ha desarrollado una sólida carrera como productor musical junto a Donald Glover, conocido artísticamente como Childish Gambino, con quien produjo, entre otros trabajos, el éxito This Is America, galardonado con el Grammy a la Grabación del Año y a la Canción del Año.

El compositor que convierte cada proyecto en una investigación

Si algo distingue a Göransson de buena parte de sus contemporáneos es el tiempo que dedica a documentarse antes de empezar a escribir música. El propio compositor ha explicado en varias ocasiones que intenta salir de su zona de confort en cada proyecto y buscar sonidos que no haya utilizado anteriormente. Esa filosofía vuelve a estar presente en La Odisea. Ante la petición de Christopher Nolan de no utilizar una orquesta convencional, Göransson emprendió una investigación sobre los instrumentos que pudieron escucharse en la antigua Grecia y trabajó junto a musicólogos e intérpretes especializados para aproximarse a ellos con el mayor rigor posible.

El resultado incorpora liras interpretadas siguiendo criterios históricos, aulos reconstruidos a partir de fuentes arqueológicas y una colección de 35 gongs de bronce de distintos tamaños adquiridos expresamente para la película. A ese conjunto añadió sintetizadores, un recurso deliberadamente anacrónico que amplía la textura sonora sin renunciar a la inspiración histórica. “Sabía que, para crear un mundo completamente original, tenía que salir también de mi zona de confort y encontrar sonidos con los que nunca hubiera trabajado”, explicó el compositor sobre el proceso creativo de la película en declaraciones para el medio anteriormente citado.

Tres Oscar antes de los 42 años

La banda sonora de La Odisea representa un nuevo desafío dentro de esa trayectoria. En lugar de recurrir a la gran orquesta que durante décadas ha definido el sonido del cine épico, Göransson ha optado por investigar cómo pudo sonar realmente el mundo de Homero y construir desde ahí un lenguaje musical propio mediante instrumentos inspirados en la Antigua Grecia y recursos electrónicos. Esa capacidad para replantear cada proyecto desde cero, unida al reconocimiento acumulado en muy pocos años, explica por qué el compositor sueco ya comparte la primera línea de la música para el cine con figuras como John Williams y Hans Zimmer.

La histórica victoria de los New York Knicks que les ha convertido en campeones de la NBA 53 años después del último título ha dejado para la franquicia histórica imágenes para el recuerdo como la celebración de Jalen Brunson como líder y estrella de unas Finales, en las que 27 años antes su padre se había quedado a las puertas, aunque con un rol más secundario.

Sin embargo, uno de los momentos más virales de la celebración de los Knicks ha sido cuando los jugadores celebraron en la cancha con el actor Timothée Chalamet, que asiduo al Madison Square Garden y aficionado del equipo, estalló de celebración en mitad de la pista.

El actor, sin embargo, no se quedó solo en eso, sino que también celebró con el equipo en el vestuario, en un vídeo que compartieron desde el equipo de la que es su ciudad natal. A la estrella de Hollywood llegaron a preguntarle si quería gafas para protegerse del champán y su respuesta fue clara: “No me las merezco. No soy un atleta. Normalmente, uso un doble de acción para eso”, en declaraciones recogidas por Variety.

Chalamet no fue el único famoso que estuvo en el partido de las Finales NBA entre los Knicks y los Spurs, sino que también se pudo ver a otras celebridades en el Madison Square Garden como fue el caso de Spike Lee, Adam Sandler, Larry David, Ben Stiller, Taylor Swift o Chris Rock, entre otros. Incluso estuvo en un encuentro de la eliminatoria el presidente de los Estados Unidos, Donald Trump, siendo así el primero en ejercicio que presencia en vivo unas finales NBA.

Timothee Chalamet lanza un dardo a Hollywood: “Mucho mejor que los Óscar”

Uno de los detalles que más se ha hecho virales de la celebración de Timothee Chalamet del título NBA de los Knicks fue al compararlo con un premio Óscar: “¡Esto es mucho mejor que los Óscar! ¡Vamos! ¡Los Knicks son campeones!”, aseguró a pie de cancha el sábado por la noche, momentos después de que los Knicks derrotaran a los Spurs y se alzaran con el título tras en una serie de 4-1.

Unas declaraciones que tienen ‘morbo’ si tenemos en cuenta la polémica alrededor de sus últimas nominaciones a Mejor Actor en los Óscars, siendo favorito en las dos ocasiones que ha sido nominado por ‘A complete Unknown’ y ‘Marty Supreme’, pero en ninguna de ellas se alzó con el premio.

Ocho años después de su primera nominación al Óscar en 2018 por ‘Call Me By Your Name’, en la pasada edición partía como el gran favorito, pero la polémica rodeó parte de su campaña para lograr la estatuilla. En primer lugar, por el hecho de que la familia del jugador de tenis de mesa en el que se basó ‘Marty Supreme’ no estuvo conforme con su interpretación, pero luego también pudo afectar la acusación de abuso sexual en un rodaje de Josh Safdie, en ‘Good Time’ en 2017, director de la película.

Aunque si hubo un momento en el que muchos críticos coinciden que perdió el Oscar, que finalmente se llevó Michael B. Jordan por ‘Sinners’, fue por sus declaraciones sobre el ballet al describirlo como algo que “ya no le importa a nadie” en una entrevista realizada por el también actor Matthew McConaughey.

El documental español Sucia, dirigido por Bàrbara Mestanza y Marc Pujolar, ha ganado el premio al mejor documental en el festival de Sheffield, uno de los más prestigiosos en el mundo de la no ficción. Esta victoria la precalifica y la hace elegible para la próxima edición de los Oscar. Es decir, la coloca entre la lista de películas que podrán optar al premio en la categoría de Mejor película documental. 

El jurado, cuando anunció el premió, valoró un filme en el que “a través de una narración valiente y una visión creativa extraordinaria, transforma el trauma personal en una reflexión colectiva”. Sucia se basa en la experiencia personal de la directora, la también actriz Bàrbara Mestanza, que sufrió abusos sexuales. En el filme se muestra cómo la sociedad juzga a la víctima, preguntándole por qué no se fue o por qué no hizo nada, en vez de analizar por qué esto sigue pasando. Mestanza sigue todo su proceso, incluido el de denuncia y hasta el judicial, en una obra que finalmente acaba mostrando también el poder sanador del arte. 

“Si bien se basa en la singularidad de la historia personal de la cineasta, la película se expande hacia afuera, planteando preguntas más amplias sobre la culpa, la vergüenza, el poder, la actuación y los sistemas que dan forma a nuestra complicidad en la violencia. Su edición rigurosa y convincente entrelaza años de creación artística y procesos legales, creando un viaje apasionante que desafía al público a la introspección y a examinar sus propias narrativas”, aseguró el jurado del festival de Sheffield.

El filme, que ya fue galardonado en el pasado Festival de Málaga, continúa así su exitosa carrera por los certámenes de documentales de todo el mundo. Para su directora y protagonista “es increíble haber podido llegar a ganar”. “No solo hacerlo fuera de nuestra casa, sino en un sitio dedicado a los documentales, algunos de ellos con grandes presupuestos y también grandes historias. Nos estamos dando cuenta de la magnitud del tema a través de cada festival al que estamos yendo, pero era muy difícil de imaginar que una cosa tan pequeña, tan pequeña y tan concreta pudiera ser el caballo de Troya perfecto para generar movimiento y y generar colectivo”, opina Mestanza del galardón. 

Recuerda los días de proyección del documental en Sheffield, donde la gente les ha parado y ha acudido a ellos “llorando y emocionados” incluso antes de saber el palmarés. “Para mí es importante resaltar que, al final, cuando te pasa una cosa como esta no te conviertes en alguien más fácil, sino más complejo. Me emociono no solo por haber podido hacer esta peli, sino por todas esas personas que han estado a mi lado”, añade.

Su productor, Pau Sanclemente, destaca “cómo una historia tan personal y autograbada de un tema tan complicado que parecía local ha tenido esta repercusión y ha conectado muchísimo con el público”. “Una historia local que se convierte poniendo el dedo señalando a un problema de magnitud global y eso ha hecho que resuene en muchísima parte del público”, añade y avanza que este premio puede hacer que llegue “más allá de las fronteras de España” y así “poder encontrar la posibilidad de hacer una distribución global”.

Un documental para generar conversación

La actriz explicaba en una entrevista a este periódico que durante diez años vivió obsesionada con su agresor. “Pensaba en por qué me escogió a mí, por qué hizo eso ese día y por qué conmigo. Y necesitaba tenerle delante para que me lo explicase, pero también para que me viera viva. Él me había arrebatado mi cuerpo, mi juventud, casi me muero por su culpa. Con los años comprendí que era como un veneno que entró en mi cuerpo: no solo me metió los dedos en la vagina, sino que logró meterse dentro de mí durante años. Así que para mí era importante que me viese la cara y decirle: ‘Aunque hayas intentado quitarme lo más vital, yo sigo aquí. Estoy viva’”, decía.

Sucia es su carta para certificar que sigue viva, pero que esto no ha acabado. Aunque al final pueda responder a esa pregunta de por qué no hizo nada, algo tan simple como “porque no podía”, los datos de las mujeres que son agredidas y abusadas son espeluznantes. El documental termina con unas cifras incontestables. 400.000 personas han sido víctimas de violencia sexual. Solo un 5% denuncia y, de las que lo hacen, solo un 9,7% obtiene sentencia condenatoria hacia su agresor. 

La voluntad de este trabajo de generar conversación y de que esto continúe se confirma cuando al finalizar el filme aparece un QR en la pantalla. Al escanearlo, uno accede a un cuestionario para poder compartir sus propias experiencias y si ellas y ellos han sufrido alguna situación parecida. Porque ese es el verdadero trabajo del arte, seguir planteando preguntas que nos hagan avanzar como colectivo.

La actriz estadounidense Glenn Close, el director británico Ridley Scott y el animador Floyd Norman recibirán un Óscar honorífico en la gala de los Governors Awards (premios de los Gobernadores), informó este miércoles la Academia de Hollywood.

La gala se celebrará el 15 de noviembre en el Ray Dolby Ballroom del Ovation Hollywood y también otorgará el premio Memorial Irving G. Thalberg a las productoras Christine Vachon y Pamela Koffler.

Estos premios celebran a “cinco personas extraordinarias cuyo trabajo innovador ha marcado para siempre el arte de hacer cine”, dijo la presidenta de la Academia, Lynette Howell Taylor, en el comunicado.

Este será el primer Óscar que reciba Close, de 79 años, quien ha sido nominada a los premios de la Academia en ocho ocasiones por filmes como 'El mundo según Garp', 'Las amistades peligrosas' o 'La buena esposa'.

A lo largo de cinco décadas, la actriz ha trabajado en más de cien proyectos cinematográficos y se ha consolidado como una de las más versátiles de la industria.

Por su parte Scott, de 88 años, también recibirá su primera estatuilla dorada tras haber sido nominado como director por películas como 'Thelma & Louise', 'Gladiator (El gladiador)' o 'Black Hawk Down'.

El director también es conocido por dirigir algunas de las películas de ciencia ficción más memorables de la historia del cine como 'Alien' o 'Blade Runner'.

Por su parte, Norman, de 90 años, ha sido uno de los responsables de cimentar el universo de Walt Disney Animation Studios como el primer animador negro del estudio contribuyendo a filmes emblemáticos de la franquicia como 'La Bella Durmiente', 'El Libro de la Selva' y 'Robin Hood', entre otros.

Los Óscar honoríficos se conceden para honrar la trayectoria profesional y las contribuciones de ciertas personas al estado de las artes y las ciencias cinematográficas en cualquier disciplina.

Estos reconocimientos suelen otorgarse a personalidades que, pese a sus trayectorias, nunca han ganado un Óscar.

Asimismo, Vachon y Koffler, fundadoras de la productora independiente Killer Films en 1995, son responsables de películas como 'Safe', 'Velvet Goldmine', 'Happiness' o 'Boys Don't Cry'.

El premio Memorial Irving G. Thalberg se otorga “a un productor creativo cuyo conjunto de obras refleja una calidad consistentemente alta en la producción cinematográfica”.

Como cada año, los diferentes premios revisan sus normas y publican las nuevas. Normalmente hay ciertos cambios cosméticos que ajustan y mejoran dudas en ciertas categorías o responden a quejas de los miembros de las diferentes asociaciones. Sin embargo, la Academia de Hollywood ha revolucionado sus próximos premios con la publicación de su nueva normativa, ya que incluye cambios en categorías esenciales como las interpretativas, además de afrontar de forma tajante la inteligencia artificial —una de las grandes preocupaciones del sector— y dar la vuelta a la categoría de Mejor película internacional.

Es un cambio grande, que todavía no han explicado en profundidad, pero que altera el paradigma actual. Hay uno de los cambios que afecta al cine español, ya que tiene que ver con la categoría de Mejor película internacional. La Academia responde a la internacionalización de sus miembros, a la gran presencia de filmes que no son de EEUU y, sobre todo, a una de las polémicas más recientes: los títulos ignorados por sus respectivas Academias para ir a los Oscar.

Hasta ahora, la única forma de optar al Oscar a la Mejor película internacional era ser elegida por la Academia de cada país. Se quedaban fuera cualquier filme disidente en países donde hay censura y regímenes dictatoriales —algo que ya abordaron en parte el año pasado—; y provocaba situaciones que dejaban fuera de la categoría a títulos que, a priori, podían ser favoritos. Por ejemplo, Anatomía de una caída no fue la escogida por el comité francés, que optó por A fuego lento a pesar de que el filme de Triet había ganado la Palma de Oro y fue comprado por Neon, una de las grandes distribuidoras del cine indie de EEUU.

Eso cambia a partir de este año. La Academia de Hollywood mantiene el criterio principal para optar al Oscar internacional, pero añade otro. “Además de la presentación oficial de una película por parte de un país o región a través de los Comités de Selección aprobados por la Academia, una película en un idioma distinto al inglés puede presentarse al ganar un premio que califique en un festival de cine internacional, según lo especificado en la Lista de Festivales que Califican para el Premio a la Mejor película internacional”, anuncian en sus nuevas normas.

Los festivales que calificarán para la 99ª edición de los Oscar serán el Festival Internacional de Cine de Berlín (con la película ganadora del Oso de Oro), el Festival Internacional de Cine de Busan (Premio a la Mejor Película), el Festival de Cannes (Palma de Oro), el Festival de Sundance (Gran Premio del Jurado de Cine Mundial), el Festival Internacional de Cine de Toronto (Premio Plataforma) y el Festival Internacional de Cine de Venecia (León de Oro).

Dejan fuera a San Sebastián a pesar de ser un festival de categoría A. El director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, explicaba este lunes en un acto en la Academia de Cine que “trabajarán” para formar parte de ese grupo, y que cree que el Zinemaldia ofrece algo que el resto no tienen: presencia del cine iberoamericano. “Son unas normas raras, ya veremos cuanto tiempo siguen, pero es verdad que a nosotros nos hubiera gustado estar”, dijo. También valoró el momento de la Academia de Hollywood y de unos Oscar que “pasan por una época un poco compleja donde no acaban de encontrar su identidad”.

Ya hay dos candidatas

Todo esto implica que este año ya hay dos filmes que optarán al Oscar: la turco alemana Yellow Letters, ganadora del Oso de Oro, y Shame and Money, coproducción entre Alemania, Kosovo, Eslovenia, Albania y Macedonia del Norte. A ellos pronto se unirá la película que gane la Palma de Oro en Cannes. Esto provoca que un país pueda jugar con esta casuística de forma estratégica. Pongamos, por ejemplo, que Rodrigo Sorogoyen gana la Palma de Oro este año por El ser querido. La Academia española podría —y debería—optar por otro título como Amarga Navidad o La bola negra para aumentar las posibilidades de que España tenga un filme entre el quinteto finalista a los Oscar. 

Esto hace que, por primera vez, y como ya pasa en los Globos de Oro, un país pueda tener más de un título nominado en la misma categoría. Y aquí viene la principal queja, ya que esto favorece, evidentemente, a las industrias más potentes, con Francia a la cabeza. Los países iberoamericanos y cinematografías africanas o de Oriente Medio es muy complicado que puedan optar con varias películas debido a su escasa producción y dificultades de financiación. De hecho, al ver las selecciones oficiales de certámenes como Cannes o Venecia, donde estas industrias son ignoradas desde hace años, se entiende que habrá países que se vean afectados negativamente por este cambio.

Esto, por ejemplo, podría haber hecho que España eligiera el año de Alcarrás —que ganó el Oso de Oro— a otro título como As bestas, duplicando sus opciones. O que Francia lo hubiera hecho el año de Titane, que ganó la Palma de Oro y fue elegida por su comité dejando fuera a El acontecimiento, que finalmente ganó el León de Oro, por lo que también hubiera optado automáticamente y podrían haber escogido una tercera. Un país podrá tener, en un caso excepcional, hasta siete películas en competencia en caso de que ganen todos los premios de la lista y su Academia elija una séptima. 

No es el único cambio en la categoría de Película Internacional. A partir de ahora será el título de la película el que esté “acreditado como nominado, en lugar del país o la región, y el premio será recibido por el director en nombre del equipo creativo”. “El nombre del director aparecerá en la placa de la estatuilla después del título de la película y, si corresponde, el país o la región”, dicen las nuevas normas. A pesar de ello, la Academia ha aclarado posteriormente al periodista Erik Anderson que “el director de la película ganadora del premio a Mejor película internacional aceptará el galardón, pero no será nominado ni ganador oficial de un Oscar”, algo que pertenece a la película como tal.

La Academia se planta ante la IA

Varios de los principales cambios en la normativa de los Oscar vienen para defenderse del uso de la inteligencia artificial, uno de los caballos de batalla del sector. De hecho, el principal anuncio viene poco después de que varios medios publicaron la noticia de que Val Kilmer había sido ‘resucitado’ con la inteligencia artificial para la película As Deep as the Grave. Variety, medio especialista en cine, publicaba un artículo el 20 de abril justo después preguntándose si el actor podría ganar un Oscar por esta ‘actuación’ y urgía a la Academia a tomar cartas en el asunto.

Dicho y hecho. Menos de dos semanas después la institución anunciaba esos cambios que afectan a la categoría interpretativa. A partir de ahora “solo se considerarán elegibles los papeles acreditados en los créditos legales de la película y que hayan sido interpretados por personas con su consentimiento”.

No es el único cambio en las categorías de interpretación. A partir de ahora un mismo intérprete puede estar nominado dos veces o más en la misma categoría por diferentes papeles. Hasta ahora, si esto ocurría, solo entraba el papel más votado. Siempre se ha hablado de que Nicole Kidman podría haber estado nominada dos veces, por Los otros y Moulin Rouge; Kate Winslet también por El lector y Revolutionary Road y Jessica Chastain también como actriz de reparto por El árbol de la vida y Criadas y señoras. Solo lo estuvieron por una de esas películas.

La defensa contra la IA llega también en las categorías de guion, donde las nuevas reglas “estipulan que los guiones deben ser de autoría humana para ser elegibles”. Además, la Academia aclara que en cuanto a “la Inteligencia Artificial Generativa, se reserva el derecho de solicitar más información sobre la naturaleza del uso y la autoría humana”.

Contra las canciones timo

Una de las categorías donde muchas producciones intentaban rascar una nominación ‘fácil’ ha sido siempre la de Mejor canción. Cualquier producción con posibilidades de estar en la conversación de los premios encargaba una canción a una estrella famosa, la colaba en sus créditos y a correr con una candidatura posible bajo el brazo. La Academia ha querido también poner fin a esas prácticas y ha aclarado lo que, a partir de ahora, se considerará una canción original. Ya no vale con que en los créditos aparezca, sino que tiene que entrar en pantalla al menos 15 segundos antes de que estos aparezcan. No es un cambio sustancial, pero al menos tendrán que sonar antes de que la película concluya.