Argentina es el país del mundo con más psicoterapeutas. Parece el comienzo de un chiste, pero es verdad. Los estereotipos, muchas veces, esconden algo sobre la idiosincrasia de un lugar. En este caso, los propios argentinos se han reído siempre en multitud de películas sobre ello. Lo vuelven a hacer en Lo dejamos acá, una comedia que produce y protagoniza Ricardo Darín y que sigue a un psicoterapeuta hastiado de su profesión y que decide que tiene que decirle la verdad a sus clientes, aunque duela. Verdad a bocajarro aunque se pueda considerar una mala praxis viendo el estado de alguno de sus pacientes. La llegada de un escritor en horas bajas y bloqueo artístico sacará, además, un lado creativo.

Una comedia que desprende argentinidad por todos sus lados y que se basa en el carisma aplastante de Darín y de Diego Peretti para colar su mensaje de forma fácil, entre sonrisa y carcajada. Se ha estrenado de la mano de Netflix, que en estos momentos de desmantelamiento de la industria del cine argentino por Milei se ha convertido en un aliado fundamental para el cine argentino. Darín ha sido uno de los responsables de levantarlo desde la producción con la ayuda de su hijo, Chino Darín, junto al que esta historia les movió para “poder reflexionar”, pero también, reírse de ellos mismos.

El dato del número de terapeutas, real, “funciona como un disparador, porque sirve para coger un tópico y revisarlo”, asegura Ricardo Darín, que cree que al final eso acaba siendo casi una excusa para “producir escenas divertidas donde la gente no solo se ría, sino que también reflexione, y cuando eso pasa, es como meter un gol”.

Darín es de los que cree que la comedia es un Caballo de Troya, porque “uno se ve proyectado”, pero también sabe que “es difícil detectar exactamente cuáles son los resortes que producen la carcajada”, y pone un ejemplo concreto: “Estoy haciendo una obra de teatro que se llama Escenas de la vida conyugal, en donde no hacemos otra cosa que decirnos barbaridades, o sea, desentrañar unas barbaridades que cada uno le tira al otro, y la gente se muere de risa. Es interesante tratar de analizar qué es lo que produce ese impacto tal para que uno largue una carcajada frente a una barbaridad. Es decir, se reconoce y se reconoce a sí mismo, reconoce una situación similar en la que participó pero, ¿es crítica la carcajada?”.

Lo que sí tiene claro es que, ahora mismo, en un mundo convulso, hacer reír es algo importante, hasta “terapéutico”. “Si miras para los costados lo que ves es de terror. Hay cosas que pasan de las que ya ni se hablan. Como no tienen solución, no se habla de ciertas cosas. Estamos como manipulados. Narcotizados. Y ahora el humor, la comedia, tiene esa facultad de conmocionarte, aunque sea por el lado de la risa. Cuando uno larga una carcajada, queda como expuesto a que entre la próxima bala. Hay una forma de desacralizar un poco la gravedad del mundo circundante y hace que nos acordemos que somos seres humanos, porque si no, estamos como tapados de mierda”, subraya.

Por supuesto que es menos riesgoso ir hacia lo seguro. Eso es lo que pretenden los inversores. Pero lo nutritivo es precisamente ese terreno de posibilidades

Ricardo Darín — Actor

Lo dejamos acá llega a Netflix en un momento en donde el cine argentino agoniza. O lo producen las plataformas, o se debe a coproducciones internacionales para poder levantar los proyectos, como le ha ocurrido a Benjamín Naishtat con Glaxo, thriller de época basado en la novela de Hernán Ronsino y que ha sido financiado por el productor brasileño Rodrigo Teixeira. Dos ejemplos de una industria abandonada a la mejor suerte del liberalismo más feroz. Darín, que ya se ha enfrentado a las políticas de Milei en varias ocasiones, intenta ser más cauto esta vez y dice que será el tiempo quien deje claro lo que ha pasado: “Es un momento raro, se valorará en unos años”.

Por ello da las gracias a las plataformas, porque “sin ellas no se podrían llevar adelante muchos proyectos” y pide que nadie se olvide que “la madre de todas las madres es el cine y que el cine debe ser visto en el cine porque es un ritual que no debería desaparecer, como no va a desaparecer nunca el teatro”. “Luchar contra la naturaleza de las cosas que son genéticas porque son el inicio de todo, es un error”, avanza y subraya que “la diversidad es nutritiva, es el alimento”. “Por supuesto que es menos riesgoso ir hacia lo seguro. Eso es lo que pretenden los inversores. Pero lo nutritivo es precisamente ese terreno de posibilidades. Que aparezcan los pibes y las pibas que tienen unas cabezas increíbles y que en estos momentos están atados de pies y manos”, critica.

Pese a todo se define como “optimista por naturaleza”, y valora que las plataformas y otros países hayan salido en ayuda del cine argentino, pero no cree que “se trate solamente de solidaridad, sino de oportunidad”, y aboga por “encontrar un punto de equilibrio en el que todos podamos sentir que estamos caminando en la dirección correcta”.

Netflix despedirá al 6% de su plantilla global, equivalente a unos 1.000 puestos de trabajo, en su mayor ronda de despidos desde 2022, según informaciones publicadas por medios estadounidenses que tuvieron acceso a una comunicación interna de la empresa.

La medida afectará principalmente a los departamentos de producto, tecnología, asuntos legales y recursos humanos, en un contexto de desaceleración del crecimiento y preocupación por la evolución de la interacción de los usuarios con la plataforma, informan este miércoles The Wall Street Journal (WSJ) y la cadena CNBC, recoge EFE.

En un memorando enviado a los empleados esta mañana, los codirectores ejecutivos de la compañía, Ted Sarandos y Greg Peters, justificaron la decisión por la necesidad de priorizar recursos: “Nuestra misión -entretener al mundo- es ambiciosa, y cumplirla exige que seamos disciplinados sobre dónde priorizamos a nuestra gente y nuestros recursos”, señalaron los directivos, según recogen los citados medios.

Pese a las salidas, la cúpula de Netflix aseguró que el negocio “sigue fuerte” y en camino de cumplir sus previsiones financieras para el conjunto del año, y adelantó que continuarán “invirtiendo agresivamente en áreas de alto impacto”.

La empresa informó que tenía unos 16.000 empleados a tiempo completo a finales de 2025 y el anuncio se produce una semana antes de que la multinacional con sede en Los Gatos (California) presente sus resultados financieros del último trimestre, el 20 de octubre.

Aunque Netflix mantiene una de las tasas de bajas de clientes más reducidas de la industria (ligeramente superior al 2% en Estados Unidos), sus acciones acumulan una caída de más del 40% en los últimos doce meses.

El gigante del streaming no es el único que ha optado por adelgazar su estructura en los últimos meses: otros grandes grupos del entretenimiento y la tecnología, como Disney y Amazon, también han acometido recortes de personal en los últimos años.

Todo el mundo habla de La bola negra. Y qué bien que lo hagan. La gente habla por las calles de Lorca, de la Guerra Civil, de esa película que va dispuesta a hacer historia en los Oscar gracias a su mezcla de emoción, ambición y memoria histórica. Pero sobre todo hablan de ellos, de los Javis, de Javier Calvo y Javier Ambrossi, dos cineastas superdotados, autodidactas y brillantes.

Parecía ayer cuando llenaban el hall del Teatro Lara con La llamada, o cuando desde un canal desconocido, Flooxer, nos presentaron a Paquita Salas, ahora un personaje fundamental en la historia de las series españolas. Poco a poco, proyecto a proyecto, han ido creciendo en madurez hasta llegar a esa bola negra con la que compitieron en el Festival de Cannes, donde lograron el premio a la Mejor dirección.

Es raro ver en el festival más importante del mundo compitiendo a directores con su segunda película, pero allí intuyeron pronto lo que luego se ha comprobado, la emoción torrencial que el espectador vive al ver la película. La gente se ve arrollada por esa mezcla de líneas temporales que mezclan 1932, 1937 y 2017; que se atreven a desarrollar la ficción inacabada de Lorca, y a materializarse en una coda final que emociona hasta la lágrima. El mundo ha descubierto a los Javis.

¿Cómo han vivido la locura de todos estos meses?

Javier Calvo: Yo estoy bien, la verdad. Nos hemos obligado a tener un agosto en el que no hacer nada. Yo he estado mucho tiempo con mi familia en Murcia, en mi casa de siempre, y mi única preocupación ha sido pensar en qué íbamos a comer al día siguiente y mientras comíamos qué íbamos a cenar esa noche. Eso me da mucha paz. Yo necesitaba tocar tierra porque ha sido, más que todo lo que ha pasado, el ritmo de estos momentos. Me ha venido bien este mes de estar tranquilo, respirar y prepararme para lo que tenga que venir.

Javier Ambrossi: Yo estoy aceptando que tengo que descansar, pero tengo que trabajar todos los días para que mi cerebro esté regulado. Si no, como que se me hace bola y pienso que luego va a ser peor cuando vuelva. Pero estoy muy tranquilo con lo que pasó en Cannes. Cuando ganamos 'Mejor dirección' me dio paz sentir todo lo que había pasado, porque no tendría por qué haber ocurrido. No respondía a nada más que a la película. No tuvimos la oportunidad ni de explicarla ni de hablar con nadie ni de tener ni siquiera una carrera larga en el cine como para que de repente sea un premio que compense otra cosa. Realmente habla la película.

A mí hay una cosa que me parece muy mágica de Cannes. Hay películas que entran en el teatro Lumière de una forma, y salen de otra. Vuestra salida fue increíble, la gente estaba deseando saber quiénes erais. 

J.A.: A la mitad de la proyección yo sentí que la gente había conectado con la película. Yo empecé a escuchar lágrimas, gente sonándose los mocos, muchísimo silencio. No sé si será el más grande del mundo, pero uno de ellos. Además, es un cine que se presta mucho a que haya invitados que no sepan ni qué película van a ver, ni quién eres tú. Que estén con el móvil. Gente que se levanta, gente que se va. Entonces, de repente, ver a la gente tan concentrada, emocionada... La primera mitad estuvimos peleados, pero peleados tipo que le tuve que decir: “Javi, deja de darme por el culo”.

J.C.: En Cannes tú vas el día anterior a las tres de la mañana a chequear el sonido y decidir a qué volumen pones la proyección. Es que solo de acordarme me estoy angustiando, se me seca la boca. A mí me gusta que suene muy alto. Fuimos y yo estaba muerto, llevábamos mucha tralla encima. Habíamos entregado la película un par de días antes. Y dije, “ponla al siete”. Y me dijeron, “es un poco alto”. Y yo, “venga, da igual”. Pues en mitad de la proyección empiezo: “Está muy alta. Muy alta. Muy alta”.

J.A.: Es que Javi te da el viaje de ida y el de vuelta. Durante el momento que hay que elegir es: “Lo pongo alto”. Hasta que le dices que sí y luego ya cuando lo ha puesto dice: “Está muy alto”. Y ya le dije: “Javi, no me vas a joder la proyección del estreno. Esto es una vez en la vida”.

'La bola negra' es una película que nos supera, que tiene como un propósito mayor de existencia que nosotros, y creo que eso la gente lo está leyendo.

Javier Ambrossi — Cineasta

J.C.: Y aparece la productora francesa por detrás, Alice Labadie, y dice: “Igual está un poco alto”.

J.A.: Yo también le hablé fatal. Le dije: “No te metas tú ahora, porque lo que le faltaba a él”. 

J.C.: Estuve escribiendo al proyeccionista por WhatsApp en mitad de la proyección.

J.A.: Yo tuve la suerte de tener cerca a Lola Dueñas, que no había visto la película. Entonces la magia de Lola de repente se me pegó. Lola empezó a conectar de una manera muy profunda y empezó a llorar.

J.C.: Y tú me dijiste: “Javi, va a salir bien, está escrito en las estrellas”.

J.A.:. Yo siento que esta película, desde que llegó a nuestra vida y con todo lo que ha pasado, hay algo que no estamos controlando. Este es un proyecto que de repente llegó a nuestra vida y que todo ha sido fluido. Con mucho trabajo, mucho esfuerzo. El rodaje más difícil que hemos tenido jamás, el que más intenso hemos vivido. Pero todo tenía como un flow. Y siento eso, que está escrito en las estrellas. Siento que es una peli que nos supera a Javi y a mí, o que tiene como un propósito mayor de existencia, y creo que eso la gente lo está leyendo.

Por seguir con la locura, ¿cómo viven que La bola negra esté en todas las predicciones de los Oscar?

J.C.: No he sido muy seguidor de este mundo apuestas de Oscar, entonces no sé cómo de realista es ni cuánto cambia eso. Sé que estamos ahí y que se nos considera. Yo me acuerdo, creo que cuando estábamos en Cannes, que vi un tuit como de algún bot que decía: estadísticas de que La bola negra gane algún premio en Cannes: 0%. Entonces ahora estamos un poco más arriba en la estadística de ganar algo, lo cual me parece increíble, casi una simulación. Pero ahí está. A mí nuestra película, la de todo el equipo, me encanta y ojalá pase. Creo que sería algo muy importante para la película, para nosotros, para el equipo y para este país.

J.A.: Y para el cine español. Yo viendo cómo gusta a los americanos y cómo gusta a todo el equipo de Netflix, la puja que ha habido por tenerla, que ha sido grande y sobre todo viendo la reacción de la gente, ves la emoción y es muy genuina, como que toca algo en la cultura americana.

En Cannes se notó en cómo conectó con la crítica de EEUU.

J.A.: Sí, porque tiene algo de homenaje al cine, evidentemente al cine hollywoodiense que me hizo amar el cine. Pero tiene luego otras muchas cosas y tiene sentido que una cultura como la americana en este momento reivindique la emoción.

J.C.: Yo creo que también nosotros creamos desde un lugar bastante salvaje, emocional y artesanal, y en el sistema que tienen ellos montado a la hora de rodar es muy difícil conseguir esa manera de hacer tan artesanal y bestia como hacemos nosotros.

J.A.: Y sin plantillas. Les sorprende que no respondemos a tests. Entonces eso les conmueve. A Lisa Taback, que es la que lleva todo el mundo premios en Netflix le pregunté, ¿pero por qué nadie querría darnos un premio?, ¿qué representamos? Y me dijo: “El futuro. Yo la apuesta que hago desde Netflix es apostar por el futuro. No he visto gente como vosotros. No he visto gente que se implique así. No hay directores así”.

Y ese estreno en cines en EEUU, cuando allí la estrenará Netflix (aquí pasará por cines y posteriormente se verá en Movistar Plus), que creo que es muy representativo…

J.A.: Se pidió, lo pedimos.

¿Es un logro conseguir que se vea en pantalla grande, que se comparta así esa emoción?

J.C.: Es que creo que realmente la película que queríamos hacer era una película que generara la necesidad de disfrutarla en una sala en pantalla grande, de manera colectiva y con la sensación de no querer perderte ningún detalle. En contraposición a me pongo una película en la tele mientras hago la comida o miro el móvil y me quedo dormido, y mañana si eso lo acabo o no. Contra esa costumbre que se está generando, que no digo que esté bien ni mal, a mí no me encanta, queríamos crear algo que significara todo lo contrario, la ilusión de volver a disfrutar con alguien, o de mostrarle a alguien, que creo que eso es muy bonito. Esa sensación de ir a un lugar y salir de otra manera. Yo recuerdo cómo he salido de películas cuando tenía 13 o 14 años y recuerdo la sensación de ver el mundo de otra manera, de salir por la calle y sentir que la calle es distinta y que mi vida es distinta y me daría mucha pena que esa sensación cada vez se fuera diluyendo más en la gente, sobre todo en la gente joven.

El extremismo y el odio son una sombra que acecha continuamente y parece que últimamente más. Y de hecho, la última frase de la película es “mira que nos acechan todavía”

Javier Calvo — Cineasta

J.A.: Fue una negociación cuando Netflix dijo que querían la película. Estábamos ahí en Cannes, en unas calles al lado de unos contenedores de basura, porque no hay absolutamente nada, con un ron cola que estaba el hielo derritiéndose, en mitad de una callejuela, pasando el camión de la basura. Y yo lo que pedí es que fuera por lo menos un mes y medio en cines y que respetaran el formato en el que está rodada. No nos importó el dinero, no estábamos hablando de eso. Netflix puede tener el poder de llegar a la gente, que es algo que la peli siendo de lo que es y el mensaje que tiene, va a agradecer muchísimo. Pero pedimos un mes y medio, y nos dijeron, “¿pues sabes qué? Serán 47 días”.

Han mencionado que hay películas que uno entra de una forma y sale de otra, ¿cómo les gustaría que saliera la gente de La bola negra?

J.C.: Para mí lo principal sería que hicieran caso a una voz que suena en un momento de la peli que dice: “Hay que vivir. Vivir siempre”. Creo que es una película que te ayuda a tomar decisiones y a querer vivir, y eso es algo muy bonito.

J.A.: Me gustó mucho la conversación que tuvimos con Anne Hathaway sobre la película que dijo que ella se quedaba con un pensamiento y es que en el presente nuestra parálisis es privilegio, y me pareció que lo clavó, y es justo lo que yo quiero que reflexionemos, que en el presente estamos paralizados porque tenemos la oportunidad de estarlo, pero que tenemos que movernos hacia delante. No te quedes en un sitio donde no quieres estar, no estés en una pareja con la que no quieres estar. Hay un privilegio que es el de tener tantas opciones que nos paraliza. Y hace muy poquito la generación de nuestros abuelos no podía a lo mejor ni reconocerse su propio deseo. Y en el colectivo LGTBIQ+ eso está muy claro. La peli habla de eso. Hay tanto silencio, tanto, tanto dolor, tanta tristeza, tanto asesinato en nuestro colectivo, tanta gente que ha luchado, que creo que los que en el presente podemos tener opciones de libertad, tenemos que explorarlas y tenemos por lo menos que intentar ser felices y sentirnos completos.

Pero es verdad que, por desgracia, ese mensaje en 2026 sigue siendo de alguna forma casi revolucionario, ¿hacia dónde creen que avanzamos, les da miedo el futuro?

J.A.: Es que nosotros mismos no habíamos escrito una peli ni una serie con personajes gais, ni hablando de deseo entre hombres. Entonces para nosotros mismos es revolucionario porque no sé por qué nunca nos habíamos atrevido a hacerlo. No sé si porque era obvio o porque no queríamos sacar temas que a lo mejor nos removiesen a nosotros. Parece que hay muchas historias en el cine que hablan de eso, pero es que no hay tantas, y protagonizadas por actores abiertamente gais que interpretan papeles gais, dirigidas por directores gais, con equipo LGTBIQ+… no hay tanto hecho por y para. Entonces para mí sí es revolucionario porque sí viene a ocupar un hueco que falta y espero que la gente de una generación la reciba así.

J.C.: Yo creo que hay algo que es obvio, y es que el extremismo y el odio es una sombra que acecha continuamente y parece que últimamente más. Y de hecho, la última frase de la película es “mira que nos acechan todavía”. Todo lo que ha vivido Sebastián, el personaje de Guitarrica, no pasó hace tanto tiempo. Cuando fuimos a la Fundación 26 de diciembre, que vamos a menudo, a tomar roscón con los mayores LGTBI de la asociación, se acercó uno de ellos y nos dijo que él había tenido su pareja toda la vida y las dos familias les dejaron de lado por ser gais, y que cuando murió, él no tenía nada más en su vida. Era lo único que tenía. Se quedó solo y solo iba al cementerio todos los días a ponerle flores. Y ahora, gracias a que estaba la fundación, podía ir a relacionarse con gente. Entonces me hizo pensar, joder, no solo no conozco las historias de las personas mayores de mi colectivo, que es impresionante e increíble, gente gracias a la cual yo hoy puedo disfrutar de mis derechos, sino que creo que tampoco conozco la de mis abuelos.

J.A.: Y lo que has dicho de los abuelos, ojalá la película sea reivindicativa también en eso, en lo familiar, en encontrarnos con la gente que nos rodea, en la familia, los abuelos, los amigos, la gente que piensa diferente a nosotros. Lo que me parece más reivindicativo de la peli, más allá de la lucha LGTBI, que evidentemente es muy importante, es la reivindicación de entendernos, de intentar ponernos de acuerdo aunque sean cuatro hechos fundamentales de nuestra historia para poder seguir adelante, para poder tener un diálogo, para que no todo se convierta en violencia.

Lo de ponernos de acuerdo en cuatro cosas, ¿una de ellas no debería ser Lorca, cuyos restos siguen bajo tierra?

J.C.: Fíjate, no creo que nadie en España niegue que Lorca es, si no el más grande, un genio absoluto. No hay debate a nivel poético o teatral, es uno de los dos o tres más importantes. Pero sí que es verdad que a mí me sorprendió, porque no sabía qué pasaba, que al hablar de él parece como que mucha gente tirara de él, por un lado, o por otro, como si no quisieran que fuera de todos. Como si hubiera una disputa por quién tiene la razón sobre él. Una cosa muy rara que yo no sabía qué pasaba.

J.A.: Eso pasa con los símbolos. Todo el mundo quiere apropiarse de los símbolos. Es una cosa normal, eso es lo lógico. Pero es verdad que asusta cuando de repente quieres hablar de algo. Lo que nosotros queríamos hacer, lo que nos parecía bonito, era enriquecer la figura de Lorca, no negar ninguna de las otras partes políticas sociales que evidentemente son superimportantes en lo que él era. Nosotros creemos que no se ha señalado suficiente que una condición importante de su vida, en su literatura y en su asesinato fue su libertad. Su libertad que englobaba su homosexualidad y que creo que a mucha gente, y a mucha gente joven, le puede hablar. Es que no tenemos tantos artistas LGTBIQ+. Y la gente dice, pero qué más da que fuera gay, pues sí importa, porque apela a nuevas generaciones como referente y creo que eso es importante. Nosotros solamente queríamos enriquecer esa figura sin querer sentar cátedra. 

Hay una cosa en el tamaño de la película, porque no hay historias grandes, épicas, LGTB. Hacen siempre la comparación con Titanic, pero tiene algo de eso, de una historia de amor épica homosexual, historias queer que no tienen por qué ser de nicho, pequeñas. 

J.A.: O que para que sea muy grande, tipo Brokeback Mountain, tengan que interpretarla dos estrellas hetero. Que tenga todos los elementos que tiene La bola negra, eso la hace muy única. Yo creo que esta peli tiene todos los elementos para que si te acercas, puedas salir cambiado y con un pensamiento, por lo menos, más cercano al otro, que es de lo que va, de ver que el otro existe, piense diferente a ti o no.

J.C.: Me encanta que digas Titanic, porque claro, igual que Lars Von Trier dijo, “yo quería hacer un musical y me salió Bailar en la oscuridad”, o Almodóvar en una entrevista en La Edad de Oro, que le preguntaron, ¿a quién creéis que os acabaréis pareciendo?, y dijo: “Yo creo que irremediablemente acabaré pareciéndome a Pedro Almodóvar”. Pues claro, yo quería hacer Ven y Mira, Apocalypse Now e irremediablemente siempre se me acaba acercando un poquito, aunque sea en emoción y en ganas de llegar a la gente, a Titanic.

Desde que les hacemos entrevistas nunca les habíamos preguntado por su vida privada…

J.A.: Ya la contábamos nosotros [risas].

Pero de repente les preguntamos si van a hacer otra película tras la separación, ¿cómo llevan que su vida íntima se haya colocado en ese foco?

J.C.: Yo lo pasé muy mal, sinceramente, me dio mucha ansiedad, pero a la vez agradezco que pasara porque me ayudó a entender que tengo que proteger mucho más mi vida. Como que antes éramos muy festivos, contábamos todo. Siento que he pagado un poco las consecuencias de haberme expuesto como pareja en mi vida, y me doy cuenta de que cada vez más quiero que mi trabajo hable de mí y yo vivir mi vida y ya está.

J.A.: Yo lo entiendo, entiendo el interés. Creo que siempre hemos mezclado lo personal con lo profesional en cada entrevista desde que la gente nos conoce, desde que empezamos con La llamada. No ha habido entrevista en la que no hayamos hablado y sido cariñoso el uno con el otro. Es normal que cuando se produce la ruptura, haya este interés. Ahora que ya ha pasado, pues yo creo que ya no hay más que rascar. Es decir, vamos a seguir trabajando juntos, nos queremos un montón y cada uno tiene su vida y así seguirá.

Entrevista completa

Hollywood nos ha dicho que los fantasmas vienen a asustarnos. Normalmente, lo hacen porque tienen cuentas pendientes con el presente, y su presencia en el mundo de los vivos es violenta, vengativa y provoca el caos. Pero, si pensamos en un país como España, como Argentina, o como Chile, en los que las dictaduras han dejado tantos muertos en las cuneras, ¿no sería un territorio lleno de muertos que reclamaran ser oídos? El pasado violento de la historia de Argentina late en Mis muertos tristes, la serie que ha dirigido Pablo Larraín y que adapta cuatro cuentos de Mariana Enriquez, que ha participado en la escritura del guion.

Ambos han hecho algo mucho menos obvio y mucho más turbio. Los muertos que aparecen en su serie de cuatro episodios que se ha presentado en su versión cinematográfica en San Sebastián no son los muertos por la dictadura, son más recientes, pero tienen en común la herida violenta de un país donde la violencia nunca cesa. Mires a la década que mires hay una violencia política que deja cadáveres en las cunetas. 

Lo hace a través de la historia de una médica retirada a la fuerza (por matar por compasión durante la pandemia) que puede ver y hablar con los muertos. La llegada de su hermana y su sobrina —que comparte su don— desde EEUU es la chispa para terminar de encender un barrio humilde marcado por la violencia que asola la ciudad. Una violencia que es también burocrática, ejercida desde hospitales que no atienden y servicios públicos que no funcionan. Aquí los muertos no asustan, y no hay jump scares hollywoodienses. Los muertos solo quieren ser escuchados. Otros, salir del bucle violento que se les obliga a repetir. Otros solo que alguien les preste atención. 

Larraín llevaba tiempo queriendo trabajar con la literatura de Mariana Enriquez, y estuvo cerca de hacerlo en el pasado, pero no fue hasta que una de las productoras de su compañía, Fábula, le enseñó antes de que se publicara Un lugar soleado para gente sombría cuando vio realmente la oportunidad hecha realidad. “Me pareció que había una posibilidad de coger Mis muertos tristes como cuento central y trabajar con otros dos más y traer argumentos y personajes al cuento central”, cuenta Larraín desde San Sebastián. A su lado, Mariana Enriquez añade que se juntaron unas cuantas veces en Buenos Aires, pero que el resto fue online, y que ambos tuvieron claro que la idea era “fusionar relatos para hacer otro nuevo a partir de esos fundamentos y con el eje de Mis muertos tristes”.

Aunque Larraín sea chileno y Enriquez argentina, ambos tienen muchas cosas en común, y muchas de ellas “tienen que ver con un pasado político inmediato, dictatorial”. Sin embargo, una de las cosas que más le interesó es que la mirada de la escritora “con respecto a esas personas, a ese pasado y a esa idea de memoria es más amplia que las últimas tres décadas”. “Es más atemporal, y tiene que ver no solo con cómo nosotros los vivos, recordamos a los muertos o vivimos junto a ellos o habitamos el universo con ellos, sino que aquí se abre una puerta nueva y muy interesante, que es que cambia el punto de vista también hacia el muerto, porque es el muerto quien se manifiesta, es el muerto quien pide ser recordado, que llama la atención que no quiere ser olvidado. El primer acto de memoria tal vez viene de la reclamación de ese muerto a no ser olvidado”, subraya el cineasta.

El fantasma no es un ente que viene de otro lugar, sino una persona que vivió y que vuelve para pedir que se la recuerde, pedir que se le haga justicia 

Mariana Enriquez — Escritora

La escritora asiente y añade que “es que eso es una historia de fantasmas”. “El fantasma es como el que repite todo para que no se olvide de lo que le pasó, de lo que ocurrió”, analiza. Para Enriquez, las afinidades entre ambos van más allá de esa historia parecida o de la cercanía geográfica, y “tiene que ver con una manera de abordar la política desde lo artístico”. También cree que les une el interés por los personajes femeninos. “No es que yo escriba todo el tiempo sobre mujeres, pero en el caso de Mis muertos tristes y los cuentos elegidos las voces son de mujeres, y Pablo venía trabajando con voces femeninas fuertes, pero con una sensibilidad por la oscuridad”, añade. 

Tanto en sus libros como en este guion, Enriquez intenta “desmontar lo que hay detrás del fantasma y del cuento de fantasmas como cuento solamente de miedo”. Para ello siempre se pregunta qué es un fantasma, y para ella “no es un ente que viene de otro lugar, sino una persona que vivió y que vuelve para pedir que se la recuerde, pedir que se le haga justicia y para decir ‘yo también existí', no para dar miedo”. Una obra sobre los fantasmas de la memoria que se va a ver en 2026, en plena época de Milei, aunque eso es algo que Enriquez cree que no cambia nada: “Podrías cambiar ese año por cualquiera de los últimos 50 y sería lo mismo. La Argentina del 82 que entraba en la guerra, la Argentina del 89 con la hiperinflación, la de mediados de los 90, la de Menem, que es una de las épocas más violentas de la democracia argentina. Es un problema estructural”.

Una Argentina que, en la serie, se muestra inoperativa y con unos servicios públicos colapsados que no dan nunca una respuesta. La burocracia como barrera para solucionar los problemas de la gente, algo que para la escritora es “literariamente muy interesante porque es muy reconocible y muy argentino”. “En Argentina no sabes lo que puede significar un corte de luz, la cantidad de vida que se desvanece cada vez que se te corta la luz. Me parece uno de esos elementos que hace que tu vida sea penosa. Me interesa mucho trabajar eso literariamente. Primero porque la burocracia no se trabaja mucho literariamente o se trabaja en estos términos kafkianos, que tienen algo del absurdo, pero no tienen el agobio y el peso cotidiano de decir por qué mi vida tiene que ser hablar con una persona por teléfono todo el día”, zanja Enriquez.

El cine siempre ha sentido una fascinación por la clase obrera. Ya en sus primeros compases, los hermanos Lumière lo primero que retrataron fue a los trabajadores de su fábrica en 1895. Ahí ya se evidenciaba una fricción que se alargaría hasta nuestros días, ¿cómo alguien que viene de una élite, de una clase alta burguesa y rica, puede retratar a aquellos con los que apenas se junta? En el caso de los Lumiére solo fue una cámara fija grabando cómo salían de su trabajo, pero según el lenguaje cinematográfico avanzaba y las narrativas se complejizaban, ese conflicto de clase entre los que miraban y los que eran observados se hacía más evidente.

En 2026 el cine lo sigue haciendo, en un gran porcentaje, gente pudiente. Aunque la tecnología ha democratizado el acceso a quien tiene una cámara de cine (que ahora todos pueden poseer en su teléfono móvil), son pocos los que consiguen las becas necesarias para entrar en las escuelas de cine. Todo esto viene a cuento para hablar de la gran película de este Festival de Venecia (y aunque quedan varias jornadas es difícil que se encuentre una obra tan compleja e inteligente), Possible Love, del cineasta coreano Lee Chang-dong.

El director de títulos como Burning o Poetry —donde ya la clase social y los roces entre ellas estaban— era uno de los nombres más esperados de la Sección Oficial con su primera película en ocho años. La espera ha merecido la pena, Possible love es magistral. Una mirada incisiva, inteligente, llena de capas y detalles a cómo el cine vampiriza a la clase obrera para su propio beneficio: ya sean premios o limpiar la culpa.

Lo cuenta a través de las relaciones entre dos parejas. Una, de clase obrera, vive marcada por un despido masivo en una fábrica que ha hecho que el marido, sindicalista y apaleado en las manifestaciones para intentar detenerlas, caiga en el alcohol y la depresión. La otra, rica, está formada por un empresario que va de moderno y distinto, y una mujer que quiere rodar un documental sobre aquel despido masivo.

Esta directora quiere contar lo que les ocurrió, pero lo hace desde la condescendencia, desde las buenas intenciones de las que está plagada el infierno, y sin plantearse la gran pregunta: la moralidad de lo que cuenta y de cómo lo cuenta. Las relaciones entre los cuatro personajes irán rozando. Del roce se desprenderán primero pequeñas astillas en forma de dardos (¿cuánto cuesta la ropa de la directora mientras rueda a obreros en paro?) que terminarán formando un incendio cuando las dos parejas decidan pasar un fin de semana juntos en la lujosa casa de la playa de los ricos.

No hay discursos ampulosos, no hay frases de carpeta y taza de desayuno. Hay mucha verdad, mucha intención y una inteligencia y sensibilidad desbordante para saber mirar a estos cuatro personajes. No son personajes planos, sino a veces ambiguos y hasta contradictorios, y por tanto, reales. Algo que se ve en temas como el deseo (incluso sexual) que tiene la mujer obrera por el empresario o el complejo de clase y culpa por querer y hasta paladear lo que tienen los otros y ellos no han logrado a pesar de partirse el lomo.

Lee Chang- Dong construye, como en sus anteriores obras, su clímax final a fuego lento, poco a poco, dando espacio para que todo se construya de forma natural, sin artificios ni aspavientos. Y logra lo más complicado, que uno tenga la impresión que nada sobre en sus casi tres horas de metraje, que van trufándose de imágenes de esas manifestaciones sindicales, de las entrevistas a los obreros y de conversaciones donde parece que nada pase mientras lo que ocurre es la vida. Todo hasta llegar a ese tercio final donde la lucha de clases se hace más encarnizada y donde esa vampirización llega a sus máximas consecuencias, como evidencia una escena en la playa donde un paneo horizontal revela que para la directora, lo más importante es la obra y lograr la gran entrevista final para su proyecto.

Es inteligente hasta el título, ese Amor posible que parece referirse al de las parejas, pero que va mucho más allá y a una pregunta mucho más compleja, ¿puede un director burgués amar realmente a los personajes que retrata cuando los va a dejar tirados tras la claqueta final?, ¿pueden amar a esos que normalmente tienen como criados?

Una de las ironías de Possible love es que con todo su discurso sobre cómo el capitalismo revienta a la clase obrera, haciendo que hasta el amor sea imposible para ellos, el filme haya sido producido por Netflix. A pocas semanas de comenzar a rodar, los productores de Possible love abandonaron el proyecto, y fue la plataforma, cuyos contenidos en el país son una de sus grandes apuestas, las que salvaron una película que si no, se hubiera quedado en el cajón sin hacerse. Ahora apunta al León de Oro y es la elegida por Corea del Sur para representarlos en los Oscar.

Mujeres desconocidas

Una de las polémicas de este Festival de Venecia es la falta de mujeres en la Sección Oficial en competición por el León de Oro. Solo dos, y una de ellas codirigiendo junto a un hombre. La única mujer dirigiendo en solitario es May el-Toukhy, que ya revolcó a los espectadores con su anterior filme, Reina de corazones, y que en su nueva película, Woman Unknown, hace lo mismo con una interesantísima e incómoda mirada a las mujeres que fueron señaladas tras la Segunda Guerra Mundial por acostarse con nazis.

El-Toukhy muestra a una de ellas que, tras haber tenido una relación de la que apenas se dan detalles, está prometida con un danés que celebra la victoria de los aliados. La directora no la juzga ni la señala, sino que intenta entender cómo muchas mujeres sobrevivieron en la guerra usando su cuerpo como campo de batalla. Las mujeres como trofeo nacional de vencedores y vencidos. Lo hace con un estilo austero, de pocas explicaciones y muchas preguntas incómodas. Todo comandado por una interpretación llena de silencios de Mathilde Arcel.

La cineasta muestra la hipocresía de muchos países que miraron a otro lado sabiendo que muchos se habían lucrado vendiendo productos a los nazis, pero rapó y vejó a las mujeres que habían tenido sexo con ellos. La cineasta intenta entenderla analizando aspectos como la clase social, el deseo y la supervivencia. Con una protagonista imperfecta, compleja y ambigua, May el-Toukhy ha hecho un filme que se queda pegado y rascando decenas de preguntas cuando uno sale de la sala. No debería irse sin premio.

La serie de ‘Los Bridgerton’ es una de las más populares de Netflix en todo el mundo, siendo una de sus diez más vistas en la plataforma en el idioma inglés, y mientras los fans esperan la quinta temporada de este drama de época, se presenta una nueva ambiciosa apuesta del género: ‘La Muñeca’, que llega este mes de septiembre.

De qué va ‘La Muñeca’, la ‘Bridgerton’ polaca que llega a Netflix

Desde el éxito de ‘Los Bridgerton’ en 2020, son muchas las series de época que han ido llegando a las plataformas en cuanto a los dramas y comedias de época como ‘La edad dorada’ de HBO, ‘The Buccaneers’ en Apple TV o ‘The Forsytes’ de la BBC, que siguen un camino que abrieron otras mucho antes como ‘Downton Abbey’.

Quien quiere engancharse a una nueva serie, Netflix está cerca de dar la bienvenida a su nuevo drama al estilo ‘Bridgerton’, con el estreno este 16 de septiembre de ‘La Muñeca’, la ficción polaca que llegará con seis episodios para adaptar uno de sus clásicos de la literatura.

La serie está dirigida por Paweł Maślona, conocido especialmente por la película ‘Scarborn’ de 2023, en la que narraba la vida del héroe revolucionario Tadeusz Kościuszko, que llegó a organizar una rebelión contra el imperio de Rusia en el siglo XVIII. En este caso, el director se vuelve a poner ante una ficción histórica en una trama que se desarrolla en la Varsovia del siglo XIX.

La historia de la serie ‘La Muñeca’ se centra en dos personajes principales: Stanisław Wokulski e Izabela Łęcka, interpretados por los actores Tomasz Schuchardt y Sandra Drzymalska. Él es un hombre de mediana de edad que se ha convertido en una de las personas más ricas por su gran ambición, lo que lo lleva a ascender de forma social y es cuando se obsesiona con una joven, que, si bien aspira a ser una más, busca a su vez liberarse de la rigidez de su sociedad y dejar huella. Todo esto hace que entre ambos se genere un vínculo, pero que vive continuamente amenazado por el estatus social.

Adapta una de las mejores novelas polacas de la historia

Tal y como hizo Netflix recientemente con ‘El Gatopardo’, al adaptar a serie este clásico de la literatura italiana, en este caso, ‘La muñeca’ es una nueva versión de una de las novelas de Bolesław Prus, ‘Lalka’ en polaco, que es considerado uno de los mejores libros polacos jamás escritos.

Este libro que se convirtió en una saga épica de negocios, comercio, romance y guerra, en medio de una Europa convulsa. El hecho de adaptar una de sus mejores historias, hace ver como Netflix pone a Polonia como uno de sus países europeos de prioridad, como demuestran los otros proyectos que ha llevado a cabo.

De hecho, otros destacados han sido ‘Lead Children’, la película que cuenta la historia de Jan Borysewicz ‘Less than a Stranger’, la serie ‘Anesthesia’, la película ‘Saint’, la segunda temporada de ‘Mothers of Penguion’, así como la versión polaca de ‘Love is Blind’.

En diciembre de 2024, el CEO de una aseguradora médica estadounidense fue asesinado en plena calle. El hecho pasó relativamente desapercibido en el país de las armas y los tiroteos, pero la cosa cambió cinco días después, cuando el FBI detuvo al -ya confeso- autor del crimen. Bajo una capucha de chándal se escondía Luigi Mangione, un joven de 26 años que incendió las redes. Aunque sus actos fueron una crítica radical al sistema de sanidad privada, con lo que se quedó el mundo fue con una sola cosa: era muy guapo.

Mangione se convirtió rapidísimamente en un icono pop que ha inspirado innumerables productos de merchandising. Es un objeto de deseo -en todos los sentidos- y las crónicas sobre su caso se colocaban en las páginas de sociedad, no en las de tribunales. Pero Mangione no es un caso aislado, también ha pasado con los hermanos Menéndez o, más cerca de casa, con Daniel Sancho. Lo que les une es su físico, que ha encandilado a una sociedad que ha olvidado que se está enamorando de homicidas.

Este fenómeno es conocido como hibristofilia y es lo que analiza el periodista Francesc Soler (Roda de Ter, 1978) en su libro Los asesinos guapos (Alrevés, 2026), un libro en el que analiza esta fascinación explicando los procesos biológicos tras el pretty privilege y las consecuencias de un mundo que ha convertido la violencia en entretenimiento a través del true crime.

Su libro nace de una fascinación personal por las pasiones que levantan los asesinos guapos. ¿Qué es lo primero que usted piensa cuando ve la foto de Mangione?

Pues que, más que a un asesino, estaba mirando a un actor de Hollywood interpretando a un asesino.

Realmente, aquellas primeras imágenes recordaban mucho a Zac Efron en el papel del asesino en serie Ted Bundy en Extremadamente cruel, malvado y perverso.

Exacto. Estamos tan acostumbrados a las ficciones sobre crímenes que subliman o romantizan a un asesino que, cuando el criminal se nos presenta en esta forma, con esta cara de galán de cine, nos cuesta mucho verlo como un monstruo o una mala persona. Y claro, pues pasó lo que tenía que pasar: todos nos enamoramos de Mangione, un asesino, porque le veíamos cara de bueno.

¿Tuvo algo que ver que su crimen estuviera motivado por una cuestión política?

Creo que en su club de fans, los que justifican la acción políticamente, son una minoría. Claro que hay gente que le ve como una especie de Robin Hood o Che Guevara, pero tengo la sensación de que el fenómeno mediático alrededor de su belleza se ha comido la motivación política, muy a su pesar. No creo que Mangione se quisiera convertir en un icono de la moda, sino en líder de un movimiento contra las aseguradoras médicas.

Nuestro cerebro necesita atajos: si ve una serpiente, interpreta que es peligrosa. Pero, si ve a una persona guapa, piensa que es confiable y que no nos dañará

Decía antes que, como Mangione tiene cara de galán, no podemos verlo como alguien malo. ¿Por qué relacionamos belleza con bondad?

Por el efecto halo. Es una de las cosas que he aprendido con este libro. Nuestro cerebro necesita atajos: si ve una serpiente, interpreta que es peligrosa y se pone en guardia. En cambio, si ve a una persona guapa, piensa que es confiable, buena, inteligente y que no nos dañará. Entonces, no es sólo que no nos pongamos en guardia, sino que bajamos la defensa. Eso es algo de lo que se aprovechan desde vendedores de enciclopedias hasta asesinos como Ted Bundy [asesino que mató a 36 mujeres jóvenes durante la década de los 70 en Estados Unidos].

Precisamente personas como Ted Bundy demuestran que ser guapo no es intrínsecamente sinónimo de ser bueno. ¿Por qué nuestro cerebro hace esa asociación?

Son comportamientos instintivos que llevamos impresos en nuestro ADN. Es muy triste, pero viene de nuestra voluntad de perpetuar la especie y escoger los mejores ejemplares. Aquellos que tienen una cara más armónica, los que no tienen ninguna tara física…

Se trata, no de una elección, sino de un comportamiento instintivo y que pasa porque la zona del cerebro que se activa ante la belleza es el circuito de recompensa, el mismo que reacciona cuando probamos el chocolate, cuando pensamos en sexo o cuando vemos a Luigi Mangione. Es puramente biológico, pasa en todo el mundo y a gente de todas las edades.

Una cosa es que nos gusten los guapos y otra que la belleza sea capaz de pasar por encima del hecho de que sean asesinos...

Eso es todo un fenómeno. Su punto más extremo es la hibristofilia, que es la atracción sexual o enamoramiento que sienten ciertas mujeres -porque suelen ser mujeres-, hacia criminales de sangre o violadores. No a pesar de que sean asesinos, sino precisamente porque lo son. Porque asocian sus actos a una hipermasculinidad, a un hombre de acción que les promete grandes emociones.

Y, luego, está la parte del instinto maternal o protector. El de la salvadora que justifica los actos de su amado ya sea porque tiene mucho carácter o porque, de pequeño, no le quisieron suficiente. Y cree que, a base de amor, le podrá cambiar.

El hombre triunfador es el violento que rompe las normas. Eso, llevado muy al extremo, puede hacer que los asesinos parezcan atractivos a ciertas mujeres

Bueno, pero no hablamos de un malote a lo Mario Casas en Tres metros sobre el cielo…

La criminóloga Carlota Elías, a la que cito en el libro, hizo un estudio con chicas preadolescentes, adolescentes y jóvenes y detecta lo que llama “patrones hibristofílicos” en relaciones cotidianas, muy relacionadas con el tipo de cine que han visto y literatura que han consumido. En películas como la que mencionas esta figura masculina está muy presente.

Ellos acaban siendo el patrón de hombre triunfador; los que se saltan las normas, violentos y maltratadores. Eso, llevándolo muy al extremo, puede hacer que los asesinos parezcan atractivos a ciertas mujeres.

Sigue pareciéndome incomprensible. Igual que el ejemplo que cuenta de writeaprisoner.com, [Escribe a un preso] una página web pensada para que los presos pudieran tener contacto con el mundo exterior y que se acabó convirtiendo en una especie de Tinder de reclusos.

Es muy sintomático de la tríada que he querido estudiar y que se conforma por la belleza, el true crime y las redes sociales. En esta confluencia cobra mucho sentido esta página web porque su éxito no se basa sólo en el morbo de fantasear con criminales, sino en explicarlo en tiempo real en TikTok.

Cuando los hashtag #loveprisoner o #prisonlove [enamórate de un preso o amor de prisión] se hicieron virales, muchas chicas vieron que contar su correspondencia y su relación con criminales podría darles mucha notoriedad en redes. Y cuánto más popular se hace el hashtag, más cartas se reciben en esta web. El mensaje que dan va en la línea de “igual es un monstruo, pero es que está muy bueno” o “será un delincuente, pero me quiere”. Esas justificaciones son otra de las características de la hibristofilia.

Esta voluntad de compartir y convertirlo todo en entretenimiento borra la frontera entre realidad y la ficción y hace que mucha gente no sepa realmente qué está haciendo ni viviendo. El criminal se acaba convirtiendo en un objeto de deseo abstracto y lo que ha hecho pierde importancia. Y así llegamos a casos, que me cuestan mucho de entender, de mujeres que se enamoran de feminicidas.

En su libro culpa de eso a las producciones de Netflix. ¿Por qué?

Volvamos a Luigi Mangione y a lo que decía al principio. Que sea guapo pesa más que el hecho de que sea un asesino. Y es culpa de nuestra obsesión por los true crime. ¿Por qué? Pues porque Mangione tiene la cara de cualquiera de los actores que podemos ver en esas series y películas que están tan de moda y que nos han enseñado que podemos celebrar el cuerpo de un hombre aunque sea un asesino. Porque, al final, no deja de ser ficción, ¿no?.

Uno de los asesinos más elogiados de Netflix es el protagonista de You, un joven guapísimo que parece un niño bueno, pero que se obsesiona con las mujeres de las que se enamora. El actor que le interpreta, Penn Badgley, llegó a recibir tantas declaraciones de amor hacia su personaje que se vio obligado a publicar un mensaje en X recordando a sus fans de que estaban hablando de un acosador y un asesino.

Escoger a actores guapos para interpretar a asesinos es una manera de explotar la banalización de la violencia de una sociedad que consume true crime como ocio

You no deja de ser una ficción, pero hay series basadas en hechos reales en los que el actor escogido para interpretar al asesino en cuestión es mucho más guapo que el original. Y eso no es casualidad.

¡Qué va! Zac Efron interpretando a Ted Bundy o los dos buenorros que escogió Netflix para dar vida a los hermanos Menéndez son decisiones tomadas a sabiendas de que el morbo del true crime y un chico guapo hacen buena pareja. Y funcionó, porque había toda una generación que no conocía esos nombres y, de repente, se enamoraron de ellos. Escoger a esos actores no deja de ser una manera de explotar la banalización de la violencia a la que ha llegado esta sociedad que consume true crime como ocio.

Ojo, que me incluyo. Y me despierta contradicciones. Hay veces que estoy en la elíptica, en el gimnasio, y me doy cuenta de que estoy escuchando no sé qué de un caníbal o de un descuartizamiento y pienso: ¿Qué estás haciendo? Y me pongo a Madonna.

De todos esos asesinos guapos hay dos de los que menciona en el libro que son especiales porque nos son contemporáneos: Luigi Mangione y Daniel Sancho. ¿Hay diferencia entre cómo se trata a un criminal atractivo hoy y cómo se le trataba hace años?

¡Y tanto! Sobre todo, por el papel de las redes sociales. A los pocos días de la detención de Mangione, se organizó un concurso de dobles suyos en una universidad americana. Los programas de televisión empiezan a hacer bromas diciendo que claro que tenía ascendencia italiana porque en sus abdominales se podría rallar parmesano. El periódico argentino La Nación llegó a publicar una noticia titulada “El sorprendente cambio de look de Luigi Mangione en la Corte de Nueva York”.

Ante la que comparecía acusado de asesinato…

Correcto. Pero la noticia era su nuevo peinado. Y lo mismo pasó con Daniel Sancho; recuerdo que la revista Semana publicó hace poco una noticia sobre un cambio normativo que retrasaría su extradición y la ilustraban con una foto suya a toda página sin camiseta, a lo surfista. Estamos hablando de un tipo condenado, juzgado, lo hemos visto esposado… Había más imágenes entre las que escoger.

Otra de las cosas de las que se habla en el caso de Sancho es sobre su sexualidad. Sorprende que muchos medios llegaran a presentarle como una víctima que fue engañada por Edwin Mendieta…

Y todo por no poder aceptar que fuera homosexual. Claro, es que un chico blanco, de buena familia, guapísimo y nieto de Curro Jiménez. Es que ¿cómo va a ser gay el nieto de Curro Jiménez? Y mucho menos con alguien como Mendieta, que no tenía una belleza canónica, que era mayor y latinoamericano.

Este público homófobo y racista, encandilado por la guapura de Sancho, necesitaba explicarse cómo podía ser que estos dos tuvieran una relación. Y se imaginan que Mendieta había engañado a Sancho, que le había sobornado con dinero porque el pobre chaval no había encontrado ninguna otra salida a su situación. Y claro, no tuvo otra opción que matarle.

Es una justificación del crimen desde el minuto uno, una inversión de los roles y una muestra de cómo actúa el efecto halo: como el guapo no puede ser malo, le convertimos en víctima. Recordemos que hablamos de una persona que mató a su amante y le cortó en trocitos. Un accidente precisamente no fue. Pero se trata como una especie de crimen de honor: mató a su amante para restaurar su masculinidad.

Hemos visto que el efecto halo funciona en la sociedad, pero ¿el privilegio de los guapos llega también a los tribunales?

La justicia no es tan ciega como debería. Hay estudios, pocos, pero los hay, que apuntan con datos a que las personas atractivas reciben menos condenas y que, cuando se les castiga, es con menos años. También hay estudios que indican que las personas guapas delinquen menos.

Si Luigi Mangione hubiera sido afroamericano, igual ni seguía vivo porque ya sabemos qué hace la policía estadounidense con las personas negras

Bueno, pero ahí hay un componente de clase. Tener dinero, una buena alimentación y trabajos no extenuantes te hace más guapo. Y, a la vez, te garantiza una seguridad material que te aleja del camino del crimen.

Totalmente. Por eso, además, los criminales guapos llaman la atención, porque son los menos. Y eso les protege. Si cuando Luigi Mangione se quitó la capucha hubiéramos visto a un chico afroamericano de los suburbios de Baltimore igual ni seguía vivo porque ya sabemos qué hace la policía estadounidense con las personas negras.

De los pocos casos de criminales guapos y racializados que recojo es el de Jeremy Meeks, un pandillero al que su foto policial le cambia la vida. Una vez se filtra, se despierta una fascinación tal que, cuando sale de la cárcel, lo acaba fichando una agencia de modelos.

Pero él no había matado a nadie, que se sepa. De entre todos los casos de asesinos guapos que despiertan pasiones, ¿cuál es el que más le inquieta?

Para mí, el más doloroso es el de Wade Wilson, un hombre que se hizo famosísimo por compartir nombre con el personaje de Deadpool y, además, por ser un tipo guapo con toda la cara tatuada. Pero, además, había asesinado a dos mujeres a las que confesó haber matado por el placer de matar. Y jamás mostró signos de arrepentimiento, al contrario.

A pesar de eso, se montó una colecta de fondos que consiguió millones de dólares para pagarle la defensa. Muchas mujeres le enviaron cartas y fotos provocativas a la cárcel. Puedo entender que alguien simpatice con Mangione si comulga con sus ideales políticos, pero ¿un feminicida?

Viendo la fascinación que levanta un hombre como Wade, ¿qué cree que pasaría si la extrema derecha consiguiera un líder guapísimo?

Que todo sería mucho más difícil porque seguimos sin querer ver que los monstruos también pueden tener cara de ángeles.

Así como a Meeks lo ficha una agencia de modelos, ¿ha habido casos de asesinos atractivos fichados por partidos políticos?

No por políticos que yo sepa, pero sí ha habido diversos que han sido fichados tras su paso por prisión. Un ejemplo es Jack Unterweger, un austríaco condenado a cadena perpetua por asesinar a prostitutas que, en la cárcel, se convirtió en escritor y periodista. Pues gustó tanto este cambio, unido a su cara bonita, que se montó una campaña, con premios Nobel incluidos, para pedir su liberación. Y salió. Publicó libros, trabajó para periódicos y ¿sabes qué más? Volvió a matar a más trabajadoras sexuales.

Por no hablar de los que son fichados por las productoras de cine y series. No ellos, claro. Pero sí sus historias. Y eso nos lleva a preguntarnos qué nos ha pasado para tener como referentes culturales a asesinos. Es que de Mangione hay carteles, pintadas y esculturas por todo el mundo. En Times Square hay una imagen de él caracterizado como un santo. Hay musicales, se han hecho pasteles, manicuras, camisetas y hasta se han comercializado réplicas de las balas que usó para matar a su víctima. Hemos convertido a un asesino en un icono sólo porque es guapo, ¿qué nos pasa? ¿qué dice eso de nosotros?.

En su libro sólo habla de asesinos hombres. ¿Qué pasa con las mujeres? ¿Ellas no despiertan esta fascinación?

Así como el efecto halo es universal, la hibristofilia se da mucho más entre mujeres porque está muy relacionada con la masculinidad. La diferencia se puede ver muy clara en el caso de Rosa Peral. Es una seductora, una Matahari, una mujer poderosa; tiene muchos elementos en común con los asesinos que analizo, pero esos rasgos a los hombres heterosexuales no les gustan tanto.

Hemos avanzado mucho, pero la ficción sigue marcando nuestros patrones y, si nos fijamos en las películas y las series, el modelo de mujer que gusta es el de una desvalida que busca protección. Alguien frágil. O, en algunos casos, una mujer con un cierto grado de fortaleza e independencia, pero que, en algún momento, siempre ha de acabar buscando la ayuda de un hombre. No matándolo.

Estrenada hace casi dos décadas, llega a la plataforma Netflix como novedad una de las series de ficción históricas más aclamadas y populares de los últimos años, responsable también de propulsar las carreras de varios de sus actores protagonistas. Hablamos de ‘Los Tudor’, título ya disponible para ver en streaming desde casa.

La ficción creada por Michael Hirst, también autor de ‘Vikingos’, se centra en el reinado de Enrique VIII, sus seis matrimonios, con momentos como el del cisma con la iglesia católica para crear la iglesia anglicana, de la que se estableció como líder.

Con Jonathan Rhys Meyers como Enrique VIII y nombres ahora conocidos como los de Henry Cavill, Natalie Dormer o James Frain, la serie destacó por su puesta en escena, lo que le valió varios premios y nominaciones. Aunque basado en el reinado del monarca inglés, la serie nunca buscó la exactitud histórica, sino que privilegió el ritmo narrativo y el desarrollo de los personajes, con los que algunos detalles e historias fueron cambiados.

El aspecto de Enrique VIII y sus hermanas

Uno de los detalles que más salta a la vista que ‘Los Tudor’ cambiaron respecto a la realidad fue el aspecto físico del rey Enrique VIII, interpretado por Jonathan Rhys Meyers. Viendo un retrato del monarca uno puede observar claramente las diferencias, pero estas fueron todavía más distintas conforme envejeció.

Al sufrir una grave lesión en una justa, los problemas de movilidad redujeron la actividad física del rey, que con el paso de los años le provocó una obesidad al combinarlo con alimentación excesiva, además de que en los últimos años tuvo heridas en las piernas por su poca movilidad y terminó sus días prostrado en una cama, sin apenas higiene y con fuerte olor. Un hecho que, si bien se intenta retratar en la ficción, no llega a tener fidelidad.

Un hecho no tan evidente es que en la serie se optó porque Enrique VIII tuviera solo una hermana y no dos como fue realmente. Esta decisión se tomó para aligerar la trama narrativa. Así, el personaje de Margarita Tudor reúne características de la real Margaret y de Mary Tudor, a pesar de cada una de ellas tuvo un destino muy diferente. Margaret llegó a ser reina de Escocia al contraer matrimonio con Jacobo IV, siendo abuela de María Estuardo. En cambio, Mary fue primero reina consorte de Francia y luego se casó con Charles Brandon, uno de los hombres de confianza de su hermano el rey que en la serie es interpretado por Henry Cavill, y que es una de las tramas narrativas de la ficción.

Las siete esposas de Enrique VIII y la muerte del cardenal Wosley

Una de las principales tramas de ‘Los Tudor’ es la de los seis matrimonios de Enrique VIII, uno de los hechos también por los que es conocido en la historia, y que bien aparece reflejado en la serie. Si bien algunos detalles han sido cambiados y el orden cronológico alterado, cada una de sus esposas es reflejada con sus características y las consecuencias que tuvieron en su vida.

De hecho, las edades de Catalina de Aragón, Ana Bolena, Jane Seymour, Ana de Cleves, Catherine Howard y Catherine Parr fueron modificadas, así como algunos procesos y acontecimientos, pero sus detalles se mantuvieron en gran medida.

Otro cambio importante entre la realidad y la ficción es la muerte del cardenal Wosley, al que dio vida Sam Neill, y que es uno de los personajes principales de la primera temporada como consejero de Enrique VIII. Este en la serie se quita la vida en la cárcel antes de ser juzgado por traición, mientras lo que realmente sucedió fue que enfermó mientras era trasladado a Londres para este juicio y murió por causas naturales.

Alfonso Cuarón, 23 días; Martin Scorsese, 27; Noah Baumbach, 30; y los Javis, hasta un total de 47 días. La bola negra tendrá el periodo de tiempo más largo en la cartelera de Estados Unidos antes de su estreno en Netflix. La película con la que Javier Calvo y Javier Ambrossi triunfaron en el Festival de Cannes, y que la plataforma roja adquirió para impulsarla en la temporada de premios, llegará a los cines del país norteamericano el 16 de octubre. Puesto que su incorporación al catálogo de Netflix no ocurrirá hasta el 2 de diciembre, la aclamada cinta logrará así el periodo de exclusividad en salas más largo hasta la fecha para un título de la plataforma.

Aunque el filme iba a llegar a los cines el 6 de noviembre, La bola negra adelanta ahora su estreno en Estados Unidos al 16 de octubre. Son hasta tres semanas más de exhibición en salas que servirán para que tarde más tiempo en proyectarse en Netflix, dándole más vida a su taquilla de cara a la campaña por los Oscar. La película original de Movistar Plus fue adquirida por la plataforma para su distribución en Estados Unidos tras lograr en Cannes el premio a la Mejor dirección después de una reñida puja con A24 y Mubi, según informó Variety hace unos meses.

El récord anterior pertenecía a Historia de un matrimonio de Noah Baumbach, que estuvo en cines 30 días antes de incorporarse a Netflix en 2019. Anteriormente, El irlandés de Martin Scorsese se mantuvo en cartelera hasta 27 días ese mismo año, mientras que Roma de Alfonso Cuarón hizo lo propio en 2018 durante 23 días. Desde entonces, ninguna otra película se había mantenido tanto tiempo en las salas hasta el inminente estreno de La bola negra, que apunta a conseguir nominaciones en los próximos premios Oscar.

La situación será diferente en España. La bola negra no estará en el catálogo de Netflix, puesto que los derechos pertenecen a Movistar Plus y será esa la plataforma a la que llegue cuando se estrene en streaming, aun sin fecha anunciada. Antes, la cinta se proyectará en los cines desde el 25 de septiembre. La película narra la historia de tres generaciones de hombres homosexuales cuyas vidas están conectadas por el amor y la pérdida, y ha sido escrita por los Javies junto con Alberto Conejero. La película está protagonizada por Guitarricadelafuente, en su debut como actor, así como por Penélope Cruz, Glenn Close, Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas y Julio Torres.

Desde hace tres semanas es casi imposible escapar en Netflix de alguna promoción de Te encontraré. Su algoritmo la recomienda a todos los usuarios que entran en la aplicación de la plataforma, y desde su estreno se ha consolidado como el último fenómeno de la compañía. La miniserie de ocho episodios lleva en el primer lugar de las series más vistas desde su estreno con grandes datos de audiencia (que publica Netflix cada martes). No es de extrañar cuando uno ve que detrás del argumento se encuentra una novela de Harlan Coben.

Seguramente casi nadie haya oído hablar de Harlan Coben, y con la misma seguridad pocos habrán leído una de sus creaciones, aunque es un escritor con decenas de novelas publicadas y está considerado como uno de los mayores creadores de best sellers de la actualidad, de esas novelas de aeropuerto de consumo rápido. Sin embargo, lo que es prácticamente imposible es que alguien no haya visto al menos un episodio de una serie basada en sus libros.

Te encontraré, que cuenta la historia de un padre encarcelado injustamente por el asesinato de su hijo que logra escapar de prisión tras descubrir una fotografía que sugiere que el niño sigue vivo, es el último ejemplo. Y todas siguen los mismos patrones. Thrillers de tramas rocambolescas, imposibles, sin lógica aparente y que se lo juegan todo a giros aún más locos que dejan sorprendido al espectador. Lo ha demostrado en otros fenómenos del streaming como Safe, No hables con extraños y El inocente.

Lo curioso del fenómeno de Harlan Coben es cómo su estatus de prestigio o éxito se ha construido gracias a las adaptaciones de sus libros más que gracias a los propios libros. Y cómo todos los países donde se ha publicado han coqueteado con sus creaciones intentando aprovecharse de esas historias que de puro delirio acaban conquistando a los espectadores. Aunque ahora haya sido Netflix quien esté explotando la gallina de los huevos de oro —la plataforma tiene un acuerdo de exclusividad para adaptar sus libros desde 2018 y hasta tiene una categoría propia donde agrupa sus series y películas— fueron los franceses los primeros que se fijaron en Coben.

Fue en 2006, mucho antes de que Netflix lo descubriera y de que se convirtiera en un éxito. El cineasta francés Guillaume Canet adaptó una de sus novelas en el thriller No se lo digas a nadie. Tuvieron que pasar nueve años para que se produjera otra adaptación. Fue de nuevo en Francia, donde François Velle adaptó Última oportunidad en formato miniserie. Un año después llegaría el debut de Coben como creador de series. La británica The five contaba con él como guionista, pero no adaptaba ninguna de sus novelas, algo que sí hizo la francesa Solo una mirada en 2017 y, sobre todo la inglesa Safe, que en 2018 se convirtió en la primera vez que Netflix apostó por una de sus novelas. Su éxito fue lo que cambió todo.

¿De dónde sale Harlan Coben?

Según la biografía oficial de su editorial en España y la que circula por diferentes medios, Harlan Coben nació en Nueva Jersey en 1962 en el seno de una familia judía. Estudió ciencias políticas, y fue en el último año de universidad cuando decidió probar suerte como escritor. A los 26 años aceptaron su primer manuscrito, una novela donde ya apostaba por el suspense de título Sin un adiós, que salió a la venta en 1990. Sin embargo, fue su saga dedicada al personaje de Myron Bolitar, un exbaloncestista convertido en agente de deportistas de élite que acaba enredado en crímenes y asesinatos la que le hizo famoso y exitoso.

La primera entrega, Motivo de ruptura, llegó en 1995, y desde entonces su producción de nuevos episodios de la franquicia ha sido constante. Solo un año después publicó dos nuevos libros sobre Bolitar, personaje al que ha seguido explotando comercialmente hasta en 12 ocasiones. La última en 2024.

Según RBA ha vendido más de 50 millones de ejemplares en todo el mundo y sus libros se han colocado en la primera posición de los best sellers del New York Times, además de traducirse a más de 46 idiomas. Le describen como el único escritor ganador de los cuatro premios de misterio y novela criminal más importantes: el Edgar Award, el Shamus Award, el Anthony Award y el Premio RBA de Novela Policiaca. Como curiosidad, en una entrevista en Vanity Fair contó que trabajó de joven como guía turístico en Marbella.

Un éxito en muchas lenguas

Una de las peculiaridades del éxito de Harlan Coben, especialmente desde su llegada a Netflix, es que sus adaptaciones no se limitan al mercado anglosajón, sino que se han producido en muchos idiomas y países. Bosque Adentro y Ni una palabra se han hecho en Polonia, mientras que El inocente fue una de las series españolas más vistas. Oriol Paulo se trajo a Barcelona y a su universo la creación de Coben en una miniserie con Mario Casas, José Coronado y Aura Garrido. También Argentina ha caído a sus encantos, donde Miguel Cohan y Hernán Goldfrid se encargaron, en 2025, de Atrapados.

Todas forman parte del acuerdo de colaboración global con Netflix que firmó en 2018 para adaptar, al menos, 14 de sus novelas como series o películas. En todas ellas él entra como productor ejecutivo y supervisa los proyectos. La primera producción de ese acuerdo se estrenó en 2020, y desde entonces se ha convertido en uno de los focos de producción más importante para la empresa de la N roja.

Un acuerdo que se ha extendido de nuevo, pero que no es exclusivo. Harlan Coben también prevé de giros y thrillers a otras plataformas. De hecho, en Prime Video se pueden ver Refugio y Lazarus. Ambos títulos vienen acompañados de la frase ‘De Harlan Coben’, dejando claro que el autor ya es una marca reconocible para aquellos espectadores que quieran ver una serie de suspense con final sorprendente.

Eso sí, será Netflix quien estrene una de sus adaptaciones más esperadas, la que tiene que ver con su personaje más popular en las novelas, ese Myron Bolitar que ya tiene showrunners (David E. Kelley y Kyle Long) y reparto para sus papeles más importantes. Colin Woodell interpretará a Myron Bolitar, KJ Apa a Win Lookwood, y Diane Guerrero dará vida a Esperanza en una serie que será, sin duda, uno de los platos fuertes de Netflix en 2027.

El 9 de julio de 2026, Netflix estrena globalmente su nueva versión de La casa de la pradera, una de las series más vistas de la historia de la televisión. Por ahora la serie contará con ocho episodios de una hora bajo la batuta de Rebecca Sonnenshine como showrunner, respaldada por CBS Studios y Anonymous Content, y ya tiene confirmada una segunda temporada antes incluso de que el público haya visto el primer episodio. Así que, medio siglo después del estreno de la original en NBC, uno de los clásicos más reconocibles de la televisión mundial vuelve en una plataforma que no existía cuando Laura Ingalls se convirtió en un fenómeno global.

El legado de la serie original es muy amplio. La versión de NBC se emitió entre 1974 y 1983 con nueve temporadas y 204 episodios, y los libros de Laura Ingalls Wilder en los que se basa han vendido más de 73 millones de ejemplares desde la década de 1930. Además, la serie original registró más de 13.000 millones de minutos de visualización a nivel mundial solo en 2026, antes incluso del estreno de esta nueva versión.

No es un remake de los años 70, es una adaptación directa de los libros

La gran diferencia entre ambas es que la nueva version es una adaptación directa y realista de los libros originales de Laura Ingalls Wilder, y no una copia de la serie televisiva de los años 70. La descripción oficial la define como “parte de drama familiar, parte de relato épico de supervivencia y parte de historia de origen del oeste estadounidense”, una combinación que apunta a tener una mirada más cruda y honesta sobre la vida de los pioneros en el siglo XIX. La historia arranca con la familia protagonista abandonando Wisconsin para iniciar una nueva vida en Kansas, con más peso en la supervivencia y menos en el tono idílico que tenía la versión de Michael Landon.

A nivel técnico, cada episodio tiene una directora distinta, todas con trayectorias sólida sen el drama televisivo de calidad. Esta decisión busca aportar diversidad de estilos narrativos a una misma serie, algo inusual en una producción de este tipo. El reparto apuesta mayoritariamente por caras nuevas. Alice Halsey interpreta a Laura Ingalls, Luke Bracey da vida a Charles, Crosby Fitzgerald es Caroline y Skywalker Hughes interpreta a la hermana mayor Mary.

El regreso de Nellie Oleson, para la segunda temporada

La gran noticia para los fans ha llegado hace unas semanas. Según avanzó en primicia Deadline, la producción fichó a Willa Dunn para interpretar a Nellie Oleson en la segunda temporada. En la serie original, la archienemiga de Laura fue interpretada durante siete temporadas por Alison Arngrim, convirtiéndose en uno de los personajes más recordados y odiados de la televisión familiar de los 70. Dunn le dará una versión más compleja al personaje ya que seguirá siendo la antagonista de Laura, pero explorando también su vulnerabilidad interior y su deseo de construir vínculos reales.

La decisión de renovar para una segunda temporada antes del estreno de la primera dice mucho de la confianza de Netflix en el proyecto, y también de la dimensión del fenómeno que pretende recuperar. A partir del 9 de julio se verá si la pradera vuelve a conquistar al mundo con la misma fuerza que lo hizo hace medio siglo.

Esta historia comenzó el 10 de julio de 1997 y concluyó dos días después, el 12 de julio. La banda terrorista ETA secuestró en Ermua a un joven concejal de la localidad vizcaína, Miguel Ángel Blanco, y lanzó una amenaza: si el Gobierno entonces en manos de José María Aznar no acercaba a los presos de la banda a cárceles del País Vasco, Blanco sería asesinado. Y así ocurrió. Pasadas las 16.30 de aquel 12 de julio de hace 29 años el joven político apareció en Lasarte con dos disparos en la cabeza. Murió en unas horas.

Miguel Ángel Blanco: Las 48 horas que lo cambiaron todo, el documental que Netflix estrena el próximo viernes, 10 de julio, narra esos dos días que revolucionaron a la sociedad vasca. Hubo muchos hitos, pero el principal fue la movilización ciudadana sin precedentes rogando e incluso suplicando a los terroristas que no mataran al edil del PP. Los manifestantes no consiguieron salvar la vida del concejal, pero sí lograron que empezara a remitir el miedo en el que quienes apoyaban a ETA habían inmerso a los vascos que no respaldaban la violencia durante 40 años.

Jon Sistiaga y Juanjo López, directores del documental, se pasaron por la redacción de elDiario.es para explicar su trabajo, que cuenta con numerosos testimonios, desde los amigos de Miguel Ángel Blanco y su hermana hasta Aznar; el entonces ministro del Interior, Jaime Mayor Oreja; y el ahora rey, Felipe VI, que en 1997, cuando aún era príncipe, se desplazó hasta Ermua para solidarizarse con el pueblo.

Quería comenzar como empieza el documental: recuerdo perfectamente dónde estaba cuando murió Miguel Ángel. Yo tenía 12 años, estaba en la casa de mis aitonas en Oiartzun y recuerdo un grito terrible de mi amona. ¿Cómo creéis que nos ha marcado a las personas que vivimos ese momento y que nos acordamos de esto?

Jon Sistiaga: Ese grito de tu amona fue el de la mía, el de mi madre, el de todas las madres y el de todos los que tenemos un recuerdo y que estábamos allí. Fíjate que yo estaba allí y lo mío fue más una desolación de decir: “¡Joder, qué hijos de puta, se lo han cargado!”. Pero el resto de Euskadi creo que se acuerda perfectamente de dónde estaba en el arranque del secuestro y, sobre todo, en el final. Porque era una cuenta atrás y aunque era un sábado tórrido de julio, aunque estuvieras en la playa... Cuánta gente nos ha dicho: “Tengo la sensación de que la playa se quedó en silencio”. Hay muy pocas veces, quizá un 11M o un 11S, en que te acuerdas perfectamente de dónde estabas.

Juanjo López: Hay noticias que pasan durante esas 48 horas de las que te acuerdas perfectamente dónde estabas: el momento en el que le secuestran, hay gente que nos ha dicho era la primera manifestación a la que fue y otra, que se acordaba de las vigilias. Por un lado, estamos los que nos acordamos perfectamente y luego los que están con los ojos así como dos lavadoras vacías [hace el gesto] pensando: ¿pero esto pasó?

Sistiaga: Había gente que estaba viendo el Tour [de Francia] y escuchando la radio a la vez. Y no sé si ha vuelto a pasar, pero las televisiones, justo antes de las cuatro de la tarde, se fueron todas a negro durante un minuto con un cartel que decía: “Miguel Ángel, te esperamos”.

En cambio, tú, Jon, eras optimista. Pensabas que la movilización ciudadana vasca iba a tener algún tipo de reacción en ETA y no la tuvo.

Sistiaga: Todo el entorno abertzale y cercano a los colectivos de refugiados que yo controlaba era muy pesimista. Yo de alguna manera empezaba a ver que algo había cambiado en aquellas 48 horas y que ETA había cometido un fallo de estrategia como organización que se dedica a utilizar la violencia y no había medido el impacto emocional que estaba teniendo esa acción que ellos habían pensado como impactante para el Gobierno. Y se les estaba yendo de las manos. De alguna manera pensaba que incluso el propio comando tendría la autonomía necesaria como para decir: “Aunque no podemos contactar con la dirección, seguro que la dirección va a pensar que efectivamente no hay que hacerlo y le vamos a meter un tiro en la rodilla”.

Pero no, porque no era un comando que fuese a reflexionar, sino que en el documental se habla de que eran matones.

López: Cuando hemos hablado con las fuerzas de seguridad todos nos decían lo mismo, que la “mala suerte” es que [el secuestro de Blanco] recae en [Francisco Javier García Gaztelu] Txapote, que era un psicópata. Y era alguien que no se iba a dejar llevar por esa especie de corriente o presión de la gente que por primera vez dice “hasta aquí. Basta”. Sobre todo la gente de Euskadi, con Carlos Totorika a los mandos como alcalde de Ermua. Es la primera vez que dicen 'no, ya no vamos a callar, vamos a salir a la calle, vamos a presionar'. Pero es que cae en manos de uno de los peores.

Sistiaga: Todo era nuevo. En aquellas 48 improvisamos todos. Los periodistas, que muchos nos rompimos. Hubo periodistas que se pusieron a llorar en directo.

Es el caso de Verónica Elorza, de Televisión Española.

Sistiaga: Por ejemplo, pero muchos más, incluso los que llamamos plumillas [profesionales de los medios escritos], que no tenían una cámara que les estuviera mirando, y operadores de cámara que dejaron de grabar porque no podían más o que dejaron las cámaras y se pusieron de rodillas con las manos en la nuca también a gritar. Es decir, estábamos todos improvisando qué estaba ocurriendo. Entonces, elucubrar sobre si lo iban a hacer o no era lícito y lo podíamos hacer todos. Ya no hacía falta ser experto en ETA o del País Vasco, de la Gipuzkoa más o menos profunda. Todo podía ocurrir. Lo que no sabíamos es exactamente quién lo tenía. Porque si llega a caer en otro comando, a lo mejor sí que hubiera sido permeable a esa sensación.

No pretendo enmendar el titular del documental, pero decís que esas 48 horas lo cambiaron todo. Durante 15 años más, ETA estuvo matando. ¿Qué cambiaron esas 48 horas?

López: Cambian algo muy importante, que es que la sociedad vasca perdió el miedo.

Sistiaga: Se perdió el miedo y la sensación de que las cosas eran así y llevaban siendo así 40 años e íbamos a seguir pasándolo de esa manera. Se perdió la sensación de que la calle era solamente de una pequeña parte de los vascos que votaban a HB o que eran más afines a la violencia terrorista. Se aprendió a mirar a la gente a la cara y decirles: “Os estáis pasando, os habéis pasado tres pueblos”. Pero sobre todo se perdió el miedo dentro de la propia comunidad de votantes abertzales de poder decir: “Joder, nos estamos pasando”.

Está el ejemplo de Patxi Zabaleta, que es verdad que antes también se había pronunciado en contra de la violencia. El secuestro y el asesinato de Miguel Ángel Blanco, ¿fue el inicio del fin del terrorismo o fue quizás el principio de la deslegitimación de ETA?

Sistiaga: Ambas cosas son iguales. El principio del fin empieza por deslegitimar la violencia terrorista y, sobre todo, por quitar el miedo a poder decirlo en alto. Prácticamente un año después del asesinato de Miguel Ángel Blanco, ETA decreta una tregua porque tiene que repensarse a sí misma entera, porque sus propios cuadros dirigentes no acaban de valorar si lo que han hecho ha sido bueno o malo para los fines de la banda y porque su propio entorno de apoyo les está criticando. ¿ETA se podía haber acabado el año siguiente? Sí, si las negociaciones que se iniciaron en el año 1999 hubieran llegado a buen puerto. Al final, ETA decretó el fin de la tregua y se produjo una nueva oleada de atentados muy bestia. Pero al final era el canto del cisne, porque ya no tenían apoyo ni entre sus propias filas. Así que llamémosle el principio del fin aunque fue una lenta agonía y sesenta y tantos muertos. Sí. Llamémosle el inicio de la de la ofensiva ciudadana de poner pie en pared y decir: “ya está bien”. Los que éramos de allí pudimos mirar a la cara a alguna gente a la que antes no nos atrevíamos porque luego igual tenías una pintada o tenías que mirar debajo del coche y decirle: “ya está, se acabó”.

En aquellos días se produjeron algunos hitos: la movilización ciudadana, la presencia del ahora rey en Ermua o el momento en el que hay una manifestación frente a la sede de Herri Batasuna en la calle Urbieta de Donostia y los ertzainas se quitan el pasamontañas. No sé si fue un momento de euforia del que luego la gente quizá se pudo arrepentir porque el terrorismo siguió adelante o si la gente se sintió más segura a partir de ese momento.

López: El propio Imanol [uno de los ertzainas que aparece en el documental] dice: “En ese momento pensé que me iba a caer un paquete”.

Sistiaga: Sí, dice: “Me van a meter un expediente por quitarme el verduguillo”. ETA ya había matado a siete u ocho ertzainas y luego fueron asesinados unos cuantos más. Pero sí es de esos momentos que los que tienen una cierta edad recuerdan también perfectamente por la emocionalidad que se transmitió. Una policía vasca que está defendiendo la sede de los que apoyan a los que les asesinan. ¿Todo muy loco, no? Pero están cumpliendo su labor de policía del pueblo, que es defender a los que en ese momento están siendo acosados. ¿Cómo rompió ese momento de tensión que podía haber estallado de cualquier manera, quemando la sede abrasando a los de dentro, la Ertzaintza atacando a los manifestantes para tratar de pararlos? Quitándose el verduguillo y diciendo: “Voy a dar mi cara”. ¿Y qué ocurrió? Que hubo un momento de catarsis, que es uno de esos momentos que históricamente tiene una importancia y que luego ha trascendido porque logró parar a la masa.

Totorika puso a andar a los vecinos de Ermua.

López: Sí, a ver si les cansaba.

Sistiaga: Exacto.

Una compañera de Vocento, Lourdes Pérez, recuerda en el documental cómo en aquella época en Euskadi unos señalaban, los famosos chivatos, ETA ejecutaba y luego había quien lo justificaba y lo amparaba. ¿Qué ha sido de esa gente? ¿Creéis que han hecho el trabajo suficiente?

Sistiaga: Uno de los fines de este documental era no solo traer otra vez una historia que ocurrió hace 29 años y que se ha olvidado, sino volver a hacer recordar a generaciones que no lo vivieron que esta historia fue muy potente, ocurrió en un momento determinado y cambió muchas cosas, pero que también explica cómo somos ahora. Porque esta historia no se cuenta en los libros de la EBAU. Por primera vez en la PAU del País Vasco han entrado los años 80, los años de plomo, y estamos en el 2026. Es decir, no se cuenta nuestro pasado de acoso terrorista y creíamos que este documental iba a servir para explicar unas cuantas cosas. Pero también hay otro mensaje. Muchos se fueron de rositas y otros no han hecho el tránsito ético de decir: “Hostias, ¿cómo pude yo apoyar esto?” Tengo esa pequeña satisfacción de pensar que desde el sofá mucha gente que estaba en el lado equivocado en ese momento, con sus ideas políticas legítimas, pero que no era capaz de saltar ese silencio, de dejar de apoyar [la violencia] a través del partido que además sostenía a la organización terrorista, diga: “¡Joder, tío, que nos pasamos tres pueblos!”

Generar un poquito de incomodidad, ¿no?

Sistiaga: Mucha gente ha hecho el tránsito, pero algunos no. Todavía le falta a la dirección actual de Sortu decirlo de verdad: “Todo aquello fue una mierda, lo apoyamos y nos sentimos fatal. Lo sentimos”.

López: Es verdad que hemos estado con gente que sí ha hecho ese tránsito.

Sistiaga: Claro que los hay, hay muchos. Pero, a ver, que lo veas desde tu casa en Netflix, sepas que lo tiene todo el mundo y pensar: “Quería salir en una manifestación, pero yo no podía”.

López: O a lo mejor conseguimos que esa persona que esté al lado, que sea alguien joven, esté sentada con su ama o su aita y le diga: “¿Pero, y tú, dónde estabas?” Y se provoque una conversación que puede ser incómoda. Eso es lo que nos gusta de este documental.

En esas 48 horas, ¿hubo algún contacto entre el Gobierno de José María Aznar y ETA o el entorno de ETA para intentar parar el asesinato de Miguel Ángel Blanco?

Sistiaga: Se permitieron contactos indirectos. Una de las exclusivas del documental es que el Gobierno de José María Aznar estaba al tanto de que había algunas personas que intentaron acercarse a la organización terrorista ETA y que no actuaban en nombre del Gobierno, ni de parte del Gobierno, ni estaban autorizadas a hacer ninguna propuesta oficial por parte del Gobierno. Pero que si llegaban a buen puerto, pues estupendo, porque salvaban una vida. Es decir, el Gobierno lo tenía muy claro: no iba a negociar bajo chantaje con una organización terrorista. ¿Qué significa eso? Miguel Ángel Blanco Garrido está muerto. Ahora, si hay alguien que quiera hacer algo –el Papa, el Premio Nobel de la Paz Pérez Esquivel que habla con Antxon en la República Dominicana– o si alguien tiene que entrar en una cárcel bueno, pues se hacía alguna gestión para que entre en la cárcel. Pero no es su gestión.

En Euskadi, la mayor parte de los jóvenes no saben muy bien qué ocurrió en los años del terrorismo según varias encuestas y muchos adultos han tirado para adelante y quizás esto lo han aparcado. ¿Es una manera de supervivencia?

Sistiaga: Es una manera de supervivencia sobre todo para aquellos que estaban en el lado oscuro. Pero sí es verdad que en Euskadi desde hace años se ha instalado una especie de dulce amnesia que es beneficiosa para todo el mundo, porque pasas página enseguida, porque los que no podían salir a potear por 'lo viejo' porque llevaban escolta desde hacía 15 o 20 años, pueden ir a tomar algo, porque los que siempre votaron por opciones no nacionalistas sienten que ha llegado su momento de poder salir a la calle tranquilamente. Pero sobre todo para que aquellos que sí que apoyaron la violencia esa dulce amnesia de todos, hace que puedan seguir saliendo a la calle sin que le digas: “tío, pide perdón, macho, que me pusiste una pintada en la puerta hace 20 años y que eso significaba el inicio de una estigmatización que menos mal que acabasteis con todo, pero podía luego acabar en un bombazo”. Esa dulce amnesia que se ha instalado en toda la comunidad hace que los padres no le hayan contado nada a sus hijos, ni los más abertzales, ni los más proetarras, ni los menos nacionalistas. Nadie ha hablado.

¿Y creéis que es un riesgo el hecho de que no se haya hablado?

Sistiaga: Claro. Este documental es porque existe ese riesgo. La ventaja de contarlo en una plataforma como Netflix es que llegas a todo dios, pero además lo contamos casi en un formato thriller. Así que las nuevas generaciones que tienen esa visión tan sincopada de ver las cosas, que digan: “uy, me quedo a ver qué está pasando, a ver si es un thriller vertiginoso”.

Dentro de la moda del true crime.

Sistiaga: Sí, pero en serio. O sea, sin florituras, sin dramatizaciones que no existen ni nada. Te vamos a contar todo porque es que además pasó en 48 horas. Solo tengo que empezar desde el principio y hacer la cuenta atrás.

López: Claro que es peligroso que esto no se sepa. Creo que es necesario saberlo. Y, de hecho, la forma de contarlo ha sido muy desde la piel.

Según un último estudio, un 60% de los jóvenes vascos no recordaba el nombre de una sola víctima de ETA y más de la mitad no había escuchado nunca el testimonio de una de ellas.

Sistiaga: ¿Qué pasa ahí? O sea, ¿qué nos está pasando como país? No solo a Euskadi, sino también al resto del Estado. ¿Cómo es que no sabemos nuestra historia reciente? ¿Sabemos cuántos goles ha metido Messi en un Mundial y no sabemos cuántas víctimas ha habido en este país por violencia terrorista? Algo estamos haciendo mal. Por mucho que vengan en el temario, al final en los colegios no se llega nunca a la Transición, los años de plomo, los atentados de ETA o el cese de la violencia terrorista. Y de estos polvos vienen algunos lodos.

Unos lodos son, por ejemplo, que en la sede del Parlamento se siga utilizando a ETA como arma para atacar al adversario.

Sistiaga: Es escandaloso que se siga hablando de ETA para atacar al adversario político. ETA dejó de matar hace 15 años y se disolvió hace 8. Y no existe gracias a la enorme labor de los cuerpos y fuerzas de seguridad del Estado que acabaron con esa organización terrorista y a que la sociedad hizo frente a los que apoyaban a los terroristas. Este documental enseña que ETA empezó a desaparecer en 1997 y desapareció por completo hace ya casi diez años.

Entrevista completa a Jon Sistiaga y Juanjo López:

Vídeo: Alejandro Corral

Netflix vuelve a elegir a Canarias como el escenario principal de una de sus series más prometedoras. Oasis, la nueva producción estrenada en la plataforma el pasado 19 de junio, alberga multitud de localizaciones que recorren algunos de los puntos más emblemáticos de la isla de Tenerife.

El thriller juvenil creado por Ramón Campos (Fariña, El caso Asunta) arranca en un lujoso complejo turístico concebido como el refugio vacacional idílico. Un entorno de playas privadas, fiestas interminables y servicios VIP son los espectadores perfectos para que los jóvenes pasen el verano de su vida. La trama se trunca cuando Celia (Victoria Kantch), trabajadora del resort, desaparece. Su cuerpo es encontrado en la piscina del establecimiento, y la policía irrumpe en el Oasis Infinity para investigar lo ocurrido. A partir de ahí, se desenvuelven una serie de misterios al más puro estilo Agatha Christie donde nadie es totalmente inocente.

¿Dónde se grabó 'Oasis'?

La mayor parte de la serie se ha desarrollado en diferentes lugares del norte y el sur de Tenerife. Aunque la localización más destacada es esa piscina infinita que hospeda uno de los resorts más exclusivos de la isla, el Gran Meliá Palacio de Isora, situadio en Alcalá, en el municipio de Guía de Isora. Este hotel de cinco estrellas destaca por su piscina infinity de agua salada, considerada la más larga de Europa en su categoría, sus vistas al mar y un spa de 2.000 metros cuadrados. La productora Gema R. Neira cuenta en una entrevista para la revista Guia Repsol que la elección se debe a que “es un lugar precioso, que te permite ahorrarte los desplazamientos”. Para llegar hasta él, hay que coger primero la carretera desde el aeropuerto. En Oasis se ven distintos planos de algunas carreteras con curvas y vistas al mar que en la realidad se rodaron en movimiento desde la TF-12 (San Andrés-Anaga), la TF-121 (San Andrés-Igueste) y TF-42 (Mirador del Guincho).

Pero el complejo no es el único emplazamiento donde la producción pinchó sus trípodes, claquetas y cámaras. A diez minutos a pie del Meliá, está la playa en la que los protagonistas se bañan. Es la Playa La Jaquita, un conjunto de calas de arena negra y piscinas naturales ubicado en el mismo municipio del resort. El Puerto de Garachico, que casualmente fue reconocido en mayo con una Bandera Azul, convirtiéndose en uno de los seis primeros puertos de Canarias que obtiene este distintivo, es otro de los marcos que decoran la serie. También toman protagonismo los Acantilados de los Gigantes, una joya que corona el extremo oeste de la isla.

Netflix se reserva para sus últimos capítulos las localizaciones más atractivas de la isla. La Leprosería de Abades, escenario ya mítico para rodajes en Tenerife, ubicado en el municipio de Arico, se adueña de las secuencias de acción junto al Faro de Punta de Abona, también conocido como Faro del Porís.

¿Cuánto cuesta alojarse en el hotel de 'Oasis'?

Alojarse en el simbólico hotel Gran Meliá Palacio de Isora ronda los 300 euros la noche, aunque depende de la fecha, habitación o régimen de comidas escogido. El precio mínimo parte de 230 euros por noche para una habitación estándar para dos personas en temporada baja.

Gastronomía y lujo

Entre las joyas culinarias del Gran Meliá Palacio está Le Bistrot Provençal, un restaurante galardonado con una estrella Michelin que añade a la serie un plus de exclusividad y sabor al escenario, mostrando lo mejor de la cocina mediterránea y local. A este se suman otros espacios gastronomicos como el Pangea Food Market, donde se pueden degustar platos internacionales y de la cocina canaria.

Todas las localizaciones de ‘Oasis’ en Tenerife

A continuación se muestran todas las localizaciones donde se grabó Oasis:

La FIFA y Netflix han anunciado el lanzamiento de FIFA World Cup: Launch Edition, un nuevo videojuego oficial del Mundial 2026 que estará disponible a partir del 11 de junio, coincidiendo con el inicio del torneo que se disputará en Estados Unidos, Canadá y México. El título formará parte del catálogo de Netflix Games y podrá utilizarse desde televisores compatibles empleando un teléfono móvil como controlador.

El juego estará incluido sin coste adicional para los suscriptores de Netflix y ha sido desarrollado junto a Netflix Games y Delphi Interactive como una experiencia de simulación futbolística diseñada para resultar accesible a jugadores con distintos niveles de experiencia. Según sus responsables, el objetivo es facilitar partidas rápidas y sencillas utilizando dispositivos que los usuarios ya tienen en casa.

El móvil hará las veces de mando

El sistema de control constituye una de las principales novedades del proyecto. Los jugadores deberán abrir la aplicación de Netflix en un televisor compatible y escanear con su teléfono móvil un código QR que aparecerá en pantalla. Una vez conectado, el dispositivo funcionará como mando del videojuego, eliminando la necesidad de utilizar mandos específicos.

La propuesta permitirá además partidas para hasta cuatro personas simultáneamente, una característica con la que Netflix busca potenciar la experiencia compartida durante la celebración del Mundial. En cuanto al contenido, FIFA World Cup: Launch Edition incluirá las 48 selecciones clasificadas para el torneo, los 16 estadios oficiales repartidos entre los tres países anfitriones y una plantilla formada por 1.248 futbolistas participantes en la competición.

La nueva estrategia de FIFA tras EA Sports

El lanzamiento forma parte de la estrategia que la FIFA ha desarrollado tras el final de su histórica colaboración con EA Sports. En lugar de depender de un único socio, el organismo apuesta ahora por un modelo basado en acuerdos con distintas compañías para ampliar su presencia en diferentes plataformas y audiencias.

Tanto la FIFA como Netflix han señalado que este videojuego constituye el punto de partida de un proyecto más amplio que incorporará nuevas funciones y contenidos después de su estreno. El objetivo es que la experiencia evolucione a medida que avance el Mundial y continúe creciendo mediante futuras actualizaciones.

Entrar en plataformas ha hecho que esta película de animación haya pasado del olvido a ser una de las más vistas y de que la descubran nuevas generaciones más de 20 años después de su estreno, que tuvo lugar en 2004 y que pese a ser un éxito de recaudación, se hundiría por malas críticas hasta quedarse en uno de sus títulos de nicho.

Hablamos de ‘El espantatiburones’, que está viviendo una segunda juventud desde su entrada en Netflix y que ya en su día llamó la atención por su reparto de lujo en el doblaje, con un elenco conformado por Will Smith, Robert De Niro, Renée Zellweger, Angelina Jolie, Jack Black o Martin Scorsese, que se hizo viral al recordar lo que le sorprende que le pidan autógrafos por su trabajo en esta cinta. Las voces en español tampoco se quedaron atrás y es otro de los detalles que se recuerdan, aunque en este caso no destacó por las alabanzas.

Éxito de taquilla, nominada al Oscar, pero ‘masacrada’ por la crítica

Si bien ‘El espantatiburones’ (‘Shark Tale’ en original) fue relegada al olvido con el paso del tiempo, no fue un producto que fracasara ante el público, ni mucho menos. Fue, de hecho, una de las películas más taquilleras de 2004 y recaudó más de 400 millones de dólares, además de que tuvo una nominación al Oscar como Mejor película animada.

El filme, dirigido por Bibo Bergeron, Vicky Jenson y Rob Letterman, fue un proyecto del estudio Dreamworks, que había surgido a mediados de los años 90 como respuesta al despido de Jeffrey Katzenberg de Disney. La historia del largometraje sigue a Oscar, un pez pequeño que tiene grandes sueños y que sin quererlo se convierte en un héroe por una mentira, que tendrá que mantener su fama, pasando por diferentes problemas y retos.

A pesar de su éxito en taquilla y de obtener una nominación al Premio Oscar, ‘El espantatiburones’ no triunfó entre la crítica, que la tildó de “superficial”, “no demasiado interesante” o con algunas que vieron en ella solo una película para obtener dinero: “Con el símbolo del dólar en sus ojos y nada en su corazón”, llegó a escribir Scott Tobias en el medio AV Club.

La mala crítica afectaría finalmente a su legado, complicado también dentro de un Dreamworks con pesos pesados como ‘Shrek’, ‘Ice Age’ (La Edad de Hielo) o ‘Madagascar’, esta última estrenada tan solo un año después. Y es que, algunas de las críticas incidieron precisamente en que ofrecía una experiencia más ligera y sin tanto drama, solo con algunos temas que invitaban a reflexión como el peligro de idealizar a los ídolos o el valor de lo que nos rodea.

En España, sin embargo, las malas críticas se cebaron también con el doblaje, que fue realizado en su mayoría por actores de la serie ‘Aquí no hay quien viva’, entonces en uno de sus picos de popularidad. Fernando Tejero, María Adánez o Santiago Ramos dieron sus voces a personajes de la película, un hecho que fue objeto de desaprobación.

¿Fue una copia de ‘Buscando a Nemo’?

Además de la competencia dentro del mundo Dreamworks, un detalle que también podría haber jugado en contra del ‘El espantatiburones’ a largo plazo es que muchos la vieron como una copia de ‘Buscando a Nemo’, que se había estrenado un año antes y que ha tenido una mejor supervivencia a lo largo del tiempo. Las similitudes de estar en un contexto de fondo del mar y de que los tiburones tuvieran un papel importante cuando fueron de lo que más gustó del éxito de Pixar y Disney.

Sin embargo, como ya marcó el estudio con cintas como ‘Shrek’, su tono fue mucho más desenfadado, enfocado a un público más allá del infantil, con guiños a la cultura urbana como con sus referencias al hip hop, no en vano Will Smith fue quien puso la voz al protagonista Oscar.

Los padres de Candela Peña tenían un bar al lado de un cine. En vez de pasar su infancia jugando al escondite o saltando a la comba, ella estaba metida en una sala, a oscuras, viendo películas que muchas veces no correspondían a su edad. Se subía a la cabina de proyección y, desde allí, como si fuera la versión cañí de Cinema Paradiso, se quedaba fascinada con las historias que veía proyectar en la gran pantalla.

Ya entonces sintió esa fascinación que la llevaría a estudiar interpretación. Y aquella formación autodidacta la hizo mejor actriz. Una que está siempre atenta a todo, que construye sus personajes a conciencia. Los estudia, los prepara. Les da una vida con la que ella pueda moldear lo que luego saca delante de la cámara.

Lo ha demostrado desde hace décadas. Desde aquel debut que fue como un terremoto en Días contados hasta su nueva película, La desconocida, donde interpreta a una policía que vuelve tras un duelo personal para comenzar una investigación que apunta a trata de mujeres. Un filme que llegará a Netflix el próximo 5 de junio y donde construye un personaje roto y frágil. Mientras tanto, sigue plantándose en La revuelta a decir las cosas que pocos se atreven a decir en televisión. Y la gente lo agradece, porque Candela Peña no se corta, y eso sigue siendo algo raro hoy en día. 

¿Qué le atrajo de esta adaptación de un libro de Rosa Montero y Olivier Truc?

Fueron bastantes cosas, pero sobre todo me llamó mucho la atención un tema que es bastante tabú, del que no se habla mucho, que es el tema del suicidio, en el que he centrado yo todo el trabajo de la sargento Anna Ripoll. Para mí esa señora es una zombi funcional. La historia cuenta cómo esta señora vuelve de una baja y empieza el caso. Como actriz, la opción que tomé fue centrarme en el dolor que ella tiene. Ella pide regresar de esa baja sin estar preparada, como tregua a su propio dolor, y eso me llamó mucho la atención. 

¿Valora mucho esas cosas a la hora de elegir un guion, el reto como actriz, o el tema del que hable?

No te voy a mentir, yo ahora tengo que poner en la balanza pocas cosas, porque yo desde La boda de Rosa hasta ahora no se me ha ofrecido mucho cine, pero sí que he tenido la bendición o la suerte de los temas y de que el personaje pueda llevármelo a un terreno interesante. Los actores hay veces que caemos en el error de intentar hacer el oficio del personaje. Decir: “Voy a hacer de una mosso d’esquadra”. No, yo voy a hacer a la persona que hay detrás de cualquier oficio, y esta mujer era muy importante encuadrarla. Lo que yo construí antes de que empezara la película, para mí era muy gordo que se viera en el primer plano, y es que es una mujer devastada, una mujer con mucho dolor. Tanto su equipo como los otros personajes de la película son un poco víctimas colaterales de la situación de esta mujer.

Es interesante esto, porque la imagen que se tiene de ti es que trabajas mucho, ¿cree que pesa mucho la imagen que se tiene sobre usted?, ¿han pesado esos prejuicios?

Los prejuicios que hay en la profesión sobre mí me han pesado, absolutamente. Yo creo que han determinado la carrera que yo tengo. Me han pillado la matrícula completamente cambiada. Y sí que creo que de difamar cosas terribles, algo queda. Sí que soy una mujer que habla, que da su opinión, y eso molesta. Yo tengo una amiga que dice “haces lo contrario a lo que se tiene que hacer, porque el día que viene el productor en vez de comer con él y ser simpática, tú le dices que el catering es una mierda”. Soy lo que soy y no quiero pedir perdón por ser quien soy.

Yo creo que está demostrado que tomo interés por mis trabajos, que acompaño mis trabajos del principio hasta el fin. Me dejo los huevos tanto haciéndolos como vendiéndolos. No quiere decir que me salga ni bien ni mal, pero que yo estoy ahí, entonces no puedo hacer mucho más. Entonces no depende de mí la visión ajena. Pero sí que me sorprende, por ejemplo, que yo voy dos días a La revuelta al mes, que con eso vivo, y me hago un bolo porque yo soy madre soltera, tengo que conciliar y tengo que organizar mi vida, y parece que no paro de trabajar. Si tú lo sumas, son 24 minutos al mes, no trabajo ni media hora al mes. Que también creo que en algún momento se tendrá que regular que tú cedes tus derechos a Televisión Española, y luego eso va a TikTok, y yo todavía sigo viendo vídeos de la promoción que hice con El caso Asunta. Es algo que tengo que verbalizar. Pero no, yo no estoy en una terraza de Cannes con brillantes en el cuello.

Los prejuicios que hay en la profesión sobre mí me han pesado, absolutamente. Han determinado la carrera que yo tengo. Me han pillado la matrícula cambiada

Candela Peña — Actriz

Sin embargo, creo que hay dos fenómenos como son El caso Asunta y La revuelta que han hecho que sea un referente para los jóvenes, una estrella para ellos, ¿no siente ese vínculo con las nuevas generaciones?

Yo vivo muy al margen de la profesión. Ahora venía y la señora del taxi me dice “¿Cómo ves el mundo de la tele?”. Y le he dicho: “Si hoy no tengo wifi”. Quiero decir, yo voy a La Revuelta, pero luego mi vida es una vida absolutamente normal. Leo, veo cine…

No me creo que no haya gente joven que te pare y te diga cosas…

Soy una persona bastante solitaria. La gente joven que veo es gente de 14 años del equipo de mi hijo que el otro día les nombré en La revuelta, pero no tengo mucha relación. Sí que es cierto que en una época anterior en La revuelta, sí que me mandaban muchos adolescentes estas fotos de sus miembros que me sobrecogía. Pero ya también ha pasado. Me fui siendo una mujer fértil. Ha vuelto una infértil y ya no me envían este tipo de fotografías.

Es otro momento.

Es otro momento. Entonces ahora los adolescentes no sé en qué lugar me colocan, pero es gente que me interesa sobremanera. Los adolescentes me interesan mucho, me han interesado siempre. Es gente sobre la que se pone mucha responsabilidad y mucha crítica en un momento en el que tú estás muy perdido, tienes que hacerte como ser humano y se les da mucha caña y entonces es gente que me gusta. 

¿Cómo plantea las apariciones en La revuelta, como un papel más, lo prepara igual?

No, no, no. De hecho, absolutamente diferente, porque ahí sí que hay una absoluta inconsciencia. Para empezar yo voy a ese sitio porque admiro profundamente a esa gente. Admiro profundamente a David, admiro profundamente a Jorge, a Ricardo Castella, a Grison, al equipo de guionistas que hay detrás… Les admiro mucho, pero les admiro todavía más de que sean tan disparates de ir para decir dos mierdas que improviso en el momento. Sí que tengo unas líneas, porque joder, es la televisión pública. En eso soy responsable y pienso que es comedia y hay que entretener, pero que sea con cosas que tengan un poquito de sentido, que no vayan a un saco. Que digan algo para las mujeres, que somos las grandes borradas en ese programa. Y me da marcha estar ahí en representación de tías de a partir de 40 y pico. Muchas veces pienso, qué pinto yo ahí, pero por otro lado, a la gente le entretiene y creo que ahora las mujeres se empatan mucho conmigo y me devuelven mucho cariño. En algún momento estoy pensando en devolverlo de alguna manera. No sé cómo, pero las tías ahora es locura conmigo.

Quizás es porque reflejas a esas mujeres que siguen sin verse mucho en el audiovisual, tampoco en el cine o las series.

Y lo hago con mucho pudor también, el contar el momento que uno atraviesa. Porque yo me di cuenta de que cuando yo dije que estaba atravesando un trastorno hormonal, muchas mujeres me lo agradecieron. Y digo “¿pero agradecer qué?”. Y ahora entiendo que sí, que hay mujeres que son visibles y pueden poner voz a cosas que se intentan ocultar. O a esta cosa del ser eternamente joven, de estar eternamente buena. No me apetece. El otro día le decía a una amiga que creo que todos estos pinchazos, el Ozempic… todo eso es un poco el fascismo en el sentido de que hay que llegar a que todas seamos juncos novilleros. La delgadez se celebra mucho, el ‘estás hermosa’ se celebra mucho, pero nadie te celebra lo lúcida que estás, lo brillante que eres. Creo que las tías nos damos mucha caña entre nosotras y he llegado a los 50 y me doy cuenta, cuando veo a mujeres que admiro mucho de 30 años, de estas que ahora hay mogollón que me flipan, que perdemos mucho tiempo en justificarnos. Perdemos mucho tiempo en contarnos y los tíos no lo hacen.

No miramos atrás.

No. Y nosotras sí que deberíamos hacerlo. Mirar a las mujeres que nos preceden, porque es importante no borrarlas y creer que somos el último huevo del pícnic. Porque no es que haya muchas mujeres, hay pocas, pero las ha habido. Entonces echemos también una mirada a eso.

Me va a decir que no se siente referente, pero lo es.

Si lo soy, que lo decida el que lo mira. Veo a mucha gente mirando a cámara y sintiéndose el kilómetro cero de la carretera, de donde parte todo. No quiero ser ejemplo de nada. No quiero hablar por nadie. Pero si alguien abraza mi rollo y mi discurso, guay. Pero no quiero porque quiero permitirme cagarla, equivocarme. Soy una persona que toma decisiones y voy a muerte con ellas, y me he dado cuenta de que no quiero los reproches de quien me rodea frente a eso. Yo cargo con lo mío, no con lo de los demás. 

He leído que sus padres tenían un bar al lado de un cine y que su formación cinematográfica viene de estar en ese cine todo el rato, un poco Cinema Paradiso.

Sí, absolutamente. Mi infancia yo no la recuerdo jugando en el parque. Si estaba aburrida de estar en la sala, me subía con el proyeccionista, un señor con cabello blanco que aparte tenía unas botas con un zapato más alto que otro porque igual tuvo la polio y tenía una pierna más corta. He visto mucho cine que no era propio para la edad que tenía, desde Holocausto Caníbal a Vestida para matar. Desde Fernando Esteso y Pajares hasta Cassavetes. Eso es muy enriquecedor. Yo siempre he tenido vocación, yo siempre he querido ser una actriz de las que salían en esas películas que he visto desde que tengo cuatro años.

Preguntamos mucho si el cine puede cambiar las cosas, ¿cree que el cine sirve de algo? 

Bueno, es que a mí me ha salvado. Entonces yo hablo de mi experiencia personal. A quien no le pase nada y lo vea como purito entretenimiento, pues guay. Pero es que me da igual. Aunque un libro no te haya interesado en absoluto, a lo mejor tienes cuatro palabras más en tu vocabulario. O ves una escultura de alguien y dices ostras, solo el hecho de pensar que hay gente que trabaja el acetato en Soria, pues ya me parece interesante. 

¿Recuerda el momento de decirle a sus padres que quería ser actriz?

Se dio de manera natural cuando yo ya empecé a estudiar COU, que era solo por la mañana, y mi madre me dijo si por las tardes quería apuntarme a algún sitio, y yo, sin tener ni idea, me apunté a un curso en verano de psicomotricidad. Una profesora, con toda la lógica, me dijo: “Tú lo que tienes que ir es a una escuela de interpretación”. Y ya me dio la dirección de Nancy Tuñón, la primera profesora con la que estuve en Barcelona. Y de ahí, pues ya acabé en Madrid. Me acuerdo que el primer casting para Días contados era en verano. Yo estaba en Madrid. Le dije a mi padre: “Yo paso de ir”. Y me dijo: “No, querida. Tú vas”. Vengo de familia trabajadora y ellos lo entienden. Hay que trabajar y yo creo que también la actriz es por la familia de la que vengo.

Decía Antonio de la Torre que el barrio no se olvida.

Sí, claro, pero también sería falsa si no admitiera que mi vida es más fácil. Quiero decir, he dicho que yo trabajando media hora y haciendo un bolo con Secun, puedo pasar el mes. Y yo ahora también he tomado decisiones. Por ejemplo, he querido monetizar el hecho de ser más conocida ahora por La revuelta. Porque me han asustado mucho los 50 años. He visto a gente enfermar cerca de mí, he visto a gente morir cerca de mí, gente de edades parecidas. Y yo pienso, si yo caigo enferma, mi hijo no tiene un colchón económico y quiero que lo tenga. Y ahora estoy abriendo puertas que antes tenía cerradas como el tema de las marcas o la publicidad.

Piensa mucho en el futuro…

Tengo un hijo que depende única y exclusivamente de mí. Cuando no tienes a nadie que depende de ti, pues tú eres más disparate. Si yo no fuera madre es muy probable que ahora estuviera en Casablanca fumando opio, pero siendo madre la vida te mete en un carril. Y es que aparte, ese hijo solo me tiene a mí. Entonces me aterra pensar que no le pueda pagar la facultad o que no le pueda acompañar algún deseo que él tenga.

¿Sigue queriendo crear? Me acuerdo de la serie…

Absolutamente. Y no voy a desistir. O sea, voy a dirigir. Tarde o temprano sé que voy a dirigir. Solo me ha dado la posibilidad la directora de La 2, que me dejó dirigir un programa este verano pasado. Me encantó prestarme a eso, pero sí, quiero dirigir una película.

¿Qué le gustaría contar?

La complejidad de las mujeres. Las mujeres somos complejas y no nos tenemos que estar justificando todo el rato de lo que somos, lo que hemos conseguido, o dónde hemos llegado.

Vídeo de la entrevista completa

Llegar a Netflix es para algunas películas toda una bendición, pues pasan de estar olvidadas por el gran público a convertirse en virales y encontrar su audiencia, que las descubre en muchos casos por primera vez, o bien aquellos que no la recordaban y que reviven viejos recuerdos. Así, no es de extrañar que ciertos títulos de cine aparezcan entre lo más visto de la plataforma a pesar de que ya tienen varios años o décadas.

En esta ocasión la beneficiada por ello ha sido una comedia romántica que se estrenó hace 21 años, pero que parece haber envejecido mejor de lo que muchos pensaban. Hablamos de ‘En sus zapatos’ (In Her Shoes), que se ha emplazado en el top 10 de Netflix con su entrada en el catálogo.

Reparto de lujo, pero denostada por la crítica española: “Cosas de chicas”

‘En sus zapatos’, película estrenada en 2005, es una comedia dirigida por Curtis Hanson, y que cuenta con un trío protagonista formado por Cameron Díaz, Toni Collette y Shirley MacLaine que encabeza el reparto y que es uno de los puntos fuertes de la cinta. La historia gira alrededor de dos hermanas huérfanas que son muy diferentes entre ellas y se pasan el día discutiendo, pues mientras Maggie triunfa en lo social con una vida laboral inestable, su hermana Rose es una exitosa abogada de Filadelfia que no se preocupa por su aspecto físico. Todo cambiará entre ellas cuando descubren que su abuela materna, aquella que creían muerta, no lo está.

Esa abuela es Shirley MacLaine, uno de los personajes más destacados de la película y que le valió ser nominada a mejor actriz de reparto a los Globos de Oro. Además, fue una gran defensora del largometraje, que, si bien contó con algunas reseñas positivas, especialmente en Estados Unidos, en España, por ejemplo, fue tildada de ser “cosas de chicas”, “solo para chicas (y novios bienintencionados” o “rozar la ñoñería”, como se puede leer en las críticas del momento en El País, ABC o Fotogramas, recogidas por el portal Filmaffinity.

Sin embargo, la veterana actriz, que protagonizó ‘El apartamento’ con Jack Lemmon en 1960, defendió que era algo más que una “película para mujeres, solo por el hecho de estar protagonizada por tres actrices”: “Es la historia de una familia que finalmente supera una tragedia terrible. La hija de mi personaje se suicidó. La madre de estas chicas también se suicidó y mi yerno —el marido de mi hija— no les ha dicho que tienen abuela. Vamos, es algo muy dramático. No es una película romántica. Es algo que afecta a toda la familia, y todas las familias del mundo viven algo parecido. Todas las familias son un ejemplo de una pequeña civilización”, aseguraba en su día durante la promoción del estreno.

Cameron Diaz no fue la primera opción

La película se basó en el libro del mismo título publicado por la escritora Jennifer Weiner, tuvo algunos pequeños cambios con la historia principal, pero uno de los más emotivos es el hecho de que se cambió la raza de la mascota de Maggie para promocionar la adopción de perros. Y es que pasó de ser un pug a raza mixta para inspirar al público.

Sin embargo, una de las curiosidades más desconocidas es que Cameron Diaz, una de sus principales estrellas protagonistas, no fue la primera opción para interpretar a Maggie Feller, sino que lo fue su compañera de reparto Toni Colette. Pero ella finalmente aceptó cambiar e interpretar a Rose después de que Sarah Michelle Gellar (‘Buffy Cazavampiros’) se retirara del proyecto y se necesitara una nueva actriz para el elenco.

‘En sus zapatos’ tiene además el extraño hito de ser una de las primeras películas que se lanzó solo en DVD, sin pasar por VHS, en un momento en el que este formato se encontraba en declive. Esta comedia romántica tiene también un pequeño guiño a su directora, pues en una escena en la que Maggie audiciona para MTV, en el ‘teleprompter’ se puede leer que se va a estrenar un nuevo videoclip de Eminem, y es que él fue quien dirigió ‘8 Mile’ que se basó en la vida del rapero.

El pasado 16 de enero, Matt Damon y Ben Affleck estrenaron la película ‘El Botín’ en Netflix, el que significaba su vuelta como pareja creativa desde su último trabajo en ‘Air’ y ‘El último duelo’ a principios de la década actual, y siendo otro ejemplo más de una amistad solida en la industria de Hollywood que dura más de tres décadas.

Esta película, que ha sido una de las más exitosas de Netflix en este 2026, ya fue noticia porque Matt Damon había asegurado que utilizaron una técnica para captar la atención de los espectadores que fue que “la trama se repite 3 o 4 veces en el diálogo porque la gente mira el móvil” y por la que sus protagonistas y productores han acabado denunciados.

La policía de Miami en contra de la película por vía legal

Ya en el momento de su promoción, ‘El Botín’ enfatizó que era una historia que se había basado en un caso real que tuvo lugar en Miami, en concreto una operación policial de 2016 en la que incautaron una cifra superior a los 24 millones de dólares.

Pero a la policía no le ha gustado el retrato que se hace de ellos en la cinta, dirigida por Joe Carnaham y con Affleck y Damon como protagonistas ejerciendo de policías, y por eso han decido denunciar a estos dos últimos como productores por difamación.

En concreto, Jonathan Santana y Jason Smith, los agentes acreditados por resolver el caso en el que se basaron para crear la película de Netflix, son los que han optado por tomar medidas legales hacia los dos actores de Hollywood, alegando además que en diciembre enviaron una carta para que el filme no se estrenara, y piden compensación económica por los daños causados.

El abogado de los agentes justifica que han presentado a sus clientes “como corruptos y ahora su reputación está dañada”. “Mis clientes ahora sufrirán daños de por vida, todo el mundo los percibe como corruptos”, insiste en su comunicación tras presentar la denuncia ante el tribunal federal de Florida.

“Cuando uno hace eso, está robando algo. Nosotros nunca robamos un dólar”, declaran los policías de Miami implicados, que han pasado de ser vistos como héroes tras el fin del caso a recibir burlas en su lugar de trabajo desde el estreno de ‘El Botín’.

Tras conocerse la noticia, ni Affleck ni Damon han reaccionado, pero se espera que sea complicado el proceso porque en la película, desde el comienzo ya se asegura que la historia real está cambiada por “fines dramáticos” y que también se afirmó esto durante su promoción.

La ciudad de Hialeah también denuncia a la película

Pero la denuncia legal de los policías no es la única que ha recibido ‘El Botín’, que se ha topado también con las quejas de la ciudad donde se rodó, Hialeah, en Florida, como bien aseguró su alcalde, Bryan Calvo, que afirma que la promoción que se hace de ella es negativa:

“Esta película es una bofetada para nuestro cuerpo policial. Si nunca has estado en Hialeah, si vives en cualquier otro lugar del país y ves esta película, no te entrarían ganas de venir aquí, y eso es un problema”, declaró.

Los datos no fueron del todo malos. Cuando se estrenó en mayo de 2017, La casa de papel consiguió un 25,1% de cuota de pantalla y 4.090.000 espectadores en Antena 3, convirtiéndose en el mejor estreno de ficción en España de los dos años anteriores. Sin embargo, en solo una semana, la serie había perdido un millón de espectadores (18,4% y 3.041.000 espectadores). Y siguió perdiendo fuelle.

Tras un parón de cuatro meses, coincidiendo con las vacaciones de verano, llegó a la televisión en abierto la segunda parte, que vivió en primera persona cómo la audiencia se iba distanciando cada vez más de la ficción creada por Álex Pina. El capítulo final de aquella primera, y en principio única, temporada consiguió un 12,1% y 1.798.000 espectadores. 

“La casa de papel no es una serie pensada para arrasar en audiencias”, llegó a decir Pina en aquella época. Ni él ni nadie podía imaginar que aquella historia terminaría siendo una de las producciones españolas con alcance internacional más relevantes de todos los tiempos. Y todo gracias a que Netflix adquirió sus derechos de transmisión global ese mismo año. 

Días después de que aquella primera temporada llegara a la plataforma de streaming, la compañía anunció que ya era la serie de habla no inglesa más vista de su historia. Tan solo un mes después de aquello, adquirían los derechos para producir más temporadas y seguir desarrollando esta historia. Una historia que, casi diez años después de su estreno, sigue en expansión. 

¿El error estuvo en la espera?

Después de que la serie protagonizada por actores como Álvaro Morte, Úrsula Corberó, Pedro Alonso y Alba Flores se convirtiera en un éxito global más allá de España, fueron muchos los que se cuestionaron qué era lo que había fallado para que esta no llegara a triunfar del todo en su paso por el canal de Atresmedia. También sus creadores pasaron por este momento de reflexión. 

Javier Gómez tiene su propia versión de lo que ocurrió entonces. El jefe de guionistas y coproductor ejecutivo de La Casa de Papel compartió una entrevista para Infobae Colombia que la serie estaba pensada para “un consumo impulsivo, no un consumo de pararse cada semana”. En la conversación con el medio, Gómez recordó que, durante la etapa en Antena 3, los capítulos salían semanalmente, acompañados de la típica publicidad en televisión, y eso no funcionaba con la historia que habían desarrollado. 

“El espectador no toleraba esperar al miércoles a las 10 de la noche o a las 11 para ver un capítulo. La gente quiere tener el control (...). Uno se terminaba un capítulo de la serie y no quería esperar para verse el siguiente. Era adictiva, no quería esperar ocho días para volver a cogerle el hilo”. La plataforma ofreció al espectador exactamente eso: la posibilidad de hacer maratón y, en unas pocas horas, saber cómo terminaba el plan de El Profesor.

La actuación de Rosalía era el momento más esperado de la noche. Netflix intentó mantenerlo en secreto, pero la participación de la artista se filtró un par de días antes del macroevento que la plataforma organizó sobre el Guadalquivir con motivo del estreno de la nueva temporada de Berlín, celebrado en Sevilla durante todo el fin de semana.

La expectación era máxima y miles de personas se acercaron hasta las orillas del río con la esperanza de verla aparecer sobre el escenario flotante, a pesar de la lluvia que cayó por momentos. Netflix prometió una “jarana” y muchas sorpresas, pero fue Rosalía quien terminó iluminando la noche con su interpretación de Reliquia y La perla, dos de los temas más populares de su último disco, Lux. Tienes la actuación de La perla al completo en este enlace.

La irrupción de la artista, pasadas las 22:30 h, levantó el ambiente durante unos minutos y consiguió devolverle emoción a una velada que parecía quedarse a medio gas. Acompañada por la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), empezó con Reliquia, que repasa distintas localizaciones y detalles del universo de La casa de papel con mención especial a Sevilla. A continuación, dirigió unas palabras a la ciudad y confesó que no dudó en aceptar la propuesta de la plataforma de streaming “porque eres tú, Sevilla”.

El broche final lo puso con la archiconocida La perla, cuyas primeras notas fueron coreadas y jaleadas por el público, que acompañó cada canción desde ambas orillas del río. Entre luces, fuegos artificiales y el escenario flotante sobre el Guadalquivir, su breve actuación se adueñó de la noche, a los pies de una Torre del Oro teñida de rojo Netflix.