La FIFA y Netflix han anunciado el lanzamiento de FIFA World Cup: Launch Edition, un nuevo videojuego oficial del Mundial 2026 que estará disponible a partir del 11 de junio, coincidiendo con el inicio del torneo que se disputará en Estados Unidos, Canadá y México. El título formará parte del catálogo de Netflix Games y podrá utilizarse desde televisores compatibles empleando un teléfono móvil como controlador.

El juego estará incluido sin coste adicional para los suscriptores de Netflix y ha sido desarrollado junto a Netflix Games y Delphi Interactive como una experiencia de simulación futbolística diseñada para resultar accesible a jugadores con distintos niveles de experiencia. Según sus responsables, el objetivo es facilitar partidas rápidas y sencillas utilizando dispositivos que los usuarios ya tienen en casa.

El móvil hará las veces de mando

El sistema de control constituye una de las principales novedades del proyecto. Los jugadores deberán abrir la aplicación de Netflix en un televisor compatible y escanear con su teléfono móvil un código QR que aparecerá en pantalla. Una vez conectado, el dispositivo funcionará como mando del videojuego, eliminando la necesidad de utilizar mandos específicos.

La propuesta permitirá además partidas para hasta cuatro personas simultáneamente, una característica con la que Netflix busca potenciar la experiencia compartida durante la celebración del Mundial. En cuanto al contenido, FIFA World Cup: Launch Edition incluirá las 48 selecciones clasificadas para el torneo, los 16 estadios oficiales repartidos entre los tres países anfitriones y una plantilla formada por 1.248 futbolistas participantes en la competición.

La nueva estrategia de FIFA tras EA Sports

El lanzamiento forma parte de la estrategia que la FIFA ha desarrollado tras el final de su histórica colaboración con EA Sports. En lugar de depender de un único socio, el organismo apuesta ahora por un modelo basado en acuerdos con distintas compañías para ampliar su presencia en diferentes plataformas y audiencias.

Tanto la FIFA como Netflix han señalado que este videojuego constituye el punto de partida de un proyecto más amplio que incorporará nuevas funciones y contenidos después de su estreno. El objetivo es que la experiencia evolucione a medida que avance el Mundial y continúe creciendo mediante futuras actualizaciones.

Entrar en plataformas ha hecho que esta película de animación haya pasado del olvido a ser una de las más vistas y de que la descubran nuevas generaciones más de 20 años después de su estreno, que tuvo lugar en 2004 y que pese a ser un éxito de recaudación, se hundiría por malas críticas hasta quedarse en uno de sus títulos de nicho.

Hablamos de ‘El espantatiburones’, que está viviendo una segunda juventud desde su entrada en Netflix y que ya en su día llamó la atención por su reparto de lujo en el doblaje, con un elenco conformado por Will Smith, Robert De Niro, Renée Zellweger, Angelina Jolie, Jack Black o Martin Scorsese, que se hizo viral al recordar lo que le sorprende que le pidan autógrafos por su trabajo en esta cinta. Las voces en español tampoco se quedaron atrás y es otro de los detalles que se recuerdan, aunque en este caso no destacó por las alabanzas.

Éxito de taquilla, nominada al Oscar, pero ‘masacrada’ por la crítica

Si bien ‘El espantatiburones’ (‘Shark Tale’ en original) fue relegada al olvido con el paso del tiempo, no fue un producto que fracasara ante el público, ni mucho menos. Fue, de hecho, una de las películas más taquilleras de 2004 y recaudó más de 400 millones de dólares, además de que tuvo una nominación al Oscar como Mejor película animada.

El filme, dirigido por Bibo Bergeron, Vicky Jenson y Rob Letterman, fue un proyecto del estudio Dreamworks, que había surgido a mediados de los años 90 como respuesta al despido de Jeffrey Katzenberg de Disney. La historia del largometraje sigue a Oscar, un pez pequeño que tiene grandes sueños y que sin quererlo se convierte en un héroe por una mentira, que tendrá que mantener su fama, pasando por diferentes problemas y retos.

A pesar de su éxito en taquilla y de obtener una nominación al Premio Oscar, ‘El espantatiburones’ no triunfó entre la crítica, que la tildó de “superficial”, “no demasiado interesante” o con algunas que vieron en ella solo una película para obtener dinero: “Con el símbolo del dólar en sus ojos y nada en su corazón”, llegó a escribir Scott Tobias en el medio AV Club.

La mala crítica afectaría finalmente a su legado, complicado también dentro de un Dreamworks con pesos pesados como ‘Shrek’, ‘Ice Age’ (La Edad de Hielo) o ‘Madagascar’, esta última estrenada tan solo un año después. Y es que, algunas de las críticas incidieron precisamente en que ofrecía una experiencia más ligera y sin tanto drama, solo con algunos temas que invitaban a reflexión como el peligro de idealizar a los ídolos o el valor de lo que nos rodea.

En España, sin embargo, las malas críticas se cebaron también con el doblaje, que fue realizado en su mayoría por actores de la serie ‘Aquí no hay quien viva’, entonces en uno de sus picos de popularidad. Fernando Tejero, María Adánez o Santiago Ramos dieron sus voces a personajes de la película, un hecho que fue objeto de desaprobación.

¿Fue una copia de ‘Buscando a Nemo’?

Además de la competencia dentro del mundo Dreamworks, un detalle que también podría haber jugado en contra del ‘El espantatiburones’ a largo plazo es que muchos la vieron como una copia de ‘Buscando a Nemo’, que se había estrenado un año antes y que ha tenido una mejor supervivencia a lo largo del tiempo. Las similitudes de estar en un contexto de fondo del mar y de que los tiburones tuvieran un papel importante cuando fueron de lo que más gustó del éxito de Pixar y Disney.

Sin embargo, como ya marcó el estudio con cintas como ‘Shrek’, su tono fue mucho más desenfadado, enfocado a un público más allá del infantil, con guiños a la cultura urbana como con sus referencias al hip hop, no en vano Will Smith fue quien puso la voz al protagonista Oscar.

Los padres de Candela Peña tenían un bar al lado de un cine. En vez de pasar su infancia jugando al escondite o saltando a la comba, ella estaba metida en una sala, a oscuras, viendo películas que muchas veces no correspondían a su edad. Se subía a la cabina de proyección y, desde allí, como si fuera la versión cañí de Cinema Paradiso, se quedaba fascinada con las historias que veía proyectar en la gran pantalla.

Ya entonces sintió esa fascinación que la llevaría a estudiar interpretación. Y aquella formación autodidacta la hizo mejor actriz. Una que está siempre atenta a todo, que construye sus personajes a conciencia. Los estudia, los prepara. Les da una vida con la que ella pueda moldear lo que luego saca delante de la cámara.

Lo ha demostrado desde hace décadas. Desde aquel debut que fue como un terremoto en Días contados hasta su nueva película, La desconocida, donde interpreta a una policía que vuelve tras un duelo personal para comenzar una investigación que apunta a trata de mujeres. Un filme que llegará a Netflix el próximo 5 de junio y donde construye un personaje roto y frágil. Mientras tanto, sigue plantándose en La revuelta a decir las cosas que pocos se atreven a decir en televisión. Y la gente lo agradece, porque Candela Peña no se corta, y eso sigue siendo algo raro hoy en día. 

¿Qué le atrajo de esta adaptación de un libro de Rosa Montero y Olivier Truc?

Fueron bastantes cosas, pero sobre todo me llamó mucho la atención un tema que es bastante tabú, del que no se habla mucho, que es el tema del suicidio, en el que he centrado yo todo el trabajo de la sargento Anna Ripoll. Para mí esa señora es una zombi funcional. La historia cuenta cómo esta señora vuelve de una baja y empieza el caso. Como actriz, la opción que tomé fue centrarme en el dolor que ella tiene. Ella pide regresar de esa baja sin estar preparada, como tregua a su propio dolor, y eso me llamó mucho la atención. 

¿Valora mucho esas cosas a la hora de elegir un guion, el reto como actriz, o el tema del que hable?

No te voy a mentir, yo ahora tengo que poner en la balanza pocas cosas, porque yo desde La boda de Rosa hasta ahora no se me ha ofrecido mucho cine, pero sí que he tenido la bendición o la suerte de los temas y de que el personaje pueda llevármelo a un terreno interesante. Los actores hay veces que caemos en el error de intentar hacer el oficio del personaje. Decir: “Voy a hacer de una mosso d’esquadra”. No, yo voy a hacer a la persona que hay detrás de cualquier oficio, y esta mujer era muy importante encuadrarla. Lo que yo construí antes de que empezara la película, para mí era muy gordo que se viera en el primer plano, y es que es una mujer devastada, una mujer con mucho dolor. Tanto su equipo como los otros personajes de la película son un poco víctimas colaterales de la situación de esta mujer.

Es interesante esto, porque la imagen que se tiene de ti es que trabajas mucho, ¿cree que pesa mucho la imagen que se tiene sobre usted?, ¿han pesado esos prejuicios?

Los prejuicios que hay en la profesión sobre mí me han pesado, absolutamente. Yo creo que han determinado la carrera que yo tengo. Me han pillado la matrícula completamente cambiada. Y sí que creo que de difamar cosas terribles, algo queda. Sí que soy una mujer que habla, que da su opinión, y eso molesta. Yo tengo una amiga que dice “haces lo contrario a lo que se tiene que hacer, porque el día que viene el productor en vez de comer con él y ser simpática, tú le dices que el catering es una mierda”. Soy lo que soy y no quiero pedir perdón por ser quien soy.

Yo creo que está demostrado que tomo interés por mis trabajos, que acompaño mis trabajos del principio hasta el fin. Me dejo los huevos tanto haciéndolos como vendiéndolos. No quiere decir que me salga ni bien ni mal, pero que yo estoy ahí, entonces no puedo hacer mucho más. Entonces no depende de mí la visión ajena. Pero sí que me sorprende, por ejemplo, que yo voy dos días a La revuelta al mes, que con eso vivo, y me hago un bolo porque yo soy madre soltera, tengo que conciliar y tengo que organizar mi vida, y parece que no paro de trabajar. Si tú lo sumas, son 24 minutos al mes, no trabajo ni media hora al mes. Que también creo que en algún momento se tendrá que regular que tú cedes tus derechos a Televisión Española, y luego eso va a TikTok, y yo todavía sigo viendo vídeos de la promoción que hice con El caso Asunta. Es algo que tengo que verbalizar. Pero no, yo no estoy en una terraza de Cannes con brillantes en el cuello.

Los prejuicios que hay en la profesión sobre mí me han pesado, absolutamente. Han determinado la carrera que yo tengo. Me han pillado la matrícula cambiada

Candela Peña — Actriz

Sin embargo, creo que hay dos fenómenos como son El caso Asunta y La revuelta que han hecho que sea un referente para los jóvenes, una estrella para ellos, ¿no siente ese vínculo con las nuevas generaciones?

Yo vivo muy al margen de la profesión. Ahora venía y la señora del taxi me dice “¿Cómo ves el mundo de la tele?”. Y le he dicho: “Si hoy no tengo wifi”. Quiero decir, yo voy a La Revuelta, pero luego mi vida es una vida absolutamente normal. Leo, veo cine…

No me creo que no haya gente joven que te pare y te diga cosas…

Soy una persona bastante solitaria. La gente joven que veo es gente de 14 años del equipo de mi hijo que el otro día les nombré en La revuelta, pero no tengo mucha relación. Sí que es cierto que en una época anterior en La revuelta, sí que me mandaban muchos adolescentes estas fotos de sus miembros que me sobrecogía. Pero ya también ha pasado. Me fui siendo una mujer fértil. Ha vuelto una infértil y ya no me envían este tipo de fotografías.

Es otro momento.

Es otro momento. Entonces ahora los adolescentes no sé en qué lugar me colocan, pero es gente que me interesa sobremanera. Los adolescentes me interesan mucho, me han interesado siempre. Es gente sobre la que se pone mucha responsabilidad y mucha crítica en un momento en el que tú estás muy perdido, tienes que hacerte como ser humano y se les da mucha caña y entonces es gente que me gusta. 

¿Cómo plantea las apariciones en La revuelta, como un papel más, lo prepara igual?

No, no, no. De hecho, absolutamente diferente, porque ahí sí que hay una absoluta inconsciencia. Para empezar yo voy a ese sitio porque admiro profundamente a esa gente. Admiro profundamente a David, admiro profundamente a Jorge, a Ricardo Castella, a Grison, al equipo de guionistas que hay detrás… Les admiro mucho, pero les admiro todavía más de que sean tan disparates de ir para decir dos mierdas que improviso en el momento. Sí que tengo unas líneas, porque joder, es la televisión pública. En eso soy responsable y pienso que es comedia y hay que entretener, pero que sea con cosas que tengan un poquito de sentido, que no vayan a un saco. Que digan algo para las mujeres, que somos las grandes borradas en ese programa. Y me da marcha estar ahí en representación de tías de a partir de 40 y pico. Muchas veces pienso, qué pinto yo ahí, pero por otro lado, a la gente le entretiene y creo que ahora las mujeres se empatan mucho conmigo y me devuelven mucho cariño. En algún momento estoy pensando en devolverlo de alguna manera. No sé cómo, pero las tías ahora es locura conmigo.

Quizás es porque reflejas a esas mujeres que siguen sin verse mucho en el audiovisual, tampoco en el cine o las series.

Y lo hago con mucho pudor también, el contar el momento que uno atraviesa. Porque yo me di cuenta de que cuando yo dije que estaba atravesando un trastorno hormonal, muchas mujeres me lo agradecieron. Y digo “¿pero agradecer qué?”. Y ahora entiendo que sí, que hay mujeres que son visibles y pueden poner voz a cosas que se intentan ocultar. O a esta cosa del ser eternamente joven, de estar eternamente buena. No me apetece. El otro día le decía a una amiga que creo que todos estos pinchazos, el Ozempic… todo eso es un poco el fascismo en el sentido de que hay que llegar a que todas seamos juncos novilleros. La delgadez se celebra mucho, el ‘estás hermosa’ se celebra mucho, pero nadie te celebra lo lúcida que estás, lo brillante que eres. Creo que las tías nos damos mucha caña entre nosotras y he llegado a los 50 y me doy cuenta, cuando veo a mujeres que admiro mucho de 30 años, de estas que ahora hay mogollón que me flipan, que perdemos mucho tiempo en justificarnos. Perdemos mucho tiempo en contarnos y los tíos no lo hacen.

No miramos atrás.

No. Y nosotras sí que deberíamos hacerlo. Mirar a las mujeres que nos preceden, porque es importante no borrarlas y creer que somos el último huevo del pícnic. Porque no es que haya muchas mujeres, hay pocas, pero las ha habido. Entonces echemos también una mirada a eso.

Me va a decir que no se siente referente, pero lo es.

Si lo soy, que lo decida el que lo mira. Veo a mucha gente mirando a cámara y sintiéndose el kilómetro cero de la carretera, de donde parte todo. No quiero ser ejemplo de nada. No quiero hablar por nadie. Pero si alguien abraza mi rollo y mi discurso, guay. Pero no quiero porque quiero permitirme cagarla, equivocarme. Soy una persona que toma decisiones y voy a muerte con ellas, y me he dado cuenta de que no quiero los reproches de quien me rodea frente a eso. Yo cargo con lo mío, no con lo de los demás. 

He leído que sus padres tenían un bar al lado de un cine y que su formación cinematográfica viene de estar en ese cine todo el rato, un poco Cinema Paradiso.

Sí, absolutamente. Mi infancia yo no la recuerdo jugando en el parque. Si estaba aburrida de estar en la sala, me subía con el proyeccionista, un señor con cabello blanco que aparte tenía unas botas con un zapato más alto que otro porque igual tuvo la polio y tenía una pierna más corta. He visto mucho cine que no era propio para la edad que tenía, desde Holocausto Caníbal a Vestida para matar. Desde Fernando Esteso y Pajares hasta Cassavetes. Eso es muy enriquecedor. Yo siempre he tenido vocación, yo siempre he querido ser una actriz de las que salían en esas películas que he visto desde que tengo cuatro años.

Preguntamos mucho si el cine puede cambiar las cosas, ¿cree que el cine sirve de algo? 

Bueno, es que a mí me ha salvado. Entonces yo hablo de mi experiencia personal. A quien no le pase nada y lo vea como purito entretenimiento, pues guay. Pero es que me da igual. Aunque un libro no te haya interesado en absoluto, a lo mejor tienes cuatro palabras más en tu vocabulario. O ves una escultura de alguien y dices ostras, solo el hecho de pensar que hay gente que trabaja el acetato en Soria, pues ya me parece interesante. 

¿Recuerda el momento de decirle a sus padres que quería ser actriz?

Se dio de manera natural cuando yo ya empecé a estudiar COU, que era solo por la mañana, y mi madre me dijo si por las tardes quería apuntarme a algún sitio, y yo, sin tener ni idea, me apunté a un curso en verano de psicomotricidad. Una profesora, con toda la lógica, me dijo: “Tú lo que tienes que ir es a una escuela de interpretación”. Y ya me dio la dirección de Nancy Tuñón, la primera profesora con la que estuve en Barcelona. Y de ahí, pues ya acabé en Madrid. Me acuerdo que el primer casting para Días contados era en verano. Yo estaba en Madrid. Le dije a mi padre: “Yo paso de ir”. Y me dijo: “No, querida. Tú vas”. Vengo de familia trabajadora y ellos lo entienden. Hay que trabajar y yo creo que también la actriz es por la familia de la que vengo.

Decía Antonio de la Torre que el barrio no se olvida.

Sí, claro, pero también sería falsa si no admitiera que mi vida es más fácil. Quiero decir, he dicho que yo trabajando media hora y haciendo un bolo con Secun, puedo pasar el mes. Y yo ahora también he tomado decisiones. Por ejemplo, he querido monetizar el hecho de ser más conocida ahora por La revuelta. Porque me han asustado mucho los 50 años. He visto a gente enfermar cerca de mí, he visto a gente morir cerca de mí, gente de edades parecidas. Y yo pienso, si yo caigo enferma, mi hijo no tiene un colchón económico y quiero que lo tenga. Y ahora estoy abriendo puertas que antes tenía cerradas como el tema de las marcas o la publicidad.

Piensa mucho en el futuro…

Tengo un hijo que depende única y exclusivamente de mí. Cuando no tienes a nadie que depende de ti, pues tú eres más disparate. Si yo no fuera madre es muy probable que ahora estuviera en Casablanca fumando opio, pero siendo madre la vida te mete en un carril. Y es que aparte, ese hijo solo me tiene a mí. Entonces me aterra pensar que no le pueda pagar la facultad o que no le pueda acompañar algún deseo que él tenga.

¿Sigue queriendo crear? Me acuerdo de la serie…

Absolutamente. Y no voy a desistir. O sea, voy a dirigir. Tarde o temprano sé que voy a dirigir. Solo me ha dado la posibilidad la directora de La 2, que me dejó dirigir un programa este verano pasado. Me encantó prestarme a eso, pero sí, quiero dirigir una película.

¿Qué le gustaría contar?

La complejidad de las mujeres. Las mujeres somos complejas y no nos tenemos que estar justificando todo el rato de lo que somos, lo que hemos conseguido, o dónde hemos llegado.

Vídeo de la entrevista completa

Llegar a Netflix es para algunas películas toda una bendición, pues pasan de estar olvidadas por el gran público a convertirse en virales y encontrar su audiencia, que las descubre en muchos casos por primera vez, o bien aquellos que no la recordaban y que reviven viejos recuerdos. Así, no es de extrañar que ciertos títulos de cine aparezcan entre lo más visto de la plataforma a pesar de que ya tienen varios años o décadas.

En esta ocasión la beneficiada por ello ha sido una comedia romántica que se estrenó hace 21 años, pero que parece haber envejecido mejor de lo que muchos pensaban. Hablamos de ‘En sus zapatos’ (In Her Shoes), que se ha emplazado en el top 10 de Netflix con su entrada en el catálogo.

Reparto de lujo, pero denostada por la crítica española: “Cosas de chicas”

‘En sus zapatos’, película estrenada en 2005, es una comedia dirigida por Curtis Hanson, y que cuenta con un trío protagonista formado por Cameron Díaz, Toni Collette y Shirley MacLaine que encabeza el reparto y que es uno de los puntos fuertes de la cinta. La historia gira alrededor de dos hermanas huérfanas que son muy diferentes entre ellas y se pasan el día discutiendo, pues mientras Maggie triunfa en lo social con una vida laboral inestable, su hermana Rose es una exitosa abogada de Filadelfia que no se preocupa por su aspecto físico. Todo cambiará entre ellas cuando descubren que su abuela materna, aquella que creían muerta, no lo está.

Esa abuela es Shirley MacLaine, uno de los personajes más destacados de la película y que le valió ser nominada a mejor actriz de reparto a los Globos de Oro. Además, fue una gran defensora del largometraje, que, si bien contó con algunas reseñas positivas, especialmente en Estados Unidos, en España, por ejemplo, fue tildada de ser “cosas de chicas”, “solo para chicas (y novios bienintencionados” o “rozar la ñoñería”, como se puede leer en las críticas del momento en El País, ABC o Fotogramas, recogidas por el portal Filmaffinity.

Sin embargo, la veterana actriz, que protagonizó ‘El apartamento’ con Jack Lemmon en 1960, defendió que era algo más que una “película para mujeres, solo por el hecho de estar protagonizada por tres actrices”: “Es la historia de una familia que finalmente supera una tragedia terrible. La hija de mi personaje se suicidó. La madre de estas chicas también se suicidó y mi yerno —el marido de mi hija— no les ha dicho que tienen abuela. Vamos, es algo muy dramático. No es una película romántica. Es algo que afecta a toda la familia, y todas las familias del mundo viven algo parecido. Todas las familias son un ejemplo de una pequeña civilización”, aseguraba en su día durante la promoción del estreno.

Cameron Diaz no fue la primera opción

La película se basó en el libro del mismo título publicado por la escritora Jennifer Weiner, tuvo algunos pequeños cambios con la historia principal, pero uno de los más emotivos es el hecho de que se cambió la raza de la mascota de Maggie para promocionar la adopción de perros. Y es que pasó de ser un pug a raza mixta para inspirar al público.

Sin embargo, una de las curiosidades más desconocidas es que Cameron Diaz, una de sus principales estrellas protagonistas, no fue la primera opción para interpretar a Maggie Feller, sino que lo fue su compañera de reparto Toni Colette. Pero ella finalmente aceptó cambiar e interpretar a Rose después de que Sarah Michelle Gellar (‘Buffy Cazavampiros’) se retirara del proyecto y se necesitara una nueva actriz para el elenco.

‘En sus zapatos’ tiene además el extraño hito de ser una de las primeras películas que se lanzó solo en DVD, sin pasar por VHS, en un momento en el que este formato se encontraba en declive. Esta comedia romántica tiene también un pequeño guiño a su directora, pues en una escena en la que Maggie audiciona para MTV, en el ‘teleprompter’ se puede leer que se va a estrenar un nuevo videoclip de Eminem, y es que él fue quien dirigió ‘8 Mile’ que se basó en la vida del rapero.

El pasado 16 de enero, Matt Damon y Ben Affleck estrenaron la película ‘El Botín’ en Netflix, el que significaba su vuelta como pareja creativa desde su último trabajo en ‘Air’ y ‘El último duelo’ a principios de la década actual, y siendo otro ejemplo más de una amistad solida en la industria de Hollywood que dura más de tres décadas.

Esta película, que ha sido una de las más exitosas de Netflix en este 2026, ya fue noticia porque Matt Damon había asegurado que utilizaron una técnica para captar la atención de los espectadores que fue que “la trama se repite 3 o 4 veces en el diálogo porque la gente mira el móvil” y por la que sus protagonistas y productores han acabado denunciados.

La policía de Miami en contra de la película por vía legal

Ya en el momento de su promoción, ‘El Botín’ enfatizó que era una historia que se había basado en un caso real que tuvo lugar en Miami, en concreto una operación policial de 2016 en la que incautaron una cifra superior a los 24 millones de dólares.

Pero a la policía no le ha gustado el retrato que se hace de ellos en la cinta, dirigida por Joe Carnaham y con Affleck y Damon como protagonistas ejerciendo de policías, y por eso han decido denunciar a estos dos últimos como productores por difamación.

En concreto, Jonathan Santana y Jason Smith, los agentes acreditados por resolver el caso en el que se basaron para crear la película de Netflix, son los que han optado por tomar medidas legales hacia los dos actores de Hollywood, alegando además que en diciembre enviaron una carta para que el filme no se estrenara, y piden compensación económica por los daños causados.

El abogado de los agentes justifica que han presentado a sus clientes “como corruptos y ahora su reputación está dañada”. “Mis clientes ahora sufrirán daños de por vida, todo el mundo los percibe como corruptos”, insiste en su comunicación tras presentar la denuncia ante el tribunal federal de Florida.

“Cuando uno hace eso, está robando algo. Nosotros nunca robamos un dólar”, declaran los policías de Miami implicados, que han pasado de ser vistos como héroes tras el fin del caso a recibir burlas en su lugar de trabajo desde el estreno de ‘El Botín’.

Tras conocerse la noticia, ni Affleck ni Damon han reaccionado, pero se espera que sea complicado el proceso porque en la película, desde el comienzo ya se asegura que la historia real está cambiada por “fines dramáticos” y que también se afirmó esto durante su promoción.

La ciudad de Hialeah también denuncia a la película

Pero la denuncia legal de los policías no es la única que ha recibido ‘El Botín’, que se ha topado también con las quejas de la ciudad donde se rodó, Hialeah, en Florida, como bien aseguró su alcalde, Bryan Calvo, que afirma que la promoción que se hace de ella es negativa:

“Esta película es una bofetada para nuestro cuerpo policial. Si nunca has estado en Hialeah, si vives en cualquier otro lugar del país y ves esta película, no te entrarían ganas de venir aquí, y eso es un problema”, declaró.

Los datos no fueron del todo malos. Cuando se estrenó en mayo de 2017, La casa de papel consiguió un 25,1% de cuota de pantalla y 4.090.000 espectadores en Antena 3, convirtiéndose en el mejor estreno de ficción en España de los dos años anteriores. Sin embargo, en solo una semana, la serie había perdido un millón de espectadores (18,4% y 3.041.000 espectadores). Y siguió perdiendo fuelle.

Tras un parón de cuatro meses, coincidiendo con las vacaciones de verano, llegó a la televisión en abierto la segunda parte, que vivió en primera persona cómo la audiencia se iba distanciando cada vez más de la ficción creada por Álex Pina. El capítulo final de aquella primera, y en principio única, temporada consiguió un 12,1% y 1.798.000 espectadores. 

“La casa de papel no es una serie pensada para arrasar en audiencias”, llegó a decir Pina en aquella época. Ni él ni nadie podía imaginar que aquella historia terminaría siendo una de las producciones españolas con alcance internacional más relevantes de todos los tiempos. Y todo gracias a que Netflix adquirió sus derechos de transmisión global ese mismo año. 

Días después de que aquella primera temporada llegara a la plataforma de streaming, la compañía anunció que ya era la serie de habla no inglesa más vista de su historia. Tan solo un mes después de aquello, adquirían los derechos para producir más temporadas y seguir desarrollando esta historia. Una historia que, casi diez años después de su estreno, sigue en expansión. 

¿El error estuvo en la espera?

Después de que la serie protagonizada por actores como Álvaro Morte, Úrsula Corberó, Pedro Alonso y Alba Flores se convirtiera en un éxito global más allá de España, fueron muchos los que se cuestionaron qué era lo que había fallado para que esta no llegara a triunfar del todo en su paso por el canal de Atresmedia. También sus creadores pasaron por este momento de reflexión. 

Javier Gómez tiene su propia versión de lo que ocurrió entonces. El jefe de guionistas y coproductor ejecutivo de La Casa de Papel compartió una entrevista para Infobae Colombia que la serie estaba pensada para “un consumo impulsivo, no un consumo de pararse cada semana”. En la conversación con el medio, Gómez recordó que, durante la etapa en Antena 3, los capítulos salían semanalmente, acompañados de la típica publicidad en televisión, y eso no funcionaba con la historia que habían desarrollado. 

“El espectador no toleraba esperar al miércoles a las 10 de la noche o a las 11 para ver un capítulo. La gente quiere tener el control (...). Uno se terminaba un capítulo de la serie y no quería esperar para verse el siguiente. Era adictiva, no quería esperar ocho días para volver a cogerle el hilo”. La plataforma ofreció al espectador exactamente eso: la posibilidad de hacer maratón y, en unas pocas horas, saber cómo terminaba el plan de El Profesor.

La actuación de Rosalía era el momento más esperado de la noche. Netflix intentó mantenerlo en secreto, pero la participación de la artista se filtró un par de días antes del macroevento que la plataforma organizó sobre el Guadalquivir con motivo del estreno de la nueva temporada de Berlín, celebrado en Sevilla durante todo el fin de semana.

La expectación era máxima y miles de personas se acercaron hasta las orillas del río con la esperanza de verla aparecer sobre el escenario flotante, a pesar de la lluvia que cayó por momentos. Netflix prometió una “jarana” y muchas sorpresas, pero fue Rosalía quien terminó iluminando la noche con su interpretación de Reliquia y La perla, dos de los temas más populares de su último disco, Lux. Tienes la actuación de La perla al completo en este enlace.

La irrupción de la artista, pasadas las 22:30 h, levantó el ambiente durante unos minutos y consiguió devolverle emoción a una velada que parecía quedarse a medio gas. Acompañada por la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), empezó con Reliquia, que repasa distintas localizaciones y detalles del universo de La casa de papel con mención especial a Sevilla. A continuación, dirigió unas palabras a la ciudad y confesó que no dudó en aceptar la propuesta de la plataforma de streaming “porque eres tú, Sevilla”.

El broche final lo puso con la archiconocida La perla, cuyas primeras notas fueron coreadas y jaleadas por el público, que acompañó cada canción desde ambas orillas del río. Entre luces, fuegos artificiales y el escenario flotante sobre el Guadalquivir, su breve actuación se adueñó de la noche, a los pies de una Torre del Oro teñida de rojo Netflix.

La premiere mundial de la segunda temporada del spin-off de 'La casa de papel', titulado 'Berlín y la dama del armiño', que se celebra este viernes y sábado en Sevilla, acogerá diversos eventos destacados organizados por Netflix. Entre ellos, el concierto de Rosalía junto a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla este sábado, una actuación que obligará a establecer cortes de tráfico en distintos puntos de la ciudad.

En concreto, en la calle Laraña, el tráfico rodado quedará totalmente cortado desde las 05:00 horas de este viernes hasta las 07:00 horas de este sábado, en el tramo comprendido hasta la calle Imagen. A pesar de esta restricción, el itinerario peatonal permanecerá abierto con normalidad durante todo el periodo, según ha informado el Ayuntamiento.

Por su parte, la calle Campana estará cerrada al tráfico entre las 16:00 horas de este viernes y la medianoche de este sábado. Durante ese intervalo se permitirá de forma excepcional el acceso de autobuses y taxis hasta la calle Laraña, mientras que el tránsito peatonal no sufrirá alteraciones.

Asimismo, se ha establecido una reserva de espacio en las calles Laraña y Campana entre las 15:00 horas de este viernes y las 02:00 horas de este sábado, destinada a las necesidades logísticas del evento.

Cortes en torno al puente de San Telmo

En la calle Betis, las afecciones se extenderán del sábado al domingo, con un corte total del tráfico rodado desde las 16:00 horas de este viernes hasta las 08:00 horas de este sábado. El desvío obligatorio se realizará por la calle Troya. Además, se restringirá parcialmente el acceso peatonal en el lado izquierdo de la vía, el más próximo al río.

El puente de San Telmo también se verá afectado entre este viernes hasta el domingo. En concreto, se cortará el acerado peatonal situado junto al restaurante Río Grande desde la medianoche de este viernes hasta las 07:00 de este domingo. Para garantizar la movilidad, se habilitará un carril peatonal provisional en la calzada, en el lado del Círculo de Labradores, lo que supondrá la reducción de un carril de salida en dirección a Los Remedios. El tráfico rodado permanecerá abierto, aunque condicionado por esta modificación.

Finalmente, la zona de Marqués de Contadero permanecerá cerrada durante toda la jornada del 8 de mayo debido a la realización de pruebas técnicas, así como ensayos de sonido e iluminación relacionados con el evento.

Rosalía será la gran estrella invitada del evento que prepara Netflix para este sábado en las aguas del río Guadalquivir con motivo del estreno de la segunda temporada de Berlín, la precuela de La casa de papel. Un espectáculo que servirá como colofón para la presentación mundial del spin-off de uno de los mayores éxitos de la plataforma de streaming.

Antes, Las Setas de la capital andaluza acogerán la fiesta principal el viernes 8 a partir de las 19.30 horas, para la que hay aún entradas disponibles. A los pies del monumento, se pasearán las estrellas del reparto de Berlín y la dama del armiño, entre otros, Michelle Jenner, Tristán Ulloa, Begoña Vargas o Julio Peña, cuyas aventuras para esta temporada tienen un nuevo objetivo: robar una obra de arte de Leonardo da Vinci.

En esta ocasión, el público verá a sus personajes favoritos pasear por el Puente de Triana, el entorno del Guadalquivir, la Torre del Oro, la calle Cuna, y las inmediaciones de la Facultad de Bellas Artes, entre otras localizaciones que se dieron durante el rodaje.

La guinda del pastel a esta celebración que Netflix ha llamado La Jarana será al sábado. En el Muelle de la Sal se realizará un pre-show a las 20.00 horas, al que le seguirá una actuación a las 21.15 horas y, finalmente, un concierto sorpresa y gratuito a las 22.30 horas. A esa hora se prevé que sea Rosalía, en plena gira por su último álbum, Lux, quien actúe, según ha avanzado elEconomista.es. Una información que la plataforma ha evitado confirmar y para la que no ha emitido ningún comunicado.

Cortes de tráfico

Entre los días 7 y 10 de mayo habrá importantes afecciones al tráfico, entre ellas, el corte total para tráfico rodado en la calle Laraña desde las cinco de la mañana del 8 de mayo hasta las siete de la mañana del 9 de mayo, en el tramo comprendido hasta la calle Imagen. También, en la calle Campana habrá restricciones entre las 16.00 horas del 8 de mayo y hasta las 00.00 horas del 9 de mayo. En este caso, se cortará el tráfico rodado hasta Imagen, pero se permitirá de forma excepcional el paso de autobuses y taxis.

En cuanto a Triana, la calle Betis permanecerá cerrada entre las 16.00 del 9 de mayo hasta las ocho de la mañana del 10 de mayo. Los vehículos serán desviados por la calle Troya y se restringirá el acceso peatonal en el lado izquierdo de la calle, la zona que da al río. Acerca del Puente de San Telmo, quedará cortado el acceso peatonal desde las 00.00 horas del 8 de mayo hasta las 7.00 horas del 10 de mayo. Como alternativa, se habilitará un carril peatonal provisional en el lado del Círculo de Labradores. Además, la zona de Marqués de Contadero permanecerá cerrada durante toda la jornada del viernes debido a pruebas técnicas y ensayos de sonido e iluminación relacionados con los eventos.

Alana S. Portero era una de esas niñas cinéfilas que desde bien pronto veía películas que no correspondían a su edad. En los años 80, siendo todavía pequeña, vio por primera vez Mi querida señorita, el clásico de Jaime de Armiñán escrito junto a José Luis Borau y que se había convertido en un título de culto a la vez que en un éxito de taquilla, logrando una nominación al Oscar. La historia de Adela, descrita en la sinopsis como “una mujer solterona que no es una mujer normal” escondía dentro algo que nunca terminaba de alumbrarse.

Muchos vieron en ella una película sobre la transexualidad, con un José Luis López Vázquez que interpreta a Adela y que descubre que era un hombre que había sido criado como mujer. En aquellos momentos la palabra intersexualidad casi ni existía. Y el guion de Borau y Armiñán creó una historia milimétricamente pensada para pasar la censura franquista abordando un tema que todavía cuesta creer que fuera aprobado. 

El recuerdo de la escritora de aquel primer visionado fue de desconcierto. “No sabía lo que pasaba, no sabía lo que le pasaba a ese personaje. Ni siquiera pensé que estábamos delante de una historia trans. Yo no lo vi así y vi algo extraño. Luego, hablando con muchas personas, me di cuenta de que casi nadie sabe realmente lo que le pasa al personaje”, dice. Una película “hija de su tiempo” que también califica como “fantástica”.

La volvió a ver cuando tenía algo más de 20 años. Seguía gustándole mucho, pero seguía sin entender lo que le ocurría a Adela. “Podía hacerme alguna idea mejor, pero por mi propio conocimiento, no porque lo entendiese de la película”, añade. Por eso, cuando recibió la llamada de Javier Calvo y Javier Ambrossi para realizar una nueva versión libre que pusiera luz al tema de la intersexualidad nunca mencionada en el filme original dijo que sí. Es su primer guion cinematográfico, y aunque daba vértigo se ha sentido muy acompañada tanto por Calvo y Ambrossi, productores y motor del filme, como por Fernando González Molina, el director que se ha atrevido a tocar uno de esos clásicos conservados en una vitrina de cristales irrompibles.

Entre todos los han roto con Mi querida señorita —ya en cines y el 1 de mayo en Netflix, una mirada queer que pone el foco en esa realidad invisibilizada. “Sobre la intersexualidad hay una especie de política de sugerencias que es extrañísima y que es injusta, además porque hay muchas personas intersexuales. Más que pelirrojas”, dice Alana S. Portero citando a la divulgadora intersexual y escritora Mer Gómez que les ha ayudado en todo este camino que también, para ellos, ha sido de descubrimiento.

Cree que todavía hay “una especie de vergüenza por parte del mundo heterosexual por llamar a las cosas por su nombre”. Por ello, “a la gente intersexual se le aplican casi todas las cosas tremendas que se usan también por miedo al resto del colectivo, como la medicalización forzosa”. “Esa ambigüedad de no llamar a las cosas por su nombre y esa especie de secreto de los cuerpos, de cuerpos que son perfectamente cuerpos, en los que no hay ninguna rareza, fue la idea primigenia. Esta historia es la historia de una persona intersexual y tenemos que hablar sobre la intersexualidad”, explica del origen del proyecto.

Había, por tanto, un ánimo de “precisión” y no tiene miedo a decirlo también incluso “pedagógico y activista”. Por ello han acudido a profesionales y asociaciones intersex para contarles como nunca lo habían hecho. También en eso ha ayudado la presencia de Elisabeth Martínez, persona intersex, como protagonista que ha traído su propia experiencia al papel y la película. 

Ya está bien de contar historias que tienen que ver con el colectivo y hacerlo desde las sugerencias, eso no sirve. Eso no incorpora la narrativa intersexual a la narrativa universal

Alana S. Portero — Escritora y guionista

En tiempos de sutilezas, de elogio de una ambigüedad que hace que las películas sean fácilmente apropiadas por todos, Alana S. Portero recurre a lo contrario, a casi una explicitud de ideas y mensajes que dejan claro el cariño que tiene por lo que está contando. Sabe que eso puede “molestar a un público cinéfilo”, pero lo tenía claro: “Ya está bien de contar historias que tienen que ver con el colectivo y hacerlo desde las sugerencias, eso no sirve. No hace ningún bien. Eso no incorpora la narrativa intersexual a la narrativa universal. Sugerir está muy bien para hablar de otras cosas, pero cuando tienes que hablar de cuerpos a los que les hacen cosas, lo tienes que contar. No puedes sugerir la mutilación genital femenina, no la puedes sugerir, la tienes que contar como es”, dice con contundencia. 

Mi querida señorita de 2026 actúa, entonces, como contrapunto y hasta otro lado del espejo del filme de Armiñán, que “sugería y hablaba de las sombras y de los silencios”. “Eso está muy bien, pero eso no cuenta lo que queremos contar. Como película funciona maravillosamente, pero si hacemos lo mismo en 2026 es hacer un pan con unas hostias. Y además, el efecto hombre con peluca es una cosa terrorífica que ahora mismo no solo no funciona, sino que sería ridículo. En su momento funcionó porque él lo hace maravillosamente, pero ahora sería ridículo. La única manera de contar las cosas es directamente y decir los nombres de las cosas”, añade.

La actualización de Portero no se queda solo en el personaje central, sino en todos los que poblaban la historia original. Isabelita pasa de ser la criada a una masajista; y el cura se reinventa en un párroco homosexual que ejerce, de alguna forma, de mentor y con el que la escritora ahonda en una idea que defiende, y es que la religión y lo espiritual no son patrimonio de nadie (o no deberían serlo). “No puede ser que la espiritualidad sea patrimonio de la gente de derechas o de ultraderecha. Eso no es justo porque no es verdad. Y el problema que tenemos en España con eso es que se confunde el catolicismo con la versión que hubo aquí en España, que es el nacionalcatolicismo, que es una manipulación ideológica del catolicismo”, afirma.

Un nacionalcatolicismo que ejerció “una violencia terrible durante los años de la dictadura”. “Pero también hubo aquí curas rojos, también hubo la teología de la liberación. Fue una cosa que tuvo mucha fuerza. Entonces por qué no imaginar un cura gay orgulloso de serlo, que recuerda su vida perfectamente, que de alguna manera la sigue viviendo y está en paz con Dios y está en paz con su cultura. ¿Y por qué no puede ser eso lo que debería ser un cura para las personas que sean católicas, un guía espiritual que comprende los aspectos más complejos de tu vida? A mí esta cuestión de ceder también la espiritualidad a las personas más reaccionarias del mundo me parece una pérdida injusta y yo, desde luego, se lo voy a combatir siempre. No quiero que me quiten ni la libertad ni la espiritualidad ni la calle ni un montón de cosas”, zanja.

En Mi querida señorita se muestra el Madrid que se convirtió, para muchos miembros del colectivo, en un refugio de libertad. Lo hace en lo que Alana S. Portero define como una “nostalgia política” que pretende demostrar, en un momento en donde Madrid es cada vez más hostil, que una ciudad puede y debe ser otra cosa para sus ciudadanos: “Ya lo intenté con La mala costumbre y creo que no lo dejaré de hacer casi nunca porque ese Madrid existió. Yo no digo que fuese perfecto y había muchos problemas y había nazis por la calle que pegaban palizas a la gente. Pero sí había algo, había una explosión o una necesidad y unas ganas de estar en la calle. El espacio público no estaba tan privatizado, aún era público y eso lo cambiaba todo. Se podía estar en la calle y se podía buscar a tus semejantes en la calle, ocupar tu lugar”. 

Ese Madrid existió. Yo no digo que fuese perfecto. Había muchos problemas y había nazis por la calle que pegaban palizas a la gente. Pero había una explosión y unas ganas de estar en la calle

Alana S. Portero — Escritora

Una ciudad que “ayudó a mucha gente” y que es opuesta a la actual. Portero entiende “que la narrativa ahora sea extractiva”. “Es el agujero negro que vacía España y donde además la gente ni siquiera puede vivir ya. Eso es cierto. La película es una propuesta de demostrar a los espectadores que ese Madrid podría volver a ser, que podríamos ocupar las calles otra vez, que podríamos vivir nuestras vidas de otra manera”, asevera.

Por supuesto, y sin hacer spoilers, en una revisión queer del clásico no podía tener cabida las narrativas clásicas donde el personaje LGTBI acaba “en tragedia o en soledad”. Alana S. Portero tuvo claro que había que “romper” eso y subraya que esta era una película “sobre el amor”. “Si vamos a hacer otra vez una historia de cliché de alguien que tiene una particularidad física malentendida por el resto del mundo y la vamos a condenar a la soledad, eso ya está contado y no tendría sentido haberlo hecho”.

Todo porque aunque puede que la ficción no cambie el mundo, pero sí que provoca cambios. Quizás muchas personas no conozcan a alguien intersexual, pero después de ver esta nueva versión de Mi querida señorita “ya no la miren con lástima” y entiendan que “la vida es múltiple y maravillosa”. Así lo ha querido Alana S. Portero, que no descarta escribir más guiones, pero que antes se compromete a entregar y publicar pronto su segunda novela.

Más de mil guionistas, actores y directores de Hollywood, entre los que están David Fincher, Emma Thompson, Lin-Manuel MIranda o Kristen Stewart, han firmado una carta en contra de la compra de Warner Bros. Discovery (WBD) por parte de Paramount Skydance, al considerar que la operación perjudicará a una industria del entretenimiento ya en dificultades.

El texto, publicado este lunes, está suscrito por rostros conocidos de la industria como Joaquin Phoenix, JJ Abrams, Yorgos Lanthimos, Noah Wyle, Sally Field, Rose Byrne, Ben Stiller, Kristin Scott Thomas, Mark Ruffalo, Bryan Cranston o la brasileña Petra Costa.

Advierten de que la fusión de dos de esos grandes estudios provocará “menos oportunidades para los creadores, menos empleo en el ecosistema de producción, mayores costes y menos opciones para el público” tanto en Estados Unidos como a nivel global.

Los firmantes alertan también de que han observado “un fuerte descenso en el número de películas producidas y estrenadas”, y “una reducción en la diversidad de historias que reciben financiación y distribución”.

“Cada vez más, un número reducido de grandes compañías determina qué proyectos salen adelante y en qué condiciones, lo que deja a los creadores y a las empresas independientes con menos opciones viables para sostener su actividad”, agregan.

La carta fue impulsada por varias organizaciones, entre ellas el Committee for the First Amendment, liderado por la actriz Jane Fonda, el Democracy Defenders Fund, cofundado por el exdiplomático Norm Eisen, y la Future Film Coalition, que agrupa a profesionales del cine independiente.

El texto subraya que “la competencia es esencial tanto para la economía como para la democracia” y que “la creciente concentración mediática ya ha debilitado uno de los sectores culturales más influyentes de Estados Unidos”.

WBD votará el próximo 23 de abril sobre la propuesta de Paramount Skydance para adquirir la compañía por 111.000 millones de dólares (algo más de 94.000 millones de euros al cambio de hoy), una operación cuya finalización está prevista para el primer trimestre de 2026, sujeta a la aprobación de los accionistas y a las autorizaciones regulatorias, incluida la del Departamento de Justicia de EEUU.

El consejo de administración de WBD recomendó por unanimidad a los accionistas votar a favor de la fusión con Paramount (empresa matriz de CBS, CBS News, Paramount Pictures, Paramount+, BET y Nickelodeon, entre otras), por lo que se espera que la operación salga adelante.

Estas marcas se unirían a las que ya posee WBD, entre las que están HBO y HBO Max, los estudios de cine y televisión de Warner Bros., y canales como CNN, TBS, TNT, HGTV y Discovery+.

El pasado 24 de febrero, Paramount elevó su oferta de compra de 30 a 31 dólares por acción en un intento de superar a Netflix, que también aspiraba a hacerse con la compañía y cuya propuesta había sido inicialmente valorada por WBD.

El fiscal general de California, Rob Bonta, ha asegurado que la operación no está cerrada y cuestionado que el proceso vaya a someterse a un escrutinio federal riguroso, en medio de preocupaciones sobre los efectos de la concentración mediática en la industria.

Un tribunal de Roma ha fallado que los aumentos de precio en la suscripción a Netflix entre 2017 y 2024 han sido “ilegales” y “vejatorios” y ha reconocido el derecho de los usuarios a solicitar un reembolso o una reducción de sus tarifas.

La compañía de entretenimiento avanzó este viernes a EFE que impugnará esta sentencia, al considerar que sus condiciones no han contravenido la legislación italiana.

“Recurriremos esta decisión. En Netflix nuestros abonados están por encima de todo y nos tomamos muy en serio los derechos de los consumidores. Creemos que nuestras condiciones siempre han respetado la normativa y la praxis italianas”, afirmó un portavoz.

La Asociación Movimiento de Consumidores había acudido ante el Tribunal de Roma para denunciar como “vejatorias” unas cláusulas que han permitido a Netflix aumentar los precios de sus abonos entre 2017 y 2024 sin especificar el motivo del encarecimiento.

La sentencia, de 49 páginas, reconoce los cambios de precio en esos ochos años como “vejatorios” e “ilegítimos” para los espectadores y obliga a la devolución de dinero.

“La ilegalidad de las conductas anteriormente descritas, consistentes en la modificación unilateral del precio y de las condiciones normativas sin un motivo justificado indicado en el contrato, conlleva el derecho de cada consumidor que haya sufrido, en el marco de contratos suscritos desde 2017 hasta enero de 2024, el aumento de los precios y, desde 2017 hasta abril de 2025, modificaciones de las condiciones del servicio, a la devolución de las cantidades indebidamente pagadas”, se lee en el fallo.

La sentencia también recoge el derecho a indemnización por daños y perjuicios.

Además Netflix deberá publicar la sentencia en su portal de internet y, en el plazo de 30 días, en las páginas de dos periódicos italianos, Il Corriere della Sera y el económico Il Sole 24 Ore.

La Asociación demandante ha confirmado en un comunicado que cada usuario que se haya visto perjudicado por esta práctica “tendrá derecho a una reducción del precio actual de la suscripción” o a la “devolución de las sumas indebidamente pagadas”.

Este fallo afecta a millones de personas en Italia, ya que se estima que en octubre de 2025 había en el país 5,4 millones de abonos.

El mayor reembolso al que se podrá aspirar es a aproximadamente 500 euros (576 dólares al cambio), en el caso de un cliente con perfil Premium que haya disfrutado de las series y películas de Netflix ininterrumpidamente desde 2017, según el cálculo del equipo legal de la asociación de consumidores.

Como alternativa, la sentencia impone a Netflix reducir el precio de las suscripciones actuales al mismo nivel que los aumentos.

“Por ejemplo, un cliente Premium que activó su abono en 2017 y que paga 19,99 euros (23,06 dólares) tiene derecho al mismo servicio por un precio de 11,99 euros (13,83 dólares), mientras que un cliente Standard que paga 11,99 euros deberá desembolsar 9,99 euros (11,52 dólares)”, afirma la asociación.

Mientras Harrison Sullivan (@HSTikkyTokky) camina por las calles de Marbella, montones de niños se le acercan para saludarlo y hacerse una foto con él. Pero Sullivan (Reino Unido, 2001) no es un deportista, ni tampoco es actor: es un influencer… de la manosfera. 

La escena, que aparece en el documental Dentro de la manosfera recientemente estrenado por Netflix y dirigido por Louis Theroux, se repite en otros países, con otros influencers del estilo: la mayor parte de sus seguidores –y ellos lo saben– son menores de edad y jóvenes. 

Se ha escrito mucho sobre por qué niños y adolescentes se sienten atraídos por esta ideología que exacerba los rasgos tradicionalmente asociados con la masculinidad, añadiendo a ese mix una notable dosis de misoginia. Pero quizá sea hora de poner no el foco en el síntoma, sino en su origen más primitivo: ¿será que lo que les ofrece la manosfera no es realmente un discurso novedoso, sino uno que resuena en ellos porque no contradice los valores que han mamado desde la cuna? ¿Será que lo que dicen Andrew Tate y sus acólitos es el siguiente escalón de una infancia en la que todavía perviven el ‘no llores’, el ‘sé un hombre’?

“El ‘maricón’ sigue funcionando como mecanismo de control”

Que niños y niñas son tratados de manera diferente desde la gestación es un hecho sabido, como prueban estudios recientes como este llevado a cabo en Alemania en 2023 con futuros padres. “Se prepara el dormitorio y la ropa con una decoración y unos colores determinados según vayan a ser niños o niñas; se hace la fiesta de baby shower, dándole importancia al sexo que vaya a traer el bebé; reciben juguetes distintos desde pequeños… y también mensajes diferentes: ‘Eres un machote’; ‘los niños fuertes no lloran’; ‘tienes que ser valiente’; ‘si te pegan, te defiendes’…”, cuenta Micaela Guzmán Bernal, profesora de primaria en activo con más de 30 años de experiencia en las aulas.

Judy Y. Chu, investigadora y educadora especializada en el desarrollo psicosocial de los niños y la construcción de la masculinidad, lo comprobó de manera empírica en 1999, durante la elaboración de su tesis doctoral para Harvard. La autora, supervisada por la reconocida psicóloga, filósofa y feminista Carol Gilligan, pasó varios cursos observando al mismo grupo escolar, empezando cuando los pequeños tenían cuatro años y acabando cuando ya habían cumplido siete. 

Durante ese tiempo, Chu descubrió cómo la capacidad temprana de los chicos para ser emocionalmente perceptivos, elocuentes y receptivos en sus relaciones fue mermando conforme fueron creciendo y entendiendo que esas eran cualidades “femeninas”, y, por tanto, menos deseables y más inadecuadas para poder encajar entre sus pares. “Se volvieron menos visibles a medida que los niños aprendían que demostrar que son chicos implica, ante todo, demostrar que no son chicas”, se lee en la sinopsis del libro que aúna esta investigación, When Boys Become Boys: Development, Relationships, and Masculinity (NYU Press, 2014) [Cuando los niños se convierten en chicos: desarrollo, relaciones y masculinidad]. 

Si te sales de lo que se considera aceptable, te arriesgas a la vergüenza o a la exclusión. Así que muchos niños y hombres sienten que tienen que demostrar constantemente que cumplen ciertos estándares. Ese proceso no ha cambiado demasiado

Judy Y. Chu — investigadora (NYU)

Pero ha pasado mucho tiempo desde 1999, ¿no? “Las cosas deben haber cambiado”, le digo a Chu durante una videollamada, y nombro como ejemplo algunos de los últimos personajes de Disney alejados del estereotipo masculino tradicional, como Miguel, de Coco, Elio, de la película de mismo nombre, o Searcher, de Mundo extraño. Pero, aunque considera que parte de la cultura está evolucionando, a nivel personal –en las casas, en los patios de recreo– cree que los pequeños no se enfrentan a una diferencia demasiado grande con respecto a hace 27 años. 

 “Creo que los fundamentos siguen ahí, la idea de que hay una sola forma correcta de ser un hombre ‘de verdad'. Parte de esto tiene que ver con algo que lleva observándose mucho tiempo: Margaret Mead, la antropóloga, señaló que la masculinidad a menudo necesita demostrarse. No es automática. Está asociada al estatus y al privilegio, así que las personas sienten que tienen que probarla para acceder a esas ventajas y sentirse valiosas. Hoy en día, incluso las chicas que quieren tener éxito sienten a menudo que deben probarse en términos masculinos”, explica.

“También hay fuertes presiones sociales: jerarquías, competencia y lo que podríamos llamar ‘vigilancia de género'. Si te sales de lo que se considera aceptable, te arriesgas a la vergüenza o a la exclusión. Así que muchos niños y hombres sienten que tienen que demostrar constantemente que cumplen ciertos estándares. Ese proceso no ha cambiado demasiado. ‘Si eres duro, independiente y controlas tus emociones, obtendrás estatus, poder y respeto’. Esa es la promesa”, resume Chu, que sigue trabajando con niños y adolescentes. Como escribe Nuria Alabao en Ínceles, gymbros, criptobros y otras especies antifeministas (CTXT, 2025): “El ‘maricón’ sigue funcionando como mecanismo de control que patrulla las fronteras del género masculino y castiga a quienes se desvían de la norma”.

Ser ‘más hombre’, la receta perfecta para solucionarlo todo

El problema, claro, es que por su mera condición de seres humanos, resulta muy complicado para niños y hombres ser duros e independientes todo el tiempo. “Eso genera inseguridad y ansiedad. La masculinidad se convierte en algo frágil: puede ponerse en cuestión en cualquier momento”, asegura Chu. 

En este contexto, lo que ofrecen los gurús de la manosfera es una especie de receta para ‘ser auténticamente hombres todo el rato’. Es decir, en el fondo, para ser queridos y apreciados, para estar protegidos por el grupo. Para tener un lugar, para pertenecer. Aunque sea de una manera muy perversa, quienes se sienten atraídos por las promesas de la manosfera buscan lo mismo que el resto de las personas de este planeta: conexión. 

Sucede, sin embargo, que es muy difícil conectar con los demás cuando uno no es capaz de mostrarse vulnerable. Que la sociedad mutile a los niños su capacidad de expresarse emocionalmente conlleva, pues, un vacío que solo pueden traducir en rabia (prácticamente, la única emoción que se le permite a la masculinidad tradicional). Esa sensación de inadecuación se exacerba cuando crecen y se dan cuenta de que la sociedad espera de ellos que sean emocionalmente competentes, cuando es una habilidad que apenas han podido desarrollar durante la niñez. El entorno se antoja entonces perfecto para un depredador de la manosfera, que les ofrece una salida que ‘les suena’; una estrategia de supervivencia que ya conocen, alentada durante años en círculos familiares, de amigos y productos culturales: ser ‘más hombres’. 

“Para las niñas, acercarse a rasgos tradicionalmente masculinos se ve como ascender. Para los niños, expresar rasgos tradicionalmente femeninos se considera a menudo descender, y eso se desincentiva. Como resultado, los niños siguen restringidos. Y estamos viendo las consecuencias: más malestar, más desconexión, más infelicidad”, relata Chu. Según numerosos estudios, ese malestar derivado de la restricción emocional se traduce en la adolescencia y la adultez con problemas de salud mental.

Esta tormenta perfecta se aprecia en una escena del documental en la que Theroux charla con un acólito del influencer Justin Waller: “Los tíos estamos destinados a sufrir, no a ser felices. Aprendemos más de nuestros fracasos. No creemos en la depresión, no nos lo tragamos. Mi hermano murió. Lo pasé muy mal, pero traté de convertirlo en algo positivo”. “¿Cómo murió?”, pregunta Theroux. “Se suicidó”, responde el joven, sin darse cuenta, quizás, de que esa respuesta invalida todo lo que ha dicho anteriormente. 

Estos contenidos están diseñados para captar la atención, optimizados para los algoritmos, y circulan en un ecosistema donde ciertos marcos reaccionarios ya forman parte del sentido común

Nuria Alabao — antropóloga y autora de 'Ínceles, gymbros, criptobros y otras especies antifeministas'

Por supuesto, para que un joven empiece a interesarse por la manosfera no basta con haber recibido una fuerte socialización de género en la infancia; solo apuntamos aquí a que es una condición necesaria para que perciban esa solución como ‘familiar’, como una manera de comportarse que promete prestigio y protección desde la cuna. “Son mensajes interiorizados desde pequeños. Se aprovechan también de que a una edad determinada, los menores pueden estar un poco perdidos y con referentes inestables”, apunta Guzmán Bernal.

Alabao, por su parte, explica: “Estos contenidos [los emitidos por la manosfera] están diseñados para captar la atención, optimizados para los algoritmos, y circulan en un ecosistema donde ciertos marcos reaccionarios ya forman parte del sentido común. No hace falta una convicción previa fuerte; basta con curiosidad o con cierto malestar difuso para que esos discursos empiecen a estructurar cómo interpretas tu propia experiencia”.

Masculinidades más diversas, pero una presión persistente

La sensación general que ofrecen los personajes masculinos ‘evolucionados’ a los que aludía frente a Chu, los libros infantiles con mensajes en esa misma línea o los programas educativos centrados en la igualdad son esencialmente positivos, pero, según nota Guzmán Bernal, pueden llevarnos a observar a la infancia actual con un sesgo. “En las familias aún hay una gran cantidad de mensajes explícitos y no explícitos. Por ejemplo, la forma en la que se reparten las tareas de casa, los juegos y juguetes que tiene cada uno, el tipo de ropa, las actividades extraescolares a las que se apuntan… Y, sobre todo, hay una gran cantidad de mensajes de socialización de género en medios de comunicación, en los programas y series que ven y en las redes sociales, con estereotipos del cuerpo que deben tener, de cómo deben hablar y comportarse…”.

La maestra reconoce, no obstante, que percibe que han cambiado cosas desde que empezó a trabajar hace tres décadas: ahora hay más interacciones entre niños y niñas, y algunos niños son capaces de expresar sus sentimientos sin reservas. Eso sí, se trata, según sus observaciones, de los que menos se adscriben al estereotipo masculino: “Curiosamente, son aquellos a los que les gusta menos jugar al fútbol o a juegos agresivos. Son excepciones, pero son capaces de llorar en clase por diversos motivos y muestran mayor empatía”, explica. Esta observación tiene correlación con investigaciones que demuestran que, a mayor conformidad a las normas de género tradicionalmente masculinas, menos expresión afectiva revelan los sujetos.  

Que los seres humanos nacemos con la potencialidad de manifestar nuestra dimensión emocional, sea cual sea nuestro sexo, es algo ampliamente estudiado. Pero igual que se sabe eso, también se conoce que ya entre los cuatro y los seis años, los niños empiezan a mostrar diferencias en este ámbito, reprimiendo sentimientos de tristeza o ansiedad y expresando más enfado, por ejemplo.

Los padres y madres de los alumnos que observó Chu ya notaron ese cambio. Y, aunque les entristecía que sus pequeños perdieran esa parte más tierna y espontánea, de alguna manera, entendían que debía ser así: por una parte, suponían que ‘los niños son niños’ (lo que les extrañaba a algunos, de hecho, es que fueran capaces de dicha ternura y espontaneidad siendo varones). Por otra, consideraban que la expresión de actitudes típicamente masculinas era necesaria para integrarse con éxito en la sociedad. Chu relata, por ejemplo, cómo le compró a su hijo el vestido que quería… pero acabó negándole la posibilidad de salir de la casa con él por miedo a las consecuencias que eso podría acarrear. 

“La representación está mejorando: estamos viendo un abanico más amplio de masculinidades, más expresión emocional, más vulnerabilidad. Eso es muy positivo. Pero incluso con más opciones, la presión por demostrar la masculinidad sigue ahí. Ahora hay más categorías aceptables, lo cual es bueno, pero sigue habiendo límites. Y eso hace que la gente siga actuando para los demás, intentando encajar y ser aceptada. La clave está en si creamos entornos en los que distintas formas de ser estén realmente respaldadas. Eso puede ayudar a que los niños se sientan más sanos y más seguros”, cuenta la investigadora.

La clave es que entiendan que el feminismo también lucha contra lo que les oprime a ellos —los mandatos de masculinidad, la exigencia de ser siempre fuertes, la soledad emocional— y que sus frustraciones legítimas tienen causas estructurales

Nuria Alabao — antropóloga

“Yo nunca recomendaría poner a un niño en una situación de peligro. Nuestro trabajo es protegerlos, pero también prepararlos para el mundo. Podemos apoyar sus decisiones y, al mismo tiempo, ayudarlos a navegar la realidad. No todo el mundo va a ser comprensivo, y los niños necesitan entender eso. Aunque también necesitan saber que tienen un lugar seguro en el que son aceptados. Tener aunque sea una sola relación de apoyo es enormemente protector para el bienestar de un niño”, cuenta Chu.

Los padres pueden ejercer esa relación de apoyo. Pero lo cierto es que toda la sociedad tiene que caminar de la mano para que los discursos asociados al género, y todo lo que conllevan, no calen en los más pequeños. Para esto, según Alabao, haría falta potenciar la educación sexual y afectiva. “Sigue siendo muy deficiente. Los chavales reciben antes la influencia de la manosfera que una conversación seria sobre deseo, consentimiento o relaciones”, cuenta. 

Y continúa: “Pero no se trata de imponer un catecismo feminista ni de dar charlas sobre igualdad que los chicos perciban como sermones morales. Probablemente, lo que funcione mejor es crear espacios donde puedan expresar dudas y equivocarse. Generar espacios donde pensar con ellos de verdad, porque el feminismo tampoco tiene todas las soluciones y a veces sus dudas son muy legítimas. La educación feminista tiene que enseñar a pensar de forma autónoma, a discriminar argumentos, en vez de exigir adhesión a un dogma. Y sobre todo, debe incluirles como parte de nuestro proyecto: si solo reciben el mensaje de que ellos son el problema o son parte del problema, difícilmente van a sentirse interpelados por la solución. La clave es que entiendan que el feminismo también lucha contra lo que les oprime a ellos —los mandatos de masculinidad, la exigencia de ser siempre fuertes, la soledad emocional— y que sus frustraciones legítimas tienen causas estructurales que no se resuelven culpando a las mujeres ni votando a la extrema derecha”.

A comienzos de los años 2000, los Portland Trail Blazers eran, al mismo tiempo, una de las plantillas más talentosas y una de las más controvertidas de la NBA. Dos décadas después, aquella historia vuelve a la actualidad con el estreno en Netflix del documental “Untold: Jail Blazers”, que llega el 14 de abril para revisitar una etapa marcada por la brillantez deportiva y el caos fuera de la cancha.

El equipo que dio origen al apodo de los ‘Jail Blazers’ fue, en esencia, un proyecto construido para ganar. No es solo el relato de un vestuario problemático, sino la crónica de una oportunidad perdida: la de un equipo que lo tuvo todo para ganar y acabó siendo recordado por todo lo contrario.

De aspirantes a anillo NBA a los ‘Jail Blazers’

Portland Trail Blazers venía de una generación dorada que a punto estuvo de ganar un anillo NBA, en la temporada 1999-2000, bajo la dirección de Mike Dunleavy, Portland reunió un bloque de enorme profundidad con el veterano Scottie Pippen como líder junto a Rasheed Wallace, Damon Stoudamire y la leyenda lituana Arvydas Sabonis, además de nombres como Steve Smith, Bonzi Wells o el joven Jermaine O'Neal.

Aquel equipo rozó la gloria. Alcanzó las Finales de la Conferencia Oeste y forzó un séptimo partido ante Los Angeles Lakers de Shaquille O'Neal y Kobe Bryant, pero esta pareja propició una remontada imposible que supuso la derrota en ese séptimo partido, el 4 de junio de 2000, que no solo truncó el asalto al anillo, sino que marcó el inicio del declive de un proyecto que parecía destinado a dominar la liga.

Lo que vino después fue una progresiva descomposición. A pesar de seguir siendo competitivos en la temporada 2000-2001, la llegada de figuras como Shawn Kemp, lastrada por problemas físicos y adicciones, empezó a alterar el equilibrio del vestuario. El cambio de rumbo se consolidó con la llegada al banquillo de Maurice Cheeks y la incorporación de jóvenes talentos como Zach Randolph o Qyntel Woods, acompañados por perfiles polémicos como Ruben Patterson.

Las consecuencias de la etapa ‘Jail Blazers’: desafección con el equipo

A partir de ahí, los problemas extradeportivos eclipsaron definitivamente al baloncesto. Incidentes relacionados con el consumo de drogas, altercados, antecedentes penales y conflictos internos convirtieron a los Blazers en un caso paradigmático de talento desperdiciado. El vestuario se convirtió en un foco constante de tensión, con enfrentamientos entre jugadores como Zach Randolph y Ruben Patterson, o los choques con compañeros como Qyntel Woods. A esto se sumaban los repetidos incidentes relacionados con el consumo de marihuana que involucraron a figuras clave como Rasheed Wallace y Damon Stoudamire, además de problemas legales más graves fuera de la cancha, desde agresiones hasta casos judiciales de distinta índole.

La situación llegó a tal punto que incluso el entrenador Maurice Cheeks fue cuestionado abiertamente por sus propios jugadores, evidenciando una falta total de control en un equipo que, poco a poco, pasó de aspirante al anillo a sinónimo de caos en la NBA, mientras el vestuario se deterioraba y la relación con la afición se rompía: el público dejó de acudir al Rose Garden y el equipo perdió su conexión con la ciudad. El resultado fue una caída abrupta. En la temporada 2003-2004, Portland quedó fuera de los playoffs, poniendo fin a una racha de 21 años consecutivos en la postemporada. El equipo que había sido aspirante al título se transformó en un símbolo de descontrol.

El documental reconstruye esa etapa a través de testimonios directos de sus protagonistas, ofreciendo una mirada sin filtros a un grupo que vivió entre el éxito potencial y la autodestrucción. Su estreno llega, además, en un contexto delicado para la franquicia, tras el reciente caso del actual técnico Chauncey Billups, investigado por su implicación en un escándalo de apuestas, un recordatorio de que la sombra de la controversia sigue ligada, en cierto modo, a la historia reciente del equipo.

La familia no es siempre ese refugio instaurado en el imaginario colectivo. En ocasiones, los lazos de parentesco son una bomba cargada de deudas emocionales y roles perpetuados desde la infancia. Esto, que se ha visto frecuentemente en el cine de Cesc Gay (Barcelona, 1967), caracterizado por exponer las debilidades humanas, se vuelve a apreciar en la comedia que el director acaba de estrenar en Netflix. Disponible en la plataforma desde este viernes, 53 domingos usa la reunión de tres hermanos para diseccionar el mito de que el amor fraternal es un espacio seguro y abordar el tabú de cómo gestionar el cuidado a los padres cuando se convierten en personas dependientes e irreconocibles.

Protagonizada por Javier Cámara, Carmen Machi, Javier Gutiérrez y Alexandra Jiménez, la película es la adaptación de la obra de teatro homónima del cineasta. La historia obliga al espectador a asomarse a un espejo incómodo en el que se reflejan las estructuras de cuidado, las jerarquías familiares y el impacto del envejecimiento en una generación que trata de cuidar a sus progenitores enfrentándose a la realidad de la falta de tiempo y recursos. Es una generación que ha alcanzado la edad adulta y que, además de lidiar con sus propias crisis vitales y laborales, intenta encontrar cuáles son sus personas de confianza al percatarse de que los vínculos de sangre quizá no lo son todo.

De hecho, el motor de 53 domingos no es el padre, sino la relación que mantienen los tres hermanos y su evolución a lo largo de la cinta. Cesc Gay explica a elDiario.es que creer que la familia debe ser un bloque sin fisuras es “como pensar que todos los matrimonios son felices”, una falacia que ignora que “el ser humano es así, se pasa el día peleándose” y que no existe diferencia entre la dinámica de unos hermanos y la de una “reunión de vecinos intentando ponerse de acuerdo en si arreglan el ascensor o no”. “No hay lugar en el que no haya conflicto”, señala el director, que agrega que quien se dedica a escribir se aprovecha de eso para crear dramas o, en este caso, comedias.

La cinta recoge un combate de egos entre hermanos que se manifiesta en discusiones que el director califica de “absurdas y ridículas”, como la disputa por cambiar una bombilla. Son problemas que evidencian cómo la familia es capaz de ignorar el problema real —el futuro del padre— para centrarse en sus propias rivalidades. La película juega con roles de envidia y competitividad a menudo aprendidos en la niñez, mostrando patrones que se repiten constantemente mientras el tiempo pasa fuera de la casa en la que se ambienta la trama. El final es muy significativo, pero 53 domingos pone el foco en aquellos cierres que no se producen, en esas rencillas que nunca acaban desapareciendo.

La estructura de la película indica lo difícil que es llegar a acuerdos mediante cuatro intentos fallidos de una cena, una muestra de la disfuncionalidad familiar donde los hermanos no se sientan en la mesa hasta que es demasiado tarde. “La primera vez que como director afrontas un guion siempre vas un poco más perdido”, advierte Cesc Gay. “Aquí ya venía con esa ventaja, y mi trabajo se trataba, sobre todo, de adaptar y reescribir cosas. Quería que fuera una película muy ágil, y no quise que se sentaran a hablar hasta la última secuencia, que es la estructura irónica que tiene. Cuando finalmente se sientan, aparece Alexandra con malas noticias”, explica.

El papel de la mujer en los cuidados familiares

En el ring doméstico de 53 domingos, es la hermana Natalia quien intenta ejercer un “papel conciliador” que el director define como un lugar “donde lo que ella siente no es lo importante, pues lo importante es encontrar y generar siempre un ambiente agradable”. Aunque al final todo salta por los aires, el personaje interpretado por Carmen Machi representa a la mujer que asume la carga, algo a lo que pone el foco Cesc Gay en una España donde la mayoría de cuidadores siguen siendo ellas. “Las mujeres son quienes más pringan eso. Es una realidad en las familias y en la forma de funcionar en esta sociedad, pues nos cuesta cuidar a los padres y acaba siendo más la mujer la que lo hace”, señala el cineasta.

Es por esta razón que Gay quería que, al estar Natalia entre dos hombres, tomara ese rol. “Es un personaje que tiene este equilibrio de querer siempre que no haya conflictos, que no haya peleas. En este caso, además, lo que quiere es ponerse de acuerdo con sus dos hermanos”, argumenta el director. No obstante, este utiliza a Carol, interpretada por Alexandra Jiménez, para que sea la narradora que rompe la cuarta pared. “No es ninguno de los tres hermanos. Por eso mira a cámara, se relaciona directamente con el espectador y le avisa de que van a ver una película donde los hermanos se van a pelear”, cuenta, agregando que era una estructura que tenía la versión teatral y no quiso eliminarla.

Carolina alude al espectador en los interludios y en la reflexión final. “Todo el rato te está recordando, con el hecho de mirarte, de hablarte un poco, que es la narradora. Y no estamos acostumbrados en las películas. Cuando hay una voz en off es más fácil, por ejemplo, que el espectador se asocie o se vincule con esa voz en off. Pero a mí me gustó la energía que tenía hacerlo de esta manera, por eso quise abrir con ella andando por la calle y contando cosas”, argumenta el cineasta.

Asimismo, el filme también juega con la influencia que tiene la posición económica de cada hermano, esa disparidad de clases que existe dentro de una misma familia. “Es radicalmente importante”, reflexiona Cesc Gay. “En muchos momentos de la película es clave que a tu hermano mayor le vaya muy bien, que tenga una vida de lujo y no porque se la haya ganado él, sino porque se casó con la hija del jefe, que es la frase literal que tiene Javier Cámara. Él interpreta a un actor y, como cuenta Alexandra al público, no le han ido tan bien las cosas. Se lleva al extremo lamentable y patético por mi parte, con toda la ironía posible, de que lo contratan para hacer de tomate en un anuncio de gazpacho”, añade.

Pese a que Cesc Gay ha apostado por el humor para hablar de estos temas y mostrar en pantalla los conflictos familiares, considera que también se puede abordar esto desde otra perspectiva y llamar la atención de la gente. “Un director o directora podría hacer esta película, hacerla muy dramática e intensa y que saliera una grandísima película que tuviera mucho éxito. Al final las películas conectan con el espectador, sean dramas o sean comedias”, afirma el cineasta, que concluye que “todo se puede hablar desde muchos lugares y todos tocamos los mismos temas”, siendo lo que cambia “la mirada y la intención del director y del escritor”.

Una de las series británicas más vistas y queridas de los últimos años está de vuelta, aunque de forma especial. El pasado 20 de marzo se estrenó la película ‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’, en un formato diferente con el que se hizo conocida, y que en esta ocasión ha sido producida por Netflix y no por BBC, encargada de las seis temporadas anteriores.

La película de ‘Peaky Blinders’ llega cuatro años después del último episodio de la sexta temporada como ese complemento final para la historia de la familia Shelby protagonizada por Cillian Murphy en el papel de Thomas Shelby, que ha incorporado también otros actores de la talla de Rebecca Ferguson o Barry Keoghan.

Sin embargo, esto también quiere decir que hay ausencias de personajes icónicos de la serie como es el caso de Arthur Shelby, el mayor de los hermanos, que interpretado por el actor Paul Anderson no está en ‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’, algo que no pilla del todo por sorpresa tanto por la trama de la ficción como por la situación personal del interprete.

Y es que a finales de 2024 se publicaron fotos preocupantes sobre el estado desmejorado del actor en las calles de Londres después de salir de la cárcel por una condena de consumo y posesión de drogas, una adicción sobre la que estaría actualmente luchando, como ha reconocido en los medios de comunicación donde ha roto el silencio sobre su participación en la película de la serie en la que fue uno de los personajes principales.

Recordemos que Arthur Shelby tiene un final ambiguo en la sexta temporada de ‘Peaky Blinders’, donde envía una carta de despedida a su hermano Tommy al no acudir a la cena, y asegura que prefiere ir a “un lugar que su hermano visitará más temprano que tarde”, lo que llevó a insinuar que se podría haber suicidado, aunque podría no ser así.

“Las cosas son como son. Yo no soy el que toma las decisiones sobre mi personaje”, aseguró en una reciente entrevista Paul Anderson sobre su participación en ‘Peaky Blinders’. A su vez que define la película recién estrenada como “magnífica”, pero que no le acaba de convencer: “Hicimos una gran serie y me parece que no suficientes temporadas. Deberíamos haber rodado al menos un par más, para ser sincero, no entiendo por qué hacen una película”, explicó.

El final de ‘Peaky Blinders’ que pudo ser

En sus declaraciones, el actor va más allá y también ha desvelado el final alternativo de ‘Peaky Blinders’ que tenía en mente su creador, Steven Knight. Este había imaginado un cierre circular con Tommy, Arthur y John Shelby en el que escuchaban las campanas que anunciaban la Segunda Guerra Mundial mientras sus hijos partían hacia el conflicto, lo que aportaba una potente imagen de un relevo generacional ‘maldito’ y que conectaba el trauma con otra nueva tragedia.

Sin embargo, este final se cayó cuando el actor que daba vida a John Shelby, Joe Cole, se marchó del proyecto y con ello se dio muerte a su personaje en la cuarta temporada, lo que alteró también la trama de los Shelby en la ficción. Ahí fue también donde se comenzó a plantear la película como continuación de la historia después de desbaratarse el plan inicial.

Aun así, Netflix y Knight han anunciado que ‘Peaky Blinders’ no acaba en ‘El Hombre inmortal’, sino que habrá dos series de trama consecutiva, cada ella de seis episodios que tratará sobre la reconstrucción de Birmingham durante la posguerra y la búsqueda de los Shelby de hacerse con el control de la ciudad.

Desde el estreno el pasado 10 de marzo de su segunda temporada, la serie live-action de ‘One Piece’ se ha convertido en lo más visto de la plataforma Netflix, lo que evidencia las buenas sensaciones entre los aficionados al anime y espectadores, que siguen las aventuras de Monkey D. Luffy y sus amigos.

‘One Piece’ fue una serie creada por Eiichiro Oda en 1997 a través de una serie en la revista Weekly Shonen Jump que creó basándose en su afición a las historias de piratas, en parte gracias a la serie de dibujos animados de ‘Vickie, el Vikingo’. Una narración que tenía su origen en ‘Romance Dawn’, que sentó las bases de lo que sería la aventura de Luffy.

Sin embargo, fue la serie anime de televisión de 1999 la que dio popularidad a los personajes creados por Oda y que quedaron en la infancia y cultura popular para muchos, y que ahora convive con la serie de la plataforma digital.

Uno de los retos del live-action era que los actores fueran capaces de mantener la esencia de los personajes de anime, algo nada sencillo, sobre todo con algunos tan icónicos como los de ‘One Piece’, y un detalle que ayudó fue el hecho de que su creador había dado clara nacionalidad a cada uno de ellos.

De dónde procede cada personaje de ‘One Piece’

Habitualmente, en los volúmenes impresos de ‘One Piece’ aparece una sección que se conoce como SBS, derivado de palabras como ‘Shitsumon’ o ‘Boshuu Suru’ que hacen referencia a un estilo “respondo a tus preguntas”, como un Q&A de los lectores y aficionados al propio escritor de la serie. En el volumen 56 es el que nos da una información valiosa para conocer la nacionalidad y el origen de cada uno de los personajes del anime trasladándolos al mundo real. Así, Eiichiro Oda fue claro sobre lo que tenía en mente como lugar de nacimiento para cada uno, siendo en algunos más concreto, en otros menos.

Por ejemplo, con el protagonista, Monkey D. Luffy, Oda siempre lo situó en Latinoamérica, concretamente en Brasil, un detalle que combina perfectamente con el actor mexicano Iñaki Godoy, que lo interpreta en el live-action de Netflix. En otras situaciones, como en la de Usopp, Eiichiro Oda la referencia que da es un continente entero, al escribir “Africa” como lugar de origen del personaje, que en el live-action es interpretado por Jacob Gibson, de Jamaica.

El más claro y que en la serie de Netflix coincide plenamente es Zoro, con su mítico pelo verde, que es originario de Japón, al igual que su actor, Mackenyu. En el caso de Sanji, por ejemplo, sí que cumple el hecho de ser europeo, pero no en el país, pues mientras Oda lo imaginó francés, el actor Taz Skylar es español, de islas Canarias, con ascendencia británica.

Uno de los personajes principales que tiene origen diferente en el comic respecto a la serie de live action es Nami, que mientras su creador la vio de Suecia, Emily Rudd, quien le da vida, es proveniente de Estados Unidos. Otros orígenes que también fueron desvelados es que Robin proviene de Rusia, Franky de Estados Unidos, Chopper de Canadá o Brook de Austria. Algunos de ellos debutan precisamente en esta segunda temporada.

En la industria del cine, todo va por modas. En Disney, llevan años apostando por los remakes en acción real de sus películas originales, mientras que fuera del mundo de la animación, el ritmo lo está marcando TikTok. Los libros que se hacen virales en la red social han conseguido acaparar el interés no solo de los lectores, sino también de los estudios cinematográficos.

Casos recientes como el de la película de La asistenta, una adaptación de la novela súper ventas de Freida McFadden, o el de la serie de Más que rivales, basada en la saga de libros escritos por Rachel Reid, son solo algunos de los ejemplos que demuestran esta tendencia de convertir una novela viral en un producto audiovisual. 

Y ahora un nuevo libro se sumará a la lista, tal como lo ha confirmado Netflix. Este mismo año, la plataforma estrenará Criaturas luminosas [Remarkably Bright Creatures, en su título original en inglés], la novela debut de Shelby Van Pelt que estuvo más de 64 semanas seguidas en la lista de los más vendidos del New York Times. 

¿De qué va el libro y qué sabemos de la película?

La película sigue a dos personajes. Por un lado, a Tova, una mujer de 70 años que trabaja como limpiadora en un acuario local fuera de horario, donde forja un vínculo inesperado con un pulpo gigante llamado Marcellus. Por otro, tenemos a Cameron, un joven rebelde que llega al pueblo en busca de familia y entabla una inesperada amistad con Tova.

“Juntos descubren un misterio que los conducirá a un hallazgo que cambiará sus vidas y les devolverá su capacidad de asombro”, adelanta la sinopsis oficial del largometraje que será dirigido por Olivia Newman. La actriz ganadora de dos premios Oscar Sally Field (Forrest Gump) interpretará a Tova, mientras que Lewis Pullman (Top Gun: Maverick) dará vida a Cameron. 

Van Pelt ya ha compartido sus primeras impresiones tras ver cómo su historia ha terminado en la gran pantalla. “Esta película tiene muchísima emoción. Al igual que el libro, es una historia que te hará reír y llorar. Además, la versión cinematográfica tiene aún más de Marcellus, el pulpo, y todo el mundo lo adora”, señaló, según recoge People. 

Aunque la historia original de la novela se desarrolla en un pueblo ficticio del noroeste del Pacífico, la película se ha rodado en Deep Cove, una comunidad costera situada en el distrito de North Vancouver, en la provincia de Columbia Británica (Canadá). Criaturas luminosas estará disponible en Netflix a partir del próximo 8 de mayo.

Dos de los históricos estudios de Hollywood y el símbolo de la nueva forma de consumir productos audiovisuales. Paramount y Netflix se encuentran en una pugna por ver quién se queda con Warner. Y, por si faltaran ingredientes, está Donald Trump por medio, quien prefiere que se imponga Paramount porque su amigo Larry Ellison (CEO de Oracle) es el dueño y la oferta comprende la CNN, con lo que, después de quedarse con la CBS, tomaría el control de una de las cadenas más criticas con la actual Administración, dando la vuelta al panorama mediático estadounidense.

La oferta de Netflix, sin embargo, no comprende CNN ni Discovery, y es la preferida por los directivos de Warner frente a un Paramount que ha intentado durante semanas obligar a Warner Bros. Discovery a volver a la mesa de negociaciones. Y este martes Warner anunció que reanudaba las negociaciones de fusión con Paramount, y concedía a su pretendiente rechazado una semana para convencerle de que abandone su acuerdo con Netflix.

Netflix, junto con Paramount y Comcast, había presentado ofertas de adquisición por parte o la totalidad de Warner Bros.

¿Cambio de bando?

No está claro. El acuerdo con Netflix le da derecho a Warner a negociar con un rival si puede dar lugar a una “oferta razonablemente superior”. Y Netflix le ha dado hasta el 23 de febrero para hablar con Paramount.

De momento, la junta directiva de Warner Bros. Discovery sigue recomendando a los accionistas que voten a favor de la oferta de Netflix en la consulta del próximo 20 de marzo.

Dudas

Paramount ha logrado sembrar dudas al respecto. El estudio, propiedad de Skydace, cuyo CEO es David Ellison, hijo de Larry Ellison, amigo de Trump, ha argumentado que su oferta —un acuerdo por toda Warner, en lugar de la de Netflix, que implica la escisión de los canales de cable de Warner, como CNN y Discovery— es mejor para los accionistas.

Además, un representante de Paramount ha dicho que la empresa subiría su precio de adquisición a 31 dólares por acción si la junta directiva de Warner autorizaba las negociaciones, y sugirió que la empresa podría pagar incluso más: Paramount ya ha añadido incentivos, como cubrir los 2.800 millones de dólares de la cláusula de rescisión del acuerdo con Netflix y pagar a Warner Bros. Discovery una “comisión por demora” trimestral si el acuerdo se cierra con retraso.

Por otro lado, varios accionistas de Warner Bros. Discovery, como los fondos Ancora y Pentwater Capital Management, han presionado para reabrir las negociaciones con Paramount.

Warner Bros. Discovery ha fijado el 20 de marzo como fecha para la votación de los inversores sobre la oferta de Netflix.

¿Cuánto estaría dispuesta Netflix a aumentar su oferta ante una contraoferta? ¿Cómo financiaría Paramount una oferta de adquisición más alta, dado que Warner Bros. Discovery ha expresado su preocupación por la cantidad de deuda en la que ya tiene previsto incurrir?

¿Netflix + Warner Bros?

Warner Bros, el estudio centenario de Harry Potter, Batman y muchas otras franquicias, había elegido en diciembre a un nuevo propietario potencial: Netflix.

La victoria del gigante del streaming en una de las guerras comerciales más feroces de Hollywood en mucho tiempo podría remodelar la industria de los medios de comunicación, y plantea dudas sobre si los rivales de Netflix, en particular Paramount, pueden encontrar la manera de detener el acuerdo.

Netflix acordó comprar el negocio de Warner Bros. Discovery, así como el canal de streaming HBO Max.

La transacción, que consiste en 23,25 dólares en efectivo y 4,50 dólares en acciones de Netflix por cada acción de Warner Bros. Discovery, valora a Warner Bros. Discovery en su conjunto en 72.000 millones de dólares, muy por encima de la capitalización bursátil de la empresa, que era de 60.000 millones de dólares.

Lo previsto era que la venta se cerrara después de que Warner Bros. Discovery completara la escisión de sus canales de cable, incluidos CNN y Food Network, en una empresa independiente, Discovery Global.

El mayor servicio de streaming del mundo

Netflix ,el servicio de streaming de pago más grande del mundo, con más de 300 millones de suscriptores, podría hacerse con una enorme cantidad de contenido nuevo, así como con una mayor influencia sobre las salas de cine y los sindicatos del entretenimiento, por ejemplo.

“Juntos podemos ofrecer al público más de lo que le gusta y ayudar a definir el próximo siglo”, ha afirmado Ted Sarandos, codirector ejecutivo de Netflix, en un comunicado.

Netflix también ha ofrecido una indemnización de 5.800 millones de dólares si el acuerdo se rompe y se ha comprometido a seguir estrenando las películas de Warner en los cines.

Resistencias de Paramount

Paramount, cuyas repetidas peticiones de adquisición llevaron a Warner Bros. Discovery a abrirse a ofertas de compra, ha acusado a Warner Bros. de favorecer injustamente a Netflix.

En una carta dirigida a Warner Bros. Discovery, los abogados de Paramount argumentaron que un acuerdo con Netflix “afianzaría y ampliaría el dominio global de Netflix en un asunto no permitido por las leyes de competencia nacionales o extranjeras”.

Esto plantea la posibilidad de que Paramount intente persuadir a la Administración Trump para que bloquee el acuerdo con Netflix por motivos antimonopolísticos, una amenaza posible teniendo en cuenta sus estrechos vínculos con la Casa Blanca.

En efecto, Netflix y Paramount quieren cosas diferentes.

Incluyendo la deuda, el valor empresarial de la operación de Netflix es de unos 83.000 millones de dólares, o 27,75 dólares por acción, y se cerraría después de que Warner completara la separación anunciada de sus operaciones de cable.

A diferencia de Netflix, Paramount quiere adquirir toda Warner, incluidas cadenas como CNN y Discovery, y se dirigió a los accionistas con una oferta hostil en efectivo de 77.900 millones de dólares pocos días después de que se anunciara el acuerdo con Netflix.

El valor empresarial de la oferta de Paramount se sitúa actualmente en torno a los 108.000 millones de dólares, incluida la deuda, o 30 dólares por acción. Pero Warner ha revelado el martes pasado que un representante de Paramount informó de que aumentaría su oferta a 31 dólares por acción “en espera de un acuerdo”.

Si Paramount aumentara su precio a 32 o 33 dólares por acción, sería cada vez más difícil argumentar que el acuerdo con Netflix es superior, aunque Netflix podría entonces moverse para igualar la oferta.

Paramount ha realizado más intentos para mejorar su oferta. La semana pasada, la empresa dijo que pagaría a los accionistas de Warner una “comisión por demora” si su acuerdo no se cerraba antes de fin de año, que ascendería a 25 centavos por acción, o un total de 650 millones de dólares, por cada trimestre después del 31 de diciembre.

Paramount también se comprometió a financiar el pago de 2.800 millones de dólares de indemnización de Warner a Netflix.

Mejoras de Paramount

Paramount ha ampliado su oferta pública de adquisición en tres ocasiones. Y más allá de su oferta pública de adquisición, Paramount también ha prometido una lucha por el poder. El martes, la empresa reiteró sus planes de nominar a su propia lista de directores en la próxima junta anual de Warner.

Aún está por ver qué cambios, si los hay, se producirán tras los próximos siete días de negociaciones. Paramount, Warner y Netflix han pasado los últimos meses en una acalorada disputa sobre quién tiene la oferta más sólida sobre la mesa.

La perspectiva de la venta de Warner a cualquiera de las dos empresas ha suscitado enormes preocupaciones antimonopolísticas entre las administraciones de todo el mundo, que piden a los reguladores que examinen cuidadosamente la fusión.

El Departamento de Justicia de Estados Unidos ya ha iniciado sus evaluaciones, y es posible que otros países también examinen cualquiera de los dos acuerdos.

Ambiente hostil

El ambiente sigue siendo bastante hostil. Ellison tiene siete días para presentar su “mejor y última” oferta para superar la adquisición acordada por Netflix de 83.000 millones de dólares o retirarse, para “resolver este asunto de forma definitiva y satisfactoria”.

Paramount no tiene realmente solo una semana para presentar su mejor y última oferta. En Estados Unidos, “mejor y última oferta” no es un compromiso legalmente vinculante, sino más bien una frase amenazante. El plazo de siete días tampoco significa gran cosa. La fecha límite importante para Paramount es el 20 de marzo, cuando WBD dice que celebrará una votación sobre el acuerdo con Netflix.

Es probable que el verdadero ganador de esta jugada sea Warner. Se espera que Paramount aumente su oferta, mientras que Netflix se verá presionada para mejorar la suya.

El debate interno de Paramount se ha centrado en cuánto debería subir, dada su convicción de que su oferta actual es superior a la de Netflix porque tiene más posibilidades de obtener la aprobación antimonopolio.

El pasado mes de septiembre, Ellison se presentó en su puerta en Beverly Hills para ofrecer 19 dólares por acción. Meses después, Zaslav está buscando algo por encima de los 30 dólares y sigue contando.

¿Por qué está Warner Bros en venta?

En un intento por conseguir una mayor cuota del streaming, David Zaslav ideó una fusión en 2022 entre Warner y Discovery Inc. Sin embargo, las acciones bajaron.

En junio de este año, Warner Bros. anunció un plan para dividirse en dos negocios, uno centrado en la televisión por cable y otro en el streaming y los estudios. Zaslav, director ejecutivo de la empresa fusionada, calculó que podría obtener una considerable prima por los negocios de streaming y estudios una vez que se separaran de las redes de cable, cargadas de deuda.

Warner Bros. se puso oficialmente a la venta en octubre.

En otoño, Paramount hizo tres ofertas no solicitadas por toda la empresa. Absorberla le daría a Paramount los recursos de dos grandes estudios, Paramount y Warner Bros., y dos importantes servicios de streaming, Paramount+ y HBO Max, de Warner.

Escrutinio regulatorio

Cualquier venta se enfrentaría a un año o más de escrutinio por parte de los reguladores de múltiples jurisdicciones, incluidos el Departamento de Justicia de EEUU y la Unión Europea, antes de que pudiera cerrarse. El acuerdo entre Netflix y Warner Bros. ha suscitado críticas tanto de políticos republicanos como demócratas en EEUU, alegando que crearía un gigante con un control significativo sobre el mercado del streaming. La transacción fusionaría dos de los mayores servicios de streaming del mundo y dos de los mayores productores de películas y programas de televisión.

El presidente de EEUU, Donald Trump, afirmó que la “gran cuota de mercado” de las entidades fusionadas “podría ser un problema”.

Trump dijo que se involucraría personalmente en la revisión de la transacción. El presidente tiene vínculos desde hace muchos años con el cofundador de Oracle Corp., Larry Ellison, cuyo hijo David es el director ejecutivo de Paramount.

Paramount ha argumentado que es más probable que se apruebe su propuesta de fusión porque no tiene tantos clientes de streaming como Netflix. Pero aun así se enfrentaría al escrutinio de los reguladores antimonopolio preocupados por la consolidación del mercado.

Preocupación en cines y consumidores

Los propietarios de salas de cine y los aficionados han expresado su preocupación por la fusión entre Netflix y Warner Bros.

En el pasado, Netflix solo estrenaba unas pocas películas en salas de cine durante un tiempo limitado, normalmente para optar a premios de la industria como los Óscar. Considera que los espectadores en casa son su público principal. Cinema United, la asociación comercial de propietarios de salas de cine, calificó el acuerdo con Netflix como “una amenaza sin precedentes para el negocio de la exhibición a nivel mundial”.

Netflix se compromete a mantener las operaciones actuales de Warner Bros. y a “aprovechar sus puntos fuertes, incluido el estreno de películas en salas de cine”.

En una comunicación con inversores el pasado 5 de diciembre, el codirector ejecutivo de Netflix, Ted Sarandos, afirmó que la empresa estrenará unas 30 películas en salas de cine este año. Su principal queja con respecto a la estrategia de estreno estándar de la industria es el tiempo que tardan las películas en pasar de las salas de cine al streaming.

¿Cómo afectaría el acuerdo al empleo?

Los sindicatos de Hollywood han expresado su preocupación por que cualquiera de los dos acuerdos provoque pérdidas de puestos de trabajo en una industria que ya ha sufrido importantes despidos en los últimos años.

Netflix tiene como objetivo un ahorro de costes de entre 2.000 y 3.000 millones de dólares y otras sinergias en los primeros años tras la transacción. La mayor parte de ese ahorro provendría de la reducción de los gastos generales y administrativos, concretamente de las funciones de apoyo de los negocios en los que hay solapamientos, según el codirector ejecutivo de Netflix, Greg Peters, citado por Bloomberg.

En su carta a los accionistas, la junta directiva de Warner Bros. afirmó que Paramount tiene como objetivo un ahorro total de 9.000 millones de dólares gracias a su anterior fusión con Skydance y a la adquisición propuesta de Warner Bros., lo que, según la junta, “debilitaría Hollywood, en lugar de fortalecerlo”.

¿Qué pasaría con HBO Max si se cerrara el acuerdo con Netflix?

Aunque no se ha dicho específicamente, los ejecutivos de Netflix sugirieron que seguirían operando HBO Max como un servicio independiente, de forma muy similar a como Walt Disney ofrece tanto Disney+ como Hulu. Los servicios suelen agruparse en paquetes con precios reducidos.

Peters dijo a los analistas que existe un alto solapamiento entre los suscriptores de Netflix y HBO Max, que, según él, generan una cantidad significativa de ingresos. Afirmó que Netflix podría ofrecer diferentes paquetes y niveles de precios, y vender los contenidos de HBO de forma más agresiva a nivel mundial.

¿Cuál es el plan de Warner Bros para sus canales de cable?

Warner Bros. sigue adelante con sus planes de escindir sus redes de televisión por cable, entre las que se incluyen CNN, TNT y HGTV, en una nueva empresa, Discovery Global, que estará dirigida por el director financiero de Warner, Gunnar Wiedenfels.

La escisión está prevista para el tercer trimestre de 2026.

Si te gustó ¿Quién es Anna?, la serie de 2022 sobre la joven ruso-alemana Anna Sorokin, que durante años engañó a la alta sociedad neoyorquina haciéndose pasar por una rica heredera de la socialité, esta nueva miniserie de Netflix es para ti. El arte de parecer Sarah es el nuevo thriller coreano que acaba de aterrizar en la plataforma de streaming y que ya está dando que hablar.

La historia sigue a Sarah Kim, una mujer que ha creado su identidad basándose en su riqueza y estatus social, y a Mu-gyeong, un inspector que no parará hasta averiguar quién es Sarah en realidad. La serie, que mezcla misterio y drama, empieza cuando la policía encuentra el cuerpo de la mujer en una alcantarilla bajo un distrito exclusivo de la ciudad de Seúl. 

Asesinatos, estafas, lujo, poder, mentiras… La miniserie de 8 episodios, los cuales están disponibles en la plataforma desde el pasado día 13 de febrero, te dejarán sin poder levantarte del sofá hasta averiguar toda la verdad sobre esta historia escrita por Chu Song-yeon, dirigida por Kim Jin-min, y protagonizada por Shin Hye-sun y Lee Joon-hyuk.

Al final, la serie no solo resuelve el enigma sobre el cadáver encontrado, sino que también expone la verdadera identidad de Sarah y cómo fue realmente su pasado hasta convertirse en el personaje que se nos presenta al principio de la trama. Además, El arte de parecer Sarah plantea una reflexión sobre lo poderosas que pueden llegar a ser las apariencias en un mundo obsesionado con la imagen. 

Desde que se estrenó, la miniserie coreana consiguió entrar en el top 5 de series más vistas de Netflix. Según la plataforma FlixPatrol, esta se encuentra actualmente en quinta posición por detrás de El abogado del Lincoln, el documental Jeffrey Epstein: Asquerosamente rico, la cuarta temporada de Los Bridgerton y la serie alemana Unfamiliar, que está la primera en la lista. 

Otras series protagonizadas por la actriz de Sarah

Shin Hye-sun, quien da vida al personaje de Sarah en la miniserie de Netflix, es una de las actrices surcoreanas más reconocidas de su generación. Debutó como actriz en 2012 con un pequeño papel en el k-drama Escuela 2013 y, cinco años después, consiguió su primer papel protagonista en Mi vida dorada (2017), con el que se dio a conocer al gran público internacional.

Desde entonces, la actriz ha destacado por sus papeles en series como Mr. Queen (2020), Nos vemos en mi 19ª vida (2023), De vuelta en Samdal-ri (2023) o Querida Hyeri (2024). “Lo que pasa con Shin Hye-sun es que siempre se desafía a sí misma en cualquier género. No se limita a uno solo. Eso es lo que me asombra de ella”, comentó un seguidor en el tráiler de El arte de parecer Sarah.