Es una de las canciones más conocidas de Adele, además de ser una de las más conmovedoras y tristes del siglo XXI, siendo un himno generacional y uno de sus temas más personales, inspirándose directamente en una complicada ruptura que supuso luego que su expareja rehiciera su vida.

Hablamos de “Someone Like You”, que cumple 15 años desde que se diera a conocer para ser una de las canciones favoritas de Adele y de las baladas tristes en general, que citada por el mismo The Wall Street Journal, genera “reacciones intensas” por la combinación de melodía, letra y voz de la cantante británica, confirmando que este género libera dopamina, generando placer en su escucha.

La historia de “Someone Like You” y su inspiración real

“Someone Like You” no es solo la canción más reproducida y famosa de Adele, sino que es también su tema más personal, con inspiración directa de la que fue su ruptura más significativa, de una relación que duró entre 2008 y 2009, aunque nunca reveló el protagonista real detrás.

La cantante británica, tras este duro momento de su vida personal, necesitaba expresar sus sentimientos en una canción para poder pasar página y centrarse en sí misma más allá de esa decepción sentimental. Así fue como trasladó toda su emoción en un pequeño estudio de Hollywood, donde trabajó junto al compositor Dan Wilson para hacer realidad lo que fue uno de sus grandes éxitos.

Solo acompañados los dos por un piano, lograron construir un ambiente íntimo que llevó a que de ahí naciera una de las baladas más destacadas del siglo XXI, siendo también propicio para la creatividad. De hecho, durante el segundo día de grabación, Adele estaba resfriada y lejos de parar, aprovecharon el matiz áspero en su voz para generar un detalle desolador y captar ese estado emocional, en concreto en el último estribillo.

Una vez tuvieron lista “Someone Like You”, la cantante tuvo la idea de compartir la maqueta con su representante y con su madre, y esta última acabó en lágrimas casi de forma instantánea, lo que hizo prever el impacto emocional que iba a generar este tema en el público en general, y lo cierto es que fue en ese camino, porque, además sigue siendo una de sus canciones más populares.

Su canción más reproducida

Lo que sucedió cuando se publicó “Someone Like You”, entonces, no pilló por sorpresa a la cantante, aunque toda expectativa fue superada por elogio de la crítica y por entrar de lleno dentro del imaginario de la cultura pop, especialmente en momentos de tristeza, rupturas o superación personal.

Uno de los momentos más destacados fue su interpretación en directo en los premios Brit Awards 2011, que todavía acentuó más el impacto que tuvo la canción, que de esta forma dio el salto definitivo a nivel internacional, cuando los críticos se pusieron de acuerdo en enfatizar la madurez vocal y honestidad de una cantante que entonces tenía solo 22 años cuando la grabó.

El resultado fue que “Someone Like You” se convirtió en el primer sencillo de la década de los 2010 en ser certificado seis veces Platino tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, donde tuvo su momento álgido entre finales de verano y principios de otoño de 2011, hace justo 15 años. Actualmente, con más de 2.500 millones de reproducciones en plataformas como Spotify hace que sea la canción más reproducida de Adele, a pesar de que luego grabó otros éxitos.

Este 25 de septiembre el cantautor ciudadrealeño Luis Miguel Mejía Ceballos, conocido como Lewismi, lanza Pasa el tiempo, un nuevo tema que llega en un momento de cambio personal y musical y que, junto a sus anteriores lanzamientos, Todo va a estar bien y La Primavera , deja ver una etapa más luminosa en su manera de escribir.

Para esta ocasión el artista ha contado con David González Moreira, productor que ha trabajado con artistas reconocidos como Zenet o Carmen Ferre y cantautores como Álvaro Ruiz y Juan Gallardo. El resultado, es un sonido más cercano y reproducible a cómo suenan realmente esas canciones cuando llega el momento de tocarlas delante del público.

Después de trabajos anteriores con producciones más amplias, el cantautor busca ahora reducir la distancia entre lo que queda grabado y aquello que realmente puede llevar a un escenario. No cuenta con una banda estable ni con una gran estructura detrás de cada lanzamiento y eso también condiciona su forma de crear.

Frente a canciones construidas sobre numerosas capas de producción, ahora busca “composiciones que puedan sostenerse con una guitarra y un violonchelo, un piano, dos guitarras o pequeñas formaciones con las que realmente pueda tocar”.

No se trata tanto de encontrar una nueva fórmula sino de conseguir algo tan sencillo como “que lo que alguien escucha al ponerse los auriculares se parezca a lo que después encontrará cuando tenga a Lewismi delante sobre un escenario”.

Canciones para sanar heridas

Buena parte de las canciones de Lewismi hablan del malestar, del dolor de sanar o del deseo de encontrarse mejor. Pasa el tiempo vuelve sobre esas ideas, aunque esta vez desde un punto diferente, “ese momento en el que uno comienza a darse cuenta de que las cosas cambian y determinadas heridas empiezan, poco a poco, a ocupar otro lugar”. La canción conecta así con Todo va a estar bien y con una etapa que tiene algo más de luz y optimismo que otros trabajos anteriores.

Eso no significa que Lewismi haya encontrado una única sonoridad en la que instalarse. De hecho, reconoce que “definir exactamente su música no siempre resulta sencillo”. Sus canciones mezclan influencias, ritmos y formas diferentes y no necesariamente se parecen entre sí. Mientras Pasa el Tiempo habla de sanar y mirar hacia delante, el cantautor tiene ya grabado un próximo EP que gira alrededor de un asunto muy diferente: la muerte.

La trayectoria de Lewismi, sin embargo, no se limita a su propio proyecto musical. En paralelo, forma parte del impulso del Ciclo Real de Canción de Autor, una iniciativa nacida en Ciudad Real que alcanza este año su cuarta edición y que, durante este tiempo, ha intentado generar espacios en los que artistas y público se encuentren. Y hacerlo desde Ciudad Real tiene un significado especial.

La ciudad cuenta con músicos, creadores, asociaciones, salas y público interesado en la cultura, pero no dispone de una escena musical comercial o una industria comparable a la de las grandes ciudades. Hay menos espacios y menos oportunidades. El Ciclo Real forma parte de ese intento. “No pretende convertir Ciudad Real en algo que no es ni competir con los grandes circuitos”, su planteamiento es mucho más sencillo y cercano. “Vivir en una ciudad pequeña no debería significar tener que renunciar a descubrir música, subirse a un escenario o encontrar un público al que contarle una historia”.

El 8 de octubre se presenta en directo

Ese encuentro entre ambos proyectos volverá a producirse muy pronto. El próximo 8 de octubre, Lewismi estará como artista invitado en el micro abierto con el que comenzará la cuarta edición del Ciclo Real de Canción de Autor, donde presentará en directo Pasa el tiempo. Sus planes pasan después por realizar una presentación más extensa en Ciudad Real entre finales de este año y comienzos del siguiente y continuar llevando sus canciones fuera de la provincia.

“Pasa el tiempo habla de sanar, cambiar y comenzar a mirar las cosas desde otro lugar”, asegura. Su lanzamiento también sirve para contar todo lo que ocurre “antes de que una canción llegue a nosotros”.

Era una completa desconocida, pero consiguió que su disco debut se vendiera en apenas una hora y cuarto y que Quentin Tarantino usara su música como banda sonora para uno de sus proyectos. Hablamos de Rosana Arbelo, conocida artísticamente solo como Rosana, que hace 30 años conquistó la escena musical sin apenas promoción, en parte por el éxito de ‘El Talismán’.

De canción para Ana Belén a conquistar a Tarantino

El 11 de abril de 1996 se publicó ‘Lunas Rotas’, el disco debut de Rosana, entonces una cantante desconocida en la industria musical, que decidió dar el salto como cantautora gracias a una selección de 12 temas que escribió durante años, y que siempre pensó serían para otras voces distintas a la suya.

De hecho, su primer single y la canción más exitosa del álbum, ‘El talismán’, Rosana la escribió para la cantante Ana Belén, pero la canaria no se atrevió a enviarle la maqueta y al final desde su círculo la animaron a que fuera para ella, y aprovechó para sobre ella crear el que sería su álbum debut.

El sencillo resultó dar la razón al círculo íntimo de Rosana y fue la pieza relevante del éxito de su disco, que vendió millones de copias hasta llegar al certificado de Diamante. Así fue como en el verano de 1996, ‘El Talismán’ sonaba como número uno por su sonido fresco, con un instrumental suave y un cierre casi susurrado.

La canción acabó por ser uno de los principales éxitos en español de la década de los 90, un debut a lo grande para una debutante, en un momento en el que, sin redes sociales, el boca a boca la convirtió en todo un fenómeno, a tal punto que en una hora y cuarto se vendió todas las copias y pasó a ofrecer “80 entrevistas al día”: “Hay una parte en mi carrera en la que me voy a negro. Me pasaron muchas cosas brutales”, confesó en el podcast ‘A solas con…’ con Vicky Martin Berrocal.

El fenómeno fue tal que traspasó fronteras, con cifras récord en Italia, Alemania o Latinoamérica, y el propio Quentin Tarantino la integró como banda sonora de de 'Tú asesina, que nosotras limpiamos la sangre', de la que fue productor en ese mismo 1996.

La canción, además, ha pasado por ser también un éxito intergeneracional, con diferentes versiones a lo largo de sus 30 años, como en 2001 de Rosana junto a la primera edición de ‘Operación Triunfo’, en 2019 junto a Rubén Blades.

Reaparición tras siete años de audiencia

Los 30 años de su disco debut y del gran éxito que fue ‘El Talismán’ han sido una gran ocasión para que Rosana regresara después de siete años de silencio, con un nuevo proyecto ‘OMOW’, que ha dividido en tres partes, entre ellas un documental ‘Mejor vivir sin miedo’.

Para Manuel Cañada, educador social, dirigente político y sindical, como para tantas personas de su generación, Pablo Guerrero ha sido una referencia esencial: sus canciones, su honestidad y su coherencia forman parte de una biografía política, cultural y sentimental compartida. Sin embargo, Porque amamos el fuego de la editorial El viejo topo no nace de una iniciativa propia, sino de una propuesta directa del cantautor. A finales de agosto de 2019, tras una entrevista, Guerrero le planteó escribir un libro de conversaciones titulado Poesía contra la barbarie. La pandemia alteró aquel plan inicial y el artista le sugirió transformar el proyecto en una biografía. El regalo se convirtió en desafío.

Cañada recuerda que no siendo historiador ni crítico musical o literario temía no encontrar la voz narrativa adecuada, además del juicio del corporativismo cultural, “tan ladino” y selectivo. El libro se convirtió en un deber moral y también en un espacio de amistad. En diciembre de 2024 acordaron el título definitivo: Porque amamos el fuego, una alusión al fuego de Heráclito y Prometeo, al fuego de la naturaleza y al de la emancipación humana. Pablo Guerrero fue quien disolvió sus temores con su sobria sabiduría y su magisterio silencioso: “El maestro es el que posee sabiduría porque la ha vivido, porque ha pasado por donde tú pasas”.

El resultado es un híbrido entre biografía y conversaciones que la periodista María Pachón definió como un “territorio de frontera” que busca la comprensión antes que la información. El libro se adentra en la vida cotidiana del cantautor: la claridad de los ventanales de su casa, el ambiente del Bar de los Poetas, sus paseos por la Dehesa de la Villa, la música que escuchaba, los libros que le acompañaban —de Borges, Claudio Rodríguez o Tranströmer a Cristina Peri Rossi, Beatriz Blanco o Basilio Sánchez—, su sentido del humor, sus silencios generativos, su retranca frente al poder y sus opiniones sobre las corruptelas en Madrid o el genocidio en Palestina.

Cañada subraya también la lucha de Guerrero contra la rutina y las etiquetas. El cantautor llegó a coger ojeriza a sus propias canciones de éxito y estuvo quince años sin cantar A cántaros, hasta que un amigo se lo pidió para el funeral de su mujer. El libro recorre sus etapas musicales y las crisis creativas que las acompañaron: del triunfo en Benidorm en 1969 al Olympia de París en 1975 y al Festival de los Pueblos Ibéricos en 1976; de la investigación sonora junto a La Orquesta de las Nubes, Suso Saiz, Cristina Lliso, Los Esclarecidos o Javier Álvarez al 'Pablo-Cohen' de Plata y al Pablo doméstico que canta a los mundos de andar por casa junto a Luis Mendo.

Uno de los empeños del libro es sacar de la clandestinidad su obra poética: dieciocho libros que combinan lo sagrado y lo solidario, y que reivindican la poesía como chispa divina en tiempos de crisis del capitalismo. La obra de Guerrero se contextualiza históricamente: el cantautor como “respiración semántica de la comunidad”, testigo o síntoma de su tiempo. En 1992, frente a la euforia de la Expo y las Olimpiadas, Guerrero publicó Toda la vida es ahora, un disco zen que cantaba a Lisboa y a los lobos sin dueño. En 2013, en plena crisis y en sintonía con los movimientos indignados, compuso Golpe de sombra.

El libro incorpora también a sus compañeros de camino: Nacho Sáenz de Tejada, Elisa Serna, Hilario Camacho, Imanol, Luz Casal o su banda. Incluye fotografías de Enrique Cidoncha, reseñas de Santos Domínguez y Diego Doncel, un artículo de Pilar Lucía —quien transcribía canciones para la censura— y tres textos finales de Alfons Cervera, Clara López y Antonio Guerrero.

El proceso de investigación se ha basado en la lectura y escucha atenta de su obra y en la bibliografía y discografía de la canción de autor, además de entrevistas con su entorno cercano: su hermano Antonio Guerrero, Enrique Cidoncha, Santos Domínguez, María Barrionuevo, Eduardo Pérez de Carrera, Javier Frías, Clara López y músicos como Olga Román, Miguel Ángel Gómez Naharro, Javier Arroyo, Santi Vallejo, Fran Espinosa o Luis Mendo. El principal nutriente fueron las conversaciones demoradas con Pablo Guerrero durante seis años.

Extremadura y Charo

Manuel Cañada sostiene que Pablo Guerrero construyó toda su obra desde una fidelidad íntima: Charo y Extremadura como dos centros de gravedad que nunca abandonó y que, con el paso de los años, se fueron fundiendo en una misma materia emocional. Extremadura aparece en sus canciones y en sus libros como raíz biográfica, como paisaje que modela la conciencia y como territorio simbólico donde se mezclan la infancia, la naturaleza y la historia. Desde los romances escuchados al abuelo hasta las ocupaciones de fincas, desde el Castillo de Puebla de Alcocer hasta el internado de San Atón, desde las heridas de la guerra civil hasta la emigración de los sesenta, todo ese mundo inicial —la era, la escuela, el folklore, la educación sentimental campesina— se convirtió en el humus del que brotó su voz. En los primeros años, Pablo transita entre el costumbrismo rural y la reivindicación campesina, todavía influido por los poetas regionalistas conservadores. Pero pronto rompe con esa perspectiva: reniega del localismo, denuncia el caciquismo y el latifundismo, canta la sangría migratoria y se implica en luchas como la oposición a la Central Nuclear de Valdecaballeros. Sus discos dedicados a Miguel Hernández y a Extremadura son prohibidos por el franquismo, y canciones como Emigrante o Extremadura se convierten en himnos de la Transición. En esa etapa, Pablo es un animador decisivo del movimiento poético y musical extremeño, un creador que entiende la tierra como conciencia crítica y como compromiso con los de abajo. Cuando Pablo rompe con la mirada complaciente, renegará de “la Extremadura museística”. “Yo no canto a la Extremadura de la conquista, ni de la mítica. Me interesa que se vea más a la Extremadura de los hombres que se mueren sin ver el mar, arraigados, casi alienados a la tierra, y que no conocen más que las cuatro paredes de su chozo o el mundo reducido de su campo”, responde en una entrevista en 1974.

A partir de los años ochenta y noventa, sin abandonar esa raíz ética, su obra se desplaza hacia una sublimación poética del paisaje. Extremadura se vuelve entonces un territorio de revelación, un regreso al paraíso de la infancia y a la naturaleza reparadora. En poemarios como Los dioses hablan por boca de los vecinos, Los rastros esparcidos, Los cielos tan solos o Junto a sombras desprendidas, La Serena y La Siberia se convierten en escenarios de una memoria luminosa: las manos ateridas del padre en la limpia del sarmiento, los peces del Guadiana, los olivos necesarios, Monfragüe donde las cosas saben lo que quieren, el bullicio de Garlitos, las grutas de la sierra con su luz de pan de oro, el Zújar como lugar final de retorno. También en Luz de tierra, donde musicaliza a quince poetas extremeños contemporáneos, busca expresar la esencia de esos paisajes y de su gente. Pero nunca cae en el chovinismo: para Pablo, amar la propia tierra implica amar todas las tierras, y ya en 1979 advertía que la creación no podía limitarse a un territorio, que debía comunicarse con cualquier ser humano, del negro de Detroit al pakistaní. Ese equilibrio entre raíz y universalidad, entre compromiso y libertad creativa, lo sostuvo toda su vida y explica por qué su canto a Extremadura —profundo, crítico, amoroso— es también un canto a la dignidad humana en cualquier lugar del mundo. Guerrero mantuvo siempre un equilibrio entre la fidelidad a su tierra y la vocación universal: “Un hombre que ama a su tierra tiene que amar a todas las tierras”.

El legado

Cañada destaca tres enseñanzas de su legado: la generosidad y la humildad radical; la síntesis entre ternura y rebeldía, sensibilidad y ética; y la invitación a descubrir una obra poliédrica que va mucho más allá de A cántaros. Los episodios más impactantes del proceso fueron la muerte de Charo, compañera de vida durante más de cincuenta años, y la posterior enfermedad y fallecimiento del propio cantautor. Cañada recuerda a Pablo, desolado, cantando entre lágrimas: “Desde la tierra a la estrella / andas sin borrar tus huellas. / Desde el río al mar lejano / queda sujeta a mi mano”.

De cara al futuro, el escritor aspira a contribuir a la difusión de su obra poética y a llevar sus canciones y poemas a escuelas, institutos y universidades. Aunque el reconocimiento profesional a su obra musical es unánime, Guerrero no contó con el apoyo institucional que merecía y sufrió el ostracismo impuesto a la canción de autor desde los años ochenta. Su influencia en generaciones posteriores es enorme: Javier Álvarez, Ismael Serrano, Fran Espinosa, Clara Ballesteros, Manuel Cuesta, Javier Bergia, Javier Batanero, Javier Ruibal, Cristina Narea, Luis Farnox, Javier Paxariño, Javier Muguruza, De Pedro, Rozalén, Alfonso Gardi, Marwan, María José Hernández, Pablo Sciuto, Javier Maroto, Ángel Petisme o Marta Espinosa, además de referentes extremeños como Miguel Ángel Gómez Naharro, Acetre, Jueves Negro, Aulaga Folk, Paco de Borja, Duende Josele, Víctor Asuar, Manuel Bravo, Celia Muriel o Javier Fernández.

Y es que Cañada reconstruye en Porque amamos el fuego la vida íntima, poética y rebelde de Pablo Guerrero, y al hacerlo levanta también un espacio donde la emoción se vuelve materia de memoria. En ese territorio compartido, el cantautor aparece no sólo como creador, sino como alguien que vivió con una delicadeza que no hacía ruido: la manera en que escuchaba, la forma en que cuidaba las palabras, la luz que dejaba entrar en su casa, la paciencia con la que acompañaba a quienes se acercaban a él, sobre todo a los más jóvenes. El libro recoge esa presencia sin solemnidad, con la respiración lenta de las conversaciones que se alargan porque nadie quiere que terminen. Y en ese clima, lo que emerge no es un mito, sino un hombre que sostuvo la belleza al que era adicto incluso cuando la vida se le volvía áspera, que buscó siempre un gesto de bondad para no endurecerse, que entendió la creación como una forma de entrega. Hay en estas páginas una intimidad que se ofrece sin exhibirse: la certeza de que Pablo Guerrero vivió como si cada día pudiera ser un lugar donde aprender a mirar mejor, a escuchar mejor, a querer mejor. Y esa forma de estar en el mundo —tan silenciosa, tan firme— es quizá el legado más profundo que este libro deja en quien lo lee.

Hace solo menos de un año, Taylor Swift lanzaba su décimo segundo álbum de estudio, ‘The Life of a Showgirl’, con el que alcanzaba nuevos éxitos y volvía al sonido más pop y comercial después de su gira récord ‘The Eras Tour’ que tuvo un gran impacto a nivel cultural y socioeconómico.

Pero, aunque no hace ni un año de su último trabajo, los fans de Taylor Swift ya se encuentran creando teorías sobre cuál será el próximo proyecto de la cantante, que este 2026 ha contraído matrimonio con Travis Kelce y que el pasado junio lanzó “I Knew It, I Knew You” dentro de la Banda Sonora de la película ‘Toy Story 5’.

Así, la revista Rolling Stone ha recopilado las que están siendo las teorías más compartidas por el ‘fandom’ de Taylor Swift, que ya rumorea un posible relanzamiento de su disco debut por su 20 aniversario, un triple disco con varias versiones o incluso una regrabación de ‘Reputation’.

¿El 13º álbum de Taylor Swift tendrá 3 versiones?

Desde que el portal Page Six informara que Taylor Swift se encuentra ahora mismo “escribiendo música nueva”, según una fuente de la que no se ha revelado el nombre, los fans de la cantante han dado rienda suelta a teorías sobre el nuevo trabajo de la artista, además de que esta fue vista en Londres el mes pasado lanzando un nuevo corte de pelo, lo que históricamente ha sido para el ‘fandom’ el inicio de una nueva era.

Así, por diferentes razones, los fans ven actualmente distintas teorías relacionadas con una paleta de colores específica que habría compartido la cantante, específicamente los colores morado, verde y rojo, que habrían generado especulaciones en las redes sociales. Y es que estos fueron vistos como cambiaron durante la versión estándar del último lanzamiento, el single “I Knew It, I Knew You” a verde y morado, mientras la versión de “Blank Space” de 2014 lo hizo a rojo.

Esto se vio como los lienzos de un lanzamiento especial de lo que será el TS13, el nombre que ya recibe el décimo tercer álbum de estudio de Taylor Swift. La teoría que desarrollan los fans es que como el número es el favorito de la cantante, este disco será más grande y saldría en tres partes: una versión country, una versión para piano y una versión pop.

El 20º aniversario de su disco debut o regrabación de ‘Reputation’

La paleta de colores mencionada también ha derivado en otras teorías, según lo recopilado por Rolling Stone. Una de ellas es que publicará la versión regrabada de su álbum debut, que cumple 20 años este 2026, y que sería lanzado el 23 de octubre, un espacio en blanco entre otros lanzamientos, si se tiene en cuenta que otros discos se lanzaron en ese mismo mes.

La cantante ya se refirió a este hecho en su día y solo dejó claro que saldría “cuando sea el momento adecuado”, a la vez que “será una celebración”, con lo que las teorías han comenzado a crecer.

Pero para otros, los tres colores significan tres lanzamientos diferentes, y uno de ellos para muchos es la regrabación de ‘Reputation’, que, si bien era visto con el color negro, ha derivado en rojo desde luciera un body negro y rojo durante la presentación de este estudio.

El éxito de ‘Michael’, el biopic de Michael Jackson, desde su estreno el pasado abril, ha demostrado que este género, lejos de agotarse, está en plena forma y son muchas las personalidades del mundo de la música y la cultura en general que van a ver su vida y trayectoria trasladada a la gran pantalla.

Una de ellas va a ser también la reciente fallecida Dolly Parton, siendo ella misma la que estaba colaborando con el proyecto de su biopic en plena fase de desarrollo y que seguirá su camino guiado por la artista. No era lo único, la considerada reina del ‘country’ tenía previsto también la actuación con avatares o incluso una serie de animación.

Lo que se sabe del biopic de Dolly Parton

La cantante Dolly Parton dejó conmocionado al mundo de la música y la cultura tras su fallecimiento el pasado martes 25 de agosto a la edad de 80 años, pero la artista no dejó de trabajar hasta su último aliento, y es por eso que estará presente a través de varios proyectos, tal y como ha revelado su representante.

“Dolly trabajó hasta el mismo día de su fallecimiento. Le encantaba ver cómo sus sueños se hacían realidad y le encantaba saber que su trabajo hacía feliz a la gente”, expresó Danny Nozell, su representante, a través de un comunicado que recoge el medio Deadline.

Así, Nozell ha confirmado que la cantante estaba involucrada en el desarrollo de su biopic, que se encontraba en sus primeras fases, pero con el plan ya realizado: “Siempre tan previsora, Dolly trabajó durante los últimos años con el equipo que ella misma había seleccionado para trazar una hoja de ruta del proyecto que nos me guiará durante las próximas décadas”, reveló.

Poco más se conoce al respecto, solo que se está preparando ese biopic de Dolly Parton que contaba con el beneplácito y que ha sido preprado en parte por ella. Todavía falta por decidir quién interpretará a la artista, quién será su director u otros aspectos relevantes.

Más proyectos en marcha

Pero Dolly Parton no solo trabajaba en su biopic, sino que estaba involucrada en otros proyectos, algunos de ellos más adelantados en su desarrollo que otros. Su equipo, por expreso deseo de la artista, han declarado que quieren “ser transparentes con sus fans al respecto” y por eso han afirmado: “Si veis música inédita, productos, libros, experiencias y campañas lanzadas a través de los canales oficiales de Dolly Parton, podéis estar seguros de que ella misma les ha dado su toque personal”.

Así, según las palabras de su representante, Parton tenía entre manos distintos proyectos como un documental musical, una serie documental, así como una serie de animación, esta última sobre su mascota y su serie de libros infantiles ‘Billy the Kid’. Sin embargo, el que más ha llamado su atención es el de las actuaciones con avatares digitales, un hecho con el que quería seguir llevando su música al público a pesar de los problemas de salud, que marcaron sus últimos meses de vida, como ha revelado People.

Otros proyectos más adelantados de la cantante ‘country’ eran, por ejemplo, el área de servicio Dolly's Tennessean Travel Stop, el hotel Dolly Parton's SongTeller, el museo Dolly's Life Of Many Colors Museum, las muñecas Dolly Dolls, Dolly’s Cup Of Ambition Coffee y Dolly On The Holly. Además, cabe mencionar la producción de Broadway ‘Dolly: A True Original Musical’, que tiene previsto comenzar su preestreno en diciembre, antes de su estreno oficial el próximo 19 de enero.

La Teatreria de Ábrego celebrará del 1 al 3 de septiembre la XII edición del proyecto 'Danzando en el Río', con presencia de artistas de España, México, Guinea Bissau y Costa Rica. Esta programación específica dedicada a la danza profesional mostrará diversidad de lenguajes, sensibilidades y formas de entender el movimiento como expresión artística.

La inauguración tendrá lugar el 1 de septiembre, a las 20 horas, con el espectáculo 'Frágil', de la compañía canaria Nómada, que forma parte del XXIV Circuito de Creación Escénica de la Red de Teatros Alternativos de España. Roberto Torres interpretará una pieza de resistencia corporal y memoria viva.

El 2 de septiembre, a partir de las 20 horas, se presentarán 'The kid next to me', a cargo del dúo Leo y Mai Rojas; 'Insomnio', solo de Mai Rojas; 'Las edades de la vida' y 'Caballo', ambas de José Piris; e 'Hijo del silencio', protagonizado por el intérprete de Guinea Bissau Justino Mendes.

Para concluir, el día 3, a las 20 y 22 horas, Ábrego ofrecerá 'España que perdimos no nos pierdas', de la compañía El Curro DT, interpretado por Alberto García.

El cantante y compositor Pablo Alborán, inmerso en la gira 'Global Tour KM0' con la que está recorriendo toda la geografía española para presentar su último álbum 'KM0', se ha visto obligado a cancelar su próximo concierto previsto para este viernes, día 21 de agosto, en Ciudad Real, por sus problemas de salud.

Ha sido el propio artista malagueño el que ha hecho saltar las alarmas sobre su estado al compartir un comunicado en su perfil oficial de Instagram revelando que acaban de diagnosticarle “una neumonía grave”.

“Por indicación médica debo guardar reposo total durante los próximos días. Gracias de corazón por llenar este concierto tan especial, y espero que nos veamos muy pronto”, ha añadido dirigiéndose directamente a todos aquellos que tenían entrada para su actuación en la capital ciudadrealeña.

Agradeciendo “de corazón” el interés por su salud en este momento tan complicado para él, ha hecho una petición a los medios de comunicación, reconociendo que le gustaría que “esta información se trate con rigor y serenidad, evitando clickbaits, interpretaciones o titulares que puedan generar una preocupación innecesaria para los míos”.

“Solo es una neumonía y ya llevo un chute de antibiótico que me va a dejar nuevo en nada”, ha explicado, dejando claro que no hay motivos para alarmarse puesto que ya se encuentra en tratamiento para recuperarse cuanto antes.

“Ahora solo toca descansar, cuidarme y recuperarme bien para seguir disfrutando de todas las aventuras que nos quedan! Nos vemos muy pronto. Gracias por todo el cariño”, ha concluido, confesando que a pesar de que le da “mucha rabia” y siente los inconvenientes de esta cancelación, no puede ofrecer un concierto en esas condiciones. “Voy a descansar unos días hasta recuperarme del todo. Un abrazo enorme”, ha concluido.

El cantautor Pedro Pastor ha suspendido la gira de conciertos que tenía programada por Estados Unidos al no recibir a tiempo su visado de trabajo por un requerimiento extraordinario de las autoridades consulares. El artista ha informado de esta cancelación a sus seguidores a través de un vídeo publicado en Instagram apenas tres días antes de tomar el vuelo que tenía reservado hacia Seattle, donde iba a comenzar junto a su equipo el recorrido programado. El inicio de sus actuaciones estaba previsto para este mismo jueves en un teatro de la ciudad de Port Angeles, en Washington.

Tras el anuncio, numerosos fans del artista han atribuido las dificultades consulares a su perfil abiertamente de izquierdas y su discurso crítico. Sin embargo, el músico declina verlo bajo ese prisma al no disponer de una notificación oficial que lo confirme. “No me han censurado la gira, han utilizado trabas administrativas, legales y jurídicas para que yo no pueda tener mi visa a tiempo”, explica el artista a elDiario.es, añadiendo que jamás le han comunicado que la decisión responda a su “discurso propalestino” o a su postura ideológica. A pesar de ello, sostiene que no es normal el problema con el trámite a última hora: “Hay una falta de interés en que vayamos”.

La mera idea de actuar en el país norteamericano ya suponía un dilema moral para el propio cantante, quien afirma que hasta ahora nunca le había interesado viajar allí por su “condición humanista, antiimperialista”. Pedro Pastor asume las dudas que le surgieron antes de aceptar hacer este tour: “Por supuesto que genera contradicciones ir a cantar a Estados Unidos hoy en día, que es el país que desestabiliza la paz mundial”. No obstante, decidió hacer la gira porque cree que no se puede juzgar a toda la gente del país por las decisiones de sus políticos.

Pastor defiende la importancia de llevar su música a los ciudadanos y, en especial, a la población migrante que reside en Norteamérica. “Es absurdo pensar que Estados Unidos es Donald Trump. La mayoría de personas que han ido a ejercer su derecho al voto han votado por él, como pasa en otros tantos países en los que gobierna la extrema derecha, pero es absurdo extrapolar eso a toda una población”, razona el músico. Por ello, reivindica la labor social de sus conciertos: “Hay muchísima comunidad latina que ahora más que nunca necesita escuchar canciones que le den un poquito de aliento, esperanza, de apapacho, de contención”.

Trabas administrativas y fondos públicos

El artista cuenta a este periódico que el proceso administrativo para lograr los permisos de trabajo comenzó en el mes de febrero, contando con los servicios de un equipo de abogados estadounidenses contratado por el equipo. Tras cumplimentar toda la información requerida, acudieron al consulado con la documentación. Fue entonces cuando, a una semana del vuelo previsto, recibieron un correo postal con un requerimiento extraordinario que ponía en duda gran parte de lo que habían presentado, exigiendo una respuesta legal que iba a tener que alargarse irremediablemente durante unas semanas.

El proyecto contaba con el respaldo de Mid Atlantic Arts, una organización estadounidense sin ánimo de lucro que funciona como socio creativo y financiero para apoyar la programación artística en varios estados norteamericanos. Esta entidad fomenta las giras de espectáculos, el intercambio cultural internacional y la concesión de subsidios para artistas de diferentes disciplinas. En este caso concreto, la gira de Pedro Pastor contaba con una ayuda económica de 26.000 dólares. Estos fondos no se entregan directamente al artista, sino que se destinan a los productores y programadores locales para cubrir hasta la mitad del caché del grupo musical en salas y festivales de zonas culturalmente menos transitadas.

El proceso para conseguir esta importante ayuda no fue fácil. Tras el éxito de un concierto acústico que Pastor ofreció el año pasado en la Universidad de Memphis, su equipo decidió presentarse a este programa y competir con otras propuestas culturales, lograron quedar como finalistas. En octubre se anunció que habían sido uno de los cinco únicos proyectos seleccionados de toda España y Portugal. Por este motivo, el cantante señala la “absurdez” y la “paradoja tan grande” de que las autoridades consulares bloqueen un proyecto que está cofinanciado, precisamente, con dinero público de Estados Unidos.

Un duro golpe para un proyecto independiente

La cancelación supone un perjuicio económico directo para un proyecto musical que lleva 15 años autogestionándose. Han perdido el dinero invertido en los billetes de avión, no recuperarán el coste de los primeros alojamientos y devolverán el dinero de las entradas a sus seguidores. Además, el grupo asumirá parte del sueldo de los músicos y técnicos implicados, sufriendo también la pérdida de ingresos por haber rechazado otros conciertos en España este mes. “Hay pérdidas económicas reales que para un proyecto como el nuestro son grandes, y además se le suma que agosto es un mes muy fuerte de trabajo en España y habíamos dicho que no a muchísimas propuestas”, cuenta Pastor.

Además, este contratiempo llega en su momento de mayor éxito comercial, con más entradas vendidas que nunca en su trayectoria. “Nos ha pillado en nuestro mejor año desde que llevamos dedicándonos a esto, que es toda la vida, y eso es lo que más nos ha dolido”, confiesa el cantautor. “Un varapalo así te corta un poco el vuelo que tienes”, destaca el artista. “Ha habido un choque emocional muy fuerte con el resto del equipo, es una gestión mucho más profunda de lo que parece”, señala Pastor, agregando que “hay unos laberintos internos que son los de una familia, que es una banda que gira y que de repente ve cómo los planes que están hechos desde el año pasado se desestabilizan fuertemente y además sin margen de maniobra”

Vamos a Argentina a cantar aunque no estemos para nada alineados con su presidente, igual que vamos a cantar en España el año que viene si gobierna la ultraderecha

Pedro Pastor — Cantautor

Hasta su viaje a Memphis, el artista madrileño solo había estado en Estados Unidos en una vez. Ocurrió cuando tenía 20 años y viajó acompañando a Emilio Silva para cantar en una ceremonia de premios otorgados por la Brigada Lincoln a la Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica. En esta nueva ocasión, la gira prometía llevarle a visitar la ciudad de Portland, una actuación en el San José Summerfest de California, el Centro Cultural de Las Vegas y conciertos gratuitos de verano al aire libre en Providence.

Pese a la cancelación de la primera parte de la gira estadounidense, la banda mantiene intacto el resto de su calendario laboral para este año. En septiembre emprenderán una gira por ocho países de Latinoamérica, mientras que desde octubre hasta finales de diciembre recorrerán diversas provincias de España, poniendo el broche final a la gira el 30 de diciembre en la sala But de Madrid. En estos directos seguirán tocando su disco aniversario 10 Locos Años Descalzos, que recoge versiones de sus temas clásicos con artistas como Silvio Rodríguez y Rozalén.

En cuanto a los conciertos norteamericanos cancelados, el equipo legal del cantante responderá al requerimiento consular con calma para intentar salvar el proyecto a largo plazo. De hecho, la banda ya tiene la otra mitad de la gira estadounidense cerrada y garantizada con diez fechas para el mes de junio del año 2027. Pastor mantiene su firme intención de actuar allí por respeto a su público y lo compara con otros de sus compromisos internacionales: “Vamos a Argentina a cantar aunque no estemos para nada alineados con su presidente, igual que vamos a cantar en España el año que viene si gobierna la ultraderecha”.

“Pensar no es de locos, pecar no es de tontos / Amar es de gente normal / Amo la libertad, amo a la gente normal”, entonó Pedro Pastor en 2014, en una de sus primeras canciones, Viva la libertad. Quedaba tiempo para que Isabel Díaz Ayuso convirtiera la libertad en su mantra y, quince años después, el cantautor continúa igualmente reivindicándola, en una defensa del término que considera obligatoria: “Entregar el significado de una palabra como libertad a quienes la tiran a la basura es error nuestro”.

Pastor está de gira por el décimo aniversario de su carrera, por el que también lanzó el disco 10 Locos Años Descalzos, versionando sus propios temas con colaboraciones como Silvio Rodríguez, Rozalén y el Kanka.

Usted es un artista que siempre se ha significado, ¿siente que es lo habitual o lo extraño dentro de la industria?

Creo que no hay un solo camino. Cada uno tiene que tomar las decisiones personales, artísticas y políticas que le hagan estar en paz consigo mismo. Yo para ello tengo que posicionarme ante causas sociales y políticas que considero justas o injustas, y tengo que usar mi altavoz. Todos los seres humanos tenemos una responsabilidad civil, pero a los artistas se nos amplifica muchísimo porque tenemos un auténtico megáfono. Cientos de miles de seguidores, cientos de miles de oyentes, ya no solo en nuestras canciones, sino en nuestros discursos, en nuestras redes sociales. Eso es muchísimo más que cualquier ciudadano de a pie. Entonces, lo mínimo es tener en cuenta esa responsabilidad. Y luego usarla en lo que a ti te haga sentir bien, porque hay artistas de diferentes corrientes ideológicas, cada vez más.

También hay quienes piensan que si se significan van a perder su público, que es respetable, aunque no cierto. Tenemos artistas absolutamente mainstream en nuestro país que lo han hecho y no han perdido su público, como Pablo Alborán o Manuel Carrasco, que ha cantado en sus conciertos una canción por Palestina y llenó igualmente cuatro días la Cartuja. Y luego por supuesto, Rosalía y Bad Bunny no se van a posicionar en la vida porque no pueden, porque viven en una división del lobby que hay un montón de inversores que no les van a permitir posicionarse jamás. Ya no es porque pierdan público, es porque hay una inversión de por medio. Eso es mucho más complejo.

Rosalía y Bad Bunny no se van a posicionar en la vida porque hay un montón de inversores que no se lo van a permitir

Pedro Pastor — Cantautor

A Bad Bunny se le aplaudió su reivindicación de lo latino y Puerto Rico con su actuación en la Superbowl, pero también hubo quien planteó si deberíamos exigirle pronunciarse por otras causas, como haber incluido una bandera de Palestina en su show.

Pero es que nosotros no somos nadie para exigirle a ningún artista nada. Las redes sociales han generado que todos nos creamos con la potestad para exigirle a cualquier persona, artista, establecimiento, las cosas que debería o no hacer. Y no somos nadie para exigirle nada a Bad Bunny. Podemos defender o no su posicionamiento, asumir que jamás se ha pronunciado sobre el genocidio en Palestina y valorar que lo que hizo en la Superbowl es bueno para el debate político.

El año pasado hubo críticas a los artistas que no cancelaron sus actuaciones en festivales que contaban con el fondo de inversión con intereses en Israel KKR.

Siempre se pone el foco en el gremio equivocado. Creo que dentro de nuestras acciones, una es no tocar en los festivales en España que ha comprado este fondo que sabemos que está especulando con territorio ocupado. Es una opción, como deberíamos habernos plantado ante Spotify, y yo personalmente no lo he hecho porque no me lo puedo permitir. Si lo hiciera dejaría de tener los ingresos que me da y de tener el mayor altavoz que existe en la música por el que luego consigo vender entradas. Habrá artistas que tienen un contrato con un festival y que no se pueden permitir bajarse. Hay otro debate en quien una vez sabido todo esto, este año han aceptado estar, pero a lo mejor no se pueden permitir no cobrar ese caché. Es delicado y cada uno tiene que hacer lo que le dé la gana.

¿Esto es algo sobre lo que hablan entre compañeros?

Entre los músicos falta totalmente ese espacio de debate, incluso entre los músicos más politizados o los artistas más alternativos o underground, o los cantautores que históricamente siempre han tenido esos espacios de encuentro. Cada uno tenemos nuestros amigos dentro de la música y sí que quedamos y debatimos, pero no tenemos un espacio real en el que lleguemos y digamos que algo está pasando y es inadmisible. No tenemos un sindicato férreo. Los músicos somos cada vez más individualistas y creo que la nueva era nos está llevando a esto. A solo querer defender y compartir nuestras gestas y logros, como que ya se nos hace hasta difícil encontrar espacios en nuestras stories para ponerle el disco al amigo, y eso es terrible.

Seguimos colaborando, sacando canciones juntos, seguimos yendo a cantar los unos a los otros, pero cada vez tenemos menos espacio para lo que no participamos nosotros mismos. Es una deriva.

Algo que también afecta a su público.

Sí. Tiene que ver con nuestros smartphones, las plataformas de streaming. Ahora salimos del trabajo y lo que queremos es ver Netflix, antes íbamos al bar, al parque, al cine o al teatro, pero desde hace diez años está todo en el móvil y nos está aislando.

En Los olvidados reivindicó a los silenciados durante la dictadura franquista. ¿Hasta qué punto estamos marcados por cómo se nos contó la Guerra Civil?

Somos hijas del pasado. Nuestras personalidades se construyen a través de lo que aprendemos en nuestras casas y colegios. Y no te hablo solo de las referencias a los asesinatos, las torturas o las desapariciones; sino también a nivel cotidiano, cómo se construye la personalidad de una persona que ni siquiera puede besarse en la vía pública, que tiene terror a nombrar cualquier injusticia por miedo a la represalia total, al encarcelamiento, al asesinato. O cómo se construyen las personalidades a través del silencio en nuestro país. Nosotros hemos sido educados por personas que han tenido que aceptar ese modelo como el único posible.

Parece que vamos abocados a que lo siguiente que gobierne en España sea la derecha, ¿puede empeorar más la situación?

Es una deriva moral. Países que ha hecho muy bien las cosas a nivel memorialístico como Alemania o Argentina, están bastante peor que nosotros si hablamos del avance del fascismo. Aquí, creo que por el miedo que teníamos de una experiencia tan larga y cercana, nos estábamos librando, pero esto no hay quien lo pare. Han encontrado un método de propaganda infalible y las izquierdas del mundo no han sabido entrar en la batalla cultural de las redes sociales. Han encontrado una mina y la han sabido explotar.

Entregar el significado de una palabra como libertad a quienes la tiran a la basura es error nuestro

Pedro Pastor — Cantautor

¿Ha cambiado en algo su relación con la palabra libertad desde que compuso Viva la libertad?

Es un error que le entreguemos el significado de ciertas palabras, sobre todo tan poderosas como libertad, que le ha costado la vida a mucha gente a lo largo de la historia; a quienes la vapulean, manosean y tiran a la basura. Ciertos sectores políticos han usado esa baza, Ayuso, Milei, pero nuestro deber también es defender el significado de palabras que pertenecen históricamente a los vencidos. Para mí la libertad sigue significando lo mismo 15 años después.

La canción habla de la gente normal, que para mí es la que tiene presente los afectos, que cuida a quienes tiene alrededor, y para quien tiene la empatía y la solidaridad como valores cotidianos y comunes. Así que viva la gente que se permite hacer las cosas que quiere hacer y no se rige por ciertos estándares. De repente hay nuevos paradigmas humanos y nos comportamos de manera distinta, somos más individualistas y fríos. Los afectos han pasado a un segundo plano y puesto primero otros que no me interesan, la pelea, el éxito, el dinero. Por supuesto que todos queremos tener éxito y dinero, pero me interesa más tener un círculo de gente fuerte y poderoso en el que apoyarme, al que poder cuidar y ser cuidado cuando no me funcionen mi éxito y mi dinero.

El “creador de canciones” asturiano Víctor Manuel es, desde este jueves, doctor Honoris Causa por la Universidad de Oviedo/Uviéu; una distinción que ha sido “algo absolutamente inesperado” para el artista asturiano, quien ha sido investido, emocionado y agradecido, en un solemne acto celebrado en el Edificio Histórico de la capital asturiana.

La sensación que Víctor Manuel tuvo al enterarse de que iba a ser el primer músico al que esta universidad con más de 400 años de historia incorporaba a su claustro de ilustres doctores era similar a la ilusión que tiene un niño a la hora de descubrir sus regalos el día de Reyes: “Es como levantarte y encontrarte debajo del árbol de Navidad un Honoris Causa”, describió el compositor, cantante y productor mierense.

Preservar la memoria colectiva

La Universidad de Oviedo/Uviéu es pionera en la incorporación de los estudios de musicología en el sistema universitario español y ha acordado otorgar al artista asturiano esta distinción en reconocimiento a “su brillante trayectoria musical y a su contribución a preservar la memoria colectiva asturiana a través de sus canciones”.

Paradójicamente, Víctor Manuel entra en la nómina de ilustres doctores Honoris Causa de la Universidad de Oviedo/Uviéu habiendo sido un “pésimo estudiante” en su juventud en su Mieres natal, como él mismo admitió en su intervención, si bien logró sustituir “los conocimientos académicos por la intuición”, una herramienta que le ha acompañado a lo largo de su dilatada carrera profesional durante más de seis décadas.

Recuerdos y reflexiones

Víctor Manuel es universalmente conocido solo con pronunciar su nombre y sin necesidad de apelar a sus apellidos -San José Sánchez- y siempre ha ejercido de asturiano y especialmente de ser de la cuenca del Caudal y a este solemne acto no podía faltar el alcalde de Mieres, Manuel Ángel Álvarez, que ha asistido, entre otras autoridades, a ver a su 'paisano'.

Tras recibir los atributos que le acreditan como doctor Honoris Causa, Víctor Manuel comenzó su intervención. El suyo ha sido un discurso profundamente personal en el que ha alternado recuerdos con reflexiones sobre la creación artística y reivindicaciones sobre el papel de la música en la sociedad.

Un “creador de canciones”

Ha comenzado expresando su gratitud a quienes impulsaron su candidatura. “Ser investido con la dignidad de doctor Honoris Causa es un gran honor para mí”, ha dicho.

Víctor Manuel ha trasladado su “más profundo agradecimiento” a la institución académica asturiana por incorporar por primera vez a un “creador de canciones”.

El misterio de la creación artística

Precisamente el proceso de creación artística ha ocupado gran parte de su intervención. El hilo conductor ha sido una reflexion sobre el misterio de la creación artística del escritor austriaco Stefan Zweig. Víctor Manuel ha recuperado la afirmación de que “De todos los misterios del universo, ninguno más profundo que el de la creación artística” y ha recordado también otra de sus citas: “Cada vez que surge algo que antes no había existido nos vence la sensación de que ha acontecido algo sobrenatural”.

A partir de estas ideas ha recorrido sus inicios musicales y ha citado a quienes entonces le sirvieron de inspiración. El cantautor mierense ha defendido que existe un impulso creativo imposible de explicar únicamente desde el conocimiento técnico y ha relatado una anécdota familiar que para él ejemplifica ese fenómeno: la primera canción improvisada por su nieto León durante la pandemia.

El valor de los errores

Para Víctor Manuel, la necesidad de crear “viene de fábrica o no se estudia en ningún libro”, una convicción que ha enlazado con otra reflexión de Zweig sobre aquellas obras capaces de sobrevivir al paso del tiempo y convertirse en parte del patrimonio cultural colectivo.

El artista asturiano ha dedicado también una parte relevante de su discurso a reflexionar sobre el éxito, el fracaso y el oficio de componer y ha reivindicado el valor de los errores y de la perseverancia.

El fracaso no tiene prestigio, pero es la principal motivación para seguir insistiendo, mientras que el éxito es el camino más rápido para la imbecilidad

Más de 500 canciones

“El fracaso no tiene prestigio, pero es la principal motivación para seguir insistiendo”, ha defendido, mientras que, en contraposición, “el éxito es el camino más rápido para la imbecilidad”.

Víctor Manuel ha escrito más de 500 canciones a lo largo de su carrera, de las que algunas “han pasado sin pena ni gloria”, algo que en ocasiones le ha provocado “una desazón inmensa”.

Las canciones “desgraciadas”

Como muestra de ese repertorio, ha compartido fragmentos de algunas de las que ha calificado como “canciones desgraciadas” y entre las que ha nombrado las siguientes: 'Si yo fuera Dios', 'El hijo del ferroviario' o 'Yo nací a la sombra de un cerezo'' atravesadas por la memoria familiar, la historia reciente de España y la Guerra Civil.

La memoria y el compromiso también han tenido hueco en su intervención. Así, ha recordado el origen de canciones fundamentales de su trayectoria, como 'El cobarde', inspirada en un reportaje de Oriana Fallaci sobre la guerra de Vietnam, o 'Planta 14', cuya prohibición durante la dictadura ha evocado como uno de los episodios de censura que marcaron sus primeros años.

Con mayor o menor fortuna, me han defendido siempre las canciones que escribo. A ellas les debo todo y no me exigen nada. A veces les cambio la letra y ni se inmutan

“A mis canciones les debo todo”

Víctor Manuel también ha rememorado canciones, vetos y dificultades profesionales derivadas de sus posiciones públicas, reivindicando la importancia de mantener la coherencia con las propias convicciones.

“Uno de mis mejores descubrimientos fue darme cuenta, muy joven, que no podía gustar, complacer a todo el mundo al mismo tiempo”, ha desvelado. También ha revelado otro dato personal: “Con mayor o menor fortuna, me han defendido siempre las canciones que escribo. A ellas les debo todo y no me exigen nada. A veces les cambio la letra y ni se inmutan”.

La fuerza emocional de la música

Otro momento significativo de su intervención ha sido su reflexión sobre la capacidad de la música para formar parte de la experiencia vital de las personas.

“No hay nada más democrático que la música”, ha ratificado el músico mierense, quien ha afirmado que cada individuo construye una banda sonora propia vinculada a recuerdos, afectos y experiencias compartidas. Para ilustrarlo, ha recurrido de nuevo a su historia más personal para recordar la imagen de su madre enferma de alzhéimer reaccionando a los acordes de 'Suspiros de España', una escena con la que quiso subrayar la fuerza emocional y la permanencia de la música incluso cuando desaparecen otros recuerdos.

Víctor Manuel ha concluido su intervención con una nueva referencia a Stefan Zweig para reivindicar la incertidumbre inherente a toda creación artística y ha dedicado la distinción a su familia y amigos, especialmente a su mujer, la artista Ana Belén, para quien ha ido destinado un fragmento de 'Gracias por todo'.

La música despidió el pasado 2 de junio a una de sus voces masculinas más románticas, la de Peabo Bryson, que falleció tras sufrir un derrame cerebral a la edad de 75 años, dejando un legado musical destacado como ‘rey de las baladas románticas’ en los géneros del R&B y soul.

Pero si por algo se hizo conocido entre varias generaciones fue al poner voz a dos de las canciones más románticas de Disney, de la década de los 90, cuando el estudio vivió una segunda ‘edad de oro’. Hablamos de ‘Un mundo ideal’ de Aladdin y de ‘La bella y la bestia’, que interpretó junto a Céline Dion.

La cantante canadiense ha tenido un sentido mensaje de despedida en redes sociales, destacándolo como “un verdadero símbolo de la la alegría que la música ha traído a mi vida” y su lado colaborativo: “Su increíble voz y su espíritu bondadoso encarnaban la belleza de la canción y la interpretación. Fue tan maravilloso y generoso conmigo hace tantos años, cuando grabamos La Bella y la Bestia. Me hizo sentir muy cómoda, ya que estaba aprendiendo a cantar en inglés”, escribió en un mensaje de Instagram.

‘La Bella y la Bestia’ confirmó a Céline Dion como estrella internacional

Nos situamos en 1991. Disney se sitúa en el comienzo de una nueva etapa que más tarde se conocerá como el ‘Renacimiento’ después del éxito de ‘La Sirenita’ en 1989 y que cambiaría el ritmo de la compañía, que se replanteó su forma de hacer cine de animación.

Una de las claves de esta nueva ‘etapa dorada’ fue el formato musical de Broadway, con el compositor Alan Menken y el letrista Howard Ashman como figuras clave. La confirmación llegó con el estreno de ‘La Bella y la Bestia’ en 1991, la película que promovió mensajes como “la belleza está en el interior”, que se quedó en el imaginario de varias generaciones debido a la canción del mismo nombre que interpretaron Céline Dion y Peabo Bryson.

La artista canadiense vivió ese mismo año su punto de inflexión, porque pasaría de ser una cantante con éxito reducido a Canadá y el mercado francófono a ser una estrella internacional con 23 años. Su decisión de cantar en inglés, con el lanzamiento del disco ‘Unison’ fue clave, siendo su número 4 en Billboard con “Where Does My Heart Beat Now” su primer gran éxito y la primera piedra, que se confirmaría gracias a la llamada de Disney.

Que Dion fuera elegida para interpretar el tema principal de ‘La Bella y la Bestia’ la confirmó como una estrella internacional en ascenso, y ella misma aseguró que le sorprendió ser la escogida para cantar a dúo junto a Bryson, ya entonces conocido como ‘rey de las baladas románticas’:

“Cuando nos ofrecieron cantar ‘La Bella y la Bestia’ a Peabo Bryson y a mí, para una película que estaba a punto de estrenarse, me asombró que me consideraran para cantar con él, a quien conocía y admiraba mucho, y resultó ser un gran éxito. Nos sentimos muy privilegiados de formar parte de esto”, aseguró en una entrevista.

Dos años después de grabar ‘La Bella y la Bestia’, la canción ganó el premio Grammy a la Mejor Interpretación Pop de un Dúo o Grupo con Voz, habiendo recibido también nominaciones a Grabación del Año y Canción del Año. El resto es historia, Peabo Bryson repetiría la fórmula de éxito con ‘Un Mundo Ideal’ y Aladdin y Céline Dion se asentaría como una de las mayores estrellas del pop y de la balada, pero sin perder de vista el cine, siendo parte de la banda sonora de otro éxito como fue ‘Titanic’ y su ‘My Heart Will Go On’.

La ciudad de Cáceres celebrará el próximo jueves, a las 19.00 horas, un acto de homenaje a Pablo Guerrero en la Biblioteca Pública del Estado. La iniciativa reunirá a un amplio grupo de voces del ámbito cultural extremeño con el propósito de reconocer la vigencia de una obra que ha acompañado a varias generaciones y que continúa siendo un referente ético, estético y social.

El acto contará con la participación de Javier Arroyo, Víctor Asuar, Elisa Blázquez, Francisco de Borja, Manolo Cañada, Jeremías Clemente, Enrique Cidoncha, Santos Domínguez, Pilar Galán, Antonio Guerrero, Miguel Ángel Lama, Celia Muriel, Miguel Ángel Naharro, Nando Juglar, Teresa Rejas y Ada Salas, entre otros nombres vinculados a la creación literaria y musical en Extremadura. La diversidad de perfiles convocados refleja la amplitud de la huella que Guerrero ha dejado en la cultura contemporánea.

Una trayectoria singular

El homenaje coincidirá con la presentación del libro Pablo Guerrero. Porque amamos el fuego, una obra en la que Manuel Cañada propone un recorrido por la dimensión humana, artística y comprometida del cantautor. El volumen se articula a partir de testimonios, recuerdos y reflexiones que permiten situar la figura de Guerrero en el contexto social y político de las últimas décadas, alejándose de la biografía convencional para ofrecer una lectura más profunda de su legado.

El título, tomado de uno de los versos más reconocibles del universo poético del artista, subraya la importancia de la palabra como herramienta de resistencia, de belleza y de conciencia crítica. Cañada, conocido por su activismo social y por su defensa de los derechos de las personas más vulnerables, aporta una mirada que conecta la obra del cantautor con los movimientos sociales y con las transformaciones culturales del país.

Un referente de la canción de autor

Nacido en 1946 en Esparragosa de Lares, Pablo Guerrero es autor de canciones emblemáticas como A cántaros, convertida en un símbolo de esperanza durante los últimos años del franquismo y la Transición. Su producción, que abarca más de cinco décadas, se caracteriza por la búsqueda estética, el compromiso social y una profunda vinculación con el paisaje, la memoria y la cultura popular.

Su obra ha influido en varias generaciones de músicos y escritores, y ha contribuido a consolidar una forma de entender la canción de autor en la que la poesía, la sensibilidad social y la experimentación musical conviven de manera natural. Guerrero es considerado una figura clave para comprender la evolución de la música de autor en España y su relación con los cambios políticos y culturales del país.

Un reconocimiento colectivo

La cita en la Biblioteca Pública de Cáceres aspira a convertirse en un acto de reconocimiento colectivo a un creador que ha trascendido el ámbito estrictamente musical para convertirse en una referencia ética y cultural. El encuentro pretende celebrar la palabra, la poesía y las canciones de una de las voces más singulares surgidas de Extremadura, y reivindicar la vigencia de una obra que continúa interpelando al presente.

Si hace dos meses el sitio en el que había que estar era el 'confesionario' de Rosalía, ahora la fiebre se ha contagiado del ritmo puertorriqueño de Bad Bunny y todo famoso que se precie quiere estar allí. La 'Casita' que ha construido el 'conejo malo' para los conciertos de su gira europea no deja de ser un escenario secundario, pero se ha convertido en uno de sus símbolos —y en un generador de virales—. 

Si a su paso por Barcelona se sumaron a la lista de celebridades que han pasado por sus conciertos las actrices Úrsula Corberó y Priscila Delgado, el presentador Marc Giró o los futbolistas del FC Barcelona Lewandowski o Lamine Yamal, ahora con su llegada a Madrid y una decena de conciertos por delante, la lista no ha dejado de ampliarse.

Entre los 'elegidos' para bailar en la 'Casita' al ritmo de las canciones de la gira Debí tirar más fotos ya hemos podido a ver a los actores y actrices Ana de Armas, Ester Expósito, María León, Clara Galle y Martiño Rivas. También se han dejado ver futbolistas del Real Madrid y del Rayo Vallecano como Álvaro Carreras, Dani Ceballos, Isi Palazón o Sergio Camello. Y no han faltado miembros de la Jet Set como la tercera mayor fortuna del país, Marta Ortega, hija de Amancio Ortega y presidenta no ejecutiva del grupo Inditex, aunque tratase de esconderse detrás de una columna.

También se pudo ver este pasado fin de semana a la empresaria e influencer italiana Chiara Ferragni entre los famosos o al cantante Mvrk. E incluso al legendario jugador de baloncesto y vencedor de seis anillos de la NBA Michael Jordan. Tal es la expectación por las personalidades que puedan acceder a tan codiciado espacio que se rumorea que incluso el jefe de la oposición y líder del Partido Popular, Alberto Núñez Feijóo, trató de acceder a la 'Casita' del Estadio Metropolitano. Por el momento, no lo ha logrado.

El domingo 31 de mayo fue el turno de los directores de cine Javier Calvo y Javier Ambrossi, a quienes se vio junto a la actriz Hiba Abouk. También estuvo presente la cantante Judeline, totalmente entregada, o el músico Álex de Lucas. De nuevo, no faltaron los futbolistas, en esta ocasión el capitán del Atlético de Madrid Koke Resurrección o el bético Héctor Bellerín. No faltó a la cita el actor y presentador valenciano Arturo Valls, habitual de los grandes conciertos en la capital.

El músico y compositor toledano Kike Calzada regresa a Toledo el próximo sábado 30 de mayo en la Sala Pícaro, a las 20:30 horas. Allí presentará su último trabajo, 'La Pedida', en un concierto junto a la Tie Band, una formación creada junto a músicos y amigos habituales de su trayectoria.

Sobre el artista

Kike Calzada (Toledo, 1987) comienza su trayectoria musical formando parte de diferentes agrupaciones de su ciudad antes de iniciar su carrera en solitario en 2014 con el lanzamiento de 'El Hombre sin Hombros', un trabajo conceptual grabado en Asturias junto a Héctor Tuya.

En 2015 publica 'Coloreados', disco con el que realiza una extensa gira de más de 200 conciertos por España, llegando también a actuar en Francia e Inglaterra.

Ambos trabajos fueron producidos por Enrique Muñoz para La Buitre Producciones y dieron lugar al nacimiento de dos proyectos audiovisuales: El Film de El Hombre sin Hombros y El Film Coloreados, disponibles en YouTube.

En 2020 se traslada a Madrid, donde funda su estudio Las Torres de Madera y comienza también su faceta como productor musical, trabajando en discos como 'Manual de Despegue' (Kike San) y 'Canciones contra el Futuro' (DelRoto).

La Tie Band, que le acompañarán en este concierto en la Sala Pícaro, está formada por Ritxi Fish (batería), Stefano Bradi (bajo), Fran Gª Oeo (teclados), Damián Acero y Amable Rodríguez (guitarras eléctricas), mientras que Kike Calzada estará al frente con guitarra acústica, armónica y voz.

Su último trabajo: 'La Pedida'

'La Pedida' es el tercer trabajo discográfico de Kike Calzada y también su primer álbum de larga duración, de 14 canciones. El disco ha sido compuesto, grabado y producido entre Madrid y Toledo, “combinando una producción orgánica y cuidada con un enfoque cercano a la canción de autor, el folk-rock y el sonido de banda en directo”, según destaca el artista.

El compositor explica que se trata de una obra de rock de autor que transita desde los pasajes más crudos, intensos y viscerales hasta sonidos acústicos, desnudos y puros, pasando por medios tiempos con influencias country, folk y una rica instrumentación.

“Las letras, sinceras, profundamente personales y simbólicas, construyen un universo emocional donde conviven el amor, la caída, el miedo, la esperanza y la necesidad de encontrar refugio en los demás”, expone.

El disco ha sido producido desde el estudio Las Torres de Madera, creado por el propio artista en Madrid, y ha contado además con la ayuda en el proceso de grabación de Mariano López en Frenesí Studio Drums y Dani Marx en La Selva Records.

El trabajo incluye las colaboraciones de Ritxi Fish, Damián Acero, Fran Gª Oeo, Manu Clavijo y un coro de más de 100 personas.

La mezcla y masterización han sido realizadas por Javi Ustara en Mpire Studio.

Las entrada pueden adquirirse de manera ancitipada a través de este enlace por un precio de 12 euros, y también en taquilla el mismo día del concierto, con un precio de 15 euros.

Hace 40 años, la canción “Si tú eres mi hombre y yo tu mujer” de Jennifer Rush ocupaba lo más alto de la lista de sencillos en España, en la que se mantendría durante semanas, obteniendo un gran éxito con otra versión de las varias que ya había tenido y las que tendría, llegándose a afirmar como “la canción de amor de la década”, como reza el propio sitio web de la cantante estadounidense.

Y es que esa era la versión en español de “The Power of Love”, que había sido adaptada por Luis Gómez-Escolar, y que fue el enésimo número uno para la canción de amor que sería una de las baladas románticas más significativas de la década e interpretadas por artistas femeninas.

La historia camaleónica de “The Power of Love” de Jennifer Rush

Casi dos años antes del éxito de su versión español, en 1984, fue cuando se había publicado por primera vez la canción, grabada en Frankfurt, en Alemania, donde residía la cantante, que trabajaba entonces para el ejército de Múnich, y que había probado varias veces suerte en la música, hasta encontrar el tema que le abriría la fama.

Y es que, en 1979, antes de mudarse a Alemania, Jennifer Rush, que en realidad se llamaba Heidi Stern, había publicado su álbum debut en Estados Unidos bajo su nombre real, pero este pasó desapercibido. Con su verdadero nombre había también publicado sus primeros temas en Alemania en 1982. Como Jennifer Rush fue cuando encontró sus primeros éxitos, cuando entre febrero y marzo de 1984 realizó una gira con la Filarmónica de Berlín interpretando temas de la banda sonora de James Bond, asombrando al público con su voz.

Así, finalmente en diciembre de 1984 fue cuando “The Power of Love” vio por primera vez la luz, aunque solo llegó al número 16 en Alemania. Este éxito discreto cambiaría cuando un promotor de CBS en Londres escuchó cantarla en una convención discográfica en Hawai y en octubre de 1985, la canción tuvo una nueva vida lanzándose en el Reino Unido. Una decisión que cambiaría la carrera de Jennifer Rush, que vería como el tema que había escrito junto a sus productores la haría famosa.

De hecho, su número uno en el Reino Unido que duró cinco semanas y que permaneció 16 en total en la lista, supusieron que entrara en el Libro Guinness de los Récords como el sencillo más vendido en el país en 1985 con más de un millón de copias, tan solo en un par de meses antes de finalizar el año. Así, fue el sencillo más vendido por una artista solista femenina en la historia de la música británica, un récord que ostentó hasta 1992 cuando Whitney Houston se hizo con él con otra famosa balada romántica, “I Will Always Love You”.

Desde aquí, la década de los 80 fue de gran éxito para Jennifer Rush, que luego también tendría buenos números con canciones como “Ring Of Ice” o su dúo con Elton John, “Flames Of Paradise”, que se unieron a sus colaboraciones con otras personalidades de la música entonces como Richie Sambora de Bon Jovi, Desmond Child o Michael Bolton.

La segunda vida que le dio Céline Dion: el éxito en EE. UU

A pesar de ser el país natal de la cantante, el éxito en Estados Unidos se resistió, pues la canción solo llegó a alcanzar el puesto 57 de Billboard. No sería hasta 1993 cuando “The Power of Love” se convertiría un himno romántico también en USA, con la versión de Céline Dion, que le dio una destacada fama comercial, también en Canadá o Australia, además de reentrar en otros territorios europeos.

La versión de Céline Dion se convirtió en el sencillo más vendido por una artista femenina en 1994 en los Estados Unidos y el octavo más vendido en general, con 900.000 copias vendidas, y fue el primer número uno para la cantante canadiense, abriendo una trayectoria brillante y longeva. Tanto es así que la propia Billboard la reconoció dentro de su lista de “Mejor Canción de Amor de Todos los Tiempos”. Y es que ha quedado como una de las baladas románticas más traducidas, versionadas y todo un clásico del pop.

Los kilómetros pasan lentos en la A-31, entre los horizontes abiertos de la Mancha albaceteña. Suena una canción en la radio. Una voz cálida, sostenida por una guitarra, deja una frase que parece resumir este paisaje: “El llano se me está haciendo largo, mis alas se cansan si no estás. Estar lejos de tu lado, estar fuera de lugar”. Este caprichoso azar del algoritmo conduce al último trabajo de Alejandro Santoyo, ‘Al otro lado de la épica’, su tercer disco de estudio que al que ha dedicado años de intenso trabajo.

Una guitarra y una trayectoria de afilar “dudas y metralla” definen a este músico albaceteño nacido con el milenio y que se ha tomado muy en serio lo de contar historias en sus canciones. “Creo que un artista debe arriesgar si las canciones se lo piden e intentar derribar ciertos miedos que normalmente se encarnan en comodidades o atajos”, comenta a lo largo de la ineludible entrevista que vendría después de descubrir su música. 

“Amarro cada sueño, naufrago al despertar”. Un verso de ‘Caballos perdidos’, otro de los temas repleto de frases que merecen ser escuchadas con atención, con el sosiego perdido de unos tiempos demasiado vertiginosos. “Estamos atiborrados de estímulos y de ‘épicas’ de plástico que cada vez nos deshumanizan más y nos alejan de quien queremos ser”, explica “cabalgando entre las grietas” en la conversación posterior. 

Escuchando a Alejandro Santoyo se percibe ese mimo del arreglo minimalista alejado de ese sonido en el que todo el grupo tiene que sonar en todos los acordes de todas las canciones. Le acompañan, o mejor dicho, le arropan en el disco: Manuel Sánchez ‘Tuti’ al bajo; José Ignacio Córcoles ‘Giuseppe Trip’ y Miguel Monsalve a las baterías; Quino Lucas y Joaquín Pascual a los teclados y sintetizadores; Lucía Ruiz al violín; Alina Voicu a la viola; Honky Tonky Sánchez a la guitarra eléctrica y David López ‘Niestro’ al saxofón.

En una primera escucha descuidada quizá no apreciemos los matices de grabaciones adicionales realizadas en Baboon Records, en Albacete, y en estudios domésticos ubicados en Chinchilla de Monte-Aragón y Ayora, con fragmentos de videoclip grabados en Albacete, Alboraya, Ayna, Guardamar del Segura, Madrid, Nerpio, Puerto de Mazarrón o Valencia.

Una grabación en ruta. La más pura esencia de Kerouac, cuando escribe eso de que no había ningún lugar al que ir salvo a todas partes, así que sigue rodando bajo las estrellas. “He estado experimentando cómo grabar un disco con todas las texturas y recursos sonoros que me pedían las canciones”, explica. 

Este disco ha sido un cambio de escala de producción. Más músicos, más recursos instrumentales, más teclados, algunas cuerdas. Un proceso minucioso que precisa una escucha reposada como esta llanura manchega. Pensó este trabajo como una “resplandeciente página en blanco con la que podía hacer lo que quisiera”, retornando a Kerouac. “Apenas he escatimado en medios en lo que a producción o instrumentaciones se refiere. Me he entregado a este álbum como un ferviente devoto… una ambición sonora, un deseo”.

La música y la conversación lenta van desvelando una trayectoria que comenzó con su mayoría de edad, cuando publicó ‘Alquitrán y espinas’, un primer disco grabado con una producción mínima que sirvió para arrancar una pequeña gira en directo, con estas canciones que a veces se aflamencaban o rumbeaban, pero que tenían la esencia de una canción de autor que combina texto e intención, entre el Kanka y Dylan. 

Cada disco cuenta

Tras ese primer trabajo, en 2022 apareció ‘El corazón es un órgano de fuego’, un trabajo con mayor intención sonora, más canalla y más urbano, que condujo a un directo en el Teatro-Circo de Albacete, donde resumió en cinco temas una propuesta de síntesis y evolución que cristaliza en este nuevo trabajo de estudio. “Cada disco cuenta”, explica. Recuerda la importancia de cada una de sus etapas creativas y vitales que le han permitido llegar a este trabajo centrado en situaciones fuera de los relatos más visibles. 

Ahora llega el momento de la verdad, de conocer la respuesta del público a este intenso trabajo de cuatro años y para eso contará con una edición del trabajo en vinilo de 180 gramos, CD y material gráfico acompañando, o arropando, a las letras. 

En directo, el proyecto ya tiene confirmadas varias fechas. El 8 de agosto actuará en el festival Traska Rock, donde presentará un repertorio que traslada el carácter del disco al formato de directo. El 23 de octubre ofrecerá una presentación completa del álbum en la Casa de la Cultura José Saramago de Albacete, en una cita clave dentro de la gira. Es sólo el inicio del recorrido.

“El teatro se está quemando y vosotros os andáis riendo”, canta en Danza Macabra, uno de los temas incluidos en este nuevo trabajo. Seguimos en el camino. Llanos Santoyo, su hermana pequeña, en primero de periodismo me acompaña en esta entrevista. Su primera entrevista. La vida está llena de maravillosas casualidades.

“Se dice que la cancelación destroza la vida de hombres, pero todos siguen trabajando, siendo famosos e impunes”. La violencia sexual y su respuesta social es uno de los temas que Sandra Delaporte ha volcado en su durísimo, realista y honesto primer libro Del barro al poema (Lunwerg). Y lo ha hecho a través de versos y canciones en los que reflexiona y arroja luz sobre la soledad, el suicidio, lo que ha acuñado como famositis y la vulnerabilidad.

La cantante, productora y vocalista de Delaporte —que el pasado mes de noviembre denunció la agresión sexual que sufrió durante un concierto— ha agarrado sus heridas, las ha abierto, ha dejado salir su pus y las ha limpiado sin dejar de retorcerse. También las ha permitido desgarrarse incluso un poco más, para acabar sanando, renovando su piel, abrazándolas y cuidándolas en un ejercicio de honestidad que sobrecoge por la crudeza y a la vez delicadeza con la que ha suturado sus llagas.

Su libro entronca con la idea de felicidad que abunda hoy en día, reducida muchas veces al imperio de Mr. Wonderful.

La felicidad como marca es mentira. A nivel social estamos en una deriva de hiperdisociación, de vanidad, que se ha colado a través de la marca de felicidad social y de solucionar todos nuestros problemas de abandono y heridas a través de conseguir fans, de que nos vean, de sentir que existimos y somos importantes a través de las demás personas. Desde un yo que no es real y que genera más vacío, porque al final te quieren desde una marca que has generado, no desde quien tú eres realmente. Se ensalza la marca de que la vida es maravillosa, de que todo es genial, viaja y que se te pase, consume y que se te pase, ve a 800 festivales, consume más alcohol...

Yo he tenido ideas suicidas y hay que hablar de que es un fracaso social, no individual, porque no encajamos en el sistema que se nos ha vendido de producción capitalista. Un modelo de existir en torno al consumo, que ya es fracaso, pero no nuestro. Quien se atreve a mirarlo de frente y ver esas heridas, es quien hace la revolución, quien ve la vulnerabilidad, quien de pronto conecta con la ternura y con lo más radical de todo, que es ser buena persona, incluso aunque tengas que renunciar a ser famoso o todos estos vacíos que estamos llenando con esta moto a toda velocidad. Somos más listas de lo que parece, nos la intentan colar pero no funciona. Hay más precariedad que nunca, el problema de la vivienda es brutal, el nivel de depresión, los problemas de salud y salud mental, es abismal.

¿Qué es la 'famositis'?

La famositis es una inflamación aguda del ego que viene de la enfermedad de la idolatría. Tener referentes e inspiración es superimportante, pero de ahí a la locura que se ha generado... El backstage de muchos festivales es a ver quién está con la abeja reina. Imagina que aparecen aquí Rosalía, Nathy Peluso o Beyoncé, ¿qué va a pasar? Es que hasta deshumaniza a la persona. Se convierte en la masa masiva que se supone que es el éxito al que aspirar y al que idolatrar, como si esa persona tuviera algo fundamentalmente maravilloso; y es una persona igual que tú.

¿Con millones detrás para precisamente convertirlo en algo que inflame el ego y la enfermedad de la idolatría? Sí, pero a mí no me gusta que me idolatren. Me parece una falta de respeto. Me parece bien que te inspire, que te guste lo que hago, que te ayude; pero yo quiero hablar con un humano, no con un niño de doce años que ve a un superhéroe porque canta y lleva cosas de marca. Lo siento pero no.

No me gusta que me idolatren. Me parece una falta de respeto. Me parece bien que te inspire, que te guste lo que hago, que te ayude; pero yo quiero hablar con un humano, no con un niño de doce años que ve a un superhéroe porque canta y lleva cosas de marca

Sandra Delaporte — Compositora, productora y cantante

Reflexiona sobre las veces que se perdió a sí misma por agradar, ¿la industria musical permite que se den cuenta?

Cuanto más agradas más te abandonas a ti misma, y cuanto más lo haces, más difícil es que te quieran por quien eres y más gordo se hace el abismo. Es un sistema de supervivencia que me ha mantenido, pero admito que he sido 'agradadora' máxima de amigas, amigos, público, pareja. Me he puesto ropa que no quería. No me gusta el modelo sexual femenino que impera hoy en día.

No me identifico nada con el canon, no me gusta maquillarme, no me gusta pintarme las uñas, no me gusta enseñar cosas y lo he tenido que hacer para agradar a un público, conseguir fans, que me idolatren, siendo alguien que no soy. Y vender una marca de que el sueño de todo artista es ser Dua Lipa. Pero es que me parece arte vacío, que no es real y nace de la supervivencia del agradar.

Muchas artistas mujeres parecen cortadas por el mismo patrón, ¿hay margen de cambio en una industria que lo perpetúa?

Yo he tenido que revisar mucho qué es el éxito para mí. Yo no sé si voy a tenerlo o no, pero lo que no voy a hacer es perderme otra vez porque me marchito, me muero, no soy yo. Yo creo que en realidad nadie está bien. Luego es verdad que hay gente que utiliza su altavoz para hablar de violencia de género, de todas las formas de intransigencia y antihumanidad que existen, lo cual es muy valiente; pero es que yo no quiero ser Aitana ni Dua Lipa.

No quiero aparecer bailando. Yo o hago punk, o hago techno o hago este libro; no quiero un público masivo, quiero público consciente. Ese es el éxito para mí, poder vivir dignamente, poder pagar el alquiler, comer, hacerme algún viaje de vez en cuando, pagarme mi terapia, y ya está. Y si no, puedo dedicarme a mil cosas más. Yo voy a crear hasta el día en que me muera, pero si lo que creo no late o no forma parte de, me da igual. El dinero ya no es un monstruo al que tengo que agradar.

En su experiencia, ¿cómo se ha sentido al hablar del suicidio? ¿Falta conversación sobre ello?

Sí. Creo que lo oscuro no se ve y muchas personas no se sienten vistas. Los consejos de la marca de la felicidad, de “ay bueno, pero la vida es maravillosa, céntrate en eso”, no ayudan a superar el suicidio, promueven el aislamiento. Si la gente no se expresa y pide ayuda, se mata, porque precisamente te quieres matar porque te sientes sola y abandonada. Sin las otras personas no vivimos. Nos han intentado hacer pensar que somos independientes, que podemos con todo, todo esto de los cripto, que qué pereza y coñazo de seres humanos. Todo ese tipo de mensajes no van con la humanidad.

El aislamiento es lo peor que hay y paradójicamente ahora estar aislado es lo cool y lo guay. Así que ver a gente hablando del suicidio a mí me ha salvado, y hablar de la muerte con total naturalidad. Todas vamos a morir. También hay un rollo de “somos superheroínas inmortales” y eso es mentira. Nos da tanto miedo darnos cuenta de la vulnerabilidad que tenemos que vamos corriendo a idolatrar a personas que nos hacen creer que somos inmortales, maravillosas y que podemos con todo, y es todo mentira. Las personas que hablan de su humanidad sí salvan vidas, y son gente valiente.

¿Qué lugar ocupa la vulnerabilidad en la actualidad?

A mí me enseñaron de pequeña que la vida es dura y que tú tienes que ser más fuerte que la vida. Y hay que ser fuerte, poder con todo, y ser demasiado sensible es un problema; y ser demasiado intensa, también. Venimos de una deriva, que siguen gobernando hombres, que nos dice que tenemos que producir, autoexplotarnos, morir en el intento, y que vivan el honor, el orden, la ley y el rey. Hay una voz constante que dice “sé fuerte y no llores” y que la vulnerabilidad es de débiles. Y si eres débil, mueres.

Para mí, en estos últimos años mi vulnerabilidad ha sido mi única fortaleza, porque es lo que realmente me dice quien soy, me permite poner límites y decir “yo no me autoexploto” y “no me voy a suicidar porque tú me grites”. Te voy a decir que no. A la industria musical, con todo el cariño del mundo y lo que me has dado, gracias, pero por aquí no paso. No me voy a poner bótox. Voy a tener canas, arrugas; y si a ti no te gusta, es que no tengo que estar ahí.

Otro tema que aborda es su experiencia como víctima de violencia de género, ¿hace falta también poner más el foco, o incluso replantear la manera de hacerlo?

Al principio se suele poner mucho el foco en victimizar, en la carnaza. Me pasó cuando anuncié en mis redes sociales, que es mi comunidad, la agresión sexual que sufrí durante un concierto. Lo hice porque lo sentí como una traición porque de mi público espero que haya un mínimo de conciencia y de responsabilidad. La libertad no es lo que dice Ayuso, requiere de mucha responsabilidad, y si no la tienes, es tiranía. Es mucho del neoliberalismo del “todo vale” y no, no todo vale. Me cabreé mucho porque cuando bajo del escenario hay un pacto de confianza y seguridad. Y si eso se rompe no está bien, y lo comuniqué. ¿Qué pasó? Me llamaron de programas de televisión que no me habían llamado en la vida. Y no, si quieres carnaza ve a buscarla a otra parte. Esto es muy sensible.

Al principio se pone el foco en la denuncia, y en poner en duda a la que denuncia, como pasó con Julio Iglesias. Lo más difícil es tener la valentía de denunciar y rehabilitar a esa persona para que pueda volver a confiar en un hombre, en la vida y para que no se quite la vida, que es lo que más me está costando a mí. Llevo diez años de terapia intensiva trabajando el abuso narcisista, el abuso sexual y el maltrato psicológico. Y nadie pone el foco ahí, nadie habla del pánico a que te toquen, del ser humano que hay detrás de todo lo que está pasando.

Y peor aún, se dice que a los hombres les destrozas la vida por la cancelación, pero es que todos esos hombres siguen trabajando, siguen siendo famosos, siguen haciendo de su vida lo que les da la gana y pasan impunes. Da la sensación de que todavía socialmente se protege más al agresor que a la víctima, se pone en duda antes a la víctima que al agresor y al que abusa. Y el único responsable del abuso es el que abusa. Si tú decides poner en duda a la víctima o, como en el bullying, decides poner en duda al niño que están pegando, eres parte del bullying. Y si no lo quieres ver, es porque no te importa una mierda la humanidad. Te importas tú, tu ego y tu narcisismo.

Vídeo completo de la entrevista

Vídeo: Adrián Torrano

Su estilo melancólico y elegante, poco estridente, inundó las radios de todo el mundo a principios de los 2000. La voz de la cantante británica sonaba mundialmente con canciones como “Thank You”, “White Flag”, “Life for Rent” o “Here With Me”, la canción que fue uno de sus mayores éxitos y que era número uno en España hace 25 años.

Tuvo una segunda oportunidad para el éxito

Pocas canciones pueden decir que han tenido una segunda oportunidad para alcanzar el éxito, con la misma artista y sin cambiar nada, sin una diferente versión. El 1 de febrero del 2001 volvía a publicarse “Here With Me”, en esta ocasión en el Reino Unido, después de haber sido lanzada por primera vez en 1999 en Estados Unidos.

El álbum del que formaba parte, “No Angel”, vivió una segunda vida exitosa y fue entonces cuando se decidió que uno de sus singles también merecía esa nueva oportunidad. Con su relanzamiento en 2001 se convirtió en uno de los éxitos del año, llegando al número cuatro en el Reino Unido, su país natal, donde alcanzaba el top 5 por segunda vez de forma consecutiva tras haberlo hecho con “Stan”, la colaboración con Eminem en la que incorporó en sample el primer verso de “Thank You”.

De hecho, no se equivocaron, fue así, en parte también porque formó parte del tema principal de la serie ‘Roswell’, que estuvo en antena entre 1999 y 2002. Alcanzó todavía más fama después de aparecer en una escena relevante de la película ‘Love Actually’, estrenada en 2003, y que se ha convertido en uno de los clásicos del cine navideño.  Así, “Here With Me” se hizo famosa en todo el mundo, no solo en Reino Unido y Estados Unidos, siendo también top 5 en países como Francia, Nueva Zelanda y llegando al número uno en Australia.

Con dos lanzamientos, en 1999 y 2001, la canción de Dido tiene también dos videoclips. El primero fue rodado en tonos sepias y mostraba a la cantante caminando por diferentes lugares, pero no acabó de convencer a la artista, que, aunque con bajo presupuesto, esperaba más creatividad para el lanzamiento del sencillo. Es por esto por lo que para su publicación internacional se grabó un segundo video en el que ella aparecía cantando sobre una cama en una habitación, que se combinó con escenas en las que caminaba por las calles de Ontario, Canadá.

Una canción que dedicó a su novio de entonces

Dido, que nació como Florian Cloud de Bounevialle O’Malley Armstrong en Londres en 1971 el día de Navidad, escribió “Here With Me” hablando sobre su relación con su novio de entonces, Bob Page, con quien se llegaría a comprometer, pero que rompería tras siete años juntos. En 2013, cuando le preguntaron sobre el tema, Dido recordó lo que significó en su carrera: “Fue la primera canción que escribí que fue buena. Es una canción de amor simple, escrita en un tiempo bastante oscuro”, admitía.

Y es que la canción fue la que marcó sus comienzos, pues la tocó por primera vez para su hermano y ella quería en un principio que encontrara un artista para que la interpretara, pero sería él quien le convencería para que ella misma la cantase. Ese mismo día firmó con la discográfica y fue como arrancó su trayectoria profesional.

Dido nunca desapareció y siguió haciendo música

Si bien Dido no volvió a tener un fuerte protagonismo en la música pop desde su estrellato a principios de los 2000, la cantante británica no dejó de lanzar discos, solo priorizó su vida personal, bajando el ritmo de lo que venía haciendo.

Un momento clave fue 2006, cuando lanzó su disco más personal y oscuro, “Safe Trip Home”. Lo grabó tras el fallecimiento de su padre y en uno de los momentos más difíciles de su vida, dicho por ella misma: “Me encanta el tercer álbum. Tiene la mayoría de mis canciones favoritas. Pero no podía cantarlas en vivo. Era tan crudo en ese momento. Mi padre acababa de morir. Muchas de ellas trataban de eso. Era como, ‘Oh Dios, no puedo hablar de esto’. No lo pensé” declaró al respecto. Por eso decidió no promocionarlo al mismo ritmo y no realizó una gira después.

Si bien publicaría más trabajos como “Girl Who Got Away”, Dido lo haría a un ritmo más pausado y no sería hasta el lanzamiento de su disco “Still on My Mind” en 2019 cuando volvió a ofrecer conciertos, 15 años después. Todo ello queriendo disfrutar de la música, pero sin la ambición de obtener un hit viral.

No importaba que fuera domingo ni que al día siguiente hubiera que trabajar. Al sonar los primeros acordes de 'El último vals' con decenas de fotografías ordenadas cronológicamente de Leire Martínez, desde sus primeros pasos -en la vida y en la música- hasta hoy, el público a rebosar de la Sala Santana de Bilbao ha empezado a vibrar. Ha sido el primer y único concierto por el momento de la que fuera cantante de La Oreja de Van Gogh en Euskadi, su tierra, y lo ha celebrado con sus nuevos éxitos como 'Mi nombre', 'No se me da bien odiarte', o 'Tonto por ti', y con los himnos de siempre, como 'La niña que llora en tus fiestas', 'El primer día del resto de mi vida', o 'Cometas por el cielo'.

Durante las más de dos horas en las que no ha dejado ni un segundo de cantar, Leire ha sido capaz de emocionar al público, de alegría primero y de tristeza y melancolía después, cuando, acompañada de una banda dirigida por Víctor Elías, quien ha creado arte al piano, ha cantado 'Jueves', la canción dedicada a las víctimas de los atentados del 11 de marzo de 2004, mientras en la pantalla se mostraban los ojos sonrientes de personas distintas, una tras otra, mientras Leire ha lanzado un mensaje en contra de la guerra y a favor de las personas sea cual sea su género, raza u orientación sexual.

La emoción palpitaba en el ambiente y en un público que no paraba de corear el nombre de Leire mientras ella, visiblemente emocionada y extasiada de alegría, abrazaba cada grito. Hasta que dos palabras se le han escapado de la boca, casi sin querer. “Estoy enamorada”, ha confesado ante miles de personas que se han emocionado con ellas. Y después, su pareja, el saxofonista Miguel Sueiras, ha entrado en escena y le ha dedicado un 'solo' para después acompañarla en los compases de 'Mírame', canción que Leire canta con Andrés Suárez. Así, ella le ha dedicado su amor en cada letra. “Quédate con quien te mire como lo hago yo, cuando despierto y, a mi lado, tú haces de todo nuestro mundo casa, aunque no haya playa, tú, cuando dibujas nuestro corazón, solo adivinas el futuro, ven, vamos juntos de la mano, siempre juntos”. Y tras la canción, un beso entre ambos ha avivado a las miles de almas que han latido al unísono de la sala bilbaína.

A pesar del canto al amor, Leire Martínez no ha perdido la ocasión para lanzar un mensaje contundente a su público, en concreto, y a la humanidad, en genera, contra la violencia machista. Lo ha hecho primero en euskera y después en castellano. “No nos podemos permitir como sociedad que la violencia machista siga formando parte de nuestro día a día. No podemos normalizarlo hasta el punto de que ya no nos duela, de que ya no nos importe. Tenemos que seguir hablando de este tema, tenemos que seguir poniéndolo sobre la mesa porque insisto, como sociedad, no nos lo podemos permitir. Parece que nos cuesta hablar sobre feminismo y, sin embargo, frente a la palabra igualdad no parece haber dudas. Quizá haya que cambiarle el nombre, pero empecemos a sentir, a interiorizar esa igualdad de una manera profunda, de verdad”, ha manifestado en un absoluto silencio que se ha roto entre aplausos y gritos de apoyo a sus palabras.

Lejos de la polémica que le lleva persiguiendo desde que saltó la noticia del 'adiós' a la banda donostiarra, la cantante ha hablado en términos generales de “dejar atrás el rencor”, de atreverse a “abandonar la zona de confort” y de no de “señalar al de al lado” para así lograr ser más feliz. “Yo llevo tiempo intentándolo”, ha señalado haciendo un guiño que el público ha entendido sin necesidad de aclaraciones como una alusión a su salida de La Oreja de Van Gogh. Tras esas palabras ha cantado 'El ruido', canción que canta con el icónico dúo de pop argentino Miranda! y 'Cabeza de ratón', en la que lanza un dardo rescatando el refrán de “Más vale ser cabeza de ratón que cola de león”, para sostener que es mejor liderar un proyecto pequeño pero propio que ser una 'marioneta' en uno grande.

No han faltado los clásicos de La Oreja como 'Muñeca de trapo', 'Puedes contar conmigo', 'La playa' o 'Rosas', en la que desde el público han hecho entrega de un ramo de rosas a Leire Martínez. Tras dar por acabada la actuación, pero con varios gritos de “beste bat” (“otra”, en euskera) la de Errenteria y su banda han vuelto para poner la guinda al pastel y cantar 'Inmortal'. Y con las palabras “volveremos pronto, Bilbo. Prometido, hasta siempre”, Leire Martínez, sin necesidad de nadie más, pero muy bien acompañada, se ha declarado inmortal en Bilbao, en Euskadi y en el mundo entero.