“Pensar no es de locos, pecar no es de tontos / Amar es de gente normal / Amo la libertad, amo a la gente normal”, entonó Pedro Pastor en 2014, en una de sus primeras canciones, Viva la libertad. Quedaba tiempo para que Isabel Díaz Ayuso convirtiera la libertad en su mantra y, quince años después, el cantautor continúa igualmente reivindicándola, en una defensa del término que considera obligatoria: “Entregar el significado de una palabra como libertad a quienes la tiran a la basura es error nuestro”.

Pastor está de gira por el décimo aniversario de su carrera, por el que también lanzó el disco 10 Locos Años Descalzos, versionando sus propios temas con colaboraciones como Silvio Rodríguez, Rozalén y el Kanka.

Usted es un artista que siempre se ha significado, ¿siente que es lo habitual o lo extraño dentro de la industria?

Creo que no hay un solo camino. Cada uno tiene que tomar las decisiones personales, artísticas y políticas que le hagan estar en paz consigo mismo. Yo para ello tengo que posicionarme ante causas sociales y políticas que considero justas o injustas, y tengo que usar mi altavoz. Todos los seres humanos tenemos una responsabilidad civil, pero a los artistas se nos amplifica muchísimo porque tenemos un auténtico megáfono. Cientos de miles de seguidores, cientos de miles de oyentes, ya no solo en nuestras canciones, sino en nuestros discursos, en nuestras redes sociales. Eso es muchísimo más que cualquier ciudadano de a pie. Entonces, lo mínimo es tener en cuenta esa responsabilidad. Y luego usarla en lo que a ti te haga sentir bien, porque hay artistas de diferentes corrientes ideológicas, cada vez más.

También hay quienes piensan que si se significan van a perder su público, que es respetable, aunque no cierto. Tenemos artistas absolutamente mainstream en nuestro país que lo han hecho y no han perdido su público, como Pablo Alborán o Manuel Carrasco, que ha cantado en sus conciertos una canción por Palestina y llenó igualmente cuatro días la Cartuja. Y luego por supuesto, Rosalía y Bad Bunny no se van a posicionar en la vida porque no pueden, porque viven en una división del lobby que hay un montón de inversores que no les van a permitir posicionarse jamás. Ya no es porque pierdan público, es porque hay una inversión de por medio. Eso es mucho más complejo.

Rosalía y Bad Bunny no se van a posicionar en la vida porque hay un montón de inversores que no se lo van a permitir

Pedro Pastor — Cantautor

A Bad Bunny se le aplaudió su reivindicación de lo latino y Puerto Rico con su actuación en la Superbowl, pero también hubo quien planteó si deberíamos exigirle pronunciarse por otras causas, como haber incluido una bandera de Palestina en su show.

Pero es que nosotros no somos nadie para exigirle a ningún artista nada. Las redes sociales han generado que todos nos creamos con la potestad para exigirle a cualquier persona, artista, establecimiento, las cosas que debería o no hacer. Y no somos nadie para exigirle nada a Bad Bunny. Podemos defender o no su posicionamiento, asumir que jamás se ha pronunciado sobre el genocidio en Palestina y valorar que lo que hizo en la Superbowl es bueno para el debate político.

El año pasado hubo críticas a los artistas que no cancelaron sus actuaciones en festivales que contaban con el fondo de inversión con intereses en Israel KKR.

Siempre se pone el foco en el gremio equivocado. Creo que dentro de nuestras acciones, una es no tocar en los festivales en España que ha comprado este fondo que sabemos que está especulando con territorio ocupado. Es una opción, como deberíamos habernos plantado ante Spotify, y yo personalmente no lo he hecho porque no me lo puedo permitir. Si lo hiciera dejaría de tener los ingresos que me da y de tener el mayor altavoz que existe en la música por el que luego consigo vender entradas. Habrá artistas que tienen un contrato con un festival y que no se pueden permitir bajarse. Hay otro debate en quien una vez sabido todo esto, este año han aceptado estar, pero a lo mejor no se pueden permitir no cobrar ese caché. Es delicado y cada uno tiene que hacer lo que le dé la gana.

¿Esto es algo sobre lo que hablan entre compañeros?

Entre los músicos falta totalmente ese espacio de debate, incluso entre los músicos más politizados o los artistas más alternativos o underground, o los cantautores que históricamente siempre han tenido esos espacios de encuentro. Cada uno tenemos nuestros amigos dentro de la música y sí que quedamos y debatimos, pero no tenemos un espacio real en el que lleguemos y digamos que algo está pasando y es inadmisible. No tenemos un sindicato férreo. Los músicos somos cada vez más individualistas y creo que la nueva era nos está llevando a esto. A solo querer defender y compartir nuestras gestas y logros, como que ya se nos hace hasta difícil encontrar espacios en nuestras stories para ponerle el disco al amigo, y eso es terrible.

Seguimos colaborando, sacando canciones juntos, seguimos yendo a cantar los unos a los otros, pero cada vez tenemos menos espacio para lo que no participamos nosotros mismos. Es una deriva.

Algo que también afecta a su público.

Sí. Tiene que ver con nuestros smartphones, las plataformas de streaming. Ahora salimos del trabajo y lo que queremos es ver Netflix, antes íbamos al bar, al parque, al cine o al teatro, pero desde hace diez años está todo en el móvil y nos está aislando.

En Los olvidados reivindicó a los silenciados durante la dictadura franquista. ¿Hasta qué punto estamos marcados por cómo se nos contó la Guerra Civil?

Somos hijas del pasado. Nuestras personalidades se construyen a través de lo que aprendemos en nuestras casas y colegios. Y no te hablo solo de las referencias a los asesinatos, las torturas o las desapariciones; sino también a nivel cotidiano, cómo se construye la personalidad de una persona que ni siquiera puede besarse en la vía pública, que tiene terror a nombrar cualquier injusticia por miedo a la represalia total, al encarcelamiento, al asesinato. O cómo se construyen las personalidades a través del silencio en nuestro país. Nosotros hemos sido educados por personas que han tenido que aceptar ese modelo como el único posible.

Parece que vamos abocados a que lo siguiente que gobierne en España sea la derecha, ¿puede empeorar más la situación?

Es una deriva moral. Países que ha hecho muy bien las cosas a nivel memorialístico como Alemania o Argentina, están bastante peor que nosotros si hablamos del avance del fascismo. Aquí, creo que por el miedo que teníamos de una experiencia tan larga y cercana, nos estábamos librando, pero esto no hay quien lo pare. Han encontrado un método de propaganda infalible y las izquierdas del mundo no han sabido entrar en la batalla cultural de las redes sociales. Han encontrado una mina y la han sabido explotar.

Entregar el significado de una palabra como libertad a quienes la tiran a la basura es error nuestro

Pedro Pastor — Cantautor

¿Ha cambiado en algo su relación con la palabra libertad desde que compuso Viva la libertad?

Es un error que le entreguemos el significado de ciertas palabras, sobre todo tan poderosas como libertad, que le ha costado la vida a mucha gente a lo largo de la historia; a quienes la vapulean, manosean y tiran a la basura. Ciertos sectores políticos han usado esa baza, Ayuso, Milei, pero nuestro deber también es defender el significado de palabras que pertenecen históricamente a los vencidos. Para mí la libertad sigue significando lo mismo 15 años después.

La canción habla de la gente normal, que para mí es la que tiene presente los afectos, que cuida a quienes tiene alrededor, y para quien tiene la empatía y la solidaridad como valores cotidianos y comunes. Así que viva la gente que se permite hacer las cosas que quiere hacer y no se rige por ciertos estándares. De repente hay nuevos paradigmas humanos y nos comportamos de manera distinta, somos más individualistas y fríos. Los afectos han pasado a un segundo plano y puesto primero otros que no me interesan, la pelea, el éxito, el dinero. Por supuesto que todos queremos tener éxito y dinero, pero me interesa más tener un círculo de gente fuerte y poderoso en el que apoyarme, al que poder cuidar y ser cuidado cuando no me funcionen mi éxito y mi dinero.

El “creador de canciones” asturiano Víctor Manuel es, desde este jueves, doctor Honoris Causa por la Universidad de Oviedo/Uviéu; una distinción que ha sido “algo absolutamente inesperado” para el artista asturiano, quien ha sido investido, emocionado y agradecido, en un solemne acto celebrado en el Edificio Histórico de la capital asturiana.

La sensación que Víctor Manuel tuvo al enterarse de que iba a ser el primer músico al que esta universidad con más de 400 años de historia incorporaba a su claustro de ilustres doctores era similar a la ilusión que tiene un niño a la hora de descubrir sus regalos el día de Reyes: “Es como levantarte y encontrarte debajo del árbol de Navidad un Honoris Causa”, describió el compositor, cantante y productor mierense.

Preservar la memoria colectiva

La Universidad de Oviedo/Uviéu es pionera en la incorporación de los estudios de musicología en el sistema universitario español y ha acordado otorgar al artista asturiano esta distinción en reconocimiento a “su brillante trayectoria musical y a su contribución a preservar la memoria colectiva asturiana a través de sus canciones”.

Paradójicamente, Víctor Manuel entra en la nómina de ilustres doctores Honoris Causa de la Universidad de Oviedo/Uviéu habiendo sido un “pésimo estudiante” en su juventud en su Mieres natal, como él mismo admitió en su intervención, si bien logró sustituir “los conocimientos académicos por la intuición”, una herramienta que le ha acompañado a lo largo de su dilatada carrera profesional durante más de seis décadas.

Recuerdos y reflexiones

Víctor Manuel es universalmente conocido solo con pronunciar su nombre y sin necesidad de apelar a sus apellidos -San José Sánchez- y siempre ha ejercido de asturiano y especialmente de ser de la cuenca del Caudal y a este solemne acto no podía faltar el alcalde de Mieres, Manuel Ángel Álvarez, que ha asistido, entre otras autoridades, a ver a su 'paisano'.

Tras recibir los atributos que le acreditan como doctor Honoris Causa, Víctor Manuel comenzó su intervención. El suyo ha sido un discurso profundamente personal en el que ha alternado recuerdos con reflexiones sobre la creación artística y reivindicaciones sobre el papel de la música en la sociedad.

Un “creador de canciones”

Ha comenzado expresando su gratitud a quienes impulsaron su candidatura. “Ser investido con la dignidad de doctor Honoris Causa es un gran honor para mí”, ha dicho.

Víctor Manuel ha trasladado su “más profundo agradecimiento” a la institución académica asturiana por incorporar por primera vez a un “creador de canciones”.

El misterio de la creación artística

Precisamente el proceso de creación artística ha ocupado gran parte de su intervención. El hilo conductor ha sido una reflexion sobre el misterio de la creación artística del escritor austriaco Stefan Zweig. Víctor Manuel ha recuperado la afirmación de que “De todos los misterios del universo, ninguno más profundo que el de la creación artística” y ha recordado también otra de sus citas: “Cada vez que surge algo que antes no había existido nos vence la sensación de que ha acontecido algo sobrenatural”.

A partir de estas ideas ha recorrido sus inicios musicales y ha citado a quienes entonces le sirvieron de inspiración. El cantautor mierense ha defendido que existe un impulso creativo imposible de explicar únicamente desde el conocimiento técnico y ha relatado una anécdota familiar que para él ejemplifica ese fenómeno: la primera canción improvisada por su nieto León durante la pandemia.

El valor de los errores

Para Víctor Manuel, la necesidad de crear “viene de fábrica o no se estudia en ningún libro”, una convicción que ha enlazado con otra reflexión de Zweig sobre aquellas obras capaces de sobrevivir al paso del tiempo y convertirse en parte del patrimonio cultural colectivo.

El artista asturiano ha dedicado también una parte relevante de su discurso a reflexionar sobre el éxito, el fracaso y el oficio de componer y ha reivindicado el valor de los errores y de la perseverancia.

El fracaso no tiene prestigio, pero es la principal motivación para seguir insistiendo, mientras que el éxito es el camino más rápido para la imbecilidad

Más de 500 canciones

“El fracaso no tiene prestigio, pero es la principal motivación para seguir insistiendo”, ha defendido, mientras que, en contraposición, “el éxito es el camino más rápido para la imbecilidad”.

Víctor Manuel ha escrito más de 500 canciones a lo largo de su carrera, de las que algunas “han pasado sin pena ni gloria”, algo que en ocasiones le ha provocado “una desazón inmensa”.

Las canciones “desgraciadas”

Como muestra de ese repertorio, ha compartido fragmentos de algunas de las que ha calificado como “canciones desgraciadas” y entre las que ha nombrado las siguientes: 'Si yo fuera Dios', 'El hijo del ferroviario' o 'Yo nací a la sombra de un cerezo'' atravesadas por la memoria familiar, la historia reciente de España y la Guerra Civil.

La memoria y el compromiso también han tenido hueco en su intervención. Así, ha recordado el origen de canciones fundamentales de su trayectoria, como 'El cobarde', inspirada en un reportaje de Oriana Fallaci sobre la guerra de Vietnam, o 'Planta 14', cuya prohibición durante la dictadura ha evocado como uno de los episodios de censura que marcaron sus primeros años.

Con mayor o menor fortuna, me han defendido siempre las canciones que escribo. A ellas les debo todo y no me exigen nada. A veces les cambio la letra y ni se inmutan

“A mis canciones les debo todo”

Víctor Manuel también ha rememorado canciones, vetos y dificultades profesionales derivadas de sus posiciones públicas, reivindicando la importancia de mantener la coherencia con las propias convicciones.

“Uno de mis mejores descubrimientos fue darme cuenta, muy joven, que no podía gustar, complacer a todo el mundo al mismo tiempo”, ha desvelado. También ha revelado otro dato personal: “Con mayor o menor fortuna, me han defendido siempre las canciones que escribo. A ellas les debo todo y no me exigen nada. A veces les cambio la letra y ni se inmutan”.

La fuerza emocional de la música

Otro momento significativo de su intervención ha sido su reflexión sobre la capacidad de la música para formar parte de la experiencia vital de las personas.

“No hay nada más democrático que la música”, ha ratificado el músico mierense, quien ha afirmado que cada individuo construye una banda sonora propia vinculada a recuerdos, afectos y experiencias compartidas. Para ilustrarlo, ha recurrido de nuevo a su historia más personal para recordar la imagen de su madre enferma de alzhéimer reaccionando a los acordes de 'Suspiros de España', una escena con la que quiso subrayar la fuerza emocional y la permanencia de la música incluso cuando desaparecen otros recuerdos.

Víctor Manuel ha concluido su intervención con una nueva referencia a Stefan Zweig para reivindicar la incertidumbre inherente a toda creación artística y ha dedicado la distinción a su familia y amigos, especialmente a su mujer, la artista Ana Belén, para quien ha ido destinado un fragmento de 'Gracias por todo'.

La música despidió el pasado 2 de junio a una de sus voces masculinas más románticas, la de Peabo Bryson, que falleció tras sufrir un derrame cerebral a la edad de 75 años, dejando un legado musical destacado como ‘rey de las baladas románticas’ en los géneros del R&B y soul.

Pero si por algo se hizo conocido entre varias generaciones fue al poner voz a dos de las canciones más románticas de Disney, de la década de los 90, cuando el estudio vivió una segunda ‘edad de oro’. Hablamos de ‘Un mundo ideal’ de Aladdin y de ‘La bella y la bestia’, que interpretó junto a Céline Dion.

La cantante canadiense ha tenido un sentido mensaje de despedida en redes sociales, destacándolo como “un verdadero símbolo de la la alegría que la música ha traído a mi vida” y su lado colaborativo: “Su increíble voz y su espíritu bondadoso encarnaban la belleza de la canción y la interpretación. Fue tan maravilloso y generoso conmigo hace tantos años, cuando grabamos La Bella y la Bestia. Me hizo sentir muy cómoda, ya que estaba aprendiendo a cantar en inglés”, escribió en un mensaje de Instagram.

‘La Bella y la Bestia’ confirmó a Céline Dion como estrella internacional

Nos situamos en 1991. Disney se sitúa en el comienzo de una nueva etapa que más tarde se conocerá como el ‘Renacimiento’ después del éxito de ‘La Sirenita’ en 1989 y que cambiaría el ritmo de la compañía, que se replanteó su forma de hacer cine de animación.

Una de las claves de esta nueva ‘etapa dorada’ fue el formato musical de Broadway, con el compositor Alan Menken y el letrista Howard Ashman como figuras clave. La confirmación llegó con el estreno de ‘La Bella y la Bestia’ en 1991, la película que promovió mensajes como “la belleza está en el interior”, que se quedó en el imaginario de varias generaciones debido a la canción del mismo nombre que interpretaron Céline Dion y Peabo Bryson.

La artista canadiense vivió ese mismo año su punto de inflexión, porque pasaría de ser una cantante con éxito reducido a Canadá y el mercado francófono a ser una estrella internacional con 23 años. Su decisión de cantar en inglés, con el lanzamiento del disco ‘Unison’ fue clave, siendo su número 4 en Billboard con “Where Does My Heart Beat Now” su primer gran éxito y la primera piedra, que se confirmaría gracias a la llamada de Disney.

Que Dion fuera elegida para interpretar el tema principal de ‘La Bella y la Bestia’ la confirmó como una estrella internacional en ascenso, y ella misma aseguró que le sorprendió ser la escogida para cantar a dúo junto a Bryson, ya entonces conocido como ‘rey de las baladas románticas’:

“Cuando nos ofrecieron cantar ‘La Bella y la Bestia’ a Peabo Bryson y a mí, para una película que estaba a punto de estrenarse, me asombró que me consideraran para cantar con él, a quien conocía y admiraba mucho, y resultó ser un gran éxito. Nos sentimos muy privilegiados de formar parte de esto”, aseguró en una entrevista.

Dos años después de grabar ‘La Bella y la Bestia’, la canción ganó el premio Grammy a la Mejor Interpretación Pop de un Dúo o Grupo con Voz, habiendo recibido también nominaciones a Grabación del Año y Canción del Año. El resto es historia, Peabo Bryson repetiría la fórmula de éxito con ‘Un Mundo Ideal’ y Aladdin y Céline Dion se asentaría como una de las mayores estrellas del pop y de la balada, pero sin perder de vista el cine, siendo parte de la banda sonora de otro éxito como fue ‘Titanic’ y su ‘My Heart Will Go On’.

La ciudad de Cáceres celebrará el próximo jueves, a las 19.00 horas, un acto de homenaje a Pablo Guerrero en la Biblioteca Pública del Estado. La iniciativa reunirá a un amplio grupo de voces del ámbito cultural extremeño con el propósito de reconocer la vigencia de una obra que ha acompañado a varias generaciones y que continúa siendo un referente ético, estético y social.

El acto contará con la participación de Javier Arroyo, Víctor Asuar, Elisa Blázquez, Francisco de Borja, Manolo Cañada, Jeremías Clemente, Enrique Cidoncha, Santos Domínguez, Pilar Galán, Antonio Guerrero, Miguel Ángel Lama, Celia Muriel, Miguel Ángel Naharro, Nando Juglar, Teresa Rejas y Ada Salas, entre otros nombres vinculados a la creación literaria y musical en Extremadura. La diversidad de perfiles convocados refleja la amplitud de la huella que Guerrero ha dejado en la cultura contemporánea.

Una trayectoria singular

El homenaje coincidirá con la presentación del libro Pablo Guerrero. Porque amamos el fuego, una obra en la que Manuel Cañada propone un recorrido por la dimensión humana, artística y comprometida del cantautor. El volumen se articula a partir de testimonios, recuerdos y reflexiones que permiten situar la figura de Guerrero en el contexto social y político de las últimas décadas, alejándose de la biografía convencional para ofrecer una lectura más profunda de su legado.

El título, tomado de uno de los versos más reconocibles del universo poético del artista, subraya la importancia de la palabra como herramienta de resistencia, de belleza y de conciencia crítica. Cañada, conocido por su activismo social y por su defensa de los derechos de las personas más vulnerables, aporta una mirada que conecta la obra del cantautor con los movimientos sociales y con las transformaciones culturales del país.

Un referente de la canción de autor

Nacido en 1946 en Esparragosa de Lares, Pablo Guerrero es autor de canciones emblemáticas como A cántaros, convertida en un símbolo de esperanza durante los últimos años del franquismo y la Transición. Su producción, que abarca más de cinco décadas, se caracteriza por la búsqueda estética, el compromiso social y una profunda vinculación con el paisaje, la memoria y la cultura popular.

Su obra ha influido en varias generaciones de músicos y escritores, y ha contribuido a consolidar una forma de entender la canción de autor en la que la poesía, la sensibilidad social y la experimentación musical conviven de manera natural. Guerrero es considerado una figura clave para comprender la evolución de la música de autor en España y su relación con los cambios políticos y culturales del país.

Un reconocimiento colectivo

La cita en la Biblioteca Pública de Cáceres aspira a convertirse en un acto de reconocimiento colectivo a un creador que ha trascendido el ámbito estrictamente musical para convertirse en una referencia ética y cultural. El encuentro pretende celebrar la palabra, la poesía y las canciones de una de las voces más singulares surgidas de Extremadura, y reivindicar la vigencia de una obra que continúa interpelando al presente.

Si hace dos meses el sitio en el que había que estar era el 'confesionario' de Rosalía, ahora la fiebre se ha contagiado del ritmo puertorriqueño de Bad Bunny y todo famoso que se precie quiere estar allí. La 'Casita' que ha construido el 'conejo malo' para los conciertos de su gira europea no deja de ser un escenario secundario, pero se ha convertido en uno de sus símbolos —y en un generador de virales—. 

Si a su paso por Barcelona se sumaron a la lista de celebridades que han pasado por sus conciertos las actrices Úrsula Corberó y Priscila Delgado, el presentador Marc Giró o los futbolistas del FC Barcelona Lewandowski o Lamine Yamal, ahora con su llegada a Madrid y una decena de conciertos por delante, la lista no ha dejado de ampliarse.

Entre los 'elegidos' para bailar en la 'Casita' al ritmo de las canciones de la gira Debí tirar más fotos ya hemos podido a ver a los actores y actrices Ana de Armas, Ester Expósito, María León, Clara Galle y Martiño Rivas. También se han dejado ver futbolistas del Real Madrid y del Rayo Vallecano como Álvaro Carreras, Dani Ceballos, Isi Palazón o Sergio Camello. Y no han faltado miembros de la Jet Set como la tercera mayor fortuna del país, Marta Ortega, hija de Amancio Ortega y presidenta no ejecutiva del grupo Inditex, aunque tratase de esconderse detrás de una columna.

También se pudo ver este pasado fin de semana a la empresaria e influencer italiana Chiara Ferragni entre los famosos o al cantante Mvrk. E incluso al legendario jugador de baloncesto y vencedor de seis anillos de la NBA Michael Jordan. Tal es la expectación por las personalidades que puedan acceder a tan codiciado espacio que se rumorea que incluso el jefe de la oposición y líder del Partido Popular, Alberto Núñez Feijóo, trató de acceder a la 'Casita' del Estadio Metropolitano. Por el momento, no lo ha logrado.

El domingo 31 de mayo fue el turno de los directores de cine Javier Calvo y Javier Ambrossi, a quienes se vio junto a la actriz Hiba Abouk. También estuvo presente la cantante Judeline, totalmente entregada, o el músico Álex de Lucas. De nuevo, no faltaron los futbolistas, en esta ocasión el capitán del Atlético de Madrid Koke Resurrección o el bético Héctor Bellerín. No faltó a la cita el actor y presentador valenciano Arturo Valls, habitual de los grandes conciertos en la capital.

El músico y compositor toledano Kike Calzada regresa a Toledo el próximo sábado 30 de mayo en la Sala Pícaro, a las 20:30 horas. Allí presentará su último trabajo, 'La Pedida', en un concierto junto a la Tie Band, una formación creada junto a músicos y amigos habituales de su trayectoria.

Sobre el artista

Kike Calzada (Toledo, 1987) comienza su trayectoria musical formando parte de diferentes agrupaciones de su ciudad antes de iniciar su carrera en solitario en 2014 con el lanzamiento de 'El Hombre sin Hombros', un trabajo conceptual grabado en Asturias junto a Héctor Tuya.

En 2015 publica 'Coloreados', disco con el que realiza una extensa gira de más de 200 conciertos por España, llegando también a actuar en Francia e Inglaterra.

Ambos trabajos fueron producidos por Enrique Muñoz para La Buitre Producciones y dieron lugar al nacimiento de dos proyectos audiovisuales: El Film de El Hombre sin Hombros y El Film Coloreados, disponibles en YouTube.

En 2020 se traslada a Madrid, donde funda su estudio Las Torres de Madera y comienza también su faceta como productor musical, trabajando en discos como 'Manual de Despegue' (Kike San) y 'Canciones contra el Futuro' (DelRoto).

La Tie Band, que le acompañarán en este concierto en la Sala Pícaro, está formada por Ritxi Fish (batería), Stefano Bradi (bajo), Fran Gª Oeo (teclados), Damián Acero y Amable Rodríguez (guitarras eléctricas), mientras que Kike Calzada estará al frente con guitarra acústica, armónica y voz.

Su último trabajo: 'La Pedida'

'La Pedida' es el tercer trabajo discográfico de Kike Calzada y también su primer álbum de larga duración, de 14 canciones. El disco ha sido compuesto, grabado y producido entre Madrid y Toledo, “combinando una producción orgánica y cuidada con un enfoque cercano a la canción de autor, el folk-rock y el sonido de banda en directo”, según destaca el artista.

El compositor explica que se trata de una obra de rock de autor que transita desde los pasajes más crudos, intensos y viscerales hasta sonidos acústicos, desnudos y puros, pasando por medios tiempos con influencias country, folk y una rica instrumentación.

“Las letras, sinceras, profundamente personales y simbólicas, construyen un universo emocional donde conviven el amor, la caída, el miedo, la esperanza y la necesidad de encontrar refugio en los demás”, expone.

El disco ha sido producido desde el estudio Las Torres de Madera, creado por el propio artista en Madrid, y ha contado además con la ayuda en el proceso de grabación de Mariano López en Frenesí Studio Drums y Dani Marx en La Selva Records.

El trabajo incluye las colaboraciones de Ritxi Fish, Damián Acero, Fran Gª Oeo, Manu Clavijo y un coro de más de 100 personas.

La mezcla y masterización han sido realizadas por Javi Ustara en Mpire Studio.

Las entrada pueden adquirirse de manera ancitipada a través de este enlace por un precio de 12 euros, y también en taquilla el mismo día del concierto, con un precio de 15 euros.

Hace 40 años, la canción “Si tú eres mi hombre y yo tu mujer” de Jennifer Rush ocupaba lo más alto de la lista de sencillos en España, en la que se mantendría durante semanas, obteniendo un gran éxito con otra versión de las varias que ya había tenido y las que tendría, llegándose a afirmar como “la canción de amor de la década”, como reza el propio sitio web de la cantante estadounidense.

Y es que esa era la versión en español de “The Power of Love”, que había sido adaptada por Luis Gómez-Escolar, y que fue el enésimo número uno para la canción de amor que sería una de las baladas románticas más significativas de la década e interpretadas por artistas femeninas.

La historia camaleónica de “The Power of Love” de Jennifer Rush

Casi dos años antes del éxito de su versión español, en 1984, fue cuando se había publicado por primera vez la canción, grabada en Frankfurt, en Alemania, donde residía la cantante, que trabajaba entonces para el ejército de Múnich, y que había probado varias veces suerte en la música, hasta encontrar el tema que le abriría la fama.

Y es que, en 1979, antes de mudarse a Alemania, Jennifer Rush, que en realidad se llamaba Heidi Stern, había publicado su álbum debut en Estados Unidos bajo su nombre real, pero este pasó desapercibido. Con su verdadero nombre había también publicado sus primeros temas en Alemania en 1982. Como Jennifer Rush fue cuando encontró sus primeros éxitos, cuando entre febrero y marzo de 1984 realizó una gira con la Filarmónica de Berlín interpretando temas de la banda sonora de James Bond, asombrando al público con su voz.

Así, finalmente en diciembre de 1984 fue cuando “The Power of Love” vio por primera vez la luz, aunque solo llegó al número 16 en Alemania. Este éxito discreto cambiaría cuando un promotor de CBS en Londres escuchó cantarla en una convención discográfica en Hawai y en octubre de 1985, la canción tuvo una nueva vida lanzándose en el Reino Unido. Una decisión que cambiaría la carrera de Jennifer Rush, que vería como el tema que había escrito junto a sus productores la haría famosa.

De hecho, su número uno en el Reino Unido que duró cinco semanas y que permaneció 16 en total en la lista, supusieron que entrara en el Libro Guinness de los Récords como el sencillo más vendido en el país en 1985 con más de un millón de copias, tan solo en un par de meses antes de finalizar el año. Así, fue el sencillo más vendido por una artista solista femenina en la historia de la música británica, un récord que ostentó hasta 1992 cuando Whitney Houston se hizo con él con otra famosa balada romántica, “I Will Always Love You”.

Desde aquí, la década de los 80 fue de gran éxito para Jennifer Rush, que luego también tendría buenos números con canciones como “Ring Of Ice” o su dúo con Elton John, “Flames Of Paradise”, que se unieron a sus colaboraciones con otras personalidades de la música entonces como Richie Sambora de Bon Jovi, Desmond Child o Michael Bolton.

La segunda vida que le dio Céline Dion: el éxito en EE. UU

A pesar de ser el país natal de la cantante, el éxito en Estados Unidos se resistió, pues la canción solo llegó a alcanzar el puesto 57 de Billboard. No sería hasta 1993 cuando “The Power of Love” se convertiría un himno romántico también en USA, con la versión de Céline Dion, que le dio una destacada fama comercial, también en Canadá o Australia, además de reentrar en otros territorios europeos.

La versión de Céline Dion se convirtió en el sencillo más vendido por una artista femenina en 1994 en los Estados Unidos y el octavo más vendido en general, con 900.000 copias vendidas, y fue el primer número uno para la cantante canadiense, abriendo una trayectoria brillante y longeva. Tanto es así que la propia Billboard la reconoció dentro de su lista de “Mejor Canción de Amor de Todos los Tiempos”. Y es que ha quedado como una de las baladas románticas más traducidas, versionadas y todo un clásico del pop.

Los kilómetros pasan lentos en la A-31, entre los horizontes abiertos de la Mancha albaceteña. Suena una canción en la radio. Una voz cálida, sostenida por una guitarra, deja una frase que parece resumir este paisaje: “El llano se me está haciendo largo, mis alas se cansan si no estás. Estar lejos de tu lado, estar fuera de lugar”. Este caprichoso azar del algoritmo conduce al último trabajo de Alejandro Santoyo, ‘Al otro lado de la épica’, su tercer disco de estudio que al que ha dedicado años de intenso trabajo.

Una guitarra y una trayectoria de afilar “dudas y metralla” definen a este músico albaceteño nacido con el milenio y que se ha tomado muy en serio lo de contar historias en sus canciones. “Creo que un artista debe arriesgar si las canciones se lo piden e intentar derribar ciertos miedos que normalmente se encarnan en comodidades o atajos”, comenta a lo largo de la ineludible entrevista que vendría después de descubrir su música. 

“Amarro cada sueño, naufrago al despertar”. Un verso de ‘Caballos perdidos’, otro de los temas repleto de frases que merecen ser escuchadas con atención, con el sosiego perdido de unos tiempos demasiado vertiginosos. “Estamos atiborrados de estímulos y de ‘épicas’ de plástico que cada vez nos deshumanizan más y nos alejan de quien queremos ser”, explica “cabalgando entre las grietas” en la conversación posterior. 

Escuchando a Alejandro Santoyo se percibe ese mimo del arreglo minimalista alejado de ese sonido en el que todo el grupo tiene que sonar en todos los acordes de todas las canciones. Le acompañan, o mejor dicho, le arropan en el disco: Manuel Sánchez ‘Tuti’ al bajo; José Ignacio Córcoles ‘Giuseppe Trip’ y Miguel Monsalve a las baterías; Quino Lucas y Joaquín Pascual a los teclados y sintetizadores; Lucía Ruiz al violín; Alina Voicu a la viola; Honky Tonky Sánchez a la guitarra eléctrica y David López ‘Niestro’ al saxofón.

En una primera escucha descuidada quizá no apreciemos los matices de grabaciones adicionales realizadas en Baboon Records, en Albacete, y en estudios domésticos ubicados en Chinchilla de Monte-Aragón y Ayora, con fragmentos de videoclip grabados en Albacete, Alboraya, Ayna, Guardamar del Segura, Madrid, Nerpio, Puerto de Mazarrón o Valencia.

Una grabación en ruta. La más pura esencia de Kerouac, cuando escribe eso de que no había ningún lugar al que ir salvo a todas partes, así que sigue rodando bajo las estrellas. “He estado experimentando cómo grabar un disco con todas las texturas y recursos sonoros que me pedían las canciones”, explica. 

Este disco ha sido un cambio de escala de producción. Más músicos, más recursos instrumentales, más teclados, algunas cuerdas. Un proceso minucioso que precisa una escucha reposada como esta llanura manchega. Pensó este trabajo como una “resplandeciente página en blanco con la que podía hacer lo que quisiera”, retornando a Kerouac. “Apenas he escatimado en medios en lo que a producción o instrumentaciones se refiere. Me he entregado a este álbum como un ferviente devoto… una ambición sonora, un deseo”.

La música y la conversación lenta van desvelando una trayectoria que comenzó con su mayoría de edad, cuando publicó ‘Alquitrán y espinas’, un primer disco grabado con una producción mínima que sirvió para arrancar una pequeña gira en directo, con estas canciones que a veces se aflamencaban o rumbeaban, pero que tenían la esencia de una canción de autor que combina texto e intención, entre el Kanka y Dylan. 

Cada disco cuenta

Tras ese primer trabajo, en 2022 apareció ‘El corazón es un órgano de fuego’, un trabajo con mayor intención sonora, más canalla y más urbano, que condujo a un directo en el Teatro-Circo de Albacete, donde resumió en cinco temas una propuesta de síntesis y evolución que cristaliza en este nuevo trabajo de estudio. “Cada disco cuenta”, explica. Recuerda la importancia de cada una de sus etapas creativas y vitales que le han permitido llegar a este trabajo centrado en situaciones fuera de los relatos más visibles. 

Ahora llega el momento de la verdad, de conocer la respuesta del público a este intenso trabajo de cuatro años y para eso contará con una edición del trabajo en vinilo de 180 gramos, CD y material gráfico acompañando, o arropando, a las letras. 

En directo, el proyecto ya tiene confirmadas varias fechas. El 8 de agosto actuará en el festival Traska Rock, donde presentará un repertorio que traslada el carácter del disco al formato de directo. El 23 de octubre ofrecerá una presentación completa del álbum en la Casa de la Cultura José Saramago de Albacete, en una cita clave dentro de la gira. Es sólo el inicio del recorrido.

“El teatro se está quemando y vosotros os andáis riendo”, canta en Danza Macabra, uno de los temas incluidos en este nuevo trabajo. Seguimos en el camino. Llanos Santoyo, su hermana pequeña, en primero de periodismo me acompaña en esta entrevista. Su primera entrevista. La vida está llena de maravillosas casualidades.

“Se dice que la cancelación destroza la vida de hombres, pero todos siguen trabajando, siendo famosos e impunes”. La violencia sexual y su respuesta social es uno de los temas que Sandra Delaporte ha volcado en su durísimo, realista y honesto primer libro Del barro al poema (Lunwerg). Y lo ha hecho a través de versos y canciones en los que reflexiona y arroja luz sobre la soledad, el suicidio, lo que ha acuñado como famositis y la vulnerabilidad.

La cantante, productora y vocalista de Delaporte —que el pasado mes de noviembre denunció la agresión sexual que sufrió durante un concierto— ha agarrado sus heridas, las ha abierto, ha dejado salir su pus y las ha limpiado sin dejar de retorcerse. También las ha permitido desgarrarse incluso un poco más, para acabar sanando, renovando su piel, abrazándolas y cuidándolas en un ejercicio de honestidad que sobrecoge por la crudeza y a la vez delicadeza con la que ha suturado sus llagas.

Su libro entronca con la idea de felicidad que abunda hoy en día, reducida muchas veces al imperio de Mr. Wonderful.

La felicidad como marca es mentira. A nivel social estamos en una deriva de hiperdisociación, de vanidad, que se ha colado a través de la marca de felicidad social y de solucionar todos nuestros problemas de abandono y heridas a través de conseguir fans, de que nos vean, de sentir que existimos y somos importantes a través de las demás personas. Desde un yo que no es real y que genera más vacío, porque al final te quieren desde una marca que has generado, no desde quien tú eres realmente. Se ensalza la marca de que la vida es maravillosa, de que todo es genial, viaja y que se te pase, consume y que se te pase, ve a 800 festivales, consume más alcohol...

Yo he tenido ideas suicidas y hay que hablar de que es un fracaso social, no individual, porque no encajamos en el sistema que se nos ha vendido de producción capitalista. Un modelo de existir en torno al consumo, que ya es fracaso, pero no nuestro. Quien se atreve a mirarlo de frente y ver esas heridas, es quien hace la revolución, quien ve la vulnerabilidad, quien de pronto conecta con la ternura y con lo más radical de todo, que es ser buena persona, incluso aunque tengas que renunciar a ser famoso o todos estos vacíos que estamos llenando con esta moto a toda velocidad. Somos más listas de lo que parece, nos la intentan colar pero no funciona. Hay más precariedad que nunca, el problema de la vivienda es brutal, el nivel de depresión, los problemas de salud y salud mental, es abismal.

¿Qué es la 'famositis'?

La famositis es una inflamación aguda del ego que viene de la enfermedad de la idolatría. Tener referentes e inspiración es superimportante, pero de ahí a la locura que se ha generado... El backstage de muchos festivales es a ver quién está con la abeja reina. Imagina que aparecen aquí Rosalía, Nathy Peluso o Beyoncé, ¿qué va a pasar? Es que hasta deshumaniza a la persona. Se convierte en la masa masiva que se supone que es el éxito al que aspirar y al que idolatrar, como si esa persona tuviera algo fundamentalmente maravilloso; y es una persona igual que tú.

¿Con millones detrás para precisamente convertirlo en algo que inflame el ego y la enfermedad de la idolatría? Sí, pero a mí no me gusta que me idolatren. Me parece una falta de respeto. Me parece bien que te inspire, que te guste lo que hago, que te ayude; pero yo quiero hablar con un humano, no con un niño de doce años que ve a un superhéroe porque canta y lleva cosas de marca. Lo siento pero no.

No me gusta que me idolatren. Me parece una falta de respeto. Me parece bien que te inspire, que te guste lo que hago, que te ayude; pero yo quiero hablar con un humano, no con un niño de doce años que ve a un superhéroe porque canta y lleva cosas de marca

Sandra Delaporte — Compositora, productora y cantante

Reflexiona sobre las veces que se perdió a sí misma por agradar, ¿la industria musical permite que se den cuenta?

Cuanto más agradas más te abandonas a ti misma, y cuanto más lo haces, más difícil es que te quieran por quien eres y más gordo se hace el abismo. Es un sistema de supervivencia que me ha mantenido, pero admito que he sido 'agradadora' máxima de amigas, amigos, público, pareja. Me he puesto ropa que no quería. No me gusta el modelo sexual femenino que impera hoy en día.

No me identifico nada con el canon, no me gusta maquillarme, no me gusta pintarme las uñas, no me gusta enseñar cosas y lo he tenido que hacer para agradar a un público, conseguir fans, que me idolatren, siendo alguien que no soy. Y vender una marca de que el sueño de todo artista es ser Dua Lipa. Pero es que me parece arte vacío, que no es real y nace de la supervivencia del agradar.

Muchas artistas mujeres parecen cortadas por el mismo patrón, ¿hay margen de cambio en una industria que lo perpetúa?

Yo he tenido que revisar mucho qué es el éxito para mí. Yo no sé si voy a tenerlo o no, pero lo que no voy a hacer es perderme otra vez porque me marchito, me muero, no soy yo. Yo creo que en realidad nadie está bien. Luego es verdad que hay gente que utiliza su altavoz para hablar de violencia de género, de todas las formas de intransigencia y antihumanidad que existen, lo cual es muy valiente; pero es que yo no quiero ser Aitana ni Dua Lipa.

No quiero aparecer bailando. Yo o hago punk, o hago techno o hago este libro; no quiero un público masivo, quiero público consciente. Ese es el éxito para mí, poder vivir dignamente, poder pagar el alquiler, comer, hacerme algún viaje de vez en cuando, pagarme mi terapia, y ya está. Y si no, puedo dedicarme a mil cosas más. Yo voy a crear hasta el día en que me muera, pero si lo que creo no late o no forma parte de, me da igual. El dinero ya no es un monstruo al que tengo que agradar.

En su experiencia, ¿cómo se ha sentido al hablar del suicidio? ¿Falta conversación sobre ello?

Sí. Creo que lo oscuro no se ve y muchas personas no se sienten vistas. Los consejos de la marca de la felicidad, de “ay bueno, pero la vida es maravillosa, céntrate en eso”, no ayudan a superar el suicidio, promueven el aislamiento. Si la gente no se expresa y pide ayuda, se mata, porque precisamente te quieres matar porque te sientes sola y abandonada. Sin las otras personas no vivimos. Nos han intentado hacer pensar que somos independientes, que podemos con todo, todo esto de los cripto, que qué pereza y coñazo de seres humanos. Todo ese tipo de mensajes no van con la humanidad.

El aislamiento es lo peor que hay y paradójicamente ahora estar aislado es lo cool y lo guay. Así que ver a gente hablando del suicidio a mí me ha salvado, y hablar de la muerte con total naturalidad. Todas vamos a morir. También hay un rollo de “somos superheroínas inmortales” y eso es mentira. Nos da tanto miedo darnos cuenta de la vulnerabilidad que tenemos que vamos corriendo a idolatrar a personas que nos hacen creer que somos inmortales, maravillosas y que podemos con todo, y es todo mentira. Las personas que hablan de su humanidad sí salvan vidas, y son gente valiente.

¿Qué lugar ocupa la vulnerabilidad en la actualidad?

A mí me enseñaron de pequeña que la vida es dura y que tú tienes que ser más fuerte que la vida. Y hay que ser fuerte, poder con todo, y ser demasiado sensible es un problema; y ser demasiado intensa, también. Venimos de una deriva, que siguen gobernando hombres, que nos dice que tenemos que producir, autoexplotarnos, morir en el intento, y que vivan el honor, el orden, la ley y el rey. Hay una voz constante que dice “sé fuerte y no llores” y que la vulnerabilidad es de débiles. Y si eres débil, mueres.

Para mí, en estos últimos años mi vulnerabilidad ha sido mi única fortaleza, porque es lo que realmente me dice quien soy, me permite poner límites y decir “yo no me autoexploto” y “no me voy a suicidar porque tú me grites”. Te voy a decir que no. A la industria musical, con todo el cariño del mundo y lo que me has dado, gracias, pero por aquí no paso. No me voy a poner bótox. Voy a tener canas, arrugas; y si a ti no te gusta, es que no tengo que estar ahí.

Otro tema que aborda es su experiencia como víctima de violencia de género, ¿hace falta también poner más el foco, o incluso replantear la manera de hacerlo?

Al principio se suele poner mucho el foco en victimizar, en la carnaza. Me pasó cuando anuncié en mis redes sociales, que es mi comunidad, la agresión sexual que sufrí durante un concierto. Lo hice porque lo sentí como una traición porque de mi público espero que haya un mínimo de conciencia y de responsabilidad. La libertad no es lo que dice Ayuso, requiere de mucha responsabilidad, y si no la tienes, es tiranía. Es mucho del neoliberalismo del “todo vale” y no, no todo vale. Me cabreé mucho porque cuando bajo del escenario hay un pacto de confianza y seguridad. Y si eso se rompe no está bien, y lo comuniqué. ¿Qué pasó? Me llamaron de programas de televisión que no me habían llamado en la vida. Y no, si quieres carnaza ve a buscarla a otra parte. Esto es muy sensible.

Al principio se pone el foco en la denuncia, y en poner en duda a la que denuncia, como pasó con Julio Iglesias. Lo más difícil es tener la valentía de denunciar y rehabilitar a esa persona para que pueda volver a confiar en un hombre, en la vida y para que no se quite la vida, que es lo que más me está costando a mí. Llevo diez años de terapia intensiva trabajando el abuso narcisista, el abuso sexual y el maltrato psicológico. Y nadie pone el foco ahí, nadie habla del pánico a que te toquen, del ser humano que hay detrás de todo lo que está pasando.

Y peor aún, se dice que a los hombres les destrozas la vida por la cancelación, pero es que todos esos hombres siguen trabajando, siguen siendo famosos, siguen haciendo de su vida lo que les da la gana y pasan impunes. Da la sensación de que todavía socialmente se protege más al agresor que a la víctima, se pone en duda antes a la víctima que al agresor y al que abusa. Y el único responsable del abuso es el que abusa. Si tú decides poner en duda a la víctima o, como en el bullying, decides poner en duda al niño que están pegando, eres parte del bullying. Y si no lo quieres ver, es porque no te importa una mierda la humanidad. Te importas tú, tu ego y tu narcisismo.

Vídeo completo de la entrevista

Vídeo: Adrián Torrano

Su estilo melancólico y elegante, poco estridente, inundó las radios de todo el mundo a principios de los 2000. La voz de la cantante británica sonaba mundialmente con canciones como “Thank You”, “White Flag”, “Life for Rent” o “Here With Me”, la canción que fue uno de sus mayores éxitos y que era número uno en España hace 25 años.

Tuvo una segunda oportunidad para el éxito

Pocas canciones pueden decir que han tenido una segunda oportunidad para alcanzar el éxito, con la misma artista y sin cambiar nada, sin una diferente versión. El 1 de febrero del 2001 volvía a publicarse “Here With Me”, en esta ocasión en el Reino Unido, después de haber sido lanzada por primera vez en 1999 en Estados Unidos.

El álbum del que formaba parte, “No Angel”, vivió una segunda vida exitosa y fue entonces cuando se decidió que uno de sus singles también merecía esa nueva oportunidad. Con su relanzamiento en 2001 se convirtió en uno de los éxitos del año, llegando al número cuatro en el Reino Unido, su país natal, donde alcanzaba el top 5 por segunda vez de forma consecutiva tras haberlo hecho con “Stan”, la colaboración con Eminem en la que incorporó en sample el primer verso de “Thank You”.

De hecho, no se equivocaron, fue así, en parte también porque formó parte del tema principal de la serie ‘Roswell’, que estuvo en antena entre 1999 y 2002. Alcanzó todavía más fama después de aparecer en una escena relevante de la película ‘Love Actually’, estrenada en 2003, y que se ha convertido en uno de los clásicos del cine navideño.  Así, “Here With Me” se hizo famosa en todo el mundo, no solo en Reino Unido y Estados Unidos, siendo también top 5 en países como Francia, Nueva Zelanda y llegando al número uno en Australia.

Con dos lanzamientos, en 1999 y 2001, la canción de Dido tiene también dos videoclips. El primero fue rodado en tonos sepias y mostraba a la cantante caminando por diferentes lugares, pero no acabó de convencer a la artista, que, aunque con bajo presupuesto, esperaba más creatividad para el lanzamiento del sencillo. Es por esto por lo que para su publicación internacional se grabó un segundo video en el que ella aparecía cantando sobre una cama en una habitación, que se combinó con escenas en las que caminaba por las calles de Ontario, Canadá.

Una canción que dedicó a su novio de entonces

Dido, que nació como Florian Cloud de Bounevialle O’Malley Armstrong en Londres en 1971 el día de Navidad, escribió “Here With Me” hablando sobre su relación con su novio de entonces, Bob Page, con quien se llegaría a comprometer, pero que rompería tras siete años juntos. En 2013, cuando le preguntaron sobre el tema, Dido recordó lo que significó en su carrera: “Fue la primera canción que escribí que fue buena. Es una canción de amor simple, escrita en un tiempo bastante oscuro”, admitía.

Y es que la canción fue la que marcó sus comienzos, pues la tocó por primera vez para su hermano y ella quería en un principio que encontrara un artista para que la interpretara, pero sería él quien le convencería para que ella misma la cantase. Ese mismo día firmó con la discográfica y fue como arrancó su trayectoria profesional.

Dido nunca desapareció y siguió haciendo música

Si bien Dido no volvió a tener un fuerte protagonismo en la música pop desde su estrellato a principios de los 2000, la cantante británica no dejó de lanzar discos, solo priorizó su vida personal, bajando el ritmo de lo que venía haciendo.

Un momento clave fue 2006, cuando lanzó su disco más personal y oscuro, “Safe Trip Home”. Lo grabó tras el fallecimiento de su padre y en uno de los momentos más difíciles de su vida, dicho por ella misma: “Me encanta el tercer álbum. Tiene la mayoría de mis canciones favoritas. Pero no podía cantarlas en vivo. Era tan crudo en ese momento. Mi padre acababa de morir. Muchas de ellas trataban de eso. Era como, ‘Oh Dios, no puedo hablar de esto’. No lo pensé” declaró al respecto. Por eso decidió no promocionarlo al mismo ritmo y no realizó una gira después.

Si bien publicaría más trabajos como “Girl Who Got Away”, Dido lo haría a un ritmo más pausado y no sería hasta el lanzamiento de su disco “Still on My Mind” en 2019 cuando volvió a ofrecer conciertos, 15 años después. Todo ello queriendo disfrutar de la música, pero sin la ambición de obtener un hit viral.

No importaba que fuera domingo ni que al día siguiente hubiera que trabajar. Al sonar los primeros acordes de 'El último vals' con decenas de fotografías ordenadas cronológicamente de Leire Martínez, desde sus primeros pasos -en la vida y en la música- hasta hoy, el público a rebosar de la Sala Santana de Bilbao ha empezado a vibrar. Ha sido el primer y único concierto por el momento de la que fuera cantante de La Oreja de Van Gogh en Euskadi, su tierra, y lo ha celebrado con sus nuevos éxitos como 'Mi nombre', 'No se me da bien odiarte', o 'Tonto por ti', y con los himnos de siempre, como 'La niña que llora en tus fiestas', 'El primer día del resto de mi vida', o 'Cometas por el cielo'.

Durante las más de dos horas en las que no ha dejado ni un segundo de cantar, Leire ha sido capaz de emocionar al público, de alegría primero y de tristeza y melancolía después, cuando, acompañada de una banda dirigida por Víctor Elías, quien ha creado arte al piano, ha cantado 'Jueves', la canción dedicada a las víctimas de los atentados del 11 de marzo de 2004, mientras en la pantalla se mostraban los ojos sonrientes de personas distintas, una tras otra, mientras Leire ha lanzado un mensaje en contra de la guerra y a favor de las personas sea cual sea su género, raza u orientación sexual.

La emoción palpitaba en el ambiente y en un público que no paraba de corear el nombre de Leire mientras ella, visiblemente emocionada y extasiada de alegría, abrazaba cada grito. Hasta que dos palabras se le han escapado de la boca, casi sin querer. “Estoy enamorada”, ha confesado ante miles de personas que se han emocionado con ellas. Y después, su pareja, el saxofonista Miguel Sueiras, ha entrado en escena y le ha dedicado un 'solo' para después acompañarla en los compases de 'Mírame', canción que Leire canta con Andrés Suárez. Así, ella le ha dedicado su amor en cada letra. “Quédate con quien te mire como lo hago yo, cuando despierto y, a mi lado, tú haces de todo nuestro mundo casa, aunque no haya playa, tú, cuando dibujas nuestro corazón, solo adivinas el futuro, ven, vamos juntos de la mano, siempre juntos”. Y tras la canción, un beso entre ambos ha avivado a las miles de almas que han latido al unísono de la sala bilbaína.

A pesar del canto al amor, Leire Martínez no ha perdido la ocasión para lanzar un mensaje contundente a su público, en concreto, y a la humanidad, en genera, contra la violencia machista. Lo ha hecho primero en euskera y después en castellano. “No nos podemos permitir como sociedad que la violencia machista siga formando parte de nuestro día a día. No podemos normalizarlo hasta el punto de que ya no nos duela, de que ya no nos importe. Tenemos que seguir hablando de este tema, tenemos que seguir poniéndolo sobre la mesa porque insisto, como sociedad, no nos lo podemos permitir. Parece que nos cuesta hablar sobre feminismo y, sin embargo, frente a la palabra igualdad no parece haber dudas. Quizá haya que cambiarle el nombre, pero empecemos a sentir, a interiorizar esa igualdad de una manera profunda, de verdad”, ha manifestado en un absoluto silencio que se ha roto entre aplausos y gritos de apoyo a sus palabras.

Lejos de la polémica que le lleva persiguiendo desde que saltó la noticia del 'adiós' a la banda donostiarra, la cantante ha hablado en términos generales de “dejar atrás el rencor”, de atreverse a “abandonar la zona de confort” y de no de “señalar al de al lado” para así lograr ser más feliz. “Yo llevo tiempo intentándolo”, ha señalado haciendo un guiño que el público ha entendido sin necesidad de aclaraciones como una alusión a su salida de La Oreja de Van Gogh. Tras esas palabras ha cantado 'El ruido', canción que canta con el icónico dúo de pop argentino Miranda! y 'Cabeza de ratón', en la que lanza un dardo rescatando el refrán de “Más vale ser cabeza de ratón que cola de león”, para sostener que es mejor liderar un proyecto pequeño pero propio que ser una 'marioneta' en uno grande.

No han faltado los clásicos de La Oreja como 'Muñeca de trapo', 'Puedes contar conmigo', 'La playa' o 'Rosas', en la que desde el público han hecho entrega de un ramo de rosas a Leire Martínez. Tras dar por acabada la actuación, pero con varios gritos de “beste bat” (“otra”, en euskera) la de Errenteria y su banda han vuelto para poner la guinda al pastel y cantar 'Inmortal'. Y con las palabras “volveremos pronto, Bilbo. Prometido, hasta siempre”, Leire Martínez, sin necesidad de nadie más, pero muy bien acompañada, se ha declarado inmortal en Bilbao, en Euskadi y en el mundo entero.

“Me casó mi madre, chiquita y bonita, con un mozalbete que yo no quería”, así comienza una de las canciones de Cristina Len, cantante y compositora catalana, pero con orígenes en un pueblo de Salamanca, al que ha regresado para construir su próximo álbum, en el que ha implicado a las gentes de la localidad.

“Nos encontramos en un momento en el que resulta difícil saber de dónde venimos y es literalmente imposible saber adónde vamos. Todo —lo que nos parecía más inconmovible— ha quedado como desarraigado y colocado sobre la superficie de la tierra. Todo es fluido, plástico, casi diría gaseoso. Los pies no encuentran la solidez antigua del basalto y del granito”. Esto escribió Josep Pla en 1953 y desde entonces, la centrifugadora no ha hecho más que acelerarse, produciendo un vértigo generacional entre los más jóvenes que sienten desmoronarse el mundo con estrépito.

Entonces volvemos la vista hacia atrás, buscando algún asidero, alguna semejanza, y allí surgen ellas, rocas en tiempos convulsos. Abuelas que transitaron la dureza del hambre y los silencios. Calladas, pero firmes. Sabiendo que tarde o temprano sus nietas volarían libres. Lo hemos escuchado en voces como las de Bewis de la Rosa, Queralt Lahoz o Karmento. Cristina Len se suma también a este coro de voces femeninas que reivindican el legado de sus abuelas.

“Somos una generación muy perdida. Estamos en un momento de conflicto generacional enorme… no nos está llegando esa especie de estado de bienestar. Entonces volvemos para atrás”, explica Cristina Len. “Mis abuelos hicieron un trabajo enorme para sus hijos, para sus nietos. Yo me siento muy agradecida porque soy una privilegiada… soy consecuencia de que mis abuelos emigraran del pueblo. Hay muchas voces que se van… muchas canciones que a mí no me han llegado, ni a mi generación. En octubre pasado murió mi abuela en Martiago, y no lloré; pero a los pocos meses, todo se me manifestó con mucha ansiedad, con mucho miedo a la muerte. Y en diciembre, cantando, me rompí las cuerdas vocales y tuve que aprender a cantar de nuevo”, explica.

Era un reto muy bonito, respetuoso y honesto, porque no quería utilizarlo de manera superficial

En ese momento de pérdida, Martiago se convierte en un eje de estabilidad. “Esto es lo único que me sostiene la vida ahora mismo”, afirma Cristina Len. El trabajo con el cancionero del pueblo, los ensayos semanales con la coral y la convivencia durante la producción le dieron una rutina y una dirección. Len explica que lleva más de un año remando esta idea, desarrollándola de forma constante y con una implicación total. El resultado es un proyecto vital que articula su trayectoria y su presente artístico.

Nacida en Esplugues de Llobregat, Cristina Len vuelve la mirada hacia Martiago, ese pueblo de Salamanca donde están sus raíces. Se instaló en casa de su abuela, reunió a las vecinas en la ermita para cantar juntas y nació este EP con el nombre del lugar en el que se reúnen generaciones para cantar y bailar. Merche, Belén, Montse, Mari Mar, Eladia, Socorro, Isabel, Juani, Julia, Lourdes, Teresa, Antonia, Matilde, Paquita B., María y Paquita E., con la dirección de Agurtzane Alonso, son las protagonistas activas del proceso. “Se ha creado una comunidad y son mis amigas, me han apoyado mucho”, explica Cristina. Son la coral de este nuevo 'Martiago' y también aparecen en el cortometraje que acompaña a 'Manolo Mío', bajo la dirección de Luis (Soto) Muñoz y con la producción musical de Yoel Molina.

Hay cosas de las que yo no puedo hablar porque yo soy una niña criada fuera. Entonces he intentado ser muy respetuosa

Tanto en el disco como en el vídeo se mezclan los caminos, el verano en Martiago o el entierro del Cristo, con la visión urbanita de Cristina Len y de los colaboradores que convivieron en el pueblo durante la producción. “Empezamos con esta idea en febrero, hace un año, encima de la mesa… y a partir de ahí esto es lo que estoy remando en mi vida real.”

“Me he sentido muy querida. Muchísimo”, explica Cristina Len, que ha creado este proyecto desde la experiencia directa de escuchar, ensayar y convivir con las mujeres de Martiago. El cancionero tradicional dialoga con electrónica y sonidos urbanos. “Mi visión sobre la realidad, sobre la música tradicional, sobre el folclore y cómo intentar evitar utilizarlo de manera superficial.”

El proyecto se ha construido desde la comunidad: “Martiago se ha hecho más desde gente viniendo a mi pueblo, no yo yéndome de él”. Vecinos y familiares participaron en el rodaje y en la grabación, y las canciones encontraron una recepción más abierta de la prevista. En lo musical, la propuesta mantiene esa tensión consciente en la que los coros tradicionales se yuxtaponen a bases con reguetón, hardstyle o makineo, con una actitud directa que ella misma define como casi “punky”. Un ejemplo es 'Desde que te vi', que tiene un objetivo claro: “Sonar en todas las fiestas de pueblo”.

Aborda su relación con el entorno rural desde una autocrítica constante. Advierte sobre la tentación, habitual en contextos urbanos, de convertir el pueblo en un refugio simbólico y en una imagen amable desconectada de su historia. Ella misma reconoce que es fácil caer en esa mirada y marca una línea clara: “Aquellos que indagamos en nuestras raíces debemos de ser cuidadosos y responsables de no formar parte de esa idealización; porque la realidad es otra”. Recuerda que para muchas familias el pueblo fue pobreza, posguerra y falta de oportunidades. Si hubo emigración masiva, explica, fue por motivos estructurales. Por eso rechaza presentar lo rural como una postal y asume que cualquier relato honesto debe incluir también esa dureza.

Cristina Len presenta un trabajo en el que trata de evitar “idealizar lo que es el pueblo y toda la movida del pueblo. Es mucho más complejo”. Evita representar lo rural como decorado o postal folclórica, y lo presenta como un lugar complejo, con memoria, con carga histórica y tensiones. “Hay cosas de las que yo no puedo hablar porque yo soy una niña criada fuera. Entonces he intentado ser muy respetuosa”. Se define como “niña de ciudad” y admite que llega al pueblo como forastera, con vínculos afectivos, pero sin apropiarse de una experiencia que no vivió en primera persona. Desde ahí construye su lugar dentro del neofolclore y defiende la mezcla entre tradición y electrónica siempre que exista conocimiento y respeto por el material de origen. “No creo que mezclarlo con lo nuevo lo corrompa; al contrario, lo enriquece. La clave está en el respeto”, explica.

“Era un reto muy bonito, respetuoso y honesto, porque no quería utilizarlo de manera superficial”, añade. Quizá lo asume como un aprendizaje que dote de sentido el camino y que ayude a sostenerlo. También puede leerse como una búsqueda identitaria y como la recuperación de sonidos que el cuerpo recuerda, aunque no siempre estén presentes en la memoria consciente.

Su identidad artística no es estática, sino que ha surgido al abrir espacio a valorar lo propio frente a las referencias anglosajonas, pasando del rechazo inicial a entender que la sonoridad del jazz o el R&B que buscaba ya existía en los cantes de su pueblo. Un proceso que ha ido evolucionando, pues mientras que su álbum 'TMLM' era “ella en Martiago”, su último EP es el pueblo en sí mismo, marcando una culminación de su relación con el folclore directo para, en el futuro, volver a componer desde sus propias letras y melodías. Cristina Len asume que somos “personas muy complejas con muchas aristas” y que su música es un reflejo de esa búsqueda honesta que fusiona la tradición oral con la modernidad electrónica, porque todos esos sonidos forman parte de su identidad.

Ahora inicia un nuevo camino tras ganar el premio Talento Ribera 2025 y unirse al roster del sello independiente El Tragaluz, especializado en trabajar la tradición desde lenguajes actuales como Idoipe, Karmento, Vicente Navarro, Musgö, Calequi y Las Panteras, Vermú o Blanca Paloma. Una incorporación que dará alas a 'Martiago', que formará parte del cartel del Festival Sonorama Ribera 2025 y actuará en la Gran Fiesta de la Vendimia de Ribera del Duero, y que quizá sirva para alcanzar su sueño de girar con las señoras del coro de Martiago y pagarles como se merecen.

El Gran Teatro de Cáceres acogerá el sábado 28 de febrero un espectáculo de Luis Pastor, acompañado por la Banda Sinfónica Provincial, dirigida por Antonio Luis Suárez, que busca fusionar la canción de autor con la música clásica, en una experiencia artística que une tradición, talento y nuevas miradas creativas.

La vicepresidenta de Territorio, Igualdad y Cultura de la Diputación de Cáceres, Esther Gutiérrez, ha subrayado que la institución no dudó en poner la Banda Sinfónica Provincial a disposición de este proyecto, producido por Carlos Ortiz. La propuesta, ha dicho, simboliza “el compromiso firme de la Diputación con los valores musicales de nuestra tierra y con quienes han construido, a través de la palabra y la música, la identidad cultural de Extremadura”.

El concierto contará con la participación de una treintena de músicos, que acompañarán a Pastor en un repertorio adaptado especialmente para la ocasión por el arreglista José Antonio Márquez, combinando canciones de su último disco 'Extremadura fado', temas del disco-libro con José Saramago y canciones emblemáticas como 'Flor de jara' o 'Soy', considerada por el propio autor como “posiblemente la canción más hermosa” que canta.

Gutiérrez ha resaltado que la propuesta pretende acercar la creación extremeña a todas las edades, fomentando la transmisión intergeneracional de la música y consolidando la proyección cultural de la provincia, integrando tanto a creadores contemporáneos como a públicos con distintos intereses y experiencias.

El proyecto refuerza la estrategia de la Diputación de Cáceres de apoyar la creación artística local, consolidar el tejido cultural y ofrecer propuestas de calidad que proyecten la riqueza musical de Extremadura a nivel nacional e internacional.

Luis Pastor ha destacado la importancia de este espectáculo para sumar talento, tradición y nuevas miradas artísticas, subrayando que cada interpretación se realiza pensando en el valor cultural y emocional que tiene para la audiencia extremeña y para quienes conocen su música fuera de la región.

El concierto se enmarca dentro de una línea de trabajo que busca fortalecer el patrimonio cultural intangible de Extremadura, promoviendo la colaboración entre músicos, compositores y entidades culturales, y proyectando la música de la provincia hacia nuevas generaciones y escenarios.

Con esta iniciativa, la Diputación de Cáceres reafirma su compromiso con la creación, difusión y valorización de la cultura extremeña, fomentando experiencias artísticas que conecten la tradición con la innovación y acerquen la música a toda la ciudadanía. 

Streets of Minneapolis, la canción que Bruce Springsteen ha compuesto a raíz de las maniobras represivas del ICE, ha monopolizado toda la atención, pero el Boss no es el único músico que ha reaccionado con una canción en apoyo a los vecinos de Minneapolis. Ni siquiera el primero. El cantautor inglés Billy Bragg compuso la canción City of heroes tras el asesinato de Alex Pretti. El enfermero sucumbió a los diez balazos de la policía el sábado 24 de enero. Bragg se encerró en su estudio casero el domingo y el lunes colgó la canción en internet.

“El asesinato de Alex Pretti fue terriblemente impactante. Y más aún, cuando todavía nos estábamos recuperando de las imágenes del asesinato de Renée Good. Que se puedan cometer estos crímenes a plena luz del día, frente a una cámara y que ni aun así nadie rinda cuentas solo agrava la injusticia”, denunciaba Bragg sobre las políticas contra la inmigración de Donald Trump el lunes 26 desde su perfil de Substack. Acto seguido, la noticia musical: “Ayer compuse esta canción como un homenaje a la valentía de la gente de Minneapolis que, aun sabiendo que estos matones de gatillo fácil del ICE operan con aparente impunidad y complicidad, siguen dispuestos a arriesgarse para defender su comunidad. Su resistencia es una inspiración para todos nosotros”. 

City of heroes son dos minutos y medio airados que contagian la necesidad de rebelarse ante el abuso de poder. Su estribillo es una inequívoca llamada a la acción: “Cuando vinieron a por los inmigrantes, yo les planté cara / Cuando vinieron a por los refugiados, yo les planté cara / Cuando vinieron a por los de cinco años, yo les planté cara / Cuando vinieron a mi vecindario, yo les planté cara”. Nerviosa y austera, solo guitarra acústica y voz, City of heroes recupera el tono beligerante de sus grabaciones de los 80; esas que te agarraban por la pechera y te conminaban a situarte políticamente en tu tiempo. Es una vuelta a los orígenes en toda regla. O, como dicen en inglés, un back to basics.

Con las luchas de ayer y las de hoy

Back to basics es, de hecho, el título del álbum recopilatorio que Bragg publicó en 1987. Reunía sus dos primeros elepés, Life’s a riot with spy vs spy (1983) y Brewing up with Billy Bragg’(1984), y el epé Between the wars (1985). En este último, destacaba Which side are you on?, una canción compuesta en 1931 por la activista Florence Reece, esposa de un líder del sindicato minero de Kentucky. En esa época, Bragg ponía su áspera guitarra al servicio de numerosas causas; por ejemplo, la huelga minera de 1984 en la Inglaterra de Margaret Thatcher. Pero también conectaba luchas del presente con las del pasado.

En City of heroes también recupera ese hábito. La primera estrofa está íntegramente dedicada al párroco alemán Martin Niemöller que, en los años 40, escribió el poema Cuando los nazis vinieron por los comunistas. A través de aquellos versos, Bragg denuncia esa actitud de esquivar los conflictos que no te interpelan hasta que la violencia y la injusticia vienen a por ti y ya no queda nadie que pueda defenderte. “En esta ciudad de héroes aprendemos las lecciones de la historia”, concluye, en referencia a la solidaridad vecinal de Minneapolis.

En la década de los 80, Billy Bragg era omnipresente. Se podía presentar en tiendas de discos o manifestaciones con una mochila en la que llevaba incorporados dos pequeños altavoces, un amplificador y un micrófono que le permitían tocar la guitarra eléctrica y cantar... ¡caminando! No tardaría en consolidarse como el cantautor izquierdista dispuesto a apoyar todas las causas en las que creyera. Y no eran pocas. Sus conciertos solían eternizarse porque entre canción y canción lanzaba alegatos en favor de colectivos y campañas de diversa índole.

Cuando actuó en España en 1990, consciente de que buena parte del público no entendería el inglés, contrató a una persona que traducía sus explicaciones al castellano. Y el recital se eternizaba aún más. Pese a ello, Bragg nunca ha considerado el escenario como un altar. Los Clash le cambiaron la vida, sí, y durante sus primeros años de carrera fue el arquetipo de cantautor punk, pero siempre ha dicho que el verdadero poder de los conciertos no reside en el artista que ocupa el escenario ni en lo que cante o cuente ahí arriba, sino en el hecho de que ese concierto reúna en un mismo lugar a personas con ideales comunes.

Bragg protagonizó una gira cuyo objetivo era reclamar trabajo para los jóvenes. Lideró el colectivo Red Wedge con el que varias bandas inglesas querían decantar las elecciones del lado laborista. Participó en muchos conciertos en favor de los mineros ingleses en huelga. Tocó en la Unión Soviética de Gorbachov y en la Nicaragua sandinista. De esta última experiencia nacería su versión de Nicaragua, Nicaragüita, composición de Carlos Mejía Godoy convertida en himno oficioso de la revolución y que él interpretaría en castellano en el epé The Internationale (1990).

Tras una primera década tan hiperactiva, su producción discográfica se iría espaciando. A finales de los 90, grabó con Wilco dos discos en los que ponían voz y música a poemas del cantautor estadounidense de los años 40 y 50 Woody Guthrie. En lo que llevamos de siglo XXI apenas ha grabado cuatro álbumes. Esta fase menos prolífica y de sonido más adulto ha coincidido con la redacción de varios libros de reflexiones políticas.

Discografía, militancia y sentido del humor

Bragg ha publicado tantos recopilatorios como álbumes originales: trece. La última compilación, The roaring forty (1983-2023)’, resume cuarenta años de carrera en cuarenta canciones. Son estas las que lo han convertido en una voz de referencia en la música y la política. Canciones sobre el desempleo con una profunda conciencia de clase. Canciones sobre la solidaridad en tiempos de desesperación. Canciones sobre ecosocialistas ingleses del siglo XVII. Canciones sobre el poder de los sindicatos. Canciones sobre el militarismo como mecanismo para perpetuar el capitalismo. Aun así, quizá su composición más recordada sea la menos política: “No quiero cambiar el mundo / No busco una nueva Inglaterra / Solo estoy buscando otra chica”, entona con el corazón roto en A new England. En Upfield acuñaría el término ‘socialismo del corazón’ para sintetizar su postura política. Siempre contra el cinismo. Siempre a favor de la empatía.

Apodado el ‘bardo de Barking’, Bragg nunca ha tenido problemas en definirse como cantautor y activista. Ni siquiera cuando, tras unos años 80 en los que la escena musical de su país estuvo muy politizada, el auge del brit-pop y la electrónica lo dejaron algo fuera de juego. A Bragg siempre le importó un bledo convertirse en una caricatura porque era el primero en reírse de sí mismo. Una vez, en un macrofestival, se le acercó un colectivo para pedirle que aconsejase al público utilizar preservativos. Sin problema: lo diría a mitad del concierto. El problema fue que se dejó en el camerino los preservativos que debía mostrar. Su mujer fue a buscarlos y salió al escenario para dárselos, mientras Billy le pedía con señas que no se dejase ver. ¿Por qué? Estaba embarazada de ocho meses y, claro, el público estalló en una monumental carcajada al ver que tío Billy no predicaba con el ejemplo anticonceptivo. Él mismo lo explicaba años después alrededor de una paella en la Barceloneta. Y le saltaban las lágrimas de la risa.

Bragg ha capitaneado campañas como Jail Guitar Doors, para financiar la compra de instrumentos que ayuden a los presos a reinsertarse a través de la música. En 2015 apoyó activamente a Jeremy Corbyn para convertirlo en el candidato que despertase al Partido Laborista. También se ha mostrado favorable a la independencia de Escocia y Gales e incluso se sumó a unas marchas contra el gobierno de derechas que dirigía Australia. El pasado septiembre organizó un concierto para recaudar fondos para el pueblo palestino. Dos días antes interpretó en la calle la última canción que había grabado hasta que el asesinato de Alex Pretti le empujó a componer de nuevo. Es Hundred year hunger y en uno de sus versos subraya que “Israel genera hambruna como arma para su guerra”. No era la primera vez que Bragg cantaba en las calles de Londres. Esa fue su escuela. Pero aquel día eligió una ubicación especial: delante del Parlamento.

‘Tus bandas favoritas odian el fascismo’

La portada del single ‘City of heroes’, publicado únicamente en formato digital, muestra a un manifestante de Minneapolis con una pancarta donde se lee la frase “Todas tus bandas favoritas odian el fascismo”. Ya en los años 80, Billy Bragg insistía en que “las revoluciones no empiezan en las tiendas de discos”. Sin embargo, en momentos tan adversos y frente a tanta indefensión, tres estrofas y un estribillo compuestos desde la otra punta del mundo pueden suponer un reconfortante bálsamo para quienes están sufriendo día a día la violencia policial. La primera reacción de Scott Olson, un seguidor estadounidense de Bragg, al escuchar City of heroes fue escribir unas líneas en el Substack del cantautor.

“Creciendo en Minneapolis, tu disco Back to basics sonó sin parar durante mi adolescencia. Era un vinilo doble de un hombre cuya guitarra eléctrica y canciones conversaban con mi angustia e idealismo juvenil. Fue literalmente la banda sonora de mi camino hacia la madurez. Como un don nadie cuyos sueños de estrella del rock no se hicieron realidad, jamás pensé que una experiencia de mi vida llegaría a oídos de mi héroe. Al fin y al cabo, ¿qué le podría ocurrir a un chico tranquilo del suburbio de un adormecido pueblo del medio oeste? Pero entonces llegaron estas tres últimas semanas y mi héroe compuso una canción sobre ello. Gracias Billy, por ver lo que nos pasaba y por honrar a mi gente con tu regalo. Para mí significa más de lo que jamás podrás llegar a saber”.

Cuando aparece sobre el escenario, el pelo rubio le tapa un poco la cara. Lleva gafas de sol —de aviador—, una americana y pantalones acampanados, rollo setentero. Parece incómodo debajo de los focos. Es Nacho Vegas y va a dar comienzo un nuevo concierto. No sé si a estas alturas hay que explicar quién es este señor o por qué es una alegría nacional y autonómica que haya sacado nuevo disco. Y es que nos encontramos entre dos hitos: la salida de Vidas semipreciosas (el 23 de enero) y el concierto que dará en València (el 26 de febrero). Espero verles ahí a todos.

Si miramos la portada del nuevo disco de Vegas, sale con pelazo. Eso siempre es buena señal más allá de los cincuenta años. La fotografía es en blanco y negro y él tiene las manos así un poco atormentadas, hundidas en la melena. Bien, no surprises. Y, una vez que nos ponemos a escuchar el disco, tampoco muchas más. Ni falta que hace. Cuando llevas veinticinco años haciendo música y además no te has muerto por tus tan manidos excesos, tal y como rezaban todos tus horóscopos, qué menos que seguir celebrando la vida: “con lo poco que somos / lo mucho que lo intentamos”, canta en Alivio. 

Siempre recordaremos al primer amigo que nos habló de Nacho Vegas y que al principio este nos pareció un pesado, un tostón, un CANTAUTOR (poque había que reírse de ellos). Pero entonces venía una tristura, un desengaño o algo vergonzoso y se convirtió en el mejor lugar al que volver. No sé a ustedes, a mí me acompaña desde hace veinte años ya. Así que estamos de celebración por este nuevo trabajo de Nacho, aunque no implique una revolución estética à la Rosalía. Casi preferimos que no salga, qué sé yo, como un san Sebastián atado a una columna, asaeteado desnudo, sino que aparezca en el vídeo de Mi pequeña bestia comiéndose unas uvas en un barco. Con la camisa desabrochada. Lo más raro que hace es bailar moviendo un poco el hombrito y las manos en forma de pistola. Queremos tanto a Nacho.

La crítica musical no la van a encontrar en esta columna, porque aquí lo bancamos. Leo que es un disco “imperfecto pero coherente” o lo que sea. Claro que sí, la propia voz de Nacho es imperfecta, por no hablar de la turra que da con ciertos temas y causas que ni les cuento. Pero es que nadie como él para cantar cada vez con más solidez al don de la ternura en tiempos de lobos. Con la lúcida conciencia de que quizás todo placer sea (solo) un alivio, sigue sabiendo cómo cazar momentos únicos en sus canciones: “despunta el alba / veo dorados alfileres en tu espalda”.  

Y lo mejor es que hace tiempo ya que desterró el malditismo de sus letras y se hizo a una alegría irónica. A veces un poco salvaje. Yo le compro siempre las llamadas a la acción, como las de Ciudad vampira o Nuevos planes, idénticas estrategias: un conjunto de parias afilando estacas para matar a los vampiros que nos chupan la alegría y que pueden ser los urbanistas o las enormes corporaciones anónimas. Cada uno sabe, pero lo escuchas y quisieras ser parte de alguna de las conjuras de los necios con que se divierte, “siempre a favor de estar en contra”. Cuando los niños preguntan qué es lo que comen las brujas, Nacho nos lo enseñó, hay que decirles con cara gamberra y como para darles un poco de miedo, “leche, galletas y a ti”.

Escucho a Vegas mientras conduzco. Estoy parada en un semáforo y cruza un padre primerizo con su carrito. Lo sé por el brillo que los envuelve y porque él lleva al bebé como quien llevara un botín ligero y semiprecioso, algo que pudiera volarse con un soplo, un diente de león, un cristal finísimo. Del otro lado del paso de peatones sale una señora con pinta agotada, empuja con esfuerzo una silla de ruedas. La anciana que baje de ahí, en su casa, tendrá que ser transportada despacio al sofá. Ese movimiento se llama “transferencia”, técnicamente. Son unos pasitos cortos, hacia atrás, un pequeño tango ridículo y difícil. Acabo de ver dos gestas cotidianas y diminutas, una hecha de luz y otra de sombra.

Todavía le canta al deseo insatisfecho como pocos, pero cada vez con la cabeza más clara, más consciente de todas las variedades de la existencia

Tengo la sensación de que últimamente a Nacho Vegas le cuesta disimular la felicidad y eso en su caso parece una gesta inexplicable. Todavía le canta al deseo insatisfecho como pocos, pero cada vez con la cabeza más clara, más consciente de todas las variedades de la existencia, que Juan Ramón Jiménez resumía así: “el goce de crecer, la gloria de la acción y el esplendor de la hermosura”. Vegas nunca obvia la cara B de todo esto, las adherencias y las impurezas (“lo que muere dentro como un secreto feo”), pero le agradezco la generosidad de poner a brillar, una vez más, sus canciones entre fuga y fragilidad. Quién cantará, si no, la belleza de quedarnos a mitad del vuelo y, entonces, poder ponernos a bailar moviendo el hombrito.

Este miércoles Bruce Springsteen publicó una canción para protestar por los asesinatos del ICE en Minneapolis. Habrá quien piense que una canción no sirve de nada, y que los prejuicios ideológicos que justifican las redadas del ICE –o las ejecuciones extrajudiciales de sospechosos de narcotráfico en el Caribe– no se combaten con música. A mediados de los años 40, un cantautor estadounidense llamado Woody Guthrie pegó una pegatina en su guitarra con el lema “esta máquina mata fascistas”. Guthrie es una de las grandes influencias de Springsteen. Son el tipo de creadores que creen que el arte sí puede mejorar el mundo. ¿Pero cómo funciona esa máquina de matar fascistas?

Tendemos a pensar que para luchar contra la ultraderecha que deshumaniza al diferente y legitima la violencia debería bastar una argumentación racional. Que las personas que apoyan esas ideas, o que son indiferentes –tan peligrosa es una actitud como la otra– solo podrán ser desactivadas mediante datos y razonamientos. No es así. El fascismo no se elimina argumentando (o no solamente). Hay que apelar a sus mismas armas: la emoción, el sentimiento. Y ahí es donde empieza a funcionar la máquina.

Dentro de cada uno de nosotros puede crecer una personalidad fascista. Sucede cuando la desinformación y los discursos de odio nos inoculan miedo al diferente, al extraño (y especialmente al pobre). Ese miedo infundado es una emoción, y solo se contrarresta del todo con otra emoción.

La película American History X, otra obra de arte, muestra bien cómo matar al fascista que puede crecernos dentro. Su visionado debería ser obligatorio en todos los institutos. El protagonista, el líder asesino de una banda de nazis cabezas rapadas, acaba reconstruyendo su personalidad –acaba matando a su fascista interior– a base de un lento proceso emocional en el que logra descubrir y abrazar la humanidad en el diferente, en el supuesto enemigo que en realidad no lo es. Emociones como la empatía, el humor, la compasión y el reconocimiento son el disolvente del fascismo.

La personalidad fascista está arraigando y floreciendo cada vez en más personas. Urge neutralizar esa deriva y para ello no bastan datos y razonamientos. Necesitamos canciones, series, películas, novelas y poemas que emocionen. Referentes –como lo es Bruce Springsteen en Estados Unidos–, que con sus obras logren conmover a las personas. Esa emoción abrirá, en el fascista, paso a la duda sobre sus propios prejuicios. Y solo desde la duda es posible dar el paso a la reflexión y al cambio de mentalidad. Así es como se mata a los fascistas. Así es como se reintegra a esas personas en la comunidad de quienes creemos que la humanidad es posible. 

La fuerte vinculación del cantautor asturiano Víctor Manuel con la minería y su ciudad natal, Mieres, se ha visto reflejada en sus canciones más memorables desde 'El abuelo Vitor', el picador al que la abuela María escondía su tabaco, como tantas veces cantó en sus conciertos, hasta el dolor y la solidaridad de la familia minera ante las tragedias tantas veces repetidas en las explotaciones asturianas que evocaba en 'Traigo la camisa roja' y 'La planta 14'.

Su útimo concierto en solitario en la Villa del Caudal -como es conocido Mieres por su ubicación en la cuenca minera del Caudal- fue hace más de 35 años, de ahí que el próximo 19 de junio, cuando presente su última gira 'Solo a solas conmigo' las 3.500 personas que se acerquen al pozo Barredo podrán disfrutar de un espectáculo que trasciende la música y que para los asturianos y asturianas es mucho más que un evento musical, al convertirse en todo un acontecimiento cultural.

Las entradas

Las entradas saldrán a la venta el próximo lunes, 26 de enero, a las 11 horas en la web del artista (www.victormanuel.es). De las 3.500 personas que podrán acudir al concierto, 1.500 podrán seguirlo sentadas, mientras que las 2.000 restantes estarán de pie.

El público podrá elegir entre distintas opciones de localización, todas ellas organizadas en diferentes zonas cuyos nombres rinden homenaje a lugares emblemáticos de Mieres.

Las ubicaciones

La zona Barreo (Barredo en asturiano), con sillas numeradas, será la más cercana al escenario; la zona Mariana, en segunda línea, también dispondrá de asientos para el público, y en tercera línea se ubica la zona Campus, a la izquierda, con sillas numeradas, mientras que a la derecha se encuentra la zona Bazuelo donde el público estará de pie y estará sin numerar.

Unas localizaciones que se pueden ver a través de la siguiente infografía.

La primera vez que Víctor Manuel se subió a un escenario en su ciudad natal fue en 1978 en el Teatro Capitol, donde ofreció una actuación íntima con su concierto en solitario para presentar 'Soy un corazón tendido al sol'.

Hijo predilecto

Doce años después, en 1990, volvió al Prau Socuello, en los Mártires de Valdecuna, coincidiendo con su nombramiento como Hijo Predilecto, a un acto al que acudieron 27.000 personas.

Víctor Manuel no volvería profesionalmente a Mieres hasta el año 2005 cuando acudió al campo de fútbol del Batán para interpretar 'Una canción me trajo aquí' aunque en esta ocasión se subía al escenario acompañado de su mujer, la artista Ana Belén.

Su importancia para la ciudad

Aunque profesionalmente han sido contadas las ocasiones en las que ha actuado ante sus 'paisanos y paisanas' en su concejo natal, Víctor Manuel sí ha podido estar presente en varias ocasiones para participar en actividades culturales puntuales, según ha confirmado el Ayuntamiento de Mieres, que ha destacado especialmente la importancia del músico en la historia de la ciudad.

El próximo 19 de junio es una cita imprescindible para conocer 'Solo a solas conmigo' ya que el entorno no puede ser mejor. El Pozo Barredo es una mina subterránea de carbón, sin actividad desde el 31 de julio de 1995, que se encuentra situada dentro del casco urbano de Mieres.

La vuelta a casa

El alcalde de Mieres, Manuel Ángel Álvarez, la concejala de Cultura y Festejos, Nuria Ordóñez, y el promotor musical Enrique Granda han presentado esta actuación que traerá a Asturias este nuevo disco, con arreglos y producción de su hijo David San José, y que cuenta con 14 temas, entre los que se encuentran colaboraciones con Rozalén y Mikel Izal.

“Es un icono, uno de los mejores embajadores del concejo. Historia viva de Mieres y una persona siempre comprometida con su pueblo y sus gentes”, ha resaltado el alcalde.

Manuel Ángel Álvarez considera que este concierto en el que se lleva años trabajando es “una vuelta a casa merecida y esperada” en un escenario emblemático como el Pozo Barredo y en unas fechas tan especiales como son las fiestas de San Xuan.

El videoclip

El propio Víctor Manuel ha publicado en su perfil de redes sociales un videoclip de presentación. A continuación reproducimos el que ha difundido a través de Youtube.

Este es solo un anticipo del concierto que se espera que llene el pozo Barredo con la vuelta del artista mierense a su ciudad natal.

La actriz Carmen Machi o el dúo Camela, serán dos de las 38 personalidades e instituciones de la cultura que el Ministerio de Cultura premiará con la entrega de las Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2024 que tendrá lugar en Toledo el próximo 20 de enero.

Esta ceremonia que tendrá lugar en el Teatro de Rojas de la capital toledana, contará con la presencia de los reyes de España, Felipe VI y Letizia, el ministro de Cultura, Ernest Urtasun; el presidente de la Junta de Castilla-La Mancha, Emiliano García-Page; así como el alcalde de Toledo, Carlos Velázquez.

Premiados con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes

El Consejo de Ministros, a propuesta del ministro de Cultura, Ernest Urtasun, aprobó en diciembre de 2024 la concesión de las Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes a destacadas personalidades como la escritora Elvira Lindo, la actriz Maribel Verdú o el actor Eduard Fernández, el cantante José Mercé o el grupo Camela.

Del ámbito de la música, también fueron reconocidos el cantante y compositor Robe Iniesta, que falleció el pasado diciembre; el grupo musical Los Planetas; el cantante y compositor Kase o el cantante de ópera Carlos Chausson Gracia; y el representante musical José Emilio Navarro Viña 'Berry'.

En cine y teatro, han sido distinguidas las actrices Maribel Verdú, Aitana Sánchez-Gijón y Carmen Machi; el actor Eduard Fernández; el actor y director teatral Josep María Pou; la directora y productora cinematográfica Chelo Loureiro Vilarelle; el director, guionista y productor cinematográfico Pere Portabella; la supervisora de efectos visuales Laura Pedro Albiol; la dramaturga, directora de escena, bailarina, actriz y poeta visual Ana Vallés; y el director, dramaturgo y gestor cultural Luis Guillermo Heras Toledo, a título póstumo.

También han reconocido en el ámbito de las artes escénicas a la bailarina y coreógrafa Mónica Rodríguez Runde; y al Centro de las Artes del Circo Rogelio Rivel.

De igual manera, recibirán la distinción la cómica y presentadora Eva Hache; la diseñadora de moda Juana Martín; la gestora cultural Encarna Lago González; los expertos en derechos culturales Alfons Martinell Sempere y Jesús Prieto de Pedro; el Colectivo Llámalo H; y la Fundación Voces para la Conciencia y el Desarrollo.

La Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes es un reconocimiento que distingue a las personas y entidades que hayan destacado en el campo de la creación artística y cultural o hayan prestado notorios servicios en el fomento, desarrollo o difusión del arte y la cultura o en la conservación del patrimonio artístico.

Nos situamos a mediados de la década de los 90. George Michael se encuentra en un momento fundamental de su carrera en solitario, pero también en un complicado contexto personal, tras perder a su madre y a su pareja sentimental en apenas tres años, y cae en una fuerte depresión, que lo sume también en ataques de pánico.

A todo ello se sumaba una batalla legal con su discográfica, Sony, con la que quería romper su contrato, y cuyo juicio perdió. Pero todo eso pasó a un lado cuando toda esa situación le haría escribir una de las canciones más personales de su vida y de las más destacadas de su carrera que encabezaría su disco ‘Older’, que cumple tres décadas este año.

La triste historia de amor que esconde la canción ‘Jesus to a Child’ de George Michael

Hace unas semanas, la voz de George Michael en ‘Last Christmas’, que grabó y escribió cuando formaba parte del grupo Wham!, fue una de las más escuchadas durante las navidades, y aunque es uno de los éxitos más reconocidos de su carrera, es otra canción la que tiene el honor de ser la más íntima.

Hablamos de ‘Jesus to a Child’, una letra que el británico escribió en tan solo una hora, y con la que homenajeó al que fue su primer gran amor, Anselmo Feleppa, un diseñador de moda brasileño que falleció en 1993 debido a complicaciones relacionadas con el Sida, una enfermedad que le detectaron tan solo unos meses después de haber comenzado a salir con el cantante.

La pareja se conoció cuando Feleppa acudió a uno de los conciertos de George Michael en Brasil, en concreto en Río de Janeiro, y ocho meses después recibirían la desgarradora noticia, por la que dicen que el cantante recordó haber agitado el puño hacia el cielo y gritar: “¡No te atrevas a hacerme esto!”.

Para el homenaje al que fue su gran amor fusionó el synth pop con un el estilo bossa nova, un cierto guiño a los orígenes brasileños de Feleppa, al que no se dirigió de forma clara debido a que entonces el cantante todavía no se declaraba abiertamente homosexual y por ello solo quedó en insinuaciones dentro de la canción. “Fue el primer amor de mi vida. Fui más feliz que nunca. La fama, el dinero, todo palidecía en comparación. Rompió mis restricciones de estilo victoriano y realmente me mostró cómo vivir, cómo relajarme, disfrutar de la vida”, reconocería en una entrevista con la revista People años más tarde.

De su momento más triste a uno de sus grandes éxitos

El fallecimiento de su pareja tan solo unos años después de que muriera su madre lo sumieron en una depresión con ataques de pánico, agravado por su batalla con la discográfica Sony, por lo que estuvo 18 meses sin escribir ni actuar. “Perder a tu madre y un amante en un espacio de tres años es difícil”, declaró a The Independent en una entrevista.

Pero de ese momento amargo nació una de sus canciones más personales, ‘Jesus to a Child’, que fue publicada de forma oficial un 29 de enero de 1996, como primer single de su tercer disco en solitario ‘Older’, a pesar de que ya la había interpretado en vivo en 1994 durante un concierto en Berlín, durante los MTV Europe Music Awards.

Fue su primer sencillo en solitario en ser directamente número uno en las listas del Reino Unido, y en Estados Unidos entró en el puesto 7, siendo así la nueva entrada más alta de un artista británico en más de 25 años. La crítica también cayó a sus pies al dar nuevo material después de una larga ausencia y lo elogiaron por “ser auténtico y demostrar que todavía dominaba el arte de componer música”. Hasta su fallecimiento el 25 de diciembre de 2016, cada vez que la interpretaba, George Michael le dedicaba ‘Jesus to a Child’ a Anselmo Feleppa con el bonito mensaje: “Espero que esté muy, muy orgulloso de ello en algún lugar”.

Este viernes 9 de enero, se estrenó en los cines españoles ‘Song Sung Blue’, una película protagonizada por Hugh Jackman y Kate Hudson en la que se cuenta la historia del dúo tributo a Neil Diamond, ‘Lighting and Thunder’ (Rayo y Trueno), que también fue la de una relación romántica entre sus dos componentes, que contra todo pronóstico llegaron a actuar con Pearl Jam y ser conocidos en todo el estado de Milwaukee.

La película, dirigida por Craig Brewer, recibe este título haciendo referencia a una canción de Neil Diamond que para el director refleja lo que quiere contar, una historia de superación: “Esta no es una canción triste; en cierto modo, es una canción alegre. Estás lidiando con un momento triste en tu vida, pero te da la seguridad de que puedes superarlo... Siento que 'Song Sung Blue' es realmente de lo que trata”, explica para varios medios estadounidenses.

La historia real de ‘Song Sung Blue’: los verdaderos ‘Lighting and Thunder’

Los personajes protagonistas de ‘Song Sung Blue’ (que en España lleva el subtítulo ‘Canción para dos’) son Mike y Claire Sardina, un matrimonio que interpretaba versiones del repertorio de Neil Diamond con su banda tributo ‘Lighting and Thunder’, que existieron en la vida real y cuya historia contó primero el documental del mismo nombre en el que se basa a su vez la película con Hugh Jackman y Kate Hudson. Brewer lo había descubierto durante el festival de cine independiente de Memphis, en Tennesse, y en ese documental se podían ver escenas de la vida cotidiana y en los escenarios del matrimonio Sardina. Su banda tributo comenzó en 1989, cuando los dos ya eran algo conocidos en su zona a nivel individual.

Así, al igual que se muestra en el largometraje, Mike y Claire Sardina, o lo que es lo mismo ‘Lighting and Thunder’ comenzaron una carrera ilusionados, aunque es cierto que se llevaron abucheos en un bar de Chicago por parte de un grupo de moteros, pero que los llevaría a actuar en festivales como el Summerfest o la Feria Estatal de Wisconsin, y que haría que su base de fans creciera. Uno de sus puntos álgidos tuvo lugar en 1995 cuando actuaron como teloneros en un concierto de Pearl Jam e interpretaron ‘Forever in Blue Jeans’ junto a Eddie Vedder. Un año antes, en 1994, Mike y Claire se habían casado en la Feria Estatal de Wisconsin, ella con un conjunto blanco combinado con un sombrero de vaquero.

El matrimonio Sardina estaba formado así por dos personas que habían tenido que lidiar con un pasado complicado, Mike como veterano de la Guerra de Vietnam y alcohólico y Claire como madre soltera de dos hijos que recibía ayuda social. Tendrían que superar más adversidades también juntos, pues Claire Sardina sufrió un accidente en 1999 mientras estaba en el jardín de su casa después de que un conductor de 80 años perdiera el control y la atropellara, por lo que le tuvieron que amputar una parte de su pierna izquierda. Mike fallecería a los 55 años debido a un ataque en el corazón y una herida mal curada en 2006.

Lo que es diferente en la película, aunque solo ligeramente, es la recuperación de Claire, que comenzó actuando en silla de ruedas y con playback, para luego ir volviendo progresivamente a bailar y cantar ella misma, aunque es todo bastante realista de lo que sucedió entre la pareja y su dúo musical tributo a Neil Diamond.

La vida actual de Claire Sardina

Claire Sardina contó a Time que su escena favorita es justamente cuando aparece Kate Hudson interpretando su papel cantando en su jardín totalmente alucinando porque “captura a la perfección mi estado mental en aquel entonces. Regresé al pasado y lo reviví. Estuvo increíblemente maravillosa al emular lo que yo estaba viviendo”, a la vez que asegura en el mismo medio que su recuerdo favorito con Mike fue cuando cantaba ‘Girl, You’ll Be a Woman Soon’ porque “me tomaba de la mano y bailábamos juntos en el escenario mientras él cantaba la canción, y me la cantaba directamente. Así que cuando lo hacía, era casi como si no hubiera nadie más alrededor y estuviéramos bailando juntos”.

Claire a sus 64 años sigue todavía en activo, pues forma parte de un dúo junto a Toney Luciano, llamado ‘Thunder After Lightning’, y que interpreta canciones de ABBA, Blondie o Patsy Cline. Se la pudo ver en el estreno en Estados Unidos de la película, llegando a posar junto a Kate Hudson y compartiendo micrófono junto a Hugh Jackman para cantar ‘Sweet Caroline’ en el Landmark Lanes de Milwaukee.

La interprete conoció al propio Neil Diamond en 2008, solo dos años después del fallecimieto de Mike Sardina, y reconoce que todavía lo escucha: “Cuando estoy decaída o un poco tensa, pongo música de Neil Diamond. Yo misma canto 'Sweet Caroline'”