Juanjo Guarnido (Granada, 1967) pasea por la San Diego Comic Con como Pedro por su casa. Está acostumbrado a firmar. Ya acudió a la primera edición de Málaga, es un habitual de la de San Diego, y uno de los pocos ilustradores españoles que ha recibido el Premio Inkpot que otorga la Convención, junto a Paco Roca, Marcos Martín, Belén Ortega y Javier Fernández (los tres últimos vinculados a la industria norteamericana del cómic de superhéroes). “Es mi trofeo favorito: un bote de tinta con patitas como reconocimiento a una carrera y que supone que eres un poco hijo adoptivo del Comic Con”, cuenta con orgullo.

Suma también el premio a la mejor serie en el festival de Angoulême, el premio Eisner al mejor álbum internacional y el Premio Nacional del Cómic. Todos, por alumbrar junto a Juan Díaz Canales (guion) a John Blacksad, la particular encarnación de un detective clásico: un gato negro. Traducido a 30 idiomas, Blacksad ha vendido más de tres millones de copias de alguno de los siete álbumes publicados desde el lanzamiento de Un lugar entre las sombras, en el año 200 0. Es el cómic español más vendido de la historia, y sus lanzamientos en Francia miran cara a cara a los de Astérix.  

Sobre una ciudad que traslada a las estampas de los bajos fondos y los clubes de jazz de Nueva York en los años 50, Guarnido lleva más de 25 años dando vida a un investigador que cumple todos los estándares del género (gabardina, cigarro), con la salvedad de las orejas de punta y los bigotes felinos. A su alrededor, perros, comadrejas, gorilas, toros y lagartos, según su rol social, todo ello en un luminoso y expresivo dibujo a acuarela.

“Blacksad surge de la mente de Juan Díaz Canales, su creador. Yo soy su creador gráfico, pero fue Juan quien inventó ese personaje”, cuenta Guarnido, formado en la Facultad de Bellas Artes de Granada. Ambos habían sido compañeros de trabajo, y Díaz Canales le pasó fotocopias de las páginas de un cómic que había propuesto al Víbora y a otras revistas. Era un gato negro, detective, protagonista de una mezcla de novela policíaca con algo de misterio. A Guarnido aquello le fascinó. “Tenía ganas de dibujarlo yo”, recuerda. Un par de años después, su compañero le pasó una historieta para bocetar, “por el placer de hacerla”, un primer Blacksad que no ha visto la luz.

“En ese momento me propuso intentar colocar un álbum en el mercado francés. Le dije que era una locura, demasiado ambicioso, pero conforme le estaba diciendo eso yo ya tenía detrás ahí el runrún”.

¿Tenían expectativas?

No sabíamos qué iba a ser de aquello, pero conforme fue avanzando el proyecto, yo tenía una cierta ambición de hacer algo bonito, en color directo con acuarela, intentar un dibujo espectacular, un dibujo realista con animales, que no se había hecho hasta entonces. No sé si habrá peli de serie B que pueda aparentar algunas escenas de hombres lobos, pero en el cómic los personajes zoomorfos son personajes de humor. Hacerlos realistas era una apuesta atrevida, pero yo estaba convencido. No de que fuera a tener éxito, sino de que funcionaría como producto. Conforme fue avanzando se convirtió en un proyecto de pura pasión por el personaje y por el álbum. Yo eché el resto. Y bueno, el público respondió. Podía no haber respondido, pero respondió a la primera.

¿Qué aporta que sean animales?

Nos permite jugar con los estereotipos. Como dice Juan, en un medio tan condensado como es el cómic, eso permite ganar mucho terreno y si lo usas con animales, además, puedes usar un montón de clichés que vienen de las fábulas, la cultura popular, el cine, los dibujos animados, los refranes… Todo eso es muy útil para contar una historia. El challenge era mezclar ese aspecto fabulístico, en la medida en que representa caracteres humanos con animales, con un género tan moderno como el policíaco. En ese sentido, es un experimento narrativo. Y lo mismo el experimento salió bien.

¿Quién imagina los personajes?

Juan siempre escoge los personajes en el guion. El casting está hecho ahí. Cada nuevo personaje lleva entre paréntesis el animal que es. No llega un 5% de los casos que cambiamos el animal previsto porque a mí me sugiere otra cosa o viene mejor en el guion o hay un aspecto que puede ser interesante cambiarlo a tal animal porque va a cumplir una función específica. Tenemos la buena costumbre heredada de nuestra experiencia en animación de someter tu trabajo a validación de otra persona. Entre nosotros no hay la jerarquía de la animación, que es una industria: tienes supervisor y en última instancia el director del proyecto tiene que validar tu trabajo. Nosotros nos lo damos el uno al otro para validar porque es nuestro, nuestro bebé y los dos tenemos paternidad asumida.

¿Cómo se refleja su experiencia en Disney en el dibujo de Blacksad?

Trabajar en cine de animación te aproxima a la narrativa de una manera bastante cinematográfica. El medio es diferente, pero hay ideas, nociones que puedes trasponer, con mayor o menor fortuna, a la narrativa en cómic. Eso puede dar productos interesantes.

Se fue de Disney en un momento en el que se estaba reorientando a la animación 3D.

Cerraron el estudio en el que yo trabajaba, a las afueras de París y no había alternativa para la mayor parte de la gente. Algunos fueron a Estados Unidos, a Australia y otros montaron estudios en Francia, que por desgracia no duraron. Otras cuantas personas habíamos ya puesto un pie en el cómic.

Ahora estamos en otro salto en el mundo de la ilustración con la aplicación de la inteligencia artificial. ¿Es una amenaza para ustedes?

(Resopla) ¿Qué quieres que me parezca? La inteligencia artificial lo que hace es copiar y recomponer el trabajo que creadores humanos han hecho ya. Al final es un pastiche. Te están haciendo un puzzle con mucha inteligencia, a veces es sorprendente ver lo que hace, pero para mí no tiene ningún valor. Es un robo, apropiación de cosas que además han ido robando de manera subrepticia durante muchos años, diciendo: “Aquí podéis presentar vuestro trabajo y tener una plataforma para enseñar lo que hacéis, vuestro arte”. Y resulta que al final era para robarte. Nunca he hecho ninguna prueba de nada hecho por inteligencia artificial con mi estilo, porque me imagino que se puede hacer y no me interesa en absoluto.

Aquí el ladrón son las empresas más poderosas del planeta.

Te da por pensar si estaba todo muy planificado para alimentar esa base de datos colosal. Por otro lado, no hay manera de evitarlo. Aunque tú no pongas tu dibujo en internet, otro fulano lo va a hacer porque escanea una página, o un medio de prensa va a reproducirlas. Al final todo se encuentra en Internet. No hay ninguna imagen que haya buscado que no haya encontrado en Internet. Cuando necesito el puñetazo de Vindicator a Lobezno en el número no sé cuántos de X-Men, para mí el mejor puñetazo que se ha dado en cómic, no tienes más que buscarlo. Es muy deshonesto. Espero que se legisle.

Y no soy un enemigo de la inteligencia artificial en sí, me parece que las aplicaciones que puede tener en otros campos como la salud… Hay que ver qué pasa con eso. Tampoco soy fatalista, no me da miedo tema de Terminator y la aniquilación de la especie humana. Es curioso ver cómo alguna gente se preocupa, yo creo que no hay que ser demasiado pesimista, que tampoco esto es Skynet. Me parece que hay aplicaciones muy buenas, incluso en arte. Pero en este momento lo único que hay es la generalización de un plagio vergonzoso, un abuso y una situación catastrófica para todo un sector de gente que podía vivir, o por lo menos aspirar a vivir del dibujo, de la ilustración, de la animación y que está muy amenazada. A mí me da pena.

Blacksad 7 se publicó hace tres años. ¿Están trabajando en el volumen ocho?

No, el ocho viene de camino. Pero, entre tanto, tengo otro proyecto con el guionista de El Buscón [Alan Ayroles] y justo antes he hecho un libro ilustrado que sale la semana que viene en Francia y el año que viene en principio lo publicará Norma aquí, un libro muy bonito de una novelista francesa que se llama Ganas de darte.

Logroño acogerá del 15 al 18 de octubre la tercera edición del Festival Rioja Cómic, una cita organizada por el Gobierno de La Rioja, a través del Instituto Riojano de la Juventud (IRJ), que reunirá a destacados nombres de la narrativa gráfica nacional y ofrecerá cuatro jornadas de encuentros, talleres, exposiciones, feria y propuestas participativas para públicos de todas las edades. La ilustradora y viñetista Flavita Banana; la historietista Cristina Durán y el guionista Miguel Ángel Giner Bou; la autora e ilustradora Quan Zhou, y los artistas Adri Torres y Manuel Romero serán algunos de los protagonistas de una programación que extenderá sus actividades por el IRJ, la Biblioteca de La Rioja y la Escuela Superior de Diseño de La Rioja (ESDIR).

El consejero de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud, José Luis Pérez Pastor, ha subrayado el carácter intergeneracional de una programación concebida para que el cómic y las distintas aficiones vinculadas a este ámbito funcionen como un punto de encuentro entre públicos de distintas edades. “Queremos que el IRJ sea una plaza del pueblo, un espacio abierto en el centro de Logroño donde tengan cabida estas aficiones y donde jóvenes y mayores puedan encontrarse, conversar y compartir un ocio sano y creativo”, ha señalado. En este sentido, ha destacado también la evolución de la feria, que permite poner en contacto “a admiradores, aficionados y creadores” y convertir el festival en un espacio de convivencia en torno al cómic y la ilustración.

Por su parte, el director del Instituto Riojano de la Juventud, Juan Diego Alcaide, ha resaltado el crecimiento de una cita que alcanza ya su tercera edición y que continúa tejiendo redes entre el sector riojano y los públicos aficionados al cómic. “Hemos diseñado esta tercera edición con mucho cariño y con la voluntad de seguir creciendo, de seguir tejiendo redes entre el sector riojano y entre todos aquellos jóvenes y no tan jóvenes que tienen inquietudes en este mundo”, ha explicado, antes de destacar el papel que desempeñan conjuntamente el IRJ, la ESDIR y la Biblioteca de La Rioja como “un triángulo” que articula buena parte de las actividades del festival.

La programación arrancará el jueves 15 de octubre con una jornada especialmente dirigida al público escolar. Durante la mañana, el IRJ acogerá cuatro pases de talleres de cómic con Manuel Romero para alumnado de sexto de Primaria, además de una propuesta sobre cómic y corresponsabilidad para estudiantes de Secundaria. Ya por la tarde, Adri Torres, artista cuya trayectoria combina ilustración y creación gráfica, inaugurará una intervención en el escaparate del IRJ que combinará monumentos reconocibles de La Rioja con superhéroes y personajes de animación, una propuesta que permitirá al artista riojano mostrar un nuevo proyecto en un espacio especialmente visible desde la calle. Torres, cuya trayectoria le ha llevado a trabajar también con personajes del universo Marvel, será además uno de los protagonistas de las actividades de la ESDIR. La primera jornada se cerrará en la Biblioteca de La Rioja con una conversación con Flavita Banana, moderada por Virginia Yoldi.

El viernes 16, la programación incorporará las conferencias de Adri Torres; de Cristina Durán y Miguel Ángel Giner Bou, autores de una reconocida trayectoria en el ámbito de la historieta, y de Quan Zhou, ilustradora, autora de cómic y creadora vinculada a la representación de la identidad y la experiencia de las comunidades asiáticas en España, que presentará ‘Andaluchinas por el mundo’. Las tres citas se celebrarán en la ESDIR y estarán abiertas no solo a su alumnado, sino también a cualquier persona interesada en conocer de primera mano la experiencia profesional de los autores.

La actividad continuará por la tarde en el IRJ con la inauguración de la feria del cómic, la exposición LEGO ‘La Rioja en piezas’, la muestra de David y Diego Escalona que regresa después de la buena acogida de la pasada edición e incorporará este año una novedad que se desvelará durante el festival, y los espacios participativos de Aventum, K-POP y Erveca. Cristina Durán y Miguel Ángel Giner Bou impartirán además un taller dirigido a mayores de 16 años. 

El IRJ trasladará asimismo parte de su actividad al exterior con ‘Viñetas con Pizarrín’, una propuesta que permitirá al público acercarse entre las 18:00 y las 19:00 horas a la creación de viñetas en directo en un estand instalado en la calle. La jornada concluirá con la mesa redonda ‘Aprender historia con cómics y libros ilustrados’, que servirá de marco para la inauguración de la exposición ‘La Rioja en un TRIS’. Moderada por Óscar Robles, gerente del Instituto de Estudios Riojanos (IER), reunirá a Tris, Manuel Romero, Antonia Santolaya, Pedro Espinosa, César Herce, Enrique Cabezón, Diego Rodríguez-Robredo, Adriana Bañares, de Editorial Aloha, Alfonso Sevilla, de La Fanzineta, y Nerea Fernández, de ACD Cómic.

La cita permitirá reunir en una misma mesa a una amplia representación de autores y profesionales vinculados al cómic y la ilustración en La Rioja, una participación que el IRJ considera especialmente significativa por la trayectoria y proyección nacional de buena parte de sus integrantes. “Creo que se puede catalogar como una cita histórica, porque vamos a juntar a lo mejor del mundo del cómic y de la ilustración que tenemos en La Rioja, que no son referentes únicamente aquí, sino también a nivel nacional”, ha señalado Alcaide. Al finalizar se celebrará una firma de ejemplares y prints.

El sábado 17, Quan Zhou impartirá un taller de fanzine autobiográfico para jóvenes y adultos a partir de 16 años, mientras que Cristina Durán y Miguel Ángel Giner Bou mantendrán una conversación en la Biblioteca de La Rioja, moderada por Virginia Yoldi. El IRJ acogerá también un taller de AK dirigido a público infantil y juvenil y, por la tarde, una pasarela cosplay presentada por Mikoto, con Meiko y Srstrange como integrantes del jurado y la colaboración de AK.

La última jornada, el domingo 18, ofrecerá un nuevo taller de Adri Torres para público infantil y juvenil y una conversación con Quan Zhou en la Biblioteca de La Rioja. El programa incluirá además un taller de cosplay con Mikoto, en colaboración con Meiko y Srstrange, y el ‘Desafío Creativo’ LEGO, a cargo de David y Diego Escalona, dirigido a niños y jóvenes de entre 8 y 16 años.

Exposiciones y espacios participativos

El Festival Rioja Cómic ampliará su actividad más allá de las cuatro jornadas centrales con una programación expositiva que permitirá acercarse a diferentes épocas, lenguajes y formas de entender la narrativa gráfica. Desde el 1 de septiembre y hasta el 24 de octubre, el Centro Fundación Caja Rioja La Merced y la Biblioteca de La Rioja acogen ‘TEBEOS. La historia de la narrativa gráfica en España y en La Rioja’, una muestra de la colección de Fernando Rodil.

El IRJ incorporará desde el 16 de octubre la exposición ‘La Rioja en un TRIS’, con la colaboración del Instituto de Estudios Riojanos, que podrá visitarse hasta el 15 de noviembre. El espacio acogerá asimismo la intervención artística de Adri Torres en su escaparate, del 15 al 18 de octubre, y la exposición LEGO ‘La Rioja en piezas’, de David y Diego Escalona, del 16 al 18 de octubre.

La feria del cómic reunirá a editoriales, publicaciones, librerías, asociaciones y creadores, con la participación de Editorial Aloha, Editorial Pepitas, Revista Fábula, Biblioteca Rafael Azcona, La Vida en 7 Viñetas y MASK Comic Projects, IER, Frikilandia, Over Extrusion, La Fanzineta, Aventum, Pixel and Games, Mercedes González de Garay, Red Rose Illustration, BennyBenicio y ReleiArt.

A esta oferta se sumarán los espacios participativos de Aventum, dedicado a los juegos de mesa; K-POP y Erveca, centrado en los videojuegos, además del estand RiojaCómic. De este modo, el festival amplía el foco más allá de la creación de historietas para incorporar otras aficiones relacionadas con el cómic, la ilustración, el cosplay, los juegos y los videojuegos.

Todas las actividades del IRJ serán de entrada libre hasta completar aforo, salvo los talleres que requieren inscripción previa. Las propuestas dirigidas al público infantil, juvenil y adulto podrán reservarse a través de www.irj.es, mientras que los centros educativos interesados en los talleres de cómic y corresponsabilidad deberán tramitar su inscripción mediante el correo sdgigualdad@larioja.org.

El acceso a las actividades del IRJ se realizará por las calles Muro de la Mata y Ollerías. La programación completa, horarios y detalles de cada propuesta pueden consultarse en www.larioja.org/riojacomic.

Sorteo en Instagram

Como complemento al festival, se llevará a cabo desde este martes hasta el día 18 de octubre a las 23:59 horas un sorteo en la red social Instagram de 3 lotes de elementos relacionados con el cómic y con la ilustración realizados por distintos autores que estarán presentes en esta edición. Concretamente en cada lote estará un ejemplar de cada uno de estos libros: “El día 3” de Cristina Durán y Miguel Ángel Giner Bou, “Andaluchinas por el Mundo” de Quan Zhou Wu, “Exploring Worlds” de Adri Torres y “Archivos Estelares” de Flavita Banana. Además, el lote contendrá a su vez la “Baraja Mutante” del ilustrador riojano Carlos Sacristán “Tris”.

Aquellas personas que quieran participar deberán seguir en Instagram la cuenta del Instituto Riojano de la Juventud @irjjuventud, darle a “me gusta” en la publicación compartiéndola en las historias. Comentar la publicación respondiendo a la pregunta de quién es el personaje de cómic favorito y por último etiquetar a las dos personas con las que te gustaría venir al festival.

Programación III Festival Rioja Cómic

 Jueves 15 de octubre

9:00-13:30 horas. IRJ. Talleres para escolares con Manuel Romero, dirigidos a alumnado de sexto de Primaria. Cuatro pases de 45 minutos, con un máximo de 25 participantes por grupo. Inscripción previa de los centros educativos en www.irj.es.

10:30 horas. IRJ. Taller de cómic y corresponsabilidad para alumnado de Secundaria. Duración de 90 minutos y máximo de 25 participantes por grupo. Inscripción previa en sdgigualdad@larioja.org.

18:00 horas. IRJ. ‘Intervención de Adri Torres’. Inauguración del escaparate. Entrada libre.

19:00 horas. Biblioteca de La Rioja. Conversación con Flavita Banana, moderada por Virginia Yoldi. Entrada libre hasta completar aforo.

Viernes 16 de octubre

9:00-13:30 horas. IRJ. Talleres escolares con Manuel Romero para alumnado de sexto de Primaria. Cuatro pases de 45 minutos, con un máximo de 25 participantes. Inscripción previa en www.irj.es.

9:15 horas. ESDIR. Conferencia de Adri Torres, presentada por Sara Ramírez (Shine.es). Entrada libre.

10:30 horas. IRJ. Taller de cómic y corresponsabilidad para alumnado de Secundaria. Duración de 90 minutos y máximo de 25 participantes. Inscripción previa en sdgigualdad@larioja.org.

11:00 horas. ESDIR. Conferencia de Cristina Durán y Miguel Ángel Giner Bou. Entrada libre.

12:30 horas. ESDIR. Conferencia de Quan Zhou, ‘Una andaluchina en España’. Entrada libre.

17:00 horas. IRJ. Inauguración de la feria, exposición LEGO ‘La Rioja en piezas’ y espacios Aventum, K-POP y Erveca. Entrada libre.

17:00 horas. IRJ. Taller con Cristina Durán y Miguel Ángel Giner Bou, dirigido a mayores de 16 años. Gratuito, con inscripción previa en www.irj.es. Duración de 90 minutos y máximo de 15 participantes.

18:00-19:00 horas. IRJ. ‘Viñetas con Pizarrín’, en el stand RiojaCómic. Entrada libre.

19:00 horas. IRJ. Mesa redonda ‘Aprender historia con cómics y libros ilustrados’ e inauguración de la exposición ‘La Rioja en un TRIS’. Modera Óscar Robres, gerente del IER. Intervienen Tris, Manuel Romero, Antonia Santolaya, Pedro Espinosa, César Herce, Enrique Cabezón, Diego Rodríguez-Robredo, Adriana Bañares (Editorial Aloha), Alfonso Sevilla (La Fanzineta) y Nerea Fernández (ACD Cómic). Entrada libre. Al finalizar, firma de ejemplares y prints.

Sábado 17 de octubre

10:00 horas. IRJ. Taller con Quan Zhou de fanzine autobiográfico, dirigido a público joven y adulto a partir de 16 años. Gratuito, con inscripción previa en www.irj.es. Duración de 90 minutos y máximo de 15 participantes. Materiales a cargo de los participantes.

11:00 horas. IRJ. Apertura de la feria, exposiciones, stand RiojaCómic y espacios participativos de juegos de mesa con Aventum, baile K-POP y videojuegos con Erveca. Entrada libre.

12:00 horas. Biblioteca de La Rioja. Conversación con Cristina Durán y Miguel Ángel Giner Bou, moderada por Virginia Yoldi. Entrada libre hasta completar aforo.

12:30 horas. IRJ. Taller AK, dirigido a público infantil y juvenil de 10 a 16 años. Gratuito, con inscripción previa en www.irj.es. Duración de 90 minutos y máximo de 15 participantes. Materiales cortesía de AK.

17:00-20:00 horas. IRJ. Apertura de la feria, exposiciones, stand RiojaCómic y espacios participativos de Aventum, K-POP y Erveca. Entrada libre.

19:00 horas. IRJ. Pasarela Cosplay presentada por MIKOTO. Jurado: Meiko y Srstrange. Con la colaboración de AK. Entrada libre hasta completar aforo.

Domingo 18 de octubre

10:00 horas. IRJ. Taller de Adri Torres, dirigido a público infantil y juvenil de 10 a 16 años. Gratuito, con inscripción previa en www.irj.es. Duración de 90 minutos y máximo de 15 participantes. Materiales incluidos.

11:00 horas. IRJ. Apertura de la feria, exposiciones, stand RiojaCómic y espacios participativos de juegos de mesa con Aventum, baile K-POP y videojuegos con Erveca. Entrada libre.

12:00 horas. Biblioteca de La Rioja. Conversación con Quan Zhou, moderada por Virginia Yoldi. Entrada libre hasta completar aforo.

12:30 horas. IRJ. Taller Cosplay con Mikoto, con la colaboración de Meiko y Srstrange. Dirigido a público joven y adulto a partir de 16 años. Gratuito, con inscripción previa en www.irj.es. Duración de 90 minutos y máximo de 15 participantes. Materiales incluidos.

17:00-19:00 horas. IRJ. Apertura de la feria, exposiciones, stand RiojaCómic y espacios participativos de Aventum, K-POP y Erveca. Entrada libre.

17:00 horas. IRJ. Taller ‘Desafío Creativo’ LEGO con David y Diego Escalona, dirigido a público infantil y juvenil de 8 a 16 años. Gratuito, con inscripción previa en www.irj.es. Duración de 90 minutos y máximo de 20 participantes. Materiales incluidos.

Exposiciones de Rioja Cómic

‘TEBEOS. La historia de la narrativa gráfica en España y en La Rioja’. Colección de Fernando Rodil. Centro Fundación Caja Rioja La Merced y Biblioteca de La Rioja. Del 1 de septiembre al 24 de octubre.

‘La Rioja en un TRIS’. Con la colaboración del Instituto de Estudios Riojanos. IRJ. Del 16 de octubre al 15 de noviembre.

‘Intervención de Adri Torres’. Escaparate del IRJ. Del 15 al 18 de octubre. Horario ininterrumpido.

‘La Rioja en piezas’. Exposición LEGO de David y Diego Escalona. IRJ. Del 16 al 18 de octubre.

Feria y espacios expositivos de Rioja Cómic

La feria contará con Editorial Aloha, Editorial Pepitas, Revista Fábula, Biblioteca Rafael Azcona, La Vida en 7 Viñetas + MASK Comic Projects, IER, Frikilandia, Over Extrusion, La Fanzineta, Aventum, Pixel and Games, Mercedes González de Garay, Red Rose Illustration, BennyBenicio y ReleiArt.

El IRJ contará asimismo con el espacio Aventum de juegos de mesa, espacio K-POP, espacio de videojuegos Erveca y stand RiojaCómic.

Todas las actividades del IRJ serán de entrada libre hasta completar aforo, salvo aquellas que requieren inscripción previa. El acceso se realizará por C/ Muro de la Mata y C/ Ollerías.

Viernes 16: 17:00-20:00 horas.

Sábado 17: 11:00-14:00 y 17:00-20:00 horas.

Domingo 18: 11:00-14:00 y 17:00-19:00 horas.

Tres películas, casi 3.000 millones de dólares de recaudación acumulada (diez veces lo que costaron) y 17 Oscar (once de ellos a la tercera parte de la trilogía). El estreno ahora hace 25 años de La Comunidad del Anillo, a la que seguirían Las Dos Torres (2002) y El retorno del Rey (2003) pegó un tremendo revolcón al panorama cinematográfico solo a la altura del estatus de las novelas de culto de J.R.R. Tolkien.

Un cuarto de siglo después, Frodo y Sam, Elijah Wood y Sean Austin, los inseparables (pero separados) amigos del fabuloso viaje de La Comarca a Mordor, y vuelta, para destruir el Anillo se reencontraron en Málaga; entre ellos, pero también con un público devoto: 3.000 personas que llenaron el Hall M, el espacio habilitado por la San Diego Comic Con Málaga para los grandes eventos.

El fenómeno de El Señor de los Anillos, la gran saga dirigida por Peter Jackson en la era pre-Marvel, impactó de lleno en un público que hoy mayoritariamente pasa la cuarentena, y que acudió a la llamada de la comunidad este domingo en Málaga. “25 años después, viendo lo que está pasando en el mundo, es necesario acercar las ideas de bien y mal y de compañerismo”, comentó Austin.

“Hay una parte maravillosa de participar en la vida de la gente. Hay personas a quienes estas películas le hacen sentir bien y nos cuentan historias increíbles. Tienen un impacto inmenso, lo recibimos y eso es un intercambio maravilloso”, celebró Sean Austin: “Es muy bonito que estas películas den un refugio a la gente que está sufriendo, y que les ayude a procesar sus emociones”.

“En el día a día no soy consciente de la relevancia que tuvo el Señor de los Anillos. Pero el hecho de ser parte de la cultura popular, generar este entusiasmo, conectar con la gente, es increíble”, explicó luego Wood. Ambos llevan una decena larga de convenciones y conferencias para celebrar la efeméride y sienten con pena de que este viaje también está llegando a su fin.

16 meses de rodaje

Uno de los objetivos declarados de la convención es acercar a las estrellas al fan que siente obras como El Señor de los Anillos como parte esencial de su identidad. Dejar caer la pantalla que las separa del espectador para mostrarlos cercanos, dicharacheros, divertidos, falibles, mortales.

A eso, Sean Austin ganó a Elijah Wood por goleada. Austin ganó peso en la charla igual que Sam, un personaje supuestamente secundario, acaba por tener un papel decisivo en la historia de la Tierra Media. Incluso animó al público, en español, a tomar la palabra. “No tiene (sic) miedo. Lord of the Rings”. A Austin le declaró su amor una fan preguntona que lo calificó de “achuchable”.

El hombre explicó que en las entrevistas previas al rodaje tenía dudas de que el público fuese a conocer realmente a su personaje. Los productores le escogieron porque percibieron que podía transmitir lealtad y bondad. “Es que es cierto que eres un buen ser humano, y eso lo transmites porque no se puede separar”, le elogió Wood, que recordó que Austin ha sido elegido presidente del Sindicato de Actores precisamente por esas cualidades.

Ambos recordaron un rodaje que se prolongó durante 16 meses en los bosques de Nueva Zelanda. Tiempo más que suficiente para generar unos vínculos duraderos. “Pasábamos todo el día juntos, seis días a la semana, sabíamos cómo sonábamos, nos conocíamos muy bien. Eso crea una intimidad muy especial”, admitió Austin.

Wood apenas tenía 18 años, pero se manejaba con suavidad, ligereza y aplomo. Austin estaba más nervioso, le imponía aquel set de rodaje impresionante, Ian McKellen, Peter Jackson. Incluso les enseñó esgrima Bob Anderson, que había trabajado con Errol Flynn e interpretado a Darth Vader en los duelos con el sable de luz.

Cuando regresaron a su país eran otros. “Estábamos tan lejos de nuestra realidad, de nuestra familia... Fue raro volver a reintegrarnos en nuestras vidas, porque nuestra realidad había quedado marcada por estas películas y por el rodaje. No era sencillo contar nuestra experiencia”, ha recordado Wood. “¡Como los astronautas!”, según Austin: “Volvíamos y luego podías darte cuenta de lo que era realmente importante para ti, a qué querías dedicar tu tiempo”.

Sin colas excesivas en esta edición

El reencuentro de Sam y Frodo era el plato fuerte cinematográfico de esta edición de la San Diego Comic Con Málaga, la segunda de las tres que al menos habrá. Una edición que no ha contado con una gran superestrella como Arnold Schwarzenegger, pero sí con muchas estrellas del cine (Christopher Lambert, Josh Brolin, Mira Sorvino, Denise Richards, Kevin Smith), la televisión (Richard Dean Anderson —MacGyver—, Paul Bettany), el cómic (John Romita Jr. —Spiderman—), el anime (Sinchiro Watanabe —Space Bebop—, Yoichi Takahashi —Campeones—) o el videojuego (Dave Jones —Lemmings y GTA—, John Romero —Doom—).

La organización de este año, prácticamente impecable, contrasta con el desastre de masificación y colas de la primera edición, en la que muchos asistentes guardaron horas de cola para irse de vacío. La ampliación de los espacios, con una segunda gran carpa de stands en el exterior, y un cuidado circuito de flujos que ha evitado cuellos de botella han obrado el milagro. Responsables de la organización cuentan que, este año sí, se ha puesto al visitante en el centro. Eso explica que se haya evitado llenarlo todo, a diferencia del año pasado, donde el antiguo CEO llegó a asegurar en prensa que se habían vendido 120.000 entradas, más que el aforo permitido.

Este año el aforo era de 15.000 asistentes por jornada. A las entradas, que han subido a 85 euros, se suma el patrocinio de la Junta de Andalucía (3,35 millones por la edición de este año) y del Ayuntamiento (casi un millón), a quienes Dentsu, que tiene la licencia para explotar la marca en Europa, fue a buscar hace ahora dos años.

También se ha notado el potente músculo desplegado, con alrededor de 3.000 personas al servicio de que todo saliera bien. Tantas, que hasta cuadriplicaban posiciones y a veces algunas parecían ociosas. Ni siquiera el tremendo chaparrón caído en los minutos previos a la charla de los hobbits ha empañado el éxito. Este año no habrá la avalancha de quejas que hubo el año pasado. Con 15.000 asistentes por jornada, el evento encara ya la tercera de las ediciones garantizadas por contrato, antes de decidir si continuará en 2028 y más allá.

Creada por el dibujante argentino Joaquín Salvador Lavado, Quino, Mafalda se publicó por primera vez en 1964 sin que nadie esperara que aquella niña que soñaba con un mundo mejor acabaría convirtiéndose en un fenómeno que traspasaría las fronteras de Argentina. Sus preguntas y reflexiones sobre temas tan contundentes como la política, la guerra o la desigualdad conquistó a lectores de todas las edades, pero no todos conocen el origen de este personaje. 

Esta historia se remonta un poco antes, al año 1962, cuando la agencia argentina Agens Publicidad recibió el encargo de preparar una campaña para Mansfield, una marca de electrodomésticos de la empresa Siam Di Tella. La propuesta consistía en crear una historieta protagonizada por una familia que pudiera publicarse en medios de comunicación con la apariencia de tira cómica pero que, en el fondo, sirviera para promocionar los productos de la marca.

El proyecto llegó a Quino a través del escritor y humorista Miguel Brascó, que trabajaba en la agencia y conocía muy bien su trabajo. Sabía que el dibujante llevaba tiempo interesado en hacer una historieta sobre una familia y que seguro se entusiasmaría por la idea, y así fue. Quino empezó a trabajar en el encargo, al que le pusieron dos condiciones muy concretas.

La empresa quería que los nombres de todos los personajes debían comenzar por la letra “M”, en referencia a Mansfield, y que los electrodomésticos de la marca aparecieran en todas las viñetas. Entre los primeros personajes que Quino dibujó para la compañía ya había una niña llamada Mafalda.

De publicidad a tira cómica

La publicidad, sin embargo, no salió adelante, pero Quino ya había desarrollado varias historias centradas en aquel matrimonio con dos hijos. El proyecto fue presentado en un primer momento a Clarín con la intención de darle una segunda vida, pero el diario descubrió que detrás de aquella tira había una campaña publicitaria y rechazó publicarla. 

En 1964, para no perder aquel trabajo, Quino decidió presentar ocho tiras cómicas de Mafalda a la revista Leoplán, que decidió publicar solo tres de aquellas creaciones. Había que seguir intentándolo, y entonces llegó la revista Primera Plana, quien finalmente confió en aquella idea. El 29 de septiembre de 1964, Mafalda apareció por primera vez en este medio, desligada ya de cualquier compromiso publicitario.

Poco a poco, aquel personaje se convertiría en una niña preocupada por el futuro del mundo, mientras a su alrededor aparecían personajes tan míticos como Felipe, Susanita, Manolito y Miguelito. Quino dejó de dibujar nuevas tiras de Mafalda en 1973 después de alcanzar un éxito enorme, pero el personaje nunca desapareció del todo.

La valdepeñera Irene Márquez Condes ha sido galardonada con el Premio Nacional del Cómic, correspondiente al año 2026, por su obra 'La muerte de Irene Márquez' (Autsaider Cómics), a propuesta del jurado reunido hoy. El premio, concedido por el Ministerio de Cultura, está dotado con 30.000 euros.

Se ha seleccionado su obra por “la audacia y originalidad estética, maestría en el uso del humor y una voz singular e iconoclasta que, con una sorprendente jocosidad, nos enfrenta a esa amarga realidad que nos iguala a todos”.

El jurado ha destacado además que, con su propuesta, la creadora “camina con éxito sobre la fina línea entre lo incorrecto, lo brutal y la carcajada, logrando un equilibrio casi imposible: el de inquietar, helar la sonrisa y subvertir los límites del humor contemporáneo”. Además, subraya que “a través de una obra impecable, Irene Márquez despliega una fuerte personalidad autoral, arriesgada en lo formal y potente en lo expresivo”.

“Su mirada, tan íntima como incómoda, aborda temas complejos con una mezcla de angustia, sensibilidad e ingenio que nos provoca, al mismo tiempo, escalofríos y reflexión”, ha añadido el jurado.

El premio reconoció en su pasada edición a Candela Sierra, quien se unía así a una amplia lista de galardonados, entre quienes se encuentran Paco Sordo, Ana Penyas, Cristina Durán, Borja González, Rayco Pulido, Miguelanxo Prado o Bea Lema.

Estudió Bellas Artes en Cuenca y hoy reside en Granada

Irene Márquez, (Valdepeñas, 1990) es dibujante de cómics y humorista gráfica. Estudió Bellas Artes en Cuenca y se especializó en dibujo en Granada, donde reside actualmente. Empezó haciendo humor gráfico para redes sociales en 2016 y un año más tarde empezó a colaborar de manera habitual con la revista 'El Jueves', donde, desde 2018, tiene su propia sección semanal de tiras de humor negro, 'Te has Pasado'.

Así, ha publicado dos cómics, ambos editados por Autsaider Cómics: 'Esto no está bien' (2020) y 'La muerte de Irene Márquez' (2025), por el que se le concedió el Premio 'El Ojo Crítico' 2025 de Cómic de Radio Nacional de España.

El consejero de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud, José Luis Pérez Pastor, y el gerente de Fundación Caja Rioja, Carlos Fuentes, han presentado hoy, 1 de septiembre, la exposición ‘Tebeos. La historia de la narrativa gráfica en España y en La Rioja’, organizada por el Gobierno de La Rioja y Fundación Caja Rioja. La muestra, comisariada por Fernando Rodil y que comparte las salas de exposiciones del Centro Fundación Caja Rioja La Merced y de la Biblioteca de La Rioja, podrá visitarse hasta el 27 de octubre.

En la sala de Fundación Caja Rioja se recorre a través de diferentes secciones la historia de la narrativa gráfica del siglo XX y se explica por qué surgen los tebeos, que parten de una evolución de siglos en donde el hombre contaba “cosas” con imágenes. Así podemos encontrar historias en los templos griegos, en la escultura monumental romana y en los templos católicos de la Edad Media. Los inventos técnicos hicieron posible su popularización al conseguir abaratar costes y ganar calidad.

La aparición de la imprenta en 1440 y, por encima de todo, la invención de la litografía en 1796 son pasos importantes al permitir la popularización de los dibujos en prensa y láminas, ya que el artista plasmaba directamente su obra en los soportes de la reproducción. La Revolución Francesa es, en 1789, también un hito porque hace aumentar la prensa satírica popular. En estas revistas satíricas la narración gráfica comienza a experimentar muchos de los elementos que posteriormente se perfeccionarán y se harán muy populares en el cómic.

En 1900 España tenía una población de 18,6 millones de personas y el analfabetismo suponía el 66 %. En este contexto nacen las primeras historietas españolas. Los primeros tebeos en España son la evolución de una manera de contar las cosas en revistas satíricas e ilustradas. Una muestra de ellas se expone en La Merced.

La posguerra contó también con sus tebeos condicionados, eso sí, por el bando en el que se publicaban y el público al que se dirigían. Terminada la contienda el tebeo resurge como una forma de entretenimiento destinado al público infantil casi exclusivamente y cambian también los formatos, ya que los cuadernos apaisados se reservan para aventuras, mientras que las publicaciones verticales son para las series de humor. Entre 1945 y 1965 se desarrolla la edad de oro del tebeo español con editoriales como Bruguera, Valenciana, Maga y Toray, que crean personajes míticos que forman parte de la memoria colectiva de muchas generaciones.

A partir de los años 70 comienzan a llegar las historietas de Francia, Italia y Estados Unidos y el panorama del cómic español se renueva. Junto a grandes autores internacionales aparecen nuevas revistas, se reinventan dibujantes ya consagrados y surge una generación de autores con lenguajes y temáticas muy diferentes. Publicaciones como ‘Tótem’, ‘El Víbora’, ‘1984’ o ‘Cairo’ son los nuevos referentes.

En la Biblioteca de La Rioja, por su parte, se encuentran reflejados una serie de dibujantes ilustradores, humoristas gráficos y guionistas, entre los que destacan Ángel Julio Gómez de Segura “Beaumont”, José Manuel Pajares Martínez, Pedro Espinosa, José Luis Galiano, Antonia Santolaya, Enrique Cabezón KB, Manuel Romero, Javier de Blas, Pedro Corcuera, Jorge Elías, Mariano Espinosa, Teodoro Hernández, Alberto Álvarez Morillas “Pizarrín”, Rubén Rodríguez Sedano “R&R”, César Rodríguez Moroy. Los humoristas gráficos Fernando Ruiz Pellejero “Nano”, David Lapeña Herrero, Carlos Sacristán “Tris”. Los ilustradores Jorge Frías “Sinsal”, Irene Llach, Raquel Marín, José María Lema, Adri Torres, Sara Martínez Maiso. También se incluyen los guionistas Luis Alberto Cabezón, Guillermo Calvo, César Herce, Julio Fernández López, Ángel Urbina Merino, Carlos Muntión Hernández y Piedad Valverde.

La exposición puede visitarse hasta el 27 de octubre en el Centro Fundación Caja Rioja La Merced, de lunes a sábado, de 18 a 21 horas, y en la Sala de Exposiciones de la Biblioteca de La Rioja de septiembre de lunes a viernes, de 10:30 a 14:00 y de 17 a 21, sábados y domingos cerrado; y en octubre, de lunes a viernes de 10:30 a 14:00 y de 17 a 21, y sábados y domingos de 10:30 a 14:00 y de 17 a 20:00 horas.

El consejero de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud, José Luis Pérez Pastor, y el director del Instituto Riojano de la Juventud (IRJ), Juan Diego Alcaide, han presentado hoy el III Festival RiojaCómic, que se celebrará en Logroño del 15 al 18 de octubre con la participación de Flavita Banana, Adri Torres, Quan Zhou, Cristina Durán y Miguel Ángel Giner Bou, cinco destacados nombres del panorama nacional del cómic y la ilustración. El festival, cuya sede principal será el IRJ, ofrecerá más de 25 actividades y extenderá su programación a otros espacios de la ciudad, con nuevas propuestas vinculadas a los juegos de mesa, los videojuegos y el K-pop.

Los cinco invitados participarán a lo largo del festival en conferencias, encuentros y talleres, compartiendo con el público sus experiencias profesionales, sus procesos creativos y sus diferentes formas de entender el cómic y la ilustración. Su presencia permitirá acercar a La Rioja algunas de las voces más interesantes y representativas de la creación gráfica contemporánea y conocer de primera mano sus trayectorias, sus obras y las distintas perspectivas que conviven actualmente en el mundo del cómic.

“Desde el comienzo de la legislatura teníamos claro que el cómic tenía que ocupar un espacio de atención dentro de nuestra acción cultural. Hablamos de un arte con más de cien años de historia, que ha sabido recoger las inquietudes de generaciones enteras y convertirse en un extraordinario testimonio de cada época, pero también en un territorio para la imaginación. RiojaCómic nos permite acercarnos a todas esas dimensiones y, además, hacerlo generando un espacio de encuentro entre quienes leen, quienes coleccionan y quienes crean cómic”, ha señalado Pérez Pastor.

El consejero ha destacado también la evolución del festival desde su puesta en marcha y su capacidad para generar complicidades con distintos agentes culturales de la comunidad. “Cuando un proyecto llega a su tercera edición tienes la satisfacción de comprobar que aquello que comenzó con las incertidumbres propias de cualquier iniciativa nueva ha encontrado su público y ha ido creciendo. RiojaCómic ha ido sumando aliados, espacios y propuestas, y queremos que siga echando raíces como un encuentro en el que los autores riojanos puedan compartir también experiencias con creadores de fuera y en el que el cómic se convierta en un lugar de encuentro intergeneracional”, ha añadido.

Más disciplinas para ampliar el universo RiojaCómic

Como principal novedad de esta edición, el festival incorporará tres nuevos espacios dedicados a los juegos de mesa, los videojuegos y el K-pop, que contarán con una programación específica durante todo el fin de semana. Esta ampliación permitirá sumar nuevas disciplinas vinculadas a la cultura contemporánea y acercar la propuesta a nuevos públicos.

El IRJ será el epicentro del festival y acogerá la feria del cómic, con numerosos estands en los que los aficionados podrán encontrar publicaciones, piezas y otros productos vinculados a este ámbito. La feria contará además con un acceso por la calle Ollerías, que permitirá ampliar el flujo de visitantes por el entorno del Instituto Riojano de la Juventud.

La programación se extenderá asimismo a la ESDIR y a la Biblioteca de La Rioja, que junto al IRJ conformarán los principales espacios del festival. En este sentido, Alcaide ha agradecido la colaboración de estas dos instituciones, que permiten ampliar el recorrido del público por distintas sedes y enriquecer la experiencia del RiojaCómic. “La suma del IRJ, la ESDIR y la Biblioteca de La Rioja nos permite crear un festival que se vive en diferentes espacios y que invita a moverse de uno a otro para descubrir actividades. Es una fórmula que ya funcionó muy bien el año pasado y que queremos seguir consolidando”, ha explicado.

La Biblioteca de La Rioja acogerá además parte de una exposición organizada en colaboración con Fundación Caja Rioja, mientras que el festival volverá a contar con una exposición de LEGO realizada por creadores riojanos. La empresa AK Interactive, referente en el ámbito del modelismo y vinculada a la ilustración, la creación de maquetas y el ocio creativo, desarrollará también actividades dirigidas al público joven.

La feria incorporará asimismo un espacio especialmente atractivo para coleccionistas y aficionados, ya que permitirá adquirir originales y otras piezas únicas directamente vinculadas a la creación gráfica.

Cinco referentes de la creación gráfica contemporánea

Flavita Banana es viñetista y desde 2021 publica diariamente una viñeta en 'El País'. Entre sus reconocimientos figuran el premio Gat Perich de humor gráfico, recibido en 2018; el premio Gràffica, en 2021, y el premio Mingote, en 2023, siendo la primera mujer reconocida con este galardón en sus 50 años de historia. También ha trabajado como ilustradora para S Moda, Orgullo y Satisfacción y Revista Mongolia y ha publicado varios libros.

Adri Torres creció en Logroño rodeado de cómics y actualmente trabaja para Marvel. Tras vivir en Nueva York, desarrolló su trayectoria en el ámbito del diseño y la animación, trabajando con equipos de grandes factorías como Marvel, Netflix, Pixar y Nintendo, especialmente en preproducción y diseño de conceptos, ‘environment’ y ‘props’. Recientemente recibió el premio de la Asociación de Diseñadores Gráficos de Estados Unidos por los carteles de MUWI 2025 y el de la Sociedad de Ilustradores de Estados Unidos por su trabajo para Mostea.

Cristina Durán y Miguel Ángel Giner Bou son pareja creativa y de vida y cuentan con más de 30 años de trayectoria como autores de cómic e ilustradores. Ambos tienen su propio estudio en Valencia, La grúa estudio. Durán recibió en 2019 el Premio Nacional del Cómic y Giner Bou es profesor de guion de la Universidad de Valencia. Han publicado con editoriales como Astiberri y Norma y desarrollan también trabajos de ilustración para prensa, publicidad y álbum infantil.

Quan Zhou, nacida y criada en Andalucía por padres chinos, es artista multidisciplinar, ponente, podcaster y novelista gráfica. Referente del humor gráfico, cuenta con más de setenta mil seguidores en Instagram y ha colaborado con medios como Píkara Magazine, 'El País', eldiario.es y Vogue. También ha participado en ponencias internacionales en universidades estadounidenses como Princeton, Stanford o Cornell y ha publicado cinco libros.

Tris, protagonista del cartel y homenaje al talento riojano

El cartel del III Festival RiojaCómic ha sido realizado por Tris, uno de los viñetistas de referencia de La Rioja. El encargo del IRJ supone un reconocimiento a la trayectoria de este artista, que cumple 30 años de dedicación al cómic, el humor gráfico y el arte secuencial.

Carlos Sacristán, Tris, nació en Logroño en 1967 y estudió Diseño Gráfico, con especialidad en Ilustración, en la Escuela de Arte de Zaragoza. Su estilo se reconoce por sus característicos personajes «cabezones», a través de los que desarrolla una mirada personal sobre la actualidad y, especialmente, sobre la realidad social de La Rioja desde una perspectiva crítica, cercana y humorística.

Este reconocimiento se completará con una exposición dedicada a su obra, organizada en colaboración con el Instituto de Estudios Riojanos (IER), que permitirá al público acercarse a uno de los autores más representativos del humor gráfico riojano.

“Tris es un valor seguro y queríamos que tuviera un protagonismo especial en esta tercera edición. Cumple treinta años de dedicación y su trabajo forma parte ya de la memoria gráfica de La Rioja. Su mirada sobre nuestra realidad, a través del humor y de la viñeta, ha acompañado durante años la actualidad de nuestra comunidad y creemos que este festival era un buen lugar para reconocer esa trayectoria”, ha concluido Pérez Pastor.

Apenas había cumplido veinte años cuando Jaime Martín (L’Hospitalet, 1966) empezó a dibujar lo que se convertiría en Sangre de barrio, su primera obra, la cual le consagraría como autor revelación en los premios del Saló del Còmic de Barcelona en 1990. La historia de unos chavales que transitan una adolescencia y primera juventud gris en un barrio donde las oportunidades no están ni se las buscan y el horizonte queda achatado por el paro, la violencia y las drogas. Chavales que viven en un ambiente marginal y de los que, a veces, la sociedad se ha olvidado. Chavales que se parecen mucho a los amigos y al entorno en el que se movía un Martín que comenzaba a dar sus primeros pasos como dibujante profesional. Un relato que, casi cuatro décadas después, sigue siendo un clásico de la historia reciente del cómic y que la editorial Norma ha reeditado y lanzado, de nuevo, a la mesa de novedades.

“No es una historia autobiográfica, aunque sí que está enmarcada en el barrio donde he vivido toda mi vida y en lo que tanto mis amigos, conocidos y yo hemos vivido”, admite Martín, en conversación con elDiario.es, rodeado de cómics en la madrileña librería Generación X. Así, Martín señala que, cuando decidió embarcarse en la creación de una historia que recogiera el testimonio de lo que era la vida en su barrio, sus amigos comenzaron a señalarle historias y anécdotas que fue apuntando en un cuaderno. Y de esas experiencias nació Vicen; un adolescente que acaba de mudarse con su hermana y su madre a L’Hospitalet y que vivirá sus primeros pasos en un mundo adulto, respirando lo bueno de un suburbio en el extrarradio y, sobre todo, lo malo.

“La sensación de rabia adolescente constante, que se ve sobre todo en la primera parte, la recuerdo perfectamente de uno de mis amigos, de Mario”, rememora Martín para añadir que, en aquel entonces, su colega empezó a trabajar en el camión de la basura. “Era un trabajo duro, que en su caso no estaba muy bien pagado, y recuerdo cómo, cuando estábamos por la ciudad y veía una terraza con niños pijos, se enfadaba mucho porque tenía esa rabia de clase acumulada dentro. Esa rabia que te sube al comparar lo fácil que lo pueden tener unos, mientras que otros…”, relata.

Los feos 80

La narración, que se construye sobre una ciudad fea, dura y que, prácticamente, estigmatiza y fagocita a la juventud que la habita, empujándola a vivir en los márgenes. “Todo lo que cuento está basado en la realidad, en las historias que veía en mi entorno”, insiste un Martín que, al asomarse de nuevo a Sangre de barrio, le ha sorprendido el lenguaje utilizado en el cómic. “Si lo escribiese ahora quizá fuese más comedido con algunas expresiones o comentarios peliagudos, pero es que es verdad que hablábamos así, que nos comportábamos así”, comparte el viñetista, también autor de trabajos como Jamás tendré 20 años, Las guerras silenciosas o Siempre tendremos 20 años.

Martín también comenta que, ahora que ha surgido cierta romantización de los 80 debido al recuerdo de la explosión musical y cultural que se vivió como resultado de una España que se sacudía el yugo de la dictadura, tampoco hay que olvidar la miseria que aún se respiraba por muchas partes. “Había aspectos muy feos y estaba todo por construir, tanto en el sentido físico como el psicológico”, opina el artista, que señala que “en un mundo en el que estaba todo por hacer”, el cambio de paradigma, la aparente libertad repentina, era algo difícil de gestionar.

“En nuestro caso concreto, llamábamos ‘ciudad sin ley’ a L’Hospitalet. Era sinónimo de delincuencia juvenil, era lo peor, y cuando decías que eras de allí la gente te miraba raro. Pensábamos que no había esperanza para nada, que estábamos marcados y condenados por ser de allí”, insiste Martín quien también define su lugar de origen entonces como pozos de oscuridad. Ciudades dormitorio donde gente de toda España había llegado para hacer crecer Barcelona.

Orgullo de barrio

El barrio, que es el suyo pero podría ser cualquiera con similares características en distintos puntos del país, es, además de escenario, uno de los personajes principales de la historia. Un entorno al que, casi, le falta poco para hablar.

“Cuando estuve pensando en qué historia quería contar, no tenía en mente algo concreto, una narrativa con introducción, nudo y desenlace, pero sí tenía claro que quería plasmar un sentimiento, el de abandono que todos teníamos”, explica. Y, para conseguir trasladar eso al lector, hay que construir un entorno que propicie esas sensaciones. Ahí es donde entra el protagonismo del barrio como entidad propia.

“Es curioso”, continúa, por otro lado, Martín, “cómo, con el paso del tiempo, todas las cosas que nos fueron estigmatizando se han dado la vuelta y se han convertido en nuestra identidad, en nuestro orgullo de barrio”.

A ellos, los adolescentes marginados retratados en Sangre de barrio, les pasó un poco igual. “Llegó un momento en el que descubrimos que se podía salir, que aunque el ascensor social funciona siempre regular, y se queda gente por el camino, vimos que había otra manera de estar en el mundo y que también podía ser nuestra”, continúa.

Ahora, que hace tiempo que soy un hombre adulto, al revisitar este cómic no dejo de pensar en los padres que les decían a sus hijos que aguantasen y estudiasen otra cosa y no se rebotaran, a pesar de lo que pudieran ver en el día a día en la calle, porque siempre hay una salida

Jaime Martín — Dibujante

Muchos consiguieron hacerlo, salir de trabajos y vidas “de mierda” tras caminar toda la juventud en la línea que los separaba del abismo. Del abismo de verdad. Otros, como siempre ocurre, se quedaron por el camino.

“Ahora, que hace tiempo que soy un hombre adulto, al revisitar este cómic no dejo de pensar en los padres que les decían a sus hijos que aguantasen y estudiasen otra cosa y no se rebotaran, a pesar de lo que pudieran ver en el día a día en la calle, porque siempre hay una salida”, continúa el dibujante que, sin embargo, ve un paralelismo entre el pesimismo de su juventud y la juventud del hoy.

“Soy profesor y trato con gente que tiene unos 22 años de media”, explica, “cuando les escucho hablar da la impresión de que tienen la sensación de que todo está estancado, de que todo va a ir a peor, de que con el tema de la vivienda no hay futuro, que van a tener que compartir piso siempre”, continúa para señalar que esa rabia, esa desesperanza que ellos sintieron en sus barriadas a finales de los 80, hoy se encuentra en todas partes (y de otra manera) en unos jóvenes cuyos sueldos no dan y los alquileres no alcanzan.

“Hay muchos paralelismos con el presente, como el auge del uso de navajas y armas blancas en Europa en general, eso lo vivimos entonces. Igual que la precariedad constante o el tener que vivir, sí o sí, cerca de tus padres”, cuenta Martín. Los malos tiempos, al final, a veces vuelven.

Una luz que cae del cielo… Al pasar la página, son muchas luces en el cielo. Las viñetas se intercalan con los “booms”. Una chica llega a casa, de fondo siguen sonando las bombas. Después de cada viñeta, un nuevo “boom”. Así arranca Viene del Este, el cómic del jienense Antonio J. Jiménez que edita Blackie Books, justo antes de echar la vista atrás, a muchos días antes. Cambian las viñetas, y ahora el ruido de la guerra llega a través de las noticias de la radio…

“Vivimos tan sobreinformados que cada vez es más difícil hacernos reaccionar. Las palabras se repiten hasta el punto que han perdido su significado. Estamos insensibilizados. Parte de este libro se ha construido a partir del miedo a las bombas literales y metafóricas de las que nos advierten constantemente; pero también a partir de la reflexión sobre la indiferencia que hay cuando las bombas no caen sobre nuestras propias cabezas”, nos cuenta Antonio J. Jiménez, de Jaén, pero afincado en Granada.

Es un viernes 22 de marzo. Un día cualquiera. La ciudad despierta perezosa y despliega el runrún de la rutina entre sus calles: mientras unos preparan café, otros corren al trabajo. En la radio, las noticias hablan de guerra, crisis energética, desigualdad… Nadie tiene tiempo de prestar atención, mientras la vida sigue. El sol viene por el este y arranca otra hoja del calendario, son 24 horas las que hay por delante.

“La forma primigenia de este proyecto era la de una recopilación de las distintas historias cortas que había ido dibujando desde que empecé a hacer cómics. Muy pronto, debido a mis propias inquietudes, esto derivó en algo mayor: contar un día completo en una ciudad indeterminada, a través de las rutinas entrelazadas de sus habitantes. Este escenario común, temporal y físico, me permitía añadir muchas más capas de información a las tramas básicas de esas historias que ya tenía dibujadas. Además, al entrecruzarlas, todas se enriquecían recíprocamente”.

¿Qué nos vamos a encontrar en las páginas de este libro? “Salvando las distancias, un espejo de la sociedad actual, con sus defectos y sus virtudes. Condensado, como decía antes, es el paso de un día completo en una ciudad occidental. Creo que en función del diálogo que el lector mantenga con el libro, el reflejo de ese espejo será más fidedigno o distorsionado”, confiesa Antonio.

Uno de los recursos que utiliza el autor para reflejar esas noticias de la radio es un texto que atraviesa horizontalmente varias viñetas. “Las noticias que podemos ver de fondo en las historias no alteran las tramas de los personajes, pero sí provocan un runrún de fondo, que pretende trastocar el cómo el lector se relaciona con el libro. Como en nuestro día a día: puede que nuestra rutina sea la misma hoy que dentro de tres semanas, lo que cambia de ese día es el cómo percibimos la realidad del mundo a través de los móviles, noticias, informativos, publicidad, etcétera”.

Viñetas nada convencionales

“Creo que este libro me ha servido para terminar de definir mi propia voz. A nivel artístico siempre he tenido el mismo estilo, pero aquí he podido experimentar con muchos tipos de composiciones de página, microcambios estilísticos, uso del color o calidad de línea. Además de definir el cómo se pueden contar infinidad de cosas a través de una escena aparentemente cotidiana”.

Una de las señas de identidad de este cómic es que las viñetas no son nada convencionales, hay muchas páginas que son una sorpresa, pueden ser los planos cenitales siguiendo los pasos de algún personaje, los sonidos, los tamaños cambiantes de las viñetas, bocadillos que se cortan, mensajes de WhatsApp… “La idea formal de la que parte el libro es que cada historia jugara con una estructura básica de viñetas, que fuera distinta entre ellas, en función de cómo se percibía el paso del tiempo en cada rutina”, afirma Antonio J. Jiménez.

“Esta estructura la rompo siempre que es necesario, a favor de la narración. De ahí que haya ciertas sorpresas para el lector, como las que comentas. Del mismo modo, quería que el libro reflejara esa sobreestimulación en la que estamos inmersos, ese querer profundizar en algo que nos ha llamado la atención, pero perder el hilo de pensamiento porque un nuevo estímulo nos llega por otro lado”, añade.

“Capas y capas de información”

Otro recurso que utiliza Antonio son unos cuadrados que te llevan como a otra escena, a otro espacio, a otra historia… “Ese recurso es algo que me sale de manera muy natural. Es un modo de hacer una descomposición más detallada del tiempo o de un espacio, contando varias cosas en paralelo, algo que solo permite el cómic. Volviendo a esa sobreestimulación de la que hablaba antes, este recurso podría ser una síntesis de cómo percibimos la realidad actualmente, con capas y capas de información”.

Tras este proyecto, Antonio ha retomado la fase de investigación y guion de un proyecto que tenía a medias antes de embarcarse con Viene del Este. “Puedo decir que está conectado con él y en algunos aspectos es su antítesis, pero está en una fase muy precoz como para dar más pistas”.

Humorista, periodista, abogado, pedagogo, actor, locutor de radio, activista y, desde su asesinato, inspiración para miles de personas que encontraron en él un ejemplo de diálogo y resistencia contra el odio. La muerte de Jaime Garzón en Bogotá, el 13 de agosto de 1999, todavía retumba en un país que ve cómo aquellos que intentaron frenar la investigación de lo sucedido ocupan de nuevo el poder.

Pero la calle, los muros, los estandartes no olvidan que hubo culpables aún impunes: narcoparamilitares que actuaron con la connivencia de agentes del Estado. Yo quiero no morir (Astiberri, 2026) es la voluminosa novela gráfica dibujada por su hermano Alfredo y guionizada por la dramaturga Verónica Ochoa que ahonda en el duelo colectivo de todo un país a partir de la experiencia del propio Alfredo.

Se pone al habla un 10 de agosto, casi 27 años después del día del asesinato de su hermano. Un terremoto de magnitud 7,4 ha agitado hace pocas horas el país, por lo que la comunicación se corta en varias ocasiones. “La vigencia de Jaime sigue siendo impresionante. A lo largo de sus diez años como personaje de medios, se convirtió en una voz muy incómoda para el régimen, especialmente para el estamento militar, aliado con sectores del narcotráfico”, recuerda Alfredo a sus 67 años.

A día de hoy, él se dedica a la caricatura política. Muy diferente es el trabajo que realiza en la novela gráfica, donde relata en primera persona la historia de dos hermanos a través del duelo de uno de ellos, el suyo propio. “Lo importante es que la gente sepa qué fue lo que produjo una persona como Jaime en Colombia y cuáles fueron las circunstancias políticas e históricas que terminaron en su asesinato”, apunta Alfredo. Y como Jaime, otros tantos amigos de la familia más. “El libro es un homenaje a ellos”, añade.

Convertido en uno de los grandes defensores de los derechos humanos en Colombia, logró la liberación de más de un centenar de secuestrados. A su entierro acudieron dos millones de personas. Todos los avances que se han realizado en torno a su asesinato han sido simbólicos. El caricaturista político recalca que ha sido considerado crimen de Estado y de lesa humanidad. Colombia como Estado asumió su responsabilidad durante el anterior mandato, con Gustavo Petro al frente.

La única condena que existe recae sobre el comandante paramilitar Carlos Castaño. No llegó a pisar la cárcel debido a su fallecimiento en 2004. El exsubdirector del Departamento Administrativo de Seguridad, José Miguel Narváez, fue señalado como culpable durante la investigación. “Es un asesor de las Fuerzas Armadas que continúa en su trabajo”, subraya Alfredo.

Retorna el miedo con la extrema derecha

Alfredo logra embarcar al lector en un viaje emocional en el que visita aquellos aspectos clave para entender la realidad colombiana y la violencia que la rodea. La vigencia de lo ocurrido con Jaime es tal que hasta revuelve las tripas. “Con el triunfo de la extrema derecha, aparece Jaime como alternativa”, sostiene su hermano. No es baladí esta postura. Según agrega, días antes de la toma de posesión del nuevo presidente, Abelardo de la Espriella, la Biblioteca Nacional de Colombia les entregó todos los ejemplares de Yo quiero no morir por miedo a que nuevas órdenes dictaran su destrucción. También la radio y televisión públicas le entregaron el archivo que guardaban sobre Jaime por temor a que el nuevo Gobierno lo intentara ocultar de alguna manera.

El hermano de Jaime Garzón afirma con pesar que el Estado colombiano ha sido totalmente permeado por el fenómeno del narcotráfico y sus sectores más reaccionarios. “Y muchos de ellos ahora vuelven al Gobierno”, se queja. Sin embargo, ahí queda la memoria de tantas miles de personas que todos los domingos a las siete de la tarde sintonizaban la televisión para ver su programa de sátira política en el que hacía una suerte de deconstrucción de las noticias a través de 22 personajes inventados.

Tenía 38 años. Primero le amenazaron. En una entrevista realizada poco antes de su asesinato pronunció las cuatro palabras que dan título al cómic: “Yo quiero no morir”. Se sabía en peligro, pues formaba parte de una comisión gubernamental para facilitar el diálogo con una de las guerrillas, el Ejército de Liberación Nacional. También había hecho labores de intermediación humanitaria en casos de secuestrados por las FARC. “Fue una muerte anunciada”, recalca Alfredo.

Jaime incluso llegó a entrevistarse en la cárcel con Carlos Castaño, jefe de las autodefensas de Colombia, ejércitos privados de narcotraficantes, según las define Alfredo, y posteriormente condenado. “Le dijo que la orden estaba dada. Fue asesinado mientras se desplazaba al estudio de radio en el que tenía un programa el 13 de agosto a las 5:45 horas por unos sicarios que habían llegado desde Medellín y que pertenecían a un grupo de delincuencia común llamado La Terraza. Actuaron con la ayuda de algunos militares”, relata el hermano.

Construcción de la conciencia política

Verónica Ochoa, guionista de la novela gráfica, descuelga el teléfono mientras todavía procesa el sismo que acaba de golpear Colombia y que ha dejado más de 280 fallecidos. Aun así, está dispuesta a hablar de Jaime: “Su muerte vuelve cíclicamente y nos hace muchas preguntas”. Ahora ella tiene 49 años, por lo que cuando Jaime aparecía en la televisión todavía era una niña. “Es algo que nos cuesta imaginar desde el presente, pero en aquella época Jaime se daba unas licencias increíbles a la hora de realizar crítica política. Muchos construimos nuestra conciencia política, de agudeza a la hora de abordar esta completa realidad, junto a él”, enfatiza.

A través de la encarnación de personajes procedentes de las clases populares, trabajadores, Jaime fue capaz de poner en tensión a los poderosos. “Cuando lo mataron sentimos que todos los límites se habían traspasado, que este país había caído en un abismo muy difícil de comprender”, rememora Ochoa. Como tantas otras, ella engrosa la lista de esas personas que todavía ven en el humorista un ejemplo a seguir: “Somos legión, varias generaciones inspiradas por Jaime, por su capacidad de transformar conciencias, pero también por ser capaz de desescalar el conflicto y la polarización”.

Desde el punto de vista de esta dramaturga, Colombia enfrentó unas atrocidades, silenciamiento y neutralización de las luchas sociales que ahora se están dando en otros contextos y latitudes. “Las luchas del pueblo colombiano tienen mucho que decirles a otros pueblos en estos momentos. Me gusta pensar que el arte, libros como este, tiene esa función de restaurar el tejido”, se explaya.

Muchos jóvenes que no habían nacido en 1999 rescatan ahora la memoria de Jaime de múltiples maneras. “Jaime tiene un aura que ha generado afectos intergeneracionales. En un pueblo tan dividido como el colombiano, él es un punto de confluencia”, sostiene la propia Ochoa. Por otro lado, la guionista de Yo quiero no morir apunta que los cómicos son de vital importancia para una sociedad sana. “Ahí tenemos a Trump, que ha arremetido precisamente contra ellos”, recalca.

Un dibujo real

La novela gráfica publicada hace dos años en Colombia y que ahora llega a España de la mano de Astiberri ocupa más de 550 páginas en las que florece un dibujo realista: “Estábamos construyendo sobre la verdad. Me interesaba que las cosas se parecieran a las cosas, que no hubiera de parte del lector ningún esfuerzo de interpretación, que pudiera llegar de manera sencilla y directa al mensaje”, dice Alfredo.

Licenciado en Bellas Artes en 1982 y autor de un dibujo semanal caricaturesco que publica en El Espectador, Alfredo incide en la importancia de los colores, algo que se aprecia en aquellos pasajes que suceden de día o de noche. “Nos llevó mucho tiempo llegar hasta estas paletas. Elegimos una algo más pastel porque queríamos conseguir una experiencia sin tropiezos, que el libro se pudiera disfrutar de forma fluida”, agrega.

Ochoa destaca que el cómic se creó de una manera experimental, casi liminal. “No quise ceñirme a un guion inicial, sino ir reaccionando a las coyunturas que Colombia nos pone en frente una y otra vez”. De esta forma, logró responder a las tres premisas con las que partió su labor de guion: “Abordar el duelo complejo, aquel que deriva de una violencia desencadenada por un Estado que en teoría está llamado a proteger a sus ciudadanos; revisar las potencias del país, de donde emergen genios como Jaime y otros tantos liderazgos; y por qué Colombia insiste en cercenar y aniquilar esas potencias, por qué insiste en asesinar lo mejor que emerge de su tierra”.

Esas premisas dejaron el espacio suficiente para que brotara la vulnerabilidad de Alfredo, autor del dibujo. El resultado es un ejemplo de recuerdo, homenaje y memoria hacia uno de los grandes defensores de los derechos humanos en Colombia.

El Palacio de Deportes de Santander acogerá los próximos días 21, 22 y 23 de agosto la segunda edición de Comic's Street, un festival solidario de cultura alternativa dedicado al cómic, el cosplay, los videojuegos, la ilustración, la música y la cultura pop que este año crece en duración, espacio y actividades con el objetivo de superar los 3.000 asistentes.

La alcaldesa de Santander, Gema Igual, ha presentado este lunes esta nueva edición junto a los responsables de la organización y representantes de AMARA Cantabria, entidad a la que se destina la recaudación del evento. La regidora ha destacado el crecimiento experimentado por una iniciativa que nació el pasado año y combina cultura, ocio, creatividad y solidaridad.

Así, ha recordado que Comic's Street, organizado altruistamente por la Asociación Cultural Meeples, nació como homenaje a Óscar Muñiz, 'Nexus', una persona “muy querida y reconocida dentro de la comunidad vinculada al cómic, el cine, los videojuegos y la cultura alternativa de Santander”.

Bajo el lema 'Frikultura con causa', Comic's Street será un evento cien por cien solidario en favor de AMARA Cantabria para apoyar la labor que esta asociación desarrolla con los niños y adolescentes con cáncer y sus familias.

La primera edición se celebró los días 23 y 24 de agosto de 2025 en Escenario Santander y reunió a 1.500 personas durante dos jornadas en las que se desarrollaron conciertos, concursos de cosplay, charlas, talleres, Artist Alley, videojuegos y espacios comerciales.

En total participaron 12 artistas, 10 comercios y más de 30 voluntarios, se desarrollaron más de 15 actividades y se consiguieron recaudar 11.156 euros para AMARA.

Sin embargo, esta edición supone un salto para Comic's Street, que pasa de dos a tres jornadas y traslada su celebración al Palacio de Deportes, con el objetivo de duplicar la participación registrada el pasado verano y superar los 3.000 asistentes.

La cita se desarrollará el viernes 21, sábado 22 y domingo 23 de agosto y la programación estará distribuida en diferentes espacios dedicados a la cultura pop, la creatividad, los videojuegos, el deporte alternativo y el encuentro entre aficionados, artistas y creadores.

Y es que, el escenario principal acogerá conciertos, concursos de cosplay, charlas y espectáculos en directo, mientras que el Artist Alley reunirá a ilustradores, autores, artesanos y artistas gráficos que podrán mostrar y vender sus trabajos.

Habrá además una zona deportiva y de acción alternativa con propuestas como jugger, NCW, skateboarding, kendo, K-Pop y exhibiciones culturales, así como espacios destinados a firmas, exposiciones temáticas y encuentros con creadores.

La zona de juego digital y robótica contará con videojuegos, arcade, simuladores, robótica y realidad virtual, a las que se sumará un espacio dedicado a los juegos de mesa y una zona específica para el cosplay, con concursos, exhibiciones y actividades para los aficionados.

La oferta se completará con zona comercial y solidaria en la que estarán presentes tiendas especializadas, editoriales, artesanía y proyectos vinculados al carácter benéfico del festival.

Las entradas están disponibles en la web https://tickets.comicsstreet.es/ y se ha habilitado además el pase 'Héroe solidario' (Fila 0) para todas las personas que no puedan asistir y deseen colaborar.

Evento en el hospital Valdecilla

Por otra parte, el responsable de la Asociación Cultural Meeples, Eduardo Casanova, y la de AMARA Cantabria, Chus Mata, han informado de que este fin de semana habrá un minievento de Comic's Street en el Hospital de Valdecilla. En este sentido, han señalado que tendrá lugar en la planta de oncología infantil con el objetivo de que los niños con esta enfermedad disfruten también de unos días diferentes.

Javier Rodríguez (Oviedo, 1972) tiene la suerte de poder seguir dibujando mientras charla al teléfono con elDiario.es desde su estudio de Gijón. Hace apenas unos días, el que pasó de publicar en El Víbora a dibujar a Spider-man, Daredevil o Doctor Strange para Marvel, ha obtenido tres Premios Eisner este año, los mayores galardones internacionales del mundo del cómic. Se reconoce así su trabajo para DC Comics por su labor en Absolute Martian Manhunter (Panini).

En esta entrevista, el artista defiende que la ficción siempre habla del presente y desentraña la fuerza narrativa del color en un cómic, cómo ha sido recrear a este personaje desde el guion de Deniz Camp, la relación entre tebeo y cine y por qué cree que la inteligencia artificial generativa no golpeará tan duro a este sector como a otros.

Su historia con el cómic comienza mientras estudia en la Escuela de Bellas Artes de Oviedo en los primeros 90. ¿Qué recuerda del Javier de entonces?

Aquello me sirvió para salir del barrio, para ir a un ambiente donde había gente que hacía cosas como yo y conocer lo que serían otros autores de cómic como Germán García o el ilustrador Marco Recuero, el encargado de la imagen del Festival de Cine de Gijón por muchos años. Fue el tiempo en que comenzamos a autopublicarnos.

En su trabajo Love Gun, autopublicado en 1996, dejó patente una gran dosis de crítica social en torno al desempleo. La miniserie futurista estaba ambientada en el siglo XXI y se partía de la premisa de la dificultad de los jóvenes para independizarse. ¿Ha seguido estando presente la crítica social en sus obras?

No me gusta emplear la expresión “crítica social” porque no es una crítica, sino una mirada. La ficción se debe a la época que le toca vivir. Si coges cualquier obra de ficción y estudias la época en que fue hecha, descubres sin querer un reflejo de aquella sociedad. Aprendemos cómo vivían otras personas gracias a la ficción y eso es algo precioso que también reflejan los cómics en la forma en la que se tratan y trataban ciertos temas, como la violencia. Es una forma de ver quiénes éramos y, muchas veces, lo poco que hemos cambiado.

Tras pasar por revistas como El Víbora y realizar otros cómics, portadas de grupos de música y trabajar en la producción de películas y anuncios, llegó su debut en el mercado estadounidense en 2003. Lo hizo como colorista con Batgirl: Year One, de DC Comics. ¿Qué cambió en aquel momento?

Empecé a trabajar para Estados Unidos gracias a mi amigo Marcos Martín y mi vida ha cambiado desde entonces. Yo no lo contemplaba, entre otras cosas porque no sabía inglés y no tenía infraestructura para ello, fue algo de rebote, pero como colorista me vino bien porque así complementaba mis ingresos en España.

Poco a poco, fui metiendo la patita y un día me surgió la oportunidad de dibujar. Un editor que ahora ha vuelto a Marvel como editor jefe, Stephen Wacker, se interesó por cómo narraba con el color y me dijo que probara a dibujar algo de Spiderman. Así empecé a dibujar los superhéroes que yo leía de niño.

Hace más de dos décadas que no ha dejado de trabajar como colorista, un perfil no muy conocido por personas alejadas del mundo del cómic. ¿Qué secretos hay detrás de este arte? ¿Qué persigue el colorista con su trabajo?

El color es algo muy importante, muy narrativo. El azul puede transmitir tristeza y el naranja alegría y la decisión de meterlo de una manera u otra puede cambiar el significado del cómic. Yo siempre me he decantado por causar el impacto justo, me gusta respetar el render del dibujante, la línea, y prefiero no meter muchos efectos. Cuando coloreas para otros, también estás supeditado a lo que ellos buscan.

¿Cómo fue ver sus dibujos coloreados por otros?

Fue increíble, porque a mí nunca me habían coloreado. Cuando empecé a dibujar en EEUU, mi estatus como colorista era alto, pero no como dibujante, así que no podía colorearme a mí mismo porque cada cómic tiene su propio presupuesto. Era como si me hubiera convertido en dos personas distintas. Ahí me di cuenta del impacto del color, cuando alguien externo coloreó mis dibujos.

Hace apenas unos días ganó tres Premios Eisner. Varios fueron dirigidos exclusivamente a su trabajo realizado en Absolute Martian Manhunter (DC Comics), dentro de la línea Absolute Universe, en donde se reinventan algunos de los personajes más emblemáticos. ¿Ha tenido más libertad a la hora de dibujar por ser un universo secundario y no el principal?

Sí, sin dudas. La libertad fue total, y total quiere decir total. Era una reinvención del personaje completa, tal y como el guionista lo concibió y lo presentó, le dejaron hacerlo. El personaje principal de Martian en el Universo DC es verde, calvo, fuerte, con una especie de capa. En nuestra versión, es un ente que se le aparece al agente del FBI John Jones y coge la forma de un muñeco grande ciclópeo, con un ojo rojo que le corona la cara. Lo hice todo con plastilina.

Tuvimos libertad total para reinventar el personaje de Martian. Compré dos kilos de plastilina y le pegué una canica roja. Me dije a mí mismo que mis editores iban a flipar

¿Cómo fue el proceso de creación del personaje?

Cuando vi la idea de Deniz [el guionista] supe que tenía que salir de mi zona de confort para conseguir algo original, que no solo valía dibujar. Compré dos kilos de plastilina verde y me di cuenta de que tenía que ser un cíclope el personaje que se presenta al agente del FBI, quien, digamos, ve todo en blanco o negro. De repente, que se abra este tercer ojo le hace ver que existen los colores y los matices, que hay más de una manera de ver lo que acontece.

Pegué una canica roja a la masa de plastilina y empecé a moldear este ente con esos conceptos como premisa. Saqué el muñeco y me dije a mí mismo: “Como le envíe esto a mis editores van a flipar”. Deniz me apoyó, le encantó, y a la editorial también, y parece que a la gente le ha gustado mucho la reinvención.

Todavía no se ha realizado una película de Martian Manhunter. Llegado el caso, ¿le gustaría que la adaptación tomara como referencia a su personaje?

Claro que me gustaría, sería divertidísimo, aunque últimamente estoy haciendo algo de proselitismo en contra de que se nos asocie tanto a los cómics con el cine. Se nos ve como un hermano pequeño, como la antesala a algo más grande que es la película.

Para mí, se trata de dos lenguajes distintos. No es lo mismo el cine o la música, que se construyen sobre el tiempo y se apoyan en una estructura temporal, que el cómic, que se construye sobre el espacio. Una película puede durar hora y media, pero si yo cojo una página en blanco y distribuyo información, es el lector quien se tomará el tiempo que quiera en decodificarla. Alguien puede tardar dos horas y otros seis en leer un cómic, y las dos lecturas son perfectamente válidas y plenas.

¿Cómo ha sido el trabajo junto a Deniz Camp?

Ha sido como una especie de revelación. He tenido la suerte de trabajar con buenísimos guionistas estos años, gente incluso que idolatro, pero lo de Deniz ha sido un descubrimiento brutal, una fuerza de la naturaleza, un talento increíble. Va a ser uno de los guionistas de nuestro tiempo. Fue él quien me pidió como dibujante para la serie, como un amor a primera vista.

Por otro lado, conoce de primera mano la industria del cómic en Estados Unidos. ¿Ha impactado la IA generativa de alguna forma?

Me imagino que sí, que se estará usando, pero yo creo que menos de lo que esperaban sus gurús. Pasa una cosa curiosa, y es que el lenguaje de los cómics va en dirección contraria a cómo funciona la IA. En el cómic, el dibujo es importante, pero la clave del lenguaje está en lo que no se dibuja, en lo que intuye el lector en los espacios entre viñetas, donde trabaja la mente del lector. Esa forma de funcionar, de ordenar a la IA a través de prompts, para el cómic no funciona. Un cómic existe porque se lee. Si nadie lo lee, no existiría, y la forma de que lo lea es dejar muchos espacios huecos para que la gente proyecte en ese vacío. Tampoco puedes coger un guion y pedirle a la IA que te lo dibuje, porque cada resultado cambia según el artista que lo interprete.

De momento, no veo que la IA amenace a los cómics como sí amenaza el medio ambiente, la economía y la vida misma. Esto no deja de ser dinero comprando dinero. Si quieren realmente hacer una IA generativa, que sea de dominio público y que la ciudadanía pueda entender cómo funcionan sus algoritmos para saber a qué intereses obedecen.

Cualquier reto me parece bien. Es como si me dejaran dibujar a Batman. Joder, ¿cómo hago yo ahora a Batman? Es como ese chaval de barrio al que le dejan un juguete carísimo

También la IA desecha muchas posibles respuestas.

De alguna manera, es como si le pides a algo que solo funcione con grandes éxitos y deje fuera todo lo demás. Yo vuelvo a la premisa del arte y la imagen: la belleza pertenece a quien la observa, a quien lee, y no tanto a quien crea. Esta cosa casi teológica de Silicon Valley de creer que desde un ordenador puedes reinventar el mundo y que todo tiene que pasar por máquinas… Me parece una ficción tan ridícula. La vida es más grande que todo eso.

Por último, ¿cuál es el trabajo que todavía sueña con hacer, aquello que sigue siendo una espinita clavada?

Es una pregunta difícil, eh. La única manera de que me motive mi trabajo es que no sepa cómo hacerlo. Cualquier reto me parece bien. Es como si me dejaran dibujar a Batman. Joder, ¿cómo hago yo ahora a Batman? Es como ese chaval de barrio al que le dejan un juguete carísimo. El secreto es ese, preguntarse cómo hacer algo.

Me encanta trabajar con arquetipos, me acabo de dar cuenta de eso. Arquetipos como Superman o Batman, pero también otros europeos como Lucky Luke. Los siento parte de la cultura popular. Si lo piensas, en unos años no habrá nadie vivo en la Tierra que estuviera presente cuando salió el número 1 de Batman en 1940. Caminamos a lomos de gigantes. Cogemos lo que estaba ahí y lo usamos. Y eso me encanta, porque en el fondo no deja de ser una forma de preguntarse qué hacemos aquí y qué sentido tiene todo esto.

Sabía que lo iban a matar y, aun así, se quedó. Esta podría ser una de las frases que resumiera quien fue Ángel Pascual, un hombre (casi) olvidado por la historia. Uno más entre las 853 víctimas mortales de ETA, según datos del Ministerio de Interior. Pero Pascual fue mucho más que un número. Ángel Pascual era un ingeniero nuclear de la central de Lemóniz (Vizcaya). Una central que empezó a construirse en 1972 por la empresa Iberduero (luego Iberdrola) y que nunca llegó a ponerse en marcha tras múltiples protestas de grupos ciudadanos, ecologistas y antinucleares en una España que empezaba a despertar del letargo de la dictadura.

La central nunca llegó a ponerse en marcha porque, a fines de los 70, la organización terrorista decidió sumarse a las protestas con su habitual forma de actuar, a base de Goma-2 y arrebatando vidas, con el objetivo de detener las obras a cualquier precio. Una de las vidas segadas fue la de Pascual, que también era la mano derecha de Jose María Ryan, el ingeniero jefe; secuestrado y asesinado antes que él. Por eso, Pascual, que recibió múltiples amenazas, sabía que lo iban a matar. Ángel Pascual fue la última y novena víctima mortal de Lemóniz.

Este episodio negro de la historia reciente de España es el que han elegido el guionista Florentino Flórez (1961, Avilés) y el dibujante Guillermo Sanna (1976, Palma) para rendir homenaje a aquellos hombres a los que mataron por ir a trabajar. “No hemos hablado con las familias, no hemos hablado con nadie involucrado directamente hasta ahora”, explica Flórez a elDiario.es frente a una jarra de agua y rodeado de cómics en la madrileña librería Generación X.

“Para nosotros, aquellas personas que murieron son admirables y, con este cómic, intentamos darles la mayor dignidad posible. Esperamos que sus allegados lo entiendan así”, continúa el guionista para señalar que la razón por la que ambos se han involucrado en un proyecto que les ha llevado varios años de investigación y documentación (que puede encontrarse referenciada al final del libro) es sencilla: ahí había una buena historia que todavía no se había contado. O no del todo.

Lemóniz: ETA y el movimiento nuclear (Norma editorial, 2026) narra, en definitiva, quiénes fueron aquellos que se convirtieron en una cifra más en las estadísticas, desde los obreros Baños, Guerra y Negro hasta los dos ingenieros, sobre cuyos hombros recae buena parte del relato. Sobre todo en Pascual, el menos conocido de ambos. “El nombre de Ryan nos sonaba a todos porque salió mucho en su momento en la televisión, pero de Pascual no se sabía casi nada más allá de la labor que ha ido haciendo su hijo para que se recuerde la figura de su padre”, continúa Flórez.

Ryan, padre de cinco hijos, fue secuestrado, ejecutado a sangre fría con las manos atadas a la espalda y abandonado en un bosque. Pascual, padre de tres hijas y un hijo, fue tiroteado por tres pistoleros cuando llevaba en el coche a su adolescente de 17 años a la parada de autobús. “Su hijo ha contado muchas veces cómo él llegaba a casa de madrugada, borracho como todos los chavales rebeldes de su edad, a la espera de la reprimenda de un padre que no estaba, que ya nunca podría estar”, cuenta el guionista.

Realidades complejas

Pascual fue la última víctima mortal y la penúltima en general. La última fue Alberto Muñagorri, de 10 años, que resultó herido de gravedad el 26 de junio de 1982 en Rentería por una bolsa-bomba colocada por la banda en la puerta de un almacén de Iberduero. El niño estuvo muchas semanas debatiéndose entre la vida y la muerte. Finalmente, perdió el pie izquierdo y quedó ciego de un ojo. “A las ocho horas del atentado (…), mi madre tuvo que tragarse una manifestación que gritaba Gora ETA miltarra! a las puertas de mi casa”, dice el testimonio de un Muñagorri adulto recogido por Flórez y Sanna al final del relato.

El cómic, por tanto, ilustra una realidad compleja borrada por el paso del tiempo. “La lucha ecologista era una buena excusa para ETA, para decir ‘estoy ayudando al pueblo vasco y lo voy a liberar del peligro nuclear’”, explica Flórez, señalando que, cuando profundizaron en el tema y se asomaron a las vidas de los dos ingenieros asesinados, se dieron cuenta de que ellos solos “construían una gran historia” en la que Flórez opina que lo que a él le importa es “que se sepa que estos tíos fueron unos héroes y tienen que ser recordados”. Así, la novela gráfica incide en que todos los asesinados por ETA en su ciega lucha contra esta central fueron civiles: obreros e ingenieros. Trabajadores a los que esta obra rinde homenaje recuperando su recuerdo con nombres y apellidos.

“El cómic acaba de salir, pero ya nos están llegando correos de gente que quiere compartirnos las historias de su familia, y eso es muy emocionante”, continúa el guionista para señalar la importancia de reivindicar a las víctimas del terrorismo. “Hablamos con un periodista que trabajó durante diez años con uno de los hijos de los obreros muertos y nos contó que, tras una década a su lado, el hijo comentó de pasada que a su padre le había matado ETA. ¡Diez años sin abrir la boca!”, desvela Flórez, indicando que las víctimas han cargado durante mucho tiempo con “una especie de vergüenza”. “Ellos se enfrentaban a que el padre moría y luego, en el pueblo, les decían ‘algo habrá hecho’”, apunta Flórez.

Las ilustraciones de Sanna, por su parte, están llenas de contrastes con, por un lado, escenas muy íntimas y, por otro, viñetas cargadas de violencia. “El dibujo, en un caso como este, es como el lenguaje. Es un vehículo de expresión”, explica el mallorquín, quien ha trabajado, entre otros, para Marvel, con los que ha dibujado para numerosas series como Bullseye (2016), Deadpool (2017), Amazing Spider-Man (2021), New Mutants (2023), Iron Man (2022), Star Wars (2022) y Savage Wolverine (2025).

Para Sanna, en casos como este, hay que tener en cuenta que, a veces, el virtuosismo o el detalle puede pasarle por encima a la historia que uno está contando. “Si te fijas en el detalle del dibujo, pierdes el hilo narrativo. Por eso en las escenas de violencia está todo mucho más esquematizado, porque las cosas pasan más rápido y en las familiares hay más detalle”, ejemplifica el dibujante, que se vale, también, de la luz y la oscuridad para variar entre los ambientes opresivos y los amables, donde ambos autores buscan contar quiénes fueron aquellos que ocuparon unas líneas en los periódicos y telediarios de entonces.

La pregunta hoy es qué queda de todo aquello. Tal y como redacta Flórez en el cómic, en septiembre de 1982, el Estado central se hace cargo de la continuación de Lemóniz. Un mes más tarde, el PSOE gana las elecciones y no se reanudan las obras. En 1984, el Gobierno decreta la moratoria nuclear, paralizando tres centrales en construcción: Sayago, Valdecaballeros y Lemóniz. La ley de ordenación del sistema eléctrico de 1994 reconoce el derecho de los titulares de las tres centrales nucleares a percibir una compensación por las inversiones realizadas. El pago se sufraga a través de la tarifa eléctrica, en el recibo de la luz. Los españoles pagan 5717 millones de euros a lo largo de 19 años. En 2020 se salda por fin la deuda. La empresa desmanteló y vendió el equipamiento instalado. Escribe Flórez que, en el lugar, ya solo quedan los grandes edificios vacíos.

Helen Slater tenía solo 18 años cuando hizo la audición en la que se enfrentó a unas 250 actrices para conseguir el papel de su vida. Aquella prueba debió salirle muy bien, porque la actriz estadounidense consiguió protagonizar su primera película. El filme no era cualquier cosa, pues se trataba de la primera vez que Supergirl, personaje de DC Cómics, llegaba a la gran pantalla.

El largometraje dirigido por Jeannot Szwarc en el que Slater interpretaba a Kara Zor-El, la prima de Superman, se estrenó en el Reino Unido en julio de 1984. Slater se sometió a un riguroso programa de entrenamiento que duró aproximadamente cuatro meses y la llevó a ganar siete kilos de músculo. Entonces aprendió a saltar el trampolín y a hacer esgrima y equitación, entre otras actividades, para ponerse en la piel de la superheroína.

Supergirl (1984) se centraba en esta joven protagonista que viaja desde la ciudad de Argo a la Tierra para recuperar el Omegahedron, una poderosa esfera que controla la energía de su pueblo y que cayó en manos de una bruja llamada Selena. La historia transcurría después de los eventos de Superman III, la película protagonizada por Christopher Reeve que se había estrenado el año anterior.

Las expectativas estaban muy altas, y la propia Helen contó que, en un primer momento, firmó un contrato para hacer hasta tres películas sobre este personaje. Sin embargo, el rendimiento en taquilla terminó por acabar con aquel sueño. La película apenas recaudó alrededor de 14 millones de dólares frente a un presupuesto estimado de 35 millones, convirtiéndose en un fracaso comercial.

Al fracaso en taquilla se sumaron las críticas negativas. “Los efectos son cutres, la historia no tiene rumbo y la heroína, con sus ojos grandes y su actitud alegre, simplemente no resulta interesante”, puede leerse hoy en día entre las reseñas de Rotten Tomatoes. No fue, sin embargo, el final de la carrera de Slater, que años después asumió el papel recurrente de Lara, madre biológica de Clark Kent, en la serie Smallville.

Su opinión de la nueva ‘Supergirl’

Este 2026, todos los ojos de los fans de DC están puestos en la recién estrenada Supergirl, una nueva adaptación cinematográfica de este personaje, dirigida esta vez por Craig Gillespie y escrita por Ana Nogueira. La nueva película de Warner Bros. está protagonizada por Milly Alcock, que encarna a la nueva Kara Zor-El y toma el relevo de Slater 40 años después.

Aunque el largometraje también ha sido criticado por su baja recaudación en taquilla (68 millones de dólares a nivel mundial durante su fin de semana de estreno), a la Supergirl original le ha gustado. “Me encantó la nueva película de Supergirl”, declaró la actriz a The Hollywood Reporter. “Me pareció que Milly Alcock estuvo asombrosa. Feroz, fuerte y con un gran sentido del humor”.

En el corazón del barrio de Vallcarca, en Barcelona, hay una plaza sin nombre. Lo que antes fue un solar abandonado, ahora es un espacio que bulle de vida. Los vecinos estuvieron años arreglándolo para hacer de él un lugar de encuentro y, aunque acabaron la remodelación en 2024, todavía no hay ninguna placa que la reconozca formalmente como una plaza y no figura en los mapas oficiales.

Cuando hubieron puesto la primera piedra, el barrio empezó a pensar cómo quería llamar a su plaza. La primera opción fue Plaça Farigola, en referencia a la escuela homónima que hay a unas pocas calles y que es el nombre por el que se refieren a ella los vecinos. También se pensó en Hilda Agostini, la maestra republicana que ejerció en ese colegio antes de exiliarse. O Uri Caballero, en homenaje al vecino, activista y guitarrista de Els Surfing Sirles, que murió hace 13 años.

Los vecinos aseguran que todos esos nombres fueron trasladados al Ayuntamiento, pero ninguno de ellos prosperó. Al final, la plaza se llamará Capitán Trueno. La decisión, tomada por unanimidad en la comisión de nomenclátor del Ayuntamiento de Barcelona, ha indignado al barrio que, aunque no tiene nada en contra del cómic de Víctor Mora, lamenta que se les haya impuesto un nombre que “desdibuja la identidad histórica de Vallcarca” y que no respeta “los referentes vinculados a su memoria”.

Por ello, la Federación de Entidades Amigas de Can Carol, (el centro cívico sito en la plaza) ha presentado una alegación formal contra el nombre de Capitán Trueno. Explican que esta plaza sólo existe gracias a la “organización y compromiso” de los vecinos que se unieron para construirla y lamentan que no se les haya tenido en cuenta a la hora de escoger un nombre. Además, afean haberse enterado de la decisión por la prensa.

En 2024, cuando se acabó la plaza, los vecinos propusieron las opciones que habían pensado. Ni Hilda Agostini ni Farigola podían ser, porque ya estaban asignadas a otras plazas o calles de la ciudad. La única que tenía números de salir adelante era Uri Caballero, pero los vecinos no llegaron a presentarla nunca como propuesta formal frente al consistorio. La cuestión cayó en un cajón durante casi dos años, hasta que el Capitán Trueno apareció en escena.

El nombre fue una propuesta del Grup d'Estudis Coll-Vallcarca, un colectivo de historiadores que lo sugirió para bautizar a una plaza sin nombre muy cercana a donde estuvo Bruguera, la editorial más reconocida del mundo del cómic y el sello que llevaban las viñetas de Víctor Mora. “La idea era para esa plaza, no para ningún otro sitio. Si el nombre se va a poner a la Plaça Farigola, no lo apoyaremos”. Así lo escribió el grupo de historiadores en un artículo publicado en L’Independent de Gràcia.

Desde el Ayuntamiento justifican la decisión como una manera de homenajear a Víctor Mora “bien fundamentada con criterios históricos, culturales y territoriales”. Además, insisten en que el autor fue un vecino de la zona que se tuvo que exiliar en Francia durante la dictadura y, desde allí, dio vida a uno de los personajes de cómic más populares en España. “Fue un símbolo de la lucha contra la represión de la dictadura que aportó un mensaje de libertad y justicia social”, apuntan desde el Ayuntamiento.

Los vecinos no niegan la importancia histórica de los tebeos e insisten que no les parece mala opción para una plaza o calle. “Es legítimo, pero no para aquí”, apuntan las entidades, que también afean al consistorio que el nombre sea “exclusivamente en castellano” y que haga referencia a un personaje de ficción “construido alrededor del modelo del heroísmo masculinizado”, lo que, apuntan, “no responde a los valores de memoria inclusiva y diversidad” del barrio.

Con todo, las entidades que rechazan la decisión del Ayuntamiento han pedido asistir a una de las reuniones del Nomenclátor para proponer sus opciones y para exigir que la elección final sea refrendada por el barrio (cosa que no suele ser habitual).

El Ayuntamiento no se ha pronunciado todavía sobre las alegaciones ni sobre esta petición, pero insisten en defender el nombre del Capitán Trueno recordando que ha sido validado por todos los órganos que prevé la normativa. Esta establece que para bautizar un espacio público se requiere el sí de la comisión de barrio, del distrito y de la Ponencia del Nomenclátor.

Todavía no está claro si queda camino para los vecinos que se oponen a tener una plaza con nombre de héroe de viñeta, pero lo que sí aseguran es que, independientemente de lo que ponga en la placa, para ellos ese espacio autogestionado será y seguirá siendo la Plaça Farigola.

El plan de James Gunn iba mucho más allá de reiniciar el Universo DC tras los excesos de Zack Snyder y la interminable sucesión de producciones ruinosas que espantaban a crítica y público. Lo que quería, en realidad, era devolver el cine de superhéroes a sus mismos orígenes, hacer borrón y cuenta nueva para regresar a los años 70. Al amanecer del género. Apartándose de esa fatiga inevitable tras casi dos décadas de ininterrumpida afloración superheroica —consolidada, al menos hasta el despegue de las adaptaciones de videojuegos, como patrón oro del blockbuster—, el presidente de DC se iba a remontar a la época en que “creímos que un hombre podía volar”. 

Tal era el ingenuo eslogan, claro, del primer Superman. Y las intenciones de Gunn fueron tan transparentes como para reutilizar la célebre fanfarria de John Williams en la banda sonora del nuevo Superman que él mismo dirigió, y que serviría para relanzar este maltrecho Universo DC. Su estrategia, por lo que parece, no se reduce a volver al primer gran superhéroe cinematográfico, sino que está siguiendo el esquema manejado entonces por los productores Alexander e Ilya Salkind: el año que viene tendremos una secuela directa de Superman, Man of Tomorrow. Y entre medias, es Supergirl la que da continuidad inmediata en el calendario al Superman de 2025.

Es a grandes rasgos lo que sucedió en los años 80. Cuando nadie tenía la ambición suficiente como para elucubrar universos cinematográficos, se dedujo que una forma lógica de expandir el éxito de Superman más allá de Christopher Reeve era llevar al cine las aventuras de la prima del kryptoniano, presentada en los cómics a finales de los años 50. Así que, tras tantear una aparición finalmente abortada del personaje en Superman III —algo que Gunn sí hizo posible, con el cameo de Milly Alcock como nueva Supergirl en los minutos finales de su Superman—, los Salkind impulsaron un ambicioso spin-off poco después, con la debutante Helen Slater como protagonista y la legendaria Faye Dunaway como villana. La Supergirl que nos ocupa, por tanto, es tan reflejo de la Supergirl de 1984 como el Superman del año pasado lo era del Superman de 1978.

Así lo ha querido Gunn. Pero hay un problema: la Supergirl original fue un absoluto fracaso. Podía esperarse tras la decepción que ya había sido Superman III —con aquella incomprensible decisión de colocar al cómico Richard Pryor como un protagonista cuyo tiempo en pantalla rivalizaba con el del superhéroe—, y de hecho los Salkind ya se temieron lo peor al no lograr convencer a Reeve de que Superman bendijera esta nueva película con su presencia. El único personaje de las películas de Superman que reaparecía en Supergirl era… Jimmy Olsen. Nada podía librar a Supergirl (pese a contar con una escala semejante a las entregas previas) de parecer un producto de segunda fila. 

Gunn, en este aparente afán de rectificar la historia del cine superheroico, sí ha garantizado que Superman esté presente en Supergirl. Y las breves apariciones de David Corenswet resultan ser lo mejor de la película, confirmando el avasallador encanto de alguien que ha nacido para interpretar al superhéroe del mismo modo que antes había nacido Reeve. Pero no es suficiente. No es suficiente para olvidar que la película en la que se refleja Supergirl era atroz, y que además había contribuido a acelerar la muerte de la saga de Superman. Tres años después de aquella Supergirl, en 1987, Superman IV: En busca de la paz fue una experiencia tan embarazosa como para apartar al personaje del cine durante décadas. Quién sabe si la industria no va hoy encaminada a un episodio similar.

La historia se repite (en todos los sentidos)

Esta Supergirl tampoco es una buena película, aunque se han tomado medidas para evitarlo. Gunn suele presumir de que, bajo su mando, en el Universo de DC no se empezará nunca a rodar sin un guion completo y aprobado (al contrario, se supone, de como hacen en Marvel). Así que el estudio debió quedar convencidos cuando la semidesconocida Ana Nogueira entregó un libreto con reminiscencias a Mad Max: Furia en la carretera. En principio el gran referente era el cómic Supergirl: Woman of Tomorrow de Tom King y Bilquis Evely, pero Nogueira lo había planteado todo a fin de cuentas como una larga persecución a través del espacio, que contemplaba el rescate de varias mujeres obligadas a casarse con los pérfidos Bandoleros. 

Estos eran, asimismo, los que habían asesinado a los padres de Ruthye Marye Knoll, una joven que a la manera de Imperator Furiosa requería la ayuda de Supergirl en su venganza. A todo lo cual hay que añadir una motivación extra para Kara: el envenenamiento de su perro Krypto, ya aparecido en Superman. Krem, líder de los Bandoleros, tiene el antídoto, así que el motor dramático central de Supergirl es la salvación de la mascota de la protagonista. Lo cual recuerda a lo visto en Guardianes de la Galaxia 3, dirigida por el propio Gunn, cambiando a Krypto por Rocket. De modo que no es tanto que lidiemos con un guion interesante, como con un entramado de ingredientes que deberían funcionar. Porque ya han funcionado antes, porque se supone que Gunn los domina perfectamente.

Gunn, cierto, no es el director de Supergirl. En su lugar tenemos a Craig Gillespie, si bien se trata de una firma más testimonial que otra cosa. Gillespie es un artesano llegado de la escena independiente —despuntó allá por 2007 con Lars y una chica de verdad— que viene amoldándose sin rechistar a las producciones de grandes estudios, como prueba la notable Cruella de 2021. Es esencialmente un mandado, y aunque podamos achacar a su oficio que Supergirl no luzca mal e incluso sea destacable alguna secuencia de acción, la visión primordial sigue siendo la de Gunn. De ahí lo sucedido con Krypto, de ahí los retazos de humor gamberro —francamente fallidos en este caso— y de ahí la selección musical, que aun decantándose por un rock alternativo y parcialmente ignoto, refuerza la sensación de que Supergirl no es más que una discreta derivación del Superman del año pasado.

La película sufre además del espectro de la anterior continuidad de DC pues por algún motivo Jason Momoa, tras interpretar a Aquaman, reaparece aquí con un nuevo personaje, Lobo. Que es básicamente el tipo de personaje que hace Momoa siempre y que tanto nos repatea a estas alturas, incorporándose a la aventura de Kara y Ruthye con la misma chulería bufa que había paseado por la DC de Snyder. Todo lo cual, por otra parte, ilustra un esfuerzo por alejarse de los errores cometidos por la Supergirl de 1984, preocupándose porque el segundo ladrillo de este nuevo Universo tenga un carácter prudentemente alejado de lo que propuso Superman el año pasado.

Pero eso no es algo necesariamente bueno. No lo es cuando las decisiones tomadas nos remiten simplemente a otras películas distintas —en el Universo de Marvel, en efecto y entre Guardianes de la Galaxia y los Thor de Taika Waititi, ya hemos visto varias así—, y el cruce de referentes obliga a una angustiosa indecisión en el tono. La escritura del filme, cuando no permanece en la ligereza y canallismo trasnochado de esta larga persecución, intenta acercarse a una construcción dramática a la medida, nuevamente, de la escuela James Gunn, insistiendo en presentar a Kara como una joven traumatizada por el pasado que aún dista de haber abrazado su auténtico heroísmo. 

Esta construcción fluye en torno a Krypto, a la relación con Ruthye y a varios flashbacks del pasado de Kara que hunden el ritmo y nunca logran ser lo bastante emotivos como para que compense. O como para que la protagonista pueda importarnos, más allá de la entusiasta interpretación de Alcock —la protagonista de La casa del dragón es la única que parece pasárselo genuinamente bien por aquí— o de ese vínculo con Krypto que solo conmueve por automatismo. Así que, en resumen, no es tanto que Supergirl sea una mala película —está a bastante distancia de la mayoría de los engendros de la anterior continuidad de DC—, como que simplemente es insulsa. Se queda a medias en todo, carece de aplomo para revalidar el impacto del Superman del año pasado.

Y el motivo de esto es más sencillo que todo el despiece que podamos hacer de la película, con el que intentemos racionalizar por qué Supergirl está tan cerca de funcionar, y por qué casi nunca lo hace. Basta, para ello, con acudir a las virtudes del Superman de Gunn. Aquel Superman estaba mejor escrito y mejor armado, sí, pero sobre todo estaba concienciado plenamente con un único y trascendental propósito: cada uno de sus elementos estaba dispuesto de forma que reivindicara su derecho a existir, su rechazo a la fatiga superheroica a la vez que una sutil comprensión de por qué esta había podido tomar cuerpo. El Superman de Gunn se preocupaba de los superhéroes a nivel simbólico, queriendo legitimar su existencia en una época de cansancio y creciente cinismo.

Saliera mejor o peor —salió maravillosamente, en realidad, casi como para oficiar de perfecto panegírico para el género—, hablábamos de un planteamiento creativo de primera categoría. De una razón de ser volcada en justificar la propia razón de ser. Algo de lo que carece Supergirl. No es más que otra película de superhéroes, impulsada por la inercia de siempre, contentándose con ser solvente y no molestar a nadie. Igual algo así podía haber sido suficiente hace diez años, pero ya no. Si llegado 2026 Hollywood sigue empeñado en hacer cine de superhéroes, lo mínimo que hay que exigirle es que nos dé alicientes para seguir mirando. No parece por lo demás que, en la vecina Marvel, las inminentes Spider-Man: Brand New Day y Vengadores: Doomsday vayan a ofrecerlos. Así que aquí estamos, una vez más, impacientes por que la burbuja explote del todo. 

La Consejería de Educación estrenará el próximo curso 2026-2027 un ciclo formativo de grado superior de Artes Plásticas y Diseño de Cómic, que se impartirá en la Escuela de Arte de Oviedo/Uviéu.

Asturias se convertirá así en la primera comunidad del noroeste del país en ofertar esta nueva titulación de técnico superior en un centro público.

El ciclo tendrá 2.000 horas

Este ciclo pertenece a la familia profesional de Comunicación Gráfica y Audiovisual, tendrá una duración de 2.000 horas y constará de 21 módulos.

El primer curso comparte programación con el ciclo de grado superior de Artes Plásticas y Diseño de Ilustración, que ya se estudia en este centro y que cuenta con gran aceptación.

Prueba de acceso

La nueva formación comenzará en septiembre con el curso 1º y una oferta de quince plazas. Con carácter general, las personas aspirantes deberán poseer el título de Bachillerato o equivalente, además de realizar una prueba específica de acceso.

Sin embargo, quedarán exentos de esa prueba preliminar los titulados en Bachillerato en la modalidad de Artísticas. También pueden acceder de forma directa los técnicos (superiores) de Artes Plásticas y Diseño y los titulados en enseñanzas artísticas superiores o enseñanzas universitarias en las siguientes disciplinas: Artes Plásticas, Diseño, Conservación y Restauración de Bienes Culturales, Bellas Artes, Arquitectura e Ingeniería Técnica en Diseño Industrial.

También existe una vía de acceso directo al nuevo grado para aquellos titulados en Bachillerato o equivalente que acrediten una experiencia laboral de, al menos, un año relacionada con las competencias profesionales objeto de este ciclo.

Un sector al alza

La industria del cómic y la novela gráfica es un sector en permanente crecimiento, por lo que esta nueva oferta educativa proporcionará diversas oportunidades profesionales, además de contribuir al enriquecimiento del tejido cultural de la comunidad.

Asturias atesora una larga tradición en esta expresión artística, que se remonta a principio de los años setenta con el Salón del Cómic del Principado y la creación de la revista El Wendigo, y que prosigue en la actualidad con eventos culturales monográficos o multidisciplinares que se celebran en Avilés, Oviedo/Uviéu y Gijón/Xixón. Además, varios historietistas asturianos –algunos de ellos, exalumnos de la Escuela de Arte– gozan en la actualidad de un reconocimiento internacional.

Cómics y viñetas en el CODEPA

Por otro lado, el Colegio Oficial de Enfermería del Principado de Asturias (CODEPA) ha presentado su segunda propuesta cultural tras la apertura de su espacio expositivo. En esta ocasión, la sede de Oviedo/Uviéu acoge desde ayer la muestra 'Coronavirus, crónica de un sanitario en pandemia'.

Se trata de una colección de cómics y viñetas creados por Félix González, enfermero de profesión y reconocido en redes sociales como 'El Whoper'.

A través de un trazo directo e irónico, González traslada al papel la cotidianidad de la labor enfermera mediante el lenguaje del cómic.

El autor, que compagina su faceta asistencial con su vocación artística, busca “mirar la vida con sentido del humor” y retratar situaciones reales del entorno sanitario.

Visibilizar la realidad de la Enfermería

Con esta exposición, el CODEPA refuerza su apuesta por visibilizar la realidad de la profesión desde una perspectiva creativa, dando continuidad al ciclo cultural iniciado recientemente en sus instalaciones.

La muestra puede contemplarse en la sede del CODEPA, en la calle Juan Antonio Álvarez Rabanal, 7, Bajo, en Oviedo/Uviéu.

El distrito de Gràcia, en la ciudad de Barcelona, ha decidido rendir un homenaje histórico al legado cultural de uno de sus hijos más ilustres mediante la aprobación de un nuevo espacio público. ‘Bautizado’ como plaza del Capitán Trueno, se trata de un espacio situado frente al casal de Can Carol, en el corazón del barrio de Vallcarca. Esta iniciativa busca reconocer a una de las figuras más influyentes del cómic español y a su creador, el guionista barcelonés Víctor Mora Pujadas. El personaje, que marcó a múltiples generaciones durante la posguerra, tendrá finalmente un rincón físico en la ciudad que lo vio nacer. 

El acuerdo municipal destaca que la obra no solo fue un éxito comercial sin precedentes, sino también un vehículo de valores fundamentales. En plena dictadura, Trueno representó un soplo de libertad y dignidad humana que trascendió el formato del tebeo. Ahora, el nombre del caballero andante medieval quedará grabado en el nomenclátor de Barcelona para siempre. La elección del barrio de Vallcarca para este reconocimiento no es fruto del azar, sino que responde a un vínculo histórico profundo con la industria editorial. Muy cerca de la nueva plaza se encontraba la antigua sede de la mítica Editorial Bruguera, el motor que impulsó el tebeo en España. El edificio que hoy alberga el Centro Cívico El Coll-La Bruguera fue durante décadas el lugar donde se gestaron estas historias. Por ello, la ubicación frente a Can Carol adquiere un significado especial.

Víctor Mora, nacido en la capital catalana el 6 de junio de 1931, tuvo una infancia marcada por la turbulencia política y el drama del exilio. Tras la Guerra Civil, su familia se trasladó a Francia, donde su padre estuvo internado en campos de concentración antes de fallecer prematuramente. Estas experiencias forjaron en el joven Víctor un carácter resiliente y un compromiso inquebrantable con la justicia social y la libertad. En el país vecino tomó contacto con la literatura europea y las viñetas de “El Príncipe Valiente”, que serían una inspiración clave. Regresó a Barcelona a los once años, en 1941, tras la invasión alemana de Francia, y se vio obligado a trabajar precozmente. 

Autodidacta por necesidad, Mora devoró las obras de autores como Salgari, Verne y Scott, mientras dibujaba sus propias historietas. Su formación no se dio en las aulas, sino en las bibliotecas y en las duras calles de la Barcelona de posguerra. Este bagaje vital se convertiría más tarde en la base emocional de sus guiones más célebres y profundos. En el año 1951, con apenas veinte años, Mora ingresó en la Editorial Bruguera como redactor y traductor, demostrando pronto un talento narrativo desbordante. Aunque inicialmente intentó ser dibujante, sus jefes advirtieron que su verdadera fuerza residía en la capacidad para crear mundos y diálogos. Fue en 1956 cuando recibió el encargo de idear una serie de aventuras que pudiera competir con los éxitos editoriales de la época.

Bajo el seudónimo de Víctor Alcázar, para evitar problemas con la censura y la empresa, dio vida al “Capitán Trueno”. Para poner rostro al héroe, contó con el trazo magistral de Miguel Ambrosio Zaragoza, conocido artísticamente como Ambrós. La combinación entre el guion épico de Mora y el dibujo dinámico de Ambrós resultó ser una fórmula mágica que revolucionó el mercado. El éxito fue inmediato y masivo, logrando que el primer cuaderno de la serie se convirtiera en un hito histórico. La oficina de Bruguera en Barcelona se convirtió en el epicentro de un fenómeno que nadie pudo prever.

El “Capitán Trueno” no era un caballero medieval convencional, sino un héroe con un código moral universal que luchaba contra todo tipo de tiranía. Acompañado por sus inseparables amigos, el gigante Goliath y el joven Crispín, recorría el mundo liberando a los pueblos oprimidos por déspotas locales. Mora utilizó sus guiones para introducir astutamente valores de solidaridad y democracia en un contexto nacional marcado por la estricta censura franquista. Las historias del capitán vendían semanalmente la asombrosa cifra de 350.000 ejemplares, un récord absoluto que reflejaba la sed de aventuras del público. Los censores, a menudo incapaces de ver más allá de la superficie, permitieron que Trueno burlara barreras ideológicas significativas. 

Uno de los aspectos más revolucionarios de la obra de Mora fue el tratamiento de los personajes secundarios y la figura femenina. La reina Sigrid de Thule era una mujer fuerte, independiente y compañera de armas. Su relación con el Capitán Trueno rompía los moldes de la época, aunque la censura impedía que se mostraran afectos físicos explícitos. Sigrid gobernaba su propio reino con sabiduría y empuñaba la espada cuando era necesario, siendo un referente de empoderamiento femenino precoz. Por otro lado, la amistad entre Trueno, Goliath y Crispín mostraba un vínculo de lealtad inquebrantable que cautivó a los lectores. Goliath, con su parche en el ojo y su gran corazón, aportaba la fuerza bruta, mientras que Crispín representaba la juventud.

Militancia política

La vida de Víctor Mora estuvo intrínsecamente ligada a su militancia política en el Partit Socialista Unificat de Catalunya, el PSUC. En 1957, mientras el “Capitán Trueno” triunfaba en los quioscos, su creador fue encarcelado en la prisión Modelo por sus ideales libertarios. Fue detenido por la Brigada Político-Social junto a su inseparable esposa, la también escritora y guionista Armonía Rodríguez. Tras ser liberado, el acoso policial lo empujó a un segundo exilio en Francia, donde residió entre los años 1963 y 1968. Desde París, continuó enviando guiones a Bruguera y comenzó a colaborar con las publicaciones más prestigiosas del cómic franco-belga. Trabajó para revistas icónicas como Pilote, donde fue acogido por René Goscinny, el célebre creador de Astérix el Galo. 

Tras décadas de éxito y numerosos reconocimientos internacionales, como la Creu de Sant Jordi o la Orden de las Artes de Francia, Mora falleció en 2016. El creador del “Jabato” y el “Corsario de Hierro” dejó un vacío inmenso en el mundo de las letras, pero su obra permanece viva. La futura inauguración de la plaza en Vallcarca servirá para recordar a las nuevas generaciones que el cómic puede ser una forma de arte elevada. Tributo final a un barcelonés que, desde su estudio, imaginó un mundo mejor para todos sus lectores.

El castillo de Cheverny es toda una joya arquitectónica del majestuoso valle del Loira, de una belleza que cautiva a miles de visitantes cada año por su elegancia clásica. Esta edificación no solo destaca por su belleza, sino por ser la cuna física de una de las residencias más famosas de la literatura ilustrada: el castillo de Moulinsart. Fue aquí donde el dibujante belga Hergé encontró la inspiración necesaria para situar las aventuras del intrépido reportero Tintín y su inseparable compañero, el capitán Haddock. La relación entre la realidad y la ficción ha convertido a este recinto en un lugar de peregrinación de Francia para los amantes del noveno arte. Al contemplar su fachada principal, el visitante se siente transportado inmediatamente a las páginas de los cómics más emblemáticos del siglo pasado.

El proceso creativo de Hergé para dar vida a Moulinsart consistió en un ingenioso juego de simplificación arquitectónica basado en un folleto turístico de la época que llegó a sus manos. El artista decidió utilizar la sección central de Cheverny, eliminando los dos pabellones laterales para otorgarle al edificio ficticio una apariencia ligeramente más modesta y funcional para sus historias. Esta transformación permitió que el hogar del capitán Haddock mantuviera la simetría y el rigor clásico que caracteriza a la técnica de línea clara del dibujante. En los archivos personales del autor se conserva aún ese boceto a lápiz que muestra a los protagonistas caminando hacia la entrada del majestuoso edificio. 

Una de las características más singulares de Cheverny es que ha pertenecido a la misma estirpe, la familia Hurault, durante más de seis siglos de historia ininterrumpida. A diferencia de otros castillos de la región que cambiaron frecuentemente de manos tras la Revolución Francesa, este ha mantenido su linaje hasta los actuales marqueses de Vibraye. Los propietarios residen todavía en el ala derecha de la construcción, precisamente en la zona que Hergé decidió omitir en sus dibujos para crear su versión literaria. Esta presencia humana constante ha permitido que el castillo conserve un estado de mantenimiento excepcional y una atmósfera de hogar vivido que pocos monumentos pueden igualar. 

Arquitectónicamente, el edificio es un prodigio del estilo clásico francés del siglo XVII que se ha mantenido prácticamente idéntico desde su construcción original por Jacques Bougier. Se distingue de otros castillos del Loira por su homogeneidad técnica, al estar construido totalmente con piedra de Bourré, una toba calcárea que se blanquea con el tiempo. El diseño precursor del estilo Luis XIV evita las mezclas de épocas, ofreciendo una simetría perfecta y una decoración de fachadas llena de detalles como bustos antiguos en marcos elípticos. Fue el primer castillo privado en Francia que abrió sus puertas al público general en el año 1922, marcando un hito en el turismo cultural. Su conservación es tan rigurosa que permite al espectador moderno observar la misma silueta que admiraron los contemporáneos del Rey Sol.

Para los entusiastas de las viñetas, la finca alberga la exposición permanente titulada “Los secretos de Moulinsart”, una experiencia interactiva que ocupa unos 700 metros cuadrados. Realizada en estrecha colaboración con la Fundación Hergé, esta muestra permite a los visitantes sumergirse físicamente en los escenarios más icónicos de las aventuras del joven periodista belga. Es posible recorrer reconstrucciones a tamaño real del laboratorio del profesor Tornasol, los sótanos donde Tintín fue encerrado y la famosa cripta que ocultaba el tesoro de Rackham el Rojo. Los efectos de luz y sonido, junto con objetos emblemáticos como el submarino con forma de tiburón, logran una inmersión total en el universo creativo del autor. 

El interior de Cheverny deslumbra por su riqueza decorativa y la opulencia de sus estancias, que superan en lujo a las descritas en las páginas de los cómics. Destacan piezas como los 34 paneles de madera que ilustran las andanzas de Don Quijote en el comedor principal, obra del artista Jean Monier. La habitación del rey, preparada específicamente para las visitas de Enrique IV, muestra un techo artesonado y tapices franceses de un valor artístico incalculable. Otras salas, como la biblioteca con sus miles de volúmenes o la sala de armas con su colección de armaduras, ofrecen una visión detallada de la vida cortesana. 

Más de 100 hectáreas de jardines

Rodeando la estructura principal se extienden más de cien hectáreas de jardines temáticos y parques que invitan a largos paseos bajo la sombra de cedros centenarios. Entre las zonas verdes destaca el laberinto, una atracción que desafía la orientación de los visitantes entre altos setos, y el jardín de tulipanes que florece con miles de ejemplares. El parque de estilo inglés alberga especies arbóreas de gran porte, como secuoyas y tilos plantados a mediados del siglo XIX por los antepasados de los dueños actuales. También es posible explorar la finca mediante paseos en barcos y coches eléctricos que recorren los canales y bosques cercanos con un enfoque respetuoso con el medio ambiente. 

La tradición se mantiene viva en Cheverny a través de su famosa jauría de cien perros de caza tricolores, cuyos ancestros han formado parte de la finca desde mediados del siglo XIX. Los visitantes pueden observar la alimentación diaria de estos animales en las perreras, un evento que subraya el vínculo histórico de la nobleza local con la práctica de la montería. Además de su legado cinegético, la finca cuenta con su propio viñedo y una reconocida casa de vinos donde se puede degustar la producción vinícola de la zona. Esta mezcla de historia familiar, pasión por el cómic, arte clásico y respeto por las tradiciones campestres define la identidad única de Cheverny, un monumento del pasado y un espacio vibrante que sigue escribiendo su historia día tras día.

La editorial Astiberri ha sido galardonada con el Premio Nacional a la Mejor Labor Editorial Cultural 2026. El jurado le ha otorgado este reconocimiento por “su inestimable contribución al elevar el cómic a la categoría de alta literatura y por la enorme ambición artística de un catálogo que testimonia su espíritu exigente”. Lo ha hecho, además, en un momento en el que la editorial está celebrando sus 25 años en el sector.

El jurado también ha señalado que Astiberri “ha construido su prestigio apostando por formatos cuidados y obras con un marcado sello de autor”. “Sus publicaciones abordan temas complejos como la memoria histórica, el periodismo de guerra, la biografía y la crítica social. El buen hacer editorial ha consolidado las carreras de figuras nacionales fundamentales con la publicación de obras que se han convertido en emblemáticas y, a la vez, ha tendido puentes culturales con la traducción de creadores internacionales relevantes”, ha agregado.

Asimismo, el jurado ha expresado que “con un cuarto de siglo de historia y mil títulos vivos, su gestión sólida y coherente sigue atrayendo a nuevos públicos gracias a la variedad y a la belleza técnica y la estética de sus libros”. Este premio, dotado con 30.000 euros, tiene por objeto distinguir el conjunto de la labor editorial de una persona física o jurídica que haya destacado por su aportación sobresaliente e innovadora a la vida cultural española.

Astiberri Ediciones ha editado obras de autores como Edmond Baudoin, Lea Mazé, Jason Lutes, Eleanor Davis, Jeff Smith, Frederik Peeters, Josephine Mark, Craig Thompson, Alberto Breccia, Jason, Baru, Shigeru Mizuki, Guy Delisle, Jeff Lemire, Yaro Abe o François Bourgeon. Además, desarrolla una labor de promoción de autoría nacional, tanto novel como de firmas ya asentadas en el medio, con la exportación de las obras de autores como Paco Roca, Laura Pérez o Alfonso Zapico.