Sabía que lo iban a matar y, aun así, se quedó. Esta podría ser una de las frases que resumiera quien fue Ángel Pascual, un hombre (casi) olvidado por la historia. Uno más entre las 853 víctimas mortales de ETA, según datos del Ministerio de Interior. Pero Pascual fue mucho más que un número. Ángel Pascual era un ingeniero nuclear de la central de Lemóniz (Vizcaya). Una central que empezó a construirse en 1972 por la empresa Iberduero (luego Iberdrola) y que nunca llegó a ponerse en marcha tras múltiples protestas de grupos ciudadanos, ecologistas y antinucleares en una España que empezaba a despertar del letargo de la dictadura.

La central nunca llegó a ponerse en marcha porque, a fines de los 70, la organización terrorista decidió sumarse a las protestas con su habitual forma de actuar, a base de Goma-2 y arrebatando vidas, con el objetivo de detener las obras a cualquier precio. Una de las vidas segadas fue la de Pascual, que también era la mano derecha de Jose María Ryan, el ingeniero jefe; secuestrado y asesinado antes que él. Por eso, Pascual, que recibió múltiples amenazas, sabía que lo iban a matar. Ángel Pascual fue la última y novena víctima mortal de Lemóniz.

Este episodio negro de la historia reciente de España es el que han elegido el guionista Florentino Flórez (1961, Avilés) y el dibujante Guillermo Sanna (1976, Palma) para rendir homenaje a aquellos hombres a los que mataron por ir a trabajar. “No hemos hablado con las familias, no hemos hablado con nadie involucrado directamente hasta ahora”, explica Flórez a elDiario.es frente a una jarra de agua y rodeado de cómics en la madrileña librería Generación X.

“Para nosotros, aquellas personas que murieron son admirables y, con este cómic, intentamos darles la mayor dignidad posible. Esperamos que sus allegados lo entiendan así”, continúa el guionista para señalar que la razón por la que ambos se han involucrado en un proyecto que les ha llevado varios años de investigación y documentación (que puede encontrarse referenciada al final del libro) es sencilla: ahí había una buena historia que todavía no se había contado. O no del todo.

Lemóniz: ETA y el movimiento nuclear (Norma editorial, 2026) narra, en definitiva, quiénes fueron aquellos que se convirtieron en una cifra más en las estadísticas, desde los obreros Baños, Guerra y Negro hasta los dos ingenieros, sobre cuyos hombros recae buena parte del relato. Sobre todo en Pascual, el menos conocido de ambos. “El nombre de Ryan nos sonaba a todos porque salió mucho en su momento en la televisión, pero de Pascual no se sabía casi nada más allá de la labor que ha ido haciendo su hijo para que se recuerde la figura de su padre”, continúa Flórez.

Ryan, padre de cinco hijos, fue secuestrado, ejecutado a sangre fría con las manos atadas a la espalda y abandonado en un bosque. Pascual, padre de tres hijas y un hijo, fue tiroteado por tres pistoleros cuando llevaba en el coche a su adolescente de 17 años a la parada de autobús. “Su hijo ha contado muchas veces cómo él llegaba a casa de madrugada, borracho como todos los chavales rebeldes de su edad, a la espera de la reprimenda de un padre que no estaba, que ya nunca podría estar”, cuenta el guionista.

Realidades complejas

Pascual fue la última víctima mortal y la penúltima en general. La última fue Alberto Muñagorri, de 10 años, que resultó herido de gravedad el 26 de junio de 1982 en Rentería por una bolsa-bomba colocada por la banda en la puerta de un almacén de Iberduero. El niño estuvo muchas semanas debatiéndose entre la vida y la muerte. Finalmente, perdió el pie izquierdo y quedó ciego de un ojo. “A las ocho horas del atentado (…), mi madre tuvo que tragarse una manifestación que gritaba Gora ETA miltarra! a las puertas de mi casa”, dice el testimonio de un Muñagorri adulto recogido por Flórez y Sanna al final del relato.

El cómic, por tanto, ilustra una realidad compleja borrada por el paso del tiempo. “La lucha ecologista era una buena excusa para ETA, para decir ‘estoy ayudando al pueblo vasco y lo voy a liberar del peligro nuclear’”, explica Flórez, señalando que, cuando profundizaron en el tema y se asomaron a las vidas de los dos ingenieros asesinados, se dieron cuenta de que ellos solos “construían una gran historia” en la que Flórez opina que lo que a él le importa es “que se sepa que estos tíos fueron unos héroes y tienen que ser recordados”. Así, la novela gráfica incide en que todos los asesinados por ETA en su ciega lucha contra esta central fueron civiles: obreros e ingenieros. Trabajadores a los que esta obra rinde homenaje recuperando su recuerdo con nombres y apellidos.

“El cómic acaba de salir, pero ya nos están llegando correos de gente que quiere compartirnos las historias de su familia, y eso es muy emocionante”, continúa el guionista para señalar la importancia de reivindicar a las víctimas del terrorismo. “Hablamos con un periodista que trabajó durante diez años con uno de los hijos de los obreros muertos y nos contó que, tras una década a su lado, el hijo comentó de pasada que a su padre le había matado ETA. ¡Diez años sin abrir la boca!”, desvela Flórez, indicando que las víctimas han cargado durante mucho tiempo con “una especie de vergüenza”. “Ellos se enfrentaban a que el padre moría y luego, en el pueblo, les decían ‘algo habrá hecho’”, apunta Flórez.

Las ilustraciones de Sanna, por su parte, están llenas de contrastes con, por un lado, escenas muy íntimas y, por otro, viñetas cargadas de violencia. “El dibujo, en un caso como este, es como el lenguaje. Es un vehículo de expresión”, explica el mallorquín, quien ha trabajado, entre otros, para Marvel, con los que ha dibujado para numerosas series como Bullseye (2016), Deadpool (2017), Amazing Spider-Man (2021), New Mutants (2023), Iron Man (2022), Star Wars (2022) y Savage Wolverine (2025).

Para Sanna, en casos como este, hay que tener en cuenta que, a veces, el virtuosismo o el detalle puede pasarle por encima a la historia que uno está contando. “Si te fijas en el detalle del dibujo, pierdes el hilo narrativo. Por eso en las escenas de violencia está todo mucho más esquematizado, porque las cosas pasan más rápido y en las familiares hay más detalle”, ejemplifica el dibujante, que se vale, también, de la luz y la oscuridad para variar entre los ambientes opresivos y los amables, donde ambos autores buscan contar quiénes fueron aquellos que ocuparon unas líneas en los periódicos y telediarios de entonces.

La pregunta hoy es qué queda de todo aquello. Tal y como redacta Flórez en el cómic, en septiembre de 1982, el Estado central se hace cargo de la continuación de Lemóniz. Un mes más tarde, el PSOE gana las elecciones y no se reanudan las obras. En 1984, el Gobierno decreta la moratoria nuclear, paralizando tres centrales en construcción: Sayago, Valdecaballeros y Lemóniz. La ley de ordenación del sistema eléctrico de 1994 reconoce el derecho de los titulares de las tres centrales nucleares a percibir una compensación por las inversiones realizadas. El pago se sufraga a través de la tarifa eléctrica, en el recibo de la luz. Los españoles pagan 5717 millones de euros a lo largo de 19 años. En 2020 se salda por fin la deuda. La empresa desmanteló y vendió el equipamiento instalado. Escribe Flórez que, en el lugar, ya solo quedan los grandes edificios vacíos.

Helen Slater tenía solo 18 años cuando hizo la audición en la que se enfrentó a unas 250 actrices para conseguir el papel de su vida. Aquella prueba debió salirle muy bien, porque la actriz estadounidense consiguió protagonizar su primera película. El filme no era cualquier cosa, pues se trataba de la primera vez que Supergirl, personaje de DC Cómics, llegaba a la gran pantalla.

El largometraje dirigido por Jeannot Szwarc en el que Slater interpretaba a Kara Zor-El, la prima de Superman, se estrenó en el Reino Unido en julio de 1984. Slater se sometió a un riguroso programa de entrenamiento que duró aproximadamente cuatro meses y la llevó a ganar siete kilos de músculo. Entonces aprendió a saltar el trampolín y a hacer esgrima y equitación, entre otras actividades, para ponerse en la piel de la superheroína.

Supergirl (1984) se centraba en esta joven protagonista que viaja desde la ciudad de Argo a la Tierra para recuperar el Omegahedron, una poderosa esfera que controla la energía de su pueblo y que cayó en manos de una bruja llamada Selena. La historia transcurría después de los eventos de Superman III, la película protagonizada por Christopher Reeve que se había estrenado el año anterior.

Las expectativas estaban muy altas, y la propia Helen contó que, en un primer momento, firmó un contrato para hacer hasta tres películas sobre este personaje. Sin embargo, el rendimiento en taquilla terminó por acabar con aquel sueño. La película apenas recaudó alrededor de 14 millones de dólares frente a un presupuesto estimado de 35 millones, convirtiéndose en un fracaso comercial.

Al fracaso en taquilla se sumaron las críticas negativas. “Los efectos son cutres, la historia no tiene rumbo y la heroína, con sus ojos grandes y su actitud alegre, simplemente no resulta interesante”, puede leerse hoy en día entre las reseñas de Rotten Tomatoes. No fue, sin embargo, el final de la carrera de Slater, que años después asumió el papel recurrente de Lara, madre biológica de Clark Kent, en la serie Smallville.

Su opinión de la nueva ‘Supergirl’

Este 2026, todos los ojos de los fans de DC están puestos en la recién estrenada Supergirl, una nueva adaptación cinematográfica de este personaje, dirigida esta vez por Craig Gillespie y escrita por Ana Nogueira. La nueva película de Warner Bros. está protagonizada por Milly Alcock, que encarna a la nueva Kara Zor-El y toma el relevo de Slater 40 años después.

Aunque el largometraje también ha sido criticado por su baja recaudación en taquilla (68 millones de dólares a nivel mundial durante su fin de semana de estreno), a la Supergirl original le ha gustado. “Me encantó la nueva película de Supergirl”, declaró la actriz a The Hollywood Reporter. “Me pareció que Milly Alcock estuvo asombrosa. Feroz, fuerte y con un gran sentido del humor”.

En el corazón del barrio de Vallcarca, en Barcelona, hay una plaza sin nombre. Lo que antes fue un solar abandonado, ahora es un espacio que bulle de vida. Los vecinos estuvieron años arreglándolo para hacer de él un lugar de encuentro y, aunque acabaron la remodelación en 2024, todavía no hay ninguna placa que la reconozca formalmente como una plaza y no figura en los mapas oficiales.

Cuando hubieron puesto la primera piedra, el barrio empezó a pensar cómo quería llamar a su plaza. La primera opción fue Plaça Farigola, en referencia a la escuela homónima que hay a unas pocas calles y que es el nombre por el que se refieren a ella los vecinos. También se pensó en Hilda Agostini, la maestra republicana que ejerció en ese colegio antes de exiliarse. O Uri Caballero, en homenaje al vecino, activista y guitarrista de Els Surfing Sirles, que murió hace 13 años.

Los vecinos aseguran que todos esos nombres fueron trasladados al Ayuntamiento, pero ninguno de ellos prosperó. Al final, la plaza se llamará Capitán Trueno. La decisión, tomada por unanimidad en la comisión de nomenclátor del Ayuntamiento de Barcelona, ha indignado al barrio que, aunque no tiene nada en contra del cómic de Víctor Mora, lamenta que se les haya impuesto un nombre que “desdibuja la identidad histórica de Vallcarca” y que no respeta “los referentes vinculados a su memoria”.

Por ello, la Federación de Entidades Amigas de Can Carol, (el centro cívico sito en la plaza) ha presentado una alegación formal contra el nombre de Capitán Trueno. Explican que esta plaza sólo existe gracias a la “organización y compromiso” de los vecinos que se unieron para construirla y lamentan que no se les haya tenido en cuenta a la hora de escoger un nombre. Además, afean haberse enterado de la decisión por la prensa.

En 2024, cuando se acabó la plaza, los vecinos propusieron las opciones que habían pensado. Ni Hilda Agostini ni Farigola podían ser, porque ya estaban asignadas a otras plazas o calles de la ciudad. La única que tenía números de salir adelante era Uri Caballero, pero los vecinos no llegaron a presentarla nunca como propuesta formal frente al consistorio. La cuestión cayó en un cajón durante casi dos años, hasta que el Capitán Trueno apareció en escena.

El nombre fue una propuesta del Grup d'Estudis Coll-Vallcarca, un colectivo de historiadores que lo sugirió para bautizar a una plaza sin nombre muy cercana a donde estuvo Bruguera, la editorial más reconocida del mundo del cómic y el sello que llevaban las viñetas de Víctor Mora. “La idea era para esa plaza, no para ningún otro sitio. Si el nombre se va a poner a la Plaça Farigola, no lo apoyaremos”. Así lo escribió el grupo de historiadores en un artículo publicado en L’Independent de Gràcia.

Desde el Ayuntamiento justifican la decisión como una manera de homenajear a Víctor Mora “bien fundamentada con criterios históricos, culturales y territoriales”. Además, insisten en que el autor fue un vecino de la zona que se tuvo que exiliar en Francia durante la dictadura y, desde allí, dio vida a uno de los personajes de cómic más populares en España. “Fue un símbolo de la lucha contra la represión de la dictadura que aportó un mensaje de libertad y justicia social”, apuntan desde el Ayuntamiento.

Los vecinos no niegan la importancia histórica de los tebeos e insisten que no les parece mala opción para una plaza o calle. “Es legítimo, pero no para aquí”, apuntan las entidades, que también afean al consistorio que el nombre sea “exclusivamente en castellano” y que haga referencia a un personaje de ficción “construido alrededor del modelo del heroísmo masculinizado”, lo que, apuntan, “no responde a los valores de memoria inclusiva y diversidad” del barrio.

Con todo, las entidades que rechazan la decisión del Ayuntamiento han pedido asistir a una de las reuniones del Nomenclátor para proponer sus opciones y para exigir que la elección final sea refrendada por el barrio (cosa que no suele ser habitual).

El Ayuntamiento no se ha pronunciado todavía sobre las alegaciones ni sobre esta petición, pero insisten en defender el nombre del Capitán Trueno recordando que ha sido validado por todos los órganos que prevé la normativa. Esta establece que para bautizar un espacio público se requiere el sí de la comisión de barrio, del distrito y de la Ponencia del Nomenclátor.

Todavía no está claro si queda camino para los vecinos que se oponen a tener una plaza con nombre de héroe de viñeta, pero lo que sí aseguran es que, independientemente de lo que ponga en la placa, para ellos ese espacio autogestionado será y seguirá siendo la Plaça Farigola.

El plan de James Gunn iba mucho más allá de reiniciar el Universo DC tras los excesos de Zack Snyder y la interminable sucesión de producciones ruinosas que espantaban a crítica y público. Lo que quería, en realidad, era devolver el cine de superhéroes a sus mismos orígenes, hacer borrón y cuenta nueva para regresar a los años 70. Al amanecer del género. Apartándose de esa fatiga inevitable tras casi dos décadas de ininterrumpida afloración superheroica —consolidada, al menos hasta el despegue de las adaptaciones de videojuegos, como patrón oro del blockbuster—, el presidente de DC se iba a remontar a la época en que “creímos que un hombre podía volar”. 

Tal era el ingenuo eslogan, claro, del primer Superman. Y las intenciones de Gunn fueron tan transparentes como para reutilizar la célebre fanfarria de John Williams en la banda sonora del nuevo Superman que él mismo dirigió, y que serviría para relanzar este maltrecho Universo DC. Su estrategia, por lo que parece, no se reduce a volver al primer gran superhéroe cinematográfico, sino que está siguiendo el esquema manejado entonces por los productores Alexander e Ilya Salkind: el año que viene tendremos una secuela directa de Superman, Man of Tomorrow. Y entre medias, es Supergirl la que da continuidad inmediata en el calendario al Superman de 2025.

Es a grandes rasgos lo que sucedió en los años 80. Cuando nadie tenía la ambición suficiente como para elucubrar universos cinematográficos, se dedujo que una forma lógica de expandir el éxito de Superman más allá de Christopher Reeve era llevar al cine las aventuras de la prima del kryptoniano, presentada en los cómics a finales de los años 50. Así que, tras tantear una aparición finalmente abortada del personaje en Superman III —algo que Gunn sí hizo posible, con el cameo de Milly Alcock como nueva Supergirl en los minutos finales de su Superman—, los Salkind impulsaron un ambicioso spin-off poco después, con la debutante Helen Slater como protagonista y la legendaria Faye Dunaway como villana. La Supergirl que nos ocupa, por tanto, es tan reflejo de la Supergirl de 1984 como el Superman del año pasado lo era del Superman de 1978.

Así lo ha querido Gunn. Pero hay un problema: la Supergirl original fue un absoluto fracaso. Podía esperarse tras la decepción que ya había sido Superman III —con aquella incomprensible decisión de colocar al cómico Richard Pryor como un protagonista cuyo tiempo en pantalla rivalizaba con el del superhéroe—, y de hecho los Salkind ya se temieron lo peor al no lograr convencer a Reeve de que Superman bendijera esta nueva película con su presencia. El único personaje de las películas de Superman que reaparecía en Supergirl era… Jimmy Olsen. Nada podía librar a Supergirl (pese a contar con una escala semejante a las entregas previas) de parecer un producto de segunda fila. 

Gunn, en este aparente afán de rectificar la historia del cine superheroico, sí ha garantizado que Superman esté presente en Supergirl. Y las breves apariciones de David Corenswet resultan ser lo mejor de la película, confirmando el avasallador encanto de alguien que ha nacido para interpretar al superhéroe del mismo modo que antes había nacido Reeve. Pero no es suficiente. No es suficiente para olvidar que la película en la que se refleja Supergirl era atroz, y que además había contribuido a acelerar la muerte de la saga de Superman. Tres años después de aquella Supergirl, en 1987, Superman IV: En busca de la paz fue una experiencia tan embarazosa como para apartar al personaje del cine durante décadas. Quién sabe si la industria no va hoy encaminada a un episodio similar.

La historia se repite (en todos los sentidos)

Esta Supergirl tampoco es una buena película, aunque se han tomado medidas para evitarlo. Gunn suele presumir de que, bajo su mando, en el Universo de DC no se empezará nunca a rodar sin un guion completo y aprobado (al contrario, se supone, de como hacen en Marvel). Así que el estudio debió quedar convencidos cuando la semidesconocida Ana Nogueira entregó un libreto con reminiscencias a Mad Max: Furia en la carretera. En principio el gran referente era el cómic Supergirl: Woman of Tomorrow de Tom King y Bilquis Evely, pero Nogueira lo había planteado todo a fin de cuentas como una larga persecución a través del espacio, que contemplaba el rescate de varias mujeres obligadas a casarse con los pérfidos Bandoleros. 

Estos eran, asimismo, los que habían asesinado a los padres de Ruthye Marye Knoll, una joven que a la manera de Imperator Furiosa requería la ayuda de Supergirl en su venganza. A todo lo cual hay que añadir una motivación extra para Kara: el envenenamiento de su perro Krypto, ya aparecido en Superman. Krem, líder de los Bandoleros, tiene el antídoto, así que el motor dramático central de Supergirl es la salvación de la mascota de la protagonista. Lo cual recuerda a lo visto en Guardianes de la Galaxia 3, dirigida por el propio Gunn, cambiando a Krypto por Rocket. De modo que no es tanto que lidiemos con un guion interesante, como con un entramado de ingredientes que deberían funcionar. Porque ya han funcionado antes, porque se supone que Gunn los domina perfectamente.

Gunn, cierto, no es el director de Supergirl. En su lugar tenemos a Craig Gillespie, si bien se trata de una firma más testimonial que otra cosa. Gillespie es un artesano llegado de la escena independiente —despuntó allá por 2007 con Lars y una chica de verdad— que viene amoldándose sin rechistar a las producciones de grandes estudios, como prueba la notable Cruella de 2021. Es esencialmente un mandado, y aunque podamos achacar a su oficio que Supergirl no luzca mal e incluso sea destacable alguna secuencia de acción, la visión primordial sigue siendo la de Gunn. De ahí lo sucedido con Krypto, de ahí los retazos de humor gamberro —francamente fallidos en este caso— y de ahí la selección musical, que aun decantándose por un rock alternativo y parcialmente ignoto, refuerza la sensación de que Supergirl no es más que una discreta derivación del Superman del año pasado.

La película sufre además del espectro de la anterior continuidad de DC pues por algún motivo Jason Momoa, tras interpretar a Aquaman, reaparece aquí con un nuevo personaje, Lobo. Que es básicamente el tipo de personaje que hace Momoa siempre y que tanto nos repatea a estas alturas, incorporándose a la aventura de Kara y Ruthye con la misma chulería bufa que había paseado por la DC de Snyder. Todo lo cual, por otra parte, ilustra un esfuerzo por alejarse de los errores cometidos por la Supergirl de 1984, preocupándose porque el segundo ladrillo de este nuevo Universo tenga un carácter prudentemente alejado de lo que propuso Superman el año pasado.

Pero eso no es algo necesariamente bueno. No lo es cuando las decisiones tomadas nos remiten simplemente a otras películas distintas —en el Universo de Marvel, en efecto y entre Guardianes de la Galaxia y los Thor de Taika Waititi, ya hemos visto varias así—, y el cruce de referentes obliga a una angustiosa indecisión en el tono. La escritura del filme, cuando no permanece en la ligereza y canallismo trasnochado de esta larga persecución, intenta acercarse a una construcción dramática a la medida, nuevamente, de la escuela James Gunn, insistiendo en presentar a Kara como una joven traumatizada por el pasado que aún dista de haber abrazado su auténtico heroísmo. 

Esta construcción fluye en torno a Krypto, a la relación con Ruthye y a varios flashbacks del pasado de Kara que hunden el ritmo y nunca logran ser lo bastante emotivos como para que compense. O como para que la protagonista pueda importarnos, más allá de la entusiasta interpretación de Alcock —la protagonista de La casa del dragón es la única que parece pasárselo genuinamente bien por aquí— o de ese vínculo con Krypto que solo conmueve por automatismo. Así que, en resumen, no es tanto que Supergirl sea una mala película —está a bastante distancia de la mayoría de los engendros de la anterior continuidad de DC—, como que simplemente es insulsa. Se queda a medias en todo, carece de aplomo para revalidar el impacto del Superman del año pasado.

Y el motivo de esto es más sencillo que todo el despiece que podamos hacer de la película, con el que intentemos racionalizar por qué Supergirl está tan cerca de funcionar, y por qué casi nunca lo hace. Basta, para ello, con acudir a las virtudes del Superman de Gunn. Aquel Superman estaba mejor escrito y mejor armado, sí, pero sobre todo estaba concienciado plenamente con un único y trascendental propósito: cada uno de sus elementos estaba dispuesto de forma que reivindicara su derecho a existir, su rechazo a la fatiga superheroica a la vez que una sutil comprensión de por qué esta había podido tomar cuerpo. El Superman de Gunn se preocupaba de los superhéroes a nivel simbólico, queriendo legitimar su existencia en una época de cansancio y creciente cinismo.

Saliera mejor o peor —salió maravillosamente, en realidad, casi como para oficiar de perfecto panegírico para el género—, hablábamos de un planteamiento creativo de primera categoría. De una razón de ser volcada en justificar la propia razón de ser. Algo de lo que carece Supergirl. No es más que otra película de superhéroes, impulsada por la inercia de siempre, contentándose con ser solvente y no molestar a nadie. Igual algo así podía haber sido suficiente hace diez años, pero ya no. Si llegado 2026 Hollywood sigue empeñado en hacer cine de superhéroes, lo mínimo que hay que exigirle es que nos dé alicientes para seguir mirando. No parece por lo demás que, en la vecina Marvel, las inminentes Spider-Man: Brand New Day y Vengadores: Doomsday vayan a ofrecerlos. Así que aquí estamos, una vez más, impacientes por que la burbuja explote del todo. 

La Consejería de Educación estrenará el próximo curso 2026-2027 un ciclo formativo de grado superior de Artes Plásticas y Diseño de Cómic, que se impartirá en la Escuela de Arte de Oviedo/Uviéu.

Asturias se convertirá así en la primera comunidad del noroeste del país en ofertar esta nueva titulación de técnico superior en un centro público.

El ciclo tendrá 2.000 horas

Este ciclo pertenece a la familia profesional de Comunicación Gráfica y Audiovisual, tendrá una duración de 2.000 horas y constará de 21 módulos.

El primer curso comparte programación con el ciclo de grado superior de Artes Plásticas y Diseño de Ilustración, que ya se estudia en este centro y que cuenta con gran aceptación.

Prueba de acceso

La nueva formación comenzará en septiembre con el curso 1º y una oferta de quince plazas. Con carácter general, las personas aspirantes deberán poseer el título de Bachillerato o equivalente, además de realizar una prueba específica de acceso.

Sin embargo, quedarán exentos de esa prueba preliminar los titulados en Bachillerato en la modalidad de Artísticas. También pueden acceder de forma directa los técnicos (superiores) de Artes Plásticas y Diseño y los titulados en enseñanzas artísticas superiores o enseñanzas universitarias en las siguientes disciplinas: Artes Plásticas, Diseño, Conservación y Restauración de Bienes Culturales, Bellas Artes, Arquitectura e Ingeniería Técnica en Diseño Industrial.

También existe una vía de acceso directo al nuevo grado para aquellos titulados en Bachillerato o equivalente que acrediten una experiencia laboral de, al menos, un año relacionada con las competencias profesionales objeto de este ciclo.

Un sector al alza

La industria del cómic y la novela gráfica es un sector en permanente crecimiento, por lo que esta nueva oferta educativa proporcionará diversas oportunidades profesionales, además de contribuir al enriquecimiento del tejido cultural de la comunidad.

Asturias atesora una larga tradición en esta expresión artística, que se remonta a principio de los años setenta con el Salón del Cómic del Principado y la creación de la revista El Wendigo, y que prosigue en la actualidad con eventos culturales monográficos o multidisciplinares que se celebran en Avilés, Oviedo/Uviéu y Gijón/Xixón. Además, varios historietistas asturianos –algunos de ellos, exalumnos de la Escuela de Arte– gozan en la actualidad de un reconocimiento internacional.

Cómics y viñetas en el CODEPA

Por otro lado, el Colegio Oficial de Enfermería del Principado de Asturias (CODEPA) ha presentado su segunda propuesta cultural tras la apertura de su espacio expositivo. En esta ocasión, la sede de Oviedo/Uviéu acoge desde ayer la muestra 'Coronavirus, crónica de un sanitario en pandemia'.

Se trata de una colección de cómics y viñetas creados por Félix González, enfermero de profesión y reconocido en redes sociales como 'El Whoper'.

A través de un trazo directo e irónico, González traslada al papel la cotidianidad de la labor enfermera mediante el lenguaje del cómic.

El autor, que compagina su faceta asistencial con su vocación artística, busca “mirar la vida con sentido del humor” y retratar situaciones reales del entorno sanitario.

Visibilizar la realidad de la Enfermería

Con esta exposición, el CODEPA refuerza su apuesta por visibilizar la realidad de la profesión desde una perspectiva creativa, dando continuidad al ciclo cultural iniciado recientemente en sus instalaciones.

La muestra puede contemplarse en la sede del CODEPA, en la calle Juan Antonio Álvarez Rabanal, 7, Bajo, en Oviedo/Uviéu.

El distrito de Gràcia, en la ciudad de Barcelona, ha decidido rendir un homenaje histórico al legado cultural de uno de sus hijos más ilustres mediante la aprobación de un nuevo espacio público. ‘Bautizado’ como plaza del Capitán Trueno, se trata de un espacio situado frente al casal de Can Carol, en el corazón del barrio de Vallcarca. Esta iniciativa busca reconocer a una de las figuras más influyentes del cómic español y a su creador, el guionista barcelonés Víctor Mora Pujadas. El personaje, que marcó a múltiples generaciones durante la posguerra, tendrá finalmente un rincón físico en la ciudad que lo vio nacer. 

El acuerdo municipal destaca que la obra no solo fue un éxito comercial sin precedentes, sino también un vehículo de valores fundamentales. En plena dictadura, Trueno representó un soplo de libertad y dignidad humana que trascendió el formato del tebeo. Ahora, el nombre del caballero andante medieval quedará grabado en el nomenclátor de Barcelona para siempre. La elección del barrio de Vallcarca para este reconocimiento no es fruto del azar, sino que responde a un vínculo histórico profundo con la industria editorial. Muy cerca de la nueva plaza se encontraba la antigua sede de la mítica Editorial Bruguera, el motor que impulsó el tebeo en España. El edificio que hoy alberga el Centro Cívico El Coll-La Bruguera fue durante décadas el lugar donde se gestaron estas historias. Por ello, la ubicación frente a Can Carol adquiere un significado especial.

Víctor Mora, nacido en la capital catalana el 6 de junio de 1931, tuvo una infancia marcada por la turbulencia política y el drama del exilio. Tras la Guerra Civil, su familia se trasladó a Francia, donde su padre estuvo internado en campos de concentración antes de fallecer prematuramente. Estas experiencias forjaron en el joven Víctor un carácter resiliente y un compromiso inquebrantable con la justicia social y la libertad. En el país vecino tomó contacto con la literatura europea y las viñetas de “El Príncipe Valiente”, que serían una inspiración clave. Regresó a Barcelona a los once años, en 1941, tras la invasión alemana de Francia, y se vio obligado a trabajar precozmente. 

Autodidacta por necesidad, Mora devoró las obras de autores como Salgari, Verne y Scott, mientras dibujaba sus propias historietas. Su formación no se dio en las aulas, sino en las bibliotecas y en las duras calles de la Barcelona de posguerra. Este bagaje vital se convertiría más tarde en la base emocional de sus guiones más célebres y profundos. En el año 1951, con apenas veinte años, Mora ingresó en la Editorial Bruguera como redactor y traductor, demostrando pronto un talento narrativo desbordante. Aunque inicialmente intentó ser dibujante, sus jefes advirtieron que su verdadera fuerza residía en la capacidad para crear mundos y diálogos. Fue en 1956 cuando recibió el encargo de idear una serie de aventuras que pudiera competir con los éxitos editoriales de la época.

Bajo el seudónimo de Víctor Alcázar, para evitar problemas con la censura y la empresa, dio vida al “Capitán Trueno”. Para poner rostro al héroe, contó con el trazo magistral de Miguel Ambrosio Zaragoza, conocido artísticamente como Ambrós. La combinación entre el guion épico de Mora y el dibujo dinámico de Ambrós resultó ser una fórmula mágica que revolucionó el mercado. El éxito fue inmediato y masivo, logrando que el primer cuaderno de la serie se convirtiera en un hito histórico. La oficina de Bruguera en Barcelona se convirtió en el epicentro de un fenómeno que nadie pudo prever.

El “Capitán Trueno” no era un caballero medieval convencional, sino un héroe con un código moral universal que luchaba contra todo tipo de tiranía. Acompañado por sus inseparables amigos, el gigante Goliath y el joven Crispín, recorría el mundo liberando a los pueblos oprimidos por déspotas locales. Mora utilizó sus guiones para introducir astutamente valores de solidaridad y democracia en un contexto nacional marcado por la estricta censura franquista. Las historias del capitán vendían semanalmente la asombrosa cifra de 350.000 ejemplares, un récord absoluto que reflejaba la sed de aventuras del público. Los censores, a menudo incapaces de ver más allá de la superficie, permitieron que Trueno burlara barreras ideológicas significativas. 

Uno de los aspectos más revolucionarios de la obra de Mora fue el tratamiento de los personajes secundarios y la figura femenina. La reina Sigrid de Thule era una mujer fuerte, independiente y compañera de armas. Su relación con el Capitán Trueno rompía los moldes de la época, aunque la censura impedía que se mostraran afectos físicos explícitos. Sigrid gobernaba su propio reino con sabiduría y empuñaba la espada cuando era necesario, siendo un referente de empoderamiento femenino precoz. Por otro lado, la amistad entre Trueno, Goliath y Crispín mostraba un vínculo de lealtad inquebrantable que cautivó a los lectores. Goliath, con su parche en el ojo y su gran corazón, aportaba la fuerza bruta, mientras que Crispín representaba la juventud.

Militancia política

La vida de Víctor Mora estuvo intrínsecamente ligada a su militancia política en el Partit Socialista Unificat de Catalunya, el PSUC. En 1957, mientras el “Capitán Trueno” triunfaba en los quioscos, su creador fue encarcelado en la prisión Modelo por sus ideales libertarios. Fue detenido por la Brigada Político-Social junto a su inseparable esposa, la también escritora y guionista Armonía Rodríguez. Tras ser liberado, el acoso policial lo empujó a un segundo exilio en Francia, donde residió entre los años 1963 y 1968. Desde París, continuó enviando guiones a Bruguera y comenzó a colaborar con las publicaciones más prestigiosas del cómic franco-belga. Trabajó para revistas icónicas como Pilote, donde fue acogido por René Goscinny, el célebre creador de Astérix el Galo. 

Tras décadas de éxito y numerosos reconocimientos internacionales, como la Creu de Sant Jordi o la Orden de las Artes de Francia, Mora falleció en 2016. El creador del “Jabato” y el “Corsario de Hierro” dejó un vacío inmenso en el mundo de las letras, pero su obra permanece viva. La futura inauguración de la plaza en Vallcarca servirá para recordar a las nuevas generaciones que el cómic puede ser una forma de arte elevada. Tributo final a un barcelonés que, desde su estudio, imaginó un mundo mejor para todos sus lectores.

El castillo de Cheverny es toda una joya arquitectónica del majestuoso valle del Loira, de una belleza que cautiva a miles de visitantes cada año por su elegancia clásica. Esta edificación no solo destaca por su belleza, sino por ser la cuna física de una de las residencias más famosas de la literatura ilustrada: el castillo de Moulinsart. Fue aquí donde el dibujante belga Hergé encontró la inspiración necesaria para situar las aventuras del intrépido reportero Tintín y su inseparable compañero, el capitán Haddock. La relación entre la realidad y la ficción ha convertido a este recinto en un lugar de peregrinación de Francia para los amantes del noveno arte. Al contemplar su fachada principal, el visitante se siente transportado inmediatamente a las páginas de los cómics más emblemáticos del siglo pasado.

El proceso creativo de Hergé para dar vida a Moulinsart consistió en un ingenioso juego de simplificación arquitectónica basado en un folleto turístico de la época que llegó a sus manos. El artista decidió utilizar la sección central de Cheverny, eliminando los dos pabellones laterales para otorgarle al edificio ficticio una apariencia ligeramente más modesta y funcional para sus historias. Esta transformación permitió que el hogar del capitán Haddock mantuviera la simetría y el rigor clásico que caracteriza a la técnica de línea clara del dibujante. En los archivos personales del autor se conserva aún ese boceto a lápiz que muestra a los protagonistas caminando hacia la entrada del majestuoso edificio. 

Una de las características más singulares de Cheverny es que ha pertenecido a la misma estirpe, la familia Hurault, durante más de seis siglos de historia ininterrumpida. A diferencia de otros castillos de la región que cambiaron frecuentemente de manos tras la Revolución Francesa, este ha mantenido su linaje hasta los actuales marqueses de Vibraye. Los propietarios residen todavía en el ala derecha de la construcción, precisamente en la zona que Hergé decidió omitir en sus dibujos para crear su versión literaria. Esta presencia humana constante ha permitido que el castillo conserve un estado de mantenimiento excepcional y una atmósfera de hogar vivido que pocos monumentos pueden igualar. 

Arquitectónicamente, el edificio es un prodigio del estilo clásico francés del siglo XVII que se ha mantenido prácticamente idéntico desde su construcción original por Jacques Bougier. Se distingue de otros castillos del Loira por su homogeneidad técnica, al estar construido totalmente con piedra de Bourré, una toba calcárea que se blanquea con el tiempo. El diseño precursor del estilo Luis XIV evita las mezclas de épocas, ofreciendo una simetría perfecta y una decoración de fachadas llena de detalles como bustos antiguos en marcos elípticos. Fue el primer castillo privado en Francia que abrió sus puertas al público general en el año 1922, marcando un hito en el turismo cultural. Su conservación es tan rigurosa que permite al espectador moderno observar la misma silueta que admiraron los contemporáneos del Rey Sol.

Para los entusiastas de las viñetas, la finca alberga la exposición permanente titulada “Los secretos de Moulinsart”, una experiencia interactiva que ocupa unos 700 metros cuadrados. Realizada en estrecha colaboración con la Fundación Hergé, esta muestra permite a los visitantes sumergirse físicamente en los escenarios más icónicos de las aventuras del joven periodista belga. Es posible recorrer reconstrucciones a tamaño real del laboratorio del profesor Tornasol, los sótanos donde Tintín fue encerrado y la famosa cripta que ocultaba el tesoro de Rackham el Rojo. Los efectos de luz y sonido, junto con objetos emblemáticos como el submarino con forma de tiburón, logran una inmersión total en el universo creativo del autor. 

El interior de Cheverny deslumbra por su riqueza decorativa y la opulencia de sus estancias, que superan en lujo a las descritas en las páginas de los cómics. Destacan piezas como los 34 paneles de madera que ilustran las andanzas de Don Quijote en el comedor principal, obra del artista Jean Monier. La habitación del rey, preparada específicamente para las visitas de Enrique IV, muestra un techo artesonado y tapices franceses de un valor artístico incalculable. Otras salas, como la biblioteca con sus miles de volúmenes o la sala de armas con su colección de armaduras, ofrecen una visión detallada de la vida cortesana. 

Más de 100 hectáreas de jardines

Rodeando la estructura principal se extienden más de cien hectáreas de jardines temáticos y parques que invitan a largos paseos bajo la sombra de cedros centenarios. Entre las zonas verdes destaca el laberinto, una atracción que desafía la orientación de los visitantes entre altos setos, y el jardín de tulipanes que florece con miles de ejemplares. El parque de estilo inglés alberga especies arbóreas de gran porte, como secuoyas y tilos plantados a mediados del siglo XIX por los antepasados de los dueños actuales. También es posible explorar la finca mediante paseos en barcos y coches eléctricos que recorren los canales y bosques cercanos con un enfoque respetuoso con el medio ambiente. 

La tradición se mantiene viva en Cheverny a través de su famosa jauría de cien perros de caza tricolores, cuyos ancestros han formado parte de la finca desde mediados del siglo XIX. Los visitantes pueden observar la alimentación diaria de estos animales en las perreras, un evento que subraya el vínculo histórico de la nobleza local con la práctica de la montería. Además de su legado cinegético, la finca cuenta con su propio viñedo y una reconocida casa de vinos donde se puede degustar la producción vinícola de la zona. Esta mezcla de historia familiar, pasión por el cómic, arte clásico y respeto por las tradiciones campestres define la identidad única de Cheverny, un monumento del pasado y un espacio vibrante que sigue escribiendo su historia día tras día.

La editorial Astiberri ha sido galardonada con el Premio Nacional a la Mejor Labor Editorial Cultural 2026. El jurado le ha otorgado este reconocimiento por “su inestimable contribución al elevar el cómic a la categoría de alta literatura y por la enorme ambición artística de un catálogo que testimonia su espíritu exigente”. Lo ha hecho, además, en un momento en el que la editorial está celebrando sus 25 años en el sector.

El jurado también ha señalado que Astiberri “ha construido su prestigio apostando por formatos cuidados y obras con un marcado sello de autor”. “Sus publicaciones abordan temas complejos como la memoria histórica, el periodismo de guerra, la biografía y la crítica social. El buen hacer editorial ha consolidado las carreras de figuras nacionales fundamentales con la publicación de obras que se han convertido en emblemáticas y, a la vez, ha tendido puentes culturales con la traducción de creadores internacionales relevantes”, ha agregado.

Asimismo, el jurado ha expresado que “con un cuarto de siglo de historia y mil títulos vivos, su gestión sólida y coherente sigue atrayendo a nuevos públicos gracias a la variedad y a la belleza técnica y la estética de sus libros”. Este premio, dotado con 30.000 euros, tiene por objeto distinguir el conjunto de la labor editorial de una persona física o jurídica que haya destacado por su aportación sobresaliente e innovadora a la vida cultural española.

Astiberri Ediciones ha editado obras de autores como Edmond Baudoin, Lea Mazé, Jason Lutes, Eleanor Davis, Jeff Smith, Frederik Peeters, Josephine Mark, Craig Thompson, Alberto Breccia, Jason, Baru, Shigeru Mizuki, Guy Delisle, Jeff Lemire, Yaro Abe o François Bourgeon. Además, desarrolla una labor de promoción de autoría nacional, tanto novel como de firmas ya asentadas en el medio, con la exportación de las obras de autores como Paco Roca, Laura Pérez o Alfonso Zapico.

“Se me cruzó, sabía que era el momento y cogí carrerilla”. Es lo que hizo la multipremiada Laura Pérez cuando apareció en su cabeza la “semilla” de Nocturnos, un cómic con el que la valenciana es capaz de sumergirse en “un lugar que no nos pertenece”, la noche, y que le ha llevado hasta una nominación en los premios Eisner 2026, considerados los Óscar del cómic.

Pérez (València, 1983) se considera a sí misma autora de cómics, una “contadora de historias”, que se acabó de enamorar del mundo gráfico tras la publicación de Náufragos junto a Pablo Monforte, por la que recibió el IX Premio Fnac Salamandra Graphic. “Pensaba que el cómic no podía contar historias, pero me di cuenta de que sí, que tiene algo especial”, asegura en una entrevista con EFE.

Esta creadora atesora numerosos premios nacionales e internacionales y en 2022 tuvo un reconocimiento especial al diseñar los originales títulos animados de crédito de la serie de Disney+ Solo asesinatos en el edificio.

La noche, un lugar que no nos pertenece

Cuando pensó en hacer un libro sobre la noche, señala la ilustradora, una pregunta resonó en su cabeza: “¿Qué voy a contar yo que no se haya contado ya?”.

“A pesar de eso, creo que los libros se hacen para los vivos, quiero decir, cualquier generación posterior lo va a leer y aportas tu granito de arena”, reivindica Pérez.

Así es como se sumergió de lleno, durante dos años, en el proceso creativo de Nocturnos, un cómic con el que asomarse a los misterios del sueño y la noche, un viaje íntimo y privado que comienza cuando llega el atardecer.

“Me decidí a hacer un libro que sabía que iba a ser raro, pero a la vez quería que trajera calma, que es lo que me dice mucha gente cuando lo lee”, expresa la autora, que asegura que tuvo el valor de dejar atrás las historias cortas y efímeras a las que estaba acostumbrada -como las de su cómic Ocultos- para centrarse en un personaje principal metafórico.

Y ese es la noche, “un lugar que no nos pertenece del todo”, asegura Pérez, y que le ha servido para hablar de muchas cosas, como el paso del tiempo y el punto limítrofe entre la vida y la muerte, unos temas que se ven con otros ojos cuando llega el amanecer. 

“Hay personas que han venido a las firmas que tienen trabajos nocturnos, como médicos, guardias de seguridad o gente que trabaja en la radio… Vienen diciendo que se han sentido identificados por su trabajo y eso es superchulo, porque yo los tenía en cuenta”, explica la autora.

Experimentar en cada libro 

Aunque la noche sea la protagonista de su último trabajo, Pérez no se considera especialmente nocturna: “Por la noche soy más visual y por el día más narrativa, se me da mejor escribir. Tengo el alma repartida así; noches, imágenes y día, palabras”, confiesa.

Lo que mueve a esta autora valenciana es, sin duda, las emociones. Lo más bonito de una novela gráfica es, a su juicio, “que te vaya llevando a diferentes estados”, algo que Pérez consigue jugando con las viñetas, los personajes y la psicología del color, pero especialmente con su estilo.

A pesar de tener un estilo marcado, la ilustradora asegura que ha ido evolucionando de forma natural, siempre intentando “ser fiel” a sus dibujos. “No tengo miedo a experimentar con cada libro un poquito, para no sentirme como un robot haciéndolos siempre igual, sino que también la atmósfera del libro te va pidiendo diferentes cambios”, expresa. 

Nominada a los Eisner 

La ilustradora valenciana se encuentra entre los siete artistas españoles nominados a los Eisner, en la categoría de 'Mejor edición estadounidense de material internacional' -por su edición en Fantagraphics-, una noticia que le pilló por sorpresa, mientras firmaba en la Feria del Libro de Praga: “Este año se me olvidó por completo el tema de esos premios, a pesar de que con Ocultos y Tótem sí que lo pensé”.

Nocturnos ya había sido reconocido como uno de los mejores cómics del año por la Biblioteca Pública de Nueva York, “algo que te da una pista”, asegura Pérez, y no es la primera “alegría” que recibe la valenciana, ya que en 2025 fue galardonada con el Premio Antifaz del Salón del Cómic de Valencia y nominada a mejora obra internacional en la ComicCon de Nápoles y en los premios Cómic Barcelona. 

Unos reconocimientos que se suman a los que ya consiguió en 2020 con su cómic Ocultos, que fue galardonado con el Premio Ojo Crítico de Cómic de RNE, y en 2022, donde fue nominada a los Premios Emmy con la serie de Disney+ Solo asesinatos en el edificio.

Sin embargo, “haces los libros porque te apetece hacerlos y luego, los reconocimientos vienen o no vienen”, señala Pérez, que con estar nominada ya está “contenta” porque ella ya ha obtenido el mejor premio para una ilustradora: tener la seguridad de que ha “hecho lo correcto” con su cómic.

La iraní Marjane Satrapi (1969 - 2026), cuyo fallecimiento este jueves ha impactado con tristeza en el mundo de la cultura, ha sido una de las autoras fundamentales para entender el desarrollo del cómic adulto en el siglo XXI, caracterizado por la libertad creativa y por la globalización del fenómeno de la novela gráfica, que llegó a países sin una tradición previa en el cómic infantil y juvenil.

Influencia de innumerables autores y, sobre todo, autoras, la obra de Satrapi tiene la capacidad de alcanzar a un público transversal, que encuentra en ella una voz única, capaz de tratar con temas universales desde lo local.

'Persépolis': cómo conocimos Irán

Persépolis (2000-2003) fue la historia con la que empezó todo. Publicada originalmente en cuatro libros por la editorial L’Association en Francia (en España primero por Norma Cómics y luego por Reservoir Books), en ella Satrapi abordaba su biografía, especialmente su infancia y adolescencia en el Irán inmediatamente posterior a la revolución cultural de 1979, que acabó con el régimen del Sha y provocó el ascenso de la dictadura teocrática de los ayatolás.

Con un tono y un dibujo intencionadamente infantiles al principio, Satrapi describe el impacto de los hechos en su familia, afín al régimen del Sha y de ideología más progresista, y especialmente cómo afectó a las mujeres el nuevo régimen represivo. Con sencillez, pero también con una sensibilidad entonces infrecuente en el cómic, la autora fue capaz de llegar a un público global, con traducciones a varios idiomas. Fue clave en la incipiente novela gráfica de principios de los 2000, porque mostró una forma diferente de acercarse al cómic, más personal, sin que el virtuosismo técnico estuviera en primer plano.

Destacó por su narración en primera persona, por la sencillez del relato y, sobre todo, por el hecho de que no solo era una obra idónea para entender las últimas dos décadas de la historia de Irán, sino que también constituía una bildungsroman en la que seguíamos a Marjane Satrapi desde su niñez hasta su edad adulta, en la que se exiliaba a Francia y lograba estudiar Bellas Artes.

Pocas obras han sido más leídas por el público general, no habituado a la lectura de cómics; pero su impacto también se sintió en las siguientes generaciones de autoras, que vieron en el ejemplo de Satrapi un modelo para narrar sus propias vidas, alejado de los cánones masculinos. La fama de la obra no hizo sino multiplicarse con el estreno de su exitosa adaptación a largometraje de animación en 2007, codirigida por Vincent Paronnaud y la propia Satrapi, en su primera incursión en el cine, comienzo de su carrera como directora.

'Bordados': de qué hablan las mujeres cuando están solas

Si Persépolis es su gran éxito, Bordados (2003) es su joya oculta: un pequeño libro de una intimidad desarmante, en el que se acerca a un grupo de mujeres iraníes que aprovechan las siestas de sus maridos para hablar entre ellas con libertad, sin velos ni burkas, y narrarse a sí mismas. Satrapi demuestra su madurez como autora y muestra un espacio de libertad que desmonta estereotipos y devuelve su agencia a unas mujeres que son reprimidas en su país pero que, en el resto del mundo, veían su identidad reducida a la condición de víctimas del régimen islamista iraní.

Aquí se muestran como personas con sus propias ideas, críticas, ácidas y divertidas, que hablan sin tapujos sobre sus vidas sexuales; el título alude al truco con el que las mujeres fingen seguir siendo vírgenes cuando se casan, para no perturbar a sus maridos. Se apoyan entre sí, y comparten el conocimiento y la sabiduría de diferentes generaciones, en un ejemplo de sororidad en un entorno abiertamente hostil. Si bien Satrapi no la consideró una obra explícitamente feminista, en las vidas de estas mujeres, en sus relatos de amores, infidelidades y desengaños, hay una evidente reivindicación de sus derechos y su libertad.

'Pollo con ciruelas': la familia en tiempos del sah

Pollo con ciruelas (2004) es otra obra breve, de nuevo de no ficción —aunque con ciertas dosis de imaginación— inspirada en historias de su familia. Narra la historia de Nasser Ali, un músico que, en los años 50, durante el régimen del sah, pierde el deseo de vivir cuando su mujer le rompe su preciado tar, el instrumento tradicional del que es un virtuoso. Cada capítulo corresponde a uno de los últimos ocho días de vida de Nasser Ali, y exploran no solo sus sentimientos y su decisión final, sino también la historia previa y posterior de la familia.

Con un dibujo que, por momentos, parece inspirado en los grabados xilográficos, Satrapi se consagra como una narradora pulcra, con un cierto componente oral, para dotar de nuevos significados a sus historias. En 2011, el cómic fue adaptado al cine, en este caso en imagen real, con dirección de Satrapi y Paronnaud.

'El suspiro': la retirada con un cuento infantil

Tras la publicación de su tercera obra, Marjane Satrapi se alejó del cómic, para centrarse en su carrera como directora de cine, con The Gang of the Jotas (2012), Las voces (2014), protagonizada por Ryan Reynolds, Madame Curie (2020), una biografía de la física y química polaca y Paradis Paris (2024) con Monica Bellucci.

Como si sintiera que ya no tenía nada más que aportar en el medio en el que inició su actividad artística, se mantuvo al margen del cómic, a pesar de que, en 2011, publicó El suspiro, un cuento infantil ilustrado. Es una historia con forma de fábula sobre la hija de un comerciante que se enamora, demasiado, de un príncipe.

'Mujer, vida, libertad': una obra colectiva de reportajes

Fue la situación en Irán y las revueltas protagonizadas por las mujeres, con la acción simbólica de quitarse sus velos en público y enfrentar a los integristas religiosos, lo que hizo que Satrapi volviera al cómic una última vez, como coautora y coordinadora del volumen colectivo Mujer, vida, libertad (2023). Motivada por el asesinato de Masha Amini a manos de la policía de la moral, la obra presenta un conjunto de reportajes de no ficción, que toma por título un lema político kurdo y visibiliza diversas historias protagonizadas por mujeres disidentes, pero también por los hombres que las apoyan y combaten igualmente el régimen. El libro ofrece algunos textos de periodistas y expertos en la materia, e incluye colaboraciones de autores y autoras de cómic como Joann Sfar, Lewis Trondheim, Coco o Paco Roca, entre otros.

Breve, pero de gran relevancia, la obra historietística de Marjane Satrapi constituye uno de los hitos del cómic contemporáneo. Pocas autoras han resultado más decisivas en la transformación del medio y la expansión de la autobiografía y la memoria como temáticas universales. Su huella directa resulta evidente en decenas de títulos que tomaron el dibujo sencillo como lenguaje idóneo para contar la infancia, pero, indirectamente, está presente en cualquier novela gráfica que afronte el medio como un vehículo de expresión personal, política y colectiva.

La artista franco-iraní Marjane Satrapi, mundialmente famosa por su obra Persépolis, ha muerto a los 56 años, según confirmaron este jueves fuentes cercanas a la agencia AFP. De acuerdo con un comunicado de su entorno, Satrapi ha fallecido “de tristeza” un año después de la muerte de su esposo y compañero de vida, Mattias Ripa. En sus últimos meses, el Instagram de la dibujante y cineasta se convirtió en el reflejo de su luto con el mensaje recurrente: “Porque he perdido al amor de mi vida”.

Galardonada con el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades en 2024, nació en 1969 en Rasht (Irán), en el seno de una familia acomodada y de ideología progresista. El complejo contexto político que se dio en su país en los años posteriores a la revolución de 1980, motivó que fuera enviada a Viena para que continuara sus estudios de secundaria en el Liceo Francés de la capital austríaca. Una vez volvió a Irán, se matriculó en Bellas Artes en la Universidad de Teherán, donde obtuvo el máster en Comunicación Audiovisual.

En 1994 se trasladó a Francia, donde vivía desde entonces. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Estrasburgo y después se mudó a París. En 1997 inició su carrera como ilustradora de libros de cuentos para niños como Adjar y Los monstruos tienen miedo de la luna.

La artista se introdujo en el mundo del cómic de la mano del dibujante y guionista David B, que fue quien le sugirió narrar en este formato los recuerdos de su infancia y adolescencia en Teherán. El resultado fue Persépolis, la novela gráfica ilustrada en blanco y negro en la que Satrapi logró que se hablara de la Revolución iraní como nadie antes lo había hecho: en primera persona y de manera divulgativa, no como un conflicto alejado y ajeno al mundo.

Publicada en cuatro tomos, Persépolis alcanzó gran éxito de crítica y público. La propia dibujante se encargó de llevarla a la gran pantalla junto a Vincet Paronnaud en 2007. El largometraje de animación fue galardonado con el Premio del Jurado del Festival de Cannes, dos premios César y fue nominada al Oscar a Mejor película de animación. Su gran repercusión le impulsó a seguir transitando y combinando ambas vías: historieta y cine.

En 2003 publicó el cómic Bordados, en el que presentó una serie de reflexiones sobre las mujeres iraníes; y en 2006 Pollo con ciruelas, con el que obtuvo el reconocimiento a Mejor álbum en el Festival del Cómic de Angulema 2005. Ambientada en su Irán natal en 1928, narraba la historia de Nasser Alí, un músico que perdía las ganas de vivir después de que su mujer le rompiera su tar, el instrumento que le había acompañado hasta entonces.

Entre el cine y el cómic

Satrapi volvió a adaptar al cine su obra junto a Vincent Paronnaud, y posteriormente ha estrenado otras tres películas. En la comedia La bande des Jotas (2013) mostró una versión absurda de la habituales confusiones de maletas que se dan en los aeropuertos a través de Nils y Didier, dos jóvenes que viajaban al sur de España para participar en un campeonato de bádminton.

En Las voces (2014) mezcló humor y comedia con un reparto liderado por Ryan Reynolds, Gemmar Arterton y Anna Kendrick. El filme a Jerry, hombre que sufre con esquizofrenia y trabaja de mantener en secreto sus alucinaciones.

En Radioactive (2020), narró la vida de la química Marie Curie y su pareja, Pierre Curie, quienes desarrollaron la teoría de la radiactividad y descubrieron tanto el radio como el polonio. El largometraje, liderado por Rosamund Pike, estaba basado en la novela homónima de Lauren Redniss. “Fue una mujer que no buscaba gustar ni ser querida, y de ese modo es más fácil quererla”, describió Satrapi a Marie Curie en durante la promoción del filme. Su última película fue la comedia dramática Paradis Paris (2024), protagonizada por Monica Bellucci y Ben Aldridge.

Mujer, Vida, Libertad (2023) fue el último proyecto gráfico de la artista. Un volumen colectivo de no ficción en el que participaron el politólogo iraní Farid Vahid, el historiador también iraní Abbas Milani, el reportero francés Jean-Pierre Perrin y un grupo de diecisiete autores de cómic (entre ellos los españoles Patricia Bolaños y Paco Roca). El libro ilustra las revueltas producidas en irán a partir del asesinato de Mahsa Amini en 2022, a manos de la llamada 'policía de la moral'. En él se denuncia la represión y falta de derechos humanos que, según Satrapi, sufre la sociedad iraní, muy en especial las mujeres, por culpa del régimen.

Otra de las disciplinas en las que Satrapi destacó fue la pintura, con relevantes exposiciones en galerías parisinas como la Jérôme de Noirmont. Comandante de la Orden de la Artes y las Letras de Francia, la artista fue doctora honoris causa por las universidades belgas UC Louvain y KU Leuven. En 2024 fue elegida miembro de la Academia de las Bellas Artes de Francia.

La última edición del Cómic Barcelona ha quedado grabada en los anales de la historia cultural española gracias a un hito sin precedentes en sus galardones. En este 2026, el certamen barcelonés, que recibió a unos 92.000 visitantes, se convirtió en el escenario de un cambio de paradigma largamente esperado por el sector. Teresa Valero, nacida en Madrid en 1969, ha sido la protagonista absoluta al alzarse con el premio a la mejor obra de autoría española. Este reconocimiento no solo premia su talento individual, sino que rompe un techo de cristal que se mantenía firme desde la creación del premio en 1988. La victoria de la autora madrileña simboliza el “momento dulce” que atraviesa actualmente el cómic firmado por mujeres en nuestro país. 

El galardón obtenido en Barcelona por Valero por su obra titulada ‘Contrapaso: Mayores, con reparos’, publicada por Norma Editorial, marca un punto de inflexión estratégico. Es la primera vez en casi cuatro décadas de historia del salón que una mujer recibe esta distinción máxima a nivel nacional. Este hecho inédito pone de relieve una anomalía histórica que la propia autora no dudó en señalar durante la ceremonia de entrega. Según Valero, es increíble que haya tenido que pasar tanto tiempo para que una creadora logre conquistar este prestigioso espacio. La categoría de este año destacó especialmente por contar, por primera vez, con cinco mujeres nominadas para el gran título. Este dato refleja una realidad innegable: la presencia femenina ha ganado una visibilidad y un peso específico arrolladores en la industria. 

La obra premiada, el segundo volumen de una trilogía, transporta al lector al Madrid gris y convulso del año 1956. A través de un monumental fresco ‘noir’, Teresa Valero explora las profundidades de la posguerra franquista con una maestría narrativa excepcional. La trama se desencadena con la misteriosa muerte de un censor eclesiástico en el interior de una sala de cine. Este suceso sirve de catalizador para destapar una red de corrupción y secretos que implican a las más altas esferas del régimen. La autora utiliza el género policial para realizar una disección quirúrgica de una sociedad oprimida por la dictadura y sus estrictos códigos.

En sus páginas se combina la intriga clásica con una potente carga de crítica social y una mirada muy humana. El nivel de detalle en la ambientación logra que el Madrid de la época cobre una vida inquietante y real. Valero demuestra ser una cronista visual impecable capaz de capturar la esencia de una España sumida en el silencio. Uno de los pilares que sustenta la calidad de ‘Contrapaso’ es su rigurosa documentación histórica, basada frecuentemente en hechos reales. Valero no teme abordar temas espinosos como el enriquecimiento de la hermana de Franco mediante la especulación inmobiliaria. El cómic refleja con dureza el contraste entre la miseria y el hambre de la mayoría y la opulencia de la oligarquía. 

También se exploran realidades silenciadas de la época, como la persecución sistemática al pueblo gitano y a los homosexuales. La censura, los abusos de poder de la Iglesia y el papel del periodismo son ejes centrales del relato gráfico. La autora ha logrado reconstruir una memoria histórica necesaria a través de una narrativa que resulta tan didáctica como adictiva. Cada viñeta es el resultado de un exhaustivo trabajo de investigación que dota a la obra de una solidez académica. Es un testimonio gráfico que utiliza la ficción para desvelar verdades que permanecieron ocultas durante décadas de represión.

La trayectoria profesional de Teresa Valero antes de este éxito histórico es vasta y comenzó vinculada al mundo de la animación. Debutó realizando labores de preproducción en estudios como Lápiz Azul para series icónicas como Tintín o La Pantera Rosa. En 1996, cofundó el estudio Tridente Animación, donde trabajó en largometrajes destacados como Astérix y los Vikingos. Su salto definitivo al mundo del cómic se produjo inicialmente como guionista de series como Sorcelleries y Curiosity Shop. No fue hasta 2021 cuando publicó su primer trabajo largo como autora completa, encargándose tanto del guion como del arte. Aquella primera entrega, ‘Contrapaso: Los hijos de los otros’, ya cosechó premios importantes y el aplauso de la crítica. 

Además de su labor creativa, Valero comparte su conocimiento impartiendo clases de storyboard en universidades de Madrid. Su formación técnica en animación se traduce en una narrativa visual dinámica que dota de gran ritmo a sus páginas. El eje de la narrativa de ‘Contrapaso’ reside en su trío de personajes protagonistas, cuyas dinámicas son el motor de la historia. Nos encontramos con dos periodistas de sucesos: un veterano falangista desencantado y un joven compañero con ideales distintos. A ellos se une una joven ilustradora que representa la rebelión frente a los roles femeninos impuestos por la dictadura. Juntos forman un equipo que, a pesar de sus diferencias políticas, colabora para investigar a un asesino en serie. 

Una edición muy femenina

Dicha investigación sirve para mostrar las diferentes caras de una España dividida y herida por la guerra y el miedo. Los personajes están dotados de un gran carisma y una profundidad psicológica que permite al lector empatizar con ellos. Valero está trabajando actualmente en el cierre de esta saga, que promete una conclusión a la altura del éxito obtenido. La mezcla de géneros permite que la denuncia social conviva perfectamente con el entretenimiento del mejor suspense criminal.

El éxito de Valero en Barcelona no es un hecho aislado, sino que se enmarca en una edición marcadamente femenina. Otros premios importantes fueron recogidos por autoras como Natalia Velarde, premio revelación, y la belga Alix Garin. La obra de Valero queda así consagrada como una de las piezas fundamentales de la historieta contemporánea en lengua española. Con su talento como guionista e ilustradora, la madrileña ha abierto una puerta muy importante. El futuro del cómic español es, gracias a trabajos como el suyo, más diverso, valiente y comprometido con la memoria. 

Las misiones absurdas, los disfraces imposibles y los inventos que salían mal acabaron formando parte de la infancia de millones de personas en España. Mortadelo y Filemón nacieron como dos agentes secretos de la T.I.A., una parodia disparatada de los servicios de espionaje clásicos. Francisco Ibáñez creó a ambos personajes a finales de los años 50 y los convirtió en una de las parejas más conocidas del tebeo español.

Mortadelo se dedicaba sobre todo a disfrazarse de cualquier cosa para infiltrarse o escapar de los problemas, mientras Filemón intentaba dirigir las misiones con bastante menos éxito del deseado. Los dos trabajaban para una organización llena de inventos defectuosos, órdenes disparatadas y operaciones que casi siempre terminaban en desastre.

Aun así, aquellas historietas acabaron entrando en colegios, quioscos y casas durante décadas, hasta convertirse en una de las obras más reconocibles del humor español.

El Ministerio aprobó monedas para homenajear a Ibáñez

El Ministerio de Economía, Comercio y Empresa aprobó una colección de monedas para celebrar el 90 aniversario del nacimiento de Francisco Ibáñez, fallecido en 2023, según figura en el Boletín Oficial del Estado. La emisión llegará durante el segundo cuatrimestre de 2026 y estará dedicada a algunos de los personajes más conocidos del dibujante barcelonés.

Las piezas no nacen para el uso habitual en tiendas o cafeterías, aunque tendrán curso legal dentro de España. La intención pasa por lanzar una serie destinada al coleccionismo y recordar la importancia cultural que alcanzaron aquellas historietas.

Rompetechos y Sacarino acompañaron durante años a varias generaciones

Los personajes de Ibáñez acompañaron a varias generaciones con un tipo de humor muy reconocible. Las historias de la T.I.A. ridiculizaban la burocracia, las chapuzas administrativas y muchos comportamientos cotidianos del país mediante golpes, persecuciones y situaciones ridículas. Rompetechos aparecía perdido en cualquier lugar por sus problemas de vista. Pepe Gotera y Otilio destrozaban cada obra que intentaban arreglar. Mientras que el Botones Sacarino convertía cualquier tarea sencilla en un caos. Aquellas viñetas terminaron formando parte de una rutina semanal para muchos lectores, algo que explica la enorme popularidad que todavía mantienen décadas después de su aparición.

Nueve ejemplares recordarán a figuras de la Escuela Bruguera

La colección reunirá nueve monedas distintas y cada una estará dedicada a una figura del universo de Ibáñez y de la Escuela Bruguera. Además de Mortadelo y Filemón, aparecerán el Profesor Bacterio, Ofelia, el Superintendente Vicente, Rompetechos, Pepe Gotera, Otilio y el Botones Sacarino.

Una de las caras mostrará un autorretrato del historietista junto a su firma y el nombre de España. La otra enseñará a los personajes a todo color sobre un diseño inspirado en las viñetas clásicas del cómic español. El homenaje busca recordar tanto la carrera de Ibáñez como el lugar que ocuparon sus personajes dentro de la cultura popular.

El detalle que más comentarios ha generado es el valor facial de cada pieza, fijado en 1,5 euros. Aun así, esas monedas no se venderán por esa cantidad. Cada unidad costará 23,97 euros y tendrá una tirada máxima de 10.000 ejemplares. Las monedas estarán fabricadas en cobre recubierto de plata de 999 milésimas, pesarán 25,8 gramos y medirán casi 39 milímetros de diámetro.

Las reservas podrán hacerse por internet y en Madrid

La Fábrica Nacional de Moneda y Timbre habilitará tres vías de compra cuando anuncie la fecha definitiva de salida al mercado. Las reservas podrán hacerse por internet mediante la web oficial de la FNMT, en la tienda física situada en la calle Jorge Juan de Madrid y también mediante establecimientos especializados en numismática.

La colección completa también podrá adquirirse en un estuche especial pensado para los aficionados que quieran conservar las nueve piezas juntas. Aunque los comercios no estarán obligados a aceptarlas como forma de pago, el hecho de que tengan curso legal permitirá utilizarlas en España.

El precedente de 2021 ayuda a entender el interés que ya existe alrededor de esta nueva tanda. Aquel año salió otra colección dedicada al 85 aniversario del nacimiento de Francisco Ibáñez y muchas unidades desaparecieron rápidamente de las tiendas. Las piezas se vendieron entonces por cantidades situadas entre 12 y 15 euros, pero varias terminaron después en plataformas de reventa por cifras situadas entre 20 y 45 euros. Los especialistas en numismática suelen señalar que las monedas relacionadas con personajes muy conocidos despiertan bastante interés entre coleccionistas.

Rajoy, Juan Carlos I, Ayuso, Abascal, Cifuentes, Aznar, Casado, pero también Errejón, Ábalos, Pablo Iglesias y Carmen Calvo, hasta el Gobierno de España, Podemos y el periódico La Razón. Aquí no se libra nadie. Por los pinceles de Pedro Vera, dibujante de la sección “El gilipollas de la Semana” en la revista El Jueves, ha pasado lo más granado de la actualidad patria. Exacerbar los rasgos físicos del personaje es parte esencial de sus caricaturas, en las que el rostro se torna lienzo para dejar brotar un arte en ocasiones “lesivo”, según lo denomina el autor. Ahora, el retratista publica el primer tomo, dedicado a la política española, de la serie Titanes del bochorno (Astiberri, 2026), con la idea de continuar esta saga por la que también desfilarán deportistas, personajes internacionales y celebrities.

Vera, creador de los célebres personajes Ortega y Pacheco, admite que nunca pensó que pudiera armar un compendio con las cientos de obras que todas las semanas envía a la mítica revista satírica. “Fue durante un curso de verano en una universidad que uno de los asistentes me dijo que él las guardaba. Yo me imaginaba las caricaturas como si fueran cromos”, reconoce. Sin embargo, la elección que ha procurado en esta edición deja una completa recopilación de los hechos más bizarros de los últimos años en la política española.

Albert Rivera aparece hasta en cuatro ocasiones, otras tantas lo hace Abascal, al igual que Ayuso. Como todas las demás deshonrosas apariciones, sus caretos suceden a la oración latina “stulticia pejor scelere est”, que se podría traducir como “la estupidez es peor que el crimen”. En el caso de la presidenta regional, Vera precisa que es una mujer en la que “se ve claramente la caricatura, con esos ojos tan grandes, poseídos”. Asimismo, apunta que no es difícil elegir al gilipollas de la semana. “Por suerte o por desgracia, hay mucho candidato”, apuntilla. Su método de trabajo se basa en recibir desde El Jueves el nombre del personaje al que se le rendirá este particular homenaje, acompañado de algunos recortes de prensa que recogen los méritos que le han granjeado hacerse con el título. Una vez leídos, el dibujante compone la página.

Lo principal es la caricatura, magnificar aquellas características del rostro de la persona en cuestión. En ocasiones, también añade algo de significado al cuerpo. Así, tenemos a Rocío Monasterio vestida de jineta, a Ignacio González con el pijama de rayas blancas y negras de preso, a Arcadi Espada con el cuerpo de un mono tocando platillos, a Iglesias con una camiseta con la cara de Garibaldi y a Ábalos en bañador y chanclas. En ocasiones, el dibujo sale fácil al ver los rasgos más llamativos del personaje. Aquí entra en juego algo más inmaterial, difícil de explicar, incluso. “Es una forma de observar, soy capaz de saber qué es lo que más resalta. Por ejemplo, si veo que alguien tiene los ojos algo separados, mi mente lo exagera lo máximo posible”, describe el también ilustrador de Francofacts (Pasado & Presente, 2025).

Pablo Casado ha sido uno de los políticos que aparecen en este volumen que más trabajo han dado a Vera. “Me tiré todo un fin de semana para poder dar con su caricatura. A priori, se ve claro. Esos rasgos faciales, con los ojos hundidos en la frente, la cabeza cuadrada, pero me costó. Ahora ya me sale solo cada vez que lo dibujo”, expresa el retratista. Otra dificultad añadida es la “belleza objetiva”, tal y como la denomina, de ciertos personajes a caricaturizar. Le ocurrió con Pedro Sánchez, Begoña Villacís e Inés Arrimadas. “Son buenas caricaturas, pero no tan lesivas como las otras, porque son personas demasiado bellas”, sostiene.

Más allá de la técnica y la dificultad que encuentra en cada uno de los personajes que se ganan el título de “gilipollas de la semana”, Vera guarda especial cariño a Zebenzuí González, concejal tinerfeño del PSOE. El edil fue destituido y suspendido de sus funciones por el alcalde de La Laguna por sus comentarios en WhatsApp. En ellos, González presumía de “follar y enchufar” a empleadas. No se trata de uno de los primeros espadas de la política nacional, pero a Vera le gusta recordarle tal y como le dibujó, enfundado en un disfraz de pene. El dibujante admite que, a veces, se vale de imágenes de disfraces cutres que encuentra en Internet para engrasar su imaginación.

No es la única ocasión en la que el autor magnifica el aparato reproductor masculino como forma de dar a entender la soberbia del gilipollas de la semana caricaturizado. Con los testículos al aire aparece un sacerdote, representante de la Conferencia Episcopal, cuando la institución culpó de sus casos de pederastia a toda la sociedad por su “silencio cómplice”.

Algo parecido sucede con el PP de Murcia tras presentarse en la manifestación por el Mar Menor pidiendo soluciones cuando llevan 25 años gobernando en la región. En este caso, López Miras, el presidente autonómico, sobresale llevando sus testículos peludos en una carretilla. Algo más peludos son los testículos de Javier Maroto, en la página siguiente, en la que apareció después de “no comerse un cagao presentándose [en las elecciones generales] por Álava y luego empadronarse en un pueblo de Segovia para pillar cargo en el Senado”.

“Entrañable” también dice Vera que es Alberto Casero. En Titanes del bochorno, el diputado del Congreso aparece en dos ocasiones. Así le presenta el propio Vera: “El diputado del PP que se confundió en la votación de la reforma laboral, estropeando el ‘tamayazo’ que había urdido su gobierno”. Casero repite por volver a equivocarse con su voto, aunque esta vez no fue decisivo para el resultado, con el que apoyó una investigación al Gobierno de Rajoy por la Operación Cataluña.

Insultos de aquellos que no se ríen

Este profesional del dibujo admite que la política no le resulta un campo agradable de tratar. “Otra gente disfruta de ello como marrano en un charco, pero a mí me supone un esfuerzo abordar la política porque lo quiero hacer con honestidad, seriedad y rigor”, admite. Por eso, esta forma de trabajar con El Jueves es mucho más llevadera y le permite ahorrarse el tiempo de documentación previa para un dibujo. “Yo lo miro desde mi punto de vista de payaso y humorista”, afirma.

Y hace gracia, aunque no todo el mundo tiene la misma opinión. Abordar aspectos desde la crítica satírica y política a partir de la caricatura le ha granjeado numerosas reprimendas, amenazas incluidas, en sus redes sociales por parte de aquellos que no saben ver el mundo desde la ironía y el divertimento. “Antes se quedaba todo en tu nicho de lectores y, si me ponían a parir, lo hacían ellos con cartas al director de la revista. Ahora, el trabajo llega a públicos muy variopintos a través de las redes y a nada que no les guste, te increpan e insultan”, desarrolla.

La obra que comienza con estos ejemplos de política española y que continuará la saga de Titanes del bochorno se convierte así en un catálogo de políticos que día tras día hacen de las suyas. “Lo importante es que la imagen te provoque una primera carcajada, una sonrisa. Que cuando abras la página, el gepeto que he dibujado haga que te partas el culo de risa”, asegura el autor. Luego, el lector tendrá su tiempo para ver por qué ha sido merecedor de tan digno reconocimiento por los apuntes que el mismo Vera escribe alrededor del dibujo.

La pequeña aldea gala de Astérix y Obélix sigue siendo irreductible. El Tribunal General de Justicia de la Unión Europea ha tumbado la decisión de la Oficina de Propiedad Intelectual de la Unión Europea (EUIPO) que permitió que un empresario polaco registrara la marca 'Obelix' para productos relacionados con armas de fuego, municiones y explosivos. Otra victoria para Éditions Albert René, editora de la serie de cómics Astérix y Obélix, ¡por Tutatis!

El 29 de octubre de 1959 llegaba a los quioscos franceses la revista Pilote, una revista de historietas que invitaba a leer, y entre sus páginas se encontraba la historia que fue el comienzo de Astérix y Obélix, creados por el guionista René Goscinny, fundador también de la revista Pilote donde debutaron la pareja de galos, y el dibujante Albert Uderzo, que se basaron en la historia de resistencia de este pueblo frente a los romanos.

Obélix es el compañero de aventuras de Astérix el Galo. Es un guerrero gordo y fuerte, repartidor de menhires, comilón de jabalíes, terror de los soldados romanos y famoso por su fuerza sobrehumana ya que de pequeño se cayó en una marmita llena de poción mágica. Tiene un perro que se llama Idéfix.

El Tribunal General explica que el examen del renombre de la marca 'Obelix' llevado a cabo por la EUIPO partía de “un análisis incompleto y erróneo”. Según los magistrados europeos, la oficina de propiedad intelectual de le UE “no tuvo debidamente en cuenta ejemplos de diferentes productos en los que el término 'Obelix' u 'Obélix' aparecía acompañado del símbolo ®, que indica que se trata de una marca registrada”.

“Tampoco estaba justificado rechazar las pruebas en las que dicho signo se utilizaba en combinación con el signo Astérix. En efecto, esta asociación no impide determinar que el término 'Obelix' se percibe de manera individualizada, como una marca distinta, que puede haber adquirido renombre”, según argumenta la sentencia.

Por otro lado, la EUIPO “no valoró suficientemente el vínculo entre las dos marcas en conflicto”, cuyas características pueden llevar al público a asociar estas y son “susceptibles de menoscabar” el renombre de la marca anterior. “Esta valoración no puede limitarse, como hizo erróneamente la EUIPO, a concluir que hay diferencias demasiado importantes entre los productos y servicios en cuestión y que los públicos pertinentes no se solapan”, añaden los magistrados. No hay menhir que se le resista a Obélix.

Mortadelo, Filemón, la Ofelia o Rompetechos saltan del cómic a las monedas. El Gobierno ha anunciado oficialmente el lanzamiento de una serie de monedas de colección para rendir tributo al dibujante Francisco Ibáñez. Esta iniciativa busca celebrar el legado de uno de los historietistas más importantes del país, coincidiendo con el que habría sido el 90 aniversario de su nacimiento.

La colección está formada por nueve monedas diferentes que destacan por su colorido y diseño. Todas las piezas tienen un valor facial de 1,5 euros, aunque su propósito no es el de circular de mano en mano en las tiendas. Esto significa que, puesto que tienen curso legal en España y su valor facial está reconocido por el Estado, sí se podría pagar con ellas en tienda, pero los comercios no están obligados a aceptarlas como medio de pago.

Esta colección, pensada para conservarse, la completan nueve monedas diferentes. En una cara de la moneda aparece un autorretrato del propio Ibáñez con su firma y el nombre de España. En la otra cara de la moneda, representados a todo color sobre un dibujo que imita al cómic, sus personajes más icónicos: además de los inseparables Mortadelo y Filemón, la colección incluye al despistado Rompetechos, al profesor Bacterio, a la secretaria Ofelia, al Superintendente Vicente, al Botones Sacarino y a la pareja de chapuzas Pepe Gotera y Otilio.

Las monedas están fabricadas con una base de cobre y cuentan con un recubrimiento de plata de alta pureza. Cada moneda pesa 25,8 gramos y tiene un diámetro de casi 39 milímetros, lo que permite apreciar con gran detalle las ilustraciones de los personajes más famosos de la “familia” de Ibáñez.

Para los interesados en conseguir este recuerdo, la Real Casa de la Moneda comenzará su distribución oficial durante el segundo cuatrimestre de 2026. El precio de salida para cada una de las monedas será de 23,97 euros, sin incluir el IVA, y podrán comprarse tanto de forma individual como en un estuche que reúna la colección completa. Se trata de una edición limitada, ya que solo se fabricarán un máximo de 10.000 unidades de cada uno de las nueve monedas.

Este año, en la celebración del Primero de Mayo, se reivindica el derecho a la vivienda, además de las subidas salariales y un rechazo a la guerra, la cual contribuye al empobrecimiento de los trabajadores. “La crisis de la vivienda es el gran coladero por el que se van gran parte de los salarios”, advierte mi compañero Serafí del Arco en su boletín de esta semana, recogiendo la postura de los sindicatos.

Justo esta semana ha pasado por la reacción Biznaga, que vino a nuestros encuentros musicales con socias y socios de elDiario.es, para ofrecernos una entrevista y un concierto. Es uno de los grupos que más ha incorporado la lucha por la vivienda tanto en sus canciones como en sus acciones.

Jorge Navarro, bajista y letrista del grupo (y periodista, por cierto; durante un tiempo estuvo colaborando con nosotros) explicó tan bien el papel de los músicos que no se sienten ajenos a la vida en sociedad, que quiero recoger aquí sus palabras: “Tratamos con la música de participar en esa conversación social. Eso implica dar réplica a lo que se está hablando en la calle”.

“Nos parece lógico y nos parece potente tocar en un balcón en un edificio que está amenazado porque ha sido comprado por un fondo buitre, como ocurrió en la calle Tribulete en Lavapiés. Y creo que nuestras canciones, nuestro discurso, sonando ahí, de pronto se hacen realidad, baja a la tierra y toman forma de una forma muy potente”. ¡Bravo!

De la vivienda salto aquí a las ruinas, no sé qué asociación mental me permite tender el puente [guiño guiño guiño]. Esta semana hemos lanzado un podcast de periodismo narrativo del que estamos muy orgullosos: La memoria en ruinas. Si lees habitualmente (seguro que sí) la sección de Cultura, ya conoces el trabajo de nuestro colaborador José María Sadia. Sus historias sobre cómo dejamos derrumbarse nuestro patrimonio arquitectónico está siempre entre lo más leído (como la de esta semana).

Nadie como él conoce los peligros de no cuidar nuestros templos románicos, de permitir que claustros acaben desmontados e instalados en el jardín de alguien, o en el museo de otro país, o que murales medievales se pierdan para siempre. Esos reportajes cobran forma ahora de periodismo en audio, un apasionante viaje por España donde José María y Andrea Morán recorren pueblos abandonados, museos, yacimientos o incluso ciudades bajo tierra.

Comienza la serie con el primer capítulo, El misterio del claustro de Palamós. En 2012, un profesor de historia del arte redescubre un claustro románico en la finca de un millonario en Girona. ¿Se trata de un edificio auténtico o solo es una reproducción moderna? Espero que te guste. Cada semana, un nuevo capítulo. Lo encuentras en todas las plataformas.

Si eres de los que te preguntas qué ha pasado con Julio Iglesias, quiero contarte que esta semana hemos recibido una notificación judicial en la que se nos cita a un acto de conciliación con su representante legal. Nos piden que nos retractemos de las informaciones que hemos publicado sobre él. No lo vamos a hacer. No vamos a rectificar. Nuestro director Ignacio Escolar explica aquí los motivos. El resumen es: porque la información que publicamos es rigurosa, contrastada y veraz. Ya puede pedir misa, que decía mi madre. Esta demanda es un paso previo antes de presentar una querella, pero no está obligado a hacerlo. Si lo hace, nos defenderemos en los tribunales. 

Tres cómics, por Gerardo Vilches

'Martina y la isla de Jaume Pallardó' (Salamandra Graphic). La nueva novela gráfica de Pallardó es un edificio narrativo minuciosamente calculado, un laberinto de historias dentro de historias con ecos del mejor Daniel Clowes en el que seguimos los pasos de Martina, una recepcionista de hotel que trabaja en su primer cómic en sus ratos libres, y cuya vida cambiará cuando conozca a Sofía, una ilustradora de éxito… poco antes de que una riada inspirada en la dana de Valencia lo cambie todo. Una lectura que engancha y que se lee del tirón.

'Saquen sus muertos' de Rayco Pulido (Astiberri). El Premio Nacional Rayco Pulido vuelve al cómic con una adaptación de la novela Verano de Juan “el Chino”, del escritor canario Claudio de la Torre. El preciso dibujo de Pulido traza un escenario desolado en un pueblo isleño de mediados del siglo XIX, asolado por una epidemia. La versión de Pulido se presenta como fiel a la original, pero, como ya sucedió con Nela —su adaptación de la Marianela de Pérez Galdós—, en esa literalidad encuentra la forma de hablar de nuestro presente, en una historia que no solo recuerda a la pandemia de la COVID-19, sino que explora los límites de la civilización y la defensa de los valores que nos hacen humanos frente a la barbarie.

'Viene del Este' de Antonio J. Jiménez (Blackie Books). El debut de este autor ha sido una de las sorpresas de estos últimos meses: un cómic ambicioso, en lo formal, donde la influencia de Chris Ware es evidente, y en lo temático, con un crisol de historias cruzadas en una ciudad cualquiera, donde la precariedad y las ansiedades contemporáneas atenazan a sus habitantes, con el telón de fondo de una guerra que ha estallado en el este. El planteamiento de Jiménez sorprende por su madurez, tanto como por su capacidad para capturar la alienación que provocan la tecnología que busca engancharnos y el turbocapitalismo más perverso.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Escuchar canciones nos permite estar en contacto con nuestro yo del pasado o incluso ir conociendo al que será nuestro yo del futuro. Es un ejercicio interesante que se hace cuando alguien se empapa de cualquier forma de arte y revisita un determinado proyecto con el tiempo. En eso consiste el último disco de Inés de Lis, en el que el folk busca combinar pasado, presente y futuro. Una de sus canciones más interesantes puedes encontrarla en nuestra playlist, donde están también las recomendaciones de las semanas anteriores.

'Mariposa soy (lofi)' de Inés de Lis. “Como una gata consentida / Como una perra con bozal”. Así se define esta artista madrileña en uno de los temas del apasionante Time Honey, su nuevo disco. La cantante recurre al folk más clásico para jugar con él desde dentro: ya sea agregando interferencias o con voces que se van haciendo notar en segundo plano, Inés de Lis bebe de lo clásico para modernizarlo. Eso sí, sin pasarse demasiado y sin asustar a los amantes del folk. Escúchala.

'Shush' de Tori Amos. Volviendo al sonido oscuro que caracterizó muchos de sus proyectos en los 90, la cantautora estadounidense se sirve del piano y de elementos electrónicos para ahondar en los demonios que pululan por el mundo. “Las chicas del sur saben lo que significa / Cuando el patriarcado te dice: 'Cállate ya'”, canta Amos en un espectacular inicio para su disco In Times of Dragons. Escúchala.

'Target Practice' de My New Band Believe. El sonido clásico del que se empapa este grupo británico se torna más inquietante que nunca en esta canción. El narrador se dirige directamente a alguien que mató a su tío materno y planea su venganza, dejando claro que enviará a su víctima lejos para siempre. Pero más allá de lo que interesante que es la letra, la melodía no puede ser más ambiciosa, con un uso exquisito de las cuerdas en su brillante producción. No le quites el ojo de encima a esta banda. Escúchala.

Tres películas, por Javier Zurro

'Resurrection'. La película que más me voló la cabeza el pasado Festival de Cannes. El director chino Bi Gan revisa los últimos 100 años de cine y lo remodela mirando hacia el futuro en una película única, poética y sí, rara. No hace falta entender todo, simplemente dejarse llevar por las imágenes apabullantes que plantea el cineasta. Aunque no todas las historias que la conforman están al mismo nivel, varias de ellas, como el comienzo con ese teatro de sombras y el plano secuencia del fin del milenio en forma de película vampírica, son sobresalientes.

'Todo lo que fuimos'. Javier Bardem y Mark Ruffalo han sido de los pocos intérpretes en Hollywood que se han atrevido a condenar el genocidio e Gaza que ha cometido Israel. Ambos han puesto su nombre como productores ejecutivos de esta película palestina que ha escrito y dirigido Cherien Dabis para intentar apoyarla comercialmente. El filme es un emocionante recorrido a varias generaciones familiares a través de las cuales se cuenta la historia de Palestina.

'Enzo'. Laurent Cantet falleció hace dos años. El director dejó obras maestras como La clase o Recursos humanos, y también un filme por rodar que se quedó en un limbo del que lo rescató su amigo y colaborador Robin Campillo, con quien había escrito varias de sus mejores películas. Así, Enzo llega como una especie de película testamento realizada por alguien que creció a la sombra de Cantet. Una historia de descubrimiento sexual y del privilegio que, si bien no quedará para el recuerdo como una de las mejores películas del cineasta, sí que muestra varias de sus obsesiones.

Cinco planes para el finde, por Laura G. Higueras

Prisioneros del amor. Hasta el sol de la libertad (Barcelona). En el MACBA podéis visitar esta instalación audiovisual de los artistas Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme basada en una investigación reciente sobre la resiliencia de los palestinos encarcelados a través del canto y la poesía. A través de voces, canciones, sonidos e imágenes, sus piezas conectan al público con las vivencias de los protagonistas en un ejercicio artístico que busca romper el silencio ante la represión de su pueblo.

Hispania Nostra. 50 años comprometidos con el patrimonio (Madrid). El Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid acoge esta exposición que propone una reflexión sobre el valor del patrimonio como legado común, herramienta educativa y elemento esencial para comprender nuestro pasado, interpretar el presente y construir el futuro. El recorrido incorpora contenidos audiovisuales e interactivos que invitan al visitante a profundizar en la relación entre sociedad, cultura e identidad.

Fira del Llibre de València. Este fin de semana arranca la feria del libro en Valencia, que podréis disfrutar en los Jardines del Real (Viveros). Entre las presentaciones a las que podréis disfrutar de presentaciones de libros como Contra el descontento de Cristina Monge, Incensurable de Luna Miguel o Provida: manifiesto a favor del aborto de nuestra compañera Ana Requena.

'Gigante' (Bilbao). Este fin de semana es vuestra última oportunidad para ver esta obra en el Teatro Arriaga protagonizada por Josep Maria Pou. Inspirada en hechos reales y ambientada en 1983, arranca con el escritor Roald Dahl revisando las pruebas de su último libro antes de entrar a imprenta. Sin embargo, el escándalo provocado por un artículo antisemita que ha publicado recientemente lo ha colocado en el ojo del huracán. En su casa de campo, acompañado de personas de su entorno privado y editorial, se verá obligado a elegir entre disculparse públicamente o mantenerse firme en su postura, poniendo en riesgo su fama y reputación. 

Aisha No Puede Volar (Madrid). Los cines Yelmo Ideal han programado para el próximo lunes 4 de mayo un pase de la ópera prima de Morad Mostafa, que contará con la presencia de los periodistas expertos en Egipto Francesca Cicardi, compañera de Internacional de elDiario.es, y Francisco Carrión. Los especialistas debatirán, entre otros temas, sobre el desplazamiento forzado y las tensiones migratorias retratadas en la película, a través de una joven sudanesa en El Cairo.  

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Un chico como él. Edwyn Collins, uno de los grandes músicos del indie británico, cantante de Orange Juice, cuelga las botas. Se despide con una gira por España. Rafa Cervera le ha entrevistado.

'Norteña'. Julieta Venegas ha escrito sus memorias “del comienzo” y hemos asistido a un reducido encuentro online con medios en la que lo presentaba. Lo ha llamado “un ejercicio” de sacarse “el pudor”. 

El artesano discreto. El cineasta Jonás Trueba recibe una retrospectiva en el Pompidou y un libro sobre su carrera. Buena ocasión para que Javier Zurro vuelva a entrevistarle, que siempre es un placer.

Hay frases que nunca deberían normalizarse ni decirse con desdén, pero hay situaciones en la vida, normalmente en las que se juntan todas las penurias, en que se vuelve cotidiano lo tenebroso y lo triste y se une con el propio impulso del mundo y la vida de seguir adelante. Tan trágico como necesario.

Saquen sus muertos (Astiberri, 2026) es el título de la última publicación de Rayco Pulido, Premio Nacional del Cómic 2017, y es una frase que se tornó cotidiana durante la epidemia de cólera que azotó a una isla del Atlántico, dejándola incomunicada, en el terrible verano de 1851. 

La muerte se ceba especialmente en la capital que apilaba sus muertos sin que tuvieran ya acomodo en el cementerio de la ciudad. Basado en los acontecimientos reales durante la epidemia de cólera que azotó la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria en 1851, el lugar del relato no es necesariamente la ciudad de Las Palmas (o tal vez sí), pero eso, para el autor del cómic y para el de la novela en la que se basa, Verano de Juan el chino, de Claudio de la Torre, no es lo más importante para contar una historia que transcurre en un clima apocalíptico donde surge, de repente, una dinámica de convivencia con la muerte, un héroe anónimo vagabundo y una historia de amor, ya que en palabras de Pulido: “Cuando la muerte está arrasando tu mundo, enamorarse es un acto de rebeldía”. 

¿Qué historia se cuenta en Saquen sus muertos?

Es la historia de un personaje que se llama Juan, apodado El Chino. Es un personaje anónimo, no tiene familia, no tiene pasado, no tiene tierras; un desheredado que vive en un escenario casi apocalíptico, un momento especial en una isla atlántica a mitad del siglo XIX, donde una epidemia de peste cólera mata a gran parte de la población. Esa isla y ese evento se inspira en una epidemia real que tuvo lugar en Gran Canaria el verano de 1851, enfermedad que en apenas tres meses diezmó la población de la isla, en el caso de la capital, murió el 20% de sus habitantes.  

Las clases sociales se simplifican a dos, la de los vivos y la de los muertos

En ese escenario, el que tiene posibles o una finca donde refugiarse, abandona el entorno urbano, y eso generó en la ciudad un orden social alternativo, propiciado por ausencia de autoridad que controle a la ciudadanía y el devenir de la ciudad. Las clases sociales se simplifican a dos, la de los vivos y la de los muertos. En ese “mundo nuevo” de supervivencia se desarrolla esta historia. Tanto en novela como en el cómic la crítica social tiene un peso específico, también habla sobre la condición humana, cómo tendemos a comportarnos ante crisis reales o cómo nos comportamos cuando nuestros actos no acarrean consecuencias negativas. Hay bastante misantropía en esta historia pero aún así, Juan aguanta el tipo e incluso se permite algo de idealismo romántico. 

A la hora de la creación, ¿qué elementos has elegido como artista para contar esta historia, por el hecho de ser concretamente esta historia?; ¿Hubo alguna decisión especial en el uso del color, la elección de unas frases y no otras? ¿Algún recurso que como creador hayas empleado por primera vez en Saquen sus muertos? 

La decisión inicial era que iba a ser blanco y negro, eso siempre lo tuve claro por el elemento central, que es la muerte y lo que se genera en torno a situaciones de pánico colectivo. Habitualmente trabajo en blanco y negro, salvo unos pocos casos el color se limita a un efecto ambiental o decorativo y yo quiero simplificar al máximo mi relación con el dibujo y también con el lector. En este caso, al contrario de lo que sucedía con mi anterior trabajo, Lamia, la imagen parte desde el blanco, desde la luz y los espacios vacíos. La historia transcurre en verano y aparte del calor sofocante debía representar el vacío propio de los terrenos de medianías, terrenos baldíos, páramos, polvo, etc. 

Las variables isla y siglo XIX son relevantes porque cerrando el puerto incomunicas a la población

También la presencia del mar es importante, en este caso es una simple línea que transmite la sensación de horizontalidad a la composición y aporta calma, eso nosotros apenas lo percibimos porque es nuestro día a día, sólo cuando pasamos mucho tiempo fuera, en sitios sin mar, sentimos esa falta. La luz y belleza visual contrasta con la historia, ese contrapunto fue algo buscado, las viñetas apestan a enfermedad y muerte. También el hecho de que haya gran cantidad de escenario rural y natural hace que el dibujo sea también más orgánico, con mucha menos geometría de lo que es habitual en mi trabajo. Así que por ahí también fue un reto. Y luego la toma de decisiones de lo que se queda y lo que se va, en mi trabajo prima la narración visual e intento no utilizar textos a menos que sea estrictamente necesario, cuando no puedo transmitir la información de otra manera, pero condenso los diálogos todo lo que puedo intentando no perder el estilo y el tono. 

Has comentado en la presentación algo que parece honesto en los tiempos que corren de relato, redes y SEO, que es que en tu proceso de contar la historia, cuando tú ves que la cosa se sube de emotividad o de drama, tú mismo la rebajas

Sí, es un poco no recrearse en la emoción y el dolor, en la parte dramática. Usar los personajes para atacar más a la tripa del lector que a su cabeza. Eso es algo que ejecuté en Nela, mi adaptación de la Marianela de Galdós, un texto que enfrié mucho, especialmente la parte final. Supongo que también tiene que ver con mi carácter, más bien seco.

Cuando leo cómics o libros demasiado emotivos, me desconecto y los abandono, yo hago los libros pensando en mí como primer lector e intento replicar lo que a mí me gusta ver en las historias. Además, a medida que te interesas por los procesos de creación, las estructuras de las historias y empiezas a releer desde un punto de vista analítico ya no hay vuelta atrás, le ves el andamiaje a casi todo, es sencillo encontrar el “emociónese aquí” de muchos autores y autoras e intento huir de eso. Hoy muchos productos de éxito siguen esta tendencia, yo no vivo del cómic, así que me puedo permitir andar mi senda.

Mencionabas al principio que, tal como hizo Claudio de la Torre en la novela, el cómic evita nombrar la ciudad real en la que están basadas todas las desgracias. ¿Qué te resulta a ti interesante del recurso narrativo de la omisión de la ubicación?

Primero respetar al autor del texto original, porque fue su decisión. El localismo hoy es un valor, las historias desde la periferia venden y se protegen. Pero en los setenta supongo que era un lastre. Verano de Juan El chino se publica en la prestigiosa Revista de Occidente que fundó Ortega y Gasset donde han publicado algunos de los más grandes de las letras hispánicas, esa una editorial tenía una buena distribución en latinoamérica e incluso para el caribe, tenía vocación internacional, de manera que intuyo una estrategia para no quedar relegado a las estanterías de la sección de literaturas locales.  

También porque creo que a Claudio de la Torre para esta historia le interesan los ingredientes isla, S.XIX y epidemia, no un lugar concreto que lo aleje de la ficción. Lo que necesita es meter a un grupo de personajes en un entorno adecuado para que surjan los conflictos. De hecho, no se documentó demasiado, todo parte de una serie de artículos que escribió Néstor Álamo para la revista Falange en el 1962, esa fue su inspiración, una ficción basada en un evento real. Es como una matrioska, una ficción que sale de otra y ahora mi adaptación es una capa más. 

Has recreado un universo asfixiante con algunas grietas por las que el lector respira para ir ansioso a la siguiente página, pero personalmente tú que tuviste que recrear ese ambiente que el lector percibe así, ¿qué opinas de lo que debieron ser aquellas largas horas de un verano caluroso de epidemia? 

Yo creo que se lo puede imaginar cualquiera, la COVID19 no fue nada comparado con esto y mira el caos que generó. El cólera mata por deshidratación, mueres por vómito y diarrea, sin medicamentos debe ser una muerte horrible. Las variables isla y siglo XIX son relevantes porque cerrando el puerto incomunicas a la población. Sin puerto no hay mercancías, también pueblos y municipios estaban cercados para que nadie pudiera entrar ni salir. Esa situación se prolongó de junio a febrero, debieron pasar mucha hambre. En mi libro hay una escena de una madre y su hijo cazando palomas y ratas, esa escena es cosa mía, no sale en la novela original pero supongo que comerían cosas peores. 

La guinda de esta historia es que tiene tintes de pleito insular…

Sí, es un hecho anecdótico, algo que encontré buscando documentación anexa para un posible texto que funcionara de epílogo, pero que al final descarté. Esta epidemia aparece como uno de los eventos fundacionales del pleito. Lo dejé en la presentación como una curiosidad. Hay un libro del historiador Agustín Millares Cantero, Santa Cruz dominadora*, que especifica todos los movimientos que se hicieron para mantener el bloqueo con vistas a quitarle o al menos deteriorar el negocio del puerto de Gran Canaria, que era el gran negocio de las islas. Ese artículo defiende que hubo bastante mala fe y que maniobraron para prolongar el bloque más de lo necesario, el último muerto es de septiembre y hasta febrero no entró un barco al puerto de Las Palmas. Pero bueno, eso lo dejo para investigadores, divulgadores, periodistas e historiadores, lo mío es la ficción.

*Millares Cantero, A. (2007). Santa Cruz dominadora: el centralismo interno y la provincia imposible en el XIX canario. Ediciones Idea.

Resulta paradójico que, mientras que el mundo del cómic celebra una nueva Edad de Oro en la que se publica más que nunca y los festivales dedicados al género proliferan por doquier, la precaria situación de los creadores sea un secreto a voces. Son muy pocos quienes pueden permitirse vivir con cierta holgura gracias a sus lápices, mientras que la inmensa mayoría se afana en abrirse un hueco en el mercado esperando un milagro –casi siempre en forma de editor extranjero– que rara vez llega.

Incluso todo un premio Nacional de Cómic como Candela Sierra (Ronda, 1990) reconoce que “es un medio muy complicado, muy poquita gente vive de cómic en nuestro país. Yo ahora estoy viviendo un momento muy bueno con el premio, pero lo normal es que mucha gente lo combine con otros trabajos. Por ejemplo, yo doy clases y hago ilustración también”.

Una combinación que, por natural que suene, a la autora de la aclamada Lo sabes aunque no te lo he dicho le sigue sonando rara, “porque cuando haces un libro de cómic y te das a conocer, empiezan a pedirte ilustraciones, pero en realidad son dos lenguajes distintos. Por un primer libro que te ha podido llevar un año de trabajo, si tienes suerte, te pagan unos mil euros, mientras que por ilustrar en una revista o hacer una portada te pagan 300, 400, 500… Y lo haces en una semana como mucho”.

Magros anticipos

Para los artistas de cómic, algunos de los cuales pasaron recientemente por Sevilla en el Festival Hispacómic, los ingresos principales proceden de los anticipos que cobran por las obras publicadas, que suelen ser de un 50% de su porcentaje sobre la tirada. Pero es difícil que estas tiradas sean muy copiosas, de modo que deben confiarse al incierto goteo de los royalties que se van liquidando anualmente.

Para un compañero y paisano de Candela Sierra como José Pablo García, dibujante de larga trayectoria con títulos como Las aventuras de Joselito, La muerte de Guernica, Franco o Soldados de Salamina, “es muy complicado para un autor, tirando solo de los anticipos —incluso si son de obras por encargo—, que le salgan las cuentas para poder vivir, comer y todo eso. Yo por suerte tengo un par de libros míos que se han vendido muy bien y eso me permite que me salgan las cuentas cada año con los royalties que voy recibiendo”.

“El cómic de la Guerra Civil española y el de La muerte de Guernica, son los que mejor me han funcionado y siguen aportándome derechos de autor desde que se publicaron. El resto no se han vendido todo lo bien que yo hubiera querido. Y sobre todo las obras más personales, que encima son con las que has cobrado menos anticipo, son las más complicadas en ese sentido”.

Encargos y proyectos propios

Esto plantea otro dilema en los profesionales del dibujo: ¿Se debe aceptar encargos, aunque no resulten muy interesantes, o apostar por proyectos personales? “Lo más sensato es compaginar ambas cosas”, dice García. “Si tiras solo de proyectos propios, tienes que contar con que cada obra que publiques se vaya a vender muy bien. ”Yo, cuando acabe lo próximo que estoy preparando, ya veré. Igual me planteo hacer una oposición o algo y publicar un libro cada cinco o seis años. Creo que siempre voy a seguir haciendo cómic, pero quizá a otro ritmo y no dentro de un mecanismo industrial, porque tampoco me interesa. Algunos proyectos sí me llenan, pero la mayoría no me aportan demasiado. Y para eso prefiero buscar otro trabajo“.

En esta decisión pesa también la situación fiscal de estos trabajadores, con una alta discontinuidad de ingresos. “Cuando estoy preparando un libro me doy de baja de autónomo, porque hasta que no lo termino no cobro el resto del anticipo. Cobras una parte al principio y otra al final, y entre medias, a no ser que tengas muchos trabajos seguidos, no tiene mucho sentido estar pagando más de 300 euros al mes de autónomo. Otro empeño que tenemos muchos es publicar en revistas como El Jueves, una publicación periódica que te garantice un mínimo”.

Las editoriales no son ajenas a estas circunstancias. Daniel Díez, responsable de Cartem Cómics, con sede en Salamanca, comentaba tras una mesa redonda sobre propiedad intelectual que “la conclusión a la que llegamos es que el eslabón más débil de la cadena, en cualquier sistema —japonés, americano o europeo—, es el autor. A nivel de protección de derechos, pero también a nivel económico y patrimonial”.

La salida exterior

“Pero claro”, agrega, “al final no deja de ser una industria, y como todas tiene que ser rentable. En España lo habitual es pagar un adelanto de royalties entre el 8 y el 10 %. En casos excepcionales a lo mejor se puede negociar algo más. Pero es raro pagar por producciones como se paga en Estados Unidos. La diferencia es que allí es work for hire, es decir, obra por encargo: te pago y en general no reclamas nada más, aunque luego haya excepciones. Aquí, en cambio, la gente sigue ganando derechos de autor”.

En el caso concreto de Cartem Cómics, “nosotros siempre hemos tenido claro, desde que empezamos, que primero hay que vender esos derechos fuera”, asevera el editor. “En algunos casos, cuando firmamos el contrato, el adelanto no solo incluye la parte española, sino también lo que podamos vender en otros países. Pero para eso el autor tiene que ser exportable y tener mercado fuera. No es fácil, porque se produce mucho. Al final de lo que se trata es de tener paciencia, de empezar a publicar y de compaginar varios proyectos con cobros de royalties de obras anteriores que vayan arrastrando y complementen de alguna manera lo que estás haciendo ahora con lo que hiciste en el pasado, y que eso no pare”.

“La otra alternativa, que no es la más agradable, es buscar trabajo fuera”, prosigue Díez. “Pero nadie quiere eso; lo que queremos es fomentar una industria local. De hecho, los franceses pagan buenos adelantos porque en esos adelantos incluyen lo que van a vender en otros países. Pero ellos son capaces de vender a 20 o 30 países. Yo he visto obras de Glénat o de Dargaud que las han vendido a más de veinte países. Nosotros no somos capaces de vender a tantos. La línea de trabajo en la que creo que hay que avanzar es que los editores españoles seamos cada vez más vendedores de derechos y generemos nuevos recursos. Y no hablo solo de derechos literarios —es decir, de traducciones a otras editoriales extranjeras—, sino también de lo transmedia”.

El futuro, concluye Díez, también está ahí: “ser capaces de tener una interlocución fluida, como intentamos hacer nosotros, con sectores como los videojuegos, las series o las películas. También con juegos de rol o juegos de mesa, para que todo eso vaya generando ingresos que permitan a los autores puedan vivir lo más dignamente posible”.

Carpanta como espejo

Según estas fuentes, los anticipos que se manejan en el cómic español oscilan entre los 2.000 y 3.000 euros, una cantidad escasa para los meses de trabajo que suele suponer cualquier proyecto. Entre los nombres consagrados se pueden llegar a alcanzar los 10.000, pero solo cuando hay altas expectativas de ventas y una clara opción de llegar a mercados foráneos. Pero incluso en Francia, considerada La Meca de los dibujantes europeos, hay muchos que se aprietan el cinturón: según François Poudevigne, programador del BD Colomiers –el tercer festival de Francia tras Angoulema y Saint-Malo– ofreció datos asombrosos: en el país vecino, el 40 por ciento de los autores vive en riesgo de pobreza, y en el caso de las mujeres la cifra se eleva al 65 por cierto.

Ante este panorama Hispacómic 2026 acogió también la entrega del primer premio Carpanta como homenaje al popular personaje de Escobar, “icónica figura de la resistencia y la supervivencia ante la precariedad, valores que también pretende destacar este premio”, según explica su promotor, el diseñador, editor y agitador cultural Rafael Iglesias.

La primera edición de este galardón ha recaído sobre el veterano dibujante gaditano Ricardo Olivera, Fritz, para quien “la percepción de los lectores acerca de este mundo de la viñeta es muy distinta de la que vivimos los creadores”, explica. “Creo que una de las claves es que las tiradas son muy cortas, de manera que los porcentajes que nos llegan de estas son muy escasos”.

Pico y pala

“Publicar no es difícil, difícil es que te compense mínimamente”, comenta el autor de títulos como Las criaturas de la tierra incierta o El caballero del Santo Sepulcro. Hay quien piensa que en España no hay editores, sino publicadores, que te adelantan el 50 por ciento de la tirada… Y a menudo esta ni siquiera llega a venderse. Apenas promocionan lo que ellos mismos publican, y cuando tu libro deja de ser novedad se desinteresan y se vuelcan en los que sí lo son. Yo he llegado a plantearme la autoedición, porque al final quien mueve mis libros acabo siendo yo, yendo de festival en festival“.

Junto a estrellas como Kim, Keko o Miguelanxo Prado, por los espacios de Hispacómic se dejaban ver muchos jóvenes que aspiran a darse a conocer, pero para los cuales el futuro es incierto. “El mensaje para los artistas nuevos, los que aspiran a entrar en el mercado, sería paciencia y… pico y pala”, asevera el editor Daniel Díez. “Al principio hay que hacerse un nombre, hay que ir publicando poco a poco, sacar cosas y que la gente te conozca. Hay autores que quieren llegar y besar el santo, y sin haber publicado aquí publicar directamente en Francia. Los hay, pero es muy difícil. O en Estados Unidos, donde es verdad que se gana más, pero también es muy complicado entrar y a lo mejor pueden pasar años hasta conseguirlo”.

Logroño suma una nueva propuesta cultural dirigida a la juventud con la llegada de la primera edición de ‘Oh! Comics Fest Logroño’, el festival de cómic alternativo y fanzines que se celebrará los días 22 y 23 de mayo en La Gota de Leche, con entrada y actividades gratuitas hasta completar aforo.

La iniciativa ha sido presentada por la concejala de Infancia y Juventud, Laura Lázaro, quien ha estado acompañada por el director de ‘Oh! Comics Fest’, José “Bouman” Martínez; el coordinador de ‘Oh! Comics Fest Logroño’, Alfonso Sevilla, el autor del cartel el artista riojano, Fran P. Lobato, y el comisario exposición ‘35 años del fanzine La ratilla. La eclosión del underground riojano’, Enrique Cabezón “Kabe”.

“Apostamos por propuestas que conecten con las inquietudes de nuestros jóvenes y fomenten su creatividad. Este festival nace con la vocación de ser un punto de encuentro para artistas, creadores y público, y de situar a Logroño en el mapa del cómic independiente. Es una propuesta muy completa que refuerza nuestro compromiso con una cultura accesible, diversa y pensada para todas las edades” ha señalado Lázaro.

Nacido en Barcelona en 2018, ‘Oh! Comics Fest’ se ha consolidado como un espacio de referencia para artistas, editoriales independientes y público interesado en la creación gráfica contemporánea. En 2026 inicia su andadura en Logroño con una primera edición que aspira a consolidarse en el calendario cultural de la ciudad y que está organizado por la Asociación Cultural Amigos Raros.

La concejala ha subrayado el valor educativo y participativo del festival y ha señalado: “El cómic y el fanzine son herramientas muy potentes para la expresión, la reflexión y el aprendizaje. Queremos que este festival sea también un espacio donde la juventud pueda descubrir nuevas formas de narrar y de contar su realidad”.

Laura Lázaro ha destacado que su objetivo es que “este festival crezca y se consolide como una cita anual”. “Queremos que Logroño sea un referente en el ámbito del cómic alternativo y la autoedición, y este es un primer paso muy importante para conseguirlo”.

Por último, la edil ha subrayado que este viernes, 17 de abril, a las 19:00 horas, se ha organizado en La Gota de Leche un foro de jóvenes ilustradores ‘Encuentros ilustrados’.

Un cartel con sello local

El compromiso con los artistas locales se refleja desde el propio cartel del evento, realizado por el autor riojano Fran P. Lobato. La imagen presenta una ciudad convertida en página de cómic, con un elefante que recorre un camino como metáfora de exploración cultural y creativa.

En este sentido, la concejala de Infancia y Juventud ha querido poner en valor esta elección y ha destacado que “contar con talento local como el de Fran P. Lobato es fundamental. Queremos visibilizar a nuestros creadores y darles el protagonismo que merecen dentro de iniciativas como esta”.

El artista, con una destacada trayectoria que se enfoca hacia el cartoon, buscando siempre expresividad y dinamismo, participará además en un encuentro con el público el sábado 23 de mayo a las 18:00 horas, dentro de la programación del propio festival.

Un completo programa de actividades

Uno de los ejes del festival será la exposición ‘35 años del fanzine ‘La ratilla’. La eclosión del underground riojano’, comisariada por Enrique Cabezón, que recorre la historia y el legado de esta publicación clave en la cultura de nuestra ciudad. El viernes, a las 19:30 horas, tendrá lugar una mesa redonda con motivo de su 35 aniversario.

El programa incluirá también una muestra de fanzines educativos desarrollados en el ámbito escolar en el IES Profesor Julio Pérez de Madrid. Esta iniciativa utiliza el fanzine y el cómic como herramienta didáctica creando materiales, explorando recursos narrativos y experimentando con elementos como la pareidolia.

En ‘Oh! Comics Fest Logroño 2026’ destaca la participación de Raúl Gutiérrez, redactor especializado de Zona Negativa, quien ofrecerá una charla centrada en la figura de Mike Mignola, analizando su trayectoria y la creación de su universo propio con Hellboy dentro del mercado estadounidense.

Asimismo, el evento acogerá un encuentro con el autor de cómic alternativo Josas Ariño que presentará su nuevo trabajo ‘Cojón de Viejo’. Como parte de su identidad, el festival vuelve a apostar por los podcasts en vivo con la grabación en directo de ElFinFangFoom, que reunirá a todo su equipo el sábado por la tarde.

El programa incluye el taller ‘Cómo traducir una historia a viñetas’, impartido por César Hercé, así como una actividad dirigida al público infantil organizada por la revista Adoquín, en la que los más pequeños podrán crear sus propios mini cómics.

Entre las actividades más representativas destaca el Drink & Draw, que se celebrará el sábado por la tarde en colaboración con Bodegas Oñal en el espacio Stereo Rock and Roll, con la participación del artista Pedro Espinosa (Logroño, 1958).