“Se me cruzó, sabía que era el momento y cogí carrerilla”. Es lo que hizo la multipremiada Laura Pérez cuando apareció en su cabeza la “semilla” de Nocturnos, un cómic con el que la valenciana es capaz de sumergirse en “un lugar que no nos pertenece”, la noche, y que le ha llevado hasta una nominación en los premios Eisner 2026, considerados los Óscar del cómic.

Pérez (València, 1983) se considera a sí misma autora de cómics, una “contadora de historias”, que se acabó de enamorar del mundo gráfico tras la publicación de Náufragos junto a Pablo Monforte, por la que recibió el IX Premio Fnac Salamandra Graphic. “Pensaba que el cómic no podía contar historias, pero me di cuenta de que sí, que tiene algo especial”, asegura en una entrevista con EFE.

Esta creadora atesora numerosos premios nacionales e internacionales y en 2022 tuvo un reconocimiento especial al diseñar los originales títulos animados de crédito de la serie de Disney+ Solo asesinatos en el edificio.

La noche, un lugar que no nos pertenece

Cuando pensó en hacer un libro sobre la noche, señala la ilustradora, una pregunta resonó en su cabeza: “¿Qué voy a contar yo que no se haya contado ya?”.

“A pesar de eso, creo que los libros se hacen para los vivos, quiero decir, cualquier generación posterior lo va a leer y aportas tu granito de arena”, reivindica Pérez.

Así es como se sumergió de lleno, durante dos años, en el proceso creativo de Nocturnos, un cómic con el que asomarse a los misterios del sueño y la noche, un viaje íntimo y privado que comienza cuando llega el atardecer.

“Me decidí a hacer un libro que sabía que iba a ser raro, pero a la vez quería que trajera calma, que es lo que me dice mucha gente cuando lo lee”, expresa la autora, que asegura que tuvo el valor de dejar atrás las historias cortas y efímeras a las que estaba acostumbrada -como las de su cómic Ocultos- para centrarse en un personaje principal metafórico.

Y ese es la noche, “un lugar que no nos pertenece del todo”, asegura Pérez, y que le ha servido para hablar de muchas cosas, como el paso del tiempo y el punto limítrofe entre la vida y la muerte, unos temas que se ven con otros ojos cuando llega el amanecer. 

“Hay personas que han venido a las firmas que tienen trabajos nocturnos, como médicos, guardias de seguridad o gente que trabaja en la radio… Vienen diciendo que se han sentido identificados por su trabajo y eso es superchulo, porque yo los tenía en cuenta”, explica la autora.

Experimentar en cada libro 

Aunque la noche sea la protagonista de su último trabajo, Pérez no se considera especialmente nocturna: “Por la noche soy más visual y por el día más narrativa, se me da mejor escribir. Tengo el alma repartida así; noches, imágenes y día, palabras”, confiesa.

Lo que mueve a esta autora valenciana es, sin duda, las emociones. Lo más bonito de una novela gráfica es, a su juicio, “que te vaya llevando a diferentes estados”, algo que Pérez consigue jugando con las viñetas, los personajes y la psicología del color, pero especialmente con su estilo.

A pesar de tener un estilo marcado, la ilustradora asegura que ha ido evolucionando de forma natural, siempre intentando “ser fiel” a sus dibujos. “No tengo miedo a experimentar con cada libro un poquito, para no sentirme como un robot haciéndolos siempre igual, sino que también la atmósfera del libro te va pidiendo diferentes cambios”, expresa. 

Nominada a los Eisner 

La ilustradora valenciana se encuentra entre los siete artistas españoles nominados a los Eisner, en la categoría de 'Mejor edición estadounidense de material internacional' -por su edición en Fantagraphics-, una noticia que le pilló por sorpresa, mientras firmaba en la Feria del Libro de Praga: “Este año se me olvidó por completo el tema de esos premios, a pesar de que con Ocultos y Tótem sí que lo pensé”.

Nocturnos ya había sido reconocido como uno de los mejores cómics del año por la Biblioteca Pública de Nueva York, “algo que te da una pista”, asegura Pérez, y no es la primera “alegría” que recibe la valenciana, ya que en 2025 fue galardonada con el Premio Antifaz del Salón del Cómic de Valencia y nominada a mejora obra internacional en la ComicCon de Nápoles y en los premios Cómic Barcelona. 

Unos reconocimientos que se suman a los que ya consiguió en 2020 con su cómic Ocultos, que fue galardonado con el Premio Ojo Crítico de Cómic de RNE, y en 2022, donde fue nominada a los Premios Emmy con la serie de Disney+ Solo asesinatos en el edificio.

Sin embargo, “haces los libros porque te apetece hacerlos y luego, los reconocimientos vienen o no vienen”, señala Pérez, que con estar nominada ya está “contenta” porque ella ya ha obtenido el mejor premio para una ilustradora: tener la seguridad de que ha “hecho lo correcto” con su cómic.

La iraní Marjane Satrapi (1969 - 2026), cuyo fallecimiento este jueves ha impactado con tristeza en el mundo de la cultura, ha sido una de las autoras fundamentales para entender el desarrollo del cómic adulto en el siglo XXI, caracterizado por la libertad creativa y por la globalización del fenómeno de la novela gráfica, que llegó a países sin una tradición previa en el cómic infantil y juvenil.

Influencia de innumerables autores y, sobre todo, autoras, la obra de Satrapi tiene la capacidad de alcanzar a un público transversal, que encuentra en ella una voz única, capaz de tratar con temas universales desde lo local.

'Persépolis': cómo conocimos Irán

Persépolis (2000-2003) fue la historia con la que empezó todo. Publicada originalmente en cuatro libros por la editorial L’Association en Francia (en España primero por Norma Cómics y luego por Reservoir Books), en ella Satrapi abordaba su biografía, especialmente su infancia y adolescencia en el Irán inmediatamente posterior a la revolución cultural de 1979, que acabó con el régimen del Sha y provocó el ascenso de la dictadura teocrática de los ayatolás.

Con un tono y un dibujo intencionadamente infantiles al principio, Satrapi describe el impacto de los hechos en su familia, afín al régimen del Sha y de ideología más progresista, y especialmente cómo afectó a las mujeres el nuevo régimen represivo. Con sencillez, pero también con una sensibilidad entonces infrecuente en el cómic, la autora fue capaz de llegar a un público global, con traducciones a varios idiomas. Fue clave en la incipiente novela gráfica de principios de los 2000, porque mostró una forma diferente de acercarse al cómic, más personal, sin que el virtuosismo técnico estuviera en primer plano.

Destacó por su narración en primera persona, por la sencillez del relato y, sobre todo, por el hecho de que no solo era una obra idónea para entender las últimas dos décadas de la historia de Irán, sino que también constituía una bildungsroman en la que seguíamos a Marjane Satrapi desde su niñez hasta su edad adulta, en la que se exiliaba a Francia y lograba estudiar Bellas Artes.

Pocas obras han sido más leídas por el público general, no habituado a la lectura de cómics; pero su impacto también se sintió en las siguientes generaciones de autoras, que vieron en el ejemplo de Satrapi un modelo para narrar sus propias vidas, alejado de los cánones masculinos. La fama de la obra no hizo sino multiplicarse con el estreno de su exitosa adaptación a largometraje de animación en 2007, codirigida por Vincent Paronnaud y la propia Satrapi, en su primera incursión en el cine, comienzo de su carrera como directora.

'Bordados': de qué hablan las mujeres cuando están solas

Si Persépolis es su gran éxito, Bordados (2003) es su joya oculta: un pequeño libro de una intimidad desarmante, en el que se acerca a un grupo de mujeres iraníes que aprovechan las siestas de sus maridos para hablar entre ellas con libertad, sin velos ni burkas, y narrarse a sí mismas. Satrapi demuestra su madurez como autora y muestra un espacio de libertad que desmonta estereotipos y devuelve su agencia a unas mujeres que son reprimidas en su país pero que, en el resto del mundo, veían su identidad reducida a la condición de víctimas del régimen islamista iraní.

Aquí se muestran como personas con sus propias ideas, críticas, ácidas y divertidas, que hablan sin tapujos sobre sus vidas sexuales; el título alude al truco con el que las mujeres fingen seguir siendo vírgenes cuando se casan, para no perturbar a sus maridos. Se apoyan entre sí, y comparten el conocimiento y la sabiduría de diferentes generaciones, en un ejemplo de sororidad en un entorno abiertamente hostil. Si bien Satrapi no la consideró una obra explícitamente feminista, en las vidas de estas mujeres, en sus relatos de amores, infidelidades y desengaños, hay una evidente reivindicación de sus derechos y su libertad.

'Pollo con ciruelas': la familia en tiempos del sah

Pollo con ciruelas (2004) es otra obra breve, de nuevo de no ficción —aunque con ciertas dosis de imaginación— inspirada en historias de su familia. Narra la historia de Nasser Ali, un músico que, en los años 50, durante el régimen del sah, pierde el deseo de vivir cuando su mujer le rompe su preciado tar, el instrumento tradicional del que es un virtuoso. Cada capítulo corresponde a uno de los últimos ocho días de vida de Nasser Ali, y exploran no solo sus sentimientos y su decisión final, sino también la historia previa y posterior de la familia.

Con un dibujo que, por momentos, parece inspirado en los grabados xilográficos, Satrapi se consagra como una narradora pulcra, con un cierto componente oral, para dotar de nuevos significados a sus historias. En 2011, el cómic fue adaptado al cine, en este caso en imagen real, con dirección de Satrapi y Paronnaud.

'El suspiro': la retirada con un cuento infantil

Tras la publicación de su tercera obra, Marjane Satrapi se alejó del cómic, para centrarse en su carrera como directora de cine, con The Gang of the Jotas (2012), Las voces (2014), protagonizada por Ryan Reynolds, Madame Curie (2020), una biografía de la física y química polaca y Paradis Paris (2024) con Monica Bellucci.

Como si sintiera que ya no tenía nada más que aportar en el medio en el que inició su actividad artística, se mantuvo al margen del cómic, a pesar de que, en 2011, publicó El suspiro, un cuento infantil ilustrado. Es una historia con forma de fábula sobre la hija de un comerciante que se enamora, demasiado, de un príncipe.

'Mujer, vida, libertad': una obra colectiva de reportajes

Fue la situación en Irán y las revueltas protagonizadas por las mujeres, con la acción simbólica de quitarse sus velos en público y enfrentar a los integristas religiosos, lo que hizo que Satrapi volviera al cómic una última vez, como coautora y coordinadora del volumen colectivo Mujer, vida, libertad (2023). Motivada por el asesinato de Masha Amini a manos de la policía de la moral, la obra presenta un conjunto de reportajes de no ficción, que toma por título un lema político kurdo y visibiliza diversas historias protagonizadas por mujeres disidentes, pero también por los hombres que las apoyan y combaten igualmente el régimen. El libro ofrece algunos textos de periodistas y expertos en la materia, e incluye colaboraciones de autores y autoras de cómic como Joann Sfar, Lewis Trondheim, Coco o Paco Roca, entre otros.

Breve, pero de gran relevancia, la obra historietística de Marjane Satrapi constituye uno de los hitos del cómic contemporáneo. Pocas autoras han resultado más decisivas en la transformación del medio y la expansión de la autobiografía y la memoria como temáticas universales. Su huella directa resulta evidente en decenas de títulos que tomaron el dibujo sencillo como lenguaje idóneo para contar la infancia, pero, indirectamente, está presente en cualquier novela gráfica que afronte el medio como un vehículo de expresión personal, política y colectiva.

La artista franco-iraní Marjane Satrapi, mundialmente famosa por su obra Persépolis, ha muerto a los 56 años, según confirmaron este jueves fuentes cercanas a la agencia AFP. De acuerdo con un comunicado de su entorno, Satrapi ha fallecido “de tristeza” un año después de la muerte de su esposo y compañero de vida, Mattias Ripa. En sus últimos meses, el Instagram de la dibujante y cineasta se convirtió en el reflejo de su luto con el mensaje recurrente: “Porque he perdido al amor de mi vida”.

Galardonada con el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades en 2024, nació en 1969 en Rasht (Irán), en el seno de una familia acomodada y de ideología progresista. El complejo contexto político que se dio en su país en los años posteriores a la revolución de 1980, motivó que fuera enviada a Viena para que continuara sus estudios de secundaria en el Liceo Francés de la capital austríaca. Una vez volvió a Irán, se matriculó en Bellas Artes en la Universidad de Teherán, donde obtuvo el máster en Comunicación Audiovisual.

En 1994 se trasladó a Francia, donde vivía desde entonces. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Estrasburgo y después se mudó a París. En 1997 inició su carrera como ilustradora de libros de cuentos para niños como Adjar y Los monstruos tienen miedo de la luna.

La artista se introdujo en el mundo del cómic de la mano del dibujante y guionista David B, que fue quien le sugirió narrar en este formato los recuerdos de su infancia y adolescencia en Teherán. El resultado fue Persépolis, la novela gráfica ilustrada en blanco y negro en la que Satrapi logró que se hablara de la Revolución iraní como nadie antes lo había hecho: en primera persona y de manera divulgativa, no como un conflicto alejado y ajeno al mundo.

Publicada en cuatro tomos, Persépolis alcanzó gran éxito de crítica y público. La propia dibujante se encargó de llevarla a la gran pantalla junto a Vincet Paronnaud en 2007. El largometraje de animación fue galardonado con el Premio del Jurado del Festival de Cannes, dos premios César y fue nominada al Oscar a Mejor película de animación. Su gran repercusión le impulsó a seguir transitando y combinando ambas vías: historieta y cine.

En 2003 publicó el cómic Bordados, en el que presentó una serie de reflexiones sobre las mujeres iraníes; y en 2006 Pollo con ciruelas, con el que obtuvo el reconocimiento a Mejor álbum en el Festival del Cómic de Angulema 2005. Ambientada en su Irán natal en 1928, narraba la historia de Nasser Alí, un músico que perdía las ganas de vivir después de que su mujer le rompiera su tar, el instrumento que le había acompañado hasta entonces.

Entre el cine y el cómic

Satrapi volvió a adaptar al cine su obra junto a Vincent Paronnaud, y posteriormente ha estrenado otras tres películas. En la comedia La bande des Jotas (2013) mostró una versión absurda de la habituales confusiones de maletas que se dan en los aeropuertos a través de Nils y Didier, dos jóvenes que viajaban al sur de España para participar en un campeonato de bádminton.

En Las voces (2014) mezcló humor y comedia con un reparto liderado por Ryan Reynolds, Gemmar Arterton y Anna Kendrick. El filme a Jerry, hombre que sufre con esquizofrenia y trabaja de mantener en secreto sus alucinaciones.

En Radioactive (2020), narró la vida de la química Marie Curie y su pareja, Pierre Curie, quienes desarrollaron la teoría de la radiactividad y descubrieron tanto el radio como el polonio. El largometraje, liderado por Rosamund Pike, estaba basado en la novela homónima de Lauren Redniss. “Fue una mujer que no buscaba gustar ni ser querida, y de ese modo es más fácil quererla”, describió Satrapi a Marie Curie en durante la promoción del filme. Su última película fue la comedia dramática Paradis Paris (2024), protagonizada por Monica Bellucci y Ben Aldridge.

Mujer, Vida, Libertad (2023) fue el último proyecto gráfico de la artista. Un volumen colectivo de no ficción en el que participaron el politólogo iraní Farid Vahid, el historiador también iraní Abbas Milani, el reportero francés Jean-Pierre Perrin y un grupo de diecisiete autores de cómic (entre ellos los españoles Patricia Bolaños y Paco Roca). El libro ilustra las revueltas producidas en irán a partir del asesinato de Mahsa Amini en 2022, a manos de la llamada 'policía de la moral'. En él se denuncia la represión y falta de derechos humanos que, según Satrapi, sufre la sociedad iraní, muy en especial las mujeres, por culpa del régimen.

Otra de las disciplinas en las que Satrapi destacó fue la pintura, con relevantes exposiciones en galerías parisinas como la Jérôme de Noirmont. Comandante de la Orden de la Artes y las Letras de Francia, la artista fue doctora honoris causa por las universidades belgas UC Louvain y KU Leuven. En 2024 fue elegida miembro de la Academia de las Bellas Artes de Francia.

La última edición del Cómic Barcelona ha quedado grabada en los anales de la historia cultural española gracias a un hito sin precedentes en sus galardones. En este 2026, el certamen barcelonés, que recibió a unos 92.000 visitantes, se convirtió en el escenario de un cambio de paradigma largamente esperado por el sector. Teresa Valero, nacida en Madrid en 1969, ha sido la protagonista absoluta al alzarse con el premio a la mejor obra de autoría española. Este reconocimiento no solo premia su talento individual, sino que rompe un techo de cristal que se mantenía firme desde la creación del premio en 1988. La victoria de la autora madrileña simboliza el “momento dulce” que atraviesa actualmente el cómic firmado por mujeres en nuestro país. 

El galardón obtenido en Barcelona por Valero por su obra titulada ‘Contrapaso: Mayores, con reparos’, publicada por Norma Editorial, marca un punto de inflexión estratégico. Es la primera vez en casi cuatro décadas de historia del salón que una mujer recibe esta distinción máxima a nivel nacional. Este hecho inédito pone de relieve una anomalía histórica que la propia autora no dudó en señalar durante la ceremonia de entrega. Según Valero, es increíble que haya tenido que pasar tanto tiempo para que una creadora logre conquistar este prestigioso espacio. La categoría de este año destacó especialmente por contar, por primera vez, con cinco mujeres nominadas para el gran título. Este dato refleja una realidad innegable: la presencia femenina ha ganado una visibilidad y un peso específico arrolladores en la industria. 

La obra premiada, el segundo volumen de una trilogía, transporta al lector al Madrid gris y convulso del año 1956. A través de un monumental fresco ‘noir’, Teresa Valero explora las profundidades de la posguerra franquista con una maestría narrativa excepcional. La trama se desencadena con la misteriosa muerte de un censor eclesiástico en el interior de una sala de cine. Este suceso sirve de catalizador para destapar una red de corrupción y secretos que implican a las más altas esferas del régimen. La autora utiliza el género policial para realizar una disección quirúrgica de una sociedad oprimida por la dictadura y sus estrictos códigos.

En sus páginas se combina la intriga clásica con una potente carga de crítica social y una mirada muy humana. El nivel de detalle en la ambientación logra que el Madrid de la época cobre una vida inquietante y real. Valero demuestra ser una cronista visual impecable capaz de capturar la esencia de una España sumida en el silencio. Uno de los pilares que sustenta la calidad de ‘Contrapaso’ es su rigurosa documentación histórica, basada frecuentemente en hechos reales. Valero no teme abordar temas espinosos como el enriquecimiento de la hermana de Franco mediante la especulación inmobiliaria. El cómic refleja con dureza el contraste entre la miseria y el hambre de la mayoría y la opulencia de la oligarquía. 

También se exploran realidades silenciadas de la época, como la persecución sistemática al pueblo gitano y a los homosexuales. La censura, los abusos de poder de la Iglesia y el papel del periodismo son ejes centrales del relato gráfico. La autora ha logrado reconstruir una memoria histórica necesaria a través de una narrativa que resulta tan didáctica como adictiva. Cada viñeta es el resultado de un exhaustivo trabajo de investigación que dota a la obra de una solidez académica. Es un testimonio gráfico que utiliza la ficción para desvelar verdades que permanecieron ocultas durante décadas de represión.

La trayectoria profesional de Teresa Valero antes de este éxito histórico es vasta y comenzó vinculada al mundo de la animación. Debutó realizando labores de preproducción en estudios como Lápiz Azul para series icónicas como Tintín o La Pantera Rosa. En 1996, cofundó el estudio Tridente Animación, donde trabajó en largometrajes destacados como Astérix y los Vikingos. Su salto definitivo al mundo del cómic se produjo inicialmente como guionista de series como Sorcelleries y Curiosity Shop. No fue hasta 2021 cuando publicó su primer trabajo largo como autora completa, encargándose tanto del guion como del arte. Aquella primera entrega, ‘Contrapaso: Los hijos de los otros’, ya cosechó premios importantes y el aplauso de la crítica. 

Además de su labor creativa, Valero comparte su conocimiento impartiendo clases de storyboard en universidades de Madrid. Su formación técnica en animación se traduce en una narrativa visual dinámica que dota de gran ritmo a sus páginas. El eje de la narrativa de ‘Contrapaso’ reside en su trío de personajes protagonistas, cuyas dinámicas son el motor de la historia. Nos encontramos con dos periodistas de sucesos: un veterano falangista desencantado y un joven compañero con ideales distintos. A ellos se une una joven ilustradora que representa la rebelión frente a los roles femeninos impuestos por la dictadura. Juntos forman un equipo que, a pesar de sus diferencias políticas, colabora para investigar a un asesino en serie. 

Una edición muy femenina

Dicha investigación sirve para mostrar las diferentes caras de una España dividida y herida por la guerra y el miedo. Los personajes están dotados de un gran carisma y una profundidad psicológica que permite al lector empatizar con ellos. Valero está trabajando actualmente en el cierre de esta saga, que promete una conclusión a la altura del éxito obtenido. La mezcla de géneros permite que la denuncia social conviva perfectamente con el entretenimiento del mejor suspense criminal.

El éxito de Valero en Barcelona no es un hecho aislado, sino que se enmarca en una edición marcadamente femenina. Otros premios importantes fueron recogidos por autoras como Natalia Velarde, premio revelación, y la belga Alix Garin. La obra de Valero queda así consagrada como una de las piezas fundamentales de la historieta contemporánea en lengua española. Con su talento como guionista e ilustradora, la madrileña ha abierto una puerta muy importante. El futuro del cómic español es, gracias a trabajos como el suyo, más diverso, valiente y comprometido con la memoria. 

Las misiones absurdas, los disfraces imposibles y los inventos que salían mal acabaron formando parte de la infancia de millones de personas en España. Mortadelo y Filemón nacieron como dos agentes secretos de la T.I.A., una parodia disparatada de los servicios de espionaje clásicos. Francisco Ibáñez creó a ambos personajes a finales de los años 50 y los convirtió en una de las parejas más conocidas del tebeo español.

Mortadelo se dedicaba sobre todo a disfrazarse de cualquier cosa para infiltrarse o escapar de los problemas, mientras Filemón intentaba dirigir las misiones con bastante menos éxito del deseado. Los dos trabajaban para una organización llena de inventos defectuosos, órdenes disparatadas y operaciones que casi siempre terminaban en desastre.

Aun así, aquellas historietas acabaron entrando en colegios, quioscos y casas durante décadas, hasta convertirse en una de las obras más reconocibles del humor español.

El Ministerio aprobó monedas para homenajear a Ibáñez

El Ministerio de Economía, Comercio y Empresa aprobó una colección de monedas para celebrar el 90 aniversario del nacimiento de Francisco Ibáñez, fallecido en 2023, según figura en el Boletín Oficial del Estado. La emisión llegará durante el segundo cuatrimestre de 2026 y estará dedicada a algunos de los personajes más conocidos del dibujante barcelonés.

Las piezas no nacen para el uso habitual en tiendas o cafeterías, aunque tendrán curso legal dentro de España. La intención pasa por lanzar una serie destinada al coleccionismo y recordar la importancia cultural que alcanzaron aquellas historietas.

Rompetechos y Sacarino acompañaron durante años a varias generaciones

Los personajes de Ibáñez acompañaron a varias generaciones con un tipo de humor muy reconocible. Las historias de la T.I.A. ridiculizaban la burocracia, las chapuzas administrativas y muchos comportamientos cotidianos del país mediante golpes, persecuciones y situaciones ridículas. Rompetechos aparecía perdido en cualquier lugar por sus problemas de vista. Pepe Gotera y Otilio destrozaban cada obra que intentaban arreglar. Mientras que el Botones Sacarino convertía cualquier tarea sencilla en un caos. Aquellas viñetas terminaron formando parte de una rutina semanal para muchos lectores, algo que explica la enorme popularidad que todavía mantienen décadas después de su aparición.

Nueve ejemplares recordarán a figuras de la Escuela Bruguera

La colección reunirá nueve monedas distintas y cada una estará dedicada a una figura del universo de Ibáñez y de la Escuela Bruguera. Además de Mortadelo y Filemón, aparecerán el Profesor Bacterio, Ofelia, el Superintendente Vicente, Rompetechos, Pepe Gotera, Otilio y el Botones Sacarino.

Una de las caras mostrará un autorretrato del historietista junto a su firma y el nombre de España. La otra enseñará a los personajes a todo color sobre un diseño inspirado en las viñetas clásicas del cómic español. El homenaje busca recordar tanto la carrera de Ibáñez como el lugar que ocuparon sus personajes dentro de la cultura popular.

El detalle que más comentarios ha generado es el valor facial de cada pieza, fijado en 1,5 euros. Aun así, esas monedas no se venderán por esa cantidad. Cada unidad costará 23,97 euros y tendrá una tirada máxima de 10.000 ejemplares. Las monedas estarán fabricadas en cobre recubierto de plata de 999 milésimas, pesarán 25,8 gramos y medirán casi 39 milímetros de diámetro.

Las reservas podrán hacerse por internet y en Madrid

La Fábrica Nacional de Moneda y Timbre habilitará tres vías de compra cuando anuncie la fecha definitiva de salida al mercado. Las reservas podrán hacerse por internet mediante la web oficial de la FNMT, en la tienda física situada en la calle Jorge Juan de Madrid y también mediante establecimientos especializados en numismática.

La colección completa también podrá adquirirse en un estuche especial pensado para los aficionados que quieran conservar las nueve piezas juntas. Aunque los comercios no estarán obligados a aceptarlas como forma de pago, el hecho de que tengan curso legal permitirá utilizarlas en España.

El precedente de 2021 ayuda a entender el interés que ya existe alrededor de esta nueva tanda. Aquel año salió otra colección dedicada al 85 aniversario del nacimiento de Francisco Ibáñez y muchas unidades desaparecieron rápidamente de las tiendas. Las piezas se vendieron entonces por cantidades situadas entre 12 y 15 euros, pero varias terminaron después en plataformas de reventa por cifras situadas entre 20 y 45 euros. Los especialistas en numismática suelen señalar que las monedas relacionadas con personajes muy conocidos despiertan bastante interés entre coleccionistas.

Rajoy, Juan Carlos I, Ayuso, Abascal, Cifuentes, Aznar, Casado, pero también Errejón, Ábalos, Pablo Iglesias y Carmen Calvo, hasta el Gobierno de España, Podemos y el periódico La Razón. Aquí no se libra nadie. Por los pinceles de Pedro Vera, dibujante de la sección “El gilipollas de la Semana” en la revista El Jueves, ha pasado lo más granado de la actualidad patria. Exacerbar los rasgos físicos del personaje es parte esencial de sus caricaturas, en las que el rostro se torna lienzo para dejar brotar un arte en ocasiones “lesivo”, según lo denomina el autor. Ahora, el retratista publica el primer tomo, dedicado a la política española, de la serie Titanes del bochorno (Astiberri, 2026), con la idea de continuar esta saga por la que también desfilarán deportistas, personajes internacionales y celebrities.

Vera, creador de los célebres personajes Ortega y Pacheco, admite que nunca pensó que pudiera armar un compendio con las cientos de obras que todas las semanas envía a la mítica revista satírica. “Fue durante un curso de verano en una universidad que uno de los asistentes me dijo que él las guardaba. Yo me imaginaba las caricaturas como si fueran cromos”, reconoce. Sin embargo, la elección que ha procurado en esta edición deja una completa recopilación de los hechos más bizarros de los últimos años en la política española.

Albert Rivera aparece hasta en cuatro ocasiones, otras tantas lo hace Abascal, al igual que Ayuso. Como todas las demás deshonrosas apariciones, sus caretos suceden a la oración latina “stulticia pejor scelere est”, que se podría traducir como “la estupidez es peor que el crimen”. En el caso de la presidenta regional, Vera precisa que es una mujer en la que “se ve claramente la caricatura, con esos ojos tan grandes, poseídos”. Asimismo, apunta que no es difícil elegir al gilipollas de la semana. “Por suerte o por desgracia, hay mucho candidato”, apuntilla. Su método de trabajo se basa en recibir desde El Jueves el nombre del personaje al que se le rendirá este particular homenaje, acompañado de algunos recortes de prensa que recogen los méritos que le han granjeado hacerse con el título. Una vez leídos, el dibujante compone la página.

Lo principal es la caricatura, magnificar aquellas características del rostro de la persona en cuestión. En ocasiones, también añade algo de significado al cuerpo. Así, tenemos a Rocío Monasterio vestida de jineta, a Ignacio González con el pijama de rayas blancas y negras de preso, a Arcadi Espada con el cuerpo de un mono tocando platillos, a Iglesias con una camiseta con la cara de Garibaldi y a Ábalos en bañador y chanclas. En ocasiones, el dibujo sale fácil al ver los rasgos más llamativos del personaje. Aquí entra en juego algo más inmaterial, difícil de explicar, incluso. “Es una forma de observar, soy capaz de saber qué es lo que más resalta. Por ejemplo, si veo que alguien tiene los ojos algo separados, mi mente lo exagera lo máximo posible”, describe el también ilustrador de Francofacts (Pasado & Presente, 2025).

Pablo Casado ha sido uno de los políticos que aparecen en este volumen que más trabajo han dado a Vera. “Me tiré todo un fin de semana para poder dar con su caricatura. A priori, se ve claro. Esos rasgos faciales, con los ojos hundidos en la frente, la cabeza cuadrada, pero me costó. Ahora ya me sale solo cada vez que lo dibujo”, expresa el retratista. Otra dificultad añadida es la “belleza objetiva”, tal y como la denomina, de ciertos personajes a caricaturizar. Le ocurrió con Pedro Sánchez, Begoña Villacís e Inés Arrimadas. “Son buenas caricaturas, pero no tan lesivas como las otras, porque son personas demasiado bellas”, sostiene.

Más allá de la técnica y la dificultad que encuentra en cada uno de los personajes que se ganan el título de “gilipollas de la semana”, Vera guarda especial cariño a Zebenzuí González, concejal tinerfeño del PSOE. El edil fue destituido y suspendido de sus funciones por el alcalde de La Laguna por sus comentarios en WhatsApp. En ellos, González presumía de “follar y enchufar” a empleadas. No se trata de uno de los primeros espadas de la política nacional, pero a Vera le gusta recordarle tal y como le dibujó, enfundado en un disfraz de pene. El dibujante admite que, a veces, se vale de imágenes de disfraces cutres que encuentra en Internet para engrasar su imaginación.

No es la única ocasión en la que el autor magnifica el aparato reproductor masculino como forma de dar a entender la soberbia del gilipollas de la semana caricaturizado. Con los testículos al aire aparece un sacerdote, representante de la Conferencia Episcopal, cuando la institución culpó de sus casos de pederastia a toda la sociedad por su “silencio cómplice”.

Algo parecido sucede con el PP de Murcia tras presentarse en la manifestación por el Mar Menor pidiendo soluciones cuando llevan 25 años gobernando en la región. En este caso, López Miras, el presidente autonómico, sobresale llevando sus testículos peludos en una carretilla. Algo más peludos son los testículos de Javier Maroto, en la página siguiente, en la que apareció después de “no comerse un cagao presentándose [en las elecciones generales] por Álava y luego empadronarse en un pueblo de Segovia para pillar cargo en el Senado”.

“Entrañable” también dice Vera que es Alberto Casero. En Titanes del bochorno, el diputado del Congreso aparece en dos ocasiones. Así le presenta el propio Vera: “El diputado del PP que se confundió en la votación de la reforma laboral, estropeando el ‘tamayazo’ que había urdido su gobierno”. Casero repite por volver a equivocarse con su voto, aunque esta vez no fue decisivo para el resultado, con el que apoyó una investigación al Gobierno de Rajoy por la Operación Cataluña.

Insultos de aquellos que no se ríen

Este profesional del dibujo admite que la política no le resulta un campo agradable de tratar. “Otra gente disfruta de ello como marrano en un charco, pero a mí me supone un esfuerzo abordar la política porque lo quiero hacer con honestidad, seriedad y rigor”, admite. Por eso, esta forma de trabajar con El Jueves es mucho más llevadera y le permite ahorrarse el tiempo de documentación previa para un dibujo. “Yo lo miro desde mi punto de vista de payaso y humorista”, afirma.

Y hace gracia, aunque no todo el mundo tiene la misma opinión. Abordar aspectos desde la crítica satírica y política a partir de la caricatura le ha granjeado numerosas reprimendas, amenazas incluidas, en sus redes sociales por parte de aquellos que no saben ver el mundo desde la ironía y el divertimento. “Antes se quedaba todo en tu nicho de lectores y, si me ponían a parir, lo hacían ellos con cartas al director de la revista. Ahora, el trabajo llega a públicos muy variopintos a través de las redes y a nada que no les guste, te increpan e insultan”, desarrolla.

La obra que comienza con estos ejemplos de política española y que continuará la saga de Titanes del bochorno se convierte así en un catálogo de políticos que día tras día hacen de las suyas. “Lo importante es que la imagen te provoque una primera carcajada, una sonrisa. Que cuando abras la página, el gepeto que he dibujado haga que te partas el culo de risa”, asegura el autor. Luego, el lector tendrá su tiempo para ver por qué ha sido merecedor de tan digno reconocimiento por los apuntes que el mismo Vera escribe alrededor del dibujo.

La pequeña aldea gala de Astérix y Obélix sigue siendo irreductible. El Tribunal General de Justicia de la Unión Europea ha tumbado la decisión de la Oficina de Propiedad Intelectual de la Unión Europea (EUIPO) que permitió que un empresario polaco registrara la marca 'Obelix' para productos relacionados con armas de fuego, municiones y explosivos. Otra victoria para Éditions Albert René, editora de la serie de cómics Astérix y Obélix, ¡por Tutatis!

El 29 de octubre de 1959 llegaba a los quioscos franceses la revista Pilote, una revista de historietas que invitaba a leer, y entre sus páginas se encontraba la historia que fue el comienzo de Astérix y Obélix, creados por el guionista René Goscinny, fundador también de la revista Pilote donde debutaron la pareja de galos, y el dibujante Albert Uderzo, que se basaron en la historia de resistencia de este pueblo frente a los romanos.

Obélix es el compañero de aventuras de Astérix el Galo. Es un guerrero gordo y fuerte, repartidor de menhires, comilón de jabalíes, terror de los soldados romanos y famoso por su fuerza sobrehumana ya que de pequeño se cayó en una marmita llena de poción mágica. Tiene un perro que se llama Idéfix.

El Tribunal General explica que el examen del renombre de la marca 'Obelix' llevado a cabo por la EUIPO partía de “un análisis incompleto y erróneo”. Según los magistrados europeos, la oficina de propiedad intelectual de le UE “no tuvo debidamente en cuenta ejemplos de diferentes productos en los que el término 'Obelix' u 'Obélix' aparecía acompañado del símbolo ®, que indica que se trata de una marca registrada”.

“Tampoco estaba justificado rechazar las pruebas en las que dicho signo se utilizaba en combinación con el signo Astérix. En efecto, esta asociación no impide determinar que el término 'Obelix' se percibe de manera individualizada, como una marca distinta, que puede haber adquirido renombre”, según argumenta la sentencia.

Por otro lado, la EUIPO “no valoró suficientemente el vínculo entre las dos marcas en conflicto”, cuyas características pueden llevar al público a asociar estas y son “susceptibles de menoscabar” el renombre de la marca anterior. “Esta valoración no puede limitarse, como hizo erróneamente la EUIPO, a concluir que hay diferencias demasiado importantes entre los productos y servicios en cuestión y que los públicos pertinentes no se solapan”, añaden los magistrados. No hay menhir que se le resista a Obélix.

Mortadelo, Filemón, la Ofelia o Rompetechos saltan del cómic a las monedas. El Gobierno ha anunciado oficialmente el lanzamiento de una serie de monedas de colección para rendir tributo al dibujante Francisco Ibáñez. Esta iniciativa busca celebrar el legado de uno de los historietistas más importantes del país, coincidiendo con el que habría sido el 90 aniversario de su nacimiento.

La colección está formada por nueve monedas diferentes que destacan por su colorido y diseño. Todas las piezas tienen un valor facial de 1,5 euros, aunque su propósito no es el de circular de mano en mano en las tiendas. Esto significa que, puesto que tienen curso legal en España y su valor facial está reconocido por el Estado, sí se podría pagar con ellas en tienda, pero los comercios no están obligados a aceptarlas como medio de pago.

Esta colección, pensada para conservarse, la completan nueve monedas diferentes. En una cara de la moneda aparece un autorretrato del propio Ibáñez con su firma y el nombre de España. En la otra cara de la moneda, representados a todo color sobre un dibujo que imita al cómic, sus personajes más icónicos: además de los inseparables Mortadelo y Filemón, la colección incluye al despistado Rompetechos, al profesor Bacterio, a la secretaria Ofelia, al Superintendente Vicente, al Botones Sacarino y a la pareja de chapuzas Pepe Gotera y Otilio.

Las monedas están fabricadas con una base de cobre y cuentan con un recubrimiento de plata de alta pureza. Cada moneda pesa 25,8 gramos y tiene un diámetro de casi 39 milímetros, lo que permite apreciar con gran detalle las ilustraciones de los personajes más famosos de la “familia” de Ibáñez.

Para los interesados en conseguir este recuerdo, la Real Casa de la Moneda comenzará su distribución oficial durante el segundo cuatrimestre de 2026. El precio de salida para cada una de las monedas será de 23,97 euros, sin incluir el IVA, y podrán comprarse tanto de forma individual como en un estuche que reúna la colección completa. Se trata de una edición limitada, ya que solo se fabricarán un máximo de 10.000 unidades de cada uno de las nueve monedas.

Este año, en la celebración del Primero de Mayo, se reivindica el derecho a la vivienda, además de las subidas salariales y un rechazo a la guerra, la cual contribuye al empobrecimiento de los trabajadores. “La crisis de la vivienda es el gran coladero por el que se van gran parte de los salarios”, advierte mi compañero Serafí del Arco en su boletín de esta semana, recogiendo la postura de los sindicatos.

Justo esta semana ha pasado por la reacción Biznaga, que vino a nuestros encuentros musicales con socias y socios de elDiario.es, para ofrecernos una entrevista y un concierto. Es uno de los grupos que más ha incorporado la lucha por la vivienda tanto en sus canciones como en sus acciones.

Jorge Navarro, bajista y letrista del grupo (y periodista, por cierto; durante un tiempo estuvo colaborando con nosotros) explicó tan bien el papel de los músicos que no se sienten ajenos a la vida en sociedad, que quiero recoger aquí sus palabras: “Tratamos con la música de participar en esa conversación social. Eso implica dar réplica a lo que se está hablando en la calle”.

“Nos parece lógico y nos parece potente tocar en un balcón en un edificio que está amenazado porque ha sido comprado por un fondo buitre, como ocurrió en la calle Tribulete en Lavapiés. Y creo que nuestras canciones, nuestro discurso, sonando ahí, de pronto se hacen realidad, baja a la tierra y toman forma de una forma muy potente”. ¡Bravo!

De la vivienda salto aquí a las ruinas, no sé qué asociación mental me permite tender el puente [guiño guiño guiño]. Esta semana hemos lanzado un podcast de periodismo narrativo del que estamos muy orgullosos: La memoria en ruinas. Si lees habitualmente (seguro que sí) la sección de Cultura, ya conoces el trabajo de nuestro colaborador José María Sadia. Sus historias sobre cómo dejamos derrumbarse nuestro patrimonio arquitectónico está siempre entre lo más leído (como la de esta semana).

Nadie como él conoce los peligros de no cuidar nuestros templos románicos, de permitir que claustros acaben desmontados e instalados en el jardín de alguien, o en el museo de otro país, o que murales medievales se pierdan para siempre. Esos reportajes cobran forma ahora de periodismo en audio, un apasionante viaje por España donde José María y Andrea Morán recorren pueblos abandonados, museos, yacimientos o incluso ciudades bajo tierra.

Comienza la serie con el primer capítulo, El misterio del claustro de Palamós. En 2012, un profesor de historia del arte redescubre un claustro románico en la finca de un millonario en Girona. ¿Se trata de un edificio auténtico o solo es una reproducción moderna? Espero que te guste. Cada semana, un nuevo capítulo. Lo encuentras en todas las plataformas.

Si eres de los que te preguntas qué ha pasado con Julio Iglesias, quiero contarte que esta semana hemos recibido una notificación judicial en la que se nos cita a un acto de conciliación con su representante legal. Nos piden que nos retractemos de las informaciones que hemos publicado sobre él. No lo vamos a hacer. No vamos a rectificar. Nuestro director Ignacio Escolar explica aquí los motivos. El resumen es: porque la información que publicamos es rigurosa, contrastada y veraz. Ya puede pedir misa, que decía mi madre. Esta demanda es un paso previo antes de presentar una querella, pero no está obligado a hacerlo. Si lo hace, nos defenderemos en los tribunales. 

Tres cómics, por Gerardo Vilches

'Martina y la isla de Jaume Pallardó' (Salamandra Graphic). La nueva novela gráfica de Pallardó es un edificio narrativo minuciosamente calculado, un laberinto de historias dentro de historias con ecos del mejor Daniel Clowes en el que seguimos los pasos de Martina, una recepcionista de hotel que trabaja en su primer cómic en sus ratos libres, y cuya vida cambiará cuando conozca a Sofía, una ilustradora de éxito… poco antes de que una riada inspirada en la dana de Valencia lo cambie todo. Una lectura que engancha y que se lee del tirón.

'Saquen sus muertos' de Rayco Pulido (Astiberri). El Premio Nacional Rayco Pulido vuelve al cómic con una adaptación de la novela Verano de Juan “el Chino”, del escritor canario Claudio de la Torre. El preciso dibujo de Pulido traza un escenario desolado en un pueblo isleño de mediados del siglo XIX, asolado por una epidemia. La versión de Pulido se presenta como fiel a la original, pero, como ya sucedió con Nela —su adaptación de la Marianela de Pérez Galdós—, en esa literalidad encuentra la forma de hablar de nuestro presente, en una historia que no solo recuerda a la pandemia de la COVID-19, sino que explora los límites de la civilización y la defensa de los valores que nos hacen humanos frente a la barbarie.

'Viene del Este' de Antonio J. Jiménez (Blackie Books). El debut de este autor ha sido una de las sorpresas de estos últimos meses: un cómic ambicioso, en lo formal, donde la influencia de Chris Ware es evidente, y en lo temático, con un crisol de historias cruzadas en una ciudad cualquiera, donde la precariedad y las ansiedades contemporáneas atenazan a sus habitantes, con el telón de fondo de una guerra que ha estallado en el este. El planteamiento de Jiménez sorprende por su madurez, tanto como por su capacidad para capturar la alienación que provocan la tecnología que busca engancharnos y el turbocapitalismo más perverso.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Escuchar canciones nos permite estar en contacto con nuestro yo del pasado o incluso ir conociendo al que será nuestro yo del futuro. Es un ejercicio interesante que se hace cuando alguien se empapa de cualquier forma de arte y revisita un determinado proyecto con el tiempo. En eso consiste el último disco de Inés de Lis, en el que el folk busca combinar pasado, presente y futuro. Una de sus canciones más interesantes puedes encontrarla en nuestra playlist, donde están también las recomendaciones de las semanas anteriores.

'Mariposa soy (lofi)' de Inés de Lis. “Como una gata consentida / Como una perra con bozal”. Así se define esta artista madrileña en uno de los temas del apasionante Time Honey, su nuevo disco. La cantante recurre al folk más clásico para jugar con él desde dentro: ya sea agregando interferencias o con voces que se van haciendo notar en segundo plano, Inés de Lis bebe de lo clásico para modernizarlo. Eso sí, sin pasarse demasiado y sin asustar a los amantes del folk. Escúchala.

'Shush' de Tori Amos. Volviendo al sonido oscuro que caracterizó muchos de sus proyectos en los 90, la cantautora estadounidense se sirve del piano y de elementos electrónicos para ahondar en los demonios que pululan por el mundo. “Las chicas del sur saben lo que significa / Cuando el patriarcado te dice: 'Cállate ya'”, canta Amos en un espectacular inicio para su disco In Times of Dragons. Escúchala.

'Target Practice' de My New Band Believe. El sonido clásico del que se empapa este grupo británico se torna más inquietante que nunca en esta canción. El narrador se dirige directamente a alguien que mató a su tío materno y planea su venganza, dejando claro que enviará a su víctima lejos para siempre. Pero más allá de lo que interesante que es la letra, la melodía no puede ser más ambiciosa, con un uso exquisito de las cuerdas en su brillante producción. No le quites el ojo de encima a esta banda. Escúchala.

Tres películas, por Javier Zurro

'Resurrection'. La película que más me voló la cabeza el pasado Festival de Cannes. El director chino Bi Gan revisa los últimos 100 años de cine y lo remodela mirando hacia el futuro en una película única, poética y sí, rara. No hace falta entender todo, simplemente dejarse llevar por las imágenes apabullantes que plantea el cineasta. Aunque no todas las historias que la conforman están al mismo nivel, varias de ellas, como el comienzo con ese teatro de sombras y el plano secuencia del fin del milenio en forma de película vampírica, son sobresalientes.

'Todo lo que fuimos'. Javier Bardem y Mark Ruffalo han sido de los pocos intérpretes en Hollywood que se han atrevido a condenar el genocidio e Gaza que ha cometido Israel. Ambos han puesto su nombre como productores ejecutivos de esta película palestina que ha escrito y dirigido Cherien Dabis para intentar apoyarla comercialmente. El filme es un emocionante recorrido a varias generaciones familiares a través de las cuales se cuenta la historia de Palestina.

'Enzo'. Laurent Cantet falleció hace dos años. El director dejó obras maestras como La clase o Recursos humanos, y también un filme por rodar que se quedó en un limbo del que lo rescató su amigo y colaborador Robin Campillo, con quien había escrito varias de sus mejores películas. Así, Enzo llega como una especie de película testamento realizada por alguien que creció a la sombra de Cantet. Una historia de descubrimiento sexual y del privilegio que, si bien no quedará para el recuerdo como una de las mejores películas del cineasta, sí que muestra varias de sus obsesiones.

Cinco planes para el finde, por Laura G. Higueras

Prisioneros del amor. Hasta el sol de la libertad (Barcelona). En el MACBA podéis visitar esta instalación audiovisual de los artistas Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme basada en una investigación reciente sobre la resiliencia de los palestinos encarcelados a través del canto y la poesía. A través de voces, canciones, sonidos e imágenes, sus piezas conectan al público con las vivencias de los protagonistas en un ejercicio artístico que busca romper el silencio ante la represión de su pueblo.

Hispania Nostra. 50 años comprometidos con el patrimonio (Madrid). El Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid acoge esta exposición que propone una reflexión sobre el valor del patrimonio como legado común, herramienta educativa y elemento esencial para comprender nuestro pasado, interpretar el presente y construir el futuro. El recorrido incorpora contenidos audiovisuales e interactivos que invitan al visitante a profundizar en la relación entre sociedad, cultura e identidad.

Fira del Llibre de València. Este fin de semana arranca la feria del libro en Valencia, que podréis disfrutar en los Jardines del Real (Viveros). Entre las presentaciones a las que podréis disfrutar de presentaciones de libros como Contra el descontento de Cristina Monge, Incensurable de Luna Miguel o Provida: manifiesto a favor del aborto de nuestra compañera Ana Requena.

'Gigante' (Bilbao). Este fin de semana es vuestra última oportunidad para ver esta obra en el Teatro Arriaga protagonizada por Josep Maria Pou. Inspirada en hechos reales y ambientada en 1983, arranca con el escritor Roald Dahl revisando las pruebas de su último libro antes de entrar a imprenta. Sin embargo, el escándalo provocado por un artículo antisemita que ha publicado recientemente lo ha colocado en el ojo del huracán. En su casa de campo, acompañado de personas de su entorno privado y editorial, se verá obligado a elegir entre disculparse públicamente o mantenerse firme en su postura, poniendo en riesgo su fama y reputación. 

Aisha No Puede Volar (Madrid). Los cines Yelmo Ideal han programado para el próximo lunes 4 de mayo un pase de la ópera prima de Morad Mostafa, que contará con la presencia de los periodistas expertos en Egipto Francesca Cicardi, compañera de Internacional de elDiario.es, y Francisco Carrión. Los especialistas debatirán, entre otros temas, sobre el desplazamiento forzado y las tensiones migratorias retratadas en la película, a través de una joven sudanesa en El Cairo.  

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Un chico como él. Edwyn Collins, uno de los grandes músicos del indie británico, cantante de Orange Juice, cuelga las botas. Se despide con una gira por España. Rafa Cervera le ha entrevistado.

'Norteña'. Julieta Venegas ha escrito sus memorias “del comienzo” y hemos asistido a un reducido encuentro online con medios en la que lo presentaba. Lo ha llamado “un ejercicio” de sacarse “el pudor”. 

El artesano discreto. El cineasta Jonás Trueba recibe una retrospectiva en el Pompidou y un libro sobre su carrera. Buena ocasión para que Javier Zurro vuelva a entrevistarle, que siempre es un placer.

Hay frases que nunca deberían normalizarse ni decirse con desdén, pero hay situaciones en la vida, normalmente en las que se juntan todas las penurias, en que se vuelve cotidiano lo tenebroso y lo triste y se une con el propio impulso del mundo y la vida de seguir adelante. Tan trágico como necesario.

Saquen sus muertos (Astiberri, 2026) es el título de la última publicación de Rayco Pulido, Premio Nacional del Cómic 2017, y es una frase que se tornó cotidiana durante la epidemia de cólera que azotó a una isla del Atlántico, dejándola incomunicada, en el terrible verano de 1851. 

La muerte se ceba especialmente en la capital que apilaba sus muertos sin que tuvieran ya acomodo en el cementerio de la ciudad. Basado en los acontecimientos reales durante la epidemia de cólera que azotó la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria en 1851, el lugar del relato no es necesariamente la ciudad de Las Palmas (o tal vez sí), pero eso, para el autor del cómic y para el de la novela en la que se basa, Verano de Juan el chino, de Claudio de la Torre, no es lo más importante para contar una historia que transcurre en un clima apocalíptico donde surge, de repente, una dinámica de convivencia con la muerte, un héroe anónimo vagabundo y una historia de amor, ya que en palabras de Pulido: “Cuando la muerte está arrasando tu mundo, enamorarse es un acto de rebeldía”. 

¿Qué historia se cuenta en Saquen sus muertos?

Es la historia de un personaje que se llama Juan, apodado El Chino. Es un personaje anónimo, no tiene familia, no tiene pasado, no tiene tierras; un desheredado que vive en un escenario casi apocalíptico, un momento especial en una isla atlántica a mitad del siglo XIX, donde una epidemia de peste cólera mata a gran parte de la población. Esa isla y ese evento se inspira en una epidemia real que tuvo lugar en Gran Canaria el verano de 1851, enfermedad que en apenas tres meses diezmó la población de la isla, en el caso de la capital, murió el 20% de sus habitantes.  

Las clases sociales se simplifican a dos, la de los vivos y la de los muertos

En ese escenario, el que tiene posibles o una finca donde refugiarse, abandona el entorno urbano, y eso generó en la ciudad un orden social alternativo, propiciado por ausencia de autoridad que controle a la ciudadanía y el devenir de la ciudad. Las clases sociales se simplifican a dos, la de los vivos y la de los muertos. En ese “mundo nuevo” de supervivencia se desarrolla esta historia. Tanto en novela como en el cómic la crítica social tiene un peso específico, también habla sobre la condición humana, cómo tendemos a comportarnos ante crisis reales o cómo nos comportamos cuando nuestros actos no acarrean consecuencias negativas. Hay bastante misantropía en esta historia pero aún así, Juan aguanta el tipo e incluso se permite algo de idealismo romántico. 

A la hora de la creación, ¿qué elementos has elegido como artista para contar esta historia, por el hecho de ser concretamente esta historia?; ¿Hubo alguna decisión especial en el uso del color, la elección de unas frases y no otras? ¿Algún recurso que como creador hayas empleado por primera vez en Saquen sus muertos? 

La decisión inicial era que iba a ser blanco y negro, eso siempre lo tuve claro por el elemento central, que es la muerte y lo que se genera en torno a situaciones de pánico colectivo. Habitualmente trabajo en blanco y negro, salvo unos pocos casos el color se limita a un efecto ambiental o decorativo y yo quiero simplificar al máximo mi relación con el dibujo y también con el lector. En este caso, al contrario de lo que sucedía con mi anterior trabajo, Lamia, la imagen parte desde el blanco, desde la luz y los espacios vacíos. La historia transcurre en verano y aparte del calor sofocante debía representar el vacío propio de los terrenos de medianías, terrenos baldíos, páramos, polvo, etc. 

Las variables isla y siglo XIX son relevantes porque cerrando el puerto incomunicas a la población

También la presencia del mar es importante, en este caso es una simple línea que transmite la sensación de horizontalidad a la composición y aporta calma, eso nosotros apenas lo percibimos porque es nuestro día a día, sólo cuando pasamos mucho tiempo fuera, en sitios sin mar, sentimos esa falta. La luz y belleza visual contrasta con la historia, ese contrapunto fue algo buscado, las viñetas apestan a enfermedad y muerte. También el hecho de que haya gran cantidad de escenario rural y natural hace que el dibujo sea también más orgánico, con mucha menos geometría de lo que es habitual en mi trabajo. Así que por ahí también fue un reto. Y luego la toma de decisiones de lo que se queda y lo que se va, en mi trabajo prima la narración visual e intento no utilizar textos a menos que sea estrictamente necesario, cuando no puedo transmitir la información de otra manera, pero condenso los diálogos todo lo que puedo intentando no perder el estilo y el tono. 

Has comentado en la presentación algo que parece honesto en los tiempos que corren de relato, redes y SEO, que es que en tu proceso de contar la historia, cuando tú ves que la cosa se sube de emotividad o de drama, tú mismo la rebajas

Sí, es un poco no recrearse en la emoción y el dolor, en la parte dramática. Usar los personajes para atacar más a la tripa del lector que a su cabeza. Eso es algo que ejecuté en Nela, mi adaptación de la Marianela de Galdós, un texto que enfrié mucho, especialmente la parte final. Supongo que también tiene que ver con mi carácter, más bien seco.

Cuando leo cómics o libros demasiado emotivos, me desconecto y los abandono, yo hago los libros pensando en mí como primer lector e intento replicar lo que a mí me gusta ver en las historias. Además, a medida que te interesas por los procesos de creación, las estructuras de las historias y empiezas a releer desde un punto de vista analítico ya no hay vuelta atrás, le ves el andamiaje a casi todo, es sencillo encontrar el “emociónese aquí” de muchos autores y autoras e intento huir de eso. Hoy muchos productos de éxito siguen esta tendencia, yo no vivo del cómic, así que me puedo permitir andar mi senda.

Mencionabas al principio que, tal como hizo Claudio de la Torre en la novela, el cómic evita nombrar la ciudad real en la que están basadas todas las desgracias. ¿Qué te resulta a ti interesante del recurso narrativo de la omisión de la ubicación?

Primero respetar al autor del texto original, porque fue su decisión. El localismo hoy es un valor, las historias desde la periferia venden y se protegen. Pero en los setenta supongo que era un lastre. Verano de Juan El chino se publica en la prestigiosa Revista de Occidente que fundó Ortega y Gasset donde han publicado algunos de los más grandes de las letras hispánicas, esa una editorial tenía una buena distribución en latinoamérica e incluso para el caribe, tenía vocación internacional, de manera que intuyo una estrategia para no quedar relegado a las estanterías de la sección de literaturas locales.  

También porque creo que a Claudio de la Torre para esta historia le interesan los ingredientes isla, S.XIX y epidemia, no un lugar concreto que lo aleje de la ficción. Lo que necesita es meter a un grupo de personajes en un entorno adecuado para que surjan los conflictos. De hecho, no se documentó demasiado, todo parte de una serie de artículos que escribió Néstor Álamo para la revista Falange en el 1962, esa fue su inspiración, una ficción basada en un evento real. Es como una matrioska, una ficción que sale de otra y ahora mi adaptación es una capa más. 

Has recreado un universo asfixiante con algunas grietas por las que el lector respira para ir ansioso a la siguiente página, pero personalmente tú que tuviste que recrear ese ambiente que el lector percibe así, ¿qué opinas de lo que debieron ser aquellas largas horas de un verano caluroso de epidemia? 

Yo creo que se lo puede imaginar cualquiera, la COVID19 no fue nada comparado con esto y mira el caos que generó. El cólera mata por deshidratación, mueres por vómito y diarrea, sin medicamentos debe ser una muerte horrible. Las variables isla y siglo XIX son relevantes porque cerrando el puerto incomunicas a la población. Sin puerto no hay mercancías, también pueblos y municipios estaban cercados para que nadie pudiera entrar ni salir. Esa situación se prolongó de junio a febrero, debieron pasar mucha hambre. En mi libro hay una escena de una madre y su hijo cazando palomas y ratas, esa escena es cosa mía, no sale en la novela original pero supongo que comerían cosas peores. 

La guinda de esta historia es que tiene tintes de pleito insular…

Sí, es un hecho anecdótico, algo que encontré buscando documentación anexa para un posible texto que funcionara de epílogo, pero que al final descarté. Esta epidemia aparece como uno de los eventos fundacionales del pleito. Lo dejé en la presentación como una curiosidad. Hay un libro del historiador Agustín Millares Cantero, Santa Cruz dominadora*, que especifica todos los movimientos que se hicieron para mantener el bloqueo con vistas a quitarle o al menos deteriorar el negocio del puerto de Gran Canaria, que era el gran negocio de las islas. Ese artículo defiende que hubo bastante mala fe y que maniobraron para prolongar el bloque más de lo necesario, el último muerto es de septiembre y hasta febrero no entró un barco al puerto de Las Palmas. Pero bueno, eso lo dejo para investigadores, divulgadores, periodistas e historiadores, lo mío es la ficción.

*Millares Cantero, A. (2007). Santa Cruz dominadora: el centralismo interno y la provincia imposible en el XIX canario. Ediciones Idea.

Resulta paradójico que, mientras que el mundo del cómic celebra una nueva Edad de Oro en la que se publica más que nunca y los festivales dedicados al género proliferan por doquier, la precaria situación de los creadores sea un secreto a voces. Son muy pocos quienes pueden permitirse vivir con cierta holgura gracias a sus lápices, mientras que la inmensa mayoría se afana en abrirse un hueco en el mercado esperando un milagro –casi siempre en forma de editor extranjero– que rara vez llega.

Incluso todo un premio Nacional de Cómic como Candela Sierra (Ronda, 1990) reconoce que “es un medio muy complicado, muy poquita gente vive de cómic en nuestro país. Yo ahora estoy viviendo un momento muy bueno con el premio, pero lo normal es que mucha gente lo combine con otros trabajos. Por ejemplo, yo doy clases y hago ilustración también”.

Una combinación que, por natural que suene, a la autora de la aclamada Lo sabes aunque no te lo he dicho le sigue sonando rara, “porque cuando haces un libro de cómic y te das a conocer, empiezan a pedirte ilustraciones, pero en realidad son dos lenguajes distintos. Por un primer libro que te ha podido llevar un año de trabajo, si tienes suerte, te pagan unos mil euros, mientras que por ilustrar en una revista o hacer una portada te pagan 300, 400, 500… Y lo haces en una semana como mucho”.

Magros anticipos

Para los artistas de cómic, algunos de los cuales pasaron recientemente por Sevilla en el Festival Hispacómic, los ingresos principales proceden de los anticipos que cobran por las obras publicadas, que suelen ser de un 50% de su porcentaje sobre la tirada. Pero es difícil que estas tiradas sean muy copiosas, de modo que deben confiarse al incierto goteo de los royalties que se van liquidando anualmente.

Para un compañero y paisano de Candela Sierra como José Pablo García, dibujante de larga trayectoria con títulos como Las aventuras de Joselito, La muerte de Guernica, Franco o Soldados de Salamina, “es muy complicado para un autor, tirando solo de los anticipos —incluso si son de obras por encargo—, que le salgan las cuentas para poder vivir, comer y todo eso. Yo por suerte tengo un par de libros míos que se han vendido muy bien y eso me permite que me salgan las cuentas cada año con los royalties que voy recibiendo”.

“El cómic de la Guerra Civil española y el de La muerte de Guernica, son los que mejor me han funcionado y siguen aportándome derechos de autor desde que se publicaron. El resto no se han vendido todo lo bien que yo hubiera querido. Y sobre todo las obras más personales, que encima son con las que has cobrado menos anticipo, son las más complicadas en ese sentido”.

Encargos y proyectos propios

Esto plantea otro dilema en los profesionales del dibujo: ¿Se debe aceptar encargos, aunque no resulten muy interesantes, o apostar por proyectos personales? “Lo más sensato es compaginar ambas cosas”, dice García. “Si tiras solo de proyectos propios, tienes que contar con que cada obra que publiques se vaya a vender muy bien. ”Yo, cuando acabe lo próximo que estoy preparando, ya veré. Igual me planteo hacer una oposición o algo y publicar un libro cada cinco o seis años. Creo que siempre voy a seguir haciendo cómic, pero quizá a otro ritmo y no dentro de un mecanismo industrial, porque tampoco me interesa. Algunos proyectos sí me llenan, pero la mayoría no me aportan demasiado. Y para eso prefiero buscar otro trabajo“.

En esta decisión pesa también la situación fiscal de estos trabajadores, con una alta discontinuidad de ingresos. “Cuando estoy preparando un libro me doy de baja de autónomo, porque hasta que no lo termino no cobro el resto del anticipo. Cobras una parte al principio y otra al final, y entre medias, a no ser que tengas muchos trabajos seguidos, no tiene mucho sentido estar pagando más de 300 euros al mes de autónomo. Otro empeño que tenemos muchos es publicar en revistas como El Jueves, una publicación periódica que te garantice un mínimo”.

Las editoriales no son ajenas a estas circunstancias. Daniel Díez, responsable de Cartem Cómics, con sede en Salamanca, comentaba tras una mesa redonda sobre propiedad intelectual que “la conclusión a la que llegamos es que el eslabón más débil de la cadena, en cualquier sistema —japonés, americano o europeo—, es el autor. A nivel de protección de derechos, pero también a nivel económico y patrimonial”.

La salida exterior

“Pero claro”, agrega, “al final no deja de ser una industria, y como todas tiene que ser rentable. En España lo habitual es pagar un adelanto de royalties entre el 8 y el 10 %. En casos excepcionales a lo mejor se puede negociar algo más. Pero es raro pagar por producciones como se paga en Estados Unidos. La diferencia es que allí es work for hire, es decir, obra por encargo: te pago y en general no reclamas nada más, aunque luego haya excepciones. Aquí, en cambio, la gente sigue ganando derechos de autor”.

En el caso concreto de Cartem Cómics, “nosotros siempre hemos tenido claro, desde que empezamos, que primero hay que vender esos derechos fuera”, asevera el editor. “En algunos casos, cuando firmamos el contrato, el adelanto no solo incluye la parte española, sino también lo que podamos vender en otros países. Pero para eso el autor tiene que ser exportable y tener mercado fuera. No es fácil, porque se produce mucho. Al final de lo que se trata es de tener paciencia, de empezar a publicar y de compaginar varios proyectos con cobros de royalties de obras anteriores que vayan arrastrando y complementen de alguna manera lo que estás haciendo ahora con lo que hiciste en el pasado, y que eso no pare”.

“La otra alternativa, que no es la más agradable, es buscar trabajo fuera”, prosigue Díez. “Pero nadie quiere eso; lo que queremos es fomentar una industria local. De hecho, los franceses pagan buenos adelantos porque en esos adelantos incluyen lo que van a vender en otros países. Pero ellos son capaces de vender a 20 o 30 países. Yo he visto obras de Glénat o de Dargaud que las han vendido a más de veinte países. Nosotros no somos capaces de vender a tantos. La línea de trabajo en la que creo que hay que avanzar es que los editores españoles seamos cada vez más vendedores de derechos y generemos nuevos recursos. Y no hablo solo de derechos literarios —es decir, de traducciones a otras editoriales extranjeras—, sino también de lo transmedia”.

El futuro, concluye Díez, también está ahí: “ser capaces de tener una interlocución fluida, como intentamos hacer nosotros, con sectores como los videojuegos, las series o las películas. También con juegos de rol o juegos de mesa, para que todo eso vaya generando ingresos que permitan a los autores puedan vivir lo más dignamente posible”.

Carpanta como espejo

Según estas fuentes, los anticipos que se manejan en el cómic español oscilan entre los 2.000 y 3.000 euros, una cantidad escasa para los meses de trabajo que suele suponer cualquier proyecto. Entre los nombres consagrados se pueden llegar a alcanzar los 10.000, pero solo cuando hay altas expectativas de ventas y una clara opción de llegar a mercados foráneos. Pero incluso en Francia, considerada La Meca de los dibujantes europeos, hay muchos que se aprietan el cinturón: según François Poudevigne, programador del BD Colomiers –el tercer festival de Francia tras Angoulema y Saint-Malo– ofreció datos asombrosos: en el país vecino, el 40 por ciento de los autores vive en riesgo de pobreza, y en el caso de las mujeres la cifra se eleva al 65 por cierto.

Ante este panorama Hispacómic 2026 acogió también la entrega del primer premio Carpanta como homenaje al popular personaje de Escobar, “icónica figura de la resistencia y la supervivencia ante la precariedad, valores que también pretende destacar este premio”, según explica su promotor, el diseñador, editor y agitador cultural Rafael Iglesias.

La primera edición de este galardón ha recaído sobre el veterano dibujante gaditano Ricardo Olivera, Fritz, para quien “la percepción de los lectores acerca de este mundo de la viñeta es muy distinta de la que vivimos los creadores”, explica. “Creo que una de las claves es que las tiradas son muy cortas, de manera que los porcentajes que nos llegan de estas son muy escasos”.

Pico y pala

“Publicar no es difícil, difícil es que te compense mínimamente”, comenta el autor de títulos como Las criaturas de la tierra incierta o El caballero del Santo Sepulcro. Hay quien piensa que en España no hay editores, sino publicadores, que te adelantan el 50 por ciento de la tirada… Y a menudo esta ni siquiera llega a venderse. Apenas promocionan lo que ellos mismos publican, y cuando tu libro deja de ser novedad se desinteresan y se vuelcan en los que sí lo son. Yo he llegado a plantearme la autoedición, porque al final quien mueve mis libros acabo siendo yo, yendo de festival en festival“.

Junto a estrellas como Kim, Keko o Miguelanxo Prado, por los espacios de Hispacómic se dejaban ver muchos jóvenes que aspiran a darse a conocer, pero para los cuales el futuro es incierto. “El mensaje para los artistas nuevos, los que aspiran a entrar en el mercado, sería paciencia y… pico y pala”, asevera el editor Daniel Díez. “Al principio hay que hacerse un nombre, hay que ir publicando poco a poco, sacar cosas y que la gente te conozca. Hay autores que quieren llegar y besar el santo, y sin haber publicado aquí publicar directamente en Francia. Los hay, pero es muy difícil. O en Estados Unidos, donde es verdad que se gana más, pero también es muy complicado entrar y a lo mejor pueden pasar años hasta conseguirlo”.

Logroño suma una nueva propuesta cultural dirigida a la juventud con la llegada de la primera edición de ‘Oh! Comics Fest Logroño’, el festival de cómic alternativo y fanzines que se celebrará los días 22 y 23 de mayo en La Gota de Leche, con entrada y actividades gratuitas hasta completar aforo.

La iniciativa ha sido presentada por la concejala de Infancia y Juventud, Laura Lázaro, quien ha estado acompañada por el director de ‘Oh! Comics Fest’, José “Bouman” Martínez; el coordinador de ‘Oh! Comics Fest Logroño’, Alfonso Sevilla, el autor del cartel el artista riojano, Fran P. Lobato, y el comisario exposición ‘35 años del fanzine La ratilla. La eclosión del underground riojano’, Enrique Cabezón “Kabe”.

“Apostamos por propuestas que conecten con las inquietudes de nuestros jóvenes y fomenten su creatividad. Este festival nace con la vocación de ser un punto de encuentro para artistas, creadores y público, y de situar a Logroño en el mapa del cómic independiente. Es una propuesta muy completa que refuerza nuestro compromiso con una cultura accesible, diversa y pensada para todas las edades” ha señalado Lázaro.

Nacido en Barcelona en 2018, ‘Oh! Comics Fest’ se ha consolidado como un espacio de referencia para artistas, editoriales independientes y público interesado en la creación gráfica contemporánea. En 2026 inicia su andadura en Logroño con una primera edición que aspira a consolidarse en el calendario cultural de la ciudad y que está organizado por la Asociación Cultural Amigos Raros.

La concejala ha subrayado el valor educativo y participativo del festival y ha señalado: “El cómic y el fanzine son herramientas muy potentes para la expresión, la reflexión y el aprendizaje. Queremos que este festival sea también un espacio donde la juventud pueda descubrir nuevas formas de narrar y de contar su realidad”.

Laura Lázaro ha destacado que su objetivo es que “este festival crezca y se consolide como una cita anual”. “Queremos que Logroño sea un referente en el ámbito del cómic alternativo y la autoedición, y este es un primer paso muy importante para conseguirlo”.

Por último, la edil ha subrayado que este viernes, 17 de abril, a las 19:00 horas, se ha organizado en La Gota de Leche un foro de jóvenes ilustradores ‘Encuentros ilustrados’.

Un cartel con sello local

El compromiso con los artistas locales se refleja desde el propio cartel del evento, realizado por el autor riojano Fran P. Lobato. La imagen presenta una ciudad convertida en página de cómic, con un elefante que recorre un camino como metáfora de exploración cultural y creativa.

En este sentido, la concejala de Infancia y Juventud ha querido poner en valor esta elección y ha destacado que “contar con talento local como el de Fran P. Lobato es fundamental. Queremos visibilizar a nuestros creadores y darles el protagonismo que merecen dentro de iniciativas como esta”.

El artista, con una destacada trayectoria que se enfoca hacia el cartoon, buscando siempre expresividad y dinamismo, participará además en un encuentro con el público el sábado 23 de mayo a las 18:00 horas, dentro de la programación del propio festival.

Un completo programa de actividades

Uno de los ejes del festival será la exposición ‘35 años del fanzine ‘La ratilla’. La eclosión del underground riojano’, comisariada por Enrique Cabezón, que recorre la historia y el legado de esta publicación clave en la cultura de nuestra ciudad. El viernes, a las 19:30 horas, tendrá lugar una mesa redonda con motivo de su 35 aniversario.

El programa incluirá también una muestra de fanzines educativos desarrollados en el ámbito escolar en el IES Profesor Julio Pérez de Madrid. Esta iniciativa utiliza el fanzine y el cómic como herramienta didáctica creando materiales, explorando recursos narrativos y experimentando con elementos como la pareidolia.

En ‘Oh! Comics Fest Logroño 2026’ destaca la participación de Raúl Gutiérrez, redactor especializado de Zona Negativa, quien ofrecerá una charla centrada en la figura de Mike Mignola, analizando su trayectoria y la creación de su universo propio con Hellboy dentro del mercado estadounidense.

Asimismo, el evento acogerá un encuentro con el autor de cómic alternativo Josas Ariño que presentará su nuevo trabajo ‘Cojón de Viejo’. Como parte de su identidad, el festival vuelve a apostar por los podcasts en vivo con la grabación en directo de ElFinFangFoom, que reunirá a todo su equipo el sábado por la tarde.

El programa incluye el taller ‘Cómo traducir una historia a viñetas’, impartido por César Hercé, así como una actividad dirigida al público infantil organizada por la revista Adoquín, en la que los más pequeños podrán crear sus propios mini cómics.

Entre las actividades más representativas destaca el Drink & Draw, que se celebrará el sábado por la tarde en colaboración con Bodegas Oñal en el espacio Stereo Rock and Roll, con la participación del artista Pedro Espinosa (Logroño, 1958).

Hoy, 11 de abril, el País Valenciano conmemora el trigésimo tercer aniversario del asesinato de Guillem Agulló i Salvador, un crimen perpetrado por un grupo de neonazis en 1993 que marcó un punto de inflexión en la conciencia política de toda una generación. En esta fecha de recuerdo y reivindicación, la memoria del joven militante se reaviva con el lanzamiento de la novela gráfica El diari de Guillem (Sembra Llibres), una obra que pretende ir más allá del icono político para redescubrir la persona que había detrás del símbolo.

La obra, que estará disponible en las librerías a partir del próximo 15 de abril, es fruto del trabajo conjunto del guionista Cèsar Martí y el ilustrador Daniel Olmo. La trama se articula a través de la voz de Betlem Agulló, hermana de Guillem, que en la actualidad descubre un diario oculto de su hermano. A partir de estas páginas, el cómic sumerge al lector en la València vibrante y peligrosa de los años ochenta y noventa, retratando la evolución de un joven apasionado por el deporte, la música y las subculturas de calle, hasta su toma de conciencia ante las agresiones del fascismo impune.

Los autores han tenido el visto bueno y el acompañamiento constante de la familia Agulló i Salvador para tejer este relato que bascula entre la realidad y la ficción. Según explican Martí y Olmo, la creación de este cómic respondía a una pulsión social: “Era como una necesidad en estos tiempos, queríamos hacer una cosa propia”. Con esta aproximación, el objetivo era claro: “Todo el que se había hecho era del post-asesinato, queríamos hacer una obra que aproximara a la faceta más humana de Guillem”.

Humanizar el símbolo ante la ofensiva reaccionaria

La publicación de este cómic llega en un momento de especial tensión política, marcado por la entrada de la extrema derecha en las instituciones valencianas y gestos como la eliminación del premio contra los delitos de odio que llevaba el nombre de Guillem Agulló. Para los autores, esta situación hace que la memoria de Guillem sea más necesaria que nunca: “Todos los que estamos preocupados por el auge de la extrema derecha sabemos que la figura de Guillem Agulló está más en vigor que nunca”, señalan, y advierten que “no queríamos perder el símbolo, pero sí humanizarlo”.

La obra también dedica espacio a recordar a otras víctimas del fascismo a menudo silenciadas, como Davide (David Àngel Ribalta), amigo de Agulló asesinado pocos meses después, o Carlos Javier Palomino, fallecido en Madrid en 2007. La elección del formato cómic, un género en pleno auge y cada vez más valorado, busca conectar especialmente con el público joven para contrarrestar unos discursos de odio que, según los autores, se están normalizando en las redes sociales y las instituciones, como por ejemplo eliminando el premio de Les Corts contra el odio que llevaba el nombre de Guillem Agulló.

Una visión integral del caso: la investigación de Rafa Xambó

Este esfuerzo para mantener viva la dignidad y la memoria coincide con la publicación reciente del libro de Rafa Xambó, Guillem Agulló. L’operació mediàtica i judicial darrere del crim feixista (Guillem Agulló. La operación mediática y judicial tras el crimen fascista). En esta obra, Xambó disecciona meticulosamente como se construyó el relato oficial para despolitizar el asesinato y presentarlo como una simple pelea entre bandas juveniles, evidenciando la connivencia de estructuras judiciales y mediáticas de la época.

Tanto el cómic de Sembra Llibres como la investigación de Xambó conforman un frente cultural necesario en palabras de Cèsar Martí, que entiende la cultura como una “herramienta de construcción masiva” ante la intolerancia. Treinta y tres años después, la figura de Guillem Agulló continúa siendo el eje central de la lucha antifascista en el País Valenciano, recordando que, a pesar de los intentos de borrar su legado, su nombre continúa vinculado a la libertad y la ternura.

Sortear los vericuetos del ensayo para adaptar al cómic las investigaciones más avanzadas en torno a la memoria histórica es una empresa en la que cada vez se embarcan más historiadores y dibujantes. Tras el bum de la novela gráfica surgido hace ya años y mantenido en el tiempo, algunos sellos editoriales apuestan por esta amalgama de plumas y pinceles, de texto y de dibujo, para acercar al público general la historia más reciente de España con un acierto que ya se ha materializado en numerosas traducciones. Este binomio entre historiadores y artistas nos deja un nuevo trabajo: España partida en dos (Crítica y Planeta Cómic), escrita por Julián Casanova, guionizada por Miguel Casanova e ilustrada por Carlos Esquembre.

Julián Casanova es catedrático de Historia Contemporánea en la Universidad de Zaragoza (Unizar), además de uno de los investigadores más reconocidos a nivel internacional sobre la Guerra Civil española. El título que ahora presenta fue un encargo original orientado a la audiencia anglosajona que vio la luz en 2013. Más de una década después, los trazos de Esquembre han dibujado esta pequeña aproximación para entender la contienda que marcó el devenir español durante el siglo XX: “He visto muchos cómics en los que el guionista resumía el libro con viñetas, pero difíciles, con mucho texto. Por eso me gusta tanto la versión de Miguel, más parecida a un guion cinematográfico”, describe.

Se refiere al trabajo desempeñado por su hijo, clave para que el título tenga cabida en las aulas de bachillerato. “Los profesores me dicen que con recursos así los estudiantes se interesan más por el tema”, añade. El historiador se muestra “contento” de haber entrado en este fregado, tal y como lo denomina, sobre todo tras ver el resultado final. “Esquembre lo ha hecho genial y ha conseguido que el cómic sea una nueva dimensión de mi obra”, sostiene Casanova, quien se congratula de que por primera vez en su vida ha podido ver dibujada una de las historias que ha escrito.

El cómic se hace fuerte en la cultura audiovisual

El propio Esquembre señala haberse enfrentado a un nuevo reto a la hora de adaptar la investigación del catedrático de la Unizar. Lejos de otros títulos suyos en Planeta Cómic como Las tres heridas de Miguel Hernández (2022), Lorca, un poeta en Nueva York (2023) y Los hermanos Machado (2025), en los que prevalecía una ficción proyectada en contextos históricos altamente documentados, aquí el viñetista ha agudizado mucho más el ingenio para respetar el rigor de la obra de Casanova.

Por ejemplo, el capítulo dedicado a la importancia de la Iglesia y al anticlericalismo en la España de comienzos de siglo, se ha decantado por contarlo a través de una ceremonia religiosa mientras no rehúye mostrar la violencia que suscitó el poder levítico en aquellos años. Miguel Casanova, por su parte, ha creado una dupla sinigual con Esquembre a través de la utilización de símbolos y metáforas visuales, una constante en los trabajos del ilustrador.

“Vivimos en un momento donde la cultura audiovisual está muy impuesta, sobre todo entre los jóvenes, a través de la inmediatez, la imagen, el poder y la fuerza de lo visual, y el cómic posee una combinación de todo ello”, considera Esquembre. En cuanto al formato, opina que las novelas gráficas no tienen por qué ser la puerta de entrada a otras temáticas: “El cómic ya tiene interés de por sí y hay muchos trabajos con una carga intelectual elevadísima”.

Un susto para Preston

José Pablo García conoce bien esto de dibujar novelas relacionadas con la historia. Por sus manos han pasado los lápices que han dado forma y color a libros como La guerra civil española (2016), La muerte de Guernica (2017) y Franco (2024), todos ellos originales de libros de Paul Preston publicados en Debate, al igual que sucedió en 2019 con Soldados de Salamina, adaptación de la obra de Javier Cercas. “Preston estaba muy asustado porque era un hombre completamente ajeno al cómic y pensaba que su obra se podría ver trivializada o que sus colegas se podrían reír de él”, introduce.

Nada de eso sucedió. “Sacar el primer libro suyo como novela gráfica fue muy oportuno, sobre todo sabiendo las grandes carencias que existen en la educación a la hora de explicar a los jóvenes qué fue y lo que supuso la Guerra Civil”, se explaya el dibujante. En este caso, García también es autor del guion: “Ha sido una labor de síntesis bastante grande. Mi principal intención era aportar claridad y amenidad a toda la densidad informativa que hay en esos libros”, admite.

El encargo de dibujar varias obras escritas como ensayos y narrativa le llegó de forma inesperada. Sin embargo, se vio inmerso en el proyecto desde el primer momento. “Cuando se trata la Guerra Civil en el cómic, muchas veces se hace a partir de historias pequeñas, particulares, pero no desde la complejidad de los grandes temas. Fue una responsabilidad muy grande elegir bien qué dejar fuera para no recargar la obra y que fuera amena su lectura”, desarrolla antes de asegurar que ya trabaja en una nueva adaptación de un escrito de Preston.

Novela gráfica y memoria histórica hace años que no se entienden sin un nombre propio: Paco Roca. Autor de cómics como El invierno del dibujante (2010) y Los surcos del azar (2013), publicadas con la editorial Astiberri, su último gran trabajo ha sido El abismo del olvido (2023), escrito junto al periodista Rodrigo Terrasa y donde cuenta la historia de Leoncio Badía, conocido como el enterrador de Paterna. “Quería algo a medio camino entre el reportaje periodístico, la ficción narrativa y la dramatización de los hechos, por eso fue ideal contar con Rodrigo”, introduce.

El también Premio Nacional del Cómic de España en 2008 por Arrugas reconoce que “es toda una suerte” para los autores poderse salir de la industria habitual que siempre acompañó al cómic, con sus entregas seriadas, trazo determinado y personajes muy marcados: “Poder hacer novela gráfica es una libertad que apareció casi al mismo tiempo que se recuperó la memoria histórica con la ley de 2007. Por fin, el medio ahora permitía contar esas historias con mayor extensión”.

El cómic crea la memoria visual que falta

Bajo su perspectiva, la novela gráfica aporta un resorte perdido en la historia de España: la memoria visual. Para Roca, este es “uno de los grandes problemas a los que nos enfrentamos con todo el revisionismo y el blanqueamiento continuo de la dictadura”. Y agrega: “Al no tener imágenes, y solo el testimonio y trabajo de los investigadores, no podemos ‘ver’ el horror que supuso la represión durante la posguerra”. No se equivoca. Por algo los aliados se esmeraron en documentar la situación de los campos de exterminio nazi a medida que los liberaban.

Convertir un sentimiento abstracto de dolor y pérdida en imagen es lo que hizo Roca cuando publicó El abismo del olvido, que ya ha llegado a países como Polonia, Brasil, Italia, Turquía, Estados Unidos, Francia y Alemania. “Recrear la memoria de todas las familias con las que hablamos supuso mostrar en dibujo el horror que habían vivido”, concede. Él es consciente de que trabaja con un tema extremadamente político y politizado, por lo que se esfuerza en ser honesto. “Siempre hay un respeto y tensión por lo que haces. Es muy importante este maridaje de los últimos tiempos entre autores e historiadores serios para poder contar los relatos con rigor”, enfatiza.

Terrasa, periodista de El Mundo y coguionista de El abismo del olvido, publicó la historia de Leoncio Badía en 2013. Entonces ya se había fraguado una intensa amistad con el dibujante. “Yo sabía que mi trabajo como periodista estaba al servicio de un cómic de Paco Roca, que no era una cosa de iguales, ni pretendía imponer mi relato”, comenta con humildad.

El periodista afirma sin titubear que la obra publicada junto a Roca, tras tres años de investigación, ha sido el mejor trabajo periodístico que ha realizado hasta la fecha. “Exige un nivel de rigor muy elevado. Tuvimos que cerciorarnos de cómo eran los uniformes de los soldados, cómo se cavaba una fosa, cómo era un consejo de guerra, y contrastar los bocetos con arqueólogos, historiadores y forenses”, ilustra.

Acostumbrado al reportaje largo, Terrasa se aleja del discurso apocalíptico que en ocasiones copa la profesión periodística. “He descubierto que hay muchos soportes y plataformas para hacer buen periodismo, y el cómic es uno de ellos”, finaliza.

El estadounidense Robert Crumb (Filadelfia, 1943) es uno de los autores vivos más influyentes del cómic mundial. No fue solo uno de los más decididos impulsores del comix underground a finales de los años 60, mientras vivía en San Francisco, sino que también fue uno de los primeros autores que consideró que el cómic podía ser un medio para la expresión personal y autoral, al margen de las grandes industrias.

Su influencia en la siguiente generación de historietistas puede rastrearse en figuras como Phoebe Gloeckner, Peter Bagge, Joe Matt o Daniel Clowes. Creador de personajes tan icónicos como el Gato Fritz o Mr. Natural, se reinventó a los 65 años con su propia versión del Génesis, su primera —y única— obra larga. Irreverente, ácido y autodespreciativo, el trabajo de Crumb constituye un corpus sólido y coherente a lo largo de las décadas, caracterizado por la crítica social y la exposición de su propia neurosis, lo que le ha traído no pocos problemas.

Recientemente, se ha publicado en nuestro país Crumb. Vida de historietista (Es Pop Ediciones, 2025, trad. Óscar Palmer), una extensa biografía elaborada por el escritor y crítico de cómics Dan Nadel. Se trata no solo de la más completa aproximación a la figura de Robert Crumb, sino también de una de las mejores biografías de autores de cómic que se hayan publicado.

Nadel aborda la labor con la intención de no ocultar ninguna de las muchas aristas del personaje, por deseo expreso del propio Crumb, que le puso esa condición para colaborar. El biógrafo no solo realiza interesantes análisis de las obras del dibujante, sino que también ha tenido entrevistas con prácticamente cualquier persona que haya sido importante en la vida de Crumb y siguiera con vida en el momento en el que realizó el proyecto.

Así, el viaje arranca desde una infancia y adolescencia marcadas por una familia disfuncional, con un estricto padre exmilitar y una madre con trastornos mentales, además de sus hermanos, con los que elaboraba sus primeros cómics artesanales. Crumb comenzó su carrera profesional en la empresa de tarjetas de felicitación de American Greetings, que le proporcionó sus primeros ingresos más o menos estables.

La biografía de Nadel nos guía por todas las idas y venidas de Crumb en una época en la que era más fácil vivir con lo puesto, saltando de ciudad en ciudad. Fue clave la creación del Gato Fritz, un éxito casi instantáneo que le procuró uno de sus primeros desengaños, cuando Ralph Bakshi la adaptó al cine en 1972 —fue la primera película de animación calificada X—, con unos resultados que no gustaron nada a Crumb.

El 'comix underground', la fiesta de las barrabasadas

Ya más o menos asentado en San Francisco, con su primera esposa, Dana Morgan, a quien abandonó más de una vez en su tendencia a la impulsividad, Crumb entró en contacto con dibujantes como Spain Rodriguez, Gilbert Shelton, Clay S. Wilson o Rick Griffin. Con ellos crearía Zap Comix en 1968, una de las primeras revistas consideradas underground: publicaciones subversivas que se distribuían por canales alternativos y que tuvieron no pocos problemas con las autoridades por sus contenidos violentos y sexuales.

El comix underground, como bautizaron a esta corriente informal, se inspiraba en autores como Harvey Kurtzman para explorar todo lo que no era posible en el cómic comercial, considerado un medio infantil o juvenil, con el objetivo de hablar de su tiempo, de las cosas que conformaban su mundo: drogas psicodélicas, música y algunas gotas de crítica social. Lo hacían, en ocasiones, con historias violentas, con sexo explícito y todo tipo de barrabasadas. Se trataba de hacer todo lo que estaba prohibido.

El underground fue el germen de todo el cómic adulto estadounidense que se desarrollaría en las décadas siguientes, desde Maus (1980-1991) de Art Spiegelman —que empezó su carrera como dibujante underground— al cómic periodístico de Joe Sacco, pasando por las obras de Alison Bechdel.

El éxito de Crumb, a pesar de la cadencia irregular de Zap Comix, estuvo en su capacidad de trabajo y su falta de límites. Fue uno de los primeros en usar una versión de sí mismo para hablar de sus obsesiones y exponer sus propios miedos y parafilias, como bien explica Dan Nadel. Sus historietas breves exploraban, además, la hipocresía de la sociedad burguesa tanto como la de la cultura hippie, con la que no terminaba de casar. Crumb, escéptico hasta el paroxismo, nunca pareció querer formar parte de ningún movimiento, más allá de sus colegas de profesión.

La obra de Nadel construye un certero retrato de un artista tímido, con evidentes dificultades para socializar en su juventud, contradictorio y con tendencia a huir de los problemas, lo cual le trajo, paradójicamente, sus mayores problemas. Crumb. Vida de historietista no obvia los acontecimientos más duros de la trayectoria de Crumb, como un mal viaje de ácido junto a su esposa Dana, de cuyos efectos tardó en recuperarse más de un año, su pésima paternidad con respecto a su primer hijo, Jesse, o sus problemas económicos motivados por su nula capacidad para los negocios.

La llegada a su vida de Aline Kominsky, su segunda esposa y una de las mejores dibujantes underground, pareció salvar a Crumb de una vida desastrosa. Tal y como cuenta Nadel, aportó orden y estabilidad, además de una pareja artística con la que publicó muchas páginas.

Convertido en un mito cuyos originales se subastaban por decenas de miles de euros, Crumb se alejó de la órbita del moribundo underground y se embarcó en nuevos proyectos, como la revista Weirdo (1981-1993). En 1991, la pareja, junto con su hija Sophie, se muda a una casa en un pueblo del sur de Francia —que Crumb pagó con el dinero obtenido de la venta de unos cuadernos de dibujos—, en busca de una vida más tranquila y cercana a la naturaleza.

Crumb sigue dibujando, al tiempo que desarrolla su pasión coleccionista por los discos de pizarra de música folk tradicional y toca el banjo. En 2009, publicaría El libro del Génesis, una traslación literal del primer libro de la Biblia realizada desde su ateísmo, y su primera obra larga, formato que había esquivado durante toda su carrera.

Fractura generacional

En 2019, durante la entrega de los Premios Ignatz —que reconocen los mejores cómics independientes— en la Small Press Expo, el dibujante afroamericano Ben Passmore motivó con sus críticas al trabajo de Crumb un aplauso cerrado en una sala llena de autores y autoras de cómic. El suceso evidenció de manera muy gráfica la fractura entre la generación de los underground y las nuevas sensibilidades.

Ciertamente, los estereotipos sexuales y raciales que manejaba Crumb resultan hoy inaceptables para mucha gente —dibujantes feministas como Trina Robbins también lo denunciaron en su momento—, y son claramente ofensivos si se extraen de su contexto. El propio Crumb reconoce abiertamente la misoginia de su juventud, que exhibía en historietas donde abundaba su esterotipo favorito: mujeres robustas, más grandes que él, a las que dominar sexualmente en todo tipo de tramas extrañas y delirantes.

En su defensa, el dibujante siempre ha dicho que esos trabajos no pretendían ser ejemplares ni modelo de conducta, sino, más bien, exploración de sus propias obsesiones y deseos enfermizos: a través de su exposición, señalaba los de toda la sociedad estadounidense.

En algunos casos, la lectura literal malinterpreta historias con un claro tinte satírico, como es el caso de Cuando los negros tomen América y Cuando los malditos judíos tomen América, publicadas ambas en Weirdo en 1993, dos provocativas piezas que mostraban todos los prejuicios racistas y miedos atávicos de la sociedad blanca estadounidense, con clara intención crítica. Sin embargo, las obras generaron una gran polémica y llegaron a ser prohibidas en Canadá, al considerar que incitaban al odio. Crumb, perplejo, pero también acostumbrado a meter la pata, no hizo nada por limpiar su reputación.

Las paranoias de Crumb

Pocos meses después de la llegada a las librerías de su biografía, lo ha hecho la última obra de Crumb hasta la fecha: Relatos de la paranoia (La Cúpula, 2026, trad. Hernán Migoya). Con la forma de un tebeo de toda la vida de los que le gustaba publicar, con 42 páginas, el padre del underground hace honor a su proverbial capacidad para pisar todos los charcos y expone en varias piezas cortas su espirítu crítico y suspicaz, que ha derivado a una paranoia evidente.

Desconfiado del sistema desde su juventud, Crumb se enreda en sus propias pesquisas sobre las vacunas contra la COVID-19, sin llegar a caer en una posición antivacunas clara, pero sí cuestionando inquisitivamente el papel de las empresas farmaceúticas en todo ello. Consciente de su propia deriva y sabiendo que puede haber perdido pie con la realidad, el propio autor siembra la duda en su discurso: en la portada leemos “¿Loco de atar o juez objetivo de la realidad? ¿Quién sabe?”.

A sus más de 80 años, el autor aún hace gala de una capacidad increíble para el dibujo, con sus precisas plumillas y su característico rayado, y dibuja no solo sus obsesiones paranoicas y su propia visión de las teorías de la conspiración, sino también un historieta cuyo guion escribió junto a Aline Kominsky años atrás, su particular homenaje a la esposa fallecida en 2022, o una reconstrucción de su mal viaje de LSD en 1966.

Cínico, afilado, dotado de su habitual verborrea, Crumb llama al pensamiento crítico e insta a los lectores a no creer a nadie, ni siquiera a él. Aunque se pase de frenada, su crítica contra los dogmas y el pensamiento único resulta válida, y coherente con toda una carrera dedicada a demoler tabúes sociales, para bien y para mal.

“¡Traemos esperanza en lugar de miedo, democracia en lugar de autoritarismo, Estado de derecho en lugar de anarquía, ética en lugar de corrupción desenfrenada, unidad en lugar de división y paz en lugar de guerra!”. El jefe Bruce Springsteen, un señor de 76 años, ha anunciado así que él y su E Street Band van a bombardear algunas ciudades de Estados Unidos con rock'n'roll. Esto sí que es sacar la artillería pesada.

No hay muchas voces críticas contra la guerra y el autoritarismo en EEUU, al menos que trasciendan fronteras y tengan impacto internacional. Por un lado porque hay artistas que no sienten que su arte o su producción cultural sea algo que esté enganchado o imbricado en la sociedad en la que viven. Son agentes culturales que creen, de alguna manera, en la pureza del arte.

A ellos, Pedro Almodóvar les decía (en octubre de 2024): “Los artistas se ponen enfermos, van al médico, cantan, bailan, son felices o son infelices y les afectan las leyes que rigen en su país, ¿cómo no vas a tener derecho a opinar sobre algo que tu vecino sí tiene derecho a manifestarse?”. Por otro lado, también hay que tener en cuenta que hablar con claridad en Estados Unidos tiene un precio. Por tanto, las palabras del Boss, tienen peso y valentía.

Los artistas, por sus motivos, pueden querer vivir en esa posición elevada o ajena, pero hay una parte del público que alaba, presiona y exige que utilicen su posición de privilegio para hacer que el mundo sea más mejor, y no solo más bello. Parecía que el público no puede hacer nada más que escuchar, y no es cierto. Esta semana hemos publicado una entrevista muy interesante con Edi Pou (mitad de Za! y Los Sara Fontan) porque ha escrito un ensayo sobre por qué la música es cada vez más uniforme y cómo no tiene pinta la cosa de cambiar.

Pou se basa en un análisis del ritmo de las canciones que más se escuchan, así ha detectado que el 4/4 lo domina todo. Ponte a buscar un ritmo ternario (como el vals) en tu playlist. O temas con ritmos extraños, incluso sin ritmo. En este artículo, Pou da algunos gestos para que el oyente contribuya a cambiar el paisaje musical. Rescato uno: hablar de música con tus vecinos y con gente de otras generaciones. No confíes solo en el algoritmo para descubrir música.

Tres cómics, por Gerardo Vilches

'Sedienta' de Paula Guerrero (Apa Apa Cómics). Tras publicar varios fanzines, Paula Guerrero lleva a la obra larga a su personaje, Chica Vampira. Con influencias como Buffy, cazavampiros o Jóvenes ocultos, la historia se sumerge en la angustia y el drama de la vida eterna y los amores del pasado, dibujado todo con un trazo de influencia underground. Guerrero introduce ciertas dosis de humor y urde una trama a partir de diferentes capítulos breves en un debut en la obra larga que la convierte en una autora a seguir.

'Los morfis. El huevo cósmico' de Lorenzo Montatore (Astiberri). La nueva incursión en el cómic infantil del autor de la biografía de Francisco Umbral o la historia inspirada en Talking Heads es una divertidísima aventura para todas las edades, con aires de Los Pitufos y mucho humor. Los morfis son unas criaturas cuya vida cotidiana se ve afectada por la aparición de un huevo cósmico, del que nace el chorlitorrinco, una enorme y bondadosa criatura. Al mismo tiempo, tendrán que defenderse de los ataques del malvado Peluso. Con un estilo de collage que mezcla dibujos y fotografías, Los morfis es una estupenda y original elección para la infancia.

'Barrio 5. El debutante' de Carlos Giménez (Reservoir Books). El veterano dibujante, pionero del cómic de memoria histórica, regresa a una de sus primeras series para cerrarla con una última entrega en la que cuenta sus inicios profesionales como ayudante de un dibujante profesional, hasta el momento en el que decide marcharse a Barcelona para labrarse su propia carrera. Las historias de este libro suponen, además, un fresco de la vida cotidiana del Madrid de los años 50, donde la represión chocaba con el impulso de los más jóvenes.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Las recomendaciones musicales que hacemos cada semana varían en su idioma, y hay mucha belleza en poder visitar diferentes culturas y expresiones artísticas a través de las canciones. Sin embargo, hay algo que cambia cuando traducimos una letra, una emoción. La artista Mavica lleva años viviendo y componiendo en otro idioma, pero con sus dos nuevos temas vuelve a su lengua materna como refugio emocional. Puedes escucharlas en nuestra playlist. Recuerda que comprar los discos de los artistas es otra forma de apoyarlos.

'Volverás' de Mavica con Uma. El proyecto de Marta Casanova, nacida en Cartagena y afincada en Londres desde hace años, hasta ahora se había desarrollado principalmente en inglés. Pero la artista, conocida principalmente como Mavica, se embarca de lleno en el español versionando en este idioma dos de sus temas, incluyendo el emotivo e íntimo Volverás. Estos pertenecían a su EP Lost in Translation y surge de una reflexión personal sobre lo que se pierde y lo que se recupera al cambiar de idioma. Escúchala.

'No tocar' de Pipiolas. El dúo de Adriana Ubani y Paula Reyes, que se dio a conocer con temas de synth-pop, reúne lo mejor que siempre las ha caracterizado en su nuevo disco, Pipiolas. Una de las grandes joyas de este álbum es esta canción (con videoclip rodado en el Museo del Romanticismo), en la que se rebelan contra los hombres manipuladores y optan por huir de ellos. “Yo lo que quiero es quedarme en una cueva”, canta Pipiolas, que alerta de aquellos hombres que compran “palabras” para luego usarlas y ejercer dominio sobre los demás. Escúchala.

'Avalanche' de Grace Ives. “Fuera de la cama y bajo las sábanas / Necesitamos un descanso para sentirnos el uno al otro”, canta Grace Ives en el segundo tema de Girlfriend, su recién publicado segundo disco. La artista estadounidense ha lanzado un trabajo en el que celebra la necesidad de probar cosas nuevas y fallar en el intento, moviéndose por los límites del pop y otorgando todo el protagonismo a la composición. Escúchala.

Tres películas, por Javier Zurro

'Altas capacidades'. La dupla Víctor García León y Borja Cobeaga han escrito una comedia ácida y brillante para debatir sobre la educación y los valores. Lo hace a través de una pareja que se obsesiona con que su hijo entre en un colegio de élite. La frase promocional ya dice mucho del filme: “Lo que sea para cambiar de clase”. La del niño… y la de unos padres con complejos que sacan a relucir sus miserias. Todo el reparto está brillante, pero lo de Juan Diego Botto como jefe encantador de serpientes es brutal.

'Dos fiscales'. Uno sale de la última película de Sergei Loznitsa como si le hubieran dado una paliza. Es una película de una sobriedad tan seca que raspa. Una crítica a las purgas estalinistas a través del laberinto kafkiano de un fiscal en busca de justicia. El director ucraniano abandona sus apuestas documentales para ofrecer un retrato contundente que resuena en el mundo actual con fuerza.

'Proyecto salvación'. Tengo muchísimas ganas de ver Proyecto salvación, que se ha estrenado en EEUU con unas críticas impresionantes y unos datos de taquilla estratosféricos. Hablan de una película divertida y tierna, pero a mí lo que me llama la atención es que por fin vuelven a dirigir Phil Lord y Christopher Miller, dos de los mayores talentos de la industria actual que son los responsables, desde el guion y la producción de títulos como La Lego película o las entregas animadas de Spider-Man.

Cuatro planes para el finde, por Laura G. Higueras

'En los márgenes: Festival Teatro a Pie de Barrio' (Madrid). 21 DISTRITOS organiza este festival que combina distintos formatos escénicos, con una mirada transversal de perspectiva de género y atención a temas relevantes para la ciudadanía, reforzando el teatro como espacio de diálogo y encuentro. Estará en distintos barrios de Madrid y la entrada es libre y gratuita. El cierre este domingo correrá a cargo de Pont Flotant, que interpretará Adolescencia Infinita, una pieza escénica sobre la memoria, el conflicto y la transformación.

Festival D’A (Barcelona). Hasta este domingo se celebra en Barcelona uno de los festivales de cine con más buen rollo del país. Una oportunidad para ver películas españolas que acaban de triunfar en Málaga o Berlín, pero también para apostar por cineastas que dentro de unos años se los rifarán en certámenes de clase A y que aquí se agrupan en la sección Talents. Además, hasta finales de abril se podrán ver las películas del alemán Christian Petzold en la Filmoteca de Barcelona. El director es objeto de una retrospectiva que repasa la carrera de uno de los autores más importantes del cine europeo de las últimas décadas.

'Interior Berlanga' (Zaragoza). Caixa Forum acoge esta exposición que ofrece una mirada íntima sobre uno de los directores más importantes del cine español, Luis García Berlanga. La exhibición propone un recorrido por su vida, obra y proyección internacional. De su mano ofrece una visión de la historia de España a través de sus filmes, mostrando problemas como la censura y examinando aspectos tan personales como sus miedos, a la muerte, al futuro o a las mujeres. El cineasta creó un universo propio berlanguiano que combina el imprevisto, la sátira, el costumbrismo y la caricatura. La muestra cuenta con una escenografía cinematográfica, que invita a transitar por sus escenarios vitales, como un despacho, un plató de rodaje y una sala de los años cincuenta, entre otros.

'Construyendo nuevos mundos. Las vanguardias históricas en la colección del IVAM' (Valencia). Esta exposición reúne a algunas de las primeras figuras de la escena creativa de las primeras décadas del siglo XX como Duchamp, Man Ray, Grosz y Heartfield. A partir de un total de 1000 piezas en distintas técnicas (pintura, collage, fotografía y escultura) estructuradas de forma temática, incluyendo obras centradas en visiones poéticas y oníricas, relacionadas con los movimientos dadaístas y surrealistas. También hay una parte dedicada al arte de propaganda, de crítica social y compromiso público a través del fotomontaje.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Por detrás de 'Amarga Navidad'. Desde el viernes, hay nueva peli de Almodóvar en el cine. Zurro la define como “brillante y arriesgada”. El director nos abre una ventana a su manera de rodar en nuestra Anatomía.

Del vértigo a la desobediencia. La escritora Elisa Coll, reconocida por su obra ensayística sobre la bisexualidad, hace una incursión en el teatro con Gloria, una obra que se apoya en la comedia y en la autoficción.

Se alquila piso turístico sobre ciudad fenicia. Vecinos y ecologistas tratan de frenar en el último momento y después de dos décadas de lucha una promoción de viviendas sobre la antigua Baria, en Almería.

Carlota Juncosa (Barcelona, 1984) no es una autora que se caracterice por tomar el camino fácil. Fanzinera, licenciada en Filosofía y profesora de diseño, en su primera obra larga se embarcó en un libro atípico, Carmen de Mairena. Una biografía (Blackie Books, 2017). En él narraba su encuentro con Carmen de Mairena y su entorno, sin filtros y sin condescendencia con el personaje. Con un estilo inmediato, alejado de lo académico, y un trazo sintético con el que comunica de forma directa, Juncosa llamó la atención de un mercado que ya entonces estaba empezando a acostumbrarse demasiado a ciertas fórmulas más cómodas.

Nueve años después, Carlota Juncosa ha vuelto a publicar un cómic (en 2024 publicó el ensayo El motor creativo en la editorial Temas de Hoy). Como en aquella primera obra, vuelve a ponerse a sí misma en el centro. Porque Malas ideas (Reservoir Books) puede considerarse una obra documental sobre la escena del grafiti en Barcelona a principios de los 2000, pero es también un ejercicio de autobiografía: el reencuentro emocional de la dibujante con su adolescencia, a través de varias entrevistas con grafiteros de su época que, en muchos casos, son sus antiguas amistades, que la conocieron como Lua.

Tal y como cuenta Juncosa en conversación con este medio, no ha sido fácil. “Ha sido un proceso largo, nueve años en total, ya que empecé con las entrevistas después de publicar Carmen de Mairena. Llegué a tener material para trescientas páginas, pero el libro ha acabado teniendo unas 180; tuve que quitar muchas cosas. Algunas las sacaré pronto en un fanzine para desquitarme”, revela la autora.

Pese a todo, Carlota Juncosa califica el proceso como “divertido”, y gracias al libro ha podido reevaluar una etapa de su vida de la que se había desconectado. Cuando comenzó con las entrevistas, ya no tenía contacto con esa escena: “Me había desvinculado completamente. Fue como invocar a fantasmas. Es como cuando ves a una expareja de hace millones de años” explica entre risas. Así, más allá de unas primeras páginas en las que Juncosa evoca las inseguridades y los descubrimientos propios de la primera adolescencia desfilan en sucesivos capítulos viejas amistades: Isis, quien fue su mejor amiga, Vodoo, Slim o El Burto. Gracias a ellos Juncosa explica las claves de diferentes modalidades: pintar metros, street art, tags (la firma de cada escritor). Pero hay un matiz: “Lo que más me sorprendió fue cómo cada uno de ellos se había especializado en una práctica muy concreta, según su carácter, aunque en los primeros años todos hacíamos un poco de todo”, explica la autora.

En Malas ideas, además, Juncosa expone algunas experiencias desagradables, incluso traumáticas, que tienen mucho que ver con su decisión de realizar la obra. “No supe por qué empecé este libro hasta que lo terminé”, confiesa la dibujante. “Creo que empecé las entrevistas para saber por qué ellos hacían grafitis, pero también para encontrarme a mí. De hecho, la escritura se demoró porque tuve que procesar cosas a nivel emocional que había dado por zanjadas, pero que si no incluía, y esto también supuso un dilema, no habría encontrado el sentido del libro para mí”, dice.

El machismo está muy presente en esas experiencias, aunque Juncosa matiza que no había más en la escena grafitera que en el conjunto de la sociedad. “Hoy hay más presencia femenina, porque hay gente que se ha educado con unos valores distintos”, afirma. Pero entonces, en los primeros 2000, “había cosas que eran peyorativas. Si eras una chica y ponías demasiado rosa o pintabas las letras con formas más redondeadas, estaba mal visto, pero no se decía directamente, se decía a las espaldas [risas]”.

En ocasiones, las mujeres eran señaladas por empezar a pintar porque su novio lo hacía, o perdían su red cuando cortaban con una pareja en cuyo grupo pintaban, tal y como explica la autora. “El machismo deriva en ciertos abusos, que tienen unas implicaciones psicológicas fuertes. Y lo que pasa emocionalmente se transmite a nivel artístico. Así que claro que yo necesitaba hacer ciertas cosas y ser temeraria. No estaba muy zen en ese momento, y tenía mis razones”, dice.

¿Vandalismo o arte?

Para buena parte de la sociedad, el grafiti no es más que una forma de vandalismo. “A veces el grafiti es destructivo, es feo y molesta —afirma—. Pero no todos los dibujos son bonitos o tienen que gustar a todo el mundo. Hay algo que dice Santiago Figueroa, que tiene un doctorado sobre grafitis, algo así como que decir que todos los grafitis no son válidos es lo mismo que decir que toda la pintura barroca no lo es. Hay que entender que hay una escala de calidad dentro de eso”.

En sus orígenes, el grafiti fue combatido por las autoridades, a pesar de que cuando empezó a actuar el pionero del medio, el estadounidense Taki 183, “la prensa lo ensalzó como algo curioso”, señala Juncosa. “Pero enseguida el papel de los periodistas cambió, con el objetivo de controlar la narrativa. Por eso es importante poder explicar las cosas desde otro lugar, para tener una visión que nos saque del discurso único, limitado e interesado”.

La autora relaciona la persecución del grafiti con la necesidad de control: “En la época de la Guerra Fría, cuando los grafiteros empezaron a pintar metros, lo primero que hicieron fue reprimirlos con agresividad. Pero también hubo un intento, que acabó rápido, de crear una división de la policía especializada en grafiteros, que negociaban con ellos y se ganaron su respeto”, señala. Incluso pueden encontrarse ejemplos de integración del grafiti con aceptación social, como el caso de Panamá que relata Juncosa: “Estados Unidos cedió unos autobuses, que fueron pintados por artistas del grafiti. A la gente le encantó y se convirtieron en algo emblemático, hasta el punto de que cuando los retiraron se pidió que no los destruyeran y los reconvirtieron en bares”.

En su época, nos cuenta, las cosas no eran tan complicadas como hoy, con las calles llenas de cámaras. “Había restricciones, porque era la época del eslogan ‘Barcelona, ponte guapa’, y se perseguía mucho pintar las fachadas. Pero no recuerdo que fuera especialmente difícil. Sabías los muros que había, dónde podías pintar”, explica. Y existía incluso un espacio emblemático, el muro del MACBA: “Todo el mundo lo conocía, venía gente de todas partes… Era muy divertido”, recuerda. Pese a ello, el libro muestra los choques con la policía y el trato denigrante que muchos grafiteros sufrían en sus manos. “Te dabas cuenta de que podían ser todo lo abusadores que quisieran, y eso era brutal”, explica la autora, quien llegó a entrevistarse con varios policías para un capítulo que finalmente no está en el libro. “Me decían que ellos solo querían un trabajo seguro, y que cuando hacían esas cosas se ponían ‘las gafas de madera’. Es decir, que miraban para otro lado. Fue muy revelador”, desarrolla Juncosa.

Los años del Fotolog e IRC

Para la dibujante, una de las cosas más importantes de la cultura del grafiti es cómo pone en cuestión una serie de valores que damos por sentados. “Cuando algo se sale de la norma y ataca los espacios públicos es donde tenemos el problema —señala—. Pero hay que pararse a pensar para darse cuenta de qué es legítimo hacer y qué no en un espacio público”. Tal y como afirma, eso no deja de ser un constructo, una ficción: “La sociedad nos vende la promesa de que vivimos en un espacio seguro donde todo funciona. Pero eso no es así: cada grafiti que ocupa un espacio donde no debería estar es un recordatorio de que no hay seguridad ni control”.

Así, se criminaliza el grafiti para evitar hablar de otras cosas, “como la falta de derechos, o las cuestiones raciales, que en Estados Unidos ni siquiera hoy se han resuelto”. Para Juncosa, hay algo rompedor en estas prácticas. “En una época en la que estamos bastante encorsetados, el grafiti es un reducto de la espontaneidad. Y eso es una necesidad humana”, afirma.

“El grafiti vivió una transformación con los smartphones y las redes sociales”, explica la autora cuando se le pregunta por la escena de hoy. “En aquella época, cuando hacíamos un grafiti lo subíamos al Fotolog, y nos comunicábamos por IRC. Ahora se entra en la lógica de las redes, estás mucho más conectado”, afirma Juncosa, que añade: “Internet ha generado una internacionalización de las prácticas”. También ha puesto mucha información a disposición de los jóvenes. “Ahora puedes encontrar como hacer las cosas para dummies, y hay más material, rotuladores más grandes… Pero no veo mi época con nostalgia, para nada. Cada momento es distinto”, afirma. “Yo ahora debo de estar superdesfasada con lo que se está haciendo —confiesa—. Pero hay algo, ese espíritu de querer hacértelo tú, que creo que se mantiene. Darte un lugar. Eso es imperecedero y está en cualquier momento de la historia. Cómo se expresa y qué contingencias atraviesa es lo que cambia”.

Reglas a los chavales

Determinado arte urbano parece haber sufrido un proceso de legitimización, que ha llevado a Banksy a los museos o que hace que muchos ayuntamientos paguen a artistas por decorar fachadas. Juncosa opina que “hay que pensar por qué uno se integra en lo oficial desde el grafiti, qué papel cumple”. Y advierte: “El grafiti, cuando tira al street art, puede acabar teniendo relación con la gentrificación, como sucedió en Berlín, que era una ciudad muy barata que apostó por el arte urbano y las casas okupas y hoy es carísima”.

Sin embargo, Juncosa no es partidaria de idealizar a la vieja guardia o marcarle el camino a la gente joven. “Hay grafiteros que se quejan de los chavales, de que lo tienen más fácil, pero es absurdo. El grafiti en sí mismo consiste en que no hay reglas, ¿por qué le impones unas reglas a los chavales?”, se pregunta.

Cuando se le pregunta a Juncosa qué es lo más importante que le ha aportado su experiencia en los grafitis, se toma unos instantes en silencio para contestar. “El grafiti me ha permitido desterrar la ficción de identificarme con algo que es estático. Las tradiciones nos aportan seguridad, y nuestro cerebro necesita eso”, reflexiona. La autora cree que la popularidad de determinadas creencias no es casual. “Estamos en un momento de auge de la astrología, por ejemplo, que indica que algo nos está faltando, algo que antes nos aportaban las religiones. Y el grafiti tiene un poco de eso: es una comunidad, como lo es una religión, hay unas normas, una rutina… Yo buscaba todo eso en el grafiti, pero con el tiempo me di cuenta de que no es así. Ese es el aprendizaje que me llevo: estoy bien dentro de la inestabilidad”, concluye.

El veterano dibujante David Beauchard (Nimes, 1959), conocido bajo el nombre artístico de David B., es uno de los dibujantes europeos más influyentes de su generación, que revolucionó el cómic francés, su obra magna, La ascensión del Gran Mal (1996-2003). Ahora publicado como Epiléptico, el libro se ha convertido en un longseller que trasciende generaciones. En aquella obra, David B. abordaba su historia familiar, marcada por la epilepsia de su hermano mayor, pero también dejaba constancia de su pasión por la mitología y la narración de historias que marcarían su obra posterior. De producción prolífica, David B. ha construido un universo propio, entre el folletín, el sueño y el mito, en el que destacan títulos como El jardín armado y otras historias (2006), Los sucesos de la noche (2015) o Diario de Italia (2019), sin olvidar su particular visión de Las mil y una noches, Hâsib y la reina de las serpientes (2017).

En su último cómic, David B. ofrece una historia que sintetiza todas sus virtudes como narrador. El señor Búho y el País de los Muertos (2026), publicado recientemente por Salamandra Graphic con traducción de Julia C. Gómez Sáez, propone un sorprendente viaje al más allá, al mundo en el que moran los muertos, en el que seguimos los pasos de Marie, una mujer a la que da miedo su propia sombra con forma de tigre, y que contará con la ayuda de un particular psicopompo, el señor Búho, en su búsqueda de una solución en el País de los Muertos.

En su visita a España para promocionar el cómic, hemos podido conversar con el autor, que explica que el origen de este se encuentra en un primer relato corto que adaptada un poema de René Daumal, escritor francés cercano al Surrealismo, que mostró una obsesión por la muerte en el transcurso de su corta vida, marcada por su interés en la espiritualidad y el misticismo. “En aquel poema de Daumal ya había elementos como lo de quitarse los ojos y sustituirlos por granos de sal para dormir cuando un vivo visita el País de los Muertos”, explica el dibujante. “Después de haber hecho este relato corto, que era la trasposición del poema a cómic, seguí trabajando en el concepto y desarrollé más a los personajes del Señor Búho y de Marie, y quise ampliar ese universo añadiendo algo personal, que fuera mi visión del más allá y del encuentro con la muerte”, continua el autor de Epiléptico.

En ese personaje de Marie, precisamente, se encuentra uno de los elementos más novedosos de la obra, ya que, de forma habitual, sus protagonistas son masculinos, trasuntos, muchas veces, del propio David B. En esta ocasión, el motivo se encuentra en su propia vida. “Cuando decidí hacer una novela gráfica sobre este universo, mi pareja de entonces, Marine, me dijo que se sentía totalmente identificada con Marie. Me dijo que esa chica que tenía miedo de su propia sombra era ella”, revela el autor. “Inconscientemente, la había convertido en el personaje. La realidad ha sobrepasado a la ficción, porque ella sufrió un cáncer y falleció antes de ver el libro terminado”. Así, de algún modo, el cómic se ha convertido en un homenaje a Marine.

“Conviví con mi pareja casi diez años, eso me permitía conocerla bien —afirma—. La quise mucho. Era una persona con mucha vitalidad, con mucha energía, con mucho sentido del humor. En el libro he querido transmitir eso. No es un personaje desesperado ni fatalista, sino que lucha. Tiene momentos de bajón, claro, pero, al igual que la persona real que yo conocí, siempre consigue reaccionar. Recuerdo que cuando estaba enferma tomaba mucha distancia al respecto, nunca se lamentaba. Se reía de su enfermedad”, recuerda David B.

Una mitología personal

En sus obras anteriores, David B. ha cultivado un gusto por la mitología y las viejas historias que evidencia sus eclécticas influencias, que van desde las religiones del Próximo Oriente antiguo hasta los mitos clásicos, pasando por las historias tradicionales chinas y japonesas. “Tengo influencias diversas, pero procuro desarrollarlas de forma coherente dentro de mi universo”, explica el autor, para quien, en El señor Búho y el País de los Muertos, la clave está en que se trata de “un mundo de la acumulación”. “Muchas veces parto de lo gráfico, de las cosas que me gusta dibujar —reconoce—. En el País de los Muertos, cada día llegan nuevos muertos, nuevos objetos y edificios abandonados. Todo lo que muere en la víspera desembarca allí. Quería transmitir esa sensación caótica, de que no tienes nada a lo que agarrarte, mientras que los que moran en ese mundo siguen anclados en el pasado, repitiendo lo que hacían en vida”, desarrolla David B.

La disrupción llega cuando es una persona viva como Marie la que visita ese mundo, en el que tiene que disfrazarse con un vestido especial, hecho de su sombra, para pasar desapercibida y que Cerbero, una criatura que es tres al mismo tiempo, no la pueda oler. “Es un falso mundo de vivos, es apariencia”, dice el autor. “Si estás vivo en ese mundo puedes disimularlo con ciertos trucos, que ya estaban en el poema de Daumal, como ponerte una palabra en la frente, taparte la boca con tu propia sombra mientras comes…”. En el proceso de elaboración de la obra el mundo en el que transcurre la historia se ha ido construyendo poco a poco, como nos explica David B.: “Tardé mucho en escribir el libro. Me quedaba atascado en algunas etapas, no sabía por dónde avanzar. Quería que Marie encontrara algo, pero no sabía qué… todo eso me lo he ido inventando sobre la marcha”.

Dibujar sueños

En el proceso de trabajo de David B. la intuición y la improvisación juegan un papel importante, ya que muchas veces sus historias se desarrollan con la lógica onírica, algo que ha tenido una gran importancia en su carrera, hasta el punto de dedicar obras enteras a dibujar sus propios sueños. Pero, según nos explica, resulta difícil trasladar los sueños al papel mediante el dibujo. “Cuando intento dibujar los sueños, tengo un recuerdo muy preciso, pero cuando intento concretar, todo se diluye y se borra”, comenta. “Te das cuenta de que son mucho más impresiones que cosas. Hay detalles de los que te acuerdas, pero todo lo demás es sumamente difuso. El dibujo es preciso, por lo que más bien tienes que hacer una trasposición del sueño. Es muy difícil transcribir un sueño con precisión, y no hay que intentar hacerlo. Los sueños son impresiones, sentimientos”, concluye.

Pese a las dificultades, David B. no podría renunciar a esta estrategia narrativa. “Es un ejercicio de dibujo y de adaptación. Me gusta hacerlo porque me aporta cosas distintas. Lo que veo en sueños son cosas que no podría imaginarme despierto”, reconoce.

El dibujo puro, el acto en sí de dibujar, resulta de vital importancia para este autor francés. En un momento en el que gran parte de la profesión recurre a herramientas digitales de diverso tipo, David B. se aferra al lápiz y a la tinta, que, nos dice, le provocan una alegría especial. “Lo único que sé hacer es dibujar a mano. Intenté dibujar con el ordenador pero no es lo mío. Me gusta sentir cómo la pluma rasca el papel”, confiesa.

De hecho, en sus historias casi siempre parte del dibujo, según nos relata. “En este libro, mi intención era hacer cosas que fueran peripecias que pudieran integrarse en la historia, pero que, al mismo tiempo, fueran cosas bonitas de dibujar. Hay una cohesión entre ambos”, afirma. Y esto es especialmente evidente en el propio escenario, una ciudad bulliciosa, llena de figuras y objetos que cambian de una viñeta a otra, y que recuerdan al París de los años de entreguerras.

“Me encanta París, he vivido allí muchos años”, explica David B. “Me gusta la estética de las películas de los años 20 y 30 que transcurrían allí —continúa—. Hay referencias a eso en el libro, los restaurantes, los pequeños cafés. Los policías que ayudan a Cerbero llevan uniformes de esa época. Me interesaba también trabajar con la clandestinidad de esos momentos, con cómo un personaje puede sobrevivir en un mundo como ese”, afirma el autor.

L’Association

El señor Búho y el País de los Muertos supone el regreso de David B. a L’Association, una editorial independiente de la que es miembro fundador desde 1990, y que ha sido referencia para cualquiera que haya querido dibujar cómics en Francia al margen de la gran industria. “Cuando empezamos con la editorial, llegamos en un momento favorable para una renovación de la novela gráfica”, explica el autor. “Por eso la editorial creció mucho. Tuvimos un gran éxito con Persépolis (2000-2003) de Marjane Satrapi. Luego ha habido una explosión de la edición independiente en Francia. Han aparecido muchas editoriales pequeñas y eso ha multiplicado las posibilidades de publicar para los jóvenes autores, y hemos dejado de ser la editorial vanguardista que éramos. Nos hemos hecho mayores, como todo el mundo”, reconoce David B.

La situación económica en el sector no es buena, tal y como confirma el dibujante: “la verdad es que tenemos muchos aprietos económicos, como todas las editoriales en Francia, porque ha disminuido el número de lectores, el precio del papel ha subido mucho después de la pandemia. Las cosas están bastante difíciles, pero intentamos seguir en la brecha”. Con 67 años y dos obras en proceso —una de ellas, la segunda parte de Epiléptico—, David B. no parece pensar en la retirada. “Para mucha gente el libro en papel tiene las horas contadas, pero es lo único que yo sé hacer”, concluye, con una sonrisa serena en la cara.

Entrar en la web de Guinness World Records implica descubrir algunos de los logros más extraordinarios. Desde la zanahoria más pesada del mundo, a la persona que más pajitas de plástico ha conseguido introducirse en la boca, pasando por la colección más grande de conos de tráfico, el vestido de novia más largo del mundo o la persona que más rápido ha conseguido un millón de seguidores en X (antes Twitter).

Entre la larga lista de récords, también encontramos algunos dedicados al mundo de la literatura. En concreto, hoy hablamos del cómic más grande del mundo. Cuando habla de “más grande”, la organización no se refiere a que este tenga más páginas y capítulos, sino literalmente al tamaño de la edición impresa. 

El ganador de este récord se lleva un libro que mide exactamente un metro de alto y 70 cm de ancho, lo que los hace de seis a siete veces más grandes que un manga japonés tradicional. El tamaño se traduce en un peso considerable: el cómic de gran formato supera los 13,7 kilogramos. 

El manga en cuestión, publicado por la editorial japonesa KODANSHA, formó parte de una edición limitada de 100 ejemplares por capítulo, que se agotaron rápidamente una vez salieron a la venta. Tiene sentido si tenemos en cuenta que el volumen en cuestión era de Ataque a los titanes, uno de los mangas más populares no solo dentro de Japón, sino también a nivel internacional.

A finales de 2019, el manga alcanzó las cien millones de unidades vendidas, demostrando su impacto a nivel editorial. Pero el éxito de esta historia, escrita e ilustrada por el mangaka japonés Hajime Isayama, se debe en parte a la adaptación en formato anime, dirigida por Tetsurō Araki y producida por Wit Studio, que con cuatro temporadas estuvo en emisión desde abril 2013 hasta noviembre 2023.

Otro récord para los fans del cómic

Guinness World Records incluye en su lista varias hazañas dentro del mundo del cómic, una forma de expresión narrativa basada en la secuencia de viñetas que se popularizó desde mediados del siglo XX. Por ejemplo, la colección de cómics más grande del mundo, que se encuentra en Estados Unidos.

Concretamente, la colección forma parte de la División de Publicaciones Seriadas y Gubernamentales de la Biblioteca del Congreso en Washington D. C., donde se reúnen más de 5.000 títulos y más de 100.000 ejemplares. El cómic más antiguo que forma parte de la recopilación es Popular Comics, publicado por primera vez en febrero de 1936.

Francisco Ibáñez, uno de los mayores referentes del cómic español, se sienta ante su escritorio. Dibuja frenético, acompañado de miniaturas de sus personajes más icónicos y al abrazo del sempiterno ratón que siempre escondía en sus obras. Un lápiz en cada mano -y uno hasta en el pie- para cumplir con su intenso calendario de publicaciones. Sobre la mesa, las viñetas del cómic que dejó a medias y que no pudo acabar antes de morir, en 2023. Así es el diorama -una maqueta- con el que se ha representado al dibujante para conmemorar su 90 aniversario, que habría sido este domingo 15 de marzo.

“Es muy fidedigno. Lo único que no se ajusta a la realidad es que siempre tenía un cigarro en la boca, pero plasmar eso habría sido políticamente incorrecto”, ha apuntado Núria Ibáñez, hija del autor, durante la presentación de los actos del Día Ibáñez. Este año, la familia, de la mano de la editorial Bruguera, ha decidido llevar a la vida a sus personajes y convertirlos en dioramas que se esconderán por diversas ubicaciones de Barcelona. El resultado es una ruta en la que los visitantes podrán ver a Mortadelo y Filemón, armas en mano; al botones con su brocha lista; o a todos los habitantes de la mítica Rúa 13 del Percebe.

Los personajes, que se podrán visitar a partir del sábado 14, han encontrado sus hogares en diversos templos del cómic y la literatura de Barcelona como las librerías Norma Cómics, o la Nausicaä, la Escola Joso, la sede de Penguin Random House o la Fnac de Rambles. Y, por supuesto, también la Biblioteca Gabriel García Márquez. Aunque no está especializada en cómics (esa está en Sant Andreu) sí que es la biblioteca del barrio de Sant Martí, en el que Ibáñez vivía y que visitaba con frecuencia. De hecho, hasta tiene un rincón dedicado al artista.

“Estamos emocionados. Absolutamente felices de tener en la biblioteca de su barrio este espacio de cariño”, ha apuntado Núria Ibáñez. En la Gabriel García Márquez hace años que tienen como misión “preservar la memoria y el legado del autor, para que trascienda al paso de los años y sea redescubierto generación tras generación”, tal como ha explicado Iris González, bibliotecaria del espacio.

Este equipamiento ha organizado diversas actividades para rendir homenaje al viñetista, como el Club de lectura de la T.I.A. o visitas escolares que han recibido a más de 800 niños y niñas. Además, es el escenario en el que se celebrará el Segundo Día Ibáñez, con talleres y actuaciones.

Y, como guinda del pastel, la ruta de dioramas. “Mi padre era detallista hasta el último milímetro. Ver a sus personajes en 3D le habría parecido una maravilla porque lo que él quería es que su obra fuera divertida, como un juego”, ha insistido su hija.

En homenaje al autor, las maquetas han respetado su atención al detalle y, como él hacía, han escondido un ratón en cada escena. También han incorporado dibujos y bocetos originales del artista. “Ha sido un trabajo muy metódico que hemos disfrutado mucho”, apuntan desde Omnipro, la empresa encargada de llevar a los personajes de Ibáñez a la vida mediante impresión 3D.

“Gracias a estos 'cachibaches', como él los hubiera llamado, los más pequeños podrán redescubrir, junto aquellos que ya no son tan chicos, la obra del artista”, ha añadido Isabel Sbert, directora literaria de Bruguera, quien también ha desvelado que, además de los cinco dioramas que estarán esparcidos por Barcelona, habrá otros dos más itinerantes. Uno de ellos muestra a Mortadelo y Filemón frente a la Puerta de Alcalá y se dirigirá hacia la Casa del Lector de Madrid, habiendo pasado antes por el Salón del Cómic de la capital.

Y, por último, hay otro más que se mantiene en secreto. Lo único que han desvelado las responsables de proyecto es que se trata de una escena sacada del álbum sobre las Olimpiadas del 92 y que se presentará en el Salón del Cómic de Barcelona para, luego, irse a la Comic-Con de Málaga.

Estos dos últimos están fuera de la ruta oficial, pero los otros cinco están esperando a los visitantes, a los que se obsequiará con una cartilla que irán rellenando con sellos inéditos, al estilo Camino de Santiago. Núria Ibáñez ha presentado el proyecto emocionada y orgullosa de la vida de su padre. Ella, junto al resto de la familia, ha sido la encargada de mantener el legado de su padre reeditando y publicando algunas obras inéditas. “Si viera estos dioramas estaría tan contento. Nos diría 'olé, que bien lo habéis hecho. Ya puedo descansar'”, ha remachado su heredera.