El consejero de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud, José Luis Pérez Pastor, y el gerente de Fundación Caja Rioja, Carlos Fuentes, han presentado hoy, 1 de septiembre, la exposición ‘Tebeos. La historia de la narrativa gráfica en España y en La Rioja’, organizada por el Gobierno de La Rioja y Fundación Caja Rioja. La muestra, comisariada por Fernando Rodil y que comparte las salas de exposiciones del Centro Fundación Caja Rioja La Merced y de la Biblioteca de La Rioja, podrá visitarse hasta el 27 de octubre.

En la sala de Fundación Caja Rioja se recorre a través de diferentes secciones la historia de la narrativa gráfica del siglo XX y se explica por qué surgen los tebeos, que parten de una evolución de siglos en donde el hombre contaba “cosas” con imágenes. Así podemos encontrar historias en los templos griegos, en la escultura monumental romana y en los templos católicos de la Edad Media. Los inventos técnicos hicieron posible su popularización al conseguir abaratar costes y ganar calidad.

La aparición de la imprenta en 1440 y, por encima de todo, la invención de la litografía en 1796 son pasos importantes al permitir la popularización de los dibujos en prensa y láminas, ya que el artista plasmaba directamente su obra en los soportes de la reproducción. La Revolución Francesa es, en 1789, también un hito porque hace aumentar la prensa satírica popular. En estas revistas satíricas la narración gráfica comienza a experimentar muchos de los elementos que posteriormente se perfeccionarán y se harán muy populares en el cómic.

En 1900 España tenía una población de 18,6 millones de personas y el analfabetismo suponía el 66 %. En este contexto nacen las primeras historietas españolas. Los primeros tebeos en España son la evolución de una manera de contar las cosas en revistas satíricas e ilustradas. Una muestra de ellas se expone en La Merced.

La posguerra contó también con sus tebeos condicionados, eso sí, por el bando en el que se publicaban y el público al que se dirigían. Terminada la contienda el tebeo resurge como una forma de entretenimiento destinado al público infantil casi exclusivamente y cambian también los formatos, ya que los cuadernos apaisados se reservan para aventuras, mientras que las publicaciones verticales son para las series de humor. Entre 1945 y 1965 se desarrolla la edad de oro del tebeo español con editoriales como Bruguera, Valenciana, Maga y Toray, que crean personajes míticos que forman parte de la memoria colectiva de muchas generaciones.

A partir de los años 70 comienzan a llegar las historietas de Francia, Italia y Estados Unidos y el panorama del cómic español se renueva. Junto a grandes autores internacionales aparecen nuevas revistas, se reinventan dibujantes ya consagrados y surge una generación de autores con lenguajes y temáticas muy diferentes. Publicaciones como ‘Tótem’, ‘El Víbora’, ‘1984’ o ‘Cairo’ son los nuevos referentes.

En la Biblioteca de La Rioja, por su parte, se encuentran reflejados una serie de dibujantes ilustradores, humoristas gráficos y guionistas, entre los que destacan Ángel Julio Gómez de Segura “Beaumont”, José Manuel Pajares Martínez, Pedro Espinosa, José Luis Galiano, Antonia Santolaya, Enrique Cabezón KB, Manuel Romero, Javier de Blas, Pedro Corcuera, Jorge Elías, Mariano Espinosa, Teodoro Hernández, Alberto Álvarez Morillas “Pizarrín”, Rubén Rodríguez Sedano “R&R”, César Rodríguez Moroy. Los humoristas gráficos Fernando Ruiz Pellejero “Nano”, David Lapeña Herrero, Carlos Sacristán “Tris”. Los ilustradores Jorge Frías “Sinsal”, Irene Llach, Raquel Marín, José María Lema, Adri Torres, Sara Martínez Maiso. También se incluyen los guionistas Luis Alberto Cabezón, Guillermo Calvo, César Herce, Julio Fernández López, Ángel Urbina Merino, Carlos Muntión Hernández y Piedad Valverde.

La exposición puede visitarse hasta el 27 de octubre en el Centro Fundación Caja Rioja La Merced, de lunes a sábado, de 18 a 21 horas, y en la Sala de Exposiciones de la Biblioteca de La Rioja de septiembre de lunes a viernes, de 10:30 a 14:00 y de 17 a 21, sábados y domingos cerrado; y en octubre, de lunes a viernes de 10:30 a 14:00 y de 17 a 21, y sábados y domingos de 10:30 a 14:00 y de 17 a 20:00 horas.

El consejero de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud, José Luis Pérez Pastor, y el director del Instituto Riojano de la Juventud (IRJ), Juan Diego Alcaide, han presentado hoy el III Festival RiojaCómic, que se celebrará en Logroño del 15 al 18 de octubre con la participación de Flavita Banana, Adri Torres, Quan Zhou, Cristina Durán y Miguel Ángel Giner Bou, cinco destacados nombres del panorama nacional del cómic y la ilustración. El festival, cuya sede principal será el IRJ, ofrecerá más de 25 actividades y extenderá su programación a otros espacios de la ciudad, con nuevas propuestas vinculadas a los juegos de mesa, los videojuegos y el K-pop.

Los cinco invitados participarán a lo largo del festival en conferencias, encuentros y talleres, compartiendo con el público sus experiencias profesionales, sus procesos creativos y sus diferentes formas de entender el cómic y la ilustración. Su presencia permitirá acercar a La Rioja algunas de las voces más interesantes y representativas de la creación gráfica contemporánea y conocer de primera mano sus trayectorias, sus obras y las distintas perspectivas que conviven actualmente en el mundo del cómic.

“Desde el comienzo de la legislatura teníamos claro que el cómic tenía que ocupar un espacio de atención dentro de nuestra acción cultural. Hablamos de un arte con más de cien años de historia, que ha sabido recoger las inquietudes de generaciones enteras y convertirse en un extraordinario testimonio de cada época, pero también en un territorio para la imaginación. RiojaCómic nos permite acercarnos a todas esas dimensiones y, además, hacerlo generando un espacio de encuentro entre quienes leen, quienes coleccionan y quienes crean cómic”, ha señalado Pérez Pastor.

El consejero ha destacado también la evolución del festival desde su puesta en marcha y su capacidad para generar complicidades con distintos agentes culturales de la comunidad. “Cuando un proyecto llega a su tercera edición tienes la satisfacción de comprobar que aquello que comenzó con las incertidumbres propias de cualquier iniciativa nueva ha encontrado su público y ha ido creciendo. RiojaCómic ha ido sumando aliados, espacios y propuestas, y queremos que siga echando raíces como un encuentro en el que los autores riojanos puedan compartir también experiencias con creadores de fuera y en el que el cómic se convierta en un lugar de encuentro intergeneracional”, ha añadido.

Más disciplinas para ampliar el universo RiojaCómic

Como principal novedad de esta edición, el festival incorporará tres nuevos espacios dedicados a los juegos de mesa, los videojuegos y el K-pop, que contarán con una programación específica durante todo el fin de semana. Esta ampliación permitirá sumar nuevas disciplinas vinculadas a la cultura contemporánea y acercar la propuesta a nuevos públicos.

El IRJ será el epicentro del festival y acogerá la feria del cómic, con numerosos estands en los que los aficionados podrán encontrar publicaciones, piezas y otros productos vinculados a este ámbito. La feria contará además con un acceso por la calle Ollerías, que permitirá ampliar el flujo de visitantes por el entorno del Instituto Riojano de la Juventud.

La programación se extenderá asimismo a la ESDIR y a la Biblioteca de La Rioja, que junto al IRJ conformarán los principales espacios del festival. En este sentido, Alcaide ha agradecido la colaboración de estas dos instituciones, que permiten ampliar el recorrido del público por distintas sedes y enriquecer la experiencia del RiojaCómic. “La suma del IRJ, la ESDIR y la Biblioteca de La Rioja nos permite crear un festival que se vive en diferentes espacios y que invita a moverse de uno a otro para descubrir actividades. Es una fórmula que ya funcionó muy bien el año pasado y que queremos seguir consolidando”, ha explicado.

La Biblioteca de La Rioja acogerá además parte de una exposición organizada en colaboración con Fundación Caja Rioja, mientras que el festival volverá a contar con una exposición de LEGO realizada por creadores riojanos. La empresa AK Interactive, referente en el ámbito del modelismo y vinculada a la ilustración, la creación de maquetas y el ocio creativo, desarrollará también actividades dirigidas al público joven.

La feria incorporará asimismo un espacio especialmente atractivo para coleccionistas y aficionados, ya que permitirá adquirir originales y otras piezas únicas directamente vinculadas a la creación gráfica.

Cinco referentes de la creación gráfica contemporánea

Flavita Banana es viñetista y desde 2021 publica diariamente una viñeta en 'El País'. Entre sus reconocimientos figuran el premio Gat Perich de humor gráfico, recibido en 2018; el premio Gràffica, en 2021, y el premio Mingote, en 2023, siendo la primera mujer reconocida con este galardón en sus 50 años de historia. También ha trabajado como ilustradora para S Moda, Orgullo y Satisfacción y Revista Mongolia y ha publicado varios libros.

Adri Torres creció en Logroño rodeado de cómics y actualmente trabaja para Marvel. Tras vivir en Nueva York, desarrolló su trayectoria en el ámbito del diseño y la animación, trabajando con equipos de grandes factorías como Marvel, Netflix, Pixar y Nintendo, especialmente en preproducción y diseño de conceptos, ‘environment’ y ‘props’. Recientemente recibió el premio de la Asociación de Diseñadores Gráficos de Estados Unidos por los carteles de MUWI 2025 y el de la Sociedad de Ilustradores de Estados Unidos por su trabajo para Mostea.

Cristina Durán y Miguel Ángel Giner Bou son pareja creativa y de vida y cuentan con más de 30 años de trayectoria como autores de cómic e ilustradores. Ambos tienen su propio estudio en Valencia, La grúa estudio. Durán recibió en 2019 el Premio Nacional del Cómic y Giner Bou es profesor de guion de la Universidad de Valencia. Han publicado con editoriales como Astiberri y Norma y desarrollan también trabajos de ilustración para prensa, publicidad y álbum infantil.

Quan Zhou, nacida y criada en Andalucía por padres chinos, es artista multidisciplinar, ponente, podcaster y novelista gráfica. Referente del humor gráfico, cuenta con más de setenta mil seguidores en Instagram y ha colaborado con medios como Píkara Magazine, 'El País', eldiario.es y Vogue. También ha participado en ponencias internacionales en universidades estadounidenses como Princeton, Stanford o Cornell y ha publicado cinco libros.

Tris, protagonista del cartel y homenaje al talento riojano

El cartel del III Festival RiojaCómic ha sido realizado por Tris, uno de los viñetistas de referencia de La Rioja. El encargo del IRJ supone un reconocimiento a la trayectoria de este artista, que cumple 30 años de dedicación al cómic, el humor gráfico y el arte secuencial.

Carlos Sacristán, Tris, nació en Logroño en 1967 y estudió Diseño Gráfico, con especialidad en Ilustración, en la Escuela de Arte de Zaragoza. Su estilo se reconoce por sus característicos personajes «cabezones», a través de los que desarrolla una mirada personal sobre la actualidad y, especialmente, sobre la realidad social de La Rioja desde una perspectiva crítica, cercana y humorística.

Este reconocimiento se completará con una exposición dedicada a su obra, organizada en colaboración con el Instituto de Estudios Riojanos (IER), que permitirá al público acercarse a uno de los autores más representativos del humor gráfico riojano.

“Tris es un valor seguro y queríamos que tuviera un protagonismo especial en esta tercera edición. Cumple treinta años de dedicación y su trabajo forma parte ya de la memoria gráfica de La Rioja. Su mirada sobre nuestra realidad, a través del humor y de la viñeta, ha acompañado durante años la actualidad de nuestra comunidad y creemos que este festival era un buen lugar para reconocer esa trayectoria”, ha concluido Pérez Pastor.

Apenas había cumplido veinte años cuando Jaime Martín (L’Hospitalet, 1966) empezó a dibujar lo que se convertiría en Sangre de barrio, su primera obra, la cual le consagraría como autor revelación en los premios del Saló del Còmic de Barcelona en 1990. La historia de unos chavales que transitan una adolescencia y primera juventud gris en un barrio donde las oportunidades no están ni se las buscan y el horizonte queda achatado por el paro, la violencia y las drogas. Chavales que viven en un ambiente marginal y de los que, a veces, la sociedad se ha olvidado. Chavales que se parecen mucho a los amigos y al entorno en el que se movía un Martín que comenzaba a dar sus primeros pasos como dibujante profesional. Un relato que, casi cuatro décadas después, sigue siendo un clásico de la historia reciente del cómic y que la editorial Norma ha reeditado y lanzado, de nuevo, a la mesa de novedades.

“No es una historia autobiográfica, aunque sí que está enmarcada en el barrio donde he vivido toda mi vida y en lo que tanto mis amigos, conocidos y yo hemos vivido”, admite Martín, en conversación con elDiario.es, rodeado de cómics en la madrileña librería Generación X. Así, Martín señala que, cuando decidió embarcarse en la creación de una historia que recogiera el testimonio de lo que era la vida en su barrio, sus amigos comenzaron a señalarle historias y anécdotas que fue apuntando en un cuaderno. Y de esas experiencias nació Vicen; un adolescente que acaba de mudarse con su hermana y su madre a L’Hospitalet y que vivirá sus primeros pasos en un mundo adulto, respirando lo bueno de un suburbio en el extrarradio y, sobre todo, lo malo.

“La sensación de rabia adolescente constante, que se ve sobre todo en la primera parte, la recuerdo perfectamente de uno de mis amigos, de Mario”, rememora Martín para añadir que, en aquel entonces, su colega empezó a trabajar en el camión de la basura. “Era un trabajo duro, que en su caso no estaba muy bien pagado, y recuerdo cómo, cuando estábamos por la ciudad y veía una terraza con niños pijos, se enfadaba mucho porque tenía esa rabia de clase acumulada dentro. Esa rabia que te sube al comparar lo fácil que lo pueden tener unos, mientras que otros…”, relata.

Los feos 80

La narración, que se construye sobre una ciudad fea, dura y que, prácticamente, estigmatiza y fagocita a la juventud que la habita, empujándola a vivir en los márgenes. “Todo lo que cuento está basado en la realidad, en las historias que veía en mi entorno”, insiste un Martín que, al asomarse de nuevo a Sangre de barrio, le ha sorprendido el lenguaje utilizado en el cómic. “Si lo escribiese ahora quizá fuese más comedido con algunas expresiones o comentarios peliagudos, pero es que es verdad que hablábamos así, que nos comportábamos así”, comparte el viñetista, también autor de trabajos como Jamás tendré 20 años, Las guerras silenciosas o Siempre tendremos 20 años.

Martín también comenta que, ahora que ha surgido cierta romantización de los 80 debido al recuerdo de la explosión musical y cultural que se vivió como resultado de una España que se sacudía el yugo de la dictadura, tampoco hay que olvidar la miseria que aún se respiraba por muchas partes. “Había aspectos muy feos y estaba todo por construir, tanto en el sentido físico como el psicológico”, opina el artista, que señala que “en un mundo en el que estaba todo por hacer”, el cambio de paradigma, la aparente libertad repentina, era algo difícil de gestionar.

“En nuestro caso concreto, llamábamos ‘ciudad sin ley’ a L’Hospitalet. Era sinónimo de delincuencia juvenil, era lo peor, y cuando decías que eras de allí la gente te miraba raro. Pensábamos que no había esperanza para nada, que estábamos marcados y condenados por ser de allí”, insiste Martín quien también define su lugar de origen entonces como pozos de oscuridad. Ciudades dormitorio donde gente de toda España había llegado para hacer crecer Barcelona.

Orgullo de barrio

El barrio, que es el suyo pero podría ser cualquiera con similares características en distintos puntos del país, es, además de escenario, uno de los personajes principales de la historia. Un entorno al que, casi, le falta poco para hablar.

“Cuando estuve pensando en qué historia quería contar, no tenía en mente algo concreto, una narrativa con introducción, nudo y desenlace, pero sí tenía claro que quería plasmar un sentimiento, el de abandono que todos teníamos”, explica. Y, para conseguir trasladar eso al lector, hay que construir un entorno que propicie esas sensaciones. Ahí es donde entra el protagonismo del barrio como entidad propia.

“Es curioso”, continúa, por otro lado, Martín, “cómo, con el paso del tiempo, todas las cosas que nos fueron estigmatizando se han dado la vuelta y se han convertido en nuestra identidad, en nuestro orgullo de barrio”.

A ellos, los adolescentes marginados retratados en Sangre de barrio, les pasó un poco igual. “Llegó un momento en el que descubrimos que se podía salir, que aunque el ascensor social funciona siempre regular, y se queda gente por el camino, vimos que había otra manera de estar en el mundo y que también podía ser nuestra”, continúa.

Ahora, que hace tiempo que soy un hombre adulto, al revisitar este cómic no dejo de pensar en los padres que les decían a sus hijos que aguantasen y estudiasen otra cosa y no se rebotaran, a pesar de lo que pudieran ver en el día a día en la calle, porque siempre hay una salida

Jaime Martín — Dibujante

Muchos consiguieron hacerlo, salir de trabajos y vidas “de mierda” tras caminar toda la juventud en la línea que los separaba del abismo. Del abismo de verdad. Otros, como siempre ocurre, se quedaron por el camino.

“Ahora, que hace tiempo que soy un hombre adulto, al revisitar este cómic no dejo de pensar en los padres que les decían a sus hijos que aguantasen y estudiasen otra cosa y no se rebotaran, a pesar de lo que pudieran ver en el día a día en la calle, porque siempre hay una salida”, continúa el dibujante que, sin embargo, ve un paralelismo entre el pesimismo de su juventud y la juventud del hoy.

“Soy profesor y trato con gente que tiene unos 22 años de media”, explica, “cuando les escucho hablar da la impresión de que tienen la sensación de que todo está estancado, de que todo va a ir a peor, de que con el tema de la vivienda no hay futuro, que van a tener que compartir piso siempre”, continúa para señalar que esa rabia, esa desesperanza que ellos sintieron en sus barriadas a finales de los 80, hoy se encuentra en todas partes (y de otra manera) en unos jóvenes cuyos sueldos no dan y los alquileres no alcanzan.

“Hay muchos paralelismos con el presente, como el auge del uso de navajas y armas blancas en Europa en general, eso lo vivimos entonces. Igual que la precariedad constante o el tener que vivir, sí o sí, cerca de tus padres”, cuenta Martín. Los malos tiempos, al final, a veces vuelven.

Una luz que cae del cielo… Al pasar la página, son muchas luces en el cielo. Las viñetas se intercalan con los “booms”. Una chica llega a casa, de fondo siguen sonando las bombas. Después de cada viñeta, un nuevo “boom”. Así arranca Viene del Este, el cómic del jienense Antonio J. Jiménez que edita Blackie Books, justo antes de echar la vista atrás, a muchos días antes. Cambian las viñetas, y ahora el ruido de la guerra llega a través de las noticias de la radio…

“Vivimos tan sobreinformados que cada vez es más difícil hacernos reaccionar. Las palabras se repiten hasta el punto que han perdido su significado. Estamos insensibilizados. Parte de este libro se ha construido a partir del miedo a las bombas literales y metafóricas de las que nos advierten constantemente; pero también a partir de la reflexión sobre la indiferencia que hay cuando las bombas no caen sobre nuestras propias cabezas”, nos cuenta Antonio J. Jiménez, de Jaén, pero afincado en Granada.

Es un viernes 22 de marzo. Un día cualquiera. La ciudad despierta perezosa y despliega el runrún de la rutina entre sus calles: mientras unos preparan café, otros corren al trabajo. En la radio, las noticias hablan de guerra, crisis energética, desigualdad… Nadie tiene tiempo de prestar atención, mientras la vida sigue. El sol viene por el este y arranca otra hoja del calendario, son 24 horas las que hay por delante.

“La forma primigenia de este proyecto era la de una recopilación de las distintas historias cortas que había ido dibujando desde que empecé a hacer cómics. Muy pronto, debido a mis propias inquietudes, esto derivó en algo mayor: contar un día completo en una ciudad indeterminada, a través de las rutinas entrelazadas de sus habitantes. Este escenario común, temporal y físico, me permitía añadir muchas más capas de información a las tramas básicas de esas historias que ya tenía dibujadas. Además, al entrecruzarlas, todas se enriquecían recíprocamente”.

¿Qué nos vamos a encontrar en las páginas de este libro? “Salvando las distancias, un espejo de la sociedad actual, con sus defectos y sus virtudes. Condensado, como decía antes, es el paso de un día completo en una ciudad occidental. Creo que en función del diálogo que el lector mantenga con el libro, el reflejo de ese espejo será más fidedigno o distorsionado”, confiesa Antonio.

Uno de los recursos que utiliza el autor para reflejar esas noticias de la radio es un texto que atraviesa horizontalmente varias viñetas. “Las noticias que podemos ver de fondo en las historias no alteran las tramas de los personajes, pero sí provocan un runrún de fondo, que pretende trastocar el cómo el lector se relaciona con el libro. Como en nuestro día a día: puede que nuestra rutina sea la misma hoy que dentro de tres semanas, lo que cambia de ese día es el cómo percibimos la realidad del mundo a través de los móviles, noticias, informativos, publicidad, etcétera”.

Viñetas nada convencionales

“Creo que este libro me ha servido para terminar de definir mi propia voz. A nivel artístico siempre he tenido el mismo estilo, pero aquí he podido experimentar con muchos tipos de composiciones de página, microcambios estilísticos, uso del color o calidad de línea. Además de definir el cómo se pueden contar infinidad de cosas a través de una escena aparentemente cotidiana”.

Una de las señas de identidad de este cómic es que las viñetas no son nada convencionales, hay muchas páginas que son una sorpresa, pueden ser los planos cenitales siguiendo los pasos de algún personaje, los sonidos, los tamaños cambiantes de las viñetas, bocadillos que se cortan, mensajes de WhatsApp… “La idea formal de la que parte el libro es que cada historia jugara con una estructura básica de viñetas, que fuera distinta entre ellas, en función de cómo se percibía el paso del tiempo en cada rutina”, afirma Antonio J. Jiménez.

“Esta estructura la rompo siempre que es necesario, a favor de la narración. De ahí que haya ciertas sorpresas para el lector, como las que comentas. Del mismo modo, quería que el libro reflejara esa sobreestimulación en la que estamos inmersos, ese querer profundizar en algo que nos ha llamado la atención, pero perder el hilo de pensamiento porque un nuevo estímulo nos llega por otro lado”, añade.

“Capas y capas de información”

Otro recurso que utiliza Antonio son unos cuadrados que te llevan como a otra escena, a otro espacio, a otra historia… “Ese recurso es algo que me sale de manera muy natural. Es un modo de hacer una descomposición más detallada del tiempo o de un espacio, contando varias cosas en paralelo, algo que solo permite el cómic. Volviendo a esa sobreestimulación de la que hablaba antes, este recurso podría ser una síntesis de cómo percibimos la realidad actualmente, con capas y capas de información”.

Tras este proyecto, Antonio ha retomado la fase de investigación y guion de un proyecto que tenía a medias antes de embarcarse con Viene del Este. “Puedo decir que está conectado con él y en algunos aspectos es su antítesis, pero está en una fase muy precoz como para dar más pistas”.

Humorista, periodista, abogado, pedagogo, actor, locutor de radio, activista y, desde su asesinato, inspiración para miles de personas que encontraron en él un ejemplo de diálogo y resistencia contra el odio. La muerte de Jaime Garzón en Bogotá, el 13 de agosto de 1999, todavía retumba en un país que ve cómo aquellos que intentaron frenar la investigación de lo sucedido ocupan de nuevo el poder.

Pero la calle, los muros, los estandartes no olvidan que hubo culpables aún impunes: narcoparamilitares que actuaron con la connivencia de agentes del Estado. Yo quiero no morir (Astiberri, 2026) es la voluminosa novela gráfica dibujada por su hermano Alfredo y guionizada por la dramaturga Verónica Ochoa que ahonda en el duelo colectivo de todo un país a partir de la experiencia del propio Alfredo.

Se pone al habla un 10 de agosto, casi 27 años después del día del asesinato de su hermano. Un terremoto de magnitud 7,4 ha agitado hace pocas horas el país, por lo que la comunicación se corta en varias ocasiones. “La vigencia de Jaime sigue siendo impresionante. A lo largo de sus diez años como personaje de medios, se convirtió en una voz muy incómoda para el régimen, especialmente para el estamento militar, aliado con sectores del narcotráfico”, recuerda Alfredo a sus 67 años.

A día de hoy, él se dedica a la caricatura política. Muy diferente es el trabajo que realiza en la novela gráfica, donde relata en primera persona la historia de dos hermanos a través del duelo de uno de ellos, el suyo propio. “Lo importante es que la gente sepa qué fue lo que produjo una persona como Jaime en Colombia y cuáles fueron las circunstancias políticas e históricas que terminaron en su asesinato”, apunta Alfredo. Y como Jaime, otros tantos amigos de la familia más. “El libro es un homenaje a ellos”, añade.

Convertido en uno de los grandes defensores de los derechos humanos en Colombia, logró la liberación de más de un centenar de secuestrados. A su entierro acudieron dos millones de personas. Todos los avances que se han realizado en torno a su asesinato han sido simbólicos. El caricaturista político recalca que ha sido considerado crimen de Estado y de lesa humanidad. Colombia como Estado asumió su responsabilidad durante el anterior mandato, con Gustavo Petro al frente.

La única condena que existe recae sobre el comandante paramilitar Carlos Castaño. No llegó a pisar la cárcel debido a su fallecimiento en 2004. El exsubdirector del Departamento Administrativo de Seguridad, José Miguel Narváez, fue señalado como culpable durante la investigación. “Es un asesor de las Fuerzas Armadas que continúa en su trabajo”, subraya Alfredo.

Retorna el miedo con la extrema derecha

Alfredo logra embarcar al lector en un viaje emocional en el que visita aquellos aspectos clave para entender la realidad colombiana y la violencia que la rodea. La vigencia de lo ocurrido con Jaime es tal que hasta revuelve las tripas. “Con el triunfo de la extrema derecha, aparece Jaime como alternativa”, sostiene su hermano. No es baladí esta postura. Según agrega, días antes de la toma de posesión del nuevo presidente, Abelardo de la Espriella, la Biblioteca Nacional de Colombia les entregó todos los ejemplares de Yo quiero no morir por miedo a que nuevas órdenes dictaran su destrucción. También la radio y televisión públicas le entregaron el archivo que guardaban sobre Jaime por temor a que el nuevo Gobierno lo intentara ocultar de alguna manera.

El hermano de Jaime Garzón afirma con pesar que el Estado colombiano ha sido totalmente permeado por el fenómeno del narcotráfico y sus sectores más reaccionarios. “Y muchos de ellos ahora vuelven al Gobierno”, se queja. Sin embargo, ahí queda la memoria de tantas miles de personas que todos los domingos a las siete de la tarde sintonizaban la televisión para ver su programa de sátira política en el que hacía una suerte de deconstrucción de las noticias a través de 22 personajes inventados.

Tenía 38 años. Primero le amenazaron. En una entrevista realizada poco antes de su asesinato pronunció las cuatro palabras que dan título al cómic: “Yo quiero no morir”. Se sabía en peligro, pues formaba parte de una comisión gubernamental para facilitar el diálogo con una de las guerrillas, el Ejército de Liberación Nacional. También había hecho labores de intermediación humanitaria en casos de secuestrados por las FARC. “Fue una muerte anunciada”, recalca Alfredo.

Jaime incluso llegó a entrevistarse en la cárcel con Carlos Castaño, jefe de las autodefensas de Colombia, ejércitos privados de narcotraficantes, según las define Alfredo, y posteriormente condenado. “Le dijo que la orden estaba dada. Fue asesinado mientras se desplazaba al estudio de radio en el que tenía un programa el 13 de agosto a las 5:45 horas por unos sicarios que habían llegado desde Medellín y que pertenecían a un grupo de delincuencia común llamado La Terraza. Actuaron con la ayuda de algunos militares”, relata el hermano.

Construcción de la conciencia política

Verónica Ochoa, guionista de la novela gráfica, descuelga el teléfono mientras todavía procesa el sismo que acaba de golpear Colombia y que ha dejado más de 280 fallecidos. Aun así, está dispuesta a hablar de Jaime: “Su muerte vuelve cíclicamente y nos hace muchas preguntas”. Ahora ella tiene 49 años, por lo que cuando Jaime aparecía en la televisión todavía era una niña. “Es algo que nos cuesta imaginar desde el presente, pero en aquella época Jaime se daba unas licencias increíbles a la hora de realizar crítica política. Muchos construimos nuestra conciencia política, de agudeza a la hora de abordar esta completa realidad, junto a él”, enfatiza.

A través de la encarnación de personajes procedentes de las clases populares, trabajadores, Jaime fue capaz de poner en tensión a los poderosos. “Cuando lo mataron sentimos que todos los límites se habían traspasado, que este país había caído en un abismo muy difícil de comprender”, rememora Ochoa. Como tantas otras, ella engrosa la lista de esas personas que todavía ven en el humorista un ejemplo a seguir: “Somos legión, varias generaciones inspiradas por Jaime, por su capacidad de transformar conciencias, pero también por ser capaz de desescalar el conflicto y la polarización”.

Desde el punto de vista de esta dramaturga, Colombia enfrentó unas atrocidades, silenciamiento y neutralización de las luchas sociales que ahora se están dando en otros contextos y latitudes. “Las luchas del pueblo colombiano tienen mucho que decirles a otros pueblos en estos momentos. Me gusta pensar que el arte, libros como este, tiene esa función de restaurar el tejido”, se explaya.

Muchos jóvenes que no habían nacido en 1999 rescatan ahora la memoria de Jaime de múltiples maneras. “Jaime tiene un aura que ha generado afectos intergeneracionales. En un pueblo tan dividido como el colombiano, él es un punto de confluencia”, sostiene la propia Ochoa. Por otro lado, la guionista de Yo quiero no morir apunta que los cómicos son de vital importancia para una sociedad sana. “Ahí tenemos a Trump, que ha arremetido precisamente contra ellos”, recalca.

Un dibujo real

La novela gráfica publicada hace dos años en Colombia y que ahora llega a España de la mano de Astiberri ocupa más de 550 páginas en las que florece un dibujo realista: “Estábamos construyendo sobre la verdad. Me interesaba que las cosas se parecieran a las cosas, que no hubiera de parte del lector ningún esfuerzo de interpretación, que pudiera llegar de manera sencilla y directa al mensaje”, dice Alfredo.

Licenciado en Bellas Artes en 1982 y autor de un dibujo semanal caricaturesco que publica en El Espectador, Alfredo incide en la importancia de los colores, algo que se aprecia en aquellos pasajes que suceden de día o de noche. “Nos llevó mucho tiempo llegar hasta estas paletas. Elegimos una algo más pastel porque queríamos conseguir una experiencia sin tropiezos, que el libro se pudiera disfrutar de forma fluida”, agrega.

Ochoa destaca que el cómic se creó de una manera experimental, casi liminal. “No quise ceñirme a un guion inicial, sino ir reaccionando a las coyunturas que Colombia nos pone en frente una y otra vez”. De esta forma, logró responder a las tres premisas con las que partió su labor de guion: “Abordar el duelo complejo, aquel que deriva de una violencia desencadenada por un Estado que en teoría está llamado a proteger a sus ciudadanos; revisar las potencias del país, de donde emergen genios como Jaime y otros tantos liderazgos; y por qué Colombia insiste en cercenar y aniquilar esas potencias, por qué insiste en asesinar lo mejor que emerge de su tierra”.

Esas premisas dejaron el espacio suficiente para que brotara la vulnerabilidad de Alfredo, autor del dibujo. El resultado es un ejemplo de recuerdo, homenaje y memoria hacia uno de los grandes defensores de los derechos humanos en Colombia.

El Palacio de Deportes de Santander acogerá los próximos días 21, 22 y 23 de agosto la segunda edición de Comic's Street, un festival solidario de cultura alternativa dedicado al cómic, el cosplay, los videojuegos, la ilustración, la música y la cultura pop que este año crece en duración, espacio y actividades con el objetivo de superar los 3.000 asistentes.

La alcaldesa de Santander, Gema Igual, ha presentado este lunes esta nueva edición junto a los responsables de la organización y representantes de AMARA Cantabria, entidad a la que se destina la recaudación del evento. La regidora ha destacado el crecimiento experimentado por una iniciativa que nació el pasado año y combina cultura, ocio, creatividad y solidaridad.

Así, ha recordado que Comic's Street, organizado altruistamente por la Asociación Cultural Meeples, nació como homenaje a Óscar Muñiz, 'Nexus', una persona “muy querida y reconocida dentro de la comunidad vinculada al cómic, el cine, los videojuegos y la cultura alternativa de Santander”.

Bajo el lema 'Frikultura con causa', Comic's Street será un evento cien por cien solidario en favor de AMARA Cantabria para apoyar la labor que esta asociación desarrolla con los niños y adolescentes con cáncer y sus familias.

La primera edición se celebró los días 23 y 24 de agosto de 2025 en Escenario Santander y reunió a 1.500 personas durante dos jornadas en las que se desarrollaron conciertos, concursos de cosplay, charlas, talleres, Artist Alley, videojuegos y espacios comerciales.

En total participaron 12 artistas, 10 comercios y más de 30 voluntarios, se desarrollaron más de 15 actividades y se consiguieron recaudar 11.156 euros para AMARA.

Sin embargo, esta edición supone un salto para Comic's Street, que pasa de dos a tres jornadas y traslada su celebración al Palacio de Deportes, con el objetivo de duplicar la participación registrada el pasado verano y superar los 3.000 asistentes.

La cita se desarrollará el viernes 21, sábado 22 y domingo 23 de agosto y la programación estará distribuida en diferentes espacios dedicados a la cultura pop, la creatividad, los videojuegos, el deporte alternativo y el encuentro entre aficionados, artistas y creadores.

Y es que, el escenario principal acogerá conciertos, concursos de cosplay, charlas y espectáculos en directo, mientras que el Artist Alley reunirá a ilustradores, autores, artesanos y artistas gráficos que podrán mostrar y vender sus trabajos.

Habrá además una zona deportiva y de acción alternativa con propuestas como jugger, NCW, skateboarding, kendo, K-Pop y exhibiciones culturales, así como espacios destinados a firmas, exposiciones temáticas y encuentros con creadores.

La zona de juego digital y robótica contará con videojuegos, arcade, simuladores, robótica y realidad virtual, a las que se sumará un espacio dedicado a los juegos de mesa y una zona específica para el cosplay, con concursos, exhibiciones y actividades para los aficionados.

La oferta se completará con zona comercial y solidaria en la que estarán presentes tiendas especializadas, editoriales, artesanía y proyectos vinculados al carácter benéfico del festival.

Las entradas están disponibles en la web https://tickets.comicsstreet.es/ y se ha habilitado además el pase 'Héroe solidario' (Fila 0) para todas las personas que no puedan asistir y deseen colaborar.

Evento en el hospital Valdecilla

Por otra parte, el responsable de la Asociación Cultural Meeples, Eduardo Casanova, y la de AMARA Cantabria, Chus Mata, han informado de que este fin de semana habrá un minievento de Comic's Street en el Hospital de Valdecilla. En este sentido, han señalado que tendrá lugar en la planta de oncología infantil con el objetivo de que los niños con esta enfermedad disfruten también de unos días diferentes.

Javier Rodríguez (Oviedo, 1972) tiene la suerte de poder seguir dibujando mientras charla al teléfono con elDiario.es desde su estudio de Gijón. Hace apenas unos días, el que pasó de publicar en El Víbora a dibujar a Spider-man, Daredevil o Doctor Strange para Marvel, ha obtenido tres Premios Eisner este año, los mayores galardones internacionales del mundo del cómic. Se reconoce así su trabajo para DC Comics por su labor en Absolute Martian Manhunter (Panini).

En esta entrevista, el artista defiende que la ficción siempre habla del presente y desentraña la fuerza narrativa del color en un cómic, cómo ha sido recrear a este personaje desde el guion de Deniz Camp, la relación entre tebeo y cine y por qué cree que la inteligencia artificial generativa no golpeará tan duro a este sector como a otros.

Su historia con el cómic comienza mientras estudia en la Escuela de Bellas Artes de Oviedo en los primeros 90. ¿Qué recuerda del Javier de entonces?

Aquello me sirvió para salir del barrio, para ir a un ambiente donde había gente que hacía cosas como yo y conocer lo que serían otros autores de cómic como Germán García o el ilustrador Marco Recuero, el encargado de la imagen del Festival de Cine de Gijón por muchos años. Fue el tiempo en que comenzamos a autopublicarnos.

En su trabajo Love Gun, autopublicado en 1996, dejó patente una gran dosis de crítica social en torno al desempleo. La miniserie futurista estaba ambientada en el siglo XXI y se partía de la premisa de la dificultad de los jóvenes para independizarse. ¿Ha seguido estando presente la crítica social en sus obras?

No me gusta emplear la expresión “crítica social” porque no es una crítica, sino una mirada. La ficción se debe a la época que le toca vivir. Si coges cualquier obra de ficción y estudias la época en que fue hecha, descubres sin querer un reflejo de aquella sociedad. Aprendemos cómo vivían otras personas gracias a la ficción y eso es algo precioso que también reflejan los cómics en la forma en la que se tratan y trataban ciertos temas, como la violencia. Es una forma de ver quiénes éramos y, muchas veces, lo poco que hemos cambiado.

Tras pasar por revistas como El Víbora y realizar otros cómics, portadas de grupos de música y trabajar en la producción de películas y anuncios, llegó su debut en el mercado estadounidense en 2003. Lo hizo como colorista con Batgirl: Year One, de DC Comics. ¿Qué cambió en aquel momento?

Empecé a trabajar para Estados Unidos gracias a mi amigo Marcos Martín y mi vida ha cambiado desde entonces. Yo no lo contemplaba, entre otras cosas porque no sabía inglés y no tenía infraestructura para ello, fue algo de rebote, pero como colorista me vino bien porque así complementaba mis ingresos en España.

Poco a poco, fui metiendo la patita y un día me surgió la oportunidad de dibujar. Un editor que ahora ha vuelto a Marvel como editor jefe, Stephen Wacker, se interesó por cómo narraba con el color y me dijo que probara a dibujar algo de Spiderman. Así empecé a dibujar los superhéroes que yo leía de niño.

Hace más de dos décadas que no ha dejado de trabajar como colorista, un perfil no muy conocido por personas alejadas del mundo del cómic. ¿Qué secretos hay detrás de este arte? ¿Qué persigue el colorista con su trabajo?

El color es algo muy importante, muy narrativo. El azul puede transmitir tristeza y el naranja alegría y la decisión de meterlo de una manera u otra puede cambiar el significado del cómic. Yo siempre me he decantado por causar el impacto justo, me gusta respetar el render del dibujante, la línea, y prefiero no meter muchos efectos. Cuando coloreas para otros, también estás supeditado a lo que ellos buscan.

¿Cómo fue ver sus dibujos coloreados por otros?

Fue increíble, porque a mí nunca me habían coloreado. Cuando empecé a dibujar en EEUU, mi estatus como colorista era alto, pero no como dibujante, así que no podía colorearme a mí mismo porque cada cómic tiene su propio presupuesto. Era como si me hubiera convertido en dos personas distintas. Ahí me di cuenta del impacto del color, cuando alguien externo coloreó mis dibujos.

Hace apenas unos días ganó tres Premios Eisner. Varios fueron dirigidos exclusivamente a su trabajo realizado en Absolute Martian Manhunter (DC Comics), dentro de la línea Absolute Universe, en donde se reinventan algunos de los personajes más emblemáticos. ¿Ha tenido más libertad a la hora de dibujar por ser un universo secundario y no el principal?

Sí, sin dudas. La libertad fue total, y total quiere decir total. Era una reinvención del personaje completa, tal y como el guionista lo concibió y lo presentó, le dejaron hacerlo. El personaje principal de Martian en el Universo DC es verde, calvo, fuerte, con una especie de capa. En nuestra versión, es un ente que se le aparece al agente del FBI John Jones y coge la forma de un muñeco grande ciclópeo, con un ojo rojo que le corona la cara. Lo hice todo con plastilina.

Tuvimos libertad total para reinventar el personaje de Martian. Compré dos kilos de plastilina y le pegué una canica roja. Me dije a mí mismo que mis editores iban a flipar

¿Cómo fue el proceso de creación del personaje?

Cuando vi la idea de Deniz [el guionista] supe que tenía que salir de mi zona de confort para conseguir algo original, que no solo valía dibujar. Compré dos kilos de plastilina verde y me di cuenta de que tenía que ser un cíclope el personaje que se presenta al agente del FBI, quien, digamos, ve todo en blanco o negro. De repente, que se abra este tercer ojo le hace ver que existen los colores y los matices, que hay más de una manera de ver lo que acontece.

Pegué una canica roja a la masa de plastilina y empecé a moldear este ente con esos conceptos como premisa. Saqué el muñeco y me dije a mí mismo: “Como le envíe esto a mis editores van a flipar”. Deniz me apoyó, le encantó, y a la editorial también, y parece que a la gente le ha gustado mucho la reinvención.

Todavía no se ha realizado una película de Martian Manhunter. Llegado el caso, ¿le gustaría que la adaptación tomara como referencia a su personaje?

Claro que me gustaría, sería divertidísimo, aunque últimamente estoy haciendo algo de proselitismo en contra de que se nos asocie tanto a los cómics con el cine. Se nos ve como un hermano pequeño, como la antesala a algo más grande que es la película.

Para mí, se trata de dos lenguajes distintos. No es lo mismo el cine o la música, que se construyen sobre el tiempo y se apoyan en una estructura temporal, que el cómic, que se construye sobre el espacio. Una película puede durar hora y media, pero si yo cojo una página en blanco y distribuyo información, es el lector quien se tomará el tiempo que quiera en decodificarla. Alguien puede tardar dos horas y otros seis en leer un cómic, y las dos lecturas son perfectamente válidas y plenas.

¿Cómo ha sido el trabajo junto a Deniz Camp?

Ha sido como una especie de revelación. He tenido la suerte de trabajar con buenísimos guionistas estos años, gente incluso que idolatro, pero lo de Deniz ha sido un descubrimiento brutal, una fuerza de la naturaleza, un talento increíble. Va a ser uno de los guionistas de nuestro tiempo. Fue él quien me pidió como dibujante para la serie, como un amor a primera vista.

Por otro lado, conoce de primera mano la industria del cómic en Estados Unidos. ¿Ha impactado la IA generativa de alguna forma?

Me imagino que sí, que se estará usando, pero yo creo que menos de lo que esperaban sus gurús. Pasa una cosa curiosa, y es que el lenguaje de los cómics va en dirección contraria a cómo funciona la IA. En el cómic, el dibujo es importante, pero la clave del lenguaje está en lo que no se dibuja, en lo que intuye el lector en los espacios entre viñetas, donde trabaja la mente del lector. Esa forma de funcionar, de ordenar a la IA a través de prompts, para el cómic no funciona. Un cómic existe porque se lee. Si nadie lo lee, no existiría, y la forma de que lo lea es dejar muchos espacios huecos para que la gente proyecte en ese vacío. Tampoco puedes coger un guion y pedirle a la IA que te lo dibuje, porque cada resultado cambia según el artista que lo interprete.

De momento, no veo que la IA amenace a los cómics como sí amenaza el medio ambiente, la economía y la vida misma. Esto no deja de ser dinero comprando dinero. Si quieren realmente hacer una IA generativa, que sea de dominio público y que la ciudadanía pueda entender cómo funcionan sus algoritmos para saber a qué intereses obedecen.

Cualquier reto me parece bien. Es como si me dejaran dibujar a Batman. Joder, ¿cómo hago yo ahora a Batman? Es como ese chaval de barrio al que le dejan un juguete carísimo

También la IA desecha muchas posibles respuestas.

De alguna manera, es como si le pides a algo que solo funcione con grandes éxitos y deje fuera todo lo demás. Yo vuelvo a la premisa del arte y la imagen: la belleza pertenece a quien la observa, a quien lee, y no tanto a quien crea. Esta cosa casi teológica de Silicon Valley de creer que desde un ordenador puedes reinventar el mundo y que todo tiene que pasar por máquinas… Me parece una ficción tan ridícula. La vida es más grande que todo eso.

Por último, ¿cuál es el trabajo que todavía sueña con hacer, aquello que sigue siendo una espinita clavada?

Es una pregunta difícil, eh. La única manera de que me motive mi trabajo es que no sepa cómo hacerlo. Cualquier reto me parece bien. Es como si me dejaran dibujar a Batman. Joder, ¿cómo hago yo ahora a Batman? Es como ese chaval de barrio al que le dejan un juguete carísimo. El secreto es ese, preguntarse cómo hacer algo.

Me encanta trabajar con arquetipos, me acabo de dar cuenta de eso. Arquetipos como Superman o Batman, pero también otros europeos como Lucky Luke. Los siento parte de la cultura popular. Si lo piensas, en unos años no habrá nadie vivo en la Tierra que estuviera presente cuando salió el número 1 de Batman en 1940. Caminamos a lomos de gigantes. Cogemos lo que estaba ahí y lo usamos. Y eso me encanta, porque en el fondo no deja de ser una forma de preguntarse qué hacemos aquí y qué sentido tiene todo esto.

Sabía que lo iban a matar y, aun así, se quedó. Esta podría ser una de las frases que resumiera quien fue Ángel Pascual, un hombre (casi) olvidado por la historia. Uno más entre las 853 víctimas mortales de ETA, según datos del Ministerio de Interior. Pero Pascual fue mucho más que un número. Ángel Pascual era un ingeniero nuclear de la central de Lemóniz (Vizcaya). Una central que empezó a construirse en 1972 por la empresa Iberduero (luego Iberdrola) y que nunca llegó a ponerse en marcha tras múltiples protestas de grupos ciudadanos, ecologistas y antinucleares en una España que empezaba a despertar del letargo de la dictadura.

La central nunca llegó a ponerse en marcha porque, a fines de los 70, la organización terrorista decidió sumarse a las protestas con su habitual forma de actuar, a base de Goma-2 y arrebatando vidas, con el objetivo de detener las obras a cualquier precio. Una de las vidas segadas fue la de Pascual, que también era la mano derecha de Jose María Ryan, el ingeniero jefe; secuestrado y asesinado antes que él. Por eso, Pascual, que recibió múltiples amenazas, sabía que lo iban a matar. Ángel Pascual fue la última y novena víctima mortal de Lemóniz.

Este episodio negro de la historia reciente de España es el que han elegido el guionista Florentino Flórez (1961, Avilés) y el dibujante Guillermo Sanna (1976, Palma) para rendir homenaje a aquellos hombres a los que mataron por ir a trabajar. “No hemos hablado con las familias, no hemos hablado con nadie involucrado directamente hasta ahora”, explica Flórez a elDiario.es frente a una jarra de agua y rodeado de cómics en la madrileña librería Generación X.

“Para nosotros, aquellas personas que murieron son admirables y, con este cómic, intentamos darles la mayor dignidad posible. Esperamos que sus allegados lo entiendan así”, continúa el guionista para señalar que la razón por la que ambos se han involucrado en un proyecto que les ha llevado varios años de investigación y documentación (que puede encontrarse referenciada al final del libro) es sencilla: ahí había una buena historia que todavía no se había contado. O no del todo.

Lemóniz: ETA y el movimiento nuclear (Norma editorial, 2026) narra, en definitiva, quiénes fueron aquellos que se convirtieron en una cifra más en las estadísticas, desde los obreros Baños, Guerra y Negro hasta los dos ingenieros, sobre cuyos hombros recae buena parte del relato. Sobre todo en Pascual, el menos conocido de ambos. “El nombre de Ryan nos sonaba a todos porque salió mucho en su momento en la televisión, pero de Pascual no se sabía casi nada más allá de la labor que ha ido haciendo su hijo para que se recuerde la figura de su padre”, continúa Flórez.

Ryan, padre de cinco hijos, fue secuestrado, ejecutado a sangre fría con las manos atadas a la espalda y abandonado en un bosque. Pascual, padre de tres hijas y un hijo, fue tiroteado por tres pistoleros cuando llevaba en el coche a su adolescente de 17 años a la parada de autobús. “Su hijo ha contado muchas veces cómo él llegaba a casa de madrugada, borracho como todos los chavales rebeldes de su edad, a la espera de la reprimenda de un padre que no estaba, que ya nunca podría estar”, cuenta el guionista.

Realidades complejas

Pascual fue la última víctima mortal y la penúltima en general. La última fue Alberto Muñagorri, de 10 años, que resultó herido de gravedad el 26 de junio de 1982 en Rentería por una bolsa-bomba colocada por la banda en la puerta de un almacén de Iberduero. El niño estuvo muchas semanas debatiéndose entre la vida y la muerte. Finalmente, perdió el pie izquierdo y quedó ciego de un ojo. “A las ocho horas del atentado (…), mi madre tuvo que tragarse una manifestación que gritaba Gora ETA miltarra! a las puertas de mi casa”, dice el testimonio de un Muñagorri adulto recogido por Flórez y Sanna al final del relato.

El cómic, por tanto, ilustra una realidad compleja borrada por el paso del tiempo. “La lucha ecologista era una buena excusa para ETA, para decir ‘estoy ayudando al pueblo vasco y lo voy a liberar del peligro nuclear’”, explica Flórez, señalando que, cuando profundizaron en el tema y se asomaron a las vidas de los dos ingenieros asesinados, se dieron cuenta de que ellos solos “construían una gran historia” en la que Flórez opina que lo que a él le importa es “que se sepa que estos tíos fueron unos héroes y tienen que ser recordados”. Así, la novela gráfica incide en que todos los asesinados por ETA en su ciega lucha contra esta central fueron civiles: obreros e ingenieros. Trabajadores a los que esta obra rinde homenaje recuperando su recuerdo con nombres y apellidos.

“El cómic acaba de salir, pero ya nos están llegando correos de gente que quiere compartirnos las historias de su familia, y eso es muy emocionante”, continúa el guionista para señalar la importancia de reivindicar a las víctimas del terrorismo. “Hablamos con un periodista que trabajó durante diez años con uno de los hijos de los obreros muertos y nos contó que, tras una década a su lado, el hijo comentó de pasada que a su padre le había matado ETA. ¡Diez años sin abrir la boca!”, desvela Flórez, indicando que las víctimas han cargado durante mucho tiempo con “una especie de vergüenza”. “Ellos se enfrentaban a que el padre moría y luego, en el pueblo, les decían ‘algo habrá hecho’”, apunta Flórez.

Las ilustraciones de Sanna, por su parte, están llenas de contrastes con, por un lado, escenas muy íntimas y, por otro, viñetas cargadas de violencia. “El dibujo, en un caso como este, es como el lenguaje. Es un vehículo de expresión”, explica el mallorquín, quien ha trabajado, entre otros, para Marvel, con los que ha dibujado para numerosas series como Bullseye (2016), Deadpool (2017), Amazing Spider-Man (2021), New Mutants (2023), Iron Man (2022), Star Wars (2022) y Savage Wolverine (2025).

Para Sanna, en casos como este, hay que tener en cuenta que, a veces, el virtuosismo o el detalle puede pasarle por encima a la historia que uno está contando. “Si te fijas en el detalle del dibujo, pierdes el hilo narrativo. Por eso en las escenas de violencia está todo mucho más esquematizado, porque las cosas pasan más rápido y en las familiares hay más detalle”, ejemplifica el dibujante, que se vale, también, de la luz y la oscuridad para variar entre los ambientes opresivos y los amables, donde ambos autores buscan contar quiénes fueron aquellos que ocuparon unas líneas en los periódicos y telediarios de entonces.

La pregunta hoy es qué queda de todo aquello. Tal y como redacta Flórez en el cómic, en septiembre de 1982, el Estado central se hace cargo de la continuación de Lemóniz. Un mes más tarde, el PSOE gana las elecciones y no se reanudan las obras. En 1984, el Gobierno decreta la moratoria nuclear, paralizando tres centrales en construcción: Sayago, Valdecaballeros y Lemóniz. La ley de ordenación del sistema eléctrico de 1994 reconoce el derecho de los titulares de las tres centrales nucleares a percibir una compensación por las inversiones realizadas. El pago se sufraga a través de la tarifa eléctrica, en el recibo de la luz. Los españoles pagan 5717 millones de euros a lo largo de 19 años. En 2020 se salda por fin la deuda. La empresa desmanteló y vendió el equipamiento instalado. Escribe Flórez que, en el lugar, ya solo quedan los grandes edificios vacíos.

Helen Slater tenía solo 18 años cuando hizo la audición en la que se enfrentó a unas 250 actrices para conseguir el papel de su vida. Aquella prueba debió salirle muy bien, porque la actriz estadounidense consiguió protagonizar su primera película. El filme no era cualquier cosa, pues se trataba de la primera vez que Supergirl, personaje de DC Cómics, llegaba a la gran pantalla.

El largometraje dirigido por Jeannot Szwarc en el que Slater interpretaba a Kara Zor-El, la prima de Superman, se estrenó en el Reino Unido en julio de 1984. Slater se sometió a un riguroso programa de entrenamiento que duró aproximadamente cuatro meses y la llevó a ganar siete kilos de músculo. Entonces aprendió a saltar el trampolín y a hacer esgrima y equitación, entre otras actividades, para ponerse en la piel de la superheroína.

Supergirl (1984) se centraba en esta joven protagonista que viaja desde la ciudad de Argo a la Tierra para recuperar el Omegahedron, una poderosa esfera que controla la energía de su pueblo y que cayó en manos de una bruja llamada Selena. La historia transcurría después de los eventos de Superman III, la película protagonizada por Christopher Reeve que se había estrenado el año anterior.

Las expectativas estaban muy altas, y la propia Helen contó que, en un primer momento, firmó un contrato para hacer hasta tres películas sobre este personaje. Sin embargo, el rendimiento en taquilla terminó por acabar con aquel sueño. La película apenas recaudó alrededor de 14 millones de dólares frente a un presupuesto estimado de 35 millones, convirtiéndose en un fracaso comercial.

Al fracaso en taquilla se sumaron las críticas negativas. “Los efectos son cutres, la historia no tiene rumbo y la heroína, con sus ojos grandes y su actitud alegre, simplemente no resulta interesante”, puede leerse hoy en día entre las reseñas de Rotten Tomatoes. No fue, sin embargo, el final de la carrera de Slater, que años después asumió el papel recurrente de Lara, madre biológica de Clark Kent, en la serie Smallville.

Su opinión de la nueva ‘Supergirl’

Este 2026, todos los ojos de los fans de DC están puestos en la recién estrenada Supergirl, una nueva adaptación cinematográfica de este personaje, dirigida esta vez por Craig Gillespie y escrita por Ana Nogueira. La nueva película de Warner Bros. está protagonizada por Milly Alcock, que encarna a la nueva Kara Zor-El y toma el relevo de Slater 40 años después.

Aunque el largometraje también ha sido criticado por su baja recaudación en taquilla (68 millones de dólares a nivel mundial durante su fin de semana de estreno), a la Supergirl original le ha gustado. “Me encantó la nueva película de Supergirl”, declaró la actriz a The Hollywood Reporter. “Me pareció que Milly Alcock estuvo asombrosa. Feroz, fuerte y con un gran sentido del humor”.

En el corazón del barrio de Vallcarca, en Barcelona, hay una plaza sin nombre. Lo que antes fue un solar abandonado, ahora es un espacio que bulle de vida. Los vecinos estuvieron años arreglándolo para hacer de él un lugar de encuentro y, aunque acabaron la remodelación en 2024, todavía no hay ninguna placa que la reconozca formalmente como una plaza y no figura en los mapas oficiales.

Cuando hubieron puesto la primera piedra, el barrio empezó a pensar cómo quería llamar a su plaza. La primera opción fue Plaça Farigola, en referencia a la escuela homónima que hay a unas pocas calles y que es el nombre por el que se refieren a ella los vecinos. También se pensó en Hilda Agostini, la maestra republicana que ejerció en ese colegio antes de exiliarse. O Uri Caballero, en homenaje al vecino, activista y guitarrista de Els Surfing Sirles, que murió hace 13 años.

Los vecinos aseguran que todos esos nombres fueron trasladados al Ayuntamiento, pero ninguno de ellos prosperó. Al final, la plaza se llamará Capitán Trueno. La decisión, tomada por unanimidad en la comisión de nomenclátor del Ayuntamiento de Barcelona, ha indignado al barrio que, aunque no tiene nada en contra del cómic de Víctor Mora, lamenta que se les haya impuesto un nombre que “desdibuja la identidad histórica de Vallcarca” y que no respeta “los referentes vinculados a su memoria”.

Por ello, la Federación de Entidades Amigas de Can Carol, (el centro cívico sito en la plaza) ha presentado una alegación formal contra el nombre de Capitán Trueno. Explican que esta plaza sólo existe gracias a la “organización y compromiso” de los vecinos que se unieron para construirla y lamentan que no se les haya tenido en cuenta a la hora de escoger un nombre. Además, afean haberse enterado de la decisión por la prensa.

En 2024, cuando se acabó la plaza, los vecinos propusieron las opciones que habían pensado. Ni Hilda Agostini ni Farigola podían ser, porque ya estaban asignadas a otras plazas o calles de la ciudad. La única que tenía números de salir adelante era Uri Caballero, pero los vecinos no llegaron a presentarla nunca como propuesta formal frente al consistorio. La cuestión cayó en un cajón durante casi dos años, hasta que el Capitán Trueno apareció en escena.

El nombre fue una propuesta del Grup d'Estudis Coll-Vallcarca, un colectivo de historiadores que lo sugirió para bautizar a una plaza sin nombre muy cercana a donde estuvo Bruguera, la editorial más reconocida del mundo del cómic y el sello que llevaban las viñetas de Víctor Mora. “La idea era para esa plaza, no para ningún otro sitio. Si el nombre se va a poner a la Plaça Farigola, no lo apoyaremos”. Así lo escribió el grupo de historiadores en un artículo publicado en L’Independent de Gràcia.

Desde el Ayuntamiento justifican la decisión como una manera de homenajear a Víctor Mora “bien fundamentada con criterios históricos, culturales y territoriales”. Además, insisten en que el autor fue un vecino de la zona que se tuvo que exiliar en Francia durante la dictadura y, desde allí, dio vida a uno de los personajes de cómic más populares en España. “Fue un símbolo de la lucha contra la represión de la dictadura que aportó un mensaje de libertad y justicia social”, apuntan desde el Ayuntamiento.

Los vecinos no niegan la importancia histórica de los tebeos e insisten que no les parece mala opción para una plaza o calle. “Es legítimo, pero no para aquí”, apuntan las entidades, que también afean al consistorio que el nombre sea “exclusivamente en castellano” y que haga referencia a un personaje de ficción “construido alrededor del modelo del heroísmo masculinizado”, lo que, apuntan, “no responde a los valores de memoria inclusiva y diversidad” del barrio.

Con todo, las entidades que rechazan la decisión del Ayuntamiento han pedido asistir a una de las reuniones del Nomenclátor para proponer sus opciones y para exigir que la elección final sea refrendada por el barrio (cosa que no suele ser habitual).

El Ayuntamiento no se ha pronunciado todavía sobre las alegaciones ni sobre esta petición, pero insisten en defender el nombre del Capitán Trueno recordando que ha sido validado por todos los órganos que prevé la normativa. Esta establece que para bautizar un espacio público se requiere el sí de la comisión de barrio, del distrito y de la Ponencia del Nomenclátor.

Todavía no está claro si queda camino para los vecinos que se oponen a tener una plaza con nombre de héroe de viñeta, pero lo que sí aseguran es que, independientemente de lo que ponga en la placa, para ellos ese espacio autogestionado será y seguirá siendo la Plaça Farigola.

El plan de James Gunn iba mucho más allá de reiniciar el Universo DC tras los excesos de Zack Snyder y la interminable sucesión de producciones ruinosas que espantaban a crítica y público. Lo que quería, en realidad, era devolver el cine de superhéroes a sus mismos orígenes, hacer borrón y cuenta nueva para regresar a los años 70. Al amanecer del género. Apartándose de esa fatiga inevitable tras casi dos décadas de ininterrumpida afloración superheroica —consolidada, al menos hasta el despegue de las adaptaciones de videojuegos, como patrón oro del blockbuster—, el presidente de DC se iba a remontar a la época en que “creímos que un hombre podía volar”. 

Tal era el ingenuo eslogan, claro, del primer Superman. Y las intenciones de Gunn fueron tan transparentes como para reutilizar la célebre fanfarria de John Williams en la banda sonora del nuevo Superman que él mismo dirigió, y que serviría para relanzar este maltrecho Universo DC. Su estrategia, por lo que parece, no se reduce a volver al primer gran superhéroe cinematográfico, sino que está siguiendo el esquema manejado entonces por los productores Alexander e Ilya Salkind: el año que viene tendremos una secuela directa de Superman, Man of Tomorrow. Y entre medias, es Supergirl la que da continuidad inmediata en el calendario al Superman de 2025.

Es a grandes rasgos lo que sucedió en los años 80. Cuando nadie tenía la ambición suficiente como para elucubrar universos cinematográficos, se dedujo que una forma lógica de expandir el éxito de Superman más allá de Christopher Reeve era llevar al cine las aventuras de la prima del kryptoniano, presentada en los cómics a finales de los años 50. Así que, tras tantear una aparición finalmente abortada del personaje en Superman III —algo que Gunn sí hizo posible, con el cameo de Milly Alcock como nueva Supergirl en los minutos finales de su Superman—, los Salkind impulsaron un ambicioso spin-off poco después, con la debutante Helen Slater como protagonista y la legendaria Faye Dunaway como villana. La Supergirl que nos ocupa, por tanto, es tan reflejo de la Supergirl de 1984 como el Superman del año pasado lo era del Superman de 1978.

Así lo ha querido Gunn. Pero hay un problema: la Supergirl original fue un absoluto fracaso. Podía esperarse tras la decepción que ya había sido Superman III —con aquella incomprensible decisión de colocar al cómico Richard Pryor como un protagonista cuyo tiempo en pantalla rivalizaba con el del superhéroe—, y de hecho los Salkind ya se temieron lo peor al no lograr convencer a Reeve de que Superman bendijera esta nueva película con su presencia. El único personaje de las películas de Superman que reaparecía en Supergirl era… Jimmy Olsen. Nada podía librar a Supergirl (pese a contar con una escala semejante a las entregas previas) de parecer un producto de segunda fila. 

Gunn, en este aparente afán de rectificar la historia del cine superheroico, sí ha garantizado que Superman esté presente en Supergirl. Y las breves apariciones de David Corenswet resultan ser lo mejor de la película, confirmando el avasallador encanto de alguien que ha nacido para interpretar al superhéroe del mismo modo que antes había nacido Reeve. Pero no es suficiente. No es suficiente para olvidar que la película en la que se refleja Supergirl era atroz, y que además había contribuido a acelerar la muerte de la saga de Superman. Tres años después de aquella Supergirl, en 1987, Superman IV: En busca de la paz fue una experiencia tan embarazosa como para apartar al personaje del cine durante décadas. Quién sabe si la industria no va hoy encaminada a un episodio similar.

La historia se repite (en todos los sentidos)

Esta Supergirl tampoco es una buena película, aunque se han tomado medidas para evitarlo. Gunn suele presumir de que, bajo su mando, en el Universo de DC no se empezará nunca a rodar sin un guion completo y aprobado (al contrario, se supone, de como hacen en Marvel). Así que el estudio debió quedar convencidos cuando la semidesconocida Ana Nogueira entregó un libreto con reminiscencias a Mad Max: Furia en la carretera. En principio el gran referente era el cómic Supergirl: Woman of Tomorrow de Tom King y Bilquis Evely, pero Nogueira lo había planteado todo a fin de cuentas como una larga persecución a través del espacio, que contemplaba el rescate de varias mujeres obligadas a casarse con los pérfidos Bandoleros. 

Estos eran, asimismo, los que habían asesinado a los padres de Ruthye Marye Knoll, una joven que a la manera de Imperator Furiosa requería la ayuda de Supergirl en su venganza. A todo lo cual hay que añadir una motivación extra para Kara: el envenenamiento de su perro Krypto, ya aparecido en Superman. Krem, líder de los Bandoleros, tiene el antídoto, así que el motor dramático central de Supergirl es la salvación de la mascota de la protagonista. Lo cual recuerda a lo visto en Guardianes de la Galaxia 3, dirigida por el propio Gunn, cambiando a Krypto por Rocket. De modo que no es tanto que lidiemos con un guion interesante, como con un entramado de ingredientes que deberían funcionar. Porque ya han funcionado antes, porque se supone que Gunn los domina perfectamente.

Gunn, cierto, no es el director de Supergirl. En su lugar tenemos a Craig Gillespie, si bien se trata de una firma más testimonial que otra cosa. Gillespie es un artesano llegado de la escena independiente —despuntó allá por 2007 con Lars y una chica de verdad— que viene amoldándose sin rechistar a las producciones de grandes estudios, como prueba la notable Cruella de 2021. Es esencialmente un mandado, y aunque podamos achacar a su oficio que Supergirl no luzca mal e incluso sea destacable alguna secuencia de acción, la visión primordial sigue siendo la de Gunn. De ahí lo sucedido con Krypto, de ahí los retazos de humor gamberro —francamente fallidos en este caso— y de ahí la selección musical, que aun decantándose por un rock alternativo y parcialmente ignoto, refuerza la sensación de que Supergirl no es más que una discreta derivación del Superman del año pasado.

La película sufre además del espectro de la anterior continuidad de DC pues por algún motivo Jason Momoa, tras interpretar a Aquaman, reaparece aquí con un nuevo personaje, Lobo. Que es básicamente el tipo de personaje que hace Momoa siempre y que tanto nos repatea a estas alturas, incorporándose a la aventura de Kara y Ruthye con la misma chulería bufa que había paseado por la DC de Snyder. Todo lo cual, por otra parte, ilustra un esfuerzo por alejarse de los errores cometidos por la Supergirl de 1984, preocupándose porque el segundo ladrillo de este nuevo Universo tenga un carácter prudentemente alejado de lo que propuso Superman el año pasado.

Pero eso no es algo necesariamente bueno. No lo es cuando las decisiones tomadas nos remiten simplemente a otras películas distintas —en el Universo de Marvel, en efecto y entre Guardianes de la Galaxia y los Thor de Taika Waititi, ya hemos visto varias así—, y el cruce de referentes obliga a una angustiosa indecisión en el tono. La escritura del filme, cuando no permanece en la ligereza y canallismo trasnochado de esta larga persecución, intenta acercarse a una construcción dramática a la medida, nuevamente, de la escuela James Gunn, insistiendo en presentar a Kara como una joven traumatizada por el pasado que aún dista de haber abrazado su auténtico heroísmo. 

Esta construcción fluye en torno a Krypto, a la relación con Ruthye y a varios flashbacks del pasado de Kara que hunden el ritmo y nunca logran ser lo bastante emotivos como para que compense. O como para que la protagonista pueda importarnos, más allá de la entusiasta interpretación de Alcock —la protagonista de La casa del dragón es la única que parece pasárselo genuinamente bien por aquí— o de ese vínculo con Krypto que solo conmueve por automatismo. Así que, en resumen, no es tanto que Supergirl sea una mala película —está a bastante distancia de la mayoría de los engendros de la anterior continuidad de DC—, como que simplemente es insulsa. Se queda a medias en todo, carece de aplomo para revalidar el impacto del Superman del año pasado.

Y el motivo de esto es más sencillo que todo el despiece que podamos hacer de la película, con el que intentemos racionalizar por qué Supergirl está tan cerca de funcionar, y por qué casi nunca lo hace. Basta, para ello, con acudir a las virtudes del Superman de Gunn. Aquel Superman estaba mejor escrito y mejor armado, sí, pero sobre todo estaba concienciado plenamente con un único y trascendental propósito: cada uno de sus elementos estaba dispuesto de forma que reivindicara su derecho a existir, su rechazo a la fatiga superheroica a la vez que una sutil comprensión de por qué esta había podido tomar cuerpo. El Superman de Gunn se preocupaba de los superhéroes a nivel simbólico, queriendo legitimar su existencia en una época de cansancio y creciente cinismo.

Saliera mejor o peor —salió maravillosamente, en realidad, casi como para oficiar de perfecto panegírico para el género—, hablábamos de un planteamiento creativo de primera categoría. De una razón de ser volcada en justificar la propia razón de ser. Algo de lo que carece Supergirl. No es más que otra película de superhéroes, impulsada por la inercia de siempre, contentándose con ser solvente y no molestar a nadie. Igual algo así podía haber sido suficiente hace diez años, pero ya no. Si llegado 2026 Hollywood sigue empeñado en hacer cine de superhéroes, lo mínimo que hay que exigirle es que nos dé alicientes para seguir mirando. No parece por lo demás que, en la vecina Marvel, las inminentes Spider-Man: Brand New Day y Vengadores: Doomsday vayan a ofrecerlos. Así que aquí estamos, una vez más, impacientes por que la burbuja explote del todo. 

La Consejería de Educación estrenará el próximo curso 2026-2027 un ciclo formativo de grado superior de Artes Plásticas y Diseño de Cómic, que se impartirá en la Escuela de Arte de Oviedo/Uviéu.

Asturias se convertirá así en la primera comunidad del noroeste del país en ofertar esta nueva titulación de técnico superior en un centro público.

El ciclo tendrá 2.000 horas

Este ciclo pertenece a la familia profesional de Comunicación Gráfica y Audiovisual, tendrá una duración de 2.000 horas y constará de 21 módulos.

El primer curso comparte programación con el ciclo de grado superior de Artes Plásticas y Diseño de Ilustración, que ya se estudia en este centro y que cuenta con gran aceptación.

Prueba de acceso

La nueva formación comenzará en septiembre con el curso 1º y una oferta de quince plazas. Con carácter general, las personas aspirantes deberán poseer el título de Bachillerato o equivalente, además de realizar una prueba específica de acceso.

Sin embargo, quedarán exentos de esa prueba preliminar los titulados en Bachillerato en la modalidad de Artísticas. También pueden acceder de forma directa los técnicos (superiores) de Artes Plásticas y Diseño y los titulados en enseñanzas artísticas superiores o enseñanzas universitarias en las siguientes disciplinas: Artes Plásticas, Diseño, Conservación y Restauración de Bienes Culturales, Bellas Artes, Arquitectura e Ingeniería Técnica en Diseño Industrial.

También existe una vía de acceso directo al nuevo grado para aquellos titulados en Bachillerato o equivalente que acrediten una experiencia laboral de, al menos, un año relacionada con las competencias profesionales objeto de este ciclo.

Un sector al alza

La industria del cómic y la novela gráfica es un sector en permanente crecimiento, por lo que esta nueva oferta educativa proporcionará diversas oportunidades profesionales, además de contribuir al enriquecimiento del tejido cultural de la comunidad.

Asturias atesora una larga tradición en esta expresión artística, que se remonta a principio de los años setenta con el Salón del Cómic del Principado y la creación de la revista El Wendigo, y que prosigue en la actualidad con eventos culturales monográficos o multidisciplinares que se celebran en Avilés, Oviedo/Uviéu y Gijón/Xixón. Además, varios historietistas asturianos –algunos de ellos, exalumnos de la Escuela de Arte– gozan en la actualidad de un reconocimiento internacional.

Cómics y viñetas en el CODEPA

Por otro lado, el Colegio Oficial de Enfermería del Principado de Asturias (CODEPA) ha presentado su segunda propuesta cultural tras la apertura de su espacio expositivo. En esta ocasión, la sede de Oviedo/Uviéu acoge desde ayer la muestra 'Coronavirus, crónica de un sanitario en pandemia'.

Se trata de una colección de cómics y viñetas creados por Félix González, enfermero de profesión y reconocido en redes sociales como 'El Whoper'.

A través de un trazo directo e irónico, González traslada al papel la cotidianidad de la labor enfermera mediante el lenguaje del cómic.

El autor, que compagina su faceta asistencial con su vocación artística, busca “mirar la vida con sentido del humor” y retratar situaciones reales del entorno sanitario.

Visibilizar la realidad de la Enfermería

Con esta exposición, el CODEPA refuerza su apuesta por visibilizar la realidad de la profesión desde una perspectiva creativa, dando continuidad al ciclo cultural iniciado recientemente en sus instalaciones.

La muestra puede contemplarse en la sede del CODEPA, en la calle Juan Antonio Álvarez Rabanal, 7, Bajo, en Oviedo/Uviéu.

El distrito de Gràcia, en la ciudad de Barcelona, ha decidido rendir un homenaje histórico al legado cultural de uno de sus hijos más ilustres mediante la aprobación de un nuevo espacio público. ‘Bautizado’ como plaza del Capitán Trueno, se trata de un espacio situado frente al casal de Can Carol, en el corazón del barrio de Vallcarca. Esta iniciativa busca reconocer a una de las figuras más influyentes del cómic español y a su creador, el guionista barcelonés Víctor Mora Pujadas. El personaje, que marcó a múltiples generaciones durante la posguerra, tendrá finalmente un rincón físico en la ciudad que lo vio nacer. 

El acuerdo municipal destaca que la obra no solo fue un éxito comercial sin precedentes, sino también un vehículo de valores fundamentales. En plena dictadura, Trueno representó un soplo de libertad y dignidad humana que trascendió el formato del tebeo. Ahora, el nombre del caballero andante medieval quedará grabado en el nomenclátor de Barcelona para siempre. La elección del barrio de Vallcarca para este reconocimiento no es fruto del azar, sino que responde a un vínculo histórico profundo con la industria editorial. Muy cerca de la nueva plaza se encontraba la antigua sede de la mítica Editorial Bruguera, el motor que impulsó el tebeo en España. El edificio que hoy alberga el Centro Cívico El Coll-La Bruguera fue durante décadas el lugar donde se gestaron estas historias. Por ello, la ubicación frente a Can Carol adquiere un significado especial.

Víctor Mora, nacido en la capital catalana el 6 de junio de 1931, tuvo una infancia marcada por la turbulencia política y el drama del exilio. Tras la Guerra Civil, su familia se trasladó a Francia, donde su padre estuvo internado en campos de concentración antes de fallecer prematuramente. Estas experiencias forjaron en el joven Víctor un carácter resiliente y un compromiso inquebrantable con la justicia social y la libertad. En el país vecino tomó contacto con la literatura europea y las viñetas de “El Príncipe Valiente”, que serían una inspiración clave. Regresó a Barcelona a los once años, en 1941, tras la invasión alemana de Francia, y se vio obligado a trabajar precozmente. 

Autodidacta por necesidad, Mora devoró las obras de autores como Salgari, Verne y Scott, mientras dibujaba sus propias historietas. Su formación no se dio en las aulas, sino en las bibliotecas y en las duras calles de la Barcelona de posguerra. Este bagaje vital se convertiría más tarde en la base emocional de sus guiones más célebres y profundos. En el año 1951, con apenas veinte años, Mora ingresó en la Editorial Bruguera como redactor y traductor, demostrando pronto un talento narrativo desbordante. Aunque inicialmente intentó ser dibujante, sus jefes advirtieron que su verdadera fuerza residía en la capacidad para crear mundos y diálogos. Fue en 1956 cuando recibió el encargo de idear una serie de aventuras que pudiera competir con los éxitos editoriales de la época.

Bajo el seudónimo de Víctor Alcázar, para evitar problemas con la censura y la empresa, dio vida al “Capitán Trueno”. Para poner rostro al héroe, contó con el trazo magistral de Miguel Ambrosio Zaragoza, conocido artísticamente como Ambrós. La combinación entre el guion épico de Mora y el dibujo dinámico de Ambrós resultó ser una fórmula mágica que revolucionó el mercado. El éxito fue inmediato y masivo, logrando que el primer cuaderno de la serie se convirtiera en un hito histórico. La oficina de Bruguera en Barcelona se convirtió en el epicentro de un fenómeno que nadie pudo prever.

El “Capitán Trueno” no era un caballero medieval convencional, sino un héroe con un código moral universal que luchaba contra todo tipo de tiranía. Acompañado por sus inseparables amigos, el gigante Goliath y el joven Crispín, recorría el mundo liberando a los pueblos oprimidos por déspotas locales. Mora utilizó sus guiones para introducir astutamente valores de solidaridad y democracia en un contexto nacional marcado por la estricta censura franquista. Las historias del capitán vendían semanalmente la asombrosa cifra de 350.000 ejemplares, un récord absoluto que reflejaba la sed de aventuras del público. Los censores, a menudo incapaces de ver más allá de la superficie, permitieron que Trueno burlara barreras ideológicas significativas. 

Uno de los aspectos más revolucionarios de la obra de Mora fue el tratamiento de los personajes secundarios y la figura femenina. La reina Sigrid de Thule era una mujer fuerte, independiente y compañera de armas. Su relación con el Capitán Trueno rompía los moldes de la época, aunque la censura impedía que se mostraran afectos físicos explícitos. Sigrid gobernaba su propio reino con sabiduría y empuñaba la espada cuando era necesario, siendo un referente de empoderamiento femenino precoz. Por otro lado, la amistad entre Trueno, Goliath y Crispín mostraba un vínculo de lealtad inquebrantable que cautivó a los lectores. Goliath, con su parche en el ojo y su gran corazón, aportaba la fuerza bruta, mientras que Crispín representaba la juventud.

Militancia política

La vida de Víctor Mora estuvo intrínsecamente ligada a su militancia política en el Partit Socialista Unificat de Catalunya, el PSUC. En 1957, mientras el “Capitán Trueno” triunfaba en los quioscos, su creador fue encarcelado en la prisión Modelo por sus ideales libertarios. Fue detenido por la Brigada Político-Social junto a su inseparable esposa, la también escritora y guionista Armonía Rodríguez. Tras ser liberado, el acoso policial lo empujó a un segundo exilio en Francia, donde residió entre los años 1963 y 1968. Desde París, continuó enviando guiones a Bruguera y comenzó a colaborar con las publicaciones más prestigiosas del cómic franco-belga. Trabajó para revistas icónicas como Pilote, donde fue acogido por René Goscinny, el célebre creador de Astérix el Galo. 

Tras décadas de éxito y numerosos reconocimientos internacionales, como la Creu de Sant Jordi o la Orden de las Artes de Francia, Mora falleció en 2016. El creador del “Jabato” y el “Corsario de Hierro” dejó un vacío inmenso en el mundo de las letras, pero su obra permanece viva. La futura inauguración de la plaza en Vallcarca servirá para recordar a las nuevas generaciones que el cómic puede ser una forma de arte elevada. Tributo final a un barcelonés que, desde su estudio, imaginó un mundo mejor para todos sus lectores.

El castillo de Cheverny es toda una joya arquitectónica del majestuoso valle del Loira, de una belleza que cautiva a miles de visitantes cada año por su elegancia clásica. Esta edificación no solo destaca por su belleza, sino por ser la cuna física de una de las residencias más famosas de la literatura ilustrada: el castillo de Moulinsart. Fue aquí donde el dibujante belga Hergé encontró la inspiración necesaria para situar las aventuras del intrépido reportero Tintín y su inseparable compañero, el capitán Haddock. La relación entre la realidad y la ficción ha convertido a este recinto en un lugar de peregrinación de Francia para los amantes del noveno arte. Al contemplar su fachada principal, el visitante se siente transportado inmediatamente a las páginas de los cómics más emblemáticos del siglo pasado.

El proceso creativo de Hergé para dar vida a Moulinsart consistió en un ingenioso juego de simplificación arquitectónica basado en un folleto turístico de la época que llegó a sus manos. El artista decidió utilizar la sección central de Cheverny, eliminando los dos pabellones laterales para otorgarle al edificio ficticio una apariencia ligeramente más modesta y funcional para sus historias. Esta transformación permitió que el hogar del capitán Haddock mantuviera la simetría y el rigor clásico que caracteriza a la técnica de línea clara del dibujante. En los archivos personales del autor se conserva aún ese boceto a lápiz que muestra a los protagonistas caminando hacia la entrada del majestuoso edificio. 

Una de las características más singulares de Cheverny es que ha pertenecido a la misma estirpe, la familia Hurault, durante más de seis siglos de historia ininterrumpida. A diferencia de otros castillos de la región que cambiaron frecuentemente de manos tras la Revolución Francesa, este ha mantenido su linaje hasta los actuales marqueses de Vibraye. Los propietarios residen todavía en el ala derecha de la construcción, precisamente en la zona que Hergé decidió omitir en sus dibujos para crear su versión literaria. Esta presencia humana constante ha permitido que el castillo conserve un estado de mantenimiento excepcional y una atmósfera de hogar vivido que pocos monumentos pueden igualar. 

Arquitectónicamente, el edificio es un prodigio del estilo clásico francés del siglo XVII que se ha mantenido prácticamente idéntico desde su construcción original por Jacques Bougier. Se distingue de otros castillos del Loira por su homogeneidad técnica, al estar construido totalmente con piedra de Bourré, una toba calcárea que se blanquea con el tiempo. El diseño precursor del estilo Luis XIV evita las mezclas de épocas, ofreciendo una simetría perfecta y una decoración de fachadas llena de detalles como bustos antiguos en marcos elípticos. Fue el primer castillo privado en Francia que abrió sus puertas al público general en el año 1922, marcando un hito en el turismo cultural. Su conservación es tan rigurosa que permite al espectador moderno observar la misma silueta que admiraron los contemporáneos del Rey Sol.

Para los entusiastas de las viñetas, la finca alberga la exposición permanente titulada “Los secretos de Moulinsart”, una experiencia interactiva que ocupa unos 700 metros cuadrados. Realizada en estrecha colaboración con la Fundación Hergé, esta muestra permite a los visitantes sumergirse físicamente en los escenarios más icónicos de las aventuras del joven periodista belga. Es posible recorrer reconstrucciones a tamaño real del laboratorio del profesor Tornasol, los sótanos donde Tintín fue encerrado y la famosa cripta que ocultaba el tesoro de Rackham el Rojo. Los efectos de luz y sonido, junto con objetos emblemáticos como el submarino con forma de tiburón, logran una inmersión total en el universo creativo del autor. 

El interior de Cheverny deslumbra por su riqueza decorativa y la opulencia de sus estancias, que superan en lujo a las descritas en las páginas de los cómics. Destacan piezas como los 34 paneles de madera que ilustran las andanzas de Don Quijote en el comedor principal, obra del artista Jean Monier. La habitación del rey, preparada específicamente para las visitas de Enrique IV, muestra un techo artesonado y tapices franceses de un valor artístico incalculable. Otras salas, como la biblioteca con sus miles de volúmenes o la sala de armas con su colección de armaduras, ofrecen una visión detallada de la vida cortesana. 

Más de 100 hectáreas de jardines

Rodeando la estructura principal se extienden más de cien hectáreas de jardines temáticos y parques que invitan a largos paseos bajo la sombra de cedros centenarios. Entre las zonas verdes destaca el laberinto, una atracción que desafía la orientación de los visitantes entre altos setos, y el jardín de tulipanes que florece con miles de ejemplares. El parque de estilo inglés alberga especies arbóreas de gran porte, como secuoyas y tilos plantados a mediados del siglo XIX por los antepasados de los dueños actuales. También es posible explorar la finca mediante paseos en barcos y coches eléctricos que recorren los canales y bosques cercanos con un enfoque respetuoso con el medio ambiente. 

La tradición se mantiene viva en Cheverny a través de su famosa jauría de cien perros de caza tricolores, cuyos ancestros han formado parte de la finca desde mediados del siglo XIX. Los visitantes pueden observar la alimentación diaria de estos animales en las perreras, un evento que subraya el vínculo histórico de la nobleza local con la práctica de la montería. Además de su legado cinegético, la finca cuenta con su propio viñedo y una reconocida casa de vinos donde se puede degustar la producción vinícola de la zona. Esta mezcla de historia familiar, pasión por el cómic, arte clásico y respeto por las tradiciones campestres define la identidad única de Cheverny, un monumento del pasado y un espacio vibrante que sigue escribiendo su historia día tras día.

La editorial Astiberri ha sido galardonada con el Premio Nacional a la Mejor Labor Editorial Cultural 2026. El jurado le ha otorgado este reconocimiento por “su inestimable contribución al elevar el cómic a la categoría de alta literatura y por la enorme ambición artística de un catálogo que testimonia su espíritu exigente”. Lo ha hecho, además, en un momento en el que la editorial está celebrando sus 25 años en el sector.

El jurado también ha señalado que Astiberri “ha construido su prestigio apostando por formatos cuidados y obras con un marcado sello de autor”. “Sus publicaciones abordan temas complejos como la memoria histórica, el periodismo de guerra, la biografía y la crítica social. El buen hacer editorial ha consolidado las carreras de figuras nacionales fundamentales con la publicación de obras que se han convertido en emblemáticas y, a la vez, ha tendido puentes culturales con la traducción de creadores internacionales relevantes”, ha agregado.

Asimismo, el jurado ha expresado que “con un cuarto de siglo de historia y mil títulos vivos, su gestión sólida y coherente sigue atrayendo a nuevos públicos gracias a la variedad y a la belleza técnica y la estética de sus libros”. Este premio, dotado con 30.000 euros, tiene por objeto distinguir el conjunto de la labor editorial de una persona física o jurídica que haya destacado por su aportación sobresaliente e innovadora a la vida cultural española.

Astiberri Ediciones ha editado obras de autores como Edmond Baudoin, Lea Mazé, Jason Lutes, Eleanor Davis, Jeff Smith, Frederik Peeters, Josephine Mark, Craig Thompson, Alberto Breccia, Jason, Baru, Shigeru Mizuki, Guy Delisle, Jeff Lemire, Yaro Abe o François Bourgeon. Además, desarrolla una labor de promoción de autoría nacional, tanto novel como de firmas ya asentadas en el medio, con la exportación de las obras de autores como Paco Roca, Laura Pérez o Alfonso Zapico.

“Se me cruzó, sabía que era el momento y cogí carrerilla”. Es lo que hizo la multipremiada Laura Pérez cuando apareció en su cabeza la “semilla” de Nocturnos, un cómic con el que la valenciana es capaz de sumergirse en “un lugar que no nos pertenece”, la noche, y que le ha llevado hasta una nominación en los premios Eisner 2026, considerados los Óscar del cómic.

Pérez (València, 1983) se considera a sí misma autora de cómics, una “contadora de historias”, que se acabó de enamorar del mundo gráfico tras la publicación de Náufragos junto a Pablo Monforte, por la que recibió el IX Premio Fnac Salamandra Graphic. “Pensaba que el cómic no podía contar historias, pero me di cuenta de que sí, que tiene algo especial”, asegura en una entrevista con EFE.

Esta creadora atesora numerosos premios nacionales e internacionales y en 2022 tuvo un reconocimiento especial al diseñar los originales títulos animados de crédito de la serie de Disney+ Solo asesinatos en el edificio.

La noche, un lugar que no nos pertenece

Cuando pensó en hacer un libro sobre la noche, señala la ilustradora, una pregunta resonó en su cabeza: “¿Qué voy a contar yo que no se haya contado ya?”.

“A pesar de eso, creo que los libros se hacen para los vivos, quiero decir, cualquier generación posterior lo va a leer y aportas tu granito de arena”, reivindica Pérez.

Así es como se sumergió de lleno, durante dos años, en el proceso creativo de Nocturnos, un cómic con el que asomarse a los misterios del sueño y la noche, un viaje íntimo y privado que comienza cuando llega el atardecer.

“Me decidí a hacer un libro que sabía que iba a ser raro, pero a la vez quería que trajera calma, que es lo que me dice mucha gente cuando lo lee”, expresa la autora, que asegura que tuvo el valor de dejar atrás las historias cortas y efímeras a las que estaba acostumbrada -como las de su cómic Ocultos- para centrarse en un personaje principal metafórico.

Y ese es la noche, “un lugar que no nos pertenece del todo”, asegura Pérez, y que le ha servido para hablar de muchas cosas, como el paso del tiempo y el punto limítrofe entre la vida y la muerte, unos temas que se ven con otros ojos cuando llega el amanecer. 

“Hay personas que han venido a las firmas que tienen trabajos nocturnos, como médicos, guardias de seguridad o gente que trabaja en la radio… Vienen diciendo que se han sentido identificados por su trabajo y eso es superchulo, porque yo los tenía en cuenta”, explica la autora.

Experimentar en cada libro 

Aunque la noche sea la protagonista de su último trabajo, Pérez no se considera especialmente nocturna: “Por la noche soy más visual y por el día más narrativa, se me da mejor escribir. Tengo el alma repartida así; noches, imágenes y día, palabras”, confiesa.

Lo que mueve a esta autora valenciana es, sin duda, las emociones. Lo más bonito de una novela gráfica es, a su juicio, “que te vaya llevando a diferentes estados”, algo que Pérez consigue jugando con las viñetas, los personajes y la psicología del color, pero especialmente con su estilo.

A pesar de tener un estilo marcado, la ilustradora asegura que ha ido evolucionando de forma natural, siempre intentando “ser fiel” a sus dibujos. “No tengo miedo a experimentar con cada libro un poquito, para no sentirme como un robot haciéndolos siempre igual, sino que también la atmósfera del libro te va pidiendo diferentes cambios”, expresa. 

Nominada a los Eisner 

La ilustradora valenciana se encuentra entre los siete artistas españoles nominados a los Eisner, en la categoría de 'Mejor edición estadounidense de material internacional' -por su edición en Fantagraphics-, una noticia que le pilló por sorpresa, mientras firmaba en la Feria del Libro de Praga: “Este año se me olvidó por completo el tema de esos premios, a pesar de que con Ocultos y Tótem sí que lo pensé”.

Nocturnos ya había sido reconocido como uno de los mejores cómics del año por la Biblioteca Pública de Nueva York, “algo que te da una pista”, asegura Pérez, y no es la primera “alegría” que recibe la valenciana, ya que en 2025 fue galardonada con el Premio Antifaz del Salón del Cómic de Valencia y nominada a mejora obra internacional en la ComicCon de Nápoles y en los premios Cómic Barcelona. 

Unos reconocimientos que se suman a los que ya consiguió en 2020 con su cómic Ocultos, que fue galardonado con el Premio Ojo Crítico de Cómic de RNE, y en 2022, donde fue nominada a los Premios Emmy con la serie de Disney+ Solo asesinatos en el edificio.

Sin embargo, “haces los libros porque te apetece hacerlos y luego, los reconocimientos vienen o no vienen”, señala Pérez, que con estar nominada ya está “contenta” porque ella ya ha obtenido el mejor premio para una ilustradora: tener la seguridad de que ha “hecho lo correcto” con su cómic.

La iraní Marjane Satrapi (1969 - 2026), cuyo fallecimiento este jueves ha impactado con tristeza en el mundo de la cultura, ha sido una de las autoras fundamentales para entender el desarrollo del cómic adulto en el siglo XXI, caracterizado por la libertad creativa y por la globalización del fenómeno de la novela gráfica, que llegó a países sin una tradición previa en el cómic infantil y juvenil.

Influencia de innumerables autores y, sobre todo, autoras, la obra de Satrapi tiene la capacidad de alcanzar a un público transversal, que encuentra en ella una voz única, capaz de tratar con temas universales desde lo local.

'Persépolis': cómo conocimos Irán

Persépolis (2000-2003) fue la historia con la que empezó todo. Publicada originalmente en cuatro libros por la editorial L’Association en Francia (en España primero por Norma Cómics y luego por Reservoir Books), en ella Satrapi abordaba su biografía, especialmente su infancia y adolescencia en el Irán inmediatamente posterior a la revolución cultural de 1979, que acabó con el régimen del Sha y provocó el ascenso de la dictadura teocrática de los ayatolás.

Con un tono y un dibujo intencionadamente infantiles al principio, Satrapi describe el impacto de los hechos en su familia, afín al régimen del Sha y de ideología más progresista, y especialmente cómo afectó a las mujeres el nuevo régimen represivo. Con sencillez, pero también con una sensibilidad entonces infrecuente en el cómic, la autora fue capaz de llegar a un público global, con traducciones a varios idiomas. Fue clave en la incipiente novela gráfica de principios de los 2000, porque mostró una forma diferente de acercarse al cómic, más personal, sin que el virtuosismo técnico estuviera en primer plano.

Destacó por su narración en primera persona, por la sencillez del relato y, sobre todo, por el hecho de que no solo era una obra idónea para entender las últimas dos décadas de la historia de Irán, sino que también constituía una bildungsroman en la que seguíamos a Marjane Satrapi desde su niñez hasta su edad adulta, en la que se exiliaba a Francia y lograba estudiar Bellas Artes.

Pocas obras han sido más leídas por el público general, no habituado a la lectura de cómics; pero su impacto también se sintió en las siguientes generaciones de autoras, que vieron en el ejemplo de Satrapi un modelo para narrar sus propias vidas, alejado de los cánones masculinos. La fama de la obra no hizo sino multiplicarse con el estreno de su exitosa adaptación a largometraje de animación en 2007, codirigida por Vincent Paronnaud y la propia Satrapi, en su primera incursión en el cine, comienzo de su carrera como directora.

'Bordados': de qué hablan las mujeres cuando están solas

Si Persépolis es su gran éxito, Bordados (2003) es su joya oculta: un pequeño libro de una intimidad desarmante, en el que se acerca a un grupo de mujeres iraníes que aprovechan las siestas de sus maridos para hablar entre ellas con libertad, sin velos ni burkas, y narrarse a sí mismas. Satrapi demuestra su madurez como autora y muestra un espacio de libertad que desmonta estereotipos y devuelve su agencia a unas mujeres que son reprimidas en su país pero que, en el resto del mundo, veían su identidad reducida a la condición de víctimas del régimen islamista iraní.

Aquí se muestran como personas con sus propias ideas, críticas, ácidas y divertidas, que hablan sin tapujos sobre sus vidas sexuales; el título alude al truco con el que las mujeres fingen seguir siendo vírgenes cuando se casan, para no perturbar a sus maridos. Se apoyan entre sí, y comparten el conocimiento y la sabiduría de diferentes generaciones, en un ejemplo de sororidad en un entorno abiertamente hostil. Si bien Satrapi no la consideró una obra explícitamente feminista, en las vidas de estas mujeres, en sus relatos de amores, infidelidades y desengaños, hay una evidente reivindicación de sus derechos y su libertad.

'Pollo con ciruelas': la familia en tiempos del sah

Pollo con ciruelas (2004) es otra obra breve, de nuevo de no ficción —aunque con ciertas dosis de imaginación— inspirada en historias de su familia. Narra la historia de Nasser Ali, un músico que, en los años 50, durante el régimen del sah, pierde el deseo de vivir cuando su mujer le rompe su preciado tar, el instrumento tradicional del que es un virtuoso. Cada capítulo corresponde a uno de los últimos ocho días de vida de Nasser Ali, y exploran no solo sus sentimientos y su decisión final, sino también la historia previa y posterior de la familia.

Con un dibujo que, por momentos, parece inspirado en los grabados xilográficos, Satrapi se consagra como una narradora pulcra, con un cierto componente oral, para dotar de nuevos significados a sus historias. En 2011, el cómic fue adaptado al cine, en este caso en imagen real, con dirección de Satrapi y Paronnaud.

'El suspiro': la retirada con un cuento infantil

Tras la publicación de su tercera obra, Marjane Satrapi se alejó del cómic, para centrarse en su carrera como directora de cine, con The Gang of the Jotas (2012), Las voces (2014), protagonizada por Ryan Reynolds, Madame Curie (2020), una biografía de la física y química polaca y Paradis Paris (2024) con Monica Bellucci.

Como si sintiera que ya no tenía nada más que aportar en el medio en el que inició su actividad artística, se mantuvo al margen del cómic, a pesar de que, en 2011, publicó El suspiro, un cuento infantil ilustrado. Es una historia con forma de fábula sobre la hija de un comerciante que se enamora, demasiado, de un príncipe.

'Mujer, vida, libertad': una obra colectiva de reportajes

Fue la situación en Irán y las revueltas protagonizadas por las mujeres, con la acción simbólica de quitarse sus velos en público y enfrentar a los integristas religiosos, lo que hizo que Satrapi volviera al cómic una última vez, como coautora y coordinadora del volumen colectivo Mujer, vida, libertad (2023). Motivada por el asesinato de Masha Amini a manos de la policía de la moral, la obra presenta un conjunto de reportajes de no ficción, que toma por título un lema político kurdo y visibiliza diversas historias protagonizadas por mujeres disidentes, pero también por los hombres que las apoyan y combaten igualmente el régimen. El libro ofrece algunos textos de periodistas y expertos en la materia, e incluye colaboraciones de autores y autoras de cómic como Joann Sfar, Lewis Trondheim, Coco o Paco Roca, entre otros.

Breve, pero de gran relevancia, la obra historietística de Marjane Satrapi constituye uno de los hitos del cómic contemporáneo. Pocas autoras han resultado más decisivas en la transformación del medio y la expansión de la autobiografía y la memoria como temáticas universales. Su huella directa resulta evidente en decenas de títulos que tomaron el dibujo sencillo como lenguaje idóneo para contar la infancia, pero, indirectamente, está presente en cualquier novela gráfica que afronte el medio como un vehículo de expresión personal, política y colectiva.

La artista franco-iraní Marjane Satrapi, mundialmente famosa por su obra Persépolis, ha muerto a los 56 años, según confirmaron este jueves fuentes cercanas a la agencia AFP. De acuerdo con un comunicado de su entorno, Satrapi ha fallecido “de tristeza” un año después de la muerte de su esposo y compañero de vida, Mattias Ripa. En sus últimos meses, el Instagram de la dibujante y cineasta se convirtió en el reflejo de su luto con el mensaje recurrente: “Porque he perdido al amor de mi vida”.

Galardonada con el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades en 2024, nació en 1969 en Rasht (Irán), en el seno de una familia acomodada y de ideología progresista. El complejo contexto político que se dio en su país en los años posteriores a la revolución de 1980, motivó que fuera enviada a Viena para que continuara sus estudios de secundaria en el Liceo Francés de la capital austríaca. Una vez volvió a Irán, se matriculó en Bellas Artes en la Universidad de Teherán, donde obtuvo el máster en Comunicación Audiovisual.

En 1994 se trasladó a Francia, donde vivía desde entonces. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Estrasburgo y después se mudó a París. En 1997 inició su carrera como ilustradora de libros de cuentos para niños como Adjar y Los monstruos tienen miedo de la luna.

La artista se introdujo en el mundo del cómic de la mano del dibujante y guionista David B, que fue quien le sugirió narrar en este formato los recuerdos de su infancia y adolescencia en Teherán. El resultado fue Persépolis, la novela gráfica ilustrada en blanco y negro en la que Satrapi logró que se hablara de la Revolución iraní como nadie antes lo había hecho: en primera persona y de manera divulgativa, no como un conflicto alejado y ajeno al mundo.

Publicada en cuatro tomos, Persépolis alcanzó gran éxito de crítica y público. La propia dibujante se encargó de llevarla a la gran pantalla junto a Vincet Paronnaud en 2007. El largometraje de animación fue galardonado con el Premio del Jurado del Festival de Cannes, dos premios César y fue nominada al Oscar a Mejor película de animación. Su gran repercusión le impulsó a seguir transitando y combinando ambas vías: historieta y cine.

En 2003 publicó el cómic Bordados, en el que presentó una serie de reflexiones sobre las mujeres iraníes; y en 2006 Pollo con ciruelas, con el que obtuvo el reconocimiento a Mejor álbum en el Festival del Cómic de Angulema 2005. Ambientada en su Irán natal en 1928, narraba la historia de Nasser Alí, un músico que perdía las ganas de vivir después de que su mujer le rompiera su tar, el instrumento que le había acompañado hasta entonces.

Entre el cine y el cómic

Satrapi volvió a adaptar al cine su obra junto a Vincent Paronnaud, y posteriormente ha estrenado otras tres películas. En la comedia La bande des Jotas (2013) mostró una versión absurda de la habituales confusiones de maletas que se dan en los aeropuertos a través de Nils y Didier, dos jóvenes que viajaban al sur de España para participar en un campeonato de bádminton.

En Las voces (2014) mezcló humor y comedia con un reparto liderado por Ryan Reynolds, Gemmar Arterton y Anna Kendrick. El filme a Jerry, hombre que sufre con esquizofrenia y trabaja de mantener en secreto sus alucinaciones.

En Radioactive (2020), narró la vida de la química Marie Curie y su pareja, Pierre Curie, quienes desarrollaron la teoría de la radiactividad y descubrieron tanto el radio como el polonio. El largometraje, liderado por Rosamund Pike, estaba basado en la novela homónima de Lauren Redniss. “Fue una mujer que no buscaba gustar ni ser querida, y de ese modo es más fácil quererla”, describió Satrapi a Marie Curie en durante la promoción del filme. Su última película fue la comedia dramática Paradis Paris (2024), protagonizada por Monica Bellucci y Ben Aldridge.

Mujer, Vida, Libertad (2023) fue el último proyecto gráfico de la artista. Un volumen colectivo de no ficción en el que participaron el politólogo iraní Farid Vahid, el historiador también iraní Abbas Milani, el reportero francés Jean-Pierre Perrin y un grupo de diecisiete autores de cómic (entre ellos los españoles Patricia Bolaños y Paco Roca). El libro ilustra las revueltas producidas en irán a partir del asesinato de Mahsa Amini en 2022, a manos de la llamada 'policía de la moral'. En él se denuncia la represión y falta de derechos humanos que, según Satrapi, sufre la sociedad iraní, muy en especial las mujeres, por culpa del régimen.

Otra de las disciplinas en las que Satrapi destacó fue la pintura, con relevantes exposiciones en galerías parisinas como la Jérôme de Noirmont. Comandante de la Orden de la Artes y las Letras de Francia, la artista fue doctora honoris causa por las universidades belgas UC Louvain y KU Leuven. En 2024 fue elegida miembro de la Academia de las Bellas Artes de Francia.

La última edición del Cómic Barcelona ha quedado grabada en los anales de la historia cultural española gracias a un hito sin precedentes en sus galardones. En este 2026, el certamen barcelonés, que recibió a unos 92.000 visitantes, se convirtió en el escenario de un cambio de paradigma largamente esperado por el sector. Teresa Valero, nacida en Madrid en 1969, ha sido la protagonista absoluta al alzarse con el premio a la mejor obra de autoría española. Este reconocimiento no solo premia su talento individual, sino que rompe un techo de cristal que se mantenía firme desde la creación del premio en 1988. La victoria de la autora madrileña simboliza el “momento dulce” que atraviesa actualmente el cómic firmado por mujeres en nuestro país. 

El galardón obtenido en Barcelona por Valero por su obra titulada ‘Contrapaso: Mayores, con reparos’, publicada por Norma Editorial, marca un punto de inflexión estratégico. Es la primera vez en casi cuatro décadas de historia del salón que una mujer recibe esta distinción máxima a nivel nacional. Este hecho inédito pone de relieve una anomalía histórica que la propia autora no dudó en señalar durante la ceremonia de entrega. Según Valero, es increíble que haya tenido que pasar tanto tiempo para que una creadora logre conquistar este prestigioso espacio. La categoría de este año destacó especialmente por contar, por primera vez, con cinco mujeres nominadas para el gran título. Este dato refleja una realidad innegable: la presencia femenina ha ganado una visibilidad y un peso específico arrolladores en la industria. 

La obra premiada, el segundo volumen de una trilogía, transporta al lector al Madrid gris y convulso del año 1956. A través de un monumental fresco ‘noir’, Teresa Valero explora las profundidades de la posguerra franquista con una maestría narrativa excepcional. La trama se desencadena con la misteriosa muerte de un censor eclesiástico en el interior de una sala de cine. Este suceso sirve de catalizador para destapar una red de corrupción y secretos que implican a las más altas esferas del régimen. La autora utiliza el género policial para realizar una disección quirúrgica de una sociedad oprimida por la dictadura y sus estrictos códigos.

En sus páginas se combina la intriga clásica con una potente carga de crítica social y una mirada muy humana. El nivel de detalle en la ambientación logra que el Madrid de la época cobre una vida inquietante y real. Valero demuestra ser una cronista visual impecable capaz de capturar la esencia de una España sumida en el silencio. Uno de los pilares que sustenta la calidad de ‘Contrapaso’ es su rigurosa documentación histórica, basada frecuentemente en hechos reales. Valero no teme abordar temas espinosos como el enriquecimiento de la hermana de Franco mediante la especulación inmobiliaria. El cómic refleja con dureza el contraste entre la miseria y el hambre de la mayoría y la opulencia de la oligarquía. 

También se exploran realidades silenciadas de la época, como la persecución sistemática al pueblo gitano y a los homosexuales. La censura, los abusos de poder de la Iglesia y el papel del periodismo son ejes centrales del relato gráfico. La autora ha logrado reconstruir una memoria histórica necesaria a través de una narrativa que resulta tan didáctica como adictiva. Cada viñeta es el resultado de un exhaustivo trabajo de investigación que dota a la obra de una solidez académica. Es un testimonio gráfico que utiliza la ficción para desvelar verdades que permanecieron ocultas durante décadas de represión.

La trayectoria profesional de Teresa Valero antes de este éxito histórico es vasta y comenzó vinculada al mundo de la animación. Debutó realizando labores de preproducción en estudios como Lápiz Azul para series icónicas como Tintín o La Pantera Rosa. En 1996, cofundó el estudio Tridente Animación, donde trabajó en largometrajes destacados como Astérix y los Vikingos. Su salto definitivo al mundo del cómic se produjo inicialmente como guionista de series como Sorcelleries y Curiosity Shop. No fue hasta 2021 cuando publicó su primer trabajo largo como autora completa, encargándose tanto del guion como del arte. Aquella primera entrega, ‘Contrapaso: Los hijos de los otros’, ya cosechó premios importantes y el aplauso de la crítica. 

Además de su labor creativa, Valero comparte su conocimiento impartiendo clases de storyboard en universidades de Madrid. Su formación técnica en animación se traduce en una narrativa visual dinámica que dota de gran ritmo a sus páginas. El eje de la narrativa de ‘Contrapaso’ reside en su trío de personajes protagonistas, cuyas dinámicas son el motor de la historia. Nos encontramos con dos periodistas de sucesos: un veterano falangista desencantado y un joven compañero con ideales distintos. A ellos se une una joven ilustradora que representa la rebelión frente a los roles femeninos impuestos por la dictadura. Juntos forman un equipo que, a pesar de sus diferencias políticas, colabora para investigar a un asesino en serie. 

Una edición muy femenina

Dicha investigación sirve para mostrar las diferentes caras de una España dividida y herida por la guerra y el miedo. Los personajes están dotados de un gran carisma y una profundidad psicológica que permite al lector empatizar con ellos. Valero está trabajando actualmente en el cierre de esta saga, que promete una conclusión a la altura del éxito obtenido. La mezcla de géneros permite que la denuncia social conviva perfectamente con el entretenimiento del mejor suspense criminal.

El éxito de Valero en Barcelona no es un hecho aislado, sino que se enmarca en una edición marcadamente femenina. Otros premios importantes fueron recogidos por autoras como Natalia Velarde, premio revelación, y la belga Alix Garin. La obra de Valero queda así consagrada como una de las piezas fundamentales de la historieta contemporánea en lengua española. Con su talento como guionista e ilustradora, la madrileña ha abierto una puerta muy importante. El futuro del cómic español es, gracias a trabajos como el suyo, más diverso, valiente y comprometido con la memoria. 

Las misiones absurdas, los disfraces imposibles y los inventos que salían mal acabaron formando parte de la infancia de millones de personas en España. Mortadelo y Filemón nacieron como dos agentes secretos de la T.I.A., una parodia disparatada de los servicios de espionaje clásicos. Francisco Ibáñez creó a ambos personajes a finales de los años 50 y los convirtió en una de las parejas más conocidas del tebeo español.

Mortadelo se dedicaba sobre todo a disfrazarse de cualquier cosa para infiltrarse o escapar de los problemas, mientras Filemón intentaba dirigir las misiones con bastante menos éxito del deseado. Los dos trabajaban para una organización llena de inventos defectuosos, órdenes disparatadas y operaciones que casi siempre terminaban en desastre.

Aun así, aquellas historietas acabaron entrando en colegios, quioscos y casas durante décadas, hasta convertirse en una de las obras más reconocibles del humor español.

El Ministerio aprobó monedas para homenajear a Ibáñez

El Ministerio de Economía, Comercio y Empresa aprobó una colección de monedas para celebrar el 90 aniversario del nacimiento de Francisco Ibáñez, fallecido en 2023, según figura en el Boletín Oficial del Estado. La emisión llegará durante el segundo cuatrimestre de 2026 y estará dedicada a algunos de los personajes más conocidos del dibujante barcelonés.

Las piezas no nacen para el uso habitual en tiendas o cafeterías, aunque tendrán curso legal dentro de España. La intención pasa por lanzar una serie destinada al coleccionismo y recordar la importancia cultural que alcanzaron aquellas historietas.

Rompetechos y Sacarino acompañaron durante años a varias generaciones

Los personajes de Ibáñez acompañaron a varias generaciones con un tipo de humor muy reconocible. Las historias de la T.I.A. ridiculizaban la burocracia, las chapuzas administrativas y muchos comportamientos cotidianos del país mediante golpes, persecuciones y situaciones ridículas. Rompetechos aparecía perdido en cualquier lugar por sus problemas de vista. Pepe Gotera y Otilio destrozaban cada obra que intentaban arreglar. Mientras que el Botones Sacarino convertía cualquier tarea sencilla en un caos. Aquellas viñetas terminaron formando parte de una rutina semanal para muchos lectores, algo que explica la enorme popularidad que todavía mantienen décadas después de su aparición.

Nueve ejemplares recordarán a figuras de la Escuela Bruguera

La colección reunirá nueve monedas distintas y cada una estará dedicada a una figura del universo de Ibáñez y de la Escuela Bruguera. Además de Mortadelo y Filemón, aparecerán el Profesor Bacterio, Ofelia, el Superintendente Vicente, Rompetechos, Pepe Gotera, Otilio y el Botones Sacarino.

Una de las caras mostrará un autorretrato del historietista junto a su firma y el nombre de España. La otra enseñará a los personajes a todo color sobre un diseño inspirado en las viñetas clásicas del cómic español. El homenaje busca recordar tanto la carrera de Ibáñez como el lugar que ocuparon sus personajes dentro de la cultura popular.

El detalle que más comentarios ha generado es el valor facial de cada pieza, fijado en 1,5 euros. Aun así, esas monedas no se venderán por esa cantidad. Cada unidad costará 23,97 euros y tendrá una tirada máxima de 10.000 ejemplares. Las monedas estarán fabricadas en cobre recubierto de plata de 999 milésimas, pesarán 25,8 gramos y medirán casi 39 milímetros de diámetro.

Las reservas podrán hacerse por internet y en Madrid

La Fábrica Nacional de Moneda y Timbre habilitará tres vías de compra cuando anuncie la fecha definitiva de salida al mercado. Las reservas podrán hacerse por internet mediante la web oficial de la FNMT, en la tienda física situada en la calle Jorge Juan de Madrid y también mediante establecimientos especializados en numismática.

La colección completa también podrá adquirirse en un estuche especial pensado para los aficionados que quieran conservar las nueve piezas juntas. Aunque los comercios no estarán obligados a aceptarlas como forma de pago, el hecho de que tengan curso legal permitirá utilizarlas en España.

El precedente de 2021 ayuda a entender el interés que ya existe alrededor de esta nueva tanda. Aquel año salió otra colección dedicada al 85 aniversario del nacimiento de Francisco Ibáñez y muchas unidades desaparecieron rápidamente de las tiendas. Las piezas se vendieron entonces por cantidades situadas entre 12 y 15 euros, pero varias terminaron después en plataformas de reventa por cifras situadas entre 20 y 45 euros. Los especialistas en numismática suelen señalar que las monedas relacionadas con personajes muy conocidos despiertan bastante interés entre coleccionistas.