“Ustedes, que tienen tiempo aún, no caigan en la trampa. La ultraderecha vino a destruirlo todo, eso es así, yo vengo del futuro, de un país donde el presidente incluso puso en venta el agua. Ya no solo defendemos el cine, tenemos que defender el agua. Que no les pase a ustedes”. La actriz Dolores Fonzi recogía su Goya a la Mejor película iberoamericana por Belén en la última edición de los premios de la Academia haciendo un grito de aviso. Ella, una de las figuras más importantes del cine argentino como actriz, directora y productora, ha vivido en primera persona cómo, desde la llegada de Milei, el Gobierno se ha encargado de destruir el cine argentino, desmantelando su instituto de cine, dejándoles sin fondos y con una campaña de ataques y desprestigio para colocar a los ciudadanos en su contra.

Las palabras de Dolores Fonzi resonaron hace poco como un eco cada vez más cercano en el Congreso de los Diputados cuando, en el debate sobre la Ley del Cine, Vox defendía su enmienda a la totalidad con ataques al cine español. Les acusaba, de nuevo, de “subvencionados”, de “tirar el dinero de los españoles” y de ser una “máquina de propaganda”. Nada nuevo. La derecha lleva alentando el odio al cine español desde el No a la guerra, y la llegada de Vox solo ha servido para tensar más la cuerda. Solo hay que recordar al vicepresidente de Castilla y León llamando “señoritos” al cine español en la previa de los Goya de 2024, o ese “bomba fétida” que soltó el diputado de Vox Antonio Martínez para definir nuestro cine.

Sin embargo, las palabras que más miedo causaron en todo el hemiciclo fueron las que ya directamente remitían a lo que harían si es que llegaban al Gobierno: “Quitar administración y aquellos servicios que no sean esenciales”. El propio Ministro de Cultura reaccionó y le preguntó directamente a Robles López, de Vox, si tal como había entendido, defendían “la eliminación prácticamente del INCAA llevada a cabo por el señor Milei”. Luego le preguntó directamente si ellos eliminarían el INCAA cuando estuvieran en el Gobierno. Lejos de rectificar, matizar o aclarar, Robles López contestó con una amenaza mayor: “Eliminaríamos el Ministerio”.

También desde el futuro, la periodista de elDiario.es desde Buenos Aires Mercedes López San Miguel explica cómo se fue forjando la destrucción del cine argentino desde antes de que Milei llegara al poder. “Milei hablaba de 'librar una batalla cultural' además de política en la precampaña y tenía y tiene un trato despectivo hacia figuras de la cultura, cuando las identifica con ideas de izquierda, progresistas. Por ejemplo, el enfrentamiento que Milei mantuvo con la cantante y actriz Lali Espósito, una de las artistas más populares del país. Una de las prioridades del presidente ultraderechista en sus primeros meses de gestión fue lo que llamó ‘desarmar el Gramsci Kultural’, un juego de palabras entre el teórico marxista italiano y el kirchnerismo, la fuerza política peronista que gobernó gran parte del siglo XXI”, recuerda la periodista.

Lo que ocurriría en España

Un vistazo a lo que pasó en Argentina hace temer lo que ocurriría en España. La primera amenaza seria allí llegó en agosto de 2023, cuando en plena campaña, Javier Milei amenazó con cerrar el INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales) en caso de ser presidente, alegando que genera déficit, y “por lo tanto, no debería existir”. En una entrevista televisiva, un periodista le preguntó: “¿Vas a hacer una auditoría del INCAA?”. El ultraderechista le contestó: “Lo vamos a cerrar, igual que la Televisión Pública, igual que Télam (la agencia estatal de noticias Télam”. Se refería a la agencia más grande de América Latina, fundada en 1945 y que, como recuerda López San Miguel, “efectivamente dejó de existir como agencia de noticias”.

Ahí lanzó una mentira que caló en la gente: que el INCAA era deficitario. “El INCAA es un ente autárquico público, se autofinancia, es una falacia del Gobierno ultra decir que solo se sostiene con los impuestos de la ciudadanía, el engaño es decir que el Estado se iba a ahorrar gasto. El INCAA tiene a su cargo la gestión del Fondo de Fomento Cinematográfico cuyos ingresos se componen de: 10% de la venta de entradas de cine; 10% de la comercialización de videogramas y 25% de la recaudación de la ENACOM (Ente Nacional de Comunicaciones) en concepto de gravamen a la facturación de los canales de TV y servicios de cable”, explica Mercedes López San Miguel.

La industria del cine argentino está paralizada; antes daba trabajo a más de 600.000 personas, ahora no hay producción

Ana García Blaya — Cineasta

Pero caló y cumplió su promesa. Cuando Milei llegó al poder colocó al frente del INCAA a Carlos Luis Pirovano, “un economista sin ninguna experiencia en el rubro audiovisual” que “avanzó en el vaciamiento del INCA con despidos, un plan de retiros voluntarios, la eliminación de casi todos los planes federales, paralizó su actividad y dispuso un cambio radical en las reglas de juego para el financiamiento a la producción”. “Si hasta ahora el 50% de los ingresos del INCAA se dedicaba al fomento de películas, ahora solo se destina el 20% del total. Además, para aspirar a cualquier apoyo o subsidio del INCAA, una productora debe demostrar que posee de antemano el 50% del financiamiento, cuando hasta ahora el aval del INCAA servía como punto de partida para luego buscar dinero de coproductores y fondos del exterior o concretar alguna venta adelantada a un streamer”, analiza la periodista. Estas condiciones hacen que casi ninguna producción pueda optar a una ayuda pública.

Su compañero Diego Batlle, periodista argentino experto en cine, añade que no solo recortó las ayudas a la producción, sino también “cerró casi todos los planes de fomento y apoyo a festivales y actividades en las provincias, fuera de Buenos Aires, o la escuela de cine, que depende de ellos”. “Los que quedaron son unos pocos concursos, muy limitados y difíciles de ejecutar. Básicamente, cerró todo lo que es el sistema de subsidios y quedó el cine argentino muy desfinanciado”, añade.

Las consecuencias ya se notan. Y no han sido positivas. No se ha fortalecido un cine industrial y el cine medio ha desaparecido. “La producción está paralizada; solo las grandes productoras o quienes trabajan con plataformas pueden seguir”, dice Mercedes López. La directora argentina Ana García Blaya añade que “la industria del cine argentino está paralizada; antes daba trabajo a más de 600.000 personas, ahora no hay producción”. “Los concursos del INCAA no alcanzan para filmar y solo unos pocos proyectos avanzan, pero la mayoría no se realiza. La gente del sector busca otros trabajos porque ya no hay industria ni oportunidades laborales en el cine”, subraya, mostrando cómo se ha fulminado una industria.

La solución, como explica el cineasta Fernando Salem, pasa por producir con plataformas: “Hoy, la única forma de producir es a través de plataformas o fondos extranjeros, lo que lleva a una colonización cultural. Hoy creo que la única forma de contar nuestras historias es por plataformas o de una búsqueda de fomento de países extranjeros. Porque todos los países fomentan su propio cine”.

El ejemplo más claro lo coloca en la mesa Diego Batlle, que cita la nueva película de Damián Szifrón, autor de una de las películas más taquilleras de la historia del cine argentino, Relatos Salvajes, financiada con apoyo público y producción privada y que ha rodado con Netflix, al igual que Santiago Mitre, director de Argentina, 1985. “Los directores más consolidados que todavía pueden filmar, lo hacen directamente con financiamiento de Netflix o en algunos casos de Amazon Prime Video. Está pasando también con las series, no se está produciendo”, confirma.

Pero lo que cree que realmente ha muerto es “el cine intermedio, el cine industrial de autor que se hacía con los sindicatos y que era el cine de mayor riesgo financiero”. Quedarán películas como Homo Argentum, de Cohen y Duprat, cineastas que han sido muy críticos con el INCAA y que han sido tomados como representantes del cine que quiere que haya el Gobierno de Milei. Su Homo Argentum fue vista por dos millones de espectadores. El propio Milei alabó la película y se jactó de que no había tenido ayuda pública, algo que se demostró finalmente falso.

En cinco o seis años no vamos a tener una producción de películas nacionales

Fernando Salem — Cineasta

Batlle también confía en que seguirá rodándose lo que él llama “cine de guerrilla, cine ultra independiente, que nunca se hacía con apoyo del INCAA, que no se hace con los sindicatos y que se hace de manera autogestiva, en cooperativa”. También lo harán cineastas como Lisandro Alonso o Benjamín Naishat, cuyas nuevas películas tienen todo el dinero extranjero, lo que provoca lo que ya se está definiendo como una nueva fuga de cerebros, con “muchos técnicos que se están instalando en México y en España”.

Se ha elaborado, además, una narrativa que también lanzó el diputado de Vox en el Congreso: que las películas argentinas no interesan y no tienen espectadores. Eso, para Fernando Salem, es “el argumento de Pirovano para no ejecutar el presupuesto del Fondo de Fomento”. “Como si se pudiera medir el éxito de un film por la cantidad de gente que la va a ver. Los realizadores y las realizadoras necesitan que el Estado les permita hacer sus primeras películas, que después son las que se visibilizan en festivales, y los directores y directoras terminan dirigiendo en Netflix, en Amazon. En cinco o seis años no vamos a tener una producción de películas nacionales”, augura con pesimismo.

“Antes se filmaban un promedio de 200 películas por año y ha bajado a 0 este año. En el primer año de este Gobierno se firmaron unas 24 películas y eran proyectos aprobados en gestiones anteriores. O sea, lo que sucede es que ya no hay industria del cine. No es una fuga de cerebros, lo que hay es una fuga laboral, o sea, gente dedicándose a otras cosas porque no hay trabajo. Las posibilidades de producción que antes ocurrían en Argentina se van a otros países”, zanja Ana García Blaya. Ellos vienen del futuro. Comenzaron oyendo amenazas como las de Vox, y ahora avisan sabiendo las consecuencias de colocar a la extrema derecha a gestionar el patrimonio cultural de un país.

Tres películas españolas competirán por ganar la Concha de Oro en el Festival de Cine de San Sebastián. El director del festival, José Luis Rebordinos, que afronta su última edición al frente, anunció los títulos que lograrán el galardón más importante de entre los festivales españoles. Lo hizo, además, junto a la que será su sucesora, Maialen Beloki. Las elegidas por el comité de selección han sido Cinco minutos más, de Javier Ruiz Caldera; Sants, de Mikel Gurrea, y El mal padre, de Roberto bueso. Las tres intentarán repetir el éxito de las dos últimas ediciones, cuando Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa y Tardes de Soledad, de Albert Serra, se llevaron la Concha de Oro.

De los nombres el único que se esperaba casi con seguridad era el de Gurrea. Con su debut en la dirección, Suro, ya compitió por la Concha de Oro, por lo que se esperaba que con su segundo filme, Sants, que tiene a Victoria Luengo, Ariadna Gil y Eulalia Ramón como protagonistas, también estuviera en el Zinemaldia, como así ha sido finalmente.

Las otras dos películas han sorprendido por motivos diferentes. La inclusión de Javier Ruiz Caldera por reconocer al cine de género (una comedia con bucle temporal con Berto Romero, Javier Cámara y Belén Cuesta) en el lugar de las películas dramáticas que suelen ir competición, y también reconocer la labor de un cineasta que ha dirigido varias de las mejores comedias del cine español reciente. De hecho, en la presentación del filme hace algo más de un año entre las producciones originales de Movistar +, el propio Ruiz Caldera bromeaba ante sus compañeros Sorogoyen o Laxe que por qué él no podía también optar a un festival internacional. Ahí lo tiene.

La otra, El mal padre, pocos contaban con ella. Se anunció su rodaje este mismo año, y Roberto Bueso había saltado al cine más comercial con Llenos de gracia tras su emotivo debut, La banda. Con su nuevo filme regresa al cine del circuito de festivales con este drama producido por Fernando Bovaira y protagonizado por Eduard Fernández. Una historia de reconciliación entre un hombre y su padre enfermo. Una edición que no tendrá, este año, ninguna directora española en competición.

Como todos los años, la presencia del cine español se extendió fuera de la Sección Oficial en competencia por la Concha de Oro. Fuera de concurso se podrá ver Ruega por nosotras, el regreso de Daniel Monzón a la dirección. El responsable de Celda 211 presentará Ruega por nosotras, un filme sobre el patronato de la mujer, institución que durante el franquismo sirvió para adoctrinar a las mujeres en la moral franquista. La serie documental sobre los protagonistas reales de La sociedad de la nieve; El Último adiós, de Kodo Almandoz; Bajañí, de Fernando Trueba, y Sacamantecas, de David Pérez Sañudo.

En Nuevos Directores se verán tres esperados debuts del cine español. Esta soledad, la primera película de Javier Giner tras el éxito de la serie Yo, adicto y con Oriol Pla y Marina Salas como protagonistas, El mal hijo, ópera prima del actor Jaime Lorente que ha partido de la novela homónima de Salvador S. Molina y la directora ucraniana Tatjana Moutchnik con su ópera prima Seven Days .

También habrá sitio para las series, pero de nuevo, fuera de concurso: El castillo, la producción de Caballo Films (productora de Sorogoyen) que adapta libremente El proxeneta, de Mabel Lozano, y que han dirigido Sandra Romero y Elena Martín Gimeno y protagonizado Raúl Arévalo, Valentina Vidal, Omar Ayuso y Laia Marull.

En el recinto más grande y popular, el velódromo, se podrá ver Karateka, de Aritz Moreno, y el documental sobre la última gira del músico Fermín Muguruza mientras que tras publicar su primer tráiler y el premio en Cannes, Javier Calvo y Javier Ambrossi presentarán La bola negra justo antes de su estreno. Esta emotiva carta de amor a Lorca que apunta a los Oscar competirá por el premio del público en el apartado Perlas, que reúne lo mejor de otros festivales.

Zabaltegi tendrá varios títulos con producción española. Red Rocks, dirigida por Bruno Dumont y producida por Albert Serra; Jaleos, el largometraje de no ficción de Isaki Lacuesta sobre el flamenco, Lejos de los árboles, de Meritxell Colell, que tras competir en Locarno se verá en la sección más libre del Zinemaldia. También Oskar Alegría presentará su nuevo trabajo documental sobre la obra del artista Jorge Oteyza.

Un anuncio que llegó tras una ovación en pie a Rebordinos por parte de todo el salón de actos de la Academia de Cine para agradecer su trabajo todos estos años en la que será una edición de transición hacia el futuro con Beloki como encargada de rejuvenecer el certamen sin romper con lo ya logrado.

Albert Serra ya no es solo uno de los directores más radicales del cine español. Ahora, también es uno de los productores más arriesgados y que busca levantar los proyectos de colegas que buscan los mismos retos y apuestas que él. El cineasta podía haberse apoltronado, quedarse centrado en sus películas y olvidarse del resto. Sin embargo, ha decidido que hay un posicionamiento ético en ayudar a aquellos autores que comparten una visión. Como hicieron los directores de la Nouvelle Vague. Como hace Pedro Almodóvar.

Desde su productora Andergraun —junto a su socia Montse Triola— bucea entre aquellos directores que quieren levantar un proyecto y les ayudan a conseguir una financiación que ya no llega de un solo país, sino de muchos. Lo hicieron el año pasado con Alain Guiraudie, y ahora con Lav Díaz, el director filipino habitual de los festivales de cine y que acaba de estrenar Magallanes, su peculiar y único biopic sobre el conquistador al que da vida Gael García Bernal.

Serra defiende las herramientas que se están dando desde el Ministerio de Cultura para crear filmes que defienden una idea que siempre él ha expuesto, y es que el concepto de cine nacional tiene cada vez menos sentido, y que el lenguaje del cine atraviesa cualquier lengua o identidad nacional. Por eso, la unión de países y de sus ayudas públicas son clave para lograr un cine que se aleje de fórmulas rancias y algoritmos.

El año pasado produjo Misericordia, de Alain Guiraudie, y este Magallanes, de Lav Díaz, ¿ha aumentado su labor como productor?

No es que esté más ahí. Siempre estaba ahí. Lo que pasa es que ahora hay, en el ICEX y en el ICAA, y con los incentivos fiscales, pequeñas herramientas para que cada país pueda contribuir con algo en estas coproducciones minoritarias, que no son tan exorbitantemente caras. Algo de talento artístico y técnico, evidentemente, pero también con dinero de financiación. Lógicamente, antes se podía hacer sufriendo, luchando contra molinos de viento, pero ahora realmente se puede hacer. Pero lo mismo pasa con mis propias películas, son coproducciones con países que no tiene por qué ser Francia, que parece más evidente. Ahora la herramienta está ahí, y por qué no aprovecharla.

¿En qué se fija para producir a un director?

En mi caso me gusta aprovecharlo para producir a gente que me interesa. Todos son realizadores con mucha filmografía, no es como una guardería. Hoy en día hay muchos directores jóvenes que los ponen allí y luego ponen un director de fotografía superfamoso, o un director artístico superfamoso, actores superfamosos… y al final parece que el más inútil es el director, que es como un niño pequeño al lado de todos estos supertécnicos. Y lo hacen para garantizar una seguridad, para que no sea un desastre la peli. Pero tampoco se consigue mucho. Aquí es todo lo contrario, el que manda es el director, son gente que sabe muy bien lo que tiene que hacer y me interesa porque son gente con una filmografía a veces un poco irregular o desigual, como la de todos, pero que tienen varias películas muy buenas.

Ahora voy a producir la nueva de Ulrich Seidl. Si alguien ha hecho una o varias películas muy buenas puede hacer otra. La idea es que el proyecto me interese, que sea original la idea, pero tiene un poco de altruismo, de ayudar, algo que era habitual en los 60, con la Nouvelle Vague. Directores que se ayudaban unos a otros. Los que tenían más dinero porque eran de familia rica o porque habían tenido algún éxito se convertían en productores. A mí eso siempre me gustó. Y Almodóvar también produce otras cosas, o ayuda o lo que sea. Aquí no hay tanto una voluntad industrial como una cosa de ayudar a personas concretas. Ayudar no es la palabra tampoco, sino colaborar en cosas concretas de gente concreta.

Estas coproducciones de varios países me hacen pensar en algo que dice siempre, y es que el concepto de cine nacional no tiene sentido.

Hoy en día se puede rodar en inglés, en francés, en cualquier idioma porque no es tan importante el idioma. Eso es la constante de fondo de cada autor, pero lo que va a penetrar si tiene la suficiente energía y la suficiente inteligencia va a ser su obra. Esto es lo que importa. Pero para eso necesitas un poco de actitud, y también necesitas, que es lo que intento yo ofrecer, facilidad. No imponer todo el rato porque eres el productor. Que a mí también me lo hacen, no te creas, aunque a mí nunca me ha sugerido nadie cambiar una coma ni nada. Me han podido sugerir que sea un poco más corta, esto es una constante que escucho cada día.

No produzco a otros directores para figurar. Lo hago para ayudar. Es como una cosa ética. Lo que tú quieres que le hagan a uno, pues tiene que hacerlo a los otros

Albert Serra — Cineasta

¿Le ha dicho a Lav Díaz que su película fuera más corta?

No, le dije solo que no fuera de nueve horas, pero con eso podían haber sido ocho horas y media. Se sobreentendía que iba a ser una película como muchas que él ha hecho. La que ganó en Venecia eran más de tres horas. Muchas de las últimas están alrededor de las tres horas. No tienen por qué ser de cinco horas tampoco.

He leído que la distribuidora, A Contracorriente, decía que era la primera película de Lav Díaz que se estrena comercialmente en España. Es bastante curioso.

Me extraña que la que ganó en Venecia no se estrenara, pero claro, era en blanco y negro, con un tema muy específico filipino, es larga… puede ser. No me acuerdo. Pero, hostia que es un León de Oro en Venecia. En cualquier caso, bienvenido sea. Ahora se está viendo mucho en distribución esta tendencia, que funcionan las películas un poco más radicales que las que son un poco menos. Antes estaba ese cine medio que arrasaba y ahora pasan estas cosas que son sorpresas que nadie se lo espera.

Es lo que hemos visto con las películas de Cannes, que son películas raras, que se van un poco hacia el género, escoradas, algo que a mí no me interesa tanto, o pelis ya muy bien hechas, como la que ganó este año, pero siempre tienen algo de sorpresa. La película, digamos, demasiado preparada, convencional, y aburrida, ya no funciona. Estos proyectos que produzco son arriesgados, con esta película tuvimos unos problemas de la hostia en Filipinas, fue como Apocalypse Now pero en cine de autor. Se destruyeron muchos decorados, se iba alargando el rodaje… un caos. Pero qué quieres que te diga. Una vez has empezado una cosa no te puedes quejar. No haber empezado si no.

Magallanes aborda el tema del colonialismo, que de alguna forma contó en Pacifiction, donde se mostraba ese presente postcolonial, ¿hay algo de ese tema que le atrae?

Sí, me gusta. Yo leí el libro de Stefan Zweig antes del guion, cuando me empezó a hablar Lav Diaz el proyecto. Me interesaba la paradoja, que me parece hasta cómica, de alguien que era considerado tolerante, el más humanista de los explotadores, el que tenía una mirada digamos más abierta hacia lo indígena, aunque en la película se ve el sadismo en los barcos, pero comparado con los otros era más humanista, y al final muere por un arrebato de egolatría. Eso de decir ‘lo hago por cojones’. Pues ‘por cojones estás muerto’. Estuvo muy cerca de completar la vuelta, pero al final le sale la vena conquistadora e imperialista y muere.

Normalmente, a los productos no se les suele hacer una entrevista a no ser que sea para hablar de la industria, ¿cree que su nombre se ha convertido en un sello, en algo atractivo para la gente?

No sé, me da igual. Yo no lo pretendo, no quiero ni figurar. Esta película, si miras, ni salgo en la foto. No es mi cometido. Lo hago para ayudar. Joder, es que yo quiero que me lo hagan a mí. Es como una cosa ética. Lo que tú quieres que le hagan a uno, pues tiene que hacerlo a los otros. Y a la inversa, lo que uno no quiere no lo tiene que hacer él. Si yo produzco a un director no es mi sello, es el sello de esos directores. En España ahora tenemos estas herramientas que hay que agradecerlas mucho porque ahora somos un poco la envidia de algunos países y mucha gente viene a rodar aquí, y hay que aprovecharlo hasta que dure, porque todo son beneficios. Y yo tengo mi criterio, pero creo que si a mí me gusta, me impresiona, es porque algo tendrá, algo que es relevante para el cine contemporáneo o para su evolución. Algo que no está ni en las series ni en el cine convencional.

Mi nueva película está montada a un 65%. Te garantizo que vas a ver cosas que que valdrán la pena y que lo que más te dolerá será irte del cine después de la última escena

Albert Serra — Cineasta

¿Cómo lleva el montaje de su nueva película?

Bueno, yo diría que está a un 60% o un 65%. Estamos montando cada día. Quizás esté lista a finales de año o primeras dos semanas de enero. En teoría, si no suceden cosas extrañas. Pero te garantizo, ahora que he montado ese 60%, que hay entre 20 y 40 minutos intocables, que vas a ver cosas que sabes que valdrán la pena y que lo que más te dolerá será irte del cine después de la última escena. Esto ya te lo digo. Ahora queda conjugar lo que hay ahí en medio y estoy ahora en ello. Además, ya se va viendo un poco el tono de la película y es una película positiva.

Ahora que todo el cine es cínico…

Claro, todo son conflictos, problemas, y mi cine en eso era el campeón, siempre estaba la sospecha, lo latente, la ambigüedad, los malos que son buenos y los buenos que son malos, y llegaba más lejos de lo que la gente llega hoy en día. Pero me cansé de esto y de ser campeón de esto. Ahora todo es positivo. No hay conflicto, no hay nada, todo es fantástico y todo es un mundo solo con elementos positivos. Y me gusta la atmósfera. Estuve este año en Cannes y vi doce películas de competición y dos o tres fuera de competición y no hay ninguna peli así. Tiene esta atmósfera, de algo raro, a pesar de ser realista, no sé ni cómo lo conseguí porque no estaba ni en el propósito. De hecho, en el guion había un poco más de lo mismo de las anteriores, sabes que trata sobre lo que pasa con Rusia y Estados Unidos al principio de la guerra de Ucrania. Pero no es sobre guerra. Y esto desapareció por la misma lógica del rodaje. Realmente es un mundo diferente. Es bonito vivirlo, porque te pone en un estado mental diferente.

La construcción del imaginario colectivo es fundamental en el desarrollo de las personas tanto a nivel individual como colectivo. La representación de lo que ocurre en la calle y en los hogares en el audiovisual, ya sean películas o series, genera un viaje de ida y vuelta que no necesariamente tiene efectos positivos. Precisamente por ello, es necesario seguir realizando un trabajo de análisis que permita detectar las carencias y valorar los logros sobre lo que vemos en pantalla –sea el tamaño que sea–.

El Observatorio en los Medios Audiovisuales (ODA) y el Instituto de la Juventud de España (INJUVE) han hecho lo propio en el informe La representación de las juventudes en el audiovisual español, presentado este lunes, que advierte que existe una desconexión entre la realidad de los jóvenes y su reflejo en las series y películas realizadas en nuestro país. El estudio ha analizado 1.870 personajes, de los cuales 590 son jóvenes. Estos se encuentran en 102 películas y 79 temporadas de 78 series de ficción.

El informe indica que existe una “sobrerrepresentación cuantitativa” de la juventud dado que, mientras esta supone aproximadamente un 15,6% de la población, en la ficción alcanza el 31,6% de los personajes, lo que conlleva a un “peso desproporcionado en pantalla”. Sin embargo, esta proliferación de papeles no conlleva a una “aproximación realista” a sus condiciones de vida. Las narrativas ignoran en gran medida problemáticas clave como la precariedad laboral, las dificultades de emancipación (solo el 15% de los jóvenes viven independizados y la edad media supera los 30 años) y la salud mental (el 54,7% ha experimentado problemas en el último año).

Un imaginario homogéneo y normativo

El informe concluye que el audiovisual español va un paso por detrás en la representación de la diversidad real de las juventudes: “Sigue construyendo un imaginario homogéneo y normativo, que simplifica y distorsiona esta pluralidad”. Como ejemplos destacan que pese a que la sociedad española cuenta con un 18,5% de jóvenes de origen extranjero, un 27,3% con al menos un progenitor migrante y un 14,9% que se identifica como LGTBIQA+; estos perfiles apenas se trasladan con complejidad a las narrativas.

En lo que respecta a la presencia de personas racializadas en pantalla, dentro de que se observa cierto aumento (hasta el 16,4% de los personajes jóvenes), esta representación pierde relevancia en los papeles protagonistas y continúa asociada a procesos de extranjerización o roles estereotipados. La representación de la diversidad de género sigue siendo muy limitada, con menos de 1% de personajes no binarios, restringiendo la visibilidad de identidades disidentes.

Adolescencia y cuerpos “perfectos”

El informe revela que la representación por género en los personajes entre 13 y 30 años es paritaria y que, de hecho, las mujeres incluso tienen más presencia en la ficción audiovisual, pese a que el porcentaje masculino es superior según las cifras de población que ofrece el Instituto Nacional de Estadística (INE). En el caso de las películas contamos con un 49,2 % de hombres, un 50,4 % de mujeres y un 0,4 % de personas no binarias. En las series la representación masculina desciende al 43,9 %, y aumenta la femenina con un 55,3 %, además de la no binaria al 0,8 %.

Al comparar con las cifras de todas las edades, en películas ellas suponen el 47% y en ficción seriada el cambio es más sustancial, al haber un 46,8 % de mujeres. Esto se debe principalmente a que, según envejecen, las mujeres van desapareciendo en pantalla, y que la mayor presencia de mujeres jóvenes está ligada a la belleza asociada a la juventud. ODA detecta que la división por géneros no se traduce en un amplio imaginario de feminidades y masculinidades, sino que, en su mayoría, se mantienen dentro de la normatividad, destacando la corporal.

Sexualidad y violencia

El estudio subraya que la ficción “no solo invisibiliza realidades estructurales, sino que además reproduce esquemas narrativos y simbólicos que condicionan la construcción social de la juventud”. En este sentido, predominan temáticas recurrentes como el deporte o las relaciones sexuales, en detrimento de otros más vinculados a la experiencia cotidiana, contribuyendo a una imagen parcial y sesgada. Este enfoque se vincula además con la reproducción de mandatos normativos en torno al cuerpo, la sexualidad o el éxito individual; dejando fuera experiencias como la citada diversidad corporal, la vida en entornos no urbanos y las trayectorias marcadas por la precariedad.

El informe recoge que la presencia de tramas sobre violencia sexual está expandida en elemplos como Ni una más, Las chicas de la estación, Nudes, Élite, Nevenka y HIT 3. Aunque no todas representan la cuestión de la misma forma, ODA destaca la centralidad de temáticas sobre abusos sexuales, acoso, violencia sexual y de género.

En este punto inciden en el terror sexual, haciendo alusión a Microfísica sexista del poder (2018) de Nerea Baroja, que explica cómo ante cada cambio en la percepción de la feminidad y la libertad sexual se generan narrativas que actúan como tecnologías de control para las mujeres. Así, ejemplos como Ni una más o Nudes, crean un imaginario sobre los peligros constantes de las relaciones de hombres con mujeres en la adolescencia, especialmente cuando son mediadas por las redes sociales.

Visiones simplificadas, normativas y adultocéntricas

A raíz de los datos del estudio, ODA e INJUVE concluyen que el audiovisual tiende a reforzar visiones simplificadas, normativas y adultocéntricas de la juventud. Esta brecha entre representación y realidad “no solo limita la visibilidad de la diversidad juvenil, sino que también condiciona la comprensión social de sus problemáticas y aspiraciones”.

Para ambas instituciones, el análisis “subraya la necesidad de impulsar cambios en la industria cultural orientados a generar relatos más complejos, inclusivos y conectados con las condiciones materiales y simbólicas de las personas jóvenes”.

Una bolsa llena de helados y polos, muchas botellas de agua fría y ventiladores. Son la clave con la que el equipo de Domani ha afrontado un rodaje cuya última semana (la quinta de las seis que durará) ha coincidido con una ola de calor que ha llevado a los termómetros madrileños a los 40 grados. La película, que supone el debut en la ficción de Santos Bacana, tiene a Madrid como un protagonista más de esta comedia frenética que narra algo más de 24 horas en la vida de un joven que vuelve a la ciudad desde Miami y se enfrentará a una sucesión de líos y enredos que le harán madurar de golpe y cuando menos lo esperaba. 

Todo el equipo la define como “un blockbuster de autor”, y mencionan la comedia felliniana como uno de los referentes de una película que tiene claro que quiere mostrar Madrid como no lo suele hacer el cine. Lejos de la imagen de postal. Siendo una carta de amor, pero una carta de amor realista, y en ese realismo la ola de calor ha entrado de golpe en su planificación. Santos Bacana lo abraza y dice que, de alguna forma, es parte del mismo Madrid, y que como tal hay que incluirlo. 

Eso sí, para ese día el calor ha dado algo de tregua. De hecho, por la mañana, una tormenta ha hecho temer por el rodaje de una escena para la que han montado un travelling en el Lago de la Casa de Campo. La película muestra 24 horas en orden cronológico, y así se ha rodado Domani. Por tanto, esta escena en la quinta semana de rodaje pertenece a un momento que, idealmente, ocurrirá en el atardecer. 

Tienen unas tres horas para lograr la magia. Tienen todo pensado: los raíles del travelling, la figuración corriendo para que la Casa de Campo parezca real… y helados para el equipo que mira desde el combo la conversación entre Daniel Ibáñez (protagonista absoluto) y Milena Smit, que ha entrado en la última parte del filme bajando las revoluciones de la comedia y llevándola a un sitio más reflexivo. Pero nunca puedes controlar todo, y algún grito de una barca al fondo del lago amenaza con colarse en la escena, aunque finalmente se quede en una falsa alarma.

Pocos minutos antes de rodar la escena, Santos Bacana se sienta en una terraza al lado del lago. Está tranquilo. Dice que esa tranquilidad la ha ido ganando con los días de rodaje, pero que las primeras jornadas no se parecían en nada a esta. A pesar de que la temperatura ha bajado, reconoce que la ola de calor les ha venido incluso bien. “Forma parte de ese Madrid en verano, un lugar que a veces se vuelve un poco árido y de pronto mágico cuando ya se mete el sol. Me está ayudando de alguna manera esa energía”, explica. 

Sus productoras coinciden. “La película transcurre en verano en Madrid, y todos sabemos la sensación de angustia que provoca. Esos sitios medio vacíos… Queríamos transmitir esa sensación de agosto en Madrid”, añade Cris Trenas, socia de Bacana desde hace años en Little Spain y codirectora junto a él de Esa ambición desmedida, el documental sobre C. Tangana. Trenas cuenta que su amigo tenía mucha prisa por rodar, pero que le convencieron de que, en la ficción, intentar trasladar que es verano sin serlo es muy complicado.

“Es que se ve en esas pieles, en esa cosa aletargada que te da el calor… Es verdad que los equipos tienen que estar activos, y hemos puesto más agua, más ventiladores… pero para el ritmo del rodaje ha estado bien”, añade a su lado María Zamora, productora de Carla Simón y Premio Nacional de Cinematografía, que recuerda que le sorprendió el guion —que Santos Bacana ha escrito junto a Clara Roquet y Edu Sola—, una comedia fresca, diferente y vibrante “sobre un hombre que no sabe decir que no”, como dice su director de un filme que ha sido el primer anuncio de Movistar Plus tras el cambio de todo su departamento de ficción original y que distribuirá Elastica.

El Madrid que no está en las postales

Domani quiere ser un homenaje a un Madrid que no suele enseñarse. Pero desde que Santos Bacana empezó a escribir esta especie de road movie cañí hasta ahora, Madrid ha cambiado mucho, y eso asegura que lo ha notado y está presente. Cuando él se fue a Los Ángeles en 2014, Madrid era una ciudad más local. “No tenía esta cosa de cruce de caminos, algo que en ese sentido es muy estimulante. No aparecían esas rarezas que a día de hoy se dan”, explica.

Me parece interesante entender cuál es el Madrid de hoy. De alguna forma estamos pasando a ser ciudadanos de segunda por el contexto de ciudad global

Santos Bacana — Cineasta

Es consciente de que “depende de en qué entornos se vive la gentrificación”, algo que cree que ha provocado “nuevas dinámicas y una nueva fauna con nuevos personajes”. Pone siempre el mismo ejemplo. Cuando llegaron a Madrid alquilaron una oficina en Las Vistillas y siempre iban a comer al Landó. Todos eran clientes clásicos de toda la vida. Ahora es un restaurante de alto standing donde va gente con mucho más dinero, muchos de fuera de España. 

“Siento que Madrid y el guion se han acompañado en ese sentido. Madrid es un lugar donde cada vez cuesta más encontrar a la abuela de Soledad, que es el personaje que interpreta Milena Smit, porque esos entornos se están alejando y cada vez es más habitual ver a dos francesas haciendo jogging. Me parece interesante entender cuál es el Madrid de hoy, donde conviven y luchan muchos Madrides. De alguna forma en muchos casos estamos pasando a ser ciudadanos de segunda por el contexto de ciudad global, y me interesaba eso verlo desde la piel de una persona española y madrileña”, comenta. 

Un blockbuster de autor

Desde las primeras comunicaciones sobre Domani, que buscará su lugar en los festivales de 2027, se ha hablado de ella como “un blockbuster de autor”. Bacana asegura que le gusta el término, pero admite que “hay algo pretencioso en la frase”. “No sé si va a ser un blockbuster ni si tiene la entidad de autor, pero me gusta aspirar a que la puedan entender mis colegas del pueblo, que se puedan echar unas risas, que la vean mi madre y sus amigas, que la entienda la gente de nuestra generación, y que dentro del mundo del cine pueda representar algo o contribuir a algo. Cuando recibes ayudas también interiorizas una responsabilidad por el cine de tu país, y yo quiero hacer algo que la gente se sienta orgullosa y piense que les representa”, señala. 

Cris Trenas añade que la expresión se la escucharon a un amigo de ambos de Los Ángeles y que Santos dijo que precisamente eso es lo que él querría hacer: “Creo que está en el ADN de todo lo que hemos hecho antes. Esta cosa de que Pucho delante de 20.000 personas en el WiZink puso a los flamencos. Colarte algo que a priori no contabas con ello. Que pienses que vas a ver algo más mainstream y que te cuele algo un poco más nicho. Queríamos abrazar esta idea de algo que sepa como un producto más comercial, pero que luego al final tiene algo muy autoral, muy íntimo y muy personal”.

Ahí entra otra de las peculiaridades de la película, que está rodada en 35 milímetros, y tiene una estética que juega a lo autoral. No obstante, como vuelve a subrayar María Zamora, con la confianza de que “puede llegar a un público amplio y a una generación amplia”, intentan que Domani sea “esa película generacional que España hace mucho tiempo que no tiene”.

El Consejo de Ministros ha aprobado hoy, a propuesta del ministro de Cultura, Ernest Urtasun, el nombramiento de Marta Serrano como directora general del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA). Serrano sustituye en el cargo a Ignasi Camós, fallecido el pasado mes de abril.

Funcionaria de carrera de la Escala Técnica de Gestión de Organismos Autónomos, Marta Serrano es licenciada en Derecho por la Universidad Autónoma de Madrid. Desde 2025 ha ocupado el puesto de vocal asesora en el Gabinete del secretario de Estado de Cultura. De 2020 a 2025 fue directora del Gabinete Técnico del subsecretario del Ministerio de Igualdad, participando en la puesta en marcha de ese departamento ministerial.

Anteriormente, desempeñó funciones en el ámbito internacional en la Unidad de Apoyo de la Dirección del Instituto Nacional de Administración Pública (INAP) y en la Subdirección General para los Asuntos de Justicia en la UE y Organismos Internacionales del Ministerio de Justicia. También desarrolló parte de su trayectoria profesional en la organización de los procesos selectivos del INAP.

Asimismo, trabajó como consultora en el Programa para la Universalización de la Identidad Civil en las Américas (PUICA) de la Organización de los Estados Americanos (OEA), en su sede en Washington, DC (Estados Unidos) del 2010 al 2012.

El director, guionista, escritor y crítico de cine Fernando Méndez-Leite ha sido reelegido este sábado presidente de la Academia de Cine, en un proceso al que había concurrido como único candidato. Estará acompañado en su segundo mandato por el productor Félix Tusell, como vicepresidente primero, y la actriz Ángela Cervantes, como vicepresidenta segunda.

La terna encabezada por Méndez-Leiteha sido ratificada con 858 votos en el transcurso de la Asamblea General Ordinaria, celebrada en el Teatro La Latina de Madrid, y ha contado con el mayor respaldo recibido hasta el momento en la historia de la Academia, según ha informado la institución en un comunicado.

Según el director y guionista, decidió presentarse a la reelección “para dar continuidad a un programa y un trabajo de modernización de la Academia, que es en la actualidad una institución viva y en continua renovación”. Y ha subrayado que la institución ya alcanza los 3.000 miembros y desarrolla actividades informativas, culturales y de formación; además de colaborar estrechamente con otras instituciones de la cinematografía española e internacional. También, ha destacado, organiza la gala de los Premios Goya y “mantiene la preocupación por la igualdad, la diversidad y la descentralización”.

Méndez-Leite ha agradecido y elogiado el trabajo de los compañeros que dejan su cargo, los dos vicepresidentes Rafael Portela y Susi Sánchez, y ha asegurado que habrá “continuidad, estabilidad, tradición, preocupación por el presente y mirada al futuro”.

Los miembros de la Academia han podido ejercer su voto previamente, de forma online o por correspondencia, y también personalmente en el Teatro La Latina de Madrid, acudiendo a la Asamblea General, reunión en la que los miembros de Barcelona, Málaga, Santiago de Compostela, Sevilla, Valencia, Valladolid y Vitoria han podido intervenir a través de videoconferencia.

Presidente de la Academia desde 2022, Fernando Méndez-Leite (Madrid, 1944), reconocido a lo largo de su trayectoria como director de cine y televisión, también ha sido Director General del ICAA (1986-1988), director de la ECAM (1994-2011) y programador del Festival de Málaga desde su fundación, entre otros muchos trabajos.

Por su parte, Félix Tusell Sánchez (Madrid, 1990) es director de la productora Estela Films, la más antigua en activo de España. Ademas de gestionar el catálogo de la productora, es productor de títulos recientes como Los del túnel (2015, Pepón Montero) o Tiempo después (2017, José Luis Cuerda). Ganó el Premio Goya al Mejor cortometraje de ficción con Tótem loba (2020, Verónica Echegui).

Asimismo, Ángela Cervantes (Barcelona, 1993) es una de las actrices más relevantes del panorama nacional actual. Ha sido nominada tres veces al Premio Goya, revelación por Chavalas (2021, Carol Rodríguez), de reparto por La maternal (2022, Pilar Palomero) y protagonista por La furia (2026, Gemma Blasco).

En 1987, Pedro Almodóvar ganó en el Festival de Berlín el premio Teddy por La ley del deseo. Era la primera vez que se entregaba un galardón que surgía para reconocer aquellas obras que mejor plasmaran la realidad del colectivo LGTBIQ+. Casi 40 años después, en febrero de este año, una película española volvía a ganar. El debutante en la ficción Ian de la Rosa cogía el testigo del maestro y era reconocido por su debut, Iván y Hadoum, una revisión queer de Romeo y Julieta ambientada en la recogida de tomates en Almería. Se trataba de un filme en el que el conflicto de clase es más potente que el de la identidad de género de su protagonista, Iván, un chico trans que se enamora de Hadoum. 

La película de De la Rosa muestra el deseo y los cuerpos trans de una forma sorprendente, sin ahondar en algo que da por superado, y centrándose en otros temas como el machismo inherente en cualquier persona (también en los hombres trans) o las normas capitalistas que nos hacen explotar al siguiente eslabón de la cadena. 

Han pasado más de cuatro meses desde aquel premio, y la película acaba de llegar a las salas. En este tiempo, Ian de la Rosa cree que se ha reforzado muchísimo algo en lo que él creía, y es que al final su película “es una historia de amor y un abrazo al espectador”. Un abrazo que llega en un momento de aumento de los delitos de odio y de la extrema derecha, y por ello el cineasta cree que la gente le está dando las gracias tras los coloquios y las proyecciones, “por hacer una película donde haya luminosidad y esperanza”. 

“Si hablamos de una historia con personajes trans, con una trama transcultural hispano marroquí, que sucede en el campo almeriense, tenemos unos elementos que te llevan a pensar en un dramón, en una tragedia. Pero nunca quise hacer eso. Quería una película que te diera paz y que te aportara esperanza”, comienza diciendo. Este admite que “hace diez años esta película no se podía hacer”. Desde entonces estuvo pensando en la historia, y finalmente ha levantado el proyecto. Para él, que ahora se haya hecho dice mucho de los avances logrados. 

Pensando en el futuro, tiene claro que él espera “poder seguir luchando”. “Yo lo voy a hacer. No ha sido fácil tampoco llegar hasta aquí. Y hace diez años no estábamos en un momento megaguay para las personas trans y LGTBI. Era muy difícil, no podíamos llegar, o empezamos a llegar muy lentamente. Sí, estamos viviendo un momento bastante difícil y por eso necesitamos estar más fuertes que nunca. Yo, como creador, me veo con un futuro totalmente fuerte”, asegura.

No tiene problemas en defender el poder revolucionario del amor, del deseo, y del cine, y no le importa que le digan que es algo “naif”. Apunta a cómo Hollywood lo sabe. “Las grandes producciones lo saben, los grandes imperios económicos lo saben, y utilizan la imagen para transmitir su ideología y la forma en que ellos quieren que sea el mundo y cómo quieren que veamos el mundo. Evidentemente, esto es David contra Goliat, porque somos muy pequeños, pero claro que se puede. El cine tiene ese poder inmenso y también esa responsabilidad, de representación y de espejo de la sociedad”, analiza. 

Es como si las personas trans tuviéramos que pedir perdón y permiso a la vez por existir. En un entorno tan hostil muchas veces como que das gracias porque te dejen existir

Ian de la Rosa — Cineasta

En el cine las historias han mostrado a “personajes trans que pagan un peaje tremendo, a veces con su propia vida solo por el hecho de ser trans”. “Si yo veo eso todo el rato, a lo mejor me planteo transitar y a lo mejor vivo toda mi vida metido en un armario, fingiendo que soy la persona que no soy en el fondo. Y esa es la mayor de las cruces. Eso es horrible. Eso es no vivir”, asevera.

Los diez años que ha tardado en hacer la película también han provocado evoluciones en su tratamiento. Por ejemplo, la ausencia de conflicto en el cuerpo del protagonista, que muestra con naturalidad y que él cree que es “una evolución natural”. “Quizás si hubiera hecho la película hace nueve años sí hubiera habido conflictos con el cuerpo. Pero la he hecho ahora, y ha habido alguna película de por medio con personajes trans, donde eso ya se ha contado y recontado. Yo estaba simplemente cansado y necesitaba otra cosa”, aclara.

Él mismo se da cuenta de que primero dice que ha habido muchas historias trans, y que realmente no han sido tantas. Algo que plasma cierto mensaje extendido entre el público más conservador, que empieza a señalar las historias queer diciendo que hay muchas, como también hacen con las de la Guerra Civil. Él mismo confiesa que lo escuchó cuando la estaba desarrollando al principio: “Hubo alguna cara y algún comentario sobre eso, y yo les dije que, primero, no había tantas. Y segundo, que yo podría decir lo mismo del resto de películas con otros personajes. Ocurre también cuando me preguntan qué es el cine queer… ¿y el cine hetero? Yo qué sé, es que es una forma de pensar muy binaria, y en el fondo ese tipo de comentarios referentes a lo trans son una forma más de transfobia”.

Lo que sí atraviesa todo en su película es la clase social, y cree que es algo natural al tener una película “que transcurre en un almacén de invernaderos de Almería, y una historia entre una envasadora y un carretillero”. La palabra clase no se mencionó durante el desarrollo, o cuando hablaban de los conflictos que abordaría el filme. No lo estaba “porque ya estaba metido dentro de la historia”. Lo que en el guion estaba más presente y con más importancia era la unión entre las trabajadoras de la fábrica. De la Rosa desvela que, en un principio, el guion era “mucho más sindicalista”, pero lo fue puliendo por “miedo a que pudiera quedar panfletario”.

En Iván y Hadoum el machismo está presente en todos, y cree que ese es uno de los “aprendizajes de la película”. “Hay que liberarse de esa carga del género y del patriarcado. En el fondo, Iván quiere performar un patriarcado, porque al final es el único hombre adulto de la familia al morir su padre. Es una reafirmación de género. Él lo que hace es cuidar, y la forma que entiende de cuidar, en su nueva forma de género, por así decirlo, es proveer. Seguramente si no hubiera transitado también haría lo mismo. Es como si las personas trans tuviéramos que pedir perdón y permiso a la vez por existir. En un entorno tan hostil muchas veces como que das gracias porque te dejen existir. Estamos hablando de algo muy fuerte, como si estuvieras dando las gracias todo el rato internamente para que no te peguen una paliza o porque hayas podido tener una vida medio plena”, zanja. Por eso cree que ese mensaje de amor es tan importante en este momento y lo ha querido lanzar con su primer largo. 

El documental español Sucia, dirigido por Bàrbara Mestanza y Marc Pujolar, ha ganado el premio al mejor documental en el festival de Sheffield, uno de los más prestigiosos en el mundo de la no ficción. Esta victoria la precalifica y la hace elegible para la próxima edición de los Oscar. Es decir, la coloca entre la lista de películas que podrán optar al premio en la categoría de Mejor película documental. 

El jurado, cuando anunció el premió, valoró un filme en el que “a través de una narración valiente y una visión creativa extraordinaria, transforma el trauma personal en una reflexión colectiva”. Sucia se basa en la experiencia personal de la directora, la también actriz Bàrbara Mestanza, que sufrió abusos sexuales. En el filme se muestra cómo la sociedad juzga a la víctima, preguntándole por qué no se fue o por qué no hizo nada, en vez de analizar por qué esto sigue pasando. Mestanza sigue todo su proceso, incluido el de denuncia y hasta el judicial, en una obra que finalmente acaba mostrando también el poder sanador del arte. 

“Si bien se basa en la singularidad de la historia personal de la cineasta, la película se expande hacia afuera, planteando preguntas más amplias sobre la culpa, la vergüenza, el poder, la actuación y los sistemas que dan forma a nuestra complicidad en la violencia. Su edición rigurosa y convincente entrelaza años de creación artística y procesos legales, creando un viaje apasionante que desafía al público a la introspección y a examinar sus propias narrativas”, aseguró el jurado del festival de Sheffield.

El filme, que ya fue galardonado en el pasado Festival de Málaga, continúa así su exitosa carrera por los certámenes de documentales de todo el mundo. Para su directora y protagonista “es increíble haber podido llegar a ganar”. “No solo hacerlo fuera de nuestra casa, sino en un sitio dedicado a los documentales, algunos de ellos con grandes presupuestos y también grandes historias. Nos estamos dando cuenta de la magnitud del tema a través de cada festival al que estamos yendo, pero era muy difícil de imaginar que una cosa tan pequeña, tan pequeña y tan concreta pudiera ser el caballo de Troya perfecto para generar movimiento y y generar colectivo”, opina Mestanza del galardón. 

Recuerda los días de proyección del documental en Sheffield, donde la gente les ha parado y ha acudido a ellos “llorando y emocionados” incluso antes de saber el palmarés. “Para mí es importante resaltar que, al final, cuando te pasa una cosa como esta no te conviertes en alguien más fácil, sino más complejo. Me emociono no solo por haber podido hacer esta peli, sino por todas esas personas que han estado a mi lado”, añade.

Su productor, Pau Sanclemente, destaca “cómo una historia tan personal y autograbada de un tema tan complicado que parecía local ha tenido esta repercusión y ha conectado muchísimo con el público”. “Una historia local que se convierte poniendo el dedo señalando a un problema de magnitud global y eso ha hecho que resuene en muchísima parte del público”, añade y avanza que este premio puede hacer que llegue “más allá de las fronteras de España” y así “poder encontrar la posibilidad de hacer una distribución global”.

Un documental para generar conversación

La actriz explicaba en una entrevista a este periódico que durante diez años vivió obsesionada con su agresor. “Pensaba en por qué me escogió a mí, por qué hizo eso ese día y por qué conmigo. Y necesitaba tenerle delante para que me lo explicase, pero también para que me viera viva. Él me había arrebatado mi cuerpo, mi juventud, casi me muero por su culpa. Con los años comprendí que era como un veneno que entró en mi cuerpo: no solo me metió los dedos en la vagina, sino que logró meterse dentro de mí durante años. Así que para mí era importante que me viese la cara y decirle: ‘Aunque hayas intentado quitarme lo más vital, yo sigo aquí. Estoy viva’”, decía.

Sucia es su carta para certificar que sigue viva, pero que esto no ha acabado. Aunque al final pueda responder a esa pregunta de por qué no hizo nada, algo tan simple como “porque no podía”, los datos de las mujeres que son agredidas y abusadas son espeluznantes. El documental termina con unas cifras incontestables. 400.000 personas han sido víctimas de violencia sexual. Solo un 5% denuncia y, de las que lo hacen, solo un 9,7% obtiene sentencia condenatoria hacia su agresor. 

La voluntad de este trabajo de generar conversación y de que esto continúe se confirma cuando al finalizar el filme aparece un QR en la pantalla. Al escanearlo, uno accede a un cuestionario para poder compartir sus propias experiencias y si ellas y ellos han sufrido alguna situación parecida. Porque ese es el verdadero trabajo del arte, seguir planteando preguntas que nos hagan avanzar como colectivo.

El Goya que ganó en 2003 por Rencor vigila desde una estantería de la casa de Lolita Flores. De alguna forma hay un hilo que une aquel personaje con el que la trae de nuevo al cine 23 años después. Entre medias unos cuantos papeles, pero ninguno que nos hubiera devuelto a esa actriz pasional, de puro instinto y fuerza torrencial. Hasta ahora. El encargado ha sido David Ilundain, que vio en ella todo lo que necesitaba para dar vida a Chusa, la matriarca de Son Canal, un poblado que es el epicentro del narcotráfico de la isla donde ella maneja el negocio en Mallorca Confidencial.

Pero su Chusa es mucho más. Es una mujer que se deja la piel por los suyos, que intenta, a su manera, dar una vida mejor a su familia y amigos, y que hasta se enfrenta a la especulación inmobiliaria que quiere echar al poblado gitano de unos terrenos que empiezan a valer mucho dinero en una época donde el ladrillo empezaba a ser un bien demasiado preciado.

Lolita habla sin tapujos. Deja claro que no ha hecho más cine porque no le han ofrecido nada que le gustara, y toca madera porque este papel le traiga las mismas alegrías que el de la película que hizo junto a Miguel Albadalejo. Abre las puertas de su casa a elDiario.es para hablar del filme, que ya se puede ver en salas de cine, pero también de su carrera, de prejuicios, vivienda o su familia.

Mallorca Confidencial está basada en un personaje real, una matriarca de la droga…

Es un personaje que puede estar en cualquier poblado de cualquier parte del mundo, no solamente de España. Sí, hay mujeres que por situaciones en la vida, que se quedan viudas o que no tienen otros recursos, tienen que sacar su familia adelante y bueno, tienen que hacer ese oficio que es vender muerte, como yo digo siempre. Pero que sea realmente la vida de alguien en particular… no lo creo. Puede que el guion se haya basado en hechos reales, pero no es precisamente la vida de esa persona.

Es un personaje que es muchas más cosas que una traficante. Es un retrato más poliédrico.

Sí. Lógicamente, la quieren echar de su tierra, de su poblado. Eso ya lo hicieron los americanos con los indios hace muchos años. Aquí quieren coger terreno para edificar o para hacer centros comerciales. Igual que nos quitan teatros para hacer oficinas o para hacer otro tipo de cosas. La gente especula un poco con el terreno y en ese caso quieren quitar ese poblado, quieren que los gitanos se vayan de sus casas para poder edificar y lucrarse de alguna manera. Entonces ella lucha por su familia, lucha por su gente y lucha por ella misma también.

Ese tema de la vivienda trae la película al presente, a ese problema de la especulación. Como si dijera que de aquellos polvos estos lodos. 

Claro. Date cuenta de que todo es una rueda. Empezó en aquella época, pero ahora los fondos buitres existen y hay mucha gente que no puede pagar un alquiler, que no puede pagarse un piso. Y es todo por eso, porque han subido muchísimos alquileres y porque se especula muchísimo. La gente tiene derecho a una vivienda digna.

¿Qué pensó cuando leyó el guion?, ¿le dio miedo que se perpetuaran estereotipos hacia los gitanos?

Yo creo que eso es la mente de cada persona. Los gitanos ya hoy en día estudian, saben idiomas, saben de leyes, son políticos, son arquitectos. Mi raza ya no está excluida, está incluida en la sociedad. En la viña del Señor, hay de todo, pero no solamente son los gitanos los que venden droga. Hay mucha gente que no es gitana, que se dedica a vender drogas, a vender muerte.

La película comienza con un personaje contando ‘chistes de gitanos’ que muestran esos prejuicios, ¿han cambiado?

Eso tendrías que preguntárselo a la gente. Yo creo que todo se basa en la educación. Lo he dicho siempre. Depende de que tú críes a tus hijos con la mente abierta, con la libertad de ver gitanos, árabes, chinos, rusos y de cualquier etnia o cualquier raza, y que los trates como a un igual porque son iguales que tú. Con un color diferente a lo mejor, pero son seres humanos igual que tú y que yo. Depende mucho de la educación.

Habla mallorquín en la película, ¿ha sido el mayor reto?

Para mí no ha habido ningún reto, es decir, para mí simplemente ha sido hacer un papel dignamente, con todo el respeto del mundo, porque soy de raza gitana. Yo soy una gitana privilegiada, me he criado en otro ambiente, me han dado una educación y no he tenido que dedicarme a otra cosa nada más que cantar y bailar. Y ahora soy actriz. Pero mis padres no venían ninguno de la pata del Cid. Es decir, han tenido que luchar mucho para darnos a sus hijos una educación. Yo soy una gitana que he tenido en el colegio algún racismo que otro cuando era más pequeña, pero hoy en día yo creo que ya está la cosa muy, muy tranquila.

Me parece curioso lo que ha mencionado, que incluso siendo privilegiada, incluso siendo hija de quien era, de pequeña sí que ha sufrido racismo.

Claro, era otra época también en el colegio. De hecho, hace poco se vio en la televisión que había padres que no querían llevar a sus niños al colegio porque no sé si eran marroquíes los que estaban o eran gitanos. Es decir, que todavía existe, desgraciadamente. Sigue habiendo esa rueda. Y te vuelvo a decir, creo que es educación, ignorancia. La falta de la ignorancia te puede llegar a muchas cosas, al miedo, a la incertidumbre, al no conocer a la persona que tienes al lado, simplemente porque tengo un apellido diferente al tuyo o porque tenga un color distinto o incluso una religión diferente.

No se ha prodigado mucho en el cine, ¿ha habido muchos noes o no ha habido tanta oferta como se pudiera pensar?

El problema es que no me han llamado. No ha habido ofertas, porque si hubiera habido muchas ofertas hubiera hecho mucho cine. Lógicamente, ha habido alguna, pero no me ha cuadrado o por fechas o porque el guion no lo veía para mí. Pero realmente no he tenido tantas ofertas de cine. 

No fue su primer papel estrictamente, pero sí que de alguna forma entra con ese personaje de Rencor que es arrollador.

Sí, es un poco arrollador como esta Chusa. Las dos empiezan con 'Ch'. Chelo Zamora, que era la de Rencor y esta que es Chusa, en Mallorca Confidencial. A ver si me trae suerte.

Mis padres no venían ninguno de la pata del Cid. Es decir, han tenido que luchar mucho para darnos a sus hijos una educación

Lolita Flores — Actriz y cantante

Ese papel le dio un Goya. ¿Cómo recuerda ese momento que además fue en una gala histórica?

Sí, la del ‘No a la guerra’, cuando estábamos todavía con el PP de Aznar y fue el 'No a la guerra'. Lo recuerdo con mucha emoción. Me lo dio Javier Bardem y fue algo maravilloso. Está ahí, mi Goya —señala con la mirada la estantería donde se encuentra— y bueno, no me importaría tener otro.

Este año la hemos visto también de alguna forma en el documental de Flores para Antonio. Cuando entrevistamos a Alba Flores le preguntamos si el arte está en los genes, porque toda la familia ha acabado dedicándose a ello.

Bueno, venimos de una familia de arte. Mi padre, mi madre, mi tía… todos somos artistas. Yo creo que el arte viene en los genes, lo que pasa que luego también tienes que estudiar y tienes que perfeccionarlo. No vale con decir, “venga, ya está, ya sé cantar y bailar o sé hacer cine o teatro”. Tienes que estudiar y hacerlo bien. Entonces no todo el mundo que viene de una familia con arte en las venas son artistas.

¿Cómo ha vivido la llegada del documental? Siento que es pudorosa, que no le gusta en exceso hablar de su vida privada.

Bueno, eso lo ha hecho Alba. Yo creo que la familia Flores no somos tan herméticos. Al contrario, yo creo que desde mi madre, que ha expuesto a sus hijos, su familia, sus hermanos… Hemos sido gente muy mediática y gente muy popular. Lo que ha hecho Alba no es extraño. Una cosa es tu vida personal, privada, tus amores, tu vida, que eso sería un reality y yo realities no he hecho ni creo que los vaya a hacer. Pero hacer un documental como el que ha hecho ella… Creo que era necesario, sobre todo para mi sobrina, y si es necesario para mi sobrina, vamos todos de cabeza.

¿No han sentido que era reabrir la herida de alguna forma?

Era un documental de sanación y para ella ha servido para eso.

¿Pesa mucho el apellido Flores?

Yo creo que le pesará más a la gente. A mí no me pesa nada en absoluto. Yo estoy muy orgullosa de llamarme González Flores, aunque artísticamente soy Flores porque es más corto y porque los Flores somos los Flores, aunque el González también lo tenemos muy arraigado en nuestras venas y orgullosísima de mi padre.

En cine no ha tenido tantos papeles, pero en teatro sí, ¿siente que allí le han ofrecido papeles más diversos?

No he parado de hacer teatro. Empecé con Ana en el Trópico en 2005 y estamos en 2026. Llevo 21 años. De ahí pasé a La Plaza del Diamante. Hice un Don Juan Tenorio en Alcalá de Henares en verso, hice Asamblea de mujeres, Fedra, Poncia, Prefiero que seamos amigos, Llévame hasta el cielo… En fin, he hecho ya unas cuantas, sí. Y además temporadas largas.

¿Y qué le ha ofrecido el teatro, aparte de una continuidad como actriz?

El directo. Ahí sí que no hay planos. Ahí si te equivocas, amigo mío, te has equivocado y tienes que tirar para delante. Eso es esencial. Yo creo que para cualquier actor eso significa medirse con uno mismo, pisar una tabla y tener a la gente enfrente en directo. 

Decía hace poco Aitana Sánchez Gijón dice ahora que se habla tanto de inteligencia artificial el cine a lo mejor aguanta, pero el teatro aguanta seguro.

Yo espero que el cine también aguante. La inteligencia artificial está bien para preguntarle cosas, pero yo creo que el ser humano encima de unas tablas, haciendo teatro, haciendo cine, haciendo televisión… La energía que te da un ser humano no te lo va a dar nunca una inteligencia artificial, por muy bien hecha que esté. Así que yo espero que no nos cambien por inteligencia artificial. La inteligencia está muy bien para aprender, pero nunca para sustituir.

Me imagino que el teatro también es físicamente muy exigente. 

Sí, es cansado, pero igual que el cine. El cine, aunque haces diferentes cosas todos los días porque las escenas cambian, te tienes que levantar también muchas veces a las tres de la mañana y estar a lo mejor hasta las seis de la tarde. Es decir, que es cansado. Pero si es tu profesión y es lo que te gusta, pues lo haces con muchas ganas.

Después de esas giras tan intensas, ¿no se plantea un parón?

Hombre, sí. Tendré un mes de vacaciones como todo el mundo. Pero más allá de eso yo espero no tener parón. No me gusta estar parada. A mí me gusta trabajar. Me aburro mucho cuando no estoy trabajando.

Le he visto en alguna entrevista haciendo una reflexión sobre envejecer que ha sido muy celebrada. Es llamativo que haya todavía que reivindicar eso.

Yo no he reivindicado nada. Yo tengo 68 años y esta es la cara y el cuerpo que tengo con 68 años. Lo único que le pido a Dios es salud. Mis arrugas, lo digo siempre, son mis llantos y mis alegrías, mis viajes y mis teatros, mis películas, mis canciones. Me han costado. La arruga es bella porque es vivencia. Es vivir. Y yo, gracias a Dios, he vivido mucho y espero seguir viviendo mucho.

Hacia la mujer siempre ha habido mucha presión. ¿Lo ha sufrido también?

Las modas de la sociedad dicen que hay que estar más delgada de lo normal, que hay que tener unos labios más gruesos de lo normal. Que hay que tener la cara superestirada, aunque luego las manos no se pueden operar. Yo creo que todo va en concordancia con la edad y con el físico que tú tengas y como tú te encuentres. Yo creo que la edad está aquí [se señala la cabeza] y aquí, en el corazón. Yo me veo una mujer todavía joven, aunque tenga la edad que tenga. Y lo único que quiero, ya te digo, es seguir estando así para ver crecer a mis nietos y a mis hijos y tener salud y punto. Y una arruga más, una arruga menos… bueno, intentaré usar cremas y buenos masajes. Que sean más bonitas. Que no sea una señora muy mayor, muy arrugada. Pero no soy una esclava de la moda ni de las cirugías ni de nada de eso.

¿Hay menos presión ahora?

La sociedad te presiona, internet te presiona, tienes que tener unas tallas, una cara, un pelo, unas uñas, unas manos… Como las Barbies. Y yo no soy la Barbie gitana, te lo aseguro.

Ha mencionado internet. También ha cambiado mucho el periodismo, las entrevistas, ¿lee lo que se publica sobre usted?

No. Porque muchas veces sacáis… Bueno te meto a ti porque eres periodista.

Puede incluirme.

Sacáis muchas veces cosas de contexto. Cosas que se han dicho dentro de una conversación. Por ejemplo, yo ahora mismo he dicho que no soy una Barbie gitana, pero no me meto con la Barbie, que fue una muñeca que adoré y que quise tener toda mi vida. Y no la tuve porque solamente las había en Estados Unidos. No me meto con nadie que quiera hacerse estética, al contrario, las aplaudo. Yo soy miedosa. Pero muchas veces eso se saca de contexto. Entonces “Yo no soy una Barbie gitana”, sería un titular.

Hombre es que sería un titular muy bueno, Lolita, no voy a mentir…

Ya, pero dilo dentro de un contexto, ¿no?

Entonces le da más miedo enfrentarse a una entrevista ahora que antes.

A mí sí. Sí me da más miedo. Me da más miedo hablar con el corazón, porque a veces tú hablas con el corazón y luego te sacan las entrañas.

Va con el freno de mano.

Yo ya voy con el freno de mano puesto. Pero no todos, te he metido a ti porque eres periodista, pero gracias a Dios todavía se puede hablar tranquilamente con periodistas y hacer entrevistas con gente que sabe preguntar o que sabe que la contestación que te da una persona está dentro de unos límites y de un contexto. Yo sigo hablando con el corazón porque soy así. Yo soy transparente. No podría ser de otra manera.

Vídeo de la entrevista completa

La plataforma de contenidos española Filmin ha adquirido el negocio de distribución de Elastica, la compañía responsable de traer a España títulos como Anatomía de una caída, La sustacia o más recientemente el éxito de terror Backrooms. La unión de ambas empresas supone un movimiento importante en la industria del cine español, ya que permitirá a ambos más músculo para adquirir películas más grandes en un mercado cada vez más competitivo que se ha visto agitado por la entrada de nuevos actores como Mubi.

En un comunicado, ambas empresas destacan que se trata de una alianza sin precedentes en el sector audiovisual en España“ cuyo objetivo es ”consolidar una empresa de referencia en la industria independiente nacional con ambición internacional“. ”Este movimiento responde a una lógica de integración vertical cada vez más habitual en el mercado europeo de cine independiente, reforzando la apuesta de Filmin por las salas de cine“, explican.

El acuerdo entre ambas compañías, que seguirán operando de manera autónoma, se limita al área de adquisiciones y distribución de Elastica, y no afectará a otros compromisos, pasados o futuros, que ambas compañías puedan tener con otros actores del sector. Este punto es importante, ya que aclara el futuro de películas ya pactadas por Elástica con otras plataformas. Así, La bola negra se verá en Movistar Plus, ya que es una producción original. O la próxima película de Florian Zeller, Bunker, con Penélope Cruz y Javier Bardem, que se verá en Netflix. Habrá otras que llegarán a Filmin de forma compartida, como The Riders, Backrooms o De noche, el nuevo filme de Todd Haynes. Todas ellas se verán, además de en Filmin, en HBO Max.

El acuerdo, centrado en el negocio de distribución de Elastica, no afectará a la parte de producción, donde la empresa, liderada en ese área por María Zamora, seguirá operando de forma independiente y levantando sus proyectos. Algunos incluso con otras plataformas. Zamora es la responsable de producir los proyectos de cineastas como Carla Simón o lo último de Paula Ortiz, La virgen roja, que fue una producción para Amazon Prime Video.

“Este acuerdo es el final feliz de una historia de amor por las salas, por el cine, con el que ganarán los espectadores, y que apuesta porque el cine independiente y de calidad llegue al mayor público posible” , señalan desde Filmin y Elastica sobre este acuerdo que mueve las piezas del sector de la distribución en la industria española. 

Filmin lleva desde 2021 distribuyendo algunas de sus adquisiciones en cines, junto a Elastica y otras distribuidoras. Las dos empresas han codistribuido en los últimos años más de una decena de títulos, desde que iniciaran sus colaboraciones en 2021 con Annette, de Leos Carax. Entre ellos se incluyen éxitos comerciales como La sustancia, que recaudó más de 3,6 millones de euros en nuestro país; Anatomía de una caída, ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes y del Oscar a Mejor Guion original; o Drive My Car (Oscar a la Mejor Película Internacional en 2022).

Las salas de cine miran optimistas a este 2026. Si los datos de los primeros cinco meses eran más que prometedores (con un incremento en la asistencia de más del 36% entre enero y mayo comparado con el año anterior) la edición primaveral de la Fiesta del Cine ha confirmado esas sensaciones registrando su mejor resultado de los últimos seis años.

Durante cuatro días más de 330 salas de cine han ofrecido entradas a 3,50 euros. Esta medida, que se toma desde hace años, ha concluido en 2026 con 1.352.668 espectadores, el mejor dato de asistencia de primavera desde 2019, incrementando los espectadores un 4.3% respecto a la edición celebrada en junio de 2025.

El evento ha impulsado la asistencia semanal convirtiéndose en la segunda mejor semana de lo que va de año con más de 2,1 millones de espectadores. Unos datos que incluyen también el fin de semana del 5 al 7 de junio, cuando el estreno de Backrooms arrastró a mucha gente a las salas de cine.

La película de Kane Parsons, que con solo 20 años ha conquistado Hollywood y el cine mundial, ha sido la más vista durante estos cuatro días. En el top ten se han colocado también tres películas españolas: Todo lo que nunca fuimos, en sexta posición; La luz, en la novena; y Cada día nace un listo, en la décima. El top cinco de las más vistas lo completan junto a Backrooms, Scary Movie, Michael, El drama y He-Man.

Guillermo Farré, responsable del área de cine original y cine español de Movistar Plus, abandona la compañía, tal como ha adelantado Kinótico y confirmado Movistar a elDiario.es. Desde la empresa explican que Farré se va porque tiene un nuevo proyecto, sin dar más datos. Su salida es un nuevo terremoto en el área de ficción de Movistar, que en el último mes ha visto como también abandonaba Fran Araújo, productor ejecutivo y uno de los grandes responsables junto a Domingo Corral del auge del departamento de ficción original, y de cine en concreto.

La salida de Araújo se produjo en pleno Festival de Cannes, donde dos de los filmes que llevaban su firma fueron presentados en la Sección Oficial. Araújo, que estuvo en la premiere de El ser querido no se sentó con el equipo de la compañía en la premiére, y no se le vio en la presentación de La bola negra una semana después. El filme de los Javis acabaría ganando el Premio a la Mejor dirección.

La salida de Farré llega un mes después, y supone la desaparición de casi todos los miembros del equipo creado por Domingo Corral, que fue cesado como director de Ficción y Entretenimiento hace un año. Una salida que fue muy criticada en el sector y que incluso provocó una carta en donde más de 150 profesionales de la industria, entre ellos nombres como Bardem, Almodóvar, Penélope Cruz o Sorogoyen apoyaban y alababan la labor realizada por Domingo Corral. 

Corral, Araújo y Farré fueron el triunvirato que llevó a las películas de la casa a lograr el prestigio y el nombre necesario para estar en la Sección Oficial de Cannes. Ofrecieron un lugar a los directores más prestigiosos del cine español para desarrollar sus obras con presupuestos holgados. El resultado se condensó en éxitos como Los domingos o Sirat, filme de Oliver Laxe que logró el Premio de Jurado en Cannes y optó a los Oscar como Mejor película internacional y en la de Mejor sonido.

Tras la salida de Domingo Corral, Movistar Plus eligió a Jorge Pezzi como sustituto. Pezzi manifestó abiertamente su intención de continuar la labor de Corral y su misma línea editorial, apostando por nombres respetados. También en pleno Festival de Cannes, Pezzi anunciaba que dejaba su cargo, que fue asumido por Juan Andrés García Ropero, conocido como ‘Bropi’. Pocos días antes la compañía cesaba como CEO a Daniel Domenjó, que entró en Movistar en Marzo de 2025. Su cargo fue tomado por Alfonso Gómez Palacio.

El mismo día que se ha conocido la salida de Farré, la productora de los Javis, Suma Content, anunciaba que fichaba a Pezzi como CEO. No ha sido el único fichaje de Suma entre los antiguos trabajadores de Movistar Plus, ya que en el mismo comunicado, la productora anunciaba a Cristina Ramos como Directora Ejecutiva de Contenidos. Ramos formó parte del equipo de contenidos que puso en marcha toda la estrategia de producción original, estuvo al frente del marketing de todas las series y películas producidas por la plataforma y fue despedida el pasado enero en una decisión que afectó mucho entre el departamento de ficción.

Tras la presentación de El ser querido y La bola negra en Cannes, solo quedan dos películas anunciadas por estrenar. La primera, Cinco minutos más, dirigida por Javier Ruiz Caldera y con guion de Berto Romero, ya está rodada y se espera estrenar de aquí a final de año. La segunda, el debut en la dirección de largometrajes de Ana Rujas se anunció en enero de 2024, pero no se ha rodado todavía ni tiene fecha de comienzo de producción. 

En la época de Domingo Corral se realizaba un acto donde se contaba a la prensa las nuevas películas, pero desde enero de 2025, cuando se anunció La bola negra, no se ha vuelto a anunciar ningún proyecto cinematográfico.

La Fiesta del Cine celebra su primera edición de este año. Desde este lunes 8 al jueves 11 de junio incluido, más de 330 cines de toda España pondrán sus entradas a 3,50 euros. Cuatro días para recuperar a un precio inusual éxitos que se habían quedado en el tintero o disfrutar de los nuevos estrenos. Una medida que se celebra desde hace años, con el objetivo de revitalizar la taquilla en unas fechas donde la llegada del calor suele afectar a la asistencia a las salas.

En esta ocasión, la Fiesta del cine llega en un buen momento, ya que en los primeros cinco meses del año se está viviendo el mejor comienzo desde 2019, con un incremento en la asistencia de más del 36% entre enero y mayo comparado con el año anterior. Los meses de enero, febrero, marzo y abril han registrado el mejor dato de asistencia de los últimos seis años. El mes de mayo que acaba de finalizar ha registrado el segundo mejor dato de asistencia para un mes de mayo de los últimos seis años, solo por detrás del mismo mes de 2023.

Por eso, esta fiesta del cine puede ser una buena oportunidad para seguir consolidando unas cifras prometedoras de asistencia a los cines este 2026. Para no perderse en el mar de estrenos y películas, aquí unas recomendaciones: 

'Backrooms'

Es la película de la que todo el mundo habla. La película de terror de A24 ha sido un fenómeno en todo el mundo. En EEUU estrenó con más de 80 millones de dólares, y en España acaba de colocarse en el número uno de la taquilla con 1,65 millones de euros, un éxito que se refrendará en estos días de Fiesta del Cine. Backrooms es el debut en la dirección de Kane Parsons, que con solo 20 años ha trasladado su fenómeno de YouTube sobre espacios liminales a la gran pantalla y se ha convertido en el chico de moda en Hollywood, que ya le ha fichado para producir sus siguientes obras.

'La luz'

Fernando Franco es uno de los directores españoles más sólidos. Lo ha demostrado desde su debut, La herida, pasando por grandes películas como La consagración de la primavera. Ahora se mete en el fango para abordar desde su estilo adulto y austero un tema tan espinoso como los abusos a menores en la Iglesia católica. Lo hace desde un punto de vista inusual, el de un cura abusador que decide contar la verdad. Consigue retratar el silencio y la impunidad de la Iglesia y cuenta con una interpretación excelente de Alberto San Juan, rodeado de un reparto de secundarios de lujo como María Galiana, Nacho Sánchez o Miguel Rellán. 

'El drama'

Otro éxito de A24, que se ha convertido en el estudio de moda indie en EEUU y está viviendo un 2026 de triunfos en la taquilla. Lo hace con esta comedia incómoda y muy negra que tiene a dos de las mayores estrellas jóvenes al frente de su reparto: Zendaya y Robert Pattinson. Kristoffer Borgli se ha convertido en otro de esos cineastas afincados en EEUU que han logrado trasladar su particular estilo a Hollywood. La historia de una pareja enamoradísima que se enfrenta a una crisis cuando ambos desvelan sus secretos inconfesables consigue, además, levantar una discusión al salir del cine.

'Yo no moriré de amor'

La Fiesta del Cine es el momento perfecto para recuperar una de las mejores películas españolas que se han estrenado este año. El debut de Marta Matute en la dirección ganó la Biznaga de Oro en el pasado Festival de Málaga y todo hace prever que será uno de los títulos reconocidos en la próxima temporada de premios. Una película que cuenta el alzhéimer sin regocijarse en la tristeza y sin miserabilismos y que cuenta con un reparto en estado de gracia donde destaca su joven protagonista, Júlia Mascort y Sonia Almacha. 

'Un poeta'

Todavía se puede ver en unas pocas salas en toda España, y merece la pena recuperar una de las mejores películas que se ha estrenado este 2026. El filme de Simón Mesa Soto es una comedia triste sobre un parado, alcohólico, que en un momento dado fue una joven promesa de la poesía y vive creyendo que podrá triunfar con su arte en una Colombia donde no hay cabida para él. Su encuentro con una niña con talento para escribir le hará recuperar la ilusión. O algo parecido. Divertida, melancólica, hermosa y triste. 

Sus orígenes familiares parecían abocar a Emiliano Otegui (Madrid, 1954) al mundo del cine. Sobrino del productor Emiliano Piedra y de la actriz Emma Penella, su tío lo convenció para que abandonara otros estudios y fuera su heredero en la profesión. Con 72 años, tres premios Goya en su haber y una larga y brillante trayectoria, Otegui reconoce que no se equivocó al elegir una profesión que ama, al tiempo que explica que el director de producción deriva en un cineasta-orquesta que debe conocer todas las facetas de una industria tan compleja como el cine.

En sus extensas memorias, 40 años haciendo películas (Ocho y Medio), que acaba de publicar, repasa su filmografía centrada en el trabajo con directores de primera fila como Carlos Saura, José Luis Cuerda y Alejandro Amenábar. Cuando se le pregunta por lo más difícil de su especialidad señala sin dudar que “el trato con los representantes de los actores y de las actrices”.

Un director de producción, según sus palabras, es “ese profesional que se sitúa detrás de los que están detrás de la cámara”. Dicho con otras palabras: se encarga desde la contratación del equipo técnico y artístico hasta la organización del catering, los horarios de rodajes o las localizaciones pasando por lo más importante: la elaboración de un presupuesto ajustado y riguroso que deben aprobar los productores-financiadores de un filme.

Con un aire bonachón y tranquilo, cara de buena persona, Otegui afirma: “Un director de producción tiene que presuponer lo que van a pedir cada uno de los oficios que intervienen en una película, desde el director a la gente de maquillaje y peluquería. Por ello, conviene que conozcas todas las características de sus tareas. En realidad, podríamos decir que un director de producción es un cineasta-orquesta”.

La incorporación de las mujeres

A lo largo de su amplísima experiencia Otegui no ha tenido más remedio que ir adaptándose a los frenéticos cambios tecnológicos del mundo del cine. “Por supuesto”, explica, “la tecnología es lo que más ha cambiado en una película y está claro que ha revertido en una mejor calidad de imágenes, de sonido, de factura técnica de un filme”. “Ahora bien, la revolución técnica también ha traído consigo un retroceso al generar un volumen de información tan enorme que dificulta la concentración. Ahora pasas más tiempo en un rodaje leyendo correos y WhatsApp que dedicado a tu tarea. No he llegado a rodar en digital, pero puedo declarar que hace unos años con equipos de 40-50 personas se filmaban películas dignas y más operativas que en la actualidad con equipos de 80”, opina.

No obstante, Otegui no trasluce ninguna nostalgia por el pasado del cine y señala que, junto a la tecnología, el mayor avance en el sector ha sido una cada vez mayor incorporación de las mujeres. “Cuando yo empecé como director de producción”, comenta en una charla con elDiario.es en la librería Ocho y Medio, la librería-editorial que ha publicado sus memorias, “las mujeres apenas ocupaban puestos de maquilladoras, scripts o sastras”. “Afortunadamente, ahora encontramos mujeres en todos los oficios del cine. Allá por los años ochenta, salvo Sol Carnicero y Esther García, no había directoras de producción”, añade.

Los representantes son una casta que cobra a partir de lo que ganan actores y actrices y siempre elevan el tiro de los honorarios de los intérpretes

Emiliano Otegui — Director de producción

En cualquier caso algo que no varía en la producción cinematográfica, de televisión o series, a juicio de Otegui, apunta a que los directores siempre quieren contar con el último grito en tecnología y con los actores o actrices que están triunfando en cada momento. Y en esa negociación el director de producción tiene que mostrar flexibilidad y firmeza a la vez. 

Los egos de directores y actores

Ese director de producción que se sitúa detrás de los que están detrás de las cámaras ha de lidiar, por descontado, con los egos consustanciales al mundo de la pantalla. Para Otegui, quienes más ego manifiestan no son ni los intérpretes ni los cineastas: “Con los directores con los que más he trabajado, que son Carlos Saura, José Luis Cuerda y Alejandro Amenábar, nunca he sufrido problemas de egos y vanidades caprichosas. Con actores y actrices tampoco he tenido grandes conflictos, aunque lo más difícil para un director de producción es el trato con sus representantes”.

De estos opina que “son una casta que cobra a partir de lo que ganan actores y actrices y siempre elevan el tiro de los honorarios de los intérpretes”. “En ocasiones, además, exigen cosas superfluas o sin verdadera justificación. Frente a esas peticiones, siempre me he guiado por la máxima de que la mayor parte de inversión de una producción debe verse en la pantalla. Por fortuna los representantes no suelen pasarse luego por los rodajes o los montajes”, apunta.

Emiliano Otegui ha trabajado con tres de los mejores realizadores del último medio siglo de cine español: Saura (con quien hizo Carmen o El amor brujo), José Luis Cuerda (con quien trabajó en El bosque animado, La lengua de las mariposas o Los girasoles ciegos) y Alejandro Amenábar (con quien estuvo en Tesis, Abre los ojos, Los otros y Mar adentro). Así los define: “Saura era un tipo excepcional y muy tranquilo que no se molestaba con nadie y solo rodaba o montaba cuando todo estaba listo. Cuerda fue un gran amigo, genial y agradable, pero en ocasiones nervioso e iracundo en los rodajes, quizá por la confianza que teníamos. Por último, Alejandro Amenábar tiene siempre claro lo que quiere y nunca suele fallar, una cabeza privilegiada que dirigió una obra maestra como Tesis con apenas 23 años. Con sus éxitos se volvió más exigente, pero es natural porque ha dado a ganar mucho a sus productores y se ha convertido en una figura internacional”.

Goyas recibidos y galas dirigidas

Este veterano director de producción, que sigue con proyectos en la cartera y no se ha retirado del todo, se muestra muy orgulloso en sus amplias y muy documentadas memorias de Tesis, un filme de 1996 que arrasó en los Goya con siete premios a partir de un presupuesto reducido que diseñó Otegui. Aquellos galardones ofrecieron un empujón fundamental a una película a priori minoritaria que apostaba por el thriller y el terror en un nuevo cine español. “Tan solo comentaré como dato”, recuerda Otegui, “que Tesis recaudó 96 millones de las antiguas pesetas antes de los Goya y fue retirada de la mayoría de salas. Tras los premios, ganó 350 millones de pesetas y se ha convertido en un filme que se proyecta con mucha frecuencia en todo tipo de televisiones”. 

A propósito de los galardones del cine español, Emiliano Otegui, ganador de tres cabezones de Goya por Tesis (1996), Los otros (2001) y Mar adentro (2004), fue también el responsable de varias de las ceremonias de entrega de los premios. Con un gesto paciente, este responsable de producción no vacila al decir que lo más complicado de una gala es “aguantar al personal”. “En esas fiestas”, agrega, “se dan cita todos los egos, todas las tonterías y vanidades, desde la directiva de la Academia de Cine hasta el último académico”. “En fin, todos quieren alfombra roja, photocall y trato de famoso, algo que resulta imposible. Porque no conviene olvidar que la gala de los Goya es un rodaje en directo que ven por televisión millones de personas y donde en realidad solo interesan seis premios y se entregan más de 30”. 

Quizá el mejor elogio a la labor de Emiliano Otegui se lo dedique Amenábar en unas memorias imprescindibles para aquellos que quieran comprender la relevancia de un trabajo oscuro, pero muy necesario como el de un director de producción. Al rememorar su primer encuentro con Otegui, el consagrado Amenábar escribe en el prólogo: “En aquel momento yo era un tarado, pero sobre todo un ignorante, incapaz de percibir la relevancia de un trabajo como el que Emi llevaba tanto tiempo haciendo y, lo que es más grave, incapaz de reconocer a un auténtico animal de cine”.

Solo un día antes de que el papa León XIV pise suelo español, se estrena en salas La luz, la última película de Fernando Franco que aborda los abusos sexuales a menores en el seno de la Iglesia católica. Lo hace, además, desde un punto de vista que el cine no ha explorado todavía, el de un cura que cometió delitos en el pasado y decide contarlos e intentar redimirse. El cineasta, con su habitual estilo austero y adulto, plantea una película que habla sobre la impunidad y sobre una institución que prefiere esconder o encontrar una cabeza de turco en vez de afrontar un problema sistémico.

La coincidencia en el tiempo de la visita papal y el estreno del filme podría parecer coincidencia, pero su protagonista, un Alberto San Juan que vuelve a brillar como el cura abusador, confiesa que no es así. Que lo que querían con esta historia —el mejor guion que ha recibido, según él— era abrir el diálogo y que la gente se preguntara cómo es posible el silencio que se extiende hasta nuestros días de un problema que sigue sin afrontarse con rotundidad.

(Esta entrevista se realizó antes del anuncio del papa León XIV de que se reunirá con víctimas de abusos de la Iglesia Católica. El Vaticano ha comunicado esta decisión horas antes de su llegada)

La película aborda los abusos en la iglesia desde un punto de vista inusual, el del cura abusador, ¿qué pensó cuando leyó el guion?

Fernando Franco, como en sus anteriores películas, escoge un personaje y la cámara va con él. En este caso con el personaje que yo interpreto, Manuel, el sacerdote y abusador. Pero creo que el punto de vista es el de la cámara, que es un ojo que no juzga, no el de Manuel. Si fuera una novela estaría narrada, creo yo, en tercera persona, no en primera persona. De hecho, el personaje, incluso para mí, que una vez terminada la película ya me convierto en un espectador, es misterioso y me cuesta decidir si me lo creo o no, si me creo o no la sinceridad de su arrepentimiento, de cuáles son sus verdaderas motivaciones, si es reparar el dolor de sus víctimas o si es su forma de sobrevivir en esa situación. 

Por otro lado, creo que el tema te diría que no son los abusos en sí, sino cómo gestiona la institución de la Iglesia católica en España los abusos sexuales que histórica y sistemáticamente han venido produciéndose en su seno a lo largo de la última década. Por la información que hay, parece que no solo ha sido sistemático y continuado, sino que ha habido encubrimiento de los mismos. Si yo tuviera que decir cuál es el tema de la película creo que sería la impunidad del poder a la hora de ejercer la violencia.

En España es un tema que nos toca de cerca. Pasamos de no tener ningún caso a ser uno de los países con más casos porque se habían encubierto, ¿cómo puede tocar a la sociedad este tema en un momento dónde parece que se está revisando todo esto?

Bueno, yo creo que gracias a la labor de los medios de comunicación, y quiero nombrar a Julio Núñez y a Íñigo Domínguez, que son dos periodistas que llevan desde hace casi una década haciendo un trabajo investigación muy serio sobre este asunto y que han sacado a la luz muchos casos, se ha podido tener una percepción del problema más cercana a la realidad. De alguna manera se ha mostrado insostenible la teoría de que se trataba de casos aislados. De pronto se ve que esto tiene una dimensión muy grande y que no solo se producían los abusos, sino que se encubrían sistemáticamente. Y por eso me resulta muy sorprendente, ya no hablo como cineasta, sino como ciudadano, que no sea la propia Iglesia la que tome la iniciativa para hacer la luz en este territorio tan oscuro que alberga en su seno. 

La película coincide con la visita del Papa.

Estoy realmente sorprendido de que el papa León XIV no vaya a tener un encuentro con las víctimas en su visita a España cuando son tantos los casos en la Iglesia española, tal y como le han pedido los colectivos de víctimas. Y en caso de tenerlo lo que se ha dicho es que será en privado. A puerta cerrada. Una vez más, cerrando las puertas, no dejando ver el tema. Me parece sumar dolor, me parece revictimizar. No entiendo esta actitud de decir ‘la Iglesia está haciendo todo lo que puede hacer’. No, no es así. Escuchad a las víctimas. No es la Iglesia quien tiene que decir si está haciendo todo lo que puede hacer, son las víctimas. Y las víctimas dicen que no es así. Entonces démosle voz. Que no lo haga el Papa me parece muy sorprendente.

Imagino que el timing de que coincida es una casualidad…

No, es intencionado. Por supuesto. Sí, porque evidentemente es una de las conversaciones pendientes necesarias, urgentes y graves de la Iglesia. En estos días va a formar parte de la conversación, y en la medida en que la Conferencia Episcopal y el propio equipo del Papa traten de mantener silencio al respecto, ese silencio va a resultar muy sonoro. Porque ese precisamente ha sido el problema y es lo que se critica, el silencio, el ocultamiento, el encubrimiento. Y de esto habla la película, que no emite un juicio, no es una película de tesis, no lo podría ser, siendo dirigida por Fernando Franco. Y te puedo decir que la película es de un rigor exhaustivo. Todo lo que aparece está fundamentado en hechos reales publicados en prensa, contados por víctimas e incluso reconocidos por la propia Iglesia en el informe del Defensor del Pueblo.

Por su parte, ¿como actor ha investigado o estaba todo claro en el guion?

Yo había leído informaciones desde mi posición de ciudadano y de persona que vive en sociedad. Pero cuando me incorporo a la película, Fernando ya ha escrito un guion que es el mejor que me ha llegado jamás, en serio. Y Fernando ya previamente había hecho un trabajo muy exhaustivo de documentación. Para mí fue muy fácil porque él me guio. Me dijo “Lee esto, ve estos documentales, ve estas películas, habla con estas personas”, y eso es lo que hice.

Sin hacer spoiler, a su personaje la gente católica le juzga más severamente por decir la verdad que a la Iglesia por encubrirlo. 

Esto es algo que se repite en distintos ámbitos de crimen, corrupción y abuso. Aquel que ha participado de la trama y, porque le pillan o porque se arrepiente, sale y dice basta, normalmente paga él. Hemos visto en España, en distintas historias, que paga el juez que investigaba, que paga la persona que se atrevió a contar, el funcionario que se atrevió a decir. Mi personaje, Manuel Monsalve, en un momento le responde a un periodista: “¿No le parece extraño que nos resulte más llamativo un cura que confiesa el daño que ha hecho públicamente a otro que lo calla y permite que ese sistema de abuso y encubrimiento siga funcionando?”. Nos llama más la atención eso. Y vemos en la película que cuando él confiesa públicamente empiezan a surgir críticas contra él como individuo, no contra la institución.

La película aborda de alguna forma la corrupción, en este caso en la Iglesia, pero que puede ser trasladable a otros ámbitos.

La película de Fernando tiene una cosa muy buena y es que utiliza el género del thriller para contar una historia y para abordar un problema muy complejo y una violencia heredada. Heredada en el sentido de que viene de muy atrás, que no ha dejado de suceder y que ha estado silenciada. Y sí es una trama corrupta, es una trama criminal. Encubrir un delito es delito. Y cuando se hace no una vez por parte de una persona, sino dos, tres veces, cuatro, es un sistema. Esto no es que lo haya hecho uno, porque se le ha ocurrido, es que funciona así. Es un funcionamiento mecanizado.

La luz también plantea una pregunta muy espinosa, ¿qué hacemos con aquellos que han cometido un abuso?, ¿hay una reinserción para ellos?

Esto sería la gran pregunta si un día cesara la violencia en la sociedad, qué se hace con toda la violencia acumulada hasta entonces. Yo no tengo respuesta para eso, pero personalmente no creo en la cárcel. Ni creo en la impunidad. Tampoco en ese concepto no tan preciso que es el perdón. Creo, como dice Fernando Franco, que el perdón solo lo pueden otorgar las víctimas. Yo no puedo participar en el perdón a un agresor. Será la persona a la que ha agredido la que tenga que decir lo que sea. Lo que sí insisten las víctimas, una y otra vez, es que el perdón por sí solo tiene muy poco valor si no va acompañado con actos consecuentes como mantener encuentros permanentes con las víctimas, un canal de comunicación permanente abierto con ellas y una información transparente al respecto.

Ha mencionado el perdón, que en la Iglesia es un concepto un poco tramposo, porque uno puede hacer lo que quiera, pedir perdón, rezar un par de padrenuestros y seguir adelante.

No es para nada lo ideal. Pero, sin embargo, es algo que sigue en las conversaciones: “Discúlpate, pide perdón”. Yo creo que es muy importante, además de ese perdón, recibir a la víctima, darle toda la atención posible y con la mayor representación institucional posible. Ha de haber un reconocimiento público por parte de la Iglesia de la dimensión del problema. Ha dicho un obispo ahora que no solo es que el tema exista, sino que van muy lentos a la hora de afrontarlo. A mí, como parte del equipo que ha hecho esta película, no me interesa juzgar la actitud de la Iglesia, sino llamar a la reflexión sobre de qué manera están actuando. Te lo digo como ciudadano asombrado de que no se toma la iniciativa. Encima una institución histórica de poder, de la cual habría muchas cosas que analizar y decir del papel que han ido jugando en distintos sistemas políticos, regímenes, situaciones y circunstancias históricas, pero cuya base son los Evangelios y predican el amor. Quiero decir, que el Ibex 35 no predica el amor, o sea que es coherente buscar la rentabilidad económica por su parte. Pero en el caso de la Iglesia, una actitud coherente exigiría otra actitud.

¿Como actor se había puesto el hábito antes?

No, no, no. Nunca me había puesto las ropas de un sacerdote.

¿Cómo es, da algo como performativo?

Totalmente. Evidentemente, a un actor le encanta disfrazarse, porque en parte disfrazarse es ver las cosas desde otro lugar y es un ejercicio muy saludable y además divertido. Nunca me había tocado hacer esto, pero ayuda muchísimo, porque además la Iglesia, para mí, de lo más atractivo que tiene es la puesta en escena de la liturgia y la vestimenta. Toda la parte escénica.

Su personaje podría ser cualquiera, el vecino de al lado. Me recordó en eso un poco a La zona de interés, al señalar que no son monstruos, que son gente como nosotros.

En la vida no hay unos buenos y unos malos, porque entonces todo el problema sería identificar a los malos y apartarlos. Todos somos capaces de lo mejor y lo peor, y doble cuidado hemos de tener en esta sociedad que está montada sobre el abuso, sobre un poder jerárquico y todo un entramado de relaciones de poder en donde suele haber una parte opresiva y una parte oprimida. Entonces, doble esfuerzo el de aquel que en la sociedad del abuso no quiere participar en ninguna forma de abuso. Es muy fácil envilecerse en una sociedad vil, en un orden social vil. Esta película retrata un aspecto, no diría la Iglesia en su conjunto, ni muchísimo menos, sino un aspecto de una parte de la Iglesia, una parte significativa, que toca a las altas jerarquías de la Iglesia no solo en España.

España es un país donde la presencia de la Iglesia católica sigue muy fuerte, es algo casi intocable, y encima en un momento donde parece que se vive un regreso a esos valores católicos ¿han hablado de cómo puede recibirse en este momento?

El objetivo es que se reciba y sea objeto de reflexión, que sea estímulo para la conversación y el pensamiento compartido sobre esta cuestión que afecta a miles de personas que en su infancia fueron abusadas sexualmente y rotas por dentro, en lo más íntimo. Según cuentan todas y cada una de las que he oído, es una herida irreparable con la que se puede llegar a convivir con una vida más o menos saludable. Pero es de una crueldad excesiva cuando no se tienen recursos para asumir algo así. Ya ha habido proyecciones y sé que hay gente de la Iglesia que tiene el discurso de que ya están haciendo todo lo que tienen que hacer, pero yo diría que no, porque solo el hecho de que el Papa no vaya a tener un encuentro con las víctimas del cual luego se informe de forma transparente, pues me parece hacer más grande el silencio, hacer más grande la ignorancia de la desatención de este dolor. Luego hay gente que esperaría más dureza de la película, pero eso está muy bien porque Fernando Franco no ofrece un discurso cerrado, sino un relato abierto que será interpretado de tantas formas como espectadores la vean.

Vídeo de la entrevista completa

La actriz Carmen Machi, popular por series como 7 vidas, Aída o Celeste, y conocida por su excelente labor teatral en obras como Juicio a una zorra, además de por películas que son parte del imaginario del cine español como Ocho apellidos vascos, ha sido galardonada con el Premio Nacional de Cinematografía 2026. El premio, dotado de 30.000 euros, reconoce la labor de un profesional del mundo del cine en el pasado curso o, en su defecto, toda una carrera dedicada a la industria. Sucede en el premio a Eduard Fernández, que lo logró en 2025.

El jurado la ha elegido por “ser una de las actrices de comedia más importantes de la historia del cine español”. “También ha destacado en todo tipo de géneros. Ha sabido conectar con el público masivamente, no afectándole su enorme popularidad para acercarse a proyectos más autorales”, dice el comunicado remitido por el Ministerio de Cultura.

Además, el jurado la ha destacado como “trabajadora incansable en cine, teatro y televisión”, señalando que “ha participado en más de un centenar de producciones. Representa los valores de una mujer actual, fuerte e independiente”.

El jurado ha estado presidido por Camilo Vázquez Bello, subdirector general de Promoción y Relaciones Internacionales del ICAA. Como vocales han actuado Piluca Baquero Navarro, a propuesta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España; Marina Parés Pulido, a propuesta de Autores Literarios de Medios Audiovisuales; Fátima Baeza Medina, a propuesta de la Unión de Actores y Actrices; Guadalupe Balaguer Trelles, a propuesta de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA); Iván Agenjo Castaño, a propuesta de la Federación Española de Productores de Animación y VFX (DIBOOS); Ariadna Cortés Prió, Pere Gaviria Ibáñez, y Elsa Fernández Santos a propuesta del ICAA.

Machi es una de esas actrices transversales, capaz de levantar una película sobre sus hombros. Forjada en la comedia televisiva, ha dado muestra de su talento sobre las tablas del teatro español bajo las órdenes de los dramaturgos más prestigiosos de nuestro teatro. Una intérprete que une lo popular y lo autoral, y que brilla en todos los registros posibles. Desde la comedia más taquillera al cine de autor, donde ha brillado en filmes como La mujer sin piano, ella siempre eleva el material que toca.

Su primer papel sobre las tablas fue el de la novia en ‘Bodas de sangre’, de Lorca. En 1994, Machi entró en la compañía del Teatro de La Abadía, donde trabajó en obras como María Sarmiento, Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte o 5mujeres.com. Gracias a su personaje en la serie Aída, fue galardonada por la Unión de Actores, además de lograr dos TP de Oro, tres Fotogramas de Plata, un Premio Ondas y uno de la Academia de Televisión.

Aunque en televisión fue conocida por sus trabajos cómicos, que le granjearon el cariño de todo el público, en el teatro destacó en obras dramáticas como Falstaff, El caballero de Olmedo, ¿Quién teme a Virginia Woolf? o Antígona. En cine mezcló lo mejor de los dos géneros, y ha participado en películas como Hable con ella, de Pedro Almodóvar —con quien vuelve a tener un pequeño y divertido papel en Amarga Navidad—; Torremolinos 73, de Pablo Berger; Mi gran noche, de Alex de la Iglesia; Cerdita, de Carlota Pereda u Ocho apellidos vascos y su secuela, ambas de Emilio Martínez-Lázaro. Por la primera entrega ganó el Goya a la Mejor Interpretación Femenina de Reparto en 2014 (premio al que optaría posteriormente en dos ocasiones). Además, en 2024 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes otorgadas por el Ministerio de Cultura.

¿Qué es lo que tiene que tener una película para que de miedo? Muchos pueden llegar a pensar que las escenas oscuras, los sustos, la música estridente y las escenas morbosas son un ingrediente clave del género de terror. Sin embargo, directores como Narciso Ibáñez Serrador (Chicho) demostraron que se puede hacer cine de terror a plena luz del día. 

Ibáñez Serrador, uno de los nombres más importantes de la historia de la televisión en España, destacó principalmente por programas como Historias para no dormir, Historia de la frivolidad o Un, dos, tres… Responda otra vez. Sin embargo, Chicho también se convirtió en todo un referente del género cinematográfico de terror, y lo hizo con apenas dos películas dirigidas.

¿Quién puede matar a un niño? fue el segundo y último largometraje del cineasta después de su ópera prima La residencia (1970). Fue esta película la que sin duda ayudó a sentar las bases del cine de miedo, y sirvió de referencia para cineastas que llegaron después como Alejandro Amenábar o Álex de la Iglesia. ¿Qué tuvo de especial esta película de 1976?

La trama, a priori, parecía sencilla. Tom y Evelyn son una pareja de turistas ingleses que viajan a la costa española para pasar unos días de vacaciones. Sin embargo, cuando llegan, quedan un poco decepcionados porque el lugar está demasiado lleno de gente como para pasar las tranquilas vacaciones que habían planeado. 

Entonces deciden alquilar una barca para visitar una pequeña isla en la que Tom ya había estado cuando era más joven. La sorpresa para la pareja protagonista llega cuando descubren que los únicos habitantes de la isla son niños. Unos niños que, animados por una misteriosa fuerza, deciden rebelarse contra los adultos.

La violencia de los niños

La película se basa en la novela El juego de los niños del escritor asturiano Juan José Plans, publicada el mismo año que el guion que Serrador firmó bajo el seudónimo de Luis Peñafiel. Pese a la influenica, el cineasta se tomó varias licencias creativas en su adaptación a la gran pantalla, haciendo la trama mucho más dramática, perturbadora y profundamente simbólica.

El largometraje arranca con una muestra de material de archivo, con imágenes reales muy crudas de campos de concentración y conflictos armados en los que los niños son las principales víctimas inocentes. Las preguntas empiezan a caer sobre la mesa. ¿Hasta qué punto la violencia de los adultos está influenciando a los menores? La historia avanza, mostrando cómo los niños de la isla a la que llega la pareja de turistas han asesinado a las personas mayores y dominan por completo el entorno, y entonces vuelven las cuestiones morales. ¿Puede un adulto matar a un niño para sobrevivir?

Los padres de Candela Peña tenían un bar al lado de un cine. En vez de pasar su infancia jugando al escondite o saltando a la comba, ella estaba metida en una sala, a oscuras, viendo películas que muchas veces no correspondían a su edad. Se subía a la cabina de proyección y, desde allí, como si fuera la versión cañí de Cinema Paradiso, se quedaba fascinada con las historias que veía proyectar en la gran pantalla.

Ya entonces sintió esa fascinación que la llevaría a estudiar interpretación. Y aquella formación autodidacta la hizo mejor actriz. Una que está siempre atenta a todo, que construye sus personajes a conciencia. Los estudia, los prepara. Les da una vida con la que ella pueda moldear lo que luego saca delante de la cámara.

Lo ha demostrado desde hace décadas. Desde aquel debut que fue como un terremoto en Días contados hasta su nueva película, La desconocida, donde interpreta a una policía que vuelve tras un duelo personal para comenzar una investigación que apunta a trata de mujeres. Un filme que llegará a Netflix el próximo 5 de junio y donde construye un personaje roto y frágil. Mientras tanto, sigue plantándose en La revuelta a decir las cosas que pocos se atreven a decir en televisión. Y la gente lo agradece, porque Candela Peña no se corta, y eso sigue siendo algo raro hoy en día. 

¿Qué le atrajo de esta adaptación de un libro de Rosa Montero y Olivier Truc?

Fueron bastantes cosas, pero sobre todo me llamó mucho la atención un tema que es bastante tabú, del que no se habla mucho, que es el tema del suicidio, en el que he centrado yo todo el trabajo de la sargento Anna Ripoll. Para mí esa señora es una zombi funcional. La historia cuenta cómo esta señora vuelve de una baja y empieza el caso. Como actriz, la opción que tomé fue centrarme en el dolor que ella tiene. Ella pide regresar de esa baja sin estar preparada, como tregua a su propio dolor, y eso me llamó mucho la atención. 

¿Valora mucho esas cosas a la hora de elegir un guion, el reto como actriz, o el tema del que hable?

No te voy a mentir, yo ahora tengo que poner en la balanza pocas cosas, porque yo desde La boda de Rosa hasta ahora no se me ha ofrecido mucho cine, pero sí que he tenido la bendición o la suerte de los temas y de que el personaje pueda llevármelo a un terreno interesante. Los actores hay veces que caemos en el error de intentar hacer el oficio del personaje. Decir: “Voy a hacer de una mosso d’esquadra”. No, yo voy a hacer a la persona que hay detrás de cualquier oficio, y esta mujer era muy importante encuadrarla. Lo que yo construí antes de que empezara la película, para mí era muy gordo que se viera en el primer plano, y es que es una mujer devastada, una mujer con mucho dolor. Tanto su equipo como los otros personajes de la película son un poco víctimas colaterales de la situación de esta mujer.

Es interesante esto, porque la imagen que se tiene de ti es que trabajas mucho, ¿cree que pesa mucho la imagen que se tiene sobre usted?, ¿han pesado esos prejuicios?

Los prejuicios que hay en la profesión sobre mí me han pesado, absolutamente. Yo creo que han determinado la carrera que yo tengo. Me han pillado la matrícula completamente cambiada. Y sí que creo que de difamar cosas terribles, algo queda. Sí que soy una mujer que habla, que da su opinión, y eso molesta. Yo tengo una amiga que dice “haces lo contrario a lo que se tiene que hacer, porque el día que viene el productor en vez de comer con él y ser simpática, tú le dices que el catering es una mierda”. Soy lo que soy y no quiero pedir perdón por ser quien soy.

Yo creo que está demostrado que tomo interés por mis trabajos, que acompaño mis trabajos del principio hasta el fin. Me dejo los huevos tanto haciéndolos como vendiéndolos. No quiere decir que me salga ni bien ni mal, pero que yo estoy ahí, entonces no puedo hacer mucho más. Entonces no depende de mí la visión ajena. Pero sí que me sorprende, por ejemplo, que yo voy dos días a La revuelta al mes, que con eso vivo, y me hago un bolo porque yo soy madre soltera, tengo que conciliar y tengo que organizar mi vida, y parece que no paro de trabajar. Si tú lo sumas, son 24 minutos al mes, no trabajo ni media hora al mes. Que también creo que en algún momento se tendrá que regular que tú cedes tus derechos a Televisión Española, y luego eso va a TikTok, y yo todavía sigo viendo vídeos de la promoción que hice con El caso Asunta. Es algo que tengo que verbalizar. Pero no, yo no estoy en una terraza de Cannes con brillantes en el cuello.

Los prejuicios que hay en la profesión sobre mí me han pesado, absolutamente. Han determinado la carrera que yo tengo. Me han pillado la matrícula cambiada

Candela Peña — Actriz

Sin embargo, creo que hay dos fenómenos como son El caso Asunta y La revuelta que han hecho que sea un referente para los jóvenes, una estrella para ellos, ¿no siente ese vínculo con las nuevas generaciones?

Yo vivo muy al margen de la profesión. Ahora venía y la señora del taxi me dice “¿Cómo ves el mundo de la tele?”. Y le he dicho: “Si hoy no tengo wifi”. Quiero decir, yo voy a La Revuelta, pero luego mi vida es una vida absolutamente normal. Leo, veo cine…

No me creo que no haya gente joven que te pare y te diga cosas…

Soy una persona bastante solitaria. La gente joven que veo es gente de 14 años del equipo de mi hijo que el otro día les nombré en La revuelta, pero no tengo mucha relación. Sí que es cierto que en una época anterior en La revuelta, sí que me mandaban muchos adolescentes estas fotos de sus miembros que me sobrecogía. Pero ya también ha pasado. Me fui siendo una mujer fértil. Ha vuelto una infértil y ya no me envían este tipo de fotografías.

Es otro momento.

Es otro momento. Entonces ahora los adolescentes no sé en qué lugar me colocan, pero es gente que me interesa sobremanera. Los adolescentes me interesan mucho, me han interesado siempre. Es gente sobre la que se pone mucha responsabilidad y mucha crítica en un momento en el que tú estás muy perdido, tienes que hacerte como ser humano y se les da mucha caña y entonces es gente que me gusta. 

¿Cómo plantea las apariciones en La revuelta, como un papel más, lo prepara igual?

No, no, no. De hecho, absolutamente diferente, porque ahí sí que hay una absoluta inconsciencia. Para empezar yo voy a ese sitio porque admiro profundamente a esa gente. Admiro profundamente a David, admiro profundamente a Jorge, a Ricardo Castella, a Grison, al equipo de guionistas que hay detrás… Les admiro mucho, pero les admiro todavía más de que sean tan disparates de ir para decir dos mierdas que improviso en el momento. Sí que tengo unas líneas, porque joder, es la televisión pública. En eso soy responsable y pienso que es comedia y hay que entretener, pero que sea con cosas que tengan un poquito de sentido, que no vayan a un saco. Que digan algo para las mujeres, que somos las grandes borradas en ese programa. Y me da marcha estar ahí en representación de tías de a partir de 40 y pico. Muchas veces pienso, qué pinto yo ahí, pero por otro lado, a la gente le entretiene y creo que ahora las mujeres se empatan mucho conmigo y me devuelven mucho cariño. En algún momento estoy pensando en devolverlo de alguna manera. No sé cómo, pero las tías ahora es locura conmigo.

Quizás es porque reflejas a esas mujeres que siguen sin verse mucho en el audiovisual, tampoco en el cine o las series.

Y lo hago con mucho pudor también, el contar el momento que uno atraviesa. Porque yo me di cuenta de que cuando yo dije que estaba atravesando un trastorno hormonal, muchas mujeres me lo agradecieron. Y digo “¿pero agradecer qué?”. Y ahora entiendo que sí, que hay mujeres que son visibles y pueden poner voz a cosas que se intentan ocultar. O a esta cosa del ser eternamente joven, de estar eternamente buena. No me apetece. El otro día le decía a una amiga que creo que todos estos pinchazos, el Ozempic… todo eso es un poco el fascismo en el sentido de que hay que llegar a que todas seamos juncos novilleros. La delgadez se celebra mucho, el ‘estás hermosa’ se celebra mucho, pero nadie te celebra lo lúcida que estás, lo brillante que eres. Creo que las tías nos damos mucha caña entre nosotras y he llegado a los 50 y me doy cuenta, cuando veo a mujeres que admiro mucho de 30 años, de estas que ahora hay mogollón que me flipan, que perdemos mucho tiempo en justificarnos. Perdemos mucho tiempo en contarnos y los tíos no lo hacen.

No miramos atrás.

No. Y nosotras sí que deberíamos hacerlo. Mirar a las mujeres que nos preceden, porque es importante no borrarlas y creer que somos el último huevo del pícnic. Porque no es que haya muchas mujeres, hay pocas, pero las ha habido. Entonces echemos también una mirada a eso.

Me va a decir que no se siente referente, pero lo es.

Si lo soy, que lo decida el que lo mira. Veo a mucha gente mirando a cámara y sintiéndose el kilómetro cero de la carretera, de donde parte todo. No quiero ser ejemplo de nada. No quiero hablar por nadie. Pero si alguien abraza mi rollo y mi discurso, guay. Pero no quiero porque quiero permitirme cagarla, equivocarme. Soy una persona que toma decisiones y voy a muerte con ellas, y me he dado cuenta de que no quiero los reproches de quien me rodea frente a eso. Yo cargo con lo mío, no con lo de los demás. 

He leído que sus padres tenían un bar al lado de un cine y que su formación cinematográfica viene de estar en ese cine todo el rato, un poco Cinema Paradiso.

Sí, absolutamente. Mi infancia yo no la recuerdo jugando en el parque. Si estaba aburrida de estar en la sala, me subía con el proyeccionista, un señor con cabello blanco que aparte tenía unas botas con un zapato más alto que otro porque igual tuvo la polio y tenía una pierna más corta. He visto mucho cine que no era propio para la edad que tenía, desde Holocausto Caníbal a Vestida para matar. Desde Fernando Esteso y Pajares hasta Cassavetes. Eso es muy enriquecedor. Yo siempre he tenido vocación, yo siempre he querido ser una actriz de las que salían en esas películas que he visto desde que tengo cuatro años.

Preguntamos mucho si el cine puede cambiar las cosas, ¿cree que el cine sirve de algo? 

Bueno, es que a mí me ha salvado. Entonces yo hablo de mi experiencia personal. A quien no le pase nada y lo vea como purito entretenimiento, pues guay. Pero es que me da igual. Aunque un libro no te haya interesado en absoluto, a lo mejor tienes cuatro palabras más en tu vocabulario. O ves una escultura de alguien y dices ostras, solo el hecho de pensar que hay gente que trabaja el acetato en Soria, pues ya me parece interesante. 

¿Recuerda el momento de decirle a sus padres que quería ser actriz?

Se dio de manera natural cuando yo ya empecé a estudiar COU, que era solo por la mañana, y mi madre me dijo si por las tardes quería apuntarme a algún sitio, y yo, sin tener ni idea, me apunté a un curso en verano de psicomotricidad. Una profesora, con toda la lógica, me dijo: “Tú lo que tienes que ir es a una escuela de interpretación”. Y ya me dio la dirección de Nancy Tuñón, la primera profesora con la que estuve en Barcelona. Y de ahí, pues ya acabé en Madrid. Me acuerdo que el primer casting para Días contados era en verano. Yo estaba en Madrid. Le dije a mi padre: “Yo paso de ir”. Y me dijo: “No, querida. Tú vas”. Vengo de familia trabajadora y ellos lo entienden. Hay que trabajar y yo creo que también la actriz es por la familia de la que vengo.

Decía Antonio de la Torre que el barrio no se olvida.

Sí, claro, pero también sería falsa si no admitiera que mi vida es más fácil. Quiero decir, he dicho que yo trabajando media hora y haciendo un bolo con Secun, puedo pasar el mes. Y yo ahora también he tomado decisiones. Por ejemplo, he querido monetizar el hecho de ser más conocida ahora por La revuelta. Porque me han asustado mucho los 50 años. He visto a gente enfermar cerca de mí, he visto a gente morir cerca de mí, gente de edades parecidas. Y yo pienso, si yo caigo enferma, mi hijo no tiene un colchón económico y quiero que lo tenga. Y ahora estoy abriendo puertas que antes tenía cerradas como el tema de las marcas o la publicidad.

Piensa mucho en el futuro…

Tengo un hijo que depende única y exclusivamente de mí. Cuando no tienes a nadie que depende de ti, pues tú eres más disparate. Si yo no fuera madre es muy probable que ahora estuviera en Casablanca fumando opio, pero siendo madre la vida te mete en un carril. Y es que aparte, ese hijo solo me tiene a mí. Entonces me aterra pensar que no le pueda pagar la facultad o que no le pueda acompañar algún deseo que él tenga.

¿Sigue queriendo crear? Me acuerdo de la serie…

Absolutamente. Y no voy a desistir. O sea, voy a dirigir. Tarde o temprano sé que voy a dirigir. Solo me ha dado la posibilidad la directora de La 2, que me dejó dirigir un programa este verano pasado. Me encantó prestarme a eso, pero sí, quiero dirigir una película.

¿Qué le gustaría contar?

La complejidad de las mujeres. Las mujeres somos complejas y no nos tenemos que estar justificando todo el rato de lo que somos, lo que hemos conseguido, o dónde hemos llegado.

Vídeo de la entrevista completa

Cuando Javier Calvo y Javier Ambrossi vieron a Xavier Dolan en el escenario del Gran Teatro Lumière de Cannes tuvieron la premonición de que ese premio era el suyo. El director de Mommy, uno de los más jóvenes en ganar premio en Cannes y, como ellos, icono queer y referente para las nuevas generaciones de cineastas LGTBI, anunciaba el premio a la Mejor dirección. Por si fuera poco, Penélope Cruz, que Calvo dice que tiene “algo de brujita” le había dicho: “Os van a dar uno de los importantes”. Fue así. Dolan y Diego Céspedes, como miembro del jurado (cada uno queda responsable de decir un ganador), fueron los que anunciaron que ese galardón era “para los increíbles Javis” por La bola negra. Un premio que fue compartido con una leyenda del cine europeo, Pawel Pawlikowski, que por Fatherland se llevaba un galardón que ya había conseguido por Cold War.

Poco después de haber subido al escenario, Javier Calvo y Javier Ambrossi atendían a la prensa española. Se fundieron en un abrazo con todos. No podían contener la emoción y la compartían con quiénes les habían acompañado estos días en donde la locura por La bola negra se había desatado. Su carta de amor a Lorca a través de tres historias entrelazadas en diferentes tiempos se convirtió en pocos días en un de los fenómenos del festival, donde mucha gente se preguntaba de dónde habían salido estos jóvenes que habían puesto todo patas arriba y habían convertido a Penélope Cruz en una cupletista animando a las tropas en la Guerra Civil.

Buscando quiénes eran muchos resaltaron en redes sociales su faceta televisiva e hicieron comentarios diciendo que eran los primeros jueces de Drag Race que habían ganado un premio en Cannes. O los primeros profesores de Operación Triunfo. A ellos no les molesta, al revés, se sienten orgullosos de todas esas decisiones. “Si no hubiera hecho Drag Race nunca hubiera podido escribir la frase de ‘el travestismo es la fantasía de la posibilidad y la guerra todo lo contrario’. Me gusta investigar, rodearme de mi colectivo y enriquecerme. En Operación Triunfo aprendí a dirigir a actores nóveles y entonces hicimos Veneno. Cada paso del camino nos ha llevado aquí. Nuestra intuición nos ha llevado aquí. Entonces yo solo la atesoro”, aseguraba Calvo.

Lo que también disiparon es cualquier duda de que este pudiera ser su último trabajo juntos tras su separación sentimental. “Cariños, ahora tenemos un premio de directores en Cannes, así que si había alguna duda…”, decían con humor. “Creo que cuando han anunciado el premio nos hemos mirado y hemos dicho, nos queda un ratito más, por lo menos un par de años”, bromeaba Javier Ambrossi. Ambos decían que quieren ponerse a escribir porque tienen ganas de hacer otra película. No lo esconden, quieren seguir creciendo y dan pistas de lo que viene: “Ya sabemos que lo que queremos hacer es juntos, y acojona porque el listón está alto, pero sabemos que podemos hacerlo mejor. Y en inglés”.

También confirmaban que parece que irán con Netflix en EEUU, lo que supone un empujón para una carrera hacia los Oscar que desde los medios ya anticipan. Lo que también aclaran es que han pedido que antes pase por salas. “Yo quiero que entendáis una cosa, y es que yo no me planteaba estar aquí, no me planteaba ganar. Entonces ahora lo de los Oscar es muy pronto para que yo me imagine nada de esto. Es que no imaginaba ni que fuera una posibilidad”, decía Ambrossi mientras Calvo pedía calma y que la gente viera primero la película, que se estrenará en España el 2 de octubre.

En el escenario se acordaron de Almodóvar y Sorogoyen, los otros cineastas españoles en esta edición histórica para nuestro cine. “Almodóvar siempre va a ser el maestro. Sorogoyen es un absoluto genio. Su película es absolutamente brillante y siento una admiración total. Ellos, como muchos de los directores que están este año en competición, han sido los que nos han enseñado literalmente, porque nosotros hemos aprendido de cero, viendo cómo se hacen y continuando lo que veíamos. Entonces muchos de ellos han sido los que nos han inspirado, como Pedro, como Rui, como muchos de los que están ahí en competición oficial”, subrayaban.

Ya sabemos que lo que queremos hacer es juntos, y acojona porque el listón está alto, pero sabemos que podemos hacerlo mejor. Y en inglés

Javier Calvo y Javier Ambrossi — Cineastas

La bola negra del título sirve como metáfora. “Metáfora de la vergüenza que nos meten dentro y que aunque hayamos conquistado ciertas libertades, el odio y el desprecio siguen ahí dentro. Es muy difícil quitárselo. Yo sí veo que las nuevas generaciones se lo van quitando, pero no desaparece del todo y es como una herencia atávica muy dura”, decían del mensaje de su película.

Cuando pensaban en cuál iba a ser su siguiente paso se dieron cuenta de que ellos, dos hombres gays, no habían nunca escrito ni un personaje gay ni “escrito un beso entre dos chicos”. “Dijimos, ¿pero cómo es posible? Hay que sentarse y hacerlo. El cine claramente es una respuesta a la sociedad. Nos decían, qué chulo que haya 20 películas LGTBI en la selección de Cannes. ¿Es algo a celebrar? Pues sí, es algo a celebrar, pero es algo significativo. El arte llega cuando es necesario, y eso habla mucho de la sombra que se cierne sobre nosotros”, explicaron.

Ahora les toca digerir ese sueño, porque todavía no entienden que esto sea real. Pero lo sienten “como unas palabras de aliento”. “El festival nos dice, ‘vais bien, seguid investigando, seguid con vuestra voz e investigando las maneras de crear’”, analizaron y confesaron lo que les dijo Fremaux cuando ganaron el premio: “Bienvenidos a Cannes”.