La actriz Carmen Machi, popular por series como 7 vidas, Aída o Celeste, y conocida por su excelente labor teatral en obras como Juicio a una zorra, además de por películas que son parte del imaginario del cine español como Ocho apellidos vascos, ha sido galardonada con el Premio Nacional de Cinematografía 2026. El premio, dotado de 30.000 euros, reconoce la labor de un profesional del mundo del cine en el pasado curso o, en su defecto, toda una carrera dedicada a la industria. Sucede en el premio a Eduard Fernández, que lo logró en 2025.

El jurado la ha elegido por “ser una de las actrices de comedia más importantes de la historia del cine español”. “También ha destacado en todo tipo de géneros. Ha sabido conectar con el público masivamente, no afectándole su enorme popularidad para acercarse a proyectos más autorales”, dice el comunicado remitido por el Ministerio de Cultura.

Además, el jurado la ha destacado como “trabajadora incansable en cine, teatro y televisión”, señalando que “ha participado en más de un centenar de producciones. Representa los valores de una mujer actual, fuerte e independiente”.

El jurado ha estado presidido por Camilo Vázquez Bello, subdirector general de Promoción y Relaciones Internacionales del ICAA. Como vocales han actuado Piluca Baquero Navarro, a propuesta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España; Marina Parés Pulido, a propuesta de Autores Literarios de Medios Audiovisuales; Fátima Baeza Medina, a propuesta de la Unión de Actores y Actrices; Guadalupe Balaguer Trelles, a propuesta de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA); Iván Agenjo Castaño, a propuesta de la Federación Española de Productores de Animación y VFX (DIBOOS); Ariadna Cortés Prió, Pere Gaviria Ibáñez, y Elsa Fernández Santos a propuesta del ICAA.

Machi es una de esas actrices transversales, capaz de levantar una película sobre sus hombros. Forjada en la comedia televisiva, ha dado muestra de su talento sobre las tablas del teatro español bajo las órdenes de los dramaturgos más prestigiosos de nuestro teatro. Una intérprete que une lo popular y lo autoral, y que brilla en todos los registros posibles. Desde la comedia más taquillera al cine de autor, donde ha brillado en filmes como La mujer sin piano, ella siempre eleva el material que toca.

Su primer papel sobre las tablas fue el de la novia en ‘Bodas de sangre’, de Lorca. En 1994, Machi entró en la compañía del Teatro de La Abadía, donde trabajó en obras como María Sarmiento, Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte o 5mujeres.com. Gracias a su personaje en la serie Aída, fue galardonada por la Unión de Actores, además de lograr dos TP de Oro, tres Fotogramas de Plata, un Premio Ondas y uno de la Academia de Televisión.

Aunque en televisión fue conocida por sus trabajos cómicos, que le granjearon el cariño de todo el público, en el teatro destacó en obras dramáticas como Falstaff, El caballero de Olmedo, ¿Quién teme a Virginia Woolf? o Antígona. En cine mezcló lo mejor de los dos géneros, y ha participado en películas como Hable con ella, de Pedro Almodóvar —con quien vuelve a tener un pequeño y divertido papel en Amarga Navidad—; Torremolinos 73, de Pablo Berger; Mi gran noche, de Alex de la Iglesia; Cerdita, de Carlota Pereda u Ocho apellidos vascos y su secuela, ambas de Emilio Martínez-Lázaro. Por la primera entrega ganó el Goya a la Mejor Interpretación Femenina de Reparto en 2014 (premio al que optaría posteriormente en dos ocasiones). Además, en 2024 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes otorgadas por el Ministerio de Cultura.

¿Qué es lo que tiene que tener una película para que de miedo? Muchos pueden llegar a pensar que las escenas oscuras, los sustos, la música estridente y las escenas morbosas son un ingrediente clave del género de terror. Sin embargo, directores como Narciso Ibáñez Serrador (Chicho) demostraron que se puede hacer cine de terror a plena luz del día. 

Ibáñez Serrador, uno de los nombres más importantes de la historia de la televisión en España, destacó principalmente por programas como Historias para no dormir, Historia de la frivolidad o Un, dos, tres… Responda otra vez. Sin embargo, Chicho también se convirtió en todo un referente del género cinematográfico de terror, y lo hizo con apenas dos películas dirigidas.

¿Quién puede matar a un niño? fue el segundo y último largometraje del cineasta después de su ópera prima La residencia (1970). Fue esta película la que sin duda ayudó a sentar las bases del cine de miedo, y sirvió de referencia para cineastas que llegaron después como Alejandro Amenábar o Álex de la Iglesia. ¿Qué tuvo de especial esta película de 1976?

La trama, a priori, parecía sencilla. Tom y Evelyn son una pareja de turistas ingleses que viajan a la costa española para pasar unos días de vacaciones. Sin embargo, cuando llegan, quedan un poco decepcionados porque el lugar está demasiado lleno de gente como para pasar las tranquilas vacaciones que habían planeado. 

Entonces deciden alquilar una barca para visitar una pequeña isla en la que Tom ya había estado cuando era más joven. La sorpresa para la pareja protagonista llega cuando descubren que los únicos habitantes de la isla son niños. Unos niños que, animados por una misteriosa fuerza, deciden rebelarse contra los adultos.

La violencia de los niños

La película se basa en la novela El juego de los niños del escritor asturiano Juan José Plans, publicada el mismo año que el guion que Serrador firmó bajo el seudónimo de Luis Peñafiel. Pese a la influenica, el cineasta se tomó varias licencias creativas en su adaptación a la gran pantalla, haciendo la trama mucho más dramática, perturbadora y profundamente simbólica.

El largometraje arranca con una muestra de material de archivo, con imágenes reales muy crudas de campos de concentración y conflictos armados en los que los niños son las principales víctimas inocentes. Las preguntas empiezan a caer sobre la mesa. ¿Hasta qué punto la violencia de los adultos está influenciando a los menores? La historia avanza, mostrando cómo los niños de la isla a la que llega la pareja de turistas han asesinado a las personas mayores y dominan por completo el entorno, y entonces vuelven las cuestiones morales. ¿Puede un adulto matar a un niño para sobrevivir?

Los padres de Candela Peña tenían un bar al lado de un cine. En vez de pasar su infancia jugando al escondite o saltando a la comba, ella estaba metida en una sala, a oscuras, viendo películas que muchas veces no correspondían a su edad. Se subía a la cabina de proyección y, desde allí, como si fuera la versión cañí de Cinema Paradiso, se quedaba fascinada con las historias que veía proyectar en la gran pantalla.

Ya entonces sintió esa fascinación que la llevaría a estudiar interpretación. Y aquella formación autodidacta la hizo mejor actriz. Una que está siempre atenta a todo, que construye sus personajes a conciencia. Los estudia, los prepara. Les da una vida con la que ella pueda moldear lo que luego saca delante de la cámara.

Lo ha demostrado desde hace décadas. Desde aquel debut que fue como un terremoto en Días contados hasta su nueva película, La desconocida, donde interpreta a una policía que vuelve tras un duelo personal para comenzar una investigación que apunta a trata de mujeres. Un filme que llegará a Netflix el próximo 5 de junio y donde construye un personaje roto y frágil. Mientras tanto, sigue plantándose en La revuelta a decir las cosas que pocos se atreven a decir en televisión. Y la gente lo agradece, porque Candela Peña no se corta, y eso sigue siendo algo raro hoy en día. 

¿Qué le atrajo de esta adaptación de un libro de Rosa Montero y Olivier Truc?

Fueron bastantes cosas, pero sobre todo me llamó mucho la atención un tema que es bastante tabú, del que no se habla mucho, que es el tema del suicidio, en el que he centrado yo todo el trabajo de la sargento Anna Ripoll. Para mí esa señora es una zombi funcional. La historia cuenta cómo esta señora vuelve de una baja y empieza el caso. Como actriz, la opción que tomé fue centrarme en el dolor que ella tiene. Ella pide regresar de esa baja sin estar preparada, como tregua a su propio dolor, y eso me llamó mucho la atención. 

¿Valora mucho esas cosas a la hora de elegir un guion, el reto como actriz, o el tema del que hable?

No te voy a mentir, yo ahora tengo que poner en la balanza pocas cosas, porque yo desde La boda de Rosa hasta ahora no se me ha ofrecido mucho cine, pero sí que he tenido la bendición o la suerte de los temas y de que el personaje pueda llevármelo a un terreno interesante. Los actores hay veces que caemos en el error de intentar hacer el oficio del personaje. Decir: “Voy a hacer de una mosso d’esquadra”. No, yo voy a hacer a la persona que hay detrás de cualquier oficio, y esta mujer era muy importante encuadrarla. Lo que yo construí antes de que empezara la película, para mí era muy gordo que se viera en el primer plano, y es que es una mujer devastada, una mujer con mucho dolor. Tanto su equipo como los otros personajes de la película son un poco víctimas colaterales de la situación de esta mujer.

Es interesante esto, porque la imagen que se tiene de ti es que trabajas mucho, ¿cree que pesa mucho la imagen que se tiene sobre usted?, ¿han pesado esos prejuicios?

Los prejuicios que hay en la profesión sobre mí me han pesado, absolutamente. Yo creo que han determinado la carrera que yo tengo. Me han pillado la matrícula completamente cambiada. Y sí que creo que de difamar cosas terribles, algo queda. Sí que soy una mujer que habla, que da su opinión, y eso molesta. Yo tengo una amiga que dice “haces lo contrario a lo que se tiene que hacer, porque el día que viene el productor en vez de comer con él y ser simpática, tú le dices que el catering es una mierda”. Soy lo que soy y no quiero pedir perdón por ser quien soy.

Yo creo que está demostrado que tomo interés por mis trabajos, que acompaño mis trabajos del principio hasta el fin. Me dejo los huevos tanto haciéndolos como vendiéndolos. No quiere decir que me salga ni bien ni mal, pero que yo estoy ahí, entonces no puedo hacer mucho más. Entonces no depende de mí la visión ajena. Pero sí que me sorprende, por ejemplo, que yo voy dos días a La revuelta al mes, que con eso vivo, y me hago un bolo porque yo soy madre soltera, tengo que conciliar y tengo que organizar mi vida, y parece que no paro de trabajar. Si tú lo sumas, son 24 minutos al mes, no trabajo ni media hora al mes. Que también creo que en algún momento se tendrá que regular que tú cedes tus derechos a Televisión Española, y luego eso va a TikTok, y yo todavía sigo viendo vídeos de la promoción que hice con El caso Asunta. Es algo que tengo que verbalizar. Pero no, yo no estoy en una terraza de Cannes con brillantes en el cuello.

Los prejuicios que hay en la profesión sobre mí me han pesado, absolutamente. Han determinado la carrera que yo tengo. Me han pillado la matrícula cambiada

Candela Peña — Actriz

Sin embargo, creo que hay dos fenómenos como son El caso Asunta y La revuelta que han hecho que sea un referente para los jóvenes, una estrella para ellos, ¿no siente ese vínculo con las nuevas generaciones?

Yo vivo muy al margen de la profesión. Ahora venía y la señora del taxi me dice “¿Cómo ves el mundo de la tele?”. Y le he dicho: “Si hoy no tengo wifi”. Quiero decir, yo voy a La Revuelta, pero luego mi vida es una vida absolutamente normal. Leo, veo cine…

No me creo que no haya gente joven que te pare y te diga cosas…

Soy una persona bastante solitaria. La gente joven que veo es gente de 14 años del equipo de mi hijo que el otro día les nombré en La revuelta, pero no tengo mucha relación. Sí que es cierto que en una época anterior en La revuelta, sí que me mandaban muchos adolescentes estas fotos de sus miembros que me sobrecogía. Pero ya también ha pasado. Me fui siendo una mujer fértil. Ha vuelto una infértil y ya no me envían este tipo de fotografías.

Es otro momento.

Es otro momento. Entonces ahora los adolescentes no sé en qué lugar me colocan, pero es gente que me interesa sobremanera. Los adolescentes me interesan mucho, me han interesado siempre. Es gente sobre la que se pone mucha responsabilidad y mucha crítica en un momento en el que tú estás muy perdido, tienes que hacerte como ser humano y se les da mucha caña y entonces es gente que me gusta. 

¿Cómo plantea las apariciones en La revuelta, como un papel más, lo prepara igual?

No, no, no. De hecho, absolutamente diferente, porque ahí sí que hay una absoluta inconsciencia. Para empezar yo voy a ese sitio porque admiro profundamente a esa gente. Admiro profundamente a David, admiro profundamente a Jorge, a Ricardo Castella, a Grison, al equipo de guionistas que hay detrás… Les admiro mucho, pero les admiro todavía más de que sean tan disparates de ir para decir dos mierdas que improviso en el momento. Sí que tengo unas líneas, porque joder, es la televisión pública. En eso soy responsable y pienso que es comedia y hay que entretener, pero que sea con cosas que tengan un poquito de sentido, que no vayan a un saco. Que digan algo para las mujeres, que somos las grandes borradas en ese programa. Y me da marcha estar ahí en representación de tías de a partir de 40 y pico. Muchas veces pienso, qué pinto yo ahí, pero por otro lado, a la gente le entretiene y creo que ahora las mujeres se empatan mucho conmigo y me devuelven mucho cariño. En algún momento estoy pensando en devolverlo de alguna manera. No sé cómo, pero las tías ahora es locura conmigo.

Quizás es porque reflejas a esas mujeres que siguen sin verse mucho en el audiovisual, tampoco en el cine o las series.

Y lo hago con mucho pudor también, el contar el momento que uno atraviesa. Porque yo me di cuenta de que cuando yo dije que estaba atravesando un trastorno hormonal, muchas mujeres me lo agradecieron. Y digo “¿pero agradecer qué?”. Y ahora entiendo que sí, que hay mujeres que son visibles y pueden poner voz a cosas que se intentan ocultar. O a esta cosa del ser eternamente joven, de estar eternamente buena. No me apetece. El otro día le decía a una amiga que creo que todos estos pinchazos, el Ozempic… todo eso es un poco el fascismo en el sentido de que hay que llegar a que todas seamos juncos novilleros. La delgadez se celebra mucho, el ‘estás hermosa’ se celebra mucho, pero nadie te celebra lo lúcida que estás, lo brillante que eres. Creo que las tías nos damos mucha caña entre nosotras y he llegado a los 50 y me doy cuenta, cuando veo a mujeres que admiro mucho de 30 años, de estas que ahora hay mogollón que me flipan, que perdemos mucho tiempo en justificarnos. Perdemos mucho tiempo en contarnos y los tíos no lo hacen.

No miramos atrás.

No. Y nosotras sí que deberíamos hacerlo. Mirar a las mujeres que nos preceden, porque es importante no borrarlas y creer que somos el último huevo del pícnic. Porque no es que haya muchas mujeres, hay pocas, pero las ha habido. Entonces echemos también una mirada a eso.

Me va a decir que no se siente referente, pero lo es.

Si lo soy, que lo decida el que lo mira. Veo a mucha gente mirando a cámara y sintiéndose el kilómetro cero de la carretera, de donde parte todo. No quiero ser ejemplo de nada. No quiero hablar por nadie. Pero si alguien abraza mi rollo y mi discurso, guay. Pero no quiero porque quiero permitirme cagarla, equivocarme. Soy una persona que toma decisiones y voy a muerte con ellas, y me he dado cuenta de que no quiero los reproches de quien me rodea frente a eso. Yo cargo con lo mío, no con lo de los demás. 

He leído que sus padres tenían un bar al lado de un cine y que su formación cinematográfica viene de estar en ese cine todo el rato, un poco Cinema Paradiso.

Sí, absolutamente. Mi infancia yo no la recuerdo jugando en el parque. Si estaba aburrida de estar en la sala, me subía con el proyeccionista, un señor con cabello blanco que aparte tenía unas botas con un zapato más alto que otro porque igual tuvo la polio y tenía una pierna más corta. He visto mucho cine que no era propio para la edad que tenía, desde Holocausto Caníbal a Vestida para matar. Desde Fernando Esteso y Pajares hasta Cassavetes. Eso es muy enriquecedor. Yo siempre he tenido vocación, yo siempre he querido ser una actriz de las que salían en esas películas que he visto desde que tengo cuatro años.

Preguntamos mucho si el cine puede cambiar las cosas, ¿cree que el cine sirve de algo? 

Bueno, es que a mí me ha salvado. Entonces yo hablo de mi experiencia personal. A quien no le pase nada y lo vea como purito entretenimiento, pues guay. Pero es que me da igual. Aunque un libro no te haya interesado en absoluto, a lo mejor tienes cuatro palabras más en tu vocabulario. O ves una escultura de alguien y dices ostras, solo el hecho de pensar que hay gente que trabaja el acetato en Soria, pues ya me parece interesante. 

¿Recuerda el momento de decirle a sus padres que quería ser actriz?

Se dio de manera natural cuando yo ya empecé a estudiar COU, que era solo por la mañana, y mi madre me dijo si por las tardes quería apuntarme a algún sitio, y yo, sin tener ni idea, me apunté a un curso en verano de psicomotricidad. Una profesora, con toda la lógica, me dijo: “Tú lo que tienes que ir es a una escuela de interpretación”. Y ya me dio la dirección de Nancy Tuñón, la primera profesora con la que estuve en Barcelona. Y de ahí, pues ya acabé en Madrid. Me acuerdo que el primer casting para Días contados era en verano. Yo estaba en Madrid. Le dije a mi padre: “Yo paso de ir”. Y me dijo: “No, querida. Tú vas”. Vengo de familia trabajadora y ellos lo entienden. Hay que trabajar y yo creo que también la actriz es por la familia de la que vengo.

Decía Antonio de la Torre que el barrio no se olvida.

Sí, claro, pero también sería falsa si no admitiera que mi vida es más fácil. Quiero decir, he dicho que yo trabajando media hora y haciendo un bolo con Secun, puedo pasar el mes. Y yo ahora también he tomado decisiones. Por ejemplo, he querido monetizar el hecho de ser más conocida ahora por La revuelta. Porque me han asustado mucho los 50 años. He visto a gente enfermar cerca de mí, he visto a gente morir cerca de mí, gente de edades parecidas. Y yo pienso, si yo caigo enferma, mi hijo no tiene un colchón económico y quiero que lo tenga. Y ahora estoy abriendo puertas que antes tenía cerradas como el tema de las marcas o la publicidad.

Piensa mucho en el futuro…

Tengo un hijo que depende única y exclusivamente de mí. Cuando no tienes a nadie que depende de ti, pues tú eres más disparate. Si yo no fuera madre es muy probable que ahora estuviera en Casablanca fumando opio, pero siendo madre la vida te mete en un carril. Y es que aparte, ese hijo solo me tiene a mí. Entonces me aterra pensar que no le pueda pagar la facultad o que no le pueda acompañar algún deseo que él tenga.

¿Sigue queriendo crear? Me acuerdo de la serie…

Absolutamente. Y no voy a desistir. O sea, voy a dirigir. Tarde o temprano sé que voy a dirigir. Solo me ha dado la posibilidad la directora de La 2, que me dejó dirigir un programa este verano pasado. Me encantó prestarme a eso, pero sí, quiero dirigir una película.

¿Qué le gustaría contar?

La complejidad de las mujeres. Las mujeres somos complejas y no nos tenemos que estar justificando todo el rato de lo que somos, lo que hemos conseguido, o dónde hemos llegado.

Vídeo de la entrevista completa

Cuando Javier Calvo y Javier Ambrossi vieron a Xavier Dolan en el escenario del Gran Teatro Lumière de Cannes tuvieron la premonición de que ese premio era el suyo. El director de Mommy, uno de los más jóvenes en ganar premio en Cannes y, como ellos, icono queer y referente para las nuevas generaciones de cineastas LGTBI, anunciaba el premio a la Mejor dirección. Por si fuera poco, Penélope Cruz, que Calvo dice que tiene “algo de brujita” le había dicho: “Os van a dar uno de los importantes”. Fue así. Dolan y Diego Céspedes, como miembro del jurado (cada uno queda responsable de decir un ganador), fueron los que anunciaron que ese galardón era “para los increíbles Javis” por La bola negra. Un premio que fue compartido con una leyenda del cine europeo, Pawel Pawlikowski, que por Fatherland se llevaba un galardón que ya había conseguido por Cold War.

Poco después de haber subido al escenario, Javier Calvo y Javier Ambrossi atendían a la prensa española. Se fundieron en un abrazo con todos. No podían contener la emoción y la compartían con quiénes les habían acompañado estos días en donde la locura por La bola negra se había desatado. Su carta de amor a Lorca a través de tres historias entrelazadas en diferentes tiempos se convirtió en pocos días en un de los fenómenos del festival, donde mucha gente se preguntaba de dónde habían salido estos jóvenes que habían puesto todo patas arriba y habían convertido a Penélope Cruz en una cupletista animando a las tropas en la Guerra Civil.

Buscando quiénes eran muchos resaltaron en redes sociales su faceta televisiva e hicieron comentarios diciendo que eran los primeros jueces de Drag Race que habían ganado un premio en Cannes. O los primeros profesores de Operación Triunfo. A ellos no les molesta, al revés, se sienten orgullosos de todas esas decisiones. “Si no hubiera hecho Drag Race nunca hubiera podido escribir la frase de ‘el travestismo es la fantasía de la posibilidad y la guerra todo lo contrario’. Me gusta investigar, rodearme de mi colectivo y enriquecerme. En Operación Triunfo aprendí a dirigir a actores nóveles y entonces hicimos Veneno. Cada paso del camino nos ha llevado aquí. Nuestra intuición nos ha llevado aquí. Entonces yo solo la atesoro”, aseguraba Calvo.

Lo que también disiparon es cualquier duda de que este pudiera ser su último trabajo juntos tras su separación sentimental. “Cariños, ahora tenemos un premio de directores en Cannes, así que si había alguna duda…”, decían con humor. “Creo que cuando han anunciado el premio nos hemos mirado y hemos dicho, nos queda un ratito más, por lo menos un par de años”, bromeaba Javier Ambrossi. Ambos decían que quieren ponerse a escribir porque tienen ganas de hacer otra película. No lo esconden, quieren seguir creciendo y dan pistas de lo que viene: “Ya sabemos que lo que queremos hacer es juntos, y acojona porque el listón está alto, pero sabemos que podemos hacerlo mejor. Y en inglés”.

También confirmaban que parece que irán con Netflix en EEUU, lo que supone un empujón para una carrera hacia los Oscar que desde los medios ya anticipan. Lo que también aclaran es que han pedido que antes pase por salas. “Yo quiero que entendáis una cosa, y es que yo no me planteaba estar aquí, no me planteaba ganar. Entonces ahora lo de los Oscar es muy pronto para que yo me imagine nada de esto. Es que no imaginaba ni que fuera una posibilidad”, decía Ambrossi mientras Calvo pedía calma y que la gente viera primero la película, que se estrenará en España el 2 de octubre.

En el escenario se acordaron de Almodóvar y Sorogoyen, los otros cineastas españoles en esta edición histórica para nuestro cine. “Almodóvar siempre va a ser el maestro. Sorogoyen es un absoluto genio. Su película es absolutamente brillante y siento una admiración total. Ellos, como muchos de los directores que están este año en competición, han sido los que nos han enseñado literalmente, porque nosotros hemos aprendido de cero, viendo cómo se hacen y continuando lo que veíamos. Entonces muchos de ellos han sido los que nos han inspirado, como Pedro, como Rui, como muchos de los que están ahí en competición oficial”, subrayaban.

Ya sabemos que lo que queremos hacer es juntos, y acojona porque el listón está alto, pero sabemos que podemos hacerlo mejor. Y en inglés

Javier Calvo y Javier Ambrossi — Cineastas

La bola negra del título sirve como metáfora. “Metáfora de la vergüenza que nos meten dentro y que aunque hayamos conquistado ciertas libertades, el odio y el desprecio siguen ahí dentro. Es muy difícil quitárselo. Yo sí veo que las nuevas generaciones se lo van quitando, pero no desaparece del todo y es como una herencia atávica muy dura”, decían del mensaje de su película.

Cuando pensaban en cuál iba a ser su siguiente paso se dieron cuenta de que ellos, dos hombres gays, no habían nunca escrito ni un personaje gay ni “escrito un beso entre dos chicos”. “Dijimos, ¿pero cómo es posible? Hay que sentarse y hacerlo. El cine claramente es una respuesta a la sociedad. Nos decían, qué chulo que haya 20 películas LGTBI en la selección de Cannes. ¿Es algo a celebrar? Pues sí, es algo a celebrar, pero es algo significativo. El arte llega cuando es necesario, y eso habla mucho de la sombra que se cierne sobre nosotros”, explicaron.

Ahora les toca digerir ese sueño, porque todavía no entienden que esto sea real. Pero lo sienten “como unas palabras de aliento”. “El festival nos dice, ‘vais bien, seguid investigando, seguid con vuestra voz e investigando las maneras de crear’”, analizaron y confesaron lo que les dijo Fremaux cuando ganaron el premio: “Bienvenidos a Cannes”.

La bola negra llegó de tapadillo en las últimas jornadas del Festival de Cannes. Pocos conocían quiénes eran Los Javis, esos jóvenes directores españoles que habían aparecido casi por sorpresa en la Sección Oficial. Tras el pase oficial de su película, se convirtieron en la revolución del certamen. La crítica, aunque no unánime, quedó arrasada por sus tres historias enlazadas con Lorca como hilo conductor. El jurado ha confirmado el fenómeno y Javier Calvo y Javier Ambrossi se han hecho con el premio a la Mejor dirección. Un premio que, como el año pasado le ocurrió a Oliver Laxe, es un premio compartido. En esta ocasión el ex aequo fue junto a Pawel Pawlikowski, por Fatherland.

El jurado reconoce un trabajo excesivo, ambicioso, arriesgado y siempre al límite. Javier Calvo se acordó de su maestro, Pedro Almodóvar —que logró este galardón por Todo sobre mi madre— y recordó que La bola negra habla de “ver al otro”, y pidió empatía en estos momentos. “El arte es un vehículo para la empatía. La película habla de humanidad, de ver al otro como un ser humano, de entenderle, comprenderle, amarle”, reflexionó.  Su película es una mirada a los amores disidentes y a la Memoria Histórica que ha conquistado a la crítica de EEUU, que la colocan ya como una película fuerte de cara a la próxima temporada de los Oscar, destacando especialmente a una Penélope Cruz arrebatadora como una cupletista que anima a las tropas franquistas en la Guerra Civil. 

Este premio del jurado es la guinda perfecta al año histórico del cine español en Cannes, que también ha visto como Viva, de Aina Clotet, se hacía con el premio Rising Star de la Semana de la Crítica, y la coproducción española junto a República Checa Rehearsals for a revolution, el premio al mejor documental de todas las secciones, el Ojo de Oro. Una pena que ni Amarga Navidad ni El ser querido (que como La bola negra es una producción original de Movistar Plus) hayan podido completar el bingo perfecto. 

Sorprende sobre todo en el caso de Javier Bardem, sin duda la mejor interpretación vista en toda la Sección Oficial, y que no ha podido hacerse con el galardón de Mejor actor, que fue a parar a unos emocionados Emmanuel Macchia y Valentin Campagne, la pareja de enamorados en la Primera Guerra Mundial que emocionaron a todos en Coward, de Lukas Dhont.

Precisamente de 'mirar al otro', como dijo Javier Calvo, habla la ganadora de la Palma de Oro, Fjord, del cineasta rumano Cristian Mungiu, que logra su segunda Palma tras la conseguida por 4 meses, 3 semanas y 2 días en 2007. Se une al selecto club de cineastas que cuentan con dos en su estantería. Fjord plantea el dilema moral de cómo encajar en la sociedad a familias cuyos valores religiosos rozan lo extremo, y cómo las normas de un país demócrata como Noruega puede chocar con la convivencia en una pequeña comunidad.

Por primera vez Mungiu trabaja con actores internacionales, en este caso Sebastian Stan, y Renate Reinsve. Con este galardón Neon, la distribuidora de EEUU logra su séptima Palma de Oro. “Viva la diferencia”, dijo Tilda Swinton antes de entregarles el premio como anticipando lo que el presidente del jurado iba a anunciar. “Las sociedades hoy están fracturadas, radicalizadas. Este filme es un compromiso contra toda forma de integrismo, es un mensaje de tolerancia, inclusión, empatía. Son palabras maravillosas que a todos nos gustan, pero hay que aplicarlas más a menudo”, dijo Mungiu al recibir su Palma.

No es un trabajo tan fino como los anteriores del cineasta rumano, pero desde su presentación fue una de las películas mejor recibidas por la crítica. La otra gran favorita, Minotauro, del director ruso exiliado Andrey Zvyagintsev, logró la plata, el Gran Premio del Jurado, gracias a un remake de La mujer infiel de Claude Chabrol que convierte en una crítica bestial a un país podrido y corrupto, así como a su presidente Vladimir Putin. Un filme de una solidez y una contundencia incuestionable. 

Zvyagintsev dedicó al premio a sus productores por atreverse a levantar una película que crítica duramente la corrupción en Rusia. Tras ello, el cineasta mandó un mensaje “a una persona concreta que seguramente tiene otras decisiones que tomar” en este momento y “que no tiene internet ni estará viendo esta gala”. “Sé que gente de su entorno le transmitirá este mensaje”, agregó y leyó un texto en su móvil en el que pedía “que las masacres acaben de una vez”. “Y la única persona que puede acabar con esa carnicería es Vladímir Putin, presidente de la Federación Rusa. Acaba con esa carnicería, el mundo entero lo espera”, agregó ante la ovación de la sala

La mejor película de la Sección Oficial, la humanista y monumental Soudain, de Riusuke Hamaguchi —que con Drive my car logró aquí el premio al mejor guion antes de llevarse al Oscar a la Mejor película internacional— se conformó con el premio a la interpretación femenina, que también fue compartido para sus dos protagonistas, Virginie Efira y Tao Okamoto. Es un premio que sabe a poco, pero que es entendible, ya que en la relación de ambas y en las largas charlas entre ellas asienta el director japonés su filme.

Dos de las sorpresas de esta edición también fueron reconocidas por el jurado. El filme de la directora alemana Valeska Grisebach, The dreamed adventure, un western moderno de ritmo pausado en un pequeño pueblo búlgaro asediado por la corrupción y los trapicheos contado a través del rostro inolvidable de Yana Radeva se llevó el Premio del Jurado. Emmanuel Marre, que trajo una de las propuestas más rompedoras con Notre Salut, se llevó el premio al Mejor guion. Una película donde a través de la historia real de su abuelo aborda el colaboracionismo de Francia con los nazis rompiendo las normas del academicismo del cine histórico. Ambos representan la savia nueva de un Cannes que con ellos y los Javis han introducido nombres que no suelen estar en sus selecciones oficiales, aunque finalmente su Palma de Oro haya sido para uno de los nombres de toda la vida.

Penélope Cruz estudió danza durante muchos años. Aquella preparación la ha rescatado para convertirse en Nené, la cupletista a la que da vida en La bola negra, la película dirigida por Javier Calvo y Javier Ambrossi. El filme, que cuenta tres historias atravesadas por los amores disidentes y la memoria de Lorca, sorprendió en las últimas jornadas del Festival de Cannes, donde muchos la veían en el palmarés y que finalmente ha supuesto el galardón a Mejor dirección para los dos directores. Si bien el filme ha dividido a parte de la prensa internacional, todos se quedan prendados de esa cantante y bailarina que aparece animando a las tropas franquistas encima de un tanque en plena Guerra Civil. Penélope Cruz se enfunda una peluca rubia, se viste con traje militar y canta y baila como una especie de Marta Sánchez de los años 30. 

La actriz contó en la rueda de prensa que justo antes de rodar esa escena su médico le dijo que podía tener un aneurisma cerebral. Eso hizo que la escena estuviera dotada de una emoción especial. Finalmente, fue solo un susto, pero la actriz confiesa que aquel momento quedará grabado en su recuerdo como actriz, igual que la larga ovación de más de 15 minutos que le dedicó el Teatro Lumière en la gala de presentación del filme.

Unas horas más tarde, en un encuentro reducido con prensa española donde se encontraba elDiario.es, Cruz quiso tranquilizar. Aclaró que preguntó a un médico antes de seguir rodando, y que al día siguiente se lo dijo a los Javis, que en todo momento le ofrecieron desde paralizar el rodaje a adaptarlo a sus necesidades. Explicó que quiso contarlo ahora a todo el mundo porque “es bonito compartirlo”, y para que la gente vea las situaciones a las que se tienen que enfrentar en un rodaje, y recordó otro momento donde la tragedia se impuso en un rodaje. 

Su padre murió a los 62 años. Ella se encontraba rodando Zoolander 2, y el viernes por la noche había hablado con él. “Unas horas más tarde estaba muerto de un infarto”, recuerda. “Fue horrible. El sábado por la mañana llegaba a Madrid, el funeral fue el domingo, y por la tarde estaba de vuelta en Roma para seguir rodando una comedia el lunes. Recuerdo que me tenían que sujetar. A veces se viven cosas así y creo que es bonito compartirlas, porque somos un equipo, y si uno falla, todo el dominó que es un rodaje puede caer. No quería contarlo desde un lugar de víctima, sino de contar situaciones que vivimos que a veces son muy peculiares”, afirmó.

El ejemplo de los Javis

Desde que vio La llamada quedó cautivada con los Javis, y La mesías se lo confirmó. Entre medias muchos encuentros casuales donde hablaban de esa colaboración que no terminaba de confirmarse hasta que los directores le dijeron que tenían un personaje muy pequeño, esa Nené inspirada en cupletistas reales por la que muchos la colocan ya incluso en la carrera por el Oscar del año que viene. 

Tras la emoción por la ovación de casi 20 minutos, Penélope confiesa que tuvo que irse un buen rato a llorar a la habitación antes de pasar por la fiesta que el equipo celebró en la playa y donde se sentó a hablar con Javi Calvo en una hamaca e intentar procesar todo lo que habían vivido. Tiene la convicción de que los Javis han hecho “algo muy gordo”.

“Son tan jóvenes, pero son unas almas muy viejas y tienen mucha profundidad y mucha inteligencia, mucho humor, van a llegar a unas nuevas generaciones con unos temas mejor que lo que les van a llegar en un libro de texto o con un sermón de un familiar. A veces hay películas tan especiales que pueden conseguir eso. Pueden conseguir que por lo menos los más jóvenes se hagan esas preguntas desde otro lugar. Y eso era lo que más me motivaba para decir que sí. Ellos tenían miedo de mandármelo porque decían que era muy corto. No sé si son 15 minutos. Yo no los he contado y me da igual”, asegura.

El personaje tenía otro aliciente, volver a bailar, algo que estudió durante años y que no hacía en una película desde Nine, por la que, curiosamente, optó al Oscar. Pero también por lo que representa ese personaje, “ese sueño de libertad que ninguno de los personajes masculinos tiene”. “Ninguno de los personajes de las tres historias está cómodo en el lugar donde quiere estar y siendo quien quiere ser, ni siquiera pueden compartir quiénes son en su esencia. Y ella representa eso. Me emociona mucho lo que representa ella, era un honor poder darle vida”, reincide y hace hincapié en una de las frases finales del filme, “cuidado que aún nos acechan”.

Queda muchísimo y va a paso muy lento. El Me Too para mí fue un arranque de algo que tiene que continuar para siempre

Penélope Cruz — Actriz

Desde que comenzó a estudiar teatro en la escuela de Cristina Rota, “con 14 o 15 años”, a la que entró mintiendo sobre su edad, se obsesionó con Lorca. “Mi maestra en esos años era Cristina Rota, y yo elegía cosas que eran curiosas para una niña de esa edad, como Las criadas, de Jean Genet, o Doña Rosita la soltera, de Lorca. Ella nunca me prohibía hacer las obras que a mí me llamaban la atención, que siempre tenían temas muy turbulentos, personajes que no tenían mi edad, pero yo sentía que los entendía y que los quería comprender más a fondo y los quería explorar. Yo recuerdo todavía ese monólogo de Doña Rosita. Hay partes que no las voy a olvidar. Soy una apasionada de Lorca, es uno de los genios más grandes de nuestro país”, asegura y menciona la obra de su amigo Juan Diego Botto, Una noche sin luna. 

Tiene claro que el que no haya querido ver la homosexualidad de Lorca en su obra es porque “ha querido mirar para otro lado, porque está en todo lo que escribe”. “Hay una protesta todo el tiempo a no poder ser uno mismo, y a estar incluso en peligro de muerte. Aunque no lo ponga en primera persona, o lo ponga en otros personajes que no siempre son hombres, el tema de la identidad, de la libertad y de poder compartirla con los familiares siempre ha estado. Quien no haya querido ver eso a lo largo de las décadas desde que murió es porque no ha querido verlo. Es imposible no verlo”, zanja.

Apenas unos días antes de que se presentara La bola negra, Cate Blanchett decía en una masterclass en Cannes que, para ella, el Me Too se había enterrado de forma interesada y que debería estar más activo. Penélope Cruz coincide con su compañera: “Lo llamemos como lo llamemos, es algo que ya tiene que seguir de por vida. Para nada hemos llegado a un punto donde podamos estar relajados. No estamos en un lugar justo ni para el colectivo LGTB ni para, por supuesto, las mujeres. Queda muchísimo y va a paso muy lento. El Me Too para mí fue un arranque de algo que tiene que continuar para siempre”.

Javier Calvo y Javier Ambrossi llegaban a Cannes como dos desconocidos. En Francia La mesías se convirtió en un éxito de crítica, y en EEUU fue La veneno la que les abrió varias puertas, pero en el festival de cine más prestigioso del mundo llegaban de tapadillo. Desde días antes de la proyección de su nueva película, La bola negra, la comidilla es que los distribuidores internacionales habían caído rendidos a esta historia a tres tiempos que tiene a Lorca, y su obra inacabada, como hilo conductor que las une y las atraviesa.

Los Javis entraron en el Gran Teatro Lumiere siendo una promesa. Salieron convertidos en un fenómeno. En las casi tres horas de duración de La bola negra la crítica internacional —especialmente la de EEUU, donde hablan incluso de los Oscar— la habían convertido en una candidata al palmarés. La reacción de la gente tras la proyección, con casi 20 minutos de aplausos, la ovación más larga de esta edición, decía mucho de la sensación de revolución que dejó este drama ambicioso y hermoso en donde homenajean a Lorca, el escritor que les cambió la vida. 

Tanto al acabar la proyección como en las entrevistas con la prensa española, los directores subrayaban que “a Federico García Lorca lo asesinaron”. “Esto no es una idea, no es una quimera, no es un recuerdo histórico. Es una realidad personal de una persona a la que mataron por maricón. Para mí es muy importante reivindicar que la historia no es una línea de texto”, decía Javier Ambrossi desde Cannes.

Su compañero, Javier Calvo, añadía algo que se le escucha decir al personaje de Glenn Close en la película, y es que “es imposible separar un autor como Federico García Lorca de sus deseos íntimos”. “Se ha dicho mucho que la sexualidad de Federico no importa, ¡pero cómo no va a importar si en todas las obras de teatro habla de su desamor, de su miedo! El ABC, cuando publicó los Sonetos del amor oscuro, los publicó como Sonetos del amor. El amor oscuro es algo que hay que reivindicar, porque ha estado muy escondido y ha estado muy en la sombra durante muchos años. Cuando se ha hablado de Federico en el cine, en el teatro, muchas ideas han sido desde una perspectiva muy heterosexual. Y está genial que se haya mantenido vivo y que se haya visitado y que se haya puesto en pie, pero creo que ese Federico queer no ha estado casi nada presente en el arte en nuestro país”, apuntaba.

Avanzaba así uno de los motores de este proyecto, “hablar de la imposibilidad de expresarse”. “Hay amores que están enterrados, que no pudieron existir, como pasa en la peli, los que ni siquiera se pudieron reconocer a sí mismos, ni decir que eres homosexual para empezar una vida. Vivimos en un presente en el que para honrar a la gente que ha luchado y que ha muerto, tenemos por lo menos que intentar ser felices, intentar disfrutar de nuestra libertad y reivindicar que no se puede dar ni un paso atrás. Y no se va a dar”, decía contundente Ambrossi.

A pesar de tener claro de que no hay que dar un paso atrás, saben que para el futuro hay que ser firmes y estar atentos. Javier Ambrossi se muestra más confiado en que no vaya a haber un retroceso de derechos. “Espero que no. Yo creo que el hecho de que estemos aquí indica que no. Eso quiere decir que hay un movimiento cultural que empuja que no vaya a pasar, pero sí que hay gente que tiene interés en generar estas cortinas de humo y darle mucha importancia, ¿de verdad alguien cree que el problema de todos los problemas del mundo son los derechos de las personas trans? Pues en eso se basan las políticas de algunas personas”, lanzaba.

Hay gente que está intentando poner de moda la intolerancia y el fascismo, y eso es así. Y creo que nuestro trabajo es que eso no suceda emocionando a la gente

Javier Calvo — Cineasta

“Pero la amenaza existe”, continúa Javier Calvo. “La estamos viendo todos los días en el telediario y en la calle. Hay gente que está intentando poner de moda la intolerancia y el fascismo, y eso es así. Y creo que nuestro trabajo es que eso no suceda emocionando a la gente, haciéndole partícipe de historias con las que puedan involucrarse desde el alma, desde el corazón. Creo que es una gran manera de reconquistar ese terreno, emocionando y involucrando a la gente en nuestras historias”.

La bola negra es una película ambiciosa, de gran presupuesto, y eso siempre lo tuvieron claro, querían que fuera “grande para reivindicar que las historias lgtbiq+ pueden serlo, y que no tienen por qué apelar solo a un nicho. Como siempre hemos hecho, queremos llegar con historias nuestras a todo el mundo. Es algo que tenemos por bandera, crear cosas grandes y que estén protagonizadas por tres actores abiertamente homosexuales. Que no porque sea grande una película tiene que tener a un hetero para hacer de gay. El nicho es una tumba”, explicó Calvo.

Tan grande que tiene a dos estrellas de Hollywood en ella. Una es Glenn Close, que hace de un trasunto de Ian Gibson, una hispanista experta en Lorca. La actriz se enamoró de La mesías y les mandó un mail diciendo que quería trabajar con ellos. Cuando surgió este papel no lo dudaron, y ella dijo que sí pero con una condición, hablar en español. Le pusieron un coach que se desplazó al rodaje de la nueva entrega de Los juegos del hambre y comenzaron a trabajar sus escenas. 

La otra es Penélope Cruz, que tiene una secuencia para el recuerdo. Una cupletista que cual Marta Sánchez anima a las tropas franquistas encima de un tanque. “Ella es muy brujita”, dice con gracia Javier Calvo para explicar que fue ella la que, cuando se enteró de que tenían nueva película, les llamó para decirles que si había algo que pudieran hacer juntos, ella estaba dispuesta. Le dijeron que había un papel muy pequeño, de una cupletista, y ella dijo que le apetecía volver al musical. El papel pasó de tener una escena musical a dos. Ellos mismos reconocen que quizás no hacía falta que hubiera dos, pero que teniendo a Penélope podían haber sido hasta tres. “Ella se lanzó a los leones, se subió encima de un tanque, nos cayó una tormenta… Viendo todo eso me doy cuenta de que lo que queríamos hacer era lo que hemos sentido viendo las películas que hemos visto, las que te hacen soñar. Hemos intentado hacer la peli que querríamos ver”, zanjan. 

“España tiene muchas historias de amor enterradas en los campos”. La frase, tan triste como hermosa, se escucha casi al final de La bola negra, en uno de los momentos más emocionantes de la esperadísima película de Javier Calvo y Javier Ambrossi, una carta de amor a Federico García Lorca, a la importancia de la memoria histórica y un homenaje a todos los amores disidentes a los que el franquismo no permitió existir. “Habría que arañar la tierra” para que salgan a la luz, se oye en la película, y eso entronca directamente con lo que decía Leonard Cohen, que no entendía cómo los españoles no escarbábamos con nuestras propias manos para encontrar los huesos del poeta, que a día de hoy siguen sin desenterrarse en una de las heridas más grandes de la historia de nuestro país.

La bola negra es una película ambiciosa hasta el límite, algo sorprendente para ser una segunda película. Pero hay en ella, y eso es lo importante, mucho corazón. Se nota que Javier Calvo y Javier Ambrossi han cogido de alguna forma el legado de ese Lorca que, con su obra inacabada, de nombre La bola negra, colocaba por primera vez un personaje homosexual para que los que vinieran después de él pudieran entender que no estaban solos. La filmografía de los Javis está atravesada por ese mismo espíritu. Desde La llamada a La mesías, pasando por supuesto por Veneno, les han dicho a la gente queer que su cine es un refugio. Que siempre estará el arte para entenderles. Como hacía Lorca.

La bola negra es la cima de todo aquello. Una película que honra a todas las personas a las que no se les dejó ser quienes querían ser y un abrazo para aquellos que todavía sienten que no pueden amar libremente. Si alguien ha hecho de la diversidad su bandera y ha apostado por una ficción que rompe cualquier barrera de género y tire los estereotipos ha sido esta pareja de directores.

Su película llegaba al Festival de Cannes, donde compite por la Palma de Oro, envuelta en un secretismo absoluto. Sin pase previo para la prensa española y francesa, había una emoción por descubrir qué habían pergeñado dos directores que, aunque en España ya sean dos nombres consagrados, fuera todavía no habían despegado. El propio Fremaux reconocía ante la prensa que no había visto La mesías, pero que, sin embargo, se había quedado prendado de La bola negra. Su proyección ha sacudido un certamen que necesita savia nueva y nombres que sorprendan para que esto no sea una reunión de autores consagrados que miden sus nuevas propuestas.

Calvo y Ambrossi han sacado las lágrimas de la prensa especializada con una película en tres tiempos. El primero, con el que abre el filme, se ambienta en 1937 y recoge el texto del dramaturgo Alberto Conejero La piedra oscura para contar la historia de Sebastián, joven soldado del bando franquista, y Rafael Rodriguez Rapún, carcelero y pareja de Lorca. Conejero la llevó al teatro en una obra que se convirtió en fenómeno en las tablas de toda España y que ellos amplían y expanden en el tiempo.

El filme abre con el bombardeo a un pueblo del bando nacional mientras una banda de pueblo toca pensando que los aviones son fascistas italianos en su apoyo. Entre ellos, un chaval (Guitarricadelafuente) escapa de las bombas. Es una escena que deja claro el tamaño y la épica de la película. Abren con todo, con un despliegue visual que culmina con el protagonista ascendiendo por una gran estatua asaetada. Ese símbolo, el de un hombre atravesado por una herida, lo recuperarán después cuando el deseo de Sebastián por Rapún (un Miguel Bernardeau que se confirma gran actor) se vaya solidificando.

La segunda historia ocurre en 1932, y aquí viene uno de los elementos más hermosos y arriesgados de la película. Los Javis cogen las cuatro páginas de La bola negra real y la continúan. Imaginan cómo podría haber continuado Lorca aquellas páginas. ¿Qué pasaría si esa obra siguiera escondida, si pudiéramos leerla? Hay que ser valiente para arriesgarse a semejante acto, pero ellos lo hacen y consiguen la mejor de sus tres historias. Una que comienza con un homenaje a Fassbinder y que tiene como centro a un Milo Quifes que se descubre como la sorpresa del reparto. Un rostro misterioso y magnético que tiene una de las escenas más emocionantes del filme, una secuencia de flamenco con baile moderno donde la acción se para y la magia ocurre. Su relación con Hugo Wezel (uno de los mejores actores jóvenes actuales) es hermosa y delicada.

La tercera historia nos lleva a 2017, al presente, donde un joven —estupendo Carlos González— que fue dramaturgo recibe una herencia que debe ir a recoger a Cantabria aunque su madre (arrolladora Lola Dueñas) no quiere que vaya. Esta historia es la que acaba siendo el vehículo para unirlas a todas. Lorca es ese elemento común que hará que la película se descubra como una matrioska donde una historia contiene a la anterior y así sucesivamente.

Calvo y Ambrossi han tejido un filme tan complejo y arriesgado en su estructura y en su tono —que se mantiene casi en clímax constante— que es imposible que a veces no sea irregular. Hay ciertos baches de ritmo en su parte central; a veces las historias no se trenzan con la fluidez que debería; alguna escena parece más una idea genial que parte de la trama, y la música de Raül Refree a veces resuena demasiado alto y subraya. Y sin embargo, esas cosas hacen de La bola negra una película hasta más interesante, porque demuestran una pasión arrebatada en sus creadores que les hace ir con todo, sin miedo a caerse y después levantarse.

Porque siempre hay algo que te recoge y te vuelve a llevar. Lo hace la aparición de una Penélope Cruz que roba sus escenas como cupletista que anima a las tropas como si fuera una Marta Sánchez de la Guerra Civil y que dice una de las grandes frases de la película (“El travestismo es la fantasía de la posibilidad, la guerra es todo lo contrario”), o las fugas cuasi musicales, como el baile de los soldados en la playa bajo unos fuegos artificiales.

También la aparición estelar de una Glenn Close que parece que lleve hablando español toda su vida. Su trampantojo de Ian Gibson desvela una de las escenas más emotivas de la película y donde se explicitan varios de los temas fundamentales de la película, que deriva en una media hora final que es pura emoción. La decisión de traer a Lorca (un perfecto Alberto Cortés) en una coda final es otro salto mortal que podía haber acabado en fracaso y que, sin embargo, logran que el clímax final sea de un tsunami emocional.

Es bonito ver que, además, aunque sea una película tremendamente marcada por el drama, los Javis sigan manteniendo eso que les enseñó su maestro, Pedro Almodóvar (hacia el que hay un guiño): la necesidad del humor. Hay líneas de diálogo, interacciones y referencias (“El corazón de un maricón es un océano lleno de secretos”) que les llevan a sus inicios, que demuestra que siguen teniendo el oído en la calle. Ahí destaca una Yenesi que funciona como estupendo alivio cómico.

La bola negra convierte su imperfección en emoción. Su ambición, pasión y exceso hay que recibirlos con los brazos abiertos, porque demuestra que las historias queer pueden ser grandes, épicas y lanzarse a la piscina sin miedo. Lorca estaría orgulloso de ellos.

El artista e intelectual André Malraux dejó su vida en Francia y acudió a España para combatir en el bando republicano durante la Guerra Civil. Malraux decidió que lo que estaba viviendo tenía que ser contado y visto. Escribió una novela, L’espoir, y en 1938, bajo las bombas del bando nacional, acometió una misión casi imposible: rodar Sierra de Teruel, una película cuyo objetivo era movilizar a los países europeos para luchar contra el fascismo. Malraux sabía que en España se jugaba el futuro de Europa, y creía que un filme con un fuerte contenido antifascista, que mostrara la lucha colectiva del pueblo y de la clase obrera contra una amenaza dictatorial, podía hacer que la balanza se decantara por la intervención en la Guerra.

La película, que contaba con guion de Max Aub, no pudo terminar su rodaje, y cuando llegó el momento de mostrarla, Europa decidió mirar para otro lado. Francia no quiso molestar a Franco y decidió no exhibirla. Los alemanes, bajo el yugo del nazismo, ordenaron quemar las copias para que Sierra de Teruel desapareciera. Para que no quedara rastro del testimonio de la lucha contra el fascismo. 

Pero Malraux logró mandar una copia a la biblioteca del Congreso de EEUU. Esta copia “la original, sin cortes ni añadidos”, como la define Antoni Cisteró, escritor, investigador y el mayor experto en Sierra de Teruel, se restauró en España en los 90, y ahora lo ha hecho en Francia. Sierra de Teruel recupera su esplendor, y lo hace en el mejor momento posible, ya que el auge de la extrema derecha hace su mensaje más pertinente que nunca. Quizás por ello el Festival de Cannes ha decidido proyectar esta versión que en Francia seguía inédita. 

Céline Malraux, sobrina nieta de André Malraux, actúa como portavoz de la familia del artista, que se muestra emocionada por poder volver a ver Sierra de Teruel. Para ella, “la película es un documento histórico sobre el cine y sobre la historia de la Guerra Civil Española y sobre lo que significó para la política, la libertad y la democracia”. Por eso cree que el filme no ha “envejecido en absoluto” y cree que este hecho, que se une al 50 aniversario de la muerte de André Malraux es una “oportunidad para hablar de esta película y del compromiso de André Malraux con la libertad”.

A Céline Malraux le sorprende que Sierra de Teruel sea tan desconocida en España, y cree que eso muestra que hay “mucho que mejorar en Europa para intentar comunicar una historia común”. “¿Cómo es posible que no estemos de acuerdo con la historia de España?”, se pregunta y cuenta su shock cuando vio que “el franquismo resurge en España”. “Acaba de ser el 50 aniversario de la muerte de Franco, y me ha sorprendido ver gente que celebraba la dictadura. Lo estamos viendo en toda Europa con el auge de muchos nacionalismos, y por eso la película es tan conmovedora, porque nos muestra qué es la resistencia, qué es el verdadero coraje. Nos muestra que la democracia y la libertad no están garantizadas y hay que luchar por ellas, para mantenerlas”, subraya y espera que se vea en España para “aprender un poco sobre lo que dice la película”.

Una película prohibida

Antoni Cisteró lleva años investigando y escribiendo sobre Sierra de Teruel. Incluso ha escrito Campo de esperanza, una novela sobre los entresijos de aquel rodaje durante la Guerra Civil. Para él esta “restauración es una noticia positiva, porque la calidad de las copias existentes en Francia, en VHS y DVD, eran bastante deficientes en el aspecto técnico pero también en el formal”. “Terminada la guerra mundial, una productora se atribuyó el derecho de cortar unos planos, en especial de la mítica secuencia final, así como de añadir un parlamento de un héroe de la Resistencia que, si bien puede aceptarse como llamada a no volver a claudicar ante el fascismo, desvirtuaba, a mi entender, el conjunto”, explica y pone en valor la nueva versión y la que hizo “de forma excelente Ferran Alberich en los años noventa para la Filmoteca Española”.

La película nos muestra que la democracia y la libertad no están garantizadas y hay que luchar por ellas, para mantenerlas

Aquel rodaje bajó las bombas y que no pudiera terminarse “marcó decisivamente” la película. “Rodaron en Barcelona y Tarragona, donde había bombardeos prácticamente a diario, lo que impedía también el revelado local al cortarse la corriente eléctrica. Los negativos se mandaban a Francia para ser positivados, lo que implicaba, con la frontera prácticamente cerrada, que Malraux no veía el resultado del rodaje hasta tres o cuatro semanas después. Además, carecían de película virgen, de focos, baterías… hasta de maquillaje”, recuerda Cisteró. 

Para él, lo que hace más interesante al filme desde el punto de vista histórico es “que ponga de relieve una trayectoria como la de Malraux, y a Max Aub”. “Ellos predicaron con el ejemplo de un intelectual actuando en la medida de sus posibilidades, y no limitándose a especular sobre lo complicado de la situación. Malraux arriesgó su vida. De hecho, en una ocasión los dos rodaban desde un avión desarmado el cielo de Cervera cuando fueron atacados por cazas alemanes y se salvaron de milagro. Este es el mensaje que perdura en el tiempo, la trascendencia útil que se espera del esfuerzo de un intelectual”, añade. 

Además de la propia historia del rodaje, está la de cómo se salvaron las copias del negativo original de una película que estuvo a punto de desaparecer. Antoni Cisteró dice que esa historia es “apasionante”, y antes de contarla avanza que, además, en septiembre de 1939, el Gobierno francés prohibió su exhibición para no molestar a Franco y luego los alemanes ordenaron la destrucción de todas las copias. “Que la podamos ver hoy en día es casi un milagro”, apunta.

Cisteró ha investigado el viaje de las copias, y cuenta que “se salvaron dos, aunque técnicamente distintas”. “Una era una lavanda, o sea un positivo creado a partir del negativo original que había desaparecido. Las lavandas sirven para generar un contratipo negativo del que sacar positivos para exhibición. Quizá esto explique la deficiente calidad de las copias comerciales existentes en Francia hasta ahora. Parece ser que se salvó al estar escondida en las latas de otra película, Drôle de drame, del mismo productor que Sierra de Teruel: Corniglion-Molinier”, cuenta.

Por otra parte, el propio Malraux tenía una copia, “o bien la escondieron sus amigos, como Henri Langlois o el matrimonio Tual, que quiso mandar a México a través de Max Aub”. “Pero este fue detenido, siendo internado en diversos campos de concentración, haciendo imposible el envío. Posteriormente, ya en 1941, el francés contactó con Varian Fry, un americano que estaba en Marsella para intentar salvar a intelectuales de la persecución nazi, para que, a través del consulado estadounidense, salvara dicha copia. Después de casi dos años de inconvenientes, incluida la expulsión de Francia del propio Varian Fry, una copia llegó como regalo de Malraux a la biblioteca del Congreso de los EEUU. Esta copia es la original, sin cortes ni añadidos, que se restauró en España en los 90, y ahora en Francia”.

Sierra de Teruel no se vio en España hasta 1977, con Franco muerto, y nunca tuvo la repercusión que merecía. Por eso, “quizás con el huevo de la serpiente de nuevo rodando, sea el momento de verla”. “Aunque sin tener en cuenta la situación en los años 30, quizá requiera de un esfuerzo que no todo el mundo puede estar dispuesto a hacer”, opina Antoni Cistero, que por ese motivo ha lanzado una web, Visorhistoria, donde explica el contexto político e histórico alrededor de la creación de Sierra de Teruel.

Porque para él esta película no daba “una receta para combatir el fascismo”, sino que “deja claros los mensajes a transmitir, el heroísmo de los luchadores, la solidaridad con el pueblo al que defienden y la injusta escasez de medios, que solo la solidaridad internacional podía revertir”.

Pedro Almodóvar regresó a Cannes, y Cannes le recibió como a una leyenda. El director español había cambiado con sus últimas películas el certamen francés por Venecia, donde logró el León de Oro con La habitación de al lado. Pero con Amarga navidad, su último título ya estrenado en España y con la vista puesta a su lanzamiento en Francia y el resto de Europa, han vuelto a casa. Allí se convirtió en un icono del cine. El runrún en la Croisette es el de siempre, ¿cómo es posible que Almodóvar no tenga una Palma de Oro? Lo vuelve a intentar con una película de guion endemoniado, inteligente y brillante sobre la vampirización de los creadores.

Almodóvar, que llevaba puesta una chapa en apoyo a Palestina, entró en la sala de prensa tras la calurosa acogida en el primer pase en el teatro Lumiére, donde la gente aplaudió cuando su nombre salió en pantalla y donde le recibió con una calurosa ovación. La misma que la sala le dedicó cuando, como suele hacer, habló abiertamente sobre el momento actual y el deber de la cultura ante acciones de censura en EEUU y en Francia, donde Canal+ ha amenazado con no financiar las películas con personas que han firmado un manifiesto que alertaba de una “toma de control fascista” en el cine por parte de su dueño.

Para Almodóvar este clima de censura “afecta muy negativamente” a la creación. “Sin querer juzgar a nadie, creo que el artista debe hablar de la situación que vive la sociedad”. Es un deber moral. El silencio y el miedo son síntomas de la devaluación de la democracia. El creador, desde su tribuna, debe hablar. Debe hacerlo sin sinónimos, a cara descubierta. Hablar de lo peor que nos ocurre, y que están pasando cosas terribles. Como europeos debemos convertirnos en un escudo contra monstruos como Trump, Netanyahu o Putin. Aquí obedecemos las leyes internacionales. Trump debe saber que hay un límite para sus delirios y locuras y que Europa nunca va a hacer un vasallaje a sus locuras.

También aclaró que no piensa retirarse. Tras el discurso en el teatro Lumiére donde dijo que echaría de menos ese cine, muchos entendieron que abría una puerta a un parón, pero el cineasta dejó claro que no y que ya tiene el guion de la siguiente. “Lo que quería decir es que las siete veces que he estado en el Palais han sido una experiencia que me ha quedado marcada, y que el día que no pueda venir, porque no tenga película, porque no haga cine o por lo que sea, lo echaré de menos, tendré una enorme nostalgia de este festival. Pero de momento tengo al menos una más, y espero tener inspiración para más”, explicó.

Lo seguirá haciendo con la misma pasión que descubrió cuando de adolescente supo que quería dirigir. La que se “acrecentó” cuando hizo la primera. “Con el tiempo es la misma pasión, pero vivida de un modo más dramático, porque es una pasión concebida a mis 70 años, y esas pasiones tienen un carácter más dramático. Para hacer una película necesito sentirme así con el guion. Si no, lo dejo descansar unos años y lo recupero después, pero es a base de pasión como sigo trabajando y espero que eso no me abandone”, subrayó.

Confesó que echa de menos el humor de sus películas, el escribir algo como Mujeres al borde de un ataque de nervios: “Pienso, si la escribí yo, tendría que tener el secreto para hacer algo así, pero una película no es una fórmula. En el guion que estoy terminando habrá más humor, habrá humor negro”, adelantó, como también dijo que, por primera vez, está buscando a alguien con quien compartir escritura. “Estoy harto de mí mismo. No quiero recurrir a mí mismo para seguir escribiendo. Estoy buscando a alguien con quien compartir y que me traiga un universo diferente del mío. Me gustaría un cambio de rumbo”. 

El Consejo de Ministros ha aprobado este martes la renovación del programa Cine Sénior, impulsado por el Ministerio de Cultura, que prorrogará durante un año más el sistema de entradas a dos euros para las personas de 65 años o más en las salas adheridas. La medida, que se extenderá desde julio de 2026 a junio de 2027, contará con un presupuesto de 11,5 millones de euros.

La dotación iguala la cuantía de la tercera edición del programa, que comenzó en junio de 2025 con un presupuesto inicial de 8,5 millones, y tuvo que ser reforzada en febrero –previo paso de urgencia por el Consejo de Ministros para que no se paralizara– con una ampliación de tres millones más. La nueva partida económica supone una ligera reducción respecto a los 12 millones que el Gobierno destinó a la segunda edición (entre mayo y diciembre de 2024), aunque consolida el salto respecto a la primera convocatoria, que contó con 10 millones.

Se confirma así lo anunciado por el ministro de Cultura Ernest Urtasun el pasado sábado en el Festival de Cannes, donde afirmó que la iniciativa conocida como 'martes sénior' estaba funcionando “muy bien” y permitiendo “dar mucha actividad a las salas en ciudades medias y pequeñas que probablemente no la tendrían”. “Estamos viendo cómo miles de personas mayores vuelven a llenar las salas de cine de nuestro país, y eso no solo es una buena noticia para el sector cinematográfico, también para la vida cultural y social de nuestro país”, añadió.

Qué son los 'martes sénior'

La iniciativa, realmente titulada ’Los martes al cine’, comenzó en julio de 2023 y tenía como objetivo devolver a las salas a uno de los públicos que más había abandonado el hábito tras la pandemia, los mayores de 65 años, de ahí que rápidamente empezara a ser conocida como los 'martes sénior’.

Su éxito fue contundente. La Federación de Exhibidores de cine cuantificó el aumento en la asistencia los martes en un 49% respecto al año anterior. Se pasó de 2,7 millones a cuatro millones de espectadores. Mejoró también un 23% respecto a 2019, año prepandémico y de gran asistencia a las salas. En total, en esos primeros meses casi un millón de espectadores se beneficiaron del programa.

En su segunda edición, según los datos del Ministerio de Cultura, la medida, que se desarrolló entre mayo y diciembre de 2024, supuso un incremento en más de 766.000 espectadores respecto a la primera edición. Un 82% más. Los martes se han consolidado como el tercer mejor día de la semana, por detrás del sábado y el miércoles. Además, la asistencia general a las salas de cine los martes de todo tipo de públicos, durante el periodo de la campaña 'Cine Sénior', se incrementó un 23% respecto a la edición del año anterior. Pasó de 4.092.992 espectadores totales los martes en 2023, a 5.051.848 espectadores totales los martes en 2024.

En su actual edición, activa hasta el próximo mes de junio, por primera vez se ha mantenido el programa durante 12 meses. En sus primeras 28 semanas, se han alcanzado los 1.579.923 espectadores. En 2025, según ha señalado Ernest Urtasun en la rueda de prensa posterior al Consejo de Ministros, en 2025, Cine Sénior supuso el 33% de la taquilla española. El responsable ha incidido en la relevancia que el programa tiene sobre el cine español, ya que “la gran mayoría” de los beneficiarios del plan “ven películas españolas”.

Desde FECE decían el año pasado que, además, las películas que más se beneficiaban de este impulso eran españolas y europeas, por lo que repercutía a su vez en la industria nacional y en las películas que más lo necesitaban. Todo ello hizo que filmes dedicados al público adulto hayan visto cómo antes de esta medida su porcentaje de taquilla dependía en casi un 70% del fin de semana. En 2023 un 41.3% de la taquilla total del año se generó entre lunes y jueves, lo que muestra que el flujo de asistencia a cierto tipo de cine se ha movilizado a los días de diario por medidas como esta.

“Esta es una película sobre dos personas que no se miran a los ojos”. Lo dice Javier Bardem en el comienzo de El ser querido, en una escena tensísima de casi 20 minutos que precede al título de la película y que marca el tono de la misma. Su personaje, Esteban, un director de cine ganador del Oscar y endiosado por todos, le cuenta a su hija, a la que hace 13 años que no ve, la película que tiene en mente y que quiere que ella protagonice. Un proyecto ambicioso, sobre la memoria de España, sobre quién la construye.

En esa conversación, inteligente, vibrante y excelentemente escrita, Rodrigo Sorogoyen avanza también al espectador los que serán los temas que desarrolla en El ser querido, su última película con la que compite por primera vez por la Palma de Oro en el Festival de Cannes. El ser querido es, digámoslo ya, su película más madura y la mejor. Parece que, alejado del corsé del género que había en sus anteriores filmes como As bestas, el cineasta ha conseguido abordar temáticas que siempre le han interesado de una forma más abierta, sin los peajes del thriller. 

El ser querido habla de un reencuentro. O un intento de. El de ese director que quiere redimir sus pecados reencontrándose con la hija a la que abandonó. Eso convierte El ser querido en un filme sobre la culpa, pero sobre todo sobre cómo se construye la memoria y el relato. Los recuerdos de ese padre y su hija, a la que interpreta Victoria Luengo, son radicalmente diferentes. Y ninguno dará su brazo a torcer. Los dos los han vivido y los han filtrado y aceptado de forma diferente. O se los han contado a sí mismos de una forma que les ha ayudado a avanzar.

Sorogoyen articula ese reencuentro en torno a un rodaje que se ve atravesado por el pasado. Por el pasado que cuenta esa película dentro de El ser querido, llamada Desierto y que aborda el pasado colonial de España en el Sáhara, pero también por el pasado de sus personajes. Los temas de ambas se entrelazan en un juego vibrante de realidad y ficción. 

Ese rodaje lo cuenta Sorogoyen con un músculo y pulso envidiables. Nunca se había visto un rodaje de una película así. Uno tiene la sensación de estar de lleno dentro, entendiendo las labores de los miembros del equipo, y viendo cómo todo depende de la personalidad de ese director endiosado, algo que se solidifica en una escena para el recuerdo (y por suerte El ser querido tiene unas cuantas de ellas). Una escena de una comida y donde los actores del filme que ruedan —maravillosos Raúl Arévalo, Raúl Prieto y Melina Matthews— les da un ataque de risa mientras a Bardem le da un ataque de ira donde saca su auténtico yo. Una escena en donde la risa da paso al auténtico pavor a los dictadores que se esconden detrás de una cámara y que el cine ha permitido todo.

Dentro de ese rodaje los dos protagonistas irán encontrando el valor para empezar a decirse todo lo que no se han dicho en 13 años. Lo que no se atreven a decirse en esa comida inicial. Las escenas íntimas de ellos dos se van intercalando sin que se pierda ritmo, y consiguiendo, como una pequeña gota china, que vaya emocionando sin grandes subrayados ni discursos. Ambos construyen una historia que, de una forma divertida, acaba teniendo hasta una estructura circular, ya que el último reencuentro de ambos personajes también tendrá lugar en una comida, pero muy diferente, en torno a un sándwich en una carpa de rodaje. Qué decisión tan inteligente para explicar el punto de inicio y final de ambos personajes.

Es el mejor guion que han escrito Sorogoyen e Isabel Peña, uno en donde una mano en la espalda dice mucho más que muchas frases de diálogo. Hay varias de esas escenas donde los silencios dicen mucho más que las palabras, como ese desayuno donde una pieza de música en unos auriculares mientras Bardem observa a Luengo se convierte en clímax emocional; o la mirada de un padre que mira tras la columna a una hija que desconoce y que ella reconoce como de validación a su forma de actuar. 

Por eso desconcierta que Sorogoyen haya optado en su puesta en escena por una mezcla de formatos que a ratos resulta confusa. Está claro el uso del grano y el formato para lo que se ve rodado en la película, pero no se entiende del todo la presencia del blanco y negro o el formato cuadrado en un par de escenas (que podría ser una cuestión de punto de vista y que el cineasta defiende como una forma de incidir en el tema del relato y cómo no hay una sola visión de la misma historia). Son recursos llamativos, pero que tampoco añaden demasiado dramáticamente a un conjunto que ya de por sí raya a un nivel altísimo. 

El mismo que alcanzan sus dos protagonistas. Victoria Luengo y Javier Bardem están descomunales. Inmensos. Dos trabajos que rayan la perfección. De Bardem ya lo sabíamos, es uno de los mejores actores de todo el mundo, pero Sorogoyen saca lo mejor de él. Su lado más contenido. Qué gusto verle casi al desnudo, sin trucos ni máscaras. Cómo cuenta con los ojos, con su cuerpo, esa masculinidad tóxica de tantos hombres y directores de cine. Su forma de entrar en una sala, de moverse, de expresarse… ese encantador de serpientes capaz de hundir a alguien y encandilarle después con unas palabras al oído. También alguien que sabe que no lo ha hecho bien.

De Luengo ya intuíamos que era una de las mejores intérpretes de su generación. Lo habíamos visto en Antidisturbios y en Suro, pero aquí son palabras mayores. Le planta cara al todopoderoso Bardem. No se deja achantar. Ambos realizan un tour de force donde no se les ve competir, sino acompañares y acompañar la película para que sea mejor. Será difícil que alguien les tosa en la temporada de premios de este año.

El ser querido llegaba con una espinita a Cannes, el parecido de su sinopsis con la de uno de los éxitos del año pasado, Valor Sentimental. Por suerte solo se parecen en eso. El ser querido, de alguna forma, comienza donde terminaba la película de Joachim Trier. Esta convertía ese reencuentro en forma de película en su clímax final. Sorogoyen construye un largo clímax de dos horas en torno a ese reencuentro y, sobre todo, acierta en un tema fundamental: nunca justificar al monstruo. 

Javier Bardem tiene algo de su personaje en El ser querido, y es que cuando entra en una habitación una fuerza magnética hace que todos se giren. Es una energía, un carisma… algo que se tiene o no se tiene. Lo demostró una vez más cuando atendió la prensa española en el Festival de Cannes, a pocas horas de que paseara por la alfombra roja del certamen junto a Rodrigo Sorogoyen y su compañera de reparto, una Victoria Luengo que se mide de tú a tú con él y que no se achanta a su lado. Tampoco en las entrevistas.

Ambos forman una dupla única en pantalla, donde dan vida a un director y a una actriz que son padre e hija y que hace 13 años que no se ven. También fuera de ella. Ambos se encuentran tranquilos, disfrutando de ese momento histórico del cine español. “Viviéndolo en presente”, dice Luengo, y añade Bardem que esto que está pasando “hay que celebrarlo”. “Por mucho que le pese a una parte de la sociedad, lo que está pasando este año habla mucho de la importancia de apoyar un cine que da tanto trabajo y que da ganancia”, añade. “Marca España”, apostilla su compañera.

El actor llega a Cannes después de su presencia en los Oscar, donde se atrevió a hacer lo que pocos, decir en la noche del cine de Hollywood, “no a la guerra y palestina libre”. El primer día de certamen, Paul Laverty le daba las gracias por decir algo que en el cine de EEUU puede colocarle en listas negras. Bardem asegura que aunque no tiene “pruebas de cosas concretas” en ese sentido, sí que oye y le llegan cosas. “Rumores de cosas que han pasado, pero si supiese a ciencia qué, lo hubiese dicho. Porque eso es lo que está cambiando ahora. Ya hay valor para denunciar cuáles son las empresas, las productoras o los individuos que están haciendo eso”, asevera.

Para Bardem “la narrativa está cambiando, ya no la controlan ellos”. “Ahora las nuevas generaciones se echan a la calle y dicen que esto no es posible. Esto antes no sucedía. Dentro de eso, evidentemente hay riesgo. Soy consciente de ello, yo lo tomo porque tengo una posición privilegiada. Tengo un panorama laboral delante de mí que no se está viendo afectado, sino todo lo contrario, me están llamando aún más, incluido en EEUU, porque saben que ahora si hacen lo contrario, apoyar el silencio, apoyar la neutralidad, apoyar la cancelación, la agresividad que han estado a veces haciendo gala algunas personas o algunas empresas, quedan muy expuestos. Y eso es ya una gran victoria. Evidentemente hay riesgos, pero yo prefiero tomarlos porque puedo tomarlos”, añade.

Pero también anima a que el resto lo haga: “Aquellos que no quieran tomarlos aunque puedan tomarlos, me parece que son cobardes. Aquellos que no puedan tomarlos porque no tienen la capacidad de poder trabajar porque están empezando, yo lo entiendo. Pero hay cosas en donde la neutralidad ya no es posible. No creo que sea una opción en el momento en el que estamos. Donde estamos viviendo muchísimas atrocidades. Creo que lo que sucede en Gaza y en Palestina nos representa mucho a nivel humano, porque es de una mezquindad, de hipocresía institucional, política, económica, y al mismo tiempo de un nivel de inhumanidad que representa a todos los grandes conflictos que suceden en este mundo. Además lleva muchísimas décadas sucediendo. Es importante si puedes alzar la voz, y yo desde aquí animo a los que no lo hacen, que sepan que que hay muchísima gente que están apoyando laboralmente a aquellos que toman la decisión de hablar públicamente”, zanja.

Masculinidad y relato

El ser querido es una película que enmarca esa posibilidad de reencuentro en medio de un rodaje. Y es ahí, en medio de esas tensiones, donde salen dos de los temas que atraviesan la película: la masculinidad y el relato. La masculinidad de un director que Rodrigo Sorogoyen e Isa Peña definen como “un animal enjaulado”. Alguien que está intentando hacerlo bien, que se dice “que ya no es la persona que era, que se va a esforzar por cambiar”. “Ese es su relato”, explica Isabel Peña al lado de Sorogoyen.

El director deja claro que, aunque se nutren de sus experiencias, él no es como Esteban. No tiene ese animal que estalla cuando alguien no toma la sopa en una escena cómo a él le gustaría que la tomaran. Peña añade que hay mucha memoria de sus experiencias en rodaje. “Y también muchas historias que hemos escuchado de otros personajes que se parecen más a Esteban y que pueblan nuestra industria”, apunta.

Un rodaje es piramidal. Un señor que da órdenes y los demás las siguen. Eso puede dar pie a muchas equivocaciones y mucho abuso de poder

Javier Bardem — Actor

Bardem cree que los rodajes son “lugares muy poco democráticos”. “Un rodaje es piramidal. Un señor que da órdenes y los demás las siguen. Eso puede dar pie a muchas equivocaciones y mucho abuso de poder. Es verdad que en mis 30 y tantos años en esta profesión algunas cosas he visto, no hasta el nivel que se cuenta en la película, pero sí situaciones desagradables de directores y actores o productores que crean un ambiente difícil. También me incluyo yo. Yo también he tenido momentos donde me he puesto muy cabrón. Porque me he puesto nervioso, porque he estado enfadado, porque tengo un mal día y de pronto, el hecho de ser el actor principal de ese día, me da un teórico poder que a no ser que seas consciente de ello, puede ser peligroso. Yo creo que fui consciente y pedí perdón después, pero se dan las situaciones idóneas para que se crea una situación de abuso. Dicho esto, en un set de cine y en cualquier ambiente laboral donde haya”, subraya.

Luengo añade que hay algo que ha cambiado en estos años, y que la clave es que todos los periodistas mencionan un término “el de masculinidad tóxica”. “La peli pone el foco también en que estamos evolucionando, en que estamos mejor y en que ahora, por ejemplo, hay muchas mujeres en esta película que ponen un límite al director. También es bonito poner el foco en que estamos mejorando. Pensaba antes que si esta película la hubiéramos visto hace diez años, no sé si hubiéramos hablado tanto de masculinidad tóxica, y el hecho de que ahora habléis de ello, creo que es una buena señal. Porque nosotros no hemos hecho una película sobre la masculinidad tóxica, hemos hecho una película sobre un padre y una hija que se relacionan de una manera que es consecuencia de años de educación patriarcal y evidentemente machista que hemos recibido. Me gusta mucho que hablemos de masculinidad tóxica porque significa que las cosas han cambiado y que el punto de vista sobre una relación paterno filial se puede leer como tóxico, cuando antes simplemente se hubiera leído como una relación que no va bien”, completa.

Un pecho femenino y desnudo aparece en pantalla. Una máquina lo aplasta sin piedad por arriba. No hay morbo en la escena, sino algo clínico, aséptico. Las mujeres que ven la escena saben lo que está ocurriendo. Muchos hombres pueden intuirlo, pero seguramente nunca lo habían visto así. Pronto se entiende que lo que estaba sucediendo era una mamografía, una práctica médica por la que todas las mujeres pasan para prevenir y detectar el cáncer de mama, pero que el cine no ha mostrado casi nunca. Y, sin embargo, con esa imagen empieza Viva, el debut en la dirección de Aina Clotet que ha sido elegido para competir en la Semana de la Crítica, una de las secciones paralelas de Cannes.

Clotet, que había dirigido la serie Esto no es Suecia, realiza un filme que revierte los clichés sobre las películas sobre cáncer. Su protagonista, Nora, que interpreta también ella, ha pasado por un cáncer de mama. La película comienza con ese cáncer superado, pero realizándose una mamografía rutinaria donde le recomiendan hacerse otra prueba. No será el primer tabú que Clotet saca a la mesa. También muestra con naturalidad y deseo un cuerpo que ha sufrido una mastectomía y más adelante una biopsia. 

Pero Viva no es un filme sobre alguien a quien detectan un cáncer, sino alguien que lo ha superado y que vive un momento de confusión. Una crisis de los 40 en donde se plantea todo. Nora acabará teniendo una relación muy sexual con un joven, pero sobre todo la veremos equivocarse y meter la pata. Una especie de Fleabag española que Clotet muestra sin miedo a ser antipática o incoherente, rompiendo con esa imagen que el cine ha dado de mujeres perfectas que no se equivocan. Y si encima son mujeres que han tenido una enfermedad, mucho más. 

Desde el rincón de la Semana de la Crítica, a pocos metros de la playa, Aina Clotet cuenta que “la semilla de la película era hablar del miedo a la muerte” y de la conexión que para ella tenía “con las relaciones y con el amor romántico”. Junto a su guionista, Valentina Viso, tuvieron claro que la película debía comenzar con la protagonista habiendo superado la enfermedad para hablar “de la huella que dejaba, de ese miedo que se queda en el cuerpo y de cómo esto la lanza como a un carpe diem de comerse la vida ferozmente”. 

Clotet recuerda que, con 39 años y en pleno proceso de escritura de guion, tuvo una mamografía. Mientras se la hacían pensó: “¿Cómo es posible que esto no se haya mostrado en el cine?”. “Justo estábamos empezando a entender que Nora podía ser este personaje que había pasado por un cáncer de mama y pensamos que sin duda ese momento tiene que estar. Es una imagen que, además, me parece una metáfora de chafar un personaje que luego quiero que implosione y que realmente tenga una eclosión de vida. La imagen decía muchas cosas en sí misma”, añade.

Lo que también sorprende de Viva es, como lo define la directora, su “temperatura sexual”. “Sentíamos que el deseo era algo que necesitábamos mostrar para hablar del miedo. Eran dos fuerzas contrapuestas, y, por lo tanto, queríamos mostrar este cuerpo de Nora, con la mastectomía, y ver el cuerpo con la máxima naturalidad. La voluntad era que Nora pensara inicialmente que quizá nunca nadie más la va a aceptar así y que fuera una historia también de la reapropiación de nuestro propio cuerpo y del propio deseo”, analiza.

Yo misma había heredado un cine hecho mayoritariamente por hombres y cómo retrataban las escenas de sexo

Aina Clotet — Cineasta

Escenas que considera “necesarias” aunque ella se defina como “pudorosa”. “Formaba parte de la intimidad de Nora, y eran importantes para entender realmente la esencia y el corazón de la historia. Las trabajé mucho, miré muchísimos referentes y también cambié mi pensamiento por el camino, a medida que iba mirando referentes, y entendiendo también cómo yo había heredado muchísimo un cine hecho mayoritariamente por hombres y cómo había visto las escenas de sexo retratadas por ellos y cómo las quería retratar. Hacer una evolución dentro de estas propias escenas de sexo”, subraya.

El tema del sexo y el deseo salió a colación en las muchas conversaciones que tuvieron con mujeres que habían tenido cáncer y con médicos: “Me contaban que había una gran mayoría de mujeres que después de pasar por un cáncer de pecho replanteaban su vida y sus estructuras emocionales. Es un cáncer que te cuestiona el propio cuerpo y que pone también en cuestión el deseo si la persona está en pareja. Luego hay tantas historias como personas, pero sí que lo del deseo había gente que nos decía que se le había despertado un carpe diem absoluto”.

Hay en Viva una mezcla arriesgada de tonos que hasta se atreve a introducir un punto de distopía con una sequía que hace del agua un bien codiciado. El tono es algo que Clotet considera su “mayor obsesión en los proyectos”. Ese “equilibrio entre drama y comedia que es como la vida misma” y que también cree que representa la dupla que ella misma forma junto a Valentina Viso. “No deja de ser nuestra mirada del mundo, ese querer reírnos de nosotras mismas, de ponerle humor y mirada crítica a lo que nos rodea. El humor está siempre, por debajo, emana, y aquí tenía muy claro que el humor tenía que estar”. 

Viva no se ha preconcebido para mostrar esas mujeres contradictorias porque “viene de fábrica” que ellas escriban esas mujeres, porque en la vida real son así. “Es que está inspirado en nuestras vidas, en las de nuestras amigas, y todas somos erráticas. Todas tenemos muchas caras, todas nos equivocamos muchas veces y eso es lo humano y lo bonito, hablar de la imperfección y de esta búsqueda de supervivencia que tenía el personaje. Yo siempre conecto con los personajes erráticos si entiendo su corazón. Y me interesa más porque seguramente me siento más acompañada en mi camino”, zanja Clotet, que ahora comienza el viaje comercial de su película, que ya ha sido comprada para su estreno en Francia.

La 79ª edición del Festival de Cannes, que comienza este martes con la proyección de La Venus eléctrica, viene marcada por el cine español. Los periodistas internacionales se acercan para comentarlo. Es algo que se barrunta en las colas y en las calles. Este año, y obviamente después del cine francés, el español es quien tiene más películas en el certamen. A saber: tres en competición oficial por la Palma de Oro (La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi; El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen; y Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar), un debut de una cineasta española, María Martínez Bayona, en Cannes Premiere; otra ópera prima, Viva, de Aina Clotet, en la Semana de la Crítica, además de varias coproducciones con otros países. Si uno se descuida parece que se encuentra en Donosti y no en el certamen más importante y prestigioso del mundo.

Lo que ha plasmado Cannes es un estado del cine español que se empezaba a palpar hace unas cuantas ediciones, que explotó el año pasado con la presencia de Carla Simón y Oliver Laxe, y que este año ha alcanzado su cima histórica. Por ello, en el tradicional encuentro entre la prensa y el director del Festival, Thierry Frémaux, era inevitable que el tema del cine español saliera a relucir. Frémaux no se atrevía a hacer un diagnóstico claro, y cree que “se necesitan cinco años para juzgar una tendencia real”.

Pero también afirmaba que era “una pregunta importante porque, efectivamente, España tiene una fuerte presencia este año”. “Ahora, ¿es una tendencia pasajera? ¿Es una tendencia duradera? Ya veremos. Lo que es seguro es que España siempre ha sido un gran país para el cine. De hecho, en el cine de playa, rendiremos homenaje a Carlos Saura proyectando Cría cuervos. España ha mostrado una nueva vitalidad en los últimos años”, apuntó.

Cree que esto “no es una coincidencia” y subrayó “la fuerza de los exhibidores, el público, los periodistas y los festivales de cine como San Sebastián o Sevilla”. “La creación también utiliza todos los recursos artísticos e intelectuales. Además, volviendo a las tres películas en Sección Oficial, lo que resulta bastante notable es que tenemos representadas casi tres generaciones. Tenemos a los recién llegados, los Javis, a los que yo, como no veo series, no conocía. Luego está Rodrigo Sorogoyen, que ya estuvo aquí con As bestas y cuyo nombre ya figura en el mapa del cine mundial, y luego, por supuesto, Pedro Almodóvar. Es muy bonito ver que el cine español está representado de esta manera”, zanjó.

Fremaux también abordó otra de las cuestiones que, seguro, saldrán a colación estos días tras lo vivido en Berlín, que se vio salpicado por las declaraciones de su presidente del jurado, Wim Wenders. “Tenemos que mantenernos al margen de la política”, dijo Wenders entonces y Fremaux le defendió: “La cuestión que se planteó en Berlín es una que se plantea con frecuencia en los festivales y que, durante mucho tiempo, estuvo reservada para el Festival de Cannes. El Festival de Cannes siempre se ha considerado un festival muy político. Los tiempos no son los mismos, y no podemos compararlos. Quisiera rendir homenaje a Wim Wenders porque, al fin y al cabo, fue objeto de comentarios. Me parece un poco injusto. Entiendo lo que quería decir, pero tengo la impresión de que la gente no quiso entender lo que quería decir”, comenzó diciendo.

Y explicó su opinión sobre el asunto: “Lo que quería decir era que, para él, como presidente del jurado, la política estaba en la pantalla. Nosotros, eso es lo que decimos en Cannes. Debo mi renombre personal a mi opinión de no usar mi posición para promover mis opiniones personales. Si quieres, podría hablarte más tarde sobre Bruce Springsteen o el Olympique de Lyonn, pero son opiniones personales. El Festival de Cannes considera que las cuestiones políticas son principalmente las de las voces de los artistas y de aquellos cuyas obras presentamos”.

“Por lo tanto, ni los miembros del jurado, especialmente el presidente, ni los organizadores deberían opinar al margen de las películas, es decir, al margen de nuestra profesión. Además, hay cineastas que no se dedican al cine político, que hablan de amor, que hablan de otras cosas. Y creo que también debemos respetar eso. La calidad de una selección reside también en adentrarse en el arte cinematográfico. Algunos de estos artistas pueden estar más comprometidos políticamente que otros”, aseveró.

También quiso dejar claro que Cannes no se olvida del momento actual, “un mundo parcialmente en guerra, un mundo en un estado de gran fragilidad en términos de diálogo entre naciones”. “Por ello no queremos aumentar la confusión en el análisis que podemos hacer de esto. Y también suelo decir, y lo creo profundamente, que el arte y el cine no matan. Son instrumentos de paz, incluso cuando son instrumentos que llaman, tal vez incluso incitan, a la revuelta, por la libertad en ciertos países que carecen de ella”, añadió y citó varios de los ejemplos de cine político que han pasado por el festival en su historia. 

También se abordó otra de las novedades, las nuevas normas de la Academia de Hollywood que dicen que la película que gane en grandes festivales como Cannes podrá optar al Oscar a Mejor película internacional, lo que permitiría que varias películas del mismo país opten al premio. Fremaux volvió a referirse al cine español para explicarlo: “Nosotros, si hay tres buenas películas españolas no elegimos solo una, elegimos las tres. Pero esa idea que tiene la Academia de que un país solo puede mandar una película es un poco injusta. Para mí, que soy judoka, esto es como en los Juegos Olímpicos, que solo se envía un luchador por categoría, y a veces los tres mejores son del mismo país. Es una lástima”.

En España no tenemos, por desgracia, un Saturday Night Live, el mítico programa de humor en directo que ha visto nacer a los mejores cómicos de EEUU. Eso nos ha impedido identificar rápidamente a los talentos del humor. Si uno tuviera que buscar quién sería nuestra Kristen Wiig, nuestra Maya Rudolph o nuestra Kate McKinnon, sin duda el nombre de Judit Martín estaría entre las posibles candidatas. Martín es un tsunami cómico. No es una monologuista, ese terreno que en España se pone de moda cada cierto tiempo, sino que pertenece a otra estirpe, la de actrices que saben hacer reír con una mezcla de humor físico, con su origen en el slapstick, que funciona cuanto más anclado a la realidad está.

Aunque muchos no conozcan todavía su nombre, seguro que se han reído con sus apariciones en el programa de Marc Giró (Cara al show), o en Está passant el programa de 3cat donde da vida a personajes hilarantes en torno a alguna noticia de la semana. Este año también se han podido encontrar con ella en dos de las obras de teatro más giradas y comentadas: Risa caníbal, de Las Huecas; y Del fandom al troleo. Una sátira del bla bla bla. Muchos también recordarán su viral aparición en la ceremonia de los premios Feroz hace dos años haciendo de Tilda Swinton mientras se doblaba a sí misma… o tirando de polémica, la que la llevó a ser denunciada por Abogados Cristianos por un gag en donde se vestía de Virgen del Rocío.

Ahora Judit Martín completa su año de explosión mediática con su primer papel protagonista en cine con Pizza Movies, el filme de Carlo Padial donde da vida a una crítica de cine que, agotada de su profesión, monta un negocio donde puede dar vida a su cariño por el séptimo arte de una forma peculiar: haciendo pizzas temáticas de las películas que le gustan. Lo hace acompañada de otro cómico imbatible, como es Berto Romero, que da vida a su pareja en una película que es un elogio del amor tranquilo en tiempos de cinismo. “Carlo buscaba que fuera una comedia bonita, un retrato de cómo sobrellevar la crisis en pareja, pero siempre evitando esta cosa oscura, el cinismo… él dice que hablar de una pareja que se quiere es casi un acto revolucionario, que no está de moda”, dice Martín de su película. 

Padial la llamó hace “algunos años” para contarle la película y ofrecerle el papel. Pero el tiempo pasaba y la experiencia de una actriz es que haya muchos proyectos que se quedan en eso, en conversaciones que nunca se materializan. “Yo nunca me lo creí”, dice riendo. “Era por muchos motivos y ya no solo por el famoso síndrome de la impostora, sino porque yo nunca había hecho un protagonista. Prácticamente, no he hecho nunca cine, he hecho un secundario y ya está. Lo mío es la tele, la radio… Y luego aparte que yo sabía que esto iba a estar en un tono en el que yo no tenía experiencia. No sabía si iba a cumplir con lo que se esperaba de mí”, recuerda.

En todo ese tiempo se convenció de que no tenía que “hacer las astracanadas” que hace en la radio y en la televisión. Tanto Carlo Padial como Desirée de Fez, su pareja y coguionista del filme, le dejaron siempre claro que era ella. Que no se estaban equivocando y que ese tono también lo podría dominar. Eso dio lugar a dinámicas, conversaciones y juegos para ir viendo ese tono y “sintonizar con esa música”. “Carlo nos decía que éramos como músicos, que esta comedia tenía que tener un tono muy particular, que era como una cosa muy jazz y muy de no apretar, y eso creo que a mí me dio mucha calma. No sé si se consiguió lo que se buscaba del todo, pero sí que se acercó mucho a lo que al final sería”, añade.

Todos sus años de trabajo haciendo teatro de improvisación le han dado “una seguridad total”. Da igual que lo que haga no tenga “la brocha gorda de comedia que hay en la impro o con lo que yo hago o la tele”, pero son muchas horas encima de un escenario sin saber lo que viene a continuación, y eso da “muchas herramientas para estar tranquila”. “A mí la impro me ha dado un colchón de saber que no tengo que precipitarme, que no tengo que ser superingeniosa, que simplemente tengo que dejarme llevar”, explica de su forma de trabajar. Esa impro es un lugar donde se encontraba “muy cómoda”, más que en la televisión, donde “la urgencia te empuja a apretar demasiado la comedia”. “Sí que me he encontrado muchas veces en situaciones muy desagradables en el sentido de decir, 'joder, tengo que hacer reír'”, confiesa. De hecho, a veces ha llegado a estar “saturada” de ella misma, de estar “demasiado arriba todo el rato”.

Un éxito de poco en poco

Esta fama le ha llegado “casi a los 50 años”. Empezó con 20 años en una compañía de teatro y poco a poco ha encontrado un éxito y una popularidad que ya no esperaba. “Todo ha ido supergradual y para arriba. Sí que es verdad que ahora ha crecido de forma exponencial, pero yo lo estoy disfrutando un montón. Más que nada porque también en cuanto me agoto de trabajar de una manera, me surge otra”, subraya aunque aclara que, siendo sincera, en Catalunya la conoce mucha gente, “pero fuera de Catalunya, ni el tato”.

Esta fama lo que le hace es “estar muy tranquila”, pero ya hace años que lo está: “Lo digo en el sentido de que sé que puedo escoger. Me encanta generar espectáculos propios, y sé que si me van mal las cosas, lo que más me gusta es improvisar, o con mi compañía o sola en un teatro pequeño. Eso es lo que más me gusta y con eso siempre me podré ganar holgadamente la vida. Estar en esta situación me permite decir que no a cosas que no me gustan nada, y eso es un lujazo. Es el extremo lujo, porque yo venía de un lugar de no poder decir que no a nada para llegar a final de mes, como tantos actores, y me ha costado entender que no me hace falta estar diciendo que sí todo el rato, porque ganar dinero no está entre mis objetivos, prefiero tener proyectos chulos y que me lo pase bien”. 

Algunos de ellos, como el de Risa Caníbal con Las Huecas la ha hecho entrar en un teatro donde el humor juega al experimento, donde las normas se deconstruyen para hacer una crítica brutal a la extrema derecha. Una experiencia que le ha dado nuevas herramientas y “salir de la famosa zona de confort”. “El humor es supergoloso, pero esta es otra manera de hacer humor. Y a mí me es inevitable meterme en estos fregados. Acabo metiéndome siempre en fregados diferentes, porque me ponen en tensión, y yo me cago literalmente de miedo antes de empezar un proyecto de estos, pero luego siempre lo agradezco, porque yo soy una fanática del humor”, apunta.

Su otro pico de fama fue no deseado y por uno de esos fregados. Llegó cuando Abogados Cristianos denunció a Judit Martín, al director y presentador de Està Passant Toni Soler, y al copresentador Jair Domínguez por un gag en donde ella se vestía de Virgen del Rocío. Una denuncia que fue archivada pero que colocó a la actriz en un foco mediático y de uso político. Cuando se le pregunta por cómo vivió aquello solo le sale una palabra: “Mal”.

Reconoce que no es religiosa, y que quizás vivía en una burbuja donde nadie lo era y pensaba que un sketch humorístico como ese iba a ser uno más. A posteriori, lo piensa más calmada: “Quizás fui un poco cafre. Esa es la verdad. Evidentemente, pensé que igual ahí me había pasado de la raya. Se juntó que aquello era como la tormenta perfecta, porque estábamos en momentos antes de elecciones, y a todo el mundo le vino bien meterse en ese fregado, porque de hecho yo recibí hostias tanto de la extrema derecha, y muchas hostias de la izquierda aunque por diferentes motivos: me dijeron que era andaluzófoba y clasista. Para nada era mi intención ni lo vi así. No me lo esperaba y no sabía que eso iba a dispararse de esa manera. Hubo una semana que encendíamos las teles en el estudio de la radio y veía mi foto junto a Belén Esteban y Ana Rosa Quintana, fue muy heavy”.

Aquello también le hizo pensar que “la religión es un gran tema para mucha gente”, pero no cambió su forma de hacer humor. “Lo que sí pensé es que la tele es muy poderosa, porque yo he hecho bromas de estas y muchísimo peores en radio, y ya en teatro ni te cuento, porque al ser improvisación, sabes que eso no se va a volver a repetir. Yo soy muy cafre, pero sí que en tele dices, ‘ojo, porque queda grabado y es muy poderosa’. Pero también me dije, igual es que me mola afrontar estos temas que sabes que son espinosos, y ahora los voy a afrontar desde otro lugar más inteligente y mucho más divertido. Ahora, cuando intento hablar de la religión en tele, busco otras estrategias”, zanja.

Cuando la madre de la cineasta Marta Matute se encontraba en una residencia para ser atendida del alzhéimer que padecía, un día agarró con fuerza la mano de su hija y la acarició. Aquel gesto, aquel detalle de ternura de una mente que se iba apagando poco a poco, fue un terremoto emocional para la creadora, que no sabía que ese sería el germen y hasta el título de su ópera prima como directora. “Esa caricia me provocó una emoción muy grande. No recuerdo ponerme a llorar, pero sí pensar que era algo que me sobrepasaba. Era una mezcla de muchísimo amor, pero con muchísimo dolor. Recuerdo que cuando salí de la residencia, bajé a la calle y pensé: 'Yo ya no me voy a morir de amor'”, recuerda.

Se refería a que nada iba a poder superar el amor que había sentido en ese detalle efímero. “¿Cómo iba a sentir algo más potente que eso? Pensé, encontraré a alguien, la dejaré, lloraré… pero no voy a morir de amor”, cuenta de aquel momento que ha acabado transformado en ese Yo no moriré de amor que ha sido el título de su debut desde que fue un borrador de guion en las Residencias de la Academia de Cine, hasta que se ha estrenado este fin de semana tras ganar la Biznaga de Oro a la Mejor película en el Festival de Málaga, un galardón que la coloca en la senda de otras cineastas que triunfaron allí con sus primeras películas, como Pilar Palomero, con Las niñas o más recientemente Eva Libertad, con Sorda. 

Su acercamiento al alzhéimer conmueve por su realismo, su alejamiento de lo melodramático y de los recursos manidos para contar la enfermedad en el cine. Hay una mirada austera, que disecciona cómo una joven se enfrenta a los cuidados de su madre sacrificando las experiencias de alguien propias de su edad, y cómo se va acostumbrando a ver a su familiar ir degenerando poco a poco porque sabe que no va a poder hacer nada más que cuidarla, que estar ahí. 

Matute se ha nutrido de su propia experiencia —esa caricia del título incluso aparece en un momento— pero la ha convertido en una ficción donde todo se ha entrelazado. “Cuando empecé a escribir tiraba más de experiencias personales, pero es que yo no tengo muchos recuerdos de esa época. Mi cabeza ha borrado gran parte de mi vida de los 18 a los 27 años, pero emocionalmente me ha quedado una huella muy grande de todo lo que me pasó”, explica.

Esa huella es la que ha usado como guía para convertir “esas emociones que estaban muy claras” en un guion donde “cada vez iba entrando más la ficción” hasta llegar a una película que ya no era su historia, sino “la historia de otros muchos”.

En aquellos momentos de su vida, Marta Matute se dio cuenta de que, aunque estuviera rodeada de amigos, se sentía “sola porque nadie estaba pasando por eso”. “En ese momento pensé, ‘aquí hay algo que en algún momento tendré que contar, porque no puede ser que esto solo lo esté viviendo yo, y esto podría lanzarse al mundo de alguna manera para ayudar a la gente que está pasando por lo mismo’. Esa siempre ha sido mi motivación, mostrar los momentos más frustrantes, los que te dan rabietas, los que culpas a tu familia… A mí me hubiera gustado verme reflejada en una película y ver que no solo me pasaba a mí”, rememora.

Coges esa inercia de seguir hacia adelante, de estar en lo práctico, de los cuidados. De intentar que esto no te lleve por delante, pero inevitablemente te lleva

Marta Matute — Cineasta

Ahora ve que tenía razón. Tras los pases la gente se le acerca y le confiesa sus experiencias y lo agradecidos que están de verse, por fin, reflejados en pantalla. Por eso también eligió ese tono para la película, porque esas personas, en esas situaciones, “no pueden permitirse caer en lo emocional, porque si te detienes en la emoción, te vas a la mierda”. “Coges esa inercia de seguir hacia adelante, de estar en lo práctico, de los cuidados. De intentar que esto no te lleve por delante, pero inevitablemente te lleva”, analiza.

El tono también lo dio su propia familia: “Siempre hemos sido poco afectuosos, poco cariñosos y poco comunicativos. Pero a raíz de la enfermedad de mi madre, yo empecé a mirar a mi familia de una manera que no había mirado antes. Con empatía. Pero eso no se traduce en grandes gestos de cariño. Ni ahora nos decimos te quiero, pero en ese momento sí que ocurrían esos pequeños destellos de amor que eran muy bellos y a mí me emocionaban mucho. Por eso tenía muy claro que el tono tenía que ser ese y no caer en algo melodramático. Yo no conecto con eso”.

Otra de las cosas que marcan la película es la frustración, pero también el habituarse a una realidad: que la persona a la que se cuida no va a ir a mejor. “Es un cuidado que no hace que el familiar mejore. Es superfrustrante cuidar y que nunca mejore. Y ese agotamiento está ahí”, explica Matute que ha querido captar esa sensación con su cámara, mostrando “escenas más estáticas donde se ve al personaje habituado a la situación, pero de repente ver cómo algo le desestabiliza y eso se vive también con la cámara”.

Una cámara que se centra en el miembro más joven de esa familia, que a su vez, aunque no lo explicite del todo, se empieza a plantear quién va a cuidar de ella. “Aunque no se diga de forma explícita, había una escena donde si lo decían las hermanas, esa frase estaba porque es algo que piensas muchísimo durante todo este proceso y es una cosa que a mí me obsesiona a nivel personal”, confiesa una directora que confirma el gran momento para las cineastas y cuyo nombre ya suena con fuerza para los próximos Goya.

Como cada año, los diferentes premios revisan sus normas y publican las nuevas. Normalmente hay ciertos cambios cosméticos que ajustan y mejoran dudas en ciertas categorías o responden a quejas de los miembros de las diferentes asociaciones. Sin embargo, la Academia de Hollywood ha revolucionado sus próximos premios con la publicación de su nueva normativa, ya que incluye cambios en categorías esenciales como las interpretativas, además de afrontar de forma tajante la inteligencia artificial —una de las grandes preocupaciones del sector— y dar la vuelta a la categoría de Mejor película internacional.

Es un cambio grande, que todavía no han explicado en profundidad, pero que altera el paradigma actual. Hay uno de los cambios que afecta al cine español, ya que tiene que ver con la categoría de Mejor película internacional. La Academia responde a la internacionalización de sus miembros, a la gran presencia de filmes que no son de EEUU y, sobre todo, a una de las polémicas más recientes: los títulos ignorados por sus respectivas Academias para ir a los Oscar.

Hasta ahora, la única forma de optar al Oscar a la Mejor película internacional era ser elegida por la Academia de cada país. Se quedaban fuera cualquier filme disidente en países donde hay censura y regímenes dictatoriales —algo que ya abordaron en parte el año pasado—; y provocaba situaciones que dejaban fuera de la categoría a títulos que, a priori, podían ser favoritos. Por ejemplo, Anatomía de una caída no fue la escogida por el comité francés, que optó por A fuego lento a pesar de que el filme de Triet había ganado la Palma de Oro y fue comprado por Neon, una de las grandes distribuidoras del cine indie de EEUU.

Eso cambia a partir de este año. La Academia de Hollywood mantiene el criterio principal para optar al Oscar internacional, pero añade otro. “Además de la presentación oficial de una película por parte de un país o región a través de los Comités de Selección aprobados por la Academia, una película en un idioma distinto al inglés puede presentarse al ganar un premio que califique en un festival de cine internacional, según lo especificado en la Lista de Festivales que Califican para el Premio a la Mejor película internacional”, anuncian en sus nuevas normas.

Los festivales que calificarán para la 99ª edición de los Oscar serán el Festival Internacional de Cine de Berlín (con la película ganadora del Oso de Oro), el Festival Internacional de Cine de Busan (Premio a la Mejor Película), el Festival de Cannes (Palma de Oro), el Festival de Sundance (Gran Premio del Jurado de Cine Mundial), el Festival Internacional de Cine de Toronto (Premio Plataforma) y el Festival Internacional de Cine de Venecia (León de Oro).

Dejan fuera a San Sebastián a pesar de ser un festival de categoría A. El director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, explicaba este lunes en un acto en la Academia de Cine que “trabajarán” para formar parte de ese grupo, y que cree que el Zinemaldia ofrece algo que el resto no tienen: presencia del cine iberoamericano. “Son unas normas raras, ya veremos cuanto tiempo siguen, pero es verdad que a nosotros nos hubiera gustado estar”, dijo. También valoró el momento de la Academia de Hollywood y de unos Oscar que “pasan por una época un poco compleja donde no acaban de encontrar su identidad”.

Ya hay dos candidatas

Todo esto implica que este año ya hay dos filmes que optarán al Oscar: la turco alemana Yellow Letters, ganadora del Oso de Oro, y Shame and Money, coproducción entre Alemania, Kosovo, Eslovenia, Albania y Macedonia del Norte. A ellos pronto se unirá la película que gane la Palma de Oro en Cannes. Esto provoca que un país pueda jugar con esta casuística de forma estratégica. Pongamos, por ejemplo, que Rodrigo Sorogoyen gana la Palma de Oro este año por El ser querido. La Academia española podría —y debería—optar por otro título como Amarga Navidad o La bola negra para aumentar las posibilidades de que España tenga un filme entre el quinteto finalista a los Oscar. 

Esto hace que, por primera vez, y como ya pasa en los Globos de Oro, un país pueda tener más de un título nominado en la misma categoría. Y aquí viene la principal queja, ya que esto favorece, evidentemente, a las industrias más potentes, con Francia a la cabeza. Los países iberoamericanos y cinematografías africanas o de Oriente Medio es muy complicado que puedan optar con varias películas debido a su escasa producción y dificultades de financiación. De hecho, al ver las selecciones oficiales de certámenes como Cannes o Venecia, donde estas industrias son ignoradas desde hace años, se entiende que habrá países que se vean afectados negativamente por este cambio.

Esto, por ejemplo, podría haber hecho que España eligiera el año de Alcarrás —que ganó el Oso de Oro— a otro título como As bestas, duplicando sus opciones. O que Francia lo hubiera hecho el año de Titane, que ganó la Palma de Oro y fue elegida por su comité dejando fuera a El acontecimiento, que finalmente ganó el León de Oro, por lo que también hubiera optado automáticamente y podrían haber escogido una tercera. Un país podrá tener, en un caso excepcional, hasta siete películas en competencia en caso de que ganen todos los premios de la lista y su Academia elija una séptima. 

No es el único cambio en la categoría de Película Internacional. A partir de ahora será el título de la película el que esté “acreditado como nominado, en lugar del país o la región, y el premio será recibido por el director en nombre del equipo creativo”. “El nombre del director aparecerá en la placa de la estatuilla después del título de la película y, si corresponde, el país o la región”, dicen las nuevas normas. A pesar de ello, la Academia ha aclarado posteriormente al periodista Erik Anderson que “el director de la película ganadora del premio a Mejor película internacional aceptará el galardón, pero no será nominado ni ganador oficial de un Oscar”, algo que pertenece a la película como tal.

La Academia se planta ante la IA

Varios de los principales cambios en la normativa de los Oscar vienen para defenderse del uso de la inteligencia artificial, uno de los caballos de batalla del sector. De hecho, el principal anuncio viene poco después de que varios medios publicaron la noticia de que Val Kilmer había sido ‘resucitado’ con la inteligencia artificial para la película As Deep as the Grave. Variety, medio especialista en cine, publicaba un artículo el 20 de abril justo después preguntándose si el actor podría ganar un Oscar por esta ‘actuación’ y urgía a la Academia a tomar cartas en el asunto.

Dicho y hecho. Menos de dos semanas después la institución anunciaba esos cambios que afectan a la categoría interpretativa. A partir de ahora “solo se considerarán elegibles los papeles acreditados en los créditos legales de la película y que hayan sido interpretados por personas con su consentimiento”.

No es el único cambio en las categorías de interpretación. A partir de ahora un mismo intérprete puede estar nominado dos veces o más en la misma categoría por diferentes papeles. Hasta ahora, si esto ocurría, solo entraba el papel más votado. Siempre se ha hablado de que Nicole Kidman podría haber estado nominada dos veces, por Los otros y Moulin Rouge; Kate Winslet también por El lector y Revolutionary Road y Jessica Chastain también como actriz de reparto por El árbol de la vida y Criadas y señoras. Solo lo estuvieron por una de esas películas.

La defensa contra la IA llega también en las categorías de guion, donde las nuevas reglas “estipulan que los guiones deben ser de autoría humana para ser elegibles”. Además, la Academia aclara que en cuanto a “la Inteligencia Artificial Generativa, se reserva el derecho de solicitar más información sobre la naturaleza del uso y la autoría humana”.

Contra las canciones timo

Una de las categorías donde muchas producciones intentaban rascar una nominación ‘fácil’ ha sido siempre la de Mejor canción. Cualquier producción con posibilidades de estar en la conversación de los premios encargaba una canción a una estrella famosa, la colaba en sus créditos y a correr con una candidatura posible bajo el brazo. La Academia ha querido también poner fin a esas prácticas y ha aclarado lo que, a partir de ahora, se considerará una canción original. Ya no vale con que en los créditos aparezca, sino que tiene que entrar en pantalla al menos 15 segundos antes de que estos aparezcan. No es un cambio sustancial, pero al menos tendrán que sonar antes de que la película concluya. 

Fernando Fernán Gómez publicó en 1990 sus memorias. Se llamaban El tiempo amarillo, y en ellas, el actor total del cine español, contaba una vida que era un recorrido por la historia de España. Nacido en 1921, Fernán Gómez vivió los grandes acontecimientos del siglo XX que marcaron nuestro país. La Segunda República, el golpe de Estado, la guerra, la posguerra, la dictadura… Así hasta llegar a la ansiada democracia. Había algo en esas páginas que a José Sacristán le recordaba a su vida. Aunque había nacido años más tarde, él también fue un niño de la posguerra que encontró en el oficio de cómico algo más que una forma de vida.

Quizás fuera ese uno de los motivos que les convirtió en algo más que compañeros de trabajo, en amigos que se juntaban y se contaban. Que se abrían en canal el uno con el otro. Y quizás por eso, ahora que José Sacristán cogió su relevo como el gran actor vivo de España, ha decidido honrarle llevando a las tablas aquellas memorias. Lo hace en El hijo de la cómica, que dirige e interpreta hasta el 28 de junio en el Teatro Bellas Artes de Madrid. 

Desde allí irrumpe en el escenario a sus 88 años. Antes que él, su voz, anunciando que interpretará un par de escenas para la prensa antes de atender unas cuantas entrevistas en donde el actor, como siempre, dice las cosas que deberían ser de sentido común, pero no lo son. Habla de memoria, de su amigo Fernán Gómez y de la importancia de reírse en tiempos de gente como Donald Trump. Para todos ellos tiene un consejo: memoria y humor.

Adapta El tiempo amarillo, las memorias de Fernando Fernán Gómez. Se llevaban más de diez años de edad pero, en esas memorias, en ese niño de la posguerra, ¿había algo que hablaba también de Pepe Sacristán?

Yo ya había hablado con él de Pepe Sacristán antes de que se publicaran esas memorias. Yo estaba en este mismo teatro haciendo Las guerras de nuestros antepasados cuando se publicó la primera edición, pero yo ya había hablado con él de su abuela, de la mía, de la España de entonces, de ser cómicos y de las puñeterías que contiene este oficio ejercido en este puñetero país.

Me acuerdo de cuando Javier Bardem ganó el Oscar, que se lo dedicó a los cómicos. No dijo a los actores, dijo a los cómicos. ¿Qué tiene esa palabra?, ¿es una dignificación del oficio?

Sí, es un término entrañable y me atrevo a decir, de un cierto carácter de nobleza. Ser buen cómico es como ser un buen ciudadano o ser un buen padre. De hecho, hay una película maravillosa del tío de Javier, de Juan Antonio Bardem, Cómicos, que para mí es de cabecera. Hago pedagogía con ella. De vez en cuando, se la paso. Un día estuvieron en casa Asier Etxeandía, Aitana Sánchez Gijón y otros cuantos cómicos y cómicas, y les puse la película, que es una belleza.

Usted no fue hijo de cómica. 

No.

Pero sus hijos sí que van a poder decir que fueron hijos de cómico. ¿Eso enorgullece?

Sí. Me siento muy orgulloso. Te voy a contar una anécdota que he contado varias veces, pero es que me gusta. Estaba en Tarifa, después de hacer Señora de rojo. Paseo por la ciudad y dos muchachos de 30 años me ven y uno me reconoce, se me acerca felicísimo y me dice: “Claro, usted, es el que 'hacía de reír' en las películas antiguas”. Y le dije: “Ya tengo epitafio”. Sí, ese soy yo. Y me siento orgulloso de ser el que 'hacía de reír' en las películas antiguas. Y a mucha honra. 

Los ciudadanos no somos del todo inocentes y sufrimos las consecuencias de la clase política. No, nos representan. Desgraciadamente nos representan

José Sacristán — Actor

Le he leído decir varias veces que Fernán Gómez le enseñó a escuchar. Eso de escuchar ahora mismo es algo casi revolucionario. 

Sí. Lamentablemente, son más, como decía don Antonio Machado, los ecos que las voces. Es una jaula de grillos ensordecedora. Es lamentable. Y yo insisto en esto, no somos del todo inocentes. No somos los ciudadanos perfectos, maravillosos que sufrimos las consecuencias de una clase política. No, nos representan. Desgraciadamente nos representan. No es posible que haya algo tan obsceno como el comportamiento de un señor como Donald Trump, o del señor Milei. ¿Cómo alguien puede decir ‘yo quiero que ese sea el presidente’? Eres un puto tarado. Y ahí estamos todos. Y ahora además con esta actitud de la extrema derecha, esta cosa insultante que llaman rata de mierda, que quedan para volver a cantar el Cara al sol… y la gente les vota. Pues ya está. Pues qué bien.

En el escenario aparece escrito en el fondo: ‘Hay que recordar, hay que recordar’.

Es una alusión a El viaje a ninguna parte. Yo empezaba diciendo: “Hay que recordar, hay que recordar”. En realidad, yo me he autorizado a contar esta historia porque hice El viaje a ninguna parte y hago una pirueta.

Pero esa frase también nos habla de la memoria, algo que es importante y que era importante en aquellas memorias.

Para mí es fundamental saber de dónde y de quién vengo. Miro para atrás y procuro no darme con las farolas. Miro para atrás constantemente, porque cuando miro, no huelo a mierda. Es más, a mí me ayuda a vivir y a tirar para adelante la memoria que tengo del crío que fui. Sí, sin duda alguna.

¿Y cuando lee que hay un porcentaje de jóvenes que dicen que con Franco se vivía mejor?, ¿qué diría a esos jóvenes?

Que no tienen ni puta idea de lo que es vivir con Franco. Eso lo primero. Habrá algún nazi por ahí y algún fascista que le prefieren, y allá ellos, pero yo confío en que no sean mayoría. Pero en principio les diría que no tienen la más puta idea de lo que es vivir en una dictadura. Ahí está la maldad de estos que les llenan el cerebro con estas gilipolleces. Es lamentable…

¿El arte puede hacer algo en todo eso?

No, no, no. Ojalá pudiéramos hacer algo. Y si pudiéramos hacer algo, tendríamos que estar en la cárcel todos conforme está el panorama. Hacemos lo que podemos. Pero hay quien hace la historia y hay quien la padece. La gente de la cultura hacemos lo que podemos. Si la gente de la cultura realmente pudiese modificar la sociedad, Donald Trump no sería presidente de los EEUU. Joder, eso no te quepa ninguna duda.

Siempre dice que para usted actuar es un juego muy serio. ¿No se cansa de jugar?

No. Si eso pasara me quedo en casa. La base fundamental es lo que tiene de juego esto para mí, sin duda.

¿Y cómo ve a las nuevas generaciones, entienden ese juego serio?

Lo que veo es gente con mucho talento. Me encanta. Me encanta trabajar con jóvenes porque hay una galería y una cosecha de cineastas y de gente de teatro formidable. Ahora Juanito, Juan Diego Botto, está haciendo en el Teatro Español algo que es un auténtico prodigio. 

¿Y si no hubiera sido actor qué hubiera sido, lo ha pensado?

No. Tengo una vocación frustrada que es la de director de orquesta. Pero esa me ha venido después, cuando he visto a Karajan, a Carlos Kleiber y a Celibidache dirigir.

La gente de la cultura hacemos lo que podemos. Si la gente de la cultura realmente pudiese modificar la sociedad, Donald Trump no sería presidente de los EEUU

José Sacristán — Actor

¿Por qué Fernán Gómez sigue siendo el ejemplo, el icono?

Porque es el que mejor lo hacía, el que más se aproximaba a la verdad. Y luego ya conoces su faceta de dramaturgo, de novelista, de columnista, de director de cine, de teatro, de poeta... Joder, ese es el modelo. Lo que pasa es que es inalcanzable llegar a transitar por tanta disciplina de un modo tan brillante como él lo hacía.

¿A usted qué le ha faltado por hacer?

La Brígida del Tenorio. Me voy a morir con las ganas de hacer la Brígida del Tenorio. Es que he hecho zarzuela. He hecho musicales. He cantado copla. Y creo haber asumido desde las primeras de cambio ser una buena correa transmisora de estados de emoción más bien domésticos. Yo no tengo un Hamlet, no tengo un Macbeth ni un Rey Lear. No voy a decir que lo echo de menos. Mi modelo de actor para mí no era Lawrence Olivier, sino James Stewart. Yo hubiera hecho cualquier cosa por hacer El hombre de Laramie, El bazar de las sorpresas, Qué bello es vivir, Anatomía de un asesinato, Vértigo, Horizontes lejanos… Pero para mí el colmo de la sabiduría, la mayor demostración de talento que alguien ha hecho delante de una cámara, es la de Donald O'Connor en Cantando bajo la lluvia. El Hazles reír… Yo hubiera dado cualquier cosa por haber llegado a una altura tan excelsa como la suya ahí.

Me imagino que a usted actores jóvenes se le acercaran como referentes, ¿es un orgullo o una responsabilidad?

Es que yo soy el que 'hacía de reír' en las películas antiguas. No me toque los cojones. No tengo el menor interés de pasar a ser el profeta o el patriarca. Yo soy un currante de esto y tengo la suerte de que la gente me sigue comprando los ajos, hago lo que me da la gana y disfruto. Y creo que no lo hago mal. Y si lo hiciera mal, pues no vendrían a verme, digo yo. Pero no tengo el menor interés de trascender o de significar para los demás otra cosa que no sea el que hacía de reír en las películas antiguas.

Ahora nos viene bien reír…

¿No te ríes con el capullo de Donald Trump?

La verdad es que me preocupa… Ojalá me hiciera reír.

La risa hay que saberla buscar. El sentido del humor yo creo que es lo único que nos distingue del diplodocus o de la rata callejera. El sentido del humor y la risa siempre están ahí. Todos los días. Está en El Roto. La risa es muy importante. Hay un grupo que hizo Luis García Montero, le llamamos los 'optimistas melancólicos'. La melancolía es la sensación de pérdida de algo. De unos ideales a los que has aspirado y sabes que no se van a dar. Pero el optimismo tiene que ver con la risa. No hablo de la felicidad, hablo de la alegría, de la risa, de salir a librar la batalla con un “os vais a joder, no me vais a aburrir, y me voy a reír”.

El cine sirve para mirar de frente aquello de lo que la gente prefiere apartar la mirada. Cuando Eduardo Casanova anunció en Instagram que tenía VIH, los terroríficos comentarios que recibió el director denotaron que este tema sigue siendo un tabú para gran parte de la sociedad. Sin embargo, combatir el desconocimiento sobre el VIH también puede ayudar a acabar con los prejuicios y los estigmas de la gente. Es lo que hace el periodista Jordi Évole en Sidosa, un documental en el que acompaña al actor que alcanzaría la fama con Aída en una de las revelaciones más íntimas de su vida.

“Vivimos en un momento en el que todo el mundo se desnuda y habla de salud mental, de cáncer... pero nadie habla del VIH”, declara Évole en un coloquio posterior a uno de los pases de la cinta. “La película fue un aprendizaje. Yo no sabía muchas de las cosas que aparecen en la película, no era consciente de ellas, pero impresiona que hayamos podido llegar al año 2026 con este desconocimiento de algo que afecta a tantísima gente, como si ya se hubiera superado”, reclama el periodista, que denuncia que “cualquier historia relacionada con el sexo siempre acaba siendo tabú” y que el VIH es “una enfermedad que la asocia a un mal comportamiento social de la persona que la padece”.

Entre los espectadores, hay quien confiesa su preocupación por que el auge de la ultraderecha provoque que la gente condene a quien tiene VIH o incluso eche la culpa a quien lo tiene. Jordi Évole indica que la culpa es una “evidencia” y que también “flota alrededor de las personas que conviven con el VIH”: “Tienes un cáncer porque te ha venido, o tienes una depresión por el estrés de la sociedad en la que vivimos... y todo eso parece que tiene una causa justificada, mientras que del VIH, por la cultura que nos han inculcado y por la poca educación sexual que hay, parece que te tienes que sentir culpable, como si lo hubieras pillado por haberte portado mal en la vida o por ser homosexual”, afirma.

Sin embargo, el periodista apunta que “las estadísticas dentro del mundo heterosexual de personas que tienen VIH son aterradoras, y no hablan de ello por estigma”. Además, argumenta que este “no es un tema de izquierdas” y que le sorprende “el hate que genera la película en el mundo facha”. “Es un tema que también les afecta a ellos, no es un tema político. Quien quiera verlo como un tema político vive en el mundo del sesgo, y esa gente vive en una caverna y no quiere salir de ella. Puede haber mucha gente de derechas que se sienta identificada con la película porque el VIH no entiende de pensamientos, no afecta a un colectivo o a otro”, reflexiona Évole.

El sesgo al que se refiere Évole se refleja en muchas de las reacciones que ha provocado Sidosa tras su estreno en los cines. “Hay campañas organizadas para hundirnos en plataformas en las que se puntúan películas como FilmAffinity. Se han puesto a votar como locos para que la gente vea un 2/5 cuando vayan a buscar la película en internet”, expresa el periodista, agregando que “ahora que todo está tan atomizado y que no podemos mezclarnos, la película invita a la mezcla y a saber que es enriquecedor ponerte en la piel del otro, empatizar e intentar entenderlo”.

Asimismo, Jordi Évole comenta que está feliz de que este tema pueda llegar a públicos que tal vez no se acercarían de primeras. “Estoy orgulloso que en los cines haya un cartel que ponga Sidosa al lado de películas como Torrente o Mario Bros aunque duremos poco en las salas”, declara. “Desde los medios de extrema derecha se fijan en la recaudación que hacemos, pero esta película no está pensada para ser Indiana Jones. Este es un tipo de cine alternativo que habla de un tema que no está en la agenda de ningún medio, y que esto esté al lado de películas comerciales y blockbusters es un triunfo”, añade.

“Ahora dicen que todo está subvencionado y que en el cine español se aprovechan del dinero público, pero no es así, y si fuese así me parecería fantástico que se invirtiese dinero público en esto”, explica Évole, que indica que “todo lo que se vivió en los noventa fue tan impactante que parece que después quedó en nada” y celebra que sea un asunto del que se pueda hablar en la actualidad. El momento más revelador es cuando Edu me dice: 'Dime tres personas conocidas que hayan tenido sida'. Y yo me voy a Freddie Mercury porque no tengo más referentes, pero son referentes de los años 90. ¿Cómo puede ser que no recordara casos actuales?“, confiesa el periodista.

Esto fue lo que impulsó a Jordi Évole a querer explicar, junto a Eduardo Casanova, lo que supone tener VIH y lo que es convivir con él. “Este ha sido un proyecto muy especial. Hace tres años que Edu vino a explicarme esta historia, en aquel momento no estaba preparado para contarla y le dije que tenía que estar seguro. Lo dejamos apartado y no volví a llamarlo para este tema, pero tuvimos la suerte de que, la primavera pasada, Edu me volvió a llamar y fuimos para adelante. Fue rápido y bastante resolutivo”, comenta.

El periodista también valora el trabajo de los directores Lluís Galter y Màrius Sánchez, cuyo resultado consideran “espectacular”: “Han sabido mezclar la realidad con la ficción. Hablo así de bien de la peli porque no la he dirigido, solo he participado en algunas secuencias, y estoy muy contento con cómo ha quedado”. “Esto no estaba en la agenda, no estaba en el mainstream, y difícilmente estará, pero puede servir no solo a personas que tengan VIH, sino a varias generaciones que no vivieron lo que nosotros vivimos en los ochenta y noventa y que no tienen ni idea de lo que aquello significó”, concluye.