El fenómeno La bola negra sigue imparable. La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi afronta su cuarto fin de semana en las salas y lo hace con un nuevo impulso en su vida comercial. Tras sumar la recaudación del viernes y el sábado el filme ha superado a Torrente, presidente como la película española más taquillera del año. Al sobrepasar los 28 millones de la película de Santiago Segura se coloca, además, como la cuarta película española más exitosa de la historia del cine español, tal como ha informado Rentrak, la empresa auditora que se encarga de contabilizar los datos de taquilla. Actualmente, y a falta de sumar el resultado del domingo, La bola negra se sitúa con 28,6 millones de euros.

Deja atrás a títulos tan exitosos como Los otros, de Alejandro Amenábar, o Un monstruo viene a verme, de Juan Antonio Bayona, y mira hacia arriba para seguir escalando posiciones. Viendo toda la carrera comercial que tiene por delante, que de momento no parece haber ningún filme que la vaya a hacer bajar del primer puesto de la taquilla y que tiene pendiente toda la carrera por el Oscar, se espera que todavía quede mucho por recaudar. 

De momento, la siguiente en la lista sería Ocho apellidos catalanes, que recaudó 36,1 millones de euros. La plata la ostenta, actualmente, Lo imposible, de Juan Antonio Bayona, que amasó 42,4 millones. El primer puesto es, de momento, para Ocho apellidos vascos, de Emilio Martínez Lázaro, que sigue inamovible con 56,1 millones de euros. Una cifra que, hace meses, parecía imposible de superar y que ahora mismo no parece tan descabellado que los Javis puedan llegar a rebasarla. 

Los datos históricos llegan en el mejor momento posible, con el equipo de la película en plena gira internacional presentando el filme en la carrera por los Oscar. Tanto los directores como parte del equipo del filme han viajado de París a Londres y Nueva York para seguir expandiendo la ola de La bola negra, que sigue estando en todas las quinielas de los Oscar en los lugares más altos en todas las categorías importantes como película, dirección o guion adaptado, así como en un par de categorías interpretativas, actriz de reparto, donde Penélope Cruz podría estar doblemente nominada (la otra sería por su papel en La invitación) y actor de reparto, donde la crítica de EEUU ha caído rendida a Guitarricadelafuente y hablan como un posible nominado (también lo estaría por su canción original para el filme, La nieve).

Las cifras de La bola negra yTorrente, presidente han contribuido a que el cine español supere por primera vez en muchos años la cifra de 100 millones de euros y que mire hacia arriba hacia los históricos 125,69 millones de euros que en 2014 se lograron gracias a Ocho apellidos vascos y a éxitos como El Niño, Torrente 5 y La isla mínima. De momento, será la mejor recaudación para el cine español desde hace más de 10 años.

También la cifra global presenta una mejora. Ya sin los datos de La bola negra se habían superado a principios de octubre los datos del año pasado, cuando se lograron 453 millones de euros en todo 2025, una cifra que era un 8% menor que la de 2024 y una de las más bajas desde la pandemia. 

Los charolastras han crecido, como todos. Julio y Tenoch, aquellos amigos con decálogo de buenas prácticas incluido, aparecieron en la pantalla de cine y se convirtieron en el símbolo de toda una juventud. El sexo, el descubrimiento, lo político, la lealtad… todo estaba en Y tu mamá también, aquella película sudorosa, sensual y profunda que partió el cine mexicano, y el mundial, en 2001. 

Alfonso Cuarón presentó en pantalla a dos adolescentes cuyo magnetismo era tan arrollador como su filme. Gael García Bernal y Diego Luna se amaban y traicionaban en una road movie que les colocaba en el foco mundial. De aquella película hay algo que continúa latiendo, y que queda patente en la amistad a prueba de todo que forjaron ambos actores, que siguen en el presente siendo aquellos charolastras, solo que ahora más cercanos a los 50 años que a los 20.

Ambos han sabido crecer y madurar delante de la cámara como actores y como cineastas. Diego Luna de hecho ha logrado hasta algo que parecía imposible, que una saga como Star Wars le dé a un mexicano un protagonista absoluto. Lo hizo en Rogue One, pero sobre todo en ese caballo de Troya llamado Andor y que analiza una rebelión contra el fascismo que se siente más actual que muchas series ambientadas en el presente.

Diego Luna estrena, además, su nueva película como director, Ceniza en la boca, una adaptación de la novela de Brenda Navarro que ya se puede ver en los cines y que le “atravesó y removió” cuando la leyó, y que cuenta la experiencia de tantas mujeres que dejaron su país para venir a España a cuidar a los hijos a y a los padres de otros mientras dejaban a los suyos en tierra. Las “fracturas de la migración” que analiza en una película tan delicada como actual.

Como mexicano, ¿había algo que le atravesaba más de la novela de Brenda Navarro? De alguna forma usted ha hecho también ese viaje de ida y vuelta. 

La película, más que el libro, se centra en un momento de vida de la joven, que interpreta Ana Díaz de manera excepcional, en el que está en Madrid, siguiendo a su madre que había emigrado ocho o nueve años antes. La película trata de los que llegan, pero también de los que reciben.

Si en alguna de estas posiciones me puedo colocar es en la de quien recibe. Por vivir en México, la migración nos cruza por todos lados. Están los que migran hacia el norte buscando las oportunidades que no tienen o por sobrevivir o porque son expulsados de sus lugares. Pero están también los que buscan México como destino.

Me ha tocado convivir con eso y reflexionar sobre por qué la gente migra, qué pasa en el trayecto. Pero esta película y este momento de la historia que decidimos contar nos habla de quienes ya están aquí, de su vida cotidiana, de con quién te encuentras todos los días y decides ser indiferente o no.

Me parece una reflexión muy pertinente pensar en cómo nos relacionamos, en qué tanto estamos dispuestos a entender a quien deja todo detrás, busca construir una vida y sembrar en donde estamos. La película te invita a ponerte en los zapatos del otro, pero el otro es ese con el que ya convives.

Ahora mismo ponerse en los zapatos del migrante, con los discursos de odio que vemos, es algo importante. 

Me parece una pregunta muy pertinente, pero yo haría otra pregunta: ¿no crees que hace cinco años me hubieras hecho la misma? O hace diez, cuando Alemania estaba recibiendo migrantes, o antes… Esta reflexión es y ha sido pertinente porque no podemos explicarnos ningún arraigo sin tener que pensar en una migración.

Para que tú puedas decir “yo soy de aquí”, alguien migró, o si no, es que fuiste tú mismo quien migró. Es el tema que atraviesa todos los temas y siempre es y será pertinente. Creo que lo que sí está pasando hoy, que alarma, es cómo ese discurso de odio, ese discurso ignorante que además es tan rentable para las extremas derechas, va ganando terreno. Pero también somos muchos los otros y tenemos que salir al encuentro. 

¿Cómo ayuda el cine en ese sentido?

A mí es lo que me gusta del cine, que te invita a seguir tu curiosidad, meterte a una sala, parar un poquito, sentarte con un grupo de personas que no conoces, asomarte con interés a la vida de alguien que no conoces y encontrar una conexión. Eso ya habla bien de ti. Mientras haya gente que va al cine, habrá gente que esté saliendo a ese encuentro. En este momento eso es lo que es necesario: información, entendimiento, reiteración. No vamos a ser más escandalosos, pero sí podemos ser persistentes.

En mi vida, el cine me ha ayudado a forjar la persona que soy, a entenderme, a cuestionar mi entorno y mi contexto, a atreverme a hablar de cosas

¿Es de los que piensa que el cine tiene ese poder de cambiar algo, o le parece naïf pensar eso?

No me parece naïf para nada; no haría lo que hago si no pensara que tiene un sentido. En mi vida, el cine me ha ayudado a forjar la persona que soy, a entenderme, a cuestionar mi entorno y mi contexto, a atreverme a hablar de cosas. Me ha servido de ejemplo, para bien y para mal. Es de las cosas importantes en mi vida, así que aspiro a que también lo sea para otros.

En efecto, el cine no va a cambiar las cosas, pero sí puede hacer hacernos sentir menos solos en ese interés por cambiarlas. Si además seguimos celebrando el cine como a mí me tocó, que es en una sala con gente que no conoces, automáticamente eres parte de una comunidad. Y eso es poder, el poder está en los números.

Tus preocupaciones, solito, tienen poco alcance, pero si sales a ver quién está preocupado por lo mismo, te darás cuenta de que no estás solo y que es más fácil articular algo. Es momento de articular lo que sea que te interese o preocupe, de articular una reacción y una sensación comunitaria de defensa de esos espacios y de esas ideas.

Ceniza en la boca se estrena en este puente que aquí se llama de la Hispanidad, como mexicano, ¿cómo se lleva con ese término?

¿Cómo me llevo con ese término? Híjole, no es parte de mi lenguaje, la verdad. Las veces que me ha tocado estar aquí entiendo lo que significa. Pero en mi vida… no.

Ahora, sí me parece curioso e interesante que la película se presente y se estrene en esta fecha, que no es algo que planeamos. Es una bonita coincidencia, porque la película habla de lo que pasa, pero también sugiere lo que podría pasar. Hay historias ahí que a mí me parecen muy lindas, como la de la mujer mayor, sin echarles a perder la película: cómo termina reaccionando con Lucila y dando la vuelta a esa relación, alguien que recibe cuidados y de pronto está dispuesta a cuidar. Hay destellos ahí de lo que es posible y es bonito.

A mí me gusta hablar de cómo hicimos la película. Nace como idea en México, pero de ahí busca complicidad en España. Somos tres productoras mexicanas que nos asociamos con una de aquí, Valérie Delpierre, de Inicia Films. Armamos un equipo diverso e interesante, que tiene distintas perspectivas sobre un mismo tema que a todos nos interesa: ¿qué pasa hoy con los que migran de América Latina a España? ¿Qué pasa con ese intercambio? ¿De qué somos capaces cuando articulamos cosas juntos? La película es un resultado de eso. No hay mejor época para estrenarla que esta.

Ha hablado de esos destellos de luz en la película. ¿Es optimista o se obliga a serlo en este momento?

Sí, claro que lo soy. Por eso sigo, por eso trabajo, por eso tuve hijos. Cuando el entendimiento se da, vemos la mejor versión de la gente. Cuando la información llega, hay esperanza, claro que sí. Una vez que estás, ya no hay manera de desinformarte. Una vez que conoces la historia, ya no hay vuelta atrás.

Lo que es cierto es que cada vez es más difícil llegar. Pareciera que estamos más aislados, más solos, más enclaustrados en nuestras burbujas de lo que creemos y lo que nos llega, por lo que buscar la forma de meterse por ahí. Ayer, por ejemplo, tuvimos un encuentro con el público y fue una plática muy linda donde pensé: “Ah, pues para mí hay esperanza”.

En el festival de Venecia, Penélope Cruz destacaba cómo ha cambiado todo, hace años los personajes de mujer española o latina hablaban en inglés con acento, ahora se habla en español sin problema, ¿ha notado ese cambio?

Sí, sin duda. Crecí en mi adolescencia y, sobre todo, la joven adultez… ¡Es que ya fue hace mucho!

Es que ha crecido delante de la cámara. Eso tiene que dar mucha impresión.

Sí. El otro día me dieron un reconocimiento, dijeron el tiempo que llevo haciendo esto y me dio pánico. Dije: “No puede ser, ¿cuándo pasó todo ese tiempo?”.

El caso es que antes había un rechazo y un miedo, digamos industrial, a la especificidad. Ahora es todo lo contrario, no porque la industria se haya vuelto más audaz y los que toman las decisiones en las grandes empresas ahora quieran tomar riesgos. Es un mensaje que mandó el público, que empezó a decir: “Oye, yo quiero verme ahí, sentirme cerca de lo que estoy viendo. Quiero sentir que para ti eso que a mí me hace diferente es importante y que para representarlo vas a ser meticuloso y preciso”. Y empezaron a pasar cosas muy lindas con el cine que no era en inglés.

De hecho, el cine estadounidense cada vez está más nutrido de voces que vienen desde industrias cinematográficas que no tienen nada que ver con ese país. Y esas miradas y esas visiones han llegado a ser muy enriquecedoras. El público, cuando ve una historia que pasa en España, quiere oír el español. O cuando unos personajes viajan por México, no es normal que todo el mundo les hable en inglés. De repente estas cosas de la especificidad también hacen que las películas sean diferentes, que como espectador haya un reto en descubrir dónde estás, en tratar de entender. Que no todo esté digerido para ti y simplificado.

El propósito de 'Andor' no es que fuera buenos contra malos, sino ver lo difícil que es articular un movimiento social

El cambio también está en los papeles que le ofrecen, no sé si pensaba que un actor mexicano iba a poder protagonizar una película y una serie de Star Wars como Andor.

Pero no es solo que los que toman decisiones en la industria decidieron transitar eso, de eso somos parte todos. Cuando hicimos Y tu mamá también, no sabes la cantidad de guiones que me llegaban de jóvenes que fumaban marihuana y hacían locuras, como si siguiera leyendo el mismo personaje que había hecho y que probablemente había inspirado a otros a escribir cosas. Uno, como actor, tiene que saber contener esa ola y buscar lo que quiere hacer o tratar de generar tu propio trabajo para mostrar otras opciones, otras caras, otros personajes que te representen, otros retos.

Luego, por otro lado, se fue tornando evidente que el público prefería verse así. La gente que tiene alguna conexión con América Latina en EEUU quiere ver latinos en la pantalla e historias interesantes donde tenga una razón de ser que seas quien eres.

En el caso de Andor es una especie de caballo de Troya, una serie de Star Wars contra el fascismo, ¿estaba claro desde el principio ese componente político?

Sí, el propósito era ese. Cuando se sumó a la serie Tony Gilroy, nos sentamos a platicar qué íbamos a hacer y estaba muy claro: la serie era la historia de cómo nace una revolución y cuáles son los elementos sociales y políticos para que emerja. Esa era la historia que teníamos que contar, utilizando a este personaje como pivote, como pretexto para ir conociendo y encontrando todos esos elementos que van articulándose para que suceda la revolución.

El propósito desde el principio era eso y también ver todos los ángulos, todas las aristas. Tratar de que no fueran buenos contra malos, sino ver lo difícil que es articular un movimiento social. 

Ha mencionado Y tu mamá también. ¿Se cansa uno de que le pregunten por ella? 

Me da mucho gusto siempre hablar de ella porque además la recuerdo siempre. Cuando dirijo, por ejemplo, pienso mucho en las lecciones que Y tu mamá también representaron para mí como actor y lo que entendí del proceso de Alfonso Cuarón, tanto del equipo que armó como del rigor de trabajo.

La primera vez que pasé más de una semana en España fue porque estábamos ensayando Y tu mamá también y me empecé a relacionar de una forma distinta con Madrid. Después en la promoción, viajamos por toda España. No me volvió a pasar, por lo menos no con ninguna película mexicana.

¿Ha pensado por qué se convirtió un icono, al menos generacional?

Es algo multifactorial e imposible de repetir. Hay una parte del proceso que es la que nos corresponde a los que la hicimos, que sí te puedo decir qué la hizo diferente. Todo ese trabajo que se hizo antes y después, cuando nos subimos detrás de la película, la acompañamos a todos lados, la defendimos cuando había que defenderla y la disfrutamos con el público.

Siento que esa película para mí fue un parteaguas, un antes y un después en la forma en la que todos nos involucramos. Pero luego también hay otras cosas: es el momento en el que sale. En México era la segunda, tras Amores perros que venía de competir en festivales y se convertía en la película más taquillera, eso que antes estaba completamente desconectado y que ahora parece otra vez estar completamente desconectado, por lo menos en la industria mexicana. ¿Cuándo va a volver a pasar? No lo sé.

Y con 20 años, ¿cómo se vive un fenómeno como ese?

Tiene que ver con la cantidad de trabajo que costó. La popularidad, cuando llega de golpe, te puede enfermar de forma más profunda. Te mareas un poco y te empiezan a pasar cosas que no sabes dónde acomodar.

Nos teníamos como equipo, nos pasó a todos, y me pasó con mi amigo, mi hermano, con Gael: tuvimos la fortuna de que esta revolución pasó cuando podíamos tomarnos de la mano y vivirla juntos. Había una cantidad de trabajo atrás, de esfuerzo, de dedicación y de sacrificios. Cuando llevas trabajando dos años y medio, con mucho rigor, que pase algo así es muy lindo de celebrar porque te lo ganaste, y sabes que no va a volver a llegar a menos de que le dediques esa cantidad de esfuerzo porque no lo regalan. Eso te pone las cosas un poquito en perspectiva.

Entrevista completa

En 2022, Carlota Pereda se llevó el Méliès de Oro en el Festival de Cine Fantástico de Sitges con Cerdita, su debut en el largometraje. La película, que había nacido de su cortometraje homónimo, ganador del Goya en 2019, se estrenó en Sundance y logró seis nominaciones a los Goya, entre ellas la suya a mejor dirección novel, y de Laura Galán, que se acabó llevando el premio a mejor actriz revelación.

Cuatro años después, la directora ha vuelto al festival exactamente como se merecía, para inaugurarlo. De hecho, es la primera directora española que abre la programación de Sitges, y solo la cuarta mujer en hacerlo en las 59 ediciones de la muestra. Su película se titula Found Alive, su salto al cine en inglés, rodada en EEUU y protagonizada por Chloë Grace Moretz (Kick-Ass, Déjame entrar, Carrie), bien respaldada por otros intérpretes como Rupert Friend, Scott Haze o Dana Millican. 

En la cinta, que seguro que acelerará el ritmo cardiaco de muchos espectadores, Moretz es Reeve LeClaire, una joven que sigue marcada por el secuestro de cinco años que sufrió en su adolescencia y que, cuando su psiquiatra le pide que ayude a otra víctima recién rescatada, se ve atrapada en un juego peligroso que le hace revivir su pesadilla. Algo que, paradójicamente, acaba teniendo efectos sanadores. La historia se trata de una adaptación de la novela The Edge of Normal, de Carla Norton, inédita en castellano. Pereda, que ya presentó en Sitges Cerdita y La ermita, compite también con Found Alive por el premio a mejor película en la sección oficial.

Horas antes del estreno, la directora confesaba que estaba viviendo el hecho de inaugurar el festival entre el agradecimiento y los nervios. “Sitges siempre ha sido muy importante en mi vida, sobre todo porque ya desde Cerdita me acogieron muy bien”, explica. Abrir el festival es, para ella, un honor. Especialmente que la organización considere que su película y ella “forman parte de su historia”. La presión, en todo caso, viene por otro lado: “Me gustaría que el público acoja y celebre la peli, porque al fin y al cabo las películas las hacemos para ellos. Pero ya está hecha, y no hay nada más que yo pueda hacer”.

Pereda confiesa que no conocía la novela de Carla Norton cuando le llegó el guion, una adaptación realizada por Lori Evans Taylor, que también fue guionista de Destino final: Lazos de sangre. “Pero enseguida me di cuenta de que era un texto muy inteligente y, sobre todo, permitía contar con un personaje único”, recuerda. Lo que aportó ella fue la forma: quería un thriller psicológico pero íntimo. 

Cita El silencio de los corderos como una de sus películas favoritas, pero con una salvedad: “En ella, el protagonista sigue siendo Hannibal Lecter, aunque salga apenas diez segundos. De Found Alive me gustaba que eso no iba a suceder, que podríamos hacer una película que funcionara bien como thriller pero sin dejar de ser íntima y respetando el arco del personaje principal”. Entre sus referencias del género menciona también Prisoners y, “un poco, Tenemos que hablar de Kevin, pero pasado por algo más visceral”, que tiene más que ver con su “sensibilidad”.

Ante la pregunta de si es una película sobre el trauma, matiza. “El trauma está, por supuesto, pero la historia va más de cómo las víctimas no son solo víctimas, no se definen solo por eso”, responde. “Es cierto que a Reeve le ha sucedido algo que hubiera podido determinar su vida, pero no la define del todo. Es mucho más que eso”. Found Alive es además, en su opinión, una película sobre “el poder de la empatía y de la experiencia humana”.

Para mí la policía es la representación del poder que mira hacia el otro lado. Y no hay más que ver los casos que suceden en la realidad, sobre todo en EEUU

Carlota Pereds — Cineasta

También es una historia de mujeres, y eso fue una decisión totalmente consciente. Ya estaba en la novela, dice, pero lo reforzó: “Para mí siempre ha sido una historia de mujeres”. Y en el universo del film, la policía, mayoritariamente masculina, no sale bien parada. “Es como la vida misma, ¿no?”, replica Pereda entre risas. “Para mí la policía es la representación del poder que mira hacia el otro lado. Y no hay más que ver los casos que suceden en la realidad, sobre todo en EEUU: muchas veces las instituciones no hacen mucho para resolverlos”, zanja. 

En relación con la verosimilitud del caso que vemos en pantalla, al espectador español quizá le sorprenda que este tipo de secuestros parezcan ser tan comunes en el país gobernado por Trump. Durante la preproducción, además de entrevistar a víctimas para documentarse, la directora empezó a leer la revista People y a ver cómo los casos de este tipo se acumulaban. “Cada día venían en prensa seis o siete”, cuenta. Y menciona uno reciente y especialmente aterrador: la liberación de 163 mujeres que tenían secuestradas cuatro hombres en Florida. “Son historias muy comunes. A mí también me sorprendió que lo fueran tanto. Quizá me daba más cuenta por estar trabajando en la película, pero mi algoritmo solo me mostraba casos de secuestros que pasaban en EEUU cada dos por tres”, señala.

Rodar por primera vez al otro lado del atlántico y con reparto internacional fue, resume, “muy intenso y complicado”, pero también lo volvería a repetir. “Allí todos respetan mucho lo que ellos llaman ‘tu visión’. Nadie estaba ahí por dinero, estaban por el proyecto, estaban por mí, a full, hacen lo que sea por ti, por la película y por su personaje”, destaca. 

Solo tiene elogios para Chloë Grace Moretz y Rupert Friend, los dos intérpretes principales: “Ha sido muy satisfactorio trabajar con ellos y con el resto del reparto. Es una película complicada, con secuencias complejas, pero ha sido una sensación como para repetir. Desde luego volvería a trabajar con Chloë y con todos los demás”.

La complejidad de esas secuencias obligó a medir cada plano. Pereda trabaja siempre con Rita Noriega, su directora de fotografía desde el corto Cerdita, y ambas tenían claro que “la mirada siempre importa”. Por eso intentaron contarlo “desde el punto de vista de las víctimas” y con el mayor respeto posible. “Todos los planos están muy pensados. No hemos dejado nada al azar”. En el rodaje hubo coordinadores de intimidad y una psicóloga, “para asegurarnos de que no solo lo que mostrábamos, sino también cómo lo hacíamos, era respetuoso y sensible”. Un ejemplo: “Nunca se muestra violencia hacia las chicas en cámara”.

Sobre lo que viene, Pereda no tiene un plan cerrado. Está en proceso de financiación de “un proyecto muy interesante”, y de cara al futuro prefiere “seguir eligiendo los proyectos y dejarme llevar por cada uno de ellos. Lo prefiero a hacer una planificación de carrera concreta”. “Si es en EEUU, pues en EEUU, y si es aquí, pues aquí”, continúa. Mientras tanto, piensa disfrutar del estreno y del festival. “Sitges es el lugar más importante del mundo si haces cine de género”, sentencia. “Para mí se siente como casa. Es el lugar donde siempre he sido feliz”.

“Al acabar la película, no podíamos movernos del asiento. Necesitábamos procesar todas las emociones que nos removían”. Así vivió Belén, una joven de 23 años de Barcelona, el final de la proyección de La bola negra, la nueva película de Los Javis, que fue a ver el pasado miércoles: “Me tuvo el corazón en un puño desde el primer al último minuto”. Violeta, una valenciana también de 23 años, comparte su emoción y reconoce que tuvo “los pelos de punta en muchísimos momentos. Te hace reflexionar y estar emocionada hasta después de haber salido de la sala”.

Lola, de 13 años, cuenta que el largometraje de Javier Calvo y Javier Ambrossi le conmovió y valora que le enseñara “no tanto sobre la Guerra Civil, sino de una historia de amor”. Para esta madrileña, lo que más le gustó fue la “lección de vida” que transmite, el “tienes que querer a quien tú quieras” que intentan los protagonistas del filme.

La bola negra continúa pulverizando la taquilla en su segunda semana, superando los dos millones de espectadores. En su primer martes en cartelera, logró la mejor jornada de la historia para una película española, impulsado por la oferta del 'martes sénior', pero no son los mayores de 65 los únicos en estar siendo atrapados por la propuesta de los autores de La Mesías y La llamada.

Para los adolescentes y jóvenes se ha convertido todo un fenómeno. El elenco liderado por Guitarricadelafuente y Miguel Bernardeau está teniendo que ver, pero no solo. “Es más entretenida que una clase de historia. Además, no es la típica historia de la guerra sobre gente que está en el frente, cuenta una pequeña historia dentro de ese contexto”, destaca Alba, madrileña de 17 años. En efecto, La bola negra se adentra en la Guerra Civil y reivindica a Federico García Lorca, pero habla igualmente de la libertad, de la memoria, de la familia, de los vínculos, del amor, de la identidad, de la necesidad de defenderla, de arte, de literatura, de los absurdos que se producen en las contiendas, de lo que hace falta hablar.

Y en un lenguaje que, como los jóvenes consultados para este reportaje revelan, conecta directamente con el corazón. Los Javis inundan sus secuencias de intimidad, épica, ternura, violencia, cariño, inteligencia, timidez, historia, sensualidad y carisma, ante las que es imposible permanecer impasible. Javier Rueda, que combina su labor como crítico en la revista Caimán Cuadernos de Cine con la de orientador en un centro escolar en Madrid, sigue recordando con sorpresa y júbilo que el lunes tras el primer fin de semana de La bola negra en salas, la película era la protagonista de las charlas en los pasillos. Ocurrió lo mismo en el recreo, y se ha mantenido desde entonces.

Se ha convertido en un tema de conversación. Las salas están llenas de gente joven a las que igual ni el cine ni la Guerra Civil les interesa tanto. El boca a boca entre ellos es constante

Javier Rueda — Orientador y crítico de cine

“Se ha convertido en un tema de conversación. Las salas están llenas de gente joven a las que igual ni el cine ni la Guerra Civil les interesa tanto. El boca a boca entre ellos es constante”, opina el orientador, “incluso se quejan de lo difícil que está siendo conseguir entradas”. De ahí a que destaque el “imán” que el largometraje ha desarrollado con una generación “históricamente desconectada”. Javier Rueda describe lo sucedido como “una oportunidad preciosa para encontrarse generacionalmente y hablar”: “Como docente estoy sorprendido por cómo está permeando el fenómeno en las aulas”.

Desromantizar la Guerra Civil

Clara (15 años) y Vera (18 años) fueron juntas a ver La bola negra con sus padres el domingo en Madrid, y ambas coinciden en la importancia de abrir conversación sobre la Guerra Civil. “Se está romantizando una época que no fue para nada buena. La película refleja bastante bien lo dura que fue”, señala la primera. Su hermana mayor destaca que muestra “cómo se vivía y la libertad que se merecen el amor y la sexualidad. El contexto lo sabemos, pero aquí está la experiencia personal de los militares, la gente que participaba en la guerra”.

Para Belén (Barcelona, 23 años), es crucial subrayar que “no es lo mismo que te cuenten que en la Guerra Civil hubo millares de muertos que ver cómo las enfermeras descargan el camión. En una sociedad tan deshumanizada, el potencial de esta película para vincular los hechos con personas que lo sufrieron es innegable”. Además, remarca la “genialidad” de la estructura del filme y cómo sus directores han conectado las tres tramas en torno a las que gira el guion: “Permite que el espectador aprecie que la Guerra Civil y la dictadura no fueron momentos aislados, y que siguen repercutiendo en nuestro día a día”.

No es lo mismo que te cuenten que en la Guerra Civil hubo millares de muertos que ver cómo las enfermeras descargan el camión. En una sociedad tan deshumanizada, el potencial de esta película para vincular los hechos con personas que lo sufrieron es innegable

Belén (23 años)

María, de 18 años, identifica el relato sobre la contienda del largometraje como una “visión nueva” sobre lo sucedido, a la que no había accedido hasta ahora. “Normalmente, vemos la parte superficial, pero es difícil ver que detrás de la guerra había millones de historias reales de gente que fue asesinada o juzgada por ser homosexual o por pensar distinto a los demás”, señala esta joven que fue al cine sola el miércoles pasado. Al salir sintió que era “una de las mejores películas” que había visto en la vida, y aplaude lo “dura” que es, porque “aunque ciertas escenas no son agradables de ver, todo el mundo debería verla, porque ocurrió de verdad”.

'La bola negra' te hace ver la importancia de seguir luchando por tus derechos porque es algo que no siempre ha sido así, y no tiene por qué ser fijo ni para siempre

Júlia (19 años)

Júlia, desde Barcelona, y con 19 años, comparte opinión sobre la relevancia de la película en el contexto actual: “Lo primero que pensé al acabar de verla que fue qué ganas de que todo el mundo la vea”. Afirma que lo que más le gustó es el “paralelismo” que hace sobre cómo viven los homosexuales ahora y cómo lo hacían antes: “Te hace ver la importancia de seguir luchando por tus derechos porque es algo que no siempre ha sido así, y no tiene por qué ser fijo ni para siempre. Y sobre todo, valorar que si lo tenemos es porque mucha gente ha luchado por ello para que también sepamos esa historia”.

La tecla de la emoción

Los protagonistas de La bola negra son cuatro hombres jóvenes homosexuales, cuyas historias se entrelazan en tres tramas situadas en tres líneas temporales, una ficticia, una actual y otra ambientada en la Guerra Civil. Sobre la última, María (23 años) resalta que la película le hizo reflexionar sobre cómo se vivió la contienda “desde el punto de vista de los homosexuales y lo duro que fue para ellos”. Incluido el del poeta Federico García Lorca, que fue fusilado tras el Golpe de Estado que provocó el inicio del conflicto armado.

Los adolescentes entrevistados para este reportaje agradecen el conocimiento que les ha aportado el filme sobre la figura y obra del artista, por cómo les ha permitido saber sobre su persona más allá de obras como La casa de Bernarda Alba, habitual en los currículos escolares. Carla, por ejemplo, destaca que ha podido conocer detalles como su amor con Rafael Rodríguez Rapún o soldados como Sebastián, el personaje que encarna Guitarricadelafuente, que “no querrían hacer lo que estaban haciendo en la guerra o que acabaron allí por error”.

Este fue uno de los temas que comentó con el orientador Javier Rueda uno de sus alumnos, sorprendidos porque se entregaran rifles a personas sin experiencia, obligándoles a formar parte de uno u otro bando. También le ha llamado la atención cómo les ha interpelado la vinculación con la memoria y relatos sobre la Guerra Civil que han podido escuchar a sus padres y abuelos en casa. “Muchos estaban impactados igualmente con la estética y el lenguaje, y eso que por desgracia el cine sigue siendo una asignatura pendiente dentro de la docencia básica”.

Más allá de su opinión personal y de si en determinadas escenas de la película pueda faltar ritmo, o escenas concretas de la película que entre los adolescentes reconocen haber tardado más en entender –en especial la secuencia de la nieve y la manera en que se terminan entrelazando las tramas–; Javier Rueda alaba que Los Javis son capaces de combinar referencias de cineastas como Claire Denis y Rainer Werner Fassbinder con la “tradición y modernidad”: “Están muy cerca de la cultura popular. La tecla con la que dan es querer hacer un cine lo más masivo posible y la de que las emociones importan, y cómo queda la gente después de verla”.

Muchos amigos míos salieron llorando de 'La bola negra' y les ha llegado la peli tanto o más que a mí. Me siento agradecida de rodearme de personas a las que les importa el mundo en el que vivimos y el futuro

Júlia (19 años)

“El cine emocional interacciona y se vincula muy bien con los adolescentes, ese 'vamos a sublimar las emociones' con el que les hablan directamente”, añade, “La bola negra está construyendo conversación y comunidad; y eso que el cine no suele ser un tema del que hablen los chicos en el cole”.

Los jóvenes consultados comparten entusiasmados que efectivamente la película está siendo un tema de conversación recurrente entre sus amigos, sobre los que Júlia destaca alegrarse de que sus amistades, además de disfrutar de la película, están reflexionando sobre ella: “Muchos salieron llorando y les ha llegado la peli tanto o más que a mí. Me siento agradecida de rodearme de personas a las que les importa el mundo en el que vivimos y el futuro”.

‘La bola negra’ sigue siendo todo un fenómeno en España, sin duda la película del momento, ya con más de dos millones de espectadores y más de 15 millones de euros de recaudación. Y es que, lejos de bajar en su segunda semana en cines, el filme ha subido incluso el interés, con un 20 % más, superando las expectativas. 

El éxito comercial en España solo confirma el camino que ya llevaba la cinta, con premios en los festivales de Cannes, de Toronto y San Sebastián, y lo que ha hecho que su reparto también haya ganado en elogios, algunos de ellos debutando en el cine como es el caso del cantante Guitarricadelafuente, pero también el del joven Milo Quifes.

Quién es Milo Quifes, el gran descubrimiento de ‘La bola negra’ 

‘La bola negra’ es una película de tres historias que se entrelazan, que se cuentan de forma paralela, y en una de ellas el protagonista es Carlos, en concreto, la línea temporal de 1932 que conecta directamente con la obra que Federico García Lorca no llegó a terminar. 

Milos Quifes es el actor que interpreta a Carlos, el joven de Granada que quiere ser admitido en el Casino y que se enfrenta al rechazo, un joven de 24 años que debuta así por todo lo alto en el cine, con un papel protagonista que ya le está dando alegrías en forma de reconocimiento y de fama, todo ello tras ser antes todo un desconocido para el público. 

Un personaje y una oportunidad que le llegó de casualidad, cuando se presentó al casting tras ver una convocatoria en Instagram cuando necesitaba trabajo y en la que pensaba que solo buscaban figurantes. Poco a poco el joven fue superando pruebas y así llegó a una quinta en la que conoció a los directores, Javier Calvo y Javier Ambrossi, más conocidos como los Javis. Fue entonces cuando se dio cuenta que la oportunidad estaba siendo más seria de lo esperado. 

Y todo ello, además, en medio de una etapa complicada, en la que buscaba continuamente trabajo: “Los Javis me encontraron. Yo venía de una época muy mala. Salía a la calle porque tenía que trabajar; si no, no tenía para comer, pero me costaba mucho salir”, aseguró en una reciente entrevista. 

En ella, el joven también valora como está siendo actualmente el momento tras el estreno de ‘La bola negra’: “Ahora mismo estoy viviendo la vida que nunca imaginé”, reconocía. Milos Quifes había estudiado Biología en Granada y en 2024 publicó su primera novela, donde demostró su interés por la literatura. 

La experiencia de trabajar con los Javis 

Para el joven actor, además, el hecho de haber debutado con los Javis en ‘La bola negra’ le ha dado una experiencia que le ha ayudado a crecer y fueron clave para que encontrara su personaje: “Ellos hacen un poco de psicólogos para que entiendas de dónde te viene el dolor”, explicó. 

De hecho, aseguró que le han hecho descubrir aspectos de sí mismo que desconocía hasta ese momento, llevando el hecho a elevar su interpretación: “Me hace reconocer la herida que tengo y luego la curo. Los Javis son tan inteligentes que se adelantan a lo que estás pensando”, concluyó. 

El 6 de octubre de 1951, Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem terminaban el rodaje de Esa pareja feliz. La efeméride fue la elegida por el Ministerio de Cultura para celebrar, desde hace años, el día del cine español. Aquella película era, según Cultura, el “símbolo de una de las más brillantes generaciones de cineastas de nuestro país”. La celebración de este año del día del cine español tiene algo que lo une con esa declaración. 2026 podría estudiarse como el año donde la unión de las políticas públicas, la valentía de una nueva oleada de productores y el talento de una generación de cineastas más jóvenes se consolidó en un curso para el recuerdo.

2026 ha sido el año donde el cine español hizo historia en Cannes, y ahí se ve muy bien lo que está ocurriendo en nuestra industria. Tras Francia, España fue el país con más películas en competición por la Palma de Oro, y lo hacía gracias a una leyenda del cine español, Pedro Almodóvar; un cineasta que lleva forjando su prestigio internacional desde hace años, Rodrigo Sorogoyen, y el talento joven que necesita oportunidades y productores que les den el dinero necesario para sus ambiciosas propuestas que tan bien representan Javier Calvo y Javier Ambrossi y su película La bola negra.

Lo que ocurrió en Cannes fue el principio. El día del cine español llega en un momento histórico para el cine autóctono. La semana pasada, a 27 de septiembre, el cine español sumaba en taquilla 83.553.860 de euros según datos del Ministerio de Cultura. Solo sumando lo recaudado desde aquella fecha hasta ahora por La bola negra, otros diez millones de euros, la suma supera los 93 millones (ayudado por el otro gran fenómeno español del año, Torrente, presidente). Es decir, que a falta de dos meses para que acabe el curso, la taquilla de 2026 es la mejor desde 2019, época prepandémica, cuando se cerró con 94 millones de euros. Esta misma semana se superará también esa cifra y hay que mirar mucho más arriba, a aquellos cinco años consecutivos en donde se superó la cifra histórica de los 100 millones de euros. 

Viendo todo lo que está generando La bola negra (las estimaciones de recaudación creen que superará los 30 millones), es de suponer que la taquilla final de nuestras películas supere los 103 millones logrados en 2018 y 2017. En el horizonte aparecen los 109 de 2016 y los 110 de 2015 que probablemente se superen, y la madre de todos los récords, los 125,69 que en 2014 se lograron gracias a Ocho apellidos vascos y a éxitos como El Niño, Torrente 5 y La isla mínima. Una cifra que parece casi imposible, pero que dependerá del impulso motriz de La bola negra y de si alguna otra película española se suma a la fiesta.

Un año que, presumiblemente, concluirá con otro hecho histórico. Si las predicciones de los gurús de los Oscar no fallan, y en octubre ya suelen tener las cosas bastante claras, el cine español también hará historia en los premios de la Academia de Hollywood gracias a La bola negra, que se espera que esté nominada en las categorías más importantes tras su exitoso paso por Cannes y ganar el premio del público en Toronto. Nunca un filme español ha sido nominado en la categoría de Mejor película. Todo indica que este año se logrará.

Un cumpleaños agridulce

Sin embargo, mientras se celebra el éxito en taquilla y el gran momento de salud del cine español, también se mira al futuro con bastante cautela e incluso cierto temor. La convocatoria de elecciones generales anticipadas anunciada por Pedro Sánchez (y adelantada por elDiario.es) deja al cine español, de nuevo, desprotegido. Tal como ocurrió con el anterior adelanto electoral, la principal norma por la que el cine español debería defender el cine independiente y su sistema de ayudas, la nueva ley del cine, se vuelve a quedar en la estacada. 

En este momento, tras ser aprobada en junio en el Consejo de Ministros y superar una enmienda a la totalidad presentada por Vox y el PP, la Ley del Cine estaba discutiendo las enmiendas del resto de partidos antes de esperar a ser aprobada definitivamente. No ocurrirá. Esto tiene implicaciones serias y preocupantes. La principal, no quedará por escrito la definición de productor independiente que quería el sector y que era fundamental para proteger el cine que no depende de las grandes plataformas y cadenas de televisión. Una definición que, además, venía a oponerse a la que se incluyó en la Ley Audiovisual aprobada en 2022 y que tanto escoció a los productores españoles. 

El texto queda en el aire. Además, es de suponer que si gana el PP y, tal como dicen las encuestas, deba pactar con Vox para conseguir que Feijóo sea investido presidente, crearán un texto completamente nuevo, ya que ambos han presentado una enmienda a la totalidad. Si el PP continúa con el anterior texto, dejaría claro que presentó esa enmienda solo para entorpecer su aprobación.

Más temor da pensar en lo que Vox puede hacer si llega a tener el Ministerio de Cultura en su poder (la cartera de Cultura ya le ha sido cedida por el PP en varias de las comunidades donde gobiernan juntos). En el debate de la Ley del Cine, desde Vox dijeron claramente que pretendían “quitar administración y aquellos servicios que no sean esenciales” al referirse al ICAA, palabras que recuerdan a lo ocurrido en Argentina, donde el instituto del cine ha sido desmantelado por el Gobierno de Milei. El propio ministro de Cultura reaccionó y le preguntó directamente a Robles López, de Vox, si tal como había entendido, defendían “la eliminación prácticamente del INCAA llevada a cabo por el señor Milei” y que si ellos eliminarían el ICAA cuando estuvieran en el Gobierno. Lejos de rectificar, matizar o aclarar, Robles López contestó con una amenaza mayor: “Eliminaríamos el Ministerio”.

El riesgo de que en el futuro sea cada vez más complicado producir La bola negra revolotea en el aire. La película de los Javis es una producción independiente —realizada por su empresa Suma Content, junto a Movistar Plus y El Deseo—, distribuida por una empresa independiente (Elastica) y un filme que ha recibido ayudas del ICAA. Es el ejemplo perfecto de un sistema que necesita urgentemente una nueva ley, pero que puede quedar desamparado si los que llegan intentan destruir lo logrado durante años.

La Oreja de Van Gogh contará con su propio musical, siguiendo la estela de ABBA y Mamma Mía, y Mecano y Hoy no me puedo levantar. La banda ya está desarrollando Puedes contar conmigo, una película musical en la que el repertorio del grupo donostiarra será el hilo conductor.

Fernando González Molina (Cronos, Tres metros sobre el cielo, El guardián invisible), dirigirá el largometraje, y coescribe el guion con Miguel López Martínez. Beltrán Gortázar, Domingo Corral y Gonzalo Salazar-Simpson serán los productores. Los integrantes de La Oreja de Van Gogh, también participarán en la producción ejecutiva.

La noticia llega al tiempo que la banda continúa de gira por España, tras la vuelta de Amaia Montero como vocalista del grupo y la salida de Leire Martínez.

“Ver que nuestras canciones van a cobrar una nueva vida en el cine es un sueño para nosotros. Siempre hemos contado historias a través de nuestra música, y saber que ahora esas historias inspirarán un universo visual y narrativo tan grande nos llena de ilusión”, ha declarado la banda en una nota de prensa compartida con los medios.

Fernando González Molina, por su parte, avanza que quiere crear “un evento cinematográfico que emocione al público como lo han hecho durante décadas las canciones de La Oreja de Van Gogh.

El fenómeno de La bola negra es ya incuestionable. Más allá del premio en Cannes, la ovación de 20 minutos y los premios del público en Toronto y San Sebastián, la prueba de fuego se encontraba en la taquilla. En su primer examen, el pasado fin de semana, el resultado fue sobresaliente. La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi debutaba con 4,7 millones de euros en su primer fin de semana y más de 610.000 espectadores. Datos excepcionales que la colocaban como el mejor estreno español en diez años, solo por detrás de Torrente, presidente, estrenada también en 2026, y por encima de La odisea.

Las buenas noticias no acababan ahí. El martes, aupada por la política del Ministerio de Cultura por la que los mayores del 65 años pueden acudir al cine por dos euros, La bola negra lograba el mejor martes de la historia para el cine español. Datos estratosféricos que se repitieron el miércoles. 

La prueba de fuego estaba en el segundo fin de semana. Lo normal es que una película, y más cuando se trata de un taquillazo de esta envergadura, descienda aunque sea poco. Por poner un ejemplo, Torrente, presidente cayó un 22%. Solo aquellos fenómenos transversales, que se convierten en auténticos hitos del boca a boca, en esa película que hay que ver sí o sí, logran aumentar su recaudación en segunda semana. Ocurrió con La odisea, que subió un 5%.

La bola negra pulveriza todos esos datos, y en su segundo semana aumenta un 20% respecto a su fin de semana de estreno y amasa otros 5,8 millones de euros según datos de Rentrak, la empresa encargada de dar las cifras de taquilla todas las semanas.  El éxito afecta a toda la taquilla, ya que según BoxOffice.es, los 10,3 millones de euros y más de 1,3 millones de espectadores suponen los mejores datos de un mejor primer fin de semana de octubre desde 2010.

Con estas cifras, La bola negra ya ha recaudado 14,9 millones de euros y vendido más de dos millones de entradas. Se encuentra a solo 10% de la recaudación de Torrente en los mismos días, cuando la semana pasada esa diferencia, tal como explica el analista de taquilla Pau Brunet en su perfil de X era del 35%. El duelo por ver quién es la película española más taquillera del año empieza a decantarse del lado de La bola negra.

Al filme de Javier Calvo y Javier Ambrossi le queda mucha vida por delante. De momento, el próximo fin de semana tendrán el festivo del 12 de octubre, y la semana siguiente una Fiesta del Cine donde no hay duda que será el título que todos querrán ver durante esos cuatro días de entradas con descuento. No tiene, además, rivales a la vista, por lo que puede continuar al frente de la taquilla durante varias semanas, cuando además se empezará a beneficiar de toda la conversación en torno a los Oscar que llegará desde EEUU, donde se espera que esté nominada en todas las categorías. Habrá que ver si en su tercer fin de semana puede todavía crecer más y darle la vuelta a todas las expectativas.

Es la película del momento, todos en España hablan de ella, y esto se está viendo reflejado ya en la taquilla, donde ya habría superado una recaudación de más de 6 millones de euros después de tener el segundo mejor estreno en su primer fin de semana para una película española, y también el mejor martes, beneficiándose del ‘martes senior’.

Hablamos de ‘La bola negra’, película dirigida por Javier Calvo y Javier Ambrossi, conocidos como ‘los Javis’, y que bebe de diferentes referencias reales para crear una historia lorquiana en la que la homosexualidad es una parte fundamental de la trama, una de las líneas temporales, además, en plena Guerra Civil.

La ley del deseo (1987)

El cine de Pedro Almodóvar es un claro referente para los Javis y eso es algo que se aprecia en ‘La bola negra’, siendo ‘La ley del deseo’ una con la que comparte más cosas, como el hecho de que ambas navegan por la pasión, la homosexualidad o el dolor de la creación artística.

Dolor y gloria (2019)

No solo ella, sino que además comparte también cierta trama con ‘Dolor y gloria’, la que es considerada una de las obras más introspectivas de Almodóvar. Ambas exploran la memoria, la infancia, la pérdida y la figura de Lorca como fantasma cultural. Su viaje lírico a través del tiempo y el arte dialoga muy bien con la estructura temporal de ‘La bola negra’.

Retrato de una mujer en llamas (2019)

Dirigida por Céline Sciamma, la película explora el deseo prohibido y el arte como espacio de liberación, un hecho que se puede disfrutar también en ‘La bola negra’ como una de sus principales tramas. Además, también encajan en su tratamiento de la memoria sentimental y la herencia del arte romántico.

Cold War (2018)

La película de Paweł Pawlikowski ha sido una referencia directa para los Javis, como bien lo han dejado claro en varias entrevistas, y es cierto que se puede ver directamente en algunas escenas. Ambas exploran temas como los amores truncados y prohibidos, además de ser un viaje a través de varias décadas, y con una clara estética visual, con la música como refugio emocional.

La novia (2015)

Federico García Lorca es un eje principal en ‘La bola negra’, que trata en parte de una obra inacabada de la que solo se cuentan cuatro páginas. Sin embargo, el poeta tuvo una importante actividad literaria en vida, con algunos de sus textos adaptados también al cine.

Una de las adaptaciones que más se puede acercar a ‘La bola negra’ es ‘La novia’, de 2015, dirigida por Paula Ortiz, y que tiene un destacado desempeño visual. En ella, se transforma la tragedia rural en una fábula lírica llena de simetría, desierto, sangre y pulsión poética, capturando intacta la fuerza del texto original.

La Academia de Cine ha anunciado este miércoles cuál será la nueva sede de los Premios Goya. Navarra, en concreto el Navarra Arena de Pamplona, será la ciudad que acoja los galardones más importantes del cine español, que se entregarán el próximo 6 de febrero. La lectura de nominados se hará pública el 15 de diciembre, y la tradicional cena de los aspirantes a los cabezones de las distintas categorías el 11 de enero. En la ceremonia se conocerá qué película tomará el relevo de Los domingos de Alauda Ruiz de Azúa, la gran triunfadora del año pasado.

Fernando Méndez Leite, presidente de la Academia de Cine, ha comenzado la rueda de prensa con unas palabras en recuerdo de Gonzalo Suárez, artífice de Remando al viento, que falleció este martes a los 92 años.

También ha reivindicado que Navarra ha sido “escenario de obras fundamentales” en la historia del cine español, haciendo referencia a clásicos como Tasio y Secretos del corazón de Montxo Armendáriz. Así como éxitos de taquilla como Las brujas de Zugarramurdi de Álex de la Iglesia, Ocho apellidos vascos de Emilio Martínez Lázaro y la adaptación de la trilogía el Batzán de Fernando González Molina.

De la comunidad autónoma ha destacado igualmente que haya sido cosecha de figuras como Alfredo Landa, Elena Taberna, Félix Viscarret, Ana Díez, la compositora Vanessa Garde y el director artístico Mikel Serrano, entre otros.

El valor de descentralizar los Goya

La presidenta del Gobierno de Navarra, María Chivite, ha estado presente en el anuncio, ha agradecido la apuesta de la Academia desde hace años por descentralizar la celebración de la ceremonia de los Premios Goya, porque hace posible “llegar a otros lugares que quizás no están tan presentes en las secciones culturales de los grandes medios de comunicación”. “Cuando el cine viaja y se descentraliza, amplía su público y nos permite reconocernos en historias que nacen lejos de nuestra propia casa”, ha añadido.

Chivite ha insistido en que el cine entretiene, pero es “mucho más”: “Nos ensancga nuestra imaginación, despierta el pensamiento crítico que nos ayuda a mirar asuntos que en una película resulta más fácil y llevadero abordar”.

‘La Bola negra’ es ya una película evento en el cine español. En su primer fin de semana ha conseguido una recaudación de 4,7 millones de euros y ha supuesto que casi 700.000 espectadores han visto el largometraje dirigido por Javier Calvo y Javier Ambrossi, conocidos como ‘los Javis’.

Esto le ha hecho convertirse en el segundo film español más taquillero de la década en su fin de semana de estreno, con lo que hace que esté dentro de la conversación entre el público, que debido a que parte de su ambientación se da en el contexto de la Guerra Civil se puede preguntar qué es real y qué no dentro de las historias que se cuentan.

Carlos y ‘La Bola negra’: la obra inacabada de Lorca

Federico García Lorca está presente en toda la película de ‘La bola negra’, todo ello va más allá de que parte de la historia bebe de la obra que dejó sin acabar y que tiene referencia directa en el título. Además, de las tres líneas temporales, el personaje de Carlos sería la imaginación de cómo Lorca la podría haber terminado.

De ella se conservan tan solo cuatro páginas, que pudo ser lo que llegó a escribir el poeta, teniendo en cuenta que trabajaba con varios proyectos al mismo tiempo, como fue ‘La casa de Bernarda Alba’, terminada en junio de 1936, y ‘Los sueños de mi prima Aurelia’, de la que solo pudo finalizar el primer acto antes de ser asesinado en agosto de 1936.

En lo que respecta a ‘La bola negra’, lo que se conserva es una lista de personajes, el subtítulo de ‘Drama de costumbres actuales’, así como un diálogo del personaje principal, Carlos, con su hermana, un hecho que aparece reflejado en la película. Según la cronología estudiada, Federico García Lorca habría trabajado en ella entorno a 1935 para luego dejarla durante un tiempo.

Rafael Rodríguez Rapún, el amor de Lorca homenajeado

Otro de los hechos principales de la película de ‘La bola negra’ que bebe de la realidad es el personaje de Rafael Rodríguez Rapún, interpretado por Miguel Bernardeu, que como cuenta el largometraje fue uno de los amores de Federico García Lorca y que se dedicó tanto al fútbol como al activismo político, así como actor y secretario personal del poeta en la compañía teatral ‘La barraca’.

El poeta lo llamaba ‘Tres Erres’ en su correspondencia, y se ha asegurado que podría haber inspirado ‘Sonetos del amor oscuro’, aunque es un hecho que no se ha podido demostrar. A diferencia de lo que sucede en la película, falleció en el hospital militar de Santander tras ser herido durante un bombardeo, habiéndose incorporado al Ejército de la República tras conocer el asesinato de Lorca.

El bombardeo inicial tuvo una inspiración real

La película de ‘La bola negra’ comienza con el bombardeo de un pueblo pequeño por el bando equivocado, un hecho que, aunque no existió como tal, sí que hay una historia real muy similar. Sucedió en Artà, Mallorca, el 31 de agosto de 1936, y murieron 11 personas después de que el bando sublevado lanzara bombas sobre la localidad a pesar de que estaba en su propia retaguardia, además usando un avión italiano.

El escritor, guionista y director de cine español Gonzalo Suárez ha fallecido este martes en su domicilio de Madrid a los 92 años, según ha informado la Academia de Cine. Por su película Remando al viento recibió el Goya a la Mejor dirección y la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián.

Suárez (Oviedo, 1934), que también fue actor y periodista deportivo –firmaba sus crónicas bajo el seudónimo de Martín Girard–, recibió durante su carrera otros galardones como el Premio Nacional de Cinematografía, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y el Premio Luis Buñuel. En la última edición de los galardones más importantes del cine español, celebrada el pasado 28 de febrero en Barcelona, recibió el Goya de Honor en homenaje a toda su trayectoria.

En su intervención durante la ceremonia, Suárez realizó un alegato en favor del cine que, en cierta manera, según explicó, le remitía al “primer bisonte que nuestros ancestros pintaron en las cavernas”. “Estoy absolutamente orgulloso de comprobar que el cine ha sobrevivido a las redes y a las cavernas. Pero me veo obligado a reconocer que en este momento el bisonte soy yo”, añadió.

Drama, humor y libertad creativa

El cineasta es propietario de una filmografía marcada por la mezcla de géneros, de drama y humor, y la búsqueda constante de la libertad creativa. En la trayectoria de este precursor de la denominada Escuela de Barcelona, que estudió Filosofía y Letras y fue ojeador de futbolistas a las órdenes de Helenio Herrera, cuenta con el cortometraje Alas de tiniebla y el mediometraje El sueño de Malinche, como los últimos trabajos profesionales realizados.

A sus órdenes también figuran las producciones Aoom, Reina zanahoria, Don Juan en los infiernos, El portero y la conocida serie de televisión Los pazos de Ulloa, entre otras. Remando al Viento fue su título más célebre, protagonizado por Hugh Grant, Lizzy McInnerny y Valentine Pelka en 1988.

El largometraje arrancaba con dos poetas ingleses, Mary Shelley y Lord Byron, que se veían obligados a huir de Inglaterra. Durante el viaje, Mary recuerda cómo conoció en casa de su padre adoptivo al joven y apasionado poeta Shelley, cómo lo amó y cómo se fugó con él. También evoca una cita con Byron en Suiza, pero sobre todo rememora una noche de noviembre de 1816 durante la cual, mientras sus amigos contaban historias de terror, ella daba a luz al legendario monstruo de Frankenstein.

En su trayectoria destacan otros títulos como Ditirambo, El extraño caso del doctor Fausto, La Regenta, Morbo, Parranda, la mítica Epílogo –Premio de la Juventud del Festival de Cannes–, La reina anónima, El detective y la muerte, Mi nombre es sombra y Oviedo Express.

A lo largo de su carrera, Suárez dirigió a actores como Charo López, Francisco Rabal, José Sacristán, Fernando Rey, Fernando Fernán-Gómez, Carmen Maura, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Abril, Marisa Paredes, Maribel Verdú, Javier Bardem, Carmelo Gómez, Ana Belén, José Luis Gómez, Carmen Sevilla, María de Medeiros, Héctor Alterio y Donald Pleasence.

Al cineasta le debemos los guiones de películas como Fata Morgana (1965) de Vicente Aranda y La colmena 1980 de Mario Camus. También escribió junto a Sam Peckinpah Operación Doble Dos en 1975, basada en la novela homónima del propio Suárez, pero que no llegó a rodarse. Fue prolífico de la palabra con libros como El caso de las cabezas cortadas (2025), El cementerio azul (2022), La suela de mis zapatos (2006), Ciudadano Sade (1999) y El asesino triste (1994).

Aficionado al boxeo, Suárez fue igualmente nombrado Caballero de las Artes y las Letras de Francia y de la Orden de Alfonso X el Sabio –la primera vez que se otorgaba esta condecoración a un director de cine–.

La bola negra se acaba de convertir en el segundo mejor estreno español de los últimos diez años en su primer fin de semana en salas. La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi ha rozado los 4,7 millones de euros de recaudación, y se queda por detrás únicamente de Torrente, presidente.

Al ceñirnos a los datos de 2026, teniendo en cuenta no solamente los títulos de cine patrio, se trata del cuarto mejor estreno del año, superando a otro de los grandes fenómenos, La Odisea de Christopher Nolan, que se quedó en 4,47 millones de euros.

Según los datos avanzados por el analista Pau Brunet, el largometraje protagonizado por Miguel Bernardeau, Guitarricadelafuente, Carlos González y Milo Quifes ha reunido a más de 610.000 espectadores desde su llegada a los cines el pasado viernes 25 de septiembre. Su afluencia en taquilla ha crecido día a día. El viernes acumuló 1,31 millones de euros, el sábado pasó a 1,64 (un 25% más) y el domingo alcanzó los 1,72 millones (otro 5% más).

El podio del mejor estreno español del año continúa custodiándolo Torrente, Presidente, seguido ahora de La bola negra, que mejora los datos de Aída y Vuelta y Tadeo Jones y la lámpara maravillosa. El filme de animación dirigido por Enrique Gato salvó de la mano de El ser querido el verano del cine patrio. Rodrigo Sorogoyen, además, consiguió batir su propio récord en sus primeros tres días, de tal forma que su filme con Javier Bardem y Victoria Luengo se convirtió en su mejor debut, por encima de As bestas y Que Dios nos perdone.

Con su estreno, La bola negra ha eclipsado la llegada a las salas de otros títulos internacionales como Vengadores: Endgame y En el corazón de la bestia, con Brad Pitt. También ha recaudado más dinero que otros largometrajes como Resident Evil y Coyote VS. Acme, que continúan llevando al público al cine tras varias semanas en cartelera.

Desde que se proyectó Tender Loving Care en el Festival de San Sebastián el certamen quedó prácticamente sentenciado. Era complicado que una película de la Sección Oficial igualará en sensibilidad, inteligencia y brillantez al filme con el que Mike Leigh se despedía del cine. El director británico ya había contado, y confirmó en el Zinemaldia, que esta será la última vez que dirija. Una enfermedad que afecta a sus ojos ha afectado a la movilidad del cineasta, que no se siente en las condiciones físicas necesarias para volver a rodar.

Algún malpensado podría pensar que ese factor sentimental, el que Tender Loving Care fuera la despedida de uno de los directores fundamentales del cine británico de las últimas décadas, podría afectar al jurado, pero tras ver la película es evidente que su calidad hablaba por sí sola. Si la crítica se rindió al maestro en contar el cine social desde lo íntimo, el jurado no se quedó atrás y claramente quedó enamorado de esta historia sobre cómo los cuidados son fundamentales, pero solo para aquellos que cuenten con una red familiar o de amigos. Un retrato magistral que, desde la relación de dos amigos y los padres de una de ellas, acaba creciendo a una crítica sobre la destrucción del estado de bienestar. 

No solo reconoció la película con una Concha de Oro tan previsible como incontestable, sino que el filme casi acaparó el palmarés llevándose también el premio al Mejor guion y el de Mejor actriz para Kate O’Flynn, que culmina su año dorado. La actriz británica llegaba de ganar el Emmy por La maldición de Widow's Bay y ahora se lleva la Concha de Plata por un trabajo de tono complicado donde se pasa de la comedia casi física al drama cotidiano. O’Flynn, eso sí, lo tuvo que compartir con Asta Kamma August, actriz noruega que protagoniza Growth of the soil, el filme de Hans Petter Moland que también logró el galardón a la mejor fotografía para Oskar Dahlsbakken. Desde Nueva York, Leigh mandó un vídeo agradeciendo por todos los premios para el filme. Tan escueto como acostumbra, solo dio las gracias y dijo un “Os quiero” que supo a poco.

El cine español, que venía encadenando tres Conchas de Oro consecutivas —O Corno, Tardes de Soledad y Los domingos— se tuvo que conformar en esta ocasión con la Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto (en el Zinemaldia no hay división por género en las categorías interpretativas, pero sí por protagonistas y secundarios) para Javier Cámara por su personaje despreciable e hilarante en la divertida 5 minutos más, de Javier Ruiz Caldera. 

El palmarés dejó fuera a otra de las grandes favoritas de la edición, The debut, de Jesse Eisenberg, una de las películas mejor recibidas y que muchos contaban con que no se iría de vacío. Las interpretaciones de Julianne Moore y Paul Giamatti o su guion parecían sus mejores bazas, pero el jurado, presidido por el cineasta Ira Sachs, decidió apostar por filmes más actorales y dejar, por esta vez, a Hollywood fuera de la ecuación. En su lugar apostaron por darle la Concha de Plata a la Mejor dirección a Amanda Kernell por la estupenda Brace your heart, retrato de independencia de una mujer en la comunidad Sami. Para cerrar el palmarés, el jurado apostó por una de las películas más radicales de la Sección Oficial, la china Border, de Ah Biao, a la que reconocieron con el premio del jurado. 

El público se rinde a 'La bola negra'

Tras convertirse en el evento del Zinemaldia, al realizar su premiere española en el marco del festival, donde competía en la Sección Perlak, que recoge lo mejor de otros certámenes internacionales, La bola negra regresó a Donostia al llevarse el premio del público. La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi logró una puntuación de 9,4, la segunda más alta de la historia del galardón tras la obtenida por La voz de Hind el año pasado (9,52).

Los cineastas regresaron al festival tras conseguir en el primer día en la taquilla más de un millón de euros, el segundo mejor viernes para una película española de los últimos diez años y solo por detrás del de Torrente, presidente, este mismo año. Un comienzo inmejorable para la que ya es, sin duda, la película española del año. 

El premio del público a la mejor película europea fue para Naza, el documental de Yuval Abraham y Rachel Szor, que no pudieron viajar a Donostia. Ambos han sido amenazados por la extrema derecha israelí por su filme, en el que 24 miembros del ejército y la inteligencia israelí cuentan los crímenes de guerra realizados contra la población palestina en Gaza. Un trabajo que ha hecho que desde el gobierno israelí se realice una campaña de desprestigio para un trabajo estremecedor, producido por The Guardian y que se estrenará en España el próximo 9 de octubre. Un mes después, The Guardian, uno de los productores del filme, la liberará en Youtube para que todo el mundo pueda verla. 

Muchos de los asistentes a la ceremonia de clausura posaron con carteles en defensa de los cineastas, y al anunciar el título del filme todo el auditorio saco las hojas que ponían We are naza too“. Enrique Costa, de la distribuidora del filme, Elástica, leyó unas palabras de los cineastas en donde agradecían el premio y esperaban que el galardón ”sirva para esparcir la voz de lo que la película representa y lo que el gobierno israelí está haciendo con la matanza de palestinos en Gaza“.

Cierra así una 74.ª edición que también será recordada como la última de su director, José Luis Rebordinos, que se despide tras 16 años al frente y al que se le dedicó una calurosa ovación para cerrar la ceremonia. Deja el testigo a Maialen Beloki, que desde el año que viene ejercerá las funciones convirtiéndose en la primera mujer al frente del festival más importante de España.

Tras convertirse en el evento del Zinemaldia, al realizar su premiere española en el marco del festival, donde competía en la Sección Perlak, que recoge lo mejor de otros certámenes internacionales, La bola negra regresó a Donostia al llevarse el premio del público. La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi logró una puntuación de 9,4, la segunda más alta de la historia del galardón tras la obtenida por La voz de Hind el año pasado (9,52).

Los cineastas regresaron al festival tras conseguir en el primer día en la taquilla más de un millón de euros, el segundo mejor viernes para una película española de los últimos diez años y solo por detrás del de Torrente, presidente, este mismo año. Un comienzo inmejorable para la que ya es, sin duda, la película española del año y que va dispuesta a hacer historia para el cine español en los próximos Oscar.

En su emocionante discurso, Javier Calvo dio las gracias al público y recordó que para Federico García Lorca, la figura que atraviesa las tres historias que conforman La bola negra, el público era muy importante, tanto que tituló así una de sus obras. Para ellos también lo ha sido siempre, incluso cuando su primera obra solo tenía 15 espectadores, los que cabían. “Para él no crear era la muerte. Nosotros hacemos esto para vosotros, para el público”, dijo Javier Calvo. “Hay una cosa que a mí me emociona mucho, y es que hoy y ayer y durante este año, escucho una frase que hacía tiempo que no quería usar la gente y es: ¡viva el cine español! Y lo quiero reivindicar: ¡Qué viva el cine español. Sí, Señor!”, añadió el cineasta.

Javier Ambrossi tomó la palabra para agradecer el galardón a aquellos que les han apoyado, entre ellos a José Luis Rebordinos, director del Festival de Cine de San Sebastián que además se despedía del certamen, que el año que viene estará dirigido por Maialen Beloki. “Tú nos hiciste creer que podíamos ser grandes con tu apoyo, así que muchísimas gracias, de verdad, de corazón”, le dijo.

“Hay dos cosas fundamentales para poder probar y experimentar: una es el equipo, y nosotros tenemos el mejor equipo técnico del mundo. Os quiero muchísimo. Gracias por dejarnos crear ese espacio en el que uno puede soñar que existe la comunicación horizontal, en el que uno puede ser un director teniendo dudas, en el que se puede ser un director diferente a lo que uno espera de un director. Gracias porque solamente con este equipo técnico hemos podido hacerlo. Gracias de verdad. Y gracias a Movistar Plus, a toda la gente que confiaron, Elastica, Atresmedia, El Deseo, gracias por estar aquí con nosotros. Tenemos mucho que agradecerles al público. Sabemos que estáis de nuestro lado y gracias por estar ahí y espero no defraudaros nunca”, concluyó.

“Si tuviéramos tradición de ir a buscar a los autores muchas cosas irían mucho mejor”. Lo decía Eduard Sola, uno de los guionistas con más visibilización del cine español con motivo de la publicación de su primera novela, El nido. Pensaba que, si nos fijáramos quién escribe las películas, los cuentos y hasta las noticias, nos prevendríamos de la desinformación. Si le hiciéramos caso, si miráramos quién ha escrito algunas de las mejores películas y series de los últimos años del audiovisual español encontraríamos un nombre, el de Isabel Peña.

Ella es la firma que acompaña a Sorogoyen en títulos como As bestas, Antidisturbios, El reino o El ser querido. Casi nada. Quienes no la conozcan solo tenían que haber estado un poco atentos. Hay en el cineasta una voluntad de reivindicarla siempre como una cocreadora. La escritura a cuatro manos de la dupla funciona siempre, pero Isabel Peña es mucho más que la coguionista de Sorogoyen, es una escritora con un ojo único, con una capacidad de tensionar sin manipular, de buscar los sitios moralmente ambiguos para que el espectador bucee en esa zona incómoda.

Lo demuestra ahora en su primera serie como showrunner, El castillo, creada junto a Eduardo Villanueva y Elena Martín Gimeno, la directora de Creatura que se encarga de la puesta en escena de algunos episodios (los otros los dirige Sandra Romero) y cuya aportación ha sido tan importante que se ha unido al tridente de creación de esta adaptación del libro El proxeneta, de Mabel Lozano.

Peña ha creado una miniserie de seis episodios —que el 8 de octubre se podrá ver en Movistar Plus— seca, sin concesiones ni recursos melodramáticos. Una mirada a la trata desde dos puntos de vista, el del chulo al que da vida un transformado, terrorífico y espectacular Raúl Arévalo; y el de una de las mujeres explotadas, el gran descubrimiento llamado Valentina Vidal con el que el espectador transitará este castillo de esclavitud moderna. El resultado es una de las mejores series españolas del año, lo que unido a El ser querido, vuelve a confirmar a la guionista como esa figura tranquila que convierte en éxito todo lo que escribe. 

La conjunción de estos dos proyectos ha sido “una casualidad”. De hecho, si ella hubiera podido elegir, hubiera preferido que no coincidieran en el tiempo. “Siempre quieres controlar los calendarios, pero cada proyecto tiene su propia vida y lo que es mejor para ese proyecto. Ha dado la coincidencia de que lo mejor para ambos proyectos es esto que está sucediendo ahora. Influye que nos ha costado mucho escribir este guion. Empezamos a escribirlo en 2018. Soy muy lenta”, dice riendo.

Fue Villanueva quien leyó el libro hace mucho y supo que ahí había una serie. Abordaba un tema, la trata, sobre el que siempre había querido trabajar. “Cuando llegó a mis manos, desde el primer momento se lo propuse a Isa, porque me parecía la persona ideal para hacerlo. Ya estábamos con Antidisturbios en marcha, y fue una cosa que fue muy poco a poco, compaginándola con todas las cosas que han estado en nuestra carrera. En concreto en la de Isa como guionista durante todo este tiempo, pero siempre sacando los huecos para ir haciendo distintas aproximaciones hasta encontrar la forma que ha acabado teniendo El castillo”, añade el productor de Caballo Films que aquí salta a la silla de creador.

Siento que en toda esta trayectoria y relación con Sorogoyen y la productora yo no he sido solo una guionista. Somos un equipo en cuanto a que muchas decisiones las tomamos juntos

Isabel Peña — Guionista

En una industria donde solo se mira al director, y donde a la mujer se le suele dar menos espacio, podría parecer que este proyecto supone la ‘emancipación’ de Isa Peña de Sorogoyen. O al menos un paso en la visibilidad de su trabajo. Pero para ella, siempre tranquila, siempre sincera, este paso “no es algo ni consciente ni inconsciente, sino que ha surgido así”. “Es que es demasiado orgánico y demasiado natural como para que haya un plan para conmigo misma o para con el mundo”, dice y continúa. 

Al rato retoma la respuesta. “Creo que no te he respondido bien”, apunta, y vuelve. Como buena guionista, reescribe de alguna forma lo dicho. “Siento que en toda esta trayectoria y relación con Rui (Sorogoyen) y con Caballo (la productora) yo no he sido solo una guionista. Yo creo que somos un equipo en cuanto a que muchas decisiones las tomamos juntos. Sí que hay, digamos, más responsabilidad sobre mis hombros en este proyecto que en otros anteriores que haya podido hacer con Rui, pero aunque todo sea más bestia y más grande, no me siento extraña con respecto a lo que yo había podido hacer antes”, explica.

Señala también a otra de las claves de Caballo Films, la productora que se ha convertido en familia creativa detrás de todos los proyectos, el trabajar en grupo y con la misma gente: “Lo he podido hacer más acompañada, y eso me ha ido dando conocimiento. Si me hubieran soltado en El castillo creo que me hubiera dado algo. Pero todo lo que hemos aprendido juntos como equipo, con Rui, con Nacho Lavilla… eso nos ha permitido enfrentarnos a los dos a un casting con más experiencia, porque yo nunca había ido a casting con tanta responsabilidad como ahora. Pero gracias a haber estado presente en algunos procesos, he pensado que podía hacerlo un poco mejor que antes”, aclara de un reto que define como “exigente” y de “mucho vértigo”, pero también “muy estimulante”. Eso sí, no sabe si repetiría: “Muy bueno tiene que ser el proyecto para que repitamos y tendrá que pasar dentro de un tiempo”.

En El castillo, gracias a esos puntos de vista, y a un guion complejo lleno de aristas políticas y económicas, consiguen trasladar que sobre la prostitución no hay solo una mirada unívoca. Peña define el universo retratado como “tan complejo” que cuanto más leían, más difícil se volvía. “Nuestra máxima era que cada vez que hubiera una grieta por donde pudiéramos abrir complejidad, había que hacerlo. Poner matices en todo momento, en todo lo que nos lo permitía la historia, sin faltar a la verosimilitud, sin pecar de pedagógicas”, subraya. 

En esa complejidad decidieron que su protagonista supiera desde el primer momento que iba a ejercer la prostitución y lo aceptara. “Es peligroso el pensar que todas vienen engañadas, porque entonces ya estamos empezando a generalizar. Y una de las muchas cosas que nos han obsesionado durante este proceso es el decir que cada mujer es un individuo, aunque todas padezcan el mismo abuso”, analiza la guionista.

También se nota en cómo la serie va desgranando las connivencias empresariales que siempre hubo y hay con la prostitución. Desde la sanidad privada, que se encargaba de los análisis médicos de las mujeres, a los bancos, que colocaron cajeros dentro de los prostíbulos para que los hombres sacaran dinero en efectivo. Una trama económica que El castillo analiza de forma brillante y que siempre tuvieron claro que quería que “atravesara toda la serie” para mostrar que hay muchos intereses en que esa esclavitud siga existiendo.

El cineasta Mikel Gurrea, que sorprendió a todos en 2022 con Suro, buscaba sobre qué escribir su nueva película. Le gusta partir de “un lugar real”. Paseaba por su barrio, el barcelonés Sants, y se dio cuenta de que en las calles por las que paseaba había una película de ficción. “Empecé a interrogar el barrio con esa mirada de ficción, con esa idea de misterio. Sants es un barrio bastante cotidiano en apariencia. Es un barrio con un tejido asociativo muy fuerte. Ves muchos grupos de gente haciendo cosas. Algunas las comprendes, otras no porque no perteneces. Es un barrio con un sustrato anarquista muy potente pero que tiene un nombre muy religioso. Significa santos en catalán”, cuenta Gurrea del origen de su nuevo proyecto, Sants, con el que compite por la Concha de Oro en el Festival de Cine de San Sebastián. 

Ese choque entre un nombre religioso y un barrio donde a priori no hay nada santoral le hizo investigar y leer. Descubrió la iglesia que da nombre al barrio y fue a verla. Siempre estaba cerrada. Ahí apareció la imagen primigenia de Sants, la idea de “una iglesia cerrada, como una caja fuerte, llena de tesoros que alguien podría robar”. Leyendo sobre el tema descubrió a Erik el belga, un ladrón de arte que dejó memorias en las que describía “los robos con ambigüedad y ambivalencia”. “Prácticamente parecía que hablaba de devoción, la devoción de sustraer en lugar de colocar, pero era devoción por el objeto artístico y casi una devoción de religiosidad. Eso me interesó mucho. Entonces empecé a jugar con el personaje de Lali, que iba a ser una ladrona, que iba a ser una tía que respondía un poco al arquetipo de la drifter, una persona que vive de forma nómada”, explica.

Escribió una escena, que acabaría en la película, y a partir de ahí empezó a tirar el hilo para completar esta película atípica, hipnótica y mágica sobre una joven que descubre en el robo de arte un don, y acaba dentro de una comunidad liderada por una chamaca que le promete la pertenencia a un grupo, pero también que cuidará a su madre enferma mientras trabaje para su grupo de robos de obras religiosas. Un filme que llega con un timing curioso. Cuando la escribieron fue el robo del Louvre. Poco antes de estrenarla fue el del tesoro de Villena: “Mucha gente nos decía que no era real lo que contábamos, y es más real de lo que pensábamos”.

En Sants está ese juego entre lo profano y lo religioso en todo momento. En sus imágenes, en su trama. Y eso habla de un país en el que la presencia de lo católico sigue atravesando todo, incluso a los que no creen. Para Guerra, la gente que roba también idolatra esas imágenes de una forma similar, por lo que “iconoclasta e idolatría son al final dos caras de la misma moneda”. “Para mí era potente para mover la película en el espacio entre estas dos cosas”, añade.

En el centro del filme, y como contrapunto a la protagonista que interpreta una Victoria Luengo que vuelve a demostrar que es una de las mejores actrices del momento, coloca a un personaje hipnótico. Una ex monja, líder del grupo y que vende al mejor postor las obras a la que interpreta de forma misteriosa Eulalia Ramón, “la única que se le puede intuir un ideario más allá del de formar parte de una red de cuidados”, como la describe su director. 

Es un colectivo que hace cosas interesantes, que pone en juego una red, pero ella es la jefa. Mi ideario, mi creencia, es que tenemos que desconfiar de las estructuras piramidales

Mikel Gurrea — Cineasta

Ella se define como “una ladrona de ladrones”. Pero Mikel Gurrea hace que todo en ella sea sospechoso. Nunca sabemos si hay sinceridad en lo que dice. “Es un personaje que habla mucho con aforismos, que pontifica un poquito. Me divertía mucho no dejarlo claro. Me parecía que era potente darle a ella ese ideario para justificarse, pero quería que fuese un personaje esquivo que al final, es la líder piramidal de una estructura. Es un colectivo que hace cosas interesantes, que pone en juego una red de cuidados y favores, pero ella es la jefa. Mi ideario, mi creencia, es que tenemos que desconfiar de las estructuras piramidales”, opina.

En ese juego de lo milagroso, Gurrea cree que lo más cercano a un milagro que ocurre en el filme es que “alguien venga a tu vida y te diga que puede hacerse cargo de los cuidados a los que enfrentarse”. “Imagina que alguien pueda eximirse de esa responsabilidad, porque ese es un melón que no lo tenemos nada resuelto socialmente. No tenemos una estructura pública que, cuando hay que cuidar, se encargue y es jodido. En las ciudades eso se vive de una forma muy solitaria, entonces era muy suculento que ella ofreciera eso. Los líderes son persuasivos a menudo porque saben identificar la necesidad”, apunta.

Igual que la personalidad de su protagonista va a “la deriva”, también en lo estético quería ser “juguetón y no ir en línea recta”. Se basó en las películas de robos en donde el robo “parece un ritual”, y menciona a Rififí y Topkapi, de Jules Dassin, “que tienen este punto de juego y de ficción, pero que luego son metódicamente muy precisas”. También algo de Irma Vep, de Olivier Assayas, la película de 1996 que junto a su director de fotografía, Julián Elizalde, analizaron para trasladar los travellings con zoom que le dan a la película “fluidez e inestabilidad, una sensación de escapismo que tiene que ver con lo meta, con la ficción y la realidad”.

Todo el mundo habla de La bola negra. Y qué bien que lo hagan. La gente habla por las calles de Lorca, de la Guerra Civil, de esa película que va dispuesta a hacer historia en los Oscar gracias a su mezcla de emoción, ambición y memoria histórica. Pero sobre todo hablan de ellos, de los Javis, de Javier Calvo y Javier Ambrossi, dos cineastas superdotados, autodidactas y brillantes.

Parecía ayer cuando llenaban el hall del Teatro Lara con La llamada, o cuando desde un canal desconocido, Flooxer, nos presentaron a Paquita Salas, ahora un personaje fundamental en la historia de las series españolas. Poco a poco, proyecto a proyecto, han ido creciendo en madurez hasta llegar a esa bola negra con la que compitieron en el Festival de Cannes, donde lograron el premio a la Mejor dirección.

Es raro ver en el festival más importante del mundo compitiendo a directores con su segunda película, pero allí intuyeron pronto lo que luego se ha comprobado, la emoción torrencial que el espectador vive al ver la película. La gente se ve arrollada por esa mezcla de líneas temporales que mezclan 1932, 1937 y 2017; que se atreven a desarrollar la ficción inacabada de Lorca, y a materializarse en una coda final que emociona hasta la lágrima. El mundo ha descubierto a los Javis.

¿Cómo han vivido la locura de todos estos meses?

Javier Calvo: Yo estoy bien, la verdad. Nos hemos obligado a tener un agosto en el que no hacer nada. Yo he estado mucho tiempo con mi familia en Murcia, en mi casa de siempre, y mi única preocupación ha sido pensar en qué íbamos a comer al día siguiente y mientras comíamos qué íbamos a cenar esa noche. Eso me da mucha paz. Yo necesitaba tocar tierra porque ha sido, más que todo lo que ha pasado, el ritmo de estos momentos. Me ha venido bien este mes de estar tranquilo, respirar y prepararme para lo que tenga que venir.

Javier Ambrossi: Yo estoy aceptando que tengo que descansar, pero tengo que trabajar todos los días para que mi cerebro esté regulado. Si no, como que se me hace bola y pienso que luego va a ser peor cuando vuelva. Pero estoy muy tranquilo con lo que pasó en Cannes. Cuando ganamos 'Mejor dirección' me dio paz sentir todo lo que había pasado, porque no tendría por qué haber ocurrido. No respondía a nada más que a la película. No tuvimos la oportunidad ni de explicarla ni de hablar con nadie ni de tener ni siquiera una carrera larga en el cine como para que de repente sea un premio que compense otra cosa. Realmente habla la película.

A mí hay una cosa que me parece muy mágica de Cannes. Hay películas que entran en el teatro Lumière de una forma, y salen de otra. Vuestra salida fue increíble, la gente estaba deseando saber quiénes erais. 

J.A.: A la mitad de la proyección yo sentí que la gente había conectado con la película. Yo empecé a escuchar lágrimas, gente sonándose los mocos, muchísimo silencio. No sé si será el más grande del mundo, pero uno de ellos. Además, es un cine que se presta mucho a que haya invitados que no sepan ni qué película van a ver, ni quién eres tú. Que estén con el móvil. Gente que se levanta, gente que se va. Entonces, de repente, ver a la gente tan concentrada, emocionada... La primera mitad estuvimos peleados, pero peleados tipo que le tuve que decir: “Javi, deja de darme por el culo”.

J.C.: En Cannes tú vas el día anterior a las tres de la mañana a chequear el sonido y decidir a qué volumen pones la proyección. Es que solo de acordarme me estoy angustiando, se me seca la boca. A mí me gusta que suene muy alto. Fuimos y yo estaba muerto, llevábamos mucha tralla encima. Habíamos entregado la película un par de días antes. Y dije, “ponla al siete”. Y me dijeron, “es un poco alto”. Y yo, “venga, da igual”. Pues en mitad de la proyección empiezo: “Está muy alta. Muy alta. Muy alta”.

J.A.: Es que Javi te da el viaje de ida y el de vuelta. Durante el momento que hay que elegir es: “Lo pongo alto”. Hasta que le dices que sí y luego ya cuando lo ha puesto dice: “Está muy alto”. Y ya le dije: “Javi, no me vas a joder la proyección del estreno. Esto es una vez en la vida”.

'La bola negra' es una película que nos supera, que tiene como un propósito mayor de existencia que nosotros, y creo que eso la gente lo está leyendo.

Javier Ambrossi — Cineasta

J.C.: Y aparece la productora francesa por detrás, Alice Labadie, y dice: “Igual está un poco alto”.

J.A.: Yo también le hablé fatal. Le dije: “No te metas tú ahora, porque lo que le faltaba a él”. 

J.C.: Estuve escribiendo al proyeccionista por WhatsApp en mitad de la proyección.

J.A.: Yo tuve la suerte de tener cerca a Lola Dueñas, que no había visto la película. Entonces la magia de Lola de repente se me pegó. Lola empezó a conectar de una manera muy profunda y empezó a llorar.

J.C.: Y tú me dijiste: “Javi, va a salir bien, está escrito en las estrellas”.

J.A.:. Yo siento que esta película, desde que llegó a nuestra vida y con todo lo que ha pasado, hay algo que no estamos controlando. Este es un proyecto que de repente llegó a nuestra vida y que todo ha sido fluido. Con mucho trabajo, mucho esfuerzo. El rodaje más difícil que hemos tenido jamás, el que más intenso hemos vivido. Pero todo tenía como un flow. Y siento eso, que está escrito en las estrellas. Siento que es una peli que nos supera a Javi y a mí, o que tiene como un propósito mayor de existencia, y creo que eso la gente lo está leyendo.

Por seguir con la locura, ¿cómo viven que La bola negra esté en todas las predicciones de los Oscar?

J.C.: No he sido muy seguidor de este mundo apuestas de Oscar, entonces no sé cómo de realista es ni cuánto cambia eso. Sé que estamos ahí y que se nos considera. Yo me acuerdo, creo que cuando estábamos en Cannes, que vi un tuit como de algún bot que decía: estadísticas de que La bola negra gane algún premio en Cannes: 0%. Entonces ahora estamos un poco más arriba en la estadística de ganar algo, lo cual me parece increíble, casi una simulación. Pero ahí está. A mí nuestra película, la de todo el equipo, me encanta y ojalá pase. Creo que sería algo muy importante para la película, para nosotros, para el equipo y para este país.

J.A.: Y para el cine español. Yo viendo cómo gusta a los americanos y cómo gusta a todo el equipo de Netflix, la puja que ha habido por tenerla, que ha sido grande y sobre todo viendo la reacción de la gente, ves la emoción y es muy genuina, como que toca algo en la cultura americana.

En Cannes se notó en cómo conectó con la crítica de EEUU.

J.A.: Sí, porque tiene algo de homenaje al cine, evidentemente al cine hollywoodiense que me hizo amar el cine. Pero tiene luego otras muchas cosas y tiene sentido que una cultura como la americana en este momento reivindique la emoción.

J.C.: Yo creo que también nosotros creamos desde un lugar bastante salvaje, emocional y artesanal, y en el sistema que tienen ellos montado a la hora de rodar es muy difícil conseguir esa manera de hacer tan artesanal y bestia como hacemos nosotros.

J.A.: Y sin plantillas. Les sorprende que no respondemos a tests. Entonces eso les conmueve. A Lisa Taback, que es la que lleva todo el mundo premios en Netflix le pregunté, ¿pero por qué nadie querría darnos un premio?, ¿qué representamos? Y me dijo: “El futuro. Yo la apuesta que hago desde Netflix es apostar por el futuro. No he visto gente como vosotros. No he visto gente que se implique así. No hay directores así”.

Y ese estreno en cines en EEUU, cuando allí la estrenará Netflix (aquí pasará por cines y posteriormente se verá en Movistar Plus), que creo que es muy representativo…

J.A.: Se pidió, lo pedimos.

¿Es un logro conseguir que se vea en pantalla grande, que se comparta así esa emoción?

J.C.: Es que creo que realmente la película que queríamos hacer era una película que generara la necesidad de disfrutarla en una sala en pantalla grande, de manera colectiva y con la sensación de no querer perderte ningún detalle. En contraposición a me pongo una película en la tele mientras hago la comida o miro el móvil y me quedo dormido, y mañana si eso lo acabo o no. Contra esa costumbre que se está generando, que no digo que esté bien ni mal, a mí no me encanta, queríamos crear algo que significara todo lo contrario, la ilusión de volver a disfrutar con alguien, o de mostrarle a alguien, que creo que eso es muy bonito. Esa sensación de ir a un lugar y salir de otra manera. Yo recuerdo cómo he salido de películas cuando tenía 13 o 14 años y recuerdo la sensación de ver el mundo de otra manera, de salir por la calle y sentir que la calle es distinta y que mi vida es distinta y me daría mucha pena que esa sensación cada vez se fuera diluyendo más en la gente, sobre todo en la gente joven.

El extremismo y el odio son una sombra que acecha continuamente y parece que últimamente más. Y de hecho, la última frase de la película es “mira que nos acechan todavía”

Javier Calvo — Cineasta

J.A.: Fue una negociación cuando Netflix dijo que querían la película. Estábamos ahí en Cannes, en unas calles al lado de unos contenedores de basura, porque no hay absolutamente nada, con un ron cola que estaba el hielo derritiéndose, en mitad de una callejuela, pasando el camión de la basura. Y yo lo que pedí es que fuera por lo menos un mes y medio en cines y que respetaran el formato en el que está rodada. No nos importó el dinero, no estábamos hablando de eso. Netflix puede tener el poder de llegar a la gente, que es algo que la peli siendo de lo que es y el mensaje que tiene, va a agradecer muchísimo. Pero pedimos un mes y medio, y nos dijeron, “¿pues sabes qué? Serán 47 días”.

Han mencionado que hay películas que uno entra de una forma y sale de otra, ¿cómo les gustaría que saliera la gente de La bola negra?

J.C.: Para mí lo principal sería que hicieran caso a una voz que suena en un momento de la peli que dice: “Hay que vivir. Vivir siempre”. Creo que es una película que te ayuda a tomar decisiones y a querer vivir, y eso es algo muy bonito.

J.A.: Me gustó mucho la conversación que tuvimos con Anne Hathaway sobre la película que dijo que ella se quedaba con un pensamiento y es que en el presente nuestra parálisis es privilegio, y me pareció que lo clavó, y es justo lo que yo quiero que reflexionemos, que en el presente estamos paralizados porque tenemos la oportunidad de estarlo, pero que tenemos que movernos hacia delante. No te quedes en un sitio donde no quieres estar, no estés en una pareja con la que no quieres estar. Hay un privilegio que es el de tener tantas opciones que nos paraliza. Y hace muy poquito la generación de nuestros abuelos no podía a lo mejor ni reconocerse su propio deseo. Y en el colectivo LGTBIQ+ eso está muy claro. La peli habla de eso. Hay tanto silencio, tanto, tanto dolor, tanta tristeza, tanto asesinato en nuestro colectivo, tanta gente que ha luchado, que creo que los que en el presente podemos tener opciones de libertad, tenemos que explorarlas y tenemos por lo menos que intentar ser felices y sentirnos completos.

Pero es verdad que, por desgracia, ese mensaje en 2026 sigue siendo de alguna forma casi revolucionario, ¿hacia dónde creen que avanzamos, les da miedo el futuro?

J.A.: Es que nosotros mismos no habíamos escrito una peli ni una serie con personajes gais, ni hablando de deseo entre hombres. Entonces para nosotros mismos es revolucionario porque no sé por qué nunca nos habíamos atrevido a hacerlo. No sé si porque era obvio o porque no queríamos sacar temas que a lo mejor nos removiesen a nosotros. Parece que hay muchas historias en el cine que hablan de eso, pero es que no hay tantas, y protagonizadas por actores abiertamente gais que interpretan papeles gais, dirigidas por directores gais, con equipo LGTBIQ+… no hay tanto hecho por y para. Entonces para mí sí es revolucionario porque sí viene a ocupar un hueco que falta y espero que la gente de una generación la reciba así.

J.C.: Yo creo que hay algo que es obvio, y es que el extremismo y el odio es una sombra que acecha continuamente y parece que últimamente más. Y de hecho, la última frase de la película es “mira que nos acechan todavía”. Todo lo que ha vivido Sebastián, el personaje de Guitarrica, no pasó hace tanto tiempo. Cuando fuimos a la Fundación 26 de diciembre, que vamos a menudo, a tomar roscón con los mayores LGTBI de la asociación, se acercó uno de ellos y nos dijo que él había tenido su pareja toda la vida y las dos familias les dejaron de lado por ser gais, y que cuando murió, él no tenía nada más en su vida. Era lo único que tenía. Se quedó solo y solo iba al cementerio todos los días a ponerle flores. Y ahora, gracias a que estaba la fundación, podía ir a relacionarse con gente. Entonces me hizo pensar, joder, no solo no conozco las historias de las personas mayores de mi colectivo, que es impresionante e increíble, gente gracias a la cual yo hoy puedo disfrutar de mis derechos, sino que creo que tampoco conozco la de mis abuelos.

J.A.: Y lo que has dicho de los abuelos, ojalá la película sea reivindicativa también en eso, en lo familiar, en encontrarnos con la gente que nos rodea, en la familia, los abuelos, los amigos, la gente que piensa diferente a nosotros. Lo que me parece más reivindicativo de la peli, más allá de la lucha LGTBI, que evidentemente es muy importante, es la reivindicación de entendernos, de intentar ponernos de acuerdo aunque sean cuatro hechos fundamentales de nuestra historia para poder seguir adelante, para poder tener un diálogo, para que no todo se convierta en violencia.

Lo de ponernos de acuerdo en cuatro cosas, ¿una de ellas no debería ser Lorca, cuyos restos siguen bajo tierra?

J.C.: Fíjate, no creo que nadie en España niegue que Lorca es, si no el más grande, un genio absoluto. No hay debate a nivel poético o teatral, es uno de los dos o tres más importantes. Pero sí que es verdad que a mí me sorprendió, porque no sabía qué pasaba, que al hablar de él parece como que mucha gente tirara de él, por un lado, o por otro, como si no quisieran que fuera de todos. Como si hubiera una disputa por quién tiene la razón sobre él. Una cosa muy rara que yo no sabía qué pasaba.

J.A.: Eso pasa con los símbolos. Todo el mundo quiere apropiarse de los símbolos. Es una cosa normal, eso es lo lógico. Pero es verdad que asusta cuando de repente quieres hablar de algo. Lo que nosotros queríamos hacer, lo que nos parecía bonito, era enriquecer la figura de Lorca, no negar ninguna de las otras partes políticas sociales que evidentemente son superimportantes en lo que él era. Nosotros creemos que no se ha señalado suficiente que una condición importante de su vida, en su literatura y en su asesinato fue su libertad. Su libertad que englobaba su homosexualidad y que creo que a mucha gente, y a mucha gente joven, le puede hablar. Es que no tenemos tantos artistas LGTBIQ+. Y la gente dice, pero qué más da que fuera gay, pues sí importa, porque apela a nuevas generaciones como referente y creo que eso es importante. Nosotros solamente queríamos enriquecer esa figura sin querer sentar cátedra. 

Hay una cosa en el tamaño de la película, porque no hay historias grandes, épicas, LGTB. Hacen siempre la comparación con Titanic, pero tiene algo de eso, de una historia de amor épica homosexual, historias queer que no tienen por qué ser de nicho, pequeñas. 

J.A.: O que para que sea muy grande, tipo Brokeback Mountain, tengan que interpretarla dos estrellas hetero. Que tenga todos los elementos que tiene La bola negra, eso la hace muy única. Yo creo que esta peli tiene todos los elementos para que si te acercas, puedas salir cambiado y con un pensamiento, por lo menos, más cercano al otro, que es de lo que va, de ver que el otro existe, piense diferente a ti o no.

J.C.: Me encanta que digas Titanic, porque claro, igual que Lars Von Trier dijo, “yo quería hacer un musical y me salió Bailar en la oscuridad”, o Almodóvar en una entrevista en La Edad de Oro, que le preguntaron, ¿a quién creéis que os acabaréis pareciendo?, y dijo: “Yo creo que irremediablemente acabaré pareciéndome a Pedro Almodóvar”. Pues claro, yo quería hacer Ven y Mira, Apocalypse Now e irremediablemente siempre se me acaba acercando un poquito, aunque sea en emoción y en ganas de llegar a la gente, a Titanic.

Desde que les hacemos entrevistas nunca les habíamos preguntado por su vida privada…

J.A.: Ya la contábamos nosotros [risas].

Pero de repente les preguntamos si van a hacer otra película tras la separación, ¿cómo llevan que su vida íntima se haya colocado en ese foco?

J.C.: Yo lo pasé muy mal, sinceramente, me dio mucha ansiedad, pero a la vez agradezco que pasara porque me ayudó a entender que tengo que proteger mucho más mi vida. Como que antes éramos muy festivos, contábamos todo. Siento que he pagado un poco las consecuencias de haberme expuesto como pareja en mi vida, y me doy cuenta de que cada vez más quiero que mi trabajo hable de mí y yo vivir mi vida y ya está.

J.A.: Yo lo entiendo, entiendo el interés. Creo que siempre hemos mezclado lo personal con lo profesional en cada entrevista desde que la gente nos conoce, desde que empezamos con La llamada. No ha habido entrevista en la que no hayamos hablado y sido cariñoso el uno con el otro. Es normal que cuando se produce la ruptura, haya este interés. Ahora que ya ha pasado, pues yo creo que ya no hay más que rascar. Es decir, vamos a seguir trabajando juntos, nos queremos un montón y cada uno tiene su vida y así seguirá.

Entrevista completa

El cine ha mostrado muchas historias de amor. Algunas acaban bien, otras mal… lo que no suele preguntarse es lo que ocurre después. ¿Cómo se afronta la pérdida? Las pocas que se han parado a mirar a una ruptura lo hacen siempre como una excusa para que el o la protagonista encuentre otro interés romántico, o rehaga su vida de otra forma. Pero la realidad no es así. Las heridas muchas veces se quedan, hacen cicatriz y supuran. Porque la herida de una ruptura sentimental, en el mundo en el que vivimos, esconde algo más profundo.

¿Cómo vamos a querernos si no tenemos donde vivir?, ¿si uno llega reventado de trabajar 12 horas por un sueldo de mierda? Todo eso está en Esta soledad, el debut en la dirección de Javier Giner. Y lo está por ausencia pero presente. La precariedad, la violencia del sistema se masca en esos barrios de Bilbao grises y abandonados. En esas casas con desconchones. Esos carteles rotos. Y, sobre todo, esos dos protagonistas Lorea y Leo que no se ven en todo el filme. La película aborda las heridas sentimentales provocadas por las fracturas de un sistema, y cómo intentan recomponer las piezas con todo a la contra.

Para el director, que tras el éxito de la serie Yo, adicto, estrena su primera película en la sección de Nuevos Directores del Festival de San Sebastián, la soledad es una consecuencia de lo que pasa actualmente, de una “desconexión vital que es paradójica cuando estamos más conectados que nunca”. Y pone de ejemplo las ciudades, como ese Bilbao que es un personaje más de su filme, “lugar de encuentro y sin embargo, la gran urbe capitalista cada vez se ha convertido en un lugar donde las soledades son más usuales”. Un contexto en el que la soledad es “una especie de pandemia que atraviesa a varias generaciones y que cada vez se está haciendo más profunda”.

Con un Oriol Pla que demuestra que es uno de los grandes actores de nuestra generación (y que acaba de recibir el Premio Nacional de Teatro) y una Marina Salas soberbia, Giner deja claro que aunque no quiso “hacer una película de tesis o una película para dar la chapa acerca de una problemática”, es consciente de que ha hecho “una película profundamente anticapitalista en ese sentido”. “Habla de dos personas que intentan sobrevivir en una vida y en un contexto que se tambalea continuamente, que está formado por estructuras inestables y frustrantes. Mi pregunta es: ¿cómo podemos construir un futuro o amarnos cuando tú no puedes pagar el alquiler o cuando ciertas necesidades básicas del ser humano no están cubiertas y cada vez son más elusivas?”, cuestiona. 

Tiene la sensación de que nos hemos acostumbrado a la precariedad, a hablar de ella como algo “sistémico”. “Lo damos por hecho y continuamos, pero al final esa precariedad empieza siendo material, pero empapa todos los aspectos de nuestra vida. ¿Cuando tú tienes una inestabilidad laboral, qué tipo de estabilidad de afectos puedes tener? Me interesaba mucho investigar cómo todo eso afecta a la forma que tenemos de amarnos y de vincularnos con el otro”, añade.

Aunque estéticamente sea diferente, hay ciertos “tropos” que se repiten respecto a Yo, adicto, y que cree que probablemente vayan a estar en todo lo que haga a partir de ahora. Uno es la familia como estructura originaria que nos condiciona de mil maneras distintas“. Otro es el sistema para hacer ver que la responsabilidad, muchas veces, no es individual. ”Parece que si fracasas es que tú eres un fracaso, ese es el mensaje que lanza ese sistema. Y a lo mejor tú tienes algo que ver en el fracaso, pero la pérdida de esperanza no ocurre en un vacío. La precariedad no la invocamos nosotros, nos viene impuesta“, subraya. 

¿Cómo podemos construir un futuro o amarnos cuando tú no puedes pagar el alquiler o cuando ciertas necesidades básicas del ser humano no están cubiertas y cada vez son más elusivas?

Javier Giner — Cineasta

El Bilbao que muestra no es el de los anuncios de turismo, sino que en su búsqueda de un “realismo absoluto” ha retratado el “industrial decadente que todavía existe”. Protagonistas absolutos porque dónde se desarrolla una historia marca absolutamente cómo se cuenta. “Si tú sitúas esta historia de Leo y Lorea, por poner un ejemplo, en Lavapiés, sería una película completamente distinta. Hay algo que es muy intangible, pero que es como una identidad cultural, afectiva muy propia del País Vasco. Yo en plan de coña le llamo ‘mi película hipervasca’”, dice entre risas.

Para este debut ha confiado en dos actores que estaban en Yo, adicto, y que son amigos y cómplices, “dos actores superdotados” que son más su “familia” que simples intérpretes, Marina Salas y Oriol Pla. “Yo esta película la escribo para ellos, buscando cosas que no les he visto hacer y que de repente pensaba hostia, qué guay, vamos a transitar esto. Son dos personas implicadísimas, ultrasensibles y tienen un compromiso y un amor por su oficio tremendo y para mí es un lujo tenerles en mi vida”.

La entrevista se realiza poco después que Oriol Pla haya sido reconocido con el Premio Nacional de Teatro, y Giner cree que simplemente “está recogiendo los frutos por lo que es, uno de los actores más superdotados que tenemos en este país. Una bestia y es un maestro de vida”.

La inversión en producción de cine y televisión ha crecido en un 45% en los últimos tres años, alcanzando los 5,6 millones de euros en 2025. Así lo constata el estudio sobre el impacto económico, social y territorial presentado por la Spanish Film Commission este martes en el marco del Festival de Cine de San Sebastián.

El estudio está basado en fuentes nacionales oficiales y utiliza una metodología específica para estimar los efectos directos, indirectos e inducidos de la producción audiovisual. El indicador de gasto directo recoge los costes operativos de las empresas, incluidas sus compras de bienes y servicios y sus gastos de personal. En este sentido, el acumulado entre 2022 y 2025 supera los 20.000 millones de euros.

“Estos datos muestran una historia de éxito compartido, construida por las instituciones, las empresas, los profesionales y nuestra red de film commissions y film offices”, ha declarado Juan Manuel Guimeráns, presidente de la Spain Film Commission, durante la presentación.

Una industria generadora de empleo

El empleo que activa la producción audiovisual se extiende más allá de los equipos de rodaje y las propias productoras. Cada proyecto necesita proveedores, transporte, alojamiento y servicios profesionales; a ello se suma la actividad que genera el gasto de los salarios de quienes trabajan en la producción y su cadena de suministro.

En conjunto, el estudio estima que la producción audiovisual sostiene 68.000 empleos equivalentes a tiempo completo en 2025, cerca de un 20 % más que en 2022. De ellos, 36.200 (aproximadamente el 53 %) corresponden a esos efectos indirectos e inducidos. La cadena de suministro y la actividad derivada del gasto salarial generan 2.260 millones de euros de valor añadido bruto (VAB), incluidos en los 4.980 millones de impacto total estimado para 2025.

El impacto salarial total asociado a la producción cinematográfica y televisiva se estima en 2.230 millones de euros en 2025. Esta magnitud incluye los salarios vinculados a la actividad directa, a sus proveedores y a los efectos inducidos en el conjunto de la economía.

Pomovido por Spain Film Commission y financiado por la Secretaría de Estado de Digitalización e Inteligencia Artificial, del Ministerio para la Transformación Digital y de la Función Pública, en el marco del Plan España Hub Audiovisual, el informe ha sido elaborado por Olsberg•SPI con la participación de la Cátedra Spain Film Commission de la Industria de los Rodajes de la Universidad Pablo de Olavide, que reúne a especialistas de universidades españolas.