Continúan las buenas noticias para el cine español: la ópera prima de Aina Clotet formará parte de la Semana de la Crítica del Festival de Cannes. Se trata de una sección paralela cuyo objetivo principal es descubrir nuevos talentos, centrando su programación exclusivamente en la primera o segunda película de directores emergentes de todo el mundo.

Viva, el debut de Clotet, es una comedia dramática que se desarrolla en una Cataluña asfixiada por una sequía extrema. Nora se está recuperando de un cáncer de mama y se plantea replantearse su vida personal y profesional a la luz de este renacimiento y de los nuevos horizontes que se le abren.

La cinta de Aina Clotet, en la que ella misma interpreta el papel protagonista y que está escrita junto a Valentina Viso, presenta a un personaje tremendamente entrañable, en lucha con sus dilemas y sus aspiraciones, mientras la ola de calor le provoca alucinaciones. La directora cuida cada pequeño detalle de este picante retrato de mujer, tal y como ha avanzado Cannes.

La semana pasada conocimos que hasta tres películas de nuestro país competirían en la Sección Oficial de Cannes la próxima edición, gracias a los nuevos proyectos de Pedro Almodóvar, Rodrigo Sorogoyen, Javier Calvo y Javier Ambrossi. Desde la creación de la Palma de Oro en 1955 nunca había habido tantos títulos españoles en competición.

Al certamen regresa un habitual como Almodóvar, que estará con Amarga Navidad, y le seguirá también Rodrigo Sorogoyen, que optará por primera vez al premio por El ser querido, su drama con Javier Bardem y Victoria Luengo. Javier Calvo y Javier Ambrossi, que se han convertido en una de las sorpresas de la Sección Oficial, entran con la que es su segunda película, La bola negra.

Por primera vez en la historia, tres películas españolas competirán por conseguir la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar, El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen y La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi, lucharán por el prestigioso galardón cinematográfico en la 79ª edición del festival que se celebrará en esta ciudad francesa.

El año pasado, otros dos largometrajes bajo la marca España optaron al galardón: Sirat, de Oliver Laxe, y Romería, de Carla Simón. Sin embargo, el galardón acabó en manos del iraní Jafar Panahi gracias a Un simple accidente. Si Almodóvar, Sorogoyen o Los Javis consiguen imponerse en Cannes, se sumarán al récord que hasta ahora solo ostenta Luis Buñuel.

El cineasta es el único español que ha ganado la Palma de Oro en toda la historia del festival. Lo hizo con Viridiana, película que se estrenó en Cannes en 1961 pero que, en España, no pudo verse hasta casi dos décadas después. El largometraje llegó a los cines españoles en 1977, cuando la dictadura de Francisco Franco se había acabado tras la muerte del dictador.

Por qué ‘Viridiana’ fue censurada

En 1960, hacía más de veinte años que había terminado la Guerra Civil. Franco llevaba en el poder el mismo tiempo que Buñuel en el exilio. Después de viajar por varios países, el director aragonés había marchado a México al acabar el conflicto armado, donde encontró un entorno más favorable para dirigir sus películas. Sin embargo, en 1960, decidió regresar a España para ponerse al frente de Viridiana.

Sin destripar la trama, la película contaba la historia de Viridiana, una joven novicia que, antes de tomar sus votos, es llamada por su rico tío don Jaime para pasar unos días en su finca. Una vez allí, a ambos les suceden diversas desgracias que acaban con la llegada de Jorge, el primo de Viridiana, a la finca. Entonces la muchacha también decide acoger a un grupo de indigentes siguiendo la idea de caridad cristiana. Solo con ver el tráiler, podemos hacernos una idea de lo que Buñuel puso sobre la mesa con esta historia.

El filme protagonizado por Silvia Pinal, Francisco Rabal y Fernando Rey llegó a Cannes en 1961, donde fue premiado, pero no tuvo mucho tiempo de gloria. L’Osservatore Romano, el diario oficial del Vaticano, enseguida publicó un artículo donde acusaba a la película de blasfema y sacrílega, y pedía la excomunión de sus autores.

Viridiana, toda una crítica a la religión y la caridad del genio del surrealismo, no pudo escapar entonces de las autoridades del régimen español, que condenaron la película a una “muerte administrativa”. La dictadura ordenó destruir todas las copias del filme, pero Silvia Pinal y el productor Gustavo Alatriste lograron salvar una, que sacaron de España burlando la censura franquista. La película no se estrenó en nuestro país hasta abril de 1977, ya muerto Franco.

Cualquier noticia sobre el cine español, y especialmente si afecta a cineastas que se mojan en asuntos políticos y sociales (con Pedro Almodóvar a la cabeza), se llena de insultos cada vez que se comparte en redes sociales. Da igual que sea una crítica, una entrevista… siempre ocurre lo mismo. Los adjetivos no son muy variados. Abundan los insultos despectivos y faltones, pero sobre todo se recurre a la palabra favorita de los haters del cine español: subvencionados.

La palabra, usada como insulto, tiene ya tiempo. Fue la derecha española, con el PP a la cabeza como venganza por el posicionamiento del cine español en el 'No a la guerra' del 2003, quien comenzó un acoso y derribo. Colocar al sector como unos jetas mantenidos fue su principal batalla. Lanzaron un mensaje en sus votantes: que el cine español no lo veía nadie, no interesaba a nadie y lo pagábamos todos con nuestros impuestos.

Nunca les dijeron que España ha sido, históricamente, uno de los países que menos dinero público ha dado a su industria del cine; que los rodajes y las películas devuelven con creces en forma de impuestos y contratos lo que reciben del estado, o que hay otros muchos sectores (como el automovilístico) que reciben muchísimo más dinero sin que nadie se lo eche en cara. Por supuesto nunca se les pasó por la cabeza dejar claro que la cultura no debería regirse por un principio de rentabilidad.

Desde hace unos años, y empujados por una extrema derecha que recupera esos viejos mantras, la derecha ha vuelto a retomar la virulencia contra el cine español. Lo ocurrido en los últimos meses lo deja claro: la aparición de Juanma Bajo Ulloa en Horizonte denunciando que el cine español estaba regido por la agenda woke y castigaba a quien saliera de ella; y el estreno de Torrente Presidente han tensado la cuerda. 

Las últimas semanas han sido un hervidero de insultos al cine español y a las subvenciones. Todos y cada uno de los videopodcast de los popes de la derecha cultural mediática han realizado especiales cargando contra el sistema de ayudas. Según ellos el cine español no le importa a nadie y no debería recibir dinero público. Da igual que los argumentos de Bajo Ulloa no fueran ciertos. Incluso les ha dado igual que el propio Santiago Segura haya repetido una y otra vez que está a favor de las ayudas públicas. De hecho, aunque esta entrega de Torrente no la haya recibido, las anteriores sí la tuvieron y casi todas las películas producidas con su empresa la tienen. 

Las noticias que llegaron desde el Festival de Cannes le quitan, de nuevo, la razón a esa derecha reaccionaria. España es, después de Francia y junto a Japón, el país que más películas tiene elegidas en la Sección Oficial del festival más importante del mundo. Cada año se presentan miles de títulos que aspiran a entrar en un selecto club que escoge lo mejor de cada añada. Este 2026, de los 21 elegidos tres son españoles. Un 14,2% han sido producidas aquí…. Y sí, con dinero público. Todas y cada una de ellas tiene dinero de las subvenciones al cine español. Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar obtuvo un millón, la misma cantidad que La Bola Negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi. El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen, 1,2 millones. Por cierto, Amarga Navidad ya ha recaudado en la taquilla española más del doble de lo que recibió.

Es irónico que mientras el resto del mundo se rinde al cine español, en España la mitad del país les ataque por lo que es parte de su éxito. Para que películas como estas existan es necesario que sean apoyadas por el Estado, y también que haya productores y plataformas como Movistar Plus+ que entren en su creación. Para que talentos como los de Sorogoyen y los Javis puedan dar rienda suelta a sus ideas debe haber un Ministerio de Cultura que apueste por el cine que triunfa fuera. 

La elección de Cannes es un apoyo sin fisuras a las políticas públicas españolas y al cine que se está haciendo. Hasta el propio Thierry Fremaux hizo un parón en el anuncio de la Sección oficial de Cannes para hablar del gran momento del cine español. “Hay un movimiento en el cine español. Está encontrando la forma de sacar adelante películas con buenos presupuestos y se está notando”, dijo. Esa forma es con un apoyo claro desde lo público. 

También se acordó de que Carla Simón estrenaba justo esta semana Romería en Francia. Porque ahí está el otro dato que mata el relato de que el cine español no interesa a nadie. No es solo Cannes, un grupo de cinéfilos desde su atalaya, es que el resto del mundo quiere ver cine español. Las películas se venden a todos los países. Unas ventas internacionales que hacen muy rentables a los filmes. Sirat lleva recaudados casi 13 millones de dólares en todo el mundo. Almodóvar, en su carrera, lleva más de 530 millones de dólares recaudados, la más alta para un cineasta que rueda en español, como recordaba hace poco el analista Pau Brunet desde su perfil en X. 

Ayer fue un buen día para el cine español, y uno muy malo para aquellos que llevan meses resucitando con fuerza los mantras del pasado. El cine español, el cine subvencionado, gusta y mucho. Lo de ayer debería hacer que se refuerce el apoyo público a la producción. Porque el cine español es Torrente, pero también es Almodóvar, Carla Simón, los Javis y Sorogoyen. 

Durante muchos años, demasiados, el cine español se acostumbró a que la norma general era no estar en el Festival de Cannes. El certamen más prestigioso del mundo, el que cambia la vida a las películas que están en sus secciones competitivas. Por supuesto estaba Pedro Almodóvar, pero faltaba un cambio generacional que hiciera que nuestras películas llegaran a competir de tú a tú con el resto de cinematografías. Cuando se preguntaba a los expertos, siempre decían que faltaba que el cine de autor tuviera peso y tamaño en España. Que se hiciera un cine con una mirada autoral, pero que tuviera el impulso de un presupuesto importante. 

La unión de las políticas públicas de los últimos años y el empuje de una nueva generación de productores ha logrado que el cambio ocurra. El año pasado se atisbó ese cambio cuando dos filmes españoles (Sirat y Romería) entraron en la sección oficial. Es raro que haya más de un filme del mismo país, y sin embargo este año el cine español se ha superado. Tres películas competirán por la Palma de Oro: Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar; La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi; y El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen. Es la primera vez que ocurre desde que se creó el premio en 1955.

Todos ellos mostraban pocos minutos después del anuncio su alegría. Una alegría que no era solo personal, sino que era colectiva por lo que esto representa para el cine español. Javier Calvo y Javier Ambrossi recibían a la prensa en la sede de su productora, Suma Content, donde vasos de champán dejaban claro que la noticia se había celebrado. Confesaban que hasta el día antes no les confirmaron que estarían, con su segunda película, en la Sección Oficial y que todavía no se lo creen del todo. “Llevo llorando todo el día”, decía Ambrossi.

Para el cineasta lo que ha ocurrido muestra que “algo pasa” con nuestro cine: “Lo bueno del cine de nuestro país es que cada uno venimos de un lugar diferente, que no pasamos por una industria que intenta homogeneizar. No pasamos por estudios que nos pongan cortapisas. Somos una industria libre y salvaje, para bien y para mal, y que tiene esas cosas únicas. El hecho de que pueda aparecer un Sirat, una Carla Simón, una Bola negra, y otro tipo de películas de perfil más pequeño, o más grande y dirigidas por gente de muchísimos backgrounds diferentes es emocionante”.

A su lado Javier Calvo intentaba, sin desvelar mucho de la trama, contar por qué es una película que habla del presente y eso pueda haber conectado con el comité de selección. “Es un tema importante en este momento… Es una película que habla de qué hacemos con nuestra historia. Qué hacemos con lo que hemos conseguido y con lo que se nos puede quitar en cualquier momento. Es un momento importante para hablar de esto”, apuntaba. “Yo creo que estamos bendecidos por Federico García Lorca. Se cumplen 90 años de su asesinato atroz en 2026”, completaba Ambrossi.

Los dos reconocían que se sufre en la espera, sobre todo por las expectativas creadas en el equipo, y que pensaban que aunque la película había gustado, era muy difícil entrar a competición con directores que son “sus padres” cinematográficos por la influencia que han tenido en ellos, y citan a Kore-Eda, Pawlikowski y, por supuesto, “el maestro Pedro Almodóvar”.

Un día de celebración para todos

Precisamente Almodóvar enviaba a la prensa un mensaje desde París, donde el Pompidou le dedica una retrospectiva. Almodóvar dejaba claro que lo que ha pasado esta edición es “absolutamente insólito” y creía que por eso este “es un día de celebración para el cine español”. “Son tres películas muy distintas de tres generaciones de directores: Rodrigo Sorogoyen, Los Javis y yo. Proponemos tres películas muy distintas y yo creo que es un momento de enhorabuena para el cine español, que demuestra también su buen estado”, señalaba.

Lo logran, además, en un “momento en que el cine de autor necesita visibilidad, y Cannes es el gran festival que celebra el cine de autor”. Por ello pedía que nadie se quede fuera de la celebración: “Debemos congratularnos todos de que en mayo estaremos tres películas compitiendo para esa Palma de Oro”.

Sorogoyen coincide en que lo que ha ocurrido con el cine español “es muy bueno” y que todos deberían estar de enhorabuena por este éxito. Es importante porque demuestra una calidad y demuestra un interés de los que tienen que elegir hacia el cine español. El año pasado ya hubo una gran representación que luego además se constató con la Concha de Oro de Alauda. Y esto constata de nuevo que estamos en un momento brutal“, subraya.

Eso sí, en su caso no han sufrido la agonía de saber si eran elegidos en el último minuto, porque a finales de enero ya les habían confirmado que estarían en Cannes. Algo que contrasta con lo que ocurrió con As bestas, que fue seleccionada en Cannes Premiere en el último momento cuando ya pensaban que no iba a pasar. “Pensamos que íbamos a sufrir eso otra vez, porque sufrimos muchísimo y fue una tortura total, pero cuando piensas que va a pasar una cosa, ocurre la contraria”, reconoció Sorogoyen.

El cine español sigue demostrando, año tras año, su gran momento de forma. Si el año pasado fueron dos títulos los que compitieron por la Palma de Oro en Cannes, en esta ocasión serán tres los que luchen por el premio del festival más importante y prestigioso del mundo. A un habitual del certamen como Pedro Almodóvar, que estará con Amarga Navidad, se unen cineastas que nunca habían estado en la Sección Oficial a concurso.

El primero es Rodrigo Sorogoyen, que optará por primera vez al premio por El ser querido, su drama con Javier Bardem y Victoria Luengo. El segundo, o mejor, los segundos, son Javier Calvo y Javier Ambrossi, que se han convertido en una de las sorpresas de la Sección Oficial donde entran con la que es su segunda película, La bola negra.

El ambicioso proyecto de los Javis es una de las presencias más refrescantes de una selección que apuesta por pesos pesados. Su drama en tres tiempos que parte de la obra inacabada de Federico García Lorca es una de las películas españolas más esperadas del año, y su elección en Cannes crea muchas expectativas. Logran entrar entre el selecto club de elegidos habiendo dirigido solo una película antes, pero con el éxito de La mesías a sus espaldas.

La serie fue un fenómeno en Francia, por lo que su nombre no es desconocido para ellos. España es, después de Francia y junto a Japón, el país con más películas en la Sección Oficial a concurso en esta edición. El propio director del festival, Thierry Frémaux dijo que había un movimiento en el cine español para encontrar los presupuestos para crear este tipo de cine y recordó que Romería, de Carla Simón, se estrenaba estos días en Francia y compitió el año pasado en Cannes.

La primera vez compitiendo por la Palma

Es la primera vez en la historia que tres películas españolas compiten por la Palma de Oro. Hasta ahora dos había sido el máximo. Anteriormente, en dos ocasiones hubo cuatro películas en Cannes, pero fue antes de la creación del galardón en 1955, cuando en el certamen se entregaba el Gran Premio y en una industria radicalmente diferente en donde se elegían películas de solo 40 países. Tanto en 1951 como en 1954 hubo cuatro películas españolas en Cannes. Queda por especular con qué hubiera pasado si Albert Serra hubiera llegado a tiempo para presentar este año su esperada Out of this World que podría haber colocado ese contador histórico en cuatro obras.

El cine español muestra además, su poderío gracias a las coproducciones con otros países. En Una cierta mirada se podrán ver dos: la coproducción con Chile, El deshielo, de Manuela Martelli, que cuenta con María Zamora, responsable de las películas de Carla Simón, en la producción. Y La más dulce, de Laïla Marrakchi y con Itsaso Arana en su reparto, que tiene a Fasten Films en el equipo de productores.

Almodóvar, Sorogoyen y la dupla formada por Javier Calvo y Javier Ambrossi se enfrentarán en mayo a una selección formada por viejos conocidos de Cannes como Hamaguchi o Farhadi. Ambos han rodado en francés y coproducido con Francia sus nuevas y esperadísimas películas. También con ganadores de la Palma de Oro como Cristian Mungiu, el director rumano que la logró con 4 meses, 3 semanas y 2 días y que vuelve con Fjord, donde tienen un reparto estelar liderado por Sebastian Stan y Renate Reinsve. Y habrá que estar atentos al esperadísimo regreso del cineasta ruso exiliado Andrey Zvyagintsev, que tras un parón provocado también por enfermedad presentará Minotauro.

La asignatura pendiente de Cannes sigue siendo la paridad. Mientras que destaca la cantidad de directoras en Una cierta mirada, sorprende para mal las pocas que han logrado sitio en la Sección Oficial a concurso: solo cinco de los 21 nombres anunciados de una selección que suele completarse las próximas semanas con títulos de última hora que no llegaron a tiempo en esta primera valoración tal como confirmó el director de Cannes, Thierry Frémaux, que dijo que esto era “el 95% de la selección”.

La actriz, directora y cantante Barbra Streisand recibirá una Palma de Oro honorífica en la próxima edición del Festival de Cannes, que se celebrará en mayo desde el día 12 hasta el día 23. La artista ganadora del Oscar se une así a otros homenajeados como Agnès Varda, Marco Bellocchio, Jodie Foster, Meryl Streep, Robert De Niro y Tom Cruise.

Streisand recibirá el galardón durante la ceremonia de entrega de premios que tendrá lugar el 23 de mayo. Al igual que ella, también hará lo propio Peter Jackson, aunque él recibirá el reconocimiento en la noche inaugural del festival. “Con orgullo y profunda humildad, me siento honrada de unirme a quienes han recibido la Palma de Oro honorífica, cuyo trabajo me ha inspirado durante mucho tiempo”, ha declarado Barbra Streisand.

“En estos tiempos difíciles, el cine tiene la capacidad de abrirnos el corazón y la mente a historias que reflejan nuestra humanidad compartida y a perspectivas que nos recuerdan tanto nuestra fragilidad como nuestra resiliencia. El cine trasciende fronteras y políticas, y afirma el poder de la imaginación para forjar un mundo más compasivo”, ha señalado la actriz.

Por su parte, Iris Knobloch, presidenta del Festival de Cannes, ha afirmado que este año querían “rendir homenaje a una artista que dejó huella gracias a la fuerza de su arte y su inquebrantable búsqueda de la libertad”. “Como mujer, me complace poder expresar nuestra admiración por esta consumada creadora y valiente ciudadana, cuyo ejemplo perdura a través del tiempo y sigue inspirando”, ha agregado.

El director del festival, Thierry Frémaux, ha añadido que “Barbra Streisand, estrella mundial, es ante todo una artista que impulsa proyectos que reflejan quién es, que le son propios y que comparte con el mundo entero. Es la legendaria síntesis entre Broadway y Hollywood, entre el teatro de variedades y la gran pantalla. Escucharla cantar y verla actuar forma parte de nuestros mejores años”.

Barbra ha destacado a lo largo de su trayectoria por musicales como ¡Hello, Dolly! (1969) y A star is born (1976). También ha participado enc omedias clásicas como y comedias clásicas como The Owl and the Pussycat (1970) o Meet the Fockers (2003) y ha hecho dramas como Nuts o el reconocido The Way We Were.

El director surcoreano Park Chan-wook, ganador del Gran Premio del Jurado del Festival de Cannes en 2004 por 'Old Boy' será el presidente del jurado en la edición de este año, que se celebrará el próximo mes de mayo.

El Festival de Cannes anunció este jueves en un comunicado que Park Chan-wook con el resto del jurado serán los encargados de elegir el 23 de mayo la Palma de Oro, que sucederá a la de “It Was Just An Accident” ('Un simple accidente') del cineasta iraní Jafar Panahi, que se la llevó el pasado año.

Los organizadores destacaron que es la primera vez que un surcoreano tendrá esa responsabilidad y señalaron que este realizador, que tiene en su haber una docena de películas, se caracteriza por un trabajo “visceral, subversivo, barroco”.

“La creatividad de Park Chan-wook, su control visual y su tendencia a capturar las múltiples pulsiones de mujeres y hombres con destinos extraños han ofrecido al cine contemporáneo momentos antológicos”, señalaron la presidenta del Festival de Cannes, Iris Knobloch, y el delegado general, Thierry Frémaux.

Después de 'Old Boy', el director surcoreano también resultó galardonado en el Festival de Cannes en 2009, con el Premio del Jurado por 'Thirst, ceci est mon sang'; y en 2022 por 'Decision to Leave'. 

Un tribunal revolucionario iraní ha condenado en ausencia al director de cine Jafar Panahi, con numerosos premios internacionales y último ganador de la Palma de Oro de Cannes, a un año de prisión por propaganda contra el sistema, informó este lunes uno de los abogados del cineasta.

“La Sección 26 del Tribunal Revolucionario Islámico de Teherán ha condenado en ausencia al señor Jafar Panahi a un año de prisión por actividades de propaganda contra el sistema”, dijo en X Mostafa Nili, uno de los defensores del director, que se encuentra fuera de Irán en estos momentos.

Nili indicó que el vencedor de la última edición de Cannes este año con 'Un simple accident' ('Un simple accidente’) ha sido condenado además a dos años de prohibición de salir del país y afiliarse a grupos políticos o sociales.

“Llevaremos a cabo las acciones necesarias para apelar esta sentencia”, añadió el abogado.

Director, guionista y activista por los derechos humanos, Panahi pudo salir de Irán el pasado mayo tras quince años de prohibición de viajar al extranjero y siete meses en prisión, y presentó 'Un simple accident' en Cannes.

“'Un simple accident' no la hemos hecho nosotros, la ha hecho la República Islámica, es la República Islámica la que nos encarcela. Deben saber que cuando encarcelan a un artista tienen que asumir las consecuencias”, explicó el cineasta en una rueda de prensa en Cannes sobre una película profundamente política en la que denuncia la violencia del estado contra ciudadanos inocentes.

Después visitó el Festival de San Sebastián en septiembre donde en una entrevista con EFE aseguró que la República Islámica “se ha autodestruido por dentro, solo le queda el cuerpo”.

En 'Un simple accident', Panahi, de 65 años, retrata la cotidianidad a menudo surrealista de los ciudadanos de Irán. Un grupo de antiguos presos políticos trata de averiguar si han dado con su torturador, al que solo pueden reconocer por la voz, mientras se afanan en tareas como preparar su inminente boda, trabajar en un taller mecánico o ayudar a una parturienta.

“En la cárcel te sientan en una silla frente a la pared con los ojos vendados mientras un policía te interroga. Pero más que tener la atención puesta en qué contestar, estás pendiente de la voz que te está preguntando. Quieres reconocer y entender a esa persona y tu oído se fortalece, pierdes el resto de los sentidos”, rememoró Panahi.

Representante de la 'nueva ola iraní', Panahi es uno de los cuatro cineastas -junto a Robert Altman, Michelangelo Antonioni y Henri-Georges Clouzot- que ha conseguido el premio principal de los tres festivales internacionales más importantes del mundo: Cannes, Venecia y Berlín.

Ganó el León de Oro de Venecia de 2000 por 'El círculo' ('The Circle', 2000); el Oso de Oro de Berlín por 'Taxi Teherán' (2015) y este año la Palma de Oro de Cannes con 'Un simple accidente', película presentada por Francia como candidata al Óscar a mejor filme internacional.

En 2010 le condenaron a seis años de prisión y a veinte sin realizar filmes, escribir guiones, viajar al extranjero ni dar entrevistas, acusado de “reunión y colusión contra la seguridad nacional” y “propaganda contra el sistema” de la República Islámica de Irán.

Fue detenido de nuevo en julio de 2022 por protestar por la detención de los cineastas Mohamad Rasoulof y Mostafa Ale Ahmad y encarcelado hasta febrero de 2023, cuando salió tras una huelga de hambre.

Julia Ducournau tiene un mapa de cada película que hace dentro de su cabeza. Tiene clara cada decisión que toma, cada línea de guion. Lo hace porque cada filme que dirige es importante para ella. Después de ganar la Palma de Oro por Titane podría haber hecho cualquier cosa, cualquier proyecto de terror en Hollywood. Y, sin embargo, afrontó una película como Alpha, rodada en Francia, con parte de sus diálogos en farsi, que afronta desde el género el sida en los 90 y que llega este viernes a las salas.

Pero, si Titane destrozaba los géneros para cuestionar el retrato del género como constructo, Alpha pone patas arriba la forma en la que el cine ha representado el sida y aquellos que fallecieron esos años. Los cuerpos de los contagiados son de mármol, y en una narrativa compleja e intrincada, Ducournau construye un ejercicio de memoria que haría un hermoso programa doble con Romería, de Carla Simón.

Todo sin renunciar a sus señas de identidad. A esa intensidad que tanto le critican, a esos arrebatos de body horror, y al amor indudable por sus personajes. Alpha es una película con la que salta sin red, pero de la que tiene clara cada decisión tomada.

Recuerdo que dijo que Titane era una película de amor. Creo que Alpha, aunque hable del sida, de memoria, es una historia de amor también.

Sí, absolutamente. Hay una correlación con Titane. Para mí, el cine es como un flujo continuo. Con cada película intento indagar en mis emociones, en mis obsesiones, en mi interior. Llegar a un lugar, no desconocido, pero sí inesperado, donde no me espero a mí misma, donde encuentro cosas que siento que están sin decir. Cosas de las que me cuesta hablar y va a ser un reto abordarlas. 

Cuando hice Titane, toda la estructura de la película se construyó en torno a los últimos 15 minutos, ese clímax de amor incondicional entre dos personajes que no debían conocerse jamás y que, de conocerse, se suponía que se matarían. Para mí, lo esencial era ver cómo estas dos personas se elegían mutuamente y se amaban incondicionalmente, formando un amor absoluto basado en el amor familiar, filial y romántico. Un amor absoluto. En la última escena se dicen “Te amo”, y me resultaba muy problemático. Al escribir el guion, lo escribía y lo borraba una y otra vez. Durante el rodaje, grabé tomas con “Te amo” y sin él, incluso en la sala de edición lo ponía y lo quitaba.

¿Por qué?

Precisamente me preguntaba que por qué me cuesta tanto usar tres palabras que son las más usadas en todas las películas, en todos los idiomas del mundo, desde los inicios del cine. Creo que mi mayor problema es que, primero, soy muy tímida con las palabras. Siempre me da miedo que las palabras expliquen una situación o disminuyan una emoción que solo la imagen y el sonido pueden transmitir. Y también porque “Te amo” me parecía un cliché en ese momento de mi vida. Y me daba miedo usarlo. Al final decidí dejarlo porque pensé: “Si es un cliché, es por algo”. Porque cuando dices eso, es una verdad tan universal que, de alguna manera, mis personajes dejan de ser solo personajes de Titane y se convierten en verdaderos héroes universales. Por eso decidí conservarla. Cuando empecé con Alpha, pensé: “Vale, tenías muchos problemas con esa palabra. Creo que tienes que entender por qué”. Así que decidí hacer una película que era un gran “te quiero” de principio a fin. Y ese es el vínculo entre estas dos películas, cómo intento expresarme más en la propia expresión del amor.

Otra cosa en común es la forma en la que ama a sus personajes, a pesar de que recurra al género, o al body horror, creo que es un cine incluso humanista. Eso en un momento donde muchos cineastas apuestan por el cinismo. ¿Es su cine una forma de combatir esto?

Es una buena pregunta. Digamos que no es algo que planee hacer. Tampoco diría que todos mis colegas cineastas son unos cínicos. Creo que, lamentablemente, hoy en día el odio prevalece en el mundo. El odio es un refugio para todos los que se sienten impotentes. Y lamentablemente, cuando el miedo se extiende por la sociedad, trae consigo rechazo y odio, que es precisamente lo que estamos viviendo. Es precisamente de lo que hablo también en la película. No es que esté intentando combatir eso conscientemente, sino que para mí, el arte se trata de amor.

Carlos Saura, probablemente junto a Fellini, de una manera muy diferente, es quien más se acercó a representar la infancia, quien más se acercó a cómo yo la sentía

Julia Ducournau — Cineasta

Se trata de poder conectar con la experiencia de personajes desconocidos, de artistas desconocidos, y a la vez intentar alcanzar esa humanidad común que compartimos todos, para que podamos crear una comunión en torno a la obra, ya sea una pintura, una canción, una película o lo que sea. Pero para mí, el propósito del arte es plantear preguntas. Nunca dar respuestas, siempre plantear más preguntas, cuestionar nuestra humanidad y entablar un diálogo. Mientras se entable un diálogo, se puede usar como base para la empatía.

Seguro que le han mencionado la coincidencia de su película con Romería de Carla Simón. Ambas, desde un sitio diferente cada una, hablan del sida, y lo hacen dignificando a una generación olvidada y demonizada, ¿hay en su proyecto una voluntad de rescatar a esas personas?

Estoy bastante segura de que Carla y yo compartimos la misma indignación por el hecho de que nunca se ofrecieron reparaciones ni disculpas por la forma en que los pacientes y sus familias fueron tratados en los años 90. A nivel mundial, por toda la sociedad. La forma en que fueron aislados socialmente, estigmatizados, avergonzados por sus estilos de vida. Carla y yo somos más o menos de la misma generación, y hemos visto cómo se hizo creer que solo afectaba a una parte de la población y que era culpa suya. Básicamente, deberíamos haber cuidado de quienes lo necesitaban. El hecho de que nunca se reconociera este abuso es algo que la siguiente generación presenciamos de primera mano. Fue como si se hubiera ocultado este maltrato y mucha gente olvidó lo grave que fue y hasta qué punto la sociedad se desentendió de las personas infectadas por el virus. Y esto, generó mucha ira en nuestra generación.

Es una película sobre la memoria, y sobre cómo la memoria es algo político.

Es muy cierto lo que dices. Creo que la memoria, en general, es un tema político al cien por cien. Y realmente creo que todo aquello que se oculta, se esconde bajo la alfombra, se deja sin decir, no se reconoce y no se repara, se convierte en tabú, y solo puede agravarse con el tiempo. Solo puede generar más y más traumas. Creo que incluso hoy en día, si piensas en las consecuencias de la Covid, si bien no hubo una estigmatización de la población por sus estilos de vida durante la pandemia, luego hemos vivido la recesión económica, la inflación.

Muchos jóvenes vieron interrumpidos sus estudios y no han podido encontrar trabajo después y todavía tienen que vivir con sus padres, y también existe una forma de estigmatización de esa generación más joven. La gente mayor tiende a decir: “Todavía vives con tus padres porque eres perezoso y no quieres trabajar”. Eso es mentira. Sabemos que no es así. Lo sabemos. No es que no quieran trabajar. Es que no hay trabajo y todo es tan increíblemente caro que no pueden pagar el alquiler. Y así, de nuevo, se genera vergüenza, y es algo que hay que reconocer y decir, porque de lo contrario, dentro de 15 años, esta generación joven será la adulta de hoy y no sé qué consecuencias tendrá, pero solo puede avivar aún más la ira.

Busca la belleza en los cuerpos de los infectados, son estatuas de mármol, mientras que el cine solía representarlos de una forma completamente opuesta.

El tema de la belleza es muy complejo, ya que no es un concepto objetivo. Lo que yo considero bello, tú podrías considerarlo feo, repulsivo o asqueroso. Sin embargo, para mí fue de suma importancia, especialmente dada mi reputación como cineasta y las dos películas anteriores que había hecho. Tenía miedo de que la gente viniera esperando algo impactante, que les asustara, que les resultara desagradable e incómodo. Yo quería que el público sintiera empatía inmediata por los pacientes y que no los vieran como extraños, sino que los aceptaran como personas, como si nosotros necesitáramos atención o estuviéramos enfermos. Sin ninguna distancia de seguridad entre nosotros y ellos. 

Quería que los encontraran hermosos. Pero pensé: ¿qué es la belleza? La cuestión de la belleza no tiene por qué ser objetiva. Mi punto de vista, como Julia Ducournau, no importa. Lo que importa es lo que Alpha piensa de ellos. Y si Alpha piensa que alguien es guapo, todo el mundo pensará que lo es. Así que ese fue el primer punto con respecto a la belleza. Usar mármol fue para mí algo inmediato, obvio desde el principio, porque el mármol es un material muy noble que se suele usar para representar a los santos en catedrales e iglesias. Es un material muy noble y sagrado. Y, de hecho, quería usar esto para, de alguna manera, dignificar la vida y la muerte de quienes hemos perdido, personas consideradas parias por la sociedad, marginadas, para elevarlas a un nivel sagrado, a un nivel de nobleza y de absoluta dignidad.

Vi el vídeo en el que iba al videoclub de Konbini y cómo hablaba de Cría Cuervos, de Carlos Saura, quería preguntarle por esta influencia, porque aquí es uno de los grandes directores, pero fuera no es tan reconocido.

Es que esta película cambió por completo mi relación con el cine en general y me marcó profundamente. La vi cuando era muy joven. La primera vez que la vi, tenía ocho años, más o menos la misma edad que Ana en la película, interpretada por Ana Torrent. Y fue la primera vez en mi vida que vi una película no como un simple espectáculo o entretenimiento, sino que sentí que un personaje podía conectar conmigo y yo con él, como si fuera real, como si me entendiera y como si yo lo entendiera a él. Me obsesioné con Ana, hasta el punto de que era casi como una amiga, como si fuera parte de mí. Y fue la primera vez que me di cuenta de que el arte se creó para eso. Para encontrar, como dije, esa humanidad compartida entre nosotros. Para mí fue una revelación. No se trataba de ver la historia desde fuera, sino de crear un vínculo interno con el personaje. Y eso cambió mi perspectiva del cine.

Luego, al crecer, me di cuenta de que ese vínculo que tenía de niña de ocho años, en realidad lo tenía con un hombre de unos sesenta años que creó a Ana, lo cual, de nuevo, es desconcertante cuando lo piensas. Creo que Carlos Saura, probablemente junto a Fellini, de una manera muy diferente, es quien más se acercó a representar la infancia, quien más se acercó a cómo yo la sentía. No una edad de inocencia en absoluto, sino una edad que, a través de su hipersensibilidad, es una edad en la que lo entiendes todo y te das cuenta cuando te mienten, y entiendes que también tienes partes extremadamente fuertes. Siempre decimos que los poetas son niños y los niños son poetas. Creo que Carlos Saura, en este nivel, sin duda lo plasmó.

A unos pocos kilómetros de la frontera con Galicia está la aldea de Covas do Barroso, un lugar idílico ahora amenazado por una megaexplotación de litio que ha puesto en pie de guerra a sus vecinos. Su historia guarda un enorme paralelismo con la lucha que la sociedad civil gallega está protagonizando contra el proyecto de Altri.

De esta zona fronteriza procede la familia del cineasta portugués Paulo Carneiro (Lisboa, 1990), que la próxima semana estrenará en España la película La Sabana y la Montaña, un homenaje a la resistencia vecinal, con los propios vecinos actuando como actores, que tuvo su estreno internacional en la Quincena de los realizadores del último Festival de Cannes. “Mi padre nació cerca de allí, pasé muchos veranos y vacaciones. Iba por allí, comencé a grabar imágenes y músicas sin un plan establecido a lo largo del año. Me preguntaban si les podría ayudar con todo lo que estaba pasando”, explica sobre el origen de la película.

Paulo Carneiro estaba asistiendo en directo a las acciones de resistencia de vecinos, asociaciones y organizaciones ecologistas contra el megraproyecto minero de extracción de litio, que la multinacional inglesa Savannah Resources trata de poner en marcha en esta zona única. La aldea de Covas do Barroso, un lugar idílico de apenas 150 habitantes, pertenece al Municipio de Boticas, en la región norte de Trás-os-Montes, y en 2018 fue reconocida como Patrimonio Agrícola Mundial por la Organización de las Naciones Unidas para la Alimentación y la Agricultura (FAO). Son lo que se denominan Sistemas Importantes del Patrimonio Agrícola Mundial (SIPAM), de los que solamente se han designado 102 en todo el mundo, situados en 29 países. El de Covas de Barroso es el único con esta distición en Portugal.

Este reconocimiento fue concedido por preservar una forma ancestral de cultivar la tierra, de cuidar el ganado y de ayuda mancomunada entre las personas. Son ecosistemas agrícolas donde los habitantes mantienen una relación sostenible, casi orgánica, con su entorno. “Cuando veía vídeos en las redes sociales y me pedían ayuda, yo no era todavía muy consciente de todo lo que se podría llegar a destruir en este paraje natural”, reflexiona sobre la semilla de su película y sobre las cifras insultantes facilitadas por la multinacional: una mina a cielo abierto de más de 600 hectáreas que producirá litio para fabricar millones de baterías de coches eléctricos y un plan de negocio cercano a los mil millones de euros.

Carneiro filma en su película con una mirada muy personal, como un acercamiento antropológico, el paisaje idílico de Covas do Barroso. Sus imágenes podrían ser las de algunas zonas del interior de Galicia: caballos salvajes sueltos, manadas de ovejas que pastan libres y apicultores recolectando su miel. También hórreos, ríos y regatos de aguas cristalinas o la estampa al borde de la extinción de vehículos tirados por tracción animal. Es un paisaje de una naturaleza exultante, que Miguel Torga, uno de los más grandes escritores de la literatura portuguesa, amante de Trás-os-Montes y admirado por Paulo Carneiro, describió como Reino Maravilloso.

La tranquilidad de esta estampa idílica se quebró con el proyecto de la megamina de litio, que comenzó en 2019. Con muchos debates de ida y vuelta, en 2023, la Agencia Portuguesa de Medio Ambiente (APA), dio luz verde a esta explotación, por el momento, al emitir una Declaración de Impacto Ambiental (DIA) favorable.

“Yo no tenía de inicio la idea de hacer una película, pero cuando llegas a la aldea es imposible que no acabes involucrado en esta lucha, en los acalorados debates diarios, donde también me llamó la atención la oposición de muchas mujeres al frente. Eso me convenció que debía implicarme”, reflexiona Paulo Carneiro, cuyo anterior filme, Bostofrío, con gran recorrido de festivales y crítica, ya había puesto el foco en un contexto rural del Norte de Portugal, a través de la búsqueda de su abuelo, que jamás había reconocido a su padre como hijo.

En La Sabana y la Montaña, con referencia irónica en el título a la multinacional Savanah Resources, Carneiro firma una fábula alejada de cualquier convención, desconcertante de inicio pera cada vez más profunda a medida que avanza el metraje. “Esta es una recreación de hechos acontecidos en el pueblo de Covas do Barroso, que busca mostrar el proceso de lucha de la aldea”, se advierte nada más comenzar, para que no haya dudas de que no es exactamente cine documental. El autor busca intencionadamente un híbrido entre realidad y ficción con un fondo con aroma a pólvora de western, comenzando por el diseño de los títulos de crédito. Tiene la película varias capas, entre ellas esta línea de género que parte de nativos amenazados por colonos, manadas de ganado salvaje y jinetes justicieros que cabalgan libres, como Carlos Libo, el cantautor protesta cuyas canciones vertebran la música del film, alentando la resistencia de David contra Goliat.

“El western está de fondo claro, pero todo es un híbrido. Hay un tema de fondo, pero nada de lo que sale aquí pasó realmente así. Es como si uno hiciese trucos para interpretar la realidad a partir de una idea que es como un juego”, afirma Carneiro sobre su película, en la que los actores y actrices son los propios vecinos de Covas do Barroso, que mantienen posturas hieráticas, actúan realizando una lectura cruda y despojada de artificios, pero con un firme posicionamiento político.

“Filmamos una construcción de lo que les gustaría hacer. Es una actuación y una reivindicación social al mismo tiempo, para que comprobasen cómo se construía una película y que ellos mismos viesen que podían construirla”, describe el cineasta sobre su proceso de trabajo. Muchos de estos diálogos reales se reproducen a veces en las asambleas vecinales y en las discusiones en la aldea. “Van a fabricar baterías de litio para que noruegos y daneses conduzcan coches eléctricos a costa de destruir nuestras montañas”, dice una vecina contraria a la mina. “Si, pero la aldea está desierta y ni siquiera los bares tienen clientes”, responde otro vecino más permeable a los mensajes de deslumbrante bonanza económica que procura irradiar la multinacional por todos los medios.

En muchos momentos de esta película, es obvio el paralelismo de los mecanismos de propaganda que la multinacional utiliza, al estilo de los que se utilizaron en Galicia para aplacar las protestas contra Altri. Son clásicos de la metodología greenwahsing como buzones llenos de folletos alabando la supuesta riqueza y prosperidad que trae consigo la minería, patrocinio de clubes y eventos deportivos e instalación de una oficina en el centro de la aldea para ganarse la confianza de los vecinos y comenzar a trabajar en las ofertas a los propietarios de terrenos.

“Una inversión de 200 millones de euros, más de 200 empleos, regeneración final a través de un inmenso lago”, rezan los folletos que reproduce la película, en frases recurrentes que resultan también familiares a este lado de la frontera cuando comienza a desarrollarse un proyecto con la finalidad de explotar los recursos naturales. Todo con una percepción de estar todo el pueblo, y sobre todo los activistas principales, permanentemente vigilados, idea que refleja la película.

“Quise transmitir ese sistema de vigilancia que existe por todo el pueblo, como una imposición del miedo que busca transmitir la empresa”, explica Carneiro. El cineasta, que vivió parte de su vida en Uruguay y conoce la zona, hace un paralelismo con aquella parte del mundo. “Conozco América Latina y estas empresas siempre actúan igual en todas partes. Tú no los ves, pero ellos a ti si. Están presentes, hacen sondeos y exploraciones e imponen un miedo latente”, denuncia Carneiro en su perfecto español con acento uruguayo, al tiempo que explica su método para combatirlos. “Opté por utilizar la ironía en la película para combatir ese miedo, partiendo de la capacidad de reírnos de nosotros mismos”, avanza sobre lo que se va a encontrar el espectador.

De cualquier forma, este miedo latente no amedrenta a los vecinos de Covas do Barroso. La película describe desde sabotajes nocturnos a máquinas de la empresa, pasando por tractoradas que bloquean la entrada de la aldea, comandadas por mujeres, para impedir el paso de maquinaria pesada. Es su respuesta a una guerra encubierta, en la que deben contemplar indignados como asalariados de la empresa entran en sus propiedades y perforan el subsuelo para hacer sondeos y mediciones, “como una operación encubierta de colonización moderna”, afirma Carneiro. En una secuencia impactante de la película, decenas de vecinos montan una especie de batucada golpeando acompasados sus azadas contra el suelo. Provocan un sonido intimidante que escenifica una amenaza de guerra y una forma de reinvidicar con sus herramientas agrícolas la resistencia y la oposición a la desaparición de sus tierras de cultivo.

Como suele acontecer en la mayoría de estos casos, los holdings empresariales relacionados con la minería son lo suficientemente hábiles para que sus proyectos siempre vayan sorteando todos los filtros a nivel Gobierno. Supuestamente, siempre presentan dosieres impecables, consiguen cumplir los requisitos medioambientales y rebasan con nota los estándares de sostenibilidad, a pesar de la posición mayoritariamente negativa de la sociedad. Son especialistas en pasar con autosuficiencia la Declaración de Impacto Ambiental (DIA), que solicitan los Gobiernos. El proceso de aprobación del proyecto de la megamina de litio de Covas do Barroso, hasta estuvo en el punto de mira en el escándalo desatado en Portugal por el supuesto pago de comisiones a políticos.

Un turbio telón de fondo que no fue muy favorable pare la financiación y la posterior distribución de La Sabana y la Montaña. “No tuvimos una fácil financiación. El Instituto de Cine de Portugal no nos apoyó, pero la película logró entrar en Cannes y quedaron un poco en evidencia”, explica Carneiro. Por el contrario, la película recibió el apoyo del gobierno de derechas del Municipo de Boticas, donde está la mina, que se opone a este proyecto, “demostrando que la frontera aquí es si estás en contra o a favor de la mina”.

La película que pronto se estrenará en las pantallas de cine en España, tendrá también su estreno en otros diez países, aunque ha tenido una escasa distribución en Portugal. “Para mí es muy extraño que la película no llegase a muchas salas en Portugal. La película venía justo de Cannes y mi anterior film, Bostofrío, había funcionado muy bien”, comenta escéptico Paulo Carneiro, al que ha reconfortado la proyección especial que realizó al aire libre para los vecinos en la propia aldea de Covas do Barroso, además de poder llevar a muchos de ellos a Cannes, al estreno de la película. “Fue muy lindo reunir casi 1.000 personas viendo la película en la aldea, y es curioso porque ellos lo han percibido con ojos de comedia y les ha hecho mucha gracia verse, quizá porque está muy cargado de ironía”, describe.

Este afán depredador por el litio ha pasado también a Galicia, como es el proyecto minero similar previsto en Doade, en el Concello ourensano de Beariz. Este mismo fin de semana se ha celebrado precisamente en Covas do Barroso un encuentro que reunió a representantes de plataformas que luchan contra estos proyectos, que suman hasta seis en España. Todos estos proyectos mineros tienen en común que han sido objeto de denuncias y recursos ante la Comisión Europea por vulnerar derechos sociales y ambientales.

Como en la película La Sabana y la Montaña, estas comunidades representan a un mundo que se aferra con resistencia a que se extinga un modo de vida. En una de las secuencias más impactantes de la película, una procesión nocturna recorre la aldea, con una letanía entre velas tenebrosas y un runrún de rezos: “Santa María, madre de Dios, ruega por nosotros los pecadores, ahora y en la hora de nuestra muerte, amén”. Una letanía que escuchada repetidamente se convierte en un grito de auxilio de hombres y mujeres que clavan las uñas en la tierra que los alimenta, resistiéndose a que los arrastren y los separen de ella.

La pasada edición del Festival de Cannes estuvo marcada por la Palma de Oro al cineasta iraní Jafar Panahi, pero también porque el director pisó, por fin, el festival de cine tras 15 años sin poder salir de Irán. En 2010, Panahi fue condenado a seis años de prisión por “reunión y colusión contra la seguridad nacional” y por “propaganda contra el sistema”. Además, se le prohibió realizar películas, escribir guiones, viajar al extranjero y dar entrevistas a medios de comunicación. A pesar de que salió de prisión tras pagar una fianza de 200.000 dólares, la prohibición de hacer películas se mantuvo.

Pero la necesidad de rodar, de contar su país, era mayor que el miedo o la prohibición. Desde 2010 y hasta esta Palma de Oro por Un simple accidente —que se estrena en salas este viernes—, el director ha rodado desde su casa (Esto no es una película, 2011), desde un taxi (Taxi a Teherán, 2015) o directamente realizando un plan para huir de las autoridades y rodar en secreto en las calles de Irán como en su anterior obra, Los osos no existen, o en su nueva y excelente película.

Un simple accidente habla del miedo instaurado en Irán. El miedo a encontrarse con tu torturador, el miedo al ruido de una pierna que se arrastra y que te persigue de por vida. Lo hace a través de las víctimas del régimen que, por un golpe de suerte, tendrán la oportunidad de vengarse de uno de los perpetradores. La duda moral se centrará en el relato, ¿vengarse o perdonar? Lo novedoso en este caso es que Panahi lo hace a través de un humor negro que hace que los españoles nos acordemos de Luis García Berlanga y El verdugo. Todo hasta llegar a un final que pone los pelos de punta.

La salida de Panahi de Irán no se ha limitado a Cannes. El cineasta ha estado en el Festival de Nueva York, donde mantuvo una charla con Martin Scorsese, o en el de San Sebastián, donde atendió a la prensa española. En una entrevista con elDiario.es, el cineasta explicó que para él este filme parte de la duda sobre si usar la venganza o no. Algo que para él se concentra en una pregunta, “¿cuándo tiene que acabar la violencia?”.

Su intención es que no sea una película efímera, sino que “hable también del régimen, porque los sucesos se repiten y habrá que plantearse las mismas preguntas”. “A través de mi película quiero preguntar a la gente, ¿tenemos necesidad de seguir con la violencia o queremos acabar con ella?, ¿cuál es la mejor opción? Yo creo que la mejor forma es acabar con la violencia pacíficamente”, asegura con sus inseparables gafas de sol negras puestas. 

Un mensaje pacífico que ahora se antoja casi más importante que nunca, aunque Panahi dice que él nunca da respuestas, sino que plantea preguntas. Lo hace con el régimen iraní en activo, y ahí radica una diferencia con otro tipo de cine: “Normalmente, las películas que preguntan al espectador qué harían ellos hablan de sucesos que ya han pasado, como los crímenes de la Segunda Guerra Mundial. Ese cine durante la guerra no se hizo, sino que llegó cuando había pasado todo el efecto de las guerras. Mi película llega en un momento donde existe esta violencia y dejo que la gente elija si es más conveniente avanzar con la violencia o con la bondad”.

Tras salir del país se enfrenta a una decisión compleja. Puede quedarse y pedir asilo político en otro lugar, como el año pasado hizo su compañero Mohammad Rasoulof, que ahora reside en Alemania tras escapar clandestinamente de Irán. La otra opción es regresar y arriesgarse a volver a ser apresado, condenado y que le vuelvan a prohibir rodar. Aunque parezca una elección peliaguda, él responde sin apenas dudar: “Yo llevo 65 años viviendo en mi país. Conozco a su gente. Conozco el día a día de las personas. Yo quiero hacer cine en mi país. No digo que no vaya a hacer alguna película fuera si tengo la posibilidad, pero mi intención es plasmar mis ideas en Irán, es lo que prefiero”.

¿Tenemos necesidad de seguir con la violencia o queremos acabar con ella?, ¿cuál es la mejor opción? Yo creo que la mejor forma es acabar con la violencia pacíficamente

Jafar Panahi — Cineasta

Un simple accidente está siendo una película de primeras veces, ya que también será la primera ocasión que pueda optar al Oscar a la Mejor película internacional. Por supuesto, no lo hará por Irán, que no ha cogido un filme que atiza sin piedad su régimen, sino por Francia. La parte de coproducción francesa es suficiente para poder optar por ellos en los Oscar. Ahora mismo, y de la mano de la distribuidora Neon —la misma que tiene Sirat—, es una de las mejor colocadas en todas las apuestas. 

A pesar de la buena noticia, Panahi ha manifestado lo injusto que es que los cineastas contestatarios de países autoritarios no puedan optar al Oscar a la Mejor película internacional, ya que nunca van a ser elegidos. Mientras que en los festivales “es fácil que las películas se vean y se muevan, en los Oscar no se puede”. Si un director como Panahi quería optar al premio por Irán, tenía que aceptar sus normas: “Esas normas son que aceptemos su censura”.

Él nunca lo ha hecho. “Si no lo haces pierdes esa oportunidad. Yo la he perdido durante 20 años”, dice, y recuerda que incluso Sony intentó que Irán eligiera Fuera de juego en 2006. No lo lograron. Irán no iba a permitir que en Hollywood nominaran una película que mostraba la prohibición de las mujeres de jugar al fútbol en el país. Ahora puede resarcirse y vivir otro momento por primera vez: el de ver un teatro de Los Ángeles reaccionando como cuando llegó el pasado mayo a Cannes, donde la gente le recibió de pie y entre aplausos sabiendo de lo histórico de tenerle en persona y demostrando que la pulsión creativa no puede ser apagada ni con la censura.

La rave política e hipnótica de Oliver Laxe sigue reclutando a fieles más allá de nuestras fronteras. Así lo constata el estreno de Sirat en Francia, que se ha proyectado en un total de 311 cines de la mano de la distribuidora Pyramide Films y ha llevado a la película a ocupar el tercer puesto en el ránking francés. La cinta ha logrado vender más de 142.000 entradas desde que llegara a las salas el pasado 10 de septiembre, según informa Comscore Francia.

Estos primeros cinco días de Sirat en los cines franceses la han hecho recaudar 1,1 millones de euros, siendo la afluencia de espectadores un 80% mayor que la que gozara su estreno español en junio. Esto la posiciona con posibilidades de acabar su paso por el país galo con hasta 5 millones de euros recaudados, una cifra que doblaría los más de 2,5 millones de euros que Sirat logró en España, haciendo que se convirtiera en el gran blockbuster indie del verano.

Asimismo, el trance en el desierto de Oliver Laxe recaudó 375.000 euros durante su primer fin de semana en los 185 cines españoles que la proyectaron, una cifra que no ha tardado en superar Sirat en su estreno en Francia. La película ha gozado de esta gran actuación en taquilla tras las buenas críticas cosechadas en Cannes, donde se hizo con el Premio del Jurado, una nueva hazaña para el cine español dentro del panorama internacional.

El largometraje del cineasta gallego propone una propuesta sensorial que sacude al espectador y genera conversación tras su impactante final. El director apuesta por una rave política en la que su mirada va más allá de estas fiestas, utilizando como mirada los ojos de alguien externo, el personaje protagonista que interpreta Sergi López. Es un padre que, junto a su hijo, busca a otra hija desaparecida que supuestamente está en Marruecos.

Mañana, además, podría ser otro día de éxito para Oliver Laxe, pues la Academia de Cine anunciará cuál es el filme español que peleará por la nominación a los Oscar en la categoría de mejor película internacional. Las tres finalistas fueron Sirat, Romería de Carla Simón y Sorda de Eva Libertad. Los miembros de la institución son los encargados de decidir qué cinta luchará por la nominación a la estatuilla tras un periodo de votación.

El largometraje resultante tomará el relevo a Segundo premio de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, la cinta por la que apostó la Academia de Cine para representar a España en los Oscar de 2025, que, al contrario que la anterior La sociedad de la nieve, no logró hacerse con la nominación. En esta ocasión, sin embargo, España llega de hacer un buen papel en el Festival de Cannes, donde tanto Sirat como Romería compitieron en la Sección Oficial.

Cuando le preguntan a Alfonso Cuarón, director de Roma o Y tu mamá también, por las películas que más le han influido, suele mencionar La boca abierta, de Maurice Pialat. Damien Chazelle, cineasta autor de La La Land y Whiplash, hace lo mismo con A nuestros amores, también de Maurice Pialat. Desde hace años, es habitual encontrar a grandes autores que reivindican a este director francés que, sin embargo, sigue siendo casi un desconocido en España.

Parece que durante décadas todo el cine de autor que llegó de Francia era el que llevaba el sello de la Nouvelle Vague, y que bajo la sombra de Godard, Truffaut y compañía, había poco espacio para otros cineastas como Pialat, cuyo cine vivo, incómodo y moderno sí que conquistó su país, pero tuvo difícil viajar fuera. Si en EEUU son nombres como los de Cuarón o Chazelle los que reivindican a Pialat, aquí son directores jóvenes como Jonás Trueba o Elena López Riera los que siempre se acuerdan de él.

Fueron ambos realizadores los que presentaron el ciclo de películas restauradas de Pialat que durante todo el mes de julio se va a poder ver en salas de cine españolas gracias a la labor de la distribuidora Atalante, que desde que descubrieron a principios del nuevo milenio la obra de este director (que falleció en 2003), tuvieron claro que había que intentar reivindicarlo y traer sus títulos a España. Lo han logrado finalmente en un acto de apoyo radical al cine de autor. Tanto Jonás Trueba como Elena López Riera coinciden en una característica fundamental de Pialat, y es que es “un cine vivo”.

Para López Riera lo más relevante del cine de Pialat es que “no juzga a sus personajes, tienen violencia y amor a partes iguales”, pero sobre todo destaca que para él “la película es un proceso orgánico en el que se puede cambiar el guion, se introducen improvisaciones e incluso se cambia la época de una película, como paso en A nuestros amores”. “Eso se está perdiendo. Cada vez más nos piden que todo esté controlado, escrito y calculado. Recordar que el cine fue una vez estas cosas vivas hace mucho bien”, dice la directora de El agua.

Esa capacidad de sentirse “viva” es lo que destaca Jonás Trueba de un cineasta con una “personalidad apabullante y compleja”. “Hizo pocas películas, todas impresionantes y todas producen una incomodidad… Es un maestro del movimiento, de los actores, te sorprende en cada plano. Es uno de los cineastas más modernos de la historia del cine. También muy de su tiempo, pero lo miras hoy y aprendes un montón de muchas cosas de actitud, de puesta en escena. Es un cine irreductible, violento, duro, que hasta te abofetea, de hecho sus personajes se abofetean mucho, pero hay una humanidad dentro. Es un cine justo, no es pretencioso, no parece más de lo que es. Creo que Pialat es un maestro de la personalidad y la actitud”, añade Trueba.

Abucheos en Cannes

A Maurice Pialat muchos cinéfilos le recordarán también por haber protagonizado la que es, probablemente, la Palma de Oro más polémica de la historia del Festival de Cannes. Era el año 1987, y Pialat había presentado allí su adaptación de la novela de Georges Bernanos, Bajo el sol de satán. La crítica había sido muy cruel con el filme, y pocos consideraban que podía ganar, pero finalmente Pialat se hizo con la Palma. Cuando subió a recogerla, el público comenzó a abuchear, a lo que él cineasta, ni corto ni perezoso, contestó: “Si no os gusto, vosotros tampoco me gustáis a mí”.

Con A nuestros amores consiguió atrapar todo lo que ocurre en la adolescencia. Lo que te bulle, la rebelión, los amores, la rebelión contra los padres… eso es atemporal

Sylvie Pialat — Productora y viuda de Maurice Pialat

La viuda de Maurice Pialat, Sylvie, también acudió a presentar el ciclo en Madrid. Ella, actualmente una productora importante en Francia con Les filmes du Worso, recuerda en primera persona lo ocurrido en aquel Cannes. Ya se habían vuelto, porque no daban por hecho que fueran a ganar. Estaban cenando en Marsella. “Entonces no había teléfonos móviles”, remarca ella para que se entienda que, en un acto casi de fe, una responsable de prensa del filme había dado el número del restaurante al festival por si finalmente recibían algún premio. “Era joven y romántica”, apunta Sylvie Pialat.

“De pronto llamaron y tuvimos que volver corriendo. Nos cambiamos en el parking y subimos a la ceremonia, pero no sabíamos si habíamos ganado la Palma de Oro u otro premio, porque no te lo dicen, así que pensamos que podía ser Mejor actor. La favorita era Ojos negros, de Nikita Mijalkov, y Mastroianni, que la protagonizaba, ya tenía el premio a Mejor actor, así que pensamos que ellos serían la Palma. Eran los dos últimos premios”, rememora Pialat, que asegura que Maurice siempre buscaba mucho las palabras que decía, pero que en aquel momento, “por primera vez en su vida se le ocurrió una frase tan buena tan rápidamente”. No cree que la polémica fagocitara la película, al revés, explica que a la vuelta, en París, la gente les reconocía y les levantaban el puño en señal de victoria.

Aunque muchos periodistas le calificaran como provocador, Sylvie Pialat lo descarta de lleno y dice que eso es algo que decía la prensa, pero que ni siquiera los espectadores lo ven así. Le emociona ver a gente joven descubriendo el cine de Maurice y emocionándose. Por eso destaca que una de las características de su cine es que “se interesó por todas las etapas de la vida de forma muy horizontal y hablando al corazón de la gente”. “Con A nuestros amores consiguió atrapar todo lo que ocurre en la adolescencia. Lo que te bulle, la rebelión, los amores, la rebelión contra los padres… eso es atemporal”, valora, y dice con ironía que muchos espectadores cuando descubren su cine piensan que es un director contemporáneo, que sigue vivo. “No entienden por qué han visto todas las películas de la Nouvelle Vague y no conocían el cine de Maurice”, apostilla.

Como productora siempre mira también al cine español. Ha participado en títulos como El agua, Volveréis o Robot Dreams. Dice que se fija en los directores más que en los guiones, y apunta a tiempos que pueden ser convulsos incluso para el envidiado cine francés: “Canal Plus está dando menos dinero al cine, y las plataformas están obligadas a poner dinero, pero no les interesan las salas. No son su objetivo. El cine siempre es frágil, porque muchos preferirían que fuera el ministro de Hacienda quien se encargara, pero si la extrema derecha llega dentro de dos años… adiós muy buenas. Es un gran problema, y no podemos hacer mucho. Es complicado”.

Sirat se ha convertido en el fenómeno que necesitaba el cine español. Pocas veces las propuestas más autorales encuentran el espacio necesario, pero desde que la película de Oliver Laxe se proyectó en el pasado Festival de Cannes —donde se alzó con el Premio del Jurado— se notaba en el ambiente que no dejaba a nadie indiferente. La propuesta hipnótica, sensorial y especial del cineasta gallego sacude al espectador y le tiene comentando y hablando.

Eso se ha notado también en la taquilla, donde una propuesta tan radical ha logrado entrar al cuarto puesto con el segundo mejor promedio por sala y una recaudación inicial de 390.000 euros. La gente quería dejarse llevar por la rave política del cineasta de O que arde y ha acudido en masa también a los coloquios, donde Laxe ha ido desgranando algunas de las claves del filme.

Sirat es una obra que, además, recupera ese sentido de espectáculo de la sala de cine. Uno piensa muchas veces cómo ha rodado el director ciertas escenas. Por ello, Oliver Laxe ha visitado la redacción de elDiario.es para analizar temática y formalmente cuatro momentos de su película —siempre preservando las sorpresas fundamentales que tiene la película— en esta nueva entrega de un formato propio creado por elDiario.es, 'Anatomía de una escena', por donde ya han pasado directores como JA Bayona, Rodrigo Sorogoyen o Los Javis.

Una rave que no se detiene

Sirat comienza con una escena que mete al espectador de lleno en la propuesta sensorial de Laxe. Una rave donde la música compuesta por Kangdind Ray hipnotiza y donde se nos presenta el contexto donde se desarrollará el filme, pero sobre todo la ceremonia de esta cultura de personas antisistema. Vemos a una gran masa bailar, estar en trance y también a los dos outsiders, Sergi López y el niño Bruno Núñez, que llegan a ese lugar. Una escena que quería captar la “energía colectiva” de este baile que para el cineasta tiene mucho que ver con lo que se genera en una sala de cine.

Laxe, que como desvela aquí tiene hasta un pequeño cameo, cuenta que tuvieron que ganarse durante años la confianza de estos colectivos para que les dejaran colarse en una de las fiestas que organizaban. Todo el mundo presente sabía que se iba a rodar lo que pasara, y los raveros nunca se habían visto bien representados en el cine. Por ello, el director dice que para él “la gran Palma de Oro” fue escuchar cómo le daban las gracias por cómo les había retratado. Eso sí, siempre atendiendo a una norma: “La música no para en 36 horas”. No había plan B. “Esto nunca se ha hecho”, asegura Laxe.

Raveros reales

Una de las características más importantes de Sirat es su apuesta por utilizar un casting de raveros reales que Laxe encontró en “comunidades alternativas” y que usan sus propios nombres en el filme. Stefania Gadda, Joshua Liam Herderson, Richard 'Bigui' Bellamy, Tonin Janvier y Jade Oukid convencieron al director y gracias a ellos consigue “un intercambio de miradas, un juego de espejos”. En esta escena destaca a Stefania, que “sabe hacer de todo” y que antes había sido panadera. “Tu mano nos va a salvar la película”, le dijo Laxe a la actriz al ver que sus manos tenían el paso del tiempo en ellas y una verdad que a veces es difícil encontrar en actrices profesionales.

Con ellos consigue en Sirat hablar de un tema que le interesa, y es ese “olor a crepúsculo”. Una “consciencia del fracaso de la ilustración y del mito del progreso” que hace que Laxe se pregunte: “¿Qué pasa si desertamos?”. Su película muestra a personas que intentan ser “consecuentes de forma radical” en un mundo donde “el nivel de decadencia moral está llegando a extremos inauditos”.

Comienza la aventura

En esta escena “se dispara la aventura”. Es el encuentro entre los ravers y el padre y el hijo, que “tienen una misión”. “Un momento importante de la película”, dice Laxe. “La necesidad de buscar a su hija y su hermana es tal, que no queda más remedio que viajar juntos”, explica. Es el momento del filme donde los raveros y los dos outsiders unen sus caminos.

También donde dos actores profesionales entran en la comunidad de ravers elegidos para el filme. Por ello, el cineasta destaca el tipo de actor que es López, uno que “se quita máscaras en vez de ponérselas”. “No sé hacer este personaje. Me voy a tirar el abismo”, dijo López en los ensayos y eso les colocó a todos en el mismo nivel

Laxe también destaca el trabajo de producción para dar vida propia a esos camiones que son como personajes del filme. Son sus casas andantes. Investigaron qué camiones querían para mostrar que “la cultura rave no es solo la cultura de la fiesta, también es la del viaje”. Compraron, de hecho, hasta tres unidades de cada uno porque sabían que les iban a exigir mucho.

Escenas de riesgo (sin cromas)

“La vida te empuja al abismo”, asegura Laxe. Los abismos son fundamentales en Sirat y sirven como metáfora y como escenario de varias de las escenas más sorprendentes de la película. Escenas que el propio Laxe reconoce que tienen mucho de Sorcerer (1977), de William Friedkin o de El salario del miedo (Henri-Georges Clouzot, 1953). Los escenarios naturales fueron fundamentales y el proceso de localización, clave. Ahí el cineasta encontró esa carretera llena de curvas que fue creada por la Legión Francesa para asediar a una tribu bereber, lo que otorga otra capa de Memoria al filme que también se rodó en una cantera de Teruel y en película real en vez de en digital.

Es en este momento donde también se menciona algo clave, esos ecos de guerra mundial, del fin del mundo que siempre resuenan en la película casi fuera de campo, pero que acaban adquiriendo gran importancia en la sorprendente parte final. Escenas que se rodaron con los auténticos raveros conduciendo los camiones, sin apenas cromas (“imágenes reales en un 90%”) y apostando por los efectos prácticos —esa lluvia que Laxe desvela cómo se logró— y por un realismo que se aprecia en pantalla y que tiene al espectador al borde de la butaca.

Algo hay en el aire que hasta Wes Anderson lo huele. Los tiempos apestan a caos, a guerra, a capitalismo, a individualismo. Al sálvese quien pueda. A empresarios que siempre ganan. Un ambiente tan enrarecido se tenía que impregnar hasta en el cine esteta y de cuento del director de Moonrise Kingdom. Sus fábulas modernas, preciosas pero muchas veces vacías, ahora han cogido un giro que nunca se pensó que aparecería. Lo hace en su nueva película, La trama fenicia, que no nos engañemos, cumple a rajatabla todas las leyes del universo wesandersiano. Personajes de cartoon, estética simétrica, una dirección artística fascinante y ese humor tan peculiar. 

Pero si normalmente sus historias se centran en el amor, la familia y los traumas personales, aquí se escuda en una imposible historia de espionaje empresarial con un protagonista (magnético Benicio del Toro) que es un ejecutivo conocido por sus trapicheos en los negocios. 'Mr. 5%' le llaman por las famosas mordidas que mete en cada asunto que trata. Muchos de ellos con países de oriente medio. La trama fenicia consiste en los tejemanejes que quiere realizar el empresario para cerrar un último pelotazo, y también —la familia siempre presente en sus películas— para hacer las paces con su hija, una monja a la que quiere dejar el negocio cuando él muera (intuye que quieren asesinarlo) y que interpreta Mia Threapleton, hija de Kate Winslet.

Así, el empresario avaricioso acabará, en la fábula de Wes Anderson, abanderando un cambio de paradigma y abogando por la abolición de la esclavitud, la subida de los salarios y el bien común. Todo por el perdón de su hija, pero de repente esa historia ambientada en los años 50 se convierte en algo tremendamente contemporáneo y hasta político. 

“Hicimos esta película antes de las elecciones de noviembre”, responde Benicio del Toro cuando elDiario.es le pregunta por esos vínculos en el pasado Festival de Cannes, donde se presentó —como es habitual— la película de Wes Anderson antes de su estreno en salas. Sus referentes eran otros nombres. “Un magnate multimillonario llamado Calouste Gulbenkian, armenio de principios del siglo XX, Onassis, películas como Ciudadano Kane”, confiesa.

Pero sabe que al ver la película en el contexto actual, “se está viendo con otros ojos”. “La película ha tomado una nueva forma, pero realmente no es nueva. Lo que me gusta de la película es que tiene muchas capas. Hay muchos arcos argumentales. El de mi personaje habla de que, a pesar de lo odioso que es al principio, hay esperanza para el cambio. Creo que la gente puede cambiar. No todos, pero creo en el cambio. Tal vez haya algo de esperanza para las personas que están en el poder tomando decisiones. Quizás hay esperanza de que hagan algo bueno”, explica.

Más contundente se muestra su compañero de reparto Jeffrey Wright, otro de los habituales de Wes Anderson desde que se incorporara a la troupe del cineasta con La crónica francesa. Para el actor, lo “fascinante” del universo del autor es que “aunque vive profundamente en su imaginación y sus películas lo reflejan, siempre hay algo muy cercano a la actualidad”. “Es un universo fantástico y, al mismo tiempo, maravillosamente actual. No sé cómo lo logra. Creo que esta película lo logra”, valora. 

Para él, en La trama fenicia hay “una exploración de muchas cosas”, entre ellas “el poder, el materialismo, la ambición y el capitalismo, además de los temas más personales”. “Ciertamente, estamos experimentando fuera del cine esta especie de explosión de capitalismo desenfrenado, descontrolado, implacable y despiadado, al menos en EEUU, y eso es relevante y la película lo refleja”, subraya.

Estamos experimentando esta especie de explosión de capitalismo desenfrenado, implacable y despiadado, al menos en EEUU, y la película lo refleja

Jeffrey Wright — Actor

Comparte esa visión de que Wes Anderson consigue hablar del presente desde su colorido mundo Riz Ahmed, el actor de Sound of metal o la serie The Night of, que debuta con el cineasta y que, aunque aclara que Anderson se basó en su suegro para el magnate que interpreta Benicio del Toro, el hecho de que ambiente su película en los años 50 hace que “se pueda ver el presente con mayor claridad”. 

“Muchas de las cosas que consideramos problemas actuales, como la inestabilidad política, los intentos fallidos de cooperación internacional, países que intentan adaptarse a la modernidad a la vez que preservan su tradición, son problemas que han existido durante mucho tiempo. La gente dice que esta película podría ser una crítica sobre algunos de los magnates y mandamases de la industria que dominan nuestro mundo actual. Creo que hay algo muy esclarecedor en mirar el presente a través de la lente del pasado. Y también algo tranquilizador, porque nos hace ve que ya hemos pasado por esto antes. Nos invita a aprender lecciones del pasado también”, apunta.

Hasta el propio Wes Anderson se mojó, un poquito, en la rueda de prensa de La trama fenicia en Cannes cuando le preguntaron por uno de los temas que centró el festival: los aranceles. “No soy experto en esa área de economía, pero ¿un arancel del 100%? Me parece que eso significa que Trump se va a quedar con todo el dinero, ¿y qué obtenemos entonces?, ¿pueden retener las películas en la aduana? Creo que no se envían de esa manera. Quiero saber los detalles, así que no daré una respuesta oficial”, dijo con ironía pero demostrando que, como dice su película, al final en algún momento todos tienen que actuar para cambiar las cosas, hasta los empresarios que meten mordidas del 5%.

Hace 26 años, los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne llegaron al Festival de Cannes siendo casi unos desconocidos. Presentaban un drama social, Rosetta, que seguía casi de forma literal a una mujer en los márgenes. Su cámara pegada a la nunca de sus protagonistas, su forma de captar a quienes el cine no solía dar espacio, conmovió y revolucionó el cine social. Pocos días después, los Dardenne dieron una campanada llevándose la Palma de Oro por encima del favoritísimo Pedro Almodóvar, que con Todo sobre mi madre vio cómo el jurado presidido por David Cronenberg le dejaba con el galardón al Mejor director. 

Ha pasado más de un cuarto de siglo y los Dardenne tienen ahora dos Palmas de Oro y han competido por llevarse la tercera con Recién nacidas —finalmente se llevaron el premio al Mejor guion—, un emotivo retrato de una casa para madres adolescentes como la que retrataba Pilar Palomero en La maternal. La han presentado el mismo día, el último viernes de competición, que se pudo ver Rosetta, cuya actriz protagonista Émilie Dequenne, fallecía hace pocos meses. A ella el certamen le dedicó la Selección Oficial de este año.

El talento de los Dardenne para radiografiar la sociedad, la pobreza heredada y para descubrir rostros desconocidos sigue intacto en un filme que tiene un rasgo que no suele aparecer en su cine: la esperanza. Son pocos los títulos de los directores belgas que ofrecen una luz al final del túnel —su última película, Tori y Lokita, terminaba con un puñetazo en el estómago del espectador—, pero aquí lo hacen. No es solo una posición moral, sino que cuentan en un encuentro con prensa internacional desde Cannes que eso fue una de las cosas que les emocionó cuando fueran a conocer a las madres que sirvieron de inspiración para las cinco historias que cuenta su filme.

Visitaron una casa de madres adolescentes —la misma que se ve en la película— y se conmovieron con ellas y los trabajadores que las acogen y cuidan, pero sobre todo destacan que vieron “una luz de esperanza al final para ellas”. Eso hace que esta sea una de sus películas más amables. No saben explicar por qué eligen a sus personajes, pero sí que se confiesan preocupados por “el contexto actual de juegos de poder, de violencia, de individualismo donde la gente quiere aplastar al otro”. “Por eso, descubrir lugares como estos albergues para madres jóvenes, donde el objetivo es que un grupo de mujeres ayude a otro grupo de mujeres a ser madres, a hacerse responsables de sus propias decisiones con amabilidad y dulzura, eso fue reconfortante”, dicen los directores.

Hasta ahora no encontraban “una solución para nuestros personajes porque su propia realidad se imponía y no permitía una salida”. Ahora, al contrario, necesitaban y querían “vislumbrar la luz”. “La misión de la ficción es ofrecer alternativas a la realidad. Y aquí existía esa posibilidad de esperanza. Es cierto que existen problemas de pobreza que se repiten de generación en generación. Pero aquí luchan por cambiar sus vidas”, añaden.

Nuestros personajes son gente que quizás no tiene un lugar en en el mundo, y por eso nosotros queremos darles un lugar en la gran pantalla

Jean-Pierre y Luc Dardenne — Cineastas

Dicen de sus películas que intentan tener “personajes que aunque son víctimas, no se conforman con serlo”. “No sé si elegimos nosotros a esos personajes o ellos nos eligen a nosotros. Son personajes que nos interesan, personas que nos interesan. Gente que quizás no tiene un lugar en el mundo, y por eso nosotros queremos darles un lugar en la gran pantalla. Es cierto que salen de situaciones muy difíciles, que tuvieron que aprender a tomar decisiones, pero es que ese es uno de los principales problemas de la vida”, apuntan.

Cuando les preguntan, un clásico, si sus películas son demasiado crueles, ellos siempre responden que miren alrededor, que miren lo que pasa en las calles. “La situación que nos rodea es trágica”, esgrimen en esta ocasión y aluden al tema del que habla la película: “la razón por la que existen estos albergues para madres solteras jóvenes es que hay madres de 15 o 16 años que no tienen familia, o que la tenían y se desintegró por completo, o que no reciben el apoyo adecuado, que no pudieron abortar por diferentes motivos… por eso existen estos hogares de acogida”.

La opción para estas mujeres no es solo ser madres. Como muestra el filme, ellas deciden si quieren darlo a una casa de acogida o incluso en adopción. Por eso creen que la enseñanza de esos lugares es también “a hacerse responsables de sus propios bebés, con opciones como también darles en adopción o en un hogar de acogida”. “Y podrían optar por hacerlo porque se sienten incapaces de criarlos o porque quieren romper con una historia familiar trágica. Lo que reciben en estos sitios es mucha solidaridad y atención. Son lugares de resistencia a la fatalidad, y son un servicio público, una comunidad para la gente”, zanjan.

En su investigación, los Dardenne se dieron cuenta de que en estas situaciones “los padres jóvenes no existen”. “Tienden a abandonar a las mujeres con el bebé. Es un comportamiento centenario, profundamente arraigado en el pasado y en una tradición y enfoque patriarcal. La razón por la que abandonan a sus hijos es porque no los gestan ellos, por supuesto, y provienen del mismo entorno de pobreza, con familias casi inexistentes. Pero en nuestra película, queríamos mostrar un ejemplo positivo de un padre joven. Es la excepción a una situación que es bastante diferente”, admiten y con ello confirman que en esta ocasión han preferido iluminar con algo de optimismo un presente que, hasta para ellos, es demasiado oscuro.

El aeropuerto más cercano a Navia de Suarna, 979 habitantes en la montaña oriental gallega, se encuentra a dos horas en coche. Desde allí llegó Oliver Laxe, procedente en avión de Cannes, en Francia, donde su cuarto largometraje ha ganado el Premio del Jurado. No era la primera vez que su obra se veía en el célebre festival, tampoco la primera vez que era premiado, pero esta vez lo ha sido en la Sección Oficial más determinante del cine europeo. Pero Laxe había reservado la noche del domingo para enseñar Sirat en primicia a sus paisanos, vecinos y amigos de Os Ancares. Allí se reunieron casi mil personas en la Praza do Concello para arroparlo y ver, los primeros en la península Ibérica, la laureada película.

No lejos de la cabecera municipal, en el lugar de Vilela, parroquia de Santa María de Son, se encuentra la que fue casa de la familia del cineasta y, desde hace cuatro años, su domicilio y sede la Asociación Ser. Laxe la rehabilitó con ayuda institucional y desde entonces la Casa Quindós promueve actividades y proyectos de carácter cultural y ambientalista. El preestreno de Sirat, el filme sobre un padre que busca a su hija en el desierto, es la última de ellas.

Navia de Suarna también había acogido, en 2019, la primera proyección en Galicia de su anterior filme, O que arde. Protagonizada por dos actores sin experiencia -Laxe prefiere esta denominación a la más común de no profesionales: cuando trabajan en una película profesional se convierten en profesionales, argumenta-, Amador Arias y Benedicta García, la rodó por la zona, la comarca de Os Ancares. Su adusto retrato pero sin crueldad gratuita del mundo rural, grabado en gallego, le valió el Premio del Jurado de Un Certain Regard, la segunda sección en importancia de Cannes. Después, se convirtió en el fenómeno más improbable del cine gallego: una obra ajena al academicismo y conectada con las corrientes modernizadoras de las cinematografías mundiales fue un éxito de taquilla y más allá.

No era, sin embargo, su primer reconocimiento en el certamen francés. Su debut en largometraje, Todos vós sodes capitáns, realizado en Marruecos, obtuvo en 2010 el Premio Fipresci, y Mimosas en 2016 el Gran Premio de la Semana de la Crítica. Ahora Sirat llega Navia de Suarna con el Premio del Jurado de Cannes y el aplauso entregado de paisanos y vecinos en la plaza del pueblo.

Oliver Laxe llegaba sonriente a la zona de prensa del Palais des Festivals, donde se acababa de celebrar la ceremonia de clausura del Festival de Cannes. Bromeaba con que su reconocimiento parecía un jabón. Lo decía por su forma, pero también porque como los sueños, parecía algo que podía desvanecerse. Se refería al Premio del Jurado que acababa de ganar con Sirat, su nueva película que desde que se presentó el pasado jueves sacudió el certamen. En los corrillos de Cannes se hablaba de Laxe, y su nombre apareció en el palmarés con un galardón que no se ganaba desde 1992, cuando Víctor Erice lo lograra con El sol del membrillo. Desde entonces un premio a la mejor dirección y otro al mejor guion para Pedro Almodóvar era el botín del cine español.

Apenas acaba de pasar media hora desde que la actriz Alba Rohrwacher anunciara su nombre, y en un encuentro con la prensa española en el festival reconocía que ese Premio del Jurado para él “equivale a más libertad”. “Legitima el trabajo que estoy haciendo con mi equipo y nos invita a seguir en la misma línea. Hemos entendido el mensaje. Lo que quiere la gente es libertad, lo que saborea la cinefilia internacional es que haya cineastas que siguen tomando riesgos”, valoraba.

Con sus anteriores películas había ganado premios en todas las secciones paralelas, y su primera presencia en la Sección Oficial le gradúa con honores en un festival que cree que es “un lugar de resistencia del cine con alma”. “Aquí hay un cine un poco más vigoroso. Lo hay más frágil, pero todas las películas tienen fortaleza y son miradas sólidas y profundas que nos recuerdan que hay que seguir teniendo esperanza en que las cosas se siguen haciendo bien. Hay una tradición aquí muy fuerte y muy sana de cine. He pensado mucho en los maestros, en tantos cineastas que han pasado por aquí y me siento muy honrado y muy agradecido”, añadía.

En la rueda de prensa del jurado, Jeremy Strong decía que han premiado películas que no solo eran “artísticamente importantes”, sino también “trascendentes”. A Laxe esa afirmación le hace pensar en cuando era un adolescente, “sin muchos referentes, sobre todo espirituales”. Un adolescente que encuentra en el arte “ese juguetito con el que calentar las manos”. “Creo que los espectadores de lo que más disfrutamos es de la libertad del autor, de que tenga miedo. Eso es lo que nos alivia y nos calma. El arte, en cualquiera de sus formas, a mí me ayudó mucho a tener menos miedo, a conocerme mejor y a ser una persona más emancipada”, subraya.

Su relación con las imágenes es la misma que cuando en aquel instituto descubrió la asignatura de imagen y sonido: “Es la misma relación. Con la sensorialidad de las imágenes, con su lado más sensual. Eso habla mucho del cine radical, que es una palabra que utilizo mucho y me gusta recordar la etimología de la palabra radical, que es raíz. La clave, para mí, ha sido siempre tirarme al abismo. Yo creo que nunca he cogido el camino fácil. Cuando me fui a vivir a Marruecos ya asumí que iba a ser un francotirador que hace sus películas con una cámara de 16 revelando en un cuarto de baño. Siempre he cogido un camino que fuera esencial, que me ayudara a conocerme”.

Un premio como este suele aportar tranquilidad. Ganar en Cannes ayuda a que llegue el dinero para la siguiente, y eso suele significar más ambición y nuevos horizontes. Pero Laxe nada a contracorriente, y en vez de pensar en lo que viene, en ese más difícil todavía, se califica así mismo como “un artesano que lo que necesita es tiempo, y el tiempo es fácil de conseguir”. “Hago una película cada cinco años. La siguiente a lo mejor tardo ocho. No lo sé. Lo que no quiero es engañarme. Así que ya veremos”, ataja con cautela.

Hemos entendido el mensaje. Lo que quiere la gente es libertad, lo que saborea la cinefilia internacional es que haya cineastas que siguen tomando riesgos

Oliver Laxe — Cineasta

Quien ha ganado la Palma de Oro ha sido Jafar Panahi, y Laxe confiesa que se quedó a dos minutos de poder entrar a verla en Cannes, pero que todos los miembros de su equipo que sí la vieron quedaron “profundamente conmovidos con la película”. “Qué bonito perder con gente así… es que además yo soy un amante de Irán. He viajado mucho allí. Irán es uno de los referentes cinematográficos del mundo. Tienen 7000 años de civilización y es un país de una excelencia extrema”.

Apenas un día antes de saber el palmarés, la distribuidora Neon, responsable del éxito de Anora el año pasado y que tras la victoria de Panahi suma seis Palmas de Oro consecutivas, compraba el filme de Laxe para su distribución en EEUU. Una noticia que asegura un estreno allí y que puede facilitar una hipotética carrera por el Oscar. Para Laxe en estas dos semanas ha habido dos momentos clave. Uno el ver que la gente hablaba por la calle de su película, que había “una conexión muy profunda con el espectador”.

El otro fue ver el interés de Neon, que hicieron “una oferta increíble” y que “han mostrado una confianza en la película muy marcada”. Los Oscar es un sitio donde nunca se ha proyectado, pero tampoco creyó que podía estar en Cannes. Por eso, más que los premios, para él lo importante es que esta alianza con Neon le ayude a su meta de alcanzar a más públicos: “Creo que la película puede conectar con muchos públicos y sobre todo con público joven. Yo he diseñado esta película para llegar a ese público joven que no tiene referentes, que hace tiempo que ya no va al cine, que es probable que no la entiendan, pero que ojalá las imágenes hagan un efecto en ellos y les haga volver al cine. Eso me hace mucha ilusión”.

Aquel chico de melenas tendría unos 23 o 24 años. Se sentaba al fondo de un aula en la Facultade de Historia de Santiago de Compostela, donde varios ponentes discutían sobre cine y nación (gallega). “Sus preguntas eran incisivas e interesantes y, al acabar, fui directo a por él”, explica a elDiario.es uno de los conferenciantes, “era Oliver Laxe, de origen francés. Había venido desde Londres a propósito para aquellas jornadas”. Entonces solo había rodado un cortometraje, E as chimeneas decidiron escapar, pero el azaroso encuentro en Santiago le sirvió para tomar impulso. Al día siguiente, relata Manuel González, el participante en la mesa que lo abordó y en ese 2006 director de la Axencia Audiovisual Galega del Gobierno bipartito, tomaron juntos un café. “Lo convencí de que se presentase a las ayudas al talento joven que habíamos convocado. Era renuente, no le gustaba la burocracia”, dice. Nacía así París #1, un mediometraje, la primera de sus tres películas gallegas y también la primera con cierta repercusión entre los especialistas del autor de Sirat, deslumbrante Premio del Jurado en Cannes.

París #1 tardó en materializarse. Lo recuerda bien González. “El proceso fue largo. No había estructura de producción y el plazo para recibir la ayuda se agotaba”, dice. Laxe rodaba en celuloide cuando ya no se estilaba hacerlo y cuando todavía no se había vuelto a estilar –ahora existe cierto revival. Además, el cineasta quería grabar los incendios y justo ese verano no hubo demasiados en los montes gallegos. Años después recuperaría esa obsesión en su aclamada O que arde, pero París #1, estrenada en 2008, fue el retrato espontáneo y hermoso, en blanco y negro, del país del que procedía Oliver Laxe. Que, sin embargo, había nacido precisamente en la capital francesa, hijo de emigrantes, en 1982. “Es una película fascinante, distinta y desinhibida, fresca”, considera González, por la que desfilan helicópteros de las brigadas forestales, una subasta en las fiestas patronales o la Pedra de Abalar de Muxía. Las fronteras entre ficción y documental ya se tambaleaban, como en el resto de su cine.

“La publicidad no era lo suyo”

La profesora y productora Beli Martínez conoció a Laxe aún antes. Los dos compartieron estudios de publicidad en Pontevedra, antes de que el cineasta se marchase a Catalunya a estudiar Comunicación Audiovisual. Tenían 18 años. “No era su sitio claramente, estaba desubicado. La publicidad no era lo suyo. ¡Ni lo mío!”, cuenta divertida, “él se relacionaba sobre todo con gente de Belas Artes”. De hecho, hace memoria y visualiza, era la época del VHS, unas videoinstalaciones de Laxe dentro de un pequeño festival en la ciudad. “Una estaba inspirada en Johnny cogió su fusil [Dalton Trumbo, 1971], una película que recuerdo nos prestáramos en aquella época. Otra era un monitor en el interior de una lavadora”, indica a este periódico, “siempre se echaba a la aventura, esa era su intuición. Lo sigue siendo”. Perdieron el contacto, pero lo recuperaron siete años más tarde en el Filminho, desaparecido festival de Goián (Tomiño, Pontevedra), cercano a la localidad natal de Martínez, que ganó Laxe con París #1. “Era una película distinta a lo que se hacía en Galicia. Siempre fue en contra de todo y, a base insistir, acaba por conseguir lo que quiere”, dice. La obstinación como motor creativo.

Las ayudas al talento de la Axencia Audiovisual Galega de la Xunta, que por primera vez subvencionaban proyectos autorales y no empresas de producción, contribuyeron al siguiente paso de Laxe. Todos vós sodes capitáns, su debut en formato largometraje, llevaba título en gallego y estaba rodada en Marruecos. La etiqueta Novo Cinema Galego ya había comenzado a circular y él se convirtió en uno de sus más relevantes exponentes. Fue su primer éxito en el Festival de Cannes que ahora lo ha vuelto a premiar con el Premio del Jurado de la Sección Oficial: en 2010 obtuvo el premio Fipresci. Mimosas (2016), su segundo largo, alcanzaría el Gran Premio de la Semana de la Crítica y O que arde (2019), su película realizada en Galicia y en gallego, el Premio del Jurado de la sección Un Certain Regard. Todas, incluida la última, cuenta con parte de financiación gallega. Pero antes rodó, en dos días y con una cámara prestada, un mediometraje que no mucha gente conoce: O salvaxe leva o seu tempo (2017). Su historia la sabe, de primera mano, Manolo González.

Su película desconocida en San Sadurniño

“El propio Oliver ha dicho alguna vez que es su obra más biográfica y personal”, asegura. Trata sobre la relación entre su pareja de entonces, Nadia Acimi –que se encargó y sigue encargándose del vestuario en todos sus trabajos–, y los caballos. Y la hizo en San Sadurniño (A Coruña), en el singular Chanfainalab, fundado y dirigido por González y donde cineastas invitados crean sus cortos en un fin de semana. “Venía con Nadia desde Marruecos, conduciendo un camión con todas sus pertenencias. Se iban a instalar en Galicia. Por el camino, su compañera recibió una mala noticia personal. Estaba de muy mal humor”, recuerda González, “yo le dije: 'no te preocupes, estáis cansados, no hagas la película, otro año será'. Pero él respondió: 'No, voy a hacer algo que haga feliz a Nadia”. Ni cámara propia tenía, pero, con un aparato cedido por la organización, improvisó una videocarta de casi media hora, protagonizada por la propia Nadia y caballos del lugar.

O salvaxe leva o seu tempo se puede ver en la página web Fálame de San Sadurniño. También hay declaraciones de Laxe sobre el proyecto: “Hacía años que no operaba una cámara y la sensación era extraña. La verdad es que no teníamos muchas intenciones ni buscábamos nada, simplemente retratar el momento que estábamos viviendo. Estoy muy contento con esta película, creo que es una de las más vivas de todas las que he hecho”. Dos años después, O que arde, su tercer largometraje, hablaría en gallego en una de las principales secciones de Cannes, lo recibiría una larguísima ovación y además regresaría con galardón.

Xan Gómez Viñas, miembro de la cooperativa Numax, con sede en Santiago de Compostela, estaba allí. La firma se encargaba de la distribución y comunicación de la película. Todavía recuerda los aplausos. “Fue bastante increíble, muy emocionante”, narra, “Oliver es muy generoso y en Cannes intentó dar una idea de comunidad del cine gallego. En el pase principal de Un Certain Regard estaban los actores y sus familias, los técnicos, la gente de producción, amigos, también otros cineastas como Ángel Santos o Pela del Álamo...”. O que arde retrataba dos personajes, encarnados por actores sin experiencia –Laxe prefiere esta expresión a la más habitual de “no profesionales”: si están en una película profesional, argumenta, son profesionales– en un mundo, la montaña gallega, del que su población se extinguía. “Su éxito no es fácil de explicar”, dice Gómez Viñas, “tal vez se deba a que ofrece una mirada del rural que no se siente externa. Y contó con dos prodigios actorales, Amador Arias y Benedicta García, que transmiten verdad”.

Autobuses a Lugo para ver 'O que arde'

Lo cierto es que O que arde rompió esquemas. La película, encatada y crítica, lejos de convencionalismos y academicismos, entroncaba con las modernidades contemporáneas del cine mundial y, a la vez, atañía a un público transversal. A las salas de Lugo que la proyectaban llegaban autobuses repletos de vecinos de Os Ancares –donde se rodó– u O Courel para verla. Personas que hacía años que no entraban en un cine lo hicieron de nuevo para ver O que arde. Los especialistas lo califican, sin duda, del filme más determinante de la historia del cine gallego. “Le dio dignidad al interior de Galicia, pero de una manera rica y con matices”, entiende Beli Martínez, quien todavía hoy se asombra de la tenacidad artística de Laxe. “Autoconfianza, fe y entusiasmo”, resume. Los mismos elementos que en esta ocasión –Sirat (2025)– lo han empujado a adentrarse en el desierto. Su primera proyección pública en la Península fue, por cierto, el domingo 25 de mayo en Navia de Suarna, la localidad montañesa de origen de su familia y donde reside buena parte del tiempo. Al día siguiente de recibir el Premio del Jurado en Cannes.

La proyección de Sirat el primer jueves del Festival de Cannes pilló a todos desprevenidos. Nadie se esperaba que la película de Oliver Laxe, ambientada en el mundo de las raves donde un padre busca a su hija perdida podía provocar semejante terremoto en los primeros compases de un festival acostumbrado a todo. Pero su propuesta sensorial, inmersiva, y con un último tercio que te agarra por las entrañas, no dejó a nadie indiferente. Desde su proyección, en los corrillos se oía el nombre de Laxe en todas las quinielas, y el jurado presidido por Juliette Binoche ha acabado concediéndole el Premio del Jurado a este filme que acaba siendo una reflexión sobre la imposibilidad de salirse del sistema. Un premio que ha sido compartido con la directora alemana Mascha Schilinski, que también estaba en todas las apuestas con su segundo filme, Sound of falling.

Sin embargo, de nuevo se rozó la gloria con los dedos y se escapa esa Palma de Oro que se resiste desde 1961, cuando Luis Buñuel lo ganó por Viridiana. En esta edición el jurado apostó por Jafar Panahi, cineasta iraní que durante años no ha podido pisar el festival por ser un prisionero político condenado a rodar en clandestinidad. En su primera visita física al certamen ha conmovido con un filme sobre la venganza política, It Was Just an Accident (Un simple accident), que estaba también entre los grandes favoritos de la edición. Una pena que la ilusión para el cine español quedara a medias, ya que Carla Simón no pudo entrar en ese palmarés por la emocionante y hermosa Romería. 

El premio de Laxe roza lo histórico. Hacía mucho tiempo que un director español que no fuera Pedro Almodóvar —que logró el de Mejor dirección por Todo sobre mi madre en 1999 y un premio al Mejor guion por Volver en 2004— lograba un premio en Cannes. Había que remontarse a 1992, cuando Víctor Erice logró este mismo Premio del Jurado por El sol del membrillo. Al recogerlo, el cineasta se acordó de una anécdota que le ocurrió hace años en un festival de cine en Jerusalén, cuando conversó con un taxista palestino sobre cómo los orígenes de ambos pudieron ser judíos. El taxista le citó una frase: “Os hacemos de tribus diferentes para que os conozcáis”. Laxe unió esa anécdota con la posibilidad del cine de unirnos. “Viva la diferencia, vivan las culturas y viva el festival de Cannes”, concluyó Laxe, que portaba un pin en apoyo de Palestina.

Laxe continúa así su marcha triunfal por el certamen francés, ya que todas sus películas han ganado premio en cada una de las secciones donde se han presentado. Su debut, Todos vosotros sois capitanes, ganó el premio Fipresci en la Quincena de los Realizadores; Mimosas el gran premio de la Semana de la Crítica y Lo que arde comenzó su exitosa carrera desde Una cierta mirada, donde se llevó el premio del jurado. Con Sirat se matricula con honores en su primera participación de la Sección Oficial.

La Palma de Oro para Jafar Panahi es, por otro lado, inapelable. El iraní es uno de los directores más importantes del panorama mundial. Uno que ha demostrado que el poder de contar historias puede desarrollarse hasta en la clandestinidad. Hasta ahora no tenía el premio más importante del cine de autor —el único que le faltaba para completar la corona de Berlín, Venecia y Cannes—, y lo merecía desde hace tiempo. La presidenta del jurado, Juliette Binoche, ha subrayado en su discurso que este galardón no es solo por lo político, subrayando su calidad por encima de todo.

Posteriormente, en la rueda de prensa sí que concedió que esta Palma es un gesto a la vez artístico y “político”. El actor Jeremy Strong, otro de los miembros del jurado añadió que este era un festival que comenzó con Robert De Niro diciendo que había que luchar contra el fascismo, y que para él tenía sentido premiar obras de arte que fueran “trascendentes. De ahí que esta Palma suponga un cierre de fiesta coherente y hermoso para una edición que ha estado marcada por la actualidad política. Por los aranceles de Trump, por la masacre en Gaza. Panahi encarna ese cine activista sin ser panfletario. Lo demostró con un discurso dedicado a ”lo más importante, la libertad de Irán“.

Casi todas las favoritas se colaron en el palmarés El Gran Premio del jurado fue para Sentimental Value, la nueva película del director Joachim Trier, que tras el fenómeno de La peor persona del mundo ha presentado un drama de corte bergmaniano sobre el trauma de dos hermanas a las que su padre, un cineasta prestigioso, abandonó durante años. Una película que podría haber estado en cualquier categoría sin chirriar, a la que quizás le faltaba ese punch social que suelen tener las triunfadoras de Cannes.

La única película que se llevó dos galardones —las normas de Cannes impiden que el filme que se lleve la Palma de Oro tenga más menciones, pero sí al resto alternar uno de interpretación y otro más— fue otra de las sensaciones de este Cannes, el thriller setentero ambientado en la dictadura brasileña Agente secreto, de Kleber Mendonça Filho. Para él fue el premio a la Mejor dirección mientras que para Wagner Moura, la estrella de Narcos, fue el de Mejor actor. Por su parte, la desconocida Nadia Melliti hizo buenas todas las apuestas y se llevó el premio a la Mejor actriz por su papel de una joven lesbiana y musulmana en La petite derniere, la única película francesa que logró premio.

Quienes nunca fallan son los hermanos Dardenne. Jean-Luc y Pierre presentaron su nuevo filme, Jeunes Mères el último día del festival. Suficiente para que emocionaran a todos con esta historia sobre madres adolescentes con la que se llevaron el premio al Mejor guion. Los belgas deben tener una estantería para todos los premios que han ganado en Cannes, incluidas sus dos Palmas de Oro por Rosetta y El hijo. Lo que supo a poco fue el premio especial sacado de la manga para la película que revolucionó (junto a la de Laxe) esta edición. Se trata de Resurrection, del chino Bi Gan, que entregó una obra indescriptible y apabullante sobre el futuro del cine, otro de los temas que se han repetido en esta edición.

Todo en una ceremonia que llega tras un día de confusión, tras el apagón que sacudió el sureste de Francia durante horas y que dejó a Cannes sin luz y con el miedo a que la ceremonia de clausura pudiera verse afectada. Pero si el propio certamen es un faro para el cine de autor y en salas en tiempos de mainstream y plataformas, el propio Palais des Festivals, donde se celebran las galas, fue un faro durante todo el día gracias a sus generadores. La organización del festival pronto se apresuró a confirmar que pasara lo que pasara, la gala tendría lugar.