El próximo 11 de febrero el cineasta, productor y político Pere Portabella (Figueres, 1927) cumplirá 99 años y por tanto se dará inicio al llamado Año Portabella, que se cerrará el día que cumpla los 100. Con tal motivo el Ministerio de Cultura y la Generalitat de Catalunya, representados por el ministro Ernest Urtasun y la consellera Sònia Hernández, han presentado esta mañana en la Filmoteca de Catalunya una propuesta plagada de actos, exposiciones y pases de películas, tanto del siempre vanguardista director como de aquellas que fue posibilitador desde la producción, algunas de ellas fundamentales en la historia del cine español, como Viridiana de Buñuel o El cochecito de Marco Ferreri.

No obstante, los organizadores, a través de la Filmoteca de España y la Filmoteca de Catalunya, y con la dirección del productor cinematográfico Jordi Balló, han preferido titular este año de actividades, conferencias y proyecciones Acción Portabella, en recuerdo de uno de los cortometrajes más celebrados del gerundense, Acció Santos.

El programa provisional de Acción Portabella, presentado hoy en Barcelona, recoge las iniciativas de 62 entidades, de las cuales 20 son internacionales. Entre ellas se encuentran centros de arte y cultura, festivales, filmotecas, laboratorios y fundaciones de pensamiento político y social, así como universidades y medios de comunicación, organismos de carácter transversal o colectivos de artistas.

Del Reina Sofía al MOMA

A lo largo de los próximos meses, se irán incorporando aquellas entidades que así lo soliciten, y sus actividades serán incorporadas a la web del proyecto, pero por el momento cuenta con instituciones tan significativas como el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), La Fundación Miró, la Fundación Tàpies, el madrileño Círculo de Bellas Artes o el MoMA de Nueva York, que reeditará la retrospectiva que le dedicó en 2007.

Y por supuesto, las filmotecas española y catalana proyectarán no solo el conjunto de sus películas, sino también aquellas en que tuvo influencia. En este sentido, la directora de la Filmoteca Española, Valeria Camporesi, ha destacado durante el acto de presentación la importancia de Portabella para la historia del cine español a través de las citadas Viridiana y El Cochecito además de Los golfos, la primera cinta larga de Carlos Saura. En este sentido, la Filmoteca Española desarrollará un rol activo en la internacionalización de la celebración, y acogerá un ciclo de obras y cineastas que el propio Portabella tuvo como referencia.

La Filmoteca de Cataluña, por su parte, también tendrá un papel nuclear en los actos, pues ha sido una institución clave en la conservación, documentación y accesibilidad de su legado –del que actualmente ostenta la titularidad–, así como en la restauración de sus cintas. Entre las actividades organizadas, estará una retrospectiva al cineasta, que se moverá entre las filmotecas y centros adscritos a la Federación Internacional de Archivos Cinematográficos (FIAF).

La Filmoteca de Andalucía organiza asimismo un ciclo de proyecciones en sus dos sedes, en Sevilla y Córdoba, contará con especialistas en la obra del artista. Por otro lado, el programa incluye una variedad de seminarios, ciclos de conferencias y propuesta expositivas en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, la Filmoteca de Catalunya, el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) o el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), entre otros.

Finalmente, entre las entidades internacionales que colaboran en Acción Portabella están la Cinemateca Portuguesa, el centro cinematográfico Eye Filmmuseum de Ámsterdam, el festival de cine canadiense Toronto International Film Festival, el ya citado museo MoMA de Nueva York, el Jeonju International Film Festival de Corea del Sur, y la bienal de arte Europalia, entre otras.

El cine español está de luto este 17 de junio con el fallecimiento de Manolo Zarzo a los 93 años con una vida dedicada a las películas y la televisión, y una profesión, la de actor, que no dejó hasta los últimos días. Con una destacada trayectoria, fue dirigido por grandes como Mario Camus, Carlos Saura, e incluso participó en los llamados spaghetti western, para luego interpretar papeles en icónicas series.

Manuel Zarzo nació el 26 de abril de 1932 en el barrio de las Ventas de Madrid en el seno de una familia obrera y siendo el menor de ocho hermanos. Comenzó temprano en la interpretación, y a los 16 años recorrió España con una compañía de teatro juvenil, siendo su debut en el cine con la película Día tras día en 1951, dirigido por Antonio del Amo y desde el que creó una trayectoria de lujo

Los Santos Inocentes (1984)

Uno de sus papeles más destacados y recordados es el del doctor Don Manuel en la película Los Santos Inocentes, dirigida por Mario Camus y basada en la novela homónima de Miguel Delibes. En ella coincidió con Alfredo Landa y Francisco Rabal, en un largometraje cuya trama gira en torno a los trabajadores sin tierra que tienen que sobrevivir en una finca aristocrática de Extremadura en la década de los 60.

La Colmena (1982)

Dos años antes también había participado Manolo Zarzo en otra película mítica del cine español, también dirigida por Mario Camus, La Colmena, adaptación en este caso de la novela de Camilo José Cela que se basa en la Madrid de la posguerra, entorno al año 1942. En ella interpretó al gerente del café Consorcio López, y se rodeó de estrellas como José Sacristán, Victoria Abril, Ana Belén, José Luis López Vázquez o Francisco Rabal, con quien coincidiría también en Los Santos Inocentes.

Los Golfos (1960)

Pero una de las primeras películas más destacadas de la filmografía de Manuel Zarzo es Los Golfos, un trabajo de Carlos Saura en la que fue uno de los pocos actores profesionales, pero que fue estrenada mundialmente en el Festival de Cannes, donde estuvo nominada a la Palma de Oro a mejor película, que recaería al final en La dolce vita de Federico Fellini, pero que en España no se vería hasta dos años después debido a la censura.

En ella interpretaba a Julián, uno de los seis jóvenes que sobreviven en los arrabales de Madrid y que comete pequeños robos para poder pagar el debut como torero de su amigo Juan, que persigue este sueño.

Entre Tinieblas (1983)

Otro de los largometrajes destacados en los que participó Manolo Zarzo fue Entre tinieblas, donde fue dirigido por Pedro Almodóvar en papel de sacerdote, al ser una película que se adentra en el mundo de la religión y su relación con la realidad de la España de la década de los 80. En ella coincidió con su hija Flavia, que también se dedicó a la interpretación, y actrices como Marisa Paredes, Carmen Maura.

El demonio de los celos (1970)

Una de las partes más interesantes de la filmografía de Manuel Zarzo es su participación en el cine internacional, como el spaghetti western, con películas rodadas en Almería, y donde destaca por ejemplo El demonio de los celos, en versión original llamada Dramma della gelosia (tutti i particolari in cronaca).

En ella coincidió en cartel con Monica Vitti y Marcello Mastroianni, quien ganaría el premio de Mejor actor en Festival de Cannes con este filme, dirigido por Ettore Scola. Manolo Zarzo interpretó a Ughetto y también coincidía con otro actor español como Juan Diego.

Destacados papeles en televisión

Pero si Zarzo es en parte una cara conocida para la audiencia española es por haber participado en icónicas ficciones de la televisión, como Fortunata y Jacinta (1980), donde interpretó a Segismundo Ballester, Juncal (1989), Compañeros (1998) como Tomás Alberti, La verdad de Laura (2002), y con pequeños papeles en Curro Jiménez, Hospital Central, Aquí no hay quien viva o Amar es para siempre.

La celebración del centenario de Matadero llega a uno de los espacios culturales más emblemáticos que acoge, Cineteca Madrid. La institución reúne una selección de siete películas que contaron con el característico entorno de la capital, ahora reconvertido en centro cultural, como localización.

Entre ellas destacan obras como Matador (1986), de Pedro Almodóvar, o Los golfos (1959), ópera prima de Carlos Saura. También La buena estrella (1997), de Ricardo Franco, que contará con presentación de su protagonista, Antonio Resines.

El 6 de noviembre se podrá ver la película Procesos (2007), de Daniel García-Pablos, seguida de un coloquio con el director y la comisaria e investigadora María Bella. La película, que documenta los trabajos de rehabilitación de Nave 17, testimonia una de las primeras intervenciones que se llevaron a cabo en la reforma.

A la presentación de Felices pascuas (Juan Antonio Bardem, 1954) acudirá Luis Deltell Escolar, catedrático de Historia del Cine de la Universidad Complutense y codirector de ESCINE, grupo complutense de estudios cinematográficos. También se exhibirán Sin noticias de Dios (Agustín Díaz Yanes, 2001) y El embrujo de Shanghai (Fernando Trueba, 2002).

Programación del ciclo Matadero: set de rodaje

Martes 5 de noviembre

Miércoles 6 de noviembre

Jueves 7 de noviembre

Viernes 8 de noviembre

Sábado 9 de noviembre

Domingo 10 de noviembre

Tras estrenar en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid Of Whales en 2023, un filme de mediana duración (75 minutos) en que revisa el mito de Moby Dick, la cineasta norteamericana Wu Tsang regresa ahora a España con una nueva cinta, La gran mentira de la muerte, esta vez especialmente creada para el MACBA barcelonés. Ha sido producida por el museo en conjunción con la institución con sede en Madrid TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, la holandesa Hartwig Art Foundation y la australiana National Gallery of Victoria.

Para su nueva y colorista obra –que puede verse de lunes a sábado en La Capella del MACBA hasta el 3 de noviembre en una instalación de gran formato– ha contado con las actuaciones de la bailaora Rocío Molina, premio Nacional de Danza en 2010; el cantaor José el Oruco; la también bailaora anglo-ghanesa Yinka Esi Graves; el bailarín de performance Tosh Basco y la torera Vanessa Montoya.

Juntos revisan el mito de Carmen a través de performances con una fotografía profundamente cuidada y una estética colorista y visual, de rojos y blancos contrastados, pero a que, a la vez, está dotada de una gran fuerza emotiva y dramática, merced a las actuaciones especiales de Rocío Molina y el Oruco, que mantienen un tenso diálogo de danza, cante y percusión hasta casi la extenuación física. Paralelamente a la película, Wu Tsang ha dirigido una versión de la ópera para el teatro Schauspielhaus de Zúrich.

¿Por qué llama a la película La gran mentira de la muerte?

El título surge de una conversación con Rocío Molina durante el rodaje. Tuvimos muchas conversaciones entonces sobre el mito de Carmen y sobre el proyecto que, en esencia, quiere revisar el peso de la muerte en la historia de Carmen. Recuerdo que le pedí que me hablara sobre qué es para ella la muerte en el flamenco, como bailaora.

Y entonces ella dijo que en el flamenco la muerte es una gran mentira. Realmente me pareció algo poderoso: quiso decir que en el flamenco la muerte es algo siempre presente pero que no pasa nunca a ser real, es un asunto de teatralización de la misma, pero que acaba cuando termina el baile o el cante. Es algo que además está particularmente acentuado en su enfoque de la interpretación, que es muy visceral.

Es como si Rocío realmente empujara su cuerpo a través de todos los ritmos para llevarlo al extremo, como si estuviera destruyendo su cuerpo o casi, como si muriera cada vez que actúa. Pero realmente esa muerte sobre el escenario es mentira, porque es solo una actuación. Es una especie de muerte metafórica o poética.

¿Tal vez la relación de la cinta con Carmen venga porque es una mujer que siempre está forzando los extremos, poniendo en riesgo su vida?

En efecto, Carmen es un mito que llevo muchos años investigando. Y de hecho este último año he estado investigando muy intensamente en Sevilla con muchos de los colaboradores que están en la película, tanto del mundo del toreo como del flamenco. Y creo que una de las cosas que me atrajo de este mito es la incógnita de por qué es tan popular.

¿Por qué se la reinterpreta infinitamente a través de estas diferentes formas artísticas como la ópera, la danza, el flamenco, el cine, la televisión y la cultura pop? Creo que tiene que ver con el hecho de que su historia se plantea como una especie de destino, como que por ser como es, debe morir. Sabemos que ella va a morir, pero aun así queremos seguir el viaje. Personalmente tengo una especie de teoría: debido a quién representa Carmen (la libertad y la alteridad en una sociedad conservadora), ella debe morir porque es con este ritual que elimina esa libertad que le es inherente.

¿Cree que el destino fatal de Carmen está relacionado con el hecho de ser mujer y gitana, que es como un aviso de que las mujeres libres tienen este final?

En cierto modo el mito nos dice que Carmen carga con todas las subjetividades que representan a las minorías oprimidas: es mujer, es gitana, es obrera, es una criminal en el sentido de que participa en economías alternativas y como contrabandista, e incluso tal vez ejerce como trabajadora sexual. De todos modos el mensaje que lanza el mito creo que es más complejo de lo que comentas.

Por sus subjetividades, ella representa una amenaza a un tipo de orden social más civilizado que es el europeo, al menos tal como lo concebían Mérimée y Bizet [uno, autor de la novela y el otro, de la ópera Carmen], que tenían una visión orientalista de España, un lugar de cultura inferior.

Incluso hay un paralelo en la ópera de Bizet en el que se ensalzan las virtudes de la pureza que representa Micaela, rubia, frente a la cetrina Carmen, la una con una voz más de soprano y la otra más oscura, de mezzo. Es como si existieran todos estos arquetipos y estereotipos sobre el bien y el mal.

Por lo tanto Carmen, por lo que representa, no puede tener otro final que la muerte, pero en realidad es solo una representación ritual de la muerte, un ciclo que se repite en el que ella regresa cada vez que se interpreta la ópera. Hay una línea en el texto de mi película que dice que cada vez que ella muere, regresa de manera diferente.

Saura es una gran influencia porque es el mejor, pero creo que tiene una forma de filmar el flamenco muy característica y yo he querido ofrecer otra perspectiva

Wu Tsang

¿Podemos concluir que Carmen tiene que morir para renacer y conservar su salvajismo y su libertad?

Creo que lo que ella representa es un tipo de libertad que el orden social quiere castigar y matar. Eso es todo. Y creo que vemos ejemplos de eso todo el tiempo, todos los días en las realidades actuales, ya sabes... No solo para las mujeres, sino para todo tipo de personas no europeas, racializadas, etc.

El mito de Carmen lo crea Mérimée y luego lo hace célebre Bizet con su ópera, pero no deja de ser una visión de dos señores que no eran españoles y que veían en España un lugar exótico, en profunda decadencia y alejado de lo que entonces era Europa. ¿No teme caer también usted en una aproximación exótica de lo que puede ser el flamenco o el toreo?

Vale, no soy española, pero ¿tienen los españoles cosas más auténticas que decir sobre Carmen que los franceses o los chino-americanos? Sabes a qué me refiero... Al final ella no está creada por los españoles, no es un mito español sino universal... Así que: ¿quién tiene derecho a hablar de ella desde qué posición exclusivamente auténtica?

Es cierto que en su ópera Bizet tenía una fantasía orientalista total, pero yo en mi trabajo intento interrogar sobre este tipo de fantasías orientalistas. Como chino-americana, soy alguien que también es occidental pero que es percibida como no-occidental, así que puedo entender el conflicto entre la realidad y las percepciones que se proyectan sobre las personas.

Sucede algo muy similar con el flamenco: hay muchas maneras similares de pensar sobre la forma en que se construye el flamenco, todo el mundo de apropia su autoría, pero por las conversaciones que he tenido con conocedores como Pedro G. Romero, el flamenco no le pertenece a nadie, cuanto más se investiga su origen, menos claro está.

El flamenco no le pertenece a nadie, cuanto más se investiga su origen, menos claro está

Rocío Molina y José el Oruco, son los personajes principales, pero también aparece Yinka Esi Graves, que es una bailarina muy interesante. El caso es que los estilos de baile de Rocío y Yinka son muy diferentes. Rocío es toda físico y percusión. Yinka es mucho más gestual, incorpora elementos de la danza contemporánea y su baile se antoja etéreo y fluido. Hay un contraste entre ellas: ¿es intencionado?

No se trata de contrastes sino de expresiones personales de cada uno de los artistas. Hay cinco personajes y dos de ellos, Rocío y Yinka, son bailaoras. También está el toreo de Vanessa Montoya. Y además Tosh Brasco también es intérprete, bailarín y colaborador mío desde hace mucho tiempo. Y con cada intérprete teníamos una especie de investigación propia sobre el mito de Carmen y la muerte.

Pero es cierto que todos sintieron que estaban ofreciendo perspectivas muy diferentes durante su investigación y eso sí se expresa sus performances igual que se expresaba en las conversaciones que tuvimos.

¿Te has inspirado en Carlos Saura para realizar el filme? El vínculo estético me parece evidente. 

Saura es una gran influencia porque es el mejor, pero creo que tiene una forma de filmar el flamenco muy característica y yo no quería simplemente emular eso, sino que deseaba ir más allá, buscar nuevas perspectivas, ofrecer nuevos ángulos. Es lo que he intentado y espero haber conseguido.

¿Qué es el cine fantástico español? ¿Donde están sus límites y sus barreras? Para el programador y ensayista Ángel Sala, que dirige el Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges desde el año 2001, no hay que limitarse solamente a las cosechas del denominado fantaterror español de la década de los setenta y sus alrededores (representado por el prolífico realizador Jesús Franco o el actor y director Paul Naschy, entre otros), y a la eclosión de la cultura freak contemporánea encarnada en Jaume Balagueró, Álex de la Iglesia o Paco Plaza. En opinión de Sala, hay mucha más tela que cortar y muchas más películas que analizar. 

Sala trae bajo el brazo el ensayo Profanando el sueño de los muertos (Hermenaute) en una nueva versión ampliadísima y reformulada respecto a la primera publicación, a cargo de la editorial Scifiworld, hace una década. El empeño adquiere dimensiones casi monumentales: alrededor de 500 páginas muy moderadamente ilustradas. El repaso, personalísimo, está marcado por el inclusivo criterio de selección que ha empleado su autor, que sigue la senda del crítico José María Latorre: este afirmaba que el cine fantástico no solo tenía que ver con criaturas y argumentos irreales, sino con “la puesta en escena, la manera de utilizar y reconvertir los materiales filmados”. 

Esta concepción del fantástico abre unas cuantas puertas y derriba unos cuantos cercados. Entra en él las historias con algo de fábula, o de sueño y pesadilla, las narraciones donde el presente y el pasado se relacionan de manera más porosa. O sencillamente, las historias violentas escenificadas con un sentido del tenebrismo o del expresionismo que las aleja de lo real. El terror religioso de REC o las historias de fantasmas de Los otros conviven, por ejemplo, con una obra política de la Transición como Camada negra. “Yo la veo como una película de terror sobre una secta fascista que educa a chavales para que se conviertan en asesinos. Además, la firma un director como Manuel Gutiérrez Aragón, cuyo cine no era estrictamente realista”, argumenta Sala.

El autor de Just imagine. 50 títulos esenciales del cine de ciencia ficción defiende una cultura fantástica española que no comienza con los hombres lobos de Naschy o las vampiresas de Jesús Franco, ni siquiera con obras más tempranas como La torre de los siete jorobados. “Para mí lo fantástico en España está muy determinado por El Quijote, por el teatro de Calderón de la Barca, por la narrativa de Enrique Jardiel Poncela, por las pinturas de Goya y por el cine de Luis Buñuel”, afirma. Sala añade algunos pilares quizá menos conocidos a estos fundamentos del cine fantástico español: Lejos de los árboles, de Jacinto Esteva, y Fuego en Castilla, de José Val del Omar.

Simpatía por la excentricidad

La visión de Sala también es personal por su manera de comentar las películas. Su voz es reconocible. Parece especialmente proclive a destacar las rarezas, las autorías peculiares, los versos sueltos. Hace un trabajo de mapeado de su historia del fantástico organizado en tres grandes etapas, con diversas subsecciones internas, pero el protagonismo no recae en ese trabajo de cartografía, en la delimitación de movimientos y tendencias, sino en todas y cada una de las películas concretas. 

Algunas obras están comentadas más largamente (clásicos como la intriga neogótica La residencia, o la inusual Arrebato), y otras reciben unas pocas líneas, pero cada título tiene su momento de gloria. “Yo quería que el protagonismo fuese para las películas. Ha sido difícil poder ver mucha de ellas, que afortunadamente están siendo recuperadas por editoras videográficas, filmotecas, festivales, plataformas… Pretendo despertar curiosidad alrededor de títulos como La corona negra, de Luis Saslavsky, o La dama del alba, de Francisco Rovira Beleta, que son magistrales y que no son conocidos, que solo aparecían en monografías bastante académicas o especializadas”, explica.

Se ha sido injusto con este cine. Se le puso en el saco del exploitation, del programa doble de barrio

Ángel Sala — Escritor y director del festival de Sitges

Además de gozar con las propuestas anómalas, Sala parece disfrutar con las películas que hacen aflorar las zonas más oscuras de la sociedad. Los filmes que conectan con la España negra de Lorca o la del diario de sucesos El Caso, con el país de los caciques y sus poderes ciegos, de la represión múltiple que supuso la dictadura franquista. “Aunque no tengo ningún problema con lo español, creo que España está llena de cosas que no me gustan, pero que me parecen fascinantes”, declara el director del festival de Sitges. 

El autor dimensiona los componentes de crítica social, o de escenificación de choques culturales, que incluyen obras muy diferentes. Da importancia a la crítica a la religión que estaría implícita en las películas de zombis de Amando de Ossorio (La noche del terror ciego), y también la insistencia en violencias rurales más cercanas a lo real como las que aborda La caza, de Carlos Saura. Habla de la influencia de la tauromaquía y de otras violencias para configurar una especie de gótico español, con elementos diferenciados del american gothic que ha cultivado Hollywood y su periferia.

Ajustando cuentas por los muertos 

Algunas frases repartidas alrededor de Profanando el sueño de los muertos, en forma de dardos a la crítica especializada o a otras autorías cinematográficas, transmiten un sentimiento de agravio habitual en algunos miembros de la familia del fantástico español. “Yo creo que se ha sido injusto con este cine. Se le puso en el saco del exploitation, del programa doble de barrio”. Con todo, Sala contextualiza que el desprecio crítico alrededor de los géneros cinematográficos más populares, como el spaghetti western, no es inusual. También considera que “el cine alrededor de lo fantástico en España goza ahora de un reconocimiento diferente… que a menudo ha venido de fuera”.  

Sala cree que el cine fantástico español puede presumir de “una cantidad tremendamente envidiable de películas”. “El cine fantástico francés me interesa mucho, cuenta con grandes obras, pero no tiene tanta cantidad de filmes”, explica. Y afirma que se puede hacer un cierto trabajo de reivindicación que a la vez mantenga una cierta ecuanimidad: “No tenemos que volvernos locos y decir que El retorno del hombre lobo es una obra maestra indiscutible, pero era necesario decir las cosas buenas que tenían muchas de estas obras, lo que influyeron. Algunos ensayos eran directamente insultantes. Ha habido un exceso de antichovinismo con el cine fantástico español, no todo era barato y cutre”.

En cambio, Sala se muestra un tanto preocupado por el futuro. El cine fantástico español no es ajeno a las dinámicas de homogenización de las formas del audiovisual global, esa estandarización de las maneras de mirar y contar que tiene que ver con las tecnologías digitales y las plataformas de streaming, pero también con muchas más cosas. El programador considera que algunos de lo cineastas que cambiaron el fantástico estatal durante los años noventa y a principios del nuevo siglo no pasan por su mejor momento: “Consiguiendo aún obras muy aceptables y muy interesantes, de vez en cuando no tienen más remedio que plegarse al mercado con obras muy domesticadas”. 

“El cine fantástico español ha tendido a tener una cierta ferocidad, transgresión, ha sabido un poco a sangre y arena, como diría Blasco Ibáñez. Y ahora sabe a cine enlatado para plataformas en demasiados casos”, opina Sala. El autor de Profanando el sueño de los muertos no pierde de vista el pragmatismo y entiende que “la gente también tiene que trabajar y que es difícil competir con obras muy originales”. Cree que el fenómeno está extendido (“la mayoría de terrores estadounidenses que funcionan se parecen mucho a lo de siempre”, afirma), pero se muestra preocupado por una supuesta falta de relevos: “Hay muy pocas óperas primas de gente realmente joven, y la incorporación de las mujeres como directoras, que ha tenido lugar en otros países, no se está dando en España”.

¿Qué tienen en común Carlos Saura, Basilio Martín Patino y Luis García Berlanga? A priori, y aunque tengan aproximaciones estéticas y visuales completamente diferentes, todos ellos tienen en sus películas ciertas puntos de conexión. Entre ellos están las referencias al momento histórico que les tocó vivir. La dictadura se coló en sus historias de forma más o menos explícita. La ironía de Berlanga de la mano de Azcona, la crítica radical a la burguesía de Saura o la libertad vanguardista de Patino... todas convergieron hablando de la sociedad franquista.

Puede que ese interés común, además de por haber vivido en sus carnes la dictadura, la censura y al represión, tenga que ver con que todos ellos se formaron como cineastas en el mismo lugar, la Escuela Oficial de Cinematografía, la primera que se creó en el país y que nació en 1947 como Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC), y en 1962 pasó a tener el nombre con el que todos la conocieron.

Una escuela nacida en pleno franquismo que se convirtió en un reducto de libertad del que no solo salieron los tres directores citados, sino también Juan Antonio Bardem, José Luis Borau, Basilio Martín Patino y también unas cuantas pioneras como Josefina Molina; Cecilia Bartolomé y Pilar Miró, aunque ya en la segunda fase y tras el cambio de nombre. Un lugar de una importancia fundamental para entender la historia del cine español y en el que ha entrado con bisturí Luis E. Parés, actual director de Cineteca (espacio cinematográfico de Matadero Madrid) que, tras un proceso de documentación exhaustivo, ha logrado rescatar las prácticas de los cineastas de la escuela. Documentos olvidados con los que reconstruye la historia de la institución y la del país en el documental La primera mirada, que se ha podido ver en Seminci. 

Creaciones que plasmaban la España sombría y en blanco y negro que se vivía fuera y que no mostraba el cine oficial. Trabajos que, al ser prácticas estudiantiles, no estaban sometidos a la guillotina de la censura, sino que podían ser rodados sin pasar ningún filtro. Eso provocó que se trataran temas tabú que nunca pudieran haberse tratado en una película comercializada. Parés descubre documentos inéditos como los restos de un intento documental de Berlanga, en color, sobre el artista Enrique Pérez Comendador, llamado Talla escultórica y del que nunca se habían visto las imágenes que se rodaron en 1952. De Berlanga se puede ver también su primera práctica, El circo. 

Como dice la voz en off de La primera mirada, eran directores “sin medios, pero sin miedos”. Fueron más de 300 personas las que se presentaron al primer anuncio de la escuela, y en la cola de esa primera convocatoria dos personas se hicieron amigos y cambiaron la historia del cine español: Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga. No faltan en esta sucesión de prácticas aquellos que cambiaron la forma de hacer cine en nuestro país, como Carlos Saura, que en su primer trabajo, Tiovivo (1952), ya muestra una experimentación visual impropia de la época, y que en trabajos como Pax (1955) se desataba políticamente mostrando una sátira de un dictador al que ponía rostro Julio Diamante, quien posteriormente sería detenido por pertenecer al Partido Comunista. Era un cine disidente, político y muy libre.

En esas prácticas vi cosas que no había visto jamás. Denuncias políticas, parodias de los generales franquistas, mujeres desnudas… una imagen de España que no se veía en las películas oficiales

Luis E. Parés — Director de cine

La primera mirada rescata del olvido a todos aquellos que no pudieron entrar en una industria que daba la espalda a los cineastas de la escuela. Muchos no pudieron rodar una sola película, pero dejaron un legado en forma de práctica estudiantil donde se apreciaba lo que podría haber sido. Es el caso de Paulino Garagorri, que en 1950 hizo la primera adaptación de Lorca con El amor de Don Perlimplín en un momento en el que Lorca estaba prohibido en España. O de Esteban Madruga, que da la vuelta a la Guerra Civil en Los vencidos. O la fundamental El solar, de José María Arzuaga, que en 1958 mostró a un hombre agonizar tras una paliza policial. Su práctica fue suspendida y se fue a Colombia, donde se convirtió en uno de los padres del cine independiente. 

Un documental lleno de curiosidades, como la primera práctica de Jesús Franco, o el descubrimiento de que Joaquim Jordá realizó en 1959, tres años antes que Kubrick, una adaptación de la Lolita de Nabokov. Con el paso del tiempo, se acrecentó la presión para controlar el Instituto. Se puso a José Luis Saenz de Heredia, director de la franquista Raza, al frente; y se intentó que no hubiera tanta disidencia. Pero en la escuela cuanto más apretaban, más libertad salía por los fotogramas. Así se sucedieron El cuartelazo (Héctor Sevillano, 1961), La paliza (Santiago Gutiérrez Montedeoca, 1961) o Sin amanecer (Pedro Balañá, 1962). En la primera se habla de un golpe de Estado; en la segunda se ve un trasunto de la Brigada Político Social y en la última se muestran torturas a detenidos. 

Denuncias y desnudos

Fue en el proceso de investigación cuando Luis E. Parés descubrió las prácticas y supo que el documental se centraría en ellas. Nada de bustos parlantes. Las imágenes serían el centro. También tuvo claro que “en realidad no hay una escuela, son dos muy distintas, y que en realidad lo que había que hacer era mostrar las prácticas, no poner a alguien contándote cómo era la escuela”. En esos trabajos descubre cosas que no había “visto jamás”. “Denuncias políticas, parodias de los generales franquistas, mujeres desnudas… estaba viendo una imagen de España que no se veía en ninguna película oficial”, cuenta desde Seminci. 

Ahí ya hay un cambio en cómo se cuenta la historia, que suele presentar a la Escuela Oficial como un todo, desde su creación hasta su desaparición en el curso 1974/75, pero Parés establece una fractura en ese año 62 en el que cambia incluso de nombre. “El año 62 es importantísimo en la historia del franquismo y de España, sobre todo porque entra Manuel Fraga al Ministerio de Información y Turismo con la intención de cambiar la imagen exterior de España y él entiende que el cine también es una herramienta para mostrar otra imagen de España en extranjero. Es ahí cuando se da cuenta de que hay una escuela de cine que depende del Ministerio que puede instrumentalizar”, explica el cineasta. 

La escuela no solo cambia de nombre, sino también “de espíritu”. “Hay un cambio de dinámica. El Gobierno empieza a estar más encima de la escuela. Además, para ello se le mete más dinero a la escuela, ya no son cuatro matados que hacen lo que pueden, sino que empieza a haber medios. También la cambian de sitio, la ponen en el centro de Madrid y le cambian el nombre. Y es la Escuela Oficial de Cinematografía. La palabra oficial en el franquismo tiene un peso brutal. Es verdad que es la misma escuela, pero ahí hay como una especie de interrupción que hace que la dinámica se corte, y por eso yo he preferido hablar de dos escuelas, porque de hecho se llaman distinto, tienen directores distintos y reglamentos y espíritus distintos”, puntualiza.

El cine que nunca vimos

La primera mirada hace que soñemos el cine que nunca pudimos ver, el de esos cineastas que el franquismo no dejó hacer una película. Estos cortos nos hacen pensar en un cine diferente. “Nos hemos perdido muchas cosas pero, como no sabemos qué nos hemos perdido creo que somos incluso incapaces de valorarlo”, dice Parés de forma contundente. Cuando la gente le pregunta por el documental, tiene interés en saber si hay prácticas de los más famosos. Y los hay. Pero para el director el caso que más le llama la atención es el de Héctor Sevillano, que realiza El cuartelazo.

Hubo una generación desconocida que pensó que el cine español era mucho más que comedias andaluzas y los discursos oficiales. Empezaron a soñar el cine español de otra forma

Luis E. Parés — Director de cine

“Creo que esta escuela sirve para que sepamos los nombres propios de una generación que pensó que se podía hacer cualquier cosa en cine en España. Pensaron que el cine español era mucho más que comedias andaluzas, que los discursos oficiales. Empezaron a soñar el cine español de otra forma, y eso en cierto modo caló en los que fueron viniendo después. Nos hemos perdido muchas cosas, y es lamentable, pero al menos tenemos una generación desconocida y anónima que nos muestra unas imágenes que si no hubiese sido por ellos, no tendríamos ahora”, añade con optimismo.

El poco trasvase de directores de la escuela a la industria se debe a que “la industria detestaba al instituto”. “El instituto era muy moderno, porque nació de la cinefilia, y los alumnos coincidían en el aula, pero después se iban a comer juntos, se iban al cine, de cañas y a las nueve volvían con la rueda. Para la industria no había nada importante en la cinefilia. No te daba un valor añadido saber quién era Nicholas Ray. La industria, de hecho, cortó relaciones y por eso Bardem y Berlanga tienen que inventarse su propia productora y su propia forma de hacer cine para hacer su propia película. Y si no hubiese sido por esa especie de arrojo pionero, no hubiésemos tenido esa carrera”.

Carlos Saura y Jean-Luc Godard, dos de los directores más importantes de la historia del cine europeo, fallecieron en el último año. El español lo hacía un día antes de recoger su Goya de Honor en febrero de 2023, mientras que el padre de la modernidad y de la Nouvelle Vague lo hacía en septiembre de 2022. Era de esperar que el Festival de Cannes se acordara de ellos, ya que habían competido en varias ocasiones en su Sección Oficial y recibido varios premios con varias de sus obras maestras. Saura rozó la victoria con Cría Cuervos, y Godard ganó el Premio del Jurado con Adiós al lenguaje y una Palma especial con su último largometraje, El libro de imágenes.

El anuncio de los homenajes ha esperado hasta casi el final, pero Cannes se rendirá a los dos creadores. A Saura le dedicará una proyección de Carmen desde el cine de la playa, una pantalla gigante abierta al público que cada noche proyecta títulos en un entorno único. Una restauración en 4K que estará presentada por su hijo Antonio Saura. De Godard llegará su último e inédito trabajo, el corto Drôles de Guerres. Lo hará acompañado de un documental sobre su figura y de la restauración de una de sus obras maestras, El desprecio.

En los últimos anuncios de Cannes también ha entrado una sorpresa final para el cine español, la presentación en la Sección oficial fuera de concurso de Robot Dreams, la nueva película de Pablo Berger, responsable de Blancanieves y que aquí afronta su primera película de animación. Cannes confirma su apuesta por la animación y, como hiciera el año pasado, realizará un pase del filme dedicado a los públicos más jóvenes.

En palabras del director, Robot Dreams es “una historia sobre la amistad, su importancia y su fragilidad” y también la carta de amor a Nueva York de su director, ciudad donde vivió durante una década. El guion, que firma el propio Berger, es una adaptación de la exitosa novela gráfica homónima de la artista norteamericana Sara Varon. Robot Dreams completa el póker español junto a Creatura, de Elena Martín; Extraña forma de vida, de Pedro Almodóvar y Cerrar los ojos, de Víctor Erice.

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El pasado diez de febrero nos dejaba uno de los directores más importantes de la historia del cine español: Carlos Saura. Su última película, “Las paredes hablan”, llegó a los cines el tres de febrero, hace poco más de mes y medio.

Más de 62 años dedicados en cuerpo y alma al cine. Y a la fotografía y a la pintura y a la escritura. Se ha marchado uno de los cineastas fundamentales para entender la idiosincrasia y las heridas de nuestro país, pero también para transmitir la belleza del gesto artístico, fuese cual fuese su disciplina. Puedes ver el programa completo aquí:

Por eso le dedicamos esta nueva entrega de Sesión Continua con Marta Medina, al oscense que sorteó la censura y se abrió camino hasta la cima de Berlín, de Cannes, el cronista de la España del siglo XX y XXI.

Un recorrido en el que nos acompañan su hija, la productora Anna Saura y Jaime Chávarri, compañero de profesión y que fue el director de arte de Saura en ‘Ana y los lobos’. 

Y hablamos también con Suso 33, uno de sus colaboradores en ‘Las paredes hablan’ y con Paula Ortiz, directora de ‘La novia’ y cineasta también aragonesa. Además escuchamos a Manuel Gutiérrez Aragón, compañero del cineasta en la Escuela de Cine, y la actriz Ana Torrent, protagonista de “Cría cuervos”. 

“Recorrido por el río Manzanares y su influencia en la distribución urbana y las costumbres de la ciudad de Madrid”. Es el argumento de El pequeño río Manzanares, el primer cortometraje de Carlos Saura. En su segunda pieza, La tarde del domingo, sigue a una criada que deambula por El Retiro y otros enclaves característicos de la capital mientras se siente profundamente aislada entre la multitud. Más de veinte años después de estas dos obras, fechadas en 1956 y 1957, su acercamiento al extrarradio madrileño desde el cine quinqui en Deprisa, deprisa le proporcionó su mayor éxito internacional: el Oso de Oro del Festival de Berlín en 1981.

A medio camino entre el intimismo de sus primeros proyectos y la ferocidad que demostró siendo ya un autor consagrado, en un proceso de transformación como el que vivía el Madrid que tanto retrató, se encuentra otra de sus grandes películas sobre la capital: Los golfos. Un largometraje debut en el que Saura se fijó en los sectores más desfavorecidos de una ciudad y un país sumidos en la desigualdad, como ya hiciera en 1950 (echando mano de toques más oníricos) Luis Buñuel con Ciudad de México en Los olvidados. Es 1960 y España inicia unos años de desarrollismo que no existió, ni de lejos, para todo el mundo.

La película, estrenada con grandes críticas en el Festival de Cannes pero cuyo lanzamiento en salas españolas se pospuso hasta 1962 debido a la censura franquista, sigue a una pandilla de seis chavales. Julián, Ramón, Juan, el Chato, Paco y Manolo sobreviven como pueden en los arrabales de Madrid. Juan quiere ser torero, y sus amigos cometen pequeños atracos para poder pagar su debut. Verle tomar la alternativa es la aspiración de todo el grupo, que sueña con que al menos uno de ellos abandone el pozo sin fondo al que parecen estar condenados.

Al realismo descarnado de la película, con ecos de El Jarama de Rafael Sánchez Ferlosio, contribuye una mayoría de actores no profesionales. Pero también la naturalidad que aporta poner la cámara en sitios que no son los habituales, espacios sin el oropel, la solemnidad o la algarabía que el franquismo buscaba en sus obras propagandísticas. Más específicamente, dos ubicaciones que por aquel entonces todavía eran afueras: Legazpi y La Elipa. Zonas hacia las que empezaba a llegar nueva población y un mayor urbanismo. A lo largo de todo el metraje pueden verse anuncios de inmobiliarias y constructoras. La ciudad quiere más.

En el caso de Legazpi es palpable el viaje a un Madrid crudo, de pobreza y triquiñuelas indispensables para sobrevivir. Hay una memorable persecución en el Paseo de la Chopera con el Matadero de fondo, cuando el recinto todavía era eso (además de Mercado Municipal de Ganados), y no un centro cultural.

Otra secuencia filmada a pocos metros se ambienta en el Antiguo Mercado Central de Frutas y Verduras, que empezó a funcionar en 1935 y cesó su actividad a finales del siglo pasado. Actualmente se le busca un nuevo uso después de tres décadas clausurado y de la expulsión de varias iniciativas vecinales allí implantadas, pero en aquellos momentos era un auténtico bullir de gentío, de productos frescos. Una oportunidad perfecta para que Los golfos hicieran de las suyas con hurtos o pequeños engaños.

“Allí se evidenciaba un tipo de trabajo muy duro, mísero y mal pagado. Al mismo tiempo, estaba presente un comienzo de nueva delincuencia que no tenía ni trabajo. Se dedicaba a robar a los camioneros los gatos de los coches o las ruedas de repuesto”. Lo explicaba Daniel Sueiro en una entrevista para TVE, de la que se conserva un extracto a partir del minuto 2:52 en este vídeo. Sueiro fue uno de los grandes cronistas literarios y periodísticos del Madrid de la época, además de coguionista de Los golfos junto a Saura y Mario Camus. Es también el autor del reportaje en el que está basada la película, centrado precisamente en el Mercado de Legazpi.

Y de Arganzuela a Ciudad Lineal. O lo que es hoy este distrito, por aquel entonces todavía un arrabal, un amasijo arcaico de casas humildes y chabolas. Los planos abiertos muestran unas calles de barro, humo y oscuridad. De hecho, sería complicado ubicar este espacio si no fuese por el tan reconocible puente de la Avenida de Daroca, en La Elipa. Un importante punto para el avance narrativo y emocional de la película, como lo es también la central eléctrica que nutría de energía esta parte de la ciudad.

Fue justamente en 1960, año de estreno de la película, cuando arrancó la construcción masiva de edificios de protección oficial en esta y otras áreas de la capital. El paisaje urbano quedaría reconfigurado para siempre con viviendas fundamentalmente caracterizadas por el hacinamiento, una estampa radicalmente distinta a la que aparece en Los golfos.

Es curioso que en una película tan focalizada en esta zona perteneciente al barrio de Ventas, y en la que el toreo tiene un papel central, no haya un solo plano en el que pueda verse la plaza de toros de las Ventas. Seguramente porque es un lugar asociado al éxito o la consagración, algo que parece estar negado para los protagonistas de Los golfos. Por contra, el aciago desenlace sucede en la desaparecida plaza de toros de Vistalegre de Carabanchel, también conocida como “La Chata”. Demolida en 1995, sobre sus escombros se construyó el Palacio de Vistalegre.

Para acabar este repaso, retomamos el inicio del artículo de vuelta al Manzanares. Porque hay enclaves de Madrid por los que el tiempo parece no pasar. En uno de los pocos momentos en los que las desgracias y la ciudad dan un respiro al grupo, disfrutan de una jornada cerca del río a su paso por El Pardo, a poca distancia del núcleo poblacional homónimo y junto al puente del Ferrocarril. Un viaje a esas 900 hectáreas accesibles para la ciudadanía en el Monte frente a las 15.100 acotadas para disfrute exclusivo de la familia real. Los olvidados, los condenados de la tierra, están tan cerca y tan lejos de un paraíso reservado para la punta de una pirámide social que les aplasta. Que les empuja a convertirse en los golfos de un Madrid cada vez menos inocente.

La capilla ardiente del fallecido cineasta Carlos Saura se ha abierto este lunes al público con el retumbar de los tambores de Calanda, cuyos intérpretes los han tocado a ambos lados del féretro. Los tambores de esa localidad aragonesa que se tocan en Semana Santa están unidos a la filmografía de Saura por su aparición en la película Peppermint Frapé, de 1967.

Encima del escenario se ha situado una silla de director y, sobre ella, sus gafas de ver, su sombrero y una rosa roja. Al lado, una de sus cámaras de fotografía y el Goya de honor que la Academia le otorgó este año. En la gran pantalla, una imagen del director. Pasadas las doce de la mañana, la familia de Saura subió al escenario junto a los diez músicos. Tras el homenaje musical, uno de los tamborileros le ha regalado las baquetas a su viuda, Eulalia Ramón, que posteriormente ella ha depositado sobre el féretro.

Junto a sus objetos había también una muestra de los Fotosaurios de Saura, como él llamaba a sus fotografías intervenidas con dibujo y pintura.

El presidente del Gobierno, Pedro Sánchez y el ministro de Cultura, Miquel Iceta, han acudido a mostrar sus respetos a la capilla ardiente, instalada en la Academia del Cine. “Si el cine y la cultura representan el alma de una sociedad, el realizador lo hace de nuestro país”, ha declarado Sánchez. Iceta ha querido resaltar que la coincidencia de los Goya con el fallecimiento de Saura ha permitido hacer una despedida “por todo lo alto”. “Muchos de los directores y directoras se sienten y son parte de la escuela que él fundó. No se puede hablar de cine español sin hablar de Saura, que nos ha dejado una escuela que está cosechando grandes triunfos”, ha añadido el ministro.

También lo ha hecho Pedro Almodóvar, quien ha destacado que Saura se inició como cineasta en una “década difícilisima para hacer cine, los años 70”, cuando filmó “varias obras maestras” bajo “una dictadura tremenda”. También ha subrayado que en su “carrera dilatadísima” supo “reinventarse” y tras haber dirigido “un montón de películas fantásticas” se adentró en el género musical con una fórmula “que no se había hecho en ningún lugar”. “Para todos los que nos dedicamos a esto es una gran lección en todos los sentidos”, ha reconocido Almodóvar a la prensa, según recoge EFE.

“Hay una linea entre Buñuel, Saura y Almodóvar. Era un hombre libre y un gran artista. Siempre recuerdo que decia que le gustaba insistir en sus errores porque en ellos estaba su verdadera personalidad”, ha recordado el expresidente de la Academia y cineasta Mariano Barroso.

Eulalia Ramón y los siete hijos del cineasta han hablado ante los medios a la salida del acto. Allí han explicado que el realizador “se fue de una manera lúcida y muy bonita”. “Se ha ido a lo grande. Queremos celebrar la vida que ha tenido y ha mostrado una lección de fortaleza, unidad y sentido del humor hasta el final”, ha añadido la actriz y viuda de Saura.

El cineasta aragonés, director de grandes obras del cine español como Cría cuervos o La prima Angélica, falleció un día antes de recibir el Goya de Honor. El galardón se le fue entregado a su viuda y dos de sus hijos en la gala del pasado sábado. En ella, muchos de los creadores cinematográficos actuales reconocieron su influencia.

El Consejo de Ministros le concederá este martes la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio por “su indiscutible contribución a la cultura y el arte españoles” y por ser “uno de los grandes artistas esenciales de la historia de España”.

Daba igual las películas. Si ganaba As bestas o Alcarrás. La gala de los Goya, incluso, había quedado en un segundo plano. Se había ido el maestro. El director que inspiró a tantos. A toda una generación de nuevas voces que estaba nominada y que siempre han señalado a Carlos Saura como ese director que marcó, con un cine incómodo, críptico y moderno, toda una cinematografía. La muerte del autor, un día antes de recoger su Goya de Honor fue un golpe duro para toda la industria, y en la Alfombra Roja solo se habló de él. Había en el ambiente una sensación de honrarle, de decir alto y claro que junto a Buñuel y Almodóvar es el gran director español de nuestra historia.

“Harían falta mil galas para honrar tu legado”, dijo Antonio de la Torre para abrir una gala —tras un errado número musical— que estaba marcada por su ausencia y que afrontó de forma frontal aquella muerte. Entregó el Goya de Honor, de forma póstuma, al comienzo de la ceremonia, con Carmen Maura recordando las anécdotas del rodaje de ¡Ay, Carmela!, la película por la que Saura ganó el Goya al Mejor director y a la Mejor película. La intérprete no pudo contener las lágrimas al recordar cuánto le había marcado como actriz, antes de presentar a Eulalia Ramón, pareja de Saura, y a Anna y Antonio, sus hijos. Los tres recogieron un premio que el director ya había recibido antes de fallecer en su casa. La platea se puso en pie en un momento de esos que sobrecogen. En los que cualquier cosa que se diga no estaría a la altura. Ramón alzó el Goya al cielo en una ovación como quizás nunca se había oído en unos Goya.

“Estamos aquí, como él quiso, en representación de todos los hermanos. Nuestro padre se fue trabajando hasta el último minuto. Enseñándonos que hay que vivir apasionadamente, que la imaginación no tiene límites y que la cultura es lo más importante que tenemos, que hay que potenciarla, que no entiende de ideología, que es nuestro legado y nuestro futuro. Creo que es un ejemplo de vida para todos nosotros”, dijo Anna Saura antes de que Eulalia Ramón leyera las palabras que había dictado Carlos a su pareja y que agradeció a Elsa, su cuidadora, y a los médicos del hotel y de paliativos del centro médico de Villalba. 

“Muchísimas gracias por cómo le habéis cuidado y cómo nos habéis cuidado a nosotros para que todo fuera triste y bonito. La sanidad pública se merece que la cuiden como el personal médico nos ha cuidado a nosotros. A quien corresponda, que lo haga por favor. Le prometí a Carlos que le saludaría allá donde esté”, dijo Ramón antes de, ya sí, leer la carta de Saura. “Me considero una persona afortunada, gracias a los que habéis colaborado conmigo en ese trabajo maravilloso, hacer una película, en especial a mis actrices y actores favoritos. Estaré feliz si el cine que he hecho ha sumado algo de inspiración a la maravillosa generación de hoy. Me veo como una estrella errante en la inmensidad del cosmos. Muchas gracias y una pena no estar saboreándolo con vosotras y vosotros”, leyó antes del emocionante vídeo que resumía una carrera inabarcable, única y que culminó, como no podía ser de otra forma, con una versión de Por qué te vas, el himno de Cría Cuervos que versionó Natalia Lafourcade. En el monólogo inicial hubo dardo para Feijóo (no hay que confundir los Goya con los Oscar) y para Pedro Sánchez (con una mención a ese “chuletón imbatible”). Ambos estuvieron presentes en una ceremonia llena de políticos y ministros (con las dos Montero, Irene y María Jesús; el Ministro de Cultura, Miquel Iceta, y la vicepresidenta Yolanda Díaz).

Pero al final, había que entregar los premios y la carrera apuntaba a un duelo entre As bestas y Alcarràs que pronto se decantó del lado del filme de Sorogoyen. El primer premio de la noche, el de Actor de reparto, fue para el favorito, Luis Zahera, por su terrorífico pero humano hermano Anta en el thriller del director. “Siempre quise rodar un western y matar un francés”, dijo con sorna. El galardón predijo una noche mágica para el largometraje, que terminó triunfando con nueve galardones, entre ellos los más importantes: mejor película, dirección, guion original, actor principal (Denis Ménochet), actor de reparto (Luis Zahera), sonido, fotografía, montaje y música original. Eduardo Villanueva, productor del filme, dejó un recado con su discurso como productor del filme y dijo que la mejor forma de patriotismo es amar nuestra cultura.

La consecuencia del arrase de As bestas dejó a Alcarràs con el marcador a cero. Resultado injusto para una película que ganó un histórico Oso de Oro en la Berlinale pero que no ha sido reconocido por la Academia. En el año de las mujeres, los Goya no remataron la jugada. Pilar Miró, Iciar Bollaín e Isabel Coixet siguen siendo las únicas mujeres que han ganado el premio a la mejor dirección en 37 ediciones.

Donde sí siguieron dominando fue en la categoría de mejor dirección novel, donde Alauda Ruiz de Azúa se convirtió en la sexta mujer consecutiva que lo logra. Lo hizo por ese fenómeno llamado Cinco lobitos, un filme sobre la maternidad y los cuidados que también vio como sus dos actrices se llevaban el premio. Laia Costa, como mejor actriz protagonista y Susi Sánchez como actriz de reparto. Un duelo interpretativo que se merece estos dos galardones. La segunda pidió que la presencia de mujeres nominadas no sea una excepción. “Si la sociedad es un desastre, está en nuestras manos intentar arreglarla. Hasta ahora se nos han abierto muy poquitas puertas, básicamente la de la cocina y la del dormitorio. Espero que, vosotros compañeros, os deis cuenta de que tenemos muchas cosas que ofrecer, y que queremos estar codo con codo con vosotros”, dijo.

En número de Goyas Modelo 77 quedó segunda gracias a sus cinco cabezones, aunque todo fueron técnicos: mejor vestuario, mejores efectos especiales, dirección de producción, maquillaje y peluquería y mejor dirección de arte. El resto de películas se quedaron con la pedrea. Cerdita logró el premio a la Mejor actriz revelación para Laura Galán, que emocionó con un discurso contra el bullying, tema que aborda el filme de Carlota Pereda. Isaki Lacuesta, Isa Peña y Fran Araujo lograron el premio al mejor guion adaptado por Un año, una noche. Lacuesta se acordó de Joaquim Jorda al recogerlo. Ya en la alfombra roja, pidió “unos premios más modernos donde los nominados no sean tan académicos”. Una mención a la que se unió Juan Antonio Bayona antes de dar el premio de dirección, acordándose de la ausencia de Albert Serra.

Uno de los grandes momentos de la noche llegó con el premio al Mejor actor revelación para Telmo Irureta. Su discurso, en el que defendió el “derecho a la sexualidad de las personas con discapacidad”, terminó con una frase que arrancó los aplausos: “Nosotros también existimos y nosotros también follamos”. Es, además, el reconocimiento merecido para una de las grandes películas de este año que se quedaron fuera de las nominaciones importantes, La consagración de la primavera. También emocionó Fernando Esteso, que al entregar el premio al Mejor corto documental se acordó no solo de Saura, sino también de Agustí Villaronga. “Me reuniré con ellos más pronto que tarde”, dijo.

La Academia premió por fin a Sabina, que en su tercera nominación se llevó el goya a la Mejor canción original. Eso sí, no fue a recogerlo. En su lugar estuvieron Fernando León de Aranoa, director del documental por el que ganó, y Leiva, con el que han escrito la canción y que recordó que era el cumpleaños del cantante: “Flaco, te llevo un regalo cojonudo”. Sintiéndolo mucho perdería después el premio que parecía que tenía su nombre, el de mejor documental, que fue para Labordeta, un hombre sin más, en una de las pocas sorpresas de la noche.

Merecido fue el galardón de Unicorn Wars como Mejor largometraje de animación, que terminó con el reinado de Tadeo Jones, que por primera vez perdió el Goya con su tercera película. Argentina, 1985 venció como película iberoamericana y La peor persona del mundo como filme europeo. Los cortos fueron de los más reivindicativos. Todos los nominados lucieron su chapa reivindicando ese 1% de los ingresos que RTVE destina al cine para ellos y los ganadores también lo hicieron. Loop venció en la categoría de animación; Arquitectura emocional 1959 en la categoría de ficción y Maldita, a love song to sarajevo en la de documental.

La alfombra roja de los Goya suele ser un lugar de celebración, de nervios y de algarabía, pero este año nada fue como se esperaba. La muerte de Carlos Saura, Goya de Honor de este año, unas horas antes de la celebración de la gala dejaba a todo el mundo tocado. Se iba uno de los grandes maestros del cine español, autor de obras maestras como La caza, Cría cuervos o La prima Angélica. Un director que es influencia directa en la generación de directoras y directores que, precisamente, este año estaban nominados.

El Saura rural y que desgranaba lo político desde lo íntimo está en Alcarràs; su oscuridad y ambigüedad se nota en Mantícora; la mezcla de realismo y lo onírico de El agua… Todas tienen señas y detalles de Saura, y todos ellos han dedicado sus palabras al pasar por esa alfombra roja en la que normalmente responden a preguntas divertidas y hoy han tenido que enfrentarse a recordar a una parte de la historia del cine que nos deja.

“Es el abuelo de esta generación de cineastas”, ha señalado Carlos Vermut, director y guionista de Mantícora. “Para mí es el mayor referente que he tenido en el cine español. Es así de sencillo, siempre lo he dicho”, ha defendido, “es el último autor de cine psicológico de este país. Él lo decía”.

“Recuerdo que una vez me dijo que hubo un momento en su filmografía, a partir de Los golfos, en el que dejó de hacer cine social, y eso a día de hoy es un poco controvertido. Para empezar, es el cine de los espejos, lo que él se refería al cine de lo simbólico, de lo psicológico, de lo humano y lo profundo, y a mí eso me impactó muchísimo y he construido mi filmografía en base a esas palabras”.

“Estamos un poco huérfanas”, ha declarado Elena López Riera, directora de El agua, que ha reconocido que el largometraje del cineasta Elisa, vida mía fue una gran influencia en su ópera prima. Pilar Palomero, responsable de La maternal, ha asegurado: “Siento a Saura en muchas de las películas de mis compañeros y compañeras. Es muy importante que conservemos el tipo de cineasta que era, porque realmente fue libre. Hizo las películas que quiso y es un ejemplo a seguir”.

La directora ha reconocido que hay títulos suyos que forman parte de su “educación cinematográfica”. “Esto es algo que compartimos a toda una generación. Le tenemos como un gran referente del cine español”, ha reivindicado, “qué bonita esta despedida por parte de toda la industria, aquí”.

Carla Simón, nominada por Alcarràs, ha refrendado su postura: “Que muriera justo antes de recibir este Goya de Honor significa algo. Ha sido muy cósmico y de alguna manera nos da la oportunidad de estar hoy todos juntos aquí pensándolo, celebrándolo y dándole las gracias por el gran legado que nos deja y la gran inspiración que ha sido”.

“Quiero pensar que va a ser la noche en la que podamos rendir homenaje de la forma más especial, con toda la familia del cine español reunida”, ha valorado Juan Antonio Bayona. “Es una pérdida muy triste, pero estoy convencido de que va a ser precioso”, ha afirmado Rodrigo Sorogoyen , que ha definido al artista como uno de sus “cineastas favoritos”.

“El fallecimiento de Carlos Saura nos tiene que hacer ver también a los responsables públicos que tenemos que visibilizar ese cariño y ese reconocimiento no solo nacional sino internacional, a uno de los grandes cineastas de la historia”, ha valorado Pedro Sánchez antes dar comienzo la gala.

Inspiración, fascinación y homenaje

Félix Viscarret filmó en 2017 el documental Saura(s), sobre la figura del artista. Alcanzado 2022, opta junto a David Muñoz al Goya a Mejor guion adaptado por el filme No mires a los ojos. “Los que hemos tratado con él nos reíamos y disfrutábamos con su ingenio y su talento. De cerca veías veías a un Saura cálido, divertido, activo y tan lleno de vida hasta el último minuto. Seremos muchos los que tengamos en el corazón”, ha compartido.

Isabel Coixet le ha recordado con humor: “La última vez que le vi fue en un restaurante en Santander. Comimos y pidió dos tocinillos de cuelo que no compartió con nadie. Yo quiero ser así. Tenía una sorna... Era un tipo estupendo. ¿Dónde hay que firmar para tener la vida que tuvo él?”. Fernando León de Aranoa, por su parte, ha afirmado: “Me encanta su trabajo como artista, que hiciera fotografía, que dibujara, me encantan sus storyboards. Son una belleza. Tengo un cartel de Deprisa, deprisa en mi casa, así que creo que con eso lo digo todo”.

También ha tenido palabras para el cineasta Antonio de la Torre, presentador de la gala junto a Clara Lago: “Tengo dos recuerdos suyos. El primero de ellos, que me dijo que era buen actor, y que te lo diga él es bonito. El segundo, que era buena persona. Y yo creo que como artista eres igual que eres como persona”. Penélope Cruz, por su parte, ha revelado que estuvo “a punto” de trabajar con él “dos veces”.

Isaki Lacuesta e Isa Campo, artífices de Un año, una noche, han lanzado una propuesta: “Sería un buen momento para recordar que se podrían llamar Premios Buñuel Saura. Estamos a ver si cambiamos el nombre de una vez y hacemos algo un poco más contemporáneo”.

Especialmente emocionantes han sido las declaraciones de su hija Anna Saura: “Todo el rato hablaba de proyectos. Hasta hace una semana me decía: 'Tráeme la libreta, tengo que apuntar esto, por favor llama a no sé quién, tengo que decirle no sé qué…' Ha estado hasta el final. Ha tenido esa vitalidad hasta hace tres o cuatro días, así que es un ejemplo de vida para todos, con 91 apasionado por lo que hacía y feliz de trabajar en lo que le gustaba”.

Más allá del mundo del cine, han acudido a la gala figuras como Blanca Paloma, recién ganadora del Benidorm Fest y futura representante de España en Eurovisión. “Saura me fascina y me ha inspirado muchísimo”, ha revelado la cantante, “en los destellos y en las pantallas hay cierto homenaje a él porque siempre me ha inspirado. Estudie su plástica en Bellas Artes porque me parece que es ejemplar y ha dejado una huella que es histórica”.

El Consejo de Ministros concederá el próximo martes 14 de febrero la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio al cineasta Carlos Saura, fallecido el pasado viernes a los 91 años en su casa de Collado Mediano (Madrid). Saura iba a recibir este sábado el Goya de Honor durante la 37 edición de los premios que se celebran en Sevilla.

El Gobierno español ha querido reconocer “su indiscutible contribución a la cultura y el arte españoles”, según afirma la Presidencia en un comunicado emitido este sábado. “España dice adiós a Carlos Saura, pero nos queda una filmografía eterna, una obra a la que volver y que representa lo mejor de la historia del arte y la creación en España”, asegura el documento. “Una historia de coherencia, libertad, riesgo y compromiso con su país, con el mundo y con su arte”.

El comunicado de Presidencia del Gobierno destaca la carrera del cineasta con un breve repaso a los títulos que le brindaron el Oso de Oro a la mejor película y dos Osos de Plata al mejor director en el Festival de Berñin, o el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes. Y también asegura que Saura “deja un universo poblado de mujeres fuertes y progragonistas, porque pocos como él retrataron tanto y tan bien el universo femenino”.

La condecoración de la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio coincide, asegura el comunicado, con el “merecido reconocimiento en España” que obtuvo el artista “tras duros enfrentamientos con la censura franquista”.

Muchos de los edificios que se han derrumbado en el terrible terremoto de Turquía tenían menos de tres años. En teoría, deberían haber cumplido con una legislación que aprobó en 2018 el Gobierno turco y que hacía obligatoria la instalación de varias medidas de seguridad contra los seísmos, unas técnicas de construcción probadas desde hace décadas, y que utilizan otros países que se levantan en zonas sísmicas, como Japón.

Hecha la ley, hecha la trampa. Estos sistemas antisísmicos encarecen la construcción. Por lo que el mismo Gobierno que había hecho obligatoria su instalación, también en edificios más antiguos, aprobó después una serie de amnistías, para que las constructoras pudieran saltarse esa regulación y ahorrarse así la inversión. Bastaba con pagar al Gobierno una multa, que era más barata que construir esos edificios bien.

Apenas una semana antes del terrible terremoto del 6 de febrero, el Gobierno había empezado a tramitar la aprobación de otra nueva amnistía para los edificios que siguen sin cumplir con la ley.

¿Hay algo más horrible que estas decenas de miles de muertes? Sin duda, pensar que buena parte de ellas se podían haber evitado.

“Esto es un desastre”

Oído en la redacción. “Yo solo espero que Tamames se presente y el ridículo cambie de bando”.

Leo este interesante análisis de Ana Requena que resume el sentir del movimiento feminista con la bronca del ‘solo sí es sí’. ¿La frase más repetida?: “Esto es un desastre”.

Coincido línea por línea con esta opinión de Neus Tomàs sobre la situación del Gobierno de coalición: “O frenan o se estrellan”.

Y si quieres huir de la demagogia, los argumentos de brocha gorda y las consignas de los partidos, si quieres realmente entender qué está pasando con esta ley, con el consentimiento o con las revisiones de penas, te recomiendo leer con calma esta pedagógica entrevista con la magistrada Àngels Vivas, que habla muy clarito y se le entiende aún mejor: “Decir que con penas más altas se garantizará la libertad sexual de las mujeres es populismo”.

Yassin ya duerme caliente

¿Recuerdas la historia de Yassin El Yakoubi que te conté en el boletín de la semana pasada? Un enfermo de cáncer, bajo tratamiento con quimioterapia, que dormía en un portal de Barcelona. Después de que publicáramos esta historia, el Ayuntamiento de Barcelona tomó cartas en el asunto.

“Yassin pasó tres noches en un hotel, costeado por los servicios sociales del Ayuntamiento de Barcelona tras conocer su situación y su estado de salud por elDiario.es”, me cuenta el redactor que escribió ese reportaje, Pau Rodríguez. “El lunes tuvo una reunión con los técnicos municipales y desde entonces le encontraron una plaza en un piso compartido para personas sintecho. Su educadora me cuenta que está muy contento de haber logrado un sitio con cierta tranquilidad (tiene una habitación para él solo) para poder seguir con el tratamiento”.

Una pregunta que nos repetimos mucho en esta redacción: ¿sirve para algo el periodismo? Como ves, hay ocasiones en las que sí.

La noche de Carlos Saura

Este sábado, Carlos Saura debería haber recogido un Goya de honor, por toda su carrera. Como imagino ya sabrás, acaba de fallecer. Me hubiera gustado que Saura recibiera ese último homenaje, tan merecido. No creo en el más allá, pero me encantaría equivocarme y que desde algún sitio Saura pudiera escuchar todas las palabras bonitas que hoy se dirán sobre él.

Hace un par de semanas, nuestro compañero Javier Zurro le hizo una de sus últimas entrevistas: “Nunca he hecho cine para agradar a nadie ni recibir reconocimiento”, nos dijo Saura. ¿Suele estar relacionado? Yo creo que sí: las personas que más honores merecen casi siempre son las que menos los buscan.

20 años del 'No a la guerra'

¿Dónde estabas tú hace dos décadas, en febrero de 2003? A mí no se me olvida. Acababa de superar una operación –me rompí el hombro en un accidente– y una de mis primeras salidas de casa, tras la convalecencia y con el brazo en cabestrillo, fue a la manifestación del ‘No a la guerra’ en Madrid. Nunca he vuelto a ver la plaza de Cibeles así.

También recuerdo lo que pasó unos pocos días antes, el 1 de febrero de 2003. Aquella famosa gala de los Goya que se acabó convirtiendo en un clamor contra la invasión de Irak, contra aquella guerra basada en mentiras.

No se me olvida. Al PP tampoco se le olvidó. “A los que más sacamos la cabeza se nos marcó con una cruz”, asegura el actor Alberto San Juan. Pero no fue solo un castigo individual: fue a todo el sector. Lo primero que hizo el PP, cuando volvió a gobernar con Mariano Rajoy, fue subir el IVA al cine al 21%, el más alto de Europa. Y recortar las ayudas públicas un 36%. Para dar ejemplo. Para escarmentar.

Juanlu Sánchez, en su pódcast, recuerda cómo fue aquella gala de los Goya.

Y un enlace más, que conviene tener siempre a mano: Todas las mentiras alentadas por la derecha contra el cine español (datos imprescindibles para la próxima vez que tu cuñado salga con eso de “los rojos subvencionados”).

Salvar la Sanidad de Madrid

Este domingo por la mañana, con mi familia, acudiré a la manifestación en defensa de la sanidad pública (aquí horarios y recorrido). No sé si será tan masiva como la del ‘No a la guerra’, pero espero que alguien nos escuche.

Si estás en Madrid, y crees que la salud importa, nos vemos allí.

Un abrazo, y gracias otra vez por tu apoyo.

Ignacio Escolar

El Ayuntamiento de Cuenca ha lamentado el fallecimiento del cineasta Carlos Saura a los 91 años. El alcalde, Darío Dolz, ha enviado sus condolencias a la familia en nombre de toda la Corporación Municipal y de la ciudad.

Carlos Saura fue nombrado Hijo Adoptivo de la Ciudad de Cuenca por el Ayuntamiento en el año 2009, título que también tenían sus hermanos, Antonio y María Ángeles Saura.

Entre el medio centenar de películas que dirigió se encuentran dos en las que inmortalizó a Cuenca, el documental del mismo nombre de 1947 y la película 'Peppermint Frappé', que obtuvo el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín en 1968, uno de los muchos premios que recibió a lo largo de su carrera, entre ellos un Oso de Oro, un Premio del Jurado en Cannes y dos Goya. Este sábado hubiera recibido el Goya de Honor. Hoy se le recordaba también desde Toledo.

El Gobierno de España le ha concedido la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio. El galardón se otorgará en el Consejo de Ministros previsto para el martes 14 de febrero.

Su estrecha vinculación con Cuenca

Carlos Saura Atarés era director de cine, guionista y fotógrafo y estaba especialmente vinculado a Cuenca, tanto por su trabajo como por ser hermano del pintor Antonio Saura, que se afincó en la ciudad debido a padecer tuberculosis, que se fue curando gracias a la penicilina y “al el clima seco y el aire limpio de Cuenca”, recordaba Carlos. (Los restos de Antonio y dos de sus hijas descansan en el cementerio de San Isidro).

El hecho de que Antonio Saura viviese en Cuenca, en una casa de la calle de San Pedro, que compró su padre, fue el motivo de que el cineasta y fotógrafos Carlos Saura se enamorase del Casco Antiguo y trajese a personajes de la cultura y del espectáculo, entre ellos el director turolense Luis Buñuel en 1960.

Dos años antes, Carlos Saura realizó su primer documental de 40 minutos, titulado “Cuenca” (1958), encargado por el Ayuntamiento, que fue premiado en el Festival de San Sebastián. El rodaje se realizó entre abril, mayo y septiembre de 1957-58. Con la voz de Paco Rabal y guión de José Ayllón y el propio Carlos Saura, la cámara recoge aspectos de la vida agrícola de la provincia y los monumentos de distintas localidades, incidiendo sobre todo en la celebración de la Semana Santa, la Vaquilla de San Mateo y las fiestas de San Julián, con los gigantes y cabezudos pasando por el puente de San Pablo con bellísimos y airosos planos. (Documental que estaba pendiente de ser remasterizado).

Pero quizá la “gran película” de Carlos Saura, filmada prácticamente en Cuenca, el Ventano del Diablo y los abandonados baños de Valdeganga, fue la titulada “Peppermint frappé”, rodada en 1966 y estrenada en 1967. Recuerdo el descapotable rojo aparcado junto al hotel Alfonso VIII y ver por la ciudad al propio director y a los actores Geraldine Chaplin y José Luis López Vázquez. Esta película de paisaje conquense fue premiada en el Festival de Venecia con el “Oso de Plata”.

La filmografía de Carlos Saura es muy extensa, con títulos que reflejan la vida española de los últimos cuarenta años del siglo XX y parte del Siglo actual, con numerosos premios. Su relación con Cuenca siguió muy presente y así en el año 2009 se editó el libro de fotografías titulado SauraXSaura, con numerosas gráficas de los hermanos en Cuenca, así como con familiares y amigos.

Ese mismo año, el Ayuntamiento de Cuenca, presidido por Juan Ávila, acordó el nombramiento como Hijos Adoptivos de Cuenca a los hermanos Carlos y María Ángeles Saura Atarés (Antonio lo había recibido unos años antes), galardón recibido el día 1 de junio, festividad de la Patrona Virgen de la Luz en la antigua iglesia de San Miguel. También fue distinguido Antonio Iglesias, director que fue de las Semanas de Música Religiosa y de Hijo Predilecto, a título póstumo, a Ángel Luis Mota.

Durante el acto de la entrega del título de Hijo Adoptivo, Saura manifestó que a la ciudad de Cuenca “no puedo separarla de mi vida y de todo lo que yo he hecho”, recordando que llegó a Cuenca en los años cincuenta y ha cambiado de una manera brutal. “Cuenca es una ciudad con un montón de museos y de posibilidades de todo tipo”, pues en aquellos años “no había casi nada, y sólo en el Casco Antiguo la Posada de San José de Fidel García Berlanga, hermano de Luis”. Su hermana María Ángeles habló de las películas de “Cuenca” y “Peppermint frappé”, que “encanto desde Luis Buñuel, su amigo, hasta Kubrick, que la consideraban como una belleza”. Los dos hermanos apoyaban la Fundación Antonio Saura en la Casa Zavala, ante la negativa de otra parte de la familia de Antonio.

La ciudad de Cuenca recuerda igualmente a los Hermanos Saura con esta denominación en una calle del barrio de Tiradores.

El director de cine Carlos Saura, autor de obras maestras como Cría Cuervos, La prima Angélica o La caza, ha fallecido a los 91 años. Saura, uno de los directores más importantes e influyentes de la historia de nuestra cinematografía, experimentaba problemas de salud desde el pasado año. Ya en la pasada edición del Festival de Cine de San Sebastián, donde presentaba su último documental dedicado al arte y la pintura, tuvo que cancelar su asistencia por una caída que le dejó bastante afectado. Desde entonces no había realizado apariciones físicas, y había cancelado cualquier acto programado. Este sábado 11 de febrero, Saura debía recoger el Goya de honor, que finalmente se le entregará de forma póstuma a uno de los mejores directores que ha habido en el cine español.

Saura representó la modernidad en un país gris. Su cine era pura revolución en una España sumida en el franquismo y la censura. Desde obras como La caza (1966), Peppermint Frappé (1967) o Ana y los lobos (1973), radiografió al franquismo y a una burguesía aspiracional que habría comprado los dogmas de la dictadura. Obras que burlaron la censura, con la que tuvo más de un encontronazo, y que eran absolutas cuchilladas a los valores impugnados por Franco. Un cine que era absolutamente radical en lo estético y en lo temático, llegando a realizar hasta una película que era todo un bofetón a la Guerra Civil -quizás la mejor realizada en España- en La prima Angélica (1974). En su cine fue clave Geraldine Chaplin, actriz que protagonizó sus obras más vanguardistas y con la que tuvo una relación sentimental de quien nació su hijo Shane. Saura tendría otros tres hijos con Mercedes Pérez y una última hija con la actriz Eulalia Ramón, Anna Saura, productora de sus últimos trabajos y su mano derecha y apoyo en los últimos años.

Su cine se convirtió en especialista en burlar las tijeras censoras, esas que sí cortaron la aparición de Buñuel como verdugo ajusticiando a unos presos mediante garrote vil en Llanto por un bandido (1964). Junto a Elías Querejeta, figura fundamental en su carrera y con quien produce sus mejores obras desde La caza en adelante, consiguen estrenar filmes tal cual los concebían. Lo hacían presentando el internegativo en vez del negativo original a la censura, o incluso presentando un guion ampliado con escenas que sabían que recortarían por su carácter provocador a fin de que no repararan en las esenciales de la historia originalmente concebida.

Ambos se aprovecharon de las ansias de vender la dictadura fuera de España, y es así como el cine de Saura viajó por los grandes festivales internacionales, donde su nombre hizo ruido desde el primer momento y donde le colocaron la etiqueta de autor, una etiqueta que a él le encantaba y que aquí se empeñaban en no utilizar. La prensa afín al franquismo nunca le consideró un gran director, y fueron las críticas de otros países, especialmente las de Francia, las que le auparon a la categoría de autor sin ningún tipo de discusión. Un autor que directores como Bong Joon-Ho, Julia Ducournau o Tarantino mencionan cuando hablan de sus maestros. 

“Hasta Spielberg lo dijo en algún momento”, recordaba Saura en una entrevista donde confesaba que le encantaba la palabra “autor”. “Todo el mundo estaba en contra de mí porque yo me consideraba un autor, todo el mundo decía: ”este imbécil que se considera un autor“, así que fíjate cómo cambia todo. Decían que eso era una cosa muy elitista, que había que hacer un cine popular para todo el mundo y yo creo que no hay una contradicción entre las dos cosas”, decía entonces. 

El reconocimiento a Saura llegó tarde. Su humildad, su forma llana de hablar, su exceso de alardes hizo que también tras el franquismo una generación tardara en reconocerle. Han sido los directores de una generación posterior como Juan Antonio Bayona, Paco Plaza, Carla Simón o Carlos Vermut los que realizaron una tarea en que se reconociera su trabajo como el del maestro que siempre fue. Un maestro humilde que costó que le reconocieran en su país. “Siento que me respetan mucho más ahora. Hay un reconocimiento mucho más grande, no sé cuál es el motivo”, solía comentar Saura.

Un año después de la muerte de Franco dirigiría la que muchos consideran su mejor película, Cría Cuervos, un filme presentado en Cannes, algo que fue fundamental para Saura, que reconocería después que de no ser por el certamen su carrera podría haber terminado en ese momento: “Si no fuera por el premio en Cannes y la locura que se montó… Aquí hubo un crítico muy conocido que la destrozó. En Berlín fue La caza y dijeron que era mi mejor película, que yo no lo creo, pero al salir de la premiere un crítico español me dijo: 'vaya mierda que has hecho’”.

Es el director español que más galardones ha ganado. Dos Osos de Plata al Mejor director por La caza (1966) y Peppermint Frappé (1967); un premio BAFTA por Carmen (1983); Premio del Jurado en Cannes por La prima Angélica (1974) y un Gran Premio del jurado, por Cría Cuervos en un certamen en el que compitió hasta en ocho ocasiones y cuyo nombre es uno de los elegidos que en la última edición, la 75, adornaban las cortinillas que se veían antes de cada proyección. Solo tres españoles estaban: Buñuel, Saura y Almodóvar, los tres autores más importantes de la historia de nuestro cine,

Niño de la guerra

La vida de Carlos Saura y su cine están marcados, como la historia de nuestro país, por la Guerra Civil. Saura se definía a sí mismo como un niño de la guerra. El golpe estado llegó cuando él tenía cuatro años, y su familia dejó Huesca y se refugió en las zonas republicanas de Madrid, Barcelona y Valencia. Una experiencia traumática que siempre recordaba y que siempre mentaba. En los últimos años, con el auge de la extrema derecha, usaba su propio ejemplo para alertar de lo que se volvía a escuchar. 

Sus vivencias quedaron plasmadas en uno de sus últimos trabajos, el emocionante corto Rosa, Rosae, un trabajo animado con sus propios dibujos y con la canción de Labordeta que hablaba de la infancia que tuvo que vivir el conflicto y vivir con sus heridas. También la Guerra Civil era el escenario de su mayor éxito de público, Ay, Carmela, la adaptación de la obra de José Sanchís Sinisterra con guion de Azcona por la que ganó el Goya a la Mejor película y al Mejor director.

La guerra estaba también en esa original y brillante aproximación que era La prima Angélica, pero las heridas estaban en La caza, con esos señores buscando conejos en un paraje que esconde los muertos republicanos que no tuvieron sepultura. 

Tras la guerra, Saura se trasladó a Madrid, en 1941, donde estudió bachillerato y donde comenzó a trabajar como fotógrafo y a estudiar en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC), donde comenzó en 1952 y se diplomó cinco años después gracias a la práctica Tarde de domingo. También trabajó allí como profesor de prácticas escénicas. Su debut llegaría en 1957 gracias a Los golfos (1957), un filme sobre la juventud en los márgenes que ya participó en el Festival de Cannes y ya provocó la ira de la censura.

La música, su otra obsesión

Existe otra gran área temática que agrupa buena parte de la filmografía de Carlos Saura, especialmente la de las últimas décadas. Son sus películas dedicadas a la música tradicional no solo española, sino de otros países como Portugal, Argentina o México. Se negaba a decir que sus filmes fueran sobre el ‘folclore’ porque detestaba esa palabra. “Mis obras mantienen las formas antiguas, las vestimentas, los detalles... Pero a mí lo que me gusta es actualizarlo”, explicaba sobre su estilo. Consiguió imágenes hipnóticas retratando el flamenco, los fados, el tango… todo gracias a la fotografía de Vittorio Storaro, otro de sus grandes colaboradores y uno de los mejores directores de fotografía de la historia del cine.

Una relación que comenzó de forma tímida con el ballet en su particular versión de Bodas de sangre (1981), y que se consumó en Carmen (1983), adaptación flamenco del clásico de Merimée que marcó las líneas estilísticas de su cine musical. Una película visualmente arrebatadora, con unos travellings siguiendo a los zapatos de las bailarines que siguen siendo un prodigio de puesta en escena y por la que ganó el Bafta a la Mejor película extranjera. Tras ellas vendrían El amor brujo (1986), Sevillanas (1992) y Flamenco (1995). 

Tres años después le reclamarían para retratar de la misma forma las danzas y músicas de otros países. Argentina fue el primer país, y su Tango fue tal éxito que se convirtió en el filme elegido por ellos para representarles en los Oscar e incluso llegó a estar entre las cinco finalistas. Sería la tercera, tras las logradas por Mamá cumple cien años y Carmen. Tras el Tango llegarían Fados, Zonda, y El rey de todo el mundo.

Mucho más que un director

Carlos Saura fue un director que siempre abrazó la técnica. Nunca sintió añoranza por la película cinematográfica, y se dejaba seducir por cada innovación. Siempre pegado a su cámara de fotos, que cambió de analógica a digital sin trauma y con alborozo. “Yo soy muy pro-avance de la técnica. La gente se olvida que el cine es un invento científico, sin conocimientos científicos no hubiera existido el cine, ni la fotografía, dependemos de eso y hay que aceptarlo. Al que pinta y al que escribe les vale con un lápiz y un papel, pero nosotros necesitamos un soporte técnico y ahora es una maravilla, es un sueño”, dijo en la edición de Seminci donde presentaba Zonda, folclore argentino en 2015.

La fotografía fue su otra pasión, pero no la única. Saura no podía quedarse quieto. Su inquietud artística se manifestó en películas y fotografías, pero también en cuadros, esculturas y novelas que han sido traducidos a varias lenguas. Incluso ha dirigido en seis ocasiones ópera y varias obras de teatro. En los últimos años su obsesión fueron los 'Fotosaurios', una intervención artística en la que regresaba a sus propias fotografías para alterarlas con pintura.

El proyecto inacabado

Hiperactivo, Saura siempre tenía un proyecto en mente En cada entrevista contaba nuevas ideas. Quería rodar con Rosalía, a la que admiraba, pero siempre hubo un proyecto que estuvo en su cabeza y que nunca pudo terminar. Su película sobre Picasso, que acabó con la etiqueta de proyecto maldito. Se intentó levantar en muchas ocasiones. El director ya había dirigido una película sobre un pintor, Goya en Burdeos, pero aquí se pensaba centrar en los 33 días (de hecho, ese era el título de la película, 33 días) que el artista tardó en pintar el Guernica. Era un filme que hablaría, al final, sobre España, sobre la Guerra Civil, e incluso en alguna ocasión desveló que el filme tendría viajes fantásticos en los que el propio Picasso entraba en su propia obra.

Para dar vida al pintor siempre existió un nombre, Antonio Banderas, que durante años estuvo vinculado al proyecto y que incluso durante un tiempo tuvo a Gwyneth Paltrow como protagonista. Uno de los golpes más duros para Saura fue ver que Banderas interpretaba a Picasso en una serie de televisión, pero sin embargo seguía empeñado en realizarlo aunque ya fuera sin el actor malagueño. En el último festival de Málaga contaba que seguía ahí, aunque había girado y ahora se centraba “más en la relación de Picasso con Dora Maar, que fotografió cómo pintaba el cuadro”. Allí, Saura dejó una frase que sonaba a despedida. Con serenidad, sin un solo titubeo, decía a la prensa que no temía a la muerte, y que cada día que amanecía y abría los ojos daba las gracias. Una frase que desprendía el espíritu de Saura, esa humildad de un artista fundamental sin el que es imposible entender nuestra historia reciente.

Cuando Carlos Saura comenzó a hacer cine, España seguía en blanco y negro. Era 1960, y tras unos cortos y estudiar en la escuela de cine, debutaba con una película de cine quinqui antes de que el término se acuñara, Los golfos. Saura miraba, con su primera obra, a los débiles, a los abandonados, y lo hacía desde el Festival de Cannes, donde desde bien pronto se rindieron a sus historias y su forma de contar. Sus fricciones con la censura comenzaron desde antes de empezar como director, y se mantuvieron todos los años en los que el franquismo siguió cercenando la libertad de expresión.

Sin embargo, fue su cine quien comenzó a traer color y modernidad a aquella España gris y dictatorial. Con un ingenio prodigioso, Saura se las apañaba para burlar la censura y realizar ataques frontales a la burguesía franquista en películas como La caza o Peppermint Frappé, una de las obras más radicales y autorales de la historia del cine español. Cuesta creer que con Franco todavía vivo —aunque poco antes de morir—, Saura rodara dos películas como Ana y los lobos y La prima Angélica, una de las grandes obras (si no la mejor) del cine español sobre la Guerra Civil.

Un carrera que le ha convertido en uno de los directores más premiados de la historia de nuestra industria, con un Oso de Oro, dos Osos de Plata y un Gran Premio del jurado en Cannes entre otros muchos. Con 91 años sigue creando y buscando. Su curiosidad está intacta, la misma que tenía cuando se colgó del telón del Palais de Cannes para protestar por el mayo del 68. Saura sigue encontrando la forma de hablar de temas que le obsesionan, como en Las paredes hablan, el documental que estrena este viernes y en donde reflexiona sobre la historia del arte, desde las pinturas rupestres hasta los grafitis. Es la esencia de una figura fundamental de nuestro cine, alguien siempre buscando la forma de hablar de nosotros y que, además, recogerá este año el Goya de Honor a toda su carrera, a la altura de los grandes maestros (Buñuel, Berlanga y Almodóvar), aunque no siempre igual de reconocida.

En su cine la pintura, el arte o la música siempre han estado muy presentes, y de repente rueda un documental que une las pinturas rupestres con los grafitis.

El arte siempre me ha fascinado, y ha sido algo que he tenido muy cerca gracias a mi hermano Antonio. Este fue un proyecto que me llegó a través de José Morillas, el coguionista, y de María del Puy Alvarado, la productora, y desde el principio me pareció muy interesante, aunque la evolución hacia los grafitis no estuvo en la idea inicial y ha sido algo que hemos ido descubriendo poco a poco.

¿Que tienen los grafitis de aquellas pinturas rupestres?

Pues tienen la esencia del ser humano, tienen la pulsión artística, el deseo de crear del hombre, el plasmar “yo estuve aquí” como bien cuenta Suso33 en el documental. Al final, por mucho que pasen los siglos el arte es una forma de expresión inherente del ser humano.

Reivindica algo como el grafiti que, normalmente, está denostado, ¿por qué cree que ocurre?

Porque no se sabe apreciar, porque a veces se etiqueta como vandalismo pero, como se ve en el documental, no es más que una forma de expresión del ser humano, una forma de expresión que forma parte de nosotros y que nos acompaña desde que tenemos conciencia y empezamos a crear.

A mi generación nos costó mucho salir adelante en una España gris, en una España en la que casi todo estaba prohibido

Carlos Saura — Director de cine

Sus primeras películas también tenían esa modernidad, eran un soplo de aire fresco, ¿siente que en España no fueron bien recibidas por ese motivo?

Eran otros tiempos, otra situación social y cultural, no olvidemos la Guerra Civil, la posguerra y el franquismo, que fueron terribles. A mi generación nos costó mucho salir adelante en una España gris, en una España en la que casi todo estaba prohibido. En nuestro grupo la mayoría éramos de la escuela de cine, queríamos otra cosa, teníamos otras inquietudes, otras formas de ver la vida, y eso es lo que siempre he contado en mis películas. Es verdad que las primeras películas tuvieron una mayor repercusión fuera de España, sobre todo en Francia, y seguramente gracias a eso y a los festivales pude seguir haciendo cine.

¿Cómo de importante fueron festivales como Berlín o Cannes para usted y para su carrera?

Ambos festivales, y también el de San Sebastián, han sido esenciales para mi carrera. Cuando fui a Berlín con La caza estábamos en un hotel de tercera, pasamos la película y ese día nos llamaron para cambiarnos de hotel. El día que nos íbamos a ir nos dijeron que nos quedáramos y nos llevaron a un hotel de cinco estrellas y nos pusieron un Mercedes con un chófer a nuestra disposición, y ganamos el Oso de Plata, luego volvimos años después con Peppermint Frappé. Con esto quiero decir que los premios te abren puertas, te dan ciertos privilegios y te dan reconocimiento. Yo gracias a Berlín y a Cannes tuve gran reconocimiento en España y fuera de España, sobre todo en Francia y gracias a eso pude seguir haciendo películas.

¿En algún momento temió que no pudiera hacer cine en España y tuviera que irse fuera, como le ocurrió a Buñuel?

Temerlo sí lo he temido. Ahora echamos la vista atrás y parece que se nos ha olvidado, pero hace no tantos años España era un país completamente diferente, atrasado, pobre… No me hubiera importado irme, pero por suerte no tuve que hacerlo y siempre que he hecho películas fuera de España ha sido por placer. 

Sus películas de esos años son claros ataques al franquismo, algunas de ellas hechas durante el franquismo, ¿tuvo problemas con la censura, cómo los esquivaba?

Sí, todos teníamos problemas con la censura, era algo terrible. Nosotros hacíamos lo que podíamos, nos las ingeniábamos para poder pasar el control del guion utilizando la imaginación, agudizando el ingenio. Recuerdo cuando leyeron el guion de La caza que me dijeron “la caza sí, pero del conejo, no”, y así se quedó.

¿Cree que se ha ganado a pulso la etiqueta de autor que tan rápido le pusieron fuera y tanto costó que se la pusieran en España? 

A mí, la verdad que eso de cine de autor nunca me ha gustado, porque creo que el cine siempre es de un autor. Entiendo que se refiere más al cine de arte y ensayo, al cine menos comercial, diferente, innovador. Sea como sea, que se etiquete, mientras sirva para conservarlo e impulsarlo, bien está.

Eso de cine de autor nunca me ha gustado, porque creo que el cine siempre es de un autor. Sea como sea, que se etiquete, mientras sirva para conservarlo e impulsarlo bien está

Carlos Saura — Director de cine

Su cine ha sido reivindicado por una nueva generación de directores como Carlos Vermut, Juan Antonio Bayona… y realizadores internacionales como Bong Joon-Ho, ¿siente que su cine, aunque quizás más tarde, sí ha encontrado su reconocimiento?

Es algo que, la verdad, no me ha preocupado, porque yo no he hecho cine para agradar a nadie o para recibir reconocimiento, lo he hecho porque me gustaba, porque a través de él puedo contar las historias que se me ocurren, porque puedo jugar con la música. Pero desde luego, siempre es un halago que el trabajo que uno hace lo vea la gente, que les haga pensar y que lo aprecien.

¿Siente Carlos Saura que tiene herederos en el cine? 

Herederos como tal, no. Siento que hay gente a la que le ha podido influir mi cine, cineastas que han visto mis películas y les ha hecho reflexionar, les ha hecho pensar, y eso para mí es un triunfo.

Carlos Saura calza los portones de sus ventanas con sus dos Osos de Plata que ganó en Berlín. Hay pocos premios que no estén en su casa. El director aragonés, autor de obras maestras como Cría Cuervos o La prima Angélica tiene galardones de Cannes, Berlín, un Bafta... y hasta dos premios Goya por la dirección y el guion -junto a Azcona.- de Ay, Carmela. Sin embargo, a sus 90 años, no había recibido todavía el Goya Honorífico que reconoce una de las carreras más libres, personales e influyentes del cine español. Un director cuyo legado es recordado por las generaciones posteriores y hasta por directores de fuera de España. Dos ganadores de la Palma de Oro como Julia Ducournau o Bong Joon-Ho mencionan al español como una de sus grandes influencias. Finalmente ese Goya de Honor ha llegado, y lo recogerá el próximo 11 de febrero en una ceremonia que tendrá lugar en Sevilla.

La Academia ha reconocido al realizador “por su extensa y personalísima aportación creativa a la historia del cine español desde fines de los años 50 hasta hoy mismo”. Su hija Anna Saura ha leído una carta del director. “He tenido suerte en la vida haciendo aquello que más me atraía: he dirigido cine, teatro, ópera y he dibujado, fotografiado y pintado toda mi vida, y espero seguir haciéndolo. Recibo con mucha alegría y agradecimiento este galardón que me otorga la Academia, a la que también quiero agradecer la gran labor que hace promoviendo y protegiendo nuestro cine y nuestra cultura, que es de las cosas más importantes que tenemos”, manifestó el director.

El reconocimiento llega después de que el director, todavía en activo y con la energía que le caracteriza, tuviera que cancelar su asistencia hace unas semanas al Festival de Cine de San Sebastián, donde tenía que presentar su nuevo documental, Las paredes hablan, un repaso a la historia del arte y a la necesidad de contar historias, desde las cuevas de Altamira a los graffitis de las calles. Ahora se desquitará sumando este reconocimiento a una carrera en la que ha dejado un puñado de obras maestras incontestables. Es, junto a Buñuel, Berlanga y Almodóvar, uno de los grandes autores de la historia del cine español.

Su debut en el largometraje con Los Golfos (1960) ya compitió por la Palma de Oro en Cannes y con su siguiente película, La caza (1966), ya mostró una de sus obsesiones temáticas, la radiografía despiadada de la burguesía franquista. Una metáfora de un país oscuro y lleno de represión donde Saura se las apañaba para burlar a la censura y entregar filmes que eran auténticos sopapos a la dictadura como Peppermint Frappé (1967), el filme con el que podría haber ganado la Palma de Oro (uno de los premios que le falta). Las manifestaciones de Mayo del 68 se cruzaron en su camino, pero él sacrificó su gloria y decidió unirse al grupo de Godard y compañía. La imagen quedó para la historia, Saura y Geraldine Chaplin colgados del telón del cine intentando que no se proyectara su propia película. La historia ha colocado Peppermint Frappé en su sitio como una de las obras maestras del cine español. Una que sigue siendo moderna y revolucionaria y donde ahora se aprecia más que antes todos los dardos a la masculinidad franquista.

En ese área temática se enmarcan otros dos de sus filmes más contundentes, Ana y los lobos y La prima Angélica, original mirada a La guerra civil, con un José Luis López Vázquez pletórico que visitaba la casa de su infancia y ofrecía una mirada sin compasión de un país donde los ganadores de la guerra habían construido su propia historia oficial. Una carrera que se podría medir en instantes únicos, esos que se cuelan siempre en los montajes de los grandes momentos del cine español y donde no puede faltar el de Ana Torrent bailando Por qué te vas, de Jeannette, en Cría Cuervos (1976), uno de sus filmes más rotundos, personales y recordados.

La llegada de la Transición y la democracia hizo que llegara a su cine otra de sus obsesiones, la música y el tipismo. En 1981 lo probó por primera vez con su versión de Bodas de sangre, con Antonio Gades y Cristina Hoyos. Y hasta se podría decir que en uno de sus grandes éxitos comerciales, Ay, Carmela, la adaptación de la novela de José Sanchís Sinisterra, se unieron sus dos grandes temas, la Memoria Histórica y el baile y la música. Fue la película que le llevó a los Goya, donde el filme ganó el premio a la Mejor dirección y la Mejor película entre los 13 cabezones que se llevó. El filme fue, hasta 2004 cuando fue superado por Mar Adentro, el más premiado de la historia. En su vertiente musical ha viajado por el Tango argentino, los fados portugueses y muchas veces por el flamenco, pero siempre dejando sus señas características, con esos espejos y contraluces que han marcado mucha puesta en escena posterior.

Yo he vivido la brutalidad de la guerra. Yo he vivido los bombardeos de Madrid, de Valencia y de Barcelona. He visto muertos en las calles. No aprendemos nunca

Carlos Saura — Director de cine y Goya de Honor 2023

Saura, niño de la Guerra como contaba de nuevo en uno de sus últimos trabajos, el corto Rosa Rosae, contaba en el pasado Festival de Málaga que le preocupan los tiempos violentos que vivimos. “Yo he vivido la brutalidad de la guerra. Yo he vivido los bombardeos de Madrid, de Valencia y de Barcelona. He visto caerse una casa delante de mí, partida a la mitad. He visto muertos en las calles. No aprendemos nunca, Me gustaría que el 'no a la guerra' sea unánime”, decía entonces.

De los piropos de los cineastas de fuera siempre asegura sentirse “muy orgulloso”, pero sin darle excesiva importancia a la posteridad: “Uno no debe ser muy vanidoso. Te crees muy importante y te dicen que eres un genio, pero luego das dos pasos y piensas, 'qué imbécil soy, cómo voy a ser yo un genio'. Tampoco hay que ser excesivamente humilde, que eso te destroza, hay que encontrar el término medio”, contaba hace menos de un año.

En su cartera hay muchos proyectos pendientes y es consciente de que “desgraciadamente alguno no se va a hacer nunca”. “Soy mayor y ya me pilla mal”, decía entonces con ironía y destacaba dos películas que le gustaría poder hacer, la adaptación de su novela Esa luz y su eterno proyecto postergado, el de la vida de Picasso que siempre encuentra un nuevo problema. Ahora hay “un productor muy empeñado en hacerlo”, y ha reescrito el guion centrándolo en “la relación de Picasso y Dora Maar”. Ya el año pasado, cuando adelantaba que trabajaba en el documental sobre la historia del arte, reflexionaba sobre el tiempo y el final: “Juan Luis me dijo una de las cosas que más me ha tocado, y es que la muerte es un regalo envenenado del ser humano, porque o estás vivo o estás muerto, y eso me ha obligado a hacer una reflexión. Yo estoy vivo de momento. Respiro, y respirar es muy importante. Cada día que sale el sol digo, estoy vivo todavía, es un milagro”.

Cuando se les ha preguntado a los dos últimos ganadores de la Palma de Oro en Cannes (Julia Ducournau y Bong Joon-Ho) por los directores que les han marcado en su carrera, ambos han mencionado a Carlos Saura. El director español ha logrado convertirse en un cineasta de culto fuera de España, un país que, según él, tardó en reconocer su cine. Fueron los festivales internacionales los que comenzaron a poner en el mapa una obra que radiografiaba nuestro país de forma única. El cine de Saura ha plasmado nuestra historia. De la Guerra Civil a la Democracia pasando, cómo no, por el Franquismo. Quizás por eso, por lo que han supuesto los festivales para él, siempre acude a recoger cualquier premio que le den. En esta ocasión ha tocado la Biznaga de Honor en Málaga.

Allí ha atendido a la prensa con la misma amabilidad de siempre y con su inseparable cámara de fotos colgada con la que incluso ha hecho una foto a los periodistas que le preguntaban. De los piropos de los cineastas de fuera asegura sentirse “muy orgulloso”, pero prefiere no darle excesiva importancia a la posteridad: “Uno no debe ser muy vanidoso. Te crees muy importante y te dicen que eres un genio, pero luego das dos pasos y piensas, 'qué imbécil soy, cómo voy a ser yo un genio'. Tampoco hay que ser excesivamente humilde, que eso te destroza, hay que encontrar el término medio”.

Con 90 años sigue dirigiendo y no piensa parar. Prepara un documental sobre la historia del arte y en Málaga presenta un cortometraje que recrea Los fusilamientos del 3 de mayo de Goya. En su cartera hay muchos proyectos pendientes y es consciente de que “desgraciadamente alguno no se va a hacer nunca”. “Soy mayor y ya me pilla mal”, dice con ironía y destaca dos películas que le gustaría poder hacer, la adaptación de su novela Esa luz y su eterno proyecto postergado, el de la vida de Picasso que siempre encuentra un nuevo problema. Ahora hay “un productor muy empeñado en hacerlo”, y ha reescribo el guion centrándolo en “la relación de Picasso y Dora Maar”.

Yo he vivido la brutalidad de la guerra. He visto muertos en las calles. No aprendemos nunca. Me gustaría que el ‘no a la guerra’ sea unánime

Carlos Saura — Director

Al hablar de los proyectos que no hará parece ser consciente del tiempo. De que no es infinito. Por eso comienza a pensar en la muerte. “Estoy haciendo un documental sobre historia del arte con Arsuaga, y Juan Luis me dijo una de las cosas que más me ha tocado, y es que la muerte es un regalo envenenado del ser humano, porque o estás vivo o estás muerto, y eso me ha obligado a hacer una reflexión. Yo estoy vivo de momento. Respiro, y respirar es muy importante. Cada día que sale el sol digo, estoy vivo todavía, es un milagro”.

Su Goya 3 de mayo es un alegato antibelicista. Lo hace alguien que vivió la Guerra Civil y que sigue sorprendido porque volvamos a repetir los mismos errores. En 2022, de nuevo, una guerra, y Saura tiene claro que “el ser humano comete siempre los mismos errores”. “No aprendemos nunca, desde la prehistoria estamos siempre peleando por el terreno, por conquistar otros espacios. Desgraciadamente el diálogo no funciona siempre. Lo que me indigna es que EEUU es muy cínico, porque parece que no recuerda los bombardeos de Nagasaki”. 

“Yo he vivido la brutalidad de la guerra. Yo he vivido los bombardeos de Madrid, de Valencia y de Barcelona. He visto caerse una casa delante de mí, partida a la mitad. He visto muertos en las calles. No aprendemos nunca, Me gustaría que el 'no a la guerra' sea unánime, a cualquier guerra. Un no a al violencia, a la destrucción. Las noticias nos cuentan los muertos, pero no se hablad de los heridos, de los traumatizados. Los que, como yo, vivimos una guerra, estamos obsesionados”, zanja.

También le preocupa que España haya cambiado tanto a nivel tecnológico, pero no tanto en cuanto al a crispación. “Hay mucha agresividad. En el congreso veo una agresividad y una violencia que me molesta. Somos un país, como dijo Unamuno, cainita. Estamos siempre enfrentados. Somos envidiosos, rencorosos… y la guerra española demostró eso, el rencor que había. Espero que no se repita más, pero es posible, puede estallar. Lo de Ucrania puede estallar aquí, cuidado”, dice preocupado y subraya de nuevo que “el no a la guerra debe ser rotundo”.

Con aroma aragonés y tintes verdes cromados, el cineasta oscense Carlos Saura recrea ‘Los fusilamientos del 3 de mayo’ de Francisco de Goya en un corto como homenaje al 275 aniversario del nacimiento del pintor. Un trabajo titulado ‘Goya 3 de mayo’, en el que trabajan más de cien personas y en el que desde esta semana se lleva a cabo el montaje, después de haber terminado de grabar en el plató de los servicios audiovisuales de la Diputación de Teruel.

Fue allí donde se reprodujeron las laderas de la montaña del Príncipe Pío de Madrid, en las que Goya ubicó el escenario de su cuadro. Ese que mostraba cómo las tropas francesas ejecutaron a un puñado de españoles en 1808, al inicio de la Guerra de la Independencia. No hubo disparos en Teruel, pero sí fusiles y tambores de Calanda, en un guiño a otro de los grandes del territorio, Luis Buñuel.

Así lo reconoció el propio Saura durante un descanso para comer uno de los días de rodaje, cuando explicó que para el desarrollo de las secuencias del audiovisual había buscado inspiración en la serie de Goya ‘Los desastres de la guerra’ y en grabados como ‘Cuerda de presos’, que formarán parte del prólogo. 

También el largometraje ‘Goya en Burdeos’, que él mismo dirigió en 1999, le ha servido de inspiración. “Con Goya hay que pensar que todo se lo imaginaba, entonces no sé si vio o imaginó lo que refleja el cuadro de los fusilamientos, pero esos son los antecedentes con los que llegaremos a la imagen, que será la conclusión”, señaló. 

En el rodaje han participado 45 figurantes de un castin de más de 400 candidatos cuya selección se hizo atendiendo, además de a la interpretación, a los parecidos físicos con los protagonistas del cuadro. El objetivo de Saura era que los personajes principales fueran “perfectamente identificables” por su parecido físico. Y así ha sido con los intérpretes José Luis Esteban, Eulalia Ramón y Álvaro de Paz.

No solo la precisión ha quedado patente entre los protagonistas, también el pelotón de soldados franceses del regimiento de los Marinos de la Guardia Imperial francesa ha estado integrado por recreacionistas de la Asociación Histórico Cultural Voluntarios de Aragón, que han instruido a los figurantes en el manejo de los fusiles. Sus uniformes además se han inspirado en el propio cuadro y en documentos históricos.

Montaje y edición

El montaje y la edición del audiovisual ha comenzado esta semana en las oficinas madrileñas de la compañía aragonesa Entropy Studio, especializada en postproducción y efectos digitales, que ha dejado su sello en producciones como ‘Velvet’, ‘Las chicas del cable’, ‘Los últimos de Filipinas’ o ‘Fariña’. A sus 89 años, Saura afronta por primera vez en su carrera el reto de utilizar fondos digitales en movimiento, pero gracias a esta tecnología podrá recrear los paisajes de las laderas de la montaña del Príncipe Pío, pintados por Goya.

Inicialmente, Saura planteó rodar con fondos físicos ‘Goya 3 de mayo’, aunque al final se dejó convencer por los productores ejecutivos del proyecto, Gaizka Urresti y Jaime Fontán, con quienes trabajó mano a mano durante el rodaje del proyecto. “Ha sido un sueño haber podido trabajar de un modo tan directo con uno de los directores más importantes del cine español”, reconoce Fontán.

El productor recuerda que después de cada plano miraban con interés a Saura para ver si lo daba por bueno y ahí descubrieron una de sus frases favoritas: “muy bien, me ha gustado… repetimos”. Destaca además cuando rodaron la toma que finaliza con los actores en la misma posición que pintó Goya en ‘Los fusilamientos del 3 de mayo’. “Tras varias horas de ensayos y rodaje, Saura finalmente miró el monitor, se quedó pensativo y comentó a sus colaboradores más cercanos ”esta es la buena; perfecta, pero imperfecta“, subraya Fontán.    

En la misma línea, Gaizka Urresti relata cómo el cineasta oscense pintaba con sus acuarelas imágenes que le servían para componer el plano y para concentrarse durante el rodaje. “De vez en cuando, mientras se preparaba el plano, él se acercaba al set con su cámara, que no le abandona nunca, y hacía fotos”, rememora.

Aragonés por los cuatro costados

‘Goya 3 de mayo’ es un proyecto impulsado por Aragón TV, en el marco de los actos organizados por el Ejecutivo autonómico para conmemorar el 275 aniversario del pintor de Fuendetodos, cuya producción, dirección e interpretación ha recaído en manos aragonesas. Un aspecto que puso en valor la consejera de Presidencia Relaciones Institucionales, Mayte Pérez.

Durante una visita al set de rodaje, Pérez aseguró que el proyecto es “cien por cien aragonés” recordó que el espacio de servicios audiovisuales de la Diputación de Teruel, en el Polígono Platea, se puso en marcha con 226.000 euros del Fondo de Inversiones de Teruel (FITE).

“Con este proyecto estamos poniendo en valor un hecho cultural de primer nivel como es el 275 aniversario de Goya y estamos fomentando el sector audiovisual, un sector pujante que puede tener un papel importantísimo como contribución a nuestro PIB”, dijo la consejera, acompañada del titular de Educación, Cultura y Deporte, Felipe Faci, el director general de la Corporación de Radiotelevisión Aragonesa (CARTV), Francisco Querol, y el director general de Cultura, Víctor Lucea.

El cuadro ‘Los fusilamientos del 3 de mayo’ constituye una de las principales obras pictóricas de Francisco de Goya y es reconocida como una de las primeras obras del arte contemporáneo, precursora de los movimientos pictóricos del romanticismo y del impresionismo y fuente de inspiración de Pablo Picasso al pintar el ‘Guernica’. El objetivo es que el audiovisual vea la luz en la primera quincena del mes de junio.