Lleva cinco semanas en el número uno del país y se ha convertido en la primera mujer española en encabezar la lista mundial de Spotify. Lara Fernández (Jerez de la Frontera, 2003), conocida artísticamente como Judeline, ha logrado la fama de manera pausada, haciéndose un hueco en la industria musical a prueba de canción y canción, de escalón en escalón. Lo que la cantante no esperaba es que su participación en el último disco de Karol G la ayudaría a subir del tirón el resto de escaleras, alcanzando un estrellato casi inimaginable.

Judeline ha acaparado todos los focos con el tema Bby Wow, en el que, además de la artista colombiana, también colabora el español Rusowsky. Un tipo de exposición que, si bien ya había experimentado en el pasado —la artista logró uno de los discos más aclamados de 2024 con Bodhiria y llenó por primera vez el Palacio de Deportes de Madrid a inicios de este año—, no se asemeja en absoluto al nivel de popularidad que ha cosechado tras este impulso.

Ahora, tras ofrecer decenas de conciertos y decidir darse una pausa de los escenarios para encerrarse a crear nueva música en el estudio, la artista publica el tema La falda y aprovecha para reflexionar tanto sobre el pasado como sobre el futuro. Lo hace tomando comprensión sobre lo que ocurre a su alrededor: celebra las movilizaciones por el derecho a la vivienda, asume su compromiso frente a las injusticias globales y se enorgullece de su debut en el cine de la mano de Los Javis con La bola negra, una película que va más allá del éxito comercial y de la que reconoce su importancia en pleno periodo electoral.

Cuando vuelve a esa niña de Barbate, ¿alguna vez imaginó que todo lo que le está pasando podía ser posible?

Yo siempre lo manifesté mucho. Era el típico sueño, poco realista, de ser niña, ver la tele y tener metas más surrealistas. Pero ha salido y está saliendo; todo se ve un poco como la foto que yo tenía de pequeña.

Vino a Madrid con 17 años. ¿Se ha preguntado qué hubiera pasado si hubiera intentado construir todo esto desde Cádiz?

Hubiera sido muy difícil. Tendría que haber tenido mucha más fuerza de voluntad para hacer muchas cosas sola y las posibilidades hubieran sido muchísimas menos. Aquí tuve acceso a contactos, a mucha gente y a los estudios; al final, en Madrid está toda la gente de la industria. Si viviera en Cádiz y viajara cada dos por tres a Madrid, tal vez, pero por desgracia hubiera sido mucho más difícil.

Además, tuvo que trabajar como niñera y recepcionista para conseguir el dinero.

Ahorré dinero trabajando un verano entero y mis padres también me ayudaron cuando llegué, pero fue complicado. Ahora miro al pasado, veo mi vida diaria y mis gastos actuales frente a los que me podía permitir cuando llegué aquí, y es una diferencia bastante loca.

¿Le ha hecho reflexionar sobre las oportunidades de los jóvenes y la dependencia de los recursos?

Es muy evidente que la mayoría de las personas que consiguen llegar alto en la industria vienen de tener un apoyo financiero al comienzo. Es muy complicado que una persona con cero recursos lo consiga. Yo vengo de una familia muy sencilla, trabajé y me ayudaron; al menos me podían dar esos 100 euros extra al mes, aparte de mis ahorros, para poder comprar comida o pagar mi habitación. Hay gente que no tiene eso, que tiene que estudiar y trabajar a la vez, y son personas superdedicadas. Yo era un desastre para los estudios y menos mal que en la música me fue bien. No somos conscientes de que no se trata solo de suerte; mucha gente tiene más impulso y es mucho más sencillo buscar tus sueños y trabajar en la música si no tienes que despertarte todos los días desesperado pensando de dónde vas a sacar el dinero para vivir.

¿La situación es más difícil ahora que cuando vino a Madrid?

Han subido muchísimo los precios. Lo que vemos normal ahora por un piso habría sido una locura cuando yo llegué a Madrid hace cinco años. Sí veo el cambio, pero es que en realidad ya era una locura cuando yo llegué. Si antes era inaccesible, ahora ya no hay por dónde cogerlo. Siendo realistas, con el sueldo mínimo que tenemos en España de milagro te puedes permitir una habitación. Hay gente que lleva trabajando desde los 18 o 20 años, que ahora tiene 27 y todavía no puede dejar de tener compañeros de piso porque no se lo puede permitir; es una vergüenza. Yo estoy superfeliz de las movilizaciones que están pasando y ojalá se haga algo por cambiarlo.

¿Esta conversación llega tarde?

Ha tenido que pasar ahora, pero la gente ya llevaba mucho tiempo enfadada. No solo ocurre en España, pasa en todo el mundo. Cada vez te puedes permitir menos una vivienda si quieres vivir en la ciudad. Se le da más importancia a los pisos turísticos y a los Airbnb. Pareciera que la vivienda es un privilegio, cuando todo el mundo necesita una cama y un techo donde dormir.

Acaba de publicar una nueva canción, La falda.

Es el punto perfecto de lo que tengo que sacar ahora y estoy emocionada. Es una canción que me gusta muchísimo. La hice aquí en España, sobre junio. Siempre escuchaba la canción I've Never Been There de Yann Tiersen y pensaba que un beat de reguetón ahí sería una locura, y que quien lo hiciera se forraría. Se lo propuse a mis productores y, aunque limpiar el sample fue difícil, me gusta mucho el resultado.

En La falda juega con el deseo y la provocación. ¿Es importante jugar con la sexualidad en la música?

Sí, a mí me divierte. Además, pienso que tengo 23 años; si no hablo ahora de sexualidad, ¿cuándo lo voy a hacer? Me hace mucha gracia y me divierte mezclar una voz más sutil con una letra más pícara.

¿Cree se espera que con su edad no hable tanto de ello, como si fuera tabú?

Al revés: los jóvenes somos los que más hablamos del tema porque es algo más nuevo para nosotros y le damos más importancia. La gente más adulta ya pasa un poco más del tema. No creo que el sexo sea tabú; hay muchísimas cosas que lo son más. Pienso que la menstruación es muchísimo más tabú que el sexo; del sexo habla todo el mundo.

En la industria musical también existen roles; se espera que una mujer solo tenga éxito si adopta el rol de estrella pop.

La figura de diva del pop está cambiando mucho. Ahora hay “chicas raras”, hay divas del pop clásicas, hay estrellas que bailan increíble... Hay mucha variedad. Hay tanta oferta que puedes encontrar cualquier tipo de diva pop. Personalmente, no me preocupa ni me está resultando complicado desobedecer esos patrones; me siento superagradecida por el recibimiento que he tenido siempre. No me puedo quejar.

Siempre ha sido muy reivindicativa y feminista. ¿Considera que últimamente ya no mola tanto serlo?

Ha habido una desconexión porque los jóvenes nos cansamos y decidimos que la política daba demasiados dolores de cabeza, al menos cuando era adolescente. Pero en las últimas semanas, con las manifestaciones, con todo lo que está gritando la gente joven en la calle por el acceso a la vivienda, siento que está volviendo esa conexión con la política y la concienciación de la situación que hay. Ahora con las votaciones seguro que los chavales se informan muchísimo más, y eso me da esperanza.

¿A qué cree que se debía esa desconexión?

Hablando desde mi experiencia, creo que la gente joven de izquierdas no sentía que hubiera un partido político que les representara al cien por cien. También da mucho miedo la situación general del mundo, y muchos optaron por desconectarse, lo cual entiendo. Vivimos en una sociedad que cada vez es más individualista, que cada vez nos separa más y en la que la tecnología cada vez nos hace ser menos humanos, y esto puede traer una desconexión muy grande que te haga despreocuparte de los problemas sociales. Pero la gente se está volviendo a concienciar. Yo misma estoy volviendo a estar más atenta después de haber estado unos años desconectada.

¿Le emociona ver a la gente joven acampando en Sol?

Sí, eso es ser conscientes de que el pueblo tiene más poder del que pensamos. Si hay cosas que están pasando, que son injustas y que no nos gustan, podemos salir a la calle a gritar. A veces parece que no funciona, pero sirve para muchísimas cosas y está ayudando.

De hecho, canceló su participación en el FIB por la presencia del inversor israelí KKR. ¿Fue complicado tomar esa decisión?

No, para nada. Siempre he sido muy consciente de la situación en Palestina porque mis padres me han hablado de ello. Es una barbaridad y nos vamos a avergonzar como humanidad cuando dentro de muchos años miremos hacia atrás y veamos lo pasivos que fuimos. Siguen asesinando a personas y sigue habiendo una limpieza étnica por parte de Israel. Espero que pare en algún momento, porque pareciera que la gente se olvida del conflicto cuando sigue superpresente.

Hace un cameo en La bola negra. ¿Cómo fue acercarse a esa historia?

Los Javis me llamaron al principio para un cameo y luego decidieron que hiciera la canción de Soldadito español. Fue muy bonito. Yo nunca había actuado y ellos me dirigieron superbien. Es una experiencia que me llevo para siempre. Cuando supe que [la película] hablaba de Lorca, de todo lo que ocurrió, me hacía muchísima ilusión participar en el proyecto. No sabía tanto del argumento completo cuando grabé mi escena, pero al verla me emocioné muchísimo y salí llorando del cine. Es una película supernecesaria.

Versiona el pasodoble Soldadito español y lo hace más íntimo y tranquilo. ¿Le ha hecho mirar palabras como "patria" o los símbolos españoles de otra forma?

Me gustó mucho transformar el pasodoble y darle otro significado. Ya lo versionaba en su momento Marujita Díaz y me hizo mucha ilusión. Se puede ser patriótico a tu manera, yo estoy superorgullosa de España este año. Me llena de orgullo ver que estamos haciendo cosas artísticas tan especiales como La bola negra, la de cantantes increíbles que están saliendo, que hayamos ganado la Copa [del Mundial de fútbol], que seamos los primeros del mundo en donar órganos. Somos un país muy especial, tenemos muchísimo que aportar y nos queda mucho recorrido. Todo lo que está pasando ahora y todo lo que están haciendo los chavales en la calle me hace sentirme más orgullosa que nunca del país en el que vivo.

¿Es interesante que esta película esté en cartelera ahora que se abre un periodo electoral, para recordar a los jóvenes que los derechos se pueden perder?

Es muy importante mirar atrás. No hace mucho que vivíamos en una dictadura, y es fundamental que los chavales que no han estado cerca de esa generación —yo incluida— miren hacia el pasado. Quien olvida su historia está condenado a repetirla, eso es así.

Vídeo de la entrevista completa

El actor Miguel Bernardeau ha asegurado que le sacaría “una bola negra como una catedral” al agitador de ultraderecha Vito Quiles, en referencia a la película 'La bola negra' de Javier Calvo y Javier Ambrossi de la que forma parte, y que presentó en el Festival de Cine de Londres. En el último proyecto de 'Los Javis', basado en una obra inacabada de Federico García Lorca, tirar bola negra se interpreta como una expresión de rechazo hacia una persona.

En una entrevista con la agencia EFE, el actor ha explicado que le sacaría esa bola negra, en general, “a toda la gente que polariza la opinión, que no deja que en nuestro país se pueda generar un ambiente de diálogo y de paz. Le sacaría bola negra a todo el mundo que es un extremo en algo, en política, por ejemplo”.

“Necesitamos poder comunicarnos, poder hablar, poder dialogar. A todo el mundo que no nos deje hacer eso: bola negra”, ha sentenciado el intérprete de Rafael Rodríguez Rapún, actor, futbolista y soldado republicano, recordado como el último gran amor de Lorca.

Bernardeau ha hablado de cómo ha visto un giro en la percepción del público hacia él cuando, inevitablemente, la conversación política se ha colado entre las preguntas de los medios durante la promoción de 'La bola negra': “El contexto de la película ha hecho que las preguntas cambien y cuando me han preguntado yo he contestado”. En cuanto a la imagen que había proyectado hasta ahora el actor más conocido por su papel en la serie 'Élite', ha añadido: “No sabía que la gente tenía esa percepción de mí y me alegro que haya cambiado”.

“Siento mucho que Maricarmen haya fallecido”

En esta misma línea, Bernardeau quiso expresar su tristeza por la noticia del fallecimiento de Maricarmen Abascal, la anciana de 87 años que fue desalojada de su casa en Madrid y que ha reavivado en la sociedad española el debate sobre el derecho a una vivienda digna. “Siento mucho que Maricarmen haya fallecido. Me parece una figura que ha activado algo que venía de hace mucho ya en los jóvenes”, ha comentado Bernardeau antes de aprovechar para mandar “un abrazo muy fuerte” a los jóvenes que acampan “luchando por nuestros derechos” en la Puerta de Sol de Madrid desde Londres, “este sitio tan privilegiado”, como lo ha descrito.

“Al acabar la película, no podíamos movernos del asiento. Necesitábamos procesar todas las emociones que nos removían”. Así vivió Belén, una joven de 23 años de Barcelona, el final de la proyección de La bola negra, la nueva película de Los Javis, que fue a ver el pasado miércoles: “Me tuvo el corazón en un puño desde el primer al último minuto”. Violeta, una valenciana también de 23 años, comparte su emoción y reconoce que tuvo “los pelos de punta en muchísimos momentos. Te hace reflexionar y estar emocionada hasta después de haber salido de la sala”.

Lola, de 13 años, cuenta que el largometraje de Javier Calvo y Javier Ambrossi le conmovió y valora que le enseñara “no tanto sobre la Guerra Civil, sino de una historia de amor”. Para esta madrileña, lo que más le gustó fue la “lección de vida” que transmite, el “tienes que querer a quien tú quieras” que intentan los protagonistas del filme.

La bola negra continúa pulverizando la taquilla en su segunda semana, superando los dos millones de espectadores. En su primer martes en cartelera, logró la mejor jornada de la historia para una película española, impulsado por la oferta del 'martes sénior', pero no son los mayores de 65 los únicos en estar siendo atrapados por la propuesta de los autores de La Mesías y La llamada.

Para los adolescentes y jóvenes se ha convertido todo un fenómeno. El elenco liderado por Guitarricadelafuente y Miguel Bernardeau está teniendo que ver, pero no solo. “Es más entretenida que una clase de historia. Además, no es la típica historia de la guerra sobre gente que está en el frente, cuenta una pequeña historia dentro de ese contexto”, destaca Alba, madrileña de 17 años. En efecto, La bola negra se adentra en la Guerra Civil y reivindica a Federico García Lorca, pero habla igualmente de la libertad, de la memoria, de la familia, de los vínculos, del amor, de la identidad, de la necesidad de defenderla, de arte, de literatura, de los absurdos que se producen en las contiendas, de lo que hace falta hablar.

Y en un lenguaje que, como los jóvenes consultados para este reportaje revelan, conecta directamente con el corazón. Los Javis inundan sus secuencias de intimidad, épica, ternura, violencia, cariño, inteligencia, timidez, historia, sensualidad y carisma, ante las que es imposible permanecer impasible. Javier Rueda, que combina su labor como crítico en la revista Caimán Cuadernos de Cine con la de orientador en un centro escolar en Madrid, sigue recordando con sorpresa y júbilo que el lunes tras el primer fin de semana de La bola negra en salas, la película era la protagonista de las charlas en los pasillos. Ocurrió lo mismo en el recreo, y se ha mantenido desde entonces.

Se ha convertido en un tema de conversación. Las salas están llenas de gente joven a las que igual ni el cine ni la Guerra Civil les interesa tanto. El boca a boca entre ellos es constante

Javier Rueda — Orientador y crítico de cine

“Se ha convertido en un tema de conversación. Las salas están llenas de gente joven a las que igual ni el cine ni la Guerra Civil les interesa tanto. El boca a boca entre ellos es constante”, opina el orientador, “incluso se quejan de lo difícil que está siendo conseguir entradas”. De ahí a que destaque el “imán” que el largometraje ha desarrollado con una generación “históricamente desconectada”. Javier Rueda describe lo sucedido como “una oportunidad preciosa para encontrarse generacionalmente y hablar”: “Como docente estoy sorprendido por cómo está permeando el fenómeno en las aulas”.

Desromantizar la Guerra Civil

Clara (15 años) y Vera (18 años) fueron juntas a ver La bola negra con sus padres el domingo en Madrid, y ambas coinciden en la importancia de abrir conversación sobre la Guerra Civil. “Se está romantizando una época que no fue para nada buena. La película refleja bastante bien lo dura que fue”, señala la primera. Su hermana mayor destaca que muestra “cómo se vivía y la libertad que se merecen el amor y la sexualidad. El contexto lo sabemos, pero aquí está la experiencia personal de los militares, la gente que participaba en la guerra”.

Para Belén (Barcelona, 23 años), es crucial subrayar que “no es lo mismo que te cuenten que en la Guerra Civil hubo millares de muertos que ver cómo las enfermeras descargan el camión. En una sociedad tan deshumanizada, el potencial de esta película para vincular los hechos con personas que lo sufrieron es innegable”. Además, remarca la “genialidad” de la estructura del filme y cómo sus directores han conectado las tres tramas en torno a las que gira el guion: “Permite que el espectador aprecie que la Guerra Civil y la dictadura no fueron momentos aislados, y que siguen repercutiendo en nuestro día a día”.

No es lo mismo que te cuenten que en la Guerra Civil hubo millares de muertos que ver cómo las enfermeras descargan el camión. En una sociedad tan deshumanizada, el potencial de esta película para vincular los hechos con personas que lo sufrieron es innegable

Belén (23 años)

María, de 18 años, identifica el relato sobre la contienda del largometraje como una “visión nueva” sobre lo sucedido, a la que no había accedido hasta ahora. “Normalmente, vemos la parte superficial, pero es difícil ver que detrás de la guerra había millones de historias reales de gente que fue asesinada o juzgada por ser homosexual o por pensar distinto a los demás”, señala esta joven que fue al cine sola el miércoles pasado. Al salir sintió que era “una de las mejores películas” que había visto en la vida, y aplaude lo “dura” que es, porque “aunque ciertas escenas no son agradables de ver, todo el mundo debería verla, porque ocurrió de verdad”.

'La bola negra' te hace ver la importancia de seguir luchando por tus derechos porque es algo que no siempre ha sido así, y no tiene por qué ser fijo ni para siempre

Júlia (19 años)

Júlia, desde Barcelona, y con 19 años, comparte opinión sobre la relevancia de la película en el contexto actual: “Lo primero que pensé al acabar de verla que fue qué ganas de que todo el mundo la vea”. Afirma que lo que más le gustó es el “paralelismo” que hace sobre cómo viven los homosexuales ahora y cómo lo hacían antes: “Te hace ver la importancia de seguir luchando por tus derechos porque es algo que no siempre ha sido así, y no tiene por qué ser fijo ni para siempre. Y sobre todo, valorar que si lo tenemos es porque mucha gente ha luchado por ello para que también sepamos esa historia”.

La tecla de la emoción

Los protagonistas de La bola negra son cuatro hombres jóvenes homosexuales, cuyas historias se entrelazan en tres tramas situadas en tres líneas temporales, una ficticia, una actual y otra ambientada en la Guerra Civil. Sobre la última, María (23 años) resalta que la película le hizo reflexionar sobre cómo se vivió la contienda “desde el punto de vista de los homosexuales y lo duro que fue para ellos”. Incluido el del poeta Federico García Lorca, que fue fusilado tras el Golpe de Estado que provocó el inicio del conflicto armado.

Los adolescentes entrevistados para este reportaje agradecen el conocimiento que les ha aportado el filme sobre la figura y obra del artista, por cómo les ha permitido saber sobre su persona más allá de obras como La casa de Bernarda Alba, habitual en los currículos escolares. Carla, por ejemplo, destaca que ha podido conocer detalles como su amor con Rafael Rodríguez Rapún o soldados como Sebastián, el personaje que encarna Guitarricadelafuente, que “no querrían hacer lo que estaban haciendo en la guerra o que acabaron allí por error”.

Este fue uno de los temas que comentó con el orientador Javier Rueda uno de sus alumnos, sorprendidos porque se entregaran rifles a personas sin experiencia, obligándoles a formar parte de uno u otro bando. También le ha llamado la atención cómo les ha interpelado la vinculación con la memoria y relatos sobre la Guerra Civil que han podido escuchar a sus padres y abuelos en casa. “Muchos estaban impactados igualmente con la estética y el lenguaje, y eso que por desgracia el cine sigue siendo una asignatura pendiente dentro de la docencia básica”.

Más allá de su opinión personal y de si en determinadas escenas de la película pueda faltar ritmo, o escenas concretas de la película que entre los adolescentes reconocen haber tardado más en entender –en especial la secuencia de la nieve y la manera en que se terminan entrelazando las tramas–; Javier Rueda alaba que Los Javis son capaces de combinar referencias de cineastas como Claire Denis y Rainer Werner Fassbinder con la “tradición y modernidad”: “Están muy cerca de la cultura popular. La tecla con la que dan es querer hacer un cine lo más masivo posible y la de que las emociones importan, y cómo queda la gente después de verla”.

Muchos amigos míos salieron llorando de 'La bola negra' y les ha llegado la peli tanto o más que a mí. Me siento agradecida de rodearme de personas a las que les importa el mundo en el que vivimos y el futuro

Júlia (19 años)

“El cine emocional interacciona y se vincula muy bien con los adolescentes, ese 'vamos a sublimar las emociones' con el que les hablan directamente”, añade, “La bola negra está construyendo conversación y comunidad; y eso que el cine no suele ser un tema del que hablen los chicos en el cole”.

Los jóvenes consultados comparten entusiasmados que efectivamente la película está siendo un tema de conversación recurrente entre sus amigos, sobre los que Júlia destaca alegrarse de que sus amistades, además de disfrutar de la película, están reflexionando sobre ella: “Muchos salieron llorando y les ha llegado la peli tanto o más que a mí. Me siento agradecida de rodearme de personas a las que les importa el mundo en el que vivimos y el futuro”.

‘La bola negra’ sigue siendo todo un fenómeno en España, sin duda la película del momento, ya con más de dos millones de espectadores y más de 15 millones de euros de recaudación. Y es que, lejos de bajar en su segunda semana en cines, el filme ha subido incluso el interés, con un 20 % más, superando las expectativas. 

El éxito comercial en España solo confirma el camino que ya llevaba la cinta, con premios en los festivales de Cannes, de Toronto y San Sebastián, y lo que ha hecho que su reparto también haya ganado en elogios, algunos de ellos debutando en el cine como es el caso del cantante Guitarricadelafuente, pero también el del joven Milo Quifes.

Quién es Milo Quifes, el gran descubrimiento de ‘La bola negra’ 

‘La bola negra’ es una película de tres historias que se entrelazan, que se cuentan de forma paralela, y en una de ellas el protagonista es Carlos, en concreto, la línea temporal de 1932 que conecta directamente con la obra que Federico García Lorca no llegó a terminar. 

Milos Quifes es el actor que interpreta a Carlos, el joven de Granada que quiere ser admitido en el Casino y que se enfrenta al rechazo, un joven de 24 años que debuta así por todo lo alto en el cine, con un papel protagonista que ya le está dando alegrías en forma de reconocimiento y de fama, todo ello tras ser antes todo un desconocido para el público. 

Un personaje y una oportunidad que le llegó de casualidad, cuando se presentó al casting tras ver una convocatoria en Instagram cuando necesitaba trabajo y en la que pensaba que solo buscaban figurantes. Poco a poco el joven fue superando pruebas y así llegó a una quinta en la que conoció a los directores, Javier Calvo y Javier Ambrossi, más conocidos como los Javis. Fue entonces cuando se dio cuenta que la oportunidad estaba siendo más seria de lo esperado. 

Y todo ello, además, en medio de una etapa complicada, en la que buscaba continuamente trabajo: “Los Javis me encontraron. Yo venía de una época muy mala. Salía a la calle porque tenía que trabajar; si no, no tenía para comer, pero me costaba mucho salir”, aseguró en una reciente entrevista. 

En ella, el joven también valora como está siendo actualmente el momento tras el estreno de ‘La bola negra’: “Ahora mismo estoy viviendo la vida que nunca imaginé”, reconocía. Milos Quifes había estudiado Biología en Granada y en 2024 publicó su primera novela, donde demostró su interés por la literatura. 

La experiencia de trabajar con los Javis 

Para el joven actor, además, el hecho de haber debutado con los Javis en ‘La bola negra’ le ha dado una experiencia que le ha ayudado a crecer y fueron clave para que encontrara su personaje: “Ellos hacen un poco de psicólogos para que entiendas de dónde te viene el dolor”, explicó. 

De hecho, aseguró que le han hecho descubrir aspectos de sí mismo que desconocía hasta ese momento, llevando el hecho a elevar su interpretación: “Me hace reconocer la herida que tengo y luego la curo. Los Javis son tan inteligentes que se adelantan a lo que estás pensando”, concluyó. 

El 6 de octubre de 1951, Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem terminaban el rodaje de Esa pareja feliz. La efeméride fue la elegida por el Ministerio de Cultura para celebrar, desde hace años, el día del cine español. Aquella película era, según Cultura, el “símbolo de una de las más brillantes generaciones de cineastas de nuestro país”. La celebración de este año del día del cine español tiene algo que lo une con esa declaración. 2026 podría estudiarse como el año donde la unión de las políticas públicas, la valentía de una nueva oleada de productores y el talento de una generación de cineastas más jóvenes se consolidó en un curso para el recuerdo.

2026 ha sido el año donde el cine español hizo historia en Cannes, y ahí se ve muy bien lo que está ocurriendo en nuestra industria. Tras Francia, España fue el país con más películas en competición por la Palma de Oro, y lo hacía gracias a una leyenda del cine español, Pedro Almodóvar; un cineasta que lleva forjando su prestigio internacional desde hace años, Rodrigo Sorogoyen, y el talento joven que necesita oportunidades y productores que les den el dinero necesario para sus ambiciosas propuestas que tan bien representan Javier Calvo y Javier Ambrossi y su película La bola negra.

Lo que ocurrió en Cannes fue el principio. El día del cine español llega en un momento histórico para el cine autóctono. La semana pasada, a 27 de septiembre, el cine español sumaba en taquilla 83.553.860 de euros según datos del Ministerio de Cultura. Solo sumando lo recaudado desde aquella fecha hasta ahora por La bola negra, otros diez millones de euros, la suma supera los 93 millones (ayudado por el otro gran fenómeno español del año, Torrente, presidente). Es decir, que a falta de dos meses para que acabe el curso, la taquilla de 2026 es la mejor desde 2019, época prepandémica, cuando se cerró con 94 millones de euros. Esta misma semana se superará también esa cifra y hay que mirar mucho más arriba, a aquellos cinco años consecutivos en donde se superó la cifra histórica de los 100 millones de euros. 

Viendo todo lo que está generando La bola negra (las estimaciones de recaudación creen que superará los 30 millones), es de suponer que la taquilla final de nuestras películas supere los 103 millones logrados en 2018 y 2017. En el horizonte aparecen los 109 de 2016 y los 110 de 2015 que probablemente se superen, y la madre de todos los récords, los 125,69 que en 2014 se lograron gracias a Ocho apellidos vascos y a éxitos como El Niño, Torrente 5 y La isla mínima. Una cifra que parece casi imposible, pero que dependerá del impulso motriz de La bola negra y de si alguna otra película española se suma a la fiesta.

Un año que, presumiblemente, concluirá con otro hecho histórico. Si las predicciones de los gurús de los Oscar no fallan, y en octubre ya suelen tener las cosas bastante claras, el cine español también hará historia en los premios de la Academia de Hollywood gracias a La bola negra, que se espera que esté nominada en las categorías más importantes tras su exitoso paso por Cannes y ganar el premio del público en Toronto. Nunca un filme español ha sido nominado en la categoría de Mejor película. Todo indica que este año se logrará.

Un cumpleaños agridulce

Sin embargo, mientras se celebra el éxito en taquilla y el gran momento de salud del cine español, también se mira al futuro con bastante cautela e incluso cierto temor. La convocatoria de elecciones generales anticipadas anunciada por Pedro Sánchez (y adelantada por elDiario.es) deja al cine español, de nuevo, desprotegido. Tal como ocurrió con el anterior adelanto electoral, la principal norma por la que el cine español debería defender el cine independiente y su sistema de ayudas, la nueva ley del cine, se vuelve a quedar en la estacada. 

En este momento, tras ser aprobada en junio en el Consejo de Ministros y superar una enmienda a la totalidad presentada por Vox y el PP, la Ley del Cine estaba discutiendo las enmiendas del resto de partidos antes de esperar a ser aprobada definitivamente. No ocurrirá. Esto tiene implicaciones serias y preocupantes. La principal, no quedará por escrito la definición de productor independiente que quería el sector y que era fundamental para proteger el cine que no depende de las grandes plataformas y cadenas de televisión. Una definición que, además, venía a oponerse a la que se incluyó en la Ley Audiovisual aprobada en 2022 y que tanto escoció a los productores españoles. 

El texto queda en el aire. Además, es de suponer que si gana el PP y, tal como dicen las encuestas, deba pactar con Vox para conseguir que Feijóo sea investido presidente, crearán un texto completamente nuevo, ya que ambos han presentado una enmienda a la totalidad. Si el PP continúa con el anterior texto, dejaría claro que presentó esa enmienda solo para entorpecer su aprobación.

Más temor da pensar en lo que Vox puede hacer si llega a tener el Ministerio de Cultura en su poder (la cartera de Cultura ya le ha sido cedida por el PP en varias de las comunidades donde gobiernan juntos). En el debate de la Ley del Cine, desde Vox dijeron claramente que pretendían “quitar administración y aquellos servicios que no sean esenciales” al referirse al ICAA, palabras que recuerdan a lo ocurrido en Argentina, donde el instituto del cine ha sido desmantelado por el Gobierno de Milei. El propio ministro de Cultura reaccionó y le preguntó directamente a Robles López, de Vox, si tal como había entendido, defendían “la eliminación prácticamente del INCAA llevada a cabo por el señor Milei” y que si ellos eliminarían el ICAA cuando estuvieran en el Gobierno. Lejos de rectificar, matizar o aclarar, Robles López contestó con una amenaza mayor: “Eliminaríamos el Ministerio”.

El riesgo de que en el futuro sea cada vez más complicado producir La bola negra revolotea en el aire. La película de los Javis es una producción independiente —realizada por su empresa Suma Content, junto a Movistar Plus y El Deseo—, distribuida por una empresa independiente (Elastica) y un filme que ha recibido ayudas del ICAA. Es el ejemplo perfecto de un sistema que necesita urgentemente una nueva ley, pero que puede quedar desamparado si los que llegan intentan destruir lo logrado durante años.

El fenómeno de La bola negra es ya incuestionable. Más allá del premio en Cannes, la ovación de 20 minutos y los premios del público en Toronto y San Sebastián, la prueba de fuego se encontraba en la taquilla. En su primer examen, el pasado fin de semana, el resultado fue sobresaliente. La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi debutaba con 4,7 millones de euros en su primer fin de semana y más de 610.000 espectadores. Datos excepcionales que la colocaban como el mejor estreno español en diez años, solo por detrás de Torrente, presidente, estrenada también en 2026, y por encima de La odisea.

Las buenas noticias no acababan ahí. El martes, aupada por la política del Ministerio de Cultura por la que los mayores del 65 años pueden acudir al cine por dos euros, La bola negra lograba el mejor martes de la historia para el cine español. Datos estratosféricos que se repitieron el miércoles. 

La prueba de fuego estaba en el segundo fin de semana. Lo normal es que una película, y más cuando se trata de un taquillazo de esta envergadura, descienda aunque sea poco. Por poner un ejemplo, Torrente, presidente cayó un 22%. Solo aquellos fenómenos transversales, que se convierten en auténticos hitos del boca a boca, en esa película que hay que ver sí o sí, logran aumentar su recaudación en segunda semana. Ocurrió con La odisea, que subió un 5%.

La bola negra pulveriza todos esos datos, y en su segundo semana aumenta un 20% respecto a su fin de semana de estreno y amasa otros 5,8 millones de euros según datos de Rentrak, la empresa encargada de dar las cifras de taquilla todas las semanas.  El éxito afecta a toda la taquilla, ya que según BoxOffice.es, los 10,3 millones de euros y más de 1,3 millones de espectadores suponen los mejores datos de un mejor primer fin de semana de octubre desde 2010.

Con estas cifras, La bola negra ya ha recaudado 14,9 millones de euros y vendido más de dos millones de entradas. Se encuentra a solo 10% de la recaudación de Torrente en los mismos días, cuando la semana pasada esa diferencia, tal como explica el analista de taquilla Pau Brunet en su perfil de X era del 35%. El duelo por ver quién es la película española más taquillera del año empieza a decantarse del lado de La bola negra.

Al filme de Javier Calvo y Javier Ambrossi le queda mucha vida por delante. De momento, el próximo fin de semana tendrán el festivo del 12 de octubre, y la semana siguiente una Fiesta del Cine donde no hay duda que será el título que todos querrán ver durante esos cuatro días de entradas con descuento. No tiene, además, rivales a la vista, por lo que puede continuar al frente de la taquilla durante varias semanas, cuando además se empezará a beneficiar de toda la conversación en torno a los Oscar que llegará desde EEUU, donde se espera que esté nominada en todas las categorías. Habrá que ver si en su tercer fin de semana puede todavía crecer más y darle la vuelta a todas las expectativas.

El domingo fui al cine a ver La Bola Negra con parte de mi familia elegida. Ya con la pantalla en negro y los créditos desfilando, prendieron la luz de la sala –mala costumbre– y, al levantarnos, ni una palabra. Solo una concatenación de abrazos de varios segundos y un “tengo que digerir bien lo que he visto”.

A estas alturas no hace falta presentación alguna sobre una película ya premiada en Cannes y Donostia, y en la carrera de los Óscar. El largometraje, que parte de la obra de Alberto Conejero La piedra oscura, no es un mero ejercicio de melodrama sino un artefacto político que impacta de pleno en nuestro presente. Lo hace a través de un retablo coral donde lo ficcionado y lo histórico se diluyen para proyectar el trauma del golpe de Estado, la guerra y el fascismo sobre la España actual.

La película es un tríptico que arrulla con mimo tres historias y tres personajes principales. Los atraviesa una madeja de hilos que lo tejen todo: la identidad, el amor y el existir (sentir, dudar, pensar, elegir, vivir). En este universo, el tiempo histórico quiebra su linealidad para interconectar simultáneamente 1932, 1937 y 2017. Pasado y presente coexisten; no hay un antes y un ahora. Un fluir en el que personajes y espectadores transitamos conjuntamente a través de lo que se sintió y se truncó. 

Frente a la memoria tradicional y hegemónica —a menudo binaria y en blanco y negro—, este filme propone una rememoración del pasado a través de la empatía, el afecto, la indignación y la rabia. Rodada en 35 milímetros y habitada por figuras que van desde lo histórico de Rafael Rodríguez Rapún hasta la fantasía musical de Nené o lo onírico de Lorca, la película muestra la disidencia sexoafectiva como catalizador para conectar con las luchas de los colectivos represaliados por el franquismo.

La propuesta visual es cautivadora. El universo de Calvo y Ambrossi cobra vida de la mano de un equipo técnico prodigioso. Gris Jordana en la dirección de fotografía y Roger Bellés en la dirección artística nos ofrecen un retrato de los años treinta que funciona casi como una fuente documental. Por momentos, los fotogramas evocan esas fotografías de época que consultamos en los archivos históricos. Asimismo, la mirada no normativa y el quehacer calvoambrosiano fluyen magistralmente entre lo pop, el realismo mágico de Lorca y el lirismo hipnótico. Aquello que los puristas tachan de exceso de artificio se revela como un cuestionamiento de los cánones tradicionales de la narrativa y la representación visual. Una manera de reivindicar que los vencidos de 1939 no pertenecen al silencio de los polvorientos anaqueles de la historia, sino a la genealogía de nuestra cultura contemporánea.

El largometraje es un artilugio diseñado para apelar al vínculo con nuestro pasado e intervenir el presente

Pero no pretendo hacer una crítica de cine —eso se lo dejamos a nuestra Pepa Blanes—, mi interés es otro: la praxis memorial. El filme no busca registrar la literalidad de lo ocurrido, sino utilizar la ficción para reparar vacíos y borrados. En ese transitar por la experiencia humana, el largometraje no es un contenedor pasivo de recuerdos, sino un artilugio diseñado para apelar al vínculo con nuestro pasado e intervenir el presente. Se transforma así en un vector de memoria que opera desde lo emocional para provocar reflexión, superando la crónica de hechos y datos para narrar el pasado a través de las personas (verdaderos agentes y protagonistas de la Historia y de los procesos sociales y políticos). 

La memoria histórica no es antídoto, pero sí revelación. Tiene el compromiso de hacer visible a los sujetos invisibles, de narrar y recuperar los contrarelatos silenciados por las memorias oficiales. La España franquista no solo exterminó cuerpos, sino que ejecutó una censura sistemática y un borrado de los afectos, las ideas, las materialidades y las identidades vencidas y disidentes. Los Javis proponen un dispositivo memorial intergeneracional que utiliza la mirada queer para hacer el trauma políticamente movilizador: “Este país tiene demasiadas historias de amor enterradas en los campos. Hay que arañar la tierra para que salgan. Para que puedan existir más”. 

La Bola Negra funciona, pues, como una máquina del tiempo afectiva a través de una metaficción reparadora, que no considero equidistante. La mirada social sobre la guerra –que desde un primer momento se presenta como conflicto derivado del golpe de Estado–, ofrece un retrato de la “guerra sin épica”. Lejos de estereotipos bélicos se muestra la dureza y la cotidianidad de un contexto, donde la meta era sobrevivir. Cuando el relato se narra desde lo humano no hay blancos ni negros sino grises. El frente es un infierno donde generaciones de hombres pierden su juventud y la vida. Algunos lo hacen conscientemente como militantes de una idea política; otros lo sufren movilizados o reclutados a la fuerza como Sebastián. 

Pero lo humano no anula lo político, presentar al antifascismo y a las disidencias en lucha y reconocer a fascistas como golpistas es posicionarse. Sutil pero clarificador es el cardenal llamando a tomar las armas y las monjas cuchicheando sobre los heridos: “Este es enemigo”. Además, la película refleja bien cómo los efectos del golpe militar y la guerra de España no terminan en 1939 con el cese de las armas. La vida de Sebastián es un ejemplo del “exilio interior” forzado como mecanismo de supervivencia durante la dictadura. La vida de las mujeres, un claro retrato de la anulación personal y social impuesta: “Me conformo con ser mujer. Por mi gusto, tiraría a la jabalina, pero debo endulzar naranjas. Debo y quiero”. Y el Alberto de 2017, la encarnación de las generaciones de la post y la desmemoria.

La Bola Negra nos advierte que hacer memoria también consiste en reparar los futuros y proyectos truncados, las obras no escritas y los afectos censurados y exterminados por la violencia del franquismo y del pacto de silencio posterior. Así que, el verdadero valor de la película como engranaje memorial reside en su clara negativa a dar el pasado por cerrado. También en que, aunque se narra desde una profunda y necesaria memoria homosexual, consigue una dimensión totalmente universal e integradora. Abre armarios y ventanas para invitar a que lo no normativo sea el motor de un relato a contrapelo que dé voz a los muchos silencios de la historia reciente de España. 

“Echar Bola negra” se erige, pues, como la gran metáfora de nuestra propia desmemoria democrática: un mecanismo de silencio y exclusión institucionalizada que, durante décadas, se aplicó sobre los cuerpos en las fosas, los legados políticos e intelectuales borrados y las identidades represaliadas. En el caso del colectivo LGTBIQ+ doblemente criminalizado y estigmatizado por las leyes franquistas de Vagos y Maleantes de 1954 y la de Peligrosidad y Rehabilitación Social de 1970. 

El filme invita a quien mira desde siglo XXI a no ver ese pasado como algo estraño y lejano, sino como un paisaje de referencia y de traumas comunitarios

Indagar en el pasado reciente nos permite descubrir nuestra herencia familiar y colectiva. El filme invita a quien mira desde siglo XXI a no ver ese pasado como algo extraño y lejano, sino como un paisaje de referencia y de traumas comunitarios. Un lugar de deuda íntima e histórica pues la conquista actual de derechos y libertades se funda directamente en los sacrificios de todas aquellas personas que fueron silenciadas y represaliadas por defender sus militancias y por querer vivir quienes eran. 

El pasado aún nos interpela y solo hay una manera de afrontarlo: gestionarlo y posicionarse. El cine aquí no es mero entretenimiento ni un archivo pasivo de tragedias particulares, sino un acto político que quiebra el silencio para transformarlo en memoria viva. Es imposible no sentir emoción ante lo que La Bola Negra cuenta y cómo lo cuenta. Quizá para algunos la película sea solo un acto de estilización y de justicia poética, pero, en un país donde los crímenes del franquismo siguen sin juzgarse, la reparación simbólica es, sin duda, una forma necesaria de hacer memoria.

La película de ‘La bola negra’ ya es todo un fenómeno en España, con más de seis millones de espectadores habiendo visto el largometraje dirigido por los Javis y que es ya la cinta elegida para representar al país en la categoría de habla no inglesa en los premios Oscar.

“Es una peli muy artesana rodada en 35 milímetros que pretende ser clásica en todo su esplendor”, contaban sus directores en una entrevista, siendo todo un hecho que se puede apreciar desde la primera escena, ocurrida en un pequeño pueblo que es bombardeado por error.

A ese pueblo da vida Castil de Carrias, una aldea que se encuentra actualmente deshabitada, y que ha servido como localización para el lugar donde comienza la historia de ‘La bola negra’ y en concreto de Sebastián, lo que le ha llenado de vida más de tres décadas después.

De esta forma, los Javis han vuelto a poner en el mapa un pueblo abandonado de la provincia de Burgos, que se convirtió en el lugar perfecto para recrear un bombardeo en plena Guerra Civil, y ser así una localización real en vez de un decorado, y aprovechar su despoblamiento y destrucción para recrear lo que buscaban para un lugar destruido en 1936.

Así como con sus casas vacías, su iglesia en ruinas y su paisaje sin gente, se logró lo que se buscaba. “Decidimos que lo mejor era buscar un pueblo medio derruido en el que solo tuviéramos que construir algo más para poder luego destruirlo con las bombas”, explica Clara Salvador, jefa de localizaciones de la película, a Condé Nast Traveler.

Su último habitante murió en 1994

La aldea Castil de Carrias ha revivido gracias a ‘La bola negra’, especialmente porque no tenía habitantes dentro de la localidad desde 1994, cuando murió su último vecino llamado Florentino González Sáez. Este explicó que gran parte del éxodo en la localidad se debió a la falta de agua.

Este pueblo, sin embargo, antes de todo ello, en 1950, por ejemplo, tenía todavía 178 personas empadronadas, que fue descendiendo hasta ser de 59 personas en 1970 y tan solo una desde 1981, un vecino que se resistió a dejar la localidad y permaneció allí solo hasta su fallecimiento.

El pueblo, ubicado en lo alto de un cerro, rodeado de prados verdes y vistas eternas al horizonte, forma parte también de una ruta de senderismo de 22 kilómetros que cruza también los pueblos deshabitados de Loranquillo y Quintanilla, destacado especialmente en otoño.

Un punto importante para visitar es la iglesia de Santa María, deshabitada y en ruinas, pero que sirve de localización para una de las primeras principales escenas. Además, pasa por la antigua mina de Crimidesa de Cerezo, el río Tirón y el convento de San Vitores de Fresno de Rio Tirón.

La productora de Los Javis, Suma Content, se encuentra participando en un proyecto con Atresmedia y la productora Buendía Estudios Canarias para el rodaje de una serie llamada Crimen en España. La grabación ya ha comenzado en Barcelona, pero se trasladará pronto a Canarias, donde ya están buscando figurantes para las escenas.

Según ha informado atresplayer, Crimen en España es una serie original de ficción protagonizada por las actrices Macarena García (La Mesías, Se tiene que morir mucha gente, Casa en llamas, La Llamada) y Belén Barenys (Autodefensa). Ambas interpretan a una periodista y a una joven “acosada por sus propios demonios”. Ambas vivirán desde dentro la relación entre España y la cobertura mediática de la violencia.

La seria tendrá cinco episodios y su rodaje ya se está desarrollando en Barcelona, aunque continuará en Lanzarote. El hilo conductor de la seria conjuga el thriller con el escenario fantástico, el terror psicológico, la metáfora y el ensueño.

Completan el reparto de la serie reconocidos nombres de la ficción nacional como Ana Torrent, Julián Villagrán, Mónica Cruz, Adelfa Calvo, Milo Quifes, Jedet, Daniel Ibáñez e Itsaso Arana, entre otros.

Crimen en España es una producción de Buendía Estudios Canarias con la colaboración de Suma Content (la productora de Javier Ambrossi y Javier Calvo) y la participación de Atresmedia. La serie está dirigida por Claudia Costafreda y creada por María Bastarós.

Cásting para figurantes en Canarias

Las productoras están buscando ya figurantes para el rodaje en Canarias, concretamente, en Lanzarote, donde se grabará la serie los días 7 y 8 de octubre.

En caso de ser elegido, la remuneración oscila entre los 62 y los 72 euros, aunque puede haber figuraciones especiales, con mayor pago.

Los perfiles requeridos son jóvenes de 16 a 23 años para ambientación de un centro de menores, por lo que se busca un perfil “cani” y gente con “perfil de la calle”.

También se buscan chicos y chicas con ancento andaluz,  mayores de 18 años, con estética heavy/metal, preferiblemente pelo largo o media melena y “estilo auténtico”.

No es necesaria experiencia previa. Para inscribirse, la productora ha facilitado un formulario online.

Es la película del momento, todos en España hablan de ella, y esto se está viendo reflejado ya en la taquilla, donde ya habría superado una recaudación de más de 6 millones de euros después de tener el segundo mejor estreno en su primer fin de semana para una película española, y también el mejor martes, beneficiándose del ‘martes senior’.

Hablamos de ‘La bola negra’, película dirigida por Javier Calvo y Javier Ambrossi, conocidos como ‘los Javis’, y que bebe de diferentes referencias reales para crear una historia lorquiana en la que la homosexualidad es una parte fundamental de la trama, una de las líneas temporales, además, en plena Guerra Civil.

La ley del deseo (1987)

El cine de Pedro Almodóvar es un claro referente para los Javis y eso es algo que se aprecia en ‘La bola negra’, siendo ‘La ley del deseo’ una con la que comparte más cosas, como el hecho de que ambas navegan por la pasión, la homosexualidad o el dolor de la creación artística.

Dolor y gloria (2019)

No solo ella, sino que además comparte también cierta trama con ‘Dolor y gloria’, la que es considerada una de las obras más introspectivas de Almodóvar. Ambas exploran la memoria, la infancia, la pérdida y la figura de Lorca como fantasma cultural. Su viaje lírico a través del tiempo y el arte dialoga muy bien con la estructura temporal de ‘La bola negra’.

Retrato de una mujer en llamas (2019)

Dirigida por Céline Sciamma, la película explora el deseo prohibido y el arte como espacio de liberación, un hecho que se puede disfrutar también en ‘La bola negra’ como una de sus principales tramas. Además, también encajan en su tratamiento de la memoria sentimental y la herencia del arte romántico.

Cold War (2018)

La película de Paweł Pawlikowski ha sido una referencia directa para los Javis, como bien lo han dejado claro en varias entrevistas, y es cierto que se puede ver directamente en algunas escenas. Ambas exploran temas como los amores truncados y prohibidos, además de ser un viaje a través de varias décadas, y con una clara estética visual, con la música como refugio emocional.

La novia (2015)

Federico García Lorca es un eje principal en ‘La bola negra’, que trata en parte de una obra inacabada de la que solo se cuentan cuatro páginas. Sin embargo, el poeta tuvo una importante actividad literaria en vida, con algunos de sus textos adaptados también al cine.

Una de las adaptaciones que más se puede acercar a ‘La bola negra’ es ‘La novia’, de 2015, dirigida por Paula Ortiz, y que tiene un destacado desempeño visual. En ella, se transforma la tragedia rural en una fábula lírica llena de simetría, desierto, sangre y pulsión poética, capturando intacta la fuerza del texto original.

La bola negra sigue arrasando en España: la película ha conseguido el mejor martes de la historia en taquilla para un filme español, según ha confirmado Rentrak Spain. La cinta se ha visto beneficiada por el “martes sénior”, que permite a las personas de 65 años o más ir al cine por solo 2 euros un día a la semana, y ha concentrado a más de dos tercios de la afluencia de espectadores, sumando así más de un millón de euros. Se estima que la recaudación haya superado los 6,6 millones de euros, según afirma el analista cinematográfico Pau Brunet, y se espera que este miércoles alcance más de un millón de espectadores.

La película está gozando de un éxito descomunal desde su estreno en el país el pasado viernes. De hecho, se ha convertido en el segundo mejor estreno español de los últimos diez años en su primer fin de semana en salas. La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi rozó los 4,7 millones de euros de recaudación, quedándose por detrás únicamente de Torrente, presidente. Al ceñirnos a los datos de 2026, teniendo en cuenta no solamente los títulos de cine patrio, se trata del cuarto mejor estreno del año, superando a otro de los grandes fenómenos, La Odisea de Christopher Nolan, que se quedó en 4,47 millones de euros.

Con su estreno, La bola negra ha eclipsado la llegada a las salas de otros títulos internacionales como Vengadores: Endgame y En el corazón de la bestia, con Brad Pitt. También ha recaudado más dinero que otros largometrajes como Resident Evil y Coyote VS. Acme, que continúan llevando al público al cine tras varias semanas en cartelera. Solo Torrente, presidente sigue en el podio del mejor estreno español del año, mejorando los datos de Aída y Vuelta y Tadeo Jones y la lámpara maravillosa. El filme de animación dirigido por Enrique Gato salvó de la mano de El ser querido el verano del cine patrio. 

El filme es uno de los títulos favoritos para la próxima temporada de premios tras su victoria a la mejor dirección en el Festival de Cannes y se ha convertido en la apuesta de Netflix para los Oscar. Ha gozado de una enorme acogida por parte de la crítica y, desde entonces, la plataforma de streaming ha preparado una gran campaña. Tanto es así que tendrá el periodo de tiempo más largo en la cartelera de EEUU antes de su estreno en Netflix. Asimismo, su canción La nieve, compuesta por Guitarricadelafuente y Raül Refree, ha sido presentada para luchar por la estatuilla. La película narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia; y una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca.

Edmond de Bries vuelve a escena, y lo hace casi un siglo después de haber llenado teatros con sus imitaciones de las grandes estrellas del cuplé. El responsable de este regreso es La bola negra, la nueva película de Javier Calvo y Javier Ambrossi que, en un momento dado, recupera su nombre. 

Edmond fue, según le cuenta la cupletista Nené Romero (Penélope Cruz) al personaje de Sebastián (Guitarricadelafuente), una estrella de las noches del espectáculo de Madrid. Su amiga le pierde la pista una vez estalla la Guerra Civil, pero no se olvida de él. Lejos de ser un personaje inventado para este momento del filme, De Bries fue uno de los transformistas más populares de la España del siglo XX.

Detrás de ese nombre estaba Asensio Marsal Martínez, un artista nacido en Cartagena en 1897 que alcanzó una notable popularidad como actor y cantante de cuplé. Al mundo del espectáculo llegó desde la costura, pues antes había trabajado como modista y sastre para cupletistas, lo que llevó a adquirir un enorme conocimiento de los vestidos y de la puesta en escena.

A los catorce años vio en su ciudad natal una actuación del transformista Ernesto Foliers, un espectáculo que marcó para siempre su vida. Decidió entonces iniciar una carrera en el teatro como transformista, debutando en el Teatro de la Encomienda de Lavapiés bajo el nombre de Marsal. 

Finalmente decidió adoptar el de Edmond de Bries, que lo acompañó hasta el final de sus días. Su especialidad era imitar a las estrellas femeninas que triunfaban en los escenarios, como La Goya, Pastora Imperio, La Fornarina o La Chelito, algunas de las míticas que formaron parte de su repertorio. 

“Tiene arma de artista, su trabajo es verdaderamente admirable y las imitaciones que hace de artistas no son caricatura. Las renueva con tal arte, con tanta exactitud, que si no supiéramos de antemano que es él quién se presenta al público, creeríamos muchas veces que estábamos viendo a la artista por él imitada”, llegó a decir un popular crítico de La Correspondencia de España sobre sus actuaciones.

El final de su carrera

Su gran momento llegó en los años 20. En 1919, actuó ante los reyes en San Sebastián y, solo un año después, empezó a actuar en el Teatro Fuencarral en Madrid, donde durante cuatro meses logró reunir a más de 2.500 espectadores en todas sus actuaciones. Allí alcanzó uno de los mayores éxitos de su carrera gracias a la canción de Las tardes del Ritz, un clásico en su repertorio. 

A partir de 1924 comenzó a actuar al otro lado del charco en países como Argentina, Venezuela, Cuba y Nueva York. Cuatro años más tarde volvió a España, pero entonces se dejó de tener tanta información sobre él. Las fuentes coinciden en que su rastro se pierde por completo después de la Guerra Civil, y existen distintas versiones sobre sus últimos años de vida.

‘La Bola negra’ es ya una película evento en el cine español. En su primer fin de semana ha conseguido una recaudación de 4,7 millones de euros y ha supuesto que casi 700.000 espectadores han visto el largometraje dirigido por Javier Calvo y Javier Ambrossi, conocidos como ‘los Javis’.

Esto le ha hecho convertirse en el segundo film español más taquillero de la década en su fin de semana de estreno, con lo que hace que esté dentro de la conversación entre el público, que debido a que parte de su ambientación se da en el contexto de la Guerra Civil se puede preguntar qué es real y qué no dentro de las historias que se cuentan.

Carlos y ‘La Bola negra’: la obra inacabada de Lorca

Federico García Lorca está presente en toda la película de ‘La bola negra’, todo ello va más allá de que parte de la historia bebe de la obra que dejó sin acabar y que tiene referencia directa en el título. Además, de las tres líneas temporales, el personaje de Carlos sería la imaginación de cómo Lorca la podría haber terminado.

De ella se conservan tan solo cuatro páginas, que pudo ser lo que llegó a escribir el poeta, teniendo en cuenta que trabajaba con varios proyectos al mismo tiempo, como fue ‘La casa de Bernarda Alba’, terminada en junio de 1936, y ‘Los sueños de mi prima Aurelia’, de la que solo pudo finalizar el primer acto antes de ser asesinado en agosto de 1936.

En lo que respecta a ‘La bola negra’, lo que se conserva es una lista de personajes, el subtítulo de ‘Drama de costumbres actuales’, así como un diálogo del personaje principal, Carlos, con su hermana, un hecho que aparece reflejado en la película. Según la cronología estudiada, Federico García Lorca habría trabajado en ella entorno a 1935 para luego dejarla durante un tiempo.

Rafael Rodríguez Rapún, el amor de Lorca homenajeado

Otro de los hechos principales de la película de ‘La bola negra’ que bebe de la realidad es el personaje de Rafael Rodríguez Rapún, interpretado por Miguel Bernardeu, que como cuenta el largometraje fue uno de los amores de Federico García Lorca y que se dedicó tanto al fútbol como al activismo político, así como actor y secretario personal del poeta en la compañía teatral ‘La barraca’.

El poeta lo llamaba ‘Tres Erres’ en su correspondencia, y se ha asegurado que podría haber inspirado ‘Sonetos del amor oscuro’, aunque es un hecho que no se ha podido demostrar. A diferencia de lo que sucede en la película, falleció en el hospital militar de Santander tras ser herido durante un bombardeo, habiéndose incorporado al Ejército de la República tras conocer el asesinato de Lorca.

El bombardeo inicial tuvo una inspiración real

La película de ‘La bola negra’ comienza con el bombardeo de un pueblo pequeño por el bando equivocado, un hecho que, aunque no existió como tal, sí que hay una historia real muy similar. Sucedió en Artà, Mallorca, el 31 de agosto de 1936, y murieron 11 personas después de que el bando sublevado lanzara bombas sobre la localidad a pesar de que estaba en su propia retaguardia, además usando un avión italiano.

La bola negra se acaba de convertir en el segundo mejor estreno español de los últimos diez años en su primer fin de semana en salas. La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi ha rozado los 4,7 millones de euros de recaudación, y se queda por detrás únicamente de Torrente, presidente.

Al ceñirnos a los datos de 2026, teniendo en cuenta no solamente los títulos de cine patrio, se trata del cuarto mejor estreno del año, superando a otro de los grandes fenómenos, La Odisea de Christopher Nolan, que se quedó en 4,47 millones de euros.

Según los datos avanzados por el analista Pau Brunet, el largometraje protagonizado por Miguel Bernardeau, Guitarricadelafuente, Carlos González y Milo Quifes ha reunido a más de 610.000 espectadores desde su llegada a los cines el pasado viernes 25 de septiembre. Su afluencia en taquilla ha crecido día a día. El viernes acumuló 1,31 millones de euros, el sábado pasó a 1,64 (un 25% más) y el domingo alcanzó los 1,72 millones (otro 5% más).

El podio del mejor estreno español del año continúa custodiándolo Torrente, Presidente, seguido ahora de La bola negra, que mejora los datos de Aída y Vuelta y Tadeo Jones y la lámpara maravillosa. El filme de animación dirigido por Enrique Gato salvó de la mano de El ser querido el verano del cine patrio. Rodrigo Sorogoyen, además, consiguió batir su propio récord en sus primeros tres días, de tal forma que su filme con Javier Bardem y Victoria Luengo se convirtió en su mejor debut, por encima de As bestas y Que Dios nos perdone.

Con su estreno, La bola negra ha eclipsado la llegada a las salas de otros títulos internacionales como Vengadores: Endgame y En el corazón de la bestia, con Brad Pitt. También ha recaudado más dinero que otros largometrajes como Resident Evil y Coyote VS. Acme, que continúan llevando al público al cine tras varias semanas en cartelera.

Verano de 1936. Un poeta e intelectual de renombre quiere que el hombre al que ama le acompañe en un viaje que tiene que realizar a México. Pero hay un problema. Su amante tiene 19 años. Le falta uno para la mayoría de edad y necesita el permiso de su familia para salir del país.

El joven decide escribir una carta a su padre para que se lo dé, sabiendo que no va a ser de su agrado, y que seguramente no lo va a aceptar. A punto de introducir el sobre con la petición en el buzón, es su enamorado el que le detiene. Quiere evitarle el conflicto, no quiere que le rechacen en su casa. Adiós a México. Ambos se quedan en España, y el intelectual aprovecha la tesitura para viajar a su casa, a Granada.

“No llores, dos meses se pasan volando”, le dice al joven cuando se despide de él en la estación madrileña de Atocha. Jamás volvieron a verse. El poeta era Federico García Lorca. El joven, Juan Ramírez de Lucas, su último gran amor, que conservó sus diarios y cartas, dejándolos a su familia en una caja fuerte, con la petición de que no salieran a la luz hasta después de su muerte. “No te dejes llevar por la tristeza”, le escribió el poeta en la última correspondencia suya que se conserva, del 18 de julio de 1936. Un mes después, fue fusilado tras el golpe de Estado que provocó el inicio de la Guerra Civil.

Juan Ramírez de Lucas falleció en 2010. Y ahora, alcanzado 2026, el director Manuel Menchón ha rescatado los archivos y armado con ellos el documental La voz quebrada que, tras su paso por el Festival de San Sebastián, se estrenará en salas el próximo 16 de octubre.

“La historia de Federico y Juan es una metáfora de los silencios de este país”, explica el director a elDiario.es, que descubrió la existencia de su relación investigando para su anterior película, Palabras para un fin del mundo (2020), que giraba en torno a la muerte de Miguel de Unamuno. “Juan se sentía culpable del asesinato de Lorca porque es consciente de que se tendrían que haber ido a México”, comenta sobre el motivo por el que el a la postre escritor y crítico de arte no quiso que se supiera que había mantenido una relación con el poeta hasta después de su muerte.

La bola negra, la película de Javier Ambrossi y Javier Calvo que llegó a los cines el pasado viernes, también ahonda en la figura de Lorca y en otro de sus romances, Rafael Rodríguez Rapún. El ingeniero y futbolista que fue secretario del grupo teatral La Barraca, interpretado en el filme por Miguel Bernardeau.

La voz quebrada aporta más material inédito sobre el poeta, gracias a unos negativos encontrados en la casa del historiador Gonzalo Menéndez Pidal, que muestran a un Lorca sonriente, asomado a la parte trasera de una furgoneta, y actuando con La Barraca.

La noticia de la muerte de Lorca

Manuel Menchón explica que durante el proceso de investigación que llevaron a cabo para La voz quebrada buscaron información que cotejara los testimonios de Juan Ramírez.

Así, localizaron una carta manuscrita de un amigo de Federico García Lorca, fechada en julio de 1936, hablándole sobre el escritor, así como el periódico de Albacete en el que apareció por primera vez la noticia del entonces supuesto asesinato del poeta. Todavía no estaba confirmado, pero en sus escritos, Juan explica que fue su hermano el que se lo dijo: “Creo que han matado a Lorca”, tras leer el titular del diario. Desde entonces, le aprisionó un intenso dolor que tuvo que sufrir en silencio.

“Murió mezclado con los revoltosos”, terminaría diciendo Franco después de que H.G. Wells, que había conocido al poeta granadino en Argentina en un congreso celebrado en 1933, escribiera un telegrama preguntando por él. El periodista y escritor británico presidía en ese momento la PEN International, una organización de poetas, ensayistas y novelistas fundada en 1921 con el objetivo de estrechar lazos entre autores tras el final de la I Guerra Mundial.

Tras la muerte de Lorca, Juan Ramírez de Lucas se fue al frente junto a su hermano, que era sanitario, para ayudar al ejército republicano. Concluida la guerra, se alistó como voluntario de la División Azul, antes de desarrollar su carrera como escritor y crítico de arte. En especial sobre arquitectura, en ABC y en la revista Arte y Cemento de Bilbao.

Uno de los episodios más conmovedores de los que se revelan en el documental es que, años después de la muerte de Lorca, Juan Ramírez de Lucas acabaría visitando como periodista su residencia, la misma desde la que el poeta escribió su última carta. Era 1978, tenía 61 años. Nadie supo aquel día que él no era un visitante 'más'.

Lorca, un mito con sexualidad e ideología

Manuel Menchón ha tomado en su documental prestadas las voces de Álvaro Morte, Francesco Carrill, Pedro Casablanc, Verónica Sánchez, Víctor Clavijo, María Galiana y Alberto San Juan, para dar vida tanto a Lorca y a Juan, como a las distintas figuras cuyos textos también aparecen en la película.

También ha querido dar importancia dentro del largometraje al posicionamiento político del poeta que, si bien no militó en ningún partido, escribió sobre ello en sus obras, lideró cartas de intelectuales intentando evitar el auge del fascismo como el Manifiesto del Frente Popular en 1936. “Lorca no era equidistante. A menudo se le ha retratado como a un niño pequeño, y él sabía qué tenía que apoyar y de qué parte estaba”, defiende el cineasta, “él decía que no quería estar en ningún partido, pero porque tenía que estar con el débil”.

Otro de sus discursos más relevantes es el que emitió en 1931 a propósito de la apertura de la primera biblioteca pública de su pueblo, Fuente Vaqueros. “Contra un libro no valen persecuciones. Ni los ejércitos, ni el oro, ni las llamas pueden contra ellos; porque podéis hacer desaparecer una obra, pero no podéis cortar las cabezas que han aprendido de ella porque son miles, y si son pocas ignoráis dónde están”, pronunció.

Manuel Menchón considera que en la construcción del mito en torno a Lorca, se ha intentado que fuera “impoluto, sin sexo y sin ideología”, y que por ello precisamente no se hablara de su sexualidad “hasta los ochenta y que no fuera aceptada a nivel académico hasta los noventa”. La película incluye el Informe de la Jefatura de Superior de Policía de 1965, que sin embargo no fue revelado hasta 2015, pero que demostró que el poeta había sido asesinado por rojo y por homosexual. En él se le acusaba de ser “socialista, masón” y de tener “prácticas de homosexualismo”.

El director explica que en el relato sobre Lorca existe una “laguna” en torno a su vertiente ideológica: “Es interesante como estatua, pero no como persona. Un fenómeno que ha pasado con más personalidades antes de la Guerra Civil”. De ahí a que siga viendo necesario “restitituir” el honor del granadino “y no sacar únicamente el cliché de alguien solo en un apartado, como un niño o icono de lo que sea; sino la visión de que era una persona con una vida y unas ideas por las que fue asesinado”.

A su vez, entiende La voz quebrada como una restitución del honor no solo de Lorca, sino también de Juan Ramírez de Lucas. “Lorca fue asesinado, pero él fue silenciado por la propia estructura del país. El armario de Juan duró, su secreto permaneció hasta su muerte. Son dos silencios por motivos diferentes, uno físico y otro moral, por eso para mí son en realidad dos voces quebradas, dos voces eliminadas”.

Desde que se proyectó Tender Loving Care en el Festival de San Sebastián el certamen quedó prácticamente sentenciado. Era complicado que una película de la Sección Oficial igualará en sensibilidad, inteligencia y brillantez al filme con el que Mike Leigh se despedía del cine. El director británico ya había contado, y confirmó en el Zinemaldia, que esta será la última vez que dirija. Una enfermedad que afecta a sus ojos ha afectado a la movilidad del cineasta, que no se siente en las condiciones físicas necesarias para volver a rodar.

Algún malpensado podría pensar que ese factor sentimental, el que Tender Loving Care fuera la despedida de uno de los directores fundamentales del cine británico de las últimas décadas, podría afectar al jurado, pero tras ver la película es evidente que su calidad hablaba por sí sola. Si la crítica se rindió al maestro en contar el cine social desde lo íntimo, el jurado no se quedó atrás y claramente quedó enamorado de esta historia sobre cómo los cuidados son fundamentales, pero solo para aquellos que cuenten con una red familiar o de amigos. Un retrato magistral que, desde la relación de dos amigos y los padres de una de ellas, acaba creciendo a una crítica sobre la destrucción del estado de bienestar. 

No solo reconoció la película con una Concha de Oro tan previsible como incontestable, sino que el filme casi acaparó el palmarés llevándose también el premio al Mejor guion y el de Mejor actriz para Kate O’Flynn, que culmina su año dorado. La actriz británica llegaba de ganar el Emmy por La maldición de Widow's Bay y ahora se lleva la Concha de Plata por un trabajo de tono complicado donde se pasa de la comedia casi física al drama cotidiano. O’Flynn, eso sí, lo tuvo que compartir con Asta Kamma August, actriz noruega que protagoniza Growth of the soil, el filme de Hans Petter Moland que también logró el galardón a la mejor fotografía para Oskar Dahlsbakken. Desde Nueva York, Leigh mandó un vídeo agradeciendo por todos los premios para el filme. Tan escueto como acostumbra, solo dio las gracias y dijo un “Os quiero” que supo a poco.

El cine español, que venía encadenando tres Conchas de Oro consecutivas —O Corno, Tardes de Soledad y Los domingos— se tuvo que conformar en esta ocasión con la Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto (en el Zinemaldia no hay división por género en las categorías interpretativas, pero sí por protagonistas y secundarios) para Javier Cámara por su personaje despreciable e hilarante en la divertida 5 minutos más, de Javier Ruiz Caldera. 

El palmarés dejó fuera a otra de las grandes favoritas de la edición, The debut, de Jesse Eisenberg, una de las películas mejor recibidas y que muchos contaban con que no se iría de vacío. Las interpretaciones de Julianne Moore y Paul Giamatti o su guion parecían sus mejores bazas, pero el jurado, presidido por el cineasta Ira Sachs, decidió apostar por filmes más actorales y dejar, por esta vez, a Hollywood fuera de la ecuación. En su lugar apostaron por darle la Concha de Plata a la Mejor dirección a Amanda Kernell por la estupenda Brace your heart, retrato de independencia de una mujer en la comunidad Sami. Para cerrar el palmarés, el jurado apostó por una de las películas más radicales de la Sección Oficial, la china Border, de Ah Biao, a la que reconocieron con el premio del jurado. 

El público se rinde a 'La bola negra'

Tras convertirse en el evento del Zinemaldia, al realizar su premiere española en el marco del festival, donde competía en la Sección Perlak, que recoge lo mejor de otros certámenes internacionales, La bola negra regresó a Donostia al llevarse el premio del público. La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi logró una puntuación de 9,4, la segunda más alta de la historia del galardón tras la obtenida por La voz de Hind el año pasado (9,52).

Los cineastas regresaron al festival tras conseguir en el primer día en la taquilla más de un millón de euros, el segundo mejor viernes para una película española de los últimos diez años y solo por detrás del de Torrente, presidente, este mismo año. Un comienzo inmejorable para la que ya es, sin duda, la película española del año. 

El premio del público a la mejor película europea fue para Naza, el documental de Yuval Abraham y Rachel Szor, que no pudieron viajar a Donostia. Ambos han sido amenazados por la extrema derecha israelí por su filme, en el que 24 miembros del ejército y la inteligencia israelí cuentan los crímenes de guerra realizados contra la población palestina en Gaza. Un trabajo que ha hecho que desde el gobierno israelí se realice una campaña de desprestigio para un trabajo estremecedor, producido por The Guardian y que se estrenará en España el próximo 9 de octubre. Un mes después, The Guardian, uno de los productores del filme, la liberará en Youtube para que todo el mundo pueda verla. 

Muchos de los asistentes a la ceremonia de clausura posaron con carteles en defensa de los cineastas, y al anunciar el título del filme todo el auditorio saco las hojas que ponían We are naza too“. Enrique Costa, de la distribuidora del filme, Elástica, leyó unas palabras de los cineastas en donde agradecían el premio y esperaban que el galardón ”sirva para esparcir la voz de lo que la película representa y lo que el gobierno israelí está haciendo con la matanza de palestinos en Gaza“.

Cierra así una 74.ª edición que también será recordada como la última de su director, José Luis Rebordinos, que se despide tras 16 años al frente y al que se le dedicó una calurosa ovación para cerrar la ceremonia. Deja el testigo a Maialen Beloki, que desde el año que viene ejercerá las funciones convirtiéndose en la primera mujer al frente del festival más importante de España.

Tras convertirse en el evento del Zinemaldia, al realizar su premiere española en el marco del festival, donde competía en la Sección Perlak, que recoge lo mejor de otros certámenes internacionales, La bola negra regresó a Donostia al llevarse el premio del público. La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi logró una puntuación de 9,4, la segunda más alta de la historia del galardón tras la obtenida por La voz de Hind el año pasado (9,52).

Los cineastas regresaron al festival tras conseguir en el primer día en la taquilla más de un millón de euros, el segundo mejor viernes para una película española de los últimos diez años y solo por detrás del de Torrente, presidente, este mismo año. Un comienzo inmejorable para la que ya es, sin duda, la película española del año y que va dispuesta a hacer historia para el cine español en los próximos Oscar.

En su emocionante discurso, Javier Calvo dio las gracias al público y recordó que para Federico García Lorca, la figura que atraviesa las tres historias que conforman La bola negra, el público era muy importante, tanto que tituló así una de sus obras. Para ellos también lo ha sido siempre, incluso cuando su primera obra solo tenía 15 espectadores, los que cabían. “Para él no crear era la muerte. Nosotros hacemos esto para vosotros, para el público”, dijo Javier Calvo. “Hay una cosa que a mí me emociona mucho, y es que hoy y ayer y durante este año, escucho una frase que hacía tiempo que no quería usar la gente y es: ¡viva el cine español! Y lo quiero reivindicar: ¡Qué viva el cine español. Sí, Señor!”, añadió el cineasta.

Javier Ambrossi tomó la palabra para agradecer el galardón a aquellos que les han apoyado, entre ellos a José Luis Rebordinos, director del Festival de Cine de San Sebastián que además se despedía del certamen, que el año que viene estará dirigido por Maialen Beloki. “Tú nos hiciste creer que podíamos ser grandes con tu apoyo, así que muchísimas gracias, de verdad, de corazón”, le dijo.

“Hay dos cosas fundamentales para poder probar y experimentar: una es el equipo, y nosotros tenemos el mejor equipo técnico del mundo. Os quiero muchísimo. Gracias por dejarnos crear ese espacio en el que uno puede soñar que existe la comunicación horizontal, en el que uno puede ser un director teniendo dudas, en el que se puede ser un director diferente a lo que uno espera de un director. Gracias porque solamente con este equipo técnico hemos podido hacerlo. Gracias de verdad. Y gracias a Movistar Plus, a toda la gente que confiaron, Elastica, Atresmedia, El Deseo, gracias por estar aquí con nosotros. Tenemos mucho que agradecerles al público. Sabemos que estáis de nuestro lado y gracias por estar ahí y espero no defraudaros nunca”, concluyó.

Hoy se estrena La bola negra en España y, mientras tanto, Netflix sigue trabajando en su estrategia para la película en su carrera por el Oscar. Según ha podido conocer The Hollywood Reporter, todo el elenco aplicará a las categorías de reparto —Guitarricadelafuente, así como los actores Miguel Bernardeau, Carlos González y Milo Quifes, y las actrices Penélope Cruz, Lola Dueñas y Glenn Close—. La razón de esta decisión es que ningún intérprete destaca claramente sobre los demás según su tiempo en pantalla, por lo que carece de sentido hacer campaña por alguno de ellos en la categoría de protagonista.

No es la primera vez que se lleva a cabo esta estrategia. Numerosas películas aclamadas y exitosas en la temporada de premios optaron en su momento por tomar la misma decisión, incluyendo cuatro que ganaron el Oscar a la mejor película: Crash (2005), Spotlight (2015), Moonlight (2016) y Parasite (2019). Todas ellas, excepto Parasite, también obtuvieron al menos una nominación individual a mejor actor o actriz de reparto, y todas ellas, excepto Moonlight, también ganaron el premio al mejor reparto.

El filme es uno de los títulos favoritos para la próxima temporada de premios tras su victoria a la mejor dirección en el Festival de Cannes y se ha convertido en la apuesta de Netflix para los Oscar. Ha gozado de una enorme acogida por parte de la crítica y, desde entonces, la plataforma de streaming ha preparado una gran campaña. Tanto es así que tendrá el periodo de tiempo más largo en la cartelera de EEUU antes de su estreno en Netflix. Asimismo, su canción La nieve, compuesta por Guitarricadelafuente y Raül Refree, ha sido presentada para luchar por la estatuilla.

La película narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia; y una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca. Ha sido escrita por los Javis junto con Alberto Conejero. Javier Calvo ha asegurado que hablan constantemente con su equipo sobre las posibilidades de La bola negra. “Sabemos que vamos a vivir con una maleta durante varios meses. Somos conscientes de ello y lo vamos a hacer felices. Y esto ya no es solo por tener el mayor número de nominaciones posible, sino para que el mensaje de la película llegue al mayor número de gente posible”, ha declarado. “Ese es el objetivo. Es algo con lo que nunca habíamos soñado jamás en la vida y no puedo ni imaginar en más nominaciones”, ha agregado.

El estreno de La bola negra en los cines este fin de semana llevará a muchos espectadores a interesarse por los personajes de la película y por las historias que hay detrás de ellos. Aunque no todos están inspirados en personas reales, hoy recordamos a Rafael Rodríguez Rapún, el hombre al que da vida Miguel Bernardeau en la nueva película de Los Javis.

Su nombre está inevitablemente ligado al de Federico García Lorca, aunque su historia comienza mucho antes de conocer al poeta. Nacido en Madrid en 1912 en una familia de obreros, Rapún fue un joven inquieto que estudió Ingeniería de Minas, jugaba al fútbol y se implicó en el movimiento socialista. 

Su vida cambió para siempre durante los primeros meses de 1933, cuando se incorporó a La Barraca, primero como actor y más tarde como secretario después de convertirse en una de las personas de mayor confianza de Federico. Así, Rafael participó en varias de las giras de la compañía del dramaturgo granadino que llevó el teatro clásico a distintos rincones de España.

Pero su relación fue mucho más allá del ámbito profesional, y durante la gira de verano de 1935, iniciaron una relación sentimental. Esta se desarrolló en una época en la que la homosexualidad estaba profundamente estigmatizada, tal como refleja la última película de Los Javis a través de las actuaciones de Bernardeau y Guitarricadelafuente. 

Nada de eso, ni tampoco los 14 años de diferencia de edad que los separaban, impideron que Rafael y Federico pasaran juntos los últimos años de sus vidas. Una muestra de aquel amor puede verse en la correspondencia que intercambiaron, de la que apenas se conserva una única carta. 

“Me acuerdo muchísimo de ti. Dejar de ver a una persona con la que ha estado uno pasando, durante meses, todas las horas del día es muy fuerte para olvidarlo. Máxime si hacia esa persona se siente uno atraído tan poderosamente como yo hacia ti”, le escribió Rapún a Lorca en octubre del 33 desde Argentina.

El final del amor y la vida

No tuvo un final feliz su historia. Se dice que Federico le dedicó a “Las Tres Erres”, como solía llamarle, los Sonetos del amor oscuro después de que Rafael lo dejara plantado durante un viaje a Valencia. La colección de estos poemas se publicó por primera vez en otoño de 1983 en una edición clandestina, cuando el poeta llevaba 47 años muerto. 

Fue precisamente el fusilamiento de Lorca otro punto de inflexión en la vida de Rapún. A finales del verano de 1936, tras conocer lo que había ocurrido, decidió alistarse al ejército republicano, donde consiguió la graduación de teniente, y fue trasladado a Cantabria. Rafael murió exactamente un año después que su gran amor –el 18 de agosto de 1937–, en el hospital militar de Santander, debido a las heridas recibidas en un bombardeo. Tenía solo 25 años.

Todo el mundo habla de La bola negra. Y qué bien que lo hagan. La gente habla por las calles de Lorca, de la Guerra Civil, de esa película que va dispuesta a hacer historia en los Oscar gracias a su mezcla de emoción, ambición y memoria histórica. Pero sobre todo hablan de ellos, de los Javis, de Javier Calvo y Javier Ambrossi, dos cineastas superdotados, autodidactas y brillantes.

Parecía ayer cuando llenaban el hall del Teatro Lara con La llamada, o cuando desde un canal desconocido, Flooxer, nos presentaron a Paquita Salas, ahora un personaje fundamental en la historia de las series españolas. Poco a poco, proyecto a proyecto, han ido creciendo en madurez hasta llegar a esa bola negra con la que compitieron en el Festival de Cannes, donde lograron el premio a la Mejor dirección.

Es raro ver en el festival más importante del mundo compitiendo a directores con su segunda película, pero allí intuyeron pronto lo que luego se ha comprobado, la emoción torrencial que el espectador vive al ver la película. La gente se ve arrollada por esa mezcla de líneas temporales que mezclan 1932, 1937 y 2017; que se atreven a desarrollar la ficción inacabada de Lorca, y a materializarse en una coda final que emociona hasta la lágrima. El mundo ha descubierto a los Javis.

¿Cómo han vivido la locura de todos estos meses?

Javier Calvo: Yo estoy bien, la verdad. Nos hemos obligado a tener un agosto en el que no hacer nada. Yo he estado mucho tiempo con mi familia en Murcia, en mi casa de siempre, y mi única preocupación ha sido pensar en qué íbamos a comer al día siguiente y mientras comíamos qué íbamos a cenar esa noche. Eso me da mucha paz. Yo necesitaba tocar tierra porque ha sido, más que todo lo que ha pasado, el ritmo de estos momentos. Me ha venido bien este mes de estar tranquilo, respirar y prepararme para lo que tenga que venir.

Javier Ambrossi: Yo estoy aceptando que tengo que descansar, pero tengo que trabajar todos los días para que mi cerebro esté regulado. Si no, como que se me hace bola y pienso que luego va a ser peor cuando vuelva. Pero estoy muy tranquilo con lo que pasó en Cannes. Cuando ganamos 'Mejor dirección' me dio paz sentir todo lo que había pasado, porque no tendría por qué haber ocurrido. No respondía a nada más que a la película. No tuvimos la oportunidad ni de explicarla ni de hablar con nadie ni de tener ni siquiera una carrera larga en el cine como para que de repente sea un premio que compense otra cosa. Realmente habla la película.

A mí hay una cosa que me parece muy mágica de Cannes. Hay películas que entran en el teatro Lumière de una forma, y salen de otra. Vuestra salida fue increíble, la gente estaba deseando saber quiénes erais. 

J.A.: A la mitad de la proyección yo sentí que la gente había conectado con la película. Yo empecé a escuchar lágrimas, gente sonándose los mocos, muchísimo silencio. No sé si será el más grande del mundo, pero uno de ellos. Además, es un cine que se presta mucho a que haya invitados que no sepan ni qué película van a ver, ni quién eres tú. Que estén con el móvil. Gente que se levanta, gente que se va. Entonces, de repente, ver a la gente tan concentrada, emocionada... La primera mitad estuvimos peleados, pero peleados tipo que le tuve que decir: “Javi, deja de darme por el culo”.

J.C.: En Cannes tú vas el día anterior a las tres de la mañana a chequear el sonido y decidir a qué volumen pones la proyección. Es que solo de acordarme me estoy angustiando, se me seca la boca. A mí me gusta que suene muy alto. Fuimos y yo estaba muerto, llevábamos mucha tralla encima. Habíamos entregado la película un par de días antes. Y dije, “ponla al siete”. Y me dijeron, “es un poco alto”. Y yo, “venga, da igual”. Pues en mitad de la proyección empiezo: “Está muy alta. Muy alta. Muy alta”.

J.A.: Es que Javi te da el viaje de ida y el de vuelta. Durante el momento que hay que elegir es: “Lo pongo alto”. Hasta que le dices que sí y luego ya cuando lo ha puesto dice: “Está muy alto”. Y ya le dije: “Javi, no me vas a joder la proyección del estreno. Esto es una vez en la vida”.

'La bola negra' es una película que nos supera, que tiene como un propósito mayor de existencia que nosotros, y creo que eso la gente lo está leyendo.

Javier Ambrossi — Cineasta

J.C.: Y aparece la productora francesa por detrás, Alice Labadie, y dice: “Igual está un poco alto”.

J.A.: Yo también le hablé fatal. Le dije: “No te metas tú ahora, porque lo que le faltaba a él”. 

J.C.: Estuve escribiendo al proyeccionista por WhatsApp en mitad de la proyección.

J.A.: Yo tuve la suerte de tener cerca a Lola Dueñas, que no había visto la película. Entonces la magia de Lola de repente se me pegó. Lola empezó a conectar de una manera muy profunda y empezó a llorar.

J.C.: Y tú me dijiste: “Javi, va a salir bien, está escrito en las estrellas”.

J.A.:. Yo siento que esta película, desde que llegó a nuestra vida y con todo lo que ha pasado, hay algo que no estamos controlando. Este es un proyecto que de repente llegó a nuestra vida y que todo ha sido fluido. Con mucho trabajo, mucho esfuerzo. El rodaje más difícil que hemos tenido jamás, el que más intenso hemos vivido. Pero todo tenía como un flow. Y siento eso, que está escrito en las estrellas. Siento que es una peli que nos supera a Javi y a mí, o que tiene como un propósito mayor de existencia, y creo que eso la gente lo está leyendo.

Por seguir con la locura, ¿cómo viven que La bola negra esté en todas las predicciones de los Oscar?

J.C.: No he sido muy seguidor de este mundo apuestas de Oscar, entonces no sé cómo de realista es ni cuánto cambia eso. Sé que estamos ahí y que se nos considera. Yo me acuerdo, creo que cuando estábamos en Cannes, que vi un tuit como de algún bot que decía: estadísticas de que La bola negra gane algún premio en Cannes: 0%. Entonces ahora estamos un poco más arriba en la estadística de ganar algo, lo cual me parece increíble, casi una simulación. Pero ahí está. A mí nuestra película, la de todo el equipo, me encanta y ojalá pase. Creo que sería algo muy importante para la película, para nosotros, para el equipo y para este país.

J.A.: Y para el cine español. Yo viendo cómo gusta a los americanos y cómo gusta a todo el equipo de Netflix, la puja que ha habido por tenerla, que ha sido grande y sobre todo viendo la reacción de la gente, ves la emoción y es muy genuina, como que toca algo en la cultura americana.

En Cannes se notó en cómo conectó con la crítica de EEUU.

J.A.: Sí, porque tiene algo de homenaje al cine, evidentemente al cine hollywoodiense que me hizo amar el cine. Pero tiene luego otras muchas cosas y tiene sentido que una cultura como la americana en este momento reivindique la emoción.

J.C.: Yo creo que también nosotros creamos desde un lugar bastante salvaje, emocional y artesanal, y en el sistema que tienen ellos montado a la hora de rodar es muy difícil conseguir esa manera de hacer tan artesanal y bestia como hacemos nosotros.

J.A.: Y sin plantillas. Les sorprende que no respondemos a tests. Entonces eso les conmueve. A Lisa Taback, que es la que lleva todo el mundo premios en Netflix le pregunté, ¿pero por qué nadie querría darnos un premio?, ¿qué representamos? Y me dijo: “El futuro. Yo la apuesta que hago desde Netflix es apostar por el futuro. No he visto gente como vosotros. No he visto gente que se implique así. No hay directores así”.

Y ese estreno en cines en EEUU, cuando allí la estrenará Netflix (aquí pasará por cines y posteriormente se verá en Movistar Plus), que creo que es muy representativo…

J.A.: Se pidió, lo pedimos.

¿Es un logro conseguir que se vea en pantalla grande, que se comparta así esa emoción?

J.C.: Es que creo que realmente la película que queríamos hacer era una película que generara la necesidad de disfrutarla en una sala en pantalla grande, de manera colectiva y con la sensación de no querer perderte ningún detalle. En contraposición a me pongo una película en la tele mientras hago la comida o miro el móvil y me quedo dormido, y mañana si eso lo acabo o no. Contra esa costumbre que se está generando, que no digo que esté bien ni mal, a mí no me encanta, queríamos crear algo que significara todo lo contrario, la ilusión de volver a disfrutar con alguien, o de mostrarle a alguien, que creo que eso es muy bonito. Esa sensación de ir a un lugar y salir de otra manera. Yo recuerdo cómo he salido de películas cuando tenía 13 o 14 años y recuerdo la sensación de ver el mundo de otra manera, de salir por la calle y sentir que la calle es distinta y que mi vida es distinta y me daría mucha pena que esa sensación cada vez se fuera diluyendo más en la gente, sobre todo en la gente joven.

El extremismo y el odio son una sombra que acecha continuamente y parece que últimamente más. Y de hecho, la última frase de la película es “mira que nos acechan todavía”

Javier Calvo — Cineasta

J.A.: Fue una negociación cuando Netflix dijo que querían la película. Estábamos ahí en Cannes, en unas calles al lado de unos contenedores de basura, porque no hay absolutamente nada, con un ron cola que estaba el hielo derritiéndose, en mitad de una callejuela, pasando el camión de la basura. Y yo lo que pedí es que fuera por lo menos un mes y medio en cines y que respetaran el formato en el que está rodada. No nos importó el dinero, no estábamos hablando de eso. Netflix puede tener el poder de llegar a la gente, que es algo que la peli siendo de lo que es y el mensaje que tiene, va a agradecer muchísimo. Pero pedimos un mes y medio, y nos dijeron, “¿pues sabes qué? Serán 47 días”.

Han mencionado que hay películas que uno entra de una forma y sale de otra, ¿cómo les gustaría que saliera la gente de La bola negra?

J.C.: Para mí lo principal sería que hicieran caso a una voz que suena en un momento de la peli que dice: “Hay que vivir. Vivir siempre”. Creo que es una película que te ayuda a tomar decisiones y a querer vivir, y eso es algo muy bonito.

J.A.: Me gustó mucho la conversación que tuvimos con Anne Hathaway sobre la película que dijo que ella se quedaba con un pensamiento y es que en el presente nuestra parálisis es privilegio, y me pareció que lo clavó, y es justo lo que yo quiero que reflexionemos, que en el presente estamos paralizados porque tenemos la oportunidad de estarlo, pero que tenemos que movernos hacia delante. No te quedes en un sitio donde no quieres estar, no estés en una pareja con la que no quieres estar. Hay un privilegio que es el de tener tantas opciones que nos paraliza. Y hace muy poquito la generación de nuestros abuelos no podía a lo mejor ni reconocerse su propio deseo. Y en el colectivo LGTBIQ+ eso está muy claro. La peli habla de eso. Hay tanto silencio, tanto, tanto dolor, tanta tristeza, tanto asesinato en nuestro colectivo, tanta gente que ha luchado, que creo que los que en el presente podemos tener opciones de libertad, tenemos que explorarlas y tenemos por lo menos que intentar ser felices y sentirnos completos.

Pero es verdad que, por desgracia, ese mensaje en 2026 sigue siendo de alguna forma casi revolucionario, ¿hacia dónde creen que avanzamos, les da miedo el futuro?

J.A.: Es que nosotros mismos no habíamos escrito una peli ni una serie con personajes gais, ni hablando de deseo entre hombres. Entonces para nosotros mismos es revolucionario porque no sé por qué nunca nos habíamos atrevido a hacerlo. No sé si porque era obvio o porque no queríamos sacar temas que a lo mejor nos removiesen a nosotros. Parece que hay muchas historias en el cine que hablan de eso, pero es que no hay tantas, y protagonizadas por actores abiertamente gais que interpretan papeles gais, dirigidas por directores gais, con equipo LGTBIQ+… no hay tanto hecho por y para. Entonces para mí sí es revolucionario porque sí viene a ocupar un hueco que falta y espero que la gente de una generación la reciba así.

J.C.: Yo creo que hay algo que es obvio, y es que el extremismo y el odio es una sombra que acecha continuamente y parece que últimamente más. Y de hecho, la última frase de la película es “mira que nos acechan todavía”. Todo lo que ha vivido Sebastián, el personaje de Guitarrica, no pasó hace tanto tiempo. Cuando fuimos a la Fundación 26 de diciembre, que vamos a menudo, a tomar roscón con los mayores LGTBI de la asociación, se acercó uno de ellos y nos dijo que él había tenido su pareja toda la vida y las dos familias les dejaron de lado por ser gais, y que cuando murió, él no tenía nada más en su vida. Era lo único que tenía. Se quedó solo y solo iba al cementerio todos los días a ponerle flores. Y ahora, gracias a que estaba la fundación, podía ir a relacionarse con gente. Entonces me hizo pensar, joder, no solo no conozco las historias de las personas mayores de mi colectivo, que es impresionante e increíble, gente gracias a la cual yo hoy puedo disfrutar de mis derechos, sino que creo que tampoco conozco la de mis abuelos.

J.A.: Y lo que has dicho de los abuelos, ojalá la película sea reivindicativa también en eso, en lo familiar, en encontrarnos con la gente que nos rodea, en la familia, los abuelos, los amigos, la gente que piensa diferente a nosotros. Lo que me parece más reivindicativo de la peli, más allá de la lucha LGTBI, que evidentemente es muy importante, es la reivindicación de entendernos, de intentar ponernos de acuerdo aunque sean cuatro hechos fundamentales de nuestra historia para poder seguir adelante, para poder tener un diálogo, para que no todo se convierta en violencia.

Lo de ponernos de acuerdo en cuatro cosas, ¿una de ellas no debería ser Lorca, cuyos restos siguen bajo tierra?

J.C.: Fíjate, no creo que nadie en España niegue que Lorca es, si no el más grande, un genio absoluto. No hay debate a nivel poético o teatral, es uno de los dos o tres más importantes. Pero sí que es verdad que a mí me sorprendió, porque no sabía qué pasaba, que al hablar de él parece como que mucha gente tirara de él, por un lado, o por otro, como si no quisieran que fuera de todos. Como si hubiera una disputa por quién tiene la razón sobre él. Una cosa muy rara que yo no sabía qué pasaba.

J.A.: Eso pasa con los símbolos. Todo el mundo quiere apropiarse de los símbolos. Es una cosa normal, eso es lo lógico. Pero es verdad que asusta cuando de repente quieres hablar de algo. Lo que nosotros queríamos hacer, lo que nos parecía bonito, era enriquecer la figura de Lorca, no negar ninguna de las otras partes políticas sociales que evidentemente son superimportantes en lo que él era. Nosotros creemos que no se ha señalado suficiente que una condición importante de su vida, en su literatura y en su asesinato fue su libertad. Su libertad que englobaba su homosexualidad y que creo que a mucha gente, y a mucha gente joven, le puede hablar. Es que no tenemos tantos artistas LGTBIQ+. Y la gente dice, pero qué más da que fuera gay, pues sí importa, porque apela a nuevas generaciones como referente y creo que eso es importante. Nosotros solamente queríamos enriquecer esa figura sin querer sentar cátedra. 

Hay una cosa en el tamaño de la película, porque no hay historias grandes, épicas, LGTB. Hacen siempre la comparación con Titanic, pero tiene algo de eso, de una historia de amor épica homosexual, historias queer que no tienen por qué ser de nicho, pequeñas. 

J.A.: O que para que sea muy grande, tipo Brokeback Mountain, tengan que interpretarla dos estrellas hetero. Que tenga todos los elementos que tiene La bola negra, eso la hace muy única. Yo creo que esta peli tiene todos los elementos para que si te acercas, puedas salir cambiado y con un pensamiento, por lo menos, más cercano al otro, que es de lo que va, de ver que el otro existe, piense diferente a ti o no.

J.C.: Me encanta que digas Titanic, porque claro, igual que Lars Von Trier dijo, “yo quería hacer un musical y me salió Bailar en la oscuridad”, o Almodóvar en una entrevista en La Edad de Oro, que le preguntaron, ¿a quién creéis que os acabaréis pareciendo?, y dijo: “Yo creo que irremediablemente acabaré pareciéndome a Pedro Almodóvar”. Pues claro, yo quería hacer Ven y Mira, Apocalypse Now e irremediablemente siempre se me acaba acercando un poquito, aunque sea en emoción y en ganas de llegar a la gente, a Titanic.

Desde que les hacemos entrevistas nunca les habíamos preguntado por su vida privada…

J.A.: Ya la contábamos nosotros [risas].

Pero de repente les preguntamos si van a hacer otra película tras la separación, ¿cómo llevan que su vida íntima se haya colocado en ese foco?

J.C.: Yo lo pasé muy mal, sinceramente, me dio mucha ansiedad, pero a la vez agradezco que pasara porque me ayudó a entender que tengo que proteger mucho más mi vida. Como que antes éramos muy festivos, contábamos todo. Siento que he pagado un poco las consecuencias de haberme expuesto como pareja en mi vida, y me doy cuenta de que cada vez más quiero que mi trabajo hable de mí y yo vivir mi vida y ya está.

J.A.: Yo lo entiendo, entiendo el interés. Creo que siempre hemos mezclado lo personal con lo profesional en cada entrevista desde que la gente nos conoce, desde que empezamos con La llamada. No ha habido entrevista en la que no hayamos hablado y sido cariñoso el uno con el otro. Es normal que cuando se produce la ruptura, haya este interés. Ahora que ya ha pasado, pues yo creo que ya no hay más que rascar. Es decir, vamos a seguir trabajando juntos, nos queremos un montón y cada uno tiene su vida y así seguirá.

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