El ingeniero Gustave Eiffel ideó uno de los monumentos más reconocibles de Francia y seguramente del todo el mundo, un símbolo que ilumina París y al que diariamente suben cientos de personas para contemplar una panorámica de la conocida como ciudad del amor. Hablamos de la Torre Eiffel, un gigante de hierro compuesto por 18.038 piezas metálicas y para el que se necesitaron más de dos años de trabajos.

La mayoría de visitantes quedan impresionados con su imponente fachada, pero no saben que por dentro esconde algunas curiosidades. Por ejemplo, en la primera planta de la torre, en letras mayúsculas doradas de sesenta centímetros de alto, están escritos los nombres de 72 de los más grandes eruditos franceses que vivieron entre 1789 y 1889. 

Tampoco que, antes de los ascensores, el único modo de subir era por escaleras. Así, el ingeniero planificó una vertiginosa escalera de caracol que conectaba con la cima de la Torre Eiffel. Con los años y con las sucesivas remodelaciones, esa estructura desapareció y ahora sale a subasta un tramo, por el que se podrá pujar a partir del mes que viene. 

Los escalones de la Torre Eiffel, a subasta

El próximo 21 de mayo, la casa de subastas Artcurial sacará a subasta un tramo de la escalera de caracol original de 1889, diseñada bajo la supervisión de Gustave. Originalmente, este tramo conectaba la segunda y la tercera planta de la torre. Presenta una altura de 2,75 metros y un diámetro de 1,75 metros. 

De acuerdo con su ficha técnica, esta estructura está hecha de acero y chapa metálica remachada, con 14 escalones que descansan sobre una base en forma de cruz, formaba parte de la escalera de caracol que antiguamente permitía a los visitantes llegar a la cima. Tiene un precio estimado de entre 120.000 y 150.000 euros.

Pero, ¿por qué se quitó esta escalera de caracol de la Torre Eiffel? Inicialmente, la escalera de caracol conectaba los distintos niveles del monumento, facilitando la movilidad dentro de la misma. Sin embargo, con las obras de modernización realizadas en 1983 para instalar nuevos ascensores, la escalera fue suprimida.

Tardó poco tiempo en salir a la venta y fue adquirida por un comprador particular en 1983. La sección que se exhibe actualmente corresponde al lote número 1 de aquella histórica venta y ha permanecido en la misma colección privada durante más de cuarenta años, hasta ahora. 

Es “más que un simple pedazo de historia”, explicó la directora asociada de Artcurial, Sabrina Dolla, en declaraciones a la CNN. Y remachó: “Es una experiencia inmersiva, un viaje estático a través del tiempo y el espacio”. 

El uruguayo Emilio Santamaría, leyenda del Real Madrid y seleccionador nacional de España en el Mundial 1982, ha fallecido este miércoles a la edad de 96 años, según ha conformado el club blanco en un comunicado. Santamaría también dejó huella en el RCD Espanyol, que ha lamentado la muerte del que considera uno de los mejores técnicos de su historia y que ocupó el banquillo perico durante siete temporadas. 

Santamaría (Montevideo, 31 de julio de 1929) recaló en el fútbol español de la mano del Real Madrid, que fichó al defensor tras una actuación estelar en el Mundial de Suiza. Llegó al conjunto blanco en 1957, procedente del Club Nacional de Football (Uruguay). Y sumó nueve temporadas, hasta 1966.

Con el Real Madrid ganó cuatro Copas de Europa, una Copa Intercontinental, seis Ligas y una Copa de España, en 337 partidos. El defensa “formó parte de aquel equipo legendario que ganó las primeras Copas de Europa de la historia de manera consecutiva”, destaca la entidad en un comunicado donde ha lamentado “profundamente” su muerte. 

“Santamaría siempre será recordado como uno de los grandes símbolos de nuestro club. Formó parte de un equipo que quedará en la memoria de todos los madridistas y de todos los aficionados al fútbol en el mundo. Junto a los Di Stéfano, Puskas, Gento o Kopa”, explica esa misiva el presidente del Real Madrid, Florentino Pérez.

Con el Club Nacional de Football ganó cuatro veces el Campeonato Uruguayo. Fue internacional en 25 ocasiones con Uruguay. Luego se nacionalizó y sumó 16 actuaciones con España. También participó con La Roja en el Mundial de Chile de 1962. 

Entrenador de España y del Espanyol

Santamaría pasó pronto del terreno de juego a los banquillos. Comenzó su carrera como entrenador al año siguiente de su retirada. Su primera toma de contacto fue en la cantera del Real Madrid. Luego, probó suerte en el RCD Espanyol, al que dirigió desde 1971 y durante siete temporadas, convirtiéndose en uno de los entrenadores más destacados. 

“Dirigió al equipo 218 veces en liga y es el segundo técnico con más partidos oficiales en el RCDE, con 265. Lideró la temporada 1972/73, alcanzando la tercera posición en la clasificación. Descanse en paz”, ha escrito el club perico en una publicación en redes sociales. 

En el capítulo de selecciones, dirigió a España en los Juegos Olímpicos de México en 1968 y en los Juegos Olímpicos de Moscú en 1980. También estuvo en el banquillo español durante el Mundial de España de 1982.

La Font Màgica de Montjuïc, emblema indiscutible que corona la ciudad de Barcelona, ha vuelto a renacer con una fuerza renovada para asombrar a locales y turistas. Tras una intervención integral finalizada este mes de abril, el espectáculo se consolida no solo como un despliegue de fantasía, sino como un modelo de innovación técnica. Situada al final de la avenida María Cristina, esta joya arquitectónica ha superado el paso del tiempo, adaptándose a las exigencias del siglo XXI sin perder su mística original. La reciente modernización del sistema de sonido marca un hito en su historia, permitiendo que la música envuelva el entorno con una nitidez nunca antes experimentada en la plaza y bajo un prisma de sostenibilidad y eficiencia tecnológica.

La capital catalana reafirma así su compromiso con este icono que sigue dejando boquiabierto a todo aquel que presencia su función, una fuente cuyo origen se remonta a la Exposición Internacional de 1929, en un momento de gran transformación para la montaña de Montjuïc de Barcelona. Su creador, el ingeniero Carles Buïgas i Sans, imaginó un proyecto que muchos tildaron de demasiado ambicioso para la época, dudando de su éxito final. Sin embargo, en menos de un año y con el esfuerzo de más de tres mil obreros, el sueño se convirtió en una realidad tangible y deslumbrante. Inaugurada como el elemento central para sorprender a los visitantes de la gran exposición, la fuente se situó estratégicamente frente al imponente Palau Nacional. 

Desde entonces, ha sido el escenario de momentos históricos, integrando cascadas y juegos de agua que parecen cobrar vida propia al anochecer. Lo que comenzó como un reto técnico se transformó rápidamente en el símbolo más reconocido de la ciudad a nivel internacional. Su diseño original ha perdurado, demostrando la visión vanguardista de Buïgas, quien logró domar el agua y la luz con maestría. A lo largo de casi un siglo, eso sí, la Font Màgica ha atravesado diversas etapas de esplendor, restauración y profunda modernización para mantenerse como un referente vigente.

Tras los daños sufridos durante la Guerra Civil, el propio Buïgas lideró una primera reconstrucción en los años cincuenta, actualizando los sistemas de válvulas. Un cambio fundamental llegó en la década de los ochenta, cuando se incorporaron por primera vez los equipos de música que hoy son inseparables del show. Los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992 supusieron otro impulso vital, con una rehabilitación total de las cascadas para recibir al mundo en su mejor forma. Posteriormente, a finales de los noventa, nuevas reparaciones generales aseguraron la estabilidad de su compleja infraestructura hidráulica y eléctrica. Cada intervención ha buscado respetar la esencia del proyecto de 1929, integrando paulatinamente tecnologías que mejoran la experiencia sin alterar su estética. Es un legado vivo que ha sabido envejecer con elegancia, transformando la ingeniería en arte puro para el disfrute de la ciudadanía.

En este año 2026, el ayuntamiento de Barcelona ha culminado una de las reformas más significativas de las últimas décadas, centrada en la excelencia acústica. La renovación integral del sistema de sonido ha permitido sustituir equipos obsoletos por tecnología electroacústica de última generación, elevando la calidad. Esta actuación, enmarcada en el Plan de Mantenimiento Integral, busca que la música que acompaña las coreografías sea más homogénea en toda la avenida. Se ha buscado una cobertura ampliada que llegue a nuevas zonas del entorno, permitiendo que más personas disfruten de la sintonía perfecta. El resultado es un sonido envolvente que dota de una nueva dimensión emocional a cada una de las sesiones nocturnas programadas. Es, sin duda, el broche de oro a un proceso de modernización que sitúa a la fuente a la vanguardia tecnológica mundial.

Una de las innovaciones más destacadas de esta última fase ha sido la instalación de nuevos altavoces ubicados estratégicamente en el propio interior de la fuente. Esta solución técnica permite lograr una distribución sonora mucho más uniforme, evitando las distorsiones que se producían con sistemas externos. Además de mejorar la experiencia del visitante, el nuevo diseño cumple estrictamente con la normativa vigente sobre contaminación acústica. El consistorio ha subrayado que este avance técnico reduce significativamente las molestias para el vecindario cercano, respetando el descanso. La precisión acústica ahora alcanzada permite apreciar cada matiz de las composiciones musicales, desde piezas clásicas hasta éxitos actuales. Se logra así un equilibrio perfecto entre la grandiosidad del espectáculo y el respeto por el entorno urbano de la montaña. 

La sostenibilidad es el otro gran pilar sobre el que se asienta esta renovada versión del icono barcelonés, alineándose con los objetivos actuales. Un hito fundamental fue la transición tecnológica ejecutada en 2025, cuando se sustituyeron miles de focos incandescentes por modernos proyectores LED. Este cambio ha supuesto una reducción drástica en el consumo de energía, pasando de una potencia de 1.507 kilovatios a tan solo 72. Lo asombroso de esta eficiencia es que se ha logrado mantener, e incluso potenciar, el nivel de intensidad lumínica y la gama cromática. Esta medida no solo reduce la huella de carbono de la instalación, sino que garantiza un ahorro económico considerable en el mantenimiento. 

Agua freática

El control técnico de la fuente también ha dado un salto cualitativo hacia el futuro gracias a la modernización de sus sistemas de telecontrol. En la actualidad, la instalación cuenta con una mayor flexibilidad y robustez, permitiendo una coordinación milimétrica entre agua, luces y sonido. Desde 2011, se utiliza un sofisticado simulador de coreografías en 3D que permite a los técnicos crear nuevos espectáculos en pocos minutos. Esta herramienta es vital para renovar constantemente la oferta y mantener el interés del público que acude a las sesiones nocturnas. Otro aspecto clave de su gestión sostenible es el uso de agua freática, una práctica consolidada desde el año 2010 para reducir el consumo. Gracias a estos avances, la fuente puede funcionar de manera autónoma y eficiente, minimizando el impacto sobre los recursos hídricos. 

En definitiva, el espectáculo de la Font Màgica sigue siendo un imán para miles de personas que se agolpan en las escalinatas para contemplar el agua. La ubicación privilegiada, con las vistas panorámicas del Museo Nacional de Arte de Catalunya de fondo, crea un marco cinematográfico único. Es un espacio que ofrece un refugio de belleza visual y sonora, alejándose por un momento del ajetreo constante del centro. Los horarios, que varían según la temporada estival o invernal, permiten que la ciudad mantenga este pulso cultural durante todo el año. No es solo una exhibición técnica; es un punto de encuentro donde se celebran eventos multitudinarios como la Mercè o Nochevieja. Cada sesión es una oportunidad para que el espectador se detenga y se deje maravillar por la sencillez del agua iluminada.

El Trofeo Conde de Godó ya ha arrancado en Barcelona con la mirada puesta en coronar a un nuevo campeón, ya que Holger Rune, el vigente campeón, está ausente por lesión, y en un récord que se mantiene desde hace casi tres décadas. En un torneo históricamente dominado por el tenis español, la presencia de Carlos Alcaraz y Rafa Jódar es clave para evitar un cambio de tendencia.

El debut de Alcaraz ayer no dejó lugar a dudas. El número uno del mundo se impuso con solvencia al finlandés Otto Virtanen (6-4 6-2), confirmando su condición de gran favorito al título. Jódar, por su parte, se ha convertido en la otra esperanza nacional tras superar a Jaume Munar en su estreno. Su meteórica irrupción en en el ránking ATP suma un valor inesperado a un cuadro en el que la representación española se ha reducido a solo dos jugadores.

Un récord vigente desde 1996

Más allá de los resultados que se están produciendo en pista este año, esta edición está 'condicionado' por una estadística significativa: desde 1996 no se encadenan tres campeones consecutivos de nacionalidad no española. Esa racha se ve ahora amenazada tras los triunfos del noruego Casper Ruud en 2024 y del danés Holger Rune el año pasado. Si en esta edición vuelve a imponerse un jugador extranjero, este curioso récord se romperá.

Este dato, además, tiene mayor relevancia si se tiene en cuenta que no siempre fue así. Durante las décadas de los 80 y principios de los 90, el Godó estuvo dominado por jugadores internacionales como Lendl, Wilander o Muster, en una época en la que el tenis español aún no había consolidado su hegemonía en tierra batida.

El cambio de ciclo llegó posteriormente, con una generación que convirtió el torneo en territorio habitual para los locales. Juan Carlos Ferrero, Carlos Moyá, Tommy Robredo o como no, el rey de la tierra batida, Rafa Nadal, han mantenido a raya a los tenistas visitantes que querían inscribir su nombre en este mítico torneo.

Rivales de altura y un camino exigente

El siguiente obstáculo para Alcaraz será Tomás Machác, un rival incómodo que puede poner en serias dificultades al murciano. El checo, que ha llegado a estar top-20 y que a sus 25 años aún está en crecimiento dentro del circuito, será una buena piedra de toque para el gran favorito al título.

En este contexto, el papel de Alcaraz es determinante. Considerado el heredero natural del dominio español en el Godó —acumula ya dos títulos y una final perdida—, su rendimiento marcará en gran medida las opciones de mantener el récord. Jódar, mientras tanto, afronta el reto sin la presión del favoritismo, pero con la oportunidad de consolidarse como una de las grandes promesas del tenis nacional. Delante tendrá al argentino Camilo Ugo Carabelli, rival al que ya se enfrentó en semifinales del ATP de Marrakech hace dos semanas, donde sumó su primer título ATP.

El cuadro, además, cuenta con amenazas de primer nivel como Alex de Miñaur, número 7 del mundo, y Lorenzo Musetti, número 9, dos jugadores capaces de dar guerra a cualquiera en tierra batida. Además también están Fils y Rublev, que pese a no encontrarse en su mejor momento siempre son rivales temibles. Pese a las bajas importantes de última hora, como por ejemplo Ruud, Aliassime o Vacherot, la presencia de grandes jugadores en el Barcelona Open Banc refuerza la idea de que el torneo está creciendo y ha ganado en igualdad, dejando claro que el dominio español ya no es tan incontestable como en décadas pasadas y el curioso récord del que hablamos, peligra.

Después de seis años de excavaciones en el yacimiento de Tell el-Farama, ubicado en la antigua ciudad de Pelusium (Pelusio) al norte de la península del Sinaí, una misión arqueológica comandada por el Consejo Supremo de Antigüedades de Egipto ha desenterrado los restos de un singular templo circular. 

Una de las grandes particularidades que destacan de este edificio religioso es que estaba dedicado al culto del dios Pelusio, deidad propia de la zona. Durante décadas, Pelusio, antigua ciudad ubicada en extremo nordeste del delta del Nilo, ha sido reconocida principalmente por su importancia militar y comercial. 

Sin embargo, este nuevo hallazgo sugiere que la localidad también fue un centro de intercambio cultural y religioso. Las pruebas arqueológicas confirman que el edificio se usó de manera continuada entre el siglo II a.C. y el VI d.C., y que se realizaron modificaciones arquitectónicas limitadas a lo largo de los siglos. 

El ministro de Turismo y Antigüedades, Sherif Fathy, ha destacado que este hallazgo refuerza el valor arqueológico y la relevancia estratégica del norte del Sinaí, una zona con abundantes yacimiento arqueológicos que todavía no se han estudiado lo suficiente pero que son de gran interés para la investigación histórica. Además, las autoridades han compartido su compromiso de continuar con las excavaciones en la zona para seguir aprendiendo sobre el pasado de este lugar. 

Cómo era el templo circular

El doctor Hisham El-Leithy, secretario general del Consejo Supremo de Antigüedades, calificó el hallazgo como algo “trascendental”, subrayando que los restos descubiertos presentan un diseño arquitectónico único. El templo combinaba el estilo del antiguo Egipto con influencias helenísticas y romanas.

En el centro de la estructura descubierta encontramos una gran cuenca circular de agua de aproximadamente unos 35 metros de diámetro, algo poco habitual en los templos descubiertos en Egipto. Esta especie de fuente estaba conectada al ramal pelusíaco, la rama más oriental del antiguo Delta del Nilo. Los investigadores creen que esta probablemente se llenaba con agua rica en limo nilótico, el sedimento rico en nutrientes que el Nilo depositaba a su paso, lo que seguro requirió una cuidadosa planificación hidráulica. 

Todo esto era una clara alusión a la vinculación simbólica del templo con el dios Pelusio, cuyo nombre deriva de la palabra griega “pelos”, que podemos traducir como “barro” o “arcilla”. Así, se cree que el templo circular encontrado pudo haber simbolizado temas como la fertilidad, la renovación y la regeneración cíclica de la vida.

Segunda piedra en el camino de Carlos Alcaraz, que se enfrenta este jueves al checo Tomas Machac en los octavos de final del ATP 500 Barcelona Open Banc Sabadell-Trofeo Conde de Godó. Un partido en el que el tenista murciano, actual número 2 del mundo, buscará su mejor versión tras un debut complicado ante el finlandés Otto Virtanen (6-4 y 6-2). 

“Ha costado un poco, es complicado coger buenas sensaciones al principio. La única toma de contacto ha sido una hora esta mañana. Me ha costado encontrar el ritmo, pero he conseguido adaptarme a las condiciones de Barcelona y he terminado jugando a buen nivel”, reconoció el español en la sala de prensa del Real Club de Tenis Barcelona-1899.

Alcaraz no solo lidia consigo mismo, sino que mira de reojo la lucha por el número 1 del ranking ATP y también evalúa su estado físico, sobre todo después de las molestias en el antebrazo derecho que le obligaron a solicitar la asistencia del fisioterapeuta cuando dominaba el primer set 5-4.

El tenista murciano no quiso dar detalle del alcance de las mismas. El momento no puede ser más inoportuno: la gira de tierra batida acaba de empezar y todavía quedan Madrid, Roma y París por delante. Además, el ahora número 2 del mundo, defiende muchos puntos frente al italiano Jannik Sinner. 

“Al tener poco tiempo de descanso entre un torneo y otro, la tierra batida, una de las superficies más exigentes a nivel físico, suele pasar factura. Es normal que aparezcan pequeñas molestias. Lo valoraremos con el fisioterapeuta para ver cómo evoluciona, aunque confiamos en que no sea nada importante”, añadió Alcaraz, que volverá a la arcilla este jueves.

Alcaraz y Machac se han enfrentado en dos ocasiones, con un balance de una victoria para cada uno, aunque ambos partidos se disputaron en 2024 y ninguno de ellos en tierra batida. Ahí es donde el murciano precisamente parte con ventaja, sobre todo en el caso de Barcelona, donde ha sumado treinta victorias y dos derrotas desde 2022.

Horario y dónde ver partido de octavos de Alcaraz por TV

El partido entre Alcaraz y Machac, correspondiente a los octavos de final del ATP 500 Barcelona Open Banc Sabadell-Trofeo Conde de Godó, se disputará este jueves, 16 de abril, en la pista Rafa Alcaraz y en el tercer turno, no antes de las 16:00 horas. El encuentro, así como el resto del torneo, puede verse por televisión a través de RTVE y Movistar+.

Ocupa el puesto 44 de la lista elaborada por el American Film Institute (AFI) con las 100 mejores frases de películas de la historia. Un puesto más que merecido si tenemos en cuenta que incluso aquellos que nunca han visto el largometraje de terror dirigido por M. Night Shyamalan han escuchado alguna vez en su vida la icónica “En ocasiones, veo muertos”. 

Aquella fue la traducción que se utilizó en el doblaje en español de las palabras que Cole Sear, el niño interpretado por Haley Joel Osment, compartió con el psicólogo Malcolm Crowe (Bruce Willis) en uno de los momentos más recordados de la película. Sin embargo, la frase en inglés no era exactamente así. 

En la versión original, Osment decía “I see dead people” que, de manera literal, podríamos traducir como “Veo gente muerta”. Sin embargo, el doblaje decidió cambiar ligeramente la frase. Todo tenía una explicación. Encajar “Veo gente muerta” en el tiempo que el niño decía la frase original, que era más larga, era bastante difícil, teniendo en cuenta también los movimientos de la boca del protagonista. 

Al equipo no le quedó más remedio que modificar un poco el enunciado. “En ocasiones, veo muertos”, le confiesa el joven al médico. “Andando como personas normales. No se ven unos a otros. Solo ven lo que quieren ver. No saben que están muertos”, añade poco después el protagonista durante el diálogo. 

El increíble giro que llega al final

M. Night Shyamalan dirigió y escribió el guion de esta película, que a finales de los 90 vendió como algo a medio camino entre El exorcista, de William Friedkin, y Gente corriente, de Robert Redford. Pero si El sexto consiguió convertirse en el éxito comercial que acabó siendo fue, en parte, gracias a su impresionante giro final que cambia toda la trama del filme.

Bruce Willis está muerto todo el tiempo, a partir del disparo de la primera escena, hoy ya lo sabemos, por lo que revisionar la película a estas alturas es una experiencia que poco, o nada, tiene que ver con lo que fue hacerlo por primera vez. Y más en un momento como 1999, año en el que la película se estrenó; aunque a España llegó a principios de los 2000.

El giro en la trama cautivó por completo al público de la época, convirtiendo al largometraje en un auténtico éxito de taquilla (recaudó más de 600 millones y costó apenas 40). También recibió grandes elogios de la crítica, algo poco común para una película del género, aunque no tuvo tanta suerte en los premios. Recibió seis nominaciones en los Oscar, dos en los Globos de Oro y cuatro en los BAFTA, pero no ganó ninguno. 

No habían transcurrido ni 180 segundos de partido cuando, tras un saque de esquina, la delantera Lauren Hemp empujó el balón al fondo de la red y adelantó a las lionesses en el marcador, ante la celebración de más de las sesenta mil personas que abarrotaron el mítico estadio de Wembley. El marcador (1-0) no se movió desde ese momento pese a las intentonas de España, que encajó la primera derrota desde que Sonia Bermúdez se sentó en el banquillo. 

Con estos tres puntos, Inglaterra (9 puntos) se coloca líder en solitario del grupo A3, una posición que otorga un billete directo al Mundial 2027 de Brasil, mientras que la selección femenina se queda en segundo lugar (6 puntos) y tendría que jugar la repesca.

España no solo queda relegada a la segunda posición de esta fase de clasificación, sino que prolonga su maldición y sigue sin ganar en suelo inglés, un territorio que se le resiste a la actual campeona del mundo y actual líder del ranking FIFA. 

Sin victoria en Inglaterra

No hay manera de que la selección española gane en suelo inglés. Contando la derrota de este martes, en el marco de la jornada 3 del grupo A3 de clasificación para el Mundial de 2027, el combinado nacional ha encajado siete derrotas y tres empates. A la décima tampoco fue la vencida. 

Además, Inglaterra ahondó en la herida del pasado verano, cuando derrotó precisamente a España en la final de la Eurocopa en una agónica tanda de penaltis. Como entonces, la selección no supo transformar las claras ocasiones que generó y terminó encajando una nueva derrota ante las lionesses, una de sus bestias negras junto a Alemania. 

Las cuentas para el Mundial 2027

Con su derrota en Wembley, el combinado español se complica su clasificación directa para el Mundial 2027 de Brasil. Ahora mismo, es segunda en la clasificación con seis puntos, a tres del equipo Sarina Wiegman. Ya no hay margen de error si quieren evitar la repesca para estar en la cita mundialista. 

“Queremos ganar contra Ucrania, Inglaterra e Islandia. Para quedar primeras tenemos que ganar todos los partidos. Vamos a trabajar para corregir los errores. No hemos estado como nos hubiera gustado en la primera parte, pero en la segunda hemos mejorado y hemos estado más fluidas con el balón, aunque no nos ha dado para empatar. Que te metan un gol en el minuto tres tampoco ayuda”, expresó la seleccionadora en rueda de prensa. 

Los deberes empiezan este sábado. Las de Sonia Bermúdez reciben a Ucrania en el estadio Nuevo Arcángel (16 horas) para retomar la senda de la victoria y mantener vivo el objetivo de la clasificación directa para el Mundial.

Rebecca Yarros es una consolidada autora estadounidense del género romántico con más de 20 títulos publicados que el 2 de mayo de 2023 se posicionó como la número uno en la lista de ventas de The New York Times con Alas de Sangre; la primera entrega de la saga Empíreo. Fué tal el boom que el 7 de noviembre de ese mismo año publicaba la segunda entrega, Alas de Hierro. No fue hasta el 21 de enero de 2026 que sacaba el tercer título, Alas de Onix, tras tomarse un merecido descanso. Y es que la presión por el éxito de su creación, de su primera incursión en este género que cada vez suma más adeptos, le pasaron factura y necesitó hacer un parón. 

Tras anunciar que había terminado su siguiente novela romántica, el pasado 19 de marzo sorprendió a los fans anunciando, a través de sus redes sociales, que ya se ponía en marcha con el cuarto volumen de la saga Empíreo. Y eso no es todo, porque ya es habitual en ella ver mensajes subliminales que desatan las teorías conspiranoicas del fandom, por lo que vale la pena subrayar que esta publicación estaba acompañada de la canción Look what you made me do, de Taylor Swift y que ya deja ver el ambiente de la trama. Pero esa no es la única pista que ha dejado Yarros, porque ha ido soltando pequeñas bombas desde el pasado otoño en las entrevistas que ha concedido. La última fue la semana pasada en el marco del último partido de los Denver Nuggets. “Lo que más ilusión me hace... creo que vais a tener un capítulo desde el punto de vista de Sloane”, confesó.

A partir de aquí el texto contiene spoilers para quienes no hayan leído los libros.

Atentos a la pequeña del clan Mairi

Tras el final de Alas de Sangre una de las dinámicas que se esperaba ver en Alas de Hierro era la de Solane Mairi, la hermana pequeña de Liam, con Violet Sorrengail (la protagonista), cómo evolucionaba y qué papel terminaba desempeñando ésta, en caso de que Yarros le quisiera dar más importancia, y así fue al convertirla en un sifón. Con Xaden Riorson, el protagonista masculino y uno de los personajes más adorados del romantasy, como venin, las teorías de los fans apuntan a Sloane como una de las claves para “salvar” a Xaden de la oscuridad. Esto, sumado a que hay pequeños diálogos entre Mairi y Dain Aetos que también han dado pie a especulaciones románticas por parte de estos, el interés por Sloane ha crecido mucho. 

Así que cuando le preguntaron a Yarros sobre qué punto de vista tenía más ganas de escribir ésta confesó: “Es muy difícil hacer esto una vez que el libro ya está estructurado y empezado, porque tengo que recordar que vosotros no sabéis lo que yo sé. Y estoy intentando por todos los medios no marcarme un 'Tom Holland', ¿sabéis? Porque, para mí, como es algo que está en proceso, se me olvidan esas cosas. Creo que lo que más ilusión me hace... Creo que vais a tener un capítulo de Sloane, así que eso es lo que más me emociona”. 

El enigma de Imogen

Pero la hermana pequeña de Liam no es el único personaje señalado por los fans como posible llave de la trama. Imogen Cardulo tiene el poder de borrar la memoria. Ya lo usó anteriormente a petición de Violet pero, teniendo en cuenta que Alas de Onix terminó con la bomba de que Sorrengail no recordaba las últimas 12 horas de su vida, tiempo en el que se convirtió en duquesa de Tyrrendor tras contraer matrimonio con Riorson, la pregunta es sencilla: ¿qué hizo Imogen?

Echando la vista atrás y revisando la trilogía publicada, esta no sería la primera vez que Violet tiene un vacío en su memoria o un recuerdo difuso; razón por la cual se señala a Cardulo como responsable de los lapsus de la lanzadora de rayos. Con esta teoría asentada entre los fans no es de extrañar que le preguntaran a Yarros sobre la cuestión, aunque yendo un paso más allá. “Dado que los dragones comparten la mente con sus jinetes, ¿se borran también sus recuerdos de un evento cuando se usa ese poder con su jinete?”, preguntaron.

“No. Tendrías que borrarle la memoria al dragón... No os voy a contar nada del cuarto libro. Os doy todo el mérito del mundo, de verdad, me encanta ese nivel de ingenio, es increíble... pero tendrías que usarlo directamente en un dragón, y no van a dejar que te acerques a ellos”, zanjó Yarros. 

La era de villano de Xaden

Desde el pasado otoño Rebecca Yarros ha revelado en entrevistas lo que se puede esperar en Empíreo 4. De entrada sí que los lectores podrán saber qué ocurrió en ese lapso de 12 horas que no recuerda Violet, y por qué razón Xaden se casó con ella (más allá del profundo amor que le ha profesado a lo largo de todas las entregas). 

Se incorporan nuevos puntos de vista de otros personajes, y en Alas de Onix ya hubo un adelanto de esta dinámica durante el tramo final, en el desarrollo de la batalla. Además se tendrá más información sobre los dragones negros (un elemento clave), las islas y los venin. También morirá un personaje muy querido, y tras lo ocurrido con Liam en el primer libro, los fans han creado campañas en redes sociales para evitar que la víctima de esta decisión sea Ridoc Gamlyn. 

Otras cuestiones que se revelarán en este libro será quién es el nuevo hermano de Xaden y la misma Yarros ya advirtió de que la respuesta estaba a la vista. ¿Quiénes son los jinetes que faltan en la batalla? ¿Quiénes están ausentes? Además de descubrir quién robó los huevos de dragón y por qué y qué le ocurrió a Tarin para que estuviese tan malherido. 

Son muchos los flecos sueltos y seguramente algunos de estos frentes abiertos no se vayan a cerrar en este sino en el quinto y último libro de la saga Empíreo. Por ahora no hay fecha confirmada para la publicación de la novela, aunque se espera que sea durante el primer semestre de 2027, justo después de que Sarah J. Mass, autora icónica del género, haya sacado Acotar 6 (el 27 de octubre de 2026), y Acotar 7 (el 12 de enero de 2027).

El Pabellón Príncipe Felipe de Zaragoza acoge desde este miércoles 15 al domingo 19 de abril la Final Six de la Euroleague Women, en la que se buscará al equipo que se corone campeón europeo, y entre los que están Casademont Zaragoza, que jugará con la ventaja de su público local, y Spar Girona, ambos en una cita histórica con dos LF Endesa.

Así, Casademont Zaragoza y Spar Girona buscarán ser el cuarto equipo español que se corone campeón de Europa, algo que no se consigue desde que lo lograra el extinto Ros Casares en 2012, tras Avenida en 2011 y Dorna Godella en 1992 y 1993. Delante, sin embargo, tendrán equipos de la talla de Fenerbahce y Galatasaray, ambos ya en semifinales.

Casademont Zaragoza y Spar Girona arrancan en cuartos de final

Los dos equipos españoles comenzarán su andadura en la Final Six de Euroliga en cuartos de final, donde buscarán el pase a semifinales, donde esperan los dos conjuntos turcos. Primero será el turno de Spar Girona, que abrirá el torneo con un duelo ante el Umana Reyer Venezia, a las 17:30 horas de este miércoles.

Las de Roberto Iñiguez, a pesar de las bajas, querrán ser el equipo sólido que han demostrado durante toda la temporada, además con las estadísticas de su lado, teniendo en cuenta que son también el tercer mejor equipo de la Euroliga esta temporada con una media de 76,3 puntos por partido, y con la líder ofensiva Mariam Coulibaly, que lidera esta faceta con 17 puntos por encuentro de media.

Después de Girona, será el turno de Casademont Zaragoza, que aspira a un lleno de más de 10.000 espectadores que serán la mejor baza de las de Carlos Cantero ante el Basket Landes, a las 20:30 horas también el miércoles. Este duelo será el tercero que disputen esta temporada, que hasta el momento se reparten en balance una victoria para cada una, en ambas ocasiones con marcadores ajustados. El equipo español es también superior en la faceta estadística, excepto en el rebote, con lo que jugando como local podría aumentar sus posibilidades de paso a semifinales.

Fenerbahce y Galatasaray esperan en semifinales, siendo las primeras las grandes favoritas como vigentes campeonas y que se verían las caras con Girona en caso de que estas consigan el billete a semis. Las de Miguel Méndez, seleccionador español, llegan con un equipo liderado por Emma Meesseman e Iliana Rupert, también con una MVP de WNBA de la talla de Breanna Stewart. Zaragoza o Landes se enfrentarían al Galatasaray, con una jugadora destacada como es Dorka Juhasz, una de las estrellas de la competición.

Horario y dónde ver por TV la Final Six de Euroliga 2026

Todos los partidos de la final a seis de la Euroliga femenina este 2026 se podrá seguir por diferentes canales y plataformas. Los cuartos de final se disputarán este miércoles a las 17:30 horas y 20:30 horas respectivamente, todavía con los horarios del viernes 17 de semifinales todavía por determinar, y con la final jugándose el domingo 19 de abril a las 20 horas, y el partido por el tercer puesto a las 17 horas.

La Final Six de Euroleague Women se podrá ver en abierto a través de las autonómicas TV3 y Aragón TV para los encuentros de Spar Girona y Casademont Zaragoza respectivamente, así como también se podrá seguir por el canal Vamos de Movistar plus o en la plataforma Mediaset Infinity.

Muchos argentinos ni siquiera lo recuerdan, pero en 1938 su país vivió uno de los grandes eventos de apoyo al Tercer Reich de la Alemania nazi. De hecho, se dice que fue el mayor mitin de este tipo realizado nunca fuera de las fronteras del país liderado entonces por Adolf Hitler. En total, se estima que unas 20.000 personas se reunieron en el mítico estadio de Luna Park el 10 de abril de aquel año.

El motivo de la reunión era celebrar el conocido como Anschluss, la anexión de Austria por parte del régimen de Hitler. Ese mismo día, el líder nacionalsocialista realizaba en Alemania un plebiscito y ganaba con 99% de los votos, asegurándose la permanencia en el poder. La embajada alemana en Buenos Aires quiso festejarlo y lo hizo a lo grande.

“Cuarenta y cuatro abanderados vestidos con camisas pardas y brazaletes con la cruz esvástica se ubicaron en el gran escenario. Detrás, en letras góticas, colgaba una bandera con la leyenda ‘Heil Fuhrer’ y otra, con el famoso eslogan hitleriano: ‘Un pueblo, una nación, un líder’. En ambos extremos del escenario flameaban la bandera argentina y la alemana, que llevaba en el centro una gran cruz esvástica”, recordaron los periodistas Guido Carelli Lynch y Juan Manuel Bordón en su libro Luna Park: El estadio del pueblo, el ring del poder.

El acto empezó a las diez y media de la mañana, cuando tomó la palabra el encargado de negocios de Alemania Otto Meynen, quien comparó a la anexión de Austria con la Revolución de Mayo. La prensa de entonces recogió cómo el público del estadio enloqueció, se puso de pie y gritó “¡Heil Führer!”, haciendo el tradicional saludo nazi con el brazo en alto.

Mientras tanto, en la Plaza San Martín, miles de demócratas convocaron una manifestación antinazi. En ese momento, unos doscientos efectivos de la policía montada y del cuerpo de infantería se trasladaron hasta la plaza e iniciaron una violenta represión contra los manifestantes, que dejó dos muertos y 57 detenidos.

El nazismo en Argentina

El fervor de los argentinos por el dictador alemán y su gobierno no se debía, sin embargo, a que estos no tuvieran información sobre lo que realmente estaba ocurriendo al otro lado del charco. Según recuerda El Perfil, para el año 1936 la prensa argentina ya informaba que Hitler buscaba “aniquilar, con los medios más abominables, a la laboriosa e inteligente población israelí”.

En 2020, el Centro Simon Wiesenthal, que lucha contra el antisemitismo, desveló una lista de 12.000 nombres de nazis que se instalaron en Argentina. El comunicado difundido por la organización en aquel momento hacía referencia a cómo el régimen militar del presidente José Félix Uriburu, apodado “Von Pepe”, y el de su sucesor, Agustín Pedro Justo, facilitaron una creciente presencia nazi en la época en el país latinoamericano.

El gobierno de Donald Trump prepara un proyecto que no ha dejado indiferente, ganándose críticas dentro del país, pero también con demandas por parte de los veteranos que quieren parar la construcción de un arco del triunfo gigante que el presidente de Estados Unidos quiere hacer construir en el Cementerio de Arlington.

El Cementerio de Arlington, en Virginia, cerca de Washington D.C, se considera que es el camposanto militar más icónico y sagrado de Estados Unidos, con más de 400.000 veteranos junto a sus familias, incluyendo también monumentos como la Tumba del Soldado Desconocido o la llama eterna de John F. Kennedy.

Celebración de los 250 años de Estados Unidos

Este viernes 10 de abril, la Adminstración de Trump presentó el diseño de lo que pretende ser un arco del triunfo y símbolo del 250 aniversario de Estados Unidos. Los bocetos han sido elaborados por Harrison Design y difundidos por el Departamento del Interior, y en él se puede ver cómo se pretende la construcción de una estructura de más de 75 metros de altura.

En este monumento, además, se quiere añadir una inscripción en dorado que ponga “Una nación bajo Dios”, a la vez que se corone con una estatua alada de la Dama de la Libertad, flanqueadas por cuatro leones en la base. Una especie de construcción a semejanza de otros arcos del triunfo como el de París.

De esta forma, este arco del triunfo superaría al Monumento de Lincoln, que mide 30 metros de altura, pero también al cementerio, lo que para urbanistas y arquitectos ha generado preocupación, especialmente por su impacto visual, con la distorsión que podría provocar en la zona, una de las emblemáticas del país y de la ciudad de Washington.

Este arco del triunfo de Trump está previsto que se situé en una parcela entre el Monumento a Lincoln y el Cementerio de Arlington, en el área llamada Memorial Circle y que está considerado por urbanistas como un lugar de instalación de monumentos. El coste de este proyecto, sin embargo, no ha sido difundido.

Los planos de este megaproyecto se presentaron ante la Comisión de Bellas Artes, que debe revisar este tipo de planes arquitectónicos en la capital, que cuenta con asesores afines al presidente Donald Trump, y que debe analizar la propuesta en una reunión este jueves 16 de abril. Cabe tener en cuenta que la ley federal establece que requiere autorización legislativa cualquier nuevo monumento que se quiera establecer en el Memorial Circle, que se considera terreno protegido.

Una iniciativa que ha generado controversia

Este mega arco del triunfo de Trump ha traído fuerte polémica, sobre todo porque alteraría los monumentos de la zona. Los veteranos militares, de hecho, han presentado una demanda para detener este proyecto, mientras el grupo Public Citizen, que establece vigilancia al gobierno, exige que no avance hasta que haya autorización, y legisladores demócratas se han sumado también a las críticas.

En gran parte, estas vienen porque consideran que este proyecto nace de la vanidad de Trump, que ya lo ve como “el arco más grande de todos”, queriendo superar los 50 metros del de París. Este se une, además, a otros proyectos que plantea, como el edificar un salón de baile en la Casa Blanca de 400 millones de dólares, y que se paró por un juez federal porque se considera que debe aprobarse por el Congreso, aunque el ala este de la residencia ya se ha demolido.

El clima prehistórico de la Tierra se caracterizó por cambios prolongados en temperatura y humedad que no dejaron registros escritos ni instrumentales. Ese clima se reconstruye a partir de huellas indirectas, como sedimentos, fósiles o composiciones químicas conservadas en materiales antiguos. Las condiciones variaron entre periodos muy húmedos y fases secas, con oscilaciones que afectaron a la vegetación y a la disponibilidad de agua. También influyeron procesos como la evaporación intensa en regiones áridas y la circulación atmosférica distinta a la actual.

Estas variables se conocen de forma fragmentaria, porque los indicadores conservados suelen ser escasos y difíciles de interpretar. Esa limitación hace necesaria la identificación de registros físicos que permitan medir humedad y comportamiento del agua en épocas muy remotas.

La falta de registros obligó a buscar indicadores físicos muy concretos

Un equipo de la Universidad de Nuevo México publicó un estudio que identificó en los equisetos un fraccionamiento extremo de isótopos de oxígeno que permite reconstruir la humedad y el clima de la Tierra prehistórica a partir de registros vegetales fósiles. El trabajo demostró que el agua que circula por estas plantas adquiere una composición isotópica fuera de los rangos habituales en la Tierra. Esa señal química conserva información sobre evaporación y humedad ambiental. El hallazgo abre la posibilidad de medir condiciones climáticas antiguas con un nivel de detalle que no estaba disponible.

El equipo recogió muestras de equisetos lisos a lo largo del río Grande, en Nuevo México, y analizó el agua contenida desde la base hasta la parte superior de cada tallo. Las mediciones mostraron una evolución progresiva de los isótopos de oxígeno conforme el agua ascendía por la planta. En la zona superior, los valores alcanzaron niveles que antes se habrían descartado como errores analíticos. El seguimiento vertical permitió asociar esos cambios a la pérdida continua de agua por evaporación a lo largo del tallo.

Los resultados se presentaron en una conferencia internacional de geoquímica celebrada en Praga. Allí se expuso que las proporciones medidas coincidían con las observadas en algunos meteoritos. Zachary Sharp, profesor del Departamento de Ciencias de la Tierra y Planetarias y director del trabajo, explicó durante esa presentación que “si encontrara esta muestra diría que procede de un meteorito”. Esa comparación puso de relieve hasta qué punto el proceso observado amplía los límites conocidos del fraccionamiento isotópico en la Tierra.

Los fitolitos permiten conservar señales climáticas durante milenios

El estudio también analizó el potencial de los equisetos fósiles. Estas plantas, que en el pasado alcanzaron alturas de hasta 30 metros, generan estructuras microscópicas de sílice llamadas fitolitos, que pueden conservar durante millones de años la señal isotópica del agua. Según Sharp, “estos registros permiten reconstruir la humedad ambiental de épocas muy antiguas”. De ese modo, los fitolitos funcionan como indicadores físicos de humedad en periodos sin registros directos.

El descubrimiento mostró que los equisetos actúan como destiladores naturales extremos. La estructura hueca del tallo y la pérdida continua de agua producen una separación muy marcada entre isótopos ligeros y pesados. Ese mecanismo explica por qué se generan valores que antes parecían incompatibles con procesos terrestres. El comportamiento observado, por lo tanto, resuelve las dudas previas sobre mediciones anómalas en plantas de zonas desérticas.

El estudio, publicado en Proceedings of the National Academy of Sciences, se suma a otras aportaciones de la Universidad de Nuevo México en geociencias. La identificación de este registro vegetal permite avanzar en la reconstrucción de climas del pasado profundo. Con ello se amplía el conjunto de herramientas disponibles para entender cómo funcionaban los sistemas climáticos de la Tierra mucho antes de la presencia humana.

En 2001, hace 25 años, llegaba a la industria musical el primer álbum en directo de la banda M-Clan. Sin enchufe se convirtió en todo un éxito, sobre todo por una de sus canciones, “Carolina”, que fue número uno en la lista de sencillos, y que consolidaría a la banda dentro del rock español.

El grupo venía de su primer éxito, Usar y tirar, que en el 2000 vendió más de 100.000 copias vendidas en el mercado, y se animó a ofrecer su primer trabajo musical acústico, que se produjo de la mano de Alejo Stivel, ex cantante de Tequila, y grabado en Madrid, en los estudios El Álamo. En este disco, en Sin enchufe, M-Clan repasaba su trayectoria, pero también miraba hacia adelante, con ocho canciones nuevas, seis propias y dos versiones, pero también ofrecía temas con arreglos diferentes.

Así, el grupo rock versionó “Maggie May” de Rod Stewart, adaptándola al español como “Maggie despierta”, que también llegó al número uno de sencillos en España, y también “Paint it black” de The Rolling Stones, que tradujeron al castellano como “Todo Negro”, que a su vez hacía referencia a una adaptación anterior de Los Salvajes en los 60.

El disco acabaría siendo todo un éxito, convirtiendo a la banda en una de las principales del rock español a principios de los 2000, alcanzando a superar las 150.000 copias, con la trascendencia de que se trataba además de un álbum en acústico y directo.

25 años de “Carolina”, el himno de M-Clan

Actualmente, M-Clan no se entiende sin “Carolina”, su canción insignia y todo un himno de la banda rock. El estribillo “Carolina, trátame bien. No te rías de mí, no me arranques la piel. Carolina, trátame bien o al final te tendré que comer” es uno de los más conocidos de la música española a principios de los 2000.

La canción fue el primer sencillo del disco y desde entonces se convirtió en una de las más reconocibles del grupo, que llegó también al número uno de las listas de éxito a finales de marzo y abril, hace 25 años, siendo uno de los temas más destacados de la música en español en estos momentos.

A pesar de su éxito, la letra de la canción no estuvo exenta de polémica, por hacer referencia a la relación con una menor, o incluso se llegó a especular que hablaba de la cocaína, algo que desde el grupo se desmintió.

Sobre el hecho de la relación con una menor, algo que se deja entrever en versos como “La dulce niña Carolina, no tiene edad para hacer el amor. Su madre la estará buscando, eso es lo que pienso yo…”, es una de las polémicas que ha acompañado a este tema durante su historia y sobre lo que desde el grupo argumentan que es ficción.

“Al fin y al cabo es una ficción, como tantas y tantas que hay en la música y en el arte. Es una canción blanca, que refleja un poco, entre comillas, ese símbolo de Lolita, que tantas veces se ha utilizado. Es una canción de tres minutos, no es ninguna declaración de principios. Es una canción más y ya está”, defendía Ricardo Ruiperez en una entrevista en el diario Atlántico.

Sobre lo mismo habló el vocalista y líder Carlos Tarque en Vox Populi: “Cuando tuve el aluvión de críticas por Carolina me pareció alucinante la cantidad de veces que tuve que explicar que era una ficción, una historia con personajes. Lo que cuento es que ella presiona al rockero para tener sexo. No podemos convertir el arte en un espacio aséptico”.

Un animal puede ser famoso por su velocidad y, aun así, quedar fuera del grupo que concentra toda la atención. El guepardo se queda fuera de los llamados cinco grandes de África, una etiqueta que se asocia a león, elefante, búfalo, rinoceronte y leopardo, pero aun así sigue siendo uno de los depredadores más buscados en safaris por su forma de cazar y su capacidad de alcanzar más de 100 km/h.

Esa ausencia no reduce su valor como símbolo del continente, aunque sí cambia cómo se protege y cómo se percibe su situación. El caso resulta aún más llamativo cuando se mira a su pariente asiático, que comparte origen y rasgos, pero vive en condiciones mucho más duras. La diferencia entre su popularidad global y el riesgo real que afronta abre una pregunta que solo se entiende al mirar lo que ocurre hoy fuera de África.

La población iraní cae a cifras mínimas bajo vigilancia individual

El guepardo asiático en Irán ha quedado reducido a menos de 30 ejemplares y la guerra reciente ha agravado una situación ya crítica para su supervivencia, según Mongabay. Bagher Nezami, director nacional del Conservation of the Asiatic Cheetah Project, explicó a medios estatales iraníes que los 27 individuos identificados en libertad están “documentados y monitorizados”, lo que permite seguir cada caso de forma individual.

La cifra había subido desde los 20 registrados el año anterior, pero ese avance quedó en suspenso tras un cambio brusco en el contexto del país. La presión sobre una población tan reducida convierte cualquier alteración en un problema inmediato.

Nueve días después de que guardas forestales grabaran a una hembra con cinco crías en la provincia de Jorasán del Norte, Estados Unidos e Israel lanzaron ataques coordinados sobre territorio iraní. La respuesta militar desencadenó un conflicto que ha afectado también a zonas donde viven estos animales.

El conflicto militar reciente agrava la situación en las reservas

Un conservacionista local citado por Mongabay advirtió que los vehículos de campo pueden ser confundidos con objetivos militares en áreas remotas del desierto, lo que obliga a reducir la presencia humana en los hábitats. Sarah Durant, investigadora de la Zoological Society of London, explicó que “la protección de quienes trabajan sobre el terreno se ha convertido en una cuestión urgente a nivel internacional”. Esa reducción de actividad deja sin vigilancia espacios donde cada individuo cuenta.

El seguimiento de estos animales depende en gran parte de cámaras automáticas que se activan con el movimiento, un sistema que permite identificar a cada ejemplar por el patrón de sus manchas. Sin embargo, las sanciones internacionales han limitado la entrada de equipos y han impedido usar dispositivos conectados a redes móviles o satélites.

Los collares GPS, que ya se emplearon en 2007 para estudiar sus desplazamientos, ofrecen información más detallada, pero su uso se ha visto frenado por restricciones técnicas y políticas. Los estudios recientes recogidos por Wild Tomorrow indican que estos sistemas resultan necesarios para entender cómo se mueven en territorios amplios y dispersos.

Ya solo viven en una pequeña zona de Irán

Las diferencias entre el guepardo asiático y los africanos ayudan a entender su situación. El asiático es más pequeño y presenta un pelaje más claro, adaptado a zonas áridas y montañosas, mientras que los africanos suelen tener mayor tamaño y tonos más oscuros. Ambos alcanzan velocidades similares, en torno a 100–110 km/h en carreras cortas, ya que comparten la misma base física. La diferencia principal está en el entorno y en el tamaño de las poblaciones, mucho más amplias en África.

El área en la que vivía este felino se extendía desde la península arábiga hasta la India, aunque hoy se limita a una pequeña parte de Irán. Durante el siglo XX desapareció de la mayor parte de ese territorio por la caza, la pérdida de presas y la degradación del entorno.

En 1959 obtuvo protección legal y se crearon parques nacionales, pero la revolución de 1979 y la guerra con Irak interrumpieron esos esfuerzos. Esos años se describen como un periodo perdido para la conservación, porque la población cayó sin seguimiento ni medidas eficaces.

Las carreteras provocan la mayoría de muertes registradas

Las carreteras se han convertido en uno de los mayores riesgos para la especie. Más de la mitad de las muertes registradas se deben a atropellos, y algunos casos muestran hasta qué punto influye este factor. Una hembra conocida como Helia perdió a una de sus crías tras cruzar una vía en la provincia de Semnan. Durante varios días permaneció cerca del lugar, mientras voluntarios trataban de frenar el tráfico para evitar otro accidente. Las autoridades han instalado vallas y pasos subterráneos, pero la expansión de infraestructuras sigue atravesando zonas donde estos animales necesitan moverse.

El número de individuos sigue siendo extremadamente bajo, aunque hubo señales recientes de mejora. El avistamiento de cinco crías en 2026 marcó un récord, ya que nunca se habían observado más de cuatro juntas. Entre 2020 y 2024 nacieron al menos 31 cachorros en el norte del país, aunque menos de la mitad sobrevivieron más de un año. Wild Tomorrow advierte que una población de 27 ejemplares no tiene margen para otro periodo sin control ni seguimiento.

La crisis política reduce los recursos para proteger la especie

La situación económica y política complica cualquier plan de recuperación. Peter Zahler, director de conservación de campo en Zoo New England, explicó a Mongabay que “los programas ambientales rara vez se consideran prioritarios tras un conflicto”. Jamshid Parchizadeh, investigador en Michigan State University, añadió que la reconstrucción del país absorberá la mayor parte de los recursos disponibles. Antes del conflicto ya había limitaciones de financiación, y ese escenario reduce aún más la capacidad de actuar sobre el terreno.

A estos factores se suman problemas ecológicos que ya estaban presentes. La fragmentación del hábitat obliga a los animales a cruzar zonas sin protección, donde aumenta el riesgo de caza y conflictos con humanos. La escasez de presas también afecta de forma clara, porque sin ungulados suficientes no pueden mantener su alimentación.

El conservacionista citado por Mongabay explicó que “la disponibilidad de presas es esencial para su supervivencia”, y añadió que la presión sobre estos animales puede aumentar en momentos de dificultad económica. En ese contexto, cada desplazamiento fuera de las reservas expone a los últimos ejemplares a un entorno cada vez más difícil de sostener.

Apuntaba a serlo y no ha defraudado. El draft de la WNBA 2026 ya es historia del baloncesto español después de que tres jugadoras hayan sido seleccionadas, dos de ellas en el puesto más alto nunca conseguido por una baloncestista, con Awa Fam en el puesto 3, Iyana Martín en el 7 y Marta Suárez en el 16.

Awa Fam se convierte en la jugadora española con el pick más alto en el Draft WNBA

Awa Fam fue seleccionada en el puesto 3 por las Seattle Storm, con lo que iguala a Pau Gasol como el ‘pick’ más alto de un jugador de baloncesto español, y aseguró en la propia ceremonia en Nueva York cumplir un sueño: “He soñado con llegar a la WNBA desde que tenía 12 años, y estar aquí representando [al baloncesto español] es muy especial para mí”, dijo a ESPN.

La jugadora de Santa Pola, de padres senegaleses, aseguraba que creció admirando a Astou Ndour, otra española que también fue seleccionada y con orígenes también en Senegal, que ha hecho carrera en la WNBA, como ella aspira a hacer.

Actualmente es jugadora del Valencia Basket, donde recientemente fue campeona de la Copa de la Reina LF Endesa, y equipo con el que debutó como profesional con tan solo 15 años en 2021, y a los 18, en 2024, debutaría con la selección española, con la que fue subcampeona de Europa en 2025.

Iyana Martín, el segundo pick más alto de la historia del baloncesto español

Precisamente en el Eurobasket 2025, Awa Fam coincidió con otra protagonista de la noche del draft WNBA, Iyana Martín, con la que parece tener una carrera paralela, siendo dos de los talentos nacionales más destacados del baloncesto español.

La asturiana fue seleccionada en el puesto 7 por las Portland Fire, que en su retorno a la WNBA convierte a la española en su primera selección de esta nueva etapa, y es así junto a su compatriota Fam, la única jugadora del top 10 que no vienen del baloncesto universitario de NCAA ni son nacidas en Estados Unidos.

Sin embargo, Iyana Martín, actualmente jugadora de Perfumerías Avenida, no estuvo presente en la ceremonia, que siguió desde Salamanca, y la General Manager de Portland Fire, Vanja Černivec, confirmó que la asturiana no jugará en la WNBA en 2026: “Hemos hablado con ella. Sabe lo que quiere. Necesita descansar este verano”, aseguraba.

Esto ha despertado ciertas dudas en los aficionados, pero Černivec ha animado a que confíen en la decisión, y compara la situación de la española con el caso de Luka Doncic: “A los fans les pido que confíen en nuestro departamento de scouting. Quiero que recordéis el Draft de Luka Doncic. Todo el mundo estaba sorprendido, solo sabían que había estado jugando contra adultos desde que tenía 16 años. Y eso es lo que ha estado haciendo Iyana. Se echa a sus equipos a los hombros. Opta al MVP en una de las mejores ligas de Europa. Es un talento generacional”.

Marta Suárez completa la noche histórica del baloncesto español

Además de Awa Fam e Iyana Martín, hubo una tercera protagonista en la noche del WNBA Draft 2026 para el baloncesto español como es el caso de Marta Suárez, que fue seleccionada en el puesto 16 por las Seattle Storm, pero luego traspasada a las Golden State Valkyries junto a una segunda ronda del draft 2028 a cambio de la jugadora Flau'jae Johnson. La española venía de una trayectoria destacada de la NCAA, donde ha sido una de las mejores jugadoras de la presente temporada.

Hasta este Draft WNBA, la jugadora con el pick más alto había sido Raquel Carrera en el puesto 15 por los Atlanta Dream en 2021. Detrás quedaban las que habían sido elegidas en el 16, como es el caso de Leticia Romero en 2017 y Astou Ndour en 2014. La primera jugadora en ser seleccionada en el draft fue Amaya Valdemoro en 1998, cuando fue elegida en el puesto 30.

La forma del terreno obliga a tomar decisiones que no siempre se ven en un mapa. En Noruega, esa orografía irregular llena de fiordos, islas y cortes profundos en la costa hace que moverse por carretera implique rodeos largos o depender del mar. Esa condición empuja a buscar soluciones de ingeniería que atraviesen el paisaje en lugar de adaptarse a él, con infraestructuras que pasan bajo el agua o perforan roca durante kilómetros.

El país ha convertido esa dificultad en una línea de trabajo constante, donde cada proyecto intenta resolver trayectos fragmentados y reducir tiempos que dependen del clima. El resultado son obras que no solo conectan puntos, también cambian cómo se organiza el transporte diario y la logística en toda la costa.

El nuevo trazado reducirá viajes que hoy dependen de ferris

Noruega construye el Rogfast, un túnel submarino de 26,7 kilómetros bajo el Boknafjord que reducirá tiempos y eliminará ferris en la E39, según recoge Statens vegvesen. La infraestructura, que se abrirá si se cumple el calendario en 2033, busca unir Stavanger y Bergen con una conexión continua por carretera.

El proyecto forma parte de un plan mayor para eliminar los tramos marítimos en esta ruta costera, que hoy obliga a embarcar vehículos en varios puntos. El túnel, por lo tanto, se plantea como una solución estable frente a condiciones meteorológicas severas y cambiantes que alteran los horarios y alargan los desplazamientos.

El recorrido actual por la E39 depende en varios tramos de ferris que obligan a detener el viaje, embarcar y esperar turno, algo que alarga los trayectos incluso cuando la distancia en línea recta es corta. El viento o la acumulación de vehículos en los accesos provoca retrasos que afectan tanto a los viajes diarios como al transporte de mercancías.

Con Rogfast, ese paso intermedio desaparece y el trayecto se convierte en un desplazamiento continuo bajo el mar, con una reducción estimada de unos 40 minutos en ese tramo concreto. En el conjunto de la ruta Kristiansand–Stavanger–Bergen–Ålesund–Trondheim, que ronda los 1.100 kilómetros, el tiempo total podría bajar de 21 a 11 horas cuando se completen todos los túneles y puentes previstos.

El túnel no sigue un recorrido simple, ya que incluye dos tubos principales y un enlace subterráneo hacia la isla de Kvitsøy que introduce un cruce interno a gran profundidad. En su punto más bajo alcanza unos 390 metros bajo el nivel del mar, una cifra que lo sitúa por encima de otros túneles conocidos en profundidad.

Según Norconsult, el diseño incluye incluso una rotonda dentro del propio túnel situada en torno a -250 metros, algo que obliga a replantear normas habituales pensadas para recorridos mucho más cortos. Esa escala introduce exigencias nuevas en ventilación, seguridad y orientación dentro de la infraestructura.

Las normas ambientales limitan los trabajos en el mar

Uno de los avances recientes llegó el 24 de febrero de 2026 con la finalización de la primera gran chimenea de ventilación en Kvitsøy. Estos pozos alcanzan 211 metros de profundidad y cuentan con diámetros cercanos a los nueve metros, diseñados para renovar el aire tanto durante la construcción como en la fase de uso.

La ventilación se convierte en un elemento esencial en un túnel de estas dimensiones, ya que permite gestionar gases, humo en caso de incendio y calidad del aire en condiciones normales. Sin ese sistema, el uso continuo de una infraestructura tan larga no sería viable.

El entorno marino introduce exigencias adicionales que no dependen solo de la roca. El agua que entra en la obra y el agua utilizada en los trabajos necesita tratamiento para evitar vertidos con partículas o aceites, por lo que los permisos ambientales incluyen límites estrictos.

En Arsvågen se autorizó el uso temporal del fondo marino para almacenar material excavado, pero con condiciones como el uso de cortinas de burbujas para reducir la dispersión y la prohibición de vaciar esos acopios durante la época de reproducción del bacalao entre el 1 de enero y el 30 de abril.

En Mekjarvik, el regulador exigió además documentar el ruido bajo el agua y rechazó un dragado por el riesgo de dispersar plásticos presentes en los materiales extraídos.

El proyecto se financiará con peajes y fondos públicos

El coste del proyecto se sitúa en torno a unos 1.770 millones de euros a precios de 2020, con un reparto que combina financiación pública y peajes. Statens vegvesen calcula que el 60% se cubrirá con el pago de los usuarios y el 40% con fondos estatales.

El plan contempla un tráfico inicial cercano a 6.000 vehículos al día y un ingreso medio de 35 euros por paso, con un periodo de amortización de unos 19 años. Estas cifras dependen de factores como la demanda real, la evolución de los tipos de interés y la inflación.

La construcción probará maquinaria con menos emisiones

La obra también incorpora cambios en la forma de construir, con pruebas para reducir el uso de combustibles fósiles en maquinaria y procesos internos. El Gobierno noruego ha planteado el uso de equipos eléctricos conectados por cable dentro del túnel, aunque su coste puede multiplicar por dos o dos y medio el de las máquinas diésel tradicionales.

Norconsult señala que el proyecto aspira a situarse dentro de una categoría de infraestructura con menor consumo energético y menor emisión de gases, mediante ajustes en materiales, energía y planificación de la construcción, en un intento de reducir el impacto total antes incluso de su apertura.

Aitana Bonmatí encara la recta final de su recuperación. La centrocampista del Barcelona, lesionada desde finales de noviembre por una fractura en el peroné izquierdo, se incorporó este mes de abril a los entrenamientos de grupo, dirigidos por el técnico azulgrana Pere Romeu. Y todo parece ir por buen camino, acercando así su reaparición en partido oficial. 

De momento, la de Sant Pere de Ribes se está ejercitando con un número reducido de futbolistas y así seguirá durante algunos días más, a la espera de que regresen las internacionales concentradas con sus respectivas selecciones, inmersas en los partidos de clasificación de cara al Mundial 2027 de Brasil. Su vuelta está prevista para el 20 de abril. 

En el caso de la selección española, tiene dos compromisos por delante en este parón de selecciones, ante Inglaterra y Ucrania, con el objetivo de asegurar la primera posición del Grupo 3.

Con la vista puesta en semifinales 

La triple Balón de Oro sabe que su regreso está cerca, pero no quiere acelerar los plazos y poner fecha para su vuelta. Sin embargo, no se le escapa que las semifinales de la Champions League femenina están a la vuelta de la esquina. La ida es en Múnich el 25 de abril y la vuelta, prevista para el 3 mayo, en el remodelado Camp Nou.

“La verdad es que no puedo confirmar nada, pero mi objetivo es estar en las semifinales de la Champions League”, reconoció Bonmatí en una reciente entrevista con Movistar+. A la centrocampista no le gustaría perderse partidos históricos como la vuelta de cuartos ante el Real Madrid, al que acabaron goleando para avanzar de eliminatoria. 

Bonmatí quiere estar en el tramo decisivo de la temporada y eso pasa por Europa, donde las azulgranas vienen de perder la temporada pasada la final de la Champions League frente al Arsenal de Mariona Caldentey. Buscan reconquistar un título que ya han levantado en tres ocasiones y que se les ha escapado en otras tres temporadas. Además, la liga está sentenciada. 

La centrocampista del Barcelona fue operada el pasado 2 de diciembre de una fractura transindesmal del peroné izquierdo, una lesión que sufrió en un entrenamiento con la selección española y que le ha mantenido apartada de los terrenos de juego buena parte de la temporada. Una espera que está a punto de terminar para la futbolista de Sant Pere de Ribes. 

China aparece una y otra vez en proyectos que empujan los límites de lo que se puede construir bajo tierra y bajo el agua. Esa posición en tecnología e infraestructuras se apoya en decisiones que buscan ir un paso más lejos que lo ya existente, con obras que no solo amplían redes, también cambian cómo se conectan regiones enteras.

La capacidad de superarse se traduce en túneles más largos, trenes más rápidos y sistemas que funcionan en condiciones cada vez más exigentes. En ese contexto, el país no se limita a replicar modelos previos, sino que plantea soluciones que obligan a resolver problemas nuevos en ingeniería y planificación.

China remata el Yangtsé y bate un récord bajo el Perla

El Gigante Asiático ha completado la excavación de un túnel ferroviario de alta velocidad bajo el río Yangtsé que permitirá trenes a 350 km/h, según el South China Morning Post, y forma parte de una línea que llegará hasta Chengdu a lo largo de unos 2.000 kilómetros.

La obra conecta la isla de Chongming con Taicang y se integra en un plan de inversión que supera los 500.000 millones de yuanes. CCTV informó de que el tramo subacuático ya está listo y People’s Daily detalló que la máquina tuneladora, con un diámetro de 15 metros, tardó casi dos años en abrir el paso bajo el río.

China también ha marcado un hito en el estuario del río Perla, donde la tuneladora Shenjiang-1 ha perforado hasta 113 metros de profundidad bajo el lecho marino, un récord mundial para túneles de alta velocidad. Este tramo forma parte de la línea Shenzhen-Jiangmen de 116 kilómetros, que integrará la Gran Área de la Bahía y reducirá drásticamente los tiempos entre ciudades importantes del sur.

Los medios locales chinos como CGTN han destacado cómo esta obra tiene que sortear presiones hidráulicas extremas y estratos geológicos complejos, consolidando la vanguardia técnica del país en excavaciones submarinas

El proyecto del Bohai plantea unir Dalian y Yantai en minutos

El siguiente paso apunta a un proyecto aún mayor. China ha aprobado un túnel bajo el estrecho de Bohai para unir Dalian y Yantai en unos 40 minutos, un trayecto que hoy requiere más de seis horas por carretera o ferry. La propuesta describe un recorrido de más de 120 kilómetros que permitiría un enlace continuo sin cambios de tren entre zonas industriales del norte y otros centros económicos. China Daily recogió que este corredor podría incluir transporte de pasajeros y también de vehículos cargados en vagones.

El desarrollo real de ese plan ha avanzado significativamente desde los estudios iniciales. La Comisión Nacional de Desarrollo y Reforma de China reforzó los análisis técnicos desde 2018 y, en 2019, encargó a la China International Engineering Consulting Corporation una evaluación detallada cuyos resultados iniciales ya existen.

Esos trabajos han culminado en la aprobación formal del proyecto en 2026, según actualizaciones recientes, aunque todavía se resuelven cuestiones técnicas finales antes de iniciar la construcción plena, posicionándolo como una megaobra inminente.

El diseño previsto refleja la escala del reto. El túnel incluiría dos galerías principales para trenes y una central para mantenimiento, con diámetros cercanos a 10 metros. Los trenes circularían a unos 240 o 250 km/h dentro del tramo submarino, con sistemas de control que vigilan filtraciones y condiciones internas. La presencia de actividad sísmica en el mar de Bohai obliga a incorporar compartimentos estancos y redes de sensores que detectan cualquier cambio en tiempo real.

Las nuevas conexiones plantean dudas ambientales

El análisis ambiental introduce otra capa de complejidad. La Agencia Internacional de la Energía recuerda que el tren puede reducir emisiones frente al avión cuando sustituye desplazamientos largos, pero ese efecto depende de cuántos viajes cambian realmente de modo de transporte. Además, la construcción de túneles exige grandes cantidades de hormigón y acero, y la UIC señala que esa fase incrementa las emisiones asociadas a la infraestructura.

El entorno del Bohai añade condicionantes específicos. La NDRC describe esa zona como un mar interior con ecosistemas sensibles y problemas ambientales acumulados. En 2019, las aguas cercanas alcanzaron un 77,9% de calidad alta según los datos oficiales, tras acciones de restauración como recuperación de humedales. Dialogue Earth advierte que el área alberga especies como la foca moteada y zonas de paso de aves migratorias, que pueden verse afectadas por el ruido y la gestión de materiales excavados.

Las decisiones futuras dependerán de cómo se gestionen esos factores. Evaluaciones ambientales completas, planes para controlar sedimentos y un seguimiento continuo del impacto marcarán el ritmo del proyecto. También influirá el uso final del túnel, ya que priorizar trenes de carga y pasajeros puede reducir el tráfico marítimo y por carretera, mientras que facilitar el paso de coches cambia el balance de emisiones previsto.

En paralelo, China consolida su liderazgo con avances simultáneos - el récord de 113 metros en el Perla, el Yangtsé ya finalizado a 350 km/h y el Bohai aprobado -, formando una red submarina que redefine la conexión entre regiones enteras

No es la primera vez que una guitarra utilizada por uno de los hermanos Gallagher se pone a la venta. En este caso, la protagonista es la acústica que Noel utilizó durante la composición y grabación de (What’s The Story) Morning Glory?, el célebre segundo álbum que el grupo lanzó en 1995.

“Una guitarra acústica Epiphone EJ-200, número de serie S94070027, que perteneció y fue tocada por Noel Gallagher”, señala Sotheby's, la casa de subastas a cargo de la venta de este codiciado instrumento, en su página web. “La guitarra presenta incrustaciones en el diapasón y el diseño decorativo de enredaderas y flores de Gibson en el golpeador”, describe.

La puja, que empezó hace unos días y prevé que se cierre el 23 de abril, incluye una carta de autenticidad firmada por el propio Noel, donde se confirma que “la guitarra fue utilizada por Noel cuando componía canciones para el álbum (What’s The Story) Morning Glory?”. En total, se espera que el lote supere los 60.000 euros e incluso alcance los 80.000.

El éxito de un álbum

(What’s The Story) Morning Glory? es probablemente uno de los álbumes más importantes de la carrera de Oasis. El disco, que incluye temas tan emblemáticos como Wonderwall, Don’t Look Back in Anger, Champagne Supernova, Morning Glory o Some Might Say, vendió la asombrosa cifra de 350.000 copias en su primera semana de lanzamiento en octubre de 1995.

Desde entonces, ha superado las 22 millones, convirtiéndose en uno de los 50 discos más vendidos de todos los tiempos. “Un éxito arrollador que definiría todo un movimiento musical. Es sin duda el lanzamiento más distintivo e icónico de la discografía de la banda, y la guitarra que se escucha en él, la Epiphone EJ-200 de Noel Gallagher, tuvo un papel fundamental en su creación”, señala la casa de subastas. 

Otros de Oasis a la venta

No es el único objeto relacionado con la banda inglesa de rock formada en Mánchester en 1991 que ha salido a subasta. Junto a la acústica, también se ha puesto a la venta una guitarra Rickenbacker de 12 cuerdas utilizada por el compositor principal y guitarrista de Oasis durante más de diez años. Esta cuenta con un autógrafo de Noel Gallagher, en el que puede leerse “Dios te bendiga” acompañado de su nombre.

También salió a subasta una partitura enmarcada de la balada para piano Don't Look Back in Anger, escrita a mano con bolígrafo azul en papel rayado. “Esta canción es el primer sencillo de Oasis en el que Noel Gallagher canta como vocalista principal. Anteriormente, solo había sido la voz principal en las caras B del grupo”, recuerda Sotheby's, que estima que esta alcance un precio entre 30.000 y 40.000 euros.

El santuario de Monserrate es uno de los baluartes de la ciudad Bogotá, un lugar de espectaculares vistas gracias a su privilegiada situación, ya que fue erigido a 3.172 metros sobre el nivel del mar. Esta montaña, conocida originalmente por los muiscas como el cerro de Las Nieves, es hoy un símbolo de fe, deporte y naturaleza. Cientos de personas ascienden diariamente por sus senderos o medios mecánicos para contemplar la inmensidad de la capital de Colombia desde las alturas. Sin embargo, más allá de la belleza paisajística y la devoción religiosa, el lugar alberga un misticismo que captura la imaginación popular. Y es que existe una creencia profundamente arraigada que advierte a los enamorados sobre los peligros de coronar juntos la cima del cerro.

Concretamente, este mito urbano, transmitido de generación en generación, sugiere que el ascenso podría marcar el final de su historia de amor. Es una advertencia que resuena en las reuniones familiares y conversaciones entre amigos que visitan este emblemático mirador. El misterio persiste en el aire andino mientras el santuario vigila el destino de quienes se atreven a subir de la mano. La superstición más extendida afirma que los novios que suben a la montaña están destinados a separarse o nunca concretar su matrimonio. Según los relatos de guías y visitantes, si los prometidos descienden del cerro peleando, su ruptura es un hecho inevitable.

De hecho, esta leyenda ha cobrado tal fuerza que incluso existen canciones populares que aluden a la intriga de este fenómeno místico. Muchos bogotanos aseguran haber sido víctimas de esta “maldición” tras una visita que parecía ser un plan romántico. Las anécdotas de rupturas posteriores al descenso alimentan el temor de quienes prefieren evitar este destino con su pareja. A pesar de los siglos transcurridos, la historia se mantiene vigente y se revitaliza constantemente en la era digital. Es una narrativa que ha convertido a Monserrate en un escenario de posibles despedidas para los corazones más vulnerables. La creencia popular dicta que subir juntos es desafiar al destino en uno de los puntos más altos de la geografía nacional.

El origen de este curioso mito no está documentado con exactitud, pero se cree que tiene raíces en la moralidad colonial. En aquella época, subir al cerro era una peregrinación estrictamente religiosa y no una actividad turística de esparcimiento. Ver a una pareja de novios ascendiendo sin la supervisión de un familiar o “chaperón” era muy mal visto socialmente. Aquellos que desafiaban las normas morales de la sociedad santafereña eran juzgados y sus relaciones eran consideradas destinadas al fracaso. Más que una maldición sobrenatural, la idea reflejaba originalmente el rechazo social hacia conductas consideradas inapropiadas o rebeldes. Con el paso del tiempo, este juicio social se transformó en una leyenda urbana cargada de simbolismo espiritual. La montaña pasó de ser un espacio de vigilancia moral a un lugar donde el destino amoroso se decide según la fe. Así, el juicio de los hombres fue reemplazado por la supuesta intervención divina sobre el vínculo sentimental de los jóvenes.

En el centro de este misticismo se encuentra la imponente basílica del Señor Caído, un templo de estilo neocolonial terminado en 1920. La imagen del Cristo, tallada por Pedro de Lugo Albarracín en 1640, es objeto de una devoción profunda y milagrosa. Muchos creyentes afirman que la estatua posee propiedades sobrenaturales, como que su cabello crece o que aumenta su peso. Dentro del mito romántico, se dice que el ‘Señor Caído’ pone a prueba la sinceridad de los sentimientos de los novios. El ascenso se convierte así en una especie de examen emocional donde solo los amores verdaderos logran prevalecer. Para algunos, la montaña actúa como un filtro divino que separa a quienes no están destinados a estar juntos. Esta interpretación le otorga un carácter sagrado a la ruptura, viéndola como una protección ante una relación incorrecta. Por ello, subir al santuario implica para muchos enfrentarse a la verdad más profunda de su propio corazón enamorado.

Otro factor que alimenta la leyenda es el inmenso esfuerzo físico que requiere el ascenso por el sendero peatonal. Con más de 1.605 escalones y un trayecto de casi tres kilómetros, la subida es un reto de gran determinación. El cansancio extremo y la falta de oxígeno a más de 3.000 metros pueden generar tensiones y discusiones inesperadas. Las parejas que no logran gestionar juntas la exigencia del camino suelen evidenciar conflictos que ya existían previamente. En este sentido, la montaña no causa la separación, sino que actúa como una metáfora de las dificultades de la vida. La forma en que los novios se apoyan durante el agotador trayecto revela la dinámica real de su compromiso mutuo. Aquellos que descienden en medio de reproches o silencio absoluto confirman, para los supersticiosos, el poder del cerro. Es el escenario perfecto donde el agotamiento físico se entrelaza con la fragilidad de los vínculos afectivos mal consolidados.

No obstante, el mito también contempla una promesa de felicidad eterna para quienes superan con éxito la travesía. Algunas versiones afirman que, si la relación es estable y correcta, el vínculo se fortalecerá para toda la vida. Para estas parejas, subir a Monserrate no es una amenaza, sino un símbolo de unión, bienestar y éxito compartido. Existen numerosos testimonios de matrimonios que han oficiado sus bodas en la Basílica para bendecir su lazo afectivo. Estos actos buscan callar la superstición y demostrar que el amor verdadero puede conquistar cualquier altura física o espiritual. En estos casos, el Señor Caído se convierte en un aliado que concede un futuro próspero a los enamorados. La dualidad del mito permite que cada pareja viva la experiencia de acuerdo con la solidez de su propia entrega. Así, el cerro de Monserrate se transforma en un monumento a la esperanza para aquellos que confían plenamente en su destino.

Túneles, bosques y aves

Más allá de sus leyendas, Monserrate ofrece una infraestructura variada para quienes prefieren evitar el esfuerzo del sendero. El teleférico brinda una vista panorámica donde los visitantes sienten que flotan sobre la ciudad de Bogotá. Por su parte, el funicular atraviesa túneles y bosques andinos, acercando a las personas a la biodiversidad del cerro. En la cima, los turistas pueden disfrutar de una oferta gastronómica que incluye desde platos típicos hasta alta cocina. Jardines florales, un pozo de los deseos y un viacrucis con imágenes italianas completan la experiencia mística del lugar. La cima también es un refugio para la fauna, albergando más de 115 especies de aves como diversos colibríes. Este entorno natural y cultural convierte al cerro en el destino más visitado y emblemático de toda la capital. La belleza del paisaje nocturno con la ciudad iluminada es el cierre perfecto para cualquier jornada de peregrinación.

El cerro de Monserrate es, en definitiva, un lugar donde la realidad y la fantasía conviven en perfecta armonía. Además del mito de los enamorados, se rumorea que la iglesia descansa sobre un volcán dormido que podría despertar. Otras historias hablan de milagros de sanación para enfermos que cumplen promesas de fe ascendiendo de rodillas. Incluso se narran hazañas fantásticas como la del equilibrista Harry Warner, quien cruzó el abismo sobre una cuerda floja. Todos estos relatos contribuyen a la atmósfera mágica que envuelve a la montaña y a su señor milagroso. Al final del día, subir con la pareja sigue siendo una decisión personal cargada de significado histórico y emocional. Ya sea por fe, por deporte o por simple curiosidad, Monserrate seguirá observando el destino de los bogotanos desde su cerro.

Al debate sobre el impacto de las pantallas en la infancia hay que sumarle nuevos datos. Un estudio de la Universidad de Cardiff ha analizado cómo distintos tipos de juego influyen en el desarrollo emocional y social de los niños, y sus conclusiones apuntan a una clara diferencia: jugar con muñecas favorece más la empatía y la comprensión de los demás que el uso de tablets.

La investigación, realizada durante seis semanas, contó con la participación de niños de entre cuatro y ocho años. Los investigadores pidieron a los padres que registraran en diarios la frecuencia y duración del juego, después de asignar a cada menor una muñeca o una tablet con juegos precargados. Además, debían indicar si los niños jugaban solos o acompañados.

Los resultados mostraron que los menores que jugaban con muñecas tendían a interactuar más con otras personas y utilizaban con mayor frecuencia un lenguaje relacionado con las emociones.

El papel del juego en el desarrollo emocional

La doctora Sarah Gerson, de la Escuela de Psicología de la Universidad de Cardiff y una de las que ha llevado a cabo el estudio, destaca la importancia del juego en la infancia: “El juego a menudo se describe como la ocupación de los niños, tanto porque los niños pequeños pasan la mayor parte de su tiempo jugando como porque es un mecanismo crítico a través del cual aprenden”. Según explica, este tipo de experiencias son fundamentales para adquirir habilidades cognitivas y socioemocionales.

Uno de los conceptos clave del estudio es la llamada “teoría de la mente”, es decir, la capacidad de entender los pensamientos, creencias y emociones de otras personas. “La teoría de la mente es una habilidad fundamental para desarrollar relaciones con compañeros, profesores y padres”, señala Gerson.

Para evaluar esta capacidad, los investigadores les hicieron a los niños a pruebas específicas, como la denominada Sandbox Task, un test estandarizado que mide la comprensión de creencias falsas. Los resultados demostraron que los niños que jugaron con muñecas mostraron una mejora significativa en este ámbito.

Además, los avances fueron especialmente relevantes en aquellos menores que, según sus padres, tenían más dificultades en sus relaciones sociales. “Observamos que las mejoras en la comprensión de creencias falsas eran particularmente grandes en niños con más problemas de relación con sus iguales”, añade la investigadora.

Más imaginación, más empatía

El estudio apunta a que el juego con muñecas fomenta la imaginación y el desarrollo narrativo. Según Gerson, “cuando juegan con muñecas, los niños tienen la oportunidad de interpretar personajes, crear narrativas y representar escenarios”, lo que les obliga a ponerse en el lugar de otros.

Este tipo de juego simbólico permite a los menores ensayar situaciones sociales en un entorno seguro. “Creemos que el juego con muñecas puede animar a los niños a implicarse más en interacciones sociales y ofrecerles más oportunidades para ensayar o reflexionar sobre las creencias, emociones o intenciones de los demás”, afirma la experta.

En contraste, aunque las tablets pueden ofrecer estímulos cognitivos, su uso tiende a ser más individual y menos centrado en la interacción emocional. Cabe remarcar que los resultados del estudio no demonizan la tecnología, pero sí subrayan la importancia de combinar distintos tipos de juego, especialmente aquellos que promueven la creatividad y la conexión social.

En un contexto en el que las pantallas ocupan cada vez más espacio en la vida cotidiana, y la de los menores, esta investigación refuerza la idea de que el juego tradicional sigue teniendo un papel clave en el desarrollo infantil. Las muñecas son un entretenimiento pero a su vez una herramienta útil para aprender a entender a los demás y construir relaciones desde la infancia.

Muchas personas fuera de Estados Unidos no conocían el caso, pero con el estreno de La verdad detrás de la tragedia de Moriah Wilson, el documental que Netflix lanzó a principios de mes, la historia de esta joven y prometedora ciclista de montaña que fue brutalmente asesinada en mayo de 2022 se ha viralizado. ¿Qué le ocurrió a Moriah?

Anna “Mo” Moriah Wilson nació en 1996 en Littleton, en el estado de Nuevo Hampshire. De familia con tradición deportiva, Wilson mostró desde temprana edad un gran interés por el ciclismo. Durante su juventud destacó como esquiadora a nivel nacional, pero con el tiempo orientó su carrera hacia el ciclismo de gravel, modalidad que combina la velocidad de la carretera con la versatilidad de la montaña.

El 11 de mayo de 2022, Moriah estaba alojándose en casa de su amiga Caitlin Cash en Austin, Texas, para participar en la Gravel Locos, una destacada carrera de ciclismo de gravel que se celebra cada año en la localidad de Hico. Cuando Cash llegó a casa esa noche, encontró el cuerpo de Moriah en el suelo. Llamó al 911 e intentó practicarle la reanimación cardiopulmonar, pero la joven ya había perdido la vida. 

La autopsia dictaminó que la muerte de Wilson había sido un homicidio, con tres heridas de bala (dos en la cabeza y una en el pecho). La policía pronto encontró unas imágenes de una cámara de seguridad vecina que mostraban un Jeep SUV negro pasando apenas un minuto después de que Moriah llegara a la casa. Y empezó la investigación.

¿Quién mató a Moriah Wilson?

La policía descubrió que la tarde de los hechos Wilson había quedado con el ciclista Colin Strickland, con el que pasó la tarde nadando y tomando algo. Las cámaras de seguridad también los captaron regresando al apartamento de Cash en la moto de Strickland. Los investigadores consultaron entonces la matrícula del coche negro y descubrieron que estaba registrada a nombre de una mujer llamada Kaitlin Armstrong.

Armstrong huyó del país y fue localizada 43 días después de los hechos en Costa Rica. Cuando la encontraron, su apariencia había cambiado drásticamente porque se había sometido a varias cirugías estéticas para no ser identificada. El 16 de noviembre de 2023, tras un juicio de dos semanas, fue declarada culpable de asesinato en primer grado y condenada a 90 años de prisión.

¿Un asesinato por celos?

Kaitlin Armstrong tenía una relación sentimental con Colin Strickland, con quien Moriah había pasado toda la tarde del día de los hechos. Según la investigación y el juicio, Armstrong se enteró de que ambos habían estado juntos, lo que desencadenó un episodio de celos intensos. La mujer siguió a Moriah hasta la casa en la que se quedaba para acabar con su vida. 

La misión Artemis II se ha convertido en la protagonista de los últimos días. El viaje de Christina Koch, Jeremy Hansen, el comandante Reid Wiseman y Victor Glover, los cuatro astronautas que observaron la cara oculta de la Luna y regresaron de vuelta a la Tierra, ha generado multitud de preguntas. Una de las más curiosas tiene como protagonista al pequeño peluche que los ha acompañado.

Hablamos de Rise, un peluche con carita sonriente que ha captado la atención de muchos usuarios. El juguete fue diseñado por Lucas Ye, un niño de ocho años que participó en el concurso lanzado por la NASA y Freelancer, una empresa de financiación colectiva, para elegir a la mascota lunar que acompañaría a la tripulación a bordo de la nave Orion hasta nuestro satélite. 

“Me gustan los cohetes, la NASA, el sistema solar y estudiar sobre el espacio”, dijo el chico cuando su diseño fue preseleccionado. Su peluche estaba lleno de detalles: el cuerpo blanco y redondo representa la luna, mientras que una pequeña huella en su parte de atrás hace referencia a la llegada de Neil Armstrong a la Luna en 1969. Lucas se impuso a otros 2.600 participantes con su diseño.

Pero lo que muchos no saben es que Rise es mucho más que un peluche tierno y adorable con el que los astronautas se han fotografiado dentro y fuera de la nave que los ha llevado a la Luna. Este peluche ha cumplido una función clave en la misión. “La tripulación de Artemis II de la NASA seleccionó a Rise como su indicador de gravedad cero para la misión”, explicó la organización en su página web. 

¿Qué es eso de la gravedad cero?

Un indicador de gravedad cero es un objeto ligero que se utiliza en vuelos espaciales para mostrar visualmente cuándo una nave ha alcanzado la microgravedad. En otras palabras, es el objeto que permite a la tripulación a bordo de una nave espacial identificar de forma simple y rápida el momento exacto en que comienza la ingravidez.

La tradición de usar peluches como indicadores de gravedad cero comenzó con el soviético Yuri Gagarin, el primer ser humano en el espacio, que también llevó consigo un pequeño muñeco en la misión Vostok 1 de 1961. Pero en el caso de Rise, además de su función técnica, este incorporaba un componente simbólico: en su interior transportó una tarjeta de memoria con 5,6 millones de nombres enviados por ciudadanos de todo el mundo.

El peluche fue fabricado por el Laboratorio de Mantas Térmicas de la NASA en el Centro de Vuelo Espacial Goddard en Greenbelt, Maryland. “La NASA trabajó con la empresa Freelancer para realizar un concurso de diseño de mascotas lunares para diseñar el indicador de gravedad cero para Artemis II, que recibió más de 2.600 propuestas de más de 50 países, incluyendo estudiantes de primaria y secundaria”, compartió la organización.

Carlos Alcaraz comienza su andadura en el Barcelona Open Banc Sabadell-Trofeo Conde de Godó, en busca de su tercer título en la ciudad condal y con el horizonte de recuperar el número 1 del ranking ATP. El tenista murciano debuta este martes (no antes de las 16:00 horas) ante el finés procedente de la fase previa Otto Virtanen, número 130 del mundo. 

Será el primer duelo entre ambos tenistas, que no se habían visto las caras hasta la fecha. El español parte como favorito ante Virtanen, que también viene de participar en el Masters 1000 de Montecarlo, donde no pasó de la ronda previa, superado por el estadounidense Ethan Quinn en tres sets. 

Alcaraz aterriza en Barcelona tras su participación en Mónaco, donde no pudo revalidar el título ni retener el número 1 del ranking ATP, al caer en la final ante Jannik Sinner (6-7 y 3-6). El italiano ahora es el rey del tenis mundial, pero la distancia entre ambos tenistas es mínima y la película podría cambiar en la capital catalana, donde el murciano se mueve como pez en el agua. 

“He visto que tengo que ganar el torneo aquí si quiero recuperar el número uno. La batalla por el número uno que estamos teniendo Jannik (Sinner) y yo es muy bonita y probablemente sea una motivación extra para ganar aquí”, declaró el tenista español desde la sala de prensa del RCT Barcelona-1899.

Sin embargo, Alcaraz no se obsesiona con ello. El reto que afronta es “seguir el camino trazado e intentar seguir mejorando” para poder ser aún más competitivo.

Y no ha escondido la “admiración” que siente por Sinner, quien le sirve además “de referencia” para evolucionar como tenista: “Él es uno de los jugadores que me hace darme cuenta de mis debilidades y me hace ser mejor cada día”.

Alcaraz busca resarcirse en Barcelona, un torneo que tiene subrayado en rojo en su calendario y en la gira de tierra batida, con Roland Garros en el horizonte. En la ciudad condal ganó en 2022 y 2023. El año pasado fue finalista, tras sufrir una lesión en la final con Rune que, a posteriori, le impidió luego disputar el Masters 1000 de Madrid.

“Barcelona es uno de los torneos más especiales que tengo marcados en mi agenda”, ha reconocido el murciano en rueda de prensa. Y ahora tiene una oportunidad inmejorable. 

Horario y dónde ver el debut de Alcaraz en Barcelona

El partido entre Alcaraz y Virtanen, que supondrá el debut del murciano en el ATP 500 Barcelona Open Banc Sabadell-Trofeo Conde de Godó, se disputará este martes, 14 de abril, no antes de las 16:00 horas. El encuentro, así como el resto del torneo, puede verse por televisión, en abierto, a través de RTVE.

El 18 de noviembre de 1910, más de 300 mujeres marcharon hasta Parliament Square, la plaza de Londres donde se ubica el Parlamento británico, y exigieron ver al primer ministro. El objetivo era presionar directamente al gobierno para que aprobara una ley que diera el derecho al voto a las mujeres. Entre ellas estaba Sophia Duleep Singh, una de las figuras más visibles del sufragismo y cuya historia estaba marcada por su relación con el mismísimo Imperio británico. 

Sophia, que en el momento de aquella marcha tenía 34 años, era hija de Duleep Singh, el último maharajá del Imperio Sikh, depuesto tras la anexión británica del territorio y posteriormente trasladado a Inglaterra, donde fue integrado en la aristocracia bajo estricto control imperial. Así, la princesa creció con una gran cercanía a la corte británica, hasta tal punto que la reina Victoria se convirtió en su madrina.

Sophia pasó su primera infancia en Elveden Hall, en Suffolk, propiedad que su padre adquirió en 1863. La finca ofrecía a la familia todos los pasatiempos propios de la aristocracia inglesa como la equitación y la caza, pero también fue desarrollando otras aficiones, desde la fotografía y la música hasta el ciclismo, el hockey y los animales.

La diferencia entre aquellos privilegios a los que podía acceder gracias a su cercanía a la corte británica y la condición política de su familia, a la que el Imperio británico había desprovisto de toda soberanía, probablemente marcaron su pensamiento. También las visitas que hizo a la India, donde se reunió con nacionalistas como Lala Lajpat Rai, quien criticaba la respuesta británica a las hambrunas y defendía el derecho de los indios a la autodeterminación.

Una figura clave del sufragismo 

Con el tiempo, la princesa centró su lucha en el sufragio femenino. Se unió a la Women's Social and Political Union (Unión Social y Política de las Mujeres), una organización sufragista militante liderada por la activista Emmeline Pankhurst, donde se convirtió en una de las miembros más visibles del grupo. 

Durante la marcha del 18 de noviembre de 1910, que hoy se conoce como el “Viernes Negro”, el primer ministro declinó la petición de las sufragistas, pero Sophia y sus compañeras se negaron a dispersarse. Durante seis horas, 200 mujeres fueron agredidas física y sexualmente por la policía, y dos de ellas fallecieron posteriormente a causa de las heridas, según recuerda la organización Historic Royal Palaces. 

Incluso después de que Gran Bretaña concediera a las mujeres el derecho al voto, primero con restricciones en 1918 y luego en igualdad de condiciones que los hombres en 1928, Sophia Duleep Singh siguió dedicada a la causa sufragista. Falleció en 1948, un año después de la independencia de India y Pakistán, a los 72 años.

Es una de las películas más esperadas de 2026 y verá la luz este 24 de abril en España y en gran parte de las salas mundiales. “Michael”, el biopic sobre Michael Jackson en el que su sobrino Jaafar Jackson se transforma en el rey del pop, y que ha sufrido diferentes retrasos en su fecha de estreno, de lo que se han sabido más detalles gracias al portal Variety.

Y es que, según la web, en el biopic no se hablará de la denuncia por abuso infantil que recibió el cantante en 1993 mientras se encontraba de tour por Asia y que supuso un punto de inflexión en su carrera, pues afectaría a su imagen pública. Esto obligo a rehacer toda la parte final, y de ahí el retraso de 2025 a 2026 como fecha de estreno.

¿Qué le pasó a Michael Jackson en 1993?

En enero de 1993, Michael Jackson era el rey del pop sin duda alguna y estaba en un punto álgido de su carrera. Ofreció uno de los shows del ‘halftime’ de la SuperBowl más recordados y míticos del espectáculo deportivo, ante lo que fueron más de 100 millones de espectadores en Estados Unidos. En ella cantó un repertorio que incluyó Jam, Billie Jean, Black or White, We Are the World y Heal the World, y que redefiniría lo que sería esta actuación más adelante en la cultura pop.

El año continuó a lo grande, recibiendo el Grammy Legend Award por su trayectoria y que se le otorgó de la mano de su hermana Janet Jackson, un hecho que llegó tras los tres ‘American Music Awards’ a Mejor Álbum Pop/Rock por Dangerous, Mejor Single Soul/R&B por Remember The Time, y el Premio al Mejor Artista y Humanitario Internacional.

Sin embargo, todo cambiaría en otoño de 1993, cuando Michael Jackson fue denunciado por abuso infantil a Jordan Chandler, un niño de 13 años, lo que llevó a que se abriera una investigación y se realizaran registros en su rancho de Neverland y otras propiedades.

Si bien el cantante negó todas las acusaciones, esto afectó a su imagen pública, que no volvería a tener la misma estima, además de que entonces admitió públicamente su dependencia a analgésicos y se sometió a tratamiento de rehabilitación. En enero de 1994, se llegó a un acuerdo extrajudicial en el que firmaron un acuerdo económico por una suma estimada de 23 millones de dólares, sin admitir culpabilidad, aunque esto no estuvo exento de controversia.

Omitir 1993 cambió el biopic de “Michael” y sumó presupuesto

Así, todo esto contado no formará parte del biopic de “Michael” debido a que todo un tercer acto que relataba todo esto fue omitido. Esto se debe, según Variety, al hecho de que descubrieron una demanda original que prohibía que el denunciante fuera representado en una película, algo que pasó cuando la película ya estaba completamente rodada.

Esto supuso 22 días más de rodaje, y obligar a cambiar todo el final, lo que sumó 15 millones de dólares al coste, que fue asumido por la propiedad de Jackson, porque fueron ellos mismos los que impulsaron la revisión. Así, esto retrasó el estreno del 18 de abril de 2025 inicial al 3 de octubre del mismo año para luego llegar finalmente este abril de 2026.

La película cambió así por completo, siendo una historia de su ascenso en la música y de trayectoria de sus éxitos, y ofreciendo solo la complicada relación con su padre como exploración de su vida personal, que iba a ocupar en el tercer acto mayoritariamente el impacto de las acusaciones de abuso infantil. De esta forma, se considera que el final actual se cerrará en la preparación de su icónica gira ‘Bad’ de 1987.

El hecho controversial por el que sí que pasará el biopic son las graves quemaduras que sufrió en su cuero cabelludo cuando grababa una publicidad con Pepsi en 1984, lo que le llevó a ser dependiente de analgésicos, y que derivaría finalmente en su fallecimiento en 2009.

Hace 40 años, la canción “Si tú eres mi hombre y yo tu mujer” de Jennifer Rush ocupaba lo más alto de la lista de sencillos en España, en la que se mantendría durante semanas, obteniendo un gran éxito con otra versión de las varias que ya había tenido y las que tendría, llegándose a afirmar como “la canción de amor de la década”, como reza el propio sitio web de la cantante estadounidense.

Y es que esa era la versión en español de “The Power of Love”, que había sido adaptada por Luis Gómez-Escolar, y que fue el enésimo número uno para la canción de amor que sería una de las baladas románticas más significativas de la década e interpretadas por artistas femeninas.

La historia camaleónica de “The Power of Love” de Jennifer Rush

Casi dos años antes del éxito de su versión español, en 1984, fue cuando se había publicado por primera vez la canción, grabada en Frankfurt, en Alemania, donde residía la cantante, que trabajaba entonces para el ejército de Múnich, y que había probado varias veces suerte en la música, hasta encontrar el tema que le abriría la fama.

Y es que, en 1979, antes de mudarse a Alemania, Jennifer Rush, que en realidad se llamaba Heidi Stern, había publicado su álbum debut en Estados Unidos bajo su nombre real, pero este pasó desapercibido. Con su verdadero nombre había también publicado sus primeros temas en Alemania en 1982. Como Jennifer Rush fue cuando encontró sus primeros éxitos, cuando entre febrero y marzo de 1984 realizó una gira con la Filarmónica de Berlín interpretando temas de la banda sonora de James Bond, asombrando al público con su voz.

Así, finalmente en diciembre de 1984 fue cuando “The Power of Love” vio por primera vez la luz, aunque solo llegó al número 16 en Alemania. Este éxito discreto cambiaría cuando un promotor de CBS en Londres escuchó cantarla en una convención discográfica en Hawai y en octubre de 1985, la canción tuvo una nueva vida lanzándose en el Reino Unido. Una decisión que cambiaría la carrera de Jennifer Rush, que vería como el tema que había escrito junto a sus productores la haría famosa.

De hecho, su número uno en el Reino Unido que duró cinco semanas y que permaneció 16 en total en la lista, supusieron que entrara en el Libro Guinness de los Récords como el sencillo más vendido en el país en 1985 con más de un millón de copias, tan solo en un par de meses antes de finalizar el año. Así, fue el sencillo más vendido por una artista solista femenina en la historia de la música británica, un récord que ostentó hasta 1992 cuando Whitney Houston se hizo con él con otra famosa balada romántica, “I Will Always Love You”.

Desde aquí, la década de los 80 fue de gran éxito para Jennifer Rush, que luego también tendría buenos números con canciones como “Ring Of Ice” o su dúo con Elton John, “Flames Of Paradise”, que se unieron a sus colaboraciones con otras personalidades de la música entonces como Richie Sambora de Bon Jovi, Desmond Child o Michael Bolton.

La segunda vida que le dio Céline Dion: el éxito en EE. UU

A pesar de ser el país natal de la cantante, el éxito en Estados Unidos se resistió, pues la canción solo llegó a alcanzar el puesto 57 de Billboard. No sería hasta 1993 cuando “The Power of Love” se convertiría un himno romántico también en USA, con la versión de Céline Dion, que le dio una destacada fama comercial, también en Canadá o Australia, además de reentrar en otros territorios europeos.

La versión de Céline Dion se convirtió en el sencillo más vendido por una artista femenina en 1994 en los Estados Unidos y el octavo más vendido en general, con 900.000 copias vendidas, y fue el primer número uno para la cantante canadiense, abriendo una trayectoria brillante y longeva. Tanto es así que la propia Billboard la reconoció dentro de su lista de “Mejor Canción de Amor de Todos los Tiempos”. Y es que ha quedado como una de las baladas románticas más traducidas, versionadas y todo un clásico del pop.

“El infierno del norte conduce al paraíso. Un paraíso con flores, para Goolie”. Esto fue lo que escribió Wout Van Aert en su aplicación de Strava tras ganar la París-Roubaix 2026, refiriéndose al que fuera su compañero, Michael Goolaerts, que falleció en 2018 en la carretera de esta prueba debido a un paro cardiaco.

Van Aert se impuso en el último segundo con un sprint junto a Tadej Pogacar, que llegaba como gran favorito para completar los Monumentos y escribir una nueva página de su historia. El belga había atacado a 54 kilómetros de meta, en el sector de Auchy-Iez-Orchies a Bersée, siendo la selección final en la que solo le siguieron el esloveno y Mads Pedersen, para este mismo cediera antes de que los dos primeros se jugaran la carrera en el velódromo.

La carrera de París-Roubaix 2026 estuvo marcada por las rachas de viento, que hicieron la prueba más complicada y exigente para los favoritos, con van der Poel y el propio Pogacar sufriendo varios infortunios, y en la que el que mejor capeó fue Wout Van Aert, que tenía un claro objetivo de conquistar esta clásica francesa desde hacía ocho años, como homenaje a Goolaerts.

“Esta victoria significa todo para mí. Ha sido un objetivo desde 2018, la primera vez que lo hice. Han pasado ocho años y esa vez perdí a un compañero y desde entonces quería ganar por él, Michael Goolaerts. En particular para su familia, pero también para mis amigos y compañeros de ese equipo. Fue un día terrible para todos nosotros”, afirmaba después de conquistar la que es su segundo Monumento, tras la Milán-San Remo 2020.

El duelo con Pogacar, además, añadió mayor grandeza a la victoria: “No hay mejor manera que ganar frente al campeón del mundo. Es un fenómeno y ganar delante de él de esta manera para mí es realmente especial. Cuando entré en el velódromo apliqué mi plan. En mis sueños y en mi preparación hice este vuelo mil veces. Sabía lo que tenía que hacer, pero la parte más difícil era llegar allí. Tadej me atacó muchas veces y estuve al límite en algunos momentos. Esta es una carrera caótica, todos llegan a la llegada con su propia historia que contar. Y eso es lo que la hace magnífica. En días como este es la carrera más hermosa del mundo”.

El día que marcó la relación de Van Aert con la París-Roubaix

La París-Roubaix había sido siempre el gran objetivo del corredor belga, desde que hace ocho años recibió una de las peores noticias posibles en medio de una carrera: que su compañero Michael Goolaerts fallecía tras sufrir un paro cardiaco en mitad de la prueba de los adoquines.

Goolaerts debutaba en el llamado ‘infierno del norte’ en 2018 con su equipo Willems-Crelan, en el que coincidía con Wout Van Aert, de la misma edad y ambos de la región de Amberes, lo que hizo que entre los dos se creara un vínculo especial en el Monumento francés.

Michael Goolaerts, llamado ‘Goolie’, se cayó en el segundo tramo adoquinado, y desde el principio, el equipo se da cuenta que no ha sido un incidente de carrera, sino algo más. Y fue así, un paro cardiaco mientras competía frenó su prueba y su vida. Fue un 8 de abril de 2018, y aunque se le trasladó en helicóptero, no se pudo hacer nada para salvarle.

Aquelló marcó de por vida a Wout Van Aert, que recuerda ese fatídico día en un reportaje de la televisión belga: “En el momento en que recibí la noticia, me cayó como una bomba. Nunca lo olvidaré... Un momento muy desagradable. Esa extraña sensación me acompañará durante mucho tiempo. La de haber corrido una carrera durante unas horas más que ya no tenía ninguna importancia. Es incomprensible, porque Michael era un tipo fantástico. Optimista, bondadoso y siempre dispuesto a ayudar a los demás”.

Al conseguir su ansiada y buscada victoria en la París-Roubaix este 2026 tuvo de nuevo a Goolaerts en su pensamiento y además de su homenaje con las bonitas palabras en Strava, lo hizo también frente a los periodistas tras levantar los brazos: “A menudo pienso en él y en aquel día. Se me puso la piel de gallina al pasar por su monumento. Mis padres van allí todos los años a dejar flores”, declaró con lágrimas en los ojos.

El regreso de Justin Bieber a los escenarios en el Festival de Coachella 2026 tras más de cuatro años después de su última gira ‘Justice World Tour’, que tuvo lugar en 2022, generó fuerte expectación, pero tampoco estuvo exento de polémica y controversia, iniciándose un fuerte debate en redes sociales.

El espectáculo de Bieber giró en torno a su música más actual, pero tampoco escapó de la nostalgia, repasando también los títulos que le hicieron famoso, dando lugar a una actuación que se movió con fuertes contrastes, entre momentos de intensidad y tranquilidad, moviéndose también en aspectos extraños que resonaron entre los asistentes, pero también los que lo siguieron por redes.

Este concierto no será la única ocasión que el cantante participe en el Festival de Coachella, que tiene lugar entre el 10 y 19 de abril en la localidad de Indio, California, pues el artista realizará una nueva actuación el próximo sábado 18 de abril.

Un espectáculo “perezoso”: las redes sentencian a Bieber en su regreso

La vuelta de Justin Bieber a los escenarios generó fuerte expectación después de cuatro años sin actuar, pero el espectáculo que llevó a cabo pareció no estar a la altura para los miles de usuarios que en redes sociales criticaron su actuación por ser “perezosa” y “carente de esfuerzo”, con calificativos que llegaron a asegurar que fue “uno de los peores shows en la historia del festival”.

Uno de los hechos más criticados fue la falta de directo del cantante, ya que muchos de los asistentes se quejaron porque usó voz pregrabada durante todas las canciones de su repertorio, pero esto no se quedó ahí, porque algunos llegaron a darse cuenta de que esta base parecía solaparse con los videoclips, dando la sensación de que lo que pasaba en el escenario quedaba en segundo plano.

Estas críticas fueron a más cuando la canción que Justin Bieber interpretaba fue su mítica canción “Baby”, de la que próximamente se cumplirán 16 años desde su lanzamiento. Era un momento muy esperado por los asistentes al concierto y muchos se quedaron decepcionados por el desempeño del artista.

“Le pagaron 10 millones de dólares para cantar karaoke”

Por si fuera poco, una de las más fuertes críticas, sobre todo a los que estaban en el festival de Coachella, fue que Justin Bieber apenas interactuó con el público, derrochando una actitud poco interesada en el ‘show’, que se acrecentó al proyectar varios contenidos desde un ordenador, donde simulaba que le pedían canciones para interpretar.

Tras todo, esto las redes sociales estallaron con comentarios como “le pagaron 10 millones de dólares para cantar karaoke de sus propias canciones en YouTube” o lo de “cantar a medias sobre tu video musical, que en realidad está más alto que tus voces, no es interpretar”. Esto hace referencia al hecho de que según reveló la revista Rolling Stone, el artista se embolsará esa cantidad por los dos conciertos en el festival.

El concierto de Justin Bieber fue de un comienzo con una primera parte protagonizada por canciones de sus álbumes 'SWAG' y 'SWAG II', para pasar luego al momento ‘nostalgia’ con temas como “Baby” o “Favorite Girl”, que marcaron sus inicios, e incluso el video de la cover de “With You” de Chris Brown que subió a YouTube y le hizo famoso. Además de actuaciones, Bieber también contó con invitados especiales de la talla de Tems, Dijon, Wizkid y Mk.gee.

El dinero manda, pero no basta con repetir una fórmula para que siga entrando. Avatar, como saga que ha generado miles de millones, representa ese equilibrio entre el éxito pasado y la exigencia de seguir produciendo resultados que justifiquen cada nueva entrega.

La continuidad económica no depende solo de recaudar cifras altas, también exige controlar el gasto y ajustar el tamaño de cada proyecto a lo que realmente puede devolver. En ese punto aparece una tensión habitual en las grandes franquicias, donde la creatividad empuja hacia producciones cada vez mayores mientras las empresas revisan cada número con más cautela.

La maquinaria del dinero necesita seguir en marcha, pero no puede hacerlo a cualquier precio, porque una sola decisión mal calibrada puede convertir un éxito sobre el papel en un problema real.

El estudio exige a Cameron recortar duración y presupuesto

Disney ha dejado claro que el futuro de Avatar pasa por una condición muy concreta que afecta de lleno a la cuarta entrega. El estudio solo seguirá adelante si James Cameron acepta rodar películas más cortas y con menos coste, una decisión que llega tras comprobar que Avatar: Fuego y ceniza ingresó unos 1.500 millones de dólares pero con un gasto cercano a los 500 millones entre producción y promoción, según recoge The Wrap.

Esa relación entre ingresos y costes genera dudas dentro de la compañía, que compara ese resultado con proyectos más contenidos como Zootrópolis 2, capaz de costar 150 millones y acercarse a los 2.000 en taquilla. La diferencia no está en recaudar más o menos, sino en cuánto dinero queda realmente después de pagar la factura.

Cada vez hay menos interés del público

Las condiciones que plantea Disney no se limitan a una recomendación, sino que funcionan como un requisito claro para decidir si Avatar 4 se convierte en realidad. El estudio quiere reducir tanto la duración como el presupuesto porque eso permite aumentar el número de sesiones en cines y rebajar el riesgo financiero en cada estreno.

La decisión responde a una lógica bastante simple: no basta con ingresar mucho, también importa cuánto cuesta llegar hasta ahí. Cameron ya ha rodado parte de la cuarta entrega y mantiene la intención de conectar esa historia con la quinta, lo que le obliga a negociar desde una posición compleja si quiere mantener su plan inicial sin cambios profundos.

En paralelo, hay otra señal que preocupa a Disney y tiene que ver con el interés fuera de las salas. Jim Shull, ejecutivo de parques temáticos, explicó que “la realidad es que a Avatar 3 no le fue mal pero como fuerza cultural, está agotada: nadie quiere ver más”, una valoración que influye en decisiones como no ampliar las atracciones basadas en la saga.

Esa falta de impulso en los parques contrasta con el entusiasmo por otras franquicias que sí generan nuevas experiencias, como Zootrópolis. La recaudación en cines es solo una parte, porque la saga también tiene que funcionar en tiendas, parques y todo lo que se vende fuera de la pantalla.

La recaudación baja con cada entrega de la saga

El recorrido de la saga muestra una tendencia que alimenta esas dudas internas. La primera película alcanzó 2.920 millones en 2009, mientras que Avatar: El sentido del agua llegó a 2.330 millones en 2022 y la tercera entrega se quedó en torno a 1.490 o 1.500 millones según las estimaciones disponibles.

Las cifras siguen siendo enormes dentro de la industria, pero el descenso progresivo se interpreta como una señal de desgaste en el interés global. Disney tiene delante una bajada en ingresos que no viene acompañada de un recorte en el gasto, y eso complica cada nuevo proyecto.

Desde el entorno de Cameron, la visión es distinta y se apoya en el conjunto de la franquicia. Un miembro del equipo de Avatar señaló que “es asqueroso que haya ganado 1.500 millones y la gente hable de ella como si fuera Ishtar”, en referencia a una película considerada un fracaso histórico.

Además, recuerdan que las tres primeras entregas suman 6.700 millones, con una media superior a 2.000 por película, un dato que sitúa a la saga en una posición muy alta dentro del cine comercial. Para ese grupo, el problema no está en el rendimiento real, sino en la expectativa que se ha fijado alrededor de cada estreno.

Otros factores también han influido en el cambio de percepción sobre la franquicia. La crisis del cine tras la pandemia de 2020 redujo la asistencia en salas y alteró el comportamiento del público, mientras que la muerte de Jon Landau en 2024 eliminó una figura importante en la producción de las películas.

A esto se suma un lanzamiento con menos promoción y escaso merchandising en el caso de Fuego y ceniza, un detalle que The Wrap señala como una posible explicación del menor impacto. El estudio, por su parte, parece centrado en proyectos que ofrecen resultados más estables dentro de su catálogo.

El futuro de la saga queda pendiente de un acuerdo

El futuro de Avatar 4 sigue en el aire pese a tener fecha prevista para el 21 de diciembre de 2029 y parte del material ya rodado. Cameron ha reconocido que llegó a plantearse cerrar la historia en la tercera película y también ha valorado la opción de ceder la dirección a alguien más joven, aunque eso abriría dudas sobre el estilo de la saga.

El reparto principal, con Sam Worthington, Zoe Saldaña, Oona Chaplin y Stephen Lang, se mantiene, y la narración recaerá en Kiri, personaje interpretado por Sigourney Weaver en la versión original.

La historia se sitúa ocho años después de los hechos anteriores, mientras que Avatar 5, prevista para 2031, podría trasladar parte de la acción a la Tierra. Todo queda pendiente de un acuerdo que determine hasta dónde está dispuesta a llegar cada parte.

Roma fue un objetivo militar porque concentraba poder político, infraestructuras y una posición estratégica dentro de Italia. La ciudad quedó implicada en la Segunda Guerra Mundial al formar parte del eje liderado por la Alemania nazi, y esa alianza expuso su territorio a ataques aéreos cuando los aliados avanzaron por el Mediterráneo.

Los bombardeos respondían a una idea clara: destruir comunicaciones, debilitar la capacidad de mando y presionar al régimen para forzar cambios. En ese contexto aparece la familia Saboya, la dinastía que ocupaba el trono italiano y que intentaba proteger su continuidad mientras el país cambiaba de rumbo. Esa combinación de guerra, poder y amenaza explica por qué se construyeron refugios como el de Villa Ada.

El refugio subterráneo de Villa Ada ha vuelto a abrir

El búnker de la familia Saboya en Villa Ada ha reabierto al público tras su rehabilitación y vuelve como espacio histórico visitable en Roma. Según el Ayuntamiento de Roma, la estructura vuelve a ser accesible después de más de cinco años de cierre gracias a un acuerdo entre la administración y asociaciones ciudadanas.

Este refugio antiaéreo, pensado para uso exclusivo de la familia real, forma parte de un conjunto de espacios que permiten entender cómo se vivió la guerra en la capital italiana. La reapertura, de esta manera, recupera un lugar que había quedado fuera del recorrido cultural de la ciudad durante años.

El recinto ya había abierto en 2016, pero volvió a cerrar en 2021 al terminar la concesión que permitía su gestión. Esa interrupción dejó el espacio sin visitas durante un periodo prolongado, hasta que se ha logrado formalizar un nuevo acuerdo entre el ayuntamiento y entidades como Roma Sotterranea y ASD Giochi di Strada.

Esta nueva etapa confirma el interés por recuperar espacios vinculados a la guerra dentro de la ciudad. El búnker, situado bajo una colina en Villa Ada y con alrededor de 80 años sin uso, vuelve a formar parte del patrimonio visitable tras décadas marcadas por el abandono y episodios de vandalismo.

La restauración ha requerido una inversión millonaria y mejoras del entorno

Tania De Nile, curadora de Villa Ada para la Superintendencia de Roma, explicó que “la apertura de este refugio singular consolida la oferta de arqueología bélica de Roma”. También señaló que el complejo estaba conectado al palacio que hoy alberga la Embajada de Egipto y añadió que “servía para proteger a la familia real en caso de ataque”.

La recuperación del búnker ha requerido una inversión de 2,4 millones de euros, integrada en un plan más amplio de 14 millones destinado a la rehabilitación de toda la villa. Los trabajos han incluido la estabilización de los terrenos, afectados por erosión, y la mejora de los accesos para permitir visitas seguras. Además, se han plantado unas 900 especies arbustivas para reforzar el entorno y favorecer la biodiversidad en la zona.

El interior estaba preparado para resistir ataques prolongados

El interior del refugio se organiza en varios espacios funcionales pensados para resistir ataques aéreos. Cuenta con estancias diferenciadas, sistemas de filtrado de aire, un generador eléctrico y servicios básicos que permitían mantener a los ocupantes durante un tiempo prolongado bajo tierra.

En la parte superior, una estructura que parece una torre de jardín oculta una escalera de caracol que actuaba como salida de emergencia. La construcción incluía también losas de cemento armado diseñadas para absorber el impacto de una explosión mediante un colapso controlado.

Su diseño incluía una rampa doble que permitía a los vehículos oficiales descender directamente hasta la entrada protegida, una solución poco habitual en este tipo de refugios.

Otros refugios de la época muestran situaciones distintas del conflicto

La historia de este lugar se entiende mejor al situarla junto a otros refugios de la misma época. El búnker de Villa Torlonia, vinculado a Benito Mussolini, se construyó en 1942 pero quedó inacabado y nunca llegó a usarse por el dictador, que fue destituido antes de su finalización. En cambio, el refugio de Villa Ada sí se completó entre 1940 y 1943 y probablemente tuvo uso, además de mantenerse tras la guerra.

Ambos espacios muestran dos situaciones distintas dentro del mismo conflicto y ayudan a entender cómo se preparaban las élites políticas ante los bombardeos.

La familia Saboya desempeñó un papel decisivo en ese periodo. Víctor Manuel III reinó desde 1900 hasta 1946, el mandato más largo en la historia italiana, y durante la guerra trató de mantener la continuidad de la monarquía en un escenario inestable.

La abdicación en favor de Humberto II buscaba salvar la institución, pero el referéndum posterior, con un 54,26% de votos favorables, instauró la república y puso fin a la monarquía.

La ciudad recupera espacios de guerra como parte de su memoria

Roberto Gualtieri, alcalde de Roma, afirmó durante la reapertura que “este búnker nos ayuda a entender la materialidad de esos años”. También indicó que “se terminó de construir en mayo del 43 y los bombardeos empezaron en julio”.

Sabrina Alfonsi añadió que el espacio abrirá de forma gratuita los fines de semana y defendió que “no queremos repetir errores del pasado”.

De este modo, el espacio se recupera para la ciudad sin perder su sentido como recuerdo de uno de los periodos más oscuros de la historia reciente del mundo.

Última oportunidad para Barcelona y Real Madrid en la Champions League, que resuelve esta semana sus eliminatorias de cuartos de final. Ambos conjuntos perdieron en la ida frente a Atlético de Madrid y Bayern de Múnich (0-2 y 1-2 respectivamente) y ahora necesitan una remontada heroica para estar en semifinales de la máxima competición continental. Más cerca está el Atlético de Madrid, que defenderá la renta de dos goles conseguida en el Camp Nou. 

El equipo azulgrana y el conjunto blanco se encomiendan a la épica y a las gestas que han firmado en el pasado. Sin embargo, ambos juegan no solo con el resultado en contra, sino que los precedentes no acompañan. El factor campo tampoco, porque ambos jugarán fuera de sus feudos. 

En el caso del Barcelona, se ha enfrentado en dos ocasiones al Atlético de Madrid en los cuartos de final de la Champions League y no ha superado ninguna de las dos eliminatorias: 2-1 en el global en la temporada 2013/14 y 3-2 en la temporada 2015/16. El equipo entrenado ahora por Hansi Flick aspira a que a la tercera sí vaya la vencida. 

Si el Barcelona quiere estar en las semifinales de la Champions League necesitará levantar el marcador adverso. En la ida, el cuadro culé se quedó con un jugador menos al borde del descanso por la expulsión de Pau Cubarsí. Justo en ese momento encajó un gol y los colchoneros pusieron la puntilla en una contra en la segunda mitad, ya con un jugador más. 

Los azulgranas se agarran al precedente reciente de Copa del Rey, donde casi remontan el 3-0 adverso de la ida. Se quedaron a solo un gol de forzar la prórroga, pero faltó finura para convertir las innumerables ocasiones que generaron. Sin embargo, no tendrán el apoyo de su afición, sino que sentirán la presión que suele ejercer el Metropolitano. 

El Real Madrid también afronta una situación límite. En su caso, el partido de vuelta será el miércoles y en el Allianz Arena ante el Bayern de Múnich. El equipo blanco busca la enésima remontada en su competición fetiche, en la que acumula 15 títulos a lo largo de la historia. A esos precedentes se aferra precisamente el cuadro de Álvaro Arbeloa, que no atraviesa su mejor momento de juego y al que la liga se le ha puesto muy cuesta arriba tras el pinchazo ante el Girona. 

La estadística no sonríe al conjunto blanco. Desde 1995, desde el cambio de formato y denominación de la Copa de Europa, pero también antes, el equipo madridista nunca levantó una derrota en el encuentro de ida. No lo logró ni en los octavos de final de 2019-20 contra el Manchester City. No lo consiguió en la ronda de octavos de 2005-06 contra el Arsenal. Tampoco en 2001 contra el Bayern Múnich. Además, al cuadro bávaro solo le han eliminado una vez después de ganar el partido de ida fuera de casa. Fue en los octavos de final del 2010-11 contra el Inter Milán.

Horario y dónde ver la vuelta de cuartos de final por TV

Martes, 14 de abril:

Miércoles, 15 de abril: 

Todos los partidos se disputarán a las 21:00 horas y se podrán ver por televisión a través de Movistar+ Liga de Campeones. 

Un cartel con nombres de todo el mundo, miles de personas en el desierto y varios escenarios funcionando a la vez dan forma al festival Coachella, un evento musical que nació en 1999 que se celebra en California y que se ha convertido en uno de los mayores escaparates de la industria global.

Este evento reúne durante varios días a artistas de distintos géneros y procedencias, y su ubicación en Indio, dentro del valle de Coachella, lo sitúa en un entorno abierto donde la producción visual forma parte del espectáculo.

En ese espacio, los artistas latinos han ido ganando terreno con actuaciones cada vez más habituales y ambiciosas, lo que refleja un cambio en la música internacional y en la importancia del público hispanohablante. Esa presencia creciente no se limita a ocupar huecos de relleno en el cartel, también se traduce en actuaciones principales que llevan su cultura a lo más alto.

La cantante colombiana lideró el cartel principal tras 27 años

Karol G se convirtió en la primera mujer latina en encabezar Coachella con un concierto centrado en la cultura latinoamericana. La actuación, que fue una reivindicación de los migrantes latinos en el mundo, se desarrolló como un espectáculo de dos horas con una banda en directo, baile y una puesta en escena que incluía distintos espacios.

La colombiana subió al escenario principal en una cita que lleva 27 años sin una mujer latina en esa posición, lo que sitúa su actuación dentro de un cambio en la representación del cartel. Björk fue la primera artista femenina; y pesar de que le siguieron otras mujeres como Beyoncé o Doja Cat, ninguna de ellas ha sido latina hasta ahora.

Uno de los primeros momentos destacados llegó con la aparición de Becky G, que salió al escenario para interpretar MAMIII junto a Karol G y un grupo mariachi integrado por mujeres, aunque el sonido presentó algunos problemas durante la actuación.

Poco después, el puertorriqueño Wisin se unió al espectáculo con un repertorio de temas como Pam Pam, Saoco o Mayor que yo, lo que permitió recuperar el reguetón de etapas anteriores y mostrar su influencia en la música actual.

La artista evita posicionarse por miedo a problemas con el visado

La presencia de artistas latinos en un evento de este tipo también convive con decisiones personales fuera del escenario. Karol G explicó en una entrevista con Playboy que había recibido recomendaciones para evitar pronunciarse contra el Servicio de Inmigración y Control de Aduanas de Estados Unidos.

La cantante señaló que ese posicionamiento podía afectar a su visado y añadió que existe presión para no convertirse en objetivo de medidas administrativas: Hay gente que me dice: Es mejor que no... porque, si dices eso, quizá al día siguiente recibas una llamada: 'ye, te vamos a retirar el visado. Te conviertes en un blanco, porque hay quienes quieren demostrar su poder“.

A pesar de ese ambiente hostil, el concierto mantuvo un hilo claro ligado a la cultura latinoamericana, con elementos visuales como banderas y referencias a distintos países. La artista incorporó géneros como la cumbia o la bachata y adaptó temas como TUSA para acercarlos a ese planteamiento.

Además, el escenario recreó distintos ambientes con estructuras que simulaban una laguna o una zona rocosa, mientras un grupo amplio de bailarines ocupaba el espacio en diferentes momentos del espectáculo.

La trayectoria previa de la cantante avaló su presencia en lo más alto

La carrera de Karol G ya había alcanzado cifras destacadas antes de este concierto. En 2024 llenó cuatro veces el estadio Santiago Bernabéu con la gira Mañana será bonito tour, y ese mismo álbum obtuvo el Grammy al Mejor Álbum de Música Urbana. A esos logros se suman varios premios Grammy Latinos y Billboard, lo que explica su posición dentro del cartel del festival.

El hecho de encabezar Coachella situó a la colombiana en una posición que hasta ahora solo había ocupado otro artista latino, Bad Bunny en 2023. La música en español llevaba años presente en el festival con actuaciones destacadas, pero ese lugar principal había quedado fuera del alcance de las mujeres latinas hasta este momento.

El final dejó un mensaje dedicado a la comunidad latina

El desarrollo del concierto incluyó varias partes diferenciadas. La artista abrió con Latina Foreva y continuó con temas de su último trabajo como Tropicoqueta, además de canciones de álbumes anteriores como Mañana será bonito.

A lo largo del espectáculo cambió de vestuario en seis ocasiones, alternó momentos de gran producción con otros más íntimos y utilizó elementos como un guacamayo gigante o una cueva de varios niveles como parte del escenario.

El cierre del concierto llegó con un mensaje dirigido al público y a la comunidad latina. Karol G declaró que “soy la primera mujer latina en encabezar Coachella” y añadió que que quiere que “todo el mundo se sienta orgulloso de dónde es, que no tengan miedo y que levanten sus banderas”.

La artista también lamentó que habían pasado 27 años desde la creación del festival sin una mujer latina en esa posición y terminó el espectáculo con la bandera de Colombia en la mano mientras sonaba una versión techno de Provenza junto a una amplia pirotecnia. El próximo 19 de abril volverá a actuar en el festival.

España se topa hoy, martes, a las 20 horas con Inglaterra en su camino al Mundial 2027. La selección femenina buscará el liderato del Grupo 3, en el marco de la fase de clasificación. Un duelo al que llegan empatados (6 puntos) y que supondrá la reedición de la final de la pasada Eurocopa. Un partido del que el combinado nacional no guarda buen recuerdo, porque cayó en una dolorosa tanda de penaltis. 

Después, el conjunto entrenado por Sonia Bermúdez disputará un segundo partido. Este segundo será el sábado (16 horas) en el Nuevo Arcángel de Córdoba contra Ucrania, un rival a priori más asequible para sumar tres puntos. Dos destinos, dos rivales y un mismo objetivo: sumar seis puntos que hallan en el camino a Brasil 2027.

Reedición de la final de la Eurocopa

El duelo entre España e Inglaterra ya se ha convertido en un clásico de la competición femenina. Ambas selecciones ya se vieron las caras en la final del Mundial femenino de 2023 disputada en Sídney, que terminó con victoria para las españolas gracias al inolvidable gol de Olga Carmona. Una celebración que también estuvo marcada por el beso no consentido del entonces presidente de la Real Federación Española de Fútbol (RFEF), Luis Rubiales. 

Sin embargo, Inglaterra pudo resarcirse en cierto modo en la final de la pasada Eurocopa, celebrada el pasado verano, al imponerse en Basilea tras una igualada tanda de penaltis. Así, se espera un duelo marcado por la igualdad. 

“De nuevo, será un choque disputadísimo”, asegura la seleccionadora inglesa Sarina Wiegman, en una entrevista con FIFA. “No creo que sea una revancha, creo que el contexto es totalmente diferente. Pero la verdad es que siempre jugar contra Inglaterra es de los mejores partidos que puedes ver a nivel mundial ahora mismo, entre los dos finalistas de la Eurocopa. Los dos queremos ganar, sumar esos tres puntos y sumar los tres de Ucrania”, valoró, por su parte, Bermúdez.

Para la seleccionadora española, el enfrentamiento se va a decidir “en pequeños detalles” y reconoce que lo han “preparado de la mejor manera posible” para conseguir tres puntos “cruciales” para clasificarse. Además, no cree que liderar el ranking FIFA les coloque como favoritas: “Se le da mucha importancia al ranking, yo creo que estar en el ránking el uno no quiere decir que tengas que ganar todo o que seas de mejor equipo. Inglaterra es un grandísimo equipo”.

España ha disputado hasta el momento dos choques de su grupo, contra Ucrania en la ciudad turca de Antalya (1-3) y uno como anfitriona en Castellón frente a Islandia, sellado también con triunfo por 3-0. Islandia y Ucrania cierran el grupo, con dos derrotas en otros tantos encuentros. 

Horario y dónde ver el Inglaterra - España por TV

El partido entre Inglaterra y España, correspondiente a la fase de clasificación de cara al Mundial 2027 de Brasil, se disputará este martes, 14 de abril, en Wembley a las 20 horas. Ahí, el combinado nacional buscará su primera victoria en territorio inglés. El encuentro se podrá ver por televisión a través de La 2 de RTVE. 

Cada 13 de abril se celebra el Día Internacional del Beso, una fecha que conmemora uno de los gestos más universales de afecto de nuestra sociedad. Aunque pueda parecer una efeméride simbólica sin un origen concreto, la realidad es que la elección del día tiene una historia curiosa que mezcla romanticismo, récords y cultura popular. Con el paso de los años, la celebración se ha extendido por distintos países y se ha convertido en una jornada dedicada a reivindicar el valor emocional y social del beso.

El origen de esta fecha se remonta a un récord mundial. El 13 de abril de 2013 una pareja tailandesa logró el beso más largo registrado hasta ese momento, con una duración de nada más y nada menos que de 58 horas, 35 minutos y 58 segundos. La hazaña se produjo durante un concurso organizado en Tailandia con motivo del Día de San Valentín, y la repercusión mediática del evento llevó a que la fecha se popularizara como el Día Internacional del Beso.

Este récord exigía condiciones estrictas: los participantes no podían separarse en ningún momento, ni siquiera para dormir o ir al baño. La pareja ganadora tuvo que permanecer de pie y en contacto continuo durante más de dos días.

La historia y el significado del beso

El beso, sin embargo, tiene una historia mucho más antigua. Existen referencias a este gesto en textos de la India de hace miles de años, donde se describía como una muestra de intimidad. En la antigua Roma, el beso tenía distintas funciones sociales: podía ser una señal de amistad, de respeto o de relación amorosa. A lo largo del tiempo, su significado ha variado según la cultura, aunque siempre ha mantenido su vínculo con la comunicación emocional.

Hoy en día, el beso se entiende como una forma de expresión afectiva que va más allá del romanticismo. Puede representar cariño familiar, amistad o incluso saludo social. En muchas culturas, besar es un gesto habitual en la vida cotidiana, mientras que en otras se reserva para ámbitos más privados. Esta diversidad de significasos para un mismo gesto deja claro el papel que tiene el beso como elemento cultural y social.

Beneficios y curiosidades de un gesto universal

Además de su valor simbólico, la ciencia ha estudiado los efectos del beso en el organismo. Besar activa la liberación de hormonas como la oxitocina y la dopamina, relacionadas con el bienestar y el vínculo emocional. También ayuda a reducir el estrés y a mejorar el estado de ánimo. Algunos estudios señalan que un beso puede activar más de treinta músculos faciales y ayudar a quemar pequeñas cantidades de calorías.

Otra curiosidad es que durante un beso se produce un intercambio de bacterias que puede fortalecer el sistema inmunológico. Aunque pueda parecer llamativo, y a priori contradictorio, este intercambio contribuye a la adaptación del organismo. Además, el beso tiene un papel importante en la comunicación no verbal, ya que transmite emociones difíciles de expresar con palabras.

Así pues, el 13 de abril, Día Internacional del Beso, se ha consolidado como una jornada que va más allá del récord que le dio origen. Es más bien una celebración que recuerda la importancia de los gestos sencillos hacia las personas queridas y su impacto en las relaciones humanas.

Por primera vez en la historia, tres películas españolas competirán por conseguir la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar, El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen y La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi, lucharán por el prestigioso galardón cinematográfico en la 79ª edición del festival que se celebrará en esta ciudad francesa.

El año pasado, otros dos largometrajes bajo la marca España optaron al galardón: Sirat, de Oliver Laxe, y Romería, de Carla Simón. Sin embargo, el galardón acabó en manos del iraní Jafar Panahi gracias a Un simple accidente. Si Almodóvar, Sorogoyen o Los Javis consiguen imponerse en Cannes, se sumarán al récord que hasta ahora solo ostenta Luis Buñuel.

El cineasta es el único español que ha ganado la Palma de Oro en toda la historia del festival. Lo hizo con Viridiana, película que se estrenó en Cannes en 1961 pero que, en España, no pudo verse hasta casi dos décadas después. El largometraje llegó a los cines españoles en 1977, cuando la dictadura de Francisco Franco se había acabado tras la muerte del dictador.

Por qué ‘Viridiana’ fue censurada

En 1960, hacía más de veinte años que había terminado la Guerra Civil. Franco llevaba en el poder el mismo tiempo que Buñuel en el exilio. Después de viajar por varios países, el director aragonés había marchado a México al acabar el conflicto armado, donde encontró un entorno más favorable para dirigir sus películas. Sin embargo, en 1960, decidió regresar a España para ponerse al frente de Viridiana.

Sin destripar la trama, la película contaba la historia de Viridiana, una joven novicia que, antes de tomar sus votos, es llamada por su rico tío don Jaime para pasar unos días en su finca. Una vez allí, a ambos les suceden diversas desgracias que acaban con la llegada de Jorge, el primo de Viridiana, a la finca. Entonces la muchacha también decide acoger a un grupo de indigentes siguiendo la idea de caridad cristiana. Solo con ver el tráiler, podemos hacernos una idea de lo que Buñuel puso sobre la mesa con esta historia.

El filme protagonizado por Silvia Pinal, Francisco Rabal y Fernando Rey llegó a Cannes en 1961, donde fue premiado, pero no tuvo mucho tiempo de gloria. L’Osservatore Romano, el diario oficial del Vaticano, enseguida publicó un artículo donde acusaba a la película de blasfema y sacrílega, y pedía la excomunión de sus autores.

Viridiana, toda una crítica a la religión y la caridad del genio del surrealismo, no pudo escapar entonces de las autoridades del régimen español, que condenaron la película a una “muerte administrativa”. La dictadura ordenó destruir todas las copias del filme, pero Silvia Pinal y el productor Gustavo Alatriste lograron salvar una, que sacaron de España burlando la censura franquista. La película no se estrenó en nuestro país hasta abril de 1977, ya muerto Franco.

En 1964, una mujer menuda de Ohio rompió con todos los esquemas sociales establecidos de su época. Geraldine ‘Jerrie’ Mock no buscaba la gloria eterna ni amasar grandes fortunas económicas con su hazaña. Su motor principal era el hastío profundo de una vida doméstica monótona, aburrida y muy repetitiva. Con 38 años y tres hijos, decidió que su verdadero destino estaba en el aire. Y de ahí que el 19 de marzo despegase para escribir una página dorada en la historia de la aviación. Recorrió más de 36.000 kilómetros en apenas 29 días de una intensa y arriesgada aventura, convirtiéndose así en la primera mujer en dar la vuelta al mundo aérea completamente en solitario. Su proeza demostró que los sueños no entienden de géneros, ni de cocinas, ni de límites.

La pasión de ‘Jerrie’ por los cielos nació durante su tierna infancia en el medio oeste americano. A los siete años, un vuelo en un Ford trimotor junto a su padre la dejó fascinada para siempre. Desde ese instante, supo que ver el mundo desde las alturas sería la gran meta de su vida. Creció idolatrando la figura de Amelia Earhart y siguió su trágico final por la radio nacional. En la universidad, fue la única mujer estudiando ingeniería aeronáutica en toda su clase de la época. Allí conoció a Russell Mock, con quien se casaría y formaría un hogar estable y tradicional. El matrimonio y la maternidad pospusieron sus alas durante casi veinte largos y rutinarios años. Sin embargo, el fuego de la aviación nunca se extinguió en su espíritu inquieto y valiente.

El detonante definitivo de su viaje fue una conversación muy casual mientras ella fregaba los platos. Confesó a su marido que estaba muy aburrida de la servidumbre de la vida doméstica. Russell le sugirió, medio en broma, que se subiera a su avión y se diera la vuelta al mundo. Lo que parecía un inocente chiste de cocina se transformó pronto en un plan sumamente meticuloso y audaz. ‘Jerrie’ no era una piloto profesional, pero sí una mujer extremadamente decidida y muy valiente. Con apenas 750 horas de vuelo, se preparó para enfrentar lo desconocido ella sola. Su familia, aunque atónita, terminó aceptando y apoyando su gran deseo de libertad y aventura. El “ama de casa voladora” estaba lista para desafiar finalmente todas las convenciones de su época.

El vehículo de su gran hazaña fue un modesto Cessna 180 monomotor de segunda mano y muy usado. Lo bautizaron oficialmente como “The Spirit of Columbus”, aunque ella prefería llamarlo cariñosamente “Charlie”. El avión tenía once años de antigüedad y presentaba claros signos de corrosión en su metal. Para la travesía, instalaron tres tanques de combustible adicionales y radios especiales de largo alcance. El espacio en la cabina quedó reducido a un hueco minúsculo para que ella pudiera sentarse. Como equipaje personal, solo llevó una máquina de escribir, dos conjuntos de ropa y dos pares de zapatos. También incluyó barritas de comida para las largas e interminables horas sobre los grandes océanos. Su determinación era mucho mayor que cualquier limitación técnica de su vieja y pequeña aeronave.

El despegue desde Columbus estuvo marcado por el escepticismo de los controladores de la torre local. Algunos pensaron que aquella era la última vez que tendrían noticias reales de la audaz piloto. Pronto surgieron los sabotajes y los fallos técnicos imprevistos que pusieron todo el éxito en duda. Los cables de la radio fueron cortados, dejándola totalmente incomunicada en el primer tramo del vuelo. Además, competía sin querer contra Joan Merriam Smith, quien realizaba una ruta muy similar. Russell la presionaba desde tierra para que volara mucho más rápido y ganara la competición. ‘Jerrie’, impasible, dejó muy claro que su objetivo no era competir, sino simplemente disfrutar. El viaje se convirtió en una dura lucha de resistencia física, mental y también mecánica.

Las etapas sobre el Atlántico fueron, sin duda, de las más peligrosas de todo el viaje realizado. Al sobrevolar las Azores, tuvo que subir sobre las nubes para lograr derretir el hielo acumulado. El sol fue su gran aliado para evitar que las alas se resquebrajaran por el peso excesivo. Al aterrizar en Arabia Saudita, las autoridades locales se mostraron incrédulas y muy confundidas. Buscaban a un hombre escondido, pues no creían que una mujer pilotara un avión ella sola. En algunos países, su falta de un tutor masculino generó fuertes e inesperadas tensiones burocráticas. Sin embargo supo ganarse el respeto de todos los que la observaban con asombro. En Marruecos, fue recibida con honores militares, para su propia, enorme y gran sorpresa.

Durante su periplo, Mock sobrevoló zonas de guerra peligrosas y bases militares restringidas por seguridad. Al pasar cerca de Vietnam, relató que desde el cielo todo parecía sumamente pacífico y tranquilo. Sin embargo, un error de navegación la llevó a aterrizar en territorio de Egipto accidentalmente. Bajó en una base militar secreta en lugar del aeropuerto comercial previsto en El Cairo. Fue retenida por los soldados locales mientras investigaban si ella era una espía internacional. Pasó el tiempo en una detención curiosa, incluso viendo televisión con los soldados de la base. También enfrentó tormentas de arena en el desierto que cortaron su comunicación por completo. Nada detuvo su Cessna, que seguía avanzando implacable hacia su meta final en los Estados Unidos.

Siete plusmarcas

El 17 de abril de 1964, ‘Jerrie’ aterrizó triunfante en el mismo aeropuerto del punto inicial. Tras 29 días de viaje y 21 paradas, el círculo alrededor del mundo se cerró. Una multitud enfervorizada la esperaba para celebrar este hito histórico de la aviación mundial. Había logrado batir siete plusmarcas internacionales durante su arriesgado y largo vuelo solitario. El gobernador de Ohio la bautizó solemnemente como el “Águila Dorada de Ohio” tras su llegada. A pesar del ruido mediático, ella insistía en que solo quería divertirse un poco con su avión. No se sentía una heroína, sino simplemente una persona curiosa con un gran sueño personal. Su Cessna descansa hoy con honores en el Museo Nacional del Aire y el Espacio.

El legado de Geraldine Mock perdura hoy como un símbolo eterno de la tenacidad femenina. Recibió la Medalla de Oro de la Agencia Federal de Aviación de manos del propio presidente. También fue condecorada con la prestigiosa Medalla Louis Blériot por sus récords de velocidad. Publicó sus interesantes memorias bajo el título “Three-Eight-Charlie” años después de su gran viaje. Su vida continuó ligada a la aeronáutica, aunque de una forma mucho más discreta y personal. Se divorció de Russell y finalmente se trasladó a vivir al estado de Florida en 1992. Falleció en 2014, dejando una huella imborrable en la historia de los cielos. Su ejemplo sigue inspirando a nuevas y valientes generaciones de mujeres pilotos hoy en día.

Si paseamos por el centro de Sevilla y llegamos a la calle San Fernando, vía que comunica el Prado de San Sebastián con la Puerta de Jerez, tendremos ante nosotros uno de los edificios más emblemáticos de la capital andaluza: el rectorado de la Universidad de Sevilla. Pero antes de servir como sede universitaria, este edificio se utilizaba para crear cigarros.

La Antigua Fábrica de Tabacos empezó a construirse en el año 1728 y funcionó como fábrica hasta 1950, año en que tras el traslado a un nuevo edificio en el barrio de los Remedios, se convirtió en la sede de la Universidad sevillana. En 1959, obtuvo la calificación de Bien de Interés Cultural con categoría de Monumento Histórico, por lo que recibe a miles de visitantes cada año. 

El edificio presenta un estilo de inspiración renacentista, con cierta influencia herreriana visible en su planta, sus patios y en los acabados de las fachadas, que están hechas en piedra. Al entrar por la calle San Fernando, se accede a un vestíbulo que conecta con el resto del edificio. El interior se distribuye en torno a catorce patios, con distintas estancias y amplias galerías. 

Actualmente, cuenta con varias obras que merece la pena visitar, como su colección de pintura o la Gipsoteca, un espacio donde se exponen más de 100 vaciados en yeso que reproducen todo tipo de piezas artísticas. En la capilla, podemos ver el Cristo de la Buena Muerte (1620), tallado por Juan de Mesa y titular de la hermandad de Los Estudiantes.

La llegada del tabaco a Sevilla

De geometría rectangular, la Antigua Fábrica de Tabacos fue proyectada por ingenieros militares de España y Países Bajos, y ocupa 25.725 metros cuadrados. Para hacernos una idea de sus dimensiones, en el momento de su construcción llegó a ser el edificio de mayor superficie de toda Europa solo por detrás del Monasterio de El Escorial, situado a unos 50 kilómetros de Madrid.

La planta del tabaco fue encontrada por los españoles a su llegada a América, en 1492, y entonces la ciudad de Sevilla se convirtió en el principal centro de producción y distribución de este producto en Europa. De hecho, esta fue la primera fábrica de tabaco que se construyó en todo el continente. 

Desde comienzos del siglo XIX tanto hombres como mujeres trabajaban en la fábrica, pero tenían estrictamente prohibido relacionarse entre sí, bajo pena de cárcel. Los hombres se ocupaban de las tareas administrativas y de las que exigían mayor esfuerzo físico, mientras que las mujeres, conocidas como cigarreras, realizaban el trabajo más minucioso de liar el tabaco.

Durante siglos, quitarse el sombrero fue mucho más que una señal de cortesía. En la Inglaterra de la Edad Moderna, este gesto cotidiano condensaba jerarquías sociales, obediencia política e incluso conflictos religiosos. Un reciente estudio académico demuestra que aquello que hoy entendemos como una norma básica de educación fue, en su momento, un campo de batalla simbólico en el que se disputaban poder, identidad y autoridad.

El trabajo, publicado en The Historical Journal, analiza el papel cultural, social e ideológico del sombrero en la Inglaterra de los siglos XVI y XVII, y revela hasta qué punto su uso estaba cargado de significado. En una sociedad profundamente jerarquizada, llevar o quitarse el sombrero no era una elección trivial, sino una forma de comunicación no verbal que indicaba posición social, lealtad y respeto.

De hecho, prácticamente toda la población adulta llevaba algún tipo de cobertura en la cabeza, desde elaborados sombreros de castor hasta simples gorras de tela. Esta universalidad convertía al sombrero en un elemento especialmente potente: era visible, fácil de manipular y, por tanto, ideal para transmitir mensajes en público. Su presencia constante lo convirtió en uno de los instrumentos más eficaces para expresar sumisión o desafío sin necesidad de palabras.

Lo que implicaba descubrirse o no

La clave estaba en el gesto. Descubrirse ante alguien —quitarse el sombrero— era una señal inequívoca de deferencia. No hacerlo, en cambio, podía interpretarse como una provocación directa. Según el estudio, este código no estaba necesariamente respaldado por leyes formales, pero sí por una fuerte presión social y cultural que lo hacía prácticamente obligatorio. La jerarquía se representaba y se reforzaba a través de estos pequeños rituales cotidianos.

Sin embargo, no todos aceptaban estas normas. Algunos grupos y figuras disidentes convirtieron el rechazo a quitarse el sombrero en una forma explícita de resistencia. El caso más paradigmático fue el de los cuáqueros, que se negaban sistemáticamente a realizar este gesto como protesta contra lo que consideraban una cultura de sumisión y vanidad. Su actitud generaba tensiones constantes y, en muchos casos, acababa en sanciones o encarcelamientos.

Hubo agresiones reales

La negativa a descubrirse podía desencadenar reacciones violentas. El estudio documenta casos en los que individuos fueron agredidos simplemente por no quitarse el sombrero ante alguien de mayor rango. En este contexto, el gesto adquiría una dimensión política clara: no era solo una cuestión de modales, sino una impugnación del orden social establecido.

Otros episodios muestran hasta qué punto este símbolo podía utilizarse estratégicamente. Algunos radicales distinguían entre autoridades a las que sí reconocían y otras a las que rechazaban, quitándose o poniéndose el sombrero según el caso. Este uso selectivo convertía el gesto en una herramienta de posicionamiento ideológico, capaz de expresar matices dentro de la disidencia.

Otros gestos con el sombrero cargados de significado

El sombrero también desempeñó un papel en actos colectivos. Lanzarlo al aire podía significar apoyo, celebración o adhesión política, mientras que mantenerlo puesto en contextos religiosos o institucionales podía interpretarse como una forma de desafío. En todos estos casos, el objeto funcionaba como una extensión del cuerpo y del discurso, un lenguaje silencioso pero inequívoco.

Con el tiempo, estos significados se fueron diluyendo. La evolución de la moda, los cambios sociales y la transformación de las estructuras de poder hicieron que el gesto perdiera su carga política y se normalizara como una simple muestra de educación. Sin embargo, el estudio recuerda que detrás de este hábito aparentemente inocente se esconde una historia de conflictos, resistencias y negociaciones de poder.

Entender ese pasado permite reinterpretar gestos cotidianos que hoy pasan desapercibidos. Lo que ahora se percibe como una norma básica de cortesía fue, en su momento, un acto cargado de consecuencias. Un simple sombrero podía marcar la diferencia entre la obediencia y la rebeldía.

No pudo jugar en Madrid. En el mes de mayo. Ni en Marbella, en el mes de septiembre. Lesiones musculares y agotamiento físico hicieron que Carlos Alcaraz no pudiese volver a saltar a una pista en nuestro país desde que disputase la final del Barcelona Open Banc Sabadell el 20 de abril. Es decir, el número uno del planeta tenístico lleva casi un año sin competir arropado por su público. Su fiel hinchada que, por fin, podrá verle de nuevo en acción después de casi un año sin poder hacerlo, precisamente en Barcelona. La intención del jugador murciano es llegar hoy mismo a la capital catalana, donde debutará mañana con la intención de poder recuperar el número del mundo que vuelve a ostentar su gran rival, Jannik Sinner.

Hace un año Alcaraz jugó durante una hora y 40 minutos la gran final del Barcelona Open Banc Sabadell, en la que tuvo que inclinarse ante el gran partido realizado por el tenista danés Holger Rune. Sin embargo, lo más doloroso de aquel encuentro no fue que solo que no pudiera coronarse como campeón en el Reial Club de Tennis Barcelona, como sí pudo hacer en 2022 y 2023, sino que sufrió dos lesiones musculares durante la gran final. Concretamente y tal y como explicó pocos días después de aquel último encuentro sobre una pista española, Alcaraz adolecía de una lesión en el aductor derecho y molestias también en el isquiotibial de la pierna izquierda, percances que le obligaron a renunciar a jugar el Mutua Madrid Open.

Pasaron los meses y, aunque la temporada era triunfal para el tenista murciano, la afición española seguía sin poder verle jugar de cerca. La siguiente oportunidad fallida fue en el mes de septiembre, cuando al combinado español le tocaba disputar una decisiva eliminatoria de Copa Davis y Alcaraz era el buque insignia para jugarla.

Tras ganar un nuevo Grand Slam, en este caso el US Open, Alcaraz necesitaba tomarse un descanso y anunció que no estaba en las mejores condiciones para disputar la Copa Davis ante el conjunto de Dinamarca, que tenía previsto jugarse sobre la tierra batida de Marbella. El cambio de superficie, además del esfuerzo hecho en Nueva York, obligó al murciano a tener que dejar su plaza a otro compañero que estuviese en mejores condiciones, un combinado que pese a la notada ausencia del recién ganador del US Open doblegó a los daneses y obtuvo el billete para las finales de Bolonia. Pero la afición española seguía sin poder ver jugar a su ídolo en su propio país.

Mañana, por fin, 75 encuentros después de la final del Barcelona Open Banc Sabadell del ya lejano 20 de abril, Alcaraz saltará a la misma pista Rafa Nadal, el gran escenario del torneo barcelonés. Desde entonces, el murciano ha cosechado ocho títulos, destacando los obtenidos en Roland Garros, el mencionado US Open, el Open de Australia o los Masters 1.000 de Roma y Cincinnati.

Alcaraz, tras perder ayer la final del Masters 1000 de Montecarlo y la condición de número uno del mundo, debutará en Barcelona mañana martes, en un partido programado para disputarse no antes de las 16.00 horas, contra Otto Virtanen, jugador situado por encima de los cien mejores jugadores del mundo y que llega a la fase final del torneo barcelonés tras clasificarse en la fase previa del evento. Hasta la fecha, Alcaraz y Virtanen no se han enfrentado nunca.

110 puntos en el horizonte

Tras ese reencuentro con una pista española, Alcaraz debería disputar los octavos de final del torneo contra Sebastián Báez -con el que ya debutó en Montecarlo- o Tomas Machac; y esperar en cuartos a Andrey Rublev o al vencedor en Bucarest, Mariano Navone, que derrotó en Rumanía a Daniel Mérida. Y, a partir de ahí, unas posibles semifinales contra Alex de Miñaur, Jack Draper o incluso otro de sus rivales en Mónaco, Tomás Etcheverry. Para la final, por el otro lado del cuadro, compiten Lorenzo Musetti como segundo favorito, Arthur Fils, Karen Khachanov o Rafa Jódar, una de las grandes revelaciones del año.

Pero quizás uno de los grandes retos de Alcaraz en Barcelona sea recuperar el cetro mundial del tenis. Tras perder ayer frente a Sinner, Alcaraz es ahora segundo del mundo a tan solo 110 puntos del italiano. Pero, ya que Sinner no va a jugar esta semana y el murciano llegó a la final del mismo torneo el pasado año, para poder volver a ser número uno del mundo Alcaraz tendría que ganar la presente edición del Barcelona Open Banc Sabadell. Con un nuevo título bajo el brazo, el tenista español volvería a coronar la clasificación del tenis mundial. 

En la lista de las películas de terror más recordadas de la historia del cine, El exorcista (1973) bien podría ocupar uno de los primeros puestos. El largometraje dirigido por William Friedkin causó verdadera sensación en la época; no solo entre el público, sino también para la crítica. El filme recibió un total de diez nominaciones para los premios Oscar, incluyendo el reconocimiento a Mejor Película.

La película desarrollaba lo que el escritor William Peter Blatty ya había plasmado en su novela, la cual se había publicado apenas un par de años antes. A la edad de 12 años, Regan empieza a mostrar comportamientos extraños y cada vez más perturbadores, pero ningún médico es capaz de saber lo que le pasa. Su madre recurre entonces a dos sacerdotes, que concluyen que la niña sufre una posesión demoníaca e intentan salvarla mediante un exorcismo.

Lo que muchos no saben es que Blatty empezó a desarrollar esta historia basándose en un caso real que conoció mientras estudiaba en la universidad. Hablamos del supuesto exorcismo que ocurrió en 1949 y del que informó en primicia The Washington Post. “En la que quizá sea una de las experiencias más extraordinarias de su tipo en la historia religiosa reciente, un joven de 14 años de Mount Rainier, un suburbio a unos 15 km de Washington DC, fue liberado por un sacerdote católico, luego de ser poseído por el diablo”, reportó el diario.

¿Quién era Roland Doe?

El protagonista de esta historia es Roland Roe, un joven que había nacido en 1935 y que, en el momento de los hechos, apenas tenía 14 años. Su tía le había regalado una ouija y, una vez fallecida esta, el chico intentó comunicarse con ella utilizando este artefacto. Fue entonces cuando todo cambió para Roland.

Según contó su familia entonces, el adolescente empezó a comportarse de manera extraña: hacía ruidos raros y gritaba frases en latín cuando no conocía el idioma. Los muebles de la casa aparentemente se movían sin explicación y sus padres, viendo que ningún médico era capaz de encontrar una explicación a lo que le ocurría, recurrió a la ayuda de William Bowdern, un jesuita que realizó más de 20 rituales de exorcismo a Roland.

En su diario, Bowdern anotó cómo el joven entró en un estado de trance mientras 14 testigos observaban durante uno de sus exorcismos. No fue hasta tiempo después cuando otro sacerdote supuestamente consiguió liberar a Roland de lo que entonces describieron como “posesión demoníaca”. Entonces el caso llegó a los medios.

Lo más sorprendente de todo es que Ronald llevó una vida normal y exitosa después de estos eventos que vivió siendo prácticamente un niño. El chico se cambió de nombre (Ronald Edwin Hunkeler) y llegó a trabajar como ingeniero de la NASA, cuyo trabajo contribuyó a las misiones espaciales Apolo en los años 60. Su verdadera identidad no se reveló hasta 2021, un año después de que este falleciera a los 86. 

Hay lugares que no solo sobreviven al paso del tiempo, sino que lo atraviesan. Espacios donde cada pared, cada mesa y cada plato cuentan una historia que va mucho más allá de la gastronomía.

En pleno corazón de Madrid existe uno de esos lugares. Un restaurante que no solo presume de tradición, sino que ostenta un título único: ser el más antiguo del mundo en funcionamiento.

Casa Botín, el restaurante más antiguo del mundo

Hablar del restaurante más antiguo del mundo es hablar de Casa Botín, ubicado en el Madrid de los Austrias, a pocos pasos de la Plaza Mayor.

Fundado en 1725, este establecimiento aparece reconocido por el Libro Guinness de los Récords como el restaurante más antiguo que sigue funcionando sin haber cerrado nunca sus puertas.

Y no es un dato menor. Porque mantenerse abierto durante casi tres siglos implica haber sobrevivido a guerras, crisis económicas, cambios sociales y transformaciones radicales en la forma de entender la restauración.

Tres siglos de historia entre fogones

La historia de Casa Botín comienza con un cocinero francés, Jean Botín, y su esposa asturiana, que decidieron abrir una pequeña posada en Madrid.

Lo que empezó como un negocio humilde acabó convirtiéndose en una institución.

Uno de los elementos más simbólicos del restaurante es su horno de leña, que, según la tradición, lleva encendido de forma ininterrumpida desde su apertura en 1725. Ese horno es el corazón del local y el responsable de algunos de sus platos más emblemáticos.

Desde 1930, además, el restaurante está gestionado por la familia González, que ha mantenido intacta la esencia del lugar a lo largo de generaciones.

Un restaurante por el que ha pasado la historia

Si algo refuerza el peso de Casa Botín Madrid es la cantidad de figuras históricas que han pasado por sus mesas.

Entre sus clientes más ilustres se encuentra Ernest Hemingway, quien llegó a afirmar que allí se comía el mejor cochinillo del mundo. También escritores como Benito Pérez Galdós lo mencionaron en sus obras, retratando el ambiente castizo del restaurante como parte de la vida madrileña.

No es solo un lugar donde se come. Es un espacio que ha sido testigo de la evolución cultural y social de la ciudad.

La cocina que ha resistido al tiempo

La carta de Casa Botín es un reflejo de esa continuidad.

Lejos de reinventarse constantemente, el restaurante ha apostado por mantener una cocina tradicional basada en recetas castellanas. El cochinillo asado, el cordero, la sopa castellana o los callos forman parte de una propuesta que no busca sorprender, sino permanecer.

En un momento en el que la gastronomía tiende a la innovación constante, este tipo de cocina actúa casi como un ancla, recordando de dónde venimos.

Mucho más que un récord

Que el restaurante más antiguo del mundo esté en España no es solo una curiosidad. Es también una forma de entender la relación entre cultura, historia y gastronomía.

Casa Botín no se ha mantenido abierto durante casi 300 años por casualidad. Lo ha hecho porque ha sabido conservar algo que muchos lugares pierden con el tiempo: su identidad.

Y eso, en un mundo que cambia cada vez más rápido, tiene un valor difícil de replicar.

Hay platos que parecen tener el origen claro solo por su nombre. Si algo es “francés”, lo lógico sería pensar que viene de Francia. Pero la gastronomía, como casi todo, está llena de trampas históricas.

Y la tortilla francesa es uno de los mejores ejemplos.

Porque sí, en Francia existe la omelette. Pero no, la tortilla francesa que conocemos en España no nació allí, ni se llama así por una cuestión culinaria.

El origen de la tortilla francesa en España

Para entender el origen de la tortilla francesa, hay que viajar a principios del siglo XIX, en plena Guerra de la Independencia. España vivía un momento complicado, marcado por la ocupación de las tropas napoleónicas y por una escasez generalizada de alimentos.

En ese contexto, preparar una tortilla de patatas no siempre era posible. Las patatas escaseaban, pero los huevos seguían siendo relativamente accesibles.

Y ahí apareció una solución sencilla: una tortilla hecha solo con huevo.

Por qué se llama tortilla francesa

La clave está en el nombre.

Si te preguntas por qué se llama tortilla francesa, la respuesta no está en la receta, sino en el momento histórico. Según explican distintos historiadores, este plato empezó a llamarse así como una forma de diferenciarlo de la tortilla “normal”, es decir, la de patatas.

Pero esa diferencia tenía una carga simbólica.

Algunos apuntan a que el término surgió como una forma irónica o incluso crítica durante la ocupación francesa. Era, en cierto modo, la tortilla que quedaba cuando faltaban ingredientes, una consecuencia directa del contexto que vivía el país.

No era francesa por origen, sino por circunstancia.

Qué es realmente la tortilla francesa

Si miramos qué es exactamente la tortilla francesa, veremos que su equivalente en Francia no se llama así. Allí se conoce simplemente como omelette, sin ningún tipo de referencia a España ni a ningún otro país.

La diferencia es más cultural que culinaria. En Francia, la omelette forma parte de la tradición gastronómica desde hace siglos, mientras que en España la tortilla de patatas se convirtió en el plato de referencia.

Por eso, cuando apareció esta versión más simple, necesitó un nombre distinto. Y ese nombre acabó siendo “francesa”.

Un nombre que nace de la necesidad

Lo interesante de esta historia es que demuestra cómo la cocina no solo evoluciona por creatividad, sino también por necesidad. La historia de la tortilla francesa no habla de chefs ni de recetas sofisticadas, sino de escasez, adaptación y contexto político. Un plato básico, improvisado en un momento difícil, que acabó quedándose en el día a día de millones de personas.

Hoy, la tortilla francesa es uno de los platos más habituales en cualquier cocina. Rápida, sencilla y versátil, ha pasado de ser una solución de emergencia a convertirse en un básico.

Y, sin embargo, su nombre sigue recordando ese momento concreto de la historia en el que surgió. Porque a veces, los platos más simples son también los que tienen detrás las historias más complejas.

Pocas cosas hay más simples —y más universales— que un sándwich mixto. Pan de molde, jamón, queso, plancha y listo. Sin embargo, en Barcelona, si pides un “mixto”, puede que te miren raro. Aquí no es un mixto. Es un bikini. Y no, no tiene absolutamente nada que ver con la playa.

Por qué en Barcelona se llama bikini al sándwich mixto

Para entender por qué en Barcelona lo llaman bikini, hay que viajar a los años 50, a una ciudad que empezaba a sacudirse la posguerra y buscaba modernidad en cualquier detalle.

En 1953 abrió en la Avenida Diagonal un local que marcaría tendencia: la Sala Bikini. Era una sala de fiestas elegante, moderna, frecuentada por una burguesía que buscaba ocio, música y cierto aire internacional.  Y allí, entre baile y baile, se servía un bocadillo muy concreto.

El origen del bikini en la Sala Bikini

El bocadillo de la casa estaba inspirado en el croque-monsieur francés, es decir, un sándwich caliente de jamón y queso, tostado y servido recién hecho.  Era algo relativamente novedoso para la época y, sobre todo, estaba asociado a ese ambiente moderno y cosmopolita que representaba la sala.

La gente empezó a pedir “el bocadillo de la Bikini”, en referencia al local. Y como suele pasar con el lenguaje, la expresión se simplificó rápidamente. Bastaba con pedir “un bikini”.

Lo interesante no es que naciera allí, sino lo rápido que se extendió. La Sala Bikini era un punto de referencia en la Barcelona de la época, y todo lo que pasaba dentro tenía eco fuera. Ese bocadillo, sencillo pero efectivo, empezó a replicarse en bares y cafeterías de la ciudad.

Y con él, el nombre. En poco tiempo, pedir un bikini dejó de ser algo exclusivo del local para convertirse en una forma habitual de referirse al sándwich mixto en toda Cataluña. 

Un nombre que no tiene nada que ver con el traje de baño

Aunque pueda parecerlo, el término no tiene ninguna relación con el famoso traje de baño. La coincidencia es puramente nominal. 

De hecho, el origen del nombre está completamente ligado a ese contexto concreto: un local, una época y una forma de consumir que representaba modernidad.

Con el tiempo, el nombre sobrevivió al lugar.

Y hoy sigue vivo en cada carta de bar en Barcelona.

Más que un sándwich, una identidad

Si algo demuestra el caso del bikini es que la gastronomía no solo se construye con ingredientes, sino también con contexto.

Porque al final, el bikini y el sándwich mixto son prácticamente lo mismo. Pero no significan lo mismo.

Uno es un bocadillo.

El otro es una historia.

Y como pasa muchas veces, lo que empieza como una moda acaba convirtiéndose en tradición.

La oración del Ave María es hoy una de las más conocidas del cristianismo, pero su origen está lejos de la forma completa que recitan millones de fieles. En sus primeros siglos, esta plegaria se componía únicamente de las palabras del Evangelio y era utilizada como una fórmula sencilla de devoción.

El núcleo de la oración procede directamente del Evangelio de Lucas, concretamente del saludo del ángel a la Virgen María y de las palabras de su prima Isabel. Estos textos bíblicos fueron adoptados por la tradición cristiana primitiva como una forma de veneración sencilla y accesible.

Durante la Edad Media, el Ave María comenzó a difundirse entre la población como una alternativa al rezo de los salmos. En una época en la que la mayoría de la población era analfabeta, memorizar largas oraciones resultaba complicado, por lo que esta fórmula breve se convirtió en una herramienta clave para la devoción popular.

Fue precisamente esta simplicidad la que impulsó su expansión. Muchos fieles utilizaban el Ave María como sustituto del Salterio, repitiéndolo en series que con el tiempo darían lugar al rosario. Así, la oración pasó de ser una fórmula básica a convertirse en parte central de una práctica espiritual más compleja.

De fórmula simple a oración universal

Con el paso de los siglos, la oración fue evolucionando. A partir del siglo XIII se añadieron nuevas invocaciones, y no fue hasta el siglo XVI cuando se fijó su forma definitiva con la inclusión de la súplica “ruega por nosotros, pecadores…”. Esta versión fue consolidada oficialmente tras el Concilio de Trento.

La difusión del rosario, impulsada por órdenes religiosas como los dominicos, fue clave en su popularización. El Ave María se convirtió en la base de esta práctica, repitiéndose decenas de veces en cada rezo, lo que reforzó su presencia en la vida cotidiana de los creyentes. Además, su uso se extendió más allá del ámbito estrictamente religioso. A lo largo de la historia, el Ave María ha inspirado obras musicales, literarias y artísticas, convirtiéndose en un símbolo cultural ampliamente reconocido incluso fuera del mundo católico.

Hoy, el Ave María sigue siendo una de las oraciones más recitadas del mundo. Lo que comenzó como una fórmula sencilla para facilitar la devoción de quienes no sabían leer se ha transformado en un elemento central de la espiritualidad católica y en un puente entre tradición, fe e historia.

Tirar restos al suelo no siempre deja una marca inmediata, pero cuando esa acción se repite durante años acaba cambiando el lugar donde ocurre. Los humanos han dejado basura en el suelo en muchos momentos, sobre todo cuando el esfuerzo de recogerla resultaba mayor que el de abandonarla allí mismo. Ese comportamiento, repetido día tras día, puede formar capas que se acumulan bajo los pies y alteran el terreno con el paso del tiempo.

En zonas donde se consumen alimentos de forma intensiva, como marisco recogido cerca de la costa, esos restos se amontonan y terminan ocupando más espacio del que parecía al principio. Esa acumulación continua puede levantar superficies nuevas que antes no existían como tal.

Un estudio explica que una isla de Fiyi surgió por conchas

Un estudio publicado en Geoarchaeology indica que una pequeña isla de Fiyi, situada cerca de Culasawani, en Vanua Levu no se formó por una ola ni por un tsunami, sino por la acumulación de restos de marisco dejados por personas hace unos 1.200 años.

El trabajo describe un terreno bajo, rodeado de manglares, que durante mucho tiempo pasó por una formación natural. La investigación muestra que esa superficie surgió a partir de residuos acumulados durante generaciones. Esa lectura cambia la forma de entender cómo se creó ese espacio.

Para comprobar qué había bajo la superficie, el equipo utilizó 20 barrenas manuales y perforó distintos puntos del terreno. Las mediciones mostraron que la isla apenas se eleva entre 20 y 60 centímetros sobre el nivel del agua en marea alta, lo que explica por qué se dio por sentado que era una isla durante un tiempo.

El análisis muestra que casi todo el material son conchas

Al analizar los sedimentos, comprobaron que entre el 70% y el 90% del material estaba formado por conchas. Además, los cangrejos que excavan en el suelo sacaban fragmentos desde profundidades de hasta 50 centímetros, lo que confirma que esa acumulación no se limita a la superficie.

El análisis detallado reveló que el terreno no estaba compuesto por tierra convencional. En lugar de suelo, lo que aparece es una masa compacta de restos de moluscos, incrustada en una mezcla de arena y arcilla. No se trata de conchas dispersas, sino de una acumulación continua que ocupa todo el volumen del islote. También se encontraron fragmentos de cerámica entre esos restos, lo que introduce una señal clara de actividad humana en ese lugar.

Ese tipo de acumulación encaja con el consumo habitual de marisco en muchas zonas del Pacífico. En otras partes de Fiyi, como la isla de Viti Levu, se han documentado actividades similares en las que se recogen grandes cantidades de moluscos en zonas poco profundas. El lugar estudiado se sitúa junto a la desembocadura de un río que aporta ese tipo de recursos de forma constante, lo que facilita que la recolección se repita durante largos periodos.

El equipo descartó que un tsunami formara ese depósito

Al inicio, el equipo consideró una explicación distinta. Pensaron que una gran ola podría haber arrastrado esos materiales y depositarlos en ese punto, algo plausible en una región con actividad sísmica. Sin embargo, el tipo de conchas encontrado no encaja con ese proceso, ya que predominan especies comestibles que suelen recogerse de forma selectiva. Además, el espesor de la capa sedimentaria no coincide con el patrón que deja un arrastre de ese tipo, lo que llevó a descartar esa hipótesis como origen principal.

El lugar se detectó en 2017 durante un estudio geoarqueológico en la costa norte de la isla de Vanua Levu. En un primer momento, el terreno parecía una extensión más de la costa, ya que está rodeado por manglares y un canal estrecho. Solo al analizar su contorno se confirmó que se trataba de una isla independiente con una superficie cercana a 3.000 metros cuadrados, aproximadamente el equivalente a 15 pistas de tenis.

La datación por radiocarbono de varias muestras sitúa la formación del depósito en torno a 1.190 años antes del presente, con un margen que abarca desde el año 420 hasta el 1040. Esa concentración temporal indica que la acumulación se produjo durante un periodo limitado y no de forma dispersa durante milenios. En el lugar no han aparecido huesos de animales ni herramientas de piedra, lo que sugiere que no fue un asentamiento permanente, sino un espacio utilizado para procesar alimentos.

El conjunto de datos apunta a que este islote encaja con lo que se conoce como un conchero, una acumulación de residuos alimentarios que con el tiempo puede formar terreno emergido. En otros puntos del Pacífico se han documentado casos similares, en los que estructuras levantadas sobre pilotes quedaron rodeadas por restos que acabaron creando superficie sólida. En este caso, la acumulación de conchas permitió que ese espacio quedara por encima del nivel del agua en ciertos momentos, y así terminó funcionando como una isla.

Un territorio que se extiende durante miles de kilómetros crea condiciones que no se repiten en ningún otro lugar del planeta. La región amazónica funciona como un espacio donde la diversidad biológica crece en capas que no siempre se detectan a simple vista, y esa acumulación explica por qué aún aparecen especies que no figuran en registros científicos.

Cuando se habla de la enorme cantidad de bichos que todavía no se conocen, en realidad se está señalando un proceso continuo de descubrimiento ligado a la escala del propio Amazonas. Ese tamaño condiciona el acceso, limita la observación directa y hace que muchas zonas sigan sin estudiarse con detalle.

Además, la variedad de ríos, suelos y climas dentro de la misma región crea hábitats muy distintos que pueden albergar formas de vida únicas, aunque no se hayan documentado todavía.

Un estudio documenta 118 peces en el Conambo

Un estudio publicado en la revista PeerJ documenta por primera vez 118 especies de peces en el río Conambo y advierte que la cifra puede aumentar. El trabajo, recogido por el Instituto Nacional de Biodiversidad (Inabio) y con participación de la Universidad de las Américas, reúne datos de campo, registros de ejemplares y contexto ecológico de una zona que apenas se había explorado.

Esa recopilación no solo enumera especies, también aporta una base para futuras investigaciones sobre biodiversidad en la cuenca del Marañón. El propio análisis deja claro que el inventario no está cerrado y que nuevas campañas pueden ampliar la lista.

El aislamiento del área limita el trabajo científico

El río Conambo se sitúa en una franja de selva tropical de tierras bajas en la Amazonía ecuatoriana y su recorrido conecta varios sistemas fluviales. Se une al río Pindo en la frontera con Perú para formar el río Tigre, que desemboca en el Marañón y, más adelante, en el Amazonas.

Ese encadenamiento hace que cualquier cambio en esta cuenca tenga efecto en un sistema mucho mayor. La dificultad de acceso ha limitado la presencia humana, y esa situación ha permitido que el entorno conserve condiciones cercanas a su estado original.

Esa misma dificultad explica por qué el inventario sigue abierto. El aislamiento del Conambo reduce la presión externa, pero también complica el trabajo de los investigadores, que dependen de campañas puntuales para recoger datos.

En este tipo de entornos, la biodiversidad suele ser mayor de la que se registra en una primera aproximación, porque muchas especies permanecen fuera del alcance de los muestreos iniciales. El propio Inabio describe el lugar como un “laboratorio natural clave para entender la biodiversidad amazónica”, una definición que apunta a su utilidad científica.

Los investigadores detectan grupos habituales y especies nuevas

Dentro del listado ya identificado destacan los Characiformes y los Siluriformes, grupos habituales en ríos amazónicos que incluyen tetras, pirañas y bagres. También aparecen familias como Characidae, Loricariidae y Cichlidae, con especies que tienen valor ecológico y alimentario.

El estudio señala además la presencia de peces no reportados antes en Ecuador y ejemplares que podrían corresponder a especies aún no descritas. Ese detalle amplía el alcance del hallazgo, ya que no se trata solo de contar especies conocidas, sino de detectar posibles líneas nuevas dentro de la clasificación.

Las comunidades locales aportan conocimiento sobre la pesca

Una parte del trabajo se construyó con la participación de comunidades indígenas. Pescadores de los pueblos Shiwiar y Zápara aportaron información sobre dónde aparecen los peces según la época del año, qué técnicas se utilizan y qué especies tienen relevancia en su vida diaria.

Entre las prácticas mencionadas figuran el uso de anzuelo y sedal, redes de lanzamiento y el barbasco en arroyos pequeños. Ese conocimiento acumulado durante generaciones permite completar lo que no se observa en campañas breves y aporta contexto sobre el uso real de los recursos.

La cuenca amazónica alberga miles de especies aún sin catalogar

El caso del Conambo encaja en un escenario más amplio. En la cuenca amazónica se han registrado 2.406 especies de peces de agua dulce, con 1.043 que no existen fuera de ese sistema. A escala global se han descrito más de 6.000 especies, aunque las estimaciones sitúan la cifra real en Sudamérica entre 8.000 y 9.000.

Esa diferencia entre lo conocido y lo estimado muestra que todavía queda una parte importante sin catalogar. Al mismo tiempo, la expansión de la agricultura, la explotación petrolera, la minería, la construcción de represas y la sobrepesca introduce cambios en los hábitats, altera los ciclos de los ríos y reduce la diversidad.

El inventario de 118 especies en el Conambo representa el primer registro completo de su ictiofauna y cubre siete órdenes y 31 familias. Ese dato no solo aporta una cifra, también establece un punto de partida para comparar cambios en el futuro y evaluar el estado del ecosistema. La combinación de registros científicos, datos locales y documentación fotográfica convierte el conjunto en una referencia útil para trabajos posteriores.

A partir de ese punto, el siguiente paso pasa por ampliar el muestreo y aplicar medidas que eviten el deterioro este entorno tan puro. La información disponible permite diseñar controles de pesca, delimitar áreas de protección y estudiar la evolución de las poblaciones.

En un sistema donde todavía aparecen especies nuevas, cada decisión condiciona lo que se podrá observar dentro de unos años, y el tiempo para actuar se reduce a medida que avanzan las actividades humanas río arriba.

El control de un territorio no depende solo de ejércitos en marcha, sino de la capacidad para fijar posiciones duraderas en puntos que permiten vigilar rutas y asegurar recursos. La expansión del Imperio Romano de Oriente hacia Hispania implicó establecer enclaves que respondían a esa idea, donde la presencia militar y la organización religiosa actuaban de forma coordinada para asegurar dominio y recaudación.

Ese avance, asociado al proyecto de Justiniano de recuperar territorios occidentales, se apoyó en núcleos pequeños pero funcionales que integraban defensa, culto y gestión económica. La llegada de ese poder a la Península no fue homogénea ni prolongada, y en muchos casos dejó rastros difíciles de interpretar porque se superpusieron con fases posteriores. Esa dificultad explica que aún hoy algunos puntos sigan generando discusión cuando aparecen restos que encajan con ese modelo.

Un estudio sitúa un puesto avanzado en Elda

Un estudio liderado por Antonio Manuel Poveda Navarro, publicado en la revista SALDVIE de la Universidad de Zaragoza, demuestra que el cerro de El Monastil en Elda albergó un castellum protobizantino con funciones militares, religiosas y fiscales en plena frontera visigoda.

El trabajo recoge décadas de excavaciones y revisión de materiales y sitúa el enclave como un puesto avanzado vinculado al emperador Justiniano. La investigación describe un asentamiento activo entre los siglos VI y VII que dependía de la red bizantina instalada en el sureste peninsular. Además, integra el lugar dentro de una estrategia de control territorial donde pequeños núcleos cumplían tareas muy específicas.

El emplazamiento ayuda a entender ese papel. El Monastil se sitúa en una elevación rodeada por un meandro del río Vinalopó, lo que lo convierte en un punto fácil de defender y con dominio visual del corredor. Esa posición permite vigilar un paso natural entre territorios y mantener conexión con otros núcleos relevantes.

Se encuentra a 28,5 kilómetros de Ilici Augusta y a 120 kilómetros de Carthago Spartaria, que era la capital bizantina en Hispania, lo que encaja con una red organizada de enclaves interdependientes.

El yacimiento funcionaba como centro militar y administrativo

El estudio publicado en SALDVIE, y recogido por La Brújula Verde, consolida esa interpretación al identificar el lugar como un castellum con iglesia monástica asociada. Poveda Navarro, vinculado a la Fundación Urbs Regia, plantea que el asentamiento no era un simple núcleo rural, sino un punto con funciones administrativas y militares.

Los datos arqueológicos permiten situarlo dentro del intento de restauración imperial impulsado por Justiniano, que buscaba recuperar territorios occidentales mediante una red de posiciones estratégicas.

La iglesia del enclave aporta otra pieza importante. Su tamaño, de 84,50 metros cuadrados, puede parecer reducido, pero responde a un modelo bien documentado en contextos bizantinos. El edificio cuenta con una nave principal y un ábside en forma de herradura, además de un baptisterio rupestre pentagonal.

Ese tipo de construcciones reservaba el espacio interior al clero, mientras los fieles se situaban en zonas laterales o exteriores. La dimensión no responde a limitaciones, sino a una forma concreta de organizar el culto según la liturgia oriental.

La estructura defensiva del lugar completa el conjunto. El recinto cuenta con una muralla de piedra seca de hasta tres metros de grosor, levantada sobre una anterior, y una puerta monumental con umbral de sillar trabajado. Desde ese acceso parte una calle central con estancias que se interpretan como celdas monásticas.

Los textos antiguos ubican aquí la sede episcopal de Elo

La identificación del lugar como la antigua Elo también resuelve una discusión larga. El análisis de 24 versiones de las actas de los Concilios de Toledo permite afirmar que los obispos llamados elotanos procedían de este enclave. Además, la cartografía histórica, como el mapa Hispania Antiqua de Nicolás Sanson, sitúa Ad Ellum en la zona de Elda. Esta precisión descarta la asociación con otros yacimientos y fija su ubicación en el corredor del Vinalopó.

Los objetos encontrados refuerzan la presencia bizantina. Aparecen piezas que solo se explican con la llegada de soldados y funcionarios del Imperio de Oriente. Entre ellas destaca una pyxide de marfil con una escena vinculada a Hércules, que se data entre los siglos VI y VII. También se han identificado dos lamas de hierro de una coraza de caballería pesada, similares a las de Cartagena, y un conjunto de siete ponderales usados para comprobar el peso de monedas. Estos instrumentos estaban ligados al control fiscal que el propio Justiniano había asignado a los obispos.

La evolución del lugar muestra cambios rápidos. Tras la llegada de los bizantinos después del 552, el enclave pasó a manos visigodas hacia el año 600. En ese momento se creó una sede episcopal con un único obispo conocido, Sanabilis, que firmó en el Sínodo de Gundemaro del 610. Esa estructura duró poco y fue absorbida por el obispado de Ilici. Después, el lugar volvió a funcionar como monasterio y más tarde fue ocupado por población islámica, que reutilizó materiales del complejo en nuevas construcciones.

El debate académico sigue abierto en parte. Poveda Navarro defiende que la acumulación de indicios no deja margen a dudas y critica que algunos estudios ignoren estos datos. Señala que quienes cuestionan estos resultados no han visitado el yacimiento ni revisado las publicaciones recientes. Esa discusión refleja un problema más amplio en la interpretación de la presencia bizantina en la Península.

La forma en que se recuerda la muerte de figuras religiosas no sigue el mismo patrón en todos los casos, y eso se ve con claridad al comparar a Mahoma con Jesucristo. En el caso del líder cristiano, su muerte aparece en relatos detallados, se representa en imágenes y se conmemora cada año con celebraciones específicas dentro de la Semana Santa. En cambio, la muerte de Mahoma no ocupa ese mismo espacio en la tradición islámica, donde todo se centra en sus enseñanzas y en el mensaje que transmitió en vida.

Ese contraste no responde a un olvido, sino a una manera distinta de construir el recuerdo, en la que el final de su vida queda integrado dentro de un proceso más amplio que incluye decisiones, cambios y consecuencias que afectan a toda una comunidad.

El último viaje a La Meca dejó normas para la comunidad

Mahoma murió en el año 632 en Medina tras varios días de enfermedad, y ese momento abrió una crisis inmediata sobre quién debía dirigir la comunidad musulmana tras su desaparición. El hecho está recogido en fuentes como Sahih al-Bujari, Sahih Muslim y la biografía atribuida a Ibn Ishaq, y aparece también en trabajos posteriores como los de W. Montgomery Watt o Ira M. Lapidus. La desaparición del profeta no solo supuso el final de su liderazgo personal, sino que obligó a organizar el poder político y religioso sin su presencia, algo que hasta entonces no había sido necesario.

Antes de que su estado empeorara, Mahoma había realizado la Peregrinación de Despedida a La Meca en ese mismo año. Durante ese viaje pronunció un sermón que recoge normas de comportamiento y pautas para la comunidad, y que más tarde se convirtió en un texto de referencia dentro de la tradición islámica.

Poco después de regresar a Medina comenzaron los síntomas que acabarían con su vida, y ese encadenamiento de hechos aparece de forma reiterada en las narraciones conservadas.

Un relato antiguo menciona un posible envenenamiento previo

Una parte de esas narraciones introduce un elemento adicional que ha generado debate. En Sahih al-Bujari, en el hadiz 4428, se recoge una frase atribuida a Mahoma en la que afirma que aún sentía los efectos de un veneno ingerido años antes, tras la batalla de Jáibar en 628.

Según el relato, una mujer le ofreció carne envenenada y el profeta escupió el alimento al notar algo extraño, aunque pudo haber ingerido una pequeña cantidad. Algunos autores han planteado que ese episodio influyó en su muerte, aunque la mayoría de estudios actuales lo considera difícil de comprobar y mantiene como explicación más probable una infección febril.

La elección de Abu Bakr inició el califato tras su muerte

Para entender la importancia de ese momento, conviene situarlo dentro de su trayectoria. Mahoma ibn Abd Allah nació en La Meca hacia el año 570 y comenzó a predicar el monoteísmo tras una revelación que, según la tradición, tuvo lugar alrededor del 610.

A partir de ahí formó una comunidad que se consolidó en Medina y que, con el tiempo, pasó a controlar gran parte de la península arábiga. Cuando llegó el año 632, ese proceso ya había transformado un grupo religioso en una estructura con organización política.

La muerte del profeta dejó ese sistema sin una figura que tomara decisiones finales, y la respuesta no fue unánime. Abu Bakr defendió que Mahoma había muerto como cualquier ser humano y que la comunidad debía seguir adelante, y acabó siendo elegido como primer califa.

Ese nombramiento dio inicio a una forma de gobierno que se extendió en los años siguientes, pero no resolvió todas las tensiones, ya que otros consideraban que Alí, primo y yerno del profeta, debía ocupar ese lugar. De ahí surgió la división entre suníes y chiíes, que se mantiene hasta hoy.

Los últimos días transcurrieron bajo el cuidado de Aisha

Antes de que empezaran las tensiones, los últimos días del profeta transcurrieron en un entorno muy concreto. Permaneció en la casa de su esposa Aisha, donde se le atendió durante el periodo en el que la fiebre, la debilidad y el dolor fueron en aumento. Las fuentes coinciden en que su estado empeoró de forma progresiva, sin recuperación, hasta el desenlace final.

Ese día llegó el 8 de junio de 632, cuando Mahoma tenía alrededor de 62 o 63 años. Murió en Medina y fue enterrado en la misma habitación en la que falleció, siguiendo la tradición que indica que los profetas deben ser sepultados en el lugar donde mueren, y ese espacio quedó integrado en la mezquita Al-Masjid an-Nabawi, conocida como mezquita del Profeta, que se levantó después en la ciudad.

Hubo un tiempo en el que comprar música implicaba salir de casa, rebuscar entre estanterías y dejarse aconsejar por alguien que sabía más que tú. Un tiempo en el que las tiendas de discos no eran solo comercios, sino lugares de descubrimiento.

Ese tiempo parece haber quedado atrás, pero no del todo.

Porque en Valencia sigue abierta una puerta a esa forma de entender la música. Y no es una cualquiera. Es la más antigua del país.

La tienda de discos más antigua de España está en Valencia

Hablar de la tienda de discos más antigua de España es hablar de Discos Oldies.

Ubicada a pocos metros de la plaza del Ayuntamiento, este pequeño local lleva décadas resistiendo a todos los cambios que han transformado la industria musical. Desde el vinilo hasta el CD, y del CD al streaming, su historia es también la historia de cómo ha evolucionado nuestra forma de escuchar música.

Pero lo más llamativo no es que haya llegado hasta aquí, sino que haya conseguido seguir adelante cuando parecía que todo terminaba.

Discos Oldies Valencia: una segunda vida inesperada

En 2021, los propietarios históricos de Discos Oldies Valencia decidieron jubilarse. Era el final natural de una etapa que había durado décadas, y todo apuntaba a que la tienda acabaría cerrando, como tantas otras en los últimos años.

Sin embargo, ocurrió algo poco habitual.

Cuatro jóvenes treintañeros decidieron tomar el relevo del negocio, evitando su desaparición y apostando por mantener viva una tienda que ya formaba parte del patrimonio cultural de la ciudad.

Desde el 2 de enero de 2022, el local inició una nueva etapa sin renunciar a su esencia.

Una tienda que ha sobrevivido a todos los cambios

Si algo define a la tienda de discos más antigua de España es su capacidad de adaptación.

Ha visto pasar generaciones de formatos, modas musicales y formas de consumo completamente distintas. Ha sobrevivido a la irrupción de internet, a la caída del CD y al dominio absoluto de las plataformas digitales.

Y, aun así, sigue ahí.

En parte porque ha sabido mantenerse fiel a lo que siempre fue: un espacio donde la música se toca, se busca y se descubre sin prisas.

El valor de las tiendas de discos hoy

El Día Mundial de las Tiendas de Discos sirve precisamente para recordar esto. Que estos espacios no eran solo puntos de venta, sino lugares donde se construía cultura musical.

Hoy, en plena era digital, su valor ha cambiado. Ya no compiten en inmediatez ni en catálogo, pero sí en algo que las plataformas no pueden replicar: la experiencia.

Entrar en una tienda como Discos Oldies no es solo comprar un disco. Es recuperar una forma de relacionarse con la música que parecía perdida.

Un pequeño local que guarda una gran historia

En una calle discreta del centro de Valencia, lejos de los grandes titulares, sigue funcionando un negocio que ha visto pasar varias generaciones de oyentes.

Y eso, en un contexto donde casi todo se consume de forma inmediata y digital, tiene algo de resistencia.

Porque hay lugares que no sobreviven por casualidad. Sobreviven porque todavía tienen sentido.

Pedir un cappuccino después de comer en Italia no es ilegal, ni mucho menos. Nadie te lo va a negar. Pero si lo haces, lo más probable es que levantes alguna ceja o que, directamente, te identifiquen como turista en cuestión de segundos.

Y no es casualidad.

El cappuccino en Italia tiene su momento. Y ese momento no es después de comer.

Por qué en Italia no se pide cappuccino después de comer

Para entender por qué en Italia no se pide cappuccino después de comer, hay que empezar por lo más evidente: la leche.

El cappuccino no es solo café. Es café con una cantidad importante de leche, y en la cultura italiana eso lo convierte en una bebida asociada al desayuno o, como mucho, a media mañana.

La idea que muchos italianos tienen es que la leche, consumida después de una comida, puede resultar pesada y dificultar la digestión. Por eso, tras comer, lo habitual es optar por un espresso corto, intenso y sin añadidos.

No se trata de una norma escrita, sino de una costumbre que se ha transmitido de generación en generación y que forma parte de la manera en que entienden el café.

La relación entre café y digestión en Italia

Si nos fijamos en la cultura del café en Italia, veremos que cada momento del día tiene su bebida correspondiente.

Por la mañana, el cappuccino encaja perfectamente porque es más suave, más largo y combina bien con algo de bollería. Sin embargo, después de una comida, lo que se busca es justo lo contrario: un café rápido que ayude a cerrar la comida sin añadir pesadez.

Aquí entra en juego el espresso, que se bebe casi de un trago y que forma parte del ritual cotidiano de millones de italianos.

La intolerancia a la lactosa y el contexto cultural

Hay otro factor que ayuda a entender esta costumbre. La leche en Italia y el café no se consumen igual que en otros países europeos.

Diversos estudios apuntan a que la intolerancia a la lactosa es relativamente elevada en Italia, especialmente en el sur, lo que refuerza la idea de evitar bebidas lácteas fuera de las primeras horas del día.

A esto se suma un contexto histórico y climático donde la conservación de la leche no siempre fue sencilla, especialmente en zonas cálidas, lo que también influyó en la forma en que se integró en la dieta.

Qué pasa si pides un cappuccino después de comer

La respuesta corta es simple: nada grave. Te lo servirán.

Pero si te preguntas cappuccino después de comer en Italia, debes saber que estarás rompiendo una de esas normas invisibles que todo el mundo conoce y respeta.

Es una cuestión de códigos culturales más que de reglas estrictas. Igual que en otros países hay gestos que llaman la atención sin ser incorrectos, en Italia el cappuccino fuera de hora tiene ese efecto.

Una costumbre que dice mucho más de lo que parece

Al final, evitar el cappuccino después de comer no es solo una cuestión de digestión. Es una forma de entender el tiempo, la comida y el café como ritual.

En Italia, el café no es solo una bebida. Es un momento concreto del día, con su lógica y su lugar.

Y por eso, aunque nadie te lo prohíba, lo habitual es que, después de comer, elijas lo mismo que elegiría cualquier italiano.

Un espresso. Corto. Rápido. Y sin leche.

Hay expresiones que usamos sin pensar demasiado en lo que dicen. Funcionan, las entendemos y las repetimos. Pero cuando te detienes a analizarlas, muchas veces descubres que esconden historias bastante más curiosas de lo que parecen.

La frase que no te la den con queso es un buen ejemplo de ello. Hoy la utilizamos para advertir a alguien de que no se deje engañar, de que esté atento, de que no le cuelen algo que no es lo que parece. Sin embargo, su origen no tiene nada que ver con una metáfora improvisada ni con el queso como tal, sino con una práctica muy concreta que se daba en bodegas y ventas hace siglos.

Qué significa realmente “que no te la den con queso”

Para entender bien qué significa “que no te la den con queso”, hay que situarse en un contexto donde el vino no siempre era lo que prometía ser. Durante siglos, la compraventa de vino estaba llena de matices, diferencias de calidad y, en algunos casos, bastante picaresca. No todas las añadas eran buenas y no todos los productores jugaban limpio.

En ese escenario, el cliente tenía que fiarse en gran medida de su paladar. Pero ahí es donde entraba en juego un aliado inesperado: el queso.

El origen de “que no te la den con queso” en el mundo del vino

El origen de “que no te la den con queso” está directamente relacionado con la forma en que se ofrecían las catas en muchas bodegas tradicionales. Para acompañar el vino, era habitual servir queso, una combinación que, a priori, resulta lógica y muy extendida en la gastronomía.

El problema es que esa pareja tenía un efecto concreto. El queso, por su composición, recubre la boca y puede suavizar la percepción de ciertos sabores, especialmente los más agresivos o defectuosos. En otras palabras, ayudaba a que un vino mediocre pareciera mejor de lo que realmente era.

De este modo, algunos vendedores utilizaban el queso como una herramienta para “mejorar” artificialmente la experiencia de cata. El cliente probaba el vino acompañado, lo encontraba agradable y tomaba la decisión de compra. Sin embargo, al llegar a casa y beberlo sin ese acompañamiento, descubría que el producto no estaba a la altura de lo que había probado.

Por qué el queso podía “engañar” al paladar

Si nos preguntamos por qué el queso puede alterar el sabor del vino, la explicación está en su textura y en sus grasas. Al cubrir parcialmente las papilas gustativas, el queso reduce la intensidad de ciertos matices, especialmente la acidez o el amargor, que suelen delatar a los vinos de peor calidad.

Esto no significa que el maridaje de queso y vino sea negativo, ni mucho menos. De hecho, bien utilizado, es una de las combinaciones más apreciadas en la gastronomía. Lo que ocurrió en estos casos es que se aprovechaba ese efecto para disfrazar defectos, no para potenciar virtudes.

Una expresión nacida de la picaresca

Con el tiempo, esta práctica dio lugar a una advertencia que acabó trascendiendo el mundo del vino. Decir que no te la den con queso pasó a significar que no te engañen, que no te distraigan con algo agradable mientras te cuelan algo peor.

Es una expresión que encaja perfectamente con esa tradición de picaresca que ha acompañado a la cultura popular durante siglos, donde el ingenio y la astucia muchas veces marcaban la diferencia entre vender y no vender.

Una frase que sigue viva (aunque la trampa ya no tanto)

Hoy en día, la expresión se mantiene intacta, aunque la práctica que la originó ha desaparecido en gran medida. Las catas actuales buscan justo lo contrario: transparencia, precisión y respeto por el producto.

Sin embargo, la frase sigue funcionando porque su significado es universal. Nos recuerda que no todo lo que parece bueno lo es, y que a veces lo importante no es lo que te enseñan, sino lo que hay detrás.

Y, sobre todo, nos recuerda algo bastante útil: que conviene afinar el criterio… incluso cuando todo sabe bien.

Hay imágenes que damos por válidas sin cuestionarlas. Las gárgolas de Notre Dame son una de ellas. Están en lo alto de la catedral, aparecen en películas, en postales y en la memoria colectiva de cualquiera que haya visto la versión de Disney de El jorobado de Notre Dame. Sin embargo, esa imagen tan reconocible tiene un problema de base: no corresponde a la realidad histórica de la época en la que se sitúa la historia.

La película, basada en la novela Nuestra Señora de París de Victor Hugo, nos traslada a una catedral medieval, habitada por Quasimodo y rodeada de criaturas de piedra que parecen llevar allí desde siempre. Pero no es así. La Notre Dame que hoy conocemos, con sus quimeras y figuras grotescas observando la ciudad, es en gran medida una reinterpretación posterior, fruto de una restauración que transformó profundamente su aspecto original.

Qué eran realmente las gárgolas en la arquitectura medieval

Para entender el error, primero hay que aclarar conceptos. Cuando hablamos de gárgolas de Notre Dame, solemos referirnos a cualquier figura monstruosa esculpida en la piedra. Sin embargo, en sentido estricto, una gárgola es un elemento funcional. Su objetivo es evacuar el agua de lluvia, alejándola de los muros para evitar el deterioro de la estructura.

Todas esas criaturas fantásticas que vemos en las torres y balcones no cumplen esa función. Son, en realidad, grotescos o quimeras, figuras decorativas inspiradas en imaginarios medievales, pero sin utilidad práctica. Esta distinción no es menor, porque ya nos da una pista importante: no todo lo que parece medieval lo es realmente.

La transformación de Notre Dame en el siglo XIX

La clave de todo está en el siglo XIX. Tras la Revolución Francesa, la catedral quedó en un estado muy deteriorado. Muchas esculturas habían sido destruidas, las vidrieras estaban dañadas y el edificio había perdido gran parte de su esplendor original. Durante años, Notre Dame fue poco más que una estructura abandonada, utilizada incluso como almacén y afectada por el paso del tiempo y el desinterés.

El punto de inflexión llegó en 1831, cuando Victor Hugo publicó su novela. El éxito fue inmediato y despertó en la sociedad francesa una nueva sensibilidad hacia el patrimonio. La catedral dejó de ser un vestigio del pasado para convertirse en un símbolo que había que recuperar.

Fue entonces cuando se inició una gran restauración dirigida por el arquitecto Eugène Viollet-le-Duc, una figura clave para entender la Notre Dame actual. Su trabajo no consistió únicamente en reparar lo que estaba dañado. También interpretó, reconstruyó y, en muchos casos, añadió elementos que consideraba coherentes con el espíritu gótico del edificio.

Por qué las gárgolas que vemos hoy no son medievales

Es en ese proceso donde aparecen muchas de las figuras que hoy identificamos con la catedral. Las quimeras, esos seres híbridos que parecen vigilar París desde las alturas, fueron diseñadas y esculpidas en el siglo XIX. No son restos originales de la Edad Media, sino creaciones modernas inspiradas en una visión idealizada de ese periodo.

Esto significa que la imagen que tenemos de Notre Dame, la misma que reproduce el cine y la cultura popular, mezcla elementos históricos con aportaciones posteriores. Las gárgolas y criaturas que acompañan a Quasimodo en la película no estaban allí en el siglo XV, ni formaban parte del paisaje original de la catedral medieval.

Un error histórico que se ha convertido en icono

Lo interesante es que, a pesar de todo, nadie percibe estas figuras como ajenas al monumento. Al contrario, se han convertido en uno de sus rasgos más distintivos. El error histórico ha sido absorbido por la propia identidad del lugar.

La versión de Notre Dame que ha llegado hasta nosotros no es una fotografía del pasado, sino el resultado de siglos de transformaciones, restauraciones e interpretaciones. Y, en cierto modo, eso también forma parte de su historia.

Porque a veces los monumentos no solo se conservan, sino que se reinventan. Y en ese proceso, lo que empieza como una reconstrucción acaba siendo, para todos, la imagen definitiva.

Los loros, cotorras y otras aves destacan por su capacidad para imitar sonidos, incluida la voz humana. Esta habilidad se conoce como aprendizaje vocal, un rasgo poco común en el reino animal que solo comparten algunos grupos como los cetáceos o ciertos mamíferos. En aves, esta capacidad está especialmente desarrollada en los loros, considerados los imitadores más avanzados.

A diferencia de los humanos, estas aves no tienen cuerdas vocales. En su lugar utilizan la siringe, un órgano situado en la tráquea que les permite modular el aire y producir una amplia variedad de sonidos. Esta estructura, combinada con un control muscular muy preciso, es la base de su capacidad para reproducir sonidos complejos.

No todas las aves pueden imitar sonidos. Los loros forman parte de un grupo reducido de especies con aprendizaje vocal junto con aves cantoras y colibríes. Esta capacidad está vinculada a la comunicación social, ya que permite a los individuos adaptar sus vocalizaciones a su grupo o entorno.

Algunas especies destacan especialmente por su precisión. Estudios comparativos han demostrado que los loros pueden modificar y diversificar sus llamadas de contacto aprendidas, lo que les permite adaptarse a distintos contextos sociales y ecológicos. Esta flexibilidad es clave para entender por qué imitan sonidos humanos con tanta facilidad.

El secreto está en su cerebro

La clave de esta habilidad no está solo en su aparato vocal. Un estudio publicado en la revista científica PLOS ONE descubrió que el cerebro de los loros tiene una estructura única: un sistema de “núcleo y concha”. Esta organización añade una capa extra a las áreas del aprendizaje vocal, algo que no aparece en otras aves.

Estas “conchas” rodean los centros cerebrales del aprendizaje vocal y están relacionadas con la imitación de sonidos y comportamientos complejos. Los investigadores señalan que esta estructura podría haber evolucionado hace más de 29 millones de años, lo que explicaría la sofisticación de su capacidad vocal.

Pero ¿por qué imitan lo que escuchan? La ciencia apunta a que el aprendizaje vocal en loros está ligado a la interacción social. En la naturaleza, estas aves utilizan sonidos para comunicarse con su grupo, reconocer individuos o coordinarse. En cautividad, los humanos sustituyen ese entorno social, por lo que imitan nuestras voces como forma de integración.

Aun así, el debate sigue abierto sobre si comprenden lo que dicen. Algunos experimentos han mostrado que los loros pueden asociar sonidos con objetos o acciones, lo que sugiere cierto nivel de cognición. Sin embargo, la mayoría de los estudios concluye que su capacidad está basada principalmente en la imitación y el aprendizaje, más que en el uso de un lenguaje propiamente dicho.