“Bienvenidos a La Revuelta. El presentador de hoy soy yo, lo siento mucho. La única persona que ha decepcionado a la izquierda más que Gabriel Rufián”. David Broncano llegó al escenario de La Revuelta como si fuese Cersei Lannister –vestido–, atravesando su propio pasillo de la vergüenza. Entre abucheos, su público, el auténtico público del programa, le lanzó rollos de papel higiénico, verduras y peluches que se quedaron en el suelo durante toda la entrevista con Ada Colau, la última política en pasar por el Teatro Albéniz en esta precampaña a menos que el líder del PP finalmente se anime. “Me ha llamado Feijóo y dice que quiere venir ahora”, ironizó Grison –al que tanto se echó de menos este lunes–, recogiendo la idea servida por El Mundo Today.

“El día después es al día siguiente”, cantaba Siniestro Total, un nombre que también podría haber definido el choque entre Broncano y Santiago Abascal. Y eso que dejó el mayor número de espectadores de la historia del programa –4,8 millones, que aguantaron el suplicio hasta el final–, a sólo tres décimas del registro de Pedro Sánchez. Unas cifras por las que cualquier presentador mataría pero que esta noche servían de escaso consuelo. “Hace tiempo que no estaba tan triste con nada en mi vida”, admitió Broncano.

“No estuve a la altura de lo que merece la television pública, lo digo de corazón, y me disculpo delante de todo el mundo porque es lo que creo que tengo que hacer hoy”, arrancó. “Me siento muy decepcionado conmigo mismo, con las decisiones que tomé y cómo las llevé a cabo”. A toro pasado tiene claro que su gran error fue aceptar el gran reemplazo (de público) que le propuso Vox, algo que –fuera de TVE y la propia productora– nadie parecía entender y se elevó a categoria de escándalo. A él, como en el viejo aforismo –perdón por el plagio, jefe–, en aquel momento le pareció una buena idea.

Broncano cedió la palabra al público, a su público, y Graciela de Pamplona se lo dijo muy claro: “Si a nadie se le ha consentido que ponga su público, a él tampoco”. Y el público, ese auténtico público de La Revuelta, rompió a aplaudir. “Tenías una situación complicada: se te ha acusado de no usar el humor cuando se te dijo que no lo usases”. El programa, recuperando poco a poco su espíritu, rebajaba la gravedad con un rótulo: “Ayer fuimos Horizonte y hoy Tengo una pregunta para usted. La Revuelta volverá la próxima semana”.

“Me pareció que el mayor fallo fue cambiar el planteamiento de la entrevista”, señaló antes otro espectador, mientras su compañero de asiento mostraba una camiseta verde en defensa de la educación pública –“todavía no, todavía no”, se oyó a Sergio Bezos–. “Le diste un poco de ventaja”. No sólo había cedido el público, también el campo de juego.

Broncano no puso paños calientes para excusarse: lo hizo, en sus propias palabras, “porque soy un tremendo flipado y la cagué tremendamente”. Estaba convencido de que podía pasarle por encima a Abascal y de que éste aprovecharía los abucheos del público para victimizarse. No salió bien. “Malo será que no quede yo como Gabilondo”, bromeaban sus colaboradores. “¿Eres Intxaurrondo, tú?”; “Sí, Intxaurrondo saliendo de un after”. La presentadora de La Hora de la 1, por cierto, fue una de las que más madrugaron para echar un capote a su compañero de la noche.

Esa cesión fue determinante para que el programa se le escapase de las manos. “Estaba jugando en casa totalmente. Infravaloré la fuerza de 400 personas aplaudiendo cada frase que decía”. Personas que, cuando hablaba el presentador, acogían sus palabras con unos “murmullos y silencios” que él asociaba a desaprobación.

Quien está subido en el escenario –sobre todo, si tiene suficientes tablas– sabe cómo respira el público, pero eso resulta imposible de captar desde el sofá de casa por un espectador que, en buena parte del programa, simplemente, no entendía qué le estaba pasando a un tipo tan rápido en sus réplicas. Tanto que su cabeza a veces va a más velocidad que su boca y de ahí ese tartamudeo que con Abascal se disparó. Sin embargo, en esa cabeza “tenía todo el rato por encima: 'Soy gilipollas, la he cagado'”.

Jorge Ponce, la otra cabeza tras La Revuelta, se plantó en el escenario y resumió lo que tantos espectadores habituales pensaron durante la entrevista a Abascal: “Quería muy fuerte darte un abrazo y darte una buena hostia”. Como no es partidario de la violencia, apostó por la primera opción. “Hemos medio aprendido la lección: el resumen fue que te quisiste pasar la entrevista en modo experto”. Game Over. “Es como si traes a Taylor Swift y al público de Taylor Swift e intentas decirle que lo que está bien es Melendi”. Seguro que en Vox hubiesen preferido a Rocío Jurado.

“Y lo bien que lo pasó Pablo Motos”. Los colegas de Broncano volvieron a aparecer, casi pisándose. “Es la única entrevista que ha visto a cámara lenta”. “Se sabe los diálogos”. Ponce quiso quedarse con lo bueno: “Hicimos un 33 de audiencia y estuvimos muy cerca del 36”.

Para Grison, las lecciones fueron dos: “Hicimos una buena audiencia y tenemos la certeza de que, si entra esta gente, nos van a echar”, ironizó. “Y espérate, después del programa de ayer, que no nos eche el PSOE”.

La Revuelta volvía a ser La Revuelta cuando recibieron a Ada Colau, quien llegaba con una idea clara: “Ayer ese señor que no pienso nombrar ya fue suficientemente protagonista y ya no tiene que serlo más”. Hizo lo posible por conseguirlo, pero la sombra del “señoro triste y aburrido” fue alargada y llegó incluso a las preguntas clásicas. “Le llegas a haber preguntado si era más machista o racista y te dice 'Muchas gracias'”. Grison, ¿dónde estabas anoche?

Cosas que pasan: cuando acabó La Revuelta, se estrenó La cena de los idiotas. Al final, la predicción de que después de Broncano vendría Bertín Osborne, fue cierta. Por lo menos, este martes.

¿Sabéis esos vídeos en los que dicen “puedes ver el momento exacto en el que se le rompió el corazón”? Pues algo así pasó con la presencia de Santiago Abascal en La Revuelta. El programa con mayor expectación de la precampaña, el que había generado todo tipo de polémicas previas, de hipótesis, de acusaciónes de blanqueamiento... contra el que incluso se había promovido un boicot, se hundió justo en la única sima que nadie había podido prever: la de la inanidad y el aburrimiento. Y es facilísimo encontrar el momento exacto en el que se jodió el Perú. Es en ese instante, justo antes de pasar al sofá, en el que David Broncano le propone al líder de Vox: “Si te parece, podemos hacer un programa con menos chistecitos. Hablemos en serio”.

“Pues tengo que irme, que tengo el pollo en el horno”, intervino Grison. Seguro que él también se arrepintió de no hacerlo. Esta vez, Candela Peña tampoco apareció, pese a su interés en ver a La Santi. Puede que se diesen cuenta de que esto no lo levantaba ni ella o, simplemente, que se hubiese quedado dormida en el camerino. Al final, la explicación de por qué el público era “de agencia” iba a ser mucho más simple que el ejercicio de censura filofascista que todos nos temíamos: en realidad, gratis, nadie se iba a quedar hasta el final. Ni siquiera yo.

“Más que una entrevista con toques de humor nos hemos encontrado con un debate muy serio y muy profundo. A ver si en alguna otra ocasión puedo tener una entrevista”. Faltaba una hora para que La Revuelta saliese a antena cuando Abascal hacía ese –generoso– espoiler a las puertas del Teatro Albéniz. No se le veía demasiado satisfecho; ni a él ni a alguna de sus simpatizantes que formaban parte de ese público anunciado como “de agencia”. El líder de Vox, seguidor de la teoria conspiracionista del “gran reemplazo” había decidido aplicarla con el público del programa de Broncano, el que lo abucheó cuando anunció su presencia en el programa. Ese público al que Grison había vaticinado que se llevarían con una máquina quitanieves para sustiuirlos por los que sobraban en Horizonte. “La ultraderechita cobarde”, según el ministro Bolaños.

Como en cualquier combate en la cumbre, la previa es siempre clave para lo que pase sobre el ring: la guerra psicológica, el trashtalking durante el pesaje... Aquí, ante el silencio sepulcral de todos los invitados sobre los extraños movimientos que estaban sucediendo, la batalla se desarrollaba en La Séptima. La última en llegar a la fiesta quería su parte de pastel. Javier Ruiz fue el primero en llevar el gran reemplazo al prime time; Quequé e Ignatius defendían el papelón de su exsocio; los programas de tarde instalaron punto de directo en la puerta del Albéniz y, mientras en las redes se impulsaba un apagón a La Revuelta, contraprogramaron anunciando una entrevista al presidente del Gobierno. A las 21:32, Pedro Sánchez vestido a lo Javier Ruiz –traje de tres piezas sin corbata, nada de vaqueros esta vez– pronunciaba sus primeras palabras: “Vamos a una mayoría progresista”. En La 1, todavía estaban con la predicción meteorológica...

Público de empresa

Cuando el programa por fin arranca –en TVE no habrá publicidad, pero lo que estiran las promos...–, lo primero que aparece es alguien vistiendo un fachaleco en el patio de butacas. Realización está dispuesto a poner las cartas sobre la mesa. No está, como era de esperar, el punki que acompañó a Sergio con La Peter y el dúo Rufián & Montero. En su sitio, Jose, que parecía haberse quitado ese mismo fachaleco un segundo antes. Nunca había visto el programa y llegó hasta el teatro “por una empresa que lo ha traído”, ironizó Grison.

Quedaba claro que el colaborador salía al escenario con ganas y que el terreno hostil lo motivaba. “Viene Taburete, vais a flipar. Íbamos a poner tres pateras con subsaharianos”. No faltó ni el chiste de Desokupa... Ahí todavía parecía que íbamos a tener el espectáculo que merecíamos. Antes de arrancar, Broncano admitía estar “hasta los huevos” de entrevistar a políticos. Al día siguiente le quedaba aún Ada Colau. De Feijóo –“clo, clo”, según Castella– seguían sin saber nada.

Abascal entró entre gritos de “presidente, presidente”. Es lo que tienen los públicos neutrales. No consiguieron relajarlo: permaneció rígido y con la sonrisa congelada. Respondió a otra broma de Grison –él le llamó “Marcos”– sobre los espectadores y un hipotético “intercambio de parejas” con Pablo Motos. “Al Hormiguero tampoco me invitan”. En ese momento, le aplaudieron las dos Españas del Albéniz.

Y llegó el regalo. Broncano no sacó el despertador que Rufián –“Abascal va a venir, es un jugón”– dejó para el ultraderechista. Éste le echó misterio al contenido de un paquete grande pero “ligero”. No era una piedra, ni un adoquín “de los que me tiran”, ni un extintor “para cuando llegaran los de Vox con el lanzallamas”, ni una caja “para recoger las cosas”. Era, aclaró, algo “más importante que la Constitución, porque tiene que ver con la dignidad de todos nosotros”. Era la bandera de Ceuta. Para colocarla en esa mesa cargada de objetos, hubo que tapar otra. “Es la de Extremadura, ¿no?”, preguntó Broncano. “Eeeeh....”, musitó el muy español Abascal.

(En la recta final del siglo XX me contaron que, cuando Médico de familia alcanzaba índices de audiencia del 60% y paralizaba el país, en el programa de TV3 al que le tocaba competir con la serie de Telecinco se dedicaban a comentar los capítulos en tiempo real. Exacto, lo mismo que haríamos años después en twitter. No tengo pruebas de que aquello sucediese así, aunque siempre lo creí posible –si emiten Polònia mientras en Galicia vemos Land Rober, los veo capaces de cualquier cosa– y no podía evitar imaginar que en el Hormiguero y, sobre todo, en Horizonte, era justo eso lo que estaba pasando mientras los demás veíamos a Broncano y Abascal. Si lo hicieron, no tardaron en apagar).

Santiago, español pero tímido

“A mí nunca me gusta estar en la televisión, creo que por timidez”. Ese momento First Dates en el que Abascal se sentó en el sofá, cruzó la pierna y agarró uno de los cojines –no el perro, una oportunidad desperdiciada– casi consigue despertar ternura, sobre todo al verle la frente perlada de sudor. No tardó en quitarse la chaqueta, poco después de haber tratado de ridiculizar la perspectiva de género diciendo que “el aire acondicionado es machista”.

Seguramente, lo de tímido fue lo único que Abascal admitió de sí mismo mientras disparaba, con un tono que pretendía transmitir sentido común, todos los tópicos esperados. No se dejó ni uno: la ideología de género –que llegaba, aseguró, “a la construcción”–, el fanatismo climático, la inmigración, la agenda 2030... todo lo hacía, eso sí, desde el prejuicio y evitando cualquier argumento de autoridad. Si Broncano le repreguntaba, el líder de Vox rápidamente huía hacia adelante: “Bueno, yo no construyo casas”; “Bueno, yo no soy científico”; “Bueno, yo no soy estratega militar”. Como colofón, en un alarde de sinceridad, incluso se le escapó un: “Bueno, no soy muy avispado...”.

Broncano parecía decidido a tumbar uno por uno los argumentos –es una forma de hablar– de su interlocutor. Otra cosa era conseguirlo. El presentador no se caracteriza precisamente por una expresión clara, pero lo de este lunes fue un auténtico galimatías. Si estuviesen jugando un partido y se midiese el tiempo de posesión, los datos dirían que tuvo más tiempo la pelota pero no se acercó al área. Se convirtió en ese asistente a una conferencia al que le pasan el micrófono y, ante el terror del resto de la audiencia, recita: “Más que una pregunta, yo tengo una reflexión...”. Puede ser un aviso de lo que nos espera con Jordi Wild.

El mayor momento de tensión llegó a cuenta del genocidio de Gaza. Broncano acusó a Abascal de no haber “tenido huevos” de decirle a sus amigos israelíes lo que estaban haciendo con la población palestina. El líder de Vox, que venía de narrar la sangre que había visto en los kibbutz tras los “demoníacos” ataques del 7 de octubre, replicó que el presentador carecía de las “agallas” para señalar al que consideraba verdadero culpable, Hamás. Cuando los ánimos se enfriaron, seguro que agradeció interiormente los sinónimos que proporcionan las novelas de Pérez-Reverte.

A esas alturas, Ricardo Castella había desaparecido, Grison apenas asomaba un poco más y ni siquiera ese público teóricamente favorable parecía estar enchufado. Tan sólo un aplauso “testimonial” tras cada respuesta de Abascal. En un momento, Broncano pareció recordar de qué iba teóricamente aquéllo e interpeló a la audiencia. “Espero que estéis echando un buen rato aquí de conversación”. Esta vez, aunque fuese por obligación, las palmas sonaron un poco más fuertes.

La última palabra

Como premio de consolación, Broncano al menos consiguió cobrar su libra de carne. Le recordó a Abascal cuando los suyos lo pusieron “en el punto de mira” y le acusaron de “llevarse el dinero de la sanidad pública” al ser contratado en TVE. El líder de Vox empatizó: “Me parece un exceso, me pongo en tu piel”.

Pasadas las once de la noche era difícil no mirar el reloj –y aún quedaba más de media hora–. Me tranquilizó recordar que Íñigo Sáenz de Ugarte se estaba encargando de la crónica política, porque admito que llegado este punto costaba mantener la atención. Árbitro, la hora. Que se acabe ya. Si fuese Boyero, hace un buen rato que me hubiese largado del cine...

Al final, no es que se me hiciese eterno: también a ellos el tiempo se les fue de las manos, así que ni preguntas clásicas –y eso que Abascal las llevaba preparadas–, ni Candela Peña, ni actuación musical. El invitado todavía tuvo tiempo de dar la última estocada. Cuando Broncano, intentando volver a parecer humorista, le dijo que no iba a desearle suerte, Abascal replicó: “Yo a ti sí, porque vas a necesitarla”. Ante las carcajadas del público, estas sí sinceras, la guinda: “Me sale el punto de cómico que tú has perdido en esta entrevista”. “¿En qué sentido?”, insistió una vez más el presentador. En el infierno de los comediantes, un demonio subió el fuego de la caldera al escuchar a un compañero pedir que se explicase un chiste.

Hace un mundo, en otra cadena donde se cumplía eso tan antiguo del pregunta-respuesta, Pedro Sánchez había dicho: “Vamos a una mayoría progresista”. ¿Dónde estaría al filo de la medianoche la mayoría de la audiencia? Superado el morbo inicial, llegar al final del programa fue un suplicio, y no sólo para los dos contendientes. Feijóo –que sí irá el miércoles al Hormiguero– seguro que se acostó pensando que ser gallina tiene sus ventajas. Aunque eso te haga trabajar en día de huelga.

Primer fin de semana en la historia de La Séptima. La nueva cadena de la TDT ya ha desvelado sus cartas para amenizar los dos últimos días de la semana, lo que requiere una lectura pausada para entender su rendimiento en audiencias. Lo cierto es que sus primeros pasos en la televisión en abierto ya superan las previsiones que el propio José Miguel Contreras desveló durante su presentación oficial.

Las cifras que manejaban en el “plan business” del canal rondan el 1.8% para los dos primeros meses. “Una audiencia razonable para empezar, que será el primer día, y no sabemos cuánta gente nos tendrá sintonizados, creemos que tenemos que estar por encima del 1.5% de share”, declaró el impulsor frente a los medios de comunicación, entre los que se encontraba verTele.

Por el momento, reto conseguido en el marco del fin de semana. Las mediciones de Fifty5Blue —antes Kantar Media— arrojan resultados muy positivos para un canal de nueva creación tras la resintonización, sin perder de vista lo complicado de hacerse un hueco en las rutinas de los espectadores. Sin tener en cuenta las cadenas de pago ni las autonómicas, La Séptima se coloca en la sexta posición del ranking.

El primer sábado de La Séptima

La programación en directo de La Séptima se abre regularmente a las 12:00 horas, saludando a los espectadores con su primer programa. Este sábado, 7 de noviembre, la cadena recibió una grata sorpresa: el Fin de semana de Luján Argüelles alcanzó un 5.7% de cuota de pantalla y 210.000 espectadores. Incluso superó a las ofertas de Telecinco (4.3% y 157.000) y La 2 (1.5% y 55.00) en estricta coincidencia.

Con el 'efecto estreno' como telón de fondo, la audiencia conectó con la nueva cadena para disfrutar de La comedia nacional de Héctor de Miguel (4.5% y 373.000). De nuevo, datos a destacar teniendo en cuenta que el canal solo tenía tres días de vida. El debut de Fuera de control (3.9% y 330.000), con Alba Carrillo y Marta Márquez, también destacó aunque con menos fuerza que sus predecesores en la programación.

Audiencias de La Séptima el sábado 7 de noviembre:

El primer domingo de La Séptima

Las ofertas de La Séptima para su fin de semana volvieron a hacer acto de presencia este domingo, 8 de noviembre, también con buen rendimiento. En este caso, la cuota de pantalla más abultada de su programación en directo fue La comedia nacional (4.4% y 403.000). No obstante, tanto Fin de semana (4% y 178.000) como Fuera de control (3.2% y 316.000) rindieron por encima de la media de la cadena.

Audiencias de La Séptima el domingo 8 de noviembre:

La nueva cadena de la TDT apunta alto

Aunque todavía es muy pronto para arrojar un veredicto de cara a futuro, La Séptima cumple con nota en su primer fin de semana. La nueva cadena de la TDT alcanza un 3% de share diario tanto el sábado como el domingo, ocupando la sexta posición del ranking diario. No solo es que supere las expectativas previas, sino que parece hacerse un hueco en las rutinas de los espectadores. Queda por ver cómo avanzan las audiencias de los programas presentados por Luján Argüelles, Héctor de Miguel, Alba Carrillo y Marta Márquez, y Javier Ruiz.

El regreso de Gran Hermano VIP se presenta como la gran oportunidad de Telecinco para resucitar en audiencias y volver a capitalizar la conversación de los espectadores. En plena vorágine electoral, el entretenimiento se erige fundamental para todos esos espectadores saturados de política a todas horas. Pero el reto es mayúsculo: el reality show debe apostar por un núcleo de concursantes que convierta cada gala en una cita imprescindible. Es fundamental que el casting se convierta en una fuente inagotable de tramas tras un fallido GH 20 y un GH Dúo 4 que salvó los muebles.

En este sentido, la novena edición de GH VIP ya se promociona en Mediaset y su estreno se prevé para este mes de noviembre tras el final de Supervivientes All Stars 3. La apuesta por esta emblemática marca de Zeppelin debe ser antológica, teniendo en cuenta que los realities con famosos no tienen el músculo de antaño. Ahora, la cadena tiene la oportunidad de que la franquicia vuelva a generar esa necesidad irrefrenable de no perderse nada de lo que ocurra en la casa de Tres Cantos (Madrid).

El número de plazas en ediciones pasadas oscila entre la quincena y la veintena, por lo que hay margen suficiente para hacer distintas combinaciones. Nunca falla unir perfiles mediáticos, rostros inesperados y viejos conocidos de nuestra televisión. Aunque no hay todavía ningún concursante confirmado, la rumoreada vuelta de Belén Esteban once años después está en boca de todos desde su reaparición en De Viernes, un hipotético fichaje que podría contar con un sinfín de figuras vinculadas a su órbita. En verTele hacemos nuestra propia lista de deseos y proponemos una quiniela con la que GH VIP 9 no pasaría desapercibido.

Belén Esteban y su órbita: Rosario Mohedano, Juls Janeiro y Beatriz Trapote

Belén Esteban sería uno de los grandes golpes de efecto para GH VIP. La colaboradora negó su fichaje el mismo día en el que aseguró que la televisión no la quería, pero solo dos días después se anunció su regreso a Telecinco. ¿Podría producirse otro giro de guion en este sentido? La realidad es que el enorme rendimiento de sus entrevistas en De Viernes alimenta la fantasía de un reencuentro no solo con la cadena que la convirtió en uno de sus grandes iconos, sino con algunas cuentas pendientes de su campo de influencia.

Si se trata de agitar el avispero, existen varios nombres que seguro darían mucho de lo que hablar. Por ejemplo, Rosario Mohedano mantiene una enemistad pública con 'La Patrona', como así evidenció mientras defendía a Rosa Benito en Supervivientes. El encuentro con Juls Janeiro -que tiene pendiente de estreno La caja amarilla en Atresmedia- sería un auténtico bombazo, teniendo en cuenta el señalamiento desde su salto a la primera línea mediática durante el pasado verano. Beatriz Trapote también sería una gran opción para garantizar esa dosis de 'tira y afloja' tan necesaria.

Ylenia, una vuelta que siempre apetece

Pocas concursantes potenciales encajan tanto con el espíritu de GH VIP como Ylenia. La exconcursante ya pisó la antigua casa de Guadalix de la Sierra en dos ocasiones —GH VIP 3 y GH Dúo 2—, demostrando su total entrega al formato. Lo cierto es que ya desmintió en Instagram su posible participación, aunque también confirmó que hubo conversaciones. Su regreso sería una apuesta por una personalidad explosiva, con carácter y experiencia, capaz de convertirse en una de las grandes protagonistas desde el primer día.

Lydia Lozano, el fichaje que siempre se resiste

La periodista Lydia Lozano lleva años apareciendo en las quinielas de los realities, pero su salto a la convivencia sigue siendo una cuenta pendiente… con perdón del fugaz Sálvame Okupa. Su espontaneidad y su capacidad para convertir cualquier detalle en un hito televisivo la convierten en una candidata tan ideal como necesaria. La colaboradora de De Viernes volvería a compartir espacio con un sinfín de famosos a los que ha apretado en entrevistas, pero también con otros perfiles con los que mantiene frentes abiertos. Ella sería capaz de levantarse con la música de la mañana a golpe de 'Chuminero'.

Indhira Kalvani y Arturo Requejo, históricos de 'Gran Hermano 11'

Si hay una pareja que representa la esencia de Gran Hermano sin ambages, esa es la compuesta por Indhira Kalvani y Arturo Requejo. Han pasado 17 años desde el inicio de aquella undécima edición del reality show, con dos concursantes anónimos que capitalizaron incontables tramas en la casa de Guadalix. Ninguno de ellos consiguió la victoria, pero son considerados 'ganadores morales' por una gran parte de la audiencia. El fichaje de esta pareja sería, sin duda, un enorme revulsivo con el que cubrir la cuota nostálgica con exconcursantes del formato original. ¿Serían capaces de entenderse y evitar expulsiones disciplinarias, como ocurrió en GH 11 y GH: El reencuentro respectivamente?

Claudia y Gerard, cuando una historia televisiva merece continuar

Las cuentas pendientes venden, eso es una realidad. Claudia Chacón se erigió como una de las concursantes revelación en La isla de las tentaciones 9, rompiendo su relación para iniciar un idilio con Gerard Arias. El vínculo entre ellos estalló por los aires en Supervivientes 2026, reality show en el que la joven se elevó como indiscutible protagonista. Un reencuentro entre ellos garantiza altas dosis de drama, controversia y tensión… o quizá todo lo contrario. La imprevisibilidad de estos perfiles es vital para Gran Hermano VIP, permitiendo que la audiencia conozca el desarrollo de una historia que vio nacer en Telecinco.

Cinco debuts en un reality de Mediaset

Un reality show como GH VIP necesita sangre nueva, perfiles que nunca hayan participado en formatos de Telecinco y tengan capacidad de sorprender a los espectadores. Se necesitan perfiles irreverentes en el casting, y la influencer Shannis cumple con creces este requisito tanto en sus redes sociales como en El Sótano de Ten. La incorporación de Carlo Constanzia (DecoMasters) podría funcionar como un enorme revulsivo, cubriendo además esa 'cuota Campos' que tanto juego da en plató. Tampoco podemos perder de vista que, históricamente, el ámbito de la política ha contado con representación: ¿Se atrevería Albert Rivera a dar el salto cuando se cumplen siete años de su adiós a Ciudadanos?

El plantel de concursantes 'vírgenes' en la telerrealidad de Mediaset podría completarse con otras figuras que también han coqueteado con el género tanto dentro como fuera del grupo audiovisual. Un impredecible Cristóbal Soria (Maribáñez, Time Zone) sería capaz de funcionar a la perfección, a juzgar por sus intervenciones diarias en El Chiringuito. Conviene recordar que rechazó participar en GH VIP 8. Finalmente, la incorporación de Daniel Illescas (MasterChef Celebrity 8) sería una de las sorpresas de la edición, puesto que siempre ha defendido su preferencia por programas de “superación” personal.

Cinco regresos a Telecinco para levantar 'GH VIP'

Antaño existía una especie de norma no escrita respecto a los concursantes de GH VIP que se rompió con Oriana Marzoli: si participaban en una edición, era casi imposible volver a verles en la competición. El retorno de este emblemático formato requiere una apuesta ambiciosa, de ahí la necesidad de seleccionar perfiles que ya hayan probado su eficacia para revolucionar Telecinco: desde la veteranía polémica de Pipi Estrada (Supervivientes 2006) y la impredecibilidad de Kiko Rivera (GH VIP 3), hasta el descaro de Tom Brusse (La isla de las tentaciones 2), la mordacidad de Cristina Porta (Secret Story) y el toque sofisticado —e incendiario— de Pelayo Díaz (Supervivientes 2025). Juntos serían capaces de dinamitar cualquier guion.

La cuenta atrás para 'GH VIP 9' ya está en marcha

En conclusión, Telecinco se la juega con el regreso de Gran Hermano VIP. La novena edición se presenta como una oportunidad de oro para recuperar a los espectadores ávidos de este tipo de contenidos. Por ese motivo, un casting de altura será la clave para capitalizar la conversación social e impulsar las discretas audiencias globales de la cadena.

El elenco de concursantes es fundamental, pero no el único elemento a tener en cuenta. Sea como fuere, el reality show de Zeppelin debe poner en marcha mecánicas de impacto, una renovación gráfica para evocar ese resurgir tan necesario y una casa construida desde cero. La cuenta atrás ya está en marcha.

No apareció Candela Peña y se la echó de menos. El torbellino que cerró la entrevista con Pedro Sánchez –para siempre ya La Peter– no azotó el paso de Gabriel Rufián e Irene Montero por La Revuelta y el rap de Fernando & Dollar como colofón, interpretando la sintonía del programa, resultó un poco anticlimax. Sobre todo, después de que el momentazo lo dejasen unas preguntas clásicas que parecían ya agotadas. Pero no. Si “comer coño” y “comer culo” se incorporan al programa de la izquierda, las urnas pueden dar un vuelco mayor que el de Brasil. Ya lo dijo Irene: “Felicidad asegurada”.

Pero eso fue casi al cierre. Antes, Rufián & Montero –el orden es el que la propia TVE pone en su hashtag– entraron al teatro como los protas de una buddy movie. “Iban a unir a la izquierda, no ha sucedido”, los presentó David Broncano. Montero entró con una bolsa en la mano. Rufián cargaba una caja de cartón en la que cabría una impresora. “De mudanza”, le dijo al presentador, estirando el running gag del despido que le espera si ganan la derecha y la ultra. Dentro, los regalos: el maletín de diputado del propio Gabriel por si algún día Broncano consigue su acta “yo que sé, del PSOE”. El socialismo sí que fue una constante durante toda la entrevista.

Generosos, como corresponde en campaña, Gabriel e Irene traían también presentes para otros hipotéticos invitados: los candidatos que han sido invitados y que –como recordó hasta Pepa Bueno en el Telediario previo– aún pueden aceptar el convite. “Abascal lo hará porque es un jugón”, afirmo Rufián. Feijóo es harina –con perdón– de otro costal: “Menos gracia que un vaso de agua”. Por eso no quiere mítines en los que la gente cante ni se bese.

Si Sánchez –perdón, La Peter– se apropió del significado del Perro con el galletero que le regaló a Broncano, Irene fue un paso más allá. Sacó de la bolsa, como si fuese un conejo de una chistera, LAS RODILLERAS. Esas que durante tanto tiempo la caverna le ha adjudicado como único mérito. Se las dejó a los líderes de PP y Vox, y no “para que hagan breakdance”, como propuso Grison: las necesitan porque están “arrodillados a Netanyahu y Trump”.

Pero la caja de Rufián todavía guardaba una última sorpresa. Para Abascal, un despertador; para Fejióo, “si viene y palma”, una foto de Pablo Casado. “Mafia pura”, suspiró el de Esquerra, recordando cómo lo defenestraron por mentar los negocios en pandemia del hermano de Ayuso. Irene sacó entonces una correa morada para el galletero que representaba a La Peter en su personalidad de Perro Sanxe. El mensaje quedaba claro. No trajeron el nuevo iPhone, ese que Broncano comparó ante el presidente del Gobierno con Rufián porque “es muy chulo pero no sirve para nada”. “No me hizo ni puta gracia, pero a mis colegas sí”, se resignó Gabriel.

La correa dio el pie para abrir el debate político, con lenguaje de meme. “Es jodido no ser psoeizado, nosotros nos resistimos”. “A veces lo conseguimos”. Había que pasar el trance de explicar por qué otra vez la izquierda había frustrado la esperanza de la papeleta única. “La decepción”, dijo Broncano sin paños calientes. “Se intentó”, afirmó Rufián. “Lo intentamos todo”, apostilló Montero, que recordó sus críticas a un Sumar que le sonaba a que “todo es PSOE”.

Pero se esforzaban en mirar hacia el 29 y no hacia atras: “Yo quiero que le vaya bien al PSOE pero no trabajo para el PSOE”; “Que voten a quien quieran, pero que voten izquierda y progresismo, que lo que viene es salvaje”. “Dicho esto yo quiero repetir, que gobierne el PSOE” pero un PSOE “sometido y controlado” por las fuerzas a su izquierda: el collar del galletero.

La soledad de Montero... y Errejón

Gabriel & Irene –no existe aún tanta química entre ellos como para buscar un shippeo– se sentaron en el sofá ante un público en el que repetía el punki del programa de Sánchez. “¿Qué harían para que un anarquista les votase?”. “Expropiar y nacionalizar empresas estratégicas”, se arrancó Montero hasta que Broncano avisó: “No os calentéis porque esté el punki aquí”.

Se nota que el dúo todavía se está engrasando, pero no se aprecian fricciones. Los tiempos se reparten y los turnos se alternan. No hubo un “déjame hablar a mí”, como aquel que instauró Letizia. Sus discursos se complementaban y sólo disintieron en la inmigración: Rufián apostaba por entrar en el marco de la derecha para afrontar algo que no ve como un problema, sino como “un reto”. Montero atacó a los “auténticos invasores”: pisos turisticos, AirBNB, fondos buitre... el aplauso del público se lo llevó ella.

El de Esquerra, que tuvo que defender que sigue siendo indepe porque se lo notan menos tras tanto tiempo en Madrid –“todavía no he estado en el Retiro”– asegura que hace un año que avisó al Gobierno de que tocaba ponerse duros con la vivienda para evitar lo que está pasando justo ahora. La respuesta: “No somos cubanos. Y ahora mira cómo estamos”.

Fue el momento más mitinero. Los dos candidatos encadenaron propuestas: bajar el alquiler un 40%, prohibir la especulación, “una familia, una casa”, “es un derecho como el agua”. Y tras todo eso, un salario mínimo a 1.800 euros y una jornada laboral de 30 horas. Parecía que Montero volvía a querer asaltar los cielos, porque acto seguido insistió en expropiar las empresas estratégicas, “que antes eran públicas”, algo a lo que el PSOE “nunca se atreverá”.

Broncano tachaba items en su papel. Inmigración, vivienda... tocaba el feminismo, “lo mejor que tiene este país”, aseguró, firme, Montero, que no dejó pasar la oportunidad de recordar aquella frase de Sánchez, cuando criticó que determinados comportamientos del movimiento “molestaban a mis amigos de 40 y 50 años”. Mencionó el pecado pero no el pecador.

“El feminismo ha frenado al fascismo”, añadió Rufián, con ese tono que pone a veces como si hablase para la posteridad. Fue entonces cuando dejó ver desde cuándo viene la conexión entre ambos. “Esta persona –señaló a Irene– ha tenido a 40 o 45 nazis, o taraos, en su casa, con sus hijos escuchando cómo le insultaban. Y todo el mundo callado, incluso alguna izquierda que estaba en auge. Y yo me acuerdo de que estaba en el Congreso y estaba ella, que era ministra aún, y estaba siempre sola, la prensa estaba en otra bancada. Volvia a su casa y tenía 40 nazis llamándole de todo, con sus hijos, y no tenía a nadie diciéndole: 'Joder, Irene, ¿cómo estás?' Y aguantó, así que yo me siento muy orgulloso de estar aquí a su lado”. “Él sí venía todos los días”, confirmó Montero.

El que no iba era Errejón “por la cuenta que le traía”. La mención de Broncano al antiguo compañero, acusado de agresión sexual, cayó como un jarro de agua fría. A Rufián ese comportamiento le sorprendió “un diez sobre diez”. La cara de Irene decía otra cosa. “Yo creo que lo sabía bastante gente. A veces pasa eso, que es una cosa que hemos criticado las feministas”.

Sexo oral: 1,5

En ese mood y con un nuevo aviso de lo que esperaba si venía la derecha, llegó el momento de las preguntas clásicas. Tras añadir la de “¿eres más machista o más racista?” –Rufían más machista; Montero, lo contrario– tocó el dinero. Sólo se la llegó a plantear a Rufián: “Un poco más que antes, tengo unos 40.000 pavos porque he escrito un libro”. Allí lo llevaba, también, en una caja que ya parecía el bolso de Mary Poppins: Cómo ganar a los fachas. Leer antes de votar. De lo que se hace con él después, ni una pista.

Ese fue el momento de la otra pregunta, ya sabéis, la del sexo en el último mes y las puntuaciones: “Follar un punto, pettin 0,6, masturbación 0,5...”. Como buena feminista, Montero impugnó la escala: “Yo pondría 1,5 al sexo oral, porque es mucho más difícil encontrar un tío que te coma bien el coño que...”. “¿Y comer culo?”, terció Rufián en un debate que ya estaba reivindicando la “justicia histórica” porque “históricamente se han comido muchos menos coños que pollas”.

Entre carcajadas, Ricardo Castella trataba de organizar: “Vamos a necesitar un excel para hacer esa tabla”. “Comer culo, el nuevo programa de la izquierda”, proponía Grison. “Perdona, pero felicidad asegurada con estas dos incorporaciones”, se defendía Montero. “Joder, yo me chupas el perineo y te doy todos mis bienes”, le respondió con su característica sonrisa. Hacía tiempo que no había ni rastro del Hombre Mágico.

Lo siguiente fue ordenar prioridades, sobre todo en campaña: comer, dormir, follar. Irene pone de primera comer; Rufián, dormir. Miguel Campos, desde el control, escribía en la pantalla: “La vivienda han sido 30 segundos de entrevista”. Reconducir no fue complicado, bromas aparte, al recordar que había “familias viviendo en habitaciones” o “gente que no se puede separar porque no puede tener dos casas”. “Este gobierno ha hecho cosas bien –rompió una lanza Rufián– pero de nada sirve si la gente sigue viviendo en zulos a precio de palacios”. Y, como cierre de tanta risa, una reflexión: “Ahora mismo [esto] lo estará viendo gente que dirá: 'Ah, qué majos, pero yo estoy jodido'”. Tras el récord absoluto de La Peter, la audiencia dirá mañana cuántos eran. Y el 29N, a cuántos pudieron convencer. Sí, es jodido no ser psoeizado. Y que no salga Candela Peña. Seguro que ella también votaría a favor del 1,5...

El Marqués ya ha regresado a nuestras pantallas con un caso distinto a investigar, pero sin perder esa esencia que fue su motor en el pasado. La serie que Kaixo Unicorn produce para Mediaset y Prime Video no pretende reinventar la ficción criminal en una segunda temporada compuesta por seis episodios: basta con que la historia de 'El Nani' se convierta en un reclamo y que sus personajes atrapen al espectador. De momento, cumple con estas exigencias. Y lo hace con un protagonista que ha cambiado bastante desde que se adentró en los crímenes de Los Galindos.

La nueva tanda de capítulos, estrenada en Mediaset Infinity y ya disponible al completo en Prime Video, se presenta con una madurez y una crudeza mucho mayor que la anterior. Han pasado seis años desde la investigación que dio a Onofre Romera (José Pastor) el apodo de 'Marqués'. El periodista ha dejado atrás las tierras andaluzas para asentarse en Madrid y trabajar en la revista Impresión, que viene a ser el Interviú que todos conocemos. El personaje comparte gran parte del peso interpretativo con El Nani (Pablo Louazel), actor que se erige como la gran revelación.

En este sentido, la elección del caso a investigar juega a favor de la serie. El true crime sigue siendo un género capaz de despertar un enorme interés en el público, razón por la que combinar la ficción con un suceso que conmocionó a España es una forma inteligente de acercarse a esa tendencia. No perdamos de vista que el caso de 'El Nani' tiene los ingredientes para sostener la dosis justa de intriga. Pero también conviene recordar algo importante: aunque está inspirada en hechos reales, la serie construye una historia diferente. Tras tener acceso al primer capítulo antes de su estreno este fin de semana, arrancamos con la crítica en verTele:

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El caso de 'El Nani', una historia que España no olvida

El joven Santiago Corella, conocido como 'El Nani', desapareció en 1983 después de ser detenido por su presunta participación en un atraco a una joyería de Madrid. Fue trasladado a dependencias policiales de la antigua Dirección General de Seguridad (DGS), en la Puerta del Sol, y jamás se le volvió a ver. La versión oficial siempre sostuvo que el auñonense se había fugado, pero tanto su entorno como las investigaciones periodísticas apuntaron a otra hipótesis: una muerte violenta durante los interrogatorios. Se llegó a decir que la desaparición se inventó para ocultar la verdad.

Es a partir de esta historia real cuando Onofre recibe la visita de Concepción y Carmen, las hermanas del delincuente. Las dos están convencidas de que su hermano ha sido asesinado por los agentes que le interrogaron, por lo que acuden al periodista para que alguien —simplemente— escuche su versión. Su olfato no falla: sabe que tiene delante algo muy gordo y emprende un camino mucho más complejo que los crímenes de Los Galindos. Sea como fuere, el caso real destapó una trama de corrupción policial que terminó con varios agentes condenados.

El primer capítulo sabe aprovechar este punto de partida: una desaparición, un relato oficial que empieza a no cuadrar y una investigación que bien seguro conducirá a Onofre a terrenos muy pantanosos. Lo cierto es que la serie no descubre una nueva manera de contar, ni tampoco aporta innovaciones en sus enfoques. Su baza está en plantear las preguntas adecuadas y dejar al espectador con ganas de conocer las respuestas. Al menos en su arranque lo consigue. También ayuda que, aunque conozcamos la historia de 'El Nani', la serie introduce giros que no tienen por qué corresponder con la realidad.

El reparto, la gran baza de 'El Marqués' en su nueva temporada

Si hay algo que destaca por encima del resto de elementos es el reparto. El nombre que merece una mención especial es el de Pablo Louazel, que se erige como el gran descubrimiento de El Marqués. Su trabajo supone un salto cualitativo respecto a sus papeles en otras series como Mar Afuera o La Caza. Irati —donde trabajó como secundario— y deja una impresión especialmente positiva. Este es uno de los casos en los que un primer capítulo sirve también para descubrir a un intérprete poco conocido en la industria.

No solo cumple, sino que compone un personaje plagado de aristas. La personalidad de 'El Nani' transita entre la indiferencia de quien parece no tener mucho que perder y el instinto de supervivencia del que se agarra a lo que puede, pero con una ingenuidad en ocasiones que difiere de su apariencia. No sabemos si el delincuente real era así, pero Louazel consigue dotarlo de esa complejidad y hacerlo creíble. Un trabajo nada sencillo en una serie que cuenta con nombres tan reconocidos como Gonzalo de Castro o Jorge Usón.

José Pastor vuelve a cargarse a sus espaldas gran parte del peso interpretativo de la historia. El actor vuelve a demostrar que se ha ganado un lugar en la profesión, acompañado por una nutrida lista de perfiles que contribuyen a dar cuerpo a una trama que los necesita para funcionar. Y los miembros del elenco principal cumplen con nota. El reparto se completa con un impactante Fran Perea, Carlos Librado, Josean Bengoetxeda, Vito Rogado, Chechu Salgado, Cinta Ramírez, Luis Bondía, Itzíar Manero, María Rivera, Yune Nogueiras y Carlos Heredia.

Las cortinillas en 'El Marqués': cuando menos es más

Como diría el refranero popular, “no siempre llueve a gusto de todos”. El principal reto de El Marqués de cara a futuro —en caso de que se desarrollen nuevas temporadas— tiene que ver con la edición, especialmente en las cortinillas que marcan los cambios temporales de una forma demasiado evidente. Y la ambientación, junto con el lugar y la fecha incluidos en la zona inferior izquierda de la pantalla, hacen el resto. Es fundamental que las producciones, teniendo en cuenta los avances de nuestros días, envejezcan bien.

Esos fundidos carecen de relevancia, ya que el etalonaje —tonos azulados en la imagen para el pasado y más cálidos en las escenas del presente— permite distinguir las épocas sin necesidad de una ráfaga tan explícita. No es un defecto que condicione el conjunto, pero la serie ya cuenta con elementos suficientes para ubicar al espectador sin recurrir a estas 'señales' tan insistentes. Menos habría sido más en este caso.

Una España que todavía olía a alcanfor, escenario fundamental en 'El Marqués'

Otro de los puntos a tener en cuenta en este tipo de series tiene que ver con la manera de retratar aquella España de los años 80. La Transición había abierto una nueva etapa política, pero la realidad es que el blanco y negro seguía inundando la sociedad. En El Marqués 1985 se percibe esa resistencia a que desapareciera el olor a alcanfor, con un país que no dejaba atrás ni las costumbres ni las mentalidades heredadas de la dictadura.

Las banderas franquistas que todavía aparecen en dependencias policiales son una imagen bastante explícita de esa especie de continuismo. Pero hay más, como no podía ser de otro modo. Desde el primer capítulo se evidencia el machismo que imperaba en cada segundo del día, y palabras como “maricón” se utilizaban sin ningún tipo de pudor como un insulto que no despertaba las alarmas de nadie.

En definitiva, un conjunto de elementos que permite recordar a un país donde el cambio político convivía con prejuicios. Las ficciones de este tipo en general tienen esa responsabilidad: plasmar cómo era el pasado e invitar al espectador a reflexionar para saber dónde la sociedad no debe volver. Y la segunda temporada de El Marqués vuelve a encontrar en este punto una dimensión que va más allá de lo criminal. Incluso la violencia explícita tiene cabida, aunque con alguna que otra escena no del todo bien ejecutada.

'El Marqués 1985' madura sin perder el tono de la primera temporada

En definitiva, El Marqués 1985 mantiene el pulso de su primera temporada con una trama más madura, un caso real que despierta curiosidad y un reparto de calidad en el que el actor Pablo Louazel destaca con luz propia. La serie no reinventa el género, pero consigue algo importante: generar esas ganas de reproducir el siguiente capítulo… pese a la omnipresencia de esas cortinillas poco útiles. Queda por ver cómo envejece una serie que, durante su arranque, deja buenas sensaciones para los seguidores de este tipo de producciones.

Aunque se suele decir que “las mentiras tienen las patas muy cortas”, hay embusteros profesionales que saben estirar sus inventos por mucho tiempo. Don Leandro y Sofía Carrington, los protagonistas de Grande de España, la nueva serie de Netflix, son especialistas en esta materia.

Don Leandro es un marqués arruinado que está desesperado por vender el palacete de su familia –una espectacular construcción del siglo XIX situada en el centro de Madrid– para evitar la quiebra total y seguir fardando ante sus amigos de la vieja aristocracia española. En un primer momento, parecía bastante improbable que alguien se interesara por esta carísima joya arquitectónica, pero la empresaria Sofía Carrington se ha enamorado del edificio en cuanto lo ha visto. El problema es que Sofía no tiene prisa por comprarlo, y el marqués está loco por venderlo. A juzgar por sus movimientos, da la impresión de que ninguno es lo que aparenta ser.

Antonio de la Torre y Alexandra Jiménez interpretan a la pareja protagonista de esta serie creada por Juan Cavestany y Álvaro Fernández Armero, dos reconocidos autores de la comedia española que ya trabajaron mano a mano en Vergüenza (2017) y Sentimos las molestias (2022).

Grande de España es una sátira sobre la endogamia de esas familias nobles que viven dentro de su ridícula pompa y al margen de las preocupaciones que puedan tener los ciudadanos de a pie. La caricatura alcanza a todos los personajes de la serie, pero no hay en ella demasiada moralina. Es una simple comedia que busca la risa fácil y que huye de los mensajes sesudos y trascendentales. Más allá del caricaturesco retrato que esboza sobre los personajes, es evidente que no tiene intención de ponerse intensa con un análisis más profundo sobre desigualdades y clases sociales. No es ese su objetivo.

Algunos de sus chistes son predecibles y están demasiado manidos. De hecho, su historia, salvando las distancias, se ha contado ya muchas veces en el terreno de la ficción. No es la primera vez que nos metemos en este enredo de mentiras y romances con altas dosis de picaresca y patetismo. Pero eso da igual cuando tenemos ante nosotros un producto como este. Grande de España cumple como comedia porque es puro divertimento.

Una serie que no peca de falsas apariencias

Cavestany y Fernández Armero han demostrado varias veces que tienen una gran habilidad para trabajar ese tipo de humor que tanto gusta a buena parte de la audiencia. Saben cómo mantener la expectación del público y se manejan perfectamente bajo los códigos de la ficción contemporánea: series con pocos capítulos y de escasa duración. La primera temporada de Grande de España está compuesta por seis episodios de 25 minutos y se puede ver del tirón, si así lo desea el espectador.

En definitiva, podría decirse que la nueva serie española de Netflix tiene pocas aspiraciones de revolucionar el género de la comedia con un producto fresco e innovador. Es una sátira sobre la nobleza y ese mundo de las apariencias en el que las mentiras, al contrario de lo que se suele decir, tienen las patas bastante largas. Grande de España cumple con el propósito de sacar una sonrisa al público y huye de cualquier profundidad. El objetivo está claro. Para qué aparentar otra cosa.

Grande de España llega a Netflix este viernes 23 de octubre con su temporada al completo. El reparto lo encabezan Antonio de la Torre y Alexandra Jiménez, y lo completan Enric Benavent, Fernando Andina, Teresa Rabal, Mercedes Sampietro y Celia de Molina, entre otros. La serie está producida por Cuidado con el perro. Además de ser sus creadores, Álvaro Fernández Armero y Juan Cavestany son sus directores y guionistas. Además, ambos ejercen como productores ejecutivos junto con Alicia Yubero.

Nuestra televisión lleva varias temporadas, demasiadas incluso, exprimiendo sus grandes marcas hasta el límite. En los primeros meses de la temporada, las cadenas han comprendido que el desarrollo de nuevos formatos es vital para su propia supervivencia. Los anuncios de Tempting Fortune y The Winner Takes It All son los ejemplos más recientes de una apuesta que, sin romper con las fórmulas más conocidas, sí abre la puerta a propuestas inéditas para la audiencia española.

La estrategia de las principales cadenas lleva tiempo instalada en un bucle casi permanente, provocando una sensación de estancamiento que el medio de comunicación de masas por excelencia no puede permitirse. La realidad es que MasterChef se multiplica en La 1 con anónimos y cerebrities, con un canon proyectado hacia la costura o a las reformas. Por otro lado, Telecinco ofrece Supervivientes y La isla de las tentaciones en masa. Mientras, Antena 3 hace lo propio con Tu cara me suena, La Voz y El Desafío.

Son marcas muy consolidadas, tan reconocibles para el público que su simple emisión garantiza expectación. Y tampoco puede perderse de vista el correcto rendimiento que cosechan todos ellos. Sin embargo, su presencia constante alimenta esa sensación de que la oferta de entretenimiento vive un letargo impensable antaño. Tal y como analizamos en verTele antes de que arrancara el curso televisivo, uno de nuestros deseos era precisamente la llegada de nuevos formatos.

La asignatura que nuestra televisión tenía pendiente comienza a resolverse, suponiendo un posible punto de inflexión. RTVE, Atresmedia y Mediaset ya están trabajando en apuestas renovadas… aunque con fórmulas que ya les han funcionado en el pasado. De Tempting Fortune a The Winner Takes It All, repasamos siete formatos que aspiran a ampliar el variopinto menú que nuestras cadenas ofrecen a los espectadores para romper un bucle que ya ha durado demasiado tiempo.

1) 'Tempting Fortune'

Mediaset prepara la adaptación española de Tempting Fortune, un reality show de aventuras en el que 12 personas anónimas deben completar una exigente travesía por la naturaleza para llevarse un premio colectivo de 300.000 euros. Hay un gran giro de guion con respecto a la subsistencia en Supervivientes: todos los concursantes deben resistir a distintas provocaciones que se encuentran por el camino. Además, el bote se reduce considerablemente si optan por una cama cómoda, comida caliente y otros 'caprichos' varios.

2) 'Honesty House'

Las relaciones sentimentales siguen siendo un fetiche para Telecinco y Honesty House añade un elemento diferencial en la búsqueda del amor: la detección de mentiras. Con Raquel Sánchez Silva al frente, un total de 12 solteros y solteras conviven en una villa. El grupo de participantes no solo comparte hogar como en La isla de las tentaciones: hay citas y se exploran sus vínculos afectivos mientras se enfrentan a una tecnología capaz de evaluar si están siendo sinceros. Las preguntas sobre su pasado y su manera de entender la pareja pueden cambiar el rumbo y dar lugar a tramas cargadas de tensión. No tiene fecha de estreno, pero la cadena ya ha empezado a promocionarlo.

3) 'El Escondite'

RTVE convierte uno de los juegos más universales de nuestra infancia en todo un espectáculo televisivo. Presentado por Grison, el concurso El Escondite reúne a 36 famosos en una casa construida dentro de un plató: tiene dos plantas y más de 120 lugares donde ocultarse para evitar ser descubiertos. La mecánica incorpora pistas, zonas seguras donde resguardarse y hasta inmunidades para añadir cierta chispa a la dinámica. Todos se prestan a la diversión en un entorno diferente, mostrando facetas más desconocidas de sus personalidades. Se estrenará esta temporada.

4) 'Hitster'

La música sigue siendo una de las grandes alegrías para nuestra televisión, motivo por el que RTVE apuesta por la adaptación del mítico juego de mesa. Con Dani Martínez como maestro de ceremonias en Hitster, dos equipos formados por participantes de distintas generaciones se enfrentan a un reto: ordenar canciones de varias épocas según su año de lanzamiento. La intención es construir una línea temporal, por lo que no basta únicamente con reconocer un éxito o mencionar a sus intérpretes.

5) 'The Winner Takes It All'

RTVE redobla su apuesta musical con la adaptación de The Winner Takes It All, un concurso al más puro estilo The Floor. De hecho, la propuesta llega de la mano de la misma factoría: Talpa Studios. La competición, en este caso, abandona el tablero para disputarse en el escenario. Sea como fuere, el formato reúne a 50 cantantes para enfrentarse a diversos duelos eliminatorios por un premio de 100.000 euros. De este modo, los participantes interpretan en directo canciones de distintos estilos y géneros, garantizando sorprender a los espectadores. El inicio de la producción se anunció hace unos días.

6) 'La caja amarilla'

Antena 3 también agitará próximamente su parrilla con la adaptación de La caja amarilla, un formato conocido internacionalmente como The Box que sitúa a 12 famosos ante distintos retos que desconocen de antemano. En este caso, la mecánica apuesta claramente por el factor sorpresa: los concursantes afrontan pruebas de riesgo, aventura y estrategia. El formato cuenta con un casting de altura formado por Juls Janeiro, Marta Pombo, Adrián Lastra, Norma Duval, Colate Vallejo-Nágera, Tamara Gorro, Ana Guerra, Edu Aguirre, Eduardo Navarrete, Gemma Mengual, Ricky Merino y Miguel Lago.

7) '99 para ganar'

Cerramos el repaso con 99 para ganar, un concurso multitudinario en el que 100 personas se enfrentan a una batería de pruebas. La premisa de partida es clara: no quedar en última posición bajo ningún concepto para evitar ser eliminado. Presentado por Miki Nadal e Irene Junquera, el formato pone a prueba distintas habilidades, como la memoria, la coordinación, la precisión y la estrategia. Conviene destacar que no es necesario ganar cada una de las rondas, sino continuar en una competición para alcanzar el premio final de 100.000 euros. Ya ha sido presentado ante la prensa, aunque no tiene fecha de estreno oficial.

Un punto de inflexión para combatir la sensación de bucle

No estamos ante una revolución del entretenimiento, pero sí podemos hablar —por fin— de un esperado punto de inflexión. Las cadenas siguen recurriendo a géneros y mecánicas que conocen bien, pero empiezan a explorar alternativas necesarias que van más allá de estirar sus marcas habituales. Y aunque la batería de estrenos cuenta con fórmulas ya explotadas en los realities o los concursos, la apuesta por innovar es una de las claves para combatir esa sensación de bucle que lleva tiempo atravesando al espectador.

La televisión pública llevaba tiempo buscando un formato capaz de hacerse un hueco en prime time con la actualidad política como protagonista. Después de varios intentos con especiales sin demasiada continuidad y otras tertulias que no terminaron de cuajar en audiencias, Malas lenguas noche empieza a ser la respuesta. La apuesta de RTVE por trasladar la fórmula vespertina con Jesús Cintora al horario estelar del sábado está dando resultados, permitiendo que la corporación sea referencia con un género capitalizado hasta ahora por la competencia. Sin duda, jugará un papel mediático fundamental tras el adelanto electoral para el 29N anunciado por Pedro Sánchez.

No se trata de una cuestión menor, sino todo lo contrario. La esfera política ocupa un espacio cada vez más relevante en la conversación de la ciudadanía, pero convertir ese interés en un llamado a los espectadores durante el fin de semana para nada es tarea sencilla. Hace falta una combinación de actualidad, ritmo, colaboradores de impacto y una escaleta estructurada para convertir el debate en un atractivo para el espectador. Por este motivo, en verTele analizamos cómo esta unión de factores ha logrado que RTVE sea referencia en un momento tan convulso como el que atraviesa el país.

Sea como fuere, Malas lenguas noche no es una apuesta que parta de cero. La fórmula del programa se exportó al prime time después de demostrar su eficacia en la franja vespertina. Primero se consolidó en La 2 con su tramo más político. Después, asumió con acierto el relevo de La familia de la tele en la sobremesa antes de afianzarse también en las tardes de La 1 con un bloque más social. Con esta trayectoria como aval, RTVE puso en marcha una versión nocturna el pasado 25 de abril, concebida como una oportunidad para ampliar el alcance de una marca ya reconocible entre la audiencia.

Una fórmula asentada que encuentra su sitio en prime time

El primer objetivo de Malas lenguas noche —desde La 2 entonces— era hacerse un hueco frente al dominio de una marca consolidada como laSexta Xplica en el terreno del análisis político. Durante los ocho primeros duelos directos, el programa de Atresmedia dominaba frente a su nuevo competidor. La distancia entre ambos se fue reduciendo con el paso de las semanas, hasta que el sábado 20 de junio se produjo un sorpasso: el espacio de Jesús Cintora (6.4% de cuota y 451.000 espectadores) se impuso al de José Yélamo (5% y 357.000), con una diferencia de +1.4 puntos y +94.000 seguidores.

Esta victoria ya tenía valor por sí misma, teniendo en cuenta que el volumen diario de espectadores que pasa por La 2 es sustancialmente inferior al de laSexta. Pero lo más relevante fue que RTVE comenzaba a consolidar un formato competitivo de análisis político en una franja que históricamente se le había resistido con este género. El paso de las semanas afianzó las posiciones, con Malas lenguas noche manteniéndose por encima de laSexta Xplica en 13 de 14 duelos directos, viviendo el 12 de septiembre un empate técnico.

La buena acogida de la tertulia nocturna motivó un movimiento inesperado el sábado 26 de septiembre, con la intención de informar sobre la "histórica" acampada en la madrileña Puerta del Sol. Decenas de miles de personas exigían en las calles que los políticos atajaran la crisis de vivienda que afecta a España tras el desahucio de Maricarmen. El programa de Jesús Cintora se trasladó a La 1 con un especial que, con el impulso de la victoria de España en la UEFA Nations League, firmó su máximo histórico (13.9% y 831.000).

Desde entonces, Malas lenguas noche se ha mantenido en la programación de la principal cadena de RTVE. De hecho, los mejores registros del formato coinciden con emisiones posteriores a partidos de La Roja en la competición europea. La actualidad, por tanto, no es el único factor que explica sus resultados —aunque sí uno de los más importantes—: el arrastre de las ofertas previas también es decisivo, como se demostró el pasado sábado. El reto será mantener el interés cuando la vorágine informativa funcione a menos revoluciones y su telonero en parrilla no tenga tanta relevancia.

Audiencia media de 'Malas lenguas noche' hasta la fecha:

El tono, los colaboradores y las mecánicas de plató

La actualidad se convierte en la materia prima tanto de Malas lenguas noche como de su precursor vespertino, pero la manera de contarla es clave en la experiencia televisiva de los espectadores. De hecho, el ritmo ágil durante sus extensas emisiones es una de sus grandes bondades. La fórmula del formato sí que ha cuajado respecto a otros proyectos previos de RTVE, exportando una marca reconocida y un nutrido grupo de analistas de renombre en nuestra pequeña pantalla. Tampoco puede perderse de vista que son figuras capaces de generar conversación con sus análisis.

Resulta significativo el papel de los presentadores en esta adaptación para el prime time. El adiós de Javier Ruiz a Mañaneros 360 en agosto de 2026 motivó un 'baile de presentadores', con Jesús Cintora cogiéndole el relevo en la franja matinal. Fue entonces cuando Gonzalo Miró asumió la conducción de Malas lenguas en La 2 junto a Esther Palomera —adjunta al director de elDiario.es— con un enfoque más político, mientras que Ana Hinestrosa se incorporó al bloque que combina actualidad y sociedad en La 1. La versión nocturna, sin embargo, conservó al rostro original con el que la audiencia conoció al formato para no renunciar a parte de su identidad.

Los intentos anteriores de RTVE: de 'Mañaneros 360' a 'Directo a la gente'

El recorrido de Malas lenguas noche adquiere mayor dimensión al compararlo con otros intentos previos de la corporación pública. Entre los precedentes más recientes figura Directo a la gente, emitido únicamente el viernes 9 de enero para explicar con detalle la situación que atravesaba entonces Venezuela y la ofensiva estadounidense sobre Groenlandia. El especial presentado por Jesús Cintora, Marta Flich y Gonzalo Miró se conformó con flojas audiencias (6.9% y 602.000), recibiendo además el calificativo de “engendro informativo” por parte de María Escario.

Anteriormente, la fórmula de Mañaneros 360 también se exportó al prime time con dos especiales titulados 360. El mes de julio de 2025 trajo consigo un espacio “para analizar lo más destacado de la semana desde todos los ángulos”, con Javier Ruiz al frente tras el máximo histórico hasta entonces del espacio matinal. Su primera entrega, junto a Adela González, el sábado 14 de julio (7% y 556.000) logró mayor repercusión que la segunda una semana después (5.4% y 356.000) con Miriam Moreno. La tendencia de los datos no fue suficiente como para que la apuesta se consolidara.

Los intentos de RTVE por consolidar un espacio de debate político en prime time vienen de lejos, como demuestra el regreso de 59 segundos (6.7% y 563.000) en 2024. Más lejos quedan otros intentos como el polémico Así de claro (5.8% y 829.000) con Ernesto Sáenz de Buruaga en 2015, cancelado tras tres emisiones por sus pobres audiencias, o El debate de La 1 con Julio Somoano en 2014. Este último contó con otras etapas presentadas por María Casado, Pilar García Muñiz u Oriol Nolis. Todos respondieron a contextos televisivos diferentes, pero ninguno terminó de cumplir las expectativas.

El reto de 'Malas lenguas noche' ante el adelanto electoral

El adelanto de las próximas elecciones generales al domingo 29 de noviembre anunciado por Pedro Sánchez sitúa a Malas lenguas noche en un escenario de especial relevancia mediática. Hasta que los ciudadanos depositen sus papeletas en las urnas, el calendario está copado por citas de gran interés. La actual precampaña y la posterior campaña, sin olvidarnos de la sucesión de debates en televisión, sitúan la actualidad política en el epicentro de la agenda diaria. En este contexto, el programa de Jesús Cintora se presenta como una ventana de relevancia para seguir las últimas horas.

Ya está abierto, por lo tanto, un nuevo ciclo informativo en el que los espacios de análisis responderán a una demanda de información intensa por parte de los espectadores. RTVE es consciente de esta realidad, motivo por el que el programa de Jesús Cintora se mantiene el sábado 17 de octubre en el prime time de La 1 por tercera semana consecutiva, tras un breve previo en La 2, su cadena original. La fórmula continuará siendo protagonista en la televisión estatal, con el enorme reto por delante de continuar fidelizando adeptos. Si la tendencia se mantiene como hasta ahora, la corporación pública habrá encontrado el formato que necesitaba para sus fines de semana tras diversos intentos pasados, independientemente de la cadena en la que acabe asentándose.

“A reinar, fortuna, vamos; no me despiertes si duermo, y si es verdad, no me duermas. Mas, sea verdad o sueño, obrar bien es lo que importa”. La vida es sueño, de Calderón de la Barca, fue la obra que prendió en Raphael la pulsión del arte. Era prácticamente un niño cuando, de regreso a casa, se topó en las calles del barrio madrileño de Cuatro Caminos en el que entonces vivía con un teatro ambulante en el que se representaba la citada joya literaria del genio del Siglo de Oro. Ese día, Falín -así le llamaban- sintió la llamada y supo que su lugar estaría siempre encima de los escenarios.

“Para poder encontrarme, sueño camino; para saber perdonarme, sueño destino; para olvidarme de mí, yo sueño desde el principio”, cantaba hace unos años Raphael en la canción que abre su disco Victoria, un álbum compuesto y producido por Pablo López con el que el de Linares (Jaén) se celebraba a sí mismo, consciente del privilegio de su exitosa andadura vital y profesional. Unos versos con los que el mito parecía cerrar el círculo, aludiendo a la temprana proyección de un 'alter ego' al que distanció de su ser definiéndolo con ese 'ph' que lo acabó identificando como un icono universal.

Una figura con una voz única, una imagen inconfundible y una propuesta interpretativa dramática e hiperbólica que otrora causó filias y fobias pero que siempre provocó en todos un magnetismo incontrolable y, sobre todo, perenne hasta nuestros días. Un cantante de discografía inagotable, de premios y reconocimientos irrepetibles, y de impacto intergeneracional. Un ídolo de masas que comenzó como baladista clásico actuando en los teatros más selectos del planeta y que hace varios veranos hacía vibrar al joven público del festival Sonorama Ribera.

Una carrera desacomplejada y arriesgada, con muchas luces y muy pocas sombras, que lo convierte en uno de lo estandartes vivos más admirados de la música española, dentro y fuera de nuestras fronteras. Con todo, tras más de 60 años de trayectoria, el legado del 'raphaelismo' encuentra testimonio en un extenso archivo que cuenta con libros de memorias; publicaciones biográficas; especiales, galas y entrevistas filmadas; documentales; películas autoparódicas incluso; y, desde este pasado viernes, con su propia serie de televisión. Su título es Aquel y de la mano de Netflix ya está disponible en las pantallas de uno y otro lado del charco.

A cargo de DLO Producciones en colaboración con Caracol Televisión, y con la supervisión de la familia y el equipo del protagonista -su hijo Jacobo Martos ejerce de productor asociado-, la plataforma roja se lanza a relatar la historia de Miguel Rafael Martos Sánchez y su desempeño para construir y perpetuar su leyenda como Raphael. La ficción, en la que Javier Morgade y Carlos Santos encarnan al artista en diferentes etapas vitales, se encomienda en su primer capítulo a esas líneas de Calderón de la Barca con las que arranca este artículo para convertir La vida es sueño en un espejo en el que mirarse. Así, igual que Segismundo, en Aquel Raphael parece querer plantear desde la 'torre' de su fama una reflexión sobre la libertad, el destino y la capacidad de cada persona para decidir quién quiere ser. Con todas las contradicciones.

Antes, mucho antes de enamorarte, mucho antes de encadenarte, te voy a contar mi vida

Raphael — Te voy a contar mi vida (1962)

Una foto poliédrica que pasa de puntillas por sus hitos y polémicas

Por tranquilizar a las masas, quede claro de antemano que nadie verá en Aquel una introspección tan explícita y profunda sobre el artista. Pero sí que es esta una de las claras lecturas que subyacen en una ficción que realmente transita de forma ligera y amena a lo largo de los ocho capítulos que la componen. La serie se presenta como un entretenido biopic en el que Raphael toma la palabra para contarnos su vida y ayudarnos a entender a través de otra piel todas las aristas de su expansivo devenir.

De esta manera, Aquel se convierte en un retrato poliédrico del cantante, que aborda su periplo personal y artístico de forma global y tratando en cada episodio diferentes aspectos, temáticas y vivencias que han marcado su camino. Esto proporciona al título un cariz interesante: se dinamiza mucho su visionado con un conglomerado de géneros narrativos -desde el relato histórico y costumbrista a la comedia romántica, pasando incluso por el thriller de espionaje o el musical- que sorprendentemente no se perciben como un batiburrillo. Todos estos recursos estilísticos, respaldados por el montaje y la banda sonora, encuentran por los hechos que se cuentan una inesperada cohesión.

La ficción repasa al detalle la biografía de Raphael, tomando como detonante su humilde infancia en el Madrid de la posguerra -ciudad a la que su familia se mudó desde Linares cuando él tan solo tenía nueve meses- y en el prematuro alumbramiento de que con su talento y su instinto artístico podía ayudar a los suyos a salir adelante. La estricta y autoritaria educación que recibió por parte de sus padres, tentados a cortar su vocación por el marco de la dictadura y los prejuicios de la época; y el compromiso férreo con su oficio, sabedor de que su don era un salvavidas económico en casa, se presentan en el biopic como algunos de los hechos fundamentales que moldearon para siempre su carácter.

Como desenlace, sin destripar detalles precisos de la trama, la serie de Netflix llega hasta aquel 1 de abril de 2003 en el que el cantante 'volvió a nacer'. Una fecha en la que Raphael todavía hoy celebra su 'otro cumpleaños', pues es el día en el que el andaluz se sometió a un trasplante de hígado que le salvó vida y cambió su destino. Un revés consecuencia del alcoholismo en el que acabó atrapado el artista y que Aquel, como lo ha hecho abiertamente el propio Raphael en numerosas entrevistas, aborda de frente y sin evasivas.

Qué sabe nadie por lo que vibra de emoción mi corazón, de mis placeres y mis íntimos deseos qué sabe nadie

Rafael — Qué sabe nadie (1981)

En ese sentido, es de agradecer que la ficción -y su protagonista real- no pongan cortapisas a la hora de afrontar esta y otras de las 'polémicas' que le han perseguido voluntaria o involuntariamente a lo largo de su prolífica trayectoria. Netflix y Raphael no esconden, entre otros asuntos, cómo su carrera se vio marcada en sus inicios por los rumores sobre su orientación sexual; la posición 'apolítica' del personaje y las vinculaciones que se le otorgaron con el régimen de Franco o el de la URSS; sus problemas de salud mental durante su estancia en Las Vegas o su mediática rivalidad con Julio Iglesias en una lucha de egos por ser reconocidos como el cantante español más universal.

Sin embargo, la voluntad de abarcar tantos acontecimientos en el limitado metraje de sus capítulos -y probablemente la poca intención de mojarse en exceso con según qué cosas- hacen que la ficción pase de puntillas por algunos temas que requerían (por aportar valor a la obra) de una mayor profundidad. Esto ocurre no solo con las controversias sino que también se siente con algunos eventos señalados en la vida de Raphael. Así pues, en algunos momentos da la sensación de que estamos ante una retahíla de hitos que son arrastrados por los siguientes en la cronología.

Y, encabezando todo este proyecto, dos actores: Javier Morgade y Carlos Santos, quienes logran ante la cámara un resultado dispar. Morgade, encargado de retratar el pasado más lejano de Raphael, se echa a la espalda el peso de Aquel -protagoniza seis de sus ocho entregas- y se percibe en él una mayor naturalidad a la hora de representar al cantante durante su juventud. El segundo, con un reto mucho mayor que el de su compañero al representar una etapa más reciente y una imagen del artista más presente en el imaginario colectivo, transmite a pesar de su digno desempeño una mayor preocupación por replicar los manerismos que lo hacen reconocible. Y en esa intentona, que lleva fácilmente a la parodia, muy pocos pueden salir indemnes.

Los dos actores encabezan un reparto coral, con multitud de 'cameos' -ficticios, no reales- de rostros populares de la época relacionados con Raphael, destacando el trabajo de nombres como Francesco Carril (Paco Gordillo), Pepa Aniorte (Rafaela Sánchez) o Natalia Varela (Natalia Figueroa). El primero de ellos, que da vida al histórico mánager del andaluz, brilla en su papel de 'fiel escudero' en la piel de uno de los personajes más interesantes de la serie.

No me importa que murmuren y que mi nombre censuren por todita la ciudad. Ahora no hay quien me detenga, aunque no pare la lengua de la alta sociedad

Rafael — Escándalo (1992)

Una obra de 'artesanía' para encontrar 'la voz' de Raphael

Pero, sin duda, el gran talismán de Aquel es, como no podía ser de otra forma al tratarse del biopic de una leyenda de la música, su banda sonora. Las canciones de Raphael, como lo hacen a lo largo del presente artículo que espero que usted todavía siga leyendo, acompañan y son parte fundamental de la historia ficcionada del artista. El de la música, a cargo de Lucas Vidal -dos veces ganador del Goya por Palmeras en la nieve y Nadie quiere la noche-, se presume como uno de los aspectos a los que Netflix y DLO Producciones pusieron más mimo. Todo ello, con una gran duda al comienzo del proyecto: ¿utilizar las grabaciones originales de Raphael o recrearlas de nuevo con ayuda de un imitador?

Pues bien, los responsables de la serie acertaron de lleno al apostar por lo segundo. Y es que colocar a los actores la voz original de Raphael -como hizo en su día la TV movie homónima de Antena 3- sacaría al espectador de sus interpretaciones, que logran un resultado más orgánico con el playback con una nueva voz. Además, con las grabaciones originales de Raphael -algunas realizadas hace más de medio siglo- se produciría una discordancia en los estándares de calidad actuales de la imagen y los del sonido de aquel entonces.

Netflix solucionó el entuerto fichando a Sergio Romero, cantante y actor de doblaje musical al que el equipo descubrió por su trabajo en el pasado interpretando las canciones de Raphael. “Desde el primer momento fui consciente de la dimensión del encargo”, cuenta a verTele Romero, reconociendo la “responsabilidad” que tuvo que asumir. Su elección pasó por las valoraciones de DLO, Netflix y los principales responsables artísticos, directores y productores de la ficción, además de recibir la aprobación del mismísimo cantante y su entorno.

“Saber que Raphael había escuchado mi trabajo y había dado el visto bueno a mi elección fue algo muy difícil de explicar emocionalmente”, afirma el artista, para quien la decisión tenía un significado que trascendía lo estrictamente profesional, pues fue el andaluz el responsable de que él se animara a dedicarse a la música.

El trabajo de Romero consistió en regrabar aproximadamente una veintena de canciones de Raphael pertenecientes a distintas épocas de su carrera. Para cada una de ellas, la 'imitación' requería, tal y como él mismo relata, de diferentes ajustes en las frases, las respiraciones, matices o intenciones sobre lo que sucedía en pantalla. El mayor reto era plasmar en la voz de Raphael su transformación artística y personal: “Raphael no ha cantado igual durante toda su vida. Su voz ha evolucionado con él. Cambian el color, la madurez, determinados recursos, la manera de atacar una frase y también la forma de interpretar. Por eso no podía afrontar de la misma manera al Raphael joven que las etapas posteriores que afronta Carlos Santos”, destaca, describiendo un trabajo de pura artesanía audiovisual que traspasa la televisión.

“Durante las grabaciones pude aportar todo ese conocimiento que llevaba acumulando durante tantos años. Había cosas que tenía profundamente interiorizadas: determinadas formas de decir una palabra, de respirar, de atacar una nota o de resolver una frase. Pero había algo que para mí era fundamental: no hacer una caricatura. No quería que el espectador escuchara a alguien intentando demostrar cuánto se parecía a Raphael”. De esta manera, asegura que su máxima preocupación era que “se escuchara una interpretación real, con emoción, y que esos rasgos que hacen reconocible a Raphael aparecieran de manera natural”.

El resultado final, por tanto, reúne la entrega de tres profesionales para dar vida a un único Raphael: Javier Morgade y Carlos Santos aportan su encarnación física y emocional, mientras Romero se convierte en la voz del mito cuando canta. “Todo ese trabajo realizado en diferentes momentos termina unificándose hasta convertirse en una única canción y una única interpretación. Cuando ves finalmente la escena terminada, ya no percibes todas esas piezas por separado. Ves al personaje”, valora el joven de 32 años, natural de Ciudad Real, desvelando ser conocedor de que Raphael y su entorno han quedado encandilados con su desempeño. Y no es para menos, pues hay muchos momentos en los que el espectador no sabrá diferenciar si escucha una recreación o la voz original del protagonista.

“Creo que resulta imposible separar la vida de Raphael de sus canciones. Estamos hablando de uno de los artistas de habla hispana más importantes de todos los tiempos, con una carrera que ha atravesado generaciones, países y épocas. Sus canciones no son únicamente parte de su historia personal; muchas forman parte también de la memoria colectiva de varias generaciones. Por eso en Aquel la música no funciona simplemente como banda sonora. Las canciones también cuentan su vida”, reflexiona finalmente el manchego.

Vivir y hacer vivir, soñar y hacer soñar, cantar amándote y amado por cantar. Ni tú ni yo volamos solos. Yo sé que soy de tanta gente

Raphael — De tanta gente (2022)

Las canciones también cuentan su vida y Raphael, consciente de ello, siempre las ha colocado en el centro de su proyecto. Por encima de cualquier preocupación por mantener una coherencia estética o una línea artística entre los títulos de su discografía, Raphael no ha parado de poner el foco en las canciones. Porque serán esas canciones, y no otra cosa, lo que permanezca en el tiempo cuando él ya no esté. Cuando ninguno de nosotros ya no estemos. Mientras tanto, con su inseparable tenacidad, con esa pasión, con ese incorformismo y con su capacidad para seguir soñando, Raphael sigue zafándose una y otra vez de esa retirada de los escenarios que en alguna ocasión le ha pisado los talones.

En una larga entrevista con Joaquín Soler Serrano en el programa A fondo de RTVE, realizada en 1977 cuando aún tenía 34 años, Raphael concluía la charla expresando un deseo: “He hablado mucho. Pero ojalá no haya dicho todo, yo no puedo haber dicho todo todavía”. El cantante dejaba claro entonces que aún tenía mucho que decir. Hace unas semanas, con 83 otoños a sus espaldas, Raphael dejaba clara durante la premiere de Aquel su intención de que aún le quede mucho por hacer. “He tenido y tengo una vida maravillosa, haciendo lo que me gusta hacer todos los días, o casi todos los días. Y sigo, sigo, y sigo, y no voy a parar nunca. Hasta donde sea. Lo único que pido es estar muy bien”. Que así sea.

“De joven me pasaron putadas muy gordas por ser mujer”, confiesa Carmen Maura a verTele durante una entrevista promocional con motivo del estreno de la segunda temporada de Furia. Putadas que prefiere no desvelar, pero que fueron lo suficientemente graves como para colocarla al borde del precipicio. “Llegué a tener ganas de matar. No lo hice porque pensé que no merecía la pena, porque me meterían en la cárcel, pero tuve ganas”, asegura la veterana actriz madrileña. Ahora, con 81 años recién cumplidos, “casi ninguna cosa” le saca de quicio. Sufrimientos, los justos. “Se pierde mucha energía cabreándote muy fuerte”.

La plataforma HBO Max acaba de estrenar los nuevos capítulos de Furia, la serie con la que el director Félix Sabroso nos introduce en la vida de varias mujeres que están al borde de un ataque de nervios. Si la primera temporada –emitida en 2025– estuvo protagonizada por Carmen Machi, Candela Peña, Cecilia Roth, Pilar Castro y Nathalie Poza, la segunda nos trae nuevos personajes, nuevas historias y más motivos para hacer que todo salte por los aires. Carmen Maura, María León, Ana Mena, Maribel Verdú, Cecilia Suárez y Clara Sans asumen todo el protagonismo en esta ocasión. Solo han sobrevivido los personajes de Claudia Salas, Ana Torrent y Alberto San Juan como hilo conductor entre ambas temporadas.

Además del reparto y las tramas, el tono de la serie también ha cambiado. Furia sigue siendo una perfecta sátira sobre la opresión que sufren las mujeres sea cual sea su edad o su nivel socioeconómico, pero esta segunda parte es menos divertida y surrealista que la primera. La comedia negra sigue estando muy bien representada, pero el drama gana peso en los nuevos capítulos. No es algo malo por sí mismo, pero sí supone un choque respecto a la primera temporada.

Lo importante es que Furia conserva el 'colmillo afilado' en su representación del machismo que tanto embarra la vida de las mujeres. Y también es importante que nos anima a hacer un ejercicio de empatía con ellas para que pongamos el foco en los motivos y no solo en las consecuencias. Quizá no habría tantas reacciones explosivas si nos preguntáramos qué es lo que empuja a algunas personas a dar un golpe sobre la mesa.

Ana Mena cree que, en efecto, “la empatía es el ingrediente que le falta al mundo”. Si pensáramos más en quienes nos rodean, comprenderíamos algunas actitudes que chirrían. “No somos conscientes de que lo que le pasa al otro, que lo utilizamos como espectáculo, podría pasarnos a nosotros mismos”, añade la actriz y cantante malagueña, que en Furia ha conseguido uno de los papeles más importantes de su carrera como intérprete.

Mientras Ana Mena responde las preguntas de verTele, María León asiente con la cabeza. Ella también ha sufrido en sus carnes la deshumanización y la mercantilización de un sistema en el que todo acaba siendo un negocio. “Cuando la gente deja de ver tu talento y de valorar el esfuerzo que haces como artista, empieza a utilizarte como personaje. La exposición te decepciona”, lamenta la intérprete al hablar de los sinsabores de la fama.

La furia como única salida

Furia es algo así como una olla a presión a punto de reventar. Es una conversación tensa, un reencuentro incómodo, un castigo injusto, un palo en la rueda y una mirada desafiante. Es un pulso eterno entre personas que están interconectadas y obligadas a convivir. ¿Hay algo más absurdo que eso?

La serie de Félix Sabroso -en la que comparte dirección con Jau Fornés y guion con Juan Flahn- se cuela en el peligroso terreno de la violencia y el abuso con una escandalosa sátira que combina con maestría el drama y la comedia. A las protagonistas de Furia ya no les queda más remedio que explotar, no pueden más que gritar y soltar puñetazos al aire. Pero lo importante no es eso, sino lo que se esconde detrás.

“La furia no sale de la nada, viene de un montón de circunstancias que, la mayoría de las veces, son violentas. El enojo no es un disparate, está sustentado en algo que ha sido injusto o equivocado”, argumenta Cecilia Suárez mientras recuerda que esta herramienta de expresión fue “negada” a las mujeres durante muchos siglos porque, al ser un comportamiento “antifemenino”, quedaba reservado para los hombres. “¡Y si te enojabas no te hacían ni puto caso!”, recuerda Carmen Maura.

Sus personajes en esta aclamada serie de HBO Max han decidido no reprimirse más. Si están rabiosas, que se note. Si están hartas de sus maridos, sus jefes o sus compañeros de trabajo, que se sepa. No hay que seguir tragando. Como dice Ana Mena, ha llegado el momento de sacar provecho a todo ese malestar infinito: “La furia enfocada, siempre da lugar a transformaciones muy positivas”.

La segunda temporada de Furia se estrenó en HBO Max este viernes 9 de octubre. Está compuesta por ocho capítulos de 35 minutos de duración y ha sido creada por Félix Sabroso, que también firma los guiones junto a Juan Flahn y codirige con Jau Fornés. Jose María Caro, Antonio Trashorras y David Ocaña son los productores ejecutivos por parte de HBO Max y Santi Botello y Félix Sabroso son los productores ejecutivos por parte de Producciones Mandarina.

“Cuando eres joven y quieres hacerte valer, te pones una corbata para que la gente te tome en serio. Pero cuando eres mayor y más sabio te das cuenta de que las corbatas son una mierda. Por eso solo llevo mi traje en ocasiones especiales”. Hal Jordan

Un par de detectives (Hal Jordan y su pupilo, John Stewart) llegan a una pequeña población de Nebraska a resolver un crimen, con la ayuda de la sheriff local, pero enseguida chocan con un clan familiar que tiene mucho poder en esa zona. La premisa de Linternas (Lanterns) de HBO Max podría parecer algo trillada... de no ser porque en realidad se trata de una adaptación de los cómics de Linterna verde de DC. Una serie de superhéroes que se nos presenta, de forma muy original, como un drama lleno de misterio por el que sobrevuelan amenazas extraterrestres. Apuesta por darle la vuelta a algunos de los lugares comunes del thriller: no importan tanto los giros argumentales (que también) como la personalidad de los protagonistas y el estudio de su compleja relación, pues se respetan y se detestan, se admiran y se temen. Y cambian mucho a lo largo de los años que abarca la serie.

Porque Linternas nos muestra ya desde el inicio que va a jugar con los saltos temporales: Hal y John van en 2016 a Rushville a investigar un tiroteo, pero al final de esa primera entrega ya sabemos que buena parte de la miga va a estar en saber qué pasa (también en Rushville) en 2026. Pues en ese año, tal y como ya nos muestran al final del primer capítulo, uno de los protagonistas aparece asesinado. Por tanto, desde el piloto eres consciente del componente trágico: sabes que uno de los personajes con los que te encariñas no puede acabar bien. Lo que viene siendo jugar fuerte.

La serie se divide en dos partes claramente diferenciadas: la primera va hasta el capítulo 5 (que es una especie de final anticipado) y se centra mucho en los acontecimientos de 2016. La segunda, que abarca los tres últimos episodios, sucede en su mayoría en el 2026, y nos cuenta también qué ha pasado entre esos años. El resultado es una serie excelente, entretenidísima y emotiva, la mejor de un DC que ya ha dado pie a dos propuestas tan atractivas como El pingüino y El pacificador:

Los creadores de Linternas -que son Damon Lindelof (The Leftovers, Watchmen, Perdidos), Chris Mundy (Ozark) y Tom King, reputadísimo autor de cómics-, han comentado en entrevistas que su principal referencia fue True Detective, ya desde el día en que Tom King le propuso a James Gunn llevar a la pantalla una historia de los Linternas Verdes contada como un drama policial de corte realista. Como sucedía en la serie protagonizada por Matthew McConaughey y Woody Harrelson, aquí también, con la excusa de resolver una serie de crímenes, se analiza cómo evoluciona a lo largo de los años la relación entre dos compañeros policías muy diferentes que, a pesar de tener mucha química y una innegable conexión, en un momento determinado chocan de forma irreversible. Los creadores han mencionado que también se inspiraron en Training Day -con esa relación entre un mentor y su aprendiz, el choque entre un agente idealista y otro que se asoma al abismo, o por su retrato de la corrupción- o incluso en Fargo. Todo ello con toques de Men In Black, podríamos añadir nosotros.

Linternas es capaz además de dibujar con solo unas pocas pinceladas algunos de los principales acontecimientos de la mitología de estos cómics, como la llegada de Abin Sur a la Tierra; la existencia de los Manhunters y el peligro que suponen; o la rebelión de Sinestro, un agente renegado, antiguo mentor de Hal Jordan. Pero todo esto se nos cuenta a través de alusiones que los personajes hacen de pasada... de modo que, como sucedía en Juego de tronos (a cuya historia nos asomábamos años después de la rebelión de Robert), eres consciente de llegar in media res a un mundo interesante y complejo que tiene mucho pasado a sus espaldas, y que hay que ir descifrando poco a poco.

Linternas no renuncia a la acción, ni a dar toques de ciencia ficción geniales por aquí y por allá, como la maravillosa mascota Earl; el viaje a Oa, planeta de los Guardianes, con su prisión de máxima seguridad; o cuando se nos muestra el desolado planeta destruido en el pasado por los Manhunters. Pero prefiere centrarse en el estudio de personajes y en un conflicto mucho más humano: lo complicadas que son las relaciones cuando no hay confianza. La serie establece que la galaxia se divide en varios sectores y que, en cada uno de ellos, solo puede haber un Linterna verde. Por tanto, los dos protagonistas no podrían ser Linternas verdes en la Tierra al mismo tiempo. John Stewart está ahí supuestamente para cubrir a Hal Jordan si le pasara algo, pero Hal se huele la tostada: los Guardianes han enviado a John en realidad para reemplazarlo, pues ya no se fían de él. Por tanto, los protagonistas sienten que el otro es una amenaza, y están dispuestos a luchar por su gran misión, que piensan que es lo único que les define: portar el anillo que les da superpoderes. Incluso si se pierden a sí mismos por el camino.

La serie también aborda un tema tan profundo como el de luchar contra nuestra propia naturaleza, no dejarnos llevar por los peores presagios ni pensar que nuestro destino está ya escrito (sobre todo si es uno oscuro). Nos habla de curar las heridas familiares heredadas, y transmitidas muchas veces sin querer. Nos propone aceptar los errores de quienes nos han criado y procurar no cometerlos de nuevo. Y, sobre todo, nos anima a no dejarnos definir por los miedos que nos han venido dados, ni por las expectativas que han puesto los demás en nosotros. Intentar ser conscientes de por qué elegimos lo que hacemos. Este tema se explora en detalle con el personaje de John Stewart (Aaron Pierre), que aprende a ponerse límites y a preguntarse hasta qué punto un objetivo noble puede dejar de merecer la pena si se lleva por delante todo lo demás por el camino, o si te obliga a traicionarte a ti mismo. Una incógnita se resume a la perfección en esa escena que recuerda tanto al western, en la que John devuelve su particular estrella de sheriff a las autoridades.

El personaje de Hal Jordan, a su vez, explora el miedo a seguir el mismo trágico camino que generaciones anteriores, especialmente en ese emocionante penúltimo capítulo, titulado El legado de los Jordan, que es probablemente uno de los mejores de toda la serie (mi favorito sin duda junto al piloto, con especial mención también a esa escena tan triste, tierna y divertida como es la del funeral del episodio 6). Porque si bien John Stewart queda establecido como un futuro Linterna sólido y bien interesante, que es capaz de encontrar su camino y de responder a su propio código, es el Hal Jordan del carismático Kyle Chandler el alma de esta primera temporada: pasas en cuestión de segundos de despreciarlo a admirarlo o a compadecerlo.

A la construcción de este Hal Jordan tan completo contribuye, además de la brillante interpretación de Chandler, cómo te muestran diferentes capas del personaje en pocos episodios: en 2016 es un agente descreído, y podríamos decir que hasta corrupto por la necesidad que tiene de conservar a cualquier precio el anillo; en el 2026 es un hombre que intenta reparar algo del daño que ha hecho, levantarse todos los días y hacer lo correcto, a pesar de solo recibir desprecio en su entorno; y en 1996 era un héroe que empezaba su camino y que se mostraba por primera vez al mundo con firmeza, seriedad y convicción en su propósito...

Pero es quizá la versión de 2006, la que se conserva en el anillo a modo de copia de seguridad (o de Hal-ograma, como lo llaman en la serie en un juego de palabras) donde se ve su visión más pura o, al menos, la que dejará más huella en los espectadores. La de un hombre que ya ha recibido varios golpes de la vida, que ha aprendido muchas lecciones, algunas de ellas muy duras, y que se ha asomado a la oscuridad y convive con sus miedos... pero que es un mejor detective gracias a la experiencia, y que no tiene miedo a abrirse emocionalmente cuando lo cree conveniente. Que es capaz no solo de ver lo bueno que hay en los demás, sino de conectar con ellos. Todas esas capas y facetas de Hal Jordan hacen de él uno de los mejores y más interesantes protagonistas que se nos han mostrado en una historia de superhéroes.

La serie tiene otros personajes estupendos más allá de sus protagonistas: la sheriff Kerry Kane interpretada por la estupenda Kelly Macdonald (No es país para viejos), otro de los pilares de la serie; la familia Macon, en sus distintas facetas y generaciones; el pequeño personaje de Laura Linney, que interpreta a uno de esos Guardianes que se muestran tan ajenos a la condición humana; o el mismísimo Guy Gardner de Nathan Fillion, que aporta su habitual sentido del humor a pesar de tener una dimensión mucho más seria que en la genial Superman de James Gunn de 2025 (de hecho, algunos de los personajes de Linternas aparecerán en Man Of Tomorrow, la continuación de la historia de Superman, que se estrenará en el verano de 2027). Y nos presenta un Sinestro escalofriante (interpretado por Ulrich Thomsen) que, pese a ser un prisionero, no deja de manipular a los protagonistas a la vez que los asesora en la investigación de los crímenes, de una forma que recuerda a Hannibal Lecter en El silencio de los corderos.

El final de la serie deja unas cuantas incógnitas que probablemente nos gustaría resolver con más detalle, y que quizá se retomen en un futuro, pero supone un cierre emocional a la altura, centrado en sus protagonistas, que será lo que más recordemos de ella cuando pasen los años. Porque Linternas es una serie de policías especiales, pero decide centrarse en lo bonito y lo triste que es entender por fin a alguien, después de muchos roces, cuando ya no lo tienes a tu lado. Te recuerda que siempre se puede aliviar algo el daño que han causado tus acciones, aunque estés cansado y ya no tengas tanta energía, y lo recomendable que es a veces dar un paso al lado y evaluar si seguimos con nuestro día a día por inercia o porque todavía creemos en lo que hacemos. Una historia sobre el poder de las ficciones que, a veces (solo a veces), nos dan la oportunidad de despedirnos una vez más de aquellos a los que echamos en falta, y decirles de nuevo 'te quiero' antes de seguir nuestro camino, manteniendo vivo su legado.

Movistar Plus abre este jueves 8 de octubre su temporada de series originales con el estreno de El castillo, ficción protagonizada por Raúl Arévalo, Omar Ayuso y la debutante Valentina Vidal acerca de la trata de mujeres con fines de explotación sexual. El punto de partida es El Proxeneta, libro de Mabel Lozano que cuenta la historia real de Miguel 'El Músico', un proxeneta que narra con todo lujo de detalles la evolución que ha experimentado el negocio de la prostitución en España desde principios de los 90 hasta finales de la pasada década, con el lucro de la trata y el secuestro de mujeres 'de deuda' como principales ejes.

El libro, publicado en 2017, llegó un año más tarde a las manos del productor y guionista Eduardo Villanueva, quien rápidamente le propuso a la también guionista Isabel Peña convertirlo en una serie de televisión, pues de repente se habían encontrado alguien que estaba “desvelando el funcionamiento de un sistema que no nos habíamos siquiera parado a pensar que existía”, explican a verTele. Los detalles de su testimonio, unido a “la muchísima rabia”, “la muchísima fascinación” y “la muchísima empatía” que sentían “con las mujeres que eran víctimas de esta situación” les llevó a sentir que necesitaban el altavoz que dan las ficciones televisivas para dar a conocer este universo, que aparcarían durante un tiempo para centrarse en otros proyectos (Antidisturbios, por ejemplo).

Su idea inicial era acercarse a “obras un poco gigantescas, tipo The Wire o Los Soprano”, para abordar en varias temporadas “todos los tentáculos” que rodeaban al mundo de la trata a través del proxeneta, que sin ser el protagonista absoluto, sí iba a ser “un punto de vista bastante único y principal”. Sin embargo, ni la industria de 2018 estaba ya por la labor de producir series de múltiples temporadas ni los responsables de las plataformas veían claro centrarse en Miguel 'El Músico', rebautizado para su adaptación televisiva como Manuel 'El Suizo': “Les interesaba el universo, lo que queríamos contar, pero pensaban que era demasiado duro y que era demasiado inhóspito estar siguiendo a un personaje con el que no puedes sentir ninguna empatía. Y que por mucho que lo que contara del funcionamiento fuera novedoso, fuera muy interesante y pudiera ser incluso fascinante desde ciertas ópticas, claro, había una cosa de conexión emocional que no estaba ahí.”

Una serie contra la romantización de la prostitución

Para solventar el problema optaron por acompañar el punto de vista de 'El Suizo' (Arévalo) con otros dos: el de Claudia (Vidal), una joven colombiana que llega a España reclutada por el proxeneta para ejercer la prostitución; y el de los agentes de la UCRIF (Unidad Central de Redes de Inmigración Ilegal y Falsedades Documentales) Gerardo Liesa (Ayuso) y Carmen Osés (Laia Marull). Con la construcción del mayor macroburdel de España (año 1999) como punto de partida, El castillo expone desde estas tres vertientes diferentes un mundo tan real como desconocido o distorsionado por la industria audiovisual, que a menudo ha romantizado en películas y series la mafia proxeneta.

De hecho, la nueva producción de Movistar Plus se presenta como una respuesta frontal contra esta romantización, apostando en su lugar por un tono muy crudo y realista, a veces próximo al documental pero siempre respetuoso con quienes lo sufrieron y aún lo sufren. “Si quieres que una historia real llegue de una forma honesta, pues el tono naturalista es el más indicado. También es verdad que es un tono en el que nos sentimos cómodas. Y luego, bueno, digamos que el universo de la prostitución, que es amplísimo, sí que ha podido ser retratado en el pasado con una mirada casi siempre erotizada y sexualizada. Y queríamos huir de eso (...) El compromiso que tenemos con esta dura verdad es tan grande que es que no había otra manera de contarlo”, señala Peña, coguionista habitual de Rodrigo Sorogoyen, que firma aquí su primera serie como showrunner.

Ese respeto por las víctimas y esa huida de cualquier tipo de erotización se aprecia en las dos escenas de sexo que hay en toda la serie, en las que solo se ve al putero, pero no a la víctima de trata. “Un objetivo teníamos de antemano era no reproducir las imágenes que habíamos visto tantísimas veces, más que nada porque eran imágenes muy romantizantes y nosotras estamos contando la experiencia de unas mujeres que llegan allí engañadas. Entonces, teníamos que huir a toda costa de todo lo que fuera preciosista o romántico de una situación que para ellas no lo es para nada”, explica Elena Martín Gimeno, directora de El castillo (episodios 1,2,5 y 6) junto a Sandra Romero (episodios 3 y 4) y principal responsable de esta decisión: “No me apetecía volver a ver a una mujer sufriendo (...) Dada esta situación, que es violenta para ella, yo no quería poner la cámara en ella.”

Martín Gimeno, que figura como creadora de la serie junto a Peña y Villanueva, prefería poner la mirada en el hombre, “que es el que me genera más dudas” sobre cómo está viviendo el acto sexual. Aun así, los consumidores de prostitución no son los protagonistas masculinos de la serie. Ese papel queda reservado para 'El Suizo', un proxeneta carente de glamour en una España, la de los clubes de carretera, los vasos de tubo y los menús a base de huevos, salchichas y patatas fritas, que tampoco lo tiene. “La realidad es que gran parte de este negocio y de este crimen sucede en ese entorno de esas características tan cotidianas o tan cutres, como lo quieras llamar. Y luego había por nosotros mucha voluntad de desromantizar. Se ha romantizado mucho la figura del proxeneta en el sentido de que es alguien fascinante y con un poder, una genialidad y una crueldad que muchas veces se va a los extremos. Y nosotros lo que hemos visto en todo el proceso de documentación y lo que más nos aterra tiene que ver con lo cotidiano, con lo normal, con lo mediocre”, comenta Villanueva sobre el entorno y la construcción de este personaje.

Raúl Arévalo brilla como el proxeneta sobre el que gira 'El castillo'

El encargado de darle vida es Raúl Arévalo, que hace aquí un actuación que atrapa desde el primer minuto y resulta merecedora de toda clase de premios. Su 'Suizo' no fascina per se, sino por la naturalidad con la que el actor madrileño causa rechazo y temor a través de él, que es de lo que se trata. A ello ayuda la voz rasgada que adoptó durante el rodaje y los 20 kilos que tuvo que engordar para interpretar al proxeneta. “Para el personaje es verdad que ayudó”, reconoce sin obviar que el proceso no fue fácil: “No lo recomiendo. Acabé mal al final, porque pasé de comer todo lo bien que podía para engordar, a comer donuts, hamburguesas y bollería industrial, con lo que me costaba atarme los zapatos, respiraba mal, roncaba, tenía ardores de estómago... O sea, que no fue agradable en ese sentido.”

La transformación física de Arévalo ejemplifica el grado de compromiso de todo el equipo de El castillo con la historia que están contando. Toda la serie transmite un cuidado y un nivel de detalle superlativo en lo interpretativo, lo narrativo y lo visual, con prostíbulos reales abandonados y reconstruidos para dotar de mayor realismo a la propuesta. Una excelencia, en definitiva, que es lo que se espera de una producción de Caballo Films, la productora que los ya mencionados Sorogoyen y Villanueva fundaron en 2012 —junto al productor Nacho Lavilla, el director y guionista Borja Soler y el montador Alberto del Campo— y que antes de El castillo ya había alumbrado tres de las mejores series españolas de los últimos años: Antidisturbios, La Ruta y Los años nuevos. Su nuevo trabajo —realizado junto a Mafalda Entertainment— juega en esta misma liga, la de las series que marcan diferencias a base de tomar riesgos, explorar nuevos territorios y no subestimar al espectador.

En el caso de El castillo hay una voluntad clara y constante de romper tópicos, y no solo en lo que respecta a la representación ficcionada de la prostitución y la trata de mujeres, sino también dentro de la industria audiovisual. Ahí está, por ejemplo, la práctica ausencia de música extradiegética —aquella que no pertece al mundo real de la serie— al margen de las canciones del final, compuestas por el francés Olivier Arsón (Antidisturbios, El ser querido) “con el sonido blanco de las pasadas de los coches, ya que todos los clubes que retratamos son clubes de carretera”, explica Elena Martín Gimeno.

También destaca la elección de una actriz debutante, Valentina Vidal, para asumir un personaje cuyas escenas siempre “tenían algo que podía ser resbaladizo o directamente muy complicado”, según Isabel Peña. “A medida que iba siendo consciente de la magnitud del proyecto sentía también esa responsabilidad de estar a la altura de todo”, reconoce la joven, que para nada parece una recién llegada dada la autenticidad que transmite en pantalla. “Queríamos mujeres de verdad, y Valentina lo es”, dice sobre ella la guionista, que la que define como “una dama del cine” a pesar de su inexperiencia. “Era muy curioso ver cómo parecía Meryl Streep, en el sentido de la experiencia que tenía a la hora de manejarse”, añade Eduardo Villanueva, sin escatimar tampoco en elogios.

Y eso, elogios, es lo que apuntan a generar los seis episodios de El castillo (de entre 50 minutos y una hora de duración). Seis episodios que conforman un relato seco, incómodo y exigente para el público medio, probablemente porque no podía ser de otra manera cuando hablamos de la trata de mujeres en España, el tercer país del mundo y el tercero de Europa en prostitución. “Es un espejo en el que para nosotros, como sociedad, no es muy agradable mirarse”, dice Omar Ayuso para resumir esta ficción, tan valiosa por lo que cuenta como por cómo lo cuenta.

Rueda la letra cumple este miércoles su primer mes de vida en televisión. El pasado 7 de septiembre, Mediaset estrenó este concurso, que llegaba a la parrilla televisiva de la mano de Bulldog TV con un claro objetivo: arropar a El Rosco, la mítica prueba de vocabulario que el grupo de Fuencarral recuperaba tras seis años en Antena 3 y toda una vida junto a Pasapalabra. Rebautizado como La Rueda, el juego volvía a Telecinco tras una larga batalla judicial contra Atresmedia, ahora dentro de un nuevo programa presentado por Carlos Sobera.

Este regreso a Telecinco fue fruto de un conflicto que vivió un punto de inflexión clave el pasado 21 de mayo, cuando el Tribunal Supremo ratificó la sentencia que obligó a Atresmedia a dejar de emitir El Rosco en Pasapalabra, borrar del catálogo de su plataforma más de 1.500 entregas en las que se incluía el famoso reto final y eliminar de su identidad visual cualquier alusión o rastro circular de aquel icónico desafío. La resolución provocó movimientos en ambas compañías: Antena 3 sustituyó un mes después su prueba estrella por AlaZ mientras que Mediaset llegó a un acuerdo con MC&F para hacerse con los derechos de El Rosco y trasladar su mecánica a un nuevo concurso al que debía dar forma.

Así nació Rueda la letra, cuyo anuncio oficial llegó a finales de julio con la mirada puesta en la nueva temporada para su lanzamiento y con la confirmación de que Rafa Guardiola, antiguo director de Pasapalabra en Telecinco, estaría vinculado al proyecto. La puesta de largo se produjo en el arranque de septiembre, con el concurso de Carlos Sobera reemplazando en la parrilla a un De lunes a viernes cuyo periplo quedó reducido a los meses de verano. Mediaset resolvió así su gran dilema con el horario de Rueda la letra, ubicándolo en la franja de 19:00 a 20:00h.

De esta manera, Telecinco evitaba una pelea frontal y 'fratricida' contra Pasapalabra y mantenía en su franja al consolidado ¡Allá tú! que, hasta el momento, era la apuesta vespertina que mejores réditos venía dando al canal. Rueda la letra desembarcó entonces en la pequeña pantalla como rival de Sonsoles Ónega en Antena 3 con dos históricos de Pasapalabra como concursantes, Fran y Lilit. Tras su estreno, y una vez recibida la inmediata comunicación de Atresmedia de acciones legales contra Mediaset al considerar su concurso un plagio del conducido por Roberto Leal, el programa anunció que extendería sus emisiones también a las tardes del fin de semana (en el tramo de 20:00 a 21:00 horas).

Ahora, cumplido su primer mes, toca poner sus resultados de audiencia en perspectiva. Para ello, desde verTele analizamos cómo funciona Rueda la letra, tanto entre semana como los sábados y domingos, y evaluamos el rendimiento que obtiene específicamente la prueba de La Rueda. Solo así podemos conocer si sus datos mejoran o empeoran a los que De lunes a viernes venía haciendo durante el verano y, por consecuencia, medir el arrastre que han dejado ambas ofertas sobre ¡Allá tú!.

Y, como no podía ser de otra manera, también tenemos argumentos para responder a la gran pregunta: ¿Ha influido el salto del rosco a Telecinco en las audiencias de Pasapalabra? ¿Ha logrado Mediaset sacudir el tablero televisivo y dar un golpe de efecto a las tardes? Desgranamos todas las cifras de Rueda la letra, gracias a datos de la consultora GECA cedidos a verTele, para poder analizar así sus resultados en televisión.

Audiencia diaria de 'Rueda la letra' en su primer mes en Telecinco

Rueda la letra se estrenó en Telecinco el pasado 7 de septiembre con un 9.1% de share y 624.000 espectadores. Un registro que bajaba el suflé de la cadena, a la que ni el reclamo de la puesta de largo ni la curiosidad por ver las diferencias y semejanzas con Pasapalabra le valieron para que la emisión superara el doble dígito.

Un listón que a día de hoy sigue sin rebasar, ya que aquel 9.1% de cuota, que volvió a igualar el 25 de septiembre, se establece como su máximo de share hasta la fecha. En cuanto a su récord de espectadores, de momento queda en los 762.000 televidentes de media que siguieron la entrega de este pasado domingo 4 de octubre.

Desde su arranque en Telecinco, y hasta la fecha de realización de este artículo, Rueda la letra ha promediado una audiencia total del 7.7% de share y 550.000 espectadores en sus 29 entregas ofrecidas. Su media en los 21 programas emitidos entre semana es de un 8% de cuota y 552.000 televidentes, mientras que su promedio en los fines de semana baja en share al 7.2% pero sube en espectadores hasta los 591.000 al emitirse en un horario de mayor consumo televisivo que en su tira diaria de lunes a viernes.

A continuación, detallamos las audiencias diarias de Rueda la letra, señalando con un asterisco verde (*) sus máximos y con un subrayado azul sus cifras correspondientes al fin de semana.

De esta manera, Rueda la letra se sitúa en su primer mes en antena por debajo de la media de Telecinco en el mismo periodo. La cadena otbtiene en ese tiempo un 8.5% de share, lo que coloca al concurso de Carlos Sobera 8 décimas por debajo del canal. La media de Rueda la letra es también inferior a la de Telecinco tanto entre semana (8.9%, -9 décimas) como en sus emisiones de los findes (7.4%, -2 décimas).

Audiencia diaria de 'La Rueda' en su primer mes en Telecinco

Analizados los datos globales de Rueda la letra, toca poner el foco en la prueba estrella que ha provocado este año un nuevo cisma entre Antena 3 y Telecinco: La Rueda. El renombrado juego con el emblemático rosco, el gran reclamo del programa y el arma de Mediaset para intentar dar un vuelco a sus audiencias, logra lógicamente hacer crecer en su tramo el interés por el formato debido a su caracter de clímax.

Así pues, el segmento estricto de La Rueda, ofrecida día a día en los 15 minutos finales de Rueda la letra, promedia en sus 29 emisiones una audiencia total del 8.4% de share y 617.000 espectadores. Entre semana, la prueba marca un 8.8% y 622.000 televidentes en sus 21 entregas hasta la fecha; y los sabados y domingos, la cuota baja respecto a la tira diaria a un 7.4% pero los seguidores suben a una media de 671.000 espectadores en los 8 programas estrenados en fin de semana.

A continuación, detallamos las audiencias diarias de La Rueda, señalando con un asterisco verde (*) sus máximos y con un subrayado azul sus cifras correspondientes al fin de semana.

La Rueda consigue en sus 29 entregas una variación positiva respecto a la audiencia promedio global que alcanza el formato en este periodo, mejorando en 7 décimas y 67.000 espectadores el total del programa. Entre semana, el incremento de La Rueda es de 8 décimas y 70.000 televidentes; mientras que los fines de semana el tramo crece en 2 décimas y 80.000 espectadores.

Como decíamos, lógicamente el concurso obtiene una mayor atención en su decisivo desafío final, aunque sus registros siguen quedando por debajo de los de la media del canal en el mismo periodo. Eso sí, la diferencia en el tramo de La Rueda es mucho más corta que en la del global del programa y la prueba sí que ha logrado superar el listón del 10% hasta en cuatro ocasiones. El máximo de cuota de La Rueda es del 10.2% de share (el 25/09) y el récord de espectadores se establece en 780.000 televidentes (el 27/09).

'Rueda la letra', ¿un golpe de efecto tras 'De lunes a viernes'?

Una vez valorados los resultados de Rueda la letra en su propio contexto y en el del actual momento de la cadena, es turno de analizar si Telecinco ha logrado con el concurso producido por Bulldog TV el golpe de efecto que buscaba para sus tardes tras retirar De lunes a viernes. Pues bien, como decíamos, Rueda la letra promedia en su primer mes un 7.7% y 550.000 espectadores; mientras que De lunes a viernes obtuvo en su último mes en Mediaset una media del 9% y 686.000 espectadores.

Es decir, el concurso de Carlos Sobera empeora en 1.3 puntos y 136.000 espectadores al programa de corazón de Beatriz Archidona y Santi Acosta. No obstante, como su nombre bien indicaba, el magacín solo se emitía 'de lunes a viernes', por lo que la comparativa más justa es la que se ha de hacer con la audiencia media de Rueda la letra entre semana y no con la global. En su tira diaria, el nuevo formato con el rosco promedia un 8% y 552.000 televidentes, por tanto, el dato del concurso es inferior al de De lunes a viernes exactamente en 1 punto de cuota y 134.000 espectadores.

Pero, como demostramos anteriormente, Rueda la letra logra mejorar sus números en su tramo final con la emisión de La Rueda. Esto influye, por consecuencia, en el arrastre que el concurso deja a su sucesor en la programación de Telecinco: ¡Allá tú! Y es ahí donde Mediaset encuentra algo de luz respecto a la etapa anterior. Según datos de la consultora GECA a verTele, en su ultimo mes De lunes a viernes promedió en su minuto final un 9.1% de share y 598.000 espectadores; mientras que en su primer mes de vida Rueda la letra firma una media en su minuto final del 9.5% y 679.000 televidentes.

El arrastre de 'De lunes a viernes' y 'Rueda la letra' a '¡Allá tú!'

Por tanto, gracias a Rueda la letra y especialmente a la prueba con el rosco, ¡Allá tú! cuenta ahora con un arrastre de audiencia de 4 décimas y 81.000 espectadores más que en su etapa anterior con De lunes a viernes. Así, aunque el concurso de Carlos Sobera no consiga en sus datos globales mejorar al espacio de crónica social que le precedió en la parrilla -en una época de menor consumo como el verano-, su prueba estrella sí que permite al espacio de Juanra Bonet contar con más público como punto de partida. ¿Pero le vale a ¡Allá tú! ese imput para mejorar sus registros? Lo comprobamos.

Así ha influido en '¡Allá tú!' y... ¿en 'Pasapalabra'?

Evaluando la progresión de los datos mensuales de ¡Allá tú! se puede ver a simple vista que el concurso ha incrementado sus cifras tras los meses de verano, cuando firmó una media del 9% y 686.000 en julio y del 9.3% y 649.000 en agosto. Con el arranque del curso, ese crecimiento, que ya se notó ligeramente en los primeros días de septiembre sin Rueda la letra (9.4% y 672.000), experimenta un impulso a partir del día 7 del pasado mes.

Así, desde que se estrenó el nuevo concurso con el rosco, ¡Allá tú! firma en septiembre una media del 10% de cuota y 804.000 espectadores y en estos cinco primeros días de octubre un 9.5% y 845.000 televidentes. Un salto cuantitativo bastante notorio que, de momento, no se puede atribuir directa y exclusivamente a la llegada de Rueda la letra.

Y es que esa subida se produce con el cambio de agosto a septiembre, es decir, del paso del mes de menor consumo del año al del arranque de la temporada televisiva y la incorporación de los espectadores a la rutina tras las vacaciones de verano. Habrá que esperar a los próximos meses para obtener una fotografía más objetiva en el efecto que Rueda la letra pueda tener en el formato de las cajas producido por Gestmusic.

Audiencia media de '¡Allá tú!' antes y después de 'Rueda la letra':

Por último, toca responder a la gran pregunta que planteábamos al comienzo del artículo: ¿ha afectado a Pasapalabra el estreno de Rueda la letra con la prueba del rosco que hasta hace solo unos meses le pertenecía? Aunque ambos concursos no compiten frontalmente en la franja, la estrategia de Mediaset de emitir antes el espacio de Carlos Sobera pasaba por intentar 'robar' espectadores al de Roberto Leal. A aquellos que, tal vez, se pudieran ver 'saciados' de rosco a las 19:00 horas y, por tanto, se quedaran a seguir ¡Allá tú! en lugar de volver a ver un formato 'parecido' al que ya habían disfrutado en Telecinco.

Sin embargo, los datos de Pasapalabra de los últimos meses demuestran que sigue imbatible en Antena 3. El concurso de Roberto Leal firma en septiembre, desde el estreno de Rueda la letra, un 17.7% y 1.445.000 espectadores. Se trata de prácticamente de las mismas cifras que Paspalabra consiguió entre junio y julio, durante el último mes que ofreció El Rosco dentro del programa: un 17.7% y 1.448.000 seguidores.

Por tanto, no parece que, de momento, la pérdida del rosco y el salto de la prueba a Telecinco con Rueda la letra, haya influido en sus audiencias. Paspalabra sí logra en septiembre mejorar sus registros respecto al verano pero, como decíamos, se trata del paso lógico de una época de bajo consumo a una de mayor seguimiento televisivo con el arranque del curso.

Audiencias de 'Pasapalabra' antes y después de 'Rueda la letra':

Sea como sea, Pasapalabra sigue líder día a día en su franja (de 20:00h a 21:00h) mientras que Rueda la letra, en su primer mes, no lidera en ningún segmento social de la suya (de 19:00 a 20:00h), ni teniendo en cuenta los datos por sexo ni por edad. En su tramo de emisión, Rueda la letra es tercera opción por detrás de las ofertas de La 1 y de Antena 3, cadena a la que sí logra aproximarse los fines de semana (7.6% frente a 7.2%), donde el concurso de Telecinco ocupa un horario de mayor escaparate (de 20:00 a 21:00h) y donde no cuenta con la competencia que sí tiene a diario.

Por sexos, Rueda la letra logra mejores resultados entre las mujeres (9.9% entre semana; 9.4% el fin de semana) que entre los hombres (5.6% entre semana; 4.5% el fin de semana). En cuanto a la edad, el programa despunta entre los mayores de 65 años (8.9% entre semana; 8.7% el fin de semana), seguido de lunes a viernes por los jóvenes de 13 a 24 años (8.8%) y los sábados y domingos por los de 25 a 44 años( 6.1%).

En resumen:

Ver la televisión generalista se ha convertido en un ejercicio de constante distracción. La pantalla acumula elementos gráficos de manera constante, todos ellos luchando por llevarse parte de una atención que otrora fue exclusivamente para el contenido. Este exceso no solo se presenta como un problema estético: es una barrera que ensucia la experiencia del espectador y perjudica al contenido principal. Mientras las plataformas de streaming apuestan por la limpieza visual, el modelo de la saturación parece haberse instalado en las cadenas tradicionales.

Nos referimos a los grafismos que invaden nuestra pequeña pantalla a cualquier hora. La necesidad constante de impactar en el televidente ha puesto en marcha una curiosa estrategia: llenar de información las emisiones con textos explicativos, rótulos sobre avances, con pequeñas imágenes para adelantar otros asuntos de conversación, con publimoscas de innecesarias dimensiones, con códigos QR y hasta con el hashtag de turno. La pregunta es clara: ¿Realmente es pertinente incluir todos estos elementos, teniendo en cuenta que hoy tenemos toda la información deseada a golpe de búsqueda?

Para responder a esta cuestión, en verTele ponemos en marcha un análisis sobre la saturación que empaña los formatos. Un estudio publicado en la revista académica Visual Communication arroja conclusiones muy significativas al respecto, planteando la necesidad de reconducir un fenómeno que vive su particular auge en nuestra industria televisiva tradicional. En los apartados siguientes, comprobaremos cómo el desfile constante de faldones perjudica seriamente los niveles de recuerdo de la audiencia y cómo la atención se dispersa. La sobresaturación de las pantallas incluso ha dado pie al humor en redes sociales:

Elementos constantes en pantalla que perjudican la comprensión

Los programas de actualidad son un ejemplo perfecto sobre la saturación visual que nos ocupa, algo que antaño para nada era habitual. Ya no solo aparecen los presentadores en imagen: también un sinfín de elementos gráficos a su alrededor, que, en un elevado número de ocasiones, son completamente prescindibles. La tónica es habitual en todas las cadenas, solo rota por la solemnidad propia de los informativos. Es entonces cuando el fenómeno se olvida, apostando porque los presentadores concentren toda la concentración del espectador. Incluso los grafismos se limitan a mostrar solo las claves.

Según las mediciones del estudio referido, a través de un sistema que denomina 'eye tracking', la gran mayoría de las fijaciones visuales y del tiempo de atención se concentran tanto en el área central de la pantalla como en el faldón informativo inferior. En contraste, los elementos ajenos a esa noticia principal despiertan mucho menos interés, a pesar de utilizar distintas animaciones. Estos elementos periféricos compiten simultáneamente entre sí por causar impacto, perjudicando directamente la comprensión del contenido de cabecera en ese preciso instante.

Los datos de recuerdo de información son demoledores para los faldones de información continua, que sitúan a estos elementos como los que peor recuerdo generan. Es un recurso de lo más habitual en programas matinales: Mañaneros 360 o Al Rojo Vivo —ahora con una imagen más limpia— lo ubican en la zona superior de la pantalla, mientras que en La mirada crítica o Aruser@s se opta por el inferior. Su animación constante exige un esfuerzo visual continuo que, de nuevo, distrae la mirada del foco principal. En algunas ocasiones, incluso su lectura resulta una tarea complicada por el tamaño de la tipografía.

La publimosca, otro elemento que añade ruido visual

Más allá del distintivo de cada cadena, hay otro elemento que lleva años acompañándonos: la publimosca, también llamada 'cita'. Hablamos de esos 'pequeños' elementos gráficos publicitarios que aparecen superpuestos en las esquinas de la pantalla durante la emisión de series y programas. La realidad es que logran captar miradas —en ocasiones debido a su construcción visual—, pero el análisis apunta a un coste directo: aquellos espectadores se fijan con frecuencia a estos anuncios califican los espacios como sensiblemente más difíciles de comprender.

Ponemos el foco en tres casos especialmente llamativos. El primero lo encontramos en Telecinco, concretamente durante una emisión del programa De Viernes. Apostó por promocionar el Gran Premio de España de MotoGP con hasta siete líneas de texto, incluyendo tanto los días y horas de emisión de varias carreras. Una tónica que se repitió posteriormente con la Fórmula 1. La televisión pública no es una excepción en este sentido, como puede apreciarse a continuación: La 1 informaba sobre Maestros de la costura Celebrity en otras siete líneas, incluso citando el programa anterior.

Como diría el refranero popular, 'al César lo que es del César'. Durante la elaboración de este análisis, Mediaset puso en marcha una inesperada estrategia con respecto a las publimoscas en Telecinco. Las citas ubicadas en la parte superior derecha de la pantalla se redujeron significativamente, ocupando un menor espacio para cumplir su función informativa y de prescripción de un modo menos invasivo. En definitiva, una decisión similar a la habitual en Antena 3, con creatividades más pequeñas y directas, donde se eliminan los datos que son innecesarios. Veamos a continuación la comparativa:

¿Qué consecuencias para el espectador provoca el ruido visual?

La sobreexposición de elementos gráficos supone un coste directo para la experiencia televisiva. Y es que el problema no solo radica en la acumulación de elementos, sino en cómo se integran constantemente hasta provocar cierta fatiga cognitiva. El cerebro realiza mayores esfuerzos para procesar toda la información; de hecho, se le exige que decodifique al mismo tiempo varias capas de texto, además de faldones en movimiento y rótulos animados. En esencia, ese pensamiento de “no sé dónde mirar” es cada vez más habitual.

Además, la pérdida de armonía estética provoca que el trabajo de realización quede ligeramente sepultado bajo capas de grafismos innecesarios en muchos casos. No nos referimos a que los elementos no estén cuidadosamente diseñados, sino a la importancia que se les otorga frente al contenido principal. La pantalla se transforma en un espacio recargado que, en definitiva, hace que la limpieza visual en la televisión generalista sea un lejano recuerdo. Una máxima que, por otra parte, sí es clave para las plataformas de streaming.

La distracción respecto al contenido principal tampoco puede perderse de vista. La mirada se desvía de lo importante, rompiendo por completo el hilo narrativo. Acudimos a una emisión reciente del programa Y ahora Sonsoles como ejemplo. Mientras la presentadora entrevista al primo de Maricarmen, la octogenaria desahuciada en Madrid, la pantalla aparece dividida en cinco áreas y hasta textos superpuestos que dejan las declaraciones en un segundo plano. En definitiva, un bombardeo de información constante que, en ocasiones, genera cierta sensación de incomodidad.

Una 'limpieza' demandada por los espectadores

Amontonar estímulos visuales inconexos no enriquece la experiencia televisiva, sino todo lo contrario en un elevado número de ocasiones. Si las cadenas tradicionales quieren mantenerse como punta de lanza en su batalla por la atención, la reconfiguración de sus pantallas debe ser una estrategia primordial. En definitiva, apagar el ruido innecesario y devolverle el protagonismo absoluto es una vía a explorar ante la demanda creciente por parte de los espectadores, mientras las plataformas tienden hacia una mayor limpieza.

Jamás podré agradecer lo suficiente a la providencia esta casualidad. Que el primer encargo para verTele fuese, precisamente, la entrevista de Isabel Díaz Ayuso en Horizonte. Admito que –siguiendo la distinción creada por Mauro Entrialgo entre “nazis” y “nazis del misterio”– mis prejuicios me habían mantenido siempre apartado del programa de Iker Jiménez y Carmen Porter. Y seguramente, este encargo laboral me ha salvado la vida. Mañana mismo, a primera hora, tan pronto abra el súper, pienso agotar las existencias de agua potable, conservas, precocinados –fruta no, claro– y baterías externas. Como Sarah Connor cuando vio venir la tormenta, Díaz Ayuso sabe lo que nos espera. Ha visto las calles ardiendo y se ha despertado a tiempo para advertirnos. ¡Corred, insensatos!

La presidenta de la Comunidad de Madrid acudía al programa de Cuatro como antes lo habían hecho sus colegas de Ceuta y el de Canarias: para hablar de crisis concretas –la entrada masiva de personas migrantes o el hantavirus–, porque ya dice Iker que este no es un espacio para que los políticos diserten sobre cosas genéricas. Sólo lo será si Pedro Sánchez acepta la invitación que le reiteran desde que los mencionó en el Congreso. Hasta entonces, son cuestiones puntuales, como la acampada de Sol, las que centran el debate.

Aún así, era tanta la emoción por la cita que, en el arranque del programa, Beatriz Talegón tuvo que abandonar el plató con un acceso de tos. “Salte, Bea, salte”, le dijo, maternal, Carmen Porter, como si fuese la dueña del bar. Porque –para el espectador neófito– Horizonte es un bar. El Cheers de la caverna. “Where everybody knows your name”. Por eso no hay prácticamente ni presentaciones, pero sí teloneros. Una mesa de analistas como calentamiento antes del plato fuerte: Ayuso, invitada “no sólo por lo que está pasando, sino por lo que nos dicen que puede pasar”. El Iker de los ovnis aún sigue ahí, dentro, esperando que el sanchismo desaparezca y pueda reaparecer.

“No habrá ninguna pregunta pactada”, anuncia Jiménez como quien afirma que no se permitirán golpes por debajo de la cintura. Suena a excusatio non petita. Cuando el presentador señala la silla que ocupará la presidenta de la CAM –esa en la que presume de estar sentado Jorge Calabrés–, Eduardo Inda, camisa abierta, rubicundo como Sinestro, el villano de Lanterns, se indigna: “Me va a comparar a doña Isabel Díaz Ayuso, que es una crack, con este”. En Horizonte, al contrario que en la Telecinco de los 90, son los tíos los que compiten en escote.

Sol es ya territorio comanche: el Oso y el Madroño están “vandalizados”, hay carteles “con amenazas” contra Ayuso, se retiran la bandera de Ceuta y la rojigualda... “Así está España, en el kilómetro cero no se puede poner su bandera”, se lamenta Calabrés. “¿A qué espera el delegado filoetarra del Gobierno de Madrid para cumplir la ley?”, brama Inda. “Esto es lo que tendremos en toda España, un Sol en toda España, si a Alberto Núñez Feijóo no le roban las elecciones”. María Jamardo –a la que se ve que le han dado permiso para abandonar los platós de TVG– lo tiene claro: “Esto va de fastidiar a Ayuso” por ser “presuntamente facha”. Se lo ha dicho, fuera de micrófono, un diputado socialista.

“La madre que parió al hijo de la gran P que puso 'cuidado Ayuso'”. Estoy prácticamente seguro de que el otro Giménez de la mesa, Miquel, no se refería a ninguno de los vástagos de los Bardem-Cruz. “Esta izquierda mugrosa que no es izquierda ve en Ayuso a su auténtico enemigo. No a Abascal. No a Feijóo”. Y eso es porque notan “lo mismo que cualquier español con sentido”. Y lo dice él, que no vota. Cada vez nos van dejando más claro que la presidenta jugará fuera de casa...

(Para dar tiempo a entrar a Ayuso ponen su intervención en la Asamblea de Madrid, donde llamó a los manifestantes “saltimbanquis con Macintosh”. La única persona que conozco que aún utiliza Macintosh es mi suegra. Lo hace cuando nos pide que le busquemos los billetes para los viajes del Imserso. Perdón por la digresión. Regresamos a plató donde Isabel –a partir de ahora la llamaremos así y la tutearemos, como hace la pareja de presentadores– está hablando de lo bonito que es el set...).

“He estado en muchos pero este es diferente. tiene muchas cosas muy interesantes. También la luz, no sé...”. Como es periodista, le piden que haga una portada, como las que los rodean –“Charlie Kirk, Ceuta...”– sobre lo que está pasando en Sol. Es entonces cuando la pelicula cambia. Lo que era una amable comedia con tintes costumbristas da paso al terror. Como si en Widow's Bay hiciesen un remake de La Profecía.

Cual oráculo castizo, Isabel va mucho más allá de ese kilómetro cero en el que “se niega España” (Jamardo dixit). En su visión, el PSOE y el “Frente Popular” que lo acompaña han decidido “que no van a dejar el poder de manera democrática”: han decidido no someterse más a la separación de poderes, al Estado de Derecho, a la alternancia política... “Vamos a vivir escenarios durísimos en las próximas semanas, los próximos meses... una situación en la que no habíamos vivido jamás”. Será especialmente difícil en ciudades como Madrid, donde “los ciudadanos son rehenes”.

Iker y Carmen la escuchan obnubilados. Isabel continúa porque todo esto lo vio venir y nadie le hizo caso. “Lo conozco muy bien. Me tocó soportarlo en la pandemia y ahí vi la maldad directa”. Habla, claro, de Sánchez y su “estrategia de la carcoma” para que no quede “ni una institución en pie”. “Pactó con ETA”. Así, a palo seco, sin herederos ni nada.

A Jiménez parece que no le llega la camisa al cuerpo, pero eso es porque no deja de tirar de una chaqueta en la que entra a duras penas. “¿Por qué confluye esto en Sol?”. Eso, que no se nos olvide que la coartada es una crisis concreta. “Es que no es así. Les importa un carajo esta mujer”. Isabel ha cogido carrerilla y viene a destruir el plan maestro de su archienemigo. “España es una democracia pero se nos ha colado un dictador en el sistema”. Un dictador que no atiende a sus deberes porque en un canal estatal llevan poniéndolo de verano desde hace más de una hora y no ha entrado el ejército a cortar la emisión. A ver si, además de dictador, va a ser un incompetente...

Menos mal que Carmen estaba atenta para desviar la atención hacia el ático. “Primero, no es tu ático, ¿no? Es de la Comunidad”. Isabel hace mohínes, recuerda que lleva “22 años viviendo de alquiler” y se siente poco representada por el Sindicato de Inquilinas. Carmen continúa, inasequible al desaliento. “Es que han estado así todo el verano... y qué tendrá que ver el ático cuando tu estabas de incendio en incendio?” [Habla de los forestales, no de los que provoca cuando le ponen un micro delante].

“Después ha venido lo del desahucio y justo se manifiestan debajo de ese ático y después van a la acampada”. La importancia del orden de los factores. Porter, ya desatada, repasa las “amenazas” descubiertas en Sol: “El ataúd, 'Ayuso, payasa, a tu puta casa'... es un delito de odio... ¡Todo va dirigido hacia ti en el más puro estilo nazi!”.

Pero Isabel no se lo toma como algo “personal”. “Esto va de muchos de todas las personas que creemos en España” y retorna con lo que se nos viene encima: algaradas, la ley de la selva, la TIRANÍA, LA REVOLUCIÓN: “Nerón necesita que todo esté quemado”, zanja.

“Te acostumbras a la decadencia. Nos llevan a la lucha de clases: trabajador contra empresario, propietario contra inquilino, guerracivilismo, hombre contra mujer... Hasta ahora, en España había respeto por la propiedad, la empresa y el capital” pero Sánchez “necesita la revolución, NECESITA QUE NOS MATEMOS ENTRE NOSOTROS”.

Hay que volver a bajar el listón, así que llega el momento de recibir las preguntas enviadas por el público: “Pone a bailar a la izquierda”, “les pinta la cara”, “tiene los ovarios mejor puestos de este país...”. “Habrá críticas, pero leemos lo que viene”, apostilla Iker. Así que toca buscar y aparece un interrogante real de la calle, ese que todos se hacen: “¿Hay alguna posiblidad de que concurra a la presidencia del Gobierno de España?”. “El presidente del PP es Feijóo. Lo que tenemos que hacer cada uno es saber dónde tenemos que estar”. El suspiro se escuchó en todo el Viso.

La charla se interrumpe con la última hora y el no de Junts a los dos decretos del gobierno. También eso responde a los maléficos planes de Sánchez. “Sólo busca un motivo para convocar elecciones”. ¿Elecciones? Este dictador no deja de sorprendernos. No es la única contradiccion. Cada vez que habla de “una situación nunca vista”, uno recuerda que sí, Isabel, que eso de lo que hablas lo vimos hace justo 90 años. Pero no, estamos equivocados: “Nos querían en el 36. No digo que vayamos a eso, pero ¿cómo se llega? Así. Nos llevan a algo”. En su cabeza sonaba espectacular, así que antes de que alguien se dé cuenta de la contradicción, otra frase lapidaria: “Nos gobierna la mafia y la gente tiene miedo”.

Los presentadores recogen ese temor. “¿Te has planteado dejar la política?”. “Ahora es cuando menos. No nos lo podemos permitir”. Se echa de menos una música épica de fondo. “Mientras esto no cambie, me quedo aquí”. Vale, también hubiese servido Raphael...

Iker y Carmen han conseguido ese final redondo que buscaban. Ya sólo queda despedir a Isabel. En el cruce de formalismos, un último vistazo a lo que cuentan los internautas: “Te dan las gracias desde la Sierra”. Seguro que fue alguien que ya había hecho acopio de víveres para lo que se nos viene encima.

Belén Esteban ya está de vuelta en Telecinco. El panorama televisivo actual ha experimentado uno de los giros más sonados con una de sus figuras más emblemáticas y la que fue su casa durante dos décadas… tras una desescalada que ya daba pistas sobre la hoja de ruta. El regreso de la colaboradora con un 'scoop' de altura en De Viernes se presenta como un auténtico punto de inflexión, sellando una especie de 'alto el fuego' con la cadena cuando se cumplen tres años del final de Sálvame. ¿Estamos ante un auténtico resurgir o se trata de un espejismo impulsado por la nostalgia?

La decisión de Mediaset es, en definitiva, un movimiento estratégico con el que se consolida un acercamiento a distintos rostros que marcaron una era. Y lo cierto es que su primera aparición fue todo un acierto en audiencias: el programa de Santi Acosta y Beatriz Archidona se disparó a uno de sus mejores datos históricos, sin que 'La Patrona' estuviera en plató. Esta realidad invita a pensar que su entrevista en riguroso directo puede suscitar todavía más interés el próximo viernes, 2 de octubre, mientras ajusta cuentas con todo su pasado.

Más allá del impacto inicial y del gran revuelo mediático suscitado, conviene examinar en profundidad este fenómeno a través de dos claves. Por un lado, en verTele analizamos por qué la simbiosis entre la tertuliana y la cadena con sede en Fuencarral (Madrid) sigue funcionando después de que sus apariciones en la competencia acusaran cierto desinterés con el paso del tiempo. Por el otro, abordaremos los movimientos tácticos y las distintas vías que la cúpula directiva debería explorar para aprovechar al máximo esta reconciliación. Quizás sea un episodio decisivo que puede contribuir al resucitar de Telecinco.

Las audiencias de Belén fuera de Telecinco: ¿Por qué es su hábitat natural?

La comunión entre Belén Esteban y Telecinco volvió a materializarse con un destacado éxito el pasado 25 de septiembre, con la primera entrevista a la tertuliana “autorizada” por su hija Andrea Janeiro. De Viernes alcanzó un 18.7% de cuota de pantalla y 1.130.000 espectadores. Este dato se tradujo en el máximo histórico del programa en su jornada habitual y el segundo si tenemos en cuenta las entregas especiales fuera de la noche del viernes. Además, el 'efecto arrastre' se dejó notar de inmediato en la cadena: la 'resaca' tras su regreso impulsó en +2 puntos los registros de Fiesta (9.4% y 724.000) en el fin de semana.

Resulta especialmente curioso analizar estos datos si echamos la vista atrás. El cierre del universo Sálvame en el canal privado se produjo en julio de 2023 después de 14 años de éxito, con el salto de la colaboradora a otras producciones fuera de Mediaset. En el universo del streaming, el docurreality Sálvese quien pueda evidenció cierto interés: lideró el ranking de contenidos televisivos en España sin alcanzar 1.600.000 visionados —no sabemos su rendimiento exacto, puesto que no se difundieron datos oficiales— durante sus dos primeros días en Netflix. La segunda parte perdió fuelle y no hubo renovación.

La siguiente intervención de Belén en la televisión tradicional se produjo el 28 de mayo de 2024 en Late Xou, cuando todavía se emitía en el late night de La 2 tras su pase por RTVE Play. Para valorar sus audiencias, es necesario tener en cuenta tanto la tardía franja de emisión como la cadena. Por aquel entonces, el programa de Marc Giró todavía no se había convertido en el filón que fue después para la radiotelevisión pública. Sea como fuere, la entrevista alcanzó un 2.6% y 190.000. Promocionó entonces su Ni que fuéramos Shhh, desvelando los motivos por los que Terelu Campos no estaba en el proyecto.

Su mayor baño de masas se produjo el 2 de octubre del mismo año en La Revuelta, cuando tomó asiento en plató junto a María Patiño. La entrevista con David Broncano firmó un gran 17.7% y 2.355.000, sin perder de vista el enorme reclamo que suponía entonces su visita: era la primera vez que la tertuliana hablaba en el prime time de una cadena de televisión generalista. El interés disminuyó con su visita en solitario a El Hormiguero el 18 de diciembre, anotando un 16.9% y 1.972.000. Conviene recordar que el programa de La 1 acababa de estrenarse y estaba todavía en auge la guerra entre los dos formatos.

La tercera intervención de 'La Patrona' en horario de máxima audiencia se produjo el 18 de diciembre, de nuevo en La Revuelta: anotó un 16.5% y 2.083.000. A partir de entonces, su presencia diaria en las tardes de Ten con el programa sucesor de Sálvame dejó de provocar tanta expectación en los espectadores. Así quedó probado con su siguiente visita a David Broncano para promocionar La familia de la tele con Patiño en abril de 2025, conformándose con un 10.3% y 1.299.000. El intento de RTVE por recuperar este particular universo tan solo duró 32 entregas, tras un estreno pospuesto por partida doble.

Su última visita al espacio de Broncano se programó para el 23 de marzo de 2026, con su fichaje por Top Chef: dulces y famosos como reclamo principal. La natural de Madrid acudió a plató junto a Eva Arguiñano, regalando a La Revuelta un 11% y 1.319.000. A juzgar por el histórico de audiencias, el interés por Belén Esteban acusaba una curiosa tendencia descendente entre los espectadores. Sin embargo, esta hipótesis quedó desmontada con el citado regreso a Telecinco. Parece que la colaboradora y la cadena hacen un 'match' perfecto, resucitando aquella época en la que un 'Belenazo' hacía temblar a la competencia más directa.

Por otra parte, su presencia en distintos formatos diarios o de entretenimiento fuera de Mediaset tampoco logró la pegada de antaño. La apuesta por Ni que fuéramos Shhh, aunque con buenos registros para Ten si tenemos en cuenta el rendimiento actual de El sótano club, no culminó con el sueño perseguido: plantar cara al TardeAR de Telecinco desde una cadena temática. Repasamos a continuación las audiencias globales de los programas en los que participó tras el cierre de Sálvame:

Más allá del 'efecto nostalgia': la hoja de ruta que Mediaset debe trazar con Belén Esteban

Lejos de plantearse como una solución milagrosa para resolver la crisis estructural que atraviesa la cadena, la reaparición de Belén Esteban abre un amplio abanico de oportunidades que la cúpula de Telecinco debe estudiar con lupa. En primer lugar, la cadena no puede utilizar este reclamo de manera constante en su programación. Tampoco sobreexplotar la vuelta de la colaboradora en sus espacios de crónica social, puesto que la saturación en el espectador puede suponer un auténtico 'tiro en el pie'. Se erige fundamental calibrar sus apariciones para sacarle el mayor partido comercial, con una dosis justa que alcance la mayor repercusión posible.

La vía más lógica que se contempla pasa por consolidar su presencia —si así fuera el deseo de Mediaset— mediante una silla fija en De Viernes, convirtiéndose en ese perfil vehemente con intervenciones capaces de ser virales. No obstante, las opciones sobre cómo encajarla a largo plazo en la programación arrojan otros interrogantes más complejos. Sorprendentemente, el grupo audiovisual decidió cerrar De lunes a viernes, un formato diario de corazón donde Belén hubiera cuadrado a la perfección. La vuelta de un espacio de corte similar no solo podía ser un hogar perfecto para la colaboradora, sino ese nexo que tanto necesita el canal para 'viralizar' sus realities en la programación.

Otro posible horizonte es, sin lugar a duda, la nueva edición de Gran Hermano VIP. El hipotético regreso al formato no solo sería un gran giro de guion, sino también una contundente respuesta a las peticiones de los espectadores. Si bien es cierto, la propia Belén desmintió su ingreso en el reality con argumentos… aunque el mismo día en el que aseguró que la televisión ya no la quería. Conviene recordar que la edición en la que participó, emitida a principios de 2015, se mantiene como la segunda más vista de la historia. Los fieles seguidores manifiestan el deseo de volver a vivir épicos reencuentros con figuras como Olvido Hormigos o con Ylenia.

El regreso de Belén Esteban a Telecinco abre la puerta a una tercera opción, relacionada con los duelos más soñados de la industria del corazón. Nunca se apostó por impulsar un cara a cara entre la colaboradora y sus adversarios por antonomasia, lo que desata una pregunta. Parafraseando a Isabel Pantoja, ¿habría ceros en esa cadena para que se sometiera a un intercambio de opiniones con María José Campanario o Jesulín de Ubrique? Las tramas con este clan familiar están garantizadas, teniendo en cuenta que Juls Janeiro aseguró que el extorero estaba preparando una demanda tras su intervención en De Viernes.

Finalmente, aumentamos la apuesta con esos posibles debates en directo. ¿Por qué no reunir a la colaboradora con algunos rostros de la cadena para resolver cuentas pendientes? El público quiere saber, y no hay nada mejor que tener a los protagonistas enfrentados en un mismo plató. Un enorme reclamo para el público sería sentar a Belén Esteban en el mismo sofá que Jorge Javier Vázquez o incluso Ana Rosa Quintana. Es muy posible que la distancia entre la colaboradora y Ángela Portero sea objeto de conversación el próximo viernes: ambas llevan enfrentadas desde hace once años, por un comentario nunca llegó a emitirse en GH VIP.

Una prueba de fuego antes de cerrar un fichaje de alto voltaje

Aprovechar este 'match perfecto' entre Belén Esteban implica, por lo tanto, medir muy bien los tiempos: dosificar exclusivas, utilizar su capacidad de atracción para impulsar sus magacines y testear de manera controlada su capacidad de atraer espectadores huérfanos de su fórmula clásica de programación. Las audiencias tras su regreso a la cadena evidencian que ambas partes comparten un ADN muy característico, presentándose como una simbiosis que la cúpula de Telecinco no puede obviar. Tras un periodo de tres años fuera del grupo, el interés vuelve a estar en la picota pese a la tendencia que acusaba en la competencia. Queda por ver si esta vuelta es una prueba de fuego para cerrar un fichaje de alto voltaje.

Netflix ha estrenado ya El problema final, miniserie de cuatro episodios que adapta la novela homónima de Arturo Pérez-Reverte. La ficción, con José Coronado encabezando un atractivo reparto de nombres destacados de la interpretación, llega como un nuevo thriller detectivesco con aires de Cluedo y el recurrente objetivo de adivinar quién es el asesino. Sin embargo, su voluntad comercial, con referentes demasiado evidentes -como el de la película Puñales por la espalda, que pertenece también a la factoría de la plataforma roja-, le hace perder alma e identidad propia, algo a lo que tampoco ayuda su desajustado hilo narrativo.

Dirigida por Félix Viscarret (Patria, Galgos), El problema final ubica sus tramas en la primavera de 1959, cuando un grupo de personas se quedan atrapadas en un islote cercano a Mallorca por culpa de un temporal. En el lujoso hotel que les da asilo se produce la muerte que detona las tramas: el cuerpo de Elisa Mander (Paloma Bloyd), una turista inglesa, aparece sin vida tras un extraño suicidio. Es ahí cuando entra en acción Basil (José Coronado), un actor retirado y famoso por interpretar a Sherlock Holmes, al que Reverte puso, a modo de tributo, el nombre de uno de los intérpretes (Basil Rathbone) que lo encarnó en la vida real. El hombre, respaldado por su dominio de la materia, lidera entonces una investigación para descubrir el verdadero origen de un suceso en el que todo el mundo es sospechoso.

Y a pesar de que la premisa pueda sonar de por sí bastante explotada, no es la historia el punto débil de El problema final, sino su falta de tino para proponer algo nuevo dentro del género. La serie bebe de obras clásicas, pero también de otras recientes y presentes en el imaginario colectivo. Para empezar, el personaje de Coronado, un actor frustrado en el ocaso de su carrera que se convierte en detective después de haber dado vida al inspector más famoso de la literatura, recuerda al de Steve Martin en Solo asesinatos en el edificio. En la premiada serie de Hulu, que en España se puede ver a través de Disney+, el cómico hace de Charles-Haden Savage, un actor popular por su papel de detective Brazzos en una mítica serie de los 90 que ahora, sumido en el ostracismo, se dedica a resolver los crímenes del inmueble neoyorquino en el que vive.

Pero, sin duda, el 'guiño' más claro de esta miniserie es el que se hace, como decíamos, a la película Puñales por la espalda. La esencia de la saga cinematográfica (también propiedad de Netflix) está muy presente en El problema final, que busca replicar su éxito aludiendo claramente al público que la convirtió en un fenómeno, por el momento, de hasta tres entregas. La ficción, más allá de perpetuar los códigos del whodunit (quién lo hizo) con un rompecabezas plagado de pistas falsas y giros de guion, replica la estética de Knives Out, algo que muchos destacaron ya desde el momento en el que se publicó su tráiler y, especialmente, su cartel oficial.

'El problema final' abraza el símil con 'Puñales por la espalda'

Lejos de rechazar todas estas comparaciones, El problema final las asume y las abraza, tal y como declaran los principales protagonistas de la ficción. Sin ir más lejos, Maribel Verdú desvela a verTele que fue Puñales por la espalda el ejemplo que le pusieron cuando le hicieron la propuesta para participar en este proyecto: “A mí, cuando me la ofrecieron, es la referencia que me daban, absolutamente”, reconoce la actriz, que interpreta a la señora Aussländer, la gerente del hotel en el que se desarrollan las tramas. “Puñales por la espalda fue siempre una referencia como película”, respalda su compañera María Valverde, quien da vida a Adela Figueroa, una de las huéspedes más enigmáticas del enclave.

La madrileña destaca entonces, también en una entrevista con este medio, que la diferencia entre ambos títulos está en el ritmo: “El problema final bebe de un ritmo muy clásico, que creo que es importante destacar. Sobre todo, por cómo van últimamente las series y las películas, que hay tanta velocidad y es todo muy efectista. Y en este caso hay unas pausas, hay silencios, hay momentos para intentar ver otros detalles que no estamos viendo, pero esa película siempre fue un referente”, insiste, mientras José Coronado añade que, aparte de Puñales por la espalda, “teníamos muchas más”.

“Yo creo que El problema final es genuina, pero porque viene de muchas otras referencias: está Diez negritos, está Mesas separadas, están los clásicos... Tiene muchas cosas”, enumera el actor, que asegura que lo que se hace en esta ficción es aproximar el género a nuestra geografía. “Aquí nos lo traemos al Mediterráneo y lo hacemos mucho más colorista, mucho más bello en definitiva. Yo creo que eso nos da un sello diferente”, considera. Para ello, la serie 'españoliza' la historia, que en el libro escrito por Arturo Pérez-Reverte tiene lugar en una isla ficticia frente a la costa griega de Corfú. Un trabajo que también se lleva a cabo con acierto desde la banda sonora, introduciendo en el metraje una serie de boleros y clásicos de la música en español que casan a la perfección con la ambientación temporal y espacial de la obra.

El desajuste de todo este acto de inspiración o evocación es que, aunque se palpa una voluntad de aproximarse a las citadas referencias, y de rendir homenaje a títulos de la literatura clásica como las novelas de Sherlock Holmes o de Agatha Christie, El problema final carece en su adaptación televisva, por ejemplo, de la frescura e inteligencia en el humor de Solo asesinatos en el edificio o de la brillantez en los giros de guion de las películas de Puñales por la espalda protagonizadas por Daniel Craig. Es decir, esta miniserie, pese a su caracter ligero y ciertamente entretenido, se queda a medio gas, desdibujada en su tono, con momentos de comedia que no terminan de estar del todo refinados y otros dramáticos que no llegan a calar.

Además, la ficción cuenta con otros hándicaps narrativos, al margen de los técnicos por varios errores manifiestos de montaje -impropios de una producción de este calibre-, como el que protagonizan Valverde y Coronado manteniendo diálogos en varias escenas sin que les veamos mover los labios. Y es que el desarrollo del thriller deja un guion de giros siempre predecibles y con, nunca mejor dicho, 'el problema final' de plantear una resolución del caso realmente anticlimática. El cuarto y último capítulo, el mejor de la serie al poner sobre la mesa la parte más interesante de la trama, se torna inconsistente a nivel emocional en su supuesto clímax por una mala gestión de la estructura dramática del texto.

Pérez-Reverte sí bendice la adaptación de 'El problema final'

Sea como sea, El problema final sí parece contar con el beneplácito de Arturo Pérez-Reverte, autor de la obra original sobre la que se levanta esta adaptación audiovisual. Así lo atestiguan los actores de la misma, quienes dan constancia de que el escritor ha quedado satisfecho con la serie: “Tuve con él un par de encuentros en los que me puso al día de lo que pensaba”, declara a verTele Coronado, desvelando que estuvo en contacto con el académico durante el proceso de creación de su personaje.

“Estuvo siempre muy encantado con lo que percibía, con cómo Netflix estaba tratando el producto, con el casting que venía, y me consta que ahora está feliz con el resultado”, afirma el protagonista, que insiste: “Estuve hace tres días cenando con él y está feliz. Dice que casi lloraba viendo la serie”. Maribel Verdú da fe de ello, valorando el elogio de Reverte: “Parece que le gusta, parece que ya ha dicho que le gusta. Con lo cual es un orgullo, porque ya sabemos que Arturo no regala los oídos”, agradece.

Para María Valverde, El problema final supone su regreso a la pequeña pantalla 12 años después de su último proyecto en Telecinco como protagonista de Hermanos. “La verdad es que en televisión no he tenido tantas oportunidades, si te soy sincera. He tenido [ofertas] y en algunas de ellas no he podido, no entraban dentro de mis tiempos, pero en este caso El problema final para mí ha sido un regalo de la vida”, comienza reconociendo. “Vino en el mejor momento, además, y me hacía mucha ilusión poder formar parte de un reparto de ensueño y también poder trabajar con Félix Viscarret, a quien admiro desde hace bastante tiempo. Y ya la novela me encantó, me atrapó, me gustó muchísimo, y era como que todo se iba alineando”, reflexiona la actriz, que vuelve a la interpretación tras unos años de parón y, en concreto, a la televisiva tras una década centrada en el cine.

Por su parte, José Coronado también cree que estaba destinado a formar parte de esta producción: “Había leído la novela antes porque todo lo que sale de Arturo me lo leo. Y luego curiosamente llegó esto a mis manos y dije: 'Wow, esto estaba para mí, sí, sí, sí'”, cuenta madrileño, que encadena ya varios proyectos con Netflix (El inocente, Legado) tras toda una vida ligado a la ficción en abierto. Coronado dice haber vivido “con mucha satisfaccion” la evolución del sector, y la de su trayectoria profesional, hacia el mundo del streaming: “Siempre digo que soy un 'chico Netflix'. Y encantado de serlo, porque es la plataforma mundial”, expresa con humor, poniendo en valor cómo las plataformas hacen que, de un día para otro, te vean “en el mundo entero”. “Eso como actores lo agradecemos porque nos abre muchísimas puertas. Y luego, si encima estás con la satisfacción de tener un trabajo con el cual estás contento y orgulloso, ahí dices: Esto lo comparto con la humanidad”, concluye.

José Coronado y María Valverde lideran un reparto de altura en el que también figuran otros actores de renombre como la citada Maribel Verdú, Martiño Rivas, Gonzalo de Castro, Pepón Nieto, Cristina Kovani, José Condessa o Paloma Bloyd, entre otros. La miniserie está producida por Mod Producciones y cuenta con Fernando Bovaira (Mientras dure la guerra, La Fortuna) como productor, Urko Errazquin (El campeón, La vida padre) como productor ejecutivo y Alberto Macías, Carlos Molinero y Marisol Farré como guionistas. El problema final está disponible al completo en Netflix desde este viernes 25 de septiembre.

Diez años después del cierre de Velvet, la actriz Paula Echevarría vuelve a la ficción de Atresmedia con una sensación inevitablemente familiar. No es que A la deriva quiera repetir aquella fórmula —todo lo contrario—; lo que hace es recuperar esa esencia que durante años convirtió al grupo en factoría de las grandes series de nuestro país. El título que nos ocupa es una producción muy cuidada, con personajes plagados de heridas que elevan cada detalle de la historia. En resumen, esta producción que se estrena el domingo 20 de septiembre en Atresplayer es un sí para los amantes del melodrama.

En verTele ya hemos visto los dos primeros capítulos y la premisa de partida es clara: A la deriva trae de vuelta ese sello tan reconocible que elevó a Antena 3 hasta el podio de la industria. Es una serie que combina misterio, drama y romance sin perder de vista un contexto histórico que envuelve todas las escenas. El montaje final huye del artificio y también evita caer en una innovación impostada. Y aquí es donde nos encontramos con una de sus mayores virtudes.

Bajo la producción de Boomerang TV y Buendía Estudios Canarias, Paula Echevarría encabeza el reparto de esta serie junto a Daniel Grao y Michel Noher. Los tres conforman un triángulo amoroso de los que enganchan, con tintes muy oscuros propios de aquella España gris de 1970. Que nadie pierda de vista el eje cronológico, puesto que A la deriva busca retratar la realidad que las mujeres soportaban durante el franquismo. Es el momento de arrancar nuestra crítica para diseccionar cada detalle, pero sin espóileres.

Paula Echevarría encuentra el equilibrio para su vuelta a Atresmedia

En primer lugar, el regreso de Paula Echevarría a la 'factoría Atresmedia' es uno de los grandes reclamos de la serie. La actriz responde al reto en su línea, tal y como cabía esperar. De hecho, su Lucía mantiene ese aroma tradicional que impregnó a otros personajes en sus grandes trabajos para la cadena: cercana cuando toca, impertérrita si la ocasión lo merece y con la dosis justa de emoción ante las exigencias de guion. Tampoco debe ser fácil ponerse en la piel de una mujer con una mochila tan pesada, he aquí el quid de la cuestión.

Junto a ella, Daniel Grao y Michel Noher —Héctor y Tristán en la serie— completan un triángulo que promete dar mucho juego conforme avance la temporada. Ambos representan esa dualidad tan habitual en cualquier drama romántico que se precie: el hombre perfecto de puertas afuera y el amor prohibido que amenaza con tambalear los cimientos de cualquier pueblo de nuestra geografía. La experiencia es un grado, y lo cierto es que su interpretación está a la altura de sus dilatadas trayectorias. Cabe mencionar que la elección del argentino refuerza la posible proyección internacional de A la deriva.

El elenco eleva la calidad de la ficción con perfiles de la talla de Adelfa Calvo, Lola Casamayor, Natalia Huarte, Lucía Guerrero, Silvia Alonso, Roberto Enríquez, Amparo Fernández, David Castillo, Llorenç González, Albert Baró, Camila Viyuela, Richard Holmes, Mariam Hernández, Joaquín Notario, Cristian Valencia, Ian Losada, Miquel Gelabert, Cristóbal Pinto, Yiyo Alonso, Patxi Freytez, Alberto Barahona, Mabel del Pozo, Luis Iglesias, Rosa Puga y Bosco Roglán. Todos trabajan bajo la dirección de Humberto Miró y Menna Fité. La serie es una obra de Susana López Rubio, Javier Holgado y Juan Beiro.

Una premisa que engancha y un salto temporal que suma

La segunda clave de esta crítica está directamente relacionada con el punto de partida: la desaparición de los hombres del pueblo en alta mar. A la deriva acierta al no centrarse únicamente en esta tragedia inicial o el drama inmediato por la pérdida. La serie vive un salto temporal de dos años, cuando cinco de los pescadores regresan inesperadamente. Es ahí cuando se abre el verdadero arco argumental, cuando las tramas aparecen en escena. Este acierto no es baladí a juzgar por los hábitos de consumo: si un primer capítulo no engancha… ya no hay nada que hacer.

Surge entonces una pregunta tanto en los personajes como en el espectador: “¿Qué ocurre cuando alguien vuelve después de rehacer tu vida?”. Varias capas narrativas irrumpen entonces para enriquecer la trama:

Bajo este entramado, una secuencia llama poderosamente la atención. Si los espectadores de A la deriva han visto La sociedad de la nieve, el primer capítulo construye parte de su relato con un eco que inevitablemente resuena a uno de sus momentos cumbre. Habrá que esperar para conocer si, efectivamente, la ficción de Atresmedia guarda similitudes con el accidente del vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya en el lado argentino de los Andes.

La España de 1970 se siente de verdad, pero sin dramatismos estridentes

En tercer lugar, A la deriva también acierta en no utilizar la década de los 70 como una simple ambientación estética. De hecho, poco tiene que ver la fotografía de la serie con lo habitual en las ficciones que transcurren en épocas pasadas. Existe una doble lectura en este punto, porque algunos espectadores pueden no identificar a golpe de vista el contexto temporal. Pero más allá de la estética, las tramas apuntan a una realidad incómoda: las mujeres vivían atrapadas —incluso recluidas para ser más exactos— en un sistema profundamente desigual.

Suena a surrealismo, pero fue muy real. La licencia marital seguía vigente en 1970, obligando a que las mujeres casadas necesitaran autorización de sus maridos para aspectos tan comunes hoy en día como trabajar, abrir una cuenta bancaria o, atención, sacarse el carné de conducir. Al mismo tiempo, los movimientos clandestinos de liberación comenzaban a surgir. En efecto, A la deriva no solo expone estos axiomas de entonces: también muestra esos tímidos empoderamientos que tan importantes fueron después en la lucha por la igualdad.

La serie no convierte ese discurso en lecciones pesadas. Solo intenta poner sobre la mesa que “aquellos que no pueden recordar el pasado están condenados a repetirlo”. Es muy importante que la ficción apueste por recordar de dónde venimos para entender lo que somos a día de hoy. Una realidad que, por otra parte, Verónica Sánchez valoró hace algunas semanas en verTele: “Puedes estudiar datos teóricos, pero, cuando ves a personas reales viviendo esas diferencias sociales, igual entiendes mejor la injusticia”, dijo la protagonista de otra ficción del grupo como Las hijas de la criada.

Otra cuestión fundamental de aquellas épocas es el divorcio. Los movimientos antes citados no solo buscaban igualdad jurídica o libertades personales: también lucharon por la legalización del divorcio. Antaño, una unión matrimonial no podía romperse independientemente de las circunstancias. Los marcos jurídicos de la época no entendían de malos tratos, aupados por una condena social y religiosa sin paliativos. Incluso se consideraba delito el abandono del hogar conyugal. Como no podía ser de otra manera, A la deriva no pasa por alto este contexto.

Una fotografía de calidad que pone en valor el paisaje español

La cuarta baza a destacar con la que cuenta la ficción de Atresmedia tiene que ver con la fotografía. A la deriva se presenta con un escenario que pretende ser mucho más que un mero decorado, elevándolo casi al mismo nivel que los protagonistas. El ficticio Bastuel respira mucha vida gracias a los acantilados, el mar embravecido, la niebla o las calles que forman el pueblo. De hecho, se construye una identidad visual que envuelve cada una de las tramas a la vez que sostiene parte del relato.

Esta evolución en el ámbito de la ficción ya se ha consolidado, con una calidad que en otras épocas era mucho más propia del cine. Tan solo una pega: hay breves momentos en los que se puede apreciar cómo los diálogos no encajan con los planos exactos. Sin embargo, se trata de un detalle que no desmerece el conjunto. En definitiva, la producción aprovecha con acierto las bondades del paisaje elegido, ayudando a reforzar el estado emocional de la historia. Mientras tanto, se pone en valor la belleza de nuestra geografía.

Veredicto de 'A la deriva', la nueva serie de Atresmedia con Paula Echevarría

La crítica arroja un veredicto. Después de haber visto los dos primeros capítulos de A la deriva, la sensación es prometedora. Aunque no reinvente el género, la serie recupera ese ADN tan reconocible de las producciones históricas de Antena 3. Tiene una gran factura técnica, personajes con recorrido, buena fotografía y una historia capaz de enganchar a los amantes de este tipo de producciones. También tiene grandes papeletas para tener una buena acogida a nivel internacional a través de otras plataformas como sucedió recientemente con Ángela o Perdiendo el juicio.

Finalmente, el regreso de Paula Echevarría diez años después del cierre de Velvet funciona como ese reclamo para ser puerta de entrada. Pero la serie tiene suficientes bondades como para enganchar al espectador más allá de su protagonista. Probablemente, esa sea una de sus mayores virtudes. Consigue que quieras seguir descubriendo Bastuel, pero no solo para entender qué ocurrió con aquellos pescadores a los que se llama héroes: también para comprobar cómo los cimientos de cinco familias se agitan por completo ante un pasado que decide regresar cuando nadie lo esperaba.

Solo se cumple una semana del arranque de la temporada 2026-2027 y nuestro primer deseo ya no se ha concedido. El nuevo curso televisivo vuelve a poner frente al espejo una deriva que lleva años gestándose: el constante retraso del prime time, una práctica completamente lesiva para el medio de comunicación de masas por excelencia. Las principales cadenas generalistas de nuestro país han vuelto a situar sus platos fuertes en horarios tardíos que no solo impiden la conciliación: también expulsan a un elevado número de espectadores de la que siempre fue su 'milla de oro'.

Hubo una época en la que septiembre significaba el regreso de las grandes apuestas y, con ellas, el inicio de la programación estelar alrededor de las 22:00 horas. Hoy, esa referencia parece de otro tiempo. La fotografía de nuestros días es tan diferente como extrema: durante la primera semana de la temporada, los grupos audiovisuales han situado sus platos fuertes de lunes a jueves alrededor de las 23:17 horas. La cifra no es en absoluto una excepción ni responde a una noche especialmente tardía: es el resultado de una dinámica repetida y que evidencia hasta qué punto el access se ha adueñado de la noche.

Con este telón de fondo, en verTele ponemos en marcha un análisis para entender la evolución. Para ello, contamos con un exhaustivo informe elaborado por la consultora GECA, donde se ofrecen cifras cerradas sobre la temporada televisiva anterior. La comparación entre estos datos y la fotografía que deja el arranque del curso actual permite ilustrar con precisión cómo ha cambiado la noche en nuestra pequeña pantalla: cuándo empezó a desplazarse el horario estelar, qué papel juegan los formatos de access y cómo las audiencias se resienten ante la fuga de espectadores.

El prime time en la primera semana de la temporada 2026-2027

La mejor forma de entender en qué punto está el prime time de nuestra televisión es poner la lupa en la primera semana de la temporada, del lunes 7 al jueves 10 de septiembre. Durante estas cuatro jornadas, las principales cadenas generalistas programaron sistemáticamente sus grandes apuestas hasta bien pasadas las 23:00 horas, dejando sus formatos de access como auténticos protagonistas de la noche. Tiempo atrás queda esa estrategia en la que sus platos fuertes arrancaban después del informativo, pero eso lo analizaremos posteriormente.

Si tomamos en cuenta únicamente las ofertas de del históricamente llamado “prime time” con medición íntegra —excluyendo avances, resúmenes o mediciones fragmentadas—, el horario estelar de lunes a jueves comenzó a las 23:17 horas de media. La cifra evidencia que no estamos ante retrasos puntuales, sino ante una práctica ya asentada en todas las parrillas. La realidad es que El Hormiguero, La Revuelta, First Dates, Horizonte o El Intermedio ya no son espacios de transición, sino programas consolidados a los que se entregan las cadenas para concentrar grandes audiencias.

El ejemplo más extremo lo encontramos con El Secreto: el primer capítulo de la serie turca en la noche del lunes arrancó a las 23:43 horas en Antena 3 tras la inauguración de la nueva temporada de El Hormiguero y de una presentación que duró ocho minutos. La 1 estrenó MasterChef Celebrity Legends a las 23:09h, provocando que su final no llegara hasta las 02:29h. Por otro lado, Telecinco esperó para el debut de La isla de las tentaciones 11 hasta las 23:17h. El patrón se repitió también en los canales de segunda generación, con Cuatro y laSexta programando el cine a las 23:16h y a las 23:05h respectivamente.

El caso de Telecinco merece una lectura aparte porque ilustra otra de las estrategias que ha ido ganando terreno. La tercera edición de Supervivientes All Stars comenzó el pasado jueves, con Jorge Javier Vázquez saludando a los espectadores a las 21:45 horas. Pero no lo hizo durante la gala, sino en un tramo Express. Entre ambas emisiones transcurrieron una hora y 38 minutos de programación fragmentada, una fórmula que permite separar el contenido en dos tramos de audiencia para vender un mejor dato de share al día siguiente.

A continuación, se muestra la fotografía completa del horario estelar de lunes a jueves en el arranque de temporada:

· Lunes 7 de septiembre:

· Martes 8 de septiembre:

· Miércoles 9 de septiembre:

· Jueves 10 de septiembre:

Audiencias impensables antaño para los estrenos

Las audiencias continúan resintiéndose a consecuencia de este lesivo retraso. Antaño, cualquier estreno en prime time era susceptible de atrapar a millones de espectadores. Hoy para nada es así. El pasado lunes, MasterChef Celebrity Legends (12.5%) se conformó con 651.000 televidentes de media. Mientras tanto, la nueva edición de La isla de las tentaciones (10.8%) acumuló 652.000. La primera emisión de El Secreto (13.6%) fuera del fin de semana alcanzó los 976.000. Es decir, ninguna de las tres grandes cadenas logró llegar al millón de espectadores.

Durante la noche del miércoles, el concurso El túnel: avanza y gana (12.2%) se presentó ante el público con 949.000 seguidores promedio. Y el jueves llegó el mayor plato fuerte de Telecinco: la tercera temporada de Supervivientes All Stars. El reality show se mantuvo como punta de lanza de la cadena, aunque con el estreno menos visto de su historia: el tramo principal de la gala (15.6%), emitido entre las 23:27 y las 02:03 horas, alcanzó 797.000 espectadores. Sin embargo, su versión Express (9.3%) firmó 1.003.000 espectadores entre las 21:45 y las 23:27.

El retraso del prime time durante la temporada 25-26

Al margen de lo ocurrido durante la primera semana del curso, la temporada televisiva anterior ya dejó una radiografía suficientemente preocupante como para entender que lo sucedido en estos días no es una anomalía. El retraso del prime time se ha convertido en una tendencia estructural, hasta el punto de que el arranque del horario estelar a las 22:00 horas es ya un recuerdo difuso. En la temporada 2025-2026, la programación estelar tomó el relevo de los formatos de access exactamente a las 23:11h.

El dato es una conclusión que procede del citado informe de GECA sobre el pasado curso televisivo al completo, dejando a un lado los casos concretos. A esa hora, cuando terminaba el bloque de access y comenzaban las principales apuestas nocturnas, había un total de 10,8 millones de espectadores viendo la televisión. La cifra contrasta sobremanera con los 20,6 millones de televidentes que reunían todas las cadenas en el mismo punto de la noche durante la temporada 2012-2013, máximo de la serie histórica.

Resulta demoledora la comparación: casi diez millones menos de personas esperando al prime time, 9.764.000 para ser exactos. La caída representa una pérdida del 47.5% del consumo en el momento del relevo. Pero achacar este descenso solo al retraso de las ofertas estelares no sería justo con la coyuntura del sector. Hace 13 años, el consumo de entretenimiento a través de plataformas de streaming era prácticamente una ilusión puesto que ostentaban cuotas de mercado casi inexistentes. De hecho, la primigenia Yomvi —hoy Movistar Plus— acababa de nacer. Filmin fue pionera con su lanzamiento en 2008.

La realidad es que la globalización propició el desembarco en nuestro país de Netflix (2015), HBO (2016), Amazon Prime Video (2016), Apple TV (2019) y Disney+ (2020), entre otras. Su impacto en los hogares españoles provocó una reconfiguración en la pequeña pantalla española, que pasó de tener el 'monopolio' del entretenimiento a competir con nuevos actores por el tiempo de los espectadores. El público comenzó a asomarse a otras ventanas, provocando que descendiera el consumo de televisión lineal. Y mientras tanto, el prime time se iba retrasando cada vez más.

Llegados a este punto, la pregunta es por qué se puso en marcha esta controvertida estrategia. Las cadenas pueden registrar cuotas de pantalla competitivas cuando lanzan sus grandes formatos después de las 23:00 horas, un porcentaje más o menos abultado vital para transmitir una percepción de éxito. Sin embargo, lo hacen sobre un universo de espectadores notablemente reducido. La gran problemática reside precisamente aquí: en que millones de personas abandonan la televisión lineal antes siquiera del arranque de los platos fuertes de la jornada.

Los datos de la consultora ofrecen evidencias especialmente significativas. De los 29 títulos de entretenimiento y ficción más vistos de la temporada 2025-2026, un total de 20 comenzaron después de las 23:00h. Es decir, casi siete de cada diez platos fuertes se situaron en un horario que hace unos años habría resultado excepcional para el arranque de una apuesta estelar. No podemos pasar por alto que uno de los formatos late night más icónicos de nuestra televisión, Esta noche cruzamos el Mississippi de Pepe Navarro, comenzaba a las 23:25h en septiembre de 1996.

Sencillamente, el access prime time ha ido ganando minutos hasta ocupar un espacio cada vez mayor en la noche. Los programas han dejado de ser espacios de transición o acompañamiento hasta convertirse en los auténticos pilares de las parrillas nocturnas, ampliando su presencia en pantalla de manera significativa. Esta realidad se entiende mucho mejor poniendo cifras a los programas más icónicos de esta franja en el pasado curso:

El estreno de La Revuelta en la temporada 2024-2025 fue un auténtico punto de inflexión, tal y como se aprecia en el gráfico anterior. Su llegada a las pantallas de RTVE provocó una batalla diaria de titanes, dejando entonces al resto de cadenas sin siquiera llegar al 10% de share en coincidencia. El éxito de David Broncano motivó que Antena 3 ampliara la duración de El Hormiguero, con la intención de captar a los espectadores cuando su competidor se despedía. Como analizamos entonces en verTele, ambos formatos fueron posponiendo su final hasta horarios de lo más tardíos.

La excepción se encuentra precisamente en las tres últimas jornadas de la semana, cuando no hay un programa de access prime time en la parrilla. Concursos y talent shows como Atrapa un millón, Tu cara me suena, El Desafío o La Voz arrancan, de media, a las 22:21 horas. Por su parte, De Viernes se adelanta —cuando no hay fragmentación por el fútbol en su emisión— a las 22:00h en Telecinco. Misma situación que viven los contenedores de cine en las principales cadenas generalistas, arrancando alrededor de esa franja horaria.

Sea como fuere, los espectadores esperaron hasta las 22:52 horas de media para disfrutar de ofertas de entretenimiento y hasta las 23:03h para la ficción. Unos horarios intempestivos que ni siquiera pueden excusarse con el diferido, esa modalidad de consumo con la que disfrutar de un contenido emitido en directo hasta siete días después de su emisión. Cierto es que esta modalidad está en auge, aportando un +21% sobre la audiencia lineal de las series en prime time. Sin embargo, no se logra compensar una caída del 48%.

Evolución por décadas: ¿cuánto se ha retrasado el prime time desde 1996?

Para comprender hasta qué punto ha cambiado la televisión española basta con echar la vista atrás. En septiembre de 1996, la estructura nocturna de la programación era muy diferente. Tras los informativos, las grandes cadenas situaban sus principales ofertas entre las 21:30 y las 21:45 horas. El prime time sí hacía honor a su nombre: era la franja de máxima audiencia, comenzaba cuando el consumo era máximo y todavía quedaba gran parte de la noche por delante. La realidad hoy es otra.

Diez años después, en septiembre de 2006, el escenario comenzó a cambiar. Las cadenas de primera generación —La 1, Antena 3 y Telecinco— situaban sus platos fuertes alrededor de las 22:00 horas. Ese mismo año se produjo un punto de inflexión que terminaría condicionando la televisión: el nacimiento de Cuatro y laSexta. Los dos nuevos canales trajeron bajo el brazo una apuesta decidida por access prime time, consecuencia directa de su estrategia con los informativos nocturnos: arrancar antes que la competencia para diferenciarse, lo que obligó a 'crear' una franja propia de transición hasta el prime time propiamente dicho.

El problema es que aquello que nació como una fórmula para diferenciar su parrilla terminó convirtiéndose en el nuevo centro de la noche. En septiembre de 2016, la referencia ya estaba más que desplazada. La programación estelar arrancaba entre las 22:30 y las 22:40 horas, con El Hormiguero asentado en Antena 3 desde 2011. En cuestión de dos décadas, el comienzo de los 'platos fuertes' en las generalistas se había retrasado alrededor de una hora. Y la audiencia ya entonces comenzaba a mostrar síntomas de desaprobación, aunque nada comparable a lo que ocurre hoy en día.

Lo cierto es que el salto más llamativo se produce al comparar aquellas cifras con la situación actual. Si el prime time arrancaba en 1996 entre las 21:30 y las 21:45 horas, ahora lo hace alrededor de las 23:10. Es decir, los espectadores sufrimos un retraso que llega a alcanzar una hora y 47 minutos. Lamentablemente, la televisión ha ido desplazando progresivamente el eje de toda la noche hasta provocar una fuga —antaño impensable— hacia otras ventanas de entretenimiento. Una tendencia que, en definitiva, debe corregirse por la pura supervivencia del medio.

El retraso del prime time, un estándar consolidado

El retraso del prime time no es una decisión aislada en noches contadas, sino un estándar ya consolidado. Lo que empezó como una estrategia para reforzar el access terminó desplazando el eje de la programación, hasta el punto de que hoy resulta prácticamente imposible encontrar estrenos estelares antes de las 23:00 horas. No podemos perder de vista que, hace años, esta era la franja en la que el late night ya empezaba a calentar para deleitar a los espectadores más trasnochadores. La consecuencia más inmediata es, lamentablemente, que los platos fuertes terminan a horas completamente intempestivas.

Mientras las cadenas persiguen cuotas de pantalla cada vez más elevadas, sus grandes apuestas se enfrentan a un universo de espectadores cada vez más reducido. Algo que limita sobremanera su alcance aunque los porcentajes sean abultados. Recuperar un horario estelar no resolvería la tendencia descendente del consumo televisivo, pero sí permitiría que sus productos más importantes volvieran a ser ese activo de cabecera. La televisión debe apostar por un prime time que permita conciliar y que, por cuestión de supervivencia, vuelva a enamorar al público.