“Si esto es la victoria, rezo por no cosechar otra en la vida”. Corlys Velaryon, en el libro Fuego y sangre de George R. R. Martin.

La temporada 3 de La casa del dragón por fin se ha estrenado en HBO Max y llega con un ritmo más rápido y una mayor intensidad que sus predecesoras. También resulta mucho más espectacular. En parte es una evolución lógica, porque ya se conoce que la serie tendrá un total de cuatro temporadas, y quedan muchos acontecimientos importantes por contar de la guerra civil Targaryen (conocida como la Danza de Dragones) entre el bando de los negros (el de Rhaenyra) y el de los verdes (el de Aegon). Ahora mismo estamos ya sumidos de lleno en mitad del conflicto, como nos anticipa el famosísimo tema compuesto por Ramin Djawadi para Juego de tronos, que en la introducción de los capítulos de esta tercera temporada suena acompañado por unos siniestros tambores de guerra, mientras en la imagen se nos muestra un tapiz que recorre la historia de los Targaryen en Poniente, y que se irá actualizando con nuevos y dramáticos acontecimientos conforme la serie avance.

En verTele hemos podido ver cuatro de los ocho episodios que tendrá esta tercera temporada y, sin pillarnos los dedos con lo que todavía nos falta por conocer, podemos asegurar que la primera mitad promete mucho, y que especiamente los dos primeros episodios de esta nueva entrega son impresionantes, y marcan un inicio por todo lo alto. El primero nos muestra la tan ansiada (y trágica) batalla del Gaznate, que cambia el tablero para siempre, y que es tan espectacular y emocionante como nos habían prometido. Pero es el capítulo 2 el que se convertirá fácilmente en uno de los más interesantes y completos de esta serie, y podría entrar perfectamente en un ránking de los 10 mejores episodios de todo el universo de Juego de tronos. 

Sangre y sal en la batalla del Gaznate: la danza de dragones se muestra espectacular y devastadora

Como decía Rhaenys, la reina que nunca fue, a Rhaenyra a principios de la segunda temporada, son tantos los sucesos terribles que parecen haber llevado a este enfrentamiento lleno de sangre y fuego que es difícil señalar cuál fue verdaderamente el último y definitivo, aquel después del cual ya no había vuelta de hoja. ¿Fue cuando los verdes dieron su golpe de Estado para sentar a Aegon en el trono o cuando Viserys nombró de heredera a Rhaenyra? ¿Cuando Aemond acosó con Vhagar a Lucerys y a su pequeño dragón Arrax, hasta que la dragona gigante devoró al niño? ¿O el asesinato de Jaehaerys, el niño de Aegon y de Helaena, por orden (directa o indirecta) de Daemon Targaryen?

Los personajes acumulan tanto dolor por el camino que, paradójicamente, para darle sentido, para no creer que ha sido en vano, deciden huir hacia adelante, seguir con sus campañas, cada vez con menos consideraciones hacia las víctimas colaterales. Porque si La casa del dragón es una tragedia es en gran medida porque nos sabemos su final: la extinción casi total de los dragones y el consiguiente debilitamiento de la casa Targaryen, además del sufrimiento de miles de personas.

Por todo esto es muy triste, pero también fascinante, ver cómo los protagonistas son incapaces de reconciliar sus diferencias, cómo a pesar de sus intentos no logran resolver las cosas de una forma menos dramática, cómo siempre al final todo se tuerce, y cómo cada trauma y cada muerte son una nueva vuelta de tuerca que los hace avanzar hacia un funesto destino. Todo ello, acompañados, claro, de los dragones, que son a la vez unos animales complejos y fascinantes, y unas armas de destrucción masiva que pueden escapar del control de los protagonistas con bastante facilidad (desde luego, con mayor facilidad de la que ellos se piensan).

El episodio 1 funciona como introducción para recordarnos en qué punto se encontraba el amplio abanico de personajes al final de la segunda temporada, que no era una tarea fácil, pero al mismo tiempo va directo al grano, mostrando las sangrientas consecuencias de importantes batallas en las Tierras de los Ríos, con personajes tan interesantes como Lord Oscar Tully o Lord Roderick Dustin, de los Lobos de Invierno enviados por la Casa Stark.

Por supuesto, el clímax de ese primer capítulo es la impresionante batalla naval del Gaznate. Se nos presenta casi más como una oscura historia de aventuras: la del enfrentamiento entre Corlys Velaryon (mano de la reina Rhaenyra) a bordo del barco conocido como Serpiente Marina (renombrado como La reina que nunca fue después de la muerte de su esposa Rhaenys Targaryen), frente a Sharako Lohar, que comanda la flota de la triarquía. 

El showrunner de la serie, Ryan Condal, ha admitido que tanto él (que es también el guionista de este episodio) como el director de esta primera entrega, Loni Peristere, se inspiraron en La ira de Khan (1982) de Star Trek para preparar este capítulo: una película emblemática para los aficionados a la ciencia ficción de los años 80, cuya historia fue readaptada, con muchos más medios, en Star Trek: En la oscuridad (2013), dirigida por J. J. Abrams. Y ese espíritu lúdico y de aventuras se nota, sin renunciar al horror de la batalla, potenciado en gran medida, por supuesto, por la presencia de los dragones.

A su vez, Peristerre ha comentado que tanto él como su director de fotografía P. J. Dillon usaron como referencias la pintura La batalla de Trafalgar de J. M. Turner (y ciertamente si ves la pintura ves clara la inspiración, desde los colores pardos y cremas que generan los barcos y las velas, al ambiente brumoso y la textura que dan al cielo las nubes) y, por supuesto, la mítica película Master and Commander: Al otro lado del mundo (2003), dirigida por Peter Weir.

'La casa del dragón' se lanza a la reconquista con dos capítulos que serán historia de la TV

Esa espectacular batalla naval continúa, después de un dramático giro, en el capítulo 2. El segundo es uno de esos episodios en los que no te puedes creer que estén pasando tantas cosas, tan relevantes y definitivas, en tan solo una hora. Pura historia de la televisión. A los seguidores más apasionados e incondicionales de esta serie les recompensará por su espera y su apoyo durante todos estos años. Y es un capítulo tan bueno que creo que se puede volver a ganar a algunos espectadores que se estuvieran bajando del barco, ya sea por falta de paciencia o porque no les gustaran algunos de los cambios que la serie propone respecto al libro original: Fuego y sangre, de George R. R. Martin. De hecho, si tienes algún tipo de duda sobre seguir viendo la serie, mi recomendación es sin duda que veas al menos estos dos primeros capítulos, y que ya luego decidas.

Estos primeros episodios de la temporada 3 le dan un nuevo valor a toda la temporada 2, que en mi opinión fue muy injustamente tratrada, pues solo tenía un gran pecado: no tener un final por todo lo alto. A lo largo de esa segunda temporada se fueron cociendo a fuego lento una serie de elementos excelentes, que con la perspectiva que tenemos ahora han cobrado una gran importancia.

Por ejemplo, la evolución de Daemon en Harrenhal, esa especie de terapia a la que le somete la hechicera Alys Ríos, entre visiones y pesadillas, en una fortaleza espectral (la llegada a Harrenhal en su dragón Caraxes en una noche de tormenta también fue espectacular), y que convertirá a Daemon (hasta cierto punto, claro) en una mejor persona y un guerrero más inteligente. O la relación entre Corlys Velaryon y sus dos hijos ilegítimos, Alyn y Addam de la Quilla, pues estos personajes cada vez adquieren una mayor relevancia en esta nueva entrega: uno seguirá los pasos de Corlys, vinculado a la sal y a la mar, como un verdadero Velaryon, y el otro será un importante jinete de dragón para Rhaenyra, a lomos del dragón Bruma.

El desarollo de la personalidad de nuevos jinetes de dragón como Hugh y Ulf, o incluso la expulsión de Otto Hightower como mano del rey Aegon, que manda a los verdes por el camino de la perdición, al elegir como nueva mano del rey a Ser Criston Cole, un caballero orgulloso y demasiado confiado, que acabará desesperado al ver los dragones en acción, y se moverá por el terrerno del nihilismo (“Caminamos hacia la aniquilación”), aunque por suerte tiene a su lado a Gwayne Hightower, hermano de la reina Alicent, que contrasta con Cole al mostrar algo más de bondad y humanidad y nos lleva a sentir un poco de empatía por su bando.

Además, se olvida con demasiada ligereza que la segunda temporada tuvo dos episodios con un nivel sobresaliente: el 4, titulado El dragón rojo y el dorado, con aquel enfrentamiento entre Rhaenys, Aegon y Aemond, montados a lomos de Meleys, Fuegosolar y Vhagar respectivamente, que fue espectacular y que tuvo terribles consecuencias para los dos bandos; y el brutal episodio 7, el de la cosecha roja de las semillas de dragón por parte de Rhaenyra, que dejó decenas de muertos hasta que Hugh reclamó al terrorífico Vermithor, y Ulf se ganó por su torpeza a Ala de Plata. El final de ese capítulo, con un Aemond aterrorizado que huye con Vhagar al descubrir que las reglas de juego han cambiado, mientras que Rhaenyra sonríe en Rocadragón rodeada de cuatro dragones (Syrax, Vermithor, Bruma y Ala de Plata), es ya uno de los planos más icónicos de toda la serie.

Nuevos personajes (y dragones) que tendrán importancia en la temporada

Ya de vuelta a la temporada 3, conviene señalar que después de esos dos primeros episodios, la serie sí que se toma luego algo de tiempo para poner sobre el tablero nuevos escenarios y personajes (como Lord Ormund Hightower, señor de Antigua y primo de Alicent), y todo apunta a que algunos de ellos se convertirán en espeluznantes antagonistas en esta nueva entrega. También le da desarrollo a viejos conocidos que habían tenido menos peso en pantalla y a los que ahora da más importancia.

El ritmo se frena un poco en esos capítulos 3 y 4, si bien no dejan de de presentar buenos giros, de mostrar puntos y reflexiones muy interesantes, de avanzar las fichas, de anticipar futuros problemas y evoluciones complejas de algunos de los protagonistas. Puede que ahí de nuevo le surjan las dudas a los espectadores más escepticos, pero todo parece apuntar a que están preparando el terreno para un nuevo estallido que promete ser sangriento, espectacular e inminente, tal y como sabemos los lectores del libro.

En toda esta tercera temporada brillan de nuevo ideas visuales interesantísimas, como un plano en el que el Trono de Hierro se refleja en un charco de sangre, o una imagen desde el interior del agua que nos muestra cómo el fuego de los dragones surca los cielos y siembra la destrucción. Todo ello acompañado por una banda sonora de Ramin Djawadi que vuelve a ser maravillosa, y que ayuda a crear esa atmósfera oscura, intensa y emotiva que la serie necesita. Una vez más, uno de los grandes logros de la serie es el diseño visual y sonoro de todos y cada uno de los dragones (y en esta temporada hay más dragones que nunca en pantalla), que los dotan de una personalidad única.

Además, esta entrega explora todavía más y mejor el vínculo entre estas criaturas y sus jinetes, que no siempre es igual de poderoso. Cabe destacar, por ejemplo, que la escena con la que comienza la nueva temporada es una de Robaovejas, un dragón salvaje que apenas hemos podido ver hasta ahora, y que tiene una apariencia y un sonido muy extraño y particular. Ya os adelantamos que Robaovejas va a tener más importancia de la que parece.

Todo el reparto está a un grandísimo nivel, pero destacan especialmente las interpretaciones de Emma D’Arcy (Rhaenyra Targaryen) y de Tom Glynn-Carney (Aegon), los dos aspirantes a reyes de Poniente que, por motivos diferentes, no paran de sufrir, y que sin embargo siguen hacia adelante como buenamente puedan. Todo ello, sin olvidarnos, por supuesto, de Matt Smith como el príncipe canalla: un Daemon Targaryen cada vez más sereno, sin dejar por ello de ser terrible, y que tendrá que enfrentarse a dilemas profundos. Creo que el tiempo demostrará que Aegon es, junto a Rhaenyra y Daemon, uno de los personajes más interesantes de todo la serie. Y algunos como Corlys Velaryon (Steve Toussaint) y sus hijos ilegítimos, o las hermanas Baela (Bethany Antonia) y Rhaena Targaryen (Phoebe Campbell), se prevé que sean muy relevantes en esta nueva entrega, y los actores que los interpretan hacen un trabajo estupendo.

Reafirma su identidad propia frente al material original de George R. R. Martin

Como admirador que soy de la obra de George R. R. Martin puede sonar a sacrilegio, pero creo que la versión televisiva ha conseguido una evolución más interesante, compleja y realista de la mayoría de los protagonistas que la que se mostraba en el libro. Recordemos que Fuego y sangre no es una novela al uso, sino que está escrito como una enciclopedia que dibuja a grandes rasgos lo sucedido en esta guerra, casi como una recopilación histórica en la que se reúnen, a veces, versiones diferentes y hasta contradictorias de lo ocurrido, pues pretende reflejar cómo en muchas ocasiones la verdad histórica se aleja de lo realmente sucedido, o cómo las crónicas son relatos escritos bajo la influencia de la visión política de cada momento. Sin gustarme necesariamente todos y cada uno de los cambios que proponen los guiones de La casa del dragón, sobre los que podríamos debatir largo y tendido, creo que Martin ha sido bastante injusto en sus durísimas críticas de hace dos años sobre la evolución y el devenir de la serie.

La primera temporada de La casa del dragón era excelente, ambiciosa y compleja, llena de sutilezas. Por entonces adaptaba el libro de George R. R. Martin casi al pie de la letra (su propia estructura, con saltos temporales, contribuía a ello, pues permitía adaptar los acontecimientos más relevantes de una enciclopedia escrita a retazos, sin necesidad de rellenar en detalle los huecos). Y no renunciaba a un nuevo desarrollo de personajes como Viserys, que el propio Martin reconoció que le gustaba más que el que salió de su pluma.

Sin embargo, creo que es bueno recordar que ya en esa primera entrega había también cambios que se distanciaban del material original y que no deslucían el conjunto, prácticamente perfecto. Las diferencias respecto al libro se han acrecentado desde la segunda temporada, y es inevitable que lo hagan aún más en la tercera, pues aquí se desarrollan ideas que se han ido sembrando antes.

Pero, por mucho que me guste el material original, creo que es el momento de dejar atrás la literalidad del libro, que siempre podremos disfrutar en sus páginas y en multitud de pódcast y de vídeos de YouTube (muchos de ellos excelentes) que exploran todo tal y como se narra en la ficticia crónica histórica de Martin. Es comprensible lamentarse si algún personaje o batalla, sobre todo si son de nuestros favoritos, siguen un camino algo distinto al marcado por Fuego y sangre, pero recomiendo llegar a esta nueva entrega de la serie con la vista más limpia imposible, y juzgarla por sí misma.

Toda La casa del dragón, y también esta nueva entrega, es en realidad una buena adaptación del libro, que aunque cada vez es menos literal, en ningún momento deja de honrar el sentido profundo del material original. Hay mucho potencial y muy bueno en esta temporada 3: secuencias espectaculares, tensión, intensidad, buenos giros y sorpresas... Se explora de forma interesante algunas de las razones detrás de decisiones muy relevantes de los protagonistas, dotándolos de una gran profundidad.

Así que abrochaos al cinturón de vuestra silla de dragón, y preparaos para recorrer el momento más trágico y sangriento de toda la historia de Poniente: una guerra tan cruenta y oscura que nos hará preguntarnos si tener la razón de nuestro lado es un motivo lo suficientemente poderoso como para seguir adelante a sangre y fuego, o si acaso hay un verdadero ganador entre tanta devastación. Y, como la propia serie nos deja claro, cuando los hombres pierden el control de su destino poco más pueden hacer que desempeñar de la mejor forma posible el papel que les ha tocado vivir, y pasar a formar parte de ese tapiz complejo y enrevesado que es el curso de la Historia.

La 1 de RTVE celebra este lunes 22 de junio la gran final de MasterChef 14. El talent culinario abrirá por última vez sus cocinas este curso para recibir a Annie, Carlota, Camilla y Chambo en su carrera por suceder a Gabriela Hinojosa en el palmarés del programa.

Independientemente de quién cante victoria, la coronación del nuevo 'MasterChef' echará el cierre a una edición que será recordada por ser la primera sin Samantha Vallejo-Nágera, que después de 13 años y 38 ediciones en el jurado decidió echarse a un lado y romper el mítico trío de jueces que hasta entonces formaba junto a Pepe Rodríguez y Jordi Cruz. Su lugar pasó a ocuparlo Marta Sanahuja ('Delicious Martha'), cuya mera presencia ha dado un punto novedoso al formato producido por Shine Iberia (Grupo Banijay), aunque insuficiente para contrarrestar el evidente desgaste que éste arrastra.

Para ser justos, MasterChef 14 lo tenía muy difícil para despuntar en audiencias sin importar el desempeño de sus protagonistas ni lo buena, lo mala o lo regular que fuese esta edición, pues partía con una serie de problemas comunes a los de otros grandes programas de entretenimiento de nuestra televisión. Problemas que están ahí desde hace años y que van desde el continuo descenso en el consumo de televisión lineal hasta la pérdida del factor sorpresa tras un sinfín de ediciones. Sin olvidar, por supuesto, sus inasumibles horarios de emisión y la saturación de talents y reality shows, obstáculos a los que RTVE y el propio programa han contribuido con sus larguísimas entregas y sus estrategias de programación.

Que marcas como Supervivientes, Gran Hermano, Mask Singer y La isla de las tentaciones hayan sucumbido a estas y otras dificultades y hayan firmado recientemente las temporadas menos vistas de su historia no es casualidad, sino una consecuencia directa de todo lo anterior. MasterChef 14 se despide siendo uno los mayores exponentes de este desgaste generalizado con permiso de GH 20 y su histórico tropiezo en audiencias. Así lo dicen sus datos, entre los que figuran entregas por debajo de los 700.000 espectadores. Sin duda, una cifra muy discreta para una producción de este calibre. Y más cuando otras similares han sido capaces de promediar este curso, aun estando en su punto más bajo, entre 800.000 y 900.000 televidentes.

Las audiencias de 'MasterChef 14'

MasterChef 14 solo ha llegado tres veces a esas cifras en toda la edición, justo coincidiendo con las tres primeras entregas de la temporada. El estreno se saldó con 1.010.000 espectadores gracias a su “temprano” inicio (22:32h, 40 minutos antes que la anterior edición), el cual llevó al talent culinario a firmar su peor estreno en share desde la primera edición (13.6% por el 11% de 2013), pero también una subida de 151.000 espectadores respecto a 2025 y un buen colchón de público para afrontar las siguientes semanas con ciertas garantías.

Sin embargo, aquello fue flor de un día, pues La 1 decidió que el programa arrancara el siguiente lunes a las 22:50h. Uno más tarde, a las 23:00h. Y así hasta situarse entre las 23:05 y las 23:10h, la hora a la que ha comenzado durante la mayor parte de la temporada y la que le ha hecho acabar cada lunes más allá de las 2 de la madrugada, algo que hace años dejó de ser una novedad pese a las numerosas quejas de la audiencia hacia TVE, de la que se espera una defensa de la conciliación y los horarios accesibles por su condición de cadena pública. Condición que en MasterChef rara vez ha pesado más que el deseo de inflar la cuota de pantalla llevando el final de cada entrega hasta horas intempestivas.

En estas circunstancias, MasterChef 14 ha promediado un 11.8% de cuota y 757.000 espectadores a falta de su final de este lunes.

Audiencias de 'MasterChef 14' en La 1:

Si comparamos este dato con el de la temporada anterior (12.4% y 787.000 a falta de la final), el programa no ha experimentado un gran retroceso pese a sumar una temporada más a sus espaldas y sufrir la competencia directa de La isla de las tentaciones 10. Aun así, ha habido días en los que ha perdido en estricta coincidencia frente al reality de Telecinco (la mayoría) y contra la serie turca de Antena 3 En tierra lejana (alguno que otro), cayendo en más de una ocasión a una tercera posición impropia de su historia.

'MasterChef' vuelve a destacar en diferido

Pese a todo, MasterChef ha sido capaz de mantener esta edición uno de sus principales puntos fuertes: su notable seguimiento en diferido. El talent culinario se ha colado entre las emisiones más vistas en marzo, abril y mayo dentro de esta modalidad, firmando una media de casi 400.000 espectadores en RTVE Play con sus nueve primeras entregas. Sumando las audiencias en lineal y en diferido (que cuenta el visionado en diferido el mismo día de la emisión y los siete días posteriores), la media sube a los 1.148.000 televidentes (a falta de conocer los datos de las entregas de junio).

Audiencias en diferido de 'MasterChef 14' en La 1:

Audiencias en lineal + diferido de 'MasterChef 14' en RTVE:

'MasterChef' y la rueda de los grandes programas

Por tanto, MasterChef sigue teniendo su público, como también Supervivientes, GH, La Voz o La isla de las tentaciones, aunque los números reflejan el evidente desgaste que sufren todo ellos. A los cuatro también les une que esta temporada han vuelto a tener dos ediciones por cabeza (de famosos, de anónimos o una de cada) y que han sufrido mucho para descubrir grandes personajes capaces de alcanzar al público ajeno, siendo Claudia Chacón (la 'salvadora' de SV 2026 tras su paso por La isla de las tentaciones 9) y Cristina Piaget (la agitadora de GH Dúo 5) dos de las pocas excepciones que han aportado algo de savia nueva y han roto la dinámica del 'más de lo mismo' que rodea, en mayor o menor medida, a todos estos programas.

Sin embargo, por mucho aroma a 'ya visto' que transmitan, la realidad es que todos estos formatos van a volver el próximo curso con nuevas ediciones (de famosos, de anónimos o de ambas). El motivo es simple: por mucho que sus mejores días hayan pasado ya, sus respectivas cadenas viven mejor con ellos que sin ellos. Sin ir más lejos, la edición número 14 de MasterChef ha rendido mejor que las primeras de Top Chef: Dulces y Famosos (10.2% de media) o DecoMasters (9%), dos de las grandes apuestas de La 1 para esta temporada. Y su media de la temporada (11.8%) es casi la misma que la que suma La 1 en 2026 (11.9% entre enero y mayo), por lo que está al borde de dejar de ser un gran activo, pero sin llegar a ser una gran rémora.

En paralelo, Supervivientes 2026 y La isla de las tentaciones 10 han sido de lo poco competitivo que ha tenido esta temporada Telecinco. Y Tu cara me suena sigue siendo el líder indiscutible de la noche de los viernes y programa semanal más visto de la televisión con su 13ª temporada en Antena 3. Por tanto, el público y las cadenas no terminan de 'enterrar' lo viejo ni de abrazar lo nuevo, de ahí que la rueda de los grandes programas de entretenimiento vaya a seguir girando la próxima temporada con los títulos de siempre.

Curiosamente, el siguiente paso de MasterChef se encuentra a medio camino entre ambas posturas: va a estrenar una versión inédita hasta la fecha (MasterChef Celebrity Legends) pero apoyándose en gente ya conocida por los fans del formato (famosos que concursaron antes en la edición Celebrity). Justo lo mismo que hizo hace un par de años Supervivientes con el All Stars y que próximamente repetirá con la tercera edición del reality aventurero. Got Talent, por su parte, también va a darle un giro a su mecánica tras haber completado una temporada muy pobre en audiencias.

Para el futuro ya están confirmadas nuevas ediciones de La isla de las tentaciones, GH (solo con famosos) y La Voz, mientras que se da por hecha la 14ª temporada de Tu cara me suena y se espera que haya una 15ª de MasterChef. La rueda, como decimos, no se va a detener por mucho que el paso del tiempo, la falta de novedades y la acumulación de ediciones haya llevado a la mayoría de estos formatos a marcar mínimos históricos de audiencia. Y en el caso concreto del talent culinario, a bordear el límite de los datos que exige actualmente una cadena, La 1, que está en pleno auge.

Las tardes de Telecinco apuran sus últimos días antes de vivir una revolución. A partir de la próxima semana, Mediaset irá dando salida a los nuevos programas que ha preparado para impulsar de una vez por todas su franja vespertina, cuyo mal momento es inherente al de la propia cadena. De hecho, Telecinco está sumida en la peor racha de su historia (doce meses seguidos sin llegar 10% de cuota, incluido junio) por la fragilidad que presenta en su tramo central del día, entre otros muchos factores.

Ahí, El tiempo justo, El diario de Jorge y ¡Allá tú! llevan todo el año rindiendo por debajo del doble dígito, lo que sin duda explica la crisis de audiencia del canal. Para escapar de ella, Telecinco va a aprovechar el verano para lanzar cuatro ofertas diferentes y confiar en que alguna de ellas rompa, aunque sea un poco, la mala dinámica que arrastra desde hace ya de demasiados años. El lunes 22 de junio verá la luz la primera de ellas: Amor... ¡o lo que surja! (15:45h), un nuevo dating show presentado por Carlos Lozano. Y más adelante será el turno del programa “viajero” El verano se mueve, con Ion Aramendi y Kike Quintana; una edición diaria de De Viernes llamada De lunes a viernes, y el formato de fin de semana El show de Paz, presentado por Paz Padilla.

A priori, El verano se mueve y De lunes a viernes solo estarán en la parrilla durante la temporada estival, aunque su futuro y el del resto de novedades dependerá, como siempre, de la acogida que tengan entre el público. En función de cómo sea, Telecinco podría replantearse su programación actual o todo lo contrario. Es decir, empezar el próximo curso como si nada hubiera ocurrido durante el verano. Hasta entonces, nos centramos en repasar cómo están ahora mismo las tardes Telecinco y qué cambios se avecinan en ellas.

Amor y viajes para reflotar la sobremesa

Telecinco anunció a mediados de mayo que retiraría El tiempo justo durante el verano para emitir en su lugar Amor... ¡o lo que surja!, su intento por recuperar el espíritu de Mujeres y hombres y viceversa. Sin embargo, a principios de junio cambió de planes y comunicó que el hueco del magacín (de 15:45 a 18:30h) lo ocuparán finalmente dos programas diferentes. El primero, el programa de citas producido por Bulldog TV. Y el segundo, El verano se mueve, que aún no tiene fecha de estreno, pero que se espera que llegue a la parrilla antes de que acabe junio bajo la producción de Unicorn Content.

Ambas apuestas se repartirán las casi tres horas que actualmente cubre El tiempo justo, y en las que el magacín de Joaquín Prat —ahora de baja por paternidad— viene moviéndose entre el 8% y el 9% de cuota desde su estreno a principios de septiembre. De hecho, lleva dos meses seguidos promediando un 8.5% de share, mientras que apenas ha llegado cinco días al 10% desde su lanzamiento. Por tanto, se puede decir que está lejos de plantar cara a sus dos grandes rivales: Sueños de libertad (Antena 3), líder indiscutible de la sobremesa (14.2% de media en mayo), y Directo al grano (La 1), que en mayo bajó por primera vez del doble dígito mensual (9.8%) pero que aun así superó día tras día a El tiempo justo.

Dado este contexto, Amor... o lo que surja y El verano se mueve 'solo' necesitan rozar el doble dígito para garantizarse el aprobado. Si consiguen ir más allá, su continuidad después del verano estaría garantizada o, como mínimo, sería objeto de debate. De los dos programas, a priori el que parte con cierta ventaja es El verano se mueve, pues se espera que se enfrente a dos rivales menos competitivos que los que esperan a su telonero: Valle Salvaje (10.5% en mayo) y Y ahora Sonsoles (10%).

'De Viernes' dará descanso a 'El diario de Jorge'

El año pasado, Telecinco decidió mantener El diario de Jorge durante el verano bajo el nombre de El diario de verano y la conducción de Cristina Lasvignes. Sin embargo, esta vez ha optado por una estrategia diferente: dar descanso al talk show y cubrir su ausencia hasta el próximo curso con De lunes a viernes, una edición diaria de De Viernes presentada por Beatriz Archidona y Santi Acosta.

Como ya pasara en su día con Sálvame, el magacín de Mandarina va a tener próximamente una edición diaria y otra los viernes por la noche. La diaria aún no tiene fecha de estreno, pero Telecinco ya dice de ella que seguirá “muy de cerca la última hora del mundo del corazón con las aportaciones y valoraciones del equipo habitual de colaboradores de su versión de prime time -que se verá ampliado con la incorporación de nuevos rostros- y un equipo de reporteros desplazados hasta los puntos clave de la actualidad de los famosos”.

Bajo esta propuesta, que promete tener un tono “fresco, dinámico y desenfadado”, De lunes a viernes buscará hacerse valer en el tramo de 18:30 a 20h, que es el que ocupa actualmente El diario de Jorge. El formato de testimonios producido por Boomerang TV lleva todo el curso moviéndose entre el 8% y el 10% de share, alcanzando muchas más veces el doble dígito que El tiempo justo, pero sin llegar a instalarse por encima de esa barrera. Aun así, es una de las pocas ofertas diarias de Telecinco que de vez en cuando la alcanza (Vamos a ver y ¡Allá tú! son las otras dos, mientras que El programa de Ana Rosa es la única que lo hace día tras día), por lo que su vuelta en septiembre se da por asegurada.

Lo único que podría ponerla en riesgo sería un hipotético éxito de De lunes a viernes. ¿Y qué podría considerarse como tal? Pues que Archidona y Acosta anotaran más de un 10% cada día, batieran regularmente a Y ahora Sonsoles (o a su versión estival, YAS verano) y no desentonaran frente a La Promesa (12.6% en mayo), la oferta más fuerte de su franja. No obstante, hay que tener en cuenta que De lunes a viernes se enfrentará en sus primeros compases a algunos partidos del Mundial, por lo que habrá días que lo tenga especialmente difícil.

'¡Allá tú!', relativa estabilidad a última hora de la tarde

Donde no se esperan cambios inmediatos es a última hora de la tarde, pues ahí Telecinco va a seguir apostando por ¡Allá tú!. El concurso de Juanra Bonet ha dado un paso atrás respecto a mayo, cuando firmó el mejor mes de su presente etapa (10.1% de cuota media), pero eso no quita que siga siendo la oferta vespertina más competitiva del canal (9-10% en lo que llevamos de junio).

Esto último le aporta cierta tranquilidad, pero solo a muy corto plazo. En el horizonte asoma el nuevo concurso que está preparando Telecinco alrededor de 'El Rosco' aprovechando que Pasapalabra (Antena 3) se ha visto obligado a renunciar a su icónica prueba y cambiarla por otra nueva. Dado que 'El Rosco' acumula audiencias millonarias cerca de las 21h, lo normal es que Telecinco emita próximamente su nuevo concurso entre las 20 y las 21h, justo en el horario que ocupa ahora mismo ¡Allá tú!.

Muy pronto sabremos si esto se acaba cumpliendo y si, como consecuencia de ello, el programa 'de las cajas' se ve desplazado a otro horario. Por ahora va a seguir donde está, compitiendo con Malas lenguas (en torno al 11% en mayo), Aquí la Tierra (11-12%) y, por supuesto, con Pasapalabra (18-19%), cuya nueva prueba final podría suponer un punto de inflexión en la franja o dejar las cosas como están.

'Fiesta' cede espacio a Paz Padilla

Las novedades vespertinas de Telecinco también afectan al fin de semana, donde próximamente va a arrancar sus emisiones El show de Paz, un formato de entretenimiento presentado por Paz Padilla. Producido por Secuoya Studios, este nuevo espacio promete mezclar “humor y emociones” para contar “con un tono cercano y optimista”, las “historias humanas de grandes héroes anónimos de nuestro tiempo”. No se sabe ni su fecha de estreno ni su franja exacta de emisión, pero sí que va a ir los sábados y los domingos como telonero de Fiesta, que verá reducida su duración.

El magacín de Emma García acaba de firmar los dos peores meses de su historia en audiencias (8.1% en abril y 8.2% en mayo), por lo que atraviesa ahora mismo un momento de máxima debilidad. La apuesta por El show de Paz es una reacción contra él y una medida para combatir el pobre rendimiento de Telecinco los sábados y los domingos, donde está hundida desde hace mucho tiempo. Si Paz Padilla logra instalarse en torno al 9% frente al Multicine (Antena 3) y Sesión de tarde (La 1) y propicia una subida en los datos de Fiesta, habrá conseguido el mínimo exigible. Si logra ir más allá, su puesta en marcha habrá sido un acierto.

La isla de las tentaciones es el perfecto ejemplo de lo que ocurre cuando mezclamos espectacularidad, caos y sorpresa en una coctelera. Cuando alguno de estos ingredientes falla o se explota en exceso, el riesgo de desgaste es casi inevitable. Esta circunstancia parece haber afectado directamente al reality show de Telecinco. La décima edición llega a su final después de varias semanas generando una amarga reflexión entre los amantes del género: el fenómeno sigue existiendo, pero ya no arrasa como antes a juzgar por sus últimas audiencias.

No se trata de un único factor, sino de una suma de decisiones. La principal cadena de Mediaset cuenta con dos pulmones principales en su programación, y uno de ellos es precisamente el espacio de Cuarzo Producciones capitaneado por Sandra Barneda. Con la emisión de su último debate como telón de fondo y tras la friolera de 23 entregas emitidas, es el momento de hacer balance en verTele y arrojar respuestas a la gran pregunta: ¿Por qué el público no ha caído tanto en la tentación como en anteriores ocasiones?

Las audiencias de 'La isla de las tentaciones 10'

La edición que acaba de cerrar sus puertas firma un 14.3% de cuota y 961.000 espectadores de media, valorando únicamente los datos en la franja de prime time tanto de los lunes como de los miércoles. El descenso respecto al mismo tramo de la novena temporada —solo con emisión en la noche del lunes— es de -2.2 puntos y -362.000 seguidores. Se mantiene, eso sí, muy por encima de la media global de la cadena durante los últimos tres meses.

Respecto al contenido emitido en el access prime time del lunes, La isla de las tentaciones: Exprés se conforma con un 9.9% y 1.248.000. En este sentido, la caída es de -1.7 enteros y -219.000 televidentes. Las entregas en esta misma franja tanto el martes como el miércoles —hasta el cambio de programación— promedian un 9.2% y 1.148.000. En comparación a la temporada previa, el reality show se deja también -1.7 y -219.000.

El diferido también merece especial mención, puesto que se presenta como una vía de consumo cuya importancia aumenta de manera progresiva en la industria. En este ámbito, el reality logra colocar varias de sus emisiones en posiciones destacadas de los rankings mensuales con cerca de 500.000 espectadores en las entregas más vistas. Algunas de ellas incluso con más respaldo del público en comparación a la anterior edición. Veamos ya el contexto que acompaña a estas audiencias.

1) Sin tiempo para echar de menos a las 'Tentaciones'

La última edición de La isla de las tentaciones se estrenó el lunes 13 de abril, apenas tres meses después del final de la novena. En definitiva, una distancia mínima para un programa que necesita descanso para generar ganas y expectación entre los espectadores. La presencia del reality show en la parrilla de Telecinco es casi omnipresente, y la hemeroteca respalda esta conclusión: se han emitido diez temporadas y el spin-off La última tentación en solo seis años.

Esto tiene consecuencias. El formato ha dejado de ser ese acontecimiento que acaparaba la conversación social para convertirse en un contenido habitual dentro de la parrilla. Y esta realidad además debe entenderse en una coyuntura: el fragmentado panorama televisivo provoca la necesidad de crear contenidos de alto valor para el espectador. Sobre todo, que impacte desde el primer momento en el que se asome a nuestras pantallas. Provocar esa necesidad es vital para las cadenas.

2) Demasiadas galas para el contenido disponible

Los fieles seguidores del formato manifestaron una sensación desde el arranque de la edición: no existían suficientes tramas potentes para llenar tantas emisiones. Las primeras semanas estuvieron marcadas por largas secuencias de convivencia que, realmente, carecían de esa espectacularidad citada anteriormente. ¿Cuál fue la consecuencia más directa? Un ritmo mucho más lento de lo necesario y la impresión de que el metraje contenía conversaciones de lo más superfluas.

Uno de los ejemplos que merece mención tiene que ver con una charla en Villa Montaña. La soltera Ainhoa López se convirtió en protagonista durante una fiesta en la piscina: “A mí me encantaría ser tonta, te lo juro. Me encantaría, en plan… Estar tranquila y que no me preocupase nada. […] Soy superdotada y tengo dislexia, las dos cosas. No lo entiendo, pero…”. Se trata de una anécdota aislada, pero suficientemente representativa para ejemplificar lo ocurrido en el comienzo de La isla de las tentaciones 10.

3) Un casting con menos perfiles dispuestos a jugar

Por otro lado, el formato cuenta con un componente tan básico como fundamental en cada una de sus ediciones: un casting capaz de asumir riesgos, dejarse llevar y generar conflicto. En esta ocasión, el fuego de las hogueras no ha estado tan vivo como debería. Los perfiles de esta edición no se mostraron tan dispuestos a jugar como sus predecesores; de hecho, parecían muy poco interesados en tentarse o alimentar esos conflictos que tanta 'vidilla' generaban —con perdón de Atamán Cabañas y Leila León— al otro lado de las pantallas. De hecho, solo ellos se mantuvieron en las Villas de principio a fin.

La contención ha sido un habitante de lo más inesperado en las villas más famosas de nuestra televisión. Nerea Villanueva, Julia Garrigós, Mar Ruiz, Lucas Mera, Ainhoa J. Gómez y Álex Palau, además de Bayan Al Masri y Miguel Martínez —estos últimos condicionados además por su escasa estancia— mostraron desde el principio su firme intención de no prestarse al juego de la seducción. Es importante la existencia de perfiles como estos, pero su abundancia perjudica sobremanera el propio desarrollo del formato.

También hay una lectura estructural en este punto. Al reducirse tanto el tiempo de descanso entre una edición y la posterior, el proceso de preproducción es menos extenso. Puede que la búsqueda de rostros se haya visto perjudicada por esta circunstancia. Para nada es fácil encontrar participantes con personalidad, espontaneidad y potencial televisivo. Tampoco llegar a ese equilibrio que permita la configuración de un casting perfecto.

4) Cambios de programación que rompen el hábito

La fidelidad en televisión también se construye con costumbres, y la programación de La isla de las tentaciones 10 vuelve a ser ejemplo de ello. El reality comenzó sus emisiones ocupando íntegramente la noche del lunes, además del access prime time tanto del martes como del miércoles, desplazando a un First Dates que ya parecía asentado en la franja. Sin embargo, Telecinco modificó la estrategia semanas después para concentrar todo el contenido los lunes y los miércoles a partir de las 23:00 horas.

Esta reorganización puede parecer un detalle menor, pero obliga al espectador a volver a localizar sus contenidos de cabecera dentro de una oferta cada vez más fragmentada. En el panorama audiovisual de nuestros días, las rutinas de consumo se presentan como algo fundamental en las estrategias de las cadenas. Un formato tan importante para Telecinco como este no puede permitirse que la audiencia 'migre' a otras plataformas de consumo o, simplemente, termine desconectando por los cambios.

5) Un reality conviviendo con otro reality… de nuevo

La maquinaria de La isla de las tentaciones lleva tiempo sin descanso suficiente. Cuando una edición termina de emitirse, muchos de sus rostros ya están preparando su salto a otros formatos de corte similar. Y esto es precisamente lo que ha vuelto a ocurrir: la décima edición se asentaba en Telecinco mientras Supervivientes 2026 contaba con protagonistas de la tanda anterior como Claudia Chacón —gran revulsivo en ambas producciones— Gerard Arias, Darío Linero, Almudena Porras o Borja Silva.

¿Es una estrategia lógica para la cadena? Posiblemente, pues se alargan aquellas tramas que encandilaron a los espectadores. Sin embargo, contribuye a una sensación de continuidad permanente. Tampoco puede perderse de vista que esta decisión no fue algo nuevo: Supervivientes 2025 ya fichó a Anita Williams, José Carlos Montoya y Manuel Rodríguez mientras La isla de las tentaciones 9 emitía su tramo final. De hecho, formaron parte de los últimos debates desde Honduras.

Conclusión: el desgaste de 'La isla de las tentaciones' tiene solución

El formato La isla de las tentaciones cuenta con un enorme potencial para atraer audiencia. Eso es una evidencia incontestable, teniendo en cuenta que se mantiene sustancialmente por encima de la media del canal pese a la emisión de diez temporadas y un spin-off en solo seis años. A juzgar por los resultados de la última batería de entregas antes de su debate final, es necesario darle un descanso para volver a avivar las llamas entre los espectadores.

Telecinco debe replantear su estrategia con este reality show —una de las joyas de su catálogo— para que el fenómeno vuelva a ser clave en la conversación social. Reducir el ritmo entre ediciones, apostar por castings más sólidos, dotar las entregas de contenido impactante, apostar por una programación clara y emitirlo lejos de otros formatos de corte similar son claves a tener en cuenta para que el público vuelva a caer en la tentación como antaño.

Quedan dos semanas para que acabe la temporada 2025/2026, lo cual puede ser mucho o poco tiempo según cómo se mire. Es poco tiempo si tenemos en cuenta que el curso televisivo abarca hasta diez meses del calendario anual (de septiembre a junio). Y es mucho si nos fijamos en lo mucho, valga la redundancia, que se juegan las principales cadenas de televisión de aquí al 30 de junio.

En los próximos 15 días, Antena 3, La 1, Telecinco, laSexta, Cuatro y La 2 van a luchar por apuntarse varios tantos en audiencias, o en su defecto, por no comenzar la temporada veraniega con algún que otro disgusto en este apartado. Todo ello en pleno Mundial de fútbol, sin duda el gran condicionante de esta recta final de la temporada.

La Copa del Mundo va a ser el factor diferencial de lo que queda de curso. De cómo lo explote La 1 y de cómo sobrevivan a él los demás canales dependerá el desarrollo de la segunda mitad de junio, cuyos alicientes repasamos a continuación, cadena por cadena.

Empezamos nuestro repaso con la cadena líder de la temporada. Antena 3 ya tiene asegurado este título tras haber liderado todos los meses entre septiembre y mayo, por lo que llega a junio con un último gran objetivo: acabar el curso sin conocer la derrota. De conseguirlo sería su tercer pleno tras los firmados en las temporadas 2022/2023 y 2024/2025. Sin embargo, esta vez no lo tendrá fácil, pues La 1 está muy por delante tras los primeros partidos del Mundial (13.5% vs 12.6% a día 15) y lo normal es que la pública se lleve el mes gracias al fútbol.

Desde que Antena 3 empezó a afianzarse en el liderato (noviembre de 2021), solo le han ganado 2 de 55 meses y los dos fue La 1 a golpe de grandes eventos. Si el canal de Atresmedia lidera junio demostrará que no se la puede vencer ni con un Mundial de fútbol. Y si pierde, se demostrará que solo la pueden ganar con grandes eventos deportivos, pero no en un mes normal.

Independientemente de lo que ocurra, Antena 3 tiene otro objetivo a muy corto plazo: evitar firmar su peor mes de la temporada, del que ahora mismo le separa una sola décima (marcó un 12.6% en marzo y abril). El Mundial y la inminente despedida de 'El Rosco' de Pasapalabra se lo van a poner cuesta arriba, pero a su favor cuenta con el aliciente del estreno de la nueva prueba final del concurso, con la regularidad de su parrilla diaria y con la fuerza de Tu cara me suena. Veremos si con este le alcanza o si, por el contrario, termina perdiendo perdiendo junio (probable) y marcando mínimo mensual de la temporada (posible).

La 1 tiene garantizado el segundo puesto de esta temporada, la mejor para la cadena pública en más de una década tras el explosivo crecimiento que experimentó en otoño y lo bien que lo ha mantenido desde entonces. Ahora busca poner la guinda al pastel y ganar el mes de junio, algo que tiene en su mano gracias al Mundial.

En caso de materializarse esta victoria, La 1 logrará su primer triunfo mensual desde julio de 2024, cuando ocupó el primer puesto gracias a la recta final de la Eurocopa 2024 y los primeros compases de los Juegos Olímpicos de París. Los partidos inaugurales del Mundial la han colocado estos días en una posible muy favorable para repetir victoria y batir un par de récords. El primero, su mejor junio desde 2011 (14.6%), para lo cual necesita superar el 12.7% que consiguió en 2024 (su media a día 15 es del 13.5%). Y el segundo, su mejor mes de esta temporada, mérito que ya tiene prácticamente asegurado (su techo es el 12.3% que marcó en octubre y noviembre).

De las seis grandes cadenas nacionales, Telecinco es la única que no se juega nada relevante en la parte final de la temporada. Ahora mismo promedia un 9% de cuota (a día 14), así que es cuestión de días que cierre el peor junio de su historia (el suelo lo marca el 10.2% de 2025). Y de paso, también su primer curso y su primer año natural completos sin llegar ni un solo mes al 10% de media. En resumen, un balance durísimo para el canal de Mediaset.

Más difícil parece que vaya a caer por debajo del 8.4%, lo que supondría anotar su peor mes de la temporada (actualmente es diciembre) y su peor mes de siempre en temporada regular (septiembre-junio), o que caiga del 8%, con lo que firmaría el peor mes de toda su historia (actualmente es agosto de 2025). Pero cuidado, sin realities, con el condicionante del Mundial y a falta de ver cómo funcionan sus nuevas tardes con Carlos Lozano, Ion Aramendi y Paz Padilla, a Telecinco se le puede hacer muy largo lo que queda de junio, por lo que no hay que descartar que su final de curso acabe siendo aún peor de lo que apunta en estos momentos.

La situación de Telecinco nada tiene que ver con la de su 'hermana pequeña', Cuatro, que aspira a darse unas cuantas alegrías de aquí al día 30. Actualmente tiene un 6.5% de cuota media, por lo que solo necesita subir una décima para firmar su mejor mes de la temporada. Además, si sube dos el premio será mayor: igualar su mejor mes en cinco años (6.7% en junio de 2021 con la Eurocopa de aquel año) y su mejor mes sin grandes eventos deportivos desde hace una década (6.7% en agosto de 2016).

Salvo hundimiento inesperado, el segundo canal de Mediaset también va a concluir el mes habiendo enlazado seis seguidos con un 6% o más de share, algo que no hacía desde 2017 (entonces enlazó nueve). Queda por ver si también acaba sumando su tercera victoria mensual consecutiva sobre laSexta. Si lo consigue igualará la racha que firmó entre diciembre y febrero, la mejor de la última década frente a su rival directo.

Evidentemente, laSexta se juega justo lo contrario: no sumar su tercera derrota mensual consecutiva frente a su máximo oponente, con el que pierde ahora mismo por ocho décimas de diferencia (6.5% vs 5.6%). Vamos, que el canal de Atresmedia tiene muy difícil darle la vuelta a la tortilla, por lo que debe centrarse en objetivos más asequibles.

En este sentido, necesita subir dos décimas en lo que queda de junio para no firmar su peor mes de la temporada (ahora mismo el mínimo lo marcan diciembre y mayo con un 5.8%). Pero aunque lo consiga, lo normal es que coseche otro mínimo de audiencias a final de mes: el de su peor junio desde 2012, que fue cuando bajó por última vez del 6% de share a estas alturas de curso (4.5%). Por tanto, no parece que laSexta vaya a cerrar el curso con buenas sensaciones, sino todo lo contrario, salvo sorpresa de última hora.

Acabamos nuestro repaso con La 2, que tiene a tiro acabar la temporada llena de felicidad. La segunda cadena de RTVE está en un 3.5% de media (a día 14), por lo que mal se le tendrían que dar las cosas para no cerrar junio con algún tipo de récord. Si se queda como está o sube al 3.6% firmará su mejor dato mensual desde 2010. Si cae al 3.4% conseguirá su mejor mes de la temporada y su mejor mes desde 2022. Y si cae al 3.3% igualará su mejor mes del curso.

Todo esto gracias la 'revolución silenciosa' que ha experimentado su parrilla y que, como vemos, ya le está dando buenos frutos. De hecho, La 2 ha alcanzado o superado el 3% de cuota en todos los meses de este curso, lo cual no pasaba desde hace 16 años. Por tanto, pase lo que pase en las dos próximas semanas, ya se la puede considerar una de las grandes triunfadoras de esta temporada que está a punto de finalizar.

Aunque son muy diferentes entre sí, The Boys y Euphoria tienen varias cosas en común. Por ejemplo, su año de lanzamiento (2019) o el impacto que tuvieron hace siete años en la industria audiovisual. Por aquel entonces, tanto la ficción (anti)superheroica de Amazon Prime Video como la serie adolescente de HBO fueron vistas como un soplo de aire fresco dentro de sus respectivos géneros, lo que hizo que muy pronto fuesen merecedoras de toda clase de elogios. Ambas producciones habían plantado ya la semilla y su futuro no podía ser más prometedor.

Sin embargo, las cosas han cambiado mucho desde aquellos primeros y prometedores pasos. Siguiendo con las coincidencias, The Boys y Euphoria han terminado sus respectivas historias casi al mismo tiempo y de la misma manera: con una temporada final que ha decepcionado a gran parte de sus espectadores.

Los motivos que las han llevado hasta ahí son distintos, pero el rechazo general ha sido igual de fuerte. La serie creada por Eric Kripke, por ejemplo, ha sido acusada de tener demasiados capítulos de relleno. Y la firmada por Sam Levinson, de dejar de ser lo que era para convertirse en una nueva víctima del retroceso ideológico (y cultural) de nuestro tiempo. Razones diferentes para decepciones diferentes, pero que vistas en conjunto nos dejan cinco lecciones en conjunto que pasamos a detallar a continuación.

1) Qué difícil es revertir las malas dinámicas

Que The Boys y Euphoria hayan firmado unos finales tan poco satisfactorios entraba dentro de lo posible. No solo porque ninguna serie de televisión tiene garantizado firmar un gran final, sino porque las que aquí nos ocupan venían en unas dinámicas que hacían presagiar lo peor.

En lo que respecta a la serie de Prime Video, esta llevaba dando síntomas de agotamiento, como mínimo, desde su tercera temporada. Sus personajes y sus tramas pedían a gritos dejar de dar vueltas sobre las mismas cosas y salir de una vez por todas de la fórmula 'sangre-peinetas-chistes sexuales', que para entonces ya había quemado a velocidad de vértigo. De hecho, la cuarta temporada reforzó la idea de que The Boys ya no daba más de sí, así que todo hacía indicar que la tanda simplemente lo confirmaría, tal y como ha acabado ocurriendo.

El caso de Euphoria es mucho más complejo. La ficción de HBO saldó satisfactoriamente su primera temporada, pero desde entonces todo han sido problemas. La pandemia retrasó el rodaje de la segunda tanda, que no llegó hasta 2022 (eso sí, con un par de capítulos especiales estrenados entre medias), y la tercera se hizo esperar hasta la pasada primavera tras cuatro años en la sombra y un sinfín de problemas, incluyendo bajas en el equipo, la apretada agenda de protagonistas y las dificultades para dar con una historia que justificara el salto temporal de cinco años que hay entre la segunda y la tercera temporada. Demasiados frentes para pensar que Euphoria iba a terminar bien. Y no, no lo ha hecho.

2) Ni volantazos ni inmovilismo

Después de tanto tiempo, los protagonistas de Euphoria ya no tenían edad para estar en el instituto, así que a la serie le tocaba reinventarse por completo. ¿La forma elegida para hacerlo? Convertir la serie en una especie de neo-western, a Rue en una traficante de drogas que ejerce como 'mula' para pagar sus deudas, a Nate en un empresario perseguido por la mafia y a Cassie en una actriz de Only Fans. La trama de esta última se lleva la peor parte, pues Sam Levinson vuelca sobre ella la mirada sexualizada y de mal gusto que ya mostró en la olvidable y controvertida The Idol (HBO; 2023). Si a esto le sumamos el excesivo protagonismo que tienen los personajes nuevos (el jefe traficante de Rue) y el poco que se le da a algunos que ya estaban (Jules), el resultado es que Euphoria no ha sido Euphoria en su temporada final, sino otra cosa muy diferente. Una mucho peor.

En cambio, The Boys sí ha sido The Boys hasta el final. De hecho, ha sido tan fiel a sí misma que ha cargado hasta el último segundo con los problemas que venía arrastrando desde temporadas anteriores. La evolución de los personajes principales ha sido entre escasa y nula, y la sensación de 'esto ya lo he visto', excesiva. Al igual que Euphoria, su tanda final también ha tenido algún que otro gran momento (todo lo que ocurre en la mansión de Mr. Marathon), pero el balance general es que la serie ha llegado al final de su camino desfondada, sin fuerzas para jugar con algo más que los paralelismos entre Patriota y Trump. En resumen, Euphoria le ha salido mal su gran volantazo y a The Boys, quedarse como estaba.

3) Quien mucho abarca poco aprieta

Cuando hablamos de la excesiva fidelidad de The Boys nos referimos a lo inmóvil que se ha mostrado con sus personajes y sus tramas. Otra cosa es fuera de la pantalla, donde se ha mostrado mucho más flexible. Prueba de ello es que llegó para reírse de las mil y una producciones de Marvel y ha terminado desarrollando un spin-off animado (Diabolical), otro en acción real (Gen V) y una precuela que está pendiente de emitir (Vought Rising). Y todo esto con Eric Kripke en el centro como creador, showrunner, guionista o productor ejecutivo, según el proyecto, lo que probablemente le haya impedido centrarse al 100% en acabar satisfactoriamente la serie matriz, pese a haber contado con otros guionistas y productores a su lado.

Todo lo contrario que Levinson, que ha escrito y dirigido en solitario toda la temporada final de Euphoria. El hijo de Barry Levinson ya acaparó sobremanera ambos roles en temporadas anteriores de la serie, pero en esta ocasión su excesiva dependencia tras las cámaras ha pasado factura al resultado final. Vamos, que tener una sala de guionistas a su disposición no habría estado de más, al menos para enriquecer su visión con otras miradas.

Por tanto, aquí nos encontramos con un creador que ha querido abarcar mucho dentro de su propia serie (Levinson) con otro que ha querido abarcar mucho fuera de la suya (Kripke). En resumen, las dos caras de la misma moneda.

4) Triunfar en la era de las redes sociales y el streaming

Por mucha conversación que hayan generado desde su primera temporada, los fallidos finales de The Boys y Euphoria dificulta la entrada de ambas producciones en ránkings futuros sobre las mejores series de la década, el siglo o lo que se tercie. A nivel creativo se las recordará por lo que pudieron ser y no fueron o por lo que fueron en sus inicios y dejaron de ser en su desenlace. Sin embargo, vivimos en una época, la de las redes sociales y el streaming, en la que el éxito de una serie ya no solo se mide por sus audiencias, sus premios o sus buenas críticas, sino también por la huella que dejan en el imaginario popular.

¿Esto en qué se traduce? Para The Boys, en que su discreta temporada final no va a impedir que la serie siga estando muy presente entre nosotros mediante la infinidad de memes de Patriota (Homelander) que circulan por internet, cada uno de los cuales resulta perfecto par transmitir según qué mensajes gracias a las singulares y siniestras caras del personaje interpretado por Antony Starr. Y para Euphoria, en que su final ha sido más que cuestionable, sí, pero que por el camino ha catapultado las carreras de Zendaya, Jacob Elordi y Sydney Sweeney, tres de las mayores estrellas que hay ahora mismo en Hollywood. ¿Cuántas series pueden presumir de una hazaña similar? Pues eso.

5) Lo importante no es llegar, sino mantenerse

No lo sabíamos entonces, pero hace justo 20 años se estaba gestando lo que ahora podemos llamar como 'El síndrome Prison Break' o 'El síndrome Héroes', entendiendo como tal aquellas series que tienen una primera temporada sobresaliente, una segunda tanda defendible y un desarrollo posterior de dudosa calidad. Puede que la caída de calidad de The Boys y Euphoria no haya sido tan pronunciada como las de estos ejemplos, pero igualmente demuestra lo que ya aprendimos hace dos décadas: que lo importante en la televisión no es alcanzar el éxito, sino mantenerlo.

Da igual que ahora se hagan más series que nunca, con más presupuesto que nunca y con más libertad creativa (en teoría) que nunca: hay leyes no escritas de la televisión que son inalterables, y los casos de The Boys y Euphoria nos recuerdan que firmar una primera temporada excelente está muy bien, pero que las grandes historias son las que empiezan bien y acaban mejor, no las que arrancan en lo más alto y van cayendo poco a poco. Aun así, es de agradecer que hayan querido contar historias largas repartidas en varias temporadas y no despachar sus tramas en una miniserie de seis u ocho capítulos, ese formato tan socorrido y tan alejado de las series de televisión de toda la vida. Pero bueno, como suele decirse, esa es otra historia.

Siete meses después del final de Futuro imperfecto, cuya emisión se vio interrumpida por la baja de Andreu Buenafuente, La 1 de RTVE recupera su apuesta por el humor político este jueves 11 de junio con el estreno de El perro andaluz, su nuevo programa de entretenimiento presentado por el sevillano Manu Sánchez.

Desde noviembre de 2025, cuando Buenafuente anunció que necesitaba tomarse un periodo de descanso para cuidar de su salud mental, la cadena pública ha emitido multitud de ofertas en la noche del jueves, un territorio bastante competitivo en el que el cómico catalán estaba cosechando muy buenos datos de audiencia. De hecho, en el momento de su interrupción, la segunda temporada promediaba un 12.3% de cuota de pantalla y 929.000 espectadores, siendo uno de los grandes éxitos del inicio del curso televisivo.

Torrespaña ha apostado desde entonces por formatos de distintas temáticas (realities de aventuras, cine, reportajes de actualidad...) y ha reiterado su compromiso con el humor en varias ocasiones. Sin embargo, ha sido imposible sustituir satisfactoriamente al veterano showman de El Terrat: ninguna oferta ha disfrutado de la estabilidad que tuvo Futuro imperfecto durante los cuatro meses que estuvo en antena.

Como consecuencia, la noche de los jueves de La 1 ha sido en los últimos tiempos un terreno bastante agitado; un campo de 'ensayo y error' por el que han pasado hasta siete ofertas televisivas diferentes a partir de las 23:00 horas, justo después de La Revuelta. Y ahora, sin que se sepa aún cuándo se producirá el regreso de Buenafuente (si es que se produce en algún momento), la cadena recurre a Manu Sánchez para apostar de nuevo por esa comedia con “mirada social” que se moja en cuestiones de actualidad y política.

El perro andaluz se estrenará este jueves 11 de junio a las 23:00 horas, justo cuando acabe el partido inaugural del Mundial de fútbol 2026 (México-Sudáfrica), por lo que recibirá de su excelente telonero un buen colchón de espectadores. Toda ayuda será poca para competir contra la gran final de Supervivientes 2026, que Telecinco emitirá en directo a emitirá a esa misma hora. La semana que viene, ya sin grandes competidores, Manu Sánchez tendrá vía libre para tratar de conseguir aquello que tan complicado parece: romper la mala 'racha' de La 1 y rellenar de una vez por todas el enorme hueco dejado por Andreu Buenafuente en la cuarta noche de la semana.

Repasamos a continuación todas las apuestas que La 1 de RTVE ha emitido en la noche del jueves desde el final de Futuro imperfecto.

'Dra. Fabiola Jones'

Concluida la emisión del programa de Buenafuente, La 1 estrenó inmediatamente Dra. Fabiola Jones, un docureality en el que esta veterinaria y científica de Úbeda (Jaén) muestra a los espectadores sus trabajos en la sabana africana. El formato registró un 10.1% de cuota de pantalla y 775.000 espectadores en sus primeras tres semanas. Después pasó a ocupar la noche del miércoles, donde rindió por debajo del doble dígito.

'Hasta el fin del mundo'

En la noche del jueves se emitió también (a principios de 2026) parte de la primera edición del reality show Hasta el fin del mundo. Concretamente, las dos últimas entregas de la temporada, que promediaron un 11.2% de cuota y 682.000 espectadores.

'CrossoBAR'

CrossoBAR fue la primera apuesta humorística que llegó al prime time del jueves tras la baja de Buenafuente. Aunque consiguió un buen dato de audiencia en su estreno a finales de enero (12.4% de cuota y 976.000 espectadores), este programa de sketches protagonizado por Lalachus y Arturo Valls tuvo un cortísimo recorrido ya que fue concebido como un evento televisivo de una sola entrega.

Cine español

El cine español ha sido un socorrido comodín para La 1 en las noches de los jueves cuando, por el motivo que sea, no ha podido ofrecer otros programas. Son nueve las películas que ha emitido salteadas desde el pasado mes de enero hasta finales de mayo, entre ellas Matusalén, Mala persona, Alimañas, Justicia artificial y La vida padre. Salvo esta última, que alcanzó un 11% de cuota, el resto de cintas han sido incapaces de superar la barrera del doble dígito, aunque bien es cierto que no se han quedado muy por debajo de ella.

'Al margen de todo'

Si Henar Álvarez asumió el encargo de sustituir a Marc Giró después de que este anunciara su fichaje por laSexta, Dani Rovira regresó a RTVE para ocupar el espacio de Andreu Buenafuente con Al margen de todo, un programa de comedia sin politiqueos y alejado de las modas.

Por el motivo que sea –quizá porque los seguidores de Buenafuente están acostumbrados a un tipo de humor muy vinculado a la actualidad– el programa de Rovira no cuajó entre el público y solo estuvo tres semanas en parrilla. Después de un estreno muy poco prometedor (10.1% de cuota y 765.000 espectadores), el formato enlazó dos entregas por debajo del 8% y RTVE no esperó más para cancelarlo, convirtiéndose así en uno de sus mayores tropiezos del curso.

'La Revuelta'

Al igual que el cine, La Revuelta también ha auxiliado a La 1 cuando no ha tenido mejores opciones para la noche del jueves. En marzo, tras la súbita cancelación de Al margen de todo, y aun a riesgo de provocar cierta saturación entre el público, RTVE dobló la emisión del programa que presenta David Broncano. Eso sí, lo hizo solo en tres ocasiones y tras constatar rápidamente que no era la solución a su problema: 19 de marzo (11.4% y 825.000), 26 de marzo (10.4% y 740.000) y 9 de abril (8.3% y 578.000).

'Se nos ha ido de las manos'

El programa de reportajes Se nos ha ido de las manos, en el que el periodista Carles Tamayo aborda diferentes temas de interés social, ha sido una de las últimas apuestas de La 1 para el prime time del jueves. Sus dos primeras entregas promediaron un 8.6% de cuota y 665.000, datos de audiencia insuficientes para la primera cadena de TVE, que encima estrenó el primer reportaje casi en late night. La tercera y última entrega se emitió en la noche del miércoles.

Así es 'El perro andaluz', la nueva apuesta de La 1

El perro andaluz by Manu Sánchez es algo así como un late night en un teatro con público. Tendrá entrevistas, improvisación, música en directo y actualidad. Cada entrega construirá “un universo propio en el que el humor funcionará como punto de encuentro y como herramienta para mirar la realidad desde la sátira y la crítica social”, destacan desde RTVE.

El programa contará además con una singular 'junta de gobierno' formada por colaboradores y figuras reconocibles del panorama cultural y social español, entre ellas María Galiana. “Me parece una idea muy buena hacer un programa andaluz para TVE en el que yo pueda colaborar de alguna manera”, ha señalado la actriz.

Galiana jugará un papel importante en una de las principales secciones del formato: Esto con Franco sí pasaba. Entre el resto de secciones destacan OCC (la Oficina Contra el Centralismo), una mirada en clave de humor sobre las dinámicas territoriales y la forma en que Andalucía y otros territorios han sido observados históricamente desde el centro del país. La música tendrá un peso fundamental dentro del formato, conectando tradición, identidad andaluza y contemporaneidad a través de actuaciones e interpretaciones en directo.

Con esta nueva apuesta, RTVE y la productora 16 Escalones “impulsan un formato pensado para generar momentos compartibles, emoción, conversación y espectáculo televisivo en directo, combinando cultura, entretenimiento y actualidad bajo la mirada personal de Manu Sánchez”.

Supervivientes 2026 llega a su desenlace. Este martes, el reality de Telecinco vivirá su último Tierra de Nadie con Ion Aramendi al frente en una noche en la que los cuatro finalistas se enfrentarán a un juego de líder crucial en Honduras. Después iniciarán su regreso a España para la gran final de este jueves 11 de junio presentada por Jorge Javier Vázquez, la cual echará el cierre una edición que, a falta de conocer a su ganadora, ya ha dejado tres lecciones y un aviso por sus paradójicas audiencias en Mediaset.

Tras la expulsión de Aratz Lacunza el pasado domingo, durante el Conexión Honduras de Sandra Barneda, los cuatro concursantes que aún quedan en liza disputarán la prueba de líder “más importante” de toda la edición, ya que quien consiga el preciado collar evitará enfrentarse al primer televoto de la final. Alba Paul, Alvar Seguí, José Manuel Soto y Maica Benedicto competirán por alzarse con una inmunidad que les podrá acercar al preciado cheque con los 200.000 euros del premio del formato.

Solo uno de ellos, quien decida los espectadores de Telecinco, podrá coger el testigo de Borja González como nuevo ganador de Supervivientes, un reality que en poco más de 48 horas pondrá el lazo a la edición más corta de los últimos años. Tras dar comienzo el pasado 5 de marzo de 2026, el programa se despedirá temporalmente de la parrilla tras 98 días de aventura (cuatro días menos que en 2025, cinco menos que en 2024 y 21 días menos que en 2023). Hay que remontarse al 2022 para encontrar una edición de igual duración.

De esta manera, Supervivientes 2026 evitará enfrentarse al Mundial de Fútbol 2026 que emite RTVE (aunque la final competirá frontalmente contra el partido inaugural entre México y Sudáfrica en La 1), un evento deportivo que acaparará toda la atención de los espectadores, sacudiendo los registros del resto de ofertas televisivas.

En este caso, el formato de Cuarzo agradecerá no comprometer más unas audiencias que, de primeras, dejan un contradictorio balance: la de este 2026 será la edición menos vista de la historia de Supervivientes (igualando su peor media en share con 2023) pero sus datos siguen salvando a Telecinco, ya que el programa duplica la media mensual de la cadena. Lo analizamos.

Las audiencias de 'Supervivientes 2026'

Supervivientes 2026 llegará a su despedida, a falta del dato de la gran final -que le podrá hacer sumar alguna décima-, con una media de 17.3% y 1.019.000 espectadores en las galas de los jueves presentadas por Jorge Javier Vázquez. Cabe recordar que se trata del dato del fragmento principal de las galas, ya que Telecinco sigue empleando el 'truco' de trocear su emisión para evitar la batalla del access prime time y maquillar su rendimiento. Si Telecinco no trocease las emisiones, la media de sus galas completas sería de un 13.2% de share y 1.033.000 espectadores. Con todo, ese dato, el del promedio de los jueves en su parte troncal, supone una fuerte caída de 4.4 puntos de cuota y 454.000 televidentes respecto a Supervivientes 2025.

Las cifras son ciertamente continuistas si las comparamos con los datos en jueves de Supervivientes All Stars 2, que concluyó el pasado otoño con un 17.5% y 1.028.000 espectadores, pero denotan un preocupante descenso en lo que a las temporadas del programa regulares se refiere. Tras su prometedor estreno, alzándose con un 21.2% y 1.227.000 espectadores, Supervivientes 2026 experimentó una paulatina bajada hasta caer varias semanas por debajo de la barrera psicológica del millón, algo nunca antes visto en el portentoso reality de aventuras de Mediaset. Pese a todo, ha liderado en todas sus galas de los jueves, siendo la más exitosa de sus tres citas semanales con el público.

Casi pleno de liderazgos ha conseguido también el Tierra de Nadie, que este año ha comenzado sus emisiones a partir de las 23:00 horas con First Dates y La isla de las tentaciones 'bailando' antes como teloneros. El espacio conducido por Ion Aramendi promedia en la noche del martes, a falta de la emisión de su semifinal, un 15% de share y 913.000 espectadores, 5.2 puntos y 429.000 televidentes menos que en 2025. Por su parte, el Conexión Honduras muestra una mayor inestabilidad, liderando solo 6 de sus 14 entregas en domingo y anotando una media del 12.3% de share y 959.000 espectadores (-6.2 y -488.000 televidentes respecto a los 'debates' de Supervivientes 2025).

Las audiencias de 'Supervivientes 2026' en Telecinco:

Como decíamos, respecto a su edición en 2025, Supervivientes ha perdido en tan solo un año más de 4 puntos de share y unos 450.000 espectadores. Se trata de una notoria caída para una masa de público que hasta hace nada parecía mostrar una poco menos que indiscutible fidelidad al reality estrella de Mediaset, que está a punto de cerrar la edición con una media de espectadores que apenas rebasa el millón. Dicho de otra forma, es una caída más fuerte de lo que podía esperarse pese a que el consumo de televisión en abierto lleva tiempo decreciendo a un ritmo vertiginoso, sobre todo en el tardío prime time.

De esta forma, Supervivientes 2026 será la temporada menos vista de la historia del formato y, a falta del dato de su final, empeorará el mínimo de share (17.5%) de Supervivientes 2023, la edición que coronó a Bosco Blach Martínez-Bordiú, el sobrino de Pocholo. Estos datos dejan tres lecciones y una preocupante paradoja, tal y como analizamos a continuación.

Audiencia media de los últimos 'Supervivientes':

Tres lecciones que deja 'Supervivientes 2025'

Viendo la evolución de las audiencias de Supervivientes en los últimos años, queda claro que al programa de Cuarzo no le ha favorecido en absoluto su omnipresencia en la parrilla de Telecinco. Desde el año 2024, Mediaset se encomendó a su reality talismán como salvavidas ante su grave crisis de audiencia y duplicó el número de ediciones anuales con la excusa del 25 aniversario del formato, organizando un All Stars en 2024 y otro en 2025 que han provocado un efecto de saturación en el espectador.

Y es que Supervivientes ha estado en antena en prácticamente 13 meses de los últimos 27 meses que han pasado desde el estreno de Supervivientes 2024, una ocupación en la programación que crecerá aún más con el tercer All Stars ya anunciado para el próximo septiembre. Así pues, Telecinco no ha dado a Supervivientes el descanso necesario ante una audiencia que ha visto, por otro lado, como La isla de las tentaciones (producida también por Cuarzo) ofrecía otra doble ración de ediciones que ha provocado un atasco de 'realities' en emisión que ha podido quemar a ambas producciones.

Como ya analizamos antes de su estreno, reflejando la crisis de famosos que afecta a los realities de Telecinco, el casting de Supervivientes 2026 suponía todo un reto para el programa, pues no incluía ni un solo gran nombre de famoso que sirviera como reclamo para el público que pudiera asomarse a la edición. Supervivientes apostó por perfiles diferentes, con muchos jóvenes y deportistas, que han ofrecido gran rendimiento en el apartado de pura supervivencia y juegos, pero que han sido incapaces de generar tramas que atrapasen al espectador.

Con la excepción (y salvavidas) de Claudia Chacón, como analizamos en este otro artículo, la gran protagonista junto a Maica de Supervivientes 2026 que se puso al servicio del reality para dotar de contenidos al programa; y la tardía incorporación de Nagore Robles, que pese a su buen desempeño llegó tarde para agitar lo suficiente el avispero; el formato se vio obligado a centrarse en el día a día, en los conflictos desatados por la propia convivencia, sin encontrar historias o vínculos que se desarrollasen con emoción a lo largo de toda la aventura.

Con todo ese contexto, Supervivientes 2026 ha tirado de músculo e inventiva para, nunca mejor dicho, sobrevivir en Telecinco. El formato se volcó desde el principio con sus pruebas, alardeando en sus tres galas semanales del gran potencial de su producción en Honduras -que verTele pudo comprobar en una reciente visita a los Cayos Cochinos-. El equipo de Cuarzo intentó sorprender al público con juegos cada vez más elaborados y espectaculares, impulsando la parte más competitiva del reality de Mediaset y encontrando un gran motor entretenedor más allá de las polémicas.

Telecinco acertó además con la elección de María Lamela como sustituta de Laura Madrueño en la isla. La periodista, que dejó Más vale tarde en laSexta para saltar literalmente del helicóptero de Mediaset, se ganó en tiempo récord el cariño de los espectadores, demostrando una gran entrega en su labor y una desbordante ilusión ante semejante oportunidad en su carrera profesional que ha terminado traspasando la pantalla.

Además, ante esa falta de chispa entre sus concursantes, Supervivientes 2026 ha tenido que tirar de imaginación para nutrir de contenidos esas tres galas semanales, poniendo atinadamente el foco en todo lo que ocurría alrededor de Claudia.

La paradoja de 'Supervivientes 2026' y el aviso sobre su futuro

En definitiva, Supervivientes 2026 llega a su final con Telecinco perdida en la paradoja que viven las audiencias del formato. La cadena, como decíamos, atraviesa una grave crisis que la ha forzado a aferrarse a sus dos formatos estrella (Supervivientes y La isla de las tentaciones), lo que provoca una conclusión contradictoria y un claro aviso en los dominios de Fuencarral.

Para empezar, Supervivientes 2026 ha denotado un fuerte desgaste tras casi dos años en los que, como hemos visto, el reality ha ocupado la parrilla más de la mitad del tiempo de ese periodo. Así pues, el programa ha caído a su peor dato histórico de audiencia, siendo la última víctima del hundimiento del prime time -que detallamos en este otro análisis-. De hecho, solo ha podido rebasar por muy poco la media del millón de espectadores, barrera que únicamente han conseguido alcanzar esta temporada tres producciones empezando después de las 23h: Supervivientes, La isla de las tentaciones 9 y la serie de RTVE ENA. La reina Victoria Eugenia.

Con el tercer All Stars ya en el horizonte, Telecinco se la juega al forzar la máquina y apostarlo todo a su 'gallina de los huevos de oro', decisión que podría terminar por quemar un formato a priori infalible. Todo ello, con la duda siempre, que ya planteamos en el citado artículo, sobre cuán rentable es para las cadenas (o durante cuánto tiempo más podrán serlo) mantener producciones de inversiones millonarias en un horario en el que su audiencia apenas llega al millón de espectadores.

Sin embargo, la caída en la 'tentación' de Mediaset para explotar sus formatos estrella no es baladí, ya que Supervivientes sigue siendo -junto a La isla de las tentaciones- la única oferta con la que Telecinco es capaz de liderar con solvencia en ese nuevo (y tardío) prime time. Pese a ese mínimo en el 17.3% de share, el reality de aventuras prácticamente dobla con sus galas la media mensual de la cadena, que concluyó mayo con un preocupante 9.2% de cuota de pantalla.

Además, Supervivientes mantiene su vitola de portento televisivo, siendo prácticamente el único espacio televisivo (de cualquier cadena) capaz de anotar un 17% de share o más en ese horario estelar que arranca de lunes a jueves tras el final de La Revuelta y El Hormiguero. Por tanto, Telecinco se encuentra (y se encontrará a corto plazo) en la inevitable encrucijada de tener que decidir si da en algún momento descanso al reality que arroja algo de luz a sus críticas audiencias o si bien apreta aún más la soga a riesgo de que el formato termine pagando los platos rotos.

La recta final de Supervivientes 2026 ya está en marcha, consolidándose como una de las más expectantes que se recuerdan en los últimos años. Muchas son las aventuras vividas por sus concursantes, casi tantas como enfrentamientos o juegos de recompensa. El reality show de Telecinco está a punto de cerrar las puertas de una edición que, nos guste o no, será recordada por su gran protagonista: Claudia Chacón, una mujer que encarna tanto espectáculo como, por qué no decirlo, la telegenia. Este jueves, 4 de junio, se juega la permanencia ante una expulsión fratricida contra su pilar Maica Benedicto.

Su perfil encaja a la perfección con el ADN de la telerrealidad. Ya no es que no tenga reparo alguno a la hora de manifestar lo que piensa o siente, tampoco tiene miedo a las decisiones de la audiencia a consecuencia de sus actos. La gran protagonista de La isla de las tentaciones 9 tenía muchas papeletas para ser una de las protagonistas en las playas de Honduras. Sin embargo, pocos podían prever que su personalidad arrolladora iba a capitalizar la inmensa mayoría de las dinámicas en las galas.

La vigesimoquinta edición del formato en España, muy posiblemente, hubiera carecido de interés sin la participación de Claudia. Desde la primera semana fue clave en cada una de sus emisiones, colocándose casi sin excepción en el centro del huracán. Y aquellos espectadores amantes del espectáculo más descarnado se habrían sentido huérfanos de no ser por la natural de Palma de Mallorca. Pocas personas estarían en desacuerdo si la señalamos como la concursante que todavía lleva el peso específico de la edición.

Su supervivencia en los Cayos Cochinos está en juego tras la jugada maestra de Alvar Seguí de la Quadra-Salcedo. El collar de líder le permitió poner en marcha una nominación que, definitivamente, se presenta como una gran final adelantada. Mientras los concursantes decidieron que Aratz Lakuntza y Claudia Chacón debían jugarse la expulsión, el madrileño incorporó a Maica Benedicto a la lista definitiva. Dos días después, la audiencia tomó conciencia de que un duelo fratricida estaba por llegar.

La salvación de Aratz provocó lágrimas —y no precisamente de alegría— entre las robinsonas. Su amistad dentro del reality show solo tenía un final: romperse antes de la última gala, cuando Jorge Javier Vázquez proclama al ganador de la edición. Este es un punto muy importante en este análisis: el género reality show, valga la redundancia, premia que sus valientes sean reales. Muy pocas personas en esas playas se han mostrado tan transparentes como Claudia. Es el momento de echar la vista atrás para entender por qué su nombre quedará para siempre ligado a Supervivientes 2026.

Sobrevivir más allá de la dotación

En primer lugar, las estadísticas se presentan como una herramienta a tener en cuenta para entender cómo ha sido su experiencia. Claudia Chacón acumula la friolera de 12 nominaciones de un total de 14 semanas. Se dice pronto, pero para nada debe ser fácil vivir una experiencia de tal magnitud como esta mientras convives con personas que han manifestado tan vehementemente que no es bienvenida. Sin la mallorquina en las galas, ¿qué tipo de contenido habría visto la audiencia? Es cierto que la respuesta solo la tiene la organización… aunque mucho menos adictivo.

La eterna reflexión entra en escena: “Sería imposible convivir con alguien así durante tres meses”. Posiblemente, sea así, pero no podemos perder de vista que Supervivientes es un reality show donde el espectáculo tiene incluso más importancia que las pruebas de esfuerzo o el hambre. Guste más o menos, esta es la realidad. Claudia se desgañita, llora, eleva el tono y se desespera; pero sus arranques son completamente cautivadores. La joven logra algo fundamental en plena era de la fragmentación televisiva: mantener al espectador pegado a la pequeña pantalla. Y no es tarea fácil.

Una semana sin recompensa. Y otra. Suma otro domingo más…

En segundo lugar, las dinámicas desde el inicio de la competición son fundamentales para entender su comportamiento actual. La joven comenzó a sentir la animadversión de sus compañeros —no entramos a valorar si hay justificación o no— desde las primeras emisiones. Y las recompensas semanales son una prueba fundamental en este sentido. ¿Cuántas veces se ha elegido directamente a Claudia para disfrutar de un plato de comida? Muy pocas; para ser honestos, se podrían contar con los dedos de una mano. Hagamos un ejercicio de memoria con Supervivientes: Conexión Honduras:

¿Se entiende ahora el porqué de los enfados de Claudia e incluso los recurrentes robos de comida? No podemos pasar por alto el Tierra de nadie en el que se pudo redimir junto a Maica, acumulando croquetas por doquier para saciar sus hambres. Sus explosiones relacionadas con los alimentos consolidan a la joven como una concursante de otro tiempo. Muchas voces del sector apuntan a una hipótesis: un perfil como el suyo hubiera disparado las audiencias de Supervivientes en épocas previas con el consumo televisivo al alza.

Una concursante al servicio del espectáculo

En tercer lugar, Claudia Chacón se ha consolidado como un rostro entregado a la causa. Ella no solo es consciente de que está trabajando en televisión, sino de que los programas necesitan movimiento. ¿Es muy bonito ver pescar o cómo se superan los concursantes haciendo fuego? Por supuesto. Pero un reality show de tres meses no puede girar alrededor de estas ideas únicamente. La esencia del actual Supervivientes es otra completamente distinta: poner en valor el justo equilibrio entre esfuerzo, superación y juego. La joven no solo reúne estas condiciones, también tiene esa capacidad fundamental de traspasar la pantalla y llegar al espectador.

La mallorquina no ha tenido reparo en dirigirse a compañeros como Aratz y decirle lo que muchos espectadores piensan: si no hubiera sido por ella, ¿dónde estaba el entretenimiento? Este tipo de perfiles generan emociones y sentimientos en el espectador —ya sea para bien o para mal—, permitiendo que el género despierte interés en el público. Claudia ha apelado desde el primer día a que todos están en televisión. En este mar de conflictos, la verdadera amistad también se ha abierto camino. Su unión inquebrantable con Maica ha puesto sobre la mesa su lado más humano.

Conviene destacar también que el reality show ha sabido explotar a la perfección sus enfados hasta convertirlos en reclamo cada semana. La presencia de Claudia en el casting ha contribuido sobremanera a las audiencias globales de Supervivientes 2026. Si bien es cierto, los números no son tan abultados como en anteriores ocasiones. Pero también cabe la posibilidad de plantear qué hubiera ocurrido si las entregas no hubieran tenido tramas tan adictivas como las suyas. A falta de las últimas entregas, estos son los datos cosechados durante la edición:

Entrega total pese a un ataque inadmisible

En cuarto y último lugar, Claudia Chacón se ha perfilado como una concursante entregada por completo a Supervivientes. Durante toda la experiencia ha encarnado todos los estados emocionales que puede transitar cualquier espectador: ira, rabia, tristeza, decepción, amor… La mayor muestra de su dedicación es, con toda seguridad, su corte de pelo. Aunque se lo pensó, remó a favor de obra y sirvió a la audiencia ese espectáculo que tanto había gustado en ediciones anteriores. Evidentemente, a cambio de varios platos de comida.

Que nadie pierda de vista que esos alimentos se perdieron en una mudanza. Sus compañeros alegaron que no fue posible subir a la barca esas recompensas porque, en el fragor del traslado, se cayeron al suelo. ¿Hubiera ocurrido lo mismo si los víveres perteneciesen a otros? Tanto Claudia como Maica ya se aventuraron a responder que, evidentemente, no. Y atención porque este tipo de anécdotas no significan nada si establecemos una comparación con su momento más difícil en Supervivientes 2026.

El episodio más duro de la edición se dio a conocer el martes 21 de abril. Tras la barbacoa antes mencionada, el viaje en barca hacia la playa se convirtió en escenario de una tensa e inadmisible discusión. “Este tío es un manipulador. ¡Que te calles!”, espetó Claudia, desatando la reacción de Gerard Arias: “Estás quedando delante de toda España como la que eres, una persona de cero”. La concursante elevó el tono: “No voy a decir lo que te pasa a ti por irte follando a todas en los baños”.

Sin embargo, la respuesta careció de cualquier tipo de justificación: “Por lo menos no cobro como tú, que vas cobrando”. La tensa situación continuó en la playa: “Te vas de vacaciones a gastarte 20.000 euros a la semana con un sueldo de dependienta, a mí no me cuentes películas”. Mientras tanto, Claudia insistía en que no estaba dispuesta a soportar ese tipo de declaraciones: “No voy a permitir que un retrasado mental me llame a mí 'puta'”.

'Supervivientes 2026' será recordado por Claudia

En conclusión, la joven se presenta como una mujer que lleva en su ADN las características de cualquier gran concursante de realities. Y atención porque no podemos perder de vista que, televisivamente, es una recién nacida. La vorágine de enfrentamientos durante toda la edición, sus explosiones y las decisiones precipitadas la consolidan como un perfil fundamental para el género. Después de cargar con el peso específico de la práctica totalidad de las galas, Supervivientes 2026 será recordado gracias a Claudia Chacón.

Llevamos ya varios años, probablemente desde el 2020 de la pandemia del coronavirus, oyendo hablar de polarización y crispación política. Aspectos a veces incluso denunciados desde medios de comunicación que no predican con el ejemplo y que terminan siendo partícipes de un ruido y una alteración que permea cada vez de forma más peligrosa en la sociedad. De un tiempo a esta parte, la televisión se ha terminado de entregar a esta bronca dinámica, elevándose el tono hasta entre programas de televisión de diferentes cadenas, tal y como ha ocurrido varias veces en los últimos días entre RTVE y laSexta.

Y si toda esta agitación ya es reprochable a las emisoras privadas, que pese a este factor empresarial deberían de tener igualmente un gran sentido de la responsabilidad frente a la audiencia, en el caso de la televisión pública la exigencia en este sentido debería ser elevada a la máxima potencia. Dejando a un lado cualquier debate sobre su línea editorial, o sobre el ejercicio periodístico de sus espacios informativos, sorprende (y no para bien) ver a RTVE bajar a un barro del que debería vivir totalmente aislada.

Por supuesto que la televisión de todos y los profesionales que trabajan en ella tienen derecho a defenderse de ciertos ataques o de denunciar públicamente cualquier tipo de señalamiento o acoso que comprometa el libre ejercicio de la información. Sin embargo, convertir todo ello en un constante campo de batalla que nutra día tras día los contenidos de sus principales formatos, con el objetivo de generar más interés o atención entre la audiencia -y la tentación es obvia, viendo los buenos datos en los que se mueve RTVE- es una praxis a la que emisora no debería estar abonada.

Lamentablemente, esto es lo que el espectador percibe últimamente a través de buena parte de los magacines que articulan la parrilla diaria de La 1 y La 2, en los cuales cada vez son más frecuentes ciertas narrativas llameantes, o subidas de tonos y enfrentamientos entre presentador y/o colaboradores. Algo que hasta hace poco veíamos cercado al ámbito del corazón y la crónica social, o incluso de la tertulia futbolística, hoy está más que normalizado en el mundo de la actualidad y la información gracias a la espectacularización que se está haciendo de la política. Y esto, con más razón en el terreno de una cadena pública, no se debería permitir.

RTVE tendría que hacer una reflexión al respecto y mirar hacia sus entrañas, donde guarda precisamente otro tipo de productos televisivos que luchan contra todo ese ruido y que no tienen complejos en comprometer su rendimiento en audiencias en pos de reforzar su condición de espacio de calidad y a la altura de lo que se debe ver en una radiotelevisión pública. Aprovechando este convulso contexto, verTele pone en valor cuatro programas 'y medio' (como explicaremos a continuación) que abordan la actualidad de forma sosegada y reflexiva y que, sin duda, marcan el camino que RTVE debería seguir en el futuro.

'Se nos ha ido de las manos'

Se nos ha ido de las manos es el formato que ha llevado a la televisión en abierto el universo audiovisual de Carles Tamayo y el identificable sello de producción con el que triunfó en Youtube y, más recientemente, en Prime Video con su premiada Cómo cazar a un monstruo. Avalado por su reconocida trayectoria, RTVE decidió apostar por el joven periodista de investigación, a quien encargó una serie reportajes de denuncia social de la que finalmente surgieron tres entregas.

La primera de ellas, dedicada a la especulación con la vivienda y la grave crisis que afecta a toda una generación, se llevó el aplauso de la prensa especializada y de aquel público que, pese a su desatinada programación en la parrilla, se pudo asomar a su tardío estreno en La 1 y, gracias al boca a boca, a su integración posterior en el catálogo de RTVE Play. Con el foco puesto en los bulos y la desinformación -en catástrofes como la dana de Valencia o el gran apagón de 2025- y en el mercado de los datos que cedemos a través de la tecnología, su segunda y tercera entrega certificaron que es un formato a la altura de lo que se espera en una televisión pública.

Se nos ha ido de las manos marca el ejemplo que RTVE debería seguir en la búsqueda de nuevos productos que aborden temáticas de actualidad, siempre desde el rigor y encontrando el equilibrio perfecto entre la información y el entretenmiento. Tamayo lo ha conseguido a través de un programa con un look muy actual y que logra trasladar con acierto a la televisión los códigos habituales del entorno digital. Una misión con fallidos intentos en el pasado de la pequeña pantalla pero que RTVE ha logrado superar, ayudándole a conectar con ese público joven al que tanto persigue el medio catódico tradicional.

La inteligencia de Tamayo y los suyos para poner en evidencia diferentes problemáticas, sumada a la complicidad que el reportero logra con el público al introducirlo en las bambalinas de sus investigaciones, se erigen como las claves del éxito de un formato que debería tener continuidad en RTVE. Eso sí, con un horario adecuado que no lastre sus audiencias y con el respaldo de promoción que se merece.

'Me meto en un jardín'

Lo nuevo de Mercedes Milá en RTVE es otro oasis dentro del ensordecedor ruido mediático en el que se mueven el resto de espacios de la emisora. El programa a cargo de Zanskar Producciones, la compañía propiedad de Jesús Calleja, traslada a la pública el ADN y la seña de identidad de otros formatos de la productora, como Planeta Calleja, Volando Voy o Scott y Milá, que también condujo la catalana hace unos años en Movistar Plus. Hablamos de esa impronta por la conversación en medio del viaje, llevando a los famosos o personajes entrevistados a entornos peculiares que potencien el factor humano de sus vivencias y de sus testimonios.

Me meto en un jardín juega con astucia a no ser un programa de entrevistas más, sino que aprovecha el ambiente relajado que se crea entre el invitado y la presentadora para abordar temas espinosos o controvertidos que han afectado -como vimos en el estreno con el escritor David Uclés- a sus trayectorias vitales o profesionales. Así, Milá se mete en un jardín en sentido figurado, pero también literal, ya que en cada entrega se visita un parque o enclave natural con singularidades que están relacionadas con el protagonista del episodio.

De esta manera, RTVE encuentra una original percha para un formato que va como un guante a La 2, cadena a la que refuerza con un rostro tan potente como el de Mercedes Milá. Y es que la periodista, que dota al proyecto un gran sello autoral, es capaz de atraer nuevos públicos a la emisora durante una noche dominical en la que los espectadores buscan acabar la semana con buen rollo y tranquilidad tras la alta crispación en la que vivimos inmersos. En ese temprano prime time dominical, Me meto en un jardín encuentra además público potencial, ya que es el hueco habitual de otros formatos de entrevista y conversación, como Salvados o Lo de Évole.

'Barrio Esperanza'

El servicio público en RTVE relacionado a temáticas sociales o de actualidad no sólo se puede (ni se debe) hacer desde los programas de la casa, sino también a través de su ficción. Y ahí Barrio Esperanza es el ejemplo perfecto de ello, ya que es una serie que encuentra su hueco ideal en la emisora de todos. En ella, Mariona Terés interpreta a una mujer que, tras pasar varios años en prisión y rehacer su vida estudiando Magisterio, consigue una plaza como profesora en un colegio público de un barrio humilde.

En ese ambiente, la protagonista combate los prejuicios que tienen contra ella algunos de sus compañeros y vecinos de la zona, a la vez que se resarce de su pasado ayudando a unos alumnos afectados por problemas sociales, económicos o familiares de toda índole. Así pues, impregnando la ficción de comedia y drama a partes iguales, Barrio Esperanza se erige como un certero reflejo de lo que se vive en muchos barrios obreros de nuestro país, lo que convierte su valor dentro de RTVE en algo que va más allá del entretenimiento.

Y es que la cadena logra, por un lado, situar el foco en aspectos como la reinsersción social, la convivencia entre culturas, la precariedad de las familias y, al mismo tiempo, poner en valor y reivindicar el papel de los docentes y de una educación emocional como vehículo para intentar trasnformar vidas. La serie de RTVE y Globomedia (The Mediapro Studio) supone, por tanto, una defensa de la escuela pública, visibilizando a través de una amable comedia las problemáticas a las que se enfrenta la institución y sus trabajadores y el valiosísimo pratrimonio humano que debemos cuidar para las generaciones venideras. De nuevo, la pública cumple así con su función social sin necesidad de caer en el ruido.

'Futuro Imperfecto'

RTVE ha demostrado también que se puede hacer servicio público a través del humor gracias a formatos como Futuro Imperfecto. El programa de Andreu Buenafuente se suma así a otros espacios que son de gran valor para la emsiora, como La Revuelta de David Broncano o el Al cielo con ella de Henar Álvarez, que ha revolucionado de alguna manera el 'late show' con algo tan necesario (y que a la vez se ha tardado tantos años en conseguir) como es imprimir a la comedia perspectiva de género.

Pero hacemos hincapié en Futuro Imperfecto por algo que ya analizamos tras el estreno de la primera temporada del programa en La 1. Y es que aunque muchos aseguraron tras su lanzamiento que el catalán estaba haciendo “lo mismo de siempre”, nada de eso tenía que ver con la realidad. Dejando a un lado el sello personal habitual del cómico, lo cierto es que Buenafuente consiguió romper en fondo y forma con muchos de los estándares en los que se venía apoyando a lo largo de su carrera.

En Futuro Imperfecto, que todavía aguarda su regreso a la parrilla de La 1 tras el parón por la baja médica del presentador, se respira cierta artesanía televisiva -en la que Andreu y los suyos se doctoraron durante la pandemia-, ya que el cómico despoja su show de cualquier artificio -sin estructura fija entre las secciones, con un decorado sobrio y minimalista- que desvíe el foco de lo importante: la palabra. Una palabra que, como en aquella triste primavera de 2020, Buenafuente vuelve a usar en RTVE, tal y como avisó en su monólogo inaugural, como bandera contra la polarización y el enfrentamiento que desde la clase política hace tiempo ya que permeó en la sociedad.

Con todo, Futuro Imperfecto se presentó ante los espectadores de La 1 como un remanso televisivo en el que bajar un par de marchas a la vida para intentar llegar así a reflexiones y conclusiones algo más maceradas sobre la intrépida realidad que nos rodea. Una apuesta que encaja perfectamente en lo que se debe exigir al entretenimiento de la televisión pública y que, pese a ir a la contra de las teorías actuales sobre el consumo audiovisual, encontró el respaldo del público, tal y como han demostrado sus datos de audiencia. Su continuidad en RTVE debería estar más que asegurada.

'El Juicio (sin el juicio)'

Con El Juicio llegamos a ese 'y medio' que figura en el titular de este especial. Y es que el programa de RTVE, una de sus anunciadas apuestas primaverales para La 1 que acabó viendo la luz en La 2, cumple solo a medias con los requisitos que venimos planteando a lo largo del artículo. El formato de José Luis Sastre ha desembarcado en la cadena como un híbrido entre el género jury show y el documental en el que solo este segundo apartado logra superar (con creces) los estándares de calidad que se le deberían pedir a una televisión pública.

Aunque al principio el cambio de canal desconcertó a los espectadores, una vez estrenado se entendió mejor la decisión de la emisora de darle espacio en La 2. Primero, porque por su tono y ritmo logra allí un mejor encaje. Y después, y tal vez lo más importante, porque el parcheado resultado final del formato, con una interesante pero mal ensamblada mezcla de géneros, no animaba a confiarle la exposición del canal principal. Y es que esa parte en la que se lleva a 'juicio' diferentes temas o problemáticas sociales no está del todo bien ejecutada.

A pesar de ese buen intento de apostar por el debate y la escucha en la confrontación de ideas, este apartado -troncal en el cómputo global de cada entrega- se siente impostado y teatralizado, con poco margen a la naturalidad. Por otro lado, además de presentarse con una estética y ritmo televisivos de otro tiempo, El Juicio erra en el enfoque de sus debates. Primero por considerar que son debatibles cuestiones como: “¿Se debe invertir más dinero en sanidad pública?” o “¿Es lícito lucrarse con la vivienda?”. La respuesta a estas preguntas debería ser obvia. Y segundo, por la incoherencia de intentar luchar contra la polarización planteando una discusión en la que solo se enfrentan dos posicionamientos opuestos y estancos.

Sin embargo, El Juicio encuentra sus momentos más brillantes en la parte de reportajes conducida por un José Luis Sastre que merece más presencia en pantalla de la que tiene a lo largo de cada programa. Da lástima que el locutor valenciano, realmente el principal reclamo con el que llegaba este proyecto a RTVE, no tenga un mayor protagonismo. Sus breves piezas elevan la factura final, saliendo acertadamente a una calle en la que el periodista da voz a quienes normalmente no la tienen. Es ahí donde el espacio encuentra sus momentos más interesantes y sus razones para erigirse como un producto necesario dentro de la televisión pública.

Imagina llevar 40 años sin saber absolutamente nada de tus orígenes, desconociendo incluso los apellidos con los que llegaste al mundo. La serie documental Abandonados explora esta premisa tan desconcertante como real, presentándonos a tres protagonistas cuya propia historia es un interrogante continuo. En verTele ya hemos visto los cuatro capítulos de esta producción con la que Carles Porta se pasa el juego de nuevo, esta vez en Disney+. Merece la pena invertir tiempo en esta obra con la que el periodista trasciende al true crime, contemplando cómo un mapa en blanco se va llenando poco a poco.

El refranero popular vuelve a sentar cátedra con el dicho “la realidad supera a la ficción”. Este viaje nos permite conocer un turbulento episodio de la crónica patria de sucesos que, pese a asomarse en la televisión de los años 80, jamás encontró una posición prioritaria en la agenda mediática. ¿Qué se escondía detrás de esta circunstancia si tenía todos los ingredientes para estar en boca de un país entero? Solo hay una verdad, pero conjeturas infinitas a juzgar por lo que se explora en pantalla. ¿Nadie se ha preguntado si Paco Lobatón entró en acción?

Los hermanos Elvira, Ramón y Ricard se ponen frente a las cámaras para compartir con el público sus sentimientos más profundos, varias décadas después de que sus padres renunciaran a ellos. Una historia que también contó el periodista Giles Tremlett en elDiario.es. Estrenada el viernes 29 de mayo, Abandonados es una producción que cuenta con el garante sello de Luminol Media —productora liderada por Carles Porta—. El título que nos ocupa se aleja del típico género criminal que tanto interés suscita en los espectadores, pero este viaje al pasado está a la altura de los trabajos más destacados del periodista. Arrancamos con la crítica, armada con cinco claves.

El caso que pasó desapercibido hace más de 40 años

En primer lugar, es necesario poner el foco en lo ocurrido hace décadas en nuestras calles. La vida de los protagonistas cambió para siempre el domingo 22 de abril de 1984: tres niños de 2, 4 y 6 años aparecieron sin explicación en la Estación de Francia, ubicada en la ciudad de Barcelona. Estaban solos, sin ningún adulto que les supervisara o les acompañara. Pasaron horas frente a los trenes mientras jugaban, ajenos a la realidad de lo que les estaba pasando.

Las autoridades acudieron al rescate, pero sin prácticamente capacidad de maniobra. Los pequeños no pudieron explicar quiénes eran, cómo se llamaban sus padres, dónde vivían o tan siquiera por qué estaban en ese lugar. Nadie los reclamó jamás, pese a que el abandono se publicó en prensa y hasta se abordó a nivel autonómico en televisión. De un centro de acogida se trasladaron a su nueva casa tras ser adoptados.

Los tres comenzaron una nueva vida desde que se mudaron con esta pareja de pedagogos, ambos dispuestos a darles el amor que dejaron de sentir. Los pequeños fueron creciendo sin saber ni cuáles eran sus orígenes ni cómo habían sido sus vidas, sin prácticamente recuerdos nítidos a los que acudir para avanzar. Nadie los reclamó jamás. Aquellos niños crecieron para convertirse en adultos que necesitan, simplemente, saber. Y Carles Porta entra entonces en la ecuación, después incluso de que medios internacionales probaran suerte.

Un mapa vacío y una línea temporal impecable

La segunda clave está relacionada con una narrativa armada de manera impecable. La historia de sus protagonistas se estructura en una línea temporal que te atrapa desde el primer minuto y no te suelta. Lo que hace verdaderamente interesante a Abandonados es su capacidad para redescubrir un caso olvidado a partir de la nada más absoluta. Imagina ahora estar frente a un corcho con un mapa de Europa y solo un par de chinchetas dispersas. Aunque parezca imposible trazar una ruta, esta producción lo consigue… y de qué manera.

Los protagonistas solo recuerdan que un tal Denis los llevó en coche a la citada estación. No hay más. A partir de ahí, el espectador se sumerge en un océano de recuerdos vagos, lugares inconexos y escenas borrosas que parecen incompatibles con cualquier investigación. La magia de esta producción radica en la capacidad de mostrar cómo un grupo de periodistas, investigadores independientes y hasta ciudadanos anónimos se fueron uniendo poco a poco. No había móvil económico, solo la justicia y la necesidad de ayudar. Gracias a ellos, la luz se abre camino en la oscuridad.

Una joya de identidad construida desde la nada

En tercer lugar, Abandonados puja por ser una auténtica joya en el agitado mar del streaming. El valor de esta serie documental va mucho más allá del entretenimiento: es el vehículo para que tres personas puedan, por fin, tener su propia historia. Este trío de desconocida procedencia al principio del metraje únicamente sabía cuál era su nombre de pila: no tenían un pasado, tampoco un árbol genealógico ni certeza alguna sobre sus orígenes.

Los cuatro episodios nos invitan a adentrarnos en las entrañas de este caso real con un enorme despliegue: se descubren archivos inéditos de la era analógica —cuyo acceso parecía imposible— en otros países y hasta se logra dar con personas que, pese a las dificultades, se ponen frente a las cámaras. Esto no es un spoiler, pero piensa cuál sería la reacción natural de cualquier persona ante esta llamada: “Creo que hemos encontrado a alguien; puede que sea verdad que conoce a tu familia”.

Más allá del true crime convencional

La cuarta baza de Abandonados es, precisamente, su distancia con el concepto de true crime que cualquier espectador medio puede relacionar con Carles Porta. Aquí no hay asesinatos en serie que analizar, ni sangrientas escenas del crimen, ni tampoco la búsqueda de un culpable. El formato es completamente diferente, abrazando el misterio desde un punto de vista mucho más humano y empático. Por eso se describe el título desde el inicio como “serie documental”.

En este sentido, el suspense de cada capítulo no gira alrededor de quién aprieta un gatillo o emplea un arma blanca. El gran atractivo gira alrededor de conocer quiénes son los niños que jugaban en la Estación de Francia aquella primavera de 1984. Alrededor hay un secretismo en ocasiones desesperante, más teniendo en cuenta todos los acontecimientos que se suceden durante los episodios. Es, en definitiva, una investigación intimista que lucha por reconciliar a los hoy adultos con su propia historia —quién sabe si reencontrándose con ella—.

Justicia para el pasado y el presente en 'Abandonados'

Finalmente y en quinto lugar, no podemos pasar por alto el merecido homenaje que la serie rinde a esa pareja de pedagogos que acogió a los niños en su día. La realidad es que se evidencia que el amor y la entrega incondicional son ingredientes fundamentales para construir tanto un hogar como una familia. Ambos intentaron siempre que sus hijos adoptivos se reconciliaran con sus desconocidos orígenes, y es admirable cómo esa premisa se mantiene después de 40 años.

Carles Porta se supera con Abandonados en Disney+, una propuesta sobradamente emotiva con la que explora caminos más allá del true crime. En definitiva, es un ejercicio de justicia poética con el pasado de Elvira, Ramón y Ricard… pero también con su presente. Ojalá haya nuevos capítulos próximamente.

Hubo un tiempo en el que la televisión se alimentaba de lo imprevisible, de una espontaneidad íntimamente relacionada con el impacto en el espectador. En aquella época, los perfiles que hablaban a las cámaras estaban dispuestos a dejarse la piel —o incluso el contrato— en cada intervención. En una pequeña pantalla que hoy sufre los efectos de una corrección preventiva frente al pánico por la cancelación, Alba Carrillo se levanta como una rara avis en plena sucesión de polémicas. En definitiva, una muestra de que la naturalidad llevada al extremo es un motor que mantiene vivo al medio de comunicación de masas por excelencia.

La presentadora de El sótano club en Ten encarna a la perfección el concepto 'kamikaze'. Posee una telegenia magnética, de las que te clavan en el sofá esperando la próxima explosión. En una industria permanentemente preocupada por evitar mojarse, ella prefiere tirarse a la piscina. Para quienes disfrutamos de la trastienda mediática, que vendría a ser el lugar donde muchas veces se da el verdadero espectáculo, Carrillo trasciende la idea general de lo que es un comunicador al uso. Podemos decir incluso que puja por ser un valor imprescindible que no tiene miedo a llevar por bandera sus pensamientos… aunque le pueda perjudicar.

No es casualidad que su sello se considere algo fundamental para el espacio vespertino que produce Dollhouse, hasta el punto de generar una destacada —y muy necesaria— repercusión para una cadena temática. Basta con analizar el 'torbellino Carrillo' para entender que sus discursos no se limitan a comentar el día a día, sino que responden a una necesidad propia: defender tanto sus valores como sus pensamientos. Sencillamente, protagoniza sin temor aparente un sinfín de episodios de alto calado para los espectadores… y para los directivos de la industria.

De 'Supermodelo' al Olimpo de los realities: el camino de una 'superviviente' televisiva

El nacimiento televisivo de Alba Carrillo se produjo en 2007 de la mano de Supermodelo. Cuatro puso en marcha un formato donde más de una decena de mujeres que buscaban convertirse en la representante española en el certamen Elite Model Look. Fue en aquel momento cuando se dio a conocer entre el gran público y dio el salto años después a la tertulia matinal de RTVE llamada Amigas y conocidas, diciendo adiós tras contraer matrimonio con Feliciano López. El año 2016 fue un punto de inflexión en su trayectoria profesional, iniciando su particular andadura en Telecinco hasta elevarse a valor seguro entre la audiencia.

Su desembarco en Mediaset fue como presentadora de Hable con ellas, lo que le abrió la puerta a un sinfín de programas y realities, y donde forjó una estrecha amistad con Rocío Carrasco. La natural de Madrid evidenció su enorme conexión con los espectadores diez años después de su debut televisivo, alzándose como la segunda finalista en Supervivientes 2017, el mismo puesto que en GH VIP 7. Después de ser rostro de cabecera en Sálvame, Ya es mediodía, El debate de las tentaciones, Ya son las ocho, Secret Story o Fiesta, un inesperado despido se erigió como una catapulta que la lanzó en brazos del público. Incluso el vídeo, papeles en mano, criticando a Ana Rosa Quintana todavía se recuerda.

El vínculo actual con RTVE comenzó a forjarse en 2024, ejercicio en el que empezó a ser un rostro clave en sus espacios relacionados con famosos. Lo innegable es que superó todas las expectativas en cuanto a sinceridad, de hecho, habló abiertamente de sus preferencias políticas y hasta se atrevió a vaticinar qué ocurriría con ella en la cadena pública si cambiaba el Gobierno: “Si gana el PP, me iré a la calle”. Lejos de mantener un perfil bajo para salvaguardar su puesto de trabajo, defendió sus posiciones tras el fallido La familia de la tele: “Pienso que me quedan ahí como mucho dos años, lo tengo clarísimo”.

Con el paso de los meses, su relación con la corporación continuaba a pleno rendimiento. La exparticipante de Hasta el fin del mundo y colaboradora en D Corazón se convirtió en la presentadora de un nuevo formato para las tardes de Ten en abril de 2026. Nació entonces El sótano club, heredando la franja que otrora fue campo de batalla para los colaboradores de Sálvame con Ni que fuéramos Shhh, reconvertido en Tentáculos y posteriormente en No somos nadie. Se apostó por un formato más fresco, dirigido al público joven y con perfiles de calado entre las nuevas audiencias… pero manteniendo esas polémicas tan suculentas.

Dinero público, el pulso definitivo a RTVE y discursos personales

La última sucesión de reacciones viscerales de Alba Carrillo no hace más que confirmar un diagnóstico: no está dispuesta a autoimponerse mordazas para agradar. Con semblante serio en El sótano club y la intención de que constara su desacuerdo, la presentadora se pronunció hace pocas semanas en contra de la permisividad de RTVE con los fichajes de MasterChef Celebrity Legends. La participación de Paz Vega en el talent show —figura en la lista de “defraudadores” con Hacienda— se unía al regreso de Ofelia Hentschel, quien pidió abiertamente que la población dejase de pagar impuestos al no ser repatriada en pleno ataque iraní a Dubai.

Este inesperado pronunciamiento se produjo con una reflexión que ya presagiaba lo que vino después: “Esto me puede salir caro. […] Yo pago mis impuestos y soy de lo poco… de lo mucho bueno que hay allí. Me sienta mal que sigan cogiendo a ciertas personas”. La reflexión provocó una “llamada de atención” poco después, resultando en un drástico adiós a las colaboraciones en D Corazón: “No me importa si me quedo sin trabajo. Estaré encantada porque es la puñetera verdad”. Por el momento se desconoce si se trata de una decisión voluntaria o una directriz de la corporación pública.

El que podríamos denominar como 'Carrillo Gate' no termina aquí. Haciendo alarde de su fascinante incontinencia verbal, la presentadora volvió a defender su postura hace unos días desde El sótano club: “A mí nadie me va a llamar la atención por decir cosas que son más verdad que un santo”. Es más, aprovechó para enfatizar su discurso “progresista” días después de haber mencionado abiertamente el supuesto “poder” de Macarena Rey, CEO de Shine Iberia y productora de MasterChef: “Me parece fortísimo que siga enriqueciéndose a costa de todo. Esto lo dice una ciudadana, no una trabajadora de TVE”.

Su catarsis continuó salpicando a RTVE con Benita entrando en la ecuación. La futuróloga abordó abiertamente la polémica para valorar esta situación como “una huida hacia delante”, algo que terminó provocando un cisma: “A ver si voy a seguir dando mi opinión de dónde van los fondos públicos de las televisiones. […] Yo no tengo amigos directores de ningún canal. Tendré que estar en TVE si lo decidimos nosotros, no Benita… ¡Que ya tiene mucho poder!”. La reflexión siguió en directo de forma tajante: “¿Alba hace huidas adelante? ¿Alba, que está hablando de tus impuestos para que tú te puedas operar?”.

Especial mención merecen también dos entregas de su programa en Ten de lo más comentadas. Una de ellas tiene que ver con la gran bronca en riguroso directo de la presentadora con Alberto Guzmán a cuenta de María Patiño: “¿Qué miedo le tenemos?”. La otra está relacionada con José Ortega Cano y Gloria Camila, con Carrillo recordando el pasado y abanderando su rechazo hacia la tauromaquia: “Se están metiendo mucho con Pelayo Díaz por decir que los que matan animales son asesinos. Eso es así. […] Podemos entrar en otros temas en los que tu padre también hizo lo que no debía y se le puede poner ese nombre”.

El ADN que Telecinco dejó escapar

Resulta paradójico —y quién sabe si un error de cálculo— que Telecinco prescindiera de un perfil tan visceralmente ligado a su propio ADN. La televisión no puede olvidarse de que la audiencia ávida de crónica social no coge el mando a distancia para ver manuales de corrección, sino para encontrar tanto verdad como emoción… sin olvidarnos del conflicto. Y es que los espectadores de hoy en día comienzan a experimentar cierta fatiga, algo que se puede resolver con figuras conscientes de los límites, pero sin temor alguno a la hora de defender sus principios.

Es tan adictivo escuchar a Alba Carrillo porque representa el triunfo de la espontaneidad frente a las apariencias 'corteses' que abundan en nuestra televisión. La comunicadora dice públicamente lo que siente y lo que piensa, asumiendo los posibles costes de la factura independientemente de la cadena en la que se encuentre. Ya se enfrentó previamente a titanes de la profesión como Jorge Javier Vázquez sin miedo a posibles represalias en Mediaset. Tras su despido hizo lo propio con Ana Rosa Quintana y más recientemente ocurrió lo ya destacado con José Pablo López, presidente de RTVE.

Radiografía de 'El sótano club': sus audiencias desde el estreno en Ten

El sello inconfundible de Alba Carrillo se convierte, sin lugar a dudas, en el mayor valor de El sótano club. En un ecosistema tan fragmentado como el español, la personalidad de la presentadora se comporta como un imán para un perfil de espectador muy codiciado. Desde su estreno durante la jornada del lunes 13 de abril hasta ahora, el formato promedia un 0.53% de cuota de pantalla y 41.000 espectadores. En definitiva, cifras modestas si se comparan con sus predecesores, pero entendibles al fin y al cabo por dos razones: el jaleo mediático que tanto interés suscitó Ni que fuéramos Shhh y la presencia de colaboradores con alto perfil televisivo entonces.

Sin embargo, el formato vespertino destaca en el target de 25 a 44 años: alcanza un 1.8% de share, lo que supone doblar la media del canal en este segmento. El dato es fundamental para los anunciantes porque agrupa público joven, comercial y esquivo en ocasiones para la televisión convencional. La capacidad de Carrillo para generar titulares y acaparar parte de la conversación es vital para mantener a flote este particular bastión generacional, pero también para atraer espectadores a través de su vía alternativa de emisión. Estos son los datos acumulados desde su estreno hasta ahora en YouTube:

¿Es realmente Alba Carrillo un revulsivo fundamental para El sótano club? La respuesta puede ser afirmativa, a juzgar por el ranking de las cinco emisiones más vistas hasta la fecha, todas ellas por encima de la media del formato en sus 6 semanas de emisión:

El programa es fundamental para dotar de identidad a Ten, presentándose como una cadena que apuesta perfiles más noveles y temas de interés entre los jóvenes durante sus tardes. Sin embargo, también es necesario echar un vistazo al pasado más reciente en la franja entonces copada por rostros que estuvieron 14 años liderando en Telecinco, de cuyos datos todavía está lejos:

Alba Carrillo, un reducto de televisión irreverente

En conclusión, Alba Carrillo se consolida como uno de los últimos reductos de una televisión irreverente y visceral desde El sótano club. El panorama mediático está más fragmentado que nunca, por lo que una figura capaz de generar sensaciones extremas en los espectadores es garante de repercusión. Podrán cuestionarse sus formas o incluso el precio a pagar por su fascinante incontinencia verbal, pero es innegable el magnetismo de esa autenticidad que a veces parece kamikaze. Al fin y al cabo, el verdadero vínculo con la audiencia siempre fue bastión de aquellos profesionales que se mantuvieron fieles a su esencia. Habrá más capítulos.

Estos días, TV3 anunciaba la renovación de La gran cita por una segunda temporada, que ya ha abierto el casting para encontrar a sus nuevos 100 solteros en busca del amor... y lo he celebrado como si yo fuera uno de ellos. Y es que el visionado de los ocho programas del dating presentado por Dulceida me ha devuelto la fe en el amor de las nuevas generaciones.

En una época en la que La isla de las tentaciones (con el que ha coincidido en el mes de emisión) nos pone delante a veinteañeros que necesitan controlar cómo se mueve su pareja cuando no están ellos delante, que miden la confianza según lo que les guste otra persona, o se marcan de límite “un coño en la nuca” para continuar la relación, o prometen regalarse un anillo de compromiso si ninguno se ha acostado con otro en un reality... llega La gran cita dando un golpe en la mesa para demostrar que en esa misma generación también hay quienes saben construir relaciones sanas.

En el reality catalán se selecciona a un centenar de personas con ganas de encontrar pareja, a los que la IA analiza y les busca su pareja ideal (por su alto grado de compatibilidad), pero no sabrán de quién se trata hasta el final de la experiencia. Por ello, los candidatos van teniendo citas con quienes se sienten atraídos, guiándose solo por la química, para acabar descubriendo si la tecnología ha escogido a la misma persona que sus sentimientos.

Con esta premisa, el nuevo reality-dating show de TV3 (y sobre todo el acertado casting) demuestra que también las relaciones sanas son adictivas en televisión. Que no hacen falta discusiones para desarrollar tramas, que las tramas también pueden generarse con conflictos surgidos desde la calma y el respeto. Que cuidar, hablar sin gritar y entenderse también da audiencia.

Responsabilidad afectiva hacia los protagonistas y hacia los espectadores

La gran cita te mantiene pegado a cada entrega escuchando hablar de vulnerabilidad, honestidad, brújulas morales, duelos en las rupturas, inseguridades, aprendizajes... un maravilloso vocabulario que pocas veces se escucha en estos programas.

“Puedo estar triste y no tener miedo ni vergüenza de decirlo”, confiesa uno de ellos a su cita. “No es que te esté diciendo que no a ti, es que quizá en el momento vital en el que estoy es un 'no' en este momento”, expresa otro. Poco después se escucha a una joven explicar que “cuando alguien le gusta se siente mucho más cohibida” y su interlocutor responde: “Yo te confieso que el que no expreses lo que sientes me hace sentir inseguro”. Me emociono.

“En una relación abierta tienes la sensación de que realmente estás escogiendo cada día a la persona, no por obligación, si no porque tienes ganas de estar con ella”, dice uno de ellos a otro soltero con el que siente su mayor conexión, pero antes de seguir conociéndole necesita compartir esa visión de la pareja. Casi me levanto a aplaudirle.

Después de tener citas con varias personas por las que han sentido atracción, tienen que decantarse por una sola. Eso sí, ninguno desaparece (haciendo ghosting), sino que todos se preocupan por explicarse las razones: “Siento si te he dado falsas esperanzas”, dice uno. “Tranquilo, todo está bien. Ojalá salgas de aquí feliz”, responde otra.

Esa responsabilidad afectiva que transmite cada uno de los protagonistas (cuidadosamente escogidos para que sean posibles estos momentos), también traspasa la pantalla en cada una de las entregas y en cada uno de sus detalles. Llevo muchos años siendo espectadora de realities y pocas veces ocurre que sientas que desde detrás de las cámaras también están teniendo responsabilidad afectiva hacia su público. Eso también te enamora de La gran cita de TV3.

Dulceida: “Cuando vi este proyecto sentí que era mi sitio”

El tercer gran acierto de La gran cita es contar con Aida Domènech “Dulceida” como maestra de ceremonias. Una elección que no estuvo exenta de polémica y sobre la que hablamos con ella, desde verTele, durante su estancia en los Premios Platino Xcaret: “Estoy muy contenta porque encima fue muy criticada mi entrada a la cadena y a un formato así como presentadora. Creo que he callado muchas bocas y me hace como todavía más feliz”.

La realidad es que su figura le da naturalidad al formato, desde sus primeras entregas en las que parece casi tan nerviosa como los protagonistas y puede empatizar mejor que nadie, hasta las últimas en las que se nota que disfruta de cada una de las historias.

“Es un proyecto en el que me he sentido muy cómoda. Yo soy muy crítica conmigo misma y, cuando me veo aquí, no me estoy criticando tanto como en otros proyectos. Obviamente, creo que tengo muchísimo que mejorar, si no, qué aburrimiento, ¿no? Nadie es perfecto. Pero me veo y me veo bien, y eso me hace mucha ilusión porque no me suele pasar”, nos confesó hace unas semanas.

Son miles los que han seguido su historia de amor con Alba Paul y esa puede ser una de las razones por las que Aida se siente como pez en el agua con el formato: “Estoy comodísima en el género del dating show. Me habían ofrecido otras cosas antes y siempre acababa diciendo que 'no' porque el proyecto como espectadora no me enganchaba. Cuando vi este proyecto, cuando leí que era de amor, de citas, tan real, con tanta diversidad... dije: este es mi sitio”.

El único obstáculo que nos confesó que sintió en un principio fue el idioma, dadas las críticas prematuras que sufrió por presentar un programa en catalán siendo creadora de contenido en castellano: “El catalán es mi idioma, hablo mucho más catalán que castellano en mi vida privada. Pero es verdad que por las críticas de la gente tuve miedo. Quería ser completamente perfecta, completamente correcta, y al final ya me dejé llevar. Tuve una coach junto a la guionista para pulir cosas que me han venido muy bien. Al principio sin querer me hice un poco pequeña, pero luego ya me crecí”.

Finalmente, Aida nos explicó que ha vivido esta primera temporada tan a flor de piel como la audiencia: “La he visto en casa, habiendo estado presente, y he llorado, me he enfadado... de todo. Y además, la gente está flipando. Está siendo un éxito y la verdad es que estoy muy contenta”.

Barrio Esperanza se ambienta en un colegio de Primaria, así que tiene sentido que nos haya dado una importante lección durante su paso por La 1. Una lección que los directivos de las cadenas generalistas deberían apuntarse despacito y con buena letra de cara al futuro: si una serie funciona bien en audiencia los domingos por la noche, lo mejor que puedes hacer es no moverla de ahí. Principalmente, porque si algo nos ha demostrado la ficción protagonizada por Mariona Terés es que, hoy por hoy, no hay mejor ventana de emisión para las series de prime time que la última noche de la semana.

La razón es sencilla: los fines de semana no hay un access como tal, así que las principales ofertas de la noche comienzan a las 22:00 horas, no pasadas las 23 horas, como ocurre entre semana. Sin embargo, como los viernes y los sábados hay más gente fuera de casa, la noche dominical se erige en la opción predilecta para atraer al mayor público posible. Sobre todo las ofertas de RTVE, que al no tener anuncios, aprovechan su temprano inicio para acabar cerca de la medianoche y no bien entrada la madrugada, como pasa con ellas y con las del resto de cadenas de lunes a jueves.

En este sentido, no es casualidad que la pública estrenara ahí Barrio Esperanza el pasado 19 de abril, pues haciéndolo aspiraba a reunir más adeptos que los que podría reunir en un día laborable. La audiencia le dio la razón: líder de la noche con un 15.3% de cuota y 1.611.000 espectadores, el estreno más visto de una serie semanal de la cadena pública en los últimos seis años. Pese a ello, RTVE decidió pasar a programarla los miércoles a partir de las 23 horas, arrebatándole casi cualquier esperanza —nunca mejor dicho— de tener un buen recorrido en audiencias.

Decimos 'casi' porque La 1 venía de emitir dos series entre semana con datos satisfactorios. Por un lado, la comedia culinaria Sin gluten (emitida en cuatro miércoles de octubre con una media del 12.8% de cuota y 920.000 espectadores). Y por el otro, la serie de época ENA. La reina Victoria Eugenia, la única ficción capaz de promediar esta temporada más de un millón de espectadores a partir de las 23 horas (12.7% de share y 1.161.000 televidentes de media en seis lunes repartidos entre finales de noviembre y finales de diciembre).

Gracias a lo acumulado en sus dos primeros capítulos, Barrio Esperanza está al borde de entrar en este selecto grupo, algo que hará si este domingo salda satisfactoriamente su final. Sí, este domingo, porque después de encadenar un mínimo de audiencia tras otro los miércoles, La 1 ha decidido devolverla por una noche al prime time dominical para darle una honrosa despedida.

Audiencias de 'Barrio Esperanza' en La 1:

El reto de fidelizar al público de las series en abierto

Al igual que Barrio Esperanza, Sin gluten y ENA también firmaron grandes números en su estreno (17% y 1.214.000 la primera; 17% y 1.331.000 la segunda), demostrando así que al público todavía le gusta dar oportunidades a las series españolas de prime time. Sin embargo, la trayectoria descendiente de las tres —mucho menos pronunciada en el caso de ENA, que incluso subió en su cuarto capítulo— refleja otra cosa a tener en cuenta: que la fidelización del público sigue siendo la gran asignatura pendiente. Es lógico en la era actual, la del streaming, que ofrece una ventana de emisión mucho más cómoda, sin anuncios, sin horarios prohibitivos y sin marcar los tiempos del público. De hecho, el estreno de Barrio Esperanza tuvo una gran acogida en RTVE Play tras su emisión en La 1.

El prime time dominical, con su inicio a las 22 horas, se presentaba, pues, como una buena opción para que Barrio Esperanza lograra cierta fidelidad. Miniseries como La ley del mar (13.1% y 1.544.000 en 2024) y Anatomía de un instante (15% y 1.364.000 el pasado 22 de febrero) ya se habían emitido ahí al completo con buenas cifras. Incluso Zorro (12.8% de cuota y 1.478.000 en 2024) empezó bien antes de caer en picado en las siguientes semanas. Esto sin contar los innumerables lideratos de La película de la semana, que no es una serie, pero sí una marca que lleva años haciendo que las noches dominicales de La 1 sean sinónimo de ficción, aunque sea a base de películas.

Pese a los precedentes, La 1 renunció a esta ventana con Barrio Esperanza, para la que prefirió seguir la misma estrategia que había aplicado previamente al programa Top Chef: Dulces y famosos, que meses antes estrenó un domingo a las 22 horas para después emitirlo los miércoles después de La Revuelta. La diferencia es que el talent de repostería firmó un debut discreto (9.2% y 880.000) que hacía que moverlo de día resultara menos incomprensible. En cambio, con Barrio Esperanza siguió el mismo plan argumentando que “la duración de los episodios —70 minutos— provocaría que el prime time dominical de La 1 se viera resentido”, según explicó entonces el director de TVE, Sergio Calderón.

De hecho, el directivo se comprometió a “cuidar la hora de arranque”, entendiéndose como tal que empezaría, como muy tarde, a las 23 horas y no después. Sin embargo, esto sólo se cumplió en la primera entrega en la noche del miércoles, lo que refleja la falta de mimo hacia la serie escolar. Una falta de mimo que no solo ha sufrido ella dentro de RTVE.

Hora de inicio de 'Barrio Esperanza':

Las series deben ser también un pilar de la TV pública

De la treintena de proyectos que La 1 de RTVE ha estrenado en su prime time en las dos últimas temporadas, un 73% han sido programas de entretenimiento y un 27% series de ficción. Mientras los seriales La Promesa y Valle Salvaje gozan de una gran estabilidad como columnas vertebrales de la programación vespertina, las producciones concebidas para su emisión semanal en el (históricamente llamado) horario de máxima audiencia no gozan de las mismas oportunidades y muchas veces aguardan meses -o incluso años- en un cajón hasta que les llega el turno de presentarse ante los espectadores.

Independientemente de los cambios de dirección que ha protagonizado la televisión pública en los últimos tiempos, la apuesta por la ficción es una asignatura pendiente que tanto el público como la prensa especializada, e incluso los propios creadores, han demandado solventar a las distintas presidencias. Atrás han quedado los años en los que títulos como Cuéntame, Águila Roja, Isabel o El Ministerio del Tiempo eran los productos estrella de la televisión de todos. Y esto no es únicamente responsabilidad de los espectadores que se han volcado en el consumo a la carta, sino un problema estructural de configuración de parrillas que parece tener las series como un comodín.

Así lo demuestran algunos de los últimos estrenos, muchos de ellos coproducciones que, tras estar un tiempo guardadas, se han visto en otros territorios a través de otras cadenas y plataformas mucho antes que en La 1. Ocurrió por ejemplo con Detective Touré (en Primeran, 9 meses antes), la ya mencionada Ena (en YLE Areena y RTP2, 8 y 7 meses antes) o La Frontera (en Prime Video, 5 meses antes), esta última siendo el ejemplo extremo de cómo se acabó sacando del cajón sin una apuesta clara, pues despacharon sus seis capítulos en dos sábados noche. La mencionada Ena, cuyo creador Javier Olivares pidió insistentemente en público a RTVE que la sacase a la luz, terminó siendo un éxito, como comentábamos antes. Otras como Asuntos Internos, que aguardó su turno durante más de un año, corrió peor suerte (8.9% y 795.000) y su final acabó relegado al late night.

Más de doce meses es también el tiempo que lleva bajo llave Los 39, la última ficción histórica de nuestra televisión pública. Producida por Secuoya Studios, esta serie inspirada en la historia real del naufragio de la Santa María de Cristóbal Colón se rodó en 2024 bajo la dirección de Max Lemcke y Jorge Saavedra, y RTVE cerró su adquisición antes de la entrada de José Pablo López. Pese a estar lista para su emisión desde 2025, la pública no ha encontrado hueco en La 1 para estrenarla.

El inicio de esta producción se anunció en abril de 2024, a través de una nota de la productora. Entonces se comunicó que esta ficción creada por David Martínez y Roberto Serrano, con guion de ellos junto a Paula Moreno, Mayte Castillo y Natalia Peralta, iba a empezar a rodarse en localizaciones de España y Colombia, con un atractivo reparto que incluía nombres como Hugo Silva, Daniel Grao o Pablo Derqui. Como se contó entonces, Los 39 se inspira en la historia real de los 39 hombres que Cristóbal Colón abandonó en la isla La Española en 1492, y a su vez en la trilogía La pérdida del paraíso (Planeta), de José Luis Muñoz Jimeno.

Secuoya Studios dijo de ella en su anuncio que sería un “intenso y excitante proyecto que combina elementos de thriller, misterio, amor, supervivencia y drama épico”. Ingredientes que llevaron a RTVE a subirse al barco, nunca mejor dicho, antes de que empezase a navegar, en la supervisión de los guiones. No obstante, la cadena no se ha lanzado a sacar del cajón los 6 episodios de los que consta esta serie histórica, que sí vio la luz en Latinoamérica en octubre de 2025 a través de Prime Video.

Esta producción no está por ahora entre los próximos estrenos de la pública, algo que conlleva importantes perjuicios en aquellos que han trabajado en la producción. Sin ir más lejos, una serie que se graba y no se puede ver, para su equipo técnico y artístico es como si no se hubiera hecho. Para sus creadores y directores, la consecuencia más inmediata es que sin visibilidad a su trabajo, en un mercado tan saturado resulta más complicado que les lleguen nuevas propuestas. Una situación a la que se suma el perjuicio económico, pues parte de sus remuneraciones salen de los derechos de autor, y estos a su vez dependen de su explotación. “Sin que nuestro trabajo se vea somos invisibles y eso repercute en las posibilidades de tener nuevos trabajos”, expresan a este portal fuentes del sector sobre este problema.

Actualmente, RTVE tiene en producción una nueva serie llamada Rojo sobre blanco, también protagonizada por Hugo Silva junto a María Hervás y producida por Good Mood.

La dispar apuesta por las series en las cadenas privadas

Los problemas de las series españolas en abierto van más allá de RTVE. Mediaset, por ejemplo, ha estrenado este curso La Agencia, Pura Sangre y la temporada 14 de La que se avecina; las tres con discretos resultados (8.7%, 8.7% y 10% de media, en sintonía con el delicado momento de la cadena) y malas horas de emisión (después de las 23 horas), pero dándoles al menos salida. En cambio, aún esperan su turno las temporadas 15 y 16 de la comedia vecinal, disponibles en Amazon desde finales de 2024 y 2025, respectivamente; Marusia. Vientos de honor, de cuyo anuncio ha pasado más de un año; Ella, maldita alma, que ha empezado a promocionar justo esta semana tras dos años en el cajón; y Romi, que empezó a rodar en 2023 y no había promocionado hasta este mes, ocho después de su lanzamiento en Prime Video.

Así pues, la estrategia de Mediaset para con sus series pasa, a grandes rasgos, por tres acciones diferentes. La primera, ceder la primera ventana de emisión a Prime Video (LQSA, Romi). La segunda, guardarlas en un cajón por tiempo indefinido, transmitiendo con ello poca confianza o la falta de un plan de programación claro (Ella, maldita alma). Y la tercera, emitirlas primero por Telecinco y después cederlas a una plataforma (La Agencia llegó a Disney+ tras su paso por el abierto, por ejemplo).

Dentro de este último punto toca hablar de los particulares casos de Entrevías y La Favorita 1922, que tuvieron una acogida tan buena que Telecinco decidió emitir sus dos primeras temporadas del tirón, intentando crear así una especie de rutina entre el público. La jugada le salió realmente bien con la serie de José Coronado, que triunfó en abierto (16.4% y 15.3% de media en sendas tandas, programadas entre febrero y mayo de 2022) y después a nivel mundial en Netflix. Por desgracia, acusó enormemente el año y medio que pasó entre la segunda y la tercera temporada (10%), así como el año que pasó entre la tercera y la cuarta y última (7.7%), acabando con unos números muy pobres. A la ficción de Verónica Sánchez le pasó algo más simple: el público lineal perdió interés por ella con el paso de los capítulos (empezó en un 17.1% y acabó en un 6.9%).

En lo que respecta a Atresmedia, su estrategia de ficción está mucho más definida: primero estrena sus series en su propia plataforma (Atresplayer), luego las programa los jueves por la noche en Antena 3 y después las cede a una compañía externa (principalmente Netflix). No hay un periodo de tiempo fijo entre una ventana y otra, y tampoco todas las series tienen garantizado llegar al abierto. Aquellas que lo hacen tienen la posibilidad de llegar a un público más amplio pese a que no todas consiguen destacar en audiencias, ya sea por, sí, el tardío horario (pasadas las 23:15h, justo después de El Hormiguero) o por tener que enfrentarse al reality de turno de Telecinco (generalmente Supervivientes).

Por supuesto, dentro de esto hay excepciones. Por ejemplo, el éxito que fue en su momento Entre tierras (12.4% en 2023), el cual le valió su renovación por una segunda temporada -algo sorprendente en la era de las series cerradas-, o lo bien que funcionaron Alba (2022) y Ángela (2025) en Netflix. La primera también en abierto (13.6%), aunque en su caso no fue a parar a la noche de los jueves, sino a la de los miércoles.

No obstante, el plan de emisión de Atresmedia se ha visto interrumpido este curso por La Encrucijada, el intento de la compañía de emular la exitosa fórmula de las series turcas. A diferencia de La ley del mar, Anatomía de un instante, ENA y Sin gluten, que funcionaron en menor en medida en La 1 por exigir la atención del público durante pocas noches (entre una y cinco, según el caso), las ficciones otomanas funcionan justo por lo contrario, por tener muchos capítulos y convertir su visionado en un hábito semanal. El mismo que Telecinco buscó con Entrevías y La Favorita 1922.

Atresmedia trató de replicar esta fórmula con esta serie de 60 capítulos, los cuales emitió entre julio y enero a un ritmo de dos por cada jueves. El resultado (10% de cuota media) no fue satisfactorio, pero aun así el caso de La Encrucijada fue un intento del grupo por probar algo diferente. Un intento que se pudo permitir gracias al fuerte liderazgo en audiencias de Antena 3, el mismo que también le permite seguir dedicando sus noches de los lunes, los martes y los domingos a series turcas, por mucho que sólo una de las dos que tiene en parrilla (En tierra lejana) transmita ahora mismo cierta competitividad (la otra es Una nueva vida).

De una manera u otra, las series españolas en abierto llevan años sufriendo las consecuencias del contexto actual, marcado por el descenso en el consumo de la televisión lineal, la fragmentación de la audiencia y la competencia de las plataformas de streaming, que han acostumbrado al público a unos tiempos, unos hábitos de consumo y unos catálogos de ficción mucho más atractivos de los que pueden ofrecer las cadenas generalistas. Aun así, sus respectivas compañías (RTVE, Atresmedia y Mediaset) pueden y deben seguir apostando por programar series en abierto, ya sea por imagen de marca, por el bien de la industria o por continuar explotando sus acuerdos con tercero.

La otra pata del banco, la de la cuota de pantalla, es más complicada. Con una serie pueden ganar terreno en el diferido, un apartado que cada vez merece más atención, pero no hace falta decir que todas las cadenas quieren su trozo de pastel en el abierto. Y la emisión de una ficción por la noche lo dificulta por lo ya expuesto. Aun así, quizá el punto intermedio esté en la noche de los domingos, tal como venimos diciendo. Aparentemente, es el único espacio de la parrilla nocturna que garantiza un buen horario y un buen puñado de público a su alrededor, que es lo que necesita una serie para empezar a triunfar. Por supuesto, a esto le han de seguir la calidad de la misma, una buena promoción, una competencia 'amable' y, por encima de todo, la voluntad de las cadenas por hacer que todo esto se cumpla.

En este sentido, no parece que Telecinco vaya a dejar de emitir ahí realities ni que Antena 3 vaya a hacer lo propio con sus series turcas, por lo que las opciones de cambio pasan por La 1. Al fin y al cabo, es la que tiene una oferta dominical más fácil de mover y la única de las tres que es una cadena pública, con la responsabilidad que esto conlleva a la hora de cuidar sus contenidos. Veremos si lo ocurrido con Barrio Esperanza hace que se replantee su estrategia de ficción o si, por el contrario, hace caso omiso al mensaje que, parece, le ha mandado el público con esta serie.

Pol Rodríguez, director junto a Isaki Lacuesta de Segundo premio, vio cómo un fondo buitre se quedaba con el restaurante que su familia había gestionado durante 90 años. Can Lluís, en pleno Raval barcelonés, fue durante mucho tiempo un lugar de encuentro de gente del barrio y también de gente del cine como Joaquim Jordá o José Luis Guerín, que disfrutaban de la comida casera que preparaban los padres de Rodríguez. 

Compraron el edificio, les echaron, y por si fuera poco, se quedaron la 'marca' que ellos crearon. Can Lluis sigue existiendo bajo otros dueños que han aprovechado la imagen para convertirse en un lugar perfecto para los turistas que abarrotan las calles del Raval. Can Lluis es un ejemplo perfecto de la gentrificación, el problema de la vivienda y la especulación de los fondos buitres.

Aquella herida se ha convertido en una serie. Ravalear, que estrena este 22 de mayo HBO, parte de la experiencia real de Pol Rodríguez pero le aplica la máxima del 'what if', es decir, plantearse qué hubiera pasado si algo hubiera sido distinto. En este caso, Ravalear se plantea lo que podría haber ocurrido si esa familia hubiera luchado con todo para evitar que les echaran. Y con todo es 'con todo'. Ese es el punto de partida de una serie excelente, de lo mejor que se ha producido en España estos años.

La serie que Rodríguez codirige de nuevo con Isaki Lacuesta convierte ese hecho, esa amenaza de desahucio, en una palanca para poner a sus personajes al límite. Ellos deciden que están dispuestos a todo por no permitirlo, y meterán okupas en sus pisos, o comenzarán a realizar acciones en el límite de lo legal, o cayendo directamente en lo ilegal. La serie pregunta hasta dónde está uno dispuesto a llegar por impedir una injusticia, o si el fin justifica los medios. También si hay algo que hacer cuando lo que hay enfrente es un sistema perfectamente diseñado y construido para que unos siempre venzan y otros hinquen rodilla. 

Ravalear convierte el drama de la familia en un thriller vibrante, febril y frenético. El uso del montaje y la banda sonora, con sus toques tecno, convierten los momentos más tensos de cada episodio en una coctelera que pone al espectador al borde del sofá. Pero si la serie se eleva más allá del thriller de carga social es por la profundidad de sus personajes, por la intensidad que también trasladan las conversaciones familiares, los encuentros con los especuladores. No es una serie de fuegos artificiales, sino que va construyendo su poder en las relaciones de sus personajes, a los que entiendes a pesar de verles equivocarse y de ser contradictorios.

Consiguen Rodríguez y Lacuesta que uno se siente dentro del Raval, y eso es difícil. No hay nada peor que sentir que algo es de cartón piedra, pero aquí es todo lo contrario. Se nota el cuidado por ser realista, por sentir el barrio. A decisiones de producción (como reconstruir enteramente el restaurante para poder rodar por todas sus esquinas) se suman otras visuales que subrayan esa sensación. Los planos con teleobjetivo desde lejos en donde se ve a los personajes interactuar con la gente del barrio desprender una veracidad que hacen que uno piense si realmente es una cámara oculta o son figurantes contratados. Uno parece que han dejado a Enric Auquer moverse a sus anchas por las calles del Raval y que lo han grabado todo. Algo que se consigue con la decisión de pixelar rostros, algo que los directores confiesan que, en ocasiones es porque realmente no querían aparecer, y en otras se ha jugado esa baza para acrecentar esa idea de realidad.

Auquer es el protagonista absoluto de la ficción, y demuestra que es uno de los mejores actores del audiovisual español. Es un agujero negro al que quieres mirar todo el rato. Traslada la impotencia de su personaje y uno le acompaña hasta su bajada a los infiernos. Uno tiene ganas de abrazarle y darle un tortazo, pero sobre todo de seguir con él. No podría llegar al nivel que llega si no le acompañara un equipo perfecto. María Rodríguez Soto, que coincidió con él en la estupenda película Mamífera, está perfecta como su pareja, y Quim Ávila está destinado a hacer cosas importantes. Aquí clava al hermano formal al frente del restaurante. La familia la completan dos leyendas del audiovisual catalán: Lluïsa Castell y Francesc Orella, patriarcas y cable a tierra para que la serie nunca pierda la empatía.

Porque ese es uno de los principales riesgos que corre la serie, y de lo que quizás se resienta un poco pasado el ecuador, y es que se hace demasiado oscura, demasiado pesimista y hasta un punto cínica. Pero Pol Rodríguez es consciente de ello, y sabe que, al menos no del todo, no puede ser una serie pesimista. Sin hacer spoiler, pero Ravalear deja luz al final del túnel, quizás la solución pase por la colectividad, por organizarnos contra un sistema injusto, aunque en esa coda final que abre la puerta a una segunda temporada también avance que, quizás el monstruo final, solo era más grande y estaba a la vuelta de la esquina (en las instituciones públicas).

Casi siete años después, por fin tenemos en cines una nueva película de Star Wars en cines, y los amantes del universo de George Lucas estamos de celebración. The Mandalorian and Grogu, dirigida por Jon Favreau, y protagonizada por Pedro Pascal y Sigourney Weaver, es una nueva vía de entrada a esta saga de ciencia ficción, pero a la vez continúa la historia de unos personajes a los que conocimos en las tres temporadas de The Mandalorian, que se convirtió en todo un fenómeno desde su estreno en 2019, y en la única que por ahora tiene El libro de Boba Fett (2021), ambas de Disney +.

El éxito que tuvo la serie de El mandaloriano entre crítica y público se debió a que ofrecía, en el momento justo, una propuesta diferente: se alejaba de los personajes más conocidos de la saga pero, paradójicamente, recuperaba su espíritu original al combinar aventuras espaciales, western y cine de samuráis. Los ocho episodios de la primera temporada eran casi independientes, y para disfrutar de ellos no necesitabas haber visto ninguna película de Star Wars, por lo que era un punto de entrada estupendo para luego acercarte a las películas (o tener una excusa para volver a verlas, si es que acaso se necesita una). Además, tenía una sensacional banda sonora de Ludwig Göransson que también compone la música de la película.

Si no has visto las series, no te preocupes, pues es bastante probable que no haga falta estar al día de todas las entregas anteriores para poder seguir y disfrutar de The Mandalorian and Grogu (como ya sucede de hecho muchas veces en el Universo Cinematográfico Marvel), aunque seguro que hay guiños especialmente disfrutables si estás más familiarizado con ellas. Pero, si no te fías, te damos por si acaso algunas pinceladas sobre los protagonistas.

¿Cuál es el punto de partida de la película y dónde se ubica en el universo de Star Wars?

La historia se ambienta pocos años después de la trilogía original de Star Wars. Es decir, cronológicamente iría después del Episodio VI: El retorno del jedi. Por tanto, estamos ante un turbulento periodo de transición entre regímenes políticos opuestos: la alianza rebelde ha vencido después de la destrucción de la segunda estrella de la muerte; y el Imperio ha caído, aunque hay quienes todavía conspiran en las sombras…

El mandaloriano del título, al que también se le llama Mando pero cuyo nombre real es Din Djarin, es un cazarrecompensas que pertenece a una secta (cuyo lema es el famoso “Este es el camino”) que sigue un credo muy estricto que le prohíbe quitarse el casco y la armadura delante de nadie. Y el niño, que no se llama Baby Yoda (a pesar de que ese apodo se hiciera muy popular con el lanzamiento de la serie) sino Grogu, lo acompaña como su hijo adoptivo. Grogu es adorable, pero también imprevisible, y muy poderoso: es sensible a la Fuerza y, aunque no ha completado su entrenamiento, tiene habilidades que son propias de los jedi.

Djarin y Grogu viven en un tranquilo rincón de un planeta situado en el borde exterior de la galaxia, y el cazarrecompensas ha decidido aceptar de ahora en adelante misiones que no pongan en riesgo al niño (o, al menos, no en un riesgo demasiado evidente). Además, y debido a experiencias pasadas (bastante traumáticas algunas de ellas, de hecho), Mando prefiere tener un único contratista: la Nueva República. De este modo, se ofrece para capturar delincuentes que vivan al margen de la legalidad y que, de alguna forma, intenten volver a instaurar el Imperio.

¿Pero cuál es la historia previa de los protagonistas?

Si quieres saberlo todo de estos personajes, ten en cuenta que su historia se cuenta a lo largo de las tres temporadas de El mandaloriano y de la única de El libro de Boba Fett: y sí, es importante ver esta, porque no tienen solamente un cameo, sino que en ella se nos presentan acontecimientos de gran importancia en la vida de los protagonistas. El orden correcto de visionado es el siguiente: primero las fantásticas temporadas 1 y 2 de The Mandalorian; después, El libro de Boba Fett; y, para rematar, la tercera de The Mandalorian.

Pero si no te da tiempo a hacerte maratón de las series antes de ir a ver la película; si ya te la has visto, pero quieres refrescarla; o si simplemente no te importan los spoilers, en verTele te contamos todos los detalles para que vayas al día con sus aventuras.

AVISO: A partir de aquí hay spoilers de las series de The Mandalorian y de El libro de Boba Fett

“Si quieren conseguir dominar la fuerza, los jedi deben desprenderse de todas sus ataduras”.

“Es lo opuesto a nuestro credo. La lealtad y la solidaridad son el camino”. Conversación sobre Grogu entre Din Djarin y La Armera

· Temporada 1

La primera temporada de la serie nos presenta a un hombre misterioso que trabaja de cazarrecompensas, y que siempre lleva puesta una armadura y un casco que nunca puede quitarse: es el mandaloriano del título, Din Djarin. En el primer episodio le encargan una arriesgada misión: capturar a una criatura que después descubrirá que es un niño. Es Grogu, aunque de momento no sabremos su nombre.

Entre el cazador de recompensas y la criaturita verde de ojos saltones surge un vínculo muy fuerte casi desde el primer momento, y el mandaloriano pondrá en riesgo su vida, y también la de sus amigos, para salvar la del niño de los remanentes imperiales que tienen interés en capturarlo. Porque, como también sucede en la vida real, en el universo de Star Wars cuando cae un régimen político como el Imperio sus seguidores no desaparecen de la noche a la mañana, sino que algunos conspiran para restaurarlo.

Esa temporada 1 de El mandaloriano nos muestra secundarios maravillosos como Greef Karga, Cara Dune, Kuiil (y su “He hablado”) o el robot IG-11, y también nos presenta al villano principal de toda la serie: el moff Gideon, interpretado por Giancarlo Esposito, famosísimo por su papel de Gus Fringe en las series Breaking Bad y Better Call Saul. Un moff es un alto cargo político y militar del Imperio galáctico, y este en concreto va detrás de Grogu porque el niño es sensible a la Fuerza: tiene habilidades propias de los caballeros jedi que lo convierten en un ser potencialmente muy poderoso. El moff Gideon y sus antiguos compañeros del Imperio buscan experimentar con Grogu para transferir sus poderes a nuevos soldados.

Mando se ve reflejado en el crío, pues él también fue un huérfano, acogido precisamente por una tribu de mandalorianos que sigue una estricta fe religiosa. Después de muchas luchas y peligros, Din Djarin y sus amigos (y no sin algunas bajas y muchos sacrificios) conseguían vencer al moff Gideon y salvar a Grogu. Y el mandaloriano, malherido, mostraba su cara a su amiguito (y, ya de paso, al público): la de un Pedro Pascal que pone voz al personaje (y que lo interpreta, pero no siempre que este lleva puesto el casco, ya que es sabido que también Brendan Wayne, nieto del mítico actor John Wayne, suele estar debajo del traje en muchas secuencias).

· Temporada 2

En la temporada 2, Mando quiere llevar al niño con los suyos, con los jedi: una religión devota de la fuerza con la que los mandalorianos han tenido fuertes enfrentamientos en el pasado. Esta segunda entrega todavía mantiene el espíritu de la primera al presentar algunos capítulos que son pequeñas aventuras aisladas, prácticamente autoconclusivas, con una gran presencia de monstruos espaciales, y que beben mucho del cine bélico, del de aventuras y, sobre todo, del cine del oeste, y que incluyen hasta un personaje llamado el Marshal que interpreta Timothy Olyphant, actor que se dio a conocer precisamente en un western televisivo de mucho prestigio de la HBO: Deadwood.

Pero esta temporada 2 ya conecta mucho más directamente con otras películas y series del universo de Star Wars: en especial, con la trilogía original y la trilogía de las precuelas (es decir, con la historia que va del Episodio I al Episodio VI). De hecho, en esta temporada 2 de hay influencia y personajes de la serie Star Wars: The Clone Wars, y no es casualidad, pues uno de los productores ejecutivos de The Mandalorian (y coguionista de la nueva película) es Dave Filoni, presidente de Lucasfilm y, anteriormente, también uno de los responsables de la mítica serie de animación.

En sus aventuras y viajes, Grogu y el Mandaloriano llegan dan con Ahsoka, interpretada por Rosario Dawson (que, por cierto, tiene su propia serie en Disney +, estrenada en en 2023). Esta jedi, que en su día fue nada más y nada menos que aprendiz de Anakin Skywalker, parece ser capaz de descifrar los secretos de Grogu, empezando por su nombre, pues hasta ese momento no lo conocíamos. Ahsoka no quiere tomar a su cargo al pequeñín, pues cree que no puede formarse como un verdadero jedi, pues descubre en él no solo traumas, sino también una unión muy fuerte con su amigo mandaloriano, y sabe que será muy difícil, duro y puede que hasta peligroso separarlos.

Mientras tanto, el moff Gideon ha vuelto, y consigue secuestrar al niño, por lo que Mando deberá pedir la ayuda de antiguos aliados, como Cara Dune o Greef Karga, o de nuevos conocidos como Bo-Katan Kryze, de la realeza mandaloriana, que ahora vive prácticamente como exiliada desde el gran desastre que sucedió en el planeta de Mandalore, que acabó con buena parte de los mandalorianos y los expulsó de su tierra.

El último episodio de la temporada 2, titulado El rescate, es de los más recordados de toda la serie. En ese capítulo, los protagonistas se embarcan en una misión prácticamente suicida para recuperar a Grogu. Sin embargo, ni siquiera toda su fuerza combinada es capaz de hacer frente a los peligrosísimos robots armados con los que cuenta Gideon, y Mando y sus amigos se enfrentan a una muerte casi segura... Hasta que, de repente, ven llegar una nave del tipo ala X, en la que va montado un jedi, quizá el más poderoso de toda la galaxia, acompañado de su androide.

Una figura encapuchada, vestida de negro, con un brazo que parece robótico, y su famoso sable verde, tal y como se nos mostraba en El retorno del jedi, solo que ahora domina todavía más sus habilidades. El rescate de los protagonistas por parte de Luke Skywalker es sin duda uno de los mejores momentos de todo el universo de Star Wars. Luke ha sabido de la existencia de Grogu, y ha decidido no solo salvarlo, sino también tomarlo como aprendiz. Din Djarin, nuestro mandaloriano, ha conseguido su objetivo de llevar al niño con los suyos, pero tanto él como su amigo están muy tristes por tener que separarse. En una despedida preciosa, Djarin vuelve a mostrar su rostro a Grogu, y se funden en un abrazo.

La segunda temporada de The Mandalorian nos contaba también el regreso de otro personaje de la trilogía original: uno al que habíamos dado por muerto en el episodio VI y que en realidad había conseguido salvarse: no, no me refiero al emperador, sino a Boba Fett, el cazador de recompensas que había caído en las fauces del Sarlacc para ser digerido a lo largo de de mil años, tal y como se nos contaba por parte de C3PO y de Jabba el Hut en El retorno del jedi.

La operación de rescate de Han Solo que se nos muestra en esta película, y que habían orquestado sus amigos Luke, Leia, R2-D2, Chewbacca y Lando Calrissian, llevó a que, casi por error, el mismo Han Solo empujara a Boba hasta la boca del monstruo… Pero en la serie descubrimos que Boba Fett, el personaje que precisamente inspiró a todos los mandalorianos del universo de Star Wars con su presencia amenazante, su armadura, sus propulsores y su casco, sobrevivía. Y en El mandaloriano se hace amigo del protagonista. En la escena poscréditos de la segunda temporada de la serie se nos muestra que tanto él como su amiga y socia Fennec Shand se acaban haciendo con los bajos fondos del planeta de Tatooine, ocupando el liderazgo de la banda criminal que antes había estado a los mandos de Jabba.

· El libro de Boba Fett

En El libro de Boba Fett se nos cuentan los detalles de cómo Boba conseguía salvarse del Sarlacc, y se nos mostraba que era después capturado (y posteriormente adoptado) por una tribu de moradores de las arenas. Sin embargo, después de una matanza, el protagonista tenía que seguir su camino. Conocía y salvaba la vida de Fennec Shand, otra asesina a sueldo que posteriormente sería su mejor amiga, y tenía que afianzar su posición en los bajos fondos del planeta arenoso, haciendo frente incluso a los gemelos hutt, los primos de Jabba.

Pero más allá de su tono western y de sus homenajes a Lawrence de Arabia y hasta a El padrino, y de recuperar elementos tan apreciados por los fans como el palacio de Jabba o hasta un rancor, por lo que de verdad aparece la serie aquí es porque plantea algunos acontecimientos de vital importancia en la historia de Din Djarin y de Grogu, pues recordemos que sus caminos se habían separado. El caso es que Grogu y Din Djarin ya están juntos de nuevo al inicio de la temporada 3 de The Mandalorian, por lo que es imprescindible ver esos tres capítulos finales de El libro de Boba Fett para saber cómo se reencontraron.

Después de su separación, Mando sigue trabajando de cazarrecompensas, y ahora acepta incluso misiones más difíciles, pues ya no tiene que cuidar del niño. Tira hacia adelante porque cree que separarse de él para que este volviera con los suyos ha sido lo correcto. Mientras tanto, Grogu sigue con su formación de jedi, bajo la tutela de Luke Skywalker. Sin embargo, como también le pasaba al propio Luke de joven, Grogu siempre parece estar mentalmente en otro lado, y echa menos a su amigo.

A Mando su tribu le echa en cara que haya cometido un pecado gravísimo según sus creencias: revelar su rostro. Y le advierten de que le considerarán un hereje hasta que se bañe en las aguas vivas del planeta Mandalore, que está asolado por una maldición después del gran desastre que expulsó de allí a los mandalorianos. Sin embargo, y a pesar de rechazarlo por haber roto un principio fundamental de su credo, le ayudan a forjar una pequeña armadura para Grogu, que sirva para protegerle, y que será su obsequio como huérfano que ha estado a cargo de los mandalorianos.

Din Djarin se lo quiere entregar a Grogu en persona, pero Ahsoka, que también está junto a Luke, R2-D2 y Grogu, le aconseja no hacerlo, pues, según las creencias de los jedis, si el niño ve a su antiguo protector le resultará todavía más difícil seguir separados y continuar formándose. Los jedis le dan a Grogu el obsequio del mandaloriano de su parte, y a este el regalo le hace muy feliz, pero también le remueve.

Luke Skywalker percibe los sentimientos del niño y le pide a Grogu que tome una difícil decisión: le pone delante, a un lado, la armadura mandaloriana; y a otro, una espada láser que perteneció al mismísimo Yoda. Luke le dice a Grogu que tendrá que escoger su camino: completar su formación como jedi rompiendo todos sus lazos del pasado… o volver con su amigo, vivir como un mandaloriano y alejarse de los senderos de la fuerza.

Grogu lo pasa mal, porque sabe que tiene un gran dilema… que se nos resuelve al final de El libro de Boba Fett. Y es que el niño con poderes decide volver con su amigo (lo que, en buena medida, es un gran alivio, y no solo porque supone el reencuentro con Mando y la continuación de sus aventuras, sino porque si has visto las secuelas (los episodios VII, VIII y IX) sabes que, probablemente, de seguir con Luke, Grogu habría sido asesinado por Kylo Ren). Y Grogu ya había sobrevivido por los pelos a una gran matanza, pues como nos cuenta tanto El libro de Boba Fett como la tercera temporada de El mandaloriano, Grogu era uno de los niños que vivían como aprendices en el templo jedi justo cuando Palpatine, antes de convertirse en el emperador, decidió poner en marcha la orden 66, con la consiguiente masacre de caballeros jedi y aprendices, algunos de ellos muy pequeños.

· Temporada 3

La temporada 3 de The Mandalorian está mucho más centrada en el personaje de Bo-Katan Kryce, la reina mandaloriana en el exilio, una gran amiga y aliada de los protagonistas, que intentarán reunir a las distintas tribus mandalorianas para lograr que superen sus odios profundos y diferencias, e intentar recuperar el planeta Mandalore después de la Gran Purga que sufrieron. Din Djarin y Grogu estarán allí para ayudarla.

Al inicio de esta tercera entrega, Mando se baña en las aguas vivas, por lo que consigue volver a ser admitido como mandaloriano según su credo (eso sí, no puede quitarse el casco de nuevo delante de nadie). Djarin también es capturado y, después, rescatado gracias a Grogu y a Bo-Katan. Y tienen que hacer frente de nuevo, presumiblemente ahora de forma definitiva, al gran villano, el moff Gideon, que había conseguido escapar de camino al juicio que le iba a hacer la nueva República.

Además, Grogu es admitido como huérfano mandaloriano por la tribu de Din Djarin, consigue avanzar en el desarrollo de sus poderes mientras aprende la forma de vida mandaloriana y, finalmente, es adoptado de forma oficial como hijo por parte de Mando, por lo que ahora el niño asume el nombre de Din Grogu. Esto seguro que es importante de cara a la película.

Al final de la serie, el mandaloriano Din Djarin recibe de parte de su amigo Greef Karga, que ahora es el político más importante del planeta Nevarro, unas tierras para instalarse en recompensa por haber ayudado a sus habitantes en momentos de peligro y necesidad. Djarin decide, ahora que es padre, aceptar misiones que en principio sean menos peligrosas, trabajando como cazarrecompensas con un solo contratista: la nueva República. Busca ayudar de esta manera y llegar a aquellos lugares donde no alcance la nueva y frágil autoridad política del nuevo régimen democrático, y todo parece indicar que sus misiones pasarán por enfrentarse a los reductos imperiales que todavía conspiran en las sombras.

En un plano final precioso, que recuerda a los cierres de las mejores películas del oeste, el mandaloriano y Grogu están tranquilamente en el porche de una pequeña y bonita casa: su hogar, un lugar acogedor y cálido en un mundo duro y hostil. Y obtienen por fin de una tranquilidad y de una paz que los dos se merecen y de la que en el pasado no han podido disfrutar mucho. Un cierre perfecto, en el que quedan a la espera de nuevas aventuras, que por fin podremos saber cómo continúan.

Según hemos podido ver en el tráiler, Star Wars: The Mandalorian and Grogu traerá de vuelta a viejos conocidos de la serie, además de presentar nuevos personajes, y recuperará algunos de los elementos más icónicos de la trilogía original: los AT-AT, esos tanquetes con cuatro patatas con los que los soldados imperiales atacaban a los rebeldes en el planeta helado de Hoth en El imperio contrataca; o los transportes bípedos que disparaban a través de los bosques de la luna de Endor en El retorno del jedi.

Esperemos que The Mandalorian and Grogu no pierda la esencia original de la serie, esa que la hizo tan especial, que siga centrada en el vínculo de los protagonistas, en lo mucho que se necesita pese a que, en apariencia, sean tan diferentes. Que nos ofrezca una aventura entrañable y divertida a través de los rincones más remotos de la galaxia que nos recuerde a muchos la fascinación que sentimos por las películas de Star Wars en el momento en que las descubrimos.

Y no olvidemos que estos personajes serán la entrada a este universo para nuevos fans: seguro que algunos de ellos serán niños pequeños, y tendrán muchas horas de diversión por delante si después se animan con las diversas trilogías, pero este mundo maravilloso que surgió de la mente de George Lucas, y que ahora continúan Jon Favreau, Dave Filoni y Noah Kloor, les pertenecerá también a ellos desde el mismo momento en que se asomen a esta película.

Allá por 2019, cuando Movistar Plus era la casa de la comedia gracias a su apuesta por programas de humor, una generación de cómicas se ganó por derecho propio la oportunidad de tener voz en espacios televisivos reservados hasta entonces para hombres hablando de cosas de hombres. Las que faltaban no tuvo una vida especialmente larga en la TV de pago, pero sí fue suficiente para descubrir ante el gran público a mujeres con mucho que contar.

Entre las Thais Villas, Henar Álvarez, Eva Soriano, Susi Caramelo o Nerea Pérez de las Heras asomó Victoria Martín, una humorista y guionista que había roto moldes en Internet con sus sketches sobre la cultura milenial y sus parodias de influencers, y cuyo humor llegó como un soplo de aire fresco para generaciones de espectadoras que no se sentían representadas en los grandes formatos cómicos.

Siete años después de aquello, y tras haber construido una carrera con éxitos como el podcast Estirando el chicle, Victoria Martín cierra el círculo con el estreno, este jueves 21 de mayo en Movistar Plus, de su propia serie de ficción. Una producción basada en su libro Se tiene que morir mucha gente y que es, sin matices, todo lo que te esperas de una serie de Victoria Martín.

Protagonizada por Anna Castillo, Macarena García y Laura Weissmahr, la nueva ficción original de la plataforma de Telefónica cuenta la historia de Bárbara, Elena y Maca, tres amigas de la infancia que hacen frente a distintas frustraciones de su generación. Es, sin embargo, la crisis personal de una de ellas la que hace que todo salte por los aires y se cuestione, desde el humor más negro, si odia a sus amigas o si lo que no soporta es su vida en general.

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La serie de Victoria Martín

Por convicción o por casualidad, Movistar Plus ha encadenado en cuestión de un mes el estreno de dos series, Yo siempre a veces y Se tiene que morir mucha gente, que tienen mucho en común. Más allá de los títulos largos y de haber compartido presencia en Canneseries, ambas ficciones creadas y dirigidas por mujeres tienen a las nuevas generaciones de treintañeras en el centro de su trama. No obstante, si la primera destaca por ser un retrato realista de la precariedad de una generación a través de los ojos de una madre soltera, esta segunda es un relato cómico de los dramas milenial con la salud mental en el centro.

Quien se disponga a ver sus 6 capítulos habiéndose leído el libro del que parte, encontrará la misma historia fielmente representada en pantalla. Quien lo haga siendo conocedor del universo de Victoria Martín, reconocerá en el personaje de Anna Castillo a la cómica que ya conoce por sus monólogos y sus podcast. Y quien se lance a ciegas verá, sin más prámbulos, una genialidad. Una, eso sí, que quizás no es apta para todos los sentidos del humor.

Ver a la actriz catalana, que lidera el trío protagonista en el papel de Bárbara, es ver a Victoria Martín con su comedia llena de retranca, ironía y a veces autodesprecio. La propia creadora admite en una entrevista con verTele que la historia es en cierto modo autobiográfica: “Tiene mucho de mí, de mis amigas, de mujeres que conozco y, evidentemente, de personas horribles”, expresa.

Tanto Martín como Nacho Pardo, también director y productor, confiesan que siempre visualizaron a Anna Castillo en ese papel: “Era imposible no pensarlo, era un sueño que teníamos y cuando le pasamos los guiones aceptó muy rápido”. A quien costó más encontrar fue a la jovencísima Sofía Otero, que es la gran sorpresa de la serie con un personaje que ejerce de genial contrapunto de la protagonista como su niña interior y que es capaz de verbalizar lo que todo el mundo piensa, pero pocos dicen en voz alta.

“Fue un proceso muy difícil de casting. Era una niña muy pequeña que tenía que hablar como una adulta. Vimos a más de 300 niñas y Sofía fue literalmente la última”, cuentan los directores a este portal. Su elección ha acabado siendo todo un acierto para representar un personaje que no estaba ni en el libro ni en los primeros bocetos de la ficción, que paradójicamente fue antes un guion audiovisual que una novela. “Elegir a Sofía, aparte de que es una actriz increíble, era porque tenía la madurez suficiente como para entrar en estas bromas y en esta comedia, que pertenecen más al mundo adulto”, agregan.

Frustraciones milenial para todas las generaciones

Ese humor generacional que identifica a quien firma y dirige Se tiene que morir mucha gente -junto a Sandra Romero y al mencionado Nacho Pardo- es el vehículo para que esta ficción sea un preciso retrato -definición que a buen seguro Victoria odiaría- de muchas de las frustraciones que representan sus tres protagonistas: jóvenes treintañeras compartiendo piso, sin trabajo estable, con pocas expectativas sobre el futuro, sin estabilidad emocional y con los ansiolíticos como refugio. “Yo no tengo putos sueños”, llega a decir su protagonista en una de las secuencias; un auténtico drama que, entre la risa, apela directamente a su público potencial.

Reflejar desde la comedia que alguien es más infeliz al ver la felicidad ajena no lo hace menos duro, pero el peaje no es tan doloroso. Desde ese prisma la serie también reflexiona sobre la salud mental y va de frente para denunciar la situación de las mujeres cómicas en un sector que, todavía en pleno 2026, prioriza a los hombres.

Punto de vista generacional pero temas universales que hacen que para sus directores, Se tiene que morir mucha gente pueda gustar a todo tipo de público independientemente de su edad. “Yo creo que, al final, no gustarte a ti mismo, sentirte solo y odiarte no es de esta generación, creo que es de todas”, desliza Victoria Martín. Sandra Romero, por su parte, apunta más al sentido del humor del público que se acabe asomando a la serie: “Tiene que ver con qué tipo de comedia conectas. Más que si es una serie generacional o no, va con el tipo de humor con el que te ríes”.

Anna Castillo y Macarena García, el reencuentro que merecíamos

Más allá de la socarronería, si hay algo que funciona en Se tiene que morir mucha gente es la pareja que forman Anna Castillo y Macarena García, dos amigas en la vida real a las que el público de su generación deseaba ver juntas de nuevo. Casi una década después de la película La Llamada y de la serie Paquita Salas, el origen del universo audiovisual de Los Javis, las actrices comparten al fin otro proyecto que parece hecho a medida para ellas.

Para la primera, por las semejanzas que unen su perfil cómico con el del humor de Victoria Martín, que ya hemos comentado. Para la segunda, porque da vida a un personaje, Elena, del que puede estar lejos a nivel personal, pero con el que se luce más que nadie en la serie.

Frente a la situación de sus amigas Bárbara y Maca, una cómica frustrada y una actriz que trabaja de camarera porque no consigue ningún papel, Elena es la que representa esa parodia del éxito en Se tiene que morir mucha gente. A sus 30 está casada con un hombre que le dobla la edad y ha alcanzado el sueño de su vida: no volver a trabajar. Sin embargo, todas las capas con las que se protege se van cayendo una a una, para deleite de los espectadores.

Macarena brilla con Elena en solitario y, sobre todo, se luce en todas sus interacciones con Anna. Secuencias que ya han empezado a hacerse virales incluso antes del estreno, y que reflejan los puntos más álgidos de la serie en su conjunto. “Tener que trabajar la química entre las actrices, que es un trabajo que hay que hacer cuando hay amistades en la ficción, si ya son amigas de base como en este caso nos hace el trabajo muchísimo más fácil”, expresa Nacho Pardo.

Entre ese dúo ha encajado también bien una Laura Weissmahr, la tercera del trío, que lo tenía más complicado para lucirse, pues el peso cómico de la serie recae especialmente en sus compañeras de reparto. “Cuando vimos a Laura, que tiene una energía completamente distinta, vimos que elevaba todo aquello. Ha terminado siendo la tercera mejor amiga y ha pasado también en la vida, que se llevan increíblemente bien y todo nació a raíz de la serie”, valora por su parte Sandra Romero.

La historia de estas tres amigas, reales y de ficción, llega completa este jueves 21 de mayo a Movistar Plus.

La temporada 2025/2026 encara estas semanas su recta final. En poco más de un mes diremos adiós a un curso televisivo que será recordado por unas cuantas noticias de impacto. Por encima de todas destaca la histórica renuncia de RTVE a participar en Eurovisión por la presencia de Israel, aunque tampoco hay que obviar otras como la marcha de Jesús Vázquez de Mediaset o el adiós de Samantha Vallejo-Nágera a MasterChef. Y si entramos en el capítulo de las audiencias, ahí hemos tenido el liderato continuado de Antena 3, el explosivo crecimiento de La 1 o el apretado pulso entre Cuatro y laSexta.

En el siguiente análisis no vamos a detenernos en nada de esto, sino en algo que puede parecer secundario a simple vista, pero que nos afecta directamente como espectadores: las anomalías de programación que hemos presenciado esta temporada. Hablamos de las decisiones más sorprendentes y atípicas —que no necesariamente fallidas— que han tomado las cadenas generalistas a la hora de colocar sus series y programas en la parrilla. Decisiones que han ido desde emitir formatos fuera de sus fechas habituales hasta cambiar otros de día o franja de emisión sin motivo aparente, pasando por otros movimientos pocas veces vistos en la televisión lineal.

A continuación repasamos seis de los más relevantes que ya nos ha dejado este curso. Y decimos 'ya' porque la cosa no acaba aquí. Por delante tenemos la próxima revolución de las tardes de Telecinco y la convicción de que los jefes de programación del resto de cadenas no van a quedarse con los brazos cruzados, sino planeando cualquier cambio que les permita arañar unas décimas de share.

1) Los casos de 'Barrio Esperanza' y 'Trivial Pursuit'

Empezamos nuestro repaso con Barrio Esperanza, el ejemplo más claro y reciente de programación fallida. La serie protagonizada por Mariona Terés se estrenó con gran éxito el domingo 19 de abril, cuando fue capaz de aprovechar su temprano inicio (22:00 horas) para eclipsar a la competencia con un 15.3% de cuota y 1.6 millones de espectadores de medio. Sin embargo, en vez de dejarla ahí y seguir explotando su potencial, La 1 pasó a emitirla los miércoles a las 23h, condenándola a una profunda fuga de público y a datos tan pobres como el que cosechó la semana pasada (7.7% de share y 665.000 televidentes).

La cadena pública, que inicialmente justificó este movimiento, ahora ha decidido dar marcha atrás y ofrecer los dos últimos capítulos este próximo domingo a las 22h. Por desgracia, el daño ya está hecho y la medida llega muy tarde. Tan tarde como los horarios de emisión a los que nos tienen acostumbradas las cadenas generalistas, tal como denunció la propia Mariona Terés.

Mención aparte merece Trivial Pursuit. La adaptación del mítico juego de mesa fue anunciada hace casi un año con vistas a emitirse diariamente en las tardes de La 1, que por aquel entonces languidecían con La familia de la tele. Sin embargo, RTVE nunca ha llegado a emitirlo ahí. Tras presentarlo para La 1, para La 2 y llegar a dejarlo en el limbo, finalmente lo estrenó la noche del viernes 13 de febrero en La 1. Ahí estuvo hasta el 23 de marzo, cuando fue trasladado al access diario de La 2. Desde entonces se emite ahí de manera satisfactoria, pues tras tantos mareos, el concurso presentado por Egoitz Txurruka finalmente ha encontrado su sitio como telonero de Cifras y letras, con el que forma una sólida pareja en audiencias.

2) Los cambios en los access de Mediaset

Trivial Pursuit no es la única 'víctima' que nos ha dejado esta temporada en materia de programación. Otro ejemplo claro lo encontramos en First Dates, cuyo 2026 está siendo toda una montaña rusa. El dating de Carlos Sobera empezó el año ascendiendo al access de Telecinco y dejando su lugar en Cuatro a Horizonte, que a finales de enero se convirtió en un programa diario. La idea inicial era que solo lo fuera durante un mes, pero Mediaset no tardó mucho en confirmar que Iker Jiménez y los suyos se quedarían ahí por tiempo indefinido.

A priori, esto no tenía que ser un problema para First Dates siempre y cuando mantuviera su sitio en el access de Telecinco. El problema es que no lo mantuvo, porque fue llegar La isla de las tentaciones 10 y ver reducida su presencia en la parrilla al tardío prime time de los miércoles, después del tercer access de la semana para el reality de Sandra Barneda. Este, siguiendo la estrategia de su anterior edición, volvió a la parrilla para ser más un programa de access (lunes, martes y miércoles) que de lo que entendemos por prime time (lunes).

Sin embargo, tras ver que estaba sufriendo mucho ante El Hormiguero, La Revuelta y la Champions League —8 noches de 12 por debajo del 10%—, Telecinco reculó y devolvió a First Dates al access solo un mes después para dedicar el tardío prime time de los lunes y los miércoles a las Tentaciones, siendo este su actual ritmo de emisión.

3) Un 'Supervivientes' en septiembre y un 'GH' en noviembre

Como decíamos, la primera edición de La isla de las tentaciones con tres access por semana fue la pasada, la número 9, que Telecinco emitió entre principios de noviembre y mediados de enero. El programa producido por Cuarzo (Banijay Iberia) fue uno de los tres realities que la cadena emitió en el primer cuatrimestre de la temporada, toda una rareza y también toda una declaración de intenciones por su parte, ya que puso toda la carne en asador estrenando entre septiembre y noviembre Supervivientes All Stars 2, La isla de las tentaciones 9 y GH 20.

La primera sorpresa nos la llevamos con el reality aventurero, pues Telecinco no lanzaba una nueva edición de Supervivientes en septiembre desde Supervivientes 2001, aún con concursantes anónimos. En noviembre llegó el turno de las Tentaciones, que solo una vez antes habían comenzado una edición en dicho mes (la cuarta, en 2021). Y también en noviembre vio la luz GH 20, siendo ésta la primera edición de la historia de Gran Hermano que arrancaba a estas alturas del calendario. Por desgracia, también acabaría siendo la primera en terminar tras sólo 42 días de conviviencia, convirtiéndose en la edición más corta y menos vista de la historia del mítico reality. Otra anomalía más que sumar a la lista.

4) 'Malas lenguas', el programa con dos cadenas y dos horarios

En esta lista no puede faltar Malas lenguas, protagonista de una de las mayores rarezas de la temporada en lo que a programación se refiere. Y es que el programa de Jesús Cintora es el único que se emite diariamente en dos cadenas y dos tramos horarios distintos: de 17:40 a 19:35 horas en La 2 y entre las 19:35 y las 20:30h en La 1.

Inicialmente sólo iba a emitirse en La 2 entre las 19 y las 21h, pero el mal funcionamiento de La familia de la tele llevó a La 1 a hacer mil y una pruebas hasta dar con las competitivas tardes que tiene actualmente. Malas lenguas formó parte de esta dinámica de 'ensayo y error', llegando a emitirse algunos días en la sobremesa de La 1 y después en el tramo final de las tardes de La 2. Actualmente se emite primero en la segunda cadena pública y después en la primera, y además con tan buenos datos (6-8% en La 2, 10-12% en La 1) que RTVE lo premió a finales de abril con una versión para la noche de los sábados en La 2 (Malas lenguas noche), donde compite desde entonces con laSexta Xplica.

5) Las dobles entregas de 'Lo de Évole'

La programación de los canales de Atresmedia es tan estable que cuesta encontrar anomalías dentro de ella. Pero como suele decirse, haberlas haylas. Una de ellas es Lo de Évole, que hasta esta temporada reservaba sus dobles entregas a invitados de gran impacto. Sin embargo, 7 de los 12 programas de su última tanda han tenido dos partes —Alba Flores, Iñaki Urdangarin, Loles León, Lola Herrera, Marc Giró, Alejandro Sanz y Álvaro García Ortiz—. Y dado que la mayoría de ellas han cosechado buenos datos de audiencia, cabe preguntarse por qué laSexta no recurrió antes a esta estrategia. Lo que parece seguro es que ha venido para quedarse, pues laSexta gana audiencia con ella y el formato de Jordi Évole, más tiempo en pantalla.

6) Los programas de una sola emisión

Cerramos nuestro repaso con la sexta y última anomalía a destacar: la de aquellos programas con una sola emisión. En este grupo encontramos el reciente paso por Antena 3 de Una fiesta de muerte, una especie de 'Cluedo' con famosos presentado por Àngel Llàcer que fue capaz de liderar la noche en que se emitió (12.8% el sábado 25 de abril). Eso sí, antes de su estreno la cadena aclaró que esta sería “la primera entrega” de una serie de episodios “autoconclusivos” alrededor de este formato sin periocidad fija, del que parece que próximamente veremos nuevos programas.

Más dudas hay acerca de la vuelta de Crossobar, un programa de sketches al estilo Homo Zapping que también dio la talla en su única noche en La 1 (12.4% el 29 de enero). Por ahora, se desconoce si este formato capitaneado por Arturo Valls y Lalachus volverá a la cadena pública, la cual cuenta en su currículum con las dos cancelaciones más fulminantes del curso (Cuánto, cuánto, cuánto y Al margen de todo tras dos y tres entregas, respectivamente) y otra marca carente de periodicidad: La casa de la música, que vio la luz en Nochevieja y volvió a la parrilla el pasado sábado para cubrir la ausencia de Eurovisión.

Cuando el pasado sábado se anunciaron los 516 puntos que daban la victoria a Bulgaria en Eurovisión 2026, muchos respiraron aliviados al ver que el festival evitaba el temido triunfo de Israel, que ha vuelto a manchar un año más un certamen que sigue permitiéndole blanquear en TV un genocidio que deja hasta la fecha más de 72.000 personas asesinadas en Gaza. Sin embargo, la realidad es que lo ocurrido en Viena es un verdadero éxito para la candidatura israelí, al colarse por segunda vez consecutiva en esa pantalla final con la que venden un falso apoyo popular por parte de Europa; y también para la UER, que contenta a los hebreos mientras sortea el 'marrón' de tener que celebrar el evento en su país, un hecho que sí podría darle su sentencia de muerte definitiva.

La coronación de Dara como ganadora de Eurovisión 2026 gracias a su canción Bangaranga no es más que otro 'parche' que, por encima de lo que algunos quieran promulgar, sigue poniendo en entredicho la limpieza del concurso musical. Por un lado, porque la plata ha sido por segundo año consecutivo para Israel, dejando otra vez a la UER en la posición más cómoda: a la KAN le vale el resultado para hacer creer al mundo que cuenta con el respaldo de la ciudadanía europea mientras se victimiza -como ha hecho Netanyahu- al alegar que el jurado les apea injustamente de la gloria y la organización evita que un triunfo de los hebreos obligue a llevar a su territorio el certamen, algo a lo que muchos más países se opondrían y que pondría a la institución, al fin, entre la verdadera espada y la pared.

Por otro, porque sospechosamente la clasificación final de Eurovisión 2026 ha traído alegrías para Bulgaria (1º), Rumanía (3º) y Moldavia (8º), los tres países que la UER rescató para maquillar la sonada salida de España y otros cuatro estados -Países Bajos, Irlanda, Estonia e Islandia-. Los tres repescados, que abandonaron el evento en el pasado asegurando no tener la solvencia económica suficiente para poder participar, han regresado por todo lo alto: entrando dentro del TOP 10 del ranking definitivo y colándose entre tres de los cuatro países -junto a Israel- con mayor puntuación por parte del televoto. Durante los últimos días, se ha puesto en duda la financiación de las tres candidaturas, pues llama la atención no solo que hayan podido volver a Eurovisión sin mayor problema sino que lo hayan hecho de una forma tan competitiva.

Eurovisión, un festival cada vez más turbio y dudoso

Para colmo, la polémica en Moldavia por la baja puntuación que su jurado dio a Rumanía -3 puntos frente a los 12 de su televoto-, con la cadena pública moldava TRM mostrando su disconformidad con los jueces y su director general presentando este lunes su dimisión por lo que allí consideran “un escándalo”, no hace sino enturbiar aún más la situación. En el discurso con el que Vlad Turcanu ha anunciado su decisión, según recogieron medios locales, el responsable de la emisora lamenta que los expertos designados como jurado profesional de Eurovisión 2026 no tuviese en cuenta “la sensibilidad existente entre la República de Moldavia y los dos países vecinos: Rumanía y Ucrania”. Es decir, deslegitima la independencia de sus jueces y reconoce abiertamente unos intereses geopolíticos que la UER se empeña de manera burda en negar.

Además, tampoco invita a creer que es coincidencia el 'castigo' que han recibido este año dos de los países nórdicos: Suecia y Finlandia. Los primeros, que estaban entre los favoritos en los meses previos a Eurovisión 2026 y cuya representante fue reprendida por la UER tras quejarse de la participación de Israel, acabaron obteniendo su peor resultado desde 2010 con una 20ª posición. Los segundos, que se posicionaron poco a poco como claros candidatos al Micrófono de Cristal durante la misma semana en Viena, cayeron a la sexta plaza. Todo ello, tras filtrarse en la prensa de Israel a pocos días de la final que una victoria de Finlandia podría complicar la participación del estado hebreo en 2027 al ser el gigante escandinavo un territorio 'hostil' para ellos.

¿Y si la solución era que Israel ganase Eurovisión?

Con todo, son cada vez más quienes parecen tener claro que la inmovilidad de la UER solo se podría romper con una victoria de Israel que pusiera a la institución en la tesitura más delicada. ¿Sería capaz de dar luz verde a una edición de Eurovisión en un país envuelto en varios conflictos bélicos, independientemente de la deslegitimación de los mismos? ¿Cuántos países más abandonarían el certamen al negarse a participar en un evento organizado por un país genocida?

El marco cambiaría por completo, el tablero se agitaría y se demostraría que lo vivido durante los últimos tres años no es más que un sainete en el que todos validan el 'elefante en la habitación': que la UER está siendo cómplice del uso que Israel está haciendo de Eurovisión para blanquear sus crímenes de guerra y su masacre sobre Palestina.

Mientras tanto, como decíamos, la Unión se sigue encontrando el escenario más favorable para no ejecutar cambios sustanciales en un histórico concurso que cada año que pase ve más complicada su reconstrucción. E Israel, por su parte, se beneficia de la paradoja que supone no terminar de consumar una victoria que, a fin de cuentas, no le conviene. A la KAN le interesa más seguir siendo segunda -con amenazas continuas de triunfo- para continuar imponiendo su relato y que el Micrófono de Cristal se lo lleven países aliados que le pongan año tras año la alfombra roja en el festival.

Para más inri, hace unos días Martin Green, director de Eurovisión, no cerraba la puerta al regreso de Rusia y precisamente Bulgaria, el país que acogerá la próxima edición, acaba de constituir un gobierno prorruso tras sus últimas elecciones generales. Por tanto, la UER ve allanado el terreno para plantear la posible vuelta de Rusia y tratar de acallar las críticas por el doble rasero que ha tenido con Israel en estas tres últimas ediciones.

Con todo, RTVE fijó para este 17 de mayo, un día después de la final de Eurovisión 2026, la fecha en la que comenzaría a estudiar las condiciones de su posible vuelta al certamen. Habrá que esperar para ver si este enmarañado contexto complica aún más las cosas y si, tras lo ocurrido en Viena, otros países (con Portugal sumida en presiones internas y con Bélgica advirtiendo ya de su posición contra Israel) se suman a España y los países retirados para plantarse y pedirle a la UER un debate limpio y real sobre el futuro del festival.

Eurovisión celebra este sábado 16 de mayo la final más polémica de su historia. El certamen, que lleva dos ediciones consecutivas en 'jaque' por Israel, llega a la cita de Viena 2026 con las alarmas encendidas y con dos posibles desenlaces: que todo acabe saltando por los aires con una victoria de la KAN israelí, o que la Unión Europea de Radiodifusión se agarre al clavo ardiendo de un país favorito como Finlandia para agitar el tablero de aliados.

Como en verTele hemos ido advirtiendo y analizando en nuestras coberturas de Malmö 2024 y Basilea 2025, el festival de la UER ha pecado de una excesiva permisividad con la delegación de Israel. No únicamente permitiéndoles participar en plena masacre en Gaza y ofreciéndoles un escenario de millones de espectadores, sino también protegiendo a la cadena israelí a pesar de sus incumplimientos constantes de las normas del festival; y a su vez permitiendo la adulteración del televoto cometida por el gobierno hebreo sin tomar medidas, como recientemente ha reconocido el director Martin Green.

De este escaparate propagandístico en el que se ha convertido Eurovisión se bajaron en el camino a Austria las televisiones públicas de España (RTVE), Países Bajos (AVROTROS), Irlanda (RTÉ), Eslovenia (RTVSLO) e Islandia (RÚV), tras intentar sin éxito recuperar el espíritu del certamen expulsando a Israel. Pese a las medidas cosméticas de la UER para llevar a cabo la edición de Viena, la ausencia de los cinco países con más dignidad de Europa no ha hecho sino confirmar que nada ha cambiado en el seno del festival.

Lo que debería haber sido una celebración de los 70 años de un certamen que une a través de la cultura, es de nuevo una cita llena de tensión política que el público europeo vivirá con el corazón encogido hasta saber si al Gobierno de Israel le salen las cuentas con los votos y esta vez es la vencida. Porque en eso han convertido Eurovisión: en una herramienta de poder mediático que ya tiene poco de concurso musical.

Israel mancha otra final de Eurovisión con polémica (y ya van 3)

Que el Gobierno israelí haya admitido que invirtió “mucho dinero” en campañas para fomentar el voto en las ediciones de 2024 y 2025, algo que está prohibido en las normas de Eurovisión, no ha impedido que se presenten en Viena con las mismas prácticas y objetivos. Tras el testeo en Malmö con la candidatura de Eden Golan, en Basilea la estrategia les sirvió para ganar el televoto y estar a punto de levantar el Micrófono de Cristal con Yuval Raphael. Dos candidaturas politizadas hasta el extremo que no habrían sido las únicas con inversión gubernamental, pues el New York Times ha desvelado estos días en una investigación que el Ejecutivo llevaría implantando estas prácticas al menos desde 2018, el año de su última victoria.

El propio director de Eurovisión, Martin Green, que antes del inicio de la semana eurovisiva admitió que no fueron lo “suficientemente estrictos” con la adulteración del televoto israelí, y que hace unos días envió una advertencia formal a la KAN por volver a saltarse las normas con campañas de voto masivo que no están permitidas, vio el martes cómo se repetía la historia en la primera semifinal: Israel se coló en la final gracias a la votación del público.

En el Wiener Stadthalle de Viena, parte de los asistentes mostraron su desacuerdo con la participación israelí, y por la retransmisión televisiva se colaron gritos de “stop the genocide!” durante la actuación de Noam Bettan. La respuesta de Eurovisión, que había prometido libertad de expresión, fue censurar las protestas contra el criterio de la TV organizadora, la ORF austríaca. Este ha sido un ejemplo más de la permisividad de los organizadores con Israel, y una polémica que se suma a la larga lista que el festival acumula en estas tres últimas ediciones.

En estos años de tensión, el certamen de la UER ha permitido a la KAN saltarse normas capitales de Eurovisión. Como recogimos en este artículo meses atrás, entre ellas están las manifestaciones políticas en las letras de las canciones y en declaraciones públicas, así como comportamientos que van contra los códigos de conducta e incluso comentarios en las retransmisiones de las galas en la cadena israelí contra otros cantantes y países que no están permitidos. Al menos 16 delegaciones presentaron quejas por la actitud de la comitiva de Eden Golan en Malmö, una edición repleta de tensión en la que verTele pudo palpar el ambiente insostenible, pero nada de ello fue suficiente para valorar su exclusión.

Tampoco el hecho de que la KAN, una cadena pública, incumpla sistemáticamente los estatutos de la propia Unión Europea de Radiodifusión más allá de Eurovisión. En 2025 ya recogimos más de un centenar de ejemplos recopilados por la Red Solidaria Contra la Ocupación de Palestina. En mayo de 2026, ya son 270 las muestras de que la televisión israelí ha incumplido estos estatutos apoyando al ejército, haciendo apología de la limpieza étnica en Gaza y blanqueando y normalizando el genocidio. Noticias, artículos, reportajes y declaraciones que contradicen el argumento vertebral que la UER ha defendido para mantener a la KAN y a Israel en Eurovisión durante ya tres años de barbarie en Palestina.

La única luz en el túnel en el que se encuentra el certamen es que ya solo es noticia en la prensa mundial por ser cómplice y altavoz del Gobierno hebreo, y medios importantes como el New York Times o la BBC ya se atreven a decir que Israel utiliza Eurovisión como una herramienta de “poder blando”.

Finlandia, la favorita que amenaza a Israel y su televoto adulterado

Con todo este contexto llegamos este sábado 16 de mayo a la final de Eurovisión 2026, que La 1 de RTVE no emitirá por primera vez tras 64 años consecutivos en el festival. Sin un miembro del Big Five (España), sin un país fundador del festival (Países Bajos) y sin el más laureado de la historia (Irlanda), el certamen de la UER tratará de salir airoso de una edición que es de suma importancia para su supervivencia, pues del resultado dependerá que pueda empezar a reconstruirse o que llegue su autodestrucción definitiva.

Si se repite la historia e Israel vuelve a pelear por la victoria, o llega a ganar, con un televoto que se ha confirmado que está adulterado y ante el que el director de Eurovisión ha prometido que tomarán medidas, será el fin del certamen tal como lo hemos conocido. Si se impide al fin el control político de los votos, y la organización demuestra que está dispuesta a cambiar las cosas, quizás se abre una vía a que las televisiones retiradas quieran emprender el camino de vuelta.

En todo este rompecabezas podría tener un papel fundamental Finlandia, la gran favorita de Eurovisión 2026 en las apuestas y entre las sensaciones de la prensa especializada presente en la sede. Con sello del escenógrafo español Sergio Jaén, que ya ganó el año pasado con JJ de Austria y que ha formado parte del último Benidorm Fest, la propuesta nórdica es la que tiene todos los focos encima como clara candidata.

Así lo expresa a verTele Jordi Ramos, periodista especializado de RAC1 que cubre desde Viena una edición que define como “descafeinada”. Con cuatro festivales a sus espaldas, diferencia el ambiente “curioso” de la capital austríaca con los vividos en ciudades más pequeñas como Malmö o Basilea que se volcaron con el certamen. No lo achaca exclusivamente al factor político que empaña la edición, pero sí afirma que no se palpa el ambiente eurovisivo en las calles de una sede tan grande.

Para él, que sigue la actualidad eurovisiva durante todo el año, “Finlandia parece que lo tiene todo hecho”. “Los finlandeses han hecho una actuación por y para ganar Eurovisión. Es una actuación ganadora”, expresa el periodista, pues esta cuenta con todos los ingredientes que -a priori- pueden gustar tanto al público como a los jurados. La propuesta se llama Liekinheitin y está interpretada por el vocalista Pete Parkkonen y la violinista Linda Lampenius. Hay fuego, ventilador, mucha intensidad, un relato ganador y hasta música en directo, después del permiso especial que la UER ha otorgado a su delegación.

“En el centro de prensa [de Viena] se piensa que la clave la tiene el jurado. Después de las campañas orquestadas de Israel todo el mundo da por hecho que el televoto va a ir para ellos y que la llave la tiene el jurado”, asegura Ramos, que aunque no tiene la sensación de que los profesionales vayan a dirigir la votación de una manera intencionada para evitar el posible triunfo israelí, sí considera que “Noam Bettan no es un intérprete tan excelente” como sus predecesoras, y hay artistas de otros países pueden tener puntuaciones más altas que él. Se habla incluso de Australia, que en las últimas horas se ha destapado como la otra gran candidata. La media de ambas votaciones determinará quien acaba aspirando al Micrófono de Cristal.

Si es finalmente Finlandia podría ser la peor noticia posible para Israel, y quizás la mejor para Eurovisión. Y no por apearles del triunfo, sino porque sería una victoria incómoda para ellos. Desde la prensa israelí, en concreto el digital Ynet, se habla desde hace días de la “preocupación” existente en la KAN ante la posibilidad de tener que viajar el próximo año a un país en el que hay rechazo social al genocidio en Gaza. La televisión pública finlandesa, YLE, ha dado este 2026 un pequeño paso al denunciar el “hackeo eurovisivo” de Israel en las dos últimas ediciones, si bien no se llegó a sumar al boicot cuando tocaba.

Solo con una victoria así, y solo quizás, podría agitarse definitivamente el tablero eurovisivo para que cambiaran las cosas de cara al próximo año. Algo que es de suma urgencia para la propia organización, que ya ha admitido abiertamente que “echan de menos” a los cinco países retirados y que trabajarán en que vuelvan. No es algo que sorprenda, pues como hemos analizado, Eurovisión ya está sufriendo las consecuencias con una caída de streamings, repercusión y también inversión. El futuro del certamen, si existe, puede empezar a escribirse este sábado.