Eurovisión 2026 arranca este martes 12 de mayo su edición de la vergüenza en Viena, con la celebración de una primera semifinal en la que Israel volverá a encontrar un escenario de audiencias masivas para seguir -otro año más tras Malmo 2024 y Basilea 2025- blanqueando ante el mundo su genocidio en Gaza. Aunque el certamen vivió el pasado domingo su alfombra inaugural, con el representante del país hebreo topándose con una primera (y aislada) protesta propalestina -en el contexto de un acto que reforzó aún más su seguridad respecto a ediciones anteriores-, la de esta noche será la puesta de largo real de la 70 entrega de un festival manchada por la polémica.

Y es que después de que el austriaco JJ levantara el último Micrófono de Cristal en Suiza gracias a su Wasted Love, comenzó el año más tenso de la historia del concurso ya que varios países encrudecieron sus quejas a la UER por la permisividad mostrada con Israel y su cadena pública KAN, que ha sido constantemente protegida a pesar de sus incumplimientos continuos de las normas del festival. También por hacer la vista gorda ante la adulteración del televoto cometida por el gobierno hebreo sin tomar medidas estrictas, como recientemente ha reconocido el director Martin Green.

Todo ello desembocó en una convulsa Asamblea General celebrada el pasado mes de diciembre en la que la UER evitó que se realizara una votación vinculante -como se pedía desde algunas emisoras- en la que se decidiera sobre la participación de Israel en el certamen. Ante la inoperancia del organismo, RTVE y España cumplieron con su amenaza, y se retiraron del concurso junto a otros cuatro países. Y aunque la UER trató de amortiguar el golpe trayendo de vuelta a otros como Bulgaria, Rumanía y Moldavia, la de Viena 2026 será la edición con la participación más baja desde 2003.

Hablamos, por tanto, de un año clave para el futuro de Eurovisión, certamen que, tal y como han reconocido sus responsables, se verá mermado por la baja de países de tanto peso en el seno de la UER como es España. Entre tanto ruido, la marcha de RTVE, que vivirá esta semana su primera ausencia en Eurovisión tras 64 años ininterrumpidos participando, abre un gran abanico de dudas entre el público que desde verTele nos proponemos a resolver.

Las dudas sobre Eurovisión 2026, la edición de la vergüenza

Con el objetivo de arrojar luz sobre el contexto en el que se desarrollará Eurovisión 2026, a continuación respondemos a 10 preguntas clave sobre el festival y la posición en la que queda España tras su retirada.

España anunció el pasado 4 de diciembre su retirada de Eurovisión 2026 tras la mencionada Asamblea General de la Unión Europea de Radiodifusión que, después de la cancelación de la votación prevista para noviembre, estaba fijada como la cumbre donde se tomaría la decisión respecto a la permanencia o expulsión de Israel del certamen. En la cita, RTVE -junto con otros 7 países- solicitó por escrito que se realizase una votación secreta para decidirlo de manera democrática, pero la presidencia de UER denegó la realización de una votación específica sobre ello.

Por el contrario, se realizó una única votación sobre la aprobación de las nuevas normas propuestas por la Unión, que no hacían más que allanar la continuidad israelí. Tras defender su postura, y al ver que salía adelante este reglamento y se confirmaba la participación de Israel, RTVE anunciaba su marcha. A España se sumaron enseguida otros cuatro países: Islandia, Irlanda, Países Bajos y Eslovenia, todos coincidiendo en el rechazo a la permisividad con Israel por lo ocurrido en ediciones anteriores del certamen y tras la continuación del genocidio en gaza incluso pese a anunciarse un fallido alto el fuego.

Además de su posición de no participar en Eurovisión 2026, RTVE confirmó en diciembre que no emitirá ni las dos semifinales del 12 y 14 de mayo ni la final del próximo sábado 16. Por tanto, La 1 no ofrecerá el certamen europeo por primera vez desde hace 64 años. Respecto al resto de países retirados, Irlanda y Eslovenia tampoco emitirán Eurovisión 2026, mientras que Islandia y Países Bajos sí lo harán. En el caso del país neerlandés, será a través de la cadena pública NPO 1 y no la AVROTROS, emisora participante del festival, también pública.

Sí, Eurovisión 2026 se podrá ver desde España pero sólo a través de Youtube, ni RTVE ni ninguna otra cadena de nuestro país lo emitirá. Como cada año, el certamen ofrecerá en su canal oficial de Youtube la retransmisión internacional de sus galas, con el sonido original del evento y sin los habituales comentarios en español de Tony Aguilar y Julia Varela guiando el evento.

Fuentes de RTVE explican a verTele que no habrá ningún tipo de consecuencia para la cadena pública por el hecho de no emitir Eurovisión 2026. Cada mes de diciembre, antes de que se agote el plazo de incripción para participar en el certamen, las emisoras de la UER deben anunciar si concursan o no en Eurovisión. En el caso de participar, cada país está obligado a emitir el evento. Si no se participa, no hay obligación de retransmisión, como ocurre con RTVE y con España. Los países miembro que no participan pero sí quieren ofrecer Eurovisión -como Países Bajos e Islandia- pueden hacerlo, pero pagando un determinado precio por los derechos de emisión.

España ha formado hasta ahora parte del llamado Big Five, es decir, del grupo de cinco corporaciones públicas que más dinero aportan a Eurovisión y que, como 'premio', pasan siempre de forma directa a la final. Al no participar, España dejará obviamente de formar parte de este selecto club que ahora queda reducido a un Big Four, con Alemania, Italia, Francia y Reino Unido. Sin embargo, si en el futuro RTVE y España volviesen al certamen, no debería haber ningún problema con recuperar esta posición de privilegio. Es lo que ocurrió con Italia, que estuvo apartado de Eurovisión durante 13 años y a su regreso en 2011 volvió a integrarse en el grupo, con su aportación económica correspondiente.

No. O, al menos, no debería. En el comunicado de su salida del festival, RTVE no concretó a cuántos años se extendería su retirada. No obstante, por los motivos del abandono vinculados a la permanencia de Israel, se sobreentiende que para el regreso de España a Eurovisión deberían darse condicionantes que garanticen que el festival no va a seguir dominado por intereses políticos. Sin ir más lejos, Sergio Calderón, director de TVE, desvelaba recientemente a verTele que a partir de este 17 de mayo, un solo día después de la final, la Corporación comenzará a estudiar su posible regreso a Eurovisión pero solo “si se dan las condiciones para participar en el futuro”.

Sí, los españoles podrán votar en Eurovisión. Desde la pasada edición, los ciudadanos de países que no forman parte del festival pueden votar mediante la página web oficial de Eurovisión a través de un sistema global unificado llamado Rest of the World. Eso sí, ningún país no participante tendrá representación en el jurado profesional.

Para este sábado, RTVE prepara una noche especial con la que pretende llenar el vacío musical que deja en la parrilla el festival de Eurovisión. Aprovechando la percha de que el 16 de mayo es el Día Internacional de la Convivencia en Paz, La 1 ofrecerá en prime time el segundo especial de La casa de la música tras el emitido en Nochevieja, aunque esta vez con Jesús Vázquez como presentador y con las actuaciones de más de 20 artistas, como Raphael, Manuel Carrasco o Guitarricadelafuente, entre muchos otros.

La crisis reputacional de Eurovisión 2026, con la UER inoperante ante Israel tras el genocidio en Gaza, ha causado estragos en la expectación del público en los meses previso a la celebración del festival. Tal y como analizamos en este otro artículo, la continuidad del impune país hebreo y la marcha de España y otros cuatro participantes ha afectado de forma clara a las escuchas de las canciones candidatas este año al Micrófono de Cristal. Respecto al año pasado, las reproducciones han descendido un 45%, es decir, que los temas han despertado la mitad de interés que en las mismas fechas de 2025. Estas cifras reflejan, por tanto, que hace cinco años que no se escuchan tan poco las canciones de Eurovisión a una semana de la final.

De momento, con el futuro de RTVE y Eurovisión en el aire, lo que es seguro es que la cadena pública seguirá apostando por el Benidorm Fest como certamen nacional independiente del histórico europeo. A falta de conocer si se dan esos condicionantes para que RTVE vuelva a Eurovisión, el Benidorm Fest seguirá adelante con premios seguramente similares a los que otorgó a los ganadores de la edición de este 2026. Este año, RTVE dio 100.000 euros para los artistas y 50.000 para los compositores del tema ganador, además de los premios patrocinados por Spotify y Televisa.

Israel se pasea en Viena con más seguridad y primera protesta

El primer gran evento de Eurovisión 2026 tuvo lugar el pasado domingo, cuando el festival dio el pistoletazo de salida a su 'edición de la vergüenza' en Viena (Austria) con su tradicional alfombra turquesa. La celebración inaugural se desarrolló sin altercados gracias a un dispositivo de seguridad reforzado que, eso sí, no pudo evitar el encuentro del representante israelí y su delegación -que recibió además en los días previos la advertencia de la UER por promover de nuevo camapañas de voto masivo- con una gran bandera de Palestina en protesta contra el genocidio en Gaza.

La plaza del Ayuntamiento de Viena fue el escenario elegido por la organización de Eurovisión 2026 para celebrar esa alfombra inaugural que, como cada año, sirve como puesta de largo de cada edición del concurso musical. Y si el año pasado el desfile en Basilea estuvo cargado de gran tensión por el baño de banderas palestinas que se avistaron al paso de Yuval Raphael, en esta ocasión el acto se desarrolló sin manifestaciones populares contra el país hebreo.

En ese contexto, llamó la atención el recibimiento que un eurofan hizo a la delegación de Israel al desplegar una gran bandera de Palestina mientras desfilaban por la alfombra turquesa. Un vídeo difundido a través de las redes sociales muestra cómo varios miembros de seguridad se plantaron frente al espontáneo mientras este gritaba “libertad para Palestina”. Sin embargo, los agentes no pudieron impedir que se produjese la estampa de la primera protesta de la semana contra el cantante Noam Bettan y su equipo.

Tanto el candidato de Israel como el de Ucrania realizaron su paseillo inaugural, como ocurriera en 2025, escoltados por guardaespaldas y protegidos por maletines y paraguas antibalas. Según recogió EFE, el dispositivo de seguridad se hizo notar también entre el público, con controles de acceso con registro corporal, prohibición de bolsos y mochilas y una notable presencia policial entre los asistentes que completaron parte del gran operativo que Viena ha preparado para esta semana.

Esta alfombra turquesa de 2026 se llevó a cabo con una afluencia de público menor a la de años anteriores (medios locales la cifraron entre 3.000 y 5.000 personas) y por debajo de las expectativas del propio Eurovisión. Así pues, la crisis que atraviesa el festival, además de notarse en el desplome de escuchas de sus canciones, habría afectado ya a la cantidad de fans desplazados a Viena para seguir los eventos que rodean al certamen.

Tras su paseo por la alfombra Turquesa, el representante de Israel Noam Bettan sorteó a la prensa para evitar hablar con los medios desplazados a Viena. Este martes 12 de mayo, Israel relizará su debut en la primera semifinal de Eurovisión 2026.

La segunda temporada de Daredevil: Born Again llega a su fin con una espectacular culminación al relato de resistencia política que planteaba esta nueva entrega, la cual guarda escalofriantes paralelismos con la actualidad: el ascenso de un empresario de pasado turbio y antecedentes delictivos a lo más alto de la política, o la creación de un cuerpo parapolicial que siembra el terror entre la población civil.

No es exagerado decir que, junto a Andor, Daredevil: Born Again es una de las series que mejor retratan nuestro presente, y que abordan más directamente la degradación de las democracias y el auge del autoritarismo que vivimos en el mundo en los últimos años: una a través del universo de Star Wars; otra, en el mundo de los superhéroes de Marvel.

El octavo y último capítulo, ya disponible en Disney+, no alcanza quizá el nivel de los mejores de la temporada: el brillantísimo 4, centrado en el personaje de Bullseye; o el 5, que es prácticamente una historia de fantasmas; pero se queda muy cerca. Y deja muy abierto el futuro de algunos de sus protagonistas... e incógnitas sobre si aparecerán en otros proyectos de Marvel, como la esperadísima Spider-Man: Brand New Day, que se estrena el 31 de julio.

Análisis del final de la temporada 2 de 'Daredevil: Born Again'

(A partir de aquí, SPOILERS)

Veníamos de un séptimo episodio que había culminado con el crudísimo asesinato de Daniel Blake, uno de los personajes más interesantes de la serie. Un chaval que se ve muy joven con mucho poder, influencia y riqueza, aupado por el mismísimo Kingpin, y que se ha debatido de forma trágica durante los últimos capítulos entre aceptar su deriva criminal o hacer lo correcto, sabiendo que probablemente le costará la vida.

Uno de los momentos más tensos de toda la temporada tiene lugar en un coche, junto a un sótano donde a la periodista y mejor amiga de Blake, BB Urich, le espera la muerte. Una escena que recuerda mucho a uno de los momentos de Los Soprano, una conexión a la que también ayuda, claro está, que el actor que interpreta a Daniel, Michael Gandolfini, sea el hijo de James Gandolfini, que interpretaba al mismísimo Tony Soprano.

Pero con permiso del trágico destino de Daniel Blake, el octavo y último episodio de Daredevil: Born Again empieza con una Karen Page encarcelada, a la que quieren hacer pagar penalmente por haber ayudado a Daredevil. Con la ley antijusticieros acusan a Karen Page de ser una especie de superheroína y, a efectos legales, la quieren tratar como si fuera una terrorista. Por suerte, Matt Murdock se ocupará personalmente de defenderla en un juicio muy mediático en el que quiere exponer a Wilson Fisk / Kingpin.

Y es que Murdock, después de superar un intento de asesinato, y de recibir de nuevo el apoyo de Jessica Jones, decide reconocer abiertamente que él es Daredevil, de forma que su testimonio pueda servir para enjuiciar a Fisk, a pesar de que al abogado le tocará acarrear con las consecuencias de su faceta de justiciero. Aunque al principio no le creen, sobre todo por su ceguera, consigue convencer a los presentes a través de algunas de sus espectaculares habilidades superheroicas.

Hasta ahora muy pocos sabían el secreto de Matt Murdock. Sí que lo conocía Kingpin, aunque había decidido no desvelarlo en un pacto de caballeros entre los dos enemigos. De hecho, un momento muy curioso al inicio de esta temporada es cuando Fisk, para acorralar más todavía al protagonista, decide iniciar una campaña de búsqueda del heroico ciudadano Murdock, supuestamente con el objetivo de recompensarlo, mientras ponía también a Daredevil en busca y captura. Así expone doblemente a Matt, pues lo pueden reconocer en cualquiera de sus dos identidades, ya sea un agente de policía, un miembro de las fuerzas especiales de Fisk o un ciudadano anónimo.

Wilson Fisk parece sorprendido y descolocado por el movimiento de Murdock. Está devastado tras la pérdida de su esposa Vanessa, y empieza a estar acorralado por la justicia y por buena parte de la opinión pública: los ciudadanos de Nueva York han podido ver su verdadero rostro. Pero Kingpin no se cortará de cara a ejercer una violencia brutal hasta llegar a matar a muchos manifestantes que protesten por su gestión política y por sus actividades delictivas.

Matt Murdock se enfrenta de nuevo al dilema de cómo vencer a Kingpin sin acabar con su vida, sin convertirse él mismo en un monstruo por el camino, sin permitir que este se lleve la vida de más inocentes, ni que la turba acabe con la vida del mafioso y político en un linchamiento. Jessica Jones participa junto a Daredevil en la secuencia brutal de acción del episodio.

Los dos contarán con la ayuda de Karen Page y de la nueva White Tiger, Ángela del Toro, la sobrina del difunto superhéroe White Tiger de la primera temporada, que sigue su propio camino superheroico. Y Benjamin Poindexter, también conocido como Bullseye, tiene, a petición del propio Matt Murdock, de nuevo un papel importante para salvar de la vida de la gobernadora de Nueva York, a la que Kingpin había enviado un sicario.

Se nos muestra que la psiquiatra Heather Glenn, exnovia de Matt Murdock, probablemente todavía muy afectada por el trauma de ser atacada por el asesino en serie Muse en la primera temporada, está tomando una deriva realmente oscura. Incluso se nos llega a insinuar que podrá continuar con las acciones de Muse, pues conserva la máscara, y parece fantasear con ponérsela para dar rienda suelta a sus instintos más violentos.

Jessica Jones se reencuentra con un Luke Cage que vuelve a casa, y que se revela como el padre de su hija. Cage reconoce que lo han liberado de su trabajo como justiciero a sueldo (casi, casi un mercenario), dirigido por el extravagante personaje interpretado por Matthew Lillard. (Con la aparición de Cage, se nos ha integrado ya en el universo de Daredevil: Born Again a casi todos los personajes de la serie The Defenders). Posteriormente, se nos muestra que su lugar en aquel equipo lo ha ocupado ahora Bullseye, que sigue con su particular viaje de villano hacia aquello que él cree que es un héroe (y que en todo caso es una especie de antihéroe amoral muy cuestionable, pero con mucho encanto).

Después de derrotar por fin a Fisk, Matt Murdock tiene una escena muy bonita hacia el final con Karen Page, que casi parece un recuerdo de alguna de sus primeras citas, en un restaurante encantador decorado con luces de colores muy bonitas. Pronto descubrimos que ese será el escenario de la detención del abogado, que es procesado por sus actividades al margen de la ley como justiciero. Matt ha conseguido librar de la prisión a Karen, y liberar a Nueva York de Fisk, y acepta encantado el peaje que le supone.

La serie termina con Fisk en una playa, lejos de Nueva York, después de haber aceptado el acuerdo extraordinariamente generoso que le ha ofrecido la justicia y la gobernadora, y que tanto le animó a aceptar Matt Murdock. Matt Murdock, nuestro Daredevil, entra en prisión, y se encuentra allí, también encarcelados, con los antiguos agentes de ese cuerpo parapolicial antijusticieros creado por Fisk. Alguno de ellos, que decidió hacer lo correcto aunque fuera tarde, parece saludarle con respeto.

Y lo último que vemos también es a Murdock en una celda: las puertas se cierran, y él acepta su destino, se hace cargo de las consecuencias de sus actos, satisfecho con las decisiones tomadas. Sabe que, en el fondo, y a pesar de que la puerta de su celda se cierre, es un final agridulce, sí, pero en el que tiene mucho de lo que sentirse orgulloso.

¿Qué deparará el futuro a los personajes de 'Daredevil: Born Again'?

La continuación más inmediata del universo de Daredevil se estrena la semana que viene: un especial para televisión dedicado al personaje de Punisher, el Castigador, que aparecía en la serie original de Daredevil (2015-2018) para Netflix (aunque actualmente solo puede verse en Disney+), y que tenía un papel relevante en la primera temporada de Daredevil: Born Again. Este episodio especial, titulado Punisher: One Last Kill, probablemente nos descubra qué hacía el personaje durante los acontecimientos de esta segunda entrega de la serie, y conectará directamente con Spider-Man: Brand New Day, la nueva película del hombre araña de Tom Holland, en la que sabemos que Punisher tendrá importancia.

Además, como la nueva entrega de Spider-Man también sucederá en Nueva York, ya que la mayoría de las historias de Daredevil y del hombre araña transcurren en la Gran Manzana, el punto de partida de la película también beberá de la serie de Matt Murdock. Por ejemplo, como ya anticipaba el tráiler, la alcaldesa de la ciudad es ni más ni menos que la teniente de alcalde que trabajaba con Fisk. Y, a pesar de que Charlie Cox ha insistido en repetidas ocasiones en que Matt Murdock no aparecerá en la nueva película de Spider-Man, no parece descabellado pensar que sí lo hará: primero, porque se nos ha adelantado que Spider-Man combatirá a La Mano, una organización criminal integrada por ninjas a la que se ha tenido que enfrentar Daredevil tanto en los cómics como en la serie de la década pasada.

Además, el hecho de que Matt Murdock esté en prisión al inicio de la película de Spider-Man puede servir para tenerlo inicialmente fuera de pantalla, pero para incluirlo con alguna trama con el desarrollo de la película, aunque sea más puntualmente. Una aparición, la de Murdock, que tendría mucho sentido sabiendo la importancia que tiene su relación con el personaje de Punisher y la química que tienen entre ellos (aunque la de Tom Holland con Jon Bernthal también parece estupenda, por lo poco que hemos podido ver en los avances de Spider-Man: Brand New Day.

Aparezca o no Daredevil en la siguiente película de Spider-Man, la historia del personaje continuará el año que viene, pues ya hay confirmada una tercera temporada, que entró en producción hace unos meses. De este modo, Daredevil: Born Again se convierte en la primera serie de Marvel para Disney + en tener tres temporadas (la única que tenía dos hasta ahora, además de Born Again, es Loki). Y nosotros tendremos muchas ganas de verla.

Las cadenas de televisión encaran estos días los dos últimos meses de la temporada 2025/2026, un curso del que todavía no conocemos su desenlace, pero que ya nos ha confirmado algunas cosas y sorprendido con otras a estas alturas de la película. Dentro de lo previsible figuran el dominio de Antena 3 y la falta de reacción por parte de Telecinco, mientras que en el capítulo de sorpresas sobresalen el crecimiento de La 1 y el apretadísimo duelo entre Cuatro y laSexta.

Sin desmerecer los anteriores, vamos a dedicar este análisis al último de los puntos señalados. A la contienda entre el segundo canal de Mediaset y el su homólogo de Atresmedia, cuya extrema igualdad no entraba en las pronósticos de casi nadie allá por el mes de septiembre. Principalmente, porque laSexta llevaba por aquel entonces 50 victorias mensuales consecutivas frente a su máximo rival, que además había desaprovechado dos oportunidades únicas para acabar con esta racha en julio y agosto.

Cuatro perdió ambos meses por apenas una décima de diferencia, siendo especialmente frustrante lo ocurrido en agosto, cuya última semana afrontó ligerísimamente por delante. Sin embargo, Aruser@s volvió de sus vacaciones de verano y se esfumó cualquier esperanza de victoria, lo que dejó a Cuatro con la que sensación de que no iba a tener las cosas tan de cara durante la temporada regular. Al menos a priori, pues la realidad ha acabado yendo por otros derroteros.

Las audiencias de Cuatro y laSexta esta temporada

En cinco de los ocho meses de este curso, la diferencia entre ambos canales ha sido de una décima o menos, con febrero (victoria de Cuatro por cinco milésimas) y abril (triunfo de Cuatro por una centésima) siendo los máximos exponentes de esta igualdad extrema. De hecho, ambos canales suman cuatro victorias cada uno, algo que resulta especialmente noticioso en lo que respecta a la cadena de Mediaset, que hasta diciembre llevaba 53 meses seguidos sin ganar a laSexta. O lo que es lo mismo, cuatro años y cinco meses sin conocer la victoria. Concretamente, desde julio de 2021, que fue cuando saboreó la última gracias a la emisión de partidos de la Eurocopa.

Diferencias de laSexta y Cuatro esta temporada (septiembre-abril):

Aquel triunfo fue excepcional por la presencia del fútbol, como excepcional es que este curso Cuatro haya ganado cuatro meses a laSexta sin recurrir a un evento de tal envergadura. ¿Pero cómo hemos llegado a esta situación? Evidentemente, por las variaciones que han sufrido los datos de audiencia de una y otra cadena. En el caso de Cuatro, entre septiembre y abril ha promediado un 6% de cuota, una décima más que en el mismo periodo de la temporada pasada. Y en el de laSexta, ha perdido medio punto entre un curso y otro (ha pasado del 6.6% al 6.1%).

Así pues, se puede decir que la balanza que se ha equilibrado más por demérito de laSexta que por mérito de Cuatro, aunque tampoco es cuestión de restar importancia al buen momento que atraviesa el canal de Mediaset. No en vano, solo este curso ha conseguido romper su larguísima sequía frente a laSexta, completar su mejor inicio de año desde 2017 (6.1% de media entre enero y abril) y firmar su mejor racha en audiencias desde dicho año (cuatro meses seguidos con un 6% o más de share), tres hitos que no están al alcance de cualquiera.

Audiencias mensuales de Cuatro esta temporada:

MEDIA: 6% (5.9%)

Audiencias mensuales de laSexta esta temporada:

MEDIA: 6.1% (6.6%)

Por si fuera poco, en la comparativa con la pasada temporada, Cuatro solo sale perdiendo un mes consigo misma (anotó tres décimas menos en noviembre que en el mismo mes que el año anterior). En los demás, o se ha mantenido o ha subido, en parte gracias al crecimiento experimentado por marcas como Noticias Cuatro, Todo es mentira, Código 10, Lo sabe, no lo sabe, Horizonte y En boca de todos, que en lo que llevamos de curso han firmado algunos de los mejores números de su historia.

De todos ellos cabe destacar a En boca de todos, que además de ser el programa diario más largo del canal (3 horas y 30 minutos por día), es uno de los que más ha crecido en el último año. De hecho, ha pasado de promediar poco más de un 5% de media a principios de 2025 a no bajar del 7% en el primer cuatrimestre de 2026, tocando techo en febrero con un 8%. En paralelo, el resto de la parrilla también ha llevado a Cuatro a conseguir dos cosas que parecían impensables. La primera, sumar tres victorias mensuales de cuatro posibles frente a laSexta en 2026. Y la segunda, hacerlo sin el que fuera su buque insignia, First Dates, que a principios de año dio el salto a Telecinco y cedió su sitio en el access de Cuatro a una tira diaria de Horizonte.

Diferencia de Cuatro respecto a la temporada pasada (septiembre-abril):

laSexta no ha experimentado este curso un cambio de tanto calado, por lo que su parrilla diaria es prácticamente idéntica a la de la temporada pasada. Por tanto, sus datos de audiencia siguen dependiendo mucho de la actualidad informativa. Una prueba de ello lo vemos en las cifras de octubre y noviembre, significativamente inferiores a las del curso anterior (-0.9 y -1.1 puntos, respectivamente) porque entonces el público conectó mucho con el canal para seguir todo lo relacionado con la DANA de Valencia.

Diferencia de laSexta respecto a la temporada pasada (septiembre-abril):

Por aquellas fechas, ninguna cadena dedicaba tantas horas como laSexta a la actualidad en directo. Sin embargo, ahora tiene la feroz competencia de La 1, que ha crecido mucho en este terreno con La hora de La 1, Mañaneros 360, Malas lenguas y la incorporación, este mismo curso, de Directo al grano. De todos ellos, los que más daño le han hecho han sido los dos programas matinales, cuyo imponente crecimiento en el último año (ha subido del 14.8% al 19.1% entre abril de 2025 y abril de 2026) han pasado factura a Aruser@s (del 16.3% al 13.3%) y Al rojo vivo (del 11.3% al 8.6%), que juntos forman el tramo diario más competitivo de laSexta y el más diferencial en la pelea frente a Cuatro.

Los puntos a mejorar de Cuatro y laSexta

Ambos programas todavía son los más punteros del canal. Sobre todo el de Alfonso Arús, cuyas cuotas son muy superiores a la media de laSexta y generalmente inalcanzables para el resto de ofertas de la cadena. Además, su fuerza contrasta con la debilidad que Cuatro muestra en su franja de emisión (de 7 a 11 horas), donde los capítulos de Alerta Cobra apenas llegan al 2-3% de share. Reforzar ese tramo de la parrilla sigue siendo la gran asignatura pendiente del canal 'rojo', que necesita rascar más share ahí si quiere que sus victorias frente a laSexta dejen de ser noticia y pasen a ser algo habitual.

Para la cadena de Atresmedia, su margen de mejora pasa por el prime time. El pasado jueves, sin ir más lejos, llegó al último día de abril con tres décimas de ventaja (6% vs 5.97%). Sin embargo, el desigual duelo entre Horizonte (10.2%) y Servicio secreto by Chicote (4.7%) le impidió hacerse con la victoria por una sola centésima de diferencia. “Mi cadena me lo hizo saber unos días antes. El resultado de la batalla entre compañías se iba a decidir el jueves, última noche del mes. Menuda responsabilidad (...) Por una centésima. Por esa noche. El mes ganado por tu cadena en su guerra particular”, ha destacado Iker Jiménez en su newsletter, sobre esta noche clave, tal como recoge El Confidencial.

Con una oferta más fuerte, probablemente laSexta se hubiera llevado el triunfo. De ahí que sea primordial para ella ganar enteros en el históricamente conocido como horario de máxima audiencia. Una banda horaria donde Cuatro solo marca diferencias los jueves con Horizonte, pero donde laSexta tiene mucho que crecer. Consciente de ello, la cadena 'verde' acaba de lanzar tres programas para tratar de revertir esta situación: Cara al Show con Marc Giró, La noche de Aimar y el ya mencionado Servicio secreto by Chicote. El problema es que el primero ha ido por ahora de más a menos (8.5% y 6.2%), el segundo ha arrancado con mal pie (4%) y el tercero está yendo a más, pero sin dejar de anotar unas cifras insuficientes (3.6% y 4.7%).

Teniendo en cuenta que en el resto de franjas no se aprecian grandes diferencias —salvo los fines de semana, donde Cuatro suele ser más fuerte que laSexta gracias a sus reposiciones matinales y sus películas—, hoy por hoy el duelo entre ambos canales pasa por estos detalles. Por mejorar su arranque diario, en el caso de Cuatro, y por sacar más partido a su prime time, en el de laSexta. Hasta que no lo hagan, ambas van a mantener un pulso de lo más igualado en audiencias. Eso sí, se vienen curvas en mayo (elecciones andaluzas), junio y julio (Mundial de fútbol) y agosto (mes de muy bajo consumo televisivo), así que justo ahora entramos en un periodo un tanto incierto para las dos. Veremos cuál sale mejor parada de él.

“¡No aceptéis las cookies! ¡No aceptéis las cookies!”. Este es el consejo que nos brinda Billy Magnussen (medio en broma, medio en serio) al preguntarle cómo ha cambiado su relación con la tecnología a raíz de su trabajo en The Audacity, la nueva serie de AMC+ que ha llegado este mes de abril al canal de streaming, anunciando su renovación por una segunda temporada incluso antes de su estreno. El actor, popular por ficciones televisivas como Made for love o Black Mirror, y películas como Into the woods o Noche de juegos, interpreta a Duncan Park, el director ejecutivo de una empresa de Silicon Valley especializada en la minería de datos.

Creada, escrita y producida ejecutivamente por Jonathan Glatzer (artífice de otros títulos de éxito como Better Call Saul o Succession), The Audacity se introduce en esa burbuja de California en la que se concentran las principales compañías tecnológicas del mundo para romperla y retratarla en forma de una inteligente y divertida sátira. La historia arranca cuando la empresa de Park, llamada Hypergnosis, entra en una importante crisis económica tras el fracaso de una operación fallida fruto de sus impulsivas decisiones.

Una conducta que el protagonista intenta corregir con ayuda de su terapeuta, la doctora JoAnne Felder -el otro gran personaje de la serie junto a Duncan, a la que da vida una brillante Sarah Goldberg-. Ambos desatan una gran confrontación cuando el chico descubre que la especialista -que trata en su consulta a los principales magnates del valle- está usando la información que le comparten sus clientes para realizar inversiones personales. Es entonces cuando se detona toda una enredada disputa marcada por la lucha de egos, los dilemas éticos y la necesidad de hacer lo que sea para que el precio de sus errores, como dice el lema de la ficción, siempre lo paguen otros.

Pero esa guerra no será cosa de dos, sino que implicará a un gran plantel de secundarios -con multimillonarios, psiquiatras, gurús, nerds informáticos y yuppies digitales- que es encarnado por un reparto coral y de altura. En el elenco, que es otro de los principales atractivos de la producción, figuran intérpretes de renombre como Zach Galifianakis (Resacón en las vegas), Paul Adelstein (Prison Break), Lucy Punch (Motherland), Rob Corddry (The Daily Show) o Simon Helberg, al que hará gracia ver como freak tecnológico tras su icónico papel como científico en la emblemática The Big Bang Theory, sitcom de la CBS en la que hacía del carismático Howard Wolowitz.

“Leí el guion de Jonathan Glatzer y pensé: Dios mío, quiero con todas mis fuerzas tener la oportunidad de dar vida a Duncan. Hice una audición para el papel y luché por él”, cuenta Magnussen a verTele, durante una reciente visita promocional a Madrid de la mano de AMC+, explicando lo que le “fascinó” del personaje. “Me encantó el hambre de este tipo, que está un escalón por debajo de ser un titán tecnológico, y su necesidad y deseo de ser visto y reconocido. No creo que Duncan sea un mal tipo, creo que es un hombre perdido. Cuando leí eso en el guion pensé: Dios, hay una profundidad de personaje aquí a la que quiero hincar el diente”, explica con entusiasmo el actor.

Una definición que sintetiza a la perfección los factores principales por los que The Audacity merece la pena. Y es que la serie encuentra desde su primer capítulo un gran equilibrio entre ese ejercicio de sacar a relucir las miserias y artimañas de un Silicon Valley que prácticamente controla el mundo y el de ahondar en la psicología humana y carencias emocionales de las personas que lo habitan.

'The Audacity', la serie que retrata las miserias de Silicon Valley

“El éxito tiene un precio, que lo paguen otros”. Como decíamos, este es el eslogan con el que AMC+ ha presentado The Audacity en España, resumiendo en una potente frase el modus operandi de los multimillonarios que controlan las principales empresas del mencionado 'centro de mando' norteamericano. Lo curioso es que la ficción utiliza en Estados Unidos otra consigna aún más explícita: “Move fast and break people” (“Muévete rápido y rompe a las personas”).

Se trata de una frase que versiona de forma atinada el lema interno acuñado por Mark Zuckerberg en los orígenes de Facebook, Move fast and break things (Muévete rápido y rompe cosas). Con él, invitaba a sus trabajadores a actuar de una manera a la postre irresponsable en la que innovación y la experimentación prevalecieran sobre la precaución. En definitiva, se encomendaba a aquello de que 'no se puede hacer una tortilla sin romper algunos huevos'. Lo que The Audacity nos subraya es que no son cosas las que se quiebran, sino las propias personas.

“Creo que cuando empezó la era 'puntocom' había mucha esperanza, era emocionante, eran personas que querían hacer algo hermoso. La cuestión es que todas esas personas intentaban construir un producto perfecto, intentaban construir cosas perfectas... pero la verdad es que son personas imperfectas quienes las construyen y me encanta explorar eso. Son personas intentando alcanzar la perfección sin ser perfectas y perdiendo el tiempo mirando hacia fuera en lugar de mirar hacia dentro para arreglarse a sí mismas, y todos ignoran eso”, reflexiona Magnussen.

Mediante la figura de su personaje, The Audacity ahonda en los intereses que se esconden detrás de la minería de datos y enseña lo que las grandes empresas tecnológicas hacen con la información que todos los usuarios les brindamos a través de nuestro uso cotidiano del universo de Internet. Estas compañías se dedican analizar todos esos datos masivos (el llamado 'big data') que reciben a diario de nuestras aplicaciones móviles, sintetizando factores como la ubicación geográfica, el género, la edad, el nivel económico, la corriente ideológica, el comportamiento frente a la publicidad y un largo etcétera.

Toda esa información, que cedemos de forma relativamente pasiva -aceptando a ciegas ciertas políticas de privacidad en nuestros dispositivos-, es comercializada a posteriori a grandes poderes económicos o institucionales, ya que son útiles para detectar vía 'machine learning' ciertos patrones y tendencias a nivel macro con los que establecer estrategias útiles a nivel financiero o incluso político. “¡No aceptéis las cookies! ¡No aceptéis las cookies!”, advierte con humor Billy Magnussen al explicar lo que ha aprendido gracias a este proyecto. “La tecnología es un arma de doble filo”, considera el actor.

“Es algo muy bonito que puede conectarnos, puedes aprender, no tienes que perder tiempo... bueno, 'perder tiempo' no es la mejor forma de decirlo, pero ahora tenemos acceso a la información a una velocidad increíble. Y eso es un regalo para personas que quizá no tenían educación, oportunidades o ese acceso antes, y ahora lo tenemos en la palma de la mano. Y al mismo tiempo, puede ser una herramienta muy peligrosa que nos vuelve vagos, nos desconecta y nos distancia de otras personas”, valora el intérprete.

En definitiva, The Audacity se presenta como una oportuna comedia negra que pone el foco en una temática tan actual como la que recientemente abordaba la española Entrepreneurs de Disney+. Sin embargo, si la ficción de los Pantomima Full servía para desmontar de una forma blanca y ligera la meritocracia y las farsas del neocapitalismo, la serie de AMC+ esconde bajo el paraguas del humor una seria problemática que nos afecta más de lo que pensamos y retrata de forma descarnada ese centro tecnológico que mueve los hilos del mundo desde las sombras.

“¿Estarán contentos en Silicon Valley? Presentamos la serie en San Francisco a gente de allí, y todos dijeron: 'Wow, lo habéis clavado. Esto es más o menos así'”, nos desvela Magnussen. “Pero creo que lo bonito de la escritura y la narrativa de Jonathan Glatzer es que la serie trata realmente sobre la humanidad de las personas dentro de estas burbujas. Podríamos haber situado la historia en la industria del cine o en la financiera. Simplemente elegimos el mundo tecnológico porque es muy influyente e importante en la sociedad moderna. Lo que me encanta de la serie es que podría situarse en cualquier industria, pero elegimos esta por su relevancia actual”, sentencia.

Casi medio siglo después de que Isabel Allende escribiera La casa de los espíritus, la plataforma Prime Video ha estrenado la serie que trocea en ocho capítulos la primera y más emblemática novela de la autora chilena, aquella con la que esta pudo trazar una amplia radiografía de la política y la sociedad latinoamericanas del siglo XX.

No es la primera vez que se graba una adaptación del libro, pero nunca antes se había hecho con la sensibilidad que merece. Cuando La casa de los espíritus cayó en manos de Hollywood en 1993, la película resultante, grabada en inglés y protagonizada por Jeremy Irons, Winona Ryder, Glenn Close, Meryl Streep y Antonio Banderas, recibió un buen puñado de críticas por su falta de identidad latina, cosa que se ha tenido muy presente a la hora de hacer esta nueva versión audiovisual.

La serie tiene un planteamiento radicalmente diferente y el deseo de preservar el ADN de la obra original. Se ha grabado en español, tiene producción chilena y su equipo humano es mayoritariamente iberoamericano. Son el mexicano Alfonso Herrera y la madrileña Nicole Wallace quienes interpretan a Esteban Trueba y Clara del Valle, la pareja protagonista de este drama romántico marcado por las tensiones familiares y los conflictos sociales de una época no demasiado lejana.

La productora Filmnation “quería una adaptación mucho más fiel que la película”, explica a verTele la directora del proyecto, Francisca Alegría, que destaca la “necesidad” que existe hoy en día de “contar nuestra historia” con el acento de quienes la vivieron. De hecho, Nicole Wallace cree que esta serie es el “ejemplo” de que “se puede hacer una adaptación que vea mucha gente y que esté arraigada a las raíces latinoamericanas”.

Por respeto a la historia se ha preservado su alma latina, y por respeto a los lectores se ha intentado hacer una escrupulosa selección de las tramas. Con ocho capítulos a su disposición, la serie puede incluir muchos más detalles que una simple película y es capaz de mostrar en toda su extensión el crecimiento de los personajes, pero no siempre se acierta al hacer esa complicada criba. En este caso se han tomado “algunas licencias” creativas, admite Alegría, aunque han tratado de ser “lo más fieles posible” a la obra original –tanto en forma como en fondo– para que exista una “coherencia narrativa”.

El equipo se muestra orgulloso del resultado final, de haber sacado adelante una “adaptación bendecida por Isabel Allende”, como la describe Francisca Alegría, ya que la escritora es productora ejecutiva de la serie junto a Eva Longoria y Courtney Saladino. Parece que los astros se han alineado en esta ocasión para que el bagaje y la esencia de La casa de los espíritus llegue por fin a la pequeña pantalla.

La política, muy presente en 'La casa de los espíritus': “Los derechos se pueden perder en un solo día”

Ni el libro ni la serie son la clásica telenovela que engorda sus tramas con amores tóxicos y rencillas familiares insustanciales. De todo eso hay bastante, pero enfocado siempre desde sus connotaciones políticas, desde el análisis de una sociedad que evoluciona al ritmo que lo hacen sus protagonistas.

La casa de los espíritus comienza a principios del siglo XX y se extiende a lo largo de cuatro generaciones. Esteban Trueba y Clara del Valle son el hilo conductor de la trama. Él es un machista decidido a triunfar en el mundo de los negocios, y ella una dulce joven acomodada que tiene cierta sensibilidad para comunicarse con lo sobrenatural. Parece que no hay nada que les una. Nada salvo el matrimonio, que no es poco.

“Esteban Trueba representa la política latinoamericana, la polarización que existe en la región y en el mundo, la injusticia, el desequilibrio y la falta de empatía”, expone Alfonso Herrera, el actor que le da vida en la nueva serie de Prime Video. “Hay que no juzgar al personaje para poder interpretarlo. Hay que entender de dónde vienen esas carencias para ver por qué detona de esa forma”, añade durante su charla con verTele.

Son las mujeres quienes aportan el equilibrio necesario en una historia de injusticias y desigualdades. Suya es la mirada sensible que nos hace creer que un mundo mejor es posible. Un mundo sin patriarcado y sin el abuso de los ricos sobre los pobres.

“Mi madre siempre me ha dicho que los derechos se consiguen con una lucha generacional y se pueden perder en un solo día. Tristemente, ahora nos estamos dando una hostia de realidad”, lamenta Nicole Wallace, que se disculpa por utilizar palabras gruesas para describir la situación que le rodea: “En mi generación hay mucha gente que da por hecho que no hay nada por lo que luchar. Ojalá esta serie haga de espejo, de reflexión, porque es una historia que, aun siendo latinoamericana, podría pasar en cualquier momento en cualquier país. No estamos tan lejos de ellos”, advierte.

Consciente de que la ola reaccionaria sacude al mundo de punta a punta, Wallace, a sus 24 años, cree que es necesario que “nos volvamos un poco más activas y revolucionarias para tomar las riendas otra vez de nuestra historia”. Todo es política y cada gesto tiene trascendencia. Incluso devolver el acento latino a La casa de los espíritus es un acto de soberanía, dice Alfonso Herrera: “Me parece muy loable que una serie de estas características sea hablada en español y que en el norte lean subtítulos. Eso es algo disruptivo y fantástico”.

Desde que en 2018 lanzó su primera serie original en España, Pequeñas coincidencias, Prime Video ha ido construyendo su catálogo patrio de ficción con más de una treintena de producciones propias de distintos géneros y con diferentes particularidades. En ocho años, el streamer de Amazon ha estrenado superproducciones como Sin límites, fenónemos literarios como Reina Roja, aplaudidos dramas como Días mejores o mediáticas comedias como Su Majestad. Ninguna de ellas, sin embargo, tiene que ver ni en fondo ni en forma con Cochinas, el nuevo título español que rompe moldes en la plataforma.

Con Malena Alterio como cabeza de cartel, la serie de comedia que Prime Video estrena este viernes 24 de abril nos sitúa en el Valladolid de finales de los 90 para contar la historia de Nines, un ama de casa de aires conservadores que se ve obligada a salvar el negocio familiar, un videoclub de barrio, especializándose en el único negocio que da dinero: el porno. Una premisa llamativa que es solo el punto de partida de un relato que va más allá de la superficialidad y el cliché, y que emociona entre la risa con algunas primeras veces.

Creada y escrita por Carlos del Hoyo (Señoras del (h)AMPA) e Irene Bohoyo (Vamos Juan), Cochinas tiene su centro neurálgico en el Dorothy, un pequeño local en quiebra que, por una mezcla de desesperación y creatividad, acaba convirtiéndose en el primer videoclub de la ciudad especializado en películas para adultos. Un negocio enfocado a los “pajilleros” del barrio que termina siendo un lugar seguro para un grupo de mujeres que se despojan de los prejuicios machistas de la época para experimentar su liberación sexual.

En ese despertar feminista, contextualizado con una perfecta ambientación de una provincia en la España previa al euro, tiene un papel clave la mencionada Nines (Alterio), pero también unos Agu (Álvaro Mel) y Chon (Celia Morán) como representación de una generación con una mirada y sensibilidad mucho más modernas. En resumidas cuentas, un trío diverso y fresco para liderar una serie tan provocativa como rompedora, a cuyos 8 capítulos ha tenido acceso verTele antes de su estreno, y de los que analizamos las claves junto a sus directoras y protagonistas.

El porno como detonante para resignificar a las cochinas

Quien se asome este viernes al primer episodio de Cochinas en Prime Video, se verá sorprendido por un chocante arranque inspirado precisamente en las películas porno de los 90, y que tiene continuidad en cada uno de los capítulos de la serie. Pequeños sketches en clave de humor que, una vez vista la producción al completo, esconden un mensaje mucho más interesante de lo puramente cómico.

Que una serie de naturaleza feminista esté vertebrada sobre una industria tan machista como la de la pornografía puede despertar contradicciones en aquellos que empiecen a verla y extraigan conclusiones prematuras. También en quien escribe estas líneas, que entre la carcajada y el asombro confiaba en que la evolución de la historia justificase la explotación del porno más allá del gag. Y así es.

Por si hiciera falta, las directoras Andrea Jaurrieta, Laura M. Campos y Núria Gago, en conversación con este portal, explican esta decisión, aclaran que Cochinas “no blanquea el porno” y apuntan a la evolución del arco de la historia para despejar cualquier duda.

“Lo importante de esta serie es cómo esas mujeres de los años 90, a las que les han dicho que el sexo es malo y que sus cuerpos no son sensuales, empiezan a autodescubrirse. Y es a través de estas películas porno, porque no había otra manera de acceder a la educación sexual”, explica Jaurrieta, que señala este recurso como detonante en la historia de las mujeres protagonistas: “Toman conciencia de que esas películas quizás no les aluden directamente porque tienen una mirada absolutamente machista y no se sienten representadas”, agrega.

“En provincias no existía el sexo para las mujeres, si existía era para tener hijos”, comenta también la realizadora, a lo que su compañera Núria Gago apunta que “en general la sociedad estaba muy descolgada de esa mirada [feminista]”. Este es el contexto de la nueva serie de Prime Video, que como decíamos se ambienta en un Valladolid de 1998 en el que las mujeres que disfrutaban de su libertad sexual eran tildadas de “cochinas”.

La ficción retrata ese machismo estructural de barra de bar para resignificar el insulto y recordarnos cómo estábamos hace no tanto, poco menos de 30 años. “Llegando al 2000 ya pensábamos que éramos modernos, pero ahora te pones en 2026 y sí ha cambiado la película. Hay cosas que se han avanzado, espacios que se han conquistado y otros que quedan por conquistar, pero también en relación a la mujer, a la sexualidad, a los derechos, a la igualdad, ha habido avances”, reflexiona con verTele Malena Alterio.

Cochinas nos enseña esa España y también la que representan Agu y Chon, a quienes define la propia Alterio como “los brotes verdes que vemos en el futuro”. Porque en el 98 no solo había cuñados de carajillo, también nuevas generaciones con inquietudes, ideas y sensibilidades que nos resultan más reconocibles en la actualidad, y hombres como el charcutero, a quien interpreta Juanjo Cucalón, que regala junto a Esperanza de la Encarnación una de las pequeñas historias por las que merece la pena asomarse a esta serie.

'Cochinas' se sale de la normatividad haciendo visible lo real

La secuencia estrella de los charcuteros -de la que no daremos más detalles por no arruinar el visionado- es el reflejo perfecto de lo que es Cochinas: una serie real y natural que da visibilidad a todo tipo de cuerpos, relaciones e identidades. En un audiovisual plagado de normatividad en el 95% de las producciones, donde poco de lo que se ve representa a la mayor parte de la sociedad, que una ficción muestre sin tapujos lo que somos no debería ser la excepción sino la norma.

“Es la única manera de llegar al público, de que te sientas identificada”, comenta Andrea Jaurrieta. A su lado, Laura M. Campos explica que “la idea también es normalizar los desnudos, todo tipo de desnudos y todo tipo de cuerpos. Un abrazo, viniendo de quien venga, es bonito. Está todo el mundo representado en todos los niveles y en todos los sentidos”.

“Naturalizamos el desnudo, además, sin subrayarlo por trama. Vemos desnudos y vemos cuerpos distintos, pero no hay algo que diga: mira esto”, agrega por su parte Núria Gago, idea en la que incide Jaurrieta: “Como directoras queríamos que la mirada no fuera sexualizadora. Muestras un cuerpo porque todos tenemos uno. Todos nos miramos al espejo y estamos desnudos, y si estoy mostrando el cuerpo es porque está contando algo, pero la cámara no lo subraya ni lo sexualiza”.

En ese sentido, que la serie esté dirigida por tres mujeres es de suma importancia, pues de su mirada y sensibilidad nace el retrato de las relaciones y reivindicaciones de este grupo de protagonistas. “Todos los personajes principales son mujeres y nos podemos sentir más identificadas. Y la mirada que tenemos es más de empatía y no tanto de objetualización de los personajes”, afirma Jaurrieta, si bien destaca que “cada vez hay más hombres directores con esa sensibilidad”.

Laura M. Campos, por su parte, apunta a sus referentes, que no son otras que sus madres y abuelas: “Hay mucho de experiencia personal en esta serie, tanto en el ámbito sexual como en los personajes y en la época. Creo que no es lo mismo el trato o el recuerdo que yo puedo tener de ciertas formas de actuar de mi abuela o de mi madre en ciertos momentos que la que puede tener mi hermano, y ha crecido conmigo”.

En definitiva, y para quien tenga dudas, Cochinas es una rompedora comedia sobre la liberación sexual de un grupo de mujeres de los 90 tan bien dirigida como interpretada. Y no sólo por una Malena Alterio brillante en su vis cómica, sino también por un tierno Álvaro Mel y una debutante Celia Morán que se adueña de todas sus secuencias y que apunta a revelación del año.

Raquel Pérez, Celia de Molina, Chani Martín, Esperanza de la Encarnación, Álvaro Almodóvar, Albert Baró, Ana Mencía, Josele Román, Aina Picarolo, David Castillo, Enrique Asenjo, Jose Luis García-Pérez, Paqui Horcajo, Juanjo Cucalón, Blanca Javaloy y Daniela Blume completan el reparto de la serie, que está producida por Oslodije y que se estrena al completo en Prime Video este viernes 24 de abril.

El éxito de crítica y público, juntos o por separado, es el principal baremo que mide el valor de un showrunner o un cineasta. Sin embargo, hay otros méritos que también pueden calibrar su importancia en la industria individual, siendo dos de ellos su olfato para descubrir nuevos talentos y su capacidad de sacar adelante proyectos que, sin su apoyo, difícilmente podrían ver la luz. Un ejemplo claro de esto último lo tenemos en la figura de Pedro Almodóvar, del que se habla mucho —y con razón— de su excelsa carrera como director y muy poco de que, por ejemplo, él y su hermano Agustín produjeron con El Deseo la ópera prima de Álex de la Iglesia (Acción mutante, 1993) y dos de las primeras y más importantes películas de Guillermo del Toro (El espinazo del diablo, 2001) e Isabel Coixet (Mi vida sin mí, 2002), pese a que ninguna de ellas tenía mucho que ver con su estilo de cine.

Los Javis, admiradores confesos del manchego, están más o menos en las mismas. Trece años después de que triunfaran con la versión teatral de La Llamada —curiosamente, el mismo tiempo que separa la primera película de Almodóvar (Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, 1980) y la primera que produjo sin estar dirigida por él (la ya mencionada Acción mutante)—, Javier Calvo y Javier Ambrossi han construido una carrera tan sólida que ahora mismo pueden permitirse el lujo de sacar adelante no sólo sus propias producciones, sino también las de otros a través de su compañía, Suma Content. De hecho, la buena acogida de sus creaciones ha hecho que la etiqueta “producida por los Javis” goce de una fuerza inusual dentro de nuestra industria por el simple hecho de mencionar en ella al dúo creativo, por mucho que ninguno de sus integrantes tenga algo ver con el guion o la dirección de aquellos títulos que la lucen.

Yo siempre a veces, la nueva serie de Movistar Plus+, es la última producción en sumarse a esta lista, en la que ya figuran ficciones televisivas como Cardo (Atresmedia, 2021), Vestidas de azul (Atresmedia, 2023), Superestar (Netflix, 2025) o Mariliendre (Atresmedia, 2025). Siguiendo con las coincidencias, las cuatro fueron creadas o cocreadas por mujeres, igual que Yo siempre a veces, el proyecto más importante hasta la fecha de Marta Bassols y Marta Loza, que ambas han escrito junto a Almudena Monzú y que Loza ha dirigido junto a Ginesta Guindal y Claudia Costafreda. Para rizar el rizo, esta última ya dirigió en su momento capítulos de Vestidas de azul, Cardo y Superestar, además de ser cocreadora de las dos últimas y guionista de Veneno (Atresmedia, 2020), por lo que su presencia tras las cámaras en Yo siempre a veces refuerza la conexión de los Javis con esta serie. Una conexión que también se aprecia en otro punto importante: el resultado final no cae en la indiferencia.

'Yo siempre a veces' y lo difícil que es salir adelante

De momento, Yo siempre a veces ya ha sido avalada por el prestigioso festival Canneseries, donde competirá en su selecta sección oficial a partir de este jueves 23 de abril, coincidiendo con su llegada a Movistar Plus+. Compuesta de seis episodios (30 minutos), la serie sigue a Laura (interpretada por la debutante Ana Boga), a quien la vida le cambia por completo cuando tiene un bebé con Rubén (David Menéndez) tras una noche de fiesta por Barcelona. Laura, que antes de ser madre tenía pensado volver a disfrutar de su buena vida en Berlín, ha de quedarse en la Ciudad Condal e intentar sacar adelante al pequeño Mario en una España tan precaria como la de nuestros días, sobre todo para la gente joven. Y Rubén, que hasta ahora vivía por y para la noche, debe asumir la gran responsabilidad que supone ser padre. Sin embargo, ella está más dispuesta que él de dar un paso adelante hacia la madurez, lo que acaba por causar fricciones entre ambos.

Esto no quiere decir que Laura sea un personaje perfecto, ni mucho menos. De hecho, una de las cosas que habla bien de Yo siempre a veces es que no pretende —o no parece pretender— que sus protagonistas caigan bien al público, aunque tampoco necesariamente mal. Dentro de su naturalidad, la serie apuesta por presentar a Laura y Rubén como dos personas normales y corrientes, con sus virtudes y sus defectos, y que tan pronto resultan simpáticas como todo lo contrario. No siempre al mismo tiempo, claro, pues hay ocasiones en las que es más fácil conectar con Laura que con Rubén y viceversa, aunque la verdadera protagonista sea ella. De hecho, uno de los puntos mejorables de la propuesta está en la construcción de sus tramas, pues por momentos parece ser la persona con más mala suerte del mundo debido a la enorme cantidad de contratiempos a los que se enfrenta, algunos de ellos tan rocambolescos que ponen en peligro el tono realista de la serie.

Insistir en esta desdicha no hacía falta cuando tu protagonista es madre soltera, carece de trabajo estable y el padre de su hijo no le pone las cosas fáciles, pues bastante tiene ya con hacer frente a todo esto. Aun así, por excesivas que puedan resultar, las dificultades de Laura no tapan una realidad: que es muy complicado ser uno mismo y avanzar emocional y vitalmente en un contexto de precariedad. Al fin y al cabo, ella vive en la España “de ahora”, en la que es tan costoso acceder a la vivienda, tener un buen salario y contar con las herramientas necesarias para construir una familia. Una España “de ahora”, pero que para los millennials de su edad es la de casi siempre, pues lleva muchos años sin ofrecer los alicientes que sí disfrutaron generaciones anteriores. Hay una escena muy ilustrativa al respecto. En ella, Laura mira el móvil, ve lo caros que están los alquileres en Barcelona y asume que están fuera de su alcance. Un buen resumen de cómo están las cosas.

Escenas como esta no hacen de Yo siempre a veces una de las mejores series de Movistar Plus+, pero sí una de las más realistas, humanas y que más tiene los pies en el suelo de todo su catálogo original. A su favor también juega que no cae en el error de demonizar la maternidad, algo que hubiese sido muy fácil de hacer dado el radical giro que experimenta la vida de su protagonista. Porque sí, las cosas para Laura eran mucho más sencillas cuando vivía por y para ella y podía ser ella misma en todo momento, pero esto no le impide sentir un inmenso cariño por su pequeño Mario. Los múltiples planos del bebé sonriendo recuerdan a su madre —y nos recuerdan a los demás— que por muy complicadas que se pongan las cosas, siempre hay un buen motivo para tirar hacia adelante. Y a Javier Calvo y Javier Ambrossi, que siempre hay historias y mucho talento femenino ahí fuera por el que apostar.

Aceptamos que la realidad siempre supera a la ficción, pero olvidamos que esta última tiene la tarea pendiente de dar voz a los contextos invisibilizados que condicionan a miles de personas. La serie Barrio Esperanza no se compone de lujos, personajes de postín o tramas glamurosas. Todo lo contrario: la calle es su escenario para mostrar un complejo día a día sepultado por la vorágine de actualidad que nos bombardea. Es una producción que va de segundas oportunidades, trata el acoso a todos los niveles y tiene por protagonista tanto la vulnerabilidad como la educación pública. Sin duda, un ejercicio necesario que se comporta como homenaje a los héroes sin capa en consonancia con la misión de servicio público de RTVE.

El estreno está programado para este domingo, 19 de abril, en el prime time de La 1. Con la actriz Mariona Terés como cabeza de cartel, el título que nos ocupa rompe por completo la tendencia actual de la ficción. Aquí no hay áticos luminosos ni vidas idílicas disfrazadas de drama. Hay barrio, grietas de lo más reales que están completamente desplazadas de la agenda informativa. La intención es clara: poner el foco donde a veces se nos olvida mirar como ciudadanos. Y lo hace recuperando esa esencia de otras épocas, pero adaptándola a un presente que, paradójicamente, no muestra el interés que sus propias heridas merecen.

Producida por Globomedia (The Mediapro Studio) en asociación con la corporación pública, Barrio Esperanza se presenta como una comedia que combina el humor ácido con un tono vitalista. Cuenta además con un elenco que se completa con Alejo Sauras, Ana Jara, Mariano Peña, Guillermo Campra, Laura de la Uz, Ángel Héctor Sánchez, Ruth Núñez, Carlos Librado 'Nene', Carmen Balagué y Javier Pereira, a los que se unen los niños que interpretan a los alumnos de un colegio público. Los creadores de la serie, Iván Escobar y Antonio Sánchez Olivas, han logrado plasmar en pantalla una obra que refleja a la perfección un trabajo por hacer en materia de igualdad social.

El barrio como reflejo de una realidad olvidada

El barrio es el corazón narrativo de la serie, como su propio nombre indica. Es el lugar donde se cruzan todas las historias y donde surgen conflictos muy reales: el acoso escolar, la precariedad de la enseñanza pública, la vulnerabilidad de las familias, la problemática económica o la necesidad -urgente- de segundas oportunidades. En absoluto son temas elegidos al azar. Es lo que está ocurriendo ahora mismo, quizás al otro lado del rellano o de la calle. Pero no siempre se le otorga la visibilidad que merece en televisión.

Un 25.7% de la población española está en riesgo de pobreza o exclusión social, según el Instituto Nacional de Estadística (INE). Como sociedad, a veces caemos en la trampa de no otorgar la importancia que merece a un dato aislado. Cuando ponemos la lupa en los jóvenes, la conclusión es todavía más dramática: casi uno de cada tres menores sufre esa situación. Pero detrás de esta cifra se esconden miles de historias, y Barrio Esperanza es consciente de ello. Incluso hay escenas directamente relacionadas con esta triste realidad que hasta emocionan.

El acoso escolar también es clave en la serie, poniendo cara a diferentes niños -y también adultos- que sufren esta lacra. No es ficción, estamos hablando de una verdad que sufren nuestras aulas. Según los últimos estudios publicados por el Ministerio de Educación, un 9.5% del alumnado en Primaria indica haberlo sufrido. La producción busca concienciar al respecto durante sus capítulos, con un profesorado sorprendido ante los casos que se descubren a raíz de una iniciativa nunca antes puesta en marcha desde el centro público.

Y como no podía ser de otro modo, la educación juega un rol protagónico en cada uno de sus episodios. La clase política tiene la obligación de proteger uno de los valores más preciados de nuestro país. Las administraciones deben invertir todos los recursos necesarios para formar a nuevas generaciones, garantizando así la igualdad plena de oportunidades. Los datos expuestos en un informe de Save The Children invitan a la reflexión: España es el país de la OCDE que más segrega por renta entre la escuela concertada y la pública.

Esperanza, una justiciera en busca de segundas oportunidades

Para qué nos vamos a engañar, Esperanza es la profesora que todo alumno hubiera deseado tener. Mariona Terés interpreta con gran destreza a una mujer que necesita resarcirse de los errores del pasado tras ocho años de condena. ¿Y cómo lo intenta? La respuesta es altamente entrañable: ayudando a todos esos niños con miedos y sueños por cumplir pese a las adversidades. En definitiva, su camino pone de relieve tanto los prejuicios como los estigmas de toda una sociedad a la hora de conceder una segunda oportunidad a una mujer que tomó el camino equivocado.

La recién licenciada no busca cambiar el mundo, pero sí arreglar en la medida de lo posible la realidad que hay frente a sus ojos. En una ficción de corte social, es algo que resulta imprescindible. Si hacemos énfasis en esas problemáticas fundamentales, las personas de avanzada edad también gozan de representación en esta serie a través de la madre de la protagonista. A través de su figura se muestra a un colectivo frágil y vital para cualquier sociedad, en ocasiones invisibilizado. Según la Fundación ONCE, la soledad no deseada alcanza el 20% entre los mayores de 75 años.

Un estreno inesperado en La 1 que desplaza a 'La película de la semana'

Con todos estos elementos, RTVE despliega sus alfombras para estrenar Barrio Esperanza. La fecha elegida -un domingo- sorprende sobremanera por un giro de programación que supone la supresión del contenedor La película de la semana, que en su anterior emisión logró liderar frente a Supervivientes: Conexión Honduras. Se trata de una “noche especial” en la que la ficción se extenderá entre las 22:00 horas y las 00:25, acompañada después por el documental España de barrio: Carabanchel. Desde verTele hemos preguntado por el número de capítulos que se emitirán en el estreno -aunque por la duración coincide con dos-, sin obtener respuesta de la corporación. Queda por ver si la estrategia se mantiene o si, por contra, termina dando el salto a otra jornada diferente.

La estrategia de la corporación arroja una doble lectura: es de aplaudir que una serie vuelva a arrancar a una hora que facilite la conciliación y no se convierta en el plato fuerte tras La Revuelta. Y en este sentido, es necesario destacar un aspecto que no juega del todo a favor: cada episodio dura alrededor de 70 minutos, un estándar ya poco habitual en la ficción española. En una industria donde el consumo es cada vez más fragmentado, esta extensión se le puede volver en contra. No por falta de contenido, ni por ritmo en algunas ocasiones. Cierto es que algunas tramas piden respirar, pero otras agradecerían desarrollarse con mayor agilidad.

'Barrio Esperanza' es tan valiente como necesaria

En conclusión, Barrio Esperanza se presenta como una serie inherente a la razón de ser de RTVE: el servicio público. En cierto modo, se erige como un recordatorio necesario de lo que ocurre a nuestro alrededor. La ficción sirve en esta ocasión para señalar una realidad incómoda de ver, plagada de historias que condicionan la vida de miles de personas aunque no sean nada atractivas para los algoritmos. Y lo hace poniendo la lupa en la vulnerabilidad, el acoso escolar, la precariedad en la educación y las segundas oportunidades. En tiempos de evasión constante, que una producción regrese a las calles para contar sin filtros lo que ocurre es tan valiente como necesario.

Pocos programas han dado tantas alegrías a Antena 3 como La ruleta de la suerte. Además de ser líder de audiencia cada mañana, el exitoso concurso de Jorge Fernández disfruta de una estabilidad privilegiada que contrasta con las habituales turbulencias de la parrilla televisiva. No parece que el paso del tiempo haya erosionado su prestigio, como les ocurre a muchos programas que caen en el olvido y acaban por desaparecer. Más bien al contrario, su principal fortaleza es su veteranía, su marca y su capacidad para enganchar al público día tras día. Solo así ha podido convertirse en una baza imprescindible para la cadena de Atresmedia.

La historia de La ruleta de la suerte está íntimamente vinculada a la de Antena 3. Procedente de Estados Unidos, donde se le conoce desde 1975 como Wheel of Fortune, el concurso llegó a España el 25 de enero de 1990, día en el que Antena 3 arrancaba sus emisiones. Mayra Gómez Kemp tuvo el privilegio de presentar el primer programa de entretenimiento de la televisión privada, otro hito más en la extensa carrera mediática de la cubana.

En el año 2006, después de pasar por Telecinco y tras quedarse sin cadena durante una larga temporada, La ruleta de la suerte regresó a la que fuera su casa para iniciar una nueva etapa con Jorge Fernandez al frente. Esa etapa se ha prolongado de manera ininterrumpida hasta la actualidad y cumple 20 años este sábado 18 de abril.

Un éxito de audiencia rotundo de lunes a viernes

La ruleta de la suerte ha envejecido muy bien y así lo atestiguan sus datos de audiencia, que presentan pocos altibajos y son muy superiores a los de la competencia. En 2006, cuando comenzó la actual etapa, el concurso regresó a la pequeña pantalla con un 26.9% de cuota de pantalla y 1.318.000 espectadores, cifras muy similares a las que manejaba en la década de 1990. Sin embargo, en los años siguientes empeoró su rendimiento.

La temporada 2017/2018 fue un tanto agridulce para el programa de Jorge Fernández. En ella registró su peor dato de cuota de pantalla (cayó al 14.7%), pero, por sorprendente que pueda parecer, también se disparó su número de espectadores. La razón es bien sencilla: La ruleta de la suerte, que hasta entonces se emitía a mediodía, pasó a ocupar la franja de Los Simpson (de 14:00 a 15:00 horas) en la que el consumo televisivo es mucho mayor.

Aquel movimiento fue decisivo, y aunque no estuvo exento de polémica porque a los fans de la serie no les hizo ninguna gracia el cambio, eso permitió al programa comenzar una remontada que se prolonga hasta la actualidad: en pocos años ganó una buena cantidad de seguidores y mejoró su competitividad.

Durante el último lustro se ha dado otra curiosa situación. Mientras que La ruleta de la suerte ha visto cómo se reduce su base de espectadores desde la temporada 2020/2021 (cuando tocó techo con una media de 1.737.000), su competitividad no ha dejado de crecer hasta alcanzar el 22% de cuota en la temporada 2024/2025. Entre las muchas explicaciones que podrían darse a este otro fenómeno que parece contradictorio, hay una que resulta bastante factible: el programa pierde espectadores porque la televisión, en general, pierde espectadores; pero su competitividad ha crecido porque la audiencia sigue prefiriendo este concurso en vez de otras ofertas televisivas.

Así aislados, los datos carecen de la importancia que realmente tienen, por lo que es necesario un poco de contexto para evidenciar la fortaleza del concurso. Con un 21.6% de cuota de pantalla en la temporada 2025/2026, La ruleta de la suerte tiene casi el doble de audiencia que su cadena (Antena 3 promedia un 12.4% en abril) y saca una ventaja abismal a los rivales contra los que compite cada día: Mañaneros 360 ronda el 12% en esa franja de emisión, y El precio justo se acerca tímidamente al 9%.

Consciente del éxito imparable de La ruleta de la suerte, Antena 3 emite desde 2020 reposiciones del concurso en las mañanas de sábados y domingos. Incluso en este caso, con entregas repetidas, es líder de audiencia y tiene datos muy superiores a la competencia: un 17.8% de cuota y 1.258.000 espectadores en la actual temporada. Además, la cadena de Atresmedia ha emitido ya dos ediciones de La ruleta de la suerte noche, la versión nocturna del programa, aunque en este caso, todo sea dicho, sin tanto éxito como su versión diaria.

· Audiencias de 'La ruleta de la suerte' en el fin de semana

'La Ruleta': un pequeño resquicio de la televisión tradicional

Es evidente que se ha formado alrededor del concurso, a lo largo del tiempo, una gran comunidad de fans. No es un programa exigente para el espectador y no se le exige una inquebrantable fidelidad. Sus participantes cambian cada día y su mecánica es casi idéntica desde hace más de tres décadas. Para qué tocar lo que funciona, se preguntarán en los despachos de Antena 3.

Fiel a su esencia, podría decirse que La ruleta de la suerte es uno de los pocos programas que, como Saber y Ganar, el Grand Prix o El precio justo, nos conectan con la televisión del pasado. Es un pequeño vistazo a otra época, a una en la que la parrilla televisiva estaba llena de formatos de entretenimiento.

Al igual que las recetas de Karlos Arguiñano, que también se emiten en Antena 3 desde hace años, el concurso de Jorge Fernández y Laura Moure se ha convertido en una referencia para los espectadores, ha creado en ellos la costumbre de encender el televisor cada día a las dos de la tarde para girar y girar con La Ruleta.

Por si fuera poco, La ruleta de la suerte se ha convertido en una pieza fundamental para la primera edición de Antena 3 Noticias, que se emite justo a continuación. El éxito del concurso es fundamental para que el informativo de Sandra Golpe sea el más visto de la televisión. Es una estrategia perfecta, a la vista está. Perfecta y muy rentable para la cadena de Atresmedia, que goza de una tremenda estabilidad en una franja insufrible para sus rivales.

Este viernes, con motivo de su 20 aniversario, La ruleta de la suerte tuvo como invitado a Jim Thornton, el presentador de la versión estadounidense. Acompañado por los miembros de la banda del programa, el showman, que saludó a los espectadores de Antena 3 con su característico entusiasmo, se atrevió a pronunciar algunas palabras en español para demostrar cierta cercanía. Esa podría ser la receta del éxito: acercarse al público con confianza, crear comunidad y hacer que La Ruleta brille como si este fuera su primer año en emisión.

La quinta temporada de Machos Alfa vuelve a dar con la tecla, presentado de nuevo a unos personajes que libran su particular batalla con esa deconstrucción que les lleva por el camino de la amargura. En esta tanda de capítulos, la premisa de partida ya es toda una declaración de intenciones: los cuatro amigos planean irse a vivir juntos a una “comuna machirula libre de mujeres”, que viene a ser un complejo diseñado para estar 'a salvo'. Esta idea que plantea la serie de Netflix podría encajar a la perfección con el deseo de cualquier nostálgico: un búnker donde los techos de cristal ni siquiera tienen nombre, donde la igualdad no quebrante una forma de vida con amplias comodidades.

Que nadie se equivoque, la comedia de los hermanos Caballero se eleva una vez más como una excelente crítica, como analizamos a continuación en verTele. Es una sátira a ese caos del que tanto se quejan ciertos sectores de la sociedad, utilizando el humor para retratar la fragilidad de aquellos que confunden el avance social con una persecución personal. Ya lo dijo Raúl Tejón en una entrevista, refiriéndose a esos “bros” que le toman por gurú sin entender la parodia: “Yo soy mariquísima y no me oculto, lo digo abiertamente”. Para los que no se han enterado de absolutamente nada, como comentó el actor, esta temporada es una tesis de manual.

La ficción de Contubernio Films se estrena este viernes, 17 de abril, con una batería de episodios donde sus protagonistas se dan de bruces contra la realidad. Fernando Gil, María Hervás, Raúl Tejón, Kira Miró, Gorka Otxoa, Paula Gallego, Fele Martínez y Raquel Guerrero están de vuelta para brindar al espectador una imagen caricaturesca de nuestra sociedad. Completan el reparto las nuevas incorporaciones María Adánez y Diego Martín, con personajes clave que complementan los regresos de Cayetana Cabezas, Marta Hazas y Paloma Bloyd, entre otros. La dirección de los seis episodios de la serie corre a cargo de Laura Caballero, también creadora junto a su hermano Alberto Caballero.

El viaje de los cuatro fantásticos de 'Machos Alfa 5'

El arco argumental de esta temporada es, quizás, el más maduro -dentro de las posibilidades de este cuarteto- hasta la fecha. Resulta un ejercicio de lo más interesante analizar el colapso de Santi Peralta (Gorka Otxoa), quien decide que ya ha tenido más que suficiente en su viaje hacia la deconstrucción. El arquitecto que intentó ser el aliado perfecto inicia un camino radical de vuelta: rechaza cualquier tipo de relación sexoafectiva, impulsando la constitución de la sociedad Pacto Patriarcal. Y lo cierto es que se transmite una ternura latente en sus fracasos constantes por encontrar una persona con la que avanzar. Podríamos definirlo como el hartazgo vital hecho personaje.

Por su parte, Raúl Camacho (Raúl Tejón) por fin colapsa. Toma conciencia de que nunca supo querer, un diagnóstico que resuena en varias generaciones educadas en un patriarcado donde los sentimientos no son cosa de hombres. Sus tramas nos vuelven a llevar por rincones incómodos de la heterosexualidad, como esos clubes destinados al placer solo para varones donde la única regla es que “no hay contacto homosexual”. El personaje da un paso más en esta pirueta argumental para retratar la homofobia interiorizada que, lamentablemente, aún sobrevive en ciertos entornos. Bien por Machos Alfa, colando este debate en millones de hogares a través de la comedia.

El adalid de la masculinidad, que responde al nombre de Pedro Aguilar (Fernando Gil), vive una curiosa evolución: el más reacio en los inicios termina abrazando algunas bondades de la deconstrucción, o al menos eso parece. Básicamente, hasta el más 'rudo' puede cambiar cuando el sistema que defendía cae por su propio peso. Mientras tanto, Luis Bravo (Fele Martínez) intenta sobrevivir hasta que encuentra su ¿nuevo camino? tras una negociación con su esposa plagada de giros. Y atención porque uno de sus episodios vitales toca de lleno una asignatura pendiente para nuestra sociedad: las relaciones y las dinámicas cuestionables de pareja.

Adolescentes y relaciones tóxicas

Conviene poner la lupa en una de las tramas que nos regala la quinta temporada de Machos Alfa: la toxicidad que impera en las relaciones de los adolescentes. También se muestran otras tramas inspiradas en otras polémicas de nuestros días, evidenciando su vocación de generar reflexiones en los espectadores. El guion pone sobre la mesa una realidad que se recoge en los dos últimos Macroestudios de violencia de género Tolerancia Cero, cuyas estadísticas más preocupantes se destacan a continuación:

La serie de Netflix aborda esta difícil realidad a lo largo de la temporada, evidenciando que todavía queda mucho camino por recorrer en materia de igualdad. Y lo hace a través del humor, un vehículo clave para introducir debates en la conversación de los espectadores. Es fundamental que el mensaje llegue a todas las generaciones -sobre todo a las nuevas-, especialmente en un contexto donde el sesgo de confirmación actúa como escudo. En una época en la que muchos desacreditan las realidades que no encajan con su ideología, colar esta realidad en una narrativa es vital. Quizás, la forma más efectiva de romper un muro para visibilizar y concienciar.

Un espejo de nuestra sociedad que escuece (y mucho)

Más allá de las risas, Machos Alfa se erige como un ensayo sobre el cambio de paradigma en lo que significa “ser un hombre”. La sociedad viene de un pasado donde la masculinidad era sinónimo de fuerza, silencio emocional, dominación, ausencia de dudas y virilidad en exceso. Ese modelo, que durante décadas fue hegemónico, era estructural: el Centro de Investigaciones Sociológicas (CIS) lleva años detectando un aumento en la percepción de los hombres -especialmente jóvenes- que advierten discriminación en la promoción de la igualdad de las mujeres.

Ese hombre de ayer no se preguntaba quién era ni qué sentía, simplemente ejecutaba un rol privilegiado de autoridad que no podía cuestionarse. En este sentido, el cuarteto protagonista satiriza a la perfección ese punto de inflexión: todos viven a su manera un caos interno porque la sociedad les obliga a escapar de una histórica zona de confort. Ellos mismos deciden vivir en una “comuna machirula libre de mujeres” mucho tiempo después de haberse sometido a un curso donde deconstruirse, aunque el devenir de los acontecimientos puede terminar por desbaratar sus planes.

La idea de retiro que plantea la serie conecta con el auge de comunidades online solo frecuentadas por hombres, que en la realidad suelen ir acompañados por discursos antifeministas donde hay “crecimiento del negacionismo”, como documenta el Ministerio de Igualdad. Y aunque los personajes terminan enfrentándose a sorprendentes cierres de ciclo durante la quinta temporada, Machos Alfa vuelve a plantear con acierto que el conflicto real no está en la igualdad, sino en la gestión emocional, cultural y social.

'Machos Alfa' invita a reírse de las contradicciones

En definitiva, Machos Alfa se mantiene como una de las mejores comedias españolas de la televisión actual, confirmando que no existe temor alguno a meterse en el barro. Las interpretaciones son, como siempre, impecables. Logran que empaticemos con personajes que, sobre el papel, posiblemente nos sacarían de nuestras casillas. Y es que la serie de Netflix no juzga desde una posición de superioridad, sino que invita a reírse de las contradicciones humanas. Es entretenida, es ágil y, sobre todo, es muy inteligente: señala sin titubeos que el búnker del cuarteto protagonista no es para huir de las mujeres, sino para alejarse de un mundo que ya no se vive en blanco y negro.

Cuando en junio de 2019 Euphoria irrumpió en nuestras pantallas, lo hizo como una producción estéticamente rompedora que traía a la televisión un relato audiovisual, en fondo y forma, altamente representativo de la generación Z. Con Zendaya al frente de un desconocido reparto de noveles actores a los que catapultó al estrellato, la serie de HBO Max -basada en la homónima israelí de la plataforma HOT- causó un gran impacto entre el público por el planteamiento de un descarnado universo en el que se lograron plasmar -tal vez con exceso de revoluciones- algunas de las inquietudes más características de la población centennial. En su tercera temporada, que la plataforma estrenó este pasado lunes, Euphoria rompe ahora con su pasado y deja atrás casi todo lo que un día la hizo grande y extraordinaria.

Lejos de presentarse como una serie juvenil al uso más, tirando de conflictos adolescentes ya explotados en otros títulos, Euphoria llegó a nuestras vidas en el último verano prepandémico con todo el peso puesto sobre unos protagonistas que sublimaban el nuevo signo de los tiempos entre los jóvenes: sus personajes usaban un lenguaje hiperreferencial y autoconsciente; mostraban una mayor sensibilidad sobre la salud mental y una apertura de miras desprejuiciada, diversa y fluida en torno a la identidad sexual; y manifestaban una gran voluntad por la creatividad y la autoexpresión, evidente desde su propio maquillaje y vestuario, lo que causó un gran impacto cultural en las corrientes de moda del planeta en aquella época.

Todo este cóctel fue reflejado ante las cámaras por su creador Sam Levinson -durante sus dos primeras temporadas y los dos capítulos especiales que HBO Max ofreció entre ellas- a través de un look cinematográfico hiperestilizado, con aire indie y ciertamente experimental, que ponía la realización -con abundancia de primeros y primerísimos primeros planos- y la fotografía -y su gama de colores saturados- al servicio de las emociones de sus protagonistas.

También lo hacía con su narrativa, que planteaba fórmulas innovadoras que atrapaban al espectador, jugando con diferentes líneas temporales y con secuencias que oscilaban con facilidad entre lo realista y lo onírico. Y con su excelsa banda sonora firmada por Labrinth, que servía como un potentísimo amplificador sensorial de toda la historia y una de las señas de identidad más sólidas de la ficción. Todo ello tenía, como decíamos, un claro objetivo: no ya explicar las emociones de sus personajes, sino hacérnoslas sentir en nuestra misma piel.

'Euphoria', otra víctima del retroceso cultural de nuestro tiempo

El contexto en el que Euphoria logra al fin estrenar su tercera temporada en HBO Max, que recordaremos al final de este artículo, se hace fundamental para entender las posibles consecuencias que este crispado ambiente ha tenido en su resultado. Pero no es el único, ya que la ficción parece ser el último producto que sufre los efectos del gran retroceso ideológico que se ha desatado en el mundo en los últimos años y que, sin duda, ha permeado con fuerza en una industria cultural que plantea dudas sobre cuánto tiene de reflejo y cuánto de instrumento perpetuador de los valores conservadores que imperan en la sociedad.

Así pues, la pandemia del coronavirus se posiciona como un punto de inflexión clave en nuestra historia reciente, con la emergencia o repunte de figuras de poder que se aprovecharon de un escenario de incertidumbre y miedo global para mover a su antojo el tablero político y social en todo el planeta. Y en esa nueva partida, estos agentes retrógrados entendieron que la llamada -por ellos- 'batalla cultural contra lo woke' jugaba un papel clave para poner freno a todos aquellos principios progresistas, de conciencia social, de igualdad, de inclusión o de diversidad que se imponían entonces en el discurso social dominante.

Esta regresión, que se viene palpando en los últimos tiempos en títulos de nueva creación, cobra -voluntaria o involuntariamente- una mayor tangibilidad en Euphoria, a la que la perspectiva del tiempo y su desarrollo a caballo entre los años pre y postpandémicos deja en profunda evidencia. Al menos eso es lo que siente uno cuando se planta a ver los tres primeros capítulos de esta tercera temporada, los únicos de los ocho que componen la tanda a los que ha podido acceder verTele.

En ellos, los personajes retoman las tramas cinco años después de los hechos ocurridos en el final de la segunda tanda, con unas vidas (lógicamente alejadas -quizá demasiado- de las que tenían en el instituto) en las que, tras perderse a sí mismos en los dramas de la juventud, cada uno emprende su respectiva travesía por el desierto. Una deriva en la que parece descarrilarse la propia serie, que se entrega -ahora también en fondo y forma, como aventuraba su tráiler y su cartel promocional- a un conservadurismo y falta de creatividad con el que deja atrás todo lo que un día fue.

'Euphoria' se desdibuja en su temporada 3 en HBO Max

Por un lado, como decíamos, hay un giro formal y estético. Y es que Euphoria se convierte en su tercera temporada en una suerte de neo-western de mirada masculina que la acerca a referentes más próximos a Breaking Bad o Los Soprano que a títulos autorales como Girls o Fleabag. Es decir, más al thriller criminal y la comedia negra y menos al drama y al realismo generacional que marcaba sus primeras temporadas. Para ello, Levinson presenta ahora a Rue como una traficante de armas y de drogas que tiene que sortear humorísticas peripecias vinculadas a la delincuencia -como la delirante con la que arranca el primer capítulo- y lidiar con los tejemanejes de dos capos de la droga en sus insistentes intentos por huir de los errores de su pasado.

En esa nueva vida, en el marco de un conflictivo club de striptease, es donde el personaje de Zendaya se topa con los de la cantante Rosalía y la actriz hispano-puertorriqueña Priscilla Delgado (la niña de Los Protegidos), fichajes de la temporada -junto a una en principio testimonial Sharon Stone- y que no dejaran indiferente a nadie con sus pertinentes trabajos interpretativos. Especialmente el de la segunda, que despunta por sorpresa con un personaje más protagónico del que nadie imaginaba y que aspira a ser clave en el segundo tramo de la temporada.

Para lograr esa estética, Levinson y su director de fotografía (Marcell Rév) apostaron por rodar en película de 65mm de Kodak, buscando proporcionar una imagen extendida en pantalla que reflejase mejor el nuevo mundo amplio y salvaje en el que se mueven los personajes. Como consecuencia, se pone ahora más el foco en lo que ocurre alrededor de los protagonistas y menos en la profundidad de las consecuencias emocionales que desencadena en ellos lo que les pasa. Los creadores también abandonan la oscuridad y el juego de luces y colores de sus comienzos -aunque en la segunda tanda ya vivió una notable evolución fotográfica- para decantarse ahora por los tonos cálidos -dorados, amarillos, anaranjados- más clásicos de cine del Oeste.

Todo esto, sumado a la pérdida de Labrinth en la banda sonora -que prescinde ahora también de esa canciones comerciales que anclaban la serie a nuestro tiempo- y a un encargo a prestigioso Hans Zimmer que se hace insuficiente por la despersonalización que se produce en las músicas de la producción, propicia que parezca que nos encontramos desde el principio -y de un simple vistazo- ante una Euphoria radicalmente diferente a la que hace no tantos años nos conquistó.

Pero Euphoria también se desdibuja en sus tramas, con un guion que se desinfla desde el planteamiento de la temporada y que no hace justicia a las estrellas actorales de su reparto, siempre con una soberbia Zendaya que está por encima de su texto. Durante los dos primeros capítulos, la serie se esfuerza -haciendo uso de demasiado metraje- en contarnos lo distanciada que vive ahora aquella pandilla de amigos y en el tercero encuentra en la boda de Cassey y Nate una excusa fácil, forzada y poco consistente sobre el papel para reunirlos. Era obvio que los personajes no iban a seguir escolarizados con sus actores acercándose a la treintena, pero en estos nuevos episodios se nos presentan con desarrollos vitales superficiales, poco interesantes e incoherentes, especialmente el de Jacob Elordi, con un Nate 'beatificado' que pierde por completo los tormentos, la ira y la oscuridad que siempre lo caracterizaba.

Lo único que tienen los protagonistas de Euphoria en común es llevar unas vidas vinculadas a la criminalidad, ya sea por narcotráfico, prevaricación urbanística o explotación sexual. Y es en este último punto donde la serie toca hueso por la mirada cosificadora y sexualizada que Levinson -que ya fue criticado por lo mismo en The Idol- parece poner sobre los personajes femeninos, al menos en los tres capítulos que HBO Max ha avanzado a la prensa. Ahí la peor parada es una Sydney Sweeney objetivada y erotizada hasta el extremo, una actriz que ha sido víctima de esto mismo por la proyección que han hecho de ella la industria y los medios a raíz de su éxito en la serie.

Sin querer precipitarnos, ni cometer el error de juzgar la parte por el todo, habrá que ver el resto de entregas para confirmar si la representación que se hace de las mujeres -que llevan todo el peso de las tramas- termina llevando implícita una crítica o reflexión moral (como se dejaba entrever mejor en las primeras temporadas) o, al vaciarse de mensaje y basarse en el artificio, acaba reforzando los estereotipos y comportamientos misóginos que quizá pretendía señalar. Habrá que esperar para ver si Levinson y Sweeney han ideado una estrategia para expresarse contra el odio a través de sus tramas en los nuevos capítulos de la ficción o todo queda en una trivial huida hacia adelante.

En definitiva, toca aguardar unas semanas para ver si Euphoria logra reconducir una temporada -ojalá final- a la que, de momento, sostiene su espectacular reparto, el rédito del interés por la evolución de unos personajes otrora bien escritos y desarrollados, y su adictivo potencial entretenedor, aunque a veces abuse de buscar disrupción y forzoso impacto a través de imágenes incómodas y desagradables. También la crítica que planea de fondo sobre un sistema capitalista que se tambalea y que desmonta, con alusiones y alegorías a la Fiebre del Oro de California -espacio en el que se desarrolla la acción-, aquella vulgar quimera del sueño americano.

La larga y convulsa espera para lo nuevo de 'Euphoria'

Euphoria rompe con todo ello en su tercera temporada -y última, tal y como han apuntado en recientes entrevistas sus responsables y estrellas-, que se estrena siete años después del lanzamiento de su primera tanda en HBO Max, y tras una larga y convulsa espera de cuatro años desde la segunda que parecen haber hecho mella en su resultado. Un retraso marcado primero por la huelga de guionistas de Hollywood y, después, por las dificultades para compaginar las agendas de sus ya cotizados actores, especialmente las de unos consagrados Zendaya, Sydney Sweeney y Jacob Elordi, nominado este año al Óscar al Mejor Actor por su trabajo en Frankenstein.

Cuatro años a la par condicionados por algunas polémicas internas en la serie que han hecho aflorar desavenencias entre algunos actores y Sam Levinson, con el sonado abandono de Barbie Ferreira, unido a los de otros intérpretes principales como Storm Reid, Austin Abrams o Dominic Fike; rumores de enfrentamiento -con las miradas en Zendaya y Sweeney por sus conocidas diferencias ideológicas- entre algunos miembros del elenco principal, que curiosamente evitó un posado grupal en la reciente premiere de la temporada; e incluso la abrupta salida de Labrinth, que a última hora dejó el proyecto y retiró su música del mismo entre críticas a la industria y un supuesto conflicto con la serie que también parecía señalar a Levinson.

Por otro lado, la producción se vio afectada por la muerte de uno de sus responsables principales, el productor Kevin Turen, y la de dos de sus actores protagonistas: en agosto de 2023, la de Angus Cloud -el joven Fezco en la ficción, una de las piezas claves de su segunda temporada-; y el pasado mes de febrero, la de Eric Dane, que interpretaba al despreciable Cal Jacobs -el padre de Nate (Jacob Elordi)- y que deja en esta tercera tanda un último (e impactante) trabajo a título póstumo tras fallecer a causa de esclerosis lateral amiotrófica (ELA). A través de sus créditos, Euphoria le dedica a los tres sus nuevos capítulos y, en una carta enviada por Sam Levinson a la crítica -a la que ha podido tener acceso verTele-, el creador hace especial hincapié en cómo la muerte por sobredosis de Angus Cloud le “afectó profundamente de forma inesperada”.

“Con la adicción, se supone que uno debe estar preparado para la pérdida de alguien que está luchando, pero su muerte despertó en mí una rabia, no solo por él, sino por las muchas vidas jóvenes en Estados Unidos truncadas por el fentanilo. El año en que murió, más de 70.000 estadounidenses fallecieron por esta causa, siendo la principal causa de muerte entre los menores de 45 años. Esta temporada se convirtió en mi forma de honrar a Angus y a todos los jóvenes que no tuvieron una segunda oportunidad. Quería contar una historia en la que la esperanza y la luz aún pudieran sentirse en la oscuridad”, explica en el texto el cinesta, quien ya reconoció que sus problemas con las drogas en el pasado le habían inspirado a la hora de poner en pie Euphoria.

Cuando Atresmedia se lanzó en 2021 a adaptar en formato serie de televisión la exitosa saga de novelas La novia gitana, lo hizo siendo consciente del material que tenía entre manos. El universo creado por el trío de guionistas detrás de Carmen Mola se caracteriza dentro del género policíaco-suspense por su estilo crudo y oscuro, algo que solo era capaz de llevar a la pantalla con un sello auténtico un cineasta como Paco Cabezas.

El grupo audiovisual, junto a Diagonal TV (Banijay Iberia) y Viacom International Studios, apostó por confiar su producto al reconocido director español, que ya entonces contaba créditos internacionales como Penny Dreadful o Fear The Walking Dead. El resultado fue una serie thriller oscura y con identidad que llevó por nombre La novia gitana, el título de la primera novela y que engloba también una saga que a día de hoy cuenta con cinco obras literarias y tres audiovisuales.

La segunda de ellas, La red púrpura, se llevó a la pantalla en 2023 de nuevo con Paco Cabezas al frente de la dirección y un elenco liderado por Nerea Barros en la piel de la inspectora Elena Blanco, el alma de este quinteto de historias. Lo hizo subiendo el nivel de la primera temporada y también redoblando la representación de la violencia para ahondar en la versión más oscura del ser humano.

Esta temporada 2 mantuvo la esencia de las páginas de la novela, pero ya se desmarcó irrevocablemente de la obra original en un paso clave sin el que es imposible entender cómo llegamos a La Nena, la adaptación del tercer libro de la saga de Carmen Mola que Atresplayer y Disney+ estrenan, por primera vez en conjunto, este domingo 12 de abril.

Una adaptación de autor que se independiza de Carmen Mola

Ya desde su nota de prensa, Atresmedia avanza que la temporada 3 es una “adaptación libre” del libro con el que comparte nombre, inevitable dado los cambios que se han ido introduciendo en las entregas anteriores. Algo que se asume que ha contado con el beneplácito de los autores, que firmaron los guiones de las dos primeras (Antonio Mercero en ambas, Jorge Díaz solo en la primera), si bien desaparecen de los créditos de La Nena en los que figura únicamente el coordinador José Rodríguez.

Con estas pistas se entiende la principal conclusión que saca alguien que ha leído la saga y ha visto las dos temporadas, como es quien escribe estas líneas: visionando los dos primeros capítulos de la tercera, a los que ha tenido acceso verTele, es difícil reconocer en ellos el contenido de las novelas. El universo La novia gitana se ha independizado por completo de Carmen Mola en una serie que es muy continuista respecto a sus propias temporadas, pero no en cuanto a muchos aspectos de la historia que contaban los libros.

Así las cosas, y sin conocer todavía cómo evolucionará esta tanda más allá de los dos capítulos iniciales, La Nena se confirma como un thriller de autor que trasciende a su propio universo literario. Si no revisitas al menos La red púrpura, temporada que se estrenó hace cerca de tres años, es difícil de seguir. Sin embargo, es a su vez recomendable olvidar todo lo que narraban los autores para disfrutar realmente lo que muestra la adaptación audiovisual.

Chesca da un paso al frente en una temporada cruda

Como refleja la sinopsis oficial de la serie, la trama de La Nena se sitúa meses después de los sucesos de La red púrpura, con Elena Blanco en paradero desconocido. El foco se posa esta vez en el personaje de Chesca, interpretado por Lucía Martín Abello, que busca venganza tras todo lo sucedido en la temporada anterior. En esta tercera entrega, la BAC no solo tratará de descubrir quién está detrás de la organización, sino que investigará sus orígenes en un recorrido cargado de simbología y misticismo.

Por tanto, el inicio de La Nena resulta muy continuista respecto a La red púrpura, y es pertinente recordar lo que pasó en esa segunda temporada para conectar con el presente. Es continuista en cuanto a la trama y también el tono, ya que conserva esa oscuridad y crudeza características de la serie y vuelve a confirmarse como uno de los únicos thriller españoles de autor que podemos ver en la actualidad. Le honra no lanzarse a lo comercial, y mantener su sello aunque en ocasiones pueda ser café para muy cafeteros.

Como decíamos, el protagonismo recae en esta ocasión en Chesca, un personaje hasta ahora secundario que coge galones y brilla con la interpretación de la mencionada Lucía Martín Abello. Si se respeta a grandes rasgos la historia central de la novela, tan dura como difícil de imaginar en el audiovisual, sin duda marcará un punto de inflexión en la franquicia.

En los 8 capítulos de 50 minutos, producidos esta vez por Buendía Estudios Canarias y Diagonal (Banijay Iberia) con la participación de Atresmedia, Ignacio Montes, Mona Martínez, Vicente Romero, Francesc Garrido, Ginés García Millán, Daniel Ibáñez, Nuria González, Óscar de la Fuente, Carmen Prada, Roberto Álamo y Carlos Cabra también recuperan a sus reconocidos personajes. La Nena incorpora al reparto a los actores Eduardo Casanova, Raúl Sanz, Pepe Sevilla, Santi Prego y Daniel Freire, entre otros, y Miguel Ángel Trudu acompaña al antes mencionado Paco Cabezas en la dirección.

El primer capítulo de La Nena se estrena este 12 de abril en Atresplayer y Disney+. Los siguientes se irán lanzando semanalmente, a razón de un episodio cada domingo.

Instalados desde hace unos años en la era de la nostalgia, parece que nos hemos acostumbrado a que algunas de nuestras series favoritas regresen en busca de una segunda vida dorada en streaming. Y es que en un ejercicio de falta de originalidad, las plataformas recurren con frecuencia a títulos exitosos del pasado como golpes de relevancia que ilusionan a nuestro adolescente interior, unas veces con mayor acierto que otras.

Apenas unas semanas después del especial de Hannah Montana, Disney+ ha estrenado Malcolm: de mal en peor, secuela de Malcolm: In The Middle que vuelve a reunir a (casi) todo el reparto original en un evento de cuatro capítulos que está disponible desde este viernes 10 de abril en la plataforma de Mickey Mouse.

Este retorno nos sitúa 20 años después del final de la serie original, y nos muestra a un Malcolm que lleva más de una década haciendo su vida de manera independiente a sus padres y hermanos. El protagonista, encarnado de nuevo por Frankie Muniz, ha encontrado la paz que tanto ansiaba viviendo por su cuenta con su hija adolescente (Leah, interpretada por Keeley Karsen), pero todo vuelve a desmoronarse cuando Hal (Bryan Cranston) y Lois (Jane Kaczmarek) requieren su presencia en la fiesta de su 40º aniversario.

Con ese punto de partida arranca un especial que hemos visto al completo en verTele, y que es todo un regalo para la generación que creció con Megatrix. Sus cuatro episodios nos devuelven a esas mañanas de fin de semana viendo las desventuras de esta peculiar familia en Antena 3, gracias a que mantiene la esencia que nos atrapó en los 2000 con un grupo de actores que nos vieron crecer, y a los que vemos ahora muy crecidos tras desarrollar sus distintas trayectorias en el audiovisual.

No obstante, no todo son luces en este nuevo Malcolm, que deja una espinita clavada en todos los que disfrutamos la serie en su momento. A continuación, señalamos tres aciertos y un fallo de Malcolm: de mal en peor, sin destripar con spoilers la experiencia de aquellos que vayan a asomarse este fin de semana a la serie evento en Disney+.

Tres aciertos del regreso de 'Malcolm' a la TV

1. Malcolm sigue siendo Malcolm

Como decíamos, esta secuela de Malcolm: In The Middle mantiene la esencia de la serie original, lo que supone el mayor acierto del retorno. Frente a otras ficciones milenial que han regresado irreconocibles, en los cuatro capítulos de Malcolm: de mal en peor ves todo aquello que atrapó a los espectadores en los 151 episodios que tuvo la producción en los 2000.

La clave para que esto sea posible es que Linwood Boomer, creador de la serie, está presente en este proyecto como guionista y productor ejecutivo. También lo es que haya regresado el reparto prácticamente completo, con Bryan Cranston, Frankie Muniz, Jane Kaczmarek, Christopher Kennedy Masterson, Justin Berfield y Emy Coligado en los papeles de Hal, Malcolm, Lois, Francis, Reese y Piama, respectivamente. La ausencia clave de Erik Per Sullivan, el Dewey original a quien sustituye Caleb Ellsworth-Clark, la analizaremos más adelante.

2. Homenaje a la vis cómica de Bryan Cranston

El éxito de Malcolm en su día fue tal por el carisma del personaje protagonista al que encarnó Frankie Muniz, como es obvio, pero también por un Bryan Cranston que ya era estrella y que ahora regresa como uno de los actores televisivos más icónicos de su generación.

Tener al intérprete haciendo otra vez de Hal, tras una trayectoria meteórica que tuvo su punto de inflexión con Breaking Bad, es un regalo para todos los seguidores de la serie. Conscientes de ello, en el retorno de Malcolm es él y no su hijo el gran protagonista, explotando como nunca su vis cómica. A sus 70 años, Cranston firma su interpretación más irreverente en cuatro capítulos que, a fin de cuentas, funcionan como un homenaje a su figura.

3. Un evento concreto que no estira más el chicle

El tercer acierto de esta secuela es su formato: un evento especial de cuatro episodios. Lejos de producir una temporada completa de larga duración que le hubiera dado más rédito y resultados, Disney+ ha apostado por retomar la serie con un motivo justificado y una trama concreta que ni se estira, ni se puede estirar más. Se trata de la celebración del 40º aniversario de Hal y Louis, donde pretenden reunir a todos sus seres queridos para una noche inolvidable en familia.

En clave nacional podríamos asemejarlo al especial FoQ: El Reencuentro que Atresmedia produjo en 2020 para reunir al reparto de Física o Química en dos capítulos evento que fueron suficiente y el mejor ejemplo de nostalgia televisiva bien traída.

El fallo que deja una espinita clavada a la generación 'Megatrix'

El fallo del reencuentro de Malcolm, como anticipábamos, no es otro que la ausencia de Erik Per Sullivan, que en su día interpretó a Dewey. Esta falta no ha sido provocada por la producción, que sí trató de reunir al reparto completo por todos los medios, sino que es fruto de una decisión personal totalmente respetable del actor, que está centrado ahora en su formación universitaria y la interpretación no es para él una prioridad.

Así lo desveló Jane Kaczmarek, Lois en la serie, durante la promoción de esta secuela. De hecho, incluso afirmó que "le ofrecieron muchísimo dinero" para contar con él en el papel del icónico hermano pequeño de Malcolm, pero decidió rechazarlo al no estar en sus planes retomar su trabajo como actor.

No poder ver reunida a la familia original al completo es la gran espinita que deja Malcolm: de mal en peor, que ha tratado de solventar este problema fichando a otro actor, Caleb Ellsworth-Clark. Sin embargo, en la práctica, Dewey tiene una participación puramente testimonial en los cuatro capítulos.

Quizás por no querer manchar el recuerdo del que era uno de los personajes más icónicos de la serie, desde guion se ha optado por reducir al máximo la presencia de Dewey con otra cara. Sí aparece de manera puntual, pero ni siquiera está presente como tal. Una pena para los nostálgicos del Club Megatrix, aunque lo cierto es que tratan de cubrir este vacío dando protagonismo a nuevos personajes importantes en la vida actual de Malcolm.

Quien quiera asomarse a esta secuela especial, tiene los cuatro capítulos de Malcolm: de mal en peor en el catálogo de Disney+, junto a los 151 episodios de la serie original.

El sector audiovisual continúa avanzando en un nuevo paradigma, condicionado por la diversidad de canales que permiten acceder al entretenimiento en cualquier momento y lugar. Con este planteamiento base, las audiencias en diferido se convierten en una herramienta fundamental para obtener una medición mucho más fiel a la realidad. Por ese motivo, y tras conocer el balance lineal de las cadenas, desde verTele ponemos en marcha un análisis para completar una fotografía de marzo donde La 1 reedita el liderazgo como cadena y Atresmedia como grupo. También ponemos el foco en aquellas ofertas que acumulan volúmenes significativos de espectadores y que las mediciones tradicionales no contemplan.

Como ya recogimos en el informe de febrero, el diferido se consolida entre los espectadores como complemento de las emisiones clásicas. Las mediciones que procedemos a recoger, ofrecidas por Fifty5Blue —antes Kantar Media— y recogidas por la consultora DOS30, registran el consumo de contenidos televisivos hasta siete días después de su emisión lineal. Volvemos a encontrar tres claves al analizar las tendencias: las posiciones de las grandes compañías audiovisuales no varían, La 1 repite como el canal de referencia en esta categoría y el cine de Movistar Plus+ se corona en lo más alto. No puede perderse de vista a MasterChef, que encuentra su salvación en este ámbito ante su tardío horario en la televisión tradicional.

Ranking en diferido: La 1 lidera y Atresmedia se impone como grupo

En primer lugar, conviene resaltar que las televisiones tradicionales ya están sumidas en su particular evolución para captar el mayor número posible de espectadores. El modelo de Atresmedia vuelve a dominar el balance de audiencias en diferido durante el mes de marzo, alcanzando un 22.1% de cuota, manteniéndose por delante de su competencia con una diferencia de +0.7 puntos respecto al ejercicio anterior. Un triunfo que viene a complementar su destacado rendimiento en el ámbito lineal, demostrando que sus ofertas son de alto interés en las dos categorías.

La medalla de plata en esta medición vuelve a quedar en manos de RTVE (20.1%), que repite exactamente el mismo resultado en relación con febrero gracias a la gran acogida de sus series principalmente. Detrás se coloca Mediaset (16.4%) con el bronce, mejorando su resultado en +1.3 enteros. El grupo audiovisual con sede en Fuencarral (Madrid) ya se prepara para recibir una nueva edición de La isla de las tentaciones, contenido con enorme rédito —como destacamos posteriormente en el presente análisis— en el consumo diferido.

Si nos centramos en el rendimiento individual de cada canal de televisión, La 1 revalida su posición en lo más alto con un 14.7% y una mejora de +0.3 puntos respecto al ejercicio anterior. Como apunte, suele ser habitual que la audiencia conecte posteriormente con ofertas que no ha disfrutado durante su emisión lineal. El segundo cajón vuelve a estar ocupado por Antena 3 (12.9% y +0.7), que se coloca a gran distancia de una Telecinco (7.8% y +1.3) que todavía no muestra un rendimiento destacado.

El cine de Movistar Plus+ lidera ante el auge de 'La Promesa': el top 5 de emisiones más vistas

Por segundo mes consecutivo, el liderazgo en el ranking individual de emisiones en diferido termina en manos de Movistar Plus+. La cinta documental Flores para Antonio, emitida el jueves 19 de marzo en el canal homónimo, se cuelga el collar de líder con 414.000 espectadores de media. Una vez más nos encontramos ante la siguiente paradoja: su emisión lineal no figura entre los 20 espacios más seguidos del ámbito del pago en su pase lineal. El resto de posiciones quedan ocupadas por el titán La Promesa, cuyo episodio del lunes 2 de marzo acumula un total de 369.000 seguidores a la carta. Estas son las cinco ofertas con mayor respaldo:

La serie de RTVE goza de un músculo envidiable en este ámbito de medición, pero existen otros productos con representación. De hecho, MasterChef se 'beneficia' de su tardío horario en La 1 para ocupar la tercera plaza en el consumo en diferido.

En este ranking también aparece el encuentro de Champions League entre el Real Madrid y el Manchester City (297.000) emitido en Liga de Campeones por M+, seguido del episodio 511 de Sueños de libertad (291.000) en Antena 3. La Fórmula 1 también es un contenido de interés tras su retransmisión lineal, con el Gran Premio de Australia (275.000) destacando desde el canal DAZN F1.

La audiencia total sumando el lineal y el diferido

Como ya hemos destacado, el análisis que nos ocupa pretende arrojar una fotografía más real del rendimiento que ostentan las ofertas con mejores números de la televisión tradicional. Es el momento de sumar las audiencias lineales con los registros en diferido para conocer su alcance en profundidad:

Como observación, la octava entrega de Casados a primera vista se coloca como el contenido más seguido de Mediaset en marzo con 253.000 espectadores. La emisión en plena recta final del reality show, teniendo en cuenta las audiencias lineales, alcanza en total 1.195.000 seguidores. Curiosamente, Supervivientes 2026 no destaca en esta modalidad de consumo.

Ranking global de series más vistas, con 'Sueños de libertad' en cabeza

El ranking global de series más vistas, sumando la audiencia media en lineal y en diferido, queda liderado de nuevo por Sueños de libertad. De hecho, la ficción diaria de Antena 3 consolida su posición rozando 1.500.000 espectadores en total. Este es el top 5 de producciones con mayor rendimiento:

Ranking global de programas más vistos, con 'Pasapalabra' en lo más alto

Centrados en la clasificación de programas totalizada, el concurso diario Pasapalabra se beneficia de su gran respaldo en la televisión lineal. A continuación, procedemos a recopilar las cinco ofertas más seguidas contemplando la media del lineal y el diferido:

El diferido que se avecina con 'La isla de las tentaciones'

El rendimiento de la ficción —bien en formato cine o en formato serie— en el terreno del diferido es una evidencia. Sin embargo, existe un formato todoterreno con músculo más que suficiente para encumbrarse: su nombre es La isla de las tentaciones. La décima edición del reality show está a punto de arrancar en Telecinco, con una nueva remesa de participantes dispuestos a encontrar respuestas. Su desembarco en la principal cadena de Mediaset el próximo lunes 13 de abril puede sacudir la clasificación a juzgar por los registros históricos firmados en anteriores tandas.

Nos remontamos al balance de enero, último mes hasta la fecha con el reality show de Sandra Barneda en parrillas, para justificar esta apreciación: ocupó las cinco primeras posiciones, con su entrega más cotizada rozando los 415.000 espectadores de media en diferido. Como dato llamativo, la emisión que nos ocupa fue entonces su récord de edición en lineal con un 20.1% de cuota y 1.485.000 seguidores. Queda por ver si las nuevas entregas vuelven a estar a la altura para capitalizar la atención del público.

Una lectura más completa gracias al modelo híbrido

Un mes más, este análisis pone sobre la mesa que el consumo de televisión tradicional está en plena evolución. El diferido ya es una modalidad más para acceder a aquellos contenidos que el público no pudo disfrutar durante su emisión lineal, consolidándose como una ventana clave para acceder a ellos. En este ámbito, Atresmedia repite como grupo líder gracias al buen rendimiento de sus programas y series, mientras que RTVE destaca con un bastión que lleva por nombre La Promesa.

De nuevo, Movistar Plus+ evidencia que el cine es fundamental para los espectadores con Flores para Antonio. En definitiva, el modelo híbrido ya es un estándar clave para la industria al aportar una lectura más completa y equilibrada de la audiencia total.

Telecinco parece haber iniciado, sin anunciarlo formalmente, un proceso de desescalada que afecta tanto a sus contenidos como a los rostros que habitan el singular universo Mediaset. De un tiempo a esta parte, los espectadores han vuelto a ver en pantalla a colaboradores y entrevistados que anteriormente pusieron rumbo a otros destinos profesionales como Lydia Lozano o más recientemente Ylenia Padilla. De hecho, su primera entrevista en De Viernes evidenció la voluntad de retomar asuntos relacionados con Belén Esteban, afianzando esa 'tregua' del canal con su propio pasado.

Para entender el momento actual, conviene retroceder a febrero de 2023. La existencia de un Código Ético interno en el grupo audiovisual —donde se fijaban límites claros— salió a relucir. Determinados personajes dejaban de ser objeto de debate en los distintos programas, al menos en lo que respecta a su esfera personal aunque se permitiera informar sobre ellos de manera escueta y concisa. Aquella decisión marcó un claro punto de inflexión en la forma de abordar tanto el entretenimiento en general como el corazón en particular.

El siguiente hito a destacar llegó en junio de ese mismo año con la cancelación del siempre polémico Sálvame. La salida de sus principales colaboradores supuso mucho más que el final de un formato: implicó su práctica desaparición de la parrilla en una cadena que necesitaba iniciar una nueva etapa en su historia reciente. Durante algunos años, la crónica social se tomó un respiro de esos nombres que la coparon entre 2009 y 2023. Incluso se recurrió a eufemismos como “el exmarido de Makoke” o “ese programa”, y hasta se evitó citar al espacio cuando se hacía uso de su archivo, evidenciando una voluntad de ruptura con esa etapa anterior plagada de polémicas.

Telecinco 'se abre' a hablar de Belén Esteban

Sin embargo, los ciclos rara vez son definitivos en televisión. Y en este contexto toma especial importancia lo ocurrido recientemente en De Viernes. La reaparición de Ylenia Padilla, alejada de los focos de Telecinco desde hacía casi seis años, fue un evidente reclamo para los espectadores. Durante el scoop capitaneado por Santi Acosta se produjo una situación de lo más significativa: la mención abierta a Belén Esteban, una figura que fue estandarte del canal en el pasado, pero que se había quedado fuera. Aún resuena aquel enfado de la colaboradora en un photocall ante la negativa de Socialité a grabar su posado.

El gesto no es menor. Supone, en la práctica, la reducción de una distancia entre las partes que hasta no hace muchos meses era máxima. Más aún cuando la propia Esteban ha mostrado en los últimos meses cierta predisposición a un acercamiento: “Yo estoy muy agradecida a Sálvame, muy agradecida a Ten, muy agradecida a Top Chef y muy agradecida, después de todo el dolor que pasé, a Telecinco, la verdad. Porque es verdad que los mejores años de mi vida los pasé en Telecinco”, aseguró en unas declaraciones recogidas por Europa Press. Tampoco podemos pasar por alto una reflexión de lo más significativa: “Es verdad que yo soy más de De Viernes que de El Desafío”.

De hecho, una gran parte de los 'rostros fuertes' del cancelado espacio vespertino pusieron rumbo a RTVE para probar suerte. El fallido La familia de la tele fue su principal escaparate en la pública, con la propia Belén Esteban, María Patiño, Kiko Matamoros, Víctor Sandoval, Chelo García-Cortés o Lydia Lozano. Esta última probó suerte tanto en Mañaneros como en Baila como puedas, mientras que la penúltima se mantiene a día de hoy como colaboradora de L'Altaveu en La2Cat. Cabe recordar que Terelu Campos también fue colaboradora del espacio matinal presentado por Adela González en su anterior etapa antes del desembarco de Javier Ruiz.

Los rostros del pasado que vuelven a Telecinco

El movimiento de De Viernes abriéndose a hablar de Belén Esteban responde a una tendencia: la apertura hacia una 'vieja guardia' clave en su pasado más reciente. No son pocos los perfiles vinculados a Sálvame u otros espacios del canal en otras épocas los que han ido reapareciendo estratégicamente en Mediaset, bien como colaboradores o como entrevistados. Destacamos a continuación casi una veintena de nombres que afianzan esta particular 'tregua' que vive Telecinco.

Rostros fuertes de 'Sálvame' que han regresado a Telecinco:

Nombres clave de la antigua Mediaset que han reaparecido:

Otros rostros que trabajaron en 'Sálvame':

Destacamos también algunos perfiles de especial relevancia en tiempos pasados que han reaparecido como Carlos Lozano. El presentador abandonó la televisión tras sus últimas participaciones en Sálvame y derivados durante 2022, protagonizando una vuelta por todo lo alto como ganador de Gran Hermano Dúo 4. Mismo reality show en el que la audiencia volvió a ver a Antonio Canales, quien fue despedido por Carlota Corredera en riguroso directo hace ahora cinco años. No podemos pasar por alto a José Antonio León, quien forma parte de los colaboradores de De Viernes desde su estreno.

Digno de mención también es el viaje de Nagore Robles a Supervivientes 2026 como concursante oficial. La habitual colaboradora, que también se pasó a RTVE durante un tiempo, cambia por completo su rol tras presentar Uno de GH20 para lanzarse a la aventura e intentar convertirse en un soplo de aire fresco para los actuales habitantes de los Cayos Cochinos. En definitiva, la apuesta por rostros muy vinculados a etapas pasadas de Telecinco responde a la necesidad de nutrir sus espacios con aquellas personas capaces de generar conversación.

¿Hasta dónde llegará esta 'apertura' en Telecinco?

Así las cosas, el regreso de Ylenia Padilla puede leerse como algo más que una vuelta puntual: es un síntoma de lo que puede venir. La cadena empieza a repasar su pasado más reciente y a recuperar, aunque sea de forma parcial y muy medida, a un destacado número de protagonistas —muy reconocidos entre la audiencia— que lo construyeron de alguna forma. En ningún caso se trata de una vuelta per se al controvertido modelo anterior, sino de una apertura para abarcar más contenido de la crónica social y mejorar sus índices globales. Queda por ver hasta dónde llega esta 'tregua', y si finalmente Belén Esteban acabará de nuevo frente a las cámaras de Telecinco.

Las mejores series de misterio combinan intriga, suspense y tramas complejas con capacidad para atrapar a los espectadores. Vivimos una época en la que este género parece estar en auge a juzgar por la cantidad de títulos que se estrenan en nuestra pequeña pantalla. Con estos ingredientes en la coctelera, Disney+ se lanza a la aventura con Si es martes, es asesinato. Antes de arrancar con la crítica, viene un spoiler: no estamos ante una mera adaptación a la española de la aclamada Solo asesinatos en el edificio pese a las similitudes estéticas como ya destacamos en verTele. Esta producción logra destacar por sí misma y cumplir su función principal: entretener al público ávido de este tipo de contenidos.

Todos los usuarios del servicio de streaming podrán disfrutar de esta producción original de Hulu el martes 31 de marzo, un día de lo más apropiado solo con ver el título. Dirigida por Salvador Calvo y Abigail Schaaff, la historia se vertebra con un grupo de turistas que viaja a Lisboa. En cuestión de horas, lo que parecía ser una escapada para descubrir a nuestro país vecino se transforma en una investigación policial. Uno de los excursionistas aparece muerto en una de las habitaciones del tenebroso hotel en el que se ven forzados a alojarse. La creación de Carlos Vila arranca entonces un particular camino para encontrar soluciones al crimen, sumiendo a los personajes en una vorágine de interrogantes y sospechas.

El reparto está encabezado por grandes figuras de nuestra industria como Álex García, Inma Cuesta y Ana Wagener. Ellos interpretan magistralmente a las tres personas que llevan la voz cantante en el proceso, con la inestimable colaboración de Biel Montoro. Su papel aporta una frescura vital para el desarrollo de la narrativa aunque con un recurso un tanto manido, siendo esta serie uno de sus primeros trabajos en nuestra pequeña pantalla. El elenco se completa con Pedro Casablanc, Luisa Gavasa, Carmen Ruiz, Saida Benzal, Gorka Lasaosa, Xavi Lite, Carla Campra, Mia Zafra, Raquel Pérez, Álvaro de Juana y Sonia Castelo. Además, la ficción producida en colaboración con Lazona cuenta con talento portugués también representado por Paulo Pires y Adriano Carvalho.

Mucho más que un 'Solo asesinatos en el edificio' a la española

Cuando Disney+ anunció el desarrollo de la serie —junto con su cartel promocional—, los espectadores no tardaron en atribuirle una particular etiqueta y plantear una cuestión: “¿Estamos ante un remake de Solo asesinatos en el edificio?”. Basta el primer episodio para desmontar la comparación. Es cierto que ambas comparten esencia: un crimen, un grupo cerrado de protagonistas y una investigación construida por amantes del true crime. Todos se atreven con el enorme reto de intentar averiguar la verdad entre las sombras, con cierto aire a The White Lotus o las obras de Agatha Christie.

El producto estadounidense tiene a Steve Martin, Martin Short y Selena Gomez como trío de cabecera, mientras que Si es martes, es asesinato incorpora a un cuarto miembro. ¿Qué tienen en común? Ambas series introducen ese humor con cierta retranca y esa solemnidad en una coctelera. Al agitarla, el producto resultante se presenta con grandes diferencias en el fondo y en la superficie. De hecho, en ningún momento se prescinde de esa esencia 'patria' de lo cotidiano que tanto gusta a los espectadores españoles.

Quizás, una de las principales diferencias tiene que ver con el enfoque. La serie española se permite el lujo de profundizar en las grietas de sus personajes, convirtiéndolas en un asunto primordial para resolver el misterio principal. No se trata únicamente de descubrir al asesino, sino de entender qué mueve a cada uno de los personajes en su comportamiento. Aunque ambas comparten el mencionado equilibrio entre comedia y misterio, la nueva ficción introduce una capa de dramatismo sustancialmente alejada del entretenimiento ligero que predomina en la estadounidense.

Un 'Cluedo' que despierta interés en el espectador

La estructura narrativa funciona como una partida del mítico 'Cluedo' en la que cada jugador guarda cartas secretas bajo la manga. Todos los personajes tienen algo que esconder, y precisamente aquí encontramos una de sus grandes bazas. Sin hacer spoliers, el entramado narrativo genera en el espectador un sinfín de conjeturas para intentar arrojar luz sobre lo ocurrido. Van pasando los capítulos y cada vez es más complicado encontrar respuestas… aunque las pistas —prácticamente imperceptibles— que aparecen durante el proceso son clave. Casi todo cobra sentido en el último capítulo.

No puede perderse de vista la destreza con la que la serie dosifica la información. Cada episodio añade una capa al misterioso asesinato, pero también introduce dudas para disparar las hipótesis en el espectador. Durante el rodaje, según nos han contado los propios actores en una entrevista que se publicará próximamente en verTele, se puso en marcha una apuesta para conocer quién había perpetrado el crimen. Ninguno de ellos acertó, y esa incertidumbre se traslada con eficacia a la pequeña pantalla.

Si es martes, es asesinato se presenta como una experiencia en la que el espectador asume un papel activo: no solo observa, sino que además participa. Sospecha, descarta y elucubra; sin embargo, todo vuelve a empezar cuando las nuevas averiguaciones salen a relucir. Sobre todo cuando los secretos de los personajes se exponen abiertamente, generando nuevas conjeturas que tiran por tierra las anteriores. Como en cualquier buena historia de misterio, lo importante es el camino que conduce a la respuesta más que la propia resolución en sí. Y la ficción de Disney+ está a la altura en este sentido.

Lisboa, el quinto protagonista en la serie de Disney+

Si algo termina de elevar la propuesta de Disney+ es el uso de Lisboa como escenario narrativo. Las series de misterio suelen plantear sus marcos espaciales como un telón de fondo que resguarde la historia, sin darle un peso excesivo más allá de lo necesario. En este caso, la ciudad condiciona y acompaña a los personajes en cada paso de su investigación. De hecho, el aire melancólico tan característico de su urbanismo se integra en la narrativa como un protagonista clave en la resolución del misterio principal.

El hotel, casi laberíntico —no es baladí esta expresión—, se convierte en el epicentro de una historia que no podría existir en otra ubicación. La capital portuguesa es refugio y amenaza a la vez, una dualidad que encaja a la perfección con el tono de la ficción. Digno de mención es también el contenido histórico que se introduce a lo largo de los episodios, además de los clichés sobre la población española que se exploran. Aporta esa pincelada de humor necesario cuando la tensión está en auge.

Un colofón final que abre la puerta a la continuación

Sin desvelar detalles clave, el desenlace de Si es martes, es asesinato cumple con su cometido: cierra el misterio principal y la conclusión 'desbloquea' una continuación, aunque generando una sensación de que su último giro resulta menos arriesgado de lo esperado. Los personajes aún tienen mucho camino por recorrer, con un final que abre la puerta a explorar nuevos escenarios y, sobre todo, nuevos misterios clave para el núcleo de protagonistas. Queda por ver si Disney+ apuesta por este título con entidad propia y, sobre todo, por un elenco de intérpretes que ha sabido afrontar con solvencia la amplia variedad de registros.

La nueva serie de Disney no reinventa el género, pero en realidad tampoco lo necesita. Su fortaleza reside en que sabe jugar sus cartas para encandilar a su público objetivo: un reparto sólido, una atmósfera cuidada que es fundamental para la narrativa y emoción en su arco argumental. Pese a las comparaciones con la estadounidense Solo asesinatos en el edificio, el título español ha sabido encontrar un espacio propio con una apuesta clara por el misterio con grandes dosis de humor para entregar al público un buen producto de entretenimiento sin renunciar a ese costumbrismo patrio que tanto gusta.

La historia de laSexta es la crónica de un desafío a la industria audiovisual que arrancó en 2006. El 27 de marzo de aquel año irrumpía en los hogares españoles una nueva señal analógica —la última en España— que tiñó nuestras pantallas de verde: llegó con la vocación de ser una “televisión de autor”, título que se convirtió en un traje a medida con el paso de los años. Coincidiendo con su vigésimo aniversario, desde verTele ponemos en marcha un análisis para entender cuáles son los seis pilares de un canal que ha evolucionado parejo a los avances de la sociedad patria.

Detrás de este ambicioso proyecto no solo había inversores, también unos 'padres' dispuestos a cambiar las reglas del juego: Emilio Aragón, que fue su primer presidente, y una alianza de productoras entre las que figuraban Mediapro y Globomedia. Nació entonces una cadena con ADN propio dispuesta a romper moldes en la superficie y en el fondo para ganarse el respeto de una industria que ya abría las puertas a la fragmentación. Cierto es que la aventura arrancó con un alcance limitado —su señal analógica solo cubría el 70% del territorio—, pero esta 'barrera' no le impidió convertirse en un auténtico fenómeno cuando quedó disponible para todo el país.

Coincidiendo con su 20 cumpleaños, es el momento de poner en valor cómo esos pilares que cimentaron su nacimiento han evolucionado hasta convertir laSexta en un actor fundamental en el audiovisual español. La cadena que en 2006 se presentó ante la audiencia como un arriesgado estandarte del deporte y el entretenimiento, hoy es un trasatlántico del humor y la información en directo. Analizamos a continuación los hitos más destacados en toda su historia, desde los Mundiales emitidos hasta el gamberrismo que estuvo en boca de todos, sin olvidarnos de sus estrellas más insignes.

Los seis pilares que explican los 20 años de laSexta

1) El deporte como carta de presentación

La puesta de largo de laSexta todavía se recuerda dos décadas después. Durante su presentación, el canal anunció la compra de los derechos del Mundial de Fútbol de Alemania en 2006. Fue un movimiento de lo más audaz para darse a conocer en cada rincón del país, aunque logísticamente complejo: un evento de interés general como este debía verse en todo el país, pero la cadena apenas alcanzaba una cobertura del 50% al inicio del torneo. ¿La solución? Un acuerdo histórico con Cuatro para compartir derechos. Sea como fuere, logró posicionarse en el imaginario colectivo de manera rápida y asombrosa. El fallecido Andrés Montes fue un icono en aquellas narraciones.

Ese bautismo deportivo dio paso la histórica emisión en abierto de varios partidos de LaLiga por jornada que derivó en la llamada 'Segunda Guerra del Fútbol', un conflicto con precedentes televisivos que colocó a laSexta en el epicentro mediático hasta el año 2009. Pero no fue su única punta de lanza, ni mucho menos. La cadena fue hogar de épocas doradas, emitiendo el Mundial de Baloncesto de Japón, donde España se coronó campeona, o las carreras de Fórmula 1 tras arrebatar los derechos a Telecinco. Con Antonio Lobato a los micrófonos, laSexta se consolidó como ese lugar en el que disfrutar de grandes eventos de masas muy poco tiempo después de su nacimiento.

El legado deportivo de la cadena se mide también en la resistencia de sus formatos de análisis. Jugones se mantiene como una referencia entre los amantes del deporte, con Josep Pedrerol como maestro de ceremonias. De hecho, la marca sobrevive a día de hoy cuando han pasado 13 años del inicio de sus batallas contra Los Manolos de Cuatro. En definitiva, la estrategia inicial de utilizar el deporte como motor para alcanzar visibilidad funcionó a la perfección. laSexta dejó de ser la nueva para convertirse en la plaza donde celebrar los triunfos de nuestros propios equipos.

Las seis emisiones deportivas más vistas de su historia:

2) Referencia informativa entre la audiencia

El segundo pilar que articula la historia de laSexta es, sin duda, la posición que alcanzó como referencia informativa. La apuesta de Atresmedia por convertir el canal en un termómetro de la calle tuvo su primer gran test en los comicios europeos celebrados en mayo de 2014. Aquella noche, el especial capitaneado por Antonio García Ferreras rompió un techo: la cobertura se elevó hasta el liderazgo superando por primera vez en su historia a La 1 de RTVE. Fue el germen de un gran rendimiento posterior para los debates entre candidatos y las coberturas electorales. Los espectadores ya no solo se conformaban con una sucesión de datos, sino que requerían un análisis exhaustivo con grandes dosis de ritmo y espectacularidad. Fue entonces cuando Antonio García Ferreras y Ana Pastor, con la fusión de sus marcas Al Rojo Vivo: El Objetivo, se convirtieron en las caras visibles de las grandes noches informativas. Una labor clave que los presentadores han seguido desarrollando hasta nuestros días.

Conviene destacar que aquel triunfo de 2014 no fue un simple espejismo aupado por los sufragios, puesto que la cadena ya había adquirido tiempo atrás un importante compromiso con la información. Un hito de lo más sintomático se produjo en la temporada 2021-2022, cuando la edición de sobremesa de laSexta Noticias logró batir al histórico Telediario 1 en audiencia media. Se firmó un sorpasso de lo más simbólico a la televisión pública, mientras que otras marcas como Al Rojo Vivo, El Objetivo de Ana Pastor, Más vale tarde o laSexta Noche —hoy laSexta Xplica— alcanzaban un lugar privilegiado entre los espectadores. El respaldo del público encontró su máximo apogeo durante la pandemia del coronavirus con máximo histórico para sus informativos.

Las seis emisiones informativas más vistas de su historia:

3) La fusión que resultó en Atresmedia

El panorama televisivo español vivió una profunda reconfiguración marcada por dos grandes movimientos empresariales. Por un lado, la creación de Mediaset culminó en 2011 con la integración de Telecinco y Cuatro; por otro, se formalizó la fusión entre Antena 3 y laSexta en octubre de 2012, dando lugar al actual Grupo Atresmedia. Este último proceso unió bajo un mismo paraguas a ambas cadenas junto a sus canales temáticos. Aunque la operación no estuvo exenta de dificultades —Competencia impuso condiciones posteriormente rebajadas por el Gobierno—, se mantuvo una de sus premisas clave: que la cadena verde jamás perdiese una identidad progresista de alto valor para los espectadores. Con el paso del tiempo, esa independencia se ha demostrado como una ventaja competitiva sin necesidad de poner en marcha una mimetización con su 'hermana mayor'.

4) Un sello 'gamberro' cimentado en los programas de humor

El humor y el gamberrismo han sido seña de identidad de laSexta desde sus comienzos. La cadena se abanderó de estos factores desde sus orígenes, en ese intento inicial -unido al del mencionado reclamo del deporte- de hacerse notar en sus primeros pasos en la industria televisiva. Y lo consiguió de forma muy efectiva, por un lado, a través de un Sé lo que hicisteis... que empezó en 2006 siendo semanal pero que marcó una época dorada a partir de 2007 en las sobremesas del canal. Su razón de ser fue la de desmontar los programas del corazón -en auge en aquella primera década del 2000-, a través de la crítica, la parodia y la sátira, con Patricia Conde y Ángel Martín al frente. Sin embargo, la histórica demanda de Telecinco contra laSexta, y la posterior sentencia que prohibió a Sé lo que hicisteis... el uso de imágenes de la cadena de Fuencarral, acabaron mermando sus contenidos y, como consecuencia, también sus audiencias hasta su cancelación en 2011.

La cadena tardó dos años en encontrarle un sustituto sólido en la franja, hasta que llegó Zapeando, otro espacio diario de zapping televisivo pero esta vez con un humor casi tan blanco como el apellido de su primer presentador. Frank Blanco, al que sustituyó Dani Mateo en 2019, y sus 'zapeadores' -una larga lista de colaboradores y cómicos- lograron consolidar el formato, que tras 13 años en antena continúa en pantalla como uno de los espacios más longevos del canal. Pero si hablamos de longevidad, la palma se la lleva El Intermedio del Gran Wyoming, que arrancó sus emisiones de la mano de laSexta hace ahora dos décadas. 20 años en los que el presentador, codo con codo de forma mayoritaria con Sandra Sabatés, y con el foco de la sátira puesto en la política, han convertido a El Intermedio en uno de los formatos más identitarios de laSexta.

A lo largo de su historia, laSexta ha apostado por otra larga lista de formatos de humor, entre los que encontramos títulos como Los irrepetibles, Sabías a lo que venías, ¡Qué más quisiera yo!, Así nos va, El club de la comedia, el mítico Caiga quien caiga o el emblemático Buenafuente. En 2007, Andreu y su late night saltaron de Antena 3 a laSexta, donde siguieron haciendo gala de un humor irreverente que casaba con el de su nueva 'casa'. Esa comedia encontró su punto álgido, entre otros hitos, en el envío en 2008 de Rodolfo Chikilicuatre, personaje que ellos mismos habían creado, como representante de España en Eurovisión y en la emergencia de una nueva estrella en TV: El Follonero Jordi Évole.

5) Una factoría de estrellas que creó el 'fenómeno Pedroche'

Jordi Évole es, sin duda, la mejor muestra de la capacidad que ha tenido laSexta para ser cantera de nuevas estrellas televisivas. Aquel 'follonero' que emergió entre las gradas del público de Buenafuente se acabó emancipando con su propio programa: un Salvados que arrancó impulsado por la campaña electoral de 2008 entre Zapatero y Rajoy y que, gracias a su éxito y repercusión, acabó afianzándose en la parrilla como un formato independiente de reportajes y entrevistas de actualidad. Salvados, hoy por hoy conducido por Gonzo tras el nacimiento en 2019 de Lo de Évole, es sin duda el programa más exitoso de laSexta y, prueba de ello, es que 16 de las 20 emisiones no deportivas más vistas de su historia llevan el sello del formato, 14 con la marca Salvados y dos con el falso documental Operación Palace y su debate de análisis posterior.

Las seis emisiones no deportivas más vistas de la historia de laSexta:

Otro gran ejemplo de la factoría de estrellas de laSexta lo encontramos en la figura de Cristina Pedroche. La presentadora, que encontró en Sé lo que hicisteis... su primera oportunidad en TV, fue encumbrada como uno de los rostros estelares de la cadena. En 2014, la vallecana fue elegida junto a Frank Blanco para dar las Campanadas de laSexta, detonante de un 'efecto Pedroche' que Atresmedia trasladó un año después a Antena 3 para, poco a poco, acabar arrebatando a RTVE tres históricos liderazgos en audiencias entre 2021 y 2024.

A Évole y Pedroche se les unen otra multitud de rostros que laSexta ha catapultado en estos 20 años a la primera línea televisiva, como Alberto Chicote -pareja indiscutible de Pedroche en las Campanadas-, Antonio García Ferreras, Ana Pastor, Helena Resano, Iñaki López, Cristina Pardo, José Yélamo, Sandra Sabatés, Andrea Ropero, Gonzo, Glòria Serra, Rodrigo Blázquez, Thais Villas, Jokin Castellón, u otros ya fuera de la cadena, como Pilar Rubio, Cristina Saavedra, Cristina Villanueva o María Lamela, la nueva presentadora de Supervivientes 2026 desde la isla, entre muchas más figuras.

6) laSexta buscó su nicho con las series de éxito internacional

En su empresa de convertirse en una cadena alternativa, laSexta buscó durante varios años erigirse como una de las 'casas' de la televisión en abierto para las series de prestigio internacional. El canal, que compitió con Cuatro por hacerse con este nicho que en España estaba 'reservado' para el pago, llegó a emitir títulos de reconocimiento mundial como Juego de Tronos, Boardwalk Empire, True Detective, Prison Break o The Walking Dead, siendo esta última poseedora de un meritorio logro. La ficción de zombies de AMC protagonizada por Andrew Lincoln consiguió el capítulo de una serie más visto en toda la historia de laSexta, con un 15.5% de share y 3.201.000 espectadores para Díselo a las ranas, el tercer episodio de su primera temporada que la cadena emitió en enero de 2011.

En el apartado patrio, las series de producción propia han sido una de las asignaturas pendientes de laSexta, aunque llegó a impulsar títulos destacables en sus inicios como la mítica SMS: Sin Miedo a Soñar, serial juvenil que popularizó a actores de la talla de Amaia Salamanca, Mario Casas, María Castro o Yon González, entre otros. laSexta también contó en sus orígenes con comedias como BuenAgente, Qué vida más triste o La tira. Sin embargo, hay que remontarse al año 2015 para encontrar un título español: Refugiados, serie de coproducción internacional con la BBC que emitió entre los meses de mayo y junio de aquel año.

El rearme de laSexta con Marc Giró y Aimar Bretos

Cuando se cumplen 20 años de su nacimiento, laSexta afronta su madurez manteniendo su enorme apuesta por el directo; de hecho, cuenta con emisiones en vivo desde las 07:00 horas hasta aproximadamente las 23:00 de la noche. Durante años se mantuvo como la cadena de segunda generación más vista de nuestro país, aunque en los últimos meses perdió el título en favor de Cuatro. Sin embargo, la corona podría volver a sus manos a finales de marzo, salvo drásticos cambios de tendencia: ese actual 6.6% de cuota frente al 6.3% de su rival certifica que su modelo de “televisión de autor” sigue conectando con el espectador.

Lejos de acomodarse en la nostalgia, laSexta encara el futuro apuntalando dos de esos pilares fundamentales que hemos analizado en este artículo: la información de rigor y el humor irreverente con el que alcanzó su máximo —9.1% de cuota media— en octubre de 2017. La estrategia tiene como nuevos baluartes a Marc Giró y Aimar Bretos, quienes ya están en la nómina de Atresmedia para oxigenar el prime time con Cara al show y La noche de Aimar, respectivamente.

Con estas incorporaciones, y otros movimientos como el regreso de forma regular de El Objetivo de Ana Pastor al prime time con el fin de explicar el convulso panorama internaiconal, se evidencia una clara voluntad de volver a situar a la cadena verde en una posición de relevancia. En definitiva, sus fichajes son la continuación de un proyecto que nació como alternativa gamberra y que hoy, dos décadas después, se erige como una pieza fundamental en el ecosistema audiovisual español.

Movistar Plus+ estrena este jueves 26 de marzo Por cien millones, la miniserie que recuerda el secuestro de Enrique Castro 'Quini', el pichichi del FC Barcelona, en 1981. España acababa de sufrir un golpe de Estado, su democracia era todavía muy débil y ETA mataba y extorsionaba casi a diario. Todas las miradas se dirigieron a la banda terrorista, también a los GRAPO, pero detrás de aquella inexplicable desaparición había tres mecánicos de Zaragoza ahogados por las deudas. Estaban convencidos de que el Barça les pagaría 100 millones de pesetas a cambio de su delantero. Ni más ni menos. Parecía un plan infalible, un pasaporte directo a la buena vida, pero les faltó picardía.

Los actores Raúl Arévalo, Vito Sanz y Gabriel Guevara interpretan en la serie a los tres humildes hombres que ejecutaron aquella locura que parecía diseñada por auténticos profesionales. Nada más lejos de la realidad. Agustín Otón da vida al conocido futbolista, con el que guarda un sorprendente parecido.

La serie no necesita más de tres capítulos para contar (con algunas licencias ficticias) la historia que durante semanas tuvo en vilo a España y a medio mundo. Quini era uno de los deportistas más queridos del país por su talento con el balón y su humildad dentro y fuera del terreno de juego. Pocas personas despertaban tanto consenso como él.

El reto de encontrar el tono adecuado

Detrás de la serie están Oriol Capel y Nacho G. Velilla, sus creadores. Este último, además, dirige los tres capítulos que produce Felicitas Media.

Capel y Velilla son dos conocidos autores de la comedia española –y compañeros habituales tras las cámaras– con obras en su currículum como Perdiendo el norte, A muerte, Mañana es hoy, Villaviciosa de al lado y Los Quién.

Por paradójico que pueda parecer, el secuestro de Quini les ha dado otra oportunidad para sacar una sonrisa al espectador. Lo hacen poniendo el foco sobre la torpeza de los protagonistas –el Estado tampoco sale muy bien parado– y el patetismo de la situación que ellos mismos provocaron para meter en un zulo al máximo goleador de la Liga. Ni es esta la clásica historia de secuestros, ni son ellos los típicos secuestradores.

Oriol Capel y Nacho G. Velilla han tenido que moverse con delicadeza entre la comedia y el drama para rozar la caricatura sin caer en la frivolización total. Al fin y al cabo, el trasfondo de la serie es absolutamente dramático: hay pobreza, ignorancia, sueños rotos, un hombre privado de libertad y varias familias desesperadas. Por más chistes que se hagan sobre el secuestro de Quini, no deja de ser un secuestro.

La serie es breve y tremendamente ágil, lo que facilita su visionado y resta importancia a sus puntos débiles. Tiene un humor demasiado simple y un tono algo difuso, pero la historia es lo suficientemente atractiva como para dedicarle una pequeña parte de nuestro tiempo. Es una comedia sin grandes pretensiones, es puro entretenimiento y un pequeño recuerdo a este grandísimo jugador. Y no, no es una serie para futboleros. Que no sea esta una excusa para pasar de ella.

Por cien millones se estrena al completo este jueves 26 de marzo en Movistar Plus+. Su reparto lo completan Aixa Villagrán, Natalia Huarte, María de Nati, La Dani, Julia de Castro, Nacho Guerreros, Teresa Rabal y Josele Román, entre otros.

Daredevil: Born Again es una serie de superhéroes oscura que ha llegado en un momento extrañamente oportuno, llena de escalofriantes rimas con la actualidad. La primera temporada, estrenada en 2025, nos planteaba qué sucedía cuando un hombre poderoso y narcisista embaucaba a toda una población (en este caso, la de la ciudad de Nueva York) que se dejaba llevar por sus promesas de mano dura y de un renacer esplendoroso. Wilson Fisk, con un grave pasado criminal a sus espaldas, se convertía en alcalde nada más empezar la serie, votado por ciudadanos que creían en sus promesas de cambio real y que lo admiraban como hombre de acción. Un punto de partida que viene de los los cómics y que se exploró en las viñetas hace unos diez años.

Al poco de llegar al cargo, Fisk creaba un cuerpo parapolicial, la Fuerza Especial Antijusticieros, una agencia supuestamente destinada a perseguir delincuentes enmascarados, pero que enseguida sembraba el terror entre ciudadanos de todo tipo. Había detenciones arbitrarias, ejecuciones de manifestantes y personas encarceladas en paradero desconocido, sin las mínimas garantías procesales. Es inevitable hacer comparaciones con lo que se muestra en esta historia y algunas de las señas de identidad de la presidencia de Donald Trump en EEUU, con la agencia antinmigración del ICE a la cabeza. Lo que demuestra que las ficciones de superhéroes muchas veces sirven para hablar de temas profundos y de realidades que nos quedan muy cerca.

Al final de la temporada 1, Fisk sufría un intento de asesinato del que le salvaría, precisamente, nuestro protagonista, su mayor enemigo, el mismísimo Matt Murdock: un abogado ciego, íntegro y noble que, animado por su moral católica y por sus profundas convicciones en lo relativo a la justicia, estaba a punto de dar su vida para salvar la de Kingpin. Porque Murdock quiere vencerlo, pero no matarlo. Por desgracia, el heroísmo de Murdock no le hace replantearse nada al alcalde Fisk, que decide tirar para adelante con más fiereza en su deriva autoritaria.

Los únicos que pueden hacerle frente son Matt Murdock y Karen Page, los auténticos protagonistas de la segunda temporada de la serie: buscan desvelar públicamente las actividades criminales de Fisk y reunir pruebas contra él que sean útiles ante los tribunales, además de convencer a la mayoría de ciudadanos de Nueva York del peligro que supone para ellos su propio alcalde. Todo ello, claro, mientras se ocultan de la Brigada Antijusticieros, que quiere capturarlos.

La temporada 2 de Daredevil: Born Again tiene 8 episodios, con una duración de en torno a una hora cada uno, que verTele ha podido ver ya al completo. La primera temporada ya era muy buena e interesante, y tenía momentos brillantes y secuencias espectaculares, pero creo que esta segunda es mejor, más coherente y constante: se centra en contar una sola gran historia, que desarrolla poco a poco. Esta nueva entrega es una estupenda parábola sobre la resistencia ante la tiranía en momentos difíciles. Una llamada a rebelarse contra la crueldad sin abandonar nuestra humanidad por el camino.

El nivel de toda la segunda temporada es altísimo: empieza a fuego lento, pero el final de la primera entrega es bien potente, y los capítulos 4, 5, 7 y 8 (el último) son una maravilla. Me ha parecido especialmente interesante el quinto episodio, que es prácticamente una historia de fantasmas que se mueve entre el pasado, el presente y el futuro; entre hospitales e iglesias; entre la vida y la muerte; y que recupera esas reflexiones sobre la gracia, el perdón, la justicia y la posibilidad de redención que eran tan habituales en la serie original de Daredevil (2015-2018), y que tuvieron también gran peso en el primer capítulo de la temporada 1 de Daredevil: Born Again, con la genial escena de la cafetería tipo diner en la que quedaban a desayunar dos archienemigos como Fisk (Kingpin) y Murdock (Daredevil).

La nueva entrega de Born Again da mucha importancia a personajes como Benjamin Poindexter, conocido también como Bullseye; a Vanessa Fisk; o a Daniel Blake, interpretado por el estupendo Michael Gandolfini, que se ve inmerso en un interesante juego de espejos y reflejos deformados, pues en la subtrama en la que aparece se enfrenta a dilemas que, precisamente, recuerdan a Los Soprano (que protagonizaba su padre, James Gandolfini). Esta temporada 2 sigue explorando además el lado más violento de Fisk, que se maneja igual de bien en las altas esferas que en los combates cuerpo a cuerpo. La serie también nos presenta a personajes nuevos, como el intrigante hombre interpretado por Matthew Lillard (Scooby Doo, Scream), y nos trae de vuelta a viejas conocidas, como Jessica Jones, encarnada por Krysten Ritter, que brilla en varias secuencias. 

Destacan por derecho propio las interpretaciones de Charlie Cox (Matt Murdock) y Vincent D’Onofrio (Wilson Fisk), sin olvidarse tampoco de la de Wilson Bethel (Bullseye), que retrata de forma excelente la mentalidad atormentada y autodestructiva de un Poindexter que busca algo de luz; la de Deborah Ann Woll, que tiene más espacio para desarrollar la complejidad de Karen Page, con toda su fuerza y valentía; o la de Margarita Levieva, que interpreta a la traumatizada doctora Heather Glenn, en un viaje cada vez más oscuro que la acerca peligrosamente a Fisk en busca de protección; o la del propio Gandolfini.

Por si fuera poco, los aficionados a los cómics podemos disfrutar además por primera vez en pantalla de un traje negro espectacular que incluye por fin las dos letras D en color rojo (las iniciales de Daredevil) que eran todo un símbolo del personaje en las viñetas. Un traje que tiene además mucha presencia porque, como ha explicado el propio Charlie Cox, la naturaleza de la temporada, en la que los protagonistas están en busca y captura, hacen que veamos más su vertiente de superhéroe y menos la de abogado. El vestuario tiene además otro detalle estupendo: como ha adelantado también el actor, con el paso de las peleas el traje pierde poco a poco parte de la pintura negra y va volviendo a ese rojo clásico al que estamos más acostumbrados (y que aquí que de alguna forma nos recuerda aquí a la sangre de las heridas de combate).

La tercera temporada de Daredevil: Born Again ya está en producción, lo que la convierte en la primera serie de Marvel para Disney + en tener al menos tres entregas. Y el final de esta temporada 2 es realmente potente, deja abiertos algunos interrogantes y parece que puede engarzar directamente con la película de Spider-Man: Brand New Day, que se estrena el 31 de julio (algo que tiene sentido, pues ambos personajes comparten un mismo escenario: la ciudad de Nueva York). Conviene advertir, eso sí, que Charlie Cox ha insistido hasta la saciedad en que Matt Murdock no aparecerá en la nueva película, en la que sin embargo sabemos que sí saldrá Frank Castle, conocido también como Punisher. El personaje interpretado por Jon Bernthal es un habitual de temporadas anteriores de las series de Daredevil, además de tener la suya propia (2017-2019), y Marvel ha anunciado que dedicará al personaje un especial de televisión, titulado The Punisher: One Last Kill, que se estrenará el 12 de mayo, una vez que haya terminado la emisión de esta segunda temporada de Daredevil: Born Again. Frank Castle promete ser uno de los secundarios más importantes del nuevo film del hombre araña.

La esencia de Daredevil: combatir al enemigo sin caer en las tinieblas

Daredevil: Born Again es, a la vez, un reinicio y una continuación: la de la estupenda serie de 2015 que hizo Marvel para Netflix (aunque actualmente solo se puede encontrar en Disney +), y que simplemente se llamaba Daredevil. Constaba de tres temporadas y, para algunos de nosotros, es la mejor serie de superhéroes de la historia (especialmente por su primera y tercera temporada). Una especie de The Wire que desgranaba la corrupción en distintos estamentos como la justicia, la policía, la política y el periodismo.

Disney y Marvel decidieron continuar la historia de estos personajes, interpretados por los mismos actores, y ambientada unos pocos años más tarde. Por lo que vimos en el impactante primer capítulo de la temporada 1 de Daredevil: Born Again, es posible que los años más felices de Murdock y sus amigos fueran precisamente los que transcurrieron entre esas dos series, en los que simplemente se dedicaron a ser buenos abogados en el despacho Nelson, Murdock y Page, y en el que Matt Murdock solo tuvo que enfundarse el traje de Daredevil muy ocasionalmente. Vivieron ese sueño al que se refiere el famoso dicho irlandés, que precisamente mencionaban al inicio de la serie, en un brindis: “Ojalá pases media hora en el cielo… antes de que el diablo sepa que has muerto”.

En la primera temporada de Daredevil: Born Again, el asesinato de Foggy Nelson por parte de Bullseye dejaba destrozados a los protagonistas. Matt Murdock renunciaba a su vertiente de superhéroe después de haber traspasado la raya que se había jurado no cruzar jamás, pues en un acto de rabia y desesperación intentó matar al hombre que había asesinado a su amigo. Karen Page se alejaba de Matt, pues chocaron mucho durante el año siguiente a la muerte de Foggy, y ella también estaba sufriendo mucho. 

En esa primera temporada, Murdock aceptaba la promesa de Wilson Fisk, que le aseguraba querer ser un hombre nuevo, pero sin llegar a fiarse del todo, y haciéndole saber que iría a por él si retomaba sus actividades criminales desde la alcaldía. Después, y dejando al margen el estupendo y divertido capítulo del atraco (muy desligado en realidad del resto de la trama), los esfuerzos de Murdock se centraban en detener a un asesino en serie (y para lograrlo necesitaba volver a recurrir a su lado de Daredevil) y en vigilar las actividades del oscuro cuerpo parapolicial de Fisk, que se creaba en torno a un grupo de agentes fascistoides que decían tener de referente a The Punisher, y a los que el propio Frank Castle, Punisher en persona, acababa por confrontar, demostrándoles que no tenían nada que ver con él y que los despreciaba profunadamente.

Castle también servía para enfrentar a Murdock con su deseo de venganza por el asesinato de su mejor amigo. Punisher quería hacía ver a Matt que era absurdo esconderse siempre detrás del bonachón de Murdock, renunciando a lo bueno que tenía Daredevil, y recordando la eterna pregunta que siempre plantea el género de superhéroes de si el lado más real de sus protagonistas es el que muestran cuando se ponen el traje y la máscara o cuando van de paisano. Punisher conseguía que Matt volviera a abrazar su lado de Daredevil, pero no cambiaba sus principios morales más profundos. A pesar de que Fisk había traicionado su promesa y lo había amenazado directamente, cuando llega el momento de la verdad, Murdock decidió salvarle, y puso su cuerpo para recibir una bala que, de haber cumplido su objetivo, habría eliminado al alcalde de Nueva York. Quizá, como cree Punisher, Matt Murdock es un ingenuo, pero se demuestra que está a punto de dar su vida por salvar la de su mayor enemigo.

Esa idea todavía se explora todavía con más detalle en esta segunda temporada, y de forma más brutal si cabe, porque Murdock considerará una responsabilidad suya la vida de Benjamin Poindexter, el hombre (con graves problemas de salud mental) que asesinó a su mejor amigo, Foggy Nelson, bajo el encargo de Vanessa Fisk. Bullseye, brutal por naturaleza, asegura querer reformarse, aunque tanto él como Matt son muy conscientes de sus limitaciones y de su naturaleza peligrosa. Pero, a pesar de que quiere salvarlo, Daredevil odia profundamente a Bullseye, por lo que no está garantizado que él o que Karen Page consigan resistirse a sus más bajos instintos.

Algunos de los mejores momentos de esta temporada 2 vienen de ese conflicto, de la mano que Murdock se plantea tender a Poindexter, guiado, precisamente, por todos aquellos principios que le enseñó en su día el propio Foggy Nelson. Porque esa es la esencia de Daredevil, lo que nos apasiona a muchos de su personaje, lo que nos desconcierta y a la vez admiramos: que quiere salvar y proteger hasta al hombre al que más odia, porque considera que su vida, como la de todos, es un fin en sí mismo.

Daredevil es un héroe que cree de forma profunda en la justicia y en la redención, y que considera que no le toca a él decidir el destino de nadie, ni mucho menos su muerte. Y se mantiene firme en esa creencia por encima de cualquier otro tipo de cálculo racional. Matt Murdock sabe que de poco sirve vencer si te conviertes en un monstruo todavía peor que aquellos a los que combates. Porque el bien deja de serlo si se impone por la brutalidad y por fuerza, y porque la valentía se demuestra muchas veces a través de la contención. Porque la resistencia es más noble y valiente que los ataques preventivos, y porque la rebelión no solo debe basarse en el odio, sino en el amor: hacia aquellos que perdimos, hacia esos por los que peleamos y hacia el mundo que queremos dejarles.

Porque cuando uno se asoma al abismo de la barbarie a veces la mejor respuesta es, precisamente, la esperanza en lo mejor de la humanidad: resistir agarrándonos a nuestros principios, poniéndonos límites, y vivir conforme a ellos hasta las últimas consecuencias. Porque, aunque la moralidad puede hacernos parecer débiles, a largo plazo es la única garantía de que la luz pueda poco a poco vencer a las tinieblas.

“¿Quién quiere que yo quiera lo que creo que quiero?”, se preguntaba Jorge Drexler en el tema ¡Oh, algoritmo! de su anterior disco Tinta y tiempo, planteando una acertada reflexión sobre cómo las nuevas tecnologías y el universo del streaming han transformado el consumo y, como consecuencia, la propia creación artística. Esto es algo que afecta a todas las disciplinas, desde la información como la que ahora mismo está usted leyendo a la música o la ficción, tanto cinematográfica como de televisión, con las series sometidas a una 'dictadura del éxito' que algunos títulos, tal y como veremos a continuación, han logrado derrocar.

Hasta hace unos años, que una serie triunfara o no dependía de factores también impredecibles pero más previsibles que ahora: su horario y día de programación en la parrilla, la promoción previa que se hiciera del producto, el reclamo de sus protagonistas o de su temática... Hoy en día, el ecosistema audiovisual ha cambiado por completo, con esas plataformas de streaming -cuya explosión en España comenzó en 2015 con el desembarco de Netflix en nuestro país- convirtiendo al algoritmo en un invisible programador capaz de decidir por nosotros qué vemos en la pequeña pantalla, cuándo lo vemos y cómo lo vemos.

Así pues, se produce una espiral etérea y realmente trágica que acaba condicionando toda la cadena audiovisual, desde que se escriben los guiones hasta que nuestros ojos reciben la señal del televisor. Por un lado, el consumo no es líneal ni homogéneo entre el público, sino que depende de cada usuario, para el cual la 'máquina' aprende de su comportamiento y le ofrece aquellos contenidos que supuestamente encajan mejor con sus preferencias. Por otro, las grandes majors terminan centrando sus esfuerzos económicos en el lanzamiento de ficciones que se adapten a los parámetros que mejor les funcionan entre su clientela.

Mientras tanto, los cineastas ven cómo ese algoritmo termina condicionando su propia creatividad a la hora de poner en pie las ideas que tenían para sus series. Y es que, voluntariamente o no, ese 'poder oculto' ha acabado imponiendo todo tipo de factores, como una duración ideal para los capítulos, unos perfiles de personajes predefinidos para lograr enganchar a una mayor parte del público, o unos ritmos narrativos determinados que retengan de forma más óptima la atención del espectador.

Incluso, en algunos casos -en más de los que nos damos cuenta-, ha afectado a la composición escénica de los planos, dejando toda la acción en el centro -como ejemplificamos en la siguiente imagen con secuencias de la temporada final de Stranger Things- para que el contenido se pueda adaptar posteriormente al formato vertical de los teléfonos móviles y favorecer así su viralización en redes sociales.

Un algoritmo que no es infalible con las series

Así pues, en la última década se ha producido una paradójica limitación de la libertad creativa. Pese a la expansión de las series, con un 'boom' dentro y fuera de nuestras fronteras que ha multiplicado exponencialmente las posibilidades del mercado, la diversidad narrativa se ha ido mermando en favor de fórmulas poco ambiciosas y repetitivas, con historias que se conciben pensando cada vez más en esa lógica matemática que maneja desde las sombras la visibilidad de los títulos en las plataformas.

Con todo, no son pocas las voces que alertan desde dentro de la industria de un empobrecimiento cultural en la ficción -en cine o televisión- que deja atrás a propuestas más valientes que difícilmente lograrían hacerse un hueco entre los productos a los que mayor proyección y espacio se les da dentro de las plataformas. Pese a todo, esta poblemática de la cultura de masas, que no es nueva -aunque sí lo es la forma en la que se nos plantea- y sobre la que ya en 1964 discurría Umberto Eco en su emblemática obra Apocalípticos e integrados [o también recientemente el colega Pedro Vallín en su libro ¡Me cago en Gordard!], encuentra ciertas rendijas que dejan pasar una luz que invita al optimismo.

Dentro de todo este caótico paradigma, todavía siguen produciéndose ciertas revelaciones que demuestran que ese algoritmo no es infalible. En los últimos años, contra todo pronóstico, algunas series sí que han logrado triunfar a pesar de no responder a los cánones dominantes dentro de las plataformas. Hablamos de producciones que rompieron los moldes imperantes y que lograron su éxito gracias al boca a oído o a comunidades de seguidores naturales de la ficción que amplificaron el altavoz publicitario que les habían previamente designado. Es decir, gracias al poder de la humanidad, de lo terrenal, frente al del 'big data' y el 'engagement'.

5 series que derrocaron al algoritmo

Sin querer desmerecer ni restar valor a los títulos comerciales, nos referimos en este reportaje a excepciones que demuestran que hay ciertos agentes en el consumo que aún la tecnología no puede controlar. Factores como la emoción o la sorpresa, que son impredecibles y que hacen que el éxito o no de una serie se base en algo más que sus métricas y resultados numéricos.

A continuación, proponemos cinco series que calaron con fuerza en el público a pesar del algoritmo:

· Adolescencia (Netflix)

Así es la serie: Adolescencia narra la historia de una familia cuyo mundo se ve trastornado cuando su hijo Jamie (Owen Cooper), de 13 años, es arrestado por el asesinato de una adolescente de su misma escuela. Stephen Graham interpreta al padre y adulto responsable de Jamie, Eddie Miller. Ashley Walters encarna al inspector Luke Bascombe, y Erin Doherty hace de Briony Ariston, la psicóloga clínica asignada al caso de Jamie.

Por qué triunfó: Adolescencia fue el gran fenómeno de ficción de 2025, arrasando de principio a fin toda la temporada de premios y dominando galardones de gran reconocimiento como los Emmy o los Globo de Oro, entre muchos otros. La miniserie británica no sólo consiguió el favor de la crítica y de la industria, sino que rompió récords de consumo a nivel mundial dentro de Netflix gracias al 'boca a boca' y a pesar de no seguir las mencionadas fórmulas que garantizarían su éxito.

Precisamente, las claves del fenómeno -las cuales desarrollamos en este otro artículo- fueron las particularidades que la hacían salirse de los estándares del algoritmo: entre otros factores, un reparto sin reclamos comerciales pero de sumo talento y una narración de sus cuatro episodios en plano secuencia que propiciaron un alarde de maestría técnica e interpretativa. Su temática acabó incluso saltando a la política, llevando a los jóvenes y la educación al centro del debate.

· The Pitt (HBO Max)

Así es la serie: The Pitt es un examen realista de los retos a los que se enfrenta el personal sanitario en los Estados Unidos de hoy, visto a través de la lente de los héroes de primera línea que trabajan en un hospital moderno de Pittsburgh, Pensilvania. Cada episodio sigue una hora del turno de 15 horas del Dr. Robby (Wyle) como jefe de urgencias del Pittsburgh Trauma Medical Hospital.

Por qué triunfó: The Pitt es otra de las series más aclamadas de los últimos años, reconocida también en los nombrados Emmy y Globos de Oro. Su caso es casi revolucionario, porque ha triunfado en plataformas nadando en la dirección totalmente contraria a la del cauce que recorre la ficción en el universo del streaming.

Este drama médico ha logrado una gran popularidad en HBO Max gracias, en parte, a que ha recuperado las estrategias clásicas de emisión de las series en abierto: episodios que rondan la hora de duración, temporadas largas de 15 capítulos y estreno semanal de sus entregas. También el lanzamiento de una temporada cada año, trayendo de vuelta unos plazos de producción que, en los últimos años, se han dilatado hasta la extenuación, tal y como explicamos en este otro reportaje. The Pitt sorprende también con una narrativa inusual, que potencia el realismo de las emergencias médicas, con cada capítulo reflejando en tiempo real cada hora del turno de urgencias del hospital.

· Mi reno de peluche (Netflix)

Así es la serie: Basada en la exitosa y galardonada obra en solitario del festival Fringe de Edimburgo, Mi reno de peluche narra la retorcida relación del comediante en apuros Donny Dunn (Richard Gadd) con su acosadora y explora cómo le afecta esta situación mientras se ve obligado a enfrentarse a un trauma enterrado en lo más profundo de su ser. Este drama cautivador, divertido y oscuro también cuenta con las actuaciones de Jessica Gunning como Martha, Nava Mau como Teri y Tom Goodman-Hill como Darrien.

Por qué triunfó: Mi reno de peluche se convirtió en 2024 en una de las series revelación del año, tanto en premios como en los charts de consumo de Netflix. Y lo hizo contra todo pronóstico, ya que traía a las pantallas una historia controvertida, incómoda y, por momentos, muy cruda a través de unos personajes a priori poco carismáticos y, también por momentos, realmente antipáticos.

Con un reparto prácticamente anónimo, la ficción triunfó por la conversación que generó en la primavera de aquel año su sorprendente y potente premisa y el bucle de desdichas en el que se ve envuelto su protagonista. La miniserie británica puso sobre la mesa el debate de la validación social, reivindicando la empatía en una sencilla y brillante escena final que cerraba a la perfección el círculo de sus tramas.

· Ángela (Atresplayer)

Así es la serie: Narra la vida de Ángela (Verónica Sánchez), una mujer aparentemente feliz junto a su marido, Gonzalo (Daniel Grao), con quien tiene dos hijas. Pero bajo esa idílica fachada, Ángela oculta un infierno de maltrato. Siempre en tensión, el frágil equilibrio de Ángela termina de romperse cuando conoce a Eduardo (Jaime Zatarain), un antiguo compañero de instituto por el que se siente inmediatamente atraída. Sin embargo, gracias a la intervención de su mejor amiga Esther (Lucía Jiménez), Ángela descubrirá que Edu no es quién dice ser.

Por qué triunfó: El de Ángela es un caso bastante particular, ya que se coló en el número 1 de Netflix en España, y otra gran cantidad de países, sin ser un título original de la plataforma roja. El gigante americano se hizo con la ficción tras su estreno primero en Atresplayer y después en abierto a través de Antena 3, donde tampoco consiguió unas audiencias realmente notables.

Aupada una vez más por el efecto bola de nieve de ese 'boca a oído', Ángela logró batir al algoritmo de Netflix pese a contar con varias 'trabas' iniciales: por un lado, que se presentaba como un thriller más dentro de la sobresaturada oferta del género y, por otro, que llegaba como una ficción basada en la británica Ángela Black, que tuvo un buen rendimiento pero sin alardes en la televisión de Reino Unido. Pese a todo, fue elevada por la fuerza de su personaje principal y su potente premisa, poniendo la violencia machista en la conversación social

· Los años nuevos (Movistar Plus+)

Así es la serie: Ana (Iria del Río) cumple 30 años el día de Año Nuevo con la vida aún por resolver: vive en un piso compartido, no le gusta su trabajo, cambia a menudo de amigos... Óscar (Francesco Carril) cumple 30 años el día de Nochevieja con la vida casi resuelta: médico vocacional, amigos fieles, y una relación que va y viene. La noche en la que los dos cumplen los 30 se conocen, se enamoran, y comienzan una relación cuyas idas y venidas se alargarán diez años.

Por qué triunfó: Los años nuevos fue uno de los grandes fenómenos del tramo final de 2024, cuando consiguió una gran viralidad en Internet que hizo intuir un gran consumo en Movistar Plus+ que realmente desconocemos, ya que la plataforma de Telefónica no ofrece datos. Sin embargo, mucho se habló de esta serie a la que solo pudo eclipsar en la temporada de premios -y en el ranking anual de verTele- una ficción 'hermana' dentro de Movistar: la brillante Querer de Alauda Ruiz de Azúa.

Con un reparto sin cartel verdaderamente comercial, el reclamo fue su creador Rodrigo Sorogoyen, demostrando que la autoría en la ficción también tiene hueco y aceptación frente a las fórmulas más maintream. El cineasta deconstruyó la comedia romántica en una ficción de voluntad indie que triunfó por su rompedora cotidianidad y realismo, por la identificación generacional del público con su pareja protagonista y por su riesgo narrativo, jugando con el tiempo -como hicieron otras series que recogimos en este especial- al reflejar un año de los diez que conforman la historia en cada uno de los diez capítulos que la componen.