Se refugia en la literatura de la posguerra, está cansado de las redes sociales y nutre sus canciones de referencias a la naturaleza. Martin Urrutia (Getxo, 2005) tiene tan solo 21 años y se ha convertido en una de las figuras más interesantes del panorama musical actual. Tras acabar su paso por Operación Triunfo 2023 como finalista, y pese a ser consciente de los prejuicios que conlleva la etiqueta de triunfito, el artista ha optado por esperar tres años para publicar La Insolación, su álbum debut.

Martin Urrutia viaja a través de los recuerdos en un disco que se aleja de sonidos comerciales. Lo hace, además, acompañado de Hidrogenesse, un grupo que es toda una eminencia dentro del pop electrónico y que ha estado a cargo de la producción. Esta banda no ha sido su único referente, pues el artista se ha inspirado en la novela homónima de Carmen Laforet publicada en 1963, en la que el protagonista, Martín Soto, atraviesa un proceso de maduración durante tres veranos en una España marcada por la represión, el hambre y la búsqueda de identidad.

Después de haber trabajado con Javier Ambrossi y Javier Calvo en la serie musical Mariliendre, Urrutia se ha detenido en el que supone su primer gran proyecto como cantante. El resultado son diez canciones que retratan a un joven en el inicio de su carrera, atravesado por contradicciones entre la nostalgia y el anhelo, en tanto que reflexiona sobre la necesidad de posicionarse políticamente y la importancia de permitirse parar en un mundo cada vez más digitalizado.

El título de La Insolación remite a la novela de Carmen Laforet. ¿Por qué esa novela?

La leí con 18 años y me identifiqué mucho con la historia del prota, que además se llama Martín. Leí el libro en un momento muy concreto y siempre ha estado ahí como inspiración, en el fondo de la cabeza a la hora de hacer el disco, componer y pensar en ideas. Me venía mucho esa historia y me resonaba con el tema veraniego, así que hice un poco de fusión de mi vida y de lo que me transmitió la novela.

En la novela, la insolación no es solo física, también mental. ¿Cómo ha sido salir de Operación Triunfo y curarse de la insolación mediática?

Aceptando lo que te da un programa como Operación Triunfo, que es esa exposición tan grande, y también aprendiendo a gestionarla con el ritmo de los años. Han pasado casi tres años y es verdad que todo se asienta un poco. Ese impulso que te da y esa emoción del principio de estar en todas partes luego baja. Lo llevo bastante bien. A la hora de hacer el disco, he podido estar centrado en el presente sin dejarme llevar por las expectativas o el ruido.

Supongo que ha aprendido mucho de Hidrogenesse, quien está a cargo de la producción.

Muchísimo, es lo que más me ha gustado de esta experiencia. Lo que más me llevo es poder haber hecho este disco con ellos de esta manera tan especial, haber aprendido de ellos como artistas, como productores, como creadores. Tienen un nombre superimportante y en el mundo alternativo son una superreferencia. Trabajar y hacer un disco con ellos ha sido un sueño. La propuesta vino desde el sello, desde Universal, y yo lo vi clarísimo. Todo esto vino después de haber trabajado con ellos para El Destello, que es otra canción mía que tengo con Juanjo Bona. Yo también les tenía ubicados, me pareció guay y empezamos a hacerlo realidad. A ellos también les gustó la idea.

La canción Otro Verano narra varios veranos que pasan sucesivamente. ¿Ha sido duro hacerse adulto?

No ha sido duro, ha sido inesperado. Acabo de hacer 21 y es verdad que los 20 me vinieron y fue como “ostras, 20 ya”. Los cogí con muchas ganas. Los 21 me han pillado desprevenido, pero nunca los cojo con miedo o con angustia de crecer. Sí que pienso cada vez más en el paso del tiempo, pero creo que es normal, cuando creces, darte cuenta de que la vida pasa un poco rápido, pero con ilusión, siempre con ilusión. Intento tener ilusión por vivir cada día. Y Otro Verano está muy directamente relacionada con La Insolación, con la novela, porque el personaje vive verano tras verano en su pueblo.

El tema Piscina Vacía recuerda al artículo de Juanjo Villalba sobre cómo ya no vivimos la vida con nuestros amigos, sino que nos la resumimos.

La canción habla de mi grupo de amigas y de las amistades que parecen una unión eterna física y, con los años, cada uno está estudiando en una ciudad. Es bonito porque cada uno hace su camino, pero a la vez está la sensación de, “¿dónde estamos?”. Mi grupo es el del instituto, nos veíamos todos los días en clase. Era un encuentro obligatorio que te hace estar en conexión constante. Cuando se acaba eso tienes que quedar, y cuando a eso le sumas que cada uno tiene sus estudios y su crecimiento personal, es aún más difícil. Por eso luego es más especial cuando quedas y vuelves a hacer el lazo. Es como, “esto sigue”, y es de lo que habla también la canción, de que siento que es un lazo muy fuerte y que, a pesar de la distancia, siempre va a estar esa energía que nos une.

¿Le frustra que sea difícil sacar tiempo para esto?

Le doy la misma importancia que al trabajo. Es verdad que, cuando tenga temporadas de más curro, estaré más enfocado en eso. Pero en cuanto encuentro un hueco para volver a casa, no dudo nada en cogerme un avión, un autobús o lo que sea y compaginarlo. Hay mucha sensación de producción constante, de hacer, hacer y hacer. Quien quiere algo se lo tiene que currar, pero es importante poder hacer la dualidad de parar. ¿Qué es lo que me hace tener buena energía para luego gastarla en trabajar? Pues ver a mi familia y estar con esa gente con la que veo que todo está bien. Por eso, cuando vuelves a la gente que importa en realidad, que es tu abuela de 90 años, y te dice que le gusta esta canción, ya no quiero más. Con eso soy feliz.

En Me Han Dado Un Bolígrafo reflexiona sobre la responsabilidad de tener una voz. ¿Le pesa mucho esa responsabilidad?

A ratos. Ahora menos, pero el año pasado, por ejemplo, sí que sentí mucho ese peso de tener como una meta o un proyecto. Empezar un proyecto es muy difícil. Me costó mucho empezar el disco y pensar hacia dónde podía ir, estaba todo el rato yéndome al resultado final y al final me di cuenta de que el proceso y el día a día desde el inicio hasta el final es lo que luego te va a hacer tener esa sensación de lo que ha sido crearlo. Entonces sí que hay esa responsabilidad de que ya soy una persona pública que crea, que la gente lo espera, y de hacerlo bien y fiel a mí.

Como artista, ¿cree que debe sacar esa antorcha que menciona en la canción y posicionarse en temas políticos?

Sí, esto lo tengo bastante claro. Siempre que uno pueda posicionarse debe hacerlo. Es verdad que el tema de la antorcha va más por una cosa simbólica que pensamos Hidrogenesse y yo, que simboliza al final de la canción el camino iluminado, lo que vendrá después de la insolación. Artísticamente estaba pensada que fuera la última canción del disco para que dejara ese final abierto un poco metafórico, pero quedó la cuarta. Pero, volviendo a lo que dices, sí que hay que posicionarse.

Y cuando mira a su alrededor, a su generación, ¿le preocupa lo que ve o es optimista?

Me preocupa un poco ahora mismo. El momento, el panorama... sí que me dan angustia algunas cosas. También sé que hay mucha gente dispuesta a luchar y tampoco creo que haya que olvidarse de esta gente, porque al final los que nos movemos, los que nos pronunciamos... los que tenemos un papel también estamos haciendo por que esto no colapse. Siempre hay que seguir. Esa es la conclusión final, que nunca hay que parar y que nunca hay que relajarse, porque siempre hay otro extremo que hace lo contrario y lucha por vencer.

¿Cómo ha llevado el convertirse en un referente para el colectivo LGTB?

Es un gusto. Estoy muy contento y orgulloso de ser un referente y que haya llegado a tanta gente simplemente sintiendo, siendo quien soy y pronunciándome siempre que haga falta.

¿Cómo ha equilibrado que la gente se sintiera identificada con su relación con la invasión de la privacidad?

Es una mezcla de sensaciones, porque es muy bonito ver hasta dónde llega un vínculo supernatural y que Operación Triunfo de repente te exponga tanto, que llegue a las casas y que sea un avance en el sentido de que un niño de seis años pueda ver a dos chicos juntos. Eso es precioso, pero tanto Juanjo [Bona] como yo somos muy de nuestro círculo, de nuestra gente y de valorar nuestro entorno familiar, de dar mucha privacidad a nuestra vida y de vivirla a gusto y sin la tensión de ser públicos. Hay que gestionarlo como uno puede, pero estamos contentos.

Ha participado en la serie Mariliendre. ¿Qué tal la experiencia y trabajar con Javier Calvo y Javier Ambrossi?

Estoy muy orgulloso de ese proyecto. Fue una experiencia muy intensa que siempre va a estar ahí, es una serie muy especial. Me dio vértigo por verme por primera vez en el papel de un personaje bastante principal en un proyecto en el que están los Javis involucrados. Fue un retazo de decir “ostras, qué presión de hacerlo bien”. Entra esa conciencia de que la gente me ha visto actuar y cantar y pueden confiar para que yo lo haga, pero cuando sales [de OT] estás todavía en tu mente de niño de “quiero ir a mi casa”. Pero me hacía mucha ilusión poder desenvolverme como actor en mi primer proyecto.

¿Es difícil desconectar siendo artista y teniendo que estar atento a las redes sociales?

Sí, estoy bastante harto de las redes sociales. Lo hablaba con mi hermana hace poco. Si no existieran ahora mismo ni TikTok ni Instagram, habría un cambio en la sociedad, habría la sensación de vivir un avance de algún tipo. Pero bueno, también disfruto mucho de estar tumbado y ponerme a ver Instagram y TikTok.

De hecho, ha habido debate sobre si los menores deben tener acceso a las redes.

No lo creo, la verdad. Eso también recae en la familia y en la educación, en cuándo decides darle a tu hijo un móvil. Yo, por ejemplo, lo tuve a los 13, pero porque todos tus amigos empiezan a tener móvil y, si eres el único que no puede comunicarse y tal para salir, te quedas un poco out. Pero todo lo que puedas estar viviendo sin móvil es que luego lo notas tanto... Cuando tienes móvil dejas de hacer cosas que cuando eres niño sí haces.

¿Qué supone formar parte de la industria musical, que es algo con lo que soñaba?

Es una gestión diaria de sentir dónde estoy colocado, de dónde vengo, hacia dónde voy, a qué puedo aspirar, qué es lo que quiero... Después de Operación Triunfo, pegas un salto muy directo y yo tampoco tenía claro que quería ser cantante solista y hacer mis discos. Estaba estudiando interpretación y sabía que quería hacer algo corporal y de voz, obviamente para vivir de ello. Además, sales de Operación Triunfo con la etiqueta de OT, que eso a veces se toma bien y otras mal. Es como otra movida salir de Operación Triunfo y tener tu hueco. Hay que tener referentes y seguir cada uno el camino a su manera, tener la intuición bien alerta y escucharla.

Vídeo de la entrevista completa

Desde que saltara a la fama hace casi 25 años, en Operación Triunfo 2001, María Laura Corradini Falomir, más conocida como Chenoa, ha sido una artista que se ha caracterizado en parte por las letras de mensaje de empoderamiento y optimismo, algo que se ha dado sobre todo desde que la propia cantante se involucró en la composición.

Un hecho que comenzó con una canción que ocupaba lo más alto de la lista de éxitos en España hace justo 20 años, en 2006, una posición que mantuvo durante las dos primeras semanas de marzo. Hablamos de “Rutinas”, el primer sencillo compuesto por la cantante, y también de marcado carácter optimista.

Chenoa era número 1 en España hace 20 años con “Rutinas”

Si pensamos en una canción con mensaje positivo y cantado por Chenoa, seguramente nos venga a la mente antes el tema “Todo irá bien”, pero antes de este hubo un antecedente que fue clave para que se diera el éxito que vendría después, y ese fue el sencillo “Rutinas (Little Miss Hypocrite)”.

Este tema fue el primer single del que fuera tercer disco de la cantante hispano argentina, Nada es igual, que se publicaría en noviembre de 2005 y sería uno de los más vendidos de ese mismo año. Una canción que antes de ser lanzada, fue descrita como “todo un canto optimista para que todos seamos capaces de romper sin miedo con esas rutinas”.

Con “Rutinas”, Chenoa marcaba una nueva época, en la que se estrenaba como compositora de su música, con seis de los once temas que formaban parte de este tercer disco que produjo en Milán, trabajando con productores que habían trabajado anteriormente con cantantes como Laura Pausini, así como con Natalie Imbruglia, Jessica Simpson, Hilary Duff o Backstreet Boys.

La canción fue compuesta por la cantante en un bar de Atocha viendo pasar a la gente, reflexionando sobre la monotonía diaria y la lucha contra ella, en un tema que fue arreglado junto a Jay Smith, Jim Marr y Wendy Page. El videoclip fue rodado en una reserva natural de Roma.

Con Nada es igual, Chenoa declaró en su momento que era su “álbum más personal” de los tres que había lanzado anteriormente: Chenoa en 2002 y Soy Mujer en 2003. Después de este, la cantante de origen argentino lanzó Absurda Cenicienta en 2007, en el que compuso casi la totalidad del disco, y en el que el tema “Todo Irá bien”, el primero de los sencillos, se convirtió no solo en un éxito, sino también en todo un himno optimista, con el que además entró en el número 1 en seis países y al menos top 10 en casi toda Latinoamérica.

Más de 150 personas vivieron la semifinal de 'Operacion Triunfo' en la Casa de la Cultura de Cabanillas del Campo para seguir la evolución de Guille Toledano, vecino de esta localidad de Guadalajara que ha conseguido colarse en la final del programa televisivo. Es desde anoche uno de los cinco finalistas, aunque su pase estaba garantizado.

Durante la velada interpretó dos temas, uno de ellos en solitario (Tengo todo excepto a ti, de Luis Miguel) y y otro a dúo con otra concursante: Mariposas de Aitana y Sangiovanni.

Por el Ayuntamiento asistió a la gala el concejal de Juventud, Javier Blanco, y también estuvo en el patio de butacas la familia del propio artista cabanillero, con su padre, sus hermanos y su novia entre los asistentes.

La final el 15 de diciembre

Fue un aperitivo perfecto para la noche del próximo lunes 15 de diciembre, cuando el Ayuntamiento repetirá experiencia, y proyectará en gran pantalla y en la misma instalación la gran final del programa.

Desde el Ayuntamiento se anima además al público cabanillero a apoyar a su paisano en la final, para la que ya están abiertas las votaciones de cara a elegir a los tres favoritos que decidirá la audiencia. Para ello hay que descargarse la aplicación oficial del programa.

El consistorio recuerda que “se puede votar una vez cada día”, para mejorar las posibilidades del aspirante. eldiar

Noemí Galera siempre lo dice: el escenario de Operación Triunfo no es un escenario cualquiera. La directora de la Academia ha compartido en varias ocasiones con los concursantes que cantar ahí es mucho más difícil de lo que uno desde fuera puede imaginar. Incluso artistas consagrados han sufrido lo que significa exponerse a una actuación musical en directo encima de él. Que se lo digan a Valeria Castro. 

En una entrevista reciente para el podcast Se regalan dudas, una de las triunfitas que más éxito ha conseguido tras su paso por el talent de Gestmusic le ha dado la razón a Galera. Hablamos de Aitana, que ha confesado no sentirse preparada psicológicamente para volver a actuar en el escenario donde la vimos cantar por primera vez hace ya ocho años. 

“Justo hoy he hablado con ella [Noemí], que le he escrito para unas cosas. Le decía: de mí vais a tener siempre lo que queráis porque yo os debo mucho a vosotros, menos volver a cantar nunca en ese escenario. Eso no lo puedo hacer porque psicológicamente todavía no lo tengo bien colocado”, compartió la intérprete de Cuarto Azul en un momento de la entrevista.

El vídeo ha sido muy compartido en redes sociales, donde se ha comentado cómo el escenario de OT puede llegar a ser un espacio “traumático” incluso para aquellos concursantes que actuaron decenas de veces durante su paso por el programa. En el caso de Aitana, la sorpresa es mayor porque ella sí que volvió a cantar en el Parc Audiovisual de Catalunya en Terrassa (Barcelona) tras su salida del concurso. 

Lo hizo en 2018, cuando meses después del final de su edición se puso en marcha otra nueva (en la que participaron artistas como Natalia Lacunza, Alba Reche o María Escarmiento). Aitana cantó Teléfono, la primera canción que sacó tras salir de la Academia, en una actuación que entonces fue bastante criticada en redes sociales. A diferencia del resto de actuaciones, esta no está subida al canal de Operación Triunfo y siempre se ha rumoreado que fue la propia artista la que pidió que el vídeo no se subiera a Internet. 

La nostalgia que impide seguir el concurso

Aitana no es la única que ha compartido su opinión sobre volver a enfrentarse al concurso musical que la vio crecer. Para muchos, la experiencia que vivieron en esa Academia marcó su vida de una manera u otra, y años después siguen sin haberlo superado. Una de las que ha hablado de esto es Ana Guerra, que ya en 2023 confesó que no podía seguir el formato por culpa de la nostalgia.

“Me remueve demasiado. Me remueve un montón de sentimientos, de emociones, de nostalgia y prefiero estarme tranquilita. No me siento preparada para verlo”, señaló en una entrevista. Roi, que también estuvo en la edición de OT17, ha confirmado que la cantante sigue sin poder seguir el concurso este año. 

El 29 de octubre de 2025 se cumplió un año de la DANA y, entre los homenajes a las víctimas que se celebraron a lo largo y ancho del país, también participó el equipo de Operación Triunfo. Noemí Galera se reunió con los concursantes de esta edición para pedirles que el día se lo dedicaran a las familias de los fallecidos. “Tengo muchos amigos allí y es un día terrible”, comenzó diciendo la directora de la Academia. 

Galera se unió a la oleada de protestas y visibilizó su indignación con los dirigentes encargados de gestionar la tragedia. “Hay gente que está sufriendo muchísimo. Hay políticos muy incompetentes, esto lo digo en nombre de Noemí, no de OT: Mazón, dimisión. Es lo único que pedimos a la gente de bien”, concluyó la directora de casting de Gestmusic.

El mensaje tan directo quizá pudo sorprender a los que no siguen el concurso de televisión. Sin embargo, a lo largo de los últimos años, el programa musical se ha posicionado en diversas cuestiones de índole social. No solo lo han hecho los concursantes con algunas de sus intervenciones en el directo de Youtube que los graba casi las 24 horas del día mientras concursan, sino también el propio equipo del programa con la programación de charlas de expertos. 

Una de las últimas muestras de este compromiso social ocurrió hace unas semanas, cuando el programa organizó una charla de última hora sobre el acoso escolar para concienciar a sus espectadores, la mayor parte de ellos niños y jóvenes, tras el suicidio de la joven Sandra Peña. La Academia se saltó una de sus reglas más importantes (los concursantes no pueden conocer información del exterior durante su paso por el concurso) al considerar que era más importante esta labor de concienciación.

Un enorme altavoz a favor del feminismo

Una de las causas que más ha reivindicado el programa de Prime Video es el tema del feminismo. Salma de Diego, una de las concursantes de esta edición, sacó el tema con otros de sus compañeros. “La inmensa mayoría de violencia física se ejerce de hombres a mujeres. Hay estadísticas. ¿Eso quiere decir que todos los hombres sean agresores? Por supuesto que no”, compartió la joven.

En la edición de 2018, las concursantes prepararon un comunicado en formato vídeo para compartir en sus redes sociales con motivo del Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer. “No son muertes, son asesinatos”, compartieron Julia Medina, Alba Reche, Marta Sango, Natalia Lacunza, María Escarmiento y Sabela Ramil el 25 de noviembre de 2019. 

El propio programa ha organizado charlas sobre feminismo, algunas de ellas especialmente polémicas, como la de la periodista y escritora Anna Pacheco. Su intervención en la edición de 2020, cuando OT todavía se emitía en La 1, se viralizó tanto que políticos como Inés Arrimadas y Albert Rivera lo tacharon de “propaganda sectaria”. Dirigentes de PP y Vox llegaron a pedir el cierre de la cadena pública. 

Posicionarse con la música

Para algunos concursantes del programa, la música ha sido su vehículo para mostrar su compromiso con causas sociales. Teyou, de OT2025, compuso una canción contra el genocidio en Gaza que pudo escucharse en directo. Miki y María, de OT2018, cuestionaron el uso de la palabra “mariconez” cuando tuvieron que interpretar Quédate en Madrid de Mecano. 

Más allá de un concurso de televisión, Operación Triunfo es un espacio en el que tanto profesores (cómo olvidar cuando Javier Ambrossi apareció con una camiseta sobre la protección de las infancias trans en la edición de 2017) como concursantes se han sentido libres a la hora de expresar sus opiniones.

Operación Triunfo es mucho más que un concurso de cantar. El programa de Gestmusic es también una plataforma clave para difundir cultura musical. Los fans del formato descubren muchas canciones nuevas a través de las actuaciones de los concursantes y, a menudo, buscan escuchar las versiones originales. De esta manera, las reproducciones de estas canciones se disparan en las plataformas de streaming gracias a los triunfitos.

Sin embargo, no todos los artistas parecen ver el potencial que tiene el programa en este sentido. “Pues sí, hay autores nacionales que no autorizan que OT utilice sus temas. No voy a dar nombres porque están en su derecho de negarnos su permiso. ¡Y otros que despotrican del formato y nos venden sus temas!”, señaló hace poco Tinet Rubira.

El director de Gestmusic respondía entonces a la duda de un usuario de X, que no entendía cómo podía haber artistas nacionales que no vieran el formato como una oportunidad para darse a conocer. “Aquí en España, ¿qué artista no va a querer que canten sus canciones en OT, si siempre se meten en el top de reproducciones y alcanzan nuevo público?”.

No son pocos los usuarios que reaccionaron a las palabras de Rubira, corroborando esta idea de que el talent musical puede ser una gran plataforma para artistas tanto emergentes como ya consolidados. “¡Qué pena, Tinet!. Yo gracias a OT he conocido mucha música de grupos y cantantes que antes ni siquiera conocía su existencia y ahora soy fan, compro sus discos y voy a sus conciertos”, señaló otro perfil en la red social.

Lo odisea de conseguir los derechos de las canciones

En 2023, Operación Triunfo dejó la cadena pública española y aterrizó en Prime Video. Esto no solo tuvo implicaciones en el público, que ahora necesita tener una cuenta en la plataforma de Amazon, sino también en el funcionamiento del propio programa. Una de las partes que más se ha visto afectada por este cambio de plataforma ha sido la elección de las canciones que pueden cantar las concursantes en cada gala.

En redes sociales, varios usuarios se han sorprendido al ver cómo los triunfitos han contado delante de las cámaras que el programa no había conseguido los derechos de la canción que querían cantar estando nominados. Esto ha obligado a más de uno a cantar canciones que no conocía durante su semana de nominación. ¿Por qué durante su etapa en TVE esto de los derechos era un tema que ni siquiera estaba sobre la mesa? Una cuenta fan de OT ha tratado de despejar las dudas en un mensaje compartido en X. 

“Las televisiones en abierto (TVE, T5, A3 etc.) pueden poner la música que quieran, sin negociar, únicamente pagando un canon anual a entidades como SGAE o AGEDI gracias a un acuerdo con ellas. Las plataformas tienen una legislación distinta y al no tener este acuerdo, tienen que negociar directamente con el artista/discográfica, lo que dificulta mucho las cosas porque muchas veces se niegan a ceder el tema”.

La nueva edición de Operación Triunfo va viento en popa. Con la expulsión que tendrá lugar esta noche, ya serán tres los concursantes que quedaran fuera de la Academia. El resto se enfrentará una semana más a las clases de Manu Guix, Mamen Márquez y compañía con un nuevo reparto de temas. 

Esta nueva temporada del programa de Gestmusic vuelve a dar, un año más, mucho contenido en redes sociales. Los comentarios de los seguidores del formato en X se suman a los vídeos en TikTok e Instagram, alimentando la conversación alrededor del concurso que, por segundo año consecutivo, se emite en exclusiva en Prime Video. 

Algo que se ha comentado mucho es la gran preparación técnica y musical que tiene una gran parte del grupo de jóvenes seleccionados. Lejos quedó el ejemplo de David Bustamante, que antes de entrar en el programa que le dio a conocer trabajaba en la obra. Hoy la mayoría de concursantes de OT 2025 ha estudiado canto o sabe tocar algún instrumento. 

Pero la preparación no solo se limita al aspecto musical, sino que también hay triunfitos que tienen experiencia frente a las cámaras: más de uno ha participado en otros programas de televisión antes de entrar en OT. ¿Quién y dónde? Hoy recopilamos el pasado televisivo de algunos de ellos.

De ‘La Voz’ a ‘Factor X’

Uno de los casos más sonados es el de Javi Crespo, que se proclamó nada más y nada menos que ganador de La Voz en 2022. El cordobés de 21 años ha comentado dentro de la Academia su opinión del concurso musical de Antena 3: “Yo tuve bastante [repercusión], algo que no suele ni pasar, pero todo se desinfla muy rápido. Es un programa que no está pensado para sacar artistas”, compartió con su compañera María Cruz.

Olivia y Lucía también han participado en este formato de Atresmedia, aunque en su versión infantil. Las dos consiguieron que los jueces se giraran durante su actuación en las audiciones a ciegas de La Voz Kids. Otra de las concursantes que también apareció en televisión durante su infancia fue Cristina: la sevillana ha participado en varios programas de Canal Sur, como Menuda Noche, presentado por Juan y Medio, o Tierra de Talento, el talent show de Manu Sánchez.

La cosa no termina ahí, pues Lucía y Cristina también compartieron experiencia en el formato de Idol Kids, concurso de Telecinco. Téyou, la concursante más mayor de esta edición (28 años), también fue concursante de Factor X, donde compartió escenario con Abraham Mateo como jurado. Por su parte, Max, quien se jugó su pertenencia en el concurso con la nominación de la semana pasada, participó en Projecte Beta, una serie para la televisión catalana que precisamente fue producida por Gestmusic. 

Este jueves, el Benidorm Fest 2026 ha presentado sus 18 participantes para una edición que todavía no sabe cien por cien si su ganador será representante de España en el Festival de Eurovisión por el hecho de haber afirmado desde RTVE que de participar Israel se retirarán de la competición.

Un Benidorm Fest que tendrá lugar desde el 10 al 14 de febrero en la localidad alicantina, siendo las semifinales el 10 y 12 y la final el 14, con unas canciones que se conocerán el próximo 18 de diciembre. Los 18 seleccionados lo han sido de un total de 870 candidaturas durante el proceso abierto, 32 menos que en la pasada edición.

Entre todos ellos hay varios nombres conocidos y algunos otros que intentan hacerse un hueco en la industria musical, en caso de dos de los participantes, además, provienen de una familia donde ya se sabe lo que es ser representante en el Festival de Eurovisión y que se han hecho conocidos como ‘nepobabies eurovisivos’ en redes sociales.

Izan Llunas y Mikel Herzog Jr. hijos de representantes de Eurovisión

Hablamos de Mikel Herzog Jr e Izan Llunas, hijos de Mikel Herzog y Marcos Llunas, que fueron representantes de España en Eurovisión en 1997 y 1998, y que podrían aspirar a continuar una saga en caso de que uno de ellos sea ganador y pueda participar en la edición de 2026 si se da la retirada de Israel como afirmó RTVE.

Mikel Herzog Jr. es cantante, actor y bailarín que ha participado en programas como La Voz, Top Stars y Tu Cara Me Suena, pero su nombre lleva a pensar en su padre, Mikel Herzog, que fue representante de Eurovisión en 1998 en una edición que se celebró en Birmingham y donde quedó en decimosexta posición con la canción “¿Qué voy a hacer sin ti?”.

Mikel Herzog, sin embargo, es más conocido por su faceta de cantautor, habiendo sido compositor de temas para Ricky Martin o incluso de la canción “Tractor Amarillo” que popularizó el grupo Zapato Veloz en la década de los 90, y también por haber formado parte de grupos como La Década Prodigiosa.

Por su parte, Izan Llunas proviene de una familia de músicos y artistas, pues no solo es hijo de Marcos Llunas que fue representante de España en Eurovisión en 1997, sino que es también nieto del cantante Dyango, y su hermano Axel participó como actor en la serie ‘Luis Miguel’ de Netflix.

La conexión con Eurovisión proviene de su padre Marcos Llunas, que participó de forma exitosa en el festival de 1997 con la canción ‘Sin rencor’ con la que quedó en sexta posición en un año que se celebró en Dublín, Irlanda. Antes de esto había desarrollado una carrera popular con sencillos como ‘La dueña de mis ojos’, ‘Completamente tuyo’ o ‘La reina de las diosas’, y ha participado también en el Festival Internacional de Viña del Mar y en 2001 llegó a actuar en el Día de la Hispanidad en la Casa Blanca.

Fuerte conexión con Operación Triunfo también en Benidorm Fest 2026

Además de esta conexión con Eurovisión, estos dos artistas tienen también un enlace con Operación Triunfo, pues tanto Mikel Herzog como Marcos Llunas participaron también en el programa, el primero como director de la ‘post-academia’ en la que se formaban los concursantes eliminados y fue también de la gira posterior de la primera edición, y el segundo siendo jurado.

Pero Mikel Herzog Jr e Izan Llunas no son los únicos participantes de Benidorm Fest 2026 que tienen conexión con Operación Triunfo, pues hay dos ex ‘triunfitos’ entre los 18 concursantes, como son Julia Medina, que presenta una candidatura conjunta con la mexicana María León, y Álvaro Mayo.

Era 22 de octubre de 2001 y se presentaba un programa llamado ‘Operación Triunfo’ en La 1, un ‘reality show’ que quería encontrar a la próxima estrella del pop en español. Al final, los 16 jóvenes que formaron la primera edición se convirtieron de la noche a la mañana en estrellas y parte de un fenómeno fan que hacía décadas no se veía.

El resto es historia, con nombres como David Bisbal, David Bustamante, Rosa López, Gisela, Natalia o Chenoa, que repite en la nueva edición de OT 2025 como presentadora después de su primera experiencia en el que fue el primer concurso que se emitía en Prime Video.

En la plataforma de Amazon repite Operación Triunfo, que se estrena en su edición de 2025 con un estreno con la gala 0 con 18 concursantes, de los que dos serán expulsados para seleccionar las 16 plazas de la Academia, que volverá a estar dirigida por Noemí Galera y que contará con otra ex ‘triunfita’ como Miriam Rodríguez como la que dirija el videopodcast ‘Conexión OT’ en el que se verá el pase de micros.

‘Operación Triunfo’: el fenómeno fan que revolucionó la música en televisión en 2001

La primera edición de Operación Triunfo entre 2001 y 2002 fue un fenómeno de masas que superó todas las expectativas, sobre todo porque el programa había sido rechazado en varias ocasiones por algunas cadenas, entre las que se encontraron algunas afirmaciones como que “la música en televisión no funciona”.

Un hecho que confirmaron sus creadores, Toni Cruz y Josep Maria Mainat en varias declaraciones a raíz del éxito que cosecharon al llegar a 12,8 millones de espectadores en la primera final que proclamaba a Rosa López, apodada ‘Rosa de España’ como la primera ganadora de OT, más incluso que los que vieron la final del Mundial de fútbol 2010 en Sudáfrica.

Más de nueve millones de discos vendidos, conciertos agotados, firmas de discos multitudinarias y hasta una película de la gira en cines después hicieron que el programa llegara a su siguiente edición con poco tiempo de margen, un OT2 en el que concursaron nombres como Manuel Carrasco.

Las otras vidas de ‘Operación Triunfo’: resucitado y cancelado en varias ocasiones

Sin embargo, el no dejar descanso al ‘talent show’ hizo que tras una tercera edición en 2004 RTVE cancelara el concurso, que volvería en otra cadena, Telecinco, en una segunda etapa que cambió el presentador de Carlos Lozano a Jesús Vázquez y que de nuevo tendría un ciclo de tres ediciones, hasta que en 2011 fue cancelado después de sus primeras galas, con Pilar Rubio al frente.

Tendrían que pasar seis años para que RTVE rescatara ‘Operación Triunfo’ auspiciado por el éxito de ‘OT: el reencuentro’ que consiguió reunir a los 16 concursantes de la primera edición y que culminó con un concierto en el Palau Sant Jordi. Ese OT 2017 sería otro fenómeno, en este caso ya con redes sociales, y aupando a nombres como Aitana o Amaia.

Con Roberto Leal al frente y en La 1 viviría otro ciclo de tres ediciones, con la última en 2019, hasta que en 2023 se recuperó el formato con Chenoa como presentadora y con una primera edición en Prime Video cuyo éxito ha propiciado su renovación en este 2025, que tiene novedad de que sea posible que se pueda ver también en Latinoamérica.

La lista de participantes de Operación Triunfo 2025

Existe una expresión que todo el mundo conoce: en ocasiones, menos es más. Sin embargo, en la industria musical, y sobre todo en la cultura pop, todo artista sabe que más siempre es más. Ya sea que vayas a sacar un disco o que estés preparando una gira, no olvides echarle mucha purpurina, apostar fuerte, sentirte superior y convertir lo pequeño en algo gigantesco. Una fórmula que, si bien ha ayudado a forjar la leyenda de algunas de las estrellas más influyentes de este siglo, no es apta ni útil para cualquiera. Tanto es así que, de entre todos los casos que demuestran cómo esta lógica puede desbordarse hasta rozar lo ridículo, ni uno solo falta en el concierto de Aitana en el estadio Metropolitano de Madrid.

Desde que alcanzara la fama tras su segundo puesto en el concurso Operación Triunfo de 2017, Aitana Ocaña ha tratado de descubrir cuál es su nicho y qué tipo de música quiere hacer. No obstante, tras cuatro discos en el mercado y algunas fatídicas participaciones en series, la catalana evidencia no saber todavía en qué especie de artista desea convertirse. Una indefinición que queda más patente que nunca cuando Aitana aparece ante un estadio que irremediablemente la empequeñece. No tan interesada en la búsqueda de identidad como en la búsqueda del más grande de los recintos, la impaciencia la lleva a dar un concierto que no es ni será el que recuerde con más orgullo en el futuro.

Si este es el momento más importante de la carrera de la artista, queda tristemente lastrado por la ausencia de una reivindicación a la altura. El cierre de su gira veraniega, como así lo ha vendido la cantante pese a solo haber dado tres conciertos en un total de dos estadios, deja una pobre impresión de lo que ha sido su tour Metamorfosis Season y de lo que podría haber sido. Tras un primer concierto en el Estadi Olímpic de Barcelona y otro en el Metropolitano de Madrid al que se le impidió el acceso a la prensa, sobre la última fecha impera la frustración de un espectáculo que no destaca por nada en especial y que deja la sensación de que España no está preparada para producciones de esta envergadura.

Como ya sucediera en el concierto de Lola Índigo hace apenas un mes en el mismo recinto, el sonido deja muchísimo que desear y, a menos que grites las canciones a todo pulmón, tratar de entender lo que se canta se torna un suplicio. Es por ello que 6 de febrero, con la que Aitana abre su actuación, brilla por el fervor de los seguidores de la catalana, en su mayoría niñas acompañadas de sus padres. Son ellas quienes consiguen hacer del concierto una velada mucho más mágica, envolviendo la atmósfera de su entusiasmo y haciendo que lo que acontece sobre el escenario no sea tan prioritario.

Sobre el escenario, eso sí, apenas ocurre gran cosa. Aunque es bastante amplio y su pasarela culmina en una gran mariposa sobre la que la artista interpreta varias de sus canciones, su tamaño únicamente se justifica por el estadio, pecando de quedar vacío. Esto ni siquiera es suficiente para lograr el intimismo bajo el que ha promocionado su último trabajo, Cuarto Azul. Titulado así porque sus padres pensaban que iba a ser un niño y pintaron la habitación de su infancia de ese color, decidió que “quería hacer un disco” que la llevara a “ese lugar seguro” para volver a reencontrarse. Sin embargo, ¿pensó Aitana que quizás, y solo quizás, la forma más idónea de presentar la cercanía del álbum no era dando un concierto en un estadio? Sobre todo cuando ha tenido que sufrir para hacer sold out en este recinto.

La cantante podrá solventar su error con la gira de Cuarto Azul, anunciada al final del espectáculo con fechas en palacios deportivos de numerosas ciudades, donde probablemente se sentirá más cómoda y podrá defender mejor sus canciones, desde la divertida Superestrella, que en el Metropolitano canta acompañada de su veintena de bailarines, hasta la imperdible Cuando hables con él, que apunta a ser uno de los clásicos del proyecto y en la que aboga por la honestidad. Ese tour, a diferencia de este de tres conciertos, no tratará de englobar su repertorio completo, algo en lo que naufraga su Metamorfosis Season, pues el cambio de eras apenas se nota e incluso parece forzado.

En su recorrido al pasado, Aitana comienza por Teléfono, que suena tan impostada como ya lo hiciera en 2018, pero que ahora se ve favorecida por el factor de la nostalgia. La canta en una actuación donde juega con las sillas, en la que se la nota demasiado pendiente de no olvidar ningún paso, algo frecuente en cada una de las coreografías. Más bonito es el momento que protagoniza con su preciosa Vas a quedarte, donde todo el estadio se suma a coro en la última estrofa para crear la que es la parte más memorable del concierto. Lo es porque, al menos durante esa canción, la artista por fin consigue conectar con el público. Y el público también con ella.

Tras una pausa de más de cinco minutos en la que todo el protagonismo cae sobre la banda, Aitana saca a relucir su versión rockera con algunos temas de su trabajo 11 Razones (2020), como Si no vas a volver o No te has ido y ya te extraño, que coinciden con el anochecer y la gente aprovecha para divertirse encendiendo las linternas de sus móviles. “Hay algunas canciones que ya no volveré a cantar más”, confiesa la artista. Su remix de Mon Amour con Zzoilo la lleva a jugar con los colores de las luces durante la puesta en escena, pero acaba perjudicada por problemas con los altavoces, otra constante de la noche.

Aitana interpreta la balada Música en el cielo en una de las gradas del estadio, buscando de nuevo una intimidad que resulta difícil vislumbrar. Rápidamente cambia la temática para inaugurar una fiesta de discoteca al son de ABBA, grupo del que pone varias pistas antes de atreverse con su álbum Alpha (2023). El show toma otra forma debido a las pulseras de colores que iluminan a la multitud, pero el caos lo desata Amaral, que sube por sorpresa al escenario para cantar Marta, Sebas, Guille y los demás. “Sois los mejores, os admiro muchísimo”, comenta Aitana al finalizar la actuación. “Gracias por cantar esta canción conmigo”, añade.

Para el final del espectáculo, tras dos horas y media y más de 30 temas, se reserva alguna de sus colaboraciones más sonadas, como la reciente Gran Vía junto a Quevedo, que hace bailar a los asistentes a pesar de la ausencia del canario. Tampoco están presentes Sangiovanni, con quien canta Mariposas; Nicki Nicole, que participa en Formentera, ni Alaska de Fangoria, que reivindica la imperfección en La chica perfecta. Aun así, son varios de los grandes hits del catálogo de la intérprete y tampoco pueden faltar a la cita, pese a que las voces de los invitados solo se escuchen de fondo.

Algunos artistas parecen haber olvidado que la calidad no se mide en reproducciones o estadios, sino en la capacidad de conmover al oyente. En su obsesión por prescindir de arenas para intentar con mucho esfuerzo llenar un Metropolitano, Aitana demuestra carecer de una visión artística que haga destacar su trayectoria, renunciando así al proceso creativo de quienes realmente logran labrarse un legado. Este furor por lo cuantitativo, alimentado por algoritmos y redes sociales, acaba con la autenticidad y convierte la música en un producto desechable. La suerte es que Aitana, que probablemente ya se haya dado cuenta, siempre podrá tener, como canta en su último disco, un segundo intento.

Era el día de su boda. Cuando Lola Índigo apareció ante más de 50.000 personas en el Estadio Metropolitano de Madrid —no estaba lleno—, el estruendo del público daba la bienvenida a una novia que se había preparado para la noche más importante de su vida. Por supuesto, la artista se encargó de hacerlo saber durante los meses previos al concierto, afirmando en entrevistas que la producción del espectáculo sería tan costosa que solo podía equipararse a la celebración de una boda. Nada podía faltar en la fiesta más significativa de sus 33 años.

Por faltar, no faltaron ni los imprevistos típicos de un evento de esta índole, si por “típicos” podemos entender la anulación de varios conciertos por el camino, el reiterado cambio de fechas y recintos o una guerra pública con el Ayuntamiento de Cornellà. El primer show de esta ambiciosa gira por estadios iba a tener lugar el pasado marzo en el Santiago Bernabéu, pero las molestias por ruido generadas a los vecinos acabaron ocasionando que se cancelara este concierto y otros como el de Aitana. Lola Índigo, entonces, lo reprogramó para el 14 de junio, pero el Real Madrid la desmintió en un comunicado asegurando que en el “momento actual” no podía asegurar su celebración.

La cantante logró finalmente mantener la nueva fecha, pero se vio obligada a cambiar de recinto y optó por el Estadio Metropolitano, que también se llevó otros eventos como el de Ibai o Dellafuente. Lola Índigo, sin embargo, no corrió la misma suerte con su cita en el RCDE Stadium de Barcelona. La artista denunció en abril que el alcalde de Cornellà, Antoni Balmón, no la dejaba celebrar el concierto programado para julio por exceso de ruido a pesar de tener vendidas 20.000 entradas. El consistorio respondió tildando de “irresponsable” al grupo impulsor del evento por “haber proseguido con la venta de entradas aun sabiendo que el concierto no se iba a realizar”.

Posiblemente nada de esto pasara por la cabeza de Lola Índigo cuando, rodeada por 30 bailarines con tambores y al son de su Ya No Quiero Ná, activó la fiesta en un Metropolitano enfervercido. No era para menos: 1.200 metros cuadrados de pantalla de LED, repartidos por todo el suelo del escenario y por una torre de 28 metros de altura, ensalzaban tanto su figura como su escenografía. La ovación del público, no obstante, quizá sí hiciera pensar a la cantante en sus casi siete años de trayectoria. Desde que se convirtió en la primera expulsada de Operación Triunfo 2017, cuando aún solo era Mimi, la ahora conocida como Lola Índigo se ha asegurado un puesto en la cultura pop de este país.

De aquella edición del reality, su regreso tras seis años desde su última emisión, nacieron otras estrellas como Amaia Romero o Aitana Ocaña. “A pesar de cambios y evoluciones, hoy estamos aquí”, celebraba Lola Índigo. El principal homenaje a esa etapa, aparte del tema de apertura, fue la pista Me quedo, su sencillo con Aitana, aunque esta última no apareció. En ella ha recurrido al baile a través de una espectacularidad no tan artificial como la que se ha esforzado por lograr cuando interpretaba temas como El Humo o Yo Tengo Un Novio, durante las cuales ni siquiera la puesta en escena aportaba gran cosa, o la todavía más simple Killa (ring ring).

La artista ha viajado en el concierto a través de las tres eras de su discografía, convirtiéndose así en bruja, niña y dragón. Lola Índigo, que ha encarnado estos personajes a lo largo de sus tres discos publicados hasta la fecha, ha aprovechado las respectivas temáticas de cada uno de ellos para la escenografía. “Sois el mejor público del mundo”, se emocionaba la cantante. Esta retrospección a su catálogo la hizo por orden, deteniéndose álbum por álbum en cada acto. La estrategia apuntaba bien, pues así se guardaba para el final sus mayores hits, pertenecientes mayoritariamente a sus dos últimos trabajos hermanos: El Dragón (2023) y Nave Dragón (2025).

Sin embargo, más enfocada en crear una atmósfera discotequera que en resaltar las piezas más destacables de su música, Lola Índigo se perdía en un escenario demasiado abultado y sobrecargado que no dio protagonismo a los temas de la cantante. No solo es que nunca llegara a encontrarse, es que a veces daba la sensación de que la artista ni siquiera estaba en el escenario. En su intento por conseguir que el estadio no se le quedara grande, lo cierto es que el espectáculo se acabó comiendo por completo sus canciones, que se mostraban como mero sonido de acompañamiento.

Ante tanto baile y petardeo, a uno solo le quedaba preguntarse si realmente era la música la que daba sentido a todo aquello. Parecía que sí en las contadas ocasiones en las que Lola Índigo se dejaba de tanta parafernalia, pero incluso entonces no aparentaba estar lo suficientemente cómoda con lo que cantaba. En sus íntimas interpretaciones de Toy Story y Dragón, aupada por las linternas de las gradas, se quedó a medio gas ante su probable deseo de algo más contundente, y el sobrecogimiento que debería haber arropado su buen cante a guitarra de El Condenao y su versión de Corazón Partío se tornaba frío ante una audiencia a la que le apetecía algo más animado.

Empleando hasta 800 aparatos de iluminación distribuidos por todo el campo, la artista acertaba más cuando sacaba su lado más natural y hacía del evento la gran fiesta que había prometido, ya fuera con luces o sin ellas. Los hechizos que surtieron mejor efecto del primer acto, en el que reivindicó su Akelarre (2018), los provocó la canción Santería, seguida unas cuantas pistas después por la revolución de Casanova. Del segundo acto, impulsado por La Niña (2021), se sintió como pez en el agua interpretando La Niña de la Escuela, con la que movió a todos los asistentes abrazada a Tini. “Las amigas tenían que estar en un día como hoy”, afirmaba la artista, que dio un alegato a favor de soñar en grande. Además, presumió de raíces durante su tema Mala suerte, esta vez sin Dellafuente, y con la adictiva El pantalón, sin Omar Montes ni las Chuches.

Una alfombra roja hasta el escenario y las gradas

El espectáculo ofrecía una visión real de 270 grados para que los espectadores tuvieran una experiencia única y envolvente, algo que funcionaba porque, a pesar del despliegue de 200 altavoces situados alrededor del recinto —a desgracia de los vecinos—, merecía más la pena ver que escuchar —el sonido no era de buena calidad—. Y no únicamente ver el escenario: entre el público, personalidades como Miguel Ángel Silvestre, Belén Esteban, Nagore Robles, Elena Rivera y Carlos Baute, o triunfitos como Martin Urrutia, Agoney y Juanjo Bona disfrutaban del concierto. Previamente, habían desfilado por una alfombra roja para “invitados VIP”.

La boda tampoco quiso perdérsela Belén Aguilera, que apareció a mitad del enlace para animar el estadio con La Tirita, ni Paulo Londra, que pudo cantar su Adán y Eva y también Perreito pa llorar con Lola Índigo. “Que se acabe esta mierda de odio a la comunidad trans”, defendió la granadina a lo largo de la última traca de temas, en la que se iba despidiendo de sus seguidores. Su recién estrenada Moja1ta logró un hueco en el tramo de cierre, que concluyó de manera definitiva con la animada La Reina. Entretanto, no podían faltar los efectos de humo, los cohetes y la pirotecnia, que desde hacía rato habían perdido gracia e impacto a pesar de haber sido la esencia de la noche.

La discografía de Lola Índigo cuenta con un catálogo que ha demostrado con creces ser exitoso. Lo ha hecho con cifras, en salas de discoteca y en arenas. Haberse adjudicado varios temas del verano a lo largo de media década de carrera es algo que no consigue cualquier artista. Es precisamente por ello por lo que resulta incomprensible que, en el día más importante de su vida, Lola Índigo haya sucumbido a la extravagancia de querer abarcarlo todo, rindiéndose al estadio y olvidándose de la música. El resultado ha sido un concierto con mejor espectáculo que canciones.

Al escuchar No soy tu hombre, el nuevo disco de Alba Reche, da la sensación de estar invadiendo por completo su intimidad. Sus canciones hablan de los viajes que implican las relaciones, los escollos que conllevan las rupturas, y todo lo que se cocina, disfruta, discute, sufre y acepta entre medias –y después–. La cantante explica que vive “muy conectada” con la persona que es, y que no ha vivido el proceso de composición –ni ahora exposición– desde “la vulnerabilidad”.

La artista de Elche, que se dio a conocer en 'OT 2018' quedando segunda, arrancará en febrero el tour de presentación de su álbum, tras haber girado este verano con la cantautora chilena Mon Laferte. “Ser telonera es una oportunidad preciosa, pero requiere de mucha fuerza y aguante”, explica sobre la experiencia. También fue a ayudar y participó en los conciertos benéficos que se organizaron para apoyar a las víctimas de la DANA.

La cantante asegura que “no” le interesa “lo políticamente correcto en todas las posiciones”. Trabaja porque en sus equipos esté siempre rodeada de mujeres, al tiempo que augura y espera: “Que no solamente nosotras contemos con nosotras, sino que el resto también”.

No soy tu hombre es un disco muy introspectivo, con mucha reflexión sobre las dinámicas que se generan en las relaciones.

Sí. Ha sido estar en el momento en el que tienes que estar, pensando en los sentimientos que tienes, y hablar y escribir sobre ello en las canciones. El disco empieza con la frase del tema La casa: “Voy a perdonarme por las cosas que nunca pasarán”. Y acaba con: “Todo lo que me queda es lo que siempre tengo en bucle y lo más visceral de mí”, que es bastante representativo de todo lo que ha pasado durante el álbum y cómo termina.

¿Hay más educación emocional, o conversación sobre las rupturas, en las canciones que en la vida real?

Hay canciones de todo, pero sí que es verdad que a lo mejor las que tienen más público son las de los momentos más de tristeza, melancolía; y no con una retrospectiva tan hacia ti misma, sino hacia lo que fue esa relación. Que es además hacia lo que yo voy cuando estoy mal, porque son esas canciones lo que necesito escuchar.

Las hay así en el disco, pero va haciendo de manera natural el proceso que hice yo misma, para terminar con un mensaje final más positivo y luminoso. De volver hacia ti, hablar sobre ti y centrarte en ti, que al final es lo que tienes que hacer después de todo lo que sucede en esos malos momentos.

En febrero arranca su gira, a la que llega después de actuar junto a Mon Laferte, ¿cómo es la experiencia de ser telonera y abrir conciertos?

A nivel Europa ha sido fascinante porque nunca había tenido la oportunidad de poder viajar fuera de España más allá de Latinoamérica. Ser telonera es un trabajo muy duro en todos los sentidos. También es muy agradecido, es una de las oportunidades más grandes que me ha dado alguien porque si no, vete tú a saber cuándo hubiese tocado en el Teatro de París, que ojalá suceda.

Pero es una oportunidad muy dura porque es gente que o bien no te conoce, o no conoce tus canciones ni saben qué vas a presentar. Tú tienes que exponerte de una manera. Seleccionar tus temas para esos 20 o 30 minutos que tienes, y versionarlos para 'petit comité', ya que muchas veces iba sola con guitarra o piano. Es una oportunidad preciosa, pero que requiere de mucha fuerza y aguante.

Depende del sitio, hay públicos más y menos respetuosos. Hay gente que está hablando a grito pelado dentro de la sala, y otra que te aplauden, te empiezan a gritar. Valoro mucho al público de Mon porque son gente muy respetuosa, y no solo eso, te alzaban. Un beso a toda la gente que abre los conciertos a otras personas, que trabaja en bodas y comuniones que yo también lo hice cuando tenía dieciséis años, que es un trabajo que requiere de mucho y que se valore mucho.

Las redes sociales son una forma de contactar con su público para conocer cómo se valora su música. ¿Cuál es su relación con ellas, teniendo en cuenta el pico que han tenido desde que salió de 'OT', en 2019?

Yo venía de tocar en bodas y orquestas, por lo que la oportunidad que se dio en ese momento fue increíble. Sí que es verdad que mi dinámica con las redes ha cambiado mucho después de seis años, tengo un público que está muy alineado con lo que soy. Ahora me siento bastante bien, pero hay veces que, en según qué momento, tienes la presión todo el rato ser, aparte de cantante, creadora de contenido. Esto sí que desquicia en algún momento porque ves que tu carrera y música dependen a lo mejor de un post en una aplicación que no tienen nada que ver.

Está eso, pero también te lo puedes tomar como una manera de promocionar tus cosas y tener esa visión. Ver que tu trabajo no solamente es estar en el estudio, hacer conciertos y demás, sino también mantener un perfil como personaje público; evidentemente también se te pasa por la cabeza algunos días.

Quedarse o no en X está siendo uno de los debates de la semana, tras la llegada de Donald Trump a la Casa Blanca. ¿Qué ha hecho usted?

Yo me desactivé la cuenta este martes y me he abierto Bluesky, que por lo que tengo entendido es un espacio más seguro. Voy a darle una oportunidad, a ver si no nos hacen arrepentirnos, ojalá no. Y si no, que nos informen y ya veremos. Lo importante es crear espacios en los que podamos convivir de la manera más saludable posible para todos. Y no solo a nivel político.

Ahora me siento bien con las redes, pero hay veces que tienes la presión todo el rato de ser, aparte de cantante, creadora de contenido. Esto sí que desquicia porque ves que tu carrera depende de un post en una aplicación que nada tiene que ver

Alba Reche — Cantante

Es una de las artistas que participó en los conciertos benéficos que se organizaron para apoyar a las víctimas de la DANA, y también estuvo ayudando sobre el terreno. ¿Qué parte de responsabilidad ha sentido de sumarse?

A nivel comunicación, era indispensable. Hubo mucha sobreinformación en muchos momentos, en los que había quien lo había perdido absolutamente todo. Lo que uno tiene que hacer es lo más humano del mundo, que es ayudar en lo que pueda. Si es yendo, yendo. Si se puede ir a limpiar, se va a limpiar. Si se puede colaborar económicamente, cocinando… Aparte de músico, considero que somos humanos, personas que a nivel de comunicación tenemos más espacios que podíamos utilizar para comunicar lo que estaba sucediendo; y en este caso, siempre he estado a favor de que se utilice.

Ayudar, colaborar y seguir colaborando a día de hoy porque hay mucha gente todavía que no ha recibido ayudas para gestionar las casas. Está habiendo otra vez derrumbes después de tanto tiempo en garajes y demás. No olvidarnos de eso y pedir las responsabilidades pertinentes a quien se deben pedir para que esta gente pueda vivir en paz después de lo que ha pasado.

Mucha gente la conocimos en un canal 24 horas que mostraba cómo era su día a día con sus amigos. En su edición lo político estuvo siempre muy presente, abiertos a hablar desde feminismo y sexualidad a que no quisieran ir a Eurovisión si se celebraba en Israel. ¿Se ha mantenido así desde entonces?

He sido bastante honesta con lo que creo que necesito decir, con lo que está bien, y hay momentos en los que hace falta compartirlo. Lo haré igual que lo hacía antes, siempre con cuidado y con respeto. Ser políticamente correcto para todas las posiciones es algo que no me interesa, pero sí que es verdad que muchas veces se siente inquina por decir tus opiniones, sobre todo si eres artista. Pero bueno, considero que es algo a lo que está directamente el arte. Y que también tienes derecho a equivocarte, a decir las cosas de una manera u otra, y que ese proceso forma parte de la vida de una persona que también está conociendo todo.

Creo que sigo bastante alineada con mi pensamiento de entonces. Éramos una edición que a lo mejor por el momento vivimos una ola del feminismo y estábamos representando lo que éramos. Ni más ni menos. A mí, sinceramente, me gusta un artista que posicione y tome partido con las cosas que están pasando. Como público me gusta y como artista intento hacerlo también.

Como público, me gusta un artista que posicione y tome partido con las cosas que están pasando, así que como artista intento hacerlo también

Alba Reche — Cantante

¿Se reciben igual si las opiniones que emiten tienen o no que ver con la industria musical, al por ejemplo hablar sobre la presencia de mujeres en la industria?

Para mí que haya más o menos productoras es una conversación natural. Que no tenga que haber una playlist en concreto solamente para nosotras, que estemos de manera natural en el resto. Y si no, preguntarte por qué no están, ir solucionando y abriendo esas conversaciones.

¿Qué valoración hace sobre cómo esto permea a lo que implica su carrera, más allá de lo que implica componer e interpretar sus canciones?

Seleccionar el equipo es una gran parte en la que puedo colaborar. En mi caso, tres de las chicas que me acompañan llevan tres años conmigo y una cuarta, Saray, mi batería, desde la gira de Quimera en 2019. Poco a poco he ido haciendo mi equipo para que todas seamos mujeres encima del escenario. Como artista puedo seleccionar eso, que mi manager sea una mujer, que dentro de las opciones que tengo, dar prioridad siempre o a colaborar con, contratar a, que mis fotógrafas de conciertos sean siempre chicas. A nivel jefaturas y discográficas, es otro mundo en el que yo no estoy evidentemente dentro, pero creo que esas conversaciones también se dan. Auguro, espero y deseo, que se está trabajando en ello, espero que cada vez se encuentre más en equidad.

¿Y respecto al algoritmo y entrar o no en las listas?

La Asociación Mujeres en la Música tienen muchísimos proyectos abiertos. También colaboran con Spotify Equal, que llevan a cabo muchísimas cosas, pero me gustaría que no fuesen extraordinarias. No por ellas, que son fantásticas, sino a que me sabe mal que sea solamente esa sección y que no sea de forma natural en el resto de situaciones y proyectos. Que no solamente nosotras contemos con nosotras, sino que el resto también cuente con nosotras.

¿Cómo se lleva con la etiqueta 'triunfita'?

Muy bien, es que tengo mucho cariño a Noemí, Manu, Capde, Mamen, a toda la gente con la que conviví allí. Cuando fui a la Academia a dar una pequeña charla en la última edición fue una oportunidad muy bonita para hablarles también de lo que sucede después. Creo que ahí aclaré muchas cosas, de cómo es después la convivencia de ellos. Es una gran oportunidad, pero, como toda gran oportunidad, conlleva también grandes sacrificios, exposición en este caso, y darte cuenta de muchas cosas muy rápido cuando tú no sabes.

Más allá del nuevo disco, ¿se plantea presentarse al Benidorm Fest?

Me han avisado de que es la semana que viene y lo veré porque me encanta. Yo por ahora mismo no voy a presentarme porque creo que no es mi sitio. Tengo el proyecto en otro momento y voy a centrarme en presentar el álbum.

Parece que desde hace tiempo se habla más sobre la salud mental de los artistas, con grupos que paran y explican que quieren darte un descanso. ¿Cómo se cuida emocionalmente?

Vengo de un momento en el que me he dado el tiempo para hacer el álbum tranquilamente, dedicarle el tiempo que pensaba que requería. En ese tipo de decisiones sí que es verdad que me respeto mucho. Soy una persona que intenta tener una conversación lo más saludable posible con las redes y para eso he tenido que hacer ejercicios de conciencia de decir: “Esto es hasta donde puedo llegar. Esto es lo que puedo hacer”. Evidentemente, hay días en los que sales a las 22 y dices: “Madre mía”. Y a veces que a las 19 sales igual de cansado o de repente te hartas de estar de vacaciones. Depende del día. La suerte que tengo es que dedicándome a la música, me encanta mi trabajo.

Carmen Boza es una de las artistas que ha dejado el mundo de la música por la presión de las redes. Darle oído a ese tipo de conversaciones me parece importante. Yo por mi parte puedo decir que ahora estoy en uno de mis mejores momentos, con más energía y fuerza para la salida del disco y la gira; pero no he estado ahí en todos los momentos.

Perder perfiles como el de Carmen, que es increíble como artista, para mí ha sido una pena como público. Porque me encanta, la admiro mucho, y como ella habrá mil más que seguramente lo tengan que dejar de hacer por trabajos precarios, por compaginar el mundo de la música con el trabajo de oficina de nueve a nueve. Es una pena que muchos talentos se estén perdiendo porque no se invierta en la música y la cultura como se debería invertir. Me encantaría que fuese de otra forma. 

Vídeo de la entrevista completa

Por Javier Cáceres, Nando Ochando, Adrián Torrano

Opinar distraídamente sobre Operación Triunfo en 2024 es practicar la apicultura vestido de playa. El visionado esporádico o el tuiteo casual no son ya posibles. Tras abandonar la televisión lineal para emitirse por streaming en Prime Video, la cultura religiosa que el formato siempre ha fomentado en las comunidades fan ha alcanzado en esta, su primera edición cien por cien Internet, la gran apoteosis.

Uno no se encuentra con OT 2023 por accidente, mediante un zapeo picaflor, sino que va a él a conciencia, logueándose en su cuenta de Amazon y dispuesto a pasar 100 minutos de atención exclusiva en cada gala. Esta fidelidad esencial tiene su extensión en el comportamiento online de los espectadores del programa, que organizan alrededor de sus favoritos toda una narrativa en redes sociales más centrada, a veces, en descalificar a los adversarios que en ensalzar a los ídolos. Están las guerras púnicas, están las guerras napoleónicas, están las guerras carlistas y están las guerras de OT 2023.

Cuando los concursantes salen a cantar, hay fans que se transforman en hinchas, como si en vez de una versión cochechoquera de Let’s get loud con luces de París de Noia estuvieran presenciando algo, en realidad, mucho más hortera –por ejemplo, una final de la Champions League– y ellos hubieran elegido ya equipo.

Relaciones parasociales graves

Una de las primeras voces que han dado la señal de alarma sobre el fenómeno es Bárbara Arena, conocida en redes como @BuArena. En un tuit reciente, la periodista se lamentaba de que le resultaba imposible tuitear frívolamente sobre el programa sin recibir, de repente, una oleada de respuestas demasiado apasionadas. “Como espectadora de los realities de Mediaset, sé de primera mano que el fenómeno no es nuevo; lo que ocurre es que estábamos acostumbrados a asociar esas reacciones al público de programas cuya razón de ser es la toxicidad”, explica Arena a elDiario.es, aclarando que ese 'otro público' –el de los Sálvame, De viernes, etc.– es un “público al que se suele mirar con desprecio”.

Hubo un tiempo en que los espectadores de OT eran también caricaturizados con cierto desdén –el mainstream trataba a su audiencia como jóvenes carpeteras sin gusto musical–, pero el regreso del programa a TVE en 2017 –la edición de Aitana y Amaia– redefinió a sus seguidores como jóvenes inteligentes, civilizados, de sensibilidad progresista y muy capaces de sintetizar las injusticias que les parecían mal del mundo en hilos de Twitter. He ahí la novedad que presenta Arena: de repente, el alumno ejemplar cambia el aterciopelado polo por un collar de pinchos y se dedica a robar la merienda a sus compañeros.

Hubo un tiempo en que los espectadores de 'OT' eran caricaturizados con desdén, pero el regreso del programa en 2017 los redefinió como jóvenes inteligentes, de sensibilidad progresista y capaces de sintetizar las injusticias en hilos de Twitter

Arena analiza así los patrones de consumo de la nueva OT: “Queda claro que el gusto por consumir vidas ajenas es transversal. Yo creo que la gente está desarrollando relaciones parasociales (vínculos imaginarios sin que haya una interacción real) con este grupo de chicos. El casting ayuda (hay diversidad, parejas surgidas dentro, bastantes tramas abiertas y caracteres con aristas), pero la posibilidad de estar mirando continuamente es lo que ha resultado determinante”, opina la escritora.

Las galas, muchas veces, son lo de menos. Lo que mueve a los fans es la observación entomológica de sus ídolos en los directos de YouTube. Cómo van a clase. Cómo comen cereales. Cómo coquetean. “No se juzga el talento musical sino el comportamiento diario: se da la paradoja de que personas con tremendas exigencias morales (a la hora de evaluar a los concursantes) reproducen conductas reprobables en redes (a la hora de defenderlos). En general, cuanto peor esté nuestra salud mental, cuanto más débil se encuentre nuestra estructura psicoafectiva, más peso volcaremos en esas hiperfijaciones que sirven de evasión y, a la vez, nunca sacian del todo”, concluye Arena.

No se juzga el talento musical sino el comportamiento diario: se da la paradoja de que personas con tremendas exigencias morales (a la hora de evaluar a los concursantes) reproducen conductas reprobables en redes (a la hora de defenderlos)

Bárbara Arena — periodista

Del fanfiction a la homofobia

A la luz del nuevo formato streaming de OT, resulta tentador llevar un hilo rojo de la chincheta del bullying a la chincheta de la cultura tóxica inherente a las redes en el mapa de nuestro particular crimen mediático. Al fin y al cabo, es normal que un formato 'extremadamente online' exacerbe a los espectadores que son, ya de por sí, 'extremadamente online'. Hay una diferencia importante entre los adultos que hablan de 'la manera de discutir de Twitter', comparando la experiencia de estos últimos 15 años de protagonismo absoluto de las redes sociales en nuestras vidas con otros tipos de sociabilización, y la del adolescente que sólo conoce esa manera de discutir. En cierto sentido, ese público joven se politiza matándose por defender a sus favoritos de OT con la misma pasión que los militantes de partidos que viven en burbujas tuiteras donde sus candidatos son siempre presidenciables y cualquier matiz al argumentario de partido es enseguida tachado de traición.

Sondeamos a algunos espectadores menores de 30 años para calibrar qué ocurre. Lucía Ramiro, trabajadora del sector audiovisual de 26 años que sigue OT desde la edición de 2017, sugiere: “Ese hate está cien por cien relacionado con los comportamientos típicos de las redes sociales; quizás lo de esta edición no tiene tanto que ver con que sea por streaming como con que hemos acumulado más años relacionándonos a través de las redes, con la pandemia por el medio, que también tuvo un efecto en el comportamiento de la gente”.

Ese 'hate' está cien por cien relacionado con los comportamientos típicos de las redes sociales; quizás lo de esta edición no tiene tanto que ver con que sea por 'streaming' como con que hemos acumulado más años relacionándonos a través de las redes

Lucía Ramiro (26 años) — trabajadora audiovisual y seguidora de 'OT 2023'

Noé Brañas, graduado en filosofía de 25 años, señala “una deshumanización de base que hace ver a los concursantes como personajes de series y no como personas, por lo que se inventan sus narrativas y piensan que pueden decir cualquier cosa de ellos como si fueran Harry Potter y no una persona real. Se dan el lujo de suspender la moral e instrumentalizar discursos crueles y vejatorios para hacer daño”. Según este usuario, al que llegamos tras la publicación de un hilo viral denunciando la explosión de odio entre algunos fandoms, aquí es donde aparecen “otros factores como la envidia, la homofobia interiorizada y el discurso incel, que se articulan conjuntamente en el acoso que están recibiendo en particular Martin y Juanjo. Con ánimo de vejarlos, primero les sexualizan y se inventan todo tipo de actividad sexual sobre ellos, para posteriormente disciplinarlos por estas actividades que ellos mismos se inventaron, que además no deberían ser algo criticable si fueran reales”.

El fin de la monocultura

El guionista, actor y director de pódcast Carles Cuevas Sedano identifica esta pasión tóxica con lo que él llama el fin de la monocultura. “La monocultura es algo que implica a mucha gente, que se sigue de manera masiva y que es transversal. En esta edición de OT, en cambio, cada semana ha habido un favorito diferente. Sólo ahora, al final, empieza a quedar claro que Naiara puede ser una posible ganadora”, expone. “Cada grupito de personas ha encontrado su favorito, y ese grupito ha servido para que ese favorito se quedara en el concurso. Los grupúsculos de Internet eligen a su Chiara, a su Álvaro, a su Bea desde el primer momento y van a muerte con él. Y aun así tampoco tienen poder para hacerlos ganadores. Eso es muy interesante”.

Hay una deshumanización de base que hace ver a los concursantes como personajes de series y no como personas, por lo que se inventan sus narrativas y piensan que pueden decir cualquier cosa de ellos como si fueran Harry Potter y no una persona real

Noé Brañas (25 años) — filósofo y seguidor de 'OT 2023'

Cuevas, uno de los comentaristas tuiteros más ingeniosos del programa, cree que en este cambio de cultura influyen factores profundos, más allá de que ahora se emita por streaming. “OT siempre funciona en un ciclo de tres años. Ahora estamos en el inicio del nuevo ciclo y hay muchísima gente joven que consume entretenimiento mayoritariamente por Internet para la que éste es el primer reality que ven”, apunta. El reality, por su propia naturaleza, es un género televisivo que induce en el espectador cierta sensación de propiedad con sus protagonistas, lo que mezclado con la inmadurez de este nuevo público da como resultado un cóctel tan peligroso como divertido, agitado también por algunos cambios importantes en el formato. A juicio de Cuevas, la menor duración de las galas –apenas llegan a una hora y cuarenta, frente a las tres horas que podía durar una gala en Telecinco o La 1– y que empiecen un poco antes de lo que tocaría según el prime time convencional han ayudado a fidelizar a este público joven.

Respecto al engarzamiento de esas tramas que electrizan Twitter y TikTok –quién ha mirado mal a quién, quién ha cuchicheado qué–, el guionista aporta un detalle clave: “Al haber una escaleta más reducida, el programa ya no puede crear una narrativa a través de los vídeos resumen. Antes en las galas había muchos vídeos resumen, editados por redactores; ahora, para descubrir cómo es la vida de los chicos en la Academia sólo puedes contar con YouTube y con los vídeos que los fans editan y cuelgan en las redes sociales”. La propia ingeniería interna de esas redes, debido a los cambios que los algoritmos han sufrido en los últimos años –fomentando la hiperpersonalización de los contenidos–, condiciona la manera en que el concurso es percibido por un público progresivamente más y más atomizado. “Cada concursante cuenta en las redes con su propia burbuja, es el 'para ti' de Twitter. Si tú apoyas mucho a Ruslana y te pasas mucho tiempo mirando vídeos de Ruslana, sólo te van a salir vídeos positivos de ella y van a dejar de salirte los negativos: en tu pequeña burbuja, Ruslana es una concursante inmaculada”, indica Cuevas Sedano.

Contenido y trabajo gratis

Retrotraigámonos un momento al año 2018. Palacio Albéniz de Barcelona, recepción de los ganadores de los Premios Ondas. Tinet Rubira, director de Gestmusic y mastermind detrás de Operación Triunfo, acude como uno de los galardonados, ya que ese año el jurado premia con dos Ondas la edición de 2017. En uno de los tradicionales corrillos con la prensa, los periodistas –incluido el que escribe este artículo– empiezan a sumarse a su órbita como moscas a la miel. En estos corrillos, cuando el perímetro de un personaje que no es, per se, un primer espada empieza a engordarse de manera muy veloz y agresiva, sólo puede significar una cosa: está largando. Y ahí vamos todos.

La propia ingeniería de las redes, debido a los cambios que los algoritmos han sufrido en los últimos años –fomentando la hiperpersonalización de contenidos–, condiciona cómo el concurso es percibido por un público progresivamente más y más atomizado

Rubira tenía ganas de hablar y más ganas, concretamente, de defenderse. En aquel momento, se sentía atacado. Tras la resurrección espectacular de OT 2017, con Amaia, Aitana, Ana Guerra y otros concursantes que aún permanecen en el ecosistema mediático, la nueva edición no estaba cumpliendo las expectativas de audiencia. Al menos, eso era lo que escribíamos los periodistas en nuestras crónicas. Crónicas que a él le disgustaban. “Esta edición está teniendo más éxito que la anterior. Lo que ocurre es que la opinión publicada, o sea vosotros, estáis obcecados en decir que es peor o que interesa menos. Pero si nos remitimos a los datos, si lo miramos empíricamente, los datos son mejores. Hoy ha salido la nota de que el canal de YouTube ha alcanzado los mil millones de reproducciones y que somos disco de oro. El interés por parte del público sigue siendo muy alto”, reivindicaba el catalán con la seguridad de quien se sabía receptor de dos premios esa noche.

La sensación general entre la prensa, tras su discurso, era la de un hombre a la defensiva, acorralado por la realidad, que trataba de maquillar el discreto share de una edición sobreestimando las visualizaciones de un canal de YouTube. Bien: era una sensación equivocada. Seis años después, es evidente que Rubira ya estaba pensando en la siguiente fase de OT. Esa fase 'extremadamente online' del formato para personas, como decíamos, 'extremadamente online'.

'OT 2023' va un paso más allá al introducir el 'show' en medio de una larga conversación internetera, prescindiendo de herramientas tradicionales de redacción –los vídeos resumen– para depositar esa responsabilidad en el propio fan

Si Sálvame marcó un antes y un después en el espectáculo televisivo español al convertir a los colaboradores del programa en objeto de sus propias tramas, otorgándoles la facultad simultánea de ser, a la vez, brujas e inquisidores del mismo delicioso circo, OT 2023 va un paso más allá al introducir el show en medio de una larga conversación internetera, prescindiendo de herramientas tradicionales de redacción –los vídeos resumen– para depositar esa responsabilidad en el propio fan. La brillantez de ese giro –y la causa también de que creamos caminar el tablón de La Hispaniola al hablar del concurso en redes– es haber supeditado el mayor despliegue televisivo habido y por haber en la historia de nuestros realities al siempre taquicárdico latido del contenido. Una experiencia didáctica como ella sola.

A la primera edición de OT se la acusaba de alquimizar la ideología neoliberal aznarista: esfuérzate y triunfarás. Dos décadas más tarde, los fans que se pasan horas llenando de contenido demente las redes, organizando fandoms, editando vídeos, atacando rivales, generando ruido, han dado también con su propio espíritu de época: trabajar gratis para empresas que generan ricos dividendos con su pasión.

Estereotipadas, criminalizadas, asociadas a lo vulgar y a lo inculto. Son algunos de los estigmas que han acompañado a las chonis durante años. Quizá porque no responden a imposiciones, porque rompen con lo establecido, porque no se ajustan a las normas de feminidad más puritanas o porque no esconden sus ideas, su sexualidad o sus orígenes. Consolidada en los 90 y los primeros años 2000 bajo las claves estéticas con las que las reconocemos hoy, la esencia de las chonis -ahora también llamadas raxetas- toma la calle de nuevo de una forma reciclada como consecuencia de los cambios en los códigos sociales, del auge de la cultura urbana underground y de la exposición en redes sociales. Un resurgimiento que trae consigo nuevos significados y que ayuda a desmontar estereotipos, pero que también conlleva un peligro: estetizar lo obrero, obviando su componente de clase, y capitalizar su aspecto.

Naiara, la concursante zaragozana de la actual edición de Operación Triunfo, es un ejemplo de ese regreso. Es una de las favoritas del jurado y del público no solo por su talento en el escenario, también por su estilo y forma de ser. Desde el primer momento llamó la atención por su clara estética raxeta: grandes aros, eyeliner bien definido y estilismos de tendencia dosmilera para las galas que le han valido el sobrenombre de “la chonija de OT”. La concursante ha dejado ver en redes sociales que una de sus mayores pasiones es su propio coche, un Audi de color blanco totalmente tuneado en el que ha cambiado los círculos de la marca por corazones y que lleva escrito su nombre de usuaria de Instagram en el cristal. “Pa' mis chonis, pa' mis pijas y pa' mis chonijas... ¡que aceleren!”, se dirigía a sus fans la pasada semana durante una firma de discos.

Pero ¿qué es una choni? No hay una única definición pero sí entendemos que se trata de una mujer de barrio o de pueblo, nacida o migrada a un territorio periférico en el que los códigos son diferentes a lo que se considera como normativo socialmente. “Son mujeres que se ponen por delante de cualquier norma que haya sido construida en torno a la idea de ser 'una buena mujer” -aunque sea de manera inconsciente- y que tienen conciencia de clase y “luchan por salir de la suya por no vivir lo que han visto en su casa o en su barrio” -también, quizá, de manera instintiva-, explica a elDiario.es Carmela Borrego, escritora feminista, cocreadora de la Agenda Comadre y editora en Avenate.

Las chonis y las nuevas raxetas tienen sentimiento de pertenencia a un grupo, además de unos códigos estéticos y referencias culturales que no siempre han sido considerados aceptables por la mayoría social. Las raxetas han tomado estos códigos como propios reformulando el estilo choni de hace veinte años con cierta nostalgia. Han vuelto los aros grandes, las uñas de gel, las extensiones hasta la cintura, el rosa hasta en la sopa, las minifaldas, los moños con gomina y el leopardo como base del armario diario.

“El término 'raxeta' viene de 'ratchet', una palabra que surgió en los 90´s para referirse a las mujeres presentes en el entorno del hip hop. Poco a poco se fue asociando a una determinada vestimenta y, a día de hoy, ha evolucionado para convertirse en una estética nacida del trap. Es una estética mucho más sexy que se envuelve bajo el lema 'porque quiero y porque puedo”, explica Marta Camín, estilista, modelo y divulgadora de contenido sobre moda en redes sociales (@immartacamin).

Las chonis y raxetas manifiestan una feminidad que difiere de la que se ha establecido históricamente en los núcleos sociales de las ciudades. Las faldas cortas y los tops con los que se ven los sujetadores responden a un rechazo de la idea de 'ser buena'. Las nuevas generaciones que adoptan estos códigos identitarios a sabiendas de lo que implicaba ser choni hace veinte años, lo hacen en algunos casos desde el orgullo y el apoderamiento. “Para las usuarias de esta moda, su forma de vestir representa el empoderamiento desde una posición marginal”, expone Camín.

Para las raxetas, la hipersexualización de su propio cuerpo está relacionada con el deseo de ser ruidosas tanto en su forma de vestir o de moverse como de hablar o maquillarse. Según Marina López Baena, socióloga especializada en feminismos, esta hipersexualización “quizá va en contra de la norma de muchas mujeres (ser recatada, no mostrarse excesivamente sexual) y, por lo tanto, es más liberadora que una sexualización más sutil que es más 'útil' para el sistema”.

“Cuando una mujer se sale de la norma, amplía el abanico de posibilidades sobre cómo performar o representar su feminidad, y cuando hablo de feminidades no hablo en términos esencialistas, puedes performar una feminidad choni sin ser mujer cis o sin ni siquiera identificarte como mujer”, continúa la socióloga. “Su lenguaje corporal, llevado al extremo, supera la sexualización centrada para la mirada masculina, rompiendo las reglas del juego del deseo heterosexual. Muchas veces cuando se las señala por 'ordinarias' en realidad, si te paras a pensar, se las está criticando por no ser deseables para el deseo hetero masculino”, reflexiona López Baena.

Carmela Borrego añade argumentos a esta idea: “En mi barrio las canis teníamos una respuesta muy revolucionaria en cuanto a la propia sexualidad. Si nos llamaban 'puta' decíamos 'pues mi chocho lo disfruta'. Con esto dábamos una respuesta activa al machismo, diciendo que nos daba igual la imagen que tuviesen de nosotras por hacer uso de nuestro cuerpo con libertad”, cuenta incluyéndose en el colectivo de los años 2000.

“Las chonis se hipersexualizan y se hiperfeminizan para salirse de los roles que marcan las normas de género”, -continúa Borrego- “y no lo hacen por llamar la atención de un hombre, eso les da igual, sino porque la extrema feminidad es su identidad. Se las critica desde una parte del feminismo más puritano porque no entienden que pueda haber una reapropiación de la mirada, sino que la ostentación de la sexualidad es una pérdida frente al sistema”.

Igual que Las Chuches cantaban Como ronea, la cultura underground de hoy en día también está llena de mujeres que personifican esta identidad, expresión e imaginario choni: Bad Gyal, Ms Nina, Bea Pelea o La Zowi. Esta última cantante es considerada la madre de las raxetas por ser una de las voces femeninas pioneras del trap español. Saltó a la fama precisamente con un primer tema llamado Raxeta y ahora es todo un icono para los más jóvenes tanto por su música, su forma de vivir y expresarse y su estética. La artista granadina lo definió como “una estética que nace de las jóvenes de barrio que, al verse oprimidas por el sistema, han preferido tener las uñas bien hechas que votar en las elecciones”. El uso en sus canciones de términos como “puta”, “perra” o “zorra” —como en el caso de la canción de Nebulossa, ganadora del Benidorm Fest— está relacionado con el intento de apropiación subversiva de estos insultos que hay desde la cultura urbana.

La estética para representar pertenencia de clase

 “A las mujeres obreras, las mujeres de los barrios, siempre se las ha señalado: por ordinarias, por brutas, por lascivas… nunca han encajado. Este estar fuera de la norma social se ha mantenido en cierto modo hasta nuestros días”, explica la socióloga Marina López Baena.

En mi clase nadie me hablaba por ser una cani y cuando aprobé con matrícula de honor todos querían mis apuntes. Ahí se ve el estigma y los estereotipos que había. Las tontas, las incultas y las marginadas éramos nosotras

Carmela Borrego — escritora y editora feminista

Denostadas históricamente, se las percibe como a mujeres sin competencias para formarse y poca capacidad para salir de lo marginal. López Baena reflexiona sobre este prejuicio: si eres buena estudiante se te va a insinuar que “suavices ese aspecto choni”. La socióloga habla en primera persona de estas experiencias, ya que ella misma tuvo una estética choni en algún momento de los 2000: “A mí la estética choni me permitió salirme de lo que se esperaba y exigía a una chica que tenía buen comportamiento y sacaba buenas notas, que era bastante limitado, soso y clasista. Ser choni me permitió mostrarme de forma más empoderada y desde los códigos de mi clase social. Yo mezclaba de todo, pero lo que no quería era ser una pija de mi pueblo”, cuenta López Baena.

La escritora Carmela Borrego también reflexiona sobre el tema recordando vivencias. Antes de comenzar sus investigaciones sobre feminismos, comenzó la carrera de farmacia: “En mi clase nadie me hablaba por ser una cani y cuando aprobé con matrícula de honor todos querían mis apuntes. Ahí se ve el estigma y los estereotipos que había. Las tontas, las incultas y las marginadas éramos nosotras”.

Alba Moreno (@fisicamr), estudiante de física y divulgadora científica en redes sociales, es uno de esos casos que representan el cambio de paradigma. En sus vídeos de Tik Tok, explica cuestiones científicas con una estética que desde el primer momento llamó la atención de la comunidad. Su largo eyeliner, sus pestañas postizas, sus aros, tatuajes y tops hicieron que los vídeos en los que explica, por ejemplo, qué es la partícula de Dios se hiciesen virales y recibiesen cientos de comentarios como: “La mejor raxeta, ¡qué bien explicas!”. Con esto Alba no solo rompe los prejuicios de las mujeres en la ciencia, también del ámbito académico y de los estudios superiores.

En sus vídeos se percibe cómo se apodera de su estética, aunque en una entrevista con La Sexta afirmaba que, debido a sus looks siempre ha sentido “que tenía que demostrar el doble” que sus compañeros, lo cual, decía, le “enfada muchísimo”. Su forma de ruptura con lo normativo está haciendo que sea referente y ya hay otras chicas con estética raxeta se están animando a hacer lo mismo, como la titkoker Lucía de Inza (@psicoraxeta), que hace vídeos sobre otra disciplina pero con outfits muy parecidos.

El peligro de “la estetización fácil de lo obrero”

El capitalismo acelerado ha facilitado que esas prendas que antes no se compraban en grandes comercios y que se adquirían en circuitos comerciales a menor escala en los barrios, ahora estén disponibles para cualquiera en cantidad de tiendas físicas y online. Los crop tops y los chándales llamativos son de hecho un reclamo en los catálogos de las tiendas de moda rápida.

Pero “vestirse de choni, no es ser choni”, apunta Carmela Borrego: “Disfrazarse de choni, como hacen algunas personas del mundo de la música o algunos jóvenes sin saber realmente lo que significa, es clasista. Es una expropiación de una identidad a través de apoderarse de una determinada imagen porque se convierte en un elemento vendible”, expone.

Hay personas para las que lo choni es algo meramente estético, que no viene de una identidad atravesada por unas condiciones materiales, un territorio, unas vivencias. Se visten así porque quieren representar el ‘barrio' (...) Esto refuerza el estigma

Marina López Baena — socióloga especializada en feminismos

La socióloga López Baena comparte esta idea y añade que siente una “preocupación” porque “existen personas para las que lo choni es algo meramente estético, que no viene de una identidad atravesada por unas condiciones materiales, un territorio, unas vivencias. Pero se visten así porque quieren, al menos por un tiempo, representar el 'barrio”. Piensa que algunas modas están provocando “una estetización fácil de lo obrero”, algo que convierte a lo de barrio en “un disfraz de quita y pon”. “Esto lo que hace es reforzar el estigma, los prejuicios y la posición de subalternidad de las personas de clase obrera y de los barrios”, concluye.

Se equivocó de letra y puso cara de espanto, pero no importó. Aitana Ocaña se ganó igualmente cruzar la pasarela en la gala 0 de OT 2017 gracias a su arrollador carisma. Quedó segunda, estuvo a punto de representar a España en Eurovisión y no tardó en lanzar su primer single, Teléfono. Seis años después, ha publicado dos álbumes de estudio, un libro, un documental sobre su primera gira, ha ganado un Premio Ondas, ha protagonizado una serie para Disney, ha prestado su voz a la banda sonora de tres películas, es coach de La Voz Kids en Antena 3 y sí, también tiene su propia colonia.

La catalana ha colaborado con artistas como Ptazeta, Morat, Danna Paola, Katy Perry, Lola Indigo, Sebastián Yatra, Pablo Alborán, David Bisbal y Nicki Nicole. Con Los Ángeles, anticipo de su próximo disco Alpha, inauguró hace un mes “una nueva era” tomando la electrónica por bandera. En los próximos meses actuará en los festivales O Son Do Camiño y el My Fest Cantabria Infinita. Pero antes, este miércoles lanza su nuevo single, Las Babys, en el que ha sampleado el mítico Saturday Night, dispuesta a convertirlo en la canción del verano. Con cambio de look incluido.

La primera vez que Aitana se presentó a OT tenía 17 años. Estaba de viaje de fin de curso en Mallorca y, pese a que cumplía los 18 un día después, cuando vieron su DNI le dijeron que no podía participar. Ya siendo mayor de edad volvió a probar suerte en Barcelona, donde sus versiones de When I was your men de Bruno Mars y Lips are movin de Meghan Trainor se ganaron el beneplácito de Pablo Wessling, la persona de la productora Gestmusic que le puso la ansiada pegatina y le dio la oportunidad que cambiaría su vida para siempre. “No sé si juega a mi favor o en mi contra ser la benjamina, pero me siento bien”, reveló a Roberto Leal nerviosa en su primera entrevista dentro del concurso de TVE que prepara ahora su regreso en Amazon Prime Video.

No hizo falta más para dejar patente lo que daría de sí su estancia en el reality. “Aitana era una bola de fuego de carisma. No podías dejar de mirarla”, recuerda el periodista Juan Sanguino, autor del ensayo Apriétame más fuerte. El año en que Mónica Naranjo desató a un millón de chonis, maricas y marujas (Lengua de Trapo).

No puedo vivir sin ti junto a Cepeda, Issues, Chandelier y, sobre todo la emotiva Procuro olvidarte la encumbraron como la mejor concursante de la edición –con permiso de Amaia Romero–, que confirmó su ajustada medalla de plata. Pudo haber representado a España en Eurovisión con Lo malo junto a Ana Guerra, pero los fans del formato decidieron enviar la lánguida Tu canción de Amaia y Alfred García –obtuvieron el puesto 23–. Ellas, eso sí, fueron las que más sonaron en las discotecas aquel verano.

Sanguino opina que sus primeros pasos en la industria musical no se habrían visto demasiado afectados si hubiera participado en el certamen europeo, dentro de que ella misma ha reconocido que, a día de hoy, sigue sin sentirse “preparada” para acudir como candidata española. Bruno Sokolowicz, locutor de Los 40 Classic, opina que “en una carrera de fondo pasar o no por Eurovisión no es decisivo. Puede sumar, como con ABBA. Puede restar, como con Remedios Amaya. O puede ser irrelevante como Rosa López. La canción que lleves es lo determinante”. “Aitana no necesita presentarse ahora a un Benidorm Fest, pero si quiere, puede. Y a priori, nadie sabe qué tal le iría. Eso sí, tendría que ser con un potencial himno LTGBIQ+ lleno de brilli brilli”, propone. Sanguino, sin embargo, no se imagina a la catalana viajando a Suecia el año que viene: “Estamos viviendo un momento en que Eurovisión es más popular que en los últimos 40–50 años, pero sigue considerándose una manera de revitalizar carreras. O vas de forma irónica como lo hicieron Rigoberta Bandini o Varry Brava, o no vas. Una Ana Mena, Pablo Alborán o Aitana, que son los top del pop actual no irían porque para ellos sería bajar un escalón”.

Convertir carisma en una “propuesta artística”

Ya sin el amparo y paraguas de OT, llegó el momento de entrar en el mercado discográfico. Teléfono fue su primer sencillo de la mano de Universal Music Spain, sello al que continúa ligada. Aquella fue la primera canción que dio a conocer del que sería su primer disco Spoiler (2018); en el que se incluyeron una amalgama de temas de distintos estilos. Las baladas Vas a quedarte y Con la miel en los labios fueron los títulos más destacados.

“Su mayor caché en la industria cuando salió de OT es que le caía bien a todo el mundo. Aitana tiene un encanto muy natural. Su proyecto musical consistía en convertir ese encanto en una propuesta artística”, sostiene el periodista. “Al principio de su carrera daba la sensación de que le seguían poniendo canciones de estilo random como en OT en plan: 'A ver este traje y ahora este chándal, pruébate este vestido', sin conectar demasiado con lo que quería transmitir como artista. Si es que alguien lo sabe a los 18 años”, suma Sokolowicz.

En noviembre de 2018 acudió a la gala de los Premios Grammy Latinos para presentar la actuación de Bad Bunny junto a Lele Pons, con quien grabó una remezcla de Teléfono. En 2019 comenzó su primera gira en solitario, Play Tour Aitana, de la que se grabó hasta un documental. En ella logró ser la primera concursante femenina de OT en agotar entradas en el Palau Sant Jordi de Barcelona. Pandemia mediante, en la que colaboró con David Bisbal en el tema Si tú la quieres y Más de lo que aposté con Morat, siguió publicando canciones con otros artistas como Tu foto del DNI con su amigo de la infancia Marmi y un homenaje al Corazón partío de Alejandro Sanz con Sebastián Yatra. Pero con su segundo álbum, 11 razones, que llegó en diciembre de 2020, dio un giro enmarcándose en el pop rock junto a nombres como Natalia Lacunza, Beret y Pole.

“Está claro que necesitaba sonidos y estéticas un poco más traviesas para conectar con adolescentes que están buscando sus referentes en plena crisis identitaria de la pubertad. Así que una pandilla con la que monta una banda punk–rock que ensaya en la habitación, las guitarras eléctricas, los tatuajes y un novio de pelo largo con el que rompe para encontrar a otro que finalmente la valora más... Suena a algo creíble, acorde a su edad, experiencia y lo que están viviendo o a punto de vivir sus miles de seguidoras”, explica el locutor de radio.

Su talento la llevó igualmente al escenario de los Premios Goya 2021, en los que brilló con su versión de Happy days are here again de Barbra Streisand. También publicó su canción más feminista, Ni una más, en la que reivindicó que las mujeres puedan salir de fiesta y regresar a casa sin tener que temer que ningún hombre abuse de ellas. Si la frase “soy león que se comió las mariposas” de Lo malo apareció en numerosas pancartas del 8M de 2018, el “que ni una más deba permanecer callada” de su balada posterior se leería en las de tres años después.

A finales de ese mes de julio comenzó su segunda gira, 11 Razones Tour, y cerró el año con más hits como Mon Amour junto a Zzoilo y Berlín; y el Premio Ondas en la categoría Fenómeno musical del año ex aequo con el también ex concursante de OT Pablo López. 2022 sumó más conciertos; éxitos como En el coche, Mariposas con Sangiovanni y Quieres con Emilia y Ptazeta; además de su debut como actriz.

De 'Chica Disney' a 'Alpha' en apenas unos meses

Diciembre de 2022 acogió el estreno en Disney+ de La última, la serie que Aitana protagonizó junto a Miguel Bernardeu, relatando una historia de amor entre una aspirante a cantante y un boxeador. Un producto blanco y familiar pensado para los fans de ambos dirigido por Eduard Cortés; que habló sobre sueños, ambición y dinero con clara voluntad aspiracional. Además, permitió que la catalana sumara una nueva batería de canciones a su discografía. La triunfita reconoció en una entrevista con verTele previa a su estreno que había “tenido ganas desde hace tiempo de probar en el mundo de la interpretación”. “Tenía cierta incertidumbre antes de empezar a rodar”, señaló hablando de sus dudas iniciales sobre el proyecto, ya que sintió: “No tenía necesidad de meterme en estos embolados”.

La última implicó su debut como actriz, aunque para entonces sí había apostado por compaginar su carrera musical con la televisión, como asesora y posteriormente coach de La Voz Kids –que actualmente su octava temporada en Antena 3–. “Para una artista mainstream sonar en la radio y salir por la televisión cuenta. No es obligatorio ni el camino de todas, pero es una opción. A Rosalía no le ha hecho falta trabajar en un talent show, pero Aitana es actriz además de cantante; así que interpretar diferentes papeles ante las cámaras o encima de escenarios le dará más tablas”.

Entre medias le ha dado igualmente tiempo para convertirse en carne de memes tras sorprender con su forma de hablar en una entrevista de promoción con acento latino. Hay hasta quien ha alterado el audio de una actuación suya de 2019 en Barcelona cambiando el audio por el himno falangista Cara al sol.

Cuatro meses después del estreno de la serie de Disney, Aitana anunció su nuevo proyecto musical, titulada Alpha que, según aseguró: “No es solo un álbum”. Desde su primer teaser puso de manifiesto que la artista iba a dejar atrás el sonido pop que la había caracterizado en sus trabajos previos para lanzarse a la electrónica y el house. El 30 de marzo se materializó su primer tema, Los Ángeles, cuyo videoclip mostró a una Aitana más sexual que nunca besándose con chicas y chicos, y un llamativo corte de pelo. “Que estas ganas no se van. Cuanto más me comes más me gusta”, clama su estribillo.

La catalana presentó la canción en una fiesta en la que se la vio ejercer de DJ, faceta desconocida hasta ahora y que denota que la cantante busca dar otro paso más allá, con una imagen más oscura y madura alejada de la prácticamente adolescente que entró en la Academia y su posterior idilio como 'chica Disney'. Una estrategia que recuerda al momento en el que Miley Cyrus dio un golpe encima de la mesa –visual y musical– para dejar atrás a Hannah Montana. “Siempre hay que dar algún volantazo para quitarse de encima una etiqueta que se te haya quedado demasiado como la de niña buenita de Disney”, opina Sokolowicz.

Sanguino considera que aun así: “No ha roto tanto con su imagen. Puede hacer un videoclip o una sesión de fotos más oscuras y menos infantiles. Pero si la escuchas hablar sigue siendo la misma”. El periodista define como “curioso” su caso porque la evolución de Aitana de “estrella del pop y chica Disney a adulta DJ que habla de sexo y estar cachonda” ha precisado de únicamente cinco meses, siendo algo que antes ocurría “a lo largo de varios años”. Y señala como ejemplos los siete años que pasaron entre que Miley Cyrus interpretaba a Hannah Montana y salió subida en una bola de discoteca cantando Wrecking Ball o los cinco años que transcurrieron entre que Britney Spears participó en The Mickey Mouse Club y lanzó su primer álbum, Baby One More Time.

¿Y ahora qué? Todavía no hay fecha confirmada del lanzamiento del disco Alpha. Este miércoles ve la luz su segunda canción Las Babys y, por lo pronto, tiene confirmada su presencia en el festival O Son Do Camiño en Santiago de Compostela y My Fest Cantabria Infinita en Santander; junto a nombres como Bizarrap, Tokischa, The Kooks, Eladio Carrión y Nicki Nicole.

Para el locutor de Los 40 Classic, que una artista mainstream como ella se sume a estos eventos es “un win win [trato en el que todos sacan partido], ella gana prestigio y estos festivales, el tirón mediático y comercial de una cantante más famosa que la media de artistas del cartel”. Ahora bien, de cara al futuro, opina que lo que va a ser fundamental es que Aitana “pueda elegir de acuerdo a sus gustos, qué cantar, cómo, qué vestir, qué anunciar y qué no anunciar”. En resumen, “que vaya exteriorizando cada vez más su criterio, sus valores, su personalidad; su voz propia”.

De las vidas que cada año siegan los atropellos, según Amaia Romero, no llegamos a ser conscientes a no ser que la víctima del atropello sea “tu hermana, tu hijo o... algún famoso”. Estas son las 'últimas palabras' de la cantante antes de ser violentamente arrollada por un coche en el nuevo anuncio de la Dirección General de Tráfico para prevenir este tipo de accidentes.

Este año, y por primera vez en la historia de la DGT, la campaña se ha focalizado en los atropellos en vías interurbanos, “un siniestro vial mortal del que apenas se tiene conciencia y conocimiento al quedar circunscrito en la mayoría de las ocasiones al ámbito familiar o personal. Una situación que cambia cuando el atropellado es una persona conocida o famosa, en cuyo caso la repercusión social es mayor”, señala el organismo en una nota de prensa.

“Saberlo es empezar a evitarlo” es el eslogan elegido para llamar la atención sobre este tipo de siniestro vial y, para ser consciente de ello, Tráfico ha recurrido a dos personas públicas, conocidas por todos; la cantante y compositora Amaia Romero y el actor Eduard Fernández.

Ambos explican algunas de las causas por las cuales cada año y en nuestro país, fallecen más de 100 personas atropelladas; algunas por no llevar elementos reflectantes, otros por imprudencias del conductor, por cruzar por lugares indebidos o por estar simplemente trabajando en la vía… situaciones todas ellas, que más frecuentemente de lo que se cree, pueden acabar en siniestros mortales.

Elevada cifra de siniestros

Una de las razones que ha llevado a la DGT a focalizar la campaña de verano en los atropellos es la elevada cifra de este tipo de siniestros mortales. El año pasado, 110 personas fallecieron atropelladas, es decir, el 10% del total de fallecidos. Si se tiene en cuenta sólo el periodo estival, el verano, pasado se registraron 23 fallecidos, 2 menos que el verano de 2020 cuando al comienzo del mismo ya se llamó la atención sobre este asunto y 9 más que en el verano de 2019.

Para que la campaña llegue al mayor número posible de ciudadanos, se han creado dos anuncios para televisión, dos cuñas de radio que se podrán escuchar en las principales emisoras del país, varias gráficas para medios impresos y diferentes piezas para medios digitales y redes sociales, entre los que se incluye un making off de cómo ha sido la producción de los anuncios de la mano de sus protagonistas. Además, la campaña se podrá ver también durante este verano en circuitos de cine y en exteriores en elementos publicitarios de las ciudades.

Son varias las investigaciones que vienen señalando cómo es la discriminación sutil, esa que es fruto del inconsciente, la que más daño y sufrimiento causa a las personas LGTBI. Esa discriminación sutil no deja de ser una forma de violencia, aunque sea involuntaria. Obviamente no está sancionada por las leyes penales. No hace falta que algo esté tipificado en el Código Penal para saber que nuestras palabras, actitud o comportamiento pueden ser ofensivas, hirientes, que pueden dañar a otras personas e, incluso, exponerlas a una violencia mucho menos sutil y más directa.

Nadie está exento de los sesgos inconscientes y de los prejuicios. El debate no es si los tenemos o no, el tema es saber cuáles son los nuestros y decidir qué vamos a hacer con ellos. Podemos trabajárnoslos o, sencillamente, ponernos a la defensiva y acusar a los de la dictadura progre de ofendiditos, de tener la piel muy fina –símil que, por otra parte, no deja de ser bastante violento.

Existen multitud de materiales de empresas, ONG y universidades que explican qué son 'los sesgos inconscientes', cómo tomar conciencia de ellos e impedir que tomen las riendas de nuestras decisiones y relaciones. Es una cuestión de inteligencia emocional, no un tema de ser políticamente correctos. Potenciar la aceptación, la convivencia, el diálogo y la diversidad en los espacios cotidianos y laborales es pensar, para unos en el bien común y para otros en capitalizar el talento organizativo. Se mire como se mire, a todos nos interesa llevarnos bien (a todos menos a los que viven del cuento facha, a los que viven de sembrar hostilidad en los demás)

Personalmente, me resulta muy clarificadorala definición que hace ACCEM sobre qué son los sesgos inconscientes: “juicios o decisiones que realizamos basándonos en nuestra experiencia previa, en nuestros valores o creencias más asentados, o en asunciones o interpretaciones que hacemos de la realidad, sin ser conscientes muchas veces de la magnitud que tienen”. Yo solo añadiría: sin ser conscientes de la carga de intolerancia y estereotipos injustificados que contienen.

El pasado domingo por la noche, Iván Labanda, uno de los profesores de interpretación de Operación Triunfo, inexplicablemente planteó una situación de improvisación completamente inadmisible a uno de los concursantes, a Bruno. Inexplicable, porque semanas antes el programa había dedicado uno de sus espacios a hablar de la necesidad del respeto a la diversidad sexual invitando al periodista y guionista Paco Tomás a conversar con los concursantes e inexplicable porque de por sí la situación, tal y como se planteaba, pasaba por alto todo lo que se había comentado en dicha charla al basarse en los prejuicios y estereotipos más populares que existen sobre una mujer transexual.

El profesor de la Academia –posiblemente de forma involuntaria (por el tuit que luego puso)– dejó de manifiesto cómo ser parte de un colectivo (en su caso ser gay) no te exime de responsabilidad frente a tus prejuicios y sesgos inconscientes. Iván le propuso a Bruno, entre las risas del resto de concursantes cuando escucharon la propuesta, que representara una escena en la que descubría que su novia era una mujer trans con genitalidad que no esperaba. Bruno salió del paso continuando la mofa que ya se había suscitado y subiendo el volumen a la situación ya de por sí humillante y de la que imagino sintió que él también tenía que zafarse. Así que inconsciente e involuntariamente, no me cabe duda, Bruno prefirió ser cazador a ser cazado y resolvió la escena llamando Paco a una mujer y riéndose de ella y de su órgano sexual.

De esta forma OT se convirtió, en pocos segundos, en el mejor referente de la transfobia más sutil y dolorosa que sufren las mujeres trans. Esa misma, no tan sutil, con que el autobús de Hazte Oír las hostiga o que usa al propio movimiento feminista cuando las denominadas TERF las nombra, ridiculiza y desprecia (como Bruno) como tíos.

Ante la gravedad del suceso, quizá el programa deba empezar a revisar si además de ser gayfriendly quieren ser transfriendly e, incluso lesbofriendly o queerfriendly. El tema es que la LGTBfobia no se 'cura' incluyéndose el profesor dentro de la comunidad LGTBI. Lo saben bien las personas trans, homosexuales, bisexuales y disidentes que no responden a la estética de OT y sufren cada día las violencias sutiles y no tan sutiles del cis-hetero-patriarcado sobre sus cuerpos, sus vidas y sus sexualidades.

Las caras visibles de OT, Iván Labanda y los responsables del programa tienen ahora que tomar una elección. O victimizarse y dejar entrever a una audiencia de millones de personas que están siendo lapidados desproporcionadamente por un error, o hacer un ejercicio íntimo, discreto, personal y profundo de auto-revisión para comprender lo honda que es su transfobia. Nadie duda de que no quisieran herir a nadie, pero lo cierto es que lo han hecho. Ahora deben decidir si quieren ser víctimas o aprendices.

Cerca de mil canarios llegados de todas las islas, la gran mayoría jóvenes, han pasado este viernes por la audición de Operación Triunfo en Las Palmas de Gran Canaria dispuestos a seguir los pasos de Ana Guerra, Agoney y otros artistas cuya carrera despegó gracias ese programa. “Estaríamos encantados de encontrar aquí a alguno de los dieciséis participantes de esta edición”, ha asegurado la directora de la audición, Noemí Galera, quien ha destacado “el talento alucinante” de los canarios, además de la “calidez” de sus voces.

La nueva entrega de OT, que comenzará a emitirse el próximo año, es la edición número 11 desde la puesta en marcha del programa, por lo que también es la undécima vez que se lleva a cabo este proceso de selección de aspirantes. Galera ha recordado el talento de otros concursantes canarios que han participado en años anteriores como Ana Guerra, Agoney, Marilia o Ramón del Castillo, quien formó parte de la Academia OT en la tercera edición y representó a España en 2004 en Eurovisión.

La organización del programa de televisión sólo ha llevado a cabo, por el momento, dos procesos de selección: el que ha tenido lugar este viernes en Las Palmas de Gran Canaria y el de Barcelona, al que asistieron casi 2.000 personas.

“Lo poco que hemos visto en Barcelona nos ha animado muchísimo”, ha señalado Galera para detallar que “hay gente muy diferente que no se parece a los del año pasado ni a los del anterior y gente con mucha personalidad”, además de aspirantes que “componen y cantan sus propias canciones”.

Verónica González, de 21 años y natural de La Gomera, ha sido la primera en superar la primera fase del “casting” este viernes tras haberse presentado a todas las convocatorias para entrar a la Academia de OT desde que el programa regresó a la televisión en 2017.

La joven gomera ha cantado varias canciones, entre ellas “Prometo” de Pablo Alborán, que han hecho al jurado de la audición, en concreto a Noemí Galera, levantarse de su silla y estampar en su camiseta la pegatina que le permitía seguir avanzando hasta su meta: formar parte de OT 2020.

Todos los participantes en el proceso de selección de OT tienen en común “la naturalidad y el talento, además de una voz buena y personal”, ha señalado Galera tras explicar que por estas audiciones pasa un elevado número de personas pero “siempre hay alguna que se planta delante y no puedes dejar de mirarla y quieres escuchar mucho más”.

El jurado de las pruebas que se desarrollarán en toda España lo componen, además de la directora de esta fase previa, Ismael Agudo, Pablo Wessling y José Marín.

El nivel de exigencia en la edición 2020 de OT “será más alto” porque es la tercera edición desde que el programa volvió en 2017 y “no se puede bajar el listón”, ha adelantado Galera para explicar que “el formato del programa no va a cambiar” pero sí se aprovecharán las galas para dar a conocer más a los concursantes de forma personal. La gente “se enamora de la voz de la persona pero también se busca que se enamoren de ellos como personas”, ha concluido la directora del “casting”.

El 20 de agosto de 1999, La Casa Azul se subía por primera vez a un escenario. Ocurría dentro de la serie de conciertos Operación Bikini de la sala madrileña Siroco. Aún no habían lanzado su primer disco pero el público ya coreaba Cerca de Shibuya.

Hoy, su creador, Guille Milkyway, es una de las figuras más reconocidas del pop nacional. Un artista hiperactivo que ha cuidado tanto su faceta de divulgador como la de productor, apostando por algunos de los nombres emergentes del talento joven español. Sus canciones han ambientado las pistas de baile patrias durante años, ha sido número 1 en ventas en varias ocasiones, tiene un Goya, ha hecho múltiples bandas sonoras para cortometrajes, largometrajes y series. Ha sido profesor de Cultura Musical en la academia de Operación Triunfo y hasta fue candidato para ir a Eurovisión en 2008.

Este viernes 22 de marzo publica La gran esfera, que presentará en Madrid los días 28 y 29 de marzo con dos sold outs ya colgados en la puerta de la sala Ochoymedio.  Un álbum ecléctico que cuenta con algunos temas ya conocidos como ATARAXIA o Podría ser peor.

El lanzamiento de La gran esfera resulta peculiar porque gran parte del disco ya lo hemos escuchado aunque el álbum se lance ahora. ¿Le preocupa que el disco pierda fuerza debido a eso?La gran esfera

Es cierto que gran parte de este disco está escuchado. Pero no me preocupa mucho. Quiero decir, la idea no era sacarlo así. Esto ha ocurrido por circunstancias personales y de salud: me metí en proyectos, empecé a producir a otros músicos, hacer series, tuve un desprendimiento de retina... Y claro, cuando dejas pasar demasiado tiempo la cosa empieza a estancarse. Pero creo que tenía que salir porque era como sacar algo en claro de todo este tiempo.

Lo jodido realmente fue darle uniformidad. La idea conceptual del disco la tenía muy clara pero a nivel de sonido cojeaba. Y eso es lo que intenté hacer el último año: darle un sonido más compacto. Es un disco de impasse que va de un lugar a otro pero si lo escucho dentro de un año creo que podré decir que tiene más sentido en conjunto del que aparenta. [risas]

La publicación coincide con vuestro veinte aniversario. En 1999 La Casa Azul debutó en la sala madrileña Siroco. ¿Es una coincidencia o quería celebrarlo?

No he querido darle ese rollo de efeméride. Es cierto que me sorprendo a mí mismo por el hecho. Si alguien me hubiera dicho, cuando tenía veintipocos, que a los cuarenta y cinco estaría con el grupo a fuego, hubiera vendido mi alma. Pero no le quiero dar demasiada importancia a las fechas porque ahora siento que el grupo está en su mejor momento. En directo sonamos por primera vez como soñaba que sonásemos. Estoy productivo en el estudio y he podido decir que no a todos los proyectos en los que andaba para centrarme en esto. Realmente lo que me apetece es hacer cosas y empezar a funcionar como siempre quise.

A principios de los dosmiles, la formación parecía tener sonidos más europop, pero más tarde entraron en ella otras influencias desde la electrónica hasta rumba. ¿Pensó siempre La Casa Azul como una plataforma en la que pudiesen confluir sonidos muy distintos?europop

Me siento identificado con la definición. Estilísticamente, la evolución del grupo está muy clara porque realmente te vas empapando de lo que escuchas. Vas metiendo más ingredientes en la música que haces. Aunque en esencia sigue siendo lo mismo. Cuando tenía dieciséis años escuchaba canciones de radiofórmula que me flipaban, pero que en el fondo eran una puta mierda. Eran canciones que pensaba: “¿Esta gente no se ha parado cinco minutos a pensar de qué quiere hablar?” o “¿Por qué todos hablan de clichés absurdísimos del amor y el color de los ojos?”.

Luego te ibas al underground y sonaba todo supervital. Lleno de energía. Pero te preguntabas, “¿Nadie ha hecho que eso suene bien?”. Había destellos, claro, como cuando descubrí a Saint Etienne y dije, “hostia, suenan como un grupo de radiofórmula pero hablan de cosas relevantes”. Se veía que había un background muy importante, como lo había en Everything but the Girl.

¿Nunca tuvo miedo de hacer una música cercana a la radiofórmula? A día de hoy sigue siendo un espacio sobre el que pesan muchos prejuicios...

Yo no critico la radiofórmula per se. Admiro a la gente de los grandes estudios, a los tíos que han grabado los discos de Bisbal. Son profesionales increíbles. La lástima es que eso no se haya aprovechado para sostener un discurso sobre el mundo en el que vivimos.

La Casa Azul ha tenido muchas influencias a lo largo del tiempo pero su naturaleza no ha cambiado tanto. Y creo que lo que se ha mantenido inalterable es la canción clásica melódica. Eso es lo que permanece siempre. Lo que cambia son lo que nosotros llamamos 'Las chiribitas', esos añadidos de sonidos más innovadores que de golpe te llevan a un sitio u otro. Pero yo sigo haciendo canciones melódicas de estructura y estribillo bastante clásico.

Ahora que menciona la canción melódica, recuerdo el disco En libertad que hizo para reivindicar la figura de Nino Bravo. ¿Tenemos denostada la memoria musical en nuestro país?En libertad

En España parece que tengamos que renegar de la música pop de los sesenta y setenta. Parece que hasta los ochenta no debemos reivindicar nuestros sonidos porque son caspa. Muchas veces me he preguntado por qué ocurre esto aquí y no en otros países vecinos. ¡A nadie se le ocurre decir que Motown es la caspa! Pero hablas de Nino Bravo o de Julio Iglesias y ya eres la caspa absoluta.

Creo que tiene que ver con que nuestra historia a nivel político es otra. La gente lo asocia a algo rancio y como país reniegas de aquel talento. Pero si piensas en Nino Bravo, Augusto Algueró, Juan Carlos Calderón, Manuel Alejandro... había arreglistas que flipas, compositores increíbles como Pérez Botija...

Todos fueron muy importantes para nuestra música como lo fue Motown o sellos como Verve en la industria americana. En Cataluña había una escena de jazz de finales de los cincuenta principios de los sesenta absolutamente increíble, con unas grabaciones que ríete tú de algunas cosas de Blue Note.

Pero si lo reivindicas parece que tienes que justificarte. Pues no: me parece igual de disfrutable y de bien hecho todo aquello que un disco de los Smiths o los Clash. ¡Pero tampoco se respeta dentro en la industria! Vas a buscar a un sello alguna bobina de una canción mítica de Nino Bravo y nadie sabe dónde están. Es una locura. Es como si le preguntaras a alguien que dónde está la grabación de Strangers in the NightStrangers in the Night  de Frank Sinatra y te dijesen “bah, se habrá perdido, da igual”.

Puede que la lectura política pese siempre más que la musical. Me viene a la cabeza el caso de Isabel Bonig, Presidenta del Partido Popular de la Comunidad Valenciana, que dijo hace unos días que le gustaba el Rock Radical Vasco, Kortatu y La Polla Records. Y hubo quien se escandalizó.

Grupos como Kortatu aquí o los Clash en Inglaterra, trascendían su escena porque musicalmente eran absolutamente increíbles. Su música no solo se sostiene desde el punto de vista político. Es un error igual de grave que el de pensar que no cabe el discurso político en un grupo de pop.

Tú puedes no compartir el discurso político de cualquier producto cultural pero gustarte cómo suena o cómo está planteado. Yo en un caso así pensaría que es un punto a favor de esa persona. Es alguien que tiene una inquietud cultural en un entorno en el que esa inquietud no cuadra. Y ya está.

Tampoco está de más recordar que la escena del rock radical vasco ha aportado mucho a la historia de nuestra música. Kortatu particularmente. Porque musicalmente aquí había muchos grupos con más entereza que, yo qué sé, los Sex Pistols.

Puede que esto se ocurra por cierta falta de cultura musical. Usted que ejerció de profesor de esta disciplina en Operación Triunfo, ¿cree que hay una falta de cultura en parte de la industria musical actual?

La historia de la música está llena de grandes artistas que surgieron sin tener referentes musicales. Estrellas que lo han cambiado todo y no tenían nada. Pero desde siempre, ¿eh? Decir que hace falta cultura musical antes de ponerse a grabar es una afirmación elitista y esnob. Es más: la falta de background  musical, o como lo quieras llamar, no está reñida con el talento. Pueden ir unidos o no. Pero son conceptos distintos.

Ahora bien. Tener referentes, tener esa curiosidad por saber más del arte en el que trabajas, como artista te hará fuerte delante de la industria. Es lo que pienso. Mucha gente joven se va a enfrentar a una industria muy bestia y depredadora. Pero cuanto más fuertes sean a nivel de seguridad artística y del camino que quieran seguir en base a sus conocimientos, más fuertes serán delante de esa selva. Y a la larga, favorecerá que tengan carreras más solidas.

Hay que incidir ahí para fortalecer la autosuficiencia del artista delante de un sistema que se va a provechar de ti sin escrúpulos. Pero es que a mí me cabrea un poco. Leías cada cosa de que “Aitana no conce a Pink Floyd” y no se qué mierdas. ¿Y qué más dará que hasta entonces no les conociera? ¡Pues guay que ahora esté interesada en ellos! Pero es que resulta que hablas con ella de música y demuestra un criterio brutal. Así que quien la critica peca de ese elemento elitista.

¿Cree que eso ocurre por cierta falta de divulgación musical?

Me viene a la cabeza, hablando de esto, el caso de Chumbawamba, que siempre se han descrito como anarquistas. Se les criticó muchísimo cuando vendieron Tubthumping a General Motors. Resultó que la General iba a hacer un ERE y terminó despidiendo a muchísima gente y lo que hizo Chumbawamba fue donar todos los beneficios que sacaron de los derechos, a la gente despedida. Joder, eso es increíble. ¿Quién dice que no se puede cambiar el sistema desde dentro?

Creo que hay que despertar la curiosidad pero es una cuestión de tener tiempo. No ha pasado eso de que la llegada de internet y el acceso a la cultura iba a llevar inevitablemente a una sociedad más culta. Qué va: puedes tener toda la historia de la literatura a un golpe de clic y la gente lee una puta mierda igual que antes. Y en cuanto a la música más de lo mismo: se sigue escuchando los hits globales que antes te echaban por la radio, pero ahora te aparecen como una lista de Spotify. ¡Da igual!

Lo que me jode a veces es que gente que tiene un discurso político muy formado de defender determinados conceptos de clase y de poder popular, de golpe se los pasa por el forro en según qué debates culturales como el que comentábamos.

Por supuesto que hay que abogar porque la gente tenga acceso real a la cultura y al conocimiento, ¡pero no culpabilices al chaval que se ha puesto a cantar! Mejor critica el sistema e intenta cambiar las bases para que ese sistema no pueda explotar de esa forma o no busque personas maleables que usar.

Podría haber una parte de responsabilidad eludida en la crítica y en los medios de comunicación. Pienso en el trap y en la afirmación de que solo habla de neoliberalismo, de adorar el dinero... ese discurso se ha terminado asentando en muchas personas.

El discurso que se hace desde fuera de la contracultura siempre es el mismo. No es un conocimiento profundo del movimiento contracultural del momento, sino uno superficial acerca de lo que ha acabado proyectando la gran industria sobre esa escena. Claro que hay artistas que tienen este discurso de fascinación por el sistema capitalista y el culto al cuerpo, pero no es nada nuevo. En el Gangsta rap esta fascinación estaba presente hace veinticinco años y fue un elemento clave para comprenderla. Pero había muchísimos que se oponían eso. Pues con el trap más de lo mismo.

Pero yo lo veo como una oportunidad. Aprovechémoslo para generar discursos distintos. Por ejemplo, el tema de que “todo el reggaetón es machista”. Punto uno: no todo el reggaetón lo es, es un género muy amplio que muchísima gente está utilizando para hablar de otras cosas. Punto dos: si una parte sí lo es, pues aprovechémoslo. Escuchemos con nuestros hijos y nuestras hijas esas canciones y señalemos cuando alguien diga una frase machista, para hacerles reflexionar sobre lo que está escuchando.

Mi hija, de nueve años, es mucho más consciente de lo que era yo a su edad en estos temas. Ella escucha una canción en la que se dice determinado comentario misógino y se queda sorprendida. Y es mucho más fácil señalar eso porque juntos discutimos de cómo este o aquel payaso está hablando de tratar a las mujeres como objetos, o de ser un pesado con una tía que pasa de él. Es fácil señalarlo y hacerle ver que quien canta eso es un cabrón.

Todo es más complejo pero casi siempre trasciende lo superficial. Es como cuando una lucha sindical de semanas consigue una mejora en las condiciones de miles de trabajadores, pero en la mani se les ve con un reloj caro o unas adidas y se les critica por eso. ¡Pues a la mierda todo lo que se ha conseguido!

Ted Gioia dedicaba parte de su libro Blues: La música del Delta del Mississippi a reflexionar sobre el 'sentimiento blue', que definía como el color más adecuado para hablar de los sentimientos. ¿La Casa Azul es tu vehículo para hablar de tu forma de entender el mundo?   Blues: La música del Delta del Mississippi

Bueno, claro. Al 100%. Por eso respeto tanto el blues. Aunque me parezca aburrido como estilo musical porque busco siempre esa pomposidad y ese colorido, joder es increíble. Ese blues man que se coge una guitarra y canta su pena lo es todo en la música. Es lo que hago yo con otros elementos y otro lenguaje. Pero es eso.

Como todo, luego se intelectualiza y la gente construye discursos alrededor de eso. Pero ese gesto fundacional artístico lo es todo. Ese niño de cuatro años que empieza a pintar para expresar lo que tiene dentro, es una vía de escape. Mi chica trabaja con niños con dificultades de aprendizaje y dibujar es clave. Y dibujar es un lenguaje artístico como lo es la música.

En el blues hay esta parte de pena de querer salir de un mundo que es agresivo y violento. Así que encuentras en esto una vía para escapar y para expresar lo que sientes. Ese impulso es algo muy puro. Y es algo muy popular, porque se demuestra que no se requiere un conocimiento amplio del lenguaje musical o un tremendo background cultural para hacerlo. Es gente que no tiene acceso a eso y sin embargo, canta.

Hace una semana se obró la sorpresa en el plató de Operación Triunfo. El cantante Famous Oberogo, sevillano de 19 años y de raíces nigerianas, fue la primera persona negra en ganar un concurso musical en España. La sorpresa no tuvo que ver con sus atributos vocales, a todas luces privilegiados, sino porque parecía que el programa se iba a decantar por un perfil más comercial como el de alguna de sus compañeras.

Sin embargo, el chico que eligió a George Michael para darse a conocer y regaló algunas de las mejores actuaciones de la edición de la mano de Bruno Mars, Jennifer Hudson y César Sampson, se ha alzado con el preciado oro. Un chaval que se comunica con sus padres en inglés y que se ha decantado durante todo el concurso por una mezcla de R&B, gospel y pop norteamericano, acaba de firmar con Universal por un futuro incierto.

La primera canción que el sello ha compuesto para Famous es la de Eurovisión, y es una mezcla de pop y lo que han calificado como “gospel” en español. No significa que eso sea lo que Universal tiene pensado para su recorrido profesional , y en tal caso él se ha mostrado conforme. Pero, ¿y después? ¿Cumplirá el sueño de seguir unos pasos parecidos a los del austriaco César Sampson?

Según el balance del año de Spotify, en España triunfa el reggaeton o, como mucho, el pop en español. Aunque a nivel mundial el R&B y el pop con tintes negros como el de Drake, Beyoncé o Ariana Grande encabezan las listas de lo más escuchado, en nuestro país están lejos de ser los géneros preferidos (por detrás del rock, el pop patrio y el flamenco).

Aún así, hay gente joven que está luchando por hacerse un hueco desde la península en un estilo minoritario, como Junior Esemuede (Madrid, 1992), más conocido por su alias musical John Grvy. Aunque no le gusta encasillarse en el R&B y el soul puros, la música del hispanonigeriano coquetea con estos géneros y los mezcla con el pop y la electrónica.

“A veces la gente confunde el R&B con pop, pero poco a poco va cambiando y las generaciones más jóvenes, como la de Famous, lo han mamado mucho más, sobre todo por Internet y por las redes sociales, las series, las nuevas influencias y la música urbana, donde hay una gran parte de R&B”, explica Grvy a este diario. Aún así, reconoce que “es un estilo que cuesta más trabajar porque no es autóctono de aquí y el R&B puro y duro no es mainstream”.

El error está, dice, en tomar a los grandes sellos como Universal como el oráculo del triunfo. “Hay artistas que no entran en los 40 Principales y que se escuchan mucho más fuera y a un nivel internacional. Basta con ver los números en Internet”, opina. Aún así, las multinacionales también han comenzado a ampliar el foco y a fichar a nuevos talentos que se mueven por un género menos comercial, como Samuel O'Kane.

Grvy también sabe que es una transición lenta que necesita años para consolidarse. “El mundo digital ahora funciona muy rápido y, si no consiguen esa agilidad mental que te da el estar viviendo esta generación, es muy difícil que estemos a la altura de otros países”, asegura. Él acaba de lanzar su mixtape Gris después de haber pasado por festivales a ambos lados de nuestras fronteras, pero no le cuesta reconocer que su música “se orienta hacia España porque vivo aquí y hablo español, aunque cante en inglés”.

Es una carrera de fondo que se alarga sin el apoyo de un gran sello, pero esto es algo que también sufren las discográficas que confían ciegamente en este género. La catalana Black Music Productions es la aguja en un pajar cubierto de mainstream y radiofórmula, pero su director es consciente de las desventajas de los idealistas.

“El soul y el R&B son básicos para entender la evolución de lo que ahora es el rap, el pop, o muchísimas de las músicas que escuchamos en radiofórmula. Pero no deja de ser un sector minoritario del que cuesta mucho sobrevivir sin ”prostituirse“ e ir a parar a cosas más comerciales”, afirma Oriol Carbonell, fundador del sello, a este periódico.

En el caso de Famous, confía en lo mismo que John Grvy: que las discográficas abran los oídos a lo que funciona en otras plataformas y otros países del mundo. Carbonell, sin embargo, tampoco esconde cierto escepticismo sobre la estrategia de programas como Operación Triunfo.

“Se crea un producto de forma artificial, porque durante equis meses le brindan muchísimos medios y lo exponen en prime time, pero luego es un producto efímero. Porque la evolución no ha sido sostenida por un trabajo constante, sino que sube como la espuma y, si no da los resultados esperados, los que te han dado todo ese sustento te lo quitan”, asegura.

Tiene una opinión parecida al respecto de que el joven pueda desarrollar su carrera en inglés o que le construyan un perfil R&B en español. “Tengo el prejuicio de que esta música debe ser en inglés, porque si no me suena raro. Ten en cuenta que es prácticamente la lengua materna en el 80% de países europeos, pero en España es la lengua extranjera y además se le hace el caso que se le hace. Por supuesto que no tiene calado hacer canciones en inglés”, sentencia Carbonell.

“Me fastidia porque verdaderamente se podían hacer mediáticos estilos de música que son muy potentes y muy importantes”, dice el representante de artistas cada vez más escuchados como The Sey Sisters y By the Gospel River.

Lo que sí piensa John Grvy es que a Famous le van a intentar convertir en un cliché, y en el peor de los casos en la versión española de algunos de los cantantes negros que triunfan internacionalmente. “Hay que darlo por sentado porque en eso consiste el mainstream. Te reduce a un personaje, a algo simple, para llegar al mayor número de gente posible. Pero puede aprender de otros compañeros como Amaia, que está intentando salirse de lo que ”tocaría hacer“ después de OT”, propone.

Este riesgo existe al carecer España de referentes racializados que elijan libremente su estilo de música. “A mí es algo que me marcó muchísimo. Al ser negro, todo el mundo asume que hago música negra. Y muchas veces es así, pero a veces es solo electrónica o indie. El hecho de tener este color de piel a mí me ha clasificado en el R&B o soul. Incluso me ha estigmatizado a la hora de crear”, reconoce John Grvy.

Por eso agradece que Famous haya sido alzado por el mainstream y quizá desde allí logre cambiar ciertas lacras de nuestra sociedad. “El tema racismo no creo que vaya a afectar en este caso. Ha ganado OT, es una muy buena forma de normalizarlo. Yo siempre he pensado que la mejor forma es llevar esto a la cultura, trasladarlo a la televisión, a la música y al cine”, dice. Y concluye con la clave de que existan todo tipo referentes: “Que la gente no vea a un negro y piense en un mantero. Ahora la gente ve a un negro y puede pensar en Famous”.