Castilla-La Mancha contará desde ahora con una asociación para aglutinar a los profesionales de las artes escénicas de la comunidad autónoma, desde actores, directores, técnicos, escenógrafos, músicos o distribuidores, entre otros.

La Dirección General de Autónomos, Trabajo y Economía Social acaba de dar luz verde a la constitución de AUNARTE, la Asociación Asociación Unificada de Empresas de Artes Escénicas de Castilla-La Mancha. Estará formada por empresas y también por creadores que se autodefinen como “el sector profesional de las artes escénicas”.

La asociación tendrá su sede social en Ciudad Real y está presidida por Aníbal Fernández Laespada. En la actualidad está compuesta por más de una veintena de compañías profesionales.

Entre sus finalidades estará “defender los intereses de las empresas de artes escénicas de Castilla la Mancha” y difundir las propias artes escénicas.

Natalia Huarte es de Pamplona. Se fue muy pronto a Madrid a estudiar teatro. De eso hace 16 años. Ahora, con 36, está en plenitud. Bajo las murallas del castillo de Olite (Navarra) demostró el momento de libertad y sabiduría escénica que ha conquistado. Lo hizo con su nueva obra, Leonora, un monólogo escrito y dirigido por Alberto Conejero sobre la pintora inglesa Leonora Carrington. Una hora de despliegue actoral, de dominio escénico, de cuerpo y palabra que el público del festival agradeció a quien ya es su actriz preferida.

Huarte está contenta, se le nota en los ojos, en la mirada. La actriz que lo hizo todo en teatro lleva dos años más quieta, comenzando carrera en cine, afianzando su presencia en las series (Legado, Innato, Querer) y apostando por este proyecto que ha levantado junto a Conejero. La actriz joven que era todo talento y técnica, perfecta en el decir, recta en el estar, ha ido asalvajándose, chupando de cada director y cada proyecto, dejándose, permitiéndose.

Leonora Carrington fue una inglesa de buena familia, de padre autoritario, rebelde desde pequeña, que conoció la Francia intelectual de los años treinta, que mantuvo un romance con Max Ernst, que huyó a España y fue víctima de una violación grupal por unos oficiales requetés, que escapó de este país y se afincó en un México fructífero donde su arte, alucinado, surreal y enigmático, floreció como nunca. Esta obra sobre ella abrirá en septiembre la temporada de Teatro de la Abadía de Madrid. Después le seguirá una larga gira por España. De aquí a mayo del año que viene ya tiene cerradas veinte plazas, Londres entre ellas. Antes, este mismo primero de agosto, la obra aterriza en Palma de Mallorca, con una versión site-specific para el museo Cran Prunera.

¿Cómo nació Leonora?

Alberto Conejero me llamó para una lectura dramatizada del texto. No nos conocíamos, y en esos cuatro días de ensayo pasó algo, nos enamoramos un poco. Y luego, cuando Alberto decidió dirigirlo, me llamó. Es un proyecto que ahora va muy bien, hay funciones, la gente la aprecia, pero al principio era todo un poco kamikaze.

¿Y ese flechazo con Conejero?

Son cosas que pasan en la vida, te encuentras con alguien en un determinado momento y conectas. Funcionó porque nos empezamos a reír mucho. De Alberto tenía una imagen de hombre serio que sabe mucho. Yo iba un poco cagada, pero ya el primer día vi que tenía el mismo humor que yo. Nos pusimos a proponer, cada uno desde su bagaje. Lo que ha sido precioso es la mirada horizontal que ha tenido todo el rato como director. Hay un momento en tu vida que te apetece eso: encontrarte con alguien que va a sacar de ti muchas cosas, pero que te va a dejar hacer.

Leonora Carrington es un personajazo con una fuerza sobrehumana, ¿cómo ha sido la relación con ella?

Al principio del proyecto le pregunté a Alberto si debía investigar sobre ella. Decidimos que no, incluso su libro Memorias de abajo lo he leído a posteriori, un libro terrible, con mucho dolor. Sin embargo, yo me centré en el texto de Alberto, que no está tan ahí, que es más luminoso. Trabajé lo que me pasaba a mí con el texto, más que con la figura de Leonora. Decidí llevar mi ropa en escena, Conejero decidió quitar toda escenografía, no hacer proyecciones de sus cuadros. Las imágenes ya están en el texto. No quisimos imitarla o llevar su imagen a escena, sino, como dice el texto, pintar un lienzo cada noche con la palabra y el cuerpo. Esa idea, quiero creer, le gustaría a Leonora.

Trabajé lo que me pasaba a mí con el texto, más que con la figura de Leonora Carrington. Decidí llevar mi ropa en escena. Conejero decidió quitar toda escenografía y no hacer proyecciones de sus cuadros

Han pasado muchas cosas desde que, recién salida de la escuela, ingresó en la compañía joven de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) en 2013. Después de una larga estancia en la compañía, trabajó con Alfredo Sanzol y, tras la pandemia, la locura. Directores muy diferentes no dejaron de llamarla. Le planteo un juego: hablemos de su evolución a través de los montajes que ha realizado. De la época en la CNTC, ¿con qué obra, por las razones que sea, se queda?

Con El perro del hortelano dirigido por Helena Pimenta, sin duda. Ahí noté que algo cambiaba en mi forma de hacer. Interpretaba a Marcela, un personaje más grande que además hacía con la compañía principal de la CNTC, con un reparto de gente mayor que yo, con mucha más experiencia. Los protagonistas eran Marta Poveda y Raúl Castejón. Me acuerdo que dije: “Aquí tienes que ser valiente o, si no, desapareces”. Yo siempre había sido muy obediente. Yo me atreví y Pimenta me lo permitió. Había días que me decía “¿pero qué haces?”, y yo le respondía, “cosas” [ríe]. Luego volví a ser obediente, dio un paso para atrás…

¿Qué pasó?

Llevaba muchos años en la compañía. Tenía ganas de salir, de probar otras cosas, enfrentarme a llamar a puertas, a hacer pruebas, a crecer… Y justo en Olite me apunté a un taller con Alfredo Sanzol y Andrés Lima. Conocí a Sanzol, trabajé mucho las improvisaciones, hablé en escena incluso con acento navarro, fue superintenso. Y justo después me llamó para montar La valentía. Me cagué, me asusté. Le decía a Sanzol que yo no podía, que no sabía hacerlo. Veía el reparto con Natalia Huarte, con Inma Cuevas, con Francesco Carril… Y me volví obediente de nuevo. Francesco me imponía mucho, por ejemplo, me daba miedo tenerle al lado. No me creía capaz de ser graciosa. Sí, me cagué. Tengo que reconocerlo. Fue un montaje que sentí que me hacía pequeña. Pero Alfredo, que es maravilloso, me decía que no y luego me llamó para El bar que se tragó a todos los españoles.

¿El bar que se tragó a todos los españoles es el montaje que destacaría de su siguiente etapa, tras la CNTC y antes de la pandemia?

Sin duda. Fue un montaje muy especial, la hacíamos todavía con restricciones. No había cervezas ni conversaciones con el público. No sabíamos nada de lo que pasaba. Íbamos al teatro, la hacíamos y nos teníamos que volver a casa corriendo. Fue más tarde que fuimos viendo lo que había supuesto en el público. La gente estaba con ganas de ir al teatro y la obra creo que daba ganas de vivir… Creo que le vino muy bien, paradójicamente, ese comienzo de casa-función-casa. Los actores hicimos un grupo muy fuerte, concentrado todo en el trabajo. Fue hermoso.

Tras este montaje comienzan tres años de frenesí absoluto, de un montaje tras otro con directores tan buenos como distintos: Iñaki Rekarte, Josep María Flotats, Marta Pazos, Lucia Carballal, Laila Ripoll y Luz Arcas con quien le dieron el Premio Max a la mejor interpretación femenina por Psicosis 4:48. Me imagino que imposible elegir uno, pero ¿qué momento personal elige?

Es verdad que es difícil, fue una época que pude llevar a cabo porque estaba muy centrada, era un montaje tras otro, me llamaban y me querían, no sabía bien por qué, no sé qué veían, pero me monté en la ola. Tengo una conversación muy guardada con Lucía Carballal en la segunda semana de ensayos de Los pálidos. Lucía me sentó en una cafetería y me dijo: “Me encanta todo. Te he llamado porque quiero trabajar contigo, pero sé que hay un lugar más, hay algo más”. No fue muy específica, pero a la vez sí. Ella sabía que la iba a entender y se atrevió, porque podría no haber tenido esa conversación conmigo. Y me dijo: “Atrévete a ese sitio. Vamos a hacerlo juntas. No se trata del resultado, no sé a dónde va y no empieza hoy ni acaba mañana”.

¿Cómo es ese lugar?

Un lugar donde sabes menos, más incómodo de habitar. Y dije, “qué cabrona, ese viaje lo voy a hacer contigo”. Lucía abrió una puerta muy importante para mí, no siempre lo hago, a veces vuelvo a lo que ya sé, a sitios más conocidos, pero cuando me atrevo a recordar aquella conversación me aventuro a ir a ese sitio donde sé que se me puede ir la función a la mierda o puede brillar. Y a veces se va un poco a la mierda y otras veces brilla. Pero Lucía fue la que me llevó ahí. Y para mí ese momento es vital, cambió mucho mi forma de trabajar.

Esa lucha entre la obediencia y el rebelarse, entre el control y el dejarse ir está muy presente en su evolución, ¿no?

Hay gente que empieza desde un sitio más caótico e intuitivo, y luego con los años va apareciendo la parte más técnica y eso ayuda a ordenar. Mi camino creo que es justo lo contrario: sentir que tengo que llegar a la perfección, que tengo que hacerlo bien. Desde pequeña, con mi uniforme en el colegio de monjas de Pamplona, con mi pelito y buenas notas. El asunto es que no sé para quién tenía que hacerlo todo bien, quién me estaba mirando todo el rato juzgándome. Esa es la pregunta que tengo ahora, pero “¿para quién querías hacerlo bien?”. Ahora estoy en un momento de mandarlo a tomar por culo y poder equivocarse, de no tener palabras para todo, de perderse.

Tras esos tres años de frenesí paró un poco, ¿fue voluntario?

Sí, lo fue. La acumulación produce cansancio, no podía seguir con ese ritmo. Hablé con mi manager y decidimos parar. También me apetecía hacer más audiovisual, ya hacía series (Amar es para siempre, Innato o Por cien millones), pero quería hacer más cine.

No sé para quién tenía que hacerlo todo bien, quién me estaba mirando todo el rato juzgándome. Ahora estoy en un momento de mandarlo a tomar por culo y poder equivocarse, de no tener palabras para todo, de perderse

Ahora va a estrenar Pájaro que agoniza de Diego Llorente e inicia el rodaje de Perseidas con Ignacio Lasierra. En teatro, de repente, o poco a poco, se fue revelando la gran luz y fuerza, la mezcla de técnica y fragilidad, que tiene como actriz. ¿Está por llegar que eso pase en el celuloide?

Ojalá. Pero estoy comenzando, aprendiendo lo que es un rodaje. En el cine no tienes el mismo control de lo que haces que en teatro. En cine haces una escena que no sabes cómo se registra, con qué plano, cómo se montará luego. Haces una escena y te olvidas, nunca más la volverás a hacer. Y al día siguiente llega otra. Es muy distinto. Estoy aprendiendo. Ahora me apetece comenzar a desobedecer frente a la cámara, atreverme a aparecer… Pero para eso hay que trabajar y aprender. Cuando veo a Vicky Luengo o a Susana Abaitua, flipo con cómo se atreven, aprendo mucho. Tengo referentes de mi generación y eso es muy grande. Creo que estamos ante un gran momento de actrices.

El tema de la obediencia que comenta, ¿tiene que ver un poco con el síndrome del impostor? ¿Cree que es algo más habitual para las mujeres que para los hombres?

Sí, creo que nos ha ocurrido más. Pero egoístamente no me lo quiero contar así. Yo soy una persona que a veces me hablo mal. Y no quiero hacerlo más. Si los hombres llevan años sin ningún problema yo también lo voy a aprender y no estar siempre afirmando que no soy impostora, que no le estoy quitando un lugar a nadie. Esa sensación de ser obediente porque alguien me va a decir que lo hago mal, que no vales, es una mirada dura y bastante masculina. Estamos en un momento, y por eso hablo de referentes de mi generación, donde sí podemos conquistar el espacio que nos toca.

¿A qué se refiere?

Ya no solo hablo de los trabajos de Luengo, Abaitua, Stéphanie Magnin o Loreto Mauleón, que me encantan, sino del paso que han dado al frente. Me encanta verlas en entrevistas, me flipa cómo van a los sitios, desde dónde hablan, desde dónde reflexionan sobre la amistad entre nosotras, de dónde nos colocamos cada vez que vemos a una colega subir un escalón más que tú. Nos estamos atreviendo a hablar desde nuestro propio lenguaje y eso es honesto y valiente. Para mí, ese lenguaje es nuevo y lo estamos haciendo entre todas. Creo que se nos va a quitar el síndrome de impostoras ya.

Y ahora, después de Leonora, ¿tiene ya un nuevo proyecto en teatro?

Hasta el verano que viene estaré centrada en esta obra y entre medias haré los rodajes. Quería comprometerme con este proyecto independiente, hacer posible que tenga gira y no dejarme llevar por este tiempo de tanta incertidumbre, tanta prisa y tanto miedo.

Compromís ha cargado este miércoles contra la directora adjunta de Artes Escénicas del Institut Valencià de Cultura (IVC), María José Hernández Mora, después de que elDiario.es haya publicado que participa en unas oposiciones para obtener una plaza fija de técnico cultural en las misma institución que codirige.

La portavoz de Cultura de Compromís en Les Corts, Verònica Ruiz, ha asegurado que el problema no es el derecho de cualquier ciudadano a presentarse a unas oposiciones, sino que lo haga “desde el cargo de directora adjunta del mismo organismo en el que pretende obtener una plaza fija”.

“Lo que hemos conocido hoy es una auténtica vergüenza”, ha afirmado la diputada. “Si María José Mora quiere presentarse a una oposición, que se presente, pero lo primero que debe hacer es dejar su cargo de directora adjunta. Porque esto ya es una cuestión ética y una cuestión de ejemplaridad”, ha añadido.

La información publicada por elDiario.es señala que Hernández Mora, también bailarina y gestora cultural, figura entre los aspirantes a una plaza de técnico cultural del IVC mientras mantiene su puesto de dirección dentro del organismo dependiente de la Conselleria de Educación y Cultura.

Ruiz ha anunciado además que Compromís solicitará “toda la documentación pertinente por vía parlamentaria” y realizará “un seguimiento exhaustivo del asunto” para esclarecer las circunstancias del proceso.

La portavoz ha enmarcado el caso en lo que considera una práctica reiterada del actual Consell del PP. “Por desgracia, este no es un hecho aislado en este gobierno del PP”, ha señalado, y ha recordado el precedente del gerente del Consorcio de Museos, quien, según ha afirmado, “hizo lo mismo” y acabó obteniendo la plaza a la que optaba.

El grupo parlamentario de Compromís sostiene que la situación plantea un problema de incompatibilidad ética y de apariencia de imparcialidad en el acceso al empleo público, aunque por el momento no ha cuestionado la legalidad formal de la participación de Hernández Mora en las oposiciones.

La vigesimosegunda edición de la extensión del Festival de Teatro de Mérida en Regina se celebrará del 31 de julio al 2 de agosto en Casas de Reina con tres obras: ‘Medea’, en colaboración con el grupo social la ONCE, ‘Alejandro y el eneuco persa’ y ‘Jasón y las Furias’.

En rueda de prensa, el director del Festival, Jesús Cimarro, ha asegurado que con esta programación “se apuesta por acercar el teatro clásico a nuevos públicos y poner en valor el valor patrimonial que tiene Regina” tras lo que ha felicitado al alcalde del municipio, Fernando Gallego, por los recientes arreglos que se han ejecutado en el escenario.

“Es muy importante que se mantengan estos edificios para la actividad en la que fueron creados, que fue las artes escénicas, en este caso el teatro”, ha apuntado.

Por su parte, Gallego ha recalcado que han logrado que Regina sea “algo más que un escenario arqueológico, es un lugar donde el patrimonio deja de ser un recuerdo para convertirse en una experiencia viva” durante tres noches que demostrarán que “los grandes textos clásicos siguen presentes, porque hablan de aquello que nunca cambia, el amor, el poder, la ambición, la justicia, la libertad y el humanismo”.

“La cultura es la mejor forma de entender lo que somos y valorar nuestro patrimonio, no se trata solo de convocar un teatro romano, se trata de darle vida, llenarlo de voces, de espectadores, de emoción y de futuro”, ha incidido.

La directora general de Patrimonio Cultural y Documental de la Junta de Extremadura, Adela Rueda, ha aconsejado comprobar “la riqueza arqueológica, histórica y artística que tiene esta tierra” y ha destacado que el yacimiento se ha convertido “no sólo en un recurso patrimonial, sino en un motor de desarrollo económico, social y cultural para Casas de Reina y para toda la comarca”.

“Regina es un yacimiento vivo, es un yacimiento excepcional que tiene muchísimo que decir todavía, por eso, dos mil años después, esta ciudad romana acoge a espectadores en un teatro que fue construido para eso y que es una de las grandísimas experiencias inolvidables que pueden tener los actores y los espectadores porque es muy diferente a cualquier otro teatro romano que hayáis podido estar”, ha recalcado.

La actriz Beatriz Solís, quien interpretará a Roxana en ‘Alejandro y el eneuco persa’, ha explicado que el próximo 1 de agosto se verá a un Alejandro Magno que “pocos saben de él, de cómo vivía después de una batalla, después de una derrota, cómo entendía él el amor, cómo lo llevaba a su vida y sobre todo el afán y el ahínco que tenía por intentar construir nuevos lazos, nuevas cadenas”.

Miguel Pérez Solís, miembro del coro de esta obra, ha especificado que el elenco de actores son todos extremeños y que un gran número de ellos han cursado sus estudios en la Escuela Superior de Arte Dramático de Extremadura (ESAD).

‘Medea’, con la colaboración del Grupo social la ONCE a través de la compañía Sa Boira, se pondrá en escena el 31 de julio y ‘Jason y las Furias’ el 2 de agosto.

María José Hernández Mora, directora adjunta d’Arts Escèniques de l’Institut Valencià de Cultura (IVC), organisme dependent de la Conselleria d’Educació i Cultura, participa en unes oposicions per a accedir a una plaça de tècnica cultural en la mateixa entitat que codirigeix. La també ballarina i gestora cultural està immersa en el procés per a obtindre una plaça de personal laboral fix a l’IVC, malgrat que és la direcció de l’organisme l’encarregada de vetlar per la netedat i la imparcialitat del procediment.

Fonts de la Conselleria d’Educació i Cultura han assegurat que el procés ofereix “totes les garanties d’objectivitat i imparcialitat” i que es regeix pels principis d’igualtat, mèrit, capacitat, publicitat i transparència. A més, afegeixen que “l’òrgan de selecció és independent i els seus integrants estan obligats a abstindre’s si concorre alguna de les causes previstes en l’article 23 de la Llei 40/2015”. És a dir, si hi ha algun tipus de vincle o circumstància que puga comprometre la seua imparcialitat, una possibilitat que no resulta difícil de plantejar tenint en compte que l’aspirant dirigeix una de les àrees de l’organisme.

Al procés per a l’ingrés com a personal laboral fix a l’IVC per als llocs número 268 i 276, corresponents a tècnic mitjà de gestió cultural, s’han presentat més de 200 aspirants. Fins a la seua dimissió el passat mes de juny, l’exdirector general de l’IVC i superior jeràrquic directe d’Hernández Mora, Alberto López-Jamar, era el responsable últim de garantir el desenvolupament correcte del procediment selectiu.

Hernández Mora té el sector de les arts escèniques en peu de guerra des de la seua arribada al càrrec el 2024, quan l’aleshores vicepresident del Consell i conseller de Cultura, Vicente Barrera, la va nomenar per al lloc. Segons denuncien onze associacions professionals, el pressupost destinat al sector s’ha reduït un 11%. Aquestes entitats sostenen que s’han desmantellat polítiques estructurals sense oferir alternatives i denuncien retards insostenibles en les convocatòries d’ajudes.

A més, critiquen un sistema de justificació de subvencions que qualifiquen d’“assetjament” per l’exigència d’una documentació sobredimensionada en uns terminis que consideren inassumibles. A parer seu, aquesta dinàmica busca desincentivar la participació dels professionals en les convocatòries públiques.

La situació s’agreuja amb el que el sector defineix com un model “fallit” del Circuit Cultural Valencià (CCV). Segons les associacions, aquest sistema impedeix una programació continuada als municipis i limita l’accés de la ciutadania a la cultura a l’últim quadrimestre de l’any. Recentment, el CCV va deixar fora de la seua programació Pot de Plom, la companyia de l’humorista Xavi Castillo, coneguda pels seus muntatges crítics amb el poder polític i per les seues obres sobre la corrupció o la gestió de la dana. Una decisió que fonts del sector consideren una “censura” encoberta.

A això se suma el col·lapse administratiu que, segons denuncien els professionals, pateix l’Institut Valencià de Cultura per la falta de personal. Les crítiques s’han intensificat després que la direcció destinara més de 200.000 euros a l’empresa pública Tragsa per a la gestió de subvencions mentre reduïa un 30% la partida destinada al personal propi. Les associacions també lamenten la disminució de la producció valenciana i en valencià, el tancament per falta de personal del Centre de Documentació Escènica i les retallades pressupostàries aplicades a cites històriques com la Mostra d’Alcoi.

Finalment, les organitzacions signants —entre les quals figuren sindicats d’actors i actrius, associacions de dansa, circ, empreses i gestors culturals— denuncien la supressió dels Premis de les Arts Escèniques Valencianes previstos per al 2025.

María José Hernández Mora, directora adjunta de Artes Escénicas del Institut Valencià de Cultura (IVC), organismo dependiente de la Conselleria de Educación y Cultura, participa en unas oposiciones para acceder a una plaza de técnico cultural en la misma entidad que codirige. La también bailarina y gestora cultural está inmersa en el proceso para obtener una plaza de personal laboral fijo en el IVC, pese a que es la dirección del organismo la encargada de velar por la limpieza y la imparcialidad del procedimiento.

Fuentes de la Conselleria de Educación y Cultura han asegurado que el proceso ofrece “todas las garantías de objetividad e imparcialidad” y que se rige por los principios de igualdad, mérito, capacidad, publicidad y transparencia. Además, añaden que “el órgano de selección es independiente y sus integrantes están obligados a abstenerse si concurre alguna de las causas previstas en el artículo 23 de la Ley 40/2015”. Es decir, si existe algún tipo de vínculo o circunstancia que pueda comprometer su imparcialidad, algo que no resulta difícil de plantear teniendo en cuenta que la aspirante dirige una de las áreas del organismo.

Al proceso para el ingreso como personal laboral fijo en el IVC para los puestos números 268 y 276, correspondientes a técnico medio de gestión cultural, se han presentado más de 200 aspirantes. Hasta su dimisión el pasado mes de junio, el exdirector general del IVC y superior jerárquico directo de Hernández Mora, Alberto López-Jamar, era el responsable último de garantizar el correcto desarrollo del procedimiento selectivo.

Hernández Mora tiene al sector de las artes escénicas en pie de guerra desde su llegada al cargo en 2024, cuando el entonces vicepresidente del Consell y conseller de Cultura, Vicente Barrera, la nombró para el puesto. Según vienen denunciando once asociaciones profesionales, el presupuesto destinado al sector se ha reducido un 11%. Estas entidades sostienen que se han desmantelado políticas estructurales sin ofrecer alternativas y denuncian retrasos insostenibles en las convocatorias de ayudas.

Además, critican un sistema de justificación de subvenciones que califican de “acoso” por la exigencia de una documentación sobredimensionada en plazos que consideran inasumibles. A su juicio, esta dinámica busca desincentivar la participación de los profesionales en las convocatorias públicas.

La situación se agrava con lo que el sector define como un modelo “fallido” del Circuit Cultural Valencià (CCV). Según las asociaciones, este sistema impide una programación continuada en los municipios y limita el acceso de la ciudadanía a la cultura al último cuatrimestre del año. Recientemente, el CCV dejó fuera de su programación a Pot de Plom, la compañía del humorista Xavi Castillo, conocida por sus montajes críticos con el poder político y por sus obras sobre la corrupción o la gestión de la dana. Una decisión que fuentes del sector consideran una “censura” encubierta.

A ello se suma el colapso administrativo que, según denuncian los profesionales, sufre el Institut Valencià de Cultura por la falta de personal. Las críticas se han intensificado después de que la dirección destinara más de 200.000 euros a la empresa pública Tragsa para la gestión de subvenciones mientras reducía en un 30% la partida destinada al personal propio. Las asociaciones también lamentan la disminución de la producción valenciana y en valenciano, el cierre por falta de personal del Centro de Documentación Escénica y los recortes presupuestarios aplicados a citas históricas como la Mostra d'Alcoi.

Finalmente, las organizaciones firmantes —entre las que figuran sindicatos de actores y actrices, asociaciones de danza, circo, empresas y gestores culturales— denuncian la supresión de los Premios de las Artes Escénicas Valencianas previstos para 2025.

El Teatro Romano de Mérida se ha convertido esta noche en un auténtico cortijo andaluz. Sus tablas, acostumbradas a vivir clásicos, han recibido una versión del mito de Electra y su “jonda” herida que ha empujado al espectador a vibrar con una energía propia de un tablao flamenco.

Al más puro estilo de ‘La Casa de Bernarda Alba’, el mito clásico ha sido trasladado a ‘Electra Jonda’ “como la desmesura que la hace trágica”, un grito desgarrador que resuena en la actualidad, donde los grandes personajes de la antigüedad se han despojado de sus túnicas para transformarse en seres de carne y hueso, devorados por una moral inflexible y pasiones indomables.

En mitad de este asfixiante escenario, Carolina Lapausa encarna a una Electra herida que vive consumida por el dolor de la repentina muerte de su padre y el rencor hacia su madre Clitemnestra, representada por Alejandra Torray. Su interpretación, cargada de una madurez trágica, nos descubre a una mujer rota en pleno duelo cuya única balsa de salvación es la justicia.

Frente al reproche de una madre que busca justificar su pasado, Clitemnestra le recalca que en vida de su padre “bastantes cosas” dejó estar y desde la angustia escupe un “¿es que yo no cuento?”. Ante la situación una Electra llena de odio, cae con el peso frío de una losa respondiendo: “él contaba más para mí, de sobra lo sabes”.

El público ha podido empatizar con los personajes en medio de una descarnada guerra de reproches, silencios y heridas mal cerradas gracias a la fusión de la palabra de sello lorquiano con los doce bailarines, dirigidos por el coreógrafo Manuel Segovia, bajo la responsabilidad de dar cuerpo, a través del taconeo y el duende, al implacable y latente destino de esta familia.

Del mito a personajes de carne y hueso

A través del texto original de Juan Guerrero Zamora —recuperado tras quedar guardado en un cajón durante años— y bajo la dirección artística de Manuel Canseco, la cantaora Teresa Hernández ha desgarrado los corazones del público con su cante y la guitarra de José Luis Montón ha dibujado con sus acordes el dolor de esta familia sobre el escenario.

En el latente ambiente de sospechas irrumpe Orestes, interpretado por Daniel Miguélañez, cuyo personaje se aleja por completo del brazo ejecutor de los dioses o del héroe trágico. Con su llegada, una Electra rabiosa le recalca que “fue de repente, pero no de enfermedad” lo que le llena de un profundo mar de dudas y cuestionamientos.

En el reverso de la obsesión destructiva de su hermana se alza la figura de Crisótemis, interpretada por Paula Colorado, que identifica una fortaleza distinta, cimentada exclusivamente en el amor familiar sin llegar a la vulnerabilidad, sino una mujer poderosa que emplea su energía para intentar mantener las cosas como están, buscando desesperadamente proteger a los suyos y evitar que la sangre vuelva a teñir las tierras del cortijo.

César Lucendo ha cargado de potencia a Egisto, el capataz de la finca sobre el que recaen todas las suspicacias tras el asesinato de Agamenón, asumiendo el imponente y realista reto de irrumpir en la escena del monumento romano montando a caballo.

El contrapeso de este torbellino de rencores lo ejerce María Garralón en la piel del Aya. Su figura funciona como espejo de la consciencia y la voz de la verdad de la manera más cruda en un entorno familiar hostil y devastado.

Incluso en la densidad del ambiente que evocan las obras de Lorca, la inocencia de “El Niño”, interpretado por Ainhoa Molina como hijo de Casandra y nieto del ciego, aparece estratégicamente como un bálsamo de energía positiva en un momento en el que “la verdad es una pedrada que ninguno queremos que nos de”.

El desgarro del cante y los secretos del cortijo

El misticismo y la profecía se construyen desde los límites entre el amor libre y la tradición. El veterano Juan Gea compone a El Ciego, un trovador que atesora un motivo secreto para guiar el desenlace fatal. A su lado, su hija Casandra, interpretada por Teresa Hernández, canaliza la clarividencia no correspondida ni aceptada, además del dolor de los acontecimientos a través de un cante flamenco en directo que eriza la piel y sentencia el porvenir de la obra.

El pilar invisible que sostiene la tensión en este cortijo ha sido, sin duda, su arquitectura musical y coreográfica. Los bailaores han ilustrado la tragedia convirtiéndose en el motor interno del drama.

Con una técnica impecable, el dominio de los tiempos y el control del espacio escénico han delineado con sus cuerpos la opresión y la agobiante atmósfera de la casa, logrando que el dolor no solo se recite, sino que llegue hasta el rincón más escondido del Teatro.

La propuesta musical demuestra un conocimiento profundo de las raíces más puras del arte flamenco con la sobriedad y la hondura de sus acordes para reflejar el relato trágico que la obra exige.

Cada falseta y cada rasgueo seco entablan un diálogo perfecto con el cante desgarrador de Hernández en el papel de Casandra, con una madurez vocal admirable ha canalizado el sufrimiento del linaje a través de un quejío contenido, manejando los silencios con una templanza propia de los grandes nombres del género.

Es esta perfecta comunión entre el taconeo rotundo del coro, la guitarra y el cante en directo lo que regala al festival un espectáculo total, donde el duende y la precisión técnica se alían para conmover profundamente al espectador contemporáneo.

Al apagarse el último eco de la guitarra, la obra culmina en el Teatro Romano logrando una ovación de pie, fruto del trabajo y la emoción de la historia.

Spartacus’ ha subido el telón del Festival de Teatro de Mérida para acercarnos al mundo sensible del gladiador tracio con un diálogo sincrónico entre narrativa y ballet. Un grito que resuena en la actualidad a través del eterno conflicto entre el yugo del opresor y la sed de libertad del ser humano.

Con la adaptación del texto de Ana Graciani y la dirección artística de María Graciani, esta propuesta despoja al héroe mítico de su armadura para descubrir al hombre, interpretado por Miguel Ángel Muñoz. Un espectáculo que define un viaje a través del limbo difuso entre la vida y la muerte en un escenario donde coexisten el delirio onírico y la realidad más pura.

Con una escenografía cuidada al detalle, el teatro romano de Mérida se convierte en el cómplice perfecto para humanizar el mito de un hombre que luchó por su libertad hace 2.000 años. Una apuesta que desde el amor a la vida y el miedo a morir ha permitido al espectador palpar las emociones del guerrero que no solo luchó, sino que también supo de miedos, pasiones y llantos.

El público ha podido empatizar con el esclavo tracio a través de un lenguaje que fusiona la palabra, con un texto narrado por Muñoz, y la plasticidad del ballet clásico.

En este sentido, los bailarines del Düsseldorf Ballet Theater, dirigidos por Peter Agardi,han elevado el espectáculo en una propuesta donde Igor Person asume la responsabilidad de dar cuerpo, a través de la danza, al joven Espartaco.

De actor a mito en escena

Frente a la tiranía implacable y el egoísmo puro de una Roma que no quiere perder el poder sobre los esclavos, estos empiezan su rebelión gracias a un Espartaco derruido tras haber matado a su mejor amigo en la arena. En la batalla, Muñoz carga de soberbia al personaje a través de su voz, hilando un discurso sobre la dignidad y los derechos de sus iguales que, irremediablemente, pagarán su libertad con sangre.

En una fusión casi idílica, el actor le da la oportunidad y la fuerza a Espartaco para revivir su pasado, asumiendo tanto sus errores como los egocentrismos del pasado.

El escenario, a través del cuerpo de los bailarines, se llena de una desgarradora fragilidad donde los cuerpos heridos de sus seguidores revelan la agonía de aquel que sufre bajo la fuerza del poder y la tiranía absoluta. Por esta razón el dolor que consume a Espartaco cobra más fuerza al acompañarse por composiciones musicales en directo, además del sonido de esas cadenas y látigos que recordaban su pasado trágico.

Del odio al perdón

La propuesta de las Graciani otorga todo el peso dramático a la evolución interna del propio protagonista. Espartaco es quien, frente a la inmensidad del teatro, asume el papel del narrador para que, con gracia y estilo, el cuerpo de baile exprese los pasajes de su pasado.

En el inicio de la historia, el relato nos muestra a un Espartaco visceral, consumido por el odio y el resentimiento, pues solo eso le “mantienen con vida” al mismo tiempo que le consume. Con bravura y una fuerza salvaje reflejada en la danza, el personaje verbaliza la rabia de verse despojado de su identidad.

Con una coreografía excepcional en la sincronicidad de movimientos de los 18 bailarines, el gladiador lanza una proclama de igualdad, pues “todos nacemos iguales con dos manos para aferrarnos al mundo”, por lo que, a su juicio, es sensato rebelarse “ante los hombres, pero también ante los dioses que permiten esta barbarie”.

Así, con una fuerza inquebrantable, el gladiador alienta a todos los esclavos de Roma, incluidos los emeritenses, a luchar, aunque el desenlace es inevitable y la puesta en escena que se vuelve más sobria, la coreografía abandona la espectacularidad de los combates iniciales para centrarse en la pesadez de los cuerpos cansados, reflejando el peso del destino que se avecina.

La muerte por una causa digna La muerte de Espartaco representa el sacrificio de un hombre que prefirió caer herido antes que verse nuevamente encadenado y que con amargura proclama que “no queda nada” y han “perdido la guerra”. En ese instante, cuestiona en qué momento confundió destino con soberbia, se castiga por su actitud y lanza al aire una duda existencial: “¿merece la pena matar y morir por muy digna que parezca la causa?”.

Con el dolor de saber que 6.000 de sus iguales están crucificados, el guerrero comprende y acepta su final, admitiendo que debió morir por una causa mayor, dejando resquicios de su testamento vital: “aquí llegué yo, lo demás es cosa vuestra”.

El final se corona con la muerte, representada por un caballo blanco, siendo aceptada por el tracio mientras escuchamos el emotivo discurso de su hijo, quien proyecta hacia el futuro la esperanza de que todo el sufrimiento habrá merecido la pena mientras la muerte se lleva a su padre. Al grito unísono de ‘¡Spartacus!’, la obra culmina en el teatro romano logrando una ovación.

Los desaparecidos no están muertos. Sencillamente, no están. Ni aquí ni allí. No están. 

Por eso, a la pregunta de si está Lorca muerto, la respuesta más literal, y a la vez la más simbólica, es que no lo sabemos.

A Lorca se le presupone en Alfacar (Granada), pero su condición de enterrado sin tumba —asesinato oculto del fascismo, como tantos otros miles— le hace ser un desenterrado constante. Por tanto, a Lorca hoy se le encuentra en el Teatro Español, cuando le interpreta Juan Diego Botto, o en Rivas-Vaciamadrid, cuando habla Alberto San Juan encima de lo que parece su féretro acristalado.

Qué gran idea la de Eugenio Merino al hacer transparente la tierra que echamos sobre nuestros muertos, y ver al poeta represaliado, por maricón y por rojo (rojo burgués, pero rojo), existir. La reproducción hiperrealista que hace el artista estremece como solo lo consiguen las apariciones de los muertos. A diferencia de Franco, al que Merino metió en una nevera de Coca-Cola, a Federico se le puede pisar, como se le lleva pisando 90 años.

Debajo de los pies de Alberto San Juan, Federico García Lorca no está muerto: se hace el dormido. “El día en que el hambre desaparezca va a producirse la explosión más grande”, escucha que dice el actor. Las palabras le suenan, pero no dice nada. Claro, lo dijo en una entrevista el propio Lorca. “El concepto del arte por el arte sería cruel si no fuera tan cursi”, dice ese hombre que pisa el cristal con unos folios en la mano. Federico le escucha y asiente. “El artista debe llorar y reír con el pueblo al que pertenece”, prosigue el hombre de negro. Federico no dice nada porque sigue haciéndose el dormido. Una mujer de pelo morado, en primera fila alrededor de la tarima, asiente.

“Tengo ansia verdadera por comunicarme con los demás” dice el actor, o lo dice Federico. Lo dicen los dos.

Entonces Lorca decide levantarse —de manera invisible, nótese que esta es una licencia de la crónica— y, enérgicamente se mete dentro del cuerpo de Alberto San Juan, al que le sobra el micrófono, y se le eleva la voz, que retumba en el hall del centro cultural. “¡Yo soy español integral pero odio al que es español por ser español nada más! ¡Yo soy hermano de todos!”. Y añade, en una de esas frases que, hace cien años y ahora también, causarán escozor: “El chino bueno está mas cerca de mi que el español malo”.

El patriotismo como crimen

Y entonces, Lorca se arranca con lo del patriotismo. Ahí la cosa se pone espinosa. “Señoras, señores y todo lo demás, ¿cuántas veces nos han hablado de patriotismo?”, pregunta. El público se mira de reojo entre sí. Algunas cuantas. “El patriotismo es uno de los grandes crímenes de la humanidad”, dice un Federico de 19 años. “Madre patria... nunca puede ser madre una por la que haya que derramar hasta la última gota de su sangre. La madre es el amor gigante, la piedad es el único amor verdadero. La patria no es segunda madre”, dice con convicción.

Y añade: “Hay que ser hijos de la verdadera madre, la del amor y la de la igualdad”, y entonces otra mujer ya no aguanta más y grita “¡bravo!”. Y todos los congregados al rededor del cuadrilátero donde yace vivo Lorca estallan en aplausos.

El poeta limpio

Tan elegante, con un abrigo limpio y una corbata bien anudada, Federico parece sostenido en el tiempo. No hay violencia en su rostro ni en su cuerpo. Federico es una ficción.

La obra artística de Merino y la escénica de San Juan nos advierten también de eso: Federico ha sido y seguirá siendo por siempre utilizado y manipulado, porque es un símbolo en disputa, y porque la llaga creada por un golpe de Estado en 1936 todavía no se ha cerrado, casi cien años después. Bajo la tierra, esta vez sí opaca, hay miles de cuerpos desaparecidos a los que sus familiares recuerdan quizás como a este Federico, vestido de domingo, elegante y ajeno a la tragedia, como en la última foto que les sacaron.

Cuando Sobre Lorca llega a su fin, el actor desciende por la escalerilla y el público invade el escenario. Muchos suben a la tarima para ver a ese hombre que hay debajo del cristal. Y le hacen fotos porque, claro, es Lorca. Y como está muerto no hay que pedir permiso para echarle la foto o el selfi. Como luego explicará el artista Álex Peña, Lorca es, de alguna manera, un souvenir de España.

No es la primera vez que Merino reentierra a Lorca. Ruina se mostró al público por primera vez en marzo de 2024 en Carabanchel, con la urna rodeada de 200 metros cuadrados de arena, y de vez en cuando reaparece para sacudir el presente. En septiembre de ese año, lo hizo convertido en Banco público, un cofre, esta vez opaco, donde solo se atisbaba el falso cuerpo por un agujerillo. Lorca estaba ahí, aunque no quisiéramos verlo.

Los recre

Aunque la performance de Alberto San Juan solo se realiza una vez dentro del FIC, Lorca seguirá vivo y presente-pero-ausente en Rivas también el sábado 27 de junio durante doce horas (de las nueve de la mañana a las nueve de la noche), en el centro cultural que, hermosamente, lleva el nombre del poeta. La pieza se podrá visitar en el FIC gracias a la cesión en préstamo por el Archivo Arkhé de Madrid, institución donde actualmente reside de forma permanente.

Además de estas dos acciones, hay que celebrar que ambas vienen acompañadas de la genial instalación interactiva Recreativos Federico creada por Álex Peña y que recorre España de manera itinerante. Unos minutos después del desaparición de Alberto San Juan de la escena, se monta un barullo y se abren los recre.

Jugar al futbolín con el Amor de Don Perlimplín y Belisa, o el gachapón de sorpresas de Bolas de Sangre nos hace caer fácilmente en la banalidad de convertir a Lorca en una atracción de feria más. A pesar del ruido, Peña no se resiste a explicarle a los primeros que entran qué son esas máquinas. El artista explica de dónde surge la idea: “En Granada puedo comprar un llavero de Federico con un verso suyo detrás. Se lo envío a mi primo de Valladolid y lo guarda en un cajón. ¿Y dónde ha quedado Lorca? En nada”. Peña quiere hacer una crítica, con mucho humor, a la “capitalización de la revolución”.

“Un salón de juego, como el teatro, no es más que una ficción”, dice a gritos. Una máquina de Yerma con forma de Torre Eiffel expende condones. Otra cambia cinco monedas de cinco euros por un billete, es el homenaje a Así que pasen cinco años, la obra de teatro que Lorca escribió al regresar de Nueva York y atisbar el capitalismo que vendría y que él se perdería. “Este es el corazón del capitalismo, una caja de caudales”, señala Peña.

Ganas a Las Sin Sombrero si consigues muchos puntos invisibilizándolas. El arte no es más que un juego de Arcade dándole fuerte a los botones del Cadaqués Invaders, con un Lorca que lanza bombas de castañuela a Dalí. Luego acaba la partida y, si lo piensas un poco, te sientes rara. Pero hay que pensarlo un poco.

Sobre Lorca, Ruina y Recreativos Federico llegan a Rivas y forman parte del FIC gracias al apoyo del Comisionado para la celeración de los 50 años de España en Libertad.

Comienza el gran festival de Barcelona, 99 espectáculos para cumplir 50 años en buena salud. Con un presupuesto de 4 millones de euros la fiesta se iniciará con la L’Òpera de tres rals, que estrenaran Bertol Brecht y Kurt Weill en 1928. La directora elegida no es otra que la creadora del momento, Marta Pazos, que ha ideado un viaje desde el Londres industrial a la Barcelona brutalista. Mackie el Navaja se traslada del Soho londinense al Paral.lel barcelonés.

Leticia Martín, que ejerce de directora del festival por segundo año, está contenta. La venta de entradas va mejor que el año pasado en que se vendieron 130.000 butacas, un 80 por ciento del aforo total. “Es pronto para decirlo, pero sí, parece que va mejor, hay espectáculos que ya están agotados”, afirma Martín a este diario.

Quien quiera ver a las grandes estrellas del teatro europeo como Romeo Castellucci, Florentina Holzinger, Christiane Jatahy o Angélica Liddell llegan tarde. Pero también hay que tener cuidado con las propuestas de aquí, Lucia Carballal, por ejemplo, ya ha agotado las entradas para esa maravilla llamada La fortaleza.

Martín confiesa que su gran miedo era que el 50 aniversario se “comiese” el propio festival. “Creo que hemos llegado a un equilibrio, comenzamos con L’Òpera de tres rals que conmemora los 50 años y luego el 17 de julio estaremos en la Sagrada Familia”, dice Martín refiriéndose a Arrels de Llum, espectáculo musical que contará con las cantantes Lidia Pujol y María Arnal.

Lo que sí tenía claro es que el festival debía comenzar con una coproducción con el Teatre Lliure en el gran espacio del festival, el Teatre Grec. El Lliure también cumple 50 años de existencia y la fiesta debía ser conjunta.

Sobre la polémica que ha llevado a la exclusión de Lluis Pasqual de los actos conmemorativos del Lliure la directora afirma no tener nada que decir. “Es una decisión artística, está en tu potestad decidir con quien quieres contar. Lo que parece un poco exagerado es que haya sido por el tema del homenaje a Caballé, pero es una decisión artística, cada uno celebra como quiere sus aniversarios y, la verdad, les ha quedado una programación fantástica”, afirma.

Barcelona brutalista

Marta Pazos lleva meses ya instalada en la ladera del Montjuïc, primero ensayando en el Teatre Lliure y ahora afinando los últimos detalles en el Teatre Grec. “Esta montaña tiene algo mágico”, confiesa a este periódico.

La directora gallega no para. Acaba de estrenar ópera en el Liceu, Las bodas de Fígaro, ha recogido numerosos premios por su Orlando tanto en los Premios Talia como en los Premios Max, y tras inaugurar el Festival GREC partirá al Teatro Nacional de São João de Lisboa para montar una obra de Gil Vicente. Además, ya en 2027 estrenará un Lope de Vega, El amor enamorado, en la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

Pero esta inauguración no es menor. Pazos estrena en el corazón mismo del teatro catalán una de las obras de repertorio más emblemáticas del teatro político europeo. Además muchos espectadores guardan en la memoria el montaje que hiciera Calixto Bieito en el 2002 también en este festival.

Pazos para esta ocasión cuenta con el mismo director musical, Dani Espasa, ha realizado una nueva traducción al catalán de Marc Rosich, y con grandes figuras de la actuación catalana como Eduard Farelo, Júlia Truyol o Miriam Moukhles. Macky Navaja, ese personaje del hampón que ha cantado desde Louis Amstrong hasta Nick Cave, será Nao Albet.

La obra de Bertol Brecht y Kurt Weill se estrenó en 1928, como piquete de resistencia en una Alemana a la que el nazismo llegaría al poder 5 años después. “La verdad es que en los últimos años me he especializado un poco en obras que se han escrito en ese año, es un año entreguerras, hay toda una profundidad en ese periodo”, afirma Pazos refiriéndose a los montajes de Orlando de Viriginia Woolf y Comedia Sin título y Viaje a la luna de García Lorca, todas escritas en el mismo año.

Al preguntarle si hay establecidos vínculos con la Europa presente donde está resurgiendo con fuerza el fascismo la directora gallega afirma que no hace falta “empujar” mucho un texto que deja claro desde el principio su orientación. “La frase ¿Quién es un criminal mayor? ¿El que roba un banco o el que funda uno? creo que ya define mucho”, explica Pazos sobre esta pieza musical que va sobre delincuentes, policía corrupta y empresarios mafiosos. “Lo que sí creo importante es seguir uniendo lazos con las obras que el siglo pasado funcionaron como altavoces de lo que venía, porque las similitudes con el presente son muchas”, observa la directora.

Pazos afirma que también ha tenido mucho en cuenta para el montaje el 1976, año en que nació el Festival y se creó el Lliure. “Un momento de profundos cambios que además es el año en que nací”, añade. La directora afirma también haber buceado mucho en el archivo del Teatre Lliure, “sobre todo me he centrado en la figura de Fabià Puiserver como escenógrafo”, apunta esta creadora sobre el que fuera fundador de un Teatre Lliure y gran conocedor del teatro de Bertol Brecht.

Para la escenografía, Pazos ha trabajado mucho sobre la arquitectura de la ciudad. “Me he basado mucho en el brutalismo catalán, barcelonés, para conectar con ese mundo industrial, más duro, en el que el individuo se enfrenta al sistema”, afirma la directora.

El otro vértice sobre el que Pazos ha levantado la obra es también netamente barcelonés. “A nivel social me he centrado en el Paral.lel”, explica sobre la arteria condal que fue durante muchos años del siglo XX el epicentro del musical y el cabaret peninsular. “Esos bajos fondos tienen mucho que ver con el Soho londinense”, afirma.

Otro de los sellos de esta directora es la especial atención al cuerpo y la energía de los actores. Para esta ocasión, Pazos vuelve a contar con la coreógrafa Mabel Olea. “Hemos trabajado mucho para unir la acción teatral con la parte cantada, para unir la gestualidad y el movimiento y que no hubiera una diferencia cuando están en un registro u otro”, explica.

“Son tres horas y pico sin parar, con mucha complejidad técnica y la entrega del elenco es total, hay un personaje que es el todo, que lo componen todos”, argumenta sobre este elenco, donde hay actores de varias generaciones y de distinta procedencia. “Marta Bernal proviene del cabaret, luego hay grandes figuras del Lliure como Farelo o Truyol, pero también grandes nuevos talentos como Biel Rossell”, afirma Pazos sobre este joven actor que viene de triunfar con La tercera fuga de Victoria Szpunberg.

Por último, la directora destaca el trabajo musical que se ha llevado a cabo en esta obra donde se rompió la tradición romántica de la ópera en una fusión entre el jazz y el clásico revolucionaria para su época, “el director, Daniel Espasa ha conseguido 13 músicos que son multi instrumentistas, trabajan todos los instrumentos originales y es impresionante el trabajo que realizan”, concluye Pazos.

El Teatro Cuyás presentó hoy la primera parte de su temporada 2026-2027, que se desarrollará entre los meses de septiembre y enero, con una programación de catorce espectáculos que combina grandes clásicos, nuevas dramaturgias y una notable presencia de figuras de gran prestigio nacional e internacional.

La presentación contó con la participación de la consejera de Cultura del Cabildo de Gran Canaria, Guacimara Medina; el gerente de la Fundación Canaria de las Artes Escénicas y de la Música de Gran Canaria, Manuel Pineda; y el director artístico del espacio, Gonzalo Ubani.

La consejera Guacimara Medina subrayó el papel del Teatro Cuyás como referente cultural del Archipiélago y destacó que “más allá de su condición de motor de las artes escénicas y la música, el Cuyás cumple una función cultural esencial para la sociedad. No se trata únicamente de programar espectáculos, sino de invertir en cultura, generar espacios de encuentro y fomentar el trabajo coordinado entre instituciones y agentes culturales”.

Por su parte, Manuel Pineda señaló que esta nueva temporada “consolida un proyecto cultural que sigue creciendo sin renunciar a su vocación de ampliar horizontes y atraer nuevos públicos”, poniendo en valor la continuidad de una línea artística que apuesta por la excelencia, la diversidad de públicos y la proyección internacional del espacio escénico.

“Queremos seguir mejorando nuestros niveles de ocupación, pero siempre manteniendo el equilibrio entre el éxito de público y una programación que invite a la reflexión, despierte nuevas miradas y contribuya al desarrollo cultural de la ciudadanía”, añadió.

La programación vuelve a consolidar la apuesta del Cuyás como un escenario abierto a múltiples lenguajes escénicos, con propuestas que combinan grandes textos clásicos, nuevas dramaturgias, humor, música en directo y danza contemporánea.

Clásicos universales, estrenos y grandes nombres de la escena

El director artístico, Gonzalo Ubani, destacó el equilibrio entre tradición y contemporaneidad de una programación formada por catorce espectáculos: nueve obras de teatro, dos propuestas de humor, dos musicales y una pieza de danza.

En este sentido, remarcó el estreno absoluto de El divorcio como medida higiénica, de CLAPSO producciones, protagonizado por Lili Quintana, Blanca Rodríguez y Maricarmen Sánchez.

“Es una temporada que reúne grandes nombres de la escena nacional, dos miradas a autores galardonados con el Premio Nobel, como Jacinto Benavente y Eugene O'Neill, y propuestas que dialogan con cuestiones muy actuales, sin renunciar al entretenimiento, la emoción y la excelencia artística”, señaló Ubani.

Una de las propuestas más destacadas es la inaugural, Malquerida de Benavente, que en esta ocasión estará dirigida por Natalia Menéndez y protagonizada por Aitana Sánchez-Gijón. También destaca Largo viaje hacia la noche, considerada una de las grandes obras maestras del siglo XX, con Carlos Hipólito al frente del elenco.

El Cuyás recibirá además por primera vez a autores como Borja Ortiz de Gondra con El barbero de Picasso, una comedia sobre la amistad entre Picasso y su peluquero protagonizada por Pepe Viyuela y Antonio Molero.

A ellos se añaden La barraca, de Vicente Blasco Ibáñez; Fronteras, de Henry Naylor, dirigida por Andrés Lima y protagonizada por Carolina Yuste; o la adaptación teatral del exitoso bestseller Invisible, de Eloy Moreno.

Música, danza y humor

La música tendrá un papel destacado con la actuación de Judith Hill Quartet en el ciclo Jazz Otoño 2026. Considerada una de las voces más versátiles de la escena internacional, ofrecerá un repertorio que fusiona soul, funk, blues y góspel. Además, la Gran Canaria Big Band compartirá escenario con Matt Forbes, uno de los crooners más destacados del panorama actual.

Masdanza vuelve en su 31º edición en la que presentará Transeúnte, una creación de Daniel Rodríguez que mezcla tradición y modernidad a través del movimiento y el folclore. Por su parte, la compañía Yllana, regresará al Cuyás con su última creación Flamencoh!, coproducida junto al prestigioso teatro Sadler's Wells de Londres.

El apartado de humor lo completan Escape Room, una de las comedias de mayor éxito en los últimos años, y el regreso de los clásicos del humor canario en el Cuyás, con Piedra Pómez, que presenta Posesa… Misma.

La presentación para el público general tendrá lugar esta tarde a las 19:30 horas en el patio de butacas del Teatro Cuyás, con entrada libre, donde el director artístico explicará los detalles de la programación.

Del desierto de Los Monegros a los viñedos de Cariñena, de los pueblos medievales del Pirineo a los escenarios urbanos de Zaragoza, Aragón acoge entre junio y octubre más de treinta festivales dedicados a la música, las artes escénicas, el patrimonio, el arte urbano y la creación contemporánea, citas repartidas por las tres provincias, configurando una oferta cultural que crece año tras año y que encuentra en el territorio uno de sus principales valores diferenciales.

Durante dos jornadas completas, el Divino Festt de Cariñena planeaba reunir este fin de semana a 18 artistas de la escena musical contemporánea —se ha cancelado debido a la implantación del nivel de alerta rojo plus—, distribuidos en tres escenarios con programación desde las 19.00 hasta las 06.00 horas. A ello se ha sumado una propuesta diurna el 26 de junio en la plaza de Cariñena, con un vermut musical que extiende el ambiente del festival al casco urbano y refuerza su conexión con la vida local, gracias a la fórmula que combina conciertos, vino, gastronomía y patrimonio. La cita, celebrada en pleno corazón de la Denominación de Origen Cariñena, apuesta por artistas de la nueva escena independiente y urbana, con nombres como Hinds, Xavibo, Depresión Sonora, Juicy BAE o Ultralágrima, convirtiéndose en uno de los festivales con mayor personalidad propia del panorama aragonés.

También La Almunia de Doña Godina vuelve a reivindicar la cultura de proximidad con el Festival Godina, heredero del antiguo Doña Festival. El encuentro, que se celebra este sábado, 27 de junio en el Parque de Cabañas, apuesta por un formato rural, familiar y sostenible en el que conviven la canción de autor, el folk y las músicas del mundo. El cartel de 2026 reúne a artistas como Pedro Pastor, Pilar Almalé, Isla Kume, Encantarias Folk, Baliza, Borrajas, Doña Manteca y Ziro, además de varias sesiones de DJs y una programación complementaria vinculada a la artesanía y la gastronomía local.

Este fin de semana también regresa el icónico festival Lagata Reggae Festival. Desde 2004 se ha ido convirtiendo en un referente clave para los amantes del reggae en España, destacando como uno de los festivales más representativos tanto en Aragón como a nivel nacional. Del 26 al 28 de junio, los amantes de la cultura jamaicana, el ska y el dub se verán un año más en un entorno rural único, estrenando nueva ubicación. El programa combina conciertos en el escenario principal, protagonizados por figuras de renombre como General Levy, Juantxo Skalari e Iseo & Dodosound, con una rica oferta de actividades diurnas en el parque. Desde el Reggae Market y sesiones de sound system hasta talleres de batucada, actividades infantiles y una Jam Session abierta, el festival ofrece una experiencia inmersiva de convivencia y naturaleza donde el “buen rollo” y las reggae vibes son los auténticos protagonistas.

Franja Rock en Peñarroya de Tastavins también celebra este fin de semana su cartel compuesto por Bihotza, el Artriste, Fatiga, Franja Rock, Hereus, Periferia, Poble Nostrum y Tobogán.

Con estas citas, termina el mes de junio de un verano festivalero que ya ha arrancado en Aragón con Poborina Folk en el Pobo de la Sierra de Teruel; Plaza Sonora de Zuera, Música al raso de Zaragoza, 21 Festival de Huesca y Veruela Verano, mientras que julio tomará el relevo con grandes citas como Polifonik Sound, Pirineos Sur, Monegros Desert Festival o el Festival Castillo de Aínsa.

En Barbastro, Polifonik Sound mantiene su papel como uno de los festivales pioneros del indie aragonés. El festival llega a su decimoséptima edición con Love of Lesbian despidiéndose de los escenarios, siendo el de Barbastro el único festival aragonés donde tocarán en 2026. El cartel también cuenta con Ultraligera, Delafé y las Flores azules, Mujeres y Lady Banana, entre otros, una programación que se distribuye entre el Recinto Ferial, la Bodega Laus y el centro de la ciudad los días 2, 3 y 4 de julio de 2026.

A medida que avanza el verano, la programación se multiplica en todas las provincias. En Huesca, SoNna Huesca vuelve a recorrer las diez comarcas altoaragonesas con conciertos en enclaves naturales y patrimoniales. Luz Casal, Pablo López y El Niño de Elche son los principales cabezas de cartel de la séptima edición del Festival Sonidos en la Naturaleza, que se celebrará entre el 4 de julio y el 12 de septiembre.

El Festival Castillo de Aínsa mantiene su apuesta por la cultura pirenaica y las músicas de raíz en uno de los conjuntos históricos más bellos de Aragón. El Drogas encabeza el cartel de la XXXVI edición, con un concierto el próximo 4 de julio, precedido por los ritmos folklóricos latinoamericanos de Marta Gómez y el espíritu étnico de El Naán el viernes 3 de julio. La Fueva, Tella, Labuerda o Abizanda, Olsón son otros escenarios del festival que se celebra entre el 20 de junio y el 12 de julio.

Entre el 3 y el 11 de julio el festival Nocte de Graus transforma plazas y calles en escenarios abiertos para las artes escénicas contemporáneas, combinando teatro, danza y circo en una de las propuestas culturales más originales del verano oscense.

Sin embargo, si existe un festival que simboliza la proyección internacional de Aragón es Pirineos Sur. Del 9 al 26 de julio, su emblemático escenario flotante en el anfiteatro natural de Lanuza, volverá a recibir a algunas de las figuras más destacadas de la música nacional e internacional. Artistas como Rufus Wainwright, Rubén Blades, Jorge Drexler, Suede, Los Planetas, Christina Rosenvinge, Bomba Estéreo, Judeline o Dani Fernández forman parte de una programación que combina rock, pop, folk, músicas del mundo, salsa y nuevas tendencias urbanas. Su capacidad para unir paisaje, patrimonio y música lo ha convertido en una de las citas más prestigiosas del calendario cultural español.

Otro de los fenómenos más destacados del verano aragonés continúa siendo la música electrónica y tiene como referente al mítico Monegros Desert Festival, cita imprescindible de la cultura rave internacional. El desierto de Fraga reunirá el próximo 25 de julio a más de 120 artistas en una maratón de 22 horas ininterrumpidas de música, con nombres de primer nivel de la cultura rave internacional como Richie Hawtin, Amelie Lens, Paco Osuna, Joseph Capriati, Seth Troxler, Indira Paganotto, Fatima Hajji, Klangkuenstler, Ben Klock, Len Faki, Chris Liebing, Kobosil o el aragonés Andrés Campo. Entre las principales novedades destaca Outworld, un espectacular escenario inmersivo de 360 grados con capacidad para 20.000 personas que convertirá a Monegros en el único festival del mundo en albergar este concepto, junto a espacios emblemáticos como Awakenings, Artcore, Unreal, elrow o 240 KM/H. Capaz de reunir a más de 50.000 asistentes en el singular paisaje semidesértico de Fraga, sigue consolidándose como uno de los mayores eventos electrónicos de Europa.

Iseo & Dodosound, Él mató a un policía motorizado, Queralt Lahoz, Hinds, Arizona Baby y Hostia Pedagógica conforman el cartel de bandas que actuarán en el Brizna Festival de Ayerbe entre el 31 de julio y el 1 de agosto.

La provincia de Zaragoza también concentra una parte importante de la actividad estival.

El Festival Manlor llevará a escena, por primera vez, la ópera Il Trovatore en el mismo lugar donde transcurre gran parte de su acción dramática. El Palacio de la Aljafería de Zaragoza acogerá dos representaciones, los días 9 y 11 de julio, ambas a las 22:00 horas. La producción contará con Carlos Daza (Conde de Luna), Miren Urbieta-Vega (Leonora), Ester Pavlů (Azucena), Andrés Presno (Manrico), Luis López Navarro (Ferrando), Marta Heras (Inés) y Ángel Baile (Ruiz), acompañados por el Coro Amici Musicae y la Orquesta Reino de Aragón. La dirección musical correrá a cargo de Ricardo Casero, mientras que la dirección escénica estará firmada por Leo Castaldi.

El Monasterio de Veruela volverá a ser uno de los grandes focos culturales gracias a Veruela Estival y Veruela Verano, ciclos impulsados por la Diputación Provincial de Zaragoza que combinan música, teatro, circo, danza y patrimonio. En la programación musical destacan artistas como Pancho Varona, Las Migas, Queralt Lahoz y Depedro, que actuarán durante todos los sábados del mes de agosto (1-22 agosto) en uno de los escenarios más singulares del Moncayo.

A pocos kilómetros, Borja volverá a acoger el Festival Amante, una cita que ha sabido fusionar el espíritu del indie nacional con la riqueza patrimonial y gastronómica de la comarca.  Entre el 31 de julio y el 2 de agosto, Dorian, Barry B y Carlos Ares encabezan el festival.

Mientras tanto, Calatayud mantiene su apuesta por la música en directo con CalataFest entre el 3 y 4 de julio con un cartel integrado, entre otros, por La La Love You, Sobrezero, Zebras, Seguridad Social, Dave, Modelo y Jayxme y Delacueva.

La provincia de Teruel presenta igualmente una programación cada vez más diversa. Aragón Sonoro, en Alcañiz, se ha consolidado como una de las principales referencias del pop y el rock independiente en el valle del Ebro. Del 20 al 23 de julio actuarán Sidecars, Alejo Stivel, Malmö 040, Modelo y EFFE, entre otros.

Mientras, Matarranya Íntim apuesta por una experiencia cultural completamente distinta, llevando espectáculos de teatro y artes escénicas a espacios privados y rincones singulares de las localidades de la comarca. Junto a ellos aparecen festivales como Gumma Fest en Alcañiz, Mute Festival o el veterano Festival Gaire de Pancrudo (Teruel), que continúan fortaleciendo la oferta cultural turolense.

El verano aragonés también encuentra en la música antigua y el patrimonio una de sus grandes señas de identidad: el Festival Internacional en el Camino de Santiago, que volverá a llenar, entre el 30 de julio y el 30 de agosto, monasterios y espacios históricos del Alto Aragón con algunas de las mejores formaciones especializadas de Europa. Su programación, dedicada a la música medieval, renacentista y barroca, convierte cada edición en una oportunidad para descubrir el patrimonio cultural de la comunidad a través de la música. En esta misma línea se sitúan propuestas como Pirineos Classic o diferentes ciclos patrimoniales impulsados por instituciones y ayuntamientos.

Cuando septiembre llega, Zaragoza toma el relevo con dos de las citas culturales más relevantes de la comunidad. Vive Latino España volverá a convertir el 4 y 5 de septiembre la capital aragonesa en punto de encuentro de la música iberoamericana, reuniendo artistas de rock, pop, mestizaje, rap y nuevas músicas urbanas procedentes de ambos lados del Atlántico. Niña Polaca, M-Clan, Rigoberta Bandini, Sanguijuelas del Guadiana, Guitarricadelafuente, La Plazuela, Ojete Calor, Siloé, Ultraligera y Veintiuno, son algunos de los artistas del cartel de este año.

La XXIV edición del Festival de Música Independiente de Zaragoza (FIZ) se celebrará el sábado, 26 de septiembre, en la Sala Multiusos del Auditorio, con los conciertos de Carolina Durante, La casa azul, Repion y La paloma.

A estas propuestas se suma la aparición de nuevos proyectos como Diosas Fest, el 18 de septiembre, un encuentro transfronterizo entre Aragón y el Pirineo francés dedicado a la creación artística femenina contemporánea.

Más allá de los grandes nombres, el crecimiento del fenómeno festivalero aragonés también se refleja en la aparición y consolidación de numerosas iniciativas repartidas por todo el territorio. Festivales como Fem Poble, Lana-Fest, Sáhara Colour Rice, DipuFest, Inde Music Festival, Festival APTC o El Mundo en Sallent demuestran la capacidad de Aragón para generar propuestas culturales diversas, descentralizadas y estrechamente vinculadas a sus municipios y comarcas.

La suma de todas estas iniciativas configura un panorama excepcional. Desde el folk hasta la electrónica, desde la música antigua hasta el arte urbano, desde los grandes recintos multitudinarios hasta los pequeños festivales rurales, Aragón ofrece durante más de cuatro meses una programación capaz de atraer a públicos muy diferentes.

Un mosaico cultural en constante crecimiento que confirma la gran vitalidad cultural de Aragón y su capacidad para descentralizar la oferta más allá de las grandes ciudades.

Había mucha expectación por esta adaptación llevada a cabo por Juan Echanove del peliculón de José Luis García-Berlanga. Se presagiaban posibles deleites: gran montaje con 18 actores en el Teatro Español de Madrid, el aditivo de poder escuchar en escena la especial mala leche del tándem Azcona y Berlanga, y un relato conocido por todos, que es ya parte de nuestra historia e imaginario.

Echanove ha enfrentado el proyecto con la desfachatez necesaria, llevando el asunto a una especie de vodevil zarzuelero y farsesco. Olvidando lo cinematográfico y dándole a la obra un cariz netamente teatral. Lamentablemente, la cosa no acaba de despegar.

La obra comienza con una declaración de intenciones, con todo el elenco cantando una loa a la caza con tono zarzuelero donde destacan actores que provienen del musical y la lírica como Enrique Viana, tenor que además construye un desternillante marqués de Leguineche, el personaje al que dio vida Luis Escobar.

Se nota el ojo de Echanove para elegir el reparto. Por ejemplo, el acierto en escoger a Pere Ponce para interpretar a Canivell, el empresario catalán que bordó José Sazatornil. Ponce es capaz de llevarlo por otros derroteros. También está muy bien Pedro Mari Sánchez quien, aunque más cercano a la interpretación de Agustín González, está telúrico como el Padre Calvo. Y Chusa Barbero clava a la marquesa tuerta que hizo Amparo Soler Leal en la película.

Acertadamente, porque sería imposible, el montaje no ha querido alejarse del inevitable referente cinematográfico. El público podrá hacer sus comparaciones con el filme que se estrenó en esa España de 1978. Son más dudosos los paralelismos políticos con nuestro presente que se han intentado hacer. Aunque las pulsiones humanas siguen siendo las mismas, la sociedad actual es más compleja que la ciénaga palaciega franquista.

Lo interesante del montaje es su voluntad de independizarse, de pasar de un lenguaje cinematográfico a uno netamente escénico. Algo que la obra consigue en ciertos momentos, pero que no llega a estabilizarse a causa de un ritmo desenfrenado, donde se pretende que la obra eclosione al mismo tiempo que quepa todo. Algo que ya le pasó a Echanove en la adaptación que hizo del clásico de Ernest Lubitsch, Ser o no ser.

Tampoco acompaña una escenografía que tiene una factura muy viejuna y que además se utiliza de modo tradicional. El problema no es la dirección de arte. Su estética española, muy manchega latifundista, funciona. Pero no se juega con ella, con todo lo que da de sí lo demodé del asunto, de un modo imaginativo, sino que se utiliza de una manera muy tradicional. Cuando de repente baja un decorado y según la convención teatral cambiamos de aposento, algo en ese subir y bajar impregna la obra de un sabor añejo que no le ayuda.

Torbellino de subtramas

Hace 25 años que Echanove, como intérprete, estrenó con éxito El verdugo bajo la dirección de Luis Olmos (se nota su legado en la obra). Para este montaje, el actor y director madrileño ha decidido contar con quien hizo aquella versión, uno de los especialistas en Azcona y Berlanga, el escritor Bernardo Sánchez Salas. Sánchez es un gran conocedor de los entresijos y el humor de Azcona y Berlanga, pero en esta ocasión parece haberse perdido en la búsqueda de una carpintería teatral que acaba por enmarañar la trama que, aunque alocada y llena de vicisitudes, en la película es meridiana.

El argumento en la película es claro: el empresario Canivell (Pere Ponce) asiste a una cacería, que él mismo financia, donde está la nobleza arrejuntada con ministros, ministrables y demás marionetas del Régimen para conseguir la influencia que le facilite forrarse con su nuevo negocio de “porteros serenos tecnológicos”, es decir, los hoy conocidos telefonillos que por aquel entonces no existían.

En la cacería está el ministro de Obras públicas (Patxi Freytez) a quien intenta liar. Ahí se monta un guirigay porque el ministro está enredado con una vedette del destape, Vera del Bosque (Elisa Matilla). Un follón que utiliza Canivell para conseguir el favor del ministro. Pero el desencadenante, lo que hace que la acción avance, es el anuncio desde el Pardo de que el ministro va a ser cesado y será sustituido por un ministrable también presente en la cacería, López Carrión (Javier Mora), opusino hasta la médula.

Muestran así Azcona y Berlanga cómo se las gastaba Franco, aupando a unos para defenestrar a otros de manera sucesiva y así mantener a las distintas familias del régimen unidas en la sumisión. Pero con la subida de López Carrión lo que también ocurre es que Canivell, que creía haber vencido, ve que el negocio se diluye como un azucarillo y tiene que humillarse hasta la genuflexión ante los nuevos “tecnócratas” para salvar los muebles.

Sin embargo, en la adaptación teatral esa sucesión de hechos se mezcla desde el principio desdibujando por completo el desarrollo emocional y moral del personaje. En vez de ese tránsito, la adaptación propone un personaje que se ve inmerso en un torbellino. Es una opción, pero su ejecución es confusa. Algo que llega a su cenit en la escena cuarta, donde Canivell va saltando de puesto de caza en puesto de caza y todos los argumentos se mezclan. Se pierde así la finura de las subtramas urdidas por Azcona: la de la política española mezclada con los enredos de faldas y la de todo el ecosistema de oportunismo y privilegio en torno a los focos del poder.

Es una pena porque la idea de una Escopeta nacional como vodevil es retadora. Echanove, acercándose a la farsa, consigue aproximar la obra al esperpento de Valle-Inclán por momentos, incluso se permite un guiño al Viridiana de Buñuel que le sienta como anillo al dedo. Pero los ritmos desaforados y cierta confusión argumental no permiten que las escenas que quieren acabar en dislate siempre lo consigan. La obra cae en ocasiones en un teatro de comedia convencional que aunque vaya rápida se estanca. Berlanga está ahí, sus personajes también, pero si aburres, irremediablemente, Berlanga desaparece.

Aun así, la obra tiene momentos de gran mérito, como esa colección de “pelos del coño” del marqués que funciona como un tiro o la escena final donde sí hay una verdadera condensación teatral. Una escena en la que la esposa de Canivell, Mercé (una estupenda Marta Ribera), canta con gran potencia y sentimiento mientras Pere Ponce interpreta a un Canivell ya vencido y ridículo que ve cómo se ha gastado todo en prebendas y no ha vendido ni una escoba. “¡Quina merda!”, clama Canivell… Ahí sí aparece el antihéroe berlanguiano que se quiere caradura, pero la historia y la sociedad terminan siempre tomándole el pelo hasta dejarlo tan desnudo como desamparado.

La localidad toledana de Guadamur vivirá este fin de semana una teatralización musical de temática visigoda con el estreno de 'El último rey', una obra que ya ha agotado todas las localidades: hasta un total de 800.

Esta función, dirigida por Alberto Sánchez García Tenorio, natural de Guadamur, se representará este sábado y el domingo en el Teatro Auditorio de Guadamur, y se trata de una propuesta cultural que une historia, música, teatro, danza, vestuario y participación vecinal.

La obra habla de Rodrigo, último rey visigodo

'El último rey' se inspira en las raíces visigodas de Guadamur, en su relación con el Tesoro de Guarrazar y en el imaginario histórico que forma parte de la identidad del municipio. La historia gira en torno a Roderico, Rodrigo en la obra, el último rey visigodo, y narra su ascenso al trono, la pérdida del poder tras la invasión musulmana y el intento de salvaguardar el tesoro para que no caiga en manos enemigas.

El montaje cuenta con unas 60 personas, en su mayoría de Guadamur, aunque también participan vecinos de Polán y Casasbuenas. Ninguno de ellos es profesional. En escena habrá niños desde los 8 años, como Sacha, David, África o Deisi, y también personas mayores como José Luis Ancillo, de Casasbuenas, que roza los 90 años. Desde febrero, el grupo ha ensayado prácticamente a diario durante dos o tres horas para levantar una obra coral que, en palabras de su director, ha sido “un trabajo muy duro, pero muy gratificante”.

Para la alcaldesa de Guadamur, Sagrario Gutiérrez, el espectáculo representa el esfuerzo compartido de un grupo de vecinos que ha dedicado su tiempo y sus capacidades a poner en pie “un espectáculo grandioso”, preparado a través del programa de artes escénicas de la Diputación Provincial y coordinado por Alberto Sánchez García Tenorio. Además, ha destacado el valor de que el proyecto haya conseguido reunir a personas de todas las edades y ha expresado su deseo de que pueda representarse en otros municipios para que más vecinos de la provincia de Toledo puedan disfrutarlo.

El origen de 'El último rey'

El proyecto surgió, según explica su director, “un día paseando por Guadamur, cerca del castillo”, al pensar en las Jornadas Visigodas, en el Tesoro de Guarrazar y en la posibilidad de crear un espectáculo que ayudara a difundir la historia local desde el escenario. A partir de esa idea, Alberto Sánchez García Tenorio ha escrito junto a su pareja el guion de la obra, ha compuesto música original y ha formado a los participantes como actores y bailarines.

Uno de los elementos más significativos del proyecto ha sido la implicación colectiva. El vestuario y el atrezzo han sido elaborados por cuatro mujeres de la localidad, profesionales o aficionadas a la costura, que durante tres meses han trabajado en un pequeño taller cedido por el Ayuntamiento bajo el auditorio. Han creado cerca de 100 trajes, ya que algunos personajes cuentan con cambios de vestuario durante la representación.

El tesoro de Guarrazar como protagonista

Entre las escenas más especiales de la obra, Alberto Sánchez García Tenorio destaca el enterramiento del Tesoro de Guarrazar, un momento íntimo y de gran intensidad emocional en el que la reina, junto a sus hombres de confianza, decide ocultar el tesoro para proteger el legado de su pueblo. “En los primeros ensayos acabábamos llorando todos”, recuerda el director, que vincula esa escena con la tradición, el arraigo y la necesidad de mantener viva una herencia común.

El éxito de público llega, además, después de una venta de entradas muy rápida, completada en apenas dos semanas. “Estamos emocionados, pero con una responsabilidad muy grande de haber llenado tan rápido las 800 butacas”, señala Alberto Sánchez García Tenorio, que define la obra como “un viaje a nuestras raíces, una muestra de nuestra historia y nuestro legado”.

Tras las funciones de este fin de semana, el equipo confía en que a partir de septiembre la obra pueda representarse en otras localidades para seguir difundiendo las raíces visigodas de Guadamur y dar continuidad a un proyecto que ha unido creación artística, memoria histórica y participación vecinal.

La ministra de Vivienda y Agenda Urbana, Isabel Rodríguez, y la directora de la Fundación del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, Irene Pardo Molina, han firmado un protocolo de colaboración.

A través de este acuerdo, ambas entidades se comprometen a actuar en la promoción y la difusión del patrimonio arquitectónico nacional y la divulgación del teatro, la literatura y la cultura del Siglo de Oro español, planteándose así un punto de encuentro entre la arquitectura y las artes escénicas.

Este acto ha coincidido con el debate y la convalidación en el Congreso de la declaración como acontecimiento de excepcional interés público de la 50 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro.

La declaración reconoce el carácter “singular e irreemplazable” del festival, principal evento cultural de Castilla- La Mancha y uno de los más destacados del país y del mundo en su especialidad.

Son las doce de la mañana y la gente de Cádiz, que sabe la perla que tiene, forma una cola larguísima para ver la nueva creación de Rosa Romero. Con paciencia, los espectadores van llenando la sala de La Merced. Con todos ya sentados sale a escena un bicho rojo en traje de seda, un glóbulo sanguíneo que es todo cuerpo, gesto y presencia. Es la propia Romero transformada en un bicho que es, al mismo tiempo, pura destilación de la mujer gaditana e icono bufo de la performer moderna. Romero todavía no es conocida por el gran público, pero lleva tiempo avisando. Esta artista lo tiene todo: cabeza, presencia, guasa, cuerpo y, sobre todo, compás.

La pieza se llama El discurso y no está acabada. Tan solo mostró 30 minutos dentro del programa del Festival Cádiz en Danza. El estreno será en el Festival TNT de Terrasa en septiembre. Los espectadores del festival ya saben de la potencia de la artista que tienen en frente. Pero da igual: cualquiera, avezado o no en esto de la danza y las artes vivas, puede darse cuenta de la fuerza insólita de este bicho. De que pisa como nadie el escenario, de la extraña mezcla entre tradición y moderneo y de su dominio del tempo escénico.

Romero en Debut es capaz de mezclar el Macbeth de Shakespeare con un discurso feminista y hacerlo mofándose de sí misma y de toda la escena contemporánea al mismo tiempo. “En las tragedias griegas los personajes femeninos mueren justo después de discursar, alertando del peligro al que se expone una mujer al hablar”, explica Romero en conversación con elDiario.es. “De un modo similar, las contemporáneas estamos siempre dándolo todo en escena, hasta reventar, entregadas como la Liddell, venga a cortarnos las venas”, añade con ojos de pícara.

Romero siempre se agarra al humor y, sin romper ese código, poco a poco la guasa va cogiendo un sabor agridulce. Poco a poco, ese ser rojo va mostrando otro lado que recoge la esencia de esas mujeres andaluzas que arrastran por las calles sus vidas colgadas de bolsas, hijos y hombres inútiles. La pérdida, la vida como un calvario, todo un sentir jondo se va dejando entrever en esa supuesta puesta en escena tan moderna y contemporánea. Pero, ¿quién es esta gaditana que parece un Ignatius Farray reencarnado en una mujer que canta mientras fríe tortillitas de camarones? ¿Quién es Rosa Romero?

Cinco años de locura eremita

Rosa Romero tiene ojos de niña, pero ya peina los cuarenta. Comenzó joven, hace ya 20 años, con esa generación a la que hoy se conoce bajo el nombre de “Málaga power”. Allí estudió e hizo sus primeras obras junto a nombres como Alberto Cortés, la Chachi, Alessandra García, Violeta Niebla o Luz Prado. Años de experimentación y “háztelo tú mismo” que fueron desgastando a esta joven, que veía que aquello no daba para vivir: “Hacía títeres para cumpleaños infantiles o me vestía de conejo gigante, y acabé cansada de ganar 50 euros por función, así que decidí irme”.

Después de un paso efímero por Madrid, Rosa volvió a su San Fernando y decidió alquilarse un local antes que un piso donde vivir: “Me pasaba la vida allí, currando, tirada en un sofá”. Aquel encierro fue un volver en sí, a su origen: “Ya había recorrido mucho, conocido otras gentes y pude comenzar a valorar lo que había aprendido en casa, que tiene que ver con el compás y el flamenco. Comencé a investigar sobre cosas que eran mías, que me salían natural”. Romero recuerda que comenzó a bailar todos los días, como hacía de pequeña en su habitación. Pero se fue quedando sola: ninguno de sus compañeros podía seguirle el ritmo.

Romero no salía de aquel local donde estuvo encerrada cinco años; poco a poco fue pasando gente que la fue ayudando. Entre ellos, el propio Alberto Cortés —con quien montó varias piezas—, pero también la coreógrafa Patricia Caballero, que supo ver su esencia. “Un día Patricia, viéndome bailar, me dijo: 'Quieta, ahí, sigue con eso, sigue'”, rememora. Romero señala uno de los momentos de giro en su carrera en el que se dio cuenta de que aquellas improvisaciones podían tener un valor artístico, que eran la piedra sobre la que fundar su teatro. Empecé a descubrir la necesidad de poner el cuerpo en el centro, de trabajar con la voz y con el compás, descubrí cuál podía ser mi lenguaje“, resume la artista.

De esa vida de eremita salió con una pieza, Esta no es la vida privada de Rosa Romero, que estrenó en Sevilla, ciudad en la que decidió comenzar una nueva vida de la que surgiría una de las piezas fundamentales de su carrera: Debut. En ese trabajo nace su movimiento ya consolidado, un movimiento flamenco que reta, que expulsa algo del cuerpo y que Romero convierte en espasmo, en breve momento donde su cuerpo es poseído por un bicho que tiene más de gremlin macarra y juguetón que de pesadilla negra o afectación flamenca.

Siempre agarrada al humor, a lo no hecho, al fragmento roto, su baile es como la anagnórisis de un personaje que de repente se da cuenta de quién es realmente. Debut es una obra que sigue viva y que se podrá ver el 29 de junio en la sala Reina Victoria de Palma del Río. Quien quiera ver el nacimiento de una artista no tiene nada más que ir a verla. La pieza llegará también a Madrid, al espacio de Infinito Delicias, el 17 de octubre.

Tras aquella, realizó otra gran pieza, Soy un baile (2023), que creó con apoyo de más gente: la Aceitera de Rocío Molina (que la adora), la Caldera en Barcelona o el TNT de Terrasa. Llegaron los premios y el reconocimiento de la escena contemporánea en esta pieza en la que Romero hacía desaparecer un cuerpo que buscaba ser validado para hacer nacer otro bien distinto, libre. Eso sí, vestida en un pijama imposible, tan ridícula como punki.

La transformación y el círculo flamenco

Hablando con ella, poco a poco, va dejando mostrar de dónde surge todo. Romero es animal contemporáneo, se lo ha visto todo, algo que se nota en cómo cuida cada aspecto de sus trabajos. Los vestuarios con Gloria Trenado, la inserción de la música, el tratamiento del cuerpo en escena… Pero en sus piezas también hay guiños hacia lo flamenco que no son meros resabios andaluces, sino que tras ellos se esconde la fuerza medular de esta creadora.

Romero creció en el Barrio de las Callejuelas de San Fernando, el mismo que Camarón de la Isla. Su abuela vivía en un patio de vecinos donde todos compartían cocina y baño, y se crio con su madre y su tía, Lela Fontao, que regentó durante años la Venta de Vargas, templo del flamenco donde con ocho años Camarón cantó por primera vez. Romero creció en torno a la asociación de mujeres salineras del barrio, donde su madre y su tía, con otras mujeres, vendían tortillitas de camarón para pagar la factura de la luz de alguna asociada o solucionar los miles de problemas de aquellas mujeres que vivían en un barrio obrero y necesitado.

“Me acuerdo cuando Antonia estaba con la espumadera y se ponía a cantar. Se transformaba, parecía otra persona. O cuando pasaba el Nazareno, la procesión, que salían fuera y le cantaban, me cogían de la mano y las miraba mientras notaba cómo vibraban… Aquello, aunque lo viviera con normalidad, me impactaba mucho”, evoca Romero.

Eso mismo busca Rosa Romero en sus piezas, esa transformación, ese convertirse en otro en escena. Lo hace con mesura, casi sin que se note, con cierto decoro de mostrar sus raíces. Algo que, sin embargo, ha explotado en su colaboración con una de las flamencas con más power del panorama, María Moreno. En su última obra, Magnificat, que llegará al Albéniz de Madrid el 19 de julio dentro del festival Villanos del flamenco, Romero se suelta el pelo hasta el descoloque.

Esa infancia también le ha dado el otro vértice sobre el que estructura sus piezas: el corro, el círculo flamenco al que la empujaban de pequeña a bailar, donde se convocaba para que algo pasase. “Cada día me importa más el público, estar lúcida para darme cuenta de qué pasa en ese círculo y encontrar cómo retroalimentarnos para que algo pueda ocurrir”, explica Romero. “En esas ando ahora con la nueva pieza, veremos”, concluye.

Las calles, plazas y hasta la iglesia de la localidad de Villamalea, en Albacete, volverán a llenarse los próximos días 25, 26 y 27 de junio del arte de las danzas y bailes que conforman el Festival Paisaje, que este año celebra su sexta edición de fusión de este arte con el folclore manchego con las artes escénicas y la música en directo, como “patrimonio inmaterial”.

Su director, Joaquín Collado, es originario del municipio, pero actualmente reside en Barcelona, después de haber viajado a varios países y de formarse en el arte de la danza y las artes escénicas, una vocación que descubrió a los 18 años tras estudiar Bellas Artes.

En su localidad natal, con la que mantiene un “vínculo muy fuerte”, es donde lleva seis años dando forma a un festival cuyo nombre bebe de “la necesidad de potenciar nuestro paisaje”. “No ese paisaje que todos asociamos al verde o a la playa, sino nuestro paisaje ancho, llano, horizontal, amarillo y de secano, pero igualmente bello”, argumenta.

El nombre también está relacionado con la esencia del Festival porque, a nivel poético, durante esos tres días, su objetivo es “generar nuevos paisajes, múltiples, plurales”, cuando la danza y el arte “vienen a contactar con un territorio específico.

Ponemos a la gente en el centro, promoviendo el derecho y la accesibilidad a la cultura

Durante tres días, Villamalea se llena de artistas, de cultura, de baile y mucha música en directo. Para ello, aunque el evento es independiente, cuenta con el apoyo del Ayuntamiento y diversas cooperativas locales privadas, y destaca por su carácter participativo. “Ponemos a la gente en el centro, promoviendo el derecho y la accesibilidad a la cultura”, destaca Collado, remarcando que el Festival llegue a espacios como la cooperativa de vino o la piscina y este año, por primera vez, la iglesia del pueblo.

Su director también precisa que el Festival Paisaje no solo consiste en espectáculos, sino que también se llevan a cabo varios talleres, algunos sobre danzas, pero también otros de carácter artístico o de canto coral y movimiento, fusionando letras del cancionero popular con estilos contemporáneos.

De esta forma, los objetivos del Festival son fortalecer el tejido sociocultural del medio rural, reivindicar el patrimonio cultural inmaterial manchego, acercar propuestas artísticas contemporáneas de calidad a la ciudadanía, generar oportunidades de acceso y participación a la cultura en el contexto rural, y proyectar la provincia de Albacete como un territorio de referencia para la creación contemporánea.

A lo largo de sus seis ediciones, Paisaje ha acogido a 37 artistas y compañías nacionales e internacionales y ha reunido una audiencia superior a las 2.000 personas por edición. Actualmente, es el único festival especializado en danzas y bailes de Castilla-La Mancha.

El evento articula una programación multidisciplinar centrada en “el diálogo entre folclore, la danza contemporánea, los bailes populares, la música de raíz”, y todo el espectro de prácticas contemporáneas participativas, desarrolladas por artistas procedentes de seis comunidades autónomas y la propuesta internacional del artista libanés Charlie Khalil Prince, invitado gracias al importante premio otorgado por las plataformas Aerowaves Dance Across Europe y Europa Creativa.

Este año, además, Festival Paisaje representó a Castilla-La Mancha en el foco español de festivales de artes escénicas llamado 'Territorio' y celebrado en el marco del festival Europalia, en Bruselas.

Los artistas invitados a esta sexta edición son el artista conquense Miguel Olmeda con su performance participativa 'Unsuitable', en la que pide la colaboración de la gente para descoser su traje de vestir, a la vez que cuenta una historia sobre masculinidad, poder, cuidados y la relación con su pueblo. También realizará un taller de babis y mandiles.

Los artistas valencianos Mar García y Javi Soler, con su propuesta 'Villamalea's Cora', un taller de canto coral y movimiento de tres días, abierto a la participación ciudadana. Por su parte, el artista extremeño, Juan Carlos Panduro, con su espectáculo de circo y poesía 'Anoche el cielo se puso bocabajo', que será presentado dentro de la Iglesia de Villamalea. Panduro también dinamizará un taller de circo para el público infantil.

Por su parte, la Asociación de Mujeres de Villamalea preparará una cena popular abierta a todo el mundo el primer día del evento, seguida de un taller de folclore y un concierto, de la mano de Kantata La Raíz, agrupación conquense dedicada a la recuperación y actualización de las músicas tradicionales.

De Charli Khalil Prince a Delameseta

El sábado, al artista libanés Charli Khalil Prince, junto con el músico berlinés Joss Robert, presentarán su espectáculo 'The Body Symphonicp, en la Cooperativa del Vino San Antonio Abad, sobre la estigmatización del cuerpo arábe y la crisis geopolítica en Oriente. También realizarán un taller de música experimental con la banda de música juvenil.

La bailaora malagueña La Chachi, junto a la cantaora Lola Dolores, presentarán su obra de flamenco contemporáneo 'Taranto Aleatorio', espectáculo destacado por su amplia trayectoria en festivales nacionales e internacionales.

Finalmente, el Festival se cerrará con el grupo vallisoletano Delameseta y su concierto 'Al baile por ver amores', proyecto de referencia en la renovación de las músicas tradicionales castellanas mediante el diálogo entre folclore, electrónica y cultura de club.

Después del concierto, se celebrará 'Fiestaca de Clausura' de Paisaje, en colaboración con la Asociación por el Autismo 'Caminos Azules', que se encargará de la barra de bebidas, y con el DJ invitado Robin Tooth, referente por las fiestas de Orgullo. P

Además, por primera vez en Villamalea, se aprovechará el contexto del Festival Paisaje para lanzar un manifiesto en representación de las personas LGTBIQ+: “Sí a la diversidad, sí a la pluralidad, no discriminación, no a la violenta, sí a una cultura libre por la vida”.

La cultura se ha convertido en una de las protagonistas absoluta en la provincia de Badajoz durante 2026. Y es que la Diputación ha impulsado una red de actividades que dinamiza municipios de todos los tamaños y consolida un modelo que destaca con una red de eventos que recorre la provincia de punta a punta, demostrando que la cultura no es un lujo urbano, sino el oxígeno que mantiene vivos los corazones rurales. A través de programas como D’rule, Danzaria o PueblArte, la institución ha convertido cada plaza, convento y ruina romana en un escenario donde la identidad extremeña baila, canta y se reinventa ante los ojos de sus vecinas y vecinos.

La pacense es una provincia que no se resigna a lo cotidiano, una tierra de horizontes infinitos donde la cultura ha decidido brotar con la misma fuerza que la encina en la dehesa. La Delegación de Cultura, Deporte y Juventud de la Diputación de Badajoz ha trazado en los últimos años una cartografía de la belleza y la diversión que este año está alcanzando su cénit. Lo hace bajo una premisa tan sencilla como revolucionaria: que el arte debe ser un patrimonio compartido como un hilo invisible que una la localidad más pequeña con las vanguardias más audaces. Esta estrategia no es fruto del azar, sino de un Plan de Dinamización Cultural que camina sobre dos pies firmes. Por un lado, la generosidad de las subvenciones que riegan el tejido asociativo y las entidades locales, permitiendo que la iniciativa ciudadana respire; y por otro, una constelación de programas propios que son, en sí mismos, una declaración de amor al territorio y a las creadoras y creadores que lo habitan.

Teatro profesional

El teatro profesional, ese espejo donde la humanidad se reconoce, ha encontrado su hogar en los rincones más insospechados gracias al programa D’rule: Artistas en el Territorio. Desde que naciera en 2016, este circuito ha logrado que la palabra de los actores y actrices deje de ser un eco lejano para convertirse en una realidad sonora y visible en las plazas pacenses. D’rule es más que una cartelera; es un motor que impulsa a las compañías locales, dándoles la oportunidad de mostrar su oficio ante un público que, a menudo, descubre por primera vez la magia del directo. Este éxito rotundo ha posicionado a la provincia como un referente nacional en la gestión cultural rural, demostrando que el talento profesional no teme a los kilómetros cuando hay una mirada y un oido atentos esperando al final del camino. Es una simbiosis perfecta donde el artista crece y el vecindario se enriquece, tejiendo una red de experiencias que fortalece el alma de los pueblos.

Pero la creatividad en Badajoz también sabe mancharse las manos de color y salir al encuentro del paseante a plena luz del día. PueblArte ha roto los marcos de las galerías convencionales para llevar el proceso vivo de la creación artística a pie de calle. En este programa, las artes plásticas se despojan de su habitual hermetismo para mostrarse desnudas: el olor del aerosol, la precisión de la acuarela y la paciencia del óleo se mezclan con música en directo bajo el cielo de Extremadura. Es un espectáculo en sí mismo ver cómo un lienzo en blanco se transforma en patrimonio mientras vecinas y vecinos conversan con el artista. Al finalizar el evento, esas obras se quedan en las localidades, pasando a formar parte de su historia visual y recordando que el arte es un proceso democrático que sucede aquí y ahora, transformando plazas cotidianas en museos efímeros de una potencia estética abrumadora.

Circo contemporáneo

El asombro se eleva unos metros sobre el suelo cuando llega a un pueblo pacense Badecirco, el festival que reivindica el circo contemporáneo como una de las disciplinas más exigentes y hermosas de nuestro tiempo. En su octava edición, este programa ha logrado involucrar a quince compañías y veinticinco actuaciones que desafían las leyes de la física y la lógica en veinticinco municipios distintos. Badecirco no se limita al entretenimiento; es un ejercicio de equilibrio preciso entre el cuerpo y la mente, una amalgama de acrobacias, humor y malabarismos que consigue borrar las fronteras generacionales. Aquí, infancia y mayores comparten la misma boca abierta de sorpresa, mitigando la brecha de acceso a la cultura y demostrando que un espectáculo de altura puede ocurrir en cualquier rincón si existe la voluntad política de hacerlo posible.

Esa misma voluntad es la que dio vida a Danzaria en 2021, un festival que este año celebra su sexta edición con una salud envidiable. Lo que empezó como una propuesta piloto para llevar la danza a municipios de menos de quinientos habitantes es hoy un gigante que ha recorrido más de sesenta localidades. Danzaria ha sabido habitar espacios que son joyas del patrimonio, como una corrala en Montemolín, un antiguo convento en Llerena o el imponente Templo de Diana en Mérida, convirtiéndolos en templos del movimiento contemporáneo. Pero su mayor logro no se limita a la exhibición, sino que se abre a la participación. A través de sus talleres y workshops, el festival ha logrado que asociaciones de mujeres y escolares exploren su propio lenguaje corporal, perdiendo el miedo a una disciplina que antes sentían ajena. Bailarines de la talla de Juan Carlos Guajardo o Ana Baigorri han regresado a sus raíces para demostrar que la danza es un derecho fundamental, una forma de libertad que no entiende de códigos postales.

El pulso sonoro de la provincia lo marca Músicos en Movimiento, una gira itinerante que funciona como el gran altavoz del talento local. Este festival no se limita a programar conciertos; crea un entramado de relaciones donde las bandas emergentes conviven con los sonidos de vanguardia, conectando a los municipios con la identidad creativa propia de Badajoz. Es una invitación a desplegar la agenda y dejarse llevar por el ritmo de una tierra que suena a futuro, a ilusión y a trabajo bien dirigido y ejecutado.

Identidad

Pero el sentir cultural de la provincia no se entiende sin su raíz más profunda: el flamenco. El proyecto Pasión por el Flamenco Sin Frontera ha trascendido los límites geográficos, revolucionando recientemente el prestigioso Festival de Arte Flamenco de Mont de Marsan, donde siete excelsos artistas demostraron que el arte pacense es una referencia mundial. Esta proyección internacional es el fruto de un trabajo constante que se cultiva día a día en el territorio a través de las Aulas de Flamenco y de festivales como el Festival de Copla Rosa Morena, el Festival Porrina de Badajoz y el Festival Pasión por el Flamenco, de donde han surgigo las actuaciones en el extranjero y la presencia en citas como el Flamenco Festival Londres.

Bajo este paraguas de diversidad artística, la Diputación de Badajoz ha ido tejiendo una programación que no deja ningún rincón del alma humana sin explorar. El compromiso con la esencia se manifiesta también en iniciativas de memoria histórica y democrática, el fomento de la Literatura en mi pueblo y la necesaria tarea de Recuperando la lengua extremeña y Nubeteca, que articula la lectura y el libro en el entorno digital. Pero la cultura es también celebración y alivio; por ello, la provincia se llena de risas con Cómicos en carretera a carcajadas y se rinde al talento melódico en el Festival Jazz o desde la solemnidad con los Villancicos hasta la vanguardia de nuevos programas de creación escénica, la oferta cultural se convierte en un derecho accesible que desafía la distancia y el olvido en la provincia más extensa de España.

Este trabajo concienzudo ha encontrado su máxima validación en el prestigioso informe ‘Lo mejor de la cultura 2025’ del Observatorio de la Cultura donde la Diputación de Badajoz se ha consolidado como la única institución pública extremeña con tres reconocimientos en este ranking nacional, destacando la meteórica ascensión de El Hospital Centro Vivo, que ya se sitúa en el pódium de la oferta regional junto a gigantes como el Museo Helga de Alvear. Este éxito, sumado a la excelente valoración de programas como D’Rule y Badecirco en el entorno rural, confirma que el modelo pacense es una referencia de gestión en España. En 2026, Badajoz no se limita a consumir cultura: la exporta, la protege y la vive como el motor imparable de su desarrollo y dignidad.

En definitiva, bajo el lema Pasión por la Cultura, la Diputación de Badajoz ha construido un refugio contra el aburrimiento. En cada función de teatro, en cada salto acrobático y en cada trazo de pincel, se escribe la crónica de una provincia que ha decidido que su mejor defensa es la capacidad de creación y su mayor orgullo es la cultura compartida.

La palabra insurrecta y la profundidad política de La Barraca de Vicente Blasco Ibañez ha llegado por primera vez a escena. Magüi Mira dirige una sintética adaptación en la que consigue plasmar toda la fuerza del escritor valenciano ante la injusticia y acercarla al presente con una puesta en escena nada costumbrista. No hay barraca, no hay casita, no hay siglo XIX. En cambio, un espacio vacío va llenándose de territorio, de albufera, de sangre y de sudor de unos actores entregados a una propuesta física, violenta y animal.

Llevan una larga gira desde que la obra se estrenó en Albacete hace casi un año. Más de cincuenta funciones, con más de 80 sacos a cuestas llenos de un caucho rojo que en escena serán símbolo de esa tierra cultivada con sangre. Ahora, están en temporada en el Teatro Fernán Gómez de Madrid hasta el 21 de junio. Luego seguirán de gira: San Javier, en agosto; Salamanca, Murcia y las Palmas, en octubre; Galicia, en noviembre, y cerrarán el círculo, ya en diciembre, otra vez en Hellín (Albacete).

El montaje está aupado por un elenco de ocho actores encabezados por Daniel Albadalejo —Batiste, un campesino que viene de fuera a trabajar las tierras del amo— y Antonio Hortelano, que interpreta con gran fuerza a Pimentó, labriego embrutecido, alcoholizado, al que sus amos han dado la confianza de administrar las aguas y que lidera la voz del pueblo que acabará matando al hijo de Batiste y quemando su Barraca. El odio al que viene de fuera, el analfabetismo, el hombre reducido a bestia por la explotación laboral… Un panorama que un joven Blasco Ibáñez de 30 años reflejó con crudeza y maestría en 1889.

La versión está escrita por Marta Torres. “Fue ella quien tuvo esta gran idea. Cuando me la ofreció, me palpitó el cuerpo entero, me puse a temblar”, confiesa a este periódico Magüi Mira, quien dice conocer muy bien de lo que habla Blasco Ibáñez en la novela. “Soy valenciana y me he criado en la huerta, hay vivencias que nadie me tiene que explicar”, señala esta mujer nacida en 1944, que dice recordar muy bien lo que era el hambre.

Magüi Mira comenzó como actriz en los 70 con José Sanchis Sinisterra. Lo ha hecho todo en teatro. Al preguntarle por la posguerra dice recordar, como si fuera ayer, su infancia con su abuela, con quien la mandaban porque en el pueblo había comida. “Me acuerdo cuando anochecía que salíamos a recoger lo que hubiese en el huerto, un pequeño calabacín, un tomate, para así poder comer algo. Recuerdo a mi abuela diciéndome, mira por ahí Magüisa, a ver si encuentras algo”, evoca con la mirada en otro lugar.

“Me acuerdo de mi tío Pepe que tenía un horario muy restringido para abrir la portezuela del canal y así poder regar, justo como en la novela; y también me acuerdo de no tener luz ni agua, de limpiarme en un balde de estaño con lo que tuviera, con una piedra o una hoja de nogal”, recuerda Mira, y añade que, cuando le llegó el proyecto, se le levantó la niña de posguerra que lleva dentro. “Y se me levantó también con lo que está pasando hoy, que seguimos en la misma salvajada. ¿Acaso solucionamos los conflictos con la palabra? No, seguimos enfrentando a los unos con los otros, seguimos con los pies en el mismo barro y enfrente tenemos esa enorme hipocresía, como hemos podido ver en el Congreso con los siete minutos de aplausos al Papa. Siete minutos de hipocresía total”, zanja.

Blasco Ibáñez y la prioridad nacional

La directora ha urdido un espacio simbólico con unos grandes espejos móviles al fondo de la escena, ideados por los escenógrafos Curt Allen y Leticia Gañán, donde todo es reflejo, donde la palabra de Blasco Ibáñez se expande. Porque la fuerza de la propuesta es el reflejo que nos llega desde ese siglo XIX, en teoría tan alejado, hasta hoy en día. “Sí, pero es importante que la palabra que se dice en escena sea tan solo la del autor, no hay más”, apunta Mira, que ha dotado al elenco de una unidad a través de un registro donde la palabra surge del cuerpo. Una apuesta muy física que la directora acompaña de una coreografía coral a cargo de Marta Gómez.

Daniel Albadalejo no es nuevo en estas lides. Aunque el público lo conozca más por sus montajes con Juan Mayorga o su paso por el teatro clásico a manos del director Eduardo Vasco, este murciano comenzó su andadura en una de las experiencias más hondas y experimentales de la historia escénica española, la de la compañía Arena Teatro dirigida por Esteve Grasset. “Cuando Magüi Mira me propuso esta manera de hacer, para mí fue volver de repente a un sitio que me resulta fascinante, que es encontrar la emocionalidad a partir del propio trabajo físico”, explica. Al final de la obra, cuando ya la barraca ha sido quemada y su familia es de nuevo expulsada a la intemperie y la indigencia, su personaje portará a su hija, que se retuerce sobre su espalda y su cuello (una estupenda Elena Alférez) como un cofrade de Semana Santa sujeta a su virgen, con creencia y dignidad.

La obra consigue tener una dureza extrema, pues la distancia se borra y el dolor de esa familia que es rechazada por ser “de fuera” es imposible que no resuene hoy en día. Se puede palpar la sorpresa de los espectadores que esperaban el típico montaje “costumbrista” que situase la acción en aquella lejana Valencia. Magüi Mira afirma que ella ha preferido trabajar con el concepto. “He buscado la esencia, la poética escénica que pudiese albergar la palabra del autor, pero desnuda, en esencia”, explica.

Al preguntarle a Albadalejo por la experiencia de llevarla por toda España, por esos grandes teatros como el Palacio de Festivales de Santander, el Jovellanos de Gijón, el Campoamor de Oviedo, el Cervantes de Málaga o el Arriaga de Bilbao, el actor destaca sobre todo la impresión de ver los teatros repletos hasta el gallinero. “Cuando sales a decir el primer monólogo y ves el teatro así, caray, te emocionas”, explica. “Pero lo fuerte ha sido ver a la gente realmente tocada, tras la función muchos vienen a verte, te quieren tocar, abrazar, dar las gracias. Tengo el WhatsApp lleno de mensajes muy descarnados. Eso hacía mucho que no me pasaba, al final lo que más le importa al actor es que le agradezcan, ahí te tocan la patata”, confiesa.

Albadalejo, que ahora está grabando casi a diario para la serie Sueños de libertad, en la que interpreta al capellán don Agustín y se mete jornadas de más de 14 horas entre el teatro y el plató, recuerda una función con especial cariño, cuando al terminar fueron al Teatro Olympia de Valencia, un espacio que antes fue la cárcel conde justo hace 100 años encarcelaron a Blasco Ibáñez por luchar contra los carlistas. “Que resonaran ahí sus palabras con la sociedad valenciana presente fue muy emocionante”, explica sobre este montaje en el que precisamente en su última escena suena el himno valenciano en una versión de Santi Martínez.

“Pero no se trata solo de la sociedad valenciana, el discurso de Blasco Ibáñez se expande hasta lo global. Viendo la obra es imposible no acordarse de Torre Pacheco, de los niños de Gaza, de los desplazados, de los desahuciados”, afirma este actor, que además confiesa que para este papel está bebiendo del presente para construirlo día a día. “Tendrías que ver el cuaderno que llevo, lleno de imágenes, de noticias, de músicas… Estos días claro que pienso en esa mujer desahuciada de 87 años, Maricarmen, y en esas palabras de Juan Diego Botto que fueron toda una lección. Hace cuatro días, al sur de Italia, quemaron vivos a cuatro jornaleros de Pakistán y Afganistán en un coche al que le cerraron las puertas. Yo soy de Murcia, donde no es la primera vez que hemos encontrado jornaleros de Mali asesinados y enterrados en cal viva en los pozos… Todo eso me remueve por dentro y me lo llevo a escena para poder interpretar a Batiste con toda la honestidad de la que soy capaz”, concluye.

Magüi Mira detalla a su vez otra reflexión nada desdeñable. “Al final de la obra, Pimentó, que tiene una situación privilegiada respecto a otros jornaleros, confiesa: 'La marquesa me va a desahuciar, me quita las tierras'. Esto es importante, no hay uno de fuera y otro de dentro, los dos viven la misma opresión, son pobres a los que se enfrenta. Ese espejismo es el mismo que el de la actual 'prioridad nacional'”.

Hay una escena de la obra, casi al final, hiperviolenta, donde todo el elenco se embrutece hasta la animalidad a base de cazalla y odio en una taberna del infierno, donde el pueblo se ahoga en su miseria. Una escena estupenda que recuerda incluso a Las bacantes de La Cuadra de Sevilla, a los primeros Atalaya, a la fuerza posterior de algunas obras de Calixto Bieito, a un teatro que alguien podrá tildar de ya pasado, pero que en manos de esta directora retorna con la fuerza de la palabra Blasco Ibáñez, ese socialista y republicano incapaz de quedarse indiferente ante la injusticia.

Argamasilla de Alba vivió en la noche del pasado sábado una de las ediciones “más emotivas” de la historia de El Quijote en la Calle. La representación, que este año alcanzaba su vigésimo quinto aniversario, reunió a cientos de personas en la Plaza Alonso Quijano para disfrutar de una nueva puesta en escena de la obra cervantina y asistir a un momento que “ya forma parte de la memoria colectiva de la localidad”: la despedida de José Luis Fernández Serrano del personaje de Don Quijote tras veinticinco años encarnando al Caballero de la Triste Figura.

Bajo un manto de estrellas y en una noche cargada de simbolismo, vecinos y visitantes acompañaron a los protagonistas de esta singular representación que, desde hace un cuarto de siglo, convierte las calles y plazas de Argamasilla de Alba en un gran escenario al aire libre donde literatura, teatro, música, danza y participación ciudadana se dan la mano para rendir homenaje a la obra más universal de Miguel de Cervantes.

Una despedida tras cinco lustros siendo Don Quijote

La XXV edición llevó a escena una adaptación de los capítulos finales de la novela, centrándose en los últimos episodios de la vida de Don Quijote. El encuentro con Álvaro de Tarfe, las reflexiones finales del caballero, su testamento y su muerte marcaron el hilo conductor de una representación que adquirió un significado especial al coincidir con la despedida del actor José Luis Fernández Serrano, que ha dado vida al personaje desde los inicios de esta iniciativa.

Visiblemente emocionado, agradeció el apoyo recibido durante todos estos años por parte de compañeros, colaboradores, asociaciones y público, reconociendo el esfuerzo colectivo que ha permitido mantener viva esta tradición durante veinticinco años.

Durante su intervención tuvo también un recuerdo especial para todas aquellas personas que participaron en la representación o la siguieron desde el público y que ya no se encuentran entre nosotros, solicitando un respetuoso minuto de silencio en su memoria.

De manera especialmente sentida, quiso rendir homenaje a Pedro Serrano “Periqui”, a quien recordó como su fiel escudero durante años en el papel de Sancho Panza, destacando su entrega, compañerismo y la pasión con la que hizo suyo el personaje.

La emoción fue creciendo hasta desembocar en una larga ovación del público que llenaba la plaza, poniendo el broche de oro a una “noche histórica” para la cultura local.

El “más universal de los manchegos”

La muerte de Don Quijote sobre el escenario marcó el desenlace de la representación, pero también simbolizó el cierre de una etapa irrepetible para José Luis Fernández Serrano, cuya figura quedará para siempre ligada a la historia de El Quijote en la Calle.

Antes de abandonar definitivamente el personaje, quiso dirigirse una última vez a los asistentes con tres palabras sencillas y cargadas de significado: “Gracias, gracias y gracias”.

Con ellas concluyó una edición que será recordada no solo por celebrar el vigésimo quinto aniversario de una de las grandes citas culturales de Argamasilla de Alba, sino también por despedir a quien, durante veinticinco años, puso voz, cuerpo y alma al más universal de los manchegos.

La dirección de Pilar Serrano de Menchén volvió a ser una de las grandes claves del éxito de la representación. Su trabajo al frente de El Quijote en la Calle ha permitido consolidar un proyecto cultural que “trasciende el ámbito teatral para convertirse en una de las señas de identidad de Argamasilla de Alba”, implicando generación tras generación a decenas de vecinos y vecinas en torno al universo cervantino.

La puesta en escena contó con la participación de Tiquitoc Teatro, la Agrupación Musical “Maestro Martín Díaz”, dirigida por Miguel Carlos Gómez Perona, el Grupo de Coros y Danzas “Mancha Verde”, la Antigua Escuela de Baile “Crisanto y María del Rosario”, así como numerosos colaboradores, asociaciones, técnicos, voluntarios y participantes que hicieron posible una nueva edición de este espectáculo colectivo.