El Teatro Romano de Mérida se ha convertido esta noche en un auténtico cortijo andaluz. Sus tablas, acostumbradas a vivir clásicos, han recibido una versión del mito de Electra y su “jonda” herida que ha empujado al espectador a vibrar con una energía propia de un tablao flamenco.

Al más puro estilo de ‘La Casa de Bernarda Alba’, el mito clásico ha sido trasladado a ‘Electra Jonda’ “como la desmesura que la hace trágica”, un grito desgarrador que resuena en la actualidad, donde los grandes personajes de la antigüedad se han despojado de sus túnicas para transformarse en seres de carne y hueso, devorados por una moral inflexible y pasiones indomables.

En mitad de este asfixiante escenario, Carolina Lapausa encarna a una Electra herida que vive consumida por el dolor de la repentina muerte de su padre y el rencor hacia su madre Clitemnestra, representada por Alejandra Torray. Su interpretación, cargada de una madurez trágica, nos descubre a una mujer rota en pleno duelo cuya única balsa de salvación es la justicia.

Frente al reproche de una madre que busca justificar su pasado, Clitemnestra le recalca que en vida de su padre “bastantes cosas” dejó estar y desde la angustia escupe un “¿es que yo no cuento?”. Ante la situación una Electra llena de odio, cae con el peso frío de una losa respondiendo: “él contaba más para mí, de sobra lo sabes”.

El público ha podido empatizar con los personajes en medio de una descarnada guerra de reproches, silencios y heridas mal cerradas gracias a la fusión de la palabra de sello lorquiano con los doce bailarines, dirigidos por el coreógrafo Manuel Segovia, bajo la responsabilidad de dar cuerpo, a través del taconeo y el duende, al implacable y latente destino de esta familia.

Del mito a personajes de carne y hueso

A través del texto original de Juan Guerrero Zamora —recuperado tras quedar guardado en un cajón durante años— y bajo la dirección artística de Manuel Canseco, la cantaora Teresa Hernández ha desgarrado los corazones del público con su cante y la guitarra de José Luis Montón ha dibujado con sus acordes el dolor de esta familia sobre el escenario.

En el latente ambiente de sospechas irrumpe Orestes, interpretado por Daniel Miguélañez, cuyo personaje se aleja por completo del brazo ejecutor de los dioses o del héroe trágico. Con su llegada, una Electra rabiosa le recalca que “fue de repente, pero no de enfermedad” lo que le llena de un profundo mar de dudas y cuestionamientos.

En el reverso de la obsesión destructiva de su hermana se alza la figura de Crisótemis, interpretada por Paula Colorado, que identifica una fortaleza distinta, cimentada exclusivamente en el amor familiar sin llegar a la vulnerabilidad, sino una mujer poderosa que emplea su energía para intentar mantener las cosas como están, buscando desesperadamente proteger a los suyos y evitar que la sangre vuelva a teñir las tierras del cortijo.

César Lucendo ha cargado de potencia a Egisto, el capataz de la finca sobre el que recaen todas las suspicacias tras el asesinato de Agamenón, asumiendo el imponente y realista reto de irrumpir en la escena del monumento romano montando a caballo.

El contrapeso de este torbellino de rencores lo ejerce María Garralón en la piel del Aya. Su figura funciona como espejo de la consciencia y la voz de la verdad de la manera más cruda en un entorno familiar hostil y devastado.

Incluso en la densidad del ambiente que evocan las obras de Lorca, la inocencia de “El Niño”, interpretado por Ainhoa Molina como hijo de Casandra y nieto del ciego, aparece estratégicamente como un bálsamo de energía positiva en un momento en el que “la verdad es una pedrada que ninguno queremos que nos de”.

El desgarro del cante y los secretos del cortijo

El misticismo y la profecía se construyen desde los límites entre el amor libre y la tradición. El veterano Juan Gea compone a El Ciego, un trovador que atesora un motivo secreto para guiar el desenlace fatal. A su lado, su hija Casandra, interpretada por Teresa Hernández, canaliza la clarividencia no correspondida ni aceptada, además del dolor de los acontecimientos a través de un cante flamenco en directo que eriza la piel y sentencia el porvenir de la obra.

El pilar invisible que sostiene la tensión en este cortijo ha sido, sin duda, su arquitectura musical y coreográfica. Los bailaores han ilustrado la tragedia convirtiéndose en el motor interno del drama.

Con una técnica impecable, el dominio de los tiempos y el control del espacio escénico han delineado con sus cuerpos la opresión y la agobiante atmósfera de la casa, logrando que el dolor no solo se recite, sino que llegue hasta el rincón más escondido del Teatro.

La propuesta musical demuestra un conocimiento profundo de las raíces más puras del arte flamenco con la sobriedad y la hondura de sus acordes para reflejar el relato trágico que la obra exige.

Cada falseta y cada rasgueo seco entablan un diálogo perfecto con el cante desgarrador de Hernández en el papel de Casandra, con una madurez vocal admirable ha canalizado el sufrimiento del linaje a través de un quejío contenido, manejando los silencios con una templanza propia de los grandes nombres del género.

Es esta perfecta comunión entre el taconeo rotundo del coro, la guitarra y el cante en directo lo que regala al festival un espectáculo total, donde el duende y la precisión técnica se alían para conmover profundamente al espectador contemporáneo.

Al apagarse el último eco de la guitarra, la obra culmina en el Teatro Romano logrando una ovación de pie, fruto del trabajo y la emoción de la historia.

Spartacus’ ha subido el telón del Festival de Teatro de Mérida para acercarnos al mundo sensible del gladiador tracio con un diálogo sincrónico entre narrativa y ballet. Un grito que resuena en la actualidad a través del eterno conflicto entre el yugo del opresor y la sed de libertad del ser humano.

Con la adaptación del texto de Ana Graciani y la dirección artística de María Graciani, esta propuesta despoja al héroe mítico de su armadura para descubrir al hombre, interpretado por Miguel Ángel Muñoz. Un espectáculo que define un viaje a través del limbo difuso entre la vida y la muerte en un escenario donde coexisten el delirio onírico y la realidad más pura.

Con una escenografía cuidada al detalle, el teatro romano de Mérida se convierte en el cómplice perfecto para humanizar el mito de un hombre que luchó por su libertad hace 2.000 años. Una apuesta que desde el amor a la vida y el miedo a morir ha permitido al espectador palpar las emociones del guerrero que no solo luchó, sino que también supo de miedos, pasiones y llantos.

El público ha podido empatizar con el esclavo tracio a través de un lenguaje que fusiona la palabra, con un texto narrado por Muñoz, y la plasticidad del ballet clásico.

En este sentido, los bailarines del Düsseldorf Ballet Theater, dirigidos por Peter Agardi,han elevado el espectáculo en una propuesta donde Igor Person asume la responsabilidad de dar cuerpo, a través de la danza, al joven Espartaco.

De actor a mito en escena

Frente a la tiranía implacable y el egoísmo puro de una Roma que no quiere perder el poder sobre los esclavos, estos empiezan su rebelión gracias a un Espartaco derruido tras haber matado a su mejor amigo en la arena. En la batalla, Muñoz carga de soberbia al personaje a través de su voz, hilando un discurso sobre la dignidad y los derechos de sus iguales que, irremediablemente, pagarán su libertad con sangre.

En una fusión casi idílica, el actor le da la oportunidad y la fuerza a Espartaco para revivir su pasado, asumiendo tanto sus errores como los egocentrismos del pasado.

El escenario, a través del cuerpo de los bailarines, se llena de una desgarradora fragilidad donde los cuerpos heridos de sus seguidores revelan la agonía de aquel que sufre bajo la fuerza del poder y la tiranía absoluta. Por esta razón el dolor que consume a Espartaco cobra más fuerza al acompañarse por composiciones musicales en directo, además del sonido de esas cadenas y látigos que recordaban su pasado trágico.

Del odio al perdón

La propuesta de las Graciani otorga todo el peso dramático a la evolución interna del propio protagonista. Espartaco es quien, frente a la inmensidad del teatro, asume el papel del narrador para que, con gracia y estilo, el cuerpo de baile exprese los pasajes de su pasado.

En el inicio de la historia, el relato nos muestra a un Espartaco visceral, consumido por el odio y el resentimiento, pues solo eso le “mantienen con vida” al mismo tiempo que le consume. Con bravura y una fuerza salvaje reflejada en la danza, el personaje verbaliza la rabia de verse despojado de su identidad.

Con una coreografía excepcional en la sincronicidad de movimientos de los 18 bailarines, el gladiador lanza una proclama de igualdad, pues “todos nacemos iguales con dos manos para aferrarnos al mundo”, por lo que, a su juicio, es sensato rebelarse “ante los hombres, pero también ante los dioses que permiten esta barbarie”.

Así, con una fuerza inquebrantable, el gladiador alienta a todos los esclavos de Roma, incluidos los emeritenses, a luchar, aunque el desenlace es inevitable y la puesta en escena que se vuelve más sobria, la coreografía abandona la espectacularidad de los combates iniciales para centrarse en la pesadez de los cuerpos cansados, reflejando el peso del destino que se avecina.

La muerte por una causa digna La muerte de Espartaco representa el sacrificio de un hombre que prefirió caer herido antes que verse nuevamente encadenado y que con amargura proclama que “no queda nada” y han “perdido la guerra”. En ese instante, cuestiona en qué momento confundió destino con soberbia, se castiga por su actitud y lanza al aire una duda existencial: “¿merece la pena matar y morir por muy digna que parezca la causa?”.

Con el dolor de saber que 6.000 de sus iguales están crucificados, el guerrero comprende y acepta su final, admitiendo que debió morir por una causa mayor, dejando resquicios de su testamento vital: “aquí llegué yo, lo demás es cosa vuestra”.

El final se corona con la muerte, representada por un caballo blanco, siendo aceptada por el tracio mientras escuchamos el emotivo discurso de su hijo, quien proyecta hacia el futuro la esperanza de que todo el sufrimiento habrá merecido la pena mientras la muerte se lleva a su padre. Al grito unísono de ‘¡Spartacus!’, la obra culmina en el teatro romano logrando una ovación.

Los desaparecidos no están muertos. Sencillamente, no están. Ni aquí ni allí. No están. 

Por eso, a la pregunta de si está Lorca muerto, la respuesta más literal, y a la vez la más simbólica, es que no lo sabemos.

A Lorca se le presupone en Alfacar (Granada), pero su condición de enterrado sin tumba —asesinato oculto del fascismo, como tantos otros miles— le hace ser un desenterrado constante. Por tanto, a Lorca hoy se le encuentra en el Teatro Español, cuando le interpreta Juan Diego Botto, o en Rivas-Vaciamadrid, cuando habla Alberto San Juan encima de lo que parece su féretro acristalado.

Qué gran idea la de Eugenio Merino al hacer transparente la tierra que echamos sobre nuestros muertos, y ver al poeta represaliado, por maricón y por rojo (rojo burgués, pero rojo), existir. La reproducción hiperrealista que hace el artista estremece como solo lo consiguen las apariciones de los muertos. A diferencia de Franco, al que Merino metió en una nevera de Coca-Cola, a Federico se le puede pisar, como se le lleva pisando 90 años.

Debajo de los pies de Alberto San Juan, Federico García Lorca no está muerto: se hace el dormido. “El día en que el hambre desaparezca va a producirse la explosión más grande”, escucha que dice el actor. Las palabras le suenan, pero no dice nada. Claro, lo dijo en una entrevista el propio Lorca. “El concepto del arte por el arte sería cruel si no fuera tan cursi”, dice ese hombre que pisa el cristal con unos folios en la mano. Federico le escucha y asiente. “El artista debe llorar y reír con el pueblo al que pertenece”, prosigue el hombre de negro. Federico no dice nada porque sigue haciéndose el dormido. Una mujer de pelo morado, en primera fila alrededor de la tarima, asiente.

“Tengo ansia verdadera por comunicarme con los demás” dice el actor, o lo dice Federico. Lo dicen los dos.

Entonces Lorca decide levantarse —de manera invisible, nótese que esta es una licencia de la crónica— y, enérgicamente se mete dentro del cuerpo de Alberto San Juan, al que le sobra el micrófono, y se le eleva la voz, que retumba en el hall del centro cultural. “¡Yo soy español integral pero odio al que es español por ser español nada más! ¡Yo soy hermano de todos!”. Y añade, en una de esas frases que, hace cien años y ahora también, causarán escozor: “El chino bueno está mas cerca de mi que el español malo”.

El patriotismo como crimen

Y entonces, Lorca se arranca con lo del patriotismo. Ahí la cosa se pone espinosa. “Señoras, señores y todo lo demás, ¿cuántas veces nos han hablado de patriotismo?”, pregunta. El público se mira de reojo entre sí. Algunas cuantas. “El patriotismo es uno de los grandes crímenes de la humanidad”, dice un Federico de 19 años. “Madre patria... nunca puede ser madre una por la que haya que derramar hasta la última gota de su sangre. La madre es el amor gigante, la piedad es el único amor verdadero. La patria no es segunda madre”, dice con convicción.

Y añade: “Hay que ser hijos de la verdadera madre, la del amor y la de la igualdad”, y entonces otra mujer ya no aguanta más y grita “¡bravo!”. Y todos los congregados al rededor del cuadrilátero donde yace vivo Lorca estallan en aplausos.

El poeta limpio

Tan elegante, con un abrigo limpio y una corbata bien anudada, Federico parece sostenido en el tiempo. No hay violencia en su rostro ni en su cuerpo. Federico es una ficción.

La obra artística de Merino y la escénica de San Juan nos advierten también de eso: Federico ha sido y seguirá siendo por siempre utilizado y manipulado, porque es un símbolo en disputa, y porque la llaga creada por un golpe de Estado en 1936 todavía no se ha cerrado, casi cien años después. Bajo la tierra, esta vez sí opaca, hay miles de cuerpos desaparecidos a los que sus familiares recuerdan quizás como a este Federico, vestido de domingo, elegante y ajeno a la tragedia, como en la última foto que les sacaron.

Cuando Sobre Lorca llega a su fin, el actor desciende por la escalerilla y el público invade el escenario. Muchos suben a la tarima para ver a ese hombre que hay debajo del cristal. Y le hacen fotos porque, claro, es Lorca. Y como está muerto no hay que pedir permiso para echarle la foto o el selfi. Como luego explicará el artista Álex Peña, Lorca es, de alguna manera, un souvenir de España.

No es la primera vez que Merino reentierra a Lorca. Ruina se mostró al público por primera vez en marzo de 2024 en Carabanchel, con la urna rodeada de 200 metros cuadrados de arena, y de vez en cuando reaparece para sacudir el presente. En septiembre de ese año, lo hizo convertido en Banco público, un cofre, esta vez opaco, donde solo se atisbaba el falso cuerpo por un agujerillo. Lorca estaba ahí, aunque no quisiéramos verlo.

Los recre

Aunque la performance de Alberto San Juan solo se realiza una vez dentro del FIC, Lorca seguirá vivo y presente-pero-ausente en Rivas también el sábado 27 de junio durante doce horas (de las nueve de la mañana a las nueve de la noche), en el centro cultural que, hermosamente, lleva el nombre del poeta. La pieza se podrá visitar en el FIC gracias a la cesión en préstamo por el Archivo Arkhé de Madrid, institución donde actualmente reside de forma permanente.

Además de estas dos acciones, hay que celebrar que ambas vienen acompañadas de la genial instalación interactiva Recreativos Federico creada por Álex Peña y que recorre España de manera itinerante. Unos minutos después del desaparición de Alberto San Juan de la escena, se monta un barullo y se abren los recre.

Jugar al futbolín con el Amor de Don Perlimplín y Belisa, o el gachapón de sorpresas de Bolas de Sangre nos hace caer fácilmente en la banalidad de convertir a Lorca en una atracción de feria más. A pesar del ruido, Peña no se resiste a explicarle a los primeros que entran qué son esas máquinas. El artista explica de dónde surge la idea: “En Granada puedo comprar un llavero de Federico con un verso suyo detrás. Se lo envío a mi primo de Valladolid y lo guarda en un cajón. ¿Y dónde ha quedado Lorca? En nada”. Peña quiere hacer una crítica, con mucho humor, a la “capitalización de la revolución”.

“Un salón de juego, como el teatro, no es más que una ficción”, dice a gritos. Una máquina de Yerma con forma de Torre Eiffel expende condones. Otra cambia cinco monedas de cinco euros por un billete, es el homenaje a Así que pasen cinco años, la obra de teatro que Lorca escribió al regresar de Nueva York y atisbar el capitalismo que vendría y que él se perdería. “Este es el corazón del capitalismo, una caja de caudales”, señala Peña.

Ganas a Las Sin Sombrero si consigues muchos puntos invisibilizándolas. El arte no es más que un juego de Arcade dándole fuerte a los botones del Cadaqués Invaders, con un Lorca que lanza bombas de castañuela a Dalí. Luego acaba la partida y, si lo piensas un poco, te sientes rara. Pero hay que pensarlo un poco.

Sobre Lorca, Ruina y Recreativos Federico llegan a Rivas y forman parte del FIC gracias al apoyo del Comisionado para la celeración de los 50 años de España en Libertad.

Comienza el gran festival de Barcelona, 99 espectáculos para cumplir 50 años en buena salud. Con un presupuesto de 4 millones de euros la fiesta se iniciará con la L’Òpera de tres rals, que estrenaran Bertol Brecht y Kurt Weill en 1928. La directora elegida no es otra que la creadora del momento, Marta Pazos, que ha ideado un viaje desde el Londres industrial a la Barcelona brutalista. Mackie el Navaja se traslada del Soho londinense al Paral.lel barcelonés.

Leticia Martín, que ejerce de directora del festival por segundo año, está contenta. La venta de entradas va mejor que el año pasado en que se vendieron 130.000 butacas, un 80 por ciento del aforo total. “Es pronto para decirlo, pero sí, parece que va mejor, hay espectáculos que ya están agotados”, afirma Martín a este diario.

Quien quiera ver a las grandes estrellas del teatro europeo como Romeo Castellucci, Florentina Holzinger, Christiane Jatahy o Angélica Liddell llegan tarde. Pero también hay que tener cuidado con las propuestas de aquí, Lucia Carballal, por ejemplo, ya ha agotado las entradas para esa maravilla llamada La fortaleza.

Martín confiesa que su gran miedo era que el 50 aniversario se “comiese” el propio festival. “Creo que hemos llegado a un equilibrio, comenzamos con L’Òpera de tres rals que conmemora los 50 años y luego el 17 de julio estaremos en la Sagrada Familia”, dice Martín refiriéndose a Arrels de Llum, espectáculo musical que contará con las cantantes Lidia Pujol y María Arnal.

Lo que sí tenía claro es que el festival debía comenzar con una coproducción con el Teatre Lliure en el gran espacio del festival, el Teatre Grec. El Lliure también cumple 50 años de existencia y la fiesta debía ser conjunta.

Sobre la polémica que ha llevado a la exclusión de Lluis Pasqual de los actos conmemorativos del Lliure la directora afirma no tener nada que decir. “Es una decisión artística, está en tu potestad decidir con quien quieres contar. Lo que parece un poco exagerado es que haya sido por el tema del homenaje a Caballé, pero es una decisión artística, cada uno celebra como quiere sus aniversarios y, la verdad, les ha quedado una programación fantástica”, afirma.

Barcelona brutalista

Marta Pazos lleva meses ya instalada en la ladera del Montjuïc, primero ensayando en el Teatre Lliure y ahora afinando los últimos detalles en el Teatre Grec. “Esta montaña tiene algo mágico”, confiesa a este periódico.

La directora gallega no para. Acaba de estrenar ópera en el Liceu, Las bodas de Fígaro, ha recogido numerosos premios por su Orlando tanto en los Premios Talia como en los Premios Max, y tras inaugurar el Festival GREC partirá al Teatro Nacional de São João de Lisboa para montar una obra de Gil Vicente. Además, ya en 2027 estrenará un Lope de Vega, El amor enamorado, en la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

Pero esta inauguración no es menor. Pazos estrena en el corazón mismo del teatro catalán una de las obras de repertorio más emblemáticas del teatro político europeo. Además muchos espectadores guardan en la memoria el montaje que hiciera Calixto Bieito en el 2002 también en este festival.

Pazos para esta ocasión cuenta con el mismo director musical, Dani Espasa, ha realizado una nueva traducción al catalán de Marc Rosich, y con grandes figuras de la actuación catalana como Eduard Farelo, Júlia Truyol o Miriam Moukhles. Macky Navaja, ese personaje del hampón que ha cantado desde Louis Amstrong hasta Nick Cave, será Nao Albet.

La obra de Bertol Brecht y Kurt Weill se estrenó en 1928, como piquete de resistencia en una Alemana a la que el nazismo llegaría al poder 5 años después. “La verdad es que en los últimos años me he especializado un poco en obras que se han escrito en ese año, es un año entreguerras, hay toda una profundidad en ese periodo”, afirma Pazos refiriéndose a los montajes de Orlando de Viriginia Woolf y Comedia Sin título y Viaje a la luna de García Lorca, todas escritas en el mismo año.

Al preguntarle si hay establecidos vínculos con la Europa presente donde está resurgiendo con fuerza el fascismo la directora gallega afirma que no hace falta “empujar” mucho un texto que deja claro desde el principio su orientación. “La frase ¿Quién es un criminal mayor? ¿El que roba un banco o el que funda uno? creo que ya define mucho”, explica Pazos sobre esta pieza musical que va sobre delincuentes, policía corrupta y empresarios mafiosos. “Lo que sí creo importante es seguir uniendo lazos con las obras que el siglo pasado funcionaron como altavoces de lo que venía, porque las similitudes con el presente son muchas”, observa la directora.

Pazos afirma que también ha tenido mucho en cuenta para el montaje el 1976, año en que nació el Festival y se creó el Lliure. “Un momento de profundos cambios que además es el año en que nací”, añade. La directora afirma también haber buceado mucho en el archivo del Teatre Lliure, “sobre todo me he centrado en la figura de Fabià Puiserver como escenógrafo”, apunta esta creadora sobre el que fuera fundador de un Teatre Lliure y gran conocedor del teatro de Bertol Brecht.

Para la escenografía, Pazos ha trabajado mucho sobre la arquitectura de la ciudad. “Me he basado mucho en el brutalismo catalán, barcelonés, para conectar con ese mundo industrial, más duro, en el que el individuo se enfrenta al sistema”, afirma la directora.

El otro vértice sobre el que Pazos ha levantado la obra es también netamente barcelonés. “A nivel social me he centrado en el Paral.lel”, explica sobre la arteria condal que fue durante muchos años del siglo XX el epicentro del musical y el cabaret peninsular. “Esos bajos fondos tienen mucho que ver con el Soho londinense”, afirma.

Otro de los sellos de esta directora es la especial atención al cuerpo y la energía de los actores. Para esta ocasión, Pazos vuelve a contar con la coreógrafa Mabel Olea. “Hemos trabajado mucho para unir la acción teatral con la parte cantada, para unir la gestualidad y el movimiento y que no hubiera una diferencia cuando están en un registro u otro”, explica.

“Son tres horas y pico sin parar, con mucha complejidad técnica y la entrega del elenco es total, hay un personaje que es el todo, que lo componen todos”, argumenta sobre este elenco, donde hay actores de varias generaciones y de distinta procedencia. “Marta Bernal proviene del cabaret, luego hay grandes figuras del Lliure como Farelo o Truyol, pero también grandes nuevos talentos como Biel Rossell”, afirma Pazos sobre este joven actor que viene de triunfar con La tercera fuga de Victoria Szpunberg.

Por último, la directora destaca el trabajo musical que se ha llevado a cabo en esta obra donde se rompió la tradición romántica de la ópera en una fusión entre el jazz y el clásico revolucionaria para su época, “el director, Daniel Espasa ha conseguido 13 músicos que son multi instrumentistas, trabajan todos los instrumentos originales y es impresionante el trabajo que realizan”, concluye Pazos.

El Teatro Cuyás presentó hoy la primera parte de su temporada 2026-2027, que se desarrollará entre los meses de septiembre y enero, con una programación de catorce espectáculos que combina grandes clásicos, nuevas dramaturgias y una notable presencia de figuras de gran prestigio nacional e internacional.

La presentación contó con la participación de la consejera de Cultura del Cabildo de Gran Canaria, Guacimara Medina; el gerente de la Fundación Canaria de las Artes Escénicas y de la Música de Gran Canaria, Manuel Pineda; y el director artístico del espacio, Gonzalo Ubani.

La consejera Guacimara Medina subrayó el papel del Teatro Cuyás como referente cultural del Archipiélago y destacó que “más allá de su condición de motor de las artes escénicas y la música, el Cuyás cumple una función cultural esencial para la sociedad. No se trata únicamente de programar espectáculos, sino de invertir en cultura, generar espacios de encuentro y fomentar el trabajo coordinado entre instituciones y agentes culturales”.

Por su parte, Manuel Pineda señaló que esta nueva temporada “consolida un proyecto cultural que sigue creciendo sin renunciar a su vocación de ampliar horizontes y atraer nuevos públicos”, poniendo en valor la continuidad de una línea artística que apuesta por la excelencia, la diversidad de públicos y la proyección internacional del espacio escénico.

“Queremos seguir mejorando nuestros niveles de ocupación, pero siempre manteniendo el equilibrio entre el éxito de público y una programación que invite a la reflexión, despierte nuevas miradas y contribuya al desarrollo cultural de la ciudadanía”, añadió.

La programación vuelve a consolidar la apuesta del Cuyás como un escenario abierto a múltiples lenguajes escénicos, con propuestas que combinan grandes textos clásicos, nuevas dramaturgias, humor, música en directo y danza contemporánea.

Clásicos universales, estrenos y grandes nombres de la escena

El director artístico, Gonzalo Ubani, destacó el equilibrio entre tradición y contemporaneidad de una programación formada por catorce espectáculos: nueve obras de teatro, dos propuestas de humor, dos musicales y una pieza de danza.

En este sentido, remarcó el estreno absoluto de El divorcio como medida higiénica, de CLAPSO producciones, protagonizado por Lili Quintana, Blanca Rodríguez y Maricarmen Sánchez.

“Es una temporada que reúne grandes nombres de la escena nacional, dos miradas a autores galardonados con el Premio Nobel, como Jacinto Benavente y Eugene O'Neill, y propuestas que dialogan con cuestiones muy actuales, sin renunciar al entretenimiento, la emoción y la excelencia artística”, señaló Ubani.

Una de las propuestas más destacadas es la inaugural, Malquerida de Benavente, que en esta ocasión estará dirigida por Natalia Menéndez y protagonizada por Aitana Sánchez-Gijón. También destaca Largo viaje hacia la noche, considerada una de las grandes obras maestras del siglo XX, con Carlos Hipólito al frente del elenco.

El Cuyás recibirá además por primera vez a autores como Borja Ortiz de Gondra con El barbero de Picasso, una comedia sobre la amistad entre Picasso y su peluquero protagonizada por Pepe Viyuela y Antonio Molero.

A ellos se añaden La barraca, de Vicente Blasco Ibáñez; Fronteras, de Henry Naylor, dirigida por Andrés Lima y protagonizada por Carolina Yuste; o la adaptación teatral del exitoso bestseller Invisible, de Eloy Moreno.

Música, danza y humor

La música tendrá un papel destacado con la actuación de Judith Hill Quartet en el ciclo Jazz Otoño 2026. Considerada una de las voces más versátiles de la escena internacional, ofrecerá un repertorio que fusiona soul, funk, blues y góspel. Además, la Gran Canaria Big Band compartirá escenario con Matt Forbes, uno de los crooners más destacados del panorama actual.

Masdanza vuelve en su 31º edición en la que presentará Transeúnte, una creación de Daniel Rodríguez que mezcla tradición y modernidad a través del movimiento y el folclore. Por su parte, la compañía Yllana, regresará al Cuyás con su última creación Flamencoh!, coproducida junto al prestigioso teatro Sadler's Wells de Londres.

El apartado de humor lo completan Escape Room, una de las comedias de mayor éxito en los últimos años, y el regreso de los clásicos del humor canario en el Cuyás, con Piedra Pómez, que presenta Posesa… Misma.

La presentación para el público general tendrá lugar esta tarde a las 19:30 horas en el patio de butacas del Teatro Cuyás, con entrada libre, donde el director artístico explicará los detalles de la programación.

Del desierto de Los Monegros a los viñedos de Cariñena, de los pueblos medievales del Pirineo a los escenarios urbanos de Zaragoza, Aragón acoge entre junio y octubre más de treinta festivales dedicados a la música, las artes escénicas, el patrimonio, el arte urbano y la creación contemporánea, citas repartidas por las tres provincias, configurando una oferta cultural que crece año tras año y que encuentra en el territorio uno de sus principales valores diferenciales.

Durante dos jornadas completas, el Divino Festt de Cariñena planeaba reunir este fin de semana a 18 artistas de la escena musical contemporánea —se ha cancelado debido a la implantación del nivel de alerta rojo plus—, distribuidos en tres escenarios con programación desde las 19.00 hasta las 06.00 horas. A ello se ha sumado una propuesta diurna el 26 de junio en la plaza de Cariñena, con un vermut musical que extiende el ambiente del festival al casco urbano y refuerza su conexión con la vida local, gracias a la fórmula que combina conciertos, vino, gastronomía y patrimonio. La cita, celebrada en pleno corazón de la Denominación de Origen Cariñena, apuesta por artistas de la nueva escena independiente y urbana, con nombres como Hinds, Xavibo, Depresión Sonora, Juicy BAE o Ultralágrima, convirtiéndose en uno de los festivales con mayor personalidad propia del panorama aragonés.

También La Almunia de Doña Godina vuelve a reivindicar la cultura de proximidad con el Festival Godina, heredero del antiguo Doña Festival. El encuentro, que se celebra este sábado, 27 de junio en el Parque de Cabañas, apuesta por un formato rural, familiar y sostenible en el que conviven la canción de autor, el folk y las músicas del mundo. El cartel de 2026 reúne a artistas como Pedro Pastor, Pilar Almalé, Isla Kume, Encantarias Folk, Baliza, Borrajas, Doña Manteca y Ziro, además de varias sesiones de DJs y una programación complementaria vinculada a la artesanía y la gastronomía local.

Este fin de semana también regresa el icónico festival Lagata Reggae Festival. Desde 2004 se ha ido convirtiendo en un referente clave para los amantes del reggae en España, destacando como uno de los festivales más representativos tanto en Aragón como a nivel nacional. Del 26 al 28 de junio, los amantes de la cultura jamaicana, el ska y el dub se verán un año más en un entorno rural único, estrenando nueva ubicación. El programa combina conciertos en el escenario principal, protagonizados por figuras de renombre como General Levy, Juantxo Skalari e Iseo & Dodosound, con una rica oferta de actividades diurnas en el parque. Desde el Reggae Market y sesiones de sound system hasta talleres de batucada, actividades infantiles y una Jam Session abierta, el festival ofrece una experiencia inmersiva de convivencia y naturaleza donde el “buen rollo” y las reggae vibes son los auténticos protagonistas.

Franja Rock en Peñarroya de Tastavins también celebra este fin de semana su cartel compuesto por Bihotza, el Artriste, Fatiga, Franja Rock, Hereus, Periferia, Poble Nostrum y Tobogán.

Con estas citas, termina el mes de junio de un verano festivalero que ya ha arrancado en Aragón con Poborina Folk en el Pobo de la Sierra de Teruel; Plaza Sonora de Zuera, Música al raso de Zaragoza, 21 Festival de Huesca y Veruela Verano, mientras que julio tomará el relevo con grandes citas como Polifonik Sound, Pirineos Sur, Monegros Desert Festival o el Festival Castillo de Aínsa.

En Barbastro, Polifonik Sound mantiene su papel como uno de los festivales pioneros del indie aragonés. El festival llega a su decimoséptima edición con Love of Lesbian despidiéndose de los escenarios, siendo el de Barbastro el único festival aragonés donde tocarán en 2026. El cartel también cuenta con Ultraligera, Delafé y las Flores azules, Mujeres y Lady Banana, entre otros, una programación que se distribuye entre el Recinto Ferial, la Bodega Laus y el centro de la ciudad los días 2, 3 y 4 de julio de 2026.

A medida que avanza el verano, la programación se multiplica en todas las provincias. En Huesca, SoNna Huesca vuelve a recorrer las diez comarcas altoaragonesas con conciertos en enclaves naturales y patrimoniales. Luz Casal, Pablo López y El Niño de Elche son los principales cabezas de cartel de la séptima edición del Festival Sonidos en la Naturaleza, que se celebrará entre el 4 de julio y el 12 de septiembre.

El Festival Castillo de Aínsa mantiene su apuesta por la cultura pirenaica y las músicas de raíz en uno de los conjuntos históricos más bellos de Aragón. El Drogas encabeza el cartel de la XXXVI edición, con un concierto el próximo 4 de julio, precedido por los ritmos folklóricos latinoamericanos de Marta Gómez y el espíritu étnico de El Naán el viernes 3 de julio. La Fueva, Tella, Labuerda o Abizanda, Olsón son otros escenarios del festival que se celebra entre el 20 de junio y el 12 de julio.

Entre el 3 y el 11 de julio el festival Nocte de Graus transforma plazas y calles en escenarios abiertos para las artes escénicas contemporáneas, combinando teatro, danza y circo en una de las propuestas culturales más originales del verano oscense.

Sin embargo, si existe un festival que simboliza la proyección internacional de Aragón es Pirineos Sur. Del 9 al 26 de julio, su emblemático escenario flotante en el anfiteatro natural de Lanuza, volverá a recibir a algunas de las figuras más destacadas de la música nacional e internacional. Artistas como Rufus Wainwright, Rubén Blades, Jorge Drexler, Suede, Los Planetas, Christina Rosenvinge, Bomba Estéreo, Judeline o Dani Fernández forman parte de una programación que combina rock, pop, folk, músicas del mundo, salsa y nuevas tendencias urbanas. Su capacidad para unir paisaje, patrimonio y música lo ha convertido en una de las citas más prestigiosas del calendario cultural español.

Otro de los fenómenos más destacados del verano aragonés continúa siendo la música electrónica y tiene como referente al mítico Monegros Desert Festival, cita imprescindible de la cultura rave internacional. El desierto de Fraga reunirá el próximo 25 de julio a más de 120 artistas en una maratón de 22 horas ininterrumpidas de música, con nombres de primer nivel de la cultura rave internacional como Richie Hawtin, Amelie Lens, Paco Osuna, Joseph Capriati, Seth Troxler, Indira Paganotto, Fatima Hajji, Klangkuenstler, Ben Klock, Len Faki, Chris Liebing, Kobosil o el aragonés Andrés Campo. Entre las principales novedades destaca Outworld, un espectacular escenario inmersivo de 360 grados con capacidad para 20.000 personas que convertirá a Monegros en el único festival del mundo en albergar este concepto, junto a espacios emblemáticos como Awakenings, Artcore, Unreal, elrow o 240 KM/H. Capaz de reunir a más de 50.000 asistentes en el singular paisaje semidesértico de Fraga, sigue consolidándose como uno de los mayores eventos electrónicos de Europa.

Iseo & Dodosound, Él mató a un policía motorizado, Queralt Lahoz, Hinds, Arizona Baby y Hostia Pedagógica conforman el cartel de bandas que actuarán en el Brizna Festival de Ayerbe entre el 31 de julio y el 1 de agosto.

La provincia de Zaragoza también concentra una parte importante de la actividad estival.

El Festival Manlor llevará a escena, por primera vez, la ópera Il Trovatore en el mismo lugar donde transcurre gran parte de su acción dramática. El Palacio de la Aljafería de Zaragoza acogerá dos representaciones, los días 9 y 11 de julio, ambas a las 22:00 horas. La producción contará con Carlos Daza (Conde de Luna), Miren Urbieta-Vega (Leonora), Ester Pavlů (Azucena), Andrés Presno (Manrico), Luis López Navarro (Ferrando), Marta Heras (Inés) y Ángel Baile (Ruiz), acompañados por el Coro Amici Musicae y la Orquesta Reino de Aragón. La dirección musical correrá a cargo de Ricardo Casero, mientras que la dirección escénica estará firmada por Leo Castaldi.

El Monasterio de Veruela volverá a ser uno de los grandes focos culturales gracias a Veruela Estival y Veruela Verano, ciclos impulsados por la Diputación Provincial de Zaragoza que combinan música, teatro, circo, danza y patrimonio. En la programación musical destacan artistas como Pancho Varona, Las Migas, Queralt Lahoz y Depedro, que actuarán durante todos los sábados del mes de agosto (1-22 agosto) en uno de los escenarios más singulares del Moncayo.

A pocos kilómetros, Borja volverá a acoger el Festival Amante, una cita que ha sabido fusionar el espíritu del indie nacional con la riqueza patrimonial y gastronómica de la comarca.  Entre el 31 de julio y el 2 de agosto, Dorian, Barry B y Carlos Ares encabezan el festival.

Mientras tanto, Calatayud mantiene su apuesta por la música en directo con CalataFest entre el 3 y 4 de julio con un cartel integrado, entre otros, por La La Love You, Sobrezero, Zebras, Seguridad Social, Dave, Modelo y Jayxme y Delacueva.

La provincia de Teruel presenta igualmente una programación cada vez más diversa. Aragón Sonoro, en Alcañiz, se ha consolidado como una de las principales referencias del pop y el rock independiente en el valle del Ebro. Del 20 al 23 de julio actuarán Sidecars, Alejo Stivel, Malmö 040, Modelo y EFFE, entre otros.

Mientras, Matarranya Íntim apuesta por una experiencia cultural completamente distinta, llevando espectáculos de teatro y artes escénicas a espacios privados y rincones singulares de las localidades de la comarca. Junto a ellos aparecen festivales como Gumma Fest en Alcañiz, Mute Festival o el veterano Festival Gaire de Pancrudo (Teruel), que continúan fortaleciendo la oferta cultural turolense.

El verano aragonés también encuentra en la música antigua y el patrimonio una de sus grandes señas de identidad: el Festival Internacional en el Camino de Santiago, que volverá a llenar, entre el 30 de julio y el 30 de agosto, monasterios y espacios históricos del Alto Aragón con algunas de las mejores formaciones especializadas de Europa. Su programación, dedicada a la música medieval, renacentista y barroca, convierte cada edición en una oportunidad para descubrir el patrimonio cultural de la comunidad a través de la música. En esta misma línea se sitúan propuestas como Pirineos Classic o diferentes ciclos patrimoniales impulsados por instituciones y ayuntamientos.

Cuando septiembre llega, Zaragoza toma el relevo con dos de las citas culturales más relevantes de la comunidad. Vive Latino España volverá a convertir el 4 y 5 de septiembre la capital aragonesa en punto de encuentro de la música iberoamericana, reuniendo artistas de rock, pop, mestizaje, rap y nuevas músicas urbanas procedentes de ambos lados del Atlántico. Niña Polaca, M-Clan, Rigoberta Bandini, Sanguijuelas del Guadiana, Guitarricadelafuente, La Plazuela, Ojete Calor, Siloé, Ultraligera y Veintiuno, son algunos de los artistas del cartel de este año.

La XXIV edición del Festival de Música Independiente de Zaragoza (FIZ) se celebrará el sábado, 26 de septiembre, en la Sala Multiusos del Auditorio, con los conciertos de Carolina Durante, La casa azul, Repion y La paloma.

A estas propuestas se suma la aparición de nuevos proyectos como Diosas Fest, el 18 de septiembre, un encuentro transfronterizo entre Aragón y el Pirineo francés dedicado a la creación artística femenina contemporánea.

Más allá de los grandes nombres, el crecimiento del fenómeno festivalero aragonés también se refleja en la aparición y consolidación de numerosas iniciativas repartidas por todo el territorio. Festivales como Fem Poble, Lana-Fest, Sáhara Colour Rice, DipuFest, Inde Music Festival, Festival APTC o El Mundo en Sallent demuestran la capacidad de Aragón para generar propuestas culturales diversas, descentralizadas y estrechamente vinculadas a sus municipios y comarcas.

La suma de todas estas iniciativas configura un panorama excepcional. Desde el folk hasta la electrónica, desde la música antigua hasta el arte urbano, desde los grandes recintos multitudinarios hasta los pequeños festivales rurales, Aragón ofrece durante más de cuatro meses una programación capaz de atraer a públicos muy diferentes.

Un mosaico cultural en constante crecimiento que confirma la gran vitalidad cultural de Aragón y su capacidad para descentralizar la oferta más allá de las grandes ciudades.

Había mucha expectación por esta adaptación llevada a cabo por Juan Echanove del peliculón de José Luis García-Berlanga. Se presagiaban posibles deleites: gran montaje con 18 actores en el Teatro Español de Madrid, el aditivo de poder escuchar en escena la especial mala leche del tándem Azcona y Berlanga, y un relato conocido por todos, que es ya parte de nuestra historia e imaginario.

Echanove ha enfrentado el proyecto con la desfachatez necesaria, llevando el asunto a una especie de vodevil zarzuelero y farsesco. Olvidando lo cinematográfico y dándole a la obra un cariz netamente teatral. Lamentablemente, la cosa no acaba de despegar.

La obra comienza con una declaración de intenciones, con todo el elenco cantando una loa a la caza con tono zarzuelero donde destacan actores que provienen del musical y la lírica como Enrique Viana, tenor que además construye un desternillante marqués de Leguineche, el personaje al que dio vida Luis Escobar.

Se nota el ojo de Echanove para elegir el reparto. Por ejemplo, el acierto en escoger a Pere Ponce para interpretar a Canivell, el empresario catalán que bordó José Sazatornil. Ponce es capaz de llevarlo por otros derroteros. También está muy bien Pedro Mari Sánchez quien, aunque más cercano a la interpretación de Agustín González, está telúrico como el Padre Calvo. Y Chusa Barbero clava a la marquesa tuerta que hizo Amparo Soler Leal en la película.

Acertadamente, porque sería imposible, el montaje no ha querido alejarse del inevitable referente cinematográfico. El público podrá hacer sus comparaciones con el filme que se estrenó en esa España de 1978. Son más dudosos los paralelismos políticos con nuestro presente que se han intentado hacer. Aunque las pulsiones humanas siguen siendo las mismas, la sociedad actual es más compleja que la ciénaga palaciega franquista.

Lo interesante del montaje es su voluntad de independizarse, de pasar de un lenguaje cinematográfico a uno netamente escénico. Algo que la obra consigue en ciertos momentos, pero que no llega a estabilizarse a causa de un ritmo desenfrenado, donde se pretende que la obra eclosione al mismo tiempo que quepa todo. Algo que ya le pasó a Echanove en la adaptación que hizo del clásico de Ernest Lubitsch, Ser o no ser.

Tampoco acompaña una escenografía que tiene una factura muy viejuna y que además se utiliza de modo tradicional. El problema no es la dirección de arte. Su estética española, muy manchega latifundista, funciona. Pero no se juega con ella, con todo lo que da de sí lo demodé del asunto, de un modo imaginativo, sino que se utiliza de una manera muy tradicional. Cuando de repente baja un decorado y según la convención teatral cambiamos de aposento, algo en ese subir y bajar impregna la obra de un sabor añejo que no le ayuda.

Torbellino de subtramas

Hace 25 años que Echanove, como intérprete, estrenó con éxito El verdugo bajo la dirección de Luis Olmos (se nota su legado en la obra). Para este montaje, el actor y director madrileño ha decidido contar con quien hizo aquella versión, uno de los especialistas en Azcona y Berlanga, el escritor Bernardo Sánchez Salas. Sánchez es un gran conocedor de los entresijos y el humor de Azcona y Berlanga, pero en esta ocasión parece haberse perdido en la búsqueda de una carpintería teatral que acaba por enmarañar la trama que, aunque alocada y llena de vicisitudes, en la película es meridiana.

El argumento en la película es claro: el empresario Canivell (Pere Ponce) asiste a una cacería, que él mismo financia, donde está la nobleza arrejuntada con ministros, ministrables y demás marionetas del Régimen para conseguir la influencia que le facilite forrarse con su nuevo negocio de “porteros serenos tecnológicos”, es decir, los hoy conocidos telefonillos que por aquel entonces no existían.

En la cacería está el ministro de Obras públicas (Patxi Freytez) a quien intenta liar. Ahí se monta un guirigay porque el ministro está enredado con una vedette del destape, Vera del Bosque (Elisa Matilla). Un follón que utiliza Canivell para conseguir el favor del ministro. Pero el desencadenante, lo que hace que la acción avance, es el anuncio desde el Pardo de que el ministro va a ser cesado y será sustituido por un ministrable también presente en la cacería, López Carrión (Javier Mora), opusino hasta la médula.

Muestran así Azcona y Berlanga cómo se las gastaba Franco, aupando a unos para defenestrar a otros de manera sucesiva y así mantener a las distintas familias del régimen unidas en la sumisión. Pero con la subida de López Carrión lo que también ocurre es que Canivell, que creía haber vencido, ve que el negocio se diluye como un azucarillo y tiene que humillarse hasta la genuflexión ante los nuevos “tecnócratas” para salvar los muebles.

Sin embargo, en la adaptación teatral esa sucesión de hechos se mezcla desde el principio desdibujando por completo el desarrollo emocional y moral del personaje. En vez de ese tránsito, la adaptación propone un personaje que se ve inmerso en un torbellino. Es una opción, pero su ejecución es confusa. Algo que llega a su cenit en la escena cuarta, donde Canivell va saltando de puesto de caza en puesto de caza y todos los argumentos se mezclan. Se pierde así la finura de las subtramas urdidas por Azcona: la de la política española mezclada con los enredos de faldas y la de todo el ecosistema de oportunismo y privilegio en torno a los focos del poder.

Es una pena porque la idea de una Escopeta nacional como vodevil es retadora. Echanove, acercándose a la farsa, consigue aproximar la obra al esperpento de Valle-Inclán por momentos, incluso se permite un guiño al Viridiana de Buñuel que le sienta como anillo al dedo. Pero los ritmos desaforados y cierta confusión argumental no permiten que las escenas que quieren acabar en dislate siempre lo consigan. La obra cae en ocasiones en un teatro de comedia convencional que aunque vaya rápida se estanca. Berlanga está ahí, sus personajes también, pero si aburres, irremediablemente, Berlanga desaparece.

Aun así, la obra tiene momentos de gran mérito, como esa colección de “pelos del coño” del marqués que funciona como un tiro o la escena final donde sí hay una verdadera condensación teatral. Una escena en la que la esposa de Canivell, Mercé (una estupenda Marta Ribera), canta con gran potencia y sentimiento mientras Pere Ponce interpreta a un Canivell ya vencido y ridículo que ve cómo se ha gastado todo en prebendas y no ha vendido ni una escoba. “¡Quina merda!”, clama Canivell… Ahí sí aparece el antihéroe berlanguiano que se quiere caradura, pero la historia y la sociedad terminan siempre tomándole el pelo hasta dejarlo tan desnudo como desamparado.

La localidad toledana de Guadamur vivirá este fin de semana una teatralización musical de temática visigoda con el estreno de 'El último rey', una obra que ya ha agotado todas las localidades: hasta un total de 800.

Esta función, dirigida por Alberto Sánchez García Tenorio, natural de Guadamur, se representará este sábado y el domingo en el Teatro Auditorio de Guadamur, y se trata de una propuesta cultural que une historia, música, teatro, danza, vestuario y participación vecinal.

La obra habla de Rodrigo, último rey visigodo

'El último rey' se inspira en las raíces visigodas de Guadamur, en su relación con el Tesoro de Guarrazar y en el imaginario histórico que forma parte de la identidad del municipio. La historia gira en torno a Roderico, Rodrigo en la obra, el último rey visigodo, y narra su ascenso al trono, la pérdida del poder tras la invasión musulmana y el intento de salvaguardar el tesoro para que no caiga en manos enemigas.

El montaje cuenta con unas 60 personas, en su mayoría de Guadamur, aunque también participan vecinos de Polán y Casasbuenas. Ninguno de ellos es profesional. En escena habrá niños desde los 8 años, como Sacha, David, África o Deisi, y también personas mayores como José Luis Ancillo, de Casasbuenas, que roza los 90 años. Desde febrero, el grupo ha ensayado prácticamente a diario durante dos o tres horas para levantar una obra coral que, en palabras de su director, ha sido “un trabajo muy duro, pero muy gratificante”.

Para la alcaldesa de Guadamur, Sagrario Gutiérrez, el espectáculo representa el esfuerzo compartido de un grupo de vecinos que ha dedicado su tiempo y sus capacidades a poner en pie “un espectáculo grandioso”, preparado a través del programa de artes escénicas de la Diputación Provincial y coordinado por Alberto Sánchez García Tenorio. Además, ha destacado el valor de que el proyecto haya conseguido reunir a personas de todas las edades y ha expresado su deseo de que pueda representarse en otros municipios para que más vecinos de la provincia de Toledo puedan disfrutarlo.

El origen de 'El último rey'

El proyecto surgió, según explica su director, “un día paseando por Guadamur, cerca del castillo”, al pensar en las Jornadas Visigodas, en el Tesoro de Guarrazar y en la posibilidad de crear un espectáculo que ayudara a difundir la historia local desde el escenario. A partir de esa idea, Alberto Sánchez García Tenorio ha escrito junto a su pareja el guion de la obra, ha compuesto música original y ha formado a los participantes como actores y bailarines.

Uno de los elementos más significativos del proyecto ha sido la implicación colectiva. El vestuario y el atrezzo han sido elaborados por cuatro mujeres de la localidad, profesionales o aficionadas a la costura, que durante tres meses han trabajado en un pequeño taller cedido por el Ayuntamiento bajo el auditorio. Han creado cerca de 100 trajes, ya que algunos personajes cuentan con cambios de vestuario durante la representación.

El tesoro de Guarrazar como protagonista

Entre las escenas más especiales de la obra, Alberto Sánchez García Tenorio destaca el enterramiento del Tesoro de Guarrazar, un momento íntimo y de gran intensidad emocional en el que la reina, junto a sus hombres de confianza, decide ocultar el tesoro para proteger el legado de su pueblo. “En los primeros ensayos acabábamos llorando todos”, recuerda el director, que vincula esa escena con la tradición, el arraigo y la necesidad de mantener viva una herencia común.

El éxito de público llega, además, después de una venta de entradas muy rápida, completada en apenas dos semanas. “Estamos emocionados, pero con una responsabilidad muy grande de haber llenado tan rápido las 800 butacas”, señala Alberto Sánchez García Tenorio, que define la obra como “un viaje a nuestras raíces, una muestra de nuestra historia y nuestro legado”.

Tras las funciones de este fin de semana, el equipo confía en que a partir de septiembre la obra pueda representarse en otras localidades para seguir difundiendo las raíces visigodas de Guadamur y dar continuidad a un proyecto que ha unido creación artística, memoria histórica y participación vecinal.

La ministra de Vivienda y Agenda Urbana, Isabel Rodríguez, y la directora de la Fundación del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, Irene Pardo Molina, han firmado un protocolo de colaboración.

A través de este acuerdo, ambas entidades se comprometen a actuar en la promoción y la difusión del patrimonio arquitectónico nacional y la divulgación del teatro, la literatura y la cultura del Siglo de Oro español, planteándose así un punto de encuentro entre la arquitectura y las artes escénicas.

Este acto ha coincidido con el debate y la convalidación en el Congreso de la declaración como acontecimiento de excepcional interés público de la 50 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro.

La declaración reconoce el carácter “singular e irreemplazable” del festival, principal evento cultural de Castilla- La Mancha y uno de los más destacados del país y del mundo en su especialidad.

Son las doce de la mañana y la gente de Cádiz, que sabe la perla que tiene, forma una cola larguísima para ver la nueva creación de Rosa Romero. Con paciencia, los espectadores van llenando la sala de La Merced. Con todos ya sentados sale a escena un bicho rojo en traje de seda, un glóbulo sanguíneo que es todo cuerpo, gesto y presencia. Es la propia Romero transformada en un bicho que es, al mismo tiempo, pura destilación de la mujer gaditana e icono bufo de la performer moderna. Romero todavía no es conocida por el gran público, pero lleva tiempo avisando. Esta artista lo tiene todo: cabeza, presencia, guasa, cuerpo y, sobre todo, compás.

La pieza se llama El discurso y no está acabada. Tan solo mostró 30 minutos dentro del programa del Festival Cádiz en Danza. El estreno será en el Festival TNT de Terrasa en septiembre. Los espectadores del festival ya saben de la potencia de la artista que tienen en frente. Pero da igual: cualquiera, avezado o no en esto de la danza y las artes vivas, puede darse cuenta de la fuerza insólita de este bicho. De que pisa como nadie el escenario, de la extraña mezcla entre tradición y moderneo y de su dominio del tempo escénico.

Romero en Debut es capaz de mezclar el Macbeth de Shakespeare con un discurso feminista y hacerlo mofándose de sí misma y de toda la escena contemporánea al mismo tiempo. “En las tragedias griegas los personajes femeninos mueren justo después de discursar, alertando del peligro al que se expone una mujer al hablar”, explica Romero en conversación con elDiario.es. “De un modo similar, las contemporáneas estamos siempre dándolo todo en escena, hasta reventar, entregadas como la Liddell, venga a cortarnos las venas”, añade con ojos de pícara.

Romero siempre se agarra al humor y, sin romper ese código, poco a poco la guasa va cogiendo un sabor agridulce. Poco a poco, ese ser rojo va mostrando otro lado que recoge la esencia de esas mujeres andaluzas que arrastran por las calles sus vidas colgadas de bolsas, hijos y hombres inútiles. La pérdida, la vida como un calvario, todo un sentir jondo se va dejando entrever en esa supuesta puesta en escena tan moderna y contemporánea. Pero, ¿quién es esta gaditana que parece un Ignatius Farray reencarnado en una mujer que canta mientras fríe tortillitas de camarones? ¿Quién es Rosa Romero?

Cinco años de locura eremita

Rosa Romero tiene ojos de niña, pero ya peina los cuarenta. Comenzó joven, hace ya 20 años, con esa generación a la que hoy se conoce bajo el nombre de “Málaga power”. Allí estudió e hizo sus primeras obras junto a nombres como Alberto Cortés, la Chachi, Alessandra García, Violeta Niebla o Luz Prado. Años de experimentación y “háztelo tú mismo” que fueron desgastando a esta joven, que veía que aquello no daba para vivir: “Hacía títeres para cumpleaños infantiles o me vestía de conejo gigante, y acabé cansada de ganar 50 euros por función, así que decidí irme”.

Después de un paso efímero por Madrid, Rosa volvió a su San Fernando y decidió alquilarse un local antes que un piso donde vivir: “Me pasaba la vida allí, currando, tirada en un sofá”. Aquel encierro fue un volver en sí, a su origen: “Ya había recorrido mucho, conocido otras gentes y pude comenzar a valorar lo que había aprendido en casa, que tiene que ver con el compás y el flamenco. Comencé a investigar sobre cosas que eran mías, que me salían natural”. Romero recuerda que comenzó a bailar todos los días, como hacía de pequeña en su habitación. Pero se fue quedando sola: ninguno de sus compañeros podía seguirle el ritmo.

Romero no salía de aquel local donde estuvo encerrada cinco años; poco a poco fue pasando gente que la fue ayudando. Entre ellos, el propio Alberto Cortés —con quien montó varias piezas—, pero también la coreógrafa Patricia Caballero, que supo ver su esencia. “Un día Patricia, viéndome bailar, me dijo: 'Quieta, ahí, sigue con eso, sigue'”, rememora. Romero señala uno de los momentos de giro en su carrera en el que se dio cuenta de que aquellas improvisaciones podían tener un valor artístico, que eran la piedra sobre la que fundar su teatro. Empecé a descubrir la necesidad de poner el cuerpo en el centro, de trabajar con la voz y con el compás, descubrí cuál podía ser mi lenguaje“, resume la artista.

De esa vida de eremita salió con una pieza, Esta no es la vida privada de Rosa Romero, que estrenó en Sevilla, ciudad en la que decidió comenzar una nueva vida de la que surgiría una de las piezas fundamentales de su carrera: Debut. En ese trabajo nace su movimiento ya consolidado, un movimiento flamenco que reta, que expulsa algo del cuerpo y que Romero convierte en espasmo, en breve momento donde su cuerpo es poseído por un bicho que tiene más de gremlin macarra y juguetón que de pesadilla negra o afectación flamenca.

Siempre agarrada al humor, a lo no hecho, al fragmento roto, su baile es como la anagnórisis de un personaje que de repente se da cuenta de quién es realmente. Debut es una obra que sigue viva y que se podrá ver el 29 de junio en la sala Reina Victoria de Palma del Río. Quien quiera ver el nacimiento de una artista no tiene nada más que ir a verla. La pieza llegará también a Madrid, al espacio de Infinito Delicias, el 17 de octubre.

Tras aquella, realizó otra gran pieza, Soy un baile (2023), que creó con apoyo de más gente: la Aceitera de Rocío Molina (que la adora), la Caldera en Barcelona o el TNT de Terrasa. Llegaron los premios y el reconocimiento de la escena contemporánea en esta pieza en la que Romero hacía desaparecer un cuerpo que buscaba ser validado para hacer nacer otro bien distinto, libre. Eso sí, vestida en un pijama imposible, tan ridícula como punki.

La transformación y el círculo flamenco

Hablando con ella, poco a poco, va dejando mostrar de dónde surge todo. Romero es animal contemporáneo, se lo ha visto todo, algo que se nota en cómo cuida cada aspecto de sus trabajos. Los vestuarios con Gloria Trenado, la inserción de la música, el tratamiento del cuerpo en escena… Pero en sus piezas también hay guiños hacia lo flamenco que no son meros resabios andaluces, sino que tras ellos se esconde la fuerza medular de esta creadora.

Romero creció en el Barrio de las Callejuelas de San Fernando, el mismo que Camarón de la Isla. Su abuela vivía en un patio de vecinos donde todos compartían cocina y baño, y se crio con su madre y su tía, Lela Fontao, que regentó durante años la Venta de Vargas, templo del flamenco donde con ocho años Camarón cantó por primera vez. Romero creció en torno a la asociación de mujeres salineras del barrio, donde su madre y su tía, con otras mujeres, vendían tortillitas de camarón para pagar la factura de la luz de alguna asociada o solucionar los miles de problemas de aquellas mujeres que vivían en un barrio obrero y necesitado.

“Me acuerdo cuando Antonia estaba con la espumadera y se ponía a cantar. Se transformaba, parecía otra persona. O cuando pasaba el Nazareno, la procesión, que salían fuera y le cantaban, me cogían de la mano y las miraba mientras notaba cómo vibraban… Aquello, aunque lo viviera con normalidad, me impactaba mucho”, evoca Romero.

Eso mismo busca Rosa Romero en sus piezas, esa transformación, ese convertirse en otro en escena. Lo hace con mesura, casi sin que se note, con cierto decoro de mostrar sus raíces. Algo que, sin embargo, ha explotado en su colaboración con una de las flamencas con más power del panorama, María Moreno. En su última obra, Magnificat, que llegará al Albéniz de Madrid el 19 de julio dentro del festival Villanos del flamenco, Romero se suelta el pelo hasta el descoloque.

Esa infancia también le ha dado el otro vértice sobre el que estructura sus piezas: el corro, el círculo flamenco al que la empujaban de pequeña a bailar, donde se convocaba para que algo pasase. “Cada día me importa más el público, estar lúcida para darme cuenta de qué pasa en ese círculo y encontrar cómo retroalimentarnos para que algo pueda ocurrir”, explica Romero. “En esas ando ahora con la nueva pieza, veremos”, concluye.

Las calles, plazas y hasta la iglesia de la localidad de Villamalea, en Albacete, volverán a llenarse los próximos días 25, 26 y 27 de junio del arte de las danzas y bailes que conforman el Festival Paisaje, que este año celebra su sexta edición de fusión de este arte con el folclore manchego con las artes escénicas y la música en directo, como “patrimonio inmaterial”.

Su director, Joaquín Collado, es originario del municipio, pero actualmente reside en Barcelona, después de haber viajado a varios países y de formarse en el arte de la danza y las artes escénicas, una vocación que descubrió a los 18 años tras estudiar Bellas Artes.

En su localidad natal, con la que mantiene un “vínculo muy fuerte”, es donde lleva seis años dando forma a un festival cuyo nombre bebe de “la necesidad de potenciar nuestro paisaje”. “No ese paisaje que todos asociamos al verde o a la playa, sino nuestro paisaje ancho, llano, horizontal, amarillo y de secano, pero igualmente bello”, argumenta.

El nombre también está relacionado con la esencia del Festival porque, a nivel poético, durante esos tres días, su objetivo es “generar nuevos paisajes, múltiples, plurales”, cuando la danza y el arte “vienen a contactar con un territorio específico.

Ponemos a la gente en el centro, promoviendo el derecho y la accesibilidad a la cultura

Durante tres días, Villamalea se llena de artistas, de cultura, de baile y mucha música en directo. Para ello, aunque el evento es independiente, cuenta con el apoyo del Ayuntamiento y diversas cooperativas locales privadas, y destaca por su carácter participativo. “Ponemos a la gente en el centro, promoviendo el derecho y la accesibilidad a la cultura”, destaca Collado, remarcando que el Festival llegue a espacios como la cooperativa de vino o la piscina y este año, por primera vez, la iglesia del pueblo.

Su director también precisa que el Festival Paisaje no solo consiste en espectáculos, sino que también se llevan a cabo varios talleres, algunos sobre danzas, pero también otros de carácter artístico o de canto coral y movimiento, fusionando letras del cancionero popular con estilos contemporáneos.

De esta forma, los objetivos del Festival son fortalecer el tejido sociocultural del medio rural, reivindicar el patrimonio cultural inmaterial manchego, acercar propuestas artísticas contemporáneas de calidad a la ciudadanía, generar oportunidades de acceso y participación a la cultura en el contexto rural, y proyectar la provincia de Albacete como un territorio de referencia para la creación contemporánea.

A lo largo de sus seis ediciones, Paisaje ha acogido a 37 artistas y compañías nacionales e internacionales y ha reunido una audiencia superior a las 2.000 personas por edición. Actualmente, es el único festival especializado en danzas y bailes de Castilla-La Mancha.

El evento articula una programación multidisciplinar centrada en “el diálogo entre folclore, la danza contemporánea, los bailes populares, la música de raíz”, y todo el espectro de prácticas contemporáneas participativas, desarrolladas por artistas procedentes de seis comunidades autónomas y la propuesta internacional del artista libanés Charlie Khalil Prince, invitado gracias al importante premio otorgado por las plataformas Aerowaves Dance Across Europe y Europa Creativa.

Este año, además, Festival Paisaje representó a Castilla-La Mancha en el foco español de festivales de artes escénicas llamado 'Territorio' y celebrado en el marco del festival Europalia, en Bruselas.

Los artistas invitados a esta sexta edición son el artista conquense Miguel Olmeda con su performance participativa 'Unsuitable', en la que pide la colaboración de la gente para descoser su traje de vestir, a la vez que cuenta una historia sobre masculinidad, poder, cuidados y la relación con su pueblo. También realizará un taller de babis y mandiles.

Los artistas valencianos Mar García y Javi Soler, con su propuesta 'Villamalea's Cora', un taller de canto coral y movimiento de tres días, abierto a la participación ciudadana. Por su parte, el artista extremeño, Juan Carlos Panduro, con su espectáculo de circo y poesía 'Anoche el cielo se puso bocabajo', que será presentado dentro de la Iglesia de Villamalea. Panduro también dinamizará un taller de circo para el público infantil.

Por su parte, la Asociación de Mujeres de Villamalea preparará una cena popular abierta a todo el mundo el primer día del evento, seguida de un taller de folclore y un concierto, de la mano de Kantata La Raíz, agrupación conquense dedicada a la recuperación y actualización de las músicas tradicionales.

De Charli Khalil Prince a Delameseta

El sábado, al artista libanés Charli Khalil Prince, junto con el músico berlinés Joss Robert, presentarán su espectáculo 'The Body Symphonicp, en la Cooperativa del Vino San Antonio Abad, sobre la estigmatización del cuerpo arábe y la crisis geopolítica en Oriente. También realizarán un taller de música experimental con la banda de música juvenil.

La bailaora malagueña La Chachi, junto a la cantaora Lola Dolores, presentarán su obra de flamenco contemporáneo 'Taranto Aleatorio', espectáculo destacado por su amplia trayectoria en festivales nacionales e internacionales.

Finalmente, el Festival se cerrará con el grupo vallisoletano Delameseta y su concierto 'Al baile por ver amores', proyecto de referencia en la renovación de las músicas tradicionales castellanas mediante el diálogo entre folclore, electrónica y cultura de club.

Después del concierto, se celebrará 'Fiestaca de Clausura' de Paisaje, en colaboración con la Asociación por el Autismo 'Caminos Azules', que se encargará de la barra de bebidas, y con el DJ invitado Robin Tooth, referente por las fiestas de Orgullo. P

Además, por primera vez en Villamalea, se aprovechará el contexto del Festival Paisaje para lanzar un manifiesto en representación de las personas LGTBIQ+: “Sí a la diversidad, sí a la pluralidad, no discriminación, no a la violenta, sí a una cultura libre por la vida”.

La cultura se ha convertido en una de las protagonistas absoluta en la provincia de Badajoz durante 2026. Y es que la Diputación ha impulsado una red de actividades que dinamiza municipios de todos los tamaños y consolida un modelo que destaca con una red de eventos que recorre la provincia de punta a punta, demostrando que la cultura no es un lujo urbano, sino el oxígeno que mantiene vivos los corazones rurales. A través de programas como D’rule, Danzaria o PueblArte, la institución ha convertido cada plaza, convento y ruina romana en un escenario donde la identidad extremeña baila, canta y se reinventa ante los ojos de sus vecinas y vecinos.

La pacense es una provincia que no se resigna a lo cotidiano, una tierra de horizontes infinitos donde la cultura ha decidido brotar con la misma fuerza que la encina en la dehesa. La Delegación de Cultura, Deporte y Juventud de la Diputación de Badajoz ha trazado en los últimos años una cartografía de la belleza y la diversión que este año está alcanzando su cénit. Lo hace bajo una premisa tan sencilla como revolucionaria: que el arte debe ser un patrimonio compartido como un hilo invisible que una la localidad más pequeña con las vanguardias más audaces. Esta estrategia no es fruto del azar, sino de un Plan de Dinamización Cultural que camina sobre dos pies firmes. Por un lado, la generosidad de las subvenciones que riegan el tejido asociativo y las entidades locales, permitiendo que la iniciativa ciudadana respire; y por otro, una constelación de programas propios que son, en sí mismos, una declaración de amor al territorio y a las creadoras y creadores que lo habitan.

Teatro profesional

El teatro profesional, ese espejo donde la humanidad se reconoce, ha encontrado su hogar en los rincones más insospechados gracias al programa D’rule: Artistas en el Territorio. Desde que naciera en 2016, este circuito ha logrado que la palabra de los actores y actrices deje de ser un eco lejano para convertirse en una realidad sonora y visible en las plazas pacenses. D’rule es más que una cartelera; es un motor que impulsa a las compañías locales, dándoles la oportunidad de mostrar su oficio ante un público que, a menudo, descubre por primera vez la magia del directo. Este éxito rotundo ha posicionado a la provincia como un referente nacional en la gestión cultural rural, demostrando que el talento profesional no teme a los kilómetros cuando hay una mirada y un oido atentos esperando al final del camino. Es una simbiosis perfecta donde el artista crece y el vecindario se enriquece, tejiendo una red de experiencias que fortalece el alma de los pueblos.

Pero la creatividad en Badajoz también sabe mancharse las manos de color y salir al encuentro del paseante a plena luz del día. PueblArte ha roto los marcos de las galerías convencionales para llevar el proceso vivo de la creación artística a pie de calle. En este programa, las artes plásticas se despojan de su habitual hermetismo para mostrarse desnudas: el olor del aerosol, la precisión de la acuarela y la paciencia del óleo se mezclan con música en directo bajo el cielo de Extremadura. Es un espectáculo en sí mismo ver cómo un lienzo en blanco se transforma en patrimonio mientras vecinas y vecinos conversan con el artista. Al finalizar el evento, esas obras se quedan en las localidades, pasando a formar parte de su historia visual y recordando que el arte es un proceso democrático que sucede aquí y ahora, transformando plazas cotidianas en museos efímeros de una potencia estética abrumadora.

Circo contemporáneo

El asombro se eleva unos metros sobre el suelo cuando llega a un pueblo pacense Badecirco, el festival que reivindica el circo contemporáneo como una de las disciplinas más exigentes y hermosas de nuestro tiempo. En su octava edición, este programa ha logrado involucrar a quince compañías y veinticinco actuaciones que desafían las leyes de la física y la lógica en veinticinco municipios distintos. Badecirco no se limita al entretenimiento; es un ejercicio de equilibrio preciso entre el cuerpo y la mente, una amalgama de acrobacias, humor y malabarismos que consigue borrar las fronteras generacionales. Aquí, infancia y mayores comparten la misma boca abierta de sorpresa, mitigando la brecha de acceso a la cultura y demostrando que un espectáculo de altura puede ocurrir en cualquier rincón si existe la voluntad política de hacerlo posible.

Esa misma voluntad es la que dio vida a Danzaria en 2021, un festival que este año celebra su sexta edición con una salud envidiable. Lo que empezó como una propuesta piloto para llevar la danza a municipios de menos de quinientos habitantes es hoy un gigante que ha recorrido más de sesenta localidades. Danzaria ha sabido habitar espacios que son joyas del patrimonio, como una corrala en Montemolín, un antiguo convento en Llerena o el imponente Templo de Diana en Mérida, convirtiéndolos en templos del movimiento contemporáneo. Pero su mayor logro no se limita a la exhibición, sino que se abre a la participación. A través de sus talleres y workshops, el festival ha logrado que asociaciones de mujeres y escolares exploren su propio lenguaje corporal, perdiendo el miedo a una disciplina que antes sentían ajena. Bailarines de la talla de Juan Carlos Guajardo o Ana Baigorri han regresado a sus raíces para demostrar que la danza es un derecho fundamental, una forma de libertad que no entiende de códigos postales.

El pulso sonoro de la provincia lo marca Músicos en Movimiento, una gira itinerante que funciona como el gran altavoz del talento local. Este festival no se limita a programar conciertos; crea un entramado de relaciones donde las bandas emergentes conviven con los sonidos de vanguardia, conectando a los municipios con la identidad creativa propia de Badajoz. Es una invitación a desplegar la agenda y dejarse llevar por el ritmo de una tierra que suena a futuro, a ilusión y a trabajo bien dirigido y ejecutado.

Identidad

Pero el sentir cultural de la provincia no se entiende sin su raíz más profunda: el flamenco. El proyecto Pasión por el Flamenco Sin Frontera ha trascendido los límites geográficos, revolucionando recientemente el prestigioso Festival de Arte Flamenco de Mont de Marsan, donde siete excelsos artistas demostraron que el arte pacense es una referencia mundial. Esta proyección internacional es el fruto de un trabajo constante que se cultiva día a día en el territorio a través de las Aulas de Flamenco y de festivales como el Festival de Copla Rosa Morena, el Festival Porrina de Badajoz y el Festival Pasión por el Flamenco, de donde han surgigo las actuaciones en el extranjero y la presencia en citas como el Flamenco Festival Londres.

Bajo este paraguas de diversidad artística, la Diputación de Badajoz ha ido tejiendo una programación que no deja ningún rincón del alma humana sin explorar. El compromiso con la esencia se manifiesta también en iniciativas de memoria histórica y democrática, el fomento de la Literatura en mi pueblo y la necesaria tarea de Recuperando la lengua extremeña y Nubeteca, que articula la lectura y el libro en el entorno digital. Pero la cultura es también celebración y alivio; por ello, la provincia se llena de risas con Cómicos en carretera a carcajadas y se rinde al talento melódico en el Festival Jazz o desde la solemnidad con los Villancicos hasta la vanguardia de nuevos programas de creación escénica, la oferta cultural se convierte en un derecho accesible que desafía la distancia y el olvido en la provincia más extensa de España.

Este trabajo concienzudo ha encontrado su máxima validación en el prestigioso informe ‘Lo mejor de la cultura 2025’ del Observatorio de la Cultura donde la Diputación de Badajoz se ha consolidado como la única institución pública extremeña con tres reconocimientos en este ranking nacional, destacando la meteórica ascensión de El Hospital Centro Vivo, que ya se sitúa en el pódium de la oferta regional junto a gigantes como el Museo Helga de Alvear. Este éxito, sumado a la excelente valoración de programas como D’Rule y Badecirco en el entorno rural, confirma que el modelo pacense es una referencia de gestión en España. En 2026, Badajoz no se limita a consumir cultura: la exporta, la protege y la vive como el motor imparable de su desarrollo y dignidad.

En definitiva, bajo el lema Pasión por la Cultura, la Diputación de Badajoz ha construido un refugio contra el aburrimiento. En cada función de teatro, en cada salto acrobático y en cada trazo de pincel, se escribe la crónica de una provincia que ha decidido que su mejor defensa es la capacidad de creación y su mayor orgullo es la cultura compartida.

La palabra insurrecta y la profundidad política de La Barraca de Vicente Blasco Ibañez ha llegado por primera vez a escena. Magüi Mira dirige una sintética adaptación en la que consigue plasmar toda la fuerza del escritor valenciano ante la injusticia y acercarla al presente con una puesta en escena nada costumbrista. No hay barraca, no hay casita, no hay siglo XIX. En cambio, un espacio vacío va llenándose de territorio, de albufera, de sangre y de sudor de unos actores entregados a una propuesta física, violenta y animal.

Llevan una larga gira desde que la obra se estrenó en Albacete hace casi un año. Más de cincuenta funciones, con más de 80 sacos a cuestas llenos de un caucho rojo que en escena serán símbolo de esa tierra cultivada con sangre. Ahora, están en temporada en el Teatro Fernán Gómez de Madrid hasta el 21 de junio. Luego seguirán de gira: San Javier, en agosto; Salamanca, Murcia y las Palmas, en octubre; Galicia, en noviembre, y cerrarán el círculo, ya en diciembre, otra vez en Hellín (Albacete).

El montaje está aupado por un elenco de ocho actores encabezados por Daniel Albadalejo —Batiste, un campesino que viene de fuera a trabajar las tierras del amo— y Antonio Hortelano, que interpreta con gran fuerza a Pimentó, labriego embrutecido, alcoholizado, al que sus amos han dado la confianza de administrar las aguas y que lidera la voz del pueblo que acabará matando al hijo de Batiste y quemando su Barraca. El odio al que viene de fuera, el analfabetismo, el hombre reducido a bestia por la explotación laboral… Un panorama que un joven Blasco Ibáñez de 30 años reflejó con crudeza y maestría en 1889.

La versión está escrita por Marta Torres. “Fue ella quien tuvo esta gran idea. Cuando me la ofreció, me palpitó el cuerpo entero, me puse a temblar”, confiesa a este periódico Magüi Mira, quien dice conocer muy bien de lo que habla Blasco Ibáñez en la novela. “Soy valenciana y me he criado en la huerta, hay vivencias que nadie me tiene que explicar”, señala esta mujer nacida en 1944, que dice recordar muy bien lo que era el hambre.

Magüi Mira comenzó como actriz en los 70 con José Sanchis Sinisterra. Lo ha hecho todo en teatro. Al preguntarle por la posguerra dice recordar, como si fuera ayer, su infancia con su abuela, con quien la mandaban porque en el pueblo había comida. “Me acuerdo cuando anochecía que salíamos a recoger lo que hubiese en el huerto, un pequeño calabacín, un tomate, para así poder comer algo. Recuerdo a mi abuela diciéndome, mira por ahí Magüisa, a ver si encuentras algo”, evoca con la mirada en otro lugar.

“Me acuerdo de mi tío Pepe que tenía un horario muy restringido para abrir la portezuela del canal y así poder regar, justo como en la novela; y también me acuerdo de no tener luz ni agua, de limpiarme en un balde de estaño con lo que tuviera, con una piedra o una hoja de nogal”, recuerda Mira, y añade que, cuando le llegó el proyecto, se le levantó la niña de posguerra que lleva dentro. “Y se me levantó también con lo que está pasando hoy, que seguimos en la misma salvajada. ¿Acaso solucionamos los conflictos con la palabra? No, seguimos enfrentando a los unos con los otros, seguimos con los pies en el mismo barro y enfrente tenemos esa enorme hipocresía, como hemos podido ver en el Congreso con los siete minutos de aplausos al Papa. Siete minutos de hipocresía total”, zanja.

Blasco Ibáñez y la prioridad nacional

La directora ha urdido un espacio simbólico con unos grandes espejos móviles al fondo de la escena, ideados por los escenógrafos Curt Allen y Leticia Gañán, donde todo es reflejo, donde la palabra de Blasco Ibáñez se expande. Porque la fuerza de la propuesta es el reflejo que nos llega desde ese siglo XIX, en teoría tan alejado, hasta hoy en día. “Sí, pero es importante que la palabra que se dice en escena sea tan solo la del autor, no hay más”, apunta Mira, que ha dotado al elenco de una unidad a través de un registro donde la palabra surge del cuerpo. Una apuesta muy física que la directora acompaña de una coreografía coral a cargo de Marta Gómez.

Daniel Albadalejo no es nuevo en estas lides. Aunque el público lo conozca más por sus montajes con Juan Mayorga o su paso por el teatro clásico a manos del director Eduardo Vasco, este murciano comenzó su andadura en una de las experiencias más hondas y experimentales de la historia escénica española, la de la compañía Arena Teatro dirigida por Esteve Grasset. “Cuando Magüi Mira me propuso esta manera de hacer, para mí fue volver de repente a un sitio que me resulta fascinante, que es encontrar la emocionalidad a partir del propio trabajo físico”, explica. Al final de la obra, cuando ya la barraca ha sido quemada y su familia es de nuevo expulsada a la intemperie y la indigencia, su personaje portará a su hija, que se retuerce sobre su espalda y su cuello (una estupenda Elena Alférez) como un cofrade de Semana Santa sujeta a su virgen, con creencia y dignidad.

La obra consigue tener una dureza extrema, pues la distancia se borra y el dolor de esa familia que es rechazada por ser “de fuera” es imposible que no resuene hoy en día. Se puede palpar la sorpresa de los espectadores que esperaban el típico montaje “costumbrista” que situase la acción en aquella lejana Valencia. Magüi Mira afirma que ella ha preferido trabajar con el concepto. “He buscado la esencia, la poética escénica que pudiese albergar la palabra del autor, pero desnuda, en esencia”, explica.

Al preguntarle a Albadalejo por la experiencia de llevarla por toda España, por esos grandes teatros como el Palacio de Festivales de Santander, el Jovellanos de Gijón, el Campoamor de Oviedo, el Cervantes de Málaga o el Arriaga de Bilbao, el actor destaca sobre todo la impresión de ver los teatros repletos hasta el gallinero. “Cuando sales a decir el primer monólogo y ves el teatro así, caray, te emocionas”, explica. “Pero lo fuerte ha sido ver a la gente realmente tocada, tras la función muchos vienen a verte, te quieren tocar, abrazar, dar las gracias. Tengo el WhatsApp lleno de mensajes muy descarnados. Eso hacía mucho que no me pasaba, al final lo que más le importa al actor es que le agradezcan, ahí te tocan la patata”, confiesa.

Albadalejo, que ahora está grabando casi a diario para la serie Sueños de libertad, en la que interpreta al capellán don Agustín y se mete jornadas de más de 14 horas entre el teatro y el plató, recuerda una función con especial cariño, cuando al terminar fueron al Teatro Olympia de Valencia, un espacio que antes fue la cárcel conde justo hace 100 años encarcelaron a Blasco Ibáñez por luchar contra los carlistas. “Que resonaran ahí sus palabras con la sociedad valenciana presente fue muy emocionante”, explica sobre este montaje en el que precisamente en su última escena suena el himno valenciano en una versión de Santi Martínez.

“Pero no se trata solo de la sociedad valenciana, el discurso de Blasco Ibáñez se expande hasta lo global. Viendo la obra es imposible no acordarse de Torre Pacheco, de los niños de Gaza, de los desplazados, de los desahuciados”, afirma este actor, que además confiesa que para este papel está bebiendo del presente para construirlo día a día. “Tendrías que ver el cuaderno que llevo, lleno de imágenes, de noticias, de músicas… Estos días claro que pienso en esa mujer desahuciada de 87 años, Maricarmen, y en esas palabras de Juan Diego Botto que fueron toda una lección. Hace cuatro días, al sur de Italia, quemaron vivos a cuatro jornaleros de Pakistán y Afganistán en un coche al que le cerraron las puertas. Yo soy de Murcia, donde no es la primera vez que hemos encontrado jornaleros de Mali asesinados y enterrados en cal viva en los pozos… Todo eso me remueve por dentro y me lo llevo a escena para poder interpretar a Batiste con toda la honestidad de la que soy capaz”, concluye.

Magüi Mira detalla a su vez otra reflexión nada desdeñable. “Al final de la obra, Pimentó, que tiene una situación privilegiada respecto a otros jornaleros, confiesa: 'La marquesa me va a desahuciar, me quita las tierras'. Esto es importante, no hay uno de fuera y otro de dentro, los dos viven la misma opresión, son pobres a los que se enfrenta. Ese espejismo es el mismo que el de la actual 'prioridad nacional'”.

Hay una escena de la obra, casi al final, hiperviolenta, donde todo el elenco se embrutece hasta la animalidad a base de cazalla y odio en una taberna del infierno, donde el pueblo se ahoga en su miseria. Una escena estupenda que recuerda incluso a Las bacantes de La Cuadra de Sevilla, a los primeros Atalaya, a la fuerza posterior de algunas obras de Calixto Bieito, a un teatro que alguien podrá tildar de ya pasado, pero que en manos de esta directora retorna con la fuerza de la palabra Blasco Ibáñez, ese socialista y republicano incapaz de quedarse indiferente ante la injusticia.

Argamasilla de Alba vivió en la noche del pasado sábado una de las ediciones “más emotivas” de la historia de El Quijote en la Calle. La representación, que este año alcanzaba su vigésimo quinto aniversario, reunió a cientos de personas en la Plaza Alonso Quijano para disfrutar de una nueva puesta en escena de la obra cervantina y asistir a un momento que “ya forma parte de la memoria colectiva de la localidad”: la despedida de José Luis Fernández Serrano del personaje de Don Quijote tras veinticinco años encarnando al Caballero de la Triste Figura.

Bajo un manto de estrellas y en una noche cargada de simbolismo, vecinos y visitantes acompañaron a los protagonistas de esta singular representación que, desde hace un cuarto de siglo, convierte las calles y plazas de Argamasilla de Alba en un gran escenario al aire libre donde literatura, teatro, música, danza y participación ciudadana se dan la mano para rendir homenaje a la obra más universal de Miguel de Cervantes.

Una despedida tras cinco lustros siendo Don Quijote

La XXV edición llevó a escena una adaptación de los capítulos finales de la novela, centrándose en los últimos episodios de la vida de Don Quijote. El encuentro con Álvaro de Tarfe, las reflexiones finales del caballero, su testamento y su muerte marcaron el hilo conductor de una representación que adquirió un significado especial al coincidir con la despedida del actor José Luis Fernández Serrano, que ha dado vida al personaje desde los inicios de esta iniciativa.

Visiblemente emocionado, agradeció el apoyo recibido durante todos estos años por parte de compañeros, colaboradores, asociaciones y público, reconociendo el esfuerzo colectivo que ha permitido mantener viva esta tradición durante veinticinco años.

Durante su intervención tuvo también un recuerdo especial para todas aquellas personas que participaron en la representación o la siguieron desde el público y que ya no se encuentran entre nosotros, solicitando un respetuoso minuto de silencio en su memoria.

De manera especialmente sentida, quiso rendir homenaje a Pedro Serrano “Periqui”, a quien recordó como su fiel escudero durante años en el papel de Sancho Panza, destacando su entrega, compañerismo y la pasión con la que hizo suyo el personaje.

La emoción fue creciendo hasta desembocar en una larga ovación del público que llenaba la plaza, poniendo el broche de oro a una “noche histórica” para la cultura local.

El “más universal de los manchegos”

La muerte de Don Quijote sobre el escenario marcó el desenlace de la representación, pero también simbolizó el cierre de una etapa irrepetible para José Luis Fernández Serrano, cuya figura quedará para siempre ligada a la historia de El Quijote en la Calle.

Antes de abandonar definitivamente el personaje, quiso dirigirse una última vez a los asistentes con tres palabras sencillas y cargadas de significado: “Gracias, gracias y gracias”.

Con ellas concluyó una edición que será recordada no solo por celebrar el vigésimo quinto aniversario de una de las grandes citas culturales de Argamasilla de Alba, sino también por despedir a quien, durante veinticinco años, puso voz, cuerpo y alma al más universal de los manchegos.

La dirección de Pilar Serrano de Menchén volvió a ser una de las grandes claves del éxito de la representación. Su trabajo al frente de El Quijote en la Calle ha permitido consolidar un proyecto cultural que “trasciende el ámbito teatral para convertirse en una de las señas de identidad de Argamasilla de Alba”, implicando generación tras generación a decenas de vecinos y vecinas en torno al universo cervantino.

La puesta en escena contó con la participación de Tiquitoc Teatro, la Agrupación Musical “Maestro Martín Díaz”, dirigida por Miguel Carlos Gómez Perona, el Grupo de Coros y Danzas “Mancha Verde”, la Antigua Escuela de Baile “Crisanto y María del Rosario”, así como numerosos colaboradores, asociaciones, técnicos, voluntarios y participantes que hicieron posible una nueva edición de este espectáculo colectivo.

Carolina África ha levantado una obra de teatro donde la emoción, como pocas veces, explota en la platea. El público que asiste a ver la obra se conmociona con esta historia cotidiana de unos personajes atrapados en la tragedia de la pandemia del covid-19 y una sanidad pública que se tambalea. Una buena vida es un alegato en defensa de la cultura de los cuidados y la sanidad pública, una pertinente crítica al desmantelamiento de lo social. Pero esta obra pequeña y en apariencia simple —en el Teatro María Guerrero de Madrid hasta el 21 de junio— es también una acusación a una sociedad enferma y amnésica.

La tragedia que provoca esa catarsis entre el público no se debe tan solo al sufrimiento de los personajes, sino también a la verdad que esta obra pone frente al espectador: la de un país que ya ha olvidado lo que pasó, la de una sociedad que salía con denuedo a los balcones a agradecer a los sanitarios, pero que hoy ya ni se acuerda. Una buena vida trata sobre la trágica capacidad del hombre contemporáneo en olvidar las cosas que decidió que eran importantes.

La trama es sencilla: una mujer (la propia Carolina África) resbala a la salida del hospital cuando sale de haber parido a su hija. Se fractura el pilón tibial y ha de estar internada varias semanas. El resbalón es debido a que todavía quedan restos de la borrasca Filomena. Es enero de 2021 y el hospital está con nuevas restricciones ante una nueva ola del covid-19. La mujer está en una habitación con Teresa (Ahimsa), una enferma mayor con demencia senil, y la cuida un atento enfermero (Jorge Kent).

La historia surge de una vivencia personal de la propia autora, pero la obra no tira del género de la autoficción. En escena se respeta la unidad de tiempo y espacio y las actuaciones son de un realismo descarnado, de un naturalismo muy cotidiano. Pero África compone un dispositivo que, aunque tarde en aparecer y tenga algo de efectista, quebrará la obra.

El universo de esta creadora escénica, que comenzó hace 15 años con su compañía La Belloch, es reconocible, particular. Es el suyo un teatro de las emociones, un teatro que parte de lo cotidiano, de personas de carne y hueso. La autora poco a poco va mostrando sus intimidades y sus miedos, hasta que los pliegues y complejidades de cada personaje afloran. En sus obras, África une crudeza y humor, aunque a veces tiende a dulcificar, a embellecer en exceso, a dejarse llevar por la ternura imaginada de sus personajes. Todo esto está en esta obra, pero en esta ocasión sale victoriosa.

Las causas son varias. Por un lado, consigue que el efecto teatral del final de la obra funcione, conmueva hasta la parálisis del teatro. Cuando ocurre, no lo vamos a contar, hay un silencio en que uno puede escuchar hasta el temblor de las butacas vecinas. Por otro, cuenta con un personaje, un Juan nadie', un ser anónimo que se come la escena. Jorge Kent, que interpreta al enfermero, está enorme. En cada gesto, en la energía donde coloca el cuerpo, en la composición del arco emocional.

Kent lleva años trabajando mucho y bien con directores como Alfredo Sanzol, Rakel Camacho o Marta Pazos. Es uno de los mejores actores de su generación. Pero en esta pieza realiza un trabajo —que debería girar por todas las escuelas de teatro— donde hace sin hacer, donde no hay ni un exabrupto ni un gesto o un decir que busque el reconocimiento o la floritura. Kent se repliega por completo para y en su personaje y consigue albergar toda la subtrama de la pieza, acarrear el peso de toda la obra.

La acompaña África, que compone un personaje cercano, verborreico hasta llegar a ser pesada, una madre desesperada que ya no sabe qué decir o hacer para abrazar a su recién nacido a quien por las normas de la pandemia no puede ni visitar. Ella lleva la batuta de todos los diálogos, del ritmo de la función, y consigue ser efectiva y creíble. Y completa el reparto Ahimsa, que compone una anciana enorme, Teresa, un papel duro de hacer, dificilísimo para que tenga verismo sin llegar a la afectación, pero que esta actriz borda.

Alguien podrá esgrimir que África es un poco terrorista emocional, que juega con las emociones del público. Es cierto que a veces lo bordea, como en el final de la obra en el que el uso de unas sombras demasiado simbólicas pueden echar al espectador de la función por el grado de caramelo utilizado. Pero la obra está llena de recovecos estupendos.

Uno de ellos es el uso del lenguaje, que no es otro que el que usamos en la calle, pero que nos sigue sonando malsonante encima de un escenario, algo que pone sobre el tapete una interesante pregunta: ¿qué es lo que esperamos ver en un teatro? Otro acierto es el uso de los cuerpos que reflejan con naturalidad, sin melindres, la dureza de un hospital. Una manera efectiva y honesta de romper con el artificio y acercar la severa realidad del paciente. En escena vemos cómo el enfermero cuida el cuerpo de Teresa, le limpia el culo, las axilas, la espalda… Son escenas bellísimas en que la actriz Ahimsa interpreta a esa Teresa ya ida con una dignidad inconmensurable.

Destaca también la gran capacidad de África de mostrar a través de la historia, sin tener que recalcarlo con textos dirigidos a público, la crudeza de una sanidad cada día más precarizada e inhumana. Cuando vemos a esos enfermos pasando frío porque no hay más mantas, utilizando frascos de orina con chinchetas dentro como sonajeros que sustituyan a los timbres que no funcionan o pidiendo cuidados a unos enfermeros desbordados, nos asalta la certeza de que sabemos lo que está pasando y lo que permitimos con nuestros votos.

Todo ese entramado de aciertos, en ese escenario que llega a oler a detergente industrial y comida recalentada, confronta al espectador no ya solo con la precariedad de la sanidad pública, sino también con las prioridades que nos estamos dando como sociedad y como individuos.

Esa Teresa ahí callada, qué gran acierto es que no diga ni una sola palabra, nos habla de los miles de ancianos que se abandonó en las residencias a su buena suerte, pero también de qué hacemos nosotros para incluirles, cuidarles y darles un espacio donde tengan palabra y dignidad. África, en definitiva, consigue que aparte de la crítica social, cada espectador se pregunte sobre su propia vida, sobre si aquello que creyó era importante todavía sigue siéndolo o lo ha perdido en la vorágine de un presente que no cesa.

Esta sociedad está hecha, construida y sostenida por gente anónima. Gente que en ocasiones vive vidas más o menos placenteras, pero en otras es tocada por la tragedia, desahuciada, explotada o forzada a pasar por calvarios donde su padecer no importa. Su dolor es demasiado pequeño ante un Estado que los trata como números, pero también ante una sociedad civil amnésica que anda pegada a las pantallas de óxido de indio y estaño, absorta en la trifulca política o la última polémica mediática inventada. Y en ese acontecer absurdo lo importante se va desdibujando, quedándose atrás. No importa lo que haya pasado, todo se olvida en un presente unidimensional, amorfo. A esa amnesia que crece a la velocidad de un virus es a la que ataca esta obra.

Es una pena que esta producción del Centro Dramático Nacional no haya sido coproducción y, por lo tanto, no pueda girar sino de manos del CDN. Es una obra pequeña y la dirección de este centro, que tiene dineros muy limitados para hacer girar sus producciones, debería ver el modo para que no muera en junio con la última función programada. Consigue algo muy especial y valioso, tanto a nivel teatral como social, que debiera recorrer muchas de las ciudades de este Estado.

“Cada función que usted escucha en el Teatro Real exige años de formación, preparación constante y un altísimo nivel artístico y profesional. Sin embargo, quienes formamos el Coro Titular llevamos más de 16 años sufriendo una pérdida continuada de poder adquisitivo”. Con este mensaje han recibido los integrantes del Coro del Teatro Real al público en los estrenos de las últimas semanas, como parte de su protesta por la parálisis salarial que sufren desde hace más de quince años.

También denuncian que perciben alrededor de 20.000 euros anuales menos que sus homólogos de otros grandes teatros como el Liceu de Barcelona. “Estamos cobrando practicamente lo mismo que en 2010”, aseguran a este periódico.

El conflicto del coro con el Teatro Real viene de lejos. En 2019 la institución operística fue multada con 50.000 euros por la Dirección de Trabajo de la Comunidad de Madrid por cesión ilegal. Los cantantes del Coro están contratados por la Asociación Intermezzo pero son el coro titular y estable de las producciones del Teatro Real. De las 19 obras previstas para la presente temporada, participan en un total de diez.

Ya en 2023 comenzaron con una convocatoria de paros parciales y huelgas para denunciar una situación laboral “muy precaria”, “cláusulas abusivas” en los contratos y la falta de un convenio propio. Tres años después, los integrantes del Coro vuelven a hacer público el “profundo malestar” que atraviesa la plantilla tras más de 16 años de pérdida progresiva de poder adquisitivo.

El Comité de Empresa de la Asociación Intermezzo Programaciones Musicales señala que aunque el contrato entre la compañía y el Teatro Real contempla mecanismos de revisión económica vinculado al índice de precios de consumo (IPC), dichas actualizaciones “no se han traducido de forma efectiva” en los salarios del coro, “consolidando una congelación salarial de facto durante casi dos décadas”.

Este Coro es el responsable de actuar en todas aquellas funciones que lo precisan por las características de los espectáulos que se programan en el Real. Los cantantes tienen contratos indefinidos que incluyen una cláusula de exclusividad. “No podríamos cantar ni en una boda, nos debemos en exclusiva al Real”, aclaran sobre un modelo de subcontratación poco frecuente en los grandes escenarios a nivel mundial, “en un teatro de referencia de estas magnitudes, solo está el Real. Londres, Nueva York o el propio Liceu tienen su propio coro”. No obstante, sostiene que estar subcontratados “no debería ser” un problema, “salvo si deriva en estas condiciones laborales”.

Otra de las acciones impulsadas por el Comité ha sido la confección de camisetas con el mensaje “subida salarial ya”. “Excelentes críticas, sueldos low cost” y “16 años perdiendo poder adquisitivo” son otras de las frases con las que están protestando por sus condiciones laborales.

Este periódico se ha puesto en contacto con la Asociación Intermezzo, la empresa externa a la que pertenece el Coro, desde donde afirman que están “actualmente en un proceso de negociación del convenio colectivo” y añaden que “solo” responderán a cuestiones relativas a su “actividad artística”. Desde el Teatro Real confirman estar en las citadas “negociaciones”, y que su voluntad es que tengan como resultado “la mejora de las condiciones de los cantantes en lo que se refiere a su actividad” en la institución.

La fuga de talentos a otros coros

El Comité de Empresa de la Asociación Intermezzo incide en que esta situación de precariedad está generando un “importante desequilibrio” respecto a otros teatros líricos de referencia de España, ya que como indican, los miembros del coro “perciben aproximadamente 20.000 euros anuales menos” que sus homólogos en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona o Les Arts de Valencia, pese a que el Real cuenta con mayor presupuesto público-privado. El organismo advierte de que esta diferencia resulta “incompatible” con el nivel de excelencia artística y exigencia profesional que requiere una institución cultural de referencia internacional.

“Mucha gente se ha tenido que ir por las condiciones laborales y económicas. Si sale una plaza en otro coro donde se cobra más, muchos se están yendo”, lamentan desde el Coro: “Queremos frenar la fuga de talentos a otros sitios”. También por la pérdida de atractivo que supone para la propia formación ir perdiendo valiosos integrantes.

“La situación de los artistas del coro y nuestra paciencia ha llegado a un límite”, comunican a elDiario.es. “Llevan dos años toreándonos con esto, ha llegado un punto en el que de tantas largas nos hemos cansado”, aseguran y avanzan que, en caso de no llegar a un acuerdo, “no descartan la huelga”. “Se votó en el colectivo y hubo un 94% de votos a favor de iniciar movilizaciones mayores”, señalan. Los trabajadores “subrayan que no reclaman privilegios, sino dignidad profesional y unas condiciones compatibles con el nivel artístico y la estabilidad que exige un proyecto como el Teatro Real”.

Dispuestos a seguir luchando por la mejora de sus condiciones, el Comité ha acudido igualmente al Ministerio de Cultura, al que solicitaron una reunión el pasado 25 de mayo, pero todavía no han obtenido respuesta. Este periódico se ha puesto en contacto con el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), desde donde prefieren no hacer ninguna valoración.

El jardín quemado estaba durmiendo el sueño de los justos. Juan Mayorga lo escribió en 1997 cuando todavía faltaban varios años para que la primera fosa de la Guerra Civil fuera exhumada en Priaranza del Bierzo. Y es ahora, ya como director del Teatro de la Abadía (Madrid), que el propio autor ha decidido dirigir él mismo esta obra de juventud que pone en entredicho el significado en este país de palabras como memoria, olvido y reconciliación.

La obra engaña. Bajo una apariencia clásica, donde se respeta la unidad de tiempo y espacio, se esconde un complejo entramado donde nada es lo que parece, donde tiempo, espacio y lenguaje explotan. El jardín quemado es una caja de resonancia en la que Mayorga intentará que el espectador salga de su zona de confort, de sus convicciones sobre lo que fue, para mirar la historia de este país desde otro lugar.

El teatro de este autor es exigente con el espectador, quiere generar la sospecha en quien observa. Y en El jardín quemado esa tensión llega hasta la incomodidad. Un ejemplo. De repente, Garay (Adriana Ozores), el personaje que vela por las víctimas de la represión fascista en la obra, gritará: “Deje a los muertos enterrados”. La frase descoloca. Mayorga irá poniendo a lo largo de la obra frases como esta, pequeñas minas que exploten en la cabeza del espectador y así lo alerten de que aquí las reglas son otras.

Sin fosa

Mayorga sabe que esta obra toca temas cruciales para la sociedad española y, quizá por ello, ha operado ciertas modificaciones sobre lo escrito hace 30 años. La primera, si bien sustancial, no es medular. El jardín quemado era una obra de personajes masculinos, todo hombres. Ahora, dos de sus personajes principales son femeninos. En la trama, en los años setenta, recién llegada la democracia, una joven científica, Benet (Loreto Mauleón) llega al hospital psiquiátrico de San Miguel regido desde la Guerra Civil por Garay (Adriana Ozores).

La segunda modificación es doble. Por un lado, desaparecen todos los referentes a España que estaban presentes en el texto. El autor ha explicado que buscaba una mayor universalidad. Y por otro, Mayorga ha decidido suprimir la acción teatral que vertebraba la tensión dramática de la pieza. En este montaje, no se excavará ninguna fosa —como indica el autor en el texto— en ese “jardín” de cenizas donde pasean los internos.

El Mayorga de 2026, a diferencia del de 1997, ha preferido no confrontar al espectador con la crudeza de una exhumación en vivo. Valga decir que la obra acepta esa posibilidad. Ese jardín quemado es una metonimia de la propia España. De este país donde más de cien mil desaparecidos siguen bajo tierra.

Pero lo que también es cierto es que, con fosa o sin ella, las supresiones del texto que hacen referencia a España no consiguen deslocalizar la obra. Es casi imposible, aun habiendo suprimido referencias a la batalla de Madrid o del Ebro y la misma palabra “dictadura”, no pensar en la historia reciente de este país cuando uno ve la obra. Más que universalidad, parece que Mayorga ha optado por no enfrentar.

La obra transcurre en una isla. Y dentro de ese espacio, ya cerrado en sí mismo, en un hospital psiquiátrico, San Miguel. Mayorga utiliza la semántica espacial para recalcar que entramos en un territorio fuera del tiempo. Garay, la directora del psiquiátrico, ha construido un espacio para proteger a las víctimas de la represión fascista, en un primer momento, pero también de la maquinaria que ejerce la historia como herramienta de poder, sea quien sea quien la detente.

La apuesta de Mayorga es extrema. Cuando llega la democracia y los nuevos tiempos quieren “restituir” a las víctimas, se producirá un choque frontal con esos cinco personajes, internos del psiquiátrico, que aunque han sobrevivido ya no son de este mundo.

Ellos son Calatrava (Jesús Barranco), un ser abstraído que saluda a un imaginado público y canta ópera. Oswaldo (Joserra Iglesias), un criador de perros imaginarios. Pepe y Néstor (Mariano Llorente y el propio Barranco) que juegan una partida eterna de ajedrez en un tablero imaginario. Y Cal (Miguel Hermoso) que cree ser el gran poeta desaparecido a manos de los fascistas, Blas Ferrater, figura que el espectador identificará irremediablemente con Federico García Lorca.

Benet, la joven demócrata, viene a “salvarlos”, a restituirlos. Pero les habla de verdad y justicia, un lenguaje que ya no es el de estos supervivientes. En ella veremos la miopía del convencido, cargada de presente y buenas intenciones, que le impide escuchar el silencio abrumador que tiene delante de los ojos.

Olvido o memoria

La obra plantea una pregunta radical: ¿olvido o memoria? Pero Mayorga responde desde otro lado: se trata de dirigir nuestra mirada a las víctimas, comprender sus cicatrices y dejar que esa contemplación del desastre encarnado en el ser humano nos invada como un acto de resistencia. Una visión que se apoya en la filosofía de la historia del pensador Walter Benjamin y con la que Mayorga intenta torcer el cuello del ciudadano actual, gritarle a la oreja que no hay progreso y que sus verdades democráticas tan solo son otro credo.

El autor aboga por asumir ese paisaje yerto, ese jardín de ceniza donde nada ha de brotar y fertilizarlo de otro modo, con una vegetación distinta, aquella que surge de la ficción y la poesía que estos personajes, pequeños Quijotes perdidos, fundan con sus palabras. Sus parlamentos están cargados de imágenes de gran calado poético, de un mundo pretérito que ilumina el presente.

Destaca también en esta obra la fuerza de un joven Mayorga dispuesto a dar algún que otro directo. El autor, al igual que hiciera en Himmelweg, aborda esa “zona gris” de la que hablara Primo Levi en Los hundidos y los salvados, esa zona en la que las víctimas, en no pocas ocasiones, también ejercen de verdugos. Pero el autor decide hacerlo a través de la figura de Ferrater, del poeta mitificado como héroe.

De una manera delicada, pero furibunda, vemos como Ferrater, aparte de tratar con cierto desdén de clase a sus compañeros, llega a desfigurar a uno de ellos, a Periquito Lila, el más guapo, porque no quiere “compartirlo con nadie”. “Por celos le ha cortado el labio”, se dice en la obra. Mayorga Con la fuerza de la alegoría, pero a conciencia, Mayorga profana así uno de los altares más sagrados de la izquierda de este país para señalar lo perversa que resulta la memoria que tiende a idealizar, que reduce y simplifica el horror.

El jardín quemado es, en definitiva, uno de los grandes textos de este autor. Se emparenta con sus grandes obras sobre la historia, como Himmelweg, camino del cielo o Cartas de amor a Stalin. Huele al mejor Buero Vallejo, el de La fundación. Y construye una dramaturgia enredadísima, muy redonda, donde se desdibujan las identidades al mismo tiempo que se conflictúan los arquetipos morales con los que funcionamos.

Mayorga, además, cada día dirige un poco mejor y el tempo de la puesta en escena, apoyado por una música excepcional de Jaume Manresa, ayuda a una visión quieta y mesurada. Pero, tras ver la función, se instala la duda de si el fino y complejo mecanismo filosófico y teatral utilizado traspasa la platea.

Acabemos, en este teatro que reniega de la certeza, con otra duda: qué hubiera pasado si Cas, ese “loco” que quizá es Ferrater, el gran poeta, hubiera dicho su último y encendido monólogo mirando al fondo de una fosa abierta en mitad del escenario. No es el teatro de Mayorga un teatro de la conmoción, pero quizá esa confrontación con el horror hubiera ayudado.

Era la primera vez que los Premios Max aterrizaban en Extremadura y no podía ser en otro lugar que el gran Teatro Romano de Mérida. Allí donde triunfó con 24 años Núria Espert con su Medea, volvió Catalunya a imponerse con esta fábula de la argentina Victoria Szpunberg en la que narra su historia familiar durante tres generaciones en las que la acción viaja de Ucrania a Buenos Aires y finalmente a Barcelona. La alegría no fue total porque el gran premio, Mejor espectáculo de teatro, recayó en 1936, la obra dirigida por Andrés Lima. Además, en danza, la joven compañía La Venidera se hizo con tres galardones por su personal y poética pieza, No.

La gala, dirigida por la directora cacereña Cristina D. Silveira, que además celebraba aniversario de su compañía Karlik Danza, comenzó con una danza de ecos grecolatinos en la imagen y fusión musical con el medievo español. Una tónica que hilvanó esta correcta gala que quizá se agarró en demasía a los grandes textos del teatro grecolatino (Medea, Prometeo, Antígona o Sócrates) textos de gran fondo y enjundia, pero que tampoco son el alma de la fiesta.

La verdad es que han sido unos premios salomónicos. En danza un galardón para la danza española y flamenca de Juan Berlanga, Mejor intérprete masculino por Juancaballo, su recreación escénica del mito ubetense. Otro para la danza contemporánea y colectiva del Mercat de les Flors de Faula. Y tres premios, para la sensación de la temporada, La Venidera. Una compañía que ha sabido renovar con espíritu y estética nueva la danza española. Su espectáculo No se llevó el reconocimiento a la Mejor intérprete femenina, a Irene Tena, Mejor coreografía y el premio gordo, Mejor espectáculo de danza.

Este año había dos nuevos galardones, el Mejor elenco de danza antes mencionado y el Mejor elenco de teatro. Fue cuando llegó este segundo, que se otorgó a La tercera fuga, cuando se vio hacia donde iban a girar los premios. La producción catalana competía con dos elencos irrepetibles, la producción del Centro Dramático Nacional 1936 y la producción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Fuenteovejuna. Finalmente, se lo llevó la catalana, una producción con actores de la talla de Emma Arquillué, Anna Castells, Carles Pedragosa, Clara Segura Crespo, Sergi Torrecilla y Ton Vieira.

Este último, Ton Vieira, se alzó además con el premio al Mejor Actor, un premio merecido a este joven actor que canaliza toda la historia de Szpunberg. Pero el momento emotivo fue el premio a la Mejor actriz que recayó en la veterana Mona Martínez por su papel en Los nuestros. Sus ojos al recibir la noticia revelaban la sorpresa al conseguir este premio ante otras dos grandes candidatas, Lidia Otón por su trabajo en Los cuernos de Doña Friolera e Irene Escolar por Personas, lugares y cosas.

Mucha emoción en esta gran actriz que comenzó como bailarina, supo reconvertirse y lleva años mostrando que es una de las grandes. Su papel en Los nuestros es claramente una de las interpretaciones más solventes y mágicas del teatro en español de los últimos años.

Fuenteovejuna, que optaba a cinco premios, tuvo que conformarse con el premio a Mejor composición musical. No es un premio menor. Raquel Molano y los dos genios sevillanos de Pony Bravo han dado a luz una creación musical, tan primitiva como popular que ha sabido recoger los ecos de un pueblo en una soberbia mezcla de chalapartas, jotas y verdiales, “queríamos que fuese la música de todos los pueblos”, dijo Pablo Peña al recoger la manzana. Una pena que este gran montaje, que será recordado durante años, no tuviera mejor suerte.

Fue la gran Anza Zamora quien recogió el otro premio musical, el de Mejor espectáculo musical o lírico, para esa rareza estupenda que es Hacia Ecos de lo sagrado. La gran Ana Zamora quiso recordar a su compañera desaparecida Alicia Lázaro, pero también no dejar de señalar donde estamos: “La realidad sigue superando la ficción. Ahí, a la vuelta de la esquina se sigue masacrando al pueblo de Palestina, ¡Viva Palestina libre!”, afirmó.

Hubo también premios cantados que se confirmaron como la iluminación a Pedro Yagüe por Blaubeeren o los dos que se llevó la producción para el CDN de Marta Pazos sobre la novela de Virginia Woolf, Orlando, que recogió el de Mejor vestuario para Agustín Petronio y el de Mejor diseño de espacio escénico para Blanca Añón que ya recogió hace unas semanas similar galardón en los Premios Talía.

Fue la noche también de Jesús Cimarro, productor vizcaíno que ha consolidado su emporio en Madrid y ahora también en Mérida donde precisamente dirige el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. Consiguió Cimarro el Premio Max de honor, un premio a su labor durante más de treinta años que desde 1988 se focalizó con la empresa que fundara junto a El Brujo, Jose Luis Alonso de Santos y Gerardo Malla: Pentación

No es Cimarro un gran orador, pero dio un discurso sólido sobre la importancia de la industria cultural teatral “como motor económico y social”. Un premio, este de honor, que si en otras ediciones generó emoción y grandes aplausos en el público, en esta ocasión pasó sin pena ni gloria. Es lo que tienen los técnicos frente a los artistas.

Lucia Carballal y Victoria Szpunberg acaban en tablas

Entre los mal llamados premios menores estuvieron, sin embargo, las grandes revelaciones de este año. Elisa Forcano se hizo con el Mejor espectáculo revelación por esa pieza conmovedora llamada Zorra Dorada. Forcano que fue contundente al recoger el premio pidiendo que “cese el abuso y la violencia a otros cuerpos”, se hizo con este galardón sobre otro de los grandes trabajos de este año, el de las navarras Las Nenas Theatre, Torcidxs; y sobre una de las sensaciones de la cartelera madrileña, Taxidermia de una alondra, de Iván López-Ortega, espectáculo este último que sí se llevó el de Mejor autoría revelación.

Muy emocionante fue también ver cómo recibía el premio a la Mejor adaptación o versión de obra teatral o coreografía el espectáculo independiente, pequeño pero poderoso, de Xavo Rodríguez y su compañía la Teta Calva por esa maravilla llamada Yo soy 451 en la que este valenciano hace una adaptación tan escénica como literaria del clásico de Raya Bradbury Fahrenheit 451. Además, Xavo Jiménez no quiso dar las gracias a la SGAE ni a los jurados, sino que quiso dedicar su premio “a los más importantes, a los maestros que se han levantado en pie de paz para pedir una escuela pública laica de calidad”.

El “combate” de galardones que se estableció entre dos de las mujeres que de manera más pujante están sobresaliendo en la escena se resolvió en tablas. Victoria Szpunberg de Tercera Fuga y Lucia Carballal competían por dos galardones importantes. Szpunberg se hizo con el de Mejor autoría teatral, pero fue Lucía Carballal quien se llevó el de Mejor dirección de escena por Los nuestros. Al recoger el premio dio las gracias al Centro Dramático Nacional y el Teatre Nacional de Catalunya por su apuesta por la dramaturgia contemporánea y “la posibilidad de que las mujeres estemos dirigiendo en las salas grandes con naturalidad”.

La noche acabó en algarabía con el gran premio, el de Mejor espectáculo de teatro, que recayó en 1936, una de las obras más relevantes del último decenio, tanto teatral como socialmente. Esta obra, que ha girado por toda España con más de 100 funciones, ha conseguido que esa otra historia, tan escondida para el gran público, del auge del fascismo y la brutal represión durante y tras la Guerra Civil, fuera escuchada por miles de ciudadanos de todas las edades.

Alfredo Sanzol, director del CDN, dedicó el espectáculo “a todas aquellas personas que siguen enterradas en lugares desconocidos”. Andrés Lima, director del espectáculo, recordando aquella gala de 2003 acabó su discurso con un contundente: “No a la guerra, viva Palestina libre”.

Mejor espectáculo de teatro

1936 de Centro Dramático Nacional (CDN - INAEM), Checkin Producciones y El Terrat

Mejor espectáculo de danza

No de La Venidera, Centro Danza Matadero - Madrid Destino, Cultura, Turismo y Negocio, Festival Grec y Fira Mediterrània de Manresa

Mejor espectáculo musical o lírico

Hacia ecos de lo sagrado de Nao d'amores

Mejor espectáculo de calle

Gota de Txema Muñoz

Mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar

La Maestra de Anita Maravillas & Portal 71

Mejor espectáculo revelación

Zorra Dorada de Elisa Forcano y Barbecho Productions

Mejor autoría teatral

Victoria Szpunberg y Albert Pijuan por La tercera fuga

Mejor autoría revelación

Iván López-Ortega por Taxidermia de una alondra

Mejor adaptación o versión de obra teatral o coreográfica

Xavo Giménez por Yo soy 451

Mejor composición musical para espectáculo escénico

Raquel Molano, Pablo Peña y Darío del Moral por Fuenteovejuna

Mejor coreografía

Irene Tena y Albert Hernández por No

Mejor diseño de producción privada

El Aedo Teatro por Poeta (perdido) en Nueva York

Mejor dirección de escena

Lucía Carballal por Los nuestros

Mejor diseño de espacio escénico y videoescena

Blanca Añón por Orlando (diseño de espacio escénico)

Mejor diseño de vestuario

Agustín Petronio por Orlando

Mejor diseño de iluminación

Pedro Yagüe por Blaubeeren

Mejor actriz

Mona Martínez por Los nuestros

Mejor actor

Ton Vieira por La tercera fuga

Mejor intérprete femenina de danza

Irene Tena por No

Mejor intérprete masculino de danza

Juan Berlanga por JUANCABALLO

Mejor elenco de danza

Faula de Roser López Espinosa, Consorci Mercat de les Flors

Mejor elenco de teatro

La tercera fuga de Teatre Nacional de Catalunya

Premio Max aplauso del público (PREMIO ESPECIAL)

Vuela de Sara Baras

El patio de butacas del histórico Teatro de Rojas de Toledo, que este año cumple su 450 aniversario, ha vuelto a levantar la estructura original de sus asientos para poder colocar otras sillas más adecuadas (y más doradas) para aumentar su aforo y albergar el acto de entrega de las Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes de 2024. Este evento estaba previsto para el pasado mes de enero, pero se aplazó por el trágico accidente ferroviario de Adamuz.

La Plaza Mayor de la capital castellanomanchega, que además se encuentra en obras, ha sido tomada desde primera hora por las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad, con vallados y férreos controles policiales. De hecho, el histórico Mercado de Abastos, que actualmente ocupa un supermercado y está prácticamente pegado al teatro, se ha cerrado: allí se han realizado los numerosos controles a los medios de comunicación acreditados para el acto.

Tras el desfile de los premiados, premiadas y de las autoridades por la escalinata del teatro, ha arrancado el acto, muy protocolario, bastante rápido y algo frío. Ha habido no obstante algunos breves momentos de especial emoción y diversión, en especial con el monólogo inicial de Eva Hache, una de las premiadas, y con la proyección del vídeo de homenaje a todos los galardonados con música de otros premiados como el grupo Los Planetas; el fallecido líder de Extremoduro, Robe Iniesta; José Mercé, Kase.O y Camela.

Pero la mayor intensidad del acto la ha protagonizado el actor y director teatral Josep Maria Pou, también galardonado y quien ha intervenido en nombre de todos ellos. Tras hacer mención al ‘Mercado de las Frutas’ que dio lugar al corral de comedias, germen del Teatro de Rojas, ha hablado de las bellas artes como un trabajo “nacido en la soledad, en la obstinación y en la duda”, pero que, al mismo tiempo, “no se construye en aislamiento”, sino que hay influencias variadas.

Ha querido así reconocer el esfuerzo “invisible” que acompaña a la obra, recordar a todas las personas que trabajan “en los márgenes de la invisibilidad” sosteniendo la cultura “desde lugares precarios”. “Sin su labor, ninguna obra alcanzaría su forma final”, ha remarcado.

El arte no es un lujo, sino una necesidad, una forma de conocimiento y de compromiso

Josep Maria Pou

Por eso, ha ensalzado que el arte es un trabajo colectivo. “No es un lujo, sino una necesidad, una forma de conocimiento, de compromiso, una manera de mirar el mundo, una forma de interrogar la realidad, cuando en lenguaje del día a día se nos queda corto”.

En este sentido, Pou ha ensalzado que en un contexto en el que las noticias no cesan y los conflictos se acumulan, el arte “puede parecer frágil”, pero “nunca ha sido tan imprescindible como ahora”. Porque, a veces, ha señalado, “cuesta poner en palabras lo que se siente; y una canción, una pintura, un poema, pueden contener eso que, sorprendidos, conmocionados, no sabemos cómo decir; un espacio de pausa, de reflexión que nos separa del ruido, no para huir, sino para mirar con más claridad”.

“Hacemos arte para reinventar el mundo. En estos días en que las bravuconadas y las fanfarronadas se imponen a la amabilidad, y la crueldad se impone a la compasión, el arte debe revolvernos contra la indignidad. Frente a un mundo en crisis, crear es tomar partido, abrir futuros que ni siquiera el poder sabe imaginar”, ha concluido.

Las referencias implícitas a la guerra, a las crisis en todo el mundo y a los mensajes de odio también han tomado forma durante la intervención del ministro de Cultura, Ernest Urtasun, quien ha comenzado festejando el VIII Centenario de la Catedral de Toledo y los 450 años de historia del Teatro de Rojas.

Desde Lorca hasta hoy

Dicho esto, ha mencionado a Federico García Lorca como el “eterno retorno” de una figura que “ni el odio ni la muerte nos ha podido arrebatar”. “Nunca se irá de nuestras vidas”, ha remarcado, poniendo como ejemplo el reciente éxito de Los Javis en el Festival de Cannes, tras recibir el Premio a la Mejor Dirección por la ‘La bola negra’, sobre la figura del poeta y dramaturgo granadino.

Y junto a Lorca, Urtasun también ha querido hacer referencia a la denominada ‘Escuela de Vallecas’, el grupo vanguardista reunido por el pintor castellanomanchego Benjamín Palencia junto a la artista Maruja Mallo y el escultor Alberto Sánchez. Junto a ellos también ha hecho mención a la ‘Orden de Toledo’, esa “performance gamberra” que Lorca, Luis Buñuel, Salvador Dalí y Pepín Bello hicieron transitar por el “laberinto de las noches” de la ciudad.

Y al hilo de estas menciones, el ministro de Cultura ha precisado que el Gobierno ya está preparando la celebración del Centenario de la Generación del 27, “en torno al arte, el saber y la literatura”.

Finalmente, ha elogiado la labor de todos los premiados. “Todo lo que habéis hecho no cabe en un ‘reel’ ni en algoritmos. La cultura es la menos artificial de las inteligencias. Es fruto del esfuerzo, de la persistencia de la belleza, del compromiso ético con lo humano”.

“Frente a un mundo presidido por la crueldad, el odio, la guerra y la ley del más fuerte, os necesitamos a nuestro lado, para seguir hablando de esperanza, porque vuestro arte se opone a la mentira y a la mediocridad. Necesitamos palabras como libertad, paz, justicia e igualdad, y la creencia firme en otro mundo posible”, ha concluido.

450 años del Teatro de Rojas, 800 años de la Catedral Primada

Previamente, el alcalde de Toledo, Carlos Velázquez, ha celebrado ampliamente que la ciudad haya albergado este evento, justo cuando “ya huele a Corpus”, en referencia a la emblemática fiesta que se celebra la semana viene en esta ciudad. También ha hecho referencia a los 450 años de historia del Teatro de Rojas, hablando de sus orígenes como Corral de Comedias, y al VIII Centenario de la Catedral, que acaba de estrenar la exposición ‘Primada’ con motivo de esta efeméride.

Por su parte, el presidente de Castilla-La Mancha, Emiliano García-Page, ha arrancado su discurso también aplaudiendo a los premiados, y destacando el arte como una forma “tener muy claro los límites de lo que no debe hacerse”.

“Esos valores con la irrupción de la Inteligencia Artificial que nos está llevando como mundo, como compleja sociedad, a utilizar unos medios desconocidos que probablemente estén alterando los fines. Ese es el valor de su trabajo, un compromiso con su arte, con su oficio, con su tarea. Pero que trasciende lo personal para ser en realidad casi diría un servicio público”, ha dicho dirigiéndose a los galardonados y galardonadas.

Tras la actuación de José Mercé, ha sido el turno del Rey Felipe VI, que ha dedicado sus primeras palabras “en honor” a las víctimas del accidente de Adamuz, y ha elogiado profusamente a Toledo, ciudad que enseña que “la mejor creación artística jamás es pura, sino al revés”, está “imbuida de tradición y de referentes y por eso no envejece”. Ha hecho referencia a El Greco y al propio Teatro de Rojas.

También se ha dirigido a los premiados y premiadas para decirles que son “la prueba de que la cultura permanece viva en su capacidad de renovarse y de encontrar nuevas formas de expresión”. “Es en esa diversidad de voces, lenguajes, miradas donde reside también la proyección de España en el mundo. Sois extraordinarios embajadores de nuestro país”.

Los premiados y premiadas

Las Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes son un reconocimiento que distingue a las personas y entidades que hayan destacado en el campo de la creación artística y cultural o hayan prestado notorios servicios en el fomento, desarrollo o difusión del arte y la cultura o en la conservación del patrimonio artístico.

Del ámbito de la música, han sido galardonados el cantaor flamenco José Mercé; el cantante y compositor Robe Iniesta, a título póstumo; el grupo musical Camela; el grupo musical Los Planetas; el cantante y compositor Kase.O; el cantante de ópera Carlos Chausson Gracia; y el representante musical José Emilio Navarro Viña 'Berry'.

En cine y teatro, han sido distinguidas las actrices Maribel Verdú, Aitana Sánchez-Gijón y Carmen Machi; el actor Eduard Fernández; el actor y director teatral Josep María Pou; la directora y productora cinematográfica Chelo Loureiro Vilarelle; el director, guionista y productor cinematográfico Pere Portabella; la supervisora de efectos visuales Laura Pedro Albiol; la dramaturga, directora de escena, bailarina, actriz y poeta visual Ana Vallés; y el director, dramaturgo y gestor cultural Luis Guillermo Heras Toledo, a título póstumo.

También han reconocido en el ámbito de las artes escénicas a la bailarina y coreógrafa Mónica Rodríguez Runde; y al Centro de las Artes del Circo Rogelio Rivel.

Las Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes destacan en esta edición a diversas personalidades de la literatura: al poeta y escritor Bernardo Atxaga; la escritora y periodista Elvira Lindo; las poetas y escritoras Antònia Vicens, Eva Baltasar y Angelina Muñiz-Huberman; el salón Manga Barcelona; y la revista infantil ‘Camacuc’.

Las bellas artes y el patrimonio cultural han visto reconocidos a la artista interdisciplinar Sandra Gamarra; la fotógrafa y artista plástica Cristina de Middel; el arquitecto experto en patrimonio cultural Ángel Luis de Sousa Seibane; el colectivo artístico Cabello/Carceller; Segundo Castro Olmo, miembro del Colectivo Estampa Popular. Además, han recibido la distinción la cómica y presentadora Eva Hache; la diseñadora de moda Juana Martín; la gestora cultural Encarna Lago González; los expertos en derechos culturales Alfons Martinell Sempere y Jesús Prieto de Pedro; el Colectivo Llámalo H; y la Fundación Voces para la Conciencia y el Desarrollo.