El 26 de febrero de 1995, en el programa “What a Cartoon”, debutaba la considerada la primera serie original del canal Cartoon Network en Estados Unidos, que marcaría a toda una generación con ficciones como Las Supernenas, Hora de Aventuras o Agallas, el perro cobarde.

Hablamos de El Laboratorio de Dexter, que cumple 30 años, y que con su debut en televisión fue el comienzo de todo un estilo de animación en televisión, con una trama que giraba en torno a un niño genio y las continuas peleas con su hermana, que sueña con ser bailarina.

De qué trata ‘El Laboratorio de Dexter’

En la década de los 90, el canal Cartoon Network se dedicaba a reponer clásicas series de Hanna Barbera y de la división de animación de Warner Bros, pero tenía siempre un tono más agresivo y excéntrico en comparación con el de la factoría Disney. En ese momento, querían hacer cosas diferentes y su propia ficción, y fue entonces cuando llegó El Laboratorio de Dexter, su primer título original.

Una serie que protagoniza Dexter, un niño que tiene un laboratorio secreto en el sótano de su casa para sus inventos o el intento de ellos. La relación con su hermana mayor, Dee Dee, es una de las tramas principales de la serie, que siempre consigue entrar e interrumpir a su hermano en sus experimentos.

Dexter, tienen que además superar también los problemas de su rival, Mandark, que es otro niño que también tiene un laboratorio secreto, y que experimenta para fastidiar y hacer daño al protagonista. Una serie que destaca por su originalidad y por un marcado estilo de animación.

‘El Laboratorio de Dexter’: una serie que formó una escuela de animadores

El Laboratorio de Dexter es una serie creada por Genndy Tartakovsky y que también significó su primer trabajo en la animación. Actualmente conocido por ser la persona detrás de éxitos como el de la trilogía de Hotel Transilvania y uno de los nombres más destacados de los dibujos animados de televisión durante finales de los 90 y principios de los 2000.

Tartakovsky emigró con su familia a Chicago cuando tenía tan solo siete años y creció con los cómics, que le ayudaron a aprender inglés y que despertaron su lado creativo desde muy temprano. Estudió en el Instituto de Artes de California (CalArts), de donde han salido animadores de Pixar, y empezó en la industria de la animación al trabajar para Hanna Barbera, donde aprovechó para presentar un corto que sería luego el germen de la serie El Laboratorio de Dexter.

Espero su oportunidad y mientras preparó dos pilotos hasta que recibió el visto bueno para crear una serie de animación, que sería la primera original de la cadena televisiva, que aguantaría hasta cuatro temporadas en antena con episodios de media hora. Después de ella crearía otras ficciones como Samurai Jack o Clone Wars, lo que le dio dos Emmy al mejor programa animado en 2004 y 2005.

Con El Laboratorio de Dexter, Genndy Tartakovsky creó una escuela de animadores que acabarían creando series icónicas de Cartoon Network, como es el caso de Craig McCracken, que crearía Las Supernenas en 1998, Seth MacFarlane que sería la mente detrás de Padre de Familia o Buth Hartman con Los Padrinos Mágicos.

Se hacían llamar los Humanoides Asociados. Su líder era Jean Giraud, más conocido como Moebius, y a mediados de los 70 este grupo de artistas franceses cambió la historia de la ciencia ficción al empezar a publicar Métal Hurlant. Era una revista de historietas que imaginaba todo tipo de futuros alternativos, materializados en imágenes desbocadas y eufóricas que propiciaron su veloz exportación internacional. Métal Hurlant derivó en una versión estadounidense, Heavy Metal, de la que surgió una película del mismo título en 1981, considerada hoy una obra de culto.

La trayectoria posterior de la revista fue accidentada, sin embargo. El equipo original dejó de publicar en 1987, y la cabecera hubo de atravesar varios reinicios fallidos. Uno de los cuales, en 2021, involucró al último gran talento del cómic francés. Ugo Bienvenu, en conversación con elDiario.es, afirma que entonces “no existían otros lugares donde pudieran entrenarse los jóvenes dibujantes de cómics”, y aceptó ser uno de los editores. “Quería contribuir a que nuevos talentos tuvieran un lugar donde expresarse”, apunta. La experiencia, en sus propias palabras, “no fue agradable”.

“Métal Hurlant tenía que ser punk, así era originalmente. Cuando estaba en el comité nos llegaron dibujos muy buenos y valientes que yo quería publicar, pero me decían que no, que eran demasiado arriesgados”, explica el artista francés. “Así que lo dejé después de seis meses. Sentía que estaba en clase, rodeado de alumnos brillantísimos que no querían tirarse pedos. Y Métal Hurlant iba sobre todo de tirarse pedos en clase”, cuenta. Bienvenu, afortunadamente, ya había hallado por entonces un proyecto que le permitiera ser todo lo atrevido que quisiera. Arco, su debut a la dirección, llega a las salas de cine y se atreve a imaginar una utopía en los tiempos que corren. Es así de punk.

Parece que es más sencillo imaginar lo contrario, la distopía. Cuando la ciencia ficción se proyecta al futuro, suele ser pesimista y presupone que las más penosas circunstancias del presente tenderán a exacerbarse. Esto se debe a que la distopía, en su concepción original, oficia de advertencia. Si seguimos así, a no ser que cambiemos algo, pasarán cosas malas. El gran problema es que, de un tiempo a esta parte, la distopía se ha convertido, bien en un fetiche, bien en algo inevitable. Ante una situación global cada vez más angustiosa, ¿cómo no vamos a ponernos en lo peor?

“Me di cuenta de que vivíamos en una película de ciencia ficción muy mala”, recuerda Bienvenu sobre 2020. Fue cuando la crisis del coronavirus sacudió el mundo y confinó a la población a su hogar, donde este artista ya había empezado a concebir la historia de Arco. “Pensé, ‘quizá la ciencia ficción haya sido responsable en parte de lo que pasa’”. La ciencia ficción, en todas sus expresiones, ya había especulado con la catástrofe y el fin de todo. “Me dije, ‘cambiemos eso’. ¿Por qué no podíamos pensar en cosas más bellas del futuro, y que así terminaran apareciendo?”.

Cómo se construye una utopía

“Si solo imaginamos cosas malas, pasarán cosas malas”, sintetiza Bienvenu. Buena parte de la trama de Arco se ambienta en 2075, un futuro muy reconocible donde pervive la emergencia climática y se ha delegado en los robots incluso la educación familiar. Es lo que sucede con Iris y su hermano, por ejemplo. Pero claro, ahí no está lo utópico. La utopía del filme de Bienvenu se proyecta a varios años después, al lugar de procedencia del susodicho Arco: un niño que viene del futuro.

“Es nuestra responsabilidad imaginar cosas buenas, cosas bellas”, añade el artista. En este lugar de procedencia, este futuro indeterminado, es donde se cifran las ambiciones de Bienvenu. “Es mejor no definir mucho las utopías”, explica sobre el proceso que le llevó a crear este lugar. “Hay que limitarse a dar uno o dos rasgos y tener poco material para alejarse de algo que sea demasiado plausible. A mí me gusta mucho trabajar desde el inconsciente colectivo”, asegura Bienvenu, que antes de Arco había publicado numerosos cómics de ciencia ficción. 

El futuro optimista de Arco no deja de entrañar, entonces, cierta familiaridad. Pero no con el presente inmediato, más bien todo lo contrario. “Lo que sucede es que en la Biblia, en la Edda nórdica, en el Viaje al Oeste chino, en la Kalevala finlandesa… en todos los textos primitivos sobre diversas culturas a lo largo del mundo, te encuentras con jardines en el cielo”, dice. Que es parecido a lo que muestra Arco: una humanidad que ha aprendido a vivir en las nubes. “Desde sus inicios, la humanidad ha creído en cosas de este estilo, así que deduje que lo mejor era partir de ahí”, agrega.

Era igual de importante, en ese sentido, dar con imágenes intuitivas, que por ejemplo pudiera idear de carrerilla una niña de 2075. En una escena de Arco, el viajero del futuro describe su hogar, y el dibujo que hace Iris al instante guarda un parecido asombroso con este. “Ojalá supiera dibujar, puedes expresar cualquier cosa”, responde Arco maravillado en un momento clave de la película. “Quería algo simple que Iris pudiera dibujar”, afirma Bienvenu. “Las plataformas de este futuro son simplemente una cruz cristiana a la que he ido añadiendo peldaños, y poco más”, añade. Las edificaciones de la utopía de Arco son extremadamente simples. Por eso su diseño es tan potente.

“El futuro tiene que ser lo que la gente quiera, ni más ni menos. Lo que decida la subjetividad de las personas. Yo no pretendo establecer lo que deben pensar, simplemente me pregunto adónde llegan estos pensamientos”, sostiene el artista. El propósito de Arco es encauzar en lo posible estas pulsiones tan complejas, valiéndose de un estilo que las deje respirar y que no ponga trabas a su imaginación. Así que su animación no es exactamente minimalista, pero sí lo bastante evocadora como para pensar en la escuela de cierto gran maestro japonés. 

El toque Miyazaki

Antes de las plataformas celestiales de Arco, la primera película de Studio Ghibli llevó por título El castillo en el cielo (1986). Y, aunque Hayao Miyazaki no haya sido especialmente proclive a imaginar futuros, Bienvenu es incapaz de valorar sus logros cinematográficos sin la influencia de este cineasta. Sin el bagaje de la animación nipona, en general. “Yo crecí entre Guatemala, Chad y México, y también entre China y EEUU. A la vez soy europeo, y mi estilo parte de una mezcla de todo esto”, cuenta Bienvenu. “De los colores de México, de la arquitectura estadounidense… y también de Bola de Dragón Z, que cambió mi vida con siete años”, recuerda el artista.

“Fue como si Akira Toriyama me señalara y dijera ‘todo es posible con el dibujo y tú vas a dibujar’. Y siete años después vi La princesa Mononoke y fue como si Miyazaki me dijera entonces ‘tú vas a ser animador’. Miyazaki es el artista con más talento que jamás ha existido, y es un honor que me comparen con él”, indica. Arco se centra en la amistad de una niña con un chaval perdido al que quiere ayudar a volver a casa. Es un esquema reconocible que puede invocar a E.T. El extraterrestre, si bien el ritmo contemplativo de Bienvenu —en particular cómo se recrea en la imagen y busca una emoción más íntima toda vez que plácida— remite a un reivindicable filme del susodicho Miyazaki.

Esto es, Ponyo en el acantilado (2008), donde había que devolver a una niña sirena al mar. El virtuosismo visual que Studio Ghibli trabajó aquí en cuanto a las físicas del agua, en Arco pasa a concentrarse en el poder de volar del niño protagonista, con una capa que se transmuta en arcoíris. Son esta capa y las localizaciones futuristas (de mayor o menor optimismo) los mayores hallazgos estéticos de Arco, responsables a su vez de que Bienvenu pudiera prosperar en una difícil financiación. De hecho, la película solo pudo producirse gracias a la actriz Natalie Portman, que hizo una gran inversión en Arco con su productora MountainA.

“Al principio nadie quería producir Arco”, reconoce Bienvenu. “Así que montamos 45 minutos de material visual muy preciso, tratando de mostrar lo que queríamos hacer. Fue lo que le enseñamos a Natalie Portman y ella nos preguntó qué podía hacer por nosotros. Necesitábamos que protegiera la película y la sensibilidad que buscábamos”, sostiene. Y fue lo que hizo, garantizando que Arco encontrara igualmente distribución. “Fue una suerte, porque ya habíamos gastado todo el dinero en esas cinemáticas y solo así íbamos a poder terminar el largometraje”, explica.

Tras una primera proyección en el Festival de Cannes, Arco se alzó con el premio a Mejor película en el Festival de Animación de Annecy. Desde entonces se ha colado en otras selecciones y certámenes, hasta lograr las correspondientes nominaciones a Mejor película animada tanto en los Globos de Oro como en los Oscar. Es una de las apuestas vanguardistas de la temporada, similar a lo que fue Flow el año pasado, y compartiendo una filosofía que quiere apartarse de la animación comercial. Ya solo por el hecho de utilizar animación tradicional, en lugar de tres dimensiones.

Bienvenu es un férreo defensor del 2D, y no solo por haber sido dibujante de cómics antes que animador. “Todo lo que sé de la vida lo aprendí dibujando y creo que la auténtica personalidad de alguien está en lo que no logra. No es lo que triunfa, es lo que falla, y eso es lo que me gusta del 2D”, asegura. “El fracaso es lo que nos hace humanos y es con lo que quiero trabajar. El 3D solo refleja los errores del ordenador, no los del ser humano. Es en el ser humano donde está la magia”. De ahí que Arco, en tiempos de apocalipsis e inteligencia artificial, sea una película tan valiosa.

Aquel primer año del siglo XX, los vecinos de La Gineta (Albacete) quedaron consternados por un terrible crimen. Un grupo de personas 'cuestionaban' en la calle Real y la plaza. De repente, alguien, tal vez alterado por la discusión, salió de su vivienda e hirió con su navaja a varios de estos vecinos. La sangre y los gritos se mezclaron en horrible confusión. Quizá, el pueblo no habló de otra cosa en mucho tiempo. Posiblemente, el vecindario reparó mucho menos en el nacimiento, aquel 1900, de Feliciano Pérez, un bebé que pasaría a la historia como un pionero del cine de animación en España. Pero entonces, cuando arrancaba un siglo condenado a la catástrofe, pocos sabían que era eso del cine.

Solo cinco años antes de que Feliciano respirara por vez primera el aire albacetense, los hermanos Lumière habían asombrado a los privilegiados que acudieron a presenciar un espectáculo insólito. Ocurrió en la ciudad de París, el 28 de diciembre de 1895. Ante sus ojos, unos obreros que salían de la fábrica, caminando como si estuvieran allí. Y aquel tren que se les acercaba, cada vez más potente y amenazador. El pánico corrió veloz entre las butacas. Unas primigenias imágenes en movimiento que iban a cambiar para siempre la percepción de los hechos. Tanto es así que incluso el invento transformó la relación de la humanidad con la verdad.

En La Gineta del fin de siglo estaban presentes todas las tensiones propias de una centuria marcada por la guerra, las revoluciones fallidas y la desigualdad endémica de los desfavorecidos. En la bisagra de los dos siglos, España vivía en la dicotomía entre la decadencia y los vientos emprendedores del progreso. Se había inventado el cine y también daban sus primeros pasos los automóviles o la aviación. 

Ese era el país en el que Feliciano Pérez lloró tras abandonar el útero de su madre en una casa del municipio albaceteño de La Gineta. El pueblo, situado en la “carrera del trigo”, guardaba en la memoria la miseria antigua y aquella ocasión, en el año de 1765, en que suplicaron socorro al Marqués de Esquilache para aliviar la ruina que trajo una tormenta de julio. Ni los granos de la uva pudieron recoger los vecinos.

A ese pueblo, curtido en trabajo y calamidades, vino a nacer Feliciano Pérez. Cuando comenzaba a caminar, La Gineta tenía algo más de 3400 habitantes y ya era importante villazgo desde que se segregara de Albacete en 1553. Un término propio, con privilegio y situado en un paso estratégico entre Madrid y el levante. Y con una incierta historia sobre el origen de su nombre: La Gineta. Si no quedan vestigios de la torre desde donde parece partieron sus raíces, tampoco sabemos a qué jugaba Feliciano Pérez siendo niño por las calles del pueblo. Allí donde se crio, en Postigos, esquina con Amargura. Presagio de las tragedias a las que tendría que enfrentarse en la vida.

Inquietudes artísticas

El chiquillo se hace adolescente y con catorce años es un estudiante muy estricto con sus horarios. Ingresa en el Colegio Duque de Ahumada y después, por los méritos de aprobar el examen, pasa al Infanta María Teresa. Su vida ya está en Madrid. Sus intereses van más allá del plan previsto. Aparte del francés, las matemáticas, el dibujo, la gramática, la gimnasia o la esgrima, con el legendario maestro Afrodisio Aparicio, Feliciano Pérez siempre busca un rato para cultivar otras inquietudes.

El joven artista se ha integrado en la vida del colegio y es allí cuando comienza a prepararse para Telégrafos y, tiempo después, para mecánico electricista, formación que se impartía en el Colegio de Areneros. Obtiene el número uno en la asignatura de dibujo y el dos en taller. En aquel primer curso es cuando conoce al rey Alfonso XIII. El monarca le da la enhorabuena y le anima a seguir en su empeño.

Prosigue sus estudios de montador, mientras continúa igualmente con Telégrafos. En solo cuatro años en el Duque de Ahumada, consigue la plaza. Es promovido a guardia civil, pero para poder seguir su formación en el Infanta M. Teresa, es nombrado profesor auxiliar de dibujo, a las órdenes del capitán Sierra. Alguien que le va a enseñar la amplitud del mundo artístico.

Tiene 21 años y La Gineta ha quedado muy lejos. Ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Durante los cinco años de aprendizaje, recibe las enseñanzas de Julio Romero de Torres o Cecilio Pla, mientras comparte pupitre con algunos compañeros como Dalí o Francisco Arias. Años después, recordaría Feliciano: “Yo entonces era un poco revolucionario”. Lo cierto es que la tempestad de la Revolución Rusa de 1917 había agitado la política europea hasta límites insospechados. La siguiente década para España fue la del fin del turnismo político y la llegada de la primera dictadura del siglo XX. La dictadura de Primo de Rivera auspiciada por el rey. Por entonces, Feliciano Pérez trabaja con Sierra en la decoración de los teatros madrileños Lara, Maravillas y Palacio de Hielo.

En 1924, quizá con un espíritu ya menos insurrecto, pide el reingreso en Telégrafos y se casa al año siguiente. Por motivos laborales, se marcha a vivir a Sevilla, pero coincidiendo con el nacimiento de su hijo, se convocaron tres plazas de delineantes en la Dirección General y pudo regresar a Madrid. Vuelve a colaborar con Carlos Sierra, director de la compañía teatral 'La Farándula' y ya de nuevo en el mundo del teatro, Feliciano incluso hace sus pinitos como actor en el Teatro de la Comedia.

Y así, guiado por el destino, siempre enigmático y silencioso, entra a trabajar en el mundo del cine. Su primera función es como ayudante de dirección en el rodaje de la película 'La muñeca rota'. El film, rodado en 1927, cuenta la historia de un violinista que estrangula a su antigua novia, que ha preferido unirse a un hombre rico. El guión de esta cinta interpretada por Fifí del Valle, Carmen Caballero y Mariano Asquerino, entre otros, fue escrito por Sierra, su mentor, y dirigido por Reinhardt Blothner. 

Juntos, Feliciano y Carlos, van a construir el toro que coge al célebre torero, Marcial Lalanda, en la película 'Viva Madrid que es mi pueblo'. En el estudio de la calle Pizarro de la capital idean y dan forma al animal que protagoniza unos escasos y dramáticos segundos de una de las escenas de la “comedia cinematográfica de ambiente madrileño”.

Una crónica de 1928 del diario 'ABC' explicaba que “esos trenes en que los provincianos llegan para emprender, desde los andenes de Atocha, la Florida o las Delicias, la conquista de Madrid son el alma de esta película, como son el alma de Madrid y la causa de su engrandecimiento”. El film mudo dirigido por Fernando Delgado dio la oportunidad a Feliciano Pérez de conocer al operador de cámara Arturo Beringola, con quien, entre secuencia y secuencia, entabló una amistad que les uniría en una empresa pionera muy poco tiempo después.  

Una técnica nueva

Así fue como, tal vez sin planteárselo nunca, el joven Feliciano Pérez iba a pasar a la historia de la cinematografía española. Pero antes, el experto en cine de animación en España, Adrián Encinas, nos explica qué ocurría a principios de los años treinta. Dice: “La llegada a la cartelera madrileña en 1934 del film de muñecos animados 'Fetiche' (Ladislas Starewitch, 1933), tuvo un gran éxito de público e influyó directamente en una serie de jóvenes artistas afincados en la capital que vieron en la animación de muñecos la vía a través de la cual dar salida a sus propios proyectos”.

Uno de ellos fue Feliciano Pérez, quien, como hemos visto, ya estaba inmerso en el mundo del cine. Encinas cuenta algo más: “La entrega de Pérez a su sueño de realizar una película de muñecos fue total, pues aprendió de forma autodidacta todos los trucos que son necesarios para que los muñecos puedan soportar un rodaje stop-motion: dotarles de un esqueleto interno que les dejara en una posición fija entre fotograma y fotograma, anclar los muñecos a los escenarios para que estos no se caigan en medio de la escena”.  

Adrián Encinas es autor de 'Animando lo imposible, los orígenes de la animación stop-motion' (1899-1945) y ha investigado al detalle la vida y obra de grandes figuras de la animación como Segundo de Chomón, Émile Cohl, Lotte Reiniger, Ladislas Starewitch, los hermanos Diehl o Willis O´Brien. Y entre ellos, se topó también con algunos españoles pioneros como Salvador Gijón, Adolfo Aznar y el albaceteño de La Gineta. Feliciano Pérez imaginó una historia de hadas en la que el héroe salva a la princesa de un horrible dragón que la mantiene cautiva, y como recompensa, obtiene la mano de la hija del rey. De esta idea nació 'El intrépido Raúl'. Considerada hoy la primera película de animación rodada en stop-motion que se conserva en España.

Feliciano Pérez elaboró cuidados escenarios en miniatura, muñecos fabricados con gran meticulosidad, al detalle en facciones y vestimentas, “con animaciones fluidas y unos diálogos que hoy resuenan encantadores, e incluso un dragón rechoncho que resulta muy poco amenazante”, indica Adrián Encinas. Fue entonces cuando Feliciano volvió a encontrarse con Arturo Beringola, al que pidió que le ayudara como operador de cámara. El cine de muñecos saltó a otra dimensión con esta cinta. Anteriormente, entre 1911 y 1912, Segundo de Chomón incluyó fragmentos de animación en varias películas que realizó en Barcelona. Y en 1934 ya tuvo un pase de prensa la película de muñecos 'Arte, amor y estacazos', que se estrenó oficialmente en 1936 pero no pervivió ninguna copia.

'El intrépido Raúl' sobrevivió al tiempo y ha viajado hasta nuestros días gracias a la suerte, al buen hacer de la Filmoteca Nacional y a la familia de Feliciano Pérez que supo conservarla. Ahora podemos rescatar su historia y compartir este legado cinematográfico de un gran artista al que la tragedia de la guerra civil truncó su talento para el séptimo arte. El corto de animación se estrenó en el fatídico 1936. El film se había rodado en los estudios CEA de Ciudad Lineal en Madrid, durante una huelga de decoradores. En ese mismo espacio, aquella primavera, también se estaba montando la famosa 'Morena Clara'; se hacía 'El bailarín y el trabajador,' de Luis Marquina y Enrique Jardiel Poncela iniciaba su serie 'Celuloides Cómicos'. El 11 de mayo, la Dirección General de Seguridad aprobó la exhibición de 35 películas, entre ellas la creación de Feliciano Pérez. Unas semanas después, el 3 de junio, encontramos un anuncio en 'La Voz de Cantabria' donde se publicita la muestra de “la primera película hecha con marionetas en España”.

La película de animación debió funcionar bien. Desvela Adrián Encinas: “Pérez y Beringola firmaron en el año 1936 un contrato para la realización de una segunda película de muñecos animados, 'La cigüeña encantada'”. Pero nunca pudieron rodarla. La guerra acabó con todo. Jamás volvieron a colaborar juntos. Feliciano Pérez abandonó el mundo del cine.

Su obra siguió mostrándose, incluso en un país arrasado por la sangre y el drama. En Barcelona, ya tomada por las tropas franquistas en marzo de 1939, se exhibió también la cinta. 'La Vanguardia Española' relaciona en la cartelera las diversas salas donde podía verse 'El intrépido Raúl'. Una de ellas era el cine 'Actualidades'. Las entradas costaban una peseta y las sesiones comenzaban a las tres de la tarde y terminaban a la una de la madrugada.

Además del trabajo de Pérez y Beringola, podía verse 'Bebés acuáticos', dibujos de Walt Disney. En alguna de las otras 56 salas barcelonesas, echaban los últimos acontecimientos a través del 'Noticiario Español', con reportajes como 'La reconquista de Málaga', “interesante y detallado documento gráfico de la liberación de la bella capital andaluza” o 'Vivan los hombres libres', una producción que refleja el horror de las chekas barcelonesas y la farsa del fatídico gobierno de Negrín. La República había muerto para siempre.

Funde a negro

La película 'El intrépido Raúl' fue comprada por la productora Hermic Films y reestrenada en 1947 con el nombre 'La princesa y el dragón'. Los ocho minutos de film aún enternecen casi cien años después. Comienza a sonar la música y suena intenso el contraste del blanco y negro. Aparecen los rótulos iniciales: “Dirección y muñecos. Feliciano Pérez”. Plano general. Castillo entre los árboles. Plano americano. Aparece el protagonista y se presenta: “Señoras. Señores. Yo soy Raúl. El intrépido Raúl”. Funde a negro.

Y en una elipsis leve, en el salto de una sola línea, estamos en Madrid. Noviembre de 1990. Ha llegado a la casa del pintor una redactora del periódico local, Olga San Román. Quiere entrevistar a Feliciano Pérez para 'La Voz de Chamartín'. “A sus vigorosos noventa años, coge todos los días los pinceles y se instala en su ático para recrear los paisajes que su ojo impresionista ha captado”, escribe y detalla su carrera pictórica a lo largo de estos años.

Feliciano, “de estilo figurativo con influencias impresionistas, ha sido admirado en salas tan prestigiosas como Madrazo, Eureka, Macarrón”. Prefiere pintar retratos, bodegones y, ante todo, paisajes: las orillas del río Júcar, Solán de Cabras, Madrid, Alcalá del Júcar, Santander, Zaragoza, Gandía, Navacerrada, Toledo, Molina de Segura. Después de tanto mirar, ahora, la vista de Feliciano está en su barrio, la colonia Buenavista o Colonia Primo de Rivera. Una serie de edificaciones que se construyeron en 1929 y que estaban destinadas a guardias y policías municipales. 

Aquel barrio que conoció en su juventud también ha cambiado. Olga San Román le observa y relata su técnica: “Jugando sabiamente con los colores, especialmente verdes, ocres y amarillos, con unos morados fabulosos, a pinceladas cortas y espesas”. El talento de Feliciano puede que naciera observando los cielos partidos de La Gineta. Se hizo hombre y artista en el Madrid republicano y durante los años del silencio enseñó a otros en el Colegio de los Maristas y en el Ateneo Politécnico de Prosperidad. David Calle, el fotógrafo que acompaña a Olga, afina el objetivo de la réflex y cuando cree certera la estampa, dispara. El perfil del pintor no ha cambiado en lo sustancial de aquel otro retrato que le hicieron mientras rodaba 'El intrépido Raúl'. Apenas las tonalidades de su cabello y la textura de su piel. Pero en sus ojos aún brilla la curiosidad de quien busca perpetuar la belleza.

Durante años ha sido jefe de Administración de primera clase en el sector de las Telecomunicaciones y a pesar de ello, no ha dejado su dedicación a la pintura y su afición a la fotografía. Ha concurrido a la Exposición Internacional de Arte junto a representantes de Alemania o Bélgica. Además, con la cámara de fotos ha hecho instantáneas como Sombras, Rompiente, Barcas, Burbujas y Ocaso. Pero entre toda su obra, un retrato llena por completo su memoria.

“Preside su estudio, en el ático del chalé que comparte con sus hijos y su nieto, un bello retrato de mujer, su esposa, cuya muerte en el año 64 marcó su vida y le apartó de exposiciones”, sigue narrando la redactora. Feliciano responde sin que se le pregunte: “Yo hago todo lo que puedo porque así me distraigo”. El pintor, el pionero del cine de animación, este hombre viudo desde hace décadas trabaja en su taller.

Entre sus numerosos cuadros, destaca la noble cabeza de un guerrero español, a plumilla, “de cuando era chavalín”. En verdad, nunca ha dejado de serlo. Olga San Román remata su entrevista: “A este vigoroso artista, pintor más de sierra que de mar, por sus raíces manchegas, el caballete no le abandona nunca”. Y confirma Feliciano como un chiquillo: “A todas partes voy con los trastos”.

Esos trastos que fueron sus manos y su imaginación. Para nuestra fabulación queda lo que el pionero albaceteño del cine de animación pudo pensar en su penúltimo instante. Quizá recordó cómo, siendo niño, en 1906, corrió la voz y el pánico por La Gineta al conocerse el robo con fuerza en el tren mixto de Andalucía que pasaba por su pueblo. Tal vez, repasó mentalmente su vida o sintió pesar por el bodegón inacabado. Posiblemente, lloró a su mujer. Y quién sabe, si en ese aliento último, le golpeó en la cabeza aquella canción que canturreaba el protagonista de su película. “Viva la princesa y muera el dragón / Viva la princesa que es la que quiero yo”. En esa escena, antes de enfrentarse al terrible dragón, el intrépido Raúl recogía una flor que se encontraba en el camino, la olía profundamente y se quedaba dormido en el bosque.

Con el inicio del nuevo año, son muchos los que intentan averiguar qué nos deparará el 2026. En este contexto, los fans más fieles de Los Simpson llevan semanas compartiendo en redes sociales los eventos que la serie de animación pudo haber adivinado a lo largo de sus ya 37 temporadas en emisión. No es algo nuevo. Desde hace años, algunos seguidores de la ficción creada por Matt Groening defienden que estos dibujos animados han anticipado algunos acontecimientos históricos.

La presidencia de Donald Trump es uno de los eventos que siempre se utilizan para hablar de estas supuestas predicciones. Los que creen en esta teoría disparatada señalan que la serie de personajes amarillos predijo que el político llegaría a ser presidente de Estados Unidos en el episodio Bart to the Future, emitido en el año 2000 (más de quince años antes de que Trump llegara realmente a la Casa Blanca).

Además de eventos políticos, Los Simpson también podrían haber adivinado algunos acontecimientos culturales. Por ejemplo, en el capítulo Lisa Goes Gaga, emitido en 2012, pudimos ver a Lady Gaga volando hacia un estadio colgada por unos cables. La estrella del pop utilizó este mismo truco unos años después, durante su actuación en el medio tiempo de la Super Bowl.

En 1998, otra escena predijo un evento significativo en la industria del entretenimiento: la compra de Fox por parte de Disney. En el episodio When You Dish Upon a Star, se puede ver la fachada de 20th Century Fox con un letrero que anunciaba que la compañía era una división de Walt Disney. Lo que pudo ser concebido como una broma por parte de los guionistas de la serie, acabó adivinando lo que ocurriría casi 20 años después.

El auge de la IA y el turismo espacial

Algunos se atreven a creer que la serie también predijo la pandemia del coronavirus, el apagón que vivió España el año pasado, el descubrimiento del bosón de Higgs e incluso el atentado del 11-S. Para llegar a estas conclusiones, los fans de esta teoría analizan pequeños detalles que se pueden ver a lo largo de los 800 capítulos que Los Simpson ha emitido en sus más de 35 años en antena.

Este análisis continúa en el inicio de 2026, y algunos ya empiezan a ver coincidencias. ¿La IA acabará con los trabajadores? La pregunta que muchos tratan de responder ahora ya la planteó la serie de Groening hace años. En Ellos, Robots, episodio 503 de la temporada 23, el Sr. Burns decide sustituir a los empleados de la Central Nuclear de Springfield por robots con el objetivo de reducir gastos. La trama del capítulo termina con una rebelión de las máquinas, lo que genera caos en Springfield. 

Para los fanáticos, la serie anticipó uno de los grandes dilemas del trabajo contemporáneo. Lo mismo ocurre con el auge del turismo espacial. Los seguidores creen que el episodio Deep Space Homer, emitido en 1994, pudo haber predicho los viajes turísticos al espacio. En este episodio de la temporada 5, Homer es elegido por la NASA para ir al espacio con el objetivo de aumentar el interés por este tipo de viajes. 

Los intérpretes no siempre miden las consecuencias de sus decisiones, y algunas elecciones pueden marcar su trayectoria durante años. La búsqueda de control creativo, la inseguridad ante nuevos proyectos o el simple instinto de prudencia han llevado a muchos a dejar pasar papeles que después se convertirían en hitos del cine.

A veces, una negativa surge de un detalle mínimo o de una duda sobre el rumbo artístico del director. En otras, se trata de un exceso de confianza o de una lectura equivocada del momento. Los actores pueden mostrarse exigentes cuando sienten que algo no encaja del todo, aunque el tiempo demuestre que esa resistencia era innecesaria. Con ello, no siempre logran modificar un personaje, pero sí cambian para siempre la historia de su propia carrera.

Puso condiciones que el estudio no aceptó

Jack Black reconoció en una entrevista que rechazó el papel de Syndrome en Los Increíbles tras exigir cambios en el guion, una decisión que más tarde lamentó. El actor explicó que Pixar le había ofrecido doblar al villano principal del filme dirigido por Brad Bird, pero pidió que el personaje tuviera más matices y no se limitara al arquetipo de antagonista.

La negativa del estudio fue tajante, y el papel acabó en manos de Jason Lee, mientras la película se convertía en uno de los mayores éxitos de la animación contemporánea.

Con el paso de los años, Black consolidó una carrera destacada en el cine de animación. Su voz dio vida a Po, el protagonista de la saga Kung Fu Panda de DreamWorks, y a Bowser en Super Mario Bros.: La película, que superó los 1.000 millones de dólares en taquilla. También regresará a ese universo como parte de la secuela Super Mario Galaxy: La película, cuyo estreno está previsto para el 3 de abril.

El rechazo se convirtió con los años en una lección personal

En declaraciones a la emisora británica Capital FM, Black relató cómo se produjo aquel desencuentro. Dijo que desconocía a Brad Bird, que en ese momento solo había dirigido El gigante de hierro, y que su petición de reescribir el papel fue interpretada como un rechazo.

Según recordó, el director, del que “nunca había oído hablar de él” le respondió que si no confiaba en el guion, no debía seguir adelante con el proyecto. Black admitió que subestimó al realizador y que su falta de confianza le costó uno de los papeles más recordados del estudio.

Syndrome es el antagonista principal de Los Increíbles y una de las figuras más recordadas del cine de animación moderno. Su historia parte de una frustración personal: fue un admirador de los superhéroes que, tras sentirse rechazado por su ídolo, decide volverse contra ellos.

El personaje combina arrogancia, ingenio y un resentimiento profundo que lo lleva a enfrentarse él solo a toda una familia de héroes. Esa mezcla de vanidad y herida emocional convirtió a Syndrome en un villano carismático y complejo, muy distinto de los arquetipos clásicos del género.

El intérprete calificó esa experiencia como una lección. Aseguró que comprendió la importancia de arriesgarse incluso cuando los proyectos no parecen seguros. Reconoció que, al ver el resultado final, comprendió su error. “Cuando esa película se estrenó, fue una de las mejores jamás hechas”, afirmó. Desde entonces, dijo haber aprendido a confiar más en el instinto creativo de los directores con los que trabaja.

Los Increíbles se estrenó en 2004, obtuvo el Óscar a mejor largometraje de animación y recaudó más de 630 millones de dólares en todo el mundo. La secuela, lanzada en 2018, superó los 1.200 millones y confirmó el peso de la saga dentro del catálogo de Pixar. El estudio prepara ya una tercera entrega, mientras Jack Black, todavía arrepentido por ser demasiado ambicioso, sigue recordando la oportunidad que dejó pasar.

2025 fue un año de contrastes para las películas live-action de Disney, a lo que parece apostar gran parte de sus próximos proyectos, con el fracaso de ‘Blancanieves y los Siete enanitos’, pero con el gran éxito que supuso ‘Lilo & Stitch’, tanto que la recaudación que tuvo en cines hizo que se confirmara una secuela de este largometraje.

De hecho, ya se van sabiendo nuevos detalles de los próximos live-action de Disney, como que se quiere desarrollar una película sobre ‘Gaston’, el villano de ‘La bella y la bestia, que fue una de las primeras historias en ser adaptadas a este nuevo formato, o la confirmación de los actores que protagonizaran ‘Enredados’ como son Teagan Croft y Milo Manheim, conocidos por la serie ‘Titanes’ y la saga ‘Zombies’ respectivamente, según The Hollywood Reporter.

La película de ‘Enredados’ en live-action es uno de los próximos proyectos de Disney, sin fecha todavía de estreno, en el que también se sabe que el director será Michael Gracey, conocido por dirigir los musicales ‘El Gran Showman’ y ‘Better Man’, con lo que se sabe que la música tendrá bastante peso en este largometraje, y con Jennifer Kaytin Robinson como guionista, encargada de haber escrito ‘Thor: Love and Thunder’. Sin embargo, hay más títulos que también se adaptarán a este formato próximamente.

‘Vaiana’

El más inmediato estreno en ‘live-action’ será en verano de 2026, en concreto julio. Es cuando tiene previsto que llegue a los cines ‘Vaiana’, en el que Dwane Johson, ‘La Roca, repetirá en su personaje de Maui al que daba voz ya en su versión animada, con Catherine Laga’aia en el papel de Vaiana, con la que Disney intenta repetir uno de sus últimos éxitos, que llegó justo hace diez años.

‘Hércules’

Es una de las adaptaciones live-action más esperadas de Disney, aunque es un proyecto todavía sin algunas preguntas respondidas, después de que se anunciara a Guy Ritchie como director, pero sin confirmación de esto todavía, después de que llevara también a Aladdin en actores de carne y hueso en 2019. No se sabe si se seguirá la misma historia que contó la animada, pues la crítica de la poca fidelidad a la mitología griega podría ser feroz, sobre todo si tenemos en cuenta lo pasado recientemente en redes sociales con el tráiler de ‘La Odisea’ de Christopher Nolan, una de las películas del 2026.

‘Bambi’

Debido al gran éxito que han tenido películas de Disney con animales recientemente como fue el caso de ‘El rey león’ o ‘El libro de la selva’, el estudio adaptaría al CGI ‘Bambi’, uno de sus clásicos más queridos, que estaría escrito por Geneva Robertson-Dworet y Lindsey Beer. No se sabe tampoco si se seguirá exactamente el mismo desarrollo que en la versión de 1942, solo unos años después del primer largometraje ‘Blancanieves y los siete enanitos’.

Las secuelas de los ‘live-action’ de Disney

No solo el estudio de Mickey Mouse piensa en hacer remakes de nuevos clásicos animados, sino que también tiene aprobados proyectos que serán nuevas entregas de adaptaciones ya realizadas, como es el caso de ‘Lilo & Stitch 2’ después de que la primera fuera todo un éxito con una recaudación de 1.037 millones de dólares en todo el mundo.

El mismo camino seguirán ‘El libro de la Selva’, ‘Aladdin’ y ‘Cruella’, que después de sus éxitos también tienen confirmada secuela, aunque si bien es cierto que no sabemos fechas de estreno, y en algunos casos no se sabe si siguen con luz verde como es el caso de la segunda, que después de la crisis de reputación de Will Smith podría encontrarse parada.

A ello podemos sumar los rumores que afirman que otros clásicos que se podría optar por adaptar en este nuevo estilo pueden ser historias de una etapa no tan dorada de Disney ni tan populares como pueden ser ‘Los Aristogatos’, ‘Merlín el encantador’ o ‘Robin Hood’, de hecho, para la segunda incluso se pensó en Ridley Scott como director.

El primer capítulo de Los Simpson se estrenó el 17 de diciembre de 1989 en Estados Unidos y, en todo este tiempo, la serie de Matt Groening ha seguido ciertos clichés con sus personajes más emblemáticos. Homer continúa obsesionado con la cerveza, Bart todavía la lía con sus travesuras y Lisa se mantiene comprometida con causas sociales y ambientales. 36 años después del estreno en televisión, Maggie, la bebé de la familia, seguía siendo un personaje silencioso. Hasta ahora.

El pasado 14 de diciembre, se estrenó Parahormonal Activity, un nuevo capítulo de la temporada 37 en el que la serie rompió una de sus reglas más sagradas. La pequeña Maggie dejó de estar callada y pronunció una de sus primeras frases largas en la serie. El episodio se desarrolla unos años en el futuro y sigue a Bart cuando es un adolescente y aprende a conducir.

Maggie ya no es tan bebé como en la mayoría de capítulos y, aunque Marge intenta taparle la boca, la niña ha decidido que es hora de hablar. “¡Por favor, no dejéis que Bart conduzca, da mucho miedo! Conduce de forma muy inestable y todos nos tocan el claxon, nos gritan palabrotas y nos enseñan el dedo!”, grita la pequeña. La intervención ha sido muy comentada por los fans de la serie, no solo por lo que supone en la historia de Los Simpson, sino también por la actriz que pone voz a Maggie. 

Se trata de la mismísima Lindsay Lohan, quien en sus redes sociales compartió un teaser en el que se podía escuchar la voz del personaje. La actriz, conocida por películas como Chicas Malas o Tú a Londres y yo a California, compartió su felicidad al participar en el doblaje de esta icónica niña pequeña. “Qué sueño hecho realidad ser parte de esta icónica familia”, dijo en su post de Instagram.

Antes lo hizo Elizabeth Taylor

Si bien es cierto que en la gran mayoría de los capítulos de Los Simpson el personaje de Maggie se ha mantenido en silencio (más allá de pequeños balbuceos), la interpretación de Lohan no es la primera. La hermana de Bart y Lisa ha tenido otras intervenciones a lo largo de la historia de la serie, siendo la primera la que la hizo la mismísima Elizabeth Taylor en 1992. 

La famosa estrella de Hollywood le dio voz a la primera y única palabra de Maggie hasta entonces: “Papi” (Daddy). Esto ocurrió en La primera palabra de Lisa, episodio de la cuarta temporada, y marcó uno de los momentos más memorables de la serie. Para algunos, que Lohan haya interpretado a Maggie ahora es una manera de cerrar el círculo: esta interpretó a la actriz de Cleopatra en la película biográfica Liz & Dick (2012).

En otro episodio futuro de la temporada 20, Jodie Foster puso voz a un largo monólogo como la Maggie adulta. Los actores James Earl Jones, Viola Davis y Harry Shearer también han interpretado a la pequeña bebé de la familia en distintos episodios no canónicos de Los Simpson.

Cuesta pensar que haya una película de Disney, sobre todo las que se estrenaron ya en un momento con internet, que no tenga su teoría desarrollada por los fans y aficionados que encuentran lazos con otros largometrajes, sobre todo después de que se descubriera que gran parte de los proyectos de Pixar estén conectados.

Así es como, por ejemplo, ‘Frozen’ se relaciona con ‘Tarzán’, asegurando que están en un mismo universo y que sería hermano de Elsa y de Ana, y ahora hay otra teoría también que ha encontrado una posible conexión de ‘Zootrópolis’ con un clásico de Disney que también está protagonizado por animales.

La teoría que conecta a ‘Zootrópolis’ y ‘Robin Hood’ en un mismo universo

El estreno de ‘Zootrópolis 2’ en cines ha vuelto a poner de actualidad esta película, casi diez años después de la primera entrega, y que vuelve a tener como protagonistas a Nick Wilde y Judy Hoops, con las voces en original de Jason Bateman y Ginnifer Goodwin, con aparición de Shakira en la voz de ‘Gazelle’ o Idris Elba como ‘Jefe Bogo’.

Esto ha hecho revivir una teoría que circulaba por internet que vinculaba a esta película Disney con uno de los clásicos de la factoría del ratón Mickey Mouse, en la que aseguraban que ‘Zootrópolis’ sucede en un mismo universo que ‘Robin Hood’, aunque en un futuro que habría evolucionado desde la Edad Media.

Teniendo en cuenta que ‘Robin Hood’ se estrenó en 1973 y ‘Zootrópolis’ en 2016, la teoría desarrolla que la primera estaría basada en un mundo medieval unos ocho siglos antes que la segunda, que sería en un mismo universo, pero en la actualidad o futuro.

Así, da varias razones como que ambas están protagonizadas por animales antropomorfos, sin humanos, y en el que ambos plantean la igualdad entre especies, aunque con diferentes contextos. En ambos, los dos protagonistas son zorros que se rebelan contra su mundo, que se saltan la ley y desafían la autoridad, estando así en un cierto peligro. Ambos, además, con conejos como compañeros, con un carácter similar entre Judy y Skippy.

Por si fuera poco, la teoría de internet que une ‘Zootrópolis’ con ‘Robin Hood’ asegura que, si nos fijamos, en ambas cintas los lobos son guardianes del orden y alineados con los villanos, mientras los leones son vistos como representantes de la autoridad, ya sea políticos, jefes o reyes.

Los creadores de ‘Zootrópolis’ no desmienten esta teoría

Si bien el sustento de la teoría no tiene más allá que conjeturas que unen estas dos películas de Disney, un apoyo importante es el hecho que los creadores, Byron Howard y Rich Moore, no la han desmentido e incluso le dan cierto pie a su desarrollo:

“¡Esa es una buena pregunta! ¿Estaba 'Robin Hood' en el mundo de 'Zootopia'? Eres el primero en proponer eso, pero me gusta esa idea. Correcto. Así que 'Robin Hood' podría haber tenido lugar en la Edad Media. Esa es una buena idea y tiene sentido. Quizá lo ubicaría en el siglo XIX.”, fue lo que comentaron hace unos años en un portal web al ser preguntados por ello.

Jared Bush (Maryland, Estados Unidos, 1974) encamina a Disney a un fin de semana para la historia. El último trabajo del director y guionista, la secuela de Zootrópolis, va a convertirse en una de las películas de animación con mejor desempeño en taquilla de todos los tiempos. Así lo constata su debut en China, donde ha conseguido el mejor día de estreno y la recaudación diaria más alta jamás registrada por una película animada estadounidense en el país. En Estados Unidos, la cinta ha recaudado 10,2 millones de dólares en preventa, solo por detrás del récord de Vaiana 2 (13,8 millones de dólares).

Zootrópolis ya se convirtió en un fenómeno en 2016, cuando llegó a cartelera la primera parte, pero ahora promete ser una nueva franquicia de oro para la compañía. Jared Bush, quien también es jefe creativo de la delegación de animación desde 2024, ha conversado para elDiario.es sobre la importancia de las secuelas, la relevancia que tiene el cine animado frente a una industria que cada vez apuesta más por remakes de acción real, las preocupaciones derivadas de la inteligencia artificial y la relevancia que sigue teniendo la animación para tocar temas sociales.

Esta segunda entrega, que vuelve a seguir al zorro Nick y a la coneja Judy en otra aventura por un mundo lleno de animales, pone el foco en las diferencias entre personas, los estereotipos y las barreras territoriales. La trama presenta cómo los reptiles han sido completamente relegados a los márgenes, sumidos en prejuicios que les impiden hacer presencia en países que les han hecho creer que no pertenecen a ellos, un tema que se torna fundamental en un momento en el que la ultraderecha aprovecha la migración para sembrar odio.

¿Cuál es el propósito de la secuela de Zootrópolis?

Queríamos ahondar en la relación entre los personajes principales, Judy y Nick, que son animales muy diferentes y que también tienen una visión del mundo muy diferente. Esta película es una historia sobre nuestras diferencias. A veces, nuestras diferencias pueden ponernos nerviosos, pueden preocuparnos y pueden hacernos pensar que son un problema, pero de lo que habla la película es del hecho de que nuestras diferencias en realidad son maravillosas. Cuando empezamos a comprendernos unos a otros, empezamos a comprender esas diferencias. Nos damos cuenta de que son nuestra mayor fortaleza.

Estos personajes no encajan en los estándares sociales y se ven obligados a demostrar su valía. ¿Qué se hace para combatir los prejuicios?

Es realmente difícil. Algo de lo que nos dimos cuenta cuando hicimos la primera de Zootrópolis y que estudiamos bastante es cómo a veces es difícil superar las diferencias. Eso es lo que encontramos dentro de nosotros mismos. A medida que avanzábamos en la historia, el camino es muy sencillo. Consiste simplemente en intentar comprender a alguien, sentarse a hablar con él, verlo como persona y relacionarse con él. En la mayoría de los casos, dar ese simple paso de conversar e intentar entender a la otra persona es clave para ver que estas diferencias no son un problema en absoluto.

Los reptiles en la película representan a las personas marginadas, y la historia hace una crítica a las fronteras territoriales.

Los seres humanos somos complicados. Es algo que es así, que era así hace diez años y que seguía siendo así hace cientos de años. Es algo que forma parte de la naturaleza humana, pero eso no significa que no podamos darnos cuenta, aprender, hablar de ello e intentar hacerlo mejor. Los seres humanos tenemos la capacidad de empatizar, y eso es algo que se ve en la película.

Todos somos seres humanos y todos merecemos dignidad y respeto

Jared Bush — Director creativo de Walt Disney Animation

El hecho de que los reptiles sean relegados a los márgenes recuerda a las personas migrantes.

Yo diría que se aplica a muchas cosas. Una parte muy importante de esta historia es que tendemos a juzgar a las personas que son diferentes a nosotros, y eso se aplica a diferentes cosas a lo largo de la historia de la humanidad. Lo importante de una historia como esta es que cosas como esa pueden resonar en ti, que puedes verla y decir: 'Creo que para mí, esto es de lo que estás hablando'. Y hay un punto de conexión ahí. Es muy importante asegurarnos de que contamos historias para todo el mundo y que son historias que te permiten interpretarlas como quieras.

Al igual que sucede en la película, hay quien no respeta a gente por considerar que no pertenece a un país. ¿Es importante dar visibilidad a esto?

Sí, todos somos seres humanos y todos merecemos dignidad y respeto. Según mi experiencia, a veces es cuando nosotros mismos sentimos miedo cuando empezamos a preocuparnos por la diferencia de los demás. Suele empezar con algún problema que tenemos con nosotros mismos. Eso es lo que ocurre en la historia de esta película, porque un personaje como Nick, que es tan cauteloso y está tan preocupado por Judy, es capaz de llegar a un punto en el que puede ver el mundo de forma un poco diferente. Puede verla de manera distinta y puede crecer como persona. Lo que me encanta de historias como esta es que podemos ver esas complicaciones.

¿Es importante que las películas de animación también aborden temas sociales?

Las animaciones de Disney son importantes para contar historias que lleguen al público de todo el mundo. Contamos todo tipo de historias en las películas de animación de Disney. Tuve mucha suerte de trabajar en la primera de Zootrópolis, por supuesto, pero también en Vaiana y después en ¡Canta!. Son historias en las que hablamos de cosas que esperamos que lleguen al público, que es lo más importante. Es una discusión sobre cosas que te importan, que te llegan y que, con suerte, te hacen pensar cuando sales del cine, y eso puede ser algo tan simple como darse cuenta, como sucede en ¡Canta!, de que tu familia es diferente y que merece empatía, o como en Vaiana, una historia sobre una niña de 12 años que busca su identidad. Estas verdades humanas básicas las que nos gusta cuestionar.

Últimamente parece que solo se apuesta por remakes de acción real. ¿Es una buena noticia que películas de animación como esta tengan éxito en taquilla?

Celebro que cualquier película, sea cual sea, tenga éxito en taquilla. Me metí en este negocio porque me encanta sentarme en el cine y compartir esa experiencia con otras personas. Formar parte de una historia es muy importante para mí. Por supuesto, me encanta que la animación sea algo que una a la gente, que podamos contar estas historias y que podamos hacer una película de animación de Disney. ¿Sabes que 700 personas trabajan juntas para dar vida a una historia? Es muy emocionante. No importa cómo se cuente la historia que ves en pantalla: si vas a ver algo al cine, muchas personas han tenido que trabajar duro para darle vida. Es realmente difícil y es algo que me impresiona todo el tiempo.

¿Considera que ahora existe el temor de hacer películas de animación debido al posible fracaso en taquilla?

Cuando trabajas en una historia, es muy importante no preocuparse por el peor de los casos. Hay que tomárselo con optimismo. Hay que creer que las cosas van a salir bien. Si intentas contar una historia y te preocupas por ello y te obsesionas demasiado, se refleja en la historia que cuentas. Por eso intentamos mantener un ambiente de alegría, optimismo y positividad, porque creo que eso es lo que hace que el público se identifique y se lo pase bien en el cine. Sigo repitiendo una y otra vez que el público se emocionará hasta las lágrimas al ver historias como esta, y eso es lo que importa y lo que realmente priorizamos.

La creatividad humana es la esencia misma de lo que hacemos, tiene que ser el núcleo

Jared Bush — Director creativo de Walt Disney Animation

Uno de los grandes peligros actuales para el cine de animación es la inteligencia artificial. ¿Qué se está haciendo para combatirlo?

Es un tema muy complicado porque hay muchas formas diferentes de verlo. Algo en lo que creemos en Disney Animation es que nuestras historias deben estar elaboradas por personas y que todo lo que se vea comience con alguien que ponga el lápiz sobre el papel y lo cree. Son las personas que están detrás de las cámaras las que hacen que todo eso suceda. La creatividad humana es la esencia misma de lo que hacemos, tiene que ser el núcleo de lo que hacemos y también es la colaboración de esas mismas personas. Más que nada, mi trabajo en el estudio es asegurarme de que la creatividad humana siga siendo siempre el centro de cada historia que contamos.

¿Son importantes las secuelas más allá de su éxito comercial?

Hay una idea errónea al respecto, y es que no creo que la gente se dé cuenta de que contar una secuela es algo que realmente nos encanta como narradores y cineastas, porque hemos pasado años creando un mundo y personajes que parecen seres vivos reales. Nos hace muy felices pasar tiempo con ellos, es como volver a casa para nosotros. Es muy importante asegurarse de eso. Y, por supuesto, si hay historias que la gente quiere volver a visitar y que nos apasionan, es genial que volvamos a ellas. También es muy importante seguir contando historias nuevas, originales. Empecé mi carrera en Disney Animation con tres películas originales seguidas. Creo profundamente en las originales. La gente quiere cosas nuevas, así que solo tiene que ser geniales, y nuestro trabajo es crear historias que lo sean.

Esta secuela se estrena casi una década después de su primera parte. ¿Cuánto se ha de esperar?

Es bastante subjetivo y cada uno tiene una opinión diferente sobre cómo hacerlo. Para nosotros, no importa tanto cuánto tiempo ha pasado sino qué es lo que nos apasiona de la historia. Nuestras películas tardan cinco años en hacerse, así que sería muy difícil hacer una secuela en menos de cinco años, porque es muy útil ganar perspectiva. Pero no hay reglas estrictas al respecto y no hay nada que yo quiera definir como 'esta es la cadencia y siempre tiene que ser así'. Todo se reduce a la pasión y al público. A querer volver a algo.

Supongo que la nostalgia es un factor que influye para que la gente quiera ir al cine a ver esta película, que está batiendo récords.

Diría que sí. Hay algo interesante en la sociedad ahora mismo, y es que a generaciones jóvenes como a los milenial o los alfa les gusta la nostalgia. Realmente les llega y les atrae regresar a una época diferente. Sin duda es parte de ello, pero creo que hay muchos otros factores. Son mil ingredientes distintos que provienen de cientos de personas diferentes, por lo que no hay una fórmula única. Se reduce a querer sorprender al público, llevarlo de viaje y ponerlo en la pantalla. Eso es excelente. También a que Zootrópolis es un mundo muy orientado al entretenimiento. Es divertido, es alegre, y ahora mismo la gente busca alegría y esta película la tiene. La gente sabe que, si se adentra en este mundo, va a pasar un buen rato.

¿Qué le gustaría que pensara la gente cuando salga del cine?

Mi principal esperanza es que vayan al cine con mucha gente y lo pasen genial. Que haya gente que vea esta historia y se sienta identificada con ella, que los viajes de los personajes sean algo en lo que puedan verse reflejados y decir: 'Oh, eso me recuerda a mí, a mi amigo o a mi familia'. Sería genial para todos que la gente saliera y dijera: '¿Sabes qué? Quizás debería mirarme un poco más a mí mismo y tener esta conversación con alguien o preocuparme menos por las diferencias que me ponían nervioso'.

Si hablamos de la técnica de stop-motion en el cine de animación, muchos pensarán en películas como Pesadilla antes de navidad, el largometraje de 1993 dirigido por Henry Selick y producido e ideado por Tim Burton; o en Fantástico Sr. Fox, una de las joyas del cine de Wes Anderson. Pero existen otras películas, a priori menos conocidas, que también han revolucionado esta técnica cinematográfica, que consiste en ir fotografiando y manipulando físicamente los objetos que aparecen en pantalla en cada fotograma.

Destaca, sin duda, la obra de Adam Elliot, director australiano especializado en plastimación (animación con figuras de plastilina o arcilla). En 2004, consiguió el Oscar Mejor cortometraje de animación con Harvie Krumpet, una historia en la que retrató la vida de un chico con síndrome de Tourette. Pero su consagración en la industria llegó años más tarde, con Mary and Max (2009), su primera película de larga duración. 

En este largometraje, Elliot volvió a poner sobre la mesa temas de índole social. La película sigue la amistad a través de cartas entre Max, un judío que vive en Nueva York y padece el síndrome de Asperger, y Mary, una niña australiana de 8 años que vive en los suburbios de Melbourne. El director tardó cinco años en desarrollarla, pero no fue la película de su carrera en la que trabajaría más tiempo. Esta llegó el año pasado, con el estreno en cines de su último largometraje: Memorias de un caracol.

El proyecto más grande de Adam Elliot

Memorias de un caracol (2024) se estrenó en Australia a finales del año pasado y es, al menos en términos numéricos, el proyecto más grande de toda la trayectoria del director australiano. Un total de siete animadores crearon entre cinco y diez segundos de metraje al día, durante un rodaje que se alargó unas 33 semanas. Pero el desarrollo de la película empezó mucho antes.

Elliot y su equipo trabajaron en la creación de 600 dibujos de storyboard para diseñar personajes, objetos y escenas, así como 7.000 figuras de arcilla, a lo largo de unas 48 semanas. En total, se estima que Memorias de un caracol, que tiene una duración final de hora y media y más de 130.000 fotogramas, tardó ocho años en hacerse. 

El trabajo tuvo su recompensa en los premios y nominaciones que llegaron a posteriori, así como en la crítica que recibió el filme de la prensa especializada. El largometraje de Adam Elliot estuvo nominado a Mejor largometraje de animación en los Premios Oscar, a Mejor filme de animación en los Globos de Oro, así como al Premio del Público en el Festival de San Sebastián. En el Festival de Sitges, Memorias de un caracol consiguió el galardón a Mejor largometraje de animación.

La película cuenta la historia de Grace Pudel, una niña solitaria e inadaptada, aficionada a coleccionar figuras decorativas de caracoles. Cuando es pequeña, su padre fallece y se separa de su hermano mellizo, Gilbert, una situación que la lleva a sufrir ansiedad y una gran angustia. Sin embargo, todo cambia cuando conoce a una anciana llena de determinación y amor por la vida llamada Pinky, con la que entablará una larga amistad que cambiará su vida para siempre.

La creación audiovisual impulsada por inteligencia artificial se ha convertido en un terreno sin límites claros, donde cualquier usuario puede generar escenas, personajes o mundos enteros con instrucciones simples. Este nuevo modo de producción plantea un desafío a las empresas que basan su identidad en la gestión rigurosa de sus franquicias.

Entre ellas, The Walt Disney Company ocupa un lugar primordial, porque su catálogo es uno de los más codiciados y también uno de los más vigilados. La expansión de herramientas generativas permite a cualquiera fabricar un vídeo en el que Mickey Mouse protagoniza acciones ajenas a su universo, una situación que inquieta a los estudios y acelera su respuesta.

Disney apuesta por una plataforma que combine producción y participación

Disney ha anunciado que su servicio Disney+ incorporará funciones que permitirán a los suscriptores crear vídeos cortos dentro de la propia plataforma mediante modelos de inteligencia artificial. La iniciativa la detalló Bob Iger, consejero delegado de la compañía, durante la reciente llamada con inversores, al afirmar que se trataba de “los cambios más grandes y más importantes” desde el lanzamiento de la plataforma hace seis años.

Explicó que la idea consiste en ofrecer una experiencia más participativa, donde los usuarios puedan “crear contenido generado por el usuario y consumir contenido generado por el usuario, principalmente de formato breve”. La empresa prevé integrar también funciones inspiradas en videojuegos gracias a su acuerdo con Epic Games.

El anuncio llega tras una etapa de prudencia. Disney había detenido varios proyectos de IA en meses anteriores por temor a vulnerar derechos de imagen o provocar conflictos con los sindicatos de actores. Según el Wall Street Journal, la compañía canceló ensayos que consistían en replicar digitalmente a intérpretes reales para evaluar la reacción del sector. La estrategia actual se apoya en acuerdos con compañías tecnológicas, aunque no se han divulgado nombres, con el objetivo de “proteger la propiedad intelectual”, tal y como aseguró Iger a The Hollywood Reporter.

Las experiencias ajenas confirman los riesgos del contenido sin supervisión

Las experiencias de otras plataformas sirven de aviso. OpenAI, con su aplicación Sora, permitió generar vídeos a partir de texto y terminó teniendo críticas por infracciones de derechos y contenidos problemáticos. También se han detectado recreaciones hiperrealistas de fragmentos de películas de Disney, elaboradas sin autorización. Reuters informó que la compañía envió una carta de cese a Character.AI por utilizar personajes con copyright. Este historial muestra por qué la moderación será un elemento esencial cuando el nuevo sistema esté activo dentro de Disney+.

El proyecto pretende transformar la relación entre espectador y contenido. Hasta ahora, la plataforma ofrecía un modelo cerrado, centrado en el consumo de series y películas. Lo que hay es lo que puedes ver. Con esta herramienta, en cambio, el usuario pasa a participar activamente en el proceso creativo, aunque bajo condiciones que garantizarán un entorno familiar y seguro.

Iger subrayó durante la reunión de resultados que “la oportunidad es enorme para aumentar nuestra conexión con los seguidores de Disney en todo el mundo”. La intención es mantener la identidad de marca y, al mismo tiempo, incorporar formatos que recuerdan a los de TikTok o Roblox, donde la creación breve y espontánea domina la atención digital.

La protección del legado será la pieza decisiva del nuevo modelo

El reto técnico y ético radica en equilibrar la libertad del usuario con la protección de un catálogo que forma parte de la cultura popular mundial. Disney ha dedicado décadas a blindar sus personajes y a controlar cada uso público de sus imágenes. Permitir que los suscriptores fabriquen vídeos con esas figuras dentro de un marco oficial supone abrir un espacio nuevo, más flexible, pero también más expuesto. La empresa confía en que los algoritmos de moderación, combinados con un filtrado previo de plantillas y modelos, reduzcan los riesgos legales y mantengan la coherencia visual de la marca.

Las pruebas internas aún no tienen calendario oficial, aunque las declaraciones de la dirección confirman que el desarrollo está en curso. Disney+ afronta así un cambio profundo en su funcionamiento, impulsado por la competencia y por la necesidad de renovar el interés del público. El futuro de la plataforma dependerá de que logre que la creatividad de los usuarios se convierta en un valor añadido sin poner en peligro el patrimonio simbólico de la compañía. La frontera entre innovación y protección será, en este caso, el verdadero terreno de prueba.

Este noviembre de 2025 ha llegado el primer tráiler de ‘Toy Story 5’, la nueva entrega de una de las sagas por excelencia de Pixar que se estrenará en cines el próximo 19 de junio de 2026 a nivel mundial, y que supondrá el primer largometraje sin John Lasseter involucrado.

En el tráiler de ‘Toy Story 5’ se confirma una trama que gira en torno a la tecnología en los niños como una amenaza a los juguetes tradicionales, al llegar una Tablet en las manos de Bonnie, ‘Lilypad’, que amenaza la vida de los demás y ponerle las cosas muy difíciles.

Cómo la tecnología supuso que ‘Toy Story’ sea parte de la historia del cine

Justo el tráiler de esta última entrega llega cuando se cumplen 30 años del estreno del que fue el primer largometraje de la saga de ‘Toy Story’ y el primero de Pixar, que entonces era una pequeña empresa formada por un grupo de jóvenes a los que no les importaba experimentar y que así cambiaron la historia del cine, sobre todo de la animación, a la que ha influenciado en estas tres décadas.

De hecho, se suele comparar a este ‘Toy Story’ con lo que supuso ‘Blancanieves y los siete enanitos’ para Walt Disney en 1937 al ser un “salto adelante radical tanto en la tecnología como en la manera de contar historias de animación”, como reconoció en un congreso el dibujante y director Bill Kroyer.

‘Toy Story’ se estrenó en 1995 después de que Pixar se desgajara de Lucasfilms y fuera comprada por Steve Jobs, proyectándose a fuego lento y aupada tras los cortos que habían tenido éxito, con el Premio Oscar de ‘Tin Toy’. Al conseguir colaborar con Walt Disney a nivel de distribución, tuvieron que superar las dudas que había desde el estudio por no seguir normas clásicas como que no hubiera números musicales como tal o un villano claro.

Así, se convirtió en el primer largometraje de animación completamente por ordenador (CGI) con un estreno en Estados Unidos el 22 de noviembre de 1995, en España el 14 de marzo de 1996, tras un presupuesto de 30 millones de dólares que fue superado por creces tras recaudar 400 millones de dólares, todo un éxito en crítica y taquilla con una historia simple sobre la llegada de un nuevo líder en un grupo contada con juguetes como personajes principales.

‘Toy Story’ supuso un antes y un después en el cine de animación, al marcar una pauta que se ha seguido durante estos 30 años, no solo por Pixar, sino también por el propio Disney y otros estudios como Dreamworks o Sony Animation.

La última película abre un debate sobre la tecnología en los niños

Es curioso que justo la tecnología que fue una aliada para la propia saga de ‘Toy Story’ sea el objeto de discusión de la quinta película, en el que una Tablet llega para amenazar la vida de los juguetes, ahora con Bonnie, y en la que será la primera sin uno de sus creadores, John Lasseter, que dejó Pixar en 2018.

Este tema interesó a Andrew Stanton y Kenna Harris, directores de la película, que reconocieron la razón por la que querían indagar en esto: “Ha sido un viaje bonito ver cómo el equipo favorito de juguetes podría responder al mundo tecnológico actual. Ha sido increíble contar con la extraordinaria Greta Lee para dar vida a Lilypad, equilibrando un tono juguetón y antagónico con humor y corazón”.

Con la llegada del otoño y los tiempos de ‘spooky season’ y Navidad hay algunas películas que ganan en popularidad y vuelven a tener atención por parte de muchos espectadores que deciden disfrutar de una temática acorde en el cine y dos de ellas son ‘Pesadilla antes de Navidad’ o ‘La novia cadáver’ de Tim Burton, que ha celebrado recientemente su 20 aniversario con un reestreno en cines.

Seguramente estas dos películas sean, además, dos de las más famosas de las rodadas con la técnica del stop motion, pero no son las más taquilleras, sino que las dos primeras corresponden al estudio británico Aardman, autor de ‘Wallace y Gromit’, segunda en el ranking, pero la campeona es ‘Chicken run: Evasión en la granja’ que recaudó 224 millones de dólares en el año 2000.

‘Chicken Run’: la exitosa adaptación de comedia y animación de ‘La gran evasión’

Exactamente un 14 de agosto del 2000 llegó a los cines ‘Chicken Run’, considerada una de las grandes películas de animación y que fue el primer largometraje producido por el humilde estudio Aardman, que realizaba su animación de una forma artesanal y que se hizo famosa en Reino Unido por los cortos de ‘Wallace y Gromit’.

El estudio quiso lanzarse a la gran pantalla, pero consideró que Wallace y Gromit quizá no fueran los mejores personajes para estrenarse de cara a que la cinta triunfara también en Estados Unidos y pensaron en idear algo más ambicioso que pudiera competir en ese mercado.

Así fue como indagando, Peter Lord y Nick Park, sus directores, pensaron en recordar el cine de los 60 norteamericano y hacer una versión de la historia de ‘La gran evasión’, con la que se criaron durante sus vacaciones. De lo que fue “un chiste” en el comienzo de adaptarla a una granja de gallinas fue haciéndose una idea menos descabellada que acabaría dando lugar a ‘Chicken Run’, una película que protagoniza una gallina llamada Ginger que hace de Steve McQueen y convertir una prisión nazi en una granja en Yorkshire.

Así, lo complicado fue encontrar presupuesto, y para eso el estudio Aardman tuvo que irse hasta Estados Unidos para colaborar con Dreamworks, que aceptó el proyecto a pesar de que tenía sus dudas, sobre todo por la viabilidad económica, pues se necesitaron más de 200 animadores para crear la animación en ‘stop motion’ y de si la historia cuajaría en el mercado estadounidense. Pero lo llevó adelante e incluso la productora francesa Pathé entró a formar parte.

El legado cultural y animalista de ‘Chicken Run’

‘Chicken Run: evasión en la granja’ resultó ser un éxito en taquilla y crítica y superó así las expectativas puestas en ella, además de que dejó una cierta huella de algunos temas que trataba en su historia de las gallinas, en la que se explica el problema entre lo tradicional y casero frente a lo industrial y artificial, así como la batalla de sexos.

No solo eso, se pasa también por reflexionar sobre el capitalismo y se nota también como funciona esa batalla cultural entre un Estados Unidos más capitalista y lujo y un Reino Unido más tradicional. Temas que daban potencial para una secuela que llegó más de dos décadas después, en 2023.

Sin embargo, el legado que dejó ‘Chicken Run’ fue la reflexión animalista, sobre el trato humano a los animales y como la sociedad les afecta de una manera u otra, y que podía educar a los niños y adultos en cuanto al consumo de carne o la industria cárnica actual, así como la vida en las granjas.

Hoy en día estamos acostumbrados a ver películas de Pixar con humanos como protagonistas como lo han sido éxitos como ‘Coco’, ‘Del revés’ o ‘Up’, pero hubo una etapa en la que esto fue un importante reto dentro del estudio, con sus primeros largometrajes dedicados a juguetes en ‘Toy Story’, insectos en ‘Bichos’ o a peces en ‘Buscando a Nemo’.

Si bien aparecían humanos en los primeros largometrajes de Pixar, estos no eran protagonistas y como se ha apreciado en algunas como en ‘Toy Story’, carecían de cierta expresividad y movimiento natural, por lo que con la llegada de ‘Los Increíbles’ en noviembre de 2004, hace 21 años, se marcó un antes y un después en la compañía.

La idea de ‘Los increíbles’ fue un proyecto personal de su director

‘Los increíbles’ es una película que Brad Bird, su director, llevaba teniendo en su cabeza desde la década de los 90, cuando se le ocurrió la idea de parodiar el cine de superhéroes que había disfrutado desde niño, a la vez que quería inculcar en ella la dificultad de compaginar su trabajo con la vida familiar.

Esto daría resultado al largometraje que se estrenó en noviembre de 2004 en gran parte de cines de todo el mundo, siendo la película hasta la fecha más larga de Pixar (que superaría solo dos años después Cars) con 115 minutos de duración y la última que se lanzó en el formato VHS de la factoría.

La película sobre la familia de superhéroes, que recordaba a ‘Los cuatro fantásticos’ y a los que se adelantó un año a su estreno, fue todo un éxito con más de 613 millones de dólares recaudados, además de unir a una buena acogida de crítica que le valió dos premios Oscar a Mejor largometraje de animación y Mejores efectos de sonido.

Un éxito que se logró mantener durante el paso de las décadas y que derivó en una secuela que llegaría casi 15 años después, en 2018, tras haber sido pedida ampliamente por los espectadores que habían disfrutado con la primera entrega en 2004.

El reto que supuso crear humanos para Pixar

Tuvieron que pasar varias películas antes como ‘Toy Story’, ‘Bichos’, ‘Monstruos S.A’ y ‘Buscando a Nemo’, incluida la secuela del largometraje protagonizado por juguetes, para que llegará la primera protagonizada por humanos, y esto tuvo una cierta explicación técnica.

Y es que Pixar tuvo que desarrollar una tecnología especial y nueva para simular el sistema muscular lo mejor posible y crear humanos que pudieran expresar emociones y movimientos de manera adecuados, sobre todo tratándose de un film de superhéroes.

En ella hay algunas curiosidades como suele añadir la compañía como que cuando Bob ve su GPS están representadas las calles reales que rodean los estudios de Pixar en California, o la manera en la que decidieron mostrar cuando estaba ambientada, en 1962 al ver el periódico que está leyendo Mr. Increíble al principio de la película.

Elzie Crisler Segar era solo un niño cuando empezó a interesarse por las historietas. Su pasión por el dibujo lo llevó, años más tarde, a trabajar como caricaturista, y acabó creando su propia serie de cómics. Thimble Theatre se empezó a publicar en el New York Journal y, entre sus primeros personajes, incluyó a Olivia Olivo y a Harold Hamgravy. No fue hasta 1929 cuando Segar creó al personaje más conocido de su carrera: el marinero Popeye.

En un primer momento, este era un personaje secundario dentro del cómic. Sin embargo, poco a poco, fue ganando más y más protagonismo hasta convertirse en uno de los dibujos más conocidos de todos los tiempos. Popeye fue un icono de la cultura popular del siglo XX que traspasó el papel y llegó hasta la pantalla en formato de serie animada. Niños de todo el mundo disfrutaron de este marinero fuerte y tosco que, lejos de ser una invención puramente ficticia, se inspiró en una persona real.

La persona que inspiró a Segar fue Frank Fiegel (aunque todo el mundo lo conocía como Rocky), un marinero que vivió en Chester (Illinois), su ciudad natal. Fiegel nació en 1868 en Polonia, aunque su familia emigró a Estados Unidos cuando él solo era un niño. Durante años, Rocky estuvo trabajando como marinero pero, con el tiempo, acabó como portero de una taberna en Chester.

Esa época le sirvió para ganarse la fama de hombre rudo y peleón. Fiegel estaba continuamente metido en peleas, en las que no dudaba en demostrar su fuerza bruta. Sin embargo, eso no le quitó su parte más tierna, que fue la que conquistó a los niños del vecindario. El marinero aprovechaba su jornada para contar historias sobre su pasado a los más pequeños, que quedaban fascinados por sus experiencias. Entre esos niños, estaba el joven Segar.

El aspecto de Frank “Rocky” Fiegel

La personalidad de Frank Fiegel fue clave para el desarrollo del personaje de Popeye. Esa mezcla entre fuerza, poder y valentía, y lealtad, generosidad y ternura estaban presentes tanto en el marinero real como en el personaje ficticio. Pero Segal no solo se fijó en el interior de su vecino, sino también en su aspecto físico. 

Rocky siempre iba con una pipa en la boca, se dice que incluso hablaba con ella entre los labios. Al igual que Popeye, también tenía una mandíbula muy marcada y brazos musculosos. Pero lo más característico del marinero polaco era su mirada: tenía un ojo siempre medio cerrado y se dice que muchos se referían a él como “ojo saltón”. En inglés, este apodo se traduce como “pop-eye”, lo que perfectamente podría explicar la inspiración para el nombre del personaje. 

Segar nunca confirmó públicamente esta inspiración, pero la semejanza entre el personaje y Fiegel era evidente. El marinero murió en 1947 y fue enterrado en el cementerio de Chester. Los vecinos de la ciudad pidieron que en su lápida se grabara una pequeña ilustración con la figura de Popeye junto a su nombre.

Fue hace ya casi una década cuando el cineasta coruñés Alberto Vázquez llevó a los Goya su cortometraje Decorado (2016), una tremenda sátira que exprime al máximo la crisis existencial de dos ratones para retratar una sociedad consumista y víctima del capitalismo. La cinta, que se hizo con el codiciado galardón español y llegó a proyectarse en la Quincena de Realizadores de Cannes, fue un tremendo éxito por dejar en evidencia la hipocresía contemporánea y la superficialidad de un mundo cada vez más digital y vacío. Pero la desesperanzadora fábula se torna más trascendental conforme pasa el tiempo: nueve años después de su estreno, nada ha cambiado. Un motivo por el que su director regresa a esta historia, ahora convertida en largometraje, y la lleva a los cines a partir de este viernes.

Desde la problemática laboral que impulsa la adicción al trabajo hasta el terror a no llegar a fin de mes para pagar el alquiler, el peligro de la hiperproductividad o el incesante control de las megacorporaciones sobre los ciudadanos, Alberto Vázquez afirma a elDiario.es que “la película refleja la crisis de nuestra sociedad”. Lo hace a través de Arnold y María, una pareja de ratones que está a punto de ser desahuciada porque él está en paro y ella no ingresa lo suficiente como ilustradora. “El dinero rige nuestras vidas, es el verdadero dios de esta sociedad”, constata el cineasta, que evidencia en el filme cómo una relación puede hundirse a consecuencia de no seguir lo estrictamente estipulado por el sistema.

El cuento, que protagonizado por animales reflexiona sobre el sentido de la vida y la libertad, también muestra la soledad de quien no sabe a dónde acudir cuando todos estos problemas empiezan a hacer mella. En una de las escenas más impactantes de Decorado, Arnold amenaza con llamar a la policía cuando varios personajes atacan a un mendigo, pero pronto se acaba dando cuenta de que estos personajes son, de hecho, agentes de policía. En otra secuencia, un profesional inmobiliario intenta vender una casa afirmando que es, “sin duda, una gran oportunidad para vivir y/o especular”. “La película plantea muchas preguntas y da pocas respuestas”, comenta Alberto Vázquez. “Pero la sociedad actual es cruel y peor, todo lo que se nos viene encima es mucho más inquietante”, añade el director.

En un momento en el que estamos rodeados por “líderes megalómanos, guerras, inteligencia artificial y trabajo”, Alberto Vázquez señala que “nuestro valor en la sociedad es lo que consigamos económicamente”. “Nosotros también somos un producto”, denuncia el cineasta. De ahí que Arnold y María estén al borde de la exclusión social, que la multinacional ficticia Alma —que pretende ser una combinación de Google y Amazon— haya eliminado a un amigo de Arnold para poner en venta su vivienda y que los abusos de poder sean capaces de decidir el futuro de cada individuo. “Estas cosas que están en la película son el pan de cada día. Quería hablarlas y ponerlas ahí con sentido del humor, que rebaja un poco el drama”, cuenta Vázquez.

No obstante, pese a su búsqueda del equilibrio entre comedia y drama, Decorado deja la sensación de tratarse de una película de terror. Todas las problemáticas que aborda la cinta aparecen retratadas de una forma tan cotidiana que el mero hecho de que en el presente estén tan normalizadas produce pánico. “Tenemos que trabajar, tenemos que ceñirnos a unos horarios, nos regimos por este sistema de trabajo y de dinero de recompensa”, apunta el cineasta. Sin embargo, intenta ver el asunto con optimismo: “Es muy difícil escapar del dinero, pero puedes hacerte un decorado acorde a tus gustos de vida, ya sea con tus aficiones, con tus amigos o con la gente a la que quieres. Es la manera más evidente para ser feliz dentro de una sociedad tan controladora”.

A pesar de que sea complicado mantener innatas las ganas por cambiar un mundo que se desmorona, sobre todo cuando el tiempo sigue sucediendo y los resultados no son nunca los esperados, el largometraje incentiva a rebelarse contra el sistema para continuar haciendo frente a lo que no se considere justo. Tanto Arnold como María tenían ese espíritu crítico y revolucionario cuando eran jóvenes, pero poco a poco se han dejado absorber por el derrotismo. “Los jóvenes son más idealistas, más reaccionarios, están descubriendo las injusticias del mundo y reaccionan a ellas”, indica Alberto Vázquez. “¿No parece increíble? Con la edad vas asumiendo todo, vas entrando en ese decorado y tienes una visión más desencantada, más sarcástica de la realidad”, agrega.

El mundo también tiene un lado positivo y la humanidad se balancea entre las ideas del mal y del bien, del egoísmo y la generosidad. Hay muchísima gente buena que equilibra todo lo que hace la gente estúpida.

Alberto Vázquez — Cineasta

Para el director, “lo bonito es el pensamiento de inconformismo, denuncias y luchas por los derechos que relacionamos con la juventud”. Aunque puntualiza que “hay mucha gente mayor que es mucho más reaccionaria que cualquier joven”, destaca que es algo que “relacionamos con la juventud y con cierta inocencia”: “Con los años vas viendo que las cosas no cambian, que los problemas se repiten, que 'da igual' qué líderes tengamos, y vas viendo el lado negativo del mundo”. Aun así, comenta que “el mundo también tiene un lado positivo y la humanidad se balancea entre las ideas del mal y del bien, del egoísmo y la generosidad”. “Hay muchísima gente buena que equilibra todo lo que hace la gente estúpida”, destaca.

Decorado reivindica el valor del cine de animación para ahondar en temas sociales que dan la sensación de que únicamente pueden abordarse en el cine convencional. “La animación es un medio maravilloso para contar historias y permite hacer cosas que no puedes hacer en el cine de imagen real. Es una mezcla entre el cómic y el cine”, subraya Vázquez. “El 90% de lo que se produce está orientado al público infantil y familiar, al consumismo, a la taquilla rápida, y hay películas que son cojonudas, pero hay otra manera de hacer cine de animación”, indica el director, que ha apostado por animales que remiten al Disney más clásico porque no tienen un tiempo ni un lugar definidos.

“La animación es una forma muy poética de hablar de la realidad, y, en mi caso, funciona como caballo de Troya porque las películas engañan mucho. Parece que son una cosa por su estética colorista, pero las temáticas son más duras, denuncian injusticias e impactan a la gente”, constata. Este contraste entre forma y contenido es el motivo principal por el que hace cine de animación, pero sigue encontrándose con el obstáculo de que no disminuyen los prejuicios en torno a esta vía para contar historias. “El día 24 se estrena esta película y no llegamos a 30 salas porque los exhibidores no la quieren y no apuestan por ella”, lamenta. “Se debería promocionar más porque la animación, además de ser un arte, es una industria que da muchos puestos de trabajo y que enlaza con otras industrias muy potentes como la del videojuego”, asegura.

Alberto Vázquez reivindica que, “aunque a veces parece que la animación es de frikis, es un medio muy poderoso”. Lo hace, además, en un momento en el que la inteligencia artificial es uno de sus grandes retos: “Va a venir a pegarnos un guantazo a todos, no solo al sector de la animación o de la ilustración, sino a todos los programadores, servicios de atención al cliente, periodistas... Es muy inquietante y muy interesante. Se van a conseguir cosas maravillosas, como avances médicos, pero va a haber una época en la que mucha gente se va a quedar sin trabajo y va a tener que reubicarse de alguna manera. ¿Y qué va a pasar mientras? ¿Qué va a pasar en esos años donde se pierdan tantos puestos de trabajo y haya tanta incertidumbre?”.

Al estilo de Los Simpson, el cineasta espera que la historia de Arnold y María, que son una especie de Mickey y Minnie Mouse sumidos en la depresión, también pueda ser apta para niños aunque aborde temáticas complejas y de adultos. “Los niños de doce años ya tienen móviles y ven todas las desgracias del mundo. Puede sonar a tópico, pero es mucho más inquietante el telediario que esta película”, enfatiza Alberto Vázquez. Para él, el verdadero rayo de luz en una “sociedad tan capitalista e hiperproductiva” son las “relaciones verdaderas”, esas “cinco o seis personas que están ahí en tu vida y que, cuando tienes un problema, te dejan ser tú mismo y hablar de forma honesta”. Ese es el decorado que, a pesar de todo, hace más fácil el día a día.

En octubre de 2023 Disney cumplió cien años. Una fecha muy especial que quiso celebrar por todo lo alto. La compañía, organizó una serie de evento con motivo de su centenario por ciudades de todo el mundo. También llegó a Madrid con un espacio interactivo, una exposición al aire libre y el alumbrado navideño de ese año. Ahora, aunque han pasado casi dos años del señalado aniversario, la magia de Disney regresa a la capital con una muestra interactiva.

La Fundación Canal acogerá desde este miércoles Disney. The Exhibition - 100 Años de Magia, el homenaje al centenario de la compañía de entretenimiento. La muestra cuenta con más de 250 piezas, obras de arte y documentos junto a 9 galerías de exposición inmersivas y 14 instalaciones interactivas, entre las que se encuentran el zapato de cristal de la acción en vivo de Cenicienta o e casco de Iron Man.

La exposición, que celebra “un siglo de historias, personajes, música y experiencias” creadas por The Walt Disney Company, ofrece a fans de todas las generaciones la oportunidad de “sumergirse y redescubrir” algunas de sus historias preferidas de Disney. Después de su paso por ciudades como Filadelfia, Múnich, Londres, Chicago, Kansas City, Seúl y París, llega ahora a la capital para mostrar las piezas más reseñables de los Archivos Walt Disney.

Los visitantes también pueden conocer la historia detrás de la creación de algunos de los personajes, las películas y los espectáculos, así como participar de las experiencias de la compañía alrededor del mundo, desde Disneyland París hasta Walt Disney World.

Un archivo de más de medio siglo

Desde hace más de 55 años, Walt Disney Archives, los archivos oficiales de la compañía, preservan algunas de las “joyas de la corona”. Se han necesitado cuatro años para planificar y reunir los objetos que se exhiben en Disney: The Exhibition - 100 Años de Magia.

En Madrid se exponen ahora obras de arte, esculturas utilizadas para la animación, así como vestuarios y accesorios de las películas de acción real. Entre otros, esto incluye tanto el caballo del tiovivo de Mary Poppins (1964) --utilizado por la leyenda de Disney Dick Van Dyke--, como el vestido rojo de Cruella (2021), llevado por la actriz Emma Stone.

También otros objetos y accesorios emblemáticos adicionales, como los libros del atrezzo original de Cenicienta (1950) y Merlín el Encantador (1963), la zapatilla de cristal de la versión de acción real de Cenicienta (2015), el casco de Iron Man de la película Vengadores: Infinity War (2018), o también el conjunto de Indiana Jones en Indiana Jones y el Dial del destino (2023).

Las galerías temáticas incluyen una “experiencia inmersiva”, e incluyen un paseo por una réplica de los parques Disney, así como oportunidades fotográficas que permiten a los visitantes posar junto a esculturas e impresiones de algunos de lo personajes como Mickey Mouse, del que también se exponen sus primeros bocetos, la familia Parr de Los Increíbles (2004), Goofy o el Hada Madrina de Cenicienta (1950).

La exposición incorpora además un componente. Los visitantes podrán encontrar cuentacuentos en algunas galerías, destacando objetos relevantes y compartiendo historias. Con esta propuesta, la exposición trata de combinar lo educativo con lo experiencial.

Esta muestra es posible gracias a las contribuciones creativas combinadas de Walt Disney Archives, Walt Disney Animation Research Library, Walt Disney Imagineering, Disney Theatrical Group, Lucasfilm, Marvel Studios, Pixar Animation Studios, Walt Disney Music y The Walt Disney Family Museum. “Nos emociona traer esta fantástica exposición a Madrid”, ha dicho la directora de Walt Disney Archives, Becky Cline, quien ha deseado que “los visitantes disfruten algunas de sus historias, personajes y atracciones favoritas de Disney de una forma nueva y envolvente”.

Un 30 de septiembre de 1960 llegó el estreno en televisión, por la cadena estadounidense ABC, de una serie animada en clave de comedia que se convertiría en uno de los sellos de identidad del dúo Hanna-Barbera, del que salieron también otros dibujos animados icónicos como ‘Tom y Jerry’ o ‘El oso Yogui’.

Así, fue como comenzó la historia de ‘Los Picapiedra’, en su idioma original ‘The Flintstones’, que estuvo en emisión durante seis temporadas, desde 1960 a 1966 con un total de 166 capítulos a sus espaldas, pero que se convirtieron en personajes de la cultura popular por distintos productos que revivieron a esta familia ambientada en la Edad de Piedra. La sitcom animada presentó a Pedro y Vilma Picapiedra, un matrimonio de clase media que vive en los suburbios de Piedradura, una ciudad ficticia de la época neolítica y en la que desarrollan diferentes aventuras de su vida junto a sus amigos y vecinos Pablo y Betty Mármol.

‘Los Picapiedra’: una serie pionera en animación para adultos

La serie de dibujos animados era inusual para su época por el hecho de que estuviera destinada a público adulto, que, aunque ahora tenemos varios ejemplos como ‘Los Simpson’, no era habitual entonces. En parte, por los temas que trataba, no para un sector infantil, como el intento de suicidio de Pablo, la adicción a las compras de Vilma y Betty y al juego de Pedro o la infertilidad del matrimonio de los Mármol.

Otro detalle que deja huella de que ‘Los Picapiedra’ era para público adulto era que en ella se hacían anuncios de electrodomésticos y diversas marcas a través de aparatos que se adaptaban como ‘broma visual’ hacia la prehistoria, y que se desarrolló también, por ejemplo, para introducir una nueva trama en la serie.

Y es que cuando el matrimonio Picapiedra tuvo a su primer hijo, Pebbles, en la tercera temporada, se decantó que fuera una niña por un acuerdo comercial con una compañía de juguetes, que anunciaba sus productos en la serie, y es que la primera idea era que fuera un niño, Fred Jr, que incluso había sido pensado para el piloto de la ficción.

Así nació la serie de ‘Los Picapiedra’

‘Los Picapiedra’ es una serie animada creada por Bill Hanna y Joe Barbera, con la empresa Hanna-Barbera que fundaron en 1957 tras haber sido despedidos por Metro-Goldwyn-Mayer, donde se habían conocido trabajando juntos en 1937 al ser vecinos de escritorio.

A ambos se les daba bien trabajar juntos y colaboraron en los cortos animados de ‘Droopy’, obra de Tex Avery. Tras más de dos décadas trabajando para MGM, donde habían creado la serie Tom y Jerry, en 1957 fundaron Hanna-Barbera Productions, y una de sus series más famosas sería la de la familia prehistórica.

Pero no siempre tuvieron la idea de que estuviera ambientada en la Edad de Piedra, sino que incluso pensaron en que fueran nativos americanos o una familia del imperio romano como William Hanna reconoció en una entrevista con Entertainment Weekly: “Uno de nuestros compañeros vino con un boceto de un hombre y una mujer vestidos en pieles de animales e instantáneamente supimos que eso era”.

Para desarrollarla se basaron en la sitcom ‘The Honeymooners’ de 1955, y la vendieron durante ocho semanas en Nueva York hasta que fue comprada por ABC. La serie fue cancelada tras seis temporadas después de que fuera cambiando su tono hacia un público más infantil, que había hecho mella en la audiencia.

En 1994 revivió con una versión cinematográfica con personajes reales, y según Variety se estaría trabajando en una nueva versión animada en formato película ‘Meet the Flintstones’ por parte de Warner Bros, que se podría estrenar entre finales de 2025 o durante 2026.

Un 23 de septiembre de 2005 se estrenaba en los cines estadounidenses Corpse Bride, que en España se tradujo como ‘La novia cadáver’ y que se lanzó también en la misma fecha. Un éxito que ha traspasado generaciones y se ha convertido en uno de los títulos por excelencia en Halloween.

Esta película se ha convertido en un clásico también por Tim Burton, que la dirigió junto a Mike Johnson, en la que se utilizó la técnica de la animación en stop-motion y en la que se tardaron más de 50 semanas en dar vida a los diferentes personajes, contando con las voces protagonistas de Johnny Depp y Helena Bonham Carter, dos de los actores que más han colaborado con el director.

‘La novia cadáver’: un clásico animado del stop motion y de Tim Burton

‘La novia cadáver’ es uno de los exponentes del cine gótico de Tim Burton y de la técnica de animación de stop motion, que la relacionó desde el principio con ‘Pesadilla antes de Navidad’ y una conexión que fue potenciada con la promoción al usar canciones de la banda sonora.

Una técnica de stop motion que fue un logro artesanal que llevó el sello distintivo de estilo de Tim Burton, que tuvo un equipo que tardó 55 semanas en dar vida a los personajes y las diferentes localizaciones, en una historia que se ambientó en un pueblo ficticio de la época victoriana.

La historia ficticia y real en la que se basó ‘La novia cadáver’

Sin embargo, la historia que cuenta ‘La novia cadáver’ no es del todo ficción al estar basada en un cuento ruso judío del siglo XIX titulado ‘El dedo' y que Tim Burton conoció a través de su colaborador Joe Ranft, al que se le dedicó la cinta por haber fallecido antes del estreno, mientras trabajaban en un anterior proyecto.

Este cuento se basa en un joven, que, a punto de casarse, para durante un viaje en descanso con sus amigos y simula su ceremonia al poner un anillo sobre una rama mientras pronunciaba sus votos matrimoniales. Lo que sucede luego es que de ahí surgió una mano esquelética con el anillo puesto y un cuerpo vestido de novia, con lo que el joven se ve de repente casado.

Esta historia, sin embargo, escondía realidad, pues se basaba en los actos de persecución de los rusos en el siglo XIX en los que se profanaban tumbas y se asesinaba a novias judías en el día de su enlace matrimonial. Una trágica verdad que la sociedad judía en Rusia fusionó con el folclore en este cuento que acabó siendo el origen de ‘La novia cadáver’ de Tim Burton.

Muchos padres utilizan el televisor como un recurso rápido para calmar los lloros de sus hijos. En esas pantallas suelen aparecer canciones pegadizas, desde La granja de Zenón hasta Los Cantajuegos, que se repiten una y otra vez hasta resultar agotadoras para los adultos.

Ese tipo de contenidos están diseñados con estímulos sencillos que atrapan a los más pequeños gracias a sus melodías y colores brillantes. El efecto inmediato consiste en mantener al niño quieto y entretenido, lo que explica su enorme popularidad en hogares con bebés y preescolares.

Sin embargo, este hábito abre una cuestión más amplia sobre qué dibujos animados convienen realmente a los niños en su desarrollo cotidiano, y ahí entra en juego la serie australiana Bluey.

Los expertos advierten que una parte de la industria infantil recurre a estrategias basadas en estimular los sistemas de recompensa del cerebro. Escenas muy rápidas, cambios constantes de color y estímulos visuales intensos consiguen que los niños experimenten liberaciones de dopamina. Esa sustancia, vinculada al placer, resulta beneficiosa en determinados contextos, como en las relaciones sexuales para favorecer la reproducción, pero también se encuentra en el origen de muchas adicciones cuando el cerebro aún no está maduro. Así se entiende que algunos programas y series infantiles consigan que los pequeños pidan ver capítulos de forma continua sin mostrar señales de cansancio.

Un equipo australiano estudió cómo Bluey promueve la resiliencia en los más pequeños

La investigación llevada a cabo por científicos de CQUniversity en Australia se centró en una alternativa distinta. Vieron los 150 episodios de Bluey emitidos en sus tres primeras temporadas y examinaron cómo esta producción fomenta la resiliencia infantil. Los resultados fueron realmente positivos. Bradley Smith, profesor de psicología y autor principal del estudio, señaló: “Bluey no solo entretiene a los niños, también les muestra cómo afrontar los altibajos de la vida”. La cita apareció en un artículo de The Conversation, donde se explicaba que el análisis partía del marco de resiliencia creado por Edith Grotberg en 1995.

Este marco distingue tres dimensiones. La primera, denominada soy, incluye valores internos como la confianza y la autoestima. La segunda, puedo, se centra en habilidades prácticas para resolver problemas y gestionar emociones. Y la tercera, tengo, se refiere a las redes de apoyo que rodean al menor. Los investigadores clasificaron los episodios de Bluey dentro de estas categorías y comprobaron que casi la mitad contenían la resiliencia como tema principal o secundario. En frecuencia solo superaba esa presencia el juego creativo, con un 30% de los capítulos.

La figura de los padres aparece como motor de aprendizaje en más de un 64% de los casos, especialmente la madre del personaje principal. En el episodio The Show, Bingo derrama un desayuno y se echa a llorar. La madre responde con una enseñanza concreta: “Lloro un poco, me levanto, me sacudo y sigo adelante”. Más tarde, Bingo repite esa misma frase cuando vuelve a fallar, mostrando que el mensaje ha sido interiorizado.

Otras escenas analizadas muestran ejemplos de resiliencia en clave infantil. En Keepy Uppy, tras reventarse un globo durante un juego, los personajes sonríen y dicen: “Bueno, ha sido divertido”. Ahí se observa cómo aceptan la frustración y la transforman en una experiencia positiva. En Seesaw, Pom Pom consigue subir al columpio con esfuerzo y proclama: “Los pomerania son pequeños pero resistentes”. La frase evidencia la categoría del soy en la que la confianza personal es determinante.

El análisis también destaca un episodio de la tercera temporada, Sheepdog, donde la madre de Bluey pide “20 minutos” de descanso. Su hija teme haber hecho algo mal, pero poco después utiliza esa misma frase en un juego con sus muñecos, revelando que ha entendido la importancia del autocuidado. El estudio concluye que este tipo de escenas enseñan a los niños a regular emociones y a comprender que incluso los adultos necesitan tiempo para sí mismos.

Comentar los capítulos en casa ayuda a que los niños integren mejor lo que han aprendido

Ver la serie junto a los padres amplifica todavía más el efecto. Los investigadores subrayan que las conversaciones posteriores a cada capítulo ayudan a que los niños relacionen lo visto con su propia experiencia. Preguntas como “¿qué crees que sintió Bluey?” o “¿te ha pasado algo parecido?” sirven para que el aprendizaje se transforme en hábito real.

Emitida por primera vez en 2018, Bluey se ha convertido en la serie infantil australiana con mayor repercusión internacional. Su éxito no se debe a melodías repetitivas ni a estímulos exagerados como otros contenidos, sino a la naturalidad con la que muestra situaciones familiares reconocibles y a su capacidad para transmitir herramientas emocionales útiles. En ese equilibrio entre entretenimiento y enseñanza radica el motivo por el que tantos especialistas recomiendan verla con los hijos.