Ahora que ha pasado un tiempo prudencial podríamos proponer que ser una persona “brat” es lo mismo que ser una persona bastante nihilista. Aun así, el término estuvo tan de moda en el verano de 2024 —el Brat Summer, para más señas— como para que la propia Charli XCX tuviera que correr a definirlo una vez el disco homónimo amasaba un éxito sin precedentes en su carrera, aseverando que aquello de “mocosa” o “mocoso” remitía a una persona desastrosa, a la que le gusta salir de fiesta y hacer idioteces de vez en cuando. “Que se siente ella misma aunque pueda venirse abajo. Muy honesta, un poco volátil y como que hace cosas estúpidas. Y es brat. Tú eres brat. Eso es brat”.

¿Kamala Harris era brat entonces? Cuando la candidata del Partido Demócrata se apropió de la palabrita de cara a las elecciones presidenciales muchos se sintieron ultrajados, todo perdió gracia abruptamente y el Brat Summer concluyó como una intensa exhalación. Aun así, ¿con qué autoridad podíamos establecer qué es o no es brat, si la etiqueta es así de voluble (“volátil”) y solo refiere a una vaga actitud de estar frente al mundo altamente contagiosa, ferozmente contemporánea? Es una actitud en la que cualquiera puede reconocerse, pues no solo apela esa autenticidad que, sea aspiracional o autocomplacientemente, tan bien cotiza en nuestro tiempo, sino también al presentismo y la búsqueda del placer de forma irresponsable, sin rendirle cuentas a nada ni a nadie.

Declararse brat es lo mismo que aceptar que no existe un futuro o una trascendencia. Que podemos fiestear sin pensar en el mañana, 365, en un verano eterno de gozo y desenfreno. Así que tiene mucha lógica que el final del Brat Summer haya sido tan traumático para su creadora. Una vez se agotó el frenesí y tocaba preguntarse “y ahora qué”, la reacción de Charlotte Emma Aitchison no ha podido menos que ser errática, fundirse en el familiar shock que sobreviene cuando prenden las luces de la discoteca y nos vemos rodeados de rostros demacrados. Music, Fashion, Film es el disco que ha venido a continuación. Charli XCX lo publicó el pasado 24 de julio, dos veranos después del Brat Summer, y no es que haya estado desaparecida entre tanto ni mucho menos.

De hecho, y ya que este 28 de agosto se estrena en cines en España —tras su paso por el Atlàntida Mallorca Film Fest— Erupcja (Filmin), una minúscula película independiente con Charli XCX de protagonista, es posible reconstruir una cronología muy reveladora. Descubriendo así que lo primero que hizo la artista británica cuando lo brat no daba más de sí fue marcharse a Polonia en compañía de un cineasta estadounidense llamado Pete Ohs.

Después del verano

El rodaje de Erupcja tuvo que ser, por fuerza, revelador para Aitchison. En los casi dos años transcurridos desde entonces hemos asistido a un viraje interesantísimo en su figura pública, pasando del descaro arrogante de Brat a las humildes palabras con las que comienza el making of de Music, Fashion, Film: “Adoro la música, la moda y el cine, pero no es que sea una experta en ninguna de esas cosas. Simplemente son parte intrínseca de lo que es mi vida”, admite la cantante poco antes de que irrumpa Rock Music, primer tema del álbum, y se la escuche cantar “I think the dance floor is dead”, “creo que la pista de baile ha muerto”.

La portada de Music, Fashion, Film reúne a tres representantes de estas tres pasiones de la artista: el músico John Cale, el diseñador Marc Jacobs y el cineasta Martin Scorsese. La lectura es sencilla y apuntaría a que, como forma de superar el final del Brat Summer —y sobreponerse a la que indudablemente va a ser la cumbre de su carrera, el fenómeno cultural por el que se la recordará—, Charli XCX se ha refugiado en sus pasiones. Se ha apartado asimismo del hyperpop y el espectro ravero que intensificaban la euforia de Brat en favor de guitarras eléctricas y algo, concedamos, similar al rock, pero lo verdaderamente significativo del disco pasa por este diálogo que Charli XCX entabla con la música, la moda y el cine. Con especial importancia de este último.

Al fin y al cabo es sobre todo lo que ha hecho en estos dos años: probar suerte en la industria cinematográfica. No es que haya sido una sorpresa. Los coqueteos de Charli XCX con el cine se remontan a su primerísimo disco, en 2013, con el título True Romance, citando directamente la película de Tony Scott (conocida en nuestro país como Amor a quemarropa), y han llegado a venirle muy bien para consolidar su título de abanderada de la generación milenial —como muestra su tema 1999, consagrado a la nostalgia de esa época con citas a Titanic y Matrix— mientras, por supuesto, iban llegando colaboraciones sustanciosas. Películas como Bajo la misma estrella, El club de las luchadoras o Barbie pudieron entonces beneficiarse de sus composiciones.

Pero indudablemente hay un cambio después del Brat Summer. La aportación a las bandas sonoras da forma a discos enteros —caso del estupendo álbum que acompañó a Cumbres borrascosas de Emerald Fennell, precediendo otra contribución al repertorio de Anne Hathaway en Mother Mary— y, sobre todo, empiezan a llegar los pinitos como actriz. A una velocidad ciertamente sorprendente, elucubrando Music, Fashion, Film tras una parálisis creativa —ella misma lo ha confesado— que se traduce en festivales de cine independiente con varias películas de Charli XCX en la programación. Erupcja se proyectó originalmente en el festival de Toronto de septiembre de 2025, acompañando una sátira de Romain Gavras titulada Sacrifice donde Aitchison contaba con un pequeño papel.

Más tarde, en el festival de Sundance a principios de este año —dejando por ahora de lado un controvertido filme de terror, Faces of Death—, nos topamos con I Want Your Sex de Gregg Araki y The Gallerist de Cathy Yan. Y, naturalmente, con The Moment. La respuesta más directa posible al Brat Summer: una sátira sobre el mundo de la música donde Aitchison se interpreta a sí misma —algo que ya había hecho brevemente en una serie previa de Amazon, Impostura— en medio de una delirante campaña por alargar el verano todo lo posible. Este filme de Aidan Zamiri —director de algunos de los videoclips de Charli XCX— buscaba ahondar en ese temible “y ahora qué”.

No es que fuera gran cosa, por lo demás. La película mostraba a Aitchison atrapada en una maquinaria agónica, cansada de la fiesta y buscando algo nuevo a lo que aferrarse sin que esta desigual comedia llena de vacuos estilismos a lo Succession —compartiendo incluso a Alexander Skarsgård en un rol secundario— llegara a encontrarlo. Solo atinaba a enunciar esa necesidad, a representarla en un momento previo a lo que parece haber conseguido en Music, Fashion, Film: no hablar de ella misma, sino de lo que le gusta. Algo que se parece mucho a la humildad, y justo de humildad habla Erupcja. La obra que realmente lo empezó todo.

La protagonista que ya no quiere serlo más

Resulta apropiado, entonces, que el estreno español de Erupcja le quede tan cerca a Music, Fashion, Film. Pete Ohs es un director independiente adscrito tardíamente al mumblecore —ese cine estadounidense minúsculo que durante los primeros 2000 se ceñía a treintañeros balbuceando sus diálogos (mumble)— y planteó Erupcja no solo como un divertimento ligero, sino como un escenario de trabajo colaborativo, algo así como horizontal: el guion de esta dramedia fue escrito por él junto al resto de intérpretes, incluida Charli XCX. Ella encarna a Bethany, que durante un viaje a Varsovia en compañía de un novio (Will Madden) a punto de pedirle matrimonio se reencuentra con una presencia del pasado (Lena Gora) con quien acostumbra a tirar su vida por la borda.

La relación episódica de Bethany y Nel es de lo más intensa, porque cada vez que cruzan sus caminos un volcán entra en erupción en algún rincón del mundo. Es lo que sucede, se reencuentran y la tierra tiembla, son el centro del universo y, por así decirlo, las únicas personas que existen. Erupcja, durante 70 concentradísimos minutos, ahondará en esta relación y en las consecuencias desagradables que tiene para la gente de alrededor, así como para las propias amigas/amantes cuya filiación volcánica ha sumido en un estado continuo de inmadurez. Su egoísmo hedonista, su incapacidad para comprometerse, vertebra una idea clarísima por mucho que la interpretación de Aitchison sea tirando a taciturna: es una brat. Sigue siendo una brat.

Nos reencontramos con ese nihilismo veraniego en las calles de Varsovia, en torno a una huida constante que la propuesta de Ohs, sin tampoco cargar demasiado las tintas —sus inquietudes, en la línea de Lost in Translation, apuntan más a la capacidad de una ciudad ajena para intensificar el extrañamiento social—, describe atendiendo al muro con el que siempre habrá de chocarse. Una cosa es que lo aprendan o no, pero lo que Bethany y Nel necesitan esencialmente es salir de su ensimismamiento, del modo que sea. La estrategia que Charli XCX parece haber encontrado en el mundo real no radica tanto en afrontar otros desafíos artísticos o diversificar su firma —algo a lo que ya nos tiene más que acostumbrados la escena pop— como en encomendarse a sus pasiones.

Un viraje que, sí, pasa porque ahora quiera demostrar que puede hacer cine, pero es algo distinto a lo de Rosalía con aquel pintoresco personaje de Euphoria. Mientras que esta se apunta a la serie más popular de HBO, Charli XCX transita por el cine indie y, discretamente, sigue interrogándose a sí misma. Comprende que lo único que queda de Brat es el recuerdo de su elaboración, fuera de las recompensas instantáneas de un mundo finalmente engañoso de tan emborronado que está por su propio ego. Queda el vértigo de haber creado, y la pasión con la que sea capaz de afrontar un futuro fuera de ese disco (ese Momento), conformada a su vez por otras muchas pasiones.

Son pasiones que desbordan la individualidad de Aitchison y la conducen, por ejemplo, a dedicarle una bella canción de amor a su productor A.G. Cook en este último disco, Magic Metal Montana. O a un estremecedor corte final donde David Cronenberg se pregunta por cuál es la verdadera trascendencia. Y confluyen, sobre todo, a este homenaje a la música, la moda y el cine que desde luego tiene mucho de infantil, pero solo porque sentirse niña y no mocosa —ser proclive al asombro, a que siempre pueda haber algo más— es condición de posibilidad para esquivar la tentación nihilista. “Nothing’s gonna save us, not music, fashion or film”, canta Charli en otro tema. Y mientras canta sonríe melancólicamente, pues ya se ha acabado el verano y tampoco pasa nada.

La banda de metal cristiano Demon Hunter, fundada en Seattle, ha demandado a la plataforma de entretenimiento Netflix por el uso de la marca KPop Demon Hunters (Las guerreras K-Pop), título del fenómeno de animación que se convirtió en la película más vista en la historia de la plataforma.

La demanda fue presentada esta semana ante un tribunal federal de California. En el escrito, la corporación Hyde Lane y, representante legal del grupo, alega que los demandados “eclipsan la marca Demon Hunter” y acusa a Netflix de apropiarse de manera indebida de la identidad que define el origen del grupo.

El conflicto se intensificó tras el anuncio en mayo de una gira mundial de conciertos basada en la película. Según la denuncia, esta iniciativa “lleva a los consumidores a percibir a Hyde Lane como una entidad afiliada, patrocinada o derivada de los demandados, privándola así del control sobre su destino comercial”. La banda sostiene que la confusión generada en el público podría llegar a desplazarlos del mercado.

“En pocas palabras, Netflix no tiene más derecho a usar la marca KPOP DEMON HUNTERS que a lanzar un artista discográfico, un espectáculo en vivo o productos bajo las marcas KPOP METALLICA, KPOP U2 o KPOP BLACK SABBATH”, enfatiza el texto legal.

Demon Hunter fue fundada en el año 2000 por los hermanos Don y Ryan Clark. A lo largo de más de dos décadas de trayectoria, la banda ha consolidado un público fiel dentro del metal alternativo promoviendo mensajes de fe cristiana en sus composiciones.

Por su parte, la película de Netflix se estrenó el 20 de junio del año pasado y se convirtió rápidamente en un fenómeno de masas global. Dirigida por Maggie Kang y Chris Appelhans, el filme no solo batió récords de audiencia en la plataforma, sino que se alzó con dos premios Óscar a mejor película de animación y mejor canción original por el tema Golden. Tras el éxito cosechado, Netflix ya ha confirmado una secuela prevista para 2029.

Hubo un momento a la puerta de un estudio de grabación en la Francia rural, mientras contemplaba una manzana a medio comer que creía que poseía propiedades psicodélicas, en el que James Ford supo que la situación se había descontrolado por completo. Estaba con Klaxons; todos los miembros de la banda estaban hipnotizados por aquella fruta podrida que palpitaba en el suelo con una intensidad caleidoscópica. Estaban convencidos de que su moho floreciente era, de hecho, su gurú espiritual.

La banda venía de disfrutar del éxito de su enorme álbum debut, Myths of the Near Future (2007), que marcó un hito en la escena musical y fue producido por Ford. Ahora intentaban grabar el interminablemente difícil siguiente disco, con la ayuda de dosis diarias de un brebaje que llamaban “el general de cinco estrellas”.

“Era una bolsa enorme, con cinco drogas mezcladas, probablemente ketamina y anfetaminas; no sé qué más, pero era un polvo bastante psicodélico y lo consumían todas las mañanas y durante todo el día”, cuenta Ford. Se dio cuenta de que no podía volver a poner orden. “Y después de dos semanas y media… la cosa se puso jodidamente rara”.

Tan rara, de hecho, que el director de la discográfica británica llegó en el Eurostar con una campana de cristal a petición de la banda, solo para descubrir que era para cubrir una manzana que un perro había mordisqueado y escupido, y que ahora llamaban “Señor Tabernáculo”. Se podría decir que los Klaxons se habían vuelto un poco locos. El álbum fue cancelado.

“Pensábamos que estábamos haciendo The Dark Side of the Moon”, dice Ford entre risas, sentado ahora en el estudio de su casa en el este de Londres. En cambio, ese “desafortunado segundo disco” se convirtió en el único proyecto que Ford nunca terminó en una carrera que lo ha consolidado como el arma mágica de la industria musical.

Vaya trayectoria. Ford pasó de arrasar en las pistas de baile de los 2000 como la mitad, junto a Jas Shaw, de Simian Mobile Disco —músicos y DJs que impulsaron la era electro-rave de la década— a convertirse en la oreja más requerida del mundo de la música. En la última década, con poca publicidad, se ha consolidado discretamente como el productor más destacado de su generación.

Ford es a quien llamas cuando intentas crear un álbum que defina tu carrera (Arctic Monkeys, Florence + the Machine, Jessie Ware, Fontaines DC), en quien confías para lograr un regreso triunfal (Pulp, Blur, Gorillaz, Depeche Mode) y a quien necesitas para convertir el éxito de crítica en éxito comercial (Geese, The Last Dinner Party, Black Country, New Road).

Creo que intentar imprimir tu sonido a todo el mundo es una actitud egocéntrica, como intentar ser un Phil Spector en el disco de cada artista

“Es un término muy amplio, 'productor'”, dice, intentando explicar su papel. “En realidad no describe lo que hago; intento comprender la visión de otra persona y plasmarla en el escenario”. Ya sean Pet Shop Boys o Jessie Ware, los artistas coinciden en que Ford no produce de forma convencional. “Creo que intentar imprimir tu sonido a todo el mundo es una actitud egocéntrica, como intentar ser un Phil Spector en el disco de cada artista”. Por eso, no impone un sonido o una atmósfera, sino que media, guiando a los artistas dentro y fuera de su proceso creativo.

En casa, rodeado de sintetizadores, guitarras y todo tipo de equipos de grabación, Ford se muestra relajado y habla en voz baja, con un ligero acento de Staffordshire con el que creció. Puede que su época de hedonismo haya quedado atrás, pero es evidente que sigue amando lo que hace. Es esta cualidad, junto con una naturalidad que transmite, lo que le ha granjeado la confianza de artistas en sus momentos más vulnerables. Un tipo amable y simpático en una industria que suele carecer de decencia, es fácil entender por qué los artistas más importantes del mundo se mueren por trabajar con él.

Aun así, es casi un milagro que estemos conociéndolos hoy. En la Nochebuena de 2024, Ford estaba con su esposa y su hijo pequeño en casa de sus suegros en Folkestone cuando sufrió un golpe fulminante. Estaba postrado en el sofá, incapaz de levantarse, con una fiebre que no bajaba y una gripe persistente. Había trabajado sin descanso todo el año y, en las semanas previas a diciembre, se había sentido inusualmente fatigado. Se preguntaba si estaría al borde del agotamiento, pero esto era algo completamente nuevo.

Ingresó en urgencias; sus análisis de sangre arrojaron resultados muy dispares. Tras haber viajado a la India con Damon Albarn unas semanas antes, los médicos sospecharon inicialmente que había contraído una enfermedad tropical. “Había muchas pistas falsas”, comenta. “Tardaron muchísimo en darme un diagnóstico porque mis análisis de sangre tenían que enviarse a Londres, así que pasé semanas en ese estado horrible, con la sensación de que me iba a morir. Fue terrible”.

Las enfermeras se acostumbraron a administrar la atención médica diaria mientras Ford experimentaba con ritmos de batería y cantaba, inmerso en su estado de flujo creativo. En dos semanas, Ford escribió y grabó su nuevo álbum, 'Lost in Another World', que ya sería notable por sí solo, de no ser porque también es impresionante

Semanas después, un viernes por la noche, “alguien entró sin ceremonias y dijo: ‘Hemos detectado leucemia. Tiene que ir a la planta de oncología’”. Y eso fue todo. Si su vida hubiera pasado ante sus ojos, Ford, que acababa de cumplir 46 años, podía admitir que había sido una buena vida. Una vida estupenda, incluso. “Tengo una familia maravillosa con mi esposa y mi hijo pequeño, tengo una gran relación con mis padres, una buena carrera, he viajado mucho, he hecho muchas cosas con mucha gente con la que soñaba trabajar”, dice. Y ha salido de fiesta a lo grande, bromeo, después de haber presenciado varias sesiones y fiestas posteriores de Simian Mobile Disco. “He salido de fiesta a lo grande”, dice. “He vivido momentos maravillosos, tengo muchos buenos recuerdos y he creado cosas de las que me siento muy orgulloso. Creo que, en general, he sido una buena persona. Así que casi llegué al punto de pensar: si muero, habré tenido una buena vida. No me daría tanto miedo”.

Finalmente, Ford fue trasladado al hospital St. Barts de Londres, donde recibió una intensa terapia farmacológica. Pasó las primeras semanas de 2025 devastado por la enfermedad. Luego llegó la segunda ronda de quimioterapia, y se produjo un avance importante. Le pidió a su esposa Sereen, a quien conoció cuando estudiaba en la Universidad de Manchester, que le llevara su portátil, una mesa plegable de Ikea, algunos sintetizadores, un micrófono y una guitarra a su habitación del hospital. Con el apoyo del personal del hospital, que notó que le animaba y le ayudaba a levantarse de la cama, Ford empezó a componer música. Las enfermeras se acostumbraron a administrar la atención médica diaria mientras Ford experimentaba con ritmos de batería y cantaba, inmerso en su estado de flujo creativo. En dos semanas, Ford escribió y grabó su nuevo álbum, Lost in Another World, que ya sería notable por sí solo, de no ser porque también es impresionante.

A pesar de haber sido cantado y grabado por Ford en un arrebato creativo mientras reflexionaba sobre la vida y la muerte, el disco tiene su sello personal: melódico, electrónico, art-pop. Es alegre donde uno esperaría que fuera sombrío. En el transcurso de nueve meses, Ford se sometió a dos ciclos más de quimioterapia, un trasplante de células madre, sepsis (tres veces) y una estancia en cuidados intensivos. Decir que ha sido un año traumático sin tregua se queda corto, pero él —y el álbum— lo llevan con naturalidad.

El festival Contempopránea ha presentado 30 años de pop y amistad, un cortometraje retrospectivo que repasa tres décadas de música independiente sobre este mítico festival que se celebra en Extremadura. La obra repasa, a través de la memoria emocional mediante testimonios de artistas, periodistas y público.

Para los nostálgicos, el metraje ofrece una muestra de los carteles históricos y los conciertos emblemáticos donde varias generaciones han visto a bandas pioneras del indie español. El estreno sirve como preámbulo para el pequeño festival, CPOP, que les hace regresar a sus orígenes en Alburquerque —donde se celebró el festival hasta 2019—, los próximos 21 y 22 de agosto en el Paseo de las Laderas del Castillo de Luna.

La programación del viernes 21 de agosto contará con las actuaciones en directo de Meteosat, Apartamentos Acapulco, Aurora Roja, Pálida Tez, Pequeño Mal, Yaveremos y La Merienda DJ. El sábado 22 relevan Nosoträsh, La Habitación Roja, Julien Elsie, Miguel Rivera revisando a Maga, Patronato, Nadie Patín y Fotomatón DJ.

Más allá del enofoque retrospectivo, el metraje refleja la esencia de un evento que transformó la localidad en el epicentro nacional del indie-pop y la escena alternativa. A través del recorrido nostálgico de una guía que vivió aquello, muestra a un joven el legado de esos recuerdos.

Juntos reviven la época dorada del festival y todo lo que hacía molar a una generación entera. Recorren la zona de acampada, la plaza del pueblo e incluso se ven los acústicos en la piscina con imágenes de archivo y fotos analógicas. Esta pequeña producción captura la esencia de una comunidad que entendía este rincón extremeño como su refugio del verano durante unos días, recordando que, en el fondo, “la música era solo la excusa para volver a ver a los amigos”.

Treinta años despues, es bonito recordar cómo a finales de los 90 y principios de los 2000, la escena indie-pop española funcionó como una alternativa frente al circuito comercial, cimentando una identidad propia, nostálgica y muy fan del merchan en formato tote bag.

Junto al festival de Alburquerque, este movimiento comparte listado de templos de culto con salas míticas como Siroco, Maravillas o la sesión Ochoymedio en Madrid, Apolo y Razzmatazz en Barcelona, la discoteca Camelot en Santa Pola, o recintos históricos como el Velódromo de Benicàssim durante las primeras ediciones del FIB.

A estos espacios es fundamental sumar festivales regionales clave como el Xixón Sound en Asturias o el Donosti Sound en Euskadi, que además sirvieron de catalizador para que toda una generación de bandas emergentes y melómanos tranformasen el underground en un gran fenómeno cultural e identitario de la escena musical española.

CPOP es la antesala de la celebración de una nueva edición del festival Contempopranea en Don Benito el 16 y 17 de octubre, donde tocará LA M.O.D.A., Carlos Ares, Barry B o Sexy Zebras entre otros.

El alineamiento de los cuerpos celestes y la agenda cultural madrileña ofrecen a veces coincidencias singulares. El cruce de un eclipse solar con la interpretación en directo del repertorio de los Ramones constituye un acontecimiento astronómico y musical poco frecuente, de esos que difícilmente volverán a repetirse.

Unos minutos después de que el próximo 12 de agosto la luna bloquee temporalmente la luz del sol, la sala Mon Madrid acogerá de nuevo las melodías aceleradas que transformaron el rumbo de la música contemporánea a mediados de los años setenta. Sonarán de la mano de la banda con la que Marky Ramone, el único miembro vivo del grupo (aunque no de la formación original), mantiene vivo el legado de los Ramones. Al día siguiente, tocará en la sala Salamandra de Barcelona.

Este hecho tan inusual invita a dar un repaso a la trayectoria de una formación que redefinió el rock and roll con una propuesta única, austera, urgente y directa.

El nacimiento de una estética urbana en Queens

La historia de los Ramones comenzó a gestarse en 1974 en el barrio residencial de Forest Hills, ubicado en Queens, Nueva York. Cuatro jóvenes de clase media (John Cummings, Thomas Erdelyi, Douglas Colvin y Jeff Hyman) decidieron unir fuerzas tras haber pasado por diversas experiencias musicales adolescentes y bandas locales. A partir de entonces sus nombres serían: Johnny, Tommy, Dee Dee y Joey.

La idea inicial contemplaba una distribución de funciones diferente, pero las limitaciones técnicas y operativas dejaron la alineación definitiva de la siguiente manera: Joey asumió las voces principales, Johnny se hizo cargo de la guitarra, Dee Dee tomó el bajo y Tommy ocupó la batería.

Adoptaron como nombre y apellido ficticio “Ramone” por sugerencia de Dee Dee, quien se inspiró en el seudónimo “Paul Ramon” utilizado por Paul McCartney en los primeros años de trayectoria de los Beatles. El concepto estético se completó con un uniforme que se convertiría en la figura por defecto del roquero a partir de entonces: melenas, chaquetas de cuero negro, camisetas básicas, vaqueros rotos y zapatillas deportivas. Una sobriedad en la indumentaria que dialogaba directamente con la esencialidad de su propuesta musical.

El escenario clave para su despegue inicial fue el club CBGB, situado en el Bowery de Manhattan. En aquel local, la banda ofreció decenas de actuaciones, todas brevísimas y atronadoras, que acabaron llamando la atención en el circuito emergente del underground neoyorquino.

El impacto de estos conciertos, que rara vez superaban los veinte minutos de duración, les llevó a la firma de su primer contrato discográfico con el sello Sire Records a finales de 1975, dando lugar a su primer disco, que se tituló simplemente Ramones.

Minimalismo sónico frente a la sofisticación de los setenta

Este primer disco, grabado con un presupuesto de aproximadamente 6.400 dólares, se publicó en un panorama musical dominado por el rock sinfónico de Pink Floyd o Genesis, producciones complejas con pasajes instrumentales extensos y elaborados solos de guitarra.

Los Ramones tiraron por lo opuesto: una fórmula basada en tres o cuatro acordes, ritmos básicos a toda velocidad y letras breves que reflejaban la subcultura de la que salían, el aburrimiento urbano, salpimentado con referencias al cine de serie B. “Nos influyeron mucho los cómics, el cine, la escena de Andy Warhol y las películas de arte y ensayo. Yo, además, era un gran admirador de Mad Magazine”, afirmó en una ocasión Tommy, según recogen Stephen Colegrave y Chris Sullivan en su libro Punk: The Definitive Record of a Revolution.

Las canciones de aquel álbum, entre las que destacan Blitzkrieg Bop o I Wanna Be Your Boyfriend, establecieron las bases sonoras de lo que se acabaría conociendo globalmente como punk rock.

Al reseñar el álbum para la revista Rolling Stone, el crítico Paul Nelson describió el trabajo como una obra “construida casi en su totalidad sobre pistas de ritmo con una intensidad desbordante que el rock and roll no experimentaba desde sus primeros días”. Tras caracterizar a la banda como “auténticos primitivos americanos cuya obra debe ser escuchada para ser comprendida”, sentenció: “Ha llegado el momento de que la música popular siga el ejemplo de las demás artes y rinda homenaje a sus primitivos”.

Pero a pesar de estos elogios y muchos otros, el disco no obtuvo cifras de ventas masivas ni alcanzó una buena posición en las listas comerciales de Estados Unidos.

Sin embargo, su viaje a Inglaterra en julio de 1976 para actuar en la sala Roundhouse de Londres marcó un punto de inflexión decisivo en la historia de la música popular. La presencia del cuarteto en suelo británico actuó como catalizador fundamental para la formación de agrupaciones históricas del punk británico como The Clash, Sex Pistols y The Damned.

Los trabajos discográficos posteriores, entre los que figuran Leave Home (1977), Rocket to Russia (1977) y Road to Ruin (1978), perfeccionaron su sencilla y directa estructura melódica combinando la agresividad instrumental con la influencia de los grupos femeninos de los años sesenta y el popbubblegum como The Ronettes o The Shangri-Las.

Temas icónicos como Rockaway Beach, Sheena Is a Punk Rocker o I Wanna Be Sedated demostraron la capacidad del grupo para construir estribillos fáciles de recordar (incluso para los fans que no hablaban inglés) en composiciones de apenas dos minutos.

Conflictos internos y tensiones constantes

Pero a pesar del éxito, detrás de la imagen de unidad que podría suponerse al ver su icónico logotipo (diseñado por el artista Arturo Vega inspirándose en el sello del presidente de los Estados Unidos), las dinámicas personales entre los miembros de la banda siempre estuvieron marcadas por profundas desavenencias.

Las diferencias ideológicas entre la visión conservadora y disciplinada de Johnny y la postura más progresista de Joey crearon distancias insalvables dentro del grupo. La tensión aumentó considerablemente cuando Linda Danielle, quien había sido pareja de Joey, comenzó una relación sentimental con Johnny. El rumor entre los fans es que ese incidente fue la inspiración para la canción The KKK Took My Baby Away. En realidad, la composición se había hecho antes pero la letra adquirió un nuevo significado a partir de entonces

A las fricciones personales se sumaron las constantes alteraciones en la formación original. Tommy Ramone abandonó la batería en 1978 exhausto por la dinámica de las giras y los excesos del rock. Su lugar lo ocupó Marky que se acabaría convirtiendo en el batería que estuvo más años en la formación, aunque en dos periodos. Fue expulsado en 1983 debido a sus problemas con el alcohol. Cuatro años después, ya recuperado y limpio, volvió a la banda para no abandonarla hasta su final. Hoy en día, es el único miembro vivo y activo del grupo neoyorquino.

Posteriormente, se incorporarían otros músicos como Richie Ramone y C.J. Ramone en el bajo tras la marcha de Dee Dee Ramone en 1989, quien continuó contribuyendo con composiciones para la banda hasta sus últimos días.

Las fricciones creativas también fueron enormes en el estudio de grabación durante los intentos de la discográfica por conseguir éxito masivo en las radios comerciales. La colaboración con el legendario productor Phil Spector en el álbum End of the Century (1980) generó profundas discrepancias internas debido al alejamiento del sonido crudo original en favor de arreglos orquestales más recargados.

Se cuenta, por ejemplo, que durante una de las sesiones de grabación en Los Ángeles, Spector llegó a apuntar a Dee Dee con una pistola para obligarlo a repetir la grabación de un riff de bajo. No obstante, la tensión produjo resultados notables con temas como Do You Remember Rock 'N' Roll Radio? o Danny Says.

La vigencia de un legado atemporal

La banda mantuvo una actividad ininterrumpida sobre los escenarios durante más de dos décadas, acumulando un total de 2.263 conciertos antes de su disolución definitiva en agosto de 1996, tras su participación en el festival Lollapalooza y una actuación de despedida en Los Ángeles.

El fallecimiento paulatino de sus cuatro integrantes originales entre los años 2001 y 2014 cerró la etapa histórica del grupo, pero dio paso a un reconocimiento institucional y cultural de dimensiones globales.

El ingreso de la formación en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2002 y la concesión del premio Grammy a la trayectoria artística en 2011 consolidaron su estatus de leyendas de la música moderna. Su influencia trasciende las fronteras del punk y se extiende sobre múltiples géneros, desde el thrash metal de bandas como Metallica hasta la escena del rock alternativo de la década de los 90 representada por Nirvana o Pearl Jam.

Sin duda, la música de los Ramones continúa resonando hoy con la misma frescura y vigor que cuando sonó por primera vez en la escena underground neoyorquina (siguen entre los 2.000 artistas más escuchados en plataformas como Spotify).

Su capacidad para reducir el rock a sus elementos más puros y un carisma indiscutible, convirtieron su catálogo musical en un manual de instrucciones sobre cómo fabricar rock and roll. Revivir sus cuatro acordes tras presenciar un eclipse solar parece una forma perfecta para celebrar la vitalidad de un repertorio concebido para resistir durante siglos.

En apenas unos años, un grupo de amigos de la infancia pasó de tocar juntos en bares de Colombia a alcanzar las listas de éxitos de varios países, tener un premio Latin Grammy tras varias nominaciones y convertirse en una de las bandas latinoamericanas más importantes del panorama musical en español. Y gran parte de ello sucedió gracias al que fue su primer sencillo en solitario, que hace diez años se colocó en lo más alto en España.

Hablamos de la banda colombiana Morat, y de la canción “Cómo te atreves”, que fue número uno hace diez años en España y que les abrió las puertas de la fama en nuestro país, que sirvió como primer paso hacia un éxito que no ha parado de crecer desde entonces.

“Cómo te atreves”: la canción de Morat que habla del desamor y se usa en fiestas

Un 6 de agosto de 2016, “Cómo te atreves” conseguía su primer número uno en los 40 principales en solitario, lo que marcaba el comienzo de su éxito en España y que abría la puerta a su primer disco, “Sobre el amor y sus efectos secundarios”, que confirmaría el inicio de una carrera que ha llegado hasta cosechar un premio Latin Grammy el pasado noviembre de 2025. Pero la banda Morat no era totalmente desconocida antes de llegar a ese número uno, pues ya había saboreado las mieles del éxito con la colaboración junto a Paulina Rubio con “Mi nuevo vicio”, un tema que ellos mismos habían compuesto y que fue producida junto a Mauricio Reginfo, uno de los integrantes del dúo ‘Cali & El Dandee’, en 2015.

Aquella colaboración dio fruto de Disco de Platino y les abrió un contrato discográfico que daría lugar a su primer álbum de estudio, que consolidó su éxito, en parte gracias a “Cómo te atreves” y les valió su primera nominación a un Grammy Latino a Mejor artista nuevo. En varias entrevistas, Morat ha recordado como fueron aquellos momentos tras la salida de la canción:

“Para nosotros fue una locura. Cuando salió ‘Cómo te atreves ya vivíamos en España y esa canción nos cambió la vida por completo, lo que pasó con ella fue completamente imprevisible para nosotros”, recordaba Juan Pablo Isaza, uno de sus vocalistas en una entrevista en Cadena 100, en la que rememoraban su primer gran éxito.

Una canción que, debido a su ritmo y su pegadizo estribillo, y aunque habla del desamor y de cómo esa persona que pensabas olvidada vuelve, el tema ha derivado con los años en un tema que suena en celebraciones: “Se ha vuelto como una canción de fiesta que nosotros tampoco entendemos muy bien. Porque nosotros nunca hicimos ‘Cómo te atreves’ con la intención de que se bailara o con la intención de que fuera una canción de fiesta” comentaban desde el grupo en esa misma entrevista. El éxito de “Cómo te atreves” les abrió las puertas de la industria musical y desde entonces han llegado a colaborar con figuras de la talla de Juanes, Sebastián Yatra o Aitana, que ha ido enriqueciendo su estilo y conectar con nuevos públicos.

La historia de Morat: de tocar en un bar casi sin público a ganar un Grammy

La banda colombiana tiene sus orígenes en Bogotá, donde siendo niños se conocieron y comenzaron a tocar juntos, aunque el momento clave fue 2014. Fue cuando adoptaron el estilo que les ha caracterizado, aunque entonces tenían poca idea de lo que querían, solo tenían claro que querían “sonar distinto y explorar cosas”, como ellos mismos reconocieron en una entrevista en The New York Times en 2021.

Fue entonces cuando Juan Pablo Villamil, el otro vocalista principal, tomó un banjo, un instrumento que no sabía exactamente cómo tocar, pero lo hizo, y de ahí el sonido característico. Aprendió a tocarlo por Youtube, y desde entonces no se ha separado de él. Así, junto a influencias de varios géneros musicales que incluyen desde rock, pop, country, metal o folk-rock y con referentes como Coldplay, Joaquín Sabina o la banda Ekhymosis fueron encontrando su propio sonido.

Y ahí arrancaron tocando en bares de Bogotá, siendo regulares en el local ‘La Tea’, donde se presentaban bajo el nombre de Malta, pues lo de Morat llegaría más tarde, cuando un conflicto de derechos hizo que al firmar con Universal Music tuvieran que cambiar. Optaron por rendir homenaje a la finca a las afueras de la capital de Colombia donde ensayaban y pasaban la mayor parte de sus ratos de juventud.

Luego llegó su primera gran oportunidad cuando llamaron la atención de Paulina Rubio con la canción que estaban componiendo, “Mi nuevo vicio”, y la grabaron juntos. El resto ya es conocido, fue todo un éxito en España, América Latina y Estados Unidos, y el camino lo consolidaron con la salida de “Cómo te atreves”, que fue el primero de sus números uno.

El grupo de Bobbie Gillespie, Primal Scream, publica este viernes 7 de agosto una nueva edición de su clásico disco Vanishing Point (1997) remasterizada y ampliada. El formato es un doble elepé de color. Será el primero de lo que ha llamado The Bunker Trilogy, y que se completa con XTRMNTR (2000), que se publicará el 4 de septiembre, y Evil Heat (2002), el 30 de octubre.

“Los álbumes que conforman The Bunker Trilogy representaban la antítesis absoluta de todo lo que estaba ocurriendo en la música británica de los años noventa”, ha explicado Bobbie Gillespie en unas declaraciones distribuidas este viernes por su sello discográfico, Sony Music. “Estábamos haciendo música pop y rock experimental, agresiva y sin concesiones, con letras sobre la desorientación psíquica, la adicción, la alienación, la depresión, el cuestionamiento de nuestra propia existencia y la documentación del lado más oscuro y sórdido de la cultura juvenil británica”.

Nunca fuimos Britpop. Queríamos quemar la bandera, no agitarla

Bobbie Gillespie — Cantante de Primal Scream

El Britpop abrazó, y en cierta manera representó, el Gobierno laborista de Tony Blair (1997 - 2007) en el Reino Unido. Pero los escoceses Primal Scream no quisieron formar parte de eso. “Desconfiábamos del Nuevo Laborismo y de sus políticas neoliberales, que considerábamos un caballo de Troya, y fuimos premonitorios al anticipar el resurgimiento del fascismo, el militarismo y el imperialismo que marcaría el siglo XXI. Nunca fuimos Britpop. Queríamos quemar la bandera, no agitarla”, prosigue Gillespie.

“Mientras el resto de la escena musical y cultural británica se enamoraba de sí misma, convencida de su propia genialidad y sumergida en una orgía permanente de narcisismo y cocaína, nosotros ya habíamos vivido nuestra etapa de pensamiento utópico al comienzo de la década y entonces nos sentíamos profundamente decepcionados tanto con nosotros mismos como con el mundo”, explica.

Es de ese “estado de reflexión” del que surgen estos tres grandes álbumes que se reeditan ahora y que fueron grabados en el estudio londinense del grupo, llamado The Bunker. “Estamos discretamente eufóricos de que estos álbumes hayan sido remasterizados y vuelvan a publicarse junto con las correspondientes caras B de la época. Nos entusiasma que vuelvan a estar disponibles porque se trata de una obra de la que nos sentimos enormemente orgullosos”. Cada disco, remasterizado por Matt Colton en Metropolis Studios —bajo la supervisión de Bobby Gillespie y Andrew Innes— e incluye nuevas mezclas del productor Brendan Lynch, material inédito, caras B y nuevas notas interiores.

John Douglas, guitarrista y vocalista secundario de la banda escocesa de indie rock Trashcan Sinatras, ha fallecido a los 63 años este lunes 3 de agosto tras una haber sufrido una enfermedad. El propio grupo ha confirmado el fallecimiento a través de un comunicado en sus redes sociales: “Hemos perdido a nuestro querido amigo y hermano John en paz, rodeado de sus seres queridos y con sus canciones llenando la habitación”, así se despedían sus compañeros de banda Stephen, Davy, Paul y Frank.

La noticia llega apenas tres días después de que la formación lanzara su último disco Ever The Optimist, que se convierte en su trabajo de despedida. Este lanzamiento ha sido el primer álbum de estudio publicado por el grupo tras diez años de parón, dejando tras de sí un legado musical impecable. Douglas había publicado su primer disco en solitario en 2023, al que había seguido una intensa gira con la banda en 2024.

La banda nació en 1986 en Irvine (Escocia), rápidamente llamó la atención del sello Go! Discs a finales de los ochenta. Su debut oficial llegó en 1990 con Cake, un disco considerado obra de culto gracias a temas inolvidables como Obscurity Knocks, Only Tongue Can Tell o Circling The Circumference.

Definidos por un sonido de gitarras elegante, armonías vocales y letras escritas con ingenio, Trashcan Sinatras se convirtieron en un referente del pop británico.

Aunque nunca alcanzaron un éxito entre las masas, la técnica y sensibilidad para crear melodías los llevaron a ser comparados con referentes del calibre de The Smiths o Aztec Camera, compartiendo reconocimiento con otros grupos escoceses de su generación, como The Orchids, The Delgados o Belle and Sebastian.

El desarrollo y posterior promoción de Mother Mary ha venido marcado por un dato llamativo: la susodicha Mother Mary, la cantante pop que interpreta Anne Hathaway, está basada en Taylor Swift. Y la barroca puesta en escena de sus conciertos está inspirada a su vez en la gira de Reputation de 2018. No obstante David Lowery (Milwaukee, 1980) ha sido algo más específico en una conversación con varios medios. “En realidad quise que Mother Mary fuera como yo, si yo fuera una estrella de pop ahora mismo”. El director de la película se declara “un gran fan” de la cantante, “pero más viejo”. Más bien, Taylor Swift podría ser Mother Mary en un futuro próximo.

Un futuro donde se preguntara en qué punto de su vida está como artista, que es parte de lo que cuenta Mother Mary. “Cuando empecé a escribir esta película tenía casi 40 años y hoy tengo 45. Quise reflexionar sobre mi proceso creativo, y desplacé todos esos mecanismos a una estrella del pop. Imaginé a una estrella pop en mi mismo punto vital. Quizá no profesional porque yo nunca tendré la carrera de Taylor Swift o de los grandes cineastas, pero igualmente hay un punto en la vida de todos que se ven las cosas de forma diferente. Te acercas a la mediana edad y el mundo cambia”.

Lowery se vio en la necesidad de hacer Mother Mary mientras estaba en Irlanda rodando su película anterior, El caballero verde. En 2021 tuvo grandes críticas, pero Lowery lo había pasado realmente mal durante el rodaje. “Entonces me encontraba agotado como artista. Cuando Mother Mary entra en el taller de Sam Anselm (la diseñadora que interpreta Michaela Coel) es un reflejo de cuando estaba en Irlanda rodando El caballero verde. Al pedirle un nuevo vestido Mother Mary pide ayuda, y es justo lo que yo necesitaba entonces. Escribir la película me dio una forma de respirar y procesar mis sentimientos”, recuerda. “Aunque tampoco es algo exclusivo de El caballero verde”.

El director estadounidense, propulsado al culto cinéfilo desde que hace poco más de diez años dirigiera A Ghost Story, confiesa: “[Con cada película] hay un momento en que he fallado, que no puedo ir más allá y necesito parar o voy a morir”. Siempre necesita algún medio de aliviarlo, y en el caso de la difícil experiencia de El caballero verde fue ponerse a continuación con Mother Mary, amparándose en su creencia del poder terapéutico del arte. “Quizá suene ingenuo, pero creo que el arte puede sanar y aliviar”. Algo que, desde luego, le gustaría creer al desdichado personaje de Hathaway, definiendo la película con sus dudas y avances emocionales.

En la trastienda del pop masivo

Lowery insiste mucho en que, de cara a Mother Mary, la música pop es menos importante para él que el hecho de indagar en un proceso creativo extrapolable a cualquier arte. No obstante hay un interés evidente por acercarse a estas figuras tan enigmáticas, traducido en la generosidad con la que lanza títulos que podrían haberle influido para hacer la película. “Me gusta mucho Aline, aquel falso biopic de Céline Dion. Y aún recuerdo cuando vi Vox Lux en el Festival de Toronto”.

El cineasta se refiere al segundo largometraje de Brady Corbet (The Brutalist), que en 2018 dividió a la crítica con su excesiva inmersión en los macroconciertos de pop de la mano de una estrella ficticia llamada Celeste, interpretada por Natalie Portman. “Vox Lux es muy distinta a Mother Mary porque hablaba del pop a un nivel cultural, desde la complejidad con la que está inserto en nuestra vida moderna. Yo hablo del pop más como una experiencia personal, en torno a cómo puede afectar al individuo creador. En este sentido me encanta por ejemplo Cásate conmigo, que protagonizaron Jennifer Lopez y Owen Wilson. Una comedia romántica a la vieja usanza, sobre una estrella pop”.

Smile 2 resulta ser, por último, el filme por el que Lowery siente más cariño. El director aprecia mucho el giro de esta secuela dirigida por Parker Finn, que reubicaba la maldición de las sonrisas suicidas en el tormento psicológico de otra cantante, Naomi Scott. “Cuando hice Mother Mary aún no había visto Smile 2, y si hubiera tenido más tiempo para pensarla quizá habría deducido que tenía que irme al terror”, revela Lowery entre risas. “El terror es la mejor forma de acercarse a la música pop. Y Smile 2 es fantástica, me encantaría programarla en sesión doble con Mother Mary”.

En opinión de Lowery, hay algo aterrador en ser una estrella pop y en la cultura de la fama que le rodea. “Me fascina cómo esta cultura obliga a las personas a tener dobles vidas. No quería que la película hablara concretamente de eso, no es una tesis ni nada parecido, pero desde luego me interesa. Yo fracasaría como famoso, sería un desastre. Así que ver a la gente que sabe cómo hacerlo me parece algo alienígena. Por eso Smile 2 es una película de terror tan estupenda”, insiste, “porque juega con los aspectos más extraños de la fama”. “Y Mother Mary también se pregunta cómo un artista puede ser un individuo y, a la vez, una manifestación de su propio arte. Es algo tortuoso”.

Lowery se resiste a meter todo esto en el saco de los “genios torturados”, aunque solo en parte. “Obviamente el arte es difícil, y cuando alguien se expone puede ser doloroso. Está revelando sus vulnerabilidades y hay algo incómodo que puede ser una tortura, por qué no. Cuando yo miro a las popstars… hacer películas es difícil, pero ser una estrella del pop debe serlo aún más”. Al director sí le despiertan más suspicacias lo de “genio”. “Ese término es desagradable porque cuando un artista hace algo, a menudo no sabe lo que está haciendo. Se deja llevar por sus instintos, sin intelectualizar nada. Y el término ‘genio’ es intelectual, implica que alguien sabe siempre lo que hace”.

“Es tu rechazo a acomodarte lo que hace tu trabajo genial, antes que cualquier idea preconcebida. Lo de ‘genio torturado’ es un arma de doble filo y hay algo de verdad en ella, pero también es peligroso asumir que el arte tiene que hacerse así”. Mother Mary, finalmente y dentro de su exploración del proceso artístico, plantea algo valioso: la creatividad como algo compartido, algo que surge entre varias personas. Una idea en la que la película está imbuida de cabo a rabo.

El arte como diálogo

Para empezar, por cómo ha sido el proceso compositivo de la música de Mother Mary. Las canciones que suenan llevan la firma de Jack Antonoff, FKA twigs (que se reserva un pequeño papel en el filme) y Charli XCX en otro de sus coqueteos con el cine tras la banda sonora de Cumbres borrascosas o aquel filme meta que protagonizó sobre el fenómeno Brat, The Moment. “Fue un proceso en constante evolución”, recuerda Lowery. “Yo solo sabía que necesitaba buenos compositores para crear al personaje de Mother Mary, y así empecé a trabajar con Charli XCX y Jack Antonoff. FKA twigs se apuntó más tarde, cuando ya la habíamos fichado como actriz”.

“Pero la artista más importante fue Anne Hathaway”, apunta el director. “Necesitábamos que se involucrara musicalmente, no solo porque iba a cantar sino porque necesitábamos que las canciones se sintieran parte de su personaje. Y, por tanto, fueron personales para ella en alguna medida”. Recordemos que Hathaway, hoy en una fase muy prolífica de su carrera como muestra su presencia en La Odisea o la próxima El final de Oak Street, ganó el Oscar por una interpretación eminentemente musical, en Los miserables. “Ella está acreditada en todos los temas porque los hizo suyos. Si no hubiera sido un proceso tan largo trabajando con todos los artistas, en tándem, la música no habría funcionado. Hubieran sido buenas canciones, pero no canciones de Mother Mary”.

La importancia de la comunicación es fácilmente extrapolable a lo que cuenta Mother Mary. Que no deja de ser una relación amistosa y profesional, buscando ansiosamente la reconciliación, en lo que constituiría un filme mucho más minimalista e íntimo de lo que parece. Muy parecido, acaso, a uno de los primeros trabajos de Lowery, un corto llamado Pioneer. “Pioneer sigue siendo mi obra favorita de todo lo que hecho. Es muy especial para mí, y solo dura 15 minutos y se reduce a dos personas hablando en una habitación. Mother Mary, con todo lo loca y maximalista que es, en realidad se reduce a dos personas teniendo una experiencia catártica en una habitación”.

“Luego sí, añadí fantasmas, conciertos, quise explorar esa granja donde se reúnen las protagonistas. Pero si no hubiera tenido los medios para grabar conciertos, si no hubiera dispuesto de efectos visuales para los fantasmas… creo que Mother Mary aún podría funcionar, pues solo son dos personajes hablando a corazón abierto. Pioneer funcionó porque contaba algo verdadero y significativo. Y quise que Mother Mary, en su corazón, funcionara exactamente de la misma forma”.

En este sentido, quizá lo más potente de Mother Mary es que incide en lo relevante que es el vestuario dentro de los imaginarios pop, en cuanto a expresión artística y cultural de primer orden alejada de las frivolidades del mercado. Atribuyendo la creación de Mother Mary tanto al personaje de Hathaway como a la diseñadora que encarna Coel. “El vestuario es esencial en todas las facetas de la vida, no solo en la música”, asegura Lowery. “Porque cuando consigues una iconicidad inseparable de alguien, cuando alguien logra tener un aspecto que le representa a él y solo a él, todo contribuye a que se eleve. Los artistas más icónicos saben ser representaciones puras de su arte”.

“Son representaciones de su arte, pero también son ellos. Cuando ves a Lady Gaga ves a la persona y la artista fundida en una imagen. A Beyoncé le pasa lo mismo, y a Taylor Swift por supuesto”, prosigue. “Por eso es tan fascinante la relación de la estrella con el diseñador o el director creativo, con todas las personas involucradas… porque también están creando. Mira a Sam. Es una artista increíble por sí misma, pero su arte se está volcando en algo separado de ella. Está haciendo ropa que es arte pero es otra persona quien la viste y gracias a ello puede ser icónica. Y es una dinámica fascinante porque suceden muchísimas cosas”, concluye Lowery. “Todo pasa bajo la superficie”.

En julio, pero de 1996 hace 30 años, un grupo de cinco chicas británicas se presentaba al mundo con la canción “Wannabe” y un videoclip que se convertiría no solo en su carta de presentación, demostrando su empoderamiento y su lado ‘gamberro’, sino también sería todo un icono de la cultura pop de finales de los 90.

Un videoclip que, sin embargo, tres décadas después forma parte de la historia de la música y que, además, tiene una historia de lo más curiosa que tenía como primera opción la ciudad de Barcelona, pero que no recibió los permisos.

De Barcelona al castillo de Edimburgo: los comienzos del videoclip de “Wannabe”

Las Spice Girls se presentaron con su primer single, “Wannabe”, que se convirtió en un gran éxito y la canción más emblemática de su carrera, y antes de que todo esto sucediera, el grupo preparaba el videoclip de este sencillo, que sería clave para la imagen que querían proyectar en la industria musical. El vídeo fue el primero a nivel musical que rodaba el sueco Johan Camitz, que fue una directa recomendación del manager del grupo, Simon Fuller, que lo había visto en comerciales rodados para marcas como Volkswagen, Diesel o Nike, pero que sería su debut con artistas.

Camitz tuvo como primera idea que se rodara en un edificio ‘exótico’ de Barcelona, que se diera en una toma única, y que una vez tomaran este lugar, ellas se dedicaran a hacer disturbios, demostrando su lado rebelde. Sin embargo, tan solo unos días antes de que comenzara el rodaje, en abril de 1996, recibieron la denegación del permiso por parte del Ayuntamiento de Barcelona.

Así fue cuando el director del videoclip se vio obligado a buscar una nueva localización, que encontraría en un edificio histórico de Londres. A pesar de ello, para la primera versión promocional de lo que sería el lanzamiento del ‘single’ se optó por otro lugar de la historia del Reino Unido: el castillo de Edimburgo, aunque el resultado no fue tan satisfactorio.

Sí que lo fue el video final, que no pudo ser rodado en tan solo una toma, sino que se cortó en dos, y debido a que el grupo tuvo que ensayar varias veces durante la noche lo que iban a hacer durante el vídeo. Se convirtió en todo un éxito e icono, ganando el premio al Mejor Vídeo Dance en los MTV Video Music Awards de 1997, así como fue el Mejor Vídeo en los Comet Media Awards. No pudo ganar su nominación en los BRIT Awards, pero sí se colocó entre los mejores vídeos de pop de todos los tiempos según la lista de Channel 4.

El hotel donde se rodó finalmente “Wannabe”

El edificio histórico que se escogió para rodar finalmente el videoclip de “Wannabe” fue el antiguo Midland Grand Hotel de Londres, el actual St Pancras. Este fue diseñado por Sir George Gilbert Scott en 1876 y reabrió en 2011 después de una importante renovación, aunque los trabajos de estuco, vidrieras y escaleras de mármol siguen siendo elementos originales.

Estas escaleras, uno de lo que es más reconocible en el vídeo de las Spice Girls, se pueden visitar y tomar fotos desde lejos, pero solo los huéspedes del hotel las pueden usar. El ornamentado ha aparecido también en películas como ‘Harry Potter y la cámara secreta’.

Melody es hasta la fecha la última representante de España en el Festival de la Canción de Eurovisión, después de que RTVE rechazara participar en la pasada edición de 2026. La cantante representó con “Esa Diva” tras ganar la cuarta edición del Benidorm Fest, y en esa misma canción repasaba parte de su carrera profesional.

Con la letra “Desde que era bien pequeña, antes de saber andar, fui del mundo la rumbera, para mí era tan normal…”, Melody parece recordar el momento en el que saltó a la fama con tan solo 10 años y pasó de la noche a la mañana a embarcarse en giras internacionales, así como estar en lo más alto de la lista de ventas en varios países, incluso ser nominada a un Grammy Latino. Todo ello, además, siendo una de las canciones del verano hace 25 años.

Apadrinada por ‘El Fary’

Melodía Ruiz Gutiérrez, a la que se le conoce más como ‘Melody’, nació en Dos Hermanas (Sevilla) un 12 de octubre de 1990. Desde bien pequeña sintió interés por la música, especialmente teniendo en cuenta que procedía de una familia de artistas, que le inculcaron el amor por el arte, de hecho, su padre formaba parte de un grupo y con tan solo seis años, la pequeña hizo sus ‘pinitos’ en el escenario.

Eso la motivó a crear una maqueta desde muy pequeña, que llegaría hasta ‘El Fary’, quien decidiría apadrinarla y ayudarla en su camino hacia el estrellato. Así fue como con tan solo diez años publicó su primer disco, ‘De Pata Negra’, del que fue el primer single “El baile del gorila”, que no tenía un gran secreto, pero llegó a lo más alto de las listas en España.

“El baile del gorila” conquistó la escena musical con una temática sencilla, un estribillo pegajoso y con coreografía incluida, todo ello con una niña de 10 años con gran desparpajo y carisma, que la convertiría en una combinación perfecta para que fuera canción del verano en 2001, a pesar de haber salido a finales de abril.

Doble disco de platino y nominada al Grammy Latino

El éxito de “El baile del gorila” de Melody superó todas las expectativas, llegando a conseguir doble disco de platino en España y uno en América, un hecho del que fue la primera artista española en conseguirlo. Por si fuera poco, el disco fue nominado al Grammy Latino en 2002 en la categoría de mejor álbum infantil, compitiendo con cantantes de la talla de Xuxa o Miliki.

También fue finalista en los Premios Billboard de la Música Latina de 2003, donde fue nominado a mejor álbum de pop latino junto a artistas como Las Kétchup o Sin Bandera. En 2011, a 20 años de su publicación, Melody realizó una nueva versión de la canción sin animales.

Pocas canciones han conectado con el espíritu de su tiempo y lo han llevado más allá, tanto que han quedado asociada a su narrativa. Uno de esos casos es “Space Oddity”, el primer éxito de David Bowie, una de las canciones más singulares y conmovedoras de finales de la década de los 60, y que ha seguido influyendo en la música, versionada en varias ocasiones, una de ellas incluso desde el espacio.

Y es que pocas canciones pueden decir que han contado con una ‘cover’ hecha desde la mismísima Estacion Espacial Internacional, siendo así el primer videoclip rodado en el espacio. Un hecho que cerró un círculo teniendo en cuenta que el tema había captado el espíritu de la llegada a la luna de ese mismo 1969.

Inspirada en ‘2001: Una odisea del espacio’ de Kubrick

La década de los 60 tuvo varios elementos que la caracterizaron, y uno de ellos fue el de los viajes al espacio, con el hito de la llegada del hombre a la Luna como uno de los acontecimientos principales que hubo para la posteridad. “Space Oddity” fue la canción que mejor capturó este aspecto, aunque la inspiración la tomó de la ficción.

Y es que el que fue el primer gran éxito de David Bowie nació en la cabeza del artista británico después de haber visto “2001: Una odisea del espacio” en los cines, aunque no la escribiría hasta seis meses después de haber visto la película de Stanley Kubrick. Directamente, el personaje del tema fue basado en el Dr. David Bowman, al que dio vida Keir Dullea. Una vez la compuso, el entonces representante de Bowie, contó que la primera vez que la escuchó supo que “había creado algo especial”: “Que se trataba de una canción inusualmente ingeniosa quedó claro desde la primera escucha”, aseguró en su libro Bowie: The Pitt Report.

El tema iba a formar parte en un principio de un cortometraje, pero al cancelarse, Bowie grabó varias versiones demo de la canción para intentar lograr un contrato discográfico, algo que logró y que llevó a grabar la última versión, que fue su primer gran éxito, con Gus Dudgeon, que era entonces productor de Elton John.

La banda sonora de la llegada a la Luna

El sencillo se grabó el 20 de junio de 1969, pero no se publicaría hasta el 11 de julio de ese mismo año, justo cinco días antes del inicio de la misión lunar del Apolo 11, nueve días antes de que se produjera la llegada a la luna. Esto, sin embargo, hizo que las emisoras de radio no quisieran reproducirla hasta que la tripulación, con Neil Armstrong y Buzz Aldrin en cabeza, volviera sana y salva a la Tierra.

Pero la BBC, en su emisión de la cobertura de la llegada del hombre a la Luna sí que usó “Space Oddity”, lo que hizo que se creara una conexión directa entre el acontecimiento y la canción. “Estoy seguro de que no estaban prestando atención a la letra. Por supuesto, me alegró muchísimo que sí lo hicieran”, aseguró Bowie más tarde sobre este hecho.

Más allá del éxito, David Bowie volvió a revivir al personaje de Mayor Tom en trabajos posteriores, como en “Ashes to Ashes”, que fue publicada más de diez años después, en 1980, y que se vio como una secuela, en la que vuelve a contactar con la Tierra. La influencia del tema le ha llevado a ser una de las 500 canciones que dieron forma al rock and roll en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

Tuvo una cover desde la estación espacial

En el 44 aniversario de su lanzamiento, recibió un bonito homenaje desde la propia Estación Espacial Internacional, por parte del astronauta canadiense Chris Hadfield, lo que la convirtió en el primer videoclip filmado en el espacio. Sin embargo, el video tuvo problemas debido a los derechos de la canción.

El propio David Bowie la vio como “la versión más acertada y mejor creada jamás”, y logró ayudar a Hadfield para que el video de “Space Oddity” desde el espacio no fuera retirado de la web.

El ciclo ‘MURCIA ON’ está teniendo una buena acogida por parte de los aficionados a la música y, sobre todo, la que se hace en directo. Aunque el cartel de este 2026 no se parezca al de la pasada edición (hay que tener en cuenta que siempre se juega con los calendarios de cantantes y grupos en cada gira y no siempre cuadran las fechas), sí es lo suficientemente atractivo para todos aquellos amantes de la música y de los conciertos. Lo están demostrando los registros que cada actuación recibe y que, en esta edición, ya ha provocado que tres de ellos -Alejandro Sanz, Dani Martín y Melendi, hasta el momento- hayan tenido que programar dos conciertos seguidos en el ciclo. Ese dato, nos indica mucho sobre la aceptación del público sobre ciertos nombres que conforman la presente edición 2026 del MURCIA ON.

Les voy a contar algo que algunos temíamos. No pensábamos que el cartel de OBK más, después, Rick Astley nos iba a deparar mucha expectación. Y no por la calidad de los músicos, sino porque son nombres que provienen de la década de los 90 del pasado siglo XX y ambos, aunque han continuado actuando por diversos escenarios, ya no tenían sobre el papel el tirón de entonces. Pues nos equivocamos bastante. Porque no se registró un llenazo de nueve mil personas (entre otras cuestiones, porque el ruedo fue ordenado por sillas y deja el aforo más corto, que si el personal está de pie), pero entre seis mil y seis mil quinientas sí se encontraban en el foro taurino de La Condomina, animando tanto a OBK como a la gran estrella del pop británico que llegó a continuación. Por partes.

OBK es aquel dúo español que surgieron en Cataluña en los años 90 -más concretamente, en 1991- y que con su primer disco sencillo y la elección por parte de los disc jokey radiofónicos de la cara B de aquel primer disco, el tema titulado ‘Oculta realidad’, el dúo comenzó a tener repercusión entre los aficionados a la música electrónica que crea este grupo. Sus creadores fueron Jordi Sánchez, voz y letrista de los temas que interpretan y el teclista y programador de los sintetizadores, Miguel Ángel Arjona. El programador y teclista que forma parte de este ‘Vampiro Tour 2026’ de OBK es Sergi Pérez que junto al guitarrista de sesión habitual del grupo, David Amat, conforman toda la formación

Piezas como ‘Historias de amor’, ‘La princesa de mis sueños’, ‘Llámalo sueño’, ‘Dicen’ este ya en 1993, como también ‘Robarle al tiempo’, ‘Todavía’ o ‘Lágrimas de soledad’. Como ese disco del 93 tuvo algunas críticas, OBK publicaron en 1995 ‘Mi razón de ser’, que les devolvió el éxito de sus primeras canciones y les alejaba un poco de lo que habían hecho hasta entonces. En 2012, Arjona decidió bajarse del proyecto OBK pero según Jordi Sánchez, lo hizo como un caballero y le permitió continuar usando el nombre y los temas anteriores como los que surgieran a partir de entonces. En el concierto del MURCIA ON, Miguel Ángel Arjona (no el cofundador, sino el teclista que hace este tour 2026) estuvo junto a Jordi Sánchez y el guitarrista de sesión (y habitual en OBK) David Amat disfrutando y haciendo disfrutar a los seguidores que acudieron a esta cita. Una actuación que, sin duda, predispuso la buena onda del ambiente de los presentes para recibir, tras los 30 minutos posteriores, a uno de los nombres importantes del pop británico de la década de los 90 del siglo XX: Rick Astley.

Richard Paul Astley, más conocido en el mundo del pop como Rick Astley, fue uno de los nombres que cobraron un excelente protagonismo allá por la década de los 90 del pasado siglo XX. Su pop fresco lo convirtió en un icono o referente inequívoco de ese movimiento en el Reino Unido. Posee un historial que comienza en 1985 como cantante de una formación de rock, FBI, que abandonó cuando un productor se fijó en él y le propuso grabar en solitario. Astley es un poli faceta y no sólo canta, sino que toca varios instrumentos, es actor, ha sido locutor de radio y, además, aprendió todo el proceso de grabación en estudios musicales, hasta llevar a cabo su primera publicación en 1987, ‘Never Gonna Give You Up’, que se convirtió rápidamente en un éxito arrollador y con el que cerraba, en la noche del pasado sábado 11 de julio, su concierto en el MURCIA ON.

A pesar de haber cumplido los 60 años en febrero pasado, Rick Astley se muestra ágil sobre el escenario y derrocha simpatía hacia el público con el que conecta inmediatamente de aparecer en escenario, además de bromear con su banda durante todo el concierto. Un espectáculo que se iniciaba con un sencillo que, como de costumbre, se convirtió en éxito en 2010: ‘Lights out’, para continuar con otro de sus impactos musicales en los mercados europeos: ‘Together Forever’, su segundo número 1 en las listas norteamericanas en 1988.

Tras esta canción, la primera pausa para dar las buenas noches y dirigirse al público. Lo primero de todo fue expresar el inmenso calor reinante en la noche del sábado en Murcia, para continuar dando las gracias por la acogida tan humanamente calurosa que había recibido. La presencia británica se hizo de notar a lo largo del concierto, con la que Astley intercambiaba bromas y guiños. Pero no solamente con ellos (lógico ya que son compatriotas) sino también con el público español que conformaban, juntos, ese enorme batallón de fans del británico y que, sin duda y por el aspecto veterano de un gran número de ellos, seguidores de Rick Astley desde aquellos primeros impactos de éxito en los mercados musicales de unas décadas atrás.

Así que una vez bien definida la línea argumental y la conexión músicos-público, el espectáculo continuó con una lista que resultaba muy agradable y adecuada. Sonaron ‘Dippin’ my feet’, ‘Waiting on you’, ‘‘She wants to hus band’ en la que se subió a la batería por primera vez, para continuar preparándose un cocktail tras agitar la coctelera y servirlo en una perfecta copa que dio a probar al vocalista Jermain Jackman, mientras sonaban los primeros compases de ‘Hold me in your arms’; la canción que dio título a su segundo álbum lanzado en 1988 y que alcanzó otro de sus éxitos discográficos entonces.

El público disfrutaba del concierto como enanos y la noche, aunque muy tórrida, se presentaba muy apropiada para dar rienda suelta a las emociones y sensaciones de cada cual. Rick Astley lo veía y acompañaba muy bien lo que, desde el escenario, captaba en cada minuto del concierto. Las bromas y diálogos con el público continuaron durante todo el espectáculo y el británico se hacía de querer, sin ningún género de duda. Así que desplegó otra parte de su repertorio sobre el coso taurino como ‘Dance’, ‘Cry for help’, hizo un mínimo alto para explicar que la siguiente pieza fue llevada por Hollywood al cine, pero que ellos iban a recordar a su autor, Roy Orbison, con ‘Pretty woman’ (uno de los momentos más nostálgicos de la noche) y finalizó con el pegadizo y muy británico ‘Raindrops’.

Y cómo se mostraban y movían en sus asientos y puestas en pie aquellas seis mil quinientas almas. Si te fijabas en sus rostros comprobabas la felicidad y alegría inmensa, el disfrute sin fronteras que reflejaban con la música que Rick Astley les estaba proporcionando. Y en el escenario, los diez músicos que desde allí lanzaban su buen hacer musical también dejaban ver su disfrute y alegría. Para calmar un poco el sofocante calor húmedo murciano, Astley cantó ‘Never gonna stop’ que fusionó con ‘Keep singing’, que abre su octavo disco grande del británico grabado y lanzado en 2016.

Calmados ya un poquito los cuerpos, Rick Astley volvió a la carga rítmica con ‘Whenever you need somebody’ llevándonos, de nuevo, a su pop de 1987 en cuyo primer LP se ubicaba esta pegadiza y rítmica canción inequívocamente británica. ¡Qué maravilla de banda y de música! El personal estaba disfrutando a tope. Se les veía y no se ocultaban de ello. Había un aura de buen rollo y vibraciones, que te animaban si es que todavía no lo estabas del todo. Para que el momento no decayera, Astley optó por otra pieza, pero ahora, de su segundo álbum de 1988 titulada ‘Take me to your hearth’.

Era un buen momento, para marcarse otro ratito en la batería. Así que su baterista saltó del set percusivo y tomó una guitarra ocupando Astley su lugar. La pieza, en cuanto su guitarrista dejó sonar las primeras notas, nos enervó a todos. ‘Highway to hell’, el exitazo que en 1979 llevó a sus protagonistas, AC/DC, al estrellato absoluto y el último que pudo grabar su malogrado cantante Bob Scott que fallecería un año después, puso a todo el aforo de pie para cantar con Astley y bailar al ritmo que desde la batería marcaba el británico. Una especial mención al solo limpio e impecable del guitarrista de su banda Adam Evans, que cuenta entre los músicos británicos con una más que sobrada solvencia y seguridad.

El final se acercaba con ‘Angels on my side’, tras la que Rick Astley se dirigió al público indicando “¿Uno más?”, mientras el público le respondía “Nooo”. Bueno tenía varios temas más preparados, pero el ambiente meteorológico era tan asfixiante, que comenzó a sonar ‘Never Gonna Give You Up’ y el público cantaba con toda la banda este éxito de Rick Astley, que aprovechó para llevar a cabo una original presentación de sus nueve músicos en el escenario. En los coros, el vocalista Jermain Jackman, quien también acompañó en algunas canciones a la guitarra. Con él, las magníficas voces femeninas de Dawn Joseph y Andrea Grant. El sólido guitarrista británico Adam Evans. Dos mujeres más en la sección de vientos. Sarah “Sazz” Watts, saxo, flauta y Emma Bassett, trompetista y percusión. La sección rítmica estaba a cargo de Julian Cox, bajo y teclados, junto a Simon Merry, batería, quien le mostró a Astley que tenía puesto en el móvil el partido del mundial que, en esos momentos del concierto, disputaban Noruega e Inglaterra que ganó ésta última por 1 a 2 goles. Imagínense la alegría posterior. Y finalmente, el teclista Rob Taggart, que era otra de las bases sobre la que descansa esta banda.

En resumen, una noche dedicada al tecno pop / synth-pop del grupo español OBK, que supo caldear el ambiente humano y predisponerlo para, posteriormente, recibir a uno de los iconos del pop británico de finales de los 80 y protagonismo más destacado con la década de los años 90 del pasado siglo XX: Rick Astley. Con él, el público disfrutó a tope de su música que no ha perdido vigencia y que, tras quince años de silencio y retiro, regresó en 2008 para continuar creciendo como artista. Noche muy sofocante en lo meteorológico y de gran calor humano muy a lo british.

El 28 de junio de 1996 es el inicio de un fenómeno que se conoció como la ‘Spicemanía’, cuando el grupo femenino de pop Spice Girls conquistó el éxito a nivel mundial gracias al primer sencillo de su álbum debut ‘Spice’, que vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo y que se convirtió así en el single más vendido en la historia por parte de una ‘girlband’.

Hablamos de “Wannabe”, una canción que ha traspasado generaciones y que cumple tres décadas de historia desde que fuera número uno en 37 países, y que no solo lanzó al estrellato al grupo británico de cinco chicas, sino que también consolidó el movimiento ‘girl power’ que redefiniría los últimos años del pop de la década de los 90.

¿Habrá reunión de las Spice Girls por el 30 aniversario? Mel C y Emma responden

Las Spice Girls celebran los 30 años de su primer éxito e himno, “Wannabe”, y en un contexto en el que el efecto nostalgia domina parte de la escena musical son continuos los rumores de un posible reencuentro entre Geri Halliwell, Victoria Beckham, Mel B, Emma Bunton y Mel C, sobre todo con las diferentes reuniones que han protagonizado en los últimos años debido a celebraciones de cumpleaños o aniversarios.

La buena sintonía y relación que han demostrado entre las cinco en los últimos años ha reavivado las reuniones de una gira de reencuentro, sobre todo teniendo en cuenta que la última vez que actuaron todas juntas se dio en los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Y en este sentido, una entrevista conjunta de dos de ellas, Emma y Mel C, no ha hecho más que añadir optimismo sobre que esto vuelva a suceder. “No puedo pensar ahora mismo nada mejor en el mundo que el que haya una reunión de las Spice Girls”, aseguró la primera de ellas en una entrevista de radio, en iHeart, en Reino Unido, junto a su compañera, que contestó en la misma sintonía: “Sería tan bonito, manifestémoslo, digámoslo en alto”.

Mel C, una de las integrantes de las Spice Girls que más activa está en el mundo de la música y que ha mantenido una carrera más longeva, ha sido una de las que más ha manifestado en público su deseo de reunirse con sus compañeras en el grupo: “Es solo encontrar el buen momento, y nosotras sentimos que ahora es el momento perfecto, tenemos también que contar con las demás, pero hemos pasado por mucho como grupo de personas que somos, y ha habido altibajos, pero pienso que ahora que somos más mayores, y que celebramos los 30 años de nuestro primer éxito, creo que nos tenemos mucho amor y respeto entre nosotras”, afirmó.

Emma Bunton compartió el positivismo y las ganas de hacer realidad el deseo de un reencuentro de Spice Girls en la entrevista de radio, aunque matizó que no solo depende de ellas: “Como dices, es encontrar el momento perfecto, y es algo que siempre se nos pregunta, pero creo que como hemos hecho en otras ocasiones, es algo que cuando las estrellas se alineen se crea la magia y sucede”.

El fenómeno Spice Girls: menos de un lustro, pero marcó a una generación

La historia de las Spice Girls trasciende más allá de lo que fueron como grupo a nivel musical. Y es que desde que lanzó su primer sencillo y obtuvieron gran éxito hasta que se separaron y dejaron de hacer nueva música junta pasaron menos de cinco años, pero que fueron tan intensos que generaron un fenómeno irrepetible y marcarían a toda una generación, tanto que han conseguido trascender a las nuevas, que nunca las han visto juntas en directo.

El grupo se formó en 1994 a través de un casting, un método habitual visto también en ‘boybands’ de gran éxito como sus compatriotas Take That o Backstreet Boys, con los que coincidieron en momento de explosión. Geri Halliwell, Victoria Adams, Melanie Brown, Emma Bunton y Melanie Chisholm se unieron y cada una de ellas recibió una etiqueta por la que se les perfiló una personalidad: Ginger Spice, Posh Spice, Scary Spice, Baby Spice y Sporty Spice.

El éxito de “Wannabe” les pilló por sorpresa, porque ellas solo querían pasarlo bien, así lo aseguró Geri Halliwell en su autobiografía If Only en 1999: “Empezamos simplemente jugando con acordes y raps. Desde ese momento, creo que todos nos dimos cuenta de que esto era algo especial. Surgió de forma tan natural que la canción parecía simbolizar lo que éramos”, compartió.

Spice Girls junto al compositor Richard ‘Biff’ Stannard dieron forma a una canción con un claro mensaje, el de empoderamiento femenino: “Lo único que teníamos planeado con era representarlos como banda y capturar la esencia de lo que eran: esa esencia intrépida, obstinada y fantásticamente intimidante”, declaró el autor a The Telegraph, a la vez que enfatizó que ellas fueron directas sobre esto desde el inicio. En 1998, la salida de Geri Halliwell golpeó de incertidumbre el futuro de la banda, que seguiría como cuarteto hasta 2000 con ‘Goodbye’ y se disolverían. La gran mayoría continuaron en la música, incluso Victoria Beckham, aunque esta se haría finalmente un nombre en la industria de la moda. La última reunión tuvo lugar en 2019, sin la propia Victoria.

La gira internacional que protagoniza Alejandro Sanz, ‘¿Y ahora qué?’ por tierras hispanoamericanas, estadounidenses y españolas llegó a Murcia. Una tournée que comenzó en 2025 por Hispanoamérica, continuó por Estados Unidos y ahora, en el tiempo estival, llega a diversas ciudades españolas ya entrado 2026. En Murcia ha parado dos días dentro del ciclo MURCIA ON. El primer concierto se celebraba este pasado miércoles día 8, con un aforo de cerca de 8.000 seguidores del cantautor, de los que daremos detalles más adelante, y un segundo que colgó hace tiempo el cartel de ‘agotadas las entradas’ el jueves 9.

La expectación que desde siempre ha despertado el cantante volvió a repetirse en este primer concierto, de las dos fechas reservadas para Murcia; una tierra muy querida por Alejandro Sanz, donde tiene muchísimos seguidores como quedó patente a lo largo de las poco más de dos horas de actuación. Dejó muestra de su liderazgo musical una vez más, en un concierto que se iniciaba con una introducción musical y visual pregrabada y apareciendo, tanto banda como el propio Alejandro Sanz, con las primeras notas de ‘Desde cuando’.

El público estalló en una enorme exclamación de alegría y vítores a su ídolo, que mostraba inequívocamente la fidelidad que ha guardado al músico durante tantas décadas. Sin mediar palabra (tan sólo mientras interpretaba estos dos primeros temas lanzaba un “Dímelo, Murcia”) arrancó otro de sus éxitos coreados todos ellos a lo largo de la noche, por esas casi ocho mil personas que se habían citado en la plaza de toros murciana, para disfrutar sin frontera o muro alguno con piezas de su trayectoria como ‘Capitán tapón’.

Una primera parada para preguntar “¿Cómo están”, respondiendo el respetable “Bien” y replicando él “Yo también”. Acto seguido destacó que la siguiente canción la escribió ocho años atrás y aunque parezca mentira, aún tiene vigencia como reza la letra de ‘Por bandera’: “Por bandera, esa persona que te espera / por bandera, las cosas que dejaste a medias / por bandera, las tardes de risas y sin problemas / por bandera, ver atardecer desde mi ventana”.

La noche del pasado miércoles 8 de julio, en Murcia, fue muy tórrida tanto en lo meteorológico como en lo humano. Y así lo destacó el cantante con un “Bueno, qué calor hace ¿no?”, para continuar con ‘Bésame’. Prácticamente estábamos al comienzo de este primer concierto de los dos programados por Alejandro Sanz en Murcia y el coso taurino hervía por ese calor humano. Así que el trombón de la benjamina del grupo musical, la cubana Judith, protagonizó la introducción de ‘A la primera persona’. Continuó una larga introducción de piano, con la que el cantautor madrileño confesó que “entonces la música se metió en mi corazón, me lo espachurró como si fuera un bocadillo envuelto en un papel de plata y me dijo: ¿Sabes qué? A partir de ahora eres mío. Y le dije: Vale. Tenía siete años y hoy, a los (aquí hizo como la recordada Lina Morgan) taintantos (risas francas del público) estoy en Murcia, para cantarles”. Y dejó sonar ‘Mi soledad y yo’, que habla de ese novieta que se nos marcha a la costa de vacaciones con su familia y él, el novio, se queda en la gran ciudad esperando su regreso porque “Por favor / Cuando puedas llámame / Que mi soledad y yo / Sin ti no nos llevamos bien”.

Ya les había adelantado que el público coreaba; bueno, más que corear cantaba con Alejandro Sanz las letras de sus canciones como ‘El vino de tu boca’, al que Alejandro le puso un preámbulo de humor expresando “Qué de abanicos. A ver si pueden hacer una gran ola que llegue hasta el escenario. Tampoco ha hecho tanto calor. La gente es que es muy exagerá. La gente no sabe lo que dice, contestando los asistentes, No. La gente es muy exagerá, respondiendo, Sííí. ¡Qué calor ha hecho hoy! Pero aquí están. ¿Por qué? Porque nosotros somos más fuertes que todo eso. No hay nada que una canción no pueda solucionar. La siguiente canción no es lo que pega ahora mismo; lo que pega ahora mismo, a lo mejor, es una sangría o parecido como ‘El vino de tu boca’.

La banda que acompaña a Alejandro Sanz en esta gira de dos años es muy internacional, con preferencias sobre los músicos latinos. Hay cuatro mujeres procedentes de Cuba, Perú y Canarias. Luego están Bosnia, Barcelona, Nueva York (más adelante les contaré la anécdota sobre esto) y un director del grupo de Sicilia pero hecho en el Bronx, que es uno de los cinco distritos de la ciudad de Nueva York, conocido por su rica historia, diversidad cultural y ser la cuna del hip hop entre otros diversos atractivos. Con ellos los dejó -no sin antes advertirles que llevaran, el público, cuidado con las carteras-, para que sonara una pieza fusionada entre el hip-hop, funky y ritmo latino que puso más calor musical sobre el aforo murciano. Uuff, qué ritmazo. Sonando todavía los aplausos a esta banda, se escuchó la voz de Sanz preguntando “Murcia ¿estás ahí?, a lo que respondió un unánime Sííí”. Y anunció ‘Quisiera ser’. Luego, de nuevo, un breve monólogo del cantautor con su público para indicar que “la música tiene un poder increíble; hijo mío, desde que nos despertamos por la mañana erre que erre, erre que erre. Todo son malas noticias, todo es política, todo es y tú más, todo son peleas… Déjame escuchar una cancioncita tranquilo. De eso se trata en la música. ¿Qué llevamos aquí unas cinco horas, más o menos no?” Como pueden apreciar, los toques de humor en un madrileño que siempre ha bebido el sentir andaluz de sus padres están siempre al quite. “Que por nuestro corazón y cabeza sólo pase lo bello de la música; lo bonito de estar vivos, de querer, de compartir. Qué maravilla. Viva la música y la gente a la que le gusta la música. En esta gira, proseguía Alejandro Sanz, estoy recordando mucho a un amigo mío que ya nos dejó, Jesús Quintero ‘El loco de la colina’, que decía muchas cosas acertadas y otras con las que discutíamos, pero una de las que estábamos de acuerdo era que una canción no puede parar un tanque, pero le puede partir el corazón al guerrero que lo conduce. Así que, si podemos, esta noche parar un tanque lo vamos a hacer o por lo menos, le vamos a partir el corazón a algún guerrero”. Y finalizó anunciando el título de su siguiente canción: ‘Hoy, no me siento bien’.

Luego, el concierto continuó con un medley conformado por ‘Regálame la silla’, ‘Amiga mía’ y ‘Déjame que te bese’ que provocó uno de los momentos rítmicos del concierto, aunque el personal no cesaba de bailar y ello provocaba, cómo no con ese calor meteorológico, que le pidieran botellines de agua a cada momento; sobre todo, aquellos que se ubicaban en las primeras filas de pie junto al escenario. En ese momento sonaron las notas de ‘Las guapas’, canción de su último álbum de estudio y el que protagoniza esta gira internacional, que no daba respiro al público en el baile.

El regreso a las canciones más románticas fue protagonizado por una de las más intimistas de su repertorio titulada ‘Cuando nadie me ve’, que tuvo una introducción notable de la bajista canaria Brigitte Sosa. A ella le siguió ‘El alma al aire’ y ‘Mi marcianica’. Después otro momento para la guasa andaluza que Sanz domina como pocos (es Hijo Predilecto de la provincia de Cádiz), con estas expresiones: “Estamos llegando al final. He traído una rebeca por si refrescaba (nótese la ironía de la noche calurosa). Estoy llorando por dentro; acabamos aquí o hacemos 250 canciones más” Obviamente, el público contestó al unísono que 250 canciones más. Y la réplica del cantante fue “es que ‘No es lo mismo’. Así que sonaron las notas de uno de sus exitazos, dentro de su extensa trayectoria que, creo, no hubo nadie que no la cantara en todo el aforo y que Alejandro Sanz dejó, como en otras canciones del concierto, que los fans interpretaran estribillo o trozos de la canción.

El programa oficial del concierto finalizaba con ‘Aquello que me diste’. Saludo de despedida de toda la banda desde el escenario, apagado de luces, pero no de los amplis y demás artilugios de sonido necesarios. Lo que, naturalmente, llevaba a los asistentes a saber que habría un poco más, aunque insistieran en ello. Tras un par de minutos, Alejandro Sanz y sus músicos regresaron al escenario, formaron un semicírculo pequeñito y comenzaron a tocar. Con ese fondo, Sanz fue presentando uno a uno a todos sus músicos no sin antes indicar que había sido todo un reto. En la guitarra y trompeta, desde Bosnia, el señor Miron Rafajlovic. Continuó con la benjamina del grupo procedente desde Cuba, que interpreta con el trombón de varas, percusión y voces: Judith. Y desde Barcelona, el piano y la voz de Alfonso Pérez. El bajo eléctrico y el contrabajo son los dominios de la canaria Brigitte Sosa. De vuelta a Cuba, Sanz presentaba a Karina Pasian, que le acompaña en los coros y voces. Llegados a este momento, se dio un momentico simpático (de los varios que hubo) porque el personal gritaba “Nueva York” y Alejandro les decía que no lo pronunciaban bien. Que lo dijeran con él “Nueva Yol”. Es cierto. De todos los años que llevo escuchando música, entrevistas, películas en original o en doblajes al español y para hacerlo absolutamente original a cómo se pronuncia por los hispanos en la ciudad de los rascacielos, les he de asegurar que es así, exactamente así, cómo lo pronuncian. Pues desde allí, llegaba Chris Hierro en los teclados. En la batería, una mujer que ponía el metrónomo de la banda, además de tocar a la perfección el cajón; y no era de extrañar, porque es uno de los instrumentos autóctonos de su país, Perú: El cajón, que Paco de Lucía incorporó al flamenco hace décadas. De todo ello se encargaba la señora Gisella Giurfa. Y por último y no menos importante, un músico que unía el Bronx neoyorkino y su país de procedencia, Sicilia, por lo que nada podía salir mal, según destacaba Alejandro Sanz. El guitarrista y director musical Mike Ciro.

Y con ese fondo musical que le sirvió para esta detenida presentación, también le sirvió para solicitar un enorme aplauso para todo el personal que trabaja en esta gira y en el MURCIA ON. El fondo musical acompañó a ‘Y si fuera ella’. Con posterioridad, la banda se recolocó cada cual en su lugar y dejaron sonar ‘Lo ves’, con la que el público continuaba disfrutando de un concierto que fue, decididamente, caluroso en todos los sentidos. El broche a dos horas y diez minutos, al borde mismo de la medianoche, no podía ser otro que ‘Corazón partío’. Como destacó Alejandro Sanz, “entonces, cuando parece que ya todo se ha dicho, se dice una última cosa y así nos despedimos. Os quiero dar las gracias por haber venido. Ámense sin miedo, hagan lo que quieran, viva la vida y la música. No pierdan el tiempo, porque es lo más valioso que tenemos y si lo perdemos que sea escuchando una canción. Que Dios me los bendiga. Mira, ésta la escribí ayer” y sonó el estribillo con tal fuerza vocal, que hasta una manzana más allá de donde su ubica la plaza de toros murciana se escuchaba ese ‘Corazón partío’.

En definitiva, una noche de intenso calor meteorológico y humano para envolver con muchísimo cariño a este intérprete de la música universal, ganador de 22 Grammy Latinos y cuatro Premios Grammy. El cantante español que ha vendido más de 25 millones de discos a lo largo de su trayectoria y persona muy comprometida con iniciativas sociales como ‘Salvar el Ártico’ o promotor incansable de Médicos sin Fronteras. En definitiva, una persona cercana y sencilla que le canta al amor y a la vida, sin despreciar las denuncias cuando hay que hacerlas. Ese es Alejandro Sanz.

Son como la luna y el sol y, sin embargo, ambas podrían convivir perfectamente en el mismo firmamento. Tanto, que parece que las dos controlan sus respectivos astros cada vez que sostienen el micrófono. La primera de ellas, Lorde, jamás había actuado en Madrid hasta este preciso día. No es casualidad, por ende, que el sol se resistiese a abandonar el cielo mientras la artista permaneciera sobre el escenario del Mad Cool, como si el único motivo de su existencia se justificase con iluminarla durante este concierto. Florence and the Machine, en cambio, ya conocía de sobra la luna de la ciudad, por lo que el escondite del satélite no hacía más que añadir misterio a la noche.

Aun así, también había planetas pululando por la segunda jornada del festival: Jennie, esta vez sin sus compañeras de Blackpink girando a su alrededor, llegaba dispuesta a poner el broche k-pop ante su enorme séquito de fans; Teddy Swims, por su lado, buscaba demostrar que el soul que triunfa en TikTok también puede hacerlo en directo; Charlie Puth, por su parte, que “debería ser un artista más grande”, y Zara Larsson, por la suya, que no hay fiesta si no hay pop chicle de por medio. Y cada uno de ellos ha intentado acometer su propósito a su manera —algunos con más fortuna que otros—, pero la sombra de un eclipse se ha cernido sobre ellos en el que ha sido el Mad Cool de Lorde y Florence Welch.

Antes siquiera de que los primeros indicios del atardecer se empezaran a percibir en el distrito de Villaverde, los acordes de Liability ya habían sonado bien alto en el festival. “Van a verme desaparecer en el sol / Todos me van a ver desaparecer en el sol”, ha cantado Lorde en un clásico que alude a una sensación de unidad con el universo. No es ninguna sorpresa: la artista ha dedicado mucho tiempo a comunicarse con la estrella madre. Lo ha hecho a través de cartas y, por supuesto, música. Una música que se adueña de cualquier espacio cuando el mito, esa cantante que evita las redes y escribe a sus fans por correo electrónico según el calendario natural, es quien sale a defenderla.

El concierto de la artista se llenó de magia desde el momento en el que la neozelandesa abandonó a Ella Marija Lani Yelich-O'Connor, la persona detrás de la icono, y se transformó en la guía de las miles de personas que la vitoreaban a escasos metros. Es algo que Lorde hace sin pretenderlo, puesto que siempre se ha esforzado por no ser ese tipo de referente, evitando los focos y el ruido mediático, y optando por vivir lejos de las alfombras rojas de Hollywood tras descubrir lo que conlleva la fama. En el escenario, no obstante, es capaz de cambiar todas las facetas de sí misma. Es lo que hace que uno no pueda cambiar la dirección de la mirada. Todas las pupilas le pertenecen.

“He sido el hielo, he sido la llama / He sido el premio, la bola, la cadena / He sido el dado, la bola mágica”, ha declarado Lorde en la interpretación de su exquisita Shapeshifter, perteneciente a su último disco, Virgin (2025). La canción es uno de sus himnos más recientes, una realidad que se nota cuando la gente recibe el final como la máxima de las confesiones de su ídolo: “No, no me afecta / Pero esta noche solo quiero caer”. Pero la fiesta no podía terminar sin las extraordinarias Supercut o Ribs, esta última interpretada mientras era arropada por la audiencia y daba la mano a los fans de las primeras filas.

El espectáculo de la artista ha estado marcado por las altas temperaturas, pero la religión que ha creado Lorde en torno a su trabajo ha sido suficiente para que cualquier gota de sudor mereciera la pena. “Hace mucho calor”, ha dicho Lorde en un perfecto español. Más adelante, la compositora ha aprovechado para criticar las gafas Ray-Ban Meta, patrocinadoras del festival, que sirven para capturar fotos y vídeos en primera persona, escuchar música y realizar llamadas sin usar las manos. “Cada vez es más difícil saber si algo es real. Ya no sabes si alguien lleva gafas de sol o si lleva esas jodidas gafas de mierda...”, ha alegado. Lorde, la diosa que de adolescente le añadió una 'e' al término masculino Lord para coronarse a su manera, invitó a sus seguidores a rezar... y claro que sus seguidores rezaron.

Sin embargo, si la religión permaneció en el recinto del Mad Cool es porque hubo más de una predicadora. La noche tiene ese sabor al misticismo de la iglesia, ese olor a lo sagrado de los libros. Y la noche tuvo como dueña a Florence and the Machine. La banda, capitaneada por la ya legendaria Florence Welch, ha estado hasta cuatro veces en Madrid, la última siendo en 2022 en el propio Mad Cool. No es de extrañar que apenas necesitaran de las estrellas, ocultas bajo las nubes durante gran parte de su actuación, ya que no hubo instante durante el concierto del grupo que la audiencia no estuviera sumida en una profunda hipnosis.

La sola presencia de Florence Welch sobre las tablas lograba cortar la respiración. Descalza y girando sobre sí misma como si fuese su último día sobre los escenarios, la británica destiló presencia en un espectáculo que calificarlo como tal se queda hasta corto. Lo de la artista es un homenaje a la música en todas sus formas. La inicial Everybody Scream ya era toda una declaración de intenciones: o gritas o gritas. Y no únicamente eso: “Todos a bailar / Todos a cantar / Todos a moverse”. Supuso un espléndido inicio antes de continuarlo con el himno Shake It Out, que todavía en 2026 sigue invocando las lágrimas de quien lo escucha. Así es el torbellino de emociones de la banda.

La cantante brilló con su tema Spectrum, aupada por una preciosa melodía de violín y piano que encendió los ánimos antes de provocar una pura catarsis colectiva durante Hunger, donde miles de personas respondieron al unísono con palmadas. No obstante, la misa de Florence and the Machine no podía acabar sin su respectiva comunión: Welch, dejándose caer de rodillas, se cargó de dramatismo en King para reclamar su trono. “No soy una madre, no soy una novia, soy un rey”, ha asegurado al alcanzar el estribillo de la canción. La devoción llegó a su punto de no retorno en What Kind of Man, un tema que explotó de forma salvaje tras la primera estrofa con un simple rasgueo del batería.

El ritual de la banda se consumó durante la puesta en escena de Rabbit Heart, cuando Welch invitó a los fans a subirse a los hombros de otros, llenando el horizonte de muchas cabezas sobre otras. No importaba que la persona de delante tapase durante varios minutos a la de atrás o que quienes se sostenían no se conocieran de nada, las canciones tienen estas cosas y su sacerdotisa sabía prender la mella de la magia como ninguna otra. Este es el refugio de la música contra la tormenta, y que haya quien lo saque a relucir con tanta proeza la misma jornada en la que ocurre el fallecimiento de la mítica Bonnie Tyler lo hace aún más valioso.

Un artista más grande

Canta Taylor Swift en The Tortured Poets Department (2024) que “Charlie Puth debería ser un artista más grande”. Como si quisiera demostrarlo, el cantante salió tras el teclado dispuesto a jugar con él como si se tratara de una mesa de mezclas. Es poco común ver a grandes estrellas cantar con las gafas de vista, pero el estadounidense parecía no querer perderse ni un solo detalle de lo que ocurría en el foso. Tras apenas un tema, se puso una gorra para afrontar el calor y recordó que, en efecto, había “pasado mucho tiempo” desde su última visita a la capital. En concreto, una década. Pese a ello, el público coreó de memoria su memorable We Don't Talk Anymore y respondió complacido a su show.

Menos gracia tuvo el espectáculo de Jennie, aunque no precisamente por su enorme producción. La integrante de Blackpink, uno de los reclamos más fuertes de la jornada, otorgó un concierto que quedará pronto en el olvido fuera de su base de fans. Apenas se la escuchó, con los coros sonando a todo volumen, y a sus bailes les faltó autenticidad. Era difícil creer lo que veías y no por admiración, sino por la pretenciosidad que derrochaba. Los fans, eso sí, hacían que el plato fuera más digerible gracias a su increíble pasión. La mayoría acudió con un martillo de corazón y estrellas, un tipo de barra de luz que se ha convertido en un accesorio fundamental para los seguidores de la banda, que utilizaron para iluminar el recinto.

El día también acogió el soul contemporáneo de Teddy Swims, soberbio en directo al desnudar su voz en la balada Some Things I’ll Never Know, y la purpurina de Zara Larsson. Esta última, ya considerada una diva del pop, se subió a un coche rosa sobre el escenario, se hizo un selfie con la multitud a sus espaldas y se escudó en sus coreografías para divertir a la audiencia. Aunque su fenómeno solo ha explotado en España con una o dos canciones, casi todo el público —y no había precisamente pocas personas— tarareó todos los temas, incluso los que no lucían interesados en su espectáculo —un ejemplo de la gran cantidad de asistentes extranjeros, que se encamina a alcanzar el 40%—. Ambos también dejaron huella como constelaciones del Mad Cool, que no han tenido mejor guía que la luz del sol y la luna de Lorde y Florence and the Machine.

Este jueves el mundo de la música despide a Bonnie Tyler, que ha fallecido este miércoles 9 de julio en Faro (Portugal) donde residía, al no haber podido recuperarse de una operación de intestino a la que se sometió el pasado mes, que la llevó al coma, y que ha acabado finalmente con su vida, según ha informado su familia.

Conocida por éxitos como It's a Heartache, Total Eclipse of the Heart y Holding Out for a Hero, la cantante británica deja un legado de más de cuatro décadas de carrera, además de una distintiva voz rasgada que no tuvo desde el principio, sino que fue el efecto secundario de no haberse recuperado de una intervención en las cuerdas vocales.

El origen de la voz rasgada de Bonnie Tyler

Nacida como Gaynor Hopkins en seno de una familia humilde de Skewen, en Gales, su madre le inculcó el amor por la música, siendo ella parte del coro de la iglesia local. Aquella chica que comenzó su carrera en 1976 después de que se le ofreciera un contrato discográfico por parte de RCA Records, nada tenía que ver con la voz que más tarde se convertiría en el sello de Bonnie Tyler.

Después de cambiar su nombre a uno artístico que creó recopilando nombres y apellidos de la Biblia, la joven se encontraba promocionando sus primeros sencillos My my Honeycomb y Lost in France cuando notó que su voz estaba cambiando debido al esfuerzo vocal.

Fue entonces cuando la sometieron a pruebas y le detectaron nódulos, lo que la llevó a operarse. Tras esto, se le pidió reposo, pero ella cuenta que desobedeció de forma involuntaria y que esto provocaría esa voz rasgada que tan característica se convirtió. En su biografía, Straight from the Heart, explicó que se encontraba de camino al hospital para ver a su hermano Lynn, ingresado por una lesión en la pierna, cuando se dio cuenta que se le había olvidado llevar una bolsa de fresas que le había preparado.

“Estaba tan frustrada de tener que conducir de regreso a casa, que solté un grito de '¡Oh, no!'. Cuando fui a una revisión con el especialista, me miró y me dijo: ‘Podrías haberte causado un daño permanente’”, reveló la fallecida artista.

Sin embargo, cuando se curó la herida, junto a su productor David Mackay descubrió su nueva voz ronca y sorprendentemente les gustó el resultado, de hecho, él llegó a decirle que era la “versión femenina de Rod Stewart”. Y es que ambos se dieron cuenta de que al cantar ella adoptó un tono ligeramente más oscuro, melancólico, capaz de aportar una calidez natural e innata que redondearía éxitos como It's a Heartache, donde su comienzo obtiene una crudeza de intensidad emocional que no se conseguiría con arreglos o de otra forma.

El paralelismo entre Tina Turner y Bonnie Tyler

Un hecho también no tan conocido es la curiosidad de que una de las canciones más famosas de Tina Turner, The Best, se trata precisamente de una versión de Bonnie Tyler, que la cantó en 1988 y llegaría a ser top 10 en Noruega, Portugal, así como éxito menor en España y Reino Unido, pero la norteamericana la convertiría en un himno internacional.

Una historia que las conecta directamente, pero también el hecho de que la propia Bonnie Tyler la ha citado como una referente con la que creció escuchándola, y además, en sus comienzos cantó versiones de Ike & Tina Turner como Nutbush City Limits, que haría que fuera descubierta para firmar un contrato discográfico que daría lugar al comienzo de una trayectoria de más de cuatro décadas de una voz que se ha apagado este julio de 2026.

Bonnie Tyler ha fallecido este miércoles en Faro (Portugal) a los 75 años, según ha informado la propia familia de la artista británica. La cantante de éxitos como It's a Heartache, Total Eclipse of the Heart y Holding Out for a Hero, no logró recuperarse de la enfermedad por la que fue hospitalizada el mes pasado.

Tyler, cuyo nombre real era Gaynor Hopkins, nació el 8 de junio de 1951 en la ciudad galesa de Neath, en Reino Unido. El amor por la música se lo infundó su madre, Elsie, que era una gran admiradora de la ópera y cantaba en el coro de una iglesia local.

Janis Joplin y Tina Turner fueron dos de las voces con las que Bonny Tyler se crio; y con diecisiete años logró quedar segunda en un concurso de talentos interpretando Those Were the Days de Mary Hopkins y I Can't Stop Loving You de Ray Charles. Dos años después formó su propia banda, Imagination, con la que tocó en bares y clubes del sur de Gales, bajo el nombre de Sherene Davis.

Roger Bell la descubrió durante una de sus actuaciones, impresionado por su talento. De ahí viajó a Londres para grabar algunas demos y meses después firmó con RCA Records. Allí le recomendaron que se buscara un nombre más potente, y se decidió por Bonnie Tyler. My my Honeycomb y Lost in France fueron sus primeros sencillos. Tras el lanzamiento de ambos, la cantante tuvo que someterse a una operación de nódulos en las cuerdas vocales. Su médico le ordenó que no hablara durante varias semanas, pero Tyler no le hizo caso. Su 'desobediencia' fue la que generó el sonido rasgado e inconfundible de su voz que le acompañó durante el resto de su carrera.

La artista fue galardonada con el premio Brit a Mejor artista revelación británica en 1977, aunque su salto a la fama mundial fue un año después, gracias al éxito de It's a Heartache. Tyler estuvo ligada a RCO hasta el álbum Goodbye to the Island, que publicó en 1981, y grabó principalmente en el Algarve, Portugal. El tema Sitting on the Edge of the Ocean ganó en el Gran Premio del Festival Yamaha Music celebrado en Tokio en 1979. Descontenta con sus anteriores productores, al expirar su contrato fue en busca de nuevos, y acabó proponiéndoselo a Jim Steinman, con quien terminaría alcanzando la cima de su carrera.

Su primera obra juntos fue el hit Total Eclipse of the Heart, al que siguió el disco Faster Than the Speed of Night. Canción y álbum fueron nominados al Grammy.

Su siguiente trabajo discográfico, Secret Dreams and Forbidden Fire incluyó otro de sus grandes éxitos, Holding Out for a Hero. La cantante grabó Hide Your Heart con Columbia Records en 1988 y posteriormente Bitterblue con Hansa Records, tras establecerse en Alemania. Le siguieron Angel Heart (1992) y Silhouette in Red (1993). A finales de los noventa, la artista firmó con una nueva compañía, East West Records, con quienes fusionó pop con música celta en su álbum All in One Voice.

Tyler continuó saliendo de gira, grabó un disco de covers con la orquesta filarmónica de Praga, y en Wings apostó por involucrarse por primera vez activamente en el proceso de composición de su álbum, eminentemente pop. En 2013 sumó un nuevo hito en su trayectoria, representando a Reino Unido en Eurovisión con Believe in Me. Obtuvo el puesto 19. En Malmö, ciudad en la que se celebró el certamen ese año, protagonizó un divertido encuentro con la delegación española. La artista compartió escenario con El sueño de Morfeo en los conciertos previos a la gran final, donde les recibió con ánimos y a grito de: “¡Que viva España!”.

Tyler lanzó otros dos álbumes más, Rocks and Honey en 2013 y Between the Earth and the Stars en 2019, y siguió recorriendo escenarios y actuando en televisión. Hasta su complicación intestinal, seguía a pleno pulmón. Actualmente estaba de gira, de hecho, tenía previsto tocar en Malta el 22 de mayo y en Alemani el día 30.

A comienzos del verano de 2011, había una canción que se había colocado entre lo más escuchado y de lo que no se podía escapar durante todo ese mismo año, además de que aupó a lo más alto a su interprete, que luego tocaría también el número uno de todo el mundo con colaboraciones con Jennifer López, Enrique Iglesias o Christina Aguilera.

Hablamos de “Give Me Everything” de Pitbull, que era número uno en España hace 15 años, justo al comienzo del verano, en el que sonó como uno de los temas veraniegos, y que lo consolidó como una de las estrellas de la música de la década de los 2010, que certificaría con otros como ‘On the Floor’ o ‘Feel this Moment’.

El número 1 que consolidó el éxito de Pitbull

El mezclar el hip hop con el reggaetón hizo a Armando Christian Pérez, músico de Miami de ascendencia cubana más conocido como Pitbull, todo un número uno a nivel mundial, al generar un sonido original y característico que le llevó a acumular varios éxitos durante la década de los 2010, aunque su carrera había comenzado mucho antes, en 2004, con el lanzamiento de su primer disco 'M.I.A.M.I.'.

Sus primeros temas conocidos, sin embargo, llegaron entre 2008 y 2009 con “I Know You Want Me” y “Hotel Room Service”, que alcanzaron el top 10 de la lista Billboard Hot 100 y lo hicieron reconocido a nivel internacional. Aunque tendría que esperar hasta 2011 para que “Give Me Everything” lo consolidara como estrella musical y obtuviera el número 1 de la lista Billboard, rompiendo el récord de Adele con “Rolling in The Deep” y con la que puso fin a la racha de artistas femeninas en lo más alto, la segunda más larga de la historia hasta la fecha.

En canción contó con la colaboración del rapero Ne-Yo y la cantante y modelo Nayer, también de origen cubano, que acompañaron a Pitbull en las voces, y con una producción a cargo de Afrojack. El tema todo un fenómeno, no solo en Estados Unidos, sino a nivel internacional, con España incluida. Así, no extraña que su videoclip en Youtube haya sido uno de los que ha llegado a los mil millones de visualizaciones, entrando en el selecto club del ‘Billion Views Club’.

La cosa no se quedó ahí, pues en ese mismo 2011, Pitbull colaboró con Jennifer López en el que fue otro de sus éxitos más reconocidos, “On the Floor”, y con la que la artista revivió su carrera. A ella le siguieron colaboraciones con otros artistas como Enrique Iglesias con “I Like It”, que también llegó al top 5 de Billboard y “Feel This Moment” con Christina Aguilera, que grabada en 2011 no fue publicada hasta 2013.

Una segunda vida gracias a ‘Los Bridgerton’

“Give Me Everything” tuvo una segunda popularidad en 2024, cuando apareció en la primera parte de la tercera temporada de ‘Los Bridgerton’, que tiene como una de sus características el uso de canciones pop dentro de su trama de ficción histórica. La canción de Pitbull aparece en una de las escenas más memorables, cuando Colin y Penelope se encuentran en el carruaje.

De hecho, el artista no dejó escapar la ocasión para comentar este hecho en sus redes sociales: “Esto le demuestra una vez más al mundo que la música es el lenguaje internacional que trasciende fronteras y cómo una canción de éxito puede seguir siendo actual”, escribió a la vez que agradecía a Netflix la oportunidad.

Madonna tenía 24 años cuando lanzó su primera canción en solitario, Everybody. Era 6 de octubre de 1982, fecha que cambiaría para siempre la historia de la música. Nacía la que terminaría convirtiéndose en la 'reina del pop'. Soberanía que su majestad mantiene más de cuatro décadas después en las que, con ahora quince álbumes de estudio a sus espaldas, ha compuesto himnos como Like a Prayer, Like a Virgin, Vogue, Hung Up y La Isla Bonita.

Pero su legado no se ha limitado únicamente a su talento como artista. Madonna rompió los moldes del mainstream, transgredió a nivel sexual, tomó las riendas de toda su corporalidad y look, y dio visibilidad al sida cuando era un tabú envuelto en estigmas, ha desafiado al Vaticano y ha subido la bandera palestina al escenario de Eurovisión en Israel.

“Siempre ha abierto camino”, afirma Eduardo Viñuela, Doctor en Musicología y autor de la biografía Bitch She's Madonna (Dos Bigotes). Un camino que sigue ampliando con el lanzamiento de su nuevo disco, Confessions II, este viernes, siete años después del anterior, a punto de cumplir 68.

“Está haciendo algo que no ha hecho nadie, que es envejecer siendo mujer en un género musical como el pop. No estamos hablando de una artista de country, ni de blues, ni de jazz, sino del pop, que siempre se asoció a la juventud”, valora el experto, que incide en que la cantante ha sido y es diana de edadismo: “Se le ha criticado mucho, cuestionando que por qué no se retira; que además tiene un componente de género, porque desde luego no es algo que le digan a Bruce Springsteen”.

Leyre Marinas, publicista y Doctora en Periodismo, analizó en Fucked Feminist Fans. Los orígenes del #MeToo desde la cultura pop musical (Dos Bigotes) las conexiones que han existido en los últimos treinta años entre la música, los movimientos feministas y el sexismo divulgado por los medios de comunicación, en las que Madonna cuenta con su propio apartado.

Para la investigadora, la artista “ha sufrido y sufre todas las normas de vigilancia y control sobre absolutamente todo lo que pueda atravesar a cualquier mujer. Ya sea por edadismo, su sexualidad, su talento, sus creaciones, su poder dentro de la industria musical y su influencia. Las críticas siempre han sido sexistas. No encontrarás a ningún hombre del pop, rock o cualquier otro género al que le digan 'deja de ocupar este espacio'”.

La doctora en periodismo incide en que desde el inicio de su carrera, la artista “obligó a que la sociedad se hiciera preguntas muy incómodas dentro del papel de las mujeres en la industria musical y los videoclips. Mostró su sexualidad sin estar subordinada a la mirada masculina. Siempre enseñó su deseo como herramienta de poder y de liberación; y a ella misma como mujer ambiciosa dentro de la industria. Eso rompía muchísimos esquemas”. “Su gran aportación fue demostrar que las mujeres podían llegar al poder y al éxito”, suma.

El intocable trono de la 'reina del pop'

Desde que Madonna fuera apodada como la 'reina del pop', la industria musical ha contado con un radar particular sobre quién sería su digna sucesora, creando una necesidad de relevo, realmente inexistente, fruto de la competitividad entre las mujeres impuesta por patriarcado y capitalismo. Sin embargo, ella ha ido a la contra, poniendo el foco en generar precisamente lo contrario.

“Desde los ochenta le ha perseguido ese buscar a la siguiente reina para cuando hiciera falta el relevo generacional. Mientras tanto, ella ha reivindicado la unión y validación a las figuras del pop de cada momento”, apunta Eduardo Viñuela, haciendo referencia a su apoyo a Christina Aguilera, Britney Spears, Nicki Minaj, Sabrina Carpenter –con quien tiene una colaboración en su último disco–, Arca y Charli XCX.

“En vez de rivalidad, está creando sororidad”, añade el experto, que aplaude que a su vez ponga en valor a figuras del pasado, como Tamara de Lempicka y Liza Minnelli.

Leyre Marinas comparte su valoración, aplaudiendo que en ese 'ir por delante', Madonna ha sabido incluso “sacarle partido al jugo que podía haber en esa construcción cultural de la competitividad entre mujeres, de 'peleas de gatas'”, y cita como el gran epítome el icónico beso que se dio con Britney Spears en la gala de los MTV Awards celebrada en 2003.

“Fue un diálogo generacional. Una actuación plagada de safismo. No solo fue una provocación mediática, sino una transmisión simbólica de la reina del pop a su heredera. Ahora estamos más acostumbrados a ver colaboraciones y halagos entre artistas, pero en su momento rompió con ello bastantes esquemas”, reivindica.

El poder político de Madonna

Más allá del éxito de su música, Madonna siempre ha llevado el significarse políticamente por bandera, que en numerosas ocasiones ha derivado en polémicas. Uno de sus grandes hitos fue dar visibilidad a la lucha contra el sida en los ochenta, rompiendo por completo con el tabú que suponía en ese momento. “Fue un gran altavoz de este problema en un momento en el que estaba muy escondido”, recuerda y menciona otros hitos controvertidos como sus enfrentamientos con el Vaticano. “Al mercado no le interesa mucho cuando alguien mete mucho el dedo en la llaga, pero le ha dado igual”, explica.

El videoclip de Like a Prayer, que culminaba con la cantante bailando rodeada de cruces en llamas fue dio mucho que hablar en 1989, al que siguió que, un año después, Madonna llegara a ser amenazada por la Policía. Varios agentes le advirtieron de que si volvía a simular una masturbación durante su interpretación de la misma canción en un concierto en Canadá, sería arrestada por escándalo público. Por supuesto su reacción fue hacerlo aún con más empeño que sus actuaciones previas.

En su 'idilio' con la Iglesia faltaría sumarle el lanzamiento de la canción Papa Don't Preach en 1986, en el que hablaba sobre una adolescente que decidía seguir adelante con su embarazo, y que durante su tour internacional en 1987, dedicó al papa Juan Pablo II, que la institución entendió como una provocación directa, ofensiva e irrespetuosa.

En 2019 protagonizó otro momento histórico, esta vez sobre el escenario de Eurovisión. Con Israel como sede del concurso, la cantante incluyó en su puesta en escena a dos bailarines subiendo una escalinata cogidos de la mano, con la bandera de Palestina e Israel cosidas en la espalda. “La música hace que la gente esté unida”, había dicho la artista durante la gala. El gesto no gustó en el país anfitrión, cuya ministra de Cultura calificó de “error inapropiado”.

Madonna volvió a significarse sobre el genocidio en Gaza. De hecho, incluyó un alegato en su gira mundial de 2023. “Podemos unirnos de una forma oscura y malvada, o podemos unirnos para crear un espacio de luz y amor. Y si todos tenemos esta conciencia colectiva, podremos cambiar el mundo y traer paz no solo a Oriente Medio, sino a todo el mundo”, expuso durante sus shows.

“No se ha valorado nada político de lo que ha hecho”, critica Leyre Marinas, mencionando el citado beso con Britney Spears, pero también en su reivindicación de la sexualidad femenina, el feminismo en sí, la visibilidad sobre el colectivo LGTBIQ+ y rechazo al racismo. La Doctora en Periodismo considera que muchas veces la sensación de 'polémica' haya “eclipsado a veces el contexto sociocultural y político en el que han ido sucediendo”, empezando por el marco que acompañó el lanzamiento de cada uno de sus discos, que provocaron que discos como Erotica (1992) fuera todo un escándalo.

Leyre Marinas critica que hasta hay quien ha leído sus polémicas como “incluso individualistas, o meras provocaciones de una artista que se ha subido a un escenario con un talento y éxito mundial, y que, sin embargo, no se le ha tomado en serio”. La investigadora apunta que “ocurre siempre como reacción a cualquier acción de mujeres o colectivos discriminados, que parece que pasan sin pena ni gloria, pero han funcionado igualmente como intervención cultural, de representación y visibilidad”. “Esto también ayuda mucho a entender por qué Madonna sigue siendo una figura imprescindible dentro de la historia del pop y de la industria del entretenimiento en general”, concluye.

La capacidad de “augurar” el futuro

La cantante publica este viernes Confessions II y hay una sensación generalizada de que el final de su carrera quede aún muy lejos, también para ambos expertos. “Madonna augura el futuro y el público obedece. Da igual hablar de la industria musical, la estética o el apoyo público a comunidades discriminadas; ella siempre ha ido un paso por delante de las mortales y es la que guía”, alaba Leyre Marinas.

Eduardo Viñuela destaca que en su nuevo trabajo podría haber optado por acercarse a “la línea de lo que se escucha, quizás algo más de reguetón, pero lo que está haciendo es reivindicar la música disco”. Madonna sorprendió a sus fans con un concierto sorpresa en Times Square presentando su disco a principios de junio, del que también adelantó un cortometraje de trece minutos, Confessions II - The Film, disponible en YouTube.

“En un momento en el que todo es muy fugaz y líquido, en el que todo son eras que pasan muy rápidamente, solo hay que ver cómo Taylor Swift o Rosalía cambian cada dos años de concepto; ella se mantiene en una línea que ha estado muy presente en su carrera”, considera, “todavía le quedan muchas cosas por decir, y eso que ya todo lo que lleva haciendo muchos años está por encima de lo que se podría esperar de un artista”.