“Te amarás a ti misma sobre todas las cosas. 'Me cago en Dios' estará en tu vocabulario de forma mandatoria. Santificarás 'La Fiesta'. La culpa siempre será de tu padre y de tu madre. No matarás (o sí). Te creerás invencible a pesar de que no te aguanta ni Dios. Robarás a las multinacionales y apoyarás el comercio local. Mentirás siempre que sea necesario. No querrás follar o solo querrás follar y te querrás ir. Dirás que no lo volverás hacer (pero lo harás otra vez)”. Esos son los diez mandamientos de Shego, un grupo de punk-pop que encarna con rebeldía el sentir de las jóvenes generaciones.

Compuesta por Raquel Cerro y Charlotte Augusteijn desde sus inicios en 2021, e incorporando más recientemente a Irenegarry y Elena Sabio, esta banda femenina se ha convertido en una de las voces más importantes del panorama musical nacional. Lo ha hecho, además, con la convicción de que no es necesario —ni se debe— moldear el discurso para agradar a todos los públicos. Shego utiliza sus letras para poner de manifiesto la incomodidad, llenando sus canciones de desahogo, rabia contenida e incluso violencia, de todas esas introspecciones que no cualquiera se atreve a expresar en voz alta.

El resultado de la nueva unión forjada por las cuatro ha sido un excelente EP que nace de la “pura desesperación”. Titulado Miau, el proyecto aborda la ruptura de la amistad a través del dolor, el rencor y la dulzura. “A veces duele más este tipo de ruptura que cuando cortas con tu pareja, porque al amigo crees que lo tendrás toda la vida”, reflexionan en la redacción de elDiario.es, donde aprovechan el lanzamiento de Amiamiga, Mala suerte y Casi no vivo para contarlo, los tres temas del EP, para conversar acerca de la paridad en la industria, la relevancia de los discursos reivindicativos o la imaginería cristiana como tendencia.

¿Cómo nacen los mandamientos de Shego?

Charlotte Augusteijn: Nos dimos cuenta de que hablábamos todo el rato de Dios en las canciones.

Raquel Cerro: Surgió de coña. Nos apetecía disfrazarnos, vestirnos de monja de rojo. Es divertido decirle a la gente: “Esto es lo que tienes que pensar porque lo digo yo y soy Jesucristo”. Y luego ya que cada uno diga lo que quiera.

¿Qué supone la tendencia de las canciones a contener imaginería religiosa?

RC: Nos tenemos que relajar con las iglesias, con Dios y con su puta madre.

Irenegarry: Esto habla mucho de la forma en que se consume y se produce a día de hoy, que sale una cosa y todo el mundo se empieza a relacionar con eso. Es bastante curioso porque me puedo creer que a tres personas les interese Dios, pero es que hace diez años a nadie le interesaba Dios o no lo decían tanto.

RC: A mí me genera peligro y me aburre. Me da un poco de palo pensar que gente tan importante a nivel social y cultural en este país está poniendo el foco en eso. Que cada uno puede ser creyente y me parece estupendo, si quieres ir el domingo a misa no te voy a decir absolutamente nada. Pero sí que me da palo pensar: “¡Hostia puta! ¿Y si de repente todo torna a esto?” Sobre todo porque estás perdiendo espacio para hablar de otras cosas. Tienes que ser reflexiva, pero luego chillar y volverte loca.

CA: Y esto no es beef a Rosalía, la amamos. Queremos ser su amiga.

I: También existe esta cosa del mainstream, y llegar al mainstream pasa muchas veces por poder aunar cuantas más cosas mejor y cuanta más gente diferente mejor. Esta estética religiosa, porque ni siquiera es contenido superreligioso, te hace tener a las modernas a las que les gusta un rosario y a las chavalas de derecho que están en Hakuna. Tienes una cosa que es capaz de conectar con mucha gente y ahí está lo que me chirría, ya que también está bien arriesgarse y ser nicho en ese sentido. Apostar por algo y saber que hay gente a la que no le va a entrar lo que estás diciendo.

Las posiciones de poder tienen que cambiar. Tiene que haber más promotoras mujeres, más bookers mujeres, más directoras de arte y de discográficas mujeres

Shego — Grupo musical

No es fácil hacerse notar en una industria muy masculinizada. ¿Supone un reto todavía mayor sacar adelante una banda así?

I: No lo sabemos porque no hemos vivido lo contrario. Tener un proyecto musical independiente, puesto que nosotras no estamos con una gran major ni tenemos una megainversión detrás, siempre es difícil porque no contar con un backup de 1 millón de euros para cualquier cosa lo complica todo. Hace que las cosas tengan que crecer poco a poco, con cariño y con esfuerzo. Aunque no sé si tanto por un hándicap de género, ya que el proyecto ha nacido en un momento en el que, gracias a Dios, ya estaban pasando muchas cosas que nos han allanado muchísimo el camino.

De hecho, que a nosotras se nos haya ocurrido tener un grupo para dedicarnos a la música también tiene que ver con verlo cerca relativamente, habrá muchos grupos de chicos a los que no les haya ido tan bien como a Shego. Es más una cuestión de trabajo, suerte, entender el momento y tener talento.

¿Cómo notan el tema de la paridad en la industria?

RC: Tratamos de no pensarlo demasiado para no quemarnos ni disgustarnos. Confiamos en que el trabajo bien hecho, la suerte y tener un buen equipo, que ya son muchas cosas, nos acabará situando donde queremos estar. De todas maneras, y también veo que es una preocupación de repente, ahora hay festivales solo de chicas y me toca las narices lo mismo. Siento que no cambia nada la situación.

I: Si te pones a pensar en quiénes son los propietarios de los festis, quién se lleva la pasta, sigue siendo la misma gente. Ese es el punto. Me da igual si me lo marketeas de manera feminista. Si el cambio no es mucho más profundo, el cartel en sí da lo mismo.

RC: Las posiciones de poder tienen que cambiar. Tiene que haber más promotoras mujeres, más bookers mujeres, más directoras de arte y de discográficas mujeres... Pero no por capricho, sino porque sería lo normal realmente.

¿Les da miedo que su discurso reivindicativo les cierre puertas?

Elena Sabio: Si se tiene que cerrar una puerta, que se cierre.

I: A mí me parece bien ir con la verdad por delante. Hay sitios donde no nos quieren y donde nosotras tampoco queremos estar.

RC: En realidad, lo importante es que la gente que nos escuche y que venga a los conciertos comprándose una entrada esté de acuerdo con lo que decimos y esté cómoda. Si se cierra la puerta de un festival por decir lo que estamos diciendo, que no es ninguna barbaridad, no pasa nada.

I: O si no nos llama el PP para tocar, pues qué pena, es lo que hay.

¿Las salidas y reconfiguraciones en un grupo aportan frescura, o hay algo que se rompe?

RC: Es superdivertido poder empezar de cero, aunque no sea de cero exactamente, así que es un reto.

CA: No es aprovecharlo en el mal sentido, sino en el bueno. Cada vez que entra alguien nuevo, aprendes cosas de otras personas y también de ti misma, reaccionas a diferentes personalidades. Eso también forma parte de nuestro crecimiento, al fin y al cabo.

I: El equilibrio y el engranaje de un grupo es muy delicado. De hecho, no hace falta que entre o salga alguien para que algo cambie. Puedes estar en un grupo un montón de tiempo, pasar por un mal momento y que tu grupo lo note. Este equilibrio es delicado, pero los cambios traen descubrimiento, y eso es muy guay.

Estas separaciones cada vez son más frecuentes. ¿A qué se debe?

ES: Ha pasado siempre. Esto al final es un trabajo y te preguntas: “¿Este es mi trabajo para toda la vida?”. A lo mejor quieres cambiar de aire y dedicarte a la agricultura, nunca se sabe. Tampoco es cuestión de estar aquí, esclavo, para toda la vida, si es algo que no quieres o no sientes.

I: Muchos grupos que nos gustan son grupos que han tenido cuatro o cinco formaciones y que han cambiado su sonido de acuerdo con esas formaciones. Quizá esto es algo que fuera de España se vive con más naturalidad que en España, porque de alguna manera aquí nos personalizamos mucho en la gente. Necesitamos ver las caras visibles de la gente y depositamos mucho sobre esas figuras. Fuera de España el tejido es más amplio: la gente es fan, pero de una forma más fluida, con una apertura mayor a que las cosas cambien. Y también, y no digo que sea un efecto llamada, puede que si estás en un grupo y de pronto ves que irte es una opción, pues te pires.

¿Sienten que con su discurso van en contra de lo que la sociedad puede esperar de un grupo femenino?

RC: Me cuesta pensar en qué es lo que se espera de una mujer. Hay tanta información, tantas cosas terribles que están pasando... Pero luego hay gente que sigue resistiendo, gente superjoven que tiene un discurso tan claro y tan potente. Supongo que habrá gente a la que le moleste un montón las personas que somos.

En Curso avanzado de perra cantan “Quiero enseñarte lo que espera todo el mundo de ti / Ir al contrario para hacerles un poquito sufrir”.

RC: La idea en realidad era hacer una canción para mi sobrina recién nacida, como una especie de nana o cuento. Consistía en explicarle el mundo en el que se está metiendo, y caerá cuando la escuche con 15 años. Sabe que la canción es para ella y sale la risilla suya al final.

En esa canción también cantan “Hoy me he levantado y he elegido violencia”. ¿Es importante la violencia?

RC: Irene y yo acabamos de apuntarnos a boxeo, así que, a partir de ahora, mucho más violentas.

CA: No sé si violencia, pero agresividad sí que se necesita un poco.

I: Es inevitable y ni siquiera hay que premeditarlo demasiado si algo te genera violencia o si sientes que la estás sufriendo. La respuesta que articules a esa violencia puede ser muy poco física, pero es interesante relacionarse con la violencia porque es algo que está ahí y que no puedes evitar.

RC: A veces hay que estar cabreada. Es importante y salen cosas preciosas de estarlo.

¿Es difícil vivir de la música, incluso para un grupo como Shego?

ES: Depende de cuánto estés dispuesto a vender tu alma.

RC: Lo más complicado es mantenerse independiente y poder vivir de lo que te gusta. Cuando los proyectos crecen, tienes un tipo de atención por parte de la industria por el que se te hace muy goloso decir sí a ciertas cosas. Pero esas cosas te traen compromisos que en realidad no quieres. Hoy está ligado muchísimo a la idea del influencer, de la publicidad, y nosotras no estamos tan interesadas en ser ese perfil. Depende de a lo que estés dispuesto a hacer como músico.

CA: Estar en la ola y surfearla es complicado. A veces estás arriba y otras abajo. Tienes que gestionar el dinero, gestionar mentalmente la atención que te dan y la que te quitan... Tienes que prepararte psicológicamente para toda esta montaña rusa y para saber que tu trabajo nunca va a ser estable. Psicológicamente hablando, tienes que prepararte mentalmente para toda esta montaña rusa.

Escuchaba la música de Bad Bunny a escondidas de sus padres. Lo hacía cada mañana, al salir de casa, a través de los auriculares con los que ponía rumbo a uno de los colegios católicos más prestigiosos de Puerto Rico. Lian Molina tenía tan solo 13 años en aquel entonces. “Eran canciones que hablaban de sexo, de alcohol, de cosas sobre las que nadie quiere que escuche su hijo”, rememora la joven, que no supo de la existencia del artista hasta que no entró en ese centro y habló con sus compañeros. “Que llegara nueva y conociera todo esto en un sitio bastante conservador, donde no debían gustar mucho las letras de Bad Bunny, no me lo hubiese esperado nunca”, confiesa.

El punto de inflexión tuvo lugar en la fiesta de fin de curso. “Los papás no querían que pusiéramos esa música, y me acuerdo de que al final de la fiesta, uno de los nenes la apagó, sacó el celular y puso esas canciones, que coreamos a todo volumen”, explica Molina. Aquello sucedió, además, con los padres delante. Fue un acto de rebelión que hoy se torna una metáfora de la trascendencia global que Bad Bunny ha alcanzado en todo el planeta. Tanta, que Lian Molina tiene ahora 23 años y es su padre quien le pone esas canciones: “Es fanático. Me ha pasado que me monto en el carro, son las siete de la mañana y él ya está poniendo a Bad Bunny. ¡No quiero escuchar a Bad Bunny a esa hora!”.

El cantante puertorriqueño también era el secreto de Carlos D. Matos, de 22 años. “No me atrevía a decirles a mis papás que a mí me gustaba”, afirma a elDiario.es. “A pesar de que lo escuchaba, no lo decía. En Puerto Rico somos una sociedad reservada y ellos veían que él se exponía mucho”, explica. Pero con el lanzamiento de Debí tirar más fotos (2025) y su residencia de conciertos en Puerto Rico algo cambió: “Se emocionaron, se adentraron en su carrera y les llamó la atención”. Tal fue la efervescencia, que sus padres acabaron yendo con él a uno de sus espectáculos. Una efervescencia que llega este viernes a España, con la primera de las doce citas que el rapero tiene programadas en el país.

Bad Bunny actuará dos veces en el Palau Sant Jordi de Barcelona y hará lo propio hasta en diez ocasiones en el estadio Metropolitano de Madrid. En total, más de 600.000 entradas vendidas. Sin embargo, los puertorriqueños han sido los primeros en poder disfrutar de este evento, ya que Bad Bunny dio hasta 31 conciertos en la isla el año pasado. Matos celebra la “oportunidad de compartir el aspecto musical de nuestras vidas con la familia”: “Nos unió a mis padres y a mí. Debí tirar más fotos habla mucho de nuestra cultura, permite dialogar sobre cómo era Puerto Rico en los tiempos de mis padres, cómo es ahora... Bad Bunny nos brinda ese espacio”.

Dicho espacio ha logrado reforzar el sentimiento de pertenencia puertorriqueño. Karely E. Santiago, de 28 años, también pudo asistir a la residencia del intérprete y siente que “trasciende la música”. “Desde muchas décadas atrás han intentado borrar nuestra identidad. La gente no se da cuenta de que los que nos han colonizado nos han hecho más mal que bien, pero esta carta de amor que hizo Bad Bunny para Puerto Rico nos hace darnos cuenta que hay que estar orgullosos de ser quienes somos y de lo que hacemos”, cuenta sobre el último álbum del artista, que entrelaza la nostalgia por los seres queridos con la defensa de la identidad boricua, abordando temáticas como la gentrificación y el miedo al desplazamiento.

“He pecado creyendo de pequeña que la gente de EEUU era mejor que nosotros, pero Bad Bunny ha abierto la puerta a conversaciones como esta”, agrega Santiago, “y verlo en la Super Bowl, especialmente en esa última parte donde reúne todos los países de América, te enseña que nosotros somos una potencia brutal, que no lo es solamente EEUU”. Es una sensación muy similar a la que ha experimentado Adriana Rivera, de 22 años, que considera que “la relación de Puerto Rico con EEUU es de aspiración”: “El país ha tratado de asimilar lo más posible a EEUU y eso influye mucho cuando uno se está criando. No quieres decir que eres puertorriqueño, quieres decir que eres estadounidense”.

Un ejercicio de memoria histórica

Homenajeando las raíces puertorriqueñas, Bad Bunny ha servido como nexo de unión entre diferentes generaciones. Un ejemplo de ello es la casa que utiliza en sus conciertos, de los años 60 y 70 en Puerto Rico, que representa el cambio del mundo más rural al más urbano en el país. El historiador Rafael L. Cabrera, de la Universidad de Puerto Rico, explica a este periódico que Bad Bunny “mueve estos símbolos nostálgicos hacia el presente y juega con ellos”. “La gente lo achaca a que está revisando la historia del país, pero él realmente no está haciendo nada de historia. Lo que está haciendo es memoria histórica”, apunta.

Cabrera destaca que el cantante “ha despertado la sensibilidad y la curiosidad por la cultura puertorriqueña en muchos jóvenes”, algo especialmente importante en un contexto en el que, como país, reclaman haber sido “vapuleados por la retórica de EEUU”. “La pregunta que surge muchas veces es: '¿Por qué esto se ha invisibilizado?'”, reflexiona el historiador, que ahora utiliza en sus clases elementos que Bad Bunny incorpora en sus canciones para enseñar sobre el pasado. Entre quienes lo han notado, Lian Molina: “En todas mis clases de este semestre mis profesores buscaron una manera de integrarlo. Ahí es donde ves que no es un cantante más, que es una revolución en la universidad”.

El artista conecta esencialmente con los jóvenes, una generación que ha crecido en una burbuja de crisis. “Desde el siglo XXI estamos tolerando y resistiendo un tipo de recesión económica, por lo que ellos se preguntan cuál es su futuro en esta situación, cómo hemos llegado a esto”, comenta Cabrera, señalando que “ellos son las consecuencias” y que Bad Bunny les ha impulsado a abordar estos problemas “con otras generaciones”. De hecho, Bad Bunny tituló su residencia No me quiero ir de aquí, una referencia a quienes se ven obligados a abandonar Puerto Rico en búsqueda de nuevas oportunidades. Para Karely E. Santiago, estos gestos importan: “Son pequeñas cosas que nos dan vida para seguir luchando”.

La joven indica que “convivir en Puerto Rico es un acto de resistencia, ya que a veces muchas personas se van con dolor en el alma por otros trabajos donde les pagan mejor o por otra calidad de vida, pero siempre con el orgullo de ser puertorriqueños”. “Ahora mismo nuestro sistema público de la universidad también está en juego y siento que estos son recordatorios de seguir resistiendo”, añade. Aun así, la economista Indira Luciano, de la Universidad de Puerto Rico, enfatiza que es importante que los jóvenes miren desde el contexto actual cómo se puede mejorar el país, pero sin romantizar lo anterior. “Antes, la situación no era la mejor posible en aspectos políticos y económicos, así que no se trata de volver atrás”, detalla.

Unidos por el español

Asimismo, Bad Bunny ha demostrado que se puede alcanzar el éxito internacional desde una expresión lingüística natural. Maia Sherwood, directora del Tesoro Lexicográfico del Español de Puerto Rico y autora de un diccionario de Debí tirar más fotos, declara a este periódico que escucharlo hablar en español ante medios anglosajones “se ha sentido como una gran validación para los puertorriqueños, pero también para todos los hispanohablantes que han pensado en alguna ocasión que 'no hablan bien'”, transmitiendo un “sentido de dignidad y poder propio a los puertorriqueños y todos los otros pueblos americanos y caribeños”.

Sherwood resalta que “Bad Bunny es un ejemplo de alguien que se ha asumido tal cual es y que, desde ahí, ha manifestado una creatividad espectacular, junto con otras acciones que también son buenos modelos: el establecimiento de puentes intergeneracionales, la colaboración y el apoyo a grupos que solo necesitan un empujoncito para descollar, el poner a Puerto Rico primero”. El reguetonero ha acuñado palabras y frases que resuenan con la experiencia de muchos jóvenes puertorriqueños, como 'P fucking R' y 'Puerto Rico está cabrón', que la lexicógrafa describe como “emociones intensas que van desde el amor profundo por el país hasta la frustración desesperada con la administración de los gobiernos, local y federal”.

“Los jóvenes reclaman honestidad y aceptación de las cosas tal cual son. Esa mirada sin juicio a nuestra experiencia particular, con sus contradicciones, puesto que muchas cosas que los extranjeros no entienden son absolutamente naturales para nosotros, es el punto de partida para plantearnos quiénes queremos ser”, reclama Sherwood. Y el artista, como concluye Indira Luciano, invita a ello sin aludir únicamente a los jóvenes: “Bad Bunny no era alguien a quien pudieran escuchar las abuelitas y los abuelitos, pero unió generaciones a través de su figura, de su álbum y de sus canciones. Hasta los mayores están mirándolo porque lo que canta hace a todos sentirse identificados”.

Es una de las melodías más reconocibles de Rihanna y una de sus diez canciones más exitosas, sobre todo después de su remix y colaboración con Britney Spears. Pero, a su vez, es también una de sus mayores polémicas, con un video que fue censurado en 11 países y restringido en YouTube. De hecho, hasta las radios pidieron en su día una versión para hacerla sonar durante el horario diurno. Hablamos de “S&M” y que se colocó un 21 de mayo de hace 15 años, en 2011, número uno en la lista de los 40 principales en España.

La polémica y censura a Rihanna por “S&M”

“S&M” fue el cuarto sencillo del disco ‘Loud’ de 2010, lanzada el 23 de enero de 2011, escrita por Ester Dean junto a Stargate y Sandy Vee en la producción. Si bien la letra ya era sugerente, aunque no era explícita con versos como “sticks and stones may break my bones, but chains and whips excite me” que hace referencia al sadomasoquismo formulada de forma indirecta jugando con el refrán infantil inglés, fue el videoclip lo que generó fuerte polémica.

Este video fue dirigido por Melina Matsoukas, con quien Rihanna ya había trabajado en otros temas, con un concepto que giraba en torno a los medios de comunicación y la presión que ella sufría como estrella de la música, con un cameo del bloguero Perez Hilton paseado con una correa por la cantante. En ella, quiso responder a sus críticos en tono de comedia con parodio de actos y fetiches sadomasoquistas.

Esto dio lugar a que fuera censurado en 11 países, entre ellos India, Malasia, Vietnam, Indonesia o Singapur, y restringido en YouTube, debido a su contenido sexualmente sugerente, pero en Europa también llegó a tener problemas, como cuando el Consejo Superior Audiovisual francés, tras recibir varias quejas de espectadores, prohibió el videoclip el 2 de mayo de 2011 para su emisión durante el día.

De hecho, también en las radios “S&M” tuvo censura, como que en algunas pasaron a titularla como “Come On” para esquivar la polémica de entonces. Tanto es así que algunas como BBC Radio 1 la emitieron más allá de las siete de la tarde, y fue la que pidió que dieran una versión para poderla poner durante las mañanas y tardes.

Acusación de plagio y la respuesta de Rihanna

Todo esto sorprendió a Rihanna, que declaró en la revista Spin que ella no hablaba directamente de lo que todos pensaron: “No pienso en esto de una manera sexual, estoy pensando metafóricamente. Se trata más de que la gente puede hablar. La gente va a hablar de ti, no puedes evitar eso. Sólo tienes que ser esa persona fuerte y saber quién eres para que las cosas sólo reboten. Y pensé que era una súper mala”.

La cantante también tuvo que pasar por una denuncia de plagio por parte del fotógrafo David LaChapelle, de Vogue Italia, que aseguró que el video usó las imágenes que había usado para su sesión de fotos para la revista, en concreto, que incorporaba ocho ideas. Un hecho que se resolvió llegando a un acuerdo de pago por una cantidad no revelada.

A pesar de todo esto, “S&M” fue un éxito comercial importante para Rihanna, llegando al número 2 en Billboard Hot 100 en su primera versión y al número 1 tras el remix con Britney Spears, siendo así el décimo para la cantante, quinto para la que fue llamada “princesa del pop”.

Una colaboración que había nacido de una forma peculiar, después de que Rihanna preguntara en Twitter posibles colaboraciones y siendo Spears la más votada por sus seguidores. Luego ellas intercambiaron varios tuits que dieron finalmente con el acuerdo para el remix final.

Se autoproclama la “princesa de España”, se hace llamar “Rebequita la Bonita” y supone una de las voces más insólitas del pop contemporáneo del país. Rebeca Díaz (Madrid, 1998), conocida artísticamente como Rebe, es la muestra de que la música puede tornarse extraordinariamente impredecible si se siguen los derroteros correctos. Al menos, quien la entienda como un espectro que va mucho más allá del sonido. Para prueba, el último disco de la artista, que prefirió publicar en forma de muñeca de trapo en lugar de en vinilo.

Hasta 250 muñecas cosidas a mano dieron vida física a Es que acaso no me oyes??, el segundo álbum de la cantante. Rebe decidió esquivar las lógicas tradicionales del vinilo o del CD y metió en el corazón de estos juguetes un dispositivo de sonido que, al ser presionado, emitía fragmentos melódicos del disco. Se trata de un ejemplo de la anomalía que representa a la artista dentro de una industria musical que ella describe como “cutre” y que está cada vez más obsesionada por lo digital y los números de streaming.

Detrás de su proyecto no hay grandes productores ni altos presupuestos: todo nace y se graba en su propia habitación. Su forma de crear desafía, además, cualquier método convencional: Rebe no sabe tocar ningún instrumento y todo lo que hace es fruto de su propia intuición. Una intuición que dejará fluir este jueves 21 de mayo en la Sala Villanos de Madrid. El concierto, que también se encarga de organizar ella —desde la iluminación hasta la propia escenografía—, la llevará a seguir rompiendo las normas encima del escenario antes del lanzamiento de su tercer disco.

¿Cómo se llega a ser la “princesa de España”?

Lo soy. Me encanta España, soy una princesa, me gusta tener plebeyos. Por ende, soy la princesa de España.

¿Le da presión serlo?

No, presión me dan muchas otras cosas. Este es un puesto que me he inventado yo, así que las responsabilidades son las que a mí me da la gana.

¿Aunque puedan considerarla facha en un momento en el que parece que la bandera solo pertenece a unos pocos?

Es importante desvincular el amor por España de los fachas.

Empezó subiendo canciones a SoundCloud. ¿Cómo fue la experiencia?

Me queda muy lejos ya, tengo 29 años y esto fue en 2017. Antes, la experiencia era maravillosa, pero ahora SoundCloud es otra plataforma de mierda, va en camino de YouTube o Spotify. Tiene anuncios y ya no hay ninguna sensación de red social. A día de hoy la odio por lo maravillosa que solía ser y cómo se la han cargado. No sé qué posición tiene políticamente, pero más allá de quiénes son los dueños de la plataforma, la dinámica que sigue emplea la misma lógica que la de Instagram: te proponen que pagues para promocionarte a ti mismo. Es como Instagram, que antes se sentía como una red social y ahora es una especie de televisión de TikToks donde la gente se autopromociona.

¿Siente que debería abandonar plataformas como Spotify, teniendo en cuenta sus políticas?

Ese discurso de reclamar a los artistas que quiten su música de Spotify tiene sentido para artistas como Rosalía, para gente que realmente es muy influyente y que se puede permitir hacer una cosa así. Pero pedírmelo a mí, que apenas tengo dinero para ganarme la vida y que es realmente el lugar donde puedo permitirme vivir, es como pedirle a un cajero de supermercado que deje de trabajar en Mercadona por sus dueños. No tiene mucha lógica si estás hablando de artistas más pequeños, pero si hablas de artistas que ya son muy famosos, pues sí es una conversación que tiene sentido tener.

Se espera que los artistas seamos supersimpáticos, pero ¿por qué tenemos que serlo?

Rebe — Cantante

¿Se siente presionada a ser influencer, a estar en Instagram?

A la gente sí le pasa. Yo eso no lo paso por el aro, e incluso aquello que paso por el aro, que es poco en comparación con otra gente, ya me da absoluta repugnancia. No lo hago porque no he querido hacerlo, pero si lo hiciese me iría mucho mejor. Y ya no solo es que se le pida a los artistas que sean influencers, es que hay algunos fans que te escuchan, que piensan que eres influencer y que te tratan como si te estuvieran haciendo un favor por estar escuchándote. Los influencers están todo el rato dando las gracias a sus fans, están a la disposición del algoritmo y de todo lo que deseen sus fans, entrando en esa dinámica en la que los fans creen que poseen a los influencers. Y siento que los fans a veces me hablan de esta manera, amenazándome con dejar de escucharme o de seguirme si digo ciertas cosas. ¿A mí qué me importa? Se espera que los artistas seamos supersimpáticos, pero ¿por qué tenemos que serlo?

¿Nos está quitando internet las formas humanas que teníamos de conectarnos?

No sé si lo está haciendo internet, pero definitivamente el mundo que conocíamos está desapareciendo. Justo ayer estaba hablando con unos amigos de que ahora es imposible pedir un plato combinado en cualquier sitio. De pronto, el plato más básico que había en todos los bares de España es dificilísimo encontrarlo, decente y a un precio normal, en algún sitio. Y no sé si de esto tienen tanta culpa las redes.

Lo autogestiona todo. ¿Se lo podría proponer cualquiera?

Se lo podría proponer cualquier persona que quiera sufrir mucho. La verdad es que ahora me estoy dando cuenta de que es insostenible el modelo que tengo y ganarse la vida así. Hay unos ritmos que debería seguir para que funcionase la música profesionalmente, pero solo puede seguirlos alguien que tiene un equipo grande y que solo se ocupa de un par de cosas. Al hacerlo todo yo, tardo muchísimo en terminar: hago las fotos, hago las portadas, diseño el arte de los videoclips, los dirijo, hago la música, la produzco... No es muy compatible con el mundo de ahora.

¿Y le da igual ir más lento cuando la industria impulsa a ir rápido?

Me daría igual de no ser porque me gano la vida con la música, por lo que me importa porque me veo envuelta en la lógica de la industria, sobre todo en España. En España es muy cutre la industria de la música.

Se intenta forzar que a las mujeres les interesen cosas que les interesan primordialmente a los hombres, pero no hace falta

Rebe — Cantante

¿Faltan más referentes de mujeres que produzcan canciones?

Me extraña la idea de que faltan referentes porque siento que hay muchas menos mujeres que producen. Es evidente que las mujeres tienen menos oportunidades, pero es que tampoco tiene por qué importarles tanto producir. Les pueden importar otras cosas y está bien que les importen otras cosas. Hay veces que se intenta forzar que a las mujeres les interesen cosas que les interesan primordialmente a los hombres, pero es que igual no hace falta, igual que no les interesa producir y me parece fantástico.

Tampoco ha firmado con ninguna discográfica. ¿Es una declaración de intenciones?

No lo creo. A mí me angustia mucho que alguien tenga mis canciones, porque siento que pongo tantísimo de mí, haciéndolo todo yo, que me cuesta. Pero, en realidad, dependiendo de cómo fuese el día con una gran discográfica no tendría conflicto estando en una. No sintiéndolo como una estafa, y viendo que hay afinidad y que me ayudan a que mi proyecto siga adelante, no tendría conflicto. Lo que pasa es que casi todas son como una estafa, pero bueno, no hay declaración de intenciones, más bien es lo que a mí me ha funcionado de momento.

¿Cómo lleva la precariedad cultural?

Más allá de la precariedad en el sector cultural, toda la gente de la que estoy rodeada vive de una manera extremadamente precaria. Ni siquiera digo que el sector cultural está muy mal, es que todo está muy mal en todas partes. No se puede vivir en ningún sitio, olvídate de comprarte una casa o incluso de alquilar, a no ser que vivas en algún sitio donde esté muy bajo el alquiler, que es difícil si quieres trabajo. Todo está tan mal que ni siquiera me importa tanto pensar en el sector cultural.

En su música explora el lado más oscuro de las relaciones románticas. ¿Por qué le interesa?

Me gustan mucho las pasiones. Ahora hay un discurso muy genérico sobre que el amor solo es amor cuando no se sufre, y no estoy nada de acuerdo. Con el amor se sufre. También de pronto se han demonizado los celos, no se ve como si fuera un tema interesante, sino como un tema que hay que resolver constantemente. Todos los sentimientos negativos, chungos y complejos se ven como problemas a resolver, cuando a mí me parecen superinteresantes. Me encanta sentir celos.

¿También son oscuros sus conciertos?

Son performáticos. No me gusta mucho la estética del concierto, me gusta mucho más la del teatro. Tampoco diría que mi música sea exactamente oscura, hay como un claroscuro. Me gusta lo misterioso.

¿Cómo pasa el día previo a un concierto?

Fatal. Normalmente, me siento muy nerviosa y, además, como soy la que se encarga de todo, tengo muchas cosas que hacer: la escenografía, hablar con el de luces para hacer el diseño de iluminación, montar el espectáculo... Las horas de antes, si toda la prueba de sonido ha salido bien, me siento fabulosa. Me bebo una cerveza o un gintonic y me pongo en mi punto. Si no, fatal, con ganas de irme a casa corriendo. Luego ya en el concierto me siento bien.

La Oreja de Van Gogh comenzó este mes de mayo con el arranque de la gira ‘Tantas cosas que contar’ que ha supuesto la vuelta de Amaia Montero al grupo después de casi veinte años de su marcha, y que ha venido tras un período de polémica con el adiós a Leire Martínez, y en la que no está uno de sus integrantes fundadores, el guitarrista Pablo Benegas.

En esta gira de regreso de Amaia Montero con La Oreja de Van Gogh forma parte del repertorio ‘Muñeca de Trapo’, una canción que estaba en lo más alto de la lista de éxitos de la radio los 40 principales hace 20 años y que fue el primer adelanto del set list en el tour de 2026. ¿Cuál es la historia de esta canción y qué supuso para la banda donostiarra?

La confirmación del éxito comercial en el pop español

“Muñeca de trapo” fue el primer sencillo del último disco de La Oreja de Van Gogh con Amaia Montero, ‘Guapa’, lanzado en abril de 2006 y que supuso uno de los mayores picos comerciales de la banda, ya como un fenómeno masivo de pop español, pero en que también comenzaban a aparecer las primeras grietas internas.

El disco debutó directamente en el número uno de las listas de ventas y fue uno de los más vendidos de 2006, acumulando ya en su primera semana más de 200.000 copias. De hecho, más tarde se lanzaría una edición especial, ‘Más Guapa’, que incluiría ‘En mi lado del sofá’, el último sencillo con Amaia Montero antes de su vuelta, y algunas rarezas y versiones no grabadas durante su trayectoria.

Nueva etapa creativa de madurez artística

La canción “Muñeca de Trapo” supuso el comienzo de una nueva etapa creativa, como se podía apreciar en su estilo, pero también en el mismo videoclip, que mostraba una imagen más madura del grupo, más oscura y en la que se mantenía una cierta ‘tristeza luminosa’ y de ‘dramatismo sentimental’, dos aspectos que caracterizaron a la banda durante gran parte de su trayectoria.

Su grabación tuvo lugar en Abbey Road en diciembre de 2025, y la canción explora la “frustración de no poder expresar sentimientos, la timidez en el amor y la sensación de impotencia” en palabras de la banda sobre su primer sencillo en 2006. Todo ello se juntó con un pegadizo estribillo, que ya entró de lleno en la historia del pop español.

En esta etapa ‘más oscura’, el grupo hacía referencia a la imagen de una ‘muñeca de trapo’ como un “símbolo de fragilidad y bloqueo emocional” que acabaría siendo uno de los himnos de La Oreja de Van Gogh, también durante su etapa con Leire Martínez como vocalista, pues no desapareció del setlist de los conciertos durante sus dos décadas de existencia.

Les pasaron cosas que no eran normales y ellos lo vivieron como si fuera lo más corriente del mundo. Lo cuenta Abel Hernández con una sonrisa mientras echa la vista atrás desde sus cincuenta y recuerda lo que fue Migala, un grupo de chavales que quería pasarlo bien, que quería hacer música y a los que no les importaba otra cosa que no fuera su música, su sonido, el amor al arte. Un grupo de chavales que acabó de gira por EEUU, donde llegaron impulsados por Stuart David (cofundador y bajista de Belle and Sebastian, además de colaborador de Looper), y que consiguió una gran acogida de público y crítica en Francia, Bélgica, Alemania, Portugal u Holanda. También en España, claro, donde 44, su tercer trabajo, es considerado uno de los discos más importantes de aquello que comenzaba a llamarse ‘indie español’.

Activos entre 1996 y 2005, Migala fue un experimento colectivo, más que una banda, liderado por Abel Hernández, y los hermanos Coque y Diego Yturriaga como cabezas más visibles. Asimismo, participaron Jordi Sancho, Rubén Moreno y Rodrigo Hernández, junto a otros miembros variables, como Nacho Vegas. Su obra, que consiguió hacerse con sonido muy reconocible por su estilo y arreglos musicales, bebía mucho del rock, el punk y el pop anglosajón. La mayoría de sus letras, de hecho, son en inglés.

“Eso es, quizá, lo que más me choca desde el hoy: escucharme cantar en inglés, me genera cierto conflicto”, admite Abel Hernández en conversación con este periódico al ser preguntado por cómo ha sido asomarse a su pasado desde el presente con la remasterización de Arde (2000), que esta primavera la discográfica Acuarela Discos ha lanzado en vinilo por primera vez, con una edición remasterizada desde cero mediante la recuperación de los archivos originales. Igualmente, esta actualización de su obra incluye un insert con letras y créditos ampliados y un QR que da acceso a contenido inédito de la banda.

“Es una reedición bastante especial no solo porque sea en vinilo, sino porque el proceso de remasterizar desde cero ha sido tan laborioso como bonito, casi de arqueología sonora”, apunta el músico, que señala que han buceado en sus viejos ordenadores y programas y que han abierto sus proyectos de Cubase originales para volver a volcar la mezcla con una mayor calidad que la que tuvieron entonces. “Hemos entrado hasta las tripas de Arde, pero tampoco lo hemos cambiado mucho, mantiene su esencia”, asegura para señalar que los discos, o al menos un disco como este, se quedan en el limbo del tiempo; entre el pasado y el futuro. “No me suena a viejo, desde luego, aunque quede fatal que lo diga yo”, se ríe para añadir que, como crítico, además de músico, al asomarse de nuevo a Arde ha visto que este conserva la efervescencia, ingenuidad y creatividad de lo que fue aquello.

“Hay que tener en cuenta que Arde llegó en nuestro momento cumbre, en el momento en el que empezábamos a saber qué era lo que estábamos haciendo y en el que confluyó la creatividad de todos los que estábamos involucrados”, desarrolla el entrevistado. “Ahí ya sabíamos lo que es la producción musical, aunque si miras los materiales y los medios que teníamos y lo comparas con los equipos de bandas que están empezando hoy es alucinante. Tienen material profesional desde el principio”, asegura.

Ellos, con los medios del ahora, han retocado una mezcla que, a sus ojos, “estaba muy mal masterizada”, opacada por las deficiencias propias que tenían entonces y por la dificultad que tuvieron para escuchar lo que estaban mezclando. “El máster era una cosa muy básica, no tiene nada que ver con lo que podemos hacer ahora. Y no es porque no se pudiera hacer entonces, sino porque nosotros no sabíamos hacerlo”, agrega.

A pesar de esa producción que Hernández llama “amateur”, el Arde original fue el álbum en español mejor valorado por Pitchfork (revista online americana de crítica musical, lanzada en 1995 por el escritor Ryan Schreiber como un blog musical independiente), llegando a obtener una nota casi perfecta. Un 9,3 sobre 10. “Pero es que el Pitchfork de aquellos años no es lo que es hoy”, protesta sonriente el músico. “No tenía la relevancia que tiene ahora, era una cosa más hipster, aunque sí que es verdad que tuvimos una gran acogida desde el principio, tanto del público como de la crítica especializada. Y nosotros casi no nos dimos ni cuenta. Estábamos muy poco atentos, no nos extrañó que Arde funcionara tan bien. Nos resultó algo normal, esperable, aunque no lo fuera en absoluto”, rememora.

Por eso, entre otras cosas, han decidido echar la vista atrás y no asomarse únicamente al disco en sí. Un disco que, confiesa, hacía años que ninguno de ellos escuchaba hasta el final. Quizá alguna canción suelta de vez en cuando, pero nada más. Hasta que surgió y se materializó la idea de volver a meter las manos en las tripas de lo que fue su buque insignia. De hecho, otra de las razones era ver quiénes eran ellos entonces, cómo lo vivieron, si siguen siendo las mismas personas o si son otras. Y si sus proyectos artísticos actuales salen del mismo sito del que salió aquel. Eso sí, sin los ojos de la morriña. Como mera curiosidad.

La huella en los otros

“Lo planteamos como un reencuentro no nostálgico (en el aquí y ahora) de algunos de los que integramos aquello y también con los que fuimos y ya no somos”, explica Hernández, añadiendo que les parece que, en su caso, lo que pasaba de puertas para adentro, esa intimidad de un pequeño colectivo de amigos que hacían cosas por amor al arte, quizá fue más importante que lo que terminaron haciendo público. “Lo planteamos sin demasiadas jerarquías a priori entre categorías como música/no música, objeto artístico/no artístico”, desarrolla para explicar que ese archivo, aún en crecimiento, puede incluir todo tipo de materiales surgidos en su década en activo. “Más adelante veremos qué cosas hacemos públicas, qué se edita en formato físico y cuáles nos guardamos para nosotros”, apunta.

“Destacamos tanto, quizá, por nuestras influencias”, interviene Rodrigo Hernández, hermano y compañero de banda del anterior, que ha escuchado en silencio el discurso de Abel. “Teníamos un espectro muy amplio, no estábamos escuchando lo que escuchaba, en general, la gente de nuestra edad”, continúa para señalar que todo eso se les coló dentro. Desde las múltiples ramificaciones del jazz, hasta el folk americano, pasando por el post punk. Fueron novedosos en un momento en el que lo que hoy llamamos indie en España era, a sus ojos, algo más sencillo de interpretar. “De repente llegaron estos raritos que éramos nosotros y volcamos en nuestro trabajo toda la curiosidad que llevábamos encima. Eso es lo que nos llevó a hacer lo que hicimos”, ilustra Rodrigo.

Lo que hacíamos era un poco rarito en su momento. Es lo que provocó tan buenas primeras críticas, parecía como si hubiéramos abierto un portal

Rodrigo Hernández — Músico

Su sonido característico y la temática del disco, que no era otra cosa que el paso a la madurez, el hacerse adultos, el dejar de ser críos, el tener problemas y desencantos de los de verdad, resuenan en muchas bandas nacionales actuales. Preguntados por dónde se encuentran y se reconocen, los hermanos sonríen, piensan en alguien (o, más bien, ‘álguienes’) y dicen que no. Que prefieren no dar nombres porque no saben cómo han llegado a su proceso creativo. Si, efectivamente, se inspiraron en ellos, o si ha sido su propio camino el que les ha llevado a ese lugar. “Hay veces que dices, ¡coño!, si suena muy parecido a lo que hacíamos nosotros, ¿no?, pero tampoco sabes si han cogido el atajo o llegado por su propio pie”, dice Abel.

“Ahora ya no, pero lo que hacíamos era un poco rarito en su momento. Yo creo que eso es lo que provocó tan buenas primeras críticas, parecía como si hubiéramos abierto un portal”, apuntala Rodrigo. Tanto que, si Arde hubiera salido hoy, probablemente habría pasado desapercibido. Enterrado entre tanta música nueva constante, en el deseo de destacar que tienen todos siempre y que, ahora, permite producir más que nunca. O puede que se hubiera viralizado porque algún chaval hubiera escogido alguna de sus canciones para ponerla de fondo a su vídeo vertical de menos de minuto y medio de duración. Estos son los escenarios que baraja Abel Hernández al ser preguntado, porque considera que cualquier cosa es posible. Pero admite decantarse, sobre todo, por el primero. Por la nada.

“Hoy hay más música, hay más facilidades para hacer las cosas, pero también más competencia, una atención mucho más dispersa y, sobre todo, mucha menos originalidad. Por un lado, ya se ha hecho todo y, por otro, hay mogollón de bandas con propuestas interesantes y la gente se rompe la cabeza pensando en cómo destacar, en cómo llamar la atención”, argumenta Abel Hernández. “Hoy, las cosas que funcionan mínimamente tienen un trabajo de marketing y de inversión publicitaria detrás. Y, nosotros, con ese tema fuimos muy descuidados, demasiado descuidados”, continúa para finalizar con que, probablemente, el impacto habría sido muy diferente.

Madonna, Shakira y BTS serán los protagonistas del espectáculo que la FIFA ha preparado para el descanso de la final del Mundial de fútbol. Se trata de un evento que tendrá lugar el próximo 19 de julio en el MetLife Stadium de Nueva Jersey y que, en colaboración con Global Citizen, tendrá fines benéficos. La actuación ha sido comisariada por Chris Martin, el vocalista de Coldplay, y será la primera del Mundial, que busca imitar así a la Super Bowl y su show del medio tiempo.

“Durante todo el torneo, se donará 1 dólar de cada entrada vendida para los partidos”, ha declarado la FIFA, que también señala que este es “el escenario más grande del mundo” y que hay “un propósito aún mayor”. Por ello, una parte de los ingresos de este espectáculo irá destinada al Fondo de Educación Global Citizen de la FIFA, una iniciativa que describe como “emblemática” y que busca recaudar 100 millones de dólares para ampliar el acceso a la eduación y al fútbol para niños de todo el mundo.

Madonna, quien se subirá al escenario de esta cita, regresará con música nueva este verano. La leyenda del pop, que llevaba siete años sin publicar material inédito, volverá a la industria con uno de los proyectos que más tiempo llevan esperando sus fans: la segunda parte del aclamado y exitoso disco Confessions on a Dance Floor (2005). Su lanzamiento está programado para el próximo 3 de julio y en este vuelve a trabajar en la producción con el DJ Stuart Price, quien ya estuvo presente en el décimo álbum de estudio de la cantante con hits como Hung Up, Sorry o Jump.

Asimismo, Shakira, que está recorriendo el mundo con su gira Las Mujeres Ya No Lloran World Tour, ultima una residencia europea de conciertos con Madrid como sede, ofreciendo hasta 12 conciertos en la capital. Por su parte, BTS, tras cuatro años en los que los miembros se retiraron para hacer el servicio militar obligatorio de Corea del Sur, regresarán con una gira mundial de más de 70 conciertos que los llevará a visitar España. Su parada en nuestro país ofrecerá dos shows los días 26 y 27 de junio de este 2026 en el estadio Riyadh Air Metropolitano de Madrid. El Mundial se celebra a partir del 11 de junio en México, EEUU y Canadá.

En el mundo de la perfección más absoluta bajo los focos, Amaia Montero (Irún, 1976) sabe caer y volverse a levantar. Lo ha hecho con la vida, pero también con su primer concierto con La Oreja de Van Gogh tras casi dos décadas alejada del grupo. Real y natural, como la vida misma, se ha abierto en canal y frente a las 15.000 personas que han llenado el Bizkaia Arena de Barakaldo, -mañana serán otras 15.000 en una segunda cita en la capital vizcaína- ha confesado que creía que era el fin de su música, pero también de su vida. “Tenemos tantas canciones que no sabemos ni por dónde empezar. Han pasado muchas vidas dentro de todos estos años, y estar hoy aquí con vosotros es muchísimo más que un concierto, es una vuelta. Una vuelta de verdad. Hubo momentos en los que pensé que nunca volvería a pisar un escenario. Estaba perdida, completamente perdida. A punto de bajar al mismo infierno y no es una forma de hablar. Tuve demasiados días de oscuridad en los que pensé que todo había terminado para mí. La vida, la música, se habían apagado para siempre. Rendirse o luchar. Y con mis cicatrices, después de luchar mucho, aquí estoy”, ha reconocido emocionada mientras abrazaba el micrófono.

Como no podía ser de otra manera, '20 de enero' ha dado el inicio a una de las giras más esperadas de la banda y Bilbao ha sido un poco donostiarra durante lo que ya es todo un himno para los amantes de la Tamborrada de San Sebastián. Después, 'Deseo de cosas imposibles' y Amaia se ha atrevido con 'El último vals', la primera de las canciones de la etapa de Leire Martínez, 17 años de música que la nueva gira de La Oreja de Van Gogh ha reducido a solo dos canciones. Y menos mal. Porque aunque la primera ha podido defenderla, en la segunda, 'La niña que llora en tus fiestas', ha demostrado que no se siente cómoda. Puede ser por las notas altas, porque era la primera vez que la interpretaba en un concierto o porque no es suya, pero en partes de la canción Amaia ha dejado de cantar y se ha ido a un lado del escenario, hasta que su público ha conseguido reanimarla y devolverla a la vida, una vez más, demostrándole que pase lo que pase allí estarán para ella, aunque tengan que esperar más de 20 años.

Algo parecido le ha pasado cuando ha tenido que interpretar por primera vez 'Todos estamos bailando la misma canción' y para ello la plataforma circular sobre la que estaba ha comenzado a subirla por los aires. Ella misma ha sido consciente de que tal vez no haya sido un acierto. “Me dicen que ha salido muy bien, pero yo sé que no. Es la primera vez que canto en las alturas. Pero también es la primera vez que me subo y lo hago fatal, y eso es algo que solo vais a vivir vosotros”, ha bromeado.

Después, ha vuelto a sus orígenes con 'El 28', una canción que, como ha confesado “tiene una historia especial y un lugar especial”. “Fue la primera canción que sonó en La Oreja de Van Gogh”, ha recordado al público. A partir de ahí, ha desplegado sus clásicos como si se tratara de un viaje en el tiempo. 'Rosas', 'Pop', 'Soledad', 'Muñeca de trapo' o 'Puedes contar conmigo' han sido algunos de los himnos que han llevado al público a volver a su adolescencia, a ese primer amor y a esa 'Playa'. “Estoy viendo a chicos y chicas cuando eran así, iban al colegio, después a la universidad, empezaron a trabajar y ahora están aquí. Estamos aquí. Ese viaje de treinta años lo hemos hecho juntos. Reconozco esas caras tan familiares”, ha señalado la artista.

Primero con un mono rosa entallado que brillaba en la oscuridad y después con un vestido rojo brillante al estilo de camiseta de fútbol americano con el número 96, Amaia ha conseguido atraer a los ojos del público más que sus compañeros, que se han mantenido en un segundo plano menos cuando el teclista de la banda, Xabi San Martín, ha interpretado 'Tan guapa' al piano. Canción a la que después se ha sumado la vocalista protagonizando un momento íntimo y cómplice entre los dos. “Todos tenemos canciones que son especiales para nosotros y no tienen que ser las más escuchadas”, ha confesado el músico.

“Con mis cicatrices, he luchado mucho y aquí estoy y con más ganas de cantar que nunca. Estamos aquí porque la vida tiene una manera muy extraña de sorprendernos. Y toda esta historia está ocurriendo aquí, ahora mismo. Mi grupo, mis chicos, mis compañeros. Hoy vamos a cantar”, ha manifestado la cantante, y así lo ha hecho en el comienzo de una gira que recorrerá España para dar una nueva vida a La Oreja de Van Gogh rescatando los clásicos de sus inicios, aquellos que recuerdan que la nostalgia, al igual que ese primer amor, jamás pasará de moda. Y que las segundas partes, aunque duelan, a veces sí son buenas.

Hay muchas formas de labrarse la fidelidad del oyente. Chiara Oliver (Ciutadella de Menorca, 2004) lo hace a través de la composición, y sus canciones la han hecho conectar con una audiencia principalmente joven al aludir a experiencias del pasado. Sobre todo, porque no es frecuente que alguien con tanta exposición aproveche su plataforma para escribir sobre sus relaciones románticas con otras mujeres. O, más bien, porque tanta exposición no suele estar reservada para una mujer lesbiana que expone su deseo.

Sin embargo, Chiara Oliver no siente demasiada presión ante la idea de ser un referente, pues le hubiera gustado tenerlos cuando era niña. Es algo que, además, le ha llegado de imprevisto. Tras su salida de Operación Triunfo 2023, la cantante ha sabido mantener una base de fans que buscan en sus letras la sinceridad de quien se muestra sin filtros. Todo ello queda reflejado en No fue real, su primer álbum de estudio, en el que la cantante aborda un proceso de ruptura desde diferentes perspectivas y con un sonido pop relajado.

Echando la vista atrás, la artista indaga en el efecto que ha tenido en su trayectoria hacer frente al TDAH, la aceleración de una industria musical que apenas permite calma y el privilegio que supone vivir en Madrid en plena crisis de la vivienda. Pero procura no desenfocarse del futuro que tiene por delante: después de actuar en París, Dublín y Londres, la artista planea pasar el resto del año encima del escenario, con paradas en Ciudad de México (30 de septiembre, Foro Indie Rocks), Buenos Aires (3 de octubre, Teatro Vorterix), Madrid (27 de noviembre, Palacio Vistalegre) y Barcelona (28 de noviembre, Sant Jordi Club).

No fue real se publica tres años después de su paso por OT. ¿Cómo surge?

El disco surge de mis vivencias, de un momento en el que necesitaba escribir para procesar cosas. Cuando sales de OT, necesitas sacar algo rápido y simplemente te estás encontrando como artista por el camino. No puedes aprender poco a poco, sino que, de la noche a la mañana, sales de la academia y se esperan muchas cosas de ti. Tienes que tener paciencia contigo misma, entenderte y saber que te vas a encontrar poco a poco. Estoy muy contenta porque sí siento que ahora, después de tres años, he empezado a conseguirlo.

La composición es lo que la caracteriza como artista. ¿Cuán importante es escribir sus propias canciones?

Es superimportante, pero no por decir: “Yo he escrito esto”. Es más por el tema de que he escrito una canción porque necesitaba hacerlo, porque necesitaba sacar lo que estoy contando, exteriorizarlo, analizar mi vida y convertirlo en arte. Es una de las cosas que más me gustan en el mundo. Al principio sí que da un poco de vértigo y miedo, sobre todo cuando estás hablando de cosas tan personales, pero al final escribo para disfrutar del proceso de sanar, de enterrar y de quedarme más ligera.

Ha hablado de que tiene TDAH. ¿Qué significa poder hablar de esto normalizándolo?

De pequeña no tenía referentes que tuviesen TDAH. Precisamente por eso, es muy importante que alguien se pueda sentir identificado contigo, sentir que tiene un referente: una persona que está cumpliendo sus sueños, que está haciendo las cosas que le gustan, que está trabajando en la música y que está sacando discos. Que una persona a la que preocupa que tener TDAH le vaya a frenar, o que le afecta en su autoestima, vea un referente que también lo tiene, a lo mejor le ayuda. A mí me hubiese encantado tener un referente en la televisión o como artista que tuviese TDAH, y por eso es importante hablarlo sin tapujos.

¿Cuándo se lo diagnosticaron? ¿Cómo le afecta en su día a día y también en su carrera?

Con nueve años, creo que en cuarto de primaria, pero mis padres no se lo tomaron muy en serio. Entonces estuve muchos años viviendo con TDAH pero sin saberlo realmente y sin que se estuviese haciendo nada al respecto. Cuando ya era adolescente, lo revivimos porque dije: “Oye, creo que me pasa esto”. Y, a raíz de ahí, con calma. Ya lo sé gestionar muy bien, y siento que cuando me afecta más es cuando estoy estresada, agobiada o triste, porque tengo tantas cosas encima que eso me frena.

¿Sigue habiendo tabú respecto a esto?

Hoy en día ya no. Las personas con TDAH tienden a ser personas realmente artísticas, creativas y con mentes muy brillantes. Muchos artistas tenemos TDAH, y eso hace que en la misma comunidad artística y en la industria sea una conversación muy habitual y normal.

En varias canciones del disco se utilizan pronombres femeninos. ¿Era una prioridad poder escribirlas así?

Escribo sobre mi vida y sobre mí, y no iba a escribir de otra manera que no fuera con pronombres femeninos porque esa es mi verdad. Soy lesbiana y forma parte de mi vida.

¿Por qué cree que es difícil que canciones así lleguen a tener éxito?

No lo sé, a lo mejor por la homofobia interiorizada de la sociedad. Pero siento que poco a poco las cosas van mejorando y es más normal encontrarte videoclips, canciones, piezas, series o libros queer. Que lo sigamos haciendo los artistas que somos queer y que escribimos sobre nosotros es lo natural, porque así la gente se va acostumbrando más a que esté a su alrededor.

¿Considera que esto la aleja del mainstream, que una parte de la sociedad no querrá escuchar este tipo de música?

Espero que no, yo voy a seguir haciéndolo porque no tendría sentido que me pusiese a cantarle a una persona a la que no le canto.

Y puede ser una ayuda para chicas jóvenes que no han tenido tantos referentes hasta ahora.

Espero poder ser un referente, sería mi sueño y lo que más ilusión me haría. Cuando eres pequeño no sabes lo que te está pasando, no sabes por qué eres diferente, no lo entiendes del todo porque no tienes referentes. En el momento en el que lo ves, dices: “Esto es lo que me pasa, esto es por lo que no me siento del todo encajada ni me siento del todo satisfecha con quien soy, porque aún no lo sé”.

Cuando se forman peleas en redes entre fandoms, ¿cómo hace para no sentirse responsable de lo que diga alguien con una imagen suya como foto de perfil?

Eso da miedo, porque a lo mejor alguna vez dicen algo que está en contra de lo que tú piensas y de tus valores. Intento ignorarlo porque no soy yo, pero sientes una responsabilidad porque, aunque de alguna manera no es tu responsabilidad, sientes como si estuviesen hablando por ti. Pero nunca me he planteado esto ni lo he pensado bien. Interactúo en redes con mis fans, intento hacer mi contenido, pero no me quiero meter en ese mundo. Ese no es mi sitio. Mi recomendación es paz a todo el mundo. La paz es lo más guay. No os escondáis detrás de una foto de perfil ni digáis cosas feas porque no hace falta. Todo el mundo es guay, todo el mundo mola y cada persona está en su carril, que es lo más importante. Si eres fan de alguien, no tienes que comparar ni tirarle mierda a otro artista, porque cada persona está en su carril.

¿Le da la sensación de que antes no se hablaba sobre los sentimientos femeninos porque se podían considerar como “cosas de chicas”, pero ahora sí se les empieza a dar valor?

Esto viene a raíz de que las chicas necesitamos que alguien ponga palabras en nuestra boca. No todas, yo tengo la muy grande suerte de que mi arte es escribir, es crear y es convertir mis sentimientos en música, pero para las personas que no tienen esa capacidad o que no escriben canciones es muy guay que alguien esté contando su historia por ellas y que puedan escucharlo o leerlo, sentir que no están solas.

Con respecto a la precariedad del sector cultural, ¿se siente privilegiada, o incluso para alguien que ha salido de OT es difícil dedicarse a la música?

Ahora mismo la industria está en un punto efímero en el que se tiene que crear música rápido para que la gente no se olvide de ti. Una persona que hoy está de moda, mañana la gente ya no se acuerda de ella. Ese es el problema, que ahora mismo estamos consumiendo tan rápido, porque tenemos acceso a todo con nuestros teléfonos, que la industria está siendo cada vez más fugaz. Eso hace que cada día sea más difícil ser artista. Por suerte, todo el mundo puede sacar una canción y eso es lo guay, porque significa que todos tenemos el acceso a poder subir algo en plataformas, pero la mierda es que no todo el mundo tiene acceso a estudios, a productores... Si sabes producir, cantar y hacer tus cuatro gestiones, puedes subir una canción a Spotify, pero también significa que es más difícil porque hay muchas otras personas que también están haciéndolo.

Yo tengo la suerte de que estuve en Operación Triunfo y de que tuve mucha exposición en un momento dado, pero cada vez es más difícil ser artista. Tenemos todos que hacer una pequeña pausa como sociedad, calmarnos un poco, sentarnos y hacer las cosas con más tiempo. Ojalá hubiera podido hacer este disco en dos o tres años, me hubiese encantado para hacerlo bien y lentamente, pero igualmente haber tenido 13 meses para hacer el disco me ha parecido increíble porque le he podido dedicar el tiempo y hacerlo con calma y con paz. Y siento que ahora mismo eso es un problema, porque a los artistas no se nos permite la paz de hacer las cosas con calma.

¿Siente que esta industria obliga a vivir en Madrid, cuando la crisis de la vivienda hace que no cualquiera pueda permitírselo?

A mí me gusta mucho vivir en Madrid. Siempre ha sido mi sueño vivir aquí, así que fue una perfecta excusa para venir, pero sí que es verdad que estamos en un momento en el que todo el mundo quiere venir a Madrid. La crisis de la vivienda cada vez es más complicada, cada vez es más difícil vivir aquí y crear una vida bien en Madrid. Tengo mucha suerte, soy muy afortunada y lo tengo muy en cuenta.

¿Tiene un compromiso con sus fans de hablar de estos temas?

Sí, porque soy una abanderada de todo lo que me importa y de todo lo que realmente siento. Y, a pesar de que sí que tengo mucha suerte, sigo teniendo 22 años y todas mis amigas de mi alrededor son jóvenes. Siento que ahora mismo los jóvenes tenemos muchas dificultades y se nos ponen las cosas difíciles. Aunque estoy haciendo lo que quiero, tengo mi trabajo soñado y puedo estar viviendo en Madrid, me pilla muy de cerca las vidas de mis amigas: el momento crisis, el momento principios de los 20, el momento de no saber qué quieres hacer con tu vida o el momento de haber estudiado una carrera de cuatro años y no saber exactamente a dónde te está llevando esa carrera porque ves que no hay trabajo en esos ámbitos... Es complicado y tengo mucha suerte de poder verlo con las personas de mi alrededor. Siempre voy a hablar de estos temas.

Vídeo de la entrevista completa

Con el biopic ‘Michael’ arrasando en las salas de cine en España y todo el mundo, la figura de Michael Jackson ha vuelto a estar de actualidad, no solo por sus éxitos y hazañas musicales, sino también por aspectos relacionados con su vida personal, la relación con su familia y los problemas de salud que enfrentó a lo largo de su vida, así como las controversias de las acusaciones de abusos.

Uno de los temas que ha salido a colación es también el rancho Neverland, la famosa mansión de Michael Jackson que incluía un parque de atracciones, un zoo, una sala de cine e incluso una estación de tren en su interior. Tras cinco años en venta, se vendió en 2020 y esta es su historia y su situación actual.

La historia del rancho Neverland de Michael Jackson

En 1988, Michael Jackson estaba en el momento álgido de su carrera y de su popularidad, siendo la estrella del pop más famosa. Fue entonces cuando compró una propiedad en Los Olivos, California, por 17 millones de dólares y la transformaría en su refugio personal.

El cantante había conocido el lugar gracias al ex Beatle, Paul McCartney, quien se lo presentó porque era donde se hospedaba en California en los 80. Sycamore Valley Ranch, que es como se llamaba entonces, pasaría a ser Neverland después de la inversión de 35 millones de dólares que hizo el rey del pop. La propiedad fue como un sitio de entretenimiento, nombrado por la isla de Peter Pan, en español llamada ‘el País de Nunca Jamás’, un lugar donde no dejar de ser niño, que abarcaba 2.700 acres (unas 1092 hectáreas). Allí, el centro era una casa de campo de estilo francés de 13.000 pies cuadrados (1.207 metros cuadrados aproximadamente).

En el rancho Neverland, sin embargo, uno de los detalles más espectaculares era que abarcaba un parque de atracciones con una noria que costó más de 200.000 euros y un zoológico interactivo con 50 especies diferentes como llamas o chimpancés, así como una sala de cine que tenía capacidad para más de 50 personas. Se dice que había también un tren a tamaño real que recorría todo el lugar, que estaba directamente inspirado en Disneyland.

“En el mundo real, jamás habría podido disfrutar de una visita al cine o al zoológico. Así que creó todas las fuentes de entretenimiento que pudo desear dentro de su propio mundo privado, escribió en su libro biográfico ‘Starting Over’ su hermana LaToya Jackson.

A este lugar, Michael Jackson invitaba a niños a jugar en la propiedad y sentía que “finalmente podía tener una infancia y vida normales”, en palabras de su hermana. Un lugar en el que también crio a sus hijos, y que solo les dejaba usar el parque de atracciones cuando tenían un buen comportamiento, según reveló Paris Jackson en una entrevista con la revista The Rolling Stone.

El declive, la venta y su estado actual

En 2003, la policía allanó su casa como parte de la investigación de abuso sexual por parte del cantante al niño Gavin Arvizo, enfermo de cáncer y de 13 años en ese momento, un hecho del que sería absuelto de los cargos en un juicio en 2005. Eso le llevó a abandonar la propiedad, porque como relata su hermana, él llegó a odiar el lugar. “No lo soporto, No quiero volver a verlo nunca más. Jamás. Nunca regresaré aquí”, dejó por escrito LaToya Jackson.

Y así fue. Falleció el 25 de junio de 2009 a los 50 años sin haber puesto un pie de nuevo en Neverland. El lugar seguía siendo parcialmente suyo por estar gestionado a través de una empresa de gestión, pero se puso a la venta en 2015 por 100 millones de dólares. Finalmente sería comprado en 2020 por 22 millones y por el asesor financiero de la estrella del pop, Ron Burkle.

En el rancho, que ha vuelto a su nombre original de Sycamore Valley Ranch, ya no hay rastro del parque de atracciones o el zoológico, eliminados por Colony Capital, la gestora entonces, a la muerte del cantante.

A finales de abril en España era número uno en las listas de éxitos y sencillos una canción que todavía sigue momentos de viralidad en redes sociales y que suena en las radios. Hablamos de “Ont he Floor”, de Jennifer López, que reactivó su carrera en una colaboración con el rapero de ascendencia cubana Pitbull.

La canción fue publicada como sencillo del séptimo disco de estudio de Jennifer López, “Love?” el 8 de febrero de 2011, surgiendo como una pista de pop que mezcla elementos de diferentes géneros como el techno, dance, house o musica latina, llegando al ritmo constante de 130 pulsaciones por minuto. Surgió junto a una versión en español llamada “Ven a Bailar”.

En Estados Unidos fue el primer sencillo de Jennifer López en cuatro años en recibir gran difusión en radios, lo que fue gran parte de la razón de su éxito, llegando a vender 3,8 millones de copias y tener una certificación de triple latino. Esto también hizo que fuera una de las canciones más exitosas en el 2011 en el país, pero que también lo fue a nivel internacional.

Así es como llegó al número uno en más de 37 países, siendo en 25 en países de Europa, liderando en lo más alto en Austria, Alemania, Finlandia o Suiza, en España llegando a ser también certificado de triple Platino por vender más de 120.000 ventas.

Jennifer López se sintió “emocionalmente conectada” con la canción

Sobre “On the Floor”, la cantante aseguró que supuso “una de las mayores alegrías que he tenido en mi vida”, sobre todo porque referenciaba el que hablara de bailar y que fue un tema de éxito en las discotecas en una entrevista en MTV.

La artista, que revivió un gran éxito con este tema, confirmó que se inspiró en sus raíces latinas y en sus inicios como bailarina, por eso usó fragmentos de la canción “Llorando se fue”, de 1982, que tuvo gran popularidad en 1989 como la “Lambada”. Para producirlo trabajó con el productor de Lady Gaga, RedOne, y que afirmó que supo que tenía “algo mágico entre manos” cuando se la presentaron.

“En cuanto RedOne me la puso, le pedí que la pusiera como 20 veces seguidas y me quedé sentada frente a la mesa de mezclas escuchándola una y otra vez”, contó en MTV antes del rodaje del videoclip, a lo añadió: “Porque realmente siento que, emocionalmente, conecté con ella, pero también por lo mucho que me gusta bailar y lo importante que siempre ha sido eso para mí desde que empecé. Desde pequeña, siempre me sentí identificada con la idea de salir a la pista”.

En 1987, Michael Jackson tenía la difícil misión de mantener el estatus que había conseguido con ‘Thriller’, que se había convertido en el disco más vendido de la historia de la música. En este contexto llegó ‘Bad’, un álbum que si bien no superó a su predecesor, un hecho complicado, dejó hasta cinco canciones número uno.

Con 45 millones de copias vendidas, 11 discos de platino en Estados Unidos y 14 en Reino Unido, la primera de ellas fue “I Just Can’t Stop Loving You”, le siguieron "Bad", "The Way You Make Me Feel", "Man in the Mirror", siendo la última de ellas “Dirty Diana”, una canción controvertida y que dio que hablar desde su título.

Diana Ross y las especulaciones detrás del número uno de Michael Jackson

En “Dirty Diana”, Michael Jackson se acercó al hard rock tras “Beat It” y tuvo la colaboración de Steve Stevens, guitarrista de Billy Idol, pero lo que más llamó la atención fue que desde el primer momento se especuló sobre la identidad detrás de esa ‘Diana’ de la que hablaba la canción.

La primera opción que se barajó es que el tema hablaba de Diana Ross, madrina artística del cantante, con la que llegó incluso a vivir por mandato de la discográfica Motown, que fue clave para el soul y R&B, donde ambos comenzaron su carrera. Sin embargo, la teoría no se sostiene porque la relación entre ellos fue siempre muy cercana, le inculcó la ética del trabajo e incluso en su testamento la nombró como persona que tuviera la custodia de sus hijos si su madre faltaba.

Además, “Dirty Diana” incluso la cantante la ha usado como apertura de sus conciertos. Michael Jackson la alabó durante su autobiografía Moonwalk como la persona que le descubrió el mundo del arte: “Esta fue una etapa muy importante en mi vida porque a Diana le gustaba mucho el arte y me apoyó para que aprendiese a apreciarlo también. Se tomó la molestia de educarme al respecto, gracias a ella conocí la obra de grandes artistas como Miguel Ángel y Degas, lo que supuso el comienzo de mi interés por el arte”.

A ella la describió como “madre, mi amante y mi hermana, todo ello junto en una persona increíble” debido a todo ello. La canción que sí que conectó a ambos fue “Muscles”, que en 1982 él la escribió y produjo para ella.

La anécdota con Lady Di debido a “Dirty Diana”

Otra de las teorías que se llegaron a publicar en su día es que “Dirty Diana” estaba dedicada a la princesa de Gales, a la que admiraba e incluso afirmaron que fue su idea el que ella apareciera en el videoclip. No se sustenta tampoco las afirmaciones que se hicieron, pero esta canción sí que vinculó al ‘rey del Pop’ con Lady Di.

Sucedió durante la gira ‘Bad’, en 1988, cuando Michael Jackson iba a actuar en Wembley con la presencia de los príncipes de Gales, Carlos y Diana. Estos lo saludaron antes de ofrecer el concierto, y fue cuando ella le preguntó si iba a cantar la canción. Él le dijo que la había retirado por respeto, pero ella afirmó que era una pena porque era una de sus canciones favoritas.

Una canción dedicada a las ‘groupies’

Debido a toda la controversia, Michael Jackson y Quincy Jones, productor, se pronunciaron finalmente al respecto y aseguraron que la canción hablaba de “un cierto tipo de chicas que suelen estar en conciertos o clubes a las que llaman ‘groupies’”. Sobre el hecho de haber establecido un nombre concreto, se especuló que se debió a que el ‘rey del pop’ lo hizo siendo consciente de que iba a despertar controversia y se hablaría de ella.

La próxima residencia de Shakira en Madrid, con más de 10 conciertos anunciados en el Estadio Shakira, recinto que se construirá exclusivamente para ello, entre los meses de septiembre y octubre aspira a ser uno de los eventos principales de la música en España, con fechas que van desde el 18 de septiembre al 11 de octubre de 2026.

Esto supone el regreso de Shakira a España ocho años después de que pasara con el ‘El Dorado World Tour’, que fue considerada la gira latina más exitosa de la historia con una recaudación de 436 millones de dólares y 126 espectáculos. En esta ocasión lo hará con ‘Las Mujeres Ya No Lloran World Tour’, que comenzó en febrero de 2025 y pocos meses después celebró los 20 años de uno de sus mayores éxitos, ‘Hips Don’t Lie’ reuniéndose con Wyclef Jean en el ‘The Tonight Show’ de Jimmy Fallon.

La icónica canción, que fue una de las que incluyó su famoso movimiento de caderas, fue un tema que llegó al número uno de la lista de los 40 principales el 22 de abril de 2006, hace 20 años, para quedarse un total de 9 semanas en la lista, siendo entonces la que tuvo el mayor récord de permanencia.

Fue lanzada como sencillo de reedición del álbum Oral Fixation Vol.2, que acabó en lo más alto en más de 50 países, entre ellos Estados Unidos, siendo el primer número 1 del Billboard Hot 100 de Shakira. ‘Hips Don’t Lie’ alcanzó uno de sus puntos álgidos al ser interpretada por Shakira y Wyclef Jean en la ceremonia de clausura del Mundial de fútbol 2006 de Alemania.

Con más de 16 millones de copias fue uno de los sencillos más vendidos de 2006 y todos los tiempos, y eso se puede comprobar con los casi 1.800 millones de visualizaciones del videoclip en YouTube. Un vídeo que fue rodado en Los Ángeles, pero con el que rindió homenaje a su Barranquilla natal, en especial al Carnaval, con coloridos trajes y coreografías, máscaras y disfraces que representan a los seres mitológicos, y con la famosa línea “En Barranquilla se baila así”. No fue la única referencia, pues con “Baila en la calle de noche, baila en la calle de día” también apuntaba a la canción que es el tema oficial del carnaval dominicano, pero con uso frecuente en Colombia.

El éxito de Shakira que casi no llega a cantar con su peculiar origen

‘Hips Don’t Lie’ es una de las canciones más icónicas de Shakira, pero estuvo a punto de no formar parte de su discografía, porque el tema tiene una historia de lo más curiosa. Su origen se remonta a la Banda Sonora de la película ‘Dirty Dancing: Havana Nights’, una especie de secuela del film de los 80 en el que llegó a participar Patrick Swayze y que protagonizó el actor Diego Luna. Y es que partió de la canción ‘Dance Like This’, escrita por Wyclef Jean con Claudette Ortiz y que se usó de base para lo que sería el éxito de la colombiana.

En un principio, el tema iba a formar parte de la vuelta del grupo The Fugees, del que fue miembro Wyclef Jean, pero diferencias internas con la discográfica hicieron que la canción fuera para Shakira en la canción, y que el rapero colaborara con ella, y la adaptara para ajustarlo a su estilo. Un hecho que la colombiana describió como “un feliz accidente” porque se fraguó al haber coincidido ambos en vacaciones.

La canción tuvo su controversia porque usó un sample del intro de inicio de ‘Amores como el nuestro’ de Jerry Rivera, de 1992. El cantante de salsa llegó a acusarla de plagio, pero no presentó finalmente cargos porque sí que se habían obtenido los derechos de Copyright necesarios.

En su semana debut en los cines, “Michael” ha superado los 314 millones de dólares de taquilla y supera así a “Bohemian Rapsody” como el biopic musical con mejor estreno de la historia del cine, lo que demuestra que Michael Jackson sigue despertando fuerte interés y atracción más de quince años después de su muerte.

Uno de los detalles que quedan patentes en la película es el contexto álgido en el que se sumió el cantante después de su álbum “Thriller”, el disco más vendido de la historia de la música. Así, en 1987, el llamado rey del pop llegaba con la difícil misión y presión para su siguiente proyecto, que fue “Bad” en 1987.

Este disco siguió la estela del éxito, y en él, el primero de los cinco sencillos que fueron número uno fue “I Just Can’t Stop Loving You”, una balada romántica que llegó a lo más alto de la lista Billboard y que fue interpretada a dúo junto a la cantante Siedah Garrett. Ella no había sido la primera opción, se llegó a decir que Michael Jackson la quería haber cantado junto a Barbra Streisand, Whitney Houston, Aretha Franklin o incluso Agnetha Fältskog, del grupo ABBA, que se contó que había sido amor platónico del cantante. Sin embargo, el dúo con Garett fue todo un éxito, y con ella coescribió otra balada como fue “Man in the Mirror”.

Debido a la letra, “I Just Can’t Stop Loving You” se especuló que podía ir dirigida a un interés sentimental, sobre lo que habló el propio cantante en su autobiografía “Moonwalk”, donde contó que la canción no fue escrita pensando en nadie, pero que durante sus interpretaciones en directo sí que había pensado en una persona. Sin embargo, lo más interesante de esta canción es que es la única que Michael Jackson cantó en español, y que también versionó en francés, como una manera de acercarse al mercado latino y el de lengua francesa, en auge en la década de los 80.

La única versión de Michael Jackson en español

Para la versión en español, el productor Quincy Jones pensó en el conocido cantautor panameño Rubén Blades, todo un referente en la salsa, y que se dedicó no solo a la traducción de la letra, sino que también se encargó de enseñar fonética, entonación y pronunciación correcta al rey del pop.

El resultado de esa grabación fue “Todo mi amor eres tú”, en la que Jackson reveló un fuerte “nivel de profesionalismo. Fue un alumno dedicado, muy preocupado por la pronunciación correcta”, aseguró Blades en recientes entrevistas. Todo ello, hizo que el cantante interpretara la letra con claridad y fluidez, tanto que incluso se llegó a especular si realmente era él quien cantaba.

La versión española y la francesa fueron publicadas dentro del sencillo en inglés en 1987 y se convirtieron en piezas de culto para los fans, hasta que volvieron a aparecer en la discografía en la reedición de ‘Bad’ por su 25 aniversario que se lanzó en 2012. El éxito de todo ello llevó a que el estadounidense pensara incluso en grabar todo un álbum en español, un hecho que no se materializó finalmente por una agenda apretada de compromisos.

La colaboración de Rubén Blades en la versión en español de “I Just Can’t Stop Loving You” tuvo un detalle menos conocido, y es que Michael Jackson reconoció la aportación del panameño con un 35 % de créditos y regalías del tema, lo que era un porcentaje muy superior a lo que era habitual entonces en adaptaciones a otros idiomas entonces.

Edwyn Collins ha sobrevivido a un ictus, al rechazo de la industria, al éxito y al olvido. Después de casi cincuenta años haciendo música, ha decidido, como él dice, “colgar las botas”. Lo hace con una gira española que comienza el próximo día 29 en Bilbao y pasará por Madrid, València, San Sebastián, Barcelona, Zaragoza y otras ciudades españolas. Una despedida en la que sonarán canciones de Orange Juice, su primera banda, y de su repertorio en solitario.

“Se acabaron las giras, eso fue lo que me dijo Grace, tienes que retirarte”. La Grace a la que se refiere Edwyn Collins está a su lado y ríe con él. Además de ser su esposa y la madre de su hijo Will, Grace Maxwell lleva gestionando su carrera desde hace más de cuarenta años. Y desde hace veinte, a partir del doble derrame cerebral que su marido sufrió en 2005, también ejerce como apoyo durante las entrevistas. Las conversaciones con los dos suelen ser muy divertidas, más aún si, como en este caso, son por videollamada.

Juegan a hacer ver que se pasan la vida discutiendo, pero lo que reflejan sus bromas es otra cosa. Para quienes no estén familiarizados con su nombre, explicar que el escocés Edwyn Collins fue uno de los artífices de eso que los británicos, allá muy a finales de los setenta, denominaron indie. Un término que no tiene nada que ver con lo que musicalmente representa esa misma palabra ahora en España.

El indie inglés era una corriente pop que sonaba anémica y apresurada a la vez. No era más que una reformulación del pop de toda la vida, pero hecho tal como se empezó a hacer la música después de 1977, después del punk. El indie eran Josef K, The Go-Betweens, Aztec Camera y, por supuesto, Orange Juice, el grupo con el que Collins se dio a conocer. Con ellos intentó que el rock olvidara los prejuicios y se abriera a la música negra.

En cuanto a lo de las giras, han llegado a su fin porque Edwyn está cansado. La enfermedad le dejó secuelas, pero siguió grabando discos, algunos de ellos excelentes, como Losing Sleep (2010) y Understated (2013), también realizó algunas giras. Pero, cercano ya a cumplir los 67, esta que en breve le traerá por España y que ha sido bautizada como Testimonial Tour, será la que marque su despedida de los escenarios. “De todos modos, nunca fui una persona de grandes giras”, añade Collins.

“En 1995, cuando A Girl Like You se convirtió en un éxito mundial, estuve dando conciertos durante un año y medio”. “¿Y qué dijiste al terminar la gira?”, interviene Grace. “Nunca más”, responde su marido riendo. “Después de visitar España voy a colgar las botas —añade él— y me voy a dedicar a vivir tranquilamente en esta casa, en el pueblo donde nació mi abuelo. 600 habitantes. Es perfecto”.

Grace entonces explica que, para que pudieran dejar su residencia en Londres, tuvieron que construir en la casa de las Highlands un estudio de grabación. Edwyn ha estado registrando alguna canción con su hijo Will, que quizá esté en su próximo álbum. “Ya no hace falta sacar álbumes, ahora basta con subir una canción a Internet. Estás anticuado, Edwyn”. Los dos vuelven a reír.

Hace poco más de un año que publicó su último disco, Nation Shall Speak Unto Nation. Una de sus canciones, la que apareció como sencillo y que lleva los cromosomas de sus mejores creaciones, suena en Testimonial Tour. Se llama Knowledge (traducible aquí como entendimiento) y su estribillo dice: “El entendimiento es mi amigo / Primero lo perdí y ahora lo he encontrado / El entendimiento es mi amigo / Aun así es difícil capturarlo”. “Pasé seis meses en el hospital. Tuve que pelear mucho para recuperar el entendimiento. A veces me cuesta mucho acordarme de las cosas, y eso dificulta la comunicación”, cuenta Collins.

Grace y él se conocieron en 1984, cuando Orange Juice daba ya sus últimos coletazos. Collins nunca fue un artista dócil y la industria quería sacarle el máximo provecho a una banda que había tenido éxitos locales como Rip It Up. Cada vez que veía a las fans gritar de emoción, él sentía más reticencias hacia la fama.

The Orange Juice, el tercer álbum, apareció a finales de aquel año. Una despedida sellada unos meses más tarde, cuando participaron, junto a Aztec Camera y Everything But the Girl, en un concierto de apoyo a los mineros que plantaron cara a las políticas de Thatcher con una huelga general. Ese día anunciaron su disolución. Edwyn siempre fue un insumiso y un cabezota que se negaba una y otra vez a pasar por el aro de las discográficas. Convertida en su mánager, Grace le apoyó para que se mantuviera fiel a sus principios. “Me contrataste como mánager del grupo y un año después, el grupo ya no existía. Un gran comienzo”, comenta ella riendo una vez más.

De repente, surge una anécdota que explica muy bien a Edwyn Collins. Poco después de que Grace empezara a trabajar para Orange Juice, asistieron a una reunión con un ejecutivo de Polydor, la discográfica que los había contratado en 1981. Por aquel entonces, la formación del grupo se limitaba a Edwyn y el batería Zeke Manyika, un emigrante de Rodesia que en aquel momento no tenía sus papeles en regla. Salir de Inglaterra habría imposibilitado que pudiera volver a entrar en el país. Y el ejecutivo en cuestión insistía en que, para consolidarse como banda, tenían que salir a actuar por Europa. “Si no haces eso jamás tendrás una carrera”, insistía aquel tipo.

Entonces Collins se levantó de la silla, se inclinó hacia él, acercó su rostro al suyo y le dijo: “Ni se te ocurra seguir presionándome”. “Hoy en día soy una persona mucho más amistosa”, afirma él sonriendo. “Lo que ocurrió —termina de explicar Grace— es que dejaron de apoyarnos. Pero aprendimos a salir adelante por nuestros propios medios”. La carrera en solitario comenzó en un sello que montó Alan McGee en paralelo a Creation, aunque no era exactamente una independiente. Elevation estaba financiada por Warner, por eso la aventura duró muy poco. Collins publicó allí dos singles, Don’t Shilly Sally y My Beloved Girl que merecían mucho más éxito del que tuvieron. La primera sonará en sus conciertos españoles.

Después de dos álbumes en solitario, Hope & Despair (1989) y Hellbent On Compromise (1990), llegó el éxito inesperado. De manera espontánea, A Girl Like You se convirtió en una de las canciones estrella de 1995 y también en un clásico del pop de todos los tiempos. “Sin duda fue uno de los mejores momentos de mi carrera. Aquello me proporcionó mucha independencia”, dice Collins. Grace interviene: “A veces algún periodista le pregunta si esa canción no se ha convertido en una carga. Lo primero de todo, es una gran canción. Y no hay por qué avergonzarse del éxito. Fue muy importante que un artista independiente tuviera semejante repercusión, eso le permitió poder hacer muchas otras cosas”.

A Girl Like You es, además de una composición sublime, la síntesis de todo aquello que conforma el talento de Collins. Melodía, imaginación, conocimiento enciclopédico del pop, magnetismo, buen gusto. Si le preguntas si es consciente de cuánto ha influido en generaciones posteriores de músicos —de Johnny Marr a Franz Ferdinand—, él responde con humildad: “¿Seguro que no te estás equivocando de persona?”.

Al poco de salir elegido Primer Ministro del Reino Unido, Kier Starmer fue invitado a un programa de radio para hablar de los discos que se llevaría a una isla desierta. Entre las canciones elegidas estaba Falling And Laughing, uno de los primeros singles de Orange Juice. “Nos conocimos en 2017 —explica Edwyn— y nos contó que había ido a verme en directo varias veces. Parece uno de los buenos. En noviembre nos invitó a visitarle en Downing Street. Había comprado entradas para los conciertos de despedida en Londres, para al final no pudo asistir por culpa de algún asunto de Estado. Nos escribió disculpándose, diciendo que lo sentía de verdad. Son cosas que ocurren cuando eres primer ministro”. Y son cosas que ocurren cuando eres Edwyn Collins y has patentado una manera de hacer música pero te resistes a dormirte en los laureles, a dejar de avanzar, de seguir al instinto, de crear estupendas canciones.

Este sábado 25 de abril, Manolo García y Quimi Portet, o lo que es lo mismo ‘El último de la fila’ se reúnen tras más de tres décadas sin tocar juntos para una histórica gira de regreso que comienza en el Marenostrum de Fuengirola (Málaga). Será allí donde uno de los grupos más influyentes del pop rock en español de los 80 y los 90 volverá a tocar en directo para sus fans.

Una gira en la que previsiblemente formarán parte de su repertorio clásicos como 'Como un burro amarrado a la puerta del baile', 'Aviones plateados', 'Llantos de pasión', 'Insurrección', o 'Cuando el mar te tenga', que son himnos tanto de la banda como de la música en español.

13 años de trayectoria musical como ‘El último de la fila’ comenzaron en 1985 después de anteriores formaciones, tanto juntos como separados, y los llevó a conquistar discos de oro y platino tanto en España como a nivel internacional, y a la que se puso fin en enero de 1998 para que tanto Manolo García y Quimi Portet emprendieran carreras en solitario.

“Será como una paella con amigos”, definió Manolo García la vuelta de ‘El último de la fila’ tras casi 30 años sin tocar juntos, al mismo tiempo que dejó caer que el grupo podría traer material nuevo en camino, algo que considera natural pasando tiempo juntos. Un hecho del que ya se comenzó a hablar tras su reencuentro musical en ‘Desbarajuste piramidal’ en 2023, cuando Portet aseguró que un regreso de la banda era “improbable, pero nunca imposible”, decía.

La leyenda urbana que ‘El último de la fila’ ha desmentido con su regreso

Con un escueto comunicado un martes 13 de enero de 1998, ‘El último de la fila’ anunciaba su separación, la que aseguraron tenía lugar por “desgaste musical” tras más de una década trabajando juntos. Sin embargo, como suele suceder en las disoluciones de grupos, los rumores no tardaron en aparecer y uno de los más difundidos, daba una razón diferente a la que daba el grupo de forma oficial.

Así, se instauró una leyenda urbana que afirmaba que el grupo terminó porque Quimi Portet solo quería cantar en catalán y Manolo García prefería hacerlo solo en castellano. Un hecho que uno de sus protagonistas ha querido desmentir al ser preguntado cuando se anunció la nueva gira, 28 años después del adiós de la banda. “Nada, no es cierto. Es una empanada mental de alguien, o quizá se dijo por algún interés”, afirmaba al respecto García.

Su mayor anécdota: cuando hacían de teloneros vestidos de mujer

Más allá de especulaciones, un hecho comprobado y que muchos recuerdan con el regreso del grupo es cuando sorprendieron en algunos de sus conciertos vestidos de mujer y haciendo de sus propios teloneros. Interpretaban unos papeles, los de Manolita y Quimeta, y se hacían llamar “Las Burras”.

Con ropa de mujer y maquillaje el dúo optó por recordar sus inicios de “Los Burros” con el humor como protagonista. Así, sorprendía a sus fans presentando a “Las Burras”, que cantaban repertorio de ese primer grupo que precedió a ‘El último de la fila’. “Un día que estábamos muy contentos, quisimos añadir un toque de humor a nuestros conciertos porque es fundamental. Si no, vamos mal”, apuntaban en Los40.

Con “Las Burras” rememoraron parte de la esencia de las actuaciones de “Los Burros”, donde el humor ya era fundamental, y llevaban a cabo conciertos con duchas de espuma, embudos, telas de plástico, bidones… lo que ya de por sí era un espectáculo paralelo, todo ello en locales de aforo reducido.

Queda menos de un mes para el comienzo de la esperada gira de La Oreja de Van Gogh, ‘Tantas cosas que contar’ en el Bizkaia Arena de Barakaldo el próximo 9 de mayo. Esta supone el regreso de Amaia Montero como vocalista del grupo, aunque sin uno de sus componentes originales como es Pablo Benegas.

Seguro que en el repertorio de la gira estará uno de sus himnos, “La Playa”, que hace 25 años llegó al número de la lista de sencillos en la radio Los 40 principales, donde se quedó en lo más alto durante dos semanas consecutivas, lo que asentó todavía más el gran éxito que fue su segundo disco de estudio, ‘El viaje de Copperpot’.

El contexto que llevó a “La canción más bonita del mundo”

La Oreja de Van Gogh llegaba a septiembre de 2000, cuando se publicó ‘El viaje de Copperpot’, como un momento decisivo en su trayectoria tras el éxito inesperado de su álbum debut, ‘Dile al sol’ en 1998, y que los convirtió en una de las bandas más prometedoras del pop español.

El segundo disco superó expectativas y vendieron más de 2 millones de copias, siendo uno de los discos más destacados del 2000 y 2001 en la música española. El grupo, sin embargo, a pesar de la mayor presión y atención, la banda aseguró que llegaron a grabarlo ya “sin miedo”, ese que había protagonizado la sesión de grabación de su primer álbum.

La grabación tuvo lugar en el sur de Francia, con Nigel Walker como productor, en el estudio Du Manoir. Se habían reunido con él previamente en su San Sebastián natal, en una pizzería, y enfatizaron que querían ser ellos los que querían tocar, porque en el anterior el productor prefirió a otros.

Allí, en el sur de Francia, nacieron gran parte de los temas que formarían parte de ‘El viaje de Copperpot’, entre ellos “La Playa”, en la que volvieron a referenciar y homenajear a su localidad natal, San Sebastián, que será un tema recurrente en su discografía, también con otros temas como “20 de enero”, que formaría parte de su próximo trabajo.

El significado detrás de “La Playa” de La Oreja de Van Gogh

Si bien su título oficial es “La Playa”, muchos la conocen como “la canción más bonita del mundo” por su conocido estribillo: “Te voy a escribir la canción más bonita del mundo, voy a capturar nuestra historia en tan solo un segundo…” y llegó como el tercer single tras otros himnos como “Cuídate” y “París”.

En esta canción, La Oreja de Van Gogh quería componer “un canto a la añoranza y a la nostalgia” que evidenciaban con una balada y un tema de medio tiempo, en la que la gran inspiración fue la Playa de la Concha de San Sebastián, uno de los lugares más emblemáticos y protagonistas de la vida en la ciudad.

Un tema dedicado al primer amor o al primer beso, en uno de los lugares en los que los integrantes del grupo pasaron sus mayores momentos durante su tiempo libre, verano o infancia. Este mismo significado se evidencia en el videoclip, en el que los momentos de la vida de una pareja se ven a través de una pecera, detrás de la que aparecen los miembros de La Oreja de Van Gogh.

Después de ella llegaron otros sencillos como “Pop”, “Soledad” o “Mariposa”, que completaron los seis que tuvo el disco. “La Playa” se convirtió en una de las canciones más emblemáticas de la banda, 25 años después es una fija en sus conciertos, y tuvo una nueva versión en el disco de Grandes éxitos, 'Nuestra casa a la izquierda del tiempo', en 2009, con la Orquesta de Bratislava y cantada por Leire Martínez, entonces vocalista del grupo.

Dansa Valencia es la gran cita de la danza en España. Cuenta con un presupuesto de más de cuatrocientos mil euros, 37 espectáculos, más de cien programadores nacionales e internacionales, talleres, proyectos de mediación y extensiones del programa en las localidades afectadas por la DANA como Aldaia y Alfafar. Una actividad frenética durante toda una semana. Es, sin duda, uno de los festivales más veteranos del país y vuelve a estar bien vivo. 

Pero aparte de encuentros profesionales, programadores, plataformas y estrategias de comunicación, un festival es, ante todo, lo que se baila. Y al festival le ha costado arrancar. Se esperaba como agua de mayo el estreno de la compañía Led Silhouette que inauguraba el festival.  

Toda la plana mayor de la danza se dio cita en el Teatro Principal, incluidos los nuevos responsables del Ministerio de Cultura. Acudió el director general de Artes Escénicas del Ministerio de Cultura, Javier Monsalve Iglesias y el recién nombrado subdirector general de Danza, Franciso Villar. 

La compañía dirigida por Jon López y Martxel Rodríguez estrenaba Utimatum, una propuesta distópica, de estética cercana a La Veronal y que suponía un paso grande para esta compañía que pasaba a un formato más grande. Pero no se dio. La conjunción de un texto postapocalíptico con unas coreografías circulares y grupales no llegó a fusionarse en el lenguaje que esta compañía anda buscando. 

En los próximos días llegarán más propuestas, sobre todo ese obrón de Rocío Molina, Calentamiento, que seguro que hará temblar los cimientos del Principal. Las entradas para este espectáculo se agotaron al instante. Y el domingo retornará a Valencia María Muñoz con su compañía Malpelo, la valenciana junto a Pep Ramis presentan We, nosoltres i els temps, uno de los mejores espectáculos de los últimos años de esta compañía. Las entradas también se han agotado.

De temazo en temazo

Pero fue en la sala La Mutant donde el presente entró en el festival como un vendaval. Una jovencísima coreógrafa valenciana, Nuria Crespo, junto con 5 bailarinas de su generación —Marta Fernández, Esther Solé, Emma Romeu, Carlota Malo y María Gómez— fueron las artífices de un verdadero akelarre llamado Morphopop. 

Con una actitud pop engañosa, hijas de una cultura foránea, americana y mercantilizada, y de una época tecnologizada e intelectualmente despreciada, estas cinco jóvenes fueron atacando los conceptos de la composición y la coreografía tradicional. A ritmo del Shut up de los Black Eyed Peas, primero, y a lomos de Oops!... I Did it Again de Britney Spear después, sus cuerpos retaban al público con caras seductoras, con bailes expositivos, centrípetos. El espacio vacío, el público bien cerca, incluso pisando el mismo tapiz de danza. Y ellas desafiantes, hijas de su época, buscando con cada movimiento en sus cuerpos. 

Los hits caían uno detrás de otro, Bad Gyal, Rihanna, Destiny’s Child, Lady Gaga. Las letras repetían palabras como 'love', 'need', 'crazy', 'hit me' o 'hell' y las bailarinas, sin nunca componer, sin entrar en ningún estilo de danza, seguían en un baile extenuado buscando en sus cuerpos el amor, el fracaso, el dolor, la seducción y su vacío. Una búsqueda presente en cada mirada, en cada torsión de cadera con actitud. Una vorágine que se fue convirtiendo en pura investigación en vivo. 

Tenía que pasar. Valencia llevaba avisando tiempo. Antes fueron Sandra Gómez o Norberto Llopis. Nada surge de la nada. Pero desde hace unos años, a través de espacios como La Granja o La Mutant y de relaciones fructíferas con espacios de creación en Barcelona como La Caldera o El Graner, toda una generación de creadores de danza, muy jóvenes, de menos de treinta años venía empujando. Dando señales de que la cosa ha cambiado, de que están en otra. 

Los ejemplos valencianos son ya muchos. Julia Zac, Lucía Jaen, la gran mamarracha Julia Irango, Inca Romani, Javier Hedrosa, toda una generación que transita sin dificultad entre las danzas y las artes vivas, entre los visuales y la música experimental. Son lenguajes que llevan ya incorporados. Algo que se pudo constatar en Morphopop. El uso de la cámara en vivo a través del portátil, el musicón diseñado por el DJ Manel Ferrándiz o el sampleo de imágenes en directo realizado por Raúl León no arropaban la pieza, sino que era parte consustancial de la propuesta. 

En el proceso ha acompañado a la coreógrafa Nuria Crespo un veterano, Juan Carlos Lérida. También se nota su mano, su ojo externo que ha sabido comprender y aquilatar esos seis cuerpos tan disímiles, la disidencia de Esther Solé, la locura desenfrenada de Emma Romeu, la propia capacidad inusitada de Crespo. Lerida no pone focos, deja ser a cada una en su autonomía y su libertad, y eso es una maravilla. 

No hay narración alguna, no hay composición ni desarrollo, tan solo unos cuerpos despegando, arrancando, escrutándose. En un momento de la pieza se accionan unos ventiladores, el público nota el aire que desprende el espacio, comienza a sonar Daddy Yankee, “zúmbale mambo pa que mi gata prenda los motores”, los cuerpos siguen dándole, retando, torsionándose, pasando por encima de los espectadores. Unos están dentro, otros tuercen el gesto. Yankee grita “tú me debes algo y lo sabes” y ellas miran fijo al mismo tiempo que se interrogan hacia dentro. Un momento espectacular. Pero sin descanso sueña Pump it, otra vez los Black Eyes Peas con ese riff tarantiniano de Dick Dale. Pura vida sin inicio, sin pausa, en deriva. 

Al comienzo de la pieza hay una dedicatoria a la coreógrafa y pedagoga Amparo Ferrer, creadora del espacio Botanic Espai de Dansa, espacio donde se han formado la mayoría de las bailarinas en Valencia. Falleció hace dos años. Porque, aunque uno pueda pensar que este trabajo que emerge como referente de toda una generación levantina nace de la nada, todo tiene una historia. Esta otra danza también la tiene y, gracias a Dios, sigue viva.

En abril de 2001 era una de las canciones del momento en el pop latino. En Estados Unidos, México o Italia fue uno de los sencillos más exitosos de ese año, y también en España, donde consolidaría a su cantante como una de las máximas exponentes del pop internacional en español.

Hablamos de “Y yo sigo aquí” de Paulina Rubio, que era número uno en los 40 principales hace 25 años en España, y fue el primer sencillo que la artista colocaba entre los éxitos de nuestro país, lo que fue uno de los hechos que haría que su disco, “Paulina”, vendiera más de 50.000 copias, con disco de oro incluido, y fuera uno de los más vendidos de ese 2001.

Consolidó el éxito internacional de Paulina Rubio

Paulina Rubio era a principios de los 2000 uno de los rostros más conocidos de la televisión en México, aunque también de la música, por haber sido parte del grupo musical Timbiriche, ser hija de la actriz Susana Dosamantes y por haber triunfado con su álbum debut como solista con canciones como “Mío”.

Sin embargo, la llamada “Chica Dorada” se había centrado más en su carrera como actriz y volvió con fuerza en la música con el disco “Paulina”, del que “Lo haré por ti” fue el primer single. Fue el tercer sencillo, “Y yo sigo aquí”, el que triunfaría a nivel internacional y convertiría a la cantante mexicana en también una estrella más allá de su país natal.

La mezcla de la canción del pop latino con la música electrónica, que se potenció con el ‘autotune’ junto a una estética visual que triunfaba entonces a principios de los 2000, combinando la electrónica con elementos futuristas, llevó a que el tema se convirtiera en un éxito global, incluso en países que no hablan español como Italia, donde fue 14 en las listas de sencillos.

Al igual pasó en Estados Unidos, donde llegó a ser número 3 en ‘Hot Latin Songs’ en Billboard, solo por detrás de Ricky Martín y Juan Gabriel. Esto permitió que el álbum “Paulina” vendiera más de 480.000 copias en el país y hasta 2,5 millones de copias a nivel mundial.

Pasó a ser llamada como “la Princesa del Pop Latino”

El éxito de “Y yo sigo aquí”, canción escrita por Estefano y Marcello Azevedo, supuso un impacto clave en la carrera de Paulina Rubio, cambiando su imagen y que fuera apodada por la prensa como “Princesa del Pop Latino” debido a su estética dorada y capacidad de adaptación a distintos géneros. De ahí, esto hizo que la cantante publicara su primer disco en inglés, “Border Girl” en 2002.

En España, desde el éxito de la canción, Paulina Rubio sería una habitual de las radios y los sonidos pop, con otros sencillos muy populares como “Lo haré por ti”, “Yo no soy esa mujer”, “Baila Casanova”, “Si tú te vas”, “Todo Mi amor” o “Ni una sola palabra”, que en 2006 fue uno de los temas que más sonaron.

La cantante Katy Perry es noticia recientemente por su asistencia al Festival de Coachella junto a su actual pareja, el ex primer ministro canadiense Justin Trudeau, a pesar de que ella nunca ha sido cabeza de cartel ni ha actuado en él, pero sí que asistió a conciertos como los de Justin Bieber, que levantó controversia en redes sociales por lo inusual que tuvo su regreso a los escenarios tras cuatro años.

Hace casi diez años, sin embargo, Katy Perry estaba de actualidad por otro hecho, y es por el lanzamiento de una canción que cambiaba por completo la imagen que tenía hasta entonces, y además guardaba un supuesto enfrentamiento con otra cantante pop.

Hablamos de “Swish Swish”, una canción que cantó con Nicki Minaj, y que incluso se llegó a decir que había eliminado después de los apoyos de esta a Trump, algo que no fue así. Pero su historia no ha estado exenta de polémica y controversia.

“Swish Swish”, la canción de la que Katy Perry se arrepiente

Lanzada como tercer sencillo de su quinto álbum, ‘Witness’, del que también forman parte canciones como “Chained to the Rhythm” y “Bon Appétit”, “Swish Swish” fue publicada el 19 de mayo de 2017, y desde el principio destacó por ser un cambio del estilo que hasta entonces llevaba la cantante, que había sido una de las máximas exponentes del llamado “pop chicle”. Así pasó más a un sonido ‘kitsch’ y con cierto mix con música electrónica.

Últimamente la canción ha sido noticia por la cancelación a Nicki Minaj debido a su apoyo a las políticas de Trump, que llevó incluso a especular de la desaparición de este tema de las plataformas musicales, pero también porque Katy Perry ha asegurado arrepentirse de haberla escrito, aunque a su vez afirma que solo ha sido “un capítulo más” en su carrera.

En su día, sin embargo, la cantante explicó en su momento que el tema pretendía ser “un gran himno para que la gente lo use cuando alguien intenta oprimirte o intimidarte”, pero con el paso del tiempo ha pasado al olvido y no ha quedado como una de las más reconocidas de la artista. En ella, durante el videoclip y los propios efectos de la música, hace referencia al baloncesto, también con versos como “tu juego está cansado, deberías retirarte”.

Nacida de un supuesto enfrentamiento con Taylor Swift

Pero si por algo dio que hablar la canción “Swish Swish” es porque en su día se comentó que había nacido como respuesta de Katy Perry a “Bad Blood” de Taylor Swift, en la que la artista indirectamente hablaba de ella. Y es que fue en 2013 cuando las dos supuestamente se enfrentaron por una disputa por sus bailarines, cuando tres de los que formaban parte del grupo de Swift se fueron en mitad de su gira ‘Red World Tour’ para trabajar con Perry en el ‘Prismatic World Tour’.

De hecho, en una entrevista con la revista Rolling Stone, Taylor Swift llegó a hablar sobre el tema sin mencionar a la californiana, al asegurar que una antigua amiga “hizo algo horrible para intentar sabotear toda una gira por estadios”. En el mencionado single, Perry hacía alusión con frases como “eres una payasa, yo soy una reina asesina en la cancha”.

Luego, sin embargo, se arreglarían sus diferencias, y fue cuando la cantante se vio obligada a cambiar frases como “no vengas a por mí” por “Dios te bendiga en tu camino, oh nena” al interpretarla en directo, y de aquí vendría su poco interés y su cierto arrepentimiento de haberla escrito. La reconciliación entre las dos estrellas se evidenció en público cuando Katy Perry apareció en el videoclip “You Need to Calm Down” de Taylor Swift, la primera como hamburguesa y la segunda como patatas fritas.