El ciclo ‘MURCIA ON’ está teniendo una buena acogida por parte de los aficionados a la música y, sobre todo, la que se hace en directo. Aunque el cartel de este 2026 no se parezca al de la pasada edición (hay que tener en cuenta que siempre se juega con los calendarios de cantantes y grupos en cada gira y no siempre cuadran las fechas), sí es lo suficientemente atractivo para todos aquellos amantes de la música y de los conciertos. Lo están demostrando los registros que cada actuación recibe y que, en esta edición, ya ha provocado que tres de ellos -Alejandro Sanz, Dani Martín y Melendi, hasta el momento- hayan tenido que programar dos conciertos seguidos en el ciclo. Ese dato, nos indica mucho sobre la aceptación del público sobre ciertos nombres que conforman la presente edición 2026 del MURCIA ON.

Les voy a contar algo que algunos temíamos. No pensábamos que el cartel de OBK más, después, Rick Astley nos iba a deparar mucha expectación. Y no por la calidad de los músicos, sino porque son nombres que provienen de la década de los 90 del pasado siglo XX y ambos, aunque han continuado actuando por diversos escenarios, ya no tenían sobre el papel el tirón de entonces. Pues nos equivocamos bastante. Porque no se registró un llenazo de nueve mil personas (entre otras cuestiones, porque el ruedo fue ordenado por sillas y deja el aforo más corto, que si el personal está de pie), pero entre seis mil y seis mil quinientas sí se encontraban en el foro taurino de La Condomina, animando tanto a OBK como a la gran estrella del pop británico que llegó a continuación. Por partes.

OBK es aquel dúo español que surgieron en Cataluña en los años 90 -más concretamente, en 1991- y que con su primer disco sencillo y la elección por parte de los disc jokey radiofónicos de la cara B de aquel primer disco, el tema titulado ‘Oculta realidad’, el dúo comenzó a tener repercusión entre los aficionados a la música electrónica que crea este grupo. Sus creadores fueron Jordi Sánchez, voz y letrista de los temas que interpretan y el teclista y programador de los sintetizadores, Miguel Ángel Arjona. El programador y teclista que forma parte de este ‘Vampiro Tour 2026’ de OBK es Sergi Pérez que junto al guitarrista de sesión habitual del grupo, David Amat, conforman toda la formación

Piezas como ‘Historias de amor’, ‘La princesa de mis sueños’, ‘Llámalo sueño’, ‘Dicen’ este ya en 1993, como también ‘Robarle al tiempo’, ‘Todavía’ o ‘Lágrimas de soledad’. Como ese disco del 93 tuvo algunas críticas, OBK publicaron en 1995 ‘Mi razón de ser’, que les devolvió el éxito de sus primeras canciones y les alejaba un poco de lo que habían hecho hasta entonces. En 2012, Arjona decidió bajarse del proyecto OBK pero según Jordi Sánchez, lo hizo como un caballero y le permitió continuar usando el nombre y los temas anteriores como los que surgieran a partir de entonces. En el concierto del MURCIA ON, Miguel Ángel Arjona (no el cofundador, sino el teclista que hace este tour 2026) estuvo junto a Jordi Sánchez y el guitarrista de sesión (y habitual en OBK) David Amat disfrutando y haciendo disfrutar a los seguidores que acudieron a esta cita. Una actuación que, sin duda, predispuso la buena onda del ambiente de los presentes para recibir, tras los 30 minutos posteriores, a uno de los nombres importantes del pop británico de la década de los 90 del siglo XX: Rick Astley.

Richard Paul Astley, más conocido en el mundo del pop como Rick Astley, fue uno de los nombres que cobraron un excelente protagonismo allá por la década de los 90 del pasado siglo XX. Su pop fresco lo convirtió en un icono o referente inequívoco de ese movimiento en el Reino Unido. Posee un historial que comienza en 1985 como cantante de una formación de rock, FBI, que abandonó cuando un productor se fijó en él y le propuso grabar en solitario. Astley es un poli faceta y no sólo canta, sino que toca varios instrumentos, es actor, ha sido locutor de radio y, además, aprendió todo el proceso de grabación en estudios musicales, hasta llevar a cabo su primera publicación en 1987, ‘Never Gonna Give You Up’, que se convirtió rápidamente en un éxito arrollador y con el que cerraba, en la noche del pasado sábado 11 de julio, su concierto en el MURCIA ON.

A pesar de haber cumplido los 60 años en febrero pasado, Rick Astley se muestra ágil sobre el escenario y derrocha simpatía hacia el público con el que conecta inmediatamente de aparecer en escenario, además de bromear con su banda durante todo el concierto. Un espectáculo que se iniciaba con un sencillo que, como de costumbre, se convirtió en éxito en 2010: ‘Lights out’, para continuar con otro de sus impactos musicales en los mercados europeos: ‘Together Forever’, su segundo número 1 en las listas norteamericanas en 1988.

Tras esta canción, la primera pausa para dar las buenas noches y dirigirse al público. Lo primero de todo fue expresar el inmenso calor reinante en la noche del sábado en Murcia, para continuar dando las gracias por la acogida tan humanamente calurosa que había recibido. La presencia británica se hizo de notar a lo largo del concierto, con la que Astley intercambiaba bromas y guiños. Pero no solamente con ellos (lógico ya que son compatriotas) sino también con el público español que conformaban, juntos, ese enorme batallón de fans del británico y que, sin duda y por el aspecto veterano de un gran número de ellos, seguidores de Rick Astley desde aquellos primeros impactos de éxito en los mercados musicales de unas décadas atrás.

Así que una vez bien definida la línea argumental y la conexión músicos-público, el espectáculo continuó con una lista que resultaba muy agradable y adecuada. Sonaron ‘Dippin’ my feet’, ‘Waiting on you’, ‘‘She wants to hus band’ en la que se subió a la batería por primera vez, para continuar preparándose un cocktail tras agitar la coctelera y servirlo en una perfecta copa que dio a probar al vocalista Jermain Jackman, mientras sonaban los primeros compases de ‘Hold me in your arms’; la canción que dio título a su segundo álbum lanzado en 1988 y que alcanzó otro de sus éxitos discográficos entonces.

El público disfrutaba del concierto como enanos y la noche, aunque muy tórrida, se presentaba muy apropiada para dar rienda suelta a las emociones y sensaciones de cada cual. Rick Astley lo veía y acompañaba muy bien lo que, desde el escenario, captaba en cada minuto del concierto. Las bromas y diálogos con el público continuaron durante todo el espectáculo y el británico se hacía de querer, sin ningún género de duda. Así que desplegó otra parte de su repertorio sobre el coso taurino como ‘Dance’, ‘Cry for help’, hizo un mínimo alto para explicar que la siguiente pieza fue llevada por Hollywood al cine, pero que ellos iban a recordar a su autor, Roy Orbison, con ‘Pretty woman’ (uno de los momentos más nostálgicos de la noche) y finalizó con el pegadizo y muy británico ‘Raindrops’.

Y cómo se mostraban y movían en sus asientos y puestas en pie aquellas seis mil quinientas almas. Si te fijabas en sus rostros comprobabas la felicidad y alegría inmensa, el disfrute sin fronteras que reflejaban con la música que Rick Astley les estaba proporcionando. Y en el escenario, los diez músicos que desde allí lanzaban su buen hacer musical también dejaban ver su disfrute y alegría. Para calmar un poco el sofocante calor húmedo murciano, Astley cantó ‘Never gonna stop’ que fusionó con ‘Keep singing’, que abre su octavo disco grande del británico grabado y lanzado en 2016.

Calmados ya un poquito los cuerpos, Rick Astley volvió a la carga rítmica con ‘Whenever you need somebody’ llevándonos, de nuevo, a su pop de 1987 en cuyo primer LP se ubicaba esta pegadiza y rítmica canción inequívocamente británica. ¡Qué maravilla de banda y de música! El personal estaba disfrutando a tope. Se les veía y no se ocultaban de ello. Había un aura de buen rollo y vibraciones, que te animaban si es que todavía no lo estabas del todo. Para que el momento no decayera, Astley optó por otra pieza, pero ahora, de su segundo álbum de 1988 titulada ‘Take me to your hearth’.

Era un buen momento, para marcarse otro ratito en la batería. Así que su baterista saltó del set percusivo y tomó una guitarra ocupando Astley su lugar. La pieza, en cuanto su guitarrista dejó sonar las primeras notas, nos enervó a todos. ‘Highway to hell’, el exitazo que en 1979 llevó a sus protagonistas, AC/DC, al estrellato absoluto y el último que pudo grabar su malogrado cantante Bob Scott que fallecería un año después, puso a todo el aforo de pie para cantar con Astley y bailar al ritmo que desde la batería marcaba el británico. Una especial mención al solo limpio e impecable del guitarrista de su banda Adam Evans, que cuenta entre los músicos británicos con una más que sobrada solvencia y seguridad.

El final se acercaba con ‘Angels on my side’, tras la que Rick Astley se dirigió al público indicando “¿Uno más?”, mientras el público le respondía “Nooo”. Bueno tenía varios temas más preparados, pero el ambiente meteorológico era tan asfixiante, que comenzó a sonar ‘Never Gonna Give You Up’ y el público cantaba con toda la banda este éxito de Rick Astley, que aprovechó para llevar a cabo una original presentación de sus nueve músicos en el escenario. En los coros, el vocalista Jermain Jackman, quien también acompañó en algunas canciones a la guitarra. Con él, las magníficas voces femeninas de Dawn Joseph y Andrea Grant. El sólido guitarrista británico Adam Evans. Dos mujeres más en la sección de vientos. Sarah “Sazz” Watts, saxo, flauta y Emma Bassett, trompetista y percusión. La sección rítmica estaba a cargo de Julian Cox, bajo y teclados, junto a Simon Merry, batería, quien le mostró a Astley que tenía puesto en el móvil el partido del mundial que, en esos momentos del concierto, disputaban Noruega e Inglaterra que ganó ésta última por 1 a 2 goles. Imagínense la alegría posterior. Y finalmente, el teclista Rob Taggart, que era otra de las bases sobre la que descansa esta banda.

En resumen, una noche dedicada al tecno pop / synth-pop del grupo español OBK, que supo caldear el ambiente humano y predisponerlo para, posteriormente, recibir a uno de los iconos del pop británico de finales de los 80 y protagonismo más destacado con la década de los años 90 del pasado siglo XX: Rick Astley. Con él, el público disfrutó a tope de su música que no ha perdido vigencia y que, tras quince años de silencio y retiro, regresó en 2008 para continuar creciendo como artista. Noche muy sofocante en lo meteorológico y de gran calor humano muy a lo british.

El 28 de junio de 1996 es el inicio de un fenómeno que se conoció como la ‘Spicemanía’, cuando el grupo femenino de pop Spice Girls conquistó el éxito a nivel mundial gracias al primer sencillo de su álbum debut ‘Spice’, que vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo y que se convirtió así en el single más vendido en la historia por parte de una ‘girlband’.

Hablamos de “Wannabe”, una canción que ha traspasado generaciones y que cumple tres décadas de historia desde que fuera número uno en 37 países, y que no solo lanzó al estrellato al grupo británico de cinco chicas, sino que también consolidó el movimiento ‘girl power’ que redefiniría los últimos años del pop de la década de los 90.

¿Habrá reunión de las Spice Girls por el 30 aniversario? Mel C y Emma responden

Las Spice Girls celebran los 30 años de su primer éxito e himno, “Wannabe”, y en un contexto en el que el efecto nostalgia domina parte de la escena musical son continuos los rumores de un posible reencuentro entre Geri Halliwell, Victoria Beckham, Mel B, Emma Bunton y Mel C, sobre todo con las diferentes reuniones que han protagonizado en los últimos años debido a celebraciones de cumpleaños o aniversarios.

La buena sintonía y relación que han demostrado entre las cinco en los últimos años ha reavivado las reuniones de una gira de reencuentro, sobre todo teniendo en cuenta que la última vez que actuaron todas juntas se dio en los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Y en este sentido, una entrevista conjunta de dos de ellas, Emma y Mel C, no ha hecho más que añadir optimismo sobre que esto vuelva a suceder. “No puedo pensar ahora mismo nada mejor en el mundo que el que haya una reunión de las Spice Girls”, aseguró la primera de ellas en una entrevista de radio, en iHeart, en Reino Unido, junto a su compañera, que contestó en la misma sintonía: “Sería tan bonito, manifestémoslo, digámoslo en alto”.

Mel C, una de las integrantes de las Spice Girls que más activa está en el mundo de la música y que ha mantenido una carrera más longeva, ha sido una de las que más ha manifestado en público su deseo de reunirse con sus compañeras en el grupo: “Es solo encontrar el buen momento, y nosotras sentimos que ahora es el momento perfecto, tenemos también que contar con las demás, pero hemos pasado por mucho como grupo de personas que somos, y ha habido altibajos, pero pienso que ahora que somos más mayores, y que celebramos los 30 años de nuestro primer éxito, creo que nos tenemos mucho amor y respeto entre nosotras”, afirmó.

Emma Bunton compartió el positivismo y las ganas de hacer realidad el deseo de un reencuentro de Spice Girls en la entrevista de radio, aunque matizó que no solo depende de ellas: “Como dices, es encontrar el momento perfecto, y es algo que siempre se nos pregunta, pero creo que como hemos hecho en otras ocasiones, es algo que cuando las estrellas se alineen se crea la magia y sucede”.

El fenómeno Spice Girls: menos de un lustro, pero marcó a una generación

La historia de las Spice Girls trasciende más allá de lo que fueron como grupo a nivel musical. Y es que desde que lanzó su primer sencillo y obtuvieron gran éxito hasta que se separaron y dejaron de hacer nueva música junta pasaron menos de cinco años, pero que fueron tan intensos que generaron un fenómeno irrepetible y marcarían a toda una generación, tanto que han conseguido trascender a las nuevas, que nunca las han visto juntas en directo.

El grupo se formó en 1994 a través de un casting, un método habitual visto también en ‘boybands’ de gran éxito como sus compatriotas Take That o Backstreet Boys, con los que coincidieron en momento de explosión. Geri Halliwell, Victoria Adams, Melanie Brown, Emma Bunton y Melanie Chisholm se unieron y cada una de ellas recibió una etiqueta por la que se les perfiló una personalidad: Ginger Spice, Posh Spice, Scary Spice, Baby Spice y Sporty Spice.

El éxito de “Wannabe” les pilló por sorpresa, porque ellas solo querían pasarlo bien, así lo aseguró Geri Halliwell en su autobiografía If Only en 1999: “Empezamos simplemente jugando con acordes y raps. Desde ese momento, creo que todos nos dimos cuenta de que esto era algo especial. Surgió de forma tan natural que la canción parecía simbolizar lo que éramos”, compartió.

Spice Girls junto al compositor Richard ‘Biff’ Stannard dieron forma a una canción con un claro mensaje, el de empoderamiento femenino: “Lo único que teníamos planeado con era representarlos como banda y capturar la esencia de lo que eran: esa esencia intrépida, obstinada y fantásticamente intimidante”, declaró el autor a The Telegraph, a la vez que enfatizó que ellas fueron directas sobre esto desde el inicio. En 1998, la salida de Geri Halliwell golpeó de incertidumbre el futuro de la banda, que seguiría como cuarteto hasta 2000 con ‘Goodbye’ y se disolverían. La gran mayoría continuaron en la música, incluso Victoria Beckham, aunque esta se haría finalmente un nombre en la industria de la moda. La última reunión tuvo lugar en 2019, sin la propia Victoria.

La gira internacional que protagoniza Alejandro Sanz, ‘¿Y ahora qué?’ por tierras hispanoamericanas, estadounidenses y españolas llegó a Murcia. Una tournée que comenzó en 2025 por Hispanoamérica, continuó por Estados Unidos y ahora, en el tiempo estival, llega a diversas ciudades españolas ya entrado 2026. En Murcia ha parado dos días dentro del ciclo MURCIA ON. El primer concierto se celebraba este pasado miércoles día 8, con un aforo de cerca de 8.000 seguidores del cantautor, de los que daremos detalles más adelante, y un segundo que colgó hace tiempo el cartel de ‘agotadas las entradas’ el jueves 9.

La expectación que desde siempre ha despertado el cantante volvió a repetirse en este primer concierto, de las dos fechas reservadas para Murcia; una tierra muy querida por Alejandro Sanz, donde tiene muchísimos seguidores como quedó patente a lo largo de las poco más de dos horas de actuación. Dejó muestra de su liderazgo musical una vez más, en un concierto que se iniciaba con una introducción musical y visual pregrabada y apareciendo, tanto banda como el propio Alejandro Sanz, con las primeras notas de ‘Desde cuando’.

El público estalló en una enorme exclamación de alegría y vítores a su ídolo, que mostraba inequívocamente la fidelidad que ha guardado al músico durante tantas décadas. Sin mediar palabra (tan sólo mientras interpretaba estos dos primeros temas lanzaba un “Dímelo, Murcia”) arrancó otro de sus éxitos coreados todos ellos a lo largo de la noche, por esas casi ocho mil personas que se habían citado en la plaza de toros murciana, para disfrutar sin frontera o muro alguno con piezas de su trayectoria como ‘Capitán tapón’.

Una primera parada para preguntar “¿Cómo están”, respondiendo el respetable “Bien” y replicando él “Yo también”. Acto seguido destacó que la siguiente canción la escribió ocho años atrás y aunque parezca mentira, aún tiene vigencia como reza la letra de ‘Por bandera’: “Por bandera, esa persona que te espera / por bandera, las cosas que dejaste a medias / por bandera, las tardes de risas y sin problemas / por bandera, ver atardecer desde mi ventana”.

La noche del pasado miércoles 8 de julio, en Murcia, fue muy tórrida tanto en lo meteorológico como en lo humano. Y así lo destacó el cantante con un “Bueno, qué calor hace ¿no?”, para continuar con ‘Bésame’. Prácticamente estábamos al comienzo de este primer concierto de los dos programados por Alejandro Sanz en Murcia y el coso taurino hervía por ese calor humano. Así que el trombón de la benjamina del grupo musical, la cubana Judith, protagonizó la introducción de ‘A la primera persona’. Continuó una larga introducción de piano, con la que el cantautor madrileño confesó que “entonces la música se metió en mi corazón, me lo espachurró como si fuera un bocadillo envuelto en un papel de plata y me dijo: ¿Sabes qué? A partir de ahora eres mío. Y le dije: Vale. Tenía siete años y hoy, a los (aquí hizo como la recordada Lina Morgan) taintantos (risas francas del público) estoy en Murcia, para cantarles”. Y dejó sonar ‘Mi soledad y yo’, que habla de ese novieta que se nos marcha a la costa de vacaciones con su familia y él, el novio, se queda en la gran ciudad esperando su regreso porque “Por favor / Cuando puedas llámame / Que mi soledad y yo / Sin ti no nos llevamos bien”.

Ya les había adelantado que el público coreaba; bueno, más que corear cantaba con Alejandro Sanz las letras de sus canciones como ‘El vino de tu boca’, al que Alejandro le puso un preámbulo de humor expresando “Qué de abanicos. A ver si pueden hacer una gran ola que llegue hasta el escenario. Tampoco ha hecho tanto calor. La gente es que es muy exagerá. La gente no sabe lo que dice, contestando los asistentes, No. La gente es muy exagerá, respondiendo, Sííí. ¡Qué calor ha hecho hoy! Pero aquí están. ¿Por qué? Porque nosotros somos más fuertes que todo eso. No hay nada que una canción no pueda solucionar. La siguiente canción no es lo que pega ahora mismo; lo que pega ahora mismo, a lo mejor, es una sangría o parecido como ‘El vino de tu boca’.

La banda que acompaña a Alejandro Sanz en esta gira de dos años es muy internacional, con preferencias sobre los músicos latinos. Hay cuatro mujeres procedentes de Cuba, Perú y Canarias. Luego están Bosnia, Barcelona, Nueva York (más adelante les contaré la anécdota sobre esto) y un director del grupo de Sicilia pero hecho en el Bronx, que es uno de los cinco distritos de la ciudad de Nueva York, conocido por su rica historia, diversidad cultural y ser la cuna del hip hop entre otros diversos atractivos. Con ellos los dejó -no sin antes advertirles que llevaran, el público, cuidado con las carteras-, para que sonara una pieza fusionada entre el hip-hop, funky y ritmo latino que puso más calor musical sobre el aforo murciano. Uuff, qué ritmazo. Sonando todavía los aplausos a esta banda, se escuchó la voz de Sanz preguntando “Murcia ¿estás ahí?, a lo que respondió un unánime Sííí”. Y anunció ‘Quisiera ser’. Luego, de nuevo, un breve monólogo del cantautor con su público para indicar que “la música tiene un poder increíble; hijo mío, desde que nos despertamos por la mañana erre que erre, erre que erre. Todo son malas noticias, todo es política, todo es y tú más, todo son peleas… Déjame escuchar una cancioncita tranquilo. De eso se trata en la música. ¿Qué llevamos aquí unas cinco horas, más o menos no?” Como pueden apreciar, los toques de humor en un madrileño que siempre ha bebido el sentir andaluz de sus padres están siempre al quite. “Que por nuestro corazón y cabeza sólo pase lo bello de la música; lo bonito de estar vivos, de querer, de compartir. Qué maravilla. Viva la música y la gente a la que le gusta la música. En esta gira, proseguía Alejandro Sanz, estoy recordando mucho a un amigo mío que ya nos dejó, Jesús Quintero ‘El loco de la colina’, que decía muchas cosas acertadas y otras con las que discutíamos, pero una de las que estábamos de acuerdo era que una canción no puede parar un tanque, pero le puede partir el corazón al guerrero que lo conduce. Así que, si podemos, esta noche parar un tanque lo vamos a hacer o por lo menos, le vamos a partir el corazón a algún guerrero”. Y finalizó anunciando el título de su siguiente canción: ‘Hoy, no me siento bien’.

Luego, el concierto continuó con un medley conformado por ‘Regálame la silla’, ‘Amiga mía’ y ‘Déjame que te bese’ que provocó uno de los momentos rítmicos del concierto, aunque el personal no cesaba de bailar y ello provocaba, cómo no con ese calor meteorológico, que le pidieran botellines de agua a cada momento; sobre todo, aquellos que se ubicaban en las primeras filas de pie junto al escenario. En ese momento sonaron las notas de ‘Las guapas’, canción de su último álbum de estudio y el que protagoniza esta gira internacional, que no daba respiro al público en el baile.

El regreso a las canciones más románticas fue protagonizado por una de las más intimistas de su repertorio titulada ‘Cuando nadie me ve’, que tuvo una introducción notable de la bajista canaria Brigitte Sosa. A ella le siguió ‘El alma al aire’ y ‘Mi marcianica’. Después otro momento para la guasa andaluza que Sanz domina como pocos (es Hijo Predilecto de la provincia de Cádiz), con estas expresiones: “Estamos llegando al final. He traído una rebeca por si refrescaba (nótese la ironía de la noche calurosa). Estoy llorando por dentro; acabamos aquí o hacemos 250 canciones más” Obviamente, el público contestó al unísono que 250 canciones más. Y la réplica del cantante fue “es que ‘No es lo mismo’. Así que sonaron las notas de uno de sus exitazos, dentro de su extensa trayectoria que, creo, no hubo nadie que no la cantara en todo el aforo y que Alejandro Sanz dejó, como en otras canciones del concierto, que los fans interpretaran estribillo o trozos de la canción.

El programa oficial del concierto finalizaba con ‘Aquello que me diste’. Saludo de despedida de toda la banda desde el escenario, apagado de luces, pero no de los amplis y demás artilugios de sonido necesarios. Lo que, naturalmente, llevaba a los asistentes a saber que habría un poco más, aunque insistieran en ello. Tras un par de minutos, Alejandro Sanz y sus músicos regresaron al escenario, formaron un semicírculo pequeñito y comenzaron a tocar. Con ese fondo, Sanz fue presentando uno a uno a todos sus músicos no sin antes indicar que había sido todo un reto. En la guitarra y trompeta, desde Bosnia, el señor Miron Rafajlovic. Continuó con la benjamina del grupo procedente desde Cuba, que interpreta con el trombón de varas, percusión y voces: Judith. Y desde Barcelona, el piano y la voz de Alfonso Pérez. El bajo eléctrico y el contrabajo son los dominios de la canaria Brigitte Sosa. De vuelta a Cuba, Sanz presentaba a Karina Pasian, que le acompaña en los coros y voces. Llegados a este momento, se dio un momentico simpático (de los varios que hubo) porque el personal gritaba “Nueva York” y Alejandro les decía que no lo pronunciaban bien. Que lo dijeran con él “Nueva Yol”. Es cierto. De todos los años que llevo escuchando música, entrevistas, películas en original o en doblajes al español y para hacerlo absolutamente original a cómo se pronuncia por los hispanos en la ciudad de los rascacielos, les he de asegurar que es así, exactamente así, cómo lo pronuncian. Pues desde allí, llegaba Chris Hierro en los teclados. En la batería, una mujer que ponía el metrónomo de la banda, además de tocar a la perfección el cajón; y no era de extrañar, porque es uno de los instrumentos autóctonos de su país, Perú: El cajón, que Paco de Lucía incorporó al flamenco hace décadas. De todo ello se encargaba la señora Gisella Giurfa. Y por último y no menos importante, un músico que unía el Bronx neoyorkino y su país de procedencia, Sicilia, por lo que nada podía salir mal, según destacaba Alejandro Sanz. El guitarrista y director musical Mike Ciro.

Y con ese fondo musical que le sirvió para esta detenida presentación, también le sirvió para solicitar un enorme aplauso para todo el personal que trabaja en esta gira y en el MURCIA ON. El fondo musical acompañó a ‘Y si fuera ella’. Con posterioridad, la banda se recolocó cada cual en su lugar y dejaron sonar ‘Lo ves’, con la que el público continuaba disfrutando de un concierto que fue, decididamente, caluroso en todos los sentidos. El broche a dos horas y diez minutos, al borde mismo de la medianoche, no podía ser otro que ‘Corazón partío’. Como destacó Alejandro Sanz, “entonces, cuando parece que ya todo se ha dicho, se dice una última cosa y así nos despedimos. Os quiero dar las gracias por haber venido. Ámense sin miedo, hagan lo que quieran, viva la vida y la música. No pierdan el tiempo, porque es lo más valioso que tenemos y si lo perdemos que sea escuchando una canción. Que Dios me los bendiga. Mira, ésta la escribí ayer” y sonó el estribillo con tal fuerza vocal, que hasta una manzana más allá de donde su ubica la plaza de toros murciana se escuchaba ese ‘Corazón partío’.

En definitiva, una noche de intenso calor meteorológico y humano para envolver con muchísimo cariño a este intérprete de la música universal, ganador de 22 Grammy Latinos y cuatro Premios Grammy. El cantante español que ha vendido más de 25 millones de discos a lo largo de su trayectoria y persona muy comprometida con iniciativas sociales como ‘Salvar el Ártico’ o promotor incansable de Médicos sin Fronteras. En definitiva, una persona cercana y sencilla que le canta al amor y a la vida, sin despreciar las denuncias cuando hay que hacerlas. Ese es Alejandro Sanz.

Son como la luna y el sol y, sin embargo, ambas podrían convivir perfectamente en el mismo firmamento. Tanto, que parece que las dos controlan sus respectivos astros cada vez que sostienen el micrófono. La primera de ellas, Lorde, jamás había actuado en Madrid hasta este preciso día. No es casualidad, por ende, que el sol se resistiese a abandonar el cielo mientras la artista permaneciera sobre el escenario del Mad Cool, como si el único motivo de su existencia se justificase con iluminarla durante este concierto. Florence and the Machine, en cambio, ya conocía de sobra la luna de la ciudad, por lo que el escondite del satélite no hacía más que añadir misterio a la noche.

Aun así, también había planetas pululando por la segunda jornada del festival: Jennie, esta vez sin sus compañeras de Blackpink girando a su alrededor, llegaba dispuesta a poner el broche k-pop ante su enorme séquito de fans; Teddy Swims, por su lado, buscaba demostrar que el soul que triunfa en TikTok también puede hacerlo en directo; Charlie Puth, por su parte, que “debería ser un artista más grande”, y Zara Larsson, por la suya, que no hay fiesta si no hay pop chicle de por medio. Y cada uno de ellos ha intentado acometer su propósito a su manera —algunos con más fortuna que otros—, pero la sombra de un eclipse se ha cernido sobre ellos en el que ha sido el Mad Cool de Lorde y Florence Welch.

Antes siquiera de que los primeros indicios del atardecer se empezaran a percibir en el distrito de Villaverde, los acordes de Liability ya habían sonado bien alto en el festival. “Van a verme desaparecer en el sol / Todos me van a ver desaparecer en el sol”, ha cantado Lorde en un clásico que alude a una sensación de unidad con el universo. No es ninguna sorpresa: la artista ha dedicado mucho tiempo a comunicarse con la estrella madre. Lo ha hecho a través de cartas y, por supuesto, música. Una música que se adueña de cualquier espacio cuando el mito, esa cantante que evita las redes y escribe a sus fans por correo electrónico según el calendario natural, es quien sale a defenderla.

El concierto de la artista se llenó de magia desde el momento en el que la neozelandesa abandonó a Ella Marija Lani Yelich-O'Connor, la persona detrás de la icono, y se transformó en la guía de las miles de personas que la vitoreaban a escasos metros. Es algo que Lorde hace sin pretenderlo, puesto que siempre se ha esforzado por no ser ese tipo de referente, evitando los focos y el ruido mediático, y optando por vivir lejos de las alfombras rojas de Hollywood tras descubrir lo que conlleva la fama. En el escenario, no obstante, es capaz de cambiar todas las facetas de sí misma. Es lo que hace que uno no pueda cambiar la dirección de la mirada. Todas las pupilas le pertenecen.

“He sido el hielo, he sido la llama / He sido el premio, la bola, la cadena / He sido el dado, la bola mágica”, ha declarado Lorde en la interpretación de su exquisita Shapeshifter, perteneciente a su último disco, Virgin (2025). La canción es uno de sus himnos más recientes, una realidad que se nota cuando la gente recibe el final como la máxima de las confesiones de su ídolo: “No, no me afecta / Pero esta noche solo quiero caer”. Pero la fiesta no podía terminar sin las extraordinarias Supercut o Ribs, esta última interpretada mientras era arropada por la audiencia y daba la mano a los fans de las primeras filas.

El espectáculo de la artista ha estado marcado por las altas temperaturas, pero la religión que ha creado Lorde en torno a su trabajo ha sido suficiente para que cualquier gota de sudor mereciera la pena. “Hace mucho calor”, ha dicho Lorde en un perfecto español. Más adelante, la compositora ha aprovechado para criticar las gafas Ray-Ban Meta, patrocinadoras del festival, que sirven para capturar fotos y vídeos en primera persona, escuchar música y realizar llamadas sin usar las manos. “Cada vez es más difícil saber si algo es real. Ya no sabes si alguien lleva gafas de sol o si lleva esas jodidas gafas de mierda...”, ha alegado. Lorde, la diosa que de adolescente le añadió una 'e' al término masculino Lord para coronarse a su manera, invitó a sus seguidores a rezar... y claro que sus seguidores rezaron.

Sin embargo, si la religión permaneció en el recinto del Mad Cool es porque hubo más de una predicadora. La noche tiene ese sabor al misticismo de la iglesia, ese olor a lo sagrado de los libros. Y la noche tuvo como dueña a Florence and the Machine. La banda, capitaneada por la ya legendaria Florence Welch, ha estado hasta cuatro veces en Madrid, la última siendo en 2022 en el propio Mad Cool. No es de extrañar que apenas necesitaran de las estrellas, ocultas bajo las nubes durante gran parte de su actuación, ya que no hubo instante durante el concierto del grupo que la audiencia no estuviera sumida en una profunda hipnosis.

La sola presencia de Florence Welch sobre las tablas lograba cortar la respiración. Descalza y girando sobre sí misma como si fuese su último día sobre los escenarios, la británica destiló presencia en un espectáculo que calificarlo como tal se queda hasta corto. Lo de la artista es un homenaje a la música en todas sus formas. La inicial Everybody Scream ya era toda una declaración de intenciones: o gritas o gritas. Y no únicamente eso: “Todos a bailar / Todos a cantar / Todos a moverse”. Supuso un espléndido inicio antes de continuarlo con el himno Shake It Out, que todavía en 2026 sigue invocando las lágrimas de quien lo escucha. Así es el torbellino de emociones de la banda.

La cantante brilló con su tema Spectrum, aupada por una preciosa melodía de violín y piano que encendió los ánimos antes de provocar una pura catarsis colectiva durante Hunger, donde miles de personas respondieron al unísono con palmadas. No obstante, la misa de Florence and the Machine no podía acabar sin su respectiva comunión: Welch, dejándose caer de rodillas, se cargó de dramatismo en King para reclamar su trono. “No soy una madre, no soy una novia, soy un rey”, ha asegurado al alcanzar el estribillo de la canción. La devoción llegó a su punto de no retorno en What Kind of Man, un tema que explotó de forma salvaje tras la primera estrofa con un simple rasgueo del batería.

El ritual de la banda se consumó durante la puesta en escena de Rabbit Heart, cuando Welch invitó a los fans a subirse a los hombros de otros, llenando el horizonte de muchas cabezas sobre otras. No importaba que la persona de delante tapase durante varios minutos a la de atrás o que quienes se sostenían no se conocieran de nada, las canciones tienen estas cosas y su sacerdotisa sabía prender la mella de la magia como ninguna otra. Este es el refugio de la música contra la tormenta, y que haya quien lo saque a relucir con tanta proeza la misma jornada en la que ocurre el fallecimiento de la mítica Bonnie Tyler lo hace aún más valioso.

Un artista más grande

Canta Taylor Swift en The Tortured Poets Department (2024) que “Charlie Puth debería ser un artista más grande”. Como si quisiera demostrarlo, el cantante salió tras el teclado dispuesto a jugar con él como si se tratara de una mesa de mezclas. Es poco común ver a grandes estrellas cantar con las gafas de vista, pero el estadounidense parecía no querer perderse ni un solo detalle de lo que ocurría en el foso. Tras apenas un tema, se puso una gorra para afrontar el calor y recordó que, en efecto, había “pasado mucho tiempo” desde su última visita a la capital. En concreto, una década. Pese a ello, el público coreó de memoria su memorable We Don't Talk Anymore y respondió complacido a su show.

Menos gracia tuvo el espectáculo de Jennie, aunque no precisamente por su enorme producción. La integrante de Blackpink, uno de los reclamos más fuertes de la jornada, otorgó un concierto que quedará pronto en el olvido fuera de su base de fans. Apenas se la escuchó, con los coros sonando a todo volumen, y a sus bailes les faltó autenticidad. Era difícil creer lo que veías y no por admiración, sino por la pretenciosidad que derrochaba. Los fans, eso sí, hacían que el plato fuera más digerible gracias a su increíble pasión. La mayoría acudió con un martillo de corazón y estrellas, un tipo de barra de luz que se ha convertido en un accesorio fundamental para los seguidores de la banda, que utilizaron para iluminar el recinto.

El día también acogió el soul contemporáneo de Teddy Swims, soberbio en directo al desnudar su voz en la balada Some Things I’ll Never Know, y la purpurina de Zara Larsson. Esta última, ya considerada una diva del pop, se subió a un coche rosa sobre el escenario, se hizo un selfie con la multitud a sus espaldas y se escudó en sus coreografías para divertir a la audiencia. Aunque su fenómeno solo ha explotado en España con una o dos canciones, casi todo el público —y no había precisamente pocas personas— tarareó todos los temas, incluso los que no lucían interesados en su espectáculo —un ejemplo de la gran cantidad de asistentes extranjeros, que se encamina a alcanzar el 40%—. Ambos también dejaron huella como constelaciones del Mad Cool, que no han tenido mejor guía que la luz del sol y la luna de Lorde y Florence and the Machine.

Este jueves el mundo de la música despide a Bonnie Tyler, que ha fallecido este miércoles 9 de julio en Faro (Portugal) donde residía, al no haber podido recuperarse de una operación de intestino a la que se sometió el pasado mes, que la llevó al coma, y que ha acabado finalmente con su vida, según ha informado su familia.

Conocida por éxitos como It's a Heartache, Total Eclipse of the Heart y Holding Out for a Hero, la cantante británica deja un legado de más de cuatro décadas de carrera, además de una distintiva voz rasgada que no tuvo desde el principio, sino que fue el efecto secundario de no haberse recuperado de una intervención en las cuerdas vocales.

El origen de la voz rasgada de Bonnie Tyler

Nacida como Gaynor Hopkins en seno de una familia humilde de Skewen, en Gales, su madre le inculcó el amor por la música, siendo ella parte del coro de la iglesia local. Aquella chica que comenzó su carrera en 1976 después de que se le ofreciera un contrato discográfico por parte de RCA Records, nada tenía que ver con la voz que más tarde se convertiría en el sello de Bonnie Tyler.

Después de cambiar su nombre a uno artístico que creó recopilando nombres y apellidos de la Biblia, la joven se encontraba promocionando sus primeros sencillos My my Honeycomb y Lost in France cuando notó que su voz estaba cambiando debido al esfuerzo vocal.

Fue entonces cuando la sometieron a pruebas y le detectaron nódulos, lo que la llevó a operarse. Tras esto, se le pidió reposo, pero ella cuenta que desobedeció de forma involuntaria y que esto provocaría esa voz rasgada que tan característica se convirtió. En su biografía, Straight from the Heart, explicó que se encontraba de camino al hospital para ver a su hermano Lynn, ingresado por una lesión en la pierna, cuando se dio cuenta que se le había olvidado llevar una bolsa de fresas que le había preparado.

“Estaba tan frustrada de tener que conducir de regreso a casa, que solté un grito de '¡Oh, no!'. Cuando fui a una revisión con el especialista, me miró y me dijo: ‘Podrías haberte causado un daño permanente’”, reveló la fallecida artista.

Sin embargo, cuando se curó la herida, junto a su productor David Mackay descubrió su nueva voz ronca y sorprendentemente les gustó el resultado, de hecho, él llegó a decirle que era la “versión femenina de Rod Stewart”. Y es que ambos se dieron cuenta de que al cantar ella adoptó un tono ligeramente más oscuro, melancólico, capaz de aportar una calidez natural e innata que redondearía éxitos como It's a Heartache, donde su comienzo obtiene una crudeza de intensidad emocional que no se conseguiría con arreglos o de otra forma.

El paralelismo entre Tina Turner y Bonnie Tyler

Un hecho también no tan conocido es la curiosidad de que una de las canciones más famosas de Tina Turner, The Best, se trata precisamente de una versión de Bonnie Tyler, que la cantó en 1988 y llegaría a ser top 10 en Noruega, Portugal, así como éxito menor en España y Reino Unido, pero la norteamericana la convertiría en un himno internacional.

Una historia que las conecta directamente, pero también el hecho de que la propia Bonnie Tyler la ha citado como una referente con la que creció escuchándola, y además, en sus comienzos cantó versiones de Ike & Tina Turner como Nutbush City Limits, que haría que fuera descubierta para firmar un contrato discográfico que daría lugar al comienzo de una trayectoria de más de cuatro décadas de una voz que se ha apagado este julio de 2026.

Bonnie Tyler ha fallecido este miércoles en Faro (Portugal) a los 75 años, según ha informado la propia familia de la artista británica. La cantante de éxitos como It's a Heartache, Total Eclipse of the Heart y Holding Out for a Hero, no logró recuperarse de la enfermedad por la que fue hospitalizada el mes pasado.

Tyler, cuyo nombre real era Gaynor Hopkins, nació el 8 de junio de 1951 en la ciudad galesa de Neath, en Reino Unido. El amor por la música se lo infundó su madre, Elsie, que era una gran admiradora de la ópera y cantaba en el coro de una iglesia local.

Janis Joplin y Tina Turner fueron dos de las voces con las que Bonny Tyler se crio; y con diecisiete años logró quedar segunda en un concurso de talentos interpretando Those Were the Days de Mary Hopkins y I Can't Stop Loving You de Ray Charles. Dos años después formó su propia banda, Imagination, con la que tocó en bares y clubes del sur de Gales, bajo el nombre de Sherene Davis.

Roger Bell la descubrió durante una de sus actuaciones, impresionado por su talento. De ahí viajó a Londres para grabar algunas demos y meses después firmó con RCA Records. Allí le recomendaron que se buscara un nombre más potente, y se decidió por Bonnie Tyler. My my Honeycomb y Lost in France fueron sus primeros sencillos. Tras el lanzamiento de ambos, la cantante tuvo que someterse a una operación de nódulos en las cuerdas vocales. Su médico le ordenó que no hablara durante varias semanas, pero Tyler no le hizo caso. Su 'desobediencia' fue la que generó el sonido rasgado e inconfundible de su voz que le acompañó durante el resto de su carrera.

La artista fue galardonada con el premio Brit a Mejor artista revelación británica en 1977, aunque su salto a la fama mundial fue un año después, gracias al éxito de It's a Heartache. Tyler estuvo ligada a RCO hasta el álbum Goodbye to the Island, que publicó en 1981, y grabó principalmente en el Algarve, Portugal. El tema Sitting on the Edge of the Ocean ganó en el Gran Premio del Festival Yamaha Music celebrado en Tokio en 1979. Descontenta con sus anteriores productores, al expirar su contrato fue en busca de nuevos, y acabó proponiéndoselo a Jim Steinman, con quien terminaría alcanzando la cima de su carrera.

Su primera obra juntos fue el hit Total Eclipse of the Heart, al que siguió el disco Faster Than the Speed of Night. Canción y álbum fueron nominados al Grammy.

Su siguiente trabajo discográfico, Secret Dreams and Forbidden Fire incluyó otro de sus grandes éxitos, Holding Out for a Hero. La cantante grabó Hide Your Heart con Columbia Records en 1988 y posteriormente Bitterblue con Hansa Records, tras establecerse en Alemania. Le siguieron Angel Heart (1992) y Silhouette in Red (1993). A finales de los noventa, la artista firmó con una nueva compañía, East West Records, con quienes fusionó pop con música celta en su álbum All in One Voice.

Tyler continuó saliendo de gira, grabó un disco de covers con la orquesta filarmónica de Praga, y en Wings apostó por involucrarse por primera vez activamente en el proceso de composición de su álbum, eminentemente pop. En 2013 sumó un nuevo hito en su trayectoria, representando a Reino Unido en Eurovisión con Believe in Me. Obtuvo el puesto 19. En Malmö, ciudad en la que se celebró el certamen ese año, protagonizó un divertido encuentro con la delegación española. La artista compartió escenario con El sueño de Morfeo en los conciertos previos a la gran final, donde les recibió con ánimos y a grito de: “¡Que viva España!”.

Tyler lanzó otros dos álbumes más, Rocks and Honey en 2013 y Between the Earth and the Stars en 2019, y siguió recorriendo escenarios y actuando en televisión. Hasta su complicación intestinal, seguía a pleno pulmón. Actualmente estaba de gira, de hecho, tenía previsto tocar en Malta el 22 de mayo y en Alemani el día 30.

A comienzos del verano de 2011, había una canción que se había colocado entre lo más escuchado y de lo que no se podía escapar durante todo ese mismo año, además de que aupó a lo más alto a su interprete, que luego tocaría también el número uno de todo el mundo con colaboraciones con Jennifer López, Enrique Iglesias o Christina Aguilera.

Hablamos de “Give Me Everything” de Pitbull, que era número uno en España hace 15 años, justo al comienzo del verano, en el que sonó como uno de los temas veraniegos, y que lo consolidó como una de las estrellas de la música de la década de los 2010, que certificaría con otros como ‘On the Floor’ o ‘Feel this Moment’.

El número 1 que consolidó el éxito de Pitbull

El mezclar el hip hop con el reggaetón hizo a Armando Christian Pérez, músico de Miami de ascendencia cubana más conocido como Pitbull, todo un número uno a nivel mundial, al generar un sonido original y característico que le llevó a acumular varios éxitos durante la década de los 2010, aunque su carrera había comenzado mucho antes, en 2004, con el lanzamiento de su primer disco 'M.I.A.M.I.'.

Sus primeros temas conocidos, sin embargo, llegaron entre 2008 y 2009 con “I Know You Want Me” y “Hotel Room Service”, que alcanzaron el top 10 de la lista Billboard Hot 100 y lo hicieron reconocido a nivel internacional. Aunque tendría que esperar hasta 2011 para que “Give Me Everything” lo consolidara como estrella musical y obtuviera el número 1 de la lista Billboard, rompiendo el récord de Adele con “Rolling in The Deep” y con la que puso fin a la racha de artistas femeninas en lo más alto, la segunda más larga de la historia hasta la fecha.

En canción contó con la colaboración del rapero Ne-Yo y la cantante y modelo Nayer, también de origen cubano, que acompañaron a Pitbull en las voces, y con una producción a cargo de Afrojack. El tema todo un fenómeno, no solo en Estados Unidos, sino a nivel internacional, con España incluida. Así, no extraña que su videoclip en Youtube haya sido uno de los que ha llegado a los mil millones de visualizaciones, entrando en el selecto club del ‘Billion Views Club’.

La cosa no se quedó ahí, pues en ese mismo 2011, Pitbull colaboró con Jennifer López en el que fue otro de sus éxitos más reconocidos, “On the Floor”, y con la que la artista revivió su carrera. A ella le siguieron colaboraciones con otros artistas como Enrique Iglesias con “I Like It”, que también llegó al top 5 de Billboard y “Feel This Moment” con Christina Aguilera, que grabada en 2011 no fue publicada hasta 2013.

Una segunda vida gracias a ‘Los Bridgerton’

“Give Me Everything” tuvo una segunda popularidad en 2024, cuando apareció en la primera parte de la tercera temporada de ‘Los Bridgerton’, que tiene como una de sus características el uso de canciones pop dentro de su trama de ficción histórica. La canción de Pitbull aparece en una de las escenas más memorables, cuando Colin y Penelope se encuentran en el carruaje.

De hecho, el artista no dejó escapar la ocasión para comentar este hecho en sus redes sociales: “Esto le demuestra una vez más al mundo que la música es el lenguaje internacional que trasciende fronteras y cómo una canción de éxito puede seguir siendo actual”, escribió a la vez que agradecía a Netflix la oportunidad.

Madonna tenía 24 años cuando lanzó su primera canción en solitario, Everybody. Era 6 de octubre de 1982, fecha que cambiaría para siempre la historia de la música. Nacía la que terminaría convirtiéndose en la 'reina del pop'. Soberanía que su majestad mantiene más de cuatro décadas después en las que, con ahora quince álbumes de estudio a sus espaldas, ha compuesto himnos como Like a Prayer, Like a Virgin, Vogue, Hung Up y La Isla Bonita.

Pero su legado no se ha limitado únicamente a su talento como artista. Madonna rompió los moldes del mainstream, transgredió a nivel sexual, tomó las riendas de toda su corporalidad y look, y dio visibilidad al sida cuando era un tabú envuelto en estigmas, ha desafiado al Vaticano y ha subido la bandera palestina al escenario de Eurovisión en Israel.

“Siempre ha abierto camino”, afirma Eduardo Viñuela, Doctor en Musicología y autor de la biografía Bitch She's Madonna (Dos Bigotes). Un camino que sigue ampliando con el lanzamiento de su nuevo disco, Confessions II, este viernes, siete años después del anterior, a punto de cumplir 68.

“Está haciendo algo que no ha hecho nadie, que es envejecer siendo mujer en un género musical como el pop. No estamos hablando de una artista de country, ni de blues, ni de jazz, sino del pop, que siempre se asoció a la juventud”, valora el experto, que incide en que la cantante ha sido y es diana de edadismo: “Se le ha criticado mucho, cuestionando que por qué no se retira; que además tiene un componente de género, porque desde luego no es algo que le digan a Bruce Springsteen”.

Leyre Marinas, publicista y Doctora en Periodismo, analizó en Fucked Feminist Fans. Los orígenes del #MeToo desde la cultura pop musical (Dos Bigotes) las conexiones que han existido en los últimos treinta años entre la música, los movimientos feministas y el sexismo divulgado por los medios de comunicación, en las que Madonna cuenta con su propio apartado.

Para la investigadora, la artista “ha sufrido y sufre todas las normas de vigilancia y control sobre absolutamente todo lo que pueda atravesar a cualquier mujer. Ya sea por edadismo, su sexualidad, su talento, sus creaciones, su poder dentro de la industria musical y su influencia. Las críticas siempre han sido sexistas. No encontrarás a ningún hombre del pop, rock o cualquier otro género al que le digan 'deja de ocupar este espacio'”.

La doctora en periodismo incide en que desde el inicio de su carrera, la artista “obligó a que la sociedad se hiciera preguntas muy incómodas dentro del papel de las mujeres en la industria musical y los videoclips. Mostró su sexualidad sin estar subordinada a la mirada masculina. Siempre enseñó su deseo como herramienta de poder y de liberación; y a ella misma como mujer ambiciosa dentro de la industria. Eso rompía muchísimos esquemas”. “Su gran aportación fue demostrar que las mujeres podían llegar al poder y al éxito”, suma.

El intocable trono de la 'reina del pop'

Desde que Madonna fuera apodada como la 'reina del pop', la industria musical ha contado con un radar particular sobre quién sería su digna sucesora, creando una necesidad de relevo, realmente inexistente, fruto de la competitividad entre las mujeres impuesta por patriarcado y capitalismo. Sin embargo, ella ha ido a la contra, poniendo el foco en generar precisamente lo contrario.

“Desde los ochenta le ha perseguido ese buscar a la siguiente reina para cuando hiciera falta el relevo generacional. Mientras tanto, ella ha reivindicado la unión y validación a las figuras del pop de cada momento”, apunta Eduardo Viñuela, haciendo referencia a su apoyo a Christina Aguilera, Britney Spears, Nicki Minaj, Sabrina Carpenter –con quien tiene una colaboración en su último disco–, Arca y Charli XCX.

“En vez de rivalidad, está creando sororidad”, añade el experto, que aplaude que a su vez ponga en valor a figuras del pasado, como Tamara de Lempicka y Liza Minnelli.

Leyre Marinas comparte su valoración, aplaudiendo que en ese 'ir por delante', Madonna ha sabido incluso “sacarle partido al jugo que podía haber en esa construcción cultural de la competitividad entre mujeres, de 'peleas de gatas'”, y cita como el gran epítome el icónico beso que se dio con Britney Spears en la gala de los MTV Awards celebrada en 2003.

“Fue un diálogo generacional. Una actuación plagada de safismo. No solo fue una provocación mediática, sino una transmisión simbólica de la reina del pop a su heredera. Ahora estamos más acostumbrados a ver colaboraciones y halagos entre artistas, pero en su momento rompió con ello bastantes esquemas”, reivindica.

El poder político de Madonna

Más allá del éxito de su música, Madonna siempre ha llevado el significarse políticamente por bandera, que en numerosas ocasiones ha derivado en polémicas. Uno de sus grandes hitos fue dar visibilidad a la lucha contra el sida en los ochenta, rompiendo por completo con el tabú que suponía en ese momento. “Fue un gran altavoz de este problema en un momento en el que estaba muy escondido”, recuerda y menciona otros hitos controvertidos como sus enfrentamientos con el Vaticano. “Al mercado no le interesa mucho cuando alguien mete mucho el dedo en la llaga, pero le ha dado igual”, explica.

El videoclip de Like a Prayer, que culminaba con la cantante bailando rodeada de cruces en llamas fue dio mucho que hablar en 1989, al que siguió que, un año después, Madonna llegara a ser amenazada por la Policía. Varios agentes le advirtieron de que si volvía a simular una masturbación durante su interpretación de la misma canción en un concierto en Canadá, sería arrestada por escándalo público. Por supuesto su reacción fue hacerlo aún con más empeño que sus actuaciones previas.

En su 'idilio' con la Iglesia faltaría sumarle el lanzamiento de la canción Papa Don't Preach en 1986, en el que hablaba sobre una adolescente que decidía seguir adelante con su embarazo, y que durante su tour internacional en 1987, dedicó al papa Juan Pablo II, que la institución entendió como una provocación directa, ofensiva e irrespetuosa.

En 2019 protagonizó otro momento histórico, esta vez sobre el escenario de Eurovisión. Con Israel como sede del concurso, la cantante incluyó en su puesta en escena a dos bailarines subiendo una escalinata cogidos de la mano, con la bandera de Palestina e Israel cosidas en la espalda. “La música hace que la gente esté unida”, había dicho la artista durante la gala. El gesto no gustó en el país anfitrión, cuya ministra de Cultura calificó de “error inapropiado”.

Madonna volvió a significarse sobre el genocidio en Gaza. De hecho, incluyó un alegato en su gira mundial de 2023. “Podemos unirnos de una forma oscura y malvada, o podemos unirnos para crear un espacio de luz y amor. Y si todos tenemos esta conciencia colectiva, podremos cambiar el mundo y traer paz no solo a Oriente Medio, sino a todo el mundo”, expuso durante sus shows.

“No se ha valorado nada político de lo que ha hecho”, critica Leyre Marinas, mencionando el citado beso con Britney Spears, pero también en su reivindicación de la sexualidad femenina, el feminismo en sí, la visibilidad sobre el colectivo LGTBIQ+ y rechazo al racismo. La Doctora en Periodismo considera que muchas veces la sensación de 'polémica' haya “eclipsado a veces el contexto sociocultural y político en el que han ido sucediendo”, empezando por el marco que acompañó el lanzamiento de cada uno de sus discos, que provocaron que discos como Erotica (1992) fuera todo un escándalo.

Leyre Marinas critica que hasta hay quien ha leído sus polémicas como “incluso individualistas, o meras provocaciones de una artista que se ha subido a un escenario con un talento y éxito mundial, y que, sin embargo, no se le ha tomado en serio”. La investigadora apunta que “ocurre siempre como reacción a cualquier acción de mujeres o colectivos discriminados, que parece que pasan sin pena ni gloria, pero han funcionado igualmente como intervención cultural, de representación y visibilidad”. “Esto también ayuda mucho a entender por qué Madonna sigue siendo una figura imprescindible dentro de la historia del pop y de la industria del entretenimiento en general”, concluye.

La capacidad de “augurar” el futuro

La cantante publica este viernes Confessions II y hay una sensación generalizada de que el final de su carrera quede aún muy lejos, también para ambos expertos. “Madonna augura el futuro y el público obedece. Da igual hablar de la industria musical, la estética o el apoyo público a comunidades discriminadas; ella siempre ha ido un paso por delante de las mortales y es la que guía”, alaba Leyre Marinas.

Eduardo Viñuela destaca que en su nuevo trabajo podría haber optado por acercarse a “la línea de lo que se escucha, quizás algo más de reguetón, pero lo que está haciendo es reivindicar la música disco”. Madonna sorprendió a sus fans con un concierto sorpresa en Times Square presentando su disco a principios de junio, del que también adelantó un cortometraje de trece minutos, Confessions II - The Film, disponible en YouTube.

“En un momento en el que todo es muy fugaz y líquido, en el que todo son eras que pasan muy rápidamente, solo hay que ver cómo Taylor Swift o Rosalía cambian cada dos años de concepto; ella se mantiene en una línea que ha estado muy presente en su carrera”, considera, “todavía le quedan muchas cosas por decir, y eso que ya todo lo que lleva haciendo muchos años está por encima de lo que se podría esperar de un artista”.

Unos palillos se deslizan entre los dedos de un músico en un rincón del escenario. Durante muchísimos años, esas manos han sostenido herramientas manuales y equipos mecánicos en un taller de coches. Esta noche, en cambio, Jesús Salas se aferra a sus dos palillos y hace de estos la chispa que desencadena la tormenta. El artista, que acabó dando nombre a Los Niños Jesús, forma parte de un grupo que cree con convicción que la música es capaz de coexistir junto a otras profesiones. Para prueba, su líder, Jordi Évole, que demuestra en Rivas que es posible cambiar las preguntas difíciles por las canciones de toda la vida.

“Estoy probando en esto de la música porque con un cambio de Gobierno me podría ir a la mierda”, dice entre risas el periodista. Junto a Salas y Évole se encuentran Jacob Carrasco, Juan Carlos Patrón, Javi López y Óscar Huertas, quienes forman una banda de amigos que parece saber mejor que nadie los principales requisitos para divertirse. Hacen gala de estos nada más sonar el primero de los acordes, puesto que logran que personas de todas las edades se agolpen en la Plaza de la Constitución en un ambiente que recuerda a las mejores fiestas de barrio. Desde familias con niños pequeños hasta grupos de jóvenes con sus refrescos, toda la zona está abarrotada para despedir el FIC.

El nostálgico y divertido repertorio de Los Niños Jesús devuelve el brillo a himnos como Pacto entre caballeros de Joaquín Sabina, Escuela de Calor de Radio Futura o Marta, Sebas, Guille y los demás de Amaral, canciones que demuestran su poder atemporal al ser coreadas a todo pulmón por los espectadores. Évole lo pone todavía más fácil, puesto que es muy difícil no querer sumarse a su celebración cuando parece que incluso el escenario se le queda pequeño. Ya sea dando palmadas que el público no tarda en replicar o apostando por hits más reconocibles por los adolescentes como El Fin del Mundo de La La Love You, el grupo se propone con éxito que nadie se quede sin bailar.

Todo está permitido en la verbena de Évole y sus amigos. Todo, que hasta el periodista comienza su espectáculo con la equipación de La Roja. “¿Qué pasa? ¿Que los de izquierdas no podemos ir con España o qué?”, declara para despertar el clamor de la plaza de Rivas, a la que se mete en el bolsillo bastante rápido. El músico, que reconoce que llevaba mucho tiempo queriendo formar una banda de rock, puede darse por satisfecho tras un espectáculo al que todo el mundo está entregado. “Si yo lo he podido hacer y cumplir así mi sueño, vosotros lo podéis hacer también”, apunta Évole, que transmite a la perfección su unión con Jesús Salas y el resto de amigos.

Los palillos de Salas, de hecho, recuerdan también a los pinceles de La Bien Querida. Antes de convertirse en un referente en el pop independiente español, la cantante era Ana Fernández-Villaverde y se dedicaba a la pintura. Cualquiera podría pensar que poco queda de ese talento en la intérprete que toma el relevo de Jordi Évole y su grupo para ofrecer a Rivas un espectáculo más minimalista, pero lo cierto es que es algo que queda intrínseco en ella. “Todas las artes sirven para sacar lo que uno tiene dentro y, a mí parecer, tienen un punto de conexión. El creador saca sus miedos, sus frustraciones, sus deseos...”, contó a elDiario.es en 2022.

Y todos sus miedos, frustraciones y deseos inundan la Plaza de la Constitución de Rivas en el que es un precioso homenaje a la verdad. Tanta verdad que, si por algo consigue brillar la artista, es precisamente por la honestidad de sus letras. “Todo el mundo tiene restos de sueños / Y regiones de la vida devastadas / Todo el mundo tiene una infancia / Que resuena en las esquinas de su casa”, canta la artista en su presentación de Los jardines de marzo, uno de los temas más emotivos sobre el escenario y un punto de inflexión para el resto del concierto, que va metiendo a más y más gente dentro de su particular narrativa.

El fervor de la actuación de La Bien Querida llega con la interpretación de algunos de sus clásicos, como De momento abril o Dinamita. Sin embargo, la gente se conoce también las canciones de su último disco, LBQ. El mejor ejemplo es el de Bar Dixie, con su ya icónico “No sé cómo decirte lo mucho que me gustas tú”. Aun así, la artista tenía guardada para el final una de las grandes sorpresas, que es su atractiva versión de Porque te vas de Jeanette. Probablemente porque no hay persona que no se sepa esa canción y porque la gente está absorta en el espectáculo y no quiere que La Bien Querida abandone el escenario, la cantante regala así una despedida por todo lo alto.

La segunda jornada del FIC finaliza con el DJ set de Hinds. Carlotta Cosials y Ana Perrote, las almas detrás del dúo, han conquistado la escena musical global llevando su inconfundible garage rock a escenarios tan imponentes como los de Glastonbury o Coachella. Aunque Perrote no acompaña en esta ocasión a su compañera, su sonido también hace mella bajo la luna casi llena de Rivas, derrochando energía y actitud con su destreza en la mesa de mezclas. Un éxito tremendo pese a que el PP intentara cancelar el festival a tan solo unos días de la inauguración del mismo.

Una jornada de reflexiones y canciones

El ambiente festivo y cercano que se respira en los conciertos no contrasta con los debates profundos que se han desarrollado en ese mismo espacio pocas horas antes, puesto que la música no deja de ser otra forma de reivindicación. El propio Évole, que pone el broche de oro con su show, se subía a ese mismo escenario por la mañana acompañado por la periodista Silvia Intxaurrondo y el director de este medio, Ignacio Escolar, para analizar los grandes retos a los que se enfrenta la sociedad actual y, en particular, el mundo de la comunicación.

En ese encuentro se ha debatido sobre la enorme saturación de información que sufren los ciudadanos en su día a día. Ante semejante avalancha de datos y ruido en las redes, la tarea principal del periodismo riguroso es pararse a explicar qué es verdad y qué no lo es. “No es normal que el señor que nos explicaba de dónde venían los ovnis ahora nos esté explicando la corrupción del país”, ha ironizado Évole en alusión al espacio de Iker Jiménez. Asimismo, también ha alegado que, en el ejercicio del periodismo, “es muy importante la resistencia a las grandes corporaciones”. “No dejar amedrentarnos por los que quieren que estemos callados, nosotros y vosotros”, ha declarado.

Madonna sigue incombustible a sus 67 años. Hace apenas unas semanas presentaba su próximo disco con un videoclip en modo cortometraje, un álbum que saldrá a la venta el 3 de julio y que lleva de título ‘Confessions II’, una especie de secuela de su famoso trabajo ‘Confessions on a Dance Floor’, del que se cumplen 20 años desde su publicación.

En pleno periodo de promoción de su próximo trabajo, la reina del pop ha sorprendido a sus fans con una confesión al desvelar en una entrevista que sufre una grave y crónica lesión en la rodilla, fruto de malos hábitos de entrenamiento y que le impiden hacer uno de sus movimientos más icónicos.

 Madonna confiesa que no tiene cartílago en su rodilla

Durante sus más de cuatro décadas de trayectoria, han sido muchas las veces que una especie de profunda sentadilla se convirtió uno de los movimientos más icónicos y habituales de Madonna. Sin embargo, parece que el tiempo de verlo ha pasado, porque referente a él, la cantante ha desvelado que sufre una dolorosa y grave lesión.

El uso de tacones altos para entrenar y moverse, junto a ejercicios de alto impacto e intensidad han acabado por dejarla sin cartílago en la rodilla, como recoge ‘The New York Times’ en declaraciones realizadas por la propia cantante.

Esta lesión, crónica, ha hecho que haya tenido que modificar su rutina de entrenamiento, así como ha buscado nuevas formas de seguir con su actividad en los escenarios y deporte, y también como mantener su salud. Madonna ha hecho hincapié en que esto se debe a una combinación de baile con el calzado inadecuado, carreras en superficies duras y una disciplina física intensa y duradera, como el yoga ashtanga.

“No tengo cartílago en ella, gracias a bailar durante tanto tiempo con tacones altos, correr sobre pavimento y hacer yoga ashtanga”, confesaba la cantante, que ha contado como ahora ya no realiza ejercicios de alto impacto, ni tampoco rutinas como saltos en trampolín o baile con cardio. En su lugar, ha optado por bajo impacto y fortalecimiento controlado, además de bicicleta estática, baile o bici al aire libre, como ha declarado en la revista Rolling Stone.

Debido a sus dolencias en la rodilla, Madonna tuvo que aplazar varios conciertos en 2019 durante su gira ‘Madame X’, siendo esto todo un desafío para la artista: “Es muy difícil para mí detenerme, pero es necesario”, explicó ante sus seguidores en Rolling Stone. Un hecho especialmente relevante si se tiene en cuenta que Madonna podría llevar a cabo una gran gira de conciertos después de ‘Confessions II’ aunque ahí ya no estará uno de sus movimientos insignia.

Álvaro Pombo cumple hoy 87 años y el icónico dúo de pop electrónico Hidrogenesse ha puesto la guinda del pastel a la celebración. Lo ha hecho con el lanzamiento de Yo dije la verdad, una canción en la que homenajea al célebre escritor y académico de la RAE que fue galardonado con el Premio Cervantes en 2024. El tema forma parte del próximo proyecto de Genís Segarra y Carlos Ballesteros, en el que viajan a través de poemas del autor para darles vida musicalmente.

“Es raro que la gente lea poesía porque tiene el bloqueo de que es alta cultura”, explica Genís a elDiario.es. “Mucha gente dice que no sabe leerla o que solo les gusta una cita concreta. Pero la poesía nació siendo una expresión oral y tiene algo intrínseco que, si lo devuelves a la oralidad, hace que sea más fácil de comprender porque la estás escuchando”, alega el artista. Este cuenta que la poesía de Álvaro Pombo es “muy declamativa”: “Parece hecha para que Pombo la declame, exagerando todos los giros y cambiando el tono cada tres versos”.

De hecho, eso es lo que Hidrogenesse trata de lograr con este homenaje al escritor. “La manera de acercar la poesía de Álvaro Pombo a la gente es declamarla. Está hecha para eso: no es una poesía muy hermética o cerrada, está muy viva, es muy exagerada y muy echada pa'lante”, declara Genís Segarra. Esta canción, aupada por flautas, violines y tambores, utiliza como texto un fragmento del poema Variación 15ª de su libro Variaciones (1977), que consiguió el Premio El Bardo de poesía ese año.

Aunque el poema no tenga una métrica muy musical al estilo del Romancero, sí que el dúo considera que tanto el texto como la estructura era muy “cancionable”. “Este en particular tiene una estructura que repite siempre lo mismo, pero ampliando el sentido y haciéndolo más profundo hasta decirte la verdad”, señala Genís. “Una verdad que es que uno no existe, que uno no es el centro del universo”, agrega el músico. El tema se asemeja a su canción Disfraz de Tigre, que recurre a una estructura parecida.

El proyecto, cuya publicación puede esperarse para este año, utiliza poemas que han sido elegidos cada uno por un motivo distintos. Algunos han sido seleccionados por lo bien que suenan en voz alta, mientras que otros por el significado de la letra. Esto les ha dado “libertad” para componer un disco en el que no solo tuvieran que decantarse por un poema, pues de esta forma han podido decantarse por varios del escritor. “Es mucho mejor porque te da más libertad para crear y para imaginar música diferente para versos diferentes”, indica.

Hidrogenesse ha bromeado en Instagram con la manera en que los oyentes pueden compartir Yo dije la verdad en redes sociales, proponiendo una posible descripción: “Está muy bien. Nadie hace música así”. El dúo, además, presentará el álbum con dos conciertos que ya tiene programados: el primero de ellos será el 30 de octubre en la sala Cat de Gràcia de Barcelona y el segundo tendrá lugar el 14 de noviembre en la sala Villanos de Madrid. Entre las canciones que podrán escucharse, los adelantos ya publicados Imaginado es todo y A la muerte.

Vender 1.500 copias de un libro nunca estuvo al alcance de cualquiera. Venderlas de un fanzine, aún menos. Lograrlo desde la autogestión más absoluta (redactando, maquetando, imprimiendo, vendiendo por correo y llevándolo a las librerías que los solicitasen) es una auténtica proeza. Pero este ha sido el recorrido de La música más rara del mundo, voluminoso fanzine de 124 páginas con las grapas siempre a punto de estallar que publicó en 2009 el divulgador cultural madrileño Óscar Alarcia.

La música más rara del mundo era una microenciclopedia atiborrada de datos sobre “los renglones torcidos de la música”. Artistas chiflados, experimentadores atroces, grupos cuyos integrantes sufrían algún tipo de discapacidad, grabaciones de animales, de ruidos, de silencio… En su obsesión por abarcar todo lo que queda fuera de los márgenes, Alarcia documentó a Rocky Erickson y Jesulín de Ubrique, a Daniel Johnston y Tiny Tim, a Los Beatles de Cádiz y a mariachis yugoslavos. Puesto a explorar el más allá de la música, también habló de la sonocitología, el estudio de los sonidos que producen las células del cuerpo humano. Era, por decirlo suavemente, un compendio de todo lo que jamás pincharía una radiofórmula.

Alarcia confiesa que escribió aquel librito desde la pasión por lo raro, pero también desde el odio: “Para cagarme en la industria musical”, concreta. “Los 40 Principales tenía un anuncio de televisión que decía: ‘Sería tristísimo vivir sin la música’ o algo así. Y yo pensaba: ¿sin qué música? La que vendéis vosotros son solo cuarenta canciones al mes. La música son miles de millones de cosas más”, estalla hoy. “La música mainstream siempre me interesó menos. La cultura es tan inabarcable que siempre me ha interesado más conocer lo que no se conoce. Y a la hora de divulgar, también me ha interesado más divulgar lo menos conocido”, concluye.

Alarcia había sido un ávido lector de prensa musical: Ruta 66, Popular 1, Mondo Sonoro, Tentaciones… Y de fanzines: Mondo Brutto, 2.000 Maníacos… Su gran referente fue el periodista y analista cultural Jordi Costa, y su libro Mondo bulldog, la puerta de entrada a la cultura marginal. “Allí oí hablar por primera vez de la música outsider”, recuerda. “Dedicaba capítulos a The Shaggs, a Tiny Tim… Años después supe que se había limitado a traducir el libro de Irwin Chusid Songs in the key of Z, aunque Costa añadió a artistas españoles como Cañita Brava o La Rata de Antequera”, matiza. Años después, Alarcia intentaría sin éxito publicar en España la obra de Chusid, que él califica como “la biblia de la música outsider”.

“Empecé a hacer fanzines porque en los años 90 salir por los bares de Malasaña a escuchar música y comprar fanzines era algo muy habitual”, rememora Alarcia. “Me hacía gracia vender mis propios fanzines y como tenía facilidad para escribir porque ya publicaba en blogs, probé”. Su intención era venderlos en los bares de Malasaña donde trabajaba de camarero. Y, contra todo pronóstico, empezó a despacharlos como churros. Libritos Jenkins nació en 2009 con Hipnotismo pop y La música más rara del mundo, pero pronto la microeditorial amplió sus miras hacia el cine y el cómic. Hoy en su catálogo coexisten libritos sobre lucha libre mexicana, el cómic inglés de ciencia ficción, la historia del videoclip o Los Simpsons y monográficos de músicos como Tiny Tim, Butthole Surfers y Southern Culture On The Skids; los dos últimos los firman otros aliados de Alarcia.

La rareza debe ser auténtica

Desde aquel 2009, el animalario de artistas inclasificables y músicas raras no ha dejado de crecer hasta obligar a replantearse qué es lo raro y qué no lo es. Alarcia se aferra a la teoría del maestro Chusid, según la cual debe existir cierta autenticidad en la música outsider o rara. “Leticia Sabater no sería outsider porque hace conscientemente el payaso. Y lo digo con todo respeto porque no tengo nada en contra de ella”, aclara. Artistas outsiders serían, precisa, aquellos que no denotan “un deseo de hacerse famosos o ganar dinero, sino de compartir algo está dentro de ellos y necesitan sacar”.

"Artistas 'outsiders' serían aquellos que no denotan un deseo de hacerse famosos o ganar dinero, sino de compartir algo está dentro de ellos y necesitan sacar

Óscar Alarcia — Ensayista y editor

Por eso mismo, Alarcia siente más simpatía por las desastrosas The Shags que por los reverenciados Pixies. “Me gusta el indie de los 90, pero todos esos grupos intentan sonar desafinados, distorsionar y crear un personaje que pasa de todo. Y luego oyes grupos como The Shags, tres niñas a las que su padre ponía a tocar, y suenan exactamente así”, compara. Algo parecido opina sobre Reynols, grupo de rock psicodélico argentino cuyo líder padece síndrome de Down. “Le dejan hacen las portadas, las entrevistas, todo. Y su sonido tiene la peculiaridad de estar impulsado por un músico no profesional que no entiende nada de la industria, que no entiende el mundo. Si van de gira por Estados Unidos, él no va porque dice que ese país no existe. Él tiene esa pureza que los Pixies intentan generar”, teoriza.

A Alarcia le interesa “cualquier disco de sonidos extraños: de comedia, de spoken word, de ruidos, de silencio... Si estás analizando la música en los márgenes, ejemplos así son muy valiosos como objetos”, argumenta. Sin embargo, divulgar músicas retorcidas no exige, en su opinión, escribir de forma retorcida. “A principios de los 2000, parecía que había una competición en la prensa musical por ver quién escribía más complicado, usando etiquetas, subgéneros… Comprabas una revista y casi no entendías lo que decían”, lamenta. “Al aparecer los blogs, la crítica musical se convirtió en algo más democrático y yo tenía la obsesión de ser muy didáctico, de no escribir solo para listillos y frikis, sino para que disfrutase de músicas complicadas todo tipo de personas”. La culminación de aquel desafío sería Universo Zorn, 564 páginas sobre el indómito compositor y saxofonista estadounidense planteadas así: “Un libro sobre John Zorn que pudiera leer mi abuela”. En tres meses vendió 500 copias. Hoy ya son mil.

Fan de Marcial Lafuente Estefanía

Libritos Jenkins nació con el eslogan “Fanzines que parecen libritos” y poco después cambió a “Libritos que parecen fanzines”. En cualquier caso, “libritos suena más modesto que libros”, subraya Alarcia. Y libritos, libros de bolsillo, eran las novelas de vaqueros del prolífico Marcial Lafuente Estefanía. “Siempre me fascinó esta gente capaz de escribir un libro al mes y hacerlo interesante. Marcial Lafuente Estefanía y este tipo de autores escribían cuatro o cinco al mes. Son mis máximos ídolos”, confiesa.

En 2020, con la llegada de la pandemia, Alarcia se centró en la editorial y llegó a vivir durante tres años de lo que escribía, publicaba y vendía. “Luego me salió un contrato de 40 horas y eso me aportaba cierta tranquilidad. Pero entonces empecé a sentirme mal: me faltaba tiempo para escribir”, descubrió. Aun así, intenta publicar un libro cada dos o tres meses. “En tres semanas puedo escribir uno”, afirma. Los breviarios, cabe aclarar, son recopilaciones de artículos publicados en su día en distintos blogs. “He decidido borrar todo lo que escribí en blogs. Ya nadie lee blogs”, zanja.

He decidido borrar todo lo que escribí en blogs. Ya nadie lee blogs

Óscar Alarcia — Ensayista y editor

Libritos Jenkins supera ya el centenar de referencias. Cuatro de ellas han vendido más de mil copias, aunque lo normal es despachar entre 200 y 500 por título. Si alguno está punto de agotarse, imprime más. “Encontré una imprenta de barrio que hace libros al detalle. Si le pido diez, me los hace”. Así evita llenar la casa de libros. “Vivo en un cuarto piso sin ascensor”, razona. Alarcia ha afianzado un modesto negocio al margen del mundo editorial. “Si puedes vender libros de segunda mano por Wallapop, ¿cómo no voy a poder vender los míos? Como actividad económica, mi editorial está un poco en el limbo, pero me siento cómodo en el underground”.

En junio Libritos Jenkins cerrará un círculo iniciado en 2009 con la reedición más completa de su best seller. La música más rara del mundo abandona por fin el formato de fanzine prieto de datos y renace como libro de más de 300 páginas. “A la gente que ya tenga el fanzine, le recomiendo que no lo compre salvo que quiera tenerlo, porque será básicamente igual”, advierte. Esta nueva versión, corregida y levemente aumentada, incorpora historias como la de Pertti Kurikan Nimipäivät, el grupo finlandés de punk que en 2015 participó en Eurovisión. “Sus músicos se conocieron en un taller para gente con síndrome de Down. Les da igual la pose, lo que piensen de ellos, las pintas que lleven… No hay nada más punk que eso”, intuye.

¿Una canción hecha con IA es rara?

En el universo infinito de las músicas raras empieza a colarse, como en todas partes, la inteligencia artificial. Los Mocos Verdes, un proyecto de surf instrumental, puede generar mediante IA una canción al día. “Los he pinchado un par de veces en mis sesiones y nadie se dio cuenta”, resalta Alarcia. “Como espectador me llaman la atención, aunque no le doy el mismo valor que a los Monkees. ¡Admiro mucho a los músicos!”, insiste, “pero a nivel conceptual pienso: ¿tiene que importarme tanto quién ha hecho una canción o hay que darle más valor a la música en sí y a lo que transmite?”.

“Sé que ahora está la cosa muy convulsa, pero hasta la música hecha con IA me interesa un poco. No me interesa hacerla ni me interesa que se consuma, pero para mí todo lo que se pueda grabar es música. No veo sentido a cerrarme en banda ante la IA porque va a destruir el mundo”, resume, aunque a él le llame mucho más la atención “un músico indigente que toca en la calle”. En cualquier caso, nadie debería temer que los próximos Libritos Jenkins estén hechos con IA. Más que nada, porque eso impediría a Alarcia disfrutar de lo que más desea: escribir. “Sentarme delante del ordenador y ponerme a escribir es como entrar en una máquina del tiempo”.

Un algoritmo desencadenó un efecto mariposa que ha llevado a Miriam Hernández Moreno (Moya, 2000) a publicar este 18 de junio Todo es K, su primer libro. La periodista y comunicadora, rostro pujante de Radio Televisión Canaria gracias a formatos como Agenda Fantástica o ADN Fan (un podcast inserto en el ecosistema Choss, de la OTT Canarias Play), se lanza ahora al mundo literario con esta obra donde promete desentrañar todos los secretos y tejemanejes de la cultura surcoreana. Nos recibe en una cafetería capitalina con un entusiasmo arrollador, contagioso, dispuesta a engancharnos también a nosotros al fenómeno Hallyu (literalmente, “Ola Coreana”).

El origen de su amor por Corea del Sur

Se enamoró del país asiático en 2019 a partir de una casualidad, cuando la plataforma Netflix le sugirió la serie Love Alarm, coincidiendo con una etapa vital emocionalmente convulsa: “Una chica que llevaba meses sin sonreír, meses sin sentir nada por nada, de repente le conmovió una cultura en la que nunca había pensado”, nos contaba con su habitual sonrisa. 

Lo que vino de ahí en adelante fue imparable. Durante la pandemia de la COVID-19 se apuntó a un curso gratuito que ofertaba el Instituto King Sejong, adscrito a la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria, y siguió posteriormente con clases particulares junto a una profesora nativa. 

Desde entonces, son cuatro las ocasiones que ha visitado Corea del Sur, una de ellas para participar en el prestigioso concurso Quiz on Korea, organizado por el Ministerio de Relaciones Exteriores del país y por la cadena pública de radiotelevisión KBS, en donde participantes de todo el mundo luchan por ver quién sabe más de su cultura, historia, idioma... En su edición, Hernández quedó entre los diez mejores.

Ese efecto mariposa sigue soplando y no para. Me sigue llevando a todo. Es maravilloso

Participar en este formato le abrió las puertas del mundo literario, el gran sueño de su vida, ya que al salir en prensa, Grijalbo, el sello con el que publica, la encontró: “Es como que al final todo ese efecto mariposa sigue soplando y no para. Me sigue llevando a todo. Es maravilloso”. 

De esta forma, Hernández comenzó a materializar la ilusión de su niñez, coincidiendo con una idea que había rondado por su cabeza tras su último viaje a Corea del Sur. Cuenta que, estando en la Torre de Seúl con una amiga, le dijo: “Me he llenado de tanta inspiración en este viaje y me he encontrado tanto conmigo misma que una vez vuelva a Canarias, me voy a sentar y me voy a poner a escribir una de esas historias que con las que siempre fantaseo. Es el momento”. La propuesta le llegó como promesa de un deseo cumplido. 

Y así nació Todo es K, su debut literario, que llega a las librerías este 18 de junio: “Es como un viaje a lo largo de todo este fenómeno de la ola coreana. Empezamos con los k-dramas, seguimos por el k-pop, el lenguaje que tenemos los fans, las palabras que utilizamos... También nos vamos a la moda, a la skincare…”. En definitiva, “es como un recorrido por todos esos productos culturales que han ido llegando a audiencias de todo el mundo desde el punto de vista de una fan que lo ha vivido de una manera muy personal, pero que creo que es una experiencia que también tiene puntos compartidos por otras”. Sobre esto último, añade: “Si me he dado cuenta de algo estos años es que al final, si Corea llega a tu vida, es porque también necesitabas que llegara”.


Pero así como la cultura surcoreana tiene una gran ola de adeptos, también tiene sus detractores, siendo un fenómeno en ocasiones denostado e injustamente infantilizado. Sobre eso, Hernández apunta que su libro puede servirles para hacerles “comprender qué fórmula o qué ingredientes tienen todos esos productos para que toda esta cantidad de personas a nivel mundial estén dentro de ella”.

En cuanto al secreto del éxito de la música y el audiovisual surcoreano en occidente, la periodista da dos claves: la variedad y la sensibilidad. Estas dos cuestiones enlazan directamente con un concepto que se repite en reiteradas ocasiones durante la entrevista: representación. Prueba de ello es la actividad de este fenómeno en Canarias, con eventos y quedadas comunitarias que se suceden con bastante asiduidad: “Creo que en los últimos años ha habido un gran movimiento de fans y de mucha gente que lo disfruta. Y que cada vez vamos a ser más”. 

Sigo sin entender por qué a día de hoy se siguen infantilizando algunos tipos de fanatismo

Pero ‘Todo es K’ no es el único proyecto en curso de Miriam Hernández. La comunicadora también presenta el podcast ADN Fan (Choss, disponible en Canarias Play), el cual define como “el espacio seguro para todos aquellos que vivimos por y para nuestro fanatismo. Hablamos de aquello que nos apasiona, aquello por lo que nos despertamos día y noche, aquello que conecta con nosotros y que nos vuelve locos”. 

En lo que define como su particular “cuarto azul” (en referencia a la cantante Aitana y su cuarto álbum de estudio), Hernández ha recibido a todo tipo de fans: “Estamos permitiendo que todas esas personas tengan un lugar en el que compartan todo lo que les hace sentir ese fanatismo, ese universo, y todo tiene cabida”.

Deportes, series, música… hacen comunión en este proyecto que pretende visibilizar el fenómeno fan y darle justificación, sentido: “Sigo sin entender por qué a día de hoy se siguen infantilizando algunos tipos de fanatismo, porque es igual de válido que tú quieras ir a ver a la Unión Deportiva al Estadio de Gran Canaria, y que yo este fin de semana haga una reunión de mi club de k-dramas con mis amigas porque nos encantan”. Asegura que ser fan es “una de las cosas más bonitas que te pueden pasar” y quiere, con su trabajo, ayudar a derribar estigmas: “No quiero que otras personas u otros niños, niñas o adultos se sientan cohibidos por lo que les gusta, porque al final, ¿qué tiene de malo?”, sentencia.

Miriam Hernández es clara: está deseando tener el libro en sus manos y materializar este anhelo, esta suerte de viaje compartido con otros y otras fans de todo el mundo. Promete seguir escribiendo, asegurando que su sueño es publicar ficción y, algún día, poder formar parte de algún equipo de guion de series coreanas: “Me gustaría poder escribir historias que ayuden a otras personas, igual que hicieron conmigo. Ese latido que siento cada vez que me siento a escribir, yo no lo experimento con otra cosa y quiero seguir sintiéndolo”. 

De momento, Todo es K sale a la venta el 18 de junio. Se distribuirá por España, Latinoamérica y otros países de habla no hispana. En él, la periodista no sólo promete un viaje por toda la revolución cultural surcoreana, sino que confirma la consistencia de este fenómeno global que, en Canarias, lejos de pedir paso ni permiso, tiene ya una base más que sólida y afianzada.

Guía rápida de “Ola Coreana” para principiantes

“Ola Coreana” o ‘hallyu’ (한류) es como se conoce al fenómeno que engloba la cultura popular surcoreana, la cual incluye música, series de televisión, películas, productos de cosmética, moda…

El máximo exponente de toda esta fiebre lo encontramos en el k-pop, que es como se conoce al género musical circunscrito en esta “ola”. Grupos como BTS o Blackpink engloban perfectamente las características de este sonido, mezclando ritmos pop, electrónicos, hip hop e incluso, baladas; conjuntamente con coreografías de lo más elaboradas y un gran espectáculo audiovisual.

También existen productos fílmicos que dan cuenta del alcance de este movimiento cultural, como la película Parásitos o la serie El Juego del Calamar, catalogados como k-cine y k-drama respectivamente.

En junio de 1996, hace 30 años, esta canción se colocaba en el número uno de las listas en España y sigue siendo uno de los temas que más suenan y más recordados de uno de los artistas italianos más exitosos en España con 80 millones de discos vendidos en todo el mundo y cuatro décadas de éxito ininterrumpido.

Hablamos de Eros Ramazzotti y su ‘La cosa más bella’, que cumple tres décadas y confirmó al artista como en España, pero también como artista internacional en el que fue su disco más vendido, cuyo éxito fue clave este sencillo que sigue estando entre los más escuchados de las más de 9.300 millones de reproducciones globales que acumula en el streaming.

La historia detrás de ‘La cosa más bella’ de Eros Ramazzotti

Ramazzotti, natural de Roma, desembarcó en España en la década de los 80 con las primeras traducciones de sus canciones al español, pero sería a comienzos de los 90 cuando se convirtió en un éxito de ventas, primero con ‘Cosas de la vida’, para luego confirmarse con ‘La cosa más bella’, sencillo que formó parte de uno de sus discos más vendidos y siendo uno de sus temas más populares.

‘Più bella cosa’, el título original en italiano de la canción fue coescrita con Claudio Guidetti, que aportaría la música, y con Adelio Cogliati en cuanto a la letra. Se publicó como sencillo del álbum ‘Donde hay música’ y no solo logró ser un éxito en España, sino también en Latinoamérica, lo que lo consolidó como artista internacional. De hecho, llegó a regrabarla con algunas partes en inglés para un dueto junto a Tina Turner.

El tema llegó, también, en un momento de plenitud personal para Eros Ramazzotti, siendo así una declaración de amor para su entonces pareja Michelle Hunziker y la llegada de su primera hija, Aurora. A ella le dedicaría también unos meses después la canción ‘L’aurora’.

La pareja se casaría poco tiempo después, en 1998, y su matrimonio duraría 11 años, si bien el divorcio marcaría el final de su historia de amor, actualmente ambos tienen una buena relación personal. Tanto es así que aparecieron juntos en televisión interpretando la canción en el aniversario del programa que hizo famosa a la presentadora en Italia.

‘La cosa más bella’ se estrenó por primera vez en el verano de 1996 junto con su original en italiano, y fue galardonada con varios premios como el de Festivalbar, pero también se hizo con un MTV Europe Gold Awards en 1997.

La protagonista de la historia y a quien Ramazzotti dedicó la canción, Michelle Hunziker, apareció también en el videoclip oficial, y años después llegó a hablar de lo especial que este tema fue en su momento para ella: “Una canción que significa mucho para mí, no porque todos digan que me la dedicaron, lo cual puede ser cierto o no. Sino más bien porque representa un momento muy feliz; fue la banda sonora de la concepción de mi hija Aurora. Mientras grababa el video de esa canción, estaba viviendo mi propio cuento de hadas personal, y cuando regresé, descubrí que estaba embarazada de mi ángel”.

Después de 17 años como vocalista de 'Presuntos Implicados', tras la salida de Sole Giménez, Lydia Rodríguez ha anunciado en sus redes sociales que abandona el grupo por un “control extremo” sobre su físico, un “maltrato” del que considera cómplices a sus compañeros.

La cantante comienza cerrando esta etapa dando las gracias al público por su “amor incondicional” y por arroparla desde el primer día“.

Denuncia que lo que se veía frente a los focos era muy diferente entre bambalinas. “Durante mucho tiempo me hicieron sentir completamente excluida, en el grupo no tenía voz ni voto”, además denuncia una presión estética constante que la desgastó psicológicamente.

“Me hicieron sentir mal de forma sistemática con mi peso, mi ropa, mi maquillaje y mi pelo” y añade que el control fue “tan extremo” que no tenía libertad de expresión tampoco sobre los temas a comentar en sus redes sociales personales.

Hasta el punto -relata- de que un manager de la banda le llegó a decir: “Cuando subas al escenario todos te tienen que querer follar”, una frase por la que remarca que no ha recibido ninguna disculpa.

Pero lo más doloroso, señala Rodríguez, ha sido “la absoluta falta de compañerismo” de los otros dos integrantes del grupo. “Fueron cómplices de los maltratos que sufrí y jamás me defendieron. Soporté situaciones intolerables alimentadas por su ego exagerado”.

La artista ha comentado que después de estas experiencias entiende los motivos que llevaron a Sole Giménez a abandonar la banda.

Lydia Rodríguez añade que tampoco se le permitía trabajar cuando el grupo “no generaba dinero y económicamente las cosas eran difíciles” y recuerda que hace tiempo que no tienen ni disco y actuaciones previstas.

“No tiene ningún sentido seguir estancada en un lugar donde no hay proyectos, no hay evolución, no te dejan avanzar y, sobre todo, no hay respeto humano ni profesional”, ha incidido.

Rodríguez se despide con “la cabeza alta y muy ilusionada por el futuro. Esto no es un punto y final para mí”, ha confirmado que se prepara para lanzar su propia música donde “podré reencontrarme desde la libertad, la dignidad y el respeto. Lo mejor está por venir”, ha concluido.

Nacho Mañó clama por su honorabilidad

Nacho Mañó, uno de los integrantes del grupo, ha respondido a las acusaciones de Lydia Rodríguez en sus redes sociales, con sorpresa e indignación.

“Ha estado mi cara en televisión durante 20 minutos con la palabra 'maltrato'”, comienza en su mensaje.

“Se está poniendo en tela de juicio mi honorabilidad y mi buen nombre” y se queja de que ninguno de los periodistas que ha conocido a lo largo de su carrera, algunos de los cuales dicen ser amigos, “ha tenido el gesto de publicar algo en mi defensa”, ha continuado el músico, que se lamenta que nadie haya preguntado cómo está viviendo esta situación y cómo lo está pasando su familia.

Mañó apunta que ha hablado con su mujer y sus hijas y les ha comunicado que no va a “participar en ninguna entrevista más. Porque no creo en su valor, y para protegerme. Tampoco voy a participar en ningún acto social. Me retiro”, ha dicho.

Un retiro que no es musical. “Que hable la música a partir de ahora. Y hablará”, ha concluido.

La música siempre ha sido uno de los mayores antídotos al desamor. Cuando una relación se rompe, lo primero que hacemos es buscar canciones que nos hagan sentir que no estamos solos, que nos hagan empatizar con alguien que haya pasado por lo mismo. A sus solo 23 años, Olivia Rodrigo se ha convertido en el refugio de toda una generación. Con dos discos a sus espaldas, sus letras han servido de abrazo para personas de su misma edad que lloran a problemas similares. Y la artista, que tampoco es ajena a este sentimiento tan universal, ha aprovechado su tercer disco, You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love, para hacer un homenaje a sus héroes musicales.

Dejarse cautivar por las letras desgarradoras de Olivia Rodrigo supone, irremediablemente, dejarse cautivar también por aquellas figuras que la acompañaron en sus peores momentos. Por aquellos cantantes que la inspiraron cuando, haciendo alusión al título del álbum, estaba demasiado triste para tratarse de una chica tan enamorada. La icónica banda británica The Cure y su líder Robert Smith forman parte de ese grupo de artistas a los que Olivia Rodrigo ha crecido escuchando. Quizá por ello se pueda percibir un doble sentido en el título de una de las canciones del disco, The Cure, un tema en el que alude a las noches que pasó en su habitación “luchando contra los malos pensamientos”.

Esta canción, la más seria de la intérprete hasta la fecha, sostiene la crudeza de quien se da cuenta de que el amor no es suficiente para solucionar las ideas destructivas de la mente. Lo hace con una preciosa melodía que recuerda a Everlong de Foo Fighters y que se deja aupar por cuerdas orquestales y piano durante el estribillo. Se trata de un tema que, pese a estar en la mitad del disco, marca la madurez del nuevo proyecto de Olivia Rodrigo, que se aleja de la pasional adolescencia que caracterizaban Sour (2021) y Guts (2023) en búsqueda de una reflexión sobre su propia mirada en el espejo y cómo ello repercute en su mirada sobre los demás.

Pero como cualquier oyente que busca una cura en su catálogo, la cantante no hace sola las reflexiones y busca respuestas en sus referentes. Unas respuestas que llegan de la mano de Robert Smith, que además colabora en el disco con la canción What's Wrong With Me. El tema, también como parte de la segunda mitad de la obra, describe un colapso físico y mental derivado de la ansiedad romántica: “Fui al médico y me dijo que estaba bien / Pero cada película que veo me hace llorar / Es como si alguien me hubiera puesto un peso en el pecho”. La voz de Robert Smith empasta en una armonía perfecta con la de Rodrigo. “La cabeza sigue dando vueltas con el simple pensamiento / ¿Y si esto no es lo que quiero?”, inquiere el líder de The Cure.

Para Rodrigo, esta primera colaboración a dúo en su carrera representa un hito del que se siente orgullosa, y dio el anuncio en la reciente edición del Primavera Sound en Barcelona. Allí, la artista apareció por sorpresa e interpretó por primera vez la canción junto a Smith. “No puedo creer que esta canción exista y que exista la persona con la que existe”, confesó sobre el escenario del festival. El líder de The Cure, por su parte, la elogió en una entrevista para la BBC, afirmando que es “realmente fantástica como compositora, como cantante y como intérprete”: “Me asombra lo fácil que le resulta todo. No se puede comparar con mi forma de hacer las cosas”.

Un canto a lo mejor y lo peor del amor

El álbum se divide en dos partes, por lo que antes de que llegue la del desamor, a la que pertenecen estos temas, Olivia Rodrigo se permite enamorarse durante las siete primeras pistas. El disco abre con Stupid Song, una composición que arranca de forma minimalista, sostenida únicamente por una balada a piano, para romper de manera abrupta a partir del segundo estribillo. Esta estructura recuerda a importantes himnos de su discografía como Drivers License y Vampire, pero en esta ocasión hay una inspiración importante: la de la novela Pura pasión de Annie Ernaux. En el libro, la protagonista se consume en una aventura que la bordea con la locura, donde cada acción cotidiana le recuerda a la otra persona.

Esta canción, además, regala referencias a Antes del amanecer (1995), el clásico del cine de Richard Linklater. “Si hay un Dios, es el vínculo que existe entre nosotros dos”, canta la artista replicando la frase que dice el personaje de Céline, interpretado por Julie Delpy. Ese tono casi confesional reaparece en Honeybee, en la que el piano toma el control absoluto arropado por una orquesta de fondo. “El tiempo puede curar incluso las peores heridas / Y los clichés que conocía / Parecen tan comunes desde que te vi”, apunta Rodrigo. Lo más interesante a nivel de producción llega al final de la pieza, donde el estribillo se repite mediante un coro que emula la atmósfera solemne de una misa, otorgándole un carácter casi sagrado.

Sin embargo, el disco no se estanca en la solemnidad. Maggots for Brains introduce una producción de corte electrónico que rompe con el sonido eminentemente rock de sus trabajos anteriores. En este tema, Olivia Rodrigo compara el mal de amores con tener un cerebro podrido. “Todo se siente mohoso como la fruta que hay en mi frigorífico / Y todo lo que es gracioso, desearía poder contárselo a él”. La cosa va de referencias, pues el verso es una alusión a una escena de la serie Sex and the City, justo en el momento en que Miranda Hobbes y Steve vuelven a estar juntos.

El álbum se permite sonidos más rítmicos y gamberros. U + Me = ˂3 es la canción más divertida, con un sonido rockero clásico en el que la compositora despliega su humor más directo. “Y todas mis amigas ponen los ojos en blanco / Y me dicen que vaya despacio esta vez”, ironiza sobre la rapidez de sus propios enamoramientos. “Me gusta tu hermana mayor / Tiene tu misma cara / Y trato de conquistarla / Con mi humor cínico y mi gusto por la música yacht rock”, agrega. Este pulso enérgico continúa en My Way, un tema marcado por la ira que dialoga directamente con su antiguo éxito Good 4 U. “Tal vez sea una puta mezquina, pero me hiciste recurrir a esto”, lanza sin rodeos. “Aquí es donde la chica se enfada / Y la chica soy yo, ¿entendiste la indirecta?”, sentencia.

Abanderándose del color púrpura que ha caracterizado su imagen desde el lanzamiento de su disco debut, Olivia Rodrigo se ríe de sí misma en la pista Purple, donde confiesa que sí, que ve el mundo en color púrpura. En la canción, además, relata la adaptación a la ciudad de su pareja. “Me derrito contigo hasta que todo se vuelve negro / ¿Estamos tan enamorados? / ¿Estamos demasiado apegados?”, canta antes de dar la bienvenida a un outro instrumental muy cuidado. La producción más íntima la proporciona Begged, que trae a la cabeza su bonita Scared of My Guitar. Con una guitarra acústica solitaria, Olivia Rodrigo se centra en la humillación que supone mendigar atención: “Pero nada es suficiente / Cuando sé que para conseguirlo, rogué”.

Hacia el cierre, el álbum sigue la calma con Less, una balada en la que el sacrificio se convierte en el asunto central. “Si amarme significa dejarme ir y desearme lo mejor / Entonces supongo que desearía, desearía, desearía que me amaras menos”, canta en su elegante reflexión sobre el adiós. Se trata de un tono que contrasta radicalmente con la energía descarada de Expectations, una pieza acelerada y ácida donde la cantante ajusta cuentas con las falsas expectativas y eleva sus estándares frente a parejas mediocres. “Lo conocí en una fiesta, creo que estaba drogado / No era inteligente ni gracioso, me convencí de que sí / (...) Pensé que era perfecto, y ahora su número está bloqueado”, canta.

El broche final lo pone Cigarette Smoke, una canción que evoca la atmósfera melancólica y acústica de joyas de la escena indie como Scott Street de Phoebe Bridgers. Es un cierre marcado por la nostalgia y la aceptación del fin de una era. “Dime algo honesto para que los recuerdos se oscurezcan / Dijiste que hacía que amar pareciera fácil / Hasta que lo hice difícil / Devuélveme mi tiempo y te devolveré tu corazón”, concluye Olivia Rodrigo antes de cerrar la puerta de forma definitiva. Aunque no para las canciones: a su música todavía le quedan muchas puertas por abrir.

El Festival de las Ideas y la Cultura (FIC) de elDiario.es es periodismo, es debate y es reflexión compartida, pero,sobre todo, es una gran fiesta ciudadana. La música en directo volverá a ser uno de los pilares fundamentales de la próxima edición, que tomará las calles de Rivas-Vaciamadrid el viernes 26 y el sábado 27 de junio.

La Plaza de la Constitución en Rivas se convertirá en el gran escenario al aire libre del festival, acogiendo una programación musical de primer nivel y de acceso gratuito y sin necesidad de reserva de entrada.

Viernes 26 de junio. Fiesta asegurada con Señora!, Ariel Rot e Inés Hernand 

La banda sonora del FIC arrancará con fuerza la jornada del viernes 26 de junio con el descaro y la frescura de Señora!, ideales para calentar motores con sus .canciones honestas con letras que hablan sobre todo lo que les indigna y atraviesa, y melodías que van del pop al post punk.

El plato fuerte de la jornada llegará con una auténtica leyenda de nuestra música: Ariel Rot. El que fuera fundador de bandas como Tequila y Los Rodríguez llenará el escenario su inconfundible elegancia a la guitarra y un repertorio que es historia del rock en español.

El viernes por la noche también disfrutaremos de una de las sorpresas más esperadas del cartel. La presentadora Inés Hernand se subirá al escenario de Rivas para ponerse a los mandos de la mesa de mezclas. Con un vibrante DJ set, nos mostrará su lado más festivo para asegurarnos una buena dosis de baile y diversión.

Cuándo — Viernes, 26 de junio. A partir de las 20:45 h

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Dónde — Plaza de la Constitución (Rivas-Vaciamadrid)

Acceso gratuito. No hace falta entrada.

Sábado 27 de junio. De los himnos pop de La Bien Querida a los clásicos por Évole y su banda

La jornada del sábado 27 de junio se convertirá en una auténtica maratón de buena música. El escenario de Rivas vibrará primero con el toque gamberro y festivo de Jordi Évole y Los Niños Jesús. En una faceta menos conocida por el gran público, Évole y su grupo traerán a la plaza un repertorio de versiones de clásicos del rock y el pop español. Una propuesta pensada exclusivamente para hacer disfrutar al público y celebrar la música en comunidad.

La música continuará con el concierto de La Bien Querida. Ana Fernández-Villaverde repasará un repertorio cargado de himnos emocionales, melodías inolvidables y esa sensibilidad única que la ha consagrado como una artista imprescindible de la escena independiente de la última década.

Para cerrar la noche por todo lo alto, el escenario recibirá el huracán de Hinds, la banda madrileña que ha conquistado el panorama internacional. Con su actitud arrolladora, su inconfundible sonido,Carlotta Cosials y Ana Perrote coronarán el fin de fiesta en el formato de DJ Set para demostrar por qué son imprescindibles en nuestra escena musical.

Cuándo — Sábado, 27 de junio. A partir de las 21:45 h

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Dónde — Plaza de la Constitución (Rivas-Vaciamadrid)

Acceso gratuito. No hace falta entrada.

Cultura en la calle y entrada gratis 

Todos los conciertos que se celebrarán en la Plaza de la Constitución durante el FIC tienen carácter gratuito y acceso libre.

La propuesta musical convivirá durante todo el fin de semana con un amplio programa de actividades puesto en marcha en colaboración con la iniativa Ágora Rivas. Humor, entrevistas y espectáculos presentados por Marc Giró que contará con personalidades como Silvia Intxaurrondo, Bob Pop, Marta Flich, Andrea Ropero, Lucía Solla Sobral y el director de elDiario.es, Ignacio Escolar, entre otros.

Ya puedes consultar el programa completo y horarios para organizar tu ruta y no perderte nada de la gran fiesta de las ideas y la cultura en Rivas- Vaciamadrid.

El Festival de las Ideas y la Cultura 2026 cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Rivas-Vaciamadrid, España en Libertad 50 años y el Ministerio de Derechos Sociales, Consumo y Agenda 2030.

La cantante Malú recorrerá varios puntos de Castilla-La Mancha con la gira de su nuevo trabajo, 'Quince', que salió a la luz este pasado mes de mayo.

La artista de hits como Aprendiz, Invisible o Mil batallas, y coach del programa de televisión La Voz visitará el 3 de septiembre la localidad ciudadrealeña de Alcázar de San Juan para presentar su nuevo álbum. Tendrá lugar en el Recinto Ferial del municipio a las 22.00 horas.

Seguidamente, el 7 de septiembre actuará en la Caseta de los Jardinillos en Albacete a las 22.00 horas; el 11 de septiembre en la Plaza de toros de Almodóvar del Campo (Ciudad Real) a las 23:00 horas, y el 19 de septiembre en el Estadio Municipal 'Fuente de La Niña' de Guadalajara comenzando a las 19:00 horas.

Las entradas pueden adquirirse a través de este enlace en la web oficial de la artista, y los precios rondan entre los 20 y los 60 euros, dependiendo del concierto y la ubicación en el emplazamiento.

Ni “Devuélveme a mi chica” ni “Venezia” ni siquiera “Voy a pasármelo bien”, la canción más vendida del grupo Hombres G es “Marta tiene un marcapasos”, que es también uno de sus temas más famosos y el que tiene una de las letras más extrañas y curiosas a la vez.

Es uno de los temas icónicos del pop rock español de la década de 1980, a la vez que una de las más divertidas y surrealistas. Su historia real y el origen de cómo David Summers la compuso es también una extraña mezcla que dio el resultado que todos conocemos y que hace 40 años era número uno en la lista de la radio de los 40 principales.

La canción que nació de la unión de ‘La pasionaria’ y ‘Alien’

“Marta tiene un marcapasos” fue publicada como sencillo del segundo disco de Hombres G, también con un llamativo título: ‘La Cagaste Burt Lancaster’, de 1986. Escrita por el vocalista del grupo madrileño, David Summers, tiene un curioso origen que ya fue extraño y dio vida a una criatura surrealista. De alguna manera se puede decir que es una especie de canción de ‘dark romance’, en la que una chica tiene un marcapasos que incluso cobra vida en algunos momentos y que también tiene sus tintes románticos.

La historia de cómo surgió la contó el propio Summers durante una entrevista en 2021 en el programa ‘El Hormiguero’ en televisión: “En aquella época mi padre hacía chistes sobre La Pasionaria y ella tenía un marcapasos. Por aquellas fechas también se estrenó Alien. Hice una mezcla rara y salió la canción más surrealista que he hecho en mi vida y la tengo que cantar todos los días por cojones”, aseguró con toque de humor incluido, algo de lo que se bebe también en el famoso tema.

Y es que, efectivamente, “Alien, el octavo pasajero” se estrenó en 1979 y por aquel momento fue cuando el vocalista de Hombres G compuso una canción que acabaría formando parte de la historia de la trayectoria del grupo y de la historia del pop español. De ella bebió de ideas, y de Dolores Ibarruri, apodada ‘La pasionaria’, presidente del Partido Comunista de España, se apropió de su marcapasos.

El single más vendido de Hombres G

La historia de “Marta tiene un marcapasos” arrancó mucho antes de 1986, cuando se publicó como sencillo de ‘La Cagaste Burt Lancaster’. Y es que esta canción ya había aparecido como single de la banda en 1983 en Discos Lollipop, pero entonces pasó desapercibida.

Tres años después, en el momento de fama de la banda, le dieron una segunda oportunidad y se convirtió en su canción más vendida, por delante de otros icónicos temas. Ha quedado en la historia de la banda y dio título al musical que se estrenó basado en las canciones del grupo.

Todo ello a pesar de que fue acusada de plagio de la canción de Simon and Garfukel, “At the Zoo”, publicada en 1968, por la parte del estribillo, con la que coincidiría en su ritmo.

George Michael falleció a los 53 años un día de Navidad de 2016, pero dejó un legado de una larga trayectoria musical que comenzó con Wham! y que llevaría hacía una etapa más madura y creativa como solista, dejando éxitos como con el que lideraba las listas hace 30 años.

Con ‘Fastlove’, el cantante británico era número uno en la lista española de sencillos, durante varias semanas, como sucedió también en Reino Unido, y volvía así de forma triunfal tras un parón debido a sus problemas con Sony.

Uno de los mejores ‘grooves’ de todos los tiempos

La canción “Fastlove” fue publicada el 18 de abril de 1996, como primer sencillo del álbum ‘Older’, con el que George Michael volvía tras un descanso que se tomó en su carrera debido a disputas con su discográfica y un periodo de controversia. Pero el público confió en él de nuevo y lo devolvió a lo más alto, con un tema que entraría entre uno de sus grandes éxitos.

“Fastlove” se convirtió en número uno en España en 1996, pero también el séptimo número 1 que conseguía en su Reino Unido natal, manteniéndose allí durante tres semanas. Con este tema, el cantante también marcaba el inicio de una etapa más profunda y madura en su música, con letras en las que quedaba reflejado su crecimiento personal.

Por la crítica musical fue calificada como “uno de los mejores ‘grooves’ de todos los tiempos, haciendo referencia a una cualidad rítmica que te da la sensación de querer mover tu cuerpo de forma casi involuntaria, con una complicidad extrema entre la batería y el bajo. Este término nació en la era del jazz y ha sido una de las características de géneros como el funk, el soul, el R&B o la música disco, influencias que se pueden encontrar en este tema.

Y es que la canción tiene muchos giros, con un bajo que destaca en su interpretación, todo ello con una voz de George Michael en la que predomina el soul, con marcada elegancia. Con este sencillo, el cantante se distanció del pop y abarcó más R&B. En la letra abordó el hecho de la búsqueda del amor fugaz, a la vez que el desencanto amoroso, con mayor honestidad y sinceridad, que conectó con el público. En el videoclip de “Fastlove” hubo también un guiño a su periodo complicado con Sony, al aparecer unos audífonos con el logo de la marca, pero transformado en ‘Fony’, que significa ‘falso’ en inglés.

“La joya de la corona de un artista brillante”

Los que trabajaron en el proceso de grabación de la canción hablan de ella de forma especial, en la que pudieron presenciar también lo estricto que era George Michael, que quería llevar todo a la perfección y por eso dedicaba largas jornadas hasta tenerla lista. “Fue el único artista con el que trabajamos que se negó rotundamente a que le corrigieran el tono de voz”, aseguró el productor Johnny Douglas para el medio ‘Music Radar’.

Precisamente Douglas fue quien confirmó que uno de los tramos más conocidos del ‘single’ es la sección inspirada en “Forget Me Nots” de Patrice Rushen, que fue añadido posteriormente cuando casi se dio por terminada su grabación. “El resultado de esta atención obsesiva al detalle es la increíble obra que nos deja. ‘Fastlove’ es, para mío, la joya de la corona de un artista brillante”, afirmó el productor.

Esta canción fue significativa en la vida que vivía George Michael, que todavía mantenía su homosexualidad en secreto, y dos años más tarde sería detenido en Los Ángeles, lo que supuso que el punto de inflexión para revelar su identidad sexual, de detalles que ya dejó de forma sutil en “Fastlove”.