El gran éxito de Juan Diego Botto ha vuelto. Se trata de Una noche sin luna, obra en que el poeta García Lorca sale de la fosa donde está abandonado y nos habla reencarnado en el propio Botto. Ha vuelto al espacio principal del Teatro Español, una sala que lleva, literalmente, cayéndose desde que se estrenó la semana pasada. La fuerza de la actuación de Botto, la pausada dirección de Peris-Mencheta, el espacio de Curt Allen Wilmer… Muchas son las razones que hacen de esta obra un montaje soberbio. Pero todo ello no explica la convulsión que se produce en la platea.

Se estrenó en 2020 y estuvo de gira hasta 2023 en más de treinta teatros de toda España. Sin embargo, las entradas para su reposición en el Teatro Español volaron. Se pusieron a la venta el 1 de julio del año pasado y en pocos días se vendieron tickets de todas las funciones. 19.600 personas podrán acudir a verlo.

Llegué al Teatro Español de Madrid de la mano de mi hija de nueve años. La pobre ya ha asistido a bastantes obras a la que uno la lleva convencido de la fuerza del teatro. A veces se da más, a veces menos. Pero el otro día, en el Español, esa niña vivió en plenitud la fuerza que puede emerger de la escena. Una fuerza que es social, que tiene sentido tan solo en comunidad, sintiendo y descubriendo en compañía del otro.

La convulsión del principio de la obra, la fuerza de la alegoría, la potencia de un actor desdoblándose (al que puedes ver cómo alberga emociones, cómo le van atravesando), la rebeldía ante la injusticia, la constatación de que el ser humano es capaz de lo más atroz, la historia de España, la luz del poeta que tan bien sabe albergar Botto… Todo eso fue entrando por los ojos de mi acompañante.

Ella ya conocía la fuerza de la palabra de Lorca, de las canciones que recuperó como La Tarara que además tuvo el lujo de escuchar a capela en una intervención especial de Miguel Poveda que apareció en el proscenio para sorpresa de todos. Pero de otras cosas poco o nada sabía. Poco sobre su asesinato en una noche sin luna un 18 de agosto de 1936. Cada espectador es un mundo.

Pero muchos de los otros espectadores sí sabían y, por eso mismo, a lo largo de la función se les iba quebrando el pecho al ver las similitudes entre aquel ayer y este hoy. Uno de los aciertos del montaje es la capacidad de unir dos momentos históricos, el presente y ese 18 de agosto, como si fueran dos puntos de una hoja de papel que pudieras unir al doblarla.

La función, escrita por el propio Botto, se vertebra a través de Comedia sin título, obra del poeta que quedó inacabada y de la que tan solo tenemos el acto primero en el que Lorca defiende a muerte un teatro en contra del mero entretenimiento. Un teatro que salga fuera del teatro.

Sin querer hacer una biografía del poeta, Botto va saltando en un monólogo dicho a público por diferentes momentos recogidos en entrevistas o noticias sobre Lorca. La elección de esos momentos está hecha con tiralíneas político, con la intención de que la vida del poeta y su posicionamiento resuene en el presente. En unos momentos Botto es Lorca, pero en otros es el propio actor, se funden esos dos planos de manera extraordinaria, casi imperceptible.

Un ejemplo es cuando se trae a colación la censura que sufrió el estreno de Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín en 1929, cuando se acusó a la obra de obscena y mal formante para la infancia, atacando la homosexualidad del propio Lorca y de su director, Cipriano Rivas Cherif. Ahí, es imposible no hacer correlaciones con nuestro presente de mordazas, intervención en las escuelas y pins parentales.

Otro ejemplo es cuando Botto decide hacer un largo meandro con la figura del personaje del público que en Comedia sin título se enfrenta al autor. Ahí Botto se explaya, se permite y alarga ese parlamento haciendo una simbiosis del patriótico cuñao que todos hemos sufrido con ciertos añadidos que recogen el vocabulario de aquellos tiempos. Una simbiosis entre el cuñao y Primo de Rivera, entre cierto votante de hoy y aquellos de la CEDA, que asusta. Es esta la parte de la obra que más molesta a la derecha española. Pero esto no es nuevo.

Lorca 'reloaded'

En 1987 se estrenaba en Televisión Española Lorca, muerte de un poeta, serie dirigida por el “rojo” Juan Antonio Bardem. En miles y miles de hogares españoles reinaba un silencio casi reverencial. Lorca entraba en la casa de todos después de largos años de excepción de tantas cosas.

El gran Bardem comenzaba por donde había que empezar, por el fusilamiento del poeta. Las detonaciones de la Guardia Civil se quedaban en pausa y el poeta, con la voz de Javier Datú, decía: “Y no quiero llantos, la muerte hay que mirarla cara a cara. Silencio, a callar he dicho. Nos hundiremos en un mar de luto. Me habéis oído, silencio, silencio he dicho, silencio”. Palabras de Bernarda Alba a sus hijas que en ese 1987 mutaban para albergar un alegato más allá de la política ante tantos años de exclusión amordazada.

Y es que Lorca, desde aquel 18 de agosto de 1936, ha ido reapareciendo con fuerza inusitada en momentos clave de la cultura española. Momentos en que a través de él y con él, el teatro, la música o el cine no volverían a ser el mismo. Así fue en el Yerma de Nuria Espert y Víctor García que se estrenó el 30 de noviembre de 1971 en el Teatro de la Comedia. Y tanto lo mismo ocurrió un 28 de febrero de 1996 en el Teatro Albéniz cuando en un concierto Enrique Morente atacó el tema Omega y al llegar a ese grito inhumano, ese hiperbólico “la hierba”, el telón caía a plomo y la batería y las guitarras de Lagartija Nick, sin perder compás, atronaban ante una platea atónita.

Hay miles de recitales, de obras y montajes de y sobre el poeta, pero de vez en cuando Lorca vuelve con fuerza inusitada. Cuando esto pasa los movimientos tectónicos de la regresión española responden airosamente. Críticas furibundas al montaje de Nuria Espert en el 73, páginas y páginas pidiendo la dimisión de Pilar Miró como directora de RTVE por gastar el dinero público en una serie que hoy es escuela, puristas del flamenco de pecho airado gritando a Morente en el Albéniz… Esta vez tampoco ha sido diferente.

Las derechas, que se decía antes, desde que se estrenó este montaje, si bien no tuvieron remedio de aceptar la calidad teatral, no dejaron de tildarla de activista o maniquea, incluso llegando a prescribir cómo tratar la figura de Lorca: “Cuando se 'monta' bien, cuando se olvida, para mejor recordar…” (ABC dixit). Pero Lorca es terco y sigue gritando aquello de: “Pero no hay olvido, ni sueño: carne viva”.

Ahora, vuelve esta obra en plena batalla del “relato cultural” y de nuevo se le acusa de querer instaurar una falsa superioridad moral de la izquierda. Denuncian el uso del poeta al que se quiere convertir en mártir de las izquierdas. Pero lo que no se dan cuenta es que Lorca es evidentemente un mártir, pero no de la izquierda, sino del pueblo español.

Lo que no se dan cuenta es que Lorca es evidentemente un mártir, pero no de la izquierda, sino del pueblo español

No de la sociedad española, sino del pueblo, del volk alemán, del people anglosajón, del am judío. Lorca es de la gente, es el poeta que defiende el sufrimiento del débil, que se rebela, que no calla y se posiciona, que firma manifiestos, esos a los que la derecha tiene tanta tirria, y que nos hace ver que la vida puede ser otra cosa, más libre, más humana.

Decía Lorca en Comedia sin título: “Yo quiero echar abajo las paredes para que sintamos llorar, o asesinar, o roncar con los vientres podridos a los que están fuera, a los que no saben siquiera que el teatro existe”. Y eso es lo que consiguen Botto y Peris-Mencheta, que el teatro salga fuera del teatro. Sale en cada pecho emocionado, en cada memoria agitada por ese Lorca lleno de luz que consigue encarnar Botto, ese Lorca al que, mientras habla, de la ropa se le va cayendo la tierra de la fosa a la que sabe debe volver.

Las 19.000 personas que ahora vean este montaje en el Español, las otras miles que lo verán en el Tívoli de Barcelona en julio, se llevarán esta función a casa… Cada espectador recordará a sus abuelos, mirará este presente tan alarmante y se mirará en sus hijos como yo lo hago en los ojos incendiados de mi hija al salir del teatro.

La primera consecuencia ya está ahí, en la calle, en la misma plaza de Santa Ana, en esa hermosa estatua, pequeña, de Lorca sosteniendo una alondra que comienza el vuelo. Desde el estreno de Una noche sin luna la estatua del poeta luce las flores que le va dejando el pueblo. Y parece que en este mes de mayo no dejará de tenerlas.

El cine español ha elegido las mejores películas del siglo XXI. En una votación organizada por elDiario.es, 56 cineastas han escogido a Mulholland Drive, de David Lynch, como la mejor obra de estos últimos 25 años. Un podio que cierran In the mood for love, de Wong Kar-Wai y La ciénaga, de Lucrecia Martel. Esta es la lista de las mejores películas de Juan Diego Botto.

El tiempo va pasando y, aunque parezca mentira, ya han pasado 30 años desde que se estrenara Historias del Kronen, aquel largometraje dirigido por Montxo Armendáriz cuyo guion e historia estaba basada en la exitosa novela homónima de José Ángel Mañas, la cual fue finalista del Premio Nadal en 1994. El filme se convirtió en un gran éxito del cine español a nivel de taquilla y fue presentado en el Festival de Cannes, sirviendo como plataforma de lanzamiento para una nueva generación de actores y actrices, entre los que destacaron tres jóvenes con mucho talento a pesar de la escasa filmografía que atesoraban en aquel 1995: Juan Diego Botto, Jordi Mollà y Eduardo Noriega.

La película ofrece un crudo retrato de una juventud española mostrando sus noches de desenfreno, drogas, sexo, violencia y excesos, donde los personajes buscan desesperadamente cualquier situación que los haga sentir vivos, guiados por el lema “El mañana no existe”. El título hace referencia a “El Kronen”, un bar, diminutivo de Kronenburg, la marca de cerveza, donde Carlos, el protagonista, y sus amigos se reunían para iniciar sus noches. Aunque Armendáriz no la concibió explícitamente como un retrato generacional, fue interpretada de esta manera por muchos jóvenes y sus padres, consolidándose como un símbolo de la “Generación X” en España. La película recibió un Premio Goya al mejor guion adaptado y contó con una banda sonora memorable con grupos como Australian Blonde y Reincidentes.

Nominados al Goya

Juan Diego Botto, nacido en Buenos Aires en 1975, es hijo de actores y se nacionalizó español, criándose en España desde los dos años. Su primera aparición en el cine fue a los ocho años en 1983. Sin embargo, fue su papel como Carlos en Historias del Kronen el que le dio gran éxito y popularidad, marcando un antes y un después en su carrera y valiéndole una nominación al Goya como actor revelación. Posteriormente, Botto consolidó su carrera con películas notables como Martín (Hache) en 1997, un filme que reflejaba sus dos nacionalidades. Su talento también lo llevó a proyectos internacionales, participando en Pasos de baile en 2002 junto a Javier Bardem y John Malkovich, quien debutó como director con esta película. Su proyección internacional se amplificó significativamente con la serie Good Behavior de 2016 a 2017, donde interpretó a un sicario.

Además de su faceta como actor, Juan Diego Botto es un reconocido dramaturgo y director. Debutó como director teatral con su propia obra El privilegio de ser perro en 2005 y dirigió su primer largometraje, En los márgenes, estrenado en 2022, protagonizado por Penélope Cruz y Luis Tosar y que obtuvo cinco nominaciones a los Premios Goya. En 2008 estrenó en el Teatro María Guerrero Hamlet, obra dirigida y protagonizada por Botto junto a José Coronado, Marta Etura y Nieve de Medina. Como autor repetiría en La última noche de la peste (2007) y Un trozo invisible de este mundo (2012), título en el que estuvo dirigido por Sergio Peris-Mencheta y con el que obtuvo el Premio Max al mejor Autor Revelación y al Mejor Actor. La fórmula de este éxito se volvió a reproducir en 2020 en Una noche sin luna, espectáculo con el que estuvo girando con éxito cuatro años y que ha anunciado que regresará a las tablas. A raíz de esa obra basada en textos de Federico García Lorca fue galardonado con el Premio Nacional de Teatro en 2021. Ha participado en otras series como White Lines, Todos mienten y No me gusta conducir. Casado con la periodista Olga Rodríguez, con quien tiene una hija, Botto es también conocido por su compromiso con los derechos humanos.

Por su parte, el santanderino Eduardo Noriega, nacido en 1973, es el menor de siete hermanos y el único en dedicarse a la interpretación. Sus primeras inclinaciones fueron hacia la música, estudiando solfeo y piano durante cinco años antes de mudarse a Madrid para formarse en la Escuela de Arte Dramático. Su debut cinematográfico fue, precisamente, en Historias del Kronen. Su carrera despegó al ser elegido por Alejandro Amenábar para Tesis en 1996 y, posteriormente, obtener su primer papel protagonista en Abre los ojos en 1997. Por esta última película, y más tarde por El Lobo en 2005, recibió nominaciones al Goya como Mejor Interpretación Masculina. Continuó participando en películas taquilleras como Nadie conoce a nadie de Mateo Gil o El espinazo del diablo de Guillermo del Toro.

Noriega también ha participado en series de televisión, como Colegio Mayor y Homicidios, donde interpretó a un inquietante Tomás Sóller. Además, ha trabajado en producciones internacionales rodadas en inglés, destacando su papel principal en Che Guevara en 2005 o su participación en El último desafío en 2013. Desde 2016, cuenta con una estrella en el paseo de la fama de Tetuán, en la ciudad de Santander. Contrajo matrimonio con Trinidad Oteros en 2011, y la pareja tiene una hija que nació a principios de 2014. Ha recibido distinciones como el Trophée Chopard y el Premio UIMP a la Cinematografía en 2024.

El tercer joven protagonista de la película de Armendáriz, Jordi Mollà, nació en Hospitalet de Llobregat en 1968 y pronto se formó en el Instituto del Teatro de la capital catalana. Su debut en el cine fue en 1992 con la exitosa película Jamón, jamón, dirigida por Bigas Luna, que lo catapultó junto a Penélope Cruz y Javier Bardem. Dos años más tarde y al igual que Noriega y Botto, también formó parte del reparto de Historias del Kronen, que se rodaría en 1994 para estrenarse hace justo 30 años. Mollà es un artista polifacético: además de actor, es director de cine, guionista, escritor y pintor. Ha dirigido cuatro películas y dos cortometrajes, y ha sido nominado cinco veces a los Premios Goya. Su carrera internacional incluye películas como Blow en 2001, donde entabló amistad con Johnny Depp, y curiosamente, rechazó un papel en Star Wars Episodio II: El Ataque de los Clones en 2002. Ha demostrado su versatilidad actuando en varios idiomas sin necesidad de doblaje.

En 1982 en la calle Raimundo Lulio del barrio madrileño de Vallecas Juan Margallo estrenaba ¡Perdona a tu pueblo, Señor! (No estés eternamente enojado). Dos personajes en bicicleta, Don Quijote y Sancho Panza, intentaban arreglar los problemas del teatro. Esos dos personajes, que entre las risas del personal se debatían entre quemar el teatro o bien suicidarse, resumen la esencia de este extremeño de mirada vivaracha e inteligente. Margallo era tan idealista como defensor de lo popular, tan Sancho como Quijote, tan sensato como cabezón.

En ese 1982, Margallo ya había pasado por mucho. Había dejado su Cáceres y truncado la voluntad paterna que quería hacer de él un militar de carrera. Había pasado como actor por las manos de los directores más importantes de los años 60: José Luis Alonso, José Tamayo, Luis Escobar o el propio Miguel Narros. Y había salido de ese Madrid un tanto gris donde las obras de Alfonso Paso eran el no va más para refundar el teatro y el propio mundo con una compañía que se volvería tótem de toda una época: Tábano.

En 1982 ya había dejado Tábano en manos de otra figura del teatro recientemente desaparecida, Guillermo Heras, había dado la vuelta al país como si fuera un calcetín con la obra Castañuela 70, se había casado con su compañera de vida, la actriz Petra Martínez; y se había reinventado con el Gallo Vallecano, grupo con el que estrenaría la citada ¡Perdona a tu pueblo, Señor!, y en el que recalaron actores tan relevantes como El Brujo o Vicente Cuesta.

Con su desaparición se va un saber insustituible, Margallo tenía en su cabeza buena parte de la historia y la intrahistoria del teatro de este país. Su carrera es inabarcable. Por eso mismo, en este artículo me detendré en tres momentos que quizá den algo de luz.

El primer momento comienza con el citado Castañuela 70. Margallo monta esta obra junto a otros teatreros fundamentales como el autor Luis Matilla (desaparecido el pasado noviembre) o Carlos Sánchez. Hasta ese montaje los estrenos de Tábano habían pasado un tanto desapercibidos. Montajes en los que, en palabras del propio Margallo, emulaban a grupos como el Living Theater americano. “Fue el primer teatro por correspondencia”, bromearía Margallo para recalcar que hacían algo que nunca habían visto, que tan solo conocían a través de revistas. Buscaban sin tener referentes en un país cerrado al exterior.

Castañuela 70 era una parodia de los últimos años del franquismo, un musical bufo y gamberro que consiguió esquivar la censura y subir a escena en el madrileño Teatro de la Comedia. El éxito fue rotundo. Se dieron 74 representaciones, lo vieron más de cincuenta mil personas. Hubo amenazas de grupos fascistas y la autoridad decidió bajarla de cartel. Ante la censura, Tábano decidió hacer una gira europea por los centros culturales donde se agrupaba la emigración y el exilio español. Se giraba sin saber donde se iba a dormir y se le preguntaba al público si alguien podía alojarlos.

Aparte del valor artístico de la obra, que debía tenerlo, hasta el crítico Alfredo Marquerie los puso por las nubes, es ese movimiento de no rendirse, de no conformarse, el que describe a la perfección el carácter de este hombre de teatro. La gira acabó en el festival más importante de Europa del momento, el Festival de Nancy (Francia). Ahí Margallo conoció a una persona que cambiaría el rumbo de su vida y el del teatro de este país, al director del Teatro Experimental de Cali (Colombia). Enrique Buenaventura estaba en aquel festival con dos de sus obras más representativas, Los papeles del infierno y el montaje de Peter Weiss, Vida y muerte del Fantoche Lusitano.

Buenaventura es el padre de la “creación colectiva”, un teatro militante, donde las figuras del autor y el director se desacralizan y un teatro de una enorme potencia poética y artística. Tras conocerle, Tábano pudo visitar el gran festival de teatro de América, el Festival de Manizales en Colombia. Viajarían con Castañuela 70 y El retablillo de Don Cristóbal. Allí, Margallo y toda la compañía decidió formarse con Buenaventura.

En el año 1973 Tábano y el TEC de Cali harían una gira juntos. Tábano con esas dos obras, el TEC con la siguiente obra de Buenaventura, La denuncia. Visitarían Puerto Rico, Colombia y Venezuela. Por detrás de aquella gira en la que también participó otro de los montajes fundamentales de la época (Quejio, de La Cuadra de Sevilla de Salvador Távora), estaban Luis Molina que luego fundaría el Centro Latinoamericano de Investigación Teatral (CELCIT), y José Monleón que desde la revista Primer Acto también empujaba por un proyecto panamericano teatral que comenzaba a nacer con figuras como Augusto Boal en Brasil, Santiago García en Colombia o Atahualpa del Cioppo en Uruguay.

Aquel encuentro cambió el rumbo del teatro español. Margallo abanderó la introducción de la creación colectiva en España y luchó toda su vida por ese puente rico y fértil entre el teatro de España y Latinoamérica. Bien sabía el extremeño de la salud de un teatro encerrado en sí mismo como el que él mismo vivió en los años 50 y 60. Es ese quijotismo el que llevaría a Margallo a impulsar y dirigir en 1985 el Festival Iberoamericano de Cádiz, por ejemplo.

El segundo momento es ya después de ese estreno de 1982. Margallo ha formado nueva compañía con su compañera Petra Martínez, Uroc Teatro. El teatro independiente queda ya en la memoria, Margallo es ya maestro y referencia. Ha dirigido obras de Alfonso Sastre, de su amigo Luis Matilla, ha dirigido Edipo Rey en Mérida y su hija Olga ya comienza hacerse cargo de la compañía. Ahí, en el año 2001, Margallo decide montar junto a Petra una obra de Dario Fo, Pareja Abierta. Les va bien, tienen bolos, el teatro de Fo, político, popular y lleno de humor, les encaja como anillo al dedo. Es julio, hace buen tiempo y está haciendo funciones en el Teatro Alfil de Madrid. Al mismo tiempo en el Paseo de la Castellana hay una gran manifestación que ha acabado en acampada. Los trabajadores de Sintel, filial de Telefónica, comienzan una de las protestas laborales más largas de la democracia española. 1.700 trabajadores se han quedado en la calle, incluso con nóminas sin cobrar. Acaban de montar lo que luego se conocería como el Campamento de la Esperanza, un campamento que duró seis largos años.

“Nos encontramos con la lucha de una hormiga contra un elefante”, diría entonces Adolfo Jiménez, presidente de la Asociación de Trabajadores de Sintel. Margallo y Petra deciden que el lunes, que tienen descanso y no hay función, harán una función gratuita en la calle para los trabajadores de Sintel. Y así se hizo. Ese compromiso define a la perfección la voluntad de este hombre de teatro que siempre defendió un arte de calidad que fuera del y para el pueblo.

El tercer momento es en 2004. Margallo vuelve al Centro Dramático Nacional como actor con El señor Ibrahim y las flores del Corán. Está contento, disfrutando como hace años bajo la dirección de Ernesto Caballero. La función es en el recién inaugurado espacio pequeño del Teatro María Guerrero, la Sala de La Princesa. Cuando se acaban las funciones en el CDN la obra tiene que morir. No está proyectado que gire. Un problema, la dificultad de girar con las obras producidas por el INAEM, que hoy continua y que el propio ministro Urtasun se ha comprometido a abordar en la entrevista que ha dado a este periódico.

“En teoría no hay nada que hacer, no se puede girar”, le dicen. Margallo aun así no se da por vencido y pide una reunión con el director del CDN en ese momento, Gerardo Vera. Nadie sabe qué paso en esa reunión. Pero lo consiguió. El montaje pudo girar y se abrió la posibilidad de que las obras del CDN pudieran tener una vida posterior en coproducción con capital privado. Margallo acabó ganando el Premio Max al mejor actor protagonista en 2006.

Este año, el Premio Max de Honor ha sido otorgado a Juan Margallo y Petra Martínez. Ambos ya lo sabían, pero todavía no se había hecho público. Su fallecimiento ha precipitado que se diera a conocer. Hace dos años esta pareja que creíamos eterna del teatro ya recibió el Premio Nacional de Teatro. En esos momentos, Margallo contaba a este periódico que estaba trabajando para el estreno de Hasta que el alzhéimer me devore en la Sala Mirador, un precioso trabajo en el que el autor recorría su historia y la de su familia.

Juan Diego Botto, actor y director de la Sala, al saber de su muerte publicaba en redes: “Una de las más bellas personas que he conocido nunca y un hombre lúcido de compromiso inquebrantable”. Un buen resumen de este hombre fundamental, Quijote y Sancho al mismo tiempo, que imaginó un teatro por el que luchó y que siempre tuvo la cercanía de escuchar a sus coetáneos y a los más jóvenes que venían con fuerza y que nunca rehuyó una conversación en torno a un buen chato de vino. Hoy familia y compañeros lo despedirán en el Cementerio de la Almudena.

Unos 1.150 kilos de cemento esconden la figura de Federico García Lorca en medio de una sala. El cuerpo hiperrealista del poeta, obra del artista conceptual Eugenio Merino, tan solo se puede atisbar por un pequeño agujero en la mole, convertida en un banco normal, sencillo, habitual en cualquier ciudad. Dentro, numerosos significados arrojan luz desde la oscuridad en un juego entre pasado, presente y futuro. “Banco Público”, tal y como se denomina esta intervención artística, se encuentra cargada del significado político que siempre acompañó a uno de los desaparecidos más reconocidos del mundo.

El 19 de septiembre, cualquier persona se podrá sentar en este peculiar banco. Bajo el asiento, se esconderá un símbolo, pero también la bandera de la memoria, la lucha contra los delitos de odio y la reivindicación que Lorca hizo a lo largo de su vida de una sociedad más libre e igualitaria. Estará en ADN Galería, en Barcelona, acompañado por la voz del actor Juan Diego Botto, quien pondrá una suerte de banda sonora a la pieza compuesta por lo que en su día dijo el granadino.

Lorca no es un extraño para Merino. Hace unos meses, el autor de este nuevo “contramonumento” ya utilizó la obra hiperrealista del poeta para su intervención artística en Madrid llamada “Ruina”. En ella, aparecía el cuerpo del escritor granadino bajo el suelo, parapetado únicamente por una plancha de cristal transparente y transitable. Ese cuerpo y no otro es el que ahora queda sepultado en cemento, tal y como está acreditado ante notario. “Aunque ahora Lorca queda completamente oculto, el banco es funcional. La idea es generar un espacio que cuestione nuestro pasado y nos haga pensar sobre los cimientos sobre los que se ha construido nuestro presente, en un momento en el que los discursos de odio van a más”, comenta el artista.

De esta manera, el autor de Poeta en Nueva York se presenta y se esconde, se dice que está, pero no se ve, se le reivindica, pero no existe espacio en el que poder honrar sus restos. Realidad y arte, aquí, crean un magma que grita en apoyo del antifascismo, del antirracismo, del anticapitalismo. “Sabemos que Lorca fue símbolo de todas esas luchas por su defensa de las personas negras en Estados Unidos, o las críticas al capitalismo. Este objeto de cemento puede parecer muy abstracto, pero a su vez es la representación de todo lo que el poeta fue”, cuenta Merino.

La intención de enfatizar estos aspectos del inconmensurable poeta no es baladí: “Hay cierta teoría que liga a Lorca con José Antonio Primo de Rivera, pero eso es mentira, aunque lo siga utilizando la derecha en sus discursos. Tanto PP como Vox han utilizado su figura para desvestirla de todo ideal diciendo que era apolítico”, desarrolla el artista.

Un banco con el que conectar con los desaparecidos

Al igual que pisamos un suelo del que no somos conscientes de todo lo que esconde en su interior, apenas a unos centímetros bajo tierra, cualquier visitante ahora puede reposar sobre este infinito convertido en la inexistente tumba de Lorca. “La instalación muestra cómo nuestro día a día se asienta sobre los crímenes del franquismo todavía sepultados. Se calcula que hay más de 100.000 desaparecidos y esparcidos en cunetas por la represión franquista”, agrega el artista conceptual.

Otra idea presente en “Banco Público” es la capacidad que tendrán los espectadores de intervenir en él. El banco es útil, es igual que los que se pueden ver en multitud de ciudades. De esta forma, si uno no escarbara más allá de lo que ve, dejaría de percibir la importancia de conocer y cerciorarse de los cimientos sobre los que se asienta su realidad. Como si de una metáfora se tratara, Merino quiere que “la gente esté en contacto con un desaparecido, con las decenas de miles de desaparecidos”, pero también demostrar que otro tipo de arte, comprometido, político y sin ambages, quizá algo alejado de lo meramente comercial, es posible.

El material como ideología de la transversalidad

Semíramis González, comisaria de la intervención, considera que “Banco Público” viene a cuestionar “las formas tradicionales de lo público y las lecturas hegemónicas que, a través del tiempo, han transformado la efectividad del monumento, tanto formal como ideológicamente”. “Mientras permanecemos sentadas sobre este banco, el material es también ideología. El cemento es aquí algo más que un volumen. Es la metáfora de ese asfalto que recorremos a diario, sobre el que pisamos, y bajo el cual permanecen más de 100.000 personas represaliadas”, afirma la historiadora del arte.

Ella ha sido la encargada de acompañar y complementar a Merino, tanto en “Ruina” como ahora. “Yo he intentado que los discursos LGTBI, pero también feministas, se imbricaran en esta propuesta estética y política que aporta muchos relatos desde diversos lugares. Es importante recordar que uno de los motivos por los que mataron a Lorca fue por ser homosexual”, incide la curadora. De nuevo, Lorca se presenta como un epíteto de los desaparecidos, lo que confiere a este banco un aura de solemnidad que lleva a otra dimensión cargada de reflexión y reposo.

Un cuerpo que está pero no se ve

En el desarrollo de “Banco Público” también ha tenido mucho que decir Víctor Fernández, experto lorquiano que ha acompañado a Merino en su proceso de documentación y maduración del proyecto. Este periodista cultural señala que “ninguna Administración de ningún nivel, ni de derechas ni de izquierdas, se ha planteado aclarar de una vez por todas qué pasó con los restos”. “El Ministerio del Interior no ha desclasificado la documentación que posee sobre su asesinato generada por el propio franquismo”, denuncia.

Este alumno predilecto del historiador Ian Gibson también refleja el hiperrealismo en el cuerpo que Merino ha esculpido y que ya está sepultado en cemento: “Lo que más sobresale es la adecuación de los rasgos del poeta al tiempo en el que murió. Físicamente es él, cuando muchas veces se representa a Lorca tomando como referencia esas fotos de joven, con la corbata de lazo y el pelo revuelto”. En realidad, los militares alzados asesinaron a Lorca con 38 años.

Desde su punto de vista, “Banco Público” es más “potente” que “Ruina” debido a que ahora el cuerpo del poeta ni siquiera se ve, sino que se intuye. Además, Fernández halaga el complemento prestado por Juan Diego Botto en la intervención artística: “Aunque por el momento inexistente, yo soy optimista y pienso que la voz de Lorca debe estar grabada en algún archivo radiofónico. Lo que tenemos aquí es a un gran actor recitando con algunos cambios la selección de textos que ya hicimos Merino, el también actor Alberto San Juan y yo”. En los textos declamados, el público podrá apreciar la ferviente relación del granadino con el antifascismo a través de los manifiestos que firmó, pero también su posicionamiento político por las entrevistas que realizó.

La indisolubilidad de la política en Lorca

Para Botto, conocer en profundidad al poeta “pasa por saber qué pensaba del patriotismo, tal y como aparece en uno de sus textos más jóvenes, su compromiso con el arte e, incluso, saber que su firma apareció en manifiestos que defendían la lengua catalana o a Manuel Azaña”. Para este dramaturgo, “las palabras de Lorca todavía resuenan”, aunque no sabe “si eso es un ejemplo de que hemos solucionado pocas cosas, que hay problemas que parecen endémicos o que simplemente están ligados a la naturaleza humana”.

Ante los intentos del franquismo, primero, y las derechas, más tarde, de desnudar a Lorca de su halo más político, Botto opina que “es muy difícil entender la obra del granadino si se le desvincula de su visión del mundo y el compromiso con la justicia, la libertad y la igualdad”. Relacionar a Lorca con ínfulas derechistas solo puede estar apoyado por una “ignorancia y desconocimiento absoluto de lo que él fue y lo que plasmó en su obra”, en palabras del actor argentino que interpretó a Lorca en una exitosísima pieza teatral de su autoría, Una noche sin luna.

“Banco Público” se yergue como un “contramonumento” que viene a ocupar un espacio que grita más por lo que esconde que por lo que deja ver. Como si de la vida misma se tratara, solo hay que atreverse a observar más allá de lo que unos ojos son capaces de apreciar. Solo así se podrán enfrentar los motivos y los intereses de aquellos que quieren que la memoria siga oculta, enterrada. Solo así se podrá tener una posición consciente, como demostró Lorca en diciembre de 1934: “Yo siempre seré partidario de los que no tienen nada, y hasta la tranquilidad de la nada se les niega”.

El Festival de Teatro de Logroño cumple 45 ediciones y lo hace, del 10 de octubre al 30 de noviembre, con 20 espectáculos de teatro, danza y música, tal y como han anunciado esta mañana el concejal de Promoción de la Ciudad, Miguel Sainz, la edil de Cultura, Rosa Fernández, y la técnica responsable del Teatro Bretón, Iratxe Palacios.

Un festival que “ofrece un nutrido programa de montajes teatrales, musicales y de danza que representa una selección de lo mejor de la producción teatral de nuestro país, así como propuestas internacionales”, ha señalado el concejal de Promoción de la Ciudad.

La 45ª edición del Festival de Teatro de Logroño comenzará con el espectáculo de acceso gratuito en el Parque Gallarza ‘Us’, un show circense contemporáneo lleno de tecnología y con toque tradicionales del malabarismo y la magia y otras disciplinas del mundo del circo.

Ya en el escenario del Teatro Bretón, el festival propone dramas como ‘La colección’, escrita y dirigida por el Premio Princesa de Asturias de las Letras 2022 Juan Mayorga y protagonizada por José Sacristán; ‘Los lunes al sol’, de Fernando Aranoa; ‘14.4’, un viaje sobre el impacto de las migraciones y el exilio creado por Juan Diego Botto y dirigido por Sergio Peris-Mencheta; ‘Cucaracha con paisaje de fondo’, Premio Max 2023 al Mejor Espectáculo Revelación; ‘Macho grita’, una obra a caballo entre la narración y el espectáculo musical protagonizada por Alberto San Juan; ‘Feriantes’, un homenaje a la feria y a los protagonistas de las barracas, de la compañía local El Patio Teatro, que fue reconocida con el Premio El Ojo Crítico de Teatro en 2021; o ‘Una’, versión de la novela de Luigi Pirandello ‘Uno, ninguno y cien mil’, que narra la crisis de identidad de una mujer convencional.

Una propuesta en la que también tendrá cabida los autores clásicos como Calderón de la Barca con la obra ‘El castillo de Lindabridis’, una comedia novelesco-caballeresca construida sobre un enredo propio de las comedias de capa y espada que conjuga leguaje poético, música, danza y seres fantásticos.

La programación del Teatro Bretón cuenta también con otras propuestas de comedia, en este caso con tintes trágicos, como ‘Polar’ que, de la mano de actores como Secun de la Rosa o Cristina Gallero, recuerda a los espectadores que la Tierra no nos pertenece tras las manifestaciones naturales cada vez más frecuentes en nuestros días.

Las obras con un cierto fondo histórico también están presentes en la propuesta del teatro logroñés. Es el caso de ‘Iribarne’, un intento irreverente por comprender la historia reciente y que, por más que lo pueda parecer, no es un biopic sobre Manuel Fraga; ‘Misericordia’, que recuerda la historia de 200 exiliados uruguayos que regresaron a su país desde España en 1983 para celebrar la Nochevieja cona su familia; ‘Helen Keller, ¿la mujer maravilla?’, obra realizada en lengua de signos y que narra la trayectoria de esta activista norteamericana, pionera en la lucha por la igualdad y la justicia social; y ‘La verdadera historia de la muerte de Francisco Franco’, versión dirigida por la logroñesa Laura Ortega a partir del texto original de Max Aub y protagonizada por Alfonso Torregrosa en una función de aforo reducido.

Los espectáculos para el público más joven también están presentes en la programación del festival con obras como la multipremiada ‘MAR, o cómo sobrevivir a un tsunami’ (Mejor música original, Talía 2024; Mejor espectáculo nocturno en FETÉN 2024; Premio Lorca al Mejor espectáculo de circo 2024; Premio PACA de Circo de Andalucía 2023 a la Mejor interpretación: Rebeca Pérez); o ‘Praga, 1941’, que narra la historia de un chico que encuentra los diarios de Petr Ginz, que vivió la ocupación nazi en 1941 en Praga.

La danza también tiene cabida, una edición más, en el Festival de Teatro de Logroño. Así, la Compañía Nacho Duato regresa al escenario logroñés con dos de sus coreografías más icónicas ‘Na floresta’ y ‘Duente’, a la que se le suma la nueva ‘Cantus’, estreno absoluto que supone una reflexión sobre los horrores de un conflicto bélico a los ojos de los jóvenes atrapados en él.

A esta obra se suma ‘The tree’, la última gran creación de la coreógrafa americana Carolyn Carlson y que supone una reflexión poética sobre la humanidad y la naturaleza; y ‘El ministerio de los sentimientos no resueltos’, de la compañía noruega Jo Strømgren que fusiona la danza con el humor absurdo.

En el apartado meramente musical, el grupo Mastodonte, liderado por Asier Etxeandía y Enrico Barbaro, fusiona canciones, música y monólogos con su espectáculo ‘Belleza y perdón’, nombre de su último álbum.

Venta de abonos y localidades

La venta de abonos completos se abre desde mañana, lunes 16 de septiembre, hasta el 28 septiembre en el horario habitual de taquilla (de 11:00 a 14:00 horas, de lunes a sábados; de 12:00 a 14:00 horas, domingos y festivos si hay función; y también dos horas antes del inicio de la función); y a través de la web teatrobreton.org a partir de las 11:00 horas del día 16.

La venta de localidades, abonos parciales se iniciará el 30 de septiembre. La venta por teléfono y reserva para grupos se puede realizar en el 941 207 231 y por internet a través de teatrobreton.org a partir de las 11:00 horas.

Hay precios especiales para abonos y descuentos del 20% con el carné joven, para estudiantes de la Universidad de La Rioja, desempleados y mayores de 65 años; 25% de descuento para grupos organizados de 20 o más personas; 15% para grupos organizados de 12 o más personas; 40% para gruposde 20 o más estudiantes de ESO y Bachillerato; un 40% para jóvenes de hasta 29 años, en las localidades del primer y segundo anfiteatro el mismo día de la función; y un descuento de 4x3 para los espectáculos ‘The tree’, ‘Los lunes al sol’, ‘Iribarne’, ‘El castillo de los Lindabridis’, ’14.4’, ‘Misericordia’, ‘El ministerio de los sentimiento son resueltos’; y ‘La colección’ (29 de noviembre).

Programa completo

• ‘Us’ (jueves 10 de octubre – 19:30 horas – Parque Gallarza – Espectáculo gratuito).

• ‘The tree’ (viernes 11 de octubre – 20:00 horas – Teatro Bretón).

• ‘Los lunes al sol’ (sábado 12 de octubre – 20:00 horas – Teatro Bretón).

• ‘Macho grita’ (jueves 17 de octubre – 20:00 horas – Teatro Bretón).

• ‘Iribarne’ (sábado 19 de octubre – 20:00 horas – Teatro Bretón).

• ‘Cucaracha con paisaje de fondo’ (domingo 20 de octubre – 19:30 horas – Teatro Bretón).

• ‘El castillo de Lindabridis’ (viernes 25 de octubre – 20:00 horas – Teatro Bretón).

• ’14.4’ (sábado 26 de octubre – 20:00 horas – Teatro Bretón).

• ‘Praga, 1941’ (domingo 27 de octubre – 20:00 horas – Teatro Bretón).

• ‘Feriantes’ (jueves 31 de octubre y viernes 1 de noviembre – 20:00 horas – Teatro Bretón).

• ‘Mar’ (domingo 3 de noviembre – 19:30 horas – Teatro Bretón).

• ‘Polar’ (viernes 8 de noviembre – 20:00 horas – Teatro Bretón).

• ‘Misericordia’ (sábado 9 de noviembre – 20:00 horas – Teatro Bretón).

• ‘Helen Keller, ¿la mujer maravilla?’ (domingo 10 de noviembre – 19:30 horas – Teatro Bretón).

• ‘La verdadera historia de la muerte de Francisco Franco’ (jueves 14 de noviembre – 20:00 horas – Teatro Bretón).

• Mastodonte (viernes 15 de noviembre – 20:00 horas – Teatro Bretón).

• ‘El ministerio de los sentimientos no resueltos’ (sábado 16 de noviembre – 20:00 horas – Teatro Bretón).

• Compañía Nacho Duato (viernes 22 de noviembre – 20:00 horas – Teatro Bretón).

• ‘Una’ (jueves 28 de noviembre – 20:00 horas – Teatro Bretón).

• ‘La colección’ (viernes 29 y sábado 30 de noviembre – 20:00 horas – Teatro Bretón).

Pedro Almodóvar ha lanzado este martes a través de YouTube el primer tráiler de su película 'La habitación de al lado' donde se ve cómo sus dos protagonistas principales, Tilda Swinton y Julianne Moore, contienen apenas las lágrimas mientas la música de Alberto Iglesias arropa los instantes más íntimos de ambas.

La película, la primera que rueda Almodóvar en inglés, está basada en la novela de la autora neoyorquina Sigrid Nunez titulada 'What are you going through' (Cuál es tu tormento) y cuenta la historia de dos mujeres, Ingrid (Moore) y Martha (Swinton), que fueron amigas íntimas en su juventud, cuando trabajaban juntas en la misma revista.

Ingrid se convirtió en escritora de novelas autoficticias mientras que Martha se convirtió en reportera de guerra, y las circunstancias de la vida las separaron. Después de años de no tener contacto, se reencuentran en una situación extrema pero extrañamente dulce.

El tráiler comienza con un primerísimo plano de Swinton que abre los ojos, sin diálogos, mientras se ve nevar detrás de los cristales de un gran ventanal. Moore apenas contiene las lágrimas y el plano abre para ver tumbada en una cama medicalizada a Martha, con un gotero en su brazo.

Un viaje en coche a una preciosa casa inmersa en el bosque, un sobre con las palabras 'good bye' y un grito. En apenas un minuto, el director manchego presenta este drama que tendrá su presentación mundial en el próximo Festival de Venecia, que se celebrará del 28 de agosto al 7 de septiembre, donde compite por el León de Oro.

Según El Deseo, la productora de los hermanos Agustín y Pedro, la película habla “de la crueldad sin límites de las guerras, de los modos tan distintos en que las dos escritoras se acercan y escriben sobre la realidad” y también de la muerte, de la amistad y del placer sexual como “los mejores aliados para luchar contra el horror”.

Filmada este año entre Madrid y Nueva York, la película cuenta en su reparto con el hispano-argentino Juan Diego Botto, los españoles Raúl Arévalo, Victoria Luengo y Melina Matthews, y los estadounidenses John Turturro, Alessandro Nivola y Esther McGregor.

Además, Pedro Almodóvar recibirá este año un Premio Donostia en el Festival de cine de San Sebastián.

“Si alguna vez se encuentran con uno como yo, llegado de otro país, sepan que ahí, detrás de esos ojos, hay una historia que, en unos pocos años sobre la Tierra, contiene muchas vidas”. Con esa frase termina 14,4, la obra de teatro que ha escrito Juan Diego Botto y dirigido Sergio Peris-Mencheta que se representa en estos momentos en la sala Max Aub de las Naves del Matadero en Madrid (hasta el 28 de julio). El título hace referencia a la distancia que separa España de África, y quien la dice no es un actor sin más. No es alguien que ha aprendido un texto para recitarlo de memorieta.

Quien nos pide a los espectadores que cambiemos la mirada, que cuando nos cruzamos con alguien de otro país recordemos todo lo que se nos ha contado en la emocionante obra de teatro, es una persona que sabe de lo que habla. Un niño que con tres años vagaba por las calles, que con menos de diez había intentado cruzar siete veces la frontera para buscar una vida digna. No venía a robarnos los empleos. No venía a amenazar a nuestras mujeres. No veía a hacer ninguna cosa que la extrema derecha, y ahora la derecha, dicen que viene a hacer a España.

Es imposible que alguien escuche a Ahmed Younoussi en 14,4 y no se sienta no solo emocionado, sino avergonzado. El actor —que triunfó con la serie El príncipe y que luego ha vivido también el racismo de la industria— interpreta el texto que ha escrito Juan Diego Botto, pero que se basa en toda su vida desde que huyó de los cinturonazos de sus padres hasta que llegó a España siendo un niño. Lo hizo en los bajos de un camión, jugándose la vida.

Viendo la obra de Peris-Mencheta uno no puede dejar de pensar en las declaraciones que horas antes había hecho el PP en boca de su portavoz parlamentario Miguel Tellado, donde reclamaba al Gobierno que desplegara barcos militares de la Armada para impedir que llegaran migrantes a Canarias. El partido de Feijóo asumía de pleno el argumentario de la extrema derecha, criminalizaba a los inmigrantes y pedía que el Ejército prohibiera la llegada de extranjeros. Como si ellos fueran el peligro. Como si tuviéramos que protegernos de gente que solo busca esperanza.

Al señor Feijóo, y a Tellado, les invitaría a que fueran a ver 14,4 al teatro. Creo que es imposible que si alguien escucha la historia de Younoussi pueda decir semejante barbaridad. Que a alguien que con seis años perdió su infancia, se jugó su vida y tuvo que mendigar para sobrevivir le digan a la cara que la solución que proponen es poner a la Armada impidiendo su entrada a otro país. Ojalá Ahmed Younoussi mirara a los ojos a Feijóo y le dijera esa línea final. “Si alguna vez se encuentra con alguien como yo, de otro país, piense en mi historia”. Que un país como España, cuyos ciudadanos tuvieron que huir en la Guerra Civil y en la dictadura, que también tuvieron que buscar en otros lugares una vida mejor, se permita ver cómo miles de personas mueren en esos 14 kilómetros de distancia es un insulto a nuestra memoria y a nuestra humanidad.

Si alguna vez se encuentran con uno como yo, llegado de otro país, sepan que ahí, detrás de esos ojos, hay una historia que, en unos pocos años sobre la Tierra, contiene muchas vidas

Ahmed Younoussi — Actor

La obra de teatro es un sopapo de realidad. Y aunque hay algunos que necesitan verla de manera más urgente, es un tirón de orejas para todo occidente, también para los que no quieren desplegar las fuerzas armadas pero miran para otro lado cuando la gente muere a escasos metros de nuestro país. El texto subraya la hipocresía europea. Los buenos sentimientos y las palabras vacías frente a los actos que muestran que, en el fondo, nadie quiere cambiar nada.

Ante la tela donde se proyectan imágenes durante la función aparece la foto de Aylán. Ahmed Younoussi pregunta a la gente si se acuerdan de él. De su nombre. Casi todos lo hacen. Aquella imagen, la de un niño de tres años muerto en la costa de Turquía abrió todos los telediarios y periódicos en 2015. Ha pasado casi una década. No ha cambiado nada. “Iba a ser el último, iba a despertar la conciencia de Europa. Se ve que Europa padece narcolepsia”, dice el actor.

Pronto nos olvidamos de Aylán. Puede que los líderes de Europa nunca quisieran cambiar nada, porque hacerlo significa cambiar un sistema económico del que todos viven. “Que no vengan, pero que vengan sus recursos. Queremos sus minerales, sus diamantes, su coltán, sus peces, sus frutas. De ellos podemos prescindir”, dicen en la obra.

No se quiere aceptar que somos culpables de la situación que les fuerza a venir aquí. Una situación que comienza en la colonización (otro tema espinoso para la derecha, que niega que España tuviera colonias) y que continúa con la explotación económica y la venta de armas a los países de donde huye la gente pero luego no queremos acoger a sus ciudadanos: “Al final la cosa es un círculo vicioso. Me llevo tus recursos, tu país se empobrece y la gente empieza a salir de allí. Entonces le doy dinero a tu presidente corrupto para que se líe a cinturonazos con los que se quieren ir. Si el presidente de turno sale rana me encargo de apoyar un candidato que se vaya a portar bien con nosotros”.

Una hipocresía que sigue cuando se enseña el mapa de los países que reciben dinero de Europa para controlar las fronteras. Argelia, Túnez, Libia, Marruecos, Mali… Al final, como dicen en 14,4, “es más fácil que en Europa entre un kilo de coltán a que entre el niño que trabaja en la mina esclava que lo produce”. Nunca Feijóo diría que hay que desplegar la Armada para que no entre el coltán en España, pero sí para impedir que los que han sido explotados en su extracción, o afectados por las guerrillas de la zona no entren. Quizás es pedir demasiado al líder del PP ir a ver una obra de teatro escrita por uno de esos “subvencionados” del cine español —otro mantra falso alimentado por la derecha—, pero cuesta creer que si alguien mira los ojos azules de Ahmed Younoussi pueda volver a pensar en las personas migrantes como problemas y no como seres humanos.

És una pregunta que amaga una mica d'utopia, una mirada gairebé naïf, però és inevitable fer-la sempre: Per a què serveix l'art? Serveix d'alguna cosa una pel·lícula o una cançó? En aquests temps cínics, de continguts fets amb algorisme, en aquests temps on només es valora l'entreteniment buit, on la llibertat s'associa a cerveses en una terrassa, només queda esperança. Perquè l'optimisme és progressista, i ara aquesta esperança passa per creure que sí, que allò que es crea amb les entranyes val per a alguna cosa, per canviar una ment, una idea o, per què no, el món.

Ho creuen fermament Juan Diego Botto i Nur Levi, intèrprets, germans i, per sobre d'això, dues persones compromeses amb el món que els envolta. Compromeses amb un art que valgui per alguna cosa més que per treure un somriure. Ho van demostrar al Festival de les Idees i la Cultura de elDiario.es amb Y una mañana todo estaba ardiendo, un espectacle poètic musical dedicat a la poesia i la memòria com a armes carregades de futur, com va deixar dit Gabriel Celaya. Eines per posar la lupa a les guerres que ens han assolat.

Ells dos, juntament amb la música interpretada en directe per Alejandro Pelayo, van demostrar que només cal un piano i dos faristols per convèncer-nos del poder d'aquesta paraula. Un espectacle sense ornaments que pren el nom d'un vers del poema de Pablo Neruda Explico algunas cosas, com va explicar Botto al començament. Un poema que Neruda va escriure durant els bombardejos a Madrid a la Guerra Civil, els “primers bombardejos planificats d'un exèrcit sobre població civil”.

“Aquesta jornada poètica es vol fixar en això, en la guerra. En aquests temps que la guerra ha tornat i veiem imatges cada dia d'un genocidi a Gaza pensem que la paraula és important. No només per descriure l'horror, sinó com a instrument de denúncia, com a possibilitat ineludible d'arribar a acords, pactes i treves. Com a pont entre l'horror i l'esperança”, va dir Botto aixecant la primera de les moltes ovacions que arribarien en aquest repàs poètic que va començar a la Guerra Civil espanyola passant per la Primera Guerra Mundial fins a arribar a Gaza.

Nur Levi va tornar a posar l'èmfasi en la importància de la paraula, perquè aquests “poetes van posar paraules al dolor perquè no caigui en l'oblit”. “Poesia pari recordar, per empatitzar, per curar, per posar-se al lloc de la víctima. Poetes que ens van parlar de la nostra pròpia guerra. La guerra que el feixisme va aixecar en aquesta terra i va provocar 40 anys i dictadura”, va afegir i va avançar alguns dels noms que sonarien a continuació. Els de Miguel Hernández, Lorca o Gloria Fuertes es van barrejar amb els de Rafeef Ziadah o Suheir Hammad. Juan Diego Botto, que la setmana que ve estrenarà a Madrid l'obra de teatre sobre la migració que ha escrit, 14.4, va començar, com no podia ser d'una altra manera, amb el poema que donava nom a aquest espectacle.

Y una mañana todo estaba ardiendo

y una mañana las hogueras 

salían de la tierra 

devorando seres, 

y desde entonces fuego, 

pólvora desde entonces, 

y desde entonces sangre

Un viatge poètic per la memòria

En aquest breu recorregut per la memòria a través de la poesia, els versos de Neruda van obrir l'acte per ràpidament entrellaçar-se amb els de Vicente Aleixandre a Oda a los niños de Madrid muertos por la metralla.

¿Quién vio, quién vio un bracito

salir roto en la noche

con luz de sangre o estrella apuñalada?

¿Quién vio la sangre niña

en mil gotas gritando:

¡crimen, crimen!,

alzada hasta los cielos

como un puñito inmenso, clamoroso?

En estos tiempos en los que la guerra ha vuelto y vemos imágenes todos los días de un Genocido en Gaza pensamos que la palabra es importante

Juan Diego Botto — Actor

O amb el contundent final de Es difícil ser feliz una tarde, de Glòria forts:

Aquello era un cementerio

con muertos al aire libre.

Un cementerio sin tumbas, sin cruces…

També es van recitar poemes de Marcos Ana, el pres polític que més temps va tenir el franquisme en una presó; del supervivent de l'holocaust Primo Levi; de la polonesa Wislawa Szymborska i de les dones palestines que estan donant veu al genocidi que pateix el seu poble. “A Gaza, s'expliquen els morts per milers, i nou mesos després el bombardeig continua sonant.

Una destrucció que no ha respectat ni hospitals, ambulàncies, mesquites o refugis de nacions unides“, va recordar Botto en una de les poques aturades per dirigir-se al públic i on va subratllar que ”Palestina ha sentit el silenci del nord global“. Però davant d'aquest silenci, ”la poesia ha buscat traslladar el sentir de la seva població a qui estigués disposada“. ”La poesia palestina és una història llarga perquè l'ocupació és llarga. Res no va començar ahir“.

Es va llegir Las tonalidades de la ira on Rafeef Ziadah, poeta a la diàspora, s'obre en canal:

¿Escucharon gritar a mi hermana ayer,

mientras paría en un checkpoint

con soldados israelíes buscando entre sus piernas

la próxima amenaza demográfica?

llamó a su hija nacida, Jenin.

I per descomptat, Lorca, el poeta assassinat pel franquisme per “roig i marieta” i del qual van llegir dues obres. La primera, La balada de la gran guerra, on va descriure “en conjunt el dolor, la solitud, i la destrucció aclaparadora que la guerra deixa als cors de la gent”. I es va acabar amb ell, amb la seva Grito hacia Roma que “critica les jerarquies militars feixistes i l'església submisa davant seu”. Un poema que, per a Juan Diego Botto, conté “una crítica al més despietat del capitalisme i que té quatre versos finals que són per si mateixos un programa polític de gran importància”:

Porque queremos el pan nuestro de cada día,

flor de aliso y perenne ternura desgranada,

porque queremos que se cumpla la voluntad de la Tierra

que da sus frutos para todos.

Com els bons concerts, i encara que el teatre no ho permet aquesta nit no hi havia normes, Alejandro Pelayo, Nur Levi i Botto es van permetre un bis per recitar el Camarades de Walt Whitman. Un poema que no parla sobre la guerra, però que tendeix un pont amb el present i el fa mirant-lo de manera menys amarga. Van voler acabar deixant clar que “l'art ha estat el vehicle que ha impulsat aquesta voluntat de llibertat i diversitat”, i fer-ho en les paraules d'un poeta a qui van voler censurar per homosexual, i la veu del qual ha de ser escoltada en un moment on “encara avui hi ha gent que no vol que la diversitat arribi a l'escola o als fills”.

Es una pregunta que esconde algo de utopía, una mirada casi naif, pero es inevitable hacerla siempre, ¿para qué sirve el arte?, ¿sirve de algo una película o una canción?, ¿puede cambiar el mundo un poema? En estos tiempos cínicos, de contenidos hechos con algoritmo, en estos tiempos donde solo se valora el entretenimiento vacío, donde la libertad se asocia a cervezas en una terraza, solo queda la esperanza. Porque el optimismo es progresista, y ahora esa esperanza pasa por creer que sí, que lo que se crea con las entrañas vale para algo, para cambiar una mente, una idea o, por qué no, el mundo.

Lo creen a pie juntillas Juan Diego Botto y Nur Levi, intérpretes, hermanos y, por encima de ello, dos personas comprometidas con el mundo que les rodea. Comprometidas con un arte que valga para algo más que para sacar una sonrisa. Lo demostraron en el Festival de las Ideas y la Cultura de elDiario.es con Y una mañana todo estaba ardiendo, un espectáculo poético musical que ensalzó la poesía y la memoria como armas cargadas de futuro, como dejó dicho Gabriel Celaya. Herramientas para poner la lupa en las guerras que nos han asolado. 

Ellos dos, junto a la música interpretada en directo por Alejandro Pelayo, demostraron que no hace falta más que un piano y dos atriles para convencernos del poder de esa palabra. Un espectáculo desnudo y a pelo que toma el nombre de un verso del poema de Pablo Neruda Explico algunas cosas, como explicó Botto al comienzo. Un poema que Neruda escribió durante los bombardeos a Madrid en la Guerra Civil, los “primeros bombardeos planificados de un ejército sobre población civil”.

“Esta jornada poética quiere fijarse en eso, en la guerra. En estos tiempos en los que la guerra ha vuelto y vemos imágenes todos los días de un genocidio en Gaza pensamos que la palabra es importante. No solo para describir el horror, sino como instrumento de denuncia, como posibilidad ineludible de llegar a acuerdos, pactos y treguas. Como puente entre el horror y la esperanza”, dijo Botto levantando la primera de las muchas ovaciones que llegarían en este repaso poético que comenzó en la Guerra Civil española pasando por la Primera Guerra Mundial hasta llegar a Gaza. 

Nur Levi volvió a hacer hincapié en la importancia de la palabra, porque estos “poetas pusieron palabras al dolor para que no caiga en el olvido”. “Poesía pare recordar, para empatizar, para sanar, para ponerse en el lugar de la víctima. Poetas que nos hablaron de nuestra propia guerra. La guerra que el fascismo levantó en esta tierra y provocó 40 años e dictadura”, añadió y avanzó algunos de los nombres que sonarían a continuación. Los de Miguel Hernández, Lorca o Gloria Fuertes se mezclaron con los de Rafeef Ziadah o Suheir Hammad. Juan Diego Botto, que la semana que viene estrenará en Madrid la obra de teatro sobre la migración que ha escrito, 14.4, comenzó, como no podía ser de otra forma, con el poema que daba nombre a este espectáculo.

Y una mañana todo estaba ardiendo

y una mañana las hogueras 

salían de la tierra 

devorando seres, 

y desde entonces fuego, 

pólvora desde entonces, 

y desde entonces sangre

Un viaje poético por la memoria

En este breve recorrido por la memoria a través de la poesía, los versos de Neruda abrieron el acto para rápidamente entrelazarse con los de Vicente Aleixandre en Oda a los niños de Madrid muertos por la metralla.

¿Quién vio, quién vio un bracito

salir roto en la noche

con luz de sangre o estrella apuñalada?

¿Quién vio la sangre niña

en mil gotas gritando:

¡crimen, crimen!,

alzada hasta los cielos

como un puñito inmenso, clamoroso?

En estos tiempos en los que la guerra ha vuelto y vemos imágenes todos los días de un Genocido en Gaza pensamos que la palabra es importante

Juan Diego Botto — Actor

O con el contundente final de Es difícil ser feliz una tarde, de Gloria fuertes:

Aquello era un cementerio

con muertos al aire libre.

Un cementerio sin tumbas, sin cruces…

También se recitaron poemas de Marcos Ana, el preso político que más tiempo tuvo el franquismo en una cárcel; del superviviente del holocausto Primo Levi; de la polaca Wislawa Szymborska y de las mujeres palestinas que están dando voz al genocidio que sufre su pueblo. “En Gaza, se cuentan los muertos por millares, y nueve meses después el bombardeo sigue sonando. Una destrucción que no ha respetado ni a hospitales, ambulancias, mezquitas o refugios de naciones unidas”, recordó Botto en uno de los pocos parones para dirigirse al público y donde subrayó que “Palestina ha sentido el silencio del norte global”. Pero ante ese silencio, “la poesía ha buscado trasladar el sentir de su población a quien estuviera dispuesta”. “La poesía palestina es una larga historia porque la ocupación es larga. Nada empezó ayer”.

Se leyó Las tonalidades de la ira, donde Rafeef Ziadah, poeta en la diáspora, se abre en canal:

¿Escucharon gritar a mi hermana ayer,

mientras paría en un checkpoint

con soldados israelíes buscando entre sus piernas

la próxima amenaza demográfica?

llamó a su hija nacida, Jenin.

Y por supuesto, Lorca, el poeta asesinado por el franquismo por “rojo y maricón” y del que leyeron dos obras. La primera, La balada de la gran guerra, donde describió “en conjunto el dolor, la soledad, y la apabullante destrucción que la guerra deja en los corazones de la gente”. Y se terminó con él, con su Grito hacia Roma que “critica a las jerarquías militares fascistas y a la iglesia sumisa frente a ellas”. Un poema que, para Juan Diego Botto, contiene “una critica a lo más despiadado del capitalismo y que tiene cuatro versos finales que son por sí solos un programa político de gran calado”:

Porque queremos el pan nuestro de cada día,

flor de aliso y perenne ternura desgranada,

porque queremos que se cumpla la voluntad de la Tierra

que da sus frutos para todos.

Como los buenos conciertos, y aunque el teatro no lo permite esta noche no había normas, Alejandro Pelayo, Nur Levi y Botto se permitieron un bis para recitar el Camaradas de Walt Whitman. Un poema que no habla sobre la guerra, pero que tiende un puente con el presente y lo hace mirándolo de forma menos amarga. Quisieron acabar dejando claro que “el arte ha sido el vehículo que ha impulsado esa voluntad de libertad y diversidad”, y hacerlo en las palabras de un poeta al que quisieron censurar por homosexual, y cuya voz tiene que ser escuchada en un momento donde “todavía hoy hay gente que no quiere que la diversidad llegue al colegio o a sus hijos”.

La obra, 14.4, cifra que designa la distancia entre África y Europa a través del estrecho de Gibraltar, comienza con tono de comedia amable, pero pronto todo se tuerce y el espectador comienza a conocer la dura historia de Ahmed Younoussi, actor conocido en España por la serie El príncipe, pero que acarrea sobre sus hombros todo un pasado.

Con seis años, Younoussi tuvo que abandonar su casa paterna en un pueblo del norte de África, Ksar el Kebir (Alcazarquivir): “En mi infancia estuve recibiendo hostias por encima de mis posibilidades”, confiesa este actor sobre aquel hogar donde a la mínima le caían por todas partes y que dejó trasladándose a las calles de Tánger. Allí, hizo un amigo que perdió a manos de la policía, conoció la fuerza del pegamento, aprendió a pedir sin poner cara de pena ―asumiendo que ya lleva en su rostro la marca del desarraigo y la necesidad― e intentó, sin conseguirlo, cruzar siete veces la frontera, esos 14.4 kilómetros que separan el continente africano del llamado primer mundo.

Juan Diego Botto tiene claro qué es lo que ha movido al director Sergio Peris-Mencheta y a él para levantar este proyecto, que se estrena el 27 de junio en las Naves del Español en Matadero Madrid. “Me parecía algo pertinente de contar, aquí tenemos la historia de un niño, un niño que vino solo a España a los nueve años, lo que muchos llaman un MENA”, explica Botto -que también estará en el Festival de las Ideas y la Cultura organizado por elDiario.es-. “Vamos a hablar de esto, de estos seres humanos, de estos Marco Polo modernos que viven situaciones que ninguno de nosotros viviríamos ni en tres vidas y a los que miramos por encima del hombro no solo con desdén, sino muchas veces con odio. Vamos a hablar de uno de estos muchachos y de lo que es vivir en la calle y recibir palizas y sacarte las castañas del fuego y llegar a otro país y conseguir sacar adelante una vida”, añade.

Antes, estos dos hombres de teatro habían levantado sendos exitosos proyectos, Un trozo invisible de este mundo (2012) y Una noche sin luna (2020), obra sobre Federico García Lorca con la que triunfaron en los premios Max hace dos años. Dos proyectos que surgieron de las manos de Botto. En esta ocasión, ha sido distinto. En 2010, el cineasta Juan Gautier estrenó el corto Metropolis Ferry, protagonizado por Peris-Mencheta, donde un abogado que veía cómo en la frontera apalizaban a un inmigrante que estaba intentando cruzar en los bajos de un camión e intentaba en vano denunciarlo. El actor que interpretaba al inmigrante era un joven Ahmed Younoussi de 20 años. “Ahí ya Sergio me dijo que en algún momento teníamos que hacer una obra sobre su vida”, recuerda Botto. “Me presentó a Ahmed, hable con mi madre [Cristina Rota, que dirige una conocida escuela de teatro en Madrid], y se le becó para dar los cuatro años de formación”, añade.

Luego llegaron las series de televisión y Ahmed comenzó una carrera exitosa como actor. “Pero cada equis tiempo Sergio me decía, tenemos que escribir la historia de Ahmed. El verano pasado me dijo que ya no podíamos esperar más, que había que hacerla. Así que me junté con Ahmed, me contó de nuevo su vida y de ahí salió el primer esbozo del texto que en cierto modo es ya muy parecido a este final que ahora se estrena”, explica Botto sobre este texto en el que, aparte de licencias para dar a la obra ritmo espacio-temporal, se basa fielmente en la vida que Younoussi le trasladó en aquellas charlas.

De Los Ángeles a Madrid

La charla normal de una entrevista, en la que se suele hablar de la interpretación, la puesta en escena y la pertinencia de la historia, en esta ocasión se corta pronto. En ocasiones, para lo bueno y lo malo, se impone la vida. Sergio Peris-Mencheta anunció en enero de este año que le habían diagnosticado cáncer, una leucemia. Hace poco recibió un trasplante de médula, “y no ha habido rechazo, su médula está empezando a fabricar otra vez glóbulos blancos, pinta muy bien. Ha estado con tres ciclos de quimio. Está con el sistema inmune por los suelos, muy frágil y sensible pero al igual que todos está muy esperanzado”, indica un contento Botto que quiere recalcar el esfuerzo, empuje y vigor que ha puesto Peris-Mencheta en el proyecto.

“Cuando iban a empezar los ensayos, un día Sergio me llamó y me dijo, 'me ha pasado esto, estoy en un hospital', entró por un cólico nefrítico y le dijeron que no se podía ir porque tenía leucemia. Me dijo, 'no puedo ir a España'”, recuerda Botto, que explica que intentó trasladar al propio Peris-Mencheta y a la productora que creía que debían suspender, pero “Sergio dijo que no, que el proyecto iba a ser motivador, que le iba a ayudar a luchar contra el cáncer”. Así que se montó todo un operativo desde el hospital, “para que desde la UCI, a través de su ordenador, se conectara a los ensayos. Se ha ensayado con un dispositivo con varias cámaras y con Ahmed microfonado. Así Sergio ha ido pudiendo dar notas, interrumpir los ensayos, hablar con los escenógrafos e iluminadores. Todo el equipo se ha dejado la piel para que se pueda dar la obra, pero lo de Sergio ha sido admirable”, reconoce Botto.

En la obra, Ahmed está durante casi dos horas solo en el escenario. Interpreta a varios personajes y está sostenido y apoyado en escena por un trabajo de vídeo a cargo del cineasta Ezequiel Romero, para el que incluso se rodaron escenas en puerto de Tánger, y por el espacio ideado por el reconocido y prolífico escenógrafo Alessio Meloni. Además de lo biográfico, Botto ha insertado con acierto una contextualización de la migración y de la relación entre África y Europa. En un momento de la obra, se proyecta el mapamundi tradicional de Mercator donde los países del norte son desproporcionadamente más grandes que los del sur. Dice Ahmed: “Se ve que, en el siglo XVI, cuando se hizo este mapa, les gustaba pensar que el norte colonial era más grande que el sur colonizado. Esta cosa del tamaño que obsesiona a algunos”. De este modo, Ahmed, durante toda la obra, irá diseminando datos sobre el periodo colonial, la descolonización y la situación actual de relación entre la Unión Europea y el continente africano.

Se habla sobre la atrocidad de la época colonial de Francia, Inglaterra, Alemania y, sobre todo, Bélgica y su rey Leopoldo II, que exterminó a la mitad de la población del Congo Belga, más de 10 millones de seres humanos. Se desmitifican tópicos de vencedores o salvadores; por ejemplo, al recordar que, después de la Segunda Guerra Mundial, Francia, que había prometido la independencia a los argelinos por ayudarles en la guerra, reprimió a aquel país asesinando a 45.000 personas para aplacar las protestas. Pero la obra no rehúye el presente y Ahmed en escena aborda varias vergüenzas como el comercio de Coltán: se permite que Ruanda sea hoy el gran exportador mundial de Coltán sin una mina en su territorio para así poder mantener la situación esclavista de las minas del Congo.

En la obra, también se denuncia la actuación de la agencia europea Frontex (Agencia Europea de la Guarda de Fronteras y Costas) con un presupuesto de 845 millones el año pasado frente a los 85 millones que tenía en 2012; cada vez que hay más presupuesto aumenta el número de muertos en el mar, apunta la obra. Una agencia que en los últimos años está bajo el punto de mira por diferentes escándalos, como la dimisión de su director Fabrice Leggeri, acosado por las violaciones de derechos humanos que suponen las devoluciones en caliente en las fronteras. Leggeri es hoy representante de Reagrupamiento Nacional, el antiguo partido de Marie Le Pen. Unas denuncias que aportan y enriquecen la parte testimonial que tiene la obra, dándole una perspectiva histórica y política de una situación acuciante.

Marlaska y la amenaza híbrida

Al preguntar a Botto por esta dimensión de la obra y sobre el papel que está jugando España y su ministro del Interior Fernando Grande Marlaska, su respuesta es clara, “Marlaska lo que tiene que hacer es dimitir, mintió en el Congreso, varias veces, sobre la tragedia que pasó en Melilla en 2022”. “Pero ya sea Marlaska, ya sea el PSOE, ya sea cualquier ente europeo, lo que hay que cambiar es la forma de mirar el fenómeno migratorio. Es muy relevante que en la última cumbre de la OTAN, en sus conclusiones, se define la migración como una amenaza híbrida”, explica Botto sobre la cumbre que tuvo lugar en 2022 en Madrid. “Está en las resoluciones, y me parece alarmante que para la OTAN la migración suponga una amenaza y que, además, entendamos que la forma de resolverlo es a través de ese organismo”, añade.

“El verdadero problema de la migración es que hay más de 5.000 personas muertas este año en el Mediterráneo intentando cruzar a España, que luego las que consiguen cruzar están siendo explotadas en los campos, que además estamos pagando dinero a países como Libia que tienen campos de refugiados donde violan los derechos de los migrantes e incluso se les está vendiendo como esclavos, y que seguimos como en la época del colonialismo yendo al sur para quitarles sus recursos naturales”, explica con calma, sin acelerar la palabra nunca, Juan Diego Botto.

“Los principales problemas que tenemos no tienen que ver con los migrantes. El problema de la gente en España no es que debajo de su portal hayan puesto un falafel. El problema es que paga un alquiler que se lleva el 70% de su sueldo y eso no tiene que ver con los migrantes. El problema de que la gente del campo tenga muy poco margen de beneficio para vender sus lechugas no tiene que ver con los migrantes. Si tuviera a Marlaska enfrente, le diría esto”, concluye.

Pero la fuerza de la obra está en Ahmed Younoussi. Juan Diego Botto ha visto crecer a Ahmed en la escuela de su madre. Confiesa que “ha sido muy conmovedor, muy bonito ver todo el proceso”. “Es muy difícil hacer un monólogo, pero lo es más cuando hablas en primera persona de tu vida. Hablar de tus padres, de amigos tuyos que ya no están, de tu tutor, de Borja, que para él es como su padre, y que desgraciadamente murió de cáncer a los 38 años… El reto en el que se ha metido Ahmed es enorme, pero lo solventa con muchísima verdad, con sencillez y profundidad”, explica. También destaca que el montaje tiene “algo metateatral que va más allá de lo teatral. No estás viendo solamente a un actor encarnando, te lo está contando la persona que lo vivió. Hay algo que traspasa el hecho teatral”.

Se estrena esta semana una obra que tiene todos los visos para recorrer España entera. Estará hasta agosto en Matadero Madrid y comienzan a conocerse otras plazas. En agosto estará en el veterano festival murciano de San Javier, y teatros de la importancia del Arriaga en Bilbao o el Teatre Lliure de Barcelona ya han anunciado su inclusión en sus nuevas temporadas.

Els versos ompliran la plaça de Catalunya el dissabte 29 de juny. Juan Diego Botto serà un dels protagonistes de 'Y una mañana todo estaba ardiendo', un espectacle únic en el marc del Festival de les Idees i la Cultura.

Unint la música del pianista i compositor Alejandro Pelayo i la literatura, Botto i l'actriu Nur Levi recitaran alguns dels versos més emblemàtics que s'han escrit sobre la guerra, un tema tristament de màxima actualitat i sobre el qual els versos de grans poetes cobren més vigència que mai.

L'espectacle pren el nom d'un vers del poema de Pablo Neruda Explico algunas cosas, en el qual el poeta parla amb dramatisme de les conseqüències de la guerra civil espanyola:

(...)

Y una mañana todo estaba ardiendo

y una mañana las hogueras

salían de la tierra

devorando seres,

y desde entonces fuego,

pólvora desde entonces,

y desde entonces sangre.

(...)

Els versos de Neruda s'entrellaçaran amb els de Federico García Lorca o Gloria Fuertes en aquest emocionant espectacle produït per La Rota producciones.

Botto ha estat una de les veus més fermes contra la guerra al panorama cultural espanyol. Fidel al compromís amb el poble palestí, l'actor també ha participat als recents actes de protesta contra la massacre de civils a Gaza.

El recital, com la resta de les activitats del Festival de les idees i la cultura, és gratuït.

Quan — Dissabte, 29 de juny. 20.30 h

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On — Plaça de Catalunya

Accés gratuït

Juan Diego Botto

Actor. (Buenos Aires, 1975). És una de les figures més destacades dels escenaris espanyols. Colpejat de prop per la repressió política i l'experiència de l'exili, que el va portar a Espanya, la seva carrera artística s'ha desenvolupat tant al cinema com al teatre, on també ha estat creador i director de les seves obres. Nominat en cinc ocasions als premis Goya, el 2022 la seva aclamada obra de teatre dedicada a Lorca, Una noche sin luna, va ser triada com el millor espectacle de l'any en els Premis Max i el va encimbellar com a millor actor. El seu compromís personal amb les causes dels més desafavorits constitueix la nota que ha definit una trajectòria vital i professional coherent.

Nur Levi

Actriu. (Madrid, 1979). Vinculada al món de la interpretació des de petita, en la seva extensa experiència teatral ha treballat, entre d'altres, amb directors i directores com Tamsim Towsend, Tomaz Pandur, Sergio Peris-Mencheta i Livija Pandur. En cinema, ha participat en pel·lícules com Sin vergüenza, de Joaquim Oristrell, El próximo Oriente, de Fernando Colomo i En los márgenes. A la televisió hem pogut veure-la en sèries com El comisario, Hit i The Mallorca Files. És directora de producció de La Rota produccions i la Sala Mirador de Madrid.

Alejandro Pelayo

Músic. Alejandro Pelayo porta gairebé tota la vida dedicat al piano. Va començar a estudiar piano des de molt nen i posteriorment va realitzar estudis superiors primer a Madrid i més tard, a la prestigiosa escola novaiorquesa, The Juilliard School. Com a compositor i productor de Marlango, ha publicat juntament amb Leonor Watling set discos fins ara. En paral·lel, ha publicat en solitari La Herida Invisible (Subterfuge 2017), La Memoria de la Nieve (Altafonte 2019) y Sobre la piel (Altafonte, 2022). Ha desenvolupat la seva tasca de compositor al món de la publicitat, cinema i teatre. A l'escenari del FIC, posarà música als versos recitats per Juan Diego Botto i Nur Levi.

El FIC 2024 compta amb el suport de Turisme Barcelona, Ajuntament de Barcelona i Generalitat de Catalunya.

Los versos llenarán la plaça de Catalunya el sábado 29 de junio. Juan Diego Botto será uno de los protagonistas de ‘Y una mañana todo estaba ardiendo’, un espectáculo único en el marco del Festival de las Ideas y la Cultura.

Aunando la música del pianista y compositor Alejandro Pelayo y la literatura, Botto y la actriz Nur Levi recitarán algunos de los versos más emblemáticos que se han escrito sobre la guerra, un tema tristemente de máxima actualidad y sobre el que los versos de grandes poetas cobran más vigencia que nunca.

El espectáculo toma el nombre de un verso del poema de Pablo Neruda Explico algunas cosas, en el que el poeta habla desgarradamente de las consecuencias de la guerra civil española: 

(...)

Y una mañana todo estaba ardiendo

y una mañana las hogueras

salían de la tierra

devorando seres,

y desde entonces fuego,

pólvora desde entonces,

y desde entonces sangre.

(...)

Los versos de Neruda se entrelazarán con los de Federico García Lorca o Gloria Fuertes en este emocionante espectáculo producido por La Rota producciones.

Botto ha sido una de las voces más firmes contra la guerra en el panorama cultural español. Fiel a su compromiso con el pueblo palestino, el actor también ha participado en los recientes actos de protesta contra la masacre de civiles en Gaza. 

El recital, como el resto de las actividades del Festival de las ideas y la cultura, es de acceso gratuito. 

Cuándo — Sábado, 29 de junio. 20.30 h

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Dónde — Plaça de Catalunya

Acceso gratuito

Juan Diego Botto

Actor. (Buenos Aires, 1975). Es una de las figuras más destacadas de los escenarios españoles. Golpeado de cerca por la represión política y la experiencia del exilio, que lo trajo a España, su carrera artística se ha desarrollado tanto en el cine como en el teatro, donde también ha sido creador y director de sus propias obras. Nominado en cinco ocasiones a los premios Goya, en 2022 su aclamada obra de teatro dedicada a Lorca, Una noche sin luna, fue elegida como el mejor espectáculo del año en los Premios Max y le encumbró como mejor actor. Su compromiso personal con las causas de los más desfavorecidos constituye la nota que ha definido una coherente trayectoria vital y profesional.

Nur Levi

Actriz. (Madrid, 1979). Vinculada al mundo de la interpretación desde niña, en su extensa experiencia teatral ha trabajado, entre otros, con directores y directoras como Tamsim Towsend, Tomaz Pandur, Sergio Peris-Mencheta y Livija Pandur. En cine, ha participado en películas como Sin vergüenza, de Joaquim Oristrell, El próximo Oriente, de Fernando Colomo y En los márgenes. En televisión hemos podido verla en series como El comisario, Hit y The Mallorca Files. Es a su vez directora de producción de La Rota producciones y la Sala Mirador de Madrid.  

Alejandro Pelayo

Músico. Alejandro Pelayo lleva casi toda su vida dedicado al piano. Comenzó a estudiar piano desde muy niño y posteriormente realizó estudios superiores primero en Madrid y más tarde, en la prestigiosa escuela neoyorquina, The Juilliard School. Como compositor y productor de Marlango, ha publicado junto a Leonor Watling siete discos hasta la fecha. En paralelo, ha publicado en solitario La Herida Invisible (Subterfuge 2017), La Memoria de la Nieve (Altafonte 2019) y Sobre la piel (Altafonte, 2022). Ha desarrollado su labor de compositor en el mundo de la publicidad, cine y teatro. En el escenario del FIC, pondrá música a los versos recitados por Juan Diego Botto y Nur Levi. 

El FIC 2024 cuenta con el apoyo de Turisme Barcelona, Ajuntament de Barcelona y Generalitat de Catalunya.

Pedro Almodóvar ha desvelado quiénes serán los actores y actrices que acompañen a Julianne Moore, Tilda Swinton y John Turturro en La habitación de al lado, su primera película en inglés. Los españoles Juan Diego Botto, Raúl Arévalo, Melina Matthews y Victoria Luengo se unen al cásting de un filme que ya ha terminado su rodaje y que, tal como ha anunciado la productora El Deseo en una nota de prensa, se estrenará el 18 de octubre de este 2024, por lo que habrá que pensar que el filme podría verse en uno de los principales festivales de cine de otoño. Además, con este estreno (de la mano de Warner), el filme entraría en la temporada de premios del actual curso.

La historia de La habitación de al lado, según su sinopsis oficial, es la de una madre muy imperfecta y una hija rencorosa separadas por un gran malentendido. Entre ambas, otra mujer, Ingrid (Julianne Moore), amiga de la madre, es depositaria del dolor y la amargura de ambas. Martha, la madre (interpretada por Tilda Swinton), es reportera de guerra e Ingrid novelista de autoficción.

La película habla de la crueldad sin límites de las guerras, de los modos tan distintos en que las dos escritoras se acercan y escriben sobre la realidad, habla de la muerte, de la amistad y del placer sexual como los mejores aliados para luchar contra el horror. Y también habla del dulce despertar con los trinos de los pájaros, en una casa construida en plena reserva natural en Nueva Inglaterra, donde las dos amigas viven una situación extrema y extrañamente dulce.

Una película que significará su primer largometraje en inglés, tras sus dos experiencias previas en el corto, La voz humana y Extraña forma de vida. En el primero ya coincidió con Tilda Swinton, que aquí repite al frente de uno de los proyectos más esperados del cine español de este año.

La Cultura siempre es la gran ausente en las campañas electorales. A nadie le interesa, aunque todos intentan manosearla y usarla a su antojo. Esta ocasión se ha vivido una rareza: la cultura entraba en campaña de la peor forma posible, en forma de censura a obras de teatro, películas y revistas en lenguas cooficiales por parte de los gobiernos de PP y Vox en ciertas autonomías. Esto provocó que el mundo de la cultura saltara para pedir protección ante la censura y el avance de la extrema derecha en forma de manifiestos y asociaciones surgidas por un impulso activista que surge del cabreo.

Un posicionamiento que ha provocado, casi de forma instantánea, una reacción en forma de mentiras que han tenido al cine español como centro de los ataques, recuperando bulos olvidados que se repiten una y otra vez para intentar crear un estado de opinión en contra de los artistas. Políticos y medios han lanzado mentiras y fake news con Vox a la cabeza. El partido de extrema derecha no presentó un programa cultural, pero anunció un acto para mostrar sus medidas. Tampoco hubo programa allí, pero Abascal aprovechó para dar un mitin vendiendo su modelo de Cultura. 

Un modelo en el que se alababan los toros, los héroes nacionales y la buena mesa y en el que atacaba al cine español. Vox dijo que quería rescatar la cultura, que llevaba “secuestrada durante los 45 años de democracia”. Obviaba el secuestro por parte de la censura durante toda la dictadura, a la que no hizo referencia. “Y no me olvido del cine español. También hay que promocionarlo y rescatarlo de cualquiera que pretenda apropiárselo como método de propaganda política o como sistema para rapiñar el dinero de todos (...) Abandonen toda esperanza los profesionales de la subvención”, sostuvo, anunciando “un marco general de rebajas impositivas”. Casi al mismo tiempo el representante cultural del partido, Joaquín Robles López, llamaba al sector cultural “paniaguados”.

Se volvía al mantra de los rojos subvencionados, una mentira perpetuada por la derecha durante décadas. El cine español recibe subvenciones como lo hace cualquier cinematografía en todo el mundo. Eso sí, la cantidad que recibe es muchísimo menor a la del resto de países. En los presupuestos de 2023, los más altos de la historia para el cine, se superaron por primera vez los 100 millones de euros hasta los 167 y gracias a los fondos europeos. De esos 167 millones, 108 son los que pertenecen al Fondo de Protección a la Cinematografía con el que se financian las ayudas para producir películas.

Para el mismo año, Francia anunció una partida de 711 millones de euros para el Centro Nacional del Cine (CNC). En Alemania se aprobó una ley en 2018 para que el dinero para defender que su cine nunca bajara de los 150 —este año, según la agencia de desarrollo económico (GTAI), se situó en 193,6 millones de euros—. Italia también aprobó una ley en 2017, cuando se creó el Fondo del Cine y del Audiovisual, para que el cine contara con, al menos, 400 millones de euros anuales. Además, en 2022 se aprobó una partida de 53 millones dedicada exclusivamente para los jóvenes directores y las películas complicadas. Esto tendría su equivalente en el cine español con las ayudas selectivas, que en 2022 tuvieron presupuestadas 20 millones de euros. Menos de la mitad. Las subvenciones que recibe el cine son, además, inferiores a las que recibe cualquier otro sector.

Abascal aseguraba que la Cultura llevaba secuestrada toda la democracia. Olvida que la actual ley del cine fue aprobada por el PP y consensuada durante la legislatura de Mariano Rajoy, durante la cual él fue miembro del partido (abandonó en noviembre de 2013). También dijo que iba a fomentar las rebajas impositivas, unas rebajas que ya existen en forma de incentivos fiscales a los rodajes -la actual legislación dice que del primer millón gastado el Estado devuelve el 30%, y de los siguientes, el 25% hasta alcanzar una devolución máxima de 20 millones- que ha convertido nuestro país en una suerte de plató para rodajes internacionales.

Señalar a los que hablan

Sus falsedades se trasladaban en forma de noticia gracias a una publicación de The Objective que volvía a perpetuar tópicos contra el cine español con datos inexactos y sesgados. El titular decía lo siguiente: “La película LGTB de Alba Flores recauda solo 67.000 euros tras recibir un millón en ayudas”; y en el texto se usaban frases como estas: “La película protagonizada por Alba Flores y subvencionada generosamente por el Gobierno de España, a través del Ministerio de Cultura, con un millón de euros (…) ha recaudado tan sólo 66.896 euros en sus primeros dos días en taquilla” o “Los pobres resultados obtenidos en taquilla complican la rentabilidad de la película, que obtuvo un porcentaje de ayuda en función del presupuesto muy elevado”. Se la comparaba con el último éxito de Santiago Segura, Vacaciones de verano, que en su primera semana recaudó 1.151.276 euros.

La noticia ponía énfasis en su temática LGTB y en su ‘protagonista’, Alba Flores. Cualquiera que hubiera visto la película, sabría que Alba Flores tiene un papel bastante secundario, y que la protagonista es Ana Wagener, pero eso no impidió señalarla y aprovechar para cuestionar su discurso antifascista en el pregón del orgullo en la misma noticia. Al incluir esos datos en el texto, se deslizaba que ambos motivos (su temática y su actriz) habían sido motivo de la “generosa subvención” de Cultura. Lo que no se decía en la notica es que las ayudas del Ministerio de Cultura se otorgan por un sistema de puntos objetivos que lo que valoran es, precisamente, la viabilidad económica del filme, y nunca la temática de una película. Da igual que sea LGTBI o hable del futuro distópico. Tampoco aporta quiénes son sus protagonistas; solo los éxitos en premios y taquilla de directores y productores. Por tanto, el hecho de que Alba Flores actúe en ella solo es una forma de señalarla como subvencionada. Además, los actores no reciben ni un euro de la ayuda del ICAA, sino que son los productores. 

No era el único dato que se omitía o no era correcto. Se decía que la película había recaudado 67.000 euros. El día que se publicó la noticia la película ya llevaba más del doble, aunque no han actualizado el dato. La acusación de “generosa subvención” es otra declaración tendenciosa. De los 43 títulos con subvención en su convocatoria 32 recibieron esa cantidad (la habitual en estas ayudas y cantidades establecidas en las órdenes ministeriales que rigen cada convotactoria) y otras ocho recibieron más (1,4 millones). Por tanto no es una generosa subvención, sino la que corresponde. Se apunta, además, a una posible difícil rentabilidad por su éxito en taquilla, sin apuntar que actualmente las ventas a otras ventanas suponen una pata fundamental para su financiación. Esto en un filme que cuenta con dinero RTVE, Movistar Plus+, Canal Sur Radio y hasta de Netflix. Datos que se encontraban en la nota de prensa del filme, pero que no parecieron interesantes al hablar de su financiación.

Por último, es destacable la comparación con Santiago Segura, sin duda el reducto del éxito del cine español. Lo que no dicen es que Vacaciones de verano se estrenó en 435 cines y Te estoy amando locamente en 106. También podían haber apuntado que Segura no es infalible. Su anterior película como actor y productor, De Caperucita a loba, se estrenó en abril y en su primer fin de semana en 207 salas (el doble que Te estoy amando locamente) recaudó 54.840 euros, menos que el filme de Alba Flores. El filme se ha despedido de cartelera con 120.000 euros. Te estoy amando locamente ya acumula 186.000 euros en menos de dos semanas. El filme producido por Santiago Segura a través de su empresa Bowfinger recibió de ayuda de un presupuesto de 2,5 millones de euros. 

De entre todos los estrenos españoles que pasan por sala, de los que la mayoría por desgracia no funcionan, The Objective solo ha hecho noticia de dos de ellos. Te estoy amando locamente, una película sobre los derechos LGTB cuyos protagonistas dieron un discurso antifascista y La piedad, dirigida por Eduardo Casanova. La noticia sobre su fiasco llegó, casualmente, después de que el actor y director insultara en un programa a José Luis Martínez Almeida provocando una campaña de acoso y derribo en dicho medio.

Un veto sin demostrar

El mismo medio -entre otros muchos afines a la derecha como El Mundo o ABC- han sido los que también han extendido la noticia de que el Ministerio de Cultura ha vetado, censurado o impedido el estreno de un documental crítico con la figura de Pedro Sánchez. Se trata de El autócrata, de Carlos Hernando. El director mandó un comunicado asegurando que Miquel Iceta había “imposibilitado el estreno en cines antes de la convocatoria electoral del 23-J”, y que por tanto liberaba los derechos del documental para que cualquier web lo colgara. Ningún medio, tal como comunicó el Ministerio de Cultura, se puso en contacto con ellos para confirmar si lo que decía Hernando era o no cierto. 

También se podía acudir a consultar la base de datos del ICAA, donde se encuentran todas las películas que han obtenido la calificación por edades, el requisito imprescindible para poder estrenarse en salas, y donde se puede ver el documento oficial en el que se dice que El autócrata presentó su solicitud el día 20 de junio y fue concedida el día 30 del mismo mes. El texto y las declaraciones del director no aportan ningún dato más que demuestre esa supuesta censura, ni tampoco declaraciones de los supuestos cines donde se hubiera proyectado. La película ni siquiera cuenta con una distribuidora, herramienta fundamental para lograr que una obra se proyecte en una sala comercial.

'Fake news' y amenazas

También ha sufrido esta campaña el actor Juan Diego Botto, que denunció a través de su cuenta de Twitter los terribles insultos y amenazas que está sufriendo por parte de la extrema derecha debido a una noticia falsa publicada en una web en la que se le atribuía a Botto una declaración en la que decía que se alegraría si ETA volviera ante una victoria de VOX en las elecciones. Un enlace que, en cuanto el actor denunció la campaña de odio que estaba sufriendo, fue retirado anunciado acciones legales.

El usuario que publicó el bulo también dejaba escrito un mensaje en el que insultaba al actor y le amenazaba haciendo referencias a su padre, que fue asesinado por la dictadura argentina. “Este argentino montonero, hijo de terrorista, está muy nervioso ante la llegada de Vox y la pérdida de las subvenciones con las que se paga la coca y las jovencitas. Este hijo de puta está pidiendo a gritos que le suban a un helicóptero a darse un paseo como hicieron con el terrorista de su padre”, decía el mensaje del usuario. Un terremoto de mentiras y acusaciones que dejan claro que la Cultura será señalada si muestra oposición.

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El actor Juan Diego Botto ha denunciado a través de su cuenta de Twitter los terribles insultos y amenazas que está sufriendo por parte de la extrema derecha debido a una noticia falsa publicada en una web llamada Burbuja y que se define como un ''foro de economía, política, inversiones, bolsa, criptomonedas, actualidad y algo de ocio“. Allí, un usuario ha compartido un titular fabricado y falso en el que se le atribuía a Botto una declaración en la que decía que se alegraría si ETA volviera ante una victoria de VOX en las elecciones. Un enlace que, en cuanto el actor denunció la campaña de odio que estaba sufriendo, fue retirado. ”Hay un claro elemento de difamación“, ha dicho el actor en declaraciones a elDiario.es y ha anunciado acciones legales.

El usuario que publicó el bulo también dejaba escrito un mensaje en el que insultaba al actor y le amenazaba haciendo referencias a su padre, que fue asesinado por la dictadura argentina. “Este argentino montonero, hijo de terrorista, está muy nervioso ante la llegada de Vox y la pérdida de las subvenciones con las que se paga la coca y las jovencitas. Este hijo de puta está pidiendo a gritos que le suban a un helicóptero a darse un paseo como hicieron con el terrorista de su padre”, decía el mensaje del usuario.

El actor, que acaba de regresar de Argentina donde ha presentado Una noche sin luna, la obra sobre Lorca y la memoria histórica, ha contestado también por redes sociales a dichas amenazas. “Me mandan esta captura de un foro en el que se me atribuye una frase que obviamente jamás he dicho, ni se me pasaría por la cabeza siquiera pensar. Así funciona la extrema derecha; mienten y alimentan su odio sobre falsedades”, y ha añadido en un segundo mensaje: “Quien ha colgado la noticia falsa acusa de terrorista a mi padre y pide que me tiren de un helicóptero como hizo la dictadura militar Argentina con mi padre. (Eran aviones no helicópteros pero en fin…) Matar a quien piensa diferente apoyado en mentiras…”. 

También ha manifestado su intención de denunciar los hechos a la policía: “Al margen de la denuncia y las acciones legales pertinentes lo relevante es reflexionar sobre toda una estrategia de odio, de voluntad de exterminar a quien piensa distinto apoyado en falsedades, bulos noticias falsas. Así hemos llegado hasta aquí”.

El actor ha explicado e elDiario.es que lo primero que le ha chocado “es la difamación”. “Pensar que alguien ponga en mi boca una barbaridad semejante. Eso es lo primero que me ha resultado ofensivo. Jamás he dicho eso. Jamás se me pasaría por la cabeza decir eso, y luego está lo que eso genera”, explica. Después de la sorpresa por la noticia falsa, el actor ha leído los comentarios que surgían. “Hemos buscado el origen y la persona que había puesto ese comentario, obviamente sin citar ninguna fuente porque es imposible citar ninguna fuente, porque eso no lo he dicho en mi vida, pone otro comentario donde dice que soy hijo de un terrorista, que yo mismo soy un montonero y que merezco acabar como mi padre. Después de eso hay un montón de comentarios en el foro donde hay mucha gente que pide mi muerte. Evidentemente no es algo cómodo, es molesto, es punible penalmente y haré lo que corresponda legalmente”, añade.

Hay un comentario donde dice que soy hijo de un terrorista, que yo mismo soy un montonero y que merezco acabar como mi padre. Después de eso hay un montón de comentarios en el foro donde hay mucha gente que pide mi muerte

Juan Diego Botto — Actor y director

Para Juan Diego Botto lo que ha pasado le hace reflexionar sobre el auge de las fake news y su impacto en las elecciones. “Me preocupa porque esta es la fuente de información principal de un montón de gente. Estas elecciones están condicionadas por un montón de grupos de WhatsApp, de foros de Telegram, de foros en internet, donde la principal fuente de información de mucha gente son estos bulos que terminan determinando lo que la gente va a votar, lo que la gente piensa. Y no sería sorprendente que cualquier día de estos, a mi hermana, a mí, a mi compañera, a Carlos Bardem o a Almodóvar, alguien nos parta la cara y no sabremos por qué, y será por algo que alguien se ha inventado, que nosotros no hemos dicho. Eso es lo terrible, estas mentiras que van generando un odio en la gente y que su función es esa, generar odio, polarizar, dividir y sembrar la extrema derecha hasta el punto de lo que estamos viendo estos días”, apunta el actor.

No sería sorprendente que cualquier día de estos, a mi hermana, a mí, a mi compañera, a Carlos Bardem o a Pedro Almodóvar, alguien nos parta la cara y no sabremos por qué, y será por algo que alguien se ha inventado, que nosotros no hemos dicho

Juan Diego Botto — Actor y director

No recuerda un clima tan enfermizo como este, pero subraya que esto es algo que “se ha ido sembrando poco a poco”. “Esto no aparece de golpe. Me consta que ha habido periodistas o políticos que han vivido cosas mucho peores que esto que me ha pasado a mí”, añade y menciona el temor a lo que puede ocurrir en el futuro: “Me da mucho miedo porque el huevo de la serpiente, de la extrema derecha, sabemos cómo se siembra pero nunca sabremos cómo explota una vez que eclosiona. La extrema derecha está ganando poder en toda Europa. Antes podíamos pensar que Europa se iba a encargar de hacer imposible una agenda de la extrema derecha en cualquier lugar, pero la extrema derecha está gobernando en Italia, está gobernando en Hungría, está gobernando en Polonia, está con un enorme poder creciente en Alemania, una cosa que era impensable, y está a punto de ganar en Francia”.

Una extrema derecha con “una agenda apoyada en el odio” y que hace recordar a tiempos pasados de nuestro país: “Aquí tenemos el ejemplo de de lo que fue un gobierno de extrema derecha. Las dos únicas dictaduras que conocemos en el siglo XX en España fueron dictaduras de derechas y una muy particularmente genocida. Y si no, que se lo pregunten a Lorca. Ahí tenemos su ejemplo. No quiero ponerme especialmente dramático, pero no fue un tipo militante, no estuvo adscrito a ninguna organización, ni políticamente muy comprometido, pero ese compromiso, simplemente estar en un sindicato o ser maestro ya fue suficiente. Cuando la mentira genera tanto odio cualquier excusa es suficiente”.

Más de 300 personalidades de distintos ámbitos han firmado un manifiesto de apoyo a la alcaldesa de Barcelona, Ada Colau, de cara a las elecciones municipales de este domingo. El texto y la lista de firmantes, consultables al final de esta información, está suscrito, entre otros, por los actores Juan Diego Botto y Judit Martín, el magistrado emérito del Tribunal Supremo José Antonio Martín Pallín, el humorista Facu Díaz, y la cantante y activista Samantha Hudson.

El manifiesto apoya los cambios emprendidos en Barcelona por el consistorio de Colau “frente a las resistencias de grandes poderes económicos”, a los que acusa de promover “campañas de desprestigio y estrategias de lawfare”, pese a que ninguna de las querellas contra la alcaldesa o su equipo han terminado en juicio. “Pero Barcelona ha resistido y ha seguido avanzando porque el proyecto político y colectivo de la ciudad tiene más fuerza que los intereses privados”, reza el texto.

“Barcelona ha recuperado sus rasgos distintivos de justicia social, radicalidad democrática y lucha por la mejora constante de la vida de sus vecinos y vecinas, sobre todo de los barrios más humildes”, asevera el manifiesto, que considera que la capital catalana “merece seguir avanzando, mirar al futuro con optimismo y consolidar el cambio con Ada Colau al frente de un gobierno progresista”.

Entre los firmantes, del ámbito cultural destacan los actores Juan Diego Botto, Alberto San Juan, Antonio de la Torre y Judit Martín, la escritora Rosa Regàs, las cineastas Elena Martín y Mar Coll, el dramaturgo Guillem Clua, el director de teatro Mario Gas, el escritor Miqui Otero o las periodistas Elizabeth Duval y Ana Polo.

De la academia y la universidad figuran la catedrática de Derecho Penal Mercedes García Arán, el catedrático de Constitucional Javier Pérez Royo, el sociólogo y exministro Manuel Castells o el catedrático de Economía Jordi Roca. También suscriben el manifiesto los exfiscales José María Mena y Carlos Jiménez Villarejo.

Mejor película

Mejor dirección

Mejor dirección novel

Mejor actriz protagonista

Mejor actor protagonista

Mejor actriz de reparto

Mejor actor reparto

Mejor actriz revelación

Mejor actor revelación

Mejor guion original

Mejor guion adaptado

Mejor dirección de fotografía

Mejor sonido

Mejor montaje

Mejor dirección de producción

Mejor dirección de arte

Mejor diseño de vestuario

Mejor maquillaje y peluquería

Mejores efectos especiales

Mejor música original

Mejor canción original

Mejor película europea

Mejor película iberoamericana

Mejor película documental

Mejor película de animación

Mejor cortometraje de ficción

Mejor cortometraje documental

Mejor cortometraje de animación

Goya de Honor 2023

Bajo el título Paremos la injerencia política (antes de que sea demasiado normal), un manifiesto “de apoyo” al dramaturgo Paco Bezerra se ha estado moviendo en los últimos días en el mundo de la cultura. La carta ha sido firmada por más de 170 personalidades, entre ellas cineastas como Pedro Almodóvar, Rodrigo Sorogoyen o Félix Sabroso; escritores como Marta Sanz, Isaac Rosa, Elizabeth Duval o Juan Tallón; directores de escena como Àlex Rigola, Andrés Lima, Pablo Messiez o Miguel del Arco; actrices y actores como Elena Anaya, Aitana Sánchez-Gijón, Nathalie Poza, Javier Bardem o Juan Diego Botto.

También, gestores culturales como los directores del FIT de Cádiz Miguel Oyarzun e Isla Aguilar, el director del Teatre Lliure Juan Carlos Martel Bayod o el director artístico de la Bienal de Flamenco de Sevilla, Chema Blanco. Directores de escena como Carlota Ferrer, Alberto Velasco, Roger Bernat o María Velasco, así como otros dramaturgos, productores, políticos, trabajadores y gestores culturales. 

“No se trata simplemente de si al dramaturgo le han cancelado o no una obra. Lo importante es entender cómo se ha producido la supresión de su obra de la programación de los Teatros del Canal, qué fuerzas han intervenido para que eso sucediera y a qué se deben las pobres explicaciones que la Consejería de Cultura y Blanca Li, directora artística de los teatros, han dado a la ciudadanía”, indica el texto. La obra Muero porque no muero, un monólogo protagonizado por una Santa Teresa de Jesús que renace en el mundo actual, fue retirada de la programación de los teatros públicos madrileños tan solo unos días antes de la presentación y a pesar de que había sido apalabrada. El Gobierno de Madrid indicó que las razones eran de “desequilibrio presupuestario” pero tanto el dramaturgo como la oposición política pusieron esta versión en cuestión.

Explicaciones tardías

La semana pasada, en una rueda de prensa, Blanca Li rompió un silencio de más de cinco meses. Lo hizo acompañada de Mariano de Paco, director de gestión de los Teatros del Canal. En ella, dieron explicaciones sobre la retirada de la obra. “Explicaciones que llegan muy tarde”, dice la carta. Ambos justificaron la retirada exponiendo unos gastos extra de los que hasta ahora no se había hablado y que elevaban el coste total de la producción en torno a los 70.000 euros, lo que motivó la exclusión de la producción, a pesar de que estuviera apalabrada y seleccionada por la red europea de teatros Prospero para girar por diferentes países y emitirse en el canal ARTE. “Detalles sobre la producción de la obra que nunca hicieron públicos durante todo este tiempo. Detalles que nunca explicó Marta Rivera de la Cruz en el pleno de la Asamblea ni tampoco su director general de promoción cultural, Gonzalo Cabrera, en la Comisión de Cultura del Gobierno regional. Si las razones estaban de su parte y eran solo presupuestarias, ¿por qué no las compartieron hace seis meses?”. Se pregunta el escrito.

“Blanca Li también defendió y aceptó con naturalidad que cuatro cargos políticos decidieran sobre su programación y esa normalización de la injerencia política nos parece gravísima y muy preocupante. Que ella la acepte no significa que la aceptemos nosotrxs”, dice el manifiesto.

“Cuando los gobernantes eligen a los directorxs artísticos, delegan en ellxs el diseño de la programación” de los espacios culturales, afirma el texto, por lo que “no trabajan para ellxs mismxs, sino para los ciudadanos”, recuerdan. “Deben trabajar con libertad”, añaden. “Necesitamos gestores culturales que trabajen con independencia de los intereses ideológicos o partidistas de quienes les han designado. Contar con herramientas y garantías legales que protejan su trabajo es fundamental para el buen funcionamiento democrático de nuestras instituciones culturales”, señalan. Por otro lado, también piden que las direcciones artísticas “defiendan a los artistas que programan frente a la injerencia de las administraciones”.

Para finalizar, los firmantes temen que la “autocensura se implante en las mentes y los modos de trabajo de la cultura de este país”.

Fundido a negro. Se escuchan suspiros, se respira la angustia. Los sutiles destellos de luz dejan entrever ojos empañados en lágrimas. Segundos después, arranca el aplauso mientras los títulos de crédito de la película En los márgenes recorren la pantalla de la sala 9 de los Cines Renoir de Madrid. Así se vivió este lunes el final del pase especial para socios y socias de elDiario.es del largometraje dirigido por Juan Diego Botto. La proyección estuvo acompañada de un coloquio posterior moderado por la subdirectora del periódico Natalia Chientaroli, en el que participaron el cineasta, la coguionista del título Olga Rodríguez y Rozalén, compositora del tema central del filme.

Mientras los nombres del equipo de la cinta seguían apareciendo, un grupo de mujeres situadas al final de la estancia entonaron la canción de la artista. Su presencia no fue azarosa. Eran integrantes de la PAH (Plataforma de Afectadas por la Hipoteca) que aparecen en la obra y para las que la canción se ha convertido en un himno. “Lucha porque tu voz se escucha / Y sonará potente / Si es en comunidad / Siente que el alma está valiente / Y siempre va de frente / Con fuerza y dignidad”, recitaron enérgicas.

El tema se erigió después como el broche de oro de un emotivo evento para el que las entradas se agotaron en apenas unos minutos. Rozalén se colgó la guitarra y Botto le colocó cómplice su letra, que trajo impresa en una carpeta, en una silla a su lado para que pudiera seguirla. Pero no se quedó sola, las compañeras de la PAH se acercaron desde sus butacas para apoyarla. Con esta puesta en escena, la albaceteña interpretó por primera vez frente al público En los márgenes.

“Ha sido una sorpresa que estuviera Rozalén”, reconoció después a este medio la socia Maica, “ha dicho algo muy bonito, que es que para ella las canciones son herramientas, que cogen vida propia y viajan. Ha sido un plus que una persona como ella, con esa sensibilidad social, resuma esta situación”. Para la lectora el tema lleva implícito algo que también percibió en la película: “Da esperanza. Es un drama pero el cómo lo han configurado, poniendo en valor lo colectivo, la importancia de tener una red, y si no buscarla, es fundamental. Porque realmente es lo que nos salva, a todos”.

Maica reivindicó que es algo que debemos recordar “porque cada vez estamos viviendo en un mundo más individualista, más aislados. Y esto tiene muchos riesgos para la salud mental y la social. Tenemos que tejer redes, y más ahora que las nuevas tecnologías están configurando de forma diferente cómo nos relacionamos, vinculamos y nuestras propias subjetividades. Tenemos que tener mucho cuidado con ello y fomentar lo colectivo, la solidaridad y la cooperación, porque es la lógica social”.

En la misma línea se situó su amiga Carmen, que agradeció que En los márgenes haya apostado por mostrar que los desahucios se siguen produciendo con regularidad. “Te das cuenta de que que pensabas que ya no estaba pasando, y en realidad sí. Verlo desde dentro te da otra imagen de la que tienes cuando lo ves en televisión”, reconoció. “Es una realidad que últimamente está muy oculta”, comentó el espectador José Luis al salir de la sala, “es algo especial verla así. Me pasa como a Rozalén, soy de lágrima fácil. Me he pasado la película llorando de vez en cuando. Me gusta el cine que diga algo”.

Otra socia, Maribel, fue prevenida sobre lo que podría generarle la cinta. “Una amiga me dijo que le entraron muchas ganas de saber más qué poder hacer para cambiar la situación”, expuso, “este pase es una iniciativa superenriquecedora por la experiencia colectiva de ver algo, compartirlo y sacarle más jugo, reflexionar sobre lo que vemos y hacerlo de la mano de profesionales de lujo”. En concreto, los artífices de la película que protagonizan Penélope Cruz y Luis Tosar, Juan Diego Botto y Olga Rodríguez.

Un homenaje a las mujeres que sostienen el mundo

Ambos revelaron en el coloquio posterior a la proyección el origen del filme. “Penélope me comentó después de verme en la obra de teatro Un trozo invisible de este mundo que teníamos que escribir algo juntos”, recordó el actor. La primera pieza del puzle fue una secuencia sobre una pareja que discute la noche anterior a la que les desahucien. “Ahí había algo”, reconoció.

La segunda clave fue un artículo escrito por Rodríguez en elDiario.es cuyo titular era: “Todos los días viene alguien que me dice que si no me suicido es por mis hijos”. Pese a que la idea era que el largometraje lo protagonizara la ganadora del Oscar por su trabajo en Vicky Cristina Barcelona, Botto reveló “la naturaleza de lo que encontramos y su carácter necesariamente coral hizo que se construyera de forma distinta. Teníamos que hablar de muchos aspectos presentes dentro de un desahucio”.

Ahí, según recordó Rodríguez, surgió el gran problema: “¿Cómo vender una película de desahucios? Había problemas con la palabra. Penélope creyó mucho y luchó por ello. Ha superado las expectativas con creces”. “He cubierto guerras en todo el mundo, pero aquí tenemos otras, que son sin balas. Si algo coincide en todas es que cuando todo se derrumba, las mujeres sostienen el mundo”, afirmó haciendo alusión a la labor que se realiza desde las Asambleas de la PAH y que han reflejado en el filme.

Otro aspecto al que dieron relevancia fue “darle la vuelta a la vergüenza. Nos han educado para ello, cuando la mayoría de los culpables están al otro lado. Hay gente que por mucho que dedique todo su sueldo a pagar un alquiler, no llega”. “Lo que es vergonzoso es que un tipo te vaya a echar de tu casa y, sin embargo está el 'qué vergüenza ir a un banco a gritar”, sostuvo Botto, cuyas palabras generaron el aplauso de los asistentes.

Lo que es vergonzoso es que un tipo te vaya a echar de tu casa y, sin embargo está el 'qué vergüenza ir a un banco a gritar

Juan Diego Botto

Elsa, perteneciente a la PAH donde coordina la Asamblea de Carabanchel, tomó igualmente la palabra para defender que En los márgenes “ha venido en un momento en el que puede abrir debate sobre la Ley de Vivienda. No puedo más que dar las gracias. Los desahucios son así de agresivos y violentos y siguen ocurriendo. Los medios no hablan de esto”.

“Queríamos hacer un homenaje a las mujeres que, donde el estado ha fracasado, sostienen cotidianamente a la sociedad gracias a su solidaridad”, aseguró el director. Rodríguez reflexionó sobre el papel de los medios en este sentido, preguntándose “a qué llamamos noticia. Lo que pasa todos los días no lo es”. La periodista advirtió que estamos viviendo “tiempos oscuros en los que se está intentando deshumanizar a ciertos sectores de la población. Hace diez años hubo una ola de solidaridad y visibilidad con el problema de la vivienda. Ahora hay una estigmatización y voluntad de criminalizar al movimiento, por ejemplo con la ocupación. Se tergiversan realidades”.

La guionista incidió en el problema añadido que implica que “España está a la cola en materia de vivienda social. Esto explica muchas realidades, porque cuando tienes un bache en tu vida no tienes una segunda oportunidad. Te quedas en la calle”. “¿Qué sociedad quiere que haya hileras kilométricas de personas en la calle? Hay que buscar solución”, zanjó.

El primer evento con la película de Rozalén

“Teníamos muchas ganas de hacer este encuentro. Los socios de elDiario.es son gente que te lee, son un abstracto, y ponerles cara siempre gusta, emociona”, declaró Rodríguez a este periódico tras la proyección, “hoy era también muy especial por hacerlo con María [Rozalén], que no había podido estar en ningún evento de la película”. “Para nosotros es un placer sacar tiempo, que se siga hablando de esto, que se le dé visibilidad y que se siga generando debate”, amplió indicando que en definitiva es el motivo por el que se hizo la peli.

“Desgraciadamente la realidad de las películas en sala de nuestro país es que la vida que suelen tener es muy corta”, expuso a este medio Botto, “hacer un acto como este siete semanas después de haber estrenado es un milagro, y más en un cine en el que se sigue proyectándose”. “Hacer encuentros hace mucha ilusión, está haciendo que la deglución de este proceso sea muy tranquila y que no terminemos de terminar nunca”, señaló.

Teníamos muchas ganas de hacer este encuentro. Los socios de elDiario.es son gente que te leen, son un abstracto y ponerles cara emociona

Olga Rodríguez

Sobre el trabajo con Rozalén, aseguró en el coloquio posterior que la artista “es un ángel. Grabó la primera maqueta en un hotel poniendo un colchón en la pared para insonorizar un poco”. La cantautora, antes de regalar su interpretación de En los márgenes, definió el encargo como “un atraco”. La propuesta le pilló de gira. “Cuando vi la película me quedé en shock, llorando mucho rato en el coche pensando en cómo iba a contarlo”, describió la cantautora.

Finalmente creó una pieza que cuenta con dos partes diferenciadas, como así hizo saber al público del encuentro. “Para la primera me quedé con que Juan me dijo que En los márgenes habla de cómo la precariedad afecta a los afectos”, recordó antes de revelar que, habiendo sido la segunda vez que veía el filme este mismo lunes, “me he fijado en detalles que son golpes psicológicos durísimos”. “Desde el límite no es fácil cuidar y a amar a alguien. Si no tienes con qué calentarte, ¿quién te va a abrigar en la vida? La segunda parte es más rabiosa. Juan me dijo que ya que la película es un bajón, le diera un poco de ánimo. Pero, ¿cómo subo esto?”, preguntó provocando la risa y empatía del resto de asistentes.

De ahí llegó al “positivismo de la unión. Lo único importante para Azucena, la protagonista [a quien desahucian], era sentirse arropada. Lo fundamental es tener una red de apoyo. Como te vas a caer, que por lo menos haya alguien que te sujete”. La artista compartió sus “ganas” por estar en el evento tras haber estado prácticamente un mes en Latinoamérica. “Un niño pequeño de Chile me dijo que el tema era la historia de nuestro país”, afirmó, “es impresionante la vida que tiene las canciones. Nunca sabes a quién puedes arropar. Me gusta que sean herramientas de trabajo, que te hagan debatir, ser algo más empático, que sirvan para bien”.

Rodríguez confesó entonces un dato desconocido hasta entonces por Rozalén, la conspiración para que aceptara componer el tema principal del filme. “Sí, fue un atraco”, admitió Rodríguez, “estábamos en una cena en casa con Penélope Cruz, Guille Galván de Vetusta Morla, Pedro Pastor, Óscar Jaenada, Luis Tosar, René de Calle 13... Le había dicho a Juan que si había una canción en la película, tenía que ser de María. Esta noche ella se puso a cantar con el sentimiento con el que lo hace”, rememoró, “Penélope me miró, y ella miró a Juan. Nos fuimos los tres a la cocina ella dijo 'estamos pensando todos lo mismo'”.

Rozalén se sorprendió con sus declaraciones: “Pensaba que todo estaba meditadísimo”. Durante el proceso de composición, compartió que le habían propuesto cambios en la letra. “Me encanta que ocurra. No es una canción mía, es un traje a medida”, expuso, “era más explícita y ahora es más poética”. Con esta carta de presentación, y tras reconocer que “jamás” la había cantado en público, regaló el final más emotivo posible al pase.

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