Cuando se estrenó Élite, Ester Expósito tenía solo 18 años. La serie de Netflix fue un fenómeno que colocó a sus actrices y actores en el centro de un éxito mundial difícil de gestionar. Sin embargo, ella ha trabajado de forma constante en direcciones que no siempre son las más previsibles. Lo más fácil hubiera sido encadenar proyectos de consumo fácil para mantener contentos a sus seguidores. Sin embargo, ha ido encadenando películas (desde entonces se ha centrado más en el cine) que no solo la retan como actriz, sino que tienen detrás a cineastas prometedores como Pedro Martín-Calero, que subvirtió las normas del terror patrio para hablar de la violencia contra las mujeres en El llanto, que ganó el premio al Mejor director en el pasado Festival de San Sebastián.

También ha trabajado fuera de nuestras fronteras, donde ha encontrado papeles sorprendentes con directores como Amat Escalante, una de las voces más provocadoras y prometedoras del cine mexicano. Siempre sin olvidarse del cine español, donde regresa como protagonista absoluta de El talento, adaptación personal de La señorita Else, de Arthur Schnitzler, que ha dirigido Polo Menárguez en un guion coescrito con Fernando León de Aranoa. Un dilema moral que se ríe de los ricos, cuestiona la meritocracia y pregunta hasta dónde uno está dispuesto a llegar por no ser expulsado de su clase social.

¿Impone que llegue un guion que ponga ‘coescrito por Fernando León de Aranoa’?

Impone, impone. Yo ya conocía a Fernando porque habíamos tenido una reunión cuando El buen patrón, y ya eso fue para mí un momento muy especial. Cuando Polo Menárguez me trajo este guion y vi que Fernando formaba parte de él me hizo mucha ilusión. Polo me trajo incluso el libro en el que está un poco inspirada la historia. Luego leí el guion y no me había pasado nunca algo así, quedarme pegada cada página y decir ‘yo tengo que hacer esto’. Luego pasaron cuatro años hasta el verano pasado cuando pudimos grabar por fin la película, pero Polo me iba llamando para tranquilizarme y mantenerme informada. Me acuerdo que le dije una vez: Polo, tranquilo, yo esto lo quiero hacer, y esto lo vamos a hacer sea como sea.

¿Qué había en ese guion para estar tan segura de que quería hacerlo?

La historia, el personaje… todo lo que se tambalea en el transcurso de esa noche me parece tan poderoso. Y habla de temas delicados o sensibles para la gente. Me parece novedoso el tema del desclasamiento. Cómo dejas de formar parte de la clase privilegiada en la que llevabas casi toda tu vida y de repente te ponen todo el peso de tu futuro y el de tus padres a los hombros. Y cómo encima hay una persona, el personaje de Pedro Casablanc, que se aprovecha de esa nueva circunstancia y situación para ejercer un abuso de poder o intentarlo y hacer ese chantaje terrible que le hace.

Y hay otro tema que me interesa mucho, que es el de la sexualización y cosificación del cuerpo femenino. De cómo puede llegar a ser una moneda de cambio. Cómo a veces en ciertos ámbitos como la prostitución está tan normalizado el que se pueda comprar con dinero el cuerpo de una mujer. La película también hace reflexionar de qué formas tan distintas vemos el cuerpo de la mujer y del hombre, y cómo ellos tienen mucho menos pudor porque se sienten mucho menos cosificados. 

Habla también de la meritocracia, eso que se dice de que el talento todo lo puede, ¿cree en eso?

El talento no siempre puede con todo y es muy bonito verlo. Yo sé que aparte del talento y de todo el esfuerzo hay algo que no sé si es el destino, el azar o cómo queramos llamarlo. Necesitas estar en el lugar adecuado en el momento adecuado. Hay gente talentosísima que de repente no le va bien y hay gente que a lo mejor te puede gustar menos y ahí está.

Ha mencionado la sexualización, ¿cómo actriz ha sentido eso, ha cambiado algo?

Algo sí, pero no solo son los papeles que te ofrecen, sino que el público no ve igual a los personajes femeninos que a los masculinos ni trata igual a los actores que a las actrices. ¿Está cambiando algo? Supongo que sí, que algo habrá cambiado, pero le queda mucho camino todavía. Por eso me gusta pronunciarme de vez en cuando y decir lo que pienso al respecto.

En cuanto a lo profesional yo me siento muy afortunada de los proyectos que me han llegado y que he podido hacer. También yo me he encargado de tomar decisiones de personajes e historias en las que no se me buscase solo por mi físico o queriendo explotar mi físico y sexualizarme. De hecho, desde Élite yo no he vuelto a tener una escena de sexo hasta una película que acabo de hacer. Y creo que han pasado ocho años. Que no digo que esté mal hacerlas. De hecho, ahora he hecho alguna, pero estaba justificado y yo entendía por qué estaban ahí. Pero no he creído que tuviera que hacerlas hasta este momento.

¿Siente que se ha ganado la posición en esta industria para decir ‘esto no lo hago’, ‘esto no me gusta’?

Yo he trabajado para ello, pero también he tenido la suerte de que las cosas se han dado a favor y me han permitido tener una carrera estable en la que tengo el enorme privilegio de poder elegir en lo que quiero formar parte. Y eso también me permite… bueno, y aunque no me lo permitiese, yo soy bastante rebelde. Entonces siempre iba a intentar hablar y decir lo que pienso en los rodajes, pero me he sentido bastante escuchada por casi todos los directores con los que he trabajado, y han sido hombres. Ojalá empiece a trabajar con más mujeres, pero he de decir que siempre he tenido muy buena relación con ellos, que me he sentido escuchada y tomada en cuenta.

Viendo las últimas películas que ha hecho da la impresión de que busca hablar de temas que le importen. ¿Hay una decisión deliberada en ese sentido?

Sí. Desde que salí de Élite solo he hecho cine, a excepción de Bandidos, una serie en México. No es porque no me guste hacer series, sino que me apetecía hacer mucho cine y que fueran historias que por un motivo u otro me moviesen. Que cuando mirara atrás, independientemente del resultado final, entendiera por qué las hice. No quiero hacer cosas por hacer o porque me vayan a traer más repercusión o más dinero. Yo esto lo hago porque me gusta. Si no creo en el proyecto no lo voy a disfrutar, y por eso he estado haciendo historias que, o creía que el personaje me retaba en algún sentido, o me movían a mí leyéndolas y creía que de alguna manera podían mover también al espectador y dejarle con un poso cuando saliera del cine.

Esto también obliga a que cuando se sienta en una entrevista le preguntemos por esos temas. Por la violencia machista, por la sexualización… ¿Cómo lo lleva, siente que le obligan a posicionarse en ciertos asuntos?

Cuando me preguntan por algo sobre lo que todavía no tengo una opinión formada lo digo, no me duelen prendas. Creo que siempre estamos aprendiendo y podemos cambiar de opinión. A lo mejor un día digo una cosa completamente diferente a la que dije en otro momento, porque me he desarrollado y he formado otra opinión. Pero no me incomoda ni me molesta que me pregunten. Prefiero que me pregunten por esas cosas a que me pregunten por mi vida privada o mis novios. Hay temas en los que no me molesta mojarme para intentar seguir poniendo luz y conciencia y, si puedo, ayudar en algo. Algunas veces he hablado de que no se opine del cuerpo de las personas, y si puedo ayudar a chicas que puedan estar pasando por algo parecido o señalar a la gente y decir ‘dejemos de hacer estas cosas que creo que no están bien y están supernormalizadas’ pues yo encantada de hablar.

Hablaba de cosificación, de opinar del cuerpo de las mujeres. Antes me han dicho el número de seguidores que tiene en Instagram, más de 24 millones, imagino que la cantidad de insultos y comentarios será muy grande, ¿cómo se vive con eso?

De lo que me mandarán yo me entero de la mitad o de un cuarto. No leo cada mensaje y no me obsesiona. No porque no me duela, sino porque ya he dejado de interesarme. Agradezco un montón todo el cariño y apoyo que me mandan, pero no creo que sea sano estar todo el rato metido y recibiendo feedback de tu trabajo, de tu aspecto, de lo que subes. Uso las redes más como una herramienta con la que me divierto, subo fotos que me gustan o promociono mis proyectos, que eso es muy útil.

Pero sí ha habido momentos en los que me he cansado de estar tan expuesta. Yo entiendo que soy una figura pública, estoy expuesta por mi profesión y es lo que hay y la gente va a opinar. Pero hay algo sobre lo de opinar públicamente que te cansa y te preguntas, ¿por qué está tan normalizado esto?, ¿por qué no te da vergüenza ir a un Instagram y comentarle a alguien lo que piensas de su aspecto físico? Debería darte vergüenza, debería estar señalado. Pero como no se señala y hay total impunidad, pues alguna vez he creído necesario señalarlo y decir esto que hacéis está mal.

Hace unos años, en el Festival de Venecia, si decías que eras español, como antes te mencionaban a la selección de fútbol, te hablaban de Élite y de Ester Expósito, ¿cómo se vive tan joven un fenómeno tan grande?

Es muy loco. Al principio te crees que lo llevas bien. Luego, de repente dices, ¡Ostras! ¿Dónde ha quedado la persona? Parece que solo está la actriz. Y si eres alguien tan implicado con tu trabajo como yo, que es un poco mi vida y me cuesta mucho separar lo personal de lo profesional, pues es complicado y hay momentos en los que te hartas. Aunque seas un privilegiado, tú no lo sientes así o no lo ves así. Y me ha pasado. Aunque nunca he dudado, nunca he dicho voy a mandar a la mierda todo porque es que no sabría hacer otra cosa, sí que a veces te hartas y te cansas de estar tan expuesto.

Por eso distancio bastante mi vida privada del foco, porque quiero guardar las pocas cositas que me pueden quedar para mí sola. Por eso cuando puedo me escapo a Galicia con mi gente a desconectar. Me gusta poner una distancia para tener un espacio para mí y para reconciliarme y reencontrarme con la Ester que era antes de trabajar y antes del boom. 

En la película pasa una cosa que últimamente se ve en la ficción, y es que nos gusta reírnos de los ricos, ¿se ha encontrado en estos años de éxito mucha gente como la que sale en la película?

Sí, me he encontrado. Es verdad que nos gusta reírnos de ellos. Es que yo he visto a gente que podrían ser ellos, que es que les ves y dices, esto lo he escuchado muchas veces. Gente que si se hace un personaje así te dicen que te has pasado, que está sobreactuado.

¿Cuesta moverse en esos ambientes? Dice que vuelve a Galicia cuando necesita desconectar, ¿también para ver que el lujo de los festivales y las alfombras rojas no es real?

Es que yo tampoco le he dado nunca mucho bombo a eso. Tanto ese mundo como el otro, los dos son reales y hay que convivir y abrazar a ambos y aprender dónde está el equilibrio entre ambos. Por eso para mí es muy necesario desconectar Separarme del foco un tiempo y estar simplemente trabajando, o de vacaciones, o con mi familia o bailando, que me encanta bailar y voy a clases. Hacer cosas que nutran tu epicentro. Esto me lo dice mi psicóloga, que hay que nutrir el epicentro de la persona, no solo trabajar y trabajar. También hay que nutrir a la niña y hacer cosas que uno disfruta y que te aporten sabiduría, placer o diversión.

Vídeo de la entrevista completa

Vídeo: Lourdes Jiménez

La adaptación teatral de la película 'Los lunes al sol', protagonizada por Javier Bardem y dirigida por Fernando León de Aranoa, llega el próximo fin de semana al Palacio de Festivales de Cantabria. La cita tendrá lugar en dos sesiones: el viernes 2 de mayo y el sábado 3, a las 19.30 horas, en la sala Pereda.

La pieza, bajo la producción de GG Producción Escénica y Teatro del Nómada, muestra las luchas diarias, la frustración y la desesperanza de quienes intentan encontrar trabajo en un mercado laboral competitivo y en constante cambio, y cómo la falta de oportunidades y la presión social afectan a las relaciones personales, la autoestima y la esperanza de un futuro mejor.

De esta manera, se plantea preguntas sobre la justicia social y el sistema laboral contemporáneo e invita al espectador a recapacitar sobre las desigualdades en la sociedad.

Con la dirección de Javier Hernández-Simón, la obra cuenta con la interpretación de Mónica Asensio, Marcial Álvarez, José Luis Torrijo, Fernando Cayo, Fermi Herrero, Fernando Huesca, César Sánchez y Lidia Navarro.

Por otra parte y con motivo de esta obra teatral, la misma sala acogerá este martes, 29 de abril, a las 19.30 horas, la proyección del largometraje 'Los lunes al sol', donde Fernando León de Aranoa mantendrá un diálogo con el director de la Filmoteca de Cantabria Mario Camus, Christian Franco, dentro del ciclo 'Conversaciones'.

La Familia Solé llegaba a Reikiavik después de haber viajado por Berlín, por Los Ángeles, por Nueva York y por Londres. Los recolectores de melocotones que Carla Simón creó basándose en su historia personal paraban en Islandia para competir por el premio a la mejor película europea del año. Era otro logro más de Alcarràs, que tras el Oso de Oro histórico conseguía también tres nominaciones de la Academia de Cine Europeo, unos galardones donde el cine español suele tener nominado a Almodóvar, pero donde no es tan fácil que otros de nuestros realizadores entren entre los finalistas. Sin ir más lejos, este año Rodrigo Sorogoyen o Albert Serra no consiguieron la nominación.

La hazaña de Alcarràs no pudo completarse, y la película de Carla Simón no materializó ninguna de sus tres opciones. Una ya se sabía desde el día anterior, el premio que otorgaban los universitarios europeos que fue para Eo, el humanista filme de Jerzy Skolimowski. Los otros dos -guion y película- se descubrieron en una ceremonia que coronó a El triángulo de la tristeza, la sátira contra los ricos de Ruben Östlund, que logró todos los premios a los que optaba Mejor actor, Mejor guion, Mejor dirección y Mejor película.

Pleno para la escatológica, provocadora e hilarante película que sigue su camino triunfante tras ganar la Palma de Oro y comienza su carrera por el Oscar, donde su distribuidora, Neon, va a apostar por ella en las categorías importantes. El director dedicó su premio a la Mejor realización a la joven actriz Charibi Dean, fallecida hace unos meses. En el de guion se dedicó a sus rivales para decirles que seguro que ganaban “muchos de estos” en el futuro en un gesto propio de un director que vive cada premio como un nuevo show.

Excesivo botín contando el nivel de sus competidoras, especialmente el de mejor actor para Zlatko Burik, una interpretación divertida y efectiva, pero lejos de la capacidad de conmover de otros candidatos como Paul Mescal, por Aftersun; o el jovencísimo Eden Dambrine, que en su primera interpretación en Close ofrece un trabajo mucho más complejo. El filme de Lukas Dhont fue el gran derrotado, aunque pocos dudan que el belga estará en esta ceremonia con sus próximos filmes. Es uno de los talentos más prometedores del cine europeo y con su segundo filme lo confirma. 

El cine español no se fue de vacío, El buen patrón logró el premio a la Mejor comedia del año, un galardón que recogió el productor del filme Jaume Roures ironizando con que su película no era una comedia y el director, Fernando León de Aranoa, que un año después de arrasar en los Goya suma un nuevo galardón a su ácida mirada a los empresarios e España. 

Alcarràs, al menos, se fue con una nueva nominación, la de los Premios Lux, que se entregarán el próximo junio tras un proceso de meses donde las nominadas se proyectarán al público de toda Europa. Un galardón del Parlamento Europeo en el que será el público quien premie aquellas película que mejor ilustre la universalidad de los valores europeos, la diversidad de la cultura europea o traten sobre el proceso de construcción de la Unión Europea. Los rivales de Alcarràs se revelaron durante la ceremonia. Close, Triangle of Sadness, Burning Days y Fogo Fatuo completan el quinteto.

La otra opción para el cine español estaba en la categoría de Mejor actriz, donde Penélope Cruz optaba al premio por Madres paralelas. La ganadora fue Vicky Krieps, que dedicó el premio desde casa y en chándal “a todas las mujeres que necesitan ser vistas y escuchadas, que tiene que liberarse y curarse de las heridas que cargamos desde hace generaciones y que debemos curarlas para que hombres y mujeres caminemos juntos de nuevo”. Krieps realiza un trabajo impresionante como Sissi en la revisionista versión que Marie Kreutzer ofrece en La emperatriz rebelde (Corsage). Un discurso que enlazó con el del premio de honor, Margarethe von Trotta, que subrayó que era la tercera mujer en ganar el premio en toda la historia de los galardones. “Esto está cambiando, el momento de las mujeres ha llegado, pero tranquilos, lo superaréis”, les dijo a los hombres con ironía en su discurso.

Uno de los momentos más emotivos fue el galardón al Mejor documental, que ganó de forma póstuma Mantas Kvedaravičius por Mariupolis 2, película terminada de montar por la mujer del realizador, fallecido en la invasión de Rusia a Ucrania. Una película que muestra el horror de la guerra captado hasta el momento de su muerte por el documentalista lituano.

Además de los premios ‘gordos’. La Academia entregó los técnicos que ya se sabían. Allí la triunfadora fue Sin novedad en el frente, la película alemana producida por Netflix que logró los premios de maquillaje y peluquería y efectos especiales. The quiet girl se llevó la mención a la Mejor fotografía, mientras que Burning days la de Mejor montaje. Eo se llevó el premio a la mejor banda sonora y The hole el de Sonido.

El actor Chete Lera (Pontevedra, 1949) falleció este jueves al precipitarse su coche por un desnivel de 50 metros en Málaga, según han informado los servicios de emergencia malagueños y ha adelantado El País. Ramón Mariano Fernández Lera tenía 73 años y recientemente había participado en Mira lo que has hecho, la comedia de Berto Romero en la que interpretaba a su suegro.

Sus apariciones más memorables fueron en La ardilla roja (1993), de Julio Medem, Secretos del corazón (1997), de Montxo Amendáriz, Abre los ojos (1997), de Alejandro Amenábar, Barrio (1998), de Fernando León de Aranoa y Flores de otro mundo (1999), de Icíar Bollaín. También ganó el premio a mejor actor del Festival de Málaga de 2002 junto al resto del reparto de la película Smoking Room, de Julio Wallovits y Roger Gual.

Lera se incorporó a la profesión de forma tardía, después de haberse desempeñado como piloto, ingeniero aeronáutico y empleado de banca. “A los 27 años tenía trabajo estable y un buen sueldo, pero pasé una crisis personal y matrimonial y decidí estudiar psicología”, reconocía en las entrevistas. Fue entonces cuando se apuntó a grupos de lectura de textos teatrales y descubrió su vocación. “Por fin había encontrado mi sitio”.

Con casi 40 largometrajes a sus espaldas, Chete Lera era un rostro conocido entre el gremio. Había abandonado el séptimo arte con un largometraje dirigido por José Luis Cuerda, Todo es silencio, hace diez años. En televisión siguió apareciendo en series de éxito como Médico de familia, Abuela de verano o Cuéntame cómo pasó, pero en la última etapa había regresado a las tablas que le dieron sus primeros trabajos.

Chete y el teatro

Chete Lera en teatro era un kamikaze, capaz de lo peor y de lo mejor. Capaz de perderse y reencontrarse y, sin pudor, mostrar ese riesgo al espectador. Comenzó su andadura en aquel espacio del teatro independiente, pero con vena experimental, que fue el Espacio Cero en 1980. El primer montaje registrado es la obra de Asa Nisi Masa, donde compartió con otro de los grandes de su generación, Pepo Oliva. Fueron años militantes y de investigación en el que montaron obras del argentino Tato Pavloski, estrenaron en España el Maquinahamlet de Heiner Müller y representaron las primeras obras de su hermano, Antonio Fernández Lera, gran autor de la escena española independiente.

En los años noventa, en vez de abandonarse como buena parte de su generación a un teatro burgués, decidió profundizar en una escena que diera cabida a otra manera de hacer. Lera encontró entonces a su director, Rodrigo García. Y éste último encontró al actor que podría encarnar las obras que hoy son mito: Prometeo, Los tres cerditos y Protegedme de lo que deseo. Un teatro del desastre, brutal y poético que dio cuenta en escena del ser humano contemporáneo. Con Rodrigo García compartió dos montajes con textos de Shakespeare y Bruce Nauman: La tempestad, y de Thomas Bernhard, Vino tinto. Esta década conformó lo que sería el teatro del porvenir en España y en la que Chete lo dio todo: salud, tesón y talento.

Ya en el siglo XXI, actuó en montajes relevantes e institucionales como Cara de plata de Valle Inclán en el Centro Dramático Nacional o Largo viaje hacia la noche de O’Neill, en La Abadía, dirigido por Alex Rigola. Destacan también un Pedro y el capitán de Benedetti, dirigido por Emilio del Valle, director con quien también hizo Mingus, Cuernavaca, del autor francés Enzo Cormann. Sobre su trayectoria teatral informa Pablo Caruana, periodista experto en artes escénicas.

“El teatro está, entre otras cosas, para decirle al poder, artísticamente, lo que no está bien”, dijo el actor en 2014. En aquella época representaba Subprime en el Teatro Fernán Gómez de Madrid, un retrato de la corrupción política y financiera que causó inquietud entre las administraciones: “Hubo presiones, se cayeron algunas funciones, faltó publicidad adecuada...”, reconoció Lera.

Este jueves, instituciones y compañeros han despedido al actor en las redes sociales después de la trágica noticia. Uno de los primeros ha sido Eduardo Noriega, con quien compartió set en Abre los ojos. También Montxo Amendáriz, que le dirigió en Secretos del corazón, ha recordado su “gran corazón”. En la fundación AISGE se han mostrado “impactados” y el Instituto Nacional de las Artes Escénicas ha recordado que Lera estaba “muy implicado en la escena alternativa, trabajó tanto con jóvenes creadores de vanguardia, como con consolidados directores”.

La película española El buen patrón, dirigida por Fernando León de Aranoa es, con 11 nominaciones, la que lidera las opciones en la IX edición de los Premios Platino del Cine y el Audiovisual Iberoamericano, cuya gala se celebrará el próximo 1 de mayo en Madrid. En el apartado televisivo, la serie argentina El reino, de Marcelo Piñeyro y Claudia Piñeiro, ha obtenido seis candidaturas, mientras la española más nominada es Hierro, con tres, y se “cuelan” como aspirantes a mejor creador Alejandro Amenábar (La Fortuna) y Jorge Coira (Hierro).

Entre los intérpretes de película optarán a galardón los españoles Ángela Molina por la cinta paraguaya Charlotte, Blanca Portillo por Maixabel, Eduard Fernández por Mediterráneo, Javier Bardem por El buen patrón, Luis Tosar por Maixabel y Penélope Cruz por Madres paralelas, la mexicana Ilse Salas por Plaza Catedral y el brasileño Rodrigo Santoro por 7 Prisioneiros. Como intérpretes protagonistas de series son finalistas Candela Peña y Darío Grandinetti por Hierro, Chino Darín y Mercedes Morán por El reino, Daniela Ramírez por Isabel, Diego Boneta por Luis Miguel: La serie, Javier Cámara por Venga Juan y Maribel Verdú por Ana Tramel. El juego.

La gala de los IX Platino, que se celebrará en el Palacio Municipal de Ifema de Madrid, presentada por Miguel Ángel Muñoz y Lali Expósito, será retransmitida por las televisiones de toda Iberoamérica y por La 1 de RTVE. En el listado de candidatas a Mejor Película de Ficción, parten como nominadas las españolas El buen patrón, Madres paralelas y Maixabel, y la mexicana Noche de fuego, de Tatiana Huezo. Entre las series de ficción o documental, la relación de finalistas la componen la argentina El reino, de Marcelo Piñeyro y Claudia Piñeiro, la chilena Isabel, de Rodrigo Bazaes, y las mexicanas Luis Miguel: La serie, de Daniel Krauze, y Narcos: México, de Carlo Bernard, Chris Brancato y Doug Miro.

El premio a mejor actor de reparto se decidirá entre el chileno Alfredo Castro, por la cinta argentina Karnawal; Christian Malheiros, por 7 Prisioneiros, Manolo Solo por El buen patrón y Urko Olazabal por Maixabel, y en la categoría femenina competirán Aitana Sánchez-Gijón y Milena Smit, ambas por Madres paralelas, Almudena Amor por El buen patrón y Ana Cristina Ordóñez González por Noche de fuego. Además, optan a esta misma categoría en series Alberto San Juan por Reyes de la noche, Enric Auquer por Vida perfecta, Joaquín Furriel por El reino y Karra Elejalde por La Fortuna, y en la parte femenina, María Pujalte (Venga Juan), Najwa Nimri (La casa de papel), Nancy Dupláa (El reino) o Rosa María Bianchi (Monarca).

A mejor documental concurren 100 días con la Tata, de Miguel Ángel Muñoz, A Última Floresta, de Luiz Bolognesi, Quién lo impide, de Jonás Trueba, y Rita Moreno: Just a Girl Who Decided to Go for It, de Mariem Pérez Riera. Por su parte, el Platino a Mejor Ópera Prima se decidirá entre la costarricense Clara Sola, de Nathalie Álvarez Mesén, Karnawal, del colombiano Juan Pablo Félix, Libertad, de la catalana Clara Roquet, y “Sin señas particulares”, de la mexicana Fernanda Valadez.

Como mejor guion compiten Abner Benaim (Plaza Catedral), León de Aranoa (El buen patrón), Henrique Dos Santos y Aly Muritiba (Deserto Particular) e Icíar Bollaín e Isa Campo (Maixabel), y a mejor música original Alberto Iglesias (Madres paralelas), César López (Memoria), Kenji Kishi Leopo (Los lobos) y Zeltia Montes (El buen patrón). Las aspirantes a Mejor Película de Animación son Ainbo, la guerrera del Amazonas, de José Zelada y Richard Claus, Bob Cuspe: Nós Não gostamos de gente, de Cesar Cabral, Salvar el árbol (Zutk!) de Haizea Pastor e Iker Álvarez y Valentina de Chelo Loureiro. Por el galardón al Cine y Educación en Valores competirán Los lobos, de Samuel Kishi, Maixabel, Mediterráneo, de Marcel Barrena, y Yo nena, yo princesa, de Federico Palazzo. Los nominados fueron elegidos por un jurado 135 miembros de 22 países.

El buen patrón, de Fernando León de Aranoa, y Maixabel, de Icíar Bollaín, han ganado el premio al mejor guion de largometraje en comedia y drama, respectivamente, en la quinta edición de los Premios ALMA del sindicato de guionistas que se han entregado esta noche en Madrid. El premio al mejor guion de largometraje documental fue para El caso Wanninkhof-Carabantes.

En series, las vencedoras fueron Hierro en la categoría de drama, Venga Juan en comedia y Dos vidas como serie diaria, mientras que Cachitos de hierro y cromo ganó en la categoría de mejor guion de programa y Saber y ganar en la de mejor concurso.

La vicepresidenta segunda del Gobierno, Yolanda Díaz, entregó el premio ALMA de Honor a Manuel Valdivia, considerado el precursor de la figura del 'showrunner' en España, creador de series como Médico de familia, Compañeros, Más que amigos o Policías: en el corazón de la calle.

Cerca de 150 profesionales, guionistas de veinticuatro producciones para el cine, la televisión y las plataformas audiovisuales, conformaban la lista de nominaciones a estos premios que se han entregado en una ceremonia en el Palacio de la Prensa de Madrid, escrita y presentada por Pilar de Francisco y Laura Márquez. Los Premios ALMA nacieron con el fin de reconocer exclusivamente el trabajo de los guionistas y este año han contado con el apoyo de la entidad de gestión de derechos de autor DAMA.

El buen patrón ha cumplido con todas las expectativas de la noche, y con alguna más. Las 20 nominaciones de la película podían ser un regalo o un caramelo envenenado, pero Fernando León de Aranoa ha salido indemne en la 36 edición de los premios Goya con sus seis estatuillas. Las siguientes en el podio son Las leyes de la frontera, con cinco, y Maixabel y Mediterráneo con tres cada una. La sorpresa se la ha llevado Madres paralelas al marcharse sin ningún premio, ni siquiera el de actriz, categoría a la que aspira en los Oscar.

“Las sucesivas reformas laborales, que tanto daño hicieron a los derechos de los trabajadores, me animaron a escribir esta historia”, ha dicho Fernando León de Aranoa en su primera incursión en el escenario valenciano para recoger el Goya a Mejor guion original, donde también ha recordado a José Luis Borau y su famosa frase de que “para hacer películas, hace falta estar enamorado”. Poco después se subiría a por el cabezón de Mejor director. Pero aún le quedaban varias alegrías a El buen patrón. Y la mayor, el reconocimiento más importante, ha sido el premio a Mejor película. “Doy las gracias al público que está volviendo a las salas a pesar del miedo al virus”, ha concluido el cineasta.

Por lo demás, el patrón Javier Bardem ha satisfecho todas las apuestas y ha recogido su sexto premio Goya, que ha empezado agradeciendo al director. Pero sobre todo se lo ha dedicado a las dos mujeres de su vida: a Penélope Cruz –“la mujer que amo, respeto, admiro y celebro todos los días”– y a Pilar Bardem, que falleció el pasado julio –“la mujer que me parió, me enseño a vivir y me ayudó a sobrevivir. Un referente ético y de compromiso, y aparte de una actriz inmensa, uno de los mejores seres humanos que conozco”–.

El primer galardón para El buen patrón ha llegado por su música, compuesta por una de las pocas mujeres que rompen la brecha de género en el sector de las bandas sonoras. Zeltia Montes, todavía temblando, ha encontrado el arrojo para pedir a los productores que reflexionen sobre el poder de la música en las películas y que lo paguen. “La historia de la música no ha sido muy agradecida con las compositoras, y tampoco la del cine. Los trabajos llegan con cuentagotas y los presupuestos no son suficientes”, ha lanzado. Otra mujer, María José Llergo, ha recogido el Goya a Mejor canción original por Te espera el mar, el precioso tema principal de Mediterráneo.

Un reencuentro largo y sin sorpresas

La COVID-19 no se ha ido, como han demostrado las mascarillas de la platea, pero las obligadas videollamadas y la frialdad de la gala de 2021 por suerte han quedado atrás. El imaginario del reencuentro lo ha inundado todo, desde la alfombra roja hasta los agradecimientos. Estos han incluido pocas menciones políticas y apenas alguna referencia a la crisis sanitaria, que todavía azota al país y de la que el sector del cine se sigue recuperando. Si bien la gala se ha hecho demasiado larga, llegando a las tres horas y media, algunos discursos han encontrado la manera de emocionar y de avivar el tedio.

El del presidente de la Academia de Cine, Mariano Barroso, ha sido uno de ellos. Ha reivindicado a los intérpretes porque, a pesar de ser los profesionales más numerosos de la industria del cine, sufren un 90% de paro. “Los actores y actrices solo tienen trabajo remunerado un día de cada diez”, ha destacado, pidiendo que se les reconozca “los derechos de cualquier otra profesión”. Pero también ha querido recordar a tres grandes figuras recientemente fallecidas: Almudena Grandes, Pilar Bardem y Verónica Forqué. “Nadie ocultó nunca su dolor de una forma más hermosa”, ha dicho sobre esta última, actriz y buena amiga del presidente.

Rostros que han vuelto a aparecer en el In memoriam, cantado por la hermosa voz de Luz Casal. Este ha sido el momento musical más destacado de la noche, a pesar de que ha compartido escenario con Joaquín Sabina, Leiva o C. Tangana.

La presentación coral que tanto ha promocionado la Academia ha quedado desdibujada por demasiados rostros con aportaciones poco o nada memorables. Ni siquiera el sketch de Pantomima Full ha desplegado la irreverencia que les caracteriza. En varios momentos se ha echado en falta al maestro de ceremonias más acertado de los últimos años: Antonio Banderas.

Siguiendo con los premios, Blanca Portillo ha recogido el Goya a Mejor actriz por su interpretación de Maixabel Lasa en la película homónima de Icíar Bollaín. Ella ha dedicado su “amor incondicional” a sus mal llamadas competidoras de categoría, a la directora de la cinta y, en especial, a Maixabel y a su marido, Juan Mari Jáuregui, asesinado por ETA en el 2000.

Ante la carencia de buenos discursos, los que han destacado tienen doble mérito. “Espero que esta película ayude a que el Mediterráneo deje de ser una gran fosa común”, ha dicho el director de producción de Mediterráneo, que tampoco ha salido mal parada en número de premios, llevándose tres de los siete a los que aspiraba. Albert Espel ha querido dedicar su Goya “a la gente que salva vidas en nuestras playas y más aún fuera de ellas” y ha sido una de las intervenciones más aplaudidas de la noche.

Nora Navas, elegida como Mejor actriz secundaria por Libertad, ha agradecido a Clara Roquet su valentía: “Cuesta mucho conseguir papeles a según qué edad y ella ha llenado su película de mujeres de todas las edades. Así que gracias, Clara”. Roquet se ha hecho con el Goya a Mejor directora novel. Una hazaña como primeriza que se suma a otra: haberse colado entre las mejores cinco películas según la Academia.

El previsible ganador en la categoría de actor secundario ha sido Urko Olazabal por su interpretación del exmiembro de ETA, Luis Carrasco, en Maixabel. El vasco ha aprovechado su discurso para usar el lenguaje inclusivo, de los pocos en toda la ceremonia. María Cerezuela ha sumado otro premio a Maixabel como Mejor actriz revelación por su desgarrador papel como la hija del político socialista asesinado, María Jáuregui, a quien ha dedicado su Goya.

Ovación cerrada a Blanchett y a Sacristán

Aunque se celebraba el cine español, la presencia más esperada en Valencia ha sido sin lugar a dudas la de Cate Blanchett. “Trabajar con Pedro quizá mejore mi nivel”, ha dicho la actriz australiana tras reconocer que su vocabulario en español se reduce a “gracias” y “buenas noches”. Ya en inglés, ha dirigido unas bonitas palabras a “una cultura cinematográfica tan rica” y a “una pareja legendaria del cine”, Penélope Cruz y Almodóvar, que le han entregado el cabezón. El director manchego adaptará próximamente el libro Manual para señoras de la limpieza junto a Blanchett. “Si combinas cerebro, corazón y manos eres un artista, y Pedro es un artista”, ha concedido ella.

La primera ganadora del Goya Internacional sí que ha aprovechado para hacer mención a la pandemia, porque según ella “ha sido una época de incertidumbre muy profunda y muy difícil”. “Me siento orgullosa por pertenecer a un sector que ha seguido creando y ha entendido la responsabilidad de que la sociedad vuelva a las salas de cine”, ha dicho la actriz.

Aunque en un momento menos agradecido de la noche, después de casi tres horas de ceremonia, la profunda voz de José Sacristán se ha hecho escuchar al recoger el Goya de Honor. Es el segundo de su vida, puesto que en 60 años de carrera tan solo ha conseguido un premio de la Academia de Cine que hoy le venera y que fundó hace 36 años: “Me siento orgulloso de ser uno de los doce primeros números de esta noble tropa”, ha dicho como académico original.

Los lectores y lectoras de elDiario.es han hablado (en realidad, han votado) y han elegido por abrumadora mayoría (60%) a El buen patrón, la película de Fernando León de Aranoa sobre la relación de un empresario con sus empleados, como su favorita para llevarse el premio Goya a la Mejor Película. Aquí explicamos dónde ver la película. La siguiente en número de votos es Maixabel (23%), seguida de Madres paralelas (9%), Mediterráneo (5%) y Libertad (3%).

No obstante, a pesar de ir la última en esta categoría, la directora de Libertad, Clara Roquet, está situada como favorita (38%) en la categoría de Dirección novel. Aunque seguida de cerca por David Martín con La vida era eso (32%), Carol Rodríguez con Chavalas (23%) y Javier Marco con Josefina (7%). El camino del cine español del futuro próximo está marcado por estas directoras y directores.

La encuesta, que ha recibido más de mil votos, también ha situado a Fernando León de Aranoa a la cabeza de las preferencias en el Goya a Mejor Dirección, con un 46%. La siguiente sería Iciar Bollain por Maixabel (38%), seguida de Pedro Almodóvar (13%) por Madres paralelas y, finalmente, Manuel Martín Cuenca por La hija.

Los intérpretes que admiran nuestros lectores

Entre las actrices, los lectores y lectoras de elDiario.es tienen dos claras favoritas: Blanca Portillo por su papel como Maixabel en la película del mismo nombre de Bollain (59%) en la actuación protagonista como la viuda de la primera víctima de ETA que accedió a encontrarse con los asesinos de su marido, y Aitana Sánchez Gijón (43%) en su papel en Madres paralelas en su papel de reparto como la “apolítica” madre sin instinto maternal.

En el grupo masculino de la interpretación, Javier Bardem es el favorito, de lejos, respecto a sus compañeros, con un 75% de los votos por su interpretación de Julio Blanco, un industrial que fabrica balanzas. Luis Tosar le observa, como segundo, desde la distancia (13%) por su papel como el etarra Ibon Etxezarreta en Maixabel. Los actores de reparto han quedado más igualados, imponiéndose Urko Olazabal por Maixabel con un 35%.

Otras películas favoritas

Dentro del apartado de cine documental, hay dos vencedoras para nuestros lectores, con poca diferencia una de la otra: Quién lo impide, de Jonás Trueba, se impone ligeramente con un 35% a La vida después del ISIS de Albora Sotorra, con un 31%.

Por último, entre las películas europeas, la danesa Otra ronda de Thomas Vinterberg (La caza, Celebración) es la preferida, con un 55% de los votos.

Desde que comenzó la temporada de premios, mucho antes de que acabase el año, hemos asistido a una competición cuerpo a cuerpo entre las dos películas españolas del año: El buen patrón y Madres paralelas. Sus estrenos en distintos festivales de cine, San Sebastián en el caso de la cinta de Fernando León de Aranoa y Venecia en el de la de Pedro Almodóvar, las posicionaron como rivales en la cartelera, en la carrera hacia los Oscar y, por supuesto, en los premios Goya.

Pero las nominaciones de la 36ª edición de los premios de la Academia de Cine dibujaron un panorama que no responde a ese combate entre dos. Por lo menos, no entre estas dos.

El buen patrón arranca la noche compitiendo en 20 candidaturas, un récord histórico de nuestro cine solo comparable al de Días contados (19), Blancanieves (18) y La niña de tus ojos (18). La siguiente multinominada es Maixabel, con 14. La cinta de Icíar Bollaín, al menos en número, es la verdadera contendiente de El buen patrón. Madres paralelas les sigue a bastante distancia con ocho nominaciones. Aunque ya hemos visto que partir con ventaja no siempre es garantía de triunfo.

¿Dónde surgió ese binomio? A principios de octubre, cuando la Academia de Cine eligió a El buen patrón por encima de Madres paralelas y de Mediterráneo como candidata para competir en los premios Oscar, se las empezó a ver como rivales. Agustín Almodóvar, productor de la cinta de su hermano, criticó el sistema de votación de los académicos por “opaco”, aunque reconoció que “adora y admira” a León de Aranoa.

Las redes ampliaron esta división, donde muchos usuarios se sumaban a un bando o a otro. La travesía terminó cuando Hollywood descartó a El buen patrón en la categoría de Mejor película extranjera y en cambio seleccionó dos trabajos de Madres paralelas: el de Penélope Cruz en Mejor actriz y el de Alberto Iglesias en Mejor banda sonora.

Pero los Goya son unos premios muy distintos a los Oscar y hay que tener en cuenta otros muchos factores antes de destacar los dos títulos de siempre. Para empezar, porque votan los distintos gremios y para seguir por Maixabel. La interpretación de Blanca Portillo como Maixabel Lasa, víctima de ETA y viuda del político socialista Juan Mari Jáuregui (asesinado en el año 2000), parte con muchas papeletas. Lo mismo pasa con la dirección de Icíar Bollaín, una de las más destacadas junto a la de Fernando León de Aranoa.

Donde no parece haber dudas es en la categoría de Mejor actor secundario. Aunque en ella compiten tres intérpretes de El buen patrón, Urko Olazabal parece tener el cabezón asegurado por su interpretación del exmiembro de ETA Luis Carrasco. Incluso sus rivales lo tienen asumido.

Además, Alberto Iglesias compite contra sí mismo en la banda sonora de Maixabel y la de Madres paralelas, por lo que es un misterio cuál elegirá finalmente la Academia. A Iglesias le acompañan Fátima Alqadiri por la composición de La abuela y Arnau Bataller por Mediterráneo. Esta última también compite en Mejor canción junto a otras tres grandes propuestas.

Hay otras categorías que se guardan la sorpresa bajo la manga: en actriz de reparto, la cosa está reñida entre Aitana Sánchez-Gijón y Milena Smit, ambas por Madres paralelas. Pero también podría alzarse con el premio Nora Navas, la madre en Libertad, película de dirección novel que también ha merecido un hueco entre las cinco mejores producciones del año. La cinta de Clara Roquet compite en Mejor película y da pistas sobre la calidad de los cineastas primerizos, que han empezado a dejar su impronta para el cine español del futuro.

También hay proyectos interesantes en la categoría de película de animación, documental y extranjera. En la primera destaca Gora Automatikoa, una cinta que critica el compadreo de los académicos de los Goya mientras pretende alzarse con uno por su honestidad. En cinta documental, las quinielas están con Jonás Trueba y Quién lo impide. Por último, hay tándem en las cintas europeas, entre Otra ronda (la propuesta danesa) y Una joven prometedora (la cinta británica), aunque la primera ya se hizo con el Oscar en la pasada edición.

¿Qué podemos esperar de la noche?

En el Palau de les Arts de Valencia ya está todo listo. La Academia de Cine ha ido dando algunos detalles de la gala, aunque no todos, porque según su presidente, Mariano Barroso, “la sorpresa es fundamental” y avanzarlo todo sería como contar “el final de la película” y como “hacer spoiler”.

Lo que sí sabemos es que la ceremonia de entrega no tendrá un maestro de galas o una pareja de presentadores, como en años anteriores, sino que será coral. Se han confirmado los nombres de actores y actrices como Carmen Machi, Antonio Banderas, Ángela Molina, Nora Navas, Nathalie Poza, Paco Léon, Inma Cuesta, Juan Diego Botto, Belén Cuesta, Arturo Valls, y muchos más.

Será el primer año que se otorgue el Goya Internacional a Cate Blanchett, quien próximamente se pondrá a las órdenes de Pedro Almodóvar en Manual para mujeres de la limpieza. Lo inaugura la actriz estadounidense por “ser una figura extraordinaria del cine mundial” y “una mujer que ha interpretado personajes inolvidables que ya son parte de nuestra memoria y de nuestro presente”. El Goya de Honor lo recogerá José Sacristán, uno de los primeros fundadores de la Academia de Cine española aunque solo un cabezón a sus espaldas.

En cuanto a las actuaciones en directo, arrancarán con un número musical protagonizado por las actrices y cantantes Bebe –Goya a la Mejor Canción Original por La educación de las hadas–, Jedet –Premio Ondas por su papel en la serie Veneno– y Cristina Castaño, que ha participado en musicales como Fama y Cabaret.

La incorporación de última hora ha sido C. Tangana, productor y compositor madrileño, ganador de tres Latin Grammy y nominado a un Grammy, que cantará en directo junto a la artista Rita Payés. También actuará el dúo cómico Pantomima Full, formado por Alberto Casado y Rober Bodegas.

Fernando León de Aranoa viajó en 2001 a los astilleros de Naval Gijón y de Vigo para entrevistarse con los afectados por la reconversión industrial. Centenares de trabajadores que fueron despedidos de manera fulminante inspiraron a José, Lino y Santa, los protagonistas de Los lunes al sol. La película ganó la Concha de Oro en San Sebastián y varios premios Goya por mostrar la cara más vigente y dolorosa del desempleo. El buen patrón llega 20 años después con su reverso: el empleo contado a través del capataz.

Javier Bardem repite con el director madrileño en la piel de Julio Blanco, el empresario de una fábrica de balanzas industriales de la España profunda. Aranoa promete que no representa a ningún personaje famoso, pero sí verdadero. Tampoco le han hecho falta hacer entrevistas ni viajes para escribir a este “cabrón” carismático. Es universal. Quizá por eso ha sido seleccionada por la Academia de Cine como representante en los Oscar. Los poderes fácticos de un pueblo de Toledo se pueden exportar a un condado de Arizona.

Aranoa, cuyo último proyecto político había sido rodar un documental sobre Podemos en 2014, vuelve a infiltrarse en las cloacas del mercado laboral. Esta vez, desde la atalaya.

¿De dónde surge la inspiración para El buen patrón?

Lo primero que surgió hace mucho tiempo es el personaje. Quizá por eso el título es El buen patrón. Al final su carácter y su forma de manejarse con los demás dan origen a toda la historia.

Se ha hablado de Jesus Gil o del rey emérito. ¿Se fijó en algún personaje real?

En cierta medida sí. En gente cercana, que no famosa. También en situaciones que él hace, como entrometerse en exceso en la vida de sus trabajadores. Hay un par de momentos en la película que son las piedras basales. La primera es la escena en un restaurante asador donde averigua que uno de sus empleados tiene problemas con su mujer. Y la otra es la idea de controlar a sus trabajadores cruzando varias líneas rojas para que la empresa vaya bien. Cuando esas dos cosas surgieron me atrajeron mucho. Es la vez que más rápido he sabido que debía hacer una película.

¿Qué vio en las relaciones laborales que tuviera potencial cinematográfico?

Quería que tuviera comicidad. Cuando me imaginaba a ese señor me hacía sonreír. Es un desastre, pero a la vez puede ser muy divertido. Un jefe que se va a hablar con la mujer de un trabajador sin tener ni idea de cómo hacerlo tiene potencial cómico. Me regalaba el humor y a la vez servía para tratar algo muy importante en la película: el trasfondo de las relaciones laborales y cómo se entremezclan de manera perversa con las personales. En este caso las invaden por completo. Nos pasa a muchos. La película me ha permitido hablar de la precariedad en el trabajo y de lo que pasa en el mercado laboral en su conjunto.

En la película se menciona varias veces el concepto de “familia” referido a la plantilla. Lo usa Blanco, pero también muchas empresas en la actualidad. ¿Es una forma perversa de pedirle al trabajador todo su tiempo y lealtad?

Sí, además se utiliza con una connotación positiva. “Somos una familia”. Las relaciones familiares tampoco están exentas de sus problemitas. Si en algún lugar la jerarquía pesa, es ahí. Blanco se define como un padre porque así tiene más posibilidades de ejercer su autoritarismo, de manipular, enredar y hacer que las cosas sean como él quiere o como necesita que sean.

Por eso la película se llama El buen patrón, me gustaba esa denominación un poco antigua que ya no se usa porque ahora se habla de CEO. Esta es una empresa familiar, en la que antes el patrón era el padre de Blanco y daba trabajo a los padres de los actuales. Es casi un trato de vasallaje. Son relaciones muy viciadas por el tiempo y por el poder.

Varios comentarios manifiestan a Blanco como un jefe conservador o de derechas. ¿Influye la ideología a la hora de ser mejor o peor patrón?

Resulta fácil pensar que el patrón es un señor como mínimo conservador, porque tiene mucho que conservar. Algunos actores me preguntaron por su ideología y la de otros personajes, que es una cosa que no me había pasado nunca. Me hizo gracia aunque en realidad es muy útil. ¿Qué votarían? En el caso del patrón, la primera apuesta fueron las derechas de PP o VOX. Pero luego pensé que no, que el patrón se vota a sí mismo. Le da igual quién gobierne. Si lo hace alguien de derechas, cenará con él. Pero si es de izquierdas hará exactamente lo mismo.

¿Eso significa que no hay patrón bueno?

No me gusta generalizar, aunque esa frase ya es una generalización en sí misma. La lógica del sistema hace complicado que se resuelva de parte del trabajador. El empresario puede ser todo lo bueno que le deja el mercado. Pero sí que creo que hay buenos patrones. Quiero pensarlo, aunque el sistema empuje al patrón a la maldad.

En el caso del patrón, la primera apuesta fue que votaría a partidos de derechas, como PP o VOX. Pero luego pensé que el patrón solo se vota a sí mismo. Le da igual quien gobierne

Durante esta pandemia, la temática laboral se ha convertido en una prioridad. ¿Había algo que le interesaba denunciar con la película?

Al hacer una película entran en juego muchos impulsos. El primero es contar una historia con sentido del humor. Pero también el poder hablar de las relaciones que tienen que ver con lo laboral y con la precariedad. Estaban el despedido, el del ERE, el que acampa porque no puede pagar la hipoteca porque está sin trabajo, las becarias o el inmigrante. Surgió de manera natural, porque no me gusta forzar el guion para dejar un mensaje.

Por eso quería situar la película en una ciudad pequeña de provincias. Porque allí el patrón es un poder fáctico. Un tipo que tiene una fábrica de 200 trabajadores puede llamar al alcalde y al director del periódico local. Mantiene esas relaciones viciadas. Un microcosmos como este actúa del mismo modo que lo hace a nivel nacional o a nivel europeo.

En 2002 rodó la cara opuesta del patrón: la del desempleado. ¿Cómo se conecta esta película con Los lunes al sol?

Hay conexiones porque ambas tienen que ver con el ámbito laboral, pero también con el personal. Son tangenciales. Los lunes al sol es una película que reduciéndolo mucho habla del desempleo. Pero para mí era más importante la identidad. Algunos desempleados no abandonan su identidad (Santa) y otros renuncian por completo a quienes son para conseguir un puesto de trabajo (Lino). Estar en el paro es tan jodido que daña hasta tu identidad.

En este caso quería contar el espacio que aquellos añoran: el empleo. Pero también lo trágicas y lo precarias que pueden llegar a ser esas relaciones viciadas. No solamente por el patrón, también entre los propios trabajadores. No hay una sensación de compañerismo, de solidaridad ni de conciencia de clase. No hay casi nadie que se salve en la película.

El buen patrón tiene más humor que Los lunes. ¿Influyó en algo el contexto? En aquel momento España estaba a las puertas de la mayor crisis económica de la democracia.

Supongo que influye que han pasado 20 años. Pero El buen patrón tampoco es una comedia. Tiene las maneras de la comedia sin fagocitar lo importante. Yo mismo me dije que ya era lo suficientemente trágico. El humor es una manera de conjurarlo: quizá esto sea un desastre, pero que sepáis que lo sabemos y podemos hasta reírnos de ello.

En cuanto a la precariedad, siempre está ahí. Lo vi en Los lunes al sol con la gente que traté de los astilleros o de la corriente sindical de izquierdas. Ya existían las ETT, las reformas laborales, el abaratamiento del despido y muchas cosas que todavía hoy nos cuentan que son buenas para el empleo. ¿Cómo puede ser bueno que sea más fácil despedir? Es casi una paradoja. Fragmentar el trabajo para que haya más, pero de peor calidad, es algo que siempre ha estado ahí.

Las redes sociales son un espacio articulado para la disidencia. Si el propio sistema articula un espacio donde tú puedes rebelarte contra las cosas, esa rebelión deja de tener sentido.

Javier Bardem dice que hay "menos conciencia social" que hace 20 años, cuando hicieron Los lunes al sol. ¿Qué opina usted?

Hay más información, pero al mismo tiempo hay menos organización. Las redes sociales han sustituido a otras formas de organización que parecen más antiguas o más precarias, pero que quizá eran más eficaces. Las redes son un espacio articulado para la disidencia. Todos disentimos con mucho placer, pero nunca pasa nada. Es una válvula de escape para indignarte.

Si el propio sistema articula un espacio donde puedes rebelarte contra las cosas, esa rebelión deja de tener sentido. Antes el poder decía “obedece” y tú tenías dos opciones, obedecerle o no obedecerle. Si el poder dice “no me obedezcas”, estás jodido, porque si obedeces estás obedeciendo y si no obedeces, también estás obedeciendo. Al final la disidencia forma parte de un sistema inexpugnable.

¿Y en cuanto a los políticos y las instituciones? ¿Hay mayor compromiso por garantizar un empleo digno?

El Estado está para corregir los excesos en el laboral y en cualquier ámbito, solo hay que mirar lo que está pasando ahora con las eléctricas. El libre mercado tiene sus inconvenientes y, en su expresión más libre y salvaje, es una cosa tremenda. Lo mismo afecta a la distribución de vacunas que a cualquier parte de nuestra vida. Es algo que nos horroriza, pero convivimos con ello. Sabemos que en Europa estamos vacunados el 70% de la población y que en otros países no llegan ni al 1%. Es un espanto y es el mercado.

Una de las funciones del Estado, quizá de las más importantes, es evitar este tipo de desmanes. Esto es un pacto social: vivimos todos juntos, tenemos obligaciones, pagamos impuestos –que es una cosa importantísima– y también hay que aceptar que haya una regulación. Y volviendo al empleo, yo estoy absolutamente a favor de que el Estado intervenga. Así que todo lo que se haga me parecerá poco.

Por último, como director de cine, ¿usted se considera un buen patrón?

Un director tampoco es un patrón (ríe). Ojalá. Estás completamente condicionado por muchas cosas. La principal es el tiempo, que en cine es dinero. El presupuesto siempre es ajustado. Alguien lo decía hace poco: si te dan 3 millones, te hacen falta más, y si te dan 50, también te hacen falta más. Siempre estás por detrás de lo que querrías hacer. Los equipos están muy jerarquizados, pero también muy organizados. Es gente con la que llevas mucho tiempo y tienes otro tipo de relación. Quiero pensar que de amistad, pero no son mi familia (ríe).

El buen patrón de Fernando León de Aranoa representará a España en la próxima edición de los Oscar, la número 94, en la categoría de Mejor Película Internacional. Así lo ha anunciado la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España este martes. 

Los intérpretes Irene Escolar y Ricardo Gómez han realizado la lectura del largometraje seleccionado acompañados por el notario Federico Garayalde Niño y el presidente de la Academia, Mariano Barroso. Previamente al anuncio, han realizado una lectura dramatizada de momentos seleccionados de la película Esa pareja feliz (1953), ópera prima de Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga, con motivo de la celebración del Día del Cine Español.

La cinta de Fernando León desbanca así a las otras dos candidatas: Mediterráneo, dirigida por Marcel Barrena; y Madres paralelas, de Pedro Almodóvar. Esta última era la favorita según muchas de las previsiones, pero finalmente se ha impuesto la del director madrileño.

El buen patrón cuenta la historia de Blanco, un empresario en una ciudad española de provincias que intenta resolver los problemas con sus empleados. El personaje, interpretado por Javier Bardem, es en realidad la encarnación de varias figuras que el espectador ya ha visto antes.Tiene algo de Luis Bárcenas, de Rodrigo Rato, de Jeff Bezos o del jefe déspota de cualquier restaurante.

“Noto que la gente tiene menos conciencia social que hace 20 años, cuando hicimos Los lunes al sol. O quizá son más jóvenes y han pasado por una pandemia y dos crisis. En parte es normal que miren por lo suyo, por un puesto de trabajo y una vivienda, y que no luchen por lo de los demás”, decía Bardem en el marco del recientemente terminado Festival de San Sebastián. Por eso, añadía el cineasta, “hace falta más gente que ponga la cara para que se la partan en nombre de una causa común”.

España ha sido nominada en veinte ocasiones a este Oscar y lo ha ganado cuatro veces con Todo sobre mi madre; Volver a empezar, de José Luis Garcí, en 1982; Belle epoque, de Fernando Trueba, en 1993, y Mar adentro, de Alejandro Amenábar, en 2004. La última vez que España estuvo entre los cinco países nominados fue en 2019, con Dolor y gloria, de Almodóvar.

A pesar de las numerosas películas y series que en los últimos años han contado la vida de Pablo Escobar, el narcotraficante colombiano más sangriento y famoso de los años ochenta, el cineasta Fernando León de Aranoa (Madrid, 1968) no perdió su interés por contar esa historia.

Bien es cierto que fue el actor Javier Bardem quien contagió al director, desde que se conocieron en el rodaje de Los lunes al sol, esa mezcla de fascinación y de horror por el líder del cartel de Medellín. Por todo ello la reciente Escobarmanía no frenó los planes de uno de los realizadores españoles, más premiados y más reconocidos por los aficionados.

Fernando León, en una entrevista con eldiario.es, explica de este modo los motivos que impulsaron el proyecto de Loving Pablo, una superproducción que se estrenó el pasado 9 de marzo en más de 200 salas.

“En primer lugar, estaba convencido de que una historia tan desmesurada como la de Pablo Escobar necesitaba ser proyectada en una gran pantalla y en formato scope. No se trataba en absoluto de sentimentalismo cinéfilo, sino de la exigencia de utilizar grandes angulares, por ejemplo, para marcar la diferencia con otros formatos”, señala.

“En segundo término, quería ver cómo el talento interpretativo de Javier Bardem se aproximaba a un personaje como Escobar. Pero, sobre todo, he querido mostrar a Escobar desde la mirada de una mujer, desde la visión de Virginia Vallejo, una periodista colombiana que fue su amante en la década de los ochenta y a la que interpreta Penélope Cruz”.

Inteligente, culta y atractiva, procedente de una familia de la burguesía colombiana, Virginia Vallejo (Cartago, Colombia, 1949) publicó hace unos años unas memorias tituladas Amando a Pablo, odiando a Escobar que han servido como hilo argumental del guion del filme.

Exiliada desde el año 2006 en Miami y protegida por la DEA (la agencia de lucha contra el narcotráfico de EE UU), Vallejo ha manifestado en una reciente entrevista que Pablo Escobar no la mató, tras su ruptura sentimental, porque necesitaba que ella escribiera la biografía de aquel narcotraficante que llegó a amasar una fortuna de miles de millones de dólares, ordenó asesinar a multitud de políticos, jueces, periodistas o competidores en el negocio de la cocaína y fue abatido por las fuerzas de seguridad de Colombia en 1993 cuando contaba 44 años.

“Dentro del trabajo de documentación del filme”, recuerda Fernando León, “que me ha llevado años y la lectura de muchos libros, periódicos e incluso informes de la CIA, tuve también la oportunidad de conocer a Virginia Vallejo. Sin ninguna duda ella fue una periodista de un perfil muy alto, una mujer con una fuerte personalidad que, en sus años de esplendor profesional, tuvo una enorme influencia en la sociedad colombiana como presentadora de televisión”.

Pese a que, a priori, podía parecer una relación improbable, el narcotraficante de origen humilde y la periodista de la alta burguesía vivieron una tormentosa e intensa historia de amor. La propia Vallejo ha definido de esta manera las claves de aquella atracción: “Yo era el trofeo máximo; bella, inteligente y famosa. Él sólo tenía dinero y necesitaba poseerme”.

La visión que ofrece Loving Pablo se aleja de cualquier intento de emitir juicios morales sobre la crueldad del narcotraficante, pero tampoco mitifica en absoluto esa figura del malvado que, en ocasiones, la literatura y el cine tienen la tentación de admirar.

“Creo que el filme muestra”, comenta su director, “la extremada dureza del personaje, pero sin caer en ninguna moraleja. Los espectadores suelen ser listos y estoy persuadido como cineasta de que la mejor moraleja se basa en contar las cosas como son”.

Después de esa inmersión en el mundo de Pablo Escobar y tras el rodaje en Colombia, el realizador madrileño confiesa que aquel país sudamericano ha cambiado de forma sustancial desde los años ochenta. La pacificación del país con los acuerdos de paz entre el Gobierno y las guerrillas, un cierto clima de reconciliación o la propia transformación de Medellín, cuna de Escobar, en una ciudad donde ha prosperado un impulso cultural configuran algunos de los ejes de la nueva Colombia.

Cuando se le pregunta a Fernando León sobre la excepcionalidad de un personaje como Escobar, el cineasta responde: “Por supuesto que el  narcotráfico no ha desaparecido ni en Colombia ni en otros muchos países del mundo, pero opino que hoy los narcotraficantes no buscan, sino todo lo contrario, ese reconocimiento que perseguía Escobar. Cabe recordar que el cartel de Medellín introducía el 80% de la cocaína que se consumía en Estados Unidos mientras Escobar se sentaba en el Parlamento colombiano porque había logrado un escaño de diputado. En la actualidad los narcos prefieren pasar más desapercibidos”.

De hecho, Pablo Escobar, como revela la película de Fernando León, no se conformaba con ser inmensamente rico y poderoso, sino que aspiraba al reconocimiento social, “a ser respetado”, como afirma en una secuencia del filme.

Fernando León evoca como anécdota que Escobar fue rechazado como socio del Club de Campo, algo que contrarió mucho al capo colombiano. En otro momento de Loving Pablo, el narcotraficante instruye a su pequeño hijo y le dice: “Si no puedes ser querido, has de ser respetado y si no hay más remedio, has de ser temido”.

El cineasta, con ganado prestigio de ser buen director de actores, relata que ha sido un placer trabajar con Bardem y Cruz y con el resto del elenco. “Contar ese universo social y político de Colombia en los años ochenta, con esos personajes, ha sido la parte más bonita de una película que hemos rodado en inglés porque así lo demandaba una producción ambiciosa, en la que ha participado Bardem y que opta a un mercado internacional. No obstante, Loving Pablo se distribuye en España tanto en copias en versión inglesa original como en versión doblada”.

Con una ya larga y galardonada filmografía a sus espaldas, que incluye títulos tan sobresalientes como Familia, Los lunes al sol o Un día perfecto; y con varios documentales en su haber, Fernando León de Aranoa no se siente incómodo con el calificativo de cineasta social y comprometido, aunque reniega de las etiquetas limitadoras.

“En cualquier caso”, afirma, “me interesa, sobre todo, la ficción como herramienta para acercarme a la realidad”. En esa línea Loving Pablo resulta un buen ejemplo de cómo  mostrar un personaje tan desmesurado en todos los sentidos, como el narcotraficante Escobar, partiendo de la realidad para trasladarlo a la gran pantalla.

MADRID, 4 (EUROPA PRESS)

El director Fernando León de Aranoa, autor de películas como 'Los Lunes al sol' (2002) y 'Princesas' (2005), ha presentado en Madrid su último largometraje, 'Amador', una reflexión sobre la vida de una inmigrante determinada por su pasado que lucha por un futuro mejor y con la que vuelve a la cartelera después de cinco años.

La presentación, celebrada en el Hotel ME, también ha contado con la asistencia de la actriz Magaly Solier, quien encarna el papel de la protagonista, y el actor Celso Bugallo, que le da la réplica en el filme con un personaje anciano que transita a un paso de la muerte.

La película narra la historia de Marcela, una inmigrante sudamericana que sobrevive en Madrid y que se ve empujada por las circunstancias a trabajar al cuidado de un anciano enfermo, Amador, un personaje que oculta su ternura bajo varias capas de aspereza.

Según el director, el personaje de Bugallo “ayuda a Marcela a montar el rompecabezas de su vida”, y para ello le habla del determinismo, de que las piezas de su vida “le vienen dadas”, pero “también de que es la única responsable de armar ese rompecabezas”.

“Me interesaba mucho ese determinismo, porque es verdad que decides en función de lo que puedes elegir, pero aquí todas las decisiones de la protagonista son suyas, y es ella quien elige luchar por seguir adelante, aferrada a la vida”, ha explicado el cineasta.

LA LUCHA POR LA VIDA

Marcela, en su condición de inmigrante, se encuentra desubicada en nuestro país, atrapada en una realidad compleja, ajena, en donde la lucha por la vida monopoliza su presente. “Me cautivaba esa lucha decidida por la vida, cómo se antepone a todo lo demás”, ha dicho.

Según él, la inmigración es un pretexto para contar la historia de Marcela y se presentó de forma automática cuando escribía el guión. “Vino a mí porque el 90 por ciento de las cuidadoras son extranjeras, pero podría ser la historia de una española”, ha indicado De Aranoa.

“Las películas se hacen para alcanzar al espectador, para hacerle partícipe de lo que les pasa a los personajes”, ha indicado el director, quien se ha felicitado de su suerte en el mundo del cine. “Hasta ahora, he hecho las películas que quería hacer”, ha precisado.

EN BUSCA DE LA SUTILEZA

Por su parte, la actriz peruana Magaly Solier, que obtuvo el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín el pasado año, ha explicado que trabajó durante cuatro meses para construir el personaje de Marcela, con el presente e Internet como fuentes de información.

“Casi me he hecho adicta de Internet para encontrar la sutileza de Marcela. Ella dice las cosas con miradas y, de alguna manera, he hallado la distancia de su mirada, hasta dónde podía mirar. Así, he llegado a conocer perfectamente al personaje”, ha indicado la actriz.

El director pensó en Magaly Solier después de escribir el guión de la película, ya que la peruana podía ofrecerle todos los matices de Marcela. “Yo la llamé para una prueba y ella pidió más tiempo, pero le dije que lo haríamos y si no salía, la repetiríamos”, ha dicho.

“De este modo”, ha añadido el director, “al final hizo la prueba y fue una maravilla. Luego, en el rodaje, llegué a pedirle consejo en algunas escenas, ya que tenía tan dominado el personaje que me podía ayudar. Y eso es un lujo para un director, no suele ser habitual”.

LA INFLUENCIA DE 'LOS LUNES AL SOL'

Asimismo, el cineasta ha ilustrado su relación con Celso Bugallo y la decisión de seleccionarlo para el papel de Amador. “Ya había trabajado con Celso en 'Los lunes al sol', y cuando escribía el personaje pensé en él inmediatamente”, ha expresado Fernando León.

Amador, un hombre huraño que repasa su vida con la muerte en la nuca, conserva el nombre y la hosquedad del personaje de Celso Bugallo en 'Los lunes al sol', una cinta protagonizada por Javier Bardem y Luis Tosar que se alzó en 2003 con cinco premios Goya.

Nacido en Madrid en mayo de 1968, Fernando León de Aranoa ha cosechado diversos galardones nacionales e internacionales a lo largo de su carrera y ha escrito y dirigido varios largometrajes, entre los que figuran 'Familia' (1996), su ópera prima, y 'Barrio' (1998).