Puede que no sepas quién es Sienna Rose, pero tres canciones bajo su nombre han llegado a estar entre los 50 temas más escuchados del día en Spotify. No te preocupes, es normal que no sepas mucho sobre su existencia: no tiene identidad pública, tampoco cuenta con perfil en redes sociales y su presencia en internet es nula. Esta invisibilidad como artista responde a que detrás de lo que aparenta ser una cantante de soul se encuentra una inteligencia artificial, que ni siquiera advierte de que lo es. De hecho, ojear las listas de éxitos de las principales plataformas de streaming y que aparezcan canciones hechas con IA se ha vuelto algo cada vez más común.

El problema radica en que empieza a ser frecuente que la gente escuche este tipo de temas creyendo que quien los canta es una persona real. Según un estudio del servicio de streaming Deezer, el 97% de los oyentes no sabe distinguir entre música generada por IA y música hecha por humanos en una prueba a ciegas con dos canciones de IA y una real. A Spotify le interesa elegir las canciones que escuchas, pero el aumento en sus playlists de aquellas hechas con inteligencia artificial ha elevado todavía más la preocupación del sector. Tanto es así que Echoberyl, grupo francés que se ha convertido en una referencia dentro de la música electrónica y darkwave, ha hecho un llamamiento a la industria.

La banda integrada por Cecilia Dassonneville y Adriano Iacoangeli —que tocará en Madrid el próximo 16 de mayo— propone una acción sencilla que ayuda a saber si algo ha sido creado o no por humanos: identificar cada lanzamiento con una etiqueta que señale que no se ha utilizado la IA, una idea que consideran importante “por respeto al público”. “La gente se siente traicionada cuando descubre que un artista al que han escuchado y apoyado es en realidad falso. En un mundo de apariencias, la sinceridad puede ser la última salvaguarda”, declara Dassonneville a elDiario.es, añadiendo que “también es una forma de destacar el trabajo de artistas que luchan mucho por ganarse la vida con esta profesión y que ven cómo se copia su obra”.

Advertencia: 100% hecho por humanos

Esta etiqueta es similar a lo que se hace actualmente con el “Parental Advisory: Explicit Content”, un sello en la portada de los discos que informa a los consumidores sobre la presencia de lenguaje fuerte, contenido sexual, violencia o referencias al consumo de drogas en grabaciones de audio. Adriano Iacoangeli argumenta que no ve “por qué no se debería aplicar el mismo concepto a la IA generativa” y explica que esta etiqueta podría llamarse “No IA Used (No se ha usado IA)”, pero que hay quien ha sugerido alternativas como “100% hecho por humanos” por temor a la negación en la frase que ellos propusieron.

“Hoy en día no deberíamos ser demasiado sutiles al respecto, porque hay muchísima gente haciendo trampa, ganando mucho dinero con ello, y que hará todo lo posible por ocultar que la están haciendo”, detalla el músico, que celebra junto a Dassonneville que la mayoría de compañeros ha respondido de forma muy positiva a la propuesta y está dispuesta a apoyarla. “Esto es muy tranquilizador y nos da esperanza”, confiesa la vocalista, que teme que el trabajo de los artistas quede eclipsado por la inteligencia artificial. “Crear música requiere tiempo y dedicación. Con la IA, todo va más rápido, por eso se han publicado tantas canciones generadas por IA durante el último año”, comenta.

Estas canciones perjudican de manera directa al resto de artistas, sobre todo porque, en plataformas como Spotify, a los autores no se les paga una tarifa fija por reproducción, sino en función del streamshare. Spotify explica en qué consiste: “Calculamos el streamshare sumando el número total de reproducciones en un mes determinado. Si un artista representa el 1% de todas las reproducciones en un país concreto, sus titulares de derechos reciben el 1% de las regalías de grabación que pagamos allí”. Esto significa que cuantas más canciones se publiquen en general, menos vale cada reproducción individual. Si aumenta el porcentaje de canciones con IA, el resto de artistas gana cada vez menos.

“Sin embargo, esperamos que crear música de forma orgánica pueda, en última instancia, ayudar a los artistas a destacar, ya que la música generada por IA no es muy creativa y, por lo general, imita otras canciones”, cuenta Dassonneville, siendo esta la razón por la que proponen que se indique claramente una distinción que haga a los oyentes poder tomar su propia decisión. Aun así, más allá esto, Iacoangeli considera que “se debería impedir a las grandes corporaciones de software —propiedad de personas cuya única experiencia es escribir código— entrar en mercados como la música, la ilustración y la literatura, que no son su ámbito de competencia”.

Bandcamp, la principal plataforma de música independiente, prohibió la IA en su catálogo a inicios de año, por lo que todo lo que se escuche ahí está hecho por humanos. “Si encuentras música o audio que parezca haber sido creado total o parcialmente mediante inteligencia artificial generativa, o que dependa en gran medida de ella, utiliza nuestras herramientas de denuncia para que nuestro equipo revise el contenido. Nos reservamos el derecho de eliminar cualquier música si sospechamos que ha sido generada por IA”, alegó Bandcamp en un comunicado, destacando que “la música es mucho más que un producto de consumo” y que “los músicos son más que meros productores de sonido”.

Por su parte, Deezer alertó la semana pasada de que recibe al día casi 75.000 canciones generadas por IA al día, lo que representa aproximadamente el 44% de sus publicaciones diarias. Es por ello que ha optado por informar a sus usuarios de si están escuchando o no a una persona real con un cartel bajo el disco o la canción. Spotify y Apple Music también trabajan en implementar elementos similares. “Si alguien es feliz escuchando música cliché generada por una máquina y fantaseando con la imagen provocativa de un cantante creado en un ordenador, es su problema”, dice Adriano Iacoangeli. “Pero si el público empieza a evitar ese contenido, entonces tomarán medidas para limitar sus pérdidas en publicidad y suscripciones”, declara el artista. De hecho, YouTube ha empezado a desmonetizar activamente los canales que dependen mucho del contenido generado por IA.

Los artistas, a la acción

La propuesta de Echoberyl no es la única que ha surgido en los últimos meses con tal de combatir el auge de la inteligencia artificial. Como acción reivindicativa, el grupo británico-australiano Dead Can Dance, del que forma parte Lisa Gerrard, la autora de bandas sonoras como Gladiator, ha anunciado su vuelta con nuevos temas, pero no los publicarán en plataformas como Spotify: “Hemos decidido dejar de apoyar a las plataformas de streaming que siguen explotando a los artistas y promoviendo la música generada por IA”.

La banda ha alegado que a partir de ahora venderá su música a través de Bandcamp, una “plataforma que sigue apoyando a los artistas independientes y que, de forma encomiable, ha prohibido toda forma de música generada por IA, una tecnología que amenaza la esencia misma de nuestra profesión”. Ya ha lanzado dos canciones, Our Day Will Come y Death Cults, y todo lo recaudado con la primera de ellas irá destinado a la organización médica palestina MAP (Medical Aid for Palestinians). “MAP realiza una labor increíble proporcionando atención médica, así como alimentos y ayuda nutricional al pueblo palestino”, ha recalcado Dead Can Dance en redes sociales.

Asimismo, para protegerse de la IA, Taylor Swift ha solicitado el registro de su voz e imagen como marca. Se trata de una decisión tomada por la artista después de haber experimentado de primera mano cómo se han viralizado versiones de sus canciones o temas que imitan su voz con inteligencia artificial, además de imágenes falsas difundidas por Trump que pretendían demostrar que tanto ella como sus fans lo respaldaban. Por su parte, Echoberyl ha defendido que “la falta de recursos estimula la imaginación”: “Siempre existe la posibilidad de crear algo. Creo que es mucho mejor ser sincero y trabajar con lo que se tiene, aunque el resultado sea imperfecto. Ahora solo parece importar el éxito del resultado final. Todo empieza a parecer igual. Eso es muy triste y empobrece un poco el mundo”.

En un momento en el que uno mira a su alrededor y no puede evitar sentirse desesperanzado ante lo que ocurre en el mundo, quizás la verdadera resistencia sea tener entusiasmo. Al menos, al entusiasmo ha abogado Biznaga en su encuentro con socias y socios este miércoles en la redacción de elDiario.es. El grupo, convertido en una de las voces más contundentes del punk contemporáneo, ha defendido la industria musical como un lugar en el que todavía puede ser posible —y debe serlo— luchar por causas que preocupan a la sociedad. “Nuestra manera de estar en la industria es sin hacer muchas concesiones”, ha defendido Jorge 'Milky' Ballarín.

La banda ha aprovechado la charla moderada por Laura García Higueras, redactora de Cultura, para reivindicar que usar el arte para manifestarse políticamente sigue siendo necesario. “Los conciertos más emocionantes que hemos dado son los que no tienen que ver solo con la música. El hecho musical trasciende, se diluye en un clamor más grande y todo toma dimensiones muchísimo mayores”, ha explicado Jorge Navarro. “Hay determinadas luchas con las que nos sentimos identificados y tratamos, en el ámbito de la cultura y de la música, participar en esa conversación social. Eso implica dar réplica a lo que se está hablando en la calle”, ha agregado el letrista.

Tanto es así que Jorge 'Milky' Ballarín ha indicado que en Biznaga “no hay disco de amor, pero sí de amor a la clase social, a tus vecinos”. El batería de la banda ha celebrado que se puedan hacer “canciones que recogen luchas sociales” y que se genere “una energía buena que se va retroalimentando”. “Nos gusta que la gente esté en la calle militando y que nosotros hagamos canciones que lo recojan”, ha declarado. Por su parte, Jorge Navarro ha apuntado que consideran “lógico y potente” poder “tocar en un edificio comprado por un fondo buitre”, colaborando, desde su posición como grupo, en acciones de protesta que tienen la capacidad de lograr cambios.

“Surge hablar de la vivienda porque es algo con lo que nos hemos encontrado no solo nosotros como miembros de Biznaga, sino nuestro entorno, colegas”, ha señalado Álvaro García. “Lo hemos sufrido en primera persona y Jorge lo ha reflejado en las letras, lo que nos ha llevado a estar en contacto con colectivos implicados. Hemos blindado el escenario para que esta gente se de a conocer”, ha argumentado el vocalista de la banda, añadiendo que “la música tiene el poder de movilizarte incluso si no comprendes lo que dice la canción”. “Cuando se mezcla la melodía que te llega con una letra con la que te sientes apelado, puede ser algo muy potente”, ha apuntado.

Para tratar de convivir con las contradicciones a las que empuja constantemente el sector, Jorge 'Milky' Ballarín confiesa que se detienen a pensar mucho las cosas. “Estar en la industria musical lo llevamos como estar en la ciudad de Madrid. Es como si decides ir al Primark, a un Burger King, o si todo tu ocio es alternativo... Lo meditamos todo mucho, intentamos tener agencias sobre nuestras decisiones... Somos bastante independientes a la vez que queremos vivir de ello. Hace un año estábamos reflexionando sobre a qué tipo de festivales íbamos a dejar de ir y si eso era posible. Puedes decir se acabó a muchas cosas pero ¿cómo pagas las facturas?”, ha inquirido el batería.

“Vamos lentos en ese sentido, pero las decisiones que vamos tomando son para quedarse. Nos gustaría ser más ambiciosos, pero esa ambición también nos gustaría tenerla a nivel personal”, ha asegurado Ballarín. Esta reflexión, que los ha llevado a considerar si participar o no en determinados festivales, la llevan haciendo incluso antes de que se desvelaran los vínculos del fondo de inversión KKR con Israel, afectando a numerosos festivales españoles. “En el transcurso de los años, los festivales se han convertido en un problema a la programación cultural. Incluso el desplazamiento cultural que hacen y el modelo cultural que plantean”, ha argumentado el artista.

“Desde el Rototom hasta el Viñarock, son festivales que nos molaban y que ahora no nos molan en cuanto a modelo cultural”, ha afirmado Jorge 'Milky' Ballarín. “No nos hacía falta para pensar mal sobre Spotify enterarnos de que su CEO está usando fondos para invertir en armamento. Spotify ya daba asco antes de eso, pues el Viñarock también”, ha declarado de manera tajante. Asimismo, Jorge Navarro ha explicado que “hay que saber jugar con las contradicciones y saber lidiar con ellas”: “Hay gente en situaciones de poder que tampoco dice que no porque no ha hecho un ejercicio de reflexión. Nosotros sí lo hacemos”.

Aun así, son conscientes de que hay quien contribuye a las causas sociales con más intensidad. “Hay circuitos underground totalmente fuera de la industria que hacen mucho más que nosotros”, ha comentado Álvaro García. “Vivimos de esto y tenemos nuestras contradicciones, desde tocar o no en determinados festivales, pero intentamos ser lo más honestos posible. Sin embargo, hay gente que hace esto de una manera totalmente militante, no están en Spotify, no te salen en las redes...”, ha agregado. De hecho, Jorge Navarro ha contado que “hay grupos que no tienen tanta visibilidad que no solo hacen música política, sino que contribuyen a que exista la música políticamente”.

La estructura de la industria musical

“Lo que está bien es que eso cada vez se abra a más estilos”, ha sugerido Navarro. “En Gran Bretaña, por ejemplo, el pop siempre ha sido un vehículo de crítica social, y nosotros también reivindicamos que los grupos pop no van a dejar de molar por llevar un discurso no solo en las letras y en lo estético, sino en las decisiones que toman y la forma que tienen de manifestarse desde lo político”, ha indicado. Ballarín ha apuntado que lo importante es no perder ni su personalidad como grupo ni los principios: “La industria musical es una estructura a la que se sirve, pero nosotros intentamos ceñirnos a componer, a grabar y a tocar”.

Entre las curiosidades que ha desvelado la banda se encuentra la de que el Mad Cool les llegó a pagar incluso dos veces cuando formaron parte de su cartel: “Nos lo callamos, pero nos lo reclamaron. Tienen un buen departamento de contabilidad y nos dijeron que devolviéramos la última transferencia”. Pero este no ha sido el único de los momentos destacados del encuentro, pues los integrantes de Biznaga han tocado varias canciones de su repertorio: El entusiasmo, Domingo especialmente triste, Agenda 2030, Benzodiazepinas y El futuro sobre plano. Son temas que reflejan el discurso político y social de la banda y que el público ha disfrutado por todo lo alto.

Además, la banda no ha concluido la conversación sin reivindicar las bandas femeninas que están triunfando actualmente en la escena musical. “Hay tantos grupos tan buenos integrados por mujeres, que si no los incluyes en tu cartel ya no solo es una cuestión de machismo, sino de mal gusto. No sabes valorar un grupo con una calidad importante”, ha señalado Jorge Navarro. Este también ha celebrado la evolución del grupo con el tiempo. “El viraje lírico de Biznaga, como todo proyecto creativo, ha tardado un tiempo en encontrar su voz propia. Los Biznaga de ahora no son los del principio en absoluto y es bueno que sea así. Hemos ido transitando por diferentes momentos vitales y esto se ha seguido manifestando en los discos. Hemos experimentado una evolución y eso es positivo”, ha concluido.

Hace varias décadas, dos niñas en una habitación de Tijuana (México) escuchaban una y otra vez un casete que les había traído su padre. El casete, que apareció en casa poco tiempo después de que este encontrara a sus hijas besando a sus respectivos novios, reproducía en bucle una conferencia sobre la “perdición de las mujeres si se relacionaban con hombres antes del matrimonio”. Un día que el padre las encontró con las manos en los cuerpos, las niñas tuvieron que escuchar la conferencia cien veces y transcribirla a máquina. Ellas eran Julieta Venegas y su hermana Yvonne, y este uno de los sucesos que rememora la cantante en su libro de memorias Norteña (Las Afueras, 2026).

La primera incursión de la intérprete en el sector literario es un relato sobre su juventud, donde ahonda en cómo sus vivencias la hicieron alcanzar una voz propia capaz de conectar con personas de todo el mundo. Aquel casete, que su hermana y ella acabaron aborreciendo, fue uno de los detonantes de la libertad que acabaría caracterizando el arte de Julieta Venegas. Tanto fue así que, cuando ambas descubrieron que el casete era tan solo una cinta endeble, la desenrollaron y la destrozaron. “Toda la vida he escrito diarios, pero siempre ocultando mucho tras todas las cosas que decía”, cuenta la autora en un encuentro con un número reducido de medios. “Este ha sido un ejercicio de sacarme el pudor, de aceptación”, reconoce.

Aunque la artista mexicana señala que las canciones le han dado la posibilidad de ser autobiográfica porque son “muy abiertas a interpretación”, apunta que serlo a través de la narrativa es más complicado. Pese a esto, Venegas se abre por completo con respecto a las dinámicas familiares, que se vuelven un eje importante de Norteña. “A los padres mexicanos les viene muy bien que las mujeres escribamos memorias sobre ellos porque la figura del padre siempre ha sido muy importante en la cultura latinoamericana”, afirma la autora, agregando que la relación con su padre ha cambiado mucho con los años y “se ha podido revisar porque se ha deconstruido muchas veces”.

Esta evolución en sus relaciones, que Julieta Venegas confiesa que ha supuesto una gran enseñanza tanto para ella como para su hermana, se une también al hecho de que crecieron en Tijuana, una ciudad de la que cuenta que crecer allí es “hacerlo en dos lugares a la vez”. Todo ello ha impactado en la perspectiva de Venegas sobre aquello que la rodea, pues la obra lleva al lector a una fila infinita de coches frente a la frontera con EEUU, que ella define en el libro como un “micromundo con su propia dinámica”. Entre vendedores de figuras de yeso de Jesucristo y señores cantando rancheras con bocinas gigantes, la cantante aprendió lo que es la espera.

La compositora de Limón y sal recuerda la frontera como una “cicatriz latente”, un espacio de mezcla cultural donde “The Cure se llevaba bien con Juan Gabriel”, pues lo estadounidense era omnipresente y ambos mundos se fusionaban constantemente. “Crecí con muchos contrastes”, explica Julieta Venegas. “Tenía esta mezcolanza de la cotidianidad de EEUU, porque en Tijuana se siente esa presencia. No había internet, pero veía tele gringa en vez de mexicana, escuchaba música en inglés y en español...”, declara, comentando que cuando naces en un país no te visualizas habiendo nacido en otro. “Yo no imagino mi vida sin tener esas diferencias, que eran elementos de tensión”, argumenta.

Más adelante, cuando la cantante llegó con 21 años a Ciudad de México, vivió en una “minicasa” que no tenía llave. Allí conoció la “soledad feliz y triste”, como escribe en sus memorias, un espacio necesario para convertirse en adulta que impulsó su creatividad y que contrasta con la crisis de vivienda que imposibilita a las nuevas generaciones de artistas poder independizarse. “Se está moviendo tanto el mundo con la gentrificación que de repente ya no sabemos dónde se acomoda esa comunidad que conocíamos, dónde se acomoda la gente que un día estaba en un lugar y que tuvo que mudarse”, reflexiona Venegas.

Hay algo muy racional en la expresividad femenina que tiene que ver con la sexualidad, con el cuerpo, y que es también muy natural

Julieta Venegas — Cantante

Echando la vista atrás, la artista rememora cómo desde su primer disco, Aquí (1997), fue la “más pudorosa del mundo”. Sin embargo, cuenta que era la forma que había elegido de expresar su feminidad. “Hay algo muy racional en la expresividad femenina que tiene que ver con la sexualidad, con el cuerpo, y que también es muy natural”, justifica la mexicana. Para ella, era prioritario tener la opción de mostrarse a través de las canciones: “Éramos pocas mujeres compositoras y yo siempre remarqué mucho eso. Hay algo en la composición femenina que sí marca una diferencia y sí marca un espacio que quizás en la televisión o en la radio no se entendía tanto, pues no era música comercial”.

No obstante, Julieta Venegas considera que la situación en la industria es ahora “muy diferente” y “superinteresante”. “Estamos en un momento de despliegue muy bonito. Ya no hay tanto juicio o de tener que estar haciendo algo de una manera determinada”, indica la cantante. Sin embargo, apunta que “sigue habiendo la cuestión de sentirte como la impostora”: “Es una sensación con la que tenemos que pelear mucho. Es increíble que a estas alturas de mi vida la siga teniendo presente. A mí me tomó mucho tiempo liberarme de un montón de capas de inseguridades, de decir, 'esto es lo que soy y no la mujer que se esperaba de mí'”.

Pese a que la artista sostiene que a las mujeres les toca “pasar por muchas luchas internas y pelear por llegar a un lugar específico”, asegura que “las plataformas han abierto el mercado y hay fenómenos tanto masculinos como femeninos”. “Ya no hay tantos filtros como antes y los proyectos se desarrollan de otra manera. Antes sí había más gente, como los porteros, que dictaban quién sonaba en la radio o a quién iban a firmar en la discográfica, pero ahora la independencia te permite llegar de otras maneras”, declara Julieta Venegas. La cantante, de hecho, no abandona la música: lanzará un disco en los próximos meses con el mismo título, Norteña.

Las memorias de la artista se publicarán en cinco editoriales diferentes (Almadía en México, Blatt&Ríos en Argentina, La Pollera en Chile, Laguna en Colombia y Las Afueras en España) en vez de firmar por un gran grupo. “Admiro mucho las editoriales independientes. Todas las editoriales con las que estamos trabajando son editoriales que quiero mucho y admiro”, detalla la cantante. “Siempre he sentido que las independientes se acercan de otra manera a lo que publican. Se me hace bonito hacerlo así en vez de buscar a una multinacional. Ya he trabajado con multinacionales haciendo discos, por lo que ese camino ya me lo sé”, explica. Julieta Venegas indica que la experiencia trabajando con estas editoriales independientes ha sido “muy enriquecedora” y destaca que tienen “otra manera de trabajar los libros”.

Taylor Swift ha presentado nuevas solicitudes de registro de marca para blindar su voz e imagen de cara a protegerse de las amenazas que plantea la inteligencia artificial (IA), informó el despacho de abogados Gerben IP. Los documentos fueron presentados en nombre de TAS Rights Management el 24 de abril y suponen “un cambio más amplio en la forma en que las celebridades están aplicando la ley de marcas para luchar contra la IA”, de acuerdo con una publicación escrita por el abogado especializado en propiedad intelectual Josh Gerben.

Entre las solicitudes de la cantante, dos corresponden a marcas sonoras que cubren su voz: “Hey, it’s Taylor Swift” y “Hey, it’s Taylor”. La tercera es una marca visual que abarca “una fotografía de Taylor Swift sosteniendo una guitarra rosa con una correa negra, mientras viste un body iridiscente multicolor y botas plateadas”, un atuendo que está relacionado con sus actuaciones durante 'The Eras Tour'.

De acuerdo con el abogado, la medida de Swift puede proporcionar una capa adicional de protección a la que ofrecen las leyes vigentes sobre el “Derecho a la propia imagen” contra el uso no autorizado de la imagen de una persona famosa. “Al registrar frases específicas vinculadas a su voz, Swift podría impugnar no solo las reproducciones idénticas, sino también las imitaciones que sean 'confusamente similares', un criterio clave en la legislación sobre marcas registradas”, explica el escrito de Gerben.

Sobre la presentación de demandas basada en imágenes, el abogado detalló que “al proteger un elemento visual distintivo, como el mono que Swift suele usar y su pose, el equipo de Swift puede obtener argumentos adicionales para presentar demandas contra imágenes manipuladas o generadas por IA que evoquen su imagen”.

La imagen de Taylor Swift ha sido utilizada sin su consentimiento en distintos contenidos falsos creados con inteligencia artificial, incluyendo imágenes pornográficas que circularon por internet. Incluso antes de las elecciones presidenciales de Estados Unidos de 2024, Donald Trump compartió imágenes creadas con IA que daban a entender, de forma engañosa, que Swift lo apoyaba. La artista se suma en esta medida al actor Matthew McConaughey, quien registró marcas similares en los últimos meses para proteger su voz e imagen. En 2025, la Oficina de Patentes y Marcas de Estados Unidos concedió ocho marcas registradas al actor.

Nedra Talley Ross, la última integrante que quedaba viva de las Ronettes, ha fallecido a los 80 años. La artista fue una de las fundadoras, junto a sus compañeras y también primas Estelle Bennett y Ronnie Spector, del icónico grupo de pop que alcanzó el estrellato en los años 60. Según ha publicado su hija Nedra K. Ross en redes sociales, “falleció tranquilamente en su propia cama, en casa, rodeada de su familia y sabiendo que era querida”.

La cuenta oficial de las Ronettes en Facebook ha anunciado la muerte en Facebook: “Con gran pesar comunicamos el fallecimiento de Nedra Talley Ross. Fue una luz para quienes la conocieron y la quisieron”. “Como miembro fundadora de las Ronettes, junto a sus queridas primas Ronnie y Estelle, la voz, el estilo y el espíritu de Nedra contribuyeron a definir un sonido que cambiaría la música. Su aportación a la historia del grupo y su influencia determinante perdurarán para siempre”, ha añadido.

La artista fue creadora de éxitos como Be My Baby, Baby I Love You, Walking in the Rain y I Can Hear Music. Aunque su fama no se alargó demasiado en el tiempo y solo publicaron un disco durante su trayectoria, estos hits ejercieron una gran influencia en el sonido de los años 60 y llegarían a alabarlas artistas como los New York Dolls, Bruce Springsteen o Billy Joel.

Nacida en Manhattan en 1946, Talley Ross comenzó a actuar con sus primas cuando eran adolescentes, hasta que formaron las Ronettes en 1957. Consiguieron una residencia en un club local y un contrato discográfico, pero sus primeros singles no lograron entrar en las listas de éxitos. Fue más adelante cuando, de la mano del productor Phil Spector, quien recientemente había cosechado una serie de hits, empezaron a dominar en las radios.

Karol G prepara su regreso a los escenarios este verano. Después de convertirse en la primera artista latina en encabezar el cartel de Coachella, la cantante colombiana ha anunciado que volverá a actuar en los estadios de gran parte del mundo, con fechas en Norteamérica, Latinoamérica y Europa. Su visita a España, eso sí, no ocurrirá hasta 2027. La artista hará paradas el 3 de junio en el Estadi Olímpic Lluís Companys de Barcelona, el 11 de junio en La Cartuja de Sevilla y el 24 de junio en el Riyadh Metropolitano de Madrid.

Si quieres hacerte con entradas para alguno de estos conciertos, la preventa arranca este lunes a partir de las 10:00 horas, en la que se espera que haya una alta demanda tras el furor causado por la colombiana después de su actuación en Coachella. A esta preventa solo pueden acceder los usuarios que se hayan registrado en este enlace antes del viernes 24 de abril a las 16:00 horas, por lo que de momento no se puede rellenar el formulario.

No obstante, quienes deseen obtener entradas para ver a Karol G todavía tendrán más oportunidades, así que no te preocupes si no te registraste para la primera preventa. Dos días más tarde, el 29 de abril, tendrá lugar una segunda preventa, de la mano de Live Nation, a partir de las 10:00 horas. Para tener opciones de comprar tickets en esta preventa es necesario registrarse en este enlace. Cada fan podrá hacerse con hasta seis entradas.

Una vez hayan sucedido las dos preventas, la venta general de entradas de Karol G dará inicio el jueves 30 de abril a las 10:00 horas tanto en Live Nation como en Ticketmaster. Los fans volverán a tener la posibilidad de hacerse con seis entradas y se recomienda que entren a la cola virtual con media hora de antelación, es decir, a las 9:30 horas. No es necesario registrarse en ninguna parte para entrar a la venta general de entradas, pero vuelve a esperarse una alta demanda.

Los precios de las entradas

Los precios de las entradas de Karol G con su gira Viajando por el mundo Tropitour van desde los 285,50 euros hasta los 70,50 euros, según indica Live Nation. Las entradas 200 Copas Pit cuestan 285,50 euros, las entradas Golden Circle cuestan 161 euros, las de pista general cuestan 127 euros, las de gradas 1 cuestan 161 euros, las de gradas 2 cuestan 138 euros, las de grada 3 cuestan 104 euros, las de grada 4 valen 93 euros, las de grada 5 tienen un precio de 81,5 euros y las de grada 6 cuestan 70,5 euros.

En 2024 Karol G llenó cuatro veces el estadio Santiago Bernabéu con la gira Mañana será bonito. Con ese tour internacional vendió 2,3 millones de entradas en 62 fechas y generó más de 300 millones de dólares. Además, el álbum homónimo, el primero en español de una artista femenina en debutar en el número 1 del Billboard 200, obtuvo el Grammy al Mejor Álbum de Música Urbana. A esos logros se suman ocho premios Grammy Latinos.

El pasado abril la artista expresó su deseo de poder pronunciarse con mayor libertad sobre las acciones que el Servicio de Inmigración y Control de Aduanas de Estados Unidos (ICE) lleva a cabo en el país, así como su miedo a hacerlo. “La gente dice: 'Es mejor que no lo hagas'... ¿Por qué?, porque si dices algo, tal vez recibas una llamada el día siguiente: 'Oye, te retiramos la visa'. Te conviertes en carnada de algunas personas que quieren demostrar su poder”, explicó en una entrevista.

Edwyn Collins ha sobrevivido a un ictus, al rechazo de la industria, al éxito y al olvido. Después de casi cincuenta años haciendo música, ha decidido, como él dice, “colgar las botas”. Lo hace con una gira española que comienza el próximo día 29 en Bilbao y pasará por Madrid, València, San Sebastián, Barcelona, Zaragoza y otras ciudades españolas. Una despedida en la que sonarán canciones de Orange Juice, su primera banda, y de su repertorio en solitario.

“Se acabaron las giras, eso fue lo que me dijo Grace, tienes que retirarte”. La Grace a la que se refiere Edwyn Collins está a su lado y ríe con él. Además de ser su esposa y la madre de su hijo Will, Grace Maxwell lleva gestionando su carrera desde hace más de cuarenta años. Y desde hace veinte, a partir del doble derrame cerebral que su marido sufrió en 2005, también ejerce como apoyo durante las entrevistas. Las conversaciones con los dos suelen ser muy divertidas, más aún si, como en este caso, son por videollamada.

Juegan a hacer ver que se pasan la vida discutiendo, pero lo que reflejan sus bromas es otra cosa. Para quienes no estén familiarizados con su nombre, explicar que el escocés Edwyn Collins fue uno de los artífices de eso que los británicos, allá muy a finales de los setenta, denominaron indie. Un término que no tiene nada que ver con lo que musicalmente representa esa misma palabra ahora en España.

El indie inglés era una corriente pop que sonaba anémica y apresurada a la vez. No era más que una reformulación del pop de toda la vida, pero hecho tal como se empezó a hacer la música después de 1977, después del punk. El indie eran Josef K, The Go-Betweens, Aztec Camera y, por supuesto, Orange Juice, el grupo con el que Collins se dio a conocer. Con ellos intentó que el rock olvidara los prejuicios y se abriera a la música negra.

En cuanto a lo de las giras, han llegado a su fin porque Edwyn está cansado. La enfermedad le dejó secuelas, pero siguió grabando discos, algunos de ellos excelentes, como Losing Sleep (2010) y Understated (2013), también realizó algunas giras. Pero, cercano ya a cumplir los 67, esta que en breve le traerá por España y que ha sido bautizada como Testimonial Tour, será la que marque su despedida de los escenarios. “De todos modos, nunca fui una persona de grandes giras”, añade Collins.

“En 1995, cuando A Girl Like You se convirtió en un éxito mundial, estuve dando conciertos durante un año y medio”. “¿Y qué dijiste al terminar la gira?”, interviene Grace. “Nunca más”, responde su marido riendo. “Después de visitar España voy a colgar las botas —añade él— y me voy a dedicar a vivir tranquilamente en esta casa, en el pueblo donde nació mi abuelo. 600 habitantes. Es perfecto”.

Grace entonces explica que, para que pudieran dejar su residencia en Londres, tuvieron que construir en la casa de las Highlands un estudio de grabación. Edwyn ha estado registrando alguna canción con su hijo Will, que quizá esté en su próximo álbum. “Ya no hace falta sacar álbumes, ahora basta con subir una canción a Internet. Estás anticuado, Edwyn”. Los dos vuelven a reír.

Hace poco más de un año que publicó su último disco, Nation Shall Speak Unto Nation. Una de sus canciones, la que apareció como sencillo y que lleva los cromosomas de sus mejores creaciones, suena en Testimonial Tour. Se llama Knowledge (traducible aquí como entendimiento) y su estribillo dice: “El entendimiento es mi amigo / Primero lo perdí y ahora lo he encontrado / El entendimiento es mi amigo / Aun así es difícil capturarlo”. “Pasé seis meses en el hospital. Tuve que pelear mucho para recuperar el entendimiento. A veces me cuesta mucho acordarme de las cosas, y eso dificulta la comunicación”, cuenta Collins.

Grace y él se conocieron en 1984, cuando Orange Juice daba ya sus últimos coletazos. Collins nunca fue un artista dócil y la industria quería sacarle el máximo provecho a una banda que había tenido éxitos locales como Rip It Up. Cada vez que veía a las fans gritar de emoción, él sentía más reticencias hacia la fama.

The Orange Juice, el tercer álbum, apareció a finales de aquel año. Una despedida sellada unos meses más tarde, cuando participaron, junto a Aztec Camera y Everything But the Girl, en un concierto de apoyo a los mineros que plantaron cara a las políticas de Thatcher con una huelga general. Ese día anunciaron su disolución. Edwyn siempre fue un insumiso y un cabezota que se negaba una y otra vez a pasar por el aro de las discográficas. Convertida en su mánager, Grace le apoyó para que se mantuviera fiel a sus principios. “Me contrataste como mánager del grupo y un año después, el grupo ya no existía. Un gran comienzo”, comenta ella riendo una vez más.

De repente, surge una anécdota que explica muy bien a Edwyn Collins. Poco después de que Grace empezara a trabajar para Orange Juice, asistieron a una reunión con un ejecutivo de Polydor, la discográfica que los había contratado en 1981. Por aquel entonces, la formación del grupo se limitaba a Edwyn y el batería Zeke Manyika, un emigrante de Rodesia que en aquel momento no tenía sus papeles en regla. Salir de Inglaterra habría imposibilitado que pudiera volver a entrar en el país. Y el ejecutivo en cuestión insistía en que, para consolidarse como banda, tenían que salir a actuar por Europa. “Si no haces eso jamás tendrás una carrera”, insistía aquel tipo.

Entonces Collins se levantó de la silla, se inclinó hacia él, acercó su rostro al suyo y le dijo: “Ni se te ocurra seguir presionándome”. “Hoy en día soy una persona mucho más amistosa”, afirma él sonriendo. “Lo que ocurrió —termina de explicar Grace— es que dejaron de apoyarnos. Pero aprendimos a salir adelante por nuestros propios medios”. La carrera en solitario comenzó en un sello que montó Alan McGee en paralelo a Creation, aunque no era exactamente una independiente. Elevation estaba financiada por Warner, por eso la aventura duró muy poco. Collins publicó allí dos singles, Don’t Shilly Sally y My Beloved Girl que merecían mucho más éxito del que tuvieron. La primera sonará en sus conciertos españoles.

Después de dos álbumes en solitario, Hope & Despair (1989) y Hellbent On Compromise (1990), llegó el éxito inesperado. De manera espontánea, A Girl Like You se convirtió en una de las canciones estrella de 1995 y también en un clásico del pop de todos los tiempos. “Sin duda fue uno de los mejores momentos de mi carrera. Aquello me proporcionó mucha independencia”, dice Collins. Grace interviene: “A veces algún periodista le pregunta si esa canción no se ha convertido en una carga. Lo primero de todo, es una gran canción. Y no hay por qué avergonzarse del éxito. Fue muy importante que un artista independiente tuviera semejante repercusión, eso le permitió poder hacer muchas otras cosas”.

A Girl Like You es, además de una composición sublime, la síntesis de todo aquello que conforma el talento de Collins. Melodía, imaginación, conocimiento enciclopédico del pop, magnetismo, buen gusto. Si le preguntas si es consciente de cuánto ha influido en generaciones posteriores de músicos —de Johnny Marr a Franz Ferdinand—, él responde con humildad: “¿Seguro que no te estás equivocando de persona?”.

Al poco de salir elegido Primer Ministro del Reino Unido, Kier Starmer fue invitado a un programa de radio para hablar de los discos que se llevaría a una isla desierta. Entre las canciones elegidas estaba Falling And Laughing, uno de los primeros singles de Orange Juice. “Nos conocimos en 2017 —explica Edwyn— y nos contó que había ido a verme en directo varias veces. Parece uno de los buenos. En noviembre nos invitó a visitarle en Downing Street. Había comprado entradas para los conciertos de despedida en Londres, para al final no pudo asistir por culpa de algún asunto de Estado. Nos escribió disculpándose, diciendo que lo sentía de verdad. Son cosas que ocurren cuando eres primer ministro”. Y son cosas que ocurren cuando eres Edwyn Collins y has patentado una manera de hacer música pero te resistes a dormirte en los laureles, a dejar de avanzar, de seguir al instinto, de crear estupendas canciones.

Cambia la década del 80 al 90 y en España la música se ha vuelto comercial, aburrida, adocenada, domesticada. Aún falta un poquito para que explosione una nueva escena indie o alternativa que desgarre lo anterior. Así que mientras tanto, mientras nada pasa, llega en susurros la onda expansiva de una revolución que está sucediendo en México: el rock subterráneo ya no duerme bajo la tierra.

Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, Fobia, Alquimia, Neón o Caifanes surgían en México, poco después del gran terremoto que asoló el país en el 85, construyendo a partir de esos escombros una nueva identidad del rock mexicano, con influencia anglosajona del postpunk y la new wave pero también del acervo folclórico propio, cantada en español, de una sonoridad única.

“No existía una escena de rock dentro del mainstream. Estábamos tocando en las coladeras, en los lugares clandestinos y en donde se pudiera, en la calle a veces. De repente vino ese bum y se puso de moda el rock en español”. Así lo recuerda Alfonso André, batería de Caifanes en una videollamada desde Barcelona, donde acaban de aterrizar para dar tres conciertos en España. Después del 24 de abril en la ciudad condal, el grupo tocará el 26 y el 27 de mayo en Madrid, con todas las entradas agotadas.

Le acompaña en la entrevista el teclista Diego Herrera, que recuerda que en aquel entonces había una cosa en México llamada “los hoyos fonky”. “De repente llegabas a una bodega, nos funciona, sirve, pum, pum, pum. Venga, vamos a hacer un concierto, ¡mañana! ¡Pumba! Montabas todo ahí. Llegaba la gente, no sé cómo, porque se atascaba. No sé cómo se enteraba la gente. Y al día siguiente no había nada en ese lugar, desaparecía porque era clandestino”, rememora.

Había gente dispuesta a escuchar a estos grupos, pero no había apoyo de las discográficas o de los medios. “Nos decían: 'van a estar en este programa de televisión, pero tienen que tocar tal cosa y no pueden decir una mala palabra o no los vamos a entrevistar, o tienen que hacer playback, para que no corramos riesgos'”, dice Herrera. Como ejemplo de la poca confianza que tenía la industria en los grupos como Caifanes, el teclista recuerda que durante su primer contrato con una discográfica, los responsables buscaron la opinión de dos “expertos” para evaluarles: un argentino y un español. “Entonces dijeron bueno, pues mira, parecen putos, ese es un problema. Y el otro es que queremos vender discos, no ataúdes, ¿no? Porque estábamos con esta onda dark”. Les habían fichado “por si acaso”, pero en verdad no creían en ellos.

“Luego vino otro argentino que tenía más visión que aquel y dijo 'estos tipos valen la pena'. Entonces grabamos y empezó a suceder lo que ya conocemos”, remata Diego Herrera. Creció tanto ese público que aborrataba los lugares clandestinos que se desbordó, en parte gracias a la visión comercial del sello RCA, que creó la etiqueta “Rock en tu idioma”, donde aglutinó a bandas mexicanas, argentinas, y al final ya no era solo una campaña de marketing sino un movimiento. De Soda Stereo en Argentina a Los Prisioneros en Chile. Una gran ola de nuevo rock en español, dotado de una poética insuperable.

Caifanes publicó cuatro discos que se consideran míticos, de culto, fundacionales, seminales, y cualquier otro apelativo épico que se quiera añadir a la definición. Importantísimos, en definitiva, para la historia del rock mexicano y para la memoria sentimental de los fans de la música en América Latina. Estuvieron activos diez años, entre 1986 y 1996 y se disolvieron —de manera traumática, brusca—, formando otros grupos, como Jaguares. En 2011 se reagruparon y volvieron a tocar en directo, pero no han vuelto a publicar otro disco largo, aunque sí cuatro canciones en siete años, a goteo.

La última se titula Y caíste (2025) y en ella muestran los colmillos al futuro, como dice un verso de la canción, escrita por el carismático cantante Saúl Hernández, uno de los mejores letristas de Latinoamérica. 

“No tenemos una disquera atrás con el látigo como teníamos antes”, analiza Alfonso André. Ahora el grupo es su propio jefe y no se ve forzado a publicar un álbum. “Hemos estado sacando cuando sentimos la necesidad y las ganas de meternos al estudio. También estamos muy entregados a tocar en vivo, sobre todo después de la pandemia”, añade. André se da cuenta de que este fluir agradable del grupo ahora, que perdió por el camino a los miembros Sabo Romo —con problemas de salud— y Alejandro Marcovich —con una relación tirante con Saúl Hernández—, se adapta bien a cómo funciona la industria de la música hoy. 

“La gente ya no se sienta a escuchar un disco completo, se maneja más con esto de los sencillos, que no es nada nuevo tampoco, ya era así en los cincuenta y los sesenta”, señala Alfonso André. “En lugar de aventarnos meses en trabajar un disco entero, preferimos hacer estas visitas medio guerrilleras al estudio y no tener que parar la gira. Grabamos un par de temas cada vez que nos metemos. Tenemos ya por ahí unos tracks que no hemos publicado, que estamos guardando para cuando por fin tengamos suficientes canciones para hacer un larga duración o al menos un EP”, revela el batería, anunciando que es probable que llegue un quinto disco de Caifanes, después de El nervio del volcán, en 1994.

Caifanes se siente un grupo de directo y el público español va a poder comprobarlo. El grupo solo ha estado tres veces en nuestro país: dos en Madrid (en las salas Revolver y Caracol, en 1994) y en el Encuentro Iberoamericano de Rock en Huelva que tuvo lugar en 1991, un acto previo a las celebraciones del 92. Pocas, para un grupo de su calibre. En la entrevista, Herrera y André relatan que la historia de Caifanes podría haber sido diferente porque antes de dar su primer concierto, antes incluso de que Alfonso André dejara Las Insólitas Imágenes de Aurora para enrolarse en Caifanes, decidieron mudarse a España e iniciar su carrera aquí. “Querían venirse en un barco carguero”, dice el teclista.

Pero una canción se coló en una emisora de radio y cambiaron de idea, adiós al sueño español de compartir escenarios con Alaska y Dinarama, Radio Futura, Toreros Muertos o Nacha Pop. “No sé cómo nos hubiera ido si llegamos aquí tres güeyes a un departamentito y nos la buscamos en ese momento”, reflexiona Herrera. A pesar del éxito posterior, su discográfica no hizo el esfuerzo suficiente para que el grupo fuera conocido en España, un desdén que también han sufrido otros muchos grandes nombres del rock latinoamericano, tesoros que parecen conocer solo los expatriados, a juzgar por el público que compra las entradas de sus conciertos.

Caifanes ha vuelto y está dispuesto a enmendar los errores del pasado. Han sanado sus heridas y han encontrado una manera de volver a estar juntos. “Tienes que tener muy buena paciencia y buena alma para poder aguantar”, señala Herrera. “Nos entendemos porque sabemos relacionarnos y qué le duele a uno, qué le duele al otro y dónde no debes pisar”, añade. “Pero la mayor sanación es tocar. Eso es una gloria. En este momento, con el mundo tan dividido como está, la música pasa por encima de todo eso, y a nosotros nos pasa en el escenario también”, recalca. “Eso nos mantiene queriéndonos y juntos”.

Saúl Hernández llama “rituales” a los conciertos, lo cual engancha con esa idea de poder de sanación, “de saltar la razón y llegar directito al corazón”, dice Herrera. La palabra corazón forma parte de la identidad de Caifanes, de su retórica. “Corazón es sentirlo, no fingirlo”, dice Alfonso André. Corazón es también “la composición”, hacer canciones entre todos, que “te encante lo que hizo el otro” y que “todo caiga en su lugar”, añade Diego Herrera.

En este regreso de Caifanes, el grupo está dispuesto a “perderle el respeto a todo”, incluido a las canciones, que son casi textos sagrados para muchos fans: La célula que explota, No dejes que…, Viento. “Hay canciones que las tocamos igual que las grabamos y hay otras que nos tomamos la libertad de darles otra vida. No debe de haber reglas inquebrantables. Las canciones van mutando conforme las vas tocando igual y aparecen otras cosas que no te habías imaginado”, dice Alfonso André.

A lo que si hay respeto es al nombre. Son Caifanes, los Caifanes. “Yo le tengo respeto y le tengo mucho cariño porque ha sido lo más importante que ha sucedido en mi vida”, admite Herrera. “Hay que hacerle justicia al nombre y a la historia del grupo. Nos ha pesado al meternos a grabar, de repente, aunque tratas de dejarlo atrás y de quitarlo de tu cabeza, para meterte fresco al estudio y sin tener ese peso encima, pero está ahí, en el subconsciente”, confiesa el batería. Y remata: “He de hacerle justicia a la historia de la banda y a la trascendencia que ha tenido a lo largo de los años para nuestro público. Sí, creo que es una responsabilidad y hay que hacerle justicia al nombre de Caifanes”.

La nostalgia manda. Y llegar a fin de mes, también. A los músicos de rock del siglo XX nadie les advirtió que en el futuro, tal vez, la vida se complicaría demasiado y que el prestigio no paga las facturas. Volver es un verbo esencial en el lenguaje de la música pop. Volver de cualquier manera, sin preocuparse demasiado del cómo y el cuándo también es una actitud habitual. Total, siempre va a haber un público interesado en revivir su juventud.

Ese no es el caso de Los Romeos, la banda de Castellón que, a principios de los noventa se hizo popular con música de una pureza incuestionable que también poseía un gran tirón. Hacían rock veloz con melodías pop. Eran demoledores y muy divertidos. También tenían una lideresa, Patrizia Escoín, que, pese a su juventud, rompió esquemas en aquel momento.

No había muchas cantantes de rock por aquel entonces, y menos aún, con tanta popularidad y exposición como la que tuvieron Los Romeos a lo largo de aquel 1990, cuando canciones como Mi vida rosa y Muérdeme se infiltraron en las listas de éxitos. “La verdad es que, en general, en el rock no había apenas mujeres”, explica Pat por teléfono. “Estaba Aurora Beltrán con los Tahúres Zurdos, estaba Mercedes Ferrer, que tocaba la guitarra, y era como ¡ah, toca la guitarra! Y Aurora también, ¡toca la guitarra! Yo también quiero tocar la guitarra. Para mí eran como diosas. Es muy diferente de cómo es ahora. Seguimos afianzados en el patriarcado en cualquier plano de nuestra vida, pero en aquel momento, el mundo del rock era un campo de nabos total, y una machirulada. Menos mal que hemos cambiado todos, incluida yo”.

Volvamos al principio de esta historia: Los Romeos, que se separaron en 1996, anunciaron a finales del año pasado que se reunían. El próximo día 24 comienza la gira que celebra el 35 aniversario del debut discográfico del grupo, Los Romeos. Las entradas para Madrid y València ya se han agotado. A Madrid volverán en otoño para un segundo concierto. No hay disco nuevo. Tampoco lo necesitan, sus viejas canciones suenan a todo menos a viejo. Han actualizado sus dos singles grabándolos con artistas invitados que no están en esto porque sí sino porque son fans.

“Carlos Galán (director de Subterfuge, el sello que patrocina este regreso y donde sacarán un recopilatorio) nos propuso regrabar un par de temas con colaboraciones. Las versiones originales suenan muy bien, así que si hacíamos una nueva versión tenía que haber un porqué. Paco Trinidad (el productor de sus dos primeros álbumes) hizo un trabajo genial, difícil de mejorar. Lo fantástico es colaborar con gente de ahora. Y cuando preguntó con quién haríamos Muérdeme, dijimos que con Samantha Hudson. Desde el principio no pensábamos en otra. Y ella dijo que sí”, explica de su colaboración con Hudson.

Cree que con Samantha Muérdeme mantiene la misma fuerza que tenía cuando salió la primera vez, “es la misma declaración de intenciones”. “Ella era la persona ideal para cantarla. Hace unos años colgó unas fotos estupendas suyas con una camiseta de Lula (la banda que Pat fundó tras la separación de Romeos), y vamos, yo dije, 'Dios, qué ilusión'. Mi vida rosa la hemos grabado con La La Love You, que en su día ya la versionaron. Han metido sintes, han metido un montón de voces. Yo siempre he respetado mucho nuestro legado y me daba mucho miedo estropearlo, porque no hay necesidad”, dice Escoín.

Yo siempre he respetado mucho nuestro legado y me daba mucho miedo estropearlo, porque no hay necesidad

Patrizia Escoín — Cantante

Los Romeos aparecieron en escena a finales de los años ochenta. Lo hicieron en Castellón, una ciudad que, aunque el resto del país no se haya enterado todo lo bien que debiera, siempre fue buen caldo de cultivo para el rock, el pop y el punk. Su génesis coincide con los días finales de una de las grandes bandas de la ciudad. Después de varios años dando guerra, sin conseguir trascender el estatus de banda de culto, Morcillo el bellaco y los Rítmicos empezaba a acusar señales de cansancio. Pedro López, su bajista, salía entonces con Pat y comenzó a escribir canciones para ella.

Al final, los Rítmicos dejaron de ser la banda de acompañamiento de Morcillo para convertirse, con Pat al frente, en Los Romeos, una dinamo musical impensable sin la presencia de Juan Carlos Tomás (guitarra), José Ángel Leirós (guitarra) y Julián Nemesio (batería). Comenzaron a dar conciertos y grabaron una maqueta. El éxito llegó en 1990. Paco Trinidad produjo su debut y consiguió el milagro de hacer de él un disco atemporal: “No sabemos cómo lo hizo, pero es un disco perfecto de principio a fin. No sé si es porque lo registramos de una manera atípica, grabándolo canción a canción. Nos pilló a todo en estado de gracia. Fue perfecto”.

Unos de los ganchos del cuarteto era precisamente su cantante. Una mujer muy joven, 17 años, que cantaba con una autoridad y una determinación poco habituales entonces. No tenían miedo a los tabús y la letra de Muérdeme pulverizaba unos cuantos: “Muérdeme en el trasero /Donde a mí me gusta más / Siempre voy a ras del suelo / Que más da”. “Pedro y yo estábamos súper enamorados, éramos súper jóvenes y el sexo era top. Para nosotros lo más importante era el sexo, salir por la noche. Y entonces hizo Muérdeme. Era de él, pero yo, por ejemplo, quería que me mordieran en el culo”, recuerda.

“Cuando afirmo eso soy yo la que decido. Yo le digo a él que sí me puede morder en el trasero. Luego, cuando crecí, me molestaban esas letras. No veía tan claro que fueran empoderadoras porque las veía hechas desde un punto de vista masculino. Pero, aunque las escribiera un hombre, a mí me convertían en una persona poderosa. Por esa letra me han caído muchos palos. Cuando hablo de feminismo siempre hay algún machirulo que pregunta si yo no era la de 'muérdeme en el culo', y que eso ahora no se podría decir. ¿Cómo que no se podría decir? Pues lo vamos a volver a decir”, argumenta.

Después de aquel glorioso disco homónimo, Los Romeos grabaron dos álbumes más, Sangre caliente (1992) y Sin conexión (1996). La banda dejó de existir en 2006, cuando un infarto acabó con la vida de Pedro mientras dormía. Continuar sin él no tenía sentido alguno y la popularidad del grupo había ido diluyéndose. Sus componentes pasaron a dedicarse a otros proyectos. Pat montó Lula, y luego, con el batería Tommy Ramos, Los Amantes y, más tarde, Exfan. Durante estos veinte años, las ofertas para reunir a Los Romeos no han dejado de llegar. Nunca aceptaron. Hasta ahora. 

“No hemos tenido necesidad de volver. La relación entre nosotros nunca acabó mal, hemos seguido viéndonos. Pero yo no quería volver, por la ausencia de Pedro y porque me gusta seguir hacia adelante y nunca mirar atrás. No me apetecía volver a cantar las canciones de mi juventud. Y también he tenido mucho cuidado de no hacer nada cutre con Romeos. Nos han propuesto muchísimas cosas, pero nunca nos pareció que debíamos aceptarlas. Teníamos claro que no hacía falta. Todo estaba dicho, la música sonaba muy bien. Pero el momento es ahora. Pero el resto de la banda me dijeron: ”Si no lo hacemos ahora ya no lo vamos a hacer“. Ellos ya tienen 60, yo tengo 55. Y es así. Creo que con esto volveremos a darle un poco de notoriedad a las canciones que hizo Pedro”, zanja.

Morrissey ha anunciado nuevas fechas en Europa para continuar la gira de presentación de su último disco Make-up is a lie, y dos de ellas serán en España.

El 25 de julio de 2026, el excantante de The Smiths actuará en Barcelona en el Poble Espanyol, dentro del ciclo de conciertos Barts Festival. Y el 29 de julio lo hará en Madrid, en el Palacio de los Deportes - Movistar Arena. En la península ibérica actuará también el 1 de agosto en el Super Block Arena de Oporto.

La venta general de entradas se abrirá en la página web de Primavera Sound el 24 de abril a las 10:00. Las entradas para el concierto de Barcelona también estarán a la venta en la web de Barts Festival, mientras que las entradas de Madrid también estarán a la venta en Notikumi, baila.fm y Movistarena.es.

Esta continuación de la gira llega tras un primer paso por recintos pequeños, como el Auditorio de Zaragoza y el Cartuja Center de Sevilla en marzo. Fue sonora la cancelación del concierto de Valencia, la misma mañana que estaba programado, debido a la falta de sueño del cantante, ocasionada por el ruido de las celebraciones de Fallas.

Además de estos conciertos de verano, que comienzan el 27 de junio en Lillestrom (Noruega), para seguir en Suecia, Alemania, Polonia, Hungría, Eslovenia e Italia, Morrissey ha adelantado también conciertos para finales de año: el 3 de diciembre en París, el 28 de diciembre en Tilburg (Países Bajos) y el 31 de diciembre en Bruselas.

“¿De qué lado estás?” (What side you standing on?). Es el estribillo de la canción Oblivius, del grupo de rock estadounidense The Strokes. Y es lo que su cantante, Julian Casablancas, repetía desde el escenario del festival de Coachella en Los Ángeles ante miles de personas mientras en las enormes pantallas del escenario se proyectaban impactantes imágenes de las guerras de Estados Unidos e Israel en Irán y Gaza.

Se trataba de la última canción del repertorio y, además, una pieza que el grupo no había tocado en concierto desde 2016.

El sorprendente dardo de The Strokes iba especialmente dirigido a EEUU. En el escenario habían recreado una mezquita iluminada con luces led y ya hacia el final esa mezquita se cambió por imágenes en blanco y negro y texto.

El grupo mostró imágenes de líderes y presidentes latinoamericanos como Salvador Allende, entre otros, señalando la implicación de Estados Unidos en sus derrocamientos. Después, esas imágenes se mezclaron también con otras, como fotografías sobre la expropiación de tierras indígenas por parte de colonos en Estados Unidos, del abolicionista y activista contra la esclavitud Frederick Douglass, así como otras de manifestaciones: una a favor del movimiento Black Lives Matter (las vidas negras importan) y otras en las que se podían leer carteles que rezaban: “Somos racistas orgullosos”. Todo mientras Julian Casablancas repetía eso de: “¿De qué lado estás?”.

El momento quizá más impactante y aplaudido en redes fue cuando el grupo comenzó a proyectar imágenes de la destrucción en Irán: “Más de 30 universidades destruidas”. O el impactante vídeo de después: “La última universidad que queda en pie en Gaza”, seguido de un bombardeo de la misma. El concierto y la actuación termina así: con ese bombardeo y una imagen del avión causante del mismo.

La Policía de Los Ángeles arrestó este jueves al rapero D4vd como sospechoso de la muerte de una joven de origen hispano, cuyo cadáver apareció hace unos meses en el maletero de un vehículo Tesla registrado a su nombre. El cuerpo estaba en estado avanzado de descomposición.

El artista, cuyo nombre real es David Burke, permanece detenido sin derecho a fianza. Su caso, según un comunicado policial, será presentado ante la fiscalía el próximo lunes. Por el momento no han precisado cuáles han sido las pruebas que motivaron la detención.

Los restos humanos fueron encontrados en el coche vinculado al rapero el pasado mes de septiembre. Este había permanecido en la vía pública durante semanas antes de ser remolcado a un depósito municipal en Los Ángeles. Nadie lo había reportado como robado.

Las autoridades identificaron a la víctima como Celeste Rivas Hernández, que tenía 13 años cuando fue reportada como desaparecida en 2024 en Lake Elsinore (California). Su cuerpo fue hallado el 8 de septiembre de 2025, un día después del que habría sido su decimoquinto cumpleaños.

El rapero D4vd, por su parte, ha colaborado con músicos como Kali Uchis, Laufey y 21 Savage; y varias de sus canciones han ingresado en las listas de éxitos de Billboard.

Massive Attack y Tom Waits han publicado una sorprendente colaboración tras más de una década sin publicar nuevo disco. Se trata de Boots On The Ground, tema en el que aprovechan para lanzar un importante mensaje reivindicativo y cuyo videoclip muestra las consecuencias de las históricas protestas en EEUU contra “las redadas del ICE, la militarización de las fuerzas de seguridad nacionales y el autoritarismo estatal”. Tanto es así que la canción empieza con la respiración agitada de alguien que está siendo asaltado.

“Desde el asesinato de George Floyd en Minneapolis el 5 de mayo de 2020, hasta las recientes redadas del ICE en comunidades migrantes y el asesinato de civiles que las protegen”, comienza el texto introductorio del vídeo. “Desde la brutal represión estatal de las protestas públicas hasta la realidad de las personas sin hogar en EEUU, entre las que se incluyen casi 33.000 veteranos militares”, continúa, detallando a continuación quiénes han perdido la vida a manos del ICE y el impacto de las represalias opresivas contra las protestas.

El final del vídeo denuncia el número de personas que han sufrido las consecuencias de la brutalidad policial, haciendo hincapié en los estudiantes que han sido arrestados por policías o incluso a las visas revocadas de muchos estudiantes por haber sido acusados de “actividad propalestina”.

Una respuesta a la situación política actual

Massive Attack ha calificado esta colaboración como un hito artístico en una nota de prensa, así como una respuesta a la situación política actual. “Es un honor profesional colaborar con un artista de la talla, la originalidad y la integridad de Tom, pero este tema llega en un clima de caos”, afirma la banda. “En todo el hemisferio occidental, el autoritarismo estatal y la militarización de las fuerzas policiales se están fusionando de nuevo con la política neofascista”, ha añadido.

“Esto es una puta guerra de ametralladoras / Con las botas en el terreno, las botas en el terreno / Nosotros os podamos los setos, luchamos vuestras guerras / Esperamos en las trincheras y estamos jodidos hasta que nos duele todo”, cantan en el estribillo de esta canción, que ya está disponible para comprar en vinilo. La otra cara del vinilo incluye un tema hablado de Waits, titulado The Fly, que ha sido descrito como una pieza ingeniosa y sarcástica.

El grupo Massive Attack ha señalado que, “en el contexto de emergencia estadounidense, tanto a nivel nacional como internacional, este tema refleja impulsos insensibles y una mentalidad desquiciada”. Boots On The Ground también supone la primera grabación nueva de Tom Waits desde su álbum de 2011, Bad As Me, y cuenta con la participación vocal adicional de su hijo Casey Waits. Por su parte, Massive Attack publicará más material nuevo a lo largo de 2026 y continuará con su gira de conciertos programada para los próximos meses.

El gran cantautor Caetano Veloso, máximo representante del tropicalismo y la música popular de Brasil, ofrecerá un único concierto en España, el 4 de junio de 2026 en el Palacio de los Deportes - Movistar Arena de Madrid.

Las entradas se ponen a la venta este viernes 17 de abril a las 10 de la mañana, en la página we de Last Tour. Veloso repasará seis décadas de emocionantes canciones y también elegirá algunos temas de su último disco, Meu Coco (2021). Los promotores afirman que no faltará su más reciente composición Um baiana, que alberga “un mensaje especialmente vigente por ser vehículo reivindicador de su identidad cultural y de la no violencia”.

El brasileño cuenta con más de 50 álbumes publicados. Además, ha recibido 12 Grammys Latinos (y 33 nominaciones). Además de tres premios Grammy, el último de ellos hace apenas dos meses por el disco Caetano e Bethânia - Ao Vivo, grabado en la gira por estadios que recientemente ha ofrecido con su hermana Maria Bethânia y que movilizó a más de medio millón de personas.

Veloso visitó España por última vez en 2023, en el Palacio Municipal de Ifema en Madrid, presentado Meu Coco.

Madonna regresa con nueva música este verano. La leyenda del pop, que llevaba siete años sin publicar material inédito, vuelve a la industria con uno de los proyectos que más tiempo llevan esperando sus fans: la segunda parte del aclamado y exitoso disco Confessions on a Dance Floor (2005). Su lanzamiento está programado para el próximo 3 de julio y en este vuelve a trabajar en la producción con el DJ Stuart Price, quien ya estuvo presente en el décimo álbum de estudio de la cantante con hits como Hung Up, Sorry o Jump.

“Debemos bailar, celebrar y orar con nuestros cuerpos. Son prácticas que hemos llevado a cabo durante miles de años; son, en realidad, prácticas espirituales. Al fin y al cabo, la pista de baile es un espacio ritualístico”, ha declarado Madonna en un comunicado de prensa que recoge el “manifiesto” que ella y Price escribieron durante la creación del disco. “Es un lugar donde conectas con tus heridas, con tu fragilidad. Ir de fiesta es un arte. Se trata de superar tus límites y conectar con una comunidad de personas afines”, ha agregado.

La artista hace alusión al “sonido”, la “luz” y la “vibración”: “Remodelan nuestras percepciones, nos sumergen en un estado de trance. La repetición del bajo no solo la oímos, sino que la sentimos. Altera nuestra conciencia y disuelve el ego y el tiempo”. El anuncio se produce después de que Madonna insinuara que un nuevo álbum de música dance saldría en 2026 tras su regreso al sello discográfico Warner Records casi dos décadas después de haberlo abandonado.

Madonna también ha aprovechado para revelar la portada de este proyecto, en la que aparece sentada sobre unos altavoces morados y con la cara cubierta por un velo rosa. Asimismo, la intérprete ha publicado un adelanto musical de hasta un minuto de duración del primer single, que se titulará I Feel So Free. El disco pretende seguir la misma estética que Confessions on a Dance Floor y promete grandes melodías y ritmos que inviten al oyente a bailar. Todavía falta por conocer, no obstante, cuántas canciones lo compondrán y el título de las mismas.

Elena se declara “superfan” de Rosalía. A pesar de vivir en Madrid, no consiguió entradas para los conciertos del Lux Tour en la capital y en Barcelona, y no le quedó más remedio que comprar tickets para el espectáculo que la estrella catalana ofrecerá en Amberes el 27 de abril. Durante este tiempo, ha intentado abstraerse de todo lo que tiene que ver con Rosalía para tratar de no llevarse ningún spoiler. “Cuando empezó la gira, me empezaron a salir vídeos en Instagram, pero no he querido ver nada”, asegura. “Obligaba a mis padres a que cambiaran de canal si salía algo en las noticias. He llegado incluso a hablarle a mi móvil diciéndole ‘Boicot Rosalía’, a ver si funcionaba…”. Spoiler: no funcionó (del todo).

“He conseguido no enterarme de mucho, pero es que ya hasta el tracklist está publicado en todos lados. Si ya voy sabiendo las canciones que va a cantar… menudo aburrimiento”, se queja esta jiennense de 25 años. Pero hay un momento que no ha logrado evitar: “Sé que hay un confesionario y que en uno de los conciertos salió Aitana”. Se refiere al momento que precede a La perla: un segmento fijo en el Lux Tour en el que Rosalía juega con la iconografía religiosa y, según la ciudad, conversa con invitadas sobre “perlas” sentimentales —ex narcisistas o decepciones amorosas— como si se tratase del rito católico de la confesión. En Madrid, las invitadas fueron Esty Quesada, Metrika, Shannis y, efectivamente, Aitana. El fragmento ha ido circulando por TikTok e Instagram hasta el punto de que evitarlo, como intenta Elena, se convierte casi en una misión imposible.

De hecho, a partir de esos vídeos es posible reconstruir gran parte del espectáculo: no solo el confesionario, sino también algunos de sus momentos más reconocibles —el botafumeiro gigante o el ballet—, están por todos lados en las redes sociales. Esa paradoja —querer llegar “virgen” al concierto en una época en la que todo se comparte— define una nueva forma de vivir la música en directo.

“Lo que antes terminaba al encenderse las luces ahora sigue viviendo en clips, stories, memética, titulares, debates y trozos descontextualizados que circulan durante días y pueden llegar a convertir un evento en algo monocultural”, explica Frankie Pizá, fundador de FRANKA y crítico cultural, quien identifica una ruptura con la temporalidad clásica del concierto.

Para él, lo que hace unos años era cobertura posterior ahora es, en muchos casos, circulación prevista de antemano. “Parte del concierto ya se piensa en función de cómo se verá fragmentado, quién lo compartirá, qué planos resistirán mejor en el timeline y qué momentos podrán sintetizar el relato entero en pocos segundos”, argumenta Pizá. El concierto, en definitiva, se ha convertido en material para crear una cadena de contenidos.

Tocar ya no es suficiente

Ese cambio no se limita a cómo se consumen los conciertos, sino que empieza mucho antes: en el momento en que se diseñan. En un contexto de crecimiento sin precedentes —en 2025 el sector de la música en directo superó por primera vez los 800 millones de euros de facturación— y saturación de grandes eventos, diferenciarse ya no depende solo de la música, sino de lo que la acompañe en el escenario. Raúl de Lara, productor de directos que ha trabajado en casi 70 giras nacionales a través de su empresa Live Branding!, lo tiene claro: “Subir, tocar y listo, sin tener en cuenta lo que ofrecer al público, ya no es suficiente. Un directo tiene que ser una experiencia”.

En ese proceso, aunque no lo es todo, reconoce que la lógica de las redes ya forma parte del lenguaje de producción: “Hoy un concierto también se diseña pensando en cómo va a vivir en redes”, reconoce. No solo importa lo que ocurre en el recinto, sino qué partes del espectáculo podrán circular después.

De Lara, que ha trabajado con bandas de la talla de Arde Bogotá, Ginebras o Alcalá Norte, apunta, no obstante, a una particularidad del mercado español: “En España todavía existe la idea de que producir un directo resta autenticidad, cuando, en realidad, es todo lo contrario”. La figura del productor de directos —el encargado de diseñar, junto a la banda, el tracklist, las fases del concierto o el rol de cada miembro de la banda, entre otros aspectos— está consolidada en otros mercados, pero aquí sigue siendo, en muchos casos, una labor poco visible. Hay grupos que se resisten a recurrir a estos servicios y otros que, aun haciéndolo, prefieren no explicitarlo. 

Subir, tocar y listo, sin tener en cuenta lo que ofrecer al público, ya no es suficiente. Un directo tiene que ser una experiencia

Raúl de Lara — Productor de directos

Algo similar ocurre con quienes diseñan las puestas en escena: el secretismo es la norma. El mejor ejemplo: Terrivle Studio y Studio Dennis Vanderbroeck, responsables del Lux Tour de Rosalía, declinaron participar en este reportaje para “preservar la confidencialidad de los contratos”.

Lidia Gámez, CEO de Maas, el sello propiedad de Dellafuente, sí ha accedido a hablar abiertamente de este proceso. Maas fue también la empresa responsable de producir los dos conciertos que el granadino ofreció en el Estadio Metropolitano de Madrid en junio de 2025, ante más de 117.600 espectadores en total, lo que lo convirtió en el artista independiente español con mayor aforo en un concierto. El espectáculo giraba en torno a una escenografía formada por una gran estrella nazarí de ocho puntas —símbolo identitario del proyecto— con más de cuatro alturas, rodeada de 13 piscinas, 50 fuentes programables y un géiser central que alcanzaba los 50 metros. Gámez describe el proceso creativo como una partitura de emociones superpuesta al setlist: “Cada canción está contando algo y utilizamos los elementos que tenemos a nuestro alcance para transmitir lo que queremos contar y para generar unas sensaciones u otras”.

Sin embargo, Gámez no concuerda con De Lara: “Nosotros no vamos buscando que se grabe y se viralice, porque nuestro foco es que el público lo disfrute. No pensamos más allá”, asegura. Lo que ocurre fuera del estadio, dice, es “un efecto colateral”. 

El espectador como agencia de comunicación

El resultado es un público que ya no solo consume el espectáculo, sino que también lo reproduce y distribuye. Alba Lafarga, gestora cultural y videoensayista en YouTube, lo describe con el concepto de prosumer: “Ya hace tiempo que se habla del público como productor y consumidor al mismo tiempo” Frankie Pizá va por la misma línea: “Los años en los que los fandoms se limitaban a ser los testigos se acabaron”, argumenta. “El público ahora es un departamento de comunicación no remunerado que irá ganando cada vez más poder porque la industria musical lo busca así: la relación fan-artista es ahora mismo la gallina de los huevos de oro.”

Ese público ha sido, además, el motor involuntario del cambio en la manera de hacer un directo: “El hecho de que el público grabara y compartiera las imágenes del concierto fue lo que llevó a los artistas a repensar cómo introducir la cámara dentro de los conciertos”, señala Lafarga. “Antes no había tantos primeros planos al artista, porque los macroconciertos no eran tan habituales y porque la cámara se sentía como un artificio entre el artista y el público, pero ahora parece imprescindible poder ver una ampliación de lo que ocurre en el escenario”, destaca.

El público ahora es un departamento de comunicación no remunerado que irá ganando cada vez más poder. La relación fan-artista es ahora mismo la gallina de los huevos de oro.

Alba Lafarga — Gestora cultural

Para que un artista llegue a esa conclusión necesariamente debe existir un público dispuesto a grabar el espectáculo. “Aunque como público sabemos que hay miles de personas grabando y que ese momento circulará por TikTok durante un tiempo, tenemos apego a guardar nuestra experiencia desde nuestro punto de vista”, explica Lafarga. 

La pensadora barcelonesa también identifica un mecanismo concreto que alimenta la circulación: los artistas han aprendido a introducir variaciones en cada ciudad para prolongar la vida mediática del espectáculo. “Si al final cada performance es igual, solo vas a tener un impacto entre gente que no sea de tu fandom durante las primeras semanas”. El confesionario de Rosalía es el mejor ejemplo: un formato fijo con un invitado diferente en cada concierto hace que cambie el contenido, lo que garantiza que cada noche genere su propio ciclo de circulación. Otros casos serían el baile de Apple en los conciertos de Charli XCX, con invitadas distintas en cada ciudad, o la llamada JUNO pose del tour de Sabrina Carpenter.

Todo esto está provocando que la propia percepción de los contenidos culturales esté mutando. Para explicarlo, Alba Lafarga recurre a la escritora Ofèlia Carbonell y su hipótesis de que vivimos bajo una “tiranía del Reel” en la que todo contenido largo se concibe pensando en los fragmentos que se podrán extraer. “El problema viene cuando el todo queda supeditado a la posibilidad de generar esos momentos”, apunta Lafarga, “porque seguramente termines creando una pieza fragmentada, ya lista para recortar y compartir, y ahí se pierde la creatividad, la espontaneidad y la posibilidad de que ocurra algo imprevisto”.

El precio a pagar: dónde queda la prensa musical

Esa lógica de circulación tiene, sin embargo, otra cara menos celebratoria. En los conciertos del Lux Tour de Rosalía en Madrid, los fotoperiodistas acreditados recibieron la negativa de acceso pocas horas antes del espectáculo, aduciendo “particularidades técnicas y de producción del evento”. En su lugar, la organización ofreció un enlace con material gráfico propio. Una práctica que, según advierte la Asociación de Periodistas Musicales (PAM) en un comunicado, contribuye a sustituir un relato plural e independiente por otro más homogéneo y controlado.

Pizá advierte de que no se trata de una decisión puntual: “Lleva pasando años, sobre todo en grandes giras de grandes iconos, y sobre todo gestionadas por Live Nation. Quieren tener el máximo control sobre la imagen y narrativa que circula.” El crítico apunta, no obstante, a la paradoja que se crea: si el objetivo realmente fuera ese, tampoco se permitiría que el público grabara y publicara libremente. Lo que se pierde cuando desaparece la mirada independiente de la prensa es, según el crítico, “fricción, contexto y autonomía narrativa. La imagen periodística tiene la capacidad notarial de registrar el acontecimiento sin obedecer del todo al artista ni a la pura PR”, argumenta. Y augura un futuro no muy halagüeño para el periodismo musical: “Hay un desgaste con la prensa, con lo que representa, porque, a ojos de la promotora, ya prácticamente no aporta nada al funcionamiento y circulación de su producto”.

A pesar de haberse comido algún que otro confesionario, botafumeiro o tracklist filtrado en Instagram, Elena irá con la misma ilusión al concierto de Amberes del día 27. “Las entradas no son baratas… Por eso valoro tanto también la experiencia”, reconoce. Y asegura sin miramientos: “no soy mucho de grabar, pero seguro que alguna foto o vídeo subiré a Instagram”. Cuando se le cuestiona el porqué, responde: “Por enseñar que he ido al concierto. Presión social, supongo”.

Robert Del Naja, líder de la banda británica Massive Attack, ha sido arrestado en el centro de Londres bajo sospecha de mostrar su apoyo a una organización prohibida, justo tras asistir el sábado a una protesta masiva contra la prohibición de Palestine Action. Conocido artísticamente como “3D”, Del Naja ha sido un firme crítico de la política exterior británica, oponiéndose activamente a la invasión de Irak en 2003 y utilizando su plataforma para denunciar la situación en Palestina.

El vocalista del grupo británico se encuentra entre las 500 personas que han sido detenidas, y ha afirmado que quería asistir a la protesta a pesar de las consecuencias que puede llegar a tener para su carrera musical. Unas consecuencias que cada vez preocupan menos al artista cuando está sucediendo un genocidio al otro lado del planeta, como tampoco le importaron las consecuencias de su posicionamiento contra Spotify por la inversión en armas de su propietario, Daniel Ek, por lo que amenazó con retirar su música.

“Me opongo al genocidio, apoyo a Palestine Action”. Así de contundente era el cartel que mostraba Robert del Naja en la manifestación contra la prohibición de Palestine Action. Según cuenta The Independent, una mujer le grita “¡Eres increíble!” y otra “¡Te queremos!” mientras Del Naja se tumba boca arriba antes de que tres agentes lo levanten por las piernas y las axilas. Cuando se lo llevan detenido, se oye a un hombre preguntarle a Del Naja: “¿Puede decirnos por qué lo arrestan hoy?”. Una pregunta a la que el músico responde lo siguiente: “Me arrestan ilegalmente”.

La importancia de posicionarse contra las injusticias

Del Naja ha conversado con la agencia de noticias Press Association sobre cómo puede repercutir esto en su trayectoria, algo que no le preocupa demasiado si eso significa poder contribuir a posicionarse contra las injusticias. “Como músico, obviamente, existe mucha inquietud sobre la posibilidad de no poder viajar y obtener visas”, ha comentado el vocalista. “Pero pensé: ‘Esto es ridículo’, y luego, que la policía diera la vuelta para volver a arrestar a la gente, pensé que era aún más ridículo”, ha agregado.

“Si me arrestan, tengo mucha confianza en que si me presento ante el tribunal y digo: 'Este fue un arresto ilegal y, por lo tanto, no lo acepto', podré defenderme”, ha señalado el artista, indicando que cree que “las acciones de Palestine Action fueron sumamente patrióticas porque, en gran medida, protegían al país de verse involucrado en crímenes de guerra graves y de violar el derecho internacional”. “¿Qué más patriotismo se puede pedir?”, ha concluido.

Hasta el momento, más de 2.200 personas han sido arrestadas por supuestamente expresar su apoyo a Palestine Action. La organización Defend Our Juries, que organizó la manifestación del sábado, ha declarado que “la Policía Metropolitana está optando por realizar detenciones a pesar de que el Tribunal Superior declaró ilegal la prohibición del gobierno sobre el grupo, y de que destacados abogados advirtieron que cualquier detención sería ilegal”.

Massive Attack comenzará una gira este verano por Europa del 26 de mayo al 8 de junio, dando el primer paso en Helsinki, Finlandia, para a continuación actuar en Rättvik, Suecia; Copenhague, Dinamarca; Berlín, Alemania; y Bruselas, Bélgica. La banda británica de trip-hop se formó en Bristol en 1988 y, desde entonces, el grupo ha ido alterando hasta estar compuesto en 2025 únicamente por el propio Del Naja y Grant “Daddy G” Marshall.

“Se dice que la cancelación destroza la vida de hombres, pero todos siguen trabajando, siendo famosos e impunes”. La violencia sexual y su respuesta social es uno de los temas que Sandra Delaporte ha volcado en su durísimo, realista y honesto primer libro Del barro al poema (Lunwerg). Y lo ha hecho a través de versos y canciones en los que reflexiona y arroja luz sobre la soledad, el suicidio, lo que ha acuñado como famositis y la vulnerabilidad.

La cantante, productora y vocalista de Delaporte —que el pasado mes de noviembre denunció la agresión sexual que sufrió durante un concierto— ha agarrado sus heridas, las ha abierto, ha dejado salir su pus y las ha limpiado sin dejar de retorcerse. También las ha permitido desgarrarse incluso un poco más, para acabar sanando, renovando su piel, abrazándolas y cuidándolas en un ejercicio de honestidad que sobrecoge por la crudeza y a la vez delicadeza con la que ha suturado sus llagas.

Su libro entronca con la idea de felicidad que abunda hoy en día, reducida muchas veces al imperio de Mr. Wonderful.

La felicidad como marca es mentira. A nivel social estamos en una deriva de hiperdisociación, de vanidad, que se ha colado a través de la marca de felicidad social y de solucionar todos nuestros problemas de abandono y heridas a través de conseguir fans, de que nos vean, de sentir que existimos y somos importantes a través de las demás personas. Desde un yo que no es real y que genera más vacío, porque al final te quieren desde una marca que has generado, no desde quien tú eres realmente. Se ensalza la marca de que la vida es maravillosa, de que todo es genial, viaja y que se te pase, consume y que se te pase, ve a 800 festivales, consume más alcohol...

Yo he tenido ideas suicidas y hay que hablar de que es un fracaso social, no individual, porque no encajamos en el sistema que se nos ha vendido de producción capitalista. Un modelo de existir en torno al consumo, que ya es fracaso, pero no nuestro. Quien se atreve a mirarlo de frente y ver esas heridas, es quien hace la revolución, quien ve la vulnerabilidad, quien de pronto conecta con la ternura y con lo más radical de todo, que es ser buena persona, incluso aunque tengas que renunciar a ser famoso o todos estos vacíos que estamos llenando con esta moto a toda velocidad. Somos más listas de lo que parece, nos la intentan colar pero no funciona. Hay más precariedad que nunca, el problema de la vivienda es brutal, el nivel de depresión, los problemas de salud y salud mental, es abismal.

¿Qué es la 'famositis'?

La famositis es una inflamación aguda del ego que viene de la enfermedad de la idolatría. Tener referentes e inspiración es superimportante, pero de ahí a la locura que se ha generado... El backstage de muchos festivales es a ver quién está con la abeja reina. Imagina que aparecen aquí Rosalía, Nathy Peluso o Beyoncé, ¿qué va a pasar? Es que hasta deshumaniza a la persona. Se convierte en la masa masiva que se supone que es el éxito al que aspirar y al que idolatrar, como si esa persona tuviera algo fundamentalmente maravilloso; y es una persona igual que tú.

¿Con millones detrás para precisamente convertirlo en algo que inflame el ego y la enfermedad de la idolatría? Sí, pero a mí no me gusta que me idolatren. Me parece una falta de respeto. Me parece bien que te inspire, que te guste lo que hago, que te ayude; pero yo quiero hablar con un humano, no con un niño de doce años que ve a un superhéroe porque canta y lleva cosas de marca. Lo siento pero no.

No me gusta que me idolatren. Me parece una falta de respeto. Me parece bien que te inspire, que te guste lo que hago, que te ayude; pero yo quiero hablar con un humano, no con un niño de doce años que ve a un superhéroe porque canta y lleva cosas de marca

Sandra Delaporte — Compositora, productora y cantante

Reflexiona sobre las veces que se perdió a sí misma por agradar, ¿la industria musical permite que se den cuenta?

Cuanto más agradas más te abandonas a ti misma, y cuanto más lo haces, más difícil es que te quieran por quien eres y más gordo se hace el abismo. Es un sistema de supervivencia que me ha mantenido, pero admito que he sido 'agradadora' máxima de amigas, amigos, público, pareja. Me he puesto ropa que no quería. No me gusta el modelo sexual femenino que impera hoy en día.

No me identifico nada con el canon, no me gusta maquillarme, no me gusta pintarme las uñas, no me gusta enseñar cosas y lo he tenido que hacer para agradar a un público, conseguir fans, que me idolatren, siendo alguien que no soy. Y vender una marca de que el sueño de todo artista es ser Dua Lipa. Pero es que me parece arte vacío, que no es real y nace de la supervivencia del agradar.

Muchas artistas mujeres parecen cortadas por el mismo patrón, ¿hay margen de cambio en una industria que lo perpetúa?

Yo he tenido que revisar mucho qué es el éxito para mí. Yo no sé si voy a tenerlo o no, pero lo que no voy a hacer es perderme otra vez porque me marchito, me muero, no soy yo. Yo creo que en realidad nadie está bien. Luego es verdad que hay gente que utiliza su altavoz para hablar de violencia de género, de todas las formas de intransigencia y antihumanidad que existen, lo cual es muy valiente; pero es que yo no quiero ser Aitana ni Dua Lipa.

No quiero aparecer bailando. Yo o hago punk, o hago techno o hago este libro; no quiero un público masivo, quiero público consciente. Ese es el éxito para mí, poder vivir dignamente, poder pagar el alquiler, comer, hacerme algún viaje de vez en cuando, pagarme mi terapia, y ya está. Y si no, puedo dedicarme a mil cosas más. Yo voy a crear hasta el día en que me muera, pero si lo que creo no late o no forma parte de, me da igual. El dinero ya no es un monstruo al que tengo que agradar.

En su experiencia, ¿cómo se ha sentido al hablar del suicidio? ¿Falta conversación sobre ello?

Sí. Creo que lo oscuro no se ve y muchas personas no se sienten vistas. Los consejos de la marca de la felicidad, de “ay bueno, pero la vida es maravillosa, céntrate en eso”, no ayudan a superar el suicidio, promueven el aislamiento. Si la gente no se expresa y pide ayuda, se mata, porque precisamente te quieres matar porque te sientes sola y abandonada. Sin las otras personas no vivimos. Nos han intentado hacer pensar que somos independientes, que podemos con todo, todo esto de los cripto, que qué pereza y coñazo de seres humanos. Todo ese tipo de mensajes no van con la humanidad.

El aislamiento es lo peor que hay y paradójicamente ahora estar aislado es lo cool y lo guay. Así que ver a gente hablando del suicidio a mí me ha salvado, y hablar de la muerte con total naturalidad. Todas vamos a morir. También hay un rollo de “somos superheroínas inmortales” y eso es mentira. Nos da tanto miedo darnos cuenta de la vulnerabilidad que tenemos que vamos corriendo a idolatrar a personas que nos hacen creer que somos inmortales, maravillosas y que podemos con todo, y es todo mentira. Las personas que hablan de su humanidad sí salvan vidas, y son gente valiente.

¿Qué lugar ocupa la vulnerabilidad en la actualidad?

A mí me enseñaron de pequeña que la vida es dura y que tú tienes que ser más fuerte que la vida. Y hay que ser fuerte, poder con todo, y ser demasiado sensible es un problema; y ser demasiado intensa, también. Venimos de una deriva, que siguen gobernando hombres, que nos dice que tenemos que producir, autoexplotarnos, morir en el intento, y que vivan el honor, el orden, la ley y el rey. Hay una voz constante que dice “sé fuerte y no llores” y que la vulnerabilidad es de débiles. Y si eres débil, mueres.

Para mí, en estos últimos años mi vulnerabilidad ha sido mi única fortaleza, porque es lo que realmente me dice quien soy, me permite poner límites y decir “yo no me autoexploto” y “no me voy a suicidar porque tú me grites”. Te voy a decir que no. A la industria musical, con todo el cariño del mundo y lo que me has dado, gracias, pero por aquí no paso. No me voy a poner bótox. Voy a tener canas, arrugas; y si a ti no te gusta, es que no tengo que estar ahí.

Otro tema que aborda es su experiencia como víctima de violencia de género, ¿hace falta también poner más el foco, o incluso replantear la manera de hacerlo?

Al principio se suele poner mucho el foco en victimizar, en la carnaza. Me pasó cuando anuncié en mis redes sociales, que es mi comunidad, la agresión sexual que sufrí durante un concierto. Lo hice porque lo sentí como una traición porque de mi público espero que haya un mínimo de conciencia y de responsabilidad. La libertad no es lo que dice Ayuso, requiere de mucha responsabilidad, y si no la tienes, es tiranía. Es mucho del neoliberalismo del “todo vale” y no, no todo vale. Me cabreé mucho porque cuando bajo del escenario hay un pacto de confianza y seguridad. Y si eso se rompe no está bien, y lo comuniqué. ¿Qué pasó? Me llamaron de programas de televisión que no me habían llamado en la vida. Y no, si quieres carnaza ve a buscarla a otra parte. Esto es muy sensible.

Al principio se pone el foco en la denuncia, y en poner en duda a la que denuncia, como pasó con Julio Iglesias. Lo más difícil es tener la valentía de denunciar y rehabilitar a esa persona para que pueda volver a confiar en un hombre, en la vida y para que no se quite la vida, que es lo que más me está costando a mí. Llevo diez años de terapia intensiva trabajando el abuso narcisista, el abuso sexual y el maltrato psicológico. Y nadie pone el foco ahí, nadie habla del pánico a que te toquen, del ser humano que hay detrás de todo lo que está pasando.

Y peor aún, se dice que a los hombres les destrozas la vida por la cancelación, pero es que todos esos hombres siguen trabajando, siguen siendo famosos, siguen haciendo de su vida lo que les da la gana y pasan impunes. Da la sensación de que todavía socialmente se protege más al agresor que a la víctima, se pone en duda antes a la víctima que al agresor y al que abusa. Y el único responsable del abuso es el que abusa. Si tú decides poner en duda a la víctima o, como en el bullying, decides poner en duda al niño que están pegando, eres parte del bullying. Y si no lo quieres ver, es porque no te importa una mierda la humanidad. Te importas tú, tu ego y tu narcisismo.

Vídeo completo de la entrevista

Vídeo: Adrián Torrano

Se refugia en la literatura de la posguerra, está cansado de las redes sociales y nutre sus canciones de referencias a la naturaleza. Martin Urrutia (Getxo, 2005) tiene tan solo 21 años y se ha convertido en una de las figuras más interesantes del panorama musical actual. Tras acabar su paso por Operación Triunfo 2023 como finalista, y pese a ser consciente de los prejuicios que conlleva la etiqueta de triunfito, el artista ha optado por esperar tres años para publicar La Insolación, su álbum debut.

Martin Urrutia viaja a través de los recuerdos en un disco que se aleja de sonidos comerciales. Lo hace, además, acompañado de Hidrogenesse, un grupo que es toda una eminencia dentro del pop electrónico y que ha estado a cargo de la producción. Esta banda no ha sido su único referente, pues el artista se ha inspirado en la novela homónima de Carmen Laforet publicada en 1963, en la que el protagonista, Martín Soto, atraviesa un proceso de maduración durante tres veranos en una España marcada por la represión, el hambre y la búsqueda de identidad.

Después de haber trabajado con Javier Ambrossi y Javier Calvo en la serie musical Mariliendre, Urrutia se ha detenido en el que supone su primer gran proyecto como cantante. El resultado son diez canciones que retratan a un joven en el inicio de su carrera, atravesado por contradicciones entre la nostalgia y el anhelo, en tanto que reflexiona sobre la necesidad de posicionarse políticamente y la importancia de permitirse parar en un mundo cada vez más digitalizado.

El título de La Insolación remite a la novela de Carmen Laforet. ¿Por qué esa novela?

La leí con 18 años y me identifiqué mucho con la historia del prota, que además se llama Martín. Leí el libro en un momento muy concreto y siempre ha estado ahí como inspiración, en el fondo de la cabeza a la hora de hacer el disco, componer y pensar en ideas. Me venía mucho esa historia y me resonaba con el tema veraniego, así que hice un poco de fusión de mi vida y de lo que me transmitió la novela.

En la novela, la insolación no es solo física, también mental. ¿Cómo ha sido salir de Operación Triunfo y curarse de la insolación mediática?

Aceptando lo que te da un programa como Operación Triunfo, que es esa exposición tan grande, y también aprendiendo a gestionarla con el ritmo de los años. Han pasado casi tres años y es verdad que todo se asienta un poco. Ese impulso que te da y esa emoción del principio de estar en todas partes luego baja. Lo llevo bastante bien. A la hora de hacer el disco, he podido estar centrado en el presente sin dejarme llevar por las expectativas o el ruido.

Supongo que ha aprendido mucho de Hidrogenesse, quien está a cargo de la producción.

Muchísimo, es lo que más me ha gustado de esta experiencia. Lo que más me llevo es poder haber hecho este disco con ellos de esta manera tan especial, haber aprendido de ellos como artistas, como productores, como creadores. Tienen un nombre superimportante y en el mundo alternativo son una superreferencia. Trabajar y hacer un disco con ellos ha sido un sueño. La propuesta vino desde el sello, desde Universal, y yo lo vi clarísimo. Todo esto vino después de haber trabajado con ellos para El Destello, que es otra canción mía que tengo con Juanjo Bona. Yo también les tenía ubicados, me pareció guay y empezamos a hacerlo realidad. A ellos también les gustó la idea.

La canción Otro Verano narra varios veranos que pasan sucesivamente. ¿Ha sido duro hacerse adulto?

No ha sido duro, ha sido inesperado. Acabo de hacer 21 y es verdad que los 20 me vinieron y fue como “ostras, 20 ya”. Los cogí con muchas ganas. Los 21 me han pillado desprevenido, pero nunca los cojo con miedo o con angustia de crecer. Sí que pienso cada vez más en el paso del tiempo, pero creo que es normal, cuando creces, darte cuenta de que la vida pasa un poco rápido, pero con ilusión, siempre con ilusión. Intento tener ilusión por vivir cada día. Y Otro Verano está muy directamente relacionada con La Insolación, con la novela, porque el personaje vive verano tras verano en su pueblo.

El tema Piscina Vacía recuerda al artículo de Juanjo Villalba sobre cómo ya no vivimos la vida con nuestros amigos, sino que nos la resumimos.

La canción habla de mi grupo de amigas y de las amistades que parecen una unión eterna física y, con los años, cada uno está estudiando en una ciudad. Es bonito porque cada uno hace su camino, pero a la vez está la sensación de, “¿dónde estamos?”. Mi grupo es el del instituto, nos veíamos todos los días en clase. Era un encuentro obligatorio que te hace estar en conexión constante. Cuando se acaba eso tienes que quedar, y cuando a eso le sumas que cada uno tiene sus estudios y su crecimiento personal, es aún más difícil. Por eso luego es más especial cuando quedas y vuelves a hacer el lazo. Es como, “esto sigue”, y es de lo que habla también la canción, de que siento que es un lazo muy fuerte y que, a pesar de la distancia, siempre va a estar esa energía que nos une.

¿Le frustra que sea difícil sacar tiempo para esto?

Le doy la misma importancia que al trabajo. Es verdad que, cuando tenga temporadas de más curro, estaré más enfocado en eso. Pero en cuanto encuentro un hueco para volver a casa, no dudo nada en cogerme un avión, un autobús o lo que sea y compaginarlo. Hay mucha sensación de producción constante, de hacer, hacer y hacer. Quien quiere algo se lo tiene que currar, pero es importante poder hacer la dualidad de parar. ¿Qué es lo que me hace tener buena energía para luego gastarla en trabajar? Pues ver a mi familia y estar con esa gente con la que veo que todo está bien. Por eso, cuando vuelves a la gente que importa en realidad, que es tu abuela de 90 años, y te dice que le gusta esta canción, ya no quiero más. Con eso soy feliz.

En Me Han Dado Un Bolígrafo reflexiona sobre la responsabilidad de tener una voz. ¿Le pesa mucho esa responsabilidad?

A ratos. Ahora menos, pero el año pasado, por ejemplo, sí que sentí mucho ese peso de tener como una meta o un proyecto. Empezar un proyecto es muy difícil. Me costó mucho empezar el disco y pensar hacia dónde podía ir, estaba todo el rato yéndome al resultado final y al final me di cuenta de que el proceso y el día a día desde el inicio hasta el final es lo que luego te va a hacer tener esa sensación de lo que ha sido crearlo. Entonces sí que hay esa responsabilidad de que ya soy una persona pública que crea, que la gente lo espera, y de hacerlo bien y fiel a mí.

Como artista, ¿cree que debe sacar esa antorcha que menciona en la canción y posicionarse en temas políticos?

Sí, esto lo tengo bastante claro. Siempre que uno pueda posicionarse debe hacerlo. Es verdad que el tema de la antorcha va más por una cosa simbólica que pensamos Hidrogenesse y yo, que simboliza al final de la canción el camino iluminado, lo que vendrá después de la insolación. Artísticamente estaba pensada que fuera la última canción del disco para que dejara ese final abierto un poco metafórico, pero quedó la cuarta. Pero, volviendo a lo que dices, sí que hay que posicionarse.

Y cuando mira a su alrededor, a su generación, ¿le preocupa lo que ve o es optimista?

Me preocupa un poco ahora mismo. El momento, el panorama... sí que me dan angustia algunas cosas. También sé que hay mucha gente dispuesta a luchar y tampoco creo que haya que olvidarse de esta gente, porque al final los que nos movemos, los que nos pronunciamos... los que tenemos un papel también estamos haciendo por que esto no colapse. Siempre hay que seguir. Esa es la conclusión final, que nunca hay que parar y que nunca hay que relajarse, porque siempre hay otro extremo que hace lo contrario y lucha por vencer.

¿Cómo ha llevado el convertirse en un referente para el colectivo LGTB?

Es un gusto. Estoy muy contento y orgulloso de ser un referente y que haya llegado a tanta gente simplemente sintiendo, siendo quien soy y pronunciándome siempre que haga falta.

¿Cómo ha equilibrado que la gente se sintiera identificada con su relación con la invasión de la privacidad?

Es una mezcla de sensaciones, porque es muy bonito ver hasta dónde llega un vínculo supernatural y que Operación Triunfo de repente te exponga tanto, que llegue a las casas y que sea un avance en el sentido de que un niño de seis años pueda ver a dos chicos juntos. Eso es precioso, pero tanto Juanjo [Bona] como yo somos muy de nuestro círculo, de nuestra gente y de valorar nuestro entorno familiar, de dar mucha privacidad a nuestra vida y de vivirla a gusto y sin la tensión de ser públicos. Hay que gestionarlo como uno puede, pero estamos contentos.

Ha participado en la serie Mariliendre. ¿Qué tal la experiencia y trabajar con Javier Calvo y Javier Ambrossi?

Estoy muy orgulloso de ese proyecto. Fue una experiencia muy intensa que siempre va a estar ahí, es una serie muy especial. Me dio vértigo por verme por primera vez en el papel de un personaje bastante principal en un proyecto en el que están los Javis involucrados. Fue un retazo de decir “ostras, qué presión de hacerlo bien”. Entra esa conciencia de que la gente me ha visto actuar y cantar y pueden confiar para que yo lo haga, pero cuando sales [de OT] estás todavía en tu mente de niño de “quiero ir a mi casa”. Pero me hacía mucha ilusión poder desenvolverme como actor en mi primer proyecto.

¿Es difícil desconectar siendo artista y teniendo que estar atento a las redes sociales?

Sí, estoy bastante harto de las redes sociales. Lo hablaba con mi hermana hace poco. Si no existieran ahora mismo ni TikTok ni Instagram, habría un cambio en la sociedad, habría la sensación de vivir un avance de algún tipo. Pero bueno, también disfruto mucho de estar tumbado y ponerme a ver Instagram y TikTok.

De hecho, ha habido debate sobre si los menores deben tener acceso a las redes.

No lo creo, la verdad. Eso también recae en la familia y en la educación, en cuándo decides darle a tu hijo un móvil. Yo, por ejemplo, lo tuve a los 13, pero porque todos tus amigos empiezan a tener móvil y, si eres el único que no puede comunicarse y tal para salir, te quedas un poco out. Pero todo lo que puedas estar viviendo sin móvil es que luego lo notas tanto... Cuando tienes móvil dejas de hacer cosas que cuando eres niño sí haces.

¿Qué supone formar parte de la industria musical, que es algo con lo que soñaba?

Es una gestión diaria de sentir dónde estoy colocado, de dónde vengo, hacia dónde voy, a qué puedo aspirar, qué es lo que quiero... Después de Operación Triunfo, pegas un salto muy directo y yo tampoco tenía claro que quería ser cantante solista y hacer mis discos. Estaba estudiando interpretación y sabía que quería hacer algo corporal y de voz, obviamente para vivir de ello. Además, sales de Operación Triunfo con la etiqueta de OT, que eso a veces se toma bien y otras mal. Es como otra movida salir de Operación Triunfo y tener tu hueco. Hay que tener referentes y seguir cada uno el camino a su manera, tener la intuición bien alerta y escucharla.

Vídeo de la entrevista completa

Afrika Bambaataa, rapero, productor y una de las figuras fundadoras de la cultura hip-hop, que recibió acusaciones de abuso sexual a menores, ha fallecido a los 68 años. El artista murió en Filadelfia debido al cáncer que estaba enfrentando, según ha informado TMZ. La noticia de su muerte la ha confirmado en Instagram la Hip-Hop Alliance, un grupo liderado por el músico Kurtis Blow.

“Hoy reconocemos el fallecimiento de un arquitecto fundamental de la cultura hip-hop, Afrika Bambaataa. Como fundador del Universal Zulu Nation [un colectivo de hip-hop], Afrika Bambaataa ayudó a dar forma a la identidad inicial del hip-hop como un movimiento global arraigado en la paz, la unidad, el amor y la diversión”, ha escrito el grupo en un comunicado.

La Hip-Hp Alliance también ha reconocido las acusaciones de abuso sexual contra el cantante: “Al mismo tiempo, reconocemos que su legado es complejo y ha sido objeto de serios debates dentro de nuestra comunidad. Como organización comprometida con la verdad, la responsabilidad y la preservación de la cultura del hip hop, creemos que es importante dar cabida a todas las voces, al tiempo que seguimos promoviendo lo que empodera y protege a las personas”.

Bambaataa recibió acusaciones de abuso sexual en las décadas de 1980 y 1990. En un comunicado, negó las acusaciones, afirmando que “carecen de fundamento y constituyen un cobarde intento de empañar mi reputación y mi legado en el hip hop en estos momentos”. En 2025, el rapero perdió un caso civil en el que fue acusado de abuso sexual infantil y trata de personas tras no presentarse ante el tribunal, según informó The Guardian.

Por otro lado, el grupo ha destacado la importancia de Bambaataa en la construcción del género hip-hop. “A través de su música, su liderazgo y su influencia, contribuyó a sentar los principios fundamentales del hip-hop, inspirando a generaciones de MCs, DJ, breakers y líderes culturales”, ha destacado, agregando que “su huella en la historia del hip-hop es innegable y formará parte para siempre de la historia de los orígenes de esta cultura”.

Nacido con el nombre de Lance Taylor, creció en los barrios marginales de Bronx River Projects en Nueva York y se inspiró en los activistas de su familia, pues fue hijo de inmigrantes jamaicanos y barbadenses. Además, destacó su participación en Universal Zulu Nation a finales de la década de 1970, inspirado por el “padre del hip-hop”, DJ Kool Herc, así como por el pueblo zulú del sur de África.

El artista desempeñó un papel fundamental en la creación del hip-hop en la década de 1980, especialmente con Planet Rock, un hit de 1982 que publicaría tras haber alcanzado popularidad pinchando en discotecas en los 70. Además, colaboró con una amplia lista de cantantes, entre ellos John Lydon, George Clinton y James Brown.