El concejal no adscrito en el Ayuntamiento de Gijón/Xixón, Oliver Suárez, ha reconocido que su cese como presidente de Divertia, la empresa municipal de festejos, se debió a “un error formal en la tramitación de dos conciertos” de los artistas Alejandro Sanz y Lola Índigo, que enmarca en una actuación “incorrecta desde el punto de vista procedimental”, pero cuya realización fue “un éxito”.

Oliver Suárez ha admitido que su destitución respondía a la firma unilateral de ambas contrataciones, sin haberlas sometido previamente a la aprobación del Consejo de Administración, pero ha dejado claro que “no existe ningún cuestionamiento sobre el objeto de los contratos ni sobre los servicios prestados”.

“Es la salida correcta”

El concejal no adscrito ha admitido que la firma unilateral de ambos contratos excedía de los límites establecidos en sus competencias, pero ha recalcado que se trató de un error cuya responsabilidad asume “íntegramente”.

“No entré en política para agarrarme a un cargo; tampoco para vivir de esto. No es mi estilo y no lo ha sido nunca. Por este motivo, por ser consecuente con mis principios y con lo que siempre he manifestado, tanto la Alcaldesa como yo hemos decidido que esta era la salida correcta”, ha subrayado.

“Seguiré trabajando por Gijón”

En su despedida como presidente de Divertia S.A. ha agradecido el trabajo del equipo que le ha acompañado durante estos tres años, al Consejo de Administración y a todas las personas que han colaborado con él.

“Me siento orgulloso y partícipe de haber logrado dar a Gijón una estabilidad que es la base del crecimiento y la transformación que la ciudad experimenta. También de haber dotado a mi ciudad de la mejor programación del norte de España, en la cual se incluyen los exitosos conciertos de Lola Índigo y Alejandro Sanz. Seguiré trabajando por Gijón, que ha sido y seguirá siendo mi único propósito. Ese es y será mi cometido desde el puesto que ahora me corresponde”, ha añadido apenas unas horas después de que trascendiera públicamente su cese.

El concejal de Urbanismo y Festejos, Jesús Martínez Salvador, toma el relevo en la presidencia de Divertia Gijón S.A., un cargo que ya ocupó entre los años 2015 y 2019.

Melody es hasta la fecha la última representante de España en el Festival de la Canción de Eurovisión, después de que RTVE rechazara participar en la pasada edición de 2026. La cantante representó con “Esa Diva” tras ganar la cuarta edición del Benidorm Fest, y en esa misma canción repasaba parte de su carrera profesional.

Con la letra “Desde que era bien pequeña, antes de saber andar, fui del mundo la rumbera, para mí era tan normal…”, Melody parece recordar el momento en el que saltó a la fama con tan solo 10 años y pasó de la noche a la mañana a embarcarse en giras internacionales, así como estar en lo más alto de la lista de ventas en varios países, incluso ser nominada a un Grammy Latino. Todo ello, además, siendo una de las canciones del verano hace 25 años.

Apadrinada por ‘El Fary’

Melodía Ruiz Gutiérrez, a la que se le conoce más como ‘Melody’, nació en Dos Hermanas (Sevilla) un 12 de octubre de 1990. Desde bien pequeña sintió interés por la música, especialmente teniendo en cuenta que procedía de una familia de artistas, que le inculcaron el amor por el arte, de hecho, su padre formaba parte de un grupo y con tan solo seis años, la pequeña hizo sus ‘pinitos’ en el escenario.

Eso la motivó a crear una maqueta desde muy pequeña, que llegaría hasta ‘El Fary’, quien decidiría apadrinarla y ayudarla en su camino hacia el estrellato. Así fue como con tan solo diez años publicó su primer disco, ‘De Pata Negra’, del que fue el primer single “El baile del gorila”, que no tenía un gran secreto, pero llegó a lo más alto de las listas en España.

“El baile del gorila” conquistó la escena musical con una temática sencilla, un estribillo pegajoso y con coreografía incluida, todo ello con una niña de 10 años con gran desparpajo y carisma, que la convertiría en una combinación perfecta para que fuera canción del verano en 2001, a pesar de haber salido a finales de abril.

Doble disco de platino y nominada al Grammy Latino

El éxito de “El baile del gorila” de Melody superó todas las expectativas, llegando a conseguir doble disco de platino en España y uno en América, un hecho del que fue la primera artista española en conseguirlo. Por si fuera poco, el disco fue nominado al Grammy Latino en 2002 en la categoría de mejor álbum infantil, compitiendo con cantantes de la talla de Xuxa o Miliki.

También fue finalista en los Premios Billboard de la Música Latina de 2003, donde fue nominado a mejor álbum de pop latino junto a artistas como Las Kétchup o Sin Bandera. En 2011, a 20 años de su publicación, Melody realizó una nueva versión de la canción sin animales.

16 años. Si contamos hacia atrás, 2010. Fue una de las veces que tocó en Madrid una de las bandas de rock más respetadas del género. En aquel entonces, Kings of Leon asaltó el Palacio Vistalegre de la capital; ahora, repite actuación en el Mad Cool frente a decenas de miles de personas. En un rincón del recinto, una de ellas observa emocionada lo que está ocurriendo frente a sus ojos. Está nerviosa, frustrada. Faltan tan solo 10 minutos y la cosa se acaba. Tiene cerca al admirado grupo, que está regalando Manhattan a la multitud, pero tan solo puede ofrecerle sus oídos. Su mirada, en cambio, pertenece a la selección española.

Fue también en 2010 cuando nuestro país ganó su primer Mundial de fútbol. De hecho, la Roja ya tenía su estrella cuando Kings of Leon tocó en el Vistalegre, pues la banda no visitaría la ciudad hasta diciembre y España ganó el torneo tal día como hoy, entrada ya la madrugada del 11 de julio a la hora de escribir estas líneas. El equipo no había alcanzado los cuartos de final del campeonato desde aquella edición, por lo que, 16 años después, hay quien no es capaz de perderse el partido contra Bélgica que decide quién se enfrenta a Francia en semifinales. El Mad Cool, además, lo pone fácil: la enorme pantalla que se cierne en mitad del recinto, utilizada para mostrar los horarios, emite el encuentro.

Los segundos pasan y la selección está a punto de irse a la prórroga. 1-1 al minuto 88, mientras suena Waste a Moment. Sin embargo, aquí nadie parece sentir que esté desperdiciando una entrada. Alrededor de la pantalla, muchísimos aficionados se interesan por el desenlace, tumbados sobre el césped artificial y bebiendo como si el partido fuera lo que les ha traído al festival. La coincidencia del evento con el Mundial hace que el ambiente sea distinto. La ropa, por supuesto, también: fans con la equipación de la Roja —la camiseta blanca parece haber calado bastante— superan en número a aquellos con merchandising de alguno de los artistas del cartel.

Y entonces se desata la locura: Mikel Merino marca el gol que concede la victoria a España, apenas unos minutos antes del tiempo de descuento, y la selección culmina su pase a la siguiente ronda. Cuando el partido acaba, Supersoaker de Kings of Leon pone la banda sonora a la celebración. Pero no es la única. El grupo detiene el concierto, felicita a España por su triunfo en las pantallas y se hace con todo el recinto al cantar su himno Use Somebody. Es un momento de fervor que, aunque suele suceder un poco más al principio de su espectáculo, en este caso se lo reservan justo para el final del España-Bélgica. Incluso Nathan Followill, el baterista, se pone la equipación.

Quizás Kings of Leon alcance a intuir una mínima parte de lo importante que es el fútbol para nuestra sociedad por el hecho de que EEUU esté sirviendo como sede. Aun con todo, lo demuestra sobre el escenario porque parece saber demasiado sobre nuestra cultura. “Una de mis ciudades favoritas del mundo”, dice su líder, Caleb Followill, en alusión a Madrid. Quien sin duda es más discreto es Black Francis, que durante el show no es un hombre de muchas palabras. El pitido inicial del árbitro, precisamente, coincide con su concierto, una fabulosa propuesta de Pixies que devuelve la nostalgia y la sabiduría de la que ya impregnaron el Movistar Arena hace tres años.

Ha habido muchas reuniones musicales recientemente —la jornada del sábado estará protagonizada por Pulp, que se alejó de la industria en 2002—, pero la vuelta de la banda de Boston logra un equilibrio entre pasado y presente que se percibe en su propuesta en el Mad Cool. Casi sin interrupción y confiando en la efectividad de su catálogo, el grupo encadena una veintena de canciones que brillan cada vez que llegan a sus estribillos. Temas como Wave of Mutilation, Vamos o la belleza de Monkey Gone to Heaven evidencian que Pixies no necesita apoyarse en la nostalgia para sonar como una banda vigente sobre las tablas. Aunque qué maravillosa es Isla de Encanta en español... o el clásico Where Is My Mind?.

De una portería a otra

Si te detienes a pensarlo, lo cierto es que un Mundial de fútbol tampoco se diferencia tanto de un festival. Sobre todo, teniendo en cuenta que la FIFA se ha obscecado en la instauración de las pausas de hidratación. Son dos minutos en mitad de cada uno de los dos tiempos que sirve a los jugadores para hablar con el entrenador y beber agua, pero que beneficia todavía más a las televisiones permitiéndoles incorporar segundos publicitarios de oro. Son pausas que observamos constantemente en los macrofestivales: tanto por parte de los artistas durante su concierto, como por los asistentes cuando cambian de un escenario a otro. Hay tantas porterías que, con carteles repletos de nombres que se solapan, uno ya no sabe a cuál mirar.

Una portería dispuesta a no dejar que entre ningún gol es la de Twenty One Pilots. Ya bien entrada la noche en Madrid, el grupo no tiene que hacer frente a ningún partido, pero Tyler Joseph sí que se acuerda: “Felicidades por vuestra victoria”. En su espectáculo no hay lugar para prórrogas o penaltis, tampoco para preocupaciones. La banda se hace con la audiencia al cantar Heathens, un tema que no hay quien no conozca a estas alturas sobre no juzgar a los demás. La versatilidad del dúo de Ohio resulta apabullante: ambos transitan con asombrosa naturalidad entre el hip-hop alternativo, el electropop y el rock.

La puesta en escena no requiere demasiado, pues apuesta por poca iluminación y hace uso de un micrófono fluorescente que sigue la misma atmósfera. No falta su hit Stressed Out para servir como la guinda del pastel, pero por faltar no faltan ni los petardos ni los fuegos artificiales. El concierto deambula de estruendo en estruendo y no permite a nadie quedarse dormido, aunque la música tampoco invita a ello. Más minimalista es el espectáculo de Interpol, que sucede de manera simultánea en el segundo de los escenarios principales. Sumida en un filtro blanco y negro, la banda se anima con canciones nuevas como Wings On Fire.

No obstante, ocurre algo bonito cuando el grupo echa la vista atrás. Una pareja descansa sobre el césped mientras escucha el concierto, que presumiblemente no ve por la infinidad de gente de pie que tiene delante. Sin embargo, en cuanto suena el primer acorde de Evils, la joven no se lo piensa dos veces y se levanta. No contenta con ello, ofrece sus brazos al chico para que se incorpore y no se pierda tampoco el que es uno de los momentos más especiales del show. Ambos disfrutan de la actuación en una escena que genera paz alrededor de tantas personas que utilizan sus móviles para grabar.

Aparte de la presencia de A Perfect Circle, grupo formado por el músico Billy Howerdel y el vocalista de Tool, Maynard James Keenan, que también cuenta en su séquito con James Iha, exguitarrista de The Smashing Pumpkins, la jornada destaca a la revelación Holly Humberstone. Sin apenas música pop en el cartel del viernes, el trabajo de la artista recuerda a la propuesta que ofreció Gracie Abrams hace justo un año, ensalzándola por la sencillez de su actuación, que otorga todo protagonismo a las letras. Más guerrera es Halsey, una “chica en la torre” que puede salvarse ella sola. Tanto, que se encarga de abrir la jornada con un sol que afortunadamente está oculto tras las nubes.

La cantante le echa agallas y hace un concierto reivindicativo que deja una pregunta: ¿por qué la industria se ha olvidado de ella? Halsey grita, domina el escenario y se lo pasa de lujo con el público. “Si estáis cansados ahora, ¿qué coño vais a hacer después?”, bromea refiriéndose a la gente sentada al fondo. “Levanta la mano si eres lesbiana”, dice a continuación para ganarse a su audiencia, que levanta la mano sin pensarlo. Su espectáculo no ignora tácticas cliché, como la que emplea durante la rockera Experiment on Me al invitar a los asistentes a agacharse para levantarse todos juntos durante el último estribillo. Aun así, funciona para abrir un viernes que deja felices a muchos: por lo menos, a los fans de la música y también a los del fútbol.

Son como la luna y el sol y, sin embargo, ambas podrían convivir perfectamente en el mismo firmamento. Tanto, que parece que las dos controlan sus respectivos astros cada vez que sostienen el micrófono. La primera de ellas, Lorde, jamás había actuado en Madrid hasta este preciso día. No es casualidad, por ende, que el sol se resistiese a abandonar el cielo mientras la artista permaneciera sobre el escenario del Mad Cool, como si el único motivo de su existencia se justificase con iluminarla durante este concierto. Florence and the Machine, en cambio, ya conocía de sobra la luna de la ciudad, por lo que el escondite del satélite no hacía más que añadir misterio a la noche.

Aun así, también había planetas pululando por la segunda jornada del festival: Jennie, esta vez sin sus compañeras de Blackpink girando a su alrededor, llegaba dispuesta a poner el broche k-pop ante su enorme séquito de fans; Teddy Swims, por su lado, buscaba demostrar que el soul que triunfa en TikTok también puede hacerlo en directo; Charlie Puth, por su parte, que “debería ser un artista más grande”, y Zara Larsson, por la suya, que no hay fiesta si no hay pop chicle de por medio. Y cada uno de ellos ha intentado acometer su propósito a su manera —algunos con más fortuna que otros—, pero la sombra de un eclipse se ha cernido sobre ellos en el que ha sido el Mad Cool de Lorde y Florence Welch.

Antes siquiera de que los primeros indicios del atardecer se empezaran a percibir en el distrito de Villaverde, los acordes de Liability ya habían sonado bien alto en el festival. “Van a verme desaparecer en el sol / Todos me van a ver desaparecer en el sol”, ha cantado Lorde en un clásico que alude a una sensación de unidad con el universo. No es ninguna sorpresa: la artista ha dedicado mucho tiempo a comunicarse con la estrella madre. Lo ha hecho a través de cartas y, por supuesto, música. Una música que se adueña de cualquier espacio cuando el mito, esa cantante que evita las redes y escribe a sus fans por correo electrónico según el calendario natural, es quien sale a defenderla.

El concierto de la artista se llenó de magia desde el momento en el que la neozelandesa abandonó a Ella Marija Lani Yelich-O'Connor, la persona detrás de la icono, y se transformó en la guía de las miles de personas que la vitoreaban a escasos metros. Es algo que Lorde hace sin pretenderlo, puesto que siempre se ha esforzado por no ser ese tipo de referente, evitando los focos y el ruido mediático, y optando por vivir lejos de las alfombras rojas de Hollywood tras descubrir lo que conlleva la fama. En el escenario, no obstante, es capaz de cambiar todas las facetas de sí misma. Es lo que hace que uno no pueda cambiar la dirección de la mirada. Todas las pupilas le pertenecen.

“He sido el hielo, he sido la llama / He sido el premio, la bola, la cadena / He sido el dado, la bola mágica”, ha declarado Lorde en la interpretación de su exquisita Shapeshifter, perteneciente a su último disco, Virgin (2025). La canción es uno de sus himnos más recientes, una realidad que se nota cuando la gente recibe el final como la máxima de las confesiones de su ídolo: “No, no me afecta / Pero esta noche solo quiero caer”. Pero la fiesta no podía terminar sin las extraordinarias Supercut o Ribs, esta última interpretada mientras era arropada por la audiencia y daba la mano a los fans de las primeras filas.

El espectáculo de la artista ha estado marcado por las altas temperaturas, pero la religión que ha creado Lorde en torno a su trabajo ha sido suficiente para que cualquier gota de sudor mereciera la pena. “Hace mucho calor”, ha dicho Lorde en un perfecto español. Más adelante, la compositora ha aprovechado para criticar las gafas Ray-Ban Meta, patrocinadoras del festival, que sirven para capturar fotos y vídeos en primera persona, escuchar música y realizar llamadas sin usar las manos. “Cada vez es más difícil saber si algo es real. Ya no sabes si alguien lleva gafas de sol o si lleva esas jodidas gafas de mierda...”, ha alegado. Lorde, la diosa que de adolescente le añadió una 'e' al término masculino Lord para coronarse a su manera, invitó a sus seguidores a rezar... y claro que sus seguidores rezaron.

Sin embargo, si la religión permaneció en el recinto del Mad Cool es porque hubo más de una predicadora. La noche tiene ese sabor al misticismo de la iglesia, ese olor a lo sagrado de los libros. Y la noche tuvo como dueña a Florence and the Machine. La banda, capitaneada por la ya legendaria Florence Welch, ha estado hasta cuatro veces en Madrid, la última siendo en 2022 en el propio Mad Cool. No es de extrañar que apenas necesitaran de las estrellas, ocultas bajo las nubes durante gran parte de su actuación, ya que no hubo instante durante el concierto del grupo que la audiencia no estuviera sumida en una profunda hipnosis.

La sola presencia de Florence Welch sobre las tablas lograba cortar la respiración. Descalza y girando sobre sí misma como si fuese su último día sobre los escenarios, la británica destiló presencia en un espectáculo que calificarlo como tal se queda hasta corto. Lo de la artista es un homenaje a la música en todas sus formas. La inicial Everybody Scream ya era toda una declaración de intenciones: o gritas o gritas. Y no únicamente eso: “Todos a bailar / Todos a cantar / Todos a moverse”. Supuso un espléndido inicio antes de continuarlo con el himno Shake It Out, que todavía en 2026 sigue invocando las lágrimas de quien lo escucha. Así es el torbellino de emociones de la banda.

La cantante brilló con su tema Spectrum, aupada por una preciosa melodía de violín y piano que encendió los ánimos antes de provocar una pura catarsis colectiva durante Hunger, donde miles de personas respondieron al unísono con palmadas. No obstante, la misa de Florence and the Machine no podía acabar sin su respectiva comunión: Welch, dejándose caer de rodillas, se cargó de dramatismo en King para reclamar su trono. “No soy una madre, no soy una novia, soy un rey”, ha asegurado al alcanzar el estribillo de la canción. La devoción llegó a su punto de no retorno en What Kind of Man, un tema que explotó de forma salvaje tras la primera estrofa con un simple rasgueo del batería.

El ritual de la banda se consumó durante la puesta en escena de Rabbit Heart, cuando Welch invitó a los fans a subirse a los hombros de otros, llenando el horizonte de muchas cabezas sobre otras. No importaba que la persona de delante tapase durante varios minutos a la de atrás o que quienes se sostenían no se conocieran de nada, las canciones tienen estas cosas y su sacerdotisa sabía prender la mella de la magia como ninguna otra. Este es el refugio de la música contra la tormenta, y que haya quien lo saque a relucir con tanta proeza la misma jornada en la que ocurre el fallecimiento de la mítica Bonnie Tyler lo hace aún más valioso.

Un artista más grande

Canta Taylor Swift en The Tortured Poets Department (2024) que “Charlie Puth debería ser un artista más grande”. Como si quisiera demostrarlo, el cantante salió tras el teclado dispuesto a jugar con él como si se tratara de una mesa de mezclas. Es poco común ver a grandes estrellas cantar con las gafas de vista, pero el estadounidense parecía no querer perderse ni un solo detalle de lo que ocurría en el foso. Tras apenas un tema, se puso una gorra para afrontar el calor y recordó que, en efecto, había “pasado mucho tiempo” desde su última visita a la capital. En concreto, una década. Pese a ello, el público coreó de memoria su memorable We Don't Talk Anymore y respondió complacido a su show.

Menos gracia tuvo el espectáculo de Jennie, aunque no precisamente por su enorme producción. La integrante de Blackpink, uno de los reclamos más fuertes de la jornada, otorgó un concierto que quedará pronto en el olvido fuera de su base de fans. Apenas se la escuchó, con los coros sonando a todo volumen, y a sus bailes les faltó autenticidad. Era difícil creer lo que veías y no por admiración, sino por la pretenciosidad que derrochaba. Los fans, eso sí, hacían que el plato fuera más digerible gracias a su increíble pasión. La mayoría acudió con un martillo de corazón y estrellas, un tipo de barra de luz que se ha convertido en un accesorio fundamental para los seguidores de la banda, que utilizaron para iluminar el recinto.

El día también acogió el soul contemporáneo de Teddy Swims, soberbio en directo al desnudar su voz en la balada Some Things I’ll Never Know, y la purpurina de Zara Larsson. Esta última, ya considerada una diva del pop, se subió a un coche rosa sobre el escenario, se hizo un selfie con la multitud a sus espaldas y se escudó en sus coreografías para divertir a la audiencia. Aunque su fenómeno solo ha explotado en España con una o dos canciones, casi todo el público —y no había precisamente pocas personas— tarareó todos los temas, incluso los que no lucían interesados en su espectáculo —un ejemplo de la gran cantidad de asistentes extranjeros, que se encamina a alcanzar el 40%—. Ambos también dejaron huella como constelaciones del Mad Cool, que no han tenido mejor guía que la luz del sol y la luna de Lorde y Florence and the Machine.

¿Es posible salir de un festival con la sensación de que, por una vez, todas las piezas encajan? ¿Es normal que, de entre una treintena de actuaciones, y habiendo visto solo una decena, cuatro de ellas, como mínimo, merezcan el calificativo de excepcional e inolvidable? ¿Quién recuerda un festival donde cada concierto estuviera programado en espacios elegidos para realzar la propuesta artística, para que los intérpretes pudiesen dar lo mejor de sí y para el público los disfrutase en las mejores condiciones imaginables?

Hemos asumido que un festival de música sea un contenedor de conciertos a granel ubicados en un mismo escenario para así recortar costes de producción donde contemplar versiones defectuosas, rácanas o descafeinadas de nuestros grupos favoritos en condiciones de visibilidad y acústica deficientes. Por eso, cuando asistes a uno en el que parece que los artistas están ofreciendo su mejor actuación del año piensas, ¿tan difícil era planificar un festival con sentido? Todo esto, a raíz del (a)phònica, un festival especializado en propuestas artísticas con la voz como protagonista y que la semana pasada celebró su vigesimosegunda edición. El milagro ocurrió en Banyoles, municipio famoso por su lago; el más grande de Catalunya.

Es este un festival distinto por muchas razones. De entrada, porque no se celebra en un recinto vallado a las afueras del pueblo, sino que se disemina por una veintena de espacios del municipio. Asistir al (a)phònica implica recorrer las calles de Banyoles. Para ver sus conciertos habrá que visitar el claustro del monasterio, la muralla del siglo XV, la plaza mayor, el teatro municipal, el auditorio y hasta navegar por el lago. La cantautora Raquel Lúa y Quim Carandell, líder de La Ludwig Band, ofrecieron cada uno dos pases a bordo de La Tirona, el barco que surca sus tranquilas aguas.

Otra anomalía. Es imposible adquirir el abono del festival porque no existe. Y no existe porque se asume que nadie puede, quiere ni necesita ver todas las actuaciones. En (a)phònica no se solapan los conciertos, pero la idea nunca fue vender al público algo que luego no podrá digerir. Además, la mitad de conciertos son gratis y solo la otra mitad son de pago. Cada asistente compra entradas para los conciertos que decide ver. ¿La cantante portuguesa Lina junto al pianista Marco Mezquida en el Auditorio? 18 euros. ¿Kiko Veneno en el club náutico? 28. ¿Anna Andreu en el Teatro Municipal? 14. Eso sí, quien tenga claro que quiere asistir a muchos conciertos, puede adquirir un pack más económico para tres, cinco u ocho pases.

Mediante esta fórmula, cada actuación se convierte en la más importante del festival en cada momento. No se percibe estrés entre el público. Ni se detectan prisas por parte del artista. El tiempo se detiene. El público no huirá a otro escenario. Apenas hay gente filmando con el móvil. Y ese ambiente de máxima atención aporta la confianza necesaria para que el artista se tome su tiempo para dar expresarse. Así ocurrió en el pase de la asturiana Lorena Álvarez. Su actual repertorio exige paciencia y dedicación, pero cuando te atrapa ya no te suelta. Su imaginativo trío de músicos y su consabido don de gentes apuntalaron un recital de psicodelia honda. Como si Ibon Errazkin produjese a Lole Montoya. “Este es el concierto donde he estado más a gusto de los últimos cinco años”, aseguró. El público acabó cantándole la canción más famosa del pueblo: El monstre de Banyoles.

Impacto económico, social y cultural

“El festival nació hace veintidós años fruto de la larga trayectoria coral de Banyoles y con la intención de tener en cuenta a las entidades locales y los grupos musicales. No queríamos pensar solo en el retorno económico”, recuerda el director del (a)phònica Francesc Viladiu. “La idea era mostrar la ciudad y no programar lo que programa todo el mundo”, añade. Así es. El festival está fuertemente vinculado al tejido cultural local, pero también al social y económico. Los grupos emergentes actúan delante de restaurantes y comercios emblemáticos para fomentar el consumo local. Cada año llaman al festival empresas de food trucks que quieren montar sus caravanas, pero siempre las rechazan. Hasta un 36% de los gastos de producción del festival revierten en proveedores, empresas y trabajadores de la comarca.

El impacto estrictamente cultural del (a)phònica va más allá de programar espectáculos de riesgo económico y artístico como los de Magalí Sare, con la participación de veintitrés voces del Cor Bruckner; L’Arannà, el dúo que recupera y actualiza los cants redoblats de Ibiza y Formentera; o Vocal Vircan, un coro de polifonías georgianas, género de gran belleza y riqueza expresiva declarado Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad. Son propuestas en las antípodas del típico festival que caza a golpe de talonario al grupo de moda. Propuestas que enriquecen y amplían el imaginario cultural y que sin el apoyo de este evento, verían tambalear su futuro.

Pero en su objetivo de plantear un festival para la gente del pueblo y que deje una huella cultural, (a)phònica hace algo más. Vincular algunos artistas de cada edición con alumnos de bachillerato artístico de la comarca, prolonga la estancia de grupos de música infantil durante el curso escolar y sirve de escaparate para estudiantes de la escuela municipal de música estrechando así sus lazos con las entidades culturales y visibilizando su progresión creativa durante el año. “Todo se complica más cuando hablas con una entidad, pero el resultado es mil veces mejor”, estima Viladiu. Plantear un festival como un espacio de conversación con las entidades ha contribuido a que la gente de Banyoles sienta el (a)phònica como algo muy suyo. “Y todo esto justifica el dinero público que recibimos”, añade.

Dinero público y cerveza

Otra peculiaridad del (a)phònica: si llamas al teléfono de información te responderá el director. Sin embargo, este no es un certamen casero. Maneja un presupuesto de en torno a 260.000 euros de los que 100.000 son aportación del ayuntamiento. La diputación de Girona le otorga 40.000 más y la Generalitat de Catalunya, otros 70.000 desde que la muestra fue declarada Festival de Interés Cultural. El resto de recursos económicos llegan a través de patrocinios (20.000 euros) y venta de entradas (40.000). La aportación pública es abundante, sí, pero también son abundantes los beneficios que aporta. Porque son principalmente culturales y eso es muy inusual en un circuito festivalero que cada vez se mide más por el impacto turístico, el falso sold out y la foto del grupo de moda fichado mediante caché astronómico.

Los ingresos en barras, tan imprescindibles para tantísimos festivales, son insignificantes en (a)phònica. Sea cual fuera ese importe, el dinero es para las entidades locales que las gestionan; nunca para el festival. Es un mecanismo automático de redistribución del impacto económico. Cada año la única barra está ubicada lo más lejos posible del escenario principal; el gratuito. Este año la cerveza costaba 2,5 euros y el euro del vaso reutilizable se devolvía a quien lo quisiera y sin hacer cola. No, en el (a)phònica no hay colas. Ni pantallas, porque difícilmente se juntan más de mil personas por concierto. El dinero público que recibe el festival permite que las finanzas del festival no dependan del consumo en barras. Ese consumo de alcohol es tan discreto y razonable que no afecta a los conciertos ni obliga al ayuntamiento a desplegar efectivos policiales para evitar altercados.

“El gran problema del dinero público es que se está destinando para contratar a grupos que no dejan ninguna huella en el municipio”, denuncia Viladiu. La huella del festival es, sobre todo, cultural. Por lo tanto, no puede calibrarse a corto plazo. Y, aún menos, en ocupación hotelera, cifras de asistencia o visualizaciones de reels. De hecho, el gran éxito de (a)phònica es no ser una fecha excepcional en el calendario de Banyoles, sino algo así como la fiesta de fin de curso de una actividad cultural sostenida durante todo el año. La partida de cultura de este municipio de 21.000 habitantes es de 3,39 millones de euros, casi el 11% del presupuesto del consistorio.

Penúltima peculiaridad: este año, (a)phònica ha superado con creces la paridad de género sin alardear de ello y gracias a la presencia de las gallegas Filles de Cassandra, la catalana Anna Andreu, la argentina Carmen Aciar y las también gallegas Caamaño & Amexeiras, protagonistas de una actuación destacada en el claustro del monasterio. Acordeonista y violinista culminaron su recital colándose en la iglesia para regalar allí un bis. Cabe señalar también el pase de Minibús Intergalàctic, quinteto gerundense de psicodelia entre cuyo público no se avistó a su más ilustre seguidor.

Los públicos ausentes

La cultura juega un papel tan central en Banyoles que el edificio de la Escuela Municipal de Música está en la plaza mayor. Aun así, en el debe de (a)phònica sigue pesando el escasísimo interés que despierta el festival entre la población migrada. Cerca de un 20% de sus habitantes es extranjero. Y de esos 4.000 habitantes, a los que cabría añadir los jóvenes catalanes de padres extranjeros, la mitad proviene del continente africano. Todos viven de espaldas al festival. Y viceversa. “Uno de nuestros grandes retos es llegar a esos públicos de orígenes diversos. Es algo que hay que abordar urgentemente, no hay excusa”, reconoce Viladiu, tras veintidós ediciones. En este aspecto, (a)phònica no es un caso único. Interpelar a las comunidades migradas es la asignatura pendiente de la mayoría de festivales de España.

Hasta cuatro conciertos durante el mes de julio llenarán de música el Museo del Greco de Toledo para descubrir sonidos operísticos, instrumentos como la vihuela y la guitarra barroca o 'el tono humano'. Se trata de la quinta edición de 'Los veranos del Greco'.

Este ciclo musical comenzará con 'Semper Dowland, semper dolens' el jueves 2 de julio a las 20.30 horas.

La propuesta de Collegium Musicum Madrid para celebrar a John Dowland en el 400.º aniversario de su muerte es un espectáculo novedoso en que se narrará la apasionante vida del genial compositor británico, desde su compleja y depresiva personalidad, pasando por sus dificultades para obtener un puesto en la corte, debido entre otras razones a su origen católico, su faceta menos conocida como espía al servicio de la corte de Cristian IV de Dinamarca o sus viajes por Europa incluido el de Italia para estudiar con Luca Marenzio.

La parte musical también será interpretada de una manera novedosa, si bien las canciones de Dowland son bien conocidas hoy día, siempre se interpretan con voz solista y un laúd. “Para esta ocasión las interpretaremos como fueron concebidas, con cuarteto vocal (soprano, alto, tenor y bajo)”, explican desde la organización. Será interpretado el laúd por Manuel Minguillón, la parte vocal con la soprano Marion Chauvin y el tenor Víctor Sordo.

Sonidos renacentistas

Por otro lado, el jueves 9 de julio a las 20.30 horas tendrá lugar 'Iberia XVI', que sigue la estela de la vihuela, un instrumento emblemático del Renacimiento español ligado a la corte de Carlos V. Este concierto será llevado a cabo por el músico Eduardo Égüez.

El jueves 16 de julio, a las 20.30 horas, le llegará el turno a 'Una playlist para Doménikos', que rinde homenaje al pintor El Greco.

Este programa imagina, de algún modo, una posible playlist del propio Doménikos: músicas que pudo escuchar, o al menos reconocer, en sus viajes entre Italia y España, ecos sonoros del universo artístico y espiritual en que desarrolló su obra. La romanesca, presente en Ortiz, Quagliati o Marini, sirve aquí como hilo conductor entre improvisación, virtuosismo y fantasía.

Junto a la profundidad instrumental de Diego Ortiz o Bartolomé de Selma y Salaverde aparecen las nuevas formas del primer barroco italiano, llenas de contrastes y afectos, en Frescobaldi, Marini o Falconieri. Frente a ellas, las canciones de José Marín y Juan Hidalgo muestran cómo ese lenguaje terminó arraigando también en la España del Siglo de Oro, con una mezcla única de refinamiento, melancolía y cercanía popular.

Desde la organización del evento consideran que “como en los lienzos del Greco, esta música oscila constantemente entre lo terrenal y lo visionario: luces, sombras y pasiones suspendidas en el tiempo”. Estará interpretado por el tenor Ariel Hernández, Juan Carlos de Mulder a la guitarra barroca y el archilaúd, así como Alejandro Maris que tocará la viola da gamba.

El tono humano y la guitarra barroca

Por último, 'De amores y tesoros' cerrará este ciclo de conciertos el jueves 23 de julio a las 20.30 horas. Llevado a cabo por Armonica Stanza, aborda en este programa la música del barroco español del Siglo de Oro, tomando como representativo de la música vocal de esta época, su pieza por excelencia: el tono Humano.

El denominado tono humano del barroco español es cualquier pieza musical con un texto profano para una o varias voces, que se diferencia del tono divino en que éste presenta una letra de contenido religioso.

El tono humano, solía tener como tema principal el amor, generalmente no correspondido o caído en desgracia y estaba ilustrado con aires populares lo que le daba una frescura y un ritmo muy atractivo que hechizaba al público de entonces, así como al de ahora, dentro y fuera de España.

Será llevado a cabo por la soprano Mariví Blasco, Florent Marie que tocará la guitarra renacentista, la tiorba, la guitarra barroca y la vihuela; y el músico Álvaro Garrido que se encargará de la percusión.

Todos los conciertos, a pesar de su gratuidad, necesitan inscripción previa en el correo electrónico difusion.mgreco@cultura.gob.es

Unas mecedoras con altavoces instaladas en el Parque de Doña Casilda hacen que quien se siente viaje en el tiempo hasta su infancia a través de 2.700 nanas recopiladas en la última década. Se trata de Bercer le temps (o Acunar el tiempo) es una instalación sonora participativa del colectivo canadiense Berceurs du temps. Y una de las 54 obras teatrales y artísticas que inundarán las calles de Bilbao desde este lunes y hasta el próximo sábado 4 de julio en el festival Bilboko Kalealdia, que celebra este año su 27.ª edición. “Este festival nació con el objetivo de acercar la cultura a diferentes espacios de la villa y ofrecer un festival accesible para toda la ciudadanía”, ha explicado el alcalde de Bilbao, Juan Maria Aburto este lunes durante la presentación del evento, que ha contado con la presencia de Iñaki López de Aguileta, director de Cultura del Ayuntamiento de Bilbao y Pedro Ormazabal, director del festival.

Por ello, más allá de meros espectadores, muchas de las actuaciones están creadas para que los propios ciudadanos participen y, al menos por un día, sepan lo que es calzar los zapatos de un artista. “Cada año ponemos nuestro esfuerzo en conseguir la participación de vecinos y vecinas. Queremos que no sean meros espectadores, sino que disfruten plenamente de los espectáculos que forman una completa y siempre interesante agenda con el teatro y artes de calle como protagonistas”, ha informado Iñaki López de Aguileta.

Además del Parque de Doña Casilda los escenarios callejeros estarán ubicados en los alrededores del Museo de Bellas Artes, cerca del Estanque de los Patos -donde habrá cinco zonas- y otro escenario en la Pérgola. Asimismo, los espectáculos de Bilboko Kalealdia estarán también en la Plaza Arriaga, en la Plaza Circular, en el Arenal, en la Plaza de la Convivencia (entre las torres Isozaki), en el Huerto Urbano de San Francisco (situado en la Plaza Corazón de María) y en el Bizkaia Aretoa de la Euskal Herriko Ubiertsitatea (EHU). “Se trata de un festival en el que tenemos muy presentes a nuestras compañías, tanto veteranas como las que comienzan, y también a las que invitamos a participar a compañías y solistas del Estado y de diferenes países. En la variedad está el gusto, dicen, y aquí se hace realidad para conseguir un BIilboko Kalealdia abierto y plural en formatos, temática y públicos”, ha insistido López de Aguileta.

En este sentido, por las calles de la ciudad actuarán nueve compañías extranjeras, como los canadienses Berceur du temps que han inaugurado este lunes por la tarde el festival y los franceses Ea Eo (Cie), Furinkaï (Compagnie) & L'entrouvert (Théâtre De), Keep Company, Le Polpesse y Retouramont; desde Iparralde llega Rouge Elea; de Irlanda Hippana Maleta y por último, de origen portugués la compañia Margarida Montenÿ. En cuanto a las compañías estatales se encuentran Insectotròpics, Los Galindos, Pere Hosta, Sol Picó y Txema Muñoz de Cataluña; Capicua Cía. y Sweet Chilli Circus Company desde Aragón; De Vacas desde Galicia; La Venidera proviene de Madrid; Factoría Norte y El Encuentro Teatro de Asturias y La Trapecionista, de Navarra. Y, por último, la compañía catalana Sol Picó será la encargada de cerrar la programación del Festival con el espectáculo 'Carrer 024'.

Las compañías vascas también tendrán un papel protagonista en el festival teatral con la presencia de Bitsa Konpainia, Deabru Beltzak, Hika Teatro & Oinkari Dantza Taldea, Hortzmuga Teatroa, Kankarro Cía., Koilara Teatro, Lasala, Leire Mesa, Trapu Zaharra y Zirkozaurre. Además, una de las figuras más relevantes de Bilbao y otros lugares de Euskadi, sobre todo en sus fiestas, la figura caricaturesca de un gigante enorme conocida como Gargantúa, se “comerá” a los niños cada tarde a partir de las 17.00 horas en el estanque de Doña Casilda, donde también habrá puestos de comida y bebida instalados para los visitantes.

Whitney Houston y Beyoncé en el Arriaga

Los espectáculos disponibles para el público, en su gran mayoría gratuitos salvo en dos casos, además del puro teatro, se componen de circo, danza, clown, danza virtual, títeres y música. Esta última, de la mano de la compañía 'De vacas' llevarán a la Plaza del Arriaga los grandes éxitos de divas del pop de los 90 como Whitney Houston, Céline Dion, Mónica Naranjo o Beyoncé a través de su obra 'Rebovina Divas Live' el próximo miércoles 1 de julio a las 22.00 horas. Los dos espectáculos que no son de libre acceso son 'La Conferencia de los Pájaros', de la compañía catalana Insectotròpics, y 'MDR – Muerte de risa', de la también compañía catalana Los Galindos, para las que será necesario reservar una invitación en la página web del festival. El primer espectáculo se desarrollará en el Bizkaia Aretoa (EHU) el viernes 3 de julio a las 22:30 horas, y el segundo, el viernes 3 y sábado 4 a las 19:00 horas en el Huerto Urbano de San Francisco.

Con el objetivo de facilitar la accesibilidad a la programación cultural a todos los públicos las personas sordas o con problemas auditivos podrán disfrutar de varios espectáculos, habrá espacios y asientos reservados para las personas con necesidades especiales hasta 15 minutos antes del comienzo de cada obra y se han elaborado programas de mano adaptados mediante pictogramas, letra de mayor tamaño, mapa con indicaciones de accesibilidad y ubicaciones para aquellos que lo necesiten.

Cada 31 de diciembre, y para los más rezagados 1 de enero, suele ir acompañado de la tradicional —y no siempre sana ni realista— 'lista de propósitos para el año que viene'. Esos retos, metas, ilusiones, a veces incluso excusas que nos ponemos para empezar cada año nuevo dejando atrás lo que nos hizo daño o se nos enquistó; y poder recibir el siguiente con los brazos abiertos, liberados, reseteados. Porque en realidad nunca empezamos de cero, solamente nos reconvertimos, e incluso reencontramos, para seguir siguiendo adelante, con la mejor de las energías posibles, la que nos quede, la que nos llegue, la que nos caracterice, la que nos cueste. Y junto a ella, resetear como lo hizo Ona Mafalda en su segundo disco, al que concedió su título al Reset que ella misma necesitó para continuar con su carrera.

Desde entonces ha lanzado otros dos temas más, Nada y Otra, y está de gira por España. Ona Mafalda nació en 1994, pertenece a la generación milenial, que defiende que aunque no hayan vivido “lo que una persona de sesenta, sí que han pasado muchas fases, muchos cambios”. “Vivimos en la ola que va cambiando. Siento que siempre estamos renovándonos porque entramos en situaciones que no sabemos bien cómo son”, reconoce haciendo referencia a ejemplos como Instagram o TikTok.

Antes de su último trabajo discográfico, la cantante pasó por un mal momento personal que le obligó a parar. “Tuve que decirme a mí misma que tenía que frenar para sanar y cuidar, porque si no, esto te come. Tuve la suerte de poder hacerlo y acabar dándole mucho amor al proyecto, cuando ya estaba bien”, agradece. Se enfrentó igualmente a los ritmos que imperan en la industria discográfica, que empuja a que los artistas tengan que estar continuamente lanzando nuevas composiciones, hits, con presencia continua en las redes sociales: “Existe ese miedo a que se olviden de ti porque pares un tiempo. A que vayan a bajar tus números, porque son cosas que pasan”.

Existe ese miedo a que se olviden de ti porque pares un tiempo, a que vayan a bajar tus números

Ona Mafalda — Cantante

En sus letras habla de la necesidad de romper con el perfeccionismo que muta en una autoexigencia muy tóxica. “Hay prejuicios que me encasillaron en un lugar desde el que no me veía capaz de hacer cosas por miedo a que saliera mal”, comenta sobre el proceso que vivió hasta entender que, y así lo reflejó musicalmente, por muy fan que sea de las canciones tristes, “no quería entrar en ese dolor que luego iba a tener que recordar y cantar toda la vida”.

“Quería temas que me sacaran de ahí, que me hicieran sentir mejor, empoderada y satisfecha con lo que estaba haciendo”, expresa sobre la misma emoción que quería transmitir a su público, ese “tomar las riendas”. Su necesidad de resetear nació el mismo día que cumplió uno los grandes sueños de su vida: ser telonera de Coldplay en la visita a España de la banda en 2023: “Fue uno de los primeros conciertos a los que fui de pequeña. Si me hubiera dicho entonces que 17 años después estaría tocando para ellos, no me lo hubiera creído”.

“Pasó tiempo hasta que volví a componer desde ese momento, pero ese volver a la raíz de lo que significan para mí Coldplay, regresar a las cosas que me inspiraron y explican por qué sigo haciendo lo que hago, me hizo darme cuenta de cómo quería que fuera lo siguiente”, reconoce haciendo alusión a otros referentes como Florence and the Machine, The Strokes, Blondie y Patti Smith. “Esto es un negocio superdifícil, es una montaña rusa, y este es el tipo de cosas que te pasan en la vida y te siguen empujando y haciendo creer en lo que haces. Por eso estoy tan agradecida del apoyo que recibo de mi equipo”, celebra.

Una industria menos edadista

El reseteo de Ona Mafalda ha pasado también por el look con el que ahora se sube a los escenarios. “He recuperado la t-shirt y los jeans. No me complico mucho, porque así es como empecé cuando tocaba de pub en pub en Londres. No tenía ni estilismo, ni make up ni nada. Era yo, mi guitarra, y a tocar”, recuerda mezclando palabras en castellano e inglés, herencia del tiempo que estuvo viviendo en Reino Unido.

Desde entonces han cambiado aspectos en la industria como que “ahora ya no solo tienes que ser artista, tienes que ser una business woman [mujer de negocios]. Ser como una araña, tener muchas patas”. La cantante reconoce que no lo lleva mal porque es “muy workaholic”. Sobre el ambiente entre los compañeros de profesión, explica que “no todos” son mejores amigos: “Sería mucho decir, pero hay un apoyo muy grande y bonito en esta industria”.

Ona Mafalda considera igualmente que el mundo de la música se ha vuelto menos edadista, al detectar “un cambio generacional muy grande”. “Cuando antes mirabas programas como Factor X, si tenías 27 años ya eras vieja y se te había pasado el arroz para hacer música. Esto ya no es así para nada”, aplaude, al tiempo que señala que esta “presión y miedo” ha afectado siempre más a las artistas mujeres que a los hombres. “Quiero que mi música inspire a otras mujeres a que se sientan cómodas con sus cuerpos, tengan la edad que tengan, sean como sean, y sigan adelante pese a lo que veamos, leamos y lo que nos digan que es lo que se lleva o cómo hay que ser. Cada una somos como somos”, recuerda.

En este tiempo, otro de sus más valiosos aprendizajes ha sido a “tener más paciencia y que no te dé un bajón si no haces un sold out”. “Al principio me daba más cosa pensar que no estaba tocando en el WiZink [ahora Movistar Arena], pero bueno, ya vendrá, o no. Y si no, seguiré tocando en las salas y teatros en los que lo estoy haciendo. Yo con seguir tocando el resto de mi vida y poder vivir de esto, estoy feliz”.

Las mujeres también nos hartamos

Harta fue otra de las canciones que le nacieron componer en este nuevo contexto, en cuyo estribillo lo único que hace es repetir esta palabra una y otra vez. “Es un grito a no tener que aguantar las cosas. Nadie nos puede limitar en sentir lo que queramos sentir. No tenemos que ser señoritas sentaditas perfectas, al contrario”, sostiene.

Para seguir ampliando mensaje eligió también versionar a Mari Trini y su Ya No Soy Esa, porque para ella representa todo lo que quería transmitir en sus canciones, ese “dejar las cosas atrás, dejar a la persona que otra gente cree que eres y hacerlas a tu manera”. A la cantante le impresiona que el tema fuera compuesto en 1971: “Había que tener narices para hacerlo. Estuvimos dándole muchas vueltas y la verdad, me decidí a hacer la versión porque es un sueño haber podido escribir esta canción”.

La localidad ciudadrealeña de Valdepeñas celebra este sábado, 20 de junio, el Pride 2026, con el que pretende instar a la tolerancia y la igualdad del colectivo LGTBI a través de una fiesta por la diversidad, que tendrá lugar en la Plaza de España, a partir de las 22.30 horas, y que contará con las actuaciones de María Isabel y Sonia Madoc, Kelly Roller, Penélope Caos y el Dj Acid Rainbow, junto un homenaje al polifacético Paco Clavel.

Homenaje a un icono LGTBI

El acto, organizado por el Ayuntamiento de Valdepeñas, contará con la lectura de un manifiesto y un homenaje a Paco Clavel, cuya figura ha sido destacada por la concejala de Igualdad, Inmaculada Pacheco, como “referente LGTBI del país”. El artista, Francisco Miñarro López, natural de un pueblo de Jaén, se mudó a Valdepeñas en su infancia, por lo que siempre ha formado parte de la Ciudad del Vino.

Se le concedió el título de Hijo Adoptivo de la Ciudad de Valdepeñas en 2023 y que siempre ha sido un referente de la comunidad. “Se hizo conocido en los años 70 por su estilo extravagante, divertido y rompedor. Fue uno de los impulsores de la movida madrileña, mezclando música, humor y performance artística”, destacan desde el Consistorio.

Asegura que hoy “es reconocido como uno de los artistas más singulares e influyentes del pop alternativo en España”.

Actuaciones en el Pride Valdepeñas 2026

En cuanto a las actuaciones, la fiesta contará con la artista María Isabel, que saltó a la fama con el tema 'Antes muertas que sencilla', con el que ganó el Festival Eurovisión Junior de 2004. Ha participado en numerosos talent shows de televisión, las más recientes son los programas 'Tu cara me suena' y 'Bailando con las estrellas', del que resultó ganadora.

Por otro lado, Sonia Madoc conocida por el extinto grupo Sonia y Selena, que se hizo notar en los 2000 con el mítico tema 'Yo quiero bailar', también actuará en esta edición del Pride de Valdepeñas. Entre sus éxitos también se encuentran 'Deja que mueva, mueva' o 'Tequila'. En 2025 el dúo se reunió oficialmente para participar en el Benidorm Fest con el tema 'Reinas', que se hizo muy popular entre el colectivo LGTBI, aunque se disolvió pocos meses después.

El cartel lo completa Kelly Roller, reconocida drag que ha participado en 'Drag Race España' y que “ha consolidado su imagen en Valdepeñas como presentadora de la Gala Drag de la localidad”.

También se sumará la drag valdepeñera Penélope Caos, que ha obtenido diferentes premios en la Gala Nacional 'La + Queen' de Valdepeñas, así como el dj Acid Rainbow, con una amplia experiencia a los mandos de fiestas LGTBI como Mariquita Fest, Baila Cariño, Aqua o Marta Cariño, entre otras, que ejercerá como DJ hasta la madrugada.

Un concierto de Viva Suecia dará el pistoletazo de salida al tercer ciclo 'Toledo en Concierto 2026', que oferta 18 actuaciones repartidas en los meses de julio y septiembre en la Plaza de Toros de la capital castellanomanchega.

La banda murciana actuará este sábado 20 de junio y dará el testigo a La Sagra Suena, festival que se celebra el 27 de junio e incluye las actuaciones de Ginebras, La Casa Azul, La Paloma y Les Castizos.

El mes de julio traerá a la capital regional a Ana Torroja, el día 3; Álex Ubago, el 4; Lia Kali, el 10; El Arrebato, el día 11; y Delaossa, el 17 de julio. D. Valentino&MVRK llenarán el coso toledano el 18 de julio; Niña Pastori el 24 y Oro Viejo by DJ Nano el 25.

Ya en septiembre, será el turno de Sergio Dalma, el día 4; Vanesa Martín, el 5; Fernando Costas, el 11; Luismi Family 41 aniversario, el 12; Aguilera y Meni, el 18; Techno Flamenco, el 19; y Celtas Cortos, el 25. Cerrará el ciclo JC Reyes el 26 de septiembre.

Las entradas se pueden adquirir a través de esta página web, aunque conciertos como el de Viva Suecia ya han agotado todas las localidades disponibles.

Conciertos “de primer nivel”

En declaraciones a los medios, y acompañado del concejal de Juventud y Festejos, José Vicente García-Toledano, el director general de SYS Producciones, Marco Givica, organizador del evento, ha indicado que, tras la buena acogida de las dos ediciones anteriores, han visto que había oportunidad de “crecer y mejorar la producción” y por ello han planteado “uno de los ciclos más importantes del territorio nacional”.

“No tenemos nada que envidiar a ciudades como Barcelona o Valencia. Tenemos un ciclo de 18 conciertos de primer nivel con una gran inversión económica. Creamos un impacto económico brutal en la ciudad. Hoteles llenos, restaurantes llenos, servicios de transportes a tope. Este tipo de celebraciones vienen muy bien para posicionar a Toledo dentro del panorama nacional. Ahora todos los artistas quieren venir a tocar a Toledo”, ha defendido, añadiendo que el aforo completo del recinto llega a 6.000 personas.

“Nos recorremos todos los festivales de España cogiendo ideas. Lo que buscamos es poner un punto de mejora cada año y este año hemos montado la estructura triple y la entrada decorada”, ha concluido.

Mientras, el concejal de Juventud y Festejos ha asegurado que para garantizar la convivencia vecinal, las pruebas de sonido no se pondrán hacer entre las 13.30 y las 17.30, “para que los vecinos puedan echarse la siesta”; y solo habrá un montaje y un desmontaje. No se van a poder instalar generadores fuera de la plaza y la iluminación estará orientada lejos de las ventanas de los vecinos “para que no afecte a su sueño”.

En junio de 1996, hace 30 años, esta canción se colocaba en el número uno de las listas en España y sigue siendo uno de los temas que más suenan y más recordados de uno de los artistas italianos más exitosos en España con 80 millones de discos vendidos en todo el mundo y cuatro décadas de éxito ininterrumpido.

Hablamos de Eros Ramazzotti y su ‘La cosa más bella’, que cumple tres décadas y confirmó al artista como en España, pero también como artista internacional en el que fue su disco más vendido, cuyo éxito fue clave este sencillo que sigue estando entre los más escuchados de las más de 9.300 millones de reproducciones globales que acumula en el streaming.

La historia detrás de ‘La cosa más bella’ de Eros Ramazzotti

Ramazzotti, natural de Roma, desembarcó en España en la década de los 80 con las primeras traducciones de sus canciones al español, pero sería a comienzos de los 90 cuando se convirtió en un éxito de ventas, primero con ‘Cosas de la vida’, para luego confirmarse con ‘La cosa más bella’, sencillo que formó parte de uno de sus discos más vendidos y siendo uno de sus temas más populares.

‘Più bella cosa’, el título original en italiano de la canción fue coescrita con Claudio Guidetti, que aportaría la música, y con Adelio Cogliati en cuanto a la letra. Se publicó como sencillo del álbum ‘Donde hay música’ y no solo logró ser un éxito en España, sino también en Latinoamérica, lo que lo consolidó como artista internacional. De hecho, llegó a regrabarla con algunas partes en inglés para un dueto junto a Tina Turner.

El tema llegó, también, en un momento de plenitud personal para Eros Ramazzotti, siendo así una declaración de amor para su entonces pareja Michelle Hunziker y la llegada de su primera hija, Aurora. A ella le dedicaría también unos meses después la canción ‘L’aurora’.

La pareja se casaría poco tiempo después, en 1998, y su matrimonio duraría 11 años, si bien el divorcio marcaría el final de su historia de amor, actualmente ambos tienen una buena relación personal. Tanto es así que aparecieron juntos en televisión interpretando la canción en el aniversario del programa que hizo famosa a la presentadora en Italia.

‘La cosa más bella’ se estrenó por primera vez en el verano de 1996 junto con su original en italiano, y fue galardonada con varios premios como el de Festivalbar, pero también se hizo con un MTV Europe Gold Awards en 1997.

La protagonista de la historia y a quien Ramazzotti dedicó la canción, Michelle Hunziker, apareció también en el videoclip oficial, y años después llegó a hablar de lo especial que este tema fue en su momento para ella: “Una canción que significa mucho para mí, no porque todos digan que me la dedicaron, lo cual puede ser cierto o no. Sino más bien porque representa un momento muy feliz; fue la banda sonora de la concepción de mi hija Aurora. Mientras grababa el video de esa canción, estaba viviendo mi propio cuento de hadas personal, y cuando regresé, descubrí que estaba embarazada de mi ángel”.

Abraza las nuevas tecnologías y luego las critica. Sergio Oramas, conocido artísticamente como Muyaio, tiene una vida partida en dos. De día, se encierra entre códigos analizando catálogos musicales y diseñando los complejos algoritmos de recomendación de la plataforma de streaming Pandora. De noche, se sube a los escenarios para presentar su nuevo epé, Scroll Infinito, y cantar sobre los problemas, precisamente, de las pantallas. “Soy camello y yonki al mismo tiempo del algoritmo. Soy adicto y el primero que sufre todas estas cosas, pero por eso entiendo cómo funcionan y todo lo que hay detrás”, confiesa. Y el artista aprovecha todos sus conocimientos para sumergirse en las bases de datos y hacer frente a una industria musical sumisa hoy al caos de las playlists.

Las aplicaciones nos han vuelto perezosos como oyentes. Se trata de una situación que, si bien puede recordar a la pasividad que supone encender una emisora de radio y que elijan por ti las canciones que escuchas, hoy se torna más sorprendente dada la amplísima infinidad de artistas que componen el catálogo de Spotify o Apple Music. Y no toda la culpa recae sobre los usuarios. Muyaio afirma que las grandes plataformas lo ponen difícil porque “los algoritmos se basan mucho en la popularidad y en lo que se denomina la coescucha”. Si no hay un grupo de gente que te escuche, el sistema no tiene datos tuyos y te ignora.

Las empresas prefieren ir a lo seguro para proteger su modelo de negocio. Si intentan que el usuario descubra cosas muy distintas, las métricas bajan y la empresa sufre. “Cuando abres ese descubrimiento y permites dar a conocer a más artistas, para el algoritmo es más difícil acertar y, por lo tanto, es más difícil que el usuario siga en la plataforma”, explica Muyaio, que reconoce que lo sencillo es recomendar lo que la gente ya está escuchando porque “entiendes bien cómo es el comportamiento de esa música y a quién se la puedes recomendar y a quién no”. “Puedes hacer un algoritmo que sea más justo, pero a la empresa le interesa que el usuario pase el mayor tiempo posible en la app”, cuenta el músico.

Al final, el negocio triunfa si los oyentes continúan dentro de la plataforma y consumen más publicidad, pero esto genera una monotonía digital que nos afecta a todos. “La mayoría de los usuarios no quiere descubrir música, quiere reincidir en lo suyo, y al final el algoritmo lo aprende”, apunta el cantante. “El algoritmo también puede ser optimizado para la persona que le gusta descubrir, pero supondría darle ese poder al usuario, dejarle que pueda definir cómo quiere su algoritmo o brindarle posibilidades dentro de la plataforma que le permitan ir por un camino o por otro”, agrega.

La búsqueda de un algoritmo sano

Aunque es posible crear dinámicas más sanas dentro de las plataformas de streaming, lo cierto es que no siempre existe interés por llevarlas a cabo, sobre todo porque son desarrollos que cuestan bastante dinero y en la mayoría de ocasiones no se priorizan. Incluso Muyaio se ha topado con esta situación cuando proponía mejoras internas dentro de Pandora que chocaban con las decisiones comerciales. “Yo he dicho: 'Mira lo que puedo hacer con el algoritmo, mira la maravilla que se puede hacer'. Pero la gente te dice que no porque es muy complejo. A las plataformas, en teoría, les gustaría, pero tienen otras prioridades”, detalla el experto.

Precisamente porque vive todo esto en primera persona, Muyaio ha usado la tecnología para crear sus propias soluciones. En febrero de 2023, cuando lanzó su canción El algoritmo, programó una web llamada Algoderitmo. “La idea era ver cómo, como científico, podía ayudarme a mí mismo como artista emergente”. La web usaba una base de datos de músicos independientes y creaba un recomendador basado solo en el sonido. El usuario podía seleccionar a un artista famoso que le gustara y la web recomendaba artistas emergentes similares en el audio, creando así una playlist alternativa. Se trató de un proyecto puntual que por falta de tiempo no siguió adelante.

Asimismo, con su segundo disco, Pop Picón, fue todavía más allá y mezcló la inteligencia artificial con el juego interactivo. El músico creó un fanzine en el que, mediante IA y un número de WhatsApp, los oyentes podían chatear directamente con famosos. Se podía tener un consultorio amoroso con Shakira, hablar con Kurt Cobain o pedirle recomendaciones de películas al director de cine Sorrentino. De hecho, cada canción del álbum estaba inspirada en uno de estos personajes. Fue una idea muy avanzada para su momento, puesto que reconoce que no tuvo mucha repercusión, y después se popularizó ChatGPT, haciendo que un proyecto así dejara de ser algo novedoso.

Por su parte, Muyaio también se atreve a hacer una valoración del futuro hacia el que nos dirigimos, y considera que el abuso de las pantallas nos acabará volviendo personas más solitarias. “Cada vez estamos más solos y aislados. Hablamos con la IA, que es increíble porque parece que está viva”, comenta. Esta soledad, además, terminará afectando de lleno a la cultura, pues asevera que pronto las plataformas podrían no recomendarnos canciones de otros seres humanos, sino música que se cree de forma artificial solo para nosotros. “Pasarás a estar en un grupo contigo solamente y dejarás de estar en comunidad, porque solo consumirás música hecha para ti”, apunta, señalando que “vamos hacia un individualismo radical”.

El auge de las canciones hechas con IA

A esto se añade la enorme cantidad de canciones automáticas hechas con IA que se suben a internet cada semana, un problema que está saturando los servidores de empresas como Pandora o Spotify y encareciendo los costes técnicos. “Para mí toda esa música es spam”, afirma, y explica que en su trabajo aplican filtros para frenarla. “El algoritmo no te la va a recomendar, otra cosa es que tú la puedas buscar”, comenta. “Esas herramientas molan para hacer la música del cumpleaños de tu suegra y pasártelo bien con tu familia, pero no para subirla a la plataforma de streaming”, reflexiona el cantante, que indica que “la inteligencia artificial es la tiranía del ciudadano medio”.

Toda esta experiencia es la que da vida a su nuevo epé, Scroll infinito. Las canciones, de pop alternativo tropical, nacen de problemas de la vida moderna, como el tema No me hagas ghosting, que surgió al ver cómo funciona hoy en día el negocio de la música. “Me salió hablar del ghosting porque estaba sufriéndolo en la industria de la música al tratar de conseguir conciertos, que te lleven a un festival o incluso que te contesten discográficas”, reconoce. Es lo que él llama “ghosting profesional”, una mala costumbre donde la gente prefiere ignorarte antes que decir un “no”, y un concepto con el que juega para reivindicar que no solo puedes ignorar a alguien en el ámbito romántico.

En su nuevo proyecto también trata el FOMO, esa necesidad ansiosa de no perderte nada por culpa de las redes. “El FOMO era parte habitual de mi vida... en Internet, en las redes sociales, hay millones de cosas que están pasando y no estás tranquilo ni en tu casa”, cuenta Muyaio, que añade que “estás sometido a millones de estímulos”. Para presentar estas canciones, el cantante ha montado un show diferente donde mezcla sus temas con monólogos de humor, algo para lo que se ha estado formando. “El monólogo puede ser la premisa y la canción el remate. Lo veo como un continuo”, comenta sobre la estructura del espectáculo. Con este no pretende dar una lección sobre tecnología, sino hacer algo que se le da de maravilla: reírse de sus propios problemas cotidianos como adicto a internet.

El artista británico David Hockney ha fallecido a los 88 años de edad, según ha comunicado su representante y ha publicado la cadena BBC. Hockney era uno de los creadores más influyentes del arte contemporáneo y cultivó varias disciplinas, desde la pintura, la fotografía, el diseño gráfico e incluso la escenografía; y convirtió con sus obras a las piscinas en objeto de culto.

El artista trabajó prácticamente hasta el final de su vida y fue un pilar fundamental del movimiento Pop Art durante los sesenta. De sus creaciones destaca su llamativo uso del color, en el que influyó su sinestesia. “Yo pinto lo que quiero, cuando quiero y como quiero”, fue uno de sus mantras.

Nacido en Bradford en 1937, Hockney asistió a la Bradford School of Arts antes de acceder al Royal College of Art, donde estudió entre 1959 y 1962. Su fama le llegó siendo aún estudiante, ya que su obra se incluyó en la exposición Jóvenes contemporáneos, que marcó el inicio del Arte Pop Británico. Aun así, el artista nunca llegó a identificarse completamente con este estilo.

El hecho de que la RCA le negara en 1962 la posibilidad de graduarse por no entregar dos trabajos finales, presentó el lienzo Pintura al natural a cambio de una protesta. El pintor se había negado a entregar un ensayo alegando que no tenía nada que decir por escrito, y que sus propias obras hablaban por él. La institución británica acabó reconociendo su talento y proyección, y cambió sus normas para permitir su graduación.

David Hockney fue abiertamente homosexual en una época en la que serlo era aún ilegal en Reino Unido. El artista lo reflejó desde sus primeras obras, en las que quiso reflejar relaciones sentimentales y sexuales entre personajes masculinos, como Nosotros, dos chicos juntos y bien pegados, de 1961; o Escena doméstica, Los Ángeles, de 1963, en el que aparece un hombre duchándose mientras otro le acaricia la espalda.

Fue a comienzos de la década de los sesenta cuando viajó a Los Ángeles, donde decidió establecer su residencia. Allí se inspiró para llevar a cabo una serie de cuadros de albercas usando pintura acrílica de gran colorido.

Su obra estuvo influida por la fotografía, tanto en sus creaciones pictóricas como los collages. Estos 'joiniers', collages hechos de fotografías, los comenzó a producir a principios de los ochenta, primero usando impresiones de Polaroid y posteriormente estampados de 35mm procesados comercialmente. Con ellos creaba imágenes compuestas utilizando fotografías hechas con película instantánea o reveladas de un solo sujeto, ordenadas de forma irregular. En uno de sus primeros montajes plasmó a su madre. Al estar las imágenes tomadas desde distintas perspectivas, el trabajo resultante fue similar al cubismo.

Hockney se mudó a Londres en 1968 y entre 1973 y 1975 vivió en París, antes de viajar de nuevo a Los Ángeles. Sus memorables creaciones le convirtieron en uno de los artistas contemporáneos más importantes del mundo, y algunas de ellas llegaron a batir récords en subastas. Durante su carrera diseñó escenografías para el Royal Court Theatre, el Festival de Glyndebourne, La Scala y la Metropolitan Opera House de Nueva York.

El retrato fue uno de los géneros fundamentales desde su carrera. Desde 1968 pintó a amigos, parientes y amantes a partir de fotografías. En ellos quedó implícita su presencia, ya que la forma en la que convergen las líneas de perspectiva sugieren su punto de vista. Sus padres, algunos escritores, diseñadores de moda como Ossie Clark y Celia Birtwell, el marchante de arte Nicholas Wilder y el bailarín Wayne Sleep, repitieron como protagonistas de estas pinturas.

A partir de 2004 se trasladó a Bridlington, dentro del condado de Yorkshire, en Inglaterra. Allí representó los paisajes de la zona a través de acuarelas y óleos, además de películas y su iPad, convirtiéndose en pionero en utilizar las herramientas digitales para el arte. Creó con faxes, fotocopias y polaroids; y se pasó el confinamiento en 2020 dibujando paisajes de primavera en su tableta. Posteriormente continuó esta senda con paisajes en movimiento que registraba con varias cámaras y presentó en tramas enormes de cerca de veinte pantallas.

Calaceite es un pueblo especialmente bonito, de eso no hay duda, pero es cierto que en la comarca del Matarraña, en Teruel, hay muchos otros pueblos bonitos, así que su belleza no lo hace tan especial estando donde está. Sin embargo, Calaceite juega en varias ligas a la vez. Conserva uno de los conjuntos históricos más interesantes de la comarca, con calles empedradas, plazas porticadas y casas señoriales que hablan de siglos de prosperidad ligados al comercio y al aceite de oliva, pero este municipio esconde mucho más que una cara bonita.

Cuando caminamos por sus calles, basta con recorrer la Plaza de España, asomarse a la Placeta de la Lonja o avanzar por la calle Maella para entender por qué está considerado uno de los pueblos más llamativos de Aragón, y por qué pertenece a la asociación de Los Pueblos más Bonitos de España. A cada paso aparecen fachadas de piedra, balcones de forja, antiguos portales de la muralla convertidos en capillas y rincones que conservan intacto el carácter de una villa que ha sabido crecer sin perder su identidad.

Pero como verás, Calaceite es mucho más que un casco histórico bien conservado. Aquí nació el arqueólogo Juan Cabré, una figura clave para entender la prehistoria y la cultura ibérica de la zona. También fue refugio de escritores y artistas durante la segunda mitad del siglo XX, hasta el punto de que por sus calles pasaron nombres tan conocidos como José Donoso, Gabriel García Márquez o Mario Vargas Llosa. Y a apenas un kilómetro del pueblo, entre campos de olivos, el poblado ibérico de San Antonio recuerda que la historia de este rincón del Matarraña comenzó mucho antes de la Edad Media.

Un paseo por uno de los cascos históricos más bellos del Matarraña

Si hay un lugar por el que conviene empezar la visita es la Plaza de España. Es el auténtico centro de la vida local y uno de los espacios que mejor explican la historia de Calaceite. Construida en el siglo XVI, está rodeada de soportales, pasos cubiertos y fachadas de piedra que reflejan la importancia que tuvo la localidad durante siglos.

Presidiendo la plaza se encuentra el Ayuntamiento, levantado a comienzos del siglo XVII y considerado uno de los mejores ejemplos de arquitectura civil renacentista de la comarca. Bajo sus arcos se situaron antiguamente el mercado, la cárcel y algunos de los espacios donde se desarrollaba la vida pública de la villa.

Y allí al lado, a pocos pasos, aparece la Placeta de la Lonja, una pequeña plaza a la que se accede atravesando los arcos del Ayuntamiento. Rodeada de edificios de los siglos XVII y XVIII, constituye uno de los rincones más representativos del casco histórico, y además uno de los más tranquilos.

La calle Maella y los rincones que explican el carácter de Calaceite

La calle Maella es una de las más representativas de Calaceite. A lo largo de su recorrido se suceden casas señoriales, fachadas de piedra, escudos nobiliarios y balcones de forja que reflejan la prosperidad que vivió la localidad entre los siglos XVIII y XIX.

Entre todos los edificios destaca la Casa Moix, reconocible por su gran balconada en esquina sostenida por ménsulas decoradas. Su singularidad fue tal que la fachada se reprodujo en el Pueblo Español de Barcelona con motivo de la Exposición Internacional de 1929. También merece atención la Casa de la Justicia, uno de los edificios más antiguos del municipio.

Más allá de los monumentos concretos, buena parte del atractivo de Calaceite está en su propio trazado urbano. Las calles ascienden y descienden adaptándose al relieve sobre el que se levantó la villa y conectan pequeñas plazas, pasadizos y edificios históricos que aparecen de forma constante durante el recorrido.

Los portales que dejaron de defender la villa para convertirse en capillas

Uno de los elementos más curiosos de Calaceite son los portales-capilla, una solución arquitectónica muy característica del Matarraña. Antiguas puertas de la muralla medieval terminaron transformándose en espacios religiosos cuando las necesidades defensivas desaparecieron.

El mejor ejemplo es el Portal-Capilla de San Antonio, conocido también como Portal de Orta por ser el acceso desde la vecina localidad catalana de Horta de Sant Joan. Sobre la antigua puerta se construyó en el siglo XVIII una capilla barroca que todavía hoy mantiene algunas celebraciones tradicionales.

Algo parecido ocurrió con el Portal-Capilla de la Virgen del Pilar, situado al final de la calle Maella. Esta antigua entrada de la muralla conserva la estructura original del portal y la capilla añadida posteriormente. Juntos recuerdan cómo era la villa amurallada de Calaceite y la evolución que experimentó con el paso de los siglos.

La gran iglesia barroca que domina el perfil del pueblo

La Iglesia de la Asunción es el edificio más monumental de Calaceite y una de las obras barrocas más importantes de toda la comarca. Su construcción comenzó a finales del siglo XVII sobre el emplazamiento de una antigua iglesia gótica y fue consagrada en 1710.

La fachada principal concentra buena parte de los elementos más destacados del templo, con columnas salomónicas, abundante decoración barroca y los grandes clavos de forja de sus puertas. También destaca la torre campanario, cuya construcción quedó inacabada.

En el interior, las tres naves tienen la misma altura, algo que sin duda ayuda a aumentar la sensación de amplitud. Muy cerca se encuentra la Capilla de San Roque, documentada desde el siglo XVI y vinculada históricamente al antiguo hospital de la localidad.

El pueblo que se convirtió en refugio del boom latinoamericano

Pocas personas esperan encontrar en un pequeño pueblo del Matarraña una historia relacionada con algunos de los escritores más importantes de la literatura en español del siglo XX. Sin embargo, eso fue exactamente lo que ocurrió en Calaceite.

Durante la década de 1970, el escritor chileno José Donoso se instaló aquí junto a su familia y convirtió la localidad en un lugar de encuentro para autores e intelectuales. Por el pueblo pasaron figuras como Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa o Carlos Fuentes, atraídas por la tranquilidad y el ambiente cultural que se había generado en torno a Donoso.

Esa tradición artística sigue formando parte de la identidad local. La Plaza de los Artistas, inaugurada en 1999, recuerda la presencia de escritores, pintores e investigadores que encontraron en Calaceite un lugar donde residir o trabajar durante distintas etapas de sus vidas.

De Juan Cabré a los íberos: un viaje a los orígenes del Matarraña

La importancia cultural de Calaceite también está ligada a la arqueología. Aquí nació Juan Cabré, una de las figuras más destacadas de la arqueología española y uno de los investigadores que contribuyeron a dar a conocer el patrimonio prehistórico e ibérico de la zona.

El museo Juan Cabré, dedicado a su figura, permite conocer mejor tanto su trabajo como la historia del territorio. Pero la mejor forma de entender esa herencia es acercarse hasta el poblado ibérico de San Antonio, situado a poco más de un kilómetro del casco urbano.

Las excavaciones iniciadas a comienzos del siglo XX permitieron documentar un asentamiento ocupado entre los siglos V y II a. C. Todavía pueden observarse restos de viviendas, estructuras defensivas y parte del urbanismo de un enclave que dominaba visualmente buena parte del territorio circundante.

Olivos centenarios, miradores y excursiones alrededor de Calaceite

Aunque el casco histórico concentra gran parte de los atractivos de la localidad, merece la pena reservar algo de tiempo para conocer el entorno. Los olivares forman parte inseparable del paisaje y de la economía local desde hace siglos. Un buen ejemplo lo encontramos en la Olivera del Suavo, todo un monumento vivo al que se le calculan más de 800 años de edad. 

Otro lugar imprescindible es la ermita de San Cristóbal, situada sobre una elevación desde la que se obtiene una amplia panorámica del Matarraña. El edificio actual fue construido en el siglo XVIII, aunque la devoción al santo está documentada desde mucho antes.

Desde este punto, elevado y con vistas, pueden contemplarse los campos de olivos, varias localidades de la comarca y las montañas de los Puertos de Beceite. Un broche perfecto para una visita que va mucho más allá de un casco histórico bonito, y que nos lleva a descubrir uno de los pueblos con más personalidad de toda la comarca.

Pocas obras son tan reconocibles como Las Meninas. Millones de personas identifican inmediatamente la escena pintada por Diego Velázquez en 1656, con la Infanta Margarita rodeada por sus damas de compañía, bufones, sirvientes y el propio artista trabajando frente a un gran lienzo. Sin embargo, existe un detalle que suele pasar desapercibido incluso para muchos amantes del arte: el cuadro más famoso de la historia de la pintura española no siempre se llamó así.

La obra que hoy ocupa un lugar privilegiado en el Museo del Prado fue cambiando de nombre a lo largo de los siglos. De hecho, el título con el que actualmente es conocida por todo el mundo no apareció hasta bien entrado el siglo XIX. Durante casi doscientos años fue identificada de maneras muy distintas, reflejando tanto la evolución de la historia del arte como la forma en que cada época interpretó el significado del cuadro.

Cuando Las Meninas todavía no eran Las Meninas

Según explica la enciclopedia oficial del Museo del Prado, el cuadro “no siempre fue conocido como Las meninas, sino que su título ha ido cambiado a lo largo de los años. En el inventario del Alcázar de 1666 se menciona como Retrato de la señora emperatriz con sus damas y una enana y de esta misma forma aparece en los inventarios sucesivos hasta el año 1700”.

La siguiente gran transformación llegó tras el incendio del Alcázar ocurrido durante la Nochebuena de 1734. Después de sobrevivir al fuego, el lienzo comenzó a aparecer citado como La familia del Señor rey Phelipe Quarto y, según el propio Prado, “cuando se le cita en el nuevo Palacio Real se le titula unánimemente La familia”. Durante décadas, esa fue la denominación habitual utilizada para identificar una de las obras más importantes de la monarquía española.

No fue hasta 1843 cuando apareció por primera vez el nombre actual. Según explica el Prado, fue Pedro de Madrazo quien utilizó la denominación Las Meninas en el catálogo del museo redactado ese año. La institución señala que aquel nuevo título “hará tal fortuna que permanecerá hasta nuestros días”. Lo que comenzó como una decisión catalográfica terminó convirtiéndose en uno de los nombres más célebres de toda la historia del arte occidental.

El significado de la palabra que dio nombre al cuadro

La elección del nuevo título no fue casual. El propio Museo del Prado recuerda que la palabra “menina” procede del portugués y designaba a las jóvenes damas que servían en la corte. Para explicar su significado, la institución cita el Tesoro de la Lengua Castellana de Sebastián de Covarrubias, publicado en 1611. Allí se describe al menino como “el pagecito que entra en palacio a servir, aunque de poco, al príncipe y a las personas reales”.

Curiosamente, aunque el cuadro recibe hoy el nombre de esas damas de compañía, la verdadera protagonista de la composición es la Infanta Margarita. La hija de Felipe IV ocupa el centro exacto de la escena y concentra la atención de todos los personajes que aparecen representados. Según la enciclopedia del Prado, su posición en el cuadro evidencia que ella constituye el principal objeto de atención de la obra y simboliza la esperanza de continuidad de la dinastía de los Austrias en un momento especialmente delicado para la sucesión de la Corona.

A su alrededor aparecen once figuras perfectamente identificables. Entre ellas destacan las dos meninas que atienden a la infanta, María Agustina Sarmiento e Isabel de Velasco, además de la enana Mari Bárbola, el bufón Nicolasito Pertusato, varios miembros de la corte y el propio Velázquez, que se autorretrató trabajando frente a un enorme lienzo. Al fondo puede verse también la figura de José Nieto, situada en una puerta iluminada que constituye uno de los elementos más enigmáticos de toda la composición.

La obra maestra del Museo del Prado

Pintado en 1656, apenas cuatro años antes de la muerte de Velázquez, este cuadro sigue siendo cumbre de la pintura española y universal. La enciclopedia del Prado lo define como “la obra maestra del pintor” y una demostración extraordinaria de cómo la pintura puede reflexionar sobre sí misma. No se trata únicamente de un retrato de la familia real, sino también de una compleja reflexión sobre la representación, la mirada y el papel del artista.

La originalidad de la escena sigue fascinando a historiadores y visitantes casi cuatro siglos después de su creación. El juego de espejos, las perspectivas cruzadas, la iluminación y la sensación de realidad lograda por Velázquez han convertido a Las Meninas en una obra prácticamente inagotable. Quizá por eso, aunque durante siglos recibió nombres distintos, terminó encontrando uno capaz de imponerse a todos los demás y permanecer hasta nuestros días como una de las denominaciones más famosas de la historia del arte.

La cantante Malú recorrerá varios puntos de Castilla-La Mancha con la gira de su nuevo trabajo, 'Quince', que salió a la luz este pasado mes de mayo.

La artista de hits como Aprendiz, Invisible o Mil batallas, y coach del programa de televisión La Voz visitará el 3 de septiembre la localidad ciudadrealeña de Alcázar de San Juan para presentar su nuevo álbum. Tendrá lugar en el Recinto Ferial del municipio a las 22.00 horas.

Seguidamente, el 7 de septiembre actuará en la Caseta de los Jardinillos en Albacete a las 22.00 horas; el 11 de septiembre en la Plaza de toros de Almodóvar del Campo (Ciudad Real) a las 23:00 horas, y el 19 de septiembre en el Estadio Municipal 'Fuente de La Niña' de Guadalajara comenzando a las 19:00 horas.

Las entradas pueden adquirirse a través de este enlace en la web oficial de la artista, y los precios rondan entre los 20 y los 60 euros, dependiendo del concierto y la ubicación en el emplazamiento.

La localidad guadalajareña de Driebes celebra la novena edición de su festival de arte urbano Ruranos, este año con el sobrenombre de 'extrarradio'.

Tendrá lugar los días 26, 27 y 28 de junio, donde reunirá a doce artistas que realizarán nuevos murales en el pueblo, inspirados en la antigua ciudad romana de Caraca, llegando hasta 110 murales en su casco urbano.

Este certamen es una iniciativa artística impulsada por el Ayuntamiento de Driebes y la Asociación AB Caraca Condita y estará dedicado a la ciudad romana de Caraca, su historia, su legado y la importancia que este enclave tuvo en la Hispania romana.

El objetivo es que Driebes se convierta en un auténtico museo al aire libre, recreando escenas, personajes y elementos de esta ciudad perteneciente al antiguo Imperio Romano, a través del yacimiento arqueológico que hace meses se salvó gracias a una campaña de crowfunding.

Actividades en verano relacionadas con el yacimiento

Desde el Ayuntamiento de Driebes apuntan que la campaña anual de excavaciones arqueológicas en la ciudad romana de Caraca se desarrollará entre los días 10 y 26 de agosto de 2026. Estos trabajos permitirán continuar avanzando en el conocimiento de uno de los yacimientos romanos más importantes de Castilla-La Mancha.

Como viene siendo habitual, tendrá lugar una Jornada de Puertas Abiertas en el propio yacimiento siendo este año el próximo 25 de agosto donde vecinos, visitantes y medios de comunicación podrán conocer de primera mano los trabajos realizados durante la campaña, así como los hallazgos más destacados obtenidos por el equipo arqueológico.

Ozzy Osbourne, líder de Black Sabbath, falleció el 22 de julio de 2025 a los 76 años de edad. El autoproclamado “Príncipe de las Tinieblas”, que había sido diagnosticado con Parkinson en 2019, dio su último concierto con la banda ese mismo mes. La noticia conmocionó al mundo de la música, que tuvo que despedirse de la leyenda del heavy metal.

Ha pasado casi un año desde aquello, y ahora es la familia Osbourne la que está en el punto de mira. Sharon Osbourne y Jack Osbourne, esposa e hijo del cantante, no quieren dejar morir al músico y han decidido asociarse con las compañías tecnológicas Hyperreal y Proto Hologram para crear una versión digital del compositor.

El avatar, que estará creado con inteligencia artificial, tendrá “el ADN digital de Ozzy Osbourne: su voz, imagen y movimientos”, según explicó su hijo en la presentación del proyecto durante la Licensing Expo 2026 en Las Vegas. Sharon, por su parte, explicó que los fans podrán volver a hablar con el cantante. “Puedes preguntarle cualquier cosa a Ozzy y él te responderá con su propia voz. Las respuestas serán lo que él hubiera dicho”. 

Si todo sale tal cual lo previsto, el avatar de Osbourne estará disponible a finales de verano a través de pantallas táctiles interactivas de tamaño real que se ubicarán en diferentes ciudades de Estados Unidos y Reino Unido. “Es casi aterrador lo preciso que es. Mi padre existirá digitalmente como él mismo mientras haya ordenadores”, agregó Jack.

¿Una buena idea?

A pesar del entusiasmo de la familia, las reacciones negativas por parte del público no tardaron en llegar. “Hay algo profundamente inquietante en convertir a una persona real en un títere digital. Ozzy era un ser humano, no una atracción de parque temático”, comentó un usuario en X tras darse a conocer la noticia. 

Días después de la exclusiva, el hijo menor del músico intentó calmar las aguas. “Lo que vamos a hacer va a ser de muy buen gusto. No va a ser para nada cutre”, dijo Jack. “Es algo realmente complejo. No se trata solo de conectar una foto de mi padre a ChatGPT. Vamos a trabajar con tecnología de alto nivel, y se va a sentir muy real. Es increíble cómo se va a utilizar”. 

No es la primera vez que Hyperreal y Proto Hologram desarrollan un avatar digital de una persona fallecida. En la Comic Con de Los Ángeles 2025, los asistentes pudieron hablar con Stan Lee, co-creador de algunos de los personajes más emblemáticos de Marvel como Spider-Man, Iron Man, Hulk o Thor. Este holograma fue de los primeros grandes proyectos de ambas compañías. 

Nunca se había plantado delante de una cámara de cine ni se le había pasado por la cabeza ser actor. La vida de Francisco Martín Ocete 'Cristalino' (Granada, 1989) cambió radicalmente cuando Isaki Lacuesta lo eligió para encarnar a Florent, el legendario guitarrista de Los Planetas, en Segundo premio (2024). Aquel salto a ciegas al mundo de la interpretación pronto se convertiría en un viaje por alfombras rojas que llevó a la película a ser la representante de España en su carrera hacia los Oscar, a cosechar tres premios Goya y a brindarle al propio Cristalino una nominación a Mejor Actor Revelación. Sin embargo, detrás de su papel en el filme había una realidad simbólica: lo que verdaderamente le mueve son las canciones.

Evitando detenerse demasiado en la luz cegadora de la gran pantalla, la música de Cristalino aboga por todo aquello que permanece cuando se apagan los flashes del foco mediático: los faroles de un bosque oscuro, las frutas de los árboles, el viento que arremolina, los mimbres de las ciudades... Todo queda condensado en el tercer EP del artista, Destello, señal, hilo y alba, en el que reivindica la importancia de lo analógico en tiempos de algoritmos. Se trata de un proyecto al que ha tenido que hacer frente asimilando la enorme distancia que existe entre la opulencia del cine y la rutina de un músico de furgoneta.

Este doble rol de actor y cantante le ha hecho reflexionar sobre la industria. A pesar de haber formado parte del elenco del que fue uno de los largometrajes del año, el granadino insiste en que esto no sirve como atajo para captar oyentes. “Ser actor no te asegura para nada que las personas que te ven en una película se tomen el tiempo de investigar quién eres o incluso de conocer tu nombre”, explica el artista a elDiario.es. Este señala que la velocidad a la que consumimos cultura boicotea nuestra capacidad de atención: “En general, es muy difícil que las personas prestemos atención al arte. A todos nos pasa, vivimos superacelerados. Es muy difícil encontrar tiempo para escuchar con calma una canción o leer un libro”.

Antes de que el casting de Segundo premio llamara a su puerta en 2022, la vida del granadino consistía en compaginar su arte con su trabajo. “Estaba dando clases de guitarra en una escuela”, rememora sobre sus inicios, marcados por el “hartazgo de llevar tantos años en una banda y no lograr vivir de ello”. Para poder subsistir e independizarse, se vio obligado a priorizar la estabilidad económica frente a la creación. “Dejé un poco de lado mi faceta artística para ganarme la vida de algo”, indica, pero la necesidad de componer terminó imponiéndose, obligándole a recortar su jornada como docente. “Ganaba lo justo para pagar el alquiler y comer, e iba solo de lunes a miércoles a la escuela”.

El cantante reclama medidas de protección reales para un sector que a menudo sobrevive en la cuerda floja, haciendo una comparación con las políticas culturales de otros países europeos: “Tengo un amigo en Bélgica que, gracias al estatuto del artista, tiene un sueldo fijo como bailarín. Tiene que cotizar tantos días, pero tiene un sueldo fijo. No hay nada parecido ni por asomo en la música”. Cristalino considera que la ausencia de estas redes de seguridad impide consolidar trayectorias estables. “La música es muy precaria. No hay nada sólido a nivel institucional que te permita tener una carrera larga como creador musical, y se le podría dar una vuelta a esto como en otros países”.

La obligación de las redes sociales

Asimismo, esta inestabilidad económica se ve agravada por la exigencia de la industria de obligar a los músicos a comportarse como expertos en marketing o influencers. Cristalino, por su parte, se niega a someter su arte al algoritmo, lamentando que se espera “que tenga un perfil de Instagram o de TikTok superinteresante”. De hecho, advierte de que el exceso de ruido en Internet no se traduce en calidad: “Subir mucho contenido a redes de todo lo que haces como artista no asegura que eso te vaya a llevar al éxito. Es algo que se confunde por publicar demasiado o querer estar muy presente y tenemos que asumir que como artistas no podemos abarcarlo todo”.

Esta inercia acaba devorando el propio disfrute del ocio o incluso el descanso. “Muchas veces nos autoexplotamos consumiendo ocio, haciendo que el arte se vuelva un trabajo”, señala el intérprete, que prefiere luchar por recuperar los momentos de calma y autoobservación. “Es mejor parar una hora a estar contigo mismo para ver qué hay en tu mente, en tus sensaciones y en tu cuerpo. Para procesar todo lo que has vivido”, añade.

A contracorriente de una industria que está relegando los videoclips, Cristalino opta por ellos en vez de grabarlos en formato vertical. “Cuando estás publicando un vídeo en horizontal en Instagram o Tiktok, que no es el formato que se prioriza, haces de alguna manera una apuesta más preciosista, más cine”, argumenta. Es su forma enfrentarse a las demandas del algoritmo: “Casi nadie puede con todo. Yo intento hacer lo que pide la industria, pero hasta que siento que no hay una contradicción y que lo hago de una manera equilibrada que me permite expresarme como quiero”.

En colaboración con el productor Jaime Beltrán, con quien comparte andadura desde 2009 en la banda de folk Pájaro Jack, Cristalino ha recurrido a un sonido orgánico en Destello, señal, hilo y alba, defendiendo la imperfección en un momento en el que todo tiende a la excelencia tecnológica. Tanto es así que decidieron dejar tomas completas sin retocar artificialmente cada segundo en el estudio. “Hay que tenerle menos miedo a fallar en general”, afirma, apuntando que para él era importante la “espontaneidad” y “no limarlo todo tanto”. La canción Hilo, por ejemplo, contiene una atmósfera tranquila inspirada en la película Call Me by Your Name.

El músico compuso el tema justo después de ver el filme de Luca Guadagnino, dejándose llevar por los personajes y por la “sensualidad de la naturaleza”. “Hay una sensación de decir: 'Quiero estar ahí una hora, impregnarme de este espacio”, detalla sobre la canción, que está concebida bajo la idea de “amar a las personas, a la humanidad, a los seres...”. Es una de las piezas clave de un proyecto musical que nació durante la cuarentena. Al principio firmaba con su apellido, Ocete, pero la alianza con Jaime Beltrán le impulsó a buscar un pseudónimo más evocador.

Fue una búsqueda obsesiva que duró más de un mes y le llevó a devorar antologías poéticas de Lorca y Miguel Hernández. “Me costaba dormir. Quería algo que sonara poético, pero que no fuera demasiado rocambolesco”, relata. La solución, el nombre de Cristalino, la encontró en una expresión familiar: “Mi abuelo usaba mucho la palabra 'cristalino' para decir: 'Esto me ha quedado claro, esto me ha quedado cristalino'. Es algo que me gustaba mucho porque se entiende y la gente lo sigue usando”, alega. No es la única manera que emplea para mantener presentes sus raíces, pues otra de sus batallas personales ha sido el uso de su acento granadino, una seña de identidad que se niega a neutralizar a pesar del prejuicio histórico que arrastra el pop nacional.

El proceso, según explica, supuso un profundo cambio creativo: “Te cambia la forma de escribir, porque te empieza a sonar todo distinto y algunas cosas no encajan en la sonoridad”. Para el artista, incorporar la fonética andaluza al pop es una cuestión de justicia cultural, y se ha esforzado por no perder el acento hasta el punto de que ya es algo que ni piensa, pues le sale automático. “El pop en Granada siempre se ha castellanizado y yo de adolescente no tenía referentes”, lamenta, celebrando que las nuevas generaciones estén perdiéndole el miedo a no neutralizar el lenguaje. “Hacen falta más referentes con nuestro acento en el arte”, concluye.

No hace “música para fascistas” ni tampoco “para el que se pajea con el Idealista”. Teo Lucadamo (Alicante, 2001) es un rapero blanco que ha crecido en el seno de una familia exitosa de artistas y, como tal, tiene todo lo que basta a muchísimos privilegiados de clase acomodada para desentenderse de los problemas sociales. Sin embargo, Lucadamo lleva por bandera una serie de valores que le hacen querer participar en la vida pública. Y participar en la vida pública significa observar tu realidad, sí, pero también la realidad de quienes te rodean. Y tomar partido.

El cantante, acompañado por Dawit y Manu El, se lanza a la acción con la publicación de Estrellas del Rap Nacional, un disco en el que reivindica la importancia de ser político. “Sintetizadores y sonidos de metal / Financiando bombas en un puto festival / Están cayendo bombas en el hospital / Lo que están haciendo es una puta barbaridad”, declara el intérprete en Tercera Guerra Mundial, uno de los temas del álbum en los que se aborda el terror del genocidio que Israel está cometiendo en Gaza.

Desde los bulos que se propagan con facilidad en Internet hasta el infierno disfrazado de paraíso que supone Silicon Valley, no hay nada que se le escape a Teo Lucadamo en esta propuesta que se convierte en lucha. Lo ha hecho, además, tomando como ejemplo a su madre, Aitana Sánchez-Gijón. Aun así, no es lo único que ha estado haciendo estos últimos meses: el artista ha formado parte del reparto de Amarga Navidad de Pedro Almodóvar y La Bola Negra de Los Javis, ambas en la Sección Oficial del Festival de Cannes.

Publica disco bajo la formación Estrellas del Rap Nacional. Habrá quien considere el nombre poco humilde.

Es una provocación. Realmente nosotros no nos las damos de eso, somos tres colegas y el álbum tiene esa esencia. A veces nos flipamos más y a veces nos flipamos menos, pero hemos hecho una cosa que es distinta y estamos superorgullosos.

Aborda la escena del rap de forma satírica. ¿Hay mucha hipocresía?

En cuanto a involucrarse políticamente, hay gente superposicionada en el mundo del rap. Ahora están saliendo personajes de ultraderecha que rapean en Reels [de Instagram], a los que nadie toma en serio, y me mola ver que, cada vez que sale un personaje de estos haciéndole la ola a Vox o con un discurso ultranacionalista en redes sociales, el rap se los come con patatas y quedan automáticamente descartados del panorama. Festivales como Grimey x Palestina enmarcan ese sentimiento y lo recogen muy bien. Hay peña que está supercomprometida, lo incluyen mucho en su mensaje y me parece de puta madre.

En el disco canta que esto no es música para fascistas. ¿Hay música para fascistas?

Sí, claro. Escucha a Angie Corine, tío. Póntela en Spotify y me dices si eso no es música para fascistas. Los conciertos de esa peña son mítines de Vox. Eso es lo que también me tranquiliza un poco, decir: “Vale, no hay público para esto”. No lo hay. Y a la gente de ultraderecha real tampoco le mola el rap. Es mucho más peligrosa la música intermedia, la música que ni de un lado ni del otro. Cuando es una cosa incolora, intermedia, cuyo único propósito es encajar donde hay huecos, es más peligroso porque estás haciendo una oferta de cosas con muy poca sustancia y la gente al final se acomoda a lo que hay. Hay que poner en valor la música que habla de estas cosas y la música que no, pero que está muy conectada, que realmente llega.

Rapea “Tú vas de rapero, pero eres ingeniero / Tú ves muchos vídeos de consejos financieros”.

Eso en verdad se lo decimos a un amigo: te ves muchos vídeos de consejos financieros y te mola el criptorrollo, pero aun así te quiero, tío. Ya no hablemos de gente en el rap, esa gente más o menos se salva, pero sobre todo hay hombres jóvenes en busca de una identidad que parece que se nos ha quitado. Por una mezcla de todos los estímulos de las redes sociales, el hombre hetero blanco se siente como un poco desamparado y por eso acuden a todas estas cosas. Lo he leído mil veces en maravillosos artículos como los que publicáis en este periódico. Eso ofrece como una salvación al formar parte de esta secta de superbros que se dedican a la movida financiera y a la compraventa. Por desgracia tenemos amigos que nos hacen vivirlo en primera persona, así que nos referimos más a esta gente que a raperos.

Cuando ve España, ¿le gusta lo que ve?

Me encanta España. Soy una persona superorgullosa y patriota y me gusta mi país porque me parece superplural. Ahora estamos viviendo un momento de despertar creativo y cultural, también de cara al extranjero. España está en el mapa y eso es una cosa superpotente gracias a Rosalía, Yung Beef, C. Tangana, Rusia-IDK... Esta peña está poniendo a España en el mapa y se está notando: hay más y más festivales, están saliendo sellos por todos lados... Hay una efervescencia ahí superheavy. Nosotros nos quejamos desde la izquierda, desde dentro, porque vemos el percal y decimos: “Sí, pero no. Vale, hay un intento, pero no del todo”. Pero desde fuera, España es un referente del progresismo y eso me enorgullece, la verdad, aunque no sea suficiente.

¿No se le hace difícil querer España cuando ve que es el mismo país en el que la ultraderecha está en auge?

Pero es que eso pasa en todo el mundo. Sí que hay una cosa rancia de España que no me mola, pero tenemos que convivir con ello y, sobre todo, movilizarnos. Votar y hablar, hablar, hablar y actuar, joder. Es más importante mirar hacia nosotros y hacer comunidad que mirar lo que está haciendo el contrario.

Este disco no es para fascistas, pero tampoco para el que se pajea con el Idealista. ¿Cómo ve la situación de la vivienda?

Pues que es un puto circo. Me parecen una hipocresía tremenda las políticas de vivienda y lo que les permiten ya no solo a los propietarios, hablemos también de fondos de inversión, fondos buitre. Sin ir más lejos, desde la Comunidad de Madrid se defiende la propiedad privada como si fuera un derecho de todas las personas, pero es que tan solo están dándole más poder a estos oligarcas, a estos hijos de puta que están comprando bloques y bloques de vivienda mientras que la gente pobre está en la calle.

No sé si ahora mismo hay una crisis de los desahucios como la que hubo pero, por ejemplo, en el barrio de San Isidro están viendo ahora un pelotazo inmobiliario del copón. Están desahuciando familias constantemente. Pero bueno, gracias a movimientos y organizaciones vecinales como el Sindicato de Vivienda de Carabanchel se está concienciando mucho a la peña y siento que la gente joven está empezando a involucrarse más.

En redes hay cuentas que difunden bulos que calan entre la gente joven. ¿Cómo hace para estar informado?

Es una situación desoladora. A veces siento como si realmente hubiésemos perdido. La batalla cultural y política está especialmente jodida porque todo el mundo utiliza el móvil y los jefes del móvil tienen una agenda política muy concreta, que es la oligarquía. Para informarme en el internet de los pesos pesados leo prensa escrita, es superimportante. Leo bastantes periódicos, entre ellos elDiario.es, El País, El Salto... También el ABC y El Mundo, aunque me cuestan más. Lo intento de verdad, joder, pero me cuestan. Las redes trato de que sean más trabajo que otra cosa.

“En la era de la conectividad / Prime Video te da el genocidio en 4K”, canta en el disco.

Es una crítica muy directa hacia este nuevo orden mundial que estamos viviendo desde que nos han robado el internet. Leí un libro muy chulo de Marta G. Franco, Las redes son nuestras, que habla de esto. Internet se inventó con fondos públicos, un poco como todo, y luego se privatizó y lo que parecía que iba a ser una herramienta para la democracia y que iba a empoderar a las personas y a las comunidades, al final ha hecho todo lo contrario: aislarnos en nuestras propias realidades individuales y hacernos más violentos y menos tolerantes activamente.

Esto no es casualidad, es una agenda. Y a nivel de infraestructura también estamos en un momento crítico, como lo que está peleando ahora Bernie Sanders con las moratorias para construir más centros de datos para controlar más al personal. Tenemos ahí a un Donald Trump al que esto le parece estupendo y veremos qué cojones pasa, pero es una crítica frontal a eso.

Ha participado en eventos a favor de Palestina. ¿Siente que es lo mínimo que se espera cuando Israel está cometiendo un genocidio?

Es lo que siento que puedo aportar. La gente está muy desmotivada con la cuestión política, tiene muy poca fe en la política e incluso la entienden como algo malo, algo en lo que no hay que participar. Y hay que hacer una distinción entre las políticas que sí y las políticas que no, y hay una política del día a día que es superimportante y que no hay que negar. No por el hecho de que haya políticos malos y el mundo sea una mierda no se puede hacer una política cotidiana, que son las acciones de tu día a día.

Si me indigna el genocidio en Palestina, el apartheid y toda esta puta mierda, y me piden de la acampada de Palestina de ir a un evento a tocar unos temas, evidentemente voy a ir, voy a participar en manifestaciones y voy a hablarlo con mi gente porque es lo mínimo. No es que sea lo que se espere, sino que es lo mínimo que a mí me sale hacer porque quiero participar en la vida pública.

En el tema Tercera Guerra Mundial también noto una crítica al fondo de inversión con intereses en Israel KKR. Hay artistas y fans que han acudido a estos festivales sabiendo lo que estaba ocurriendo.

Yo no voy a juzgar a quien haya ido a tocar a estos lugares porque hasta qué punto los artistas tienen que pagar el pato de todo esto. Yo no voy a ir a tocar a estos lugares, pero quien haya ido tendrá sus razones. El problema va mucho más allá. Por ejemplo, yo saco música con Universal y el CEO máximo de Universal es un sionista que flipas. ¿Cómo voy a criticar a alguien que ha ido a tocar al Madrid Salvaje, que es del KKR, cuando mi superjefe es un sionista del copón? La cosa es cuando te intentan silenciar o la complicidad general que hay con este tema.

Dedica una canción a Silicon Valley, la sede de Google, Facebook, Apple...

Estos son los oligarcas de los que hablamos. Ellos están buscando dónde montar su tecnoestado, sin ningún tipo de regulaciones, ya sea en Groenlandia, en Honduras o en Centroamérica, dónde ponerse a construir su puto imperio, tío, al estilo de Los Juegos del Hambre. Joder, es una cosa descarada. Esta gente es descarada. Peter Thiel y todos estos hijos de la gran puta son unos descarados. Ya van a cara descubierta. Son gente muy peligrosa.

Hablaba de esto con un amigo, que tiene una startup y es un poco fanático de Silicon Valley, aunque quizás ahora ya no tanto, porque la cosa está oscura. Pero hace unos años había como un optimismo y me decía: “Es que, tío, Elon Musk se cree Jesucristo”. Cualquiera se puede creer Jesucristo, lo que pasa es que Elon Musk es un psicópata y es una persona muy inteligente, con mucho poder, muy ambiciosa, pero también seriamente peligrosa porque no piensa en el bien común. Marta G. Franco llamó a esto “tecnochovinismo”: todo lo que sea tecnología es mejor porque es la máxima expresión del avance humano. En el fondo, creen que están haciendo un bien a la humanidad, pero sin la humanidad; como la Ilustración: todo por el pueblo, pero sin el pueblo.

Es hijo de Aitana Sánchez Gijón. ¿Le molesta que le llamen nepobaby?

Claro que me molesta, pero tampoco me extraña. A la gente no le mola ver teniendo éxito a hijos de gente famosa que lo han tenido todo superfácil. Yo lo entiendo, a mí tampoco me mola descubrir que los padres de un artista que me flipaba son millonarios, qué bajón. Pero es lo que hay. Estoy orgulloso de poder hacer mi arte de la forma en la que la hago y me siento preparado para utilizar la plataforma que me da ser hijo de quien soy. La estoy aprovechando bien y estoy muy orgulloso de dónde vengo y de lo que representa mi madre como artista y como persona concienciada.

Vídeo de la entrevista completa