La influencia en la historia del arte de Michelangelo Merisi, más conocido como Caravaggio, está más que demostrada. Con su uso de la luz y el realismo de sus obras, influyó de forma definitiva en el Barroco y, tras él, surgió toda una generación de artistas que siguieron y consolidaron su estilo. Entre ellos se incluye Francesco Boneri, cuya vinculación con Caravaggio va más allá de ser un simple seguidor. Conocido como Cecco del Caravaggio, fue amigo, modelo y alumno de Caravaggio, y según los especialistas, también fue su amante.

Antes de iniciar su propia trayectoria como artista, Cecco (diminutivo de Francesco) mantuvo una estrecha relación con el Merisi. Una relación que queda en evidencia en muchas de las obras que pintó Caravaggio, en las que Boneri aparece como modelo principal. Entre estas, destaca por encima de todas el famoso Amor Vincit Omnia (El amor todo lo vence), en el que vemos a un joven desnudo y sonriente con grandes alas de ángel que posa de forma pícara y desinhibida mirando directamente al espectador.

Modelo de Caravaggio

De Francesco Boneri se desconocen muchos datos, como, por ejemplo, donde nació y cuando murió. Pero podemos reconocerlo en muchas de las obras de Caravaggio pintadas en su etapa romana. Además del famoso cuadro del Amor, lo vemos gritando en el Martirio de San Marcos, como ángel en La conversión de San Pablo, como el hijo en El sacrificio de Isaac o como David con la cabeza de Goliat, por mencionar algunos. Hoy está aceptado que Boneri fue, además de modelo, sirviente y amante del pintor, algo que quedaría demostrado incluso con su apodo, Cecco del Caravaggio.

En este sentido, existe una crónica de la época firmada por el viajero Richard Symonds, que asegura que el joven que aparece de Cupido en el cuadro de Caravaggio “era el cuerpo y el rostro de su propio chico o sirviente”. En su texto, Symonds concluye su nota con la expresión “that laid with him” solo traducible por “que se acostaba con él”.

Un cuadro enigmático y transgresor

Además de sirviente y modelo, Boneri se desarrolló como pintor. Como caravaggista, los expertos señalan su calidad como artista, a pesar de las dificultadesde conocer su obra puesto que sus cuadros no están firmados. Aún así, se le han atribuido varias obras como la Expulsión de los mercaderes del templo, Muchacho con instrumentos musicales o su obra más famosa y enigmática, Cupido en la fuente.

En este cuadro no cuesta ver la influencia de Caravaggio, tanto en el estilo como en el tema. En el lienzo vemos una figura masculina con alas oscuras (que remite al joven Cupido antes mencionado) que se inclina a beber agua en una fuente. Lo que más llama la atención es la forma del surtidor, marcadamente fálico, y que veamos al hombre arrodillado y en una posición que sugiere una felación. Por esto, son muchos los críticos e historiadores del arte, entre ellos el máximo especialista en Cecco, Gianni Papi, que han interpretado el cuadro como un diálogo autorreferencial con una carga homoerótica explícita, algo inédito en la época.

Para Papi, este cuadro funciona como un espejo biográfico y una autoafirmación de identidad que hay que contextualizar en la relación íntima que mantuvieron los dos hombres.

Peter Robb, en su libro M. El enigma de Caravaggio, desarrolla esta cuestión. Otros especialistas han profundizado también en la relación entre Cecco y Caravaggio para interpretar Cupido en la fuente como un homenaje directo de Francesco Boneri a quien fue su amante y mentor, que había muerto poco antes, en 1610, cuando solo tenía 39 años.

Incluso el famoso crítico italiano Roberto Longhi, gran especialista y redescubridor de la escuela caravaggista en el siglo XX, se fijó en esta tela singular para definirlo como un “auténtico cañonazo” por su potencia visual y su crudeza realista. Longhi también señaló sus “enigmas figurativos”, que hoy se interpretan como una de las primeras obras de la historia que muestran abiertamente una manifestación homoerótica.

20 millones de dólares. Es el montante total que Olivia Rodrigo ha conseguido recaudar con Daisy Chain Fields, el festival de música benéfico que se celebró a finales de agosto en California y contó con 45.000 asistentes pese al calor. El dinero recaudado se destinará a diez organizaciones benéficas diferentes, todas ellas centradas en los derechos de las mujeres y la infancia.

El Daisy ha sido el primer gran proyecto de Rodrigo más allá de su estricta carrera musical, que empezó en 2021 con el lanzamiento de Drivers License y continúa en marcha ahora, con la promoción del que ha sido su tercer álbum de estudio, You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love (2026).

Para su festival, la artista invitó a compañeras de profesión como Chappell Roan, Doechii, Bikini Kill, Garbage, The Breeders, Mitski o Not for Radio. La propia Rodrigo subió al escenario para interpretar varias canciones de su discografía, además de cantar con las históricas Alanis Morissette y Stevie Nicks. La única condición para formar parte del cartel era ser mujer y no cobrar por actuar.

Pero la idea de este evento a gran escala no nació de cero del equipo de Olivia pues, años antes de que ella naciera, otra artista ya había tenido una idea parecida. Hablamos de Sarah McLachlan, compositora canadiense que a finales de los años 90 decidió montar un festival que terminó marcando a toda una generación.

La historia de Lilith Fair

La idea surgió después de que McLachlan se diera cuenta de que, en la industria musical, la desigualdad entre sus compañeras y compañeros de profesión seguía siendo un problema. Ellos copaban los carteles de los grandes festivales de música y, muchas de ellas, quedaban relegadas a un segundo plano, con menos oportunidades de actuar en los escenarios principales y una presencia minoritaria en grandes eventos.

Así fue como se le ocurrió crear Lilith Fair, un festival con un cartel íntegramente femenino que terminó convirtiéndose en una gira alrededor de distintas ciudades de Estados Unidos, llegando a recaudar más de 16 millones de dólares en su primera edición, celebrada en 1997. Por el evento pasaron artistas como Sheryl Crow, Jewel, The Indigo Girls, Lisa Loeb o Fiona Apple, entre muchas otras.

Olivia Rodrigo nació en 2003 y no pudo vivir en primera persona el icónico festival que reunió a algunas de las mujeres más populares del momento, pero cuando la invitaron a participar en un documental sobre la historia del evento se le encendió la bombilla. ¿Y si pudiera existir algo así en pleno 2026? Artista y equipo se pusieron entonces manos a la obra.

A lo largo de su carrera, la cantante de 23 años ha utilizado su enorme influencia en los más jóvenes para alzar la voz, implicándose políticamente. A través de sus redes sociales, ha criticado la administración de Donald Trump, la guerra en Gaza y defendido los derechos reproductivos de las mujeres. Daisy Chain Fields ha sido su último proyecto en esta línea.

“Pinta lo que quieras, pero como pintor”. Esta es una frase del artista Pablo Picasso, pero que Alfredo Palmero Hernández tiene muy interiorizada gracias a su abuelo, quien fue su maestro y al que se conoce popularmente como el Maestro Palmero.

Alfredo Palmero de Gregorio (1901-1991) nació en la localidad ciudadrealeña de Almodóvar del Campo. Creativo y apasionado de la pintura, se formó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid en la primera década del siglo XX, donde fue alumno de Sorolla y otros artistas como Antonio Muñoz Degrain o José Moreno Carbonero. A lo largo de sus 90 años de vida dejó una producción artística de varios centenares de obras. Los expertos le definen como “uno de los máximos exponentes del realismo español” del siglo pasado.

En base a su trayectoria, el Ayuntamiento de Barcelona ha decidido concederle una plaza homónima que se localiza enfrente del Museo Palmero, en el barrio de Sant Genís dels Agudells, sin embargo, todavía no se ha programado la inauguración.

Hablamos con su nieto, quien tiene el mismo nombre, y que es la tercera generación de artistas de la familia, quien señala que este reconocimiento es “un orgullo para su familia” y que surgió de una iniciativa popular “y no política” a través de la Asociación de Vecinos y Vecinas de Sant Genís dels Agudells.

Alfredo define a su abuelo como un pintor realista “pero también es un pintor impresionista, más bien. Depende mucho de la obra, aunque es un pintor que se mueve siempre en el tema figurativo, con influencia de pintores clásicos como Velázquez, Goya, Rembrandt o El Greco” y destaca que son los pintores que “él siempre tenía en la cabeza”. No obstante, para Alfredo, su abuelo tenía “una pintura muy personal, que se caracteriza sobre todo por la luz y la soltura”.

El París costumbrista, caballos o retratos

El Maestro Palmero es muy conocido por sus escenas costumbristas del París de primera mitad del siglo XX, donde se le reconoce “especialmente por sus bulevares con unas grandes perspectivas, mucho movimiento de todo lo que ocurría en la ciudad” y que surge “a través de un viaje de juventud que hace mi abuelo a París cuando tenía unos 20 años, después de la Primera Guerra Mundial”. Alfredo señala que en la década de 1920 París era “la capital cultural y artística”, donde pintores jóvenes como su abuelo viajaban para aprender, pero también vivir de cerca el espíritu que se respiraba en esta ciudad que “Picasso, Renoir labraron la fama de París”. El Maestro Palmero estuvo allí durante dos años y Alfredo recuerda que le decía a su abuelo que él “había pintado los mejores años de su vida”.

Alfredo asegura que “los artistas pintan lo que les sale, las imágenes salen del interior, no se busca algo concreto” y que en concreto su abuelo los que hacía era “basándose en escenarios muy conocidos como el Arco del Triunfo, La Torre Eiffel o el Boulevard de los Capuchinos, los recreaba de una manera absolutamente realista y luego los llenaba a su antojo. No están pintados in situ, sino desde su taller. Transmitía su amor por la ciudad de París con estas obras”.

Por otro lado, los caballos, a partir de la serie 'Caballos de la Luna'. Alfredo señala que esta serie sobre equinos “se ha copiado una infinidad de veces y se ha imitado, incluso algunas copias han salido en alguna película de Pedro Almodóvar”.

Durante toda su trayectoria, además de las escenas mundanas de París y los caballos, el Maestro Palmero “siempre mantuvo una labor muy buena y constante” como retratista. Alfredo señala que lo hacía de manera muy directa, “y al natural, como los grandes pintores de antiguamente, que es la manera más directa de enfrentarte a un retrato de una persona” y que lo mantuvo con su familia. “Mi abuela, su mujer, fue su modelo y así se enamoraron y surgió nuestra familia. Él disfrutaba mucho haciendo retratos, creo que es uno de los géneros fundamentales de la pintura

Un maestro también para su familia

Alfredo recuerda con cariño las enseñanzas de su abuelo. Aunque solo estuvo un par de años formándose con él de manera continua, destaca que aprendió muchísimo. “La pintura no es la última capa que tú ves, tiene una construcción interior. Para mí influyó mucho no solo en aspectos técnicos, sino también el gusto por figura humana, también por los caballos aunque yo los he desarrollado de otra manera. Estuve con él mano a mano un par de años, pero yo me considero autodidacta”, explica.

Palmero Hernández forma parte de la tercera generación de pintores en la familia y rememora que su abuelo siempre le dejó libertad de creación mientras pintaba: “Cuando yo me equivocaba en alguna cosa y no sabía seguir, venía él y con dos pinceladas lo solucionaba, pero me dejaba fluir. Éramos abuelo y nieto, pero también dos pintores, uno joven y otro mayor y maestro. Fue una etapa muy fructífera, agradable y positiva.

Nos cuenta también que considera que pertenecer a una saga de pintores, concretamente con su abuelo como principal exponente tiene luces y sombras. “Cuando empiezas tienes más facilidades, por ejemplo para encontrar dónde exponer, porque tienes una mano que te ayuda. Pero luego la crítica pública es mucho más dura si el familiar anterior ha tenido éxito. A veces sería casi mejor no tener ninguna relación, porque siempre te están comparando. Pero con el tiempo he visto que hay gente que me escribe o me dice que le gusta más mi pintura que la de mi abuelo. Yo siempre digo que las comparaciones son odiosas, cada uno es cada uno”, relata. En su caso, Palmero Hernández ha guiado parte de su trayectoria en la reinterpretación de clásicos de la pintura, como las meninas de Velázquez o los arlequines de Picasso.

Los museos Palmero y sus raíces manchegas

En la década de 1970, se abren las puertas del Museu Palmero de Barcelona en la histórica Casa Figuerola. Este espacio, emplazado en una antigua masía del siglo XV -casa de labor, con finca agrícola y ganadera, típica del territorio que ocupaba el Reino de Aragón y los condados catalanes-, estaba en ruinas y la familia Palmero se encargó de restaurarla “con ayuda de la gente del barrio y sin un céntimo de dinero público”. Un museo que comenzó como un taller y que en definitiva “es una casa de pintores donde hay obras de arte y antigüedades”, pero que visitan miles de personas. Alfredo explica que “sin ser uno de los museos más grandes y sin toda la ayuda pública que puede tener el Museo Picasso, la Fundación Miró o el MACBA, es de los más valorados dentro de los museos alternativos de Barcelona y uno de los más sorprendentes”.

Alfredo expone que el proceso de creación del museo fue “muy natural, pero requirió un esfuerzo irrepetible, quizá hoy no se podría hacer. La idea inicial era hacer solo un gran taller de pintura, pero poco a poco se fue llenando de la obra que se iba produciendo o que adquirían de otros pintores, pero sobre todo la obra familiar. Se empezaron a hacer visitas privadas, pero después se abrió para todo el mundo”.

En este emplazamiento, además de contemplar las obras del Maestro Palmero, se ofrecen visitas guiadas, recorriendo el taller, la historia de la propia masía y que imparte el propio Alfredo. Destaca que son visitas a puerta cerrada, con grupos de menos de 20 personas y que tienen una finalidad de ser “una experiencia”. “Les cuento el nacimiento del museo y todo lo que he visto en la casa desde niño. También el proceso de creación, el estudio, las obras de mi abuelo y también las mías. Es como una charla entre amigos”, apunta. Por otra parte, señala que la capacidad de adaptación es “total”, ya que hace visitas tanto para estudiantes, personas extranjeras, o personas con discapacidades visuales y auditivas. “No es como en otros museos, donde un guía repite lo mismo una y otra vez. Es adaptado. En el caso de las personas ciegas, pues a través del tacto. Es algo muy personal”.

Por otro lado, desde la década de 1960 en la casa natal y primer taller del Maestro Palmero en Almodóvar del Campo (Ciudad Real), se encuentra otro de los museos. En este caso está gestionado tanto por el Ayuntamiento local como por la Asociación Amigos del Museo Palmero y Centro Cervantino (AMPACE) -cuya presidenta es Silvia Palmero, nieta del Maestro y hermana de Alfredo-. Consta de tres salas con obras del maestro, así como de personas de su familia, estando abierto únicamente los sábados y domingos.

Uno de los temas de madurez y que abarcó casi 20 años de la carrera del Maestro Palmero fue una serie de pinturas sobre El Quijote. En esta saga cervantina, el pintor quiso retratar los personajes de Don Quijote de La Mancha de Miguel de Cervantes “dándoles a todos la misma importancia”.

“Es una colección que entronca las raíces del autor con su tierra, la Mancha, y creo que es una de las más importantes del mundo que hay en ese sentido. De los 800 personajes que tiene la obra habrá retratado unos 120. Además, entre los retratos, otros cuadros grandes y bocetos llegaríamos a hablar de unas 200 piezas”, explica Alfredo.

Desde hace una década, parte de esta colección se encuentra en Almodóvar del Campo, en el Centro Cervantino Palmero. “Tiene una exposición muy interesante y actual, porque a través de la tecnología y la inteligencia artificial hace una experiencia inmersiva por los personajes y valores más importante de El Quijote. Se une el arte tradicional con esta tecnología, donde las imágenes empiezan a hablar y es una experiencia muy bonita”, explica Alfredo.

El nieto del Maestro Palmero nos adelanta que esta colección quijotesca “sigue viva”, ya que él mismo la continuará “pero con otra visión”.

La ciudad de Toledo prepara más de 15 conciertos hasta el mes de abril de 2027 que se desarrollarán en el Palacio de Congresos El Greco.

La programación comenzará el próximo 11 de octubre con Estrella Morente y Rafael Riqueni, y continuará el 12 de octubre con Maldita Nerea. El 1 de noviembre será el turno de Marta Santos, mientras que el 8 de noviembre actuará Rafa Sánchez, de La Unión.

El ciclo continuará el 22 de noviembre con Julio Iglesias Jr., el 8 de diciembre con Antonio José, el 11 de diciembre con Mikel Erentxun, el 27 de diciembre con José Mercé y finalizará el año el 29 de diciembre con Melody.

El concejal de Festejos y Juventud, José Vicente García-Toledano, ha señalado que se trata del “mejor año en la historia de la ciudad de Toledo a nivel de conciertos”, poniendo en valor el trabajo conjunto entre el Ayuntamiento de Toledo y los promotores privados para seguir incrementando la oferta musical de la ciudad.

Una programación que ya no termina con el verano

La nueva temporada supone un paso más en el crecimiento de ‘Toledo en Concierto’. Tras la intensa actividad desarrollada durante los meses estivales, el proyecto extiende ahora su calendario hasta la primavera con el objetivo de que los grandes conciertos y espectáculos no queden circunscritos únicamente a la temporada de verano.

La programación está concebida, además, para llegar a diferentes generaciones y perfiles de público mediante una combinación de flamenco, pop, canción de autor y algunos de los nombres más reconocibles de la música española.

Premio Talento Joven Ciudad de Toledo

El concejal de Juventud y Festejos, ha anunciado también que Marco e Ismael Givica, responsables de SYS Producciones, han sido reconocidos con el Premio Talento Joven Ciudad de Toledo en la categoría de Emprendimiento. El edil ha vinculado este reconocimiento al trabajo desarrollado por ambos durante el último año y a su apuesta por impulsar, en colaboración con el Ayuntamiento, una programación musical estable y de primer nivel en la ciudad. García-Toledano ha felicitado públicamente a los hermanos Givica y ha destacado su capacidad para promover iniciativas y eventos que están contribuyendo a reforzar la oferta cultural y de ocio de Toledo.

La información sobre entradas, horarios y nuevas incorporaciones a la programación se dará a conocer progresivamente contando con los espacios habituales de venta en los portales de Sys Producciones y Toledo Entradas, entre otros.

El Teatro de Rojas de Toledo acogerá el 18 de septiembre la entrega de los Premios Talento Joven 2026, unos galardones con los que se reconocerá el esfuerzo, la creatividad, la capacidad de superación y el compromiso de jóvenes y colectivos que destacan en diferentes ámbitos de la sociedad.

La iniciativa pretende destacar el talento como uno de los principales motores de futuro y visibilizar historias que sirven de inspiración para otros jóvenes, desde el ámbito de la educación y el deporte hasta la cultura, la creación musical, el emprendimiento o el asociacionismo, según ha informado el Consistorio toledano.

Ocho menciones locales

En esta edición, los Premios Talento Joven concederán ocho menciones locales, además de varias menciones especiales de carácter local, provincial, regional y nacional.

En el apartado de Educación, el reconocimiento recaerá en Samuel Ros, alumno del IES 'Sefarad' de Toledo, que ha alcanzado la máxima calificación posible, un 14 sobre 14, en la Prueba de Acceso a la Universidad de 2026. Un logro que refleja una trayectoria marcada por el esfuerzo, la constancia y la excelencia académica.

La mención en Deportes Individuales será para la atleta Ana Gálvez, campeona de España Universitaria en los 800 metros y subcampeona de España Sub-23 en los 400 metros, compatibilizando además el deporte de alto nivel con sus estudios de Derecho en el campus de Toledo de la Universidad de Castilla-La Mancha.

En Deportes en Equipo, el galardón reconocerá al Moprisala Toledo, campeón de España Sub-16 de fútbol sala en 2026 tras imponerse al FC Barcelona en una emocionante final. El premio valora la importante labor de la cantera y la formación que desarrolla el club desde hace años.

El joven escritor toledano Carlos Muñoz Escobar recibirá el reconocimiento en la categoría de Cultura. Con apenas 15 años ha publicado ya cuatro novelas protagonizadas por su personaje Pepe Holmes, convirtiéndose en uno de los escritores más jóvenes de España y llevando además escenarios reconocibles de Toledo a sus historias.

La categoría de Artes Escénicas distinguirá a Laura Cuadrado, actriz toledana formada en Arte Dramático, cuya trayectoria se caracteriza por una visión multidisciplinar de la creación artística vinculada a la interpretación, la música, la moda y la creación audiovisual.

En Creación Musical, el reconocimiento será para Pole, uno de los artistas toledanos con mayor proyección en la música española, con certificaciones de Oro y Platino y colaboraciones con algunos de los principales nombres del panorama nacional.

El premio en la categoría de Emprendimiento recaerá en SYS Producciones, el proyecto empresarial impulsado por los hermanos Marco e Ismael Givica, que ha experimentado un importante crecimiento hasta convertirse en uno de los proyectos que contribuyen a dinamizar la oferta musical y cultural de Toledo y Castilla-La Mancha.

Por último, Generación Empresarial será reconocida en la categoría de Asociacionismo y Voluntariado por su trabajo para conectar a jóvenes empresarios y emprendedores, fomentar la colaboración y generar nuevas oportunidades a través de la creación de redes y espacios de participación.

Menciones especiales

La gala contará también con varias menciones especiales que permitirán reconocer trayectorias y ejemplos de superación, compromiso y excelencia.

En este sentido, la Mención Local será para el futbolista toledano de fútbol sala Jesús Gordillo, campeón de Europa absoluto con España en 2026 y uno de los grandes referentes del deporte toledano en la élite internacional.

La Mención Provincial recaerá en Emilio Redondo, deportista paralímpico natural de Villacañas, cuya historia de superación le ha llevado a competir al más alto nivel y a representar a España en los Juegos Paralímpicos de Invierno de Milán-Cortina 2026.

En el ámbito regional, el Ayuntamiento reconocerá a Dani Fernández, artista de Alcázar de San Juan convertido en uno de los principales referentes actuales del pop-rock español y que mantiene un estrecho vínculo con sus raíces manchegas.

Las Menciones Nacionales distinguirán a Julio Rodríguez, por su extraordinaria actuación solidaria en el auxilio a las víctimas del accidente ferroviario de Adamuz; a la Selección Española de Gimnasia Rítmica, campeona del mundo de conjuntos en 2026 y clasificada para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles 2028; y a la Selección Española masculina de fútbol, campeona del mundo en 2026.

Como en la canción de Labordeta, Paco Bermejo ha salido al camino, en este caso a los de la Tabla de la Yedra, y ha encontrado paisajes en los que no amanece por nada. Sombras, siluetas, difuminados, evocaciones, ausencias, reflejos, llamadas: todos ellos constan en la selección de fotografías expuestas en el bar galería El Canguro Violeta de Piedrabuena, Ciudad Real. Este tiempo es favorable para prestar atención a todos esos fenómenos, cuando la intensidad del verano casi se nos escapa entre los dedos: la fugacidad y su topetazo contra el muro de septiembre. Mientras tanto, la ilusión que muestran estas fotos.

Hay que ir (más) al Canguro a rendir homenaje allí a Mariano Rivero, alma responsable de ese milagro que dura ya 42 años: 31 desde que es galería, puntualiza: durante los cuales ha extendido su centro de gravedad a Piedrabuena, convirtiéndola en un polo cultural de primer orden. Más Canguros nos harían falta: convertirnos en Australia. Y la Yedra es un emblema piedrabuenero, recuerda Paco Bermejo, por lo que la conexión se ha dado sola. Era el momento y, puesto que la Yedra ya se conoce como paraje natural y turístico, ahora sabemos también que era la perspectiva.

No hay escapatoria de la jungla de la realidad, de la nocturna ribera de aguas vivas (Saramago) que es esta Yedra fantasmal y apasionante, ensoñación y nihilismo: y también casa reflejándose en el agua (Margarit). Los poetas locales Nicolás del Hierro y Domingo Iglesias, cada uno en su exilio, no la olvidaron nunca. El blanco y negro elegante y misterioso de Paco Bermejo rinde tributo a todos aquellos afanes, todos aquellos hombres, que en estas fotos miran desde fuera como nosotros. Julio Espadas también estaba el otro día bañándose en la Yedra y recordé que aunque nosotros no hayamos ido este año: dentro y fuera del encuadre, el Bullaque sigue corriendo y nosotros con él.

El Museo Municipal del Silo de Villacañas acogerá creaciones de arte contemporáneo de artistas de distintas nacionalidades desde el 5 al 27 de septiembre.

Este año, los silos destinados a exposiciones temporales que se encuentran en el recinto del Museo Municipal del Silo serán escenario de la 19ª Muestra Internacional de Arte Contemporáneo 'EntreSILOS', organizada por la Asociación Atenea. Se inaugurará el sábado 5 de septiembre, a las 20:30 horas.

En esta edición presentan sus obras Nadezda Koysová, Paula Koysová, Desiderio Sargo, Luis Ibáñez y Youssef Taki. Estos cinco artistas, procedentes de Eslovenia, Portugal, España y Marruecos, “acercarán a Villacañas una buena muestra de lo mejor del arte contemporáneo actual desde distintas disciplinas, con unas obras que impregnarán de color y de arte el Museo del Silo villacañero, haciéndolo aún más único, peculiar y mágico”, explican desde el Ayuntamiento.

Potenciar el talento local y regional

Además, como actividad paralela a la muestra 'EntreSILOS', se inaugurará la tercera Muestra Mujeres y Artistas, integrada por obras de creadoras villacañeras y de la región como Ana Sira, Ana Yance, Carolina Raboso, Lola Zaragoza, Lucía N.A., María Raboso, Maite Prous, Maythe Eman, Miriam Zaragoza, Pilar Suarez y Solana.

Los horarios de visita de las exposiciones son los viernes de 18.00 a 20.00 horas, y los sábados de domingos de 12.00 a 14.00 horas y de 18.00 a 20.00 horas.

Los silos de Villacañas constituyen un conjunto arquitectónico declarado en 2004 Bien de Interés Cultural con categoría de Sitio Histórico.

Malagón se convertirá esta semana en punto de encuentro para el arte urbano, la memoria, el patrimonio y la comunidad con la celebración de Mancha Graff 2026, la Bienal de Arte Callejero de la provincia de Ciudad Real.

Del 3 al 6 de septiembre, ocho artistas seleccionados realizarán obras de arte urbano de gran formato, convirtiendo las calles de Malagón “en un espacio de creación, encuentro y cultura”, según informa la organización.

“Esta edición estará dedicada a rescatar y reinterpretar el patrimonio cultural de nuestra tierra a través del muralismo, conectando tradiciones, identidad manchega y nuevas generaciones desde el lenguaje del arte contemporáneo”, afirman desde la asociación cultural Transeúnte, que organiza el encuentro.

En esta edición, el jurado reconocerá tres de las intervenciones realizadas durante la Bienal, premiándolas con 1.000 €, 600 € y 400 €.

La artista japonesa Yayoi Kusama, conocida por sus coloridos diseños de lunares y patrones repetitivos, falleció este mes a los 97 años, según una publicación en su página web este jueves. La artista murió el 14 de agosto en un hospital de Tokio, detalló la publicación, que no da más información sobre las causas del fallecimiento.

Kusama “siguió pintando hasta sus últimos días, sin dejar nunca el pincel, y continuó explorando el amor eterno y el alma inmortal”, aseguró el texto. La japonesa, figura clave de la psicodelia, fue una de las artistas más relevantes del último siglo, expuso en museos de todo el mundo y recibió multitud de galardones, como la Orden de las Artes y las Letras de Japón o la Orden de Cultura japonesa.

En 2006 se convirtió en la primera mujer en obtener el Praemium Imperiale de la Asociación de Arte de Japón, uno de los premios internacionales de arte más prestigiosos del mundo. Nacida en la ciudad de Matsumoto el 22 de marzo de 1929, Kusama comenzó a pintar sobre los diez años, usando como motivo la repetición obsesiva de lunares y patrones como redes y arcos, que plasmó en acuarelas, pastel y óleos.

En 1990 se internó voluntariamente en una institución mental, desde donde siguió produciendo obras en diversos formatos. “A lo largo de una vida extraordinaria dedicada por entero a la creación artística, Kusama desarrolló una carrera aclamada internacionalmente como artista de vanguardia pionera, cuya práctica creativa abarcó las artes visuales, la representación, la ficción y la poesía”, detalló su página web.

El Palacio de Buckingham rindió este miércoles homenaje a la artista estadounidense Dolly Parton, fallecida ayer a causa de una “breve lucha” contra el cáncer a los 80 años, con una versión de '9 to 5' interpretada por su banda durante el tradicional cambio de guardia.

La llamada banda de la Guardia Coldstream, conocida por vestir con su particular túnica escarlata, y su gorro alto negro de piel de oso, interpretó esta mañana el conocido tema de la 'reina del country' frente a los miles de turistas que se acercaron al palacio londinense, según mostró un vídeo publicado por la cuenta oficial de la familia real británica en redes sociales.

“Recordando a la fallecida, y enorme, Dolly, quien trajo alegría, consuelo e inspiración a tantos -incluyendo los millones de niños que recibieron libros gratis a través de su -iniciativa- Imagination Library ('Librería de la Imaginación')”, escribieron en X.

El mensaje iba acompañado de un: “Siempre te querremos” (o en inglés, “We will always love you”, una referencia a una de sus canciones más emblemáticas) y un emoticono de un corazón.

El rey Carlos III y su esposa, la reina Camila, se encuentran de vacaciones de verano en Balmoral (Escocia), por lo que no estuvieron presentes en el momento del homenaje de la banda a Parton en Buckingham.

Camila, al igual que Parton, centra gran parte de su actividad filantrópica en fomentar la lectura a través de su entidad 'The Queen's Reading Room', que tras conocer la noticia de su fallecimiento se refirió a la artista como un “icono” y una “defensora inquebrantable” de la causa.

Un texto publicado en la cuenta de Instagram de la entidad, recordaron que gracias a su iniciativa de la Imagination Library y su “buen trabajo”, logró donar más de 300 millones de libros a niños durante más de 30 años.

“Al poner tantos libros en manos de tantos niños les otorgó el regalo más preciado: dio la oportunidad a millones de mentes jóvenes a abrir la puerta a la imaginación y la posibilidad de un amor a la lectura para toda la vida”, comentó 'The Queen´s Reading Room'.

Hay pioneros que no cuadran en los relatos oficiales. Si alguien preguntara quién inventó la técnica del dripping, que hizo tan famoso el movimiento del expresionismo abstracto, lo más probable es que el primer nombre en venirnos a la cabeza fuera el de Jackson Pollock. Pero en algún momento de 1945, en la Art of This Century Gallery de Peggy Guggenheim, el propio Pollock se detuvo ante unos lienzos con pequeñas caras esquemáticas perdidas entre finas líneas negras que parecían haberse vertido directamente sobre el lienzo y quedó cautivado. Años más tarde, el crítico Clement Greenberg admitiría por escrito que él y Pollock habían admirado esas revolucionarias pinturas “furtivamente”. De la autora apenas escribió una línea, señalando que era “una ama de casa que vivía en Brooklyn”. Janet Sobel (1893 - 1968), que así se llamaba esa ama de casa, fue la primera persona en pintar con la técnica que un año después haría famoso a Pollock.

Sobel fue una pintora tardía. Nacida Jennie Olechovsky cerca de la ciudad de Dnipró, en el sur de Ucrania, sus primeros años de vida no fueron especialmente fáciles. Sobel perdió a su padre, que fue asesinado en uno de los pogromos que las fuerzas zaristas instigaban contra los judíos de la zona.

Tras este suceso huyo junto a sus hermanos y su madre hacia Estados Unidos en 1908. Más tarde, su hijo Sol Sobel contaría en una entrevista cómo su madre narraba episodios escalofriantes de las persecuciones antisemitas, en las que solía esconderse en la parte superior de la gran estufa de la familia cuando “gente mala” entraba en su casa. Algunos de esos recuerdos tan terroríficos quedaron plasmados en su pintura, como en el lienzo Invasion Day (1944), en la que podemos apreciar dos elementos fundamentales de su pintura: la fusión de los rostros con líneas irregulares que recuerdan al mundo vegetal.

Imbuida en el espíritu revolucionario ruso, Sobel estaba en contacto con las ideas revolucionarias de la juventud socialista. Con apenas 16 años se casó con Max Sobel, otro inmigrante ucraniano, que había sido minero en su tierra. En los primeros años de matrimonio Janet Sobel se encargaba de los niños, mientras que su marido intentaba progresar en varios negocios. La época de la Gran Depresión golpeó a la familia de lleno y tuvieron que sacar a sus hijos de la escuela para que pudieran contribuir a la economía familiar. Los Sobel vivían en Coney Island, donde ganaban un extra cocinando knischs de patata que sus hijos vendían en la playa.

Los inicios de la experimentación abstracta

Para 1941, el negocio de bisutería de Max Sobel consiguió despegar, logrando que la familia pudiera vivir más holgadamente. Janet había comenzado a practicar con materiales artísticos alrededor de 1939, cuando ya contaba con 45 años. Aunque no fue hasta la muerte de su marido que la artista comenzó a pintar, inspirada sobre todo por su trabajo en bisutería con el esmalte y en el apoyo de su hijo Sol, que había heredado de ella el talento artístico. Fue él quien le consiguió pinceles y pintura para que siguiera explorando su arte y quien se encargó de acercar su obra a artistas como Max Ernst o el marchante Sidney Janis.

Ambos atendieron la llamada. Ernst cenó con la familia y, más adelante, presentó a Sobel a Peggy Guggenheim. Janis, por su parte, fue el primero en exhibir su trabajo, incluyéndola en la exposición American Primitive Painting of Four Centuries de 1943, y también la acercó al curador y artista Fernando Puma. Fruto de ese contacto, Sobel logró en 1944 su primera exposición en solitario, en la neoyorkina Puma Gallery, del 24 de abril al 14 de mayo, con lienzos de una belleza folclórica como Dissapointment (1943), pintados con una delicadeza que desmentía la etiqueta de “primitiva” que tan condescendientemente le habían colgado.

Pintura a la americana: la creación de un mito

Como en el caso de otra gran pionera de la abstracción, como fue la sueca Hilma Af Klint, Sobel tampoco encajaba en el relato oficial que estaba a punto de escribirse sobre el movimiento artístico del que formaba parte.

No fue casualidad que el pope y crítico fundacional del expresionismo abstracto, Clement Greenberg, estuviera interesado en Pollock por aquel entonces. Terminada la Segunda Guerra Mundial, con la escena artística europea diezmada por dos guerras y varias dictaduras, Greenberg defendía en su ensayo de 1955 American-Type Painting un arte genuinamente estadounidense, capaz de heredar el testigo de las vanguardias del viejo continente.

Contaba además con un aliado inesperado: el MoMA y el propio Estado norteamericano, interesados por igual en fomentar esa “pintura a la americana” que se conocería como Escuela de Nueva York. Necesitaban una figura que encarnara ese relato y Pollock encajaba a la perfección. Encarnaba todo lo que Greenberg quería destacar: era joven, ambicioso y, sobre todo, era un hombre, en un momento en que la crítica construía el expresionismo abstracto en clave explícitamente masculina, levantada precisamente sobre la distancia con la otredad que representaban las mujeres o las personas queer.

La crítica y la agenda cultural de la Guerra Fría fabricaron deliberadamente el aura viril del expresionismo abstracto, dejando fuera de foco a artistas como la propia mujer de Pollock, Lee Krasner, o pioneras como Helen Frankenthaler

Algunas investigaciones académicas recientes han documentado cómo ese lenguaje crítico, sumado a la agenda cultural de la Guerra Fría, fabricó deliberadamente el aura viril del movimiento, dejando fuera de foco a las artistas que lo poblaban, como la propia mujer de Pollock, Lee Krasner, u otras pioneras como Helen Frankenthaler, y en el que no cabía ni mucho menos un ama de casa judía que ya había sido abuela y no tenía educación artística formal.

Aquel mismo movimiento cultural, como destapó la historiadora Frances Stonor Saunders en The Independent en 1995 y desarrolló después en su libro La CIA y la guerra fría cultural, contó con la financiación encubierta de la agencia de inteligencia estadounidense durante más de dos décadas, que llegó a promocionar el expresionismo abstracto por todo el mundo como símbolo de la libertad creativa frente al control estatal del arte en la Unión Soviética. Un antiguo agente de la agencia, Donald Jameson, llegaría a admitir años después que, en cierto modo, fueron ellos mismos quienes “inventaron” el expresionismo abstracto.

El taller de una ama de casa

En una foto tomada para una entrevista, Sobel aparece tumbada boca abajo, pincel en mano, pintando un lienzo extendido en el suelo de su apartamento de Brighton Beach, rodeada de algunas de sus propias obras, en una escena profundamente doméstica. Es una imagen que, como explica la historiadora Sandra Zalman, contrasta radicalmente con las fotografías que Hans Namuth tomó de Pollock, donde este aparece convertido en un icono.

Porque así pintaba Sobel, sin caballete, tumbada sobre el lienzo, con esmalte de secado rápido, el mismo material con el que su familia trabajaba la bisutería, mezclado a veces con arena. Vertía la pintura, inclinaba el soporte para que el líquido se desplazara por sí solo, y llegó a usar hasta una pipeta o el tubo de su propia aspiradora para soplar y arrastrar el color por la superficie. El resultado son composiciones sin jerarquía ni punto focal que cubren el lienzo de esquina a esquina, lo que hoy se conoce como 'pintura all-over', y basta con mirar sus cuadros para entender por qué Pollock y Greenberg no pudieron apartar la vista.

Milky Way (1945), hoy en el MoMA, es una superficie vidriada en rosa, amarillo, azul y violeta que recuerda al nacimiento de una galaxia, hecha de finísimas líneas y salpicaduras superpuestas sin rastro de figuración alguna. Pintaba rápido y con unos colores vibrantes que recuerdan al arte folclórico ucraniano, algo que los críticos de la época apreciaban y que les hacía vincularla con los surrealistas, aunque ella nunca se sintió parte de ningún movimiento. Cuando le preguntaron por su interés en el mundo del arte, reconoció que jamás había tenido tiempo para ir a museos. “Pero siempre leo libros... y me encanta la música... No creo que pudiera pintar un cuadro sin escuchar música. Todos los humanos deben tener algo así, que los caliente por dentro”, explicó Sobel.

Su pintura remite a menudo a las experiencias de su niñez y conecta los episodios traumáticos de los pogromos con la convulsa realidad mundial de la década de 1940, un eco que resuena en lienzos que se titulan Hiroshima (1948) o Hitler’s Hell. Con una obra a medio camino entre la forma naíf de otros pintores autodidactas y la sofisticación de las líneas orgánicas, quizá el valor más importante de su arte sea la demostración de libertad y fuerza de una pintura que tiene como único objetivo el de jugar, experimentar con el arte y con la expresión de una misma.

Una fama tan rápida como su desaparición

Peggy Guggenheim fue su valedora más firme, y llegó a describirla en privado como “la mejor pintora, con diferencia, de todo el país”, una confianza que se tradujo en que la incluyera en su galería. Antes y después de ella, los críticos colmaron de alabanzas a Sobel, un reconocimiento que se esfumaría con la misma rapidez con la que había llegado. En 1947, en pleno apogeo de su carrera como artista, Sobel se mudó a Nueva Jersey y con ella también desapareció su obra del circuito artístico neoyorquino.

Tuvieron que pasar más de veinte años para que alguien del establishment volviera a llamar a su puerta. En 1968, cuando apenas le quedaban unos meses de vida, Sobel recibió en su casa al curador del MoMA William Rubin, interesado en su obra precisamente por haber sido una de las influencias de Pollock. Fue entonces cuando el museo adquirió Milky Way para su colección.

Desde entonces, a la historiografía del arte le ha seguido costando encontrar sitio para Sobel, una mujer que trabajó siempre al margen de las instituciones, sin formación académica y a la que hubo que esperar hasta 2021 para que The New York Times le dedicara un obituario. Solo tardó ochenta años en llegar a los libros de historia del arte.

La ciudad de Toledo acogerá el próximo domingo 11 de octubre un cita flamenca con la actuación conjunta de Estrella Morente y Rafael Riqueni. El concierto tendrá lugar en el Palacio de Congresos El Greco, a las 20:00 horas.

El encuentro, organizado por SYS Producciones, reunirá sobre el escenario dos maneras de entender el flamenco desde la raíz y la personalidad artística. La voz de Estrella Morente, una de las intérpretes más reconocibles de su generación, se encontrará con la guitarra de Rafael Riqueni, uno de los grandes maestros contemporáneos del instrumento.

La propuesta plantea un concierto centrado en la esencia del cante y la guitarra, con la interpretación de ambos artistas como eje principal de una noche concebida para acercar al público un flamenco íntimo, profundo y cargado de emoción.

Estrella Morente ha construido una trayectoria marcada por su vinculación con la tradición flamenca y por una personalidad artística propia, en la que conviven la raíz, la sensibilidad y una amplia capacidad expresiva. Rafael Riqueni aportará, por su parte, una guitarra caracterizada por la delicadeza, la precisión y la profundidad musical.

Las localidades se distribuirán en tres zonas de platea, con precios de 50 euros en primera platea, 45 euros en segunda y 40 euros en tercera.

Las entradas pueden adquirirse en este enlace.

Arroba de los Montes (Ciudad Real) ha rendido homenaje este martes a su vecino más ilustre, el pintor Pepe Ortega -condenado y luego exiliado durante la dictadura franquista-, y próximamente lucirá en sus calles tres de las obras de este artista, convertidas en murales cerámicos.

Este homenaje a Ortega “permite recuperar para Castilla-La Mancha a una de las figuras más importantes del mundo del arte del pasado siglo XX y representante destacado del realismo social español y de la posguerra”, tal y como señala el Gobierno de Castilla-La Mancha.

Tres de sus obras se convertirán en murales cerámicos que se exhibirán en diferentes edificios del municipio, como un pequeño museo al aire libre. El primer mural: 'Sí a ser y a ser libres', ocupa ya un lugar privilegiado en la fachada del ayuntamiento.

Por otro lado, tal y como informa el Ejecutivo regional, la colaboración con el ayuntamiento de Arroba de los Montes forma parte de las acciones que se están llevando a cabo para la construcción de una memoria democrática colectiva a partir de historias individuales como las del pintor arrobeño.

“Estamos dignificando la figura de un pintor que, a pesar de contar con reconocimiento internacional, fue silenciado por la dictadura y su obra no es todo lo conocida que debería ser en su tierra, a pesar de que siempre tuvo un fuerte vínculo con su pueblo natal”, ha destacado durante el homenaje al pintor el vicepresidente segundo de Castilla-La Mancha, José Manuel Caballero.

Denunció la falta de libertades durante la dictadura

El primer mural con la obra de Pepe Ortega -imagen cedida por la Universidad de Cantabria y con autorización de sus familiares- constituye en sí mismo un testimonio visual de la transición española y el período de esperanza y apertura que significó, una de las obras más optimistas del artista.

Ortega militó en el Partido Comunista de España, fue encarcelado siete años por rebelión (de 1947 a 1954) y se vio condenado después a vivir en el exilio, “desde el que nunca dejó de denunciar la falta de libertades que sufrió España durante la dictadura”.

Una figura que ya se viene rescatando gracias a la Asociación de Amigos de Pepe Ortega, cuyos integrantes también estuvieron en el acto; y a través del trabajo de investigación que en materia de memoria democrática está realizando la UNED a través de 'Mapas de Memoria'.

Es un movimiento simple, casi rutinario: girar la cabeza, mover el cuello y mirar a la persona que tienes justo al lado. Sin embargo, en una sociedad acostumbrada a vivir aislada y pegada a las pantallas, un gesto así se torna todavía más relevante. Para la pianista Clara Peya (Palafrugell, 1986), una de las artistas más inconformistas de nuestra música, la nuca es el “músculo de la empatía”. Se trata de una zona del cuerpo que nos obliga a dejar de mirarnos a nosotros mismos para fijarnos en quien tenemos alrededor, vertebrando también el concepto de su último disco.

La forma que tiene Clara Peya de entender la vida no se queda en su discurso, sino que define la manera en que crea y se relaciona con el arte. Es lo que lleva a la compositora a apostar por el trabajo colectivo, cediendo en esta ocasión sus canciones a dieciséis voces diferentes que dan vida al álbum Nuca, como las de Niño de Elche, Rita Payés, Judit Neddermann, Sharim Aresté, Mar Pujol, Juan Quintero o Anna Andreu. Acompañada por un piano de pared interpretado con sordina, su propuesta deja atrás la rabia en la búsqueda de un espacio de refugio y sanación.

De hecho, su necesidad de coherencia la lleva a posicionarse siempre por aquello en lo que cree. La artista se embarcó en la flotilla de Gaza para denunciar el bloqueo humanitario y participa activamente en iniciativas solidarias como las de Comando Señoras para apoyar al pueblo palestino. Sobre el escenario, Peya prioriza el mensaje por encima de cualquier pirotecnia o decorado. Tanto es así que su reciente trabajo la lleva a reflexionar sobre la importancia de frenar el ritmo, el peligro de los algoritmos, las consecuencias de los discursos de odio o la falta de más música como altavoz político.

¿Por qué la nuca es tan importante?

La nuca es un lugar de fortaleza y de sensibilidad a la vez. Nuca es ver al otro, reunirse con el otro, hacerlo desde el genuino deseo de cambio y no desde el miedo, mirar a la otredad desde el 'sí' en vez de desde el 'no'. Es algo que nos cuesta mucho hacer: han entrado 40.000 personas por Ceuta y los discursos que escucho tienen muy poco que ver con la empatía. El contexto sociopolítico es tan histriónico que elegimos por protección no conmovernos por nada. He estado unos años sintiéndome muy sola y lo que he entendido es que intentar no sentirnos solas es muy complicado, pero sentirnos acompañadas en nuestra soledad es muy posible.

¿Es compatible sentirse solo con tener odio hacia el otro?

Lo es porque vivimos en la cultura del miedo y los discursos son absolutamente separatistas. En Barcelona, hay bancos separados en vez de juntos para que la gente se reúna. Toda la arquitectura urbanística está hecha para que la gente que no tiene casa no pueda dormir bien en la calle, todo está hecho para que sigamos preservando lo nuestro sin perder nuestros privilegios. Mirar al otro nos obliga a compartirnos y a ser generosos, y eso está muy poco entrenado actualmente. La generosidad pasa por compartir lo que tienes, pero también pasa por compartir quién eres, por dejarte conocer y por querer conocer a quien tienes delante.

El álbum reivindica la calma. ¿Se puede sentir calma y estar enfadada a la vez con lo que pasa en el mundo?

No, pero lo más político que podemos hacer ahora es reivindicar la presencia, la lentitud, la profundidad y la celebración. Son cuatro cosas que ahora mismo son muy necesarias porque van en contra de todo lo que nos pide este sistema, de toda la inercia mundial, que es abrumadora. Vivimos en una era digital en la que compartes memes de gatitos, recetas de pastel de zanahoria o la muerte [de niños] en una escuela porque han puesto una bomba. La capacidad de poner cada cosa en su lugar se pierde, así que es momento de dar espacio a las cosas.

¿Está más calmada o más enfadada?

Estoy enfadadísima, pero he aprendido a gestionarlo de otra manera. Me duele el mundo una barbaridad, aunque actualmente estoy casi más triste que enfadada. El enfado me genera mucha barrera, pero es muy necesario. Me destroza ver cómo está el mundo y me enfada, pero por el hecho de ser blanca, europea, por estar donde estoy y de la forma en la que estoy, intento hacer la música de una manera que pueda llegar. Digo música, pero en realidad hablo de política porque no lo separo. Son lo mismo y me permiten llegar a las personas que me escuchan.

Pero ha retirado su música de Spotify.

Lo he hecho por la estructura fascista de la plataforma. Tiene el monopolio del streaming [*], pero es que ha colaborado con el ministerio de Trump [**], ha invertido 600 millones de euros en desarrollo de tecnología militar [***], es decir, en matar gente en Palestina [****], también en anuncios y canciones de inteligencia artificial, que ponen en todas las listas y son beneficios para la plataforma. Pagan muy mal a los músicos, la calidad sonora es horrible, los músicos pequeños no cobran nada y lo que generan se va para músicos grandes... Es todo lo que yo no quiero, así que por eso no quiero estar ahí.

[*] Según los datos de la firma independiente MIDiA Research proporcionados por Spotify, la compañía no está en una situación de monopolio sino que representa aproximadamente el 30% de los suscriptores globales de streaming musical.

[**] Spotify puntualiza que no ha realizado campañas ni iniciativas para apoyar a la Administración Trump. Admite que ha alojado una campaña publicitaria del Gobierno estadounidense, difundida también en otras grandes plataformas digitales. Respecto a la toma de posesión de Trump, Spotify lleva años organizando encuentros en Washington D.C. y otras capitales con representantes políticos, medios y actores de la industria de diferentes sensibilidades. En este caso, Spotify organizó un encuentro con podcasters políticos y realizó una contribución al comité inaugural, no a la campaña presidencial de Donald Trump. Las contribuciones corporativas a comités inaugurales son además una práctica habitual y no equivalen a un respaldo político.

[***] Spotify no realizó esa inversión sino Prima Materia, la compañía de inversión fundada por Daniel Ek, cofundador y Executive Chairman de Spotify, la que participó y lideró una ronda de financiación de la empresa alemana de defensa Helsing.

[****] Spotify indica que, según fuentes independientes, no existe una conexión acreditada entre la tecnología de Helsing y la guerra en Gaza. La tecnología desarrollada por la compañía en la que invirtió Daniel Ek no se utiliza en Gaza y está desplegada únicamente en países europeos.

Si su estructura es fascista según usted, ¿quien se queda contribuye al fascismo?

Yo no solo pido a la gente que retire su música, pido a los usuarios que cancelen sus suscripciones. Es evidente que si eres una persona que depende de Spotify para sobrevivir es muy diferente que si eres una estrella internacional. Yo sí que pensaba que habría una horda de músicos sacando el catálogo y no ha ocurrido, pero tarde o temprano esta plataforma caerá. No sé si porque nacerán plataformas mucho peores o porque habrá más conciencia, pero esto no va a existir toda la vida. La manera de escuchar música se ha ido transformando siempre. Yo ya tomé la decisión y no quiero estar en guerra con compañeras que han decidido mantener la música allí porque me quedaría sola.

¿Se arrepiente al ver que no la han seguido?

Si pienso en el ego, sí: pienso que soy tonta porque no lo ha hecho nadie y yo estoy sacrificando mi carrera. Pero [la decisión] es un pensamiento coherente y para mí tiene sentido haber quitado mi música de Spotify. Es una lucha que puedo hacer y es la lucha que me toca por ser músico, así que estoy tranquila.

¿Su decisión la ha hecho perder mucho dinero?

Aún no te lo puedo decir del todo, lo que te aseguro es que mi disco no se lo ha escuchado ni una décima parte de la gente que lo hubiera escuchado si estuviera en Spotify. Aun así, sigo teniendo conciertos y vamos a ver qué va pasando. Es verdad que en los conciertos la gente no se sabe las canciones como antes y ahí lo noto mucho. Antes las cantaban y ahora no pueden porque no se las saben, pero de momento creo que puedo seguir viviendo de la música, que es algo que no se me hubiera ocurrido nunca.

¿Ha perdido la fe en la industria musical?

Nunca confié mucho en la industria musical, nunca fue un lugar de confianza para mí. La industria musical es un desastre, pero como cualquier industria. Es que el mundo es un desastre, así que la música se consume como se consume el mundo, como se consumen las personas, como se consume todo.

¿No es triste hablar de música y consumo a la vez?

Pues mucho, la verdad, pero ya hace años que la palabra 'consumo' se añadió en el vocabulario de las entrevistas. Puedes acceder a toda la música del mundo cuando quieras, por lo que no le das oportunidad a nada. Escuchas diez segundos como mucho de una canción y, si no te gusta, la pasas. Tengo por política, cuando me pongo un disco, escuchar mínimo cuatro temas. Si al cuarto no me gusta, vale, ya no le doy más oportunidades, pero entendiendo que es el trabajo de alguien y que hay que mirarlo con amor, darle tiempo y espacio, darle generosidad.

Decidió ir a la flotilla en Gaza.

Nunca pensé que lo haría, pero al final lo hice y me pasó factura porque soy un ser que no está preparada para estas cosas. Fue un shock muy fuerte, físico y emocional. Una experiencia así te cambia la vida para siempre, es una experiencia que aún no he podido ni ordenar ni narrar porque ocurren muchas cosas. No estás por lo importante, estás por lo urgente. El 31 de agosto hará un año desde que fui y pronto podré mirarlo con más perspectiva.

¿Sintió miedo?

Estuvo la idea, pero no lo sentí realmente. Ni cuando estaban los drones. Allí nos disociamos. Cada barco era diferente, a mí me tocó un barco con unas condiciones muy malas. Éramos 19 en un barco de diez. Dormíamos por turnos en el suelo y no teníamos lavabo, así que nuestras necesidades las hacíamos en un cubo y las tirábamos al mar. Era un barco que no estaba preparado para cruzar el Mediterráneo, así que se movía muchísimo, había muchísimos vómitos y no se podía cocinar. Era una situación bastante insalubre.

Al volver de la flotilla de Gaza no entendía que la gente siguiera haciendo vida con normalidad

Clara Peya — Pianista

¿Cómo fue regresar?

Estar en la flotilla es duro, pero es mucho más duro volver. Vuelves y no entiendes nada. Es imposible volver a tu vida porque nada de lo que haces tiene sentido. No podía entender cómo la gente iba al gimnasio con normalidad. Ya he vuelto a mis rutinas, ahora voy al gimnasio, pero al principio era rarísimo. La flotilla ha cambiado muchas cosas, pero el mundo sigue siendo el que es.

¿Qué responsabilidad tienen los músicos a la hora de dar voz a causas políticas?

Toda. Somos un altavoz, la gente nos escucha. Yo soy una artista mediana, pero los artistas grandes no están dispuestos a perder nada. También es de suma responsabilidad saber a quién consumimos y a quién seguimos. Yo he decidido no seguir a gente tibia, así que no escucho ni su música ni sus espectáculos. No me interesa, solo me interesa la gente que se compromete no solo con su arte, sino con entender que necesitamos que el mundo sea un lugar más amable.

¿Le da miedo el futuro?

Mucho, lo que pasa es que me polarizo: o soy muy negativa o soy muy positiva. Me cuesta el camino del medio, que es lo que tengo que trabajar. Hay veces que pienso que todo es un desastre y hay días que pienso que podremos arreglarlo, pero el camino del medio es el más real. Es que estamos en un momento muy difícil, hay gente que dice que ya lo importante es organizarse para ver cómo quieres que te pille el fin del mundo. Pues quiero que el fin del mundo me pille siendo coherente con la gente a la que amo, bailando, celebrando, creyendo que las cosas pueden ser distintas. No creo en la gente, pero sí creo en las personas.

Los fans argentinos de Rosalía que han asistido el martes a su tercer concierto de la gira Lux en Buenos Aires han cantado que “la patria no se vende” en medio del debate sobre la extranjerización de la tierra en el país, pues se trata de un proyecto de ley que el Gobierno de Javier Milei busca impulsar este jueves en el Congreso. “No se vende, la patria no se vende”, cantó el público del tercer y anteúltimo show de la cantante en el Movistar Arena de la ciudad.

La expresión se produjo en la previa del debate en el Senado de la Ley de la Inviolabilidad de la Propiedad Privada, una iniciativa oficialista que, entre otras modificaciones de relevancia, relaja los límites para la compra de tierras argentina por parte de extranjeros. Para este jueves, día en el que los senadores debatirán la iniciativa, se ha convocado una protesta de la que participarán organizaciones sociales, sindicales, ambientales y universitarias, además de agrupaciones políticas opositoras al Gobierno.

Ante el cántico del estadio entero, Rosalía agitó un pañuelo por encima de la cabeza, en señal de arenga. “Es que sos el mejor público, es innegable. Gracias por esta energía siempre tan arriba”, expresó la autora de Motomami que, sin embargo, no dio señales de comprender el trasfondo del cántico.

La ley vigente establece, entre otros puntos, que los extranjeros no pueden poseer más de un 15% del total de tierras rurales a nivel nacional, provincial o municipal, y que un mismo titular extranjero no puede tener más de 1.000 hectáreas en la zona agropecuaria núcleo (centro-este de Argentina). El proyecto, que buscará obtener luz verde este jueves en el Senado, buscará ampliar ese límite a un 25%. Las objeciones a la reforma también se centran en la falta de límites específicos a las compras de propiedades en zonas estratégicas, como fronteras, espejos de agua, glaciares o áreas ribereñas.

Han pasado ocho meses desde el fallecimiento de Jorge Martínez, más conocido como 'Jorge Ilegal', y los músicos de su banda apenas han tenido tiempo para asimilar su muerte, buscar las mejores opciones para rendirle el homenaje que se merece y reorganizar el trabajo que estaban preparando para compartir su legado con los numerosos e incondicionales seguidores que han escuchado sus canciones y han acudido a sus conciertos a lo largo de toda su trayectoria profesional.

Ahora ha llegado el momento de completar la obra en la que estaban inmersos y lo hacen “desde el cariño y el respeto” retomando su idea inicial de reeditar su discografía.

Un proyecto aplazado

Jorge llevaba trabajando en este proyecto desde 2022. El grupo tenía previsto publicar la reedición de Todos están muertos “a finales de 2025 o principios de 2026”, pero la muerte de su líder, a los 70 años, apenas dos meses después de anunciar que suspendía sus conciertos para someterse a tratamiento tras haberle sido diagnosticado un cáncer, impidió que pudiera completarse.

Lejos de desterrar esta idea, sus compañeros decidieron esperar, recomponerse y tirar para adelante. Y es lo que han hecho.

La preventa

La preventa de la reedición de Todos están muertos (Deluxe) arranca este miércoles, día 5, y llegará a las tiendas el 30 de octubre en formatos doble CD, vinilo y vinilo especial en color blanco marfil (edición limitada).

A continuación reproducimos el post con el que el grupo de rock ha anunciado esta reedición en su perfil oficial de X y donde, bajo su nombre, se puede leer el subtítulo: “Reaparece el álbum más crudo del grupo”.

Siguiendo las decisiones de Jorge

El pasado 31 de julio los miembros del grupo explicaban que se habían tomado el tiempo necesario para actuar “con la debida serenidad” y habían decidido retomar aquel trabajo “con cariño y respeto, siguiendo las decisiones que Jorge había tomado”.

Ante las numerosas peticiones que habían recibido de sus seguidores para que la colección de reediciones tuviera continuidad decidieron dar un paso adelante y retomar este proyecto hasta entonces inacabado: “Retomarla significa respetar el trabajo ya realizado y seguir cuidando un legado musical fundamental para la historia del rock español”.

El legado de Jorge 'Ilegal'

Apenas dos días antes agradecían las numerosas muestras de cariño que estaban recibiendo, a través de mensajes, reacciones y vídeos que les llegaban desde ambos lados del Atlántico y se venían a sumar a los actos de homenaje y reconocimiento que se preparaban.

En aquel momento, ellos mismos expresaban cómo se sentían: “El legado de Jorge está en manos de su familia y hemos necesitado tiempo para ordenar las emociones. Como habría dicho él, 'abatidos, pero erguidos', sentimos que es el momento de cuidar este espacio con el respeto que merece y seguir compartiendo su legado como creemos que él lo habría hecho”.

Y dicho y hecho. La reedición de Todos están muertos es la muestra de que la música de Ilegales sigue viva.

Phil Collins, uno de los músicos más influyentes de las últimas décadas y autor de éxitos como “You'll Be in My Heart”, canción con la que ganó el Oscar por la banda sonora de Tarzán, ha confesado que estuvo a punto de morir en 2024 como consecuencia de sus problemas de alcoholismo. El cantante y compositor británico ha relatado por primera vez la gravedad de aquel episodio en una entrevista concedida a The Times, en la que explica que sufrió un fallo multiorgánico y que incluso su familia llegó a plantearse si debía mantenerse con soporte vital.

El que fuera líder de Genesis fue ingresado inicialmente en un hospital de Suiza para tratar su adicción al alcohol. Aunque recibió el alta tras una primera hospitalización, su estado empeoró poco después y tuvo que regresar al centro sanitario, donde fue trasladado a la unidad de cuidados intensivos. Durante aquella segunda estancia, que duró unos siete meses, estuvo prácticamente inconsciente y la situación llegó a ser crítica.

“Mis órganos se estaban paralizando”

Phil Collins ha confesado que casi no tiene recuerdos de aquellos días debido a la gravedad de su estado. “Mis riñones estaban fallando, mis órganos se estaban paralizando”, explicó el artista. Según su testimonio, la situación era tan delicada que muchas personas acudieron al hospital convencidas de que sería la última vez que podrían verle con vida.

“La gente venía a despedirse. Pero no recuerdo que vinieran. No tenía ni idea de lo que estaba pasando. Todos estaban preocupados por si no volvían a verme. Todo podría haber salido terriblemente mal”, relató el músico. También desveló que sus cinco hijos permanecieron a su lado durante aquellos momentos y que incluso mantuvieron conversaciones sobre la posibilidad de mantenerle conectado a soporte vital si su estado seguía empeorando.

El cantante reconoce que fue consciente de la magnitud de lo ocurrido únicamente después de recuperarse. “Tuve mucha suerte de salir vivo de aquello”, afirmó. Desde entonces, asegura haber dado un giro radical a su vida y sostiene que no ha vuelto a consumir alcohol, una decisión que considera fundamental para su recuperación.

La puerta sigue abierta a volver a la música

Los problemas derivados del alcoholismo no han sido los únicos obstáculos de salud a los que ha tenido que enfrentarse el músico británico en los últimos años. Ademas, también tiene muchas limitaciones físicas en parte por las cinco operaciones de rodilla que ha tenido, más allá de otros problemas que le obligaron a poner fin a su actividad habitual sobre los escenarios. De hecho, estas complicaciones marcaron especialmente la última gira de Genesis, en la que actuó sentado debido a sus dificultades de movilidad.

Pese a todo, el artista se ha mostrado optimista sobre su estado de salud y asegura que se encuentra “más sano de lo que había estado en mucho tiempo”, unas palabras que sus fans entienden como una posibilidad de volver a los escenarios.

Cuando fue preguntado por esa posibiulidad, Collins respondió con prudencia, pero sin descartarla. “Me lo plantearía, sí”, señaló. El compositor explicó además que continúa trabajando en nuevas ideas musicales y que tiene varias canciones en desarrollo. “Hay cosas que están a medio desarrollar y un par de ellas que están terminadas. Hay cosas en las que puedo meterme de lleno para empezar a trabajar”, afirmó, dejando abierta la posibilidad de que, tras superar el episodio más duro de su vida, todavía pueda escribir un nuevo capítulo en una de las carreras más exitosas de la música.

La empresa municipal de festejos de Gijón/Xixón, Divertia, hará borrón y cuenta nueva a partir de ahora una vez que se ha consumado este miércoles el cese del gerente, Fernado Losada. Su salida se suma a la del presidente de la sociedad, Oliver Suárez, que fue destituido de forma fulminante por la alcaldesa Carmen Moriyón el pasado mes de julio tras confirmar que el edil realizó al menos las contrataciones de los artistas Alejandro Sanz y Lola Índigo, incluidas en el ciclo 'Los Conciertos del Parque', “de forma unilateral” y sin comunicarlas previamente al Consejo de Administración para su aprobación ordinaria.

Oliver Suárez admitió los hechos e incluso llegó a sumarse con su voto favorable a la decisión de la corporación municipal de retirarle las retribuciones económicas que venía cobrando hasta ahora y pasar a percibir únicamente las dietas por asistencia a plenos.

El relevo en la presidencia

No obstante, advirtió que en su cese “no existe ningún cuestionamiento sobre el objeto de los contratos ni sobre los servicios prestados” y puso en valor que los conciertos de los dos artistas habían sido “un éxito”.

La destitución de Oliver Suárez al frente de la presidencia dio vía libre para su relevo. La alcaldesa nombró para su sustitución al concejal de Urbanismo y Festejos, Jesús Martínez Salvador, quien ya había ocupado el cargo entre los años 2015 y 2019.

Los acuerdos

A partir de ahora se abre una nueva etapa en la empresa municipal de festejos. El Consejo de Administración de Divertia Gijón S.A. ha celebrado este miércoles dos sesiones extraordinarias donde se ha abordado la situación y se ha adoptado acuerdos relativos a la organización y funcionamiento de la entidad.

En la primera sesión, la Secretaría General del Pleno dio cuenta de “las irregularidades” que motivaron el cese de Oliver Suárez Rubio como presidente de Divertia y se anunció una próxima auditoría del historial de contratación de la sociedad.

Entre los acuerdos adoptados en la segunda sesión extraordinaria destacan la aprobación por unanimidad del cese de Fernando Losada como gerente de Divertia, así como el otorgamiento de los poderes de representación y gestión al nuevo presidente, Jesús Martínez Salvador, con el fin de garantizar el normal funcionamiento de la empresa y el desarrollo de su actividad.

Los próximos conciertos

Además, el Consejo de Administración autorizó a la nueva presidencia la formalización de los contratos pendientes, una vez ratificadas las actuaciones realizadas en el expediente hasta la fecha, de Amaia, Ana Torroja, Echo & the Bunnymen y Omar Montes.

De esta forma, la Semana Grande se celebrará tal y como estaba previsto, según han confirmado desde la empresa municipal de festejos.

“Los acuerdos alcanzados responden a la voluntad del Consejo de Administración de avanzar en una nueva etapa para Divertia, orientada a la mejora de los procedimientos internos y el impulso de la transparencia”, han resaltado.

IU y Podemos piden una investigación

Por otro lado, los portavoces municipales de Izquierda Unida (IU) y Podemos, Javier Suárez Llana y Olaya Suárez, respectivamente, han cuestionado públicamente hasta 15 contratos vinculados a los conciertos de los últimos tres años y han solicitado a la Fiscalía del Principado que proceda a la apertura de una investigación para dirimir si el procedimiento seguido por Oliver Suárez puede ser constitutivo de delito.

De estos 15 contratos que ambas formaciones ponen en entredicho, siete forman parte de la programación estival de este año, tres corresponden al año 2025 y otros cinco se remontan al verano de 2024.

Su recelo parte de la premisa de que estos contratos superan las cuantías mínimas que legalmente requieren la autorización y la formalización por parte del Consejo de Administración de Divertia. Sobre este tema, la sociedad municipal no se ha pronunciado oficialmente.

Si pensamos en el fenómeno fan y sus orígenes, nos viene a la mente la década de los 50 y 60 del siglo XX con ‘The Beatles’ y Elvis Presley como protagonistas, pero ellos no fueron las primeras superestrellas de la historia de la música, sino que fue un pianista del siglo XIX por el que había un furor tan grande que se compraban mechones de pelo y las personas se desmayaban al verlo.

Esta ‘superestrella’ fue Franz Liszt, que desde las salas de conciertos de música clásica de la Europa del siglo XIX desató un fenómeno fan que sería el germen de lo que surgiría ya en el siglo XX con la música pop. Además, con una historia de niño prodigio en clase humilde a ser todo un personaje célebre del sector musical.

La primera celebridad de la historia

Tal y como recoge la BBC, Franz Liszt fue la primera celebridad de la historia, de hecho, el Diccionario Oxford de la Lengua Inglesa usó esta palabra por primera vez precisamente en la década de 1830 en el contexto en el que el pianista alcanzó su fama.

De hecho, al igual que con artistas como los Beatles, el efecto que causaba el pianista también recibió un nombre concreto, el de ‘Lisztomanía’, que fue acuñado por el poeta alemán Heinrich Heine, que fue contemporáneo del músico de origen húngaro y nacido en un pequeño pueblo del imperio austríaco en 1811.

Franz Liszt llegó a la fama tras un camino de niño prodigio, que fue educado por su propio padre al descubrir el talento de su hijo en la música, y actuando desde muy pequeño se ganaría al público de Viena, París o Londres por su técnica prodigiosa y especialmente su imaginación, pero también por su apariencia, pues cuando tocaba el piano, con una larga melena que balanceaba en ese momento.

El pianista cambió las reacciones que eran habituales del público en la música clásica, que se caracterizaba por su decoro, y así había casos de gente que incluso cogió un cigarro de la boca del músico y lo fumó, o mujeres baronesas o condesas que se peleaban por conseguir objetos como un vaso o un pañuelo. Nada extraño para los que hemos crecido en el siglo XX y XXI.

Los orígenes humildes de Franz Liszt

Franz Liszt desarrolló su talento y capacidad motivado por su familia, que le comenzaron a dar clases de piano desde los siete años, y compondría desde los ocho, con las improvisaciones ya en su marca. Con tan solo nueve años ya daba conciertos en Sopron o Brastislava, y más tarde fue presentado ante la corte de la Casa de Esterhazy como niño prodigio.

Así fue como consiguió fondos para que el pequeño estudiara en Viena con Karl Czerny, discípulo de Beethoven, y donde llegaría también a estudiar composición con Antonio Salieri, conocido por su “rivalidad” con Mozart. Es así cuando se daría su debut en la capital austríaca en diciembre de 1822 que ya fue todo un éxito, reuniéndose más tarde con Schubert y con Beethoven.

De aquí se desataría la Lisztomanía, un fervor masivo entonces sin precedentes en Europa, hasta que en 1848 dejó las giras y se embarcó en ser compositor y director de la orquesta en Weimar, donde inventaría el poema sinfónico y apoyó la carrera de compositores emergentes como Richard Wagner. Su vida personal y varias tragedias le llevaría a vivir una etapa religiosa en Roma, hasta que pasaría sus últimos años entre la capital italiana, Weimar y Budapest, enseñando de forma gratuita a cientos de jóvenes pianistas de todo el mundo, mientras escribía obras oscuras y experimentales que anticiparon estilos como el impresionismo o el atonalismo. Fallecería a los 74 años en Bayreuth, región de Baviera, en Alemania debido a una neumonía.

Paola Delfín lleva década y media llevando su arte a cuestas por los cinco continentes del planeta. A través de sus murales, alguno de más de 1.000 metros cuadrados, inmortaliza la cultura del lugar, sus gentes y tradiciones, su pasado y porvenir, la comunidad que les da vida.

Esta mexicana de 37 años, en estos momentos asentada en Beirut (Líbano), es consciente del bagaje muralista que le precede, aunque se decanta por un estilo personalísimo y repleto de grises. “No utilizo solo el arte para pintar, sino para explorar el significado de pertenencia”, adelanta antes de comenzar este relato internacional que comienza, precisamente, en España.

Estos últimos cuatro años de su carrera, admite Delfín, han sido en los que más tiempo ha dedicado a imbuirse en los lugares que después retrataría a través de sus líneas en fachadas de edificios o paredes. De España dio el salto a Latinoamérica, de ahí pasó a Estados Unidos y más tarde llegó a Asia, desde donde comenzó a expandirse a otros horizontes, tal y como ella misma relata. Entre los más de 20 países en los que puede disfrutarse su obra están algunos tan dispares entre sí como Italia, Rumanía, Inglaterra, Turquía, Brasil, Colombia, El Salvador, China, Taiwán, India, Ucrania, Siria, Líbano y Benín.

Realizar murales sobre las ruinas, metáforas y literales, que asolan una ciudad empieza a ser una constante en la obra de Delfín. Visitó Ucrania en 2017, cuando el conflicto con Rusia no había estallado con tanta virulencia como lo hizo varios años después, “pero ya se notaban las tensiones”, apuntilla. Por eso, la obra que dejó inscrita en las paredes de Kiev “busca traer un mensaje de esperanza para la gente que vive allí, un mensaje de esperanza ante la guerra”.

Más tarde, en 2024, vivió medio año en Benín, un pequeño país en el África Occidental. “Dependiendo de donde se esté, puede haber conflicto o no. Yo fui al norte a pintar, donde hay conflictos latentes, siempre pendientes de un posible ataque por los grupos armados de la frontera con Burkina Faso”, comenta la artista sobre la capital en la que se hospedó, Cotonou.

“Tuve la suerte de convivir unos días con tres comunidades diferentes de allí y cada una me mostró un poco de ellos, de sus tradiciones e historia”, añade. Además, Delfín estuvo unas semanas en el Parque Nacional Pendjari, en la ciudad de Tanguiéta, a donde tendrá que volver para terminar su obra. “Cuando me llevaron, tuve que ir escoltada por militares”, recuerda.

La pertenencia como espina dorsal de su trabajo

Son siempre las comunidades que los circundan la inspiración que brota en Delfín y germina a través de sus manos en forma de trazos. Es lo que también ocurrió en Alepo, en el norte de Siria, a donde se dirigió desde Beirut junto a la periodista Marta Maroto en febrero de este año. A lo largo de las dos semanas de estadía, mientras una realizaba sus entrevistas, la otra se sentaba al lado a escuchar a los entrevistados. “El señor con el que nos hospedábamos nos llevó a su aldea y conocí a su familia. Decidí pintar a sus nietos como modelos”, reconoce.

Su dibujo se convirtió así en una suerte de mensaje en la pared que remite a un concepto que acompaña a Delfín desde hace un tiempo. Se trata de “pertenecer”, en árabe “al-in-timā”. La artista relata que esto de la pertenencia “se repetía mucho en las pláticas que teníamos con la gente de Siria y quería explorar qué significa pertenecer a un lugar al que muchos de ellos llevaban años sin habitar”.

Realizar este trabajo en una callecita de la ciudad antigua de Alepo, en la pared que daba a una pequeña tienda de comestibles, tuvo su parte performativa. Así lo relata la muralista: “Para los niños y niñas fue algo insólito porque nunca habían visto algo igual. Sobre todo ellas, las niñas, se sorprendieron al ver a una mujer trabajando de esta manera. Marta me ayudaba a pintar mientras los pequeños venían todas las tardes a ver cómo lo hacíamos. Es algo muy bonito que he podido dejar en Siria, un mural pequeñito pero que significó mucho para mí y creo que para ellos también”.

México y Líbano se dan la mano

En marzo de 2025, Delfín fue a parar a Líbano por motivos personales, país en el que ha visto y escuchado las bombas por primera vez en su vida. El primer trabajo que realizó en la zona se encuentra en Trípoli, ciudad al norte de Beirut, la capital, donde visitó el campo de refugiados de Beddawi. Pintó el retrato de dos niñas asesinadas tras el único bombardeo que se ha dado tan al norte del país. A ello se sumó otro mural en el que realizó un homenaje a los trabajadores locales.

Una colaboración con la embajada mexicana le llevó hasta la ciudad de Joünié. Delfín se dejó llevar por sus raíces y se decantó por realizar dos murales que, juntos, componen un tercero. La idea era celebrar los 80 años de las relaciones entre Líbano y México y homenajear a los migrantes en general y a los libaneses en concreto.

“Pinté a una amiga de Trípoli y otra de México, e hice un pequeño homenaje a Frida Kahlo, a la que vemos mucho como personaje, pero poco como artista”, comenta. Por eso, la muralista mexicana se inspiró en el cuadro de Las dos Fridas para luego añadir algunos elementos que remiten a México y Líbano que se entrelazan en el fondo.

Un mural para la sanación

Casi un año después de su llegada, comenzó con el gran mural que tiene ahora entre manos para el Instituto Cervantes en Beirut. Le ha llamado “Nabat”, una palabra que se podría traducir por “latidos”. Aun sin terminar, los simbolismos remiten a la sanación, la reconstrucción y la regeneración, además de la pertenencia, frente a la destrucción que el país sufre por el escarnio continuado por parte de Israel.

Ha decidido incluir a cuatro niños desplazados por el conflicto y una adulta. Al igual que en sus anteriores trabajos, son personas reales a quien Delfín conoce. La figura principal es Alice, artista que trabaja en la fundación Ahla Fawda, desde donde ha ayudado a las personas desplazadas por los ataques. Los dos niños y dos niñas que le acompañan proceden del sur del Líbano, de la ciudad de Balbeek y de la misma Beirut. “Hay un tatuaje en Alice que simboliza los cuatro puntos cardinales, como que todos vienen del mismo sitio, como esa parte de la pertenencia que va más allá de ideologías y división”, explica la artista.

La obra se completa con una casita libanesa que remite a la idea de hogar. Los niños, por su parte, sostienen elementos simbólicos como un astrolabio, un ramo hecho con libros y una flor típica que crece en los terrenos baldíos de Beirut. Además, el mural tiene retazos que dibuja Delfín pero que forman parte de otro proyecto realizado con muralistas de todo el mundo. “Así se fomenta la unión a través del arte”, recalca.

La calle como lienzo

Delfín entiende el arte como algo callejero, vivo, locuaz. Así lo expresa en un tono risueño en esta conversación con elDiario.es, en la que participa desde Beirut. “Este tipo de arte público causa un impacto visual inmediato. Es un medio que me permite poder llegar a la gente que me interesa, la gente de la calle, de manera mucho más inmediata e impactante”, asegura apenas minutos antes de volverse a subir a la grúa para seguir pergeñando el mural beirutí. “Mi manera de ser es poder estar fuera, en la calle, ver qué hace la gente. Eso es parte de quien soy”, subraya.

Su trazo y color tampoco pasan desapercibidos. Siempre en blanco y negro, el dibujo juega en las tonalidades de grises para conseguir el contorno, la sombra y distancias adecuadas. “Vengo de un país cuya fórmula predominante en los murales son los colores, pero no por ser mexicana tengo que hacer yo lo mismo. Me parece importante poder traer algo diferente que mostrar”, se defiende.

Sea como fuere, Delfín desea poder establecerse en Líbano y vivir en un puente continuo entre México y este país de Oriente Medio. Además, anhela poder ir al sur para también llevar allí su arte. Ojalá que los ataques de Israel cesen y lo consiga. Uno de sus murales en esa zona significaría que la vida y la esperanza se vuelven a abrir paso ante tanta barbarie y destrucción.