El cine español ha vuelto a hacer historia en la 79ª edición del Festival de Cannes, y lo ha hecho con un marcado acento extremeño. Pepa Gracia, natural de Puebla de la Calzada, ha desembarcado en el Grand Théâtre Lumière como parte del reparto de ‘El ser querido’, el esperado largometraje de Rodrigo Sorogoyen que compite por la Palma de Oro. La cinta, que se presentó el pasado 16 de mayo, recibió una de las acogidas más calurosas del certamen, con una ovación en pie que se prolongó durante ocho minutos y que sitúa a la producción como una de las grandes favoritas de la crítica internacional.

En este drama de madurez, Pepa Gracia interpreta a uno de los personajes integrándose en un elenco de primer nivel que encabeza Javier Bardem y Victoria Luengo. La película explora la compleja y a veces tóxica relación entre un aclamado director de cine y su hija actriz durante un rodaje en Fuerteventura, un marco de “cine dentro del cine” donde Gracia aporta la solidez de una intérprete formada en la constancia y el rigor escénico. Para la actriz poblanchina, esta presencia en Cannes no es un golpe de suerte, sino el resultado de un compromiso inquebrantable con el oficio que comenzó en su Extremadura natal.

La trayectoria de Gracia es un ejemplo de cómo el talento regional puede escalar hasta la cima de la industria cinematográfica europea. Hija de Teodoro e Isabel, y formada inicialmente en el colegio Nuestra Señora de la Encarnación de Puebla de la Calzada, Pepa creció rodeada de teatro gracias a la influencia de su padre. Aunque sus estudios oficiales la llevaron a diplomarse en Turismo en Cáceres, su vocación artística la impulsó a una formación de más de veinte años que incluye pasos por el Centro Andaluz de Teatro en Sevilla, la École des Sables en Senegal y el laboratorio de José Carlos Plaza en Madrid, a quien considera su gran maestro. Su “bautizo” profesional no pudo tener un escenario más emblemático: el Festival de Teatro Clásico de Mérida, donde debutó con la obra ‘Edipo Rey’ bajo la dirección de Juan Margallo.

En los últimos años, su rostro se ha hecho habitual tanto en la gran pantalla como en las principales plataformas de streaming. Ha participado en películas destacadas como ‘Objetos’, ‘Fatum’ o la aclamada ‘Te estoy amando locamente’, además de formar parte de series de éxito como ‘La Unidad’, ‘La Otra Mirada’ o ‘Feria’. A pesar de este currículum ascendente, Pepa Gracia mantiene una filosofía de trabajo basada en el esfuerzo diario, huyendo de la mitificación de la fama y reivindicando el escenario como el lugar donde realmente se siente libre.

Su paso por la alfombra roja de Cannes representa no solo un hito personal, sino un orgullo para las Vegas Bajas del Guadiana. La presencia extremeña en la sección oficial de Cannes, en un año en el que el cine español ha logrado una representación histórica con tres películas en competición, subraya la madurez de una generación de intérpretes que, como Pepa Gracia, llevan sus raíces por bandera mientras conquistan los templos del cine mundial. Tras su estreno mundial en Francia, el público español tendrá que esperar hasta el próximo 26 de agosto para ver su trabajo en salas comerciales.

“Esta es una película sobre dos personas que no se miran a los ojos”. Lo dice Javier Bardem en el comienzo de El ser querido, en una escena tensísima de casi 20 minutos que precede al título de la película y que marca el tono de la misma. Su personaje, Esteban, un director de cine ganador del Oscar y endiosado por todos, le cuenta a su hija, a la que hace 13 años que no ve, la película que tiene en mente y que quiere que ella protagonice. Un proyecto ambicioso, sobre la memoria de España, sobre quién la construye.

En esa conversación, inteligente, vibrante y excelentemente escrita, Rodrigo Sorogoyen avanza también al espectador los que serán los temas que desarrolla en El ser querido, su última película con la que compite por primera vez por la Palma de Oro en el Festival de Cannes. El ser querido es, digámoslo ya, su película más madura y la mejor. Parece que, alejado del corsé del género que había en sus anteriores filmes como As bestas, el cineasta ha conseguido abordar temáticas que siempre le han interesado de una forma más abierta, sin los peajes del thriller. 

El ser querido habla de un reencuentro. O un intento de. El de ese director que quiere redimir sus pecados reencontrándose con la hija a la que abandonó. Eso convierte El ser querido en un filme sobre la culpa, pero sobre todo sobre cómo se construye la memoria y el relato. Los recuerdos de ese padre y su hija, a la que interpreta Victoria Luengo, son radicalmente diferentes. Y ninguno dará su brazo a torcer. Los dos los han vivido y los han filtrado y aceptado de forma diferente. O se los han contado a sí mismos de una forma que les ha ayudado a avanzar.

Sorogoyen articula ese reencuentro en torno a un rodaje que se ve atravesado por el pasado. Por el pasado que cuenta esa película dentro de El ser querido, llamada Desierto y que aborda el pasado colonial de España en el Sáhara, pero también por el pasado de sus personajes. Los temas de ambas se entrelazan en un juego vibrante de realidad y ficción. 

Ese rodaje lo cuenta Sorogoyen con un músculo y pulso envidiables. Nunca se había visto un rodaje de una película así. Uno tiene la sensación de estar de lleno dentro, entendiendo las labores de los miembros del equipo, y viendo cómo todo depende de la personalidad de ese director endiosado, algo que se solidifica en una escena para el recuerdo (y por suerte El ser querido tiene unas cuantas de ellas). Una escena de una comida y donde los actores del filme que ruedan —maravillosos Raúl Arévalo, Raúl Prieto y Melina Matthews— les da un ataque de risa mientras a Bardem le da un ataque de ira donde saca su auténtico yo. Una escena en donde la risa da paso al auténtico pavor a los dictadores que se esconden detrás de una cámara y que el cine ha permitido todo.

Dentro de ese rodaje los dos protagonistas irán encontrando el valor para empezar a decirse todo lo que no se han dicho en 13 años. Lo que no se atreven a decirse en esa comida inicial. Las escenas íntimas de ellos dos se van intercalando sin que se pierda ritmo, y consiguiendo, como una pequeña gota china, que vaya emocionando sin grandes subrayados ni discursos. Ambos construyen una historia que, de una forma divertida, acaba teniendo hasta una estructura circular, ya que el último reencuentro de ambos personajes también tendrá lugar en una comida, pero muy diferente, en torno a un sándwich en una carpa de rodaje. Qué decisión tan inteligente para explicar el punto de inicio y final de ambos personajes.

Es el mejor guion que han escrito Sorogoyen e Isabel Peña, uno en donde una mano en la espalda dice mucho más que muchas frases de diálogo. Hay varias de esas escenas donde los silencios dicen mucho más que las palabras, como ese desayuno donde una pieza de música en unos auriculares mientras Bardem observa a Luengo se convierte en clímax emocional; o la mirada de un padre que mira tras la columna a una hija que desconoce y que ella reconoce como de validación a su forma de actuar. 

Por eso desconcierta que Sorogoyen haya optado en su puesta en escena por una mezcla de formatos que a ratos resulta confusa. Está claro el uso del grano y el formato para lo que se ve rodado en la película, pero no se entiende del todo la presencia del blanco y negro o el formato cuadrado en un par de escenas (que podría ser una cuestión de punto de vista y que el cineasta defiende como una forma de incidir en el tema del relato y cómo no hay una sola visión de la misma historia). Son recursos llamativos, pero que tampoco añaden demasiado dramáticamente a un conjunto que ya de por sí raya a un nivel altísimo. 

El mismo que alcanzan sus dos protagonistas. Victoria Luengo y Javier Bardem están descomunales. Inmensos. Dos trabajos que rayan la perfección. De Bardem ya lo sabíamos, es uno de los mejores actores de todo el mundo, pero Sorogoyen saca lo mejor de él. Su lado más contenido. Qué gusto verle casi al desnudo, sin trucos ni máscaras. Cómo cuenta con los ojos, con su cuerpo, esa masculinidad tóxica de tantos hombres y directores de cine. Su forma de entrar en una sala, de moverse, de expresarse… ese encantador de serpientes capaz de hundir a alguien y encandilarle después con unas palabras al oído. También alguien que sabe que no lo ha hecho bien.

De Luengo ya intuíamos que era una de las mejores intérpretes de su generación. Lo habíamos visto en Antidisturbios y en Suro, pero aquí son palabras mayores. Le planta cara al todopoderoso Bardem. No se deja achantar. Ambos realizan un tour de force donde no se les ve competir, sino acompañares y acompañar la película para que sea mejor. Será difícil que alguien les tosa en la temporada de premios de este año.

El ser querido llegaba con una espinita a Cannes, el parecido de su sinopsis con la de uno de los éxitos del año pasado, Valor Sentimental. Por suerte solo se parecen en eso. El ser querido, de alguna forma, comienza donde terminaba la película de Joachim Trier. Esta convertía ese reencuentro en forma de película en su clímax final. Sorogoyen construye un largo clímax de dos horas en torno a ese reencuentro y, sobre todo, acierta en un tema fundamental: nunca justificar al monstruo. 

Javier Bardem tiene algo de su personaje en El ser querido, y es que cuando entra en una habitación una fuerza magnética hace que todos se giren. Es una energía, un carisma… algo que se tiene o no se tiene. Lo demostró una vez más cuando atendió la prensa española en el Festival de Cannes, a pocas horas de que paseara por la alfombra roja del certamen junto a Rodrigo Sorogoyen y su compañera de reparto, una Victoria Luengo que se mide de tú a tú con él y que no se achanta a su lado. Tampoco en las entrevistas.

Ambos forman una dupla única en pantalla, donde dan vida a un director y a una actriz que son padre e hija y que hace 13 años que no se ven. También fuera de ella. Ambos se encuentran tranquilos, disfrutando de ese momento histórico del cine español. “Viviéndolo en presente”, dice Luengo, y añade Bardem que esto que está pasando “hay que celebrarlo”. “Por mucho que le pese a una parte de la sociedad, lo que está pasando este año habla mucho de la importancia de apoyar un cine que da tanto trabajo y que da ganancia”, añade. “Marca España”, apostilla su compañera.

El actor llega a Cannes después de su presencia en los Oscar, donde se atrevió a hacer lo que pocos, decir en la noche del cine de Hollywood, “no a la guerra y palestina libre”. El primer día de certamen, Paul Laverty le daba las gracias por decir algo que en el cine de EEUU puede colocarle en listas negras. Bardem asegura que aunque no tiene “pruebas de cosas concretas” en ese sentido, sí que oye y le llegan cosas. “Rumores de cosas que han pasado, pero si supiese a ciencia qué, lo hubiese dicho. Porque eso es lo que está cambiando ahora. Ya hay valor para denunciar cuáles son las empresas, las productoras o los individuos que están haciendo eso”, asevera.

Para Bardem “la narrativa está cambiando, ya no la controlan ellos”. “Ahora las nuevas generaciones se echan a la calle y dicen que esto no es posible. Esto antes no sucedía. Dentro de eso, evidentemente hay riesgo. Soy consciente de ello, yo lo tomo porque tengo una posición privilegiada. Tengo un panorama laboral delante de mí que no se está viendo afectado, sino todo lo contrario, me están llamando aún más, incluido en EEUU, porque saben que ahora si hacen lo contrario, apoyar el silencio, apoyar la neutralidad, apoyar la cancelación, la agresividad que han estado a veces haciendo gala algunas personas o algunas empresas, quedan muy expuestos. Y eso es ya una gran victoria. Evidentemente hay riesgos, pero yo prefiero tomarlos porque puedo tomarlos”, añade.

Pero también anima a que el resto lo haga: “Aquellos que no quieran tomarlos aunque puedan tomarlos, me parece que son cobardes. Aquellos que no puedan tomarlos porque no tienen la capacidad de poder trabajar porque están empezando, yo lo entiendo. Pero hay cosas en donde la neutralidad ya no es posible. No creo que sea una opción en el momento en el que estamos. Donde estamos viviendo muchísimas atrocidades. Creo que lo que sucede en Gaza y en Palestina nos representa mucho a nivel humano, porque es de una mezquindad, de hipocresía institucional, política, económica, y al mismo tiempo de un nivel de inhumanidad que representa a todos los grandes conflictos que suceden en este mundo. Además lleva muchísimas décadas sucediendo. Es importante si puedes alzar la voz, y yo desde aquí animo a los que no lo hacen, que sepan que que hay muchísima gente que están apoyando laboralmente a aquellos que toman la decisión de hablar públicamente”, zanja.

Masculinidad y relato

El ser querido es una película que enmarca esa posibilidad de reencuentro en medio de un rodaje. Y es ahí, en medio de esas tensiones, donde salen dos de los temas que atraviesan la película: la masculinidad y el relato. La masculinidad de un director que Rodrigo Sorogoyen e Isa Peña definen como “un animal enjaulado”. Alguien que está intentando hacerlo bien, que se dice “que ya no es la persona que era, que se va a esforzar por cambiar”. “Ese es su relato”, explica Isabel Peña al lado de Sorogoyen.

El director deja claro que, aunque se nutren de sus experiencias, él no es como Esteban. No tiene ese animal que estalla cuando alguien no toma la sopa en una escena cómo a él le gustaría que la tomaran. Peña añade que hay mucha memoria de sus experiencias en rodaje. “Y también muchas historias que hemos escuchado de otros personajes que se parecen más a Esteban y que pueblan nuestra industria”, apunta.

Un rodaje es piramidal. Un señor que da órdenes y los demás las siguen. Eso puede dar pie a muchas equivocaciones y mucho abuso de poder

Javier Bardem — Actor

Bardem cree que los rodajes son “lugares muy poco democráticos”. “Un rodaje es piramidal. Un señor que da órdenes y los demás las siguen. Eso puede dar pie a muchas equivocaciones y mucho abuso de poder. Es verdad que en mis 30 y tantos años en esta profesión algunas cosas he visto, no hasta el nivel que se cuenta en la película, pero sí situaciones desagradables de directores y actores o productores que crean un ambiente difícil. También me incluyo yo. Yo también he tenido momentos donde me he puesto muy cabrón. Porque me he puesto nervioso, porque he estado enfadado, porque tengo un mal día y de pronto, el hecho de ser el actor principal de ese día, me da un teórico poder que a no ser que seas consciente de ello, puede ser peligroso. Yo creo que fui consciente y pedí perdón después, pero se dan las situaciones idóneas para que se crea una situación de abuso. Dicho esto, en un set de cine y en cualquier ambiente laboral donde haya”, subraya.

Luengo añade que hay algo que ha cambiado en estos años, y que la clave es que todos los periodistas mencionan un término “el de masculinidad tóxica”. “La peli pone el foco también en que estamos evolucionando, en que estamos mejor y en que ahora, por ejemplo, hay muchas mujeres en esta película que ponen un límite al director. También es bonito poner el foco en que estamos mejorando. Pensaba antes que si esta película la hubiéramos visto hace diez años, no sé si hubiéramos hablado tanto de masculinidad tóxica, y el hecho de que ahora habléis de ello, creo que es una buena señal. Porque nosotros no hemos hecho una película sobre la masculinidad tóxica, hemos hecho una película sobre un padre y una hija que se relacionan de una manera que es consecuencia de años de educación patriarcal y evidentemente machista que hemos recibido. Me gusta mucho que hablemos de masculinidad tóxica porque significa que las cosas han cambiado y que el punto de vista sobre una relación paterno filial se puede leer como tóxico, cuando antes simplemente se hubiera leído como una relación que no va bien”, completa.

La 79ª edición del Festival de Cannes, que comienza este martes con la proyección de La Venus eléctrica, viene marcada por el cine español. Los periodistas internacionales se acercan para comentarlo. Es algo que se barrunta en las colas y en las calles. Este año, y obviamente después del cine francés, el español es quien tiene más películas en el certamen. A saber: tres en competición oficial por la Palma de Oro (La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi; El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen; y Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar), un debut de una cineasta española, María Martínez Bayona, en Cannes Premiere; otra ópera prima, Viva, de Aina Clotet, en la Semana de la Crítica, además de varias coproducciones con otros países. Si uno se descuida parece que se encuentra en Donosti y no en el certamen más importante y prestigioso del mundo.

Lo que ha plasmado Cannes es un estado del cine español que se empezaba a palpar hace unas cuantas ediciones, que explotó el año pasado con la presencia de Carla Simón y Oliver Laxe, y que este año ha alcanzado su cima histórica. Por ello, en el tradicional encuentro entre la prensa y el director del Festival, Thierry Frémaux, era inevitable que el tema del cine español saliera a relucir. Frémaux no se atrevía a hacer un diagnóstico claro, y cree que “se necesitan cinco años para juzgar una tendencia real”.

Pero también afirmaba que era “una pregunta importante porque, efectivamente, España tiene una fuerte presencia este año”. “Ahora, ¿es una tendencia pasajera? ¿Es una tendencia duradera? Ya veremos. Lo que es seguro es que España siempre ha sido un gran país para el cine. De hecho, en el cine de playa, rendiremos homenaje a Carlos Saura proyectando Cría cuervos. España ha mostrado una nueva vitalidad en los últimos años”, apuntó.

Cree que esto “no es una coincidencia” y subrayó “la fuerza de los exhibidores, el público, los periodistas y los festivales de cine como San Sebastián o Sevilla”. “La creación también utiliza todos los recursos artísticos e intelectuales. Además, volviendo a las tres películas en Sección Oficial, lo que resulta bastante notable es que tenemos representadas casi tres generaciones. Tenemos a los recién llegados, los Javis, a los que yo, como no veo series, no conocía. Luego está Rodrigo Sorogoyen, que ya estuvo aquí con As bestas y cuyo nombre ya figura en el mapa del cine mundial, y luego, por supuesto, Pedro Almodóvar. Es muy bonito ver que el cine español está representado de esta manera”, zanjó.

Fremaux también abordó otra de las cuestiones que, seguro, saldrán a colación estos días tras lo vivido en Berlín, que se vio salpicado por las declaraciones de su presidente del jurado, Wim Wenders. “Tenemos que mantenernos al margen de la política”, dijo Wenders entonces y Fremaux le defendió: “La cuestión que se planteó en Berlín es una que se plantea con frecuencia en los festivales y que, durante mucho tiempo, estuvo reservada para el Festival de Cannes. El Festival de Cannes siempre se ha considerado un festival muy político. Los tiempos no son los mismos, y no podemos compararlos. Quisiera rendir homenaje a Wim Wenders porque, al fin y al cabo, fue objeto de comentarios. Me parece un poco injusto. Entiendo lo que quería decir, pero tengo la impresión de que la gente no quiso entender lo que quería decir”, comenzó diciendo.

Y explicó su opinión sobre el asunto: “Lo que quería decir era que, para él, como presidente del jurado, la política estaba en la pantalla. Nosotros, eso es lo que decimos en Cannes. Debo mi renombre personal a mi opinión de no usar mi posición para promover mis opiniones personales. Si quieres, podría hablarte más tarde sobre Bruce Springsteen o el Olympique de Lyonn, pero son opiniones personales. El Festival de Cannes considera que las cuestiones políticas son principalmente las de las voces de los artistas y de aquellos cuyas obras presentamos”.

“Por lo tanto, ni los miembros del jurado, especialmente el presidente, ni los organizadores deberían opinar al margen de las películas, es decir, al margen de nuestra profesión. Además, hay cineastas que no se dedican al cine político, que hablan de amor, que hablan de otras cosas. Y creo que también debemos respetar eso. La calidad de una selección reside también en adentrarse en el arte cinematográfico. Algunos de estos artistas pueden estar más comprometidos políticamente que otros”, aseveró.

También quiso dejar claro que Cannes no se olvida del momento actual, “un mundo parcialmente en guerra, un mundo en un estado de gran fragilidad en términos de diálogo entre naciones”. “Por ello no queremos aumentar la confusión en el análisis que podemos hacer de esto. Y también suelo decir, y lo creo profundamente, que el arte y el cine no matan. Son instrumentos de paz, incluso cuando son instrumentos que llaman, tal vez incluso incitan, a la revuelta, por la libertad en ciertos países que carecen de ella”, añadió y citó varios de los ejemplos de cine político que han pasado por el festival en su historia. 

También se abordó otra de las novedades, las nuevas normas de la Academia de Hollywood que dicen que la película que gane en grandes festivales como Cannes podrá optar al Oscar a Mejor película internacional, lo que permitiría que varias películas del mismo país opten al premio. Fremaux volvió a referirse al cine español para explicarlo: “Nosotros, si hay tres buenas películas españolas no elegimos solo una, elegimos las tres. Pero esa idea que tiene la Academia de que un país solo puede mandar una película es un poco injusta. Para mí, que soy judoka, esto es como en los Juegos Olímpicos, que solo se envía un luchador por categoría, y a veces los tres mejores son del mismo país. Es una lástima”.

Cualquier noticia sobre el cine español, y especialmente si afecta a cineastas que se mojan en asuntos políticos y sociales (con Pedro Almodóvar a la cabeza), se llena de insultos cada vez que se comparte en redes sociales. Da igual que sea una crítica, una entrevista… siempre ocurre lo mismo. Los adjetivos no son muy variados. Abundan los insultos despectivos y faltones, pero sobre todo se recurre a la palabra favorita de los haters del cine español: subvencionados.

La palabra, usada como insulto, tiene ya tiempo. Fue la derecha española, con el PP a la cabeza como venganza por el posicionamiento del cine español en el 'No a la guerra' del 2003, quien comenzó un acoso y derribo. Colocar al sector como unos jetas mantenidos fue su principal batalla. Lanzaron un mensaje en sus votantes: que el cine español no lo veía nadie, no interesaba a nadie y lo pagábamos todos con nuestros impuestos.

Nunca les dijeron que España ha sido, históricamente, uno de los países que menos dinero público ha dado a su industria del cine; que los rodajes y las películas devuelven con creces en forma de impuestos y contratos lo que reciben del estado, o que hay otros muchos sectores (como el automovilístico) que reciben muchísimo más dinero sin que nadie se lo eche en cara. Por supuesto nunca se les pasó por la cabeza dejar claro que la cultura no debería regirse por un principio de rentabilidad.

Desde hace unos años, y empujados por una extrema derecha que recupera esos viejos mantras, la derecha ha vuelto a retomar la virulencia contra el cine español. Lo ocurrido en los últimos meses lo deja claro: la aparición de Juanma Bajo Ulloa en Horizonte denunciando que el cine español estaba regido por la agenda woke y castigaba a quien saliera de ella; y el estreno de Torrente Presidente han tensado la cuerda. 

Las últimas semanas han sido un hervidero de insultos al cine español y a las subvenciones. Todos y cada uno de los videopodcast de los popes de la derecha cultural mediática han realizado especiales cargando contra el sistema de ayudas. Según ellos el cine español no le importa a nadie y no debería recibir dinero público. Da igual que los argumentos de Bajo Ulloa no fueran ciertos. Incluso les ha dado igual que el propio Santiago Segura haya repetido una y otra vez que está a favor de las ayudas públicas. De hecho, aunque esta entrega de Torrente no la haya recibido, las anteriores sí la tuvieron y casi todas las películas producidas con su empresa la tienen. 

Las noticias que llegaron desde el Festival de Cannes le quitan, de nuevo, la razón a esa derecha reaccionaria. España es, después de Francia y junto a Japón, el país que más películas tiene elegidas en la Sección Oficial del festival más importante del mundo. Cada año se presentan miles de títulos que aspiran a entrar en un selecto club que escoge lo mejor de cada añada. Este 2026, de los 21 elegidos tres son españoles. Un 14,2% han sido producidas aquí…. Y sí, con dinero público. Todas y cada una de ellas tiene dinero de las subvenciones al cine español. Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar obtuvo un millón, la misma cantidad que La Bola Negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi. El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen, 1,2 millones. Por cierto, Amarga Navidad ya ha recaudado en la taquilla española más del doble de lo que recibió.

Es irónico que mientras el resto del mundo se rinde al cine español, en España la mitad del país les ataque por lo que es parte de su éxito. Para que películas como estas existan es necesario que sean apoyadas por el Estado, y también que haya productores y plataformas como Movistar Plus+ que entren en su creación. Para que talentos como los de Sorogoyen y los Javis puedan dar rienda suelta a sus ideas debe haber un Ministerio de Cultura que apueste por el cine que triunfa fuera. 

La elección de Cannes es un apoyo sin fisuras a las políticas públicas españolas y al cine que se está haciendo. Hasta el propio Thierry Fremaux hizo un parón en el anuncio de la Sección oficial de Cannes para hablar del gran momento del cine español. “Hay un movimiento en el cine español. Está encontrando la forma de sacar adelante películas con buenos presupuestos y se está notando”, dijo. Esa forma es con un apoyo claro desde lo público. 

También se acordó de que Carla Simón estrenaba justo esta semana Romería en Francia. Porque ahí está el otro dato que mata el relato de que el cine español no interesa a nadie. No es solo Cannes, un grupo de cinéfilos desde su atalaya, es que el resto del mundo quiere ver cine español. Las películas se venden a todos los países. Unas ventas internacionales que hacen muy rentables a los filmes. Sirat lleva recaudados casi 13 millones de dólares en todo el mundo. Almodóvar, en su carrera, lleva más de 530 millones de dólares recaudados, la más alta para un cineasta que rueda en español, como recordaba hace poco el analista Pau Brunet desde su perfil en X. 

Ayer fue un buen día para el cine español, y uno muy malo para aquellos que llevan meses resucitando con fuerza los mantras del pasado. El cine español, el cine subvencionado, gusta y mucho. Lo de ayer debería hacer que se refuerce el apoyo público a la producción. Porque el cine español es Torrente, pero también es Almodóvar, Carla Simón, los Javis y Sorogoyen. 

El cine español sigue demostrando, año tras año, su gran momento de forma. Si el año pasado fueron dos títulos los que compitieron por la Palma de Oro en Cannes, en esta ocasión serán tres los que luchen por el premio del festival más importante y prestigioso del mundo. A un habitual del certamen como Pedro Almodóvar, que estará con Amarga Navidad, se unen cineastas que nunca habían estado en la Sección Oficial a concurso.

El primero es Rodrigo Sorogoyen, que optará por primera vez al premio por El ser querido, su drama con Javier Bardem y Victoria Luengo. El segundo, o mejor, los segundos, son Javier Calvo y Javier Ambrossi, que se han convertido en una de las sorpresas de la Sección Oficial donde entran con la que es su segunda película, La bola negra.

El ambicioso proyecto de los Javis es una de las presencias más refrescantes de una selección que apuesta por pesos pesados. Su drama en tres tiempos que parte de la obra inacabada de Federico García Lorca es una de las películas españolas más esperadas del año, y su elección en Cannes crea muchas expectativas. Logran entrar entre el selecto club de elegidos habiendo dirigido solo una película antes, pero con el éxito de La mesías a sus espaldas.

La serie fue un fenómeno en Francia, por lo que su nombre no es desconocido para ellos. España es, después de Francia y junto a Japón, el país con más películas en la Sección Oficial a concurso en esta edición. El propio director del festival, Thierry Frémaux dijo que había un movimiento en el cine español para encontrar los presupuestos para crear este tipo de cine y recordó que Romería, de Carla Simón, se estrenaba estos días en Francia y compitió el año pasado en Cannes.

La primera vez compitiendo por la Palma

Es la primera vez en la historia que tres películas españolas compiten por la Palma de Oro. Hasta ahora dos había sido el máximo. Anteriormente, en dos ocasiones hubo cuatro películas en Cannes, pero fue antes de la creación del galardón en 1955, cuando en el certamen se entregaba el Gran Premio y en una industria radicalmente diferente en donde se elegían películas de solo 40 países. Tanto en 1951 como en 1954 hubo cuatro películas españolas en Cannes. Queda por especular con qué hubiera pasado si Albert Serra hubiera llegado a tiempo para presentar este año su esperada Out of this World que podría haber colocado ese contador histórico en cuatro obras.

El cine español muestra además, su poderío gracias a las coproducciones con otros países. En Una cierta mirada se podrán ver dos: la coproducción con Chile, El deshielo, de Manuela Martelli, que cuenta con María Zamora, responsable de las películas de Carla Simón, en la producción. Y La más dulce, de Laïla Marrakchi y con Itsaso Arana en su reparto, que tiene a Fasten Films en el equipo de productores.

Almodóvar, Sorogoyen y la dupla formada por Javier Calvo y Javier Ambrossi se enfrentarán en mayo a una selección formada por viejos conocidos de Cannes como Hamaguchi o Farhadi. Ambos han rodado en francés y coproducido con Francia sus nuevas y esperadísimas películas. También con ganadores de la Palma de Oro como Cristian Mungiu, el director rumano que la logró con 4 meses, 3 semanas y 2 días y que vuelve con Fjord, donde tienen un reparto estelar liderado por Sebastian Stan y Renate Reinsve. Y habrá que estar atentos al esperadísimo regreso del cineasta ruso exiliado Andrey Zvyagintsev, que tras un parón provocado también por enfermedad presentará Minotauro.

La asignatura pendiente de Cannes sigue siendo la paridad. Mientras que destaca la cantidad de directoras en Una cierta mirada, sorprende para mal las pocas que han logrado sitio en la Sección Oficial a concurso: solo cinco de los 21 nombres anunciados de una selección que suele completarse las próximas semanas con títulos de última hora que no llegaron a tiempo en esta primera valoración tal como confirmó el director de Cannes, Thierry Frémaux, que dijo que esto era “el 95% de la selección”.

Un hombre entra en un restaurante. Se sienta. Espera nervioso a que entre su acompañante. El hombre tiene el rostro de Javier Bardem. La joven que entra es Victoria Luengo. Ambos dan vida a un padre y a una hija que hace 13 años que no se ven. Él es director de cine. Ella, una actriz que sobrevive trabajando en un bar esperando una oportunidad para demostrar su talento. Él ha vuelto de Nueva York para rodar una película sobre el Sáhara en los años 30 y quiere que ella interprete el papel principal.

Pero hace mucho tiempo que no se ven. Y hay muchas cosas que no se han dicho. Esa comida, ese exacto momento en el que se encuentran, es la primera vez que ambos vuelven a verse. Hay reproches. Rencor. También esperanza. No se miran a los ojos, se esquivan. Hay incomodidad hasta para decidir lo que piden en el restaurante donde él quiere unas verdinas que no están en la carta. 

Son 18 minutos de conversación. Tensa. Con un ritmo que podría ser de thriller. La cámara se centra en sus dos rostros. El de un Bardem que promete estar más desnudo que de costumbre, y el de una Victoria Luengo que no se achanta ante el talento del que tiene al lado. Esa es la escena con la que comienza El ser querido, la nueva película de Rodrigo Sorogoyen, que ya tiene listo su montaje y de la que ha enseñado su comienzo a un grupo reducido de periodistas. Sorogoyen, que tras la proyección dio algunas claves sobre la película que las apuestas y quinielas dicen que se verá en Cannes. 

A Sorogoyen le “gustaba mucho la idea de empezar con estas dos bestias de la interpretación”. “Es una película en la que son los dos protagonistas absolutos, y me gustaba que hubiera algo muy opresivo y, sobre todo, que los escorzos de ambos taparan a la otra persona, que no se dejasen ver, que la presencia de uno estuviera muy presente en la vida del otro”, dice de su puesta en escena de un filme que, como Sirat o Los domingos, recientes ganadoras del Goya, es un original de Movistar Plus+ y que, además, cuenta en su reparto con Raúl Prieto, Raúl Arévalo, Melina Matthews y Marina Foïs.

Una comida real para 18 minutos

Sorogoyen explicó cómo se rodó la escena y, al escucharle, uno entiende el resultado y que haya empezado con semejante terremoto interpretativo. Lo primero que decidió es que “Victoria Luengo y Javier Bardem no se vieran antes de rodar esta escena, con todos los riesgos que eso entrañaba”. Sus personajes hace años que no se ven, y quiso intentar emular esa separación “de la manera más realista posible”.

Ellos se habían conocido en una ocasión antes de este proyecto y, una vez confirmaron su participación, se reunieron con Sorogoyen y su coguionista, Isabel Peña, en un par de ocasiones, pero entre seis y ocho meses antes de rodar esa escena. “Durante esos meses les prohibimos verse. Y yo lo que hice fue ensayar con cada uno por su lado y crear una biografía, todo eso que no está en el guion, todos sus recuerdos”, cuenta. Ahí entran varios de los temas que cree que vertebran El ser querido: “El relato y la memoria”. Crearon recuerdos de los mismos acontecimientos, pero diferentes para cada uno de ellos, porque el recuerdo de cada personaje de esa misma situación es completamente distinto.

Una apuesta “bastante radical” para un primer día de rodaje, que se complicaba con la forma que decidió para rodarla. Lo que el espectador va a ver, esos 18 minutos, son parte de una toma de una hora y media que se rodó sin cortes. El encuentro entre ambos personajes en esa comida es literal, y fue una comida en un restaurante en el que escondieron las cinco cámaras que usaron para que no supieran nunca qué se estaba rodando. 

“Lo que hicimos fue rodar una hora y media, desde que Javier entra y luego ella, toda esa conversación, hasta que se van. No había nadie del equipo en el restaurante, estaban microfonados desde antes”, dice Sorogoyen con una sonrisa pícara. Bardem entró a ese lugar y no vio ni una cámara, ni un técnico. Nada. Se enfrentó a su escena a pelo. Sin artificios. Igual que Victoria Luengo. De esa hora y media había cosas pactadas. “Sí que había diez páginas de guion que tenían que decir, que evidentemente es lo más importante, lo más fundamental de la escena. Pero todo lo que no son esas diez páginas, es todo improvisado. Yo con Vicky pacté unas cosas y con Bardem otras”, explica.

De ahí que los nervios de ese reencuentro sean tan reales, y que Sorogoyen lo califique como “oro”. Todo lo demás, desde qué piden de la carta, cómo reaccionan a lo que comen o beben, es todo su creación in situ. El resultado fue tan potente que, aunque en el guion había tres escenas anteriores, se quitaron para comenzar la película de una forma “contundente”.

La sombra de 'Valor sentimental'

El ser querido es, al final, una historia del intento de reconciliación entre un padre director de cine y una hija actriz, y solo en esa sinopsis ya hay un recuerdo de una película demasiado reciente, Valor sentimental, cuya trama se parece mucho. Sorogoyen aclara que son “dos películas completamente diferentes”, pero con su honestidad habitual ha contado cómo les “afectó muchísimo” cuando se enteraron de que Joachim Trier estaba rodando una película con una sinopsis parecida.

“Todo fue un drama, sobre todo para Isabel y para mí. Pero te estoy hablando de hace dos años. Nos ha dado tiempo a aceptarlo. Yo ahora lo veo como algo muy divertido, lo veo como algo muy natural y que ha pasado en la historia del cine tantas veces que te estalla la cabeza”, analiza. Una vez vista la de Trier, asegura que son distintas y cree que incluso va a ser divertido para el espectador ver esas diferencias.

La principal ya la avanza él: “Nuestra película es el rodaje; la de ellos acaba con el rodaje. Es la principal diferencia en cuanto a trama. Pero, además, el espíritu y el tono son totalmente distintos. Ahora mismo no estamos afectados. Pero no te voy a negar que sí, que fue un shock”. De momento, puede que ambas comiencen su carrera en el mismo sitio, el festival de Cannes. Ojalá el viaje de El ser querido sea igual de exitoso que el de la película de Trier, que ha terminado optando a nueve premios Oscar.

“Mantener los negocios armamentísticos con Israel es complicidad activa con el genocidio”. Más de 1.200 profesionales del mundo de la cultura han enviado una carta Pedro Sánchez, pidiendo que decrete “de forma inmediata” un embargo integral de armas a Israel por vía del Real Decreto Ley. Oliver Laxe, Javier Fesser, Luis Tosar, Samantha Hudson, Carlos Bardem, Rocío Saiz, Rodrigo Sorogoyen y Alba Flores son algunos de los nombres que han firmado el documento que han presentado este lunes en el Teatro del Barrio de Madrid.

Los intérpretes Alberto San Juan, Aitana Sánchez Gijón, Silma López, Nathalie Poza, Álvaro Cervantes, Juan Diego Botto, Ana Wagener, Carmen Asecas, María Botto, Anna Marchessi, Enric Auquer, Irene Escolar, Ricardo Gómez, Hugo Silva y Elena Anaya; la directora Clara Roquet, los músicos Rodrigo Cuevas y Maria Arnal, las periodistas Olga Rodríguez y Cristina Saavedra; y el director del Museo Thyssen, Guillermo Solana, son otras de las figuras que se han sumado a la reclamación al presidente del Gobierno.

En su texto recuerdan que han pasado 20 meses del genocidio en Palestina, “de crímenes atroces y sistemáticos que cada día se vuelven más crueles, más devastadores”, conformando un “horror indescriptible” en el que Israel “no se detiene, sino todo lo contrario: intensifica su violencia con total impunidad y desprecio” por las vidas palestinas mientras “desafía” el Derecho Internacional.

“Vamos muy tarde”, reconocen en el documento: “El mundo no puede mirar hacia otro lado mientras el pueblo palestino es aniquilado”. Los artistas insisten en que la historia “ha demostrado que imponer un embargo de armas es una herramienta poderosa”, y en que Palestina necesita medidas “urgentemente”. También señalan que llevan “meses llenando las calles, una y otra vez, pidiendo a gritos el fin del comercio de armas con Israel”: “La cultura de este país le pedimos una vez más que detenga el negocio de las armas”.

“Las masacres continúan y España aún no está actuando con la contundencia que exige la gravedad de la situación. ¿A qué está esperando?”, plantean. Los profesionales de la cultura defienden que “el tiempo se ha agotado” y que cada día de “inacción” se traduce en “más personas palestinas asesinadas, más familias enterradas bajo escombros, más hospitales y escuelas reducidas a polvo. Exigimos acción real, inmediata y efectiva”. “La historia nos juzgará. Le pedimos que esté del lado correcto, del lado de la vida, la justicia y la humanidad”, concluyen en la carta.

Los años nuevos ha conseguido convertirse en una de las series de la temporada. Lo ha hecho con su retrato generacional sobre una pareja a la que la vida les pasa por encima. Cada uno de sus diez episodios plasman la última noche de uno de los diez años de relación de Óscar y Ana, a los que dan vida de forma sobresaliente Iria del Río y Francesco Carril. El auge y la caída de una relación marcada por la ausencia de trabajo, la rutina, las amistades que van y vienen… todo en una propuesta marcada por el realismo de sus guiones y su puesta en escena.

Esa era la intención del proyecto creado por Paula Fabra y Sara Cano junto a Rodrigo Sorogoyen. El cineasta vuelve a demostrar, con su segunda serie tras Antidisturbios, que es uno de los directores más inteligentes y con más olfato del panorama actual. Junto Fabra y Cano han emocionado y retratado a millones de (ya no tan) jóvenes. Sorogoyen se ha encargado, además, de la dirección de cuatro de los diez episodios -para los otros ha contado con Sandra Romero y David Martín de los Santos-. 

Mientras prepara su nueva película ―con Javier Bardem y Victoria Luengo como protagonistas―, Sorogoyen abre las puertas de su productora, Caballo Films, para radiografiar cuatro escenas fundamentales de Los años nuevos para elDiario.es.

El primer polvo (Episodio 1)

¿Cómo se rueda una escena de sexo en 2024? Los años nuevos ha mostrado cómo retratar los momentos íntimos con realismo y crudeza, pero también con inteligencia. Sin morbo ni sexualización de ninguno de los personajes. Sorogoyen la definió como “el primer hito difícil de la serie”. Un momento importante para los actores, porque “hacer una escena de cama siempre es difícil y delicado”. Se le dedicó “muchas pensadas” y por supuesto tener “mucha delicadeza”.

Divide entre dos retos, el actoral y el técnico. En el actoral se logró esa complicidad gracias a “ensayar mucho” y crear “un ambiente de respeto y seguridad para los actores” para lograr que “el espectador se crea que está ahí”. Hubo que encontrar el equilibro entre la libertad para improvisar, sin perder la coreografía ensayada. El propio Sorogoyen confiesa que él participó en los ensayos mostrando con su pareja, que trabajaba en la serie diciendo dónde colocar la mano o cómo colocarse. 

Con un equipo reducido del equipo se llegó al rodaje. Prometió que solo se haría una toma, ya que es “un plano larguísimo” que encajaba con la dirección del tema de Nacho Vegas que suena de fondo -pero finalmente fueron dos porque la primera no funcionó-. La apuesta era que “la cámara no estuviera encima de ellos”. Por ello se utilizó “una óptica un poco más teleobjetivo en vez de angular, para que aunque la cámara esté lejos se estuviera cerca de ellos”. “Para mí simbolizaba el acercarse a la intimidad de ellos, a la esencia de ellos. Mostrar un sexo lúdico, pero también que fuera algo muy intenso y muy emocional”, añade y define la escena como “elegante, sin enseñar nada, enseñando los cuerpos como son pero sin ensañar partes que se puedan erotizar o pornografiar”.

La pareja se estanca (Episodio 5)

El episodio cinco, “el de Berlín”, como le llaman los espectadores, es un episodio bisagra para la serie. Es el último de la primera parte, y es en donde la relación sufre un punto de inflexión. Es el fin de la montaña rusa, el estancamiento de la pareja, y por ello Sorogoyen optó por una decisión visual que mostrara ese estancamiento, algo que cree que es “atrevido a la par que sencillísimo”. “Quería contar con la cámara y la puesta en escena ese momento suyo”, explica.

Para ello rodaron con solo una lente, cuando normalmente se suelen usar varias dependiendo de lo que quieran enfocar. Aquí la norma obligatoria era solo usar una misma óptica, “clásica, neutral, que no enfatizara nada”, y la otra regla era no mover la cámara. Muchos dirán que la cámara sí que se mueve en el episodio, pero el cineasta explica que lo hace siempre fijada a un trípode que sigue a los personajes con una panorámica. No hay travelling, ni cámara en mano ni ningún exceso de virtuosismo. Esto fue especialmente complicado en la larga escena de la discoteca. Donde la cámara siempre está pegada al trípode, y llega a su cenit en el plano fijo del final, una discusión que sirve de final de la relación y de la primera parte.

Un juego de espejos (Episodios 6 y 7)

Sorogoyen planteó en la serie varios momentos que dialogan entre ellos y que se encuentran episodios diferentes. Ya sea narrativamente o en su puesta en escena, uno remite al otro de forma indudable. Para el director, uno de los más emotivos son los que define como “capítulos espejo”. Son el 6 y el 7. El primero cuenta la navidad de la pandemia a través de Óscar (Francesco Carril). Es la primera vez que la serie les separa y que el punto de vista es solo el de uno de los dos personajes. 

Pero junto a las cocreadoras de la ficción, pensó que “estábamos obligados a que ambos aparecieran en la vida del otro de alguna manera”. No sabían cómo hasta que decidieron que fueran en dos ensoñaciones. Ana (Iria del Río), aparece en el episodio seis. Al revés, en el siete, en el que vemos a Ana en su vida en Lyon, sola, Óscar aparece de repente cuando se le cae la comida. Sorogoyen cuenta que Iria del Río no sabía que Francesco Carril iba a aparecer en ese momento, uno de los juegos que le gusta plantear a los actores para sorprenderles. Por tanto, la reacción de la actriz es auténtica al ver a su compañero en una escena que también fue un punto de inflexión visual, ya que dejaron de usar “ópticas teleobjetivas para empezar a utilizar ópticas más abiertas porque ellos ya están, simbólicamente, más abiertos al mundo”.

Principio y final (episodios 1 y 10)

Otro juego de espejos es el que une el final del primer episodio y el final definitivo, el del capítulo diez, que culmina en un increíble plano secuencia que cuadra a la perfección con la tensión de los últimos momentos que parece que esa pareja van a vivir juntos. Como recuerda Sorogoyen ―y elDiario.es estuvo en ese rodaje para confirmarlo―, no tenía claro cómo terminarlo el día antes de comenzar a rodar. El plano secuencia le obligaba a acabar con el rostro de uno u otro, o ambos en un escorzo extraño.

Sorogoyen pensó esa noche cómo podía solucionar ese entuerto, y pensó romper el plano secuencia. Lo hace con dos planos cortos, frontales, de los rostros de Óscar y Ana. Pensando en ese final se acordó del final del episodio 1. “Acaba muy parecido y dije, vamos a hacer justo lo contrario’. Así, mientras que en uno de ellos se dan dos besos y se separan. Ahora es casi opuesto. Se ven desde la lejanía y se acercan en dirección: ”Hacia nosotros o hacia ellos“.

Chica conoce chico en una fiesta de fin de año. Así, con esa idea aparentemente sencilla, comienza Los años nuevos, la miniserie de Movistar+ que no solo está cosechando buenas respuestas de crítica y público: también es probable que ostente el récord de más “¡Esa soy yo!” entonados por capítulo de nuestros estrenos recientes. La historia de Ana y Óscar, que se desarrolla en diez nocheviejas consecutivas desde que ambos cumplen 30 años, ha hecho que muchas personas se sientan reflejadas en ella, ganándose el título de ficción generacional para quienes nacieron alrededor de los 80.

“Aunque no son mi generación –creo que son diez años más jóvenes–, me he sentido muy identificado en multitud de situaciones que nos han pasado a todos a lo largo de nuestras vidas: vivienda, economía en pareja, drogas, futuro, vejez, muerte, melancolía, sexo y sus problemas, hijos, viajes, trabajo, economía sumergida, relación de nuestras parejas con nuestros padres y amigos…”, explica a elDiario.es Gonzalo Payo, productor musical. 

“Me siento identificado con determinadas situaciones que viven (y sufren) los personajes: el momento ese en el que 'dejas de ser joven' y te preocupa la vivienda, el alquiler o el ganarte la vida con tu profesión, por ejemplo”, aporta, por su parte, Izan Guerrero, periodista.

La generación de la precariedad

Óscar es médico y, en 2014, año en el que se ambienta el primer capítulo, se puede permitir alquilar un piso en Madrid para él solo. Y eso, aunque reconoce que no cobra mucho (“he hecho las cuentas y me pagan diez euros la hora, incluso las extra”, dice). Ahora, diez años después, quizá no podría hacerlo: el precio de la vivienda de alquiler en la Comunidad se ha duplicado en una década, con una subida del 103% en diez años según el estudio Variación acumulativa de la vivienda en España en 2024 de Fotocasa.

Ana, por su parte, es camarera en un bar. Estudió periodismo, pero no encuentra nada de lo suyo. Es un caso habitual: según el Ministerio de Educación, en 2014, aproximadamente el 45% de los titulados universitarios tenía un trabajo por debajo de su cualificación cuatro años después de acabar la universidad mientras que, según el INE, un total de 14.901 egresados universitarios afirmaban no haber trabajado desde que se titularon en 2010. 

En periodismo, las circunstancias son aún más flagrantes, pues esta carrera y turismo son las que cuentan con más estudiantes arrepentidos cinco años después, según el INE. Así, incluso actualmente, más de una de cada tres personas que terminaron su grado en 2014 escogería otra especialidad si volviese a empezar, o directamente, no iría a la universidad. 

La búsqueda de un trabajo satisfactorio es una de las tramas principales de la protagonista, que en el piloto está a punto de irse a vivir a Vancouver para mejorar su situación laboral y vivir una experiencia en el extranjero. Es, también, un caso paradigmático, pues en 2014, seis de cada diez jóvenes españoles planeaban emigrar en busca de empleo, según una macroencuesta realizada por el Instituto para la Sociedad y las Comunicaciones de Vodafone.

Una de esas jóvenes era Paula Fabra, coguionista y cocreadora de la serie, que acabó, de hecho, marchándose a la ciudad canadiense en busca de las condiciones laborales que no encontraba en España. “Nunca tuvimos la intención de hacer una serie generacional. Es solo que hemos elegido unos personajes que tienen una edad concreta en un mundo que es este mundo. Y bueno, supongo que eso hace que se hayan enfrentado a los mismos problemas que se ha enfrentado nuestra generación”, cuenta Sara Cano, también coguionista y cocreadora. “Yo he sido médico y he vivido cómo funciona la sanidad. Creo que hemos conectado con la gente desde esa honestidad”.

Conforme avanzan los capítulos, vemos que Ana y Óscar se van a vivir juntos a la casa de él, pues ella comparte piso con dos personas más. Esta decisión pesará, más tarde, en su relación: “Te dije que buscáramos algo juntos, pero no quisiste”, dice ella. “¡No tenías trabajo!”, responde él. “¡Pero si encontré curro dos meses después! Pensé que éramos un equipo”. 

Efectivamente, con el paso del tiempo, Ana consigue emplearse en su campo, pero siempre está buscando una mejora de sus condiciones, incluso en el extranjero. Sin embargo, no le resulta fácil que su pareja, con trabajo estable, la apoye en su decisión de irse juntos, lo que crea rencillas en la relación.

Él, además, quiere tener hijos, pero ella, como muchas mujeres universitarias en la treintena, está centrada en afianzarse laboralmente. “Ya habrá tiempo para pensar en eso”, dice en la Nochevieja en la que ambos tienen 35 años, en lo que vuelve a apuntar a retrato generacional: según el INE, la edad media a la que las mujeres españolas tienen su primer hijo fue de 32,6 años en 2023, siendo esta cifra aún mayor para aquellas con estudios superiores. Y más de la mitad (52%) de las mujeres de 30 a 34 años no ha tenido aún hijos (y quizá no lo hagan nunca).

El afán de mejora laboral de Ana tampoco gusta a su madre: “No puede ser: 'me aburro de este trabajo y pum, lo dejo. En la vida toca aguantar, uno no siempre hace lo que quiere”, le recrimina durante una cena. 

Esta visión estoica de la vida, ese inmovilismo, está evidentemente mediatizado por las circunstancias de una generación que podía conseguir con relativa facilidad un 'trabajo para toda la vida', y que, a la vez, no siempre concebía el empleo como una oportunidad de realización personal, sino como una obligación necesaria. El hecho de que los millennials prioricen el bienestar en el lugar de trabajo (en el que, a veces, se pasan más horas que en la propia casa) es, de hecho, una de las razones por las que se les ha etiquetado injustamente como 'la generación de cristal'. 

“No es como esas series en las que no entienden en qué trabajan para vivir así”, reflexiona María Fernández, comunicadora que se ha sentido completamente reflejada en la serie. “Los años nuevos ha sido un tema de conversación últimamente entre el grupo de amigas que tenemos entre 35 y 40 años. No puedes dejar de mirar la pantalla porque te estás viendo ahí, o te has visto ahí. Todas vimos la serie con esa sensación de: 'Mierda, soy yo'. Incluso nos sentimos identificadas a nivel grupal con el conjunto de amigos, con esa Nochevieja juntos en una casa, etcétera”.

Ha sido un tema de conversación últimamente entre el grupo de amigas que tenemos entre 35 y 40 años. No puedes dejar de mirar la pantalla porque te estás viendo ahí, o te has visto ahí

María Fernández — espectadora de 'Los años nuevos'

La vida sin artificios

Efectivamente, si por algo se caracteriza la serie es por su abrumadora naturalidad, algo que se percibe tanto en el extraordinario trabajo de los actores protagonistas, Iria del Río y Francesco Carril, como por la brillantez de unos guiones escritos y reescritos hasta encontrar una fluidez que se parece más a la improvisación. Además, está plagada de momentos que en nada extrañan a quienes tenemos entre 30 y 40 años, pero que rara vez plasman en las ficciones. 

Nadie se extraña, por ejemplo, de que la mañana del 1 de enero, todos los coches de una calle del centro de Madrid amanezcan vandalizados, e incluso se toma con cierta normalidad que apuñalen a un chico en una fiesta de Nochevieja (todos hemos escuchado algún caso). También se ha vuelto habitual el ir a casa de un desconocido a comprar cosas de segunda mano, e incluso regalar un succionador de clítoris a tu pareja. 

“La serie refleja, de una manera tan realista que a veces es incómodo verlo, desde las conversaciones normales –que están plagadas de silencios, miradas, con las que te puedes reconocer muy fácilmente– hasta las relaciones sexuales: no he visto nunca una cosa tan realista y con tanta complicidad, con lo bueno, con lo malo, con la torpeza, con los nervios, con absolutamente todo”, indica María Fernández.

A este respecto, Fabra, guionista, explica: “Recuerdo una conversación muy divertida que tuvimos los tres [las guionistas y creadoras junto con Rodrigo Sorogoyen] sobre qué método anticonceptivo usaban los protagonistas, porque queríamos ser muy realistas”, explica Cano. “No queríamos dejarnos los detalles reales de cuando te acuestas con alguien por primera vez, que además es muy probable que no salga bien. Y luego, el mero hecho de que usen condón ya es una decisión importante, que te dice cosas de los protagonistas”.

Así, con decisiones pequeñas, con comentarios aparentemente insignificantes, con miradas y gestos, se va dibujando despacio, sin obviedades, la relación entre Ana y Óscar, su mundo, que es el nuestro. Un espectador les dijo que la serie “te obliga a escuchar”, y es un comentario que a Fabra se le quedó grabado. “Creo que en él hay algo real”.

No queríamos dejarnos los detalles reales de cuando te acuestas con alguien por primera vez, que además es muy probable que no salga bien. Y luego, el mero hecho de que usen condón ya es una decisión importante, que te dice cosas de los protagonistas

Paula Fabra — coguionista y cocreadora de 'Los años nuevos'

Personajes sin grandes tormentos

Ana y Óscar no tienen obsesiones, ni extravagancias ni grandes traumas, que suelen ser algunas de las características que atraviesan a los personajes principales en las ficciones. “Está muy buscado”, reconocen las guionistas. “Uno de nuestras principales referentes al principio era Normal People, que nos gusta muchísimo” cuentan, refiriéndose a la ficción surgida del bestseller de Sally Rooney, Gente normal (Random House, 2019). “Pero en esa serie, aunque todo es como muy naturalista y tal, si te fijas, los personajes están atormentadísimos”.

Sin embargo, Fabra y Cano quisieron trazar unos caracteres que no estuvieran mediatizados por grandes traumas. “Los padres de Óscar, por ejemplo, están separados. Me acuerdo de que al principio pensamos como en algo un poco más duro para él, pero es que no hace falta. Pusimos mucha energía en normalizar a los protagonistas, dentro de que, evidentemente, tienen sus taras, pero son cosas 'pequeñas”, reflexiona Fabra. De hecho, para ella, el 'trauma' de Ana es que no tiene claro qué hacer con su vida en términos laborales.

Que esta ausencia de extravagancias de los protagonistas haga que sintamos una alta conexión con ellos tiene su explicación: “La identificación y la proyección son dos mecanismos de defensa que poseemos todos los seres humanos y como mecanismos de defensa que son, nos ayudan a separarnos, en parte, de la angustia que nos pueden generar ciertas situaciones de la vida. Con algunos personajes de series o películas es muy probable que nos sucedan, máxime si estos personajes son 'asequibles', es decir, si tienen rasgos considerados comunes o normales”, explica la psicóloga clínica Alicia Escaño. 

Según la profesional, este tipo de ficciones tienen la característica de hacer que sintamos que “no somos unos bichos raros”, mitigando así nuestra sensación de soledad, e incluso nos da la posibilidad de proyectar nuestras ansiedades, afectos y expectativas en los protagonistas. “En realidad, lo que nos pasa con ficciones como esta o como This is us, por poner otro ejemplo, es muy parecido al efecto que suele darse en las terapias de grupo, inclusive con su duelo correspondiente una vez finaliza la serie”.

Pero volviendo a Ana y Óscar, tanto ellos como sus amigos se mueven en ambientes que gran parte de quienes hemos sido universitarios a finales de la primera década de los 2000 reconocemos fácilmente: la fiesta de Nochevieja en el bar, el misterioso club de Berlín, el circuito de conciertos indie… Ana, de hecho, tiene un póster de Mujeres y Biznaga en su habitación, en un guiño al estilo de la banda sonora que recorre toda la serie. Incluso es fácil sentirse reflejado en las escenas de toma de drogas en los baños y en el taxi, pues, como sucedía con el sexo, se muestran con total naturalidad, sin ninguna 'oscuridad'.

Para los de las relaciones estables y largas

“Tengo una amiga que acaba de dejarlo con la pareja después de 17 años, y ella ha transitado esta serie agarrándose a la televisión, llorando. Se ha visto reflejada, ha visto en ella momentos de su relación… Verla ha sido, en su caso, algo poco más que revelador. Si has tenido una pareja durante un tiempo más o menos largos, vas a sentir que has vivido esas idas y venidas”, dice María Fernández.  

“Es verdad que una parte de mí dice: ¿otra historia de amor hetero, sin más? Hay algo como muy clásico en ellos que no me interesa mucho. Son como demasiado normales. Echo en falta rarezas, desviaciones”, reflexiona, por su parte, Sara Martín, escritora, a quien, a pesar de todo, le ha encantado la ficción, que considera “bellísima”. 

Su vínculo es, además, monógamo, cosa que quizá no sería igual si hubiese comenzado en 2024. Ahora, las situationships (esas relaciones que se encuentran a medio camino entre la amistad y las de pareja), y el poliamor y las relaciones abiertas (abrazado por un 60% de la generación Z, según un estudio de Ashley Madison y YouGov) están a la orden del día. Además, casi el 20% de los jóvenes se describe como LGTBIQ+, según un estudio de Ipsos realizado en 26 países, entre ellos España.

Es verdad que una parte de mí dice: ¿otra historia de amor hetero, sin más? Hay algo como muy clásico en ellos que no me interesa mucho

Sara Martín — espectadora de 'Los años nuevos'

¿Y qué es eso de conocerse en una fiesta? Quienes tienen 30 años hoy no solo salen menos, sino que, según recogen varios informes (como el llevado a cabo por Gallup) dicen no beber nunca o prácticamente nunca. “A lo mejor esta serie a un veinteañero ni fú ni fá, a lo mejor no le llega mucho, pero si tienes entre 30 y 40, has estado ahí, te ves en alguno de esos momentos, reconoces la verdad que tiene. Muchas veces, se busca que las series sean muy grandilocuentes, pero esta, dejándonos mirar por una ventanita cómo se desarrolla la vida de estas dos personas, es redonda”, explica Mónica López, que trabaja en el equipo de un festival de cine.

Un equilibrio buscado

Ocurre una cosa curiosa en Los años nuevos: a primera vista, no hay grandes clichés de género. Por ejemplo, ambos se reparten equitativamente las tareas de la casa (“¡Todo se negocia ahora! Que se parta todo al milímetro quita el misterio”, exclama la madre de la protagonista en el capítulo de la cena familiar).

Sí, hay un momento en el que Óscar siente celos de Ana (en el plano secuencia de la pelea del quinto capítulo, una auténtica obra maestra), pero es solo porque el personaje de ella es mucho más extrovertido y confiado que él. Realmente, las tramas y motivaciones entre ambos podrían ser intercambiables.

“Alguien nos dijo que Óscar tenía una masculinidad líquida, que era un tío muy femenino. Pero mis amigos no son machirulos. Los hombres a los que más quiero son tipo Óscar”, explica al respecto Paula Fabra. Y Cano añade: “Teníamos claro que no queríamos heredar esa especie de guerra de sexos que te cae como una losa de generaciones anteriores”. Es un extremo que se pone de manifiesto repetidamente en la mencionada cena con los padres, que parecen comunicarse solo con clichés: “¡Que no te vea yo mear sentado, que eres un hombre!”, le espeta la madre de Ana a su marido. 

Tal es el equilibrio entre los personajes que es difícil ponerse 'de parte' de Ana u Óscar, algo que las guionistas han conseguido a base de trabajo duro: “Nosotras somos mujeres, él [Sorogoyen] es hombre, entonces había veces que de repente escribíamos algo y él como que no lo veía. Ha habido discusión en este aspecto. Y al final ha jugado mucho el equilibrio. A lo mejor nosotras, al principio, le dábamos un poco más de motivación en una discusión a Ana, y de repente Rui [Sorogoyen] ponía la balanza. Ha habido mucho trabajo de intentar entender a los dos personajes. Al final, cuando los cargas de razones, hay un equilibrio”, explican las creadoras. 

Así, con la titánica tarea de empatía y honestidad que lleva detrás, Los años nuevos demuestra algo que la gran literatura ya nos explicó hace tiempo: que para que una experiencia individual resuene en lo colectivo solo hay que contarla con la mayor verdad posible. 

En el septiembre de Venecia, el cine se proyecta a sí mismo con glamur, mística y fantasía.

No nos olvidamos de la industria y el mercado que hay detrás, y seguiremos haciendo periodismo en ese sentido, pero nos gusta dejarnos encandilar por ese relato, vivirlo y contarlo así durante unos días. Ser parte de esa ensoñación que sostiene las películas como algo tan especial.

Por eso (y también para traerse primicias) Javier Zurro ha estado cubriendo el Festival de Cine de Venecia desde el Lido, una ciudad inundada (ja) de cine durante casi dos semanas.

La presencia española ha sido muy importante. Pedro Almodóvar ha elegido este festival para presentar su primer largometraje en lengua inglesa, con dos estrellas a su lado como Tilda Swinton y Julianne Moore. El cariño entre ellos es visiblemente tan especial, que las fotos de ellos tres parecen en sí mismas una película almodovariana. Estuvimos con Tilda Swinton y explicó porqué los críticos estadounidenses no están entendiendo bien La habitación de al lado y trazó interesantes comparaciones entre Almodóvar y el director británico Derek Jarman (a quien Tilda cuidó en sus últimos meses de vida, estableciéndose un paralelismo curioso con el personaje de Julianne Moore en la película).

Otro de los grandes directores españoles, Rodrigo Sorogoyen, también ha elegido Venecia para estrenar, pero en este caso una serie, que para nosotros es muy especial porque nos dejaron pasar cuatro noches en el rodaje de la escena final, un complejo plano secuencia. Se llama Los años nuevos y Sorogoyen nos ha contado que también es muy especial para él porque ha resultado ser una historia muy íntima, con mucha carga personal en ella.

El tercer título importante de la cinematografía española que hemos visto en Venecia y que puede ser la que España presente a los Oscar para conseguir una nominación (está en la terna junto a La estrella azul y Segundo premio, dos películas con argumentos musicales, por cierto) es Marco, la historia del español que fingió ser víctima del Holocausto. La realizan los directores de La trinchera infinita, Jon Garaño y Aitor Arregi, y dice Zurro que Eduard Fernández hace una interpretación "apoteósica". 

En el momento de escribir este boletín no conocemos el palmarés, que se anunciará el sábado 7 de septiembre, pero hemos hablado de una película que suena mucho, The Brutalist, sobre un arquitecto de la Bauhaus (interpretado por Adrien Brody) que huye a EEUU y allí comprobará si eso del sueño americano es cierto o no. La película de tres horas y media rodada técnicamente de una manera peculiar (en 70 mm y VistaVision) es muy crítica y ha gustado mucho a la crítica. Llega, por cierto, en los últimos días de la importante exposición en Weimar sobre esta escuela de arquitectura y diseño que supuso una revolución. Una exposición de la que hablamos tangencialmente en este reciente reportaje, y que ha abordado de una manera más profunda la relación entre la Bauhaus y el nacionalsocialismo, ya que rechazó el nazismo pero algunos tuvieron que colaborar, aunque los nazis odiaran esta escuela que ha cumplido más de cien años.

Las decepciones en Venecia han llegado con Joker 2 (pero con un espectacular Joaquin Phoenix), con el biopic de Maria Callas de Pablo Larraín y con la película Wolfs, de Brad Pitt y George Clooney. En cambio, una gran producción que sí ha gustado es Bitelchús Bitelchús de Tim Burton, que llega al cine este mismo fin de semana. También ha llamado la atención Babygirl, donde Halina Reijn dirige a Nicole Kidman en un arriesgado papel sobre el papel sumiso en el BDSM con enfoque feminista.

A la espera del palmarés (Almodóvar va bien situado por la crítica, por cierto) y ya pensando en el siguiente festival, que es el de San Sebastián, te dejo con el resto del boletín. Haz scroll y sigue leyendo, que traemos artículos y libros que te he seleccionado y películas que, desde la ciudad de los canales, te recomienda Javier Zurro para que vayas al cine en tu ciudad este fin de semana.

Tres artículos recomendados

La masificación y el postureo llama a las puertas del románico y los guías voluntarios (a veces un vecino con buena disposición y que custodia las llaves de una iglesia, por ejemplo) se hartan de que no les hagan caso. Hablamos con uno de ellos.

Decíamos la semana pasada que una de las novedades editoriales más destacadas de septiembre es la nueva novela de Juan Tallón, El mejor del mundo. Hemos conversado con él y hemos tratado cómo se maneja por los territorios mixtos de realidad y ficción.

Vincenzo Cerami, que hizo junto a Begnini el guion de La vida es bella, escribió Un pequeño pequeñoburgués durante los 'años de plomo' y fue un gran éxito en la Italia de los años 70, que se reedita ahora con prólogo de Nicola Lagioia, autor de la estupenda 'La ciudad de los vivos'.

Tres libros recomendados

La editorial Fulgencio Pimentel comienza el curso publicando algo muy goloso en su colección de cómic: un compendio de material raro de Simon Hanselman titulado Café Romántica que comprende lo que autoeditó en sus fanzines entre 2016 y 2023, así como otras páginas diseminadas por ahí. La editorial ya lo llama “obra monumental”. En librerías en septiembre.

Nórdica publica una de sus bellas ediciones con 47 poemas de Emily Dickinson escritos a partir de la observación de las aves de Amherst, El secreto de la oropéndola, en edición bilingüe. Nórdica te adelanta aquí las primeras páginas. En librerías el 9 de septiembre.

Dentro de la recuperación de las obras de Kurt Vonnegut que está realizando Blackie Books, se edita Galápagos, sobre cómo una crisis financiera desestabiliza los países y un extraño virus recorre el mundo. Suena conocido, ¿verdad?, pero Vonnegut la escribió en 1985. En librerías el 12 de septiembre.

Tres películas recomendadas, por Javier Zurro

Sigo en Venecia (este sábado conoceremos ya el palmarés, no te lo pierdas en elDiario.es) pero mientras te traigo estas tres recomendaciones de cine para ver en salas:

Bitelchús Bitelchús: ¡Tim Burton ha vuelto! No es que nunca se hubiera ido del todo, pero su talento sí que parecía haberse cogido unas largas vacaciones porque llevaba bastante tiempo sin atinar. Ha tenido que volver a sus orígenes, a uno de los personajes que le convirtieron en un icono, para volver a hacer una buena película. Tampoco es que esta secuela sea una obra maestra, pero es un divertimento de primera.

Un silencio: quizás lo que ha pasado recientemente con Alice Munro, cuya hija acusó a su padrastro de abusar de ella y a la escritora de guardar silencio, haga más actual esta película de Joaquim Lafosse, que indaga precisamente en ese silencio, en el de las parejas de personas que han cometido abusos sexuales. Una película irregular, pero compleja y muy pertinente.

Pepi Fandango: la historia de Peter Pérez, más conocido como Pepi Fandango, es una de esas que te la escribe un guionista y los productores se la rechazan por inverosímil, quizás por ello el documental es el mejor modo de contar la historia de este superviviente del holocausto al que la música le recuerda al horror, pero también le alivia. Una película hermosa sobre el poder sanador del arte.

Las recomendaciones de Librotea

Esta semana, Librotea nos trae una nueva discusión entre Juan José Millás y Juan Luis Arsuaga, teñida de l amelancolía del fin del verano, la vuelta al trabajo y la famosa rentrée:

Para Carlos Saura la familia era el núcleo a partir del cual todo se podía analizar. Así fue como clavó su bisturí a la España franquista y burló a la censura. A través de esos grupos podía hablar de un momento histórico, de una sociedad y de los principios que la regían. En torno a una mesa en una comida puede haber más análisis sociopolítico que en una charla en un parlamento. En la generación de los milenial, esa que se acerca o acaba de pasar los 40, que ha vivido dos crisis y que ha visto cómo los sueños que les habían vendido se han ido por el retrete en la mayor parte de los casos, la pareja y los amigos han sustituido a la familia.

Ahora es más fácil radiografiar la sociedad a través de las relaciones sentimentales y afectivas que centrarse en una familia que, por motivos económicos y de cambio de mentalidad, ya no es para muchos el objetivo final. Y es ahí donde Los años nuevos encuentra la materia prima para convertirse en una de las grandes series españolas de este año. A través de una narración que abarca diez años en la vida de una pareja, la ficción creada por Rodrigo Sorogoyen, Paula Fabra y Sara Cano ―que se ha presentado en el Festival de Venecia― cuentan no solo a dos personajes, sino a muchos jóvenes como ellos.

Cada episodio se centra en la Nochevieja de un año diferente. Y en ese día vemos cómo evoluciona su relación. Está la típica curva de Gauss que se dibuja en cada relación -auge, estancamiento y caída-, pero contada con una honestidad y naturalismo que cuesta ver en la ficción cuando se habla de algo como el amor. Lo interesante es que al contar cada día, las elipsis entre cada episodio obligan al espectador a rellenar la información. Gracias a los inteligentes guiones del trío creativo no es difícil, pero sí que lo es que fluya sin sonar forzado o subrayado. A ello ayudan dos interpretaciones colosales, las de Iría del Río y Francesco Carril. 

Casualidad o no, la carrera como cineasta de Sorogoyen -que ha dirigido cuatro episodios de una serie en la que inicialmente iba a estar menos involucrado-, también cumple diez años desde Stockholm (2013), hasta esta serie. Y en esa década se le ha visto crecer como cineasta hasta llegar a ese derroche de tensión que es As bestas. Sin embargo esta es la primera vez que el espectador puede ver nítidamente al autor en lo que ha dirigido. Es su trabajo más íntimo y eso puede que responda a ese momento vital alcanzado tras unas cuantas películas y series.

Un momento que coincide con su expansión internacional. Cuando el director del Festival de Venecia, Alberto Barbera, anuncio la serie, definió a Sorogoyen como el cineasta más importante en España actualmente tras Pedro Almodóvar. Casualmente están aquí los dos. Sorogoyen reconoce que le hizo “mucha ilusión”, pero le quita importancia. “No me lo tomo como que sea cierto, porque primero no se puede medir eso, y además creo que si hubiese cogido la serie de otra persona quizás hubiera dicho lo mismo. Es una frase que queda muy bien en un festival cuando decides apostar por un director, pero no es medible. Así que no me lo creo, pero sí me hizo muchísima ilusión. Es muy bonito”, cuenta desde Venecia y acompañado con las dos creadoras de la serie.

Con ellas ha sido la primera vez que ha cambiado a Isabel Peña en el guion -con quien regresa en su próxima película- y la experiencia ha sido tan buena que ya tienen en mente realizar más proyectos juntos. Este lo define como “algo muy personal”. “Es una serie que habla de mí”, dice de forma directa. Eso ha hecho que al final se haya involucrado más de lo que inicialmente pensaba. “He rodado más episodios de los que pensaba inicialmente -el resto los dirigen David Martín de los Santos y Sandra Romero- y he estado tres años, así que es verdad que he terminado poniendo mucho de mi parte, pero creo que es mi manera de de ser. Creo que me puede pasar en cualquier trabajo que haga porque me apasiona lo que hago y porque no lo concibo de otra manera”, opina sobre su forma de entender la dirección, pero volviendo a remarcar que esta serie le ha “removido muchas cosas”.

He terminado poniendo mucho de mi parte, pero creo que es mi manera de de ser, porque me apasiona lo que hago y no lo concibo de otra manera

Rodrigo Sorogoyen — Cineasta

Sorogoyen ha definido la serie como “una obra cinematográfica” abriendo de nuevo el melón sobre cómo calificar las creaciones audiovisuales, algo a lo que cree que se le da más importancia desde la prensa que la que tiene para los propios autores. En su apoyo acuden Sara Cano y Paula Fabra, que también opinan que no hay mucha diferencia. “No escribimos diferente una peli de una serie. Contamos una historia y la escribimos. Y la diferencia te la pide el tipo de historia. Ahora hemos escrito una serie en cinco meses, y eso no es igual que cuando estás tres años con una serie y haces tantas reescrituras de algún capítulo como ha pasado con esta”, apunta Paula Fabra.

Sorogoyen cree que es un tema que “está en la conversación, pero creo que más por vosotros los periodistas que por los creadores, y es normal”. “Desde nuestro lado no vemos esa batalla. A lo mejor preguntas a otra gente que escribe otras series y te contestan otra cosa, pero nosotros hemos sido honestos y sinceros, y es como que hubiéramos hecho exactamente lo mismo si les llego a proponer una película en vez de una serie, lo hubiéramos afrontado igual”, puntualiza.

En su retrato hay guiños que ayudan a contextualizar temporalmente cada episodio, que no usa cartelas para recordar el año en el que se desarrollan. Píldoras que también sirven para crear un contexto político que Sara Cano y Paula Fabra tenían claro que “tenía que estar sin que fuera muy obvio”. “Tenía que ser orgánico, porque realmente con tu pareja el día 31 de diciembre no hablas de Trump, que es una cosa que queríamos meter y al final no sale. Y era importante, pero no queríamos que fuera con calzador”, dice Sara Cano.

También era importante que las casas representaran a esos jóvenes que comparten piso o que apenas pueden pagar un cuchitril de una habitación. Querían casas “que no estuvieran por encima del nivel social o económico de los protagonistas, pero además que fueran casas vividas, que estuvieran llenas de detalles”, dicen las guionistas, que también confiesan que al principio les imponía trabajar con Sorogoyen, y que llegaron muy nerviosas a las reuniones, pero que rápidamente hizo que estuvieran cómodas. “Te hace cuatro bromas, a veces un poco borde como es él, y creo que ha molado porque él ha compartido mucho con nosotras. No solo la parte más estricta del curro, sino sus inquietudes, sus alegrías, y nos alegramos mucho. Es muy cariñoso y eso en el trabajo es súper importante”, añaden.

Quizás ahí también se nota algo de esa década como director, aunque “la base no la puedes cambiar”. “Yo soy una persona cariñosa, sociable, que quiere estar con gente que le cae bien, pero sí es verdad la tensión propia de un director de 30 años haciendo sus primeras películas, y yo seguro que no lo notaba, pero eso hace que estés menos relajado y, por lo tanto, más tenso. Más irascible. Pero no recuerdo ningún pollo en ningún rodaje, la verdad. Te puedes cabrear más o menos porque las cosas no salgan. Pero evidentemente, la relajación con la que afronto un rodaje ahora se nota”.

El pasado Festival de Cannes, los más agoreros mostraban su preocupación por la ausencia de cine español en las diferentes secciones. La presencia de Jonás Trueba con Volveréis en Quincena de Realizadores, y el cortometraje de Elena López Riera, Las novias del sur, en la Semana de la Crítica ―además de Juan Antonio Bayona como jurado de la Sección Oficial― parecía poco resultado. Quizás el éxito de años anteriores había malacostumbrado a la gente, o quizás solo faltaba esperar a ese último trimestre donde tradicionalmente llegan los estrenos más potentes del curso.

Este 2024 ha sido el Festival de Venecia ―que tradicionalmente ha tratado mucho peor al cine español― quien ha abrazado nuestras propuestas. La más esperada es La habitación de al lado, la nueva película de Pedro Almodóvar. La primera en inglés. El estreno de cualquier filme del cineasta es un acontecimiento mundial. Es un autor por el que cualquier festival daría lo que fuera por tener sus películas, y en esta ocasión ha sido la Mostra ―como pasó con Madres paralelas― quien ha logrado llevarse la premiere mundial de una de las obras más esperadas no solo del cine español, sino de todo el cine internacional del año.

El estreno en Venecia es lógico para un filme que su distribuidora en USA (Sony Picture Classics) querrá colocar en la temporada de premios. Tras pasar por Venecia estará en Toronto y será la pieza central del Festival de Nueva York, donde transcurre parte de esta película que adapta el libro de Sigrid Nunez ¿Cuál es tu tormento? y que cuenta con Julianne Moore y Tilda Swinton como absolutas protagonistas. Su puesta de largo será el lunes 2 de septiembre, antes del estreno en España el 18 de octubre y tras también pasar por el Festival de Cine de San Sebastián donde Almodóvar recogerá el Premio Donostia. 

Pero no será el único director español. También en Sección Oficial, pero fuera de concurso, se podrá ver la nueva serie de Rodrigo Sorogoyen, Los años nuevos, que esta vez escribe sin Isabel Peña. Diez episodios para radiografiar una década de una pareja (y de una generación) a la que interpreta Iria del Río y Francesco Carril. Paula Fabra y Sara Cano son las cocreadoras de este drama que supone su regreso a la televisión tras Antidisturbios. Sorogoyen dirige cuatro episodios, mientras que el resto han sido realizados por Sandra Romero y David Martín de los Santos.

La inclusión de Sorogoyen demuestra su estatus en el circuito de festivales internacionales. El propio director de la Mostra, Alberto Barbera, le describió en la rueda de prensa donde se anunciaron los títulos de esta edición como “el autor español más importante actualmente tras Pedro Almodóvar”. Casualmente los dos estarán este año. La proyección del cineasta es imparable y habrá que ver dónde llegará con su nuevo filme que rodará de nuevo junto a Movistar+, como esta serie.

Todavía hay más. En Orizzonti, la segunda sección competitiva del festival, estará Marco, la esperada película de los ‘Moriarti’, el trío formado por Jon Garaño, Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga, responsables de Handía y La trinchera infinita. En esta ocasión los tres escriben el guion, mientras que Garaño y Arregi están en la dirección. Los creadores comenzaron el año estrenando su serie, Cristóbal Balenciaga, y lo terminarán presentando en Venecia Marco, la historia de Enric Marco, español que mintió asegurando ser una víctima del Holocausto. Ojo a un Eduard Fernández cuya interpretación también fue subrayada por Alberto Barbera.

Para completar se podrá ver a Úrsula Corberó en la coproducción El Jockey, dirigida por Luis Ortega (director de El Ángel); y a Antonio Banderas en Babygirl, también en la Sección Oficial a concurso. Fuera de competición se estrenará Constelación Portabella, documental que llevará la figura del mítico director español a Venecia.

¿Y Netflix?

Una de las cosas que más sorprendió a muchos en el anuncio de la Sección Oficial a concurso fue la ausencia de películas de Netflix. Desde que la plataforma comenzara a producir cine con la mirada puesta en los premios, con la excepción del año de la pandemia, siempre había estado ahí. Desde 2018, cuando Roma ganó la Palma de Oro, este ha sido el lugar en el que las películas de la compañía comenzaban su pelea por el Oscar.

Este año no hay ninguna. Esto no se debe a un cambio de parecer del festival, sino que lo que indica es un punto de inflexión dentro de Netflix, que ha tenido que comprar Emilia Pérez, su gran apuesta para los premios este año, en Cannes. Más allá del título de Jacques Audiard no parece tener mucho en la recámara. Habrá que ver qué ocurre el año que viene, pero esto parece indicar que tras cursos de esfuerzo en lograr ese premio de prestigio han desistido en pos de un cine de entretenimiento que les funciona mejor en su plataforma a pesar de su poca calidad. En el Netflix de 2024 hay hueco para una versión del director de una película de Zack Snyder, pero no lo ha habido para ninguna propuesta autoral.

No es la única señal de alarma que ha sonado en Venecia. La otra la ha dado Apple. Tras un par de años donde apostó por las salas de cine como primera ventana para sus grandes apuestas (Los asesinos de la luna o Napoleón), ahora recula. Irónicamente lo hace con una película que parece hecha para salas, Wolfs, un thriller de acción con George Clooney y Brad Pitt. En EEUU solo estará una semana en cines, mientras que en España ni eso. La relación de las salas con las plataformas vuelve a tambalearse y sigue sin establecerse un consenso al respecto. Eso sí, mientras que Cannes sigue fiel a sus normas ―para estar en Sección Oficial a concurso hay que pasar por salas―, en Venecia siguen abriendo la puerta a cualquier propuesta, se estrene donde se estrene.

A pesar de la ausencia de Netflix, de nuevo Venecia se ha encargado de tener una Sección Oficial llena de estrellas desde la inauguración, fuera de concurso, de la secuela de Bitelchús, y con un puñado de títulos que intentarán sacar la cabeza de cara a los Oscar, con la continuación de Joker, a la cabeza y con Queer, de Luca Guadagnino y Maria, de Pablo Larraín y con Angelina Jolie como la cantante Maria Callas, como apuestas más importantes que serán también la competencia de Pedro Almodóvar por el León de Oro.

El cine español vuelve a sacar pecho en el anuncio del Festival de Venecia de las películas que compondrán su nueva edición. Venecia no suele ser un certamen que mire en exceso a nuestra industria, pero algo empieza a cambiar. Se esperaba, tras el anuncio de su fecha de estreno, que Pedro Almodóvar estuviera en la Sección Oficial y así ha sido. Su nueva película, La habitación de al lado, la primera en inglés, competiría por el León de Oro como ya lo hizo con Madres Paralelas, que terminó llevándose el premio a la Mejor actriz para Penélope Cruz.

La esperada película del cineasta llevará al Lido a Julianne Moore y Tilda Swinton, dos de las muchas estrellas que se esperan tras ver la Sección Oficial. Almodóvar intentará llevarse su primer León de Oro, y para ello se enfrentará a pesos pesados como Luca Giadagnino, que competirá con Queer; Todd Phillips, que ya se llevó el premio con la primera parte de Joker y que vuelve con su secuela o el biopic de Maria Callas que dirige el chileno Pablo Larraín. Todos ellos son los nombres más populares de esta Sección Oficial a concurso que también contará con El Jockey, de Luis Ortega, que cuenta con una parte de producción española y con Úrsula Corberó en el reparto.

Fuera de competición habrá otro cineasta español. Se trata de Rodrigo Sorogoyen, que presentará su nueva serie, Los años nuevos. Sorogoyen fue presentado por Alberto Barbera como “el director español más importante tras Almodóvar”. Se trata de un drama sobre la relación sentimental de una pareja a lo largo de diez años, uno por episodio. La protagonizan Francesco Carril e Iria del Río, y el último episodio se rodó en un plano secuencia en una noche a la que acudió elDiario.es para contar desde dentro cómo se rueda algo de esas características.

El cine español estará también en Orizzonti, la segunda sección en importancia y donde, por ejemplo, presentó el mismo Sorogoyen su película Madre -que terminó con el premio a la Mejor actriz para Marta Nieto-. Aquí se verá Marco, el esperado regreso de los Moriarti, el trío de cineastas vasco autores de filmes como Handía o La trinchera infinita. En esta ocasión dirigen Jon Garaño y Aitor Arregi, y a ellos se suma el tercer vértice en el guion, Jose Mari Goenaga.

Un guion basado en una historia real, la de Enric Marco, quien durante años hizo creer a todos que había sido prisionero en un campo de concentración nazi. Eduard Fernández -del que Barbera ha alabado su interpretación al anunciar el filme- y Nathalie Poza protagonizan el filme. También se presentará el documental sobre Pere Portabella, Constelación Portabella, de Claudio Zulian.

La sección oficial a concurso muestra de nuevo el gusto por las estrellas y el cine rodado en inglés del festival, pero este año también confirma la crisis de Netflix en cuanto a la producción de cine de autor. Mientras que en los últimos años este ha sido el inicio de la carrera de premios de sus obras, con Roma y su León de Oro como pistoletazo de salida, en 2024 no habrá ninguna luchando por el máximo premio. Un cambio que enseña un posible cambio de rumbo en cuanto a la línea editorial cinematográfica de la compañía.

Aunque la paridad sigue estando lejana, Venecia ha mejorado sus cifras esta edición, que cuenta con seis películas con directoras al frente de entre las 21 que buscarán el León de Oro. Muchos nombres conocidos como los de Walter Salles o Gianni Amelio, pero también el de cineastas prometedores como Dea Kulumbegashvili, que tras arrasar en San Sebastián con su anterior filme, Beginning, ahora salta a Venecia con April.

Cada año, durante tres días, miles de personas abarrotan la aldea de Sabucedo, en el municipio pontevedrés de A Estrada. As bestas, la película de Rodrigo Sorogoyen y, tangencialmente, la serie Rapa de los hermanos Coira -ubicada en Cedeira, en la comarca de Ferrol, donde existe una tradición similar- han contribuido a disparar la popularidad de una costumbre ancestral: la lucha del hombre contra la bestia para cortar las crines de los caballos salvajes.

Sin embargo, para que esa celebración siga existiendo, es necesario un arduo trabajo contra enemigos naturales -y artificiales- que amenazan cada vez más la supervivencia de la tradición. Rapa. Xente ao monte, la ópera prima de Alejandro Enríquez, pretende contar la historia de lo que pasa en Sabucedo durante esos 360 días en los que no se aloita en el curro, cuando la población se reduce a una treintena de vecinos. Y quizá, aunque no era su intención, también ejercer de notario de los hechos antes de que sea tarde.

“El primer guión acababa cuando empezaba la rapa, hasta ese punto no es para mí lo más importante ni lo más bonito”. Desde que lo descubrió a través de un amigo de Sabucedo, Alejandro Enríquez lleva años yendo al monte en invierno y un lustro trabajando en su debut cinematográfico. Este veterano montador se resistía a plasmar en imágenes algo que le toca tan de cerca, pero acabó cediendo ante la evidencia.

El triángulo de Sabucedo: tierra, caballos, gente

“El monte en invierno tiene una energía propia, que hacía que me levantase muy temprano el fin de semana, cogiese el coche -desde A Coruña, donde vive, es más de una hora de viaje- y me fuese hasta allí. Si me provocaba eso a mí, pensé que igual había algo que contar”. Para él, que quiso hacer una historia “de personajes”, la clave está en el triángulo que forman la tierra, las bestas y los vecinos, una relación sobre la que “crece” una sombra: “la de que esto se acabe”. Por eso, se dijo: “Igual es el momento de hacer algo que tal vez dentro de tres años no se pueda hacer”.

“Es una pelea contra el tiempo”, admite en la película Roi Vicente mientras da forma a una escultura de dos caballos salvajes. Roi, conocido en el mundo del arte como Sabuko, fue uno de los aloitadores que aparecieron en As bestas. Las cifras le dan la razón: de los casi 800 caballos salvajes contabilizados a finales del siglo pasado, apenas quedan unos 350. Los incendios forestales de 2006 calcinaron manadas enteras y, desde entonces, su número no deja de caer. Los enemigos son muchos: los lobos, las mafias de cuatreros, la falta de comida en el monte que los hace bajar a las aldeas... y, ahora, la amenaza de los parques eólicos.

“Todo esto no se cuenta nunca. La gente piensa que la rapa son sólo tres días, pero detrás hay muchísimo trabajo”. Paulo Vicente, hermano de Roi, preside la Asociación Rapa das Bestas. Él relata a elDiario.es lo que sucede durante los duros inviernos en el monte, bajo un frío y una humedad que el espectador del documental acaba sintiendo: los caballos escapan buscando comida, invaden las fincas... “Hay que cerrar el monte, llevarles de comer… toda la complicación del resto del año es lo que se puede ver en la película”. Una labor inmensa para cada vez menos gente. En Semana Santa, con los que regresan -“de Madrid, de Euskadi, de Coruña...”- se dobla el número de habitantes de la aldea, pero para subir al monte hay “diez o quince personas”.

Un lugar en el mundo

Durante los festivos, se sube todos los días: “Ayer (por el lunes) estuvimos arriba, mañana tenemos que volver a cerrar una veiga que tenemos para trabajar con los animales, porque reventaron el cierre. El jueves hay que bajarlas de un sitio y moverlas a otro para ver si están marcadas y desparasitadas y, si no, hacerlo. El viernes vamos a sacar estiércol a otro cierre; como las bestas comen allí, se acumuló tanto que ahora no pasa ni el Land Rover, así que vamos a esparcirlo por el monte... Siempre tenemos cosas que hacer”, señala este profesor de música de secundaria.

“Los caballos traen los problemas, pero también traen la unión”, sentencia Enríquez. “Ahora que las crines ya no tienen retorno económico, el retorno es emocional: lo que te dan es tu identidad, tu lugar en el mundo. Sin ellos, Sabucedo sería como cualquier otra aldea, no tendría una vida real que es la que tiene ahora”. Paulo repica estos argumentos de forma casi textual. “Es la esencia de Sabucedo, todo lo que hacemos, por lo que nos reunimos, lo que hablamos en el bar... todo está relacionando con esto; no es fácil dejarlo marchar porque sí”. “Nuestra lucha y nuestra defensa de los animales va hasta ese punto: no abandonar algo que hicieron en la aldea toda la vida, que nos representa y nos pone en el mapa”.

Para Enríquez, esa identidad de la que hablan está marcada por “el bien común, la necesidad de pertenencia y la relación con la vida salvaje”, tres “temas universales en los que está todo”. Un mundo en el que “el dinero no es lo importante, hay valores muy por encima”. “Gente defendiendo lo suyo con esa hermandad y esa relación tan íntima con los caballos salvajes”, una lucha que -si se cambian las bestas por cualquier otro elemento- muchas comunidades rurales están viviendo “ahora mismo en un montón de sitios”.

Documental con aire -y personajes- de western

“Tenía que ser una película de sensaciones”, que recogiese “lo que siento cuando voy allí: hay que hacer que la gente se sienta trasladada y que viva esto, que es supermágico”. Para ello, Enríquez no quiso renunciar a su bagaje en publicidad, lo que le dio una “premisa estética” aunque mantenerla fuese “complicadísimo”. Sin embargo, el resultado no puede estar más alejado de un spot o un videoclip. También para eso se apoyó en su propio triángulo: el “esencial” ritmo de montaje; los silencios, “un trabajazo de sonido que hicieron en La Panificadora” y la música -compuesta por Julio de la Rosa, ganador de un Goya por la banda sonara de La isla mínima-, “que te lleva perfectamente por las emociones”.

Toda la cinta transpira aire de western. En concreto, de western crepuscular, una tendencia que sólo parece romper el rostro fascinado del pequeño Roi cuando aloita por primera vez. Ese sabor de género no se lo da sólo el protagonismo de los caballos, las bestas en torno a las que todo gira, ni esos paisajes que se nos presentan con la misma cadencia con la que crecen los árboles. Hay mafias organizadas de cuatreros, propietarios que quieren cambiar los pastos por arbolado... y los personajes, claro. Por ejemplo, Gelo, ese hombre que lee el monte y las pisadas de los animales como lo haría un trampero navajo siguiendo el rastro de su presa.

“Sí, Gelo tiene mucho de guía indio”, sonríe Paulo cuando recuerda una de las frases que pronuncia en Rapa y que, para él, define la relación que mantienen con la naturaleza: “hai que pousar o peteiro no suelo” (“hay que posar el morro en el suelo”). “Significa que no hay que abandonar el contacto con la tierra”. Aún así, para él, más que una de vaqueros, lo que “realmente” muestra la película es “cómo somos”. “La gente mayor decía que es la primera vez que se representa lo que se hace aquí, que se explican las experiencias de lo que pasa, de lo que nos pasa por la cabeza, cómo nos relacionamos...”.

Pero, por no faltar, no falta ni la escena del saloon, que podría haber sido en el Teleclub, ese vestigio de la época en la que los vecinos se reunían bajo un mismo techo para ver juntos la única televisión del pueblo y que en Sabucedo sigue funcionando como centro neurálgico de la Asociación. Pero no. Es en una de las casas de la aldea, la de Sara, la noche tras el primer día de rapa. Paulo, acordeón en mano, lidera una interpretación colectiva de Licor café, el clásico moderno de Lamatumbá que no falta ya en ninguna celebración gallega. Una exaltación del sentimiento de comunidad generado, otra vez, gracias a las bestas.

A las 7:47 del viernes 8 de marzo, la segunda planta del hotel Tótem, en el centro de Madrid, estalla en aplausos. Es el resultado de casi 50 minutos de tensión, de aguantar la respiración esperando que el momento que durante tanto tiempo se ha preparado y ensayado saliera a la perfección. Solo había dos posibilidades de éxito. Y una de ellas ha salido. Quien se encuentra en esa planta, como si fuera un cuartel de operaciones, es el equipo de Los años nuevos, la nueva serie de Rodrigo Sorogoyen que en su habitual máxima de ir un poco más lejos ha decidido que el episodio final, una larga conversación de una pareja en la habitación de un hotel se realizara en un plano secuencia.

No era un plano secuencia cualquiera, sino uno que comenzaba en la calle, en el mercado de la Paz, con Ana ―la protagonista de la serie― cogiendo unos cafés para subir a la habitación donde le espera Óscar (el otro personaje principal). Lo que llega es una coreografía de puesta en escena, pero sobre todo, la entrega descarnada de dos actores, Iria del Río y Francesco Carril, que llevan preparando este final 90 jornadas de rodaje. Los años nuevos (de Movistar Plus+ junto a Caballo Films) no es una serie normal sobre una relación de pareja. Sus creadores, Sorogoyen junto a las guionistas Sara Cano y Paula Fabra, decidieron que se rodara en orden cronológico. Cada episodio es una mirada realista y cruda a un año en la vida de esta pareja, y el décimo ―y último― episodio es el reencuentro de sus personajes en un hotel, pero también la despedida de los actores de esta intensa experiencia.

El plano secuencia se ha preparado minuciosamente durante cuatro días, y elDiario.es ha vivido junto al equipo los ensayos, los nervios, la preparación, el rodaje y el final. En la mente de los tres creadores había un plano perfecto, y era el que terminaba con el amanecer cuando ambos bajan de la habitación. Para ello había que empezar a rodar en torno a las 6:45 y no había margen de fallo. La última toma, la que valió realmente, comenzó a las 7:00 en punto, con el equipo consciente de que ahí se lo jugaban todo. Por eso los aplausos y el llanto de alegría y emoción de todo el equipo.

Tras el plano secuencia quedaba otro de cada uno de los protagonistas. Francesco Carril, tras clavarlo, después de esos 47 minutos virtuosos junto a su compañera, no podía contener la emoción. No era capaz de detener las lágrimas ni de aguantar ese último plano. Sorogoyen dejó el combo, cruzó la calle y le dio un beso. “A por ello Fran, te lo mereces”, le dijo antes de dar una claqueta final que encima llegó bajo la lluvia, como se escribió originalmente el guion del episodio 10. Iria del Río reconocía todavía con la adrenalina del rodaje que sabían que aquella toma era a todo o nada, pero que, extrañamente, lo había disfrutado. 

Como si una película se tratara, ahora toca hacer un flashback. Toca viajar al pasado. Al lunes 4 de marzo, cuando todo comenzó a pergeñarse en la habitación 208. Allí es donde todo pasaría. El plano secuencia empezó a tomar forma con un ensayo. Con 26 marcas pegadas con cinta de carrocero en el suelo. Con el propio Sorogoyen grabando todo para servir de guía al operador de cámara, la verdadera estrella en la sombra de esta escena. Él es quien llevaría el resto de días los 25 kilos de la cámara durante ocho horas, y el que aguantaría en pie hasta clavar el último plano del último día. 

En un acto de transparencia, Sorogoyen y los actores nos permiten entrar en la intimidad de ese ensayo. “Francesco va a salir desnudo, ¿os importa?”, dicen. El desnudo físico del actor era lo de menos ante la desnudez emocional y el sopapo de realidad que iban a desplegar él e Iria del Río en un ensayo con el que Ruy, como llaman todos al director, se quedó “tranquilo”. Había cosas que pulir, pero sabía que iba a salir. Destaca la paciencia de Sorogoyen, que nunca levanta la voz, que confía al 100% en un equipo donde destacan Coline Perruchon, coordinadora de dirección y primer ayudante, y Lali Rubio, su directora de fotografía, que con apenas 30 años se enfrenta a un plano que muchos profesionales no podrán realizar en su vida.

Un rodaje en constante cambio

Tras dos días de ensayos, el rodaje se muestra como un organismo vivo y en constante transformación. Sorogoyen se pasa todo el segundo pase, ya con el operador de cámara, tomando notas. “Imperfecciones”, como cuenta poco después. En un iPad anota con un color los fallos técnicos y en otro color los comentarios para los actores. No le ha gustado el tono. Lo ha visto “hiperdramático”. Toca pulir. “Hay marcas y textos que no me han funcionado y partes que se me caen. La gran nota que he tomado es que han estado muy llorosos desde el principio y yo creo que no deben estarlo. Ha habido demasiado drama desde el principio”, añade.

Le preocupa, también, la duración. Depende de cómo se diga el texto, el episodio se puede ir de largo. “Es la primera vez que ha durado 40 minutos. Ayer lo hicimos y duraba 30. Y esto es solo la parte de la habitación, así que tengo que plantearme si quitar algo, si hacerlo más ligero… tengo que volver a verlo. Mi sensación es que al principio se caía un poco, pero tengo que ver dónde metemos caña”, subraya y hace una confesión: todavía no sabe bien cómo terminará visualmente el episodio.

Lo medita con la almohada y lo comunica al día siguiente. El plano secuencia se mantiene… excepto al final. No quiere terminar con un plano de uno mientras que el otro queda de espaldas. Así que rodará también unos planos de cada uno de ellos de frente, mostrando su reacción. También ha quitado una página de guion. Ahora toca repasarlo con los actores, y también escuchar las notas de las creadoras, que apuntan lo que ellas consideran que debe mantenerse sí o sí del texto original. 

A media hora de empezar el primer día de rodaje las luces del hotel se convierten en un problema. La parte en la que salen de la habitación, pasan por los pasillos y la escalera, las lámparas propias del local, saturan. Los técnicos las tapan como pueden ―incluso con sus chaquetas―, y colocan difusores en todas ellas. También tapan las luces del ascensor. Es lo que se denomina como “intervención”. Como toda la serie, el episodio transcurre en torno al último día del año. En esta ocasión es el 31 de madrugada, con la actividad de un mercado de fondo y un paseo por la calle. Aunque ahora estemos en marzo, en la serie es Navidad, por lo que la calle Lagasca ha viajado en el tiempo. Luces en los árboles, en las tiendas y en los balcones que llaman la atención a la gente que pasea poco antes de que se corte del todo la actividad durante ocho horas en uno de los barrios más lujosos de Madrid.

Cortar el Barrio Salamanca

La ocurrencia de Sorogoyen de rodar en plano secuencia, que ya estaba en el guion de Sara Cano y Paula Fabra, no solo conlleva un esfuerzo técnico e interpretativo, sino de producción. Si ocurriera solo en la habitación del hotel sería más fácil, pero comienza en la calle y termina de nuevo en la calle, por lo que, aunque se ruede de madrugada, hay que cortar varias vías de una de las zonas más concurridas del centro de Madrid. “Si hay lío, le gusta”, dice con ironía Nacho Lavilla, productor y amigo del director. Por eso el plano secuencia comienza con el mercado de la Paz de fondo. “En el guion solo ponía cafetería, pero cuando dimos vueltas buscando una, cuando ya habíamos elegido el hotel, a Ruy le gustó esta idea”, explica Pere Capotillo, jefe de producción.

Solo elegir el hotel no fue fácil. Visitaron muchos, le mandaron fotos, se quedaron con cinco finalistas y comenzaron a llamar. Algunos no quisieron, otros se iban de presupuesto y había dos factores externos: ARCO y un partido de Champions del Real Madrid. La ocupación ya estaba al 90% cuando empezaron a localizar, y “lo fácil hubiera sido decir que no”. No es solo reservar una habitación, sino toda una planta, a lo que hay que añadir que durante el rodaje se cortan los accesos, algo que puede molestar a los otros huéspedes, ya que el hotel siguió funcionando con normalidad. 

Cualquiera podía bajar al lobby y fastidiar una toma. Igual que cualquier persona podía salir de su casa en las calles adyacentes y salir en plano. Para ello había 30 personas controlando que nadie saliera de su portal ni a las zonas comunes del hotel. Con los porteros de las casas se habló para que no metieran los cubos de la basura hasta que no terminara el rodaje, y con el Ayuntamiento y la oficina de rodajes se trabajó para que los camiones de la basura pasaran antes de las 23:00 y recogieran en otros puntos durante esas horas. También afectó a los camiones del mercado, que al día siguiente abría con normalidad y que ese día hicieron su descarga por la otra entrada. Pere Capotillo tuvo que ganarse la confianza del barrio y del mercado. También de los puestos que usaron y que iban a ver afectada su rutina por su presencia. A ellos se les encargó los bocadillos o se les hizo parte del rodaje junto a los 37 figurantes que aparecen para simular ese “movimiento real” que quería el director de fondo.

Capotillo explica que siempre todo sale según “la ley del cine”. No se refiere al texto pendiente de aprobación por el Ministerio de Cultura, sino a la que rige los rodajes y que “es peor que la de Murphy”. “Si tiene que pasar algo, será a la peor hora posible”, dice con humor y consciente de que por mucho que se planifique habrá sorpresas. En un rodaje “normal”, esas sorpresas son más fácilmente evitables, porque “te llevas todo a tu favor”, como explica. Colocan las horas de rodajes, pueden cortar, decidir desde dónde toman el plano… En un plano secuencia todas esas variables no existen y cualquier error hace cortar. “En un plano secuencia hay que hacer que la ficción conecte con la realidad y hay un margen de azar muy grande”, dice casi como segundo principio de esa 'ley del cine' que solo conocen los que lo viven desde dentro.

Salto al vacío con los actores

Lo que dejaban claro los dos primeros días de ensayos es que la coreografía del operador de cámara es crucial, que cualquier paso en falso puede ser fatal y provoque volver al principio, pero también que el trabajo de los actores es fundamental. Como ellos mismos describen horas antes del último día de rodaje y con los nervios a flor de piel, “esto es como una obra de teatro”. Muchas veces se habla de química, pero para Francesco Carrill hay algo más importante: “Entenderse a otros muchos niveles”. “Ya no es solo la química que puedas tener rodando, sino que casi es más importante a veces la que tengas detrás. Hemos tenido que rodar secuencias muy íntimas, muy complicadas. Era la primera vez que yo, por ejemplo, rodaba secuencias de sexo tan fuertes, tan desnudas, valga la redundancia, y yo, si no hubiera sido con ella, no sé cómo lo hubiera hecho”.

Carril hizo casting, pero Iria del Río fue elegida sin prueba. Ella quedó finalista para el papel protagonista de Antidisturbios que finalmente haría Vicky Luengo; aunque obtuvo un pequeño papel en la serie. Desde entonces, Sorogoyen tenía claro que quería trabajar con ella y que le debía un protagonista. Sabe que no se ha equivocado. Para Del Río, el director “sabe ver la naturaleza de los actores y entender que la conjunción va a funcionar no solo interpretativamente, sino personalmente”. Para Sorogoyen, la máxima es simple: “La base está en querer a los actores, quererles como personas. Tener por ellos una fascinación, un amor, un respeto, un cariño, una amistad”. Eso lo basa en “la comunicación” y en la “tranquilidad de que pueden hacer lo que quieran”.

Esa confianza se notaba también en los técnicos. En el sonidista que con la pértiga hace un ejercicio casi de gimnasia rítmica dentro de esa habitación 208 para que nunca se vea el micrófono. En los que cortaban difusores para tapar las luces contrarreloj. Hasta en el que empujaba la carretilla donde iba el operador en los primeros minutos del plano secuencia, que finalmente tuvo cuatro tomas buenas. En las guionistas que sufrían con cada corte, que estuvieron toda la noche pendiente y bajaron corriendo cuando, como habían escrito, con el amanecer y la lluvia se dio la última claqueta antes de irse a celebrarlo con tortilla y cerveza a las 8 de la mañana. Todo bajo unas luces falsas de Navidad que comenzaban a quitarse para que la vida volviera al sitio que le había suplantado una serie durante las últimas ocho horas.

La ficción original le ha dado a Movistar Plus+ un año 2023 excelente. La mesías, Poquita fe o La unidad son algunas de las series que han arrasado entre el público y la crítica. Sin embargo, en esta estrategia de ficción faltaba algo, la apuesta por la producción de cine español original. Si bien habían realizado aventuras puntuales como Mientras dure la guerra, de Alejandro Amenábar, o Modelo 77, de Alberto Rodríguez, no habían establecido una estrategia para que los grandes autores de nuestra industria pudieran desarrollar sus productos con ellos.

Algo ha cambiado, y Movistar Plus+ se ha dado cuenta de que el cine español gusta. Por ello han dado un golpe en la mesa y han anunciado cinco proyectos con los que se presentan como la plataforma que apoyará a los autores que quieran apostar por las salas de cine y luego tener sus obras en exclusiva en Movistar Plus+. El primer anuncio no pudo ser más ambicioso. Las nuevas películas de Rodrigo Sorogoyen, Icíar Bollaín, Alberto Rodríguez y Oliver Laxe, además del debut en el largo de Ana Rujas son los títulos que rodarán en 2024.

Domingo Corral, director de Ficción y Entretenimiento de la plataforma, ha definido esta apuesta como “decidida y ambiciosa” y ha asegurado que la filosofía de los proyectos elegidos será la misma que han realizado con las series, que tengan “autoría y ambición”. La idea es producir entre “cinco o seis películas al año” y hacerlo respetando las ventanas tradicionales. “Creemos firmemente en las salas”, ha dicho y apuntado a algo importante, todas las películas serán hechas junto a productores independientes, algo que estaba en la picota tras la ley audiovisual.

El proyecto más misterioso es el de Rodrigo Sorogoyen, que bajo el nombre de El ser querido no aportó ni elenco ni sinopsis, solo las declaraciones del director diciendo que creen que se han arriesgado mucho él y su guionista, Isabel Peña, en la que supone su primera aventura tras el éxito de As bestas. Sin título presentó Alberto Rodríguez su nuevo filme. Movistar Plus+ dijo que Modelo 77 había sido el filme más visto en la plataforma, por encima de cualquier blockbuster de Hollywood, y que ese éxito es parte del que les dio la clave para realizar esta apuesta.

Rodríguez agradeció la “libertad creativa” que ha tenido junto a la plataforma y avanzó el peculiar escenario de esta trama de “dos hermanos, un hombre y una mujer, buzos profesionales asistiendo a una petroquímica”. Una profesión con “una siniestralidad brutal, muy peligrosa, con la muerte detrás de la cabeza todo el tiempo” pero dentro de lo que ha descrito como “una peli de personajes”.

Tras Maixabel, Icíar Bollaín vuelve a una mujer real que marcó un punto de inflexión en la historia de España. Se trata de Nevenka Fernández y lo contará junto a Isa Campo al guion en Soy Nevenka, una película que tiene casting pero que no fue anunciado y en donde Bollaín subrayó a la mujer como “una pionera”. “Lo hizo cuando la palabra acoso no estaba en la calle. Lo hizo por justicia y supervivencia. Lo hizo muy sola y fue todo muy público. El abuso fue muy público y todos miraron para otro lado. Ganó en los tribunales pero se quedó muy sola porque hubo un rechazo social. También es un retrato de los medios, la tacharon de trepa. Revisando imágenes hemos visto como [el director de informativos de TVE] Urdaci, cuando dio la noticia, la definió como una disputa sentimental en Ponferrada, y también queremos contar esto”, dijo la cineasta.

El proyecto, a priori, más autoral, es el de Oliver Laxe, que se encuentra a punto de rodar su primera película tras O que arde. Lo hace de la mano de El Deseo, la productora de los hermanos Almodóvar. Una aventura sin título con una sinopsis misteriosa como todo el cine del gallego. Una rave en Marruecos donde llega un padre buscando a su hija. Cinco de ellos y este personaje acabarán buscando una “nave mitológica en el desierto de Marruecos”. Una película “hipnótica y sensorial” que rueda en abril.

Entre nombres consagrados entró también el de Ana Rujas, que ahora triunfa como actriz en La mesías y que debutará en el largometraje con El desencanto, un filme que está relacionado a la película de Chávarri y en el que la actriz intentará vincular aquel desencanto al de la sociedad actual. Un proyecto producido por Javier Calvo y Javier Ambrossi y que nace de un texto teatral en el que fabuló “una conversación entre los Panero y Miguel, un padre de la clase obrera”. “Me obsesionó El desencanto y los Panero, y me pareció muy interesante poner ese escenario”. Una película con tránsfugas de clase que quiere hablar de “una decadencia sociopolítica, del arte politizado y todo en clave de humor”.

Los Premios Goya del pasado mes de febrero pusieron en el escaparate la fiesta ancestral de la Rapa das Bestas de Sabucedo y las sombras que las amenazan: las de las aspas gigantes de los molinos de viento de los parques eólicos. El director Rodrigo Sorogoyen, que rodó parte de la premiada película As Bestas en esta zona, recogió el premio a la mejor película e hizo un discurso que se viralizó sobre la defensa del monte y los animales en Sabucedo y contra los parques eólicos proyectados en la zona. Este fin de semana, regresó el rito ancestral de la Rapa das Bestas y la aldea de Sabucedo amaneció inundada de pancartas colgadas en las ventanas y balcones de las casas, que recibirán a los cerca de 15.000 visitantes que se esperan en estos días. La gran manada de caballos salvajes atravesó la aldea el sábado al mediodía, entre el lema que reivindicaba su supervivencia en los montes: “Polas nosas bestas e polos nosos montes, non ao espolio eólico”.

Entre el olor a pimentón que cubre el pulpo y el calor de las brasas del omnipresente churrasco, Sabucedo regresa cada año a su rito ancestral. Pero este año, la reivindicación medioambiental y la incertidumbre sobre el futuro del monte planean entre el humo del pulpo y el churrasco. El primer curro de este año abarrotó el recinto de Campo do Medio con 1.500 personas. Con cerca de 200 ejemplares listos para la rapa, los aloitadores esperan pacientes y en silencio a que comience el ritual de la rapa. Casi todos visten la misma indumentaria, algo inusual en esta fiesta: camisetas negras reivindicativas contra los parques eólicos. Frente a las gradas donde el público asiste el curro hay dos palcos, uno para medios de comunicación y otro para autoridades e invitados. Por el primero pasarán más de 170 profesionales acreditados, procedentes de nueve países, entre ellos Egipto, Estados Unidos o Finlandia. Desde el segundo palco, antes de que comience el curro, toma la palabra Paulo Vicente, Presidente de la Asociación Rapa das Bestas y también aloitador.

“Estamos aquí defendiendo unos usos y costumbres tradicionales que no queremos perder. Notareis que todos nosotros llevamos una misma indumentaria. No solemos hacerlo pero tenemos un problema muy grave y nos quieren construir cuatro parques eólicos en estos montes”, clamó Paulo Vicente, con su camiseta negra, ante un curro abarrotado que respondió con un gran abucheo de rechazo a estos parques de aerogenerados impulsados por la Xunta de Galicia. “Todo esto que veis aquí es fruto de gente que trabaja todo el año para que esto perdure y queremos que nuestra forma de trabajar no se pierda. Queremos que nuestras bestas sigan siendo libres y bravas” explicó el Presidente de la asociación Rapa das Bestas, que demandó apoyo para frenar este proyecto.

“Pido a las administraciones que nos acompañen en nuestra lucha porque los necesitamos”, proclamó desde el palco del recinto, también con las pancartas reinvindicativas bien visibles. A pocos metros, en el mismo palco, lo escuchaba con rictus serio el ex conselleiro de Xustiza Xesús Palmou, que a menudo presume de haber promocionado dentro del PP al actual Presidente de la Xunta, Alfonso Rueda.

Después de las palabras de Paulo Vicente, con el curro en silencio para tranquilizar a los animales, comenzó el ritual. Las bestas inundaron la arena y comenzó el turno de los aloitadores. Primero para los niños y los más jóvenes de la aldea que buscaban a los potros y los separaban en una zona en la entrada del curro y después para los aloitadores más experimentados, entre los cuales también había varias mujeres. El público disfrutó con el espectacular cuerpo a cuerpo que se ha transmitido de generación en generación. Dos aloitadores toman la cabeza del caballo y le tapan los ojos y otro más experimentado el rabo hasta que inmovilizan al animal. Después los desparasitan con una pequeña inyección y con una tijera robusta cortan las crines de la cabeza y el rabo a los caballos.

En el primero de los curros, en poco más de una hora se aloitaron alrededor de medio centenar de bestas de las más de 200 que entraron en el recinto. Tras completar un curro por día, desparasitados y saneados, los caballos regresarán al monte y se seguirá perpetuando la tradición. Ahora solo falta saber durante cuanto tiempo podrán permanecer en los montes evitando las sombras de las aspas de aerogeneradores sobre sus crines.

Los filmes As Bestas y Cinco lobitos han sido las producciones más galardonadas en la gala de la Unión de Actores que tuvo lugar la noche del lunes en el Teatro Circo Price, una celebración en la que se encadenaron las reivindicaciones por la inclusión y diversidad de cuerpos disidentes, razas, géneros y edades.

Mientras la cinta de Sorogoyen se ha alzado con los premios a mejor actor revelación para Diego Anido, secundario para Luis Zahera y protagonista para Denis Ménochet, la película de Alauda Ruiz de Azúa también ha triunfado logrando los galardones para Ramón Barea como mejor actor de reparto, Susi Sánchez como mejor actriz secundaria y a Laia Costa como mejor actriz protagonista.

La celebración, dirigida por José Padilla y conducida por el actor Cristóbal Suárez y las actrices Almudena Puyo y Lucía Trentini, encargada de las actuaciones musicales, ha agrupado a actores consagrados del cine, teatro y televisión con actores de edad más avanzada e intérpretes con diversidad funcional en un alegato por un mundo de la actuación más inclusivo con sus artistas.

Las marcadas ausencias de Ménochet, Sánchez, Ana de Armas —mejor actriz internacional por Blonde— o Javier Bardem —mejor actor internacional por Being the Ricardos— fueron contrastadas con las cómicas declaraciones de Zahera, que definió su bum como actor como algo “insoportable”, o con la reivindicación de Barea acerca de la mirada femenina de Ruiz de Azúa al mostrar “cuidados que pasaban desapercibidos sobre una mirada netamente masculina”.

La también ausente Adelfa Calvo, mejor actriz de reparto por En los márgenes, dio su discurso de agradecimiento a Juan Diego Botto, reivindicó a los actores de figuración y denunció la situación de la burbuja inmobiliaria desde un teléfono móvil puesto en modo altavoz desde el escenario. La mejor actriz revelación Laura Galán —por Cerdita— quiso tener un gesto de cariño recordando la escuela de teatro en la que arrancó su formación.

Lola Herrera, galardonada con el premio honorífico 'Toda una vida' por representaciones como Cinco horas con Mario, resaltó la “forma de abrazo” que para ella representa el reconocimiento: “Creo que es el premio más importante que me han dado en mi vida. No me ha conmovido ningún premio como la notificación de este”, confesó. También quiso reivindicar la memoria de los intérpretes fallecidos.

El Premio especial de la edición ha recaído sobre los veteranos pioneros en la defensa de los derechos de la profesión, representados en el escenario por algunos de los fundadores de la Unión que insistieron en la necesidad de pasar el testigo de las reivindicaciones a las nuevas generaciones. Entre ellos, se hallaban familiares de la actriz Concha Velasco, que excusó su ausencia por problemas de salud.

El Ministerio de Igualdad también ha sido recompensado, esta vez por el premio 'Mujeres en Unión-Pilar Bardem' por la elaboración de la ley trans y para la garantía de los derechos de las personas LGTBI, reconocimiento que la ministra Irene Montero agradeció recordando la figura de Lorca y la importancia de la actuación para que los colectivos más marginados puedan expresar libremente su identidad.

En televisión, la serie La Unidad ha cosechado las victorias a Yassmine Othman —mejor actriz de reparto— y Nathalie Poza —mejor actriz protagonista—, quien resaltó la capacidad de su papel para “dar voz a quien no la tiene”.

Los premios de mejor actor de reparto y mejor protagonista han recaído en Iñaki Miramón por Amar es para siempre y en Luis Callejo por Apagón, mientras que Manolo Caro ha sido premiado por su papel como actor secundario en Entrevías. Su homónimo femenino fue para Beatriz Carvajal por Laura y el misterio del asesino inesperado.

La sorpresa más reseñable se ha obtenido en el mundo del teatro, donde el galardón ex aequo a mejor actor de reparto subió a las tablas a Rafa Castejón —El burlador de Sevilla— y a Carlos Serrano-Clark —Muerte de un viajante—, al igual que sucedió con el premio de actriz de reparto otorgados a Carmen Mayordomo —Robots universales Rossum— y a Verónica Ronda —Lo fingido verdadero—.

En cuanto a interpretaciones secundarias, el rol de Luis Bermejo en Los santos inocentes ha sido reconocido junto al de Zaira Montes en La casa de Bernarda Alba, que reivindicó por segunda vez en la velada la figura del poeta y dramaturgo granadino como guía hacia la lucidez antes de dedicar el premio a sus amigos y familiares más cercanos.

Los afortunados en este género como actores protagonistas han sido Alberto Velasco —Sweet dreams—, que quiso dar visibilidad a los actores con cuerpos diversos, y Blanca Portillo, por su papel en Silencio, venciendo a Marta Poveda y Aitana Sánchez-Gijón, con quienes compartió su mérito a la vez que ensalzó la figura de Herrera, primera actriz en la que se inspiró.

“Somos trabajadores sociales, somos espejos de cosas que gente no quiere que se vean”, declaró la actriz, quien, como otros muchos artistas en la noche, abogó por el lenguaje inclusivo al comentar: “Tenemos un infiltrado en la RAE, a Juan Mayorga, que estará haciendo muchas cosas por nosotras, por nosotros y por nosotres”.

El cine español siempre ha tenido mucha presencia en los premios Platino que reconocen a lo mejor de las películas iberoamericanas de cada año, pero esta edición el dominio es absoluto con varias categorías donde hay casi pleno de nominados españoles. El gran año del cine español sigue dejando secuelas, y ahora llegan en forma de galardones que reconocen a As bestas y Alcarrás como dos de las cuatro mejores películas del año. Completan las elegidas Argentina, 1985 y Bardo. Todos ellos repiten en la categoría de Mejor dirección (Rodrigo Sorogoyen, Carla Simón, Santiago Mitre y Alejandro González Iñárritu), lo que deja claro que son las grandes favoritas de la noche, aunque el filme de Simón se deje por el camino la candidatura de Mejor guion, donde sus tres rivales sí que entran y donde completa el cuarteto Manuela Martelli por la chilena 1976.

La apabullante presencia española se confirma en las categorías interpretativas. En Actriz de reparto hay tres españolas: Penélope Cruz, por En los márgenes; Carmen Machi, por Cerdita y Susi Sánchez; por Cinco Lobitos. La película de Alauda Ruiz de Azúa está nominada como Mejor ópera prima, donde es la gran favorita, y también consigue la candidatura Laia Costa como mejor protagonista donde también hay doblete español, ya que Laura Galán es candidata por Cerdita. En Actor de reparto Luis Zahera, por As bestas; y en protagonista Luis Tosar, por En los márgenes, completan la presencia española. Solo hay una categoría donde no haya ningún español, en Mejor documental, ya que también en los apartados técnicos hay una amplia representación de nuestra industria. En Mejor película de animación el cine español logra otro doblete, ya que Tadeo Jones 3 y Unicorn Wars copan la mitad de la categoría.

En número de nominaciones la gran favorita es Argentina, 1985, el filme de Santiago Mitre que este domingo se juega el Oscar a la Mejor película internacional. El filme protagonizado por Ricardo Darín sobre el juicio contra los responsables de la dictadura en ese país ha sumado 14 nominaciones en esta edición que se celebrará en Madrid el próximo 22 de abril. Con estos datos parece claro que el filme argentino es el rival a batir.

Lejos se quedan el resto de contendientes, entre ellas As bestas, que se queda con seis candidaturas, las mismas que Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades“, de Alejandro González Iñárritu o Cinco Lobitos. Acarràs, por su parte, se ha conformado con tres, entre ellas las dos más importantes.

Las nominaciones de los Platino han quedado repartidas entre doce países diferentes (Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Cuba, España, Guatemala, México, Nicaragua, Paraguay, República Dominicana y Uruguay), con España obteniendo un 34% de las candidaturas cinematográficas seguida por Argentina, con un 24% y Chile y México, ambas con un 10%.