“Avatar: Fuego y ceniza” ha sido una de las películas de la temporada del cine entre las navidades y el inicio de año, con una recaudación que supera los 1.400 millones a nivel mundial, pero aun así ha sido la menos taquillera de la saga de James Cameron. A nivel de premios, también ha descendido en reconocimientos, aunque eso no evita que esté representada en los Oscars 2026.

La primera entrega de la saga Avatar obtuvo hasta nueve nominaciones, tres de ellas categorías técnicas a mejor fotografía, mejor dirección artística y mejor efectos visuales, los que finalmente se llevó. Mientras, la segunda película se quedó en tan solo cuatro posibles estatuillas, de los que ganó el de mejores efectos visuales, al que opta también la tercera.

Y es que en los Premios Oscars 2026, “Avatar: Fuego y ceniza” está nominada tanto a mejores efectos visuales como a Mejor vestuario, una categoría que ha llamado la atención, pero que tiene una explicación y que la conecta con otro éxito de James Cameron como fue ‘Titanic’.

Por qué la tercera película de Avatar ha sido nominada a Mejor vestuario en los Oscars 2026

Aunque no lo parezca a simple vista, “Avatar: Fuego y ceniza” tiene un trabajo importante detrás en cuanto a vestuario se refiere, y además tiene como responsable a la prestigiosa Deborah L. Scott, que ya sabe lo que es ganar un Oscar gracias a “Titanic”, así como ha trabajado también en películas como “E.T el extraterrestre”, “Regreso al futuro” o “Transformers”.

Pese a ver como los personajes van ligeros de ropa, el diseño que hay detrás es relevante porque es fundamental para diferenciarlos a simple vista, sobre todo a los que son miembros de un mismo clan, y aquí es donde el trabajo de Scott cumple su objetivo, pues las vestimentas y caracterizaciones son vitales.

El vestuario de Deborah L. Scott refuerza el sentido de identidad cultural y de pertenencia a cada clan, lo que es más importante de lo que parece en la tercera entrega de “Avatar: Fuego y ceniza”. En su atención obsesiva de los detalles llega a definir de forma clara los personajes, como sucede con los Mangkwan que se prestan a más lucimiento que otra de las tribus de este universo cinematográfico.

Como se puede ver en el ‘making-off’ de la película, el trabajo de vestuario de esta tercera entrega de ‘Avatar’ conlleva un método artesanal en el que se han creado más de 2.000 piezas, todos ellos escaneados y digitalizados, que van desde las telas tradicionales, al cuero o madera, lo que dio identidad a cada personaje con cada detalle.

Así, las vestimentas de Deborah L. Scott no se usan directamente, sino que son una referencia para luego los efectos especiales lo integren y se vean en lo que finalmente llega a la pantalla. Sobre el proceso de la tercera entrega de la saga, la diseñadora comentó:

“Es absolutamente vestuario. No importa si tienes un cuerpo, ya sea una persona azul de casi dos metros o una personita morada, si lo vistes, lo que lleven puesto forma parte de su identidad. Por eso, contar con un diseñador de vestuario es fundamental. Y para estas películas en particular, Jim y nuestro difunto productor, Jon Landau, insistieron mucho en contar con un diseñador de vestuario”, declaró al respecto, justificando el hecho de que una cinta como “Avatar: fuego y ceniza” haya sido nominada al Oscar a mejor vestuario.

‘Avatar: fuego y ceniza’, la tercera película de la saga dirigida por James Cameron, va camino de convertirse en el mejor estreno del año en salas de cines en España, con un estreno ya con una recaudación de 6,23 millones de euros, y ser una de las cintas de este 2025.

La saga que se desarrolla en el ficticio Pandora se ha convertido en todo un acontecimiento en las salas de cines, una experiencia que aporta detalles técnicos poco vistos en otras películas, pero cuya historia comparte más de lo que pensamos con otros títulos a lo largo de la historia del cine, que se pueden disfrutar como una especie de ciclo junto a las dos entregas anteriores.

'Pocahontas' (1995)

‘Avatar’, sobre todo la primera de la saga nos recuerda de cierta manera a la historia de ‘Pocahontas’ que desarrolló Disney y de la que se han cumplido 30 años de su estreno en este 2025. En las dos hay una colonización, en la que se intenta someter a un pueblo frente a los recién llegados, pero que va hacia transmitir respeto por la tierra y el entendimiento entre diferentes culturas con sus protagonistas. Jake y Neytiri, además, viven una historia de amor que como Pocahontas y John Smith, recibe oposición por parte de sus pueblos, pero ellos son una muestra de que el entendimiento es posible.

'Dune' (2021)

Al igual que ‘Avatar’, ‘Dune’ es una de las sagas de ciencia ficción más destacadas que ha triunfado en las salas de cine en los últimos años. En ambas, el mundo alienígena se muestra hostil, con una cultura nativa fuerte y en el que la lucha por recursos se antoja fundamental y un elemento relevante en la trama. También cabe tener en cuenta que su tercera entrega será uno de los estrenos más destacados del 2026, con su llegada prevista para el próximo diciembre.

'Interstellar' (2014)

Christopher Nolan es, como James Cameron, uno de los directores de cine que llevan cada uno de sus estrenos a que sea toda una experiencia y atraen así a millones de espectadores. Una de las películas que más comparte similitud con la saga de Avatar es ‘Interstellar’, en la que ambas cuentan como la humanidad debe explorar otros lugares del universo en busca de recursos y nuevo hogar.

'Matrix' (1999)

La llegada de ‘Avatar’ supuso al cine una cierta revolución, sobre todo a nivel técnico, algo que también supuso ‘Matrix’, al fusionar efectos visuales que eran inéditos en su momento como el llamado tiempo balla (‘bullet time’), además que también supuso un interés al mezclar en el argumento acción, ciencia ficción y filosofía. Una saga también sin la que no se entiende el avance del cine.

'Titanic' (1997)

El ciclo de cine de películas relacionadas con ‘Avatar’ podría completarse con el último largometraje que dirigió James Cameron, que fue ‘Titanic’ en 1997, un título que fue un evento generacional que cumple 28 años este diciembre y que fue la gran triunfadora de de los Premios Oscar en 1998.

De hecho, fue la película más taquillera de la historia de todos los tiempos con más de 2.200 millones de dólares, hasta que fue superada por la primera entrega de la saga de ‘Avatar’.

James Cameron le regaló a Sigourney Weaver su primera nominación al Oscar. Fue por la secuela de Alien, que el director rodó en 1986 y que colocó a la Teniente Ripley en la senda de los premios. Cameron solidificó un personaje que ya era mítico en su primer filme, dirigido por Ridley Scott, y lo convirtió en leyenda. Comenzó entonces una amistad que se alargaría durante décadas, pero que tardó demasiado en juntarles de nuevo en un filme.

Lo hizo en Avatar, en 2009, donde Weaver daba vida a una de las científicas que ayudaba a los Naavi en la epopeya de ciencia ficción pergeñada por Cameron y que se convirtió en una de las películas más taquilleras de la historia. A pesar de que su personaje, la doctora Grace, fallecía en la primera entrega, Cameron se las apañó para hacer que Weaver volviera dando vida a un Naavi adolescente, lo que permitió a la actriz jugar y divertirse en los universos inventados de Pandora.

Recupera el personaje en esta tercera entrega que promete arrasar en taquilla pero que, de momento, pone una pausa en la franquicia. Cameron ya ha dicho que si hace mucho dinero volverá a rodar películas de Avatar, algo que a Weaver le parece bien, aunque prefiere centrarse, de momento, en acabar con esta película que potencia los elementos políticos de este taquillazo que habla de colonialismo, guerra y refugiados bajo su cáscara de blockbuster.

¿Qué crees que esta tercera película ofrece a los fans, qué la diferencia de las anteriores?

Le ofrece todo. Es como una cena de cinco platos. Es una emocionante aventura física estar en el cine y experimentar Avatar en tan buen 3D. Realmente te transporta a otro mundo. Y también te reencuentras con la familia Sully, quienes, francamente, están pasando por momentos difíciles tras la pérdida de un hijo, y mucho de lo que está sucediendo en la Tierra y en Pandora parece conectar entre sí. Estamos en una época de guerra, y muchos refugiados y las relaciones raciales están bajo mucha presión. James Cameron es un escritor muy hábil, pero realmente escribe con el corazón. Hay mucho de su corazón en esta película. Para los actores ha sido un privilegio increíble poder explorar esta escritura y estos personajes de una manera en la que nos sentimos tan protegidos, porque su prioridad es respetar nuestro trabajo. Y la tecnología viene después.

Eso es algo que tiene James Cameron, que nunca ha tenido miedo a hacer un gran taquillazo con un claro mensaje político.

Absolutamente. Creo que lo maravilloso de Avatar es que es un verdadero entretenimiento, pero creo que espera que podamos pensar también en nuestro propio planeta.

Esta película recupera la sensación de quedarse hipnotizado ante la pantalla grande, ¿cree que es importante una película como Avatar, que nos reúne en tiempos tan convulsos?

Sí, de hecho creo que es sanador para nosotros unirnos ahora en estos tiempos difíciles. Y también es muy energizante en términos de nuestra relación con nuestros semejantes. Las corporaciones tienen una sola idea: la codicia y obtener todo lo que puedan. Lo vemos en mi país. Pero también en todas partes. Acabo de formar parte de un grupo que ayudaba al 30x30, esto es que busca proteger el 30% del océano para 2030. Hemos firmado un tratado para convertirlo en ley. Ya es ley en algunos sitios, pero esperamos que más países la firmen. Cuando ves Avatar serás mucho más consciente de cómo debemos proteger a nuestros semejantes y a nuestro planeta. Sin el océano, estamos muertos.

¿Es optimista? ¿Cree que el cine puede ayudar a cambiar las cosas?

Sí creo que puede ayudar. Sobre todo si te saca de casa, de tu zona de confort, y de estar mirando tu teléfono. Ofrecemos una experiencia muy pura. 

Cuando ves 'Avatar' serás mucho más consciente de cómo debemos proteger a nuestros semejantes y a nuestro planeta

Sigourney Weaver — Actriz

James Cameron siempre ha creado personajes femeninos muy poderosos en sus películas, Avatar no es una excepción.

Sí, lo hace desde sus inicios. Y si ves sus obras de arte de la infancia, que la Cinemateca exhibió hace dos años, ya dibujaba a esas mujeres. Esa es una de las razones por las que me encanta trabajar con él. Creo que también es uno de los mejores guionistas del cine. Lees lo que ha escrito y piensas: “¿Cómo va a hacer esto?, ¿cómo va a hacer aquello?”, pero luego es una experiencia increíble.

¿Cree que Avatar ha cambiado de alguna manera la historia del cine?

Es una pregunta interesante. Creo que estamos atravesando un momento difícil para el cine después de la COVID-19. Todavía no lo hemos superado. Ahora tenemos la costumbre y es más fácil ver las cosas desde casa, más cómodo. Estoy seguro de que estarás de acuerdo en que ir al cine cada semana, cada fin de semana, y ver una nueva película, era un pasatiempo que la gente apreciaba mucho. Y si Avatar puede ayudar a que la gente vuelva a esa experiencia… Ojalá más gente como Jim hiciera películas tan ambiciosas, porque creo que realmente las necesitamos y podemos crearlas.

¿Es difícil trabajar con la captura de movimiento o uno se olvida de todas esas bolitas pegadas al cuerpo?

Creo que el tiempo en que te preocupas por la cámara dura unos diez minutos. Luego es como un ensayo teatral donde solo estás tú y tus compañeros actores en un escenario vacío, y tu director está ahí mismo. Es una experiencia actoral muy pura, porque no tenemos todas las limitaciones del cine. Esperando a que salga el sol, a esto o a lo otro… O intentar cubrir todo desde todos los ángulos. Tenemos libertad para explorar estos personajes. Para mí, interpretar a Kiri es un mundo en el que puedo entrar y experimento realmente el mundo de Pandora.

¿Está abierta a hacer más películas de Avatar si James Cameron se lo pide?

Sí. Creo que sería maravilloso continuar con la saga. Pero, ya sabes, ahora mismo nos estamos concentrando en esta. Y si tenemos que terminar con esta, terminaremos con una película excelente.

Está claro que James Cameron tiene un don para conectar con la gente. No puede ser casualidad que alguien tenga tres de sus películas entre las cuatro más taquilleras de la historia del cine. Y lo son, además, convirtiéndose en auténticos fenómenos populares, películas que con ver un solo fotograma todo el mundo sabe reconocerlas. Filmes sobre los que uno puede hacer una broma o referencia y todos lo entienden. Son películas grandes, en un juego de palabras simplón, son titánicas. Lo son porque él concibe el cine así. Y porque esa forma de concebirlo va unida a recuperar, o a no perder, esa fascinación por la pantalla grande.

Cameron sabe que ahora mismo los eventos cinematográficos son los únicos que arrastran a la gente al cine. Esos títulos que hay que ver para no estar fuera de la conversación. ¿Se imaginan en 1997 lo que alguien que no hubiera visto Titanic sentiría? Ese estar fuera de todo, ese no saber de lo que todo el mundo habla lo recuperó con su epopeya de ciencia ficción, Avatar, que en diciembre de 2009 se convirtió en otro pelotazo casi al mismo nivel que el drama romántico con Leonardo DiCaprio y Kate Winslet.

La gente se disfrazaba de esos bichos azules que muchos habían intentado ridiculizar. Arrasó la taquilla, ganó premios y fue nominado al Oscar. Crédito suficiente para acometer dos secuelas que, en un movimiento a contracorriente en la industria de Hollywood, no llegaron de forma inmediata. Y aquí una de las grandes diferencias que hacen que las secuelas de Avatar no merezcan ser destrozadas de forma pueril, aunque se presten a ella. No se puede negar que estas películas son importantes para Cameron, y que no se realizan al rebufo del éxito para explotar y reírse de la gente para sacar su dinero.

El director, obsesionado con el desarrollo tecnológico que permitiera contar sus películas, basadas en la captura de movimiento, el 3D y los efectos visuales, las ha hecho cuando ha considerado que podía, técnicamente, hacerlas. Le ha dado igual que Avatar 2 llegara 14 años después de la primera. Una distancia que ponía en duda si la gente seguiría teniendo interés en los Naavi y compañía. De nuevo. Cameron tenía razón. Más de 2.000 millones de dólares recaudó El sentido del agua.

Lo que nos lleva a esta tercera película, que llega dos años después de la segunda y que, supuestamente, cierra la primera trilogía y las tramas principales. Cameron, siempre un paso por delante, ya ha dicho que si la gente quiere más Avatar tiene que recaudar mucho dinero. Pone el peso en los fans, que si quieren seguir descubriendo el mundo de Pandora tendrán que pasar por la taquilla. La duda es la misma que la anterior vez, ¿hay fatiga del mundo creado por el director?

La respuesta llegará a partir del 19 de diciembre. De momento, lo que queda, es una tercera película que da la sensación, más que nunca, de que esta historia empieza a agotarse. Mientras que la primera película funcionaba como un reloj, la segunda ya daba signos de que su trama era una excusa para que Cameron mostrara todos los juguetitos que había ido creando estos años. Es cierto que la trama nunca ha sido la parte más importante de Avatar, pero de la primera entrega a la segunda, la dejadez en el aspecto narrativo era significativa. Y ocurre lo mismo con la tercera película, cuya historia suena perezosa y hasta a repetición. Los mismos conflictos, las mismas dudas, y en esta ocasión hasta una sensación de que las imágenes ya se han visto, algo que nunca había pasado con Avatar, que se la jugaba todo a su capacidad de dejarte con la boca abierta en cada nuevo rincón del universo ficticio.

Ahora ya conocemos Pandora, y la capacidad de sorpresa ha desaparecido, y eso se nota. Por eso el filme solo despega cuando James Cameron se la juega a lo que mejor sabe, a la acción sin prejuicios. Cuando llegan esos momentos, Avatar: Fuego y ceniza, es puro músculo. Cine de acción y fantasía rodado con gusto y todos los medios técnicos posibles. Como pasaba en El sentido del agua, su última hora de clímax es un puro disfrute. Un derroche de imágenes que uno tiene que frotarse los ojos para creer que existen. La mezcla de efectos visuales y realidad es casi perfecta. Los Naavi tienen una textura tan real que parecen seres que puedes tocar, a lo que ayuda el carisma y las grandes interpretaciones a través de la captura de movimiento de Zoe Saldaña y Oona Chaplin, heroína y villana que son las que más magnetismo desprenden. Es un clímax larguísimo donde, además, Cameron se permite coquetear incluso con el exploit, con esos calamares gigantes asesinos.

Quizás Avatar tendría que empezar a pensar, si es que sigue adelante la franquicia, en convertirse en pura acción desprejuiciada y quitarse de filosofía new age. Los discursos de autoayuda y de conexión con la Pachamama suenan cada vez más forzados, vacíos y cursis. Menos mal que siempre Cameron acaba compensándolo con otro momento epatante. El resultado es, como en la anterior, desigual. Por momentos fascinante, pero casi siempre descompensada y con claros signos de que algo hay que hacer para que Avatar no muera ahogada en su propio éxito.

Oona Chaplin lleva la interpretación en los genes. O, al menos, una educación en la que la cultura, y el cine, son importantes. Su abuelo era, ni más ni menos, que Charles Chaplin, uno de los cineastas más importantes de la historia. Un creador único, capaz de unir sensibilidades, de alzar la voz cuando tocaba, de emocionar hasta la lágrima y hacer reír hasta la carcajada. Para el recuerdo dejó obras maestras que siguen interpelándonos como si se hubieran rodado ayer: El gran dictador, La quimera del oro, Tiempos modernos… El gen artístico también están en su madre, esa Geraldine Chaplin que nos emocionó en las películas de Carlos Saura como Cría Cuervos y en los filmes de Juan Antonio Bayona. 

Para ella, hay algo de su abuelo en James Cameron, con quien ha trabajado en Avatar: Fuego y cenizas, en la que da vida a la temible villana Varang. Esa capacidad de que la gente se quede con la boca abierta delante de una pantalla, de crear una ceremonia común en torno a una película. Todo en un momento donde, además, con la posible compra de Warner por Netflix, las salas parecen estar más amenazadas que nunca. Para Chaplin no hay duda, “con Avatar, James Cameron ha unido el mundo”.

“Ha creado una unión en el mundo de personas de todas las edades, de todas las inclinaciones políticas, de todas las culturas, de todas las religiones. Nos ha metido en las salas del cine como una sola conciencia. Nos hemos vuelto todos azules. Es increíble el regalo de poder compartir esta experiencia con gente que sabes que está al otro lado”, opina, y lo vincula con lo que también hacía Charlie Chaplin. “Mi abuelo era el otro gran unificador del mundo. Mi abuelo nos hizo llorar y reír juntos y sentir juntos de una forma que nadie jamás lo volverá a hacer así. Porque además era él quien interpretaba, el que lo escribía, componía la música… Es el gran contador de historias de la historia humana. O al menos por lo que yo he podido experimentar”, apunta la actriz, a la que muchos espectadores descubrieron en Juego de Tronos.

No sabe si el arte va en los genes, pero confiesa que, cuando ve a su hija, que tiene poco más de dos años, de repente la ve “moverse como Chaplin”. “Tiene una gracia de movimientos, algo que es muy único y que yo lo veo con mi madre, lo veo con mi prima, mi tía Jane, mi tía Annie. Mi primo James. Hay algunos que lo tienen, y otros que no se mueven como Chaplin. Pero ella se mueve como yo. Creo que hay algo en los genes, pero también la cultura. Porque al final son los padres y el ambiente de los padres, el ambiente de la casa, lo que es importante. Ahí es donde va tu atención y tu energía. Los hijos aprendemos de eso”, dice la actriz.

Un alma hermosa

En la rueda de prensa de la película en París, James Cameron dijo que Oona Chaplin era una de las almas más hermosas que había conocido, a pesar de que interpretaba a una villana despiadada. Cuando le recuerdan a la actriz esas palabras se emociona y le cuesta decir algo. “Es que es muy buena persona”, acierta a pronunciar sobre el cineasta, que “inspira lo mejor” de ella. “Cuando estamos juntos yo soy la mejor versión de mí misma. Porque él me la saca, me inspira”, añade.

Rompe con la imagen que durante muchos años se ha tenido de él de cineasta serio y estricto en los rodajes. Al revés, le define como “juguetón, generoso y curioso”. “Es un líder, tiene mil preguntas, le encanta saber cómo funcionan las cosas, el ser humano, la biología, la tecnología… es que se construyó un submarino para ir al fondo del mar porque quería saber cómo era. Es un genio de otra categoría. Trabajar con él saca esa curiosidad y esa determinación para intentar responder a esas preguntas, y si no podemos, al menos son buenas preguntas para hacernos”, remata.

La prueba para Avatar le llegó cuando se encontraba viviendo en una casa en la selva cubana construida por ella misma. “Había muy pocas cosas que me hubieran sacado de esa cabañita… yo estaba en un proceso muy profundo, pero esa llamada de Avatar sí que me sacó de las trenzas y me fui para Los Ángeles. Lo dejé todo. La primera película me impactó mucho”, recuerda. Uno de los motivos de que dijera que sí, y también de que la primera le impresionara tanto, es que debajo de su capa de taquillazo se abordan temas importantes: “Por supuesto, es que esto no es solo un blockbuster. Es una historia que a mí me importa. Y no hay regalo mayor para mí como actriz, como artista, que contar una historia que me importa”.

Ahora que ha salido de esa cabaña surge la pregunta que todavía no se ha respondido. Volver a la industria o seguir en su retiro, que ahora se encuentra en una granja, donde vive con varias familias en comunidad: “Estamos sembrando nuestro jardín de Pandora en el norte de California, con muchos hijos que son salvajes”. Es como si Cameron supiera que ella tenía el espíritu de sus personajes dentro. Poco a poco se fue enterando de que los vínculos entre persona y personaje eran fuertes.

Oona Chaplin trabaja desde hace 15 años con tribus indígenas y tiene relación con “más de 60 ancianos de diferentes culturas alrededor del mundo”. A algunos de sus amigos les llevó al set, y hasta organizaron una ceremonia para bendecir el rodaje con una ceremonia de humo e incienso donde participó “desde Kate Winslet hasta el último trabajador que organizaba el reciclaje”. Fue, para ella, “uno de los grandes regalos de Avatar”, un proyecto que se ha entrelazado con su vida de una forma que no esperaba.

Cuando James Cameron recogió el Oscar a la Mejor dirección por Titanic se subió al estrado y parafraseando al personaje de Leonardo DiCaprio en su película gritó: “¡¡Soy el rey del mundo!!”. Había un guiño claro a su propia obra, pero también había una declaración de intenciones. Cameron había conseguido que todos se rindieran a sus pies con un tipo de cine que cada vez costaba más hacer. Una película mastodóntica, de presupuesto enorme, que no apelaba a todas las edades y que tenía en su centro una historia de amor de las de toda la vida. El resultado es historia del cine. Más de 2.200 millones de recaudación en la taquilla y 11 Oscars, el récord histórico que en aquel momento igualaba a Ben-Hur, un filme que respondía a las mismas formas de cine a las que apelaba Cameron.

Con semejante fenómeno entre manos, Cameron pudo elegir el proyecto que quería realizar después. Eligió un proyecto aún más complicado técnicamente. Una revisión de Pocahontas en forma de epopeya de ciencia ficción que usaba la técnica de moda en aquel momento, el 3D, para jugar con la puesta en escena y llevar el cine de acción a sus límites. Tardó 12 años en estrenarla, y muchos fruncieron el ceño pensando si una historia original, con un presupuesto tan grande, merecía tantos esfuerzos.

De nuevo Cameron se salió con la suya, y seguro que pensó de nuevo que era el rey del mundo. Avatar reventó la taquilla, fue nominada al Oscar y se convirtió en un fenómeno popular. Uno de esos pocos títulos que todo el mundo conoce y reconoce con un solo fotograma. Avatar es, todavía, la película más taquillera de la historia del cine con casi 3.000 millones de dólares recaudados. Lo que le dio el poder de desarrollar todo el universo que había concebido en su cabeza para explorar el mundo de Pandora y a Sully y Neytiri. Pero para Cameron una secuela no significa explorar la maquinaria a toda prisa, sino que demostró que creía en lo que contaba. Avatar: el sentido del agua llegó 13 años después. El resultado: más de 2.300 millones de dólares. 

Para su tercera entrega solo se ha tenido que esperar tres años, ya que rodó ambas secuelas a la vez. Avatar; Fuego y Cenizas llega el 19 de diciembre. Lo hace con Cameron siendo el único director que tiene tres películas suyas entre las cinco más taquilleras de la historia. Sigue explorando Pandora, ahora un mundo arrasado por el fuego y una villana, Varang, líder del Clan del Fuego que desafía a los Na’vi. Desde París, donde se ha desarrollado la premiere europea de la película, Cameron analizó las claves del éxito de la saga, y subrayó que este llega porque “habla de aspectos universales de la experiencia humana”.

“Habla de identidad, de la familia, del deber hacia esa familia, del deber hacia la comunidad. De preguntarte a dónde perteneces y encontrar ese lugar. Ahora en esta tercera parte vemos a los niños crecer y buscar su lugar en el mundo siendo mestizos. Y estos son problemas fundamentales que la gente siente en todo el mundo. Hablamos sobre una familia de refugiados. De los inmigrantes. Y las personas desplazadas pueden identificarse con eso. Así que creo que con las películas de Avatar, siempre intentamos abordar temas muy humanos y cercanos, porque fundamentan la experiencia. Se desarrolla en un mundo fantástico, pero resuena en nosotros de maneras que resultan cercanas”, subrayó de esta nueva entrega.

'Avatar' habla sobre cómo romper el ciclo de violencia creado por el odio que surge de esa pérdida. Y estamos viendo eso en el mundo hoy en día

James Cameron — Cineasta

También destacó como tema central “el duelo”. “Es una película sobre el duelo. Es una película sobre la pérdida. Es una película sobre el trauma. Y es una película sobre cómo sanar y cómo seguir adelante, cómo tomar las riendas y seguir adelante, y sobre cómo romper el ciclo de violencia creado por el odio que surge de esa pérdida. Y estamos viendo eso en el mundo hoy en día”, añadió.

A pesar de que las interpretaciones en Avatar utilizan la captura de movimiento, siempre se han esforzado en explicar cómo lo que se ve es realmente el trabajo de los actores, y por eso James Cameron también enfatizó que el trabajo con los actores es “la parte más sagrada del proceso”. “Uso ese término muy intencionalmente. Hay algo muy puro en lo que hago con estos increíbles actores. Y no es durante una semana o incluso un mes. Para estas dos películas, que en realidad conforman una gran historia, pasamos 18 meses trabajando juntos día tras día. Es un proceso alegre. Trabajamos en el conflicto, pero el conflicto es entre los personajes, no entre las personas detrás de los personajes. Disfrutamos del trabajo del otro, y tenemos una gran relación de confianza. Lo llamamos la familia Avatar”, apuntó.

Hasta se permitió bromear cuando le preguntaron si hay un guiño a Titanic en una escena concreta en donde un personaje intenta subirse en una tabla en el agua, refiriéndose al analizadísimo momento en el que Rose se sube en la puerta del barco hundido, pero ni hay hueco para su amado: “Solo he tenido cinco buenas ideas en toda mi vida y las sigo reutilizando sin parar”. Puede que sean solo cinco ideas, pero está claro que a la gente le gustan y que le siguen considerando el rey de los taquillazos. 

Años después de su estreno, la primera de Avatar (2009) sigue siendo la película más taquillera de la historia del cine. El largometraje dirigido por James Cameron consiguió recaudar 2923 millones de dólares y superó a Titanic (1997), que hasta ese momento tenía el récord de recaudación. El éxito fue tal que el universo de Pandora siguió expandiéndose: en 2022, se estrenó El sentido del agua y, el próximo 19 de diciembre, será el turno de Fuego y ceniza. 

En principio, la tercera no será la última película que Cameron desarrollará sobre los na’vi. Disney tiene previsto que habrá dos películas más (Avatar 4 y Avatar 5), que se estrenarán en 2029 y 2031 si todo sale como está planeado. Pero ¿y si no? ¿Qué pasaría si Fuego y ceniza es un fracaso y no consigue atraer al público esperado? ¿Estaría la empresa de Mickey Mouse interesada en seguir desarrollando esta historia?

Su creador ha declarado estar listo para abandonar la franquicia si es necesario. “Llevo 20 años en el mundo de Avatar. En realidad, 30 porque lo escribí en el 95, pero no trabajé en él continuamente durante esos primeros 10 años. Así que sí. Si aquí termina, genial”, compartió durante su participación en el podcast The Town, presentado por el periodista Matthew Belloni.

El riesgo de las secuelas

En el podcast, Cameron admitió que estaba nervioso por el desempeño en taquilla de Avatar: Fuego y ceniza y que era consciente de que hoy en día, en plena era del streaming, es difícil confiar en que los estrenos en cine vayan a funcionar. En el caso de su película, el enorme presupuesto que ha conllevado su producción también es un punto a tener en cuenta.

“Es una tonelada de dinero, lo que significa que tenemos que ganar dos toneladas para obtener ganancias”, explicó después de que se le preguntara por cuánto había costado hacer el largometraje. “No me cabe duda de que esta película generará dinero. La pregunta es: ¿ganará lo suficiente como para justificar repetirla?”, reflexionó.

Cameron también compartió su opinión sobre el riesgo de lanzar segundas, terceras e incluso cuartas partes de una historia. “La gente suele descartar las secuelas a menos que se trate de la tercera película de El Señor de los Anillos y quiera ver qué les pasa a todos, que en mi opinión es la culminación de un arco argumental, pero puede que el público no lo vea así”. 

Si tiene que abandonar Avatar en formato cinematográfico, el director ya ha pensado una alternativa: “Quedarán historias abiertas. Escribiré un libro”. Lo que tiene claro es que si sigue habiendo películas, estas se desarrollarán bajo su mirada. “Hay niveles en los que puedo sumergirme. Podría producirla. No creo que alguna vez haya una versión de otra película de Avatar que no produzca de cerca”, concluyó. 

La tercera película de Avatar ya tiene fecha de estreno. Está previsto que Avatar: Fuego y Ceniza llegue a la gran pantalla el 19 de diciembre de 2025 y traiga de vuelta el universo de Pandora que James Cameron creó en 2009. La primera de las películas de la saga de ciencia ficción se convirtió en la más taquillera de la historia mientras que su secuela, El sentido del agua (2022), ocupa el tercer puesto del ranking. Por todo esto, el estreno de Avatar 3 es uno de los más esperados del año.

El nuevo largometraje presentará al Pueblo de las Cenizas, un clan na'vi no tan pacífico que utilizará la violencia si lo necesita para conseguir sus objetivos, aunque sea contra otros clanes. Pero más allá de la sinopsis oficial, ha sido el propio equipo de la película el que ha compartido en distintas entrevistas el rumbo que tomará la historia de los na'vis en esta nueva entrega.

Uno de los últimos en hablar ha sido Stephen Lang. El actor que interpreta al coronel Miles Quaritch en la ficción ha compartido que Fuego y Ceniza será la película más oscura de la saga hasta el momento. “No es en absoluto una crítica a El sentido del agua ni a la Avatar original, porque creo que ambas son películas extraordinarias, pero en esta realmente las probabilidades o las apuestas aumentan muchísimo”, explicó Lang en una entrevista para Dexerto. 

“Gran parte de eso tiene que ver con la muerte de Neteyam, el hijo mayor de Jake y Neytiri, así que el duelo se convierte en un tema central a lo largo de esta película”, desarrolló el actor. La escena en la que el joven fallece mientras intentaba rescatar a su hermano Lo'ak fue una de las escenas más comentadas de El sentido del agua y ahora sabemos que Fuego y cenizas partirá de este suceso.

El lado más humano de ‘Avatar’

Lang, que interpreta al villano de esta historia, destaca cómo Cameron consigue, a través de un universo completamente ficticio, abordar temas profundamente humanos. “Estas películas tratan sobre la familia, y esa es una de las razones por las que tienen el atractivo universal que tienen. No se trata solo de política estadounidense. No se trata solo del cambio climático. Se trata de los temas esenciales que nos unen: quién es tu familia y a quién eliges para formar parte de ella”, compartió con el medio digital. 

El propio director de las películas ha compartido en varias ocasiones la importancia que tiene esa parte más humana en la historia que creó hace casi 20 años. “Cuando la gente piensa en una película de Avatar, la ve como una especie de épica de ciencia ficción con hermosos paisajes y mucha acción y aventura. No la ven como una experiencia tan profunda y desgarradora. Y me gusta decir que las películas tratan sobre el rango dinámico. Hay belleza y maravilla, hay miedo, caos, acción y momentos desgarradores y emotivos”, señaló Cameron a IGN en una entrevista. 

En diciembre de este año, viviremos el estreno de un nuevo filme sobre Pandora, pero no será el último. El lanzamiento de Avatar 4 está previsto para finales de 2029, mientras que Avatar 5 llegará a cines a finales de 2031.

James Cameron, que dirigió la película Titanic y que ha hecho 33 inmersiones a los restos del naufragio, se encontraba en un barco el pasado domingo cuando el sumergible Titán desapareció y no se enteró de lo sucedido hasta el lunes. El director de cine ha contado a la BBC que sospechó que había ocurrido un desastre en cuanto supo que el submarino había perdido tanto la navegación como la comunicación al mismo tiempo.

“Sentí en mis propias carnes lo que había pasado. Que el sistema electrónico, de comunicación y de seguimiento fallaran simultáneamente... el submarino se había esfumado”, ha dicho el director, que inmediatamente habló con sus contactos dedicados a los sumergibles. “No puedes perder la navegación y comunicaciones a la vez sin un suceso catastrófico extremo o una catástrofe energética. Y la primera cosa que se me pasó por la mente fue una implosión”.

Este jueves, la Guardia Costera de Estados Unidos confirmó que los restos encontrados cerca del Titanic eran los del sumergible turístico Titán y que sus cinco ocupantes fallecieron en “una implosión catastrófica”. La Marina estadounidense detectó una firma acústica “consistente con una implosión” el mismo día en que el Titán inició su descenso.

Cameron ha dicho a la BBC que la semana “ha parecido una farsa interminable y de pesadilla en la que la gente iba de un lado para otro hablando de ruidos, golpes, oxígeno y otras cosas”. “Sabía que el submarino estaba exactamente debajo de su última profundidad y posición conocidas”, ha explicado el director, y ha añadido que una vez desplegado el robot controlado a distancia el jueves, los equipos “lo encontraron en cuestión de horas, probablemente en minutos”.

“Una terrible ironía”

El director sugiere que hay “una terrible ironía” en la pérdida del sumergible Titán y su tripulación y su similitud con la pérdida del Titanic en 1912, que siguió su rumbo pese a que el capitán fue advertido en repetidas ocasiones de la presencia de hielo delante del barco. “Ahora tenemos otro naufragio que se basa, lamentablemente, en los mismos principios de no escuchar las advertencias”, ha explicado. “Advirtieron a OceanGate”.

La compañía había tenido personas trabajando que renunciaron, ha añadido Cameron, pero no ha especificado por qué. El director dice que algunos miembros del mundo de la inmersión, entre los que no se ha incluido directamente, escribieron una carta a OceanGate advirtiendo, en sus palabras, de que iba “camino hacia el desastre”.

El director general desoyó las advertencias

Cameron no es el primero en mostrar su preocupación sobre las operaciones turísticas de la empresa. La compañía fue advertida en 2018 de los riesgos que corría la empresa por su “enfoque experimental”, que podría tener consecuencias desde “menores a catastróficas” para la industria, según el The New York Times, que tuvo acceso a una carta entregada por representantes del sector a Stockton Rush, director general de OceanGate, que ha fallecido en el submarino desaparecido.

Además, documentos judiciales de EEUU muestras que un exempleado de OceanGate advirtió sobre problemas de seguridad ya en 2018.

La BBC ha tenido acceso a correos electrónicos que se intercambiaron Rush y un importante especialista en exploración en aguas profundas, Rob McCallum, de los cuales se desprende que el director general de OceanGate desoyó las advertencias sobre la seguridad del Titán en repetidas ocasiones.

En estos mensajes, Rob McCallum dijo Rush que podía poner en peligro a sus clientes y le pedía que dejara de utilizar el sumergible hasta que un organismo independiente lo hubiera homologado. Rush contestó que estaba “cansado de los actores del sector que intentan utilizar un argumento de seguridad para frenar la innovación”.

“Hemos oído con demasiada frecuencia los clamores infundados de 'vais a matar a alguien'. Me lo tomo como un grave insulto personal”, escribió en 2018 el director general de la compañía en uno de los correos, que concluyeron después de que los abogados de OceanGate amenazaran con emprender acciones legales.

A James Cameron no le vale con haber reventado la taquilla (otra vez) con Avatar: el sentido del agua, la secuela de su éxito que ha rescatado a los cines y ha llevado a las salas a cifras que no veían desde hace muchísimos años. Cameron es el único director que ha encadenado tres películas consecutivas, superando la apoteósica cantidad de los 2.000 millones de dólares en todo el mundo. Lo ha hecho con Avatar 2, que actualmente ya sobrepasa los 2.174 millones de dólares en todo el mundo, una cifra que no se veía desde… su antecesora, Avatar, que en 2009 se estrenaba y acababa su carrera en 2.743 millones. La que también superó esa cifra inalcanzable para la mayoría fue Titanic. 

En 1997 Cameron contaba una historia de amor a bordo del transatlántico más famoso de la historia y arrasaba. Superó los 2.194 millones de dólares y logró 11 Oscar, la cifra más alta de la historia (empatada con Ben-Hur y El retorno del rey). El romance trágico de Jack y Rose cumple 25 años (en España se estrenó en enero de 1998) y como Cameron no tiene límites, estrena una versión remasterizada y en tres dimensiones de su propio clásico. En un giro loco, Titanic y Avatar 2 coincidirán en salas. Dos mastodontes que son el ejemplo de la ambición de su director, y también de su forma de entender el cine como espectáculo hecho para maravillar a un público al que cada vez le cuesta más levantarse del sofá e ir a la sala. Cameron lo consigue, y ahora quiere que la gente pague por ver una película que ya conoce.

De lo que no hay duda es que James Cameron sabe lo que quieren sus fans, y a este reestreno se une la llegada de un documental de National Geographic que en EEUU se ha emitido en Hulu y que, bajo el nombre de Titanic: 25 Years Later, aborda la pregunta que se llevan haciendo los fans desde hace más de dos décadas: ¿cabía Jack en la tabla de madera donde se subió Rose? Desde su estreno, el final de la película ha sido comentado, parodiado y convertido en meme y en chiste. La puerta donde el personaje de Kate Winslet se sube mientras ve a su amado congelarse y ahogarse parece, a ojos del espectador, suficientemente grande para que ambos pudieran subir. 

Una respuesta que Cameron podría haber dado de manera concisa, pero que ha preferido explotar en forma de experimento científico. El director ha recreado la escena usando dos dobles que tienen el mismo peso y altura que la que tenían entonces sus dos protagonistas, Leonardo DiCaprio y Kate Winslet. Realiza con ellos varias pruebas para ver si, en alguna de ellas, Jack podría haber vivido. En la primera de ellas, ambos se suben a la tabla, porque sí que cabían… pero se hunden, algo que Cameron llevaba aportando mucho tiempo atrás como excusa. Pero el experimento no se queda allí y prueban con otras posturas, como por ejemplo haciendo que solo suban la mitad del cuerpo, con lo que hubieran salvado sus órganos vitales. Una prueba en la que no tienen en cuenta el factor del cansancio de toda la peripecia anterior, por lo que les pide un tercer intento.

Primero pide a los dobles que realicen todo lo que habían hecho Jack y Rose para llegar tan cansados como ellos y le pide a ella que le dé su chaleco cuando ya ha subido a la tabla y está a salvo. Ahí es cuando James Cameron reconoce lo que los fans llevan tanto tiempo diciendo: podrían haber acabado juntos. “Él se estabiliza. Llegamos a una situación en la que, si lo hubiéramos hecho, Jack podría haber aguantado hasta que llegara el bote salvavidas”, reconoce. Lo que nadie tiene en cuenta es que narrativamente la película sería otra. Primero, porque el propio director vendió este filme al estudio como “Romeo y Julieta en el Titanic”. 

Nos enfrentamos a otra crisis llamada cambio climático y es como ese iceberg. Vamos a estrellarnos contra él y lo sufrirán los pobres, no las naciones ricas que lo causaron

James Cameron — Director de cine

Lo ha contado en una rueda de prensa con motivo del 25 aniversario donde ha analizado el fenómeno y ha rechazado que el éxito se debiera a una generación de jóvenes adolescentes enamoradas de Leonardo DiCaprio. Al revés, cree que fue el mensaje feminista y empoderador de la película lo que caló entre la gente. Un mensaje que ha sido reivindicado por directoras como Celine Sciamma, autora de Retrato de una mujer en llamas o Petite Maman, que siempre ha defendido lo revolucionario que fue ver una película de un gran estudio de Hollywood en donde la mujer no quedaba traumatizada por la muerte del amante, sino que se la veía realizada, habiendo conseguido hitos feministas en ese repaso en forma de fotos a la vida de Rose post Titanic. Sciamma también destacaba la escena de sexo en el coche en el que se ve a la mujer tomando la iniciativa y siendo ella la que disfruta, dando la vuelta a los estereotipos patriarcales de la industria.

“Acepto que 100 millones del total de la taquilla puede que fueran por el atractivo de Leonardo DiCaprio para las niñas de 14 años, pero lo que creo que realmente estaba sucediendo es que la película fue un catalizador para las mujeres jóvenes que se encuentran en un punto de su vida en el que la sociedad les dice que no sean quienes realmente son. Que no sean las personas increíbles e ilimitadas que realmente son, y se les dice que se sienten, se callen, y se pongan ese corsé, y hagan lo que espera una sociedad dominada por hombres. Esta es una película que habla de Rose y su realización como persona. Jack fue importante para ella, pero vemos esas fotos después donde se demuestra que tuvo una vida plena. Ella se dio cuenta de todo su potencial y creo que eso habla al lado femenino de la audiencia y a los hombres que se preocupan por esas cosas”, zanjó Cameron.

El director también desveló que Leonardo DiCaprio tardó en decidirse por el proyecto porque no consideraba que su papel fuera “lo suficientemente desafiante”. “Buscaba retos, acabar de hacer A quién ama Gilbert Grape e interpretado a un adicto a las drogas en Diario de un rebelde y quería que su personaje tuviera un problema, algo que lo enfureciese, pero eso no estaba en el guion. Tuve que convencerlo para que interpretara a alguien que no tiene un problema, que de hecho es el más maduro emocionalmente de los dos protagonistas y explicarle que la transferencia de energía y la historia de amor es de Jack hacia Rose. Le dije 'eso va a ser algo muy difícil de hacer'. Solo cuando le convencí de que había un desafío, le interesó la película”, cuenta.

Aunque hayan pasado 25 años, James Cameron cree que en Titanic hay un mensaje que va más allá de la historia de amor y lo hace universal e intergeneracional, y es que muestra cómo las tragedias siempre afectan a los más pobres: “Los que tienen dinero sobreviven, y los pobres mueren. Casi todos los hombres de tercera clase murieron, y la mitad de los niños y las mujeres también. Mientras que en primera clase solo murieron la mitad de los hombres y se salvaron casi todas las mujeres y niños. Hay una fuerte disparidad entre el destino de los pobres y de los ricos cuando hay una crisis. Ahora nos enfrentamos a otra crisis llamada cambio climático y es exactamente como ese maldito iceberg. Vamos a estrellarnos contra él y adivina quién sufrirá más. Los pobres, no las naciones ricas que lo causaron”.

En 2022 una frase se escuchó por encima de todas: “el gran año del cine español”. Suena a tópico, a sentencia promocional para vender películas, pero por primera vez, la aseveración era real. 2022 ha sido un curso histórico para nuestra industria. Nunca se habían juntado tantas películas buenas. Para hacer un repaso al año cinematográfico siempre es útil recurrir al calendario que marcan los festivales internacionales, que de alguna forma miden la temperatura a lo que ocurre en el cine de todo el mundo. Lo que los grandes certámenes dicen es que el cine español ha estado a un nivel que no tiene nada que envidiar al resto.

El año comenzó en Sundance, donde llegó Cerdita, continuó en Berlín, donde pasó el terremoto Alcarràs; avanzó hasta Málaga, con el golpe en la mesa de Alaúda Ruiz de Azúa; se confirmó en Cannes, con hasta tres películas españolas en diferentes secciones. Nuestro cine viajó y fue premiado en Karlovy Vary gracias a Jonás Trueba y Eduardo Casanova, y pusimos el drama de los desahucios en la agenda mediática europea gracias Juan Diego Botto y su paso por Venecia con En los márgenes. Como siempre, San Sebastián puso la guinda con el resto de títulos que completaron un año pletórico.

Sin embargo, algo ha faltado. La taquilla. El cine español ha remontado tras dos cursos nefastos, pero los resultados económicos no han acompañado a la calidad de los títulos. Hubo fenómenos del boca a oreja, como Alcarràs o Cinco lobitos, y As bestas es, con mucha carrera por delante todavía, un éxito indiscutible. Sin embargo, casi todos los títulos que han estado en esos festivales, que están en las listas de las mejores películas del año de todo el mundo, han pasado sin pena ni gloria por taquilla. Sigue habiendo una desconexión entre público y crítica que ni el gran año del cine español ha conseguido romper con los éxitos que recopilamos (entre otros momentos que han marcado el 2022 cinéfilo) en este artículo.

'Alcarràs', el hito del gran año del cine español

En ese año histórico una película ha sido punta de lanza. Se trata de Alcarràs, la segunda película de Carla Simón, que demostró que la sensibilidad mostrada en su debut, Verano, 1993, no era una casualidad, sino el comienzo de una carrera destinada a grandes cosas. Su segundo filme ha sido de cocción lenta. Primero por el propio proceso creativo de la directora, que prefiere tomar su tiempo a sobreproducir. Segundo, porque se vio afectada por la pandemia cuando tendría que haber comenzado el rodaje. La espera ha merecido la pena, el filme se presentó en Berlín en febrero, con una copia en la que los efectos visuales ni siquiera estaban terminados, y enamoró a todos.

M. Night Shyamalan, el director de El sexto sentido, fue el que daba la noticia histórica. Alcarràs lograba un Oso de Oro que nunca había conseguido una mujer española y que desde que en 1983 lo lograra Mario Camus con La colmena se nos resistía. El idilio con Alcarràs no fue solo crítico. Se convirtió en la película que había que ver. Sus distribuidores se arriesgaron a estrenar en abril, fuera de las fechas que suelen manejar este tipo de lanzamientos y cuando la situación pospandémica todavía era una incógnita. Más de dos millones de euros de recaudación para una película así muestran el acierto y la capacidad de conectar de una historia que no solo habla de lo rural, sino que desde lo íntimo consigue apelar a la historia de nuestro país, al modo en el que vivimos y las decisiones que hay detrás de comprar fruta en el supermercado. Una joya destinada a perdurar en la historia de nuestro cine.

El bofetón que paró el cine

Los Oscar regresaban a la normalidad y se preparaban para volver y celebrar el retorno del público a las salas, pero no contaban con el arreón violento, machista y desproporcionado que protagonizó Will Smith, que respondió a una broma de mal gusto de Chris Rock sobre su mujer, Jada Pinkett-Smith, subiendo al escenario y soltándole un bofetón que paralizó a los millones de espectadores de todo el mundo. Durante unos segundos nadie supo bien qué pasaba, si aquello era una broma o no, hasta que Rock intentó continuar haciendo un chiste y Smith comenzó a gritar fuera de sí que ni se le ocurriera pronunciar el nombre de su mujer. Minutos después, Smith ganaba el Oscar al Mejor actor por King Richard en una gala que ni los guionistas más perversos hubieran escrito.

El sopapo eclipsó todo de tal forma que es probable que muchos se hayan olvidado de que la ganadora fue CODA, dando la primera victoria a una plataforma. No fue Netflix, que lo lleva peleando años, sino Apple TV+ con una película de buen corazón comprada a golpe de talonario en Sundance y que no pasará a la historia como una de las grandes vencedoras de los premios de la Academia. 

La consagración de las directoras

La consagración de Carla Simón es también el mejor ejemplo del cambio de paradigma que vive el cine mundial y el español en concreto. En España se ha demostrado que las cuotas funcionan, y que desde el ICAA introdujo criterios que favorecían la producción de mujeres se están contando otras historias y apostando por otras miradas. Este año también llegó la segunda película de Pilar Palomero, La maternal, un filme más arriesgado y maduro que su debut, Las niñas y con el que opta al Goya a la Mejor película y dirección. En los premios españoles se ha vivido algo único… la paridad. De diez trabajos en las categorías de dirección y dirección novel, cinco son de mujeres.

Ahí está el descubrimiento de Alaúda Ruiz de Azúa, hablando con mimo y verdad sobre cómo las mujeres son las que se siguen encargando de los cuidados en una sociedad patriarcal en Cinco lobitos. O Carlota Pereda, mostrando que el género también es cosa de directoras con Cerdita, un slasher contra la gordofobia, el bullying y los cánones de belleza. O Elena López Riera, con un debut único y personal que mezcla lo onírico con lo real, las leyendas machistas con la tradición oral. El agua es la carta de presentación de alguien que tiene mucho que decir. 

Pero no ocurre solo en España. Venecia lo ganó, de nuevo, una mujer. La directora de documentales Laura Poitras vencía a vacas sagradas como Iñárritu o Baumbach con All the beauty and the bloodshed, una película que contaba dos epidemias, la del sida y la de los opioides. En San Sebastián, Laura Mora se ponía en el foco mundial con Los reyes del mundo, una mirada poética a la violencia en Colombia, casi una versión de Peter Pan con cinco niños perdidos en la violenta Medellín que buscan una casa en las afueras heredada por la abuela de uno de ellos.

Una polémica ley audiovisual

En el gran año del cine español, los productores se encontraron con un enemigo que no preveían, el Gobierno. A pesar de que las ayudas han mejorado y las cuantías aumentado, la primera ley clave para el sector acababa con un consenso en contra del texto aprobado. Un cambio de una palabra en el último minuto trastocaba el significado entero de la ley y favorecía a las plataformas y a las productoras que dependen de los dos grandes grupos televisivos, Atresmedia y Mediaset. Una pelea en la que todos se unieron pero salieron derrotados y convocados para una nueva entrega, la Ley del Cine que debería aprobarse antes del final de legislatura y en la que Iceta prometió que la dichosa definición de ‘productor independiente’ por fin les protegería.

Sorogoyen y la nueva generación de autores

Al echar un vistazo a las nominaciones a los Goya uno se da cuenta de que, además de la gran presencia de directoras, nuestra industria vive un cambio generacional. Un año sin esos grandes nombres que siempre están en los premios, sino con aquellos que empiezan a solidificar una carrera que comenzó hace años. El más veterano es Alberto Rodríguez, pero tras él se encuentra una lista de directores entre los que destaca Rodrigo Sorogoyen, que con As bestas logró su mejor película, ir a Cannes, 17 nominaciones a los Goya y conectar con el público. Ya lleva más de tres millones de euros y parece que tiene tiempo para mucho más. 

También muestra ese cambio generacional Carlos Vermut, que con Mantícora logró su película más humana sin abandonar su retrato de los lugares más oscuros de la psique. Una película con la pedofilia como telón de fondo que tiene una de las mejores interpretaciones del año, la de Nacho Sánchez. También en esa lista podría entrar Isaki Lacuesta que, tras años haciendo películas al margen, como uno de los francotiradores outsiders del cine español, hizo una de sus obras más comerciales sin renunciar a su estilo en Un año, una noche. Estuvo en Sección oficial en Berlín, y aunque los Goya le olvidaron, él se reivindicó en los Feroz. O Fernando Franco, que con su tercera película, La consagración de la primavera, mostró una inteligencia y sutilidad exquisitas para hablar de la sexualidad en cuerpos diversos que pasó injustamente desapercibida.

Albert Serra, dios en Francia

Sin duda uno de los nombres del año 2022 en el cine fue el suyo, el de Albert Serra, el enfant terrible del cine español que estrenó su nueva película, Pacifiction, tras competir por la Palma de Oro en Cannes. Una obra inclasificable e inabarcable con la que deja claro que el cine de autor en España pasa por él. Su tourné promocional fue un derroche de titulares, boutades y grandes momentos. No es solo un realizador único, sino un showman, pero detrás del espectáculo hay mucho más: una mente brillante que trasciende la provocación. 

Es inexplicable que Serra no esté nominado en ningún premio español (Forqué, Feroz y Goya) mientras en Francia ha ganado el prestigio premio Louis-Delluc y donde Pacifiction ha sido elegida Mejor película del año por Cahiers du Cinema. Ya vivimos con Buñuel algo parecido, con los franceses presumiendo de autor mientras España lo denostaba. No debería pasar lo mismo.

El regreso de Cronenberg y la fortaleza del género

Hacía ocho años que David Cronenberg no estrenaba película. Por el camino, una experiencia negativa y frustrada de una serie en Netflix. El maestro regresaba con una vuelta a los orígenes. Una película que sabía a viejo y a moderno. A nueva carne y a cine que sigue siendo original, provocador y diferente. Crímenes del futuro hasta tomaba como título una de las primeras películas del realizador canadiense y desarrollaba varias de sus obsesiones (la tecnología, el cuerpo o el sexo), consiguiendo ofrecer algo potente y que era un soplo de aire fresco en un cine contemporáneo cada vez más amaestrado. 

Es curioso que el regreso de Cronenberg haya coincidido en el año con una película como Nop, donde Jordan Peele cambia el terror por el fantástico y se lanza a un filme que mezcla lo sobrenatural con el horror. Peele sigue realizando un cine tremendamente político sin perder de vista el gran espectáculo. Es de los pocos directores cuyo nombre es, ahora mismo, una marca que lleva gente al cine a ver filmes destinados a hacer dinero sin tomar como estúpidos a los espectadores.

También 2022 será el año en el que los cinéfilos conocieron (o al menos encumbraron) a los Daniels. Su Todo a la vez en todas partes fue un fenómeno inesperado en EEUU y estará en los Oscar. Estos fueron los tipos que dirigieron un filme sobre un cadáver erecto y flatulento al que daba vida Daniel Radcliffe. Aquí no son tan radicales, pero su película sobre un multiverso que nada tiene que ver con el de Marvel es delirante, divertida y de una imaginación desbordante.

Documentales que rompen las convenciones

Desde hace años se pide un cambio de nomenclatura. La palabra documental ya no define bien las películas que se hacen, que se ajustan más al concepto de ‘no ficción’ que piden implantar. Documental suena a informe semanal. A bustos parlantes e imágenes de archivo. 2022 fue también un año para reivindicar esos trabajos de no ficción. Sin duda, el logro máximo fue que uno de ellos: All the Beauty and the bloodshed, ganara el León de Oro de Venecia.

Una película eminentemente política como lo era Regreso a Reims, una de las mejores películas del año gracias a la obra de Didier Eribon, que sirve como materia prima para un retrato profundo e inteligente a la clase obrera en el último siglo, al abandono de la izquierda y a cómo la extrema derecha ha acudido a ese descontento en busca de votos. Un trabajo de imágenes de películas y documentales ingente ilustra un filme-ensayo brillante.

También como un ensayo, en este caso musical, podría definirse Moonage Daydream, el trabajo con el que Brett Morgen intentó explicar a David Bowie a través de las palabras y las canciones del propio Bowie en un filme caleidoscópico, visualmente arrollador y que renunciaba a la enunciación y al orden, como buen homenaje al autor. La no ficción también dejó títulos más que interesantes en nuestro país, como ese Fast & Furious sobre las heridas de la URSS llamado Tolyatti Adrift.

'Avatar', 'Top Gun', y la nostalgia para salvar las salas

En un año de tantos nuevos nombres, fueron, sin embargo, las viejas glorias las que vinieron a salvar las salas de cine, necesitadas de taquillazos. El mundo demostró su enfermiza relación con la nostalgia a través del éxito sorprendente y desmesurado de Top Gun: Maverick. Una película sólida, que en otro curso hubiera sido un éxito pero que nunca se hubiera convertido en un acontecimiento cultural como el que ha sido. Su éxito hizo que las salas recuperaran el optimismo, las críticas recurrían a la hipérbole y es cuestión de tiempo que los Oscar la reconozcan de forma excesiva. 

Algo parecido ocurrirá en pocos días con Avatar: el sentido del agua, una secuela inferior a la original donde James Cameron yerra durante dos horas para culminar con una última que, esa sí, es un despliegue de su talento y emoción. Una hora que hará que la gente salga diciendo eso de ‘para esto se viene al cine’, una frase reduccionista que limita una película al simple espectáculo, a la capacidad de maravillar pero no de emocionar.

Adiós, Godard

Como cada año, muchos directores, directoras, actores y actrices fallecieron. Charlbi Dean - la jovencísima actriz de El triángulo de la tristeza, la sátira contra los ricos que ganó la Palma de Oro en Cannes-, Monica Vitti, Juan Diego, Sidney Poitier, Peter Bogdanovich, Angela Lansbury… pero 2022 será el año en el que falleció Godard. El director que trajo la modernidad al cine y que la siguió practicando hasta el final. Un cine donde la radicalidad artística iba de la mano del puñetazo político. El hombre que se colgó de un telón en Cannes para parar el certamen por el Mayo del 68; el hombre pegado a un puro, el director que no abrió la puerta a Agnès Varda. El realizador que cambió el cine para siempre.

13 años ha tenido James Cameron para realizar su secuela de Avatar. 13 años desde que su revisión de Pocahontas arrasara en la taquilla y dejara a todos con la boca abierta gracias a su don para la acción. A través de una historia tan simple como el mecanismo de una polea, Cameron articulaba toda la película en torno a unas set pieces apabullantes. Todo usando la última tecnología al servicio de su película. El 3D, ese truco que todos explotaron hasta reventarlo para sacar un dinero extra por entrada, alcanzó su cima gracias a un filme cuyo máximo atractivo fue crear un mundo propio y un imaginario que caló en la cultura popular. 

Avatar existía para maravillar al público, para recordarles por qué van al cine. A acercarles algo parecido a los espectadores de aquellas primeras proyecciones. Un sentido del espectáculo que no todos poseen. Es un cine de fuegos artificiales, efectista y directo. Un cine consciente de lo que el público demanda. Avatar era una montaña rusa trepidante en la que uno quería montarse una y otra vez. Uno pensaría que en 13 años, Cameron habría encontrado la trama perfecta para seguir explorando Pandora, y las malas noticias llegan ahí, en que su habitual punto débil, el guion, se nota más que nunca en esta secuela.

La trama de Avatar: el sentido del agua —que ha sido nominada a los Globos de Oro en las categorías de Mejor película y dirección—, es una mera excusa para desplegar un nuevo derroche visual. Pero cuando no hay unos mimbres, por endebles que sean, es muy difícil que una película funcione. Las dos primeras horas de esta secuela son decepcionantes. Un batiburrillo new age con frases de filosofía de carpeta adolescente. La prueba de que Cameron no ha encontrado la forma de llevarnos de vuelta a Pandora es un comienzo que vuelve a recurrir a la voz en off. Pero mientras en la primera entrega había una excusa narrativa —los diarios que Jake Sully grababa en su misión—, aquí se nota que es la forma cutre que tienen de ponernos en situación y explicarnos de una manera facilona cómo regresan dos personajes que habían muerto en la primera película.

Un comienzo atropellado que anticipa lo que viene, un caos narrativo donde no hay nada que contar, donde las escenas más espectaculares están metidas para aligerar la trama, donde los conflictos dramáticos no emocionan y donde Cameron vuelve a demostrar un gusto por las dinámicas militares y patriarcales cuestionable. Que en 2022 todavía los personajes masculinos dejen un diálogo en el que se vanaglorian porque en una pelea ‘el otro ha quedado peor’ es de una testosterona rancia que huele a alcanfor. Un personaje como Neytiri, lleno de fuerza y personalidad en la primera entrega, acaba aquí relegado a un segundo plano por la necesidad de introducir a los nuevos personajes adolescentes que, presumiblemente, serán los protagonistas de las innumerables secuelas que llegarán ahora. Para ello sacrifican sus mejores bazas. Unos adolescentes que entran para subrayar otro de los temas favoritos de James Cameron, la familia, que aquí se une al medio ambiente y la colonización como asuntos de fondo.

En esas dos horas ya se nota el despliegue técnico. La proeza visual de James Cameron se intuye desde el primer minuto. Las escenas acuáticas son impresionantes, hermosas, pero el resto parece un documental virtual más que una película de ficción. Casi una parodia de Terrence Malick en un mundo inventado. Uno está sumido en la tristeza hasta que llega su última hora, donde el director se redime y entrega un clímax final, largo, virtuoso, excelente y visualmente apoteósico. Regresa el mejor Cameron, el que vehicula la narración a través de la acción. Un redoble final donde hasta se permite homenajear su propio Titanic y donde su logro técnico adquiere significado.

Uno asiste a un espectáculo sin igual, donde los efectos especiales adquieren un realismo nunca visto, donde el 3D luce de una forma bestial y donde no se puede cerrar la boca. Cameron tiene un gusto y una capacidad de crear tensión a través de la acción que parece que la película la hubieran dirigido dos personas diferentes. Es ahí donde esta entrega de Avatar adquiere sentido. Cameron ha creado una película que solo puede disfrutarse en cines, en una pantalla enorme y sí, con las gafas 3D. Ver este filme en casa sería perder toda la emoción y el espectáculo que aporta.

Podrá decirse muchas cosas del filme y de James Cameron, pero el realizador vive en una constante lucha para defender el cine como un acto comunal, como una celebración casi religiosa. Ir juntos a emocionarnos y fascinarnos. Su cine siempre se ha rendido a esa máxima. Desde el hombre de metal líquido de Terminator 2 a este Avatar: el sentido del agua. Quiere que los espectadores se sientan maravillados, que salgan diciendo ese tópico: esto es cine. Por supuesto que el cine es mucho más que una torre de fuegos artificiales, pero en un momento donde la oferta de plataformas amenaza seriamente a las salas, Cameron sabe que la solución pasar por crear experiencias que recuerden a aquel tren de La Ciotat que parecía que atravesaba la pantalla.

De hecho, con el 3D siempre se quiso recuperar esa sensación casi física que hizo que el cine se convirtiera en el gran arte popular del siglo XX. Avatar: el sentido del agua no es, ni de lejos, una gran película, puede que ni siquiera una buena, pero sí es la película que el cine necesita en estos momentos.

En 1997, los nombres de Kate Winslet y Leonardo DiCaprio se hicieron famosos en todo el mundo. Fue el éxito de Titanic lo que les aupó a un estrellato del que no se han bajado desde entonces. La historia de amor en medio de la tragedia rompió todos los récords. No solo de taquilla, convirtiéndose en el filme más exitoso de la historia en aquel momento, sino también de crítica. Titanic lograba el hito de empatar con Ben-Hur como la película ganadora de más premios Oscar, con once estatuillas. 

El responsable de aquel auténtico fenómeno, James Cameron, se consagraba con el tipo de cine que le gusta: grande e hiperbólico. Tuvieron que pasar 12 años para que Cameron volviera a rodar, y lo hizo con algo más grande y más hiperbólico, Avatar. Una historia de ciencia ficción que cogía la moda de las gafas 3D y la llevaba a otra liga. Cameron hizo avanzar la técnica y entregó un juguete de acción que sorprendía por su capacidad para mostrar imágenes nunca vistas, aunque pecaba del mismo problema que todo su cine: la simplicidad de sus historias. 

El fenómeno Avatar fue comparable al de Titanic, y de hecho sustituyó a aquella como la película más taquillera de la historia. Desde entonces, Cameron prometió que Avatar sería una franquicia, pero desde 2009 sus fans esperaban una secuela que parecía que nunca llegaba. Retrasos y más retrasos que tenían siempre la misma excusa: la tecnología no era lo suficientemente potente para poner en imágenes lo que él tenía en la cabeza. Parece que, por fin, los avances le acompañan, y el 16 de diciembre se estrenará Avatar: el sentido del agua, un filme que quiere reventar las taquillas y demostrar que el cine no está muerto.

Para cuadrar el círculo, 25 años después del naufragio más famoso de la historia del cine, Cameron trae de vuelta a Kate Winslet. Ella es el fichaje estrella en una película que repite las líneas que hicieron triunfar a la primera y en donde hasta regresan aquellos actores que supuestamente estaban muertos en la anterior, como Sigourney Weaver y Stephen Lang. Todos acudieron a la premiere mundial que Disney organizó en Londres. Todo Leicester Square se tiñó de azul en un macroevento organizado por la distribuidora y al que acudió elDiario.es, donde se demostró el poderío de Cameron, que vuelve con una película de más de tres horas y donde la tecnología deja, de nuevo, sin palabras.

Winslet cuenta que no tuvo ninguna duda sobre formar parte de la secuela, aunque su participación sea casi un cameo de lujo, al menos en esta segunda parte. “Es Avatar… quiero decir, ¿quién diría que no? Me encanta la primera película, y no soy la única. Es algo increíble lo que James Cameron ha creado y creo que la capa que hay debajo que habla sobre el planeta y sobre lo que el ser humano está haciendo para dominarlo siendo profundamente destructivo con el medio ambiente es algo de lo que debemos hablar”, cuenta la actriz. Pero no se embarcó en esta aventura que la ha metido dentro de un traje de captura de movimiento y obligado a aprender a aguantar la respiración durante minutos debajo del agua solo por eso: “El mundo de Avatar es mágico y hermoso, y los guiones son extraordinarios. Hay muchas razones por las que dije que sí”.

'Avatar' para los jóvenes

Cameron hace más hincapié en el mensaje sobre el medio ambiente y sobre la necesidad de abrazar al diferente. Lo hace en tiempos de negacionismo y aumento de los crímenes de odio, y por eso el cine adquiere importancia para llegar a todos. “No diría que la ficción es más importante que nunca, pero sí que hay algo que tiene que ver con juntar a la gente en una misma experiencia cinematográfica compartida y que escuchen el mismo mensaje y experimenten la misma historia. Llevar estos temas a su propia vida, a sus familias o grupos de amigos”, añade.

Pone el ejemplo de sus hijos adolescentes, para los que “la conversación sobre el cambio climático es algo enorme” y un tema sobre el que “sienten una responsabilidad y tienen la sensación y la determinación para realizar cambios significativos”. “Quieren ser educados y quieren educar a otros, y una película como Avatar intensifica esa conversación todavía más. Eso es algo fantástico”, apunta. Winslet remarca otro de los temas del filme y un clásico del cine de James Cameron: la familia. Pero “no se trata solo de la familia convencional, sino de que la familia puede ser un grupo de personas que eligen estar juntas y cuidarse unas a otras, independientemente de su procedencia”. “Ese nivel de diversidad e inclusión es importante… eso es algo realmente importante, y Avatar subraya de verdad todos esos temas”. 

Una película que tiene todo a favor para arrasar en las salas de cine, que necesitan pelotazos como este para seguir a flote, pero en las que también se vive una situación polarizada donde películas pequeñas o medianas no funcionan como antes de la pandemia. Kate Winslet siempre ha encontrado el equilibrio entre esas grandes películas y apuestas independientes, y desea que haya espacio para ambas en los cines: “Eso espero. Lo que puedo decir es que es diferente. Creo que el mundo de la televisión es extraordinario y que las miniseries, las series y las películas para televisión son algo único, muy emocionantes y extremadamente accesibles. Así que también me ha encantado experimentar ese lado en mi carrera, pero creo que no hay nada como ver una película en una sala de cine. Hay una verdadera sensación de nostalgia en torno a ello, es una experiencia muy singular y espero que continúe. Espero que podamos seguir haciendo películas con el paso de los años”.

En los años que han pasado desde Titanic, Winslet confía en haber cambiado “mucho”.“Ojalá sea mejor. Espero que sea más interesante. Con suerte todavía voy a seguir haciendo buenos trabajos… nunca puedes dejar de cambiar como actor. Creo que no puedes decidir que ya sabes hacer todo o que tienes una forma específica de hacer las cosas, porque todo eso cambia todo el tiempo. Hay que estar abierto, ser consciente de que cometer errores es parte de ello. Amo la interpretación tanto como siempre lo he hecho, y me siento muy afortunada de poder trabajar haciendo lo que amo, así que espero poder hacerlo siempre”.

Cameron defiende su secuela

La actriz también acudió a la rueda de prensa donde James Cameron defendió su secuela y la calificó como una obra mucho más ambiciosa y compleja. “La primera era una historia más simple, los personajes eran más sencillos. Esta película es más profunda en lo que se refiere a sentimientos y emociones”, dijo escoltado por todo el reparto en el que repiten Sam Worthington y Zoe Saldaña como Jake Sully y Neytiri, los protagonistas que en esta ocasión ceden el foco a sus hijos adolescentes.   

Hacer una secuela podría parecer obvio para todo el mundo porque la primera película hizo mucho dinero, pero Steven Spielberg no hizo una secuela de ‘E.T.'

James Cameron — Director de cine

El cineasta rechazó de forma tajante que una secuela sea algo fácil y que cuando una película funciona en taquilla la continuación sea evidente. Él ha tardado 13 años en estrenarla. “Podría parecer obvio para todo el mundo: 'Oh, ha hecho un montón de dinero, haz una secuela'. Pero Steven Spielberg no hizo una secuela de E.T.”, dijo, y defendió sus argumentos para continuar en el mundo de Pandora: “Teníamos este reparto maravilloso, encontramos la manera de traer a Sigourney Weaver de vuelta pese a que su personaje muere en la primera película y teníamos a esta magnífica familia de artistas. Eso fue un gran incentivo para mí para volver y hacerlo de nuevo”.

También tuvo que ver que casi todos los miembros del equipo creativo han sido padres, entre ellos sus dos protagonistas: “Me inspiré en que Zoe Saldaña y Sam Worthington ahora son padres, y yo también soy padre de cinco hijos, así que queríamos entrar en las dinámicas de familia y las responsabilidades de tener hijos, pero a la vez mostrar la vida desde la perspectiva de esos hijos”. La familia de Avatar regresa para volver a reventar los cines y ser la película más taquillera de la historia, un éxito que pase lo que pase quedará en manos de James Cameron.

2022 será el año en el que las viejas glorias de la taquilla salvarán a las salas de cine. Primero fue Tom Cruise con su Top Gun: Maverick. Nadie apostaba porque el reencuentro con aquellos pilotos chuletas que triunfaron en 1986 pudieran amasar más de 700 millones de dólares solo en Estados Unidos. Una recaudación que se va a quedar a tiro de piedra de la que hizo Avatar, la otra vieja gloria que este curso promete arrasar con todo y que en 2009 logró 760 millones. La película de James Cameron no tiene tanto tiempo, pero ya han pasado 13 años desde que el mundo descubriera Pandora, el universo imaginario que el director desplegó en un portentoso 3D antes de que la técnica cayera en desgracia por su uso abusivo.

Desde entonces se ha anunciado repetidamente una secuela que nunca llegaba… hasta ahora. El 16 de diciembre se estrenará Avatar: el sentido del agua, la segunda parte que ha dirigido también James Cameron y que es la primera de las muchísimas continuaciones que Disney (que se quedó con sus derechos tras la compra de Fox) estrenará. Para empezar a calentar la maquinaria promocional, su productor Jon Landau ha presentado en Madrid unas imágenes espectaculares donde ya se deja ver el derroche técnico, con unas escenas en el agua donde el 3D vuelve a brillar. También dejando claro que las nuevas generaciones serán protagonistas fundamentales de las secuelas. Y si pensaban que las 'gafitas' habían desaparecido ya pueden desempolvar unas, porque el filme está diseñado y pensado para las tres dimensiones.

Landau ha mantenido un encuentro con el público presente y ha explicado que cuando decidieron que harían secuelas, tomaron “la determinación de que sería más de una”. “El origen de cualquier película es el guion, así que nos tomamos nuestro tiempo para tener los cuatro guiones completos y que James Cameron y yo estuviéramos contentos con ellos antes de que empezáramos la producción. Luego teníamos que 'descubrir' la tecnología. Estas películas siempre han querido llevar la tecnología a un lugar donde no sabíamos que podía llegar. Hasta ahora se podían hacer escenas bajo el agua, pero no como lo hemos hecho nosotros, con nuestros actores interpretando y la tecnología capturando esas actuaciones debajo del agua”, contó sobre las innovaciones de este filme.

Para Jon Landau la clave del éxito del primer Avatar tiene que ver con que la gente se siente identificado con Jake Sully, “que era un outsider que no tenía hogar”. “No formaba parte de ningún sitio, y ese sentimiento de pertenecer a una comunidad, a un lugar, y encontrar un propósito diferente en la vida… Si te fijas la primera película comenzaba y terminaba con Jake abriendo los ojos. Y tal vez ese es un desafío que queremos seguir lanzándole a la gente, abrir los ojos y entender que nuestras acciones tienen un impacto tanto en las personas que nos rodean como en el mundo que les rodea”, ha dicho Landau sobre el mensaje de la película. 

Las imágenes proyectadas también dejan claro que la secuela seguirá tratando los temas que ya había en la primera, especialmente el ecologismo en un momento donde la crisis climática es mucho mayor que hace 13 años. “Creo que la ciencia ficción siempre es una metáfora del mundo en el que vivimos. Nuestros océanos representan el 80% del mundo. Nuestros cuerpos están formados de un 80% de agua. Esta es una película sobre el agua. Todo lo que tenemos que hacer es crear una mayor conciencia de la belleza que tenemos. Pero lo que tiene que hacer una película es ser provocativa sin sermonear, y espero que esta película haga eso y que vuelva a abrir los ojos de las personas para ver las cosas de manera diferente”, ha opinado Landau.

Las personas que quieran verla en sus dispositivos no podrá hacerlo durante mucho tiempo. Esta película está hecha para la pantalla grande

Jon Landau — Productor de 'Avatar'

El productor defendió la experiencia cinematográfica, y pidió que cambiásemos hasta el verbo que se usa para ir al cine. Que nadie diga que va a “ver una película”, sino a “experimentar una película”. Se posicionó a favor de la exhibición tradicional y dejó un mensaje para aquellos que crean que la secuela llegará pronto a una plataforma, que esperen tranquilos: “Las personas que quieran verla en sus dispositivos no podrá hacerlo durante mucho tiempo. No vamos a estrenar a la vez en salas y plataformas. No vamos a hacerlo con 20 días de ventana, ni con 30 días. Esta película está hecha para la pantalla grande. Fue un compromiso que le dimos a nuestros fans y es un compromiso que nuestros socios en Disney han apoyado”. 

Para recordar esa experiencia cinematográfica ha defendido el reestreno de la película original, que llegará a los cines el 30 de septiembre para abrir boca (y de paso sacar dinero) y para que la gente recuerde “todas las cosas únicas que se experimentan viendo una película en pantalla grande”. No es solo la experiencia de verla en comunidad, es ese compromiso que haces con los demás cuando vas al cine. Es el compromiso de apagar tu teléfono. Ese compromiso de no distraerte. Son las conversaciones que se tienen en los pasillos del trabajo el fin de semana después de que sale una película. Eso no ocurre cuando la gente ve una película solo“. Un cine inmersivo que quiere lograr que toda la legión de fans regresen a Pandora y poder superar los 700 millones de Top Gun y ser de nuevo, 13 años después, la película más taquillera del año.

La existencia de Doctor Sueño sugiere que no hay nada sagrado en lo que se refiere a secuelas cinematográficas. Continuar El resplandor tenía algo de tabú, aunque la luz verde (en forma de secuela literaria) de Stephen King pueda neutralizar el culto al filme de Kubrick y a su mismo realizador. Las recientes La noche de Halloween y Terminator: Destino Oscuro marcan otro camino: continuaciones que ignoran filmes previos (la saga Halloween ya tenía precedentes en este aspecto) y recuperan a actores históricos asumiendo el riesgo de que las canas puedan espantar a espectadores juveniles... o a veteranos que no quieran visualizar el paso del tiempo.

Son años de auges de la ficción seriada, sea en la pantalla de televisión, en las salas de cine o en las plataformas digitales. Los grandes estudios, deseosos de amortizar sus catálogos de propiedades intelectuales, han asumido la lógica de la industria del cómic de superhéroes: toda obra puede continuar indefinidamente y, a la vez, es susceptible de rehacerse o relanzarse para volverla a presentar a una audiencia rejuvenecida. El estallido de audiovisual superheroico en el cine y la televisión es un ejemplo de esta tendencia y marca grandes diferencias con épocas previas.

Si la primera gran película de cine sobre Spider-man tardó años en concebirse, el personaje ha liderado siete filmes de imagen real en los últimos dieciocho años (sin contar su participación en otros títulos de Marvel Studios). El cine de terror, normalmente apegado a los presupuestos bajos y a la aspiración de conectar con un nicho de público específico, estaba mucho más acostumbrado a esta serialización. Solo hay que recordar las casi infinitas continuaciones de Viernes 13, Saw o La matanza de Texas y su laberinto de secuelas, remakes, precuelas y reboots.

Ahora hay que estar preparados para una secuela o relanzamiento de cualquier película, de la misma manera que el inspector Closeau de La pantera rosa (otra saga interminable) debía estar siempre preparado para repeler los ataques de su marcial mayordomo Cato. Pero el fenómeno de las secuelas tardías o inesperadas no es nuevo. Antes de que Warner tuviese el atrevimiento de hacer una secuela de un filme de Kubrick, Universal hizo lo propio con Hitchcock.

Terminator: Destino oscuro (2019)

Terminator: Destino oscuro

Han pasado muchas cosas desde que el realizador James Cameron (Titanic) se desentendió de la saga que creó. Terminator III respetaba en parte el esquema de secuela-remake de la entrega precedente, pero nació carente de su aliento épico. Para Terminator: Salvation, filmada en plena fascinación por las imágenes del reporterismo incrustrado en las invasiones de Afganistán e Irak, se optó por una ambientación futurista y postapocalíptica. Y Terminator: Genisys llevó al extremo el juego con las lineas temporales.

Esa última apuesta tenía algo de callejón sin salida creativo pero también comercial: los responsables de Terminator: Genisys parecían muy preocupados de seducir a nuevos públicos que quizá no podían entender la aureola mítica de la saga, y los veteranos podían caer en una cierta contemplación melancólica de un blockbuster al entender que esa película les guiñaba el ojo, pero ya no estaba hecha para ellos. Terminator: Destino oscuro refuerza la gratificación del viejo fan recuperando a la actriz Linda Hamilton y conectando directamente con la icónica Terminator 2, ignorando las tres secuelas previas.

La película no solo incluye regalos para los nostálgicos. También se incluye algún sacrificio con sentido comercial y también conceptual: se rejuvenece la saga con nuevos y jóvenes rostros femeninos, y estos encarnan a personajes también claves en el futuro de una raza humana que ya no solo depende de salvadores masculinos. El heroísmo de las mujeres de Terminator: Destino oscuro ya no está ligado a su capacidad reproductiva o al destino de su familia sanguínea.

Por el camino, se lanzan algunos dardos a la fobia mexicana de un Trump convertido en presa fácil para Hollywood. Tim Miller (Deadpool) y compañía puede presumir de una cierta intensidad en las escenas de acción, pero el digno conjunto quizá no puede competir con uno de los mejores ejemplos de secuela tardía: Mad Max: furia en la carretera.

Psicosis II (1982)

Psicosis II

Uno de los grandes éxitos de Alfred Hitchcock se concibió como un experimento de bajo presupuesto y bajo riesgo económico. Aún así, la película había acabado considerándose un clásico del cine, además de contribuir a resquebrajar el modelo de censura vigente en Hollywood hasta 1968. Lo que había nacido como una probatura, basada además en la novela de un Robert Bloch que provenía de las revistas de pulp fiction, había adquirido un aura de clásico intocable.

Y llegó Psicosis II, una potencial herejía que enviaba algunas señales de ambición: contaba con el intérprete original, Anthony Perkins, y con la música de Jerry Goldsmith (La profecía, Alien) o la fotografía de un Dean Cundey que estaba consolidando su prestigio. Décadas después de su internamiento, el asesino en serie Norman Bates volvía a casa aparentemente recuperado... hasta que comienza a recibir llamadas telefónicas de alguien que dice ser su madre muerta. El resultado fue una digna secuela que ponía en común la tradición de la intriga whodunit (¿quién es el asesino?) y las tramas de sospecha y posible acoso al estilo de Luz de gas, beneficiándose de las dudas sobre la salud mental del personaje principal.

John Rambo: Vuelta al infierno (2008)

John Rambo: Vuelta al infierno

En pleno apogeo de secuelas de Rocky y Rambo se bromeaba con la cantidad de veces que Sylvester Stallone podía llegar a encarnar a sus personajes más conocidos. En realidad, tanto el boxeador como el antiguo soldado pasaron mucho tiempo alejados de la gran pantalla. El veterano de la guerra del Vietnam se ausentó por más tiempo: transcurrieron veinte años entre la tercera y la cuarta entrega de sus aventuras. En ese tiempo, las tornas políticas habían cambiado.

En 2008, el héroe que había matado por el neoimperialismo estadounidense pasaba a rechazar cualquier intervención en el extranjero, incluido la de unos cooperantes que se adentran en una Birmania en conflicto. De alguna manera, John Rambo reflejó tanto un momento político (un aislacionismo escaldado por los costes humanos y económicos de la guerra de Irak) como el punto de vista del soldado: si hay que intervenir en el extranjero, hay que hacerlo armado hasta los dientes. Y Stallone filmó una misión de rescate violentísima, por momentos trepidante en sus escenas de acción, aunque algo deshumanizada. Más de uno puede echar en falta ese toque sentimental (o sentimentaloide) de los primeros éxitos de su actor y director.

TRON: Legacy (2010)

TRON: Legacy

Décadas atrás, los clásicos de Disney eran cuidados por su productora como acontecimientos fílmicos irrepetibles. La producción de secuelas low cost para el mercado videográfico, tanto de obras entonces recientes (como El rey león) como de la icónica Bambi, debilitó esa imagen. Fantasía 2000 supuso un cambio de modelo, una continuación de elevado coste y diseñada para su estreno en cines. El experimento no salió bien económicamente, ni tampoco lo hizo esta continuación de la ochentera TRON que anticipaba la voluntad de Disney de competir a lo grande (unos 170 millones de dólares de presupuesto) y en todos los frentes (como el cine fantástico de imagen real) del entretenimiento audiovisual.

TRON: Legacy recogió el subtexto anticomunismo de la primera entrega y lo redirigió hacia la advertencia sobre el posible reverso de lo utópico: la tentación de querer excluir a quienes se considere imperfectos. En plena resaca del crack financiero, también tocaba algún guiño a la avaricia empresarial incrustada en una historia de rebeldía: Sam Flynn, un joven en desacuerdo con la política de los continuadores de la empresa tecnológica de su padre desaparecido, viaja involuntariamente al mundo virtual en el que tenía lugar la obra original. Allí descubre una distopía totalitaria de diseño minimalista y estridentes neones que brillan en una oscuridad casi omnipresente. El resultado, con ecos de Matrix, puede resultar vistoso y monótono.

La cosa (2011)

El maestro de la acción fantástica John Carpenter (Están vivos) no ha tenido mucha suerte con las continuaciones de sus filmes. Muchas se realizaron contra contra su voluntad o sin su intervención (hasta cinco secuelas de Halloween, junto con un remake y su correspondiente segunda parte); otras fueron planeadas pero no se llevaron a cabo (como una tercera entrega de 1997: Rescate en Nueva York). La única secuela que ha dirigido, 2013: Rescate en Los Angeles, fracasó comercialmente.

La versión carpenteriana de La cosa, seguía generando productos asociados dos décadas después de su estreno: varios cómics, un videojuego, un proyecto de miniserie... El retorno a la gran pantalla era una cuestión de tiempo y tomó la forma de una precuela sólida y algo rutinaria. Sus realizadores debían desarrollar una narración que no podía sorprender a los conocedores de la obra previa, y no consiguieron amenizar el camino mediante personajes dotados de un cierto carisma. A pesar de intentar seguir los pasos del original, o precisamente por ese motivo, La cosa de 2011 puede parecer tan gélida y árida como su ambientación antártica.

A favor: en la piel del indígena

En el año 2154, Pandora no es la hija de Zeus encargada de propagar los males por el mundo, sino el nombre de una luna repleta de vegetación y magia donde habitan los 'na’vi', una raza de humanoides que viven apegados a la espiritualidad que emana de la tierra y a la fuerza de una religiosidad anclada en la naturaleza, dividida en diferentes clanes. El hombre también ha llegado hasta allí, y permanece en constante conflicto con los indígenas en operaciones dirigidas desde unas instalaciones científico-militares, con la intención de hacerse con un mineral necesario para la supervivencia energética del planeta Tierra. Pero el mayor yacimiento del mismo se encuentra bajo el asentamiento de un poblado de nativos, un inmenso árbol-madre que no están dispuestos a ceder a los que ellos consideran los alienígenas, los que no entienden nada, la “gente del cielo que no sabe ver”.

Un marine que ha quedado parapléjico, Jake Sully (Sam Worthington) es enviado a Pandora con la misión de participar como conductor en el programa 'Avatar', a través del cual los humanos han conseguido crear cuerpos de nativos que pueden controlar a distancia. La doctora Grace Augustine (Sigourney Weaber), pacifista, amante de la biología y sensibilizada con la vida de los indígenas dirige esta operación, que los militares quieren utilizar en su beneficio para destruir el poblado sagrado. Sully consigue infiltrarse en el todopoderoso grupo de los Omaticaya tras conocer a la nativa Neytiri (Zoe Saldana), momento a partir del cual, sumido en la piel del indígena, su conciencia comienza a partirse en dos entre su deber como marine y su pasión por la libertad de lo que consigue amar y vivir dentro de su avatar. Aparece aquí la figura del elegido, del mesías, del destinado a hacer pervivir toda una raza.

Esta es la compleja síntesis de la fábula ecologista, anti-imperialista, mística y fantástica con la que James Cameron reventó las taquillas en 2009 tras numerosas especulaciones y otras tantas expectativas. Crítica y público quedaron absolutamente rendidos ante la originalidad e innovación del diseño de ese nuevo universo preñado de animales mitológicos, ancestros que susurran a través de las raíces de los árboles y seres azules conectados por energías espirituales. Ante todo, un espectáculo visual sin precedentes en el cine del nuevo siglo, pero por debajo de ese caparazón en tres dimensiones, una maravilla de la otredad y de la iconografía que todavía hoy resulta difícil de resumir debido a la gran cantidad de cuestiones que aborda: desde su hostil mensaje contra el colonialismo y a favor de los derechos de los pueblos, hasta la duplicidad de la mente, la filosofía descartiana, el chamanismo, las nuevas tecnologías y las tesis sobre los mesías y profetas que todas las religiones tienen en común.

'Avatar' fue una revolución cinematográfica en todos los sentidos y aunque no consiguió hacerse con los Premios Oscar de Hollywood más importantes de ese año (curiosamente fueron para 'En tierra hostil', de Kathryn Bigelow, ex pareja de Cameron), su asentamiento en el fanatismo popular ha sido mayor en cuanto al legado. Cómics, publicaciones, videojuegos, teorías y animaciones de todo tipo continúan ocho años después defendiendo la alargada sombra de los 'na’vai', de su gran vínculo con los primeros pobladores indios de las Américas y de la cultura maya. Es esta una característica muy curiosa de la película teniendo en cuenta que, siendo objetivos, hay que reconocer que toda su maestría reside en la técnica: es espectacularidad visual pura y dura.

La película tampoco es generosa con los actores. Muchas grandes estrellas se negaron a participar en el rodaje, incluso viniendo del gran Cameron, debido a que un buen trecho del film está asentado bajo la captura de interpretaciones, revestidas informáticamente con el aspecto físico de los habitantes de Pandora. Que se lo digan a Saldaña, a la que ni siquiera vemos en su faceta humana, simplemente porque no existe.

Para ser una película contemporánea, 'Avatar' da la sensación de una trascendencia histórica mucho mayor. Por lo que sea, parte de su mensaje está engalanado del nostálgico clasicismo de antiguas películas de animación, como si se negara a dejar de lado todo aquello de lo que el mundo de la animación ha aprendido. El compositor James Horner también contribuyó a la épica repitiendo la hazaña de 'Titanic' con un auténtico torrente de etnicismo y coros angelicales. Pero lo más importante es que al terminar de verla siempre queda esa sensación de que estos azules y felinos indígenas no han dicho todo lo que tenían que decir. Los ojos del na’vai (ya investido como el héroe Toruk Makto) que se abren al final provocaron que sus hordas de seguidores lleven años esperando sus secuelas, anunciadas posteriormente por Cameron. Desde aquí también la esperamos, y que al menos siga siendo posible en la ficción lo imposible de la victoria de los débiles en el mundo real.

En contra: miedo al vacío

'Avatar' fue celebrada como una obra cumbre que alcanzaba la perfección técnica en la historia del cine. Utilizó la tecnología más avanzada para asombrar al mundo y contar la historia de un soldado tullido (Sam Worthington) que encuentra la libertad en un cuerpo prestado y el sentido de la vida, junto a los nativos de un planeta a punto de la expoliación. Y 'Avatar' es eso, un mecanismo prodigiosamente engrasado, un canto a la diferencia, a la reconciliación con la naturaleza. La mala conciencia norteamericana obsesionada con el exterminio indio, y poco más.

O quizás mucho más, porque para llenar el vacío de una historia tantas veces narrada, a James Cameron no se le ocurrió otra cosa que rodar una película monumental. Otra. Creó una especie de paraíso perdido que llamó Pandora y lo envolvió en un sinfín de imágenes fascinantes: de paisajes al borde de la alucinación, de cielos en tensión, de icebergs flotantes, aunque esta vez de tierra, de una flora y de fauna tan rococó y, en ocasiones, tan fluorescente, que a bordo de unas gafas 3D no es difícil caer presa del Síndrome de Stendhal, pero a la inversa.

Y es que la belleza y el goce artístico que pudieran transmitir quedan arruinados por una estética de videojuego que, desde el mismo momento en el que se imaginó, tenía los días contados. Hoy produce cierto rubor contemplar a los Avatar, esos alter ego de algunos de los protagonistas, genéticamente modificados para alcanzar la perfección. Tan virtuales y virtuosos, que acaban teniendo la misma verosimilitud que los alienígenas pop de 'Exploradores', de Joe Dante.

Las posibilidades que ofrecía la tecnología 3D para esta película no podían, tampoco, esconder un guion con muchos cabos que atar. Y es que en 'Avatar' hay de todo: desde explicaciones innecesarias a enemigos invasores que son aceptados con una generosidad sospechosa en la tribu de nativos, pasando por torpes escenas paralelas que pretenden alimentar la tensión con una narración de principiante. Todo ello por no hablar de las soluciones que acaba encontrando el cineasta para resolver su película de manera apresurada. Ahí está ese ser alado, esa especie de ‘dragón’ de leyenda, domado en el transcurso de una elipsis muy conveniente, o la aparición de muchos clanes de nativos, en el tiempo de descuento, para que la expulsión del invasor tuviera su ‘base científica’.

'Avatar' es una película muy larga, con demasiada acción y con partes cansinas, como la iniciación del protagonista en los usos y costumbres de la cultura nativa. Para rizar el rizo, la película se permite ciertos guiños comprometidos con la actualidad de su momento, como esa alusión a la “guerra preventiva” que acaban por aplicar los malos malísimos, léanse los tipos blancos de la Tierra (¡esos imperialistas!) en Pandora.

Y por supuesto, se permite el lujo de adoctrinarnos sin saber cómo convencernos. Nos vende una filosofía simplona, neo-hippie, donde en el fondo se santifica el regreso a los orígenes, al hombre en estado puro y en contacto con la madre naturaleza, despojado de toda civilización perniciosa. En definitiva, esa clase de fantasía ‘cool’ en la que seguramente se refugiará un multimillonario como Cameron en sus horas bajas. Lo dicho. Miedo al vacío.

A un guionista americano llamado Danny Rubin se le ocurrió en los años 90 una historia irrepetible que Harold Ramis convirtió en clásico instantáneo con la ayuda de un Bill Murray en estado de gracia. La cinta se llamaba Atrapado en el tiempo. Todos los días sonaba I Got You Baby por un despertador que Phil, el hombre del tiempo más borde de la historia -bendito Murray-, estampaba contra el suelo condenado a revivir una y otra vez el mismo día. Las situaciones eran cada vez más divertidas y también más grotescas. Mientras, Phil cambiaba, aprendía y se convertía en mejor persona. Cada día que el personaje de Murray pasaba encerrado en esa especie de castigo eterno su cinismo se desvanecía. Así funciona el progreso.

Pero también hay otro personaje que parece despertar el mismo día una y otra vez. No es humano, es una máquina del tipo T-800 (o T-850) y fue gobernador de California: es Arnold Schwarzenegger. 'Arni' lleva décadas, desde 1984 exactamente, realizando el mismo viaje en el tiempo y con el mismo propósito: salvar a John Connor. El último periplo no es una continuación, ni una precuela, ni un remake; es un reboot y se titula Terminator Génesis. Un reinicio de la saga que sólo se apoya en los elementos más importantes de Terminator 1 y 2, las películas de James Cameron, las consideradas por Alan Taylor como las únicas a tener en cuenta.

Y aquí es donde entra la nostalgia, esa melancólica mezcla de tristeza y anhelo por una dicha perdida que hoy es lo que sostiene las cuentas de Hollywood. Por eso Jurassic World revisiona intencionadamente Jurassic Park, la primera, la que alimentaba la maravilla y la estupefacción del espectador ante un espectáculo grandioso. Esa y no otra, porque alrededor de las demás partes de la saga no existe sentimentalismo. Nos acordamos del triceratops enfermo como uno de los momentos más importantes de nuestra memoria cinematográfica, igual que de Arnold Schwarzenegger diciendo “Sayonara Baby” mientras llena de plomo el cuerpo congelado del T-1000. Taylor lo sabe y con mucho cariño y respeto por las dos cintas de Cameron ha rodado una película entretenida, con ritmo, laberíntica y muy consciente de sí misma.

Hollywood se ha obsesionado con explotar su mejor momento, pero no intenta repetirlo, intenta mejorarlo. Todos los seres humanos tenemos un punto de inflexión en nuestra vida y casi siempre coincide con el paso de la adolescencia a la madurez, cuando tomamos esas decisiones que luego determinan nuestro futuro. Nosotros no podemos reiniciarnos o enviar a Schwarzenegger para cambiar el pasado, no podemos hacer un relanzamiento de nuestra propia existencia. Aunque sin duda, lo haríamos. Entonces ¿por qué martirizamos a la industria americana? Pues por miedo. Nos aterra que estropeen esos hitos cinematográficos que forman parte de nuestra biografía sentimental.

Mad Max: Furia en la carretera, RoboCop, El planeta de los simios, Pesadilla en Elm Street... todos son reboots. Hay una intención lucrativa pero también laudable en intentar maravillar al público con los mismos títulos una y otra vez. Si reconocemos que cada vez se dirige mejor aunque sea basándonos en el avance técnico y que por algún lado debe de quedar reflejado el desarrollo cultural, lo normal es que el resultado sea casi siempre mejor, como ocurre con Mad Max o con los simios. Y cuando es peor habrá que achacarlo a que madurar no es fácil, a Bill Murray le costó repetir muchos días de la marmota ser mejor persona.

Alimentarse de la nostalgia o combatirla

Por si no queda claro, la obra maestra de Harold Ramis es una metáfora perfecta del Hollywood actual. Todos los días suena I Got You Baby en el despertador de Bill Murray y todos los días hay un nuevo proyecto-reboot basado en una cinta de éxito de los años 80 o de los años 90, desde Los (las) cazafantasmas a la nueva película protagonizada por Han Solo.

El blockbuster ha cambiado, antes solo servía para el entretenimiento mientras el Nuevo Hollywood o la Nouvelle Vague mantenían el discurso. Hoy es al contrario, son las películas de acción o de superhéroes las que reflexionan sobre política, tecnología, religión... el periodista Luis Martínez escribe aquí sobre cómo El caballero oscuro adelantaba el enfrentamiento entre Grecia y Europa.

Aunque en Terminator Genesis el ritmo es endiablado -Emilia Clarke interpreta a la Sarah Connor más letal- Taylor deja un par de ratos libres al espectador para reflexionar sobre el papel de la tecnología en la actualidad y nuestra enfermiza obsesión con los dispositivos móviles, nada que no se haya contado ya en Black Mirror. Además, y de manera muy audaz, por primera vez en la saga de Terminator aparece un personaje interpretando al alter-ego del espectador, es J.K. Simmons. El actor se mete en la piel de un policía alcohólico que decide tomarse en serio los viajes en el tiempo y la guerra entre hombres y máquinas aunque no forme parte de esa línea recta que Connor y Kyle Reese están dispuestos a correr sin mirar atrás.

Durante su primera parte, la película se alimenta completamente de la nostalgia revisando los mejores elementos de Terminator 1 y 2. El espectador tendrá el placer de presenciar como Schwarzenegger pasar por todas las edades, la batalla entre su yo de 1984 y su yo actual es antológica. Sin embargo, el filme sufre constantemente por culpa de la falta de química entre Emilia y Jason Clarke.

En la segunda parte del filme se lucha por combatir esa nostalgia. Taylor hace su apuesta y Genesis abre un nuevo camino espacio temporal para la saga, el de 2017. El T-800 que funciona como padre adoptivo, cariñoso y tierno de Sarah Connor cobra el protagonismo necesario para aliviar las faltas del resto del reparto. Y a pesar de las lagunas en el guión la secuencia final funciona como un tiro.

Estamos ante la parte más digna de la saga desde El juicio final. Taylor se ha preocupado de esquivar el estilo de serie b que se apoderó de La rebelión de las máquinas con esa Terminatrix en cuero persiguiendo a John Connor y obviar la grandilocuencia vacía que inundó cada elemento dramático de Terminator Salvation. La nueva Sarah Connor y su inseparable (y viejo pero no obsoleto) T-800 están cansados de viajar por el tiempo, quieren madurar y enfrentarse al futuro con o sin Skynet. Por eso su destino les lleva al primer día del resto de su vida. Precisamente el día que llega después del día de la marmota.

Empezó con una modestia envidiable: una película de ciencia-ficción con un director prácticamente debutante, actores desconocidos y casi sin efectos especiales. El éxito fue de tal envergadura que, además de catapultar al estrellato a buena parte de los implicados, dio un par de volantazos al cine de acción y ciencia-ficción de los 80, replanteando entre otras cosas la naturaleza de los papeles femeninos en el cine de género. Se convirtió con su primera secuela en uno de los revientataquillas más carismáticos y reconocibles de los 90 y ha generado todo tipo de análisis y literatura, como el reciente ensayo Terminator-El Imperio de Skynet, publicado en nuestro país por Applehead. Y ahora es una de las franquicias más queridas por los fans del género, pese a sus altibajos. Revisamos qué tiene que ofrecer, hoy, la saga Terminator.

The Terminator (1984)

The TerminatorCuatro millones de dólares escasos fue el presupuesto con el que contó James Cameron para poner en pie su idea de película barata de ciencia-ficción. Cameron solo había dirigido la deliciosa y baratísima Piraña II: Los vampiros del mar para Roger Corman, y le estaba dando vueltas al fenómeno de La noche de Halloween. John Carpenter había dirigido una película extraordinaria de género con menos de medio millón de dólares y había sido un éxito internacional. Con esa inspiración, la ayuda de su amigo Bill Wisher y la oposición de su agente, que veía venir un fracaso seguro, Cameron comenzó a escribir el guión de Terminator.

En esta primera versión de Terminator había dos androides homicidas: uno similar al de la película y otro indestructible de metal líquido, tal y como acabaríamos viéndolo en la segunda parte. Cameron acabó desechando esa idea por obvias cuestiones monetarias (de hecho, ya el primer robot se les iba un poco de presupuesto). La idea cayó en manos de Gale Anne Hurd, otra vieja conocida de Corman, que compró los derechos a cambio de un dólar y su palabra de que el propio Cameron podría dirigir la película.

Schwarzenegger no era la primera elección para el robot asesino (antes de él estaban Lance Henriksen, que acabaría dando vida a uno de los policías que investigan el caso de Sarah Connor, y OJ Simpson, descartado porque Cameron no creía que pudiera dar la imagen de ser capaz de matar a alguien -¡sic!-). Sin embargo, cuando el director se reunió con el actor austriaco, quedó impresionado por su presencia física y lo puso a entrenar con armas durante tres meses. Total de líneas de guión que pronuncia durante la película: 18, incluido su icónico “I'll be back”.

La potencia visual y conceptual que exhibe Terminator gira en torno a dos engranajes temáticos: la ingeniosa idea de viajar al pasado para cambiar el futuro, pero por una vez no en sentido positivo, sino de forma que condene a la humanidad; y la rebelión de las máquinas, cuyos primeros detalles en cuanto a nombres y fechas se comienzan a dar aquí. Ninguna de las dos ideas era especialmente original: la literatura de género llevaba décadas explotando ambos conceptos y, de hecho, el mítico autor Harlan Ellison, pese a que la película le entusiasmó, amenazó con demandar a los productores por las tremendas similitudes entre el film y uno de sus relatos. La cosa se solucionó pacíficamente cuando se le atribuyó un crédito como inspirador de la trama. En cuanto a la rebelión de las máquinas, suele citarse Almas de metal de Michael Chrichton como precedente directo, y lo cierto es que el Yul Brinner frío y homicida del clásico de la sci-fi de los 70 tiene más de un punto en común -al menos en términos de determinación e implacabilidad- con el Terminator que todos conocemos.

Aunque caben dudas razonables acerca de si James Cameron ha obedecido alguna vez al prototipo de creador juvenil e irresponsable, lo cierto es que Terminator es una de sus películas más libres y desprejuiciadas, cosa que se advierte sobre todo en el tono. El arranque del film, con un Terminator devastador y que va siguiendo una línea recta de muerte y destrucción en pos de su víctima, la futura madre del líder de la resistencia contra las máquinas, tiene algo de psychothriller de la época, incluso de giallo italiano para todos los públicos y sin carga sexual. Hay un humor aún muy soterrado en el comportamiento irracional del androide (de hecho, el famoso “I'll be back” es un chiste, y uno de los mejores de la película). Y las escenas de acción son pura adrenalina espectacular, en la mejor tradición destrozona -y paradójicamente, pre-CGI- de la serie B de los ochenta. Esta aparente libertad de concepto, que se suma a secuencias desconcertantemente inquietantes y maduras para un director joven, como aquellas en las que el Terminator se repara a sí mismo, van de la mano de una obsesión por el control total de todos los aspectos del rodaje, y que caracterizarían al Cameron maduro. Por ejemplo, hay una secuencia en la que el Terminator se levanta del suelo, en la que Cameron indicó a Schwarzenegger cada uno de los microgestos que debía realizar en esa acción, desde los movimientos de las extremidades al orden en el que tenía que moverlas.

Donde sí fue decididamente innovadora esta primera entrega de Terminator fue en el papel que Cameron le dio a la heroína. Muy lejos de la típica damisela en apuros tan propia de la época, Linda Hamilton compuso una Sarah Connor que no es extraño que acabara convirtiéndose en un icono para los aficionados: desde su mismo concepto como personaje es pura feminidad (la Madre del Salvador) y, a la vez, alguien resolutivo y heroico, capaz de tratar de tú a tú al protagonista masculino. Por eso, precisamente, la historia de amor entre ambos es tan intensa y emotiva, y se distancia de los arrebatos de Síndrome de Estocolmo / adrenalina irresistible habituales del género.

Terminator 2: El juicio final (1991)

Terminator 2: El juicio final En los largos siete años que mediaron entre Terminator y su secuela, James Cameron se convirtió en uno de los principales creadores de Hollywood gracias al éxito no solo de la primera película del robot asesino, sino al aún mayor bombazo de Aliens y a The Abyss, mucho más discreta en taquilla pero revolucionaria a nivel técnico. Pero había otro problema que retrasaba año tras año la preproducción: el Terminator de metal líquido que Cameron había concebido era infilmable. The Abyss, sin embargo, avanzó en la dirección correcta a la hora de plantear soluciones visuales y el T-1000 se convirtió en una posibilidad.

Problemas legales por una disputa acerca de los derechos de la franquicia entre Hemdale Film Corporation (dueña de la serie) y Carolco Pictures (para quienes trabajaba Schwarzenegger) también retrasaron el inicio del rodaje, pero el actor austriaco presionó a la productora para que pagaran lo que hiciera falta para poder rodar la película (que fueron cinco millones de dólares). 94 millones de dólares hicieron falta para poner en pie el film, 15 veces el presupuesto de la original: muy publicitados fueron en la época los 12 millones que fueron al bolsillo de Schwarzenegger (más un jet) y los seis que fueron al de Cameron. Antes de su estreno ya había recuperado los costes gracias a la venta de los derechos en vídeo y televisión.

Buena parte de ese dinero se usó en los efectos generados por ordenador, en buena medida responsables del éxito, que se combinaron muy juiciosamente con efectos prácticos, maquetas y muñecos. Es decir, a diferencia de los impersonales, deshumanizados e intangibles efectos especiales de los blockbusters actuales, Terminator 2 no renuncia a un buen muñecazo tamaño 1:1 cuando es necesario (por ejemplo, en la imagen final de T-1000 reventado por un proyectil, como una especie de versión en papel de plata de La Cosa de Carpenter). Junto a estas maravillas (más los maquillajes y prótesis) de Stan Winston, Industrial Light & Magic se encargó de los efectos digitales, que muestran cosas literalmente no vistas nunca en pantalla: un equipo de 35 personas gastó a lo largo de 10 meses cinco millones de dólares en tan solo cinco minutos de metraje final. Por supuesto, la película ganó un Óscar a los mejores efectos especiales.

Sin duda es esa devoción por los efectos especiales tradicionales (las maquetas para mostrar el futuro post-apocalíptico de la raza humana parecen salidas de una serie B con posibles de los 70) lo que ha llevado a que Terminator 2 haya envejecido con dignidad, a diferencia de otros blockbusters de la época. Eso y el mimo con el que trata el lado humano de la historia: el reparto se configuró con una acertada mezcla de ausencias (falta el héroe de la primera, Kyle Reese –Michael Biehn-), regresos esperados (Linda Hamilton y Arnold Schwarzenegger), semi-novatos (Robert Patrick solo había hecho cosas como La Jungla 2 y fue escogido por su físico y versatilidad) y novatos absolutos (fue el debut de Edward Furlong). Juntos pusieron en pie un choque tradicional entre el Bien y el Mal, entre la Humanidad y lo Solo Aparentemente Humano que arrasó en taquilla y dejó un legado pop incuantificable: la presencia física de Schwarzenegger como motero robótico, la implacabilidad del T-1000, la banda sonora de Guns'n Roses -tan afín a la estética angelina de la película-, los efectos especiales que abrieron un mundo de posibilidades expresivas, las frases inmortales en los diálogos -“Sayonara / Hasta la vista, baby”- en cabeza...

Terminator 2 carece de la tosca contundencia de la primera parte, de su imbatible estructura de persecución de hora y media con muy pocos participantes, escenarios y consecuencias. Todo en Terminator 2 tiene una grandilocuencia que no siempre juega a su favor (la idea del T-800 como sustituto efectivo del padre es buena... pero no hacía falta que una voz en off nos la enunciara como si no tuviéramos ojos en la cara), pero sus virtudes son indiscutibles: convierte una serie B de pura explotación en un espectáculo nunca visto y para todos los públicos. Con robots y viajes en el tiempo. Qué más se puede pedir.

Además, el papel de Linda Hamilton se refuerza gracias a que la presencia masculina es protagónica pero asexual. Cameron perfila a Sarah Connor apoyándose en la previa teniente Ripley de Aliens, dando lugar a una heroína hipermusculada, pero sensible y emotiva, más preocupada por su hijo que por el futuro de la Humanidad. Una nueva fórmula de mujer de acción que es mucho más que una Rambo con bragas. La influencia de los dos primeros Terminator en la estética del cine de acción de los noventa es inabarcable, pero quizás sean detalles como ese lo que, con el paso de las décadas, las han convertido en películas tan actuales.

Terminator 3: La Rebelión de las Máquinas (2003)

Terminator 3: La Rebelión de las Máquinas La tercera entrega de la franquicia tardó, pese al monumental éxito de la segunda, más de una década en llegar. El motivo fue sumamente pedestre: Carolco Pictures entró en bancarrota y todas sus propiedades se subastaron. Entre ellas estaban el 50% de los derechos de la franquicia (el otro 50% pertenecía a la productora Gale Anne Hurd) y que James Cameron no terminaba de dar el punto final al guión. Cameron acabó apartándose definitivamente de la serie cuando la posproducción de Titanic se convirtió en un infierno.

Mientras tanto, los productores originales de las primeras películas, los míticos kingpinkingpin del cine comercial USA de los 80, Mario Kassar y Andrew G. Vajna, compraron los derechos de la serie que ya les habían pertenecido años antes. Adquirieron también la mitad de Gale Anne Hurd y encargaron un guión a Tedi Sarafian del que apenas quedó rastro en la versión final de la película y en el que John Connor trabajaba en una puntocom y el nuevo Terminator era femenino y se hacía invisible. Con un director a bordo que había dirigido las mucho más modestas pero muy estimables Breakdown y U-571, Jonathan Mostow, Schwarzenegger tenía sus dudas acerca de si debía participar en la película, sobre todo porque James Cameron estaba completamente fuera y podía darle problemas en su inminente carrera política. Finalmente, hizo campaña para gobernador de California durante la posproducción y promoción de la cinta.

El presupuesto de Terminator 3 fue de 170 millones de dólares, en su momento la película más cara de la historia. El caso es que no se nota demasiado... y eso es lo bueno. Quizás de forma involuntaria, la película prescinde de la grandilocuencia de la segunda entrega y vuelve a la discreción conceptual de la primera Terminator, planteando simplemente una persecución que no parece tener fin: un John Connor ya adulto (Nick Stahl) es perseguido por una nueva Terminator (Kristanna Loken), un nuevo cyborg multiforme devastador, y es protegido a su vez por el viejo modelo T-800 (Schwarzenegger). En medio de todo el trajín, una atemorizada humana (Claire Danes), que no termina de creerse del todo esta historia de robots asesinos que viajan en el tiempo. Terminator 3 plantea este sencillo argumento con apenas un puñado de escenarios (algunos tan peculiares como un cementerio) y una querencia por la concisión narrativa que deja poco espacio para los diálogos sensibleros, en un conjunto tan modesto a su manera como urgente y frenético.

La película se tropezó con el rechazo frontal de los aficionados, que exigían algo absolutamente imposible: una nueva Terminator 2. A la edad de Schwarzenegger se sumaba la ausencia de Cameron y Linda Hamilton, pero el resultado es estupendo, no solo por sus sensacionales secuencias de acción (la persecución con la grúa está entre los mejores momentos de la franquicia), sino por sus reflexiones de ciencia-ficción pura en su tramo final, que lanza algunas reflexiones fatalistas sobre el destino de nuestra especie inéditos en el resto de la serie, donde siempre hay espacio para la esperanza. Terminator 3 también triunfa al expandir la mitología de la saga: en este caso, se nos cuenta cómo tiene lugar el primer e inevitable ataque de Skynet, así como algunos datos sobre el futuro que nos espera. La única pega: el personaje femenino de Claire Danes, indigno de la tradición de mujeres fuertes que siempre ha exhibido la serie.

Terminator Salvation (2009)

Terminator SalvationComo suele ser habitual en las secuelas de Terminator, su rodaje se retrasó mucho más de lo previsto a causa de una preproducción turbulenta. Terminator 4 fue escrita por David C. Wilson, en teoría iba a rodarse al mismo tiempo que Terminator 3 e iba a continuar de forma directa lo que en aquella se veía: los primeros días del conflicto entre humanos y máquinas. Sin embargo, debido al éxito de Terminator 3, los productores Andrew G. Vajna y Mario Kassar decidieron volver a contratar a Nick Stahl y Claire Danes para que volvieran a interpretar a John Connor y Kate Brewster, y pagaron al director Jonathan Mostow para que desarrollara un nuevo guion que se rodaría en 2005, pese a que la participación de Arnold Schwarzenegger, ya Gobernador de California, debía ser limitadísima.

Para 2007, sin embargo, los derechos de la franquicia habían cambiado de manos: The Halcyon Company, nuevos dueños de la saga, querían rodar una nueva trilogía basada en las películas anteriores. Problemas con la compra de esos derechos retrasó un par de años más, sin embargo, el rodaje de la película, que finalmente cayó en manos de McG, responsable de las películas de Los Ángeles de Charlie.

Se fueron sucediendo una serie de escrituras de guiones entre los que destacaron las aportaciones de Jonathan Nolan -hermano de Christopher Nolan y co-guionista habitual de sus películas-, que subrayó la importancia de John Connor como héroe de la resistencia contra las máquinas. Se decidió introducir también un nuevo personaje, el de Marcus Wright (Sam Worthington) como un Terminator diseñado para infiltrarse entre los humanos pero que en última instancia acaba poniéndose del lado de estos, capitaneados por John Connor (Christian Bale), y del propósito de salvar a Kyle Reese, que en un futuro será muy importante en la lucha contra las máquinas... viajando al pasado.

El rodaje, con un presupuesto de 200 millones de dólares, también fue problemático: los dos actores protagonistas se hicieron lesiones severas y un especialista casi acaba mutilado. El resultado, por desgracia, no refleja el infierno de la preproducción ni tantos esfuerzos durante el rodaje: Terminator Salvation es una película anodina que no enriquece demasiado la mitología de la franquicia y se obsesiona con los rasgos críticos de la historia original, pero sin saber cómo darles vida más allá del papel. La idea del Terminator de sentimientos humanos traiciona la sintética simplicidad de las máquinas de Skynet hasta el momento, y lleva la franquicia en otra dirección, sin duda con posibilidades, pero que Salvation no aguanta bajo su endeble punto de partida.

Lo más interesante del conjunto, paradójicamente y a pesar de la aparición de Marcus, es la llegada de nuevos Terminators: Hydrobots, Mototerminators, Aerostats, T-600, T-700... y una fábrica de Terminators, donde tiene lugar el guiño más innecesario de esta secuela a las películas originales. Salvation también funciona bien cuando maneja conceptos de ciencia-ficción literaria en términos pop, algo en lo que la franquicia es experta: lanza al espectador algunas reflexiones sobre la inevitabilidad del futuro o cómo se decide quién es o no imprescindible que merecían, desde luego, un mejor vehículo.

Videojuegos, cómics series de televisión...

Entre unas películas y otras de terminator ha transcurrido tanto tiempo, inusual para una franquicia tan popular como esta, que su mitología se ha visto traducida a otros medios, especialmente después de la tremendamente exitosa segunda parte.

Hay casi 30 videojuegos distintos de Terminator, la mayoría producidos durante la década de los 90. Destaca como rareza el único que adaptó de forma fiel la primera entrega, un primitivo título sandbox para PC de 1990, desarrollado por Bethesda, futuros creadores de Skyrim. En un tosco mundo tridimensional el jugador podía dar vida a Kyle Reese o el T-800 bajo una mecánica que se anticipó a juegos tipo GTA. Bethesda volvería sobre la primera entrega, la única película de la que tenía derechos, a lo largo de esa década, con interesantes e innovadores juegos de acción en primera persona, como Skynet (1996).

Sin embargo, los juegos más recordados por los fans son los de acción y plataformas para consolas de 8 y 16 bits como Master System, Mega Drive y Super Nintendo. El más celebrado fue Robocop versus Terminator, basado en unos comics de gran popularidad que enfrentaban a un ejército de T-800 y otras máquinas al servicio de Skynet con el mítico policía del futuro concebido por Paul Verhoeven en Robocop. Un auténtico descerebre conceptual rebosante de gloriosa violencia pixelada.

En cuanto a los cómics, también hay una treintena de miniseries y especiales publicados, sobre todo en los años 90, por muy diversas editoriales. La más prolífica fue Dark Horse, que mezcló a las criaturas de Skynet con otras franquicias de la ciencia-ficción de la época como Robocop, Alien, Predator o incluso Superman. Muchos de ellos, como hicieron los videojuegos, expanden la historia de Reese, los Connor y toda la ralea de creaciones de Skynet, aunque rara vez han llegado a considerarse canónicos.

El producto más interesante que han generado las películas, sin embargo, es la serie de televisión Terminator: Las crónicas de Sarah Connor. Se trata de un spin-off de la franquicia fílmica que continúa las peripecias de Sarah y John Connor a partir de la segunda película, ignorando el resto de secuelas. Dura tan solo dos temporadas (2008-2009) que sumaron un total de 31 episodios, y en ellos se replica el esquema de la segunda película: John (Thomas Dekker) y Sarah (Lena Headey) huyen de un robot del futuro, Cromartie (Garret Dillahunt), y son defendidos por otro de aspecto femenino, Cameron (Summer Glau). No son los únicos personajes que viajan en el tiempo, pero la serie prefiere ceñirse al modelo de El fugitivo, con dos personajes en permanente huida. La interesante y muy valiente elección de Headey como Sarah Connor fue polémica en su día, al alejarse del físico agresivo de Linda Hamilton. Posiblemente es en esta serie donde más se indaga en el aspecto mesiánico de John Connor, lo que supone una interesante toma alternativa de los temas habituales de las películas.

La última entrega de la franquicia, que se estrena en España este viernes, ha tenido un desarrollo relativamente tranquilo para lo que suele ser habitual en la franquicia. Supone un regreso a los orígenes debido a la quiebra de The Halcyon Company tras el estreno de Terminator Salvation, frustrándose así sus planes de desarrollar una trilogía ambientada en el futuro. Tras la recompra de los derechos, la primera idea fue la de hacer un reboot animado en 3D de la franquicia que se titularía Terminator 3000.

Para 2012 se había desechado esa curiosa idea y una nueva película protagonizada por un Schwarzenegger libre de compromisos políticos estaba en preproducción. Ha contado incluso con la bendición de James Cameron, que la considera digna sucesora de las películas originales y que llegó a ser tanteado como posible director de esta entrega. Un curioso regreso a los orígenes para una película que desde el principio se ha planteado como una amalgama de guiños a las otras películas y que puede ser hasta difícil de digerir si no se tiene fresca el resto de la franquicia. Muy adecuado para una serie obsesionada con el viaje al pasado como único método de dar forma al futuro.

OjoCrítico.com

En un mundo donde lo más importante es que tu película no quede olvidada y no sea un fracaso, James Cameron se levanta para decirnos que él tiene las claves del éxito. Es posiblemente uno de los directores más regulares de la industria, pues en sus trabajos no hay “bajones” por decirlo de alguna manera. Sus películas tienen algo en común: buscan la grandeza, lo trascendental. Cameron se muestra como un especialista de los efectos especiales, alguien que con cada película se renueva, ya sea con alguna técnica de animación digital o recientemente con el uso del 3D. Cabe decir que no siempre es el primero en usar esas tecnologías para filmar, pero sí suele ser el primero en usarlas correctamente, tanto que su última película, 'Avatar', sigue siendo la que mejor uso hace del 3D en el cine. Ello justifica que directores como Peter Jackson o Michael Bay acudan a él como supervisor para la filmación en 3D. También lo hemos visto produciendo películas últimamente como 'Resident Evil: Ultratumba'.

Comenzó con 'Piraña 2' y a partir de ahí se inició una excelente carrera fílmica hasta tocar el éxito y el oro. Amante de la ciencia-ficción, nos trajo en 1984 la película 'Terminator', convertida ya en un clásico del género. Es curioso que después de que James Cameron hiciese ésta y su secuela se haya convertido en una figura importante dentro del ámbito de la ciencia en lo referente a viajes en el tiempo. Aunque lo cierto es que al director lo que le apasiona de verdad es el mundo acuático, los océanos y el mundo submarino. Tanto es así que en 1989 llevó a los cines 'Abyss', una cinta de ciencia-ficción protagonizada por Ed Harris ('La roca') y en donde los sucesos tienen lugar debajo del mar.

James Cameron además tiene dos puntos clave. Cada vez que saca una película, no sólo está escrita por él mismo sino que además suele ser en su momento de estreno la película más cara de la historia. Porque ya lo dijo Leonardo DiCaprio en 'Titanic' gritando al horizonte: “soy el rey del mundo”. Seguramente son muchos los que piensan que esa frase se le atribuye más a James Cameron que a DiCaprio.

Todo un genio de los efectos especiales, sacó 'Terminator' y maravilló al público, siendo la película en el fondo una humilde película slasher, la ya manida historia en la que un determinado asesino persigue a alguien durante toda la película. Sin embargo, y como ya se ha mencionado, sus películas suelen tener ese tono trascendental que ciertos espectadores buscan, por lo que sus películas no quedan olvidadas. 'Terminator' al final era una película puramente filosófica, donde los protagonistas luchaban no contra el asesino que veían, su enemigo ni siquiera existía como tal todavía, el programa informático Skynet. De esta manera, la película no sólo resulta un frenético entretenimiento, sino una genialidad que muy pocas películas alcanzan.

En 1986 y 1991 James Cameron llevó a la gran pantalla respectivamente 'Aliens: el regreso' y 'Terminator 2: El juicio final'. Dos secuelas, dos maravillas. La primera era la secuela del clásico de Ridley Scott 'Alien, el octavo pasajero'. Cameron enriqueció un universo fílmico entero introduciendo elementos culturales y simbólicos a una saga que comenzaría a convertirse por entonces en una franquicia. Por otro lado, 'Terminator 2' es a día de hoy la secuela por excelencia. ¿Se puede hacer una secuela de mejor forma? Y déjenme decir, por favor, que la doble introducción de la película con los créditos iniciales es de una magnitud impresionante, pura filosofía que se movía junto a la banda sonora de Brad Fiedel. Una puesta en escena sensacional para la que sigue siendo la mejor película de James Cameron con diferencia.

En 1994, estrenó 'Mentiras arriesgadas' ('True Lies' en la versión original), protagonizada por Arnold Schwarzenegger, que ya había trabajado con Cameron protagonizando las películas de 'Terminator', y Jamie Lee Curtis ('Halloween'). ¿Sería arriesgado decir que es una de las mejores películas de acción-comedia que se han hecho? La película funcionaba con un ritmo tan bueno que cualquiera se queda pegado a la pantalla. Cameron realizaba con esta cinta una parodia del cine de espías como 007. Tanto Arnold Schwarzenegger como Jamie Lee Curtis realizarían dos de sus mejores papeles en toda su carrera (Curtis ganó el globo de oro por su papel), y James Cameron se asentaría aún más como uno de los directores más ingeniosos y polivalentes del cine.

Pero es en 1997 cuando el director canadiense se quita una espinita que tenía en el corazón, llevando a los cines su obra magna 'Titanic'. Ganadora de 11 premios Óscar, la película resulta ser tan buena que parece a cierto público le indigna, pero la realidad es que es una de las mejores películas románticas de la historia, una genialidad en cuanto a ambientación y técnica en el uso de efectos especiales, unos diálogos deliciosos y unas imágenes bellas y eternas. De esta manera, 'Titanic' se presentaba como la gran película de la década. Criticada por ser demasiado lenta o muy empalagosa, toda crítica negativa queda en humo cuando se disfruta del verdadero mensaje que posee la película, una historia de ambición en la que el hombre quiere estar por encima de sus posibilidades, una historia de amor donde una mujer se enamora no sólo de un hombre, sino también de aquello que le rodea, la libertad de no saber qué hará mañana, a dónde irá o qué le deparará la vida.

Después de 'Titanic', James Cameron estaba más que consagrado y consiguió el estatus de director genio. Se despediría del cine durante muchos años, hasta que algo llamó la atención al gran director. Cameron tenía en manos varios proyectos, e incluso estuvo detrás de dirigir una película de 'Spiderman'. También adquirió los derechos del manga 'Alita: Ángel de combate' y creó la serie 'Dark Angel' en el año 2000. En 1994, él había escrito el guión de su más reciente proyecto, 'Avatar', pero no quiso llevarla a cabo debido a que veía la tecnología de la época insuficiente para poder filmarla. Pero la trilogía 'El señor de los anillos' animó al director canadiense finalmente a rodarlas cuando vio la tecnología usada para recrear al famoso personaje Gollum.

Dubitativo entre rodar la adaptación de 'Alita: Ángel de combate' o 'Avatar', eligió la segunda y pospondría el otro proyecto para el futuro (recientemente confirmado que empezará a trabajar en ello después de terminar la tercera entrega de 'Avatar').

Con un presupuesto de más de 200 millones de dólares, con un reparto un tanto novedoso donde se encontraba la experimentada Sigourney Weaver, con la mayor tecnología a su alcance y con una historia no muy original pero sí sólida, James Cameron hizo realidad su sueño de recrear un mundo ficticio de la forma más viva posible. La diferencia entre realidad y digital apenas era notoria. El 3D, sensacional. La banda sonora de James Horner, pura épica. Rápidamente, 'Avatar' se convirtió en la película más taquillera de la historia, rozando casi los 3000 millones de dólares de recaudación en todo el mundo, superándose Cameron a sí mismo con su 'Titanic', que antes se había convertido también en la más taquillera. Criticada por falta de originalidad y por parecerse a otras obras como 'Pocahontas', 'Bailando con lobos' o 'Ferngully', James Cameron no negó que se inspiró en algunas películas para escribir 'Avatar', si bien su guión fue escrito un año antes de que se estrenara 'Pocahontas', de Disney.

La historia de un futuro donde la vida en la Tierra se ha convertido en una odisea por las condiciones del ambiente, en la que un joven exmarine parapléjico se ve involucrado en un proyecto científico a causa del destino. Al llegar a una de las lunas del planeta Polifemo, Pandora, tomará el cuerpo de un avatar para convertirse en uno más de los habitantes del lugar. Poco a poco se irá dando cuenta de que lo que hacen los humanos allí es precisamente lo mismo que hizo que la Tierra se convirtiese en un absoluto infierno.

Así pues, esto es Jame Cameron, un talento en cuanto a técnica, espectáculo y entretenimiento, con guiones que funcionan aunque a veces algunos no los consideren demasiado profundos. En los próximos años veremos las secuelas de 'Avatar' y luego la adaptación de 'Alita: Ángel de combate'. Tenemos James Cameron para rato. Además, está trabajando en una nueva forma de filmar en 3D la captura de movimiento bajo el agua. Puede que a algunos no les guste el cine de Cameron, pero es innegable que con él, el mundo del cine progresa.

Javier Fernández López

Ante más de tres mil personas, James Cameron aseguró que en 10 años la televisión en tercera dimensión sin la necesidad de gafas será algo habitual, y que en unos años más iniciará su despegue, y afirmó que en su opinión, no todas las películas deben ser convertidas a 3D.

Entrevistado por el también cineasta Alfonso Cuarón en el marco de TagDF, un magno evento de tecnología y creatividad que ocurrió en la Ciudad de México los pasados 3 y 4 de julio, James Cameron aseguró que la tecnología televisiva tridimensional ya está aquí pero aún no está disponible. “Tal vez lleve uno o dos años para que esto pase a las transmisiones. De ahí en adelante será un proceso que avanzará inevitablemente y tal vez en diez años ya estemos viendo la televisión en 3D en todos lados”.

Cameron refirió como el mayor mérito de esta tecnología -que asegura haber ya visto- el no depender del uso de unas gafas especializadas para poder disfrutarla. En su opinión, mientras la televisión en 3D no tenga calidad HD sin utilizar los lentes, “no creo que haya mayor aceptación a este tipo de transmisiones 3D en la televisión”.

El cineasta canadiense criticó a las producciones de Hollywood que hacen versiones en tercera dimensión de una película planeada para un formato convencional. Luego de acotar que para que Avatar existiera hubo detrás de su realización cuantiosas inversiones en el desarrollo tecnológico de Jurassic Park o Terminator en sus respectivas épocas, James Cameron fue contundente: “una cosa es rodar en 3D y otra cosa es convertir un filme a 3D”.

Según su visión, un filme debe priorizar una buena historia por encima de la tecnología y no debe ser necesariamente copiado a una versión en tercera dimensión con el fin de aumentar sus ventas, sino crear una experiencia cinematográfica que cuide una realización que considere expresamente su exhibición en 3D. Como ejemplo de producciones forzadas a la tercera dimensión citó las recientes Iron Man 3 y Man of Steel.