El verano pasado, Banksy “dejó escapar” a los animales del zoo por las calles de Londres. El enigmático artista urbano colocó nueve obras de arte alrededor de la ciudad, todas ellas protagonizadas por animales. Lobos, pelícanos, elefantes, gorilas… Todos tuvieron su momento de protagonismo.

Sin embargo, una de las obras fue la que más llamó la atención en aquel momento: una especie de cabina de policía convertida en pecera. La garita llena de pirañas pintadas se volvió viral y el propio Banksy acabó reclamando su autoría, subiendo una foto de la pieza a su perfil de Instagram.

Cada vez más visitantes empezaron a trasladarse hasta el lugar donde estaba colocada la obra para poder fotografiarla, lo que aumentó el miedo de las autoridades por la posibilidad de que la cabina sufriera algún desperfecto. Para evitar el vandalismo, la Corporación de Londres decidió retirar la garita de la calle y trasladarla al Guildhall, un edificio municipal en el que los curiosos han podido observarla desde detrás de unas barreras de seguridad. 

Ahora se ha anunciado que las pirañas de Banksy dejarán la calle para tener un espacio propio en un museo. Será en el nuevo Museo de Londres, cuya inauguración está prevista para principios de 2026. De momento, parece que será la única de las obras del artista sobre animales que acabará expuesta allí.

El nuevo museo de Londres

El Museo de Londres se inauguró en 1976 y, el próximo año, abrirá una nueva sede en el histórico Mercado General de Smithfield. El objetivo del proyecto es transformar los edificios victorianos del mítico mercado para crear un espacio cultural moderno en el que albergar siglos y siglos de historia del mundo.

La Corporación de la ciudad ha destinado alrededor de 222 millones de libras para reubicar el museo, que se espera que atraiga a dos millones de visitantes cada año y cree más de 1.500 puestos de trabajo. La obra de Banksy será un importante reclamo, teniendo en cuenta la popularidad de este artista del que, a día de hoy, nadie conoce su identidad. 

Desde sus inicios, la obra de Banksy ha sido objeto de debate. ¿Sus piezas se podrían considerar arte callejero o vandalismo? La dirección del nuevo Museo de Londres tiene clara su postura. “Lo único mejor que tener un Banksy en las paredes del Museo de Londres en Smithfield o Docklands es tener un Banksy expuesto dentro. Ningún otro artista conecta con la gente tan profundamente, con tanto vigor, humor y honestidad como Banksy”, ha señalado Sharon Ament, directora del Museo de Londres.

Dos hombres han sido acusados del robo de un cuadro del grafitero Banksy de una galería en Londres el pasado domingo, informó este viernes la Policía Metropolitana (Met). Los acusados han sido identificados como Larry Fraser, de 47 años, y James Love, de 53, que quedaron ayer en libertad bajo fianza.

Las fuerzas del orden iniciaron una investigación después de que se denunciase el roto en una galería de New Cavendish Street, en el centro de Londres (cuyo nombre no ha sido revelado), en la noche del domingo.

La pintura, titulada Niña con globo, fue el único artículo robado, pero ha podido ser recuperado y devuelto a la galería, indicó la Met. Los acusados deberán comparecer ante un Tribunal de Kingston, al suroeste de Londres, el próximo 9 de octubre.

Banksy, cuya identidad es un misterio, genera una gran atención mediática cada vez que deja algún dibujo. El pasado agosto, el grafitero desveló nueve obras de arte de una serie de animales en distintos barrios de la capital británica.

La última de esa serie fue un gorila dibujado sobre una persiana del zoo de Londres, después de pintar en distintas calles una cabra, dos elefantes, tres monos, pelícanos, pirañas, un gato, un lobo y un rinoceronte.

Nadamos a crol por este mes de agosto, con los Olímpicos afortunadamente ya en el espejo retrovisor (alguna historia final hemos rascado desde aquí, como la respuesta a una pregunta que me he hecho siempre: ¿cómo, de qué manera y para quién hacen la música de los ejercicios de natación si no se oye un carajo?), los festivales echando decibelios por España entera (atención a los próximos días, que venimos con cositas), la gran creación de HG Giger correteando por la oscuridad de los cines... y las novelas, que caen una tras otra en verano.

Y algo más que nos ronda la cabeza estos días: la reflexión sobre qué tipo de teatro público queremos está ahí. No es fácil. Pero es necesario que las voces dentro de las artes escénicas hablen para que escuchemos qué piensan. 

Escuchar como escucha Londres a Banksy, que sin usar ni una sola palabra ha movilizado la conversación. Sus nueve grafitis consecutivos en las calles de la capital británica, en los que ha liberado a los animales del zoo, han lanzado ideas muy interesantes. Me gustaría recoger algunas de las interpretaciones que se han publicado en forma de comentarios en la cuenta de Instagram del artista.

El rinoceronte aplastando un coche abandonado, motivó a Enissa a afirmar que “la naturaleza iba a joder a la industria, como la industria había jodido a la naturaleza”. Los peces o pirañas de la cabina de la policía municipal, llevaron a los comentaristas a discutir sobre el libro Rebelión en la granja de George Orwell, no tanto como una metáfora del comunismo sino como una incitación de Banksy a que la ciudadanía se rebele contra el Gobierno. O que maneje de otra manera los disturbios vividos en las últimas semanas por parte de la extrema derecha.

Anja realizó un análisis geográfico de las obras y se dio cuenta de que cinco de ellas estaban situadas a menos de nueve minutos andando de un distribuidor o fabricante de armas o municiones. Para ella, Banksy está reclamando que se detenga la venta de armamento a países en conflicto. Eddie señaló otra cosa sobre las fotografías que cuelga Banksy en su cuenta con las que reclama la autoría: en alguna aparecen personas ajenas a la obra. Para él, la interpretación está clara: las personas dan la espalda al mundo salvaje; eso es lo que tenemos que cambiar.

Para la gran mayoría, la explicación evidente es: los zoos son cárceles para los animales. (El London Zoo le ha dado la vuelta y, contento con el grafiti, ha dicho que en verdad celebra la potencia de la conexión con la vida salvaje). Pero para un usuario llamado potager46flowers, a la vista de los dos elefantes asomados a dos ventanas, acercando sus trompas, el mensaje está claro: hay que hablar del elefante en la habitación.

Y en eso estamos.

Por cierto, ¿qué pasó con el hotel Bansky en Belén? Elena García Quevedo estuvo allí el mes pasado, nos lo cuenta en este interesante reportaje sobre el samud, la resistencia cultural palestina.

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Las recomendaciones de Librotea

Esta semana, Librotea nos recomienda cultura pop, alucinantes historias reales y algo de novela negra y criminal:

Tres planes para el finde, por Laura García Higueras

Cine de verano. Esta semana tengo que empezar pidiendo disculpas porque estamos a mediados de agosto y ¡todavía no os había recomendado ningún cine de verano! El Museo Reina Sofía lleva desde julio proyectando películas gratis y este viernes es el turno de la maravilla Jane B por Agnès Varda. A las 22h. Según la leyenda, Birkin estaba preocupada por la llegada de sus 40 y la cineasta francesa, que estaba cerca de los 60, le dijo que iba a ser una edad hermosa. A partir de ahí comenzaron a rodar este filme que terminó convirtiéndose en un recuento de varias partes de la vida de la actriz.

Solmarket. El Puig (Valencia) acoge este mercado dedicado a la gastronomía bien colorido sobre una señora explanada de 6.000 metros cuadrados. El horario es de 19 a 00:30h, perfecto para huir de las horas de más calor y poder disfrutar de su oferta de música en directo, arte, performances y una zona de venta de artesanía y ropa. También hay pensado para los más peques una zona de actividades y manualidades. La entrada es gratis, por cierto.

Mediterránea Fest. No sabéis las ganas que tenía de que llegaran este finde ya que, por fin, ¡cojo vacaciones! Mi primera costa va a ser la costa valenciana y no descarto acabar en el Mediterránea Fest de Gandía, en el que van a actuar mis queridísimas Ginebras, pero que contará también con otros grupos como Viva Suecia, Amaral, Dorian, Nebulossa y Sexy Zebras. ¡Música y playa! ¿Quién da más?

Belén, domingo. Frente a la zona más visitada del muro que alcanza los ocho metros de alto, tiene 700 kilómetros de largo y separa Cisjordania entre sí, y de las zonas donde viven judíos, Mohamed, que viste de marca, se detiene frente a la imagen de un campo de olivos dibujada en el muro.

No está solo, sino junto a una familia que habla árabe e inglés. El joven, después, se presenta con ojos llenos de brillo: “Soy estadounidense y palestino. Mis abuelos viven aquí y yo nací en California. ¡Esto es impresionante!”. El hombre (22 años) observa las pinturas hechas por Banksy, el anónimo artista urbano británico que estos días ha sembrado Londres de animales 'escapados' del zoo, que cada día atrae a decenas de visitantes hasta aquí.

Sobre el muro puede verse la imagen de una niña que salta sobre alambre de espinos, dos querubines que intentan abrir el cemento en la parte más alta, el rostro de una mujer bella que mide ocho metros; reproducciones de aviones en formación antes de un bombardeo, hay inscripciones (Make humus not walls). También, frente al muro, hay una gasolinera en torno a la cual llaman la atención el retrato de la periodista palestina Shireen Abu Aqleh, de 51 años, asesinada en Gaza, una tienda en la que se venden souvenirs o camisetas con las obras de Banksy.

Además, sobre los bloques (denominados New Jersey) de hormigón previamente usados por el ejército israelí y sobre las paredes de otros edificios por toda la manzana, aquí y allá, hay más impactos en imágenes: un corazón con tiritas, la paloma blanca de la paz con chaleco antibalas, una niña sentada. Cada imagen es aparentemente naif, pero no. Cada obra de arte urbano señala un objeto del asedio, un punto de tragedia, un motivo de reflexión. Y una forma para enfrentar lo inenarrable: niños que transforman el alambre de espino, que sueñan, que abren muros. Entre la ciudad de Belén (aquí, Betlehem) y el muro, como el corazón de una tela de araña, está The Walled Off Hotel; que es hotel, es obra de arte y es punto de exposición para artistas palestinos.

Más conocido como el hotel con las peores vistas del mundo, fue creado en 2017 después de que Banksy, el famoso artista anónimo, visitara Belén y decidiera dejar su arte callejero sobre los muros y sobrecoger con su mensaje a la gente de la calle; obligar a la reflexión y a la acción. Fue con este hotel, situado junto al check point de control israelí, junto a la carretera que va directa a Jerusalén y junto a la tumba de la matriarca Raquel ―sagrada para religiosos musulmanes y judíos― con lo que el anónimo artista compuso su obra más efectiva y su regalo: por fuera podría confundirse con un hogar palestino acosado por el muro; por dentro produce la experiencia que no se olvida.

Las ventanas de las habitaciones dan directas al cemento como la de tantas casas palestinas, pero contrastan con la decoración colonial británica que recuerda a otros hoteles coloniales de la zona, pero en este hay un museo y una sala de exposiciones que, ahí sí, están las obras del arte palestino. El salón de inspiración británica colonial está adornado con pinturas que representan situaciones tan comunes de la ocupación israelí como inimaginables para quien no lo conoce. Por ejemplo: un buldócer derriba una casa, y una madre, vestida a la manera tradicional palestina, huye despavorida con su bebé sobre su regazo. Hay un piano que reproduce piezas tocadas para el lugar por músicos famosos, hay un dibujo de dos niños que abren el muro con un martillo rojo. Abajo, las obras palestinas como Yabous, del palestino Tariq Salsa, que representa a Palestina con un rostro viejo sobre madera de olivo.

No obstante, y pese a que el dinero que se ha sacado del hotel “sirve para ayudar a causas palestinas” explica uno de los trabajadores que en la mañana de julio en el que se realiza la visita está sentado a su puerta, “el edificio no es del artista, y está alquilado”. El hotel fue acusado de usar en beneficio propio el drama palestino, que casi alcanza ya los 40.000 muertos este año en Gaza, unos 10.000 desaparecidos bajo los escombros y más de 90.000 heridos palestinos; además de los asesinados y secuestrados israelíes por parte de Hamás. Y que a lo largo de los meses se traduce en constantes bombardeos sobre Gaza, cuya gente, encerrada tras las fronteras bloqueadas de Egipto e Israel, comienza a morir también de hambre y sed.

Sin embargo, este hotel y las obras de arte que lo rodean son eslabones de algo mucho más sólido y permanente a lo que hoy, a la puerta del hotel Banksy, pone voz Fadi Kofaly, un hombre de 25 años que ha crecido en Belén con el muro siempre cerca, y también con una idea muy clara sobre el poder del arte: “Mi gran sueño es contar las historias de aquí. En Palestina estamos llenos de historias y las historias no tienen límites. No hay muros para ellas”, dice.

Mi gran sueño es contar las historias de aquí. En Palestina estamos llenos de historias y las historias no tienen límites. No hay muros para ellas

Fadi Kofaly — Trabajador del hotel The Walled Off

“Belén es una cárcel, pero de cinco estrellas comparada con otros lugares en Palestina. Aquí yo vivo bastante bien”, añade sentado a la puerta del hotel The Walled Off, donde trabaja, pero que está cerrado a cal y canto desde octubre. Vestido de negro rotundo con pantalón y camiseta en solidaridad con los muertos y, según dice porque le gusta ir así, Fadi estudia en la universidad, y para él el arte es expresión y es resistencia; su forma de hacer sumud.

En Palestina el arte es también sumud, pero también sobrevivir lo es. Sumud es un término propio que significa, según Wikipedia, “el valor cultural que nace como estrategia política del pueblo palestino” y que surge tras la guerra de los seis días de 1967, cuando se organizan ante la ocupación israelí. Se dicen que son “firmes” aquellos que “exhiben sumud”. O, en otras palabras, el sumud es lo que hace que “a pesar del Gran Hermano que es Israel, todos sueñan con un mañana mejor”, según explicaba el escritor y periodista estadounidense-marroquí Jordan Erglably en un reportaje publicado en The Markaz Rewiu. “Los gazatíes sobreviven gracias al sumud”, añadía. El sumud hace que muchos palestinos, nacidos, crecidos y formados en las mejores universidades en Europa o Norteamérica o Israel o cualquier lugar del mundo regresen para luchar o trabajar por Palestina.

Sumud es amor, resistencia sin armas, explica Abdul (nombre falso por seguridad). Es norteamericano de pasaporte, hijo de palestinos que emigraron en Intifada, trabaja en una organización humanitaria para la que interpreta el contexto del conflicto y se enfrenta a los colonos judíos que ocupan tierras palestinas o a los soldados si es necesario. Abdul tiene 25 años, vive con su abuela palestina en Jerusalén Este, y hoy, como muchos días, acude a la Universidad Hebrea junto a su amigo Josep (nombre falso) que es artista del diseño e informático, para ver la puesta de sol desde el lugar más alto de Jerusalén.

Pero antes de llegar a la azotea deja a un lado el ascensor que comunica el parking con los departamentos, camina junto a las paredes donde están expuestos los retratos de los secuestrados israelíes que Hamás mantiene en paradero desconocido, camina a través de los pasillos cubiertos de banderas israelíes y sale a la terraza donde hay un grupo de mujeres con la kefía, el pañuelo musulmán, que también observan el atardecer. De fondo, suena un pequeño recital musical en hebreo que celebra una ceremonia de graduación.

La ropa negra es una expresión de duelo, y moda

Josep — Estudiante

Para Josep, su amigo íntimo, que se mueve con confianza en la universidad donde estudió y a la que acude muy a menudo, la moda y el diseño también son formas de hacer arte y expresarse; de ser palestino. No es el único, de hecho, más allá del pañuelo palestino que todo el mundo conoce ―y que ahora resulta difícil ver en las calles―, en Palestina la ropa es una expresión artística comunitaria y una forma de resistencia pasiva. Por ejemplo: la ropa negra con vaqueros y camisetas que usan la mayoría de los adolescentes y jóvenes palestinos es una manifestación silenciosa y pacífica. También a veces la ropa es rotundamente blanca. De hecho, la mayor parte de los adolescentes y jóvenes palestinos visten de negro, también llevan el mismo corte de pelo y la exacta misma barba para mostrar su unidad y expresarse como si fueran uno. “Es una expresión de duelo, y moda”, dice Josep.

Ya en la azotea más alta de Jerusalén, situada sobre el Monte Sion, cuando los últimos rayos de sol iluminan el domo dorado, Abdul pone palabras a la emoción: “El trabajo que hacemos es proteger la tierra y a la gente. Somos guardianes de la tierra y de la gente, es la tierra de nuestros antepasados”, dice Abdul. “El sumud es amor, lucha sin armas”.

El arte, la cultura y también la artesanía crea puentes a ambos lados: convivencia. En el interior de la zona musulmana de la Ciudad Vieja, Raúl (nombre falso), de 55 años, artesano, ha pasado parte de su vida modelando platos, vasos, tazas y, en los últimos meses, intentando quemarlas con su horno. Ahora Raúl camina por la Ciudad Vieja árabe y visita a un anciano palestino conocido, que es anticuario. Raúl es chileno-israelí y artesano, llegó a Israel porque se enfrentó al régimen de Pinochet en las calles de Santiago de Chile cuando era menor y su padre, que temió por la vida de su hijo, creyó que en Israel se gestaba una sociedad alternativa en la que podría hacer realidad sus ideales sociales, y decidió venir aquí con toda la familia. Los padres de Raúl enfermaron después. Raúl los cuidó. Primero a su madre y después, a su padre. Tuvo un hijo, y también lo cuidó. Para Raúl vivir en Jerusalén y en Israel fue convivir.

Al llegar a la tienda palestina, cuando el anciano palestino le muestra unas monedas antiguas, ofrece té y le invita a sentarse, ambos mantienen una conversación sobre lo que está ocurriendo y sobre la guerra en sí. Dice el anciano: “Tenemos un paraíso, una tierra bellísima. ¿Por qué no podemos vivir en paz?”. “Creo lo mismo que tú, pensamos lo mismo”, responde el artesano israelí.

Al salir, ya en la puerta de Damasco, Raúl confiesa: “Mi padre murió. Yo estoy huérfano. Me abriría de aquí. Pero mi hijo ha decidido ir al ejército y no puedo o no se hacer nada para impedirlo. ¿Cómo ha podido pasar esto?”.

Comienza a caer la tarde y Raúl se apoya en la pared. Cerca, los soldados israelíes armados vigilan. Al mismo tiempo, sentados sobre los escalones de la Puerta de Damasco, un grupo de jóvenes palestinos practican sumud: visten de negro rotundo, llevan idéntico corte de pelo y lucen una barba exactamente igual. Pese a las noticias nefastas de Gaza, ellos comen pipas, sonríen ufanos; esperan.

Primero fue una cabra. Después, dos elefantes. Y luego, tres monos. Banksy está mandando un mensaje a los londinenses, que especulan sobre el trasfondo político: ¿una defensa animal?, ¿una metáfora del Gobierno?

En los días siguientes llegaron más animales: un lobo aullador, dos alegres pelícanos, un felino perezoso, una pecera, un rinoceronte subiéndose a un coche y, por último, un gorila que en la mismísima chapa del zoo de Londres deja escapar a una foca y diversas aves.

El primero de ellos, la cabra, apareció pertrechada el 5 de agosto sobre un contrafuerte en un muro de Kew Bridge (Richmond). Es una silueta dibujada por el artista urbano más relevante de nuestro tiempo, el misterioso Banksy, cuya identidad nunca ha sido revelada. Unas piedrecitas se despeñan hacia el vacío, fruto del equilibrio del mamífero cornudo.

Los dos elefantes aparecieron asomados a sendas ventanas (también falsas) de una pared en Chelsea, no lejos de la cabra. Se miran, parecen contentos y acercan la trompa el uno al otro. Como con el primero, el artista ha certificado su autoría publicando una fotografía en su cuenta de Instagram. Sin añadir comentario alguno, un usuario recibe una inmensa cantidad de “me gusta” gracias a su chascarrillo: el elefante en la habitación. ¿De qué quiere Banksy que hablemos? Era martes 6 de agosto, un día después.

La secuencia continúa al día siguiente, el 7 de agosto. Tres monos saltan por un puente para ferrocarril en el este de Londres. A estas alturas, los fans especulan si Banksy ha abierto las puertas del zoo de la capital británica. Para seguir la progresión, el jueves deberían aparecer cuatro ejemplares de cualquier otra especie en algún muro de la ciudad.

El jueves, el artista prosiguió liberando animales, pero el primero de ellos fue robado al poco tiempo. Un lobo pintado sobre una parabólica  en el barrio de Peckham, al sureste de Londres. Al poco, un grupo de encapuchados subió al tejado con una escalera y desmontaron la creación ante la mirada atónita de los viandantes, según se ve en un vídeo en redes.

El viernes 9 de agosto unos pelícanos se posaron sobre el rótulo de un fish & chips llamado Bonners Fish Bar, en el barrio de Walthamstow en Londres, al noreste.

Después llegó el enorme felino estirando la espalda, pintado sobre una vieja valla publicitaria sin utilizar para ese fin. Y al día siguiente, una cabina con unos rótulos de la policía municipal cuyos cristales Bansky convirtió en pecera. Con su habitual ironía, el artista reclamó la autoría tomando una foto a un policía de ese mismo cuerpo que a su vez tomaba una fotografía a la obra.

Esta semana los animales siguen campando por Londres. El lunes, un rinoceronte intentó subirse al techo de un coche aparcado en la calle Westmoor del barrio de Charlton, al sureste de la ciudad.

Este martes 13 de agosto, la propia chapa del zoo de Londres muestra el momento en el que un gorila ayuda a escapar a una foca y diversas aves.

Cada día, Banksy ha repetido el mismo método: aparece un grafiti por la mañana y a lo largo de la mañana confirma su autoría en su perfil de Instagram.

Bansky, desatado

Banksy llevaba tranquilo cierto tiempo. El año pasado organizó una exposición en un museo de Glasgow, donde los móviles estaban prohibidos, y era la primera muestra en 14 años. Hay exposiciones de Banksy continuamente, sí, pero ninguna de ellas está autorizada.

El mundo del arte todavía se estaba recuperando del amago de infarto en Sotheby's sucedido en 2018, cuando una trituradora escondida años atrás destruyó un lienzo que se acababa de subastar. El mensaje del artista quedaba meridianamente claro. Pero como el mercado del arte sobrevive a cualquier atentado, el cuadro medio destruido se subastó finalmente por 21 millones de euros, casi 20 millones más del precio de salida del cuadro antes de que se destruyera.

Los coleccionistas de arte pagan millones por poseer lo que Banksy regala a la gente, como esta serie de animales sueltos, que cualquiera puede fotografiar libremente, si es que nadie se las lleva para domesticarlos y meterlos tras las rejas de algún museo, para que solo los puedan ver los visitantes, previo pago de la entrada y salida por la tienda de regalos.

Decenas de miles de personas han visitado alguna de las exposiciones dedicadas a Banksy en los últimos años. Su firma siempre es un reclamo sabroso para la taquilla de las instituciones que las montan. Sin embargo, ninguna de ellas estaba autorizada por el artista. De hecho, hace 14 años que Banksy no monta una exposición organizada por él mismo sobre su trabajo. “He mantenido estas plantillas escondidas durante años, consciente de que podrían usarse como evidencia en un cargo de daños criminales. Pero ese momento parece haber pasado, así que ahora las exhibiré en un museo como obras de arte. No estoy seguro de cuál es el mayor crimen”, ha contado en un comunicado. 

Cut & Run es una exposición de los stencils (plantillas) que ha usado para intervenir las calles de todo el mundo desde 1998. Es una retrospectiva de 25 años de intenso trabajo, en los que siempre ha rechazado ser parte del sistema del arte… hasta esta exposición en la Galería de Arte Moderno (GoMA) de Glasgow (Escocia), entre el 18 de junio y el 28 de agosto. La entrada general costará 15 libras (17,5 euros, más caro que el Museo del Prado). A las pocas horas del anuncio de la exposición, se agotaron las del primer día.

Hay una advertencia para los visitantes: como los fines de semana abrirán toda la noche, “si te presentas muy intoxicado es posible que se te niegue la entrada”. Es para todos los públicos, porque no hay palabrotas relacionadas con los objetos expuestos y “todos los temas de adultos se tratan de manera bastante infantil”. Eso sí, prohibido fotografiar las plantillas. Por supuesto, el argumento es que la visita puede verse alterada, aunque dejar copiar el secreto del éxito es algo que no quiere permitir el artista que rechaza todas esas exposiciones que se hacen pasar por suyas. Así que utilizará el método Dylan y el móvil será encerrado en una bolsa precintada durante la visita a la exposición. 

En la exposición no faltará un modelo similar a la trituradora que usó para montar el espectáculo en Sotheby’s, en 2018, cuando autodestruyó su primera obra a la venta en una casa de subastas. Pensó que sería la mejor manera de boicotear al sistema, pero logró todo lo contrario. La prueba del éxito del mercado contra Banksy es esta réplica. Será uno de los puntos fuertes del recorrido por las plantillas más populares del misterioso artista cuya identidad ha logrado mantener en el anonimato estos 25 años de carrera. 

Por aclarar la diferencia entre las exposiciones que aprovecharon el silencio de Banksy, el propio artista dice que “si bien las exhibiciones no autorizadas de Banksy pueden parecer basura de mi estudio, Cut & Run es la basura real de mi estudio”. En 2015 creó aquel parque temático llamado Dismaland, cerca de Bristol (Inglaterra), con el que ironizó sobre Disneyland. Allí reunió a artistas como Damien Hirst o el grafito Lush, hasta un total de 50 participantes de 17 países (hubo dos españoles, Escif y Paco Pomet). Pomet lo definió como un parque de atracciones crítico “para concienciarnos de los problemas que todos tenemos y tendremos que lidiar”. “Es totalmente diferente a otras exposiciones y me encanta”, añadió el artista. Pero no fue una exposición retrospectiva de su trabajo en la calle.

Tampoco lo es Walled Off Hotel (Hotel Amurallado), que desde 2017 avisa que “podrás dormir dentro de una obra de arte”. Si te quedas una de ellas, “serás arrestado y conducido a la comisaría de Ramala y procesado por la ley local”. El mejor reclamo del alojamiento financiado por él, en Belén (Palestina). Hace un par de años volvió a Sotheby's a subastar algunas de las vistas que tenía colgadas en el hotel para construir una nueva unidad de lesiones y comprar equipos para un hospital infantil de Belén. Vendió por 2,4 millones de euros tres “marinas” mediterráneas, que el artista donó para beneficio de la construcción del centro. 

La exposición del GoMA mostrará plantillas de las que utilizó en Ucrania, para intervenir los muros de los restos de los edificios destruidos por los ataques aéreos del ejército ruso. Pero también exhibirá el chaleco antibalas Union Flag que Banksy hizo para la estrella del pop Stormzy o la que usó en una antigua prisión en Reading. La exposición plantea una curiosa paradoja al centrarse en las plantillas como bien artístico y no en las pinturas sobre los muros u otros soportes. Lo que importa no es la reproducción de la niña con los globos o la doncella que levanta el muro para esconder la mugre. Aunque sea valorado por sus ideas originales al intervenir las calles, ahora parece decirnos que lo que importa es el objeto. Peor, el fetiche. Eso de lo que vive y alimenta el estómago del sistema artístico. Es más: lo que importa no es el espray con el que se pinta, sino el cúter con el que se corta la plantilla.

Banksy, el enigmático artista urbano británico, ha viajado hasta Ucrania para plasmar sus trabajos sobre las ruinas de los bombardeos. El dibujante ha pasado en concreto por la ciudad de Borodianka, en Ucrania, para representar a una gimnasta rítmica que practica un ejercicio de equilibrio sobre los restos de un edificio destrozado por los bombardeos de la guerra.

En un post de su cuenta de Instagram, el artista ha publicado tres fotos de su obra. La primera es un plano corto en el que se ve a la bailarina, pintada en blanco y negro, en equilibrio sobre sus brazos, con la mirada en el suelo y las piernas en altura. Un paso intermedio hasta lo que se conoce técnicamente en el deporte como equilibrio invertido de manos.

En la segunda imagen, la cámara se aleja y la obra queda en el tercio inferior de la imagen, dibujada bajo un montón de escombros acumulados. La imagen deja a la vista un edificio en ruinas, destruido aparentemente por las bombas. La tercera fotografía muestra el tamaño completo del edificio, de unos diez pisos, y la dimensión completa de la destrucción. La bailarina queda en un pequeño punto abajo de la construcción, haciendo equilibrio en una de las vigas del edificio.

Borodianka es una de las ciudades que proliferan en la periferia de Kiev. Al comienzo de la guerra, las tropas rusas penetraron por el norte de Ucrania, desde Bielorrusia, en decenas de esas ciudades ubicadas a las afueras de la capital, donde permanecieron poco más de un mes. Las tropas ucranianas consiguieron en abril recuperar el control de esos territorios y pudieron comprobar el rastro de muerte que dejaron las fuerzas rusas durante su ocupación, con fosas comunes y cuerpos en las calles.

Tras la publicación del post en su perfil, las agencias de noticias han distribuido más fotos de sus obras en los alrededores de Kiev, aunque algunos de esos dibujos ya se podían ver hace unos meses. Quienes descubrieron entonces los dibujos se los atribuyeron al artista, que solo ahora ha confirmado su paso por el país invadido por Rusia desde febrero de este año.

El artista británico, cuya identidad se desconoce, ha plasmado anteriormente algunas de sus obras en otros territorios en conflicto. En 2005 viajó hasta el muro construido por el Gobierno de Israel de Cisjordania, denominado 'Il yidaar il fasel' (Muro de la Segregación) por los palestinos. Allí imprimió un negativo de una niña volando gracias a un manojo de globos de helio; también a unos niños jugando con un cubo y unas palas, que, escarbando en la pared, descubren una playa salvaje al otro lado.

Hace pocos meses, un grafiti del autor fue subastado en Londres con fines benéficos en apoyo de un hospital infantil ucraniano, una rifa que alcanzó la cifra de 81.000 libras.

Los barceloneses y visitantes de la ciudad pueden visitar, a partir de este viernes y hasta el 23 de marzo del año que viene, más de 70 obras del grafitero británico Banksy en el museo Disseny Hub. La muestra no ha sido autorizada por el artista, que asegura que prefiere mantenerse al margen del circuito artístico tradicional y permanecer en el anonimato.

Muchas de las obras que se muestran en la exposición 'BANKSY. The Art of Protest' son mundialmente conocidas, la mayoría de ellas serigrafías y piezas de estudio, pero hay dos que el gran público no había podido ver nunca expuestas: Pissing Guard (un guardia que mea en la calle) y Out of Bed Rat (una rata que se acaba de levantar de la cama), ya que fueron realizadas en paredes de edificios de Londres y Los Ángeles.

Estas dos obras inéditas fueron “arrancadas” de su localización original por los propietarios de los edificios y vendidas a coleccionistas privados que se encargaron de conservarlas, según ha explicado el comisario de la exposición Alexander Nachkebiya en la presentación ante la prensa.

Por primera vez, los propietarios de estas piezas han decidido compartirlas con el público. Y para preservar la esencia con la que Banksy las creó, los responsables de la muestra las han ubicado en la entrada de la exposición, de manera que cualquiera se pueda acercar a contemplarlas sin pagar la entrada.

Mireia Escobar, directora del Disseny Hub Barcelona, ha explicado ante los medios que no ha sido nada sencillo reunir todas estas obras en un solo espacio, puesto que provenían de muchos países diferentes y que la situación se ha visto entorpecida por pandemia y por el Brexit.

No obstante, ha asegurado que llevar a cabo una exposición como esta es “una declaración de principios” que muestra el deseo de este museo de convertirse en un lugar de diálogo entre el público y los creadores que, como en el caso de Banksy, fuerzan al espectador a la reflexión ética.

En el acto, también ha participado el primer teniente de alcalde Jaume Collboni quien ha querido remarcar la apuesta del consistorio por convertir la Plaça de les Glòries y el distrito del 22@ en un nuevo centro cultural de la ciudad de Barcelona y también en “el quilómetro cero de la creación artística”.

A su vez, ha agradecido al museo su apuesta por las exposiciones para el gran público y ha subrayado que la ciudad de Barcelona no podría ser un mejor emplazamiento para una exposición llamada 'BANKSY. The Art of Protest', pues cree que la capital catalana siempre se ha situado al frente de las protestas y luchas sociales, como ejemplo de ello, ha citado la Semana Trágica o el movimiento 'No a la guerra'.

En su intervención, el comisario de la exposición Alexander Nachkebiya ha señalado que el éxito y la fama que ha alcanzado Banksy no radica solamente en que sea un artista con talento y que conoce muy bien la historia del arte. Nachkebiya cree que el enigmático artista resulta tan atractivo porque “es controvertido y, al mismo tiempo, nos hace darnos cuenta de que detrás de su misterioso nombre hay una persona real con sus preocupaciones, amistades, pasiones y miedos”, ha explicado.

Sobre la cuestión de que Banksy no participe en la muestra, Nachkebiya ha afirmado que “es su decisión y debemos respetarla, pero los coleccionistas tienen derecho a mostrar sus posesiones, pues para ellos es un motivo de orgullo”. “A mi me encantaría que el artista quisiese involucrarse, pero ya sabemos que es un rebelde que quiere mantenerse fuera del sistema y que, a menudo, se burla de los compradores que están dispuestos a pagar miles y miles de euros por sus obras”, ha añadido el comisario.

Entre las obras expuestas, destacan las icónicas Lenin on skates, Love is in the air (que es la imagen de la exposición), Girl with ballon y Napalm, entre muchas otras. En ellas, Banksy sitúa al observador ante cuestiones universales que incitan a la reflexión como la globalización, el consumismo, las guerras, el poder de la política y la religión, la lucha de clases, la crisis migratoria o la crisis climática. Para ello, el artista utiliza una gran variedad de formatos, por ejemplo, el óleo, el acrílico o el spray sobre lienzo o madera.

La parte final y complementaria de esta exposición, que se centra en la trayectoria y las obras de Banksy, está formada por un reportaje fotográfico de Steve Lazarides que retrata el modo de trabajar de Banksy en las calles de todo el mundo, las fotografías y los vídeos del proyecto llamado Dismaland (un macabro parque de atracciones que Banksy creó en el sur de Inglaterra), la recreación del estudio del artista y la presentación en formato de realidad virtual de sus obras en diferentes escenarios internacionales.

El martillo ha sonado tras la oferta final de 16 millones de libras por Love is in the bin, la obra del creador de arte callejero Bansky, que finalmente se ha quedado en 18,58 millones de libras (21,25 millones de euros) en una subasta en Sotheby's. Al formalizar la compra, el subastador la remató con un “y ahí sigue”, en relación a la destrucción que sufrió la primera vez, por poco más de un millón de euros hace tres años, y que ha provocado su revalorización.

La venta se ha realizado en la misma sala que la espectacular primera subasta de Girl with Balloon —el nombre que recibió la obra antes de su destrucción parcial— un evento que en sí mismo se convirtió en un acontecimiento artístico, debido a la intervención del propio Banksy. El precio de salida estaba entre los 4 y los 6 millones de libras.

La noche del 5 de octubre de 2018, unos segundos después del golpe de martillo, se escuchó un pitido que desconcertó al público. En ese momento, el lienzo comenzó a deslizarse por el marco a través de una trituradora oculta. “Parece que acabamos de ser Banksy-tados”, dijo el director de arte contemporáneo de Sotheby's, Alex Branczik. En ese momento, el mercado del arte ya se estaba reprogramando para la impresionante revalorización de la obra que llegaría años después. La obra debería haberse destruido por completo pero el sistema falló, según explicó el artista. Lo que Banksy había preparado como un acto de resistencia ante el mercado, se volvió en su contra y ha sido el mercado quien, de nuevo, ha ganado la partida.

Tres años después del espectacular momento en que un cuadro de Banksy se autodestruyó tras subastarse por más de un millón de euros, la icónica obra regresará a la misma sala londinense donde hizo historia para buscar un nuevo propietario.

El trabajo se exhibirá al público este fin de semana en la casa de subastas Sotheby's, en el corazón de Londres, donde saldrá a la venta el próximo 14 de octubre después de embarcarse en una gira por Hong Kong, Taipei y Nueva York.

Sotheby's no lo sabía, pero en aquella noche del 5 de octubre de 2018 iba a convertirse involuntariamente en escenario de una intervención artística sin precedentes que atrajo miradas desde todas las latitudes.

Segundos después del golpe de martillo, un pitido desde el fondo de la sala donde colgaba el cuadro de Banksy recién subastado, Girl with Balloon (“Niña con globo”), acalló al público. “No era una alarma habitual en Sotheby's, no estábamos familiarizados con el sonido, y nos quedamos preguntándonos: 'qué está pasando'”, rememora a Efe Emma Baker, jefa de ventas en la casa de subastas, que recuerda ese momento como algo “muy dramático”.

“Nos dimos la vuelta y vimos que el lienzo se había deslizado por el marco, a través de una trituradora oculta, y nos quedamos completamente perplejos, todo el mundo estaba en shock”, describe sobre una escena que acabó con dos técnicos retirando el cuadro apresuradamente.

Los presentes acababan de asistir a la metamorfosis de Girl with Balloon, vendido por un millón de libras (unos 1,2 millones de euros / 1,4 millones de dólares) y revalorizado al instante al convertirse en una obra nueva, medio rasgada y más mediática si cabe, titulada Love is in the Bin (“El amor está en la papelera”).

Tres años exhibiéndose en varios museos

La nueva propietaria del cuadro tardó unos días en “procesar lo vivido” porque estaba “como todo el mundo”, en shock, admite Baker, pero finalmente decidió quedarse la obra, que ya tenía “innumerables” postores dispuestos a comprarla en caso de que se subastara de nuevo.

“Ha sido un viaje increíble ser parte de la historia de la que se ha convertido en una de las obras de arte más conocidas del mundo, pero ahora es momento de dejarla ir”, expresa la propietaria del cuadro, sin revelar su identidad, en un comunicado de Sotheby's.

Después de tres años de exhibiciones en varios museos internacionales, Love is in the Bin regresa a la casa de subastas donde nació para venderse esta vez con un precio de salida de entre 4 y 6 millones de libras (4,7 millones de euros / 5,5 millones de dólares), un récord para un Banksy.

Se trata de una suma “atractiva”, a juicio de Baker, teniendo en cuenta que la última obra subastada del artista se vendió por 17 millones de libras (19,8 millones de euros / 23,5 millones de dólares).

Quizás el cuadro no tendría este “caché cultural” si se hubiese rasgado por completo, tal como Banksy había planeado -así lo reveló en su cuenta de Instagram-, pero su maquinación fracasó y eso convirtió a la pintura en algo “mucho más especial”, asegura la experta.

Preguntada por otro posible “susto” en la nueva subasta, Baker dice risueña que espera que no haya “más sorpresas”: “Esta vez hemos estado trabajando estrechamente con Pest Control [organismo oficial de verificación de Banksys] y son muy transparentes, pero crucemos los dedos para que no pase nada”.

No se sabe quién es, no autoriza exposiciones, no concede muchas entrevistas. Mensajes políticos, satíricos o filosóficos aparecen en las calles sin firmar, pero con una clara huella del artista de Inglaterra. Sus personajes estrellas son las ratas, los monos, la familia real inglesa, los bobbies o los niños. Sus intervenciones se hacen de la manera más rápida posible con la técnica del esténcil o plantillas, sin ser visto, como si fuera transparente. Una exposición no autorizada por el anónimo artista Banksy se inaugura ahora en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, y en ella se podrán ver más de 50 obras originales cedidas por coleccionistas privados.

El comisario de Banksy. The Street is a Canvas, Alexander Nachkebiya, afirma: “Ha adquirido la categoría de fenómeno, es uno de los artistas más brillantes de nuestro tiempo. Su trabajo es un desafío para el sistema, una protesta, una marca extremadamente bien construida, un misterio, una desobediencia a la ley”. Rafa Giménez es el director de Sold Out, la empresa que produce la exposición: “Del artista se sabe poco, que nació en Bristol y que empezó sus obras a finales de los 90. Su estilo es tan sencillo y arrebatador que hasta un niño es capaz de entender la crítica y la sátira de cualquier obra social o política. He ahí una de sus grandes virtudes”. La exposición cuenta con una serigrafía original de la serie Niña con globo, parecida a la que se vendió por un millón de dólares en la casa de subastas Sotheby's y que, momentos después de la compra, se autodestruyó porque tenía una trituradora escondida dentro del marco. Una crítica al propio sistema que constantemente le mercantiliza. 

El anonimato tiene sus cosas buenas, como aparecer y desaparecer, crear en libertad, pintar mensajes punzantes en muros o espacios considerados como no permitidos. El anonimato permite saltarse la legalidad y, de este acto considerado vandálico, trabajar en arte, hacer llegar el mensaje sin intermediarios o hacer política, como financiando y pintando el barco Louise Michael para que en el Mediterráneo salvara las vidas de los migrantes que intentan llegar a Europa.

Pero en ese anonimato llega también su condena, la trampa y la otra cara de la moneda: Bansky ha perdido los derechos de autor de Lanzador de flores, que apareció en Cisjordania en 2003. La Oficina de Propiedad Intelectual de la Unión Europea (EUIPO) ha considerado que no puede demostrar que es obra suya, así que la empresa de postales Full Color Black puede seguir haciendo negocio con la creación made in Bansky.

En España tenemos nuestros 'Banksy'

En nuestras calles también podemos ver murales, grafitis e intervenciones de artistas locales de reconocido prestigio con similitudes con Bansky. De aparecer en la prensa por sus murales que se hacen virales y de anonimato también sabe J. Warx, que en las calles de Valencia ha dibujado al Rey Juan Carlos huido, a Miguel Bosé con bata de médico o a Pedro Sánchez con un bigote hitleriano y con su tuit de 2012 “a casa que ya es hora”. No da su nombre, no muestra su cara y actúa lo más rápido posible.

J. Warx nos cuenta: “Como normalmente pinto sin permiso no quiero poner tan fácil que me multen. Aunque lo hiciera legal quiero exponer mi arte, no a mí mismo, pretendo que se juzgue lo que pinto, no al pintor. Bajo el anonimato me siento totalmente libre, y hago cosas que con mi nombre me cohibiría”. Sobre la técnica y el trabajo de preproducción: “Como pinto sin permiso necesito que parezca que lo que hago es legal, así que tardo mucho en encontrar muros o sitios donde no pase mucha gente o parezca que me han dado permiso. Tardé una hora en dibujar lo del Rey, así que ahora estoy experimentando con plantillas para pintar lo más rápido posible. Pintando en la calle me sube la adrenalina, lo importante para mí es pasármelo bien y que mis mensajes lleguen a mucha gente”. 

J. Warx es ingeniero y tiene trabajos fuera del arte, pero la que sí vive de ello es Nena wapa wapa que, además de cobrar por murales que le encargan las instituciones, participa en festivales como Miau Fanzara y vende sus creaciones. En España hay cada vez más artistas del Street Art que viven de ello y tienen prestigio y trabajo internacional, colectivos como Boa Mistura o escritores como Felipe Pantone, Escif, Aryz, Slim Safont o Kram. La Nena wapa wapa no da su nombre aunque en el mundillo artístico de Valencia es de sobras¡ conocida: “Lo importante no soy yo, es mi obra, es el discurso que tiene lo que hago, no lo que yo digo de manera personal”.

La Nena wapa wapa ha podido profesionalizarse y comparte el taller COCIN4S con otros artistas de street art como Freskales, Disneylexya y David de Limón. La nena wapa wapa también ha sido invitada al festival de Zaragoza Asalto. Los festivales de arte urbano hacen labor de difusión y apoyo a los artistas. Sergio Beltrán es miembro del festival Asalto, que lleva 15 ediciones: “Es importante remunerar a los artistas. Un artista es un trabajador, el arte y la cultura es importante para nuestra sociedad y hay que reconocérselo. Pintar en la calle no quiere decir que tenga que hacerse gratis. Los artistas tienen el derecho de vivir con lo que hacen. El arte y la cultura es un absoluto bien común”.

Nena wapa wapa ha colaborado con Stool Streetart, y el propio Stool define lo que hace como “artivismo”: “He hecho campañas contra las casas de apuestas denunciando la distancia entre las casas y los colegios, por ejemplo. Se hizo muy viral el contador de feminicidios instalado en la fachada del Instituto Valenciano de Arte Moderno y que ahora, además, he convertido en una pirámide de violencias machistas. El arte es un comunicador potentísimo, cuando hago una reivindicación metida dentro de una obra de arte hace que multiplique su potencia. Eso es lo que pasa con Banksy”. 

El arte en la calle es múltiple, variado, variopinto y no solo lo forman los murales y grafitis. El carácter efímero de las piezas, así como la creatividad y la interacción con el mobiliario urbano es indiscutible. Hay propuestas originales como el trabajo de Arquicostura - Raquel Rodrigo: “En un proyecto de escaparatismo tuve la necesidad de traspasar esa barrera del cristal y saqué el escaparate a la fachada. De esa manera empecé a bordar fachadas, ya que se trataba de sacar a la calle lo que se respiraba dentro de la tienda decorada”. A Raquel Rodrigo del street art le interesa romper la barrera que hay en un museo.

“Hay mucha gente que nunca ha entrado en uno porque creen que no es para ellos, que no entienden de arte. El arte no se entiende, se siente. Hacer arte en la calle es una manera de compartir con más gente el poder que tiene de transformar la percepción de las ciudades, de modificar la manera de verlas”, cuenta Arquicostura. Otra propuesta muy original es lo que hace en Barcelona BL2A donde, a partir de cañerías o telefonillos, engancha su papel dibujado y los convierte en máquinas de café o focos de luz. El creador Ampparito también juega con los objetos urbanos y añade su toque: “en mis intervenciones propongo un cambio de enfoque. Antes atacaba la utilidad para abrir nuevos caminos desde un acercamiento poético. Ahora he evolucionado a simplemente romper el flujo de lo que se da por hecho. Crear situaciones que chirríen, que generen porqués dando pie a la reflexión, el placer estético o la indiferencia”.

Entre artistas se establecen sinergias, compadreo y trabajos compartidos, aunque es cierto que algunas veces puede haber pequeños conflictos por dibujar encima de lo ya pintado. Buscar paredes y lugares para trabajar es como calentar antes de salir a jugar. La aplicación Wallspot te facilita saber dónde poder ir a pintar en tu ciudad de manera legal. Marc García es uno de los miembros de la empresa que la creó, Rebobinart. Después de 10 años gestionando paredes, han puesto también en marcha un programa de aceleración de artistas gracias a la financiación pública del Ajuntament de Barcelona. Ellos remuneran a escritores y muralistas por actuar en sitios concretos permitidos en la ciudad. Ahora, van a estrenarse en Madrid gestionando dos muros en el barrio de Moratalaz y en Vallecas. 

Guillermo de la Madrid forma junto a Diana Prieto Madrid Street Art Project, donde desde el 2012 hacen safaris urbanos y visitan y explican sobre el arte urbano madrileño. Han hecho ardua labor divulgativa para desestigmatizar el arte en la calle. Además, gestionan proyectos como ¡Pinta Malasaña!, en el que grafiteros trabajan en persianas, o en el proyecto Circular, en el que los artistas recogen la materia prima de la calle y hacen sus propuestas a partir de ellas. A Guillermo no le gusta hablar de legal o ilegal, prefiere clasificarlo como “con permiso o sin” y la condición de fugaz o efímero considera que es el adn de este concepto artístico.

Gerson Ruiz es una de las personas que forman Digerible.com, el medio online especializado: “Nos interesa el arte contemporáneo en su total esplendor, pero destacamos el arte urbano por ser más directo con el público, ese mismo que por su naturaleza efímera en ocasiones dura solo horas. Hemos asumido como una responsabilidad intelectual contar con un espacio en internet donde todos puedan ver estos trabajos artísticos al igual que las obras expuestas en museos. Ya es hora de dejar los establecidos modelos del negocio del arte donde las galerías lo son todo”. Digerible.com es un catálogo de artistas y talento en todo el mundo. 

A Guillermo de la Madrid le interesa la obra de Banksy y considera que es un artista fundamental, que ha marcado el street art, que lo ha puesto en valor y lo ha popularizado. “Tiene un componente de activismo que me parece muy interesante y pionero. De él me gusta que hace llegar un mensaje de manera clara, un mensaje a menudo vinculado a algún aspecto de la actualidad y haciendo crítica del poder,  al capitalismo. Haciéndolo desde la ironía, el sarcasmo o con crudeza también, pero siempre dando un giro en su discurso y no de manera obvia. De sus proyectos el que más recuerdo es Dismaland, una especie de parque de atracciones lleno de intervenciones artísticas de más de 50 personas invitadas por él”. Guillermo de la Madrid no sabe si irá a la exposición del Círculo de Bellas Artes: “Me genera muchas dudas una exposición no autorizada por el artista, que son piezas de colecciones privadas. Su trabajo me interesa, pero hay ahí un espíritu comercial que no va en absoluto con él”.

Una lancha de Guardia Costera italiana ha acudido este sábado en ayuda del barco humanitario 'Louise Michel', financiado por el artista de arte urbano británico Banksy, que se encontraba en dificultades tras rescatar a 219 migrantes y ha evacuado a 49 de ellos. El barco, de bandera alemana, había pedido ayuda al explicar que estaba al máximo de su capacidad tras el último rescate y que incluso 33 de los rescatados permanecía aún en la barcaza y que debido a su peso no se puede mover.

La embarcación de 31 metros de eslora tiene una tripulación de 10 personas y había avistado anoche la barca con 130 migrantes que se unían así a los 89 que había rescatado durante la mañana del viernes. La Guardia Costera italiana explicó en una nota que tras informar tanto al centro de coordinación de rescate de Malta y las autoridades alemanas decidió intervenir ante “el empeoramiento de las condiciones meteorológicas en la zona”.

Se envió una lancha desde la isla de Lampedusa que en un primer momento ha embarcado a las 49 personas más vulnerables, entre ellas 32 mujeres, 13 niños y 4 hombres para completar los núcleos familiares. También se harán cargo del cadáver del migrante que se encontró en la barca del últimos rescate. Por el momento Malta e Italia no han autorizado el desembarco de los migrantes que quedan a bordo. El velero Astral de la ONG española Open Arms que también se encuentra en la zona había llevado ayer algunos víveres al 'Louis Michel'.

El barco, que lleva el nombre de la anarquista y feminista francesa del siglo XIX Louise Michel, se encuentra unas 90 millas al sureste de la isla italiana de Lampedusa. Zarpó hace unos días desde el puerto de Burriana, en España, gracias a una donación de Banksy, quien también ha decorado el barco pintándolo de rosa y con la imagen de una niña con un chaleco salvavidas y que sostiene un salvavidas a forma de corazón.

Respondió al llamamiento de ayuda el barco Sea Watch 4, operado por la homónima ONG alemana y Médicos sin Fronteras, que comunicó que cambió ruta para asistir al barco fletado por el artista británico. El Sea Watch 4 por su parte rescató hace seis días a 201 migrantes y espera aún una decisión de las autoridades italianas y maltesas para poder desembarcar.

El buque Etienne, espera el desembarco de 27 personas desde hace 22 días

Por otra parte, frente a Malta, el buque mercante Etienne se le sigue negando el permiso para desembarcar a las 27 personas rescatadas hace 22 días. Además este viernes también zarpo desde España el otro barco de Open Arms para unirse a las tareas de rescate en el Mediterráneo central.

El Ministerio italiano del Interior, que actualiza diariamente los datos, informó de que hasta este viernes desembarcaron 17.985 migrantes, de estos 7.067 en julio y 3.968 en lo que va de mes. En un comunicado conjunto, la Organización Internacional para las Migraciones (OIM) y la Agencia de la ONU para los Refugiados (ACNUR) exigieron este mismo sábado que se facilite el desembarco inmediato de cerca de 400 migrantes que han sido rescatados en los últimos días por tres barcos en el Mediterráneo central.

Ambas agencia de Naciones Unidas recuerdan que todos ellos partieron en botes de goma precarios desde playas en Libia, un puerto que se considera “no seguro” al ser la base de las mafias que trafican con personas y estar el país inmerso en una sangrienta guerra civil.

Este martes Banksy dio a conocer su pieza Stay Safe (mantente a salvo) que usaba el metro de Londres como escenario para concienciar sobre la importancia de llevar mascarilla. Sin embargo, como recoge la BBC, las características ratas del artista fueron eliminadas por los encargados del mantenimiento del suburbano londinense.

“Fue tratado como cualquier otro grafiti de la red suburbana. El trabajo de los limpiadores es asegurarse de que el metro esté limpio, especialmente dada la situación actual”, dijo una fuente del metro de Londres a la cadena británica, donde apuntan que los operarios lo eliminarion días antes de que Banksy diera a conocer su obra en Instagram pensando que era un gratiti cualquiera.

Como señala un portavoz del metro de Londres a la CNN, la empresa considera que la obra de Banksy violaba la estricta “política antigrafiti” del metro y que, aunque aprecian el mensaje para “alentar a las personas a que se cubran la cara”, les gustaría “ofrecer a Banksy la oportunidad de hacer una nueva versión para los clientes en un lugar adecuado”.

Banksy efímero

La del metro de Londres no es la única -y a buen seguro no será la última- obra de Banksy borrada al poco tiempo de hacerse. De hecho, es bastante habitual. En 2009, un equipo de voluntarios eliminó un graffiti de Banksy en Glastonbury, con la leyenda “La inmigración no es un delito” y valorado por las propias autoridades en 5.000 libras Un año después, un equipo de limpieza municipal de Melbourne borró uno de sus famosos ratones y el alcalde quitó hierro al asunto afirmando que “tampoco se trataba de la Mona Lisa”

En 2014, el Ayuntamiento del pueblo inglés Clacton-on-Sea hizo lo mismo con una obra valorada en medio millón de euros. Por aquel entonces, un portavoz del Ayuntamiento dijo que se había eliminado el mural tras recibirse una queja de que era “ofensivo” y “racista”, opinión que en principio compartió la brigada municipal

Hace dos años, unos propietarios de una tienda de Londres pintaron encima de otro Banksy, y el año pasado el propio artista pintaría encima de una pared en la que un grafiti suyo había sido eliminado. De hecho, el artista se lo suele tomar com humor. No está de más recordar que Banksy instaló un mecanismo para triturar una obra suya, vendida en Sotheby's por 1,2 millones de euros, delante de un público anonadado.

El Centro Pompidou de París ha informado este martes a través de redes sociales que el graffiti de Banksy sobre la revolución de Mayo del 68, el cual se encontraba en la entrada de su aparcamiento, ha desaparecido durante la noche.

“Lamentamos informar que la obra de Banksy que estaba en nuestro edificio en la calle Beaubourg ha sido robada durante la noche. A pesar de que esta pieza no era parte de nuestra colección, estábamos orgullosos de que el artista eligiera un lado de nuestro edificio para crear un homenaje a los eventos del Mayo del 68. Vamos a presentar una queja legal”, publicó el museo en su cuenta oficial de Twitter.

La pintada, que apareció en junio de 2018, representa a una rata armada con el hocico cubierto por un pañuelo y armada con un cúter en referencia a las revueltas de 1968 que provocaron que miles de estudiantes franceses salieran a la calle para protestar contra el capitalismo y la sociedad de clases.

“No nos ha pedido conservarla, pero seríamos estúpidos de no hacerlo”, dijo Bernard Blistène, director del Museo Nacional de Arte Moderno y encargado de la programación artística del Pompidou, poco después de descubrir la pieza de Banksy. El museo decidió protegerla con “plexiglás” para evitar que fuera vandalizada, pero parece que no ha sido suficiente para eludir su robo.

No es la única obra de Bansky que ha sido sustraída. La semana pasada desapareció misteriosamente el icónico mural sobre el Brexit que se encontraba en Dover (Inglaterra), donde el artista ironizaba sobre la salida del Reino Unido de la Unión Europea. Se desconoce si fue trasladado o pintado: lo único que se sabe es que erigieron unos andamios y al día siguiente la obra ya no estaba.

Como viene siendo habitual, no sería extraño que volvieran a aparecer en una casa de subastas para ser vendidas al mejor postor, como ya ocurrió con el cuadro Girl with balloon (Niña con globo) destruido ante la sorpresa de todos los presentes en Sotheby's.

El mural de Banksy en el que el artista ironizaba el Brexit y la posible salida de la Unión Europea del Reino Unido ha desaparecido del edificio en el que había sido pintado en Dover, el puerto que conecta Inglaterra con Calais en Francia.

Dover y sus blancos acantilados, vistos por muchas personas que llegan y parten desde Gran Bretaña cada año, ha sido uno de los escenarios frecuentes en la cobertura mediática del Brexit. La pintura estaba en la fachada del edificio desde el año 2017 y en ella se podía ver a un trabajador golpeando con un martillo una de las estrellas amarillas que forman la bandera de la Unión Europea, en lo que ha sido interpretado como un posicionamiento en contra de la salida de la Unión Europea del artista.

Varios residentes de la zona han relatado a la CNN cómo se erigieron andamios de varios niveles junto al mural y al día siguiente desapareció la obra, desconociéndose si fue trasladado o pintado. Esto impactó a los lugareños, quienes a través de redes sociales compartieron su indignación con la decisión. “No he oído hablar de otro pueblo, pueblo o ciudad que haya pintado sobre un Banksy. ¡Dios mío, Dover, qué estás haciendo!”, compartió en su tablón de Facebook Zara White, autóctona de la zona.

La familia Godden, propietaria del edificio en el que está pintado el mural, todavía no ha hecho declaraciones al respecto. Sin embargo sí había expresado previamente su interés en vender la obra de arte, según el diario The Telegraph. “Podemos confirmar que estamos explorando opciones para la retención, eliminación o venta de la pieza”, señalaba la familia en el año 2017. En cualquier caso, ya entonces aseguraron que buscarían beneficiar a las organizaciones benéficas locales con los ingresos de cualquier venta de la pieza.

No es la primera vez que desaparece una obra de Banksy. Son muchas las que dejan de existir en su lugar original para luego resurgir en casas de subastas y ser vendidas al mejor postor. En ocasiones la jugada no sale bien, como ya demostró el enigmático artista con la trituradora escondida en el cuadro Girl with balloon (Niña con globo) que destruyó el lienzo ante todos los presentes en la casa Sotheby's.

De las aparentes contradicciones de exponer arte urbano en un museo ya se ha escrito mucho. También del estatus de estrella global del arte de Banksy, un tipo con facilidad para crear imágenes brillantes que exploran y señalan con crudeza los pliegues de la sociedad global. Banksy también ha hecho de su misteriosa identidad un reclamo en sí mismo. Si agitamos estos ingredientes nos sale un héroe romántico, al estilo de un justiciero enmascarado que apunta con sorna al poder. Pero no hay que engañarse: Banksy es eso, pero también un artista de estudio que vende sus obras a quien quiera comprarlas, de modo que acaban expuestas entre las cuatro paredes de un museo.

Viene todo esto a cuento de la exposición Banksy, the art of protest, que puede verse en La Térmica de Málaga hasta el 15 de septiembre, y que se presenta como “una exposición no autorizada de trabajos procedente de colecciones privadas”. Es decir, de coleccionistas que compraron un trabajo de Banksy, y que lo ceden previo pago a unos organizadores (en este caso, Sold Out) para que comisarien una exposición para cuya visita hay que pagar un precio.

Puede uno remontarse a la imagen del Che transmutada en camiseta para razonar que el capitalismo también ama a sus monstruos, quizá más que a nada. La protesta iconoclasta se vende y con ella se adquiere también un sello de pureza. Alexander Nachkebiya, comisario de la muestra, razona que no hay contradicción alguna en cobrar por ver el arte urbano de Banksy: “Es justo y legal cobrar por esto. Totalmente. Porque cualquiera de las obras que hay aquí no son gratis. Banksy las pintó y las vendió”, aclara. Hay una diferencia evidente entre esto y cortar un mural de Banksy para ganar dinero con él, dice: “Sería un timo si hubiéramos cogido un trozo de pared, pero nosotros no cogemos arte de la calle, accesible y gratuito. No somos ese tipo de gente”.

El comisario admite que el arte urbano tiene su espacio natural en la calle, pero también una vida corta. Y matiza: obras como Throwing flowers tienen un significado en el muro de Cisjordania, pero otras, como Girl with balloon quizá no tanto. Girl with ballon es la obra de Banksy triturada en una subasta en Sotheby's.

¿Qué se puede ver en La Térmica? Básicamente, serigrafías numeradas de algunas de las obras más conocidas y reproducidas del artista de Bristol y algunos originales, como Smiley copper. En las dos salas que el centro ha puesto a su disposición están las serigrafías de murales como Girl with balloon, Carritos, Código de barras, La Voz de su amo, Throwing flowers, Aplauso, Pulp Fiction o Napalm, que sólo se hizo para estudio. También varias de sus imágenes dedicadas a las ratas, un animal simbólico en la obra de Banksy. “Si eres un tipo sucio, insignificante y sientes que nadie te quiere, entonces las ratas son el modelo a seguir”.

Además de 45 piezas de coleccionistas, La Térmica ha dispuesto una sala interactiva, un vídeo sobre su instalación Dismaland y un espacio que reproduce el estudio del artista.

En cualquier caso, está claro que la muestra no está autorizada, y así se resalta en el título, pero no que a Banksy le moleste. Dice Nachkebiya que nunca ha conseguido contactar con él, porque no responde a los correos. De todas formas, no le importa: “El hecho de que no apoye las exposiciones no significa que la gente no tenga derecho a verlas. Esa es nuestra misión”.

“Cuando trabajas con un artista que no sabes quién es no podemos preguntarle, así que hablamos con gente que trabaja con él o que está a su alrededor”, explica Nachkebiya. “Su trabajo no es plano, así que queremos plantear cosas. ¿Quiere decir esto o lo otro?”.

Una exposición con entrada por primera vez en La Térmica

La Térmica espera que la muestra sea un gran hito y un gran “atractivo turístico” durante el verano que le convierta en “referente internacional”, según dijo Francisco Salado, presidente de la Diputación de Málaga, la entidad que sufraga el espacio.

Para aspirar a este nuevo estatus, La Térmica ha roto con una línea sostenida durante seis años. Todas sus exposiciones han sido gratuitas para el público, y esto ha contribuido en buena medida a acercar la obra de artistas como Korda, Sandro Miller o Nadia Lee Cohen. Hasta ahora. Por primera vez, una exposición de La Térmica tendrá un precio de entrada, a nueve euros la general.

Salomón Castiel, director de La Térmica, explicó que esta era la única forma de traer a Málaga esta exposición, “que podría haber ido a cualquier lugar del mundo”, y admitió que a partir de ahora el centro público podría replantearse su política de gratuidad: “Abre un camino a exposiciones que el centro no tiene recursos para producir”. En las expectativas influye que Banksy. Genius or vandal, también comisariada por Sold Out, la hayan visitado 600.000 personas en Moscú, San Petersburgo y Madrid.

¿Quién es Banksy?

Sobre la identidad de Banksy se especula cada cierto tiempo. El rumor más extendido es que se trata de Robert del Naja, y esta muestra no se resiste a acompañar algunas de las piezas de Banksy con la música de Teardrop, el hipnótico lamento incluido en el Mezzanine de la banda de Bristol. Pero dice Nachkebiya que prefiere no saber quién es, porque entonces Banksy perdería parte de su gracia.

También perdería parte de su esencia romántica, que le blinda frente a los interrogantes que suscita su obra, su forma de entender el arte y su relación con el mercado. Aunque algo ha dicho: There's nothing more dangerous than someone who wants to make the world a better place (“No hay nada más peligroso que alguien que quiere hacer del mundo un lugar mejor”). Saber quién es Banksy quizá lo hiciera menos rentable, porque pocas cosas deglute mejor el capitalismo que un héroe romántico.

Banksy muestra múltiples caras sin ni siquiera haber enseñado su rostro. Tritura un cuadro para mofarse del consumismo y acaba duplicando su valor, crea un macabro parque imitando a Disney y termina facturando millones de euros, y elabora piezas que presumen de ser “urbanas” pero que a su vez son expuestas por grandes galeristas privados. Es una contradicción constante, un yin y yang que, por primera vez, llega a España.

Concretamente lo hace en el espacio 5.1 del recinto ferial IFEMA de Madrid con Bansky, ¿genio o vándalo?, una muestra no autorizada por el autor que incluye más de 70 obras (tanto serigrafías originales como reproducciones) de colecciones privadas que podrán verse hasta el próximo mes de marzo. Esta se encuentra organizada por la empresa española Sold Out en colaboración con la rusa IQ Art Management Corporation y la Lilley Fine Art, galería pionera en el comercio de copias de Banksy. Además, como cabría esperar, todas se encuentran a la venta.

“Es cierto. Puede que Banksy sea bueno para el capitalismo y que al mismo tiempo tenga un discurso combativo contra este, pero cuando quieres expresar algo que no ves correcto a tu alrededor está bien que lo hagas, aunque sea desde dentro del sistema”, explica a eldiario.es Alexander Nachkebiya, comisario de una exposición inmersa en la penumbra de cada sala, como si fuera una partida de póquer con apuestas al margen de la ley. Es justo lo pretende transmitir la instalación: la de estar ocultos bajo la capucha de Banksy, sin identidad y con libertad cuestionar los agujeros de la sociedad.

Como el propio nombre de la colección indica, esta invita a reflexionar sobre el papel de Banksy. ¿Es un genio o un vándalo? ¿Un artista o un mero provocador? ¿Un empresario o un librepensador? A pesar de que la premisa inicial incita a que cada visitante decida qué respuesta dar a las múltiples dualidades, en ningún momento parece mostrar ese contraste crítico sobre el trabajo del grafitero. Se trata, más bien, de un salón de la fama dividido entre sus píldoras hacia el consumo o hacia la política. De hecho, el propio Nachkebiya tiene clara su postura: “Es un genio. De esos genios que tienen respuestas a las cuestiones más importantes de nuestro tiempo y se atreven a darlas”.

Reflejo de ello es la obra Stop Esso, situada casi al comienzo del recorrido. Se trata de un grafiti sobre un muro de ladrillo que muestra a un hombre y una mujer disfrutando de un día de playa mientras una niña tiene las manos cubiertas del combustible vertido por la petrolera Esso, la cual fue señalada por Greenpeace en el año 2000 por negar la existencia del calentamiento global y financiar la creación de una pseudociencia para defender dicha postura. El objetivo no era otro que retasar la inversión en energías renovables.

Resulta paradójico que el genio (o vándalo) dedicado a denunciar las trampas del mercado haya acabado como una pieza de su propia exposición en forma de maniquí perverso. Es lo que ha provocado, entre otras cosas (como el precio de la entrada, unos 15 euros), que se haya desligado de esta exposición. “Sé que Banksy no montaría algo así si lo hiciese él mismo, pero creo que lo más importante es no privar a la gente de poder descubrir su arte, incluso a los que piensan que es un idiota”, reconoce el comisario.

Al margen de certificaciones oficiales y de si incita o no al debate, Banksy, ¿genio o vándalo? es un entretenido paseo entre pintadas callejeras y pantallas en las que llega a colarse Salida por la tienda de regalos, el documental del artista. Algunas zonas, además, consiguen recrear una atmósfera digna de una incómoda distopía. Es el caso de la sección dedicada a la vigilancia, un cubículo rodeado cámaras y plasmas en los que el visitante puede verse a sí mismo. Al mismo tiempo, el texto en la pared revela que “las autoridades defienden la necesidad de contar con cámaras” pero “en realidad solo el 3% de los delitos se resuelven gracias a estos vídeos”.

Tampoco olvidan su destacada faceta antibélica. “Los mayores crímenes del mundo no han sido cometidos por aquellos que se saltan las reglas, sino por los que cumplen las normas. Son aquellos que obedecen órdenes los que lanzan las bombas y masacran pueblos enteros”, se puede leer en la sala Juego de guerra. Justo en frente, otra instalación curiosa: una habitación de pocos metros cuadrados con Pintalabios del Holocausto, que muestra a víctimas de un campo de concentración de la Segunda Guerra Mundial con los labios pintados mientras acompaña la perturbadora banda sonora de un metrónomo.

Niña con globo sin triturar (de momento)

Niña con globo Después de transitar entre obras sobre el muro que divide Israel y Cisjordania, sobre el Brexit o sobre proyectos a mayor escala, como el parque temático no recomendado para niños llamado Dismaland, llega la estrella del repertorio. Porque, al igual que ocurre en los conciertos de música, la pieza más conocida se queda para el final.

Niña con globo es probablemente la imagen más reconocida de Banksy. El primer mural de esta apareció en 2002 como grafiti en una calle del este de Londres, pero no fue el único. Poco después alguien añadió la frase “siempre hay esperanza” y empezaron a crear versiones por diferentes partes del Reino Unido, las cuales en su mayor parte han sido borradas o robadas.

El mismo Banksy también es responsable de otras adaptaciones de la obra. Por ejemplo, en marzo de 2014 reconvirtió a la protagonista del grafiti para hacer referencia al tercer aniversario de la Guerra de Siria. Pero, sin duda, el reconocimiento de Niña con globo no sería el mismo sin una de sus últimas jugadas: la autodestrucción en la casa Sotheby's.

“Es evidente que su última performance ha sido algo muy sonada y muy comentada, pero Banksy ya era un artista popular en todo el mundo. No solo porque ha realizado obras en muchos países, sino también a nivel artístico. La gente ve un Banksy y lo reconoce”, considera Nachkebiya. No ocurre lo mismo con su persona. De hecho, hasta podría pasearse por esta misma exposición, salir por la tienda de regalos, comprar un souvenir e irse sin que nadie lo reconozca. 

Banksy y destrucción son dos conceptos que empiezan a ir de la mano. Después de la polémica trampa en la trituradora que pretendía servir de trolleo al capitalismo y a las casas de apuestas, parece que Girl with balloon (Niña con globo) podría no ser la única obra del artista anónimo que se destruya. A esta se suma otra: Slave Labor (Trabajo de esclavos), que muestra a un niño pequeño de rodillas mientras cose banderas del Reino Unido.

Al menos, es lo que su propietario, el estadounidense Ron English, indicó la agencia británica PA: “Esto es un golpe para el arte callejero. No se debe comprar ni vender”. Por ello, el también artista callejero, decidió comprar el Banksy subastado la semana pasada en Los Ángeles por 650.000 euros para “pintar encima de él” e incluirlo en “una de las paredes” de su casa. Aún así, tampoco descarta volver a vender la pieza “reconvertida”: “Por supuesto que venderé la pintura 'blanqueada' por un millón de dólares. Estoy loco pero no soy estúpido”, aseguró.

La pieza en cuestión, fue pintada por Banksy en 2012 en una tienda situada en el norte de Londres. Sin embargo, fue retirada a por alguien desconocido meses después de su creación y subastada en 2013, algo que enfureció a los residentes del distrito de Wood Green, donde estaba el mural. Finalmente, después de transitar por diferentes casas de subastas, llegó hasta Julien's Actiond en Los Ángeles, donde fue comprada por Ron English. Quedará por comprobar si su supuesta destrucción termina siendo una protesta al mercado o si, por el contrario, al igual que ocurrió con Girl with balloon, acaba duplicando su valor.

Banksy ha hecho publico un vídeo en el que muestra las pruebas realizadas antes de la acción que acometió hace unos días -triturar en directo una obra suya que se acababa de vender por 1,2 millones de euros-. Sin embargo, durante dichas demostraciones las copias originales de Girl with balloon se destruyeron completamente, mientras que la de Sotheby's sólo lo hizo parcialmente.

“En los ensayos funcionó...”, dice el propio artista en el vídeo, titulado Shredding the Girl and Balloon - The Director’s Cut. En él, el autor de la performance muestra la colocación de las cuchillas que debían triturar la obra en su totalidad, así como la reacción del publico asistente a la subasta ante la destrucción en vivo de una obra de arte. Sin embargo, el mecanismo falló y Girl with balloon quedó triturada por la mitad.

El de Bristol ya colgó un vídeo explicando el proceso de construcción de la trampa: una trituradora escondida desde hacía años en el mismo lienzo de la obra. Desde entonces, se especula sobre quién fue realmente el comprador de la obra, cuya identidad se desconoce, y cuál es el valor de la obra actualmente.

Ahora, el resultado de la idea -y del fallo-, se ha convertido en una obra de arte en sí misma, ha sido rebautizada como Love Is in the Bin, y se desconoce su precio real en el mercado del arte, a pesar de que muchos expertos aseguran que la jugada habría multiplicado el mismo.

“Toda acción de modificación sobre una obra tiene como resultado el aumento de su valor. Está cantado”, explicaba la semana pasada a eldiario.es Daniel Lesmes, profesor de Teoría del Arte en la Universidad Complutense.

Hay quien intentó imitarle, cortando a tiras una copia de la obra valorada en 40.000 libras, y terminó devaluándola hasta alcanzar un precio de poco más de una libra en el mercado, según los expertos del portal especializado en arte My Art Broker.

El viernes pasado Banksy despeinó algunos peluquines en la casa de subastas de Londres Sotheby's. Una fila de mujeres ataviadas con perlas y peinados lacados atendían los teléfonos mientras que en el patio de butacas los asistentes pujaban cada vez más alto por un lienzo de la Niña con globo. “¡Vendido!”, anunció Oliver Baker al alcanzar los 1,2 millones de euros, y justo cuando el subastador dejaba caer la maza sobre la mesa, el cuadro comenzó a desintegrarse ante la mirada atónita del público.

La triquiñuela del artista británico copó los titulares de todo el mundo y él mismo se lo tomó en Instagram como un triunfo ante los tiburones del mercado del arte. Es cierto que Banksy “interrumpió el flujo del capital por una noche”, como escribió el crítico de arte de la revista New York, pero la intención de su troleo se desvirtuó tan pronto como la maquinaria despertó del shock.

La subasta de la Niña con globo se ha convertido en un hito de la historia del arte -a su manera- y es improbable que el mercado deje de sacar tajada. Según el experto en compraventa de arte, Joe Syer, la obra semitriturada ha duplicado su valor inicial y ronda en este momento los 2 millones de libras (2,3 millones de euros). El artista urbano quiso hacer mofa del consumismo vacío de la alta cultura, y esta le ha devuelto el golpe sin un ápice de vergüenza: no solo va a seguir lucrándose con él, sino que facturará el doble.

“Toda acción de modificación sobre una obra tiene como resultado el aumento de su valor. Está cantado”, explica a eldiario.es Daniel Lesmes, profesor de Teoría del Arte en la Universidad Complutense y presidente de la asociación de artistas y teóricos CRUCE. Para el periodista de la New York, Banksy merece nuestros respetos solo por haber noqueado al “insidioso mundo de las subastas”. Sin embargo, quizá su bofetón fuera más aparente que efectivo.

“El término autodestrucción no es exacto, porque lo que hay es una transformación de la obra”, indica Lesmes. La obra, por tanto, no se desintegró al ser rajada con las cuchillas, sino que se reconvirtió en otra todavía más valiosa para la compraventa. Se trata, como explica el docente, de una práctica “muy antigua” que “en el arte contemporáneo se lleva haciendo desde los años 60”.

De hecho, el mismo Picasso al que hizo referencia Banksy en su cuenta de Instagram afirmaba que “un cuadro es una suma de destrucciones”. Precisamente por ello, Lesmes apunta que “podríamos valorar esta performance como una suerte de reflexión de las contradicciones del capitalismo”, y de cómo hasta las trizas de papel pueden convertirse en objetos de deseo, “pero es que ni siquiera en ese caso el acto de Banksy habría sido original”.

Lo que existe, por tanto, es una manifestación de la lógica de la economía aplicada al ámbito de la cultura. Hasta las ruinas de una obra pueden ser comercializadas, ya que es el gesto previo de la performance el que les ha otorgado valor. “Una vez que está dentro del sistema no puede hacer nada, ya que el capitalismo se caracteriza por absorber cualquier acción que está en contra”, critica el experto en arte.

Al profesor universitario le parece anecdótico que Banksy haya decidido colgar el vídeo del momento en su cuenta de Instagram porque convierte la supuesta lucha contra el capital en “una lógica del espectáculo” que al final “favorece al nombre del creador”.

Según Lesmes, de haberse doblado el precio del cuadro destruido, eso revertiría “en todas las obras de Banksy, porque en nuestra sociedad es el nombre y la marca lo que termina adquiriendo valor”. Pone un ejemplo: Salvador Dalí podía transformar un papel blanco en un lienzo de 40 dólares con solo estampar su firma.

¿Cuánto cobra Banksy?

Esta última performance ha abierto de nuevo el debate sobre el arte urbano como el azote del capitalismo y sobre Banksy como el mesías de este movimiento. Teniendo en cuenta que el británico es un ente anónimo, es imposible calcular con exactitud cuánto ha facturado por sus obras de arte e instalaciones. Y aún así, Forbes estimó su patrimonio neto en 20 millones de dólares.

“Para que se perfeccione una compraventa tiene que haber una persona jurídica. Tú puedes vender tu coche o una obra porque tienes tu DNI o tu CIF. Si al fin y al cabo se está generando un dinero es porque hay un contrato, y si hay un contrato es porque hay una persona jurídica. Así que habría que estudiar hasta qué punto el anonimato es un componente crítico contra el capitalismo”, piensa Daniel Lesmes.

Aunque sus métodos de financiación son ligeramente distintos a la de los artistas, sean urbanos o no, al final Banksy gana dinero como cualquier otro: vendiendo sus obras en el mercado. Desde finales de los 90 hasta 2008, lo hacía a través del agente británico Steve Lazarides (conocido por haber elevado el arte callejero al mundo de las bellas artes) y después a través de Pictures On Walls, una empresa e imprenta que Banksy fundió junto a otros artistas para vender sus obras online.

En enero de 2018, POW se disolvió al haber contribuido a distorsionar el mensaje del arte urbano. “Se produjo un desastre y muchos de nuestros artistas tuvieron éxito. Ya que no podemos o no queremos formar parte del mercado que una vez denunciamos con tanto ahínco, nos vemos obligados a renunciar”, explicaron en un comunicado.

Según uno de los vendedores de Banksy con quien contactó la web Artspace, su obra impresa y firmada costaba entre 20.000 y 40.000 dólares, y un póster offset (sin firma ni numeración) rondaba los 500 y 1.500 dólares. Este dinero se invierte en diferentes instalaciones, como Dismaland o The Walled Off Hotel (el hotel con las peores vistas del mundo), que a su vez generan beneficios directos para el artista.

También es cierto que gran parte del trabajo de Banksy termina en un mercado de segunda mano que succiona su valor y del que no percibe ni un centavo. Aunque él no se lucra, otras muchas personas sí, por lo que sería cuanto menos contradictorio definirlo como arte anticapitalista.

El artista es el primero que reconoce que ni el más sofisticado caballo de Troya (o trituradora de papel) sirve para derrotar a este imperio, y así se lo hizo saber a The New Yorker: “Me encanta la forma en que el capitalismo encuentra un lugar, incluso para sus enemigos”.