La cineasta Iciar Bollaín ha recibido el Premio Internacional a la Igualdad de Género ‘Luisa de Medrano’ que otorga el Gobierno de Castilla-La Mancha, por ser una “referente” en materia de igualdad y lucha contra la violencia de género a través del cine. La directora no ha podido acudir a la recepción del galardón, cuyo acto se celebró en la localidad toledana de Consuegra, pero sí realizó declaraciones a través de un vídeo para agradecer el homenaje.

En ellas, ha tenido palabras para las históricas feministas toledanas, personas que marcaron un “antes y un después”. En concreto, habló de Carmen Calvo, 'Pizqui', una de las mujeres fundadoras del Consejo Local de la Mujer en Toledo y cuya hija, Ana Miranda, acudió a recibir el premio en su nombre. Personas como 'Pizqui', aseguró, le “han hecho abrir los ojos”. “Ha sido un antes y un después”, aseveró. “Me siento muy honrada y muy agradecida”.

Bollaín realizó en su película 'Te doy mis ojos' un retrato desgarrador de la violencia de género, y es uno de los rodajes que ha hecho en Castilla-La Mancha. Fue en esos trabajos en los que conoció a 'Pizqui'. La cineasta recordó en su vídeo de agradecimiento como Carmen Calvo le abrió la puerta a ella y a la guionista Alicia Luna como miembro de la asociación María de Padilla, que sigue siendo referencia en la capital castellanomanchega en el apoyo a las mujeres víctimas de violencia de género. “Conocer a 'Pizqui' fue un antes y un después, me abrió un camino, una ruta”, resaltó.

Por eso agradeció también a Ana Miranda que recogiese el premio. “Quiero dedicar este premio tanto a ella como a su madre, por el camino que hicieron y lo que nos aportaron”, aseveró en el vídeo Bollaín.

En mayo de 2024, la familia de 'Pizqui' decidió devolver al Ayuntamiento de Toledo un premio que se le había concedido con motivo del Día Internacional de la Mujer. “En el premio ni aparecía el nombre de mi madre”, relataba entonces Miranda a elDiarioclm.es.

“Es para mí un honor recoger un premio con nombre de una mujer científica para una mujer creadora y contadora de historias, representando a mujeres que, cuando era un problema decir que una era feminista, se atrevieron”, aseveró Ana Miranda Calvo al recibir el premio.

“Gran retroceso”, advertía la cineasta

Por su parte, Bollaín también aseveró que la igualdad es una “lucha que sigue” y que se deben valorar las “cosas positivas” que han pasado en los últimos años. “Hay leyes que nos protegen y que nos defienden y que nos igualan en derechos”, recordó. Eso sí, también advirtió de que hay muchas otras que siguen sin estar implementadas y sin funcionar. Y más que eso, hay un “gran retroceso”, y una “gran reacción” contra los avances.

“Creo que la gente joven está recibiendo mensajes muy misóginos y muy tergiversados de lo que es la lucha feminista, de lo que es la lucha por la igualdad y creo que eso se añade a las tareas que todavía quedan por hacer”, reflexionó Bollaín, que pidió “Seguir luchando”.

Cruz Roja, premio en la categoría de entidad

María del Mar Pageo, presidenta de Cruz Roja, ha recibido el galardón concedido a la organización en la categoría de entidad. “Tener presente los avances logrados es de gran importancia porque, tras ellos, encontramos el compromiso y valentía de las mujeres que nos precedieron y que han hecho posible que hoy nacer mujer no marque nuestro destino. Pero también resulta fundamental seguir mirando hacia adelante porque todavía queda trabajo por hacer”, recalcó.

A la vez, Pageo advirtió de que existen brechas de género en “múltiples materias”. La igualdad es una meta a la que todas las personas estamos llamadas a contribuir de un modo u otro. El ideal de una sociedad más justa pasa ineludiblemente por conseguir que todas las personas, todas, no solo disfrutemos de los mismos derechos, sino que contemos con las mismas oportunidades para poder efectivamente disfrutar de esos derechos“, aseguró.

Reconocimientos provinciales

En cuanto a los reconocimientos provinciales, por la provincia de Toledo se ha reconocido a Irene Huertas, por romper barreras al convertirse en la primera mujer guardia civil castellanomanchega en el cuerpo Tedax; y a la iniciativa 'Ciencia a la Carta', que apuesta por la divulgación científica inclusiva, llevando charlas y talleres que fomentan la presencia de mujeres en carreras Steam.

En Cuenca, ha sido galardonada Consuelo Navarro, que según el Gobierno regional sobresale por sus más de 30 años de experiencia en el empoderamiento de la mujer rural, impulsando asociaciones y redes de apoyo que han transformado la vida de muchas mujeres en la provincia, y el innovador proyecto 'Vidartis', liderado por Ana Manuela Soler, que fusiona arte y agricultura al utilizar el mosto como pigmento.

En Ciudad Real, Miriam Gómez, arquitecta técnica y empresaria digital, ha sido distinguida como una referencia en el mundo del interiorismo gracias a su estudio Mimesis y a su gran presencia en redes sociales, inspirando con su trayectoria de emprendimiento y superación. En la categoría de proyecto se ha premiado a La Bola de Cristal S.L., como motor de igualdad en Alcázar de San Juan, desarrollando un plan de igualdad que se refleja en sus actividades lúdico-educativas y colaboraciones con centros de la mujer.

En Guadalajara, el reconocimiento ha sido para María Antonia Cuadrado, presidenta de la Asociación 'Amigos de la Biblioteca', que impulsa la cultura y la participación ciudadana a través del arte y la música, y para el Programa 'Contra la Trata y la Explotación Sexual' que se desarrolla desde Guada Acoge y que ofrece una destacable intervención sociojurídica y social destinada a proteger a las mujeres víctimas de estas formas de violencia.

Por último, en Albacete se ha distinguido la labor de María Luisa Calonge, fundadora de la asociación de mujeres empresarias de Villarrobledo (Maevi), con una larga trayectoria de trabajo en la casa de acogida para mujeres víctimas de violencia de género, y el proyecto 'Aguja Solidaria', como un espacio de encuentro y formación para mujeres, utilizando la costura como herramienta para la reinserción laboral y la sensibilización en materia de igualdad.

“Se pueden contar las cosas de muchas maneras. El cine tiene mucha capacidad para transformar la mirada. Tiene la capacidad de que se hable de temas que, especialmente los feos, solo salen cuando hay noticias o titulares tremendos”, ha dicho la cineasta Juana Macías este martes en un encuentro con las socias y socios de elDiario.es.

“El cine tiene la fuerza de que hablemos y reflexionemos sobre ello sin que esté la noticia ahí, de una forma más transversal. Son perspectivas que suman, son voces”, ha añadido la directora de Las chicas de la estación en una conversación junto a la también cineasta Icíar Bollaín y la redactora jefa de Género de elDiario.es, Ana Requena. Macías y Bollaín han lanzado un alegato en contra de la violencia machista en su encuentro en la redacción.

Las cineastas han conversado, tan solo un día después del 25N, Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer, acerca de la importancia del arte para dar visibilidad a mujeres víctimas del sistema patriarcal, sirviendo como escaparate de una realidad que está ahí y de la que se ha de concienciar a la sociedad. 

“Cada película es distinta y ayuda a ponerte en la piel de otras personas que no son como tú y que tienen otras circunstancias. Supone un punto de avance más. No se trata solo de plantear una cosa que es terrible, sino una cosa que se puede cambiar. Y cada película aporta algo, va sumando”, declaró Macías respecto al papel del cine para combatir la violencia machista.

Lo cierto es que la directora se encuentra en una de las semanas más importantes de su carrera profesional debido a su película Las chicas de la estación, que llegó a los cines el pasado viernes. Su sexto largometraje trata el abuso hacia las menores tuteladas, y en él Macías busca denunciar la “estigmatización y mirada culpabilizadora” que recae sobre estas chicas “por el hecho de pertenecer a esa situación o vivir en un centro de menores”.

“Me importaba contar esta historia desde el punto de vista de ellas. Hay cosas que me parecen terribles, pero quería alejarme de mis prejuicios y comprenderlas a ellas, cómo actúan y cuáles son sus circunstancias”, ha explicado la cineasta a los asistentes, los cuales asentían con empatía.

Hacia el mismo punto se ha dirigido Icíar Bollaín, que está viviendo un gran momento gracias al estreno de Soy Nevenka, una de las películas españolas más importantes del año desde su presentación en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián. La directora ya puso el foco en la violencia machista en su aclamada Te doy mis ojos, que le valió el Goya a la mejor dirección en 2004; sin embargo, Bollaín ahonda en esta ocasión en la historia de una mujer que en el año 2000 denunció al alcalde de Ponferrada, retrocediendo más de dos décadas.

“La película hace efecto espejo y dice dónde estamos hoy. Cómo la imagen que se dio de Nevenka era una y la realidad es otra. Era una historia que valía mucho la pena contar hoy porque seguimos a algunos niveles parecidos: el abuso y el acoso no han retrocedido”, expuso Bollaín, afirmando que el silencio se está rompiendo pero sigue siendo una constante.

Ambas han coincidido en que, pese a que parezca que está habiendo un cambio, todavía hay mucho camino por recorrer. “A veces oigo que hemos aprendido…, ¿seguro?”, se preguntaba irónicamente Icíar Bollaín, provocando una risa cómplice entre el público. “Todavía recuerdo el caso de ‘la manada’, cómo otra vez se juzgó a la mujer en lugar de a los agresores”, rememoraba la cineasta. “Me admira cómo una película puede hablar de abusos y prostitución de menores sin que lo veas explícitamente. Lo sientes, lo sufres, pero ocurren a puerta cerrada. Y es la decisión de una directora que decide no hacer de esto un espectáculo”, comentaba sobre Las chicas de la estación, la película de su compañera. “Las mujeres estamos haciendo un audiovisual en el que contamos la atrocidad de la violencia sin embellecerla”.

Marisol, una de las socias asistentes al encuentro, rompió el hielo en el turno de preguntas para interesarse por cómo fue para Bollaín no poder rodar Soy Nevenka en Ponferrada, lugar de los hechos. “Cuando fuimos la primera vez, el alcalde era del PSOE y nos encontramos con dos concejales que nos abrieron un montón de puertas y contactos para que pudiéramos explorar aquello, dándonos una información valiosísima. Pero, cuando empezamos a rodar con los productores de una manera oficial, gobernaba el PP con Vox. Presentamos las solicitudes de rodaje y aún no nos han contestado”, ha explicado la cineasta. “Es un Gobierno que está muy cerca de [el alcalde acusado] Ismael Álvarez, y supongo que no quieren meterse en ningún tipo de lío”.

Al término del encuentro, Sara, otra de las asistentes, valoraba que “el encuentro ha sido muy oportuno” en estos momentos. “Un caso de hace más de 20 años y uno muy actual, pero en los que hay una línea de continuidad muy peligrosa”, añade esta aficionada al cine español, que admite que ha visto tanto Las chicas de la estación como Soy Nevenka.

Las dos películas están basadas en hechos reales, lo que da todavía más peso a la fase de investigación. “Cuanto más investigaba, cuanto más gente hablaba, más vértigo me daba hacer la película porque el tema es complejísimo. Empiezan a salir subtemas por todos lados aparte del abuso: la vida en estos centros, los educadores, la dimensión más humana…”, contó Juana Macías. “Es muy enriquecedor, porque aprendes mucho y rompes muchos prejuicios”, agregó Icíar Bollaín.

Sin embargo, las directoras han alegado que es positivo el cambio generacional que se está produciendo. “He visto Soy Nevenka con mis hijos, con mis sobrinos, y ven qué es lo que está mal. Me parece maravilloso que la gente joven identifique que algo pasa y que no está bien”, ha apuntado Bollaín.

No obstante, como añadió Macías, hay frentes a los que se les ha de seguir prestando atención: “Ahora, con las redes sociales, la protección a los niños nos la deberíamos tomar muy en serio. Se está normalizando mucha violencia sexual, y a través de las redes existe una vía de acceso que nunca antes ha habido”. Con sus palabras, ambas reivindicaron la importancia de poner el foco en el lugar correcto. Y no solo en lo que se cuenta, sino en cómo se cuenta. Las socias y socios respondieron con un aplauso unánime.

Icíar Bollaín tiene un don como cineasta. Sabe pararse y mirar. Está atenta a lo que se cuece en las calles. Eso se convierte en películas que se adelantan a los debates sociales. Cuando nadie hablaba de violencia machista ella la puso en el foco gracias a Te doy mis ojos. Cuando la conciliación era un término que no se usaba, ella la abordó desde ese trío de espías en la sorprendente Mataharis. Hasta la descolonización que ahora copa titulares aparecía en un filme como Y también la lluvia,

Con su nueva película no se ha adelantado a ningún debate, sino que ha reivindicado a aquella mujer que sí lo hizo. Nevenka Fernández se atrevió a denunciar a su acosador, el alcalde de la localidad leonesa de Ponferrada, en el año 2000. Mucho antes del Me too. Mucho antes de la última revolución feminista. Por ello se enfrentó a unos medios sensacionalistas y a una sociedad misógina. España le debía una disculpa, y ha llegado en forma de Soy Nevenka, el filme que compite por la Concha de Oro en San Sebastián y se estrena en cines el próximo viernes 27.

¿Hablar de una persona real y viva, como Nevenka, da más presión?, ¿siente uno más responsabilidad?

Sí. Sobre todo quieres que cuando esa persona la vea se sienta identificada con lo que estás haciendo. Porque, además, en el cine hay mil momentos en los que puedes ir por un sitio o por otro y todo es muy sutil, pero también por eso hablamos mucho con ella. A medida que hacíamos nuestra investigación y hablábamos con diferentes personas, volvíamos a ella.

Entonces escribir el guion tuvo algo de investigación periodística.

Sí, porque fuimos hablamos con periodistas también, sobre todo de Ponferrada, y era interesantísimo porque nos contaron un poco el panorama del año 2000. Estuvimos allí y hablamos con muchas personas que nos dieron puntos de vista diferentes. Los funcionarios del Ayuntamiento que trabajaban con ella tienen un punto de vista distinto que el de sus amigas, que es distinto de lo que nos cuenta un constructor que los veía de noche, de fiesta. 

¿Era fundamental que ella estuviera de acuerdo con lo que se estaba contando?

Ella es una mujer muy inteligente. En la película había cosas incómodas, pero ella también entendía que había que contar eso. Por ejemplo, sus padres al principio no lo comprenden, aunque luego en el juicio la apoyaron, pero eso no lo íbamos a edulcorar. Hay frases que se dijeron muy duras, y eso podíamos haber optado por no contarlo. Ella estuvo muy sola, no tenía a quién acudir. Lo que hemos intentado es que se entienda por qué pasó todo aquello, y pasó porque formaban parte de esa sociedad en la que el alcalde era una figura de respeto. Somos una generación a la que se nos dijo que eso no podía pasarle a un alcalde. Y eso hemos intentado reflejarlo. Además, las cosas contadas como malos y buenos no tienen mucho interés, porque la realidad siempre es más compleja.

En esa investigación, ¿qué le sorprendió más?

Me ha sorprendido mucho la figura de Nevenka por lo que se transmitió de ella. Nevenka es una mujer muy dulce, muy inteligente. No se parece nada a la chica joven, un poco sospechosa que se comunicó en el momento. Se dio de ella una imagen de ambiciosa, de que se lo había buscado, de que se había metido en una relación con él y que era muy joven para tener aquel cargo. Ella en aquel momento estaba en Arthur Andersen, en Madrid. Fue una oferta de ellos, ella tenía opciones. No es una chica que tuviera ese objetivo, y luego hay un cortejo ahí muy intenso por parte de él para conseguir tener la relación con ella. Así que piensas, ¿qué es lo que se comunicó? Todas las sospechas fueron hacia ella, no hacia él.

Siempre le pedimos a la víctima que haga algo y yo creo que hay que pedir al entorno que haga algo. Y por supuesto al hombre, por descontado

Icíar Bollaín — Cineasta

Han pasado 20 años, pero viendo la película creo que es un filme que por supuesto habla de aquel momento, pero por desgracia habla del presente, ¿se ha mejorado mucho en este tiempo?

Yo en el inicio no pensaba que eso fuera a ocurrir tanto. Yo quería contar la película lo mejor posible. Hacerlo bien. No equivocarme con el casting, con las sutilezas. Eso ya era mucho. Pero al acabarla sí que dije, anda, si es que es una reflexión sobre hoy. Porque al mirar atrás, a hace 20 años, te preguntas, ¿y qué pasa ahora?, ¿qué pasaría?, ¿cómo estamos reaccionando ante casos similares? Creo que hemos cambiado un poco, pero creo que todavía queda.

Hay algo en la película clave, el silencio cómplice. Un silencio que es parte del caldo de cultivo de la cultura de la violación. 

Eso tenía que estar. A mí una de las cosas que más me interesaba era pensar que este acoso laboral ocurrió a la vista de todos. Al maltratador y al acosador les arropa el silencio. Primero porque lo normaliza, lo minimiza. Parece que se acepta, y entonces la víctima se queda aún más sola. Esa es una de las cosas que todavía hay que cambiar y que podemos cambiar. Todos podemos reaccionar ante un acoso o ante un bullying. Los bullies actúan porque pueden, porque les dejamos.

Hay una responsabilidad individual que pasa luego a ser colectiva, pero parece que no queremos asumir que uno tiene que actuar.

Cuando vemos en la película a todos los que miran para otro lado, nos incomoda. A mí me incomoda porque yo he visto bullying y no he sabido qué hacer. Sé que es difícil. Es que siempre le pedimos a la víctima que haga algo y yo creo que hay que pedir al entorno que haga algo. Y por supuesto al hombre, eso por descontado. Otra cosa que pasaba con el caso Nevenka es que todo el foco se ponía en ella, en que no debía haberse metido ahí, no debería haberse liado con ese señor… Creo que todavía se pone el foco en la víctima, como si los hombres no se pudieran reprimir. Eso es absurdo.

¿Fue más difícil retratarle a él que a ella? Hubiera sido muy fácil mostrarle simplemente como un demonio, pero era una persona muy querida. 

Parte del trabajo de ir a Ponferrada era para ver cómo se le percibía. Es un hombre que tiene mucho respeto de muchos vecinos de Ponferrada. La gente destacaba su don de gentes. Era un seductor, tanto de hombres como de mujeres. Por otra parte es de libro, porque los acosadores suelen ser así, si no les verías venir, pero suelen ser gente encantadora. Eso tenía que estar porque además lo hace más interesante y más real.

¿Vieron la película una vez acabada con Nevenka?

Sí.

¿Cómo fue ese pase?

Muy bonito, la verdad. Vino con su marido, Lucas, y con algunos de los personajes que aparecen en la película. Con su psicoanalista, su abogado… yo la iba mirando, porque había veces que se tapaba los ojos. La impresión fue muy potente y muy emocionante. Hay una parte en la que coincidieron todos. Ellos lo vivieron todo con mucho miedo, y la película tiene una parte épica, pero esa épica ellos no la vivieron así. Ellos lo vivieron todo con la sensación de conseguir sacar eso adelante, porque la idea de que perdieran era desoladora para Nevenka. 

¿Cree que se le debía una disculpa a Nevenka como país, como sociedad?

Sí. Fíjate, nunca me había parado a pensarlo. Se le puede dar una disculpa y se le puede demostrar mucho cariño. Una manera de hacerlo es reconocer a las víctimas como tales y tratarlas como tales. Hay algo que me ha dicho ella, y que ha dicho en entrevistas, y es que esos 8 de marzo en los que salían todas esas mujeres a decir 'aquí está tu manada', eso a una víctima le reconforta. Le reconforta el saber que hay un reconocimiento a lo que han pasado. Una disculpa colectiva es difícil hacerla, pero sí se le puede expresar el cariño que merece.

Su cine siempre se ha adelantado a los debates sociales. Habló de violencia machista, de conciliación… en esta ocasión fue Nevenka la que se adelantó a todos. 

Sí, se adelantó. Y de hecho por eso se quedó tan sola. Ahora, con el Me too, muchas mujeres han dicho ‘a mí también me ha pasado’, pero ahí fue solo ella. Ahí no salió nadie más a decir ‘a mí también me ha pasado’. En ese sentido sí fue una pionera. Se adelantó a todo.

Ha mencionado el Me Too. Usted lleva mucho en la industria del cine, ¿ha cambiado algo en aquel mundo?

Yo creo que es un cambio social. Quizá en el cine, como tenemos más el foco puesto y como además han salido casos, ha habido una reacción. Se han hecho cosas estupendas, como el protocolo que se ha generado para activar en rodajes, que creo que debería estar en todas partes. Creo que en general hemos mejorado Por ejemplo, cuando vi el tema del Dani Alves, el protocolo que se puso en marcha funcionó muy bien. Hay cosas muy simples que no sé si existen en España, pero en el Reino Unido, donde vivo, en algunos lugares he visto un cartel en el cuarto de baño que pone de una manera muy simple, ‘¿Está saliendo mal la cita? ¿Te sientes incómoda? Pregunta en la barra por Karen’. Entonces tú puedes ir a la barra y decir eso y ya van a entender que estas en una situación que no quieres estar y te ayudan a marcharte. Sin escándalo. Me parece sencillo y fantástico.

Da mucha impresión ver cómo respondieron de mal los medios. ¿Estamos mejor?

Yo creo que en parte sí. Es muy impresionante. Éramos una sociedad muy poco consciente y muy injusta con las víctimas y había una misoginia clara y sobre todo una trivialización. A mí lo más fuerte me parece lo que dice Urdaci, que lo definió en el telediario como una trifulca sentimental. Es decir, esta chica da una rueda de prensa, temblorosa, diciendo que el alcalde lleva meses acosándola y abres el telediario diciendo ‘trifulca sentimental’. Yo quiero creer que esto ha cambiado bastante.

La 72 edición del Festival de Cine de San Sebastián comienza a coger forma con el anuncio de las películas (y series) que estarán en sus diferentes secciones. En el tradicional acto que organiza el certamen en la Academia de Cine se ha desvelado qué cuatro cineastas competirán por la Concha de Oro, el premio más importante del Zinemaldia. En esta ocasión serán cuatro cineastas españoles los que intenten llevarse un galardón que el año pasado fue para la directora española Jaione Camborda por O Corno.

Albert Serra, por Tardes de soledad; Icíar Bollaín, por Soy Nevenka; Pilar Palomero, por Los destellos; y el debutante Pedro Martín-Calero, por El llanto han sido los elegidos por el comité de selección del festival. Será la primera vez de Serra en Donostia. El director catalán, un habitual de Cannes, intentará convencer con un documental que posiblemente llegue con polémica, ya que Tardes de soledad ahonda en el mundo del toreo. Llega a San Sebastián el mismo año que el Ministerio de Cultura ha decidido retirar el premio nacional de Tauromaquia y el debate al respecto ha vuelto a la palestra.

Tanto Icíar Bollaín como Pilar Palomero saben lo que es estar en Sección Oficial de San Sebastián, aunque ninguna ha logrado la Concha de Oro. Bollaín regresa tras el éxito de Maixabel con otro biopic sobre otra mujer. En este caso Nevenka Fernández, la concejala del PP que denunció al alcalde de Ponferrada por acoso sexual en un caso pionero. Por su parte, Palomero estará en Donostia tras mostrar aquí La maternal. Lo hará con su nuevo filme, Los destellos, la adaptación del relato de Elder Rodríguez con Patricia López Arnaiz y Antonio de la Torre como protagonistas. La sorpresa la ha dado el debutante Pedro Martín-Calero, que con su primer título, El llanto, logra entrar . Un filme de terror escrito por Isa Peña y protagonizado por Ester Exposito. 

Fuera de concurso se podrá ver La virgen roja, la mirada de Paula Ortiz a la historia real de Hildegart Rodríguez, un suceso real en los primeros años de la segunda república que protagonizan Najwa Nimri y Alba Planas. También habrá sitio en Sección Oficial (fuera de concurso) para las series. Alauda Ruiz de Azúa dirige Querer, de Movistar+, la historia de un matrimonio que rompe después de 30 años y con una denuncia por violación continuada de por medio. Disney+ estrenará Yo, adicto, la adaptación de la novela autobiográfica de Javier Giner que él mismo dirige junto a Elena Trapé y que protagoniza Oriol Pla en una proyección especial. En velódromo se podrá ver Celeste, la comedia de Diego San José sobre una inspectora de hacienda que investiga a una cantante en un caso que se parece mucho al de Shakira.

Una de las sorpresas del anuncio fue la presencia de C. Tangana en la sección Nuevos Directores con su debut en la dirección con un documental sobre el músico Yerai Cortés que abrirá la sección. Una sección que tendrá otras dos películas españolas, Los últimos románticos, de David Pérez Sañudo; y Por donde pasa el silencio, de Sandra Romero Acevedo.

José Luis Rebordinos subrayó que cada año es “más complicado” hacer la selección por la gran salud del cine español. “La variedad de propuestas es increíble”, añadió en su presentación y dejó abierta la posibilidad de que haya algún otro anuncio de última hora. 

Icíar Bollaín corta la escena. Se acerca a dos de los figurantes sentados en una mesa que solo aparecen de fondo y le da a uno de ellos una indicación: “Tú ves el gesto que hace, pero haces como que no lo ves”. Parece una corrección sencilla, pero en ella hay mucho más. La escena que ha cortado pertenece al rodaje de Soy Nevenka, la película que termina de grabar este viernes y que cuenta el caso de Nevenka Fernández, la concejala de Ponferrada que en 2001 denunció al alcalde de la localidad leonesa, Ismael Álvarez, por acoso sexual y laboral. Logró, un año después, la primera condena contra un político por aquellos comportamientos que, en aquel entonces, pocos veían con malos ojos.

Lo que esconde la indicación de Bollaín a esos extras refleja lo que hizo España con Nevenka durante años. Miró a otro lado. Vio lo que ocurría pero prefirió callar. Sabían que había un abuso de poder claro pero rieron las gracias. Fue peor, cuando se atrevió a denunciar, la opinión pública y los medios se echaron a su cuello. Dio igual que un tribunal le diera la razón, el juicio social lo había ganado el machismo y la cultura de la violación. Nevenka tuvo que huir de España, y no ha regresado a pesar de que ahora su caso sea considerado pionero y uno de los motores de ese 'Hermana, yo sí te creo', que se hizo himno tras del el caso de 'la Manada'. 

Más de 20 años después, el cine restituye aquel agravio de la mano de Icíar Bollaín, que en el guion ha estado acompañada de Isa Campo, con quien también escribió Maixabel. Para rodar parte del filme intentaron hacerlo en Ponferrada, donde ocurrieron los hechos, pero ante la ausencia de respuesta del Ayuntamiento actual, en manos del PP junto a Vox y Coalición por el Bierzo, decidieron ir a filmar a Zamora. La plaza mayor de la ciudad se ha convertido en la localidad del Bierzo, y una placa indica que allí, aunque sea por unos días, se encuentra el Ayuntamiento de Ponferrada. 

Bollaín reconoce en el descanso para comer que intentaron rodar en Ponferrada “porque tenía todo el sentido”. “No nos dijeron ni que sí ni que no, la realidad es que no acabaron de contestarnos. Nuestra petición se quedó en un limbo y empezamos a valorar otros sitios. Luego hemos sabido por la prensa que no nos querían dar el permiso. De todas formas creo que es más sencillo contarlo en otro lugar, porque él es una persona que todavía tiene mucho peso allí y también mucho respeto por muchos ciudadanos. Cuando ruedas en un lugar necesitas mucha participación, y no creo que esta sea la película que él elegiría hacer”, indica.

A pocos metros del Ayuntamiento, en una cafetería vestida con carteles del año 2000 y eventos de Ponferrada, los dos protagonistas del filme, que se estrenará el próximo 27 de septiembre, se preparan para una escena que tiene lugar cuando Nevenka ya ha terminado su relación con Ismael Álvarez pero sigue siendo acosada por él. Un encuentro donde él le dice una frase que la deja petrificada: “Mira cómo tengo que poner las manos cuando estoy a tu lado”. Son necesarias cinco tomas para que quede perfecta. Bollaín va modulando el tono de los actores y está pendiente de los extras antes de pasar al contraplano que rodará mostrando otro punto de vista de la misma conversación. 

Todos somos testigos de muchas cosas y ayudaría mucho a las víctimas si los que estamos alrededor decimos algo, pero hay mucha impunidad

Icíar Bollaín — Cineasta

Nevenka Fernández visitó el rodaje unos días antes, se leyó varias veces el guion y preguntó cualquier duda que tuvo. En dos líneas temporales el filme se centra en el arco que va desde que conoce a Ismael Álvarez hasta el juicio. Una estructura no lineal que habla de la “España del año 2000”. Para la directora “hablamos cada vez más de acoso, afortunadamente”, pero no está “muy segura de que sepamos qué pasa dentro del acoso”. “Hay un trabajo que hace el acosador para dejar a la persona paralizada, sin autonomía, sin capacidad de pensar y sin capacidad de reaccionar. El acosador es una persona que da una de cal y una de arena, y en este caso además había tenido una relación con él y se sentía culpable. Hay muchas, muchas cosas que ocurren dentro del acoso que paralizan a la víctima. Y también está la vergüenza y está la culpabilidad. Hay muchos elementos que hemos intentado contar y esperamos haberlo conseguido”, dice la cineasta.

Uno de esos elementos es ese silencio cómplice. “Siempre ponemos el dedo en las víctimas y decimos que hablen, y yo digo que sí, que hablen, pero que hablemos. Todos somos testigos de muchas cosas y ayudaría mucho a las víctimas si los que estamos alrededor decimos algo, pero hay mucha impunidad, porque para que esto ocurra también tiene que haber mucha gente callada”. Bollaín subraya el cambio social que se ha vivido en este tiempo y que se ha visto “con Jenni Hermoso y 'la Manada'”. “Es verdad que sigue habiendo una parte de la sociedad que no se pone del lado de la víctima, pero hay una gran parte de la sociedad que ya responde, y esto no ocurrió cuando Nevenka. Todo lo contrario, la respuesta social fue bastante terrible, se quedó muy sola y además se la culpabilizó bastante de lo que pasó”.

Una lloradita y a seguir

Para una película que se llama Soy Nevenka era, evidentemente, fundamental encontrar a su Nevenka. Bollaín la halló tras un proceso de castings en Mireia Oriol. Para Ismael Álvarez recurrió a Urko Olazabal, su descubrimiento en Maixabel (por la que ganó el Goya). Se alejó de buscar el parecido físico y buscó en ella una mezcla de “fuerza y vulnerabilidad”. Destaca la relación que se ha formado entre ambos y que es fundamental para afrontar escenas muy duras y poder irse a la cama sin el personaje en la mochila. 

Una relación que se ha construido por el esfuerzo de ambos. Cuando Urko Olazabal supo quien iba a ser su compañera pidió permiso a Bollaín para conocerla. “Le dije a mi mujer que teníamos que invitarla a casa para que viera cómo somos, porque teníamos escenas muy íntimas, no de amor, sino de dominación, y yo no quería perturbarla. Yo tengo 20 años más que ella y además tengo encima la mochila de todos los hombres, que han hecho mal estas cosas. Quería que ella tuviera confianza, porque los hombres, y los actores hombres, nos hemos ganado mucha desconfianza en este negocio, así que lo primero que quería era que confiara en mí”, recuerda.

Oriol aceptó la oferta y se fue a Bilbao con su pareja y pasaron unos días todos juntos. “Ahora somos muy amigos. El segundo día estaba temblando, le llamé y me dijo, ‘vamos a andar’. Hemos compartido mucho. Después de esas escenas tan duras yo le decía, ‘bueno, ahora una llorada y seguimos’, porque se me quedaba toda la angustia dentro y algo tienes que hacer con eso, así que yo hacía mi lloradita y seguía, y le decía a Urko, que sepas que voy a llorar pero no es por ti, es que voy a sacar todo esto”, añade. Para ella hay un cambio fundamental en todo este tiempo, y es esa red que se ha tejido entre las mujeres y que hace que ella lo tenga tan claro como Nevenka: “Ya no nos vamos a callar”.

La ficción original le ha dado a Movistar Plus+ un año 2023 excelente. La mesías, Poquita fe o La unidad son algunas de las series que han arrasado entre el público y la crítica. Sin embargo, en esta estrategia de ficción faltaba algo, la apuesta por la producción de cine español original. Si bien habían realizado aventuras puntuales como Mientras dure la guerra, de Alejandro Amenábar, o Modelo 77, de Alberto Rodríguez, no habían establecido una estrategia para que los grandes autores de nuestra industria pudieran desarrollar sus productos con ellos.

Algo ha cambiado, y Movistar Plus+ se ha dado cuenta de que el cine español gusta. Por ello han dado un golpe en la mesa y han anunciado cinco proyectos con los que se presentan como la plataforma que apoyará a los autores que quieran apostar por las salas de cine y luego tener sus obras en exclusiva en Movistar Plus+. El primer anuncio no pudo ser más ambicioso. Las nuevas películas de Rodrigo Sorogoyen, Icíar Bollaín, Alberto Rodríguez y Oliver Laxe, además del debut en el largo de Ana Rujas son los títulos que rodarán en 2024.

Domingo Corral, director de Ficción y Entretenimiento de la plataforma, ha definido esta apuesta como “decidida y ambiciosa” y ha asegurado que la filosofía de los proyectos elegidos será la misma que han realizado con las series, que tengan “autoría y ambición”. La idea es producir entre “cinco o seis películas al año” y hacerlo respetando las ventanas tradicionales. “Creemos firmemente en las salas”, ha dicho y apuntado a algo importante, todas las películas serán hechas junto a productores independientes, algo que estaba en la picota tras la ley audiovisual.

El proyecto más misterioso es el de Rodrigo Sorogoyen, que bajo el nombre de El ser querido no aportó ni elenco ni sinopsis, solo las declaraciones del director diciendo que creen que se han arriesgado mucho él y su guionista, Isabel Peña, en la que supone su primera aventura tras el éxito de As bestas. Sin título presentó Alberto Rodríguez su nuevo filme. Movistar Plus+ dijo que Modelo 77 había sido el filme más visto en la plataforma, por encima de cualquier blockbuster de Hollywood, y que ese éxito es parte del que les dio la clave para realizar esta apuesta.

Rodríguez agradeció la “libertad creativa” que ha tenido junto a la plataforma y avanzó el peculiar escenario de esta trama de “dos hermanos, un hombre y una mujer, buzos profesionales asistiendo a una petroquímica”. Una profesión con “una siniestralidad brutal, muy peligrosa, con la muerte detrás de la cabeza todo el tiempo” pero dentro de lo que ha descrito como “una peli de personajes”.

Tras Maixabel, Icíar Bollaín vuelve a una mujer real que marcó un punto de inflexión en la historia de España. Se trata de Nevenka Fernández y lo contará junto a Isa Campo al guion en Soy Nevenka, una película que tiene casting pero que no fue anunciado y en donde Bollaín subrayó a la mujer como “una pionera”. “Lo hizo cuando la palabra acoso no estaba en la calle. Lo hizo por justicia y supervivencia. Lo hizo muy sola y fue todo muy público. El abuso fue muy público y todos miraron para otro lado. Ganó en los tribunales pero se quedó muy sola porque hubo un rechazo social. También es un retrato de los medios, la tacharon de trepa. Revisando imágenes hemos visto como [el director de informativos de TVE] Urdaci, cuando dio la noticia, la definió como una disputa sentimental en Ponferrada, y también queremos contar esto”, dijo la cineasta.

El proyecto, a priori, más autoral, es el de Oliver Laxe, que se encuentra a punto de rodar su primera película tras O que arde. Lo hace de la mano de El Deseo, la productora de los hermanos Almodóvar. Una aventura sin título con una sinopsis misteriosa como todo el cine del gallego. Una rave en Marruecos donde llega un padre buscando a su hija. Cinco de ellos y este personaje acabarán buscando una “nave mitológica en el desierto de Marruecos”. Una película “hipnótica y sensorial” que rueda en abril.

Entre nombres consagrados entró también el de Ana Rujas, que ahora triunfa como actriz en La mesías y que debutará en el largometraje con El desencanto, un filme que está relacionado a la película de Chávarri y en el que la actriz intentará vincular aquel desencanto al de la sociedad actual. Un proyecto producido por Javier Calvo y Javier Ambrossi y que nace de un texto teatral en el que fabuló “una conversación entre los Panero y Miguel, un padre de la clase obrera”. “Me obsesionó El desencanto y los Panero, y me pareció muy interesante poner ese escenario”. Una película con tránsfugas de clase que quiere hablar de “una decadencia sociopolítica, del arte politizado y todo en clave de humor”.

A veces el patriarcado, siempre tan resistente y proteico, envejece rápido, más de lo que muchos querrían reconocer, lo que explica tanto intento de tergiversación y tanta paleta cada vez que el Ministerio de Igualdad saca alguna iniciativa de sentido común. En ocasiones los manotazos llegan incluso desde sectores cercanos al Gobierno.

Sin embargo, por mucho afán retrógrado y ruidoso, por muchos bulos y alarmismos ridículos, por mucho alboroto parlamentario y ecos mediáticos, nos damos cuenta de que actitudes que antes percibíamos como adecuadas, incluso feministas, hoy nos parecen anticuadas, cómplices del enemigo, por decirlo de modo exagerado.

Es algo que de manera clara me sucedió hace un par de semanas, cuando volví a ver Te doy mis ojos, la película de 2003 de Iciar Bollaín, con guion de ella y Alicia Luna. No han pasado ni veinte años desde su estreno, que supuso un sonado, y merecido, hito en la lucha contra la violencia machista (que entonces ni siquiera llamábamos así) y una buena parte de la película ya rechina. En especial, la que se centra en la terapia, grupal e individual, a la que se somete el maltratador, encarnado por un soberbio Luis Tosar. Este aspecto de la película fue uno de los más comentados en su momento, pues, se decía, con acierto, que dotaba al personaje de profundidad, de complejidad, que no lo reducía a un mero monstruo fácil de odiar, lo que hubiera restado intensidad y humanidad al guion hasta la burda simplificación. Nada que objetar al respecto.

Los términos "patriarcado" o "machismo" no aparecen por ningún lado. No se les hace ver a los maltratadores que esas masculinidades perversas y delicadas son una expresión patriarcal que contrarrestan a base de palizas, y que estas siempre son ilícitas

El problema, hoy tan evidente, surge cuando vemos el tipo de terapia a la que asiste, tan conductual, tan centrada en la pura expresión superficial de la violencia, que acaba por convertir los abusos del hombre en una mera cuestión de gestión emocional, sin raíces de ningún tipo, sociales ni patriarcales. La labor del psicólogo se limita a enseñar a los maltratadores a identificar las primeras señales de la ira (sudores, hormigueos, temblores, etc.) para, de ese modo, antes de que terminen de estallar y apalicen a sus parejas, coger la chaqueta y marcharse a dar un paseo. Es más, cuando el personaje de Tosar le explica al terapeuta los arrebatos de celos que le ciegan, este, simplemente, le hace ver que no son racionales. Aunque su mujer tenga compañeros varones de trabajo, no significa que se sienta atraída por ellos; si no le coge el teléfono, tampoco quiere decir que se esté acostando con alguno. Y eso es todo. Como si, en caso contrario, una paliza se pudiera entender.

Los términos “patriarcado” o “machismo” no aparecen por ningún lado. No se les hace ver a los maltratadores que las inseguridades que arrastran, que esas masculinidades perversas y delicadas, son una expresión patriarcal que contrarrestan a base de palizas, y que estas siempre son ilícitas. No, no se ahonda en cómo han llegado a incorporar la violencia habitual contra las mujeres en sus relaciones, y cómo, de hecho, lo confunden con amor. Control de la ira, técnicas de relajación, dominio sobre la imaginación calenturienta… Como si, para acabar con la expresión más violenta del patriarcado, bastaran ejercicios de respiración guiada.

Al final, como quizás recuerden, son las mujeres las que deben resolver el problema, otro de los aciertos del guion.

Que hoy nos rechinen tanto esos aspectos de una película que marcó época es, en el fondo, una buena noticia. Significa que sin duda hemos avanzado como sociedad, que identificamos rápidamente las fallas de ese tipo de terapia superficial, y que hoy sabemos insuficientes del todo. Alegrémonos, por tanto, de las pataletas y manotazos.

Solo quieren decir que las enseñanzas feministas siguen imparables.

El buen patrón, de Fernando León de Aranoa, y Maixabel, de Icíar Bollaín, han ganado el premio al mejor guion de largometraje en comedia y drama, respectivamente, en la quinta edición de los Premios ALMA del sindicato de guionistas que se han entregado esta noche en Madrid. El premio al mejor guion de largometraje documental fue para El caso Wanninkhof-Carabantes.

En series, las vencedoras fueron Hierro en la categoría de drama, Venga Juan en comedia y Dos vidas como serie diaria, mientras que Cachitos de hierro y cromo ganó en la categoría de mejor guion de programa y Saber y ganar en la de mejor concurso.

La vicepresidenta segunda del Gobierno, Yolanda Díaz, entregó el premio ALMA de Honor a Manuel Valdivia, considerado el precursor de la figura del 'showrunner' en España, creador de series como Médico de familia, Compañeros, Más que amigos o Policías: en el corazón de la calle.

Cerca de 150 profesionales, guionistas de veinticuatro producciones para el cine, la televisión y las plataformas audiovisuales, conformaban la lista de nominaciones a estos premios que se han entregado en una ceremonia en el Palacio de la Prensa de Madrid, escrita y presentada por Pilar de Francisco y Laura Márquez. Los Premios ALMA nacieron con el fin de reconocer exclusivamente el trabajo de los guionistas y este año han contado con el apoyo de la entidad de gestión de derechos de autor DAMA.

Desde que comenzó la temporada de premios, mucho antes de que acabase el año, hemos asistido a una competición cuerpo a cuerpo entre las dos películas españolas del año: El buen patrón y Madres paralelas. Sus estrenos en distintos festivales de cine, San Sebastián en el caso de la cinta de Fernando León de Aranoa y Venecia en el de la de Pedro Almodóvar, las posicionaron como rivales en la cartelera, en la carrera hacia los Oscar y, por supuesto, en los premios Goya.

Pero las nominaciones de la 36ª edición de los premios de la Academia de Cine dibujaron un panorama que no responde a ese combate entre dos. Por lo menos, no entre estas dos.

El buen patrón arranca la noche compitiendo en 20 candidaturas, un récord histórico de nuestro cine solo comparable al de Días contados (19), Blancanieves (18) y La niña de tus ojos (18). La siguiente multinominada es Maixabel, con 14. La cinta de Icíar Bollaín, al menos en número, es la verdadera contendiente de El buen patrón. Madres paralelas les sigue a bastante distancia con ocho nominaciones. Aunque ya hemos visto que partir con ventaja no siempre es garantía de triunfo.

¿Dónde surgió ese binomio? A principios de octubre, cuando la Academia de Cine eligió a El buen patrón por encima de Madres paralelas y de Mediterráneo como candidata para competir en los premios Oscar, se las empezó a ver como rivales. Agustín Almodóvar, productor de la cinta de su hermano, criticó el sistema de votación de los académicos por “opaco”, aunque reconoció que “adora y admira” a León de Aranoa.

Las redes ampliaron esta división, donde muchos usuarios se sumaban a un bando o a otro. La travesía terminó cuando Hollywood descartó a El buen patrón en la categoría de Mejor película extranjera y en cambio seleccionó dos trabajos de Madres paralelas: el de Penélope Cruz en Mejor actriz y el de Alberto Iglesias en Mejor banda sonora.

Pero los Goya son unos premios muy distintos a los Oscar y hay que tener en cuenta otros muchos factores antes de destacar los dos títulos de siempre. Para empezar, porque votan los distintos gremios y para seguir por Maixabel. La interpretación de Blanca Portillo como Maixabel Lasa, víctima de ETA y viuda del político socialista Juan Mari Jáuregui (asesinado en el año 2000), parte con muchas papeletas. Lo mismo pasa con la dirección de Icíar Bollaín, una de las más destacadas junto a la de Fernando León de Aranoa.

Donde no parece haber dudas es en la categoría de Mejor actor secundario. Aunque en ella compiten tres intérpretes de El buen patrón, Urko Olazabal parece tener el cabezón asegurado por su interpretación del exmiembro de ETA Luis Carrasco. Incluso sus rivales lo tienen asumido.

Además, Alberto Iglesias compite contra sí mismo en la banda sonora de Maixabel y la de Madres paralelas, por lo que es un misterio cuál elegirá finalmente la Academia. A Iglesias le acompañan Fátima Alqadiri por la composición de La abuela y Arnau Bataller por Mediterráneo. Esta última también compite en Mejor canción junto a otras tres grandes propuestas.

Hay otras categorías que se guardan la sorpresa bajo la manga: en actriz de reparto, la cosa está reñida entre Aitana Sánchez-Gijón y Milena Smit, ambas por Madres paralelas. Pero también podría alzarse con el premio Nora Navas, la madre en Libertad, película de dirección novel que también ha merecido un hueco entre las cinco mejores producciones del año. La cinta de Clara Roquet compite en Mejor película y da pistas sobre la calidad de los cineastas primerizos, que han empezado a dejar su impronta para el cine español del futuro.

También hay proyectos interesantes en la categoría de película de animación, documental y extranjera. En la primera destaca Gora Automatikoa, una cinta que critica el compadreo de los académicos de los Goya mientras pretende alzarse con uno por su honestidad. En cinta documental, las quinielas están con Jonás Trueba y Quién lo impide. Por último, hay tándem en las cintas europeas, entre Otra ronda (la propuesta danesa) y Una joven prometedora (la cinta británica), aunque la primera ya se hizo con el Oscar en la pasada edición.

¿Qué podemos esperar de la noche?

En el Palau de les Arts de Valencia ya está todo listo. La Academia de Cine ha ido dando algunos detalles de la gala, aunque no todos, porque según su presidente, Mariano Barroso, “la sorpresa es fundamental” y avanzarlo todo sería como contar “el final de la película” y como “hacer spoiler”.

Lo que sí sabemos es que la ceremonia de entrega no tendrá un maestro de galas o una pareja de presentadores, como en años anteriores, sino que será coral. Se han confirmado los nombres de actores y actrices como Carmen Machi, Antonio Banderas, Ángela Molina, Nora Navas, Nathalie Poza, Paco Léon, Inma Cuesta, Juan Diego Botto, Belén Cuesta, Arturo Valls, y muchos más.

Será el primer año que se otorgue el Goya Internacional a Cate Blanchett, quien próximamente se pondrá a las órdenes de Pedro Almodóvar en Manual para mujeres de la limpieza. Lo inaugura la actriz estadounidense por “ser una figura extraordinaria del cine mundial” y “una mujer que ha interpretado personajes inolvidables que ya son parte de nuestra memoria y de nuestro presente”. El Goya de Honor lo recogerá José Sacristán, uno de los primeros fundadores de la Academia de Cine española aunque solo un cabezón a sus espaldas.

En cuanto a las actuaciones en directo, arrancarán con un número musical protagonizado por las actrices y cantantes Bebe –Goya a la Mejor Canción Original por La educación de las hadas–, Jedet –Premio Ondas por su papel en la serie Veneno– y Cristina Castaño, que ha participado en musicales como Fama y Cabaret.

La incorporación de última hora ha sido C. Tangana, productor y compositor madrileño, ganador de tres Latin Grammy y nominado a un Grammy, que cantará en directo junto a la artista Rita Payés. También actuará el dúo cómico Pantomima Full, formado por Alberto Casado y Rober Bodegas.

Cuando escribo estas líneas, en la mañana del domingo 26 de septiembre, aún no he visto la película Maixabel de Iciar Bollaín. Voy a verla precisamente hoy mismo, por la tarde, en mi pueblo, en Tolosa, donde vivo. El mismo pueblo en que asesinaron a Juan Mari Jauregi el 29 de julio de 2000, en el cine a no más de 200 metros del lugar del asesinato. Y la voy a ver con mis personas más queridas, con las que he compartido muchos momentos de inmenso dolor y rabia.

Pero no voy a hablar de la película. Y no solo porque, como digo, todavía no la he visto, sino porque no entiendo especialmente de cine y porque, como casi siempre ocurre, también en este caso la vida, las personas reales y sus vivencias tienen aún más fuerza y más interés que una película. Y ello, sin restar un ápice de la relevancia que tiene la obra de Bollaín y su enorme valor para aportar un determinado punto de vista para dar a conocer una parte de lo ocurrido y para la siempre todavía necesaria reflexión.

Hemos vivido tiempos muy duros, tan duros que ahora, cuando lo peor ha quedado atrás y podemos reflexionar y echar la vista atrás, casi parece imposible haber pasado por todo esto. Que en las calles de tu pueblo, de cualquier pueblo, se asesinara a personas de toda condición, “incluso” gentes “como tú”, incluso amigas tuyas, y siempre injustamente, esto no sé cómo se supera. Ni siquiera sé si se supera. Aunque parece que sí, o parece que, en general, hacemos “como si”, como también mucha gente vivía entonces casi como si nada ocurriera. Y no es fácil relatar lo ocurrido. Por eso resulta tan útil y tan reconfortante poder conocer o repasar historias vitales como esta. Y por eso resultan imprescindibles trabajos como el de Bollaín.

Maixabel Lasa nunca hizo “como si”, ni antes ni después de perder a su compañero, asesinado por ETA. Maixabel tenía un compromiso político y social personal que compartía con Juan Mari, un compromiso que siguió manteniendo tras aquel maldito día – uno de tantísimos malditos días – del 29 de julio de 2000. Un compromiso que la ha llevado muy lejos al transformar su dolor en una fuerza capaz de cambiar las vidas de varias personas, más incluso de lo que estas habían cambiado la suya al matar a su marido.

No ha sido, sin duda, un proceso fácil. No ha tenido tampoco, sin duda, la comprensión de todo el mundo. Incluso ha sufrido algunos desprecios y desencuentros dolorosos. Pero ha sido su decisión, la decisión de una mujer libre que, como ha referido en varias entrevistas, siempre había considerado que todas las personas merecen una segunda oportunidad. Y ha cumplido con su pensamiento.

Maixabel necesitaba, así lo dice, comprender por qué habían matado a Juan Mari, un hombre honesto, íntegro, luchador y coherente, que trabajó siempre por la libertad y que “incluso” contribuyó, siendo Gobernador Civil de Gipuzkoa, al esclarecimiento de algunos crímenes de los GAL, dejándose la piel y posibilitando que la justicia pudiera acercarse a la verdad, al menos parcialmente. Pero, aunque Juan Mari no hubiera vivido como lo hizo ni hubiera hecho lo que hizo o no hubiera tenido tales oportunidades, incluso así, intuyo que Maixabel habría tenido la misma imperiosa necesidad de saber por qué lo mataron, qué pensaban cuando lo hicieron o qué querían conseguir con ello.

Y esa búsqueda de respuestas a sus preguntas se canalizó a través de esos encuentros con dos de quienes intervinieron en el asesinato. Encuentros en el marco de la llamada “justicia restaurativa”, cuya finalidad principal es reparar realmente el daño causado a la víctima – en estos casos, a las personas más cercanas a la víctima – y también la de ayudar a quienes causaron ese daño y evitar su repetición así como la asunción de sus responsabilidades. Y ello, mediante un diálogo que quienes lo han practicado aseguran que proporciona satisfacción a las víctimas y una visión distinta de sus propias vidas a los victimarios.

Maixabel entró en este camino y participó, varios años después del asesinato de Juan Mari, en encuentros con quienes destrozaron – o pudieron haber destrozado - su vida. Y trató de comprender y comprendió lo incomprensible; comprendió que mataron a su marido sin saber realmente quién era. Y, como madre, les dijo que prefería ser la viuda de Juan Mari que la madre de ellos, pues sin duda no puede haber mayor dolor para una madre que saber que un hijo suyo ha causado semejante mal.

Sin embargo, no hay una única manera de “ser víctima” de un delito tan grave. Sería absurdo y, sobre todo, muy injusto pretenderlo. Cada víctima siente como siente y tiene todo el derecho a reaccionar como quiere o como puede. Ni el camino de Maixabel es el único ni es el camino exigible a ninguna otra víctima. Tampoco, al contrario, puede rechazarse ni menospreciarse la decisión de Maixabel.

No debe nunca entenderse que ninguna víctima tenga una deuda con este país ni pedirse que actúe de una determinada manera para facilitar una convivencia futura. Esto no debe jamás dejarse en manos de las víctimas, y no porque no puedan contribuir de manera muy importante a construir el futuro, que pueden hacerlo, sino porque no se puede descargar en ellas semejante responsabilidad sin que ciudadanía e instituciones asuman sus responsabilidades. No puede exigirse a todas las víctimas de delitos de terrorismo o de otros delitos que den una segunda oportunidad a quienes tanto dolor les han causado o que perdonen. Es más, la sociedad y los poderes públicos han de facilitar a las víctimas poder dejar de serlo y vivir y sentir como lo entiendan.

Y siempre, en todo caso, reconociendo el enorme esfuerzo que las víctimas de cualquier terrorismo y de otros gravísimos delitos cometidos en los aledaños de las instituciones del Estado han realizado, pese a todas las dificultades.

Es posible que, incluso, sea posible un gran “encuentro restaurativo colectivo” que nos permita comprender lo ocurrido y asumir cada cual nuestra responsabilidad. Es más, creo que va a ser imprescindible.

Cantaba Enrique Morente por tientos tangos Mi pena, en la que decía “Mi pena es muy mala porque es una pena que yo no quisiera que se me quitara”. Creo haber comprendido, aunque puedo estar equivocada, que la pena de Maixabel Lasa, pese a ser inmensa, no ha sido una “pena muy mala” porque ella ha luchado por quitársela, sin dejar de recordar a su compañero y la injusticia de su asesinato o, al menos, porque no fuera una pena ni paralizante ni estéril, sino una enorme pena inmensamente movilizadora y generadora de vida, de nueva vida para muchas personas, incluidas, y sobre todo ellas, quienes asesinaron a su querido Juan Mari.

Hay algo cómodo y arriesgado en adaptar la historia de personas que aún viven. Es la segunda vez que la directora Icíar Bollaín elige esta forma de trabajar después de Yuli. En el caso de Maixabel Lasa, lo primero es innegable. Su generosidad se percibe en cada gesto de Blanca Portillo, la actriz que le pone voz y rostro en la pantalla. Pero es aún más evidente lo segundo: el riesgo. Y no solo por la complicada realidad de Maixabel, sino por todas las víctimas de ETA a las que apela esta película.

En el año 2000 un comando etarra asesinó de un tiro al político socialista Juan María Jáuregui, el marido de Lasa. Ella tenía 46 años cuando recibió la peor llamada de su vida. Su hija María, 19. En ese momento su realidad se partió en dos, pero el miedo a morir de un disparo o una bomba llevaba años enraizado en la familia. Aquel día, el miedo de esas mujeres se transformó en terror.

El grupo que cometió el asesinato en el casino de Tolosa estaba formado por tres hombres: Ibon Etxezarreta, Luis Carrasco y Xabier Makazaga. En 2014, los dos primeros se prestaron voluntarios para participar en los llamados encuentros restaurativos. Eran charlas con las víctimas en las que se ofrecían a responder a todas sus preguntas. Maixabel aborda uno de estos encuentros desde el punto de vista de la viuda y de Etxezarreta (Luis Tosar).

Bollaín rueda con la sobriedad y el respeto de quien pide prestada la intimidad de una persona. Los testimonios han quedado equilibrados, pero la víctima está siempre en el centro. En San Sebastián la directora nos ofrece una charla pausada y emocionante sobre el derecho a conocer, a escuchar y a no perdonar.

¿Cómo le llegó la historia de Maixabel y que fue lo que le llevó a adaptarla?

La historia la conocí por unas entrevistas que publicó Mónica Ceberio en El País con víctimas que participaron en estos encuentros. En aquel momento me impactaron mucho. Me parece increíble que una víctima quiera hablar con su verdugo, la persona que más daño le ha hecho. Y también me dejó pensando en el viaje que hacen ellos. ¿Cómo se pasa de militar en ETA y cometer esos asesinatos a sentarse delante de la víctima y reconocer que hicieron mal? Además, rodar la vida de Maixabel y escribirlo junto a Isa Campo era la mejor oportunidad.

Hay varias ficciones que abordan los inicios de ETA o el impacto que tuvo en Euskadi durante tantas décadas. ¿Qué le ofrecía esta, como narradora, para diferenciarse de lo que ya se había hecho?

¿Lo principal? Que es una historia real. Si tú te inventas esto, no se sostiene. Es demasiado increíble. Pero Maixabel Lasa fue un referente en el País Vasco. Es una mujer que siempre ha trabajado por la paz y por la convivencia. Es un tema muy complicado, muy delicado, muy doloroso. Y para las víctimas ese dolor y esas pérdidas son irreparables. Pero hacerlo desde Maixabel, que también es una víctima y que lo enfrenta de esa manera, me parecía valioso.

¿Es inverosímil que una víctima quiera escuchar a su verdugo?

Yo entiendo que para mucha gente es muy difícil pensar en perdonar o en escuchar a esas personas, pero es algo que ocurrió. O sea, esta mujer existe y esto pasó. Por eso quería contar en todo momento con ella, con su verdad.

Los encuentros siempre se hicieron pensando que beneficiarían a la víctima. Pero cuando haces el ejercicio de escuchar y ponerte en el lugar del otro, al final se convierte en algo positivo para las dos partes. Pero el objetivo no era ayudar a los asesinos

Es la primera vez que se hace una película sobre un cara a cara. Hasta ahora se había explorado el relato de las víctimas por un lado y el de los etarras por el otro. ¿Es una forma de curar heridas pendientes? ¿Se podrá llegar alguna vez a la fase del perdón?

Fíjate que ellos no hablan de perdón. La primera es Maixabel, que habla de dar una segunda oportunidad. Ella nunca pronunciará: “Te perdono”. Tampoco ellos lo piden de una manera expresa. El punto de partida de Maixabel es dar segundas oportunidades a quienes le han destrozado la vida. Quería conocer: ¿sabían a quién estaban matando? ¿Por qué fue esa persona? Y también quería que supieran lo que le han hecho. Eso no se puede perdonar y tampoco era el objetivo de los encuentros.

¿Y cuál era?

Que hubiera un diálogo que pudiera reparar de alguna manera a la víctima. O que pudiera aportarles algo a ellos en su camino de hacer autocrítica. Es un paso más para responsabilizarse por completo de lo que han hecho. Se sientan delante de la persona a la que han dañado, le dicen que son culpables y que lo que hicieron estuvo mal.

En los encuentros la representación está muy equilibrada, pero dejando siempre claro que lo importante es la víctima. ¿Temía que quedase un retrato demasiado buenista de los asesinos?

Claro. Los encuentros no tratan de que ellos se sientan mejor, ni muchísimo menos. Siempre se hicieron pensando que eso beneficiaría a la víctima, que de alguna manera sería sanador. Lo que ocurre es que cuando haces el ejercicio de escuchar y de ponerte en el lugar del otro, al final se convierte en algo positivo para las dos personas. Se da un diálogo. Pero el objetivo no es ayudarles a ellos.

Uno de los aspectos más aplaudidos de la película es la interpretación de Blanca Portillo y el trato que le da al dolor. ¿Es una decisión cinematográfica o Maixabel es así de verdad?

Maixabel es una persona muy serena, muy diáfana, con una dignidad enorme y que ha hecho un proceso personal que comunica. Es muy desarmante porque no tiene un trazo de odio. Hablas con ella y es muy firme, tiene las ideas muy claras y es muy dura con lo que le han hecho. Eso está ahí. Además está rodeada de amigos y familiares que no entienden lo que hizo y a las que les resultó muy doloroso, que yo creo que es lo que nos pasaría a la mayoría de personas. Por eso es tan serena.

Quería preguntarle por la frase sacada de contexto de Luis Tosar. Él dijo que, de haber nacido en otro sitio y en otras circunstancias, quizá sí o quizá no podría haberse unido a ETA. ¿Entiende que haya sido tan polémica?

La frase es bastante coherente. Nos contaba el productor de la película, que es vasco, que en los años 80 los adolescentes o cualquiera que tuviera ciertas inquietudes ecologistas o mínimamente de izquierdas era absorbido por ETA. La alternativa era un tipo de vida con la que no te identificabas nada, como los Boy Scouts. En la película dice uno de ellos que era “lo natural”. Entraba toda la cuadrilla y ni se lo planteaban. Era un caldo de cultivo y era espantosamente normal. ETA y Batasuna consiguieron que todo se tiñera de independentismo, desde el feminismo al ecologismo.

Las figuras de los dos etarras son bastante distintas en eso que cuenta. Uno se afilió por inercia junto a toda su cuadrilla y el otro por convicción política.

Fuera de Euskadi, ETA queda lejísimos de cualquiera. Lejísimos porque es violencia y porque es criminal. Pero la vida aquí estaba muy contaminada. Me contaban que a las ocho de la tarde era normal ir al bulevar de Donostia a tirar piedras. No hacía falta ni estar muy metido en política, ni que tu familia fuera nacionalista, sino que todo te arrastraba fácilmente ahí. Estaba cerca. Era muy común.

Cualquiera que tuviera cierta sensibilidad de izquierdas era absorbido por ETA. Entraba toda la cuadrilla y ni se lo planteaban. ETA y Batasuna consiguieron teñir todo de independentismo, desde el feminismo al ecologismo

¿Esta película va a ayudar a comprenderlo desde fuera?

Creo que sí. Es que cuando hablas con la gente de aquí notas que las cosas son diferentes. Primero porque es un lugar muy pequeño y todo el mundo convive de una manera muy cercana. Desde fuera no tienes nada que ver con ese mundo. Esa violencia y ese nacionalismo radical no puede ser más lejano a ti. Pero aquí era el bar del pueblo, era la cuadrilla, era la marcha que se hacía por las tardes. De pronto te encontrabas buceando en publicidad de Herri Batasuna sin planteártelo mucho.

De hecho, en la cuadrilla de la hija de Maixabel el asesinato del padre se convierte en un tema tabú. Y es gente joven, en 2014. ¿Es una cuestión que sigue dividiendo a las cuadrillas, a las familias y a los pueblos?

No lo sé, la verdad. No sé si sigue idealizado. Para mí es más sorprendente lo poco que sabe la gente joven. Ayer me entrevistó un chico vasco de 20 años al que le había emocionado mucho la película, pero que casi no sabía nada de ETA. Un chico de aquí. Me parece tremendo que no se sepa qué ocurrió en casi cinco décadas de terror. Los de 20 entiendo que no lo han vivido, ¿pero que no sepan lo que ha pasado? No sé si es que se idealiza o que se ha decidido que ya está, que no se habla más.

¿Tienen algo que ver las instituciones en esto? Maixabel se queja de que nadie fuera de su familia le ha escuchado nunca. ¿Se abandonó a las víctimas cuando dejaron de ser útiles como herramienta política?

Yo creo que sí, claro. Hay que seguir recordando a las víctimas. Y hay que escuchar también, aunque son muy pocas, las voces de los asesinos que deslegitiman la violencia por completo. Si no lo cuentas se puede volver a repetir, ¿no? Se puede idealizar y llegar a verle una épica. Con la película quería dejar clarísimo que la violencia es devastadora y que no es una vía jamás.

¿Y cómo abordó el tema de la responsabilidad individual en el guion para que, como dice la mediadora, no todo se justifique con el ambiente que había en Euskadi?

Pensé que los encuentros iban a tener más peso si sabemos quiénes son los que estaban ahí sentados. El centro de la película es Maixabel. Había que saber de dónde viene ella para llegar a sentarse con estas personas. Para mí no tiene nada que ver con justificar. Es conocer qué viaje han hecho ellos para responsabilizarse. Es verdad que eran soldados. Es verdad que estaban en un grupo que daba órdenes. Pero decidieron acatarlas y esa es su responsabilidad.

Tampoco hay que contarlo de una manera heroica. Es gente que ha hecho una autocrítica muy honda y que ha cambiado de identidad, entre comillas. En lugar de salir como un héroe, han elegido ser traidores entre los suyos y sobre todo ante sí mismos. No se aplaude más ni menos. Es simplemente el camino que han hecho para llegar a sentarse ahí.

Ha elegido la historia de Maixabel, que estuvo afiliada al Partido Comunista y después pasó al Partido Socialista de Euskadi (PSE), que también fueron víctimas del terrorismo. ¿Ha triunfado más el discurso dicotómico de la derecha frente a ETA, y viceversa?

Sí. Los primeros años de ETA van directamente contra las Fuerzas Armadas. Hay crímenes atroces uno detrás de otro. En los 90 empieza lo que ellos llaman la socialización del terror. Empiezan a matar a la sociedad civil y ahí hay políticos de todos los colores, periodistas y empresarios. El PSE es el contexto de esta historia en concreto. Pero lo que tienen los encuentros es que son personales, íntimos y voluntarios. No se sientan a hablar de política ni a teorizar. Se sientan a escucharse: unos a expresar su arrepentimiento y los otros a preguntar cosas que quieren saber y a contarles lo que han sufrido. Pero no hay ideología en esto.

Los encuentros son personales, íntimos y voluntarios. No se sientan a hablar de política ni a teorizar. Se sientan a escucharse, a expresar su arrepentimiento, a preguntar cosas que quieren saber y a contarles lo que han sufrido. No hay ideología en esto

De hecho, en la película se escucha la voz en off de Zapatero y de Rajoy, y los personajes son bastante críticos con los políticos. ¿Se intentó instrumentalizar estos encuentros de alguna forma?

¿Sabes qué pasa? Los encuentros fueron una cosa muy excepcional porque fueron muy pocos. También son muy pocos los miembros de la banda que se desmarcaron. En el momento en que surge la vía Nanclares, en la que una serie de presos se apartan de la lucha armada y reconocen el daño causado, no son más que veintitantos. Había 800 presos de ETA, una veintena de esos van a Nanclares y solo participan 11 en el encuentro. Por eso no es representativo. Fue algo muy aislado.

Pero habría una intención política, aunque no fuese instrumentalizarlos.

Bueno, el Gobierno pretendía con eso abrir una brecha. El colectivo tenía mucha fuerza y era una medida de presión también hacia ETA, que hacían huelgas y reaccionaban. Era una forma de abrir una grieta y por eso lo hicieron. La oferta de Nanclares era participar de las cosas a las que tenían derecho a cambio de hacer pública su disidencia.

En el clima de crispación actual, ¿ha temido alguna vez que se repita un patrón de violencia parecido?

Que las cosas de repente puedan derivar en violencia siempre es un temor, claro. Sobre todo cuando apela a las emociones. Hay discursos que alimentan una respuesta violenta y creo que siempre es peligroso. Para mí lo que cuenta la película es que la violencia es devastadora. Lo ves en la víctima y lo ves en ellos. Y luego hay una sociedad que vive esa violencia y que también se queda traumatizada. El poder que tiene el cine es hacer sentir eso, que no es ideológico: es terrorífico. Deja secuelas en todos.

Desde que debutara en la dirección con Hola, ¿estás sola?, en 1995, la filmografía de Icíar Bollaín (Madrid, 1967) se ha situado entre lo más sobresaliente del cine español de las últimas décadas. Títulos como Flores de otro mundo, Te doy mis ojos, También la lluvia o El olivo han mostrado un compromiso con causas sociales, desde el feminismo al ecologismo, a través de una mirada cinematográfica realista en el fondo y muy cuidada y atractiva en las formas.

Esta directora que antes fue actriz desde que Víctor Erice la eligiera para encarnar a la adolescente de El Sur (1983) se ha aventurado por primera vez en la comedia con La boda de Rosa, estrenada y premiada el pasado verano en el Festival de Málaga y candidata a siete premios Feroz, que organiza la Asociación de Informadores Cinematográficos. Residente en Edimburgo desde hace años, viaja con frecuencia a España, donde ha rodado la mayoría de sus películas.    

¿Por qué contar la historia de La boda de Rosa en clave de comedia agridulce? ¿Lo pedía el tema? La mayoría de sus películas son dramáticas y aquí tiene un cambio de registro.

Sí, queríamos contarlo con humor. Es un tema serio, el de la autoestima, y el de saber poner límites a los demás, pero pensamos que llegaría a más gente si lo contábamos en un tono ligero, no de drama total. Y la idea de la boda con una misma, aparte de ser divertida y excéntrica, se presta al mal entendido, que es la base de la comedia.

A pesar de la pandemia, y cuatro meses después de su estreno con premio incluido en el Festival de Málaga, ha tenido buena acogida de la crítica y de los espectadores. ¿Influye en el éxito ese género de comedia de reír, emocionar y hacer pensar a la vez?

Creo que a pesar de la limitación de aforos y demás, la película ha llegado seguramente en un buen momento. Habla de cosas que nos importan, pero con un tono fresco, luminoso y positivo que pienso que nos hacía falta después del shock y el trauma de esta pandemia.

Está ambientada en la Comunitat Valenciana. ¿Cuál fue el motivo de esa elección, encajaba con la historia? ¿Le gustó la experiencia de rodar El olivo también allí?

Sí, conozco la Comunitat Valenciana desde hace muchos años, desde la infancia, pero en Benicàssim no había estado, lo conocí rodando El olivo. Esa vuelta a las raíces que hace Rosa, al taller de su madre donde probablemente tenga los recuerdos más felices, encajaba muy bien. Supongo que inconscientemente el Mediterráneo también es eso para mí, un lugar feliz de la infancia, de eternos veranos con un par de zapatillas de plástico y poco más. Y luego València y la comunidad en general tienen esa luz, ese ambiente festivo cuando celebran, hay algo muy vital que le iba muy bien a ese tono que le queríamos dar a la película.

Su película tiene toques del cine de Berlanga (comedia, cine coral, bandas de música…). Usted nació un 12 de junio, el mismo día que Berlanga; y él rodó en Benicàssim Novio a la vista (1954). Al margen de esas casualidades, ¿qué influencia ha tenido Berlanga en su generación de cineastas? ¿Qué directores españoles le han dejado huella?

Berlanga es un maestro y un referente siempre. No sabía que había rodado en Benicàssim y, cuando me enteré en el estreno, me encantó la coincidencia. A veces lo mencionábamos rodando, que alguna escena tenía un toque berlanguiano. Que luego algunos críticos y espectadores lo hayan visto así me parece un halago y un honor. Berlanga es un referente yo creo que para todos; ese realismo descarnado y teñido de humor negro y a veces también de ternura por sus personajes es un estilo en sí mismo. Supongo que me han dejado huella los directores con los que he trabajado como Chus Gutiérrez, Felipe Vega, José Luis Borau, Víctor Erice, Manuel Gutiérrez Aragón o Ken Loach. También algunos con los que no he trabajado, como Carlos Saura, que tiene una filmografía impresionante de amplia, con películas muy distintas y muchas muy atrevidas de tema y visualmente.

Sufrir la explotación en el seno de la familia, la reivindicación de la autoestima, el deseo de darle al botón nuclear y cambiar de vida. Los ejes de La boda de Rosa, ¿son elementos que se dan sobre todo en las mujeres? ¿También en los hombres? 

Creo que a todo el mundo le puede ir bien darle al botón nuclear alguna vez en la vida, pero es verdad que ese rol de cuidadora de todos y nada de una misma es muy femenino. Es un rol que se espera de las mujeres en general, y que adoptamos rápidamente sin darnos casi ni cuenta, ni nosotras ni nadie. Es un trabajo muy invisible, que damos por hecho, como si las mujeres lo trajéramos de fábrica. Y no, obviamente los cuidados los podemos hacer todos.

¿Cree que entre los pocos efectos positivos de la pandemia está una mayor solidaridad, una búsqueda de alternativas colectivas frente al individualismo? Rosa elige su camino libremente, pero reconoce que necesita de la familia, el novio, los amigos… De hecho, su película tiene un final feliz.

Rosa necesita que su familia sea testigo de esa boda porque necesita que la ayuden a cumplir sus votos de compromiso con ella misma. Creo que a toda la familia le vendría bien ayudarse entre sí. Me di cuenta de esto cuando estaba montando la escena final, en la playa, después de la boda, cuando bailan. Todos tienen problemas que resolverían mucho mejor si se apoyaran unos en otros… No sé si nos hemos hecho más solidarios en la pandemia. Algunos claramente sí, ha habido muchos ejemplos de ello, pero también de lo contrario. Lo que pienso que nos ha ocurrido a todos es que al parar nos hemos dado cuenta de cosas.

Lo que hace Rosa de manera voluntaria, parar y pensar qué quiere ella realmente, nosotros lo hemos hecho de manera obligada. De pronto hemos interrumpido el ritmo habitual y nos hemos quedado quietos. Seguramente muchos hemos pensado en la vida que llevábamos y hemos valorado cosas muy simples, como la de estar con nosotros mismos y con nuestras familias sin prisas. Estar sin más. Muchos hemos descubierto la cantidad de cosas que haces que realmente no te aportan o interesan y lo poco que dedicamos a lo que nos importa.

Es la tercera vez que dirige a Candela Peña. ¿Es una actriz fetiche para usted? ¿Sigue siendo cierto que hay pocos papeles para actrices de mediana edad, como el caso de Candela Peña?

No soy muy fetichista, la verdad, simplemente Candela es una grandísima actriz que mezcla como nadie drama y comedia, y era ideal para encarnar a Rosa. Creo que las series de televisión están aportando no sólo más trabajo para todos, sino también más variedad de temas y como consecuencia más abanico de papeles para las mujeres. Vemos mujeres en muchos ámbitos profesionales y también de más edad que la habitual. Pero tanto en el cine como en las series creo que aún cuesta alejarse del prototipo de protagonista femenina joven y guapa, aunque venga de adaptaciones literarias en las que el personaje no era especialmente agraciado, como en Gambito de dama o Normal people, por ejemplo.

En medio de la persistente crisis del cine español, usted rueda con cierta regularidad. ¿Se debe al prestigio alcanzado, a éxitos de taquilla? ¿Sigue siendo más complicado dirigir para una mujer que para un hombre hoy en España o hemos avanzado en ese terreno?

Supongo que el hecho de hacer películas que por lo general han ganado dinero ayuda, claro. También el hecho de que se estrenen fuera. Para mí no es más complicado que para cualquier otro director, estamos en la misma lucha de conseguir la financiación con los recursos disponibles, que no son muchos. Para las que empiezan ahora creo que el terreno está menos pedregoso. Hay mucha más conciencia que antes de la importancia de que también haya mujeres contando historias y existen ayudas específicas que impulsan la presencia no solo de directoras, sino también de equipos técnicos femeninos. Eso también supone un gran paso, que cada vez haya más compositoras, directoras de foto, de arte o ingenieras de sonido en los rodajes. Y guionistas y productoras. Pero también es verdad que las crisis nos afectan más. Si los presupuestos para hacer cine se reducen a consecuencia de la pandemia y de la crisis económica que nos viene, repercutirá más en las mujeres, como en el resto de profesiones.

Algunos historiadores y expertos opinan que dentro de pocos años tan solo quedarán las grandes salas para producciones de Hollywood o las pequeñas salas para películas independientes y de otras filmografías. ¿Está de acuerdo con ese pronóstico?

La verdad es que el futuro de las salas es incierto. Quiero pensar que no desaparecerán, pero muchas no van a aguantar tantos meses cerradas o a medio gas. La pandemia no ha hecho más que acentuar esa tendencia a ver el audiovisual en casa. Aunque también me pregunto si las películas de largometraje como formato pervivirán mucho tiempo. Ya era una tendencia en toda Europa antes de la pandemia: en las últimas tres o cuatro décadas los espectadores de salas en versión original, de salas que no son de blockbusters, estaban envejeciendo y no parecía que hubiera mucha gente joven renovando ese público. Ahora, con el boom de las series, me pregunto si se renovará alguna vez. Porque mucha gente joven, que empieza a ver audiovisual ahora, lo que ve son series. Cuando he preguntado a gente de 20 años me dicen que el formato de película les da pereza. Quién sabe, igual dentro de un tiempo vuelve a tener más interés, cuando nos cansemos de tanta temporada en las series…

La revolución de Internet, el cambio de hábitos de consumo cultural y la apuesta de grandes productoras por las series está transformando la forma de ver cine. ¿Pervivirán las salas tal como las conocemos hoy? ¿Ver cine seguirá siendo un acto individual pero colectivo a la vez?

De momento sí, vamos a ver lo que dura. Pero además de cambiar la forma de ver cine, me pregunto, al hilo de la pregunta anterior, si no cambiará también la forma de hacer cine. Hay cosas muy interesantes en algunas series y se asumen más riesgos sobre todo de forma. Mezclar idiomas y subtitular es algo ya habitual en las series más mainstream, de público mayoritario. En cambio, hacer eso en una película ha sido siempre sinónimo de poco comercial. Creo que hay series en las que se mezclan formatos, ficción y documental sin complejos, se mezclan estilos, géneros… Es todo más híbrido. Y es comercial. Sin embargo, lo mismo en una película sería catalogado como de autor y por tanto poco comercial y minoritario. Supongo que en las series se buscan más los nichos, se hacen más a medida de los distintos grupos de espectadores y se alcanza de golpe a muchísima más gente. En el cine el que arriesga visualmente o temáticamente sabe que será minoritario.

Da la impresión de que las series arriesgan menos en el tipo de historias que cuentan.

Así es, en aquello que las series arriesgan menos es en las temáticas. Más allá del entretenimiento, a veces muy bueno, no parece haber mucho. Eso tiene que ver con quién decide lo que se hace y para qué: no hay un Ken Loach o un Oliver Stone o un Martin Scorsese de cada país decidiendo qué cuentan. Lo que se impone es un pequeño grupo de ejecutivos de unas pocas grandes corporaciones decidiendo los cientos de miles de producciones audiovisuales que vemos.

¿Le atrae dirigir una serie? ¿Y volver a trabajar como actriz después de una década dedicada a la dirección?

Sí, me atrae mucho. Si todo sale bien, estaré haciendo una serie el año que viene. Volver a trabajar como actriz siempre es una posibilidad, pero últimamente estoy rodando más seguido y ya no me da la vida para más.

Aunque quizá no le guste la definición se habla de su filmografía como cine social. ¿Qué compromiso con la sociedad debe asumir un cineasta? ¿Influye hoy el cine en la formación de la opinión pública o ha perdido parte de su función en beneficio de las redes sociales, por ejemplo?

Cine social es una etiqueta poco atractiva… Me gusta hablar de lo que veo, a veces de lo que pasa a mi alrededor y de lo que creo que le va a interesar a más gente. Me gusta ver eso también en el cine de los demás, pero no creo que nadie tenga que estar obligado a hacer un cine en contacto con la realidad. Además del entretenimiento, que está muy bien, es cierto que hay muchas películas que tienen una función. Nuestro cine muchas veces se usa para reflexionar sobre un tema en los colegios e institutos, como para el mismo aprendizaje de la lengua, de nuestra cultura, de nuestra historia, o de nuestra sociedad en otros países. Algunas de mis películas, como También la lluvia o Te doy mis ojos, están en el currículo de selectividad, no solo en España, sino en Alemania o en el Reino Unido… Eso me impresiona. Creo que las películas siguen siendo un elemento más para conocer una sociedad, igual que las redes sociales. El cine hace un retrato más elaborado, mientras que las redes tienen algo inmediato. Pero todo nos retrata.